text:
'Alles of niets' laat zien dat het geluk van een individu het directe gevolg is van zijn of haar houding en keuzes. In 'Alles of niets' zijn de personages verwikkeld in verschillende zelfdestructieve en demoraliserende gedragingen. Specifieke voorbeelden hiervan zijn het best vastgelegd in de filmische alliantie in drie specifieke scènes: de openingsscène van Rachel in het verpleeghuis, Penny, Phil en Rachel (matriarch, patriarch, dochter) in de keuken, en de slotscène. De territoriale ruimte in elk van deze scènes maakt gebruik van de sociale en emotionele opsluiting van de personages.
In de openingsscène, terwijl Rachel, de eerloze dochter, als een robot de lange gang door dweilt, wordt ze strak ingelijst door de muren. Als de oudere vrouw door de gang loopt, in de richting van de camera, lijkt Rachel gevangen te zitten in de smalle breedte van de gang. De kleuren van haar rok en jak versmelten met de kleur van de muren. Dat ze op de achtergrond verdwijnt, is letterlijk het gevolg van haar keuzes om de veilige, minst bedreigende en stabiele route te kiezen.
Timothy Spalls vertolking van Phil is briljant, terwijl hij Leighs leven als lid van de Engelse arbeidersklasse interpreteert. De onhandige en disfunctionele dynamiek van Phils familie is het directe gevolg van zijn keuzes en zijn benadering van het leven. Als Phil het appartement binnenkomt en naar de keuken loopt, wordt hij aan de ene kant gesymboliseerd door de relatie die hij heeft verwaarloosd en aan de andere kant door het product van zijn onsamenhangende opvoeding en zijn slechte opvoeding. Hij is niet in staat om enige persoonlijke ruimte in zijn taxi te behouden en de kijker ziet dat hij thuis geen grotere controle heeft. In deze scène zit hij zo strak ingesnoerd dat hij zich niet kan bewegen. Penny en Rachel, die allebei met hun rug naar hem toe staan, merken hem nauwelijks op als hij probeert een praatje te maken.
Zonder al te veel te delen is de slotscène ook heel goed geregisseerd om de verhaallijn en het thema nog eens extra te benadrukken.
'Alles of niets.' 'Geheimen en leugens' heeft ook een vergelijkbare filmische invalshoek. Leigh gebruikt consequent 2-shots en gesloten formulieren om de worstelingen van de personages in beide films te beschrijven.
Het thema wordt herhaald en vereenvoudigd als Phil bij zichzelf zegt: 'Het leven is te kort.' Het feit dat iedereen zijn verantwoordelijkheid voor de staat van zijn of haar leven aanvaardt, is het belangrijkste thema van 'Alles of Niets'. Je eigen lot bepalen door middel van werk, vrienden en intieme partnerkeuze is de persoonlijke reis die iedereen ondergaat. Het 'alle mannen'-aspect van deze film houdt de kijker bezig en creëert een persoonlijke band tussen het publiek en de personages.

text_en:
"All or Nothing" shows that an individual's happiness is the direct result of his or her attitude and choices. Throughout "All or Nothing", the characters are engaged in various self-destructive and demoralizing behaviors. Specific examples of this are best captured, cinematic ally, in three particular scenes: the opening scene of Rachel in the nursing home; Penny, Phil, and Rachel(matriarch, patriarch, daughter)in the kitchen; and the closing scene. The territorial space in each of these scenes exploits the social and emotional confinement of the characters.

In the opening scene as Rachel, the ambitionless daughter, mops robotically down the long hallway,she is tightly framed by the walls. When the elderly woman walks down the hall, towards the camera, Rachel appears to be trapped within the corridor's narrow width. The colors of her skirt and smock blend in with the surrounding hue of the walls. Her fading into the background, literally, is synonymous of her life choices to take the safe, least threatening, and stable route.

Timothy Spall's portrayal of Phil is brilliant as he interpret's Leigh's English working class life. The awkward and dysfunctional dynamics of Phil's family are the direct result of his choices and approach to life. When Phil enters the apartment and walks into the kitchen, he is framed on one side by the relationship he has neglected and the other by the product of his disconnected parenting and poor mentoring. He is unable to maintain any personal space in his taxi and the viewer sees that he lacks any greater control in his home. In this scene, he is so tightly constricted that movement is not possible. Both with their back facing him, Penny and Rachel barely acknowledge Phil as he attempts to make small talk.

Without sharing too much, the closing scene is also very well directed to further underscore the storyline and theme.

"All or Nothing" similar cinematic touch is also seen in "Secrets and Lies". Leigh consistently uses 2-shots and closed forms to tell the struggles of the characters in both movies.

The theme is reiterated and simplified when Phil states to himself, "Life is too short". Each person's acceptance of their responsibility for the state of his or her life is paramount "All or Nothing's" theme. Commanding one's own destiny through employment, friends, and intimate partner choices is personal journey that everyone faces. The "every man" aspect of this film engages the viewer and creates a personal connection between the audience and characters.


text: Ik wist niet precies wat ik van deze film moest verwachten, maar ik had _Secrets and Lies_ een tijdje geleden gezien en ik vond hem echt goed. Laat ik volstaan met te zeggen dat deze film tergend langzaam begint, maar ongeveer halverwege beginnen de motieven van de personages zich te openbaren en beginnen er dingen te gebeuren. Timothy Spall heeft een geweldige rol. Hij loopt het grootste deel van de film rond met een uitdrukking op zijn gezicht alsof zijn hond door een auto is aangereden, maar aan het eind besef je waarom. Vooral de laatste 20 minuten zijn verschrikkelijk emotioneel en leveren de noodzakelijke beloning voor het langzame begin. Een echte film over echte mensen met echte emoties <0xE2><0x80><0x93> beslist nodig in het huidige filmklimaat van idiote meidenfilms en...' Ga het maar huren, het is de moeite van het bekijken waard.

text_en: I wasn't sure what to expect of this movie, but I had seen Secrets and Lies a while ago and really liked it. Suffice it to say this movie starts out excrutiatingly slow, but about halfway through character's motivations begin to reveal themselves, and things start to happen. Timothy Spall is great in the lead. He wanders around for most of the movie with a look on his face like his dog was hit by a car, but by the end you realize why. The last 20 minutes in particular are devastatingly emotional and provide the needed payoff for the slow beginning. A real movie about real people with real emotions-certainly needed in the current movie climate of idiotic chick flicks and "family friendly" entertainment. Go rent it, it's worth a look.


text: 'All or Nothing' is een ellendige film over een miserabel, slecht functionerend Londens gezin. Het verhaal van walrus Phil Bassett en zijn gezin, dat zich van dag tot dag lui en onvervuld voortbeweegt, heeft weinig om het lijf. Ongetwijfeld een uitstekende film naar filmmaatstaven, maar Mike Leigh brengt het publiek in de positie dat het het klaaglijke bestaan van zijn personages moet geloven door niet de psychodynamica te laten zien die hun ellende in stand houdt en ons alleen het resultaat te laten zien. Met andere woorden, we zien trieste mensen die in hun eigen sop gaar koken, wat het kopen van de film bemoeilijkt en de hoofdrolspelers nog verachtelijker maakt. Ik denk dat het de bedoeling van Leigh was dat het publiek zo zou reageren en ik vermoed dat menig huilende huilebalk de tranen uit zijn zakdoek stond te wringen. Gezien de ellende van de hele show, en het karakter dat ons niets kan schelen zonder liefdadigheid, zullen de meesten 'Alles of niets' meer niets dan niets vinden. (B)

text_en: "All or Nothing" is a slice-of-wretched-life flick about a miserable dysfunctional working class London family. There's little arc to the story of walrus Phil Bassett and family who move sloth-like from day to day unhappy and unfulfilled. Undoubtedly an excellent film by film making standards, Mike Leigh puts the audience in the position of having to accept his characters' plaintive existence on faith by not showing the psychodynamics which perpetuate their misery and just giving us the result. In other words, we see sad people stewing in their own juices which makes the buy-in difficult and the protagonists more ignoble. Personally I was happy to see the foul mouthed fat kid keel over from heart attack though I don't think that was how Leigh intended the audience to react and I suspect many a weeping wallower was wringing tears from their hanky. Given a 2 hour run, misery throughout, and character we couldn't care less about without charity, most will find "All or Nothing" more nothing than all. (B)


text: Het valt me op dat dit soort dingen de Fransen op hun filmfestivals betovert omdat ze er stompzinnig een correctie op het Curtis/Grant Cool Britannia, "rode Londense busschool" in zien, maar in werkelijkheid is het net zo vals en stompzinnig <0xE2><0x80><0x93> het enige wat Leigh hier heeft uitgespookt is een onappetijtelijke, vettige klodder ennui van de sociale woningbouw, meer dan twee uur lang, met heel weinig actie en weinig van de lichte, komische accenten die hij er meestal in gooit om ons bezig te houden. Het is een onwelkome en overbodige terugkeer naar het gebied van de tijd (dat nu meer dan twintig jaar oud is) dat ruikt naar de late jaren zeventig/vroege jaren tachtig en dat ondanks zijn pretenties weinig van de smaak van het moderne Groot-Brittannië heeft. Alles hier voelt belachelijk ouderwets aan <0xE2><0x80><0x93> van het hoerenmeisje (dat eruitziet als een vluchteling uit een obscure Britse zwart-witfilm uit de jaren vijftig) tot de komedie-alcoholische moeder (die me doet denken aan het wijf in de videoclip van 'Vindaloo'). Alleen het onderwerp obesitas geeft het een eigentijds gevoel. En dat is maar goed ook! Kortom, Leigh is hier teruggegaan naar de basis, heeft geprobeerd 'een Ken Loach te worden' en heeft een echte slurper geproduceerd die op tweede kerstdag niet de moeite waard is om aan de hond te voeren. Het is een oninteressante, zwijgzame arbeidersklasse die in Bermondsey woont en een opgeblazen bestaan leidt (nou ja, geen spoor van drugs <0xE2><0x80><0x93> hmmm, heeft Mike de laatste tijd nog kranten gelezen?) die op karaoke-avonden afwisselend pantomime dronken spelen (ik weet niet meer hoe ze heet, maar die meid was zo lachwekkend simplistisch dat ik haar bijna voor een postmoderne grap had aangezien!), die af en toe tegen elkaar staan te schreeuwen, lusteloze seks hebben en nauwelijks in staat zijn een wrange larf tussen hen te voorschijn te toveren. Wie denk je wel dat je bent, meneer Mike Leigh, met je paternalistische, omgekeerde-romantische kijk op het leven van de arbeidersklasse? Jeetje, dit is net zo erg als Woody Allen toen hij besloot om'serieus' te worden en Bergman-films te gaan maken, maar dan zonder het gevoel of de vaardigheid. Hier heeft Leigh geprobeerd zichzelf te veranderen, twintig jaar later, maar vergat om uit het raam te kijken om te zien wat er veranderd was! Allemachtig, deze mensen zouden zelfmoord hebben gepleegd als dit het enige was wat het leven hun te bieden had! Je hebt echt net zo weinig contact met die klasse als die arme oude schrijvers van Eastenders, die ook schijnen te denken dat al hun arbeiderstypen geschikt zijn om zich vijf minuten na de huwelijksplechtigheid in elke passerende rok te werpen! Nou, ik was vroeger een grote fan van Leigh.' Terug naar Nuts in mei en omhoog naar _Life is Sweet_, maar er is een liefhebber nodig en geen pluimstrijker (en Leigh heeft tegenwoordig aan beide kanten van het Kanaal zijn portie van die laatsten!) om de klok te luiden over dit soort bommen. Alstublieft, smeek ik u, vergeet dat dit bestaat, ga terug naar de eerste grappige bommen en kijk niet, maar kijk in godsnaam niet naar de vox van de acteurs zonder een kotszakje bij de hand te hebben. Kom binnen, meneer Leigh, uw tijd is om!

