text: Ik woon in Phoenix en elke keer als ik over de U.S. 60 naar het oosten ga, voorbij Apache Junction, bij de Gold Canyon Ranch, zie ik een plek waar een aflevering is gefilmd (of in elk geval een scène is gefilmd). Vandaag, veertig jaar later, denk ik er nog steeds aan en kijk of de plek er nog is. Hij is vandaag langsgekomen - ja, die is er nog. Jammer dat de serie maar één seizoen heeft geduurd - een van de echte groten! De scène die ik me herinner, was dat hij stopte om bij een benzinestation iets te drinken uit een kraan te halen, en als ik het me goed herinner, heeft iemand daar bezwaar tegen gemaakt. Hoe dan ook, iemand heeft er een waardevolle les uit geleerd, dat weet ik zeker. Weet iemand of die 27 afleveringen beschikbaar zijn? Ik niet, al heb ik wel een jaar of zo een Navajo gehad. Ik identificeerde me alleen met de zwerflust van de open weg.

text_en: I live in Phoenix and every time I go east on U.S. 60 out past Apache Junction, near Gold Canyon Ranch, I see a spot where an episode was filmed ( or at least a scene was filmed). Today, 40 years later I still think about it and check to see if the spot is still there. Went by today----yes it is. Too bad the show only lasted that one season---one of the true greats ! The scene I remember was where he stopped to get a drink out of a spigot at a service station, and as I recall someone took issue with it. Anyway someone learned a valuable lesson from it, I'm sure. Does anyone know if these 27 episodes are available ? Never was a motorcycle guy, although I did own a Navajo for a year or so. I just identified with the wanderlust of the open road.


text: Ik denk dat ik aan de nostalgische fase in mijn leven begin, en toen kwam Came Bronson zomaar in me op, absoluut een show van het moment, zeker geleend van andere shows (Route 66?) maar toegevoegd aan het eigen stempel van de grote schrijver en acteur (Michael Parks). Over hem gesproken, ik dacht dat hij van de aardbodem verdwenen was, maar zijn IMDb-dossier zegt iets anders. Parks' problemen met de producers van de shows hebben waarschijnlijk de vroegtijdige ondergang van de serie veroorzaakt, en dat is jammer. Toen ik als kind de show zag, was ik gefascineerd door het feit dat deze man gewoon kon oppakken en doorgaan wanneer hij wilde (terwijl ik gedwongen was naar school te gaan), op zoek naar iets over zichzelf. Dit kon in de huidige wereld waarschijnlijk niet gemaakt worden, en dat zou het ook niet moeten zijn. Je kunt perfectie niet verbeteren.

text_en: i guess i'm getting to the nostalgic stage in life,and Then Came Bronson is something that readily comes to mind.definitely a show of it's time,it surely borrowed from other shows(Route 66?)but added it's own touch in great writing and acting(Michael Parks).speaking of him,i thought he had disappeared from the planet,but his IMDb resume says differently.Parks difficulties with the shows producers probably caused the series early demise,and that's a pity.watching the show as a kid,i was fascinated that this guy could just pick up and move on at will(whereas i was forced to go to school),on a search to find out something about himself.this probably couldn't be made in todays world,nor should it be.you can't improve on perfection.


text: De Zweeds-Britse coproductie van een jonge Zweedse bokser die in de loop van de Koude Oorlog in 'neutraal' Zweden wordt gemanipuleerd en gedwongen tot een geheime missie. Gebaseerd op een redelijk succesvolle roman van de Zweeds-Britse schrijver Harry Kullman, met goedkope productiewaarden die niet in hun voordeel zijn, plus een stuntelige, onbeholpen regie, gaat deze spionagethriller de mist in, ondanks een paar spannende scènes... en als Zweed helpt het ook al niet echt om mijn landgenoten met een bedrieglijk Engels accent te horen praten.

text_en: Swedish/British co-production of a young Swedish boxer who is framed and forced into an inside agent mission in the 80's continuing cold war in 'neutral' Sweden. Based on a fairly successful novel by Swedish writer Harry Kullman, cheap production values not used to their advantage plus clumsy, deftless direction, sink this agent thriller, despite some tight scenes... and as a Swede, hearing my compatriot actors spouting really dodgy English accents just doesn't help much...


text: Dit is verreweg de slechtste Dennis Hopper-film die ooit is gemaakt. De meiden in de film waren niet om aan te zien, de jongens in de film konden niet acteren en het verhaal was zo slap als het maar kon. De enige reden dat ik hem heb gekocht, was omdat hij in de aanbieding was bij onze kruidenier. Ik vind dat ze me een berisping moeten geven voor het feit dat ik het heb moeten doormaken. Blijf hier uit de buurt. Ik weet zeker dat het historisch juist is, en als dat zo is, dan waren dit de stomste saboteurs uit de hele geschiedenis. Om nog maar te zwijgen van de regisseur en de producent. Ik hoop dat Dennis zijn agent heeft ontslagen nadat hij deze TTONRD had gemaakt.<br />Ik kan nog wel even doorgaan over deze verspilling van film, maar ik verveel me er gewoonweg te pletter. IMDb vergelijkt dit met 'De graaf van Monte Cristo' Hebben ze hun verstand verloren? De graaf is een klassiek verhaal van wraak en vastberadenheid. De 'inside man' is gewoon waardeloos.

text_en:
This is by far the worst Dennis Hopper movie ever put to film. The chicks in it were nasty, the guys in it could not act, and the story was weak as it could be. The only reason I bought it was because it was on sale for $5 at our grocery store. I feel that they should give me $20 for suffering through it. Stay away from this. I am sure that it is historically accurate, and if so these were the dumbest saboteurs in all of history. Not to mention the director, and producer. I hope Dennis fired his agent after making this T@RD.

I could go on and on about this waste of film, but It simply bores me. IMDb is comparing this to "The Count of Monte Cristo" Have they lost their minds. The count is a classic tale of revenge and determination. The "Inside Man" just sucks.


text: Deze film is niet zo slecht als je zou denken als je de commentaren van de andere gebruikers leest. Natuurlijk is The Inside Man geen originele of artistieke thriller, maar ik vind hem veel beter dan een gemiddelde thriller. De productiewaarde is niet hoog, dus de filmmakers hebben niet eens geprobeerd om spectaculaire actiescènes te maken. En dat is goed. Anders had de film onbedoeld grappig kunnen zijn.<br />En ik ben het niet eens met wat de mensen over de accenten zeggen. Gdesta Ekmans 'Swenglish' stoort me niet. Ekman is een charismatische acteur en ik vind dat hij goed praat. En het is geweldig om hem met zulke geweldige sterren als Hopper en Kr<0xC3><0xB6>ger te zien. Maar ik was het eens met degenen die vinden dat de rol van Thomas Kallin door iemand anders had moeten worden gespeeld dan door Kondare Mbeller. Rolf Lassg<0xC3><0xA5>rd zou geschikt zijn geweest voor die rol.

text_en:
This film is not as bad as you might think by reading the other user comments. Of course The Inside Man is not original or artistic thriller, but I think it is far more better than an average thriller. The production values are not high, so the filmmakers haven't even try to make spectacular action-scenes. And that's good. Otherwise the film could have been unintended humorous.

And I don't agreed what people say about the accents. Gösta Ekman's 'Swenglish' doesn't disturb me. Ekman is a charismatic actor and I like the way he talks. And i't's great to see him with such great stars as Hopper and Krüger. But I agreed with those who think that the role of Thomas Kallin should have played by someone else than Kåre Mölder. Rolf Lassgård would have been suitable for that part.


text: 'Pound' is misschien wel de grappigste film die ooit is gemaakt. Voor zover ik weet, is hij niet op dvd of bandje verkrijgbaar. Maar als je de kans krijgt om hem te zien, doe dat dan vooral. De gebruikelijke cast van briljante Downey-personages brengt een paar van de spannendste scènes die ooit op het scherm zijn vertoond. Net als bij 'Putney Swope' is het enige nadeel dat het publiek zo hard lacht dat het misschien moeilijk is om de dialoog te horen.<br />Antonia Fargas, in een trainingspak, speelt de rol van The Grayhound. Terwijl hij herinneringen ophaalt aan zijn racedagen in Florida, als winnaar van de Tampa Tropicana ('Ik heb de bacon naar binnen gewerkt,' zegt hij), zien we twee andere 'honden' in een hoek verwoed masturberen. Een van hen zegt over zijn schouder: ' 'Neem me niet kwalijk... maar ik moet me even vermannen.' Downeys zoon, Robert Downey jr., verschijnt in de film op drie- of vierjarige leeftijd, als puppy. De briljante dialogen, uitgesproken door een briljante cast, maken dit een ideale film voor anarchisten. Republikeinen zullen hem misschien niet begrijpen.

text_en:
"Pound" may be the funniest movie ever made. So far as I know, it's not available on DVD or tape. But if you get a chance to see it, by all means do so. The usual cast of brilliant Downey character actors deliver some of the edgiest lines ever to grace the screen. As with "Putney Swope", its only drawback is that the audience is laughing so hard it may be difficult to hear the dialog.

Antonia Fargas, in a track suit, stars as The Grayhound. As he reminisces about his Florida racing days, a winner of the Tampa Tropicana ("Brang home the bacon, I did."), we see two other "dogs" furiously masturbating in a corner. One says over his shoulder, "Excuse me...but I need to give myself a quick jerk." Downey's son, Robert Downey, Jr., appears in the movie at the age of three or four, as a puppy. The brilliant dialog, delivered by a brilliant cast, make this an ideal movie for anarchists. Republicans may not get it.


text: Gisteravond heb ik die film in de Barbican in Londen gezien, blijkbaar was hij in geen dertig jaar vertoond, langer dan ik leef! We werden in het begin gewaarschuwd dat het niet de gemakkelijkste film was om naar te kijken en met dat in mijn achterhoofd vond ik hem eigenlijk niet zo moeilijk om naar te kijken. Alle hoofdrolspelers waren heel verschillend en ik vind het echt een leuk idee om mensen de dieren te laten spelen. Het was nogal triest, maar op een bepaalde manier ook hartverwarmend. Ik vond Robert Downey jr. als puppy zo schattig!<br />Ik zou zeggen dat de film nogal bizar was en ik...' Ik weet niet zeker of ik er nog een tijdje naar zou kunnen kijken, maar voor iemand als ik, die geïnteresseerd is in de manier waarop de jaren zestig voorbij zijn gegaan, was het volgens mij een briljante blik op het eind van de jaren zestig. Er was één personage in het bijzonder, de oude dame die de hond met de schurft speelde, die ik briljant vond, verbazingwekkend in haar stijl en regie. Een film die je gezien zou moeten hebben.

text_en:
I saw this film last night at the Barbican in London, apparently it hadn't been shown for thirty years, longer than I've been alive! We were warned at the beginning that it wasn't the easiest film to watch and with that in mind, I actually found it not too difficult to watch. All the chartacters were very different and I really like the idea of having people play the animals. It was pretty sad but also heartwarming in a way. I loved Robert Downey jr as the puppy, so cute!!!

I would say that the film was pretty bizarre and I'm not sure if I could watch it again for a while but for someone like me who is interested in they ways of past decades, I think it was a brilliant peek into the late sixties. There was one particular character, the old lady who played the dog with the mange problem who I thought was brilliant, amazing styling and directing. A film that should be available to be shown.


text:
Ik heb nog nooit zo'n film gezien waarin mensen honden vertegenwoordigen die op het punt staan afgemaakt te worden en hun karakters. De film gaat steeds heen en weer tussen de acteurs en de dieren. De acteurs praten en je krijgt een gevoel voor de dieren.
Het is triest en toch grappig.

