text:
De musical gaat over Randolph Scott en Irene Dunne die verliefd worden als hij een kledingzaak (met de naam Roberta's) in Parijs erft. De romantiek is oké, maar de dialoog is verschrikkelijk (als Scott nog één keer 'geweldig' had gezegd, zou ik gaan kotsen!); Scott is groot, knap en ondraaglijk knap, maar lijkt zich niet op zijn gemak te voelen in zijn rol; Dunne is absoluut beeldschoon, maar houterig en haar zingen werkte op mijn zenuwen (haar operaversie van 'Smoke Gets In Your Eyes' was oorverdovend). En er zijn veel te veel scènes uit modeshows.
Maar ik geef dit nog steeds een 8. Waarom?
Maar ik geef dit nog steeds een 8. Waarom? Ze zijn allebei jong, vol energie, in een heel speelse bui en lijken het geweldig te vinden om samen te werken (in tegenstelling tot latere films). Hun dansen, zingen en onderlinge interactie is gewoon geweldig <0xE2><0x80><0x93> er is een soort 'dansgevecht' aan het begin dat gewoon ongelooflijk is. Deze film moet je echt alleen voor hen zien. Lucille Ball is ook zogenaamd een fotomodel in deze film, maar ik heb haar niet gezien.
Dus, bekijk hem voor Astaire en Rogers... snel door de rest heen of bijt op je tanden en laat het over je heen komen.

text_en:
Musical about Randolph Scott and Irene Dunne falling in love when he inherits a dress shop (named Roberta's) in Paris. The romance is OK but the dialogue is terrible (if Scott had said "swell" one more time I was going to throw up!); Scott is big, hunky and unbearably handsome but seems very uncomfortable in his role; Dunne is absolutely gorgeous but wooden and her singing got on my nerves (her operatic version of "Smoke Gets In Your Eyes" was ear-splitting). And there are way too many fashion show sequences.

But I'm still giving this an 8. Why? Fred Astaire and Ginger Rogers. When they're on screen the movie leaps to life. They're both young, full of energy, in very playful moods and seem to have a great time working together (unlike later movies). Their dancing, singing and interplay is just great--there's a sort of "dance fight" near the beginning that's just unbelievable. This movie is a must see just for them. Also Lucille Ball is purportedly a fashion model in this but I didn't see her.

So, see it for Astaire and Rogers...just fast forward through the rest of it or grit your teeth and bear it.


text:
De muziek is van Jerome Kern, uit het Broadway-stuk. Wat een bloei van muziektalent in de showbusiness tussen, laten we zeggen, 1925 en 1955. Componisten en tekstschrijvers zijn Kern, George en Ira Gershwin, Yip Harburg, Charles Warren, Dorothy Fields, Cole Porter, Irving Berlin, Richard Rogers en een hele horde anderen. (Het is verbazingwekkend hoeveel van hen op hetzelfde moment in dezelfde buurt in Brooklyn zijn opgegroeid.) Kern was hun gelijke en hoewel Roberta zijn origineelste of gedenkwaardigste songs niet opneemt, zijn de songs die we wel horen zowel sonoor als technisch vaardig.
Maar de liedjes en de dansen zijn praktisch de enige goede dingen in de film. Het verhaal heeft een plot en is voor de Astaire-Rogers-serie wat 'Room Service' is voor de Marx Brothers. Otto Harback heeft het script voor het stuk geschreven, dat voornamelijk een contrast vormt tussen stereotiepe mannelijkheid en vrouwelijke tederheid. (Randolph Scott, een voormalig footballspeler, erft een of ander modebedrijf en vindt dat zijn viriliteit in gevaar is.) Het zorgt voor een hoop geploeter in de film. Scott is lang niet zo leuk als hij was in de latere 'Follow the Fleet', laat staan komedies als 'The Awful Truth'. Of zelfs (durf ik het te opperen?) de pedante cowboy die hij speelde in de goedkope Ranown-films uit de jaren vijftig: 'U maakt goede koffie. Goedenacht, mevrouw Lowe.' Of de beste zin die Scott ooit op het witte doek heeft uitgesproken over een mooie vrouw: 'Ze is niet lelijk.' Ik heb de indruk dat het stuk, met zijn contrasterende gevoeligheden ten opzichte van de seksen, iets gewaagder was dan de film, maar een deel van de humor is bewaard gebleven: Astaire die in een telefoon klaagt dat hij de modezaak al zo lang runt 'dat mijn stem begint te veranderen'.
Kern schreef acht nummers voor het stuk en vier daarvan zijn hier te horen: 'Let's begin', 'I'll be Hard to Handle', 'Smoke Gets in Your Eyes' en 'Yesterdays'. Er zijn twee nieuwe nummers van Kern bij: 'Lovely to Look At' en 'I Won't Dance'. Het laatste zou wel eens de herkenningsmelodie van Astaire-Rogers kunnen zijn. Ik ken een schizofreen die in een inrichting zit en de gebruikelijke vlakke emotie uitstraalt, maar die zo nu en dan in een energiek tempo 'I Won't Dance' begint te zingen.
Waarschijnlijk zijn de twee beste dansen Astaires solo in 'I Won't Dance' en de pas de deux in 'Smoke Gets in Your Eyes'. In de eerste wordt Astaire naar de voet van een trap gesleept en raakt hij in een stuiptrekking van draaien, draaien en onmogelijk snelle tikken, waarbij zijn armen wild heen en weer zwaaien en hij als een krankzinnige marionet draait en draait, waarbij hij er ook nog in slaagt iemand een hand te geven. Astaire stond tijdens de dansnummers altijd op volledige lichaamsbeweging en zo weinig mogelijk stoten. In deze scène is er maar één stoot. Dit is zonder enige twijfel een van zijn opvallendste solo's. 'Smoke Gets in Your Eyes' met Rogers is langzamer, maar niet dromerig. Door het rudimentaire pulserende ritme ziet hun eenvoudige dans samen er beslist elegant uit. Als ze door een Duitse band werden begeleid, zou er een tuba OOM-pah, OOM-pah spelen. Rogers is opmerkelijk soepel. Op een gegeven moment legt Astair haar achterwaarts over zijn arm en zij legt haar bovenlichaam eroverheen alsof haar ruggengraat niet uit botten bestaat, maar uit chondrocyten.
Het bekijken waard, maar alleen voor de liedjes.

text_en:
The music is by Jerome Kern, from the Broadway play. What a flowering of musical talent show business produced between, say, 1925 and 1955. Composers and lyricists include Kern, George and Ira Gershwin, Yip Harburg, Charles Warren, Dorothy Fields, Cole Porter, Irving Berlin, Richard Rogers, and a horde of others. (It's surprising how many of them grew up at the same time in the same Brooklyn neighborhood.) Kern was the equal of any of them and though Roberta doesn't include his most original or memorable songs, those we do hear are both sonorous and technically adept.

But, the songs and dances are virtually the only good things in the movie. The story is plot bound, and is to the Astaire-Rogers series what "Room Service" is to the Marx Brothers. Otto Harback wrote the script for the play, mainly a contrast between stereotypical masculinity and feminine delicacy. (Randolph Scott, a former football player, inherits some kind of fashion business and feels his virility is compromised.) It makes for some heavy plodding in the film. Scott isn't nearly as enjoyable as he was in the later "Follow the Fleet," let alone straight comedies like, "The Awful Truth." Or even (dare I suggest it?) the priggish cowboy he played in the cheap Ranown movies of the 1950s -- "You make good coffee. Good-NIGHT, Mrs. Lowe." Or the best line Scott has ever uttered on screen about a beautiful woman -- "She ain't ugly." I gather the play, with its contrast in gender sensibilities, was a little more risqué than the film, but some of the humor survives: Astaire complaining into a phone that he's been running the fashion shop "for so long my voice is beginning to change."

Kern wrote eight songs for the play and four of them are included here: "Let's Begin," "I'll be Hard to Handle," "Smoke Gets in Your Eyes," and "Yesterdays." Two new Kern songs were brought in: "Lovely to Look At" and "I Won't Dance." The last may be the Astaire-Rogers signature tune. I know an institutionalized schizophrenic who shows the usual flat affect but who, every once in a while, begins to sing "I Won't Dance" in a peppy tempo.

Probably the two best dances are Astaire's solo in "I Won't Dance" and the pas de deux in "Smoke Gets in Your Eyes." In the first, Astaire is hauled to the foot of a staircase and goes into a spasm of twists, turns, and impossibly rapid taps, his arms flailing about as he twists and turns like a crazed marionette, managing to shake hands with someone in the process. Astaire always insisted on full body shots during the dance numbers and as few cuts as possible. There is only one cut in this scene. This is unquestionably one of his most distinctive solos. "Smoke Gets in Your Eyes", with Rogers, is slower but not moony. The rudimentary pulsing rhythm makes their simple dance together look positively elegant. If they were backed by a German band, there would be a tuba playing OOM-pah, OOM-pah in the arrangement. Rogers is remarkably supple. At one point Astair drapes her backward over his arm and she drapes her torso over it as if her spine were made not of bones but chondrocytes.

Worth seeing, but only for the songs.


text: Fred Astaire en Ginger Rogers zijn, ondanks het feit dat ze op de cover staan, niet de grote sterren. De grote sterren zijn toevallig Irene Dunne en Randolph Scott, en je wilt Dunne niet zien zingen omdat ze afschuwelijk is en Scott niet eens probeert te dansen of te zingen, en dat is maar goed ook. Astaire en Rogers zijn het beste in deze film en je hoort dat Rogers een Zweeds accent heeft. De romance tussen Scott en Dunne is gewoon niet erg interessant en je zou er het beste aan doen om de delen over te slaan als Dunne zingt. Ik begrijp niet eens waarom Dunne en Scott in deze film spelen en je moet er eigenlijk alleen maar naar kijken als je toevallig een grote fan van Astaire of Rogers bent.

text_en: Fred Astaire and Ginger Rogers, despite being on the front cover are not the main stars. The main stars happen to be Irene Dunne and Randolph Scott and you do not want to watch Dunne sing since she is awful and Scott doesn't even try to dance or sing, which is a good thing. Astaire and Rogers are the best thing in this movie and you get to hear Rogers have a Swedish accent. The romance between Scott and Dunne just isn't very interesting and you would be best off by skipping the parts when Dunne sings. I don't even see why Dunne and Scott were cast in this film and you should really only watch it if you happen to be a big fan of Astaire or Rogers.


text:
De enige reden dat deze film <0xC3><0xBC>berhaupt bestaat, is dat Dorothy Stratten erin voorkomt. Autumn Born heeft alle finesse van een pornofilm uit de jaren zeventig, maar dan zonder de seksscènes. Hoewel ik het verhaal wel leuk vond: een oom die zijn nichtje laat ontvoeren om haar zo te hersenspoelen dat ze haar toekomst aan hem overdraagt. Het is een interessant verhaal, maar het is nog niet ten volle gerealiseerd door de schrijver en de regisseur van deze film.

In Autumn Born krijg je meer Dorothy Stratten te zien dan in welke andere film dan ook. Je hoort haar praten met haar Canadese accent (ze heeft inderdaad een prachtige stem). Je hoort haar 'eh' zeggen. Aan het begin van de film zie je Dorothy in verschillende stadia van ontkleding, ofwel door iemand anders, ofwel heel vaak door zichzelf. Wat ik zo leuk aan deze film vind, is dat je de ontluiking van haar acteertalent te zien krijgt. Ik heb meer dan genoeg slecht acteerwerk in lowbudgetfilms gezien, maar Dorothy's acteerwerk mag dan wat ruw zijn, het heeft nog steeds de ruimte om te groeien, dat wil zeggen, als ze haar vaardigheid zou mogen ontwikkelen. Het is echt jammer dat we Dorothy Stratten alleen als actrice te zien krijgen in goedkope films als deze.

text_en:
The only reason this film exist at all is that Dorothy Stratten is in it. Autumn Born has all the finesse of a 70's porn film, but without the sex scenes. Although, I did like the story, An uncle who have his niece kidnapped to brainwash her into signing her fortunes over to him. It is a interesting story, but not fully realized by the writer and by the director of this movie.

