text: Ik ben gek op deze film! Ik heb hem al vier keer gezien, en elke keer dat ik hem zie, wordt Ramon Novarro mooier en mooier. Hij speelt de luie, zorgeloze eilandbewoner tot in de perfectie, en de rol van Renee Adoree is net zo hartverscheurend als die in THE BIG PARADE. Als groot fan van Donald Crisp, en gewend aan zijn rol als vriendelijke vader, is de geilheid die hij in deze film speelt een beetje schokkend, maar hij doet het bewonderenswaardig, als je bedenkt dat hij in werkelijkheid een grootmoedige marshmallow was. Een van de grootste films in de schemertijd van het stille tijdperk.

text_en: I love this movie! I've seen it about four times, and every time I see it, Ramon Novarro gets cuter and cuter. He portrays the lazy and carefree islander to perfection, and Renee Adoree's performance is as heartbreaking as that in THE BIG PARADE. As a big fan of Donald Crisp, and used to his roles as kindly father figures, the lech he portrays in this film is a bit jarring, but he does an admirable job, considering he was really a big-hearted marshmallow. One of the greatest films in the twilight of the silent era.


text:
In deze grappige, ontroerende en schitterende film bewijst Ramon Novarro opnieuw dat hij een van de beste acteurs van het stille tijdperk was. Lichamelijk is hij mooier dan een man zou mogen zijn, maar zijn schoonheid komt ook van binnenuit, omdat hij een warmte en menselijkheid uitstraalt die maar weinig acteurs kunnen overbrengen. De film zelf is briljant geregisseerd door W.S. Van Dyke, met een geestig en aangrijpend scenario. Hij is ook heel subversief, want de christen is absoluut de slechterik, en een leven van heidense wellust en luiheid wordt als het ideaal beschouwd. En het wordt allemaal schitterend gefilmd op Tahiti.
De drie andere sterren zijn ook prima. Donald Crisp is wellustig en weerzinwekkend, Dorothy Janis is spectaculair mooi en verrukkelijk onschuldig, en Renee Adoree is onvergetelijk als de 'hoer met een hart van goud'. Haar onbeantwoorde liefde voor Novarro wordt subtiel overgebracht en is heel ontroerend. Maar Ramons levensvreugde, hij is echt homoseksueel in de oude betekenis van het woord, maakt deze film levensecht. Kijk ernaar met iemand van wie je houdt.
Oké, ze overdrijven de herkenningsmelodie, maar is die niet schitterend?

text_en:
In this funny, moving and magnificent film Ramon Novarro again proves that he was one of the best actors of the silent era. Physically he is more beautiful than any man has a right to be, but his beauty also comes from within because he projects a warmth and humanity that few actors can convey. The film itself is brilliantly directed by W.S. Van Dyke, with a witty and poignant screenplay. It is also quite subversive as the Christian is definitely the bad guy, and a life of pagan lust and laziness is held up as the ideal. And it is all superbly shot in Tahiti.

The three other stars are also fine. Donald Crisp is lecherous and loathsome, Dorothy Janis spectacularly beautiful and delightfully innocent, and Renee Adoree unforgettable as the "whore with a heart of gold". Her unrequited love for Novarro is subtlely conveyed and very moving. But Ramon's joy of life, he is truly gay in the old sense of the word, makes this film live. See it with someone you love.

Okay, they over-use the theme tune, but isn't it gorgeous?


text:
Hoewel deze film stil is en gesynchroniseerd wordt afgespeeld, zijn er twee korte scènes waarin Novarro een deel van het thema, 'Heidense Liefdesliederen', zingt. In de eerste scène wordt hij door Donald Crisp van de boot gegooid en naar het klimatologische einde gebracht. Daar gaat hij liggen, neuriet het deuntje en vindt Crisps stok.
Je kunt hem met de stok tegen de bamboehut horen tikken 'live', geen toegevoegd geluid. Beide scènes zijn perfect synchroon (waarschijnlijk Vitaphone <0xE2><0x80><0x93> dat klinkt als oppervlaktegeluid). Meestal kun je het'soundstage-geluid' horen in plaats van studiogeluid dat later is toegevoegd.
De reden voor deze twee korte scènes is waarschijnlijk dat de film 'op locatie' in de Stille Oceaan is opgenomen. In die tijd was het niet praktisch om geluidsopnamen te maken op een locatie. De scènes werden hoogstwaarschijnlijk opgenomen op een geluidspodium bij M-G-M. In 1929 waren er nog veel geluiddempers in productie. Het toevoegen van geluidssequenties, of 'geitenklieren', zoals ze werden genoemd, was een overgangsmethode om van geluiddempers 'part-talks' te maken, zoals ze in het tijdschrift Photoplay werden genoemd.

text_en:
While this film is a silent with synchronized score, there are two short scenes where Novarro sings a portion of the theme, "Pagan Love Song". First, when he is thrown off the boat by Donald Crisp and toward the climatic end when he lays down, humming the tune, and finds Crisp's cane.

You can hear him tapping the cane against the bamboo hut "live", not added sound. Both of these scenes are in perfect sync (probably Vitaphone--sounds like disc surface noise). You can usually tell the "sound stage sound" as opposed to studio sound added later.

The reason for these two short sequences is probably because the film was filmed "on location" in the Pacific. At that time, location sound recording would have not been practical. The scenes were most likely shot on a sound stage at M-G-M. Many silents were still in production in 1929. Adding sound sequences, or "goat glands", as they were called, was a transitional way of making silents "part-talkies", as referred by Photoplay magazine.


text: Deze kleine, lieve, stomme filmster is een van de helderste sterren van die tijd, Ramon Novarro. Novarro's kenmerkende energie wordt omgezet in een geweldige rol als half-blanke, half-inboorling op een eiland waar hij niet door iedereen wordt geaccepteerd. Hij is rijk, maar brengt zijn tijd liever door met in de zon luieren en bananen en kokosnoten eten dan met zakendoen. Hij ontmoet een beeldschoon inheems meisje, Tito (Dorothy Janis), half-blanke en half-inheems, net als hij. Maar ze wordt beperkt door haar weldoener, een hypocriete christelijke zakenman (Donald Crisp) die haar wil opleiden tot blanke. De inboorlingen beginnen een verhouding, tot grote ergernis van de rijke weldoener en een prostituee (Renée Adorée) die verliefd is op Novarro.<br />Als stille film, gemaakt nadat de talkies het entertainment hadden overgenomen, bevat deze film een opgenomen soundtrack met gezongen muziek en geluidseffecten. Soms komen de lippen niet overeen met de opname, maar de band werkt heel goed bij het illustreren van het verhaal.

text_en:
This short and sweet silent film stars one of the brightest stars of the era, Ramon Novarro. Novarro's trademark energy is channeled into a great performance as a half white half native on an island where he is not accepted by everyone. He is a wealthy man but would rather spend his time lounging in the sun eating bananas and coconuts than doing business. He meets a beautiful native girl named Tito (Dorothy Janis), half white and half native like himself. However, she is restricted by her benefactor, a hypocrite Christian businessman (Donald Crisp) who wants to train her to be white. The natives begin to have a love affair much to the chagrin of the wealthy benefactor and a prostitute (Renée Adorée) who is in love with Novarro.

As a silent made after the talkies swept entertainment, this film features a recorded soundtrack with sung music and sound effects. Sometimes the lips do not match the recording, but the track works quite well with illustrating the story.


text:
Henry Shoesmith is THE PAGAN, een vrolijke, knappe halfbloed die perfect bij zijn thuis in de Stille Zuidzee past. Henry is ook de eigenaar van de grootste kokosnootplantage op het eiland, die de hebzucht opwekt van een gewetenloze blanke handelaar met een beeldschone inlandse 'voogd'...
Ramon Novarro is charmant in deze, zijn laatste stomme film. Opnieuw heeft MGM een Mexicaanse ster in de rol van Novarro, in zijn brede scala van etnische rollen. Hier is hij een Polynesiër, maar hij speelt zijn rol zo goed en heeft duidelijk zo'n plezier, dat hij een van zijn meest onderhoudende voorstellingen geeft.
Hij wordt goed bediend door zijn uitstekende bijrollen. Donald Crisp is voortreffelijk als de schurkachtige blanke handelaar, verteerd door lust voor het meisje dat hij zijn 'christelijke plicht' noemt en verbitterd door haat jegens Novarro. Zijn uiteindelijke lot is hoogst gepast & welkom. Renée Adorée scoort als de hoer van het eiland, een trouwe vriendin van zowel Novarro als Janis.
Geregisseerd door de peripatetische W.S. Van Dyke, de locatieopnames in en rond Papeete, versterkt Tahiti het verhaal enorm.
Dit is in wezen een stomme film, met een effectieve soundtrack die muzikale intermezzo's & dialogen omvat. (door Nacio Herb Brown & Arthur Freed) met goed resultaat <0xE2><0x80><0x93> Hollywood een van zijn eerste hitjes bezorgd <0xE2><0x80><0x93> en zijn mooie zangstem zou in toekomstige films weer te horen zijn.

text_en:
Henry Shoesmith is THE PAGAN, a happy, handsome half-caste, perfectly attune with his South Seas home. Henry is also the owner of the largest cocoanut plantation on the island, which arouses the greed of an unscrupulous white trader with a beautiful native 'ward'...

Ramon Novarro is charming in this, his final silent film. Once again, MGM has their Mexican star playing another in his wide range of ethnic roles. Here he is a Polynesian, but he plays his part so well, and is obviously having such a good time, that he gives one of his most entertaining of performances.

He is served well by his excellent supporting cast. Dorothy Janis is Novarro's beautiful love interest - innocent, vulnerable & passionately in love. Donald Crisp is superb as the villainous white trader, consumed with lust for the girl he calls his 'Christian duty' and embittered with hatred for Novarro. His final fate is most proper & welcome. Renée Adorée scores as the island harlot, a staunch friend to both Novarro & Janis.

Directed by peripatetic W. S. Van Dyke, the location filming in & around Papeete, Tahiti enhances the story greatly.

Coming as it did at the very cusp of the new talkie era, this is essentially a silent film with an effective soundtrack that includes musical interludes & background dialogue. Novarro croons 'Pagan Love Song' (by Nacio Herb Brown & Arthur Freed) to good effect - giving Hollywood one of its first hit tunes - and his fine singing voice would be heard again in forthcoming films.


text: Het is maar goed dat De Heiden is opgenomen als een stille film, want als het een talkie was geweest, zou de camera vastgenageld zijn, het geluid snerpend en afleidend, en de melodramatische overdaad van de plot overdreven. Zoals het er nu voor staat, is dit een prachtige en prachtig gemaakte film die de nadruk legt op de grootse artisticiteit die Hollywood in de jaren twintig heeft ontwikkeld. Hoewel Ramon Navarro een fysiek absurde keuze was voor de rol van de halfbloed Henry Shoesmith, is hij in die rol nooit minder dan betoverend, en het is heel jammer dat hij de overgang naar geluid niet heeft kunnen maken. Dorothy Janis, die in haar korte carrière kennelijk maar een handvol films heeft gemaakt, is verbluffend mooi en effectief als het heidense meisje met wie Shoesmith wil trouwen, en Donald Crisp is eersteklas als Slater, de schoft die zijn lusten verbergt als een daad van christelijke naastenliefde. De Heiden, met veel succes gesitueerd door Clyde de Vinna op locatie in de Stille Zuidzee, is op elk niveau bevredigend en wordt sterk aanbevolen door mensen die denken dat ze niet van stomme films houden.