Het ene dier krijgt een baby en een ander probeert seks te hebben met een andere hond en de kijker gaat het begrijpen door te kijken naar de acteurs die deze honden vertegenwoordigen.
Eén hond staat op het punt afgemaakt te worden en je ziet hoe nerveus hij wordt.
Je krijgt een ander gevoel voor je huisdier als je deze film hebt gezien.

text_en:
I've never seen any movie like this where people represent dogs about to be put down and their characters. The movie keeps switching back and forth between the actors and the animals. The actors talk and you get a feeling for the animals.

It's sad and yet funny.

One animal starts to have a baby and another tries to have sex with another dog and the viewer gets to understand by watching the actors represent these dogs.

One dog is about to be put down and you see how nervous he gets.

One gets a different feeling for one's pet after watching this movie.


text:
Patrick O'Neal, regelmatig te zien op televisie, en Broadway-veteraan Kim Stanley zijn de hoofdpersonen in een verhaal over een onbeantwoorde liefde dat het typische 'Night Gallery'-stempel van macabere humor draagt. O'Neal speelt een egocentrische criticus met wie hij een appartementencomplex deelt en Stanley is een van zijn buren. Hoezeer ze ook haar best doet om zijn genegenheid te winnen, Stanley wordt herhaaldelijk afgewezen door de sardonische O'Neal. Zelfs als ze doet alsof ze van de trap is gevallen, kan ze van O'Neal alleen maar een sarcastische opmerking verwachten.
Het is eb als O'Neal een spin in zijn gootsteen ontdekt. Uit angst voor de kleine krengen spoelt hij hem door de gootsteen, maar later blijkt dat hij iets groter is. De spin wordt stukje bij beetje groter en O'Neal is gedwongen naar Stanley te gaan voor troost en, op de lange duur, voor redding.
Nu heeft zij de overhand, want HIJ is van haar afhankelijk en zij mag zijn woorden tegen hem gebruiken, ze herhaalt een paar van de zinnen die hij tegen haar heeft gezegd, alleen zitten er nu ironische wendingen in.
De finale is gepast passend en beide acteurs trekken alle registers van hun beroep open.
Briljant geacteerd, 'A Fear of Spins' is een klassieker in een serie die er niet zoveel had.

text_en:
Frequent television guest star Patrick O'Neal and Broadway veteran Kim Stanley are the central characters in a tale of unrequited love that has that typical "Night Gallery" stamp of macabre humor. O'Neal plays a self-centered critic that shares an apartment complex and Stanley is one of his neighbors. Try as she might to win his affections, Stanley is repeatedly spurned by the sardonic O'Neal. Even when she feigns a fall on the staircase, all she can get from O'Neal is a sarcastic comment.

The tide is turned when O'Neal discovers a spider in his kitchen sink. Fearing the little buggers, he washes it down the drain but later it appears but at a slightly larger size. Little by little the spider is growing and O'Neal is forced to go to Stanley for comfort and, in the long run, rescue.

Now, she has the upper hand for HE is dependent upon her and she gets to use his words against him, repeating some of the same lines that he gave her, only now there is an ironic twist in them.

The finale is appropriately fitting and both actors pull out all the stops of their profession.

Brilliantly acted, "A Fear of Spiders" is a classic in a series that didn't have that many.


text: Dit is een van mijn favoriete verhalen uit de Night Gallery. Het ziet er zo gewoon uit aan de oppervlakte <0xE2><0x80><0x93> een heldere, zonnige dag en een vader die een militaire academie bekijkt waar hij zijn eigenzinnige zoon naartoe zou kunnen sturen. Er is hier geen griezelige muziek of een personage dat het uitgilt van angst. Als je deze aflevering toevallig tegen zou komen terwijl je zat te zappen, zou je misschien denken dat het gewoon een saai, tweesterrengezinsdrama was. Maar als je ernaar zit te kijken, druppelt de verschrikking langzaam over je heen tot je erin verdrinkt, zonder te weten of je moet lachen of gillen.<br />Pat Boone speelt de hoofdrol en dat zorgt voor een interessante casting. Het is waarschijnlijk de ultieme Hollywood-goody-tweeling, en toch vraag je je bij deze vertoning af of de vader een goede vent is die een hartverscheurende beslissing moet nemen, of een slechte vent die gewoon een slechte overweegt. Heel verontrustend. Goede regie van de vaste Jeff Corey van de Night Gallery en een paar enge films van Lionel Lindon maken het er niet beter op. Het is jammer dat de meeste slimme (of in elk geval andere) benaderingen van de horror uit Hollywood, zoals 'The Academy', met Rod Serling zijn uitgestorven.

text_en:
This is one of my favorite stories from the Night Gallery. It looks so ordinary on the surface - a bright sunny day and a father is checking out a military academy he might send his wayward son to. There's no spooky music here or characters screaming in terror. In fact, if you were to stumble across this episode while channel surfing you might think it was just some boring two-star family drama. When you sit and watch it, however, the horror slowly drips down on you until you're drowning in it, not knowing if you should laugh or scream.

Pat Boone plays the lead and makes for interesting casting. He's probably the ultimate Hollywood goody two-shoes and yet here his performance leaves you wondering whether the father is a good-guy faced with a gut wrenching decision, or a bad-guy simply contemplating an evil one. Very disturbing. Good directing from Night Gallery regular Jeff Corey and some creepy cinematography from Lionel Lindon add to the chills. It's a pity that smart (or at least different) approaches to horror from Hollywood, such as "The Academy", seem to have mostly died off with Rod Serling.


text: 'Marmalade Wine' stelt ons voor aan een vermoeide wandelaar die in een stortbui terechtkomt en aan een vriendelijke plattelandsdokter die de jongeman onderdak biedt in de storm, maar die dan een werkelijk weerzinwekkende bijbedoeling heeft. De sets zijn echt tot op de draad versleten (ik weet niet zeker of dat de bedoeling was), maar de acteurs zijn goed. De dokter is heel eng en draagt echt bij aan de spanning. Het einde is een maagverkrampende openbaring, wat geweldig is. Als je jezelf in de jonge man verplaatst, voel je je bijna flauwvallen.<br />Als je de Twilight Zone-aflevering 'The Howling Man' hebt gezien, zul je een paar overeenkomsten zien. Een man die in beide verhalen een kwaadaardige geheime figuur heeft. Een grappige en schokkende episode.

text_en:
"Marmalade Wine" a two person teleplay introduces us to a weary hiker caught in a rainstorm and a friendly country doctor who offers the young man refuge in the storm, only to have a truly grisly ulterior motive. The sets are really threadbare, (Not sure if that was the intention or not) but the acting is good. The doctor is very creepy and really adds to the suspense here. The ending is a stomach churning revelation which is great. When you put yourself in theyoung man's shoes, you almost feel faint.

If you've seen the Twilight Zone episode entitled "The Howling Man" you'll see a few similarities. A man who with an evil secret figure in both stories. A fun and shocking episode.


text: In tegenstelling tot onze Amerikaanse neven krijgen wij hier in het Verenigd Koninkrijk geen herhalingen van Night Gallery te zien <0xE2><0x80><0x93> ik weet niet waarom, want er zijn genoeg herhalingen van The Twilight Zone, The Outer Limits en af en toe _Tales from the Darkside_, zij het via de satelliet, en niet op de hoofdkanalen. Uit mijn jeugd herinner ik me bepaalde afleveringen van _Gallery_, maar de snelle, 'vullers' die de series waren, waren soms bizar, maar welkom. Deze bijvoorbeeld, waarin een normaal'menselijk' stel, als je wilt, hun 'baby' of jonge zoon om een glas water hoort roepen. Ze maken ruzie over (voor zover ik me kan herinneren) wiens beurt het is om water voor hem te halen en zo. Dan denk ik dat het de vader is, die het glas aan 'Junior' geeft. Junior antwoordt als een dreumes: 'Dank je wel, pappie!' en dan zien we een baby-Frankenstein-monster het glas met zijn hand verbrijzelen! Geweldig spul van de makers! Breng het terug naar de vijver, alsjeblieft!

text_en: Unlike our American cousins, we here in the UK don't get to see re-runs of Night Gallery - never sure why, as there are plenty of re-runs on the Twilight Zone, The Outer Limits and occasionally Tales from the Darkside albeit on satellite, not the main channels. From my kindred youth, I remember certain episodes from 'Gallery', but the quick, 'fillers' the series put in were sometimes bizarre, but welcome. This one, where a normal 'human' couple if you like, hear their 'baby' or young son crying out for a glass of water. They argue over (From what I can recall)whose turn it is to get him the water etc. Then I think it IS the father, who hands the glass to 'Junior'. Junior replies in toddler fashion 'thank you dadddyyy!' - then we see a baby-ish Frankenstein monster crushing the glass with his hand! Great stuff from the makers! Bring it back over the pond, please!


text: Ik herinner me dit programma nog van toen ik een kind was. In die tijd herinnerde ik me alleen maar dat ik doodsbang was. <0xE2><0x80><0x93> Als volwassene ben ik meer onder de indruk van het geweldige verhaal en de gekunstelde invalshoek. Ik heb ooit arachnofobie gehad en daarom is deze episode me van kinds af aan bijgebleven. Maar zelfs toen ik het in die tijd zag, had ik al waardering voor de relatie tussen de mannelijke en vrouwelijke hoofdrol. En dat is eigenlijk de magie van Night Gallery <0xE2><0x80><0x93> je bang kunnen maken maar toch een goed verhaal hebben om het mee te doen. Het verhaal is niet beschikbaar toen de Night Gallery dichtging, maar laat je er niet zo door meeslepen dat het verhaal eronder lijdt (of niet bestaat). De hemel zij dank voor hulu.com. Misschien dat een of andere tv-directeur deze serie ooit in de toekomst weer tot leven zal wekken of in elk geval iets kan leren van het vakmanschap. Er gaat niets boven een goed verhaal.

text_en: I remember this show from when I was a child. At the time, all I remembered was being scared to death. :) As an adult, I'm more impressed with the great storytelling and artful direction. I once had arachnophobia and therefore this episode stuck out in my mind from childhood. But even when I saw it back then, I had an appreciation for the relationship dynamics between the female and male lead. And that's really the magic of Night Gallery - being able to scare you but still having a solid story to do it with. I wish that today's TV shows and movies would take a hint from Night Gallery. It's OK to have CGI (which wasn't available back when Night Gallery was done) but don't get so caught up in it that the story suffers (or is nonexistent). Thank goodness for hulu.com. Maybe some television executive will revive this series at some time in the future or at least learn from its craftsmanship. You can't beat a good story.


text: Ik vond deze film geweldig. Ik vond het prachtig hoe alles zich afspeelde in het begin van de jaren vijftig. De sfeer was heel sensueel, net als de jazz die de hele film lang werd gespeeld. De manier waarop Blue zich moet uitkleden en in een ander mens verandert, was heel dramatisch en toont echt de 'twee tinten blauw'. Ik vond het prachtig hoe Blue en de hoofdrolspeler verliefd op elkaar werden en ik vond het prachtig hoe Sully Blue probeerde te beschermen. Ik vond het niet leuk dat JJ Clark in het bordeel verscheen en Blue begon te gillen. Ze zag er echt stom uit. Dit is het enige deel van de film dat ik niet leuk vond. Ik weet niet waarom mensen denken dat het een slechte film is, ik ben de eigenaar en ik kijk er regelmatig naar.

text_en: I thought this movie was great. I loved how it all took place during the early 1950s. The atmosphere was down right sensuous, just like the Jazz being played throughout the whole movie. The way Blue is made to undress and is transformed into a different person was very dramatic and really shows the "two shades of blue". I really enjoyed how Blue and the lead guy fell in love and I liked how Sully tried to protect Blue. I didn't like the part where JJ Clark showed up at the brothel and Blue screamed, she looked really stupid. This is the only part of the movie I didn't like. I don't know why people think its a bad movie, I own it and watch it regularly.


