text:
Angelopoulos' films zijn beslist een kwestie van smaak. Zijn stijl schuwt de conventionele conventies, wat ertoe leidt dat zijn films worden gezien als bijna het tegenovergestelde van de films van Hollywood, waarmee de meeste mensen vertrouwd zijn. Zo vertrouwd dat ze zich geen andere cinematografische benadering van de film kunnen voorstellen. Tegenover de snelle shots en razende ijsberen van Hollywood verzet Angelopoulos zich door lange opnamen, rustig ijsberen en beheerste tableaus. Hij gebruikt lange shots, die de nadruk leggen op individuele optredens, in tegenstelling tot Hollywoods close-ups en sterrensysteem. Hollywood probeert zijn publiek emotioneel te verleiden, terwijl Angelopoulos naar middelen zoekt om zijn kijkers af en toe van hun emotionele reacties af te leiden. Angelopoulos dwingt zijn publiek deel te nemen aan zijn films. In het geval van het acteren presenteert hij zijn personages 'van buitenaf'. Het is zijn bedoeling zijn publiek te dwingen hun identiteit te bestuderen en te onderzoeken.
'The Weeping Meadow' is de eerste film van 'The Trilogy', Angelopoulos' laatste en meest ambitieuze project. Het verhaal speelt zich af in een rechte lijn, wat ongebruikelijk is voor de manier waarop Angelopoulos met de tijd omgaat, die vaak nogal kronkelig is, en loopt van 1919 tot het einde van de Griekse Burgeroorlog in 1949. Het centrale personage in de film, Eleni, wordt gespeeld door Alexandra Aidini, die haar debuut op het witte doek maakt. Haar acteerprestaties tonen een ongewone volwassenheid voor een onervaren actrice. Alexis' rol wordt ook toevertrouwd aan een eersteklas acteur, Nikos Poursanidis, die een overtuigende rol speelt. Giorgos Armenis is als Nikos uiterst ontroerend als stoïcijnse figuur, vol menselijkheid en mededogen. In tegenstelling tot Angelopoulos zijn er in de vroegste scènes enkele uitweidingen, maar die lijken een beetje onbeholpen. Maar in overeenstemming met zijn unieke stijl zijn de dialogen spaarzaam, zonder monologen of uitwisselingen waarin zijn personages hun innerlijke conflicten, twijfels of gevoelens uiten. De handeling vindt, net als in de klassieke Griekse toneelkunst, buiten het toneel plaats en wordt niet beschreven door het koor, maar door een aantal van de verschillende personages die op hun beurt als koor fungeren.
Angelopoulos' producties worden altijd op locatie in afgelegen gebieden opgenomen, gebruikmakend van het beschikbare decor, met minimale opbouw. Maar voor deze film waren de enorme bouwsels van een hele stadswijk van zo'n tweehonderd stenen huizen in de stijl van de jaren twintig van de vorige eeuw in Thessaloniki nodig. De film is gebaseerd op het verhaal van Giorgos Arvanitis, die van 1975 tot 1983 de assistent van Giorgos Arvanitis was. De hele film is opgenomen onder beschutte hemelen, bij dreigend of regenachtig weer, en mistige Griekse landschappen in donkere tinten grijs, blauw en groen. Bij drie gelegenheden is er even rood te zien. De kleuren, de personages en hun kostuums, de gebruikelijke decors van de familieverhalen, zijn allemaal vertegenwoordigd in tableaus en plannen-sequenties van een Angelopoulos die volledig is teruggekeerd naar de esthetiek van zijn eerste films. De films van Angelopoulos bevatten veel beeldverwijzingen en dialogen uit zijn vorige films, en deze film is geen uitzondering, wat het voor Angelopoulos' liefhebbers een genot maakt.
Het verhaal is gebaseerd op een kort verhaal van de Italiaanse scenarist, oude vriend en nauwe medewerker Tonino Guerra, met medewerking van Petros Markaris en Giorgio Silvagni. De muziek is van Eleni Karaindrou, die al heel lang met Angelopoulos samenwerkt. Haar muziek is geen achtergrondmuziek, maar een dramatisch element, een levend onderdeel van het verhaal, een acteur die een paar woorden toevoegt die niet zijn uitgesproken.
In 'De Trilogie' is Angelopoulos van plan zijn land te herdenken. 's geschiedenis, van de eerste jaren van de vorige eeuw tot het heden, gezien door de ogen van een vrouw, Eleni, zoals ze haar leven leidt. Haar verhaal heeft als hoofdthema de verbanning van het Griekse volk en de emigratie van het volk in het algemeen, naargelang de grillen van de geschiedenis. Angelopoulos pakt zijn thema's aan zoals hij dat zou doen in een Griekse tragedie, en zoals in alle Griekse tragedies leidt één enkele oerfout tot een onstuitbare keten van gebeurtenissen, een keten die de hoofdfiguur onverbiddelijk vermorzelt.
In de huidige film wordt de geschiedenis naar de achtergrond gedrongen, waar Eleni's verhaal wordt verteld. Eleni, wier naam alleen al Griekenland oproept, wordt een metafoor voor de Griekse natie en haar volk. Zij is de Griekse mythologische moeder die treurt om de offers van haar vaders, broers en zonen. Maar ze is ook de moderne heldin, zoals vrouwen overal in de loop der eeuwen, die buigt en wankelt onder het gewicht van tegenspoed. Bovendien is Angelopoulos' behandeling van de geschiedenis in 'De wenende wei' beslist anders dan die in 'De reizende toneelspelers'. In de laatste film zijn Angelopoulos' opvattingen in tegenspraak met de 'officiële' Griekse geschiedenis en vormen ze een fundamentele revisie van de geschiedenis waarin links in het algemeen en de communistische partij in het bijzonder hun juiste plaats krijgen en niet worden afgeschilderd als de morele bedreiging van de Griekse democratie. In 'De wenende wei' is de geschiedenis er gewoon, absoluut en niet open voor interpretaties. We kennen Angelopoulos' fascinatie voor de Griekse mythen, dat ze eeuwig zijn en dat de geschiedenis zich herhaalt. In deze film wordt verwezen naar de Thebaanse cyclus van de familie Lavdakides: 'Oedipus', 'De Zeven tegen Thebe' en 'Antigone'. Er is ook een verwijzing naar Homerus' Penelope in de vertrekscène naar Amerika, waar Alexis Eleni's onvoltooide gebreide trui afwikkelt. Of is het Ariadnes draad, die Theseus uit het labyrint bevrijdt? Maar in de huidige film brak de draad en Alexis-Theseus kwam nooit meer terug. Al deze toespelingen op Sophocles, Aeschylus en Homerus zijn alleen maar hier omdat ze de dichter Angelopoulos doen dromen.
Angelopoulos' woorden. Zijn films zijn elegant, krachtig en welsprekend. Ze zijn ook lang en veeleisend voor de toeschouwer, maar altijd de moeite waard. De films van Angelopoulos hebben iets melancholieks, maar ze zijn niet pessimistisch. De melancholie die je voelt is de waardigheid van het hart dat wordt geconfronteerd met de nederlaag van een visioen.

text_en:
Angelopoulos' films are definitely an acquired taste. His style eschews mainstream conventions, resulting in his films being perceived as nearly the antithesis of Hollywood's films, with which most people are familiar. So familiar, that they cannot imagine a different cinematographic approach to cinema. To Hollywood's rapid cuts and furious pacing Angelopoulos opposes through long takes, leisurely pacing, and composed tableaux. He uses long shots, which de-emphasizes individual performances, unlike Hollywood's close-ups and star system. Hollywood tries to emotionally seduce its audience, while Angelopoulos looks for means to occasionally distance his viewers from their emotional responses. Angelopoulos forces his audience to participate in his films. In the case of the acting, he presents his characters "from the outside," his intent being to compel his audience to study and explore their identities.

"The Weeping Meadow" is the first film of "The Trilogy," Angelopoulos' latest and most ambitious project. The story proceeds in a straight-forward, linear fashion, unusual for Angelopoulos' treatment of time, which is often somewhat convoluted, and covers from 1919 until the end of the Greek Civil War, in 1949. The central character of a film, Eleni, is interpreted by Alexandra Aidini, in her screen appearance debut. Her acting shows unusual maturity for an unseasoned actress. Alexis' role is entrusted also to a first-time actor, Nikos Poursanidis, whose performance is convincing. Giorgos Armenis, as Nikos, is most touching in his portraying of a stoic character, full of humanity and compassion. Atypical for Angelopoulos, there are some expository dialogues in the earliest scenes, but they appear a little gauche. However, in keeping with his unique style, dialogues are sparse, without any monologues or exchanges during which his characters exteriorize their inner conflicts, doubts, or feelings. The action, as in the classic Greek theater, takes place offstage and is described not by the chorus, but by some of the different characters functioning, in turn, as the chorus.

Angelopoulos' productions are always filmed on location in remote areas, using the available decor, with minimal construction. But this film required the massive constructions of a whole city neighborhood of some two hundred, 1920-style stone houses, in the Thessaloniki's harbor section, which will eventually be burnt down, and of a whole village at the edge of Lake Kerkini, some distance north of the city, which will be submerged for the purpose of the plot when the lake rises up naturally about two meters.

Andreas Sinanos, Giorgos Arvanitis' assistant from 1975 until 1983, was the cinematographer. The whole film is shot under covered skies, threatening or rainy weather, and misty Greek landscapes in dark colors of grays, blues, and greens. Red appears briefly on three occasions. The colors, the characters and their costumes, the usual decors of the familial tales are all represented in tableaux and plans-sequences of an Angelopoulos who has totally reverted to the aesthetics of his first films. Angelopoulos' films contain many image references and lines of dialogues from his previous films, and this film is no exception, which makes it a delight for Angelopoulos' aficionados.

The story is based on a short story by Italian screenwriter, old friend and close collaborator, Tonino Guerra, with the participation of Petros Markaris, and Giorgio Silvagni. The music is by Angelopoulos' long time collaborator, Eleni Karaindrou. Her music is not a background accompaniment, but a dramatic element, a living component of the story, an actor adding some words that had not been spoken.

In "The Trilogy," Angelopoulos plans to recall his country's history, from the early years of the last century to the present, as seen through the eyes of a woman, Eleni, as she lives her life. Her story has, as principal theme, the exile of the Greek people, and the displacement of the people in general, at the whim of History. Angelopoulos tackles his themes as he would in a Greek tragedy, and as in all Greek tragedies, a single primordial mistake leads to an unstoppable chain of events, one that crushes inexorably the main character.

In the present film, History is relegated to the background over which Eleni's story is told. Eleni, whose very name evokes Greece, becomes a metaphor for the Greek nation and its people. She is the Greek mythological mother who laments the sacrifices of her fathers, brothers, and sons. But she is also the modern heroine, as women everywhere throughout the ages, who bend and stagger under the weight of adversity. Furthermore, Angelopoulos' treatment of History in "The Weeping Meadow" is certainly different from that in "The Travelling Players." In the latter film, Angelopoulos' views contradict the "official" Greek history and constitute a fundamental revision of history in which the Left, in general, and the Communist Party of Greece in particular, are given their proper places, and are not depicted as the moral threat to Greek democracy. In "The Weeping Meadow," History is simply there, absolute, and not open to interpretations.

Since we became familiar with the cinema of Angelopoulos, we know his fascination with the Greek myths, that they are eternal, and that History repeats itself. In this particular film, there are references to the Theban cycle of the Lavdakides family -- "Oedipus," "The Seven against Thebes," and "Antigone." There is also a reference to Homer's Penelope in the departure scene to America, where Alexis unwinds Eleni's unfinished knitted sweater. Or is it Ariadne's thread, which allowed Theseus's exit from the labyrinth? But in the present film, the thread broke and Alexis-Theseus never came back. All these allusions to Sophocles, Aeschylus, and Homer are only here because they make the poet Angelopoulos dream.

