text: Tegen de tijd dat ik geboren werd, was _G1_ al bijna afgelopen en de film was nog maar een paar jaar eerder uitgekomen. Ik hoef niet te zeggen dat ik iets te laat geboren was om de Tranformers op het hoogtepunt van hun hooitijd te vangen. Degenen die rond dezelfde tijd geboren werden als ik, groeiden voornamelijk op met de beest-oorlogen en de herhalingen van _G1_ die tegen die tijd op de markt waren gebracht. Ik vond zelfs tot op zekere hoogte _Beestmachines_ leuk. Het was natuurlijk niet wat zijn voorganger was geweest, maar ik vond het nog leuker dan deze troep. Bovendien was het speelgoed hartstikke leuk! Het hoofdverhaal gaat over drie kinderen die op de een of andere manier op een artefact stuiten dat een kleine robot activeert die later als mini-con wordt ontmaskerd. Dit zendt een straal uit die de Autobots en hun vijanden, de Decepticons, naar de aarde roept. Tegen de tijd dat dit programma werd uitgezonden, was ik al een tiener en had ik Transformers allang naar de achtergrond van mijn geheugen verbannen. Maar op een dag zet ik Fox/Kids aan, dat inmiddels in de middelmaat is vervallen, en zie ik Robots in Disguise. Ik was een fan van anime en ik dacht: sinds wanneer wordt dit door Japanners geanimeerd? Ik heb misschien één aflevering gezien en werd er misselijk van. Ik dacht: oké, misschien is het maar voor één keer. Ik had het mis. Kort daarna begon Armada op Toonami af te komen. Ik vond Toonami toen erg leuk, maar ontdekte opnieuw een Transformers Anime-serie. Vanaf die dag nam ik me plechtig voor om nooit meer naar een Transformers-aflevering te kijken na _Beestmachines_. En weer zijn daar een paar irritante kinderen bij. Waarom zijn ze er in godsnaam <0xE2><0x80><0x93> weten ze niet dat het hun verkoop van speelgoed in gevaar brengt? En ze voegden er het concept van de mini-con aan toe. Aangezien het tegenwoordig heel gewoon is om er de elementen van verzamelen en strijden in de kinder-anime aan toe te voegen, is dit niet anders. Oké dus wat kan het me schelen als de Decepticons de minicons krijgen wat kan het me schelen als een van de Autobots doodgaat? Geloof me je hebt geen enkele reden om je iets van die dingen aan te trekken. De animatiekwaliteit wordt meestal gevonden in de mindere animatiefilms zoals Pokemon en Yugi-Oh en weet je dat dit programma eigenlijk een beetje op Pokemon met robots lijkt? Die kinderen van wie ik steeds maar wou dat de Autobots of Decepticons ze te grazen zouden nemen omdat ik zo'n hekel aan ze had! Elke aflevering draait om hen en hun problemen die toevallig met robots te maken hebben. De Autobots dienen meer als apparaten om hen door hun leven te helpen door hun dingen over zichzelf te leren die ze diep in zich hebben. Wat betekent dit? Boeoeoorrrrriiiiinnnnnnng! Ze hadden de Autobots moeten helpen in plaats van de Autobots hen te helpen. Het had allemaal te maken moeten hebben met het conflict van de Autobots op aarde en toevallig hielpen de mensen hen in hun strijd.<br />Nee, in plaats daarvan worden alle conflicten grotendeels opgelost door die verdomde kinderen. Het schrijven was verschrikkelijk, de animatie was verschrikkelijk en naar animemaatstaven is dit gewoon afschuwelijk. Als je een echte Transformers-fan bent, moet je hier als de pest vandaan blijven. Ik weet dat sommige mensen niet van beestmachines houden, maar kom op mensen, het had veel meer verdienste dan dit.

text_en:
By the time I was born Transformers G1 was already almost to a close and the movie had come out just a couple of years previous. Needless to say I was born a little too late to catch Tranformers at the height of their hay day. Those born around the same time as me grew up primarily with Beast Wars and reruns of G1 which by that time had gone into syndication. Heck I even enjoyed Beast Machines to some extent. Sure it wasn't what its predecessor was but hell I enjoyed it more than this crap. Plus the toys were great fun! The main story follows three kids who somehow stumble upon an artifact that activates a small robot later to be revealed as a mini-con. This sends out a beam that summons the Autobots and their long time enemies the Decepticons to earth. By the time this show came out I was already a teenager and had long since pushed Transformers to the back of my memory. Then one day I turn on Fox/Kids, now spiraling into mediocrity, and saw Robots in Disguise. I was a fan of anime and I thought since when did this start being animated by the Japanese? I watched maybe one episode and was sickened to my stomach.

I thought okay maybe this is just a one time thing. I was wrong. Shortly after that ended Armada started coming on Toonami. I liked Toonami a lot back then only to once again discover another Transformers Anime series. From that day forth I vowed to never watch another Transformers episode again post Beast Machines. Once again this includes some annoying kids. Why the heck are they around don't they know its taking away from their toy sales? Plus they added in the concept of the mini-con. As it is now common practice to add the elements of collecting things and battling them in children's anime this is no different. Okay so why do I care if the Decepticons get the mini-cons why do I care if any of the Autobots die? Believe me you have no reason to care about any of these things. The animation quality is commonly found in the lesser anime like Pokemon and Yugi-Oh and what do ya know this show is pretty much like Pokemon with robots. Those kids I just kept wishing the Autobots or Decepticons would step on them cause I hated them so much! Every episode centers around them and their problems that just happen to involve robots. The Autobots serve more as devices to help them through their lives by teaching them things about themselves that they had deep within them. What does this mean? Boooooorrrriiiiiiiinnnnnnnng! They were supposed to be helping the Autobots instead of the Autobots helping them. It should have been all about the Autobot's conflict on earth and they just so happened to have humans helping in their fight.

No instead all conflicts are mostly resolved by those damn kids. The writing was terrible, the animation was terrible, and by anime standards this is just awful. If you are a true Transformers fan then stay away from this like the plague. I know some people don't like Beast Machines but come on folks it had way more merit than this.


text:
Naar mijn mening was Transformers: Armada niet zo slecht. Ik vond het goed. Dit was de eerste Transformers-serie die ik heb gezien en ik ben er letterlijk mee opgegroeid. Voor mij was Transformers: Armada: soms emotioneel, met een bonzend hart en dramatisch. Ik vond het zo'n goede serie dat ik de dvd wilde kopen.
Dus alle haters in de wereld, geef dit in godsnaam een kans. Ik vind dit de beste serie, ze hebben tenminste een paar G1-personages teruggebracht.
Als je het niet eens bent met wat ik heb geschreven, prima, maar kijk Transformers: Armada, probeer het eens. Ik heb het geprobeerd toen ik het voor het eerst zag.

text_en:
In my opinion I didn't think Transformers: Armada wasn't that bad. I thought it was good. This was the first Transformers series I watched and I literally grew up with it. To me Transformers: Armada was sometimes emotional, heart pounding, and dramatic. I really like this show so much that I wanted to buy the DVD.

So to all haters out there at least give this a chance for goodness sake. I think this was the best series c'mon at least they brought back some G1 characters.

If you hate what I wrote then fine but watch Transformers: Armada give it a try. I gave it try when I first watched it.


text:
Dit is de beste van de hele serie transformators die er zijn. Hij heeft zijn eigen verhaal, met een plotlijn over het nieuwe ras Minicons, en alles wat je van Transformers zou willen hebben: de eindeloze strijd tussen de Decepticons en de Autobots, met een reeks onthullingen en verrassingen in de plotlijn, die het karakter van Unicron opnieuw introduceert.
De plotlijn begint met de ontsnapping van de Minicon uit Cybetron, om te voorkomen dat hij gevangen wordt genomen door de Decepticon of de Autobots, die hen gebruiken om zichzelf in de strijd te versterken, en dan landt hij op Aarde. Na een lange zoektocht komen de voorhoede van de twee facties op aarde aan, waar ze een eerste ontmoeting hebben met 3 kinderen, die de Autobots zullen helpen in hun gevecht met de kwaadaardige Decepticons in een expeditie naar het gebied van alle minicons.
Als u een goede serie wilt om mee te beginnen met de transformatoren, dan is dit beslist de beste keus.

text_en:
This is the best of the series of transformers that are out. it has its own story, giving a plot line involving the new breed of Minicons, and gives all of what you would want to have from Transformers: the endless fight between the Decepticons and Autobots, with a series of revelations and surprises on the plot line, which reintroduces the character of Unicron.

The plot line starts with the Minicon escaping from Cybetron, to avoid being captured by the Decepticon or Autobots who uses them to empower themselves in the battle, and land on Earth. After a long search, the advanguards of the two factions reach on earth, having a first encounter with 3 kids, who will aid the Autobots in their fight with the evil Decepticons in a journety to the coquest of all the minicons.

If u wan a good series to begin with transformers, this surely will be the best choice.


text: Mijn man en ik hebben enorm genoten van deze onzin. We zingen zelfs nog steeds dat idiote 'Four Months at Sea'-liedje en lachen erom. Tuurlijk, het is onwaarschijnlijk, maar de acteurs hebben er duidelijk plezier in en maken het zo leuk om naar te kijken. Stel je voor, een stel gevangenen zonder talent die een musical proberen te maken om hun cipier te 'helpen' (en te ontsnappen)? Kunnen ze het voor elkaar krijgen zonder dood te gaan van het lachen om hun belachelijkheid? Daar valt over te twisten. De liedjes zijn vermakelijk, de casting van de muzikale personages (denken dat het oplichters zijn) hilarisch, de kostuums... nou ja, kijk zelf maar. Dit is een film die we van plan zijn te kopen en te houden. Precies wat we nodig hebben als we vastzitten in beroerd winterweer.

text_en: My husband and I thoroughly enjoyed this romp of nonsense. In fact, we're still singing that crazy "Four Months at Sea" song and laughing about it. Sure, it is improbable, but the actors are obviously having fun, making it such a pleasure to watch. Imagine a bunch of no-talent prisoners attempting a musical to "please" their warden (and escape)? Can they pull it off without killing themselves laughing at their ridiculousness? That's entirely debatable. The songs are catchy, the casting of the musical characters (think con-jobs) hilarious, the costumes.... well, see for yourself. This is one film we are planning to buy and keep. Just what is needed when stuck in lousy winter weather.


text:
Ik weet het niet, misschien ben ik wel de enige op de hele wereld die niet van The Full Monty heeft genoten. Misschien is er iets mis met me, maar ik vond het vreselijk. Dus toen ik de bioscoop binnen werd gesleept om het vervolg met dezelfde regisseur te zien, begon ik te schoppen en te schreeuwen. Ik wist weliswaar helemaal niets van de film, had geen recensie gelezen en ja, de altijd grappige James 'Cold Feet' Nesbitt en de verrukkelijke Olivia 'Rushmore' Williams speelden mee, maar ik was vastbesloten om elk pijnlijk moment te verafschuwen.
Na een paar minuten begonnen er rare dingen te gebeuren. Er gebeurde iets vreemds in mijn keel en in mijn borst. Dat gevoel in mijn borst... dat vreemde gevoel... Wat was het? Nee, ik spuide geen gal. Het was geen pijn; het was... het was... Nee, dat kon niet. Het was lachen! Ja, ik lachte. De film was grappig en onderhoudend en charmant en het afgezaagde, prettige einde gaf me een waarschuwende gloed.
Eeeeee...!
Eeeeee...!

text_en:
I don't know, maybe I'm the only person in the world who didn't enjoy The Full Monty. Perhaps there's something wrong with me, but I hated it. So when I was dragged into the cinema to see this follow-up by the same director, I went kicking and screaming. True, I knew absolutely nothing about the film, had not seen a review and sure, it starred the always funny James "Cold Feet" Nesbitt and the delectable Olivia "Rushmore" Williams, but I was determined to loathe every agonising moment.

