text:
The Curious Case of Benjamin Button nadert zijn onderwerp van leven en dood op zo'n unieke manier dat je onwillekeurig gaat nadenken over de thema's liefde, bestaan en sterfelijkheid. De nieuwste film van regisseur David Fincher geeft je een episch gevoel, niet vanwege de vrij lange speeltijd, maar vanwege de spectaculaire verhaallijn en de ingewikkelde karakterontwikkeling <0xE2><0x80><0x93> of misschien juist niet. Een klein verlies voor het dramatische effect en een paar geleende elementen van bekende voorgangers kunnen geen afbreuk doen aan de verbazingwekkende reis die voor de boeg ligt, een briljante en zeer merkwaardige reis.
Terwijl Daisy (Cate Blanchett) in een ziekenhuis in New Orleans op sterven ligt, laat ze haar dochter Caroline (Julia Ormond) voorlezen uit een mysterieus dagboek waarin het merkwaardige leven van Benjamin Button (Brad Pitt) wordt beschreven. Geboren als een oude man wordt Button steeds jonger naarmate iedereen om hem heen ouder wordt, en er ontvouwt zich een majestueus verhaal, vol avontuur, intriges en een epische romance die de beperkingen van de tijd overstijgt.
Het is een meditatie over leven, dood, tijd, lot, vergeving, liefde en alle emotionele ervaringen daartussenin. Meestal is het mooi, melancholiek, romantisch en droevig, maar uiteindelijk lijdt het aan de nutteloosheid van een voorbeschikte koers. Hoewel het gedenkwaardige elementen ontleend aan Titanic (vertelling door een oudere figuur die herinneringen ophaalt aan het verleden) en Forrest Gump (een kolibrie vervangt de CG-veer en Cate Blanchetts Daisy is een afspiegeling van Robin Wrights Daisy). The Curious Case of Benjamin Button lijdt niet aan onoriginaliteit. Het is een opwindende, dramatische, epische en verfrissende film; hij mag dan gebreken vertonen, vooral door de lange speeltijd, maar hij weet toch een van de indrukwekkendste films van het jaar te zijn.
De slogan luidt: 'Het leven wordt niet in minuten gemeten, maar in momenten.' Hoewel de film geen enkel element overstijgt, bevat hij door de lange speeltijd wel voor iedereen momenten. In tegenstelling tot het epische drama dat van de film verwacht wordt, toont Button toch mooi de romantiek van het voortdurende winnen en verliezen van Daisy; de actie op zee met de vaderlandslievende kapitein Mike (die ook doet denken aan een personage uit Forrest Gump: de Lt. Dan van Gary Sinise); en komedie in overvloed, het gedenkwaardigst van een man die zeven keer door de bliksem is getroffen. De film gaat voornamelijk over de gebeurtenissen en personages die Benjamin raken, in tegenstelling tot zijn eigen invloeden; hij is een waarnemer van zijn eigen bestaan (waardoor de kracht van Pitts optreden afneemt, maar de verfrissende subtiliteit ervan wellicht wordt versterkt). Het belang van leven en dood, de ervaringen van opgroeien en de ontdekking van seksualiteit en liefde worden allemaal vanuit een nieuw, achterwaarts perspectief bekeken (vaak ontmoedigend voor Button <0xE2><0x80><0x93>'sommige schepsels zijn niet bedoeld om te overleven'), wat het merendeel van de gebeurtenissen een onderhoudende draai geeft die anders routine zou zijn geweest.

<0xE2><0x80><0x93> De Massie-tweeling.

text_en:
The Curious Case of Benjamin Button so uniquely approaches its subject of life and death that one can't help but ponder its themes of love, existence, and mortality. Director David Fincher's latest garners an epic feel, not from its rather lengthy runtime, but from spectacular storytelling and intricate character development - or perhaps undevelopment. A slight loss for affecting drama and a few borrowed elements from notable predecessors can't detract from the amazing journey at hand, one brilliantly entertaining and curious indeed.

As Daisy (Cate Blanchett) lies dying in a New Orleans hospital, she has her daughter Caroline (Julia Ormond) read to her from a mysterious diary that chronicles the peculiar life of Benjamin Button (Brad Pitt). Born as an old man, Button steadily grows younger as everyone around him grows older, and a majestic tale unfolds, one filled with adventure, intrigue, and an epic romance that transcends the restrictions of time.

It's a meditation on life, death, time, fate, forgiveness, love and every emotional experience in between; most often it's beautiful, melancholy, romantic and saddening, but ultimately it suffers from the futility of a predestined course. Although it borrows memorable elements from Titanic (narration by an older character reminiscing on the past) and Forrest Gump (a hummingbird replaces the CG feather, and Cate Blanchett's Daisy mirrors Robin Wright's Jenny, most noticeably in her acceptance of Button only after numerous experimentations in love), The Curious Case of Benjamin Button doesn't suffer from unoriginality. It is exciting, dramatic, epic and refreshing; it may be flawed, especially from a lengthy running time, but still manages to be one of the more impressive films of the year.

The tagline reads: "Life isn't measured in minutes, but in moments." Although the film doesn't exceed at any one element, with its lengthy running time it does include moments for everyone. Falling slightly short in the affecting drama expected of its epic scope, Button still beautifully showcases romance with the constant gaining and losing of Daisy; action at sea with the patriotic Captain Mike (who is also reminiscent of a Forrest Gump character: Gary Sinise's Lt. Dan); and comedy relief aplenty, most memorably from a man who was struck by lightning seven times. The film's focus is mainly about the events and characters that affect Benjamin, as opposed to his own influences; he is an observer of his own existence (thereby decreasing the potency of Pitt's performance, but perhaps increasing its refreshing subtlety). The importance of life and death, the experiences of growing up, and discovering sexuality and love are all viewed in a new, backwards perspective (frequently discouraging for Button - "some creatures aren't meant to survive"), which gives an entertaining twist to the majority of events which would otherwise be unceremoniously routine.

- The Massie Twins


text:
Ik had zulke hoge verwachtingen van deze film. De voorvertoningen waren oogverblindend en het zag ernaar uit dat David Fincher een modern meesterwerk in elkaar had gezet. Fincher kwam van de artistieke triomf van Zodiac en ik nam aan dat deze film zijn voorbeeld zou volgen. Als regisseur leek Fincher zijn obsessies met modieus nihilisme van zich af te hebben geschud. In dit licht bezien is The Curious Case of Benjamin Button een fascinerende, maar uiteindelijk erg holle film. Fincher is duidelijk een begaafd filmmaker, dus is het des te teleurstellender dat hij zijn verhaal heeft gebonden aan banale sentimenten die beter bij een ansichtkaart zouden passen.
Het eerste uur van de film voldoet heel goed aan de hoge maatstaven die door Zodiac worden gesteld. De digitale cinematografie van het stuk is onduidelijk, maar wel toepasselijk in die zin dat ik geloof dat Fincher het wilde laten lijken op een oude foto. De centrale verwaandheid van de hoofdpersoon die achterstevoren ouder wordt, is duidelijk en helder vastgelegd en we voelen ons onmiddellijk met Benjamin Button verbonden. Iedereen die familie is van iemand die op jonge leeftijd met een verschrikkelijke ziekte heeft geworsteld, of die iemand kent, zal heel sterk reageren op de vroege scènes van deze film. Benjamins naïviteit met grote ogen terwijl hij de complexiteit van zijn speciale bestaan probeert te bevatten, is heel ontroerend en subtiel gedramatiseerd. Deze vroege scènes hebben echte ongedwongen charme. We leren niet alleen Benjamin kennen, maar ook de vriendelijke Afro-Amerikaanse vrouw die hem beschermt. We krijgen ook een klein kijkje in het leven van de andere bewoners van het rusthuis waar Benjamin woont. Er zijn maar heel weinig films die het zelfs maar hebben gewaagd om de ontberingen en de kleine compensaties van de gevorderde leeftijd te onderzoeken. Die dingen worden meestal niet besproken in populair amusement. David Fincher en filmschrijver Eric Roth verdienen een eervolle vermelding voor het aansnijden van sommige van deze kwesties. Helaas komt er steeds weer een uitdagend idee of een kwestie ter sprake en wordt het dan onmiddellijk terzijde geschoven ten gunste van een gedwongen opwekking of wordt er gewoon helemaal niet over gesproken. Elke keer dat het interessant wordt, komt de plot in beweging en valt de film terug op filmlogica. De premisse van de film is zo provocerend, dat ik na het eerste uur echt de hoop koesterde dat we in onbekende verhaallijnen terecht zouden komen. Helaas krijgen we dan de gebruikelijke pseudo-onthullingen over tot mislukken gedoemde romances en familiebanden.
Benjamin Button is het raam waardoor we de andere personages zien. Zijn toestand maakt het mogelijk dat de kleurrijkere personages zich excentriek en idiosyncratisch gedragen. De film is in wezen een omgekeerd verhaal over de ouderdom. Naarmate de film vordert, komen met schrikbarende regelmaat verhaalproblemen aan de orde. De centrale kwestie is dat Benjamin nooit echt de spil van het verhaal is. Hij is een reactief personage en daardoor verlies je je belangstelling voor zijn doelstellingen. Pitt probeert een gevoel van menselijkheid in zijn film te leggen. Maar de blanco code die Benjamin Button is, blijft koppig vaag. We weten dat Benjamin dol is op Cate Blanchetts Daisy, maar we krijgen verder geen informatie over zijn karakter. Benjamin lijkt een plezierige metgezel, maar veel meer ook niet. Terwijl Pitt geleidelijk aan verandert in het Griekse matinee-idool dat we allemaal van hem kennen, loopt de film leeg als een ballon.
Benjamins relatie met Daisy is eindeloos en voor het grootste deel vrij van drama. Met alles wat in het tweede deel van het verhaal gebeurt, lijkt het alsof hij de schijn ophoudt. De geliefden beleven een korte idylle, er wordt een kind geboren en dan eist het verhaal dat Benjamin bij Daisy weggaat en op zoek gaat naar een visioen of zoiets. De film doet Cate Blanchett weinig goed, want haar personage verandert van scène tot scène, afhankelijk van de behoeften van het verhaal. Net als Pitt speelt ze een idee in plaats van een personage van vlees en bloed. De twee zijn zo aantrekkelijk en filmsterachtig dat het in feite afbreuk doet aan wat de tragedie van de film zou moeten zijn. Je vraagt je onwillekeurig af waarom deze twee niet dankbaarder zijn voor de overduidelijke gaven die ze hebben gekregen. De gekunstelde, glamoureuze Hollywoodfantasie is als een sleepkabel die deze film weghoudt van de duistere wateren die hij duidelijk moet doorklieven.
De film maakt gebruik van een bespottelijk verband: de stervende oude Daisy ligt in een ziekenhuisbed in New Orleans, terwijl orkaan Katrina nadert. Ze vraagt haar dochter, een gekweld uitziende Julia Ormond, haar voor te lezen uit Benjamins dagboek. Een dagboek waar zij noch haar dochter blijkbaar ooit eerder in hebben gekeken. Dit subplot is om je rot te lachen. We zien elk zogenaamd geheim uit het dagboek op een kilometer afstand aankomen. Wanneer deze plotpunten worden onthuld, slaat Fincher ze over, ze wegwuivend als emotionele gewichten en proberend hun volslagen banaliteit te camoufleren. Je zou verwachten dat de snel naderende orkaan Katrina op de een of andere manier een rol in het verhaal zou spelen, maar dat is niet zo. Net als bij alle andere provocaties in de film wordt de enorme ramp met het oog op de mensenrechten eerst geïntroduceerd en dan weer ontweken. Dit verknoeien van een potentieel provocerend thema is onvergeeflijk. Fincher en Roth zouden zich moeten schamen voor de korte, dramatische uitbrander die ze Katrina geven.
Hoe meer ik over deze film nadacht, hoe meer ik er de pest aan kreeg. Fincher is een te intelligente filmmaker om dit soort oneerlijke, Hollywood-onzin te accepteren. Technisch gezien is de film de op een na beste, wat het des te erger maakt dat hij geen echte ideeën bevat over wat dan ook. Waarom moet het amusement zo verstoken blijven van commentaar op de echte wereld? Is ontsnappen nog het enige waar filmmakers en het publiek nog naar streven? We leven in een tijdperk van ongekende wereldwijde onrust. Het spijt me, maar ontsnappen is niet goed genoeg voor deze tijd. Je hoeft alleen maar naar de politiek en cultureel betrokken films uit de jaren zeventig te kijken om te zien wat we nu missen.