In Autumn Born, you get to see plenty of Dorothy Stratten than any other films that she is in. You get to hear her speak with her Canadian accent(she does have a very lovely voice). You get to heard her say "eh" couple of times at the start of the film. You get to see Dorothy in varies states of undress either by another or by herself a lot. What I like about this movie is that you get to see the budding of her acting talent. Now I have seen more than my shares of bad acting in low budget movies, but Dorothy's acting although rough around the edges, still have more room to grow, that is, if she was to allow to develop her skill. It is really a shame that all we get to see of Dorothy Stratten as an actress is in low rent movies like this one.


text: Volslagen onzin eigenlijk, maar het is een van de zeldzame verschijningen op celluloid in haar tragisch korte jonge leven. Moet je haar zien!! Ze is beeldschoon!! Die arme Dorothy wordt ontvoerd, meegenomen naar een'school' waar ze met de stok wordt geslagen omdat ze stout is, en nog een aantal andere kwellingen. Het is gewoon leuk om haar schoonheid te zien - nu voor altijd bewaard op dvd. Een typisch Canadese toestand, heel toepasselijk, want Dottie was een Canadienne. De film is opgenomen in en rond Winnipeg en toont een aardige voorstelling van Jocelyn Fournier als de saffierblauwe directrice met een voorliefde voor smakkende billen en het 'helpen' van Tara (Stratten) in haar bad! Maar eigenlijk is het gewoon een film over en voor Dorothy. Ze heeft een lieve stem met haar Canadese accent en een grote lichamelijke aantrekkingskracht, wat nog mooier is omdat ze helemaal natuurlijk was en niet was 'opgeknapt' zoals veel van de sterretjes van tegenwoordig.

text_en: Utter rubbish really but it serves as one the rare appearances on celluloid in her tragically short young life. Look at her!! She's gorgeous!! Poor Dorothy gets kidnapped, taken off to a "school" where she gets the cane for being naughty, amongst other torments. It's just nice to see her beauty - now preserved for ever on DVD. An all Canadian affair, appropriately enough since Dottie was a Canadienne. Shot in and around Winnipeg the movie does feature a nice performance from Jocelyn Fournier as the sapphic Headmistress with a penchant for smacking bottoms and "assisting" Tara (Stratten) in her bath! But really it's just a movie made about and for Dorothy. She has a sweet voice with her Canadian accent and great physical appeal, made even more delightful since she was all natural and not "enhanced" like many of today's starlets. Thank you, Dorothy.


text: Het acteerwerk is slecht. De plot is zwak. De film is niet meer dan een middel om het lichaam van Dorothy Stratten tentoon te stellen. Wat dat betreft, goed gedaan. Maar zelfs dat is niet genoeg om de belangstelling tot het einde toe vast te houden.

text_en: All the acting is poor. The plot is weak. The film is merely a vehicle to display Dorothy Stratten's body. On that count, well done. But, even that is not enough to maintain an interest to the end.


text: Het is echt jammer dat Dorthy Stratten, die waarschijnlijk een van de knapste vrouwen op deze planeet was, er niet langer was om meer en betere films te maken. We blijven over met Galaxina en Autumn Born, waarvan de eerste veel bekender is dan de andere twee. De film Autumn Born is goed in wat hij is, en dat is niet alleen een'sexploitation'-film, maar ook een bijna perfecte beschrijving van hoe je iemand hersenspoelt. Hoewel het een onplezierig onderwerp is, moeten de mensen beseffen dat dit een echte techniek is die wordt gebruikt om onwillige mensen zo te beïnvloeden dat ze subjectief gaan doen tegen 'de meesters'. Het is een redelijk goed gemaakte film, voor een lowbudget en een van de enige twee films waarin Dorthy Stratten een rol heeft, dus als je een Stratten-fan bent of geïnteresseerd in hersenspoeling, ga je gang.

text_en: It's really much too bad that Dorthy Stratten, who was probably one of the prettiest females to grace this planet, wasn't around longer to make more and better movies. We are left with Galaxina and Autumn Born, the former being the much better known of her two movies. This movie Autumn Born is good at what it is, which, in addition to being a "sexploitation" movie, is almost a perfect, text-book account of how to brainwash someone. Though certainly an unpleasant subject, people should realize that this is a real technique that is used upon unwilling people to cause them to be subjective to other people "the masters". It's a fairly well-made film, for a low-budget feature and one of the only two movies you'll find Dorthy Stratten in, so if your a Stratten fan or interested in brainwashing, then go for it.


text: 'Autumn Born' was de eerste filmrol van Dorothy Stratten in een carrière die niet langer dan een jaar zou duren, tot haar vroegtijdige dood op haar twintigste in 1980. De film is een Canadese exploitatiefilm, en om te zeggen dat hij technisch gezien afschuwelijk is, is een understatement. Na een paar zeer gedateerde disco- en kantoorscènes uit de jaren zeventig wordt Dorothy's personage ontvoerd en naar een strenge'school van discipline' op een landgoed gestuurd. Haar ontvoerders gooien haar in een kelder, binden haar vast, kleden haar uit, martelen haar en vernederen haar voor de rest van de film. Al die scènes lijken te worden verlicht door een enkele zwakke gloeilamp die aan het plafond van de kelder hangt. Aan het eind draait ze de rollen om en wint de dag.<br />Het is moeilijk te zeggen wat het ergste aan deze film is. De fotografie is slecht. Het acteerwerk is slecht. De geluidskwaliteit is slecht. De belichting is slecht. Het scenario is slecht. Vooral de regie is hopeloos incompetent. Maar de aanwezigheid van Dorothy Stratten heeft iets dwingends, waardoor deze verder zo oninteressante film de moeite van het bekijken waard is. Sommige mensen zeggen dat Stratten die ondefinieerbare eigenschap heeft die ze'sterrenkwaliteit' noemen - als dat zo is, wat heeft ze dan in de afgelopen zevenentwintig jaar bereikt?

text_en:
"Autumn Born" marked Dorothy Stratten's first movie role in a career that would only last about a year, until her untimely death at age 20 in 1980. The movie is a Canadian exploitation flick, and to say that it is technically awful is a real understatement. After a few very dated late-1970s disco and office scenes, Dorothy's character is kidnapped and sent to a strict "school of discipline" at a country estate. Her captors throw her into a basement, tie her up, strip her naked, torment, torture, and humiliate her for the rest of the movie. All of these scenes appear to be lit by a single dim light bulb hanging from the basement ceiling. At the end she turns the tables on her tormentors and wins the day.

It's hard to say exactly what the worst thing about this film is. The photography is bad. The acting is bad. The sound quality is bad. The lighting is bad. The script is bad. In particular, the direction is hopelessly incompetent. However, there's something compelling about Dorothy Stratten's mere presence that makes this otherwise forgettable movie worth a look. Some people have said that Stratten had that indefinable characteristic called "star quality"if so, what might she have accomplished in the past 27 years?


text: Phantom Raiders was de tweede (de eerste was Nick Carter <0xE2><0x80><0x93> Master Detective 1939) en de laatste film, geregisseerd door Jacques Tourneur, over de avonturen van de populaire detective Nick Carter, wiens personage pas aan het eind van de 19e eeuw werd gecreëerd en die in het stille tijdperk voor deze film de hoofdpersoon was van een aantal films. Opnieuw speelt Walter Pigeon de hoofdrol van de onoverwinnelijke detective en opnieuw krijgt hij gezelschap van zijn eigenaardige assistent Bartholomeus, beter bekend als de Bee-man (hilarisch gespeeld door Donald Meek). Ze zouden pas in hetzelfde jaar als Phantom Raiders weer verenigd worden in de film Sky Murder, maar ditmaal onder leiding van George Seitz. In Phantom Raiders beantwoordt Nick Carter de oproep terwijl hij op vakantie is en wordt naar Panama gestuurd om het mysterieuze zinken van verscheidene vrachtschepen bij de kust van Panama te onderzoeken, waar hij gezelschap krijgt van zijn excentrieke assistent Bartholomew, die zoals gewoonlijk soms een waardevolle hulp is en bij andere gelegenheden chaos veroorzaakt, hoewel hij altijd bij de hand blijft. Al snel ontdekken ze dat een nachtclubeigenaar, Al Taurez, erbij betrokken is, maar al heel snel ontdekken onze helden tot hun teleurstelling dat hij op dat moment een beetje harder is dan hij op het eerste gezicht lijkt. Een beetje zwakker dan zijn voorganger <0xE2><0x80><0x93> Nick Carter-Master Detective, The Phantom Raiders is nog steeds een goede film om te zien.

text_en:
Phantom Raiders was the second (the first being 1939 Nick Carter - Master Detective) and the last film directed by Jacques Tourneur about the adventures of a popular detective Nick Carter whose character was created still in the end of the 19th century and who served as a protagonist of several films before this one during the silent era. Here yet again Walter Pigeon plays the main part of invincible detective and is joined once more by his peculiar assistant Bartholomew known as the Bee-man (hilariously played by Donald Meek). They were destined to reunite only once again the same year as Phantom Raiders to film Sky Murder but this time under the direction of George Seitz.

 In Phantom Raiders Nick Carter answers the duty call while on vacation and is sent to Panama to investigate the mysterious sinking of several cargo ships near the Panama coast where he is joined by his eccentric assistant Bartholomew who as usually provides sometimes a valuable help and on other occasions creates havoc though always remaining handy. Soon they discover that a nightclub owner Al Taurez is involved, but very soon our heroes discover to their disappointment that he's a bit tougher then appears to be at first sight. A little weaker than its predecessor - Nick Carter-Master Detective, The Phantom Raiders is still a decent viewing experience. 6/10


text: Phantom Raiders schetst een misdaad die tegenwoordig heel goed mogelijk is, het opblazen van schepen die door elektrische apparaten worden aangedreven. Maar dat was in 1940, het tijdperk van de gevatte detective en zijn helper die het mysterie in iets meer dan een uur oploste. Wat deze film onderscheidt van andere films van hetzelfde type, is zijn kraakheldere, goede dialoog, een verraderlijke schurk (Joseph Shild-kraut), de minzame Nick Carter (een gladgeschoren Walter Pigeon), zijn assistent, meneer Bartholomew (mooi gespeeld door Donald Meek), de onschuldige ingénue (de fascinerende Florence Rice). Over Florence Rice gesproken, ze doet het scherm letterlijk oplichten als ze aan het woord is. Tegelijkertijd kwetsbaar, aanbiddend. Luister naar de manier waarop ze zegt 'Ik hou van hem'. Over haar vriend gesproken, je hart zal smelten. Zeer aanbevelenswaardig!

text_en: Phantom Raiders portrays a crime that is all to possible today, blowing up ships set off by electrical devices. However this was 1940, the era of the wisecracking detective and his sidekick neatly wrapping up the mystery in a little over an hour. What sets this film apart from other movies of the same type is its crackling good dialog, an insidious villain,(Joseph Shildkraut),the suave Nick Carter,(a clean shaven Walter Pigeon), his assistant, Mr Bartholomew (beautifully played by Donald Meek), the innocent ingénue(the captivating Florence Rice). Speaking of Florence Rice, she literally lights up the screen when she is on. At the same time vulnerable, adoring. Listen to the way she says "I love him", talking about her boyfriend, it will melt your heart. Highly recommend!


text:
Hoewel hij de titelfiguur is, speelt Welter Pigeon de schurk op de achtergrond. De schurk wordt soepel gespeeld door de uitmuntende Joseph Schildknaap. De rest van de cast is leuk. Nat Pendleton is de lijfwacht van Schildknaap. Donald Meek is Pigeons hulpje <0xE2><0x80><0x93> en een bijenhouder op de koop toe. Florence Rice is heel goed in wat een sympathieke rol lijkt te zijn, en dat is ze ook, hoewel ze in eerste instantie aan de verkeerde kant van de wet staat.
Wat dit zo opvallend maakt, is de plot. We zien dit helemaal aan het begin, dus ik verraad niets: Schildknaap blaast schepen op om hun verzekeringsgeld in ontvangst te nemen. Het is een schokkende gedachte aan zulk koelbloedig gedrag. Maar om de gruwelijke aard van zijn misdaad te onderstrepen, zien we de kapitein en een paar bemanningsleden met elkaar praten vlak voordat die van hen aan flarden wordt geblazen.
Dit is niet de beste film van Jacques Tourneur. Maar zijn meesterschap is duidelijk te zien. Schildknaap wordt vaak en profil gefotografeerd en meestal gedeeltelijk in de schaduw. Hij doet denken aan een gestroomlijnde, op maat gemaakte sportwagen uit die tijd. Hij is stijlvol <0xE2><0x80><0x93> en bijna onmogelijk wreed.

text_en:
Though he's the title character, Welter Pigeon plays a back seat to the villain. The villain is played smoothly by the superb Joseph Schildkraut. The rest of the cast is fun. Nat Pendleton is Schildkraut's bodyguard. Donald Meek is Pigeon's sidekick -- and a beekeeper, to boot. Florence Rice is very good in what looks like a sympathetic role, and is, though she's initially on the wrong side of the law.