text:
Zalman King is een acteur en scriptschrijver die in het midden van zijn carrière zijn capaciteiten heeft uitgebreid met zowel het produceren als het regisseren van films (de laatste tijd heeft hij ook met veel succes de cinematografie beproefd, om iets te voltooien dat tegenwoordig een zeldzaamheid is geworden). In 1986 trok de sterk erotische film '91<0xE2><0x81><0x84>2 weken', waarvoor hij zowel de co-schrijver als de producent was, veel aandacht en gaf hem de kans een reputatie op te bouwen als de bekendste Noordamerikaanse producent/regisseur van erotische films. Hij nam deze uitdaging aan door mee te schrijven en te regisseren aan een andere zeer succesvolle film, 'Two Moon Junction', die twee jaar later werd uitgebracht. Nog een jaar later en de eerste 'Wild Orchid' Twee jaar later kwam _Wild Orchid 2 <0xE2><0x80><0x93> Two Shades of Blue_ uit, dat in 1989 werd uitgebracht. Dit was een ander origineel filmscript van Zalman King, en de naam was niet ontleend aan een eerder literair of dramatisch werk, maar was duidelijk bedoeld om de reputatie die _WO-1_ had verworven uit te buiten <0xE2><0x80><0x93> ongetwijfeld was de ondertitel ook met hetzelfde doel gekozen. Het heeft slechts een betrekkelijk laag waarderingscijfer van IMDb-gebruikers, maar wat mij betreft is het een prachtig werk dat, ondanks enkele gebreken, het dichtst in de buurt komt van een echte erotische film waarmee Zalman King tot dusverre te maken heeft gehad.
Jammer genoeg zijn de meeste van zijn recentere werken meer gericht op televisie-uitzendingen dan op de bioscoop en leveren ze niet veel concurrentie. Zijn bedrijf heeft twee verschillende series korte films voor de televisie gemaakt, die allebei onafhankelijke afleveringen bevatten, gebaseerd op een langere speelfilm, die een meer gedetailleerde achtergrond bieden voor de complete serie. De bekendste hiervan is waarschijnlijk de serie Rode Schoenen-Dagboeken. Het begon met een film uit 1992 met dezelfde naam, die de betekenis van zowel de rode schoenen als de dagboeken verklaarde. Dit heeft geleid tot een serie van ongeveer vijftig korte tv-afleveringen die sindsdien zijn doorgegaan. De zeer gelijksoortige Chromium Blue-serie bevatte fantasieën over het bezoek van het privé-cruiseschip van een miljardair aan verschillende exotische mediterrane vakantieoorden, en had waarschijnlijk een hoger budget. Voor mij werden de meeste afleveringen van beide series gedeeltelijk bedorven door het gebruik van cinematografische technieken die gewoonlijk meer geassocieerd worden met muziekvideo's dan met de bioscoop; bovendien maken hun korte looptijd en de korte duur het moeilijk om een betekenisvolle boodschap over te brengen. In tegenstelling tot deze latere korte producties, slaagt Wilde Orchid 2 erin de kijker te betrekken in een verhaal dat zo verontrustend is, dat het een echte emotionele impact heeft. De film kan het best omschreven worden als een filmequivalent van de paperbackromans die de meeste aantrekkingskracht hebben op het schone geslacht, maar waar mannen vaak ook van genieten, en wanneer ze uitgezonden worden, vormen ze een ideaal amusement voor een stel. Voor mij blijft Wilde Orchid 2 veruit het beste van de vele werken waarmee Zalman King in verband is gebracht. Hoewel het verhaal nogal vergezocht is, heeft de film een uitstekende cast en is het acteerwerk uitstekend, zodat de meeste kijkers er waarschijnlijk van zullen genieten. (Sommige IMDb-gebruikers hebben kritiek geuit op de rol van de ster Nina Siemaszko, maar deze vertoning heeft de basis gelegd voor haar zeer productieve acteercarrière, die zowel televisieproducties als belangrijke speelfilms heeft bestreken <0xE2><0x80><0x93> zoals gezegd). De film eindigt nogal lang en is ook wat zwak, wat vooral opvalt door het sterke vlees dat eraan voorafging, maar Zalman King verdient de eer dat hij ervoor heeft gezorgd dat hij niet lang van tevoren zo opvallend duidelijk werd gemaakt. Als ik ernaar keek, wenste ik soms dat hij de filmopleiding had gehad die Russ Meyer in het Amerikaanse leger had genoten. De moderne filmcamera is een technologisch wonder, in staat om zelfs de meest ingewikkelde scènes duidelijk te laten zien. Te veel regisseurs gebruiken tegenwoordig te korte scènes, gehinderd door een te groot of te klein contrast, als ze een sfeer of stemming proberen te creëren, waarbij ze het feit negeren dat die stemming onherstelbaar verloren kan gaan als het publiek zich eenmaal begint af te vragen wat ze hebben gemist in de verloren delen van het beeld op het scherm. Ondanks deze kritieken is Wild Orchid 2 een mooie film, die met succes het trauma vastlegde van een jong meisje dat met tegenzin maar onherstelbaar wordt meegesleept in een leven van prostitutie, terwijl ze tegelijkertijd de moed mist om zich los te maken en de wereld in haar eentje onder ogen te zien. De kijkers krijgen veel meer 'vlees'. dan welke andere recente films van King ook (behalve misschien zijn eigen optreden in St. Francis <0xE2><0x80><0x93> ook een opmerkelijke film, maar eerder een serieuze studie van de drugscultuur dan een erotisch werk.)
<0x3E><0x3E> Ik vind dat WO-2 een veel hogere beoordeling verdient dan de IMDb-gebruikers op dit moment krijgen, deze beoordeling lijkt het slachtoffer te zijn geworden van wat een dubbele standaard lijkt te zijn geworden, het verbeteren van extreem gewelddadige films (zelfs die waarin martelscènes worden getoond) omdat ze de vrijheid van de film tonen om aspecten van de samenleving te onthullen die normaal onder het tapijt worden gehouden; maar het verlagen van intense seksuele situaties omdat ze jonge mensen onnodig zouden kunnen beïnvloeden.

text_en:
Zalman King is an actor and scriptwriter who expanded his capabilities in mid career to include both producing & directing (more recently he has also very successfully tried his hand at cinematography, to complete what today has become a rare fivefold). In 1986 the success of the strongly erotic film '9 1/2 weeks', for which he was both a co-writer and the producer, drew a great deal of attention and gave him a chance to build a reputation as the best known North American Producer/Director of erotic films. He accepted this challenge by co-writing and directing another very successful film 'Two Moon Junction', released two years later. Another year on and the first 'Wild Orchid' film with a script attributed totally to ZK was released. Its claim to be a true erotic film became widely accepted - largely on the strength of its last very intense love making scene between Carre Otis and Mickey Rourke. (They were married soon afterwards, and background publicity fostering an unlikely rumour that this scene was not simulated probably helped this) Two years later came 'Wild Orchid 2 - Two Shades of Blue', released in 1989. This featured another original film-script written by Zalman King, and its name was not derived from any previous literary or dramatic work, but was clearly intended to exploit the reputation which WO-1 had earned - no doubt its sub-title was also selected with the same objective. It has only achieved a relatively low approval rating from IMDb users, however as far as I am concerned it is a fine work that, despite some flaws, is the nearest approach to a true erotic film with which Zalman King has so far been associated.

Unfortunately most of his more recent works have been directed more towards television presentation than to the cinema and do not provide a lot of competition. His company has created two different sets of short films for television both comprising independent episodes based on a longer feature film that provides a more detailed background for the complete series. The best known of these is probably the Red Shoes Diaries series. It started with a 1992 feature film of the same name which explained the significance of both the red shoes and the diaries. This has spawned an ongoing series of about fifty short TV episodes that have been continuing ever since. The very similar Chromium Blue series featured fantasies associated with the visit of a billionaire's private cruise ship to various exotic Mediterranean resorts, and probably had a higher unit budget. For me, most episodes from both these series were partly spoiled by the use of cinematographic techniques that are usually regarded as associated more with music videos than with the cinema; in addition their short running times makes it difficult for them to convey any meaningful message.

Unlike these later short productions, Wild Orchid 2 succeeds in involving the viewer in a story that is sufficiently disturbing to provide genuine emotional impact. The film is best described as a movie equivalent of the 'bodice ripper' paperback romances which appeal most strongly to the fair sex but men often also enjoy, and when televised they provide ideal entertainment for a couple. For me Wild Orchid 2 remains far the best of the many works with which Zalman King has been associated. Although the story is rather far fetched the film has an excellent cast and is very well acted, so most of its viewers probably enjoy it. (Some IMDb users have criticised the acting of its star, Nina Siemaszko, but this performance successfully established the foundations for her very productive acting career which has covered numerous TV productions as well as significant feature films - so enough said). The films ending is rather prolonged and is also somewhat weak, this is particularly noticeable because of the strong meat which preceded it, but Zalman King does deserve credit for ensuring that it was not made glaringly obvious long in advance. Watching it, I wished at times that he had had the training as a cinematographer which Russ Meyer received in the U.S. army. The modern cine camera is a technological marvel, capable of providing clear easily viewed images of even the most complex scenes. Unduly short sequences handicapped by excessive or inadequate contrast are used today by too many directors when attempting to create atmosphere or mood; ignoring the fact that this mood can be irretrievably lost once the audience starts wondering what they missed in the lost parts of the screen image. Despite these criticisms, Wild Orchid 2 is a fine film which successfully captured the trauma faced by a young girl being reluctantly but irretrievably drawn into a life of prostitution, whilst lacking the courage to break away and face the world on her own. It provides viewers with much more 'meat' than any of King's other recent films (except perhaps for his own performance in St Francis - another noteworthy film, but a serious study of the drug culture rather than an erotic work.)

I believe WO-2 deserves a far higher rating than it has currently been given by IMDb users, this rating seems to be the victim of what appears to have become a double standard, the upgrading of any excessively violent films (even those showing scenes of torture) because they display the freedom of film to uncover aspects of society which are normally kept under the carpet; but the downgrading of any showing intense sexual situations because they might unduly influence young people.


text:
Het verhaal gaat over een mooi jong meisje, Blauw (Nina Siemaszko), dat de seksuele volwassenheid nadert. Om een gelukkig en bevredigend leven te kunnen leiden, moet ze voorkomen dat ze wordt gecorrumpeerd en geknecht door seksuele begeerte en lust, en uiteindelijk de ware liefde vindt. Maar dat is niet gemakkelijk in de koude, wrede wereld waarin ze zich plotseling vrijwel alleen en weerloos voelt. Ze wordt het onwillige slachtoffer van machtsbeluste individuen die haar als prostituee willen uitbuiten. Met hulp van meer meelevende en begripvolle mensen worstelt Blauw om haar waardigheid en moed te bewaren in haar wanhopige verlangen om vrij te zijn.
Hoewel het waar is dat de film weinig te maken heeft met zijn voorganger 'Wilde Orchidee' De voornaamste tekortkoming van de film lijkt te zijn dat hij een beetje te clichématig is en soms moeilijk te geloven. Deze tekortkoming is echter in bijna elk boek of elke film te vermijden. Het moet Zalman King nagegeven worden dat de uiteindelijke uitkomst en het essentiële thema van het begin af aan niet helemaal duidelijk zijn. De exotische omgeving in het verleden draagt ook bij aan het gevoel dat de film nieuw is.
Hoewel de film talloze seksueel expliciete scènes heeft, die sommige mensen misschien beledigend zullen vinden, vertoont hij veel minder voyeurisme en losbandige seksuele gemeenschap zoals die kenmerkend zijn voor zogenaamde'softporno'-films. De natuurlijke schoonheid van Wilde Orchid 2 is een verfrissende afwisseling met de irritante plastic tietensnoepjes die de voornaamste attractie van het voornoemde genre vormen. Bovendien is Wilde Orchid 2 een veel boeiender menselijk drama dan verhalen over mannen van buiten de ruimte die willen leren wat liefde is, maar die alleen belangstelling lijken te hebben voor seks. Een score van 2,8 doet deze film nauwelijks recht. Ikzelf was erg onder de indruk van de film en vind hem de moeite waard voor mensen die op zoek zijn naar tragischer en melancholiekere boventonen dan je in een doorsnee romance aantreft.
Nina Siemaszko schildert een jonge'maagd' af, die eenzaam, onschuldig en kwetsbaar is, maar een sterke wil heeft en onafhankelijk is, met hogere morele waarden. Ze gedroeg zich goed genoeg om mijn sympathie te wekken, en ik merkte dat ik de hele film lang voor haar koos. Door Blue's moeilijke ervaringen leren we dat we om de ware liefde te vinden stoutmoedig en vastberaden moeten zijn, dat we zelfopoffering en mededogen moeten tonen, en bovenal moeten we verder kijken dan uiterlijke schijn en misvattingen, en de innerlijke schoonheid zoeken die in onszelf en anderen besloten ligt.

text_en:
The story is about a beautiful young girl, Blue (Nina Siemaszko), who is approaching sexual maturity. In order to achieve a happy and fulfilling life she must avoid being corrupted and enslaved by sexual desire and lust, and ultimately find true love. But this is no easy matter in the cold, cruel world in which she suddenly finds herself virtually alone and defenseless. She becomes the unwilling victim of power hungry individuals who seek to exploit her as a prostitute. With help from more compassionate and understanding people, Blue struggles to maintain dignity and courage in her desperate commitment to be free.