text_en:
I had such high hopes for this film. The previews for it were visually stunning and it looked like David Fincher had crafted a modern masterpiece. Fincher was coming off the artistic triumph of Zodiac and I assumed this film would follow suit. As a director, Fincher seemed to have shaken off his obsessions with fashionable nihilism. In this light The Curious Case of Benjamin Button is a fascinating yet ultimately very hollow film. Fincher is obviously a gifted filmmaker, so it is all the more disappointing that he has tethered his story to banal sentiments that would be better suited to a greeting card.

The first hour of the film holds up quite well to the high standards set by Zodiac. The digital cinematography of the piece is murky, but appropriate in that I believe Fincher wanted it to look like an old photograph. The central conceit of the main character aging backwards is clearly and cleanly established and we are in immediate sympathy with Benjamin Button. Anyone who is related to or knows someone who struggled with a horrible illness at a young age will respond to the early scenes of this film very strongly. Benjamin's wide-eyed naiveté as he tries to grasp the complexities of his special existence is very touching and delicately dramatized. These early scenes have real unforced charm. We get to know not only Benjamin, but the kind African-American woman who shelters him. We are also given a small window into the lives of the other residents of the rest home where Benjamin resides. There are very few movies that have even dared to explore the hardships and also the small compensations of advanced age. These things are not usually discussed in popular entertainments. David Fincher and screen writer Eric Roth should be commended for even broaching some of these issues. Unfortunately, time and again a challenging idea or issue is raised and is then immediately dropped in favor of forced uplift or is simply glossed over completely. Every time things get interesting, the plot kicks into gear and the film falls back on movie logic. The premise of the film is so provocative, that I had real hope after the first hour that we were going into uncharted narrative waters. Sadly, we are then given the usual pseudo-revelations involving doomed romance and familial ties.

Benjamin Button is the window through which we view the other characters. His condition sets the stage for the more colorful characters to behave in eccentric and idiosyncratic ways. The film is essentially a reverse coming of age story. As the film progresses narrative problems start to crop up with alarming frequency. The central issue is that Benjamin never really drives the story. He is a reactive character and because of this you lose interest in his goals. Pitt tries to invest a sense of humanity. However, the blank cipher that is Benjamin Button remains stubbornly vague. We know that Benjamin loves Cate Blanchett's Daisy, but are not given anything further to define his character. Benjamin appears to be a pleasant companion and not much else. As Pitt gradually morphs into the Greek God matinée idol that we all know him to be, the movie deflates like a balloon.

Benjamin's relationship with Daisy is endless and largely drama free. There is a sense of going through the motions with everything that happens in the second part of the narrative. The lovers experience a short idyll, a child is born, and then the narrative demands that Benjamin leave Daisy and go on a vision quest or something. The film does Cate Blanchett few favors as her character changes from scene to scene depending on what the needs of the narrative are. Like Pitt, she is playing an idea rather than a real flesh and blood character. The two of them are so attractive and movie-star like that it actually detracts from what the tragedy of the film is supposed to be. You can't help but wonder why these two are not more thankful for the obvious gifts they have been given? The rote, glamorous Hollywood fantasy is like a tow line holding this film back from the darker waters that it obviously needs to plumb.

The film employs a ridiculous connecting device of having the elderly Daisy dying in a hospital bed in New Orleans as Hurricane Katrina approaches. She requests her daughter, a haunted looking Julia Ormond, read to her from Benjamin's diary. A diary that neither she nor her daughter have apparently ever looked at before. This subplot is squirm-inducingly awful. We can see every supposed secret the diary holds coming a mile away. When these plot points are revealed Fincher skips past them, denying them emotional weight and trying to camouflage their utter banality. One would expect that the rapidly approaching Hurricane Katrina would figure into the plot somehow and one would be wrong. Like every other provocation in the film, the enormous human rights disaster that was Katrina is introduced and then shied away from. This bungling of a potentially provocative theme is unforgivable. Fincher and Roth should be ashamed for the short dramatic shrift they give Katrina.

The more I thought about this film, the more I disliked it. Fincher is too intelligent a filmmaker to embrace this sort of dishonest, Hollywood, twaddle. On a technical level the film is second to none, which makes it all the more of a let down that it contains no real ideas about anything. Why is it that entertainment must be so bereft of commentary relating to the real world? Is escape all that filmmakers and audiences aspire to anymore? We live in an era of unprecedented global tumult. I am sorry, but escape is just not good enough for these times. One need only look at the politically and culturally engaged films of the seventies to see what we are missing now.


text:
Ik heb gisteravond _The Curious Case of Benjamin Button_ gezien. Ik kan geen weerstand bieden aan een nieuwe film van David Fincher. Hij wijkt sterk af van het verhaal van F. Scott Fitzgerald (waarom ik hem misschien zo leuk vond). De opvoeringen, de nasynchronisatie en de regie zijn allemaal verbazingwekkend. Het scenario is een beetje traag en nauwgezet (Eric Roth heeft ook de scenario's geschreven voor Forrest Gump, The Horse Whisperer, M<0xC3><0xBC>nchen, The Good Shepherd), maar de regie maakte dat het perfect werkte (ik geef de voorkeur aan Fincher boven Mann, DeNiro, Redford, Spielberg of Zemeckis). Het voelt echt niet aan als een film van tweeënhalf uur.
Ik kan me gemakkelijk Oscars voorstellen voor Fincher, Taraji Henson, Brat Pitt en Cate Blanchett. '
Wees gewaarschuwd - het is een beetje een huilebalk. Het gaat nogal eens over sterfelijkheid, maar ook over de gebruikelijke bedwelmende onderwerpen als liefde, verlies, oorlog en verlossing... met precies de juiste nuances van hartstocht en vreugde.

10 van de 10.

text_en:
Saw "The Curious Case of Benjamin Button" last night. I can't resist a new David Fincher film. It deviates wildly from the F. Scott Fitzgerald story (which could be why I liked it so much). The performances, make up, and directing are all amazing. The screenplay is a little slow and meticulous (Eric Roth also wrote the screenplays for Forrest Gump, The Horse Whisperer, Munich, The Good Shepherd) but the directing made it work perfectly (give me Fincher over Mann, DeNiro, Redford, Spielberg or Zemeckis any day). It really doesn't feel like a two and a half hour film.

I could easily envision Oscar wins for Fincher, Taraji Henson, Brat Pitt and Cate Blanchett.

Be warned - it is a bit of a tear jerker. It deals with mortality quite a bit, as well as the usual heady subjects of love, loss, war, and redemption... with just the right touches of passion and joy.

10 out of 10


text:
Op een koude avond aan de vooravond van de Tweede Wereldoorlog in Rusland drinkt de vrouw van een diplomaat (Tilda Swinton) thee met een heel eigenaardige sleepbootkapitein die Benjamin Button (Brad Pitt) heet. Als ze hem vraagt waar hij vandaan komt, antwoordt Benjamin: 'New Orleans... Louisiana.' Swintons personage antwoordt: 'Ik dacht niet dat er een andere stad was.'
Dit moment komt ongeveer veertig minuten voor het begin van de film die zich afspeelt op het terrein van een vrouw (Julia Ormond) die haar stervende moeder (Cate Blanchett) voorleest uit het dagboek van Benjamin Button terwijl de orkaan Katrina over New Orleans raast. De geest van een verloren gewaand New Orleans spookt door David Finchers lyrische bewerking van F. Scott Fitzgeralds korte verhaal over een man die ouder wordt. Het valt niet te ontkennen dat deze film vijf jaar geleden niet gemaakt had kunnen worden, niet alleen omdat de technologie er niet was om het proces van veroudering achterstevoren te laten plaatsvinden, maar het zou ook een heel andere film zijn geweest als scenarioschrijver Eric Roth niet in staat was geweest de film te maken met Blanchett op haar sterfbed, terwijl de orkaan Katrina haar leven letterlijk wegvaagt. Het verhaal hangt aan een zijden draadje en de film wordt verteld als een fabel, maar de realiteit van de grotere mysteries van het leven spreekt boekdelen over niet alleen de dood van een man of een vrouw, maar ook de dood van een stad en de dood van een manier van leven. De technische aspecten van de film zijn voor een groot deel bepalend voor het geloof dat het publiek in het verhaal heeft: de make-up, de CGI, de details van het decor en de kostuums. Als je goed kijkt, kun je dingen vinden die je niet kunt uitstaan, zoals de lichaamloze stem van Cate Blanchett die op een klein meisje is afgestemd, maar Fincher bouwt het allemaal naadloos op. Qua omvang en sentiment lijkt 'The Curious Case of Benjamin Button' een volslagen afgang voor een regisseur die gewoonlijk geobsedeerd is door duisterder, gewelddadiger verhalen, maar Fincher heeft zijn plot altijd graag laten beginnen (denk aan 'Zeven' of 'Panic Room') of eindigen (denk aan 'Het Spel' of 'Fight Club') met een gimmick, en hij heeft die altijd mooi gevonden. Fincher is altijd al een filmmaker geweest die geobsedeerd was door de meest geavanceerde technologie (denk maar aan de VIPER-camera die werd gebruikt voor de film 'Zodiac'). Fincher levert voortreffelijk werk met zijn nauwgezette opbouw van deze elementen (met een fraai compliment voor de ingetogen score van Alexandre Desplat), en hij wint het publiek echt voor zich met zijn flashbacks in flashbacks die op zo'n charmant gestileerde manier worden gedaan dat ze ons eraan herinneren dat we naar een film kijken die boven elke andere schijn geniet.
Door de centrale locatie van het verhaal van de oorspronkelijke setting van Baltimore naar New Orleans te verplaatsen, opent Roth de film op een nieuwe manier. Als Daisy ouder wordt en de wereld van Manhattan naar Rusland en Parijs doorkruist, blijven de harten van de personages verenigd in New Orleans. Roth, die ook het thematisch gelijkende Forrest Gump heeft geschreven, doorspekt zijn scenario met veel gedenkwaardige gebeurtenissen uit de twintigste eeuw, maar die momenten ebben en stromen door Benjamins leven, net zoals de andere personages ons laten zien dat het leven slechts uit momenten bestaat. Geen ervan duurt eeuwig.
De bijrollen (onder andere een moedige vertolking van Taraji P. Henson als Benjamins adoptiemoeder die een verpleeghuis runt) zijn fantastisch en geven Pitt en Blanchett de kans om te schitteren als filmsterren. Natuurlijk, deze twee hebben waarschijnlijk elders betere voorstellingen gegeven, maar hier hebben ze rollen gekregen waarvoor ze het best herinnerd kunnen worden, lang nadat hun sterrenkracht is afgezwakt.

