text:
Sonatine is de laatste film in Takeshi Kitano's trilogie over de yakuza. De eerste twee films zijn Gewelddadige agent en Boiling Point. Sonatine is in zekere zin een combinatie van deze twee films, en het is de beste van deze uitmuntende trilogie, en Sonatine staat ook aan de top in Kitano's filmografie met Hana-Bi. Sonatine vertelt het verhaal van de middelbare yakuza-baas Murakawa (gespeeld door Kitano) en zijn bende die naar Okinawa gaat om een paar yakuza-oorlogen te beslechten en de vrede te herstellen in de criminele onderwereld van Japan. Ze worden daar echter vele malen aangevallen en ze worden gedwongen naar een prachtig strand te gaan en daar een paar dagen te blijven om te wachten op orders uit Tokio, van de hogere yakuza-autoriteiten. Wat volgt zijn alle unieke elementen van zowel _Gewelddadige agent_ als _Boiling Point_, en een adembenemend en adembenemend mooi kunstwerk.
Alle elementen uit Kitano zijn zo mooi mogelijk aanwezig. De scènes zijn vaak zonder al te veel dialoog, en de film is heel symbolisch en kalm. De gezichten behoren tot de belangrijkste elementen in Kitano's films, omdat er zoveel te lezen valt uit de gezichten van de personages. Kitano heeft dit zeer persoonlijke element gecreëerd en het is altijd aanwezig in zijn films. De ambiance van de van nature mooie en onbedorven kust is met de camera zo briljant vastgelegd als we van Kitano kunnen verwachten. Deze film is een resultaat dat geboren zou zijn als Kitano een script had waarin maar één woord voorkwam: Beauty. Een soortgelijke mooie film is zijn Hana-Bi en Bolletje heeft ook deze elementen.
De elementen van schoonheid zijn bloemen, voetzoekers en kleuren in het algemeen. De scènes op het strand waar de gangsters spelen en plezier maken zijn zo levendig en zo optimistisch dat je gemakkelijk de neiging krijgt om tijdens die scènes in huilen uit te barsten, en ik moet zeggen dat de genoemde Hana-Bi, vertaald in het Engels als Vuurwerk, minstens zo'n krachtige ervaring is. Het thema van Sonatine is dat die wrede en gewelddadige mensen terugkeren naar de tijd dat ze nog onschuldig waren en vrij van alle slechtheid van de wereld. Ze spelen zo emotioneel en toegewijd dat het duidelijk is dat ze weten dat er een betere plek is dan deze wereld. Het meisje dat wordt verkracht is misschien de enige in de film die niemand kwaad zou doen en ze is hier als een engel. Ze weet en heeft veel geleerd over het leven aan het eind, en let goed op de film en de aftiteling, want na de aftiteling komen er nog meer beelden. De muziek in Sonatine is buitengewoon mooi en droevig, en behoort tot de mooiste muziek die ik ooit heb gehoord. De componist is dezelfde als in Brother en Hana-Bi, en het werk is ook in die recentere films even meesterlijk. Het geweld in Sonatine is even plotseling en onherroepelijk als in andere Kitano-films, en zijn films laten de werkelijke gevolgen en het gezicht van het geweld zien als een communicatiemiddel voor zwakke zielen. Kitano's films zijn voor veel mensen veel te moeilijk om te begrijpen, dus het heeft geen zin om te proberen zijn films aan het grote publiek te laten zien, en aan mensen die in films alleen zien (als ze al zien!) wat uitgelegd en gezegd wordt. Als iemand zonder argumenten of begrip voor deze kunstvorm zegt dat een Kitano-film slecht, stom, onnodig en buitensporig gewelddadig, onverklaard of iets anders van de gebruikelijke uitspraken is, heeft het geen zin die 'opvattingen' serieus te nemen of ze als opmerkelijk te beschouwen omdat mensen die dat zeggen precies dingen zien die er NIET zijn.
Sonatine is een van Kitano's meest meesterlijke films en is een van de redenen waarom Japanse (en Oriënt-) cinema zo uniek is. Sonatine krijgt van mij een tien en maakt Takeshi Kitano tot een van de meest gevoelige, symbolische, stijlvolle en opmerkelijke filmmakers van onze tijd, en zijn films zullen voortleven als belangrijke stukken uit de geschiedenis van de Japanse en wereldcinema.

text_en:
Sonatine is the last film in Takeshi Kitano's yakuza related trilogy. The first two films are Violent Cop and Boiling Point. Sonatine is, in a way, a combination of these two films, and it is the greatest in this outstanding trilogy, and Sonatine ranks also to the top in Kitano's filmography with Hana-Bi. Sonatine tells the story of middle aged yakuza boss Murakawa (played by Kitano) and his gang's trip to Okinawa to settle some yakuza wars and return the peace to the criminal underworld of Japan. However, they are assaulted many times there and they are forced to go to beautiful beach location and spend some days there and wait for orders from Tokyo, from the higher yakuza authorities. What follows is all the unique elements from both Violent Cop and Boiling Point and totally stunning and breath takingly beautiful piece of art.

There are all the Kitano elements as beautifully present as possible. The scenes are often without too much dialogue, and the film is very symbolical and calm. The faces are among the most important elements in Kitano's films, as there are so many things to be read from characters' faces. Kitano has created this very personal element and it is always there in his films. The setting at the naturally beautiful and uncorrupted seaside has been captured with the camera as brilliantly as we can expect from Kitano; this film is a result that would be born if Kitano had script in which read only one word: Beauty. Similarly beautiful film is his Hana-Bi and Boiling Point has also these elements.

The elements of beauty among others are flowers, firecrackers and colors in general. The scenes at the beach as the gangsters play and have fun are so full of life and certain positivism, it is easy to feel a need for crying during those scenes, and I must say that at least equally powerful experience is the mentioned Hana-Bi, translated to Fireworks in English. The theme of Sonatine is that those brutal and violent humans return to the time when they were still innocent and free of all the wickedness of the world. They play so emotionally and devotedly that it is clear they know there is a better place to be than this world. The girl that is raped is perhaps only person in the film who would not hurt anyone and is like angel here. She knows and has learnt many things about life by the end scene, and make sure you watch the film thoroughly and the end credits, too, as there is more imagery after the credits.

The music in Sonatine is outstandingly beautiful and sad, and is among the greatest musical experiences I've had the pleasure of hearing. The composer is the same as in Brother and Hana-Bi, and the work is as masterful in those more recent films, too. Violence in Sonatine is as sudden and irrevocable as in other Kitano films, and his films really show the real results and face of violence as a weak souls' tool of communicating. If someone considers Kitano's films gratuitously violent, they miss the whole point of the films; these film analyze and tell more about violence than most Hollywood films have ever done, but to admit this, one has to be able to interpret movies and really understand the abilities and power of Cinema. Kitano's films are far too difficult for many to understand, so it is no use trying to show his films to mainstream audience and people who see (if see!) in films only what is explained and said with easy means. If someone says without arguments or understanding to this art form some Kitano film is bad, stupid, gratuitously and excessively violent, unexplained or something else of the usual statements, it is no use taking those "opinions" seriously or consider them noteworthy because people who say so see exactly things that are NOT there.

Sonatine is one of Kitano's most masterful pieces of cinema, and is among the reasons why Japanese (and Orient) cinema is so unique. Sonatine gets 10 out of 10 rating from me, and makes Takeshi Kitano one of the most sensitive, symbolic, stylish in every sense and remarkable film makers of our time, and his films will live as important pieces of history of Japanese and world cinema.


text: Ik denk dat de mensen die deze film bekritiseren dat doen omdat ze getraind zijn om films te bekijken zoals Hollywood ze maakt. Zo ver van Hollywood is een gangsterfilm niet te krijgen. De rustige (of, zoals sommigen zouden zeggen, saaie) momenten zijn er omdat de personages in een realistische wereld leven waar ze soms niets anders kunnen doen dan zitten en nadenken. Sonatine is niet volmaakt, maar het kan zeker gewaardeerd worden als de kijker er onbevooroordeeld naar kijkt. Bovendien is de sumoscène heel leuk en mooi.

text_en: I think the people who criticize this film do so because they've been trained to watch movies the way Hollywood makes them. This is as far from Hollywood as a gangster film can get. The quiet (or as some might say, boring) moments are there because the characters exist in a realistic world where sometimes they can do nothing but sit and think. Sonatine isn't perfect, but it can certainly be appreciated if the viewer will approach it with an open mind. Also, the sumo scene is very fun and beautiful.


text: Dit is precies wat ik zou doen als het territorium van mijn bende bedreigd werd door samenzweringen en rivaliteit in de criminele onderwereld <0xE2><0x80><0x93> me op een mooi strand verstoppen en fantastisch uitziend vuurwerk afsteken en sumo-spelletjes spelen met mijn maten en een toevallig passerende vrouw, luisteren naar gekke oude mannen die met ongelooflijke stemmen zingen, uitkijken naar moordenaars in viskleren en mezelf in het algemeen voorbereiden op een massale confrontatie. Beat Takeshi is een genie met dit soort dingen, hij maakt van zijn gangster een echte man in 3D, gehard door een hard leven maar nog steeds vol onzekerheid en behoeften, en wie ter wereld had zijn uitgestreken maar humoristische gezicht kunnen overtreffen, vooral in die sombere laatste scènes. Maar wat zonde van zijn afgrijselijke tv-'komedie'.

text_en: This is exactly what I'd do if my gang's territory was being threatened by conspiracy and rivalry in the criminal underworld - hide out on a nice beach playing fantastic-looking firework and sumo games with me mates and some random passing woman, listening to crazy old men singing in incredible voices, watching out for assassins in fishing gear and generally building myself up for a massive showdown. Beat Takeshi is a genius with this kind of stuff, he makes his gangster a real man in full 3D, hardened by a hard life but still full of uncertainty and needs, and who in the world could have outdone his deadpan but humourous face, especially in those bleak final scenes. Shame about his appalling TV "comedy" though.


text: Ik weet niet precies wat ik van deze film moet denken; ik vermoed dat ik hem minstens één keer moet zien, en waarschijnlijk nog een paar keer, voordat ik hem goed in mijn hoofd heb zitten. Maar mijn onvermogen om te begrijpen waar 'Sonatine' over gaat, lijkt me geen tekortkoming. De film is veel ingewikkelder dan de gebruikelijke gangsterfilms.<br />Hij begint met zeer ongeïnteresseerd en niet-verheerlijkt geweld. Mensen slaan elkaar en vermoorden elkaar, en het verschilt niet veel van toast die uit het broodrooster schiet. Het gaat snel, er wordt redelijk veel bloed vergoten, en dan is het zover. Kitano lijkt er niet in geïnteresseerd ons te behagen met het gevaar, de groteskheid of de opwinding van geweld <0xE2><0x80><0x93> er is hier een andere, niet duidelijk omschreven agenda aan het werk. Op ongeveer een derde van de film maakt hij een plotselinge overgang van dit gangsterleven naar een periode van gedwongen nietsdoen. Ik vermoed dat dit gedeelte, dat verrukkelijk speels is, de kern van deze film vormt.

text_en:
I'm not entirely sure what to make of this film--I suspect I need to view it at least once, and probably several more times before I can get a good hold on it. However, my inability to fully comprehend what "Sonatine" is about doesn't strike me as a flaw. Rather, the film is much more complicated than the usual gangster film.

It begins with very unsentimentalized and nonglorified violence. People hit and kill each other and it isn't much different than toast popping out of the toaster. It is fast, moderately bloody, and there. Kitano doesn't seem to be interested in thrilling us with either the danger, grotesqueness, or thrill of violence--another, not clearly defined agenda is at work here.