While its true that the film has little connection with its predecessor "Wild Orchid", its main flaw seems to be that its just a little too cliché and at times hard to believe. This shortcoming is difficult to avoid, however, in most any book or film. To Zalman King's credit, the final outcome and the essential theme are not completely obvious from the very beginning. The exotic setting in the past also helps give the film a sense of novelty.

While the movie does have numerous sexually explicit scenes, which may offend some people, it exhibits far less voyeurism and wanton sexual intercourse that are typical of so called "soft-porn" movies. Whereas, I found Nina Siemaszko's natural beauty to be a refreshing change from the irritating plastic-boob floozies that are the main attraction of the aforementioned genre. Moreover, Wild Orchid 2 is a far more compelling human drama than stories about men from out of space who want to learn what love is, but seem to only be interested in sex. A rating of 2.8 hardly does this film any justice. I myself was quite found of the movie, and consider it worth viewing by those seek more tragic and melancholy overtones than what you may find in a typical romance.

Nina Siemaszko portrays of young "virgin", who is lonely, innocent and vulnerable, yet strong willed and independent, with higher moral values. She acted well enough to earn my sympathy, and I found myself routing for her throughout the film. Through Blue's trying experiences, we learn that in order to find true love we must be bold and determined, we must exhibit self-sacrifice and compassion, and, above all, we must look beyond outward appearances and fallacies, and seek the inner beauty that lies within ourselves and others we meet.


text:
Het viel me op dat de algehele IMDb-beoordeling voor deze film een 3,2 was. Dat lijkt een beetje oneerlijk. Het verhaal is goed, niet geweldig, en kan soms een beetje voorspelbaar zijn. Maar de acteerprestaties zijn heel goed, met een zeer sympathieke rol van Tom Skerritt. Robert Davi heeft een warme kant, in sterk contrast met de 'zware' rol die hij in een James Bond-film speelde. Wendy Hughes had niet kouder en berekenender kunnen zijn, in sterk contrast met het warme en liefhebbende personage dat ze speelde tegenover Peter Falk in 'Gelukkig Nieuwjaar' of het speelse personage dat ze speelde tegenover Pierce Brosnan in 'De overval'. Ten slotte heeft Zalman King als filmmaker geprobeerd het volwassen genre tot een kunstvorm te verheffen. Zo niet bekend, probeer dan zijn meest succesvolle serie te zien: 'Rode Schoenen Dagboeken'. Soms kun je een aflevering zien in Late Showtime.
Je zou kunnen zeggen dat niet elke film bedoeld is als 'Gejaagd door de wind' of 'Burger Kane'. Er is niets mis met een western waarin de revolverhelden nooit zonder kogels lijken te zitten. En hoewel 'The Fast and the Furious' misschien nooit in de top 250 van IMDb komt, was het voor de producenten goed genoeg om twee vervolgfilms te maken.
Het draait allemaal om entertainment en omdat de wereldbevolking zo divers is, houden we allemaal van verschillende soorten films. Je zou kunnen raden dat sommige kijkers die beledigd zijn door naaktheid 'afgepoeierd' zijn. De IMDb, die ook verantwoordelijk zou kunnen zijn voor de lage 3,2-score, is echter de moeite waard.
Ten slotte is Nina Siemaszko in deze film uitmuntend. Ze brengt haar kwetsbaarheid, frustratie, teleurstelling enzovoort over. Haar prestatie moet goed zijn geweest, want andere producers merkten het op en ze had een mooie bijrol in 'The American President' en een terugkerende rol in 3 of 4 jaar in 'The West Wing'. Persoonlijk zou ik iedereen willen aanraden de IMDb te respecteren en de moeite te nemen om dit forum te organiseren. Laten we eerlijk commentaar geven op alle films die we bekijken. Misschien hebben we zelfs invloed op de carrières van sommige mensen uit de filmindustrie.

text_en:
I noticed that the overall IMDb rating for this film was a lowly 3.2. This seems a bit unfair. The story is good, not great, and may at times be bit predictable. But the acting is quite good with a very sympathetic performance by Tom Skerritt. Robert Davi shows a warm side in much contrast to the "heavy" he played in a James Bond Film. Wendy Hughes couldn't have been more cold and calculating in much contrast to the warm and loving character she played opposite Peter Falk in "Happy New Year" or the playful character she played opposite Pierce Brosnan in "The Heist." Lastly, Zalman King as a filmmaker has tried to elevate the adult genre to an art form. If not familiar, try to see his most successful series: "Red Shoes Diaries." Sometimes you can catch an episode on late night Showtime.

It might be said that not every film is meant to be "Gone With the Wind" or "Citizen Kane." There's nothing wrong about a shoot-em-up western where the gunfighters never seem to run out of bullets. And although "The Fast and the Furious" may never make IMDb's top 250 list, it was a good enough film for the producers to make two sequels.

It's all about entertainment and since the world's population is so diverse, we all like different types of movies. One could guess that some viewers who are offended by nudity may have been "turned off" by this film, which also may account for the low 3.2 rating. But the film is worth a watch.

Finally, Nina Siemaszko is excellent in this film. She brings across her vulnerability, frustration, disappointment, etc. Her performance must have been good, because other producers noticed and she had a nice supporting role in "The American President" and a recurring role for 3 or 4 years on "The West Wing." On a personal note, I would urge all of us to respect the IMDb and the lengths they go to provide this forum. Let's give fair comments to all films we view. We may actually affect the careers of some of the industry people.


text:
De eerste film verwierf bekendheid omdat het om echte seksscènes zou gaan, maar verder was het een saaie tijdverspilling.
<0x3E> het vervolg (dat behalve de naam niets met de eerste film te maken heeft) biedt meer van hetzelfde. Het is iets verbeterd in die zin dat het een plot heeft en de expliciete seksscènes beter in de film zijn verwerkt.
<0x3E> de acteerprestaties zijn gemiddeld, met als enige voordeel de aanwezigheid van de buitengewoon knappe en sexy Nina Siemaszko in de rol van 'Blue'. haar optreden is goed en de seksscènes waarin zij voorkomt zijn de beste van de film.
<0x3E><0x3E> voor de fans van schrijver/producent/regisseur Zalmand King en saaie seksfilms.
<0x3E><0x3E>
rating:3.

text_en:
While the first film gained notariety due to it's allegedly real sex scenes, it otherwise was a boring waste of time.

the sequel (which has nothing to do with the first film other than the name) offers more of the same. it's slightly improved in that it actually has a plot and the explicit sex scenes are better integrated into the movie.

the acting is average with the only benefit being the presence of the extremely pretty and sexy Nina Siemaszko as 'Blue'. her performance is well done and the sex scenes featuring her are the better ones in the film.

overall, strictly for fans of writer/producer/director Zalmand King and boring sex flicks.

rating:3


text:
'Rien mer faire' is om één belangrijke reden een plezierige film om naar te kijken. Marion Vernoux, de regisseur, had een intuïtieve keus gemaakt voor de hoofdrol van Valeria Bruni-Tedeschi. Het is een waar genoegen om haar op het scherm te zien acteren en haar grote talent, haar zachte stem is ruimschoots voldoende om de visie van deze film te rechtvaardigen. Het is des te nuttiger omdat ze kundig wordt bijgestaan door haar tegenspeler Patrick Dell'Isola.
Marion Vernoux heeft de woonomstandigheden van haar twee hoofdacteurs goed weergegeven. Het contrast vormt een van haar beste wapens tussen de naïeve en de onnozele Marie en Pierre, die een heldere en intelligente man lijkt. Dit contrast wordt benadrukt wanneer de regisseur verschil en misverstanden oproept over verschillende punten die door de twee personages zijn opgemerkt. Nog een interessant detail: de supermarkt speelt de rol van ontmoeting tussen de twee universums.
Vervolgens bouwde de auteur haar film rond een van de grootste plagen aan het eind van de twintigste eeuw: de werkloosheid. Je zou dus kunnen verwachten dat je een sombere, hopeloze sfeer aantreft. Dat is niet het geval. De relatieve ernst van de situatie blijft op de achtergrond. De film brengt een zekere vreugde in het leven. Marie en Pierre hebben geen baan, maar tijdens hun zoektocht naar een baan nemen ze de tijd om zichzelf te leren kennen, om elkaar te helpen en uiteindelijk verliefd te worden. Marion Vernoux laat ons de redenen bedenken waarom ze minnaars worden. Je hebt het gevoel dat Marie het niet zo best kan vinden met haar man (Sergi Lopez). Wat Pierre betreft, hij wordt verliefd op Marie, voornamelijk omdat hij er niet in slaagt weer een baan te vinden.
Maar dit werk kent ook een paar gebreken. Bepaalde scènes kunnen als conventioneel worden beoordeeld (zoals die waarin Pierre aan Marie uitlegt waarom hij een eind aan hun verhouding wil maken) en ik denk dat een extra scheut hartstocht de film meer kracht zou hebben gegeven. Maar goed, ik herhaal het nog maar eens: deze film is de moeite waard om speciaal voor Valeria Bruni-Tedeschi te bekijken en gezien de manier waarop Marion Vernoux haar onderwerp heeft behandeld, kan haar werk worden aangezien voor een nicht van de film: 'en avoir ou pas...' (1995) door Laetitia Masson.

text_en:
"Rien à faire" is a watchable and enjoyable flick for one main reason. Marion Vernoux, the director had intuition by choosing Valeria Bruni-Tedeschi for the main role. It is a real joy to see fer acting on the screen and her big talent, her soft voice are widely sufficient to justify the vision of this film. It is all the more beneficial as she's ably assisted by her main partner Patrick Dell'Isola.

Marion Vernoux put very well in parallel her two main actors' living conditions. The contrast constitutes one of her best weapons between the naive and the simple-minded Marie and Pierre who appears as a lucid and clever man. This contrast is highlighted when the director evokes difference and misunderstanding about several points commented by the two characters. Another interesting detail: the supermarket plays the role of meeting between the two universes.

Then, the author built her movie around one of the biggest plagues at the end of the twentieth century: unemployment. So, you could expect to discover a bleak and hopeless atmosphere. It is not the case. The relative seriousness of the situation remains confined in the background. A certain joy of living comes out of the film. Marie and Pierre are jobless but while searching for a job, they take time to know themselves, to help each other and eventually to fall in love. Marion Vernoux lets us suggest the reasons why they become lovers. You feel that Marie gets on rather badly with her husband (Sergi Lopez). As for Pierre, he falls in love with Marie, mainly because he doesn't succeed in finding a job again.