A few minutes in, a funny things started to happen. Something odd was happening in my throat and in my chest. That sensation in my chest... that strange feeling... What was it? No, I wasn't bringing up bile. It wasn't pain; It was... it was... No, it couldn't be. It was laughter! Yes, I was laughing. The film was funny and entertaining and charming and the corny, feel good ending left me with a warn glow.

Eewwww...


text:
Dit een komedie noemen is net zoiets als een berg compost een bloementuin noemen (ik was van plan iets anders te schrijven, maar ik dacht niet dat het in de openbaarheid zou komen).
Het is gewoon niet grappig.

- het is ongelooflijk - 'Hallo, ik ben een heel aantrekkelijke, professionele vrouw, ik ga gewoon een romantische maaltijd eten met een gewapende overvaller!!!'
- het slaat nergens op - 'Hallo, ik ben een depressieve gevangene (Timothy Spall) - de bewakers haten me, mijn vrouw heeft een andere man, ik ben erin geluisd... oeps, nu heb ik kanker.'
- en het is heel, heel erg.
- ik heb bijna 2 uur van mijn leven verspild aan deze film... ik wou dat ik een 'Lucky Break' had gehad. en miste het helemaal.

text_en:
Calling this a comedy is like calling a pile of compost a flower garden (I was going to write something else but didn't think it would be published).

Its just isn't funny

- its unbelievable, - "Hello I'm a very attractive, professional woman, I'll just wander off alone with an armed robber for a romantic meal !!!",

- makes no sense "Hello I'm depressed prisoner(Timothy Spall) - the guards hate me, my wife is seeing another man, I was framed ... oops now I have cancer,,"

- and is very, very bad.

I wasted nearly 2 hours of my life on this film ... I wish I could have had a 'Lucky Break' and missed it altogether


text: Nadat ze The Full Monty hadden verruild voor Brassed Off, gooiden de inmiddels allang niet meer bestaande Film Four het geld over de balk voor Peter Cattaneo's volgende komedie en begonnen vol vertrouwen aan een enorme marketingcampagne voor Lucky Break, in de wetenschap dat ze de grote lokale hit van het jaar hadden. De excuses die volgden voor de rampzalige prestaties van de film in de bioscoop varieerden van goed weer dat mensen ervan weerhield om naar de bioscoop te gaan tot de onthulling dat de scenarist in de gevangenis had gezeten voor overtredingen van de IRA (waarna de aanklacht werd ingetrokken, maar nog steeds even vertederend voor het Britse publiek als Al Qaida voor Amerikanen). Om de een of andere reden kwam niemand met het feit dat de film niet goed is. Helemaal niet. Het is een lachloze zone die zijn uiterste best doet om verrassingen te vermijden, maar nooit zijn eigen toon weet te vinden. Hij knikt naar halfbakken pogingen tot realisme en wild onderontwikkelde komedies zonder zich ooit aan een van beide te binden. Zelfs de vertrouwde routines werken hier niet: Bill Nighy is alleen maar irritant als hij wat leven probeert te sputteren in een niet-grappige dialoog, terwijl Timothy Spall weer eens zijn verfomfaaide hamsterklusje doet, terwijl de amateurmusical die als achtergrond wordt gebruikt voor de geplande ontsnapping uit de gevangenis alleen maar amateuristisch en niet-grappig lijkt. Heel erg.

text_en:
After passing on The Full Monty in favour of Brassed Off, the now all-but defunct Film Four were quick to throw money at Peter Cattaneo's next comedy and confidently launched a huge marketing campaign for Lucky Break secure in the knowledge that they had the big local hit of the year. Subsequent excuses for the film's disastrous performance at the box-office varied from good weather putting people off going to the cinema to the revelation that the screenwriter had done time for IRA offences (subsequently overturned, but still about as endearing to the British public as Al Qaeda are to Americans). For some reason no-one mentioned the fact that it's not any good. At all.

A grab-bag of second-hand ideas from Two-Way Stretch, The Tall Guy and others, it's a laugh-free zone that goes out of its way to avoid surprises while failing to ever find its own tone, nodding to half-baked attempts realism and wildly underdeveloped comedy without ever committing to either. Even the tried-and-trusted routines don't work here: Bill Nighy is just irritating as he tries to splutter some life into unfunny dialogue while Timothy Spall does his dishevelled hamster shtick yet again, while the amateur musical used as a backdrop for the planned prison break seems simply amateurish and unfunny. Quite dreadful.


text:
Een geluk bij een ongeluk is een van die zeldzame films die eigenlijk meteen op dvd zijn gezet en die je kunt huren als je een coupon van Blockbuster hebt. Als je de 3,00 dollar betaalt, word je niet teleurgesteld. Ik vond het verhaal volkomen origineel en een onvoorspelbaar maar geweldig einde.
*** van 4*
**P.S. Kijk naar de aftiteling.

text_en:
Lucky break is one of those rare movies that basically went straight to DVD and one you rent if you've got a coupon from Blockbuster. Pay the $3.00 bucks and you won't be disappointed. I found the story completely original and an unpredictable but great ending.

*** out of 4

P.S Watch the ending credits.


text: Het is moeilijk te geloven dat dit afkomstig is van het team dat 'The Full Monty' voor ons heeft opgenomen, en het is g<0xC3><0xAA>nant te bedenken dat dit buiten Engeland te zien zal zijn. Het is een monotoon nummer, het komt nooit uit de eerste versnelling, en er is nauwelijks een grappige scène tijdens de hele film, laat staan een originele.

text_en: Hard to believe that this is from the team that brought us 'The Full Monty', it is embarrassing to think that this may be seen outside of England. Monotonously paced, it never gets out of first gear and there is scarcely a funny line during the entire film, let alone an original one.


text:
Mooi... maar niet geweldig. Het grootste probleem met deze film is dat, hoewel alle spelers heel erg hun best doen, het gewoon niet zó grappig is. Een grote fout met een komedie. En er is ook niet echt genoeg drama om het te ondersteunen. Het basisidee lijkt te komen van dat stukje aan het eind van _The Producers_ waar ze in de gevangenis een musical opvoeren. Deze film gaat over een groep gevangenen die allemaal willen ontsnappen tijdens de nieuwe musical 'Nelson - The Musical' van de Governors. Het gaat allemaal heel aardig, op sommige plaatsen is het zelfs heel grappig. Bill Nighy is een pluspunt voor deze film, maar hij krijgt nog steeds niet genoeg grappige stukjes te doen. En hoewel de musical bespottelijk slecht zou zijn, lijkt hij over het algemeen gewoon nogal saai.
De enige werkelijk briljante vertolking komt van Timothy Spall. Zijn personage krijgt maar heel weinig tijd op het witte doek, en toch kom je, dankzij zijn acteerwerk, meer over hem te weten dan over de hoofdrollen. Helaas wordt zijn subplot snel verdoezeld, waardoor een groot deel van het serieuze punt dat de film probeert te maken, wordt verhuld.
Dus als je niets beters te doen hebt, moet je dit zien, dat is geen tijdverspilling. Maar als je echt een spannende Britse gevangeniskomedie wilt zien, kijk dan naar een aflevering van een comedyserie. Als je een comedy wilt zien met een ontstellend slechte musical, kijk dan naar The Producers. Als je een verbazingwekkende acteerprestatie wilt zien, kijk dan naar, o, naar wat dan ook met Timothy Spall erin. Perfecte Vreemden is een goede plek om te beginnen, hoewel hij ook daarin eigenlijk niet zo'n sterke rol speelt. Maar als je hem opzoekt, zul je er geen spijt van krijgen.

text_en:
Good....but not great. The main problem with this film is that although all the cast try very hard, its just not *that* funny. A major flaw with a comedy. And there isnt really enough drama to support it either. the basic idea seems to have come from that bit at the end of The Producers where they are running a musical in prison. This film features a group of convicts all planning to escape during the Governors new musical "Nelson - The Musical". It all meanders along very nicely, quite funny in places. Bill Nighy is a plus point to this film, but still doesnt get enough funny bits to do. And although the musical is meant to be laughably bad, it mostly just seems fairly dull.

The one truly brilliant performance here comes from Timothy Spall. His character gets very little time on screen, and yet, due to his acting, you find out more about him than any of the leads. Unfortunatly, his subplot is rapidly glossed over, hiding a lot of the serious point the film tries to make.

So, see this if you have nothing better to do, it won't waste your time. But, if you really want to see an edgy British prison comedy, watch an episode of Porridge. If you want to see a comedy featuring an appalingly bad musical, see The Producers. If you want to see an amazing acting performance, see, oh, anything else with Timothy Spall in. Perfect Strangers is a good place to start, although he doesnt actually feature that strongly in that either. Still, look him up, you wont regret it.


text:
Ik heb deze film een paar uur geleden gezien en dacht dat ik maar eens een recensie moest schrijven nu hij nog vers in mijn geheugen lag.
In het kort: ik heb echt van deze film genoten, het was geen klassieker, maar wel een leuk avondje uit. (7/10)
Plot: Niet erg origineel. Zoals andere mensen al zeiden, heeft deze film iets van een aardappelpuree. Maar zeker niet zo grappig.
Acteren: Al met al best goed. Nu ik hem een paar keer in een paar films heb gezien, zou ik James Nesbitt geen filmster willen noemen. Zijn brutale charmes waren wel geschikt voor deze rol, maar Olivia Williams was middelmatig, maar kon ermee door. Het was leuk om haar in een Britse film te zien na haar rollen in 'Rushmore' en 'The 6th Sense'. Voor mij was Timothy Spall beter dan de rest, mijn eerste gedachte was dat ik hem graag wat vaker had gezien, maar bij nader inzien heb ik hem eigenlijk liever als bijrol.
Tone <0xE2><0x80><0x93> ik zou deze film niet direct als een komedie willen bestempelen, er zaten beslist tragische momenten in. Ik denk dat deze film te lijden zal hebben van de vergelijking met 'The Full Monty'.

7/10.

text_en:
Just saw this film a couple of hours ago and thought I'd write a review while it was still fresh in my Mind.

In summary I really enjoyed this film, wasn't a classic but was a good evening out. (7/10)

Plot - Not very original. As other people have commented, this film has a Porridge feel about it. Certainly not as funny though.

Acting - On the whole pretty good. Having seen him in a few things now, I would not call James Nesbitt a charactor actor. However his cheeky charms were right for this role, Olivia Williams was average but passable, nice to see her in an British flick after her roles in 'Rushmore' and 'The 6th Sense'. For me Timothy Spall out-classed the rest, my first thought was that I would have liked to have seen more of him but on reflection I actually prefer him as a side kick.

Tone - I would not class this film as a straight comedy, it certainly had its tragic moments. I think this film will suffer from being compared to "The Full Monty".

