text: 'Flushed Away'-regisseur David Bowers maakt zijn debuut als stand-alone regisseur op het grote televisiescherm van Summit Entertainment, het eerste voorbeeld van anime dat in 1963 op de Japanse televisie werd uitgezonden. Aanvankelijk heette 'Astro Boy' Tetsuwan Atomu of Mighty Atom. Later, toen het personage zijn debuut maakte op de Amerikaanse televisie, kreeg de robotachtige hoofdpersoon de naam Astro Boy. Uiteraard is de scenarist van 'Kindergarten Cop' Timothy Harris en Bowers enigszins afgeweken van het origineel, maar ze hebben de essentiële verhaallijn grotendeels intact gelaten. Historisch gezien maakte 'Astro Boy' zijn literaire debuut in Japanse stripboeken in 1952. Osamu Tezuka, die 'Astro Boy' creëerde en sindsdien wordt aanbeden als 'de God van Manga', is de schrijver. Het succes van de oorspronkelijke Japanse tv-serie was de aanzet tot een remake, zowel in 1983 als in 2003. Het komt erop neer dat deze kleine automaat zijn tijd doorbrengt met het voeren van een eeuwigdurende oorlog tegen misdaad, kwaad en onrecht. Mensen die robots haten, die amok maken en vreemde indringers aanvallen, zijn de voornaamste tegenstanders van Astro Boy. Uitstekend computeranimatiewerk, charismatische stemmen van Nicholas Cage, Donald Sutherland, Kristin Bell en Nathan Lane, en Bowers' energieke leiding maken dit 94 minuten durende programma zowel verfrissend als de moeite waard. Dit fantastische, maar door Japanse principes geïnspireerde sciencefictionepos speelt zich af in een futuristische samenleving waar robots alle huishoudelijke taken uitvoeren en gediscrimineerd worden omdat ze menselijk zijn. Een vader raakt zijn zoon kwijt tijdens een laboratoriumexplosie waarbij een militaire robot wordt geïmplanteerd met een kernstof die hem in staat stelt de drie regels van robots te trotseren, zoals die zijn vastgesteld door de sciencefictiongoeroe Isaac Asimov. De briljante maar egoïstische wetenschapper dr. Tenma (Nicholas Cage) heeft 'de vredebewaker' gecreëerd, een kolossale cyborg die door generaal Stone (Donald Sutherland van 'M.A.S.H.') is aangesteld om zijn presidentschap te bekrachtigen. Tenma's nieuwsgierige, briljante zoon Tobias (Freddie Highmore van 'The Spiderwick Chronicles') wil getuige zijn van de robotproeven. Tenma heeft Toby voor de veiligheid opgesloten, maar deze slimme schooljongen bedenkt een manier om te ontsnappen. Later zit hij gevangen in hetzelfde gebied als de zwaarbewapende vredebewakerrobot. Als de machine probeert door een krachtschild met een ontzagwekkende hoeveelheid wapens te dringen, maakt de explosie hem onbruikbaar en verpulvert Tobias. De rouwende dr. Tenma haalt het enige wat er nog van zijn zoon over is: een honkbalpet. Hij haalt een haar van de pet, haalt het DNA eruit, haalt alle herinneringen eruit en stopt ze in een cyborgversie van zijn zoon. De verwijzing naar Pinocchio is duidelijk. Helaas krijgt Tenma genoeg van zijn zoon de robot en verlangt hij naar de echte McCoy. Het probleem hier is dat de robotversie van de jongen niet weet dat hij een robot is.<br />Uiteindelijk kan de vader de robot niet meer zien omdat hij weet dat het zijn zoon niet is. De robot blijkt een blauwe kern in zijn borst te hebben die hem in staat stelt een paar verbazingwekkende stunts uit te halen. Als de kwaadaardige politieke leider wil dat dr. Tenma de blauwe kern van zijn zoon verwijdert om in de oorlogsrobot te stoppen, keert de vader zich tegen hem. Astro Boy ontsnapt, maar wordt verbannen als er genoeg explosies zijn om hem van het drijvende brok aarde dat Metro City heet te gooien naar de grond onder hem, waar een hoop roestende robots op een hoop ligt. Metro City is een eenzaam eiland van land dat boven de vervuilde aarde uitstijgt. Astro Boy ontdekt nieuwe metgezellen, verweesde mensen, maar hij beseft nu ook dat hij een robot is. Hij kan verstaan wat robots zeggen als ze spreken. Nu moet Astro Boy zijn identiteit geheimhouden voor zijn nieuwe vrienden, onder wie een mooi klein ding dat Cora heet (Kristen Bell van 'Veronica Mars'). Deze kinderen speuren de aarde af naar robotonderdelen voor een andere wetenschapper, Ham Egg (Nathan Lane van 'De Producers'), die robots herbouwt en ze tegen elkaar opneemt in gladiatorengevechten op leven en dood in een Colosseum-Romeinse stijl. Astro Boy helpt bij de herbouw van een gigantische robot die ZOG heet en Ham Egg onthult Astro Boy's identiteit. Het enige probleem is dat Astro Boy weigert te doden. Ondertussen stuurt de kwaadaardige militaire leider, generaal Stone (Donald Sutherland van de M.A.S.H.) troepen om Astro Boy te pakken te krijgen. Een van de grappigste scènes speelt zich af wanneer Astro Boy het moet opnemen tegen een 'Transformers'-robot en ontdekt dat hij is uitgerust met een paar machinegeweren die op zijn billen zijn gericht! Directeur David Bowers laat het tempo nooit zakken. De hyperkinetische actiescènes zijn spectaculair met onze underdog-kampioen Astro Boy die het moet opnemen tegen een stel verdorven vijanden die hem dood willen hebben. Het thema van raciale onverdraagzaamheid doordringt de actie met robots die als onze minderen worden beschouwd, tot de woorden van één mens <0xE2><0x80><0x93> 'Astro Boy' <0xE2><0x80><0x93> meer menselijkheid uitstralen dan de meeste mensen. Af en toe krijgt de film van Bowers een grimmige sfeer, vooral wanneer dr. Tenma zich tegen zijn zoon keert. Wat 'Astro Boy' onderscheidt van de gebruikelijke concurrentie is de subtiliteit van de verhaallijn. Deze kleurrijke vertelling is ideaal voor zowel kinderen als volwassenen.

text_en:
"Flushed Away" co-director David Bowers makes his stand-alone directing debut on the $65-million, Summit Entertainment, big-screen remake of "Astro Boy," the first example of anime that Japanese television broadcast in 1963. Initially, "Astro Boy" went by the name Tetsuwan Atomu, or Mighty Atom. Later, when the character made his debut on American television, the fictional robotic protagonist acquired the name of Astro Boy. Naturally, "Kindergarten Cop" scenarist Timothy Harris and Bowers have diverged slightly from the original, but they have kept the essential storyline largely intact. Historically, "Astro Boy" made his literary debut in Japanese comic books back in 1952. Osamu Tezuka, who created "Astro Boy" and has since been hailed as "the God of Manga," turned his back on a career in medicine to write stories about an android "Pinocchio" whose feats of strength and speed more than match the DC Comics' hero Superman. The success of the original Japanese television show spurred a remake both in 1983 and in 2003. Essentially, this pint-sized automaton spends its time waging a perpetual war on crime, evil, and injustice. Humans that hate robots, robots-run-amok, and alien invaders constitute Astro Boy's primary adversaries. Excellent computer-generated animation, charismatic voice performances by Nicholas Cage, Donald Sutherland, Kristin Bell, and Nathan Lane, and Bowers' energetic helming make this 94-minute opus refreshing as well as worth watching.

This fantastic but formulaic Japanese-animated science fiction adventure epic takes place in a futuristic society where robots perform all the menial tasks and are discriminated against because they lack humanity. A father loses his son during a laboratory mishap involving a military robot implanted with a core substance that enables it to defy the three rules of robots as established by sci-fi guru Isaac Asimov. The brilliant but selfish scientist Dr. Tenma (Nicholas Cage) has created 'the Peacekeeper,' a hulking cyborg that General Stone (Donald Sutherland of "M.A.S.H.") has commissioned to solidify his presidency from all contenders. Tenma's inquisitive whiz-kid son Tobias (Freddie Highmore of "The Spiderwick Chronicles") wants to witness the robot trials. Tenma has Toby locked up for safety, but this smarty pants schoolboy figures a way to escape. Later, he finds himself trapped in the same area with the heavily armed Peacekeeper robot. When the machine tries to penetrate a force shield with awesome array of armaments, the blasts render it useless and atomize Tobias. The grieving Dr. Tenma retrieves the only remnant of his son: a baseball cap. He takes a strand of hair from the cap, extracts the DNA, pulls out all of the memories and inserts them into a cyborg version of his son. The allusion to Pinocchio is clearly obvious. Unfortunately, Tenma tires of his son the robot and pines for the real McCoy. The catch here is the robotic version of the boy does not know that he is a robot.

Eventually, the father cannot stand the sight of the robot because he knows that it is not his son. As it turns out, the robot has a blue-core in its chest that allows it to pull off some pretty amazing stunts. When the evil political leader wants Dr. Tenma to remove the blue core from his son to put into the war robot, the father turns against him. Astro Boy escapes, but is exiled when enough explosions knock him off the floating chunk of earth called Metro City to the ground below where rusting robots lay piled in heaps. Metro City is a solitary island of land that levitates above the polluted earth. Astro Boy discovers new companions, orphaned humans, but he also realizes now that he is a robot. He can understand what robots are saying when they speak. Now, Astro Boy has to keep his identity a secret from his new friends, foremost of whom is a pretty little thing named Cora (Kristen Bell of "Veronica Mars"). These kids scour the earth for robot parts for another scientist, Ham Egg (Nathan Lane of "The Producers") who rebuilds robots and matches them against each other in gladiatorial struggles to the death in a coliseum Roman style. Astro Boy helps rebuild a gigantic robot named ZOG and Ham Egg reveals Astro Boy's secret and forces him to fight ZOG. The only problem is that Astro Boy refuses to kill. Meanwhile, the evil military leader, General Stone (Donald Sutherland of "M.A.S.H") sends forces to retrieve Astro Boy. One of the funniest scenes occurs when Astro Boy is battling a "Transformers" style robot and learns that he is equipped with a pair of machine guns loaded into his buttocks! Director David Bowers never lets the momentum slow down. The hyper-kinetic action scenes are spectacular with our underdog champ Astro Boy pitted against some wicked foes that want him dead. The theme of racial intolerance pervades the action with robots seen as our inferiors untilin the words of one humanAstro Boy emerges with more humanity than most humans. Occasionally, Bowers' film takes on a grim feeling, particularly when Dr. Tenma turns against his son. What sets "Astro Boy" apart from the usual competition is the subtlety of its storyline. This colorful storytelling is ideal for both children and adults.


text: Wat de versies uit de anime betreft, heb ik de originele serie niet gezien en heb ik geen idee hoe die overeenkomt met het oorspronkelijke verhaal, maar na Speed Racer en Transformers is dit gewoon niet hetzelfde. Het verhaal is op zijn best een leuke herhaling van het Pinokkio-verhaal. Jongen wordt geschapen, ontdekt dat hij geen echte jongen is, raakt bevriend met groep buitenbeentjes en vindt de weg terug naar huis om bij zijn schepper te zijn. Er was natuurlijk geen blauwe elf, maar dat er een 'blauwe bal' van positieve energie zou zijn, ligt voor de hand. Het cliché dat je een slechte politicus moet gebruiken die slechte rode energie gebruikt om 'De vredebewaker' aan te drijven. Het was bijna pijnlijk om te zien, maar het was leuk om een robot te zien met een persoonlijkheid, zij het een cliché. Hoewel Donald Sutherland een goede keus was voor de rol van personage en net zo gemakkelijk te herkennen zal zijn als hij was in Final Fantasy: The Spirits Within, was zijn vertolking van de kwade slechterik in Final Fantasy: The Spirits Within luchthartiger dan die van James Woods, de kwade slechterik in Final Fantasy: The Spirits Within. Freddie Highmore neemt de jeugdige energie weer eens op zich, net als in Arthur and the Invisibles. Het was een leuke film en de prijs van de matinee waard. Beter dan de meeste Pinokkio-vertellingen. Kunstmatige Intelligentie in termen van robotbloed en het slaagt er zelfs in om de draak te steken met _I, Robot_ met zijn kleine trio RRF: Robot Revolution Force in die zin dat ze de wetten van de robotica niet kunnen breken en plannen hebben om een van de andere slechteriken dood te kietelen met een veer. Een jongen wordt geschapen, ontdekt dat hij geen echte jongen is, wordt bevriend met een stel buitenbeentjes en vindt zijn weg terug naar huis, waar hij door zijn schepper wordt geaccepteerd voor wat hij is. De voor de hand liggende verwijzing naar de blauwe elf in de vorm van een gevallen ster met blauwe positieve energie was gewoon weer een verwijzing naar de klassieke Disney-imitatie.