text_en: It's just as well The Pagan was shot as a silent, because it it had been a talkie, the camera would have been nailed down, the sound hissy and distracting, and the melodramatic excess of the plot overemphasized. As it stands, this is a wonderful and beautifully made film that highlights the great artistry developed by Hollywood during the 1920s. Though Ramon Navarro was a physically absurd casting choice as the half-caste Henry Shoesmith, he is never less than enchanting in the role, and it's a great pity that he was unable to make the transition to sound. Dorothy Janis, who apparently only made a handful of films in her brief career, is stunningly beautiful and effective as the pagan girl Shoesmith wishes to wed, and Donald Crisp is first rate as Slater, the cad who disguises his lust as an act of Christian charity. Shot to great effect by Clyde de Vinna on location in the South Seas, The Pagan is satisfying on every level, and comes strongly recommended to those who think they don't like silent film.


text: Zoals vele anderen al hebben opgemerkt, mist dit spel de kenmerken van Westwoods populaire Commando & Conquer-franchise... het bouwsysteem, de videosequenties en een goed verhaal. Maar dat terzijde, dit is geen slechte game. In plaats van in de voetsporen te treden van alle RTS-games die eraan voorafgingen binnen de serie, is dit een gok, een omweg van het gebaande pad. De resultaten hiervan zijn raak-en-mis. De graphics zijn een van de beste aspecten van de game... en de ontwikkelaars hebben zich dat duidelijk gerealiseerd: ze hebben er overal in de game beelden van gemaakt. Elke videosequentie wordt erin getoond, in de (verrassend effectieve) intro, en zelfs in het hoofdmenu. De effecten zijn aanzienlijk realistischer dan in eerdere pogingen, met rook, vuur, de hele mikmak. Het spel heeft een beetje kracht nodig om goed te lopen, maar de graphics zijn het waard. De zoomfunctie was misschien niet de grootste toevoeging, ook al is die zo cool dat je een close-up kunt zien... hij laat te goed zien waar de hoeken zijn uitgesneden bij het maken van de graphics. Het spel is vaak heel opwindend en intens, en absoluut vermakelijk. De moeilijkheidsgraad is misschien een beetje ongelijk, maar goed. De drie partijen zijn opmerkelijk in hun gelijkenschap (al moet worden opgemerkt dat de manier waarop ze zijn opgezet in wezen een idee is van eerdere RTS-titels, waaronder StarCraft), en ze hebben alle drie interessante dingen om mee te spelen, evenals een arsenaal dat hen tot formidabele vijanden maakt, en bevredigend om mee te spelen als. GLA, of Global Liberation Army ('de ene terrorist is de andere vrijheidsstrijder'), die ook wel de terroristen worden genoemd, zijn de snelste, goedkoopste, zwakste en minst technologisch geavanceerde terroristen. Ze putten hun kracht uit aantallen en snelheid. Amerika (dat overigens ook de enige'schone' staat is, geen chemische/biologische oorlogvoering) is de sterkste, technologisch superieure, maar ook de duurste. China is een 'gelukkig medium'. Elke RTS-speler zal wel een kant vinden die hij verkiest. Er zijn nogal wat eenheden beschikbaar voor alle drie de partijen, ondanks de verdere toename van de efficiëntie... de genie wordt opgeheven, het is nu de belangrijkste infanterie-eenheid van de partijen die gebouwen kan innemen, en dat gebeurt niet langer onmiddellijk, om een snel voorbeeld te geven. De GLA, die sluw en sluw is, heeft tunnelnetwerken, de Chinezen, die moreel dubbelzinnig zijn, hebben hackers om meer fondsen te vergaren (alle drie hebben ze een alternatieve methode om voortdurend voorraden aan te leggen, dus zelfs als je lang genoeg vecht om alle natuurlijke hulpbronnen op te maken, kun je nog steeds meer krijgen) en de VS, die een duidelijke superioriteit in de lucht hebben, kunnen luchtaanvallen, paratroepers en een akelige dropping die de Fuel Air Bomb heet, laten uitvoeren. Alle drie hebben ze vaardigheden en een speciale eenheid (die verborgen is, maar ontdekt kan worden als de vijand vaardigheden gebruikt of als de vijand een eenheid heeft die zijn vijanden verbergt) die bij hun profiel passen. De Chinezen hebben een ongewapende agente die met haar schootsveld de vijand kan beroven en hun voertuigen een voor een onklaar kan maken, en de Amerikanen hebben een in de strijd geharde kolonel, uitgerust met een mes, explosieven en een mitrailleur (in wezen een commando/Tanya, maar ach, die dingen zijn echt gaaf). De speciale vaardigheden (evenals sommige eenheden) worden verkregen door hogere rangen te verwerven, waarbij je punten krijgt om ze te 'kopen'. Een succesvolle strijd verhoogt je rang, dus hoe beter je het doet, hoe beter je wordt, des te meer je er kunt krijgen. Multiplayer is heel goed, en de opzet is heel gebruikersvriendelijk. Single player is in drie campagnes verdeeld, één per kant. Er zijn in totaal 21 niveaus, wat helaas neerkomt op slechts 7 per kant. De hele wereld veroveren in slechts zeven missies? De briefings zijn volledig op audio gebaseerd, maar het stemwerk is vrij goed. Geluid in het algemeen is een ander gebied waar het spel het goed doet. Alle effecten en eenheidsreacties/uitspraken klinken goed. De muziek is een dramatische score, die goed werkt. Het levelontwerp is goed, maar omdat er maar zeven missies per kant zijn, zijn er maar weinig verschrikkelijk gedenkwaardig (hoewel er enkele interessante scenario's zijn, zoals het leveren van dekkingsvuur voor het terugtrekken van Amerikaanse troepen, en alle drie de kanten krijgen een redelijk bevredigende finale). De luchtgevechten worden opener, vooral als de Verenigde Staten meedoen, die toegang hebben tot drie verschillende typen vliegtuigen, een transporthelikopter en een aanvalshelikopter (en dat is nog afgezien van de speciale vaardigheden). Dat brengt een paar interessante dingen met zich mee die heel goed werken: het afslaan van een helikopter, het hebben van één eenheid per kant die een gebouw dat door vijandelijke eenheden is bezet effectief kan ontruimen, een onbeperkte bron van fondsen voor elke kant, het in staat stellen van eenheden om te upgraden/uit te breiden en het in staat stellen van meer verschillende infanterie-eenheden om in bunkers/gebouwen te bezetten. Dit bevat natuurlijk potentieel politiek en moreel provocerend materiaal, en ik zal niet beweren dat ik de GLA-campagne zonder ongemakkelijke gevoelens heb doorstaan... maar dat debat moet op het juiste forum worden gevoerd. Dit is per slot van rekening een recensie. Al met al... het is een vrij goede game en er zitten nieuwe dingen in voor RTS-games, maar de bugs en de features die er gewoon zouden moeten zijn, zijn een tikkeltje voor de hand liggend. Ik kan dit aanbevelen aan elke fan van RTS-titels die geïnteresseerd is in het concept en de belofte van betere graphics, maar trouwe fans van C&C willen er misschien zeker van zijn voordat ze het proberen.

text_en: As many others have pointed out, this lacks what is accepted to be trademarks of Westwood's popular Command & Conquer franchise... the building system, video sequences and a solid story. However, that aside, this isn't a bad game. Rather than following in the footsteps of every RTS game that preceded it within the series, this takes a gamble, wanders of the beaten path. The results of this are hit-and-miss. Features that were missed earlier(such as a "move *and* attack" command... *finally*!) are implemented, game-play is changed around some... however, there are shortcomings and bugs, if not very many of the latter. The new interface is essentially that of other RTS titles(don't get me wrong, the engine is all-new), and this, unfortunately, puts some focus on aspects of these games that others(with this other interface) did better which still haven't been attended to, basically all falling into the category of overview... compared to the excellent overview of StarCraft and the Age of Empires games... titles released several years before this. The graphics are one of the best things about the game... and clearly, the developers realized this: they put footage of it all over the game. Every video sequence is presented in it, it's in the(surprisingly effective) intro, heck, it's even the background in the main menu. The effects are considerably more realistic-looking than in earlier efforts, with smoke, fire, the works. The game does require a bit of power to run well, but the graphics are worth it. The zoom feature was perhaps not the greatest addition, even if it is cool enough that you can get a close-up view... it shows too well where corners were cut in creating the graphics. The game-play is often very exciting and intense, and definitely entertaining. The difficulty is perhaps slightly uneven, but good. The three sides are remarkable in how even they are(though it should be noted that the way they are set up is essentially an idea from earlier RTS titles, including StarCraft), and all have some interesting stuff to play around with, as well as an arsenal that makes them formidable foes, and satisfying to play as. GLA, or Global Liberation Army("one man's terrorist is another man's freedom fighter"), commonly referred to as the terrorists, are the fastest, cheapest, weakest and least technologically advanced. They draw their strength from numbers and celerity. USA(which, incidentally, is also the only "clean" one, no chemical/biological warfare) is the strongest, technologically superior, but also most expensive. China is a "happy medium". Any RTS player will find a side to prefer. There are quite a few units available to all three sides, in spite of further increase in efficiency... engineers are removed, it's now the sides' main infantry unit that can take over buildings, and it's no longer instantaneous, to give a quick example. There are buildings and characteristics that are unique to their respective sides... the GLA, being sneaky and tricky, have tunnel networks, the Chinese, being morally ambiguous, have hackers to acquire further funds(all three sides have an alternate method of continually achieving supplies, so even if you fight long enough to use up all the natural resources, you can still gain more), and the US, having clear air superiority, can call in air-strikes, paratroopers and a nasty drop called The Fuel Air Bomb. All three have abilities and a special unit(which is cloaked, but can be detected, when using abilities or if the enemy has a unit that uncloaks their enemies) that fit their profile... GLA has a sniper, who(in addition to sniping infantry) can kill the driver of any enemy vehicle, the Chinese have an unarmed agent who, using her lap-top, can steal from the enemies and disable their vehicles one at a time, and the US have a battle-hardened colonel, equipped with a knife, explosives and a machine-gun(essentially a Commando/Tanya, but oh well, those *are* pretty rockin'). The special abilities(as well as some units) are accessed by earning higher ranks, granting you points to "buy" them. Successful battle raises your rank, so the better you do, the better you get, the more you'll have access to. Multi-player is quite good, and the setup is very user-friendly. Single player is divided into three campaigns, one per side. There are 21 levels in total, which, sadly, means only 7 per side. Conquer the entire world in just seven missions? The briefings are entirely audio-based, but the voice-work is pretty good. Sound in general is another area where the game does well. All the effects and unit responses/comments sound right. The music is a dramatic score, which works well. The level design is good, but for only having seven missions per side, few of them are terribly memorable(though there are some interesting scenarios, such as providing cover-fire for retreating US troops, and all three sides get a reasonably satisfying finale). The air-borne combat is made more open, particularly when playing as the US, which has access to three different types of planes, a transport helicopter and an attack chopper(and that's in addition to the special abilities). This introduces some interesting stuff that works really well; repelling from a helicopter, having one unit per side which can effectively empty a building garrisoned by enemy units, a limitless source of funds for each side, allowing units to upgrade/expand and allowing more different infantry units to garrison inside bunkers/buildings. Obviously, this has some potentially politically and morally provocative material, and I won't claim that I got through the GLA campaign without feelings of unease... but that debate should be had in the appropriate forum. This is, after all, a review. All in all... it's a pretty good game, and holds new things for RTS games, but the bugs and the features that just ought to be there are a tad obvious. I recommend this to any fan of RTS titles who is interested in the concept and the promise of better graphics, but faithful fans of C&C may want to be sure before they try it. 7/10


text:
Dit spel is het ergste van de commando- en veroveringsserie.

ze hebben bepaalde karakters uit het spel gehaald waardoor het een commando- en veroveringsspel is geworden.
<0x3E><0x3E> Er is geen gereedschapsstang meer, dus als gevolg daarvan zijn er werkers en bulldozers.
<0x3E><0x3E> Het heeft niets te maken met de tiberiaanse serie of de rooie alarmserie. Ik vind het spel afschuwelijk, de graphics zijn ook niet goed, het lijkt meer op een animatie dan op een realistisch spel. Als je een commando bent en een veroveringsfan, moet je dit spel niet kopen.
<0x3E><0x3E> Het enige goede dat ik over generaals kan zeggen, is dat het in 3D is.

text_en:
this game is the worst of the command and conquer series

they have removed certain featuers of the game that makes it command and conquer.

there is no longer a toolbar, so in the result of that there is workers/buldozers.

it has nothing to do with the tiberian series or the red alert series. I think the gameplay is awful, the graphics isn't good either, it looks to much of an animation rather than a realistic game. take my advice if you are a command and conquer fan, don't get this game.