Angelopoulos' work is an uncompromising devotion to cinema as poetry. His films are elegant, powerful, and eloquent. They are also long and demanding on the part of the spectator, but always well worth the effort. Angelopoulos' films have something of melancholic, but they are not pessimistic. The melancholy that one feels is the dignity of the heart confronted with the defeat of a vision.


text: Theo Angelopoulos is een van de grootste regisseurs van tegenwoordig. Zijn laatste film, _Eeuwigheid en een dag_, bewees dat. Deze film is ook een meesterwerk. Hij begint in 1919, als een groep vluchtelingen terugkeert naar Griekenland na hun ballingschap in Odessa. Er zijn sepiakleurige foto's, en in dit deel van de film zijn ook de interieurs sepiakleurig. Daarna gaat de film heel elegant verder, ongeveer een derde van zijn speeltijd. Hij gebruikt voornamelijk lange pans en achtervolgingsfoto's, en stopt soms om zich op een scène te concentreren terwijl hij de camera geleidelijk dichterbij haalt, maar bijna nooit bij een close-up. Zijn gevoel voor _mise en scène_ is subliem, maar hij roept nog meer een heel specifieke tijd en plaats op. Zijn filmografie is subliem, en vaak buitengewoon schitterend. Er is een sublieme scène in het begin, ongeveer aan het eind van de eerste derde scène, waarin Eleni, het hoofdpersonage van de film, weg wil en naar het water loopt. Ze wordt plotseling omringd door een groep mannen die met haar beginnen te dansen. Die scène en de muziek die erin zit, zijn heel bedwelmend. Het doet me een beetje aan Fellini denken. De film wordt dan drastisch donkerder, wordt politieker, en ook enigszins fantastisch, non-lineair, en heeft een nogal mythische toon. Er zijn een paar prachtige, werkelijk opmerkelijke beelden hier <0xE2><0x80><0x93> de straten, de geslachte schapen die aan de bomen hangen, en een begrafenisstoet in het water met de begrafenisgangers op een vlot, omringd door vissersboten die verlicht worden door lantaarns. Dan is er het laatste deel van de film die ons naar de Tweede Wereldoorlog brengt, maar de stijl is heel abstract en elliptisch, en waar het heel moeilijk is om de tijd vast te stellen. Aan het eind wordt haar familie vernietigd en wordt ze een figuur in de ware Euripideaanse tragedie. Het is vernietigend en plotseling niet alleen mythisch, maar ook tijdloos.

text_en: Theo Angelopoulos is one of the greatest directors working in films today. His last film, Eternity and a day proved that. This film is,likewise, a masterpiece. It begins in 1919 as a band of refugees returns to Greece from exile in Odessa. There are sepia colored photographs , and in this section of the film, the interiors are also sepia colored. The film then proceeds very elegantly for about the first third of its running time. He uses mostly long pans and tracking shots, and then may stop to focus on a scene as he gradually pulls the camera in closer, but almost never to a close up. His sense of mise en scene is superb, but even more he evokes a very specific time and place. His cinematography is superb, and often highly gorgeous. There is a superb scene at jusr about the end of the first third, where Eleni,the film's principal character, wants to leave and walks down to the water. She is suddenly surrounded by a group of men who begin to dance with her. That scene and the music in it are quite intoxicating. it reminds me a little of Fellini. The film then darkens drastically, becomes more political, and also somewhat fantastical, non linear, and rather mythic in tone. There are some beautiful, truly remarkable images here--the streets, the slaughtered sheep hanging from the trees, and a funeral procession in the water with the funeral party on a raft, surrounded by fishing boats all lite by lanterns. Then there is the final third of the film which takes us to WW2, but the style is quite abstract and elliptical, and where it is very difficult to pinpoint time. By the end her family is destroyed, and she becomes a figure of true Euripidean tragedy. It's devastating, and suddenly not only mythic but timeless.


text: Angelopoulos maakt opnieuw gebruik van een intellectuele manier van filmen, die weliswaar vol poëzie is en doordrenkt van mededogen. Geschiedenis en menselijke betrekkingen worden benadrukt door de symbolische ordening van de oude Griekse tragedie en dat maakt de film wat 'zwaar' van karakter, waardoor hij wat moeilijker te volgen is dan een gewone Hollywood-productie <0xE2><0x80><0x93> beoordeel me niet verkeerd, ik hou er ook van. Zolang het om het scenario gaat, wordt de moderne geschiedenis van Griekenland slechts de omgeving waarin de man samen met zijn lot ten onder gaat. De film zelf is de meest volwassen film van de Griekse regisseur en heeft al zijn persoonlijke kenmerken samengesmeed tot een voortreffelijk werk!

text_en: Angelopoulos again makes the most of an intellectual way of cinema, which is though full of poetry and with the stain of compassion. History and human relationships are emphasized through the symbolic order of ancient Greek tragedy and that is what makes the film have a more "heavy" character, which makes it a little harder to follow than a usual Hollywood production- do not misjudge me, I love it too. As long as it concerns the scenario the modern history of Greece becomes only the environment in which the man wrecks along with his fate. Angelopoulos recons the mechanizations of History upon man and tries to make a clear statement upon it. The film itself is the most mature of the Greek director and has all his personal characteristics bound together in an excellent work!


text: Wat een spectaculaire film. Als je geen 162 minuten vrij hebt, zorg er dan voor dat je die zo snel mogelijk omruilt. Deze film zat vol sensationeel landschapswerk en de regisseur had een fotografenbenadering gekozen om de sfeer vast te leggen. Omdat ik uit een Griekse achtergrond kom en mijn 65-jarige vader deze film liet zien terwijl hij tot tranen toe geroerd was, kwam ik tot het besef dat dit niet zomaar een fictieve film is, maar dat de werkelijkheid voor veel Griekse vluchtelingen die gedwongen waren hun land te ontvluchten dicht bij huis en in het hart lag. Het was een en al nostalgie, muziek (elk instrument inspireerde) en toegewijde acteurs (Eleni als moeder, huilend om het verlies van haar kinderen). Het enige wat me niet beviel, was dat de film te lang was om op een bandje te passen en dat de film werd onderbroken toen het bandje halverwege was. Er was toen een pauze van 5 minuten, omdat velen hun passie verloren en dachten dat de film was afgelopen. Maar opnieuw maakte deze film me zo emotioneel en gaf me veel empathie voor de mensheid. Het is zo jammer dat we de film in Australië alleen maar te zien kregen als 'één uit' op het wereldfilmfestival. (Beide sessies waren voor tijd uitverkocht). Goed gedaan Angelopoulos! Wacht maar tot het hier aanspoelt, dan kun je het op dvd kopen (als het hier tenminste ooit aanspoelt). Ik kan het je aanbevelen, toe maar, ik daag je uit!

text_en: What a spectacular film. If you don't have a good 162min free of your time, then make it a priority to change it. This movie was full of sensational scenery and the director had taken a photographer's approach in catching the atmosphere at hand. Coming from a Greek background and taking my 65 year old father to see this film, as he was resorted to tears, I came to realise that this is not just a fictional film, but that reality was close to home and to the heart for many Greek refugees who were forced to flee their country. It was full of nostalgia, music (inspiration by each instrument) and dedicated actors (Eleni as a mother, weeping from the loss of her children). The only thing I didn't like, was that the film was too long to fit on a tape and the movie was interrupted when the tape ran out, half way through. A 5min interval was then in place, as which many lost their passion and thought the movie was finished. However, once again, this movie made me so emotional, and gave me lots of empathy to humanity. It is so unfortunate that we were only shown the film as a "ONE OFF" in Australia at the world film festival. (both sessions sold out before time) Well done Angelopoulos!! Can't wait till it hits our shores, so it can be bought on DVD (that's if it ever gets here). I recommend it, go on, I dare you too to!


text: De wenende koe ('Trilogia i: to Livadi pou dakryzei') is een roman van de schrijver/regisseur Theodoros Angelopoulos (met invloeden van Tonino Guerra plus de hulp van Petros Markaris en Giorgio Silvagni) die een persoonlijke visie op de twintigste eeuw creëert. De ongelooflijk begaafde Griekse dichter en filmmaker spiegelde zich aan het leven en de dood van zijn eigen moeder, wier tijd op aarde een eeuw overspande, en koos ervoor de honderd jaar van verdriet vast te leggen in een trilogie van films: De wenende wei is deel i en beschrijft de jaren 1919 tot 1949. De film opent met wat het handelsmerk van de film zal worden: beelden van eenzame mensen in een bijna monochromatische kleurenruimte die water gebruikt, zowel van de regen als van de verzamelde regen. Een groep vluchtelingen uit Odessa is aan land gekomen bij een rivier in Thessaloniki, waar ze moeten proberen hun leven te reconstrueren. Onder hen bevindt zich een gezin, een man en vrouw met hun zoontje en een drie jaar oude wees Eleni die ze hebben beschermd. De hele film lijkt in slow motion te gaan, maar dat is alleen het bestudeerde, ongehaaste ritme van Angelopoulos' aanwijzingen. In de loop van de tijd ontdekken we dat Eleni op heel jonge leeftijd het leven heeft geschonken aan een tweeling, terwijl ze was weggestuurd om voor de familie op te komen: de vader is de jongste zoon van de familie. Het verhaal gaat verder tijdens de wereldoorlogen, de burgeroorlogen, de invloed van Hitler en Mussolini, de natuurrampen met overstromingen en ziekten, de sociale ongelijkheid van de klasse, de opkomst van de vakbonden, de val van de democratie <0xE2><0x80><0x93> allemaal weerspiegeld in de familie die de chaos van het leven in Griekenland tot een soort orde probeert te maken. De jongeman is musicus, en als hij en Eleni weer herenigd zijn met hun tweelingzoons, besluit hij naar Amerika te gaan, het land van de Beloofde voor de door armoede getroffen vluchtelingen, om daar te werken en genoeg geld te verdienen om Eleni en de tweeling naar Amerika te brengen. Maar in zijn afwezigheid resulteren de maatschappelijke onrust en de armoede die de drie in zijn afwezigheid ondergaan in de uiteindelijke ontbinding van het gezin.<br />Het verhaal is minder belangrijk dan de stemmingen die het oproept. De cinematografie van Andreas Sinanos is een lange galerij van wonderbaarlijk beheerste, prachtige beelden: de cortège op de rivier, de wapperende witte lakens waarachter we muzikanten ontdekken, de voortdurende vergezichten van de oceaan en de rivier, het dorp en de slagvelden branden zich op onze visuele velden en in ons geheugen. De schitterende muziek die dit symfonische werk begeleidt is van Eleni Karaindrou, die folksongs vermengt met wonderbaarlijke symfonische momenten. De cast is voortreffelijk: ze slagen erin heel specifieke mensen te scheppen, ondanks het feit dat we hen zelden van dichtbij zien. Maar uiteindelijk is deze visuele schat het buitengewone werk van Theodoros Angelopoulos. Als dit deel I van een Trilogie is (met een speeltijd van bijna drie uur), kunnen we ons alleen maar een voorstelling maken van de macht die zal volgen in de Delen II en III. Het beleven van DE WEEPING MEADOW vergt geduld en een lange, ononderbroken periode; de beloning is onmetelijk groot. In het Grieks met Engelse ondertitels.

text_en:
THE WEEPING MEADOW ('Trilogia I: To Livadi pou dakryzei') is writer/director Theodoros Angelopoulos (with influences from Tonino Guerra plus assistance from Petros Markaris and Giorgio Silvagni) creating a personal vision of the 20th century. The incredibly gifted Greek poet of a filmmaker mirrored the life and death of his own mother whose time on earth spanned a century and elected to capture the 100 years of sadness in a trilogy of films: The Weeping Meadow is Part I and details the years 1919 through 1949. It is a masterwork.

