text: Een solide, goed geschreven film met goede acteerprestaties en een dreigende, baanbrekende acteerklus van Humphrey Bogart. De film speelt in een troosteloos, woestijnachtig café in een troosteloos stadje in Arizona. Bogart en zijn moorddadige, gewelddadige bende misdadigers houden een uiteenlopende verzameling mensen gegijzeld. Er is een intellectueel (Leslie Howard), een serveerster met grote aspiraties (Bette Davis), een sportman (Dick Foran), een burgerwacht (Porter Hall) en een rijk, kibbelend stel (Paul Harvey en Genevieve Tobin) onder anderen. De actie is beperkt omdat dit in feite een gefilmd toneelstuk is, maar de dialogen kraken en worden helder uitgesproken door de acteurs. Regisseur Archie Mayo levert goed werk in de film noir-stijl, met donkere, schimmige en sombere momenten. Hij doet ook geweldig werk met het uitwringen van de sfeer, want de kijker krijgt echt het gevoel dat ze in dit verlaten café midden in de rimboe zitten, met een gierende wind en de wind van een alsemstruik. De vertolking van Bogart is verbazingwekkend. Ongeschoren, dreigend en broeierig. Misschien was hij wel de eerste echte gemene en enge gangster. Een mooie film.

text_en: Solid, well written film with fine performances and a menacing, breakthrough acting job by Humphrey Bogart. Set in a desolate, desert cafe in a desolate Arizona town, Bogart and his murderous, violent band of criminals hold up and hold hostage, a various assortment of people. There is an intellectual(Leslie Howard), a waitress with big aspirations(Bette Davis), a jock(Dick Foran), a vigilante(Porter Hall) and a rich, squabbling couple(Paul Harvey and Genevieve Tobin) among others. The action is limited as this is basically a filmed stage play, but the dialog crackles and is crisply delivered by the actors. Director Archie Mayo does a fine job in the film noir style creating dark, shadowy and sombre moments. He also does a great job wringing out the atmosphere as the viewer can really get the feeling that they are in this desolate cafe in the middle of nowhere with a howling wind and blowing sagebrush. The performance by Bogart is astonishing. Unshaven, menacing and brooding. He may have been the screens first truly mean and scary gangster. A fine film.


text: Hier hebben we drie interessante beroemde filmsterren: de charmante Bette Davis, de beleefde en ontwikkelde Leslie Howard met zijn Engelse accent, en een vreselijke Humphrey Bogart als de schurk van de film. Howard was een openlijk gedicht, terwijl Bette verliefd op hem was, maar Bogart (Duke Mantee) ging door met zijn verwoestende activiteiten. De bewegingen van de Bogart waren iets anders dan zijn gebruikelijke, en hij was net zo verschrikkelijk als Cagney in 'Public Enemy' of Edward G. Robinson in 'Little Caesar'. Ik heb begrepen dat de film probeerde aan te tonen dat slimme zinnen de beste manier zijn om een misdadiger onder ogen te komen. Normaal gesproken kunnen die gangsters niet begrijpen waarom hun leven zo bedorven is of waarom ze zich zo gedragen, dus met een paar welgekozen woorden <0xE2><0x80><0x93> en dat heeft Howard met Bogart gedaan <0xE2><0x80><0x93> kan de misdadiger iets weergeven van wat hij doet of kan hij in zijn misdragingen verdwalen.

text_en: Here we have three interesting famous artists of all-time cinema, charming Bette Davis, polite and educated Leslie Howard with his English accent, and a terrible Humphrey Bogart as the villain of the film. Howard was an open poem, while Bette felt in love with him, but Bogart (Duke Mantee) came to continue his devastating activity. The Bogart's movements were somewhat different to his usual ones, and he was as terrible as Cagney in "Public Enemy" or Edward G. Robinson in "Little Caesar". It is my understanding that the film tried to demonstrate that smart sentences may be the best way to face a criminal. Normally those gangsters are unable to understand why their lives are so spoiled or why they behave in that way, so with a bit of smartly said words- and that's what Howard did with Bogart- the criminal may reflect a bit of what he is doing or may become lost in his misdemeanours.