text_en: It strikes me that this sort of stuff bewitches the French etc at their film festivals because they fatuously see in it a corrective to the Curtis/Grant Cool Britannia, "red London bus school" of UK film-making but in reality it's just as false and fatuous -- all that Leigh's ladelled out here is an unappetising,lardy dollop of council estate ennui, over two hours of it, with precious little action and few of the light comic touches that he usually throws in to keep us engaged. Either he doesn't have it in him anymore or he felt that keeping it unrelentingly bleak this time marks him out as a more serious film maker. Whatever,it's an unwelcome and redundant return to Mean Time territory (now over over 20 years old) that reeks of the late '70s/early '80s and,despite its pretensions has little of the flavour of modern Britain. Everything here feels laughably out-of-date -- from the tarty estate girl (who looks like a refugee from some obscure '50s British black-and-white movie) to the comedy alcoholic mum (who reminds me of the bint in the Fat Les "Vindaloo" video). Only the subject of obesity gives it any contemporary feel. And a fat lot of good that is! In short, Leigh's gone back to basics here, tried to "do a Ken Loach" and produced a real gobbler that is not worth feeding to the dog on Boxing Day. Here's the plot,such as it is -- a bunch of uninteresting, taciturn working class folk living in Bermondsey eke out a turgid existence (no sign of drugs though-hmmm,has Mike read any newspapers lately?) variously getting pantomime drunk at karaoke evenings (can't remember her name but that character was so laughably simplistic that I almost took her to be a post-modernist joke slipped in!), now and again shouting at each other, having listless sex, and barely able to conjure up a wry larf between the lot of them. Who do ya think you are,Mr Mike Leigh,with your paternalistic middle class inversely-romanticised view of working class life? Oi Leigh, NO-O-O-O! Don't you think that these people can still have fun? Geez,this is as bad as Woody Allen when he decided to "go serious" and make Bergman movies,but without any of the feeling or the skill. Here Leigh's tried to remake himself, 20 years on but forgot to look out his window and see what'd changed! Ferchrissakes,these people would have topped themselves if this was all that life had to offer them! Really you're every bit as out of touch with that class as are the poor old writers of Eastenders,who also seem to think that all their working class characters are fit for is barneying and throwing themselves at every passing bit of skirt 5 minutes after the wedding ceremony! Now,I used to be big Fan of Leigh's right back to Nuts in May and up to Life is Sweet, but it needs an aficionado not a sycophant (and nowadays Leigh's got his fair share of the latter on both sides of the Channel!) to blow the whistle on bombs like this one. Please,I implore you, forget this exists, go back to the early funny ones and don't,but don't, for pity's sake watch the vox pops from the actors without a sick bag to hand. Come in Mr Leigh your time is up!


text: Weet je, ik heb heel wat uitstekende films in mijn leven gezien, maar _All Or Nothing_ is een volmaakte film. Het verhaal was zo prachtig ontroerend en ontroerend, de regie was perfect, maar de verzamelde optredens in deze film zijn de beste die ik ooit heb gezien... en dan bedoel ik van elk lid van de cast. Ik was volkomen onder de indruk van de kwaliteit van het acteerwerk. Dertig minuten na het begin van de film voelde ik bij elk van de personages de sterkste identiteit en mijn hart ging er letterlijk naar uit. Er is zoveel waarheid en eerlijkheid, zoveel helderheid, dat ik me begiftigd voel alleen al door deze film te hebben gezien en ik zal hem me de rest van mijn leven herinneren. Absoluut fantastisch! Als dit het enige drama is dat je ooit zult zien, doe jezelf dan een lol en laat het Alles of niets zijn.

text_en: You know, I've seen alot of excellent films in my life, but All Or Nothing is a perfect film. The story was so wonderfully moving and touching, the direction flawless, but the collected performances in this movie are the best I've ever seen....and I mean from every single member of the cast. I was completely and totally awestruck by the quality of the acting. Thirty minutes into this film, I felt the strongest identity with each of the characters and my heart actually ached for them. There is so much truth and honesty, so much clarity, that I feel gifted just to have seen this movie and I will remember it the rest of my life. Absolutely fantastic!!! If this is the only drama you will ever see, do yourself a favor and let it be All Or Nothing.


text: Een verre verwant van de onstuimige realistische stadsfilms uit het eind van de jaren negentig, die zich afspelen in Londense wijken, samen met films als Wonderland, Nil by Mouth en Intimacy. Mike Leighs film begint ruwweg vanuit een positie van gespannen, onbemiddelde stabiliteit en glijdt eenvoudigweg door de ellendige tandwielen. Het is een heel moeilijke, onverbiddelijk naargeestige film om te zien zonder humor (zwart of anderszins) om de ervaring te verlaten.<br />Ik vermoed dat de ontwikkeling die Leigh voor Phils familie in gedachten heeft, is dat ze door de gebeurtenissen van de film leren elkaar te waarderen. Wat ik bedoel is dat ze zich ongelukkig lijken te schikken in een situatie van wederzijdse vervreemding. In tegenstelling tot Leighs familie. In andere films wordt het drama van buitenaf toegepast in plaats van dat het van een van de hoofdrolspelers afkomstig is. Het acteerwerk is van hoge kwaliteit, hoewel de acteurs in dit licht eerder pionnen zijn dan acteurs, en ik vind de film daardoor zwak.

text_en:
A distant companion of the rash of late 90s realist urban films set in London estates, along with the likes of Wonderland, Nil by Mouth and Intimacy. Mike Leigh's film starts, roughly speaking, from a position of tense, impecunious stability and simply slides through the misery gears. It's a very difficult, unrelentingly bleak film to watch with no humour (black or otherwise) to leaven the experience.

I suspect that the development Leigh has in mind for Phil's family is that they learn to value one another through the events of the film. The issue I have is that they seem unhappily resigned to a situation of mutual, coexistent alienation in the first place. Unlike Leigh's other films, the drama is externally applied rather than coming from one or other of the protagonists. The acting is of a high standard although the actors are, in this light, pawns rather than agents and I find the film consequently weak. 3/10


text: Ik had de controversiële en keiharde Vera Drake van regisseur Mike Leigh gezien, en de critici vonden deze film goed, dus besloot ik hem te proberen. Er zat een tijdje geen echte plot in het verhaal, alleen een vriendelijke, filosofische taxichauffeur die Phil (Timothy Spall) heet en een droge liefdesrelatie heeft met zijn partner (die in een supermarkt werkt), Penny (Lesley Manville), hun dochter Rachel (Alison Garland) is de schoonmaakster van bejaarden, en hun zoon Rory (James Corden) is werkloos en agressief. Pas als Rory een bijna fatale hartaanval krijgt, wordt de film echt interessant (hoewel er al eerder momenten van gezellig babbelen zijn) en worden alle personages bij elkaar gebracht om zichzelf te herontdekken. Ook met Ruth Sheen als Maureen, Marion Bailey als Carol, Paul Jesson als Ron, Sam Kelly als Sid, Kathryn Hunter als Cécile, Sally Hawkins als Samantha en Helen Coker als Donna. De acteurs zijn geweldig, het verhaal is menselijk en geloofwaardig, en dit is gewoon zo'n film waar je niet mee kunt ophouden. Heel goed!

text_en: I had seen the controversial and hard-hitting Vera Drake from director Mike Leigh, and the critics liked this film, so I decided to give it a go. There was no real plot to the story for a while, just a gentle, philosophical taxi driver named Phil (Timothy Spall) who has a dry love relationship with his partner (who works in a supermarket) Penny (Lesley Manville), their daughter Rachel (Alison Garland) is an elderly people's home cleaner, and their son son Rory (James Corden) is unemployed and aggressive. It is when Rory suffers a near-fatal heart attack that the film really gets it's biggest interest (although there are moments of good chat before), and all characters are brought together to rediscover themselves. Also starring Ruth Sheen as Maureen, Marion Bailey as Carol, Paul Jesson as Ron, Sam Kelly as Sid, Kathryn Hunter as Cécile, Sally Hawkins as Samantha and Helen Coker as Donna. The actors are great, the story is human and believable, and this is just one of those films that you can't stop watching. Very good!


text:
Als je ooit je geluk hebt beproefd of iemand in die hoedanigheid hebt gekend, zul je hem of haar zonder enige twijfel herkennen en je met een of meer van de personages in deze geweldige film identificeren.
Acteren was het beste van het beste. Het ging maar door alsof er geen drie rollen waren. Het was als een vlieg op de muur van een arme, werkende familie.
Misschien was het soms een beetje te echt voor me, maar dat nam niet weg dat ik dit uitmuntende werk bekeek.
Het echte leven is een strijd en de wereld is vol ongelukkige mensen. Geluk en een gelukkige afloop zijn heel moeilijk te vinden. Deze film volgt niet de gebruikelijke formulering en ik geloof niet dat ik ooit zoiets heb gezien. Ik weet zeker dat jij er net zo over zult denken. Het is jammer dat niet meer Amerikaanse filmmakers het lef hebben om zo origineel te zijn.
Ben je nog aan het lezen? Ga naar de videotheek en haal dit. Het is een unieke ervaring.

text_en:
If you have ever been down on your luck or know someone in that capacity you will most assuredly recognize and or identify with one or more of the characters in this great film.

Acting was top notch. It moved along as if their were no three act structure. It was like a fly on the wall of a working poor family.

Perhaps it was a little too real for me at times but I didn't allow that to take away from watching this excellent work.

Real life is a struggle and the world is full of miserable people. Happiness and happy endings are very hard to come by. This film does not go the usual formulaic route and I don't know that I have ever watched anything like. I'm confident you will feel the same way. It's too bad that more American filmmakers don't have the guts to be this original.