In een jaar waarin de films met de meeste impact (zoals 'The Dark Knight') de angsten en gedachtengangen van de tijden waarin we leven hebben aangeboord, is het nogal passend dat een film als 'The Curious Case of Benjamin Button' aan het eind van het jaar opduikt. Het zou zo'n film moeten zijn die het publiek in vervoering brengt in een doodse stilte, maar het is ook het soort film dat meestal onmiddellijk een reactie oproept. Oppervlakkig bezien probeert het een tijdloos verhaal te vertellen, maar op een bitterzoete manier bewijst het juist het tegenovergestelde. Filmsterren als Pitt en Blanchett, films als deze, verhalen, fabels, dromen, steden als New Orleans... geen van die dingen zijn tijdloos. Tijdloosheid is alleen maar een vlucht van de verbeelding... zoals het idee van een man die achterstevoren oud wordt.
Maar wat een prachtige vlucht is het.

text_en:
On a cold night on the eve of WWII in Russia, a diplomat's wife (Tilda Swinton) shares tea with a most peculiar tugboat man named Benjamin Button (Brad Pitt). When she asks him where is he from, Benjamin replies, "New Orleans...Louisiana." Swinton's character replies, "I didn't think there was any other."

This moment comes about forty minutes into the film which has been established on the grounds of a woman (Julia Ormond) reading to her dying mother (Cate Blanchett) from the diary of Benjamin Button as Hurricane Katrina sweeps over New Orleans. The ghost of a New Orleans now lost haunts David Fincher's lyrical adaptation of F. Scott Fitzgerald's short story about a man who ages backwards. There's no denying this film couldn't have been made five years ago, not only because the technology wasn't there to make the process of aging backwards look real, but it would've also been a completely different movie as screenwriter Eric Roth wouldn't have been able to bookend the film with Blanchett on her deathbed as Hurricane Katrina comes to literally wipe away her life. The story is hung on a gimmick, and the film told as a fable, but there's grounding in the reality of life's greater mysteries that speaks volumes about not just the death of a man or a woman, but the death of a city and the death of a way of life.

A big part of making the audience believe in the story falls on the film's technical aspects: the make-up, the CGI, the period-piece details of the film's set designs and costumes. If you look close enough, you can find things to nitpick, like the distracting disembodied voice of Cate Blanchett distorted onto a little girl, but for the most part Fincher constructs it all seamlessly. In terms of scope and sentiment, "The Curious Case of Benjamin Button" seems a complete departure for a director usually obsessed with darker more violent tales, but Fincher has always liked his plots to begin (think "Seven" or "Panic Room") or end (think "The Game" or "Fight Club") with a gimmick, and he's always been a filmmaker obsessed with cutting-edge technology (think of the VIPER camera used to film "Zodiac"). Fincher does a superb job with his meticulous construction of these elements (complimented nicely by Alexandre Desplat's subdued score), and he really wins the audience over with his flashbacks within flashbacks that are done in a charmingly stylized manner that remind us we're watching a movie that's meant to be enjoyed above any other pretense.

By shifting the central location of the story from the original setting of Baltimore to New Orleans, Roth opens the film up to a new layer of interpretation. Though the episodic tale of Pitt's Benjamin growing younger while Blanchett's Daisy grows older spans the globe from Manhattan to Russia to Paris, the characters' hearts remain united in New Orleans. Roth, who also penned the thematically similar "Forrest Gump" peppers his screenplay with many momentous events from the 20th Century, but those moments ebb and flow through Benjamin's life just as the other characters do showing us that life is made only of moments. None of them last forever.

The supporting players (including a gutsy performance from Taraji P. Henson as Benjamin's adoptive mother who runs a nursing home) are wonderful and allow Pitt and Blanchett to shine as the movie stars that they are. Sure, these two have probably given better performances elsewhere, but here they have been given roles for which they might be best remembered long after their star-power has dimmed.

In a year when the films with the most impact (like "The Dark Knight") have been those that have tapped into the fears and mindset of the times we live in, it's rather fitting that a movie like "The Curious Case of Benjamin Button" comes along at the end of the year. It should be one of those movies that hold audiences rapt in hushed silence, but it's also the type of movie that usually receives instant backlash. I wonder how it will stand up over time. On the surface it attempts to tell a timeless tale, but in a bittersweet way proves the opposite. Movies stars like Pitt and Blanchett, movies like this, stories, fables, dreams, cities like New Orleans...none of these things are timeless. Timelessness is just a flight of the imagination...like the idea of a man aging backwards.

But what a wonderful flight it is.


text:
Voor de special effects en om het goed te maken is deze film ongelooflijk. Maar door de lengte van de film krijg je het idee dat er sprake is van een gebrek aan algemene inhoud. De boodschap wordt doorspekt met een reeks levensmomenten die doen denken aan Forrest Gump, maar dan zonder de humor.
Zoals gezegd is de plot van de film zowel eenvoudig als intrigerend. De film volgt het leven van het hoofdpersonage Benjamin Button, die geboren wordt als een tachtigjarige en elk jaar jonger wordt, en zijn confrontatie met Miss Daisy, die voor het eerst gezien wordt als een jong meisje dat zich het verhaal in flashbacks herinnert als een stervende oude invalide. De scheidslijn tussen hun levens, wanneer ze in grote lijnen even oud zijn, vormt de spanning in de film.
Het einde is het sterkste deel van de film. Je moet proberen het eerste uur wakker te blijven. Ik was niet onder de indruk van de acteerprestaties van Brad Pitt. Gezien zijn ongelooflijke acteertalent, zoals getoond in de eerdere Burn After Reading-film, vertrouwt Pitt op de special effects en maakt hij zijn rol goed.
Het oudere Daisy-personage dat zich haar verleden herinnert, doet denken aan het oudere vrouwelijke personage in Titanic. De verhaalvertellende apparaten die in deze film zijn gebruikt, zijn eerder gebruikt in meer memorabele films.

text_en:
For special effects and make up, this movie is incredible. However, the length of the film causes one to believe that there is a lack of overall substance. Its message is cluttered by a series of life moments that are reminiscent of Forrest Gump without the humor.

As advertised the plot of the picture is both simple yet intriguing. The movie traces the life of the main character Benjamin Button born as an 80 year old and growing younger every year and his life's intersection with Miss Daisy first seen as a young lass who recalls the story in flashback form as a dying elderly invalid. The intersection of their lives when both are substantially the same age forms the tension in the movie.

The ending is the strongest part of the film. One should try to stay awake for the first hour. I was underwhelmed by Brad Pitt's performance. Given his incredible acting ability as shown in the earlier Burn After Reading movie, Pitt relies on the special effects and make up to carry his role.

The elderly Daisy character recollecting her past is reminiscent of the elderly female character in Titanic. The story telling devices used in this flick have been used before in more memorable movies.


text:
'The Curious Case of Benjamin Button', hoewel het een sprookjesfilm is vol verwondering, opwinding en vreugde over onverwachte momenten. Het thema is dieper door de vreugden van het leven en de liefde te laten zien. De film is gebaseerd op een kort verhaal van F. Scott Fitzgerald en geregisseerd door David Fincher (die bekend is van zijn donkere thrillers als: 'Seven'). De film is prachtig, omdat veel scènes zo goed zijn gedaan met de tovenaar van de computermagie en de eersteklas camerawerk. Maar het meest opzienbarend is de boodschap die bewijst dat ieder een verwacht pad in het leven heeft en dat iedereen een lot heeft. Maar deze hoofdpersoon leeft op een zeer ongebruikelijke manier, hij leeft het achterstevoren! Stel je voor dat je kunt ontsnappen aan de norm, want we zijn er zo aan gewend om vanaf onze geboorte jong te zijn en te leven tot ons oude lichaam het begeeft. Maar als je het eens andersom probeerde! In deze film speelt Brad Pitt (Benjamin Button) die geboren wordt als 80-jarige en gedurende zijn hele leven achteruitgaat, helemaal tot aan de leeftijd van een baby. Maar vanaf het begin van zijn leven in New Orleans, op de stoep van een bejaardentehuis, gaat z'n leven door de jaren heen, vanaf z'n ontmoeting met mensen en vrienden tot z'n reizen en reizen naar herinneringen die iedereen zou koesteren.
Begin met Button' De vriendschap tussen de twee begint al in het begin, als Benjamin bevriend raakt met een vrouwelijke Daisy (een schitterende vertolking van Cate Blanchett) en vele jaren later, als Benjamin wat ouder begint te worden, ontmoet hij Daisy weer, nadat ze een succesvol balletdanseres is geworden en ze samen een hartstochtelijk liefdesverhaal ontwikkelen waarvan iedereen zou dromen, zo waar en simpel is het.
De film, ook al is hij lang van stof, past goed bij het drama en de ontdekkingsreis van Benjamin, want hij is gedenkwaardig omdat hij op een sleepboot werkt en zijn brood verdient. En omdat hij voor het eerst verliefd wordt en wordt verleid door een elegante en verfijnde getrouwde dame (met een gracieus spel van Tilda Swinton). Het is een film vol ups en downs die voor iedereen normaal zijn, maar toch is het verhaal van ouderdom en leven van deze man het ongewoonst.
Al met al is deze film een meesterwerk van vreugde dat door middel van flashbacks laat zien dat het een echte voorproef is van een historische reis van liefde, drama en verandering, en dat het vooral laat zien dat je altijd gelukkig kunt zijn met jezelf, wat er ook gebeurt. Het is een sprookje en een goochelthema dat goed aanslaat, want het is geweldig om te zien hoe je achteruit kunt gaan en toch van het leven kunt genieten, succes kunt hebben en kunt ontdekken dat liefde verbazingwekkend is. Vergeet niet dat iedereen anders is, dat het oké is om anders te zijn en dat iedereen op een andere manier leeft en het leven doet. Dat is wat dit epische meesterwerk van een film laat zien.' Het is duidelijk een emotioneel en ontroerend beeld om van te houden, omdat het laat zien hoe het leven in een andere volgorde kan zijn, maar toch laat het zien dat het gedenkwaardig kan zijn.

text_en:
"The Curious Case of Benjamin Button" though a fairy tale film of wonder, excitement and joys of unexpected moments broadens it's themes more in depth by showing the joys of life and love. Adapted from a short story from F. Scott Fitzgerald the direction from David Fincher(one who's known for his dark thrillers like:"Seven")is beautiful as many scenes were done so well with the wizard of computer magic and top notch camera work. Yet most catching of all is it's message proving that each have an expected path in life everybody has a fate. Yet this the main character lives his in a most unusual way he lives it backwards! Just imagine escaping the norm as we are so use to living and being in existence from birth being young and living life till our old body gives out. Only how about trying it in reverse! This film has star Brad Pitt(Benjamin Button) who's born as an 80 year old and during his life span he ages backwards all the way to an infant. Yet from the beginning of his start in New Orleans at the doorstep of an old folks home his life spans thru the years from his meeting of people and friends to travels and journeys of memories that anyone would cherish.