7/10


text: Hoewel geen lach een kleine achtbaan is, is _Lucky Break_ een leuke film, met veel grappige momenten. (Die voornamelijk voortkomen uit de muzikale tekst van Stephen Fry).<br />James Nesbitt en Olivia Williams vormen een sympathiek stel en de bijrollen zijn allemaal goed gespeeld. Een plezierige film.

text_en:
Although not a laugh a minute rollercoaster, Lucky Break is a sweet film, with many funny moments. (mostly coming from Stephen Fry's musical lyrics)

James Nesbitt and Olivia Williams make a likeable couple and the supporting characters are all well done. An enjoyable film.


text: Naar mijn mening was dit een geweldige film met een komisch aspect, maar hij raakt ook aan je emoties omdat sommige delen van de film erg triest zijn, of kunnen zijn. Ik was heel blij dat ik deze film had gezien, en ik zou hem nog een keer zien. Ik zag The Full Monty en ik vond hem geweldig, en ik vond dit een geweldige vervolgfilm, maar ik bracht ze niet in verschillende aspecten van elkaar, want dat doe ik nooit bij een film, je moet het beoordelen aan de hand van je eigen mening over komedie en film, niet aan de hand van films uit het verleden van dezelfde regisseur. Al met al is dit een heel goede film, en ik kan hem iedereen aanbevelen. Kijk ook tot het eind van de aftiteling, dan zul je niet teleurgesteld zijn, maar misschien wel verdrietig.

text_en: In my opinion, this was a great movie in a comedy aspect, but it also touches on your emotions as parts of the movie are, or can be, very sad. I left this movie very glad that I saw it, and I would see it again. I saw The Full Monty, and I loved it, and I thought this was a great follow-up movie, but I didn't take them into aspects of each other, as I never do any movie, it should be judged upon your own opinion of comedy and movie standards, not upon past movies by the same director. Overall, this is a very good movie, and I'd recommend it to anyone. Also, watch it till the end of the credits, you won't be disappointed, but maybe sad emotionally.


text:
Als je net zo bent als ik en kwijlt als een over hormonale tiener wanneer die onwaarschijnlijke sekssymbool James Nesbitt zijn brutale, charmante glimlach laat zien, dan móét je die film gaan zien.
Zelfs als je dat niet doet, kan ik hem je ten zeerste aanbevelen. Net als de vorige kaskraker van de regisseur <0xE2><0x80><0x93> _The Full Monty_ <0xE2><0x80><0x93> biedt dit een heleboel lachen, veel kleurrijke personages en enkele aangrijpende momenten. Ze slaagden er ook in een gevangenisfilm met liefde in te passen (moeilijk om te doen en niet bijzonder overtuigend, maar niettemin leuk om te zien).
Misschien niet zo buiklachend grappig als _The Full Monty_, maar nog steeds een heleboel luide lachmomenten en een in alle opzichten plezierige film.

text_en:
If you're like me and drool like an over-hormonal teenager when that unlikely sex-symbol James Nesbitt smiles his cheeky-charming smile then you MUST go and see this film.

Even if you don't, I'd highly recommend it. As with the director's previous Brit-hit `The Full Monty' this provides plenty of laughs, many colourful characters and some poignant moments. They also managed to fit a love-interest into a prison movie (hard to do and not particularly convincing but fun to watch nonetheless).

Perhaps not as belly-laughingly funny as the Full Monty, but still loads of laugh-out-loud moments and an all-round enjoyable film.


text: Het is een leuke verandering; het verhaal was luchtig en had een leuk einde (wat volgens mij wel moet. De wereld heeft al genoeg kwaad in zich; dat heb ik niet ook nog eens nodig voor mijn vermaak!) en zelfs het geweld was 'oké' bedoeld, niet te visueel. Leuke film.

text_en: It is a nice change; the story was light and had a nice ending (a must in my opinion. The world has enough evil in it; I don't need that for my entertainment as well!) and even the violence was "ok" meaning, not too graphic. Cute movie.


text: Lucky Break in 2 woorden zou volslagen onzin zijn, het was niet grappig, het had in feite ongeveer 1 jocks waard om te lachen en het was gewoon behoorlijk saai. Deze film valt niet eens te vergelijken met de nieuwere bric-<0xC3><0xA0>-bracfilms zoals de reclasseringsambtenaar en dat was heel leuk. Alsjeblieft, ga er niet allemaal heen om het te zien.

text_en: Lucky Break in 2 words would be utter rubbish, it was not funny, in fact it had about 1 jocks worth of laughter and it was just pretty boring. This film doesnt even compare to the likes of other newer british films such as the parole officer which was great fun. Please everybody do not go and see it.


text: Hoe vaak herinner je je maar een paar korte scènes uit een film en merk je jaren later bij het opnieuw bekijken dat het alleen die paar momenten waren die de moeite waard waren om je te herinneren? Als je een film over individuele momenten maakt, zou je kunnen denken dat een naaktportret zo'n film zou kunnen zijn. Gelukkig is dat niet het geval. (Alleen de kleine kinderen op het gazon en de verlengde herhaling van gezichten en 'glimlach'-momenten aan het eind leken nogal smakeloos.) De jaren hebben de waarde van de film alleen maar vergroot, want hij blijkt een onthullend portret te zijn van de veranderende houding ten opzichte van seks aan het eind van de jaren zestig, toen mensen van alle leeftijden met een open geest ontvankelijk waren voor nieuwe manieren om over seks te denken. De film heeft een onschuld en een hoop, een eenvoudige charme die we vandaag de dag om vele redenen zijn kwijtgeraakt. Het is natuurlijk Funts hele film, en het is zijn meesterwerk! Zijn persoonlijkheid domineert de film; zijn stem is voortdurend te horen, daagt zijn personages uit om te zeggen wat ze denken en na te denken over wat ze zeggen. De naakte vrouwen op ongewone plaatsen zijn er om de film te verkopen, om amusementswaarde te verschaffen, maar Funt is eindeloos gefascineerd door mensen. Hij houdt echt van mensen, en hij vindt het heerlijk om met ze te praten. De belangrijkste scènes zijn allemaal pratende hoofden; de studenten praten over jongens in het studentenhuis, de jonge mensen en hun ouders praten over seks, de vrouw die 'prostitueert' Het is geen toeval dat de film interraciaal is, want Funt gelooft dat je mensen niet op hun uiterlijk kunt beoordelen. Soms zijn mensen echt zoals ze zijn, maar net zo vaak ook niet. Een IMDb-viewer zegt dat de huidige versie volgens zijn herinnering verschilt van de oorspronkelijke versie. Ik zou me de veranderingen die hij noemt niet hebben herinnerd, maar mijn eigen herinnering suggereert een uitsnede van een personage in de grootste scène van de film waarin Funt, als buskaartjesverkoper, mensen beoordeelt op hun gevoelens over een interraciaal stel. Ik herinner me duidelijk dat er een jong, langharig hippietype bij was dat heel openhartig tegen het stel was, dat in contrast stond met de oudere man die zegt: 'Wat maakt het uit, het is een grote wereld' en die liever liefde heeft dan oorlogswinst. Ik herinner me die prachtige zin van de passerende Engelse fietser in het begin niet goed, die ik me herinnerde als: 'Wat heb je daar, Charlie?' terwijl het eigenlijk was: 'Charlie, hoe ben je met die daar betrapt?' Maar ik begrijp niet hoe ik die jonge, langharige hippie heb kunnen verzinnen; ik weet zeker dat hij er in de oorspronkelijke versie bij was. De opmerkingen van de oudere man wiens zoon met een Mexicaans meisje was getrouwd, zijn moeite om het huwelijk zo ontroerend te accepteren, vermengd met zijn trots op zijn kleinkinderen, bezorgden me opnieuw een brok in mijn keel. Dit soort momenten moet Funts levensdoel zijn geweest. In zijn begintijd, die ver teruggaat tot 'Geheime Microfoon' voor de televisie, lag de nadruk altijd op menselijke interactie. (Ik herinner me bijvoorbeeld een theatrale reclamespot waarin Funt, als reisbureau, er met alle beleefdheid en vriendelijkheid op stond een klant een luxe vakantie te verkopen als die iets eenvoudigs en eenvoudigs wilde.) De tv-serie was van dat punt afgedwaald en richtte zich nu op kletspraatjes als auto's die in tweeën splijten. Deze film was Funts poging om terug te keren naar zijn wortels. Het is een heel serieuze film van een heel serieuze filmmaker, Funt die zijn publiek uitdaagt om hun eigen gevoelens en overtuigingen te onderzoeken en voorzichtig aandringt op tolerantie voor de oneindige verscheidenheid van de mensheid. Het is in feite een veel betere, duurzamer film dan sommige van de 'klassieken' (GREY GARDENS, bijvoorbeeld) die in dezelfde periode werden gemaakt.

text_en: How often does one remember only a few brief scenes from a film and find on re-viewing years later that it was only those few moments that are worth remembering? NAKED LADY, one might think, being a film of individual moments, could well be such a film. Happily, this is not the case. (Only the little kids on the lawn and the extended reprise of faces and "smile" moments at the end seemed at all tacky.) The passing years have only added to the film's value, for it turns out to be a revealing portrait of changing attitudes to sex in the late sixties, when people of all ages with open minds were receptive to new ways of thinking about sex. The film has an innocence and a hopefulness, a simple charm that we've all lost today for many reasons. It's Funt's film all the way, of course, and it's his masterpiece! His personality dominates the film; his voice constantly heard, challenging his subjects to say what they think and to think about what they say. The naked ladies in unusual places are there to sell the film, to provide entertainment value, but people are what endlessly fascinates Funt. He really likes people, and he loves to talk to them. The core scenes are all talking heads; the co-eds talking about guys on the dorm, the young people and their parents talking about sex, the woman who "prostitutes" for free because she likes it, his interview with a prospective model, even the "man in the street" comments about "how birds do it." It's no accident that the film is interracial, because Funt's belief is that you can't judge a person by their looks. Sometimes people are true to type, but just as often they're not. An IMDb viewer says that, based on his recollection, the current version differs from the original release. I wouldn't have remembered the changes he mentions, but my own recollection suggests an excision of a character in the greatest sequence in the film in which Funt, as a bus ticket clerk, feels people out on their feelings about an interracial couple. I recall clearly that there was a young, long-haired hippie type who was very outspoken against the couple, who was contrasted with the older man who says, "what's the difference, it's a big world," and prefers love to war profiteering. I did misremember that great line of the passing English bicycler at the beginning which I recalled as, "What you got there, Charlie?" when it's actually, "Charlie, how'd you get caught with that one?" But I can't see how I made up the young long-haired hippie; I'm certain he was there in the original release. The comments of the older man whose son married a Mexican girl, his difficulty in accepting the marriage so touchingly mixed with his pride in his grandchildren, again brought a lump to my throat. Moments like this must have been what Funt lived for. In his earlier days, going way back to "Candid Microphone" before TV, the emphasis was always on human interaction. (I remember, for example, a theatrical short where Funt, as a travel agent, insisted, with total courtesy and friendliness, on selling a customer a fancy vacation when they wanted something plain and simple.) The TV show had moved away from that to sight gags like cars splitting in half. This film was Funt's attempt to return to his roots. It's a very serious film by a very serious filmmaker, Funt challenging his audience to examine their own feelings and beliefs, and gently urging tolerance for the infinite variety of mankind. It's a far better, more enduring film, in fact, than some of the documentary "classics" (GREY GARDENS, for example) that were made in the same era.


text: 'What Do You Say To A Naked Lady?' is een fascinerende blik op de seksuele-sociale houdingsveranderingen in de Verenigde Staten tijdens de overgangsperiode aan het eind van de jaren zestig. Mr. Funt, de kracht achter de populaire amusementsprogramma's 'Candid Microphone' en 'Candid Camera', had het misschien niet zo bedoeld, maar deze film documenteert op briljante wijze de generatiekloof tussen de ouders/grootouders uit de jaren vijftig na de Tweede Wereldoorlog en hun nageslacht van bloemenkinderen uit de jaren zestig.<br />Het is een tot het uiterste gedateerde film. (Als een vrouw probeert met een homoseksuele man naar bed te gaan, zegt hij tegen haar dat hij dat niet kan omdat hij 'flikker' is. Een blanke grootvaderfiguur vertelt over zijn verzet tegen het huwelijk van zijn zoon met een Mexicaans meisje. De kinderen zijn echter geweldig en niet 'te donker'. Als je geïnteresseerd bent in waar we waren en hoe ver de houding van de doorsnee-Amerikaan is veranderd, moet je deze documentaire zien.

text_en:
"What Do You Say To A Naked Lady?" is a fascinating look at the sexual-social attitude changes in the United States during the transitional late 1960s. Mr. Funt, the power behind the popular entertainment programs "Candid Microphone" and "Candid Camera", may not have meant it to be, but this film brilliantly documents the generation gap between the 1950s post-WW II parents/grandparents and their 1960s flower child progeny.