At perhaps a third of the way into the film, it makes a sudden transition from this gangster life to a period of forced inactivity. I suspect this section, which is delightfully playful, is at the heart of this film.


text:
Nu ik eindelijk Sonatine heb meegemaakt, kan ik niet genoeg zeggen voor deze aangrijpende en ontroerende film. Beat Takeshi mag dan de dood onder ogen zien met diezelfde onsamenhangende blik op zijn gezicht, maar het is het nietsdoen, de tijd tussen de moorden, dat de doorslag geeft. Zelfs bij een vuurgevecht beweegt niemand zich, probeert niemand weg te duiken, het is alsof iedereen zich gewoon aan zijn lot geketend voelt. Dit schokt de Aziatische bioscoopliefhebbers die gewend zijn aan zijsprongen, dubbelloopsgymnastiek en verbazingwekkende opvoeringen.
Ik vind het prachtig dat de enige emoties die Murakawa uitdrukt humor en nihilistische apathie zijn. De'sumoscène' is zo verrukkelijk misplaatst, terwijl het einde je mond gewoon open laat staan. De warmte die de personages uitstralen, maakt het alleen maar pijnlijker als ze op zo'n meelijwekkende, onopvallende manier aan hun eind komen. Ik ben geen deskundige op het gebied van de Japanse samenleving, maar ik zie deze film als een commentaar op de leegte van een van angst vervulde cultuur van terughoudendheid, waar het belangrijker is om terughoudendheid en respect te tonen dan om door te gaan met leven.
Ik zal nog steeds genieten van die goeie ouwe HK-komedies, maar ik zal ze nooit meer helemaal hetzelfde zien.

text_en:
Having finally experience Sonatine, I can't say enough for this poignant and moving film. Beat Takeshi may face death with that same disconnected look on his face, but it is the inaction, the time between the killings, that carry all the meaning. Even when in gunbattles, nobody moves, nobody tries to dodge, it is as if everyone simply feels chained to their fate. This is jarring to Asian cinema lovers used to side-jumping, dual-gun gymnastics and amazing set pieces.

I love how the only emotions Murakawa expresses are humor and nihilist apathy. The "sumo scene" is so delightfully out-of-place, while the ending simply leaves your mouth open. The warmth the characters show just makes it more hurtful when they meet such pathetic, low-key ends. I'm not an expert on Japanese society, but I see this film as a comment on the emptiness of a fear-filled culture of reservation, where it is more important to show restraint and respect than it is to continue living.

I'll still enjoy good ol' HK pistol operas, but I'll never see them quite the same again.


text:
Deze film is een van de films die ik altijd het leukst vind om's avonds naar te kijken. De filmografie is prachtig en maakt volop gebruik van de prachtige stranden van Okinawa, en de opnamen zijn meestal van een gezicht of een auto die in de verte wegrijdt, wat een soort hypnotiserend effect op de kijker heeft. De filmmuziek is prachtig gecomponeerd door Joe Hisaishi, die je ook de muziek voor Spirited Away heeft gegeven. Persoonlijk denk ik dat de film niet half zo goed zou zijn als de muziek er niet was geweest.
Wat de plot betreft, is het vrij simpel. Een groep yakuza's wordt naar Okinawa gestuurd om vrede te sluiten met een rivaliserende clan. De dingen gaan vreselijk mis en ze schuilen in een ongebruikte strandhut. Ik denk dat de film vooral draait om wat mannen doen om het beste te maken van een beroerde situatie. Er zit een onderliggend thema van hulpeloosheid en pessimisme in... Misschien zelfverwerkelijking. Hoewel de hoofdpersonen nooit een gevoel uitdrukken, krijg je door Kitano's ontspannen acteerstijl een perfect beeld van hun gemoedstoestand. Hij doet me denken aan een oosterse mengeling van DeNiro en Keitel.
Al met al een klassieke film die in fluisteringen spreekt.

Andy Kitano.

text_en:
This film is one of my all time favourites for chilling out to at night. The cinematography is beautiful, making full use of the lovely beaches of Okinawa, and the shots tend to linger on a face or a car driving off into the distance, which creates a sort of hypnotic effect on the viewer. The score is beautifully composed by Joe Hisaishi, who also gave you the music for Spirited Away. Personally, I think that the film wouldn't be half as good if it wasn't for the music.

Plot wise, it's quite basic. A group of Yakuza are assigned to Okinawa to make peace with a rival clan. Things go horribly wrong and they take shelter in a disused beach hut. I think the main subject the film deals with is what guys do to make the most of a bad situation. There is an underlying theme of helplessness and pessimism......Maybe self realisation. Although there is never any feeling shown by the main character, you get a perfect picture of the characters state through Kitano's relaxed acting style. He reminds me of an oriental mix of DeNiro and Keitel.

All in all, a classic film that speaks in whispers.

Andy


text: Net als in de meeste films van Beat Takeshi moet je het echt zien om zijn films echt te kunnen waarderen. Zijn stijl is bijna zenachtig in de lange shots van mensen en landschappen. Je moet heel goed opletten bij alles wat hij je voorschotelt, anders'snap je het gewoon niet'. De mensen hier in Amerika zijn eraan gewend dat hun informatie met lepels wordt opgediend en dat is niet anders in Amerikaanse films. Ze moeten te horen krijgen of een personage boos, verdrietig, moe is enzovoort... en films als Sonatine zeggen tegen je: 'Hé, je staat er alleen voor, gebruik je hersens eens een keer.' In de meeste Aziatische culturen hebben mannen de neiging hun emoties niet verbaal uit te drukken, maar ze zijn wel zichtbaar in hun ogen en hun lichaamstaal, en daarom hebben westerlingen zo'n moeite om onze cultuur te begrijpen. Ik ben Chinees, geboren en getogen in de Verenigde Staten, en ik vond deze film een prachtig complex en prachtig shot.

text_en: Like most of Beat Takeshi's movies, you have to really observe it, rather than watch it, to really appreciate his movies. His style is almost Zen-like in its lingering shots of people and scenery. You have to be very attentive to everything he presents to you, or you are just not going to "get it." People here in the US are used to being spoon fed their information and it's no different in US-made movies. They need to be told if the character is angry, sad, tired, etc... and movies like Sonatine tells you "hey, you're on your own, use your brain for once." In most Asian cultures, males tend not to verbally express their emotions, but they will show in their eyes and body language, which is why Westerners have such a hard time understanding our culture. I'm Chinese, born and raised in the US, and I found this movie to be a wonderfully complex and beautifully shot.


text:
Ik heb zijn latere films gezien en bewonderd, waaronder Hana Bi en Dolls, maar ik wist niet goed wat ik moest verwachten toen ik de dvd-versie hiervan kreeg. Zoals je van Takeshi Kitano kunt verwachten, is het zowel fascinerend als om gek van te worden, altijd balancerend op het slappe koord met genialiteit aan de ene kant en hopeloze pretentie aan de andere.
Het is zo moeilijk om door te dringen in een film als deze <0xE2><0x80><0x93> hij is traag, maar zorgvuldig ingestudeerd, met een eigenaardig montagepatroon. Scènes worden een paar seconden langer aangehouden dan de meeste regisseurs zouden doen, zodat de personages wezenloos naar de nasleep van een actie staren. Gebeurtenissen voltrekken zich zonder enige waarschuwing of duidelijke reden. Characters zijn meestal blanco <0xE2><0x80><0x93> het zijn omhulsels van mensen, of gewoon lege psychopaten, dat is moeilijk te zeggen. De climax wordt zijdelings getoond, van een afstand, we kunnen alleen afleiden wat er later gebeurt.
Dus, om het zacht uit te drukken, dit is niet de gemiddelde gangsterfilm. In sommige opzichten heeft hij onder het verstrijken van de tijd geleden <0xE2><0x80><0x93> we worden nu verwend met zulke complexe beschrijvingen van gangsters als in de Soprano's, we vinden het moeilijk om Kitano's bijna nobele beschrijving te accepteren van wat in werkelijkheid brute, egoïstische psychopaten zijn. Misschien is het Japanse concept van mensen die worden meegesleurd door de getijden van het leven, in plaats van acteurs in onze eigen lotsbestemming, het echte thema van deze en zijn andere films. Maar is dat het excuus voor het feit dat de held een gevoelloze moordenaar is? We voelen mee met zijn steeds verder verrotte ziel, in plaats van mee te voelen met zijn slachtoffers.
Of je nu van hem houdt of hem haat, Kitano is een van de interessantste filmmakers ter wereld, en Sonatine is een van zijn beste <0xE2><0x80><0x93> verwacht alleen niet dat je je aan het eind van de film verbaasd achter je oren zult krabben.

text_en:
I've seen and admired his later movies, including Hana Bi and Dolls, but i wasn't quite sure what to expect when i got the DVD version of this. As you expect with Takeshi Kitano, its both mesmerizing and infuriating, always teetering on a tightrope with brilliance on one side and hopeless pretentiousness on the other.

Its so difficult to penetrate a movie like this - it is slow, but carefully paced, with a peculiar editing pattern. Scenes are held for a few seconds more than most directors would hold, catching characters staring blankly at the aftermath of an action. Events occur with little or no warning or apparent reason. Characters are mostly blanks - either husks of men, or just empty psychopaths, its hard to say. The climax is shown obliquely, from a distance, we can only infer what is happening later.

So, to put it mildly, this is not your average gangster movie. In some ways, it has suffered with the passage of time - we are now spoiled with such complex portrayals of gangsters such as in the Sopranos, we find it hard to accept Kitano's almost noble portrayal of what are in reality brutal, selfish sociopaths. Perhaps its the Japanese concept of people being pulled along by the tides of life, rather than actors in our own destinies that is the real theme of this and his other movies. But is this the excuse for the hero being a callous killer? We find ourselves sympathizing with his increasingly rotten soul, rather than empathizing with his victims.

Love him or hate him, Kitano is one of the most interesting film makers in the world today, and Sonatine is one of his best - just expect to be scratching your head in puzzlement at the end.


text:
Een leider van een yakuza-maffia, Beat Takeshi, krijgt van de hoofdbaas van zijn clan te horen dat hij naar Okinawa moet gaan om een oorlog tussen twee facties te beslechten. Takeshi raakt van streek als hij en zijn mannen merken dat de situatie niet zo verschrikkelijk is als hij en zijn mannen dachten, en dat de twee zogenaamd strijdende facties nauwelijks lijken te vechten. Takeshi en zijn mannen krijgen het gevoel dat ze in de val zijn gelokt, en dat leidt tot hun excommunicatie door hun clan in Tokio.
Als de Anan-clan zijn greep op de andere clan, die door Takeshi wordt gesteund, verstevigt, vluchten ze naar een strand waar ze een tijdje veilig zijn. Het is slechts een kwestie van tijd voordat het pad van geweld en dood zal escaleren.
Ik denk dat de kracht van de film vooral ligt in de scènes op het strand midden in de film, waarin we kijken naar mensen die zich laten gaan en zich vermaken terwijl ze wachten op bericht van hun bazen in Tokio en Okinawa. We zien hoe ze kuilen voor elkaar graven, met flesraketten op elkaar schieten, een nepspel Russische roulette spelen en met hun wapens op frisbees schieten. Ze zijn in staat om, voor deze korte tijd, te ontsnappen aan het bloedvergieten en de angst om ondergedompeld te worden in de yakuza-cultuur. Hier kan Takeshi Kitano het bewijs leveren dat hij een groot filmmaker is met een kunstenaar.' Kitano's film laat zien dat deze leden van een gewelddadige organisatie menselijk zijn. Een constante in Kitano's films zijn de absurde humoristische wendingen die zijn personages uniek maken. We zien de explosies van geweld, gevolgd door de vrij close-ups van kalme gezichten die zich bezighouden met wat er zojuist is gebeurd. We begrijpen dat de yakuza's altijd aan de dood denken en dat de groep van Takeshi altijd verwacht dat er iets zal gebeuren. Het strand biedt hun in elk geval tijdelijke troost voor wat er binnenkort zal gebeuren. Hun gewelddadige levenspaden zullen hen roepen. Je kunt gewoon niet ontsnappen aan wie je bent, hoe ver je ook weg bent of waar je ook heen gaat. Je schaduw volgt je. Het interessante element in de film is ook de verliefdheid van Takeshi en hoe deze flirt met een mogelijk normaal leven eenvoudigweg een flirt is. Het einde toont de laatste confrontatie tussen Takeshi en de yakuza-clan die hem verraadt omdat het terrein waar hij patrouilleerde en waar hij rondrende het meest winstgevend was. Volgens de laatste verklaring van Takeshi wil zijn yakuza-baas alleen maar dat er een eind komt aan de waanzin en dat hij dat alleen zal moeten doen in een auto op een kaal, breed stuk weg, ver weg van de steden die het geweld dat hij zo lang heeft vertegenwoordigd bevolken.

text_en:
A yakuza mob leader, Beat Takeshi, is told by his clan's head boss to go to Okinawa to straighten out a war between two factions. Something leaves Takeshi disturbed when he and his men notice that the situation isn't as terrible as they were led to believe and that the two supposedly warring factions appear to be barely fighting at all. A feeling of being set-up comes over Takeshi and his men leading to their excommunication from their clan in Tokyo.