Beginning with Button's friendship early on when he befriends a little female Daisy(wonderful performance from Cate Blanchett)and many years later as Benjamin starts to gain his youth he once again meets up with Daisy along the way after she's became a successful ballet dancer and the two will develop a passionate romance and love story that anyone would dream of it was just so true and simple.

The film even though long moves well with it's journey of drama and life discovery for Benjamin as it's memorable for his working and making a living on a tugboat. And his first love and his being seduced by an elegant and sophisticated married lady(played gracefully by Tilda Swinton). The film is clearly a journey of life's common ups and downs that are common for all yet this man's story of age and living is most uncommon.

Overall this film is a masterpiece of joy told thru flashback it's a real taste of a historical journey of love, drama, and changing and most of all it shows to be happy with yourself no matter what. It's fairy tale and magic theme is well enjoyed as the wonder and thrill to see of how one can age backwards and still enjoy life, have success and discover love is amazing. Remember everyone is different, it's okay to be different and everyone lives and does life in a different way. That's what this epic masterpiece of a film shows it's clearly an emotional, and touching picture to love for the way it shows how life can be in a different order yet still it shows that it can be memorable.


text:
('Tot vandaag dacht ik dat TDK naar de beste film van 2008 zou gaan.')
<0x3E><0x3E> Vergis je niet: dit is de beste film van David Fincher! <0x3E><0x3E> Button heeft alle kracht van Seven, maar om totaal andere emotionele redenen.
<0x3E><0x3E> Dit is een warm, bedachtzaam, inspirerend, hartverscheurend, opbeurend voorbeeld van wat er gebeurt als groots schrijven en visueel kunstenaarschap samengaan.
<0x3E><0x3E> Het enige wat ik over het verhaal zal zeggen, is dat het gaat over de liefde voor het leven en de dood en de liefde. Degenen onder jullie die <0xE2><0x80><0x93> net als ik <0xE2><0x80><0x93> op zoek waren naar de ultieme aflevering van _Twilight Zone_ zullen niet teleurgesteld zijn. Het is een liefdesverhaal. Het heeft een liefde voor taal. Het is ingewikkeld. Het is prachtig geacteerd. Hij ademt (hij is bijna 3 uur lang want dat moest wel). Hij gebruikt de bliksem keer op keer als klap op de vuurpijl voor een geweldig effect.
Fincher is altijd een Michaelangelo geweest, een Rembrandt, een DaVinci als het om beelden gaat & hij is hier op het toppunt van zijn macht. Als je niet verleid wordt door wat je ziet dan zal Button je misschien vervelen. Er zijn beelden in deze film waar ik langer naar zou kunnen kijken dan naar de paar seconden dat ze op het scherm verschijnen.
HOWEVER

Geen enkele film werkt als het verhaal je niet grijpt. Deze heeft het kennelijk wel. Afgezien van beelden is het een genot om zowel te luisteren als te kijken.
De optredens van een grote cast onder leiding van Brad Pitt & Cate Blanchett zijn fantastisch.
Ik heb een paar eerste recensies gelezen die de film uiteindelijk koud laten klinken <0xE2><0x80><0x93> een gebruikelijke Fincher-grap. Hij heeft Finchers kenmerkende intellect (als hij het nog niet heeft getypeerd, zou hij dat moeten doen). HET IS NIET KOUD. Hij heeft de emotionele kracht van een sleepboot die een gezonken passagiersschip binnenbrengt.
Anderen hebben kritiek op Button omdat het te veel van het goede is & omdat er te veel elementen in zitten & dat is ook zo. En ik heb liever een film die te veel probeert dan een die te weinig probeert.
Je moest je wel afvragen waarom ze tot eerste kerstdag hebben gewacht om deze film uit te brengen. Het antwoord komt wanneer je het ziet, omdat het de enige dag is waarop ze het hebben kunnen uitzenden. DE GEHEIME KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLEINE KLE

text_en:
('Til today I thought TDK was going to the best movie of '08.)

Make no mistake about it this is David Fincher's best film! ...Button has all the power of Seven but for entirely different emotional reasons.

This is a warm, thoughtful, thought-provoking, heart breaking, uplifting example of what happens when great writing meets visual artistry.

The only thing I'll say about about the story is that it is about the love of Life & Death & Love. Those of you who --like me-- who were looking for the ultimate Twilight Zone episode will not be disappointed. It is a love story. It has a love of language. It is complex. It is beautifully acted. It breathes (it is nearly 3 hours long because it had to be). It uses lightning as a punchline over & over again to great effect.

Fincher has always been a Michaelangelo, a Rembrandt, a DaVinci when it comes to visuals & he at the height of his powers here. If you are not seduced by what you see then Button may bore you. There are frames in this film that I could stare at for long, long minutes rather than the few seconds that they appear on screen.

HOWEVER

No movie works if the story doesn't grab you. Obviously this one has it. Visuals aside, it is a delight to listen to as well as look at.

The performances from a large cast lead by Brad Pitt & Cate Blanchett are wonderful.

I've read some early reviews that the movie is ultimately cold --a common Fincher rap. It has Fincher's trademark intellect (if he hasn't trademarked it yet, he should). IT IS NOT COLD. It has the emotional power of a tugboat bring in a wrecked liner.

Others criticize Button for being too much of a good thing & that it has too many elements & it does. And I'd rather have a film try too hard then try too little.

You had to wonder why they waited until Christmas Day to release this film. The answer arrives when you see it because it is the only day they could have released it. THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON is Santa's (and Fincher & crew') present to people who truly love movies.


text: Een afgedankte bokser krijgt een magische kans om een belangrijk gevecht te winnen, dankzij de 'grote, grote wens' van een kleine jongen die hem verafgoodt.<br />Dit is een van de meest onderschatte afleveringen van de serie, met briljante optredens van Ivan Dixon als de bokser en Steven Perry als de jongen. Opmerkelijk omdat het een tv-aflevering was met Afro-Amerikaanse acteurs in rollen van vlees en bloed, maar het had absoluut niets te maken met de rechten van de burger. Serlings gevoelige script en vernieuwende invalshoek helpen ook bij het creëren van een prachtig en prachtig doordacht verhaal over het belang van geloof en de tragedie van het cynisme dat leeftijd en ervaring kunnen creëren.

text_en:
A washed-up boxer is given a magical chance to win an important fight, thanks to the "big, tall wish" of a little boy who idolizes him.

This is one of the most underrated episodes of the series, featuring brilliant performances from Ivan Dixon as the fighter and Steven Perry as the boy. Remarkable for its time as a TV episode featuring African-American actors in flesh-and-blood roles, but had nothing whatsoever to do with civil rights issues. Serling's sensitive script and innovative direction also help create a beautiful and superbly realized story about the importance of faith, and the tragedy of the cynicism that age and experience can create.


text: Een bokser merkt dat hij op magische wijze een gevecht wint dat hij in werkelijkheid heeft verloren. Dat komt door de wensen van een kleine jongen die hem bewondert. Dat stelt hem in staat een belangrijker gevecht te beginnen. Dit gaat over het idee van geloof en hoop. Naarmate de episode vordert, desintegreren geloof en hoop. De jongen wordt een slachtoffer. Het onderwerp dat belangrijker is, is de kleurenblindheid van Rod Serling. Ik kan me voorstellen dat een cast die bestond uit twee Afro-Amerikanen in die tijd buitengewoon vrijpostig zou zijn geweest. Ik vraag me af hoe Joe Six Pack hierop zou hebben gereageerd, ook al was hij een fan van de Twilight Zone. Het acteerwerk is goed en het was goed om wijlen Ivan Dixon (Hogan) te zien. Serling was een visionair. Hij was een van de beste acteurs van zijn tijd. Hij speelde heel goed toneel. Je vraagt je af hoeveel geweldige acteurs er uit de toneelwereld zijn gebannen.

text_en: A boxer finds himself magically winning a fight he actually lost. It is due to the wishes of small boy who admires him. This allows him to move on to a more important fight. This is about the idea of faith and hope. As the episode goes along that faith and hope disintegrates. The boy becomes a victim. The issue that is more important is the color blindness of Rod Serling. I would imagine a cast featuring two African Americans would have been extremely bold at this time. I wonder how Joe Six Pack would have received this, even if he were a fan of the Twilight Zone. The acting is good and it was good to see the late Ivan Dixon (Hogan's Heroes) doing quite an outstanding acting job. It makes you wonder how many wonderful actors were locked out of the industry. Serling was a visionary.


text: Ik vind het moeilijk om de boodschap van dit voorval te verwerken, het komt niet zo positief op me over. Je hebt de jonge Henry die Bolie Jackson geweldig vindt <0xE2><0x80><0x93> 'Jij bent mijn vriend Bolie, jij bent mijn goede en intieme vriend'. Ik moet je zeggen dat dat soort vriendschap meer waard is dan wat ook ter wereld. Omdat er niet genoeg mensen op de wereld zijn om in magie en wensen te geloven, vond ik het bijna wreed dat Bolie Henry's grote, grote wens wegnam om iets geweldigs voor zijn vriend te doen. Ja, ik weet het, Bolie probeerde Henry te helpen beseffen dat de 'echte' wereld niet zo is.' Je kunt wel hopen en wensen doen, maar zou het zo erg zijn geweest om Henry te helpen in wonderen te geloven? Je weet wel, het soort wonderen dat lijkt op 'Ja, Virginia', het soort dat van een loser een winnaar maakt met een gebed en een'maak het nou maar waar'. Ik vond het een beetje triest dat Henry aan het eind van het verhaal 'opgroeide' in het besef dat hij misschien te oud was voor magie en wensen. Ik doe mijn best om een alternatief einde voor het verhaal te bedenken, maar ik kom niets te weten. Het lijkt erop dat Rod Serling zichzelf deze keer in een hoek heeft gemanoeuvreerd en geen slimme uitweg heeft kunnen bedenken. Misschien had Henry beter kunnen leren dat proberen en falen beter is dan helemaal niets proberen, en zou Bolie een betere vriend zijn geweest omdat hij die leraar was.