What makes this stand out is its plot. We see this at the very start; so I'm giving nothing away: Schildkraut is blowing up ships at sea to collect on their insurance. It's shocking to think of such cold-blooded behavior. But to underline the heinous nature of his crime, we see the captain and some crew members chatting just before theirs is blown to bits.

This isn't the greatest of Jacques Tourneur movies. But his masterly touch is evident. Schildkraut is often photographed in profile and generally partially in shadow. He reminds one of a streamlined, custom-made sports car of the time. He is stylish -- and almost impossibly cruel.


text: Shakespeare zonder dialoog bekijken is niet zo'n uitdaging als je zou denken. Deze film uit 1912 slaagt er zelfs in het stuk keurig samen te vatten en houdt nog steeds veel van de kracht van het stuk vast zonder de woorden te horen <0xE2><0x80><0x93> of zelfs maar te lezen. Veel van het succes van 'Richard III' is te danken aan de levendige vertolking door Frederick Warde, maar zijn tegenspelers zijn ook uitstekend. De regie is natuurlijk elementair, en zo nu en dan verspilt regisseur-ster James Keane kostbare tijd (wat moet hij met die lange half-spooropname van het schip?), maar over het algemeen is zijn werk meer dan voldoende. Als we Keanes werk hier vergelijken met de pionierende Italiaanse film uit 1911, 'L'Inferno', is het meer dan voldoende. Het is duidelijk dat de Amerikaan op de hoogte was van wat zich elders afspeelde, ook al wist hij (natuurlijk) niet wat D.W. Griffith al aan het doen was. Over het geheel genomen zal 'Richard III' van groot belang zijn voor zowel geluidloze filmfans als toneelspelers die geïnteresseerd zijn in het werk van meester Warde uit de negentiende eeuw. Ik betwijfel of deze film veel andere kijkers zal boeien. Maar ik kan het mis hebben; kijk zelf maar.

text_en: Watching Shakespeare without dialog isn't as challenging as you might think. Indeed, this 1912 film manages to condense the play neatly and still retains much of the power of the piece without hearing - or even reading - the words. Much of the success of "Richard III" is due to the vivid characterization by Frederick Warde, but his costars are excellent too. The direction is basic, of course, and every so often director-star James Keane wastes precious time (what's up with that long semi-tracking shot of the ship?), but generally his work is more than adequate. Comparing Keane's work here to the pioneering 1911 Italian feature "L'Inferno", it's clear that the American did have knowledge of what was going on elsewhere, even if he (of course) fell far short of what D.W. Griffith was already doing. Overall, "Richard III" will be of considerable interest to silent-film fans as well as stage performers interested in viewing the work of 19th century master Warde. Otherwise, I doubt this movie will thrill many other viewers. But I could be wrong; check it out for yourself.


text:
Deze film was niet naar de maatstaven van vandaag, maar naar wat een kijker in 1912 kan hebben ervaren, want wat ze op het scherm zagen, het flikkerende licht dat tamelijk nieuw was voor hun wereldbeeld, ving de geest van Shakespeares Richard in bloederig detail (nou ja, halfbloedig, maar waarschijnlijk door de verbeelding tot bloederig gemaakt).
De speciale traktatie hier ligt in de man die de film inleidt <0xE2><0x80><0x93> zowel op het scherm zonder kostuum, als toen de film werd gedraaid door het land reisde om hem in te leiden en tussen de bedrijven door tegen het publiek te spreken <0xE2><0x80><0x93>, de 19e-eeuwse toneelspeler Frederick Warde. Een jeugdige 61-jarige toen hij de film maakte, bochelt hij rond en verzint en creëert op het scherm emotie via hand- en gezichtsuitdrukkingen. Shakespeare mag dan tevreden hebben gestraald op deze uitverkoren Richard, een collega-toneelspeler die, volgens een interview dat op de dvd staat, de woorden met zijn lippen moest vormen om de rol volledig te kunnen vertolken, ook al zou geen geluid de voorbijglijdende decennia overleven.
De film bevat een geïnteresseerd gebruik van achterlichten, terwijl de geesten van al zijn recente slachtoffers beschuldigend, eensgezind en vastberaden naar Richard wijzen, vlak voordat hij naar buiten gaat om zich bij hen te voegen in het hiernamaals. Geweldige kostuums in deze film, voor zijn tijd of voor welke tijd dan ook, en wie kan zeggen dat ze niet in de buurt komen van de originelen uit de afgebeelde periode.
Er blijft een interessante academische vraag over. Hoewel de enige overgebleven afdruk in handen kwam van het American Film Institute (AFI) van een serieuze verzamelaar, William Buffum (Buffum geïnterviewd in de extra's op de dvd), vraag ik me af waar hij hem vandaan heeft. Misschien heb ik de verklaring over het hoofd gezien, maar het kan een ruil zijn geweest met een andere verzamelaar. De filmgeschiedenis is alle betrokkenen dank verschuldigd.

text_en:
High-scored this movie not by today's standards, but by what a viewer in 1912 may have experienced. For what they saw on screen, the flickering light fairly new to their worldview, captured the spirit of Shakespeare's Richard in gory detail (well, semi-gory, but probably upped to gory by the imagination).

The specific treat here lies in the man who introduces the film--both on screen without costume and, when the film played, traveled the country to both introduce it and speak to the audience between reels)--the 19th-Century stage actor Frederick Warde. A youthful 61 when he made the film, he hunchbackingly runs and plots and creates on-screen emotion via hand and facial expressions. Shakespeare may have beamed well-pleased at this chosen Richard, a fellow thespian who, according to an interview reproduced on the DVD, had to mouth the words to fully capture the role even though no sound would survive the flowing decades.

The film contains an interested use of backlighting, as the ghosts of all his recent victims point accusingly, in unison and determination, at Richard just before he goes out to join them in the back-lit-hereafter. Great costumes in this film, for its time or any other, and who can say they don't come close to the originals of the depicted era.

An interesting scholarship question remains. Although the only surviving print came into the hands of the American Film Institute (AFI) from a serious print collector, William Buffum (Buffum interviewed in the extras on the DVD), I'm wondering where he got it. May have missed the explanation, but it may have come in a trade with another collector. Film history owes a thanks to all involved.


text: Deze stomme film gaat over de weg naar de troon aan het eind van de veertiende eeuw in Engeland van de sluwe en meedogenloze Richard hertog van Gloucester. Ik ben werkelijk geïnteresseerd in het personage dat door zowel Shakespeare als de historische Richard werd gecreëerd. Maar het is heel moeilijk om een film te maken die gebaseerd is op een toneelstuk uit 1912 toen de film nog stilstond; dus als je het stuk niet hebt gelezen, is het mogelijk dat je je soms afvraagt wat er aan de hand is, hoewel de gerestaureerde titels de plot goed samenvatten. Meneer Warde geeft het personage een eng gevoel en toont tegelijkertijd een wrede en angstige man, zoals mogelijk de echte Richard III was. Ik beveel deze film aan bij alle Shakespeare-minnaars <0xE2><0x80><0x93> een hele tijd geleden heb ik de film van Lawrence Olivier gezien <0xE2><0x80><0x93> maar vergeet niet dat deze film is gemaakt in de tijd dat filmtrucs, zoals montage of het knippen van stukken film, nog niet in gebruik waren; dus de manier van filmen is heel eenvoudig: ze zetten de camera neer en filmen alle scènes in een middelmatig shot <0xE2><0x80><0x93> er is maar een kort shot dichter bij Richard Olivier <0xE2><0x80><0x93> en dat doet me denken aan de film Frankenstein van Edison in 1910. Dus als je van Shakespeare houdt, van oude films (goed overgezet op dvd) en van het gevoel dat je krijgt als je naar een bijna honderd jaar oude film kijkt, moet je hem zien. Ik geef hem 7 van de 10 sterren.

text_en: This silent movie concerns the road to the throne in late fourteen century England of scheming and ruthless Richard Duke of Gloucester. I am really interested in the character created by Shakespeare and the historical Richard both. But trying to make a movie based upon a play in 1912 when cinema was silent is quite difficult; so if you haven't read the play, is possible that sometimes you find yourself puzzled about what is going on, although restored titles summarize the plot well. Mr Warde gives a creepy feeling to the character, showing at the same time a brutal and fearful man, as possibly the real Richard III was. I recommend this movie to all Shakespeare lovers, a long time go I watched the movie made by Lawrence Olivier, like too Keep in mind that this movie was done when cinema tricks, like editing or crosscutting, was yet not in use; so the way of filming is quite simple: they put the camera and shoot all the scenes in a medium shot, there is only a brief shot closer to Richard, reminds me all the movie the Frankenstein made by Edison in 1910. So, if you love Shakespeare, old movies (well transferred to DVD) and tasting the feeling of watching a near 100 years old flick, see it. I give it 7 stars out of 10.


text: Dit was een heel, heel vroege volwaardige film. Volgens de videorecorder was het de eerste volwaardige Amerikaanse film, maar daar valt over te twisten <0xE2><0x80><0x93> zoals verscheidene films hebben beweerd, en wat 'volwaardige film' precies inhoudt, is nogal vaag. Hoe dan ook, ik moet de cast aanbevelen om iets unieks en episch te proberen, hoewel de film in het huidige licht een totaal saaie rotzooi is en alleen interessant is voor cinefielen. In plaats van het moderne idee van verhalen vertellen en actie voeren, brak de crew nieuw terrein en maakte een bizarre film die meer op een reeks tableaus lijkt dan op een samenhangende film. In plaats van een bewegend en zich ontwikkelend verhaal zoals we dat gewend zijn, werd de film gemaakt met een echt reizend toneelgezelschap. Maar in plaats van het verhaal te laten uitbeelden, laat de film intertitelkaarten zien die beschrijven wat er is gebeurd en de houding van de spelers alsof ze gefotografeerd gaan worden of alleen maar een paar minimale bewegingen of handelingen maken tot de volgende kaart een geheel nieuwe scène lijkt te beschrijven. Het is bijna alsof je naar een serie stereoscoopkaarten kijkt die een beetje bewegen en alles bij elkaar een heel, heel saai verhaal vertellen. Heel statisch en afschuwelijk om te zien, het heeft iets anders geprobeerd en dit is een verbazingwekkend belangrijke film uit de geschiedenis <0xE2><0x80><0x93> ik zou hem gewoon nóóit meer willen zien!

