text: Deze film vertelt het verhaal van Herbert Biberman (Jeff Goldblum), die op het hoogtepunt van de anticommunistische beweging op de zwarte lijst staat. Naast hem staan Michael Williams, de scenarist (Geraint Wyn-Davies), producent Paul Jarrico (John Sessions, die een prachtig Amerikaans accent heeft) en Edward Dmytryk (Sean Chapman). Biberman wordt in de gevangenis gegooid omdat hij en zijn vrouw, actrice Gale Sondergaard (Greta Scacchi) weigeren om 'namen' van communistische vrienden te noemen. Later gaat de film over het maken van 'Zout van de aarde', het verhaal van Mexicaanse mijnwerkers die besluiten te staken vanwege oneerlijke praktijken. Biberman speelt eerst zijn vrouw in de hoofdrol en vervangt haar dan door de Mexicaanse actrice Rosaura Revueltas (Angela Molina). Sondergaard, die door toedoen van haar man jarenlang geen werk heeft kunnen vinden, is daar erg door van streek, maar blijft haar man steunen. Ik vind dat dit een verhaal is dat verteld moet worden, maar ik denk dat de richting beter had kunnen zijn. Alle voorstellingen waren uitstekend. Ik denk niet dat dit een'moet je zien'-film is, maar het is de moeite waard om te zien of je geïnteresseerd bent in deze periode van de geschiedenis of een fan bent van een van de acteurs in de film.

text_en: This film tells the story of Herbert Biberman (Jeff Goldblum), who is blacklisted at the height of the anti-communism movement. Listed along with him are Michael Williams, a screenwriter (Geraint Wyn-Davies), producer Paul Jarrico (John Sessions, who does a fine American accent) and Edward Dmytryk (Sean Chapman). Biberman is thrown in prison because he and his wife, actress Gale Sondergaard (Greta Scacchi) refuse to "name names" of communist friends. Later on, the film deals with the making of "Salt of the Earth", which tells the story of Mexican mine workers who decided to strike due to unfair practices. Biberman first casts his wife in the lead role, then replaces her with Mexican actress Rosaura Revueltas (Angela Molina). Sondergaard, who has been unable to find work for years because of her husband, is very upset by this, but continues to stand by her husband. I think this is a story that needed to be told, but I think the direction could have been better. All of the performances were excellent. I don't think that this is a "must see" film, but it's worth seeing if you are interested in this period of history or are a fan of any of the actors in the film.


text: Ik begrijp niet waarom er van deze in 2000 gemaakte film, geregisseerd door Karl Francis, geen video of dvd is gemaakt. Hij toont de problemen van _The Hollywood Ten_ zonder de bekeerling te bekritiseren, en hij is heel ontroerend en goed gespeeld. We voelen mee met de personages die verstrikt zijn geraakt in het tragische McCarthy-tijdperk en gevangenzitten vanwege hun linkse standpunten. Het had heel goed kunnen mislukken omdat het een afgezaagd onderwerp is, maar de regisseur heeft het een fris, humanitair perspectief gegeven. Als de cast eenmaal begint met het maken van een film of hun eigen film, _The Salt of the Earth_, verandert het ritme en is de opluchting immens dat ze niet vervolgd worden. Zijn integriteit was even groot als de heldhaftigheid van de hoofdrolspeler.

text_en: I can't understand why this film made in 2000 directed by Karl Francis hasn't been made into a video or DVD. It shows the problems of The Hollywood Ten without preaching to the converted, and is very moving and well acted. We sympathise with those characters who are caught up in the tragic McCarthy era and imprisoned for their left wing views. It could well have failed as it is a hackneyed subject but the director managed to give it a fresh, humanitarian perspective. Once the cast enters into making a film or their own, The Salt of the Earth, the rhythm shifts and the relief is immense that they are safe from persecution. At the preview, the director's integrity matched the heroism of the lead actor. I strongly recommend it.


text:
Ik heb die film op het Starz-kanaal gezien. Ik had er nog nooit van gehoord. Ik heb hem gezien omdat ik dacht dat Jeff Goldblum, die een ster is, goede projecten zou uitkiezen. Deze film is een van zijn mindere keuzes.
Ik kan niet veel over deze film zeggen, behalve dat hij op een heel amateuristische manier saai en prekerig was, met dialogen in de stijl van B-films en weinig overtuigende optredens.
Ik liep weg van deze puinhoop zonder een kik te geven of te schreeuwen over de Tien van Hollywood, Het Zout der Aarde, de Zwarte Lijst en bovenal over deze afschuwelijke'studentenfilm'.
Ik hoop eigenlijk dat ik er nooit meer iets over hoor!

text_en:
I saw this movie on the Starz channel. I'd never heard of it. I watched it because I thought that Jeff Goldblum, being a star, would pick good projects. This movie is one of his poorer choices.

Theres not much I can say about this film other than it was boring and preachy in a very amateurish kind of way, with B-movie style dialogue and unconvincing performances.

I walked away from watching this mess not giving a hoot or a holler about the Hollywood Ten, Salt of the Earth, the Blacklist and above all this dreadful "student" film.

In fact I hope I never hear about it ever, ever again!


text:
Mijn voornaamste bezwaar tegen deze film is dat hij maar één kant laat zien van waar het op de zwarte lijst allemaal om ging. De mannen op de lijst schreven samen veel films waarin ze altijd één kant van een verhaal lieten zien, waardoor de kleine man het slachtoffer werd & de grote zakenlui de schurken. Dit is wat de machthebbers in zowel Washington als Hollywood dwarszat, omdat er in de jaren dertig & veertig veel linkse sympathisanten in Hollywood waren. Onze regering overdreef & het schrikbewind begon. Er wordt hier niet over gepraat, ik vond Greta Saachi als Gale Sondergard leuk die geen grote actrice was. Ze heeft hier een Oscar gewonnen voor haar eerste voorstelling & heeft sindsdien altijd bijrollen gespeeld, ik vond Goldblum goed als Biberman ook een kleine schrijver van films.

als altijd

jay harris.

text_en:
My main objection to this movie is that it only shows one side of what the blacklist was all about. The men on the list wrote many films between them always showing one side of a story, making the little guy the victim & big business the villians, This is what irked the powers in both Washington & Hollywood, Since in the thirties & early forties,there many left wing sympathizers in Hollywood. There was an overraction by our government.& the reign of terror began. NONE of this is talked about, I liked Greta Saachi as Gale Sondergard WHO WAS NOT a major actress, She won here Oscar for her first performance & was in supporting roles ever since, I felt Goldblum was effective as Biberman also a minor writer of films,

 as always

 jay harris


text:
Het was zonder blijvende spijt en met diepe voldoening dat ik gisteravond 'Een van de tien van Hollywood' in de diepste diepten van mijn geest begroef, in de hoop het licht van het bewustzijn nooit meer terug te zien. Ik had de voortgang van deze productie enige tijd gevolgd en was nieuwsgierig naar de uitkomst. Ik zal de film niet bederven voor de niet-ingewijden, die hun tijd graag verspillen door de inhoud van de film te redigeren, want er is nauwelijks een inhoud!
Ik wist heel goed van de tien van Hollywood en hun strijd. Maar na vijftig jaar en een paar oneindig superieure films heb ik het gevoel dat dit onderwerp zijn tijd heeft gehad en net als het negatief van deze film diep, diep onder de grond begraven moet worden. Ik heb twee redenen om te zeuren over 'Een van de tien Hollywood-films'. Ten eerste is het een afgrijselijke amateurfilm met een fatale slechte cast, met afschuwelijke, clichématige hoofdrollen die sinds de inauguratie van Roosevelt niet meer zijn vertoond. Er is weinig of geen dramatische spanning en sommige scènes zijn zo slecht dat je ze moet zien om ze te kunnen geloven. Mijn andere reden om deze film niet te mogen is dat hij is gemaakt met geld dat beter besteed had kunnen worden aan producties van jongere, nieuwere en bekwamere mensen.
Schande, schande, schande over de vertegenwoordiger van de Britse loterij die deze film voor financiële doeleinden heeft belicht. Daardoor vraag ik me echt af wie er verantwoordelijk is voor het verspreiden van 'film'-loterijgeld. Dacht de bbc of de lotto echt dat ze winst zouden maken met deze puinhoop?

Moderne, 'hippe' producenten zullen de Britse filmindustrie ongetwijfeld graag uitlachen omdat ze in de jaren veertig, vijftig en zestig'massa-amusement' schiepen. Maar Arthur Rank, Lew Grade e.d. wisten hoe ze een publiek moesten vermaken, en de bbc en de Britse loterij konden heel goed een blaadje uit hun boek halen.
<0x3E> Nu er overheidsgeld wordt uitgegeven aan deze prekerige onzin, verdienen we geen filmindustrie meer.

text_en:
It was without lasting regret and with deep satisfaction that, last night, I buried "One of the Hollywood Ten" to the innermost depths of my mind, hopefully never to see the light of consciousness again. I had followed the progress of this production for some time and was curious as to the outcome. I won't spoil the film for the uninitiated, who love to waste their time, by editorialising the film's content, for there is hardly any content!

I knew very well of the Hollywood Ten and their struggle. But after 50 years and a couple of infinitely more superior movies I feel this topic has had its day and should, like the negative of this movie, be buried deep, deep underground.

I have two reasons to gripe about "One of the Hollywood Ten". Firstly, it is hideously amateurish and fatally miscast with awful, cliched one liners that haven't been heard since Roosevelt was inaugurated President. There is little or no dramatic build up and some of the performances are so bad they have to be seen to be believed. My other reason for disliking this film is that it was made with money that could have gone into productions run by younger, newer and more competent people.

Shame, shame, shame on the British Lottery rep who green lit this film for financial consideration. It really makes me question who is in charge of dispersing "film" lottery money. Did the BBC or the Lottery seriously think they would make a profit with this mess?

Modern, "hip" producers I am sure love to make fun at the British film industry of yesterday for creating in the 40s, 50s and 60s so called "mass entertainment". But Arthur Rank, Lew Grade etc knew how to entertain an audience, and the BBC and the British lottery could well take a leaf from their books.

With public money being spent on this preachy rubbish we don't deserve a film industry anymore.


text: 'Ik maak mijn geest los, en dan word ik verliefd.'<br />Liefde stond in je ogen. Parijs in de nacht, in de schemering, op jazzy avonden, op een regenachtige middag, op een zonnige ochtend <0xE2><0x80><0x93> het betere leven in de jaren vijftig met Horst Buchholz en Romy Schneider als de twee verloren zielen die worstelen voor hun liefde en leven. Deze film is overladen met zwierige en levendige scènes. Horst en Romy waren in die tijd de grootste filmsterren in Duitsland en in deze film samen zijn ze beter dan ooit. Horst 'Monpti' is een Hongaarse kunstenaar zonder geld en zonder gezelschap, behalve een eendje dat Napoleon heet. Hij ontmoet Romy die minder of meer eenzaam lijkt dan hij. Ja, een heel romantische film en ook een komedie die als drama eindigt. Zaza zingt 'Don't play me that shadow blue'. Deze Duitse film over een verloren liefde van lang geleden is een juweel om te ontdekken. 'Your love will stay in my heart.'

text_en:
"I loose my mind at all, and then I fall in love."