As the Anan clan increases it's grip on the other clan supported by Takeshi, they flee to a beach where they remain safe for a while. But, despite their having fun while wasting away the hours, it's only a matter of time before the path of violence and death will escalate.

I think the film's main strength is the beach sequences in the middle of the film as we watch human beings letting loose and enjoying themselves as they wait for word from their bosses in Tokyo and Okinawa. We see them setting up pothole traps for each other, shooting bottle-rockets at each other, playing a fake game of Russian Roulette, and shooting their guns at Frisbees. They are able, for this short amount of time, to escape the blood-shed and fear of being immersed in yakuza culture. Here is where Takeshi Kitano can provide proof that he is a great filmmaker with an artist's touch showing that these members of a violent organization are human. A constant in Kitano's films is the absurd humorous flourishes which makes his characters unique. We see the explosions of violence followed by the quite close-ups of calm faces dealing with what just happened. We can understand that dying is always on the minds of the yakuza and Takeshi's group are always expecting something to happen. The beach at least provides them temporary solace from what will soon occur..their violent paths in life will come calling for them. You just can not escape who you are no matter how far away you go or the location of where you go..your shadow follows you.

Interesting element in the film also is the love interest provided to Takeshi and how this flirtation with a possible normal life is simply that..a flirtation. The ending shows the final confrontation between Takeshi and the yakuza clan who betrays him because the turf he patrolled and ran was the most profitable. The final statement from Takeshi, I believe, states his yakuza boss just wishes for the madness to end and that it will have to be done alone in a car on some barren, wide stretch of road away from the cities that occupy the violence he has represented for so long.


text:
Ik heb onlangs Sonatine gekocht, gebundeld met 'The Bind Swordsman: Zatoichi', en ik ben er net aan toegekomen om beide films te bekijken. Ik ben een grote fan van de Japanse cinema geworden, maar dit zijn de eerste Kitano-films die ik met plezier heb gezien. Ik moet toegeven dat ik verslaafd ben.
Ik kan me niet herinneren wanneer ik voor het laatst in shock ben teruggedeinsd voor een bloederige schietpartij en heb gelachen tot ik 15 minuten later huilde. De scène op het strand met de jongens in de sumo-ring die rondspringen als de papieren poppetjes in de eerste scène is hysterisch.
Ik denk dat ik er een paar dagen over doe en dan nog eens kijk, want er zijn een heleboel details die ik de eerste keer over het hoofd heb gezien. Absoluut een film die je aan het denken zet.

text_en:
I recently purchased Sonatine boxed with "The Bind Swordsman: Zatoichi" and just got around to viewing both. I've become a big fan of the Japanese cinema but these are the first Kitano films I've had the pleasure of viewing. I have to admit I'm hooked.

I can't remember the last time I recoiled in shock from a bloody shoot-out and laughed until I cried 15 minutes later. The scene on the beach with the guys in the sumo ring bouncing around like the paper cutouts in the earlier scene is hysterical.

I think I'll give it a couple days and watch it again because there are lots of details I missed the first time around. Definitely a thought-provoking movie.


text:
Ik had het geluk Kitano's beroemde stijl te ontdekken bij de vertoning van Sonatine en Hana-bi in een kleine bioscoop in Parijs. Nou, ik moet zeggen dat beide films me ervan overtuigden dat Kitano een van de grootste tegenwoordige filmregisseurs is.
Sonatine is in verschillende opzichten uitzonderlijk. Door het minimalisme, ofwel de schaarste aan dialogen, de opmerkelijke ellipsen, of het nietszeggende gezicht van de hoofdpersoon, verandert de film in een bijna zuiver cinematografische film, in plaats van een theaterfilm die is aangepast voor het witte doek. De fotografie en de camerabewegingen kunnen in het begin wat verontrustend aanvoelen, maar dat komt alleen doordat ze ongebruikelijk zijn. In feite dienen ze uitstekend voor de film, en de strandscènes zijn schitterend. De muziek is ook zo'n hoogtepunt van de film. Die is origineel en past perfect bij de sfeer van de film.
Nu wat de plot betreft: ik wou dat er meer films waren met zo'n gevoel voor menselijkheid. Het onderwerp geweld en geweldsdelicten is niet nieuw, maar hier wordt het op een heel aantrekkelijke manier behandeld. Kitano slaagde erin elk personage voldoende te ontwikkelen om ze allemaal interessant te maken <0xE2><0x80><0x93> en de acteurs dienen dat doel vrij goed. De plot laat zien hoe menselijk we allemaal zijn, wat we ook doen of hebben gedaan, en zelfs wanneer we de laatste tijd de waarde van het leven ontdekken. Dit is een voorbeeldige verklaring, ver verwijderd van de hoge kaskrakersnormen van de film. Daarna werd het onderwerp van de verlossing opnieuw behandeld in Hana-bi, die het tot een nog grotere film wist te brengen. Dit is waarschijnlijk de enige reden waarom ik Sonatine geen tien met een griffel geef.

text_en:
I was lucky to discover Kitano's famous style in the release of Sonatine and Hana-bi in a small movie theater in Paris. Well, I must say both movies convinced me Kitano is one of the greatest current movie directors.

Sonatine is outstanding in various aspects. Its minimalism, either by the dialog scarcity, the remarkable ellipses, or the protagonist's blank face, convert the movie into a nearly pure cinematographic work, rather than a theater work adapted for the screen. The photography and camera motions can feel somewhat disturbing at the beginning, but this is only because they are unusual. Actually, they serve very well the movie, and the beach scenes are gorgeous. The music is another great score of the movie, it is original and perfectly fits the movie atmosphere when it is cast.

Now, about the plot: I wish there were more movies with such a sense of humanity. The violence-calls-violence topic is not new, but here it is treated a very appealing way. Kitano managed to develop each character enough to make all of them interesting -- and the actors serve this purpose pretty well. The plot shows how human we are all, whatever we do or have done and even when we lately discover the whole value of life. This is an exemplary statement, far far away from high box-office movie standards.

The redemption topic was then told again in Hana-bi, which managed to be an even greater movie. This is possibly the only reason I don't rate Sonatine a 10/10.


text:
Anderen hebben opgemerkt dat het hoofdpersonage in deze briljante film een uitgebrand omhulsel van een man is. Hoewel dit vanuit één gezichtspunt zeker waar is, zou ik de nadruk willen leggen op een ander perspectief.
Murakawa, de gangster, is al een van de 'dankbare doden'. Hij heeft in zijn leven zoveel meegemaakt dat hij inderdaad 'uitgebrand' is, maar er zit ook een zekere logica in deze term. De wisselvalligheden van het leven hebben hem geworteld in een zenachtige sereniteit die alle zorgen over leven en dood te boven gaat. Het leven kan hem alleen maar uit zijn tent lokken om een milde geamuseerdheid uit te drukken. Tijdens een schietpartij staat hij rustig te schieten, zich niet bewust van de kogels die om hem heen vliegen. Het is deze goddelijke afstandelijkheid die het ware'spel' veroorzaakt. Zijn persoonlijkheid, of beter gezegd zijn personage, staat boven het fenomenale. Hij kan doen alsof hij een gangster is, maar het is alsof hij met een goddelijk, afstandelijk genoegen naar het gewelddadige spel kijkt waarin hij een rol speelt. Het lijkt veel op het personage dat Takeshi Kitano speelt in _Zatoichi, the Blind Swordsman_. De film is een samensmelting van gangsterpraktijken en boeddhistische gevoeligheid <0xE2><0x80><0x93> een heel oosterse gangsterfilm.
De film is een meesterwerk, van de sereniteit van het prachtige Okinawaanse landschap tot de perfectie van de muziek. Hij doet me denken aan de beroemde grafsteen van Yeats: 'Sla een kil oog op het leven, op de dood...' Maar ik zou het willen herzien en zeggen: 'Kijk geamuseerd naar het leven, naar de dood...' De angstaanjagende hindoegodin Kali, met haar gordel van schedels, houdt een hand op in een gebaar van 'vrees niet'. Zo is het met de rust in het centrum van deze gewelddadige film.

text_en:
Others have commented that the main character in this brilliant film is a burnt-out husk of a man. Although this is certainly true from one viewpoint, I would like to emphasize an alternative perspective.

Murakawa, the gangster, is already one of the "grateful dead." He has been through so much in his life that he is indeed "burnt out," but there is also a good sense to this term. Life's vicissitudes have grounded him in a zen-like serenity beyond concerns about life and death. Life can only draw him out enough to express mild amusement. During a shootout, he stands calmly blazing away, oblivious to the bullets flying around him. It is this divine detachment that makes true "play" possible, as we witness in the playful beach scenes. His personality, or more accurately, his character, is standing on something beyond the phenomenal. He is able to go through the motions of being a gangster, but it is as if he is watching the violent play in which he is involved with a godlike detached amusement. This is much like the character Takeshi Kitano plays in "Zatoichi, the Blind Swordsman." The movie is a fusion of gangland action and Buddhist sensibility--a very Oriental gangster flick.

