text:
In 1932 waren de Californische studio's hard getroffen door de toenemende depressie die de filmindustrie teisterde, en waren ze kortgeleden overgenomen door de trojka van Burt Kelly, Sam Bischoff en William Saal, die produceerden onder de achronische K.B.S.
Een van de getalenteerde individuen die zich in deze turbulente periode tot de K.B.S. aangetrokken voelden, was Robert Florey, die _The COCOANUTS_ had geregisseerd, waarin de Marx Brothers hun filmdebuut maakten, en medeauteur was van het script van _FRANKENSTEIN_, en daarna _MURDERS IN THE RUE MORGUE_ had aangepast en geregisseerd.
Een studie in Californië was Florey's derde project bij Tiffany, en hij moest weer zowel schrijven als regisseren <0xE2><0x80><0x93> zijn favoriete manier van werken. Terwijl producent Bischoff de filmrechten voor de roman van Sir Arthur Conan Doyle voor slechts een klein bedrag had gekocht, kreeg Florey opdracht een nieuw scenario te schrijven voor co-ster Anna May Wong tegenover Sherlock Holmes.
Een reden voor de verandering van de oorspronkelijke plot is dat de producenten misschien het gevoel hadden dat de titel de waarde van het eigenlijke verhaal te boven ging. Conan Doyles origineel, geschreven in 1887, was een aanklacht tegen de hedendaagse polygamiepraktijken van de mormonen, die voor Amerikaanse filmmakers misschien zorgen van censuur en regionale distributieproblemen hebben opgeroepen <0xE2><0x80><0x93> precies het soort problemen dat een klein, onafhankelijk bedrijf als K.B.S. zich niet kan veroorloven. Bovendien bestond de helft van het verhaal uit een lange bekentenis, waarbij alleen Holmes aanwezig was in de prelude, wat de meeste bioscoopbezoekers ongetwijfeld teleur zou hebben gesteld. Hoewel A Study in Scarlet het eerste Holmes-sprookje was dat Conan Doyle schreef, was het slechts twee keer eerder gefilmd, met een Engelse titel en een Amerikaanse ondertiteling, beide uit 1914. Pas in 1968 werd het onderwerp opnieuw ter sprake gebracht, ditmaal door de BBC in een televisie-uitzending van vijftig minuten.
Omdat hij een week de tijd kreeg om een verhaal te bedenken dat paste bij de titel van de film en de aanwezigheid van Wong, werkte Florey samen met zijn vriend Reginald Owen, die was uitgekozen om Holmes te spelen, en deelden ze de 1000 pond voor het script. Ze werkten samen aan de continuïteit in overleg met Art Director Ralph DeLacy om zo veel mogelijk staande decors te kunnen gebruiken, omdat budgetten altijd bijzonder belangrijk zijn in een studio als die van Tiffany, zelfs voor zo'n belangrijk project als A STUDY IN SCARLET.
Op dat moment ging Florey weg, nadat hij een langlopend contract van Warner Bros. had gekregen op voorwaarde dat hij onmiddellijk zou vertrekken om leiding te geven aan hun komische komedie Meisje vermist. Bischoff stond Florey toe te vertrekken, en beiden waren het erover eens dat Edwin L. Marin zijn plaats als regisseur van A STUDY IN SCARLET moest innemen. Marin, 33 jaar oud, had tot nu toe maar één film op zijn eigen naam gezet, een lowbudgetfilm met de titel THE DEATH KISS (1932). Hij was net klaar met het assisteren van Florey bij The Man Called Back en Those We Love, 'wachten op zo'n doorbraak'.
Hoewel het Florey-Owen-script geen overeenkomsten vertoont met de roman, getuigt hun plot wel van een vertrouwdheid met de wereld die Conan Doyle voor Sherlock Holmes heeft geschapen. Er zijn elementen te vinden in andere Holmes-verhalen, met name in The Sign of Four, The Red-Headed League en The Five Orange Pips. Er zijn veel van de kenmerkende aanwijzingen, middelen en manieren.
De titel is overgenomen om te verwijzen naar een zeer exclusieve organisatie die 'the Scarlet Ring' wordt genoemd, een groep excentrieke en zeer dubbelzinnige personages die zo achterdochtig tegenover elkaar staan dat ze zelfs niet samen durven te lopen. Na de dood van een van de leden wordt zijn eigendom verdeeld onder de overgebleven overlevenden; plotseling beginnen ze in een alarmerend tempo onder vreemde omstandigheden te sterven. Deze groep individuen werd belichaamd door een ongebruikelijke groep acteurs, onder wie J.M. Kerrigan, Halliwell Hobbes, Wyndham Standing, Tetsu Komai en Cecil Reynolds.
Sommige critici hebben erop gewezen dat de film lijkt op _And Then There Were None/ Ten Little Indians_, waarin verdachten een voor een worden vermoord en de moord wordt aangekondigd door een kinderrijmpje. Maar het was eerder andersom, want de roman van Agatha Christie werd pas in 1939 gepubliceerd. Het script van A STUDY IN SCARLET was uiterst gepolijst en goed geconstrueerd. Het ontwikkelde zich in precies het juiste tempo, terwijl het zorgvuldig de juiste sfeer en omgeving creëerde. De film blaast de klassieke, griezelige sfeer van het Britse mysterie nieuw leven in en creëert een alomtegenwoordig gevoel van angst in de in mist gehulde studiostraten van de Limehouse-wijk van Londen. Vreemde bijeenkomsten, georganiseerd door geheime codes, vinden plaats in verlaten, afgelegen gebouwen; donkere en benauwende doodlopende straten zijn plaatsen van afzondering en angst; mist en schaduwen verbergen moordenaars en hun slachtoffers.
De spanning wordt verhoogd door een aantal middelen. De moordenaar wordt bijvoorbeeld onzichtbaar gehouden, terwijl tegelijkertijd dreiging wordt gesuggereerd door de misdaden te laten bekijken door de ogen van de moordenaar. Met behulp van een subjectieve camera wordt het silhouet van een reusachtige schaduw op een muur zichtbaar, terwijl het slachtoffer naar het publiek staart en schreeuwt: 'Jij kunt het niet zijn,' gevolgd door een close-up van een hand die de naam controleert van een ander lid van de Scarlet Ring dat is vermoord. De climax van deze techniek komt in een lange opname van de nog onbekende moordenaar die op bezoek gaat bij de corrupte advocaat die gespeeld wordt door Alan Dinehart: de camera neemt het gezichtspunt van de moordenaar helemaal over, terwijl Dinehart de deur opent en de onbekende een sigaret aangeboden krijgt, waarbij rookwolkjes voor de lens opstijgen. Het gevoel van lokaliteit werd versterkt door het gebruik van een bijna geheel Britse cast, iets ongewoons voor een in Hollywood gemaakte Sherlock Holmes-film. Met name Reginald Owen kreeg de nodige speelruimte om een andere interpretatie van de Holmes-persoonlijkheid te geven. Owen stelt een veel menselijker, minder afstandelijke man voor, die meer lijkt op de verpersoonlijking van William Gillette in zijn toneelspel, met wie Owen zelfs een zekere fysieke gelijkenis vertoonde.
Tegen de tijd dat A STUDY IN SCARLET werd uitgebracht, halverwege 1933, waren K.B.S. en World-Wide gefuseerd, terwijl Fox de distributie voor zijn rekening nam. De film ontving een uitstekende ontvangst.

text_en:
By 1932, the California Tiffany studios had been hard-hit by the depression's increasing damper on the motion picture industry, and had most recently been taken over by the troika of Burt Kelly, Sam Bischoff and William Saal, producing under the achronym K.B.S.

One of the talented individuals attracted to K.B.S. during this turbulent period was Robert Florey, who had directed THE COCOANUTS, in which the Marx Brothers made their film debut, and co-authored the script of FRANKENSTEIN, then adapting and directing MURDERS IN THE RUE MORGUE.

A STUDY IN SCARLET was Florey's third project at Tiffany, and he was again scheduled to both write and direct--his preferred mode of working. While producer Bischoff had purchased the motion picture rights to the title of Sir Arthur Conan Doyle's novel for only a small sum, Florey was told to compose a new scenario to co-star Anna May Wong opposite Sherlock Holmes.

A cause for the alteration of the original plot is that producers may have felt the title exceeded the worth of the actual story. Conan Doyle's original, written in 1887, was a vehicle for a denunciation of the contemporary Mormon practice of polygamy, which for American movie makers may have aroused concerns of censorship and regional distribution difficulties--just the type of difficulty a small, independent company like K.B.S. could not afford to risk. As well, half the narrative consisted of a lengthy confession, with Holmes only present in the prelude, which would have surely disappointed most filmgoers. While A Study in Scarlet was the first Holmes mystery Conan Doyle wrote, it had been filmed only twice before, with an English feature and an American short both appearing in 1914. Not until 1968 was the subject tackled again, this time by the BBC in a fifty-minute television presentation.

Given a week to come up with a narrative to fit the picture's title and Wong's presence, Florey collaborated with his friend Reginald Owen, who had been chosen to portray Holmes, and split the $1,000 script payment. They collaborated on the continuity in consultation with Art Director Ralph DeLacy in order to utilize as many standing sets as possible, economies always being especially important at a studio like Tiffany, even on as significant a project as A STUDY IN SCARLET.

At this point Florey left, having received the offer of a long-term contract from Warner Bros. on condition that he leave immediately to direct their comedic mystery GIRL MISSING. Bischoff allowed Florey to leave, with both agreeing that his replacement as director on A STUDY IN SCARLET should be Edwin L. Marin. Marin, age 33, previously had helmed only one movie on his own, a low budget item entitled THE DEATH KISS (1932). At K.B.S. he had just finished assisting Florey on THE MAN CALLED BACK and THOSE WE LOVE, "waiting for such a break."

Although the Florey-Owen script contained no similarities to the novel, their plot did demonstrate a familiarity with the world Conan Doyle created for Sherlock Holmes. Elements are present from other Holmes stories, especially The Sign of Four, "The Red-Headed League" and "The Five Orange Pips." There are many of the typical clues, devices, and mannerisms.

The title is incorporated to refer to a very exclusive organization called "the Scarlet Ring," a group of eccentric and highly ambiguous characters so suspicious of one another that they are afraid to even walk together. Upon the death of any member, his property is divided among the remaining survivors; suddenly they begin to die at an alarming pace under strange circumstances. This group of individuals were personified by an unusual group of actors, including J.M. Kerrigan, Halliwell Hobbes, Wyndham Standing, Tetsu Komai, and Cecil Reynolds.

Some critics have pointed out the movie's similarity to And Then There Were None / Ten Little Indians, with suspects killed one by one and their murder announced by a nursery rhyme. But if anything, the influence was the other way around, since Agatha Christie's novel was not published until 1939.

The script of A STUDY IN SCARLET was extremely polished and well-constructed, developing at just the right pace while carefully building the appropriate mood and environment. The movie breathes life into the classically eerie atmosphere of the British mystery, creating a pervasive feeling of fear in the fog-bound studio streets of the Limehouse section of London. Strange gatherings, arranged by secret codes, take place in abandoned, out-of-the-way buildings; dark and oppressive dead-end streets are places of isolation and terror; fog and shadows hide murderers and their victims.

Suspense is heightened by a number of devices. For instance, the killer is kept unseen, while at the same time menace is suggested by having the crimes viewed through the murderer's eyes using a subjective camera. The silhouette of a giant shadow appears on a wall as the victim stares at the audience and screams "It can't be you," followed by a close-up of a hand checking off the name of one more member of the Scarlet Ring who has been killed. The climax of this technique comes in a long-take with the still-unknown murderer visiting the crooked lawyer played by Alan Dinehart: the camera completely adopts the viewpoint of the killer as Dinehart opens the door and the unknown individual is offered a cigarette, puffs of smoke ascending in front of the lens.

The sense of locale was enhanced by the use of a nearly all-British cast, something unusual for a Hollywood-made Sherlock Holmes picture. Reginald Owen in particular was given the necessary latitude to offer a different interpretation of the Holmes personality. Owen portrays a much more human, less remote man, more akin to the personification offered by William Gillette in his stage play, to whom Owen even bore a certain physical resemblance.

