text:
Dit eerste Kurosawa-project zweeft stylistisch ergens tussen film noir en neorealisme in, waarbij het beste uit beide werelden wordt gebruikt om een uitgebreid landschap (fysiek en sociaal) van het naoorlogse Japan te scheppen. Er zijn nog maar 4 jaar verstreken sinds de verschrikkelijke atoombommen en de daaropvolgende nederlaag van Japan in de Tweede Wereldoorlog, en zowel het land als het volk zijn diep gehavend. Als oorlogsveteranen terugkeren naar huis, treffen ze een land aan dat verscheurd wordt door armoede, en zoals het gezegde luidt, de wanhopige omstandigheden vereisen wanhopige maatregelen.
Een heel jonge Toshiro Mifune speelt de groentje-rechercheur die zijn pistool is gestolen en de rest van de film probeert de dader op te sporen. Het blijkt dat de dader een oorlogsveteraan is, net als Mifune.' Het is duidelijk dat rechercheur Sato niet alleen zijn eer moet herstellen (die ironisch genoeg wordt gesymboliseerd door het gestolen wapen dat hij probeert terug te krijgen), maar ook zichzelf moet redden door de moordenaar voor het gerecht te brengen. Wat het voor hem nog erger maakt, is dat er elke keer dat zijn gestolen wapen wordt afgevuurd iemand doodgaat of gewond raakt, wat de jonge rechercheur nog meer schuldgevoelens bezorgt. Het verhaal lijkt misschien te moralistisch en handig in elkaar gezet (de antagonist en de hoofdpersoon delen een gemeenschappelijke achtergrond, zijn oorlogsveteranen die het onderscheid tussen goed en kwaad maar al te gemakkelijk maken), maar het moet gezien worden in de context van de tijd. Mifune zegt dat er geen slechte mensen zijn, alleen slechte situaties. Maar als zijn medespeler in de zaak (gespeeld door de grote Takashi Shimura, die ook de rol van Zeven Samurai speelde) zag hij dezelfde slechte situatie en maakte er iets goeds van. Kurosawa brengt hier keurig het maatschappelijke klimaat van het naoorlogse Japan en de omstandigheden van die tijd in evenwicht met persoonlijke verantwoordelijkheid.
'Verhaalachtig.' Het is een waardevolle inspanning, maar net als bij Rashomon klinkt het iets beter dan het in werkelijkheid is. Niet dat _Stray Dog_ een slechte film is, maar na twee uur begint het een beetje uit de hand te lopen. Er zijn een paar mooie scènes waarin Kurosawa's groeiende talent naar voren komt (zoals de telefoonscène in het hotel, waar hij de interlocking-techniek met groot succes toepast) en de uitvoeringen zijn over het geheel genomen goed. Er is ook een zwijgende montage van tien minuten van locatiebeelden uit vervallen buurten, terwijl Sato op de zwarte markt naar zijn pistool zoekt en dat dient als een aangrijpend kiekje van de Japanse geschiedenis. Met zijn volgende film, Rashomon, zou Kurosawa internationale erkenning krijgen, maar Stray Dog laat al zien dat hij voor grote dingen was voorbestemd. Vergeleken met latere opnamen van zijn film is Stray Dog een kleine bijdrage, maar het is de moeite waard om hem te ontdekken.

text_en:
This early Kurosawa effort floats stylistically somewhere between the film noir and neo-realism, incorporating the best from both worlds to elaborately craft a landscape (both physical and social) of post-war Japan. It's only been 4 years since the dreadful A-bombings and the subsequent defeat of Japan in WW2 and both the country and the people are deeply scarred. War veterans return home to find a country torn by poverty and as the saying goes, desperate conditions demand desperate measures.

A very young Toshiro Mifune plays the greenhorn detective who has his gun stolen and spends the rest of the movie trying to track down the culprit. As it turns out the culprit is a war veteran just like Mifune's character, only where the latter tried to do good and found an honest job, the former opted for the easy way out and became a criminal, using the stolen gun to rob and kill. This adds an additional layer of motivation for detective Sato. Not only does he have to restore his honour (ironically symbolised by the lost gun which he tries to retrieve), but also redeem himself by bringing the killer to justice. What makes matters worse for him is that every time his stolen gun is fired someone dies or gets injured, which adds another burden of guilt on the shoulders of the young detective.

The story might appear too moralistic and convenient (both antagonist and protagonist share a common background, being war veterans, making the distinction of good and bad all too easy), but it has to be seen in the context of the times. Mifune says that there are no bad people, only bad situations. But as his detective collaborator on the case remarks (played by the great Takashi Shimura, who also starred in Seven Samurai) he faced the same bad situation and made something good out of it. Kurosawa here neatly balances the social climate of post-war Japan and the conditions of the times with personal responsibility.

Story-wise it's a worthy effort, but like Rashomon, it sounds a little bit better than it actually is. Not that Stray Dog is a bad movie by any means, but clocking in at 2 hours it starts to drag near the middle. There are some nice set-pieces that showcase Kurosawa's growing talent (like the phone scene in the hotel where he uses inter-cutting to great effect) and the performances are solid all around. There's also a silent 10 minute montage of location footage shot in rundown neighborhoods as Sato searches the black market for his gun, which serves as a poignant snapshot of Japanese history.

Kurosawa would go on to achieve international acclaim with his next movie, Rashomon, but Stray Dog already shows that he was destined for great things. Compared to later entries in his filmography Stray Dog appears to be a minor entry, but it's still well worth the time to discover.


text:
Veel onrechtvaardigheid in deze wereld die elke kans op overleving wegneemt voor miljoenen waardige broeders, veel egoïsme dat alleen maar ellende en eenzaamheid brengt, Uiterlijk en wat een verlangen om je superieur te voelen aan anderen als dat ons laat zien dat we allemaal gelijk zijn!
Op ditzelfde moment zwerven duizenden mensen door de straten op zoek naar een paar munten die ze voortdurend nodig hebben om het minimum aan eten mee naar huis te nemen. Honderden mensen lopen lange kilometers om het schaarse water te krijgen dat hen in staat stelt te overleven. Miljoenen arbeiders zijn werkloos, van de ene kant naar de andere, met de vage hoop dat iemand hun een fatsoenlijke baan aanbiedt. Als ik aan de oude films denk, gaat mijn herinnering terug naar Umberto D, die tevergeefs probeerde de uitzetting tegen te houden. Ik herinner me Ali en zijn zus Zahra, die zich voortdurend zorgen maakten over de tennisschoenen die ze samen droegen. En zie, met zijn immense gevoeligheid voor het gewone volk en zijn voortdurende humanistische lyriek, was ook de meester Akira Kurosawa druk bezig een film te maken waarin voor een beginnende rechercheur je wapen een constant doel wordt, terwijl het in een bus werd gestolen.
Dan heb je nog een heel eind te gaan, maar het leven zal zijn hand uitsteken naar een nobele en briljante rechercheur als Satori. Niet voor niets betekent Satori licht, flitsend licht. De rechercheur wordt voor de nieuweling een les uit het vak, vol en waardig, dat hij zijn leven voor altijd kan veranderen. En voor ons is het een welsprekende weerspiegeling van de integriteit die zelfs in de moeilijkste omstandigheden wordt bewaard.
Het is de naoorlogse periode. Japan is een en al armoede en de armsten gaan vaak de prostitutie in, smokkelen met wapens en wat ze verder maar kunnen vinden om te overleven. Het is in deze omgeving dat de twee agenten op zoek gingen naar de man die zojuist een misdaad had gepleegd en dat het veulen zich misschien heeft teruggetrokken uit Murakami.
Kurosawa krijgt elke figuur zijn eigen leven, het genoegen in zijn zwakheden en zijn overvloed, zijn kracht en zijn zwakheden, als Terque en zijn wijsheid... En op die manier een menselijke film creëren die deze flits zou kunnen produceren en die plotseling zou kunnen worden uitgewist, maar die misschien nooit te zien zou krijgen, en meer nog: wij zijn hetzelfde.
Hoe belangrijk zouden de grote filmstudio's zijn, deze film die de waardige mens bevordert. En elke school zou jonge mensen in staat moeten stellen om toegang te krijgen tot deze boodschappen. Het is gewoon een kwestie van methodiek... en liefde voor de mensheid. En deze twee doen het nu meer dan ooit.

text_en:
Much inequity in this world that takes away any chance of survival for millions of worthy brethren, much selfishness that brings only misery and loneliness!, Appearance and how much desire to feel superior to others when it will show us we are all equal!

At this very moment, thousands of human beings roam the streets in search of a few coins incessant to bring home food minimum. Hundreds of people walk long miles to get the scarce water that allows them to survive. Millions of workers are unemployed, from one side to another, with the gray hope that someone offered a decent job.

When I remember the old movies, my memory goes back Umberto D, vainly trying to stop the eviction. I remember Ali and his sister Zahra, in permanent anxiety about the tennis shoes worn they share.And behold, with its immense sensitivity to the common people and humanistic lyricism that flowed constantly, also the master Akira Kurosawa was busy making a film where, for a rookie detective, your weapon becomes endowment constant goal, when it was stolen on a bus.

Have a long way to go then, but life will put his hand to a noble and brilliant detective Satori. Not for nothing, Satori means light, flash lighting. The detective becomes for the rookie a lesson from professional full and dignified, that he may change his life forever. And for us, is an eloquent reflection of the integrity is preserved even in the toughest conditions.

It postwar period. Japan abounds in poverty and the poorest often go into prostitution, arms smuggling and anything else that allows them to survive. It is in this environment, where the two officers began searching for the man who has just committed a crime and, perhaps, the colt has withdrawn from Murakami.

Kurosawa gets each character has its own life, the delight in their weaknesses and their abundance, their strengths and weaknesses, as Terque and his wisdom ... thus creating a human picture that might produce this flash to be erased suddenly, but may never get that and more we are the same.

How significant would be the big film studios, this movie promote dignified man. And every school should enable young people to access these messages. It's just a matter of method... and love for humanity. And these two are doing now needed more than ever.