text_en: As far as anime adaptations go I haven't seen the original series and have no idea how it corresponds to the original story, but after enjoying Speed Racer and Transformers this just isn't the same. The story at best is a fun retelling of the Pinocchio story. Boy is created, learns he isn't a real boy, makes friends with group of misfits and once again finds his way home to be with his creator. Sure there wasn't any blue fairy, but for there to be a "blue ball" of positive energy is an obvious reference. The cliché of using an evil politician who uses evil red energy to power "The Peacekeeper" was almost painful to watch, but it was fun seeing a robot with personality albeit cliché. Although Donald Sutherland was a great choice for a character voice actor and will be as easily recognizable as he was in Final Fantasy: The Spirits Within, his portray of evil bad guy was more lighthearted than James Woods evil bad guy in Final Fantasy: The Spirits Within. Freddie Highmore once again captures the youthful energy as he did with Arthur and the Invisibles It was a fun movie and worth the matinée price. Better than most Pinocchio re-tellings. Softer than A.I. Artificial Intelligence in terms of robot gore and it even manages to poke fun at I, Robot with its small trio of RRF: Robot Revolution Force in that they can't breaks the laws of robotics and plans on tickling to death one of the other bad guys with a feather. A boy is created, learns he isn't a real boy, becomes friends with band of misfits and finds his way back home where he is accepted for what he is by his creator. The obvious reference to the blue fairy in the form of a fallen star with blue positive energy was just another give away reference to the classic Disney take.


text:
Dit vroege korte onderwerp, dat bij sommigen van ons geliefd is, toont een van de grote kwaliteiten die zijn (beste) komedie van de rest onderscheidt: hij was vreemd. Niet bepaald een verbale komedie, noch een echte slapstick, maar W.C. scheen zijn eigen vreemde universum te scheppen dat veel weg had van, maar nooit helemaal van het onze.
Ik hield van dit korte stuk vanaf de eerste keer dat ik het als kind zag, en ik denk dat het er een van vriendelijkheid is die het tot zijn beste werk maakt (hoewel er ook heel grappige stukken bij zijn). Mack Sennett wilde iets dat meer op conventionele slapstick leek; Feilds moest daarvoor vechten; het is deels een parodie op sentimentele wildernisgedichten over Alaska.
Niemand vond het destijds mooi. Fields zelf zei: 'Misschien is het dat wel.' 'Het is niet goed. Maar ik vind het wel leuk.' Godzijdank hield hij zich aan zijn woord en ging verder met het creëren van zijn eigen komedie.

text_en:
This early short subject, beloved to some of us; really shows one of the great qualities that would set his (best) comedy apart: he was strange. Not exactly verbal comedy, nor really slapstick, W.C. seemed to create his own oddball universe much like, but never quite, ours.

I loved this short from the first time I saw it as a kid, and I think it's one of a kindness really makes it his best (though others are quite funny.) Mack Sennett wanted something more in the way of conventional slapstick; Feilds had to fight for this; which is in part a spoof of sentimental wilderness poetry about Alaska.

Nobody liked it at the time. Fields himself said, "maybe it's not good. But I like it." Thank Godness he stuck by his guns and went on to create his own one of a kind comedy world.


text: Toen deze film in 1933 werd uitgebracht, was het merendeel van de recensenten negatief en zelfs vijandig. De film werd gehaat en beschimpt; het publiek en de theatereigenaars vonden hem smakeloos en goedkoop. Ze zagen niet waar het om ging. De film is een scherpe satire op zowel de Mellerdrammers uit het begin van de twintigste eeuw als op het maken van studiofilms. Fields en Bruckman waren als komiek te scherpzinnig om niet alles in deze film met opzet te doen. Van de al te voor de hand liggende decors tot en met de allerergste achtergrondprojectie die ooit is gemaakt, is de film een sluwe steek in Hollywoods oog, en daar komt zijn humor vandaan. De eerste keer dat ik Fields naar buiten zag gaan om 'de eland te melken', deed ik het bijna in mijn broek. Hij staat voor een projectie van elanden in de sneeuw en begint ze te roepen. Als ze beginnen te rennen, worden ze steeds groter, zodat de niet-plussige Fields in het niet valt. Omdat dit een publieke domeinnaam is, is het helaas moeilijk er een goede kopie van te vinden. Zo ongeveer het beste dat ik ervan heb gezien, staat op de '6 Films van W.C. Fields door W.C. Fields'-dvd of dvd.

text_en: When this film was released in 1933, the majority of reviews were negative and even hostile. The film was hated and vilified; audiences and theatre owners found it tacky and cheap. They missed the whole point. The film is a sharp satire of both the Mellerdrammers of the early twentieth century and of studio filmmaking. Fields and Bruckman were too incisive as comics not to have done everything in this film very deliberately. From the overly obvious sets to the absolute WORST background projection ever seen, the film is a sly poke in Hollywood's eye and that's where its humor comes from. I just about wet myself the first time I saw Fields go out to "milk the elk". He stands in front of a background projection of elk in the snow and begins calling to them. When they start to run, they grow larger and larger, dwarfing the non-plussed Fields. Sadly, since this is a public domain title, it's hard to find a good copy of it. About the best I've seen is on the "6 Films by W.C. Fields" LD or DVD


text: Toen ik deze film voor het eerst zag, vroeg ik me af of het een bewerking zou zijn van Chaplins 'Gold Rush'. Hoe het ook zij, het is totaal anders. Fields is uitstekend en de film heeft een heel goede moraal!;-) Ik ben dol op het heel droevige lied dat hij zingt en waar geen rijm in lijkt te zitten.<br />Maar één waarschuwing, voor dvd-liefhebbers. De versie die ik heb stond op een goedkope dvd (samen met 'The Dentist' en 'Golf Specialist'). Het schijnt dat het bedrijf de film heel slecht op digitaal heeft gezet omdat de soundtrack van elke film ongeveer 2 seconden afwijkt. Dus de dialoog & geluidseffecten passen niet bij elkaar. Er is een ander bedrijf dat een dvd uitbrengt die van betere kwaliteit is maar terwijl de kwaliteit over het algemeen beter is, wordt de versie van 'The Dentist' gecensureerd & er wordt kleffe muziek bij gezet.

text_en:
When I first saw this film I was wondering if it would be a spoof of Chaplin's "Gold Rush." However it's totally different. Fields is excellent and the film has a very good moral! ;-) I love the very sad song he sings which doesn't seem to have a rhyme in it.

One warning however, for DVD fans. The version I have was on a cheap DVD (along with "The Dentist" and "Golf Specialist"). Apparently, the company did a very bad job of porting the film over to digital because the soundtrack of every film is off by about 2 seconds. So the dialogue & sound effects are very mismatched. There is another company that puts out a DVD which is better quality but apparently while the overall quality is better, the version of "The Dentist" is censored & has cheezy music added in.


text:
Ik ben opgegroeid in de jaren zestig, toen Fields in de mode was als rebel, net als Bogart of Brando. Toch moest ik lang niet zo hard lachen om zijn films als 'The Bank Dick', 'My Little Chickadee' of 'You Can't Cheat a Honest Man' als om die van Keaton of de Marx Brothers. Pas in de jaren negentig kwam ik dit filmpje tegen, dat me er uiteindelijk van overtuigde dat Fields een komisch genie was.
Met zijn absurde combinatie van hakkebord, Mountie, meisje van het Leger des Heils, onhandelbare zoon, sneeuw, tamboerijn, teckel, obligaties, de Yukon, steenhouwers en ongezonde avonden, heeft dit filmpje meer humor dan alle andere.
Ik.' Ik zou nog meer kunnen zeggen, maar ik moet de eland gaan melken.

text_en:
I grew up during the '60s, when Fields was in vogue as a rebel along the lines of Bogart or Brando. Nevertheless, I didn't find myself laughing nearly as much at his feature films "The Bank Dick", "My Little Chickadee", or "You Can't Cheat an Honest Man" as at those of Keaton or the Marx Brothers. It wasn't until the '90s that I happened across this short, which finally convinced me that Fields was a comic genius.

With its absurd juxtaposition of dulcimer, Mountie, Salvation Army girl, wayward son, snow, tambourine, dachshund, bonds, the Yukon, student quarrymen, and unfit nights, this short has more laughs in it than any of Fields's features.

I'd say more, but I have to go milk the elk.


text:
Ik zag de verfilming van 'de verloren zoon' voor het eerst toen ik in de eerste klas van de middelbare school zat. Ik geloof dat mijn leraar en ik de enigen waren die erom moesten lachen. Ik stond ervan te kijken dat een film die eruitziet alsof hij in een garage is opgenomen, me pijn in mijn gezicht kon doen. Hij heeft een prachtig raar verhaallijntje, kleffe kletspraatjes; hij gaat alle kanten op en eindigt abrupt, maar ik vind hem geweldig.
De Vaudeville-achtige oorsprong van sommige kleffe kletspraatjes (de sneeuwklacht) is vermakelijk. Andere motieven uit die periode zijn niet de moeite van het vermelden waard, maar het weinige dat er geschreven staat, maakt me net zo aan het lachen als alles wat recent is. Fields' kleredeuntje is behoorlijk goed. Ik ben vooral dol op een paar van de scènes die zich voor mijn ogen afspelen, waaronder een onderdeurtje van een hond in een slede, een langbenig meisje dat het leven redt en W.C. die Lena de eland roept. De geluidskwaliteit is afgrijselijk, maar de willekeurige scènes veranderen iets aan de saaiheid en claustrofobie van andere Fields-shorts (The Golf Specialist).
Het drijft de spot met alles wat er te zien is: stagnatie, melodrama, fatsoen, acteurs die woorden verkeerd uitspreken. Ik weet niet of er meer dan 18 minuten film zijn die me zo aan het lachen maken als dit belachelijke filmpje.

text_en:
I first saw this send-up of "the prodigal son" when I was a high school freshman. I think my teacher and I were the only 2 people laughing. I was astonished that a film that looks like it was filmed in a garage could make my face hurt. It has wonderfully screwy story arc, corny gags; it's all over the place and ends abruptly, but I love it.

The Vaudeville origins of some corny bits (the snow gag) amuse. Other motifs of the period are not worthy of inclusion, but what little writing there is makes me laugh as hard as anything recent. Fields' hogwash ditty is pretty terrific. I especially love a few of the sight gags, including a runt of a dog on a sled team, a leggy salvation army gal, and W.C. calling for Lena the elk. The sound quality is heinous, but the arbitrary scene changes relieve some of the tedium and claustrophobia of other Fields shorts (The Golf Specialist).