By the time A STUDY IN SCARLET was released, in mid-1933, K.B.S. and World-Wide had folded, with Fox handling the distribution. The picture opened to an excellent critical reception.


text:
Een interessante film en een waardig onderdeel van de Sherlock Holmes-traditie. Het interessantste onderdeel was het gebruik van de aftelnoten als de leden van de organisatie stierven. Er zat zelfs een dwaalspoor in. Als de kijker goed oplet, is dat een aanwijzing voor de werkelijke moordenaar.
Agatha Christie, de bekende Engelse detectiveschrijfster die ook veel boeken in films heeft verwerkt, gebruikte een soortgelijk motief in haar boek Ten Little Indians. Maar het fascinerendste is dat deze film in 1933 is gemaakt en Ten Little Indians in 1939 werd uitgebracht.
Christie kan uit deze film hebben geleend voor haar plot.

text_en:
An interesting movie and a worthy part of the Sherlock Holmes tradition. The most interesting part for was the use of the count down notes as the members of the organization died. It even included a red herring note. If the viewer is paying attention, it is a clue to the actual murderer.

Agatha Christie, the well known English mystery writer who also has had many books made into movies, used a similar motif in her book, Ten Little Indians. The most fascinating part, though, is that this movie was made in 1933 and Ten Little Indians was published in 1939.

Christie may have borrowed from this movie for her plot.


text:
Er waren een paar Sherlock Holmes-films <0xE2><0x80><0x93> Reginald Owen was niet de beste. _A Study in Scarlet_ kan bogen op een indrukwekkende cast <0xE2><0x80><0x93> tot en met Hobart Cavanaugh in een niet-geregisseerde rol als Innkeeper Thompson. De plot lijkt meer gemeen te hebben met het boek van Agatha Christie _And Then There Were None_, maar dat werd pas in 1939 gepubliceerd. Hoewel het werd gefilmd in de studio's van California Tiffany, had het beslist een authentieke Engelse sfeer. Het verbazingwekkende is dat de cast (voornamelijk Amerikaanse acteurs) zeer geloofwaardige Engelse accenten wist te produceren. Die kreeg je zelfs niet in de A-producties, laat staan in de goedkopere films.

Reginald Owen had dr. Watson gespeeld in de film _Dr. Watson_ van Clive Brooks. Sherlock Holmes in de film van die naam uit 1932, maar in deze film speelde hij Sherlock Holmes.
Er wordt een lijk gevonden in een treinwagon die Victoria Station binnenrijdt. In de krant staat een code met de woorden scharlaken en Limehouse. Hij is het tweede lid van een geheim genootschap (waarvan Alan Dinehart het hoofd is) dat sterft. Ze verdelen het geld, maar besluiten het niet aan de weduwe van het slachtoffer, mevrouw Murphy (Doris Lloyd), te geven. Dan gaat ze naar Sherlock Holmes met een rijmpje dat ze tussen de spullen van haar man heeft gevonden. Na de ontmoeting wordt een ander lid door het hart geschoten. Sherlock Holmes praat met de weduwe, mevrouw Pike. Gespeeld door Anna May Wong met een zeer geloofwaardig Engels accent. Hoewel ze de hoofdrol heeft, heeft ze niet veel te doen <0xE2><0x80><0x93> maar ze ziet er wel heel exotisch uit. De leden worden een voor een vermoord <0xE2><0x80><0x93> ze krijgen allemaal een gedichtje voorgelezen. Het is duidelijk dat Thaddeus Merrydew het brein achter alle moorden is, maar de eigenlijke moordenaar was een verrassing.
June Clyde speelt de heldin Eileen Forrester. Ze maakte een kleine sensatie in vroege musicals als 'The Cuckoos' (1930), 'Hit the Deck' (1930) en in 1932 werd ze een Wampus Baby Star. Dat hield haar carrière gaande tot het eind van de jaren dertig. Allan Dinehart, de gladde schurk uit zoveel jaren-dertigfilms, speelt Thaddeus Merrydew. Billy Bevan, een oude zwijgende komiek, heeft een rol als behulpzame herbergier.
Aanbevolen.

text_en:
There were a few Sherlock Holmes - Reginald Owen wasn't the best one. "A Study in Scarlet" boasts an impressive cast - even down to Hobart Cavanaugh in an uncredited bit as Innkeeper Thompson. The plot does seem to have more in common with Agatha Christie's book "And Then There Were None" but that wasn't published until 1939. Even though it was filmed at the California Tiffany studios it certainly had an authentic English feel to it. The amazing thing is how the cast (most of them American actors) came up with very creditable English accents. You didn't even get that in A productions let alone the cheaper films.

Reginald Owen had played Dr. Watson to Clive Brooks' Sherlock Holmes in the 1932 film of that name but in this film he played Sherlock Holmes.

A body is discovered in a railway carriage pulling into Victoria Station. A code containing the words scarlet and Limehouse is printed in the paper. He is the second member of a secret society (of which Alan Dinehart is the head) to die. They divide up the money but decide not to give any to the victim's widow, Mrs Murphy (Doris Lloyd). She then goes to Sherlock Holmes with a rhyme she found among her husband's things. After the meeting another member is shot through the heart. Sherlock Holmes talks to the widow Mrs. Pike. Played by Anna May Wong with a very creditable English accent. Even though she is given top billing she is not given much to do - she does look very exotic though. The members are killed off one by one - each one receiving a little poem before hand. It is clear that Thaddeus Merrydew is the master mind behind all the murders but the actual murderer was a surprise.

June Clyde plays the heroine Eileen Forrester. She made a little splash in early musicals ie "The Cuckoos" (1930), "Hit the Deck" (1930) then in 1932 she was named a Wampus Baby Star. That kept her career going until the end of the 30s. Allan Dinehart, that oily villain of so many 30s movies plays Thaddeus Merrydew. Billy Bevan, an old silent comic, has a part as a helpful patron at the inn.

Recommended.


text: Dit is een armzalige en bizarre Sherlock Holmes-film. Hij is armzalig omdat het verhaal maar heel weinig te maken heeft met het oorspronkelijke Conan Doyle-verhaal. Verdorie, ze hebben er zelfs een stel personages in verwerkt die niet in dit verhaal voorkwamen! Het is bizar omdat Reginald Owen een heel vreemde keus leek voor de hoofdrol - hij leek veel beter bij de rol van Watson te passen dan bij die van Holmes. Dat is grotendeels traditie - acteurs die bekendstonden om het veelvuldig spelen van dezelfde rol waren William Gillette, Arthur Wontner, Basil Rathbone en Jeremy Brett, allemaal magere kerels die een zekere gelijkenis met elkaar vertoonden. Owen leek gewoon helemaal niet op hen en dat was even wennen. Dit is niet slecht - alleen maar vreemd. <br /><0x3E> Ook ben ik echt in de war door de film, want hoewel hij bijna geen gelijkenis vertoont met 'A Study in Scarlet', lijkt de film erg op Agatha Christies 'And Then There Were None' (ook bekend als 'The 10 Little Indians' en een andere titel die ik niet kan gebruiken, omdat ik betwijfel of IMDb me de oorspronkelijke titel zou toestaan vanwege politieke correctheid). Christies roman verscheen echter pas eind jaren dertig, dus het lijkt erop dat ze de plot misschien uit deze film van 1933 heeft gehaald of er in elk geval sterk door werd geïnspireerd. Het verbaast me echt dat er niet veel ophef werd gemaakt over de overeenkomsten. Als je al deze aspecten negeert, heb je nog steeds een slechte film, omdat de film zo'n slechte productiewaarde had. Er was geen muziek die af en toe werd gespeeld, er was een waardeloos dialoog, het acteerwerk was vaak HEEL slecht en de hele film had gewoon geen energie. Als gevolg daarvan was de hele film in plaats van onderhoudend, geestdodend saai en ik kan je niet aanraden hem te gaan zien.

text_en:
This is a poor and bizarre Sherlock Holmes movie. It's poor because the story has very little to do with the original Conan Doyle story. Heck, they even included a bunch of characters that weren't in this tale! It's bizarre because Reginald Owen seemed a very odd choice for the lead--seeming much more suited to the role of Watson than Holmes. Much of this is just tradition--actors famous for playing this same role repeatedly were William Gillette, Arthur Wontner, Basil Rathbone and Jeremy Brett were all thin guys and bore some similarity to each other. Owen just looked nothing like them and this took some getting used to. This isn't a bad thing--just an odd thing.

Also, I am really confused by the film because although it bears almost no similarity to "A Study in Scarlet", the film is very similar to Agatha Christie's "And Then There Were None" (a.k.a. "The 10 Little Indians" and another title which I can't use because I doubt if IMDb would allow me to use the original title due to political correctness). However, Christie's novel did not appear until the late 1930s, so it appears that perhaps she lifted the plot from this 1933 film or at least was strongly inspired by it. I am really surprised there wasn't a lot of uproar about the similarities.

If you ignore all these aspects, you still have a poor film because the film had such poor production values. There was no incidental music, lousy dialog, the acting was often VERY poor and the whole thing simply had no energy. As a result, instead of being engaging, the whole thing was mind-numbingly dull and I can't recommend you see it.


text:
The Long Voyage Home is een compilatiefilm van vier aktes, gespeeld door Eugene O'Neill, die volgens sommigen Amerika's grootste dramaturg is. De man die O'Neills werk over de bemanning van de S.S. Glencairn in elkaar heeft gezet, is Dudley Nichols, en de regie is in handen van John Ford.
Meneer Ford is meestal iemand die echt een stempel op een van zijn films drukt. Maar de gebruikelijke Ford-kenmerken zijn opvallend afwezig in The Long Voyage Home. De film van Ford waar dit het dichtst bij in de buurt komt, is The Informer. In feite speelt J.M. Kerrigan bijna dezelfde rol als in The Informer. Een van de dingen die Ford altijd deed, was de juiste muziek gebruiken om de toon te zetten voor een film. Die negentiende-eeuwse ballades zoals I Dream of Jeannie, die zo goed werken in een soort Stagecoach, worden vervangen door Harbor Lights. Dat lied drukt zo goed het verlangen uit van een hele groep ontwortelde mannen om een soort stabiliteit in hun leven te vinden.
Eugene O'Neill heeft vele jaren op zee doorgebracht en de personages van deze mannen op de s.s. Glencairn zijn ontleend aan zijn eigen jeugdervaringen. Het grootste deel van onze planeet is bedekt met water en geen enkel land bezit het. Het wordt gewoon de hoge zee genoemd en de zeelieden op die planeet zijn een internationale broederschap, net als de s.s. De bemanning van Glencairn. Ik heb altijd het gevoel gehad dat O'Neill probeerde te zeggen dat als er in deze oude wereld nog verlossing te vinden is, die op het zoute water te vinden moet zijn. Het is de enige plek waar allerlei soorten mensen echt werken voor een gemeenschappelijk doel: in leven blijven en de reis maken.
De oorspronkelijke stukken hadden een achtergrond uit de Eerste Wereldoorlog, maar ze zijn bijgewerkt voor de Tweede Wereldoorlog. Vooral in de rol van de bemanning die ervan overtuigd raakt dat Ian Hunter een soort spion is. De Tweede Wereldoorlog in 1940 heeft het publiek in elk geval wel wat echte belangstelling gegeven. Ian Hunter heeft hier misschien wel zijn carrière als Smitty neergezet. Het blijkt dat hij heel anders is dan iedereen denkt.
<0x3E><0x3E> Het is moeilijk te geloven dat John Wayne in een film van een van onze grootste dramaturgen zou spelen. Maar de Duke houdt zich staande in het ensemble. Het is de enige keer dat hij ooit een poging heeft gedaan om een accent na te bootsen en het lukt hem. Maar ik weet zeker dat hij dacht dat één keer genoeg was.
<0x3E><0x3E> Wayne als Olsen is de onschuldigste van de groep, misschien wel de enige keer dat hij dat op het witte doek is geweest. De rest van de ploeg doet zijn uiterste best om ervoor te zorgen dat hij inderdaad naar Zweden terugkeert. Het blijkt uiteindelijk een van hen het leven te hebben gekost.
<0x3E><0x3E> Als je depressief bent, The Long Voyage Home of een andere Eugene O'Connor-film. Neill is niet goed voor je geestelijke gezondheid. Hij is een pessimistische kerel, die O'Neill. Maar zijn inzichten in ons karakter en onze ziel zijn altijd even indringend als in _The Long Voyage Home_.

text_en:
The Long Voyage Home is a compilation film of four one act plays by Eugene O'Neill who some will argue is America's greatest dramatist. The man who did the stitching together of O'Neill's work about the crew of the S.S. Glencairn is Dudley Nichols and presiding over it all is the direction of John Ford.