text:
De beste acteerprestaties van de hoofdrolspelers maken dit tot een van de klassiekers onder de gangsterfilms van die tijd. Howard moest erg zijn best doen om Bogart zijn rol op het toneel te laten houden, en daar mogen we hem dankbaar voor zijn. Hoewel de film nog steeds zijn oorsprong op het toneel heeft, zorgt hij ervoor dat de claustrofobische sfeer tot een minimum wordt beperkt. Bovendien hielpen toneeldrama's als dit en Dead End de gangsterfilm te redden van de censuur die volgde op Scarface, Public Enemy en Little Caesar. Zonder dit soort films zouden we geen Angels With Dirty Faces of Roaring Twenties hebben gehad.

De komst van Bogart op het toneel is dodelijk, vooral als je bedenkt dat hij de hele tijd zo goed gehypet is <0xE2><0x80><0x93> alles wat we hebben.' Waar ik wel eens over heb gehoord is hoe gevaarlijk Duke Mantee is. En het thema van de 'kunstenaar' of het gevoelige type dat zich verbergt met gangsters is nu legendarisch <0xE2><0x80><0x93> in films zo gevarieerd als Performance, maar misschien het best met Bogart (weer) als de brave man in Key Largo.

text_en:
Top notch performances from the leads single this out among gangster films of its day as a classic. Howard had to lobby hard to keep Bogart his stage role, for which we should be grateful. While the film still shows its stage origins, it works for the claustrophobic atmosphere to keep locations to a minimum. Furthermore, it was stage dramas like this and Dead End which helped the gangster film bounce back from the censorship that followed Scarface, Public Enemy and Little Caesar. Without films like this, we'd have had no Angels With Dirty Faces or Roaring Twenties.

Bogarts' arrival on scene is a killer, especially considering he's been so well hyped throughout - all we've heard about is how dangerous Duke Mantee is. And the theme of the 'artist' or sensitive type holed up with gangsters is now legendary - reworked in films as diverse as Performance, but perhaps best with Bogart (again) as the good-guy in Key Largo.