The film is a masterpiece--from the serenity of the beautiful Okinawan landscape to the perfection of the musical score. It reminds me of Yeats' famous tombstone: "Cast a cold eye on life, on death . . . ," but I would revise it to say "Cast an amused eye on life, on death . . . ." The fearsome Hindu death goddess Kali, with her girdle of skulls, has one palm raised in a gesture of "fear not." So it is with the calm at the center of this violent film.


text: Dit is een verbluffende film. Hij is minimalistisch, vermijdt elke vorm van romantiek om de scherpte van het geweld te halen en stuwt en trekt je op verschillende manieren tegelijk. Je wilt je identificeren met de hoofdpersoon en zijn trawanten, en die kunnen vaak amusant menselijk zijn, maar ze zijn ook zo emotieloos en koelbloedig, zelfs tegenover hun eigen mensen, dat je er koude rillingen van krijgt. Je hebt altijd het gevoel dat je naar een geraffineerd oog in de opnamen kijkt, alsof Kurosawa over de schouder van de regisseur meekijkt. Het is absoluut een prachtig werk. Takeshi Kitano is een meester in close-ups. Het lijkt wel alsof bijna elk moment van geweld zich voordoet als de tegenstanders op armlengte afstand zijn, zelfs als ze gewapend zijn. De confrontatie in een overvolle lift is een meesterwerk van spanning, vermengd met coole hipheid. Daar komt nog bij dat er een krachtige, allegorische ondertoon in zit over de spilpunten in het leven en de noodzaak van keuzes maken. Waarom praten niet meer mensen in de Verenigde Staten over deze film?

text_en: This is an astonishing film. Minimal, avoiding any kind of romanticism to take the edge off the violence, it pushes and pulls you several ways at once. You want to identify with the protagonist and his henchmen, and they can often be amusingly human, but they are also so emotionless and cold-blooded, even concerning their own, that it gives you the chills. You always have the sense of a sophisticated eye in the shots, as if Kurosawa is looking over the director's shoulder. It is an absolutely beautiful work. Takeshi Kitano is a master of the close shot. It seems that almost every moment of violence occurs when the antagonists are within arm's length, even when it is with guns. The showdown in a crowded elevator is a masterpiece of tension mixed with cool hipness. On top of all of this, there is a powerful allegorical subtext about pivot points in life and the necessity of choice. Why aren't more people in the US talking about this film?


text: De sumo-ring op het strand, als ze het spel van karton imiteren. Die scène zal ik de rest van mijn leven niet meer vergeten. Hoe Kitano ooit heeft kunnen denken dat hij daar midden in deze serieuze film binnen kon komen, is me een raadsel. Ik ken niemand anders die deze film heeft gezien en ik moest het met hem delen. Ook de zelfmoord aan het eind bracht me van mijn stuk... Waarom zou je zelfmoord plegen nadat je al die klootzakken hebt uitgeschakeld? Hij had net zo goed met pensioen kunnen gaan, zoals hij wilde. Was hij schuldig aan de jonge vent die op het strand werd vermoord? Ik weet het niet, maar ik heb het gevoel dat Kitano zou willen dat ik zelf de vragen beantwoordde. Als iemand een idee heeft of een andere Beat-film zou willen aanbevelen, laat het me dan weten.

text_en: The sumo ring on the beach when they imitate the game made of cardboard. I will never forget that scene for the rest of my days. How Kitano ever thought to enter that in the middle of this serious movie is beyond me. I don't know anyone else that has seen this movie and I needed to share. Also the suicide at the end threw me.....why kill yourself after taking all of the assholes out? He could have still retired like he wanted. Was it guilt for the young guy that got killed on the beach? I don't know but I have a feeling that Kitano would want me to answer the questions myself. If anyone has any insight or would like to recommend some other Beat movies let me know.....


text: Takeshi's derde film (na 'Gewelddadige agent' en 'Boiling Point') lijkt de juiste toon te hebben in het mengen van grillige humor en plotseling geweld. Hij speelt een yakuza die genoeg begint te krijgen van zijn manier van leven en overweegt met pensioen te gaan. Hij gaat naar een belangrijke bijeenkomst met andere bendeleiders en komt erachter dat zijn volgende opdracht het oplossen van een bendeoorlog in Okinawa is. Dit is natuurlijk niet wat het lijkt, met een huurmoordenaar die wordt gestuurd om Takeshi's bende uit te roeien. Dit lukt niet helemaal en er volgt een gewelddadige confrontatie. Een prachtig gefotografeerde, idiote gangsterfilm die erin slaagt de emoties van de kijker te zien. Takeshi's passieve personage lijkt in dit soort films altijd te werken.

text_en: Takeshi's third film (after "Violent Cop" and "Boiling Point") seems to of hit the right note in blending quirky humour and sudden violence. He plays a yakuza who is getting tired of his lifestyle,and is considering retirement.He attends a high profile meeting with other gang leaders and finds out his next assignment is to settle a gang war in Okinawa.This is of course,not what it seems, with a hit-man sent over to wipe out Takeshi's gang.This does not quite succeed and a violent confrontation ensues. A beautifully photographed,oddball gangster film which manages to see-saw the viewer's emotions.Beat Takeshi's passive persona always seems to work in this kind of film.


text: Een opmerkelijke film van Takeshi. Een lyrisch, poëtisch, visueel feestmaal dat je langzaam maar zeker helemaal opslokt. Als meesters hun kunst er gemakkelijk laten uitzien, dan is dit een geweldig voorbeeld van moderne meesterschap. Takeshi's opnamen en dialogen lijken zo eenvoudig en natuurlijk dat je zou gaan geloven dat je het zelf zou kunnen doen met een camera, een strand en een handjevol acteurs. Ik heb nog nooit zoiets gezien, en de soundtrack van Joe Hisaishi complimenteert de film volmaakt. Takeshi's trage, lijzige, minimale stijl zou sommige kijkers kunnen afschrikken, maar als je geen bezwaar hebt tegen de meer beschouwende camera, dan heb je goud in handen.

text_en: A remarkable film from Takeshi. A lyrical, poetic, visual feast that slowly but surely completely sucks you in. If masters make their art look easy then this is a great example of modern film mastery. Takeshi's shots and dialogue appear so simple and natural that you would begin to believe you could do it yourself with a camera, a beach and a handful of actors. Its unlike anything i have ever seen before, and the soundtrack from Joe Hisaishi compliments the film perfectly. Takeshi's slow, lingering, minimal style could put off some viewers, but if you don't mind the more contemplative camera then you have struck gold.


text: Kitano is op zijn best als de beelden verbazingwekkend zijn, vooral de scènes op het strand. Onder zijn hardvochtigheid is Kitano een dichter van menselijke gevoelens en een wereld die we vergeten zijn. De eerste 20 minuten zijn de wildste die ik me kan herinneren in de laatste 10 jaar van de cinema. Als je iets begrijpt, kijk dan nog eens, want je hebt het niet begrepen! Saluut aan een van de beste regisseurs van de afgelopen 50 jaar.

text_en: Kitano at his best, the images are amazing, especially the scenes on the beach. Underneath his harshness Kitano is a poet of human feelings and a world we have forgot. The first 20 minutes are the wildest I can remember in the last 10 years of Cinema. If you understand something, look again 'cause you have not! Salute one of the best directors of the last 50 years.


text: Als je van spannende, surrealistische films houdt, dan is dit er een voor jou. De film verloopt heel traag en soms is het moeilijk om de dialoog te volgen omdat die ondertiteld is, maar uiteindelijk is het de moeite waard. Deze film draait om een maffia-luitenant die vermoedt dat hij door zijn baas wordt verraden. Hij vlucht naar het eiland Okinawa, ontmoet een meisje en krijgt een onstabiele greep op zijn situatie. De mensen in de film leven en sterven en bewegen als stukken op een schaakbord. Het lijkt alsof mensen ophouden met leven en gewoon werktuigen worden van een spil en uiteindelijk van het lot. Sommigen kunnen erdoor worden afgeschrikt.' Maar het zou jammer zijn om deze te missen.

text_en: If you're a fan of edgy, surreal movies this is one for you. The film moves at a very slow pace and sometimes it's hard to follow the dialogue because it subtitled, but in the end it's well worth it. This film centers around a mob lieutenant who suspects he is being betrayed by his boss. He takes flight on the island of Okinawa, meets a girl, and takes an unstable grip on his situation. The people in the film live and die and move like pieces on a chessboard. People appear to cease living and become simply tools of a kingpin and ultimately of fate. Some may be turned off by it's foreign label, but it would be a pity to miss this one.


text:
Deze film, die niet zo goed is als 'Hana-bi' of zijn nieuwste 'Kikujiro's Summer', is een fascinerende mengeling van humor, schoonheid, geweld, esthetische beelden, karakterstudie en sociale kritiek.
De hoofdfiguur (gespeeld door Takeshi Kitano zelf) is een mindere yakuza-leider die wordt opgeroepen om te helpen in een bendeoorlog. De missie gaat mis en het overgebleven team vlucht naar een schuilplaats aan zee.
In sterk contrast met de Amerikaanse maffia-saga's, waarin de gangsters risicominnende playboys of trotse clanleden zijn, wordt het normale leven van de yakuza's somber, gespannen en saai getoond. Doden is gewoon werk, tussen de klussen door is er voortdurend aandacht (en geen tijd voor emoties), en toch slaat de vijand onverwacht toe. Je hebt lol, maar als je op de dood wacht, kun je er niet van genieten.
Ongebruikelijk voor een maffiafilm, ongeveer de helft ervan laat de gangsters zien die zich schuilhouden. Toch vertellen deze humoristische scènes meer over hun psyche dan over de actie. Ze laten mannen zien die hun schouders ophalen over de dood (door voor de grap te doen alsof ze Russische roulette spelen), hun zwakke plekken onthullen, niet weten hoe ze de verveling moeten bestrijden, behalve met kinderspelletjes. En er is ook liefde voor een vrouw.
Deze gelukkige tijd lijkt een mogelijke ontsnapping. Hij wordt geruïneerd door de huurmoordenaar van de tegenpartij, maar Takeshi laat het verhaal niet op de gebruikelijke manier van 'de maatschappij is sterker dan jij' lopen. De hoofdfiguur ontsnapt en schiet tijdens een vergadering de hoge bazen neer. Maar dit is niet de eenzame heldenrol van Hollywood, die dient alleen om de yakuza's te bevrijden en te laten zien dat hij nog steeds hopeloos en opgebrand is: hij schiet zichzelf dood op de weg terug naar de vrouw.
Een veelvoorkomend Takeshi-thema is het gebrek aan liefde in de Japanse maatschappij (zoals recht voor zijn raap verteld door een leraar in 'Kids Return'); de vervanging ervan door formeel gedrag, geweld/'respect' van de sterkeren. Je ziet het in deze film, hoewel het minder opvalt omdat bijna alle personages yakuza zijn. En dan zijn er nog al die prachtige, sentimentele Takeshi-opnamen, die zelfs stadsjungles en industriële omgeving esthetisch kunnen laten lijken; en de meer dan lange shots die hier worden gebruikt om de spanning van het wachten die onze 'helden' ervaren te onderstrepen.
Al met al is dit een must-see voor wie niet ongevoelig is voor Holliwood. Als je alleen maar op zoek bent naar actie, al te voor de hand liggende personages en de plotlijn van een film, zul je 'Sonatine' saai vinden.

text_en:
Tough it is not as good as "Hana-bi" or his latest "Kikujiro's Summer", this film is an enthralling mix of humor, beauty, violence, aesthetic shots, character study and social criticism.

The main character (played by Takeshi Kitano himself) is a lesser yakuza chief, who is called in to help in a gang war. The mission goes wrong, and the remaining team flees into a hiding on the seaside.

In strong contrast to US mafia sagas, where the gangsters are risk-loving playboys or proud clansmen, the normal life of the yakuza is shown bleak, tense and boring. Killing is just a job, between jobs there is constant attention (and no time for emotions), yet the enemy still strikes unexpected. You have pover but, awaiting death, can't enjoy it.

Unusual for a mafia film, about half of it shows the gangsters spending their time in the hiding. Yet these humorous scenes tell more about their psyche than the action part. They show men shrugging at death (pretending Russian roulette for a joke), revealing their fallibilities, not knowing how to fight boredom other than children's plays. And there is love to a woman, too.

This happy time looks like a possible escape. It is ruined by the hitman of the opposing clan, but Takeshi doesn't let the story to run the usual society-is-stronger-than-you way. The main character escapes, and guns down the high bosses in a meeting. But this is not the lone hero plot line of Hollywood, it only serves to free the yakuza and show that he's still hopeless and burnt-out: he shoots himself on the road back to the woman.

A common Takeshi theme is the lack of love in Japanese society (as told straight out by a teacher in "Kids Return"); its replacement with formal behavior, violence/"respect" of the stronger. You can see it in this film, although almost all characters being yakuza makes it less obvious.