Dated to the extreme, it is a film of its time. (When a woman tries to sleep with a gay men, he's tells her he can't because he's 'queer'. A white grandfather type tells of his opposition to his son marrying a Mexican girl. The children, however, are wonderful and not 'too dark'.) If you are interested in where we were and how far the attitudes of the typical American have changed, this documentary is a must see.


text: Ik ben opgegroeid met Allen Funt-shows en deze film bewijst alleen maar hoeveel plezier Allen Funt de mensen heeft bezorgd, en het is nooit de bedoeling geweest dat iemand zich anders dan blij zou voelen om bij zijn geweldige werk betrokken te worden.<br />Ik denk dat de cast perfect was en dat een remake voor jongere mensen in deze tijd geweldig zou zijn. Hij had zoals altijd een uitstekende smaak. Hij heeft altijd veel respect voor iedereen gehad. Ik zou hem aanbevelen aan iedereen die van lachen houdt.

text_en:
I grew up with Allen Funt shows and this movie only proves how much laughter Allen Funt has brought to people and it has never been to make anyone feel anything but glad to be included in his wonderful work.

I think the cast was perfect and a remake would be great for younger people at this time. It was done with excellent taste as always by him. He has always shown great respect for all people. I would recommend it to anyone who enjoys to laugh.


text:
Deze film is de beroemde tv-show 'Candid Camera' in een speelfilmformaat, en veel meer Risqu'e die uitgezonden had kunnen worden. Maar afgezien van de amusante lachsalvo's in de situaties van Alan Funt biedt hij een verrassende blik op de ongecensureerde houdingen van de Amerikaanse cultuur te midden van maatschappelijke omwentelingen.
Voortdurende seksuele en raciale houdingen zijn zowel verrassend als verleidelijk. Taboeonderwerpen worden op een onverstoorbare manier behandeld, zonder commentaar van de filmmakers <0xE2><0x80><0x93> waardoor je een onbelemmerd uitzicht hebt op onze vroegere cultuur.
- Andy Somers

text_en:
This film is the famous "Candid Camera" television show in a feature format, and much more Risqu'e that could have been broadcast. But beyond the amusing laughs of Alan Funt's situations lies a surprising glimpse into the uncensored attitudes of American culture in the midst of social upheaval.

Prevailing sexual and racial attitudes are both surprising and tantalizing. Taboo subjects are tackled in an unflinching way, without comment by the filmmakers - leaving you an unobstructed view on our past culture.

- Andy Somers


text: Ik heb net een zeldzame vertoning van deze obscure Allen Funt- verborgen camerafilm op fancast.com gezien. De film doet zijn naam eer aan als <0xE2><0x80><0x93> in het begin <0xE2><0x80><0x93> een vrouw poedelnaakt naar een lift loopt en de weg vraagt aan verschillende langslopende mannen. Daarna gaat de film over op openhartige gesprekken over seks met mensen van verschillende leeftijden en seksen. Er zijn ook een paar interviews met minderjarige kinderen die denken dat ze alles weten, maar het eigenlijk niet weten. Een van mijn favoriete uitwisselingen was toen Funt vroeg wat een te vroeg geboren baby was en een jongen zei: 'Dat is er een die veel weet voor zijn leeftijd.' LOL! Ik vond het ook geweldig om die scène met die roodharige vrouw te zien toen ze deed alsof ze een orgasme kreeg nadat ze was bespoten! En sommige reacties van het publiek tijdens de voorvertoning waren van onschatbare waarde. Daarom wil ik hier graag aanbevelen: Wat Zeg Je Van Een Naakte Dame? P.S. Richard 'Shaft' Rountree maakt hier zijn debuut als lid van een interraciaal stel dat elkaar ziet kussen om verschillende reacties te krijgen van mensen die naar hen kijken.

text_en: Just watched a rare showing of this obscure Allen Funt hidden camera movie on fancast.com. It lives up to the title when-in the beginning-a woman casually walks stark naked to an elevator asking for directions from various men walking by. From there, it goes on to frank discussions of sex to people of various ages and genders. There's also some interviews with underage kids who seem to think they know all but don't really. In fact, one of my favorite exchanges was when after Funt asked what a premature baby was, this boy said, "It's one who knows a lot for his age." LOL! I also loved seeing that scene with that red-haired woman when she faked an orgasm after getting spray-painted! And some of the reactions of the preview audience was priceless. So on that note, I highly recommend What Do You Say to a Naked Lady? P.S. Richard "Shaft" Rountree makes his debut here as part of an interracial couple seen kissing in order to get various reactions of people watching them.


text_en:
like i said its funny but its pretty darn good too.......................

the film is about people being filmed without knowing it and getting their reactions to unusual encounters mainly with nudity, like a naked lady asking for directions, one asks some ppl to kiss her, and a naked girl in an elevator, and then has video of ppl discussing the film after they watched it...........

so if you haven't seen this and you like stuff like candid camera and things like that you'll like this, but this is also more than that, so ya i recommend it, if you can ever find it


text: Dit is een van die godvergeten godvergeten 'dat meen je niet!'-types van ploeterende en stuntelige low-budget psychopathische bloederige griezelfilms die in talloze drive-ins en schroothallen in de schitterend smoezelige jaren zeventig op de buis te zien waren. Inderdaad, deze verrukkelijke, afgrijselijke troep werd gekoppeld aan de al even afgrijselijke, maar op de een of andere manier toch vertederend aandoende gestoorde hippie-terreur-uitval 'The Curse of the Headless Horseman' in een dubbel-de-hele-hele-hele-tweederangs-tweederangs-tweederangs-tweederangs-tweederangs-tweederangs-aanbieding die iedereen die ze samen had gezien óf onmiddellijk naar de uitgang moest hebben gejaagd toen ze ongeveer 15 minuten in de eerste film waren, óf in een comateuze verdoving op hun stoel moest hebben laten zakken nadat de aftiteling van de tweede film was afgelopen. <br />--Een moederloze, op Norman Bates lijkende, op oedipus lijkende oedipal vernietigt moordlustige, bruut afgeslachte vrouwen op een bijzonder smoezelige en vervallen strandkermis in het noorden van de staat New York. Dat is het voor de tot op de draad versleten plot <0xE2><0x80><0x93> en voornoemd schamele verhaal wordt verteld door de filmische blunderwonder-in-de-dop Leonard Kitman (die ook 'The Curse of the Headless Horseman' uitkotste en later onder de alias Leon Gucci een paar smerige pornofilms maakte) met een onthutsende, allesomvattende incompetentie die werkelijk adembenemend is om te aanschouwen. In technologisch opzicht is deze smurrie gewoonweg ontstellend: we hebben hier te maken met een slap aftreksel, een vaak meanderend verhaal dat...' De film is overladen met langdradige praatjes en saaie vullingen, stuntelige dwaalsporen, korrelige, lelijke, vaak statische en onbeweeglijke filmbeelden, een knarsende soundtrack, slordige knip-en-plakbewerking en smakeloze spettereffecten die je grootmoeder nog niet eens zouden doen kokhalzen. Bovendien heeft de cast over het geheel genomen iets rottigs: de blonde Judith Resnick is een lekker ding, maar leeghoofdig, Earle Edgerton is een bijzonder nietszeggende en niet-charismatische held, de film van Andy Milligan en Martin Barolsky is een bijna ondraaglijk nerdachtige nerd als de kalende, middelbare moordenaar, Gloria Spavik bereikt nieuwe, tot nu toe onaangeroerde hoogten in zenuwverscheurende celluloid-onheilspelling als een onuitstaanbaar schril en zeurderig oud wijf dat haar kop wordt ingeslagen, en Burt Young (Paulie in de 'Rocky' En William Grannell (Jason Varone in de Cheri Caffaro-film 'Ginger') duikt heel even op als de lankmoedige echtgenoot van een feeksachtige vrouw die aan het begin van de film onthoofd wordt in het spookhuis. Maar deze totaal verbluffend vlezige honing bezit één uitzonderlijk goede eigenschap: hij is zo rijk en levendig in smoezelige plaatselijke kleuren dat hij overkomt als een fascinerend lugubere en verdorven mondo-achtige documentaire over de groezelige onderbuik van de echt groezelige charlestonscène in Coney Island.

text_en:
Here's one of those gloriously godawful "you gotta be kiddin' me!"-type of plodding and maladroit low-rent no-budget psycho sicko gore flicks that played on double bills in numerous drive-ins and grindhouses in the splendidly sleazy 70's. Indeed, this delectably dreadful dreck was paired with the equally atrocious, yet somehow oddly endearing dippy hippie terror trip-out "The Curse of the Headless Horseman" on a twice-the-tacky-terror twin feature offering that must have caused anyone who saw them together to either make an immediate beeline for the exit door 15-odd minutes into the first film or slump into their seats in a comatose stupor after the ending credits of the second picture finished rolling.

A mother-fixated bargain basement Norman Bates-like oedipal wreck homicidal crazy brutally butchers assorted supremely irritating women at an especially dingy and rundown beachside carnival in upstate New York. That's it for the threadbare plot -- and said skimpy story is related by cinematic blunder wonder triple threat would-be producer/ director/writer auteur Leonard Kitman (who also puked forth "The Curse of the Headless Horseman" and later did a few scuzzy porno movies under the alias Leon Gucci) with a staggering all-out incompetence that's genuinely breathtaking to behold. Techincally, this crud is simply appalling: we've got slack pacing, an often meandering narrative that's overloaded with tedious talk and dreary filler, clumsy red herrings, grainy, ugly, frequently static and immobile cinematography, a grating score, ragged cut'n'paste editing, and cheesy splatter effects that wouldn't even gross out your grandmother. Moreover, the cast overall strikes out somethin' rotten: Willowy blonde lead Judith Resnick is hot, but vapid, Earle Edgerton makes for a singularly bland and uncharismatic hero, Andy Milligan film regular Martin Barolsky nerds it up to an almost unbearably geeky extreme as the balding, middle-aged fruitcake killer, Gloria Spavik hits new heretofore untouched heights in nerve-shredding celluloid obnoxiousness as an insufferably shrill and whiny fat old bag who gets her head bashed in, and Burt Young (Paulie in the "Rocky" series) embarrasses himself royally in his less-than-sterling film debut as a pathetic, irritable, grotesquely misshapen hunchback retard named Gimpy. Plus William Grannell (Jason Varone in the Cheri Caffaro "Ginger" flicks) briefly pops up as the long-suffering husband of a shrewish woman who gets decapitated in the funhouse early in the movie. However, this altogether stunningly ham-fisted honey does possess one exceptionally right-on asset: It's so rich and vivid in seedy local color that it comes across like a fascinatingly lurid and depraved mondo-style documentary on the grimy underbelly of the seriously seamy Coney Island carny scene.


text:
Dit is in alle opzichten een verschrikkelijke film. Het verhaal is afschuwelijk, de special effects zijn lachwekkend... wacht, wat zeg ik? Special effects? Er was blijkbaar niet eens een budget voor lampen en microfoons! Dat is een grote handicap als het grootste deel van de film's nachts werd opgenomen op de lawaaiige promenade van Coney Island en in Astroland. Laten we eerlijk zijn, deze film heeft er gewoon niets aan.
Maar... hij werd in 1969/1970 in Coney Island opgenomen. Ik gaf hem twee extra sterren omdat ik als kind in de jaren zeventig in Coney Island opgroeide, dus er was een grote nostalgische factor voor me. Ik heb op veel van de attracties in de film gereden. Ik heb daar bij Nathan gegeten.' en liep over de promenade.
Als je geen heimwee hebt naar het Coney Island van 1970, sla deze dan over; je zult er niets van missen. Maar als je dat wel doet, kijk dan met het geluid uit en let meer op de achtergrond dan op de film zelf.

text_en:
This is a terrible movie in every way. The story is awful, the special effects are laughable... wait, what am I saying? Special effects? There apparently wasn't even a budget for lights and microphones on this one! That's a big handicap when most of the movie was shot at night on the noisy Coney Island boardwalk and Astroland. Let's face it, this flick just has nothing going for it.