The film opens with what will be the trademark look of the movie - vistas of lonely people in a nearly monochromatic color space that uses water, both from rain and the collected results of rain. A group of refugees from Odessa have landed by a river in Thessaloniki where they must attempt to reconstruct their lives. Among them is a family - a wife and husband with their young son and a three-year-old orphan Eleni they have protected. The entire movie seems to be in slow motion, but that is just the studied, unhurried rhythm of Angelopoulos' direction. As time passes we find that Eleni at a very early age has just given birth to twin boys while she has been sent away for the family's appearances: the father is the young son of the family. The story progresses through the World Wars, the civil wars, the influence of Hitler and Mussolini, the natural disasters of floods and disease, the social disparities of class, the rise of unions, the fall of democracy - all mirrored in the family that is trying to make the chaos of living in Greece resemble some sort of order. The young man is a musician and once he and Eleni have reunited with their twin boys, he decides he will go to America, the land of Promise for poverty stricken refugees, to work and make enough money to bring Eleni and the twins to America. But in his absence the progressive civil unrest and poverty the three endure in his absence results in the ultimate dissolution of the family.

The story is less important than the moods evoked. The cinematography by Andreas Sinanos is a long gallery of miraculously composed, beautiful images: the cortège on the river, the flapping white sheets behind which we discover musicians, the constant vistas of the ocean and the river, the village and the battlegrounds burn themselves onto our visual fields and into memory. The gorgeous music that accompanies this symphonic work is by Eleni Karaindrou, mixing folksongs with wondrous symphonic moments. The cast is superb: they manage to create very specific people despite the fact that we rarely see them up close. But in the end this visual treasure is the extraordinary work of Theodoros Angelopoulos. If this is Part I of a Trilogy (at almost three hours running time), we can only imagine the power that will follow in the Parts II and III. Experiencing THE WEEPING MEADOW takes patience and a long uninterrupted period of time; the rewards are immeasurably fine. In Greek with English subtitles. Grady Harp


text: Ik denk dat iedereen die Angelopoulos kent wel weet wat je van zijn films kunt verwachten: lange, uitgesponnen, nauwgezet geplande opnamen die langzaam de omgeving aftasten, met een beeld dat niet alleen bestaat uit de voorgrond maar ook honderden meters op de achtergrond. Ik denk dat sommigen niet onder de indruk zijn van de stijl van de regisseur, maar dat verbaast me echt. Ik zie de man absoluut als een meester van zijn medium, en _The Weeping Meadow_ is net zo goed als al zijn andere films, en alle andere die ik tot nu toe heb gezien zijn een meesterwerk of bijna een meesterwerk. Deze film heeft veel gemeen met het eerste grote succes van de regisseur, _The Traveling Players_. Het gaat over een klein meisje, Eleni, van 1919 tot aan de Griekse Burgeroorlog, aan het eind van de Tweede Wereldoorlog. En zoals de titel al aangeeft, is het een grote tragedie. Er wordt veel gehuild. Het mag dan lang en traag zijn, maar het is altijd aangrijpend. Angelopoulos' beeldspraak is in de moderne filmkunst onovertroffen. Er zijn gewoon te veel adembenemende scènes. Mijn favoriet was die waarin de camera een weg zocht door een doolhof van beddenlakens die aan waslijnen hingen te drogen en waar hij verschillende muzikanten in ontdekte. Het is niet echt een klacht, maar als je de film gaat zien, moet je oppassen voor de chronologische ellipsen. De film kan in een fractie van een seconde jaren overslaan, terwijl het tempo elke seconde doet aanvoelen als jaren (op een positieve manier!). Ik hoop dat New Yorker-video, of een ander bedrijf, de Angelopoulos-films opgraaft die tot nu toe niet beschikbaar waren, en ook The Traveling Players op dvd zet.

text_en: I think anyone familiar with Angelopoulos knows what to expect with his films: long, drawn out, meticulously planned shots that slowly scan environments, with the image composed of not only the foreground but hundreds of yards into the background. I guess some are not impressed with the director's style, but that really astounds me. I definitely see the man as a master of his medium, and The Weeping Meadow is as good as any of his other films  every one I've seen so far is a masterpiece or close to it. This film has a lot in common with the director's first big success, The Traveling Players. It follows a little girl, Eleni, from 1919 to the time of the Greek Civil War, at the end of WWII. And, as the title implies, it's a great tragedy. There is a lot of weeping. It may be long and slow, but it's always gripping. Angelopoulos' imagery is second to none in modern cinema. There are just so many jaw-dropping sequences. My favorite was the one where the camera explored its way through a maze of bed sheets drying on clotheslines, discovering various musicians hidden within. It's not a complaint, per se, but if you're going to watch the film beware of its chronological ellipses. The film can skip ahead years in just a second, when the pace usually makes each second feel like years (in a good way!). I hope New Yorker video, or some other company, digs up the Angelopoulos films that have been unavailable so far, and puts The Traveling Players on DVD, as well.


text:
Alexis' familie zorgde voor Wees Eleni. Toen ze opgroeide, kwam ze in een g<0xC3><0xAA>nante situatie terecht. Hoewel ze verliefd was op Alexis, probeerde zijn vader hen uit elkaar te halen. Zelfs zijn vader wilde met haar trouwen. Het jonge paar had niets anders te doen dan te ontsnappen. Maar wat er daarna gebeurde, was niet wat ze hadden verwacht.
Een van de opwindende scènes was dat een groep mensen danste op een versleten plek. Hoewel het leven hard voor hen was, wisten ze zich toch te amuseren. Dat is goed. Optimisme is het beste medicijn voor moeilijke situaties.
Ik dacht dat het een moeilijk te doorgronden film zou zijn. Maar toen ik hem had gezien, ontdekte ik dat ik me had vergist. Directeur Theo Angelopoulos heeft me op een elegante manier een goede les over de Griekse geschiedenis geleerd. De levendige muziek mag niet over het hoofd worden gezien. Het is de eerste van een trilogie. Ik kijk ernaar uit om de resterende twee films te zien, hoewel ze nog niet af zijn.
Een groot Grieks drama.
8/10.

text_en:
Orphan Eleni was looked after by Alexis' family. As she grown up, she involved in an embarrassing situation. Although she was in love with Alexis, his father tried to separate them. Even his father wanted to marry her. The young pair had nothing to do but escape. However what happened next were not what they expected.

One of exciting scenes was that a crowd of people danced in a worn-out place. Although life was hard for them, they still knew how to enjoy themselves. That is good. Optimism is the best medicine for difficult position.

I thought it would be a hard-to-know film. After watching it, I found I was wrong. Director Theo Angelopoulos taught me a good lesson about Greek history with elegant way. The lively music should not be overlooked. It is the first one of trilogy. I am looking forward to watching remaining two films though they have not been finished yet.

A great Greek drama. 8/10


text:
Ongetwijfeld is Angelopoulos een van de grote kunstenaars van de Europese cinema. Hij probeert de hele geschiedenis van zijn land en zijn volk te vangen op een filmdoek met een lyrische en schilderachtige benadering. Ongetwijfeld zijn de films van Angelopoulos ook een schok voor iedereen die gewend is aan het tempo van de moderne Amerikaanse cinema. Het voelt alsof hij de cinema opnieuw uitvindt. Er zijn gracieuze panoramische en achterwaartse opnamen van prachtig geconstrueerde tableaus. Foto's die minutenlang duren. Er zijn geen close-ups. Het voelt vaak alsof Angelopoulos het vertellen van verhalen heeft afgezworen en een verhaal vertelt met slechts twee hulpmiddelen: beelden en muziek.
De wenende wei begint met een groep vluchtelingen die het verhaal vertellen van hun verbanning van Odessa naar Thessaloniki in 1919, langs de oever van een rivier. Het eindigt met een moeder die bij dezelfde rivier rouwt om het lichaam van haar zoon, waarschijnlijk in 1949. Daartussenin zit weinig echt verhaal, alleen spookachtige beelden van dorpen en steden, en groepen mensen die heen en weer rennen, en muziek. Het voelt vaak alsof historische sepiafoto's subtiel tot leven zijn gebracht.
De film is een adembenemend tegengif voor veel van wat tegenwoordig voor internationale cinema doorgaat. Het werd voor mij ook steeds moeilijker om te accepteren, omdat het steeds duidelijker werd dat de personages niet echt personages in een drama zijn, maar metaforen in een groot historisch proces. Uiteindelijk voelde het voor mij onbevredigend schematisch aan, en toch zijn er beelden die je nog jaren zullen achtervolgen, en het gevoel dat Angelopoulos een manier heeft gevonden om de beladen jaren van de Europese geschiedenis, van de Eerste Wereldoorlog tot de Koude Oorlog, om te zetten in een uitzonderlijk filmisch visioen.
De muziek van Eleni Karaindrou is heel mooi en zal nog lang na afloop van de film weerklinken. In veel opzichten is de muziek echt de ziel van deze film. De cinematografie van Andreas Sinanos is elegant en prachtig belicht.

text_en:
Undoubtedly, Angelopoulos is one of the great artists in European cinema. He seeks to capture the whole history of his nation and of his people on a cinematic canvas with a lyrical and painterly approach. Undoubtedly, Angelopoulos's films are also a shock to anyone accustomed to the pace of modern American cinema. It feels like he's re-inventing cinema. There are graceful panning and tracking shots over beautifully realised tableaux. Shots that run for several minutes. There are no close-ups. It often feels like Angelopoulos has eschewed narrative, and is telling a story with just two tools: images and music.

The Weeping Meadow begins as a group of refugees tell the story of their expulsion from Odessa to Thessaloniki in 1919, by the shore of a river. It ends with a mother grieving over the body of her son by the same river, probably in 1949. In between there's little real narrative, just haunting shots of villages and cities, and groups of people running back and forth, and music. Often it feels like sepia historic photographs have been brought subtly to life.

The film is a breathtaking antidote to much of what passes for international cinema today. It also became, for me, harder and harder to take, as it became increasingly obvious that the characters are not really characters in a drama, but metaphors in a great historical process. By the end, for me, it felt dis-satisfyingly schematic, and yet there are images that will haunt you for years, and a feeling that Angelopoulos has found a way to distill the fraught years of European history from the First World War to the Cold War into an extraordinary cinematic vision.