text_en: I'm having difficulty assimilating the message of this episode, it doesn't come across as all that positive to me. You have young Henry who thinks the world of Bolie Jackson - "You're my friend Bolie, you're my good and close friend". I have to tell you, that kind of friendship is worth more than anything else in the world. With not enough people in the world to believe in magic and wishes, I found it almost cruel that Bolie would take away Henry's big, tall wish to do something wonderful for his friend. Yes, I know, Bolie was trying to help Henry realize that the 'real' world doesn't work on hopes and wishes, but would it have been so bad to help Henry believe in miracles? You know, the kind of miracles that resemble 'Yes, Virginia', the kind that turns a loser into a winner with a prayer and a just make it so. I thought it just a little sad that Henry 'grew up' at the end of the story by realizing that he might be too old for magic and wishes. I'm trying hard to come up with an alternate ending for the story, but I'm coming up empty. It seems like this time, Rod Serling painted himself into a corner and couldn't come up with a clever way out. A better take away might have been for Henry to learn that trying and failing is better than not trying at all, and would have made Bolie a better friend for being that teacher.


text:
Rod Serling had affiniteit met boksen in zijn verhalen, met name met het leven van een oude, afgetobde bokser. Naast 'De Grote Dwaze Wens' schreef hij het korrelige en trieste script voor 'Requiem voor een Zwaargewicht' (dat zowel voor tv-films als speelfilms geschikt was). Het is duidelijk dat Serling een hekel moet hebben gehad aan wat deze'sport' mannen aandeed, en hij had een vaardig gevoel voor dat soort verhalen.
Dit verhaal gaat over Bolie Jackson (acteur/regisseur Ivan Dixon) <0xE2><0x80><0x93> een trieste man wiens gezicht de littekens vertoont van een man die te lang in de vechtsport heeft gezeten. Hij heeft een speciale vriendschap met een jonge buurjongen die tegen hem opkijkt en hem aanbidt. Bolie is dan wel uitgeblust, maar voor Henry is hij iemand om te bewonderen.
Vreemd genoeg lijkt Henry te geloven dat als hij maar hard genoeg wenst, ALLES kan gebeuren <0xE2><0x80><0x93> zelfs als Bolie een wedstrijd wint die hij nooit kan winnen. Net als in de film PINOCCHIO: als je maar hard genoeg wenst, kan alles gebeuren. Door een wending zoals je zou verwachten in 'The Twilight Zone', lijkt die wens uit te komen... zolang je maar gelooft.
Over het geheel genomen mist deze aflevering de vreemdheid en de vreemde wendingen die ik zo waardeerde van de serie. Maar hij had ook een geweldig acteerwerk en een voortreffelijk script over mensen <0xE2><0x80><0x93> iets wat je vaak niet zag in andere afleveringen. Hoewel het geen geweldige bijrol was, had het wel pit en was het triest, maar goed geschreven en de moeite van het bekijken waard. Het was ook leuk dat er voor het eerst in dit tijdperk een zwarte acteur en een zwarte cast in een doorsnee tv-serie optraden.

text_en:
Rod Serling had an affinity for boxing in his stories--in particular, the life of an old and haggard journeyman boxer. In addition to "The Big Tall Wish", he penned the gritty and sad script for "Requiem for a Heavyweight" (which was both a made for TV movie and feature film). It's obvious that Serling must have hated what this 'sport' did to men and he had a deft touch with such stories.

This particular tale is about Bolie Jackson (actor/director Ivan Dixon)--a sad man whose face show the scars indicating a man who has stayed too long in the fight business. He has a special friendship with a young neighbor boy who looks up to him and adores him. Though Bolie is all washed up, to Henry he is somebody to admire.

Oddly, Henry seems to believe that if he wishes hard enough, that ANYTHING can come true--even Bolie winning a match he has no chance of winning. Like the movie PINOCCHIO, if you wish hard enough anything can happen. Through a twist like you might expect in "The Twilight Zone", this wish seems to come true...as long as you believe.

Overall, this episode lacks much of the weirdness and strange twists that I loved from the show. However, at the same time, it also had wonderful acting and a superb script about people--something you often did not see in other episodes. While not a great installment, it had heart and was sad but well-written and worth seeing. It also was nice that for once in this era a Black man and cast be featured in a mainstream TV show.


text: Mijn broer en ik kijken al naar _Twilight Zones_ sinds ze in het begin van de jaren zestig voor het eerst te zien waren. Deze aflevering is altijd een van onze favorieten geweest. 'The Big Tall Wish' is een prachtig verhaal over hoop en verwachting, subtiel verpakt in de geschiedenis van het ras. De scène waarin het imponerende kind dat 'The Big Wish' maakt heel gedenkwaardig is... 'Please, Please...' Mijn broer en ik hadden het er vaak over wanneer we mogelijkerwijs de Big Wish moesten maken. En toen gebeurde het... Mijn broer Jeff, die in Los Angeles woont, was in New York tijdens de ALCS-serie. Omdat we allebei al meer dan twintig jaar fanatieke Red Sox-fans waren, waren we erg onder de indruk van de manier waarop de Series verliepen. De avond voordat hij terugging naar LA was bijna de druppel die de emmer deed overlopen. De Sox verloren met 3-1. Jeff, die kaartjes voor de wedstrijd van de volgende dag had, zei wanhopig: 'Ik ga naar huis, naar een begrafenis.' De wedstrijd van de volgende dag was bijna afgelopen, maar de Sox stonden met 3-3 voor toen ze de laatste slagbeurt ingingen. Don Baylor sloeg een HR om hen binnen 1 slag te brengen. Met 2 man uit en een man op de plaat kwam Dave 'Hindu' Henderson naar de plaat. De Angels reageerden met hun beste invaller, Donnie Moore. Mijn broer, die op de linkerveldtribune zat en de impact van het moment voelde, sloot zijn ogen en maakte 'the big tall wish'. 'Hindu' lanceerde er prompt een op, nota bene, de linkerveldtribune. Hoewel de Angels er een eind aan maakten, wonnen de Red Sox uiteindelijk de wedstrijd en wonnen ze de serie. Mijn broer noemde mijn rechtse na de wedstrijd hysterisch en mompelde iets over 'the big tall wish'. Ik wist meteen wat er was gebeurd en hoe onze wederzijdse adoratie voor deze serie en vooral deze episode de loop van de geschiedenis had veranderd, althans vanuit ons vertekende perspectief.

text_en: My brother and I have been watching and re-watching Twilight Zones since they first an live back in the early 60's. This episode has always been one of our favorites. "the Big Tall Wish" is a great tale of hopes and expectation wrapped subtly in the history of race. The scene in which the impressible kid who makes 'the BIG WISH' is quite memorable . . . "Please, Please . . . .". My brother and I would talk about when we would potentially need to make the BIG WISH. And then it happened. . . My brother Jeff, who lives in Los Angeles, had been in New York during the ALCS series. Being both ardent Red Sox fans for over 20 years at that point, we were really bummed by the way the Series was going. The night before he was leaving to go back to LA was almost the last straw. The Sox lost to go down 3-1. Jeff, who had tickets to the game the next day stated forlornly "I'm going home to a funeral". The game the next day was close but the Sox found themselves down by 3 entering the last at bat. Don Baylor hit a HR to bring them within 1 run. With 2 outs and a man on, Dave 'Hindu' Henderson came to the plate. The Angels countered with their top reliever, Donnie Moore. My brother, sitting in the left field bleachers and sensing the impact of the moment, closed his eyes and made 'THE BIG TALL WISH'. 'Hindu' promptly launched one into, of all places, the left field bleachers. Although the Angels tied it up, the Red Sox eventually won the game and went on to win the series. My brother called my right after the game hysterical and mumbled something about making 'THE BIG TALL WISH'. I knew immediately what had happened and how our mutual adoration with this series and, in particular, this episode had changed the course of history. at least from our distorted perspective.


text:
'Ontmoeting op het veld' is een verrukkelijke serie uit de pen van Kay Mellor die ons de voortreffelijke, veel duisterder 'Ontmoeting in het goud' heeft gegeven. We hebben weer een groep vrouwen in het middelpunt van het verhaal, deze keer zijn het voetballers in plaats van prostituees.
Hoewel zaken als drugsgebruik, ontrouw en een schokkend familiegeheim zijn inbegrepen, is 'Ontmoeting op het veld' tamelijk luchthartig en goedmoedig en als je niet kunt raden wie de climactische bekerfinale wint... Nou ja, ik ga niet voor een spoiler zorgen! Eerlijk gezegd vond ik de feitelijke scènes van dames die voetbalden het minst overtuigende onderdeel van de show.
<0x3E> De beste cast is van grote belangstelling, met inbegrip van twee van de sterren van de populaire Engelse komedie <0xC3><0xA0>Cold Feet, James Nesbitt & John Thomson, en een paar gezichten van de hilarische <0xC3><0xA0>Royle Family, plus de voortreffelijke Lesley Sharp (Clocking Off, The Full Monty), Melanie Hill (Crocodile Shoes) en anderen.
<0x3E> Zeer aanbevolen.

text_en:
`Playing the Field' is a delightful series from the pen of Kay Mellor who gave us the excellent, much darker `Band of Gold'. We again have a group of women at the centre of the story, this time they are soccer players rather than prostitutes.

Although issues like drug-taking, infidelity and a shocking family secret are included `Playing the Field' is fairly light-hearted and good-natured and if you can't guess who wins the climactic Cup Final Well, I'm not going to provide a spoiler! As a matter of fact I found the actual scenes of ladies playing football the least convincing part of the show.

The top grade cast is of great interest with two of the stars of popular English comedy-drama `Cold Feet'. James Nesbitt & John Thomson, appearing as well as a couple of faces from the hilarious `Royle Family' plus the superb Lesley Sharp (Clocking Off, The Full Monty), Melanie Hill (Crocodile Shoes) and others.