Mr. Ford is usually someone who really puts an individual stamp on one of his movies. But the usual Ford trademarks are noticeably absent from The Long Voyage Home. Probably in mood and style the film of Ford's this comes closest to is The Informer. In fact J.M. Kerrigan is playing almost the same part in this as he did in The Informer.

One thing Ford always did was use the right kind of music to set the tone for a film. Those 19th century ballads like I Dream of Jeannie that work so well in something like Stagecoach are substituted for Harbor Lights. That song expresses so well the longing of a whole bunch of rootless men to find some kind of stability in their lives.

Eugene O'Neill spent many years at sea and the characters of these men on the S.S. Glencairn are drawn from his own youthful experience. Most of our planet is covered by water and no country owns it. It's just called the high seas and the seamen on it are an international fraternity, like the S.S. Glencairn crew. I've always felt that O'Neill was trying to say that if there's any salvation to be had in this old world, it's to be found on the salt water. It's the only place where all kinds of people really work for a common goal, stay alive and make the trip.

The original plays had a World War I background, but it has been updated for World War II. Especially in the part when the crew becomes convinced that Ian Hunter is some kind of spy. Certainly the second World War in 1940 gave the audiences some real interest. Ian Hunter may have given his career performance in this as Smitty. Turns out he's far from what everyone suspects.

Hard to believe that John Wayne would be in a film by one of our greatest dramatists. But the Duke holds his own in the ensemble. It's the only time he ever attempted some kind of accent and he pulls it off. But I'm sure he thought once was enough.

Wayne as Olsen is the innocent of the group, maybe the only time he's ever been that on the screen. The rest of the crew makes every effort to see he does in fact get home to Sweden. It turns out to cost one of them his life ultimately.

If you're any kind of depressed, The Long Voyage Home or any Eugene O'Neill is not good for your mental health. He's one pessimistic fellow that O'Neill. But his insights into our character and soul are always penetrating as they are in The Long Voyage Home.


text: Vermeldenswaard is dat John Fords film _The Long Voyage Home_ Eugene O'Neills favoriete versie van zijn toneelstukken was, en het is geen taak om in te zien waarom. De werelden van Ford en O'Neill overlappen elkaar in hun gebruik van sentiment, dramatiek en de zonen van het oude Ierland. Deze episodische verzameling verhalen, ontleend aan een aantal korte toneelstukken die door O'Neill zijn geschreven en gebaseerd op zijn eigen zeemansleven, doet wat zowel O'Neill als Ford het beste kan: de poëzie en tragedie van eenvoudige mensen blootleggen. Toegegeven, Ford zet O'Neill buitenspel, die veel duisterder kan zijn dan Ford ooit heeft gedurfd, maar hij komt er eerlijk voor uit <0xE2><0x80><0x93> geen Capra-grapjes hier. De foto's en het geluid geven dit verhaal over koopvaardijschepen, die bang zijn voor hun leven, ruzie maken maar toch van elkaar houden, vol zwakheden, maar in staat tot kracht en eer. De voorstellingen zijn allemaal even schitterend. John Wayne, in een bijrol, doet het heel goed met een ongewone rol, een eenzame Zweedse zeeman, en zijn accent is veel beter dan waar hij gewoonlijk voor wordt geprezen. Maar dit is geen sterschip. Het schip is de ster, en de levens van de bemanningsleden klinken betekenisvol en melancholiek. Een buitengewone filmervaring, vooral voor de geduldige en bedachtzame mensen onder ons.

text_en: Reportedly, John Ford's film of The Long Voyage Home was Eugene O'Neill's favorite of all filmed versions of his plays, and it is no task to see why. The worlds of Ford and O'Neill overlap in their use of sentiment, tragicomedy, and the sons of old Ireland. This episodic collection of stories, taken from several short plays written by O'Neill and based on his own seafaring life, does what both O'Neill and Ford do best--unveil the poetry and tragedy of simple men. Granted, Ford outsentimentalizes O'Neill, who can be far darker than Ford ever dared, but he comes by it honestly--no Capra-corn here. The photography and sound bring a hyper-reality to this tale of merchant sailors, fearful for their lives, argumentative yet loving, full of weakness but capable of strength and honor. The performances are uniformly splendid. John Wayne, in a supporting role, does quite well with an unusual part, a lonely Swedish sailor, and his accent is much better than he is usually given credit for. But this is no star vehicle. The ship is the star, and the lives of its men resound with meaning and melancholy. An extraordinary film experience, especially for the patient and thoughtful among us.


text:
De _Lange reis naar huis_ is geen typische film uit deze periode. Hij concentreert zich op een ensemble in plaats van op een ster. Dat komt tegenwoordig veel voor, maar toen nog niet. Fords _Stagecoach_, die het jaar daarvoor was gemaakt, had een behoorlijk ensemble, maar de film was altijd gericht op Ringo en Dallas. Hier is John Wayne gewoon een van de sterren. Thomas Mitchell, die Doc Washburn speelde in _Stagecoach_, heeft een rol die net zo groot is als die van Wayne in _Trees_. Andere rollen zijn net zo prominent.
De plot is ook nogal vaag en episodisch. En in tegenstelling tot de meeste films uit die tijd was de focus niet op een doel, maar op de gebeurtenissen en het leven van de zeeman aan boord van de _Glencairn_. We zien ze door de door oorlog verscheurde Atlantische Oceaan zeilen, tussen de Verenigde Staten en Europa. Ze hebben plezier, ze vechten, ze praten over thuis. Het is allemaal heel zachtaardig en mooi, heel subtiel. Het script is geweldig, wat waarschijnlijk te danken is aan Eugene O'Neil, want op wiens toneelstukken deze film is gebaseerd (ze gaan naadloos in elkaar over).
De acteurs zijn fantastisch. Mitchell en Wayne zijn waarschijnlijk het bekendst, maar er zijn ook Ian Hunter, Barry Fitzgerald, John Qualen, Ward Bond, Mildred Natwick en vele andere geweldige karakteracteurs. John Wayne was waarschijnlijk het meest in trek, als je bedenkt hoe populair hij was in de Stagecoach, maar zoals ik al zei, zijn rol is niet vooraan. Hij heeft zelfs niet veel tekst. Het punt is dat hij een Zweed is die niet goed Engels spreekt, dus over het algemeen is hij nogal stil (Wayne kan ook niet zo'n goed Zweeds accent krijgen, en dat is maar goed ook!). Hij heeft één geweldige scène waarin hij een paar lange dialogen houdt. Maar zelfs zonder die dialogen is zijn gezicht heel geëmotioneerd. Aan het eind van de film kende ik zijn personage heel goed. We denken niet vaak aan Wayne als een groot acteur, maar dat was hij zeker. Hoewel The Searchers waarschijnlijk zijn beste rol is, zou The Long Voyage Home zeker een vermelding waard zijn als het over zijn carrière gaat.
Als je zou kunnen zeggen dat er maar één'ster' is. De film die het meest in het oog springt, is die met Greg Tolland. Natuurlijk heeft hij het jaar daarop Citizen Kane gefotografeerd, net als How Green Was My Valley en The Grapes of Wrath, Fords beste film. De filmografie is een van de indrukwekkendste in de Amerikaanse cinema. John Ford zelf is net zo'n ster als in The Long Voyage Home. Hij heeft hier zijn hart aan verpand. De regie is prachtig, gekunsteld. Het is hier net zo goed als in The Grapes of Wrath, My Darling Clementine en The Searchers, dat wil zeggen, het is een van zijn beste films, zo niet de beste. 10/10 is de enige film van Ford waar ik tranen van in mijn ogen kreeg.

text_en:
The Long Voyage home is not a typical film from this period. It differs in that it focuses on an ensemble cast instead of on a star. That's common nowadays, but not back then. Ford's Stagecoach, made the previous year, had quite an ensemble cast, but the film was always focused on Ringo and Dallas. Here, John Wayne is just one of the stars. Thomas Mitchell, who played Doc Washburn in Stagecoach, has a role that's as big as Wayne's in Voyage. Others are as prominent.

The plot is also pretty tenuous and episodic. And, unlike most films of the time, the focus was not on a goal, but just on the events and lives of the seaman aboard the Glencairn. We see them sail through the war-torn Atlantic, between the U.S. and Europe. They have fun, they fight, they talk about home. It's all rather gentle and beautiful, very subtle. The script is great, which is probably due to Eugene O'Neil, for of whose plays this film is based on (they are blended together seamlessly).

The actors are marvelous. Mitchell and Wayne are probably the best known, but there are also Ian Hunter, Barry Fitzgerald, John Qualen, Ward Bond, Mildred Natwick, and many other great character actors. John Wayne was probably the draw, considering how popular Stagecoach had made him, but, as I said, his role is not out in the front. In fact, he doesn't have many lines. His schtick is that he is a Swede who can't speak English well, so he is generally pretty quiet (Wayne can't muster the best Swedish accent, either, so that's kind of a good thing!). He has one great scene where he has some long bits of dialogue. But even without the dialogue, he emotes so well in his face. I knew his character intimately by the end of the film. We don't often think of Wayne as a great actor, but he certainly was. Although The Searchers probably contains his best role, The Long Voyage Home would certainly be worth a major mention when talking about his career.

If you could say that there is a single "star" of this film, that would have to be Greg Tolland. Of course, he photographed Citizen Kane in the next year, as well as Ford's Best Picture winning How Green Was My Valley and The Grapes of Wrath. The cinematography is some of the most impressive to be found in the American cinema. John Ford himself is just as much the star of The Long Voyage Home. He definitely put his heart into this one. The direction is beautiful, artful. It is as good here as it is in The Grapes of Wrath, My Darling Clementine, and The Searchers, that is, it is one of his very best films, if not THE best. To date, it's the only Ford film that made me shed tears. 10/10.


text: Het is vreemd dat de beste prestatie die John Wayne ooit op film heeft geleverd er een was die zich niet in een western afspeelde, waarin hij niet de hoofdrol speelde en waarin hij in wezen niet zelf speelde. Vraag iemand wat Waynes beste rol als acteur was; ze kijken je vreemd aan, halen hun schouders op en lopen weg. Als hij een accent of wat make-up probeerde, viel hij af. Maar hier, als de Zweedse zeeman Ole, past hij perfect. Zijn vermoeide gezicht wordt schrijnend, zijn lange, krachtige aanwezigheid schildert hem af als een vriendelijke reus in plaats van als de zout-van-de-aarde-cowboy waar hij het bekendst om is. Als de openingsbeelden <0xE2><0x80><0x93> de betoverende muziek van het eiland, de wind die alles in de avondlucht laat deinen, de eilandvrouwen die flirten met de zeelui, de zeelui flirten terug <0xE2><0x80><0x93> je niet door de pure kracht van de ambiance heen halen, zul je waarschijnlijk niet blij zijn met 'The Long Voyage Home'. Als je een opwindend zeeavontuur verwacht met de doorsnee John Ford-rolverdeling, zul je teleurgesteld zijn. Als je in de stemming bent voor een soort nautisch sfeerbeeld: de avonturen van koopvaardijschepen van bar tot bar, de tragedie dat je aan boord van het verkeerde schip bent beland, de zeeoorlog in het begin van de twintigste eeuw enzovoort, moet je dit zien.

text_en:
It's strange that the best performance John Wayne ever gave on film was one that was not in a western, where he was not in the lead, and where he did not play, essentially, himself. Ask someone what Wayne's best work as an actor was; they look at you strangely, shrug, and walk away. Whenever he tried an accent or a bunch of makeup, he flopped. Here, though, as the Swede sailor Ole, he fits perfectly. His tired face becomes poignant, his tall, forceful presence paints him as a gentle giant, rather than as the salt-of-the-earth cowboy he is best known for.