But... it was shot in Coney Island in 1969/1970. I gave it two extra stars because I was a kid growing up in Coney Island in the 70's, so there was a big nostalgia factor for me. I rode on many of the rides shown in the film. I ate at that Nathan's and walked on that boardwalk.

If you're not nostalgic for 1970's Coney Island, pass this one by; you won't be missing anything at all. If you are, though, see it with the sound turned off and pay more attention to the backdrop than the movie itself.


text:
Dit verhaal, dat zich afspeelt in Coney Island, gaat over een psychopaat die op het midden van de oceaan mensen vermoordt. Ik zal de plot voor je uitwerken als je dit ziet.
Dit is een van die films die zo slecht zijn, zo'n film waarbij je mond openvalt van ongeloof over wat er gebeurt.
Neem bijvoorbeeld de muziek. Het is folkmuziek. Waarom? Ik heb geen idee. Ik denk niet dat iemand die een hersencel had niet kon zien dat de gekozen muziek niets te maken heeft met wat er op het scherm gebeurt. Het is zo het tegenovergestelde van wat je ziet dat het je dwarszit.
Het is af en toe geacteerd en gedeeltelijk geschreven, wat het enigszins kijkbaar maakt. Het is een film om dronken van te worden en om te lachen.
Het is interessant om naar de kermisscènes te kijken, want het is ongelooflijk duidelijk dat ze op een kermis filmen, want de mensen kijken voortdurend verbaasd naar de acteurs. De scènes met de menigte na de eerste onthoofding zijn grappig. Net als de responstijd van de politie en de ambulancebroeders op de plaats van het misdrijf, nog nooit is er in New York zo snel hulp gearriveerd.
Als je in de stemming bent voor amusement van het niveau Z, kan ik je de film aanbevelen voor een avondje uit.

text_en:
Set in Coney Island this is the story of a psycho killing people on the midway. I'll leave the actual plot for you to work out when you see this.

This is one of those so bad its good movies, one where your jaw hangs open in disbelief at whats going on.

Take for example the music. Its folk music. Why? I have no idea. I don't think anyone who had a brain cell couldn't see that the music chosen has nothing to do with whats going on on screen. Its so opposite to what you are seeing it grates on you.

Its occasionally acted and partially written which makes it somewhat watchable.Its a movie to get drunk and watch laugh at.

Its interesting to watch the carnival scenes since its incredibly obvious that they are filming at an operating carnival since people are constantly looking at the actors in a puzzled manner. The crowd scenes after the opening decapitation are fall down funny. As is the response time of the police and medics to the crime scene, never has help arrived that fast in New York.

If you're in the mood for grade Z entertainment I recommend the film for a nights rental.


text: Heb een dvd gekocht met drie (3) films en deze film was er een van, dus besloot ik te gaan kijken waar die film precies over ging. Earle Edgerton (Tom), Judith Resnick (Laura) en Martin Barlorski (Dan) hebben allemaal alleen deze film gemaakt of misschien twee na deze productie. De ster van de film was Burt Young (Gimpy), 'Nicky's Game'05 die een geweldige karakterspeler is en momenteel geweldige films maakt. Op de achtergrond zijn scènes te zien uit Coney Island, Brookly, N.Y. en zelfs uit Nathan's Hot Dog Stand met Gloria Spivak (Dumpy Gal) die alleen deze ene film heeft gemaakt en daarna uit de schijnwerpers is verdwenen. Ik kan alleen maar zeggen dat het een grote grap was om naar te kijken, een afschuwelijke horrorfilm en het sloeg helemaal nergens op. O, ik vergat nog te zeggen dat als je een heleboel Teddy Bears wilt om te knuffelen, er genoeg zijn op deze foto.

text_en: Purchased a DVD with three (3) films and this film was one of them, so I decided to see just what this film was all about. Earle Edgerton,(Tom), Judith Resnick (Laura) and Martin Barlorski (Dan) all made just this film or maybe two after this production. The star of the film was Burt Young,(Gimpy),"Nicky's Game",'05 who is a great character actor and is presently making great films. The background has scenes from Coney Island, Brookly, N.Y. and even Nathan's Hot Dog Stand is shown with Gloria Spivak,(Dumpy Gal) who made only this one picture and faded out from stardom. All I can really say it was a Big Joke to watch, horrible horror film and it made absolutely no sense at all. Oh, I forgot to say if you like lots of Teddy Bears to hug, there are plenty in this picture.


text: Sommige slechte films die ik in mijn hele leven heb gezien, waren behoorlijk goed, gewoon omdat ze oud genoeg waren geworden om een amusanter doel te dienen. Alleen al om die reden werden B-films, of drive-infilms, of 'I don't know whatelsecancallit', nooit gemaakt met een gigantisch budget vergeleken met de verfijnde maatstaven van vandaag. Filmfanaten van voor het millennium vinden deze overhaaste produkten grappig, vermakelijk, vreemd en ongewoon. De reden dat technologie niet de crème de la crème was, rechtvaardigt waarom vrijwel alle films werden gemaakt in de afgelopen twee- tot zes decennia van de cinema. Niet met _Criminal of Bloed_...<br />Veel erger dan een Ed Wood-productie, deze ervaring in het maken van slechte films toont echt aan! Er zit wel wat vreemd, bloederig materiaal in, waaronder een scène waarin een hoofd wordt onthoofd voor de ogen van een stel idiote kermisgangers die op een ritje staan te wachten, maar je weet dat het ontzettend nep is! Eigenlijk is dit geen horrorfilm, het is een puinhoop! Stelletjes ruziën, er staat folkmuziek op, mensen zijn aan het flirten, een vriendje babbelt vijf waardeloze minuten met een vriend, een vrouw wordt aangereden door een auto die er slecht gefilmd uitziet... Wat is er nog meer? Veel meer! Je zou denken dat de openingstitels nooit een tekortkoming voor films zijn. 'Het is niet helemaal logisch, vooral niet als het een B-film is, en als je een wanhopige kans krijgt om hem te zien, zorg er dan voor dat je een paar vrienden of familieleden uitnodigt voor een avondje puur slecht amusement. Zorg ervoor dat je voor de gelegenheid wat oudbakken popcorn en frisdrank serveert. Als je eenmaal getuige bent van de absolute leegte van dit perverse filmwerk, zul je ontdekken dat er véél meer goedkoop gemaakte films zijn die de afschuwelijke kwaliteit verre overtreffen!

text_en:
Some bad movies I've seen in my entire life have been considerably good, simply because they've aged well enough to build a more entertaining purpose. For that reason alone, B-movies, or drive-in movies, or "Idontknowwhatelseyoucancallit" were never made on a gigantic budget compared to today's refined standards. Pre-millennium movie buffs laugh over these rushed out products as fun, enjoying, weird, and unusual. The reason technology hadn't been the cream of the crop justifies how virtually all films were created in the past 2-6 decades of cinema. Not so with CARNIVAL OF BLOOD.....

Far worse than an Ed Wood production, this experience in bad moviemaking really shows! It does have some strange gory-looking material, including a scene where a head decapitates in front of crazy carnival-goers waiting for a ride, but you know it's extremely fake! Actually, this isn't a horror show, it's a mess! Couples argue, folk music is playing, people romancing, a buddy chatting to a friend for five worthless minutes, a woman getting struck by a car that looks poorly filmed.... What more is there? Much more! You'd think the opening credits was never a flaw for movies. Guess again! While you hear the sound of a heartbeat, those black screens with red lettering also has a woman's face moving her mouth and not voicing out a single word!

Yes, CARNIVAL OF BLOOD doesn't make any entire bit of sense, especially when it is a B-movie, and if you get a desperate chance to view it, be sure to invite some friends or members of your family to gather 'round for an evening of pure ill-minded entertainment. Be sure to serve up some stale popcorn and flat carbonated soda for the occasion. Once you witness the absolute noneness of this perverted work of cinema, you'll find out that there are tons more cheaply made movies far surpassing its dreadful quality! GOOD GRIEF!!!


text: Deze tot op de draad versleten bodem van de ton zal je zeker in spanning houden terwijl je je afvraagt: 'Komt er ooit een eind aan? Komt er ooit, ooit een eind aan?' De openingstitels zijn de meest bizarre die je ooit zult zien en ze worden afgewisseld met de meest irritante herkenningsmelodie van de film. De setting is Coney Island en de film gebruikt deze locatie voor het grootste deel van de opnamen. Er zijn veel scènes van echte kermisklanten die zich op een paar meter afstand aan de camera vergapen en sommige lijken ook te zijn ingesnoerd als figuranten, waar massascènes nodig zijn. Er zijn een paar binnenscènes die worden opgenomen in de smerigste en smerigste sets die je je kunt voorstellen. De moordscènes zijn interessant omdat het bloed er dik op ligt, in de stijl van Herschell Gordon Lewis-films, maar dan met een nog kleiner budget. Er zijn eindeloos veel dialogen, compleet met microfoons in het volle zicht, maar er zijn ook scènes die in dialoog zijn nagesynchroniseerd en die niets te maken hebben met wat er op het scherm gebeurt. Er zijn lussen van achtergrondgeluiden die eindeloos worden herhaald en je in een mum van tijd doen wensen dat je hardhorend was. Het 'acteren' is afschuwelijk, met als enige uitzondering Gloria Spivak, die in het echte leven een vermakelijk personage zou lijken. De film ziet er vaak uit alsof hij op het punt staat het porno-terrein op te gaan en dat is geen verrassing als je de eerste credits van _The Directors_ en de daarop volgende bekijkt.

text_en: This threadbare, bottom of the barrel effort will certainly hold you in suspense as you wonder to yourself '"Will it ever end? Will it ever, ever end?" The opening credits are the most bizarre you may ever see and they are inter-cut with the movies incredibly irritating theme song. The setting is Coney Island and the film uses this location for the bulk of the filming. There are many scenes of the real life carnival customers gawking at the camera from a few feet away and some also appear to have been roped in as extras where crowd scenes are needed. There are a few indoor scenes filmed in the dingiest and grimiest sets imaginable. The murder scenes are interesting as the gore is laid on thickly, in the style of Herschell Gordon Lewis movies, but using an even more minuscule budget. There are endless scenes of ad-libbed dialogue complete with microphones in plain view and also scenes using dubbed in dialogue which bear no relation to what's happening on screen. There are looped sounds of background carnival noise which are repeated endlessly and will have you wishing you were hard of hearing in no time. The 'acting' is appalling throughout with the sole exception of Gloria Spivak who would appear to be an entertaining character in real life. The film often looks as though it is about to veer off into porno territory which is no surprise when you look up the Directors former and subsequent credits.