And then there are all these beautiful, sentimentalist Takeshi takes, which can make even urban jungles and industrial setting look aesthetic; and the trademark over-long cuts - which are used here to underline the tension of waiting our 'heroes' are experiencing.

All in all, this is a must-see for those not insensitised by Holliwood. If you only look for action, all-too-obvious characters and the plot line in a movie, you'll find "Sonatine" boring.


text: Van de vele Beat Takeshi-portretten van ijskoude mannen die de dood in de ogen kijken (meestal met een pistool op hen gericht), is deze film (voor mij) het indrukwekkendst. Het is de scène waarin de missie naar Okinawa misgaat: de yakuza-groep uit Tokio wordt in een restaurant aangevallen door huurmoordenaars. De twee groepen staan op en blijven schieten zonder te bukken of zich te verstoppen, tot één groep (de moordenaars) 100% slachtoffers heeft gemaakt.

text_en: Of the many Beat Takeshi portrayals of ice-cold men facing death (usually a gun pointed at him), this film has the most impressive (to me). It is the scene when the Okinawa mission goes wrong: the yakuza group from Tokyo is attacked by assassins in a restaurant. The two groups stand up, and go on firing without ducking or hiding until one group (the assassins) has 100% casualties.


text: Sonatine, die zich afspeelt in de Japanse onderwereld van de gangsters, geeft niet alleen inzicht in de karakters van Kitanos Murakawa, maar ook in de Japanse cultuur en het Japanse gedrag, dat heel anders is dan de school van Scorsese op het gebied van de western. Sonatine geeft een echt verhaal van de gangster die genoeg heeft van een handel die hem door zijn rivalen wordt ontfutseld. Kitano is duidelijk een'minder is meer'-acteur, maar in zijn blik ligt meer besloten dan in die van welke andere acteur ook, iets wat iedereen die 'Beat' Takeshi's moeilijke geschiedenis kent, zal begrijpen. Takeshi's opzienbarende geschiedenis komt in Sonatines ook voor op verschillende grappige momenten, zoals de scène met William Tell op het strand. De filmografie is ook absoluut prachtig, mooie, eenvoudige statische opnamen plus een paar mooie locaties, zoals het strand. Sonatine wordt aanbevolen vanwege zijn mengeling van actie, humor en poëtische alternatieve voorstellingen.

text_en: Set in the Japanese gangster underworld, Sonatine gives insight into not just Kitanos Murakawa character, but also Japanese culture and behavior, which is quite different from the Scorsese school of western films. Sonatine presents a real story of the mobster tired of a trade he is being squeezed out of by rivals. Kitano is clearly a "less is more" type of actor, but more is shown in his gaze than any other actor, something anyone knowing "Beat" Takeshi's troubled history will understand. Takeshis stand up history also comes across in Sonatines several humorous moments, such as the William Tell sequence on the beach. The cinematography is also absolutely beautiful, nice and simple static shots plus some pretty locations, such as the beach. Sonatine is recommended for its mixture of action, humour and poetically alternative performances.


text: Sonatine geregisseerd door Takeshi Kitano (Japan) lijkt op een subtiele manier op Gregory's Girl geregisseerd door Bill Forsyth (Schotland)! Ze zijn van hetzelfde soort! Ze zijn Magisch! (bijv. Smashing, Superb, enz.)! P.S. (Als ik niet van een film hou! Dan kijk ik hem niet meer! Ik scheur hem niet af!)!

text_en: Sonatine Directed by Takeshi Kitano (Japan) is in a subtle way like Gregory's Girl Directed by Bill Forsyth (Scotland)! They are two of a kind! They are Magic! (e.g. Smashing, Superb, etc...)! P.S. (If I don't like a movie! I don't watch it again! I don't tear it down!)!


text: Takeshi Kitano slaat toe met een meesterwerk. Wat begint als een typische yakuza-grap ziet eruit als Kitano en co. een reisje naar Okinawa maken om een paar vrienden te helpen, ook al hebben die vrienden geen hulp nodig, en Kitano's groep lanterfanters en groentjes maakt de hele situatie per ongeluk nog ingewikkelder door de bemanning te dwingen zich schuil te houden in een huisje waar ze van hun vakantie genieten tot alles uit de hand loopt en Kitano zijn Harvey Kietel-stijl laat zien.

text_en: Takeshi Kitano strikes with a masterpiece. What starts as typical yakuza flick sees Kitano and co. taking a trip to Okinawa to help out some friends, however these friends don't need any help, and Kitano's group of slackers and newbies accidently complicate the entire situation, forcing the crew to hideout at a little house where they enjoy their vacation until everything erupts and Kitano shows off his Harvey Kietel style.


text: Een van mijn lievelingsfilms <0xE2><0x80><0x93> en veel mensen zullen waarschijnlijk in slaap vallen of denken: 'Wat heeft het voor zin?' Ik weet het eigenlijk niet <0xE2><0x80><0x93> behalve dat ik die film leuk vind. Prachtige scènes, soms heel grappig (maar meestal glimlachend-grappig, geen klap-lach-lekker-luid-grappig). Geef het de kans om er zelf achter te komen.

text_en: One of my favourite movies - and many people will probably fall asleep or think: "What's the point?". I can't really tell - except that I like that movie. Wonderful scenes, at times very funny (but mostly smiling-funny, no slapping-laughing-out-loud-funny). Give it a chance to find out for yourself.


text:
Het is waar dat dit geen actiefilm is. En hoezeer ik ook van al die dingen hou, dit is veel aangrijpender. Het is waar dat ik deze film op het witte doek heb gezien, wat naar mijn mening de enige manier zou kunnen zijn om hem te zien. Niet voor spectaculaire cinematografie, explosies of effecten, maar omdat dit er een is van een zeldzaam soort film die het leven <0xE2><0x80><0x93> het echte leven <0xE2><0x80><0x93> vastlegt op zo'n manier dat je <0xE2><0x80><0x93> daar <0xE2><0x80><0x93> bent.
Dit is een yakuza-film over menselijke wezens. Getatoeëerde ijzeren mannen en stuurse straatpunkers, en het geweld dat hun leven bepaalt, maakt geleidelijk plaats voor een gevoel van vernieuwing van de menselijke geest. 'We hebben allemaal wel eens een film gezien over hoe gangsters die zich schuilhouden in een schuilplaats allemaal paranoïde en prikkelbaar worden, en als de lelijke kant van hun karakter naar boven komt, gaan ze elkaar manipuleren en uiteindelijk vermoorden. Hoe vaak krijg je er een te zien over hoe ze allemaal loskomen, over elkaar leren en als elkaar beginnen te denken, en zich uiteindelijk weer als mensen gaan gedragen?'
'Dit is een film over de tijd tussen alle gebeurtenissen in andere actiefilms. Discrete, inheemse geluiden en stille vergezichten trekken je naar binnen.' De langzame delen zijn even leeg van gebeurtenis als ze vol zijn van reflectieve sfeer, en geweld is even plotseling, intens en schokkend kort als de werkelijkheid, en heeft dus een echt gewicht. Dit alles doet bijna afbreuk aan het feit dat deze film ook vol is van subtiele maar briljante humor. Je merkt dat je staat te grijnzen om de jongensachtige capriolen van de aan zijn lot overgelaten yakuza.
Kitano heeft de strakke charme van alle grote macho's; een gezette, Japanse Clint Eastwood, wiens rustige, onverstoorbare uiterlijk zijn besmette, vermoeide ziel weergeeft. Dit maakt het allemaal zoveel meer de moeite waard als we hem eindelijk zien glimlachen. Kitano schiet weliswaar niet zo acrobatisch als Chow Yun Fat, maar hij schiet met alle afstandelijke, koele Chow Yun Fat-wensen die hij had.
In veel opzichten is Sonatine een compleet Japans werkstuk: spaarzaam, eenvoudig, onopgesmukt, een beetje onderdrukt... en met een elegantie die alle woorden te boven gaat.
O, en als je een hekel hebt aan het strand, dan is deze film waarschijnlijk niet voor jou.

text_en:
It's true that this is not an action movie. And as much as I love all that stuff, this is something so much more affecting. True, I did see this movie on the big screen, which in my opinion, could be the only way to see it. Not for spectacular cinematography, explosions or effects, but because this is one of a rare breed of movie that captures life... -real- life in such a way that you are -there-.

This is a yakuza movie about human beings. Tattooed iron men and sullen street punks, and the violence that defines their life gradually gives way to a sense of renewal of human spirit. Sure, we've all seen those movies about how gangsters laying low at the hide-out get all paranoid and irritable, and as the ugly side of their nature emerges, they manipulate and eventually kill each other. How often do you get to see one about how they all start to loosen up, learn about and begin like one another, and eventually start to act like human beings again?

This is a movie about the time that takes place between all the events in other action movies. Discreet indigenous sounds, and quiet vistas draw you in. The slow parts are as empty of event as they are full of reflective atmosphere, and violence is as sudden, intense, and shockingly brief as reality, and thus has a real weight. All of this almost camoflages the fact that this movie is also full of subtle but brilliant humor. You'll find yourself grinning at the boyish antics of the marooned Yakuza.

Kitano has the tight-lipped charm of all the great leading macho men; a stout, Japanese Clint Eastwood, whose quiet , unflinching exterior conveys his tainted, tired soul. This makes it all so much more worth it when we finally see him smile. That said, while not as acrobatic, Kitano shoots people with all the detached cool Chow Yun Fat wishes he had.

In many ways Sonatine is a totally Japanese piece of work; sparse, simple, unadorned, a little repressed,... and elegantly beautiful beyond all words.

Oh, and if you hate the beach, this movie is probably not for you.


text: Ik heb me voor dit lidmaatschap aangemeld om iets te zeggen nadat ik alle negatieve commentaren op deze film had gelezen. Omdat Japanners of andere Aziaten meestal niet populair zijn in dit land, vermoedde ik dat dit niet veel mensen hier zou aanspreken. Maar sommige mensen schijnen er wel door geraakt te worden... Deze kinna vertegenwoordigt hoe onwillig en ongewenst je bent om een andere cultuur en andere aspecten van het leven te kennen of... hoe niet begrijpen het is... over andere culturen... Het kostte me ongeveer 10 minuten om deze site te registreren en ik neem aan dat mensen die hier commentaar geven beter zijn dan mensen die dat niet hebben gedaan. Als je een harde actiefilm wilt zien of wilt sterven in een keiharde kaskraker, kijk dan alsjeblieft niet naar deze film. Ik hou er ook van om de geest te verdoven met eindeloze actiefilms zoals die van Mel Gibson, Steven Seagal en Jean Claude Van Damme. Deze kinna draagt bij aan de marketeer die al het geld uit de filmbezoekers probeert te zuigen zonder ze te vertellen waar het werkelijk om gaat. Gek genoeg gaat dit over het leven en alles wat erin zit. En over hoe moeilijk het is om het eenvoudigste en kleinste ding in het leven van één persoon te bereiken, omdat het zo gemakkelijk lijkt om dat te doen. Ik denk dat de regisseur je niet vertelt wat je moet doen of moet denken, dus wees niet beledigd als je het niet begrijpt. Hij is ook een gewoon mens die leeft en zich alle aspecten van het leven afvraagt waar hij in wordt meegesleurd. Hij probeert gewoon eerlijk te zijn en ik denk dat het alle andere mensen die er op wat voor manier dan ook door zijn beïnvloed, heeft getroffen. Oké. Bedenk maar eens hoe beminnelijk en intimiderend het leven kan zijn door zichzelf te zijn.