Love was in your eyes. Paris by night, in twilight, on jazzy evenings, on a rainy afternoon, on a sunny morning - High life in the fifties with Horst Buchholz and Romy Schneider as the two lost souls struggling for their love and life. This film is overloaded by dashing and lively scenes. Horst and Romy were the biggest movie stars in Germany at that time and in this film together they are better than ever. Horst "Monpti" is a Hungarian artist with no money and no company but a little duck called Napoleon. He meets Romy who seems to be less or more lonely than he is. Yes, a very romantic film and also a comedy ending up as drama. Zaza sings "Don't play me that shadow blue". This German film about lovelorn long ago is a real gem to be discovered. "Your love will stay in my heart."


text: Het is een wijdverbreid bijgeloof dat wanneer er een boek wordt gefilmd, de film meestal inferieur is aan het boek. De meest waarschijnlijke verklaring voor dit ongegronde idee is dat veel mensen een of ander boek hebben gelezen, bijvoorbeeld 'Oorlog en vrede' van Tolstoj. Wanneer ze horen dat het boek is gefilmd, worden ze overgehaald om de film te gaan zien. En vaak worden ze teleurgesteld. Daarentegen zal slechts een verwaarloosbare minderheid een film gaan zien, ontdekken dat het een gedramatiseerde roman is, en het boek gaan lezen. Ik behoor toevallig tot die minderheid. En ik ben in staat een lange lijst van boeken op te sommen die inferieur bleken te zijn. Von Vaszery heeft echter ook het script voor de film geschreven. Ik heb zorgvuldig elk verschil tussen de film en de roman bestudeerd. Ik ben van mening dat de filmversie in alle gevallen superieur is als je die op zichzelf beoordeelt, terwijl de boekversie beter in het geheel past. Maar ik beweer ook dat de filmversie onveranderlijk zo veel beter is dat alleen een formalist de boekversie zou verkiezen. Bovendien is de film ook superieur als er geen duidelijk verschil tussen beide is. In mijn jeugd vond ik Romy Schneider mooi, maar niet mooier dan veel andere actrices of zelfs figuranten in haar eigen films. Ik bedoelde ook dat ze een bekwame actrice is, maar niet bekwamer dan vele anderen. Later werd mijn fascinatie veroorzaakt door twee films, Monpti en Claire de femmes. Ik was drieënvijftig toen ik Monpti voor het eerst zag. Of het nu een subjectief idee is of niet, ik vind Monpti nog steeds de beste Duitse film die ooit is gemaakt.

text_en: It is a widespread superstition that when a book is filmed, the movie is usually inferior to the book. The most probable explanation of this groundless idea is that many people have read this or that book, say, Tolstoy's 'War and Peace'. When they learn that the book has been filmed, they are induced to go and see the movie. And often they become disappointed. By contrast, only a negligible minority will first see a movie, discover that it is a filmed novel, and therefore read the book. I happen to belong to this minority. And I am capable of presenting a long list of books which turned out to be inferior. Gabor von Vaszery's novel 'Monpti' is merely one example among many others. However, von Vaszery also wrote the script for the movie. I have carefully studied every difference between the movie and the novel. It is my view that in each and every case the film version is superior if assessed in itself, while the book version fits more properly into the work as a whole. But I also claim that the film version is invariably so much improved, that only a formalist could prefer the book version. Besides, the movie is also superior whenever there is no obvious difference between both. - - - In my youth I thought that Romy Schneider is beautiful, but not more beautiful than many other actresses or even extras in her own movies. I also meant that she is a skilled actress but not more skilled than many others. Later, my fascination was caused by two movies, 'Monpti' and 'Claire de femmes'. I was 53 when I saw 'Monpti' for the first time. Whether or not it is a subjective idea, I still think that 'Monpti' is the best German movie ever made.


text:
De dagen van weleer, de straten van Parijs, orde en chaos, mensen en gebouwen, auto's en verkeer, en... een man van middelbare leeftijd die ons een verhaal wil vertellen, deels grappig, deels droevig: een liefdesverhaal...
De film begint op een nogal vreemde manier, vooral als we kijken naar het jaar waarin hij is gemaakt. Hij lijkt te rommelig, zonder enige orde, omdat hij zo middenin begint. Niettemin verklaart de openingsscène van 5-10 minuten waar het allemaal om draait. We beseffen al snel dat het de hoofdheld is die tegen ons praat en ons iets probeert te vertellen wat veel voor hem betekent.
Ja, dat is wat demoti in uw herinnering zal blijven. Het is een mooi, onschuldig verhaal over oprechte liefde tussen twee arme jonge mensen die elkaar toevallig tegenkomen en verliefd op elkaar worden. Monpti (Horst Buchholz) is een jongeman die de kost verdient met het schilderen van schilderijen die hij in Parijs verkoopt. Hij is verloren, eenzaam en in veel situaties in de war, maar... hij wordt gelukkig door een jong meisje, Anne Claire (Romy Schneider) die hij een keer in een park ontmoet en op wie hij verliefd wordt. Ze is heel jong, mooi en onschuldig, maar er is één probleem met haar dat Monpti niet ziet: het enige wat ze hem vertelt is een misleidende leugen over haar zogenaamde chauffeur, rijke familie en verloving. Maar toch, wat zijn die leugens rechttoe rechtaan en naïef! Ze leeft in de fantasie van rijkdom en voelt zich daar goed bij, of in elk geval meer op haar gemak. Maar hun jeugdige liefde en vreugde, vergelijkbaar met het kussen van drie sinaasappels, staat in contrast met een ander stel dat aanzienlijk ouder is en dat in luxe leeft, vergelijkbaar met kille elegantie en ingehouden emoties. Dit al te rijke stel is daar met een bepaald doel, zoals de verteller ons vertelt...
Een ander voordeel van de film, afgezien van het voornoemde verhaal, zijn de vele humoristische momenten. Hoewel _MONPTI_ nogal triest van inhoud en soms zelfs melancholiek is, zit het vol prachtige humor die verschillende kijkers zal aanspreken. Ik genoot van de scène in een luxueus restaurant, waar Monpti zo in de war is over hoe hij zich moet gedragen, hoe hij moet eten omdat hij zo dicht bij 'vlammen van vuur' is... De hele scène met een eendje, Napoleon, is ook heel amusant. De eend is gewoon alles wat hij (Monpti) heeft, afgezien van de liefde, die hij Anne Claire kan bieden <0xE2><0x80><0x93> die schattige kleine Napoleon die hij in zo'n hilarische situatie heeft verloren. Gezien de humor zou ik ook de eerste ontmoeting tussen Monpti en Anne Claire in het park moeten noemen: 'Heb ik dat echt gezegd?' vraagt het meisje zich af, en de jongen neemt alles zo serieus...
Een ander aspect van de film is de titelmelodie, een liedje dat Monpti ooit zingt als Anne Claire hem bezoekt. Het heeft melancholie, genegenheid, maar ook veel plezier en vitaliteit, en als gevolg daarvan past het heel goed bij de film. De stijgende en dalende melodieën geven inderdaad de emotionele gemoedstoestanden van de hoofdfiguren weer: een Hongaarse in Parijs die zich in de meest onverwachte omstandigheden bevindt, een arm meisje dat ervan droomt rijk en onafhankelijk te zijn. Aan dit artistieke aspect moet ik de optredens van die twee toevoegen: Romy Schneider en Horst Buchholz. Ze passen bij elkaar en spelen overtuigend. Je kijkt ernaar en hebt het gevoel dat het een echt jong stel is dat tot over zijn oren verliefd is.
Er is nog één aspect dat ik moet noemen: het historische aspect. Als we bedenken dat de film in 1957 in de Herzog-studio werd gemaakt, is het een zuiver Duitse film (al was het alleen maar om eraan te herinneren dat Herzog beroemd is om de vele films van Ernst Marischka, de regisseur van SISSI). Maar de stijl van de meeste Duitse en Oostenrijkse films uit die tijd wordt erdoor overschaduwd: wat we in monni vinden is het ontbreken van een lineaire plot, er zijn flashbacks die dromen en fantasieën laten zien, er is een mengeling van komedie en drama die maatschappelijke situaties aanpakt. Het contrast dat op de paren wordt aangebracht, lijkt de gedachte te vertegenwoordigen die het probleem van sociale tegenstrijdigheden oproept: de rijken en de armen en hoe de twee groepen tegen de wereld aankijken. Dromen verwijzen naar de freudiaanse psychoanalytische theorie van de mens met zijn verlangens, en bijgevolg bevat de Duitse bioscoop deels het surrealistische. Het gebrek aan lineaire actie lijkt op de superioriteit van karakterontwikkeling tot het verhaal zelf. Daarom is de film iets vernieuwends voor de Duitse bioscoop in de jaren vijftig. Het is ook een film die Romy 'behandelde' voor het lieve beeld van Sissi en een 'preludium' vormde voor haar Franse carrière (natuurlijk niet de enige film die dat deed, maar een belangrijke en een vroege: 1957).

MONPI is een aardige, onderschatte film over eenvoud, jeugdige vreugde, pure genegenheid waar alle jonge mensen misschien doorheen komen als ze dat willen. Het is ook een prachtig inzicht in een verandering die in de film is geïntroduceerd. Zeer aanbevolen!

text_en:
Days of yore, the streets of Paris, order and mess, people and buildings, cars and traffic, and... a middle aged man that wants to tell us a story, partly humorous, partly sad one: a love story...

The movie begins in a pretty strange way, particularly when we consider the year it was made in. It seems to be too messy, without any order, beginning so much in the middle. Nevertheless, the opening 5-10 minutes explain what the action is going at. We soon realize that it is the main hero who speaks to us and attempts to tell us something that means much to him.

Yes, that is what MONPTI will leave in your memory most. It is a beautiful, innocent STORY about genuine love of two poor young people who meet by chance and fall in love. Monpti (Horst Buchholz) is a young man who makes a living painting pictures and selling them in Paris. He is lost, lonely, confused in many situations but...happiness comes to him through a young girl Anne Claire (Romy Schneider) whom he once meets in a park and with whom he falls in love. She is very young, beautiful, innocent but there is one problem about her which Monpti does not see: all she tells him is an illusive lie about her alleged chauffeur, wealthy family and engagement. Yet, how straightforward, how naive these lies are! She lives in the fantasy of wealth and feels good about it or at least more comfortable. However, their youthful love and joy comparable to kissing three oranges is contrasted with another couple who are considerably older and who live in luxury comparable to cold elegance and restrained emotions. This overly rich couple is there for some purpose, as the narrator tells us...

The movie's another advantage, except for the aforementioned story, are its many humorous moments. Although MONPTI is rather sad in its content and sometimes even melancholic, it is filled with wonderful humor that will appeal to various viewers. I loved the scene in a luxurious restaurant where Monpti is so confused how to behave, how to eat being so close to "flames of fire"... The whole sequence with a little duck, Napoleon, is also very amusing. The duck is simply all he (Monpti) has, except for love, that he can offer Anne Claire - lovely little Napoleon lost in such a hilarious situation. Considering humor, I should also mention Monpti and Anne Claire's first meeting in the park: "Did I really say that?" wonders the girl and the boy takes everything so seriously...