THe only good thing I could say about generals is that it is in 3D


text: De grootste tekortkoming van deze serie is misschien wel het ontbreken van een diepgravend verhaal en aanverwante cinematografie die in het verleden deel uitmaakten van alle Command en Conquer-games. De interface is ook irritant en erg traag. De laadtijden zijn zelfs op snellere computers zielig. Maar het spel zelf is uitstekend en bevat geen twee, maar 3 kanten. De levels zijn echter een beetje herhaling en niet erg creatief. Maar er zijn genoeg eenheden en bijbehorende gib-effecten om dat goed te maken. De campagnes in Amerika en China zijn te gemakkelijk voor een normale vaardigheid en alleen tijdens de multiplayer is er een echte uitdaging die je dwingt om strategischer te denken. Ik denk dat dit spel veel beter had kunnen zijn als Westwood meer tijd had gehad.

text_en: The greatest shortcoming of this series is perhaps the lack of an in-depth story and associated cinematics that were in the past, part and parcel of all Command and Conquer games. The interface is also annoying and very slow. The load times are pathetic even on faster computers. But the game itself is excellent and includes not two, but 3 sides. The levels are however, a tad repetitive and not very creative. There are plenty of units and associated gib effects to make up for that though. The America and China campaigns are too easy on normal skill and only during multiplayer is there a real challenge that will force you to think more strategically. I think this game could have been much better if Westwood had more time on their hands.


text: Het zou een understatement zijn om te zeggen dat dit een eerbetoon is aan Trufauts 400 BLOWS. Het is maar goed dat Frankrijk nooit de kans heeft gekregen om deze film te zien <0xE2><0x80><0x93> ze zouden in alle staten zijn geweest. Desondanks is Johnny Tough een rauwe, eerlijke weergave van een kind met genotzuchtige ouders, een vernederende leraar en ettelijke andere problemen. Ik zou zeggen dat hij wel iets weg heeft van 401 Blows (vooral met dat verrassende einde. Als je niet met open mond naar de wc gaat, moet je helderziend zijn. De schoolscènes zijn aan het eind verrassend ontroerend <0xE2><0x80><0x93> het moet een van de meest echte lerarenscènes zijn die momenteel in de bioscoop te zien zijn. Ik weet niet of en wanneer het ooit op dvd zal verschijnen, maar het is een klassieker.

text_en: To say that this is an homage to Trufaut's 400 BLOWS would be an understatement. It's a good thing that France never got the chance to see this movie - they'd be in an uproar. Despite that, Johnny Tough is a raw, honest portrayal of a kid with self-indulgent parents, a demeaning teacher and tons of other problems. I'd say he's got like 401 Blows (especially with that surprise ending. If your jaw doesn't drop when the girls go the bathroom, then you must be a psychic. The school scenes are surprisingly touching by the end - it's got to be one of the most real teacher scenes currently in cinema. Not sure when or if ever it will be on DVD, but it's a keeper.


text: 'Hij is slecht... hij is zwart... hij is mooi... en Tough! En dat is geen gelul.' Ik ben wat je een begaafd filmhistoricus noemt. Vooral films uit mijn tijd... de jaren zeventig. Zoals ik al zei, ik kan veel films citeren, de trailers en de recensies. Een andere uit deze tijd was: 'Hij zal je hart stelen. Hij is Tough. Goedgekeurd.' Dat zag ik toen hij werd uitgebracht met een dubbele aflevering van 'Together Brothers'. Nog zo'n zeldzame zwarte film. 'Tough' was grappig & dramatisch met lessen die geleerd moesten worden. Weet je nog dat Johnny Tough van zijn vader een nacht in de gevangenis moest doorbrengen? Toen die tragische scène. Je vraagt je tegenwoordig af: 'Is de cheque niet aangekomen?' Dat is een oud gezegde in Hollywood als een film plotseling zonder uitleg eindigt. Ik geloof niet dat dat het geval was met 'Tough'. Ik mis de tijd dat we zoveel films hadden om uit te kiezen die een overwegend zwarte cast lieten zien. De tijd dat we het meestal 'op de man af' deden!

text_en: "He's bad...he's black...he's beautiful...and Tough! And that's no jive." I'm what you call a gifted film historian. Especially films of my era...the 70's. As shown, I can quote many films, the trailers, and the tag-lines. Another one from this was..."He'll steal your heart. He'sTough. Rated PG". I saw this when it was released with a double feature of "Together Brothers". Another rare black film. "Tough" was funny &dramatic with lessons to be learned. Remember when Johnny Tough's father made him spend the night in Jail? Then that tragicending. It makes you wonder today,"did the check bounce?". That's an old saying in Hollywood when a film suddenly ends with no explanation. they have to shut production down. I don't believe that was the case with "Tough". I miss the days when we had so many of our films to choose from that showcased a predominantly black cast. Who most times were "sticking it to the man"!


text: De slungelige Johnny Banes (de sjofele Dion Gossett) heeft een ongelukkige gave om zich in allerlei problemen te werken: hij rookt, liegt, steelt, verstoort onbeschoft de les, doet zijn huiswerk niet en berooft zelfs een oude man van zijn geld! Erger nog, Johnny's ijdele, ploeterende moeder, de actrice Denise (die leuk gespeeld wordt door Sandy Reed) en zijn hardwerkende stiefvader Phil (een sterke en sympathieke rol van Renny Roker) brengen meer tijd door met kibbelen dan met Johnny. Schrijver/regisseur Horace Jackson verzint een ietwat onhandig, maar goedbedoeld en inzichtelijk sociaal drama dat duidelijk aangeeft hoe ernstige ouderlijke verwaarlozing bijdraagt aan jeugddelinquenten. Bovendien brengt Jackson af en toe 'wat krijgen we nou?'-momenten te berde: Denise geeft Johnny een massage in een scène die...' Er hangt een sfeer van incestueuze ondertonen en in een bijzonder schokkende scène valt een enge pedofiel een klein meisje in een wc-pot aan. De schokkende afsluiting heeft ook een behoorlijk krachtig effect. De jonge acteurs zijn allemaal van nature aantrekkelijk (Gossett in het bijzonder maakt indruk als de humeurige en ongelukkige Johnny). Rich Holmes is gedenkwaardig hatelijk als de strenge geschiedenisleraar meneer Bishop. De funky, gesyncopeerde geluidsband van Dennis Coffey en de eenvoudige, sobere filmografie van Mark Rasmussen versterken het korrelige realisme van deze ontroerende en effectieve film.

text_en: Mischievous Johnny Banes (scrappy Dion Gossett) has an unfortunate knack for getting into all kinds of trouble: he smokes, lies, steals, rudely disrupts class, doesn't do his schoolwork, and even mugs an old guy for his money! Worse yet, Johnny's vain struggling actress mother Denise (nicely played by Sandy Reed) and hard-working insurance salesman stepfather Phil (a strong and likable performance by Renny Roker) spend more time squabbling with each other than they do with Johnny. Writer/director Horace Jackson concocts a somewhat clumsy, but well-meaning and insightful social drama that pertinently addresses how severe parental neglect contributes substantially to juvenile delinquency. Moreover, Jackson tosses in occasional "what the hell?" unexpected oddball moments: Denise gives Johnny a rubdown in a scene that's simmering with incestuous undertones and in one especially startling sequence a creepy pedophile assaults a little girl in a bathroom. The jolting downbeat ending packs a pretty potent punch, too. The kid actors are all appealingly natural (Gossett in particular impresses as the moody and unhappy Johnny). Rich Holmes is memorably hateful as stern history teacher Mr. Bishop. Dennis Coffey's funky, syncopated score and Mark Rasmussen's plain, no-frills cinematography further enhance the gritty realism of this moving and effective picture.


text:
Stage Beauty is ook een bewerking van een toneelstuk. Gaap? Nou, niet doen, want het maakt ook een zeer succesvolle overgang van toneel naar scherm dankzij het genie van regisseur Richard Eyre.
Het vertelt het verhaal van Ned (Billy Crudup), een jonge acteur die is gespecialiseerd in het spelen van vrouwen op het toneel. In een wereld waar alleen mannen het toneel mogen betreden, komt Neds 'Desdemona' (uit Shakespeares Othello) het dichtst in de buurt van vrouwelijkheid in het theater. Maar een jonge parvenu in de vorm van Maria (gespeeld door Clare Danes) wil daar verandering in brengen. Ze heeft een passie voor toneel en helaas is dat de biseksuele Ned. Met de hulp van koning Karel II (Rupert Everett) kan ze misschien haar zin krijgen, voorgoed naar een andere zaal verhuizen en hopelijk onderweg Ned oppikken.
Als men aan de thema's van de film denkt, doen veel mensen hem af als een kloon van Shakespeare in Love. Dat is niet eerlijk - de film is meer provocerend, substantieel en beter geacteerd dan de eerder genoemde Oscar Snaffler. Hij verkent thema's als seksualiteit en sekse met inzicht en intelligentie, en vertelt (en boeit ons in feite) een liefdesverhaal. Zoals al eerder gezegd is het acteerwerk uitzonderlijk, vooral de twee hoofdrollen (Danes en Crudup) die schitteren. De bijrollen zijn ook sterk, met Richard Griffiths als heteroseksuele voorloper van zijn rol in Withnail and I, en Tom Wilkinson die overloopt van rustige intensiteit als Betterton en Everett die het fantastisch doen als de King.
Ook al eindigt het met een ietwat afgezaagde noot (ik wil niet te veel prijsgeven, maar het 'geboortemoment van de method-acting'-karakteristiek irriteert me), toch is Stage Beauty een grappige, hartverwarmende en af en toe nogal cerebrale meditatie over liefde en kunst. Wat kan een theater- of filmliefhebber zich nog meer wensen?

text_en:
Stage Beauty is another adaptation of a play. Yawn? Well don't, because it also happens to make a highly successful transition from stage to screen thanks to the genius that is director Richard Eyre.

It tells the tale of Ned (Billy Crudup), a young actor who specialises in portraying women on stage. In a world where only men are allowed to tread the boards, Ned's "Desdemona" (from Shakespeare's Othello) is the closest thing 17th century audiences get to femininity in theatre. However, a young upstart in the form of Maria (played by Clare Danes) wants to change all that. She has a passion for drama and unfortunately the bisexual Ned. With the help of King Charles II (Rupert Everett), she may just get her wish, changing theatre forever, and hopefully pick up Ned on the way.

When thinking of the themes of the film, many people dismiss it as a clone of Shakespeare in Love. This is unfair- the film is more thought provoking, substantial and better acted than the aforementioned Oscar snaffler. It explores themes of sexuality and gender with insight and intelligence as well as telling (and, in fact enthralling us with) a love story. As previously referred to, the acting is exceptional, especially the two leads (Danes and Crudup) who shine. The supporting cast is strong too, with Richard Griffiths as a heterosexual prequel to his role in Withnail and I, Tom Wilkinson brimming with quiet intensity as Betterton and Everett hamming it up wonderfully as the King.