If the opening shots -- the haunting island music, the wind making everything sway in the night air, the island women flirting with the sailors, the sailors flirting back -- doesn't hook you through the sheer force of ambiance alone, you probably won't like "The Long Voyage Home." If you're expecting an exciting sea adventure with the joe average John Ford job of direction, you'll be disappointed. If you're in the mood for something of a nautical mood piece; the adventures of merchant sailors from bar to bar, the tragedy of being affiliated with the wrong ship, naval warfare in the early twentieth century, etc., check this out.


text: Dit drukt een grote droefheid uit over de levens van de mannen op zee. Sommigen zijn gedoemd om eeuwig te blijven. Een van de doelen van de film is om John Wayne, een onschuldige Zweedse man, eindelijk van de boten te krijgen en naar huis te brengen, naar zijn oude moeder. Het is zo'n naargeestige film dat je hem echt sympathiek vindt, zelfs met die afschuwelijke voorstelling van Wayne. Hij gaat recht op zijn hart af. Er is een geweldige rol van Ian Hunter als de man die zich voornamelijk afzijdig houdt. Hij heeft een geheim verleden en ze vermoeden dat hij een spion is. Dit is een van John Fords minst zelfbewuste films.' Hij is geen zware Amerikaan om mee om te gaan en hij leidt je naar de kern van het verhaal en de vaak dronken emoties van de matrozen.

text_en: This expresses a great sadness about the lives of men at sea. Some are doomed to stay forever. One of the goals of the movie is to finally get John Wayne, an innocent Swedish man, off the boats and home to his old mother. It paints such a bleak picture you really root for him, even with Wayne's horrible performance. It goes right for the heartstrings. There's a great performance by Ian Hunter as the fellow who mainly keeps to himself. He has a secret past, and they suspect he's a spy. This one of John Ford's least self-conscious movies, there's no heavy Americana to deal with and he directs you to the heart of the story and the often drunken emotions of the sailors. **** out of ****


text: Deze film is alles wat een film hoort te zijn, want hij dicteert dat de menselijke conditie op zichzelf al dramatisch en tragisch genoeg is, zonder overdreven theatraal gedoe. Deze zeetragedie heeft geen ijsberg nodig. Wat hij wel heeft, is uitstekende cinematografie van Gregg Toland, uitmuntende regie van John Ford en een voortreffelijk script dat is gebaseerd op de toneelstukken van Eugene O'Neill. Het drama ontwikkelt zich eenvoudigweg vanuit een schip dat tijdens de Tweede Wereldoorlog in het oorlogsgebied is, met een volle lading munitie en zonder escorte of wapen ter bescherming <0xE2><0x80><0x93> met een bonus van vijfentwintig procent voor de bemanning. Het acteerwerk is zo goed als acteerwerk maar kan zijn: Arthur Shields (als Donkey Man) en Thomas Mitchell (als Aloysius Driscoll) weifelen nooit in de personages die ze spelen. Ze zijn, zonder enige twijfel, zo realistisch dat ze buiten de film leven. In feite zijn ze meer dan personages in een film, het zijn universele mensen die proberen orde te scheppen in de chaos, ook al moeten ze daarvoor een chaos scheppen. Het hoofdpersonage is de 'Glencairn' zelf, het schip in de film. Net als in een Griekse tragedie is het het koor waar de dramatische actie plaatsvindt. De lange terugreis van sommige personages gaat eindeloos door, maar de lange reis voor de 'Glencairn' gaat net als bij zoveel andere roestbakken door. In de Tweede Wereldoorlog wachtten voortdurende gevaren en mogelijke rampen net buiten elke haven.

text_en: This film is all that a film should be for it dictates that the human condition is in itself dramatic and tragic enough without exaggerated theatrics. This sea tragedy needs no iceberg. What it does contain is excellent cinematography by Gregg Toland, superb direction by John Ford and a superior script based on the plays of Eugene O'Neill. The drama developes simply from a ship being in the war zone during World War Two with a full cargo of ammunition and no escort or weapon for protection--just a twenty-five percent bonus for the crew. The acting is about as good as acting can be: Arthur Shields (as Donkey Man) and Thomas Mitchell (as Aloysius Driscoll) never waver in the characters they portray. They are, without question, so realistic that they live beyond the movie. In effect, they are more than characters on film, they are universal humans trying to make order out of chaos, even if they must create chaos to do so. The main character is the "Glencairn" itself, the ship in the film. Like Greek tragedy, it is the chorus about which the dramatic action occurs. The long voyage home for some of the characters goes on and on, but the long voyage for the "Glencairn" continues like so many other rust buckets. In World War Two, constant danger and possible disaster waited just outside every harbor.


text:
Een expressionistische klassieker waarin John Wayne de rol van Zweed speelt? Zou dat kunnen?
'The Long Voyage Home' mag dan niet echt een klassieke film zijn, maar het is wel een van de meest visueel expressionistische films van Hollywood, een stemmige, door regisseur John Ford en cinematografieker Gregg Toland gedramatiseerde film. John Wayne speelt inderdaad de hertog zelf, John Wayne, die een Zweedse boerenkinkel speelt die Ole Olsen heet en die de andere zeelieden aan boord van zijn schip veilig op weg naar huis willen zien. Hij is niet Meryl Streep, zoals later blijkt, maar je wilt dit meesterwerk van Hollywood toch wel zien vanwege Tolands camerawerk, de acteerprestaties van het ensemble en Dudley Nichols' naadloze vertolking van de vier eenakters van Eugene O'Neill.
'O'Neill' 1945. Destijds worden de zeemansverhalen naar het heden overgebracht. De Tweede Wereldoorlog is aan de gang en de Glencairn vervoert munitie naar Engeland voor de strijd tegen Hitler. Zal Ole naar huis terugkeren? Wat is het geheim achter de rustige Engelse zeeman Smitty (Ian Hunter)? Waarom zijn vrouwen met manden vol fruit niet te vertrouwen? Waarom koestert Driscoll (Thomas Mitchell) zo'n wantrouwen jegens die barkeeper?
Eens schreef Pauline Kael 'Lange reis naar huis' bij wijze van verwijzing naar een andere film die het jaar daarop door Gregg Toland was opgenomen, 'Burger Kane'. Zowel Ford als 'Kane'-regisseur Orson Welles nam de ongebruikelijke stap om hun titelkaart met Toland te delen, een blijk van respect voor wat Tolands oog voor hun films teweegbracht. 'Long Voyage Home' is beter dan 'Kane', want elke opname lijkt doordrenkt van een spanning en een stemming die op zijn minst even welsprekend zijn voor het drama op het scherm als elke andere dialoog of acteerprestatie.
Dat is zo vanaf de eerste opname, een woordeloze pan-shot van de Glencairn die over het water drijft terwijl vrouwen op de voorgrond sensueel ronddraaien op onzichtbare muziek. De beelden staan in contrast met die van de zeelieden van de Glencairn die er opgefokt en gefrustreerd uitzien. Zijn de vrouwen echt daar op het strand of is het alleen maar verbeelding van de bemanning? Het is een klassiek voorbeeld van expressionistische dubbelzinnigheid dat, als het eenmaal vastligt, de rest van de film blijft hangen. Neem Smitty, een kerel die niemand veel zegt omdat hij zich afzijdig houdt, in ieder geval tot hij ten slotte wordt aangewezen als een mogelijke Duitse spion in een reeks die geënsceneerd zou kunnen lijken, ware het niet dat Nichols, Toland en Hunter er een duivelse werkelijkheid van hebben gemaakt. Ian Hunter is tegenwoordig geen bekende acteur, maar zolang hij in de buurt is, draagt hij de film bij zich, vooral als hij wordt geconfronteerd met zijn schijnbare verraad. Hem zien grimassen en trillen van woede terwijl zijn geheim langzaam en hartverscheurend wordt onthuld, is de sterkste scène in deze zeer sterke film, en als de film eenmaal voorbij Smitty is, komt hij er nooit meer helemaal bovenop. als een soortgelijk persoon met een dubbele identiteit, en ik zal niet de fout maken hem opnieuw te onderschatten.
<0x3E><0x3E> Ik wou alleen dat Thomas Mitchell, de Oscarwinnaar van Fords 'Stagecoach' van vorig jaar, iets van zijn terughoudendheid ten aanzien van zijn rol als Driscoll hier had laten doorschemeren. Barry Fitzgerald en John Qualen, allebei Ford-veteranen, lijken zijn overacterende virus te hebben opgelopen. Het is geen prettig gezicht, vooral niet voor diegenen onder ons die alle drie beter werk hebben gezien.
<0x3E><0x3E> Wayne is echter wel effectief, ondanks zijn louche accent, en het is interessant om hem in een film te zien, slechts een jaar na zijn doorbraak in 'Stagecoach', waar hij aan ons wordt voorgesteld als een van de bendeleden, een soort volgeling en geen eenzame wolvenleider. Gewoonlijk associeert men Wayne met beminnelijke volgzaamheid, maar die heeft hij hier ook.
John Ford is zo'n beetje de Shakespeare van de film, die zich moeiteloos van komedie naar tragedie in één enkele scène beweegt, en 'Long Voyage home', hoewel niet volmaakt, pleit voor zijn visionaire meesterschap.

text_en:
An expressionistic classic featuring John Wayne as a Swede? Can it be?

"The Long Voyage Home" may fall just short of classic status, but it is one of Hollywood's most visually expressionistic films, a tone poem of shadow and light presented by director John Ford and cinematographer Gregg Toland. That is indeed the Duke himself, John Wayne, playing a Swedish hayseed named Ole Olsen who the other sailors aboard his ship want to see safely en route to home. He's not Meryl Streep as it turns out, but you will want to see this powerhouse example of Hollywood art anyway for Toland's camera-work, the ensemble acting, and Dudley Nichols' seamless adaptation of Eugene O'Neill's four one-act plays.

O'Neill's sea yarns are transported to the then-present. World War II is underway, and the Glencairn transports ammunition to England for the fight against Hitler. Will Ole return home? What is the secret behind quiet English sailor Smitty (Ian Hunter)? Why are women bearing baskets of fruit not to be trusted? Why is Driscoll (Thomas Mitchell) so suspicious of that bartender?

Pauline Kael once wrote up "Long Voyage Home" by way of addressing another film shot by Gregg Toland the following year, "Citizen Kane." Both Ford and "Kane" director Orson Welles took the unusual step of sharing their titles card with Toland, a show of respect for what Toland's eye brought to their films. I'd say Toland brought more to "Long Voyage Home" than he did to "Kane," as every shot seems suffused with a tenseness and mood that at the very least speaks as eloquently to the drama on screen as any line of dialogue or actor's performance.

That's true from the opening shot, a wordless pan shot of the Glencairn drifting across the water as women in the foreground gyrate sensuously to an unseen music. The images are contrasted with those of Glencairn sailors looking pent-up and frustrated. Are the women really there on the shore, or just being imagined by the crew? It's a classic bit of expressionist ambiguity that, once established, carries through for the rest of the film.

Take the case of Smitty, a fellow who no one can much figure out as he keeps to himself, at least until he is finally fingered as a likely German spy in a sequence that might appear contrived had not Nichols, Toland, and Hunter made it quite diabolically real. Ian Hunter is not a well-known actor today, but he carries the film as long as he's around, especially while confronted with his apparent treachery. Watching him grimace and shake with fury as his secret is slowly, gut-wrenchingly exposed is the strongest scene in this very strong film, and once the film moves beyond Smitty, it never quite recovers. Hunter also appears in "Adventures Of Robin Hood" as a similar figure of dual identities, and I won't make the mistake of underestimating him again.

I only wish Thomas Mitchell, the Oscar winner from Ford's "Stagecoach" the previous year, had brought some of that performance's restraint to his playing of Driscoll here. Barry Fitzgerald and John Qualen, Ford vets both, seem to catch his overacting bug. It's not pretty, especially to those of us who have seen all three give better work.