It mocks everything in sight; staginess, melodrama, propriety, actors who mispronounce words. I don't know that there any other 18 minutes of film make me smile as much as this ridiculous little movie.


text: Dit is waarschijnlijk het kroonjuweel in de lange en illustere carrière van een zeer gestoorde en zeer geestige man. Fields heeft een buitenkansje om een melodramastijl te introduceren die in die tijd erg populair was. Tegelijkertijd is dit niet kenmerkend voor Fields' werk, maar zijn vingerafdrukken staan er wel op. Er zijn veel te veel hoogtepunten om op te noemen, maar Fields' vertolking van het lied 'The Fatal Glass of Beer' (je kunt het niet echt zingen noemen), de uithaal 'It ain't a fit out for man or beast' en het einde zijn hilarisch perfect, met een gevoel voor timing waar Chaplin trots op zou zijn geweest.

text_en: This is quite possibly the crown jewel in the long and illustrious career of an extremely troubled and very funny man. Fields has a field day sending up a style of melodrama popular at the time. At one and the same time, this is atypical of Fields' work generally, but still has his fingerprints all over it as well. Highlights are far too numerous to list, but Fields's rendition of the song, "The Fatal Glass of Beer" (you can't really accurately call it singing), the running gag, "It ain't a fit night out for man or beast" and the ending are hilariously perfect, with a sense of timing of which Chaplin would have been proud. Most joyously recommended


text: De opgeblazen kwast Harold Bloom noemt dit de mooiste film aller tijden, en ik begrijp wat hij bedoelt. Het is een uitgebreide parodie op het toenmalige noordelijke melodrama <0xE2><0x80><0x93> de familie in de hut die zich zorgen maakt en huilt, de herten melkt tussen de slordige achterprojecties, de teckel drilt, een hoed vol zeepvlokken in de soep morst. W.C. Fields is een oetlul zoals Eminem een oetlul is, het is een zwevend thema. Hij speelt ook hakkebord met zijn mits, vertelt het verhaal van het reddende legermeisje dat zijn zoon een hoge trap tegen zijn voorhoofd gaf. 'Een trucje dat ze had geleerd voordat ze gered was,' heeft een huilbui met een mond vol crackers. En meer <0xE2><0x80><0x93> en dat alles in achttien minuten. Het is een rots!

text_en: Pompous ass Harold Bloom calls this the greatest film of all time, and I see what he means. It's an elaborate parody of the then-current northern melodrama - the family in the cabin worryin' and cryin', milking the elk amid the sloppy-cut rear projections, mushing the dachshund, spilling a hatful of soap flakes in the soup. W. C. Fields is an a-hole the way Eminem is an a-hole, it's a floating theme. He also plays the dulcimer with his mits on, narrates the tale of the salvation army girl who high-kicked his son in the forehead, "A trick she'd learned before she had been saved," has a crying fit with a mouth full of crackers. And more - all in eighteen minutes. It rocks!


text:
De Godfather, Seven Samuri, The Third Man: allemaal fantastisch, maar nadat ik vele jaren heb rondgesnuffeld over wat 'de beste film die ooit is gemaakt' is, merk ik dat ik niet verder hoef te kijken dan dit abominabele stuk kletskoek dat zich achter zijn twee krakende spoelen verbergt, de essentie van de kunst. Het is perfect.
The Fatal Glass of Beer keert niet alleen de Hollywood-film, maar ook het Amerikaanse drama binnenstebuiten. Al zijn facetten worden in elke seconde tentoongespreid, ellendig kronkelend.

Bill Fields was een eersteklas jongleur van levenloze voorwerpen op het toneel van de Vuadeville, maar hier zien we hem in de bioscoop, jonglerend met de censuur, de studio, de kassa, zijn gezelschap, de uiterste grens van de rede en, meer dan gewoonlijk, de nuchterheid. Zijn lamp is nooit ontstoken, maar hij is het wel.
Dit is de enige film waarin Fields de Held speelt. Hij is noch de 'Grote Man', noch de uitgeputte echtgenoot; hij is het hoofd van zijn gezin. Dat geeft hem het gevoel dat hij kan doen wat hij wil. En dat doet hij ook. '
Fields stond erom bekend dat hij zinnetjes woord voor woord uit zijn hoofd leerde, om er vervolgens een ad-lib aan toe te voegen. Ik vraag me af of de regel 'Mijn oom Ichabod zei (over de stad gesproken) "'t is hier geen plaats voor een meisje, maar voor mooie mannen'' een spontane verzinsel was. Als hij dit hoort, lijkt de al huilende Constable ontroostbaar; verbergt hij zijn lachen onder zijn gehuil? Ik denk het wel, want Fields voegt eraan toe: 'Grappige oude heer, die hij is... hij zei dat er iets was om je in tweeën te splijten...' Het is in elk geval een dappere censuurzin, maar wie kan zo'n misplaatste kromming beter uitbeelden? Het is moeilijk om de sublieme kwaliteit van het boek samen te vatten door alleen maar een paar details te noemen <0xE2><0x80><0x93> veel recensenten hebben zich er bijna helemaal doorheen geworsteld <0xE2><0x80><0x93> maar van alles wat in mijn hoofd blijft hangen en me doet lachen (soms in de meest onfortuinlijke situaties) is het simpele feit dat bij Fields essentiële uitrusting hoort om de omstandigheden in de negentiende eeuw te overleven: Alaska is een elektrische ventilator.
Zie het één keer en je zult het altijd blijven zien.
Zo maken ze ze niet. (Helemaal niet.)

text_en:
The Godfather, Seven Samuri, The Third Man: all fantastic, but after messing around for many years pondering over what is "the best film ever made" I find that I need look no further than this abominable piece of piffle that conceals within its two creaky reels, the quintessence of the art. It is perfect.

The Fatal Glass of Beer turns not only the Hollywood film but also American drama inside-out. All its workings are on full display in every second, wriggling wretchedly.

Bill Fields was a world-class juggler of inanimate objects on the Vuadeville stage but here we see him, having progressed to the movies, juggling with the censor, the studio, the box office, his company, the very edge of reason itself and, more than usual, sobriety. His lamp is never lit but he certainly is.

This is the only picture in which Fields plays the Hero. He is neither The 'Great Man' nor the down-trodden husband; he is very much the head of his household. This gives him the sense of freedom to do what he likes. And he does.

Fields was famous for rehearsing lines verbatim, only to throw in an ad-lib on a take, I wonder if the line " My uncle Ichabod said (speaking of the city) 'T'ain't no place for women gal, but pretty men goo thar.'" was an on the spot invention? Certainly at hearing this the already weeping Constable appears inconsolable; is he covering his laughing with crying? I think so, as Fields adds " Comical old gentleman he waas... alwiz said somthin te make yer split yer sides a-laffinn..." It's certainly a brave line censor-wise. But then who could pitch such a missable curve better?

It is difficult to sum up the sublimity of the thing by just mentioning a few bits of business - many reviewers have waded through practically all of it - but of all that sticks in my mind and bursts out as laughter (sometimes in the most unfortunate situations) is the plain fact that included in Field's essential equipment for surviving the conditions in nineteenth century Alaska is an electric fan.

See it once and you'll see it forever.

They don't make 'em like that. (At all.)


text:
Ik was onlangs op weg naar mijn neef, & kwam heel dicht langs de geboorteplaats van W.C. Fields, een geboren en getogen inwoner van Philadelphia, net als ik. Het deed me eraan denken dat W.C. op de een of andere manier uit de mode is geraakt. WAAROM?? In de jaren zestig & zeventig was er een enorme opleving van belangstelling voor zijn anti-establishmentmethoden. We gaven vroeger om de 29ste een verjaarspartijtje voor hem (ik heb een keer de kinderbeledigingswedstrijd gewonnen). Zijn films waren voortdurend op tv.
Het is tijd om de oude William Claude terug te krijgen waar hij thuishoort! Hij was de beste & we hebben nu meer van zijn soort humor nodig. (Bovendien inspireerde hij me om te leren jongleren <0xE2><0x80><0x93> een hobby van me. Ik heb er nu bijna 40 jaar van genoten))

Kortste: Fatal Glass of Beer

Kortste: It's a Gift: Het is een Geschenk.

text_en:
I was driving to visit my cousin recently, & passed very close to the birthplace of W C Fields, a native Philadelphian like myself. It reminded me that W C has somehow gotten out of vogue. WHY?? Back in the 1960's & 1970's there was a huge revival of interest in his anti-establishment ways. We used to have birthday parties for him every Jan. 29th (I won the child-insulting contest one year). His films were on TV constantly.

It's time to get old William Claude back where he belongs! He was the greatest, & we need more of his brand of humor now. (Plus, he inspired me to learn how to juggle - a hobby I've now enjoyed for almost 40 years)

Best short: Fatal Glass of Beer

Best Feature: It's a Gift


text: Deze film bevat zoveel surreële humor, dat hij voor zichzelf spreekt! Het lied over Chester is zo grappig, dat het bijna niet nodig is de bevende stem van Fields te noemen wanneer hij het lied zingt zonder stem ('Je weet dat we in dit deel van het land geen ipecacs kunnen krijgen'). De scènes waarin een'regiseur' maïsvlokken in zijn gezicht gooit ('smaakt meer naar maïsvlokken') wanneer hij de klassieker uitspreekt: 'And it's not a fit-fit night out for man and beast', en aan het eind van de film geen maïsvlokken meer gooit. Het is zo grappig! Voor jullie, jongens en meisjes: laat je niet door verleidingen naar de grote stad leiden, want die zullen je er zeker toe brengen 'ze obligaties te verkopen'.

text_en: This movie contains so much surralistic humor, so it stands for itself! The song about Chester is so funny, that there's almost no need to mention Fields' trembling voice when he's singing the song without any voice ("You know, we can't get any ipecac up in this part of the country."). The scenes where a "regiseur" throws corn-flakes into his face ("Tastes more like corn-flakes.") when he says the classic: "And it ain't a fit night out for man nor beast" and at the end of the movie don't throw any corn-flakes. It's so funny! For you fellas and girls: Don't let ya' temptations lead you to the big city, 'cause it surely will get you to "sell them bonds".