Even if it does end on a slightly trite note (not to give too much away, but its' "birth of method acting" shtick irritates), Stage Beauty is a funny, heart-warming and occasionally quite cerebral meditation on love and art. What more could any theatre, or film lover for that matter, want? And don't say Shakespeare In Love!


text:
Als je in 1876 medisch student was aan de Universiteit van Edinburgh, bereid je dan voor op koude, grijze, groezelige dagen, zelfgenoegzame en pompeuze professoren, klassenbewustzijn en af en toe een ontleding. Als je geluk had, zoals de jonge Conan Doyle, zou je kunnen eindigen als klerk die de briljante dr. Joseph Bell assisteerde, een forensisch chirurg en een van de professoren. In dr. Bell en mr. Doyle (ondertitel: De duistere beginselen van Sherlock Holmes) gelooft Bell, gespeeld door Ian Richardson, dat je 'de kleine feiten moet observeren waarvan grote gevolgtrekkingen afhangen'. Bell kan een slecht geklede man die voor een klaslokaal vol studenten staat bestuderen en onder andere vaststellen dat de man onlangs uit het leger is ontslagen, de kost verdiende als paardendrijver en dat hij twee paarden bereed, een vos en een witte. Dat komt om twee redenen goed van pas. Ten eerste gebruikt Bell zijn observatie- en deductievermogen om misdadigers van het ergste soort te vinden die anders door de politie over het hoofd zouden zijn gezien. Ten tweede, en dat is waar, diende de echte Bell als inspiratiebron voor Conan Doyles grote schepping toen Doyle het schrijven van medicijnen opgaf... Sherlock Holmes, natuurlijk.
De jonge Doyle, gespeeld door Robin Laing, twijfelt aanvankelijk aan de methoden van dr. Bell. Geleidelijk aan, als hij Bell in actie ziet en door Bell wordt uitgedaagd om zijn eigen deductievermogen te gebruiken, wordt Doyle een gelovige. 'Weet je,' zegt Bell op een middag in het mortuarium van Edinburgh tegen Doyle, 'ik geloof dat misdaden op dezelfde manier als ziekte kunnen worden vastgesteld als we dezelfde technieken gebruiken. 'Wat kunt u opmaken uit wijlen mevrouw Canning hier?'
Terwijl Doyle van Bell leert, raken Bell en Doyle betrokken bij verschillende misdaden die misschien met elkaar te maken hebben. Ze hebben te maken met een edelman die vaak een huis van slechte naam bezoekt en wiens vrouw ziek wordt; met een stomme bedelaar die viool speelt voor geld en die stuiptrekkingen krijgt; met een met bloed bespatte kamer en vervolgens met afgeslachte schapen waarvan de ogen zijn uitgestoken; met een vrouw die sterft in een afgesloten kamer met een echtgenoot die misschien te hulpvaardig is; met een paar afgehakte mensenoren die in een doos worden gelegd en worden afgeleverd bij een van de weinige vrouwen die, met grote tegenstand van de meeste leraren en veel mannelijke studenten, studeren om arts te worden; met een vrouw van de straat die kruidenpillen heeft gekregen en die nu haar leven uitbraakt. In feite zijn sommige van deze gevallen inderdaad met elkaar in verband te brengen, en tot de verdachten behoren een moralistische, woedende medestudent en een onbekende psychopaat die in eenvoudig, rechttoe rechtaan kwaad gelooft. Bell weet, met hulp van Doyle, uiteindelijk de puzzelstukjes in elkaar te passen. De conclusie is echter niet helemaal bevredigend. Er is sprake van verlies en de belofte van vergelding. Meer nog, er is het gevoel dat een deel twee op de film stond te wachten en om wat voor reden dan ook niet is gemaakt. Uiteindelijk waren er nog vier mysteries met Ian Richardson als dr. Bell en een andere acteur als Conan Doyle.
Tijdens dit alles ontdekken Doyle en Elspeth Scott, een van de vrouwelijke studenten, aarzelend een wederzijdse genegenheid die gemakkelijk tot liefde zou kunnen uitgroeien. Hun erkenning van een mogelijke romance komt wanneer ze de rechterknie van een lijk ontleedt. Een van de aantrekkelijkheden van de productie is dat ze niet terugdeinst voor het weergeven van de realiteit van autopsies en forensische experimenten. We ontmoeten dr. Bell voor het eerst als hij de billen van een lijk afranselt, voordat hij een kogel in de borst van de dode schiet. Al die tijd zien we hoe de armen in Edinburgh leven, de vochtige, met kinderhoofdjes geplaveide straten, de voortdurende kilte, de besmeurde gezichten van de kinderen en de groezelige hoeren. Zelfs de medische studenten zien er soms niet al te schoon uit. De kwaliteit van de productie is hoog en er is een solide diepte in het acteren.
Ian Richardson zorgt dat de productie goed loopt. Laing doet het uitstekend als de oprechte en ietwat onervaren Doyle. Maar Richardson geeft ons een complexe persoonlijkheid die soms ongeduldig en zelfs opvliegend kan zijn, maar die gevoel voor humor en ironie heeft en die een sterk gevoel voor menselijkheid heeft voor mensen die ongelukkig, ziek en arm zijn. We kunnen zien hoe Bell langzaam genegenheid voor Doyle gaat voelen en hoe Bell, in een moment van tragedie, zijn leerling troost en kracht kan bieden.
De dvd-overdracht is eersteklas. Er zijn een of twee onbelangrijke extra's, zoals castlijsten. Een van de genoegens van deze productie, als je de Heilige Schrift leest, is het identificeren van verwijzingen naar enkele van Conan Doyles Sherlock Holmes-verhalen. Ik heb er twee gevonden, maar ik heb gehoord dat er nog meer zijn. De affaire van het horloge verwijzingen naar Het teken van vier. De afgehakte oren zijn een sleutelelement in De kartonnen doos.

text_en:
If you were a medical student at the University of Edinburgh in 1876, be prepared for cold, gray, grimy days, complacent and pompous professors, class consciousness and the occasional dissection. If you were lucky, as the young Conan Doyle was, you might wind up as a clerk assisting the brilliant Dr. Joseph Bell, a forensic surgeon and one of the professors. In Dr. Bell and Mr. Doyle (subtitled, The Dark Beginnings of Sherlock Holmes), Bell, played by Ian Richardson, believes that one must "observe the small facts upon which large inferences depend." He can take a man's pocket watch, even though newly cleaned, and determine that the owner was poor but had come from a well-off family, that he had periods of income but they never lasted, that he was an alcoholic and that he was descending into madness. Bell can study a poorly clad man standing on stage in front of a classroom of students and determine, among other things, that the man was recently discharged from the army, earned a living as a horse driver and who drove two horses, one bay and the other white. This all comes in handy for two reasons. First, Bell uses his powers of observation and deduction to find criminals of the worst sort who otherwise would have been missed by the police. Second, and this is true, the real-life Bell served as the inspiration for Conan Doyle's great creation when Doyle gave up medicine for writing...Sherlock Holmes, of course.

Young Doyle, played by Robin Laing, initially doubts Dr. Bell's methods. Gradually, observing Bell in action and being challenged by Bell to use his own powers of deduction, Doyle becomes a believer. "You see," Bell says to Doyle one afternoon at the Edinburgh morgue, "I believe that crimes can be diagnosed in the same fashion as disease if we use the same techniques. So...what can you glean from the late Mrs. Canning here?"

While Doyle is learning from Bell, Bell and Doyle are caught up in several crimes which might be related. They involve a nobleman who often visits a house of ill repute and whose wife becomes ill; a mute street beggar who plays the violin for coins, and who dies in convulsions; a room bespattered and filled with blood, and then slaughtered sheep are discovered with their eyes gouged out; a woman who dies in a locked room with a husband who is perhaps too helpful; a pair of severed human ears placed in a box and delivered to one of the few women who are studying, with great opposition from most of the teachers and many of the male students, to be doctors; a woman of the streets who was given herbal pills and now is vomiting her life out. In fact, some of these cases truly are related, and the suspects include a moralistic, furious fellow student and an unknown psychopath who believes in simple, straight-forward evil. Bell, with help from Doyle, eventually pulls the pieces together. The conclusion, however, is not entirely satisfactory. There is loss and the promise of retribution. Even more, there is a sense that a part two was waiting to be filmed and, for whatever reason, wasn't made. Eventually there were four additional mysteries featuring Ian Richardson as Dr. Bell and a different actor as Conan Doyle.

Through it all, Doyle and Elspeth Scott, one of the women students, hesitantly discover a mutual affection that could easily grow into love. Their recognition of a possible romance comes while she dissects a corpse's right knee. One of the attractions of the production is that it doesn't shy away from depicting the reality of autopsies and forensic experiments. We first encounter Dr. Bell while he is whipping the buttocks of a corpse, prior to firing a bullet into the dead man's chest. Throughout we see the reality of how the poor live in Edinburgh, the damp, cobbled streets, the constant chill, the smeared faces of the children and the grubbiness of the prostitutes. Even the medical students don't look too well washed at times. The production values are high and there is a solid depth of acting.

Ian Richardson makes the production work. Laing does a fine job as the sincere and somewhat callow Doyle. Richardson, however, gives us a complex character who can at times be impatient, even irascible, but who has a sense of humor and irony and who has a strong feeling of humanity for those who are unfortunate, sick and poor. We can see how Bell slowly grows to feel affection for Doyle and how, in a moment of tragedy, Bell can provide comfort and strength to his student.

The DVD transfer is first rate. There are one or two inconsequential extras, such as cast lists. One of the pleasures of this production, if you are a reader of the Sacred Texts, is to identify references to some of Conan Doyle's Sherlock Holmes stories. I found two, but I've been told there are several others. The affair of the watch references The Sign of Four. The severed ears are a key element in The Cardboard Box.


text:
De proefaflevering van deze fascinerende serie uit 2000 is een must voor iedere Holmes-fan. De zorgvuldigheid die met zelfs de kleinste details is betracht, komt tot uiting in elke scène en de periode is prachtig nagebootst. Het draait allemaal om de vraag hoe sir Arthur Conan Doyle het karakter van Sherlock Holmes heeft gecreëerd.
Elke fan zal weten dat hij hem heeft gebaseerd op zijn vriend en leermeester, dr. Joseph Bell. Bell gaf hem les aan de universiteit en had talenten die gezien moesten worden om ze te kunnen geloven.
De serie begint met een oudere Doyle die in het openbaar wordt geconfronteerd met de publicatie van het Laatste Probleem, waarin Holmes ten onder gaat in een bittere strijd met professor Moriaty. De mensen geloofden zo sterk in Holmes dat ze alleen zijn dood konden geloven. (Doyle bracht hem terug in Het Lege Huis.)
Dan worden we teruggebracht naar 1800, waar Arthur Conan Doyle (Robin Laing) medicijnen studeert aan de Edingborough Univeristy. Hij schrijft zich in voor een cursus van de hooggeachte chirurg, dr. Joseph Bell (Ian Richardson) die een opmerkelijk vermogen tot deductie bezit, tot verbijstering van degenen die hij onderricht.
Doyle denkt dat het allemaal een truc is, hoe snel hij ook van gedachten verandert als hij de baan van klerk en assistent van Bell aanneemt. Hij wordt verliefd op medestudente Elspeth Scott (Dolly Wells) een van een kleine groep vrouwelijke studenten die wanhopig graag als gelijken door de mannen behandeld willen worden.
Het wordt dodelijk als een prostituee wordt aangevallen en Bell een kamer ontdekt die onder het bloed zit, maar waar geen lichaam in ligt. Al snel zijn Bell en Doyle in een race tegen de klok verwikkeld om de krankzinnige Thomas Neill (Alec Newman) ervan te weerhouden een moordaanslag te plegen. Neill was in het echte leven een medestudent van Doyle en een verdachte in de zaak van Jack the Ripper.
Met sterke optredens en een paar werkelijk huiveringwekkende momenten is Murder Rooms een fascinerende en goed gemaakte misdaadserie. Holmes-fans zullen met plezier zien welke Holmes-trekken Bell heeft geërfd. Die omvatten zijn uiterlijk, zijn vermogen tot deductie, zijn intelligentie en soms zijn kille en afstandelijke manier van doen (als hij zonder emotie naar een zaak kijkt). Ook speelde Charles Dance Sir Henry Carlyle. De moord op Doyle is de eerste in een bizarre en angstaanjagende reeks van duistere gebeurtenissen die Doyle en Bell dichter naar elkaar toe trekken als ze proberen er een eind aan te maken.
In de toekomst-afleveringen was de groeiende vriendschap tussen Doyle en Bell te zien en het begin van Doyles belangstelling en geloof in spiritisme. Dit is de moeite waard om te zien, vooral als je een fan van Sherlock Holmes bent.

text_en:
The pilot episode of this fascinating series from 2000 is a must see for any Holmes fan.The care taken with even the smallest details shows in every scene and the period is beautifully recreated.It's all about how Sir Arthur Conan Doyle came to create the character of Sherlock Holmes.