The music of Eleni Karaindrou is very beautiful, and will resonate long after the film has finished. In many ways, the music really is the soul of this film. The cinematography of Andreas Sinanos is elegant and beautifully lit.


text: Ongetwijfeld een van de mooiste en pijnlijkste films die ik ooit heb gezien. Gedurende enige tijd in de film begreep ik niet waarom de regisseur had besloten zo veel afstand te houden tot de hoofdpersonen. En toen drong het plotseling tot me door: dit zijn mensen die verstrikt zitten in een veel groter historisch schilderij dat ze niet meer onder controle hebben, en het totale historische schilderij is belangrijker dan alle afzonderlijke details bij elkaar. Maar in de tweede helft van de film komt Angelopoulos dichter bij de hoofdpersonen, en krijgt de film een veel stevigere emotionele greep op je hart. Dit is een film over extreme menselijke pijn in roerige tijden die ons wordt aangedaan door menselijke trots en stommiteit, en het kost enige tijd en moeite om dit epos door te komen. Maar als je volhoudt, is het een ervaring die velen van ons volgens mij nooit zullen vergeten. De slotscène is gewoon... tja, wat kan ik zeggen?

text_en: Without doubt one of the most beautiful and painful films I have ever seen. For some time into the film I didn't understand why the director decided to keep so much distance to the main characters. And then suddenly it dawned on me: These are people caught up in a much larger historical picture  out of their control  and the total historical painting is more important than all the separate details together. However, in the second half of the movie, Angelopoulos moves closer on the main characters, and the movie takes a much firmer emotional grip of your heart. This is a movie about extreme human pain in troubled times  brought on us by human pride and stupidity  and it takes some time and effort to get through this epic. But if you hang in there, it's an experience I think many of us will never forget. The final sequence is justwell, what can I say?


text:
Elke keer dat je naar een historisch stuk kijkt, vooral een deel van een trilogie, moet je voorbereid zijn op een investering van tijd. In dit geval is dat 3 uur meer of minder, afhankelijk van de versie.
De periode die in het eerste deel van de trilogie wordt beschreven is 1919-1949. Theodoros Angelopoulos vertelt 30 jaar Griekse geschiedenis, te beginnen met de terugkeer van de ballingen uit Odessa na de Tweede Wereldoorlog naar de opkomst van de kolonels.
Eleni, die getuige is van de geschiedenis, wordt gespeeld door een onbekende, Alexandra Aidini. Hij gebruikt haar niet in de tweede film.
Ze gaat trouwen met Spiros (Vassilis Kolovos), maar houdt van zijn zoon Alexis (Nikos Poursadinis). Ze gaat met hem mee. Ze hadden twee kinderen die waren meegenomen en aan een rijke vrouw waren gegeven. Nadat het dorp was overstroomd, slaagden ze erin ze terug te krijgen. Alexis vertrekt naar Amerika, terwijl Eleni de kinderen weer kwijtraakt nadat ze gevangen is genomen. De oorlog eist zijn tol van het gezin. Er wordt veel gehuild onder de vrouwen en degenen die geen zwart droegen, droegen dat nu wel.
Maar de film gaat niet echt over de personages. Hij gaat over Griekenland en de pijn die ze in deze eeuw heeft moeten doorstaan.
Het is een donkere, sombere film met veel regen en bewolkte luchten. Hij is niet bedoeld om vrolijk te zijn, zoals de periode niet vrolijk is, zoals we zien hoe dromen in duigen vallen en mensen het overleven, zij het maar net. Met de muziek van Eleni Karaindrou en de cinematografie van Andreas Sinanos verveelt het gebrek aan dialogen je niet. Sterker nog, je kunt genieten van de tijd en de film.

Degenen die houden van Bergman, Fellini, Kurosawa en andere grote meesters, zullen zeker genieten van Theodoros Angelopoulos. Ik hoop dat hij deze trilogie heeft voltooid, want hij zal dan bijna tachtig zijn.

text_en:
Anytime you sit down to a historical piece, especially a part of a trilogy, you must be prepared for an investment of time. In this case, it is 3 hours more or less, depending on the version.

The period that the first part of the Trilogy covers is 1919 -1949. Theodoros Angelopoulos presents 30 years of Greek history beginning with the return of the exiles from Odessa after WWI to the rise of the Colonels.

Eleni, who witnesses the history, is played by an unknown, Alexandra Aidini. He does not use her in the second film.

She is to marry Spyros (Vassilis Kolovos), but loves his son Alexis (Nikos Poursadinis), She runs off with him. They had two children that were taken and given to a rich woman. They managed to get them back after the village flooded. Alexis heads to America, while Eleni loses the children again after she is imprisoned. The war takes a toll on the family. There is much weeping among the women and those who didn't wear black, did so now.

But, the film is really not about the characters. It is about Greece, and the pain she has endured in this century.

It is a dark and dreary film with plenty of rain and cloudy skies. It is not meant to be joyful as the period is not joyful, as we watch dreams shattered, and people surviving, but just barely.

With music by Eleni Karaindrou and cinematography by Andreas Sinanos, you are not bored by the lack of dialog. In fact, you are left to enjoy and experience the time and the film.

Those who enjoy Bergman, Fellini, Kurosawa, and other great masters, will certainly enjoy Theodoros Angelopoulos. I hope he finished this trilogy, as he will be almost 80 when he does.


text:
Noodlot en Geschiedenis worden in dit eerste deel van Theodoros Angelopoulos' 'Trilogie: De wenende wei' niet als personages van vlees en bloed voorgesteld, maar de aanwezigheid van elk van hen is zo tastbaar dat ze dat wel zouden kunnen zijn. De hoofdpersonen, Alexis en Eleni, ontmoeten elkaar voor het eerst als kinderen die tijdens de Eerste Wereldoorlog door de verwoesting van de stad Odessa in Griekenland bij elkaar worden gebracht. Als ze opgroeien, neemt hun leven de ene noodlottige wending na de andere, te beginnen met de geboorte van een tweeling, een tienerjongen. Eleni wordt een jonge vrouw en trouwt met een man die oud genoeg is om haar grootvader te zijn, maar na afloop van de huwelijksceremonie laat ze hem in de steek om ervandoor te gaan met de zoon van haar bejaarde bruidegom, Alexis, die een begaafd musicus is geworden. Het is duidelijk dat Eleni hoopt haar geadopteerde tweeling terug te krijgen en een leven van huiselijke harmonie en liefdevolle toewijding te leiden, maar de in de steek gelaten bruidegom wil daar niets van weten en jaagt hen op tot hij letterlijk dood neervalt. De geschiedenis blijkt ook een vijand van hun geluk te zijn. Met het komen en gaan van de Tweede Wereldoorlog ondergaan de jonge geliefden een reeks transformaties als sociale verschoppelingen, ploeterende kunstenaars, wanhopige ouders en politieke vluchtelingen. Deze fascinerende odyssee eist zijn grootste tol van Eleni, die haar man, haar tweelingzoons en haar gezonde verstand verliest in de verwoestingen van de twintigste-eeuwse oorlogvoering. van de eerste helft van de twintigste eeuw, een tijdperk waarin landen overal ter wereld mannen herhaaldelijk tot de oorlog riepen, terwijl vrouwen slachtoffers werden van het verdriet, de armoede en de fysieke vernietiging die achterbleven.
Vanaf de openingsscène van Griekse vluchtelingen uit Odessa die op weg zijn naar een rivier, tot aan het slot, overspoelt 'De wenende wei' het scherm met enkele van de meest surrealistische beelden uit de cinematografische geschiedenis. Als er niet een nauwkeurige tijdlijn was geweest die van de ene wereldoorlog naar de andere liep, en als er geen solide structuur voor het totale drama was geweest, zou een kijker gemakkelijk kunnen verdwalen in zulke spookachtige beelden als dode schapen die aan de takken van een boom hangen, een begrafenisdienst die in roeiboten langs daken wordt gehouden, of een menigte jammerende vrouwen die naar een veld met dode 'echtgenoten, zoons en broers' rent. De beelden worden nog intenser door de briljante soundtrack van componist Eleni Karaindrou.
Dat dit eerste deel van Theo Angelopoulos' Trilogie een onbetwistbaar meesterwerk is, spreekt voor zichzelf. De enige vraag is of de grote regisseur in de delen twee en drie dezelfde overweldigende grandeur en majesteit zal weten te bereiken die elk deel van 'The Weeping Meadow' vult, door Schrijver-Dichter Aberjhani, auteur van 'Encyclopedia of the Harlem Renaissance'.

text_en:
Fate and History are not presented as flesh and blood characters in this first part of Theodoros Angelopoulos' "Trilogy: The Weeping Meadow," but the presence of each is so tangible that they could be exactly that. The central characters, Alexis and Eleni first meet as children driven together by the destruction of the town of Odessa, Greece, during World War I. As they grow up, their lives take one fateful twist after another, beginning when a teen-aged Eleni gives birth to twin boys. Growing into a young woman, she marries a man old enough to be her grandfather but, at the wedding ceremony's conclusion, abandons him to run off with her elderly groom's son, Alexis, who has grown into a gifted musician.

Eleni's hope is clearly to reclaim her adopted twins and live a life of domestic harmony and loving devotion but the abandoned groom will have none of that as he hounds their every step until he literally drops dead. History also proves an enemy to their happiness. With the coming and passing of the Second World War, the young lovers go through a series of transformations as social outcasts, struggling artists, desperate parents, and political refugees. This spellbinding odyssey takes its greatest toll on Eleni, who loses her husband, twin sons, and sanity to the ravages of twentieth century warfare. She becomes a kind of "Everywoman" of the first half of the twentieth century, an era when countries worldwide repeatedly called men to war while women became casualties of the grief, poverty, and physical destruction left behind.

From its opening scene of Greek refugees from Odessa moving toward a river, to its conclusion, "The Weeping Meadow" floods the screen with some of the most eerily surrealistic images in cinematic history. Were it not for the progression of a precise time-line moving from one World War to another, and providing a solid structure for the overall drama, a viewer might easily get lost drifting along in such haunting images as dead sheep hanging from the branches of a tree, a funeral service conducted in row boats alongside rooftops, or a crowd of wailing women running toward a field of dead "husbands, sons, and brothers." The images take on even greater intensity framed by composer Eleni Karaindrou's brilliant soundtrack.

That this first part of Theo Angelopoulos' Trilogy is an indisputable masterpiece is a fact that speaks for itself. The only question is whether the great director will be able to achieve in parts two and three the same sweeping grandeur and majesty that fills every frame of "The Weeping Meadow." by Author-Poet Aberjhani, author of "Encyclopedia of the Harlem Renaissance"


text:
Ik heb net deze geweldige film gezien... Gelukkig met de Engelse ondertiteling. Ik vind het een meesterwerk van Theo. Prachtig verhaal, sterke personages, boeiend decor, ademloze muziek en uiteindelijk een geweldige productie. Het is een lange film en het begin is misschien een beetje saai, maar naarmate het verhaal vordert, zal het je aandacht vasthouden.
Ik kan deze film aanbevelen als je op zoek bent naar een gevoelig kunstwerk. Hoewel er nogal wat tragedie in zit, geeft hij wel een glimp van het leven van Griekse immigranten in die tijd en de verschrikkingen van de oorlog.
Two Thumbs Up...

text_en:
I have just finished watching this great movie....fortunately with the English Subtitles. I think its a masterpiece by Theo. Beautiful story, strong characters, captivating scenery, breath taking music and ultimately of cource great production.Its a long movie and the start might be a bit boring but as the story progresses it will hold your attention

I recommend this movie if you are looking for some sensitive piece of art. Though there is quite a lot of tragedy in it but it does give a glimpse of the life of Greek immigrants of that time and the horrors of war.