text:
De eerste Kurosawa was beslist de beste; en hij staat terecht in de rij van Bergman, Fellini, Welles, van de allerbesten.
Er was een mannelijke en beheerste kracht en energie en leven in de eerste Kurosawa, die ongeëvenaard zijn gebleven.
Als je deze '49-thriller, of actiedrama, leest als een _noir_, dan is het de meest respectabele _noir_ ooit; even origineel en ingenieus, formeel, als Welles, maar veel ambitieuzer; ja, de meest ambitieuze _noir_ ooit bedacht en uitgevoerd. De rijkdom van inhoud en stijl kan ongelooflijk lijken. Er zijn vleugen van onvergankelijke surrealist, hallucinerende schoonheidsspecialiste, koortsachtig en bizar, verontrustend, taai meesterwerk. Hoewel het duidelijk is beïnvloed door de _noir_ -films die in die tijd in de mode waren, heeft het eigenlijk niets van een _pastiche_. De plot is nogal Chandler-achtig en vereist een stevige greep op de personen en de draden.
<0x3E> Men kan begrijpen waarom sommigen misnoegd waren <0xE2><0x80><0x93> Kurosawa bleef films noirs draaien, vermomde westerns, Russische drama's, Shakespeariaanse drama's, epossen <0xE2><0x80><0x93> zelfs in NORA INU zit een sterke Russische onderstroom <0xE2><0x80><0x93> maar al die vormen en middelen zijn nooit meer dan werktuigen of instrumenten. Kurosawa streefde naar universaliteit; dat is hem vaak gelukt.
<0x3E> NORA INU lijkt een Russische roman met een film noir als hoofdpersoon; of een noir als pulp. Erg Russisch, inderdaad, en van binnenuit indrukwekkend; buitengewoon sfeervol, suggestief, rijk aan stadse accenten, met een flinke dosis erotiek in heel wat scènes, naturalistisch en wreed in sommige opzichten, hard als toon en somber als onderwerp <0xE2><0x80><0x93> in vele opzichten heel anders dan Kurosawa's heimelijke en lyrische succes _IKIRU_. Ik heb erg genoten van _IKIRU_, maar ik heb _NORA INU_ in sommige opzichten nog sterker en respectabeler gevonden; ik heb dit vroege werk van Kurosawa, Kurosawa's hele vroege carrière, volledig genegeerd, maar nu zie ik dat het iets ontzagwekkends is. In _NORA INU_ doet Kurosawa het beter dan de Amerikanen in een film in Amerikaanse stijl; een drama met Russische inhoud, beter dan de Russen. Wat ik minder van hem wist, was zijn surrealistische kant, die in NORA INU zo duidelijk naar voren kwam. Het is meer dan de gebruikelijke 'hete stad'-intriges van sommige Amerikaanse uitjes, iets meer dan de wellustige 'kat op het hete zinken dak'/'lange hete zomer'-neurotische poëzie. Maar je moet het zien, je moet het geloven. Er zitten dingen in NORA INU, intuïties, beelden, stukjes die ik, Cristian Ciopron, nog niet in de Amerikaanse filmwereld had ontdekt; Kurosawa was, dat weten we allemaal al, handig met de genrefilms, en NORA INU is een voorbeeld van actiedrama's met een geweldige scherpzinnigheid en brio en schokkende heftigheid! Moet ik eraan toevoegen dat NORA INU de meeste andere noirs onmiddellijk afdoet als routineklusjes? Misschien niet. Net als Fellini, net als Bergman, heeft Kurosawa hier bereikt dat de poëzie van de film zijn meest zuivere en onvervalste uitdrukkingsvorm heeft gekregen. Net als of hij nu wel of niet een samoerai was, is NORA INU een surrealisme met een hoog voltage.
Structureel gezien is NORA INU een barok/ romantisch meesterwerk, met subtiliteiten in de bouw en in de opbouw. De enorme rijkdom aan inhoud, thema's en stijlen maakt een opzienbarende indruk. Het is een eer, beste lezers, om over zulke grootse prestaties te schrijven; en u, beste lezers, eren wij door Kurosawa's NORA INU te zien. Het is een van die films die cinema opnieuw definiëren.
Voor ik NORA INU zag, dacht ik dat ik iets van de film noir wist; ik wist niets.

text_en:
Decidedly, the early Kurosawa was the best; and he rightly ranks with Bergman, Fellini, Welles, with the very best.

There was a manly and controlled strength and energy and life in the early Kurosawa, that remains unmatched.

If you read this '49 thriller, or action drama, as a noir, then it's the most respectable noir ever; as original and ingenious, formally, as Welles', but much more ambitious; yes, the most ambitious noir ever conceived and executed. The richness of content and of style may seem unbelievable. There are touches of imperishable surrealist hallucinating beautya feverish and bizarre, disconcerting, tough masterpiece. While obviously influenced by the noir movies en vogue those days, it has nothing, properly speaking, of a pastiche. The plot is rather Chandleresque, requiring a firm hold on the personae and threads.

One can see why some were displeasedKurosawa kept filming noir movies, disguised westerns, Russian dramas, Shakespearian dramas, epics --even in NORA INU there's a strong Russian undercurrentbut all these shapes and means are never more than tools or instruments. Kurosawa aimed at universality; he often achieved it.

NORA INU seems a Russian novel filmed like a noir; or a noir, a pulp made like a Russian novel. Very Russian, indeed, and viscerally impressive; extremely atmospheric, suggestive, rich in urban life touches, with a strong load of eroticism in quite a few scenes, naturalistic and brutal in some respects, harsh as tone and bleakin many ways, rather unlike Kurosawa's ulterior elegiac and lyrical success IKIRU. I enjoyed very much IKIRU, but I have found NORA INU in some respects even stronger and more respectable; I ignored completely this early Kurosawa, Kurosawa's whole early career, and now I see it's something awesome. In NORA INU, Kurosawa does an Americanstyle movie better than the Americans; a drama with Russian contentbetter than the Russians. Kurosawa was a mighty stylist, very ambitious and skilled. Humanistic and wise, his work is deliberately 'cosmopolitan' and international, i.e., simply universal. What I knew less about him was this surrealist side, so obvious in NORA INU. It's more than the usual 'hot town' suggestiveness of some American outings, something more than the lecherous 'cat on the hot tin roof'/ 'long hot summer' neurotic poetry. But it has to be seen, to be believed. There are in NORA INU things, intuitions, images, bits that I, Cristian Ciopron, did not find yet in the American cinema; Kurosawa was, we all know it already, deft with the genre flicks, and NORA INU is an exemplar action dramawith what perspicacity and brio and shocking vehemence! Should I add that NORA INU instantly devalues most of the other noir movies as standard slapdash? Perhaps not.

Like Fellini, like Bergman, Kurosawa achieved here to give the cinema's poetry its most pure and unadulterated expression. Like or not his samuraisthis, NORA INU, is highvoltage surrealism.

Structurally, NORA INU is a baroque/ romantic masterpiece, with subtleties of construction and intricacies of layout. The enormous richness, of content, themes, styles, produces a startling impression. It's an honor, dear readers, to write about such capital achievements; and you, please honor Kurosawa's NORA INU by seeing it. It's one of the movies that redefine cinema for somebody.

Previous to seeing NORA INU, I thought that I knew something about the noir cinema; I knew nothing.


text:
Dit is Akira Kurosawa's waagstuk in de _noir_, en beslist een afknapper voor degenen die zijn samoeraifilms beter kennen. Kurosawa speelt de rol van de vaste Toshirter Mifune, een jonge oorlogsveteraan die politieagent wordt en in een drukke tram zijn wapen verliest. Zijn wijze baas koppelt hem aan de 25-jarige politieveteraan Takashi Shimura om het wapen te vinden, dat bij een overval en een beroving is gebruikt. Voordat het voorbij is, zal het wapen worden gebruikt om een vrouw te doden en zal Shimura ook worden doodgeschoten.
Ik kan met zekerheid zeggen dat dit een Japanse film is die in Hollywood nooit meer zal worden gemaakt. Het overheersende thema van deze film is verantwoordelijkheid. Ik kan me net zomin een Amerikaanse politieman in de ellende van Mifune voorstellen, en die zijn ontslag aanbiedt omdat zijn wapen bij een misdaad is gebruikt, als ik me kan voorstellen, nou ja, ik kan me gewoon niets vreemders voorstellen.
Mifune werd verteerd door zijn verantwoordelijkheid in deze zaak en was meedogenloos in het vinden van zijn wapen. Met de hulp van de wijze veteraan Shimura slaagde hij erin alle tegenslagen te overwinnen en te slagen. Maar Shimura herinnerde hem eraan dat hij de zaak spoedig zou vergeten, aangezien er nog veel meer Yusa's rondliepen die het volk te grazen namen.
Het was een uitstekende blik op het Japan van na de oorlog en de strijd van het volk om te bestaan. Het was een ander briljant werk in de uitmuntende collectie van Akira Kurosawa. Niet om over het hoofd te zien.

text_en:
This is Akira Kurosawa's venture into noir, and a definite departure for those who are more familiar with his samurai films. It stars Kurosawa regular Toshirô Mifune as a young war vet turned policeman, who loses his gun on a crowded streetcar. His wise boss pairs him with 25 year police veteran Takashi Shimura to find the gun, which has been used in an assault and robbery. Before it is over, the gun will be used to kill a woman and Shimura will also be shot.

I can say with certainty that this is one Japanese movie that will never be remade in Hollywood. The overriding theme of this film is responsibility. I can no more imagine an American cop in the anguish of Mifune, and offering to resign because his gun was used in a crime, than I can imagine, well, I just can't image anything more foreign.

Mifune was consumed with his responsibility in the matter and was relentless in finding his gun. With the help of the wise veteran Shimura, he managed to overcome all odds and succeed. But, Shimura reminded him that he would soon forget the matter as there were many more Yusa's out there preying on the people.

It was an excellent look at post war Japan and the struggles of the people to exist. It was another brilliant work in the outstanding collection of Akira Kurosawa.

Not to be missed.


text:
Een smet op mijn status als filmfanaat is het feit dat ik nog nooit een film heb gezien van Akira Kurosawa, verreweg de bekendste en meest gerespecteerde Japanse filmmaker. Eindelijk is er een eind gekomen aan mijn droogte, want ik ben gisteravond gaan zitten om van Nora inu/Stray Dog (1949) te genieten. Een politieprocedure in de klassieke filmnoir-traditie, met Kurosawa als de vaste Toshirter Mifune, een jonge rechercheur Moordzaken die in een bus een vuurwapen in zijn zak heeft. Als duidelijk wordt dat het wapen in handen is gevallen van een wanhopige, moordzuchtige crimineel, wordt Det. Murakami verteerd door schuldgevoel en schaamte, en dat komt alleen door de ervaren begeleiding van mentor Det. Sato (Takashi Shimura) opdat hij zijn onzekerheden kan overwinnen en de verdachte kan opsporen. 'Stray Dog' was de tiende film van de regisseur, en de derde in een schat aan samenwerkingen met Mifune gedurende een illustere carrière. Hoewel het niet helemaal het meesterwerk is dat ik waarschijnlijk onredelijk had verwacht, kan ik alleen maar beloven dat mijn eerste Kurosawa zeker niet mijn laatste zal zijn.
Verrassend genoeg lijkt 'Stray Dog' in veel opzichten op Vittorio de Sica's neorealistische meesterwerk 'The Bicycle Thief' (1948). Beide films gaan over de schijnbaar zinloze zoektocht van een gedesillusioneerde man naar een essentieel gestolen voorwerp, in een stad met arme en meelijwekkende mensen, waar in de nasleep van de Tweede Wereldoorlog wijdverbreide economische problemen velen hebben gedwongen tot een leven van misdaad. Murakami begint met het zoeken naar zijn gestolen pistool. Het is een prachtige, uitgebreide scène waarin hij doelloos door de armoedige straten zwerft en de decadentie van de maatschappij voor zichzelf ervaart, en voor het eerst begrijpt waarom een misdadiger gedwongen zou kunnen zijn een duister pad te bewandelen. Een heel belangrijk thema van de film is de voor de hand liggende parallel tussen Det. Murakami en zijn verdachte Yusa (Isao Kimura). Beide personen kregen het zwaar te verduren toen hun rugzakken werden gestolen: terwijl de eerste de cruciale stap naar de politie zette, koos de laatste het tegenovergestelde pad en werd uiteindelijk een dief en een gezochte moordenaar. In de climax van de achtervolging worstelen de twee mannen heftig in het struikgewas, waarbij hun gezichten bedekt raken met een laag modder. Gedurende enkele beslissende momenten zijn rechercheur en misdadiger praktisch niet van elkaar te onderscheiden.
Een element van het filmen dat Kurosawa kennelijk in 1949 onder de knie had gekregen, was het creëren van intensiteit, en in veel opzichten is 'Stray Dog' gewoonweg niet prettig om naar te kijken. De gebeurtenissen in de film lijken zich af te spelen tijdens een extreme hittegolf, en het zweet kleeft aan de huid van de acteurs alsof ze bijna geroosterd worden op hun stoel. Als het verhaal een vernietigende climax bereikt, wordt de komst ervan aangekondigd door het uitbreken van een storm, het verstrijken van de smoorhete droogte misschien als symbool voor het einde van de saaie, nutteloze routine van de politieprocedures. Ik was ook onder de indruk van de koortsachtige achtervolgingsscènes zowel aan het begin als aan het eind van de film, die niet alleen buitengewoon spannend waren, maar ook echt aangrijpend. Toen ik Murakami en Yusa in de begroeiing zag worstelen voordat ze allebei van vermoeidheid op de grond in elkaar zakten, geloof ik niet dat ik filmfiguren ooit zo uitgeput heb gezien. De twee rechercheurs gingen van de ene mogelijke getuige naar de andere en verzamelden heel langzaam de informatie die ze nodig hadden om hun verdachte op te sporen. Niettemin heb ik nu de enorme taak om te beslissen welke van Akira Kurosawa's films ik de volgende keer zal bekijken.

text_en:
A long-standing blemish on my status as a film buff has been the fact that I had never seen a film directed by Akira Kurosawa, easily the most well-known and respected Japanese filmmaker. Finally, my drought has been broken, as I sat down last night to enjoy 'Nora inu / Stray Dog (1949).' A police procedural in the classic film-noir tradition, the film stars Kurosawa-regular Toshirô Mifune as a young homicide detective whose firearm is pick-pocketed while on a bus. When it becomes clear that the weapon has fallen into the hands of a desperate, murdering criminal, Det. Murakami becomes consumed with guilt and shame, and it is only through the experienced guidance of mentor Det. Sato (Takashi Shimura) that he can overcome his insecurities and track down the suspect. 'Stray Dog' was the director's tenth film, and the third in a wealth of collaborations with Mifune throughout an illustrious career. Though it is not quite the masterpiece I had {probably unreasonably} been anticipating, I can only promise that my first Kurosawa will certainly not be my last.