text:
Om verwarring te voorkomen, moet ik duidelijk maken dat dit een update is van een eerdere recensie die ik over deze korte film heb geschreven. Naarmate ik ouder word, vind ik het steeds noodzakelijker om nieuwe bespiegelingen en inzichten toe te voegen aan oude recensies, dus op zich is het heel normaal dat ik dat doe. Wat echter uitzonderlijk is in dit geval, is dat deze nieuwe recensie niet alleen een ge<0xC3><0xBC>pdatete versie is met een paar nieuwe gedachten: het is in feite een recensie waarin ik mijn mening over de film volledig heb veranderd.
Toen ik The Fatal Glass of Beer voor het eerst zag, was ik verbaasd. Ik had nog nooit een W.C. Ik had al eerder een Fields-film gezien, maar ik was goed bekend met de meeste andere komieken uit de 'gouden eeuw' en verheugde me erop om kennis te maken met dit beroemde talent. Ik had verschillende recensies over deze film gelezen en gezien alle lof die ik erover had gehoord, nam ik aan dat het een goed begin zou zijn. Ik stopte de video in de speler en was klaar voor een leuke tijd vol plezier. 18 minuten later. Eh...? Ik wist dat de film openbaar was; kon het zijn dat de distributeur van mijn bandje met opzet alle grappen en spitsvondigheden had weggelaten? Door onderzoek was ik ervan overtuigd dat ik inderdaad de hele film had gezien. En de hele film stelde, dacht ik, niet veel voor. Als je de film hebt gezien, weet je wat er gebeurt.
In mijn vorige recensie schreef ik: 'De scène waarin de ouders vragen of hun zoon nog geld heeft, had zich kunnen ontwikkelen tot een situatie vol grappige vergissingen, maar de film eindigt heel abrupt en cynisch', en: 'Misschien ben ik te weekhartig, maar ik kan niet zeggen dat ik dit einde grappig vond. Als het een Keystone-komedie uit 1913 was geweest, had ik het kunnen accepteren, maar Fields had het beter kunnen doen. Fields portretteerde in grote lijnen cynische mannen, maar dit was te veel voor me, vooral omdat de ouders in het begin zo hartelijk waren.' Net als de critici (en het publiek) in de tijd dat Bier werd uitgebracht, won de troost van de vertrouwdheid het van elke bereidheid om iets anders te accepteren. Mijn verklaring 'Als het een Keystone-comedy was geweest...' laat zien dat ik een gevangene van mijn eigen smaak was geworden; ik zag de film in een context van komedies die ik kende en leuk vond, en ik interpreteerde de humor ervan in de kaders die Charlie en Buster al in mij hadden geconstrueerd. Ik verwachtte de zuivere grappen die andere komedianten te allen tijde zo prachtig hadden uitgevoerd. Ik kreeg ze niet. Maar dat was nauwelijks toeval.
Ja, een paar demonstraties van Fields' bekende woordspelingen zijn hier te vinden: 'Hij wil Balto, mijn voorste hond, niet hebben omdat ik hem opeet. Hij was heel goed met mosterd.' In de bankscène, waarin Fields ons verrast met de ene hilarische punchline na de andere, zijn de verbale grappen op z'n zachtst gezegd amusant te noemen en dienen ze slechts om de aandacht van de kijker vast te houden. Het opmerkelijke van deze dubbelrol is misschien niet zozeer de dialoog op zich, als wel de omstandigheden waaronder de dialoog en de situaties zich ontwikkelen; het is niet de bedoeling dat het serieus wordt genomen. Als zijn zoon net thuis is, merkt Fields op, terwijl hij naast de jongen en zijn huilende vrouw staat: 'Maar ik denk niet dat we hem lang bij ons zullen hebben...' Dan loopt hij het beeld uit, gaat met één voet op een stoel staan, kijkt recht in de camera en roept uit: "O-h-eens s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s-s- Het is een van die momenten waarop Fields zich bewust is van het feit dat hij wordt gefilmd, in een poging de indruk te wekken dat hij wordt gefilmd, maar tegelijkertijd kunnen dezelfde acteurs in dezelfde melodrama's plotseling worden betrapt terwijl ze rechtstreeks in de camera praten, waardoor elke illusie wordt bezoedeld. De kracht van het bier maakt de voorspelbare Hollywood-producties van die tijd belachelijk en doet dat op zo'n briljante, subtiele manier dat het soms moeilijk is om de grappige kanten ervan te zien, maar als je die eenmaal ziet, zie je ze ook goed. 'En het is geen leuk avondje uit, voor mens of dier!' roept Fields uit, terwijl hij vanuit zijn deuropening naar de sneeuwstorm kijkt. Telkens als hij die zin uitspreekt, wordt er een handvol sneeuw in zijn gezicht gegooid. Als de storm is gaan liggen, roept Fields dezelfde zin uit. En dan wordt er weer een handvol sneeuw in zijn gezicht gegooid, ondanks het feit dat de storm is gaan liggen. Ik barstte bijna in lachen uit.
Wat het einde betreft, dat ik eerst zo cynisch vond. Nou ja, het is nauwelijks opbeurend te noemen. Maar als je eenmaal de ironie en het surrealisme van deze film begrijpt, besef je dat het niet uitmaakt, want zoals we door het verschrikkelijke camerawerk en de overdreven emotionele herenigingen heen hebben gezien, is dit niet de echte wereld. Het is zelfs geen parodie op de echte wereld, zoals de komedie zo vaak beweert. Het is een parodie op een onwerkelijkheid <0xE2><0x80><0x93> melodrama's, om het zo te zeggen <0xE2><0x80><0x93> die wanhopig graag als werkelijkheid beschouwd wil worden, terwijl iedere 'kletskous' weet dat het niet zo is.
Teleurgesteld probeerde ik een paar van Fields' gelaatstrekken en ik vond ze geweldig. Onlangs (feb. 08) <0xE2><0x80><0x93> nadat ik lang had geweigerd om weer naar BIER te gaan <0xE2><0x80><0x93> probeerde ik het nog een keer; en ik vind dat jij het ook moet proberen, als je toevallig mijn eerdere mening deelt. En als je het nog steeds niet snapt, probeer het dan nog eens twintig keer. Het is hilarisch, als je het toestaat.

text_en:
To avoid any confusion, I have to make clear that this is an update of a previous review I did on this short film. As I grow older, I find it increasingly necessary to add new reflections and insights into old reviews, so this is in itself a quite normal thing for me to do. What is extraordinary in this case, however, is that this new review is not just an updated version with a few new thoughts: it is, in fact, a review in which I've changed my mind on the film completely.

When I first saw THE FATAL GLASS OF BEER, I was puzzled. I had never seen a W.C. Fields-film before, but I was well acquainted with most of the other comics from the 'golden era' and was excited to be introduced to this celebrated talent. I'd read several reviews of this film and taking all the praise into consideration, I assumed it would serve as a good start. I put the video in the player and was ready for a good time filled with laughs. 18 minutes later. Eh..? I knew the film was public domain; could it be that the distributor of my tape had left out all the gags and punch-lines on purpose? Through research I was convinced that I had, indeed, seen the entire thing. And the entire thing was, I thought, not much of a thing. If you've seen the film, you know what happens.

In my previous review, I wrote: "The part where the parents ask if their boy has any money left could have developed into a situation full of funny mistakes, but the film ends very abruptly and cynically," and "Maybe I'm too soft-hearted, but I can't say I found this ending funny. Had it been a Keystone-comedy from 1913 I could have accepted it, but Fields could do better. Fields widely portrayed cynical men, but this was too much for me, especially as the parents were so warm-hearted at first." Like the critics (and audiences) of the time BEER was released, the comfort in familiarity out-won any open-mindedness in me to accept something different. My statement "Had it been a Keystone-comedy..." reveals that I had become a prisoner of my own taste; I saw the film in context to comedies I was familiar with and enjoyed, interpreting its humor within the frames which Charlie and Buster had already established in me. I expected the pure gags which other comedians had performed so wonderfully at all times. I didn't get 'em. But that was hardly a coincidence.

Yes, a few demonstrations of Fields's familiar word-play may be found here: "He won't take Balto, my lead dog, 'cause I et him. He was mighty good with mustard." However, unlike in IT'S A GIFT and THE BANK DICK, in which Fields surprises us with one hilarious punch-line after the other, the verbal gags are at best only mildly amusing, serving as little more than "fillers" in order to maintain the interest of the viewer. What is remarkable about this two-reeler is perhaps not so much the dialogue in itself but rather the circumstances from which the dialogue, and the situations, evolve; it is not meant to be taken seriously. When his son has just arrived home, Fields remarks, while standing besides the boy and crying wife, "But I don't suppose we'll have him with us long..." Then he walks out of frame, stands with one foot on a chair, looks directly into the camera, and exclaims: "O-h-once the c-ihity ge-hets i-hinto a bo-hoy's system ... he lo-hoses his a-hankerin' fo-hor the co-hountry." I can honestly tell you that no line has made me laugh so uncontrollably hard in quite a while. Yes, the performer reveals his own consciousness of the camera that is filming him; that is the whole point, and that is what makes it so inconsistently side-splitting. When this film was made in 1933, the film industry was filled with melodramas which inexhaustibly tried to maintain its impression of being a mirror of the real world and not reveal the performer's consciousness of the fact that they were being filmed, in an attempt to appear convincing to the public. At the same time, however, these same performers in these same melodramas could suddenly be caught talking directly into the camera, spoiling any illusion if there ever was one. THE FATAL GLASS OF BEER pokes fun at the predictable Hollywood-productions of the time and it does it through such brilliant subtlety that it at times is hard to realize the funny parts; but once you get them, you get them well. "And it ain't a fit night out, for man or beast!" Fields exclaims while witnessing the snow-storm from his door. Each time he exclaims this line, a handful of snow is thrown directly into his face. When the storm has stopped, Fields nevertheless exclaims the same sentence. And the handful of snow is thrown in his face again, despite the fact that the storm has stopped. I almost cracked up.

Now, about the ending which I previously found so cynical. Well, it is hardly uplifting. But once you understand the irony and surrealism which this movie possesses, you realize that it doesn't matter; because, as we have seen through the terrible camera-work and exaggerated emotional reunions, this is not the real world. It is not even a parody on the real world, as comedy so often claims to be. It is a parody on an unreality --alias, melodramas-- which hopelessly wishes to be taken as reality, when every "jabbernowl" knows it isn't.

Disappointed, I tried some of Fields's features and loved them immensely. Recently (Feb. 08), having long rejected to see BEER again, I gave it another try; and I think you should do so, too, if you happen to share my previous opinions. And if you still don't get it, try another twenty times. It is hilarious, if you let it.


text:
Ik ben altijd een fan van de Three Stooges geweest... in de veronderstelling dat er 'voor 1960 geen andere komedie was behalve die van hen'. Sinds die tijd geloof ik nog steeds dat de Stooges, met name het materiaal uit het Shemp-tijdperk, de grootste komedie aller tijden zijn. In de jaren negentig ben ik het genie van Tim Moore & Spencer Williams gaan waarderen. Ik heb bijna elke aflevering van 'The Amos 'n' Andy Show' en beschouw ze nu als net iets minder dan de Stooges in termen van komische creativiteit.
Eerlijkheid moet hier een rol spelen, want ik beken dat ik tot dit jaar nog nooit een volledige aflevering van _W.C. Fields_ heb gezien. Mijn introductie tot hem was 'Het fatale bierglas'. en ik sta versteld van dit korte filmpje! Terwijl de meeste clips die ik van Fields heb gezien me ervan weerhielden om ooit nog iets anders van hem te zien, maakt dit korte filmpje dat ik zijn hele oeuvre wil zien!
Als ik een kort filmpje moest maken, zou het er waarschijnlijk zo uitzien!

text_en:
I grew up a fan of The Three Stooges...basically thinking that there was "no other comedy prior to 1960 besides them". Since that time, I still believe the Stooges, especially Shemp-era material, is the greatest comedy of all time. In the 1990's I came to appreciate the genius of Tim Moore & Spencer Williams. I have almost every episode of "The Amos 'n' Andy Show" and now consider them just a hair below the Stooges in terms of comic creativity.

Honesty needs to come into play here as I reveal that I had never seen a full W.C. Fields short or feature in my life prior to this year. My introduction to him was "The Fatal Glass Of Beer" and I am amazed at this short! Whereas most of the clips that I had ever seen of Fields turned me off from ever wanting to see anything else, this short makes me want to view his entire body of work.

If I had to make a short, this is probably what it would turn out to be like!


text: Dit is verreweg het grappigste korte onderwerp dat ik ooit heb gezien. Het is van binnenuit grappig, als een reeks surrealistische ideeën, net zo goed als voor wat we op het scherm zien. De minimalistische set werkt perfect, en meneer Fields heeft nog nooit een betere timing gehad dan hier. Het is even grappig om over na te denken als om mee te maken, en het zou de belangrijkste inspiratiebron voor Monty Python of Fawlty Towers kunnen zijn geweest in het gebruik van standpunten en clichés om komische punten te scoren; en als een regelrechte aanval op de protestantse arbeidsethiek is het, net als de voornoemde set, onbetaalbaar.

text_en: This is far and above the funniest short subject I have ever seen. It is funny from the inside, as a series of surreal ideas, as much as for what we see on the screen. The minimalist sets work perfectly, and Mr. Fields has never had better timing than he has here. As funny to think about as to experience, it might have been the main inspiration for Monty Python or Fawlty Towers in its use of attitudes and punctilios to score comedic points; and as a headlong assault on the Protestant work ethic, it is, like the aforementioned, priceless.


text: Deze film van Mack Sennett, met in de hoofdrol W.C. Fields, was opzettelijk opgezet als een ouderwets melodrama <0xE2><0x80><0x93> compleet met dezelfde muziek, decors en entrees. Het concept was best grappig, maar na een tijdje werd die ene grap een beetje flauw. Maar uiteindelijk werd het een succes, want het einde van de film was geweldig.<br />Het verhaal begint met Fields die een irritant en slecht lied zingt over het kwaad van sterke drank (?!). Hier is de titel van de film vandaan gekomen, maar ongeveer 80 procent van de korte film speelde zich daarna af en had niets met het lied te maken, behalve dat het allemaal werd verteld als een gigantisch moraliteitsverhaal over ondeugd. Niet slecht, maar zeker niet te vergelijken met Fields klassiekers als It's a Gift en The Bank DICK.

text_en:
This Mack Sennet produced comedy starred W. C. Fields and it was deliberately constructed like an old fashioned stage melodrama--complete with the same type music, sets and entrances. The concept was kind of funny, but after a while the single joke got kind of thin. However, there was an eventual payoff, as the ending of the film was terrific.