However, this work isn't without a few faults. Certain sequences can be judged as conventional (like the one when Pierre explains to Marie why he wants to put an end to their love affair) and I think an extra touch of passion would have given the movie more strength.

Anyway, I repeat it: this movie is worth watching especially for Valeria Bruni-Tedeschi and given the treatment Marion Vernoux made of her subject, her work can be taken for a cousin of the movie: "en avoir ou pas..." (1995) by Laetitia Masson.


text: Wat een heerlijk filmpje. Wat ik echt leuk vond, was de minimalistische camera, die voornamelijk gebaseerd was op close-ups en close-ups. De manier waarop de camera de gezichten van de personages vastlegt en tussen hen in zweeft, heeft een geweldig inzicht. Ook gaat de eer naar de geweldige acteurs, vooral naar het meisje. Zij steelt de show met haar expressieve stijl. Je kunt alle hoop zien dat iemand van je houdt, alle pijn, alle angst om alleen te zijn... Misschien was de film 3 minuten te lang, maar dat is volkomen vergeeflijk. RIEN A FAIRE is zeker een film om te ontdekken.

text_en: What a delightful little movie. What i really enjoyed is the minimalistic camera work, which was heavily based on close ups and long shots. The way the camera lingers on the characters' faces and floats between them has great insight. Also credit goes to the amazing actors, especially the girl. She steals the show with her expressive style. You can see all the hope of being loved by someone, all the agony , all the fear of being alone... Maybe the movie was 3 minutes too long but that's totally forgivable. RIEN A FAIRE is certainly a movie to discover.


text: De plot is niet in het minst origineel. Het is het verhaal van een eenzame vrouw die een saai leven leidt en die een man ontmoet die zich ook verveelt, ze zijn allebei werkloos en dat lijkt het enige te zijn wat ze gemeen hebben. Ze hebben een verhouding en uiteindelijk verlaat hij haar. En dat is alles. Ik heb dit soort verhalen te vaak gezien. En het duurt bijna twee uur...

text_en: The plot is not original in the least. It's the story of a lonely woman who lives a boring life and who meets a man who is bored too, they are both unemployed and it seems to be the only thing they have in common. They have an affair, and finally he leaves her. And that's all. I have seen this kind of stories too many times. And it lasts almost 2 hours...


text: Hoewel de slogan van Attack the Gas Station (1999) luidt: 'Net wanneer je wilt lachen, komen ze eraan', had het net zo goed kunnen zijn dat een paar losse handen de speeltjes van de duivel zijn. In ATGS, de derde en meest succesvolle film van de Koreaanse regisseur Sang-Jin Kim, vallen vier jonge Koreaanse punks <0xE2><0x80><0x93> tja, ze vallen natuurlijk een benzinestation aan (twee keer, twee keer bij hetzelfde benzinestation) <0xE2><0x80><0x93> omdat ze zich vervelen. Als ze beseffen dat het voor een avondje runnen van het benzinestation misschien meer oplevert dan het gewoon maar beroven, gijzelen ze uiteindelijk niet alleen de meeste klanten, maar ook de manager en het personeel. Oppervlakkig gezien is ATGS een zwarte komedie met een geweldige cast, maar uiteindelijk is het ook een prachtig onderzoek naar groepsdynamiek. De groep wordt aangevoerd door Sung-jae Lee, die No Mark speelt. Hij is de conservatiefste van de vier, met kort, militair haar en betrekkelijk normale kleren. Hij is ook een van de gemakkelijkste mensen om voor deze film te kiezen, want hij domineert het hele scherm als hij in de film zit, en het is zelfs zo geloofwaardig dat hij twee gewapende politieagenten in hun patrouillewagen intimideert terwijl hij hen met een brommer achtervolgt. Oh-seong Yu speelt Bulldozer, die de leiding heeft over de gijzelaars en rondparadeert om mensen met een hockeystick te bedreigen. Hij wordt minder vaak vertoond dan de andere drie, omdat hij met zijn gevangenen in een achterkamer zit, maar hij is altijd indrukwekkend als hij wordt getoond terwijl hij de steeds groter wordende menigte in bedwang houdt. Seong-jin Kang, die Ddan Dda-ra speelt (een mislukte muzikant) en Ji-tae Yu, die Paint speelt (een mislukte schilder die graag naakten maakt, ze dan met verf overdekt en roept: 'Ik ben een genie!'), zijn leuk om naar te kijken en wat punkerachtiger, maar ze worden overschaduwd door zowel No Mark als Bulldozer. Ondanks dat geven ze alle vier uitstekende voorstellingen en zijn ze voortdurend vermakelijk om naar te kijken. Als ze steeds meer gijzelaars nemen, wordt ATGS pas echt interessant. Het lijkt gewoon onmogelijk dat één man, Bulldozer, zelfs gewapend met een grote knuppel een groep van twintig gijzelaars in bedwang kan houden. Ze vragen hem er zelfs naar. 'Wat zou je doen als je door een groep werd aangevallen?' waarop hij antwoordt <0xE2><0x80><0x93> 'dat is een benadering' <0xE2><0x80><0x93> 'ik zou er één uitkiezen. Ik zou alle anderen negeren en die ene gewoon in elkaar slaan, wat er ook gebeurt. Dat is mij een keer overkomen. Vier kerels hebben me aangevallen. Ik heb er een naar het ziekenhuis gestuurd. Ik? Een paar blauwe plekken.' Terwijl hij zijn verhaal vertelt, deinzen de gijzelaars voor hem terug. Maar de gijzelaars worden niet alleen door intimidatie in bedwang gehouden. Bulldozer straft ze door ze handstandjes te laten doen. Ddan Dda-ra laat vier rivaliserende bendeleden zingen terwijl hij en zijn vrienden eten. _No Mark_ dwingt de manager een kapotte telefoon te repareren, maar blijft hem kapotslaan nadat hij hem gerepareerd heeft (waarna hij _'Fix it!'_ schreeuwt). En natuurlijk krijgen ze de gijzelaars zover dat ze elkaar in de hand krijgen. Ze moedigen de werknemers aan de manager te intimideren. Bulldozer veroorzaakt een vechtpartij tussen een van de werknemers, een zwaargebouwde jongen van de middelbare school, en een bendelid dat hem heeft gepest. Nadat het joch de gangster met gemak in elkaar heeft geslagen, maakt Bulldozer hem tot zijn tweede man, en laat hem zelfs de leiding over de gijzelaars op zich nemen terwijl Bulldozer gaat eten met _No Mark_, _Ddan Dda-ra_ en _Paint_. Het is deze groepsdynamiek die misschien wel het fascinerendste aspect van ATGS is, als we kijken naar No-Mark en zijn bende die situaties dicteren die aanvankelijk volkomen uit de hand lijken te lopen. Persoonlijk ben ik heel blij dat er bijna helemaal geen vuurwapens zijn in ATGS (alleen de politie heeft ze). De film laat er geen twijfel over bestaan dat de bende een stelletje tuig is. Hij laat zien hoe ze groepen in elkaar slaan die twee keer zo groot zijn als zij. Zoals gezegd is No-Mark in staat om twee gewapende politieagenten opzij te duwen. Maar het is een tuig dat uitsluitend gebaseerd is op zijn eigen kunnen. Ze duwen mensen opzij omdat ze dat kunnen, niet omdat een of ander wapen ze die macht geeft. Als No-Mark en de anderen wapens hadden gebruikt, zou het wapen de gijzelaars in bedwang hebben gehouden, niet hen. Het gebruik van wapens zou ATGS veel ernstiger en verontrustender hebben gemaakt, terwijl het voornamelijk satirisch en betrekkelijk luchthartig is. Door de afwezigheid van wapens zijn we net als No-Mark, Bulldozer, Paint en Ddan-Dda-ra misdadigers, maar geen schurken. Ja, ze beroven een benzinestation (twee keer) en slaan een stel mensen in elkaar, maar hun dreigementen eindigen meestal met een milde afranseling. Met een wapen is het enige alternatief om iemand op een verschrikkelijke maar niet-dodelijke manier neer te schieten, hem te doden. Zonder die altijd aanwezige doodsdreiging kan _Aanval op het gasstation_ een lachertje worden als deze vier jongemannen wegkomen met (metaforisch gesproken) moord.

text_en: Although the tagline of Attack The Gas Station (1999) is `Just when you wanted to laugh, here they come,' it might as well have been `Idle hands are the devil's playthings.' In ATGS, the third and most successful film from Korean director Sang-Jin Kim, four young Korean punks, well, attack a gas station obviously (twice, the same station both times), because they are bored. As they realize running the station for an evening might be more profitable than simply robbing it, they end up taking hostage the manager and employees as well as most of the customers. On the surface, ATGS is a black comedy with a great cast, but in the end is also a wonderful examination of group dynamics. The group is lead by Sung-jae Lee, who plays No Mark. He is the most conservative looking of the four, with short, military style hair, and relatively normal clothing. He is also one of the easiest ways to recommend this movie, as he totally dominates the screen whenever he is in it, to the point where it is completely believable that he intimidates two armed police officers in their squad car as he chases them down with a moped. Oh-seong Yu plays Bulldozer, who is in charge of the hostages and swaggers around menacing people with a hockey stick. He gets less screen-time than the other three, stuck as he is in a back room with his prisoners, but is always impressive as he is shown controlling the ever growing crowd. Seong-jin Kang, who plays Ddan Dda-ra (a failed musician) and Ji-tae Yu, who plays Paint (a failed painter who likes to create nudes, then throw paint across them and shout `I'm a genius!'), are fun to watch and are more punkish, but are overshadowed by both No Mark and Bulldozer. Even considering that, all four give outstanding performances and are consistently entertaining to watch. It is as they take more and more hostages that ATGS becomes really interesting. It just seems impossible that one man, Bulldozer, even armed with a big club, can control a group of twenty plus hostages. They even ask him about this. `What would you do if a group attacked you?' to which he replies [this is an approximation] `I would pick just one. I would ignore all of the others and just beat up that one guy, no matter what. It's happened to me once. Four guys attacked me. I sent one to the hospital. Me? A couple of bruises.' As he relates his story, the hostages shrink away from him. But the hostages are not controlled simply through intimidation. Bulldozer punishes them by making them do handstands. Ddan Dda-ra makes four rival gang members sing as he and his friends eat. No Mark forces the manager to fix a broken phone, but keeps smashing it after it's been fixed (after which he yells `Fix it!'). And of course, they get the hostages to control each other. They encourage the employees to browbeat the manager. Bulldozer instigates a fight between one of the employees, a heavyset high-school kid, and a gang member who's been bullying him. After the kid easily beats up the gangster, Bulldozer makes him his number two man, even leaving him in charge of the hostages as Bulldozer goes to eat with No Mark, Ddan Dda-ra and Paint. It is these group dynamics that are perhaps the most fascinating aspect of ATGS, as we watch No Mark and his gang utterly dictates situations that seem at first totally out of control. On a personal note, I'm very glad guns are almost totally non-existent in ATGS (only the cops have them). The movie leaves no doubt whatsoever that the gang are bad-asses. It shows them beating up groups twice their size. As mentioned, No Mark is able to push around two armed police officers. But it's a bad-assness based entirely on their personal abilities. They push people around because they can, not because some gun gives them that power. If No Mark and the others had used guns, it would have been the gun that was controlling the hostages, not them. Using guns would have made ATGS much more serious and disturbing, when it is mostly satirical and relatively light-hearted. The absence of guns lets us like No Mark, Bulldozer, Paint and Ddan Dda-ra, who are criminals, but not villains. Yes, they rob a gas station (twice) and beat up a bunch of people, but their threats mostly end with a mild pummeling. With a gun, the only alternative from shooting someone in a horrible but non-lethal manner is to kill them. Without that ever present threat of death, Attack the Gas Station can provoke a chuckle as these four young men get away with (metaphorically speaking) murder.


text:
Het is al een tijdje geleden dat ik een opmerking over IMDb heb gemaakt, het enige excuus dat ik daarvoor heb, is dat geen enkele film me de afgelopen twee jaar heeft geraakt, of zelfs maar de behoefte heeft gewekt om er iets over te zeggen.
Nou, ik ben er weer mee bezig en mag ik wel zeggen dat het een opbeurende terugkeer is. 'Attack the Gas Station' van Kim Sang-Jin was beter dan ik had verwacht voor een gooi naar een kaskraker. Deze film neemt je van het begin tot het eind mee, in het begin mag je deze hoofdpersoon niet echt, maar tegen het eind wil je je bij hun bende aansluiten. De film draait om 4 kerels die allemaal om de een of andere reden een wrok tegen de maatschappij zijn gaan koesteren, en op een avond besluiten ze het af te reageren op een benzinestation en de afgunst rond dat benzinestation.
Deze film is geweldig, en als je echt een leuke avond wilt hebben (Lachen, Root, en de rand van je stoelactie) kijk dan naar deze film... van een mogelijke 10 geef ik hem een sprankelende DIEMPTE!
Weet niet waarom het zo lang duurde voor ik naar deze film keek, maar het was zeker het wachten waard.

text_en:
Its been a while since I've commented on IMDb, the only excuse I have for that is that no film in the past year or two has moved me, or even made me want to comment at all on here.