text_en: I signed up for this membership to say something after reading all the negative comments on this movie. As Japanese or other Asian mostly unpopular in this country, I guessed that this wouldn't charm almost any one people here. Seems to affect some people though... This kinna represents how unwilling and unwanting to know any other culture and other aspects of life or... how don't understanding it is... about other cultures... Took me about 10 min. to register this site and I kinna assume that people commenting here would be better than the ones who didn't. If you want to see hard boiled action movie or die hard hollywood blockbuster movies, please do not watch this movie. I also love mind numbing endless action movies like the ones played by Mel Gibson, Steven Seagal, Jean Claude Van Damme. This kinna contributes the marketer who try to suck all the money out of movie goers not telling them what this is really about. Funnily enough this is about life and everything inside it. And about how hard it is to achieve the simplest and smallest thing in the life of one person as it may seem so easy to do so. My best guess is this director doesn't tell you what to do or what to think of so don't be offended if not understood. He is also an ordinary person living and wonderding every aspects of life he is dragged. Just he is trying to be honest expressing himself and I think that's what it caught all other people who are affected in any way. OK. Just think how life could be lovable and intimidating by being itself.


text:
Deze film is alles wat het hout niet is. Het is een subtiele, diepe film. Er zijn geen dramatische poppenkast-shots. Er zijn geen hoge-hoek-shots met de camera. De emoties worden allemaal geïmpliceerd door de omlijsting van de scènes en de bewegingen van de personages. In veel opzichten zijn de scènes net haiku's. De soberheid van de scène is zijn schoonheid, de betekenis van de scène is een puzzel die de kijker moet oplossen.
De nachtelijke autorit naar de begraafplaats aan zee is een spaarzame studie van de macht van eenvoudige vormen en eenvoudige beweging. De sumoscène op het strand is een intrigerende kijk op de relaties van de personages in de film. Het zal niet werken om deze film te benaderen als een John Woo-film. Om deze film te begrijpen, moet je elke scène benaderen als een nieuwe blik op de personages, hun gedachten en hun emoties. Verwacht niet dat iemand zal zeggen: 'Ik ben pissig' of 'Ik ben verdrietig' of 'Ik ben bang'. Probeer de film en de personages te _voelen_, niet door te analyseren, maar door je erin onder te dompelen. Alles in de film wordt subtiel en indirect geïmpliceerd. Maar het effect is overtuigend en krachtig.
Natuurlijk kan het voor sommige mensen klinken als een berg paardenmest. Dat is ook prima. Ieder zijn meug.

text_en:
This movie is everything that hollywood isn't. It is a subtle, deep film. There are no dramatic dolly/steady-cam shots. There are no high angle/pan the camera shots. The emotions are all implied by the framing of the scenes and the movement of the characters. In many ways the scenes are like haiku. The economy of the scene is its beauty, the meaning of the scene is a puzzle to be worked out by the viewer.

The night-time car drive to the burial by the sea is a sparse study of the power of simple shapes and simple movement. The sumo scene on the beach is an intriguing look into the relationships of the characters in the film.

Approaching this film like a John Woo film will not work. To understand this film, approach each scene as a fresh peek into the characters, their thoughts and their emotions. Don't expect anybody to say "I'm pissed" or "I'm sad" or "I'm scared". Do try to *feel* the movie and the characters, not by analyzing, but by immersion. Everything in the film is implied subtly and obliquely. But the effect is convincing and powerful.

Of course, to some people all of the above may sound like a pile of horse manure. That's fine, too. To each his own.


text: Sonatine is een geweldige illustratie van het contrast tussen Amerikaanse en Japanse films. Hoewel het geweld op het scherm visueel en plotseling is, is het zeldzaam en altijd doelbewust. De film is vaak rustig en stil, met heel subtiele humor. Beat Takeshi heeft een anti-actiefilm gemaakt, vrij van een enorme soundtrack en consequente oneliners, waarvan de elegantie alleen wordt vertroebeld door onhandig vertaalde subtitling. Sonatine is niet de film die de heruitgave-advertenties voorgeven. Niet wat je zou verwachten.

text_en: Sonatine is a great illustration of the contrast between American and Japanese films. Though the onscreen violence is graphic and sudden, it is rare and always purposed. The film is often quiet and still, with very subtle humor. Beat Takeshi has created an anti-action flick, free of a huge soundtrack and consistent one-liners, whose grace is muddled only by awkwardly translated subtitling. Sonatine is the not the movie the re-release advertising makes it out to be. Not what you'd expect.


text: Alleen Roger Ebert en de recensent van _Rolling Stone_ lijken hier de waarheid te zien: deze film is traag en melancholiek omdat hij over zware zaken gaat, maar hij is nooit saai, niet als je de situatie begrijpt en de diepte van de gevoelens die worden onderzocht. Het is alsof recensenten het niet begrijpen omdat ze niet echt voelen wat de film zegt. Als je zegt dat er tientallen films zijn geweest over hoe de oorlog mensen ruïneert zodat het een cliché is, en dat deze te saai en traag is, betekent dat dat iemand niet meer voelt voor wat echt pijnlijk is, zelfs in ontkenning is. En dat is het thema van deze film: wat gebeurt er als we het contact verliezen met wat pijnlijk is en niet meer...' Het kan me niet meer schelen. De film is ingetogen maar krachtig, en daarom heeft hij zo'n krachtig effect.<br />Jones is prachtig grimmig, met een gezicht als een wegenkaart, terwijl hij onderzoek doet naar wat er met zijn zoon is gebeurd. Charlize Theron is mooi, ook al speelt ze een vrouw die gedwongen is zich zo niet-sexy mogelijk te gedragen om in haar baan bij een mannelijke politiemacht een plaatsje te veroveren. Susan Sarandon is niet, zoals een criticus zei, 'onderworpen'; ze geeft een voorstelling die des te krachtiger is omdat hij ingetogen is. Deze film zou een must-see moeten zijn voor iedereen die gelooft dat de oorlog in Irak moet doorgaan tot er een eervolle tijd is om Amerika te verlaten. Die tijd is al voorbij.

text_en:
Only Roger Ebert and the reviewer for Rolling Stone seem to see the truth here: this film is slow and elegiac because it deals with heavy matters, but it is never boring, not if you understand the situation and the depth of feelings being explored. It's as if reviewers don't get it because they didn't really feel what the film is saying. Saying that there have been dozens of films about how war ruins men so it's a cliché, and that this one is too dreary and slow means that a person has stopped feeling for what is really hurtful, is even in denial. And that's the theme of this film: what happens when we lose touch with what's painful and don't care any more. The film is restrained but powerful, which is why it has such a strong effect.

Jones is wonderfully grim, with a face like a road map, as he explores what happened to his son. Charlize Theron is beautiful even though she is playing a woman who is forced to act as non-sexy as possible to get on in her job in a male police force. Susan Sarandon is not, as some critic said, "underused"; she gives a performance that is all the more powerful because it is restrained. This movie should be a must see for all who believe that the Iraq war should continue until there is an honorable time for America to leave. That time is already passed.


text:
Er is een opmerkelijke afwezigheid van polemiek in deze film, die hem tot iets mythisch maakt... het onderwerp misschien distilleert tot iets wat we onder ogen moeten zien. Niemand zou iets aan te merken moeten hebben op de uitvoeringen hier, maar ik was het meest onder de indruk van het zorgvuldig vermijden van politieke standpunten door de regisseur. Het is het tegenovergestelde van wat bijvoorbeeld Costa-Garvas deed met 'Vermist'. Er zijn geen toespraken of lezingen, maar kijken naar illusies en vertrouwen in oude systemen die worden afgepeld is heel krachtig. En heel, heel triest.
We hebben deze film nodig (of we het nu leuk vinden of niet). Abu Ghraib is gebeurd. En het niet aanvaarden van de morele consequenties leidt tot een zeer verontrustende conclusie.
Tommy Lee Jones is hier verbazingwekkend. Susan Sarandon is, voor een klein deel, een levendige persoonlijkheid. Charlize Theron lijkt niet geschikt voor deze rol (zou een vrouw die zo mooi en intelligent is dat ze deze rol zou kunnen spelen?), maar ze voegt een ander mooi personage aan haar werk toe.
Hoewel de film een heel interessante structuur heeft, dat wil zeggen dat er mobiele-telefoonfilms worden gebruikt om de plot verder te brengen, en wat we zien is niet helemaal duidelijk, dus we willen meer te weten komen, net als de personages in de actie, koos Haggis ervoor cruciale informatie voor het publiek achter te houden tot het einde van de film. Ik weet niet of dat de structuur van de film versterkt. We hebben nog een hoop te verwerken in de laatste ogenblikken, en als we hadden geweten wat de hoofdpersoon van het begin af aan wist, zou onze reis met hem een diepere resonantie hebben gehad, zouden zijn motieven en interne conflicten duidelijker zijn geweest.
Ik hoop dat de mensen dit zien. Ik weet dat deze oorlog ons land altijd heeft verdeeld. Maar de mannen en vrouwen die daar hebben gevochten of gevochten moeten dit verhaal verteld krijgen. We hebben onze hachelijke situatie op een oneerlijke manier de hunne gemaakt. Het is heel ongelukkig en felicitaties lijken niet op hun plaats. Maar de filmmakers en acteurs verdienen bewondering en onze dank.

text_en:
There is a remarkable absence of polemic in this film which elevates it to something mythic...perhaps distills the subject matter to something we should face. No one should be able to fault the performances here, but I was most impressed with the director's careful avoidance of political point of view. It's the opposite of what, say, Costa-Garvas did with "Missing." There are no speeches or lectures, but watching illusions and faith in old systems being peeled away is very powerful. And very, very sad.

We need this film (whether we like it or not). Abu Ghraib happened. And not accepting the moral consequences leads us to a very troubling conclusion.

Tommy Lee Jones is amazing here. Susan Sarandon, in a small part, makes a vivid presence. Charlize Theron seems miscast (would a woman this beautiful and smart be in this job?), but she adds another fine character to her work.

While there is a very interesting texture to the film, that is, cell phone movies are used to move the plot forward, and what we see is not quite clear so we want to find out more, just like the characters in the action, Haggis chose to withhold crucial information from the audience until the end of film. I'm not sure that strengthens the film's structure. We're left with a lot to process in the final moments, and had we known what the central character knew from the beginning, our journey with him might have had deeper resonance, his motives and internal conflicts clearer.

I hope people see this. I know that this war has always divided our nation. But the men and women who fought or fight there need to have this story told. We've made our predicament unfairly theirs. It's a very unhappy thing and congratulations seem out of place. But the filmmakers and performers deserve admiration and our thanks.


text: Deze film is zo goed als perfect. Ik vind het prachtig dat hij begint als een genrefilm en dan overgaat in iets wat dieper gaat en je ziel aantast. Sommige mensen houden gewoon niet van Paul Haggis, maar daar hoor ik niet bij. Ik vind dat hij hier heel slim is; hij heeft geen politiek standpunt, hij pakt Charlize Theron perfect aan, en de film dwingt iedereen om over de troepen na te denken op een manier die niet alleen maar politieke retoriek is. Ik vind het geweldig dat Tommy Lee Jones zich voelt zoals zo veel vaders zich voelen. Hij is nog nooit zo goed geweest. Het is interessant om te zien hoe het politiewerk zich ontwikkelt.' De film had daar iets mee kunnen doen, maar in plaats daarvan laat hij ons rustig meegenieten en gaat hij verder.<br />Er zijn de afgelopen jaren veel goede films geweest over thema's die met Irak te maken hebben, maar ik geloof niet dat er een film is die het gevoel van de nationale stemming zo goed vastlegt als deze. Het melodrama is eruit verdwenen en de film gaat gewoon verder met echt goede voorstellingen van de hele cast, die allemaal naar hun aard handelen in plaats van vanwege stompzinnige plotverwachtingen.

text_en:
This movie is just about perfect. I love how it starts as a genre movie and then transcends into something deeper and soul-searching. Some people just don't like Paul Haggis, but I'm not one of them. I think he's very smart here; he has no political point of view, he handles Charlize Theron perfectly, and the movie forces everybody to think about the troops in a way that isn't simply political rhetoric. I love that Tommy Lee Jones feels the way so many dads do. He's never been better. Watching the police work happen is interesting on it's own, but I like that Charlize Theron is just out to do the job correctly and just shrugs off the chauvinism coming at her from her department. The movie could've gone somewhere with that, but instead just quietly lets us in on it and moves on.