text:
In tegenstelling tot het neuriën van Liza Minnelli en Frank Sinatra is The City That Never Sleeps niet New York, New York, maar Chicago, Illinois. Tenminste, in de film uit 1953 van John H. Auer, een soort film noir met een noir-effect, die begint en eindigt met door schijnwerpers belichte panorama's van het Wrigley Building, de bruidstaart van de stad. Verscheidene personages ontmoeten elkaar in een misdaaddrama dat zelfs een tikkeltje fantasievol is.
Gig Young, in het midden, speelt een politieman die ontevreden is over zijn baan en zijn huwelijk (zijn vrouw, Paula Raymond, verdient meer dan hij). Urenlang hangt hij rond in een stripclub aan Wabash Avenue, The Silver Frolics, om zowel op het podium als in de coulissen Mala Powers te zien. Die relatie is net zo wankel als zijn huwelijk, en zij is net zo ongelukkig met haar lot als hij met het zijne ('Wat wil je dat ik doe? In een diepvries kruipen?' treitert ze hem tijdens de zoveelste breuk). Dan gaat Young naar het bureau voor de nachtdienst, in een surveillancewagen met een nieuwe partner die hij nog nooit heeft ontmoet ('Chill Wills, die ook de onzichtbare stem van de stad speelt').
Tijdens Youngs nachtelijke rondleiding ontmoet hij keer op keer de verschillende spelers in het complot. Zijn broer (Ron Hagerthy) die nu Talmans leerling is, zijn vader (Otto Hulett), een politieveteraan, en een stratosferische man (Gregg Warren) die voorbijgangers ontvangt in de etalage van de Silver Frolics.
Sommige banden tussen de personages zijn voor de hand liggend, andere heimelijk, en moeten worden uitgedeeld naarmate de plot zich verdicht. Tegen het eind (Poverty Row heeft de lessen van MGM geleerd die ze enkele tientallen jaren eerder in de bovengenoemde titels hebben gegeven) is er tragedie en hartzeer, herwaardering en verzoening. En er is zelfs een personage dat net zo mysterieus verdwijnt als hij verschenen is, met achterlating van een vleugje bovennatuurlijke kracht dat merkwaardig genoeg geen enkele invloed heeft op de manier waarop de verhalen zich ontvouwen.
De stad die nooit slaapt toont de juiste breedte voor een groot, stedelijk verhaal, van Arnolds moderne penthouse tot Youngs middenklasse-appartement en de louche steegjes van Wabash Avenue. Directeur Fotografie John Russell (die later _Psycho_ zou maken) helpt Auer met een paar slimme vondsten (die doen denken aan de lichtstraal van een zaklantaarn die op de kiesschijf van een telefoon schijnt). Het is geen spookfilm, maar wel een bevredigende, met een titel waar Republic Pictures trots op kon zijn.

text_en:
Contrary to the croonings of Liza Minnelli and Frank Sinatra, The City That Never Sleeps is not New York, New York but Chicago, Illinois. At least it is in John H. Auer's 1953 movie of that name, sort of a noir-inflected Grand Hotel or Dinner At Eight, that opens and closes with floodlit vistas of the wedding-cake Wrigley Building. Several characters' lives intersect in an urban crime drama that even offers a touch of the fanciful.

Gig Young, at the center, plays a cop who's dissatisfied with his job and with his marriage (his wife, Paula Raymond, makes more money than he does). Off hours, he hangs around a strip club called The Silver Frolics on Wabash Avenue to see, both on stage and backstage, headliner Mala Powers. That relationship is a rocky as his marriage, and she's as unhappy with her lot as he with his (`Whaddaya want me to do? Crawl into a deep freeze?' she taunts him during yet another breakup). Then Young heads to the precinct for the graveyard shift, riding in a prowl car with a new partner he's never met before (Chill Wills, who also plays the unseen `Voice of the City').

During Young's nocturnal tour he meets up again and again with the various players in the plot. There's rich, crooked lawyer Edward Arnold, who blackmails him into burglarizing some incriminating papers; his two-timing wife, Marie Windsor; former magician turned criminal William Talman; his own brother (Ron Hagerthy) who's now Talman's apprentice; his pop (Otto Hulett), a police veteran; and a `mechanical man' (Gregg Warren) who entertains passersby in the Silver Frolics' window.

Some of the ties among the characters are up front, others furtive, to be doled out as the plots thicken. By the end (Poverty Row having learned the lessons MGM taught a couple of decades earlier in the titles cited above), there's tragedy and heartache, reappraisals and reconciliations. There's even a character who vanishes as mysteriously as he materialized  a whiff of the supernatural which curiously fails to leave any influence on the way the stories unfold.

The City That Never Sleeps shows the right breadth for a big, urban story  from Arnold's moderne penthouse to Young's middle-class flat to the raffish alleys running off Wabash Avenue. Director of photography John Russell (later to film Psycho) helps Auer out with some crafty touches (a telephone dial glowing from a flashlight shone upon it comes to mind). It's not a haunting movie, but it's a satisfying one  a title that did Republic Pictures proud.


text: Een juweel uit 1953 van de republiek en een geweldige film noir-vondst. Dit soort kleine zwart-witdrama's was in feite het einde van de republiek toen tv-series dit soort verhaallijn en stijl opvatten, en de studio paste zich niet aan. Cop Gig Young en de pikante sloerie Mala Powers worden overspelig en het realisme van de noir-foto's die in de echte straten van Chicago zijn gemaakt, stelt de kijker in staat volledig op te gaan in hun goedkope achterbuurtwereld. Dit is zo'n interessante film, en het lage budget werkt in feite in zijn voordeel... net als Monograms opzienbarende DECOY van 1947. Chill Wills verschijnt als een heel bijzonder en vreemd personage en ik zal helemaal niet bederven wie hij is. Een heel slimme en uiteindelijk heel emotionele film uit een fascinerende periode in het Amerikaanse politiedom: 1953... zoals LA Confirmation voor die stad bewees. Zoek dit en geniet ervan, en bedank de sjofele wereld van de republiek dat je hem hebt gemaakt. Als bonus voor ons _noir-_ volk is de sensationele Marie Windsor hier ook, met een uiterst welkome marge.

text_en: A 1953 Republic gem and a great noir find. This sort of small black and white drama was actually what finished off Republic as TV shows took up this sort of storyline and style, and the studio didn't adapt. Cop Gig Young and burlesque floozie Mala Powers go adulterous and the realism of the noir photography created on actual Chicago streets allow the viewer to be completely absorbed into their cheap backstreet world. This is such an interesting film, and the low budget actually works in its favour......like Monogram's startling DECOY of 1947. Chill Wills appears as a very special and strange character and I won't spoil who he is at all. A very clever and ultimately quite emotional film from a fascinating period in American Cop-dom: 1953...as LA CONFIDENTIAL proved for that city. Find this and relish it, and thank the crummy world of Republic for making it. As a bonus for all us noir-ees, the sensational Marie Windsor is here as well, by the narrowest of welcome margins.


text:
City, die nooit slaapt, doet zijn uiterste best om een belangrijke film noir te worden, en dat lukt niet helemaal. Als THE RACKET een veelbelovende centrale figuur had, die met de wettige en onwettige autoriteiten op goede voet stond, maar geen karakterontwikkeling had om uit te leggen hoe hij zo geworden is, probeert City een film noir-variant te worden van die films, zoals HET IS EEN GELUKKIG LEVEN of EEN INSPECTIEVE GEBEURTENISSEN, waarin de personages niet helemaal menselijk zijn en mensen en hun beweegredenen vermengen (en treiteren).
We kijken naar Gig Young, een carrièreagent uit een familie van politiemensen, die langzaam wordt gecorrumpeerd door de corrupte, grote, oude advocaat Edward Arnold. Young gedraagt zich in feite als een tussenpersoon tussen Arnold en de politie, die de advocaat op de hoogte brengt van de lopende onderzoeken. Hij wordt er goed voor betaald, maar hij heeft te maken met de rechterhand van Arnold, William Talman, die niet te vertrouwen is. Young vindt het niet prettig dat Talman de jongere broer van Young koestert <0xE2><0x80><0x93> en hem mogelijk in een complete crimineel verandert. Hij beseft niet dat Talman ook onder één hoedje speelt met Arnolds vrouw (Marie Windsor) om de advocaat in handen te krijgen. Youngs eigen gedrag wordt niet echt gewaardeerd door zijn vader, een eerlijke, oude, stijlvolle politieman die door het korps als een held wordt beschouwd.
Je kunt zien dat de situatie tot een ramp zal leiden. Young heeft avonddienst en zijn partner kan niet komen opdagen. Een onbekende brigadier van politie (Chill Wills) neemt de plaats van zijn partner in en de twee lopen door de nachtwereld van de stad. En terwijl ze dat doen, zijn ze zich allebei niet bewust van de explosies die op het punt staan de werelden van Arnold, Windsor en Talman te verscheuren <0xE2><0x80><0x93> en Youngs jongere broer naar binnen te sleuren.
Een paar dingen om te zien in de film: Talman (die iemand heeft neergeschoten) is zich ervan bewust dat de enige 'getuige' een gestalte in een raam is. Is het een mechanische man of een echte getuige? Talman moet uren kijken om te zien of de gestalte'mechanisch' blijft of niet. Zie ook de scène waarin Young Talman achternazit over een verlaten stel verhoogde spoorrails door Chicago. Het is een spannende en spannende scène.
Ten slotte de verschijning (in zijn eerste filmrol volgens dit bord) van de komiek Tom Poston als politieagent, die betrokken raakt bij een situatie die verre van amusant is. Het is een vreemde eerste rol voor zo'n grappige figuur.

text_en:
CITY THAT NEVER SLEEPS tries hard to be a major film noir, and does not quite make it. If THE RACKET had a promising central figure at sixes and sevens with the legal and illegal authorities, but no character development to explain how he got the way he did, CITY tries to be a film noir variant of those films like IT'S A WONDERFUL LIFE or AN INSPECTOR CALLS where characters are not quite human, and are intermingling (and bedeviling) humans and their motivations.

We are watching Gig Young, a career cop from a family of cops, who is slowly being corrupted by crooked big - time lawyer Edward Arnold. Young is basically acting like a go-between between Arnold and the police, tipping the lawyer off about current investigations. He does get well paid for this, but he has to deal with Arnold's right hand man William Talman, who is not to be trusted. Young does not like Talman's cultivating Young's younger brother - possibly turning him into a complete criminal. He does not realize that Talman is also working in cahoots with Arnold's trophy wife (Marie Windsor) to get the upper hand over the lawyer. Young's own behavior is not really liked by his father, an honest old style cop who is regarded as a hero by the department.

You can see that the situation is going to lead to disaster. Young is working an evening shift, and his partner is unable to show up. An unknown Police Sergeant (Chill Wills) takes the partner's place, and the two go around the night world of the city. And while they do so, both are unaware of the explosions about to rend apart the worlds of Arnold, Windsor, and Talman - and dragging in Young's younger brother.

Some things to watch in the film: Talman (having shot someone) is aware that the only "witness" is a figure in a window. Is it a mechanical man or a real witness? Talman has to spend hours watching, and to see if the figure remains "mechanical" or not.

See also the sequence where Young chases Talman along a deserted set of elevated train tracks through Chicago. It is a tense and exciting sequence.