Surprisingly, 'Stray Dog' is similar in many regards to Vittorio De Sica's neorealist masterpiece 'The Bicycle Thief (1948).' Both films concern a disillusioned man's seemingly-futile search for an essential stolen object, in a city of poor and pitiable individuals, where, in the aftermath of World War Two, widespread economic difficulties have forced many towards a life of crime. When Det. Murakami first begins searching for his stolen gun, there is a wonderful extended sequence in which he purposelessly wanders the poverty-stricken streets, experiencing the decadence of society for himself, for the first time understanding why a criminal might have been forced to tread a darkened path. A very important theme of the film is the obvious parallel between Det. Murakami and his suspect, Yusa (Isao Kimura). Both individuals fell on hard times when their knapsacks were stolen: while the former took the crucial step towards law enforcement, the latter chose the opposite path, eventually becoming a thief and a wanted murderer. In the story's climactic chase sequence, the two men tussle violently in the undergrowth, their faces becoming coated in a layer of mud; for a decisive few moments, detective and criminal are practically indistinguishable from each other.

One component of film-making that Kurosawa had evidently mastered by 1949 was creating intensity, and, in many ways, 'Stray Dog' is simply discomforting to watch. The events of the film appear to take place during an extreme heatwave, and the perspiration clings to the skin of the actors as though they are practically roasting in their seats. When the story reaches a devastating climax, its arrival is heralded by the breaking of a storm, the passing of the sweltering drought perhaps symbolising that the dull, futile routine of police procedure has come to an end. I was also impressed by the frantic chase sequences at both the beginning and end of the film, which, aside from being exceptionally thrilling, were genuinely harrowing. Watching Murakami and Yusa grapple in the vegetation, before both collapsing to the ground in fatigue, I don't think I've ever seen film characters looking so utterly exhausted. Despite a masterful opening and closing, 'Stray Dogs' tended to drag a lot in the middle, with the two detectives moving from one possible witness to the other, very slowly gathering the information they require to track down their suspect. Nonetheless, I now have the massive undertaking of deciding which of Akira Kurosawa's films I will watch next.


text:
Een pistool dat zoek is geraakt, een politiefunctionaris die de louche kant van het naoorlogse Tokio afzoekt om het op te sporen en daarmee zijn eer te redden <0xE2><0x80><0x93> een klassieke film noir-scenario. Dit is een Kurosawa-film, dus natuurlijk wordt hij briljant uitgevoerd. Deze film zit vol oogverblindende scènes met een uiterst fantasievolle en technisch vaardige montage en camerawerk. Dit mag dan zijn eerste 'geweldige' film zijn, op sommige punten verraadt hij zijn betrekkelijke onervarenheid als filmer <0xE2><0x80><0x93> in het centrale deel van de film raakt hij af en toe een beetje de draad kwijt en af en toe laat hij zijn beeldspraak te wensen over (iets wat Kurosawa altijd al deed). Hij experimenteert ook duidelijk met verschillende technieken, hij heeft zijn eigen unieke filmtaal nog niet helemaal gevonden. Maar het blijft een geweldige film, hij verdient het om daar op de lijst te komen met de beste noirs uit Amerika en Frankrijk.
<0x3E> Er zijn hier veel genoegens <0xE2><0x80><0x93> de levendige scènes die zich afspelen in een verminkt en door armoede geteisterd Tokio <0xE2><0x80><0x93> de afzonderlijke scènes <0xE2><0x80><0x93> de pijn van de weduwnaar die zich in doodsnood opkrult bij de gedachte aan zijn dode vrouw <0xE2><0x80><0x93> de jonge danseres die verscheurd wordt door haar loyaliteit aan de enige man die haar edelmoedigheid heeft getoond <0xE2><0x80><0x93> en zelfs de verwrongen pijn van de moordenaar als hij beseft dat hij zijn vrijheid heeft verloren. De voorlaatste achtervolging is werkelijk meesterlijk, je kunt je nauwelijks voorstellen dat iemand het ooit beter heeft gedaan <0xE2><0x80><0x93> elk element ervan, de achtervolging, het snijden naar een pianospelende dame, de nieuwsgierigheid naar het lawaai, het laatste visioen van spelende kinderen en een bloem die waait in de wind <0xE2><0x80><0x93> verbluffend.
Bovenal is dit een moreel complexe film <0xE2><0x80><0x93> het voortdurende onbehagen van de politieman die beseft hoe dicht hij bij de'zwerfhond' is, knaagt aan de film en wordt verbluffend echt aan het eind, als ze allebei uitgeput naast elkaar in het gras liggen, bijna als verzadigde geliefden. Kurosawa was zijn tijd ver vooruit met zijn vertolking van hoe het toeval bepaalt hoe we aan ons eind komen, maar omdat de mensen aan de ene kant van het goede of het kwade zijn gevallen, bouwen ze muren op om hun scheiding van de 'andere' te benadrukken. Als nieuwe politieman wordt Mifune gekweld door de wetenschap dat hij op de moordenaar lijkt, maar zijn oudere, meer volwassen collega verzekert hem dat hij zal leren hen te haten, dat hij hen als minderwaardig zal gaan beschouwen.
Zoals in de meeste Kurosawa-films zitten er geen eenvoudige conclusies in <0xE2><0x80><0x93> hoewel er misschien oppervlakkige'morelen' in zijn verhalen zitten, kijk je eronder en zie je lagen van complexiteit en dubbelzinnigheid, maar altijd binnen de context van zijn sympathieke humanisme. Zijn films mogen dan somber zijn, ze geven nooit toe aan cynisme of ironie.
Dit is misschien niet zo goed als zijn latere 'High and Low', maar het is nog steeds een geweldige thriller die de overgrote meerderheid van de moderne films naar de kroon steekt.

text_en:
A lost pistol, one police officers search through the sleazy side of post war Tokyo to track it down and save his honour by doing so - a classic film noir plot. This is a Kurosawa movie, so of course it is executed brilliantly. This film is full of dazzling sequences with highly imaginative and technically adept editing and camera work. This may be his first 'great' movie, but in some sections it betrays his relative inexperience as a film maker - it slightly loses focus in the central part of the movie and he occasionally over-eggs his metaphors (something Kurosawa was always inclined to do). He is also clearly experimenting with different techniques, he hasn't quite found his own unique film language. But it is still a truly great film, it deserves to rank up there with the best noir movies from America and France.

There are many pleasures here - the vivid scenes set in a crippled and poverty stricken Tokyo - the individual vignettes - the pain of the widower who curls up in agony at the thought of his dead wife - the young dancer torn in her loyalties to the one man who showed her generosity - and even the twisted agony of the murderer as he realizes he has lost his freedom. The penultimate chase sequence is truly masterful, its hard to imagine it being ever done better - every element of it, the chase, the cutting to a piano playing lady, curious at the noise, the final vision of children playing and a flower blowing in the wind - stunning.

Most of all, this is a morally complex movie - the constant unease of the policeman who realizes how close he is to the 'stray dog' nags away at the movie and becomes stunningly real at the end, as they both lay exhausted in the grass side by side, almost like sated lovers. Kurosawa was far ahead of his time in his portrayal of how chance determines how we end up, but having fallen on one side of good or evil, people build up walls to emphasize their separation from the 'other'. As a new policeman, Mifune is tortured by his knowledge of how similar he is to the killer, but his older, more mature colleague assures him that he will learn to hate them, to see them as beneath him.

As with most of Kurosawas movies, there are no simple conclusions - while there may be superficial 'morals' to his tales, look beneath and there are layers upon layers of complexity and ambiguity, but always within a context of his sympathetic humanism. His films may be bleak but they never give in to cynicism or irony.

This may not be quite as accomplished as his later 'High and Low', but it is still a terrific thriller that puts the vast majority of modern movies to shame. Strongly recommended.


text:
Tegen het eind van de periode waarin Japan door Amerikaanse troepen werd bezet, nam Kurosawa een typisch Amerikaans genre op zich, de film noir. In Stray Dog weeft hij een verhaal dat deels een whodunit en deels een sociaal drama is. Kurosawa ontwikkelt zijn stijl verder in wat het begin was van zijn grootste werkterrein, geholpen door een ander groots optreden van de hoofdrolspeler Toshiro Mifune, die zijn rol in de eerdere Dronken Engel overtreft.
Ik krijg het gevoel dat Kurosawa in deze film de vinger precies op de zere plek van het naoorlogse Japan legde, zoals hij ook probeerde in de film Dronken Engel (1948). Mifune's detective en zijn tegenspeler, Ko Kimura's misdadiger, zijn niet zomaar typische voorbeelden van Japans werk.' In de après guerre-generatie zijn ze ook symbolisch voor de tegenstrijdige gevoelens die de verslagen Japanse natie koestert. Aan de ene kant voelt rechercheur Murakami zich schuldig en verantwoordelijk over het verlies van zijn pistool, en aan de andere kant voelt hij de blinde woede van Yusa en het gevoel dat hij onrecht is aangedaan. Nog een veelzeggende verwijzing naar de impact van de oorlog komt wanneer Murakami te horen krijgt dat hij zich als een arme sloeber moet kleden en vervolgens een sjofel soldatenuniform aantrekt.
Hoewel er minder warmte en meer tragedie in dit beeld schuilgaan, toont Kurosawa dezelfde gevoeligheid en tederheid die hij in _Dronken Engel_ tentoonspreidde. In de scène waarin Murakami en Sato de plaats van de tweede beroving bezoeken, wordt het gevoel van tragedie schitterend verwoord door een reeks foto's waarop het huis en de tuin leeg zijn, terwijl we buren tegen elkaar horen fluisteren over wat er is gebeurd. Ook zijn de personages, wat ongebruikelijk is voor een film noir (maar min of meer de regel voor het vroege Kurosawa), echt sympathiek. Er is een grote warmte in de relatie tussen de jongere en oudere rechercheurs, en de aardsheid en brutaliteit van de kleine criminelen die hier en daar in de film opduiken, zijn bijna charmant.
Kurosawa zelf deed de film af als 'te technisch' met 'geen enkele gedachte erin'. In het eerste halfuur van de film hebben in het bijzonder critici de lang uitgesponnen zoekscènes bekritiseerd. Hoewel ik het ermee eens ben dat ze misschien een beetje te lang zijn, zijn ze niet alleen Kurosawa's kans om een aantal visuele stijlen te tonen, maar ook alle beelden en geluiden van de stad, in een bijna neorealistische stijl. Bovendien lijkt de ogenschijnlijke doelloosheid van dit deel van de film aan te sluiten bij Murakami's knoeierige onhandigheid in de eerste stadia van zijn onderzoek. In feite komen de samenhang van de plot en het geijsbeer in hetzelfde tempo samen als het onderzoek van de rechercheurs. Het laatste halfuur is ongelooflijk strak en gespannen.
'Kurosawa' De kinetische aanpak van Kurosawa voor de compositie van de shots begint hier echt door te sijpelen, met snorrende bureauventilatoren, draaiende gokkasten en opbollende vitrages die de bewegende elementen in het beeld houden, zelfs als de acteurs stilzitten. Hij begint ook regelmatig horizontale vegen te maken, waarbij de richting van de vegen overeenkomt met de bewegingsrichting op het scherm.
Het is moeilijk om lang over _Stray Dog_ te praten zonder over het weer te beginnen. Kurosawa heeft duidelijk goed opgelet en zijn acteurs ook, om er zeker van te zijn dat elk shot een verwijzing naar de smoorhete hitte bevatte. De hittegolf neemt toe tot de laatste avond van het onderzoek, als hij omslaat in een storm. Het gebruik van het weer is misschien iets opvallender dan op zijn latere films, maar het vormde wel een cruciaal Kurosawa-motief.
Stray Dog is een heel behoorlijke vroege Kurosawa-film, ondanks zijn eigen bedenkingen. Het is ook een degelijke film noir die, hoewel vaak heel donker en negatief, de trend in evenwicht houdt door over het geheel genomen opbeurend te zijn en je een tevreden gevoel te geven, hoewel sommigen zouden kunnen zeggen dat dat niet betekent dat het geen film noir is. Hoe dan ook, het is beslist een fantastische film.