Are you still reading? Get to the video store and get this. It's a one of a kind experience.


text: Dit is een geweldige film om gewoon naar te kijken en van te genieten. Geen overdonderend drama, geen gedachte aan de plot of wie hem heeft gemaakt, gewoon ouderwets amusement. Burt Lancaster straalt zoals alleen hij dat kan. De grappen zijn grappig, de dialogen gedenkwaardig (mamasita, wat een rap heeft ze me gegeven... Khassein is een brok kwaadaardige geitenkaas) de meisjes zijn mooi en het gaat maar door terwijl je 'luistert naar het piepen van de kleine muis'. Geniet er gewoon van, als je een paar minuten mist in de keuken word je niet van het toneel geveegd. Het is geweldig om echte acteurs hun kunsten te zien vertonen in een tijd waarin talent belangrijker was dan uiterlijk, behamaatje en CGI. Als je drama wilt, ga dan naar de Woeste Hoogten en neem je portie.

text_en: This is a great movie for just watching and enjoying. No overwhelming drama, no thought to guess the plot or who-done-it, just good old fashioned entertainment. Burt Lancaster shines in a way only he can. The jokes are funny, lines memorable (mamasita, what a rap she gave me... Khassein is a lump of evil smelling goat cheese) the girls are pretty and it rolls along as you "listen to the squeaking of the little mouse". Just enjoy yourself, if you miss a few minutes in the kitchen it won't throw you off the plot. It's great to see REAL actors displaying their craft in a time period when talent was more important than looks, bra size and CGI. If you want drama, go find Wuthering Heights and get your fill.


text: De zinsnede 'zo maken ze ze tegenwoordig niet meer' wordt in deze door cgi geteisterde tijd vaak gebruikt om de overdadige en 'authentieke' Hollywood-sterren van vroeger jaren te beschrijven, maar eerlijk gezegd werd ik, toen ik naar dit bescheidener, tongue-in-cheek-avontuur van het Vreemdelingenlegioen keek, net zo getroffen door hoe ouderwets (en verfrissend zo) het allemaal was (niet dat de zandstormscène die hier is ingevoegd, zou kunnen opwegen tegen het publiek van tegenwoordig! Hoe dan ook, vanaf het begin van de film hebben we Burt Lancaster, Gilbert Roland en Kieron Moore vermomd als respectievelijk een Arabische koopman en zijn twee dochters!; legionairs die worden gestraft omdat ze hun luitenant twee keer hebben durven aankijken!' Een Arabische stamhoofd die zijn dochter uithuwelijkt aan een rivaliserende sjeik om vrede te brengen tussen hun strijdende stammen en in een poging hun land te bevrijden van de 'Franse' ongelovigen; de ontvoering van diezelfde pittige dochter die niet alleen de hoofden van al haar tien titulaire ontvoerders omdraait, maar na verscheidene ontsnappingspogingen uiteindelijk het hart van de stoere Lancaster steelt; enz. Maar de film, in prachtige technicolor opgenomen en in een snel tempo bewegend, is een plezierige rit door vertrouwd terrein; wat enigszins verrassend was, qua plot, was dat hoewel er aanvankelijk veel werd gezegd over de onbeminde luitenant (Stephen Bekassy) en zijn blonde vriendin (Mari Blanchard), hun personages praktisch verdwenen zodra Lancasters bajesklant-eenheid aan zijn missie begint! Ondanks de verbijsterende zeldzaamheid ervan wordt de film zowel voor als achter de camera bevolkt door een interessante groep talent: Lancaster speelt in zijn derde avonturenfilm; Gilbert Roland is zijn gebruikelijke relaxte, rokkenjagende latino; John Dehner is de spreekwoordelijke rotte appel in de groep; George Tobias offert zich (misschien dankbaar) al in het begin op; Nick Dennis en Mike Mazurki behoren tot de luidruchtigste van de 'Tien'. Dit was het tweede produkt van Norma Productions (dat als eerste een partnerschap aanging met producent Harold Hecht); schrijver Roland Kibbee zou veel later de regisseurscredits met Lancaster delen voor _THE MIDNIGHT MAN_ (1974, waar ik straks nog op terugkom); assistent-producer Robert Aldrich zou later Lancaster regisseren in vier films, waaronder _TWILIGHT'S LAST GLEAMING_ (1977, waar ik voor het eerst naar zal kijken tijdens deze huldebetuiging aan Burt Lancaster); en, misschien wel het interessantste, dit was misschien wel de meest opvallende regisseursprestatie van de getalenteerde Willis Goldbeck, maar minstens twee van de tekstbewerkingen op zijn scherm zijn bijzonder indrukwekkend: _Tod Brownings FREAKS_ (1932) en _The Man W who blew LIBERTY VALANCE_ (1962; Goldbeck's Een laatste opmerking: nadat ik op alle mogelijke manieren naar deze film heb gezocht, dankzij een vriend van me die een grote fan van Burt Lancaster is (en zich het korte verblijf van de ster op Malta in de jaren zeventig herinnert), was hij ironisch genoeg degene die me uiteindelijk een manier verschafte om hem in te halen via een verrassend goed geconserveerde vhs-bron die hij had verkregen!

text_en: The phrase "they don't make them like this anymore" is often used in this CGI-infested age to describe extra-laden and 'authentic' Hollywood spectaculars of yesteryear but, frankly, watching this more modest, tongue-in-cheek Foreign Legion adventure, I was equally struck by just how old-fashioned (and refreshingly so) it all was  not that the sand storm sequence included here would pass muster with today's audiences! Anyhow, from the very start of the film, we have Burt Lancaster, Gilbert Roland and Kieron Moore disguised as, respectively, an Arab merchant and his two daughters!; legionnaires who are punished for daring to look twice at their Lieutenant's fiancée; an Arab chieftain who marries off his daughter to a rival Sheik to bring peace between their warring tribes and in a bid to rid their country of the 'French' infidels; the kidnapping of that same feisty daughter who, not only turns the heads of all her ten titular captors but, after several escape attempts, eventually steals the heart of tough guy Lancaster; etc. However, shot in lovely Technicolor and moving at a rapid pace, the film is an enjoyable ride through familiar territory; what was somewhat surprising, plot-wise, is that while much was made initially of the unloved Lieutenant (Stephen Bekassy) and his blonde girlfriend (Mari Blanchard), their characters virtually disappear once Lancaster's jailbird unit sets out on its mission! Despite its baffling ultra-rarity, the film is peopled by an interesting pool of talent both in front and behind the camera: Lancaster is in his third adventure flick; Gilbert Roland is his usual laid-back, womanizing Latino self; John Dehner the proverbial rotten apple in the group; George Tobias (perhaps thankfully) sacrifices himself early on; Nick Dennis and Mike Mazurki are among the rowdiest of the 'Ten'; Gerald Mohr adequately provides the required villainy; this was the second product from Norma Productions (which first partnered Lancaster with producer Harold Hecht); writer Roland Kibbee would much later go on to share directorial credit with Lancaster on THE MIDNIGHT MAN (1974; which I will be revisiting presently); associate producer Robert Aldrich would later direct Lancaster in four movies  including TWILIGHT'S LAST GLEAMING (1977; which I'll be viewing for the first time during this ongoing Burt Lancaster tribute); and, most interestingly perhaps, this was multi-talented Willis Goldbeck's most notable directorial effort but, at least two of his screen writing credits are highly impressive indeed: Tod Browning's FREAKS (1932) and John Ford's THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (1962; Goldbeck's last film work)! One final note: after searching high and low for this film on account of a friend of mine who is a big Burt Lancaster fan (and recalls the star's brief sojourn in Malta in the 1970s), ironically, it was he who eventually provided me with a means to catch up with it via a surprisingly well-preserved VHS-sourced copy he acquired!


text: Ergens in de jaren vijftig van de twintigste eeuw ontdekte Hollywood een eenvoudige formule voor superieur amusement. Rond die formule kon elke grote ster die het zout in de pap waard was een groep personages inspireren tot het creëren van een magisch geheugen. En zo werd deze film, die 'Tien lange mannen' heette, een hit. Burt Lancaster speelt sergeant Mike Kincaid, een soldaat van het Franse Vreemdelingenlegioen, die in een militaire palissade hoort dat er een aanval op de stad zelf ophanden is terwijl het hoofdgarnizoen weg is. Hij meldt zich als vrijwilliger voor wat door sommigen een zelfmoordmissie wordt genoemd en rijdt met negen andere gevangenen de woestijn in om de aanval vijf dagen lang te belemmeren. In die tijd veroorzaakt de kleine groep chaos onder de verzamelde stammen om hun aandacht te krijgen. Verder ontvoeren ze Mahla (Jody Lawrance) een prinses van de stam, waardoor de kwaadaardige Khalif Hussein (Gerald Mohr) zijn aanval niet kan afmaken. De hele film is leuk om naar te kijken, terwijl grote acteurs als Gilbert Roland, Kieron Moore, George Tobias, John Dehner en Mike Mazurki een heerlijke en van plezier vervulde middag van creatief plezier creëren. Een solide familie die voor alle leeftijden iets te bieden heeft. Aanbevolen.

text_en: Somewhere in the 1950's Hollywood discovered a simple formula for superior entertainment. Around that formula, any major star worth his salt could inspire a group of characters to create a magical memory. Thus this movie called " Ten Tall men " became a hit. Burt Lancaster, plays Sgt. Mike Kincaid, a French Foreign Legionnaire, who, while in a military stockade, learns of an impending attack on the city proper while the main garrison is away. Volunteering for what some consider a suicide mission, he and nine other prisoners ride into the desert to impede the attack for five days. During that time, the small group creates havoc among the gathering tribes to get their attention. Further they kidnap Mahla (Jody Lawrance) a tribal princess, which prevents the evil Khalif Hussein (Gerald Mohr) from caring out his attack. The entire film is fun to watch as great actors like Gilbert Roland, Kieron Moore, George Tobias, John Dehner and Mike Mazurki establish a wonderful and fun filled afternoon of creative enjoyment. A solid family offering for all ages. Easilly recommended. ****