Another aspect of the movie is the title melody, a song that Monpti once puts on when Anne Claire visits him. It has melancholy, affection but also a great fun and vitality in some parts and, as a result, fits to the movie really well. The rising and declining tunes indeed express the emotional states of the main heroes: Hungarian in Paris who finds himself in the most unexpected circumstances, a poor girl who dreams to be rich and independent. To this artistic aspect, I have to add the performances of the two: Romy Schneider and Horst Buchholz. They fit as a couple and act convincingly. You just watch and feel as if it's a real young couple head over heels in love.

There is one more aspect that I have to mention: the historical one. Keeping in mind that the film was made in 1957 in Herzog studio, it is a purely German movie (just to remind the fact that Herzog is famous for many movies by Ernst Marischka, the director of SISSI). Yet, it puts aside the style of most German and Austrian movies of that time: what we find in MONPTI is the lack of linear plot, there are flashbacks showing dreams and fantasies; there is a mixture of comedy and drama addressing social situations. The contrast put on the couples appears to represent the thought provoking problem of social discrepancies: the rich and the poor and how the two groups regard the world. Dreams refer to the Freudian psychoanalytic theory of man with his desires and, consequently, German cinema partly contains the surreal. The lack of linear action resembles the superiority of character development to story itself. Therefore, the movie is something innovative for 1950s German cinema. It is also another movie that "cured" Romy of the sweet image of Sissi and constituted a "preludium" to her French career (of course not the only film doing that but an important and an early one - 1957).

MONPTI is a nice underrated film about simplicity, youthful joy, pure affection that all young people may get through when they only want to. It's also a wonderful insight into a change introduced in cinema. Highly recommended! 7/10


text: Deze film zou een juweel kunnen zijn als het geen vervalsing was; hij wordt grotendeels in stand gehouden door de geweldige prestatie van de 2 acteurs, bovendien is er een aangename en gelukkige keuze aan personages om hen heen, het toneelspel heeft prachtige passages maar. het geheel wordt ongelooflijk verkwist door een ton moralistisch non-verstand, voornamelijk anti-seksueel: de geliefden geven hun hartstocht uit in duizenden kussen, maar zijn nooit in staat die te voltooien met wat je verwacht dat ze moeten doen; in plaats daarvan komt hier de straf: na het laatste domme, ongelooflijke en zinloze misverstand rent het meisje weg en wordt ze aangereden door een auto; hij gaat naar het ziekenhuis en alles lijkt in orde, maar als hij terugkomt zegt de dokter dat ze dood is; wat verwacht je dan dat hij doet, misschien in tranen uitbarsten? Helemaal niet, hij is koel, kalm en sereen, zoals het precies was wat hij hoopte van de romance. Pure christelijke stijl: de vrouw die aan seks denkt, sterft.

text_en: This film could be a real gem if it would not be a fake; it is largely sustained by the great performance of the 2 actors, also there is a pleasant and fortunate choice of characters around them, the screen play has wonderful passages but ... the whole is incredibly wasted under a ton of moralistic non sense mainly anti sexual: the lovers go around spending their passion in thousands of kisses but never are able to complete it with what you are expecting they must do; instead here is the punishment; after the last stupid, unbelievable and meaningless misunderstanding the girl run away and is knocked down by a car; he visits her at the hospital all seems OK but when he comes again the doctor says she is dead; what do you expect him to do, perhaps bursting into tears? Not at all, he's chilly, calm and serene as it was exactly what he was hoping from the romance. Pure Christian style: the woman who thinks to sex dies.


text:
Toen ik zeventien was <0xE2><0x80><0x93> of oud, als je wilt <0xE2><0x80><0x93> waren veel dingen bij ons thuis complete geheimen. Twaalf kinderen en een serieuze, maar zeer katholieke vader waren getrouwd en hadden een slimme, zachtaardige moeder. Samen moesten ze voor zeven zussen en vijf broers zorgen. Mijn vader mocht de vuistvertaling van de bijbel in een rooms-katholieke vertaling lezen. Dat was nieuw in de rooms-katholieke wereld.
De vier boeken waren goed vertaald, netjes geredigeerd en professioneel gereproduceerd door de Petrus Canisius Stichting. Op een avond ging ik naar de bioscoop en zag de fantastische film 'Monpti' (Frans voor Mon Petit, wat eigenlijk 'Mapetite' zou moeten zijn). voor een meisje als Romy Schneider.
De auteur van het oorspronkelijke boek was Gabor von Vaszary, die het in het Duits schreef, hoewel hij een geboren Hongaar was. De zachte en een van de beste Duitse filmregisseurs, Helmuth Kavortner, maakte een mooie film zonder nonsens, maar met een heleboel eenvoudige en <0xE2><0x80><0x93> alleen in economisch opzicht <0xE2><0x80><0x93> goedkope beelden. Ik heb me afgevraagd of het mogelijk is een nieuwe versie te maken met hetzelfde respect voor jongeren die het leven serieus nemen, maar er een vreugde van maken omdat echte liefde die macht heeft... vreugde in het leven.
De beste vriend van mijn vader was lid van het Nederlandse parlement. Hij begreep mijn verborgen aanval op de extreem strenge regels van de Kerk. En vreemd genoeg verdedigde hij mijn proefschrift over de strikte regels van het instituut. We hadden een goed gesprek dat voor mij de deur opende naar het leven zoals het is en niet zoals het georganiseerd zou moeten worden door een vreemde religieuze instelling. Ongeveer een jaar geleden las ik Von Vaszary's boek en was verbijsterd over de taal van Ka deitners film en Von Vaszary's tekst.

text_en:
When I was seventeen years young - or old if you like - a lot of things were complete secrets in our home. Twelve children and a serious but very Catholic father was married with a clever and soft mother. The two of them had to take care of seven sisters and five brothers. My father was allowed to read the fist translation of the Bible in a Roman Catholic translation. That was new in the Roman Catholic world.

The four books were well translated, nicely edited and professionally published by the Petrus Canisius Foundation. One evening I went to a cinema and saw the amazing movie 'Monpti' (French for Mon Petit that in fact should be 'Mapetite' for a girl like Romy Schneider.

The author of the original book was Gabor von Vaszary who wrote it in German although he was a born Hungarian. The soft and one of the best German film-directors, Helmuth Kaütner, made a fine film with no nonsense but a lot of simple and - only economically - cheap. I have wondered if it is possible to make a new version with the same respect for youngsters who take life serious but make it a joy because real love has that power... joy in life.

The best friend of my father was a Member of the Dutch Parliament. He understood my hidden attack on the extremely severe rules of the Church. And strangely enough: he defended my thesis on the strict rules of the Institution. We had a good chat that opened to me the door to life as it is and not as it should be organized by a world strange religious Institution. About a year ago I read von Vaszary's book and was flabbergasted about the language of Kaütner's movie en von Vaszary's text.


text: Een stel jonge volwassenen trekt diep het bos in, naar een afgelegen blokhut, en vertelt elkaar een aantal enge verhalen in de stijl van een griezelverhaal. Het eerste en coolste verhaal: Een piepklein albino Bigfoot-beest achtervolgt een tienerstel dat in de rimboe vast komt te zitten nadat hun auto zonder benzine is komen te staan. Het tweede en meest angstaanjagende verhaal: Drie corpsstudenten brengen de nacht door in een oud, verlaten ziekenhuis waar het naar verluidt spookt. Het derde en meest verontrustende verhaal: Een muisachtige, onderdrukte jonge studente blijkt een gestoorde moordenares te zijn. Tot slot ontdekt ons bonte gezelschap van jonge volwassenen dat de plaatselijke legende van een kwaadaardige Indiase winddemon helemaal niet zo vergezocht is. Wilson en schrijver Richard H. Wadsack hebben een leuk en boeiend omnibusuitstapje in elkaar gezet dat de gebruikelijke bloederige beelden en bloedvergieten verkiest boven het creëren en handhaven van een uiterst griezelige en nachtmerrie-achtige sfeer van het middernachtelijk duister-op-het-kerkhof; met name de openingstitels zijn erg huiveringwekkend en de slotaflevering heeft een verdomd harde klap uitgedeeld. De geïsoleerde omgeving van het bos geeft een werkelijk zenuwslopend gevoel van angst en kwetsbaarheid. De geestdriftige, huiveringwekkende en bevende score van Don Zimmers doet de huiveringwekkende truc. De mooie, redelijk gepolijste cinematografie van Robert E. Rogers doet hetzelfde. Bovendien leveren alle acteurs zonder naam een innemende, oprechte en enthousiaste vertoning. Een schandelijk verwaarloosde en niet aangekondigde drive-in terreuractie.

text_en: A bunch of young adults go deep into the woods to a remote cabin and tell each other several scary urban legend-style stories. First and coolest vignette - A diminutive albino Bigfoot creature stalks a teenage couple who find themselves stuck in the middle of nowhere after their car runs out of gas. Second and most frightening tale - Three college fraternity pledges spend the night at an old abandoned hospital that's said to be haunted. Third and most disturbing yarn - A mousy, repressed young coed turns out to be a deranged murderess. Finally, our motley group of young adults discover that the local legend of a vicious Indian wind demon isn't far-fetched in the least. Director James L. Wilson and writer Richard H. Wadsack neatly craft a fun and engrossing omnibus outing that eschews the usual graphic gore and bloodshed in favor of creating and sustaining a potently creepy and nightmarish midnight-in-the-graveyard gloom-doom atmosphere; the opening credits sequence in particular is very chilling and the conclusion packs one hell of a terrifying punch. The isolated sylvan setting projects a truly unnerving sense of dread and vulnerability. The spirited shivery'n'shuddery score by Don Zimmers does the flesh-crawling trick. The pretty, fairly polished cinematography by Robert E. Rogers likewise hits the spot. Moreover, the game no-name cast all contribute winningly sincere and enthusiastic performances. A shamefully neglected and unheralded drive-in terror treat.


text: een film die ik voor het eerst zag in 1979 tijdens de rit naar huis. Ik was nog heel jong, maar het verhaal over de 'groene kamer' bracht me echt van mijn stuk. Nu ik de film jaren later zie, is het een heel vreemde en vreemde film. de hele film heeft een vreemde uitstraling. het is erg amateuristisch, maar een groot deel van de film werkt echt. het geweldige einde is bizar, maar fascinerend. over het geheel genomen een goede film om naar te kijken voor de fans van de verzamelde films. hij is niet gemakkelijk te krijgen, maar de originelen bestaan nog, hoewel elke dvd een illegale kopie is, zoals ik al zei. ik zou zeggen dat hij over het algemeen goed bij de tijd past, omdat hij aan het eind van de jaren zeventig is opgenomen. de acteerprestaties zijn niet geweldig, maar hij past goed bij de film. Ik had verwacht dat de episode in de 'groene kamer' voor de meesten het favoriete verhaal zou zijn.

text_en: a film i first saw in 1979 at the drive in. i was very young, but the'green room' story really shook me up. seeing the film years later it's a really odd and weird film. there's a weird aura to the whole film. its very amateurish, but a lot of it really works. the great ending is bizarre, but haunting. overall a good film to watch for the anthology fan. it's not easy to get hold of. but originals on VHS do exist, though any DVD is a bootleg as of this writing. i'd say overall it really fits the times, as it was filmed in the late 70's. the acting isn't great, but it is pretty fitting for the film. and i'd expect the 'green room' episode to be the favorite story to most.