text_en:
Towards the end of the period of Japan's occupation by US forces, Kurosawa took on a typically American genre, the film noir. In Stray Dog he weaves a tale that is part whodunit and part social drama. Kurosawa further develops his style in what was the beginning of his greatest area, aided by another great performance from leading man Toshiro Mifune that tops his part in the earlier Drunken Angel.

I get the feeling Kurosawa really put his finger on the pulse of post-war Japan in this picture  as he tried to do but just fell short in Drunken Angel (1948). Mifune's detective character and his opposite number, Ko Kimura's criminal are not just typical examples of Japan's après guerre generation, they are also symbolic of the conflicting feelings prevalent in the defeated Japanese nation. On the one hand there is the guilt and responsibility detective Murakami feels over losing his gun, and opposite that the unhinged Yusa's blind anger and sense of injustice. Another telling reference to the impact of the war comes when Murakami is told to dress as a down-and-out, and subsequently puts on a shabby soldier's uniform.

Although there is less warmth and more tragedy to this picture, Kurosawa demonstrates the same kind of sensitivity and tenderness he showed in Drunken Angel. In the scene where Murakami and Sato visit the scene of the second robbery, the sense of tragedy is brilliantly conveyed with a series of shots showing the house and garden empty, while we overhear neighbours whispering to each other about what has gone on. Also, unusually for a film noir (but more or less the rule for early Kurosawa) the characters are really likable. There is a great warmth in the relationship between the younger and older detectives, and the earthy, cheekiness of the petty criminals that pop up here and there in the film is almost charming.

Kurosawa himself dismissed the film as being "too technical" with "not one single thought in it". In particular critics have often attacked the long drawn out search sequences in the first half hour of the film. While I agree they are perhaps a little over done, they are not only Kurosawa's opportunity to show off a number of visual styles, but also all the sights and sounds of the city, in an almost neo-realist style. Besides, the apparent aimlessness of this part of the film seems to be a deliberate match for Murakami's bungling ineptitude in the early stages of his investigation. In fact, the coherence of the plotting and pacing comes together at the same rate as the detectives' investigation. The final half hour is incredibly taut and tense.

Kurosawa's kinetic approach to shot composition is really starting to shine through here, with whirring desk fans, spinning arcade games and billowing net curtains keeping moving elements in the frame even when the actors are still. He also begins making frequent use of horizontal wipes, matching the direction of the wipe with the direction of movement on screen.

It's hard to talk about Stray Dog for long without mentioning the weather. Kurosawa obviously paid attention  and made his actors pay the same attention  to ensure that every single shot contained some reference to the sweltering heat. The heat wave builds up until the final night of the investigation when it breaks into a storm. It's perhaps a little more of an obvious use of the weather than in his later pictures, but it established a crucial Kurosawa motif.

Stray Dog is a very decent early Kurosawa picture, in spite of his own misgivings about it. It's also a solid film noir which, although often very dark and negative, in balance bucks the trend by being overall uplifting and leaving you with a satisfied feeling  although some might say that excludes it from being counted as a film noir at all. Whatever the case, it is certainly a fantastic film.


text: Eersteklas film van een eersteklas regisseur, waarin vrijwel elk shot een compositie van expressieve schoonheid is. Het verhaal is rijk en sappig, vol van het dramatische potentieel dat met weinig moeite een stilistisch mechaniek in een melodrama kan veranderen, maar ook beladen met een krachtige boodschap over persoonlijke morele verantwoordelijkheid. Toshiro Mifune belichaamt deze morele boodschap in zijn hartstochtelijke, intense optreden als Murakami. Het moment waarop Murakami, tijdens een bezoek aan het huis van zijn collega-rechercheur (de uitmuntende Takashi Shimura) voor het eerst in de film glimlacht bij het ontmoeten van de kinderen van zijn collega, is in het bijzonder ontroerend. En opnieuw is het de aanwezigheid van kinderen die de verbazingwekkende laatste strijd tussen held en schurk in een ander daglicht plaatst. Het gebruik van geluid is opmerkelijk, vooral in de laatste akte, wanneer wat we aan de andere kant van de telefoon horen een krachtig effect heeft. Er was altijd een verrassing om de hoek, of het nu ging om tempo of beeld of geluid of vertolking of wending van het verhaal <0xE2><0x80><0x93> hoewel het in feite een heel rechtlijnig verhaal is, dat lineair wordt verteld <0xE2><0x80><0x93> maar die beschrijving doet geen recht aan een opeenvolging zoals wanneer we naar het ballistisch lab op het politiebureau gaan en Mifune hoort over een kogel die op de plaats van een misdrijf is gevonden, en dan gaat hij er zonder enige waarschuwing vandoor <0xE2><0x80><0x93> en we volgen hem <0xE2><0x80><0x93> naar een schietbaan waar we...' Ik heb hem al in het begin van de film gezien, toen hij zelf een afgevuurde kogel opraapte, en dan rennen we terug naar het ballistisch lab en gaan we naar een microscopisch close-up van de POV-ballistiekman om de twee kogels te vergelijken. Het is volkomen juist om dat te doen, want we zijn plotseling één met de zorgen van de held. De regisseur heeft de bijzondere gave om het verhaal te vertellen vanuit het perfecte, meest poëtische, expressieve gezichtspunt. Het toont in zijn schoonheid de pure droesem die het grootste deel van het schermvoer is, waar je een beetje verdrietig van kunt worden, maar het feit dat dit soort werk bestaat is zo opbeurend dat het je herinnert aan de waarde van echte filmrolletjes en kunstenaars.

text_en: First-rate film by a first-rate director, in which pretty much every shot is a composition of expressive beauty. The story is rich and juicy, full of the dramatic potential which can jump a stylistic gear into melodrama with very little effort, but also weighted with a powerful message about personal moral responsibility. Toshiro Mifune, embodies this moral message in his passionate,intense performance as Murakami. The moment when, visiting the home of his fellow detective (the excellent Takashi Shimura) Murakami smiles for the first time in the movie on meeting his colleague's children is particularly moving. And it is again the presence of children that transfigures the amazing final struggle between hero and villain. The use of sound is remarkable, especially in the last act, when what we hear through the other end of the telephone is deployed to powerful effect. There was always a surprise around the corner, whether one of pace or image or sound or performance or turn of the narrative - though in fact it's a very straightforward story, told in a linear fashion, but that description really doesn't do justice to a sequence such as when we go to the ballistics lab at the police station, Mifune learns about a bullet found at the scene of a crime, and then he dashes off without any warning - and we follow him - to a shooting range at which we'd seen him early on in the film, retrieving a spent bullet of his own, and then we dash back to the ballistic lab, and then go into a microscopic close-up POV ballistics man, comparing the two bullets. It's completely the right thing to do, because we are suddenly at one with the hero's concerns. The director's particular gift is to tell the story from the perfect, most poetically expressive, point of view. It reveals in its beauty the sheer dross that is the bulk of screen fodder, dwelling on which can make you a little sad, but knowing work such as this exists is so uplifting, it reminds you of the value of real reel art and artists.


text:
Stray Dog (1949)
Diefstal, moord, leugens en geld. Het najagen van één enkel pistool creëert een meeslepend verhaal dat door menselijk gedrag en het weer nog verder wordt geduwd.
Murakami is op zoek naar een pistool dat hij in de stad Tokio is kwijtgeraakt. De schietlocaties zien er heel alledaags uit, maar nooit aan de skyline van Tokio. Het steegje, het restaurant, de kapsalon, het treinstation, ze hebben allemaal iets vertrouwds. Het gaat niet alleen om die locaties, er gebeuren ook verschillende dingen. Er zijn mensen die in het centrum gaan winkelen, er zijn mensen die naar de kapper gaan, er...' De mensen die bij de honkbalwedstrijd aanwezig zijn, al die mensen overal, wekken de indruk dat de stad inderdaad vol mensen is en bijdraagt aan de sfeer en de sfeer van de film. Het is heel duidelijk dat iedereen die een rol in de film heeft een verhaal heeft: de hotelmedewerker heeft last van de hitte, de politieteams zijn bezig met verschillende andere zaken en verschillende andere personages geven hints over hun eigen leven en hoe ze met problemen omgaan, en dat alles brengt leven in de film. De sfeer van een drukke markt, waar Murakami undercover gaat om zijn verdwenen pistool te zoeken, draagt bij aan de frustratie van de scène. Een zee van duizenden gezichten vervaagt en sleept zich voort. Op het eerste gezicht lijkt de scène te lang en na een minuut begrijpt het publiek wat er aan de hand is, maar door dit te doen verandert de aandacht van de plot in het karakter van Murakami, als de kijker ziet hoe graag hij zijn pistool terug wil hebben.
Het pistool wordt een verzinsel van MacGuffin, Murakami wil zijn pistool terug hebben voordat het iemand anders kwaad kan doen. Als hij de moordenaar eindelijk te pakken krijgt en het pistool afdwingt, wordt er niet meer over gesproken.
De overweldigende hitte in de film eist zijn tol van de twee rechercheurs en andere personages. De uitputting begint toe te slaan als de personages in slaap vallen, gefrustreerd raken en overladen raken met werk. Sato ziet dat zijn jonge partner door de uitputtingsfase heen is en probeert Murakami op het juiste spoor te krijgen. Hij komt met de belangrijkste symboliek van de film, een hondsdolle zwerfhond (hoewel hondsdolheid in Japan uiterst zeldzaam is). De uitputtingsfactor maakt Murakami humeurig, kwaad en beperkt in zijn mogelijkheden. Soms kan hij zich alleen maar concentreren op het terugkrijgen van zijn gestolen pistool, op het vinden van persoon X, zonder op zijn omgeving te letten, en op het blindelings achter mensen aan gaan. Sota is vaak de stem van de rede, maar ook hij wordt door de hitte bevangen.
Eén ding kunnen zwart-witfilms niet. Het gaat niet alleen om de kleur, maar ook om het effect van de temperatuur. In _Stray Dog_ bijvoorbeeld is het effect van de hitte nauwelijks voelbaar, omdat het moeilijk is om hittegolven en de verschillende tinten van de huid uit elkaar te houden, zodat je kunt zien hoe vochtig de huid is en hoe verbrand door de zon.
De hitte is niet het enige weersymbool dat in de film wordt gebruikt, de grote regenval brengt ook verandering in de film. Harumi Namiki, de vriendin van de moordenaar, verandert van gedachten nadat de regen is gevallen en besluit de rechercheurs te helpen. De regen betekent ook droefheid en heeft een dramatisch effect op het feit dat Sato wordt doodgeschoten. Na de regen komt een warme zomerdag waarop de moord wordt bespeurd terwijl de vogels fluiten, de bloemen bloeien en alles er levendiger uitziet dan op het moment dat de hittegolf in volle gang was.

text_en:
Stray Dog (1949)

Theft, murder, lies and money. The pursuit of a single gun creates a compelling story that is pushed further by human behavior and weather.