Highly recommended.


text: Door op internet te zoeken ben ik erachter gekomen dat er 5 series waren waarin het veld werd bespeeld, waarvan ik de eerste 4 heb gezien. Series 5 zijn nooit uitgebracht en ik kan me niet herinneren wat er in die serie is gebeurd, omdat ik het op tv heb gezien. Weet iemand anders het?! Dit was een goede serie, zij het een beetje voorspelbaar en sommige personages waren een beetje ongelukkig! Mijn favoriete verhaal was waarschijnlijk dat van Geraldine/Dave/Rick, dat ik me niet kan herinneren (en dat ik nooit meer zal zien tenzij het wordt uitgebracht <0xE2><0x80><0x93> hint hint!) omdat ik me serie 5 niet kan herinneren. Ik weet niet hoe het afliep! Deze verhaallijn duurde langer dan de hele serie en dus zou het een heel goed einde zijn geweest <0xE2><0x80><0x93> als ik het me maar kon herinneren! Ik vind het niet logisch om de eerste vier series uit te brengen en niet de vijfde <0xE2><0x80><0x93> iemand noteer dit!!!

text_en: From trawling on the internet, I've discovered that there were 5 series of playing the field, of which I've seen the first 4. Series 5 was never released and I can't remember what happened in it from watching it on TV. Does anyone else know?! This was a good show, if a little predictable in places and some of the characters were slightly miserable! My favourite storyline was probably the Geraldine/Dave/Rick one, which, as I can't remember series 5 (and will never see it again unless it's released - hint hint!) I don't know the conclusion! This storyline lasted over all of the series so would have come to a really good ending - if only I could remember it! It doesn't make any sense to me to release the first four series and not the fifth - someone please take note!!!


text: Ik heb echt genoten van deze serie, maar waarom staat geen van de vaste leden van de cast op deze pagina? Lesley Sharp en Lorraine Ashbourne, om er maar twee te noemen. Mevrouw Mullen, meneer Mullen, Matthew Mullen, Luke Mullen, Jo Mullen, Theresa Mullen, Geraldine, Dave, Rick <0xE2><0x80><0x93> ze zijn allemaal weg! Wat is er aan de hand? Ik heb geprobeerd de naam te achterhalen van een actrice die in deze serie heeft gespeeld, maar haar naam staat er niet bij. Veel van de acteurs in deze serie zijn doorgegaan met de hoofdrol in veel andere zeer kijkbare programma's. Het is teleurstellend als je op deze site naar informatie zoekt en die ontbreekt. Ik zocht naar details van een recent programma en er was helemaal niets over te vinden! Ik weet dat het even moet duren voor ik alles heb ingehaald, maar ik vind deze site echt nuttig en ik ben er de laatste tijd nogal teleurgesteld over.

text_en: I really enjoyed this series but why are none of the regular cast members listed on this page? Lesley Sharp and Lorraine Ashbourne to name just two of them. Mrs Mullen, Mr Mullen, Matthew Mullen, Luke Mullen, Jo Mullen, Theresa Mullen, Geraldine, Dave, Rick all of them are missing! What's going on? I tried to find out the name of an actress who was in this series and her name is not listed. A lot of the actors in this series have gone on to star in many other very watchable programmes. It is disappointing when you look for information on this site and it is missing. I looked for details of a recent programme and there was no information about it at all! I know it must take some time to catch up but I really find this site useful and have been quite disappointed lately with it.


text:
Als je Fellini's SATYRICON alleen op basis van de beelden zou beoordelen, zou het beeld van een fantasmagorische mengeling van sensuele schoonheid en de onsmakelijke, maar grotesk aandoende, groteske setting in een oud Rome dat er nooit geweest is, nooit had kunnen zijn, maar dat toch inspeelt op alle extreme ideeën die we in het geheim koesteren over de Romeinse decadentie. De hoofdpersonen zijn ongelooflijk mooi, de vrouwen zijn over het algemeen verleidelijk verdorven, en de brede visie die Fellini biedt is zonder meer een van de visueel verbluffende creaties die ooit op film zijn gezet.
En toch is de film vreemd genoeg steriel. Het verhaal is onmogelijk te beschrijven, een reeks van grotendeels niet met elkaar in verband staande gebeurtenissen in het leven van twee onmogelijk knappe jongemannen (Martin Potter en Hiram Keller) die de film beginnen door te vechten om de seksuele gunsten van een slaafjongen (Max Born) die hen afwisselend verenigt en verdeelt, tot ze alle drie verkocht worden als slaven en van het ene avontuur in het andere worden gesmeten, meestal met seksuele (en vaak homoseksuele) bijbetekenissen. Fellini wil duidelijk iets zeggen over de trivialiteit en leegte van een leven dat alleen voor lichamelijke genoegens wordt geleefd.
Maar de film is zenuwachtig, onsamenhangend, onsamenhangend; de scènes komen niet altijd op dezelfde manier uit elkaar voort, waardoor de kijkers worden geconfronteerd met een soort 'wat krijgen we nou...' De reactie wanneer de film onverwachts en zonder enige verklaring van plaats verandert. (Dit is in feite in overeenstemming met de oorspronkelijke oude tekst, waarvan slechts gedeelten zijn overgebleven.) Het gevolg is dat SATYRICON niet zozeer over een filosofische uitspraak van Fellini gaat als wel over pure filmische pracht en praal en opzettelijke vreemdheid.
Wat er ook aan mankeert, het is een verbazingwekkende film, en een film die een enorme invloed zou hebben op een hele reeks regisseurs die Fellini's voorbeeld zouden volgen <0xE2><0x80><0x93> zij het tot vervelens toe zonder zijn stijl en visie. Het is duidelijk dat Pasolini, directeur van werken als SALO, ARABIAN THOMAS AND CANTERBURY TALES, het grootste deel van zijn grotendeels onbetreurde leven heeft geprobeerd Fellini de loef af te steken; bovendien is het onmogelijk je voor te stellen hoe Tinto Brass en Bob Guccione bij de beruchte CALIGULA terecht zijn gekomen zonder Fellini's SATYRICON te noemen.
Zulke pogingen om SATYRICON uit te breiden waren alleen explicieter en minder interessant dan het origineel, en ik kan ze niet echt aanbevelen <0xE2><0x80><0x93> en ik kan SATYRICON ook niet echt aanbevelen voor iemand anders dan Fellini-fans, want met zijn merkwaardig onsamenhangende gevoel is het onwaarschijnlijk dat het degenen die op de mainstream zijn opgegroeid zal bevallen. Toch is het een krachtige, opmerkelijk mooie en volkomen onverwachte film die minstens één keer gezien moet worden door iemand met een serieuze belangstelling voor de wereldcinema, en voor die mensen kan ik hem zonder aarzeling aanbevelen.

Gary F. Taylor, alias GFT, Amazon Reviewer, alias de 'Amazone'.

text_en:
If one rates a film on visuals alone, Fellini's SATYRICON would surely be completely off the scale: a phantasmagorical mixture of sensual beauty and the distasteful but evocative grotesque set in an ancient Rome that never was, never could have been, and yet which plays up to every extreme concept we secretly harbor about Roman decadence. The leading men are incredibly beautiful; the women are generally seductively depraved; and the broad vision that Fellini offers is easily one of the visually stunning creations ever put to film.

And yet, oddly, the film is sterile. The story is impossible to describe, a series of largely unrelated events in the lives of two impossibly handsome youths (Martin Potter and Hiram Keller) who begin the film by battling over the sexual favors of a slave boy (Max Born) who alternately unites and divides them until all three find themselves sold into slavery and flung from adventure to adventure, most often with sexual (and frequently homosexual) connotations. Clearly, Fellini is making a statement about the triviality and emptiness of a life lived for physical pleasures alone.

But the film is jumpy, disjointed, disconnected; the sequences do not always arise from each other in any consistent way, leaving viewers with a sort of "what the ..." reaction when the film unexpectedly shifts without explanation. (This is actually in keeping with the original ancient text, of which only portions remain.) In consequence, SATYRICON is ultimately less about any philosophical statement Fellini may have had in mind than it is about sheer pictorial splendor and deliberate weirdness.

Whatever its failings, it is an astonishing film, and one that would have tremendous influence on a host of directors who followed in Fellini's wake--although all to often without his style and vision. Clearly Pasolini, director of such works as SALO, ARABIAN NIGHTS, and CANTERBURY TALES spent the better part of his largely unlamented life trying to out-Fellini Fellini; likewise, it is impossible to imagine how Tinto Brass and Bob Guccione arrived at the notorious CALIGULA without reference to Fellini's SATYRICON.

Such efforts to expand on SATYRICON were merely more explicit and less interesting than the original, and I do not really recommend them--nor do I really recommend SATYRICON for any one other than Fellini fans, for with its oddly disjointed feel it is unlikely to please those raised on mainstream. Still, it is a powerful, remarkably beautiful, and completely unexpected film that must be seen at least once by any one with a serious interest in world cinema, and to those I recommend it without hesitation.

Gary F. Taylor, aka GFT, Amazon Reviewer


text:
Fellini confronteert ons met een weefsel van decadentie tijdens het Romeinse Rijk, met zulke verbluffende combinaties van uitzonderlijke beelden van een instortende samenleving dat je onwillekeurig wordt herinnerd aan onze eigen tijd en de verontrustende moraliteit van die tijd.
De film is losjes gebaseerd op het boek van Petronius, over de wapenfeiten van twee jonge Romeinen, Ascilto en Encolpio, die zich in het hele rijk wagen en zich zowel aan heteroseksuele als aan homoseksuele relaties te buiten gaan. In de loop van deze proliferatie van de sensualiteit wordt Ascilto impotent en gaat hij als een waanzinnige op zoek naar een remedie die in een tragedie eindigt voor Encolpio.
De film. De behandeling van de seksuele decadentie is opmerkelijk krachtig zonder expliciet te zijn.' In feite brengt het, in het licht van de mentale beelden die het biedt, maar heel weinig in beeld! Maar er is een grote hoeveelheid mysterieuze hoeren, hedonisten, gulzigaards en grove toegeeflijkheid voor vleselijke lusten. Te midden van deze chaos is er echter een prachtig licht respijt als de jonge Romeinen een verlaten villa tegenkomen... Er is een heel charmant slavinnetje achtergebleven, dat de twee mannen speels in een erotisch spel betrekt.
Afgezien daarvan wordt de seks beschreven als bizar, verleidelijk, suggestief over verborgen geheimen, de regels van de moraal overtredend en verder gaand dan de limiet.

text_en:
Fellini engages us through a tapestry of decadence during the Roman Empire with such stunning juxtapositions of exceptional images from a collapsing society that one cannot help but be reminded of our own times and its disconcert morality

The film is freely adapted from Petronius' book, which is the exploits of two young Romans, Ascilto and Encolpio, as they venture throughout the empire, indulging in both heterosexual and homosexual relationships In the course of this proliferation of sensuality, Ascilto becomes impotent and madly goes for a cure which ends in tragedy for Encolpio

The movie's treatment of the sexual decadence is remarkably powerful without being explicit In fact, in light of the mental images it presents, it actually puts on view very little on screen But there is a great quantity of mysterious whores, hedonists, gluttons, and gross indulgence in carnal pleasure In the midst of this chaos, however, there is a beautifully light reprieve as the young Romans come across a forsaken villa... A very charming slave girl has remained behind, and she playfully troubles the two men into an erotic game

Apart from that, the sex is portrayed as bizarre, tempting, suggestive of hidden secrets, violating the rules of morality, and going beyond the limit


text:
'Satyricon' is een van de vreemdste en kleurrijkste, grootste-van-het-leven-films die ik ooit heb gezien, samen met Erasurehead, Erendira, Santa sangre, Naked lunch... Als die je niet aanstaan, probeer dan niet eens 'Satyricon'.
Aan de ene kant zijn de vele tekortkomingen nogal verontrustend. De onsamenhangende dialogen (slechte post-synchroon), het feit dat de film niet echt een verhaal vertelt en ook geen zinnige morele of filosofische concepten uitstraalt... dus je zou kunnen zeggen dat het eigenlijk een saaie film is. Het geweld in deze film lijkt niet echt te kloppen, net zomin als de homoseksualiteit, en het 'romantische decadentie'-portret.
Aan de andere kant behoren de decors, de decors, de kostuums en de makup tot de schitterendste die je ooit in de bioscoop zult zien, en de cinematografie... tja... Misschien wel de BESTE die je ooit zult zien. Ik kan geen enkele andere film bedenken die kan wedijveren met 'Satyricon's oogverblindende cinematografie. Elke scène is een fantastische film, met verschillende visuele lagen, bijzondere belichting en scherpte, een heleboel verzinsels, visuele flair, en de algehele technische meesterschap is verbluffend.
Het resultaat heeft voor sommigen iets hypnotiserends, voor anderen iets totaal weerzinwekkends. Ik moet zeggen dat ik meer aan de gehypnotiseerde kant ben, omdat ik me voornamelijk concentreerde op de visuele/meditatieve aspecten van de film, niet op de verhalende.
Als je echt in de bioscoop zit, en dan bedoel ik meer als een artistieke media dan als amusement, moet je 'Satyricon' zien, want het is naar mijn idee de meest visueel indrukwekkende film die ooit is gemaakt. Wees echter voorbereid op enige teleurstelling over de film als geheel.

text_en:
"Satyricon" is among the weirdest and most colorful, larger-than-life movies I've ever seen, along with Erasurehead, Erendira, Santa sangre, Naked lunch... If you don't like these, don't even try "Satyricon".