Any fan will know that he based him on his friend and teacher,Dr.Joseph Bell.Bell taught him at University and had talents which had to be seen to be believed.

The series opens with an older Doyle facing a public backlash over the publication of the Final Problem,which sees Holmes fall to his death during a bitter struggle with Professor Moriaty.People believed in Holmes so much that they couldn't except his death.(Doyle brought him back in The Empty House.)

We are then taken back to the 1800's where Arthur Conan Doyle(Robin Laing)is a medical student at Edingborough Univeristy.He signs up for a class taken by the esteemed surgeon Dr.Joseph Bell(Ian Richardson)who has remarkable powers of deduction which astound those he teaches.

Doyle thinks it's all a trick,however accepting the job of clerk and assistant to Bell soon makes him change his mind.He falls in love with fellow student Elspeth Scott(Dolly Wells)one of a small group of women students desperate to be treated as equals by the men.

Things turn deadly when a prostitute is attacked and Bell discovers a room covered in blood,but which contains no body.Soon Bell and Doyle are in a race against time to stop madman Thomas Neill(Alec Newman)from going on a killing spree.Neill was in real life a fellow student of Doyle's and a suspect in the Jack The Ripper case.

WIth strong performances and some truly chilling moments Murder Rooms is a fascinating and well made crime series.Holmes fans will enjoy seeing which Holmes traits were taken from Bell.These include his appearance,powers of deduction,intellect and at times cold and detached manner(looking at a case without emotion.) Also starring Charles Dance as Sir Henry Carlyle.And Aly Bain as a fiddler,who's murder is the first in a bizarre and frightening line of dark events which draw Doyle and Bell closer together as they try and stop it.

Future episodes saw the growing friendship between Doyle and Bell and the beginnings of Doyles interest and belief in spiritualism.This is well worth watching especially if your a fan of Sherlock Holmes.


text:
In 1968 was ik nog maar 9 jaar oud, maar ik was een enthousiast televisiekijker en ik was dol op dat programma.
Mijn ouders kochten een Julia-'Barbie'-pop voor me, ook al had ik geen gewone barbiepoppen. (We zijn een blanke familie.)
Het is bijna veertig jaar geleden dat ik een aflevering van Julia heb gezien, maar het lezen van de andere commentaren bracht een kleine herinnering bij me boven.
Ik herinner me de moraal van het programma. Ik herinner me dat ik Julia respecteerde. Ik herinner me dat ik haar zoontje aardig vond omdat hij zijn moeder respecteerde. Ik herinner me dat het een intelligent programma was, geen onnozel programma.
Ik hield van dit programma.

text_en:
I was only 9 years old in 1968, but I was an avid television watcher, and I loved this TV show.

My parents got me a Julia "Barbie" doll, even though I did not have any regular Barbie dolls. (We are a Caucasian family.)

It is almost 40 years since I have seen an episode of Julia, but reading the other comments triggered a little memory for me.

I remember the morality of the show. I remember respecting Julia. I remember liking her little boy for his respectfulness toward his mom. I remember it was an intelligent show, not a silly one.

I loved this show.


text:
Als we het gouden veertigjarig jubileum van de klassieke comedy vieren, die op dvd moet worden uitgebracht of op die manier weer voor de televisie moet worden gebracht. De reden? Vóór deze serie speelde Diahann Carroll, actrice en Broadway-sensatie, de hoofdrol in diverse theaterstukken, met name tegenover Dorothy Dandridge en Harry Belefonte in Otto Preminger's briljante musical 'Carmen Jones' uit 1954. Ze speelde ook in de filmversie van Gershwins 'Porgy and Bess' (ook geregisseerd door Preminger) en speelde tegenover Sidney Poitier, Pearl Bailey en Sammy Davis jr. en tegenover Paul Newman in 'Paris Blues', die haar herenigde met de hoofdrolspeler Sidney Poitier. Ze viel ook op in actiefilms en speelde tegenover de voormalige NFL-legende Jim Brown in 'The Split'. Ze won de Tony Award in 1962 (de eerste Afro-Amerikaanse actrice die dat deed) en werd genomineerd voor een Academy Award voor beste actrice in de markante klassieker 'Claudine' uit 1974, waarin ze tegenover James Earl Jones de hoofdrol speelde.
Dus waarom wordt deze markante serie 'Julia' na veertig jaar niet eens genoemd of zelfs maar genoemd als een van de grote tv-series? Diahann Carroll kan zich het best herinneren als een van de eerste en belangrijkste tv-series waarin een zwarte actrice de hoofdrol speelde in haar eigen wekelijkse serie waarin ze geen huishoudelijk werk deed (voordat 'Julia'), tv-series waarin de hoofdpersonen meestal bedienden waren, zoals Louise Beavers in 'Beulah' en Amanda Randolph in 'Make Room For Daddy'. En de eerste die de hoofdrol speelde in een niet-stereotype rol. De klassieke serie 'Julia' was in 1968 een doorslaand succes, ongeveer drie jaar voordat Bill Cosby de kleurenbarrières doorbrak voor zijn werk (en de Emmy voor beste acteur won) in de serie 'I Spy'. In de jaren zestig werden de kleurenbarrières in Hollywood doorbroken en het opende de sluizen voor andere Afro-Amerikaanse acteurs om hun opwachting te maken... Na het succes van 'I Spy' had je andere zwarte acteurs die hetzelfde deden, en het betekende ook een nieuw tijdperk voor de minderheden. Acteurs als Rockne Tarkington ('Tarzan'), Hari Rhodes ('Daktari'), Robert Hooks ('N.Y.P.D.'), Nichelle Nichols ('Star Trek'), Gail Fisher ('Mannix'), Greg Morris ('Mission: Impossible'), Don Mitchell ('Ironside'), Clarence Williams ('The Mod Squad'), Ivan Dixon ('Hogan's Heroes'), Rafer Johnson ('Felony Squad') en Don Marshall ('The Land of the Giants'). Zelfs in het concept van de variété-serie kwamen ook Afro-Amerikaanse acteurs voor en tijdens het succes van Diahann Carrolls komische serie werden er twee zwart-georiënteerde series gelanceerd met zwarte vrouwen in hun eigen wekelijkse variété-serie. Een van hen was Broadway-ster en actrice Leslie Uggams, wier variété-serie op CBS werd uitgezonden, en de andere was Barbara McNair, wier variété-serie één seizoen op NBC werd uitgezonden.
'Julia' was de eerste waarin een zwarte actrice op het hoogtepunt van de burgerrechtenbeweging en de oorlog in Vietnam in een positief licht werd geplaatst. De serie werd geproduceerd door Hal Kanter voor Twentieth Century-Fox Television. Er werden 86 afleveringen gemaakt in de drie seizoenen die van 17 september 1968 tot 25 mei 1971 op NBC-TV werden uitgezonden. De serie deed het heel goed in zijn tijd toen hij in 1968 in première ging, tegenover de spionageserie 'It Takes A Thief' (die op ABC werd uitgezonden) en de langlopende variétéserie 'The Red Skelton Show' (die op CBS werd uitgezonden). Diahann Carroll won in 1968 de Golden Globe voor beste actrice en werd in 1969 genomineerd voor een Emmy voor beste actrice. De serie was echter de eerste die de dingen recht voor zijn raap vertelde en werd met stijl en gratie gebracht... iets wat ongehoord was en vooral toen deze serie in 1968 werd uitgezonden. Dit was een serie die in de uitzending al baanbrekend was en die voor een deel werd geroemd door een belangrijk deel van de zwarte gemeenschap, omdat ze niet politiek of boos genoeg was, maar vooral omdat het een luchthartige comedy was.
Carroll speelde een alleenstaande moeder, Julia Baker (haar echtgenoot, een gevechtspiloot, was in Vietnam neergeschoten), die ook als verpleegster voor een groot ziekenhuis werkte. Ze had een zoon, Corey Baker (Marc Copage) die bij haar in een chic appartementencomplex woonde. Haar baas, dokter Morton Chegley, werd gespeeld door Lloyd Nolan, terwijl haar collega, zuster Hannah Yarby, werd gespeeld door Lurene Tuttle. De buren van de Bakers op de begane grond waren de Wagorns. Corey's beste vriendin Marie Wtagorn (gespeeld door Betty Beaird) was goed bevriend met haar zoon Earl J. Wtagorn (gespeeld door Michael Link), Corey's beste vriendin en speelkameraadje, en ook met Marie's man Len (Hank Brandt) en hun dochtertje. Andere personages waren onder meer de huishoudster van de Bakers, Roberta (Janear Hines) en Julia's nicht Sara (gespeeld door de sensatie van Broadway en actrice Diana Sands). De lijst van gaststerren bestond uit Cesar Romero, Bob Hope, Sugar Ray Robinson, Mary Wickes, Stu Gilliam, Jack Soo, en een speciale gastoptreden van Jimmy Stewart in één aflevering. Haar romantische interesses waren Fred Williamson (Steve Bruce), Paul Winfield (Paul Cameron) en Don Marshall (Ted Neumann). De themamuziek was van de Oscar-winnende componist Elmer Bernstein. De show die door NBC werd vervangen, was het kortlopende politiedrama 'Sarge' met George Kennedy in de hoofdrol, dat van 21 tot 11 september 1972 werd uitgezonden.

text_en:
As we come upon the golden 40th anniversary of classic sitcom that needs to be released on DVD or for that manner brought back to television. The reason? Before this series,actress/singer and Broadway sensation Diahann Carroll starred in several theatrical features,most notably opposite starred opposite Dorothy Dandridge,and Harry Belefonte in Otto Preminger's brilliant 1954 musical "Carmen Jones". She was also in the film version of Gershwin's "Porgy and Bess"(also directed by Preminger)and starring opposite Sidney Poitier,Pearl Bailey,and Sammy Davis,Jr.,and opposite Paul Newman in "Paris Blues",which reunited her with leading man Sidney Poitier. She also made her mark in action films as well starring opposite former NFL-great Jim Brown in "The Split". She won the Tony Award in 1962(the first African-American actress to do so),and was nominated for an Academy Award for Best Actress in the 1974 landmark classic "Claudine",which she starred opposite James Earl Jones.

So,why after 40 years is this landmark series "Julia" not even mention or not even rated as one of television's greats? Diahann Carroll is best remembered as being one of the first and foremost television series to featured an black actress to star in her own weekly series where she did not play a domestic worker(Before "Julia",television shows featuring lead characters were usually servants like Louise Beavers in "Beulah",and Amanda Randolph in "Make Room For Daddy"). And the first to star in a non-stereotypical role. The classic series "Julia" was groundbreaking for its time in 1968,some three years earlier before Bill Cosby broke color barriers for his work(and won the Emmy for Best Actor) on the series "I Spy". During the 1960's the color barriers in Hollywood were broken and it opened the floodgates for other African-American actors to make their stride...After the success of "I Spy", you had other black actors that did the same,and it launch a new era for minorities too. Actors like Rockne Tarkington("Tarzan"), Hari Rhodes("Daktari"),Robert Hooks("N.Y.P.D"), Nichelle Nichols("Star Trek"), Gail Fisher("Mannix"), Greg Morris("Mission:Impossible"), Don Mitchell("Ironside"), Clarence Williams,III("The Mod Squad"), Ivan Dixon("Hogan's Heroes"), Rafer Johnson("Felony Squad"), and Don Marshall("The Land of the Giants"). Earlier actors included Cicely Tyson("East Side/West Side"). Even the variety show concept also featured African-American actors as well and during the success of Diahann Carroll's sitcom,two black oriented shows were launched featuring black women in their own weekly variety shows..one of them was Broadway sensation and actress Leslie Uggams whose variety show was on CBS,and the other was Barbara McNair whose variety series lasted one season for NBC.