The plot has Murakami searching for a gun he lost in the city of Tokyo. The shooting locations look very everyday, but never on the Tokyo skyline. The back alley, the restaurant, the hair salon, the train station, they all have a familiar feel to them. These locations aren't just there, there are several things happening there as well. There's people shopping downtown, there's people getting their hair cut, there's people at the baseball game, all of these people everywhere give the impression that the city is indeed full of people and adds to the mood and atmosphere of the movie. It is very evident that everyone who has a line in the movie has a story: the hotel worker is suffering because of the heat, the police units are tackling several other cases, and several other characters give hints about their own lives and how they are dealing with problems, which all brings life into the film. The atmosphere of a busy market place where Murakami goes undercover to look for his missing gun adds to the frustration of the scene. A sea of thousands of faces blur together and drags along. On first glance the scene feels too long and the audience gets the point after a minute, but by doing this the focus turns from the plot to the character of Murakami as the viewer sees how badly he wants his gun back.

The gun becomes a MacGuffin plot device, the drive for Murakami is to get his gun back before it can harm anyone else. When he finally does confront the killer and forces the gun away, it is no longer mentioned.

The overwhelming heat in the movie takes it's toll on the two detectives and other characters. Exhaustion begins to take over as the characters loose sleep, get frustrated and are overloaded with work. Sato sees that his young partner is going through the stages of exhaustion and tries to get Murakami on the right track and brings up the film's key symbolism, a rabid stray dog (even though rabies are extremely rare in Japan). The exhaustion factor makes Murakami grumpy, quick to anger and narrow visioned. At times he can only focus on getting his stolen gun back at any cost, getting person X and not noticing his surroundings, and blindly heading after people. Sota is often the voice of reason, but the heat gets to him too.

One thing that black and white films can't do as well as color is show the temperature effects. For an example, in Stray Dog, the effect of heat is barely felt since it's hard to ditinquish heat waves and the color differentaces in skin tones that show how moist skin is and how sun burnt it is.

The heat isn't the only weather device used in the movie, the big rainfall brings change in the movie. Harumi Namiki, who is the murder's girlfriend changes her mind after the rain fall and decides to help the detectives. The rain also signifies sadness and brings a dramatic effect to Sato being shot. After the rain comes a warm summer day where the murder is caught while birds are chripping, flowers are growing and things feel more lively then when the heat wave was in effect.


text:
Akira Kurosawa staat vooral bekend om zijn historische films, waarin meestal samoerai en Toshiro Mifune meespelen. _Stray Dog_ daarentegen speelt zich af in het Japan van na de oorlog en reist overtuigend door de achterbuurten van dat land, maar eerlijk gezegd speelt Toshiro Mifune er ook een rol in (godzijdank in een van zijn betere en minder theatrale voorstellingen).
Mifune, een groentje op de afdeling Moordzaken, wordt tijdens een busritje van de schietbaan naar huis zijn pistool ontfutseld; in de rest van de film wordt hij op zoek naar zijn ontbrekende pistool betrapt, eerst als dakloze veteraan en vervolgens onder leiding van Takashi Shimura's rechercheur Sato.
Het is een misdaadfilm, zo simpel als wat, maar Kurosawa graaft dieper en verkent de naoorlogse smurrie van zijn vaderland. Rechercheur Murakami en de misdadiger Yusa zijn, zo lijkt het, elkaars spiegelbeeld. Beiden zijn jonge veteranen die na de oorlog hun bezittingen zijn ontstolen tijdens de treinreis naar huis. Murakami, zo legt hij uit, was bijna doorgedraaid, maar hij koos voor het rechtschapen pad en werd agent; Yusa werd een kruimeldief en vervolgens een moordenaar.
Het onderzoek naar de beproevingen van de naoorlogse Japanse jeugd is fascinerend, net zo fascinerend als Kurosawa's ontleding van de geschiedenis en het vertellen van verhalen in Rashomon. Maar in tegenstelling tot Kurosawa's grotere films (Dodes'ka-den en Rashomon) voelt _Stray Dog_ als het werk van een jonge man. Dit was zijn negende of tiende film, geloof ik, en hij was eindelijk op visueel gebied op zijn best (er zijn een paar verbluffend goed gefilmde scènes en zijn decors en decors zijn goddelijk). Maar ondanks al zijn intelligentie ontbreekt het de film aan subtiliteit, in elk geval in de vertaling. Het concept van Yusa en Murakami als dubbelgangers wordt vaak en duidelijk naar voren gebracht: Kurosawa heeft zijn publiek niet nodig om zijn eigen werk te doen; alles wordt handig uitgelegd. Het is jammer dat het Kurosawa aan vertrouwen in zijn publiek ontbreekt, want deze film had misschien zijn beste kunnen zijn als hij iets minder hardhandig was gemaakt. Murakami's ontsteltenis over het feit dat zijn pistool bij misdaden is gebruikt, lijkt ook een beetje overdreven. Misschien is het iets cultureels (waarschijnlijk wel), maar hij lijkt te overdreven te reageren. Ja, het is verschrikkelijk om een wapen te verliezen, maar, man, wanhoop is niet de oplossing.
Hoe dan ook, _Stray Dog_ is een heel goede film en zou meer bekeken moeten worden dan waarschijnlijk het geval is. Hij is beter dan alle historische films van Kurosawa (met uitzondering van _Rashimon_ ) en ook heel leuk.

text_en:
Akira Kurosawa is known mostly for his historical films, which typically incorporate samurais and Toshiro Mifune. Stray Dog, on the other hand, takes place in post-War Japan and travels its mean streets convincingly, though, truth be told, it also features Toshiro Mifune (thankfully in one of his better and less histrionic performances).

Mifune, a greenhorn homicide detective, has his gun pinched on a bus-ride home from target practice; the remainder of the movie finds him searching for his missing pistol, first undercover as a homeless veteran and then under the tutelage of Takashi Shimura's Detective Sato.

It's a crime movie, plain and simple, but Kurosawa digs deeper than that, exploring the postwar sludge of his homeland. Mifune's Detective Murakami and the criminal Yusa are, ostensibly, mirror images of one another--both are young veterans who had their possessions stolen from them on the train-ride home after the war. Murakami, as he explains, almost snapped but chose the righteous path and became a cop; Yusa became a petty thief and then a murderer.

The exploration of the travails of the postwar Japanese youth is fascinating--just as fascinating as Kurosawa's dissection of history and storytelling in Rashomon. However, unlike Kurosawa's greater films (Dodes'ka-den and Rashomon), Stray Dog still feels like a young man's work. This was his ninth or tenth film, I think, and he was finally coming into his own on a visual level (there are some stunningly filmed sequences and his framing and arrangements are divine). However, the film, for all its intelligence, lacks subtlety, at least in translation. The concept of Yusa and Murakami as doubles, in a sense, is driven home often and obviously--Kurosawa does not require his audience to do any work of its own; everything is spelled out conveniently. It's a shame Kurosawa lacked trust in his audience because this film might have been his best if it had had a little more gentle of a hand. Murakami's distress over his gun being used in crimes also seems a little heavy-handed. Perhaps it is a cultural thing (it probably is), but he seems to overreact. Yes, losing a gun is terrible, but, my man, despair is not the answer.

In any event, Stray Dog is a very good film and should be watched more than it probably is. It's better than any of Kurosawa's historical films (excluding Rashomon) and a lot of fun too.


text: Een verdwaalde hond is een prachtige film over het menselijk bestaan, in de stijl van film noir en Duits expressionisme. In zwart-wit vertelt de film het verhaal van een jonge rechercheur in het naoorlogse Japan, die zijn wapen wordt gestolen. Schaamte drijft de jonge rechercheur op een reis door de Japanse maatschappij, op zoek naar het wapen terwijl het wordt gebruikt om misdaden te plegen. De maatschappij waar hij tijdens zijn jacht in terechtkomt, is verscheurd en chaotisch, en de jonge rechercheur komt er al snel achter dat hij, om zijn wapen terug te krijgen en iets van zijn eer te herstellen, meer intelligentie en sluwheid moet aanwenden dan hij gewend is. Hij moet ook de maatschappij begrijpen waarin hij probeert door te dringen. Om hem te helpen en zich dat te realiseren heeft hij een oudere rechercheur, gespeeld door de altijd fantastische Takashi Shimura. Hij betreedt het leven van de jonge rechercheur met een raadselachtige kracht en een uitgebalanceerd pathos dat de legendarische relatie tussen een roshi en zijn leerling in zen in herinnering brengt. Kurosawa heeft er een handje van om de mooie en levensbevorderende krachten te vergelijken met de lelijke en nihilistische krachten, waardoor sommige van zijn krachten buitengewoon sterk en levend worden. Dit is een van die foto's.

text_en: Stray dog comes out as a very beautiful film about human existence, dressed in the clothes of film noir and German expressionism. Shot in black and white, it tells the story of a young detective in post-war Japan, who gets his gun stolen. Shame propels the young detective on to a journey through the Japanese society, in search of the gun all the while the gun is being used to commit crimes. The society he enters during his chase is a torn and chaotic one, and the young detective soon learns that to get back gun and restore some of his honor, he have to resolve to use more wit and cunning than he is used to. He is also required to understand the society he is trying to penetrate. To aid him and to realize this he has an older detective, played by the always marvelous Takashi Shimura. He enters the life of the young detective with an enigmatic power and balanced pathos that brings the legendary relationship between a roshi and his pupil in zen, to mind. Kurosawa has a way of contrasting the beautiful and life-promoting forces intertwined with the ugly and nihilistic forces, that renders some of his forces extraordinary dept and life. This is one of those pictures.


text:
Als onderbreking van mijn gebruikelijke dieet van goedkope lowbudgetfilms heb ik buitenlandse films gekeken. Zoals vele anderen was mijn eerste Kurosawa-film 'De zeven samoerai'. Ik hield van zijn films, maar tot ik _Stray Dog_ zag, dacht ik dat al zijn werk zich in het feodale Japan afspeelde. Dit was een van Kurosawa's eerste films en speelde zich af in het moderne Japan.
Kurosawa's vaste Toshiro Mifune speelt een jonge politieagent wiens wapen op een hete zomerdag wordt gestolen. De agent voelt zich diep beschaamd en wil zijn gestolen wapen opsporen. Hij slaagt erin in de louche onderwereld een wapenhandelaar te vinden die zijn Colt-pistool hanteerde. Van daaruit spoort hij als een doorgewinterde detective het wapen op dat wordt gebruikt voor gewapende overvallen en een moord.
Het middelpunt van deze film is in feite Mifunes personage. Terwijl hij zijn gestolen wapen opspoort, moet hij incognito blijven als een voormalig soldaat die nu een wanhopig leven leidt (we komen te weten dat zijn personage dit leven echt heeft geleid voordat hij een baan bij de politie kreeg). Hij komt er ook achter dat de verdachte die hij op het spoor is, hetzelfde leven heeft geleid als hij, maar een misdaadleven is gaan leiden.
De veranderingen in Japan na de oorlog spelen ook een grote rol in deze film. Wat me echt trof was de overgang van de keizerlijke Japanse manier van leven naar het'moderne' leven. Dat zie je voornamelijk aan de veranderingen in kleding, muziek en kijk op het leven. Op een gegeven moment zien we een vrouw die haar kimono (die vroeger haar handelsmerk was) heeft ingeruild voor westerse jurken. Er is een moeder die probeert haar dochter, die cabaretdanseres is, onder de duim te houden en die leuke dingen wil hebben, hoe ze ze ook krijgt. En de lijst gaat maar door.
Kurosawa gebruikte een fantastische montage van Mifunes reis naar de onderwereld die Fritz Lang de tranen in de ogen zou doen springen. De film kan grof zijn, maar ook sentimenteel. Ik vind deze film goed omdat hij hem zag als een mislukte poging om een detectivefilm te maken in de stijl van Franse detectiveromans. Ik ben het daar niet mee eens. De film neemt zijn eigen leven op zich en geeft westerlingen inzicht in hoe Japan zich na de oorlog voelt.
Fantastisch.

text_en:
As a break to my usual diet of crappy low budget cinema, I've been watching foreign films. Like many others, my first Kurosawa film was "The Seven Samurai." I enjoyed his films, but until watching Stray Dog I thought that his work all took place in feudal Japan. This was one of Kurosawa's first films and was set in modern Japan.