Wayne, however, is effective despite his dodgy accent, and it's interesting to see him in a film, just a year after his breakthrough in "Stagecoach," where he is presented to us as one of the gang, something of a follower and not a lone-wolf leader. I don't normally associate Wayne with amiable go-alongness, but he carries it here.

John Ford is pretty much the Shakespeare of cinema, effortlessly moving from comedy to tragedy within a single scene, and "Long Voyage Home," while not perfect, makes a strong case for his visionary mastery.


text: De getalenteerde cast speelt in deze uitstekende vertolking van Eugene O'Neills stuk (het is gebaseerd op drie van zijn eenakters) over zeelieden aan boord van een vrachtschip, de _Glencairn_, dat op het begin van de Tweede Wereldoorlog explosieven vervoerde van de Verenigde Staten naar Engeland. De bemanningsleden praten met elkaar, maar redden elkaar ook van bombardementen en risico's. Aan het eind wordt gezegd: 'Sommige mannen als Ole en de Driscolls komen en gaan en de anderen leven en sterven en de Amerikanen en Smitty's laten hun herinneringen achter <0xE2><0x80><0x93> maar voor de anderen komt er nooit een eind aan de lange reis.' '<br />Deze dramatische film is een klassiek voorbeeld van een Ford die zijn gebruikelijke thema's als sterke factor in veel films laat zien, als gevoelsleven, partnerschap, vriendschap en onsympathieke kameraadschap tussen de zeelieden. Maar het ziet er te melodramatisch uit tijdens het lezen van de brieven van Smittys. De zeelieden tonen een nostalgisch verlangen naar dingen uit het verleden en naar oude waarden en naar hun eigen land: Zweden, Ierland, Engeland. John Wayne speelde de rol van een Zweedse matroos die Ole heette. Ole zou de ster van Ford worden nadat de regisseur zijn carrière van B-western in Poverty Row-producties met zijn grootste hit, 'Stagecoach', nieuw leven had ingeblazen. De film is een voortreffelijke tweederangsfilm, met Thomas Mitchell als een sympathieke matroos, Ian Hunter als de dronken en onevenwichtige Smittys, Barry Fitzgerald als de grappige kok, Mildred Natwick als een zwendelaarster, Rafaela Ottiano als een tropische vrouw, Jack Pennick als een van de gebruikelijke Fords. Beschrijving van de zwart-witfilm door Gregg Toland (Citizen Kane), veel licht en donker, waarin eenzaamheid, achterdocht, angst voor de bemanning en de rokerige, vettige, zweterige atmosfeer van een koopvaardijschip worden weerspiegeld. De film hoort thuis in de tijd dat John Ford (1895-1973) een rijke verscheidenheid aan verhalen maakte en zijn reputatie terecht is gebaseerd op zijn werk in de jaren veertig, als _Druiven der gramschap_, _Hoe groen was mijn dal_, _Voortvluchtig_, _Die kon je weggooien_, _Mijn lieve Clementine_, _en de trilogie van de cavalerie_, _Fort Apache_. Ze droeg een geel lint, _Rio Grande_. De recensies: Ontzettend goed, boven het gemiddelde, een grote triomf voor Ford en Wayne. Een must voor John Ford- en John Wayne-fans.

text_en:
The talented cast act this excellent screen rendition of Eugene O'Neill's play (it's adapted from three of his one-act plays)about crew sailors aboard a freighter steamer called Glencairn carrying charge containing war-smuggling,TNT, explosives from US to England, at the beginning WWII. The crew talk and contend each other but also save each other from bombing and risks. At the ending terminates with epilogue saying :'Some men like Ole and the Driscolls come a and go and the others live and die and the Yanks and Smittys leave their memories- but for the others the long voyage never ends'.

This dramatic film is a classic Ford displaying his usual themes as strong factor in many films, as emotionalism, partnership, friendship and unlovable camaraderie between the sailors. However looks over-melodramatic during the reading letters from Smittys.The sailors show a nostalgic longing for things past and old values and own home: Sweden,Ireland, England. Straightforward acting by John Wayne as a Swedish sailor named Ole , he was to star habitually for Ford after the director rose his career from B Western in Poverty Row productions, with his greatest hit, 'Stagecoach'. There's magnificent secondary cast playing the seamen, as Thomas Mitchell as a sympathetic sailor, Ian Hunter as the drunk and unbalanced Smittys, Barry Fitzgerald as the humorous cooker,Mildred Natwick as a swindler prostitute, Rafaela Ottiano as a tropical woman, Jack Pennick, a Ford's usual, among others. Descriptive, evocative black-and-white cinematography by Gregg Toland(Citizen Kane) plenty of lights and dark, reflecting loneliness, suspicion,frightening from crew and the smoky, greasy, sweaty atmosphere from merchant ship. The picture belongs period when John Ford(1895-1973) made a rich variety of stories and his reputation rightly rests on his work in the 1940s, as ¨Grapes of wrath,How green was my valley,Fugitive,They were expendable, My darling Clementine¨and the Cavalry trilogy: ¨Fort Apache, She wore a yellow ribbon, Rio Grande¨. Rating : Awesome, above average, a major triumph for Ford and Wayne.It's a must see from John Ford enthusiastic and John Wayne fans.


text: John Ford regisseerde een heel interessante film met allerlei spanning, samen met het verhaal van de beroemde Eugene O'Neill. Dit verhaal speelt zich af op een vrachtschip, de _Glencairn_, samen met een geweldige cast van ervaren acteurs die allemaal individuen zijn met vele jaren ervaring in het zeilen en sommigen zijn gewoon ruw en ruw en anderen houden zich afzijdig. John Wayne (Ole Olsen) speelt de rol van een Zweedse zeeman die zijn laatste reis op de _Glencairn_ wil maken, omdat hij naar huis wil, naar de boerderij van zijn moeder in de buurt van Stockholm in Zweden. Wayne speelt geen grote rol in deze film, ondanks het feit dat hij een ster is. Thomas Mitchell (Aloysuis Driscoll) speelt de rol van de oudere man en heeft een geweldige ondersteunende rol. Zelfs Ward Bond verschijnt en heeft een relatief korte rol in deze film. Deze film speelt zich af tijdens de Tweede Wereldoorlog en de Glencairn heeft aan boord veel munitie verstopt om de oorlogsinspanning in Engeland te ondersteunen en kan door Duitse vliegtuigen of onderzeeërs vernietigd worden. Mooie film, maar niet wat ik verwacht had.

text_en: John Ford directed a very interesting film with all kinds of suspense along with the story written by the famous Eugene O'Neill. This story takes place on a freighter, "Glencairn", along with a great cast of veteran actors who are all individuals with many years of sailing experiences and some are just plain rough and tough and others keep to themselves. John Wayne, (Ole Olsen) plays the role of a Swedish seaman who wants to make this voyage on the Glencairn his last, because he wants to go home to his mother's farm near Stockholm, Sweden. Wayne does not play a very big role in this film in spite of the fact he has star billing. Thomas Mitchell, (Aloysuis Driscoll) plays the role as the senior man and gives a great supporting role. Even Ward Bond appears and has a relatively short role in this picture. This picture takes place during WW II and the Glencairn has hidden on board lots of ammunition to support the war effort in England and could be destroyed by German planes or submarines. Nice film, but not what I expected to see.


text: Ik ging naar de film in de verwachting een glimp op te vangen van het genie Gregg Toland, die al heel lang fan is van Citizen Kane. Ik werd niet teleurgesteld, de film is op alle vlakken uitstekend, ook al wordt de film door het tempo en het onderwerp nogal saai. Het grootste probleem is dat Hollywood weinig ervaring heeft met het focussen op een groep in plaats van op een enkel personage, dus Fords poging is inderdaad prijzenswaardig. Een jaar later probeerde hij het met iets soortgelijks, maar de actie was veel meer gericht op het verhaal van Ringo-Dallas. In _De druiven der gramschap_ is het verhaal veel samenhangender, omdat het is geschreven na een roman en niet na een reeks toneelstukken (zelfs al is het prachtig aangepast door Dudley Nichols). Een groot deel van het verhaal lijkt te gekunsteld, ik bedoel, hoe eenzaam werden die zeelieden wel niet op zee, dat ze zich zo grillig gedroegen als ze aan land waren? Ik denk dat de beste dingen in de film voor een modern publiek afkomstig zijn van Toland (de film ziet er echt goed uit, de man had echt het oog van een schilder) en van Wayne, die niet noodzakelijkerwijs geweldig is in zijn imitatie van een Sweede, omdat hij geen geweer in zijn hand heeft en hij geen Apache of Comanche te lijf gaat, maar hij is het wel. Het doet het nog steeds goed.<br />Mijn favoriete beelden zijn tegen het einde als de matrozen dronken zijn en op zoek naar Ole, de belichting en de camerahoeken scheppen een griezelige sfeer die heel goed past bij de raadselachtige toestand waarin de dronken mannen verkeren. De eerste opname van de film is ook briljant en als hij niet door Ford was geregisseerd had ik me er iets surrealistisch bij kunnen voorstellen. Een groot deel van de film deed me in feite denken aan Querelle, Fassbinders laatste film, een surrealistisch verhaal over de ontberingen van het zeilen.

text_en:
I came to this movie expecting a peek into the genius of Gregg Toland, having been a long time fan of Citizen Kane. I was not disappointed at all, the cinematography is excellent throughout, even if the pacing of the movie and its subject make it quite dull. The main problem is that Hollywood had little experience with focusing on a group rather than on a single character, so Ford's attempt is indeed laudable. A year later in Stagecoach he tried something similar but the action was much more focused on the Ringo-Dallas story. In The Grapes of Wrath the story is much more coherent, having been made after a novel not after a series of plays (even if splendidly adapted by Dudley Nichols). Much of the story seems to be too contrived, I mean how lonesome did those seafarers did get at sea that they behaved so erratically when they were ashore? I think for a modern audience the best things in the movie come from Toland (the movie really looks good, the guy truly had the eye of a painter) and for Wayne who is not necessarily great in his impersonation of a Sweede as he ain't holdin' a gun in his hand and he ain't chassin' no Apache or Comanche but he's doing a good job still.

My favorite images are near the end when the sailors are drunk and they're looking for Ole, the lighting and camera angles produce an uncanny atmosphere that combines very well with the puzzling state the drunken men must be in. The first shot of the movie is also brilliant and if it wouldn't have been directed by Ford I could have imagined something surreal about it. Much of the movie actually reminded me of Querelle, Fassbinder's last film, a surreal story about the hardships of sailing.