The story begins with Fields singing an annoying and bad song about the evils of strong drink(?!). This is where the title of the film was derived, but about 80% of the short occurred after this and was unrelated to the song, other than the fact it was all told as a giant morality tale against vice.

Not bad, but certainly not up to the standards of such Fields full-length classics as IT'S A GIFT and THE BANK DICK.


text: Ik begeef me altijd in de positie dat ik een spelbreker ben, omdat ik meestal alleen films bekijk als mensen niet zien wat ik erin zie. De meeste recensenten zijn uiterst positief, dus het heeft niet veel zin om ergens meer lof over uit te storten, dus daar ga ik weer met mijn negatieve opmerkingen. Ik ben een groot filmfan en ik vind het heerlijk om me in de geschiedenis te verdiepen en acteurs en films te ontdekken die ik niet goed ken. Als het een hit is, is het geweldig en als het een misser is, zoals hier, is het een stuk minder leuk. Ik heb nu een beetje naar Fields gekeken en ik ben ervan overtuigd dat hij niet mijn smaak is, en eerlijk gezegd weet ik niet waarom hij wordt beschouwd als een van de beste vroege komieken. Chaplin en Keaton waren echt grappig, terwijl ik W.C. vooral raar vind met af en toe een grappige verrassing. Tot nu toe vond ik de tandarts het leukst en deze is het ergst. Afgezien van een zeldzaam gegrinnik om de opmerking over de cornflakes en de opmerking over de hond met mosterd, was ik behoorlijk verbaasd over het totaal niet grappige materiaal hier. De scène waarin het brood wordt gepeld is erg frustrerend en ik vond aan het begin van de film geen greintje humor in het nummer. Ik bevind me in het beginstadium van de filmgeschiedenis en ik weet zeker dat ik meer perspectief zal ontwikkelen en samen met zijn andere tijdgenoten meer van Fields zal zien. Misschien dat mijn mening over hem beter zal worden, maar ik ben bang dat dat met deze film niet het geval zal zijn.

text_en: I'm always in the position of being a spoilsport as I usually just review films when people don't see what I see in them. Most reviewers are extremely positive so there's not much point in heaping more praise on something so here I go again with the negative stuff. I'm a big film fan and I love delving into history and discovering actors and movies that aren't well known to me. When it's a hit, it's wonderful and when it's a miss like here it's a lot less fun. I've watched a little bit of Fields now and I'm convinced that he's not my taste and quite frankly I'm not sure why he's regarded as a top early comedian. Chaplin and Keaton were genuinely funny whereas I find W.C. mostly weird with an occasional humorous surprise. So far I've liked the Dentist the best and this one is the worst. Besides a rare chuckle for the cornflake comment and the quip about the dog with mustard I was pretty stunned at the completely unfunny material here. The scene with the bread being dipped is very frustrating and I didn't find an ounce of humor in the song near the beginning. I'm in the earlier stages of film history and I'm sure I'll develop more perspective and see more of Fields along with his other contemporaries. Perhaps my opinion of him will get better, but I'm afraid this film will not.


text: Heel slecht script, productie, regie en acteerwerk. Hillary Swank was de enige reden dat ik dit huurde, ze is eigenlijk niet slecht, maar ik vind het jammer dat ze in dit duidelijk direct op video gezette stuk vullis zit. Het is net een slechte film uit de jaren tachtig, dus stel je voor hoe verbaasd ik was toen ik ontdekte dat hij halverwege tot eind jaren negentig was gemaakt.<br />Alle personages waren onrealistisch, eendimensionaal en zwak ontwikkeld. Dit was John Ashers debuut als regisseur toen zijn vorige meest memorabele rol als Gary in de tv-serie 'Weird Science' was. Hij had niet voor de camera mogen afdwalen. Ik wou dat iemand waarschuwingslabels op films als deze plakte, zodat je je geld niet verspilt, of nog belangrijker: je tijd.

text_en:
Very bad script, production, direction, and acting. Hillary Swank was the only reason I rented this, she is actually not bad but I feel sorry for her to be in this obviously released direct-to-video piece of raw garbage. It is like a bad 80s flick so imagine my surprise to discover it was actually made in the mid- to late-90s.

All of the characters were unrealistic, one-dimensional, and weakly developed. This was John Asher's debut as a director when his previous most memorable role was as Gary on the "Weird Science" TV series. He should not have strayed from in front of the camera. I wish someone would put warning labels on movies like this so that you do not waste your money or more importantly--your time.


text:
Ik keek naar die film en was uiteindelijk teleurgesteld toen Vic werd gezien als een slechte agent en Colleen er in de zonsondergang vandoor ging met de vent die eigenlijk helemaal geen goed mens is.
Het had moeten zijn dat Vic undercover was en dat hij degene was die er met het meisje vandoor ging en niet andersom.
Het einde was niet wat ik in deze film had verwacht, vooral niet met Rob Stewart en Hilary Swank.
Het had beter geschreven kunnen zijn en het einde had ook anders moeten zijn.
Rob Stewart heeft een aanhang en ik weet zeker dat ze niet blij waren met de rol die hij had uitgekozen. Ik weet dat sommige van zijn toekomstige rollen veel beter zijn hopelijk krijgt hij weer een hoofdrol in een tv-serie.

text_en:
I watched this movie and was disappointed in the end when Vic was seen as a bad cop and Colleen went off in the sunset with the guy who really is not a good person in all.

It should have been that Vic was undercover and he was the one who went off with the girl not the other way around.

The ending was not what I expected in this movie especially with Rob Stewart and Hilary Swank.

It could have been written better and the ending also should have been different.

Rob Stewart has a fan following and I'm sure they were not happy with the role he picked.

I know some of his future roles are much better hopefully he gets a lead part again in a TV series.


text: Sommige dingen zijn ongelooflijk. Verscheidene slechte smerissen proberen de enige goede smeris die in het begin wordt vermoord een contra-operatie in de schoenen te schuiven. Dan vermoordt een broer, in de vermomming van een ster uit de oorlog, zijn kleine broertje in een afgekapte achtervolgingsscène; ach, kom op, doe me een lol. De zus van de dode goede smeris probeert de echte moordenaar van haar broer te vinden, maar ontdekt dat het haar ex-minnaar is, die een slechte smeris is. Dus kruipt ze tegen hem aan en vrijt met de vent van wie ze eerst dacht dat hij haar broer had vermoord, maar die een goeie vent blijkt te zijn en ze leven nog lang en gelukkig op de 1,3 miljoen in echte en contra-fit-gelden waar iedereen in het begin op aasde. Als je hier iets van begrijpt, ben je duidelijk achterlijk. Wees blij dat je het gemist hebt.

text_en: Some what unbelievable. Several bad cops try to pin a counterfit operation on the one good cop who is killed early on. Then a brother, in a star wars disguise no less, kills his baby brother in a truncated chase scene; aw come on, give me a break. The dead good cop's sister tries to find her brother's real killer only to discover its her ex-lover who is a bad cop. So she cuddles up to and makes out with the guy who she first thought killed her brother, but who turns out to be a good guy and they live happily ever after on the $3 mil in real and counterfit money that every body was after in the beginning. If any of this makes sense, you are obviously retarded. Be glad you missed it.


text:
In het decennium dat Zijn Tijd was, werd Richard Lester met radijsjes bekogeld omdat hij'modieus', gimmicky, agressief hip was. (De grote Manny Farber was onkarakteristiek wreed, wreed.) Hij mag dan in sommige opzichten lijken op de Austin Powers van de schrijvers, maar de tijd is zowel vriendelijk geweest voor zijn formele gaven (even schitterend als die van Nicolas Roeg <0xE2><0x80><0x93> of van David Fincher) als voor het gecompliceerde, niet-sentimentele, maar hard kloppende hart in het centrum van zijn films. Minstens één werk van Lester, de PETULIA van 1968, behoort tot de beste films die ooit zijn gemaakt. Deze weinig geziene klassieker, een soort Brits-zeemans-eindspel, wordt door mij beschouwd als de opwindendste, mooiste film van het einde van de wereld.

Geschreven in samenwerking met het 'Goon Show'-genie Spike Milligan, suggereert dit post-apocalyptische omnibus van schetsen John Osborne's carrière. Archie Rice herschrijft een absurdistisch toneelstuk van Gombrowicz. De tweedimensionale lord Ralph Richardson muteert postatomisch in een slaapkamer terwijl de ongekamde Michael Hordern, die de zestig gepasseerd is, de toestand van algehele onrust gebruikt om met Rita Tushingham naar bed te gaan. (Haar zwangerschap wekt Hordern op <0xE2><0x80><0x93> tot ze na zeventien maanden het leven schenkt aan iets wat een vogel of een grote stapel vilt is.) En boven dat alles vliegt Peter Cook op een heteluchtballon als een sexy cockney sadist <0xE2><0x80><0x93> de post-nucleaire premier die hij zal zijn, de eerste keus van de Clockwork Orange Party.
Een samenvatting van de plot doet geen recht aan de beelden van Lester en David Watkin, die de Vesuviaanse fresco's van FELLINI SATYRICON uitdagen voor pure overdrijving. De oude componist Kenneth Thorne, met zijn Engelse vrolijkheid die niet één keer zijn eigen ironie onderkent, kan zich meten met de topprestaties van Rota of Morricone. Dit is een prachtige, meeslepende, geweldige, jammer genoeg volkomen vergeten film. Filmhippies hebben de hele dag Lucio Fulci en Jess Franco verslonden. Breng een kerel terug die ooit een echte baan had! Vooruit met Lester!

<0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E>

text_en:
Pilloried in the decade that was His Time, Richard Lester had radishes thrown at him for being "modish," gimmicky, aggressively hip. (The great Manny Farber was uncharacteristically cruel, cruel.) He may seem in some lights like the Austin Powers of auteurs, but time has been kind both to his formal gifts (as magnificent as Nicolas Roeg's--or David Fincher's) and to the complicated, unsentimental, but hard-beating heart at the center of his movies. At least one Lester work, 1968's PETULIA, ranks among the greatest movies ever made. This little-seen classic, a sort of British-seaside ENDGAME, gets my vote as the most thrillingly beautiful end-of-the-world movie ever.

Coauthored by the "Goon Show" genius Spike Milligan, this post-apocalypse omnibus of sketches suggests John Osborne's Archie Rice rewriting an absurdist play by Gombrowicz. Tweedy lord Ralph Richardson post-atomically mutates into a bed sitting room while sixtyish, uncombed Michael Hordern uses the state of general unrest to get into bed with Rita Tushingham. (Her pregnancy arouses Hordern--until she gives birth, after seventeen months, to what is either a bird or a large pile of felt.) And above it all, Peter Cook flies on a hot-air balloon as a sexy cockney sadist--the post-nuclear Prime Minister to be, the first-draft choice of the Clockwork Orange Party.

A plot summary does no justice to Lester's and the DP David Watkin's images, which challenge the Vesuvian frescos of FELLINI SATYRICON for sheer overwhelmage. And the work of Lester's longtime composer Kenneth Thorne, with its English merriment never once acknowledging its own irony, ranks with the tip-top achievements of Rota or Morricone. This is a beautiful, haunting, great, sadly completely forgotten movie. Film hipsters have had their day lapping up Lucio Fulci and Jess Franco. Bring back a guy who once had a real job! Up with Lester!


text:
In de beginjaren van de jaren zeventig besloot iemand met een vooruitziende blik in onze nieuwe kunstnijverheidswijk Village Twin Cinema om _The Bed Sitting Room_ en _2001: A Space Oddyssey_ als dubbele film uit te brengen. Daar heb ik beide films voor het eerst gezien en ze zijn in mijn bewustzijn blijven hangen als even grote en schrijnende commentaren op de 'toekomst'. In de ene zien we hoe we brutaal de ruimte verkennen, in de andere moeten we wanhopig in ons eigen afval graaien om te overleven.
Ik snak ernaar om _Bed Sitting Room_ weer te zien. Arthur Lowe en Mona Washbourne waren voorbeeldig, net als Ralph Richardson (en de rest). Het is moeilijk te begrijpen waarom zo'n uniek juweel niet eens op dvd verkrijgbaar is.
<0x3E> Met de stortvloed van abominabele onzin die het tot een dvd heeft gebracht, is het moeilijk te begrijpen waarom zo'n uniek juweel niet eens op dvd verkrijgbaar is.
<0x3E> Als er een God is, zal hij een dvd-baas inspireren om _The Bed Sitting Room_ onder de knie te krijgen en uit te brengen, in het belang van de mensheid <0xE2><0x80><0x93> zo niet in het belang van mezelf.

text_en:
Some far thinking person at our new state of the art Village Twin Cinema decided to run The Bed Sitting Room and 2001: A Space Oddyssey as a double bill here in the very early '70's. That's where I first saw both and they have been locked in my consciousness as equally great and poignant comments on the "future". In one we get to boldly explore space, the other has us desperately rummaging in our own refuse to survive.