Two Thumbs Up...........


text: Ik voel me in tweestrijd over deze film <0xE2><0x80><0x93> het is een van de mooiste films die ik ooit heb gezien en biedt inzicht in een verloren gegane cultuur. Er was een vroege scène van mannen met petten en snorren die rond een tafel zaten, met een bedienende vrouw en een accordeonspeler, die me de tranen in de ogen deed springen, alleen maar vanwege de manier waarop hij een manier van leven vastlegde die vandaag de dag voor velen onbegrijpelijk moet zijn. Het laat zien dat de levens van de personages onlosmakelijk verbonden zijn met het leven in het dorp, nog zo'n verloren concept in de wereld van vandaag. Symboliek is altijd leuk, maar het leek een beetje gedateerd. De fatale tekortkomingen van de film waren het ontbreken van een meeslepende dramatiek en een totaal gebrek aan humor. Ik had nooit het gevoel dat ik een van de personages verder kende dan heel basale universele dingen als rouwen om het verlies van een geliefde enzovoort. De mensen waren niet meer dan figuranten in de tableaus van de regisseur over natuurrampen, oorlog enzovoort. De film was gewoon de ene prachtige, tragische scène na de andere, zonder verhaallijn of menselijkheid. Als gevolg daarvan leek hij heel abstract, irrelevant voor het leven van echte mensen. Uiteindelijk verveelde ik me te veel om hem uit te kijken.

text_en: I feel conflicted about this film - it is one of the most beautiful films I've seen, and provides insightful looks into a lost culture. There was an early scene of men in caps and moustaches sitting around a table, with a woman serving, and an accordion playing, that brought tears to my eyes, just because of the way it captured a way of life that must be incomprehensible to many today. It presents the lives of the characters as being inextricably bound up with the life of the village, another lost concept in today's world. Symbolism is always fun but it seemed a little dated. The fatal flaws of the movie to me were the lack of any compelling dramatic drive, and a total lack of humor. I never felt like I knew any of the characters beyond very basic universal things like grieving over the loss of a loved one, etc. The people were stick figures in the director's tableaux involving natural disasters, war, etc. The film was just one beautiful tragic scene after another, with no involving narrative thread and no humanity. As a result, it seemed very abstract, irrelevant to the lives of real people. In the end, I was too bored to finish watching it.


text:
In zekere zin neemt deze film de beste delen van het werk van Federico Fellini, Terrence Malick en Michelangelo Antonioni, en laat ze sudderen tot ze versmelten tot een werk dat alleen Angelopoulos kon maken. Maar wat Angelopolous-films van de meeste andere door zelfs sommige grote filmmakers gemaakte films onderscheidt, zijn zijn scenario's. Deze film is geschreven door hem, de oude medespeler van Fellini, Tonino Guerra, Petros Markaris en Giorgio Silvagni, en hoewel hij, net als de andere films van hem die ik heb gezien, weinig dialoog heeft, is het verhaal coherent door de manier waarop de scènes zijn geschreven, zodat de uitdrukkingen van de acteurs kunnen overbrengen wat niet met woorden kan worden uitgedrukt. En net als Yasujiro Ozu is Angelopoulos een meester in ellipsen... hij legt nooit bepaalde dingen in een film uit, en laat de kijker ook niet opzettelijk dingen zien die gebruikelijk zijn in een meer lineaire film. De cinematografie van de film, door Andreas Sinanos, is spectaculair, van de lange opnamen van personages die van veraf worden gespeeld, tot de goed geconstrueerde voorgrondscènes, en het gebruik van kleur. De film begint met gedempte, bijna sepiakleurige tinten en grijstinten, en toont dan hier en daar flitsen van kleur, terwijl de meeste kleuren donkergroen, blauw en bruin blijven. Dit verhoogt de grootse momenten, zoals de bloederige dood van de musicus in de witte lakens. Het gebruik van water is ook prachtig <0xE2><0x80><0x93> uit de film.' De beelden van de overstroomde stad waren een decor in een hoog, droog deel van het Kerkini-meer, dat in maart zou stijgen en het decor zou onderdompelen.
De muziek is van Eleni Karaindrou, die al heel lang met Angelopoulos samenwerkt, en die folksongs met klassieke composities vermengt, allemaal op een ingetogen manier <0xE2><0x80><0x93> met uitzondering van een geweldige scène waarin de zoon auditie doet met zijn accordeon. Maar in de film lijkt er een paar keer een vreemd geluid te zijn <0xE2><0x80><0x93> gitzwarte klanken op de auditie achtergrond. Is dit symboliek of een tekortkoming? Zelfs als het een tekortkoming is, is het een heel kleintje, want afgezien van de voornoemde scènes zijn er talloze andere grote scènes in deze picareske film die samenvallen met de Negatief-Capabele manier waarop John Keats grote kunstwerken noemde, zoals wanneer Nikos's nachts als een saxofoon danst, of wanneer Eleni koortsig over dezelfde dingen blijft doorbabbelen.
Toch is het middelpunt van deze grote film niet alleen de ellips van informatie, maar ook de ellips van zelf-verbanning, een thema dat een groot deel van Angelopoulos' werk definieert, ook al definieert het zijn kunst niet, want die is altijd het doelwit, en briljant gemaakt. De wenende wei vormt daarop geen uitzondering.

text_en:
In some ways, this film takes the best parts of the work of Federico Fellini, Terrence Malick, and Michelangelo Antonioni, and stews them until they melt into a work only Angelopoulos could make. However, what separates Angelopolous films from most other films by even some great filmmakers, is his screenplays. This film was written by him, longtime Fellini collaborator Tonino Guerra, Petros Markaris, and Giorgio Silvagni, and even though- like the other films of his I've seen, this one is spare in dialogue, the story coheres because of the way the scenes are written to allow the actors' expressions convey what words need not. And, like Yasujiro Ozu, Angelopoulos is a master of ellipses- never fully explaining certain things in a film, nor deliberately not showing the viewer things that would be standard in a more linear film. The film's cinematography, by Andreas Sinanos, is spectacular, from the long shots that follow characters from afar, to well-composed foregrounded scenes, to the uses of color throughout. The film starts with muted, almost sepia tones, and grayness, then exhibits flashes of color, here and there, while mostly staying in dark greens, blues, and browns. This heightens the grander moments, such as the bloody death of the musician in the white sheets. The use of water is also wonderful- from the film's reflected shots at the opening, through the constant rains and floods, to the last shots overlooking the water- a far better use of imagery than a similar shot which ends Alexander Sokurov's Russian Ark. In fact, the scenes of the flooded town were a set built in a high, dry portion of Lake Kerkini, which by March, would rise and submerge the set.

The musical scoring by Angelopoulos's longtime collaborator, Eleni Karaindrou, is solid, mixing folk songs with classical compositions, all in an understated manner- excepting a great scene where the son auditions with his accordion. Yet, several times in the film, there seems to be an odd noise- like jet sounds in the aural background of some scenes. Is this symbolism or a flaw? Even if a flaw, it is a very minor one, for aside from the aforementioned scenes there are numerous other great scenes in this picaresque film that coheres in the Negatively Capable way John Keats claimed great art works; such as when Nikos dances at night as a saxophone plays, or when Eleni, in fever, babbles on and on of the same things.

Yet, at the center of this great film is not only the ellipsis of information, but the ellipsis of self- the exile from everywhere, a theme that defines much of Angelopoulos's work, even if it does not define his art, for that is always on target, and brilliantly wrought. The Weeping Meadow is no exception to that claim.


text: Dit moet een van de meest irritante, arrogante, poserende films zijn die ik ooit heb gezien. Wat een verspilling van budget en acteurs. Angelopoulos heeft een nieuw niveau van pretentieuze arrogantie bereikt. Het is duidelijk dat er vrijwel geen plot is, ook al is dit deel van de Griekse geschiedenis materiaal voor geweldige films. Hij had eenvoudigweg een paar zogenaamd symbolische (in feite chaotische) scènes in zijn hoofd en bouwde er een hele film omheen. De dood is het hoofdthema en wordt tot vervelens toe herhaald, samen met litanieën, processies en dergelijke, wat alleen maar een voertuig voor de film zou moeten zijn, maar helaas is het de film zelf. Een volkomen onsamenhangend resultaat, waardoor je alleen maar om de twee minuten 'huh?' of 'o jee' kunt zeggen. Helemaal geen karakterontwikkeling, nada, nihil. Ik klaag er meestal over dat sommige films tweedimensionale personages hebben, maar o jee, het is hem gelukt om eendimensionale personages te creëren. Dat is irritant voor ons en vernederend voor sommige acteurs. Hij is er zelfs in geslaagd om een van mijn favoriete Griekse acteurs, Giorgos Armenis, houterig te laten lijken.<br />En tot de kern van Angelopoulos' filmproductie: nee, we zijn geen idioten. We willen geen opgekauwd voedsel. Alsjeblieft, laat iemand zeggen dat symboliek bij deze man subtiel moet zijn. Theo, onderschat je je publiek echt zo erg of ben je gewoon incompetent? Persoonlijk denk ik dat hij een Griekse 'ondergrondse' probeerde te maken. Hoe hij het ook probeert, hij kan Kusturica niet bereiken. Alleen maar genade: foto's, kostuums en de muziek.

text_en:
This must be one of the most annoying, arrogant, poser films I've ever seen. What a waste of budget and actors. Angelopoulos has reached new levels of pretentiousness. It is clear there is virtually no plot, even if this part of Greek history is material for great movies. He simply had some supposedly symbolic (actually shambolic) scenes in his mind and he built a whole movie around them. Death is the main theme and is repeated ad nauseam, along with litanies, processions and the like, which should only be a vehicle for the movie but unfortunately it is the movie itself. A totally incoherent result, which can only leave you saying "huh?" or "oh dear" every two minutes.

There is no character development at all, nada, zilch. I'm usually complaining about some movies having two-dimensional characters, but oh boy, he managed to create one-dimensional characters. This is irritating for us and degrading for some of the actors. He even managed to make one of my favourite Greek actors, Giorgos Armenis, seem wooden.

And going to the core of Angelopoulos film-making: No we're not idiots. We do not want chewed food. Please someone tell this guy symbolism has to be subtle. Theo do you really underestimate your audience so much or you're simply incompetent? Personally, I think he tried to make a Greek "Underground". No matter how he tries, he can't reach Kusturica.

Only saving grace: Photography, costumes and the music.


text: Als ik had geweten wat ik me op de hals haalde, zou ik het theater zijn ontvlucht. De film is afschuwelijk, in de letterlijke zin van het woord. Ondanks opvallende beelden, intrigerende locaties en een onderwerp dat fascinerend had kunnen zijn, is de film dood.<br />Ik was niet vertrouwd met deze periode van de Griekse geschiedenis en bereid om een grote film te ervaren. De filmmakers hebben een zware hand. Het is niet genoeg om een trein voorbij te zien rijden; we moeten hem van veraf zien, auto voor auto, we moeten de rook zien, we moeten hem zien vertragen en we moeten hem zien stoppen. De aanpak van de regisseur is didactisch. De personages die hij creëert, ontwikkelen zich evenmin, ze veranderen nooit. Ze zijn zo stereotypisch dat we ons afvragen: zijn ze bedoeld als alleman? Allemeisje? Alleoldmusicus? Heeft deze allegorie nog enige zin? Het is de meest pretentieuze film die ik in lange tijd heb gezien.

text_en:
Had I known to what I was submitting myself, I would have fled from the theater. The film is dreadful, in the literal sense of the word. Despite striking images, intriguing locales, and a subject matter that might have been fascinating, the film is dead.