On one hand, its many flaws are rather upsetting. The out-of-sync lipping (bad post-sync), the fact that the movie neither really tells a story nor evocates sensible moral or philosophical concepts... so one may say it's actually a dull movie. The violence in this movie doesn't seem to make real sense, neither does the homosexuality, neither does the "romanian decadence" portrait.

On the other hand, the scenography, the sets, the costumes and makup are among the most dazzling ones you'll ever see in cinema, and the cinematography... well... maybe the BEST one you'll ever see. I can't think of any another movie able to compete with "Satyricon"'s mindblowing cinematography. Each scene is a terrific picture, with several visual layers, extraordinary lights and focuses, a lot of invention, of visual flair, and the overall technical mastery is stunning.

The result is something mesmerizing for some, totally disgusting for others. I have to say I'm more on the mesmerized side, because I was mainly focused on the visual/meditative aspects of the movie, not on the narrative ones.

If you're really into cinema, I mean as an artistic media more than as entertainment, you MUST see "Satyricon", as it's to my sense the most *visually* outstanding movie ever made. Be prepared for some disappointment about the movie as a whole, though...


text: Het was algemeen bekend dat de beroemde Italiaanse regisseur Federico Fellini aan het eind van de jaren zestig experimenteerde met lsd. Daarom was 'Juliet of the Spirits' zo bizar en kleurrijk. Maar de hoofdfilm uit 1969, 'Fellini Satyricon', was nog vreemder dan de vorige Fellini-films. Het verhaal is losjes gebaseerd op de roman van Petronius en gaat over twee mannen uit het Romeinse Rijk die vechten om de liefde van een jongen. Later krijgen ze veel vreemde en kleurrijke tegenslagen te verwerken. Deze film kan voor sommigen bizar zijn, met zijn groteske beelden, een lichte orgie, dwergen en zelfs een hermafrodiet. De decorstukken zijn niet van deze wereld. Het is alsof je gevangen zit in een droom van twee uur. Vele malen had ik geen idee wat er aan de hand was, maar dat hinderde me niet. Satyricon is een visuele decadente hoofdreis van kleur. Fellini beschouwde deze film als een sf-film uit het verleden. Ik beschouw Fellini als een genie; hij heeft een film ontworpen die een geweldig substituut voor drugs is. Als je van 'Fellini Satyricon' houdt, moet je ook naar Vera Chytilova's 'Daisies' (1966), Alejandro Jodorowsky's 'The Holy Mountain' (1973), Guy Maddins 'Careful' (1992) en Tsui Harks 'Green Snake' kijken. Al deze films bevatten heldere kleuren en surrealistische beelden. Geniet ervan!

text_en: It was well known that in the late 60's, famed Italian director Federico Fellini experiment with LSD. That's why "Juliet of the Spirits" was so bizarre and colorful. But the 1969 head trip "Fellini Satyricon" was even stranger than previous Fellini films. Loosely based on the novel by Petronius, the beginning of the story concerns two men in the B.C. Roman era fighting over the love of one boy. Later they have many strange and colorful misadventures. This film may be to bizarre for some; with its grotesque images, a mild orgy, dwarfs and even a hermaphrodite goddess. The set pieces are out of this world. It's like being caught in a two hour dream. Many times I had no idea what was going on, but that didn't bother me. Satyricon is a visual decadent head trip of color. Fellini considered this film a sci-fi of the past. I consider Fellini a genius; he's designed a film that makes a great substitute for drugs. If you enjoy "Fellini Satyricon" you should also watch Vera Chytilova's "Daisies" (1966), Alejandro Jodorowsky's "The Holy Mountain" (1973), Guy Maddin's "Careful" (1992) and Tsui Hark's "Green Snake". All of these film contain bright colors and surreal images. Enjoy!


text: Dit is verreweg de beste film die ik ooit heb gezien, maar het is waarschijnlijk ook de belangrijkste die ik ooit heb gezien. Ik zag hem voor het eerst in 1969, toen ik 16 was. Voor die tijd had ik nauwelijks belangstelling voor films. Iets om de tijd mee door te komen. En toen zag ik Satyricon. En sindsdien is het leven nooit meer hetzelfde geweest. Plotseling besefte ik dat film meer was dan alleen maar beelden vastleggen, plotseling drong het tot me door dat film kunst kon zijn. Nu is Satyricon misschien geen geweldige kunst, maar voor mij was het in die tijd overweldigend. Ik weet zeker dat andere films dezelfde katalyserende uitwerking op andere mensen hebben gehad. Satyricon heeft me verslaafd gemaakt aan film, en ik heb nooit meer omgekeken. Ongeveer 10 jaar geleden heb ik de film weer gezien. Het verbaasde me dat hij nog steeds in staat was om me te verlaten. Ondanks het houterige acteerwerk, de kartonnen achtergronden en de ongesynchroniseerde lipbewegingen is dit verbazingwekkende filmmagie.

text_en: This is by far not the best film I've ever seen, but it is probably the most important film I've ever seen. I saw it for the first time when it came out in 69, when I was 16. Before then, I was only marginally interested in films. Something to while away the time. And then I saw Satyricon. And life has never been the same ever since. All of a sudden I realised that film was more than simply recording images, all of a sudden it dawned on me that cinema could be art. Now, maybe Satyricon isn't great art, but to me at that time it was overwhelming. I'm sure other films have had this same catalytic effect on other people. Satyricon got me hooked on film, and I never looked back. I saw the film again about 10 years ago. I was amazed how it was still capable of exiting me. In spite of its wooden acting, its cardboard backgrounds, the unsynchronized lip movements this is amazing movie magic.


text:
Fellini noemde zijn 'Satyricon' een sciencefictionfilm die zich in het verleden afspeelt. Zijn expressieve portret van het oude Rome is een rijkversierd fresco van contrasten; variaties in een selecte caleidoscoop van tegengestelden die verband houden met het heilige, het zuivere, het rechtvaardige en het mooie.
De film zou een vrije versie zijn van de nu fragmentarische geschriften van Petronius, maar er worden ook vluchtige verwijzingen gemaakt naar verschillende verspreide werken en mythen uit de oudheid. Zelfs de taal is een mengeling van verschillende dialecten en accenten, die in feite tot een soort 'primitieve soep' zijn gebrouwen. De film gaat over een jonge man, Encolpio genaamd, en zijn vroegere vriend Ascilto; beiden schijnen de voorkeur te geven aan participatieve ervaring als een middel om betekenis in het leven te vinden, terwijl ze in de eerste plaats status, macht en bezittingen negeren. Als je sommige meer serene scènes van de film vergelijkt met die van onrust en onenigheid, beginnen er patronen te ontstaan die een leven ondersteunen dat wordt geleefd vanuit een gelijksoortig ervaringsperspectief. Sommige voorbeelden zijn als volgt:
Tijdens de scène 'Dood naar de klassieken' zegt de dichter Eumolpo dat de kunsten zijn afgenomen omdat het verlangen naar 'deugd' verloren is gegaan. Dialectische discussie en filosofie zijn vervangen door drank, ondeugd en geldzucht, waardoor verdere scheppingen van kunstwerken op hetzelfde hoogtepunt van uitmuntendheid als de klassieken worden voorkomen.
<0x3E> Later, als Eumolpo en Encolpio in de vroege ochtendnevel op het open veld liggen, vermaakt de oude dichter Encolpio een reeks 'natuurlijke' fenomenen, waaronder bergen, rivieren, wolken, liefde, tranen, vreugde, geluid, zang en de stemmen van de mens...
<0x3E> Tijdens de scène 'Matrone van Ephesos' krijgt het krijtwitte gezicht van een jonge vrouw die treurt om haar overleden echtgenoot die de hongerdood sterft in een grot, zijn natuurlijke glans terug nadat ze de omhelzing van een knappe soldaat heeft aanvaard. De moraal is '... beter een "dode" op te hangen'. '... om een "levende" minnaar te verliezen dan om een "levende" geliefde te verliezen...'

Een politiek ten dode opgeschreven en suïcidaal getrouwd stel bevrijdt zijn slaven, waarna er een verwijzing wordt gemaakt naar de "heilige" aarde. Hun kinderen worden weggestuurd naar een plek die vrij is van tirannie en die'mooi' zal zijn. Later komen Encolpio en Ascilto aan bij het elegante huis van het echtpaar en genieten van een avond vol feestvreugde, waarbij Encolpio de 'dichter' citeert, die heeft gezegd: '... zoals ik altijd heb geleefd om van het huidige moment te genieten alsof het de laatste zonsopgang was...'