I ache to see "Bed Sitting Room" again. Arthur Lowe and Mona Washbourne were exemplary, as was Ralph Richardson (and all of the rest).

With the torrents of abominable drivel that has made it to DVD release, it is hard to fathom why such a unique gem is not even available on VHS.

If there is a God he will inspire a DVD mogul to master and release The Bed Sitting Room, for the good of humanity - if not for my sake alone.


text: Dit is een prachtige surrealistische komedie, gebaseerd op het stuk van Spike Milligan en John Antrobus. Je weet dat het vanaf het begin een vreemde film zal zijn, wanneer de openingstitels de cast in volgorde van lengte noemen. De film begint met de BBC (Frank Thornton) die ons via de voorgevel van een oude televisie vertelt dat dit de derde, of is het de vierde?, verjaardag is van de kortste oorlog in de geschiedenis, die 2 uur en 28 minuten duurt. Engeland is nu een kaal landschap, bezaaid met vervallen auto's en gebouwen, heuvels met oude laarzen, gebroken aardewerk en ander puin. Veertig miljoen mensen zijn omgekomen en er zijn slechts 20 overlevenden bekend. De koningin heeft het niet overleefd, en van de 20 overlevenden is mevrouw Ethel Schroake uit High Street 393a in Leytonstone de volgende in de lijn van troonopvolging. Onder de andere overlevenden bevindt zich Ralph Richardson (O, wat een mazzel!) als lord Fortnum van Alamein, die zich niet bepaald verheugt op zijn aanstaande mutatie naar een slaapkamer. Michael Hordern is Bules Martin, die een 18-karaats Hovis-broodring draagt. Spike Milligan is een postbode die rondzwerft en een paar gedenkwaardige dialogen afsteekt, bijvoorbeeld: 'En daar kwamen de drie beren <0xE2><0x80><0x93> de vaderbeer zei: "Wie heeft er in mijn pap geslapen?" <0xE2><0x80><0x93> en de moederbeer zei: "Dat was geen pap, dat was mijn vrouw".' Arthur Lowe verandert langzaam in een papegaai (die vervolgens door Spike Milligan wordt opgegeten), terwijl zijn vrouw, de eigenaresse van haar eigen overlijdensakte, verandert in een kleerkast. Zijn dochter is zwanger van een vreemd wezen, dat ze zeventien maanden lang in zich heeft gehouden. Peter Cook en Dudley Moore zijn twee politiemannen die voortdurend tegen de anderen zeggen dat ze 'in beweging moeten blijven'. Moore gromt veel en verandert aan het eind in een hond. Marty Feldman is een verpleegster met laarzen aan. Het is een hilarische, absurde traktatie en een van mijn dierbaarste filmische genoegens.

text_en: This is a wonderful surreal comedy based on the play by Spike Milligan and John Antrobus. You know that it is going to be an odd film right at the beginning, when the opening credits list the cast in order of their height. The film begins with the BBC (Frank Thornton) telling us through the facade of an old television that this is the third, or is it the fourth?, anniversary of the shortest war in history, lasting 2 hours and 28 minutes. England is now a barren landscape, littered with derelict cars and buildings, hills of old boots, broken crockery, and other debris. Forty million people perished and there are only 20 known survivors. The Queen did not survive, and of the 20 known survivors the next in line for the throne is a Mrs Ethel Schroake of 393a High Street, Leytonstone. Among the other survivors are Ralph Richardson (O Lucky Man!) as Lord Fortnum of Alamein, who isn't looking forward to his impending mutation into a bed sitting room. Michael Hordern is Bules Martin, who wears a 18-carat Hovis bread ring. Spike Milligan is a postman who wanders around and delivers some memorable dialogue, for example: "And in come the three bears - the daddy bear said, 'Who's been sleeping in my porridge?' - and the mummy bear said, 'that's no porridge, that was my wife' ". Arthur Lowe is slowly turning into a parrot (which is then eaten by Spike Milligan), while his wife, the owner of her own death certificate, turns into a wardrobe. His daughter is pregnant with a strange creature, which she has held inside her for seventeen months. Peter Cook and Dudley Moore are a pair of policemen who perpetually tell the others to "keep moving!". Moore growls a lot and turns into a dog at the end. Marty Feldman is a wellington-boot-wearing nurse. It's a hilarious, absurdist treat, and one of my treasured filmic pleasures.


text:
Met het volledig surrealistische verhaal en de winnende fotografie valt me nu de bedscène op om een aantal redenen, waarvan de eerste is dat het er vreemd eigentijds uitziet, maar dat alle hoofdrollen (behalve de jonge) dood zijn. Marty Feldman, Micheal Horden, Arthur Lowe, Peter Cook, Dudley Moore, Harry Secombe, Spike Milligan en Sir Ralph, ze zijn allemaal de bloemetjes aan het buitenzetten. Het heeft iets tragisch dat de acteurs in een komedie allemaal dood zijn. Hoe intens ook, de film had net zo goed dood kunnen zijn, want het was puur geluk dat ik hem te pakken kreeg. Het is misdadig dat deze bona fide klassieker het nooit tot de hoofdrollen heeft gebracht, terwijl mindere films de eer opeisen. In 1969 gemaakt door Richard Lester (A hard Days Night, Superman 2 & 3) <0xE2><0x80><0x93> vlak voordat Monty Python succes had <0xE2><0x80><0x93> vertelt de film het verhaal van de Britse naoorlogse arbeidersklasse, van top tot teen, en inkapselt de Britse excentriciteiten perfect in. Het is pompeusheid en zijn pure, bloedige, bloedige optimisme. Deze personages zie je misschien op de buis op weg naar je werk, en ondanks de meubelmutatie en de honger zijn ze precies hetzelfde. Het is een getuigenis van alle betrokkenen, dat een in potentie dwaze hypothese wordt uitgevoerd met volledige overtuiging en een kleine tragedie. Het is vooral vreemd om sir Ralph Richardson en sir Micheal Horden als hoofdrolspelers te zien. In zo'n bizarre film wordt de hele ervaring in hersengassen gekarakteriseerd. Het zou zijn alsof Sir Ben Kingsley Ace Ventura, Pet Detective, speelde.
Een andere reden dat deze film een triomf is, is het voortreffelijke decorontwerp en de fotografie. In Monty Python zijn het surrealistische landschappen, hoewel grappig en inventief, die het uitzicht dat hier te zien is nooit echt benaderen. Wat in wezen een steengroeve was, is nu oriëntatiepunten van Groot-Brittannië, waar overal stukjes van uitsteken. Stapels schoenen, uiteengereten verkeersopstoppingen en zelfs Bed-kamers vullen de giftige horizon, allemaal somber en verlaten, je gelooft het verhaal half, omdat het landschap een beetje echt lijkt. Ik durf mijn moeders hond erom te verwedden dat Monty Python is beïnvloed door de ontwerpen die hier te zien zijn. Omdat de film gebaseerd was op een toneelstuk (door Spike Milligan en John Antrobus) vraag ik me af hoe het er in de bioscoop uitzag.
Daar heb je het, een klassieke film in alle opzichten, als je van dat soort dingen houdt. Als je hem ziet, zul je je afvragen of je hem gezien hebt, dan zul je boos zijn dat je er nooit van gehoord hebt, daarna zul je hem nooit meer vergeten, het is alleen jammer dat je hem waarschijnlijk nooit te zien zult krijgen...

text_en:
With it's completely surreal narrative and winning photography, The bed Sitting room hits me now for a number of reasons, the first of which, is that despite looking strangely contemporary, all it's main leads (Except the young uns) are dead. Marty Feldman, Micheal Horden, Arthur Lowe, Peter Cook, Dudley Moore, Harry Secombe, Spike Milligan and Sir Ralph, are all pushing up the daisies. There's something tragic about the cast in a comedy all being dead. For all intense and purposes, the film may as well be dead too as it was blind luck that I caught it. It is criminal that this bona fide classic never really made it past the main gates, while lesser films took the glory.

Made by Richard lester (A hard Days Night, Superman 2 & 3) in 1969, just before Monty Python hit pay dirt, it tells the story of Brits after the bomb, working class through to upper, it encapsulates the British eccentricities perfectly. It's pomposity and its sheer blooded bloody optimism. These characters, you might see on the tube on the way to work and despite furniture mutation and hunger, they're just the same. It's a testament to all concerned, that a potentially silly premise, is performed with total conviction and a little tragedy. It's especially weird to see Sir Ralph Richardson and Sir Micheal Horden as leads. In such a bizarre film, it swings the whole experience into brain frying proportions. It'd be like having Sir Ben Kingsley play Ace Ventura, Pet detective.

Another reason, this film is a triumph, is the superb set design and photography. While in Monty Python, it's surrealistic landscapes, while funny and inventive, never really touches the views on offer here, What was essentially a quarry, is now landmarks of Britain, with bits of it sticking out all over the place. stacks of shoes, dismembered traffic jams and indeed Bed sitting rooms clog up the toxic horizon, all glum and desolate, you half believe the story, as the landscape seems sort of real. I'll bet my mums dog that Python was influenced by the designs on display here. As the film was based on a play (By Spike Milligan and John Antrobus) I wonder how it looked in a theatre.

There you have it, a classic film in every way if you like that sort of thing. If you catch it, you'll wonder if you saw it, then you'll be angry that you've never heard of it, after that you'll never forget it, it's just a shame you'll probably never get to see it...


text:
Ik heb het in 1969 gezien en zal het nooit vergeten.
De cast was een mooie dwarsdoorsnede van de beste Pommie-komedieacteurs van die tijd.
De aanblik van Marty Feldman in een verpleegstersuniform met gekruiste bandelieren van spuiten werd alleen overtroffen door de ode van Harry Secombes aan de Pin Up.
Zou het graag op video willen hebben - weet iemand hoe we het op cd kunnen krijgen, Video, wat dan ook?

text_en:
I saw it in 1969 and will never forget it.

The cast was a fine cross section of the best Pommie comedy actors of the period.

The sight of Marty Feldman in a nurses uniform with Crossed Bandoliers of syringes was surpassed only by Harry Secombes ode to the Pin Up.