There have been many very good movies the last few years about Iraq-related themes, but I don't think there is a film that captures the feeling of the national mood as good as this one. It's drained of melodrama and just sort of moves forward on really good performances of the whole cast, who all act according to their natures instead of because of stupid plot requirements.


text:
Er zijn veel films geweest over de nasleep van de oorlog, maar ik heb nog nooit zo'n wrede, eerlijke en schokkende vertolking gezien van de ontmenselijking van soldaten die uit de oorlog zijn teruggekeerd. Dit is de onderliggende premisse van de nieuwe misdaadthriller van schrijver/regisseur Paul Haggis (Crash) die een Academy Award heeft gewonnen.
Hank Deerfield (gespeeld door Tommy Lee Jones) is een gepensioneerde veteraan en een politieman van de militaire politie die op zoek is naar zijn zoon die is gedeserteerd. Rechercheur Emily Sanders (gespeeld door Charlize Theron) raakt geïnteresseerd in de zaak en begint Hank buiten haar werk om te helpen. Als het lichaam van Hanks zoon wordt gevonden, verandert de zoektocht plotseling in een zoektocht naar de moordenaar. Een van de vele aspecten die ik heb gewaardeerd, was dat regisseur Haggis er geen typische Hollywood-misdaadthriller van heeft gemaakt, en ook geen politiek propagandastuk over de oorlog en president Bush. In plaats daarvan mengt hij de twee intriges naadloos en subtiel door elkaar en laat hij je zelf beslissen.
Tommy Lee Jones geeft de beste vertolking van zijn lange carrière als stille, emotieloze oorlogsveteraan, maar toont toch een enorme hoeveelheid emotie. Alleen al naar zijn gezicht kijken terwijl hij in een restaurant zit te luisteren naar een van zijn gepensioneerde vrienden die hem vertelt over plannen om zijn kleinkinderen te gaan bezoeken, is hartverscheurend. We kunnen bijna de innerlijke strijd zien als hij zich realiseert dat hij dat nooit zal kunnen. Charlize Theron doet het geweldig als de rechercheur, en ondanks haar kleine rol op het witte doek speelt Susan Surandon de treurende vrouw van Jones perfect.
Deze film is op zo veel verschillende niveaus zo'n ontroerend meesterwerk dat het gewoonweg heerlijk is om naar te kijken. Het rustige tempo waarmee de film zich opbouwt naar de climax is op zijn eigen manier opzienbarend intens. Ik weet zeker dat dit een populaire film zal zijn bij de uitreiking van de Oscars dit jaar, en als ze prijzen uitreiken voor de beste scène, zal dat zeker een nominatie opleveren voor een eenvoudige, ontroerende, maar diep ontroerende scène waarin Frank het verhaal van David en Goliath (dat zich afspeelde in de Vallei van Elah) vertelt aan de kleine zoon van rechercheur Sanders.

text_en:
There have been many films about the aftermath of war, but never have I seen such a brutally honest and shocking depiction of the de-humanization of soldiers back from war. This is the underlying premise of the new crime thriller from academy award winning writer/director Paul Haggis (Crash).

Hank Deerfield (played by Tommy Lee Jones) is a retired veteran and military police officer searching for his son who has gone AWOL. A detective Emily Sanders (played by Charlize Theron) becomes interested in the case and starts helping Hank outside of her job. When Hank's son's body is found, the search suddenly turns into a search for the murderer.

One of the many aspects I appreciated was that director Haggis did not turn this into a typical Hollywood crime thriller and also not turn it into a political propaganda piece against the war and President Bush. Instead he mixes the two plots together seamless and subtle, letting you decide for your self.

Tommy Lee Jones gives the best performance of his long career as he plays a quiet, emotionless war vet, but still shows tremendous amount of emotion. Just watching his face as he sits in a diner and listens to one of his retired friends tell him about plans to go visit his grandchildren is heartbreaking. We can almost see the internal emotional struggle as he realizes he will never be able to do that. Charlize Theron does a wonderful job as the detective, and despite her small screen time Susan Surandon plays the grieving wife of Jones to perfection.

This film is such a moving masterpiece on so many levels it is simply wonderful to watch. The quiet pacing of the film building up to the climax is captivatingly intense in its own way. I am sure this will be a popular film at the Oscars this year, and if they gave out awards for best scene this would be sure to garner a nomination for a simple, poignant, yet profoundly moving scene when Frank tells the story of David and Goliath (which took place in the Valley of Elah) to the little son of detective Sanders.


text:
Er zijn heel wat mensen die een hekel hebben aan de manier waarop Paul Haggis zijn regisseursdebuut maakte, 'Crash', een veel te zeepachtig en stom in elkaar geflanst drama (tenminste, zo voelde het voor hen). Die mensen hoeven zich geen zorgen te maken. Zijn tweede grote regisseursuitje, 'In the Valley of Elah', ontwijkt beide 'fouten' (hoewel ik ze nauwelijks 'fouten' zou willen noemen, aangezien hij de prijs voor de beste film won met 'Crash'). In plaats van een aantal verhalen te combineren en ze allemaal aan het eind met elkaar te verbinden, draait deze film om één hoofdverhaal, een verhaal dat veel weg heeft van de moderne oorlogsversie van 'Chinatown'. In plaats van te kiezen voor de eenvoudige emotionele uithalen die hij bij _Crash_ hanteerde, concentreert deze film zich op zijn ingehouden optredens, namelijk van Tommy Lee Jones, die in deze film een uitmuntend acteur is. Het is werkelijk moedig van Paul Haggis om de stijl die hem een Academy Award voor beste film opleverde serieus te veranderen, en het is nog indrukwekkender dat hij dat heel goed voor elkaar krijgt.
Het verhaal draait om een ex-militair, Hank Deerfield, die te horen krijgt dat zijn zoon, een soldaat die uit Irak terugkeert, vermist wordt. Jones speelt het personage op zo'n rustige manier dat je het gevoel krijgt dat hij vindt dat hij dat zou moeten doen. Als hij op het militaire station aankomt, lijken de mensen hem niet te willen vertellen wat er is gebeurd, en ze zeggen dat ze verwachten dat hij binnenkort wel naar de basis zal komen (dit wordt bijzonder goed gespeeld door James Franco, die je misschien kent als Harry Osbourne uit de 'Spiderman'-films).
Deerfield weigert te geloven dat het zo eenvoudig is, en hij is meedogenloos in het loskrijgen van informatie over wat er echt is gebeurd. Dat is zijn manier van werken in het leger, en het is voor hem van groot belang, want hij moet alle informatie die hij kan krijgen uit mensen loskrijgen. Rechercheur Emily Sanders (gespeeld door een heel sterke Charlize Theron) komt in beeld, die eerst alleen maar haar werk van die dag wil doen, maar al snel helemaal opgaat in de ontdekking wat er echt met Deerfields zoon is gebeurd. De twee hebben een geweldige chemie, want hun twee verschillende persoonlijkheden geven twee verschillende perspectieven op wat er gebeurt.
De film werkt, want hoewel er nogal wat negatieve dingen te zeggen zijn over de huidige oorlog in Irak, is de hele film geen twee uur durende tirade ertegen. Die boodschap wordt alleen maar onderdeel van het verhaal, en op een subtiele manier (de soldaten zeggen niet alleen 'Oorlog... hij... vernietigt... je...', maar ze nemen veel meer tijd om hun emotie te uiten). Een groot deel van het verhaal doet denken aan een mengeling van de grote film 'Chinatown' en een veel beter geacteerde, beter geschreven versie van een echt goede aflevering van 'CSI'. Hoewel er misschien iets te veel wendingen en leugens in voorkomen, komt het verhaal op een zeer bevredigende manier voor het publiek tot een einde.
Paul Haggis heeft een griezelige manier om de grote prestaties van al zijn acteurs naar voren te brengen. De prestatie van Tommy Lee Jones zou wel eens de beste van zijn carrière kunnen zijn, hij brengt in Charlize Theron een veel meer emotionele rustige kant naar voren dan we tot nu toe hebben gezien, de korte prestatie van Susan Sarandon is bijzonder krachtig en alle soldaten worden gespeeld met een gevoel van oprechtheid. Het acteerwerk is waarschijnlijk het sterkste element van de film, en als er een 'zwak' onderdeel is, dan moet dat de manier zijn waarop Haggis een paar van de plotwendingen eruit heeft geperst om de film zo lang te kunnen maken als hij wilde.
Ondanks de paar problemen is 'In de Vallei van Elah' zowel een zeer goed geacteerd beeld van de oorlog in Irak en de gevolgen daarvan voor de mensen die erbij betrokken waren, als een zeer interessante misdaadthriller. Het hart van de film wordt gevormd door Haggis' rustige, krachtige regie en de uiterst rustige opvoeringen van de cast. Ik zie niet in waarom dit een nominatie voor de beste film zou zijn voor Haggis' drie Oscar-winnende films ('Letters from Iwo Jima', 'Crash' en 'Million Dollar Baby'). Maar het zou me niet verbazen als het een paar nominaties voor een film zou opleveren en misschien zelfs een knikje van de regisseur. En als dat gebeurt... dan heeft het dat beslist verdiend.

text_en:
There are many people out there who hate the way Paul Haggis made his directorial debut, "Crash," an overly soapy and stupidly-tied-together drama (at least, that's what it felt like to them). Those people don't have to worry. His second major directorial outing, "In the Valley of Elah," avoids both of the "mistakes" (although I'd hardly call them that, seeing as he won Best Picture for what he did with "Crash") that he made last time around. Instead of mixing together multiple stories and having them all connect at the very end, this movie revolves around one main story, a story that seems a lot like the modern-day war version of "Chinatown." Instead of going for simple emotional tugs that he did with "Crash," this film focuses on its understated performances, namely from Tommy Lee Jones, who is superb in this film. It is truly courageous of Paul Haggis to be willing to make some serious changes to the style that won him a Best Picture Academy Award, and even more impressive that he pulls it off very well.

The story revolves around an ex-military officer, Hank Deerfield, who is told that his son, a soldier returning home from Iraq, has gone missing. Jones plays the character in such a quiet way that makes you feel like he thinks he shouldn't be showing emotion, but has a lot of it bottled up inside of him. When he arrives at the military station, people don't seem to want to tell him what happened, and say that they expect he'll come to the base anytime soon (this is portrayed especially well by James Franco, who you may know as Harry Osbourne from the "Spider-man" movies).

Refusing to believe that it's as simple as that, Deerfield is relentless in getting information out of people as to what really happened. It's the way he functioned in the army, and it benefits him greatly as he has to get any information he can out of people. Enter Detective Emily Sanders (played by a very strong Charlize Theron), who at first just wants to get through her job for the day, but soon gets wrapped up in also discovering what really happened to Deerfield's son. The two of them have great chemistry together, as their two different personalities give two different perspectives on what's happening.

The movie works because although it does have quite a few negative things to say about the current war in Iraq, the entire film isn't a two-hour tirade against it. It only makes that message part of the story, and does it in subtle ways (aka the soldiers don't just go "War...it...destroys...you..." but take a lot more time expressing their emotion). Much of the story works like a mixture between the great film "Chinatown" and a much better-acted, better-written version of a really good episode of "CSI." Although there may be a few too many twists and lies circling about, it comes to its conclusion very well in a satisfying way for the audience.