Het verhaal van de mooie Enotea en haar daarop volgende straf nadat ze de tovenaar had bedrogen die had gezegd dat hij van haar hield, lijkt een waarschuwing te zijn om uitingen van genegenheid 'waarachtig' te houden. Na wat zijn laatste corruptie lijkt te zijn nadat hij zijn idealistische filosofie vaarwel heeft gezegd, stelt Eumolpo een interessante laatste wilsbeschikking en testament op. Degenen die een deel van zijn wereldse fortuin willen erven, wordt gevraagd zijn stoffelijke resten te verslinden. Terwijl Encolpio en zijn vrienden glimlachen om de symbolische minachting van de hippiegeneratie voor het ongebreidelde materialisme tijdens de opnamen van deze film, draaien ze zich om en gaan op weg naar een nieuw avontuur.
De scènes van onenigheid in de film lijken te gaan over kwesties die te maken hebben met sociale en politieke methoden om anderen onder controle te houden. Tijdens het banket van Trimalcione bijvoorbeeld, eten zijn pluimstrijkers, lachen, zingen, dansen, voeren ze toneelstukjes op en gooien ze voorwerpen naar elkaar. Als gevangene op zee wordt Encolpio het onderwerp van vermaak voor de piraat Lica. Later wordt hij gedwongen een enorme'minotaurus' te bevechten ter vermaak van een proconsul en zijn marionettenhof tijdens de 'gladiator-grap'.
Fellini maakt in 'Satyricon' een sterk gebruik van kleurenemotie. De film begint in wat een groot Romeins stoombad lijkt te zijn. Af en toe klinkt het geluid van druppelend water, en in Encolpio's huurkazerne arriveert een schijnbaar rijke groep feestgangers op een kleine boot in het water, misschien klaar om met de armen 'achterbuurten' te gaan bezoeken. Veel van deze vroege scènes hebben ook een blauwige tint, alsof ze door water worden bekeken. Tijdens de buitenopnamen op Lica's boot is het geluid van de wind telkens weer te horen en een sneeuwbui lijkt een mogelijke verwijzing naar het luchtelement te zijn. Tegen het eind van de film komt Encolpio in een doolhof terecht door in de modder van een heuvel af te glijden. Na zijn gevecht met de minotaurus waait er een zandstorm als hij probeert met Arianna te vrijen. Later, als hij een bezoek brengt aan de bejaarde Enotea, laat ze zand uit haar gebalde vuisten vallen alsof ze een stille verwijzing maakt naar het aardelement.
Er zijn ook veel verwijzingen naar het bovennatuurlijke en het paranormale. Ogen staren in de camera alsof ze een toespeling maken op fantomen uit de oudheid die naar de levenden kijken alsof ze hen willen ondervragen. Terwijl Encolpio en Eumolpo hun gesprek in de kunstgalerie voeren, gaat een twee verdiepingen hoge galei van geluidloze gezichten onverklaarbaar voorbij als onbekende entiteiten die het gesprek van de mannen door een gat in de muur gadeslaan. Op het dek van Lica's schip staat een merkwaardig, ruimtelijk voorwerp. Bovendien is er een korte glimp te zien van bovennatuurlijke, visionaire lichten tijdens de ontvoering van de'mystieke' hermafrodiet die vervolgens sterft nadat hij aan het 'licht' van de dag is blootgesteld. De film vertoont ook een steeds terugkerende symboliek van gebeeldhouwde en ingeprente hoofden, die uiteindelijk grote nadruk krijgt in verband met Lica's schokkende onthoofding. Misschien is de vraag of de samenleving te zeer geobsedeerd is geraakt door het intellect ten koste van het hart en de intrinsieke waarde van de individuele persoon. Misschien geldt dat niet voor Fellini, want de hele film is doordrongen van een glorieuze mengeling van kleuren; elk gezicht, elk persoon, in Fellini's woorden, dient als een integraal onderdeel van zijn kunstwerk op film.
Ten slotte wordt, net als het eeuwige wiel en zijn eerste begroeting, Encolpio's afscheid gepresenteerd tegen een stenen achtergrond en wordt hij halverwege zijn zin onderbroken...

text_en:
Fellini called his "Satyricon" a science fiction film projected into the past. His expressive portrait of ancient Rome is a richly ornamented fresco of contrasts; variations within a select kaleidoscope of opposites related to the sacred, the pure, the just, and the beautiful.

Reportedly a free adaptation of the now fragmentary writings of Petronius, the film also makes fleeting references to various scattered works and myths of antiquity. Even the language is a blend of various dialects and accents, effectively brewed together into a type of "primordial soup."

The film features a young man named Encolpio and his sometime friend Ascilto; both of whom seem to prefer participatory experience as a means to finding meaning in life while primarily disregarding status, power and possessions. Contrasting some of the film's more serene scenes with those of unrest and discord, patterns supportive of a life lived from a similar experiential perspective begin to emerge. Some examples are as follows:

During the "Death to the Classics" scene, the poet Eumolpo says that the arts have declined because the desire for "virtue" has been lost. Dialectical discussion and philosophy have been replaced with drinking, vice and monetary greed, thus preventing further creation of works of art at the same pinnacle of excellence as the classics.

Later when Eumolpo and Encolpio recline in the open field encased in an early morning mist, the elderly poet bequeaths to Encolpio a series of "natural" phenomena; among them mountains, rivers, clouds, love, tears, joy, sound, song and the voices of man...

During the "Matron of Ephesus" scene, a young woman mourning her deceased husband by starving to death in a cave has her chalk white face returned to its natural radiance after accepting the embrace of a handsome soldier. The moral being "...better to hang a 'dead' husband than to lose a 'living' lover..."

A politically doomed and suicidal married couple free their slaves whereupon a reference is made to the "sacred" earth. Their children are sent away to a place free from tyranny which will be "beautiful." Later, Encolpio and Ascilto arrive at the couple's elegant home and enjoy a night of revelry during which Encolpio quotes the "poet" as having said "...as for me I have always lived to enjoy the present moment as if it were the last sunrise..."

The tale of the beautiful Enotea and her subsequent punishment after she tricked the wizard who had professed his love for her seems to be a warning to remain "true" to expressions of affection.

Following what appears to be his final corruption after having abandoned his idealistic philosophy, Eumolpo proposes an interesting last will and testament. Those wishing to inherit a part of his worldly fortune are asked to devour his remains. Reflecting the hippie generation's symbolic scorn of rampant materialism during the shooting of this film, Encolpio and his friends smile and turn away, heading onward toward a new adventure.

The scenes of discord in the film appear to reflect issues related to social and political methods of enforced control over others. For example, during the banquet of Trimalcione, his sycophants eat, laugh, chant, dance, perform and throw objects on cue. While a captive at sea, Encolpio is made an object of entertainment for the pirate Lica. Later he is forced to battle a huge "minotaur' for the entertainment of a proconsul and his puppet court during the "gladiator prank" sequence.

Fellini makes strong use of colour symbolism in "Satyricon." The film opens in what appears to be a large Roman steam bath. There is the occasional sound of water dripping, and in Encolpio's tenement a seemingly wealthy group of party goers arrive on a small boat in the water, perhaps ready to go "slumming" with the poor. There is also a bluish tint to many of these early scenes as if they were being viewed through water. Later, during Trimalcione's feast, a flame red lens filter appears to overshadow the initial candle lit display giving the impression of an envelopment of fire. During the outdoor scenes on Lica's boat, the sound of the wind is recurrent and a blitz of snow appears providing a possible reference to the air element. Near the end of the film, Encolpio enters a maze by sliding in the dirt down a hillside. Following his battle with the minotaur, a dust storm blows as he attempts to make love with Arianna. Later, when he visits the elderly Enotea, she lets dirt fall from her clenched fists as if giving a silent reference to the earth element.

There are also many references to the supernatural and paranormal. Eyes stare into the camera as if to give reference to phantoms from antiquity looking at those presently alive as if to question. While Encolpio and Eumolpo have their discussion in the art gallery, a two tiered galley of soundless faces inexplicably passes by like unknown entities observing the men's conversation through a hole in the wall. There is a curious space-like object on the deck of Lica's ship. In addition, a momentary glimpse of supernatural visionary lights appear during the abduction of the "mystical" hermaphrodite who subsequently dies after having been exposed to the "light" of day. The film also presents a recurring symbolism of carved and imprinted heads eventually given great emphasis with Lica's startling decapitation. Perhaps the question is, has society become too obsessed with the intellect at the expense of the heart and the inherent value of the individual person? Perhaps not so for Fellini, as the entire film is intensely alive with a glorious blend of color; each face, each person, in Fellini's words, serving as an integral part of his artwork on film.

Finally, like the eternal wheel and his initial greeting, Encolpio's farewell is presented in front of a stone background and he is interrupted in mid sentence giving ....


text: Er valt niet veel te vertellen over SATYRICON: we volgen de onsamenhangende 'avonturen' van twee jongemannen in het decadente oude Rome. Maar wat volgt is pure visuele schittering. De film deed me denken aan een heleboel psychedelische Europese stripboeken uit de late jaren zestig en zeventig. Ik heb die Fellini-film op tv gezien, in _pan_ en _scan,_ en hoewel SATYRICON op breedbeeld moet worden bekeken, was de verkorte versie toch heel indrukwekkend om te zien. Maar om de volledige visuele pracht van de film te ervaren, is breedbeeld gewoon een must! De film sleepte zich hier en daar voort (zeker omdat Fellini sommige scènes langer liet duren dan zou moeten), maar over het geheel genomen creëert het cumulatieve effect van alle verhalen een unieke, diepgewortelde ervaring die in die tijd en sindsdien zelden is vertoond. Mijn enige kritiek op SATYRICON is dat het uiteindelijk meer aan een experimentele theaterervaring doet denken dan aan een echte film. De decors zijn zo theatraal dat SATYRICON vaak op een gefilmd toneelspel lijkt. Dat maakt de film niet slecht, maar de theatrale sfeer doet afbreuk aan het perfecte surrealistische effect dat alleen een echte filmervaring kan oproepen. Ik kon me er niet voor de volle honderd procent in onderdompelen, omdat de schijnvertoning me er steeds aan herinnerde dat ik naar een film zat te kijken. Zelfs Pauline Kael zei dat SATYRICON voelde als 2 uur lang mensen die over muren liepen. Dat is een beetje overdreven, maar ik ben het met haar eens. De schijnvertoning (ik weet dat die deel uitmaakt van het surrealistische effect dat Fellini wilde creëren) weerhoudt SATYRICON ervan om een definitief meesterwerk te worden.<br />Toch is Fellini's SATYRICON de moeite waard om te zien voor iedereen die van schuine, surrealistische visuele feesten houdt. Het is een unieke ervaring.

text_en:
There's not much of a story in SATYRICON: we follow the disjointed "adventures" of two young men during decadent ancient Rome. What follows though is pure visual brilliance. The film reminded me a lot of psychedelic European comic books of the late 1960s and 1970s. I saw this Fellini film on TV, in pan and scan, and even though SATYRICON has to be seen on widescreen format, the cropped version was still mighty impressive to look at. But to experience the complete visual splendor of the film, widescreen is simply a must!

The film did drag here and there (certainly with Fellini letting some vignettes last longer than they should) but overall, the cumulative effect of all the stories creates a unique visceral experience that's seldom seen, back then or since. My only critique with SATYRICON is that in the end, it feels more like some avant-guard experimental theater experience than an actual film. The set-pieces are so stagy that SATYRICON often looks like a filmed stage play. This doesn't make the film bad but its staginess detracts a bit from achieving the perfect surreal effect that only a true cinematic experience can recreate. I could not immerse myself 100% in it because the staginess kept reminding me that I was watching a film. Even Pauline Kael said SATYRICON felt like 2 hours of people walking along walls. That's a bit of an exaggeration but I agree with her point. The staginess (which I'm aware is part of the surreal effect Fellini wanted to create) keeps SATYRICON from being a definitive masterpiece.

Even so, Fellini's SATYRICON is worth seeing for anyone who's into bawdy, surreal visual feasts. It's a one-of-a-kind experience.