Would love to get it on Video - Does anyone know how we can get it onto CD, Video, whatever.


text:
De angst om te muteren in een klein appartement, in een wereld waar bouwen verboden is! Of de beste metafoor voor een angst voor vooruitgang of'moderniteit' die ik ooit ben tegengekomen.
Een van de vreemdste dingen die ik ooit heb gezien. Richard Lester moet hier een indrukwekkend budget voor hebben. Alle decors zijn ruïnes, maar het zijn verbazingwekkende ruïnes, kathedralen onder water, escaleren naar nergens... een zitslaapkamer midden in de woestijn.
Op een bepaald moment in het verleden heeft Engeland de Tweede Wereldoorlog verloren, de kortste en meest nucleaire oorlog die Engeland ooit heeft meegemaakt, waardoor de nog levende bevolking van een jaar of twintig volledig, zo niet volledig krankzinnig is geworden. Degenen die niet krankzinnig zijn, zoals Dudley meer in zijn politiewagen met ballonaandrijving, die mensen elke vorm van herbouw verbiedt (tenzij de aanvallen opnieuw worden uitgelokt), tja, die andere mensen lijden aan bizarre mutaties... voornamelijk in het meubilair.
Nadat een Heer langzaam en hilarisch verandert in een vol bed in de zitkamer, beginnen anderen te muteren, in couchettes en papegaaien.
Het leven van een zwanger meisje en haar familie die in de ondergrondse hebben geleefd (in eeuwige cirkels), die besluiten terug te keren naar de oppervlaktewereld, valt samen met het verhaal van onze Heer in de zitkamer, wat een echt probleem is... niet alleen is de man een voorwerp, hij is het eerste nieuwe gebouw, en het eerste teken van beschaving in jaren. Als hij een dokter vraagt wat hij eraan moet doen: 'Mijn advies: reken 20 pond huur, denk aan tocht'.
Er volgen nog meer kwajongensstreken, en hoewel het soms somber is (een paar tinten lichter dan een dood babygrapje), is Richard Lesters dolle capriolen 'The Bed Sitting Room' een van die vreemde, slimme, allegorische komedies, die gewoon te slim zijn voor hun eigen bestwil. Te politiek en absurd in deze tijd, om op de juiste manier gewaardeerd te worden. Voor mensen die van Monty Python, Alejandro Jodorowsky of Steven Soderbergs 'Schizopolis' houden, van wie Richard Lester de drijvende kracht is, is dit de enige post-ASPCA-stomme komedie die je moet zien.

text_en:
The fear of mutating into a small apartment, in a world where building is forbidden! Or the best metaphor for a fear of progress or "modernity", I've ever come across.

One of the oddest things I've ever seen. Richard Lester must have an impressive budget for this. All the sets are ruins, but they are amazing ruins, cathedrals submerged in water, escalates to nowhere...a bed-sitting room in the middle of the desert.

At some point in the past England lost WW3, the shortest and most nuclear of wars, which has left Englands surviving population of about 20 or so completely, if not near completely insane. Those that are not insane, like Dudley more in his balloon powered police car, forbidding people from any kind of re-construction (less the attacks be re-provoked), well these other people are suffering bizarre mutations..mostly into furniture.

After a Lord transforms, slowly and hilariously into a full on bed sitting room, others begin mutating, into Cabinents and parrots.

The life of a pregnant girl and her family who have been living on the subway (riding in perpetual circles), who decide to go back to the surface world, coincides with the story of our Lord the bed sitting room, which represents a real problem...not only is the man an object, hes the first new building, and sign of civilization in years. When he asks a doctor what he should do about it, "My advice, charge 20 quid rent, be mindful of drafts".

Hijinks ensue, and though bleak at times (a few shades light of a dead baby joke), Richard Lester's madcap "The Bed Sitting Room", is one of those odd, clever, allegorical comedies, that's just too smart for it's own good. Too political and absurd in it's time, to have been properly appreciated. For people who like Monty Python, Alejandro Jodorowsky, or Steven Soderbergs "Schizopolis", of whom Richard Lester is the driving influence, this is the only post-ASPCA-slapstick comedy you need to watch.


text: 'The Bed Sitting Room' is moeilijk te beschrijven voor de gemiddelde kijker. Het deed me denken aan een Monty Python-film met scènes uit een schilderij van Salvador Dali. Veel mensen hebben de film vergeleken met het werk van regisseur Alejandro Jodorowsky, wat waarschijnlijk de beste manier is om het surrealisme van de film te beschrijven. Vanwege al het puin en de stapels oude troep die zijn veranderd in krankzinnige surrealistische beelden, is de film ook vergeleken met 'The Cremaster Cycle'. Maar ik heb het gevoel dat 'The Bed Sitting Room' veel leuker is dan de pretentieuze, naar zichzelf verwijzende cremaster-serie. Heb ik al gezegd hoe grappig de film is? Het verhaal gaat over een kernoorlog die zo snel plaatsvond dat bijna niemand het zich herinnert. Er zijn een stuk of tien overlevenden. Door alle straling is een man ervan overtuigd dat hij in een slaapkamer zal veranderen. Een jong meisje is 18 maanden zwanger. Haar moeder verandert in een ladekast en haar vader in een papegaai, allemaal door de straling. Raar hè? En we mogen mevrouw Ethel Shroake niet vergeten, de overlevende die het dichtst in de buurt komt van een nu overleden koningin van Engeland. Deze film is volslagen krankzinnig en wordt beter met elke keer dat je ernaar kijkt. De humor in de film is erg droog. Hoe meer je over de grappen nadenkt, hoe meer je beseft hoe belachelijk en grappig die eigenlijk zijn. Dus als je op zoek bent naar een duister, surrealistisch einde van de wereldwoestenij, dan is dit een film voor jou. De geestigheid en de originaliteit ervan vormen een aparte categorie. Het is alsof Monty Python en Jodorowsky samen een film hebben gemaakt. 'Long Live Mrs. Ethel Shroake!!!'

text_en: "The Bed Sitting Room" is hard to describe to the average viewer. It reminded me of a Monty Python film with set pieces from a Salvador Dali painting. Many have compared the film to the work of director Alejandro Jodorowsky, which is probably the best way to describe the film's surrealism. Because of all the rubble and junk-piles turned into crazed surrealist imagery, It's also been compared to "The Cremaster Cycle". But I feel "the Bed Sitting Room" is much more enjoyable than the pretentious, self referential cremaster series. Did I mention how funny the film is? The story concerns a nuclear war that happened so fast, that hardly anyone remembers it. There is a dozen or so survivors. Because of all the radiation, one man is convinced he'll turn into a bedroom. A young girl is 18 months pregnant. Her mother turns into a dresser and her father a parrot, all due to radiation. Weird Huh? And we can't forget Mrs. Ethel Shroake, the survivor that's the closest distant relative to a now deceased queen of England. This film is utter lunacy and gets better with every viewing. The humor in the film is very dry. The more you think about the jokes, you realize just how ridiculous and funny it really is. So if your looking for an obscure, surreal end of the world wasteland, this is a film for you. I personally loved this film . Its wit and originality are in a category of its own. It's as if Monty Python and Jodorowsky teamed up to make a movie. "Long Live Mrs. Ethel Shroake!!!"


text: Ik kwam erachter dat deze film op de bbc werd uitgezonden, zoals dat altijd het geval schijnt te zijn met echt goede films, laat, laat, laat op een avond, een paar jaar geleden. Tot mijn afgrijzen slaagde ik er niet in om helemaal wakker te blijven, hoe hard ik ook mijn best deed om de lucifers onder mijn ogen te klemmen, en met rampzalige timing had mijn video de week ervoor de geest gegeven... ik was verloren!!!!!!! Het deel van de film dat ik zag had me in de ban (Marty Feldmans Nursey zou extatisch zijn geweest), alle crème de la crème van de pas ontluikende alternatieve komedie leek eraan deel te nemen en zette me op een tot nu toe vruchteloze zoektocht om in de loop der jaren een spoor van deze klassieker op te sporen. de vorige commentator zei dat hij een kopie heeft... GASP!!! DE HEILIGE GRAIL!!! als iemand daar weet hoe ik aan een kopie van deze fantastische, veel over het hoofd geziene klassieker kan komen, alsjeblieft, alsjeblieft, kunnen ze dan alsjeblieft contact met me opnemen op nikimeijeimaanaol.com en het me laten weten zodat ik eindelijk een film kan afmaken waar ik aan het eind van de jaren negentig aan begonnen ben. Heb medelijden met me en haal me uit deze ellende.

text_en: i happened upon this film being shown on the BBC, as it always seems to do with really good movies, late, late, late one night quite a few years ago. to my horror no matter how hard i tried to wedge the matchsticks under my eyes, i could not manage to stay fully awake and with disastrous timing my video had given up the ghost the week before...alas i was lost!!!!!!! the portion of the film i saw had me in stitches,(Marty Feldman's Nursey would have been ecstatic), all the cream of the newly emerging alternative comedy scene seemed to be taking part and set me on a, until now, fruitless quest to track down a trace of this classic through the years. the previous commentator stated he has a copy... GASP!!! THE HOLY GRAIL!!! if anyone out there knows how i can obtain a copy of this fantastic, much overlooked classic, please please please can they get in touch with me at nikimeijei@aol.com and let me know so that i may finally finish a film i began watching sometime in the late nineties. Have mercy on me and put me out of this misery.


text: Het is verfrissend om een surrealistische film te zien die niet vol somberheid en verdoemenis of mystieke chaos zit. Toegegeven, _The BED SIDE_ speelt zich af in een Engeland na de Apocalyps met een cast van volslagen gekken, maar op de een of andere manier is het allemaal erg leuk. Regisseur Richard Lester verzamelt een groep beroemde Britse komieken die eind jaren zestig hebben gewerkt en laat ze los. Het is hysterisch. Ralph Richardson heeft de titelrol (je moet hem zien om het te kunnen geloven) en Marty Feldman, Dudley Moore, Peter Cook, Spike Milligan, Harry Secombe en Roy Kinnear hebben een hoofdrol. Het beste van alles is het gestoorde gezin dat wordt gerund door Arthur Lowe en Mona Washbourne, die in een nooit eindigende metrotrein zitten en bang zijn om in de nucleaire woestenij terecht te komen. Als dat eindelijk gebeurt, wordt dochter Rita Tushingham (17 maanden zwanger) in een gearrangeerd huwelijk met de krankzinnige Michael Hordern geworpen. Een onbetaalbaar staaltje van amusement en provocatie voor een heleboel getalenteerde komieken die niet noodzakelijkerwijs een grote filmcarrière hadden. Het zit tjokvol geweldige momenten: Secombes perverse verzoek aan Washbourne om een huiselijke twist met hem te hebben, zoals zijn vrouw vroeger deed; Kinnear die Hordern zonder schaar of scheermes zijn haar laat knippen; Feldmans optreden als verpleegster! Een van Lesters beste films. Met een heel slimme openingsscène.

text_en: It's refreshing to see a surreal film that is not full of gloom and doom or mystical mayhem. Granted THE BED SITTING ROOM does take place in a post-apocalypse England with a cast of absolute lunatics, but somehow it's all very fun. Director Richard Lester assembles a who's who of great British comics working in the late 1960s and allows them to run rampant. It's hysterical. Ralph Richardson has the title role (you'll have to see it to believe it) and Marty Feldman, Dudley Moore, Peter Cook, Spike Milligan, Harry Secombe and Roy Kinnear have featured roles. Best of all is the crazy family headed by Arthur Lowe and Mona Washbourne, who live on a never ending Metro train afraid to come out into the nuclear wasteland. When they finally do, daughter Rita Tushingham (17 month pregnant) is thrown into an arranged marriage with lunatic Michael Hordern. A priceless piece of entertainment & showcase for a lot of talented comics who did not necessarily have substantial film careers. It's chock full of great moments: Secombe's kinky request of Washbourne that she have a domestic dispute with him, as his wife used to; Kinnear giving Hordern a haircut without scissors or razor; Feldman's appearance as a nurse! One of Lester's best films. With very clever opening credits.


text:
Dit was een erg leuke film, maar het is erg moeilijk om toegang te krijgen.
Ik heb hem op de televisie gezien toen ik in Portland was.
De film heeft verdorven Britse humor en heeft zware surrealistische aspecten aan zijn productie. Probeer de film niet te bekijken vanuit een causaal standpunt (als A en B dan C zijn), ga gewoon achterover zitten en geniet van de rit.
Als je niet tegen surrealisme kunt, of als je film een plot moet hebben, blijf dan uit de buurt van deze titel.
Dit is niet echt een spoiler, maar lees niet verder als je alleen maar de volle betekenis van deze maffe titel wilt weten. Het hoofdpersonage is vreselijk bang dat hij in een Engelse Bed Sitting Room zal veranderen (een kamer in een huis: Wikipedia: 'bed-zitkamer'). Dit gebeurt allemaal tegen de achtergrond van de wereld nadat die met behulp van een kernbom tot een vuilnisbelt is gemaakt. Als dit je niet duidelijk maakt hoe vreemd deze film is, weet ik het ook niet meer.
Ik lachte zo hard terwijl ik naar de film keek dat ik dacht dat ik in mijn broek zou plassen.

text_en:
This was a very enjoyable film, but is very difficult to get access to.