Kurosawa regular Toshiro Mifune plays a rookie police officer whose gun is stolen on a hot summer day. The officer feels great shame and wants to track his stolen gun down. He manages to find a gun dealer in the seedy underworld who handled his Colt pistol. From there, he an a veteran detective track down his gun as it is used to commit armed robberies and a murder.

The focal point of this film is really Mifune's character. While tracking his stolen gun, he has to go incognito as a former soldier who is now living a life of desperation (we learn that his character really lived this life before getting a job with the police). He also learn that the suspect he is tracking lived the same life as he did, but took to a life of crime.

The changes in post war Japan also play a major role in this film. What really caught me was the change from the imperial Japanese way to the "modern" life. This is mostly seen through changes in dress, music and out look on life. At one point, we see a pick pocket who has traded in her kimonos (what used to be her trademark) for western style dresses. There's a mother who is trying to control her daughter who is a cabaret dancer and wants to have nice things no matter how she gets them. And the list goes on.

Kurosawa used a fantastic montage sequence involving Mifune's trip into the underworld that would bring tears to Fritz Lang's eye. The film can be gritty, yet sentimental. Kurosawa didn't like this film because he saw it as a failed effort to make a detective film in the style of French detective novels. I disagree. The film takes on its own life and gives an insight to westerners about how post war Japan feels.

Fantastic.


text: Dit is een van de eerste films uit de lange carrière van Akira Kurosawa, maar niettemin een briljante film. Deze film kan worden beschouwd als de eerste van de Japanse politiedrama's. Het hoofdthema van de film lijkt de periode na de Tweede Wereldoorlog in Japan te zijn. De film gaat over de overeenkomsten en het verschil tussen de smeris en de boef. Ze lijken in hun achtergrond sterk op elkaar (beiden waren oorlogsveteranen, beiden hadden een gestolen schooltas), maar uiteindelijk staan ze aan verschillende kanten van de wet. Kurosawa toont de gevolgen van de oorlog voor Japan. Waar sommigen stelen en de criminele weg kiezen om te overleven, overleven anderen door te doen wat goed is (en moeilijker <0xE2><0x80><0x93> zoals beschreven door Harumi). Zelfs in deze wereld is de misdadiger niet echt meedogenloos. Kurosawa geeft het gevoel van het naoorlogse Japan goed weer door de locaties te filmen (wanneer Toshiro Mifune over de markt reist <0xE2><0x80><0x93> dat zijn echte opnamen van de zwarte markten in verschillende steden). Het was zo gevaarlijk om daar te filmen dat de 'voeten' van Murakami in werkelijkheid een lichaamsdubbel (of voetdubbel) van Toshiro Mifune waren. Kurosawa gebruikt de acteurs die hij in zoveel klassieke films gebruikt <0xE2><0x80><0x93> Toshiro Mifune (een doorbraakrol voor Mifune, die tot dusver als een yakuza was afgeschilderd), Takashi Shumura (detective Sato) en de eerste filmoptredens van Minoru Chiaki. Deze film begint nogal traag in de opeenvolging van de gebeurtenissen (Murakami's pistool wordt in een bus gestolen, zoals in een flashback aan een meerdere wordt onthuld), maar neemt al snel een aanvang als de Sato wordt aangewezen om Murakami te helpen. Deze film wordt aanbevolen aan elke fan van de Japanse cinema, van Kurasawa en van het politiedrama.

text_en: This is one of the early movies in the long career of Akira Kurosawa and a brilliant movie nonetheless. This movie can be considered the first of the Japanese police dramas. The main topic of the movie seems to be post World War II Japan. The movie deals with the similarities and difference between the cop and the crook. They are very similar in background (both were veterans of the war, both had their satchels stolen), yet ended up on opposite sides of the law. Kurosawa is showing the effects of the war on Japan. Where some steal and take the criminal way out to survive, others survive by doing what is right (and harder - as characterized by Harumi's speech to Murakami about the dress from Yusa). Even in this world, the criminal is not truly ruthless. Kurosawa accurately captures the feel of postwar Japan, by actually filming in its locations (when Toshiro Mifune travels through the market - those are actual shots of the black markets in various cities). So dangerous it was to shoot there in fact, that the "feet" of Murakami were actually a body double (or foot double) for Toshiro Mifune. Kurosawa uses the actors that he uses in so many classic movies - Toshiro Mifune (a breakout role for Mifune, who had been typecast as a yakuza in his movie roles thus far), Takashi Shumura (Detective Sato) and the first movie appearance for Minoru Chiaki. This movie starts out rather slowly in the progression of the action (Murakami's gun is stolen on a bus - revealed in a flashback to a superior), but picks up quickly once the Sato is assigned to help Murakami. This movie is recommended to any fan of the Japanese cinema, of Kurasawa, and of the police drama.


text: Straw Dog is een andere uitmuntende film van Kurosawa. Hij gaat over de obsessieve zoektocht van een jonge rechercheur naar zijn verdwenen revolver. Met deze zoektocht verkent Kurosawa het Japan van na de Tweede Wereldoorlog. Het is een geweldige, veelzijdige film die het bekijken waard is.

text_en: Straw Dog is another excellent film from Kurosawa. It deals with the guilt, and obsessive search, by a young detective, for his missing revolver. With this search Kurosawa explores the post WWII environment in Japan. This is a terrific multi-layered film well worth watching.


text: Zelfs met een paar heel langzame stukken in deze film moet ik zeggen dat het mijn op een na favoriete film van Kurosawa is (na Zeven Samurai, natuurlijk). Scènes en dialogen in deze film blijven je bij, zoals wanneer een jonge zakkenroller in een politieverhoorkamer een ijslolly deelt met een door de wol geverfde en ervaren inspecteur Sato (gespeeld door een van mijn favoriete acteurs, Takhashi Shimura). Vreemd genoeg lijken ze zich te amuseren. Maar dan geeft Sato het meisje een sigaret en ze zuigt erop alsof ze haar laatste adem uitblaast en rookt bijna de hele sigaret in 30 seconden op. De spanning die het meisje in die scène uitstraalt is ongelooflijk. Shimura en Mifune als de wijze, oude smeris en de jonge, serieuze groentje zijn absoluut overtuigend en volkomen fascinerend. De straatarme kruimeldieven die ze tegenkomen, geven zo'n levendig beeld van het Tokio van na de oorlog dat je de hitte en het stof met hen meevoelt.

text_en: Even with some very slow bits in this film, I still have to say it is my second favorite film by Kurosawa (after Seven Samurai, of course). Scenes and dialogue in this film just stick with you, like when a young pickpocket is sharing a popsicle in a police interrogation room with streetwise and experienced Inspector Sato (played by one of my favorite actors, Takhashi Shimura). They seem, strangely, to be enjoying themselves. But then Sato gives the girl a cigarette and she sucks on it as if her last breath was coming, smoking almost the whole cigarette in 30 seconds. The tension that pours out of the girl in that scene is incredible. Shimura and Mifune as the wise, old cop and the young, earnest rookie are absolutely convincing and completely mesmerizing. The streetwise petty criminals that they meet paint such a vivid picture of post war Tokyo that you feel the heat and choke in the dust with them.


text:
Dit is een gruizige, smoezelige film noir die je kunt vergelijken met de beste Amerikaanse noirs uit de jaren veertig. Hij is om vele redenen interessant.
de naoorlogse Japanse mentaliteit van de personages.
Een knappe jonge Mifune (maar al heel goed in zieden, woedend kijken en tieren: 'Draag de jurk!')
De plot die in psychologisch opzicht een parallel trekt tussen de smeris en de moordenaar. Het is heel goed gedaan.
Visueel rijk. Locatieshots, achtervolgingsshots, composities, allemaal heel mooi.
Ik vond dit mooier dan 'Troon van Bloed', maar ik ben een grote Noir-fan. Er zijn scènes die te lang duren en de eerste helft is een beetje traag. Maar de laatste 20 minuten zijn perfect georkestreerd, met een prachtige strakke montage en kleine visuele accenten. De laatste ontmoeting tussen de agent en de misdadiger op het station is een klassiek voorbeeld.

text_en:
This is a gritty, seedy, film noir that can be ranked with the best American Noirs from the 40s. It is interesting for many reasons:

the post-war Japanese mind-set of the characters.

A handsome young Mifune(but already very good at seething, glowering, and ranting:"WEAR THE DRESS!")

The plot that parallels the cop with the killer, psychologically. It's very well done.

Visually rich. Location shots, tracking shots, compositions, all very nice.

I liked this one more than "Throne of Blood" but I'm a big Noir fan. There are some scenes that go on too long, and the first half is a bit slow. But the last 20 minutes are perfectly orchestrated, with beautiful tight editing and small visual touches. The final meeting between the cop & criminal at the train station is a classic sequence.


text:
Stray Dog en Rashomon zijn de twee films die Kurosawa internationale bekendheid hebben bezorgd als een groot filmmaker.
Murakami (Toshiro Mifune) is een jonge politierechercheur. Op een dag, tijdens een drukke busrit, beseft hij dat zijn pistool is gestolen. Al snel is hij geobsedeerd door het vinden van het pistool en voelt hij zich vooral schuldig als hij ontdekt dat het is gebruikt om meerdere moorden te plegen. Hij ziet het als zijn plicht om de dief op te sporen en samen met zijn partner (Takashi Shimura) beseft hij dat de zaak veel ingewikkelder is dan ze dachten.
De plot is buitengewoon goed bedacht en staat hoog aangeschreven bij de beste film noir. Maar de film is op sommige punten onevenwichtig en sommige scènes duren een beetje te lang. Maar de film is de moeite van het bekijken waard en biedt een voorproefje van de verbazingwekkende techniek die Kurosawa's latere films domineerde.

text_en:
Stray Dog together with Rashomon are the two films that boosted Kurosawa into international popularity as a great filmmaker.

Murakami (Toshiro Mifune) is a young police detective. One day during a crowded bus ride, he realizes that his pistol has been stolen. He soon becomes obsessed with finding the pistol and feels especially guilty after he finds out that it has been used to commit multiple murders. He makes it his duty to track down the thief and along with his partner (Takashi Shimura)they realize that the case is far more complicated than they thought.