Finally, note the appearance (in his first movie role according to this board) of comedian Tom Poston as a police officer, who gets involved in a situation that is far from amusing. It's an odd first role for such a funny figure to have played at all.


text:
Ik kan niet wachten tot ik de dvd-uitgave van deze film met de hoofdrollen en het commentaar te zien krijg, want het is een van die zeldzame Noir-films die je bijblijven. Niet zozeer vanwege de doorsnee huiselijke problemen die het personage van Gig Young uitstraalt, maar meer vanwege zijn relatie met Mala Powers en hun prachtige citaten:

Sally 'Angel Face' Connors, gekleed in een striptease-kostuum voor Johnny Kelly <0xE2><0x80><0x93> 'Kom hier.' Kelly's antwoord: 'Ik ben er geweest.'
En de geweldige toespraak van Angel Face die haar desillusie verklaart: 'Ik ben deze stad spuugzat. Ik ben bij jou, Johnny. Toen ik voor het eerst in deze stad kwam, wilde ik... o, er waren een heleboel dingen die ik wilde... beroemd worden. Maar Chicago...' 's de grote smeltkroes, en ik werd maar goed gesmolten.'
En dan zijn er nog de clichés in de bar: 'Twee Old Fashions': 'Geen ijs, geen water, geen suiker, geen grenadine'.
'City that never sleeps' heeft een lichte tred en zoveel eigenzinnige kleine personages dat je je afvraagt over wie het verhaal gaat. De film concentreert zich op bepaalde personages om zijn doel te bereiken, is soms geweldig om naar te kijken vanwege de nachtelijke locatiefotografie en heeft een leuke, noir-achtige humor.
Gig Young heeft de onverstoorbare charme en bon vivanthouding die bijna in de weg staan van zijn gedesillusioneerde agent Johnny Kelly. Kelly is de ultieme allemansvriend die bij de politie is gegaan omdat zijn vader dat wilde, en wiens vrouw hem zonder het te weten ontmant omdat zij meer geld verdient dan hij.
Al met al is 'City That Sleeps' de moeite waard vanwege het noir-uiterlijk en een paar goede optredens.

text_en:
I can't wait to see the DVD release of this film with the features and commentary because it is one of those rare Noir films that stay with you. Not so much for the average domestic problems that Gig Young's character displays but more for his relationship with Mala Powers and their great quotable lines:

Sally "Angel Face" Connors, dressed in a stripper's costume to Johnny Kelly- "Come here." Kelly's reply: "I've been there."

And Angel Face's great speech explaining her disillusionment: "I'm sick of this town. I'm with you Johnny. When I first came to this town I was gonna be... oh there were a lotta things I was gonna be- become famous. But Chicago's the big melting pot, and I got melted but good".

And there are also the throw-away lines in the bar: Waitress to Bartender: "Two Old Fashions- no ice, no water, no sugar, no grenadine".

"City That Never Sleeps" has a light step and has so many quirky little characters that you might wonder who the story is about. The film does focus on certain characters to make its point, is sometimes great to look at for its night-lit location photography and has some nice noir humor.

Gig Young has the unflappable charm and bon vivant attitude that almost gets in the way of his disillusioned cop Johnny Kelly. Kelly is the ultimate Everyman who has become a cop because his father wanted him to, and whose wife unwittingly emasculates him because she earns more money that he.

All in all, "City That Never Sleeps" is worth catching for its noir look and some good performances.


text: Tenzij je de vaardigheid van een O. Henry hebt, is het nogal belachelijk om over de geest van een stad te praten, ook al is het maar in algemene termen. Maar als die 'geest' een menselijke vorm aanneemt en zich bij de plaatselijke politie voegt, is het echt te veel van het goede! Wat het ook was dat scriptschrijver Steve Fisher ertoe bracht om dit bizarre, buitenissige element op te nemen in zijn overigens strakke verhaaltje over de louche kant van Chicago, het was een vergissing.<br />Gelukkig werd de opdracht gegeven aan John H. Auer, die zonder enige twijfel de klasseregisseur van de stal van de Republic was. De actiescènes worden hier met zijn gebruikelijke, krachtige finesse behandeld en er is meer dan genoeg opwinding. De film werd in feite opgenomen op locatie in Chicago, en de straten van de stad werden met kracht tot leven gebracht door John Russells camera's. Gig Young doet het goed als de held, terwijl Chill Wills wordt opgezadeld met de 'geest'. Maar er zijn topoptredens van doorgewinterde spelers als Edward Arnold, Marie Windsor, William Talman, Paula Raymond en Wally Cassell als de mechanische man. Mala Powers is passend gecast als 'Engelengezicht'.

text_en:
Unless you've the skill of an O. Henry, it's pretty ridiculous to talk about the spirit of a city, even as a generalization. But when that "spirit" takes human form and joins the local police force, really it's too much! Whatever induced scriptwriter Steve Fisher to introduce this bizarrely extraneous element into his otherwise tight little tale of the seamier side of Chicago, it was a mistake.

Fortunately, the assignment was handed to John H. Auer, who was most definitely the class director of the Republic stable. The action scenes here are handled with his usual vigorous finesse and there's plenty of excitement. The movie was actually lensed on location in Chicago, the city's streets made forcefully real by John Russell's deft photography.

Gig Young registers okay as the hero, while Chill Wills is saddled with the "spirit". However there are top performances by seasoned players like Edward Arnold, Marie Windsor, William Talman, Paula Raymond, and Wally Cassell as the mechanical man. Mala Powers is suitably cast as "Angel Face".


text: Deze film, die zich afspeelt in Chicago in 1952, begint zwaarwichtig met een voice-over over 'de stem van de stad', vreemd genoeg die van de acteur Chill Wills (wiens stem meer die van een cowboy of een rancher is, dus zeer ongeschikt voor dit doel), die vervolgens in het misdaadverhaal verschijnt als een spookachtige brigadier van politie die de geest van de stad vertegenwoordigt. Die aanstellerij hadden we echt niet kunnen gebruiken, en Wills pogingen om mysterieus te doen zijn nog erger. Maar afgezien daarvan is de rest van de film een vrij rechttoe rechtaan misdaaddrama dat erg goed is. Gig Young speelt een gedesillusioneerde politieman die weifelt tussen weggaan en bij zijn vrouw blijven, en ontslag nemen en zijn baan houden. Je zou hem het liefst een schop geven, zodat hij ophoudt met treuzelen, maar het verhaal vereist dat hij zich zo gedraagt. Er zijn een paar sterke optredens: Mala Powers is goed als een wilde liefdesrelatie van Young, Edward Arnold is beminnelijk en overtuigend als een corrupte strafpleiter, Marie Windsor is zoals gewoonlijk slank en corrupt, en William Talman is heel effectief als een gestoorde crimineel die iedereen wil neerschieten, en dat ook bijna doet. Het is allemaal goed amusement, als je de andere kant op kijkt als het pontificaat aan de gang is. Je moet het met een snufje paprika nemen (de regisseur, John Auer, was een Hongaar).

text_en: This film set in Chicago in 1952 starts ponderously with a voice-over of 'the voice of the city', strangely that of actor Chill Wills (whose voice is more that of a cowpoke or a ranch hand, thus highly unsuitable for this purpose), who then appears in the crime story as a ghostly police sergeant representing the spirit of the city. Really, we could have done without those affectations, and Wills's acting attempts to be mysterious are worse. However, setting all that aside, the rest of the film is a pretty straightforward crime drama which is very good. Gig Young plays a disillusioned policeman vacillating between leaving and staying with his wife and quitting and keeping his job. One wants to kick him so that he stops dithering, but the story requires him to be like that. There are some strong performances: Mala Powers is good as a wild love interest of Young's, Edward Arnold is suave and persuasive as a bent criminal lawyer, Marie Windsor as usual is svelte and corrupt, and William Talman is very effective as a bonkers criminal who wants to shoot everybody, and nearly does. It's all good entertainment, if you look the other way when the pontificating is going on. One needs to take it with a pinch of paprika (the director, John Auer, was Hungarian).


text:
Dit was een geweldige film!
Mooie beschaduwde beelden die op het scherm bleven hangen. Ik heb dit juweeltje gezien op het San Francisco Film Noir Festival van 2006.
De film was in het begin traag, maar toen hij eindelijk op gang kwam, leidde hij tot een opwindende climax. Interessant verteld is het enige wat ik over dit verhaal wil zeggen. Het is een geweldig en smerig verhaal over een avond in de stedelijke jungle. Mis dit niet als je de kans krijgt.
Dit strakke kleine drama gaat over een agent van de politie van Gig Young die in de verleiding komt om te liefhebberen in het web van corruptie en verdorvenheid. Met Marie Wigsor, Chill Wills, William Tallman en een paar andere bekende karakteracteurs van die tijd. En ja, deze film was aan het festival uitgeleend door Martin Scorsese. Het was zijn persoonlijke 35mm-afdruk.

text_en:
This was a great movie!

Beautiful shadowed images lingering on the screen. I saw this gem at the '06 San Francisco Film Noir Festival #4.

The movie was slow early on but when it finally got going it led to an exciting climax. Interestingly narrated is all I'll say about this story. It's a great and sordid tale from a night in the urban jungle. Don't miss this if you get the opportunity.

This tight little drama is about a cop ~ Gig Young ~ who gets tempted to dabble in the web of corruption and vice. With Marie WIndsor, Chill Wills, William Tallman, and a few other familiar character actors of the day.

And, yes this movie was loaned to the festival by Martin Scorsese. It was his personal 35mm print.


text: Heel goed gemaakte tv-film, met 3 verschillende verhalen. de eerste sterren zijn Roddy McDowall als een bastaardneef die zijn oom vermoordt om zijn geld, en daarna wordt hij achtervolgd door de geest van de oom die (dat denkt hij tenminste) dood is. Ossie Davis speelt ook een rol in deze aflevering en hij is geweldig. Dit is mijn persoonlijke favoriet van de drie. Roddy is vals en sluw als de neef, en als hij door het lint gaat is hij geweldig. De tweede ster is Richard Kiel als een kapitein van een concentratiekamp uit de Tweede Wereldoorlog die zich schuilhoudt in een Zuid-Amerikaanse stad, waar hij op een vreemde manier gefixeerd raakt op een idyllisch schilderij van een man die in een bergmeer zit te vissen. Het schilderij hangt in een museum, en daar hangt hij dag in dag uit alleen maar naar te staren, tot hij zich uiteindelijk tot het schilderij aangetrokken voelt. Het is een opluchting dat hij niet langer wordt achtervolgd door de politie als hij op het schilderij staat. Maar in werkelijkheid wordt hij herkend als een nazi die na de oorlog ter dood is veroordeeld, en een voormalige kampgevangene vertelt de politie over hem. Kiel rent naar het museum, vastbesloten om het leven op het schilderij voorgoed in te gaan. Maar hij maakt een grote, grote fout en zal tot in de eeuwigheid moeten boeten voor het schilderij en zijn misdaden tegen de mensheid. In de laatste aflevering speelt Joan Crawford de hoofdrol in een vrij eenmansstuk. Ze is een blinde, rijke vrouw die in een enorm penthouse in New York woont, en die een loser betaalt voor zijn hoornvliezen, zodat ze die in haar ogen kan laten transplanteren. Het gekke is dat ze maar ongeveer acht uur kan zien, en het kan haar geen zier schelen dat de man van wie ze de hoornvliezen afneemt voor altijd blind zal zijn. Ze laat de operatie doen, en als het tijd wordt om het verband eraf te halen, wordt de stad onmiddellijk in duisternis gedompeld. Ze probeert de acht uur lang via de donkere trappen uit het gebouw te komen, en als de zon opkomt is ze eindelijk terug bij haar appartement. Eindelijk ziet ze de zon, maar dat is het laatste wat ze doet.<br />Ik ben dol op deze film; en ik was ook dol op Night Gallery, maar deze film heeft 3 verschillende gezichtspunten en zou een groot publiek aanspreken. Alle optredens zijn uitstekend. Steven Spielberg regisseerde het Joan Crawford-gedeelte, 'Eyes'; het was een van zijn eerste regisseursopdrachten.

text_en:
Very well made TV movie, with 3 different stories. the first stars Roddy McDowall as a bastard nephew who kills his uncle to take his money, then is haunted by the ghost of the uncle (or so he thinks) to death. Ossie Davis also stars in this episode, and he's wonderful. This is my personal favorite of the three. Roddy is snide and sly as the nephew, and when he starts to come unhinged he's marvelous. The second stars Richard Kiel as a WWII concentration camp captain hiding in some South American city, where he becomes strangely fixated with an idyllic painting of a man fishing in a mountain lake. The painting hangs in a museum, and he spends day after day in there just staring at it and eventually feels himself drawn into the painting. It's a relief to be hounded no longer by the war crimes police when he's in the painting. But back in reality he's recognized as a Nazi who was condemned after the war, and a former camp inmate tells the police about him. Kiel runs to the museum, intent on going into the life in the painting for good. But he makes a big, big mistake and will spend eternity paying for it and his crimes against humanity. The last episode stars Joan Crawford in a pretty much one-woman play. She's a blind rich woman, living in a huge penthouse apartment in NYC, who pays a loser for his corneas so that she can have them transplanted in her eyes. The kicker is that she will only be able to see for about 8 hours, and she doesn't care a bit that the man she takes the corneas from will be blind forever. She has the operation, and when the time comes to take the bandages off, the instant she does the city is plunged into a blackout. She spends the 8 hours trying to get out of the apartment building in the dark stairwells, and finally makes it back to her apartment when the sun comes up. She finally sees the sun, but it's the last thing she does.