text:
The Petrified Forest is een filosofisch-romantisch verhaal over het leven op de meest desolate plekken, vandaar de titel. Het speelt zich af in het gebied van de Petrified Forest in Noord-Arizona. Een intellectuele lifter, gespeeld door Trevor Howard, komt terecht in een wegrestaurant dat gerund wordt door een trotse, traditionalistische man, zijn dromerige dochter Bette Davis en haar grootvader, een oude man met een heleboel verhalen over vroeger en een fascinatie voor bandieten.
Toen Davis' moeder als jong kind weer naar Frankrijk verhuisde, had ze het gevoel dat alles in haar hart met haar mee verhuisde, waardoor ze een lege huls van zichzelf achterliet in het huis van haar strenge, puriteinse vader. Als Howard arriveert, is hij zo veel meer geschoold en wijs, hij is de hele wereld over geweest, en alleen al door die achtergrond trekt hij van nature meer in gesprekken met vreemden dan over koetjes en kalfjes, en richt hij zich uiteindelijk op degene die geschikt is om zijn avontuurlijke, idealistische, vreemd nederige bestaan binnen te gaan. Die uiteindelijke focus is het personage van Bette Davis, zijn eenzame serveerster, niet in haar element, voor wie hij belangstelling toont om haar schilderijen te zien en haar haar favoriete gedicht te horen opzeggen. Voor Howard, die zichzelf als een mislukte schrijver beschouwt, is zij de toekomst, en hij vindt haar enthousiasme en optimisme zowel vertederend als verfrissend.
In dit niets van een wereld stort Humphrey Bogart zich halsoverkop in deze wereld van niets. Hij slaat de door en door verrotte persoonlijkheid van zijn personage, een gezochte gangster, die met zijn bende boeven iedereen in het restaurant gegijzeld houdt. Maar een deel van de dode huid van het leven is afgebladderd en teruggeslagen. Trevor Howard komt tot de kern van de stimulerende woordenwisseling met de stoïcijnse schurk Bogart en sluit een overeenkomst met hem. Nu Davis toevallig niet in de kamer is, tekent Howard een verzekeringspolis voor haar en vraagt hij Bogie hem dood te schieten. Hij redeneert dat hij geen nut heeft voor een roos die water nodig heeft, zoals Davis, als hij nog leeft. De wereld lijkt gewoon niet op die manier te werken. Maar als hij dood is, kan ze haar dromen waarmaken.
Net als de individualistische hoofdpersoon van Howard is de film een diepgaand compromis. Hij neemt geen genoegen met een film noir. Hij neemt geen genoegen met een liefdesverhaal. Zelfs als je het onderwerp van je film in dezelfde plot met dat van een ander in verband brengt, kan het binnen één genre blijven, één conventionele omgeving. Sherwood en degenen die zijn stuk hebben aangepast, voeren een confrontatie op tussen de twee visies, houden ze naast elkaar en vertellen over hun schokkende verenigbaarheid. Dat is wat het Petrified Forest zo bijzonder maakt. Voor een schilderij dat in de jaren dertig is gemaakt, is het uitzonderlijk geschreven en gespeeld, een tijdloos werk van gretigheid en tederheid te midden van collega's die elkaars tegenpolen waren.

text_en:
The Petrified Forest is a philosophically romantic story of life in the most desolate places, hence the title. It's set in the Petrified Forest area in northern Arizona. An intellectual hitchhiker played by Trevor Howard drifts into a roadside diner run by a proud, traditionalist man, his dreamy daughter Bette Davis, and her grandfather, an old man with a lot of stories about the old days and a fascination with outlaws.

When Davis's mother moved back to France when she was a young child, she felt like everything in her heart moved there with her, leaving her an empty shell of herself living with her stern, purist father. Davis reads poetry, dreams about visiting Bourges and wants to study art. But she's in a dry, dead nowhere working a tedious job and being pursued stubbornly by hunky jocks. When Howard arrives, he is so much more schooled and wise, having been all around the world, and by that mere background, he draws naturally in to conversation with strangers beyond small talk and eventually focuses in on the one fit to enter his adventurous, idealistic, strangely humble existence. That eventual focus is the character of Bette Davis, his lone waitress, out of her element, to whom he expresses interest in seeing her paintings and hearing her recite her favorite poem. To Howard, who appears to sees himself as an unsuccessful writer, she is the future and he finds her enthusiasm and optimism both endearing and revitalizing.

Hurtling headlong into this nonentity of a world is Humphrey Bogart, nailing the rotten-to- the-core persona of his character, a wanted gangster, who with his gang of ruffians, holds everyone in the diner hostage. However, some of life's dead skin has been blistered and peeled back. Trevor Howard gets to the heart of exchanging stimulating words with the stoic villain of Bogart, and makes an agreement with him. With Davis out of the room by chance, Howard signs over an insurance policy to her and asks Bogie to shoot him. His rationalization is that he is of no use to a rose in need of watering like Davis if he is alive. The world simply does not seem as if to work that way. If he is dead, however, she can live her dreams.