Paul Haggis has an uncanny way of bringing out great performances from all of his actors. The performance of Tommy Lee Jones could be the best of his career, he brings out a much more emotionally quiet side in Charlize Theron than we've before seen, the short performance of Susan Sarandon is particularly powerful, and all of the soldiers are played with a feeling of sincerity. The acting is probably the strongest element of the film, and if there's any "weak part," it would have to be the way Haggis forced out some of the plot twists to make the film as long as he wanted it to be.

Regardless of its few problems, "In the Valley of Elah" is both a very well-mannered look at the war in Iraq and its effects on the people involved, as well as a very interesting crime thriller. At the heart of it is Haggis's quietly powerful directing style and the cast's powerfully quiet performances. I don't see this picking up a Best Picture nomination as Haggis's past three Oscar hopeful screenplays ("Letters from Iwo Jima," "Crash," and "Million Dollar Baby"), but I would not be surprised to see it pick up a few acting nominations as well as possibly a screenplay nod. If it does...it would have definitely earned it.


text:
De film ging op unieke wijze over het mechanisme van het omgaan met traumatische ervaringen. Toegegeven, het was een oorlogsfilm. Ja, er zat een extra 'Kijk eens wat we met onze kinderen doen'-boodschap in ('Kijk eens wat we met onze kinderen doen') (die tot uiting kwam in de scène waarin hij eindelijk de kazerne van zijn zoon verlaat en dit jonge, puisterige joch zich begint te settelen), en ja, het was een moordmysterie, maar de manier waarop Haggis het verschillende gedrag van de personages weergeeft terwijl ze proberen om te gaan met extreem stressvolle en traumatische ervaringen, was het belangrijkste punt van de film.
Haggis maakte het duidelijk met zorgvuldige cameratechnieken en het creëren van levensechte personages. Deerfield huilde in de armen van haar man nadat ze het verminkte lichaam van haar zoon had gezien. Hij gebruikte een soortgelijke methode toen ze instortte en aan de telefoon begon te huilen (meneer Deerfield: 'Ik ga niet aan de telefoon zitten om naar jouw gehuil te luisteren.' Mevrouw Deerfield: 'Doe dat dan ook niet.') heeft Jennifer Deakins de camera op de trap gericht en kijkt recht op haar neer terwijl ze voorovergebogen op de vloer zit. Het is niet zo dat Haggis zich op deze momenten voor het publiek'verbergt' <0xE2><0x80><0x93> ik geloof dat het meer een commentaar is op de manier waarop we tijdens deze momenten loskomen van onze eigen emoties. Deerfield zag zijn verminkte zoon voor het eerst, en ook tegen het eind, toen hij besefte dat zijn eigen starre persoonlijkheid zijn zoon van zichzelf had vervreemd, en van C.P. Pennings bijna robotachtige, berouwloze bekentenis dat hij Spc had vermoord. Deerfield, die een fenomenaal acteur was, zijn twee goede voorbeelden. Je kon zien dat de berg van emoties achter zijn kille uiterlijk werd onderdrukt. Zijn bekentenis was zo vlak dat ik moeilijk kon accepteren dat hij Spc had neergestoken. Deerfield meer dan 42 keer, sneed zijn lichaam in stukken en stak het toen in brand. Maar dat is precies het punt waar Haggis een eind probeerde te maken aan deze onthechting van de werkelijkheid; de dood als een videospel zonder gevolgen ('Reageer of sterf. Reageer of sterf.') Ik denk trouwens dat Tommy Lee Jones ook een verbazingwekkende prestatie heeft geleverd. En dat is nog zacht uitgedrukt.
Verdere onthullingen over de aspecten van het omgaan met de dood zijn onder meer het verhaal van de soldaat die eerst zijn dobermann in de badkuip vasthield tot het dier verdronk en vervolgens die actie met zijn vrouw herhaalde. Spc. Bonner die zichzelf ophing voor zijn betrokkenheid bij de moord op Deerfield. Deerfields eigen manier om met de situatie om te gaan diende als katalysator voor de plot. Het ene moment dat hij had (en het enige moment in de film waarop er daadwerkelijk tranen te zien zijn) waarop hij probeerde zijn vader te bereiken ('Pa, er is iets gebeurd. Kun je me hier weghalen?'), werd hij afgewezen. Dus zijn vermogen om met de situatie om te gaan, manifesteerde zich in destructief gedrag: hij gebruikte drugs, schold de stripper uit, martelde de 'Hadji'. De film draait om de vraag hoe je met die monsters moet omgaan. De titel zelf is een metafoor voor die vraag. In de Vallei van Elah, waar David het opnam tegen Goliath, stonden alle personages in de schaduw van hun eigen Goliaths. Sommigen vochten (Mevrouw Deerfield, Det. Sanders), anderen staken hun hoofd in het zand (Meneer Deerfield, Meneer Deerfield), en weer anderen renden weg (Penning, Bonner). Het is net als met de tagline: soms is de waarheid ontdekken makkelijker dan die onder ogen zien. Ik vond de film ook uniek in de invalshoek die hij op de oorlog nam: de psychologische impact ervan. Afgezien van zulke waardeloze films als 'Iron Eagles' en 'Flight of the Intruder' hebben goede oorlogsfilms meer in gedachten dan een 'bewerkstelligen van een objectieve plot'. 'Saving Private Ryan' was weliswaar volledig op een doel gebaseerd, maar gebruikte de veelheid van verschrikkingen die de personages tegenkwamen om hun methoden om ermee om te gaan te benadrukken. Ik zou zeggen dat deze film meer weg had van 'Deer Hunter' of 'Jarhead', waarin wat je in de oorlog ziet ondergeschikt is aan hoe je omgaat met wat je in de oorlog ziet. Het enige bezwaar dat ik tegen de film had (een heel gematigd bezwaar) kwam van mijn vriendin, die in Irak had gediend toen ik er pas over was gaan nadenken toen zij erover begon. Het is waar dat de film maar een heel klein'stukje van het leven' geeft over onze betrokkenheid bij Irak (aangezien PTSS een majestueus aspect van deze oorlog is, maar er zijn ook veel andere facetten), dus het is niet helemaal onrechtvaardig dat alle soldaten in deze film zo 'opgefokt' zijn door hun oorlogservaringen. Maar het zou leuk zijn geweest als minstens één soldaat had geprobeerd zijn demonen op een constructievere manier het hoofd te bieden, of dat nu in therapie of op een andere niet-destructieve manier was. Toen ik tijdens haar verlof een bezoek bracht aan mijn vriendin in Duitsland, stuitte ik op pamfletten, brochures en tv-commercials (van het Armed Services Network) die infanteristen aanmoedigden in therapie te gaan om te leren omgaan met PTSS, weer te acclimatiseren in het leven in de staat, terug te keren naar hun familie, enzovoort. Niettemin vind ik persoonlijk niet dat dit een al te kritisch punt is om te stellen, dat ty Haggis een specifiek begrip van de gevolgen van oorlog probeert te illustreren en niet zou moeten inspelen op een van de 'uitzonderingen op de regel'.

text_en:
The movie uniquely dealt with the mechanism of coping with traumatic experiences. True, it was a war pic. Yes, it had an additional "look what we're doing to our kids" anti-war message (which was driven home in the scene where he's finally leaving his son's barracks and this young, pimply faced kid starts settling in), and yes, it was a murder mystery, but the method in which Haggis portrays the different behaviors the characters exhibit while trying to deal with extremely stressful and traumatic experiences was the main point of the movie.

Haggis drove the point home with careful camera techniques and crafting true-to-life characters. I like the way he kept the camera back at the end of the hallway when Mrs. Deerfield cried into her husband's arms after viewing the mutilated body of her son. He employed a similar method when she broke down and started crying on the phone (Mr. Deerfield: "I'm not gonna sit on the phone and listen to you cry." Mrs. Deerfield: "Then don't")  Deakins has the camera up on the stairs looking directly down on her while she sits hunched over on the floor. It's not that Haggis is "hiding" these moments from the audience  I believe that it is more of a commentary on our disconnection from our own emotions during these moments.

Additionally, Haggis has the actors restrain themselves during the height of when one expects them to indicate the most suffering and when the camera is close enough to expose it, i.e. Mr. Deerfield seeing his mutilated son for the first time, also towards the end when he realizes that his own rigid personality alienated his son from himself and Cpl. Penning's almost robotic, non-remorseful confession of murdering Spc. Deerfield  which was a phenomenal performance  are two good examples. You could see the mountain of emotion being suppressed behind his cold exterior. His confession was so level that it was hard for me to accept the fact that he had stabbed Pfc. Deerfield over 42 times, dismembered his body, then set fire to it. But this is exactly the point Haggis was trying to make  this disconnection from reality; death as a video game with no consequences ("React or die. React or die.") By the way, I think Tommy Lee Jones did an amazing job as well. And that's an understatement.

Further exposés on the aspects of coping include the side story of the soldier who first held down his Doberman in the tub until it drowned and subsequently repeated that action with his wife instead. Spc. Bonner hanging himself for his involvement in the murder of Deerfield. Pvt. Ortiez's full denial of the fact that their squad ran over an Iraqi child ("That wasn't no kid. That was a dog. As far as I'm concerned, that was a dog. I don't know what that picture is."). More importantly, Spc. Deerfield's own methods of coping served to act as the catalyst for the plot. The one moment he had (and the only moment in the movie where tears are actually shown falling) where he tried to reach out to his father ("Dad, something happened. Can you get me out of here?"), he got snubbed. So his ability to cope manifested itself into destructive behavior: doing drugs, bad-mouthing the stripper, torturing the "Haji" militant, picking fights with his comrades  ultimately leading to his demise. All of these characters had their demons to deal with. The point of the movie was how to deal with those monsters. The title, itself, acting as a metaphor to that exact question. The Valley of Elah  where David took his stand against Goliath  was where all the characters of this movie stood in the shadows of their own Goliaths. Some fought (Mrs. Deerfield, Det. Sanders), some stuck their heads in the sand (Ortiez, Mr. Deerfield), and some ran away (Penning, Bonner). Much like the tagline states: sometimes finding the truth is easier than facing it.

I also thought the movie was unique in the angle it took on war: its psychological impact. Excluding such crappy movies like, "Iron Eagles" and "Flight of the Intruder", good war movies have more than an "accomplishing-an-objective" plot type in mind. "Saving Private Ryan", although based entirely around an objective, used the multitude of horrors the characters encountered to highlight their methods of dealing with it. I'd say this movie was more along the lines of "Deer Hunter" or "Jarhead"  where what you see in war plays second fiddle to how you deal with what you see in war.

The only objection I had to the movie (a very moderate one) was originated by my girlfriend, who served in Iraq  I hadn't thought about it until she brought it up. True, the movie is a very small "slice of life" take on our involvement in Iraq (granted, PTSD is a MAJOR aspect of this war  but there are many other facets as well), so it's not entirely unjustified to have ALL the soldiers of this movie be so "f***ed up" from their wartime experiences. However, it would have been nice to see at least one soldier try to cope with his demons in a more constructive way  be it counseling or in some other non-destructive method. When I visited my girlfriend in Germany, during her leave, I came across pamphlets, brochures, and television commercials (on the Armed Services Network) that encouraged infantry men and women to seek counseling in helping deal with PTSD, acclimating to life in the states again, returning to their families, and so forth. Nevertheless, personally, I don't feel that this is too critical of a point to make  Haggis is trying to illustrate a specific notion of the effects of war and shouldn't have to cater to any of the "exceptions to the rule."