text:
'3 Men in White' van regisseur Willis Goldbeck is een adembenemend avontuur in de traditie van Errol Flynn over roekeloze, dappere helden en slijmerige schurken die los rondrennen in de duinen. In wezen is het scenario van Roland Kibbee & Frank Davis, gebaseerd op een verhaal van James Warner Bellah en Goldbeck, een escapade van het Franse Vreemdelingenlegioen tegen moordzuchtige woestijnstammen die de Fransen willen uitroeien. De lichte momenten wegen zwaarder dan de donkere momenten in deze behendige actiefilm die eruitziet als een negentiende-eeuws epos, tot de helden in het laatste kwartier een verlaten Franse bevoorradingstruck vinden. Niettemin is dit snelle, woedende en frivole onzin met Lancaster aan het hoofd, voortdurend gesteund door Gilbert Roland en Kieron Moore. Lancaster-fans zullen dol zijn op dit opus. Hij was gespecialiseerd in vechtersbazen nadat hij een paar film noirs had gemaakt voor Universal. Deze uitgave van Columbia Pictures is in schitterende kleuren en de cast is eersteklas.
'Tien lange mannen' begint met sergeant Mike Kincaid van het Franse Vreemdelingenlegioen (Burt Lancaster van 'All My Sons') die zich voordoet als een Arabische koopman. Kincaid sjokt over een woestijnpad met zijn twee gesluierde dochters, in werkelijkheid korporaals Luis Delgado (Gilbert Roland van 'Camille') en Pierre Molier (Kieron Moore van 'Mijn eigen beul') in vermomming, die wachten om een vijandelijke Rif-strijder te vangen. Ze slagen erin er een te vangen en komen terug nadat ze twee weken weg zijn geweest. Iedereen die met wellustige ogen naar de nieuwe exotische danseres in de stad kijkt, Marie DeLatour (Mari Blanchard van 'Jungle Heat'), zogenaamd het liefje van de tirannieke Franse luitenant Kruger (Stephen Bekassy van 'Hell and High Water'), wordt in het nauw gedreven. Het is dan ook niet verwonderlijk dat, terwijl Kruger de Rif-gevangene ondervraagt die sergeant Kincaid hem heeft verschaft, Kincaid met DeLatour aan het flirten is. Intussen informeert de gewiekste Rif-gevangene naar Kincaid, zodat hij nog meer van Krugers indringende vragen kan ontwijken. Kruger marcheert met een peloton naar het appartement van DeLatour en vindt Kincaid. Zoals te voorspellen was, belandt Kincaid in de bak bij zijn Legionairsmaats, Londos (George Tobias van 'Objectief Birma'), Mouse (Nick Dennis van 'Spartacus') en Roshko (Mike Mazurkia van 'Moord, Mijn Lief' en hoort van de Rif-gevangene dat Tarfu zal worden weggevaagd. Kincaid vertelt Kruger over de plannen van de vijand en houdt vol dat hij zowel het garnizoen als de stad kan redden als Kruger hem tien man geeft. Kruger heeft natuurlijk zijn twijfels en kan de mankracht niet missen, dus Kincaid stemt in met mannen in de palissade.
Onze helden dalen af naar het vijandelijke kamp diep in de woestijn bij een oase. Ze zien iets waarvan ze denken dat het een munitietent is en besluiten hem op te blazen. In plaats daarvan ontdekken ze dat de tent van een mooi meisje is, Mahla (Jody Lawrance van 'Mask of the Avenger'), die niet alleen op het punt staat te trouwen met Khalif Hussein (Gerald Mohr van 'Mask of the Avenger'). Maar ook twee stammen verenigen die erop uit zijn de Fransen uit Marokko te verdrijven. Kincaid en zijn mannen grijpen Mahla en Hussein en zijn mannen gaan achter hen aan. Mahla probeert te ontsnappen, maar ze kan niet aan de vasthoudende sergeant Kincaid ontsnappen. Uiteindelijk krijgen ze allebei het schoorvoetende respect van de ander. Hussein is van plan Kincaid langzaam te doden, maar Mahla eist dat hij Kincaid vrijlaat, anders zal ze niet met Hussein trouwen. Met tegenzin geeft Hussein toe aan deze eis. Zodra Hussein Kincaid heeft bevrijd, stuurt hij twee Rif-wachten om hem te doden. Gelukkig zijn de twee wachters niemand anders dan Delgado en Molier in vermomming. Ze redden Kincaid, bederven het huwelijk, jagen Hussein op de vlucht en redden de stad. De commandant van het Vreemdelingenlegioen beveelt luitenant Kruger Kincaid met alle egards te behandelen nadat hij de medaille heeft opgespeld. Dit geldt ook voor de ceremoniële Franse omhelzing. Kincaid geeft de medaille aan Mahla en vertelt haar dat hij van zijn moeder is geweest.
Vuistgevechten, schietpartijen, achtervolgingen te paard en nog veel meer verlevendigen deze avonturenfilm. De kleine Fransman die de ordonnans van Lancaster speelt is de toekomstige 'Hogan's Heroes'-ster Robert Clary die zijn filmdebuut maakt. De fanatieke fans van Lancaster zullen zijn acrobatenvriendje Nick Cravat in de huwelijksscène niet te zien krijgen. Vergeet je problemen en geniet van deze film.

text_en:
"3 Men in White" director Willis Goldbeck's "Ten Tall Men" is a rip-snorting adventure in the Errol Flynn tradition about recklessly brave heroes and slimy villains running loose in the dunes. Basically, the Roland Kibbee & Frank Davis screenplay, based on a story by James Warner Bellah and Goldbeck, is a French Foreign Legion escapade against murderous desert tribes that want to wipe out the French. The light moments outweigh the dark moments in this nimble actioneer that looks like it is a 19th century epic until the heroes find an abandoned French supply truck in the last quarter hour. Nevertheless, this is fast, furious and frivolous nonsense with Lancaster in command at all times supported by Gilbert Roland and Kieron Moore. Lancaster fans will love this opus. He specialized in swashbucklers after he made some film noir thrillers at Universal. This Columbia Pictures release is in glorious color and the cast is first-rate.

"Ten Tall Men" opens with French Foreign Legion Sergeant Mike Kincaid (Burt Lancaster of "All My Sons") masquerading as an Arab merchant. Kincaid trudges along a desert trail with his two veiled daughters, in reality Corporals Luis Delgado (Gilbert Roland of "Camille") and Pierre Molier (Kieron Moore of "Mine Own Executioner") in disguise waiting to catch an enemy Rif warrior. They manage to catch one and they return after being gone for two weeks. Anybody who looks with lustful eyes at the new exotic dancer in town, Marie DeLatour (Mari Blanchard of "Jungle Heat"), ostensibly the sweetheart of martinet French Lieutenant Kruger (Stephen Bekassy of "Hell and High Water"), gets put in poky. Not surprisingly, while Kruger is interrogating the Rif prisoner that Sergeant Kincaid provided him, Kincaid is making time with DeLatour. Meanwhile, the savvy Rif prisoner informs on Kincaid so that he can avoid any more of Kruger's probing questions. Kruger marches a squad to DeLatour's apartment and finds Kincaid. Predictably, Kincaid winds up in the clink with his Legionnaire buddies, Londos (George Tobias of "Objective, Burma"), Mouse (Nick Dennis of "Spartacus"), and Roshko (Mike Mazurkia of "Murder, My Sweet"), and learns from the Rif prisoner that Tarfu is going to be wiped out. Kincaid tells Kruger about the enemy plans and insists that he can save the garrison as well as the town if Kruger will give him ten men. Naturally, Kruger has his doubts and cannot spare the manpower so Kincaid settles for men in the stockade.

Our heroes descend onto the enemy camp deep in the desert by an oasis. They spot what they believe is a munitions tent and decide to blow it to smithereens. Instead, they discover that the tent belongs to a beautiful girl, Mahla (Jody Lawrance of "Mask of the Avenger"), who is not only about to marry Khalif Hussein (Gerald Mohr of "Invasion, U.S.A.") but also unite two tribes intent on running the French out of Morocco. Kincaid and his men snatch Mahla and Hussein and company pursue them. Mahla tries to escape, but she cannot get away from the tenacious Sergeant Kincaid. Eventually, each earns the grudging respect of the other. Hussein means to kill Kincaid slowly, but Mahla demands that he release Kincaid or she will not wed Hussein. Reluctantly, Hussein capitulates to this demand. No sooner has Hussein freed Kincaid than he dispatches two Rif guards to kill him. Happily, the two guards are none other than Delgado and Molier in disguise again. They rescue Kincaid, spoil the marriage, rout Hussein and save the town. The commandant of the Foreign Legion orders Lieutenant Kruger to administer full honors to Kincaid after he pins on the medal. This includes the ceremonial French embrace. Kincaid gives the medal to Mahla and tells her that it belonged to his mother.

Fistfights, shoot-outs, horse chases, and more enliven this adventure film. The diminutive Frenchman who plays Lancaster's orderly is future "Hogan's Heroes" star Robert Clary making his film debut. Die-hard Lancaster fans will not his acrobat buddy Nick Cravat in the wedding scene. Forget your troubles and enjoy this movie.


text:
'Mijn God, mijn God, waarom hebt Gij mij verlaten?' <0xE2><0x80><0x93> dat waren de laatste woorden van Jezus aan het kruis, en het is de vertaling van de titel van deze film.
Minimale dialoog, prachtige geluiden, troosteloos landschap <0xE2><0x80><0x93> met al die aspecten vond ik 'Eli, Eli, Lema Sabachthani' een prachtige film. Het verhaal is op zichzelf al uniek en onaangetast <0xE2><0x80><0x93> een ziekte die mensen tot zelfmoord drijft, en het enige geneesmiddel is geluid... De rol van Asano Tadanobu maakt de film alleen nog maar verbijsterender <0xE2><0x80><0x93> hij speelt zijn gebruikelijke, onthechte en zwijgzame personage, maar in deze film was het heel effectief, misschien nog wel effectiever dan in zijn andere werken.
Combineer de krankzinnige gitaar van 'ELECTRIC DRAGON 8000V' met de subtiele schoonheid van 'ELECTRIC DAGON 8000V'. Het laatste leven in het universum', vond ik 'Eli, Eli, Lema Sabachthani' een heel interessante, plezierige film vol schoonheid en onthechting.
Ik kan me voorstellen dat sommige mensen deze film niet mooi zouden vinden <0xE2><0x80><0x93> de plot is soms niet erg duidelijk, en er gaan minuten voorbij zonder dat er ook maar iets wordt gezegd. De hele film lang heerst er een melancholisch gevoel <0xE2><0x80><0x93> met de trage, treurige piano die vaak op de achtergrond te horen is, zou ik 'Eli Eli' zelfs een beetje deprimerend kunnen noemen. Maar als je geïnteresseerd bent in artistieke films die je op reis voeren, dan vind ik dat je 'Eli, Eli, Lema Sabachthani' moet zien. Ik betwijfel of deze film ooit in Europa of Noord-Amerika te koop zal zijn... Maar als je Japans spreekt, moet je de dvd beslist bij een verkoper in Japan kopen.

text_en:
"My God, My God, why hast Thou forsaken me?"-- these were the last words of Jesus on the cross, and is the translation of the title of this film.

Minimal dialogue, beautiful sounds, desolate scenery-- With all of those aspects, I found 'Eli, Eli, Lema Sabachthani' to be a beautiful film. The story in itself is something unique and untouched before-- an illness that drives people to suicide, the only cure being sound... Acting by Asano Tadanobu only makes the film more stunning-- he plays his usual disconnected and silent character, but it was very effective in this film, maybe more so than in his other works.

Combining the crazy guitar of 'ELECTRIC DRAGON 8000V' with the subtle beauty of 'Last Life in the Universe', I found 'Eli, Eli, Lema Sabachthani' to be a very interesting, enjoyable film of beauty and disconnect.

I can see where some people would not like this film-- the plot isn't very clear at times, and minutes and minutes pass by with almost no words spoken at all. A melancholic feeling is carried on throughout the entire movie-- with the slow, sorrowful piano often playing in the background, I might even call 'Eli Eli' a bit depressing. But if you're interested in artistic films that take you on a journey, then I think you should see 'Eli, Eli, Lema Sabachthani?'.