text_en: This was a very, very early full-length film. According to the video box, it was the first full-length American-made film, but that is debatable--as several films have made that claim and exactly what constitutes "full-length" is pretty vague. Regardless, I have to commend the cast for trying something unique and epic, though in today's light the film is a totally boring mess and only of interest to cinephiles. Instead of the modern notion of story-telling and action, the crew was breaking new ground and made a bizarre film that appears more like a series of vignettes instead of a coherent film. Instead of a moving and evolving narrative like we are used to, the film was made with a real-life traveling acting troop. But, instead of having them act out the story, the film shows inter-title cards that describe what has occurred and the cast pose like they are going to be photographed or just make a few minimal movements or actions until the next card appears to describe an all-new scene. It's almost like looking at a series of stereoscope cards that move just a little and all together tell a very, very dull story. Very static and horrid to watch, it DID try something different and this is an amazingly important film historically--I just would NEVER want to have to watch it again!


text: Genoemd als de eerste Amerikaanse speelfilm waarvan het bestaan en de restauratie door het American Film Institute bekend zijn, is 'The Life and Death of King Richard III' verder van weinig waarde. Shakespeare is zelden zo saai. Ja, de film is een symptoom van zijn tijd; ik heb vandaag ook 'Queen Elizabeth' (1912) gezien (het was niet zo'n goede dag), en beide zijn droge en statische bewerkingen van het toneel, inclusief theatraal acteerwerk, maar zonder geluid, of enige andere eigenschap van het theater. Films als deze echter kwamen samen voor met films als D.W. Griffith; je kunt gemakkelijk zien welke het medium vooruit hielp en welke het belemmerde.

text_en: Credited as the earliest complete feature-length American film known to still exist and restored by the American Film Institute, 'The Life and Death of King Richard III' is otherwise of little value. Rarely is Shakespeare nearly as boring. Yes, the film is a symptom of its time; I also watched 'Queen Elizabeth' (1912) today (it wasn't a very good day), and both are arid and static adaptations from the stage, histrionic acting included, but without sound, or any other qualities of the theatre. Films such as these, however, were coincident with films by others like D.W. Griffith; one can easily see which was advancing the medium and which was hampering it.


text:
Nicolas Winding Refn, het genie achter de voortreffelijke 'Pusher', legt met zijn nieuwe opus 'Bleeder' nieuwe maatstaven op het gebied van dansfilms. Leo, gespeeld door de schitterende acteur Kim Bodnia, wordt geleidelijk aan gek als zijn vrouw zwanger raakt. Hij voelt zijn leven vervagen en vraagt zich af hoe hij een kind in een rauwe wereld kan plaatsen en hoe ze het zich kunnen veroorloven om er een te krijgen.
De sfeer is twee delen Scorceses 'Taxi Driver' en één deel van Franz Kafka's 'Der Prozess', met andere woorden: niet erg somber. Een subverhaal over Leo's vriend die op zoek is naar een meisje verlicht de druk een beetje, en dat is maar goed ook, want het voegt diepte aan de film toe. Het geweld voelt heel realistisch en soms is het zelfs moeilijk om naar te kijken, het is alsof het allemaal echt gebeurt. Door de realistische aanpak voelt deze film fris en niet als iets wat je eerder hebt gezien. Nadat ik deze film had gezien, had ik een ongemakkelijk gevoel in mijn maag en ik wist dat ik iets heel achterlijks en heel goeds had gezien.

Nicolas Winding Refn is de hoogste lof waard voor het maken van een film als deze. Dat is precies wat het Europese filmen nodig heeft.

9/10 2010.

text_en:
Nicolas Winding Refn, the genius behind the excellent "Pusher" sets new standards for danish movies with his new opus "Bleeder". Leo, played by the magnificent actor Kim Bodnia, is gradually going insane as his wife gets pregnant. He feels his life fade away and asks himself how he can put a child into a world that's raw and how they can afford to have one.

The atmosphere is two parts Scorcese's "Taxi Driver" and one part Franz Kafka's "Der Prozess", not very moody in other words. A sub-story about Leo's buddy searching for a girl relieves the pressure a bit, which is for the better as it also adds depth to the movie.

The violence feels very realistic and is sometimes even hard to watch, it's like it all is happening for real. The realistic approach makes this movie feel fresh and not like something you've seen before. After I saw this movie I was left with an uneasy feeling in my stomach and I knew I've seen something very rear and very good.

Nicolas Winding Refn is worth the highest of praise for making a movie like this. It's just what European moviemaking needs.

9/10


text:
Dus reis ik van Zweden naar Kopenhagen om een film te zien. Ik betaal ongeveer 15 dollar voor de reis en nog eens 10 voor de film. 25 dollar voor een film??? Was het het waard????
Ja, dat was het zeker, dit is de tweede film van Nicholas Winding Refn, en na zijn meesterlijke debuut: Pusher had ik echt mijn hoop gevestigd. En tjonge, wat was het goed.
Het tempo is een beetje langzamer dan Pusher, maar het past echt bij de film. De dialogen zijn geweldig en doen me op sommige plaatsen een beetje aan de klerk denken, vooral de scènes in de videotheek. Het thema van de film in mijn gedachten gaat over mannen en onze problemen met praten met elkaar en met vrouwen. Zeker, er zijn scènes met echt verontrustend en realistisch geweld. Maar ik heb het gevoel dat die meer gemeen hebben met John Cassavettes dan met Abel Ferrara en Martin Scorsese, die volgens mij de inspiratiebron waren voor Pusher.
De acteurs zijn allemaal briljant, vooral Mads Mikkelsen die een fantastische rol speelt als filmnerd, met grote problemen als het gaat om praten en in de buurt van meisjes zijn. En Kim Bodnia geeft een heel introspectieve rol die zijn status als een van de beste acteurs ter wereld bewijst.
Al met al is het een heel krachtige en intense film die je gezien moet hebben.

text_en:
So I travel from Sweden to Copenhagen to see a movie, paying about 15 bucks for the trip, and another 10 for the movie. 25 bucks for a movie???? Was it worth it????

Damn right it was, this is Nicholas Winding Refn´s second feature, and after his masterful debut: Pusher I really had my hopes up. And boy was it good.

The tempo is a little slower than Pusher, but it really suits the movie. It´s got great dialogue that kinda reminded me of Clerks in some places, especially the scenes in the videostore. The theme of the movie in my mind is about men, and our problems with talking to each other and to women. Sure there are scenes with really disturbing and realistic violence. But I feel it has more in common with John Cassavettes, than Abel Ferrara and Martin Scorsese that I think were refn inspirations for Pusher.

The actors are brilliant all around, especially Mads Mikkelsen who does a fantastic performance as a filmgeek, with major problems when it comes to talking and being around girls. And Kim Bodnia gives a really introspective performance that proves his status as one of europe´s if not the whole worlds best actors.

All in all a very powerful, and intense movie that is a must see


text: Het debuut van de regisseur, 'Pusher', was een uitstekend eerbetoon aan de American Cinema (Abel Ferrara, Scorsese) en een portret van de drugswereld van Kopenhagen, maar 'Bleeder' is een veel persoonlijker, volwassener en grimmiger film. Het verhaal gaat over de relatie van vier vrienden ( & B-filmfanaten); een videothecaris, zijn helper, een aanstaande vader en de gewelddadige broer van zijn meisje. De zaken worden ingewikkeld als de laatste twee beginnen met het slaan van zijn zwangere meisje en de broer dreigt terug te slaan. Als het meisje haar ongeboren baby verliest na een pak slaag worden de dingen HEEL Lelijk! Er is geen echte reden voor het geweld dat de sfeer van de film uiterst griezelig maakt. De personages en de dialogen zijn heel geloofwaardig en onmogelijk te vergeten. De paar (erg) gewelddadige scènes zijn zo onverwacht dat je ervan schrikt. De film zit ook vol met knipogen naar exploitatiefilms (clip van Lustigs 'Maniac' & 'Vigilante', 'Frankenstein' van Andy Warhol et cetera). Hij is gemaakt met een laag budget, maar hij is prachtig gefilmd (en geacteerd) en heeft een geweldige glampunk soundtrack. 'Bleeder' is een film die je dagenlang bijblijft, dus bekijk dit meesterwerk.

text_en: The director's debut, "Pusher", was an excellent tribute to American Cinema (Abel Ferrara, Scorsese) and a portrait of the drugworld of Copenhagen but "Bleeder" is much more personal, mature and grim film. The story deals with the relationship of four friends (& B-filmfanatics); a videostoreowner, his helper, a soon-be-a-dad and his girl's violent brother. Things gets complicated between the last two when the guy starts beatin' his pregnant girl and the brother's threatin' to retaliate. When the girl loses her unborn baby after a beatin' things get VERY ugly! There's no real reason for the violence which makes the mood of the movie extremely creepy. The characters and dialogue are very believable and impossible to forget. The few (very) violent scenes are so unexpected that you'll jump in seat. The film are also filled with nods to exploitation cinema (clip from Lustig's "Maniac" & "Vigilante", "Andy Warhol's Frankenstein" etc.). It's made on a low budget but is beautifully filmed (and acted) with a great glampunk soundtrack. "Bleeder" is a movie that gets under your skin for days so check out this masterpiece.


text: Toen ik in Londen was, heb ik Bleeder gezien. Ik vond hem heel goed. Ik heb geen andere Deense films gezien, maar deze is geweldig. Een van de andere mensen die hier commentaar leverden, zei dat het een lowbudgetfilm was. Ik zou niet zeggen dat hij veel indruk maakte. Er zijn geen echt dure scènes (massascènes, explosies enzovoort), maar alles is op schaal gemaakt en ziet er goed uit. Vooral de cinematografie. Die en het acteerwerk zijn misschien wel de sterkste elementen van de film. Ik bleef kijken hoe ze elke opname hadden ingelijst en hoe ze de opnamen maakten waarbij de ene persoon op de voorgrond met een uitdrukking op zijn gezicht naar de camera kijkt terwijl de andere persoon op de achtergrond staat te wachten tot de voorgrondpersoon zich weer omdraait. Geweldig! Ik hoop dat deze film in de Verenigde Staten wordt uitgebracht.

text_en: While visiting in London, I watched Bleeder. I liked it a lot. Haven't seen any other Danish films, but this one is great. One of the other people commenting here said it was made on a low budget. I certainly wouldn't say it showed heavily. There's no real expensive shots (crowd scenes, explosions, etc), but everything is shot to scale and looks good. Especially the cinematography. This and the acting are perhaps the strongest elements of the film. I kept watching how they had framed each shot and how they would do those angles where one person is in the forground facing the camera with an expression on their face while the other person is off in the background waiting for the foreground person to turn back around. Great! I hope this movie gets distributed in the US.


text: Aantrekkers mogen dan de nadruk leggen op het onnodige geweld in dit stijlvolle stuk filmmaken, maar ze hoeven er geen aandacht aan te besteden. N. Refns 2de speelfilm komt aardig in de buurt als het gaat om het inschatten van de verschrikkelijke lessen van het leven.<br />Met bijna dezelfde cast als in zijn debuut (Pusher) vertelt Bleeder het verhaal van een aanstaande vader die zijn naderende lot onder ogen ziet. Het gaat over zijn huidige gemoedstoestand, zijn aanpassing aan normen en waarden en hoe dit alles de mensen om hem heen negatief zou beïnvloeden. Het geweld is noodzakelijk omdat de personages op straat leven en je uit de verschillende scènes alleen maar kunt opmaken dat de buurt ruig is en bezaaid met bendes en raciale spanningen. Er is ook nog een tweede verhaal over de ontluikende relatie tussen een winkelbediende in een videotheek en een belezen serveerster, dat even lief als subtiel is. Het is interessant om op te merken dat hun smaak op het gebied van video's en boeken ook behoorlijk grof is.

text_en:
Detractors may highlight the unnecessary violence in this stylish piece of film-making. But pay them no attention. N. Refn's 2nd feature is cutting it pretty close when it comes to assessing life's terrible lessons.

Using almost the same cast as he did in his debut (Pusher), Bleeder tells the story of how a father-to-be deals with his impending fate. It addresses his current state of mind, his readjustment of values and how all this would adversely affect the people around him. The violence is necessary as the characters emanate from the streets and one can only infer, from the several scenes, that the neighbourhood is rough and littered with gangs and racial tension.