I saw it on broadcast television while in Portland.

The film has wicked British wit, and has heavy surrealistic aspects to its production. Don't try to watch the movie from a causality standpoint (if A and B then C), just sit back and enjoy the ride.

If you can't stand surrealism, or if your movies MUST have a plot, steer clear of this title.

This is not really a spoiler, but don't read further if you just want the full impact of this wacky title.

The main character is dreadfully afraid that he is going to turn into an English Bed Sitting Room (a room in a house: Wikipedia "bed sitting room") All of this occurs against the backdrop of the world after it has been nuked to a trash pile. If this doesn't tell you how odd this film is, nothing will.

I laughed so hard while watching this movie, I thought I was going to wet myself.


text: We hebben een vhs-kopie gevonden! Onlangs bekeken en nog steeds hardop gelachen, ook al is kernvernietiging niet bepaald een populair onderwerp. Ik kan het nog steeds aanbevelen voor iedereen die op zoek is naar zwarte humor, in de stijl van Monty-Python.

text_en: We found a VHS copy! Watched it recently, and still laughed out loud, even though nuclear annihilation is not much of a hot topic. I would still highly recommend it for anyone searching for dark humor, sort of Monty-Python style.


text:
Ik ben gek op deze film, het is zo jammer dat hij nog niet op dvd is verschenen. en een kopie op vhs die jaren geleden is opgenomen (voordat ik werd geboren waarschijnlijk). Films van deze kwaliteit zijn een zeldzaamheid, ik kan hem alleen maar vergelijken met die van monty python en de liftersgids voor de galactische tv-serie uit de jaren tachtig (de laatste film was goed, maar voelde een beetje kort aan).
- PRAKTISCHE SPOILER <0xE2><0x80><0x93> een van mijn favoriete stukken is het gedeelte waar 'de bbc' opduikt en het nieuws bekendmaakt <0xE2><0x80><0x93> SPOILER AFGELOPEN.
<0xE2><0x80><0x93> SPOILER AFGELOPEN.
<0xE2><0x80><0x93> Als deze film opnieuw zou worden gemaakt, betwijfel ik of hij net zo grappig zou zijn als het origineel en ik weet zeker dat ze dan om politieke redenen opdracht zouden krijgen om bepaalde regels uit het script te verwijderen. Hopelijk is de dvd snel uit, een must voor iedereen die van monty python-achtige moppen houdt.

text_en:
i just love this film, it's such a shame it isn't on DVD yet. and a copy on VHS recorded years ago (before i was born probably). films of this quality are a rare treat, i can only compare it to those of monty python and the 1980's hitchhiker's guide to the galaxy TV series (the recent film was good but felt a little short).

---POSSIBLE SPOILER--- one of my favourite bits is the part where 'the bbc' turns up and announces the news ---SPOILER FINISHED---

if this film was re-made i doubt it would be as funny as the original and i'm sure they'd be told to remove certain lines of the script for reasons of political correctness.

just hope the DVD is out soon a must for anyone that likes monty python style jokes


text: Een van die films waarin je naar iedereen kijkt die iets met de film te maken heeft en denkt dat het een doorslaand succes is, maar dat is het niet. In feite is het niet meer dan een reeks grappen over de Engelse manier van doen na een atoomaanval, de film heeft op geen enkele manier iets te maken met de kijker. Oorspronkelijk een toneelstuk van Spike Milligan, heb ik het gevoel dat de film op papier hilarisch zou lijken en hoewel een paar scènes goed te vertalen zijn (de metro die blijft rijden ook al heeft niemand hem nodig en de bruiloft) vallen de meeste grappen in het water. Ik, bijvoorbeeld, kromp ineen telkens als Marty Feldman in verpleegstersuniform verscheen. Misschien is een deel van het probleem dat de film beslist gericht is op een Brits publiek en omdat ik Amerikaan ben, snap ik het niet, maar ik denk dat zelfs de Engelsen hem vandaag de dag gedateerd zouden vinden.

text_en: One of those movies where one looks at everyone involved with the film and thinks a surefire hit but it isn't. Really just a series of skits about carrying on in the English way after a nuclear attack, the film never connects in any way with the viewer. Originally a play by Spike Milligan, I have a feeling that on paper the movie would seem hilarious and though a couple of scenes translate well (the tube train that keeps running even though no one needs it and the wedding) most of the skits fall flat. I, for one, cringed every time Marty Feldman appeared wearing a nurses uniform. Maybe part of the problem is that the film is definitely targeted towards a British audience and since I'm American, I don't get it but I think that even the English would find it dated today.


text: Dit is een remake van een film uit 1953, _Inferno_, geregisseerd door Roy Ward Baker, met in de hoofdrollen Rhonda Fleming en Robert Ryan. _Inferno_ werd in 3D opgenomen. _Ordeal_ is een effectieve herverfilming van het origineel, maar Arthur Hill kan niet tippen aan de grimmige intensiteit waarmee Robert Ryan de rol van de gestrande echtgenoot speelt. Diana Muldaur mist de glamour van Rhonda Fleming, maar haar rol van de ontrouwe echtgenote is overtuigender. Over het geheel genomen geef ik iets de voorkeur aan het origineel, maar de tv-versie is zeker de moeite waard. Vreemd genoeg zijn de mannelijke acteurs die in beide films de minnaars van de vrouwen spelen even nietszeggend en ineffectief.

text_en: This made for TV drama is a re-make of a 1953 film called "Inferno", directed by Roy Ward Baker which featured Rhonda Fleming and Robert Ryan. "Inferno" was shot in 3-D. "Ordeal" is an effective re-casting of the original, but Arthur Hill cannot match the grim intensity that Robert Ryan brought to the role of the stranded husband. Diana Muldaur, while lacking Rhonda Fleming's glamor, is actually more convincing in her role as the faithless wife. On the whole, I slightly prefer the original, but the TV version is certainly worth your time. Oddly enough, the male actors who play the lovers of the women in both films are equally bland and ineffective.


text: De kille, ongelukkige Diana Muldaur beraamt samen met haar jonge minnaar James Stacy een plan om haar bazige echtgenoot met een gebroken been midden in de Mojave-woestijn achter te laten. Wie van ons kan zich niet afvragen: zou dit mij ook kunnen overkomen? Zou ik het overleven als het gebeurde? Arthur Hill is de perfecte man voor deze rigoureuze acteertraining: hij is een allemansvriend, een doorzetter, en ik wilde beslist dat hij die griet een pak rammel zou geven als hij de kans kreeg. Muldaur maakte er een carrière van om onsympathieke vrouwen te spelen, en toch heb ik altijd bewondering gehad voor haar vaardigheid. Intelligent, glamoureus, stijlvol met sjaals in haar rode haar, ik ben nooit niet onder de indruk geweest van een voorstelling die ze gaf. Ik verlang naar de tijd dat ABC-TV chique, intrigerende drama's produceerde voor hun primetime-uitzendingen. Of het nu Cloris Leachman was in 'Dying Room Only', Amanda Blake die gek werd in 'Betrayal' of Stella Stevens die Stella Stevens bedroog in 'Linda', meestal waren ze de moeite waard. Bravo voor 'Ordeal', ook zo'n mooie telefilm uit de jaren zeventig.

text_en: Cold, unhappy Diana Muldaur schemes with young lover James Stacy to leave her overbearing husband stranded in the middle of the Mojave desert with a broken leg. Who of us cannot wonder: Could this happen to me? Could I survive if it did? Arthur Hill is the perfect chap for this rigorous acting workout: he's an Everyman, a survivor, and I sure wanted him to belt that broad when he had the chance. Muldaur made a career out of playing unlikable women, and yet I always admired her skill. Intelligent, glamorous, stylish with scarves in her red hair, I was never unconvinced by a performance she gave. I long for the days when ABC-TV produced classy, intriguing dramas for their prime-time spots. Whether it was Cloris Leachman in "Dying Room Only", Amanda Blake being driven crazy in "Betrayal", or conniving Stella Stevens in "Linda", they were usually worth-watching. Bravo to "Ordeal", another fine telefilm from the 1970s.


text: 'Ordeal' is een kwaliteitstelevisiefilm uit 1973 met een heel goede cast en geweldige productiewaarden. Het verhaal van een nogal oppervlakkige, rijke man die letterlijk door de woestijn zwerft en al doende zijn diepere ik ontdekt. De heldere, Arizona-woestijn-woestijn wordt met groot effect gebruikt en ik was echt onder de indruk van de statige score van de film. Blijkbaar zijn alle hoofdpersonen in de film onsympathiek, maar Arthur Hill laat ons de subtiele transformatie zien van een man op een missie van haatdragende wraak (tegen een vrouw die er genoeg van heeft en de onbetrouwbare gids die hem achterliet om met een gebroken been in de meedogenloze woestijn te sterven) tot een man die, door ongelooflijke obstakels (bijna te ongelooflijk) te overwinnen, zijn plek vindt in deze grimmige, natuurlijke wereld en innerlijke vrede vindt. De scène waarin hij een waterpoel vindt, is prachtig gedaan. Deze film is zeker een kijkje waard.

text_en: "Ordeal" is a quality television film from 1973 with a very good cast and great production values. The story of a somewhat shallow rich man who literally wanders the desert and in the process discovers his deeper self. The bright ,arrid Arizona desert is used to great effect and I was really impressed by the film's stately score. Seemingly all the main characters in the movie are unlikeable ,but Arthur Hill lets us see the subtle transformation from a man on a mission of hateful revenge(against a fed-up wife and the shifty trail guide who left him to die with a broken leg in the merciless desert)to a man who, in overcoming incredible obstacles(almost too incredible), he finds his place-connection in this stark natural world and an inner peace.The scene where he finds a water hole is beautifully done.This film is certainly a worth a look.


text:
Deze opmerkelijke film speelt Arthur Hill in eerste instantie als een waardige en oppervlakkige zakenman. Zijn vrouw, goed gecast door de gedenkwaardige Diana Muldaur, beraamt een plan om zich van hem te ontdoen en haar minnaar werkt met haar samen (zoals geportretteerd door James Stacy, als haar gladde, opportunistische minnaar).
Hill wordt in de verzengende, meedogenloze woestijn in de steek gelaten en komt aanvankelijk in de verleiding het op te geven. Er is een spannende soundtrack en hij leert geleidelijk terug te vechten, ondanks een gebroken been, uitdroging en geen redding in zicht.
Ondertussen geniet Muldaur van de buit van wat zij beschouwt als zijn uiteindelijke verscheiden. Zij en haar minnaar vieren het feit dat zijn sporen door de regen zijn uitgewist en hij hoogstwaarschijnlijk dood is. Er zijn een paar mooie opnamen van haar villa uit de jaren zeventig, de caleidoscopische kleuren uit die tijd en de decoratie.
Ze gaan naar de woestijn om zich ervan te vergewissen dat Hill is gestorven, er is een spannende wending aan het eind en je zult echt van deze film genieten. Er is een eerdere film met Robert Ryan en Rhonda Fleming (circa 1950) die volgens mij een soortgelijk thema had. Aanbevolen.

text_en:
This noteworthy film stars Arthur Hill as a worthy and initially shallow businessman. His wife, well-portrayed by the memorable Diana Muldaur, schemes to rid herself of him, and her lover conspires with her, (As portrayed by James Stacy, as her slick opportunist lover).

Hill finds himself abandoned in the scorching, unforgiving desert, and at first is tempted to give up. There is a suspenseful soundtrack and he gradually learns to fight back, despite a broken leg, dehydration, and no rescue in sight.

Muldaur meanwhile enjoys the spoils of what she thinks is his eventual demise. She and her lover celebrate the fact that his tracks have been covered by rain, he is most likely dead. There are some nice shots of her 1970's style mansion, kaleidoscopic colors from that era, and set decoration.

They visit the desert to ensure that Hill has died, there is a suspenseful twist at the end, and you will truly enjoy this film. There was an earlier film starring Robert Ryan and Rhonda Fleming (circa 1950's) which I believe was a similar theme. Recommended. 8/10.