The plot is extremely well crafted and ranks up there with the best film noir. But the film is uneven at parts and some scenes drag a little too long. The film is well worth your time though, and offers an early glimpse at the amazing technique that dominated Kurosawa's later films.


text:
Ik was net klaar met de Criterion-uitgave van Akira Kurosawa's 'Stray Dog', en ik kan echt niets beters bedenken dan: 'O, mijn god!' Deze film, die net over twee uur begon, hypnotiseerde me zo met zijn verhaal, naturalistisch acteerwerk en techniek, dat ik de tijd echt niet in de gaten had. En toen hij uit was, was ik uitgeput.
Het verhaal is simpel: het pistool van een beginnend rechercheur wordt van hem gestolen en, terwijl hij koortsachtig probeert het terug te vinden, wordt het gebruikt bij misdaden die steeds gewelddadiger worden. Het klinkt als iets wat je elke week ziet in de serie Law & Order of een ander neppolitiedrama op tv. Maar de manier waarop Kurosawa en zijn co-auteur Ryuzo Kikushima dit verhaal en deze laag van schaamte en schuld en verantwoordelijkheid en realiteit en begrip en medelijden en al het andere dat je als een fatsoenlijke menselijke emotie kunt beschouwen, in zich opnemen, is adembenemend. Probeer zoiets maar eens te vinden in 'CSI' of 'SVU'.
Als Murakami, het groentje, neemt Toshiro Mifune zijn gebruikelijke intensiteit in zich op en laat zijn ogen en gezichtsuitdrukkingen uitdrukking geven aan zijn groeiende gevoel van schaamte en afgrijzen wanneer zijn pistool eerst bij een beroving en vervolgens bij een nog ergere misdaad wordt gebruikt. Sato, Takashi Shimura biedt een milde eerlijkheid en een ongedwongen benadering van het leven die niet worden getemperd door medelijden met de misdadigers; hij zegt zelfs tegen Murakami dat hij hen haat... en hij zegt het zo eenvoudig dat het de gewoonste zaak van de wereld is. De band die tussen deze twee mannen ontstaat... de chemie tussen hen... is het hart en de ziel van de film, maar de bijfiguren zijn even belangrijk. Een zakkenroller die medelijden heeft met Murakami en hem een biertje en wat eten brengt. Een jong revuemeisje dat gewoon iets moois in haar leven wil. Een arm zusje dat zich zorgen maakt over haar broer. Een wapenhandelaar die van honkbal houdt. Een hoteleigenaar die een oogje heeft op een van zijn kamermeisjes. Alles voegt zich bij het tapijt van Tokio in de onmiddellijke naoorlogse periode en breidt de emotie van het stuk uit.
<0x3E> Voeg daarbij Kurosawa's reeds meesterlijke techniek en gevoel voor het vertellen van verhalen, en je hebt een thriller die aangrijpender en meeslepender is dan zo'n beetje alles wat tegenwoordig in Hollywood wordt geproduceerd (behalve de serie 'Bourne'). De Amerikaanse film die ik kan bedenken die zelfs maar in de buurt komt van de combinatie van een eerlijk, saai misdaadonderzoek en echte menselijke emotie, is 'The Naked City', die in 1948 werd gemaakt. En die film had nog steeds 'Hollywood-achtige' elementen in de huiselijke scènes met Don Taylors detective.
<0x3E> 'Stray Dog' is niet zomaar een film; het is een echte.' Het is net een Ferrari die alleen maar lijkt te spinnen als je erin rijdt... tot je op de snelheidsmeter kijkt en beseft dat je honderdtwintig rijdt. Bovendien staat er in de Criterion-uitgave van de film een prachtige documentaire over de totstandkoming van de film. Kijk eerst naar de show, dan naar de documentaire om ervan te genieten. Het is het ticket absoluut waard.

text_en:
I just finished watching the Criterion edition of Akira Kurosawa's "Stray Dog," and I honestly cannot think of a better thing to say than, "Oh, my God!" This movie, clocking in at just over two hours, so mesmerized me with its story, naturalistic acting and technique, I honestly did not notice the time. And when it was over, I was drained.

The story is simple -- a rookie detective's pistol is stolen from him and, as he frantically tries to track it down, winds up being used in crimes that grow more and more violent. Sounds like the kind of thing tossed off every week in one of the "Law & Order" series or any other fake police drama on TV. But the way Kurosawa and his co-writer, Ryuzo Kikushima, take this story and layer in shame and guilt and responsibility and reality and acceptance and understanding and pity and anything else you can consider a decent human emotion is breathtaking. Try finding anything like THAT on "CSI" or "SVU".

As Murakami, the rookie, Toshiro Mifune internalizes his usual intensity and lets his eyes and expressions convey his growing sense of shame and horror when his pistol is used first in a robbery and then again in an even worse crime. As his mentor, Det. Sato, Takashi Shimura offers a gentle honesty and low-key approach to life that is not tempered by any pity for the criminals; he even tells Murakami that he hates them...and says it so simply, it's like it's the most natural thing in the world. The bond that grows between these two men...the chemistry between them...is the heart and soul of the movie, but the incidental characters are just as important. A pickpocket who feels pity for Murakami and brings him a beer and some food. A young showgirl who just wants something pretty in her life. A poverty-stricken sister worried about her brother. A gun dealer who loves baseball. A hotel owner with the hots for one of his maids. All add to the tapestry of Tokyo in the immediate post-war period and expand upon the emotion of the piece.

Add to this Kurosawa's already masterful technique and sense of storytelling, and you have a thriller more gripping and involving than just about anything churned out by today's Hollywood (the "Bourne..." series excepted). The closest American film I can think of that even begins to approach this movie's combination of an honest, tedious criminal investigation and real human emotion is "The Naked City", which was made in 1948. And that movie still had its "Hollywood-ish" elements in the home scenes with Don Taylor's detective.

"Stray Dog" isn't just a movie; it's like a Ferrari that seems to merely purr as you drive it...until you look at the speedometer and realize you're doing 110. On top of this, the Criterion edition of the movie has a wonderful documentary about the making of the film. Watch the show, first, then watch the documentary to savor it. It's totally worth the ticket.


text: Deze film geeft een krachtig beeld van het homoleven en de homofobie in het kleine Amerika, in dit geval in Homer, Connecticut. Het personage dat door Eric Stoltz in alle drie de vignetten wordt vertolkt, is een jaar of zes in '1954', als een jonge vrouw (Brittany Murphy) van de marine terugkeert met een ontslagbrief wegens 'afwijkend seksueel gedrag'. In '1974' is Stoltz een veteraan die net uit Vietnam komt en bij het oorlogsmonument in de stad werkt, in een tijd dat de sterzwemmer van de middelbare school (Johnah Taylor Thomas) zijn hart wil luchten bij zijn leraar Frans (Stephen Weber). De beheerder van het terrein begint grijs te worden, en een paar mensen in de stad (voornamelijk veteranen en kerkgangers) demonstreren tegen het huwelijk van twee homo's, van wie er een last heeft van trouwdagkriebels en een vader (Ed Asner) die heeft geholpen bij het organiseren en mobiliseren van het protest.

text_en: This movie is a powerful portrayal of gay life and homophobia in small-town America, in this case Homer, Connecticut. Narrated through all three vignettes by Eric Stoltz's character, the character is 6 or so in "1954" when a young woman (Brittany Murphy) returns from the Navy with a Section 8 discharge for "deviant sexual behavior". In "1974", Stoltz is a fresh-from-Vietnam veteran tending grounds at the town war memorial at a time when the high school's star swimmer (Johnathan Taylor Thomas) wants to come out to his French teacher (Stephen Weber). In the last vignette, Stoltz's groundskeeper is greying, and some in the town (mostly veterans and church-goers) are protesting the marriage of two gay men, one of whom has wedding-day jitters and a father (Ed Asner) who helped organize and mobilize the protest.


text: Deze film was geweldig. Je moet hem zien. Hij raakt je tot in het diepst van je hart, hij is goed gemaakt, een geweldige plot, met geweldige verhalen. Ik vond het een geweldige film. Ik huilde aan het eind als een klein meisje.<br />Het is geweldig om een film te zien die is gemaakt met het oog op de homogemeenschap, en die ons helpt om tegen homofobie te vechten.

text_en:
This movie was great. A must see. It will touch the bottom of your heart, its well done, a great plot, with great stories. I loved this movie. I cried at the end like a little girl.

It's great to see a movie that was made thinking about the gay community, and that help us to fight homophobia.


text:
Donna Deitch is er heel goed in geslaagd om uiterst relevante aspecten van het echte leven over de recente geschiedenis van homo's en lesbiennes en het moderne leven over te brengen.
Met heel strakke scripts en verdomd goed acteerwerk van alle spelers zou het moeilijk kunnen misgaan, maar Donna maakt de hele film samenhangend en aantrekkelijk. Ik vind de soundtrack ook echt geweldig.
Ik heb Common Ground al een paar keer gezien, vaak genoeg om geïnspireerd te zijn om de ntsc-band te importeren <0xE2><0x80><0x93> en het enige probleem is dat de linker- en rechterkanalen omgekeerd zijn (het is de moeite waard om je kabels tijdelijk om te ruilen).
Ook al weet ik dat mijn emotionele knoppen worden ingedrukt, ik geniet nog steeds van elk woord en elk aspect van deze film. Het biedt inspiratie voor jongere en oudere homo's en lesbiennes <0xE2><0x80><0x93> en voedsel voor gedachten voor onze familie en vrienden.
Dit is film van hoge kwaliteit, zonder trucjes en volkomen eerlijk.

text_en:
Donna Deitch has done a great job of conveying highly pertinent real life aspects of gay and lesbian recent history and modern life.

With very tight scripts and damned fine acting from all players, it would be hard to go wrong, but Donna makes the whole film cohesive and attractive. I also really enjoy the stereo soundtrack.

I've seen Common Ground several times, enough to be inspired to import the NTSC tape - and the only problem with it is that the left and right channels are reversed (it's worth swapping your cables around temporarily).

Even though I know my emotional buttons are being pushed, I still enjoy every word and aspect of this film. It offers inspiration for younger and older gays and lesbians - and food for thought for our family and friends.

This is high quality, gimmick-free and utterly honest film-making.


text: COMMON GROUND heeft een uitstekend acteerwerk en is over het algemeen heel sterk geschreven, terwijl het de verschillende aspecten van de homobeleving in een kleine stad aanpakt. Kleine stadjes kunnen heel hard zijn over verschillen, vooral verschillen die gehaat en gevreesd worden, zoals homoseksualiteit. Dit kwam heel goed over in COMMON GROUND, dat het leven van homoseksueel en lesbienne in drie verschillende tijdsperioden volgt: de jaren vijftig, zeventig en de huidige tijd. Verreweg de sterkste segmenten waren de eerste twee. Het laatste, geschreven door Harvey Feirstein, was lichter van aard, wat niet slecht is, maar de personages waren niet zo goed uitgewerkt als in de vorige segmenten. Maar over het geheel genomen is het een uitstekende voorstelling en een must voor iedereen die een glimp wil opvangen van de homobeleving in Amerika.

text_en: COMMON GROUND sports excellent acting and generally very strong writing as it tackles different shadings of the gay experience in a small town setting. Small towns can be most unforgiving about differences, especially differences that are hated and feared, like homosexuality. This was brought across quite well in COMMON GROUND which traces gay/lesbian life in three different time settings: 50s, 70s, and the present day. By far the strongest segments were the first two. The last, written by Harvey Feirstein, was lighter in nature, which isn't a bad thing, but the characters were not as fleshed out as in the prior segments. Overall, though, it is an excellent show and a must see for everyone to get a glimpse of the gay experience in America.