I doubt that this movie will ever be for sale on DVD in Europe or North America... But if you speak Japanese, definitely buy the DVD from a seller in Japan.


text: Nadat ik deze film in een café had gezien, hoorde ik toevallig het gesprek van een paar hippe dertigers die blijkbaar naar dezelfde bijeenkomst waren geweest: 'ze dachten dat het een typische Japanse film zou zijn met lange, overdadige shots van iemand die een sigaret rookt en zo'. Ik kan niet zeggen dat ik ooit een Japanse film met zo'n scène heb gezien, maar in een groot deel van de Japanse hoogcultuur is er beslist een alomtegenwoordige zen-invloed om hem te onderscheiden van de duidelijk on-Zen-analfabetische popcultuur. Of het nu shakuhachi-muziek is, Akira Kurosawa of theater, stilte en ogenschijnlijk onbelangrijke details krijgen evenveel geloofwaardigheid en ernst als de explosies en bordenverbrijzelingen die wij als echte dramatiek beschouwen. Er is een zeer overtuigend argument te bedenken voor een dergelijke uitbreiding van de tijd, want in deze hiaten van technische informatie is de verbeelding van het publiek actief en krijgt het de ruimte om te dwalen <0xE2><0x80><0x93> en er zijn maar weinig dingen zo belangrijk als de kunst succesvol moet zijn. Dus, wat dacht je van Eli Eli Lema Sabachthani? Laten we de scène als eerste vastleggen. Het is 2015 en de wereld is in de greep van het Lemmingssyndroom. Het symptoom van het syndroom is zelfmoordneigingen. De film besteedt heerlijk weinig tijd aan de sciencefictiontechnische details van zo'n ziekte. Waar hij wel veel tijd aan besteedt is muziek. Ziet u, het lijkt erop dat twee post-punk-experimentele snaarinstrumenten van de band Stepin Fetchit in staat zijn mensen te genezen met hun vurige, luidruchtige muziek. Als u het idee leuk vindt om een muziekinstrument te bouwen van gerecyclede buizen, een paraplu en de motor van een draagbare ventilator, dan zult u deze film hoe dan ook leuk vinden. Sterker nog, de film weigert een volledig voorspelbare episodische koers te volgen, en zelfs op de momenten van de grootste spanning zouden we heel goed naar een verre rots van de Japanse kustlijn kunnen worden gebracht om het geluid van iets obscuurs op te nemen. De muzikanten en hun kunst worden liefdevol geportretteerd - de film zou heel goed kunnen worden gezien als een lofzang op de getalenteerde kunstenaar. De originele muziek, de grootse schaal van de filmografie en de ontroerende eenvoud van de personages zijn de sterkste punten van de film. Niettemin slaagt de film er niet in om de oorspronkelijkheid van het beeld te benadrukken. Er zijn verwijzingen naar schattigheid en verwarring die afbreuk doen aan de emotionele impact van het verhaal en aan de intellectuele reikwijdte van de inhoud (hoe kun je in een wereld waarin zelfmoord een ziekte is een 'echte' zelfmoord onderscheiden?). Maar of je nu een muziekfreak bent of een Japan-freak, de film verdient het om gezien te worden.

text_en: Sitting at a café after seeing this film, I overheard the conversation of some hip thirty- somethings who had apparently been to the same session: " figured it would be a typical Japanese film with long superfluous shots of someone smoking a cigarette and all that ". I can't say that I've ever seen a Japanese movie with such a scene but there is certainly a pervasive sense of Zen in a great deal of Japanese high-culture"high" to distinguish it from the distinctly un-Zen Anglophile pop-culture. Whether it's shakuhachi music, Akira Kurosawa or Noh theatre, silence and ostensibly unimportant details are given as much credence and gravitas as the explosions and plate-smashing we take for real drama. There is a very persuasive argument to be made for such expansion of time because it is in these gaps of technical information that the audience's imagination is engaged and given the space to roamand few things are more vital if the art is to be successful. So, what about Eli Eli Lema Sabachthani? Let's set the scene first. The year is 2015 and Lemming Syndrome is gripping the world. The Syndrome's symptom is suicidal tendencies. The film spends blissfully little time on the sci-fi technicalities of such an illness. What it does spend a lot of time on is music. You see, it seems that two post-punk-experimental musos from the band Stepin Fetchit, may be able to cure people using their ardently noisy music. If you like the idea of constructing a musical instrument out of recycled piping, an umbrella and the motor of a portable fan, then you're going to like this film no matter what. Indeed, the film refuses to run a completely predictable episodic course and, even at the moments of greatest tension, we could well be taken to some distant crag of Japanese coastline in order to record the sound of something obscure. The musicians and their art are lovingly portrayedthe film might well be seen as a paean to the concerted artist. The original music, the grand scale of the cinematography and the touching simplicity of the characters are the film's greatest strengths. Nevertheless, the film fails to fully capitalise on its originality of vision. There are hints of cuteness and confusion that take away from the emotional impact of the story and from the intellectual scope of the content (in a world where suicide is an illness, how can you discern a 'real' suicide?). Still, whether you're a music-geek or a Japan-freak the film deserves to be seen.


text:
De gemiddelde Amerikaanse filmliefhebber is niet echt voorbereid op deze film. Is het Japans geweld over de top? Nee. Zijn het Japanse SM-seksperversiteiten? Nee. Is het gewoon algemeen Japans cultureel spul dat niet goed te vertalen is? Niet echt. Wat is het?
Het enige wat ik van de film wist, was dat het ging over twee muzikanten die na een grote crisis in de nabije toekomst muziek maken met gevonden voorwerpen. Wat voor muziek? Ik wist hoe een heleboel gevonden voorwerpenmuziek klinkt, maar de twee muzikanten die hier optraden, waren mij totaal onbekend. De eerste echte aanwijzing was een prominente 'Borbetomagus'-sticker. Als je niet weet wie dat is, zoek het dan op. 'Kunstgeluid' is een vrij ruime omschrijving. De musici (en sommigen zullen dat in twijfel trekken) krijgen een groot deel van de tijd dat ze hun geluidsgeneratie uitvoeren (met inbegrip van gitaren en synthesizers). Ik heb waardering voor dit soort geluidexperimenten en was eind jaren zeventig en begin jaren tachtig betrokken bij de Amerikaanse muziekscene. Helaas zijn de uitvoeringen in de film saai, op de laatste uitgebreide solo na, die uitstekend is. Het zou in de VS ongehoord zijn als een goed gemaakte film om dit soort geluid zou draaien.
De plot is eenvoudig dat de enige mensen die het 'Lemming Syndroom' hebben overleefd, concerten hebben bijgewoond van de twee musici. Een rijke man probeert de musici over te halen zijn suïcidale dochter te genezen. Dat is het wel zo'n beetje.
Langzaam gespeeld, maar buitengewoon mooi. Een prachtig muziekstuk als er geen lawaai is. Ingehouden, maar voor iedereen goede uitvoeringen. Een paar scènes waren voor mij verbijsterend en ik begrijp de Bijbelse verwijzing niet en ook niet waarom de muziekgroep 'Stepin Fetchit' wordt genoemd.
Deze recensie is een aanbeveling en een waarschuwing.

text_en:
Little prepares the average US film watcher for this one. Is it Japanese over the top violence? No. Is it Japanese S & M sex perversions? No. Is it just general Japanese cultural stuff that doesn't translate well? Not really. What is it?

The only thing I knew about the film was that it was about two musicians making found object music after some major crisis in the near future. What sort of music? I knew what a lot of found object music sounds like but the two musicians featured here were totally unknown to me. The first real clue was a prominently displayed "Borbetomagus" sticker. If you don't know who that is, look them up, "art noise" is a generous description. The musicians (and some will question that) are given large amounts of time where they perform their noise generation (including guitars and synthesizers). I have an appreciation for this type of sound experimenting and was involved with the US art noise scene in it's infancy in the late 1970's and early 80's. Unfortunately the performances in the film are dull except for the final extended solo which is excellent. To have such a well made film revolving around this type of sound would be unheard of in the US.

The plot is simply that the only people infected with the "Lemming Syndrome" who survive have attended concerts by the two musicians. A wealthy man tries to convince the musicians to cure his suicidal daughter. That's about it.

Slowly paced but extremely beautiful. A wonderful music track when the noise is not happening. Subdued but good performances from everyone. A couple of scenes were baffling to me and I don't understand the Biblical reference or why the music group is named "Stepin Fetchit".

This review is a recommendation and a warning.


text: Ik denk toevallig dat Shinji Aoyama een van de beste filmmakers van vandaag is. Ik werd praktisch meegesleept naar Eureka door mijn vriend, die niets van de film wist, maar het geweldig vond dat hij 4 uur lang was en in het Japans was: ik raakte helemaal in de ban van een van de meest meeslepende, intens menselijke films die ik ooit heb gezien. Een paar jaar later liep ik Desert Moon tegen het lijf en werd ik weer overdonderd (het duurde even voor ik besefte dat het dezelfde regisseur was). Het thema van de film is de meest vernietigende term voor een titel en collectieve zelfmoord (en geloof me, Shinji Aoyama is een meester in het ontlokken van immense hoop aan de diepste wanhoop)... en, nou ja, zo geweldig was het nou ook weer niet. Het is nog steeds een goede film <0xE2><0x80><0x93> prachtig om naar te kijken, interessante thema's intelligent ontwikkeld, veel ruimte voor goed acteerwerk en heel mooie muziek, maar hij miste gewoon de diepte die ik had verwacht. Op sommige punten begon hij zelfs op een muziekvideo te lijken...<br />Misschien ben ik harder voor deze film dan hij verdient <0xE2><0x80><0x93> hij is nog steeds meer waard dan een heleboel andere films die ik het afgelopen jaar heb gezien <0xE2><0x80><0x93> maar Shinji Aoyama is in staat tot genialiteit en levert die gewoon niet hier..

text_en:
I happen to think Shinji Aoyama is one of the best film makers working today. I was virtually dragged to see Eureka by my boyfriend who knew nothing about the film, but loved the idea that it was 4 hours long and Japanese: I found myself totally entranced by one of the most absorbing, intensely human films I've ever seen. A couple of years later I ran into Desert Moon and was again bowled over (it took me a moment to realise it was the same director).

As you can imagine I had (very) high expectations of this movie: the bible's most devastating phrase for a title and mass suicide the theme (and believe me, Shinji Aoyama is a master at drawing immense hope out of the deepest despair)... and, well, it wasn't that great. It's still a good film - beautiful to look at, interesting themes intelligently developed, plenty of room given for good acting, and some very lovely music, but it just lacked the depth I was expecting. At some points it even started to resemble a music video...

Maybe I'm being harder on this film than it deserves - it's still more worthwhile than a lot of the films I've seen over the past year - but Shinji Aoyama is capable of genius and simply doesn't deliver it here...


text:
Vond het van begin tot eind prachtig en absoluut verbazingwekkend. Met een zeldzame dialoog (maar wat er is, is hilarisch), is de hoofdmoot de prachtige cinematografie, de spaarzame en ingehouden optredens van iedereen, en het lawaai!!! Ja, het lawaai aspect van de film heeft me er echt in geïnteresseerd, maar de film als geheel is beslist een klein meesterwerk, afgezien daarvan.
Alle strandfoto's... de opnamen van de personages die rondliepen en geluiden maakten... opnamen van mensen die zwijgend zaten te kijken... opnamen van mensen die naar de regen keken. Een heel langzame, heel minimale kunstfilm. Ik was gewoon verliefd.
Een buitengewoon interessante, unieke, ontroerende film... maar slechts 1 op de miljard mensen zal ervan genieten.

text_en:
Thought it was beautiful and absolutely amazing from beginning to end. With rare dialog (but what's there is hilarious), the main focus is the beautiful cinematography, the sparse and understated performances of everyone, and the NOISE!!! Yes, the noise aspect of the film is what really got me interested in it, but the film as a whole is definitely some kind of minor masterpiece apart from that.

All the beach shots... the shots of the characters walking around making noises.... shots of people sitting, wordless.... shots of people watching the rain. A very slow, VERY minimal art film. I was just in love.