Well I'm back at it and might I say its an uplifting return. "Attack the Gas Station" by Kim Sang-Jin was above and beyond what I expected for a pick off the blockbuster wall. This film takes you from the beginning all the way to the end, at first you really don't like these protagonist, but near the end you want to join their gang.

Anarchy is an understatement here, The film centers around 4 guys who have all grown a grudge with society for one reason or another, and one night decide to take it out on a little gas station and the enviorment around that station.

This film is awesome, and if you really want to have a good time(Laugh, Root, and Edge of your seat action) WATCH THIS MOVIE.... out of a possible 10, I give it a sparkling DIME!

Don't know what took me so long to watch this film, but it was sure worth the wait.


text:
Attack the Gas Station! is een doeltreffende show voor 4 jonge sterren en bewijst in zekere zin dat de nieuw leven ingeblazen Koreaanse bioscoop veel te bieden heeft. Het is een anarchistische, energiek geënsceneerde film met een paar echt grappige momenten. Het is een film die in het Westen met goed gevolg herschreven zou kunnen worden (ik zie bijvoorbeeld Kevin Spacey als de onbetwiste eigenaar van het benzinestation) hoewel ik betwijfel of alle verve teruggehaald zou kunnen worden, want dit is een film van een jonge man, boos en alert op bredere kwesties.
'Als ze in beweging komen, dood ze dan' is een terugkerende grap in de film naarmate het aantal gijzelaars toeneemt en of het nu wel of niet een opzettelijke verwijzing is naar Peckinpah's Wild Bunch, het is nog steeds grappig. Het minst overtuigende aspect van de film zijn de flashbacks. Hoewel ze nuttig zijn om de hoofdpersonen enige achtergrond en karaktermotivatie te geven, lijken hun vorige levens te vluchtig geschetst, met als gevolg dat de jongemannen dramatisch in gewicht afnemen. Het is alsof ze, eenmaal weg van de plaats van hun belangrijkste en directe invloed, moreel uitgeput zijn. Hun status is slechts van betekenis, lijkt de film te suggereren, terwijl de hoofdrolspelers doorgaan met directe groepsacties. Deels is dit opzettelijk, omdat hun frustratie uit het verleden ongetwijfeld hun huidige verveling en woede voedt, maar toch heb je het gevoel dat veel van hetzelfde terrein bedekt had kunnen worden door een relevante interactie tussen de vier, die hun persoonlijke demonen resoluut onbesproken laten.
Interessanter is wat het Gasstation vertegenwoordigt: deze kijker heeft het gevoel dat het tot op zekere hoogte Korea in microkosmos is. Net zoals de Japanse film herhaaldelijk het trauma van de nucleaire holocaust heeft verwerkt in zijn sciencefiction- en fantasyfilms, zo wordt de eigenaardige aard van de plaatselijke patstelling tussen Noord- en Zuid-Korea en de wederzijdse vijandigheid in deze film weerspiegeld, waarin het einde een eigenaardige gek bedreigt en via benzine en aanstekers een wederzijdse apocalyps bereikt. Het is duidelijk dat aanhoudende spanning een rol speelt in de nationale psyche, en de herhaalde verzoeken om 'het te verhelpen' (de telefoon) hebben bredere implicaties voor wat betreft de nationale communicatie en het begrip.
De minachting die wordt uitgestort over de gladde nationale leuzen die aan de muur hangen, is een duidelijke politieke afkeuring. Naarmate de film vordert en het gloednieuwe benzinestation (op zichzelf een manifestatie van het tot nu toe 'economische wonder' van het oosten) steeds meer het toneel wordt van minimachtsstrijd, escalerende patstellingen en dreigende vernietiging. Dit is een Korea waarin veranderingen worden geëist, of waar zeker vernietiging op volgt, en waarin niemand kennelijk 'baas' wil zijn of verantwoordelijkheid wil nemen, zoals het vrijgeven van gezag van de pomphouder suggereert. Een land waarin je net zo goed ondersteboven op je hoofd zou kunnen balanceren, zinloos en eindeloos, als in een dialoog. En zoals de laatste scène laat zien, is een voorplein vol Koreanen die op het punt staan zichzelf te vernietigen zowel bitter ironisch als meedogenloos toepasselijk.

text_en:
Attack the Gas Station! is an effective show case for 4 young stars and goes some way to prove that the newly revitalised Korean cinema has a lot to offer. Anarchic, briskly staged and with some genuinely funny moments, it is a film which could be remade to good effect in the West (I can see Kevin Spacey as the beleagued station owner, for instance) although I doubt that all of the verve could be recaptured, for this is a young man's film, angry and alert to wider issues.

"If they move, kill them" is a running joke through the film as the number of hostages increases and, whether or not a deliberate reference to Peckinpah's Wild Bunch, its still funny.

The least convincing aspect of the film is the flashbacks. While useful in providing some background and character motivation for the main characters, their previous lives seems sketched in too cursorily and in result the young men lose dramatic weight. It's as if that, once away from the scene of their most important and direct influence, they are morally enervated. Their stature is only significant, the film seems to suggest, as the principals go on and take direct, group action. Part of this is deliberate, as their past frustration undoubtedly feeds their current boredom and anger, yet one feels that much of the same ground could have been covered by some relevant interaction between the four, who leave their personal demons resolutely undiscussed.

More interesting is what the Gas Station represents: this viewer feels that, to some extent, it is Korea in microcosm. Just as Japanese cinema has repeatedly reworked the trauma of nuclear holocaust into its science fiction and fantasy films, so the peculiar nature of the local North-South Korean standoff and mutual hostility is echoed in this film, in which the ending threatens a peculiarly lunatic and mutually achieved apocalypse through petrol and lighters. Clearly, continued tension plays a part in the national psyche, and the repeated requests to 'fix it'(the phone) has wider implications as far as national communication or understanding is concerned.

The contempt poured upon the glib national slogans hanging in the wall is one explicit political disaffection. As the film proceeds and the shiny new gas station (a manifestation in itself of the hitherto 'economic miracle' of the east) is increasingly the scene of mini power struggles, escalating standoffs, and threats of destruction. This is a Korea in which changes are demanded, or annihilation surely follows, and in which no one it appears wants to be 'boss' or take responsibility, as the station owner's ready relinquishment of authority suggests. A country in which one might as well balance upside down on one's head, pointlessly and endlessly, as achieve any dialogue. And as the final scene shows, a forecourt packed with Koreans ready to destroy themselves is both bitterly ironic and ruthlessly apt.


text:
Natuurlijk moet je een masochist zijn om van het genie van sommige mensen te genieten <0xE2><0x80><0x93> je weet dat ze je naar nieuwe niveaus van perceptie zullen voeren als je met ze omgaat.
Bij Lars von Trier is de reis vaak hilarisch. Epidemie is grappig. Grappig op een Gummo-achtige manier: de personages zijn echt, de werkelijkheid is griezelig, en we lachen om de spanning te verbreken; grappig op een de personages zeggen op een amusante manier (prediker: 'Deze bijbel is in godvergeten Latijn'); en grappig op een Andy Kaufman die het publiek (ja, jij) te grazen neemt.
Vergis je niet: je zult lijden. Als je bang bent, blijf dan uit de buurt van horrorfilms, nicht!
Deze film bevat ook een geweldige esthetische afstand! Hij is stoutmoedig!

text_en:
Of course, you gotta be a masochist to enjoy some people's genius - you know that if you bear with them they will take you to new levels of perception.

With Lars von Trier, the voyage is often hilarious. Epidemic is funny. Funny, in a Gummo kind of way: the characters are real, reality is eerie, and we laugh to break the tension; funny in a the characters say amusing things kind of way (preacher: "this bible is in goddamned Latin"); and funny in an Andy Kaufman screwing with the audience (yes, you) kind of way.

Make no mistake: you will suffer. If you are afraid, stay away from horror movies, ya pansy!

This movie also features some great aesthetic distance! It's bold!


text:
EPIDEMIC (Lars von Trier <0xE2><0x80><0x93> Demark 1987).
Deze tweede film van Lars von Trier onthult veel van de obsessies van de regisseur met de cinema. Hier zijn de zelf opgelegde beperkingen op het gebied van het filmen in veel opzichten een voorbode van zijn belemmeringen ten aanzien van Jorgen Leth in THE FIVE OBSTRUCTIONs (2003).
Of is dit weer een grapje van Von Trier ten aanzien van ons allemaal? Dit is in wezen een film over zijn eigen obsessies, of een grootse parodie op horror, zoals sommigen suggereerden. Von Trier, gefrustreerd door de vertraging van zijn nooit gerealiseerde project 'The Grand Mal', over twee gangsterfamilies in een verdeeld Berlijn, sloot een weddenschap af met filmadviseur Claes Kastholm van het Deense Filminstituut, waarin hij beweerde dat hij een speelfilm kon maken voor een miljoen Deense kronen. Het resultaat is gedeeltelijk te zien in een amateurfilm over een filmregisseur en een scenarioschrijver die binnen vijf dagen een nieuw manuscript moeten schrijven, afgewisseld met scènes uit de film waaraan ze werken <0xE2><0x80><0x93> over een jonge idealistische arts aan het eind van de twintigste eeuw, die een epidemie probeert te bestrijden, maar die alleen maar verder verspreidt. De film culmineert in het uitbreken van een dodelijke epidemie, niet in het verleden, maar in het heden. In de hele film toont Von Trier zijn fascinatie voor Duitsland, bijvoorbeeld tijdens een rit door het 'Ruhrgebiet', het industriële hart van Europa of de wereld, in elk geval in de jaren tachtig. Ik keek er met belangstelling naar, maar ondanks de soms fascinerende introspectie van Von Trier, de filmmaker, of de filmmaker in het algemeen, is dit niet bepaald een geweldige film, maar hij slaagt erin iets unieks te maken met deze vreemde mengeling van Dogma-achtige improvisatie en zorgvuldig nagebootste scènes, zoals die met de artsen in de kelder van de universiteitsbibliotheek.

Camera Obscura <0xE2><0x80><0x93> 8/10.

text_en:
EPIDEMIC (Lars von Trier - Demark 1987).

This second feature by Lars von Trier reveals many of the director's obsessions with cinema. Here the self-imposed limitations on film-making in many ways foreshadow his obstructions upon Jorgen Leth in THE FIVE OBSTRUCTIONS (2003).