text: Een groep zeelieden beleeft allerlei gebeurtenissen terwijl ze aan boord van de SS Glencairn zijn. In deze film speelt John Wayne de rol van Ole, een Zweedse zeeman die zijn familie al meer dan 10 jaar niet meer heeft gezien. Het was interessant om John Wayne in een film te zien waarin hij geen cowboy is, want daar is hij voornamelijk om bekend. De festiviteiten beginnen wanneer een groep Spaanse vrouwen aan boord van het schip gaat en fruit en smokkelrum voor de zeelieden meebrengt. Dit liet zien hoe eenzaam deze zeelieden zich gedurende zo'n lange tijd aan boord voelen. De stemming in de film veranderde een paar keer. De situatie veranderde een keer toen de Spaanse meisjes aan boord kwamen en nog een keer toen ze eindelijk aan land kwamen en zich konden bedrinken. De matrozen begonnen zich als gekken te gedragen en werden heel snel dronken. De Spaanse meisjes begonnen zich tegen hen te verzetten en al gauw brak er een rel uit. Zeelieden begonnen elkaar te slaan en een matroos pakte zelfs een kapotte rumfles en stak een andere matroos neer. Je kunt gemakkelijk zien hoe verveeld zeelui worden door hoe ze zich gedragen als de Spaanse meisjes aan boord komen. De officieren betrapten de Spaanse meisjes met rum aan boord en betaalden hen niet. De muziek speelt een grote rol in de sfeer van de film. De muziek heeft een heleboel snaarinstrumenten om er een eenzaam, traag ritme aan te geven. Als mannen naar de zee kijken, is de muziek langzaam en tamelijk deprimerend. Een citaat dat mijn aandacht trok, was toen een zeeman zei: 'Als een man naar de zee gaat, moet hij niet meer aan de kust denken. Land wil hem niet meer.' Volgens mij zei hij dat het geen zin heeft om verdrietig te zijn omdat je niet op het land kunt zijn, omdat je niets kunt doen om te veranderen waar je bent. Elke zeeman die het overleefde, moest net zo lang wachten tot de volgende man aan land kwam. Deze film toont hoe het leven van een zeeman kon veranderen. Twee matrozen, Smitty en Yank, stierven aan boord van Glencairn en Drisk stierf op het laatst toen hij aan boord van Amindra was en het schip werd getorpedeerd. Je hebt medelijden met de mensen die ze hebben gekend, omdat ze zo lang dezelfde routine hebben gevolgd en elke dag dezelfde mensen zien zonder hun dierbaren te zien. Voor mij zou het echt frustrerend worden, want ik zou gefrustreerd raken omdat ik dezelfde dingen deed en dezelfde mensen zag. De matrozen tonen hun verveling door naar conflicten te zoeken. Ze vermoeden dat Smitty een spion is, doorzoeken zijn bezittingen en binden hem vast. Hij werd valselijk beschuldigd nadat Drisk de brieven had gelezen die hij had ontvangen en besefte dat hij het al die tijd bij het verkeerde eind had gehad. Kort nadat Yank door een storm werd getroffen en gedood, werd Smitty door een luchtaanval om het leven gebracht. Het was vreemd hoe hij aan zijn eind kwam, want hij zat op een roeiboot die aan de zijkant van het schip hing, en toen hij werd neergeschoten, bedekte het dek hem alleen maar, en niemand wist precies wanneer hij stierf. Tijdens de luchtaanval lieten de gevechtsvliegtuigen bommen vallen die het schip niet raakten, maar de machinegeweren wel en doodden Smitty. De manier waarop hij helemaal alleen stierf, leek op de eenzame gevoelens die de matrozen vaak hadden. De Zweedse zeeman geeft ook uiting aan zijn eenzaamheid als ze aan land komen en hij vertelt de vrouw aan de bar dat hij zijn familie al bijna 10 jaar niet meer heeft gezien. Hij was de enige van de bemanning die aan boord van het Amindra-schip zou gaan. Zijn dronken scheepsmaten trokken hem van het schip voordat het vertrok, maar weer werd er een man buiten de bemanning gelaten nadat hij bewusteloos was geslagen. Een zeeman aan het eind van de film las een kop in de krant die luidde: 'Aminra Torpedoed' en zo eindigde er weer een eenzame zeeman die stierf.

text_en: A group of sailors experience all sorts of events while on the SS Glencairn. John Wayne stars in this film as Ole, a Swedish sailor who has not seen his family in over 10 years. It was interesting seeing John Wayne in a movie where he is not a cowboy because that's what he is mostly know for. The festivities began when a group of Spanish women board the ship and bring fruit and smuggle rum for the sailors. This showed how lonely these sailors became while on board for such an extended period of time. The mood of the movie did change a few times. It changed once when the Spanish girls came on board and again when they finally reached land and were able to get drunk. The sailors began acting crazy and got drunk very quickly. The Spanish girls started resisting them and soon a riot broke out. Sailors began hitting each other and one sailor even took a broken rum bottle and stabbed a fellow sailor. You can easily tell how bored sailors become because of how they acted when the Spanish girls cam on board. The officers caught the Spanish girls bringing rum on the ship and did not pay them. The music plays a big role in setting the mood in the movie. The music has a lot of string instruments to give it a lonely slow paced feeling. When guys look out at sea, the music is slow and fairly depressing. One quote that caught my attention was when a sailor said, "When a man goes out to sea, he should give up thinking about shoreLand don't want him no more." To me I think he was saying that there is no point feeling sad about not being able to be on land because there is nothing you can do to change where you are. Each sailor who survived had to wait just as long as the next man to reach land. This movie exhibits how life as a sailor could change. Two sailors, Smitty and Yank died while on board of Glencairn and Drisk died at the end when he was aboard Amindra and it got torpedoed. You feel bad for the lives they live because they go through the same routine for such a long time and they see the same people everyday without seeing their loved ones. To me, it would become really frustrating because I would get frustrated doing the same things and seeing the same people. The sailors show their boredom by looking for conflict. They have suspicion that Smitty is a spy and search through his belongings and tie him up. He was falsely accused after Drisk reads the letters he received and realizes he was wrong the entire time. Soon after a storm hits and kills Yank, an air attack takes the life of Smitty. It was strange how he died because he was on a row boat hanging on the side of the ship, and when he got shot, the tarp just covered him and nobody really knew when he died. During the air attack, the fighter planes dropped bombs that didn't hit the ship, but the machine guns did and took the life of Smitty. The way he dies all by himself was similar to the lonely feelings the sailors often felt. Ole, the Swedish sailor also expresses his loneliness when they arrive on land and he tells the woman at the bar about how he hasn't seen his family in almost 10 years. He was the only one out of the crew members that was going to board the Amindra ship. His drunk shipmates pulled him off the ship before it left, but again one man was left out of their crew after he was knocked unconscious. A sailor at the end of the movie read a headline in the newspaper that read "AMINDRA TORPEDOED" and so it ended another lonesome sailor died.


text: Dit is gewoon een doorsnee film van John Ford en hij maakte veel betere films dan deze. Deze werd gemaakt in hetzelfde jaar als The Grapes of Wrath en het is moeilijk te geloven dat deze genomineerd werd voor de prijs voor de beste film. Deze film heeft een geweldige cast, met sterren als John Wayne, Thomas Mitchell, Ward Bond en Barry Fitzgerald. Deze film kwam een jaar na _Padvinder_ uit, waardoor Wayne een ster werd, maar hij werd pas een grote ster in _Red River_, acht jaar later. Deze film speelt zich af in Engeland tijdens de Tweede Wereldoorlog en ze zitten op een boot die op het punt staat aan te meren. Hun rol in de film is niet echt een plot en het zijn gewoon een paar kleine fragmenten. Het is maar een film van OK Ford, maar hij heeft betere gemaakt dan deze.

text_en: This is just an average John Ford film and he made a lot better movies than this one. This was made in the same year as The Grapes Of Wrath and it's hard to believe this was nominated for best picture. This movie has a great cast that stars John Wayne, Thomas Mitchell, Ward Bond and Barry Fitzgerald. This movie came out one year after Stagecoach, which made Wayne a star but he didn't become a big star until Red River eight years later. This is set in England during World War II and they are on a boat that is about to dock. Their really isn't a plot to the movie and it's just a bunch of little segments. It's just an OK Ford film but he made some better ones then this one.


text: Ford is hier op zijn best, net als filmer Toland. Het interieur van het schip is claustrofobisch en het decor is uitstekend. Wayne wordt als eerste vertoond, maar het decor bestaat voornamelijk uit ensembles. De eerste helft sleept hier en daar, maar de laatste helft is zo treurig dat je de paar fouten vergeet. Ik geef deze reis een 9.

text_en: Ford is at his peak here, and so is cinematographer Toland. The interiors of the ship are claustrophobic, and the cast is excellent. Wayne is first billed, but the cast is mostly ensemble. The first half drags here and there, but the final twist is so sad you forget the few faults. I give this voyage a 9.


text: Directeur John Ford zoekt vrienden als schrijver Dudley Nichol vier klassieke toneelstukken van Eugene O'Neill distilleert tot een zeer interessant verhaal over mannen op zee. Een hechte bemanning aan boord van een koopvaardijschip heeft andere redenen om op zee te zijn. Sommige alleen voor het geld; sommige om te proberen herinneringen te vergeten en sommige om moeilijkheden op het vasteland te vermijden. De scheepsmaten mopperen als ze beseffen dat ze zullen afmeren om munitie voor de oorlog aan boord te nemen. John Wayne speelt Ole, een jonge Zweed die besluit zijn loon in ontvangst te nemen en naar huis te varen, naar de boerderij van zijn familie. Een deel van de bemanning probeert Ole nuchter te houden als hij met verlof is, zodat hij dat ticket naar huis kan kopen. Anders worden de zeelui stomdronken voordat ze weer aan boord komen voor een nieuwe lange reis. Prachtig in zwart-wit gefotografeerd, met een goed uitgevoerde originele partituur. De cast bestaat uit een wie-is-wie-twist: Barry Fitzgerald, Thomas Mitchell, Ward Bond, John Qualen, Ian Hunter en Joe Sawyer.

text_en: Director John Ford gathers friends as writer Dudley Nichol distills four classic Eugene O'Neill one-act plays into a very interesting tale of men at sea. A tightly knit crew aboard a merchant ship has different reasons to be on the sea. Some just for the money; some to try and forget memories and some to avoid trouble on dry land. The shipmates grumble when they realize they will dock to take aboard wartime ammunitions. John Wayne plays Ole, a young Swede that decides to take his pay and sail home to his family's farm. Part of the crew try to keep Ole sober on shore leave, so he can buy that ticket for home. Otherwise the seamen will get stinking drunk before signing on for another long voyage. Photographed beautifully in black and white; with a well crafted original score. The cast is a who's who featuring: Barry Fitzgerald, Thomas Mitchell, Ward Bond, John Qualen, Ian Hunter and Joe Sawyer.


text: Vind je mijn samenvatting niet erg verwarrend? Hoe kan een wat saaie film de moeite van het bekijken waard zijn? Nou, geloof het of niet, het probleem is dat de plot niet zo boeiend is, maar dat de personages zo goed in elkaar zitten dat de film nog steeds uitmuntend is! Zeker, sommige lijken erg op stereotiepe clichés <0xE2><0x80><0x93> vooral John Qualens optreden als Noor, door Yimminy!! In feite zegt hij tijdens de film ongeveer 60 keer 'door Yimminy' <0xE2><0x80><0x93> eigenlijk typisch voor een optreden van Qualen in een film van Ford! Maar afgezien daarvan zijn er een heleboel geweldige personages, zoals de Yank (Ward Bond), Drisk (Thomas Mitchell) en Smitty (Ian Hunter). De enige in de film die ik echt moeilijk in een categorie kon indelen, is Ole Olsen (John Wayne). Het schijnt dat Ole een Zweed is en het kostte me echt moeite om Wayne als Zweed te zien! Waarschijnlijk komt dat doordat hij sinds deze film zo typerend is geworden. Ik geloof echt niet dat zijn accent zo erg was <0xE2><0x80><0x93> ik bleef maar wachten tot John een Indiaan zou schieten of lopen met de gebruikelijke John Wayne-loop, maar het mocht niet zo zijn.

text_en: Now isn't my summary awfully confusing?! How can a somewhat dull film STILL be worth seeing? Well, believe it or not, the problem is that the plot isn't all that compelling but the characters are so well-crafted that the film is still outstanding!! Sure, some of them seem an awful lot like stereotypical clichés--especially John Qualen's performance as a Norwegian, by Yimminy!! In fact, he says "by yimminy" about 60 times during the film--somewhat typical for a Qualen performance in a Ford film, actually!! But apart from this, there are a lot of great characters such as the Yank (Ward Bond), Drisk (Thomas Mitchell) and Smitty (Ian Hunter). The one person in the film I really DID have trouble categorizing is Ole Olsen (John Wayne). It seems Ole is a Swede and I really had trouble seeing Wayne as a Swede!!! Probably this is because since this film he's become so type-cast. I really don't think his accent was that bad--I just kept waiting for John to shoot an Indian or walk with the usual John Wayne walk, but it wasn't to be.


text: Dit is een krachtig stuk van John Ford en een meesterwerk van filmografie van Gregg Toland. Hoewel het soms lang duurt, maken de personages op het schip het wachten de moeite waard. Hoewel Wayne een centrale figuur in het verhaal is, zijn het zijn scheepsmakkers die de film meebrengen. Wayne is slechts het brandpunt van hun dilemma. Hoewel er een paar keer iets misgaat (zoals het patriottische beeld van de Britse vlag na de heldhaftige dood van een Engelsman), is het al met al een fantastische film, een ruig verhaal van vriendschap, duurzaamheid, teleurstelling en berusting.

text_en: This is a powerful piece from John Ford, and a masterpiece of cinematography from Gregg Toland. Though it drags at times, the characters on the ship make the wait worthwhile. While Wayne IS a central figure in the story, it is his shipmates that carry the film. Wayne is merely the focal point of their dilemma. While there are a few misfires (such as the patriotic image of the British flag after an Englishman's heroic death), it is all-in-all a fabulous picture, a rugged tale of friendship, durability, disappointment and resignation.


text: Een van Fords betere (en minder bekende) films, die vooral opviel door de terughoudendheid ten opzichte van de personages en het verhaal. Het gaat over een schip dat door gevaarlijke wateren vaart om oorlogsvoorraden naar het belegerde Engeland te brengen en concentreert zich op de conflicten, dromen en ellende van de zeelieden op het schip. Wayne doet het goed als de grote Zweed, voornamelijk door niet veel te zeggen. Ward Bond doet het geweldig met zijn doodsscène. Het was cool hoe Ford het publiek steeds geïrriteerder en gefrustreerder liet worden naarmate de climax van de film naderde.<br />Geen markt met het overheersende sentiment dat zo'n groot deel van Fords productie (IMHO) belemmert.

text_en:
One of Ford's better (and lesser known) films, notable for the restraint exercised towards the characters and story. It is about a ship traveling through dangerous waters to bring war supplies to besieged England, and centers on the conflicts, dreams and sufferings of the sailors who inhabit the ship. Wayne does a good job as the big Swede, mostly by not talking much. Ward Bond does a great job with his death scene. It was cool how Ford allowed the audience to become more and more annoyed and frustrated as the situation at the film's climax reaches its conclusion.