"Julia" was the first to featured a black actress in a positive light during the height of the civil rights movement and the Vietnam War. The series was produced by Hal Kanter for Twentieth Century-Fox Television. It produced 86 episodes during the three seasons that it ran on NBC-TV from September 17,1968 until May 25,1971. The series did very well in its timeslot when it premiered in 1968,opposite the espionage series "It Takes A Thief"(which was on ABC),and the long-running variety series "The Red Skelton Show"(which was on CBS). Diahann Carroll won the 1968 Golden Globe for Best Actress,and was nominated for an Emmy in 1969 for Best Actress during this series' run. However,the show was the first to tackle issues head on for its day and it was handled with style and grace..something that was unheard of and especially when this show premiered in 1968. This was a series that was groundbreaking while it was on the air and for one was devided by a significiant segment of the black community as not being political or angry enough,owing largely to its status as an lighthearted sitcom.

Carroll played a widowed single mother Julia Baker(her fighter pilot husband had been shot down in Vietnam),who also worked as a nurse for a large hospital. She had a son Corey Baker(Marc Copage)who lived with her in a upscale apartment complex. Her boss was Dr. Morton Chegley was played by Lloyd Nolan,while her co-worker Nurse Hannah Yarby was played by Lurene Tuttle. The Baker's downstairs neighbors were the Waggedorns. Julia's best friend Marie Waggedorn(played by Betty Beaird)was close friends with her son Earl J. Waggedorn(played by Michael Link),who was Corey's best friend and playmate,along with Marie's husband Len(Hank Brandt),and their infant daughter. Other characters included The Baker's housekeeper Roberta(Janear Hines),and not to mention Julia's cousin Sara(played by Broadway sensation and Actress Diana Sands). The guest star roster included Cesar Romero,Bob Hope, Sugar Ray Robinson, Mary Wickes, Stu Gilliam, Jack Soo,and a special guest appearance by Jimmy Stewart in one episode. Her romantic interests were Fred Williamson(Steve Bruce),Paul Winfield(Paul Cameron),and Don Marshall(Ted Neumann). The theme music came from Oscar winning composer Elmer Bernstein. When the show "Julia" left the airwaves in 1971,the show that NBC replaced it with was the short-lived police drama "Sarge" starring George Kennedy that ran from 9-21-1971 until 1-11-1972.


text:
Toen ik jonger was, had ik een hekel aan dit programma, maar nu vind ik het zo leuk dat er veel situaties aan het licht komen die op een leuke en waardige manier worden opgelost. Ik ben dol op de mode van de jaren zestig en zeventig. Je krijgt ook een paar van de groten uit hun jonge jaren te zien. Neem van niemand aan dat je het zelf moet controleren. Fred Williamson verscheen voor het eerst in dit programma in 'Dancer I The Dark', een aflevering die was geschreven door Hal Kanter, de schepper en producer van deze serie. Er spelen veel acteurs in het programma... Ik vind het geweldig!
Er zijn een paar negatieve dingen, maar in dit hele programma is het leuk en vrolijk. Ik hou van de oude stijl van acteren die ze toen hadden. Zelfs Cesar Romero speelde in een paar afleveringen mee. Ook Don Ameche, Jimmy Steward, Stu Gilliam, Bob Hope, Sugar Ray Robinson, Jack Soo en vele anderen speelden mee in deze serie. En als je op zoek bent naar kleurenafbeeldingen van de Julia-serie, dan heb ik demon ebay op 16mm-film en vhs. Doe je research. Ik hou echt van de stijl van acteren in deze serie, het is oude mode en geweldig.
Ik hou van iedereen in de cast - het zijn goede acteurs en Betty Beaird is uitstekend als Marie Wagorn. Een heel aards moedergevoel komt in me op als ik naar haar kijk.

text_en:
I hated this show when I was younger, but to see it now it is so cute and many situations come to light and are dealt with in a fun and dignified manner. I love the '60's and '70's fashions. You get to see some of the greats in their younger days too. Don't take anyone's word check it out for yourself. Fred Williamson's first appearance on this show was in "Dancer I The Dark", an episode that was written by Hal Kanter the creator and producer ofthis series. Many actors are featured in the show...I love it!

There are some negative things, but in all this show is fun and upbeat. I love the old style of acting they had back then. Even Cesar Romero was in a few of the episodes. Also Don Ameche, Jimmy Steward, Stu Gilliam, Bob Hope, Sugar Ray Robinson, Jack Soo, and many others made appearances on this show. Also If you are looking for copies of the Julia show in colour I have seen themon ebay on 16mm film and VHS. Do your research. I really love the style of acting in this series, it's old fashion and wonderful.

I love everyone in the cast they are good actors and Betty Beaird as Marie Waggedorn is excellent. A very earthy mother-like feeling comes from to mind when I watch her.


text: Ik ben in 1963 als blanke geboren in een blanke wijk in Indiana. Maar ik herinnerde me die serie toen ze onlangs met de nieuwe Zusters-serie kwamen: Zuster Jackie en Zuster HawthoRNe. Ik zocht het op omdat ik me de naam van de ster niet kon herinneren en ik het aan een vriend op mijn werk vertelde. Maar ik herinnerde me die serie die ik keek toen ik nog maar 5 jaar oud was. Omdat het belangrijk was. En zelfs toen trok het me naar de plek waar ik nu ben. Ik ben sinds 1984 RN en werk nu als verpleegkundige. Ik ben er trots op dat ik verpleegkundige ben. Ik huilde toen Obama de verkiezingen won, omdat ik het gevoel had dat het een overwinning voor mijn kant was. Een enorme overwinning <0xE2><0x80><0x93> en deze show maakte daar deel van uit, het begin. Ik ben er trots op dat ik deel heb uitgemaakt van de 'Ik zou de wereld willen leren zingen...'-generatie. Dat we allemaal hebben gewerkt aan de gelijkheid, niet alleen voor zwarten en blanken, maar voor iedereen. Dat we allemaal waarde hebben die het verdient om gehoord en gezien te worden. En ik denk dat het feit dat deze nogal dappere tijdshow (en actrice) in staat was om het 5-jarige blanke kind van een kwezel uit Alabama te beïnvloeden om een leven lang in dezelfde dienstbaarheid aan anderen door te brengen, verdomd veel zegt over de 'epochale' effecten op de geesten en mensen van die tijd. Zelfs nu nog denk ik dat ik liever 'Julia' zou zijn dan 'Jackie'. Ik zou me respectabeler voelen. Dank u wel, juffrouw Carroll en haar gezelschap. U hebt een verschil gemaakt. Ik hoop dat de shows van vandaag dezelfde test kunnen doorstaan. We hebben verpleegsters nodig, en mensen die de grenzen overschrijden.

text_en: I was born white in 1963 in a WASP neighborhood in Indiana. But I remembered this show when they came out recently with the new "Nurse" shows--Nurse Jackie and HawthoRNe. I looked it up b/c I couldn't remember the star's name and I was telling a friend about it at work. But I remembered this show that I watched when I was all of 5 years old. Because it mattered. And even then, it pulled me toward where I am now. I have been an RN since 1984, and now work as a nurse practitioner. I am proud to be a nurse. I cried when Obama won the election, because I felt like it was a win for MY side. A huge win--and this show was part of that, the beginnings. I am proud that I have been a part of the "I'd like to teach the world to sing..." generations. That what we have all worked toward is the equality, not just of black and white but of everyone. That we all have value that deserves to be heard and witnessed equally. And I think the fact that this rather brave for the time show (and actress) was able to influence the 5 year old white child of an Alabama bigot to spend a lifetime in the same line of service to others says a hell of a lot about its "epochal" effects on the minds and people of that time. Even today, I think I'd rather be "Julia" than "Jackie". I would feel more respectable. Thank you Ms Carroll and company. You made a difference. I hope today's shows can stand up to the same test. We need nurses, and we need people who cross the lines.


text: In feite was Ethel Waters de eerste zwarte vrouw die de hoofdrol speelde in haar eigen tv-serie. De serie heette Beulah. De serie werd in de jaren vijftig uitgezonden. Miss Waters speelde een dienstmeisje. Dat was geen verrassing, want in de jaren vijftig waren de rollen voor zwarten heel beperkt. Het was in die tijd schokkend als een zwarte man of vrouw zijn of haar eigen tv-serie had. Wat Julia onderscheidde van andere zwarte vrouwen, was dat de titelfiguur een weduwe was wier man in Vietnam was gesneuveld en die een universitaire opleiding had genoten. Een van de redenen waarom Julia was afgewezen, was dat Diahann Carroll werd bedreigd. Ze keerde pas tegen het eind van de jaren tachtig/vroeg in de jaren negentig weer terug in een televisieserie, toen ze in de populaire soap Dynast verscheen.

text_en: Actually, it was Ethel Waters who was the first black woman to star in her own TV series. The series was Beulah. The show was on during the 1950's. Miss Waters played a maid. No surprise there as roles were very limited to blacks back in the 1950's. A black person having his or her own TV show was shocking back then. What set Julia apart was that the title character was a widow whose husband was killed in Vietnam and was college educated. One of the reasons Julia was cancelled was that Diahann Carroll was receiving threats on her life. She didn't return to a television series until the late 1980's/early 1990's when she started appearing on the prime time soap Dynast.


text: Ongeveer acht jaar geleden zag ik Lot in Sodom op een filmfestival en ik werd verblind door de beelden. De film werd opgenomen in het vroege geluidstijdperk en net als in andere films uit die periode van Dryer, Murnau en anderen, wordt de soundtrack gebruikt voor muziek, geluidseffecten en af en toe onverstaanbare woorden. Deze film is een must voor iedereen die geïnteresseerd is in het virtuoze filmwerk van de Duitse en Russische filmmakers uit het late stille tijdperk, want het is een zeldzaam voorbeeld van vergelijkbaar werk dat in Amerika werd gemaakt. De makers van het werk gebruikten het medium film tot het uiterste in plaats van tevreden te zijn met het gebruik van de camera om beelden vast te leggen die net zo goed op een podium gezien konden worden. Jarenlang heb ik geprobeerd een kopie van deze film te krijgen en ik heb bedrijven geschreven om te zien of iemand hem op dvd wilde uitbrengen. Ik ben blij dat ik nu een kopie heb, die ik herhaaldelijk bekijk en met vrienden deel.

text_en:
I saw Lot in Sodom at a film festival about eight years ago and was dazzled by its visuals. The film was shot in the early sound era and, like other films of that period by Dryer, Murnau, and others, the soundtrack is used for music, sound effects and occasional unintelligible words. This film is a must see for anyone interested in the virtuosic film work of the German and Soviet filmmakers of the late silent era as it is a rare example of similar work being done in America. The work's creators used the medium of film to its full potential rather than being content to use the camera to record visuals that could just as easily be seen on a stage.