There is also a secondary story about the budding relationship between a video store clerk and a well-read waitress which is as sweet as it is subtle. It's interesting to note that their tastes in videos and books are pretty gritty as well.


text:
Dit was klote. Ik keek er alleen maar naar omdat 'dompteur' vermakelijk was. Het enige goede eraan is dat filmmakers kunnen zien hoe een handcamera en de beschikbare belichting een film goedkoop en snel kunnen maken.
Ik vond het amusant om te zien hoe universeel blank racisme is. Als zwart persoon uit de Verenigde Staten vond ik het interessant om Deense moslims 'nikkers' te horen noemen als ze er in mijn ogen als blanken uitzagen. Ik denk dat alle niet-blanken 'nikkers' zijn als je je bedreigd voelt door immigranten. Triest.
Ik weet niet zeker of ik andere regisseurs hierop zou laten voortborduren. Zoals ik al zei voordat 'Pusher' vermakelijk was en je in die wereld werd gezogen. Hier kon het je gewoon niet schelen.

text_en:
This sucked. I only watched it because "pusher" was entertaining. The only good thing about this is that filmmakers can see how a hand-held camera, and available lighting can make a film cheap and fast. Bummer.

I was amused to see how white racism is universal. As a black person from the U.S., it was interesting to hear Danish Muslims referred to as "niggers" when they looked like white folks to me. I guess all non-whites are "niggers" when you feel threatened by immigrants. Sad.

I'm not sure i would watch any of the directors other work based on this. Like I said before "Pusher" was engaging, and you were sucked into that world. Here, you just didn't care.


text: Nu deze film een paar jaar na Pusher uitkomt en Nicolas Winding Refn meer dan genoeg tijd geeft om eraan te werken, met in wezen dezelfde cast als Pusher en blijkbaar een groter budget, denk ik dat ik meer had verwacht dan dit. Pusher was een indrukwekkende en korrelige blik op de underground van Kopenhagen, maar dit is gewoon een enigszins onrealistisch psychologisch profiel van een loser die merkt dat de baby van zijn vrouw de laatste druppel is. De film gaat over Leo, die bijna alles in zijn leven haat. Als hij merkt dat hij op de achtergrond wordt geduwd voor de baby die zijn vrouw binnenkort zal baren, slaat hij door en zet hij een lading slechte dingen in gang die zijn kant op komen. De plot is vrij goed, denk ik, maar het leek gewoon niet zo goed als de plot van Pusher. Het tempo is redelijk, maar de film lijkt te vaak stil te staan. De acteerprestaties waren over het algemeen geweldig. De personages zijn enigszins interessant en geloofwaardig, maar ze waren te onderontwikkeld (nog meer dan die van Pusher), dus we begrijpen zelden waarom ze doen wat ze doen. De filmmuziek is geweldig, hoewel die soms overdreven lawaaierig en irritant is, en het grootste deel van de tijd past het goed bij de personages die keken en zijn of haar gemoedstoestand. De cinematografie is minder interessant en meeslepend dan die van Pusher. Minder beweging, en als er eindelijk beweging is, lijkt het niet goed te gaan. De regisseursstijl van Pusher is nog steeds aanwezig, en dat maakt de film prettig om naar te kijken. Maar er wordt te veel tijd besteed aan de vraag waarom hij of zij dit of dat doet, en uiteindelijk heb ik gemerkt dat ik zelfs met een redelijke analyse geen touw aan de film kan vastknopen. Ik weet het niet... misschien waren mijn verwachtingen te hoog. Ik beveel dit aan bij grote fans van regisseur Nicolas W. Refn en/of Pusher.

text_en: With this film coming out several years after Pusher, giving Nicolas Winding Refn plenty of time to work on it, with basically the same cast as Pusher and apparently a bigger budget, I guess I expected more than this. While Pusher was an impressive and gritty look at the underground of Copenhagen, this is just a slightly unrealistic psychological profile of a loser who finds his wife having a baby to be the final straw. The film is about Leo, who hates almost everything about his life. When he finds himself pushed in the background for the baby his wife is to give birth to soon, he flips out and sets a load of bad stuff coming his way in motion. The plot is pretty good, I guess, but it just didn't seem as good as the plot of Pusher. The pacing is fair, but the film too often seems to stand still. The acting was mostly great. The characters are somewhat interesting and credible, but they were too underdeveloped(even more so than those of Pusher), so we rarely understand why they do what they do. The score is great, though it is overly noisy and annoying at times, most of the time it fits in well with the character were watching and his or her state of mind. The cinematography is less interesting and involving than that of Pusher. Less movement, and when there finally is movement, it seems off. The directorial style of Pusher is still there, and this is what makes the film enjoyable and watchable. However, too much time is spent wondering why him or her is doing this and that, and in the end I found that even with a fair bit of analyzing, I can't make heads or tails of the film. I don't know... maybe my expectations were too high. I recommend this to very big fans of director Nicolas W. Refn and/or Pusher. 7/10


text:
'Bleeder' na 'Pusher' is het tweede deel van een trilogie. Net als 'Pusher' is het echt krachtig materiaal, maar niet zo aangrijpend. Leo (Kim Bodina) geeft een prachtig portret van een gestoorde man die niet met het leven kan leven. Hij plaagt, beledigt, provoceert, heeft een opvliegend karakter en neemt snel wraak. Geen man die je een pistool kunt toevertrouwen. Hij is zijn eigen ergste vijand.
In de film worden de 'fades' in bloedrood gedaan. Als je de film ziet, zul je ontdekken waarom. Net als in 'Pusher' is de fotografie van topklasse. De introductie van de personages in de openingsscène is interessant, Schoenen weerspiegelt waarschijnlijk ons personage.
Ondanks de nogal ranzige, ongelukkige sfeer van de film. Er is enige opluchting, vooral in de videotheek waar de jonge Lenny (Mads Mikkelsen) de video's'retourneert'. Lenny is ook een buitenbeentje, maar op zijn manier ongevaarlijk. Hij is verlegen van aard en kan geen afspraak maken met het meisje in de koffieshop. Lenny leeft in een fantasiewereld van films en video's en hij kan de namen van alle regisseurs opdreunen. (Deze eindeloze opsomming met een doodskopuitdrukking is een onverwachte bonus en ik moest er echt om lachen!)
De dialoog bevalt me. Het is spaarzaam, direct, gespannen, snijdend, provocerend. Maar de lichaamstaal is bedreigend. Kim Bodina is een expert in het blootleggen van de diepste gedachten van zijn wezen. Je kunt de gespannen sfeer binnen in hem voelen. Je weet heel goed dat er iets verschrikkelijks gaat gebeuren.
Dit is drama plus. Ik kan nauwelijks wachten op het derde deel van de trilogie.

text_en:
"Bleeder" following "Pusher" is the second part of a trilogy. Like "Pusher" it's really powerful stuff, but not quite as gripping. Leo( Kim Bodina) gives a wonderful portrait of a disturbed man at odds with life. He teases, insults, provokes, has a violent temper and is quick to retaliate. Not a man to be trusted with a gun. He is his own worst enemy.

In the film the "fades" are done in blood red. See the film and you'll discover why. As in "Pusher" the photography is top class. The introduction of the characters in the opening scene is interesting, Shoes probably do reflect our character.

Despite the rather sordid unhappy atmosphere of the film. there is some light relief particularly in the video store where the young Lenny (Mads Mikkelsen) sorts the video "returns". Lenny is a misfit too but harmless in his own way. Shy of nature he can't keep an appointment with the girl in the coffee shop. Lenny lives in a fantasy world of films and videos and he can recite the names of all the directors. (This never-ending recitation done with a dead pan expression is an unexpected bonus and really got me laughing!}

I like the dialogue. It's sparse, direct, tense, cutting, provoking. But it's the body language that threatens. Kim Bodina is an expert at revealing the innermost thoughts of his being. You can feel the tense atmosphere boiling within him. You know full well that something terrible is about to happen.

This is drama plus. I can hardly wait for the third part of the trilogy.


text:
Bleeder is in alle opzichten een meesterwerk.
Het bijt. Het bijt de kijker in zijn hele wezen. Het beschrijft de levens van een groep jonge Vikingen en het raakt je voortdurend.
Het is rauw en het leeft.
Het is subtiel en toch gewelddadig, en het zegt een miljoen dingen in een enkel beeld, een enkel dialoog, een enkel geluid en een enkel visioen.
Wees gewaarschuwd: Bleeder is explosief en soms zelfs bloederig, maar nooit ongerechtvaardigd. Belangrijker nog, het is grappig en warm en oprecht <0xE2><0x80><0x93> je zou een leugenachtige dwaas zijn als je je enigszins kon identificeren met sommige personages of sommige situaties.
Of je zou ontroerd zijn door de pure kracht en hartslag van de regisseur en de beelden van frustratie, trauma, eenzaamheid, vriendschap, domheid en liefde.
<0x3E> Goed gedaan.
<0x3E> En nee... dit is NIET een 'Pusher 2'... dit is iets veel beters, rijker en wijzer.
<0x3E> Het is pure filmmagie.
<0x3E> Hier is het voor Lenny en Leo, Lea en Louise.

text_en:
Bleeder is in all terms a masterpiece.

It bites. It bites the viewer throughout. Covering the lives of a group of young Danes it touches you adherently.

It`s raw and it`s alive.

Subtle yet violent, it gently and beautifully says a million things in single frames, single dialog, single sounds and visions.

Be warned; Bleeder is explosive and even gory in parts, but never unjustified. More importantly it is funny and warm and heartfelt - you`d be a lying fool if you can`t somewhat identify with some of the characters or some of the situations.

Or be moved by the sheer power and heartbeat of the director and the portrayels of frustration, trauma, loneliness, friendship, stupidity and love.

Well done.

And no ... this is NOT a "Pusher 2" ... this is something altogether better, richer and wiser.

It`s pure movie magic.<br /><br />Here`s to Lenny and Leo, Lea and Louise.


text:
Terwijl ik naar 'Bleeder' keek, moest ik denken aan Paul Schraders proefschrift, waarin hij Bresson, Dreyer en Ozu vergeleek. De reden was de nederigheid van de personages. Terwijl Louis (Levino Jensen) een vulkaan is, en Leo (Kim Bodnia) een vulkaan om te zijn <0xE2><0x80><0x93> omdat hij het gevoel heeft dat hij door zijn vriendinnen in de val wordt gelokt <0xE2><0x80><0x93> vechten zij daar tegen innerlijke gevoelens, zij worden door hen opgejaagd en lijden, zij wijzen het leven zelf af voor kortstondige uitbarstingen van geweld. Aan de andere kant heb je Lenny (Mads Mikkelsen) en Lea (Liv Corfixen), die zo vervreemd zijn van een stedelijke samenleving, dat zij zich terugtrekken in escapisme <0xE2><0x80><0x93> Lenny-trogfilms, Lea-trogboeken. Zij wijzen de levenstrogafstand af van zichzelf en anderen. Daarom dacht ik aan Bresson, Dreyer en Ozu.
Toen 'Bleeder' begon, zei ik tegen de film: 'Indruk maken op mij, me in mijn ballen trappen', net als 'Pusher' deed. Maar nee. Waar 'Pusher' een aanval was, is 'Bleeder' verleidelijk, als een trage borrel. In 'Pusher' praatten ze voortdurend, in 'Bleeder' uitgedrukt in houding en gedachten. Ze zeggen alleen wat gezegd moet worden, ze drukken de rest uit.
De verhaallijn is eenvoudig, ook al bestaat die uit meerdere lagen. Louise krijgt een baby en Leo kan er niet mee leven. Hij vindt zichzelf weerzinwekkend en merkt dat hij zijn omgeving niet meer in de hand heeft. Op een avond, als hij op bezoek is bij zijn neef Louis in de nachtclub, is hij er getuige van dat er een man wordt neergeschoten, wat een katalysator wordt voor zijn ondergang. Zijn vijandigheid jegens Louise verandert in haat en hij slaat hem in elkaar, waardoor hij het kind loslaat. Als Louis hiervan hoort, vermoordt hij Leo, niet snel, maar langzaam door hem een hiv-virus te injecteren. Als Leo beseft wat er is gebeurd, het verlies van zowel Louise als zijn Kind, plus zijn dood, neemt hij de leiding weer over, maar op een manier die ik niet zal verklappen.
Er is ook een liefdesverhaal tussen Lenny en Lea, twee verlegen en gereserveerde mensen.
Wat 'Bleeder' tot een meesterwerk maakt, is het acteerwerk. Mads vervreemdde zich 3 maanden lang van zichzelf door in een videotheek te werken en alleen te wonen en films te kijken. Liv werkte 2 maanden in een cafetaria en Kim gaf zichzelf zo veel dat hij Leo werd; nadat het filmen was opgehouden, ging hij naar een ziekenhuis voor psychiatrische behandeling. Het is een nieuw soort acteurs, die alles wat ze hebben gebruiken om de rol te spelen die ze spelen, net als in de Dogmafilm 'Festen'.
Ik hoop dat het een groot internationaal publiek zal trekken, want het verdient het. Het is een meesterwerk.