Not market with the overbearing sentiment that hobbles so much of Ford's output (IMHO).


text: Aan het begin van de Tweede Wereldoorlog zei Churchill dat we gereedschap hadden, maar heel dappere Amerikaanse zeelieden hebben wapens en veel ander oorlogsmateriaal voor Engeland meegebracht. Ze heeft risico's genomen en levens gegeven, voor ons Europeanen. De beste Non Western-film met John Wayne. Iedereen die tegen de Verenigde Staten is, moet hem zien.

text_en: At the beginning of WWII Churchill said we've tools, but very brave American sailors have brought England weapons and many other War-material. She have risk and given life and all for us, European. The best 'Non Western Movie' with John Wayne. Everyone who is against The U.S. must see him.


text: Spaghetti westerns zijn voor de gemiddelde sukkel als ik Clint Eastwood. Blijkbaar betekenden ze ook voor velen in Europa komedie in hoog tempo. Volgens de dvd-informatie kostte deze film in Italië meer lire dan 'The Good Bad and Ugly'. De komedie spaghetti was blijkbaar familie-eten. Wat een vlucht grillige ideeën bleek dit te zijn. Het spaghetti western-tijdperk eindigde met dit. Een idee dat zo ver was gekomen dat het eindelijk achterstevoren en binnenstebuiten was gekomen. Heel vreemd.<br />Klaus Kinski wordt buiten gehoorsafstand gezet en Terence Hill heeft de stem van een meisje met de blauwe, ree-ogige glimlach van een engel. Geen wonder dat Patrick McGoohan diep in de zakken van zijn eigen karakter heeft zitten wroeten op zoek naar een geïnspireerde manier om zijn cavalerieofficier uit te beelden. Ja, hij kwam met het, mogelijkerwijs, historisch correcte idee van een Thomas Meagher: 'Ik ben een Amerikaan.' Hij ziet er ook vreselijk verbrand uit. De opnamen in Monument Valley hebben zijn Keltische huid geen goed gedaan. Deze film kan alleen maar als episodische beschouwd worden, een serie decorstukken. Soms erger ik me aan McGoohans accent als het zijn dictie vertroebelt en ik geniet van zijn manier van spreken. Deze keer is zijn accent zo geïnspireerd, zo onvoorspelbaar, het is Genius!

text_en:
Spaghetti Westerns are Clint Eastwood to the average dork like me. Apparently they also meant high camp comedy to many in Europe. The DVD information says this movie took more lira in Italy than 'The Good Bad and Ugly'. The comedy spaghetti was family fare apparently. What a flight of whimsical ideas this one turned out to be. The spaghetti western era ended with this one. An idea that had travelled so far that it had finally arrived backwards and inside-out. Very strange.

Klaus Kinski gets dubbed out of earshot and Terence Hill has the voice of a girl with the blue-eyed, doe-eyed smile of an angel. No wonder Patrick McGoohan dug deep in his own character-filled pockets for an inspired way to project his cavalry h'Officer. Yes, he came up with the, possibly, historically accurate idea of a Thomas Meagher...."I am an American". He looks dreadfully sun burnt too. Location filming in Monument Valley did his Celtic skin no good at all. This movie can only be viewed as episodic, a series of set-pieces. I am sometimes annoyed by McGoohan's accents as they blur his diction and my enjoyment of his delivery. This time, his accent is SO inspired, SO unpredicted, why, it's Genius !!


text:
Het is een eer om te spreken over de documentaire van dit levensverhaal dat groter is dan het leven zelf. Ik had 2 nachten achtereen maar 2 uur geslapen en was zo bang dat ik in zou dommelen (ondanks de film die ik op het punt stond te zien) dat ik een hele thermosfles espresso en een chocoladereep meenam. Maar ik merkte dat ik aan mijn stoel gekluisterd zat terwijl ik werd verheven tot een hoger menselijk niveau en me koesterde in de gloed van deze mooie, briljante, dramatische vrouw die overliep van trots, gratie, onvermoeibaarheid, woede, mededogen en een heldere filosofie <0xE2><0x80><0x93> en geneigd was tot buitensporig lachen.
Ik heb de thermosfles of de verpakking nooit opengemaakt <0xE2><0x80><0x93> wat ik nodig had was een zakdoek of een strakkere riem (zodat ik niet in lachen uitbarstte) voor deze ontroerende vertolking van mevrouw Richards voorbeeldige leven van activisme, kunst en moed. Hoewel sommigen zich misschien vooral haar vertolking herinneren van de moeder van Sidney Poitier in _Guess Who's Coming to Dinner_, is dit echt een levensverhaal dat schreeuwt om gehoord te worden, en we mogen ons gelukkig prijzen met mevrouw Hamiltons gevoelige vertolking. We mogen ons ook heel gelukkig prijzen dat deze film, hoe tragisch ook, bijna niet gemaakt is. Het project begon slechts een jaar voor mevrouw Richards enige nederlaag in haar leven <0xE2><0x80><0x93> een longemfyseem op tachtigjarige leeftijd. Daarvóór had ze een reeks overwinningen behaald die niet konden worden ontkend. Vrijwel elk aspect van het leven of de kunst waar Mr. Richards haar zinnen op had gezet, was bereikt. Op slechts zeventienjarige leeftijd, en van nederige afkomst uit Vicksburg, Mississippi, had ze een van de ontroerendste poëtische hommages gecomponeerd die je ooit zult horen <0xE2><0x80><0x93> aan de legendarische Paul Robeson <0xE2><0x80><0x93> en ze had de gelegenheid die jaren later aan hem voor te lezen.
Nadat ze een van haar eerste bekende virtuoze acteerprestaties in New York had gezien, zou Marlon Brando hebben gezegd: 'Ik zou mijn kaart voor acteren moeten verscheuren <0xE2><0x80><0x93> die vrouw is geniaal!' En slechts enkele dagen voordat ze stierf, had Ms. Richards kreeg haar derde Emmy-award voor een rol in de tv-serie 'The Practice'.
En toch was voor mij de krachtigste krachtmeting Beah Richards als... Beah Richards. Laat je niet misleiden door de verschijning van een bijna bedlegerige 80-jarige vrouw met een zuurstofslangetje onder haar neus; deze vrouw is een leeuwin, klaar om tot leven te komen in haar levendige herinneringen, een woeste dichter-krijger die scherpe, doordringende beweringen uitstraalt en een verschrompelde sjamaan die wijsheden en sluwe inzichten prijsgeeft die hij heeft opgedaan in een leven dat volledig is verwezenlijkt.
Dit is een van de ontroerendste films die ik kan bedenken, des te indrukwekkender door het feit dat de meest memorabele scènes gewoon Mr. Richards stond achter de camera tegenover haar onzichtbare publiek <0xE2><0x80><0x93> vanaf haar bed, vastgeketend aan zuurstoftanks, terwijl ze door het scherm reikte, je bij je kraag greep en met een handige '360-graden-zin' je geest elektrificeerde met haar geest... hoop in je hart spoot... en leven in je ziel blies...
Onvergetelijk.

text_en:
It is an honor to speak about the documentary of this life story that is bigger than life. I had had only 2hrs sleep for 2 nights in a row and was so afraid I would nod off (regardless of the film I was about to see) that I brought a whole thermos of espresso and a chocolate bar. But I found myself riveted to my seat while being raised to a higher level of humanity and basking in the glow of this beautiful, brilliant, dramatic woman overflowing with pride, grace, indefatigability, anger, compassion, and clear-eyed philosophy --and prone to outrageous laughter.

 I never opened the thermos or the wrapper--what I needed was a hanky or a tighter belt (so as not to bust a seam laughing) for this moving portrayal of Ms. Richards exemplary life of activism and art and pluck. Though some may mainly remember her portrayal of the mother of Sidney Poitier's character in "Guess Who's Coming to Dinner", this is truly a life story crying to be heard and we are so fortunate for Ms. Hamilton's sensitive portrayal. Quite fortunate indeed, as tragically, this film was almost not made. The project was begun only a year before Ms. Richard's sole defeat in life--to emphysema at the age of 80. Prior to that was a string of victories that would not be denied. Virtually any aspect of life or art Mr. Richards set her sights on was reached. At only 17 years of age, and from humble origins in Vicksburg, Mississippi, she composed one of the most moving poetic tributes you're ever likely to hear--to the legendary Paul Robeson--and she had the opportunity to read it to him when they met years later.

 After seeing one of her first recognized virtuoso acting performances in New York, Marlon Brando was quoted as saying "I should tear up my [acting] equity card--that woman is a genius!" And only days before she died, Ms. Richards received her 3rd Emmy award for a role in the TV series "The Practice."

 And yet for me, the most powerful, tour de force performance was Beah Richards as... Beah Richards. Don't be fooled by the appearance of an nearly bed-bound 80-year old woman with oxygen tubing under her nose; this woman is a lion, ready to roar to life in her vivid recollections, a fierce poet-warrior staking out sharp, penetrating assertions and a wizened shaman revealing wisdoms and twinkling sly insights gleaned from a life fully realized.

 This is one of the most moving pieces of filmmaking I can think of, made all the more impressive by the fact that the most memorable scenes are just Mr. Richards facing off against her invisible audience behind the camera--from her bed, tethered to oxygen tanks, and reaching through the screen, grabbing you by your collar and with one deft "360-degree phrase"--electrifying your mind with her spirit... infusing hope into your heart... and breathing life into your very soul....