Like Howard's individualist protagonist, the film is a profound compromise. It does not settle for a film noir. It does not settle for a love story. Even involving one's subject matter with another's in the same plot may remain within one genre, one conventional environment. By not so much combining the two but rather looking both ways in perceiving an impression of the world, Robert E. Sherwood and those who adapted his play, stages a confrontation between the two outlooks, holding them up side by side and relating their shocking compatibility. That is what is very special about The Petrified Forest. For a picture made in the 1930s, it is exceptionally written and acted, a timeless work of eagerness and tenderness amidst peers which were poles apart.


text: Op basis van het toneelspel van Robert E. Sherwood is The Petrified Forest een karakterstudie die draait om het idee van wat het betekent om 'Amerikaans' te zijn. Omdat ik zelf geen Amerikaan ben, moet ik toegeven dat films als deze me vaak op de zenuwen werken, maar dankzij goed gekozen personages en geweldig acteerwerk; het enige wat je van deze film kunt zeggen is dat het een echte klassieker is. De film speelt zich voornamelijk af in een benzinestation midden in de woestijn, en wat begint als een nogal geïmproviseerd romantisch verhaal, verandert in iets onheilspellenders als een loslopende gangster besluit zich in het benzinestation te verstoppen en de hele inzittende gegijzeld houdt. De plot draait om het personage van Alan Squier, een mislukte schrijver op zoek naar een doel. Als hij bij het benzinestation komt, ziet hij al snel de tragische 'woestijnrat', Gabrielle Maple, en het duurt niet lang of ze is smoorverliefd op zijn slimme observaties en mysterieuze persoonlijkheid. Voor hij besluit te vertrekken, hebben de twee een tastbare band. Maar het duurt niet lang voordat hij de voornoemde gangster tegen het lijf loopt, en de spanning loopt op als ze allemaal weer bij het benzinestation aankomen.<br />Op het bord achter de bar staat dat fooien geven niet is toegestaan omdat het on-Amerikaans is. Dit idee is in de hele film aanwezig, en de regisseur Archie Mayo maakt goed gebruik van de kapitalistische thema's. De film werkt voornamelijk omdat de personages zo goed zijn uitgewerkt, en dat levert later in de film, als hun onzekerheden en motieven aan het licht komen, veel geld op. De film is ook een vroege voorloper van toekomstige talenten, en hoewel hij niet echt de ster van de film is, is het niet verbazingwekkend dat het Humphrey Bogarts gezicht is dat de voorkant van de film siert. Bogart is briljant als de amorele gangster, en zijn personage wordt briljant gecompenseerd door types als Leslie Howard en Bette Davis. Davis zou beroemd worden door sterke optredens in films als _All About Eve_ en _What ever happened to Baby Jane_, en hoewel haar rol haar die kans niet geeft, past ze goed in haar rol. Leslie Howard wordt een beetje monotoon, maar hij speelt zijn rol goed en levert een uitstekende hoofdrol. De woestijnscène is passend, omdat die het isolement van de situatie goed weergeeft, en over het geheel genomen is dit een perfect geënsceneerde film die alle aspecten goed laat uitkomen.

text_en:
Based on the stage play by Robert E. Sherwood, The Petrified Forest is a character study revolving around the idea of what it means to be 'American'. Not being American myself, I have to admit that films like this often get on my nerves; but thanks to well defined characters and some great acting; the only thing that this film can be rated as is a true classic. The film takes place mostly in a gas station in the middle of the desert, and what starts out as a rather impromptu tale of romance turns into something more sinister when a gangster on the loose decides to hide out in the station, taking all of its occupant's hostage. The plot centres on the character of Alan Squier; a failed writer looking for a cause. When he happens upon the gas station, he soon notices the tragic 'desert rat', Gabrielle Maple, and it's not long before she's infatuated with his clever observations and mysterious personality. The two share a tangible link, before he decides to leave. But it's not long before he runs into the aforementioned gangster, and the tensions are revved up when they all end up back at the gas station.