text: Quinton Tarantino nam deze film op in zijn LA Grindhouse Filmfestival van 2007, en de afdrukken kwamen niet alleen uit zijn persoonlijke collectie, maar hij introduceerde de film zelf bij de eerste vertoning. Zijn loftuitingen volgden de lijn van de recensie die boven aan dit IMDb-artikel verscheen: dit was vernieuwend in 1978 (ik zag hem voor het eerst op de testmarkt, voordat hij in het land werd uitgebracht). Tarantino beweerde dat hij geloofde dat dit de eerste van de 'kinderen-gaan-naar-het-meer-filmpjes' was; dat het vernieuwend was in de'verhalen-in-het-verhaal' van het genre; en dat het acteerwerk, de regie, het camerawerk en de special effects verdomd goed waren. En ze hebben allebei gelijk. Het kostte minder om de markt te maken en te testen dan de productie van de gemiddelde regionale tv-spot van tegenwoordig. Nog meer trivia: zie de naam van de geluidsmixer: Ron Judkins. Tweemaal Oscarwinnaar. William Ragsdale: 'Fright Night', enz. En zoek Gil Glascow op op imdb; hij heeft al die jaren gestaag gewerkt.

text_en: Quinton Tarantino included this flick in his 2007 LA Grindhouse Film Festival, and the print was not only from his personal collection, but he introduced the movie himself at it's first screening. His praise followed the lines of the review appearing at the head of this IMDb comments section: this was innovative in 1978 (I saw it first in its test market run, before it got national distribution). Tarantino asserted the belief that it was the first of the "kids-go-to-the-lake" scare flicks; that it was innovative in its "stories-within-the-story" for the genre; and, that for the dollars, the acting, directing, camera work and special effects are pretty damn good. And they're both right. It cost less to make and test market than the production of the average regional TV spot today. More trivia: note the name of the sound mixer: Ron Judkins. Two-time Oscar winner. William Ragsdale: "Fright Night", etc. And look up Gil Glascow in IMDb; he's worked steadily all these years.


text:
Zit iedereen hier naar dezelfde film te kijken? Ik geef toe dat _Schreuken van een winteravond_ een geweldige titel is voor een film, en een uitgangspunt dat uiteindelijk beter benut zou kunnen worden: negen of tien oude bekenden van de universiteit die elkaar niet echt lijken te mogen of elkaar zelfs maar kennen, maken een ritje naar een zomerhuisje dat gesloten is voor het buitenseizoen en waar dertig jaar geleden een gruwelijke massamoord heeft plaatsgevonden (die vreemd genoeg wel gehoord maar niet gezien is tijdens de aftiteling). Onderweg stoppen ze bij een benzinestation in de buurt dat gerund wordt door wat de boosaardige tweeling van de Beverly Hillbillies lijkt te zijn, die hen tevergeefs proberen te waarschuwen. Het probleem begint als de kinderen bij elkaar gaan zitten en elkaar enge griezelverhalen gaan vertellen om de tijd te doden. Wat prima zou zijn, ware het niet dat ze elkaar die verhalen lijken te vertellen omdat ze niets anders hebben om over te praten. Er is geen sprake van een ontwikkeling, geen karakterontwikkeling, en er bestaat geen zichtbare band tussen hen, afgezien van een stel dat niet eens seks heeft op het scherm omdat de film alleen maar een PG-rating had.
Dan is er nog John, de sufkop die de autorit heeft georganiseerd. Hem irritant noemen is een compliment. Hij is onuitstaanbaar. Het idee was om zijn personage af te schilderen als een soort nerd of sukkel wiens familie vaak in het huisje kwam. De film slaagt er onbedoeld goed in hem af te schilderen als een potentiële gek die zijn collega's naar deze omgeving heeft gelokt om hen allemaal op brute wijze te vermoorden, maar dat werkt niet. Hij is alleen maar irritant en we krijgen niet eens de voldoening om hem op een amusante, ironische manier te zien sterven nadat hij meer dan een uur lang met zijn aanwezigheid is opgezadeld.
Maar het aspect van de horror-anthologie is interessant, en alle drie de verhalen hebben effectieve momenten. De CREEPSHOW-films zijn nog steeds de moderne koningen van de horror-anthologische traditie, een traditie die teruggaat tot de jaren veertig met de weergaloze DOAD OF NATURE, een andere klassieker is Mario Bava's fabelachtige BLACK SABBATH uit 1963 en de over het hoofd geziene H.P. Lovecraft collectie NECRONOMICON: BOEK VAN DE DOOD uit 1992. Gewoonlijk heeft een griezelbloemlezing een of ander verhaal dat drie of vier segmenten verbindt die elk hun eigen macabere verhaal vertellen. De unieke invalshoek deze keer is dat de verhalen in feite bevolkt worden door de mensen in de segmenten die met elkaar verbonden zijn, als een soort alternatieve identiteit.
Wat een geweldig idee had kunnen zijn, ware het niet dat de mensen zo onsympathiek zijn dat de verhaalsegmenten niet dienen als een respijt van hun gezelschap. Er is een heel vreemd gedeelte wanneer de 'kinderen' beginnen te tikken & te klikken in een ritme dat zich langzaam opbouwt tot een kakofonie die een van de vrouwen tot razernij drijft. Ik zou ze allemaal koud hebben gemaakt omdat ze zo kinderlijk onhebbelijk zijn. Ze lijken niet eens te drinken uit de lege bierblikjes die ze als rekwisieten rondzwaaien, en Johns capriolen om de vrouwen in de groep opzettelijk aan het schrikken te maken worden al snel onwaarschijnlijk. Iemand zou een paar tanden uit zijn mond hebben geslagen omdat hij zo'n lul is en de scène hebben gesplitst. Het is niet grappig, het is niet eng, en de spanning die zich opbouwt is niet gebaseerd op angst, maar op een afnemend vermogen om geduld met hem te hebben.
Uiteindelijk bouwt de film zich op tot een bevredigend gruzelementen van een bovennatuurlijke climax die kennelijk zoveel van de film heeft gevergd.' De film eindigt met een stilstaand beeld waarin ze hand in hand door het bos rennen, en ik vraag me onwillekeurig af of de laatste paar minuten van de actie misschien in het filmlaboratorium zijn opgenomen toen ze zich de kosten niet konden veroorloven.
Dus opnieuw vraag ik me af of we hier naar dezelfde film kijken. Ik hou van lowbudget regionale horrorfilms met onbekende talenten, en ik ben dol op verhalen uit de vergetelheid. Maar de legendes rond de film zijn interessanter dan alles wat op het witte doek gebeurt. Het gerucht gaat dat het in een van de studentenflats die voor een van de verhaalsegmenten worden gebruikt spookt, en het buitenissige wonderkind Quentin Tarentino is de voorvechter van de film. Hij schijnt zijn eigen film te hebben, die hij regisseert voor mensen die niet beter weten dan iets anders te gaan doen, alleen omdat Quentin Tarentino het laat zien. Hij zou oude tandpastareclames kunnen laten zien en de mensen zouden er vol ontzag naar kijken.
De film was pionierswerk in die zin dat hij meer dan een jaar eerder dan 'Vrijdag de 13e' in bioscopen verscheen, met een verhaal over studenten die worden bedreigd tijdens een zomerkamp buiten het zomerseizoen. En het leidde ook tot _Het kwaad dat doodging_ met een verhaal over studenten die rond een in onbruik geraakte blokhut zitten en te maken krijgen met een soort hyperkentische bovennatuurlijke kracht van het kwaad. Maar aangezien dit kwaad nooit wordt verklaard en het aspect van het zomerkamp nooit wordt onderzocht als achtergrond, is het resultaat een verlies aan winst. Ze hadden overal kunnen zijn, het aspect van het zomerkamp diende alleen als middel om het moeilijker voor hen te maken om hulp te zoeken als de brandstof van hun lampen opraakte. Wat wel eens het meest angstaanjagende aspect van de film zou kunnen zijn: opgesloten zitten in het donker met John en zijn griezelige, verontrustende gevoel voor humor & niet eens een radio om naar te luisteren. Een autoritje naar een leegstaande blokhut zonder muziek? Kom nou.
Dus ik snap het gewoon niet. Mijn verwachtingen waren misschien een beetje te hooggespannen, vooral vanwege de titel, die een winterse omgeving en een griezelfilm suggereerde met sneeuw, sleeën, roestige schoppen, kleurige sjaals, verloren wanten, moordzuchtige kerstelfen, misschien een bezeten sneeuwpop. Als je het mij vraagt, hebben ze de verkeerde film gemaakt. Maar wel een geweldige titel!

4/10/'10.

text_en:
Are we all watching the same movie here?? I'll admit that SCREAMS OF A WINTER NIGHT is a great title for a movie, and a sound premise which would eventually be put to better use: Nine or ten college aged acquaintances who don't seem to really like or even know each other take a road trip to a summer camp cottage closed for the off season where a gruesome mass murder (oddly heard but not seen during the opening credits) took place 30 years prior. On the way they stop at a local hick cracker gas station operated by what appears to be the evil twins of the Beverly Hillbillies, who try to warn them off to no avail. So far so good.

The problem begins when the kids start sitting around telling each other ubran legend-ish scary stories to pass the time. Which would be just fine except that they seem to be telling each other these stories because they don't have anything else to talk about. There is no exposition, no character development, and no visible bonds exist between them except for one couple who don't even have sex on-screen since the movie was only rated PG.

Then there is John, the knucklehead who organized the road trip. To call him annoying is complimentary. He is insufferable. The idea was to try and portray his character as some kind of a nerd or dork whose family used to frequent the cottage. The film unintentionally does a good job as setting him up as a potential lunatic who lured his associates to this setting just to brutally murder them all, but no dice. He's just annoying and we don't even get the satisfaction of watching him die in an amusingly ironic manner after being inflicted with his presence for an hour plus.

The horror anthology angle is interesting though, and all three of the stories shown have effective moments. The CREEPSHOW films are still the modern day kings of the horror anthology tradition, one that stretches back to the 1940s with the incomparable DEAD OF NIGHT, another classic being Mario Bava's fabulous BLACK SABBATH from 1963 and the overlooked H.P. Lovecraft collection NECRONOMICON: BOOK OF THE DEAD from 1992. Usually a horror anthology has some sort of linking story connecting three or four segments that each tell their own twisted tale of the macabre. The unique angle this time is that the stories are actually populated by the people in the linking segments as sort of alternate identities.

Which could have been a great idea except that the people are so unlikeable that the story segments don't serve as a reprieve from their company. There's one really odd part when the "kids" start tapping & clicking out a rhythm which slowly builds into a cacophony that drives one of the females into a rage. I would have cold-cocked them all for being so childishly obnoxious. They don't even seem to be drinking from the empty beer cans they wave around as props, and John's antics of deliberately trying to startle the females in the group quickly becomes unlikely. Somebody would have knocked a couple of his teeth out for being such a dick and split the scene. It isn't funny, it isn't scary, and the tension that builds is not based on fright but a diminishing ability to be patient with him.

Eventually the film does build to a satisfyingly gruseome supernatural climax that apparently took so much of the movies' low budget production cost that the filmmakers appear to have literally run out of money while four of the ten were making a frenzied escape through the woods. The movie ends with a freeze-frame of them running hand in hand, and I can't help but wonder if maybe the last few minutes of intended action was abandoned at the film lab when they couldn't afford the processing bill.