I tried for years to get a copy of this film and wrote to companies to see if someone might release it on DVD. I am happy to now own a copy, review it repeatedly and share it with friends.


text:
Nadat ik de 12-mins versie van Poe's 'Val van het Huis Usher' had gezien, verheugde ik me er ook op om deze te zien, en ik was helemaal niet teleurgesteld. Hoewel het misschien niet helemaal op hetzelfde niveau van artisticiteit staat als 'Usher', is het toch in dezelfde trant.
Net als bij 'Usher' moet de kijker van tevoren vertrouwd zijn met het verhaal waarop het gebaseerd is. In 1928 hadden de regisseurs, Watson en Webber, er veilig van uit kunnen gaan dat het publiek de Bijbelse geschiedenis kende. (Interessant is dat er, afgezien van het feitelijke Genesis-verslag, ook een zinsnede uit het Hooglied wordt gebruikt wanneer Lot zijn dochters aan de menigte buiten aanbiedt, in een wanhopige poging hen te overtuigen van de aantrekkelijkheden van 'vrouw'.) Het is niet nodig om te klagen dat de film de plot niet duidelijker weergeeft, en het is bijna een verklaring van onwetendheid.
De hoofdlijnen van dit verhaal (voor degenen die hen kennen) blijven intact door de bijzonder opvallende visuele, soms abstracte of symbolische benadering van Webber en Watson, en de hoofdpersonen zijn allemaal duidelijk herkenbaar en goed geportretteerd door de acteurs.
Over het geheel genomen een toegankelijker film dan de 'Usher'-film van dezelfde regisseurs. Hij vraagt, eist zelfs, herhaald kijken. Mijn enige wens is dat Webber en Watson meer hadden gemaakt dan alleen deze twee films samen.

text_en:
Having first seen the directors' 12min take on Poe's Fall of the House of Usher, I was looking forward to seeing this one too and wasn't disappointed at all. Though perhaps not quite up to the same level of artistic attainment as 'Usher' it is nevertheless very much in the same vein.

Like the 'Usher', the viewer should be familiar beforehand with the story on which it is based. In 1928, the directors, Watson and Webber, could have safely assumed the audience's knowledge of the biblical tale. (Interestingly, apart from the actual Genesis account, a phrase from the Song of Songs is also used when Lot is offering his daughters to the mob outside, desperately trying to convince them of the attractions of 'woman'). To complain that the film does not present the plot more overtly is beside the point, and almost a declaration of ignorance.

The basics of this tale (for those that know them) survive intact its retelling through the particularly distinctively visual, sometimes abstract or symbolic approach of Webber and Watson, and its protagonists are all clearly identifiable and well portrayed by the actors.

On the whole, a more accessible film than the 'Usher' film from the same directors. It bears, even demands, repeated watching. My only wish is that Webber and Watson had made more than just these two films together.


text: Dit is een soort 'extra' op de dvd van Alla Nazimova's productie van Salome. Hoewel die in 1933 werd gemaakt (of in elk geval in die tijd werd uitgebracht), deed hij me sterk denken aan de Duitse expressionistische beweging in de jaren twintig. (Het kabinet van dr. Caligari schoot me te binnen.) Het verhaal van Sodom en Gomorra hoef je beslist niet te kennen, maar zoals een andere recensent zei, zou het publiek in die tijd goed op de hoogte zijn geweest van de bijbelteksten. En wat bijbelfanaten betreft die bezwaar hebben tegen seks en geweld, die zouden moeten beginnen met het verbieden van de bijbel, omdat die, zoals uit dit verhaal blijkt, tjokvol staat met beide. Ik was benieuwd of deze film een censuurprobleem zou opleveren, want er is een hoop erotiek met de jonge mannelijke dansers en een paar blote billen, en ook een buitengewoon voluptueus beeld van een vrouwelijk bovenlichaam (tenminste, ik geloof dat het een beeld was). Het meest verrassende beeld is wanneer de mannen Lots deur naderen en één man zijn arm omhoog heeft gebogen en zijn hand omklemd houdt. Wanneer hij uit beeld stapt en blijft staan, is de schaduw van zijn arm net rechts van de deurpost en heeft hij heel duidelijk de vorm van een stijve penis. Hoe dan ook, het was interessant en de boodschap kwam heel duidelijk over. Dit is de moeite waard om een paar keer te bekijken. Het is een bizar, maar interessant stukje filmgeschiedenis.

text_en: This is an "extra" of sorts on the DVD for Alla Nazimova's production of Salome. Although this was made in 1933 (or at least released then) it totally made me think of the German Expressionist movement of the 1920s. (The Cabinet of Dr. Caligari sprang to mind) You definitely need to already know the story of Sodom & Gomorrah, but as another reviewer stated, the audience back then would have been well-versed in biblical text. As for bible-thumpers who object to sex and violence, they should start with banning the bible since, as this story shows, it is chock full of both. I was curious to know about any censor issues with this film because their is a lot of eroticism with the young male dancers and some bare buttocks, as well as an extremely voluptuous statue of a female torso(at least I think it was a statue). The most surprising image is when the men approach Lot's door and one man has his arm bent upwards and his hand cupped. When he moves out of frame and stops, the shadow of his arm is just to the right of the door-frame and is very clearly in the shape of an erect penis. I wondered if such a graphic image passed the censors because the story was biblical? Either way it was interesting and got the point across very clearly. This is worth watching a few times. It's a bizarre, but interesting piece of film history.


text:
'Lot in Sodom' begint met een palindroom waarin een verbeelding van Sodom een rol speelt die vooruitloopt op beide latere werken van Kenneth Anger, 'Inaugeration of the Pleasure Dome' en 'Fireworks'. Het is een beschrijving van zonde en genot met een zware donkere kant, enigszins koortsachtig van geest en (met opzet) beladen met caleidoscopische beelden en meervoudige belichting en bewerkingen. Na het gespiegelde verhaal worden we voorgesteld aan Lot en zijn gezin, en de film wordt in feite een van de meer verhalende avant-gardefilms die ik ooit heb gezien.
De makers van 'Lot in Sodom' hebben uitstekend werk verricht door zowel de experimentele kant van het nog steeds relatief nieuwe medium als de iconografische beelden te combineren. Vreemde abstracte montage past goed bij christelijke iconen en symboliek, en een bekend christelijk verhaal wordt verteld via tussentitels EN geluid (een vrij goede combinatie van die twee, al zeg ik het zelf).
De film zelf is enigszins effectief in het presenteren van de thema's, maar het is de ware kracht van een experimenteel werk dat altijd in de beelden schuilt. De beelden van vuur dat uit de hemel neerdaalt zijn in feite griezelig accuraat voor het soort manieren waarop Gods toorn wordt beschreven in deze bronnen, en de vrouw die verandert in een zoutpilaar is een daverend moment van speciale effecten... ook al is het alleen maar een dubbelbeeld en een heel goede choreografie. Ik denk dat als een film ooit een goed argument is voor de mogelijkheden van de film...' Lot in Sodom' is een goede film om naar te kijken, omdat hij zo goed een begrepen verhaal laat zien in een geheel nieuwe vorm die heel anders is dan wat we tegenwoordig als de algemene vertelvorm accepteren.
-PolarisDiB.

text_en:
"Lot in Sodom" starts out with a palindrome involving an imagination of Sodom that premeditates both of Kenneth Anger's later works "Inaugeration of the Pleasure Dome" and "Fireworks". It's a description of sin and pleasure with a heavy dark side, slightly feverish in mentality and burdened down (purposefully) by kaleidoscopic imagery and multiple exposures and cuts. After the mirrored tale, we're introduced to Lot and his family, and the movie actually becomes one of the more narrative avant-garde films I've ever seen.

The makers of "Lot in Sodom" did a very good job in mixing together both the experimental side of the still relatively new medium and iconographic imagery. Weird abstract editing style matches Christian icons and symbolism, and a well-known Christian story is told via intertitles AND sound (a pretty good mix of the two, if I may say so myself).

The movie itself is somewhat effective at presenting its themes, but it's true power as an experimental work resides always in its imagery. The images of fire raining from the sky are actually uncannily accurate to the type of ways God's wrath is described in these sources, and the woman turning into a pillar of salt is a resounding moment of special effects... even if it is just double-exposure and really good choreography. I think if ever a movie makes a good argument for the potential of cinema, "Lot in Sodom" is a good film to turn to because it so well manifests an understood story in a whole new form very different from what we accept as generic narrative form today.

--PolarisDiB


text: Een korte film in een filmhuis, prachtig gefotografeerd en bewerkt, met donkere toneelachtige decors, springende en wellustige, slappe jongemannen met oogmake-up, joelende stadsbewoners, bijbelse tussentitels en schokkende modernistische muziek. De decadentie van de stad schijnt te schuilen in de zwevende of kronkelende homoseksuele dansers, en in de tegenstand van Lot en zijn bezoeker de Engel. Er doet zich een probleem voor met Lot: hij is kennelijk de enige oude persoon in Sodom, en hij lijkt veel op een antisemitische karikatuur van een oude jood, zowel in kostuum als in make-up - hij heeft een grote haakneus en diepliggende ogen - en gebaren. Lots vrouw is niet oud en niet stereotiep, en zijn dochter is niet bijzonder opvallend, afgezien van een kalme schoonheid. Sommige filmeffecten werken <0xE2><0x80><0x93> de montage is zowel visueel aantrekkelijk als symbolisch, en de felle regen is oké <0xE2><0x80><0x93> te donker <0xE2><0x80><0x93> en andere niet (een grillige witte bliksemschicht midden over het scherm tijdens de première bezorgt je hoofdpijn). Het verhaal eindigt met de transformatie van Lots vrouw in een zoutpilaar <0xE2><0x80><0x93> Lot is nergens te zien. De film heeft meer weg van een ballet dan van een verhaal, interessant en soms mooi, maar nogal onevenwichtig.

text_en: A short art-house movie, beautifully photographed and edited, with dark stage-like sets, leaping and leering effete young men wearing eye-makeup, jeering townsfolk, biblical intertitles, and jarring modernistic music. The decadence of the city seems to reside in its airborne or writhing gay dancers, and in the opposition to Lot and his visitor the Angel. A problem arises with Lot: he is the only old person in Sodom, apparently, and he looks a lot like an anti-semitic caricature of an old Jew, both in costume and makeuphe's got a great hooked nose and deepset eyesand gesture. Lot's wife is neither ancient nor stereotyped, nor is his daughter especially notable except for a tranquil beauty. Some cinematic effects workthe montage is both visually attractive and symbolic, and the fiery rain is okay, tooand others don't (a jagged white lightning streak down the centre of the screen during the opening is headache-making). The story ends with the transformation of Lot's wife into a pillar of saltLot is nowhere to be seen. The movie is more like a ballet than a story, interesting and sometimes beautiful but quite uneven.


text: Dit is een heel vreemde film <0xE2><0x80><0x93> zo vreemd dat als je het verhaal niet van tevoren kent, het helemaal geen indruk zal maken. Hij is op unieke wijze gefilmd (zonder speciale camera-effecten), met minimale tussentitels. Het onderwerp is op zijn zachtst gezegd pikant, en je krijgt een heleboel huid van mooie mensen te zien. Is het een fantastische film? Niet bijzonder, maar de moeite van het bekijken waard.

text_en: This is a very strange film - so strange that if you don't know the story beforehand, it won't make any sence at all. It is filmed uniquely (lost of special camera effects), using minimal intertitles. The subject matter is racy, to say the least, and you get to see plenty of skin from beautiful people. is it a fantastic movie? not especially, but worth seeing.


text: Oké, ik geef toe dat het de enige homofilm uit de Kino Video Avant Garde-bijbel is die ik ooit heb gezien... maar hij is absoluut de beste. Het is een nogal vreemd filmpje, hoewel het vergeleken met de rest van de korte films uit de Kino Video Avant Garde-collectie tamelijk 'normaal' en toegankelijk is voor de gemiddelde kijker. Ik weet echter niet precies wie het publiek is voor deze vreemde kunstfilm. Per slot van rekening zal het homopubliek waarschijnlijk niet genieten van alle religieuze inhoud en Bijbelverzen <0xE2><0x80><0x93> vooral niet als de mensen van Sodom verdoemd zijn. En vanwege de homo-erotische beelden zullen de meeste diepgelovige mensen op z'n minst zeer terughoudend zijn om naar de film te kijken! Dus tenzij je echt iets heel anders en heel creatiefs wilt, zal deze film waarschijnlijk je leven niet veranderen of je er meer dan één keer naar laten kijken. Maar ik moet zeggen dat het inventieve camerawerk best cool is en dat de film in veel opzichten op een stuk Pop Art lijkt.<br />Als je op zoek bent naar een 'artistieke' film, maar vindt dat het type film dat ik beschreef te ongebruikelijk of esoterisch klinkt, moet je misschien de films van de grote Franse kunstenaar/regisseur Jean Cocteau eens proberen. Afgezien van zijn BLOOD OF A POET zijn zijn andere films een combinatie van kunst en Avant Garde-beelden met goed geconstrueerde intriges en bekende filmelementen. Mijn favoriete films zijn Orphée (Orpheus) en La Belle et la bhoutte (Beauty and the Beast).

text_en:
Okay, I'll admit that it is the ONLY gay Avant Garde Biblical film I have ever seen,...but by default it is definitely the best. It's a pretty strange little film, though compared to the rest of the short films from the Kino Video Avant Garde collection, it's pretty "normal" and approachable for the average viewer. However, I am really not sure exactly who the audience is for this strange art film. After all, gay audiences probably won't enjoy all the religious content and Bible verses--especially when the people of Sodom are damned. And, due to the homo-erotic imagery, most deeply religious people will be at least super-duper hesitant to watch the film! So, unless you really want something very different and pretty oddly creative, this film probably won't be one that will change your life or get to to watch it more than once. I gotta say, though, that the inventive camera-work is pretty cool and the film is in many ways like a piece of Pop Art.