text: Deze film bestaat uit drie korte verhalen, alle drie over homoseksualiteit en in het stadje Homer. Het eerste verhaal speelt zich af in 1954, wanneer een marineofficier (de grote actrice Brittany Murphy) naar Homer terugkeert nadat ze bij de marine is weggegaan. Als de plaatselijke bevolking erachter komt dat ze inderdaad is ontslagen bij de marine vanwege seksuele afwijkingen (d.w.z. lesbisch zijn), wordt ze door hen gediscrimineerd en afgewezen. Het tweede verhaal speelt zich af in 1974 en gaat over een leraar Frans, een homo van wie niet wordt aangenomen dat hij het hoofd van zijn school wil worden, en zijn beste leerling, die niet zeker is van zijn seksuele identiteit. Het laatste verhaal speelt in 2000 en gaat over een homohuwelijk tussen twee succesvolle mannen. Als ik naar een film kijk, lees ik er nooit iets over, omdat ik mijn eigen mening wil hebben. Deze film was een grote verrassing voor me: hij is bedoeld om het vooroordeel van de maatschappij (die dezelfde gemeenschappelijke basis heeft) tegen homoseksuelen te tonen en te bespreken, en hij is heel goed gepresenteerd. Het scenario, de uitvoering en de regie zijn fantastisch, maar ik zou graag de nadruk leggen op het eerste korte verhaal: Brittany Murphy is echt een geweldige actrice en heeft een uitmuntende prestatie geleverd. Ik stem voor acht.

text_en: This movie is composed of three short stories, all of them about homosexuality and in the small city of Homer. The first on passes in 1954, when a navy officer (the great actress Brittany Murphy) returns to Homer after quitting Navy. When the locals find out that indeed she was expelled from the Navy because of sexual deviation (i.e., lesbianism), she is discriminated and rejected by them. The second one takes place in 1974, and is about a teacher of French, gay not assumed aiming to be the principal of his school, and his best student, who is not secure of his sexual identity. The last one is in 2000 and is about a gay wedding between two successful men. When I watch a movie, I never read anything about it, because I want to have my own opinion. This film was a great surprise for me: its proposal is to show and discuss the prejudice of the society (who shares the common ground) against homosexuals and it is very well presented. The screenplay, performances and direction are superb, but I really would like to highlight the first short story: Brittany Murphy is really a great actress and has an outstanding performance. My vote is eight.


text: Hoewel ik veel uitstekende homofilms heb gezien, overtreft deze film ze allemaal. Naast de tv-serie _Queer as Folk_ van Showtime geeft deze film een accuraat beeld van de strijd en triomfen in het leven van de meeste homoseksuelen. Gelukkig kon ik een exemplaar op eBay kopen (de film is niet op dvd of vhs verkrijgbaar, behalve voor leden van de Academy Awards-commissie) en heb ik hem aan al mijn vrienden en familieleden laten zien. Ze zijn het er allemaal over eens dat deze film bijna verplichte kost moet zijn. Ik raad iedereen en alles aan om de tijd te nemen om deze film te bekijken. Als je homoseksueel bent, zal deze film je een geweldig gevoel geven over wie je bent en je geschiedenis. Als je dat niet bent, dan zal deze film je zeker de ogen openen voor wat het tegenwoordig betekent om homo of lesbisch of vrouw te zijn.

text_en: Although I have seen many excellent "gay" movies, this movie tops them all. Along with Showtime's TV series "Queer as Folk", this movie accurately portrays the struggles and triumphs in the lives of most homosexuals. Luckily, I was able to purchase a copy on eBay (this movie is not available on DVD or VHS, except to members of the Academy Awards Nomination Committee), and I have shown it to all of my friends and family members. All agree that this movie should almost be mandatory viewing. I highly encourage any and everyone to take the time to watch this film. If you are a homosexual, then this film will make you feel great about who you are and your history. If you are not, then this film will certainly open your eyes as to what it means to be a gay or lesbian man or woman in the world today.


text:
Net als veel andere driedelige films is _Common Ground_ een nogal gemengd pakket. Het is een onderzoek naar de veranderende houding ten opzichte van homo's in een klein stadje in Connecticut in de afgelopen halve eeuw en is geschreven door drie vooraanstaande komedieschrijvers <0xE2><0x80><0x93> Paula Vogel, Terrence McNally en Harvey Fierstein <0xE2><0x80><0x93> en geregisseerd door een grote cast bekende acteurs, die kennelijk werden aangetrokken door het gewicht en de 'belangrijkheid' van het project.
Van de drie verhalen is Vogels openingsverhaal verreweg het beste. Het speelt zich af in 1954 en volgt een jonge vrouw van de marine naar huis, naar Homer, Connecticut, nadat ze oneervol is ontslagen wegens'seksuele afwijkingen'. Zoals te verwachten was, is haar thuiskomst geen blij nieuws over haar'misdaad'. De film begint en de mensen uit de stad <0xE2><0x80><0x93> haar moeder incluis <0xE2><0x80><0x93> keren zich tegen haar in een walgelijk (maar begrijpelijk gezien de onwetendheid van die tijd) vertoon van onverdraagzaamheid. De opkomende actrice Brittany Murphy (zo goed in heel verschillende rollen in 'Girl, Interrupted', 'David and Lisa' van de tv, en 'Clueless') is geweldig als de vrouw, die een ontroerend scala aan emoties tentoonspreidt, van verbazing en opwinding als ze voor het eerst een homobar bezoekt, tot droefheid en schaamte als dezelfde mensen uit de stad die haar al haar hele leven kennen en haar komst aanvankelijk verwelkomen, duidelijk maken dat ze niet langer welkom is in hun midden. Het tweede deel is ook sterk, maar niet zo goed ontwikkeld. Het is geschreven door McNally en speelt in 1974 en gaat over de pesterijen en vijandigheid van pestkoppen tegen een homoseksuele middelbare scholier die net uit de kast is gekomen. Jonathan Taylor Thomas is verrassend sterk in dit deel als de homoseksuele scholier <0xE2><0x80><0x93> heel anders dan zijn vorige rollen, die eerlijk gezegd nooit veel indruk op me hebben gemaakt. Steven Weber speelt de rol van een gesloten homoseksuele leraar die weigert de leerling te helpen uit angst dat zijn geheim aan het licht zal komen, totdat een schokkende gewelddaad in de schooldouche hem dwingt zijn eigen gebrek aan eerlijkheid ten aanzien van zijn seksualiteit onder ogen te zien.
Wat dit segment ervan weerhoudt om de roos te treffen, zijn een paar onwaarschijnlijke plotontwikkelingen in de afgelopen vijf minuten <0xE2><0x80><0x93> en het karakter van Webers minnaar, die er niet veel idee van lijkt te hebben wat Weber zou kunnen verliezen als hij naar buiten zou komen en, naar mijn mening, een volkomen egoïstische en onsympathieke partner is. Laten we eerlijk zijn, het is onrealistisch om te denken dat een homoseksuele leraar in 1974 naar buiten zou kunnen komen en zelfs maar zou kunnen overwegen zijn baan te houden. Maar het fragment verzoent zich met de afloop van het verhaal van de student: zijn personage is waar en geloofwaardig en Thomas ontpopt zich keurig in de rol. Hij verdient een kans op meer van dit soort rollen dan in geestloze kletskoek als 'I'll Be Home for Christmas'.
Het laatste fragment is helaas vreselijk. Geschreven door Fierstein gaat het over een ongelooflijke homobruiloft en de relatie tussen een vader en een homoseksuele zoon, gespeeld door Ed Asner en James LeGros. Het hele fragment, dat zich in het heden afspeelt, wordt ontsierd door Fiersteins geestige, hatelijke homohumor en onbeduidende personages die overbodig zijn. Fierstein schrijft zichzelf zelfs een rol toe als stereotiepe, snoevende homobloemist; persoonlijk vind ik hem veel aantrekkelijker als hij tegen het type speelt, maar dat is slechts een deel van het probleem: elke keer dat er een goed punt wordt gemaakt in het fragment schiet hij zichzelf in de voet door het te vervolgen met een homo-grap van Neil Simone die erop wijst dat de hele episode niet op de werkelijkheid is gestoeld, maar op de fantasie van een schrijver. Helaas is het ook onrealistisch om te denken dat zelfs in 2000 een klein stadje van 24.000 inwoners zo blij zou zijn met een homohuwelijk dat de gemeenteraad het zou goedkeuren in het gemeenschapscentrum voor een oorlogsmonument dat het middelpunt van het dorpsplein vormt. In mijn eigen staat Californië, die als liberaal en trendsettend wordt beschouwd, geniet een antihomohuwelijksvoorstel (p. 22) bij de eerste stemming van dit jaar alom steun, dus ik betwijfel ten zeerste of een stadje zo'n voorstander zou zijn en dat slechts een handjevol kerkgangers en veteranen zou protesteren. Misschien heb ik het mis, maar helaas denk ik van niet.
Maar al met al is 'Gemeenschappelijke grond' een nobel, goedbedoeld en de moeite waard streven. Ik geef hem een *** uit of een 7 uit 10.

text_en:
Like many three-part anthology movies, "Common Ground" is a definite mixed bag. An examination of changing attitudes toward gay people in the past half-century or so in a small Connecticut town, it was written by three prominent gay playwrites--Paula Vogel, Terrence McNally and Harvey Fierstein--and performed by a large cast of familiar actors obviously attracted by the weight and "importance" of the project.

Of the three stories, Vogel's opening segment is by far the best. Set is 1954, it follows a young Naval woman home to Homer, Connecticut after she is given a dishonorable discharge due to "sexual deviancy." Not surprisingly, her return home is not a happy one as news of her "crime" spreads and the townspeople--including her mother--turn on her in a disgusting (but understandable considering the ignorance of the era) display of intolerance. Rising actress Brittany Murphy (so good in very different roles in "Girl, Interrupted," TV's "David and Lisa," and "Clueless") is wonderful as the woman, displaying a touching range of emotions from wonder and excitement when she first visits a gay bar, to sadness and shame as the same townspeople who have known her all her life and at first welcome her return make it clear she is no longer welcome in their midst. She is ably supported by Margot Kidder (looking like she's aged forty years in the past twenty--a far cry from Lois Lane) as the mother and Helen Shaver as a sympathetic restaurant owner.

The second segment is also strong but not as well developed. Written by McNally and set in 1974, it centers on the harassment and hostility directed by bullies toward a gay high school student just emerging from the closet. Jonathan Taylor Thomas is surprisingly strong in this segment as the gay student--a far cry from his previous performances which quite frankly have never impressed me much. Steven Weber costars as a closeted gay teacher who refuses to help the student out of fear his secret will be revealed until a shocking act of violence in the school shower forces him to deal with his own lack of honesty about his sexuality.

What keeps this segment from hitting the bullseye is some unlikely plot developments in the last five minutes--and the character of Weber's lover, who doesn't seem to have much idea of what Weber could lose if he did come out and is, in my opinion, a wholly self-centered and unsympathetic partner. Let's face it, it's unrealistic to think that a gay teacher could come out in 1974 and even think of keeping his job. But the segment redeems itself with the resolution of the student's story--his character is true and believable and Thomas acquits himself nicely in the role. He deserves a chance at more roles like this than in mindless pap like "I'll Be Home for Christmas."

The final segment, unfortunately, is dreadful. Written by Fierstein, it centers on an unbelievable gay wedding and the relationship between a father and gay son played by Ed Asner and James LeGros. Set in the present day, the entire segment is marred by Fierstein's flip, bitchy gay humor and minor characters that are unnecessary. Fierstein even writes himself a role as a stereotypical, princing gay florist; personally, I find him to be much more appealing when he is playing against type, but that's only part of the problem: every time a valid point is made in the segment he shoots himself in the foot by following it with a Neil Simonesque gay joke that points out the fact that the entire episode is not grounded in reality but in a playwrite's fantasy. Sadly, it is also unrealistic to think that even in 2000, a small town of 24,000 would be so welcome to a gay wedding that the town council would approve it being held at the community center in front of a war memorial which is the centerpiece of the town square. In my own state of California, which is considered liberal and trend-setting, an anti-gay marriage proposition (#22) on this year's primary ballot enjoys widespread support so I seriously doubt a town would be so supportive and that only a handful of churchgoers and veterans would protest. Maybe I'm wrong, but sadly I don't think so.

In all, however, "Common Ground" is a noble, well-intentioned and worthwhile effort. I give it *** out of **** or a 7 out of 10.