An extremely interesting, unique, moving film... but only about 1 out of every billion people will enjoy it.


text: Ik beschouw mezelf als een cinefiel; niet een bioscoopfanaat, maar in ieder geval iemand die niet slaapt als hij naar een andere film kijkt dan die van de Hollywood-bende-met-seks; ik ben buitensporig (!!!) niet met de regisseur (iedereen heeft gelijk met zijn 'artistieke' mening, vooropgesteld dat er kerels zijn die hun tijd en geld graag verspillen) maar met de sado-masochisten die deze film programmeren voor de 5de Cluj-Napoca TIFF. De hoogst onrechtvaardige 107 minuten van mijn leven na nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-nul-n

text_en:
I consider myself a cinephil; not a cinema freak but at least a person who does not sleep when watching movies other than Hollywood bang-gang-do-sex things; I am outrageous (!!!) not with the director (every one has the right of his "artistic" opinion, provided that there are fellows eager to waste their time and money) but with the sado-masochists programming this film for the 5th Cluj-Napoca TIFF. The most unfairly 107 minutes spent in my life Zero-Zero-Zero

P.S. I am rating with one but if the webmaster decide to make the mistake to watch this movie the voting will include the zero value too in the future layouts


text:
Douglas Sirk staat erom bekend dat hij zijn subversieve kritiek op de Amerikaanse samenleving van de jaren vijftig in zijn glossy en glamourachtige melodrama's injecteert. Wat dit aanvaardbaar maakte voor het publiek, dat in drommen toestroomde, was het feit dat de betrokken families uit de showbusiness kwamen ('Imitatie van het leven'), stinkend rijke oliemagnaten ('Geschreven in de wind') of zo sterk geïdealiseerd waren dat ze bijna karikaturen werden ('All that Heaven Allows', 'Magnificent Obsession'), ver van het sociale milieu van de gemiddelde bioscoopbezoeker. En op het scherm verschenen natuurlijk de glamoursterren: Rock Hudson, Lana Turner, Lauren Bacall, Dorothy Malone, enzovoort. Filmfans zullen zich de genoemde films herinneren als het onderwerp van Sirks films ter sprake komt. Het is hoogst onwaarschijnlijk dat 'There's Always Tomorrow' een vermelding krijgt. 'There's Always Tomorrow' heeft nauwelijks enige glans of glamour. De sociale kritiek is totaal niet verhuld. De familie in kwestie is er een waar de overgrote meerderheid van de bioscoopbezoekers zich gemakkelijk mee kan identificeren. De sterren (Fred MacMurray en een niet zo jonge Barbara Stanwyk) zijn niet glamoureus. Terwijl het publiek de bioscoop verliet in de ban van het glorieuze melodrama van 'Imitation of Life' en 'Written on the Wind', zou 'There's Always Tomorrow' een stuk minder zeker zijn over hun eigen leven, aangezien het een film is die nogal wat 'gevaarlijk' terrein aanroert en de fundamenten van het Amerikaanse gezin ter discussie stelt. Douglas Sirks gevoel voor ironie is nog nooit zo scherp geweest. De titel straalt van het optimisme en de film begint met het script: 'Once Upon a Time in Sunny California'. Maar wat zich ontvouwt is een sombere, pessimistische weergave van het gezinsleven in de middenklasse.
Hoewel de films van Sirk vaak als 'vrouwenfilms' zijn gebrandmerkt, is 'There's Always Tomorrow' in feite een mannenfilm. De rol van de mannelijke kostwinner wordt van alle kanten bekeken, en de film die daaruit voortkomt is niet bepaald mooi. Wat we te zien krijgen is een man die toen hij jong was het mooiste meisje het hof maakte, trouwde, kinderen kreeg en hard werkte om een succesvol bedrijf op te bouwen. Hij is nu van middelbare leeftijd en na alles wat hij heeft bereikt, begint hij zich door zijn vrouw en kinderen als vanzelfsprekend beschouwd te voelen. Zijn behoeften worden volledig genegeerd. Zijn vrouw heeft er weinig belangstelling voor dat hij zich seksueel volledig concentreert op het vervullen van de oneindige behoeften van hun ondankbare kinderen. Het is een scenario dat miljoenen mannen maar al te goed kennen. Clifford Groves van Fred MacMurrays is een robot geworden die lijkt op de robot die zijn succesvolle speelgoedfabrikant heeft gecreëerd. Geen wonder dat de terugkeer van Norma Vale (Stanwyk) in zijn leven een kans biedt om zijn verloren dromen terug te krijgen. Ze is een onafhankelijke carrièrevrouw die zijn situatie van buitenaf enigszins idyllisch vindt. Maar met de gebruikelijke intelligentie van een Stanwyk-personage maakt ze zich geen illusies over een mogelijke toekomst met hem. Ondanks het korte en verplichte verzoenende einde, voorspelt de toekomst van Clifford Groves niet veel goeds. Het zal geen verrassing zijn dat de film niet goed werd ontvangen.
'There's Always Tomorrow' heeft veel kenmerken van Sirks vakmanschap. De studio weigerde zijn verzoek in te willigen om de film in kleur op te nemen, ondanks het feit dat ze Universal enkele van de meest aangrijpende films van het decennium hadden geleverd. Zijn verzoek om zijn favoriete cameraman Russell Metty werd in elk geval ingewilligd. Metty was zoals altijd de perfecte partner bij het realiseren van Sirks visie. Vooral zijn interieurfilm is een les in cinematografie. Hij had een voorliefde voor het filmen van personages achter trapleuningen, ingelijst in spiegels en gekooid achter hekken om het gevoel te versterken dat ze in de val zitten. MacMurray en Stanwyk glijden voortdurend door donkere schaduwen en helder licht dat de inherente helderheid en duisternis van hun leven reflecteert.
Op het moment dat ik dit schrijf is 'There's Always Tomorrow' in geen enkel format uitgebracht en komt het zelden op de televisie. Het is een grove onrechtvaardigheid voor een buitengewoon belangrijke regisseur en een prachtig gemaakt, ontroerend stuk film.

text_en:
Douglas Sirk is renowned for injecting his subversive criticism of American society of the fifties in his glossy and glamorous melodramas. What made this palatable to the public, who flocked in droves, was the fact that the families involved were showbiz families ("Imitation of Life"), filthy rich oil magnates ("Written in the Wind") or highly idealized to the point of caricature ("All that Heaven Allows", "Magnificent Obsession"), far from the average movie goers own social milieu. And of course up there on the screen were the glamorous stars, Rock Hudson, Lana Turner, Lauren Bacall, Dorothy Malone, etc. Movie fans will recall the aforementioned movies when the topic of Sirk's movies arises. It is highly unlikely that "There's Always Tomorrow" will get a mention. "There's Always Tomorrow" has barely any gloss or glamour. The social criticism is completely without disguise. The family in question is one that the vast majority of movie goers could very easily identify with. Its stars (Fred MacMurray and a not so young Barbara Stanwyk) are not glamorous. While audiences left the cinema entranced by the glorious melodrama of "Imitation of Life" and "Written on the Wind", they would have left "There's Always Tomorrow" feeling a lot less secure about their own lives, since it's a film that touches on a fair amount of "dangerous" territory, calling into question the very foundations of the American family. Douglas Sirk's sense of irony has never been sharper. The title brims with optimism and the film opens with the script, "Once Upon a Time in Sunny California". But what unfolds is a bleak, pessimistic depiction of middle class family life.

While Sirk's films have often been branded "woman's pictures", "There's Always Tomorrow" is indeed very much a man's picture. It takes a hard and deep look at the role of the male breadwinner and the picture it comes up with is not a pretty one. What we are shown is a man who when young, courted the prettiest girl, married, had children and worked hard to build up a successful business. He is now middle aged and having achieved it all, begins to feel himself taken for granted by his wife and children. His needs are completely neglected. His wife has little interest in him sexually being totally wrapped up in fulfilling the unending needs of their self centered ungrateful children. It's a scenario all too familiar to millions of men. Fred MacMurrays's Clifford Groves has become a robot similar to the one his successful toy manufacturer has created. No wonder that Norma Vale's (Stanwyk) reappearance in his life presents an opportunity to regain his lost dreams. She's an independent career woman, who sees his situation as somewhat idyllic from the outside. But with the usual intelligence of a Stanwyk character, she has no illusions as to a possible future with him. Despite the brief and obligatory conciliatory ending, Clifford Groves' future does not bode well. It should come as no surprise that the film was not well received at the box office.

"There's Always Tomorrow" has many of the hallmarks of Sirk's craftsmanship. The studio refused to grant him his request for the film to be shot in color, despite having provided Universal with some of its highest grossing pictures of the decade. At least his demand for his favorite cameraman Russell Metty was granted. Metty as always, was the perfect partner in realising Sirk's vision. His interior filming in particular is a lesson in cinematography. He had a penchant for shooting characters behind banisters, framed in mirrors and caged behind fences to enhance the sense of their being trapped. MacMurray and Stanwyk are constantly gliding through dark shadow and bright light reflecting the inherent brightness and darkness in their lives.

At this point of writing "There's Always Tomorrow" has not been released in any format and rarely gets a showing on television. It's a gross injustice to an extremely important director and a wonderfully made, moving piece of cinema.


text: Deze film is een van de grootste Hollywoodfilms, maar er zijn er maar weinig die er ooit van gehoord hebben. Hij scoort niet alleen hoog bij Douglas Sirks bekendere films ('Magnificent Obsession', 'All that Heaven Allows' en 'Imitation of Life'), maar is net zo'n vernietigende kritiek op de Amerikaanse Droom als films uit de jaren vijftig als 'Bigger Than Life'. En in tegenstelling tot veel melodrama's die zich richten op het emotionele isolement en de verwarring van het centrale vrouwelijke personage, analyseert deze de pijn van de mannelijke hoofdpersoon (Fred MacMurray). Het acteerwerk, de regie en het scenario van de film zijn zo goed doordacht dat het effect <0xE2><0x80><0x93> op elk gegeven moment en over het geheel genomen <0xE2><0x80><0x93> absoluut verbijsterend is. Een ongelooflijke film die erom schreeuwt herontdekt te worden.

text_en: This film is one of the great Hollywood films yet so few have ever heard of. Not only does it rate with Douglas Sirk's better known films ("Magnificent Obsession," "All that Heaven Allows," and "Imitation of Life), but is as much a devastating a critique of the American Dream as other fifties movies like "Bigger Than Life." And unlike many melodramas which center on the emotional isolation and turmoil of the central female character, this one analyzes the pain of the main male figure (Fred MacMurray). The film's acting, direction, and script have a precision so well thought out that the effect--both at any given moment and overall --is absolutely astonishing. An incredible film crying out to be rediscovered.


text: Tot zover de welbekende 'vrouwenintuïtie'; wij, het publiek, kunnen in reel 4 zien dat Fred McMurray teleurgesteld is in zijn huiselijk leven dat bestaat uit egocentrische kinderen en een vrouw die hen verwent, zelfs als dat betekent dat ze de echtgenoot/broodwinner verwaarloost, maar de vrouw in kwestie, Joan Bennett, is zich sereen niet bewust van de omvang van McMurrays kreten om hulp. Hij wordt afgebeeld als een man voor wie je een moord zou doen, die heel attent een verrassing voorbereidt voor de verjaardag van zijn vrouw, die hem min of meer in zijn gezicht wordt gesmeten omdat de egoïstische behoeften van de kinderen op de eerste plaats komen. McMurray is een speelgoedfabrikant en Sirk haalt veel profijt uit die metafoor; McMurray speelt met het idee om vrouw en kinderen te verlaten, net als de 'andere vrouw', Norma Vale (Barbara Stanwyck), die uit het niets opduikt en weer verdwijnt op momenten dat McMurray op zijn kwetsbaarst is, maar Norma speelt in feite alleen met zijn gevoelens. Het is moeilijk te geloven dat Sirk deze zachte zeep heeft gemaakt, rug aan rug met de harde slagroom, en het is misschien begrijpelijk dat deze in de war is geraakt. Net als McMurray is hij ten onrechte verwaarloosd en het is zeker de moeite waard om ernaar op zoek te gaan.