If you ARE looking for an "artsy" film but find this type of film I described sounds too unusual or esoteric, maybe you should try the films of the great French artist/director Jean Cocteau. Other than his BLOOD OF A POET, his other films combine artistry and Avant Garde imagery with well-constructed plots and familiar movie elements. My favorites of his films are Orphée (Orpheus) and La Belle et la bête (Beauty and the Beast).


text: Een zeer gestileerde verfilming van het bijbelse verhaal Lot <0xE2><0x80><0x93> en dan bedoel ik ook zeer gestileerd, met een royale hoeveelheid avant-garde. Veel mooie mannen, maar erg weinig vrouwen. Een ingewikkelde en etherische montage, maar als je alles bij elkaar optelt, slaat het nergens op. 'Lot in Sodom' doet een Andy Warhol-film op een Doris Day-film lijken. Tenzij je totaal anders in elkaar zit dan de meesten van ons, zou ik voor deze kiezen.

text_en: A highly stylized spin on the Biblical story of Lot--and I mean highly stylized, with a generous amount of avant garde tossed in. Lots of beautiful guys, but very sparse on gals. Supple and ethereal editing, yet put the entire thing together, and it doesn't make much sense at all. "Lot in Sodom" makes an Andy Warhol flick seem like a Doris Day feature. Unless you're wired radically different than most of us, I'd give this one a wide pass.


text: Elke keer als ik _De schemerzone_ zie, raak ik er meer en meer van onder de indruk! Niets in het Duister is een verhaal over het meest angstaanjagende dat de mens bekend is, het onbekende. De thema's van sterfelijkheid en angst zijn goed voelbaar in het verhaal van een oude vrouw die zichzelf dwingt in haar kleine tinnen hut te blijven. Ze blijft daar door angst, angst dat de dood haar zal opeisen. Als ze een jonge, gewonde politieagent voor haar deur vindt, staat ze voor een dilemma: laat ze hem binnen en riskeert ze dat de dood haar opeist <0xE2><0x80><0x93> of laat ze hem sterven? Deze episode wordt helemaal in één kamer opgenomen, en toch wordt het nooit saai of oninteressant. Het claustrofobische gevoel past goed bij de duistere plot, en de manier waarop het programma een eeuwenoude angst gebruikt om er een verhaal van te maken, is fantastisch. Gladys Cooper is uitstekend in de hoofdrol; ze geeft een voorstelling die zowel abstract als geloofwaardig is. De episode bevat ook een vroege rol voor ene Robert Redford, die al in een vroeg stadium van zijn charisma blijk geeft in zijn rol van de politieman. De climax van het verhaal zal waarschijnlijk ver voor het einde worden geraden, maar The Twilight Zone is nooit helemaal voorspelbaar, en aan het eind weet het nog steeds iets uit de kast te halen! Niets in het Duister is beslist een van de beste afleveringen van Rod Serling's. 'The Twilight Zone' en wordt me van ganser harte aanbevolen!

text_en: Every time I see The Twilight Zone, I become more and more impressed with it! Nothing in the Dark is a story about the most frightening thing known to man; the unknown. The themes of mortality and fear are well felt in a story of an old woman who forces herself to remain in her small tin shack. She remains there through fear; fear that death may claim her. When she finds a young wounded policeman on her doorstep, she faces a dilemma - does she let him in, and risk letting death claim her - or does she let him die? This episode is shot entirely inside one room, and yet never becomes dull or uninteresting. The claustrophobic feel bodes well with the dark plot, and the way that the program takes an age-old fear and spins a story out of it is fantastic. Gladys Cooper is excellent in the lead role; delivering a performance that is both abstract, yet believable at the same time. The episode also features an early role for one Robert Redford, who gives an early glimpse of his charisma in his role as the policeman. The climax to the tale will probably be guessed way before the ending; but The Twilight Zone is never completely predictable, and it still manages to pull something out of the bag at the end! Nothing in the Dark is surely one of the best episodes of Rod Serling's "The Twilight Zone" and comes hugely recommended from me!


text:
Oké, voordat ik begin, moet ik erop wijzen dat deze aflevering een heel jonge en aantrekkelijke Robert Redford als tegenspeler heeft <0xE2><0x80><0x93> voordat hij een ster was. De meeste vrouwen zouden hier heel blij mee moeten zijn <0xE2><0x80><0x93> het zou reden genoeg moeten zijn om de serie te zien! Maar geloof me, het is hoe dan ook de moeite waard.
De echte ster van deze aflevering is Gladys Cooper, die een schijnbaar gestoorde en bange oude dame speelt die weigert iemand in haar kelderappartement toe te laten. Ze gelooft namelijk dat de Engel des Doods haar stalkt en als ze niemand binnenlaat, heeft ze het eeuwige leven. Gedurende de hele aflevering proberen verschillende mensen haar de deur te laten opendoen, maar zonder succes. Pas later, als een jonge politieman (Redford) wordt neergeschoten, worstelt ze tussen haar angsten en haar verlangen om deze arme stervende man te helpen.
De episode is uitzonderlijk goed geschreven en geacteerd, plus hij is erg diepzinnig in zijn boodschap over de dood en het hiernamaals <0xE2><0x80><0x93> en alles wordt behandeld in een zeer innemende en handige stijl. Dit is een stijlvolle en aangename episode die ik niet sterk genoeg kan aanbevelen.

text_en:
Okay, before I begin I should point out that this episode co-stars a very young and attractive Robert Redford--before he was a star. Most women should be very happy about this--making it reason enough to see the show! But, believe me, it's still well worth seeing regardless.

The actual star of this episode is Gladys Cooper, who plays a seemingly crazy and scared old lady who refuses to allow anyone in her basement apartment. You see, she believes that the Angel of Death is stalking her and if she never lets anyone inside, then she'll live forever. Throughout the episode, various people try to get her to open the door but with no success. Only later, when a young policeman (Redford) is shot does she struggle between her fears and her desire to aid this poor dying man.

The episode is exceptionally well written and acted, plus it is very profound in its message about death and the afterlife--and all handled in a very engaging and deft style. This is one classy and enjoyable episode I can't recommend strongly enough.


text: De oude Wanda Dunn (Gladys Cooper) had in haar lange leven vele malen de dood overleefd. Nu is ze bang voor meneer de Dood en doet de deur van haar kamer in een oud gebouw niet open voor iemand die aanklopt. Als de politieagent Harold Beldon (Robert Redford) in haar voordeur wordt geschoten, doet de onwillige vrouw de deur open en laat hem binnen. Ze helpt Harold en vertelt hem over haar angst voor meneer de Dood en dat haar tijd gekomen was, zodat ze hem kon zien. Als een aannemer (R.G. Armstrong) het gebouw komt slopen, legt hij haar uit dat 'het oude ruimte geeft aan het nieuwe' en ze merkt dat haar nieuwe reis is begonnen. Dit prachtige verhaal is een van mijn favoriete afleveringen van 'The Twilight Zone'. Het hartverscheurende verhaal over de angst voor het onbekende wordt schitterend gespeeld als een toneelstuk op het toneel door de geweldige Gladys Cooper; door Robert Redford in het begin van zijn carrière en door R.G. Armstrong. Ik geloof dat dit onvergetelijke verhaal iedereen die volwassen is aangrijpt, en er zijn veel fantastische zinnen, zoals 'Beter in het donker leven dan helemaal niet leven' of 'oud geeft ruimte voor nieuw'. Mijn stem is tien.<br />Titel (Brazilië): 'Nada na Escuriddeo' ('Niets in het duister')

text_en:
The old Ms. Wanda Dunn (Gladys Cooper) had survived many times against death along her long life. Now she is afraid of Mr. Death, and does not open the door of her room in an old building for anyone who knocks the door. When the police officer Harold Beldon (Robert Redford) is shot in her front door, the reluctant woman opens it and lets him in. She helps Harold and she tells him about her fear of Mr. Death and that her time was coming, therefore she could see him. When a contractor (R.G. Armstrong) comes to demolish the building, he explains the "old gives space for the new" to her and she finds that her new journey has begun.

This beautiful tale is among my favorite episodes of "The Twilight Zone". The heartbreak story about the fear of the unknown is magnificently performed like a play on the stage by the awesome Gladys Cooper; Robert Redford in the beginning of his career and R.G. Armstrong. I believe this unforgettable tale shakes with every mature person, and there are many fantastic lines, like for example, "better living in the dark than not living at all" or "old gives space for the new". My vote is ten.

Title (Brazil): "Nada na Escuridão" ("Nothing in the Darkness")


text: In deze klassieke 'Twilight Zone'-aflevering, met de titel 'Nothing in the Dark', is er beslist sprake van mysterie en een reis naar het onbekende. Bovendien is het een klassieke aflevering, omdat Robert Redford erin voorkomt, lang voordat hij een grote filmster of grote naam werd. Redford speelt Harold Beldon, een politieman, die wordt gefilmd naast een straathoek van een huis van een oude, beschermde vrouw, die perfect wordt gespeeld door Gladys Cooper, die Redfords personage opneemt en hem behandelt en verpleegt tot hij weer gezond is. Deze vrouw is bang om dood te gaan en de echte wereld in te gaan <0xE2><0x80><0x93> ze denkt zelfs dat deze komst de engel des doods zou kunnen zijn, alleen blijkt het tegenovergestelde het geval te zijn, want de Redford-figuur bewijst de oude dame een dienst als hij zich buiten waagt en hij lijkt meer op een beschermengel. Over het geheel genomen een goede episode, want het is een mysterie en de ontdekking van een goede natuur die bewijst dat het leven zo onverwacht is dat een mysterie bij ons kan aankomen en een vondst kan zijn die ons helpt een nieuwe reis te beginnen.

text_en: In this classic "Twilight Zone" episode titled "Nothing in the Dark" it's certainly one of mystery and journey into the unknown. Plus it's a vintage one for the fact that it featured Robert Redford well before he became a big movie star or household name. Redford plays Harold Beldon a policeman who's shot alongside a street corner of a house of a sheltered and old woman played perfect by Gladys Cooper who takes Redford's character in and treats and nurses him back to good health. This woman has a fear of dying and venturing out into the real world she even thinks this arrival could be the angel of death, only it turns out to be the opposite as the Redford character returns a favor as he ventures the old lady out and he looks more like a guardian angel. Overall good episode for it's mystery and discovery of good nature proving life is so unexpected as a mystery can arrive to us and be a find that helps us start a new journey.