Or is this again von Trier's little joke on all of us? This is essentially a film about his own obsessions, or a grand parody on horror, as some suggested. Von, Trier, frustrated by the delay of his never realized project, "The Grand Mal", about two gangster families in divided Berlin, made a bet with film consultant Claes Kastholm of the Danish Film Institute, claiming that he could make a feature film for one million Danish kroner. Resulting partly in an amateur movie about a film director and a scriptwriter who must write a new manuscript in five days, interspersed with scenes from the film they are working on - about a young idealistic doctor in the late 20th century, who tries to fight an epidemic, but only manages to spread it further. The film culminates with the outbreak of a deadly plague, not in the past but in the present. Throughout the film, Von Trier shows his fascination with Germany, for example, during a ride through the "Ruhrgebiet", the industrial core of Europe, or the world, at least during the '80s.

I watched this with interest, but despite the sometimes fascinating introspective of Von Trier the filmmaker, or the filmmaker in general, this hardly is a great film, but he manages to make something unique with this strange mixture of Dogma-style improvisation and carefully enscenated scenes as the one with the doctors in the basement of the University Libarary.

Camera Obscura --- 8/10


text:
Epidemie lijkt een en al stilistische genotzucht te zijn. Het wordt in zwart-wit gefilmd, met vaak opzettelijk overbodige ondertitels. Elke opname is heel erg lang. Sommige zijn stoïcijns, andere zijn plotseling maf, weer andere zijn verontrustend, maar de meeste zijn stoïcijns. Als er sprake is van dialoog, is dat intellectueel stimulerend, maar op het randje van irrelevant.
Het is vooral regisseur Lars Von Trier en zijn scenarist Niels Vorsel die zichzelf spelen, die op het laatste moment een scenario bedenken voor een producent. Deze film neemt onevenredig veel scènes uit hun script op, waarin Von Trier een radicale arts speelt die probeert een moderne epidemie te genezen. In een verwrongen draai ontdekt de arts dat hij zelf de epidemie heeft verspreid. Je blijft zo lang zitten met de vraag waarom er zo'n toevalligheid bestaat tussen het scenario en de buitenwereld, of welke ontwikkeling van de verschillende verhaallijnen de voortekenen zijn. Maar het infecteert je. Het brandt je.
Of de film nu wel of niet narcistisch is, hij is niet vormelijk boven functioneel. In wezen is het een fundamentele oefening in wat metafysisch de toeschouwer raakt. Denk aan de scène van de donkerder, rustigere van de scenarioschrijvers in de metro, terwijl ze van tevoren weten dat de ander gaat sterven. Of als hij in een spiegel kijkt, zich naar ons omdraait, de camera, dan weer de spiegel. Alles wat je zou verwachten van een samenhangende, zintuiglijke, verhalende speelfilm, is omgekeerd en ontwikkelt inderdaad een onmiddellijk bewuste verbinding tussen zichzelf en het publiek.
Dat wil niet zeggen dat het elk fundamenteel aspect van kwaliteit ontbeert. Udo Kier geeft een van de meest verbazingwekkende, fantastische voorstellingen die ik ooit heb gezien. Veel van die voorstellingen, wie die acteurs of personages ook zijn, schokken en raken ons diep. Sommige scènes bestaan helemaal uit bulderend gelach of hysterisch gegil, ondanks het stoïcijnse stoïcisme en de stilte die de film doordrenkt.
Deze hypnotische abstractie is werkelijk heel sfeervol en griezelig. Het is een transcendentaal, bijna fysiologisch beïnvloedend virus dat je dagenlang kwelt als je eraan wordt blootgesteld. Het is iets wat gezien moet worden en wat nauwelijks te verklaren is. En dat maakt het tot een waar kunstwerk.

text_en:
Epidemic appears to be all stylistic self-indulgence. It is filmed in black and white, with often purposely redundant subtitles. Each shot is very very long. Some are stoic, some are suddenly goofy, some are disturbing, mostly stoic. When there is dialogue, it is intellectually stimulating, but borderline irrelevant.

Mainly, it is that director Lars Von Trier and his screenplay collaborator Niels Vorsel play themselves, coming up with a last-minute script for a producer. This strand takes disproportionate turns with scenes from their script, in which Von Trier plays a radical doctor attempting to cure a modern-day epidemic. In an warped turn, the doctor finds that he himself has been spreading it. For so long, one is left without a clue as to why there is such a coincidence between the screenplay and the outside world, or any progressions of the different narrative strands' signifying signs. But it infects you. It burns you.

Whether or not the film is narcissistic, it is not form over function. Essentially, it is a basic exercise in what metaphysically affects the viewer. Consider the scene of the darker, quieter of the screenwriters in the subway, knowing predeterminately that the other one is going to die. Or when he looks in a mirror, turns to us, the camera, then the mirror again. Everything one expects would create a cohesive, sense-making narrative film is inverted and indeed develops an immediately conscious connection between itself and the audience.

That is not to say it eschews any fundamental aspect of quality. Udo Kier delivers one of the most amazing, fantastic performances I have ever seen. Really, many of the performances, whoever these actors, or characters, are, shock and deeply move us. Some scenes are entirely made up of uproarious laughter or breakdowns of screaming, in spite of the unapologetic stoicism and quiet permeating the film.

This hypnotic abstraction is truly very atmospheric and creepy. It is a transcendental, almost physiologically affecting virus that infests you for days upon being subjected to it. It is something that has to be seen and can hardly be explained. And that makes it a true work of art.


text: De plot: een regisseur en een scenarist raken het script waaraan ze hebben gewerkt kwijt vanwege de corruptie op de harde schijf en beginnen aan een ander project dat 'Epidemic' heet. De film volgt hun tegenslagen, maar in de tussentijd begint zich een echte epidemie om hen heen te ontwikkelen, die echter onopgemerkt voorbijgaat. O ja, en ook fragmenten van de film-in-een-film 'Epidemic' worden tussendoor vertoond. O ja, en Lars Von Trier (de regisseur) en Niels Vorsel (de scenarist) zijn de hoofdrolspelers in, ahem, de regisseur en de scenarist. Geweldig.<br />En als door dit te lezen de eerste gedachte die bij je opkomt 'zwarte komedie' is, ga dan naar de beste van de klas, want je hebt volkomen gelijk. Het beste aan deze film is dat hij het filmen belachelijk maakt en toch op de een of andere manier een goed voorbeeld is van artistieke gewichtigdoenerij. Maar we weten ook dat Von Trier een cynisch mannetje is. Udo Kiers cameo over de Tweede Wereldoorlog is briljant. Maar wees gewaarschuwd, het is beslist een aangeleerde smaak.

text_en:
The plot: a director and a screenwriter lose the screenplay they've been working on due to hard disk corruption and start working on another project called "Epidemic". The film follows their misadventures but in the meantime a real epidemic is starting to develop around them, but goes by unnoticed. Oh and also fragments of the film-in-a-film "Epidemic" are shown in-between. Oh and Lars Von Trier (the director) and Niels Vorsel (the screenwriter) are the protagonists playing, ahem, the director and the screenwriter. Lovely.

And if by reading this the first thought that came to your mind is "black comedy", then go to the top of the class cause you're absolutely right. The best thing about this film is how it ridicules film-making and yet somehow is a good example of artistic pompousness. But then again we know that Von Trier is a cynical little bugger. Udo Kier's cameo recalling WW2 is brilliant. Be warned though, definitely an acquired taste.


text: Lars von Trier is een genie als hij daadwerkelijk een film maakt, zoals hij heeft gedaan met Element of Crime and Europe, twee visueel verbluffende films waar ik dol op ben. Maar in deze film vertelt Von Trier niet zozeer een verhaal, maar vertelt hij een verhaal over mensen die een verhaal schrijven en ons vervolgens veel te korte fragmenten van dat verhaal geven. Als Von Trier gewoon het verhaal had gefilmd over de dokter die een plaag probeert te genezen, maar in plaats daarvan de ziekte verspreidt, zouden we een nieuw meesterwerk hebben gehad. De fragmenten die dit verhaal vertellen zijn inderdaad prachtig. Maar om bij deze juweeltjes te komen, die misschien vijf procent van de film uitmaken, moeten we door ondraaglijke stukken 16mm-uitwerpselen waden. Lars en zijn vriend bedenken dit idee, bezoeken deze plek, praten met Udo Kier, frustreren en irriteren de kijker met onmogelijk saaie stukken filmverité. Het was een pijnlijke ervaring. Ik zal zelfs enige eer opeisen voor de pijn en het lijden.

text_en: Lars von Trier is a genius when he actually makes a film, as he did with Element of Crime and Europa, two visually stunning films that I absolutely love. But here, von Trier does not so much tell a story as tell a story about people writing a story and then give us all-too-brief segments of that story. If von Trier had just filmed the story about the doctor who tries to cure a plague but instead ends up spreading it, we would have had another masterpiece. Indeed, the segments that tell this story are wonderful. But to get to these gems, which make up perhaps 5 percent of the movie, we have to wade through intolerable stretches of 16mm excrement. Lars and his friend think up this idea, visit this place, talk to Udo Kier, frustrate and infuriate the viewer with impossibly boring stretches of cinema verité. The experience was painful. In fact, I'll deduct some credit for pain and suffering.


text:
Het idee van de film is geweldig. Het creëren van een film en het kijken naar de film. Het wordt op een zeer ambitieuze manier gedaan, ongelooflijk geraffineerd en elegant, als we het budget kennen dat aan de film is besteed.
Een heleboel scènes zijn ongelooflijk, vooral de scène waarin de besmetting van de priester wordt getoond en waarin de toestand van de zwarte man wordt belicht. Natuurlijk is de laatste scène een van de meest ongelooflijke dingen die ik ooit op een scherm heb gezien, maar we kunnen twijfelen aan de geestelijke gezondheid van Von Trier en zijn crew. Maar misschien is dat wel de reden waarom hij zo goed is...
Een paar dingen bevielen me niet. Ik denk dat er te veel tijd is besteed aan de totstandkoming van de film, aan een paar belachelijke en onbenutte momenten als het verhaal van de Amerikaanse brieven van Niels Nielsen.

text_en:
The idea of the film is great. Mixing the creation of a movie and his viewing. It's done in a very ambitious way, incredibly sophisticated and elegant when we know the budget who was assigned to the movie.

A lot of scenes are incredible, specially the one who shows the contamination of the priest, adding a reflection on the condition of the black man. Obviously the last scene is one of the most incredible things I've seen on a screen, but we can doubt the mental health of Von Trier and his crew. However maybe it's the reason he's so good...