text_en:
While I watched "Bleeder", I came to think of Paul Schrader's thesis, where he compared Bresson, Dreyer and Ozu. The reason was the humility of the characters. While Louis (Levino Jensen) is a volcano, and Leo (Kim Bodnia) is a Volcano to be - because of his feeling of entrapment by his girlfriends pregancy - they fight there inner feelings, they are hunted by them and suffer, they dismiss life itself for momentary outburts of violence. On the other side you have Lenny (Mads Mikkelsen) and Lea (Liv Corfixen), who are so alienated by an urban society, that they withdraw themselves into escapism - Lenny trough movies, Lea trough books. They dismiss life trough distance to themselves and others. That was why I thought of Bresson, Dreyer and Ozu.

When "Bleeder" began I said to the film: Impress my, kick me in the nuts; just like "Pusher" did. But no. Where "Pusher" was an assault, "Bleeder" is seductive, like a slow drink. In "Pusher" they talked constantly, in "Bleeder" the express them selves through attitude and thought. They only say what has to be said, they express the rest.

The storyline is simple, even though it is multilayered. Louise is having a baby, and Leo can't live with it. He finds he repulsive, and finds himself out of control with his surroundings. One night while visiting his cousins Louis nightclub, he witnesses a man getting shot, which becomes a catalyst for his downfall. His alienation towards Louise becomes hatred, and he beats he up, causing he to loose there child. When Louis hears of this he kills Leo; not quick, but slowly by injecting him with HIV-virus. When Leo realises what has happend; the loss of both Louise and his Child, plus his death, the takes control again; but in a way I won't tell.

There is also a lovestory between Lenny and Lea, two shy and private persons.

What does "Bleeder" a masterpiece is the acting. Mads alienated himself for 3 month by working in a videostore and living alone and watching movies. Liv worked in a diner for 2 month, and Kim gave himself so much, that he became Leo; after the filming stopped he commited himself to a hospital for psychiatric treatment. It is a new breed of actors, that give all they have to be the part they play, just like seen in the Dogmafilm "Festen".

I hope that it will gain a large international audience, since it deserves it. It is a masterpiece.


text: Wat moet je ervan zeggen, een meesterlijk verhaal tot in de details. 6 ppl speelt een verhaal dat je de adem beneemt. Je hebt een stel totaal verschillende mensen die proberen te leven en samen te leven, en die proberen niet met elkaar in conflict te komen. Ik wil de film niet voor je bederven door je er iets van te vertellen, dus ik geef je alleen maar dit advies. Zie het, en speel het uit met de film, en je zult een filmervaring hebben om nooit te vergeten!

text_en: What can one say, a MasterPiece down to the details. 6 ppl is acting out a story that is just mindblowing. You have this set of totally different persons trying to live and co-exist, and trying not to conflict. I don't want to spoil the movie for you by telling you something from it, so I'm just gonna give you this advice. See it, and act it out with the movie, and you will have a movie experience to remember!


text:
Dit is een uitstekend voorbeeld van film noir: bijna alles wat je je maar kunt wensen in dit genre. Vanaf de openingsscène was duidelijk film noir van de hand van Bert Glennon, en vanaf de openingsscène van de roofmoord bij het benzinestation wist je dat je het zwaar te verduren zou krijgen.
Over 'zwaar' gesproken, ik kan niet veel acteurs bedenken die beter en geschikter waren voor film noir dan Sterling Hayden, die weer zo'n keiharde, onverzettelijke figuur neerzet. Deze keer is hij een politieman, 'inspecteur Sims', en hij heeft geen enkele behoefte aan 'oplichterij', zelfs niet als de man (in dit geval Gene Nelsons 'Steve Lacey') zijn act heeft opgeschoond.
Het was ' Het was niet alleen de fotografie en Haden, maar de hele cast was fascinerend, en het is gewoon een snel bewegende, onderhoudende film. De regie van André de Toth was ook geweldig. Hij regisseerde maar één andere film noir: Pitfall, ook een geweldige film die we nog steeds op dvd willen zien. Deze film is in elk geval eindelijk op dvd uitgekomen.
Ik was vergeten wat voor klassieke schoonheid Phyllis Kirk bezat. Wauw, wat een gezicht! Ze speelde 'Nora Charles' in de populaire tv-serie 'Thin Man' in de jaren vijftig. In deze film speelt ze Laceys vrouw 'Ellen'. Maar omdat ik de hele cast heb gezien, zal ik maar zeggen dat het geweldig was om Timothy Carey weer te zien, ook al was zijn rol beperkt. Deze vent speelde de meest gestoorde kleine rollen die ik ooit heb gezien. Ik heb nog nooit een film gezien. (Zie 'The Killing' voor een goed voorbeeld van wat ik bedoel.) Jay Novello als de voormalige dierenarts was ook heel interessant.
Ik zal je zeggen wat nog leuk was: de realistische scènes met locaties in heel Los Angeles in het begin van de jaren vijftig. Deze film had een aantal camera-opnamen die in de hand werden gehouden. Zelfs de overval in de bank werd in een echte bank gefilmd. Er zijn weinig, zo niet geen, hocus pocus in deze film. Het is het echte werk... en wordt van harte aanbevolen. In combinatie met 'Decoy' op dezelfde schijf, is het een mooie dubbelganger voor een nachtje noir.

text_en:
This is excellent example of film noir: almost everything you'd want in this genre. Right from the opening shot, this had noir written all over it by cinematographer Bert Glennon, and from opening holdup-murder scene at the gas station, you knew you were in for a rough ride.

Speaking of "rough," I can't think of too many actors who were better and more suited for noir than Sterling Hayden, who delivers yet another uncompromising hard-headed, tough- guy character. This time he's a cop, "Det. Lt. Sims," and one with no use for any "con," even if the guy (in this case, Gene Nelson's "Steve Lacey") has cleaned up his act.

It wasn't just the photography and Haden, the entire cast was fascinating, and it's simply a fast-moving, entertaining film. Andre de Toth's direction also was terrific. He directed only one other noir: Pitfall, another great film that we are still waiting to see on DVD. At least this film finally made it to disc.

I had forgotten what classic beauty Phyllis Kirk possessed. Wow, what a face! She starred as "Nora Charles" on the popular "Thin Man" television series in the '50s. In here, she plays Lacey's wife "Ellen." Rather that going through the whole cast, I'll just say it was a hoot to see Timothy Carey again, even if his role was limited. This guy played the most whacked-out minor characters I've ever seen in movies. (See "The Killing" for a good example of what I mean.) Jay Novello as the veterinarian ex-con also was really interesting.

I'll tell you what else was nice: the realistic scenes with actual locations around Los Angeles in the early '50s. This movie had a number of hand-held camera shots. Even the holdup in the bank was done in a real bank. There are few, if any, hokey studio shots in this movie. It's the real deal..... and very much recommended. Combined with "Decoy" on the same disc, it makes for a nice double--feature for a night of noir.


text: Gewoon een van de beste harde noirs die ik ooit heb gezien. Sterling Hayden is, zoals gewoonlijk, uitstekend, terwijl een heel jonge Charles Bronson verrassend goed is als 'punk'-boef. Lijkt bijna alle scènes als locatie te hebben, of met de hand gefilmd, en het lijkt soms op een bijzonder effectieve aflevering van een politieserie uit de jaren vijftig <0xE2><0x80><0x93> behalve dat de inhoud veel wreder en scherper is. Dit is een heel donkere film, zowel in de verhaallijn als in de vrij briljante foto's. Ik zou deze verwaarloosde klassieker heel graag op een gerestaureerde afdruk op dvd willen zien. Wordt het niet tijd dat Criterion hun noirlijst bijwerkt? Dit schreeuwt om restauratie en heruitgave.

text_en: Simply one of the best hard boiled noir films I have seen. Sterling Hayden is, as usual, excellent, while a very young Charles Bronson is surprisingly good as a 'punk' hood. Seems to feature nearly all scenes as location, or hand-held camera and it seems at times like a particularly effective episode of a 50s TV cop show - except that the content is much more brutal and sharp. This is a dark, dark film both in storyline and in the quite brilliant photography. I'd really love to see this neglected classic come out on a restored print on DVD. Isn't it time Criterion updated their 'noir' list? This cries out for restoration and a re-release.


text: Ik had het geluk dit stukje filmcrimineel noir te zien in de LACMA tijdens de wekelijkse dinsdagavondmatinee, en ik kan je wel vertellen dat ik ondanks alle oude dames en opa's in het theater het gevoel had dat ik was teruggekeerd naar de gouden eeuw van Los Angeles Film Noir. Deze titel staat bij White Heat in de top van de beste misdaadthrillers, met de City of Angels als locatie. Nadat ik Kubricks _The Killing_ op dvd had gehuurd, greep ik de kans om nog een rooffilm te zien met Sterling Hayden, naar mijn mening de gemeenste S.O.B. Noir-acteur. Hij is zoals gewoonlijk weer geweldig in deze film, met zijn karakteristieke ijzige frons op zijn gezicht. En voor een film die een halve eeuw geleden is gemaakt, is hij opmerkelijk goed opgewassen tegen de tand des tijds. Het is eigenlijk een magere, gemene misdaadthriller. Alsjeblieft, wie de eigenaar is van de rechten op dit juweeltje, stuur deze vergeten klassieker op dvd uit! Je hebt dit jaar nog de kans om een vijftigjarig jubileumuitgave uit te brengen!

text_en: I was lucky enough to see this little slice of film crime noir at the LACMA during the weekly Tuesday Matinée, and let me tell you, but for all the old ladies and grandpas in the theater I felt I had been transported back to the golden age of Los Angeles Film Noir. This title ranks up there with White Heat as one of the best crime thrillers using the City of Angels as its locale. After renting Kubrick's The Killing on DVD I jumped at the chance to see another heist film with Sterling Hayden, in my opinion the meanest S.O.B. Noir actor. He is awesome as usual in this movie with his characteristic scowl frozen on his face. Also for a film made half a century ago it has remarkably stood up to the test of time quite well. It's really a lean, mean little crime thriller. Please whoever owns the rights to this gem, release this forgotten classic on DVD!! You still have the chance to release a 50th anniversary edition this year!!