text_en: So much for that well-known 'woman's intuition'; we, the audience, can see inside reel #1 that Fred McMurray is disappointed in his domestic life which consists of self-centered children and a wife who indulges them even if it means neglecting the husband/bread-winner yet the wife in question, Joan Bennett is serenely oblivious to what amount to McMurray's cries for help. He is portrayed as a husband to die for, thoughtfully preparing a surprise for his wife's birthday which is more or less thrown in his face because the selfish needs of the children come first. McMurray is a toy manufacturer and Sirk gets lots of mileage out of the metaphor; McMurray toys with the idea of leaving wife and family, as does the 'other woman', Norma Vale (Barbara Stanwyck), who turns up out of the blue and past respectively just when McMurray is at his most vulnerable yet ultimately Norma merely toys with his feelings. It's difficult to believe that Sirk made this soft-hitting soap back-to-back with the hard hitting Written On The Wind and it is perhaps understandable that this one got lost in the shuffle. Like McMurray it has been unfairly neglected and is well worth seeking out.


text: Vrijwel onbekend in Sirks catalogus, wat niet zo gek is als je zijn klassieke films als 'All That Heaven Allows' en 'Imitation of Life' in aanmerking neemt. Maar voor een film die zo goed is dat hij geen dvd-uitgave heeft gezien, is het misdadig. Ik had het geluk dat ik dit juweel deze week bij een openbare vertoning kon zien. Dit is zonder meer een van de beste films uit het studiotijdperk. De film gaat over Clifford Grove (Fred MacMurray) een speelgoedontwikkelaar, wiens familie hem verwaarloost. Zijn vrouw laat hun plannen voortdurend in de steek, voor de kinderen, en de kinderen besteden geen aandacht aan hun liefhebbende vader. Clifford loopt een oude vlam tegen het lijf, die weer in de stad is en onschuldig wat tijd met haar begint door te brengen terwijl zij in de stad is. Maar zijn achterbakse kinderen worden achterdochtig en beginnen hem te volgen, zijn zoon begint zijn broers en zussen ervan te overtuigen dat hun vader een verhouding heeft. Ze beginnen hun vader te psychologische kwellingen toe te dienen en drijven hem er uiteindelijk toe zijn gezin te verlaten. Het is pijnlijk duister, en Fred MacMurray is briljant. Het psychologische effect op de kijker is enorm. Het is duister en hopeloos. Als dit aan kinderen zou worden getoond bij de komst van de puberteit, zou niemand ooit trouwen. De grimmige zwart-wit cinematografie vertelt altijd meer dan het verhaal, met stiekeme, vegende pannen en poppen houdt de film je bezig met het raden van de duur. Het is het soort achterbakse studiofilm, dat zelden werd geproduceerd, waarin de regisseur het publiek alleen dubbelzinnigheden voor een oplossing geeft, cyclische beelden zonder hoop voor Clifford, maar dubbelzinnig genoeg voor de censors in de studio, genoeg om te impliceren dat het misschien toch nog goed is gekomen voor de oude Clifford. Dit is studio-erfgoed op z'n best. Als je de kans krijgt er een vertoning van te zien op de nieuwe 35mm, die zogenaamd circuleert in filmhuizen in de Verenigde Staten, ga dan. Het is jammer dat hij niet breder beschikbaar is, een stralende film uit de jaren vijftig (hoewel problematisch en matig seksistisch, symptomatisch voor die tijd, maar niet zo schaamteloos dat hij niet over het hoofd kan worden gezien, zoals critici het racisme in 'Birth of a Nation' over het hoofd kunnen zien).

text_en: Virtually unknown among Sirk's catalog, which is reasonably when you consider his classic films like 'All That Heaven Allows' and 'Imitation of Life.' But for a film this good to have not seen a DVD release is criminal. I had the good fortune of being able to see this gem at a public screening this week. This is easily one of the best films to come out of the studio era. The film concerns Clifford Grove (Fred MacMurray) a toy developer, whose family neglects him. His wife bails out on their plans constantly, for the children, and the children pay no attention to their loving father. Clifford runs into an old flame, who is back in town and begins to innocently spend some time with her while she's in town. But his sneaky children become suspicious of his activities and start to follow him, his son begins to convince his siblings that their father is having in affair. Their begin to psychological torment their father and ultimately drive him to desire leaving his family. It's painfully dark, and Fred MacMurray is brilliant. The psychological effect on the viewer is tremendous. It's dark and hopeless. If children were shown this on the advent of puberty, no one would ever get married. The stark black and white cinematography is always telling more than the story, with sneaky, sweeping pans and dollies the film keeps you guessing the duration. It's the kind of backhanded studio film, that was rarely produced, where the director gives the audience only ambiguities for resolution, cyclical images void of hope for Clifford, but ambiguous enough to get by censors at the studio, enough to imply that maybe things turned out for old Clifford. This is studio-era cinema at it's best. If you get a chance to catch a screening of it on the new 35mm that is, supposedly, circulating art-house cinemas around the U.S., go. It's a shame that it is not more widely available, a radiant film from the 50s (though troubled and moderately sexist, symptomatic of the time period, but not so blatant that it can't be overlooked in the same way that critics can overlook the racism in 'Birth of a Nation').


text:
Het is altijd een aangename verrassing om een 'oude' film als deze tegen te komen. Wat mijn eerste indruk betreft, ik heb het gevoel dat het de wensdroom van een idealist is 'van een perfecte wereld en perfecte mensen', die helaas voor velen in het echte leven nooit helemaal uitkomt. Soms leek het verhaal een beetje te melodramatisch en voorspelbaar, maar toch heb ik ervan genoten.
Barbara Stanwyck als Norma is altijd in staat om een dramatische rol voortreffelijk te spelen. Fred MacMurray als Clifford geeft in ieder geval een goede weergave van een situatie waarin veel getrouwde mannen zich vroeg of laat bevinden, van de middelbare leeftijd en het gevoel dat je aan alle kanten ingesloten bent.
Het is de moeite waard om deze aan je verzameling toe te voegen.

text_en:
It's always a pleasant surprise to encounter an 'oldie' movie such as this. As for first impressions, I have the feeling it's an idealist's wished-for 'dream of a perfect world and perfect people' that never quite comes true, unfortunately, for many in real life. At times the story seemed a bit too melodramatic and predictable at every turn yet even so I enjoyed it

Barbara Stanwyck as Norma is always able to carry a dramatic role superbly. Fred MacMurray as Clifford certainly does give a true rendering of a situation many married men find themselves in sooner or later, of facing middle age and the feeling of being boxed in on all sides.

Well worth adding this one to your collection.


text: In Sirks carrière, vlak na 'Alles wat de hemel toestaat', lijkt het op zijn tweelingfilm. In tegenstelling tot 'Geschreven op de wind' of 'Imitatie van het leven' of 'Magnifieke obsessie' is het geen melodrama. Het ligt dichter bij een realistisch psychologisch drama. Meer dan de talmende charme van een romantisch verleden ('Blue Moon/You saw me stand alone/ Without a love of my own'), richt Sirk zich op het egoïsme van de kinderen. Herinner je in 'All that Heaven...' hoe de zoon en de dochter niet konden toegeven dat hun moeder (uit de hogere klasse) verliefd zou worden op een tuinman en hoe ze een tv voor haar kochten waarop ze alleen de weerspiegeling van haar eenzaamheid kon zien. De houding van Barbara Stanwyck herinnert aan de poging uit 1953 'al wat ik verlang': de terugkeer van de vrouw, of ze nu wettig is of een voormalige vlam. Maar in 'er is altijd morgen' valt een van de permanente kenmerken van melodrama op: de vrouw die de liefde de rug toekeert en een succesvolle zakenvrouw (of ster) wordt (zie ook het einde van 'geschreven op de wind' 'nabootsing van het leven' of Stahls 'gisteren pas').

text_en: Coming,in Sirk's career ,just after "All that Heaven allows" ,it looks like its twin movie.Unlike "Written on the wind" or "Imitation of life" or "Magnificent obsession" ,it's not melodrama.It's closer to realistic psychological drama.More than the lingering charm of a romantic past (Blue Moon/You saw me standing alone/Without a love of my own),Sirk focuses on the selfishness of the children.Remember in "All that Heaven..." how the son and the daughter could not admit that their mother (of the upper class) should fall in love with a gardener and how they bought her a TV set where she only could see the reflection of her loneliness.Here the boy's attitude is not far from that: a spoiled child -as his sisters are- ,only concerned by his studies and his love affair,he does not care if his papa has become a nine-to-five man ,useful only for the dough he brings home,a life no more exciting than that of the toy robot he sells.Barbara Stanwyck 's role recalls the 1953 effort "all I desire" : the return of the woman,be she legitimate or a former flame.But in "there's always tomorrow",one can notice one of the permanent features of melodrama though: the woman who turns her back on love and becomes a successful businesswoman (or star) (see also the end of "written on the wind" "imitation of life" or Stahl's "only yesterday")


text:
Fred MacMurray en Barbara Stanwyck herenigen zich na 'Double Indemnity' en 'Remember the Night' om de hoofdrol te spelen in deze grote onbekende film, die weer een door Ross Hunter en Douglas Sirk geregisseerde film is.
Joan Bennett is Freds vrouw en moeder van zijn drie kinderen. Maar hij mist iets, want haar kinderen zijn haar wereld en ze leven in hun eigen wereld, waar ze altijd nemen. Dus als oude vriendin Babs opduikt, brengt hij tijd met haar door, maar hij valt te veel op haar. Zonder dat ze het weten, gaat zijn oudste zoon met hem mee op een zakenreis. Maar zijn cliënt zegt af en laat alleen Babs achter om Fred te vermaken (die, ja, toevallig aanwezig is). De zoon ziet hen samen lachen en trekt overhaaste conclusies. Hij vertrekt prompt zonder zijn vader te vertellen wat hij heeft gezien. Maar, er is nooit iets gebeurd! Maar de zoon, gespeeld door een acteur die ik niet ken, gaat door het lint.
Het enige probleem dat ik heb, is dat de acteur een beetje over de rooie lijkt te gaan. Maar aan de andere kant is het zijn sterke reactie die alles wat er later in de film gebeurt de kop indrukken.
Wat dit zo bijzonder maakt, is een goed geschreven en intelligent script en Fred en Babs' geloofwaardige acteerwerk en de chemie tussen hen. Man, wat kon Stanwyck acteren! Ze kon de armen van een stoel acteren! De scène waarin ze de kinderen uitkaffert en de scène waarin ze tegen Fred zegt dat ze dat nooit zouden kunnen zijn, zijn de hoogtepunten. Deze film maakt dat ik een maand lang niets anders wil zien dan films van Stanwyck!
De titel is echter een beetje misleidend. Het is duidelijk dat ze bedoelen dat het in 'een andere tijd, op een andere plaats' had kunnen gebeuren en dat hij en Babs samen hadden kunnen zijn. Maar met Fred als huisvader verwacht de kijker niet alleen dat hij bij zijn gezin blijft, maar dat hij dat ook echt wil en zich niet ellendig voelt als hij voor hen moet zorgen.
Dat neemt niet weg dat als je nog nooit van deze film hebt gehoord, je hem onmiddellijk moet zien, wat misschien een hele prestatie is. Maar je zult er geen spijt van krijgen. We hebben altijd Stanwyck.
(Dit komt eind april 2010 uit op een dvd-collectie van Stanwyck! Maar dit is het beste van het hele stel, omdat de andere gemiddeld of op recept verkrijgbaar zijn. Maar ja, met Stanwyck is alles goed!

text_en:
Fred MacMurray and Barbara Stanwyck reunite after "Double Indemnity" and "Remember the Night" to star in this great unknown film, which is another Ross Hunter-produced and Douglas Sirk-directed picture.