I was unfamiliar with this period of Greek history, and prepared to experience a great film. The filmmakers's hand is heavy. it is not enough to see a train going by; we must watch it from afar, we must watch it car by car, we must see the smoke, we must see it slow down, and we must see it stop. The director's approach is didactic. Likewise, the characters that he creates never develop, they never change. They are so stereotypic that we wonder, are they meant to be Everyman? Everygirl? Everyoldmusician? Is there some point to this allegory? It is the most pretentious film that I have seen in a long while.


text: Ik kan niet beweren dat ik iets weet van cinematografie of meneer Angelopoulos. Maar ik ken Griekenland en ik hou van het volk. In juli reisden mijn 14-jarige zoon en ik naar Cappadocia, Turkije, op zoek naar wat overblijfselen van de buurt waar zijn overgrootvader Iordanis woonde tot de grote uittocht van de Anatolische Grieken in 1923. Toen ik de samenvatting van de film las (vluchtelingen uit Odessa) dacht ik dat ik misschien iets meer te weten kon komen over de gedwongen volksverhuizingen van de moderne Grieken. Als ik geen huis op Rhodos had gehad, als ik in evenzovele jaren niet 28 keer naar Griekenland was geweest, als ik niet bekend was geweest met tientallen eilanden en steden in Griekenland en als ik nooit de vriendschap had genoten van deze uitbundige, aangeschoten mensen, had ik misschien geloofd dat deze klaagzang iets te maken had met het moderne Griekenland. Als hoogleraar aan een universiteit in New Jersey kan ik u verzekeren dat ik bekend ben met de geschiedenis van de periode die in de film wordt behandeld. De oom van mijn vrouw werd zelfs vermoord door de communisten tijdens de communistische machtsgreep. Mijn schoonmoeder overleefde de Italiaanse invasie en de Duitse bezetting... ternauwernood. Deze personages op het scherm spreken Grieks, ze luisteren naar Griekse muziek, maar wie zijn ze? Nee, ze zijn niet eens vaag Grieks. Natuurlijk zijn het helemaal geen mensen, maar gewoon allegorieën. Zij zijn wat de kunstenaar uitvindt als het leven niet helemaal past of ontoereikend is voor zijn beeld van hoe het was of had moeten zijn. Ze vertegenwoordigen allemaal een aspect van het Griekenland van na de Tweede Wereldoorlog dat door grotere krachten van buiten is veroordeeld tot een lot dat ze niet verdienden. De 'aristocraten' van 1919 (Spiros) (de muziek van Nikos en zijn medemuzikanten, d.w.z. de Beweging en de Zaak) stonden niet toe dat de generatie na de 'aristocraten' van 1919 (Spiros) de roep om vrede en vrijheid volgde (de muziek van Nikos en zijn medemuzikanten, d.w.z. de Beweging en de Zaak). Dit duistere, surrealistische revisionisme verdoezelt de ware en heroïsche inspanningen van het Griekse volk om hun levenslust in stand te houden door de tragedies van de twintigste eeuw, om meer te bereiken dan hun buren op de Balkan, om zo politiek geëvolueerd en wereldwijd geïntegreerd te worden.

text_en: I can pretend no knowledge of cinematography or Mr. Angelopoulos. But I know Greece and I love her people. In July my 14 year old son and I traveled to Cappadocia, Turkey in search of some remains of the neighborhood where his great grandfather Iordanis lived until the great exodus of Anatolian Greeks in 1923. Reading the summary of the film (refugees from Odessa) I thought that perhaps I might learn something more about the forced migrations of modern Greeks. If I did not have a home in Rhodes, had I not been to Greece 28 times in as many years, were I not familiar with dozens of islands and cities in Greece and if I had never enjoyed the friendship of these ebullient, life-intoxicated people, I might have believed that this lamentation had something to do with modern Greece. As a professor at a New Jersey State college, let me assure you that I am familiar with the history of the period covered in the film. Indeed, my wife's uncle was murdered by the communists during the communist grab for power. My mother-in-law lived through the Italian invasion and German occupation...barely. These characters on the screen speak Greek, they listen to Greek music but who are they? No, they are not even vaguely Greek. Of course they are not people at all but simply allegories. They are that which the artist invents when life does not entirely fit or is inadequate to his perception of how it was or should have been. All represent some aspect of post WWI Greece that greater outside forces consigned to a fate they didn't deserve. As we joked in the late 70's in America: "The Revolution didn't happen." For an ideologue/artist, this is no joke. It's in fact grounds to put us through two and a half hours of torment. And it's all because the various Powers (Eleni's soliloquy of "guards" in different colored uniforms) didn't allow the generation after the "aristocrats" of 1919 (Spyros) to follow the call of peace and freedom (the music of Nikos and his fellow musicians, i.e., the Movement, the Cause). This dark, surreal revisionism smears the true and heroic efforts of the Greek people to sustain their lust for life through the tragedies of the 20th century, to achieve more than any of their Balkan neighbors, to have become so politically evolved and globally integrated.


text: Hoewel de film één positieve eigenschap heeft, namelijk een paar opvallende opnamen, zoals de opname van de schapen die aan de boom hangen, de scène van de begrafenisstoet op het vlot, of de scène van de boten die het dorp verlaten (die beïnvloed leek te zijn door de scène waarin de oorlogsschepen het dorp naderen in de fantastische 'Fellini Satyricon'), waren deze meer fotografisch dan filmisch en zouden ze beter gewaardeerd worden op een muur in een kunstgalerie dan ingebed in een pijnlijk traag draaiende film die 162 minuten na aanvang binnenkomt en lijdt aan verschrikkelijke dialoog, uiterst slechte karakterontwikkeling, overacting, ongeïnspireerde symboliek en zware stilering. Dit is de eerste film die ik van Angelopoulos heb gezien, en omdat zijn reputatie hem vooruit was gesneld, had ik veel meer verwacht, maar ik kan in alle eerlijkheid zeggen dat dit een van de slechtste films is die ik ooit heb gezien, en ik zal in de toekomst niet meer de moeite nemen om naar het andere werk van de regisseur te kijken. De vier vrienden met wie ik hem heb gezien, zijn het daarmee eens.

text_en: While the film has one redeeming feature, namely some striking shots e.g. the shot of the sheep hanging from the tree, the scene of the funeral procession on the raft, or the scene of the boats leaving the village (which seemed influenced by the scene when the warships approach in the fantastic "Fellini Satyricon"), these were more photographic than cinematographic, and would have been better appreciated hung on a wall in an art gallery than embedded in a painfully slow-paced film that comes in at a whopping 162 minutes and suffers from terrible dialogue, extremely poor character development, over-acting, uninspired symbolism and heavy stylisation. This is the first film I have seen by Angelopoulos, and his reputation having preceded him, I expected a lot better, but can honestly say that this is one of the worst films I've ever seen, and I won't go out of my way to watch any of the director's other work in the future. The four friends I went to see it with agree.


text:
Ik ga geen verslag doen van de plot van de film, die volgens enkele andere recensenten op dit forum <0xE2><0x80><0x93> en ik kan eraan toevoegen dat ik het in woorden met hen eens ben <0xE2><0x80><0x93> heel eenvoudig is. De eenvoud van de wreedheid die de taliban over het Afghaanse volk hebben afgeroepen, behoeft natuurlijk niet veel woorden. Iedereen die van de woorden 'onderdrukking','religieus extremisme' en 'bruutheid' heeft gehoord, kan een verslag geven van de verschrikkelijke heerschappij van de taliban over Afghanistan. Dus ik ben volkomen verbaasd over het, laat ik het zo zeggen, oppervlakkige perspectief van sommige recensenten hier die deze eenvoud opvatten als een zwakte van de film. Ik denk niet dat de eenvoud en/of vertrouwdheid van de plot ook maar iets zegt over de kracht of de zwakte van de film, noch vermindert het de ernst van het verhaal.
Een andere vermeende zwakte van de film die ik wil wegnemen is het trage tempo. Ik zie niet in waarom dat als een zwakte beschouwd zou kunnen worden als de film in al zijn seconden zoveel (visuele) emotie uitstraalt en van zo dichtbij wordt gefilmd. Je krijgt het echte <0xE2><0x80><0x93> voor zover mijn ervaring reikt <0xE2><0x80><0x93> gedrag van de moellahs te zien, de echte mechanismen waardoor ze de draaikolk van macht in zo'n door oorlog geteisterd land in hun greep krijgen. Eyal Philippsborn schreef: 'Was het de setting of heeft de taliban ook het bouwen van huizen met daken verboden?' Nou, was het de setting of de catastrofe van ongeveer dertig jaar burgeroorlog en sociale chaos, Eyal?
Een andere kritiek die ik in de eerdere recensies las, was dat zo'n diep en allesoverheersend gevoel van ellende onmogelijk de waarheid kan zijn. Dit is een poging om het niveau van de film te verlagen tot een soort intellectuele propaganda. Ik moet het daar volledig mee oneens zijn. Om twee redenen: ten eerste mag je in de beperkte tijdsspanne van een film niet verwachten alle aspecten van het leven te zien. De regisseur moet kiezen wat hij wil laten zien en overbrengen, en het is heel begrijpelijk dat deze film gaat over de plagen die door de taliban over een heel land worden gebracht. En ten tweede, hoewel de film zich voornamelijk concentreert op het ellendige leven van de personages in zulke surrealistische, westernachtige taferelen, laat hij ook kleine glimpen zien van de schoonheid van het leven: het slaapliedje dat de oma zingt om het kleine meisje in slaap te krijgen, of de vrolijke, dreigende Espandi (de jongen met de rokende emmer wilde rue <0xC3><0x89>pand in het Perzisch of Dari) die een aanhanger van het kleine meisje wordt als ze overweldigd wordt door de agressieve, opdringerige jongens in de koranschool van de taliban.
Ik ben geen expert op het gebied van de meer techy aspecten van de filmindustrie, maar als enthousiaste filmbezoeker kon ik geen specifieke zwakheden aanwijzen op het gebied van camerawerk, plot enz. Ik ben geneigd te denken dat de klachten die de film over deze aspecten krijgt, min of meer het rechtstreekse gevolg zijn van het feit dat de glamoureuze, door Hollywood gedreven filmindustrie verwend wordt.
Het enige echte nadeel van de film was de ondertiteling. Eyal merkte in de bovengenoemde recensie op dat het openingscitaat van de film duidelijk <0xE2><0x80><0x93> en volgens mij onnodig <0xE2><0x80><0x93> in het onderschrift was veranderd. Het echte citaat is van Ali Shariati, de beroemde bedenker van de Islamitische Revolutie in Iran, die stierf voordat hij het kon zien gebeuren <0xE2><0x80><0x93> en die zegt: 'O, God, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o, o. In plaats daarvan wordt het een beknopt citaat van Mandela: 'Ik kan niet vergeten, maar ik kan vergeven.' Dat is helemaal niet hetzelfde, en ik weet niet zeker of ik wel hetzelfde zou willen impliceren. Het citaat van Shariati is in feite heel suggestief en onduidelijk in de context van de film.
Ten slotte is de film inderdaad grimmig en moeilijk te verteren, maar verre van saai of kunstmatig. Al met al is Osama een grote stap in het echte onderzoek naar de ellende van een volk dat zelfs geen glimp van een normaal leven heeft gezien door de bijna kosmologische krachten van de internationale politiek.

text_en:
I'm not going to give an account of the plot of the movie, which according to some other reviewers on this forum--and I may add that I agree with them in words--is very simple. The simplicity of the brutality that was brought upon the Afghan people by the Taliban of course does not need many words to convey. Everyone who has heard of the words "oppression," "religious extremism," and "brutality" can give an account of the dreadful reign of the Taliban over Afghanistan. So, I'm totally amazed by the, dare I say, shallow perspective of some reviewers here that take this simplicity as a weakness of the movie. I don't think that the simplicity and/or familiarity of the plot tells *anything* about the strength or the weakness of the movie, nor does it decrease the gravity of the story.

Another alleged weakness of the movie I wish to dispel is its slow pace. I hardly see why that could be regarded as a weakness when in all its seconds the movie is conveying so much (visual) emotion and from such a close shot. You get to see the real--as far as my experience goes--behaviour of the mullahs, the real mechanisms by which they take hold of the vortex of power in such a war-ridden land.

On a slightly different note, I was quite surprised to read the feature review on the first page of the movie info, Eyal Philippsborn write "was it the setting or did the Taliban also banned the building of houses with roofs?" well, was it the setting or the catastrophes of about 30 years of civil war and social chaos, Eyal?

Another expressed criticism I read in the previous reviews was that such deep and engulfing sense of misery cannot possibly be the truth. This is an attempt to reduce the level of the movie to some sort of intellectual propaganda. I have to completely disagree. For two reasons: first of all, in the limited time-span of a movie, one cannot possible hope to see all aspects of life. The director has to choose what s/he wants to show and convey, and quite understandably this movie is about the plagues brought upon an entire nation by the Taliban. And secondly, even though the movie mainly focuses on the miserable life of its characters in such surrealistic-to-the-western-eye settings, it does show tiny glimpses of the beauty of life: the lullaby that the grandma sings to put the little girl to sleep, or the joyful, threatening Espandi (the boy with the smoking bucket of wild rue [Epand in Persian or Dari]) who turns into a supporter of the little girl when she's overwhelmed by the aggressive, intrusive boys in the Taliban's Quranic school.