So again I ask, are we all watching the same movie here? I enjoy low budget regionally made horror movies starring no-name talents and have a particular fondness for anthology chillers. But the legends surrounding the film are more interesting than anything which takes place on screen. One of the college dorms used for one of the story segments is rumored to be haunted, and maverick wunderkind Quentin Tarentino has championed the movie, supposedly owning his own print which he screens for people who don't know any better than to go do something else just because it's Quentin Tarentino showing it. He could show old toothpaste commercials and people would watch in rapt awe.

The film was pioneering in the sense that it did beat "Friday The 13th" into theaters by over a year with a story of college kids being menaced at an off-season summer camp. And it also proceeded THE EVIL DEAD with a story of college kids sitting around a disused cabin running afoul of some sort of hyperkenetic supernatural force of evil. But since this evil is never explained and the summer camp angle isn't ever explored as a setting the result is a null-sum gain. They could have been anywhere, the summer camp angle only serving as a device to make it more difficult for them to seek out help when their lamps start running out of fuel. Which might be the most frightening aspect of the movie: Being stuck sitting around in the dark with John and his creepy, disturbing sense of humor & not even having a radio to listen to. A college road trip to a disused cabin with no tunes? Come on.

So I just don't get it. My expectations were perhaps a bit high, especially based on the title which suggested a winter time setting and horror hijynx involving snow, sleighs, rusted shovels, colorful scarves, lost mittens, homicidal Christmas elves, maybe a possessed snowman. If you ask me it looks like they made the wrong movie. Great title though!

4/10


text: dit is een film die ik vroeger op de vijfde verdieping heb gezien toen hij net uit was... sommige scènes uit de film zijn me zo'n 30 jaar later bijgebleven tot ik een exemplaar van 15.00 uur op eBay vond... heb hem nog eens bekeken en nu ben ik niet meer bang om hem te vinden maar ik heb er geen spijt van dat ik deze nostalgische, angstaanjagende cultklassieker heb gekregen... maar je moet wel bedenken dat je jezelf moet zien in het jaar waarin hij uitkwam en niet het jaar waarin hij was... op die manier kun je de special effects die 'van' de dag niet van vandaag waren ten volle waarderen... omdat ze duidelijk niet te vergelijken zijn... nou het is zeker de moeite waard om hem te vinden... '... betalen voor de kopie in plaats van het origineel dat je 200 dollar kan opleveren uit plaatsen die er echt nog een paar hebben... dat is alles... genieten...

text_en: this is a movie i saw with the 5th floor back in the day when it came out at the drive in .... some of the scenes in the movie stuck in my head some 30 years later until i tracked down a 15.00 copy off ebay... re-watched it and now I'm not taunted to find it anymore but do not regret getting this nostalgic scary cult classic... worth the watch BUT you must keep in mind that you have to put yourself in the year it came out to watch it not the year were in... that way you can fully appreciate the special effects that were 'from' the day not today.. because they obviously don't compare... well its definitely worth finding... pay for the copy not original that can run you 200+ dollars from places that actually still have a few... thats all... enjoy...


text:
Ik heb deze film lang geleden in 1987 gehuurd. Ik had er nog nooit van gehoord en door de PG-rating verwachtte ik het ergste. Toch ben ik gek op horrorfilms, dus heb ik het geprobeerd. Ik zag het op een donkere, koude winteravond. Buiten woedde een sneeuwstorm, ik was alleen in huis en ik deed alle lichten uit. Onder die omstandigheden joeg deze film me de stuipen op het lijf.
De opening bestaat uit geluidseffecten tegen een zwart scherm van iets dat op een winterse avond een gezin in hun huis aanvalt. Het komt binnen en doodt hen allemaal. Heel effectief <0xE2><0x80><0x93> de geluidseffecten zijn realistisch en NIET HET ZIEN VAN DE SLACHTOFFERS maakt het des te angstaanjagender. Alleen al om die openingsscène is het de moeite waard om dit te zien.
Het is een verhalende film <0xE2><0x80><0x93> een stel kinderen die rond een kampvuur griezelverhalen vertellen. De film is tam (en vergeet niet: hij is PG-geclassificeerd) en de verhalen zijn een beetje voorspelbaar, maar het middelste verhaal zette me aan het denken. Het gaat over een stel jongens die de nacht doorbrengen in een verlaten, zogenaamd spookachtig huis. Ze zijn op de eerste verdieping... en dan horen ze geluiden op de verdieping erboven... DAT maakte me doodsbang. Het einde was echt heel erg, maar dat heeft me een tijdje doen beven.
Dus het is geen goede film, maar er is wel iets wat echt werkt. Ik (voorzichtig) beveel dit aan.

text_en:
I rented this film way back in 1987. I had never heard of it and the PG rating had me expecting the worst. Still I love horror films so I gave this a try. I saw it on a dark, cold winter night. There was a snowstorm going on outside, I was alone in the house and I turned off all the lights. Under those conditions this film scared me silly.

The opening is all sound effects against a black screen of something attacking a family in their house on a winters night. It gets in and kills them all. Very effective--the sound effects are realistic and NOT seeing the monsters makes it all the more scarier. That opening alone is worth seeing this for.

It's an anthology movie--a bunch of kids telling horror stories around a campfire. The movie is tame (remember--it's PG rated) and the stories are kind of predictable but the middle one got me going. It's about a bunch of guys spending the night in a deserted, supposedly haunted house. They're on the first floor...and then they hear noises on the floor above...THAT scared me silly. The ending was REAL bad but, for a while, that had me shaking.

So, it's not a good film, but there's something about it that really works. I (cautiously) recommend this.


text:
Film vervolgen waren iets nieuws in 1925, toen don q, son of zorro een grote winst betekende voor United Artists. Tegenwoordig wordt het beschouwd als een betere film dan het origineel, THE MARK of zorro, uit 1920, die van ster en producent Douglas Fairbanks vijf jaar eerder de personificatie van de Swashbuckler maakte.
Sinds zijn filmdebuut in 1915 had Fairbanks altijd een rol gehad in hedendaagse komedies, als een vrolijke, nooit-op-de-dood-aan-zeggerende go-getter die het meisje krijgt en de slechteriken te pakken krijgt, terwijl hij tegelijkertijd zijn atletische vaardigheid en bravoure tentoonspreidt. Hij was een groot filmacteur, maar zijn populariteit begon te tanen door de monotonie van zijn rollen en auto's. De oprichting van de United Artists Corporation in 1919 gaf de oprichters, Fairbanks, Mary Pickford, Charlie Chaplin en D.W. Griffith, de controle over hun eigen projecten. Fairbanks koos deze gelegenheid om zijn imago opnieuw uit te vinden door de hoofdrol te spelen in de filmversie van The Curse of Capistrano. De verfilmde, door Johnston McCulley geschreven roman was dat jaar gepubliceerd in een populair pulptijdschrift. Het personage Zorro werd daarmee in de wereld geïntroduceerd. De magie van de film verzekerde Zorro van een plaats tussen de fictieve superhelden. Het personage leefde voort in diverse andere filmversies, evenals in boeken, strips, tekenfilms, Halloween-kostuums, speelgoed en in de populaire televisieserie uit de jaren vijftig met Guy Williams in de hoofdrol. In The Mark of Zorro, dat zich afspeelt in het Californië van het begin van de negentiende eeuw, heeft Fairbanks een ingenieus idee bedacht om zijn sympathieke, eigentijdse personage te laten figureren in een kostuumfilm. Hij speelt don Diego Vega, de nietszeggende zoon van een welgestelde rancher die net als de Rode Pimpernel een vermomming draagt om de verarmde bevolking te beschermen tegen de tirannen die aan de macht zijn. Zijn alter ego Zorro's (Spaans voor vos) handelsmerk is de zwarte cape en het kapmasker die hij draagt en de meesterlijke manier van schermen die hij tentoonspreidt. Hij staat erom bekend dat hij zijn slachtoffers brandmerkt met een 'Z' die hij met drie snelle slagen van zijn zwaard maakt. Aan het eind van de film, na Zorro's grootste triomf, wordt zijn identiteit onthuld. Hij gooit zijn zwaard in de lucht. Het blijft steken op een hoge plek op de muur, terwijl Zorro schreeuwt: 'Tot ik je weer nodig heb!' Hoewel het waarschijnlijk niet de bedoeling van Fairbanks was, was deze regel een prima opmaat voor een vervolg, als dat er ooit zou komen.
Na het enorme financiële en kritieke succes van ZORRO bleef Fairbanks het publiek geven wat het wilde in de charismatische Fairbanks-persona in weelderige periode-epossen. DE DRIE MUSKETEERS, ROBIN HOOD en DE DERDE VAN BAGAD werden allemaal uitgebracht in de jaren tussen de twee Zorro-epossen.
Zoals gemakkelijk te zien is aan de titel van dit vervolg, is Doug weer terug als Diego's zoon, namelijk Don Cesar, alias Don Q. Het scenario is gebaseerd op de roman 'Don Q's Love Story' van Hesketh Prichard en Kate Prichard, die helemaal geen relatie had met Zorro. Maar door Don Q de zoon van de beroemde held te maken, profiteerde het publiek van de vertrouwdheid van het origineel en kon Doug een dubbele rol spelen als vader en zoon.
In de familietraditie wordt Don Cesar naar Spanje gestuurd om zijn opleiding voort te zetten en de tradities van zijn voorouders te leren kennen. Zijn uitbundige manier van doen en zijn showmanschap met de zweep maken hem tot favoriet van de neef van de koningin, aartshertog Paul van Oostenrijk (Warner Oland). Cesar wordt ook de vijand van de norse Don Sebastian (Donald Crisp), een lid van de koningin. Don Diego's vader en zoon worden verliefd op elkaar, en beide mannen vallen voor de mooie Dolores de Muro (Mary Astor). Nadat Cesar in de val is gelokt voor moord, pleegt hij zelfmoord en gaat hij ondergronds tot hij de schuld van de echte moordenaar kan bewijzen. Intussen krijgt don Diego in Californië bericht over de hachelijke situatie waarin zijn zoon zich bevindt. Hij haalt zijn zwaard terug van de plek waar het dertig jaar geleden was blijven steken, graaft zijn masker en cape op en reist naar Spanje om zijn zoon te helpen redden. Vader en zoon nemen het tijdens de uitbundige finale van de film tegen vijftien soldaten op in een zwaardgevecht.
Zowel de critici als het publiek hielden meer van don Q dan van het origineel. De techniek en technologie van het filmen waren sinds 1920 snel verbeterd. Het vervolg had een sterkere plot, hogere productiewaarden en een beter tempo. Bovendien had Fairbanks zijn stoere personage tot in de puntjes uitgewerkt. Hij was nooit zelfverzekerder, flamboyanter en amusanter dan hij hier overkomt. Hoewel hij al eenenveertig jaar oud was, kon hij dankzij zijn fysieke conditie moeiteloos een veel jonger personage spelen. Hij blijkt veel talent te hebben voor zwaardvechten, paardrijden en zijn specialiteit in deze film <0xE2><0x80><0x93> het laten knallen van een zweep. Doug, die bekendstaat om zijn eigen stunts, zou er zes weken over hebben gedaan om de kunst van het zwaaien met een zweep te leren. Hij gebruikt hem om een sigaret aan te steken, een kaars te doven, papier te snijden, een stier met een lasso te vangen en een balkon op te zwaaien. Hij laat zich ook op de dansvloer zien als een dandy in een parodie op een Valentino- tango.
Donald Crisp, het meest bekend om zijn huiveringwekkende optreden als de wrede vader van Lillian Gish in BROKEN BLOSSOMS, speelt in DON Q zowel de rol van co-star als die van regisseur. Hij speelt de laffe nemesis van Fairbanks, Don Sebastian, terwijl hij een van zijn beste films regisseert. Crisp regisseerde meer dan 70 films, waaronder de klassieker van Buster Keaton, THE NAVIGATOR. Hij begon in 1908 met de Biograph Company in de filmindustrie en verscheen 55 jaar later voor het laatst op het witte doek als opa Spencer in de film uit 1963, SPENCER'S MOUNTAIN, met in de hoofdrol Henry Fonda. Crisp overleed in 1974. De New York Times had zo'n hoge dunk van don q, son of zorro, dat ze het een van de tien beste films van 1925 noemden.
Hoewel de film op tv of thuis heel leuk is, is hij twee keer zo leuk als je hem met live-begeleiding en publiek bekijkt, zoals ik gelukkig heb mogen meemaken bij Cinevent 2006.