I love this movie; and I also loved Night Gallery, but this film has 3 different viewpoints and would appeal to a large audience. All the performances are excellent. Steven Spielberg directed the Joan Crawford segment, "Eyes"; it was one of his first director assignments.


text:
Dit opmerkelijke trio griezelige verhalen diende als pilot voor de niet zo opmerkelijke tv-serie met dezelfde naam, hoewel die zich nu waarschijnlijk net zo goed herinnert als het moment waarop twee filmlegendes elkaar in tegengestelde banen van hun carrière passeerden. Steven Spielbergs eerste professionele regieklus was segment twee van deze bloemlezing, die ook een van Joan Crawfords laatste acteerprestaties bleek te zijn, en zeker haar laatste die de moeite waard was om te vermelden.

Het concept van de film en de daaropvolgende serie was bedacht door een andere legende, de briljante Rod Serling, en was bedoeld als een variatie op zijn klassieke _Twilight Zone_ -serie, wisselende verhalen over bovennatuurlijke gruwelen, elk verbonden met een grotesk schilderij en elk geïntroduceerd door Serling, die optrad als curator van de galerie. Het was een uitstekend begin, hoewel de serie die daaruit voortkwam een bleke imitatie van 'The Twilight Zone' bleek te zijn, een merkwaardig mengelmoes van stijlen en concepten, sommige klassiekers en andere gewoonweg belachelijk.
De tv-film zelf staat op zichzelf, hoewel het drietal verhalen zich in aflopende volgorde ontvouwt. Het eerste en beste is 'The Cemetery', een variatie op het klassieke spookverhaal. In dit zuidelijke gotische griezelverhaal vermoordt Roddy McDowall zijn rijke oom, maar hij merkt dat het niet meevalt om te genieten van zijn nieuwe erfenis, aangezien een schilderij aan de muur lijkt te suggereren dat Oom begraven is, maar niet dood. Het verhaal is flauw, zelfs dwaas, maar tjonge, tjonge, wat weet Roddy de omgeving te bespelen. Ik kan me geen andere acteur voorstellen die zo duidelijk van acteren hield als McDowall, en hier speelt hij het kwaad tot in de puntjes. Roddy was ongetwijfeld een van de meest intrinsiek sympathieke sterren die er ooit zijn geweest, zozeer zelfs dat hij de meest verwerpelijk kwaadaardige personages kon spelen en er toch nog een genoegen in schepte. 'The Cemetery' is mooi geschreven door Serling en strak geregisseerd door Boris Segal, maar het is Roddy's eenmansshow.
Maar als Roddy McDowall er al in slaagde om walgelijke personages onverklaarbaar sympathiek te maken, dan had Joan Crawford het talent om elk spoortje sympathie dat haar personages zouden kunnen hebben, teniet te doen. Joan speelt een meedogenloze miljonaire die toevallig blind is, maar de kans krijgt om weer even te zien door de ogen te kopen van een levende persoon die dringend geld nodig heeft. Het is een aardige vertolking; Crawford, hard en veeleisend, vraagt nooit om medelijden, maar verdient het toch met de handige wending die het verhaal neemt. Het is eerder een slim idee dan een goed verhaal en het verhaal is niet bijzonder spannend; het geeft wel blijk van een koel gevoel van cynische ironie. En het is nooit duidelijk dat het Spielbergs eerste poging is om een professionele film te maken, zo zeker is zijn gebruik van de camera en de sfeer die hij oproept.
Het derde verhaal van de trilogie, 'Escape Route', lijkt waarschijnlijk het meest op de klassieke ' Richard Kiley is een oorlogsmisdadiger die denkt dat hij aan zijn verleden kan ontsnappen door zich letterlijk in de kunst te storten. Rod Serling heeft andere ideeën. Als slotstuk van de trilogie was het waarschijnlijk het stuk met de meeste impact, het stuk waarin Serlings neiging tot moraliseren goed tot zijn recht zou komen. Het komt er niet helemaal uit. Ik denk dat een deel van het probleem is dat Kiley, een goed acteur, geen krachtige uitstraling heeft. De beste afleveringen van 'Night Gallery', en 'The Twilight Zone', trouwens. Er waren acteurs met sterke persoonlijkheden die niet alleen talent hadden, maar er ook goed in waren hun optredens tot het uiterste op te voeren, die flirtten met over de top gaan, net als McDowall en Crawford. Elke vorm van fictie, of het nu op papier of op het scherm is, heeft dat verhoogde gevoel voor drama nodig, die erkenning dat de werkelijkheid achter ons ligt.
Hoewel het in het begin een paar sterke afleveringen had, raakte de 'Night Gallery'-tv-serie uit Serlings handen en werd uiteindelijk een soort spookverhaalversie van 'Love, American Style', een grove mengeling van goedkope grappen en zware spanning. Het is jammer dat het deze piloot niet is bijgebleven; het had een tweede 'Twilight Zone' kunnen zijn.

text_en:
This remarkable trio of spooky stories served as a pilot to the not-quite-so remarkable TV series of the same name, though now it is just as likely remembered as the point where two screen legends passed at opposite trajectories of their careers. Steven Spielberg's first professional directing job was segment two of this anthology, which also proved to be one of Joan Crawford's last acting efforts, certainly her last worth noting.

Conceived by another legend, the brilliant Rod Serling, the concept of the film and subsequent series was meant to be a variation on his classic "Twilight Zone" series, varying tales of supernatural horror, each tied to a grotesque painting and each introduced by Serling, acting as the gallery's curator. It was an excellent start, though the resulting series proved to be a pale imitation of "The Twilight Zone," a peculiar hodgepodge of styles and concepts, some classics and some just plain silly.

The TV movie itself stands alone, though the trio of tales unfold in descending order. The first and best is "The Cemetery," a variation on the classic ghost story. In this southern Gothic creeper, Roddy McDowall murders his wealthy uncle, but finds that enjoying his newfound inheritance is a bit difficult since a painting on the wall seems to suggest that Uncle is buried, but not dead. The story is slight, even silly, but boy, oh boy, does Roddy know how to chew the scenery. I can think of no other actor who so obviously loved to act more than McDowall and here he plays evil to the hilt. Roddy was undoubtedly one of the most intrinsically likable stars there ever was, so much so that he could play the most despicably evil characters and still make the character a delight. "The Cemetery" is nicely written by Serling and tightly directed by Boris Segal, but it is Roddy's one-man show.

But if Roddy McDowall could make loathsome characters inexplicably likable, than Joan Crawford had the knack for negating any trace of sympathy that her characters might possess. In Spielberg's "Eyes," Joan plays a ruthless millionairess who happens to be blind, but has the chance to briefly see again by buying the eyes of a living person who is in desperate need of money. It is a nice performance; hard and demanding, Crawford never asks for pity, but nevertheless earns it with the story's nifty twist ending. More a clever idea than a solid story, the tale is not particularly suspenseful; bit it does displays a cool sense of cynical irony. And never is it apparent that it is Spielberg's first crack at professional film-making, so sure is his use of the camera and setting of mood.

The third tale of the trilogy, "Escape Route," is probably the most like the classic "Twilight Zone," dark and brooding; yet least successful as a thriller. Richard Kiley is a war criminal who thinks he can escape his past by literally throwing himself into art. Rod Serling has other ideas. As the trilogy's closing act, I guess it was suppose to be the one with the most impact, the one to show off Serling's penchant for moralizing. It doesn't quite come off. I think part of the problem is that Kiley, a good actor, lacks a powerful screen presence. The best episodes of "Night Gallery," and for that matter "The Twilight Zone," featured actors with strong personalities who were not only talented, but adept at pushing their performances to the edge, flirting with going over the top, just as McDowall and Crawford do. Any short form fiction, be it on the page or on the screen, needs that heightened sense of drama, that admission that reality has been left behind.

Though it had some strong episodes at first, the "Night Gallery" TV series fell out of Serling's control and eventually became sort of a ghost story version of "Love, American Style," a crude mix of cheap jokes and heavy-handed suspense. It's a pity that it didn't stay true to this pilot; it could have been another "Twilight Zone."


text: Serling voert met dit grimmige drieluik een verfijning uit op het 'Verhalen uit de Crypt'-merk van horror. Elk verhaal is een moralistisch verhaaltje in de stijl van 'The Twilight Zone', maar in plaats van het gevoel van surrealistisch wonder is de aandacht nu gericht op het macabere. De plotlijnen volgen het model van de horrorstrips uit de jaren vijftig, met personages die hun verdiende loon krijgen: een neefje met een zwart schaap wordt tot in het graf vervloekt nadat hij zijn rijke oom heeft vermoord; een meedogenloze blinde vrouw chanteert een chirurg om met de ogen van een wanhopige zwerver een transplantatie uit te voeren; een oorlogsmisdadiger vindt, naar hij denkt, respijt van zijn achtervolgers als hij op miraculeuze wijze naar een museumschilderij wordt overgebracht. De rest is echter puur Serling, met scherp getekende personages, stijlvolle dialogen en zijn karakteristieke laatste ironie. De uitvoering is eersteklas, met een geweldige cast, goede productiewaarden (muziek, montage, fotografie) en inventieve beelden van de regisseurs Boris ('The Omega Man') Sagal, Barry ('Across 110th Street') Shear en Steven Spielberg (in zijn eerste poging).

text_en: Serling performs a refining act on the "Tales from the Crypt"-brand of horror with this grim triptych. Each story is a little morality tale in the style of "The Twilight Zone," but instead of that series' sense of surreal wonder, the focus is now firmly on the macabre. The plotlines follow the model of the 1950s horror pulp comics, with characters spoiling for their comeuppance: a black-sheep nephew suffers a revenge beyond the grave after murdering his rich uncle; a ruthless blind woman blackmails a surgeon into performing a transplant using the eyes of a desperate bum; a war criminal finds what he thinks is respite from his pursuers when he is miraculously transported into a museum painting. The rest is pure Serling, though, with sharply drawn characters, stylish dialogue, and his characteristic final twist of irony. The execution is first rate, with a terrific cast, good production values (music, editing, photography), and inventive visuals from directors Boris ("The Omega Man") Sagal, Barry ("Across 110th Street") Shear, and Steven Spielberg (in his maiden effort).