I'm not an expert on the more techy parts of the movie-making business, but as an avid movie-goer, I could not pinpoint any particular weakness in terms of camera-work, plot, etc. I tend to think that the complaints the movie receives on these aspects is a more-or-less direct result of a state of being spoiled by the glamorous Hollywood-driven movie industry.

The only real drawback to the movie was its subtitles. Eyal also noted in the above-mentioned feature review that the opening quote of the movie was obviously--and I think unnecessarily--altered in the caption. The real quote is by Ali Shariati, the celebrated idealogue of the Islamic Revolution in Iran--who died before he could see it happen--which says: "[Oh, God,] Put me among those who give away their worldly desires for their religious one, not those who give away their religious desires for their worldly ones." This is turned into a concise quote by Mandela instead: "I cannot forget, but I can forgive." Not the same thing at all, and I'm not really sure I would say implying the same thing either. The quote by Shariati is in fact very suggestive, and ambiguous in the context of the movie.

Finally, yes, the movie is grim, and hard to take, but far from dull or artificial. Overall, Osama is a big step into the real examination of the misery of a people who have been deprived even of a glimpse of a normal life by the almost cosmological forces of the international politics.


text: Een krachtige en verontrustende film over het leven onder de onderdrukkende taliban. Misschien omdat de cast geen acteurs zijn en hij begint met een jongen die tegen de camera praat alsof het een documentaire is, voelt het alsof wat er gebeurt echt gebeurt en dat maakt het een heel reële en huiveringwekkende ervaring. Een film die gezien moet worden.

text_en: A powerful and disturbing film of what life was like under the oppressive Taliban rule. Maybe because the cast are not actors and it starts with a boy talking to the camera as if it's a documentary being made it feels like what unfolds is actually happening and this makes it a very real and chilling experience. A film that should be seen.(8/10)


text:
De regisseur laat ons een reis van 80 minuten maken door de ogen van een 13-jarig meisje in Afghanistan onder de taliban...
<0x3E><0x3E> Het landschap vol kalksteen... en de mensen die zo ongelukkig zijn in de verkeerde tijd geboren te zijn...
<0x3E><0x3E>
<0x3E><0x3E> Onvruchtbaar land en levens...
<0x3E><0x3E> Waar elke andere vrouw weduwe is en elke andere moeder een levend graf...
<0x3E><0x3E> Luister alstublieft goed naar de soundtrack... vooral de achtergrondmuziek... die is echt belangrijk... hij begint met een ijzeren schommel... eindigt met het geluid van springend touw dat op de grond valt... Meesterlijk.
<0x3E><0x3E> Ik wed dat u na de film uw jonge dochter gaat kussen. Dat gaat u zeker doen.
<0x3E> Mijn groet aan de regisseur die me de hele 80 minuten heeft gemesmeriseerd...
<0x3E> Deze film heb ik gezien op het 8ste internationale filmfestival van kerala in 2003, waar Hij een groot applaus kreeg.
<0x3E> Dit was de eerste film die gemaakt werd tijdens het talibanregime in Afghanistan. Echt prijzenswaardig.
<0x3E> Mijn 9 van de 10.

text_en:
The Director is taking through us a 80 minutes journey through the eyes of a 13 year old girl in Afghanistan under the taliban...

The landscape full of limestone .....and the people unfortunate enough to have born into the wrong time....

barren land and lives.....

where every other woman is a widow and every other mother is a living tomb.......

Please listen to the soundtrack carefully.... especially the background score.... its really important..... it starts off with an iron swing..... ends with the sound of skipping rope hitting the ground.... Masterful.

I bet that after the movie, you will go and kiss your young daughter. You sure will.

My salute to the director who mesmerised me the whole 80 minutes....

saw this movie in 8th international film festival of kerala in 2003 where It got a grand applause.

This was the first movie made in post taliban regime in afghanistan. Truly commendable.

My 9 out of 10.


text: Dit was het soort film... waarvan ik dacht dat hij amusant en leuk was voor een lowbudgetfilm! Er zaten een paar fouten in... maar ja, wat doen alle films... zelfs kaskrakers! Ik keek dan naar de jonge sexy actrice/rapper Boobie Monroe... steeds weer opnieuw, ze is HOT! Reynaldo Rey is altijd grappig, vooral als hij kwaad wordt... Herinner je je Huisfeest 3 nog? Zingen was 'beverig' maar ik vond de rapnummers echt leuk... vooral die van Mysterious en Tangerine... De blanke, zwarte rap was een beetje grappig, maar had net iets beter kunnen zijn... Maar het was de moeite waard om naar Tangy (Boobie Monroe) te kijken. Oeps, weer terug naar Boobie... 'She's Hot'! Ik dacht dat dat Richard Williams als butler was... Ik dacht dat het cool voor hem was om een 'beetje' rol te krijgen!

text_en: This was the kind of movie....that I thought was amusing and sweet for a low budget flick! It had some mistakes...but 'so what' all movies do...even blockbusters! I would watch the young sexy actress/rapper Boobie Monroe...over and over again, she's HOT!! Reynaldo Rey is always funny, especially when he gets angry...Remember House Party 3? Singing was 'shaky' but I really did enjoy the rap numbers...especially the one's by Mysterious and Tangerine.....The white, black rap was kind of funny, but could have been just a bit better.....But it was worth it just watching Tangy (Boobie Monroe). Oops, back to Boobie again...."She's Hot"!! I thought that was Richard Williams as the butler...I thought it was cool for him to get a 'bit' part!


text:
Dit was een afschuwelijke film. 1. De mannelijke hoofdpersoon leest deze godvergeten gesproken woord-onzin voor. 2. De vrouwelijke hoofdrol maakt deel uit van een zanggroep. Ze laten flashbacks zien van de zanggroep in de jaren 70 & 80. Het probleem was dat ze een Korg Triton gebruikten, een keyboard dat aan het eind van de jaren 90 werd gefabriceerd & uitgebracht.
<0x3E><0x3E> In een scène waarin ze op een feestje zingen, zingt de moeder van de groep... maar het probleem daarmee was dat het de stem van een man was die in de overdub werd gebruikt.
<0x3E><0x3E> En als dat nog niet het ergste was... Waarom was de vader van Venus & Serena in de film...? Ik heb hem gehuurd, omdat het een gratis film was... maar ik had beter moeten weten, want alles wat Maverick doet is troep...!!!

text_en:
... This was a awful movie. 1st, the male lead character is reading this god-awful spoken word nonsense. 2nd.. The female lead is a part of a family singing group. They show flashbacks of the singing group in the 70's & 80's. The problem was, they were using a Korg Triton, a keyboard that was manufactured & released in the late 90's.

In an episode when they were singing at a party, the mother of the group was singing... but the problem with that was, it was a male's voice used in the over-dub.

And if that was not the worst... Why was Venus & Serena's daddy in the movie..? I rented it, because it was a freebie... but I should have known better, because anything that Maverick puts out is gonna be some garbage..!!!


text: Dit was een slechte film... Richard Williams (Venus en Serena's vader) speelde in deze film en hij had EEN LIJN 'JA', dat was het. Hij zag er halfdood uit. De stemmen waren heel erg slecht. Ja, de moeder zong het ene liedje met een vrouwenstem en het volgende liedje was ze lid van Blackstreet en toen weer met een vrouwenstem... Het was grappig om te zien hoe Generic dit was. En nog iets, hoe kon de vader van de mannelijke hoofdrolspeelster een herenhuis hebben en toen ze buiten kwamen was het een parkeerplaats voor getto-appartementen. En zijn Gesproken Woord of zal ik zeggen Gebroken Woord was het ergst. Het beste aan deze film vond ik de vrouwen. Als je wilt lachen en fouten wilt maken, moet je deze film huren.

text_en: This was a bad movie... Richard Williams (Venus and Serena's Dad) was in this movie and he had ONE LINE "YES" that was it. He looked half dead. The voice overs were very very bad. Yeah the mom sang one song with a woman's voice and the on the next song she was a member of Blackstreet and then back to a woman's voice again... It was funny to see how Generic this was. Another thing, how did the male lead's dad have a mansion and then when they got outside it was a ghetto apartment parking lot. Also, his Spoken Word or shall i say BROKEN WORD was the worst. I guess the best thing about this movie was some of the women. Rent this if you want to laugh and look for mistakes.


text: Deze film is zo ingewikkeld. Nog nooit had een Afrikaanse schrijver/regisseur zich op zo onbekend terrein gewaagd. Deze film is ongelooflijk! Een zwart fotomodel, dat te midden van het prachtige landschap van Afrika poseert voor een modereportage, wordt terug in de tijd getransporteerd door een Afrikaans slavenkasteel. Geweldige cinematografie en artistieke creativiteit. Deze film is niet alleen vermaak, het is een ervaring!

text_en: This movie is so complex. Never before had an African writer/director ventured into such unknown territory. This movie is incredible! A black fashion model, who is posing for a fashion shoot amidst the beautiful scenery of Africa, is transported back in time through an African slave trade castle. Great cinematography and artistic creativity. This movie is not only entertainment, it is an experience!


text:
Ik heb deze film in 1995 in Washington D.C. gezien en sindsdien heb ik de band gekocht. Het is een uitbarsting van Afrikaanse trots en antislavernijkracht van de in Ethiopië geboren regisseur Haile Gerima. Gerima is professor aan de Howard University in D.C. en zijn films gaan over de kwesties van rassen, integratie en geweld in Afrika en Amerika. 'Sankofa' is verkrijgbaar via Mypheduh-films (Gerima's productiemaatschappij) in D.C.
Het verhaal begint en eindigt op een klein eiland in West-Afrika, waar 'Mona', een Afrikaans-Amerikaans fotomodel, tegenwoordig woont. Het midden van de film gaat over Mona, die door middel van een magisch realisme wordt teruggevoerd naar een slavenplantage in het achttiende-eeuwse Amerika. Voor diegenen onder u die zich afvragen hoe het was om in die tijd een slaaf te zijn, onder die barbaarse en onverdraaglijke omstandigheden, is dit uw kans. 'Sankofa' is niet voor mensen met een zwak hart. Toch worden de gewelddadige scènes nooit overdreven, en de laatste 'boodschap' van de film is een positieve.
Het is jammer dat deze film op dit moment een IMDB-rating heeft van slechts 5, want 31 van de 44 acteurs zijn '10', waaronder de mijne. Ik denk dat deze film een paar mensen van zich heeft vervreemd, maar dat gebeurt wel vaker bij sterke films. Een heel belangrijke film van een begaafde en ondergewaardeerde regisseur.

text_en:
I saw this film in Washington, DC in 1995 and have since purchased the tape. It is a blast of African pride and anti-slavery vigor from Ethiopian-born director Haile Gerima. Gerima is a professor at Howard University in DC and his films confront the issues of race, integration, and violence in Africa and America. "Sankofa" is available through Mypheduh films (Gerima's production company) in DC.

The story begins and ends on a small island in West Africa, where 'Mona', an African-American fashion model, is in the present day. The middle of the film consists of Mona, through magic realism, being transported back to a slave plantation in 18th-century America. For those of you who wonder about what it was like to be a slave back then, under those barbaric and intolerable conditions, this is your chance. "Sankofa" is not for the faint of heart. Yet its violent scenes are never overdone, and the film's final 'message' is a positive one.