text: Het is jammer dat André De Toth niet meer heeft bijgedragen aan de cyclus van de noirs, want hij was een natuurtalent (en bovendien was hij getrouwd met Veronica Lake, de vroege icoon van de noir). The Pitfall, gemaakt in 1948, begint steeds meer te lijken op een van de beste en belangrijkste films uit die cyclus, maar (afgezien van de vroege, meer gothische Donkere Wateren) De Toth is er maar één keer naar teruggegaan, met Crime Wave. Het verhaal is niet nieuw: een ex-gevangene die probeert het rechte pad op te gaan (Gene Nelson) wordt door de omstandigheden gedwongen een bende van zijn vroegere celgenoten te helpen en bij te staan. De ongemakkelijke plek die hij inneemt in de leugens tussen hen en de wet wordt vertolkt door Sterling Hayden als een keiharde, onverzoenlijke rechercheur. In de anderhalf uur durende opnamen van de film wordt veel meer aandacht besteed aan de karakters dan aan veel andere speelfilms uit die tijd; vooral Jay Novello als alcoholische dierenarts die ook dienst doet als onderwereldchirurg, is bijzonder gedenkwaardig. Voor een leek is _Crime Wave_ een onbelangrijke film - zelfs een onbelangrijk tweede onderdeel - maar De Toth overgiet hem met een grote deskundigheid; hij is verrassend goed getimed, goed gefotografeerd en even interessant ingedeeld. Waarom zoveel getalenteerde regisseurs (waaronder veel vluchtelingen uit Europa) in de jaren vijftig werden verbannen naar 'genrefilms' - misdaaddrama's, 3D- _schlockfests_ en westerns - is een raadsel. 's westerns AND his House of Wax voor slechts de zoveelste film noir die op zijn regisseurskwaliteiten kon bogen.

text_en: It's too bad Andre De Toth didn't contribute more to the noir cycle, because on the evidence he was a natural (plus he was married to early-noir icon Veronica Lake). The Pitfall, made in 1948, looks more and more like one of the best, and most central, movies in the cycle, but (except for the early, more gothic Dark Waters) De Toth only returned to it once, with Crime Wave. Its story is not a fresh one: an ex-con trying to go straight (Gene Nelson) is coerced by circumstances to aid and abet a gang of his former cellmates. The uncomfortable spot he finds himself in lies between them and the law, personified by Sterling Hayden as a tough, unforgiving police detective. There's much more attention to character in the film's hour-and-a-quarter running time than in many full-length features of the era; Jay Novello, as an alcoholic veterinarian who doubles as an underworld sawbones, is especially memorable. By any reckoning Crime Wave is a minor film -- even a minor second feature -- but De Toth lavishes easy expertise on it; it's surprisingly well paced, well shot, as well interestingly cut. Why so many talented directors (many of them refugees from Europe) were relegated, in the 1950s, to "genre" movies -- crime dramas, 3-D schlockfests and westerns -- is a puzzle. In any case, I'd give any three of De Toth's westerns AND his House of Wax for just one more film noir boasting his directorial credit.


text:
Dit is een van die mindere, maar zeer plezierige films die gemakkelijk onopgemerkt voorbij kunnen gaan. Hij is niet gemakkelijk te vinden en de meeste filmliefhebbers kennen alleen de titel. Maar 'Crime Wave' verdient het om gezien te worden door fans van de Noir- of misdaadfilms. Het is een geweldig voorbeeld van het soort drama's met een laag budget dat de studio's in de jaren vijftig produceerden. De enige grote ster is Sterling Hayden, die zijn gebruikelijke, acceptabele voorstelling geeft, als een ontevreden wetsdienaar. Gene Nelson, die waarschijnlijk bekender is van musicals, is een interessante en succesvolle keuze voor de hoofdpersoon, een man die gevangen zit tussen goed en kwaad. Er is ook een onderhoudende stoere-jongensfiguur, gespeeld door Charles Bronson.
Wat onderscheidt zich werkelijk? 'Crime Wave' is een film over de omgeving van Los Angeles. Blijkbaar werd er op locatie gefilmd om geld uit te sparen op de set, maar met het verstrijken van de tijd worden films als deze documenten van hoe een stad er in een voorbije periode uitzag en functioneerde. Een aantal scènes speelt zich af in drukke straten van Los Angeles en ze geven de gebeurtenissen een hoop opwinding.
Met een beetje geluk zal deze film op video beschikbaar komen zodat er meer te zien is. Het is het soort film dat het effect heeft van het lezen van een goed pulpverhaal of -verhaal.

text_en:
This is one of those minor, but very enjoyable pictures that can easily slip by unnoticed. It isn't easy to find, and most Film Noir enthusiasts are familiar only with the title. But "Crime Wave" deserves to be seen by fans of the Noir or crime film genres. It's a terrific example of the lower-budget type of dramas that studios were turning out in the 1950s. The only major star is Sterling Hayden, who gives his usual acceptable performance, here as a disgruntled law enforcer. Gene Nelson, probably better known for musicals, is an interesting and successful choice for the protagonist, a man caught between good and evil. There's also an entertaining tough-guy type played by Charles Bronson.

What really distinguishes "Crime Wave" is its extensive use of Los Angeles locales. Apparently, location shooting was done to save money on sets, but with the passage of time, movies like this become documents of the way a city looked and operated in a past period. A number of scenes take place on busy LA streets and they lend a good deal of excitement to the proceedings.

With any luck, this picture will become available on video for more to see. It's the kind of movie that has the effect of reading a good pulp crime novel or story.


text:
En wij, de fans van de film noir, zijn dol op gemeenheid en kilheid. We houden ook van kleine films.
Gene Nelson is heel innemend als een voorwaardelijk vrijgelaten gevangene die tegen zijn wil wordt betrokken bij een misdaad. Phyllis Kirk is een prima vrouw als zijn echtgenote. Ze voegt niet veel toe, maar ze is geloofwaardig en loyaal.
Wat betreft karakter hebben we niemand anders dan Timothy Carey! Hij is een van de slechteriken. Charles Bronson, aan het begin van zijn carrière, is er ook een. Carey voegt een heleboel luguberheid toe aan wat er gaande is.
Sterling Hayden is uitstekend als de cynische agent die wordt opgeroepen. Hoewel de plot ons niets anders over hem vertelt dan dat hij is gestopt met roken en het mist, is hij duidelijk geen warm mens. Zijn ogen vernauwen zich en verschuiven. Hij vertrouwt niemand en het is heel goed mogelijk dat hij van niemand veel moet hebben.
De film begint met Dub Taylor als een buitengewoon maffe pompbediende. Hij is net een figuur uit de 'Ma en Pa Ketel'-serie. Maar onze schurken slaan hem buiten westen en beroven hem, wat een schokkend contrast vormt.
De personages zijn heel goed getekend in 'Misdaadgolf'. Het verhaal zit goed in elkaar, maar het zijn de mensen die het tot een hoge status verheffen.

text_en:
And we fans of film noir prize nastiness and cold-heartedness. We also like small movies.

Gene Nelson is very affecting as a parolee who is dragged into a crime against his will. Phyllis Kirk is fine as his wife. She doesn't add much flavor but she's believably loyal.

For flavor, we have none other than Timothy Carey! He is one of the bad guys. Charles Bronson, early in his career, is another. Carey adds a great deal of creepiness to the goings-on.

Sterling Hayden is excellent as the cynical cop who's called in. Though the plot tells us nothing about him other than that he's given up smoking and misses it, he is clearly not a warm human being. His eyes squint and shift. He doesn't trust anyone and it's very possible he doesn't like much of anyone, either.

The movie begins with Dub Taylor as an exceptionally goofy gas station attendant. He's like a character from the "Ma and Pa Kettle" series. But our villains knock him out and rob him, which is a jarring contrast.

The characters are very well drawn in "Crime Wave." It has a tough plot but the people are what elevates it to a high status.


text: Korte film die geen moment verspilt. Het leven is kort en hard in deze film. Eén fout en je bent voor het leven getekend, dat schijnt tenminste het motto van Sterling Hayden te zijn. Gene Nelson geeft een goede voorstelling van een man die achtervolgd wordt door zijn verleden. Steve Lacey is zo getekend door zijn verleden dat zijn huidige leven erdoor wordt beheerst, wat hem uiteindelijk in de problemen brengt. André De Toth houdt het grootste deel van de film in de schaduw en er zijn maar een paar scènes die overdag plaatsvinden. Zelfs de klimatologische beroving wordt in het donker opgenomen. De enige valse noot is dat Haydens personage zich niet gedurende de hele film op dezelfde manier gedraagt. Ik vond de film voor die tijd nogal grof en Charles Bronson speelde het grootste deel van de grofheid goed. Al met al een waardige inzending in het genre film noir.

text_en: Short film that doesn't waste a moment. Life is short and hard in this film. Make one mistake and you're marked for life, at least that seems to be Sterling Hayden's motto. Gene Nelson gives a good performance as a man haunted by his past. Steve Lacey is so scarred by his past that it runs his current life, this eventually leads him into trouble. Andre De Toth keeps most of the film in the shadows and only a few scenes take place during the day. Even the climatic robbery is shot in the dark. The only false note is that Hayden's character doesn't act the same throughout the movie. I found the movie to be pretty brutal for the time and Charles Bronson did a good job portraying most of the brutality. All in all, a worthy entry in the film noir genre.


text:
Een American Cinematheque-presentatie in The Egyptian.
Een geweldige, kleine, 'tweede' film noir. Hayden is briljant als de stoere en cynische agent die bereid is elke regel te overtreden om een paar politiemoordenaars te pakken, en Phyllis Kirk straalt sex-appeal uit als het brave meisje dat tussen twee vuren zit. Met een paar echt grappige dialogen, degelijke acteerprestaties en een fantastische locatieopnamen in het centrum van Los Angeles, Chinatown en Glendale, is de film een schitterend bewijs van de kwaliteit van zoveel goedkope misdaadthrillers uit de naoorlogse jaren. Bijzonder interessant is de locatieopnamen in de kantoren van de LAPD en de meldkamer van het stadhuis.
Charles Bronson speelt een stoere-jongensmoordenaar in een vroege ondersteunende rol. Timothy Carey duikt op om de omgeving te verorberen als een bizarre, doorgedraaide junkie. En's avonds wordt er in de straten van de binnenstad een grote autoachtervolging gehouden.
Een kleine klassieker. Overal vermakelijk.

text_en:
An American Cinematheque presentation at The Egyptian.

A great little 'second feature' noir. Hayden is brilliant as the tough and cynical cop willing to break any rule to catch a couple of cop killers, and Phyllis Kirk oozes B-movie sex-appeal as the good-girl caught in the middle. With some genuinely funny dialogue, solid performances all round, and wonderful location filming around downtown Los Angeles, Chinatown and Glendale, the movie is a brilliant testament to the quality of so many cheap post-war crime thrillers. Of particular interest is the location filming inside the LAPD offices and dispatch room in City Hall.

Charles Bronson plays a tough-guy killer in an early supporting role. Timothy Carey shows up to chew the scenery as a bizarre, bog-eyed, dope-fiend, rape-o. And there's a great car chase through the Downtown city streets at night.