The sign behind the bar states that tipping isn't allowed as it's un-American. This idea is rampant throughout the film, and director Archie Mayo makes good use of the capitalist themes. The film works chiefly because its characters are so well defined, and this pays dividends later in the film when their insecurities and motives begin to surface. The film is also a great early showcase for future talent, and although he's not really the star of the film; it isn't surprising that it's Humphrey Bogart's face that adorns the front cover. Bogart is brilliant as the amoral gangster, and his character is brilliantly offset by the likes of Leslie Howard and Bette Davis. Davis would become famous for strong performances in films such as All About Eve and What Ever Happened to Baby Jane, and although her part here doesn't give her that opportunity; she fits into her role well. Leslie Howard gets a little monotonous, but he portrays his character well and delivers a fine lead performance. The desert setting is apt as it conveys the isolation of the situation well and overall this is a perfectly pitched film that makes every aspect work.


text:
Ik heb deze film waarschijnlijk 10 keer in mijn leven gezien, de meest recente de dvd-uitgave met een paar leuke extra's.
Ik ben al bijna 25 jaar een grote Bogart-fan en deze film maakte hem duidelijk aan het begin van zijn tweede, meer volwassen avontuur in de filmwereld. De acteerprestaties zijn goed, hoewel ik niet denk dat de footballspeler zo goed was.
Ik moet zeggen dat ik het interessant vind om de interactie tussen de zwarte personages te zien; het was erg grappig en het was ook ver voor het moment dat het zover was. Hoewel sommige verwijzingen in deze film verloren zijn gegaan voor jongere kijkers, vind ik nog steeds dat hij goed overeind is gebleven en het zeker de moeite waard is om naar te kijken, ook al ben je geen fan van Davis of Bogart.

text_en:
I have probably seen this film 10 times in my life, the most recent the DVD version which has some nice extras.

I have been a huge Bogart fan for close to 25 years and this movie defined him right at the start of his second, more mature venture into films. The acting is good all around, although I don't think the football player was that good.

I have to say that I find it interesting seeing the interaction between the black characters; it was very funny and also quite ahead of it's time.

Although some of the references in this film are lost to younger viewers, I still think it has held up well and certainly is worth watching even if you are not a Davis or Bogart fan per se.


text: Zoveel inhoud in de film. Alleen de dialoog al houdt je geboeid. De enige reden waarom ik deze film een 9 geef en geen 10, is omdat Bogies handhouding me afleidt. Hij loopt als een aap. Zelfs als hij zogenaamd Dillinger imiteert <0xE2><0x80><0x93> het is vreemd om naar te kijken. Ik genoot ook van de gesprekken tussen de getrouwde stellen <0xE2><0x80><0x93> heel komisch en een verfrissende afwisseling van de serieuze situatie met de gangsters. Ik hield ook van de relatie tussen het personage van Betty Davis en haar nieuwe geliefde <0xE2><0x80><0x93> helemaal geen sentimenteel liefdesverhaal. Heel volwassen gevoelens bij Leslie <0xE2><0x80><0x93> hij is behoorlijk boeiend. Een uitstekende causeur en geestig en ook snel.

text_en: Such substance in the movie. Just the dialogue alone keeps you intrigued. The only reason I give this movie a 9 and not a 10 is because Bogies hand position is distracting. He walks like an ape. Even if he is supposedly imitating Dillinger - it's weird to look at. I also enjoyed the married couples side conversations - very comical and a refreshing change from the serious situation with the gangsters. Also loved the relationship between Betty Davis' character and her new love interest- not a sappy love story at all. Very mature feelings on Leslie's character - he is pretty captivating. Deep conversationalist and witty and quick as well.


text:
Is er zoiets als het waarderen van een melodrama terwijl je er tegelijkertijd om moet lachen? Als dat zo is, dan doet deze film dat voor mij. Alles wat andere gebruikers hebben gezegd over de overacting, de woordkeus, de overdreven karakteriseringen en dergelijke is waar, maar op de een of andere manier werkt het nog steeds en levert het een prettige film op.