I didn't like a few things. I think there is too much time about the creation of the movie, a few ridiculous and unappropriated moments as the story of the American letters of Niels


text:
Director Lars Von Trier, die als zichzelf figureert in dit meta-horror zwarte meta-horror comedy-drama (!), merkt al in het begin op dat 'een film een kiezelsteentje in je schoen zou moeten zijn'. Daarmee heeft hij misschien wel precies dat bereikt. Het is een irritante, rommelige film, die in de laatste scène nog enige zin probeert te krijgen, maar tegen die tijd ben je al onderworpen aan tonnen aanstootgevende beelden, slechte montage, aanwijzingen en een pretentieuze film-in-een-film, ook wel Epidemic genoemd. Von Trier en medeschrijver Niels V<0xC3><0xB6>rsel proberen hun script af te maken en filminstituutdirecteur Claes Kastholm over te halen hun film te financieren over een mysterieuze ziekte die zich door Europa verspreidt, maar de epidemie lijkt ook in het echte leven te zijn begonnen. Of zoiets. De ijzingwekkende, op giallo geïnspireerde climactische hypnosesequentie (met de echte hypnotiseur Svend Ali Hamann) is effectief, maar Von Trier's ad hoc-stijl van filmen zal het geduld van de kijker op de proef stellen. Hij brengt echter wel een interessant bezoek aan het ziekenhuis, als een soort voorgevoel naar zijn latere hits 'The Kingdom 1 ren 2'. Udo Kier verschijnt heel even als zichzelf. Een ramp voor de kassa; nou ja, eigenlijk twee, als je de enorm genegeerde heruitgave in 1997 meetelt.
1 ren 2

text_en: * SPOILER WARNING * Director Lars Von Trier, who stars as himself in this mock documentary meta-horror black comedy drama (!), comments early on that "a film should be a pebble in your shoe". With this, he may have accomplished just that. It´s an annoying mess of a movie, which tries to make sense in the last scene, but by then you have been subjected to tons of extraneous footage, bad dubbing, clues and a pretentious movie-within-a-movie, also called Epidemic. Von Trier and cowriter Niels Vørsel tries to finish their script and convince film institute executive Claes Kastholm to finance their movie about a mysterious plague spreading through Europe, but the epidemic seems to have started in real life as well. Or something. The chilling giallo-inspired climactic hypnosis sequence (with real life hypnotist Svend Ali Hamann) is effective, but Von Trier´s ad hoc filmmaking style will test the viewer´s patience. He does, however, make an interesting visit to the hospital, as a sort of premonition to his later hits "The Kingdom 1 + 2". Udo Kier appears briefly as himself. A box office disaster; well two, actually, if you count the vastly ignored re-release in 1997. *½


text: Lars Von Trier schijnt in staat te zijn om maar twee soorten films te maken: slechte en uitstekende. _Epidemic_ is gepland om geld te krijgen voor een andere film <0xE2><0x80><0x93> Lars was van plan om geld te vragen voor twee verschillende films en bijna al het geld te gebruiken om de eerste (Europa) te realiseren, terwijl hij maar een paar dollar overhield voor de tweede (Epidemic). _Epidemic_ heeft geen script, geen acteurs en bijna geen regisseur. Het is gewoon een grappige grap. Het kan grappig zijn als je echt iets hebt met Lars, Niels en zijn vrouw, anders slaat het nergens op. Als je geïnteresseerd bent in visuele en poëtische kunst van Lars Von Trier, probeer dan eerst de recentere (en op de een of andere manier 'toegankelijker') werken te bekijken, zoals 'Breaking the Waves', 'Danser in het Duister' en 'Hondville'. 'Europa' kan de volgende stap zijn, en als je het leuk vindt, kunnen 'Idioterne' en 'Forbrydelsens' de volgende stap zijn. De tv-serie 'Riget' I en II zijn echt leuk en een product dat door iedereen bekeken kan worden <0xE2><0x80><0x93> Lars zei dat ze alleen voor het geld gemaakt zijn. Het is duidelijk dat ze geen mengeling zijn van 'E.R.' en 'Twin Peaks', zoals iemand zei. De stijl van 'Epidemic' lijkt erg veel op die van 'Riget', maar de plot heeft geen betekenis. is als een zelfgemaakte film: hij kan grappig zijn volgens de mensen die hem gemaakt hebben, en misschien kan hij gewaardeerd worden door hun vrienden, maar hij moet niet geprogrammeerd worden op het witte doek (... tenzij iemand je geld heeft gegeven om hem te maken...).

text_en: Lars Von Trier seems to be able to make just two kind of movie: awful ones and excellent ones. Epidemic has been scheduled in order to obtain money for another movie - Lars intended to ask money for two different movies and to use almost all of the money to realize the first one (Europe), leaving few dollars to realize the second one (Epidemic). Epidemic has no script, no actors and almost no director. It's just a funny joke. It can be amusing if you are really involved with Lars, Niels, and his wife, otherwise it makes no sense. I rate one star just because it is not possible to write "rating does not apply". If you are interested in Lars Von Trier visual and poetic art, try to consider before the more recent (and in some way, more "accessible") works like "Breaking the Waves", "Dancer in the Dark", and "Dogville". "Europa" can be the following step and, if you like it, maybe "Idioterne" and "Forbrydelsens element" can be the following one. The TV series "Riget" I and II are really enjoyable and are an all-audience product - Lars said it made them just for money. Obviously, they're not a mixture of "E.R." and "Twin Peaks", as someone said. The style of "Epidemic" is very similar to that of "Riget", but the plot is meaningless. From a certain point of view, "Epidemic" is like an home made movie: it can be funny according to the ones who made it, and maybe it can be appreciated by their friends, but shouldn't be programmed on the big screen (...unless someone has given you some money to make it...)


text:
Ik heb een paar waardeloze films gezien, maar na drieënvijftig minuten kan het me niets meer schelen. De film heeft mijn innerlijke apathie gevonden en omhelsd.
Er zitten hier en daar een paar mooie B&W-beelden in, maar niet genoeg om de aandacht te trekken. Zelfs Lemmy Cage had deze stinkerd niet kunnen redden.
Voor mijn geestesoog zie ik een wulpse Bugs Bunny op de rug van een dik paard en Elmer Fudd met een gehoornde helm.
In de post-dvd-service (niet de 'rode' onderneming) gaat hij onafgemaakt, zonder plezier en afgewezen in ruil voor een uurtje patience op mijn computer. Ze zouden me moeten betalen om naar deze te kijken.

text_en:
I have sat through some crappy movies, but 53 minutes in, I just don't care. The movie has found my inner apathy and it has embraced it.

It has some pretty B&W images here and there, but not enough to garner interest. Even Lemmy Caution couldn't save this stinker.

In my mind's eye I see a buxom Bugs Bunny on the back of a fat horse and Elmer Fudd in a horned helmet.

Into the mail-DVD-service (not the "red" company) return envelope it goes, unfinished, unenjoyed and rejected in favor of an hour of spider solitaire on my notebook computer. They should pay me to watch this one.


text: Lars v Trier is ongetwijfeld een genie. Alles wat hij deed, vooral _Het Koninkrijk_, is buitengewoon en heel erg goed, schokkend... maar er is iets waardoor ik me vernederd voel. In _Echo's_ bereikt dit gevoel zijn hoogtepunt. Het is zoiets als 'dom publiek, kijk maar eens wat ik doe met jouw open mond waar ik alles wat ik wil in kan stoppen, het kan een snoepje zijn of... het'. De eerste film die ik van hem zag was _Breaking the Waves_, die zoveel indruk op me maakte dat ik begon te wachten op het volgende werk van de regisseur. Dat was _Danser in the Dark_, en ik werd een kind dat een chocoladebonbon (Danser in the Dark) at na een gekaramelliseerde bonbon (Breaking the Waves). Intussen vond ik de gelegenheid om Riget op de tv te zien, dit was een doos vol chocoladesnoepjes gevuld met karamel. Ook al werden al die snoepjes zonder afronding genomen, ik was nog steeds een kind met wijd open mond. En toen kwam 'hondenstad'. Nog een groots ander snoepgoed.<br />Nadat ik 'Epidemic' had afgemaakt, had ik het gevoel alsof ik net een groot stuk... ervan had gegeten. Heel erg experimenteel, heel erg B&W, heel erg LvT... Maar ik heb nog steeds mijn wijd open mond, wachtend op 'Mandelay'. Het is het risico waard!

text_en:
Lars vTrier is a genius,no doubt.Everything he did,especially The Kingdom is extraordinary and very very good,shocking..but there is something that makes me feel humiliated.In Epidemic this feeling comes to its peak.It is like 'you stupid audience,watch whatever I do with your open mouth where I can put everything I want,it can be a candy or ..it'.The first I saw from him was 'Breaking the Waves' that impressed me so much that I begun waiting for the next work of the director.That was 'Dancer in the Dark'and I became a child who ate a chocolate bonbon(Danser in the Dark) after a caramelized bonbon(Breaking the Waves).In the meanwhile I found the opportunity to see Riget on the TV,this was a box filled with chocolate candies filled with caramel.Even though,all those candies were taken with no finishing,I was still a child with wide open mouth.And then 'dogville'came.Another big different candy.

After finishing 'Epidemic',I felt as if I've just eaten a big piece of ..it.Very much experimental,very much B&W,very much LvT,...But I am still with my wide open mouth,waiting to eat 'Mandelay'.it is worth risking!


text: En wat dan nog? Misschien moeten we tot de conclusie komen dat hij/zij die het kwaad plaagt voorbestemd is om erdoor geraakt te worden. Maar ik vind deze film niet leuk. Ik vond de grappige evolutie van de film niet leuk en keurde de laatste, nooit eindigende, bloederige scène af waarin de gehypnotiseerde jonge vrouw, als proloog op die van alle anderen, wordt gestileerd in een keiharde monoloog. Het deed me denken aan een soortgelijke scène in de verwrongen, verwrongen 'Baby of Macon' (de film die het einde van mijn liefde voor Greenaway markeerde) en ik vond het, ondanks het duidelijke verschil, vreselijk dat dit een scène van uitwendig geweld is terwijl dit meer een zelfbedachte geweldscène is. Vind je niet? En voor zover ik 'Het breken van de golven' ook erg saai vond, is de score 2 tegen 2 voor Von Trier.

text_en: So what? Maybe we should come to the conclusion that he/she who teases evil is destined to be hit by it. But I don't like this film. I didn't like its joking evolution and disapprove the final, never-ending, gore scene where the young hypnotized girl's sufferance, a prologue to everybody else's, is depicted in a hard-hitting monologue. It reminded me of a similar scene seen in the contorted, convolved "Baby of Macon" (the film that signed the end of my love for Greenaway) and I hated it, notwithstanding the evident difference, that being a scene of external violence while this is more a self-inflicted violence scene. The only appreciable side of the film is the grainy black and white used: too few, ain't it? And as far as I found "Breaking the waves" terribly boring either, the score is 2 thumbs-down out of 2 for Von Trier.


text: Als je aan Steve Buscemi, de acteur, denkt, denk je waarschijnlijk ook aan de zin over zijn personage in _FARGO_, waarin een meisje zegt: 'Nou, hij zag er wel raar uit... nog vreemder dan de meeste mensen.' Dat is min of meer een samenvatting van de rollen die Buscemi in de loop der jaren heeft gespeeld, vanaf de miniserie _Lonsome Somewhere Dove_. Maar hij heeft meer in zijn mars, zoals in _Living in OBLIVION_ (1995), en in deze film, die hij ook schreef en regisseerde. Het leuke is dat hij ook het in zich heeft om een goede schrijver en regisseur te worden. Er is hier geen echte plot, wat sommige mensen ongetwijfeld van hun stuk zal brengen (en dat is ook gebeurd, als ik op sommige commentaren mag afgaan), omdat ik alleen een bepaald type mensen (arbeiders en kroeglopers) observeer, en hoe ze hun leven leiden. Hoewel het soms wat langdradig kan zijn, zijn er genoeg waarheid en details om je geïnteresseerd te houden. Buscemi is ook een goede acteur; dit is de film die me ervan overtuigde dat Chloe Sevigny echt bestond. Ik heb begrepen dat Buscemi nog een film gaat maken; ik verheug me erop.

text_en: Whenever one thinks of Steve Buscemi the actor, one probably thinks of the line about his character in FARGO, where a girl says, "Well, he was funny looking...more than most people, even." That has more or less summed up the parts Buscemi has played throughout the years, way back to the mini-series of LONESOME DOVE. But he's got more range than that, as he showed in LIVING IN OBLIVION(1995), and this movie, which he also wrote and directed. The nice surprise is he also has the makings of a fine writer and director. There's no real plot here, which undoubtedly will throw some people(and has, if some of the comments are any indication), just observing a certain type of people(working-class and barflies) and how they live their lives. While it may drag at times, there's enough truth and detail to keep you interested. Buscemi also directs actors well; this is the film which convinced me Chloe Sevigny was for real. I understand Buscemi is making another film; I look forward to it.