text_en:
Film sequels were a novelty in 1925, when DON Q, SON OF ZORRO marked a big profit for United Artists. Then and now, it is considered to be a better film than the original, THE MARK OF ZORRO (1920), which made star and producer Douglas Fairbanks the personification of the Swashbuckler five years earlier.

Since his screen debut in 1915, Fairbanks had always been cast in contemporary comedies as a fun-loving, never-say-die, go-getter who gets the girl and catches the bad guys  all the while exhibiting his athletic prowess and bravado. He was a major film actor, but his popularity was beginning to wane due to the monotony of his roles and vehicles.

The formation of United Artists Corporation in 1919 gave founders Fairbanks, Mary Pickford, Charlie Chaplin and D.W. Griffith control over their own projects. Fairbanks chose this opportunity to risk reinventing his image by starring in this film adaptation of The Curse of Capistrano. The serialized novel written by Johnston McCulley had been published that year in a popular pulp magazine. It introduced the character of Zorro to the world. The magic of the movie assured Zorro's place among fictional super-heroes. The character lived on in several more film versions as well as books, comics, cartoons, Halloween costumes, toys, and in the popular 1950's television series starring Guy Williams.

In THE MARK OF ZORRO, set in early 19th century California, Fairbanks came up with an ingenious concept  showcasing his likable contemporary stock character into an action/adventure period costume picture. He plays Don Diego Vega, the milksop son of an affluent rancher who, like the Scarlet Pimpernel, dons a disguise to defend the impoverished townsfolk from the tyrants in power. His alter ego Zorro's, (Spanish for fox) trademarks are the black cape and cowl mask he wears and the master swordsmanship he displays. He is known to brand his victims with a "Z" made with three fast strokes of his blade. At the end of the film, after Zorro's greatest triumph, his identity is revealed. He throws his sword into the air. It lodges into a high spot on the wall, as Zorro shouts, "Till I need you again!" Though it was probably not Fairbanks' intention at the time, this line was a prime set-up for a sequel if there ever was one.

After the tremendous financial and critical success of ZORRO, Fairbanks continued to give the public what it wanted  the charismatic Fairbanks persona in lavish period epics. THE THREE MUSKETEERS, ROBIN HOOD and THE THIEF OF BAGDAD were all released in the years between the two Zorro epics.

As one can easily discern by the title of this follow-up, Doug is back as Diego's son - namely Don Cesar, aka "Don Q." The screenplay is based on the novel "Don Q's Love Story" by Hesketh Prichard and Kate Prichard which had no relationship to Zorro at all. But by making Don Q the offspring of the famous hero, it cashed in on the audience's familiarity with the original and made it possible for Doug to play a dual role as both father and son.

In the family tradition, Don Cesar is sent to Spain to continue his education and learn the traditions of his ancestors. His high-spirited ways and showmanship with a bullwhip make him a favorite of the Queen's cousin, Archduke Paul of Austria (Warner Oland). Cesar also makes an enemy of surly Don Sebastian (Donald Crisp), a member of the Queen's guard, and both men fall for the beautiful Dolores de Muro (Mary Astor). After Cesar is framed for murder, he fakes suicide and goes underground until he can prove the guilt of the real killer. Meanwhile, in California, Don Diego receives word of his son's predicament. He retrieves his sword from where it had stuck thirty years before, digs out his mask and cape and travels to Spain to help rescue his son. Father and son take on 15 soldiers in a sword fight during the film's exuberant finale.

Audiences and critics alike loved DON Q even more than the original. Film-making technique and technology had improved rapidly since 1920. The sequel had a stronger plot, higher production values and better pacing. What's more, Fairbanks has fine-tuned his swashbuckler persona to perfection. He was never was he more cocksure, flamboyant and amusing than he appears here. Though already 41 years old, he easily got away with playing a much younger character in no small part due to his physical fitness. He is shown to great advantage, engaging in sword-play, jumping on a horse or  his specialty in this film - cracking a whip. Well known for performing his own stunts, Doug reportedly spent six weeks learning fancy whipmanship. He uses it to light a cigarette, extinguish a candle, slice paper, lasso a bull and swing onto a balcony. He also shows himself to be a dandy on the dance floor in a parody of a Valentino tango.

Donald Crisp, best known for his chilling performance as Lillian Gish's cruel father in BROKEN BLOSSOMS, does double duty in DON Q as both co-star and director. He plays Fairbanks' dastardly nemesis Don Sebastian while directing one of his best films. Crisp directed more than 70 films, including the Buster Keaton classic,THE NAVIGATOR. He got his start in the movies in 1908 with the Biograph Company and appeared on screen for the last time 55 years later as Grandpa Spencer in the 1963 film SPENCER'S MOUNTAIN that starred Henry Fonda. Crisp died in 1974.

The New York Times thought so highly of DON Q, SON OF ZORRO, that they named it one the 10 best films of 1925.

While enjoyable on TV or home video, the movie is twice the fun when watched with live accompaniment and an audience as I was fortunate to experience at Cinevent 2006.


text: Een levendig, maar iets minder aanlokkelijk vervolg op Fairbanks eerste uitstapje als Zorro. Als Zorro's zoon krijgen we hier ook een paar snedige zweepslagen te zien en de aanblik van 2 Fairbanks (als Zorro en zijn zoon) naast de gebruikelijke acrobatische stunts. Het verhaal gaat over Don Q die naar het 'oude land' wordt gestuurd om te studeren. Hij wordt uiteindelijk beschuldigd van een misdaad door de corrupte beambten van de Koningin (die jaloers worden als Don Q hun commandant redt van een stier met zijn zweep en indruk maakt op de Koningin met zijn moed). Zorro moet komen om hem te helpen zijn onschuld te bewijzen en zijn vijanden in de strijd te verslaan.

text_en: Sprightly, only slightly less appealing sequel to Fairbank's first outing as Zorro. Here as Zorro's son, we also get some neat whiptricks and the sight of 2 Fairbanks (as Zorro and his son) in addition to the usual acrobatic stunts. The plot concerns Don Q being sent to the "old country" to study. He ends up framed for a crime by the corrupt officials of the Queen (who are made jealous when Don Q saves their commander from a bull with his whip, impressing the Queen with his courage). Zorro must come over to help him prove his innocence and defeat his enemies in battle.


text: Nadat zijn artistieke fantasie met 'The Thief of Bagdad' iedereen de stuipen op het lijf had gejaagd, keerde Doug terug naar de basis met dit vervolg op zijn eerste stoere film, 'The Mark of Zorro' <0xE2><0x80><0x93> en zette een zorgvuldig ontworpen, riskante ster in elkaar. De decors, de cast en het scenario zijn allemaal indrukwekkend, maar zoals altijd is het de Fairbanks-persona <0xE2><0x80><0x93> een vreemde combinatie van pragmaticus en dromer, goochelaar en acrobaat, minnaar en vechter, schurk en moralist <0xE2><0x80><0x93> en zijn eindeloze zak vol trucs, grappen en stunts die de film niet alleen onderscheidt van actiefilms uit de jaren twintig, maar ook van die van zijn opvolgers: Jackie Chan, James Bond en Indiana Jones.<br />Van zijn latere films overtreft misschien alleen 'The Gaucho' deze film als uitmuntende film.

text_en:
After his artsy fantasy "The Thief of Baghdad" freaked everyone out, Doug got back to basics with this sequel to his first swashbuckler, "The Mark of Zorro" -- and concocted a meticulously designed, take-no-chances star vehicle. The sets, cast, and screenplay are all impressive but, as always, it's the Fairbanks persona -- an odd combination of pragmatist and dreamer, magician and acrobat, lover and fighter, rogue and moralist -- and his endless bag of tricks, gags, and stunts that sets the film apart from, not only 1920s action spectacles, but those of his successors: Jackie Chan, James Bond, and Indiana Jones.

Of his later pictures, perhaps only "The Gaucho" tops this one for sheer excellence in filmmaking.


text: Dashing Douglas Fairbanks (als don Cesar de Vega) is de zoon van de legendarische 'Zorro', in dit spectaculaire vervolg op meneer Fairbanks' eigen 'The Mark of Zorro' (1920) *******. De jongere Fairbanks is naar Spanje gestuurd, waar hij zijn zweep laat knallen en de plaatselijke sfeer opsnuift. Daar wordt hij verliefd op de knappe Mary Astor (als Dolores de Muro); kijk uit voor de grote introductie in het personage van mevrouw Astor, als Fairbanks haar silhouet vleugels geeft. Je weet dat er problemen op komst zijn als Donald Crisp (als Don Sebastian) door 'de belle van de bal van aartshertog' Astor wordt afgewezen. In een vlaag van woede vermoordt meneer Crisp aartshertog Paul (als Warner Oland) en beschuldigt Fairbanks van de moord. Vervolgens pleegt Fairbanks zelf zelfmoord en probeert hij zijn onschuld te bewijzen; uiteindelijk krijgt hij hulp van vader 'Zorro' (Fairbanks, in een dubbele rol).<br />'Don Q, Son of Zorro' is een geweldig vervolg, van Fairbanks and Company, die zo verstandig was om vervolgen te zien als een kans om eerdere successen te evenaren of te verbeteren. Het is niet verrassend dat het de spontaniteit van de eerdere film mist, en het is misschien een beetje te lang. Maar de algehele productie is beter en de verhaallijn verfrissend uniek; aangezien 'Don Q' en zijn verhaal heel anders zijn dan de oorspronkelijke 'Zorro'. Crisp is heel behulpzaam, als zowel de schurk als de regisseur. En de fotografie van Henry Sharp is van topklasse. De cast is fantastisch: naast voornoemde personen heb je Fairbanks de vaste Charles Stevens (als Robledo) in een van zijn meer opzichtige rollen, verder de humanitaire Jean Hersholt (als Don Fabrique), die Crisps chanterende Nemesis speelt, de beroemde zus Lottie Pickford (als Lola) en Albert MacQuarrie (als kolonel Matsado) die Fairbanks vraagt: 'Wie ben jij in godsnaam?'

text_en:
Dashing Douglas Fairbanks (as Don Cesar de Vega) is the son of the legendary "Zorro", in this spectacular sequel to Mr. Fairbanks' own "The Mark of Zorro" (1920) *********. The younger Fairbanks has been sent to Spain, where he cracks his whip, and soaks up local color. There, he falls in love with pretty Mary Astor (as Dolores de Muro); watch out for the great introduction to Ms. Astor's character, as Fairbanks places wings on her silhouette. You know trouble is brewing when dastardly rival Donald Crisp (as Don Sebastian) is spurned by "belle of the Archduke's ball" Astor. In a fit of anger, Mr. Crisp assassinates Archduke Paul (as Warner Oland), and frames Fairbanks for the killing. Then, Fairbanks fakes his own suicide, and sets out to prove his innocence; eventually, he receives help from father "Zorro" (Fairbanks, in a dual role).