Bogie is zoals altijd fantastisch (al houdt hij zijn armen een beetje als een primaat vast als hij loopt), Leslie Howard speelt de waterige romanticus die Leslie Howard het beste speelt, het gezicht van Bette Davis jaagt me voor de verandering eens niet de stuipen op het lijf (niet dat ik Bette Davis beledig, fans, ze is een geweldige actrice, maar ik heb haar voor het eerst gezien in 'The Nanny' en zo zal ik haar altijd blijven herinneren). De plot is een beetje buitenissig, maar als je het niet letterlijk neemt (een nietsnut van een artiest ontmoet serveerster en vraagt een paar uur later of ze doodgeschoten wil worden zodat ze een reisje naar Frankrijk kan maken), maar meer figuurlijk (een gedesillusioneerde man is bereid alles op te offeren zodat iemand van wie hij houdt haar dromen kan vervullen), is het schrijnend. In de letterlijke zin is de film op een bijna komische manier vermakelijk (je weet echt niet wat ze hierna gaan zeggen) en in de meer theoretische zin is het een serieus drama.

text_en:
Is there such a thing as appreciating melodrama while being amused by it? If so, that is what this film does for me. Everything that other users have said about the overacting, wordiness, exaggerated characterizations, etc. is true, but somehow it still works and produces an enjoyable movie.

Bogie is fabulous as always (although he does hold his arms a bit like a primate when he walks), Leslie Howard is playing the watery romantic that Leslie Howard does best, Bette Davis's face actually doesn't frighten me for once (no offense Bette Davis fans, she's a great actress, but I first saw her in "The Nanny" and that is how I will always remember her).

The plot is a little outlandish, but if you don't take it literally (good-for-nothing artist meets waitress and a couple of hours later asks to be shot so that she can take a trip to France) but more figuratively (disillusioned man is willing to sacrifice everything so that someone he loves can fulfill her dreams) it is more poignant. At the literal level the film is entertaining in an almost comedic way (you really don't know what they are going to come out with next) and on a more theoretical level it is a serious drama.