A minor classic. Entertaining throughout.


text:
'Weet je, het is niet wat een man wil doen, Lacey, maar wat hij moet doen. Neem mij nou. Ik vind het heerlijk om sigaretten te roken, maar de dokters zeggen dat ik ze niet mag hebben. Dus wat doe ik? Ik kauw op tandenstokers. Tonnen.' Ontwikkeld als _The City is Dark_ en gecast als _Don't Cry, Baby_, voordat hij werd vrijgegeven als misdaadfilm, is Andre de Toths nog steeds verrassend harde politieprocedure een film die zijn economie als een teken van trots draagt. De Toth bood Sterling Hayden een groot budget en een opnameschema van 35 dagen aan als hij het met Humphrey Bogart en Ava Gardner zou redden, hoewel dat een fractie van het budget en een opnameschema van 15 dagen zou kosten, en slaagde er toch in om de film in 13 dagen te maken. Het was de moeite waard om bij zijn standpunt te blijven. De film mag dan weinig indruk hebben gemaakt toen hij in 1954 in première ging, maar het is een bijna-klassieker die zijn groeiende reputatie volledig verdient, en als de keiharde politieman die rechter en jury tegelijk is, schrijdt Hayden zo effectief door de film heen als een kolos in een hoog oprijzende voorstelling (letterlijk: voor een groot deel van de film is hij vanuit een lage hoek gefilmd) dat het de moeite waard is.' Het is onmogelijk je Bogart voor te stellen als iets anders dan een betrekkelijke teleurstelling in de rol. Hij is het soort man dat geen deuren nodig heeft omdat hij door muren kan lopen, hij speelt niet de stoere bink die hij is. Hij is praktisch de blauwdruk voor L.A. Confidentials Bud White, en het is geen verrassing dat James Ellroy een grote fan van de film is en een onderhoudend, zo nu en dan verhaspeld audiocommentaar geeft met Eddie Muller op Warners Region 1-dvd.
De plot is eenvoudig genoeg: een drietal ontsnapte gevangenen (Ted de Corsia, Charles Bronson toen hij nog Charles Buchinsky was en Ned Young) vermoordt een agent bij een overval op Dub Taylor. Maar de executie is wat hier de doorslag geeft, vooral in het eerste derde deel, wanneer de politie alle gebruikelijke verdachten oppakt. De film is opgenomen in een bijna documentaire stijl en ziet er geweldig uit, dankzij de opvallende cinematografie van Bert Glennon, die de film tot in de puntjes heeft gefocust: scherp zwart en helder fluorescerend wit die vaak in hetzelfde kader zitten, met zo'n strak fotojournalistiek realisme dat sommige scènes zouden kunnen doorgaan voor de klassieke foto's van de plaats delict van Weegee. 's Avonds laat, zoals bijna geen enkele andere film, met uitstekend locatiewerk en een onverzoenlijk oog voor menselijke zwakheden en hopeloze gevallen. Het haalt beslist iets van de glans van Kubricks latere _The Killing_ -film weg en het is waarschijnlijk geen toeval dat Kubrick twee leden van de cast voor zijn eigen komedie inhuurde.
Hoewel het ongetwijfeld Haydens film is, zijn de bijrollen voor het grootste deel bijzonder sterk en goed geacteerd. Nelson is als de verbitterde ex-bajesklant overtuigend genoeg als de verbitterde ex-gevangene die in het midden wordt gehouden, en het is jammer dat de voormalige danser niet verder is gegaan met iets interessanters dan het regisseren van een paar van Elvis' nummers. In de slechtste films maakt Phyllis Kirk meer indruk als zijn vrouw dan je in het script zou verwachten, terwijl Jay Novello een grote indruk maakt als een dronken paardendokter die mensen haat maar van honden houdt en geen scrupules heeft om de zakken van een lijk te doorzoeken naar verleende diensten. Niet iedereen is zo goed, helaas: Bronson overdrijft zijn stomme schurk en een totaal misplaatste Hank Worden is nauwelijks in staat zijn tekst uit te spreken als de baas van het vliegveld van Nelson (is er iemand bij wie je je NIET VEEL veilig zou voelen als je de leiding hebt over het onderhoud van vliegtuigen dan Hank Worden?). Ik wil je vrouw met rust laten... nou ja, aangezien al zijn regisseurs volhouden dat Carey nooit acteerde, maar dat hij buiten het scherm ook echt zo was, kunnen we dat laten schieten.
Aan het eind geeft de film heel even toe aan sentimentaliteit, hoewel heel, heel schoorvoetend, en hij is nooit helemaal zo goed als die krachtcentrale van een derde deel, maar het is in elk geval een scherpe stomp onder de gordel naar de politiefilm die je niet snel zult vergeten. Naast een korte verkwikkingsboodschap met diverse noirhistorici en Oliver Stone die lyrisch wordt over de film, bevat de dvd ook de originele trailer die werd geïntroduceerd door een incarnatie van Hayden die ons vertelt: 'Moord is mijn vak en middernacht is mijn werkterrein.' Geweldige film.

text_en:
"You know, it isn't what a man wants to do, Lacey, but what he has to do. Now you take me. I love to smoke cigarettes, but the doctors say I can't have them. So what do I do? I chew toothpicks. Tons of 'em." Developed as The City is Dark and shot as Don't Cry, Baby before being released as Crime Wave, Andre de Toth's still surprisingly tough police procedural is a film that wears its economy as a badge of pride. Offered a big budget and a 35-day shooting schedule if he made it with Humphrey Bogart and Ava Gardner, de Toth held out for Sterling Hayden even though it mean a fraction of the budget and a 15-day shooting schedule  and still managed to come in ahead and shoot the film in only 13 days. It was worth sticking to his guns. The film may have made little splash when it opened in 1954, but it's a near classic that fully deserves its growing reputation, and as the hardboiled cop who's all-knowing judge and jury, Hayden so effectively strides through the film like a colossus in a towering performance (literally: for much of the film he's shot from low angles) that it's impossible to imagine Bogart as being anything but a comparative disappointment in the role. The kind of guy who doesn't need doors because he can walk through walls, he doesn't act tough  he IS tough. He's practically the blueprint for L.A. Confidential's Bud White, and it's no surprise that James Ellroy is a big fan of the film, sharing an entertaining, occasionally expletive-deleted audio commentary with Eddie Muller on Warner's Region 1 DVD.

The plot is simple enough: a trio of escaped cons (Ted de Corsia, Charles Bronson when he was still Charles Buchinsky and Ned Young) kill a cop when robbing Dub Taylor's gas station for eating money and involve innocent parolee Gene Nelson, leaned on by cops and crooks alike, in their escape plans. But the execution is what raises the bar here, particularly in the first third when the police bring in all the usual suspects. Shot in an almost verite documentary style, the film has a great look thanks to Bert Glennon's striking cinematography  deep focus, harsh blacks and bright fluorescent whites often sharing the same frame, with such a stark photojournalistic realism that some of the setups could pass for Weegee's classic crime scene photos. It captures the feeling of L.A. at night like almost no other film, with outstanding location work and an unforgiving eye for human weakness and hopeless cases. It certainly takes some of the shine off Kubrick's subsequent The Killing  it certainly got there first in terms of its look, and it's probably no accident that Kubrick hired two of the cast for his own caper movie.

While its undoubtedly Hayden's movie, the supporting cast is for the most part exceptionally strong and well-drawn. Nelson is convincing enough as the bitter ex-con caught in the middle that it's a shame that the former dancer didn't go on to anything more interesting than directing some of Elvis' worst movies, Phyllis Kirk makes more of an impression as his wife than the script would lead you to expect while Jay Novello makes a big impact as a drunken horse doctor who hates people but loves dogs and has no scruples about rifling a corpse's pockets for services not rendered. Not everyone is quite so good, unfortunately: Bronson overdoes his dumb thug and a wildly miscast Hank Worden is barely able to deliver his lines as Nelson's airport boss (is there anyone you'd feel LESS safe being in charge of airplane maintenance than Hank Worden?). As for Timothy Carey's truly amazing display of psychotic tics as the last guy in the world you'd want to leave your wife with  well, since all his directors maintained Carey was never acting but really WAS like that offscreen as well, we can let that slide.

The film does briefly give into sentimentality at the end  though very, very begrudgingly  and it's never quite as good as that powerhouse first third, but it's certainly a sharp punch below the belt to the cop movie that you won't forget in a hurry. Along with a brief adulatory featurette with various noir historians and Oliver Stone waxing lyrical about the film, the DVD also includes the original trailer introduced by an in-character Hayden telling us "Murder is my business and midnight is my beat." Great stuff.


text:
Crime Wave heeft alles in zich voor iets heel eenvoudigs als een film. Het verhaal gaat over politiemensen en criminelen en een paar gewone mensen die proberen zich te redden. Een paar criminelen (de hoofdrollen gespeeld door Ted de Corsia en een jonge Charles Bronson) komen uit San Quentin en schieten een pompbediende en een politieman dood. Ze weten te ontkomen aan ex-gevangene Steve Lacey (de aardige hoofdrolspeler Gene Nelson) en zijn vrouw, maar wat ze niet weten is dat hij al is opgepakt door de politie, met name door Sterling Haydens rechercheur Sims, die zo'n harde kop heeft dat hij met één blik en een paar harde woorden door de stenen heen kan prikken. Het leidt allemaal tot een van die inbraken die gewoon niet goed kunnen uitpakken voor de slechteriken, maar hoe zit het met het goede stel dat in het midden zit?
Het is vrij simpel, en het had ook in andere handen kunnen zijn. Maar Andre De Toth heeft iets over zich wat Crime Wave als regisseur tot een culinair meesterwerk maakt. De manier waarop het in elkaar zit, is één ding, aangezien zijn Europese invloed doorklinkt in veel van de buitenopnamen en zijn manier om natuurlijke verlichting en echte locaties te gebruiken, of hoe hij iemand in een kamer krijgt die te echt lijkt, zoals Sims' kantoor. Zijn camera heeft een duidelijke toon, zelfs als er decors of gebruikelijke opnamen in rijdende auto's moeten worden gemaakt, en hij snijdt dwars door het BS heen en houdt je aan de praat, zelfs als je weet wat er gaat gebeuren (de laatste paar minuten met Sims en de Laceys zijn daar een van).
Het mag ook niet worden benadrukt hoe geweldig de acteur Sterling Hayden is. In alles brengt hij alleen maar dat 'hmpf' voort dat vereist is, of het nu gaat om de laatste paar minuten met Sims of de Laceys.
Het mag ook niet worden benadrukt hoe geweldig de acteur Sterling Hayden is. In alles brengt hij alleen maar dat 'hmpf' voort dat vereist is of het nu gaat om de laatste paar minuten met Sims of de Laceys. In Crime Wave wordt zijn autoriteit als acteur (1 meter 80) en zijn spraakpatroon goed gebruikt tegen de rest van de gebruikelijke karakterspelers, behalve misschien tegen Charles Bronson, omdat ook hij uniek is, zelfs al op jonge leeftijd en als de enge karakterspeler Timothy Carey, de man die mevrouw Lacey in de gaten moet houden. Over het geheel genomen is Crime Wave een procedure die 72 minuten lang kraakt, knettert en knalt en die liefhebbers van klassieke film noir in staat stelt de sfeer op te snuiven en zich te vermaken met het zien hoe de politie de boeven insluit die, zoals bijna altijd het geval is, geen schijn van kans hebben.

text_en:
Crime Wave has the makings for something quite simple as a movie. Its story is about cops and criminals and a few ordinary folks trying to get by. A few criminals (the main ones played by Ted de Corsia and a young Charles Bronson) are out of San Quentin and shoot a gas station attendant and cop. On the lam they hold up with also ex-con Steve Lacey (decent leading man Gene Nelson) with his wife, but what they don't know is that he's already been tapped by the cops, specifically Sterling Hayden's Detective Sims, who is so hard-nosed he could cut through bricks with just a stare and some tough words. It all leads up to one of those heists that just can't go right for the bad guys, but what about the good couple caught in the middle?

It is fairly straightforward, and it could have been in other hands. But there's something about Andre De Toth, as director, that stands Crime Wave out as a piece of lean noir cuisine. The way it's shot is one thing, as his European influence comes through in a lot of the exteriors and his way of utilizing natural lighting and real locations, or just how he has someone like a room that looks too real like Sims' office. His camera has a distinct tone to it even when sets or usual shots in moving cars have to be done, and it cuts through the BS and keeps one riveted even as one knows what's going to happen (the last couple of minutes with Sims and the Lacey's are one of them).

It also can't be stressed how awesome an actor Sterling Hayden is. In everything he just brings that "umph" that is required whether it's to a hoodlum or a psychotic or a corrupt cop, and in Crime Wave his authority as a presence (six foot five inches) and his pattern of speech play off well against the rest of the usual character actors, save maybe for Charles Bronson since he too is unique even at a young age and creepy character actor Timothy Carey as the man put on watch of Mrs. Lacey. Overall, Crime Wave is a procedural that snaps and crackles and pops for 72 minutes and allows fans of classic film noir to soak up the atmosphere and have a good time seeing the coppers close in on the crooks who, as almost always is the case, don't stand a chance.