 Unforgettable.


text:
Het is een eer om te spreken over de documentaire van dit levensverhaal dat groter is dan het leven zelf. Ik had 2 nachten achtereen maar 2 uur geslapen en was zo bang dat ik in zou dommelen (ondanks de film die ik op het punt stond te zien) dat ik een hele thermosfles espresso en een chocoladereep meenam. Maar ik merkte dat ik aan mijn stoel gekluisterd zat terwijl ik werd verheven tot een hoger menselijk niveau en me koesterde in de gloed van deze mooie, briljante, dramatische vrouw die overliep van trots, gratie, onvermoeibaarheid, woede, mededogen en een heldere filosofie <0xE2><0x80><0x93> en geneigd was tot buitensporig lachen. Ik heb de thermosfles of de verpakking nooit opengemaakt <0xE2><0x80><0x93> wat ik nodig had was een zakdoek of een strakkere riem (om te voorkomen dat ik in lachen uitbarstte) voor deze ontroerende vertolking van mevrouw Richards voorbeeldige leven van activisme, kunst en lef. Hoewel sommigen zich misschien vooral haar vertolking herinneren van de moeder van Sidney Poitiers personage in _Guess Who's Coming to Dinner_, is dit echt een levensverhaal dat schreeuwt om gehoord te worden, en we mogen ons gelukkig prijzen met mevrouw Hamiltons gevoelige vertolking. We mogen ons ook heel gelukkig prijzen dat deze film, hoe tragisch ook, bijna niet gemaakt is. Het project begon nog geen jaar voor de enige nederlaag van mevrouw Richard in haar leven <0xE2><0x80><0x93> een longemfyseem op tachtigjarige leeftijd. Daarvóór had ze een reeks overwinningen behaald die niet konden worden ontkend. Vrijwel elk aspect van het leven of de kunst waar Mr. Richards haar zinnen op had gezet, was bereikt. Op slechts zeventienjarige leeftijd, en van nederige afkomst in Vicksburg, Mississippi, had ze een van de ontroerendste poëtische hommages gecomponeerd die je ooit zult horen <0xE2><0x80><0x93> aan de legendarische Paul Robeson <0xE2><0x80><0x93> en ze had de gelegenheid die jaren later aan hem voor te lezen.
Nadat ze een van haar eerste bekende virtuoze acteerprestaties in New York had gezien, werd Marlon Brando geciteerd met de woorden: 'Ik zou mijn kaart van de virtuoze spat-chance moeten verscheuren <0xE2><0x80><0x93> die vrouw is geniaal!' En slechts enkele dagen voor haar dood had Ms. Richards kreeg haar derde Emmy-award voor een rol in de tv-serie 'The Practice'.
En toch was Beah Richards voor mij de krachtigste krachtmeting, als... Beah Richards. Laat je niet misleiden door de verschijning van een bijna bedlegerige 80-jarige vrouw met een zuurstofslangetje onder haar neus; deze vrouw is een leeuwin, klaar om tot leven te komen in haar levendige herinneringen, een woeste dichter-krijger die scherpe, doordringende beweringen uitstraalt en een verschrompelde sjamaan die wijsheden en sluwe inzichten prijsgeeft die hij heeft opgedaan in een leven dat volledig is verwezenlijkt.
Dit is een van de ontroerendste films die ik kan bedenken, des te indrukwekkender door het feit dat de meest memorabele scènes alleen maar mevrouw Richards zijn. Richards stond achter de camera tegenover haar onzichtbare publiek <0xE2><0x80><0x93> vanaf haar bed, vastgeketend aan zuurstoftanks, reikend door het scherm, je bij je kraag grijpend en met één machtige '360-graden-zin' <0xE2><0x80><0x93> je geest elektrificeren met haar geest... hoop in je hart pompend... en leven in je ziel blazend.

text_en:
It is an honor to speak about the documentary of this life story that is bigger than life. I had had only 2hrs sleep ! for 2 nights in a row and was so afraid I would nod off (regardless of the film I was about to see) that I brought a whole thermos of espresso and a chocolate bar. But I found myself riveted to my seat while being raised to a higher level of humanity and basking in the glow of this beautiful, brilliant, dramatic woman overflowing with pride, grace, indefatigability, anger, compassion, and clear-eyed philosophy --and prone to outrageous laughter.

I never opened the thermos or the wrapper--what I needed was a hanky or a tighter belt (so as not to bust a seam laughing) for this moving portrayal of Ms. Richards exemplary life of activism and art and pluck. Though some may mainly remember her portrayal of the mother of Sidney Poitier's character in "Guess Who's Coming to Dinner", this is truly a life story crying to be heard and we are so fortunate for Ms. Hamilton's sensitive portrayal. Quite fortunate indeed, as tragically, this film was almost not made. The project was begun less than a year before Ms. Richard's sole defeat in life--to emphysema at the age of 80. Prior to that was a string of victories that would not be denied. Virtually any aspect of life or art Mr. Richards set her sights on was reached. At only 17 years of age, and from humble origins in Vicksburg, Mississippi, she composed one of the most moving poetic tributes you're ever likely to hear--to the legendary Paul Robeson--and she had the opportunity to read it to him when they met years later.

After seeing one of her first recognized virtuoso acting performances in New York, Marlon Brando was quoted as saying "I should tear up my [acting] equity card--that woman is a genius!" And only days before she died, Ms. Richards received her 3rd Emmy award for a role in the TV series "The Practice."

And yet for me, the most powerful, tour de force performance was Beah Richards as... Beah Richards. Don't be fooled by the appearance of a nearly bed-bound 80-year old woman with oxygen tubing under her nose; this woman is a lion, ready to roar to life in her vivid recollections, a fierce poet-warrior staking out sharp, penetrating assertions and a wizened shaman revealing wisdoms and twinkling sly insights gleaned from a life fully realized.

This is one of the most moving pieces of filmmaking I can think of, made all the more impressive by the fact that the most memorable scenes are just Ms. Richards facing off against her invisible audience behind the camera--from her bed, tethered to oxygen tanks, and reaching through the screen, grabbing you by your collar and with one mighty "360-degree phrase"--electrifying your mind with her spirit... infusing hope into your heart... and breathing life into your very soul.

Unforgettable...


text:
The Elephant Man is zonder enige twijfel de 'beste' film die de echte filmfanaat ooit gemaakt heeft, in zekere zin lokt de film geen geweld uit of rare dingen, zoals vaak het geval is bij films van Lynch, maar pure emoties in een ontroerend drama over de man die alleen maar een 'normaal leven' wilde leiden, wat dat ook mag zijn.
Je hebt echt medelijden met John Merrick, en tenzij je hart van steen is, krijg je tranen in je ogen in de krachtige slotscènes met Barbers Adagio op de achtergrond... zo worden geweldige films gemaakt, films die je wakker maken en je aan het denken zetten.
Zou voor iedereen een rondleiding moeten zijn.

text_en:
The Elephant Man is without a doubt the 'finest' movie david lynch has made, in a sense it doesn't provoke with violence or odd things like Lynch's movies often do, but with pure emotions in a touching drama about the man who just wanted to 'live a normal life', whatever that is.

You really feel for John Merrick, and unless your heart is made of stone you will get your eyes wet in the powerful end scenes with Barber's Adagio playing...this is how great movies are made, ones that wake you up, and make you think.

Should be all-round education for everybody. 8/10


text:
The Elephant Man is een van mijn favoriete films. Het hoogtepunt van de film is de ongelooflijke voorstelling van John Hurt. Het is hartverscheurend en ontroerend tegelijk.
De Elephant Man is een van mijn favoriete films.
Sommige scènes in de film zijn ongelooflijk moeilijk om naar te kijken, wanneer het ergste wat de mensheid kan overkomen zo wreed mogelijk wordt getoond. Als gevolg daarvan kun je het je misschien wel voorstellen.
Maar ik vind The Elephant Man juist deprimerend. Ik vind de film briljant en ontroerend, een portret van een man die wanhopig probeert geaccepteerd te worden in een bevooroordeelde maatschappij. Kijk ernaar en neem een besluit.
O, trouwens, het feit dat Mel Brooks de film heeft gemaakt, doet er niet toe. Hij heeft zelfs zijn naam uit de aftiteling laten verwijderen, uit angst dat het publiek de film niet serieus zou nemen als zijn naam erin stond. Het is NIET een Mel Brooks-achtige film.

text_en:
The Elephant Man is one of my favorite films. The film's main highlight is the incredible performance by John Hurt. It is heartbreaking and touching at the

same time. Some of the scenes in the film are incredibly hard to watch, when the worst of humankind is shown being as cruel as possible. As a result you may

find The Elephant Man depressing, however, I see it on the contrary. I find the film to be a brilliant, touching work portraying a man desperately trying to be accepted in a prejudiced society. Watch it and make up your own mind.

Oh, by the way, don't mind the fact that Mel Brooks produced. He actually had his name removed from the credits, fearing that the public would not take the movie seriously if his name was there. It is NOT a Mel Brooks- type movie.


text: Er zijn geen woorden die ik kan gebruiken om deze film te beschrijven. Het is gewoon filmen op zijn best. Kijk maar, je zult voor altijd veranderen. Dat was ik. Dit is mijn 2e Film. Ik heb de laatste keer dat ik hem zag 5 keer gehuild. Je zult na afloop zo verontrust en verontrust zijn, maar ook zo opgebeurd. Je zult The Elephant Man nooit vergeten.

text_en: There is no words I can use to describe this movie. It is simply moviemaking at its best. Watch it, You'll be changed forever. I was. This is my #1 Movie. I cried 5 times the last time I saw it. You will be so troubled and disturbed afterward but so uplifted. You will never forget The Elephant Man.


text: Verhaal van het leven van John Merrick (John Hurt), een man die in het negentiende-eeuwse Engeland aan extreme misvormingen lijdt. Hij wordt door een arts (Anthony Hopkins) naar een ziekenhuis gebracht, waar ontdekt wordt dat hij een intelligent menselijk wezen is. Prachtig gefilmd, met twee van de beste voorstellingen van het decennium door Hopkins en Hurt, is deze film een waar meesterwerk, dat erin slaagt ontroerend te zijn zonder sentimenteel te zijn, en een boodschap over de menselijke natuur te brengen zonder al te zwaarwichtig te zijn.

text_en: Story of the life of John Merrick (John Hurt), a man suffering from extreme deformities in 19th century England. He is taken by a doctor (Anthony Hopkins) to a hospital, where it is discovered that he is an intelligent human being. Beautifully shot, with two of the best performances of the decade by Hopkins and Hurt, this movie is a true masterpiece, managing to be moving without being sappy, and offering a message about human nature without being too heavy handed.


text: Ik denk dat zelfs ik verliefd werd op de olifantsman. Zo misvormd en toch zo vriendelijk. Ik huilde als de eikel zijn vrienden 'liet kijken' als ze hem oppakten en ronddraaiden en drank door zijn keel goten. En toch verdedigde hij zich nooit. John Hurt was schitterend als John Merrick (olifantman), en Anthony Hopkins speelde zijn normale, kalme, koele en beheerste rol als de dokter. Ik vond de hoofdverpleegster ook aardig, want hoewel ze in het begin niet blij met hem was, begon ze veel om hem te geven, een film moet je zien.

text_en: I think even I fell in love with the elephant man. To be so disfigured and yet so kind. I cried when the Jerk let his friends "view" the elephant man at night when they picked him up and twirled him around and threw liquor down his throat. And yet he never defended himself. John Hurt was magnificent as John Merrick (elephant man), and Anthony Hopkins played his normal, calm, cool, and collected role as the Dr. I also like the head nurse, because although she wasn't thrilled about him at first, she grew to care for him a great deal, a must see movie.


text: Ik ben dol op deze film sinds ik hem voor het eerst zag toen hij uitkwam. Ik heb een kopie van de Encore, maar die is aan het verslechteren. Over het algemeen is de film goed te vertolken op de band - het grootste verlies is dat de autoscènes overgaan in een-shots in plaats van een-shots, en het gekibbel buiten de cafetaria, een drieshot in het theater (een ondoorgrondelijke kerel die tegen de rolluiken van de winkel staat geleund), nu voornamelijk een tweeshot, wat veel van de droge humor wegneemt. Ik schrijf dit omdat ik zie dat de dvd op 28 september is uitgebracht voor 4,95 dollar, maar ik heb geen informatie gevonden over wie hem heeft uitgebracht, waar ik hem kan krijgen, of wat dan ook. Weet iemand daar het antwoord? 'Ik zou graag een vervanging willen kopen voor mijn oude band en kopieën voor mijn vrienden. Een brievenbus zou geweldig zijn! Maar ik hou mijn adem niet in.'

text_en: I've loved this movie ever since I saw it when it came out. I have a tape, which is deteriorating, copied off Encore. In general, the film translates well to tape--the biggest loss are car scenes where two-shots become alternating one-shots, and the squabble outside the diner, a three shot in the theater (inscrutable dude leaning against store shutters), now mostly a two-shot, which really removes a lot of the dry wit. I'm writing this because I see that the DVD has been released on September 28 for $4.95, but I haven't found any information on who released it, where I can get it, or anything else. Does someone out there know the answer? I'd like to buy a replacement for my old tape and copies for my friends. Letterbox would be great! But I won't hold my breath.