It's a shame that this film at this time has an IMDB "rating" of only 5 or so, because 31 of the 44 votes cast have been "10"s, including mine. I guess this film has alienated a few people, but most powerful films do that. A very important film from a gifted and underrated director.


text:
Ik ging de film in, al betwijfelde ik of ik hem wel leuk zou vinden.
Mijn twijfels waren ongegrond, dit is geen 'Slavernij'-film in de zin van Hollywood. Het is een ontroerende allegorie over mensen, die tot de ontdekking komen dat ze... tot slaaf zijn gemaakt.
En het is zoveel meer dan dat. Het is een film over hersenspoeling, over religieuze dogma's, over het gebruik van religie om een verder onhoudbaar systeem in stand te houden. Over groepsdynamiek, en over muziek, en over cultuur, en verrassend genoeg, voor een film met zo'n kwaadaardig onderwerp... gaat het over schoonheid.
Het is een van de weelderigste en mooiste films die je ooit zult zien. Hij is gevuld met iconische, magische beelden. Want het gaat over magie... het magische, het wonderbaarlijke, het spirituele. Het is een film van groot... mededogen... en grote hoop. Als je hem niet hebt gezien, of hem hebt gemeden vanwege het onderwerp, begrijp ik dat volkomen. Ik heb hetzelfde gedaan.
Ik ben niet zo'n fan van films over vallen, ik denk dat het kijken naar je voeten een gewoonte kan worden, het oprakelen van misbruik kan... zijn eigen misbruik zijn. Vooral als het allemaal wordt geportretteerd... is het misbruik.
Het kan een soort zelfverwennerij zijn.
Kijk maar naar onze talkshows, waar de slachtoffers vrolijk pauzeren en eindeloos vertellen over hun slachtofferschap, niet in staat om verder te gaan. Ik ben zelfs nog minder een fan van films die het verleden marginaliseren, die het maken tot deze koekjesvorm van een formaat dat bij elke ervaring past.
Alex Haileys wortels komen me voor de geest, of _Gejaagd door de wind_, of een aantal Hollywood-films over het westen die meestal alleen de ware smeltkroes, de weelderige en magische stichting van dit nog altijd zeer gekwelde land buiten beschouwing laten.
<0x3E><0x3E> Waarheden, wonderen, zoals...
<0x3E><0x3E> <0xE2><0x80><0x93> Vroege uitvinders, uitvindingen die de Industriële Revolutie ontketenden, van Lift tot Verkeerslicht tot Gasmasker tot Telegaph, kwamen voort uit deze massa misdeelde mensen. Vroege architectuur, muziek. De stichters van Chicago en L.A., deze zwarte verkenners, deze renaissance-bergbewoners die meerdere talen spraken, deze pioniers, die gingen waar de zogenaamde beschaafde mensen bang voor waren, en steden bouwden in het wild. Vechters in de revolutionaire oorlog... Zwart. Vechters in de burgeroorlog... aan beide kanten... Zwart, ja... het antwoord van het zuiden op de militaire list van het Noorden, de Emancipatieproclamatie... was vrijheid beloven voor elke Zwart en zijn gezin die het uniform aantrokken... en vochten voor het grijs. Velen deden dat. Velen stierven in het grijs.

Kun je het je voorstellen, dat moment, een zwarte man in het blauw en een zwarte man in het grijs, die elkaar over hun geweer heen aankeken, twee kanten van een oorlog die ze nooit hadden gevoerd, maar waar ze een eind aan moesten maken. Waarlijk een oorlog tussen Broeder en Broeder.
Dat is het soort waarheid-is-vreemder-dan-fictiemagie dat elke seconde van de begintijd van dit land doordrenkt. En het is een wonder en een ironie dat maar weinig films die magie ooit hebben gevangen.
SANKOFA is een van die weinige.
Er schuilt een verschrikking in de stichting van deze natie, dit halfrond, maar er schuilt ook magie in. En er zit lelijkheid in de stichting van deze natie, maar er zit ook grote schoonheid in.
Het waren magische mensen, deze mannen, vrouwen en kinderen, die de Amerikaanse geschiedenis nog steeds vernederend zou classificeren als slaven in plaats van mensen die tot slaaf waren gemaakt, een ogenschijnlijk onbelangrijk onderscheid, maar in dat onderscheid wordt erkend dat er onrecht is gedaan, en de mensen, de mensen, niet de slaven, de mensen... het is gedaan.
Deze film gaat over schoonheid. En over mensen, boeren, naaisters, griots, leeglopers, prinsen, paupers, metselaars, schilders, zangers, koks, die op een dag tot de ontdekking kwamen dat ze... tot slaaf waren gemaakt.
Sankofa gaat over de mensen die we slaven zouden noemen, en hun bloedige gevechten... voor de mensheid en de vrijheid, onder een onmenselijk systeem. Voor vrijheid, in een tijd van de holocaust. En het was een vrijheid die geen Emancipatieproclamatie gaf, maar een vrijheid die ze wonnen, de enige manier waarop iets ooit gewonnen kan worden, door de dagen van de slavernij tot een bloedige hel te maken voor slavendrijvers en slavendrijvers.
Door de prijs van bloed te maken... bloed.
Het is een film die hun... strijd in herinnering brengt. In een tijd waarin zwarte kinderen net genoeg worden onderwezen door een eurocentrisch lesprogramma om hun geschiedenis, en zichzelf, te verachten en te worden opgevoed om alleen maar waakhond of waakhond te zijn, is deze film van essentieel belang.
Het gaat over terugkijken en vooruitkijken. Het is een film die gepassioneerd bekeken moet worden... in een tijd waarin de media, het milieu en het onderwijs deze kinderen hebben verraden.
<0x3E><0x3E> Als zovelen in de leugen van hun beperkingen hebben geloofd, is het een prachtige film over het leven voorbij... etiketten.
<0x3E><0x3E> En het is een film die niet iedereen zal begrijpen, de fanaten zullen hem niet begrijpen en de apologeten zullen hem niet begrijpen en de aanhangers van de status-quo zullen hem niet begrijpen en de ziellozen zullen hem niet begrijpen... maar wij weinigen, wij gelukkige weinigen, kinderen van de Holocaust, wij Witte kinderen en Zwarten en Indianen, gevormd door het vermengende bloed van onze weerspannige voorouders, wij kinderen van hun belofte en pijn... Voor ons is de film een ode en een schuld... aan wat er gedaan is en wat ons nog te doen staat.
Essential viewing.

text_en:
I went into this movie, half doubting I'd like it.

My doubts were unfounded, this is not a "Slavery" movie in the Hollywood sense. It is a moving allegory about people, who found themselves... enslaved.

And it is so much more than that. It is a movie about brainwashing, about religious dogma, about the use of religion to maintain an otherwise unsupportable system. About group dynamics, and about music, and about culture, and surprisingly, for a movie of such virulent subject matter... it is about beauty.

It is one of the most lushly, and beautifully filmed movies you'll ever see. It is filled with iconic, magical images. Because it is about magic... the magical, the wondrous, the spiritual.

And it will leave you alternately stunned, horrified, and amazed. It is a film of great... compassion. and great hope If you haven't seen it, or been avoiding it because of the subject matter, I completely understand. I did the same.

I'm not a big fan of films about falling down, I think looking at one's feet can become a habit, rehashing abuse can be... its own abuse. Especially when all that is portrayed... is the abuse.

It can be something of a self indulgence.

Look at our talk show society, victims happily paused, recounting endlessly their victimization, unable to move beyond it. I'm even less of a fan of films that marginalize the past, make it into this cookie cutter one size fits all experience.

Alex Hailey's roots comes to mind, or Gone with the Wind, or any number of Hollywood films about the west that typically just discount the true meltingpot, sumptuous and magical founding of this still very much troubled nation.

Discount truths, marvels, such as...

-Early inventors, inventions that launched the Industrial revolution, from Elevator to Traffic Light to Gas Mask to Telegaph came from this mass of wronged people. Early architecture, music. -The first cowboys were Black, odd how that's completely forgotten. -The founders of Chicago and LA, these Black scouts, these renaissance mountain men who spoke multiple languages, these pioneers, who went where so-called civilized men feared to tread, and made cities in the wild. -Fighters in the revolutionary war... Black. -Fighters in the civil war... on both sides... Black, yep... the south's answer to the North's military ploy, the Emancipation Proclamation... was to promise freedom for any Black and his family who put on the uniform... and fought for the grey. Many did. Many died wearing the grey.

Can you imagine it, that moment, a Black man wearing the Blue, and a Black man wearing the grey, looking across their rifles at each other, two sides of a war they never made, but that they would have to end. Truly a war of Brother vs. Brother.

That is the type of truth-is-stranger-than-fiction magic, that imbues every second of the early days of this nation. And it is a wonder, and an irony that very few films have ever captured that magic.

SANKOFA is one of those few.

There is a horror in the founding of this nation, this hemisphere, but there is a magic there. And there is ugliness in the founding of this nation, but there is great beauty there too.

They were magical people, these men and women and children, who American history still would demeaningly classify as slaves, rather than people who were enslaved, a seemingly minor distinction, but in that distinction rests acknowledging the wrong done, and the people, the people, not slaves, the people... it was done to.

This film is about beauty. And it's about people, farmers, seamstresses, griots, idlers, princes, paupers, masons, painters, singers, cooks, who one day found themselves... enslaved.

Sankofa is about the people we would call slaves, and their bloody fights... for humanity and freedom, under an inhuman system. For freedom, in a time of Holocaust. And it was a freedom no Emancipation proclamation gave, but a freedom they won, the only way anything is ever won, by making the days of slavery a bloody hell for slaver and enslaved.

By making the cost of blood... blood.

It is a film that remembers their... struggle. In a time when Black children are taught by a euro-centric curriculum only enough to despise their history, and themselves, and groomed to be only guard dog or guarded, this film is an essential thing.

It is about looking back to go forward. And honoring with every breath you take, those who died by the millions, that you can have the liberty... to live better, with more liberty, than they did. It is a film that passionately... in a time where media, and environment,and education have all betrayed these children... needs to be seen.

When so many have bought into the lie of their limitations, it is a film , deeply beautiful, about living beyond... labels.

And it is a film not everyone will get, the bigots won't get it, and the apologists won't get it, and the supporters of the status quo, and the soulless won't get it... but we few, we happy few, children of the Holocaust, we White children and Black and Native American, formed by the mixing blood of our unruly ancestors, we children of their promise and pain... for us the film is an ode and a debt... for what was done, and what remains to do.

Essential viewing.


text: Hailes Sankofa is de eerste en beste film over de slavernij die ooit is gemaakt. Vergeet die film van Amistad als je hem kunt vinden. De regisseur van deze film kon geen financiering voor deze film krijgen omdat de inhoud 'te controversieel' werd gevonden. Hij maakte de film buiten Hollywood en dit resulteerde in een eerlijke kijk op de geschiedenis van de slavernij. Deze film had slechte distributie en geen advertenties, maar hij werd op de kantoren in Amerika verkocht. De film is genoemd naar de vogel Sankofa. Deze vogel kijkt altijd terug naar waar hij vandaan komt. Deze massage is belangrijk in de film; voor een beter begrip van het heden en de toekomst moet je weten waar je vandaan komt en hoe de geschiedenis je heeft behandeld.

text_en: Hailes Sankofa is the first and best movie about slavery ever made. Forget Amistad go see this movie if you can find it. The director of this movie could not get funding for this movie as the content was considered 'too controversial'. He made the movie outside of Hollywood and this resulted in a honest view on the history of slavery. This movie had bad distribution and no advertisement but it sold out at the box offices in America. The movie is named after the bird Sankofa. This bird is always looking back to where it came from. This massage is important throughout the movie; for a better understanding of the present and the future you need to know where you came from and how history has treated you.