"Don Q, Son of Zorro" is a tremendous sequel, from Fairbanks and company, who wisely viewed follow-ups as a chance to equal, or improve upon, earlier hits. Not surprisingly, it lacks the spontaneity of the earlier film, and it is, perhaps, a little too long. However, the overall production is superior, and the storyline refreshingly unique; as "Don Q", and his story, are quite different than the original "Zorro". Crisp is very helpful, as both villain and director. And, Henry Sharp's photography is top notch.

The cast is terrific: alongside the aforementioned, you have Fairbanks regular Charles Stevens (as Robledo) in one of his more showy roles, otherwise humanitarian Jean Hersholt (as Don Fabrique) playing Crisp's blackmailing nemesis, famous sibling Lottie Pickford (as Lola), and Albert MacQuarrie (as Colonel Matsado) gets to ask Fairbanks: "Who the hell are you?"


text:
Net als zijn vader een generatie eerder moest een jonge Californische caballero vechten tegen het verraad & het kwaad in de hoogste regionen.
DON Q SON OF ZORRO was Douglas Fairbanks' opwindende vervolg op zijn vorige succesfilm, THE MARK OF ZORRO (1920). Veel uitgebreider & uitgebreider dan de eerste film laat Fairbanks zien wat hij in de tussenliggende vijf jaar heeft geleerd over het produceren van zwijgende vechtersbazen. Met een mengeling van geschiedenis, spektakel & veel actie gaf Doug zijn publiek altijd waar voor zijn geld.
Op dit punt in zijn carrière was Fairbanks de absolute meester van de vechtersbaas. Of hij nu een mooie se<0xC3><0xB1>orita het hof maakte, horden vijandelijke zwaardvechters van zich afsloeg of over de architectuur sprong, zijn aanstekelijke grijns & fantastische atletische vaardigheden bleven de kijker altijd bevallen. En hier weet hij twee keer de aandacht te trekken door zowel vader als zoon heel aardig te spelen.
Doug krijgt geweldige steun van drie uitstekende karakteracteurs: Warner Oland als een dwaze Oostenrijkse aartshertog wiens dwaze gedrag de crisis in de film bespoedigt; Jean Hersholt als een sociale klimmer die meer krijgt dan hij had verwacht; en de verachtelijke Donald Crisp (die ook de regie deed) als de schurk die zowel Fairbanks' leven als zijn liefje wil.

Hoewel ze weinig te doen heeft, is Mary Astor nog steeds een mooie heldin die het vechten van een aantal duels waard is.
Maar dit blijft de film van Fairbanks. Zijn krachtige persoonlijkheid en spectaculaire stunts beheersen niet alleen de film, maar hebben hem ook verzekerd van een onaantastbare plaats in de geschiedenis van Hollywood.

text_en:
Like his father a generation before, a young Californian caballero must fight against treachery & evil in high places.

DON Q SON OF ZORRO was Douglas Fairbanks' rousing sequel to his previous hit film, THE MARK OF ZORRO (1920). Much more expansive & elaborate than the first film, Fairbanks shows what he's learned about producing silent swashbucklers in the intervening five years. Mixing history, spectacle & lots of action, Doug always gave his audience their money's worth.

By this point in his career, Fairbanks was the absolute master of the swashbuckler. Whether romancing a fair señorita, fighting off hordes of enemy swordsmen, or jumping all about the architecture, his infectious grin & superb athletic prowess never fail to charm the viewer. And here he gets to charm twice, playing both father & son very nicely.

Doug is given wonderful support from three excellent character actors: Warner Oland as a silly Austrian Archduke whose foolish behavior precipitates the movie's crisis; Jean Hersholt as a social climbing buffoon who gets more than he bargained for; and vile Donald Crisp (who also directed) as the villain who wants both Fairbanks' life & sweetheart.

Although given little to do, Mary Astor is still a lovely heroine worth the fighting of several duels.

But this remains Fairbanks' film. His powerful personality & spectacular stunts not only dominate the movie, but also have ensured him an unassailable niche in Hollywood history.


text:
Er zijn bepaalde films die je dwarszitten en die je nooit te zien krijgt. Ze veranderen je leven, veranderen op subtiele wijze je kijk op de werkelijkheid, en bijna altijd ten goede.
Dead Poets Society is een van die films.
Ik heb de film gezien toen ik op de middelbare school zat. Ik had een leraar die zei dat we hem echt moesten zien; het was zelfs ons 'huiswerk' voor die dag. We hoefden geen verslag te maken of er in de klas over te praten. Het enige wat hij van ons vroeg, was dat we ernaar keken, dat we er zelf een beslissing over namen, en dat was dat. Zoals je je kunt voorstellen, keken veel vrienden van me er helemaal niet naar; ik wel. En ja, ik heb het gevoel dat ik vanaf dat moment een beetje ben veranderd.
Als je jong bent, denk je nooit echt na over wat je met je leven doet. Je leeft gewoon voor de dag, in de hoop dat je cijfers goed genoeg zijn om te slagen, en dat is het dan. Langdurig nadenken houdt misschien ook flirten met een meisje in. Meer niet. Wat deze film me liet zien, was dat we de verantwoordelijkheid en het plezier hebben om op deze planeet te leven. Dat we stof zijn en dat we ernaar zullen terugkeren, zodat we maar heel weinig tijd hebben om iets te veranderen. Dat we een morele verplichting hebben om 'de dag te pakken en ons leven buitengewoon te maken'. (Mijn favoriete citaat in de hele filmgeschiedenis). Dat de wereld in wezen van ons is. Dat de enige beperkingen in onszelf liggen, en dat we het aan onszelf verplicht zijn om te vechten, om in opstand te komen tegen conformisme, om te veranderen wat we haten en te houden wat we liefhebben. Dat leven in deze wereld een prachtige verantwoordelijkheid is, en dat alleen lafaards die niet ten goede durven te veranderen.
Het feit dat de cast in wezen van mijn leeftijd was en dezelfde dilemma's en situaties doormaakte als ik, maakte het allemaal zoveel krachtiger.
Dus hier zit ik dan, 12 jaar na die dag. Ik denk nog steeds niet dat ik de dag volledig heb gegrepen. Maar ik blijf het proberen; ik zal het altijd blijven proberen.
Het feit dat de cast in wezen van mijn leeftijd was en dezelfde dilemma's en situaties doormaakte als ik, maakte het allemaal zoveel krachtiger.
Dus hier zit ik dan, 12 jaar na die dag. Ik denk nog steeds niet dat ik de dag volledig heb gegrepen. Maar ik blijf het proberen; ik zal het altijd blijven proberen. Ik vraag me af hoeveel mensen door dit juweel van een film zijn veranderd; ik hoop veel.
10 van de 10. Een definitief meesterwerk.

text_en:
There are certain films that get under your skin, never to come out. They change your life, subtly altering your perceptions of reality, almost always for the better.

Dead Poets Society is one of those few films.

I saw the movie back when I was in High School. I had a teacher who told us that we really needed to watch it; in fact, it was our "homework" for the day. We didn't need to bring back a report, or talk about it in class. All he asked from us was to watch it, make up our own mind about it, and that was it. As you can imagine, many friends of mine didn't watch it at all; I did. And yes, I feel I changed a bit from there on.

Back when you are young, you never really stop to think what in the world you are doing with your life. You simply live for the day, hope your grades will be enough to pass, and that's it. Long term thinking involves maybe flirting with a girl. Nothing more. What this film showed me was that we have the responsability and the joy of being alive in this planet. That we are dust, and we will go back to it, so we have precious little time to make a difference. That we have a moral obligation to "seize the day, and make our lives extraordinary" (my favorite quote in all movie history). That the world, basically is ours. That the only limitations are within ourselves, and that we owe it to us to fight, to rebel against conformity, to change what we hate and keep what we love. That living in this world is a beautiful responsability, and that only cowards dare not to change it for the better.

The fact that the cast was basically my age, and was passing through the same dilemmas and situations I was facing made it all so much more powerful.

So here I sit, 12 years from that day. I still don't think I have seized the day completely. But I keep on trying; I always will. I wonder how many people were transformed by this gem of a movie; I hope many.

10 out of 10. A definitive masterpiece.


text:
In de eerste plaats is dit mijn lievelingsfilm, van alle honderden films die ik heb gezien. Maar elke keer als ik over deze film begin, moet ik de vragende blikken van de meeste mensen beantwoorden met: 'Het is een prachtige kleine film uit de jaren tachtig die in de jaren tachtig is gebleven.' Nadat ik hem voor de 24e keer heb gezien sinds ik hem voor het eerst zag, 5 jaar geleden, op mijn 13e verjaardag, kan ik met genoegen zeggen dat deze film veel verder ging dan de jaren tachtig, en de kracht en inspiratie van de boodschap kun je elke dag voelen. De Dode Dichtersvereniging is een zeer onderschatte film van een zeer onderschatte regisseur wiens inspirerende, verheffende en morele verhalen die stevig geworteld zijn in de werkelijkheid lang niet zo gewaardeerd worden als ze zouden moeten doen. Hier zien we een van zijn zeer persoonlijke en gekoesterde projecten, en hij toont de visuele stijl en concentratie van de personages waarin hij zo rijk is. Zijn controle over de camera en de personages is heel sterk en heel soepel. De cinematografie is bijna perfect, met elke opname, samen met de montage, naadloos. Ook heel meeslepend zijn de kleurentinten in elke scène, die perfect bij de stemming en gebeurtenissen van de scène passen. Zou je kunnen zeggen dat dit kunst is? Absoluut.
Dan hebben we de voorstellingen. Robin Williams gaat door met zijn leven als iemand die niet is veranderd: hij is nog steeds een van de meest ontroerende, hartverscheurende, ontzagwekkende komedianten met ontegenzeggelijk acteertalent (hij is nog steeds mijn favoriete acteur op het witte doek). Zijn professor John Keating is een man die elke professor belichaamt van wie je dacht dat hij cool en respectabel was, elke persoon die je iets heeft geleerd of je heeft verlicht in iets ongewoons. Sterker nog <0xE2><0x80><0x93> durf ik het te zeggen? <0xE2><0x80><0x93> hij geeft iets EXTRAORDINARI<0xC3><0x8B>RS! We hebben de tragisch onderschatte Robert Sean Leonard in zijn rol van de vrijdenkende katalysator Neil. Waarom is deze man geen bekende naam in Hollywood? Zijn rollen zitten altijd vol inspiratie, energie en tragische emoties die het publiek altijd raken. Zijn rol in deze film is fris, ongeremd en nooit pretentieus als het waarschuwende verhaal van de film. En dan hebben we Ethan Hawke in een van zijn vroegste rollen als de hoofdpersoon. De hele cast die hem bijstaat is ook heel sterk, levert de basis en fungeert als de diverse emotionele banden die ons verder in het verhaal betrekken. De rol van Josh Charles als Knox Overstreet is een rol die bijna alle jongens van ganser harte aankunnen. En natuurlijk doen alle acteurs van dat Dead Poets Society-gezelschap het prima.
En ten slotte, het verhaal. Ik zal het niet samenvatten, aangezien het zo is.' Ik heb deze film al vele malen samengevat, maar ik moet zeggen dat het een van de beste verhalen over de puberteit is voor niet alleen tieners, maar voor iedereen. Ik heb persoonlijk van negen-tot-vijf-kinderen gehoord die door deze film werden geïnspireerd om hun baan, carrière en relatie ten goede te veranderen. Ik zag deze film voor het eerst toen ik 13 was, en ik vond hem meteen geweldig. Nu ik 18 ben en op mezelf woon, met heel andere zorgen dan toen, kijk ik steeds weer naar deze film, om inspiratie, troost en natuurlijk amusement te vinden. Het is nog steeds mijn lievelingsboek en het inspireert me nog steeds om de dag te grijpen en mijn leven bijzonder te maken.