Joan Bennett is Fred's wife and mother of his three children. But he is missing something, because her children are her world and they are in their own world, always taking. So when old friend Babs shows up, he spends time with her, only to fall in too deep. Unbeknownst to them, his oldest son joins him on a business trip. But, his client cancelled, leaving only Babs there to entertain Fred (who, yes, just happens to be there). The son sees them together laughing and jumps to conclusions. He promptly leaves not telling his father what he's seen. But, nothing ever happened! But the son, played by an actor I don't know, goes ballistic.

The only problem I have is that the actor seems to get a little over-the-top. But, then again it is his strong reaction which is the catapult of all that happens later in the film.

What makes this exceptional is a well-written and intelligent script and Fred and Babs' credible acting and chemistry. Man, that Stanwyck could act! She could act the arms off a chair! The scene where she chews the children out and the scene where she tells Fred that they could never be, are highlights. This film makes me want to watch nothing but Stanwyck's movies for a month!

The title is a little misleading, though. It's obvious they mean that in "another time, another place" it could have happened and he and Babs could have been together. But with Fred a family man, the viewer is expecting him not only to stay with his family, but to really want to and not feel miserable doing for them.

That notwithstanding, if you've never heard of this movie, you need to find it immediately, which may be a feat. But, you won't regret it. We always have Stanwyck.

(This is coming out on a Stanwyck DVD collection in late April of 2010! But, this is the best of the lot, others being average or formulaic. But then again with Stanwyck anything is good!)


text:
Cliff Groves (Fred MacMurray), een speelgoedfabrikant, is al zo'n twintig jaar getrouwd met Marian (Joan Bennett), die hem nu als vanzelfsprekend beschouwt en het grootste deel van haar aandacht aan hun veeleisende kinderen besteedt, zodat Cliff zich onbemind en ondergewaardeerd voelt en rijp is voor een verhouding met de oude vlam Norma Vale (Barbara Stanwyck), een succesvolle modeontwerpster.
Ik genoot echt van deze film, ondanks de wat onpersoonlijke vertolking van Fred MacMurrays ongelukkige gezinsleven en de rol van die afschuwelijke Joan Bennett. Joan Bennett leek in elke film waarin ik haar ooit heb gezien bijna in coma te liggen, met niet meer gezichts- of stemuitdrukking dan een schildpad. Hoe heeft ze ooit een acteerbaan kunnen krijgen? Barbara Stanwyck zag er fantastisch uit, en Fred MacMurray was even aantrekkelijk als altijd. Heb je ooit gezien hoe goed hij gebouwd was? Hij was heel atletisch geweest in zijn jeugd en was altijd in vorm gebleven. Maar Joan Bennett was de saaiste actrice uit de filmgeschiedenis. Ik keur overspel niet goed, maar ik had zo'n medelijden met Cliff, met zijn saaie, domme vrouw en zijn ondankbare kinderen, dat ik het hem niet kwalijk zou hebben genomen als hij ze allemaal had verruild voor de glamoureuze, maar nuchtere Norma Vale. Marian leeft alleen voor haar kinderen, en als Cliff met haar probeert te praten over zijn eenzaamheid en zijn gekwetstheid omdat hij altijd op de tweede plaats komt na de kinderen, maakt ze zijn gevoelens luchtig met een paar neerbuigende en stompzinnige opmerkingen waardoor ik haar wel kon wurgen.
De scène waarin Cliff probeert Norma over te halen met hem weg te lopen is goed geschreven en geloofwaardig. Norma, radeloos, zegt tegen hem dat ze de realiteit onder ogen moeten zien, dat hij Marian nog steeds zal willen zien (hoewel het me ontgaat waarom hij Marian ooit nog zou willen zien), en dat hij, als hij met Norma trouwt, zijn gezin te schande zou maken, vervreemd zou raken van zijn kinderen, enzovoort, enzovoort. Het einde van deze film is zeer onbevredigend. Norma gaat terug naar New York voor haar leven en carrière, en we zien haar alleen in het vliegtuig zitten, met een gebroken hart & huilend. Cliff kijkt door het raam van zijn woonkamer naar Norma's vliegtuig dat overvliegt, draait zich dan om en loopt weg, en op dat moment duikt Marian naast hem op en pakt zijn arm, en zegt iets in de trant van: 'Je bent de laatste tijd jezelf niet geweest', waarop Cliff antwoordt: 'Het gaat nu wel weer'. Dan zegt hij liefdevol tegen Marian: 'Je kent me beter dan ik mezelf ken.' WAT??? Marian heeft de arme man jarenlang genegeerd en is neerbuigend en totaal ongevoelig voor zijn gevoelens, maar nu moeten we geloven dat die goeie ouwe Cliff bij zinnen is gekomen en dat alles in orde is. Ik heb deze film ongeveer tien jaar geleden op AMC op de band gezet en ik herinner me dat de presentator van het programma zei dat deze belachelijke, aangeplakte afsluiting oorspronkelijk niet in de film voorkwam. De emotionele scène waarin Norma Cliff dwingt de realiteit onder ogen te zien van de hopeloosheid van hun situatie was oorspronkelijk bedoeld als laatste scène, als ik het me goed herinner. Norma vlucht en Cliff blijft alleen en terneergeslagen achter in zijn kantoorwerkplaats, terwijl op de voorgrond we 'Rex de Walkie-Talkie Robot Man' naar het eind van de tafel zien lopen en van het eind zien vallen. Rex was het voor de hand liggende symbool voor Cliff. Dit einde werd te deprimerend gevonden, of zoiets, dus de schrijvers zagen zich gedwongen de belachelijke en onechte scène met Marian eraan toe te voegen.
Kijk deze film als je de kans krijgt, maar probeer je voor te stellen dat iemand anders de rol van Joan Bennett speelt.

text_en:
Cliff Groves (Fred MacMurray), a toy manufacturer, has been married for about twenty years to Marian (Joan Bennett), who now takes him for granted and gives most of her attention to their demanding children, leaving Cliff feeling unloved and unappreciated and ripe for an affair with old flame Norma Vale (Barbara Stanwyck), a successful fashion designer.

I really enjoyed this movie, despite its somewhat heavy-handed depiction of Fred MacMurray's unhappy home life, and the casting of the awful Joan Bennett. Joan Bennett seemed near-comatose in every film I ever saw her in, with no more facial or vocal expression than a turtle. How did she ever get even one acting job? Barbara Stanwyck looked great, and Fred MacMurray was as attractive as ever. Ever notice what a good build he had? He was very athletic in his youth, and stayed in good shape. Joan Bennett, however, was the dullest actress in movie history. I don't approve of adultery, but I felt so sorry for Cliff, having that boring, dim-witted lump for a wife, and those thankless brats for children, that I wouldn't have blamed him if he had ditched them all for the glamorous yet down-to-earth Norma Vale. Marian lives only for her children, and when Cliff tries to talk to her about his loneliness and hurt at always taking second place to the kids, she makes light of his feelings with some condescending and witless comments that made me want to choke her.

The scene where Cliff tries to get Norma to run away with him is well-written and believable. Norma, distraught, tells him they have to face reality, that he'll still want to see Marian (although why he would ever want to see Marian again escapes me), and that if he marries Norma, he would shame his family, be alienated from his children, etc., etc. The ending of this movie is very unsatisfying. Norma goes back to New York to her life and career, and we see her sitting alone on the plane, heartbroken & crying. Cliff gazes up from his living room window at Norma's plane flying overhead, then turns and walks away, at which point Marian materializes beside him and takes his arm, saying something like, "You haven't been yourself lately", to which Cliff replies, "I'm all right now". Then he tells Marian fondly, "You know me better than I know myself". WHAT??? Marian has been ignoring the poor man for years and is patronizing and totally insensitive to his feelings, but now we're supposed to believe that good ol' Cliff has come to his senses and all is well. I taped this movie off of AMC about ten years ago, and I remember the host of the show saying that originally, the movie did not include this preposterous, tacked-on ending. The emotional scene where Norma forces Cliff to face reality about the hopelessness of their situation was originally supposed to be the final scene, if I remember correctly. Norma flees, and Cliff is left standing alone and dejected in his office workshop, while in the foreground we see "Rex the Walkie-Talkie Robot Man" walking to the end of the table and falling off the end. Rex was the obvious symbol for Cliff. This ending was deemed too depressing, or something, so the writers were forced to add the ridiculous and false scene with Marian.

Watch this movie when you get a chance, but try to picture somebody else in the Joan Bennett role.


text:
Het is vreemd dat de schrijver/regisseur van zo'n opwindende kaskraker als _ID4_ en _The Patriot_ zo'n vreemde film kan maken. Ik zal mijn uiterste best doen om de plot te beschrijven.
Twee supergoedkope filmmakers (kunst weerspiegelt het leven) krijgen een geweldig idee voor een film en halen er een onwillig maar aantrekkelijk sterretje bij en maken een Muppet-achtig monster, gebaseerd op de foto's van de butler van een al lang overleden grootvader. Een rivaliserende studio-producer wil het huis van de grootvader opblazen als hoogtepunt van zijn grote budgetfilm, zodat de geest van de butler terugkomt en de Muppet-pop in bezit neemt om hen naar verborgen miljarden in de kelder te leiden.
Het is geen slechte film, zeker niet, hij is hier en daar behoorlijk kruiperig, maar inconsequent onderhoudend. Er zijn geen grote naamsterren of SFX, maar dat wordt gecompenseerd door een bizar plot en een bizarre verhaallijn.
Deze film is meer in de stijl van Roland Emmerich in zijn 44-dagen-van-het-maken-van-contact-met-de-maan-periode. Maar als hij het budget had dat hij tegenwoordig krijgt, wie weet wat er dan van deze film geworden zou zijn. Ik geef 6/10 voor weirdness, plot en het tarten van conventies.

text_en:
It's weird how the writer/director of such exciting blockbusters such as ID4 and The Patriot could create such a strange film. I'll try my hardest to recount the plot.

Two ultra-cheap filmmakers (art reflects life) have a great idea for a movie and rope in an unwilling but attractive starlet and make up a Muppet-like monster based on the photographs of a long-dead grandfather's butler. A rival studio producer wants to blow up the grandfather's house as the climax to his big budget movie so the butler's ghost comes back to possess the Muppet doll to lead them to hidden billions in the cellar.

It's not a bad film, by no means, it's quite cringe-worthy in places but inconsistently entertaining. There are no big name stars or SFX but that is made up for with bizarre plotting and storyline.

This film is more in the style of Roland Emmerich in his Making Contact/Moon 44 days. But if he had the budget he gets these days who knows what this film might have ended up as. I give it 6/10 for weirdness, plot and defying convention.