text_en:
First of all, this is movie is my all-time favorite, out of all the hundreds of films I have seen. However, every time I mention this film, I have to answer most people's quizzical looks with "It's a beautiful little 80s film that stayed in the 80s." After seeing it for the 24th time since I first saw it 5 years ago, on my 13th birthday, I can gladly say that this movie went far and beyond the 80s, and the power and inspiration of the message can be felt every day.

Dead Poets Society is a most underrated film by a most underrated director whose inspiring, uplifting and moral tales firmly grounded in reality are not nearly as appreciated as they should be. Here, we see one of his very personal and cradled projects, and he shows the visual style and concentration on characters in which he is so affluent. His control of the camera and the characters are very strong and very smooth. The cinematography is near perfect, with every shot, along with the editing, seamless. Also very compelling are the color-tones in every scene, perfectly matching the mood and events of the scene. Could you say this is art? Absolutely.

Then we have the performances. Robin Williams continues in stride as one who has to-date remained the most touching, heart-wrenching, awe-inspiring comedians with inarguable acting talent (he still remains my most favorite performer on the film screen). His Professor John Keating is a man who embodies every professor who you thought was cool and respectable, every person who taught or enlightened you in something out of the ordinary. In fact - dare I say it? - he teaches something EXTRAORDINARY! We have the tragically underrated Robert Sean Leonard in his role as the free-thinking catalyst student Neil. Why is this man not a household name/Hollywood heavyweight? His roles are always full of inspiration, energy, and tragic emotion that never fail to move an audience. His role in this movie is fresh, unhindered, and never pretentious as the cautionary tale of the movie. And then we have Ethan Hawke in one of his earliest roles as the point-of-view character. The entire supporting cast is very strong, also, providing the foundation and serve as the various emotional ties that further involve us in the story. Josh Charles's role as Knox Overstreet is a role that almost all guys can relate to wholeheartedly. And of course, all the actors who are in that Dead Poets Society do a fine job.

And lastly, the story. I won't summarize it since it's been summarized many times here, but I will say that it is one of the best coming of age stories for not only adolescents, but anyone. I have personally heard from nine-to-fivers who were inspired by this movie to change the situations of their jobs, careers, relationships for the better. I first saw this movie when I was 13, and immediately stamped, crowned and elevated this movie as my all-time favorite. Now that I am 18 and living on my own, with very different concerns than back then, I turn back to this movie over and over again, to find inspiration, solace and of course, entertainment. It is still my all-time favorite, and it still inspires me to seize the day and make my life extraordinary.


text: Ik hoef deze film niet samen te vatten, aangezien de meeste mensen dat toch al doen, dus elke toevoeging daarvan zou alleen maar frivool zijn. Ik ben echter enigszins teleurgesteld als ik zie hoe mensen geneigd zijn deze film verkeerd te interpreteren door te verkondigen dat de boodschap van de film van carpe deium ontspoord wordt door het feit dat degenen die het toepassen uiteindelijk verliezen. Dit kan niet verder van de waarheid zijn. In het begin, wanneer de jongemannen voor het eerst kennismaken met het idee het merg uit het leven te zuigen, wordt het toegepast door de studenten wanneer de resultaten ervan leuk en vreugdevol blijken te zijn. Het punt dat door de film echt wordt gemaakt, is echter dat je voor een ander opkomt.' En nu, terwijl het personage van Neil probeert te doen wat hij vindt dat hij moet doen zonder rekening te houden met zijn vader, staat hij uiteindelijk helemaal niet op, maar aanvaardt hij eenvoudigweg het gezag van zijn vader. Sommigen vinden het misschien niet leuk, maar zijn verhaal bewijst hoe belangrijk het is om op je strepen te staan, hoe moeilijk dat ook is. Het is niet alleen zijn personage, maar in feite elk personage in de film dat tot het einde toe de boodschap van meneer Keating niet helemaal begrijpt door eindelijk te doen wat ze voelen, hoezeer de tegengestelde krachten deze fundamentele waarheid ook ontkennen. Ik dring er bij iedereen op aan deze film een kans te geven en hem te zien voor wat hij werkelijk is. Misschien verandert hij wel je leven.

text_en:
I have no need to summarize this movie seeing as how most people tend to do that anyway so, therefore, any addition of such would simply be frivilous. However, I am somewhat disappointed to see how people tend to misinterprate this film by proclaiming that the movie's message of carpe deium is derailed by the fact that those who apply it end up losing. This could not be further from the truth. In the beginning, when the young men are first introduced to this idea of sucking the marrow out of life it is applied by the students when its results prove to be fun and joyous. The point really driven home by the movie though is to stand up for one's beliefs throughout all of life no matter how hard it may prove. Now, while the character of Neil, does try to do what he feels he must without regard to his father, in the end, he doesn't stand up at all, but simply accepts his father's authority. Some may not like it but his story serves to prove just how important it is to stand one's ground no matter how hard it may be. It's not only his character, but in fact every character in the film that does not fully understand Mr. Keating's message until the very end by finally doing what they feel is right now matter how much the opposing forces deny this basic truth.

I urge everyone to give this movie a chance and to see it for what it really is. It may just change your life.


text: Niet alleen zal deze film je hart raken en je tot tranen roeren, hij zal je ook inspireren om een betere leraar voor anderen te zijn en je dromen te volgen, ongeacht de grenzen. Het is echt poëzie op het scherm... een geweldig verhaal en een ontroerend sociaal commentaar op de mensheid en de grootste uitdagingen van het leven. Als je hem nog niet hebt gezien, koop hem dan nu. Hij heeft mijn liefde voor poëzie op een heel nieuw niveau gebracht!

text_en: Not only will this movie touch your heart and bring tears, it will inspire you to be a better teacher to others and to follow your dreams no matter what the boundaries may be. It is truly poetry on the screen... a great story and a touching social commentary on humanity and life's greatest challenges. If you haven't seen it yet, rent it now. It has taken my love of poetry to an entirely new level!


text: De film Dead Poets Society is een film waarin het idee van 'Carpe Diem' wordt onderzocht vanuit het gezichtspunt van een klaslokaal vol jongemannen op een jongenskostschool. Hun leraar, meneer Keating (gespeeld door Robin Williams) helpt hen hun geest te rekken en hun recht uit te oefenen op uitdagende daden van liefde voor het leven en poëzie, als tegenwicht voor de maatschappij. De regisseur Peter Weir trakteert je op oogverblindende foto's van prachtige landschappen en handige technieken. Weir neemt je mee in een achtbaan waarin je je handen stevig om de zitting geklemd houdt, van het leven geniet en 'Carpe Diem' denkt. Er zijn een paar heel deprimerende scènes, maar ze zijn heel kunstig en leren je waardering te hebben voor die dappere leden van de samenleving die voor hun geloof durven op te komen, en voor het recht om met het leven te worstelen. Ik vond dat Ethan Hawke (Todd Anderson) de film een echte draai gaf, dat Robin Williams (Mr. Keating of ook bekend als Captain my captain) er een element van opwinding aan toevoegde, en dat Robert Sean Leonard (Neil Perry) er een passie aan toevoegde die je gehypnotiseerd houdt. Ik heb deze film net tijdens de Engelse les gezien, maar ik werd er onmiddellijk verliefd op, zoals ik weet dat jij zult doen.

text_en: The film Dead Poets Society is a film that explores the idea of "Carpe Diem" (seize the day) from the viewpoint of a classroom of young men at an all boys boarding school. Their teacher Mr. Keating (played by Robin Williams)helps them stretch their minds, and exercise their right to defiant acts of love for life and poetry, rebuttlng society. The director Peter Weir treats you with eye candy by using various camera shots of beautiful scenary, and neat techniques. Weir takes you on a roller coaster that leaves you gripping your seat, enjoying life, and thinking "Carpe Diem" in your own life. There are some very depressing scenes, but they are very artful, and teach you of appreciation for those brave members of society that dare stand up for their beliefs, and rights to wrestling around with life. I thought Ethan Hawke (Todd Anderson) gave a true life twist to the film, Robin Williams (Mr. Keating or also known as Captain my captain) added an element of excitement, and Robert Sean Leonard (Neil Perry)added passion that leaves you mesmerized. I just saw this film in English class, but I immediatly fell in love with it, as I know you will.


text: Ik heb vandaag voor de 15e keer naar deze film gekeken. Ik verveel me er nooit. Een paar uur geleden voelde ik me eenzaam en gedeprimeerd. Ik besloot hem te bekijken zonder de scènes die verdriet oproepen. En hoewel ik hem al zo vaak had gezien, vond ik hem opbeurend en hartverscheurend. Er zijn veel goede films. En er zijn waarschijnlijk ook veel betere dan deze, want hij is niet perfect. Maar als je gelooft dat een film je leven kan veranderen, twijfel ik er niet aan dat deze je als geen andere kan beïnvloeden. Als je hem nog niet hebt gezien, waar wacht je dan nog op? Ga naar de videotheken en koop hem. Ja, niet huren, maar kopen. Het is een film die je vele malen zult zien. Misschien zal het je zelfs redden... Zoals het mij had gered.

text_en: I watched this movie today for about 15-th time. I'm never bored with it. A few hours ago I felt lonely and depressed.I decided to watch it without the scenes that evoke sadness.And even though I watched it so many times before I found it restorative and heart lifting. There are many good films.Also there are probably many better than this one;cause it's not flawless. But if you believe that a movie can change your life, I have no doubts that this one can influence you as no other. If you have not watched it yet, WHAT ARE YOU WAITING FOR? Go to the video rentals and buy it.Yes, don't rent it but buy it.It's a movie that you will watch many times.Perhaps it will even save you..As it had saved me..