text: Het lijdt geen twijfel dat Andy Milligans filmwerk beïnvloed werd door Andy Warhol. Dat doet de overleden Milligan helemaal niet te kort <0xE2><0x80><0x93> toen hij in de jaren vijftig toneelstukken in elkaar zette, was ongetwijfeld veel van de esthetiek die je in VAPORS en FLESHPOT ON 42nd STREET zag al intact. Het is alsof Warhol invloed had op het maken van de film, terwijl Tennessee Williams toch invloed had op de inhoud. Ik vond Milligans VAPORS (zie mijn recensie) een meesterwerk, waarin eenzaamheid, wanhoop en seksuele verwarring op een stoutmoedige en eerlijke manier werden behandeld. Je hoeft geen biseksueel of homo te zijn om in zo'n film de menselijkheid en universaliteit te vinden. Voor mij is FLESHPOT al even goed. VAPORS deed misschien denken aan het begin van Warhol, toen Andy zelf voor de camera stond, maar FLESHPOT doet denken aan de tijd van Paul Morrissey. Er is hier geen Joe Dallesandro, maar Milligan draaide nooit om'sterren' zoals Warhol dat deed. Dit is het verhaal van twee mensen die seksueel in de war zijn en seksueel gefrustreerd, en die tot de ontdekking komen dat ze op elk niveau van hun bestaan moeten'sjokken'. Ze mogen dan in de goot zitten, maar ergens in hun binnenste hebben ze allebei een vonk van romantiek en dromen ze van een beter leven... op de een of andere manier, ergens. Neil Flanagan (alias 'Lynn' Flanagan) geeft de rol van koningin Cherry Lane veel diepte <0xE2><0x80><0x93> het ene moment lief, het volgende krengerig; vriendelijk en attent, maar dan weer onnadenkend. Flanagan is iedere Milligan-fan natuurlijk bekend door het spelen van GURU in GURU THE MAD MONK. Diana Lewis' andere rollen lijken voornamelijk pornografisch te zijn, maar ze maakt de rol van Dusty onbehaaglijk echt. Iedereen heeft wel een paar Dusty's gekend <0xE2><0x80><0x93> de persoon die bij iemand intrekt en in feite seksuele gunsten verleent in ruil voor kost en inwoning en zo nu en dan wat zakgeld. Een aantal mensen heeft op een laag pitje in hun leven een Dusty gehad. Ze is keihard, cynisch, weet hoe ze goedgelovigen moet manipuleren, maar ook zij droomt van een beter leven dat zelfs de louche New Yorkse onderbuik niet heeft uitgedoofd. Sommige mensen slagen erin een uitweg te vinden of ergens anders heen te gaan en zichzelf opnieuw uit te vinden, maar de meesten lukt dat niet, en dit is hun verhaal. De schokkerige 16mm-foto's van Milligans legendarische Auricon-camera spelen bijna een rol in de film en maken alles tot leven en in beweging, zoals het ook in het echte leven gebeurt. Er wordt veel aandacht besteed aan de dialoog in Milligans werk uit de jaren zestig en begin jaren zeventig <0xE2><0x80><0x93> misschien was de man in wezen een toneelschrijver. Als het goed werkt, werkt Milligans dialoog net zo goed als sommige van de latere, minder symbolische, meer expliciete toneelstukken van Tennessee Williams. Omdat dit een film van Andy Milligan is, is er geen happy end, maar deze film zou vals en onoprecht zijn als hij er wel een had. FLESHOT ON 42nd STREET is een eerlijke kijk op personages die in een stadsjungle leven, een plek waar je, als je niet misbruik maakt van de volgende persoon die je tegenkomt, die persoon wel misbruik van jou zal maken. Milligan oordeelt niet over deze personages; hij vindt de menselijkheid in hen. Dit is te vergelijken met het beste van de Warhol-Morrissey-films, en op zich is het een indrukwekkend stuk werk dat accurater en rijker lijkt naarmate ik ouder word en hoe langer ik leef. Wacht geen dertig jaar tot iemand dit tot een meesterwerk verheft en tot een van de belangrijkste'vensters' van de vroege jaren zeventig, en dat het wordt vertoond op een of ander filmfestival naast TAXI DRIVER <0xE2><0x80><0x93> je kunt nu al een exemplaar scoren.

text_en: There's no question that Andy Milligan's film work was influenced by Andy Warhol. That doesn't downgrade the late Mr. Milligan at all-- no doubt when he was putting together plays in the 1950s, much of the aesthetic seen in VAPORS and FLESHPOT ON 42nd STREET was already intact. It's as if Warhol influenced the film-making, yet Tennessee Williams influenced the content. I thought Milligan's VAPORS (see my review) was a masterpiece, treating loneliness, desperation, and sexual confusion in a bold and honest way. You don't have to be bisexual or gay to find the humanity and universality in such a film. For me, FLESHPOT is equally fine. If VAPORS was reminiscent of early Warhol, when Andy himself was at the camera, FLESHPOT is reminiscent of the Paul Morrissey era. There's no Joe Dallesandro here, but Milligan was never about "stars" the way Warhol was. This is the story of two people who are sexually confused and sexually frustrated, and find that they have to "hustle" on every level of their existence. They may be in the gutter, but they both have somewhere inside them a spark of romance and dreams of a better life...somehow, somewhere. Neil Flanagan (aka "Lynn" Flanagan) brings a lot of depth to the role of queen Cherry Lane--sweet one moment, bitchy another moment; kind and considerate, but then thoughtless. Flanagan is, of course, familiar to any Milligan fan because of playing GURU in GURU THE MAD MONK. Diana Lewis's other credits seem to be mostly porn, but she makes the role of Dusty uncomfortably real. Everyone has known a few Dustys--the person who moves in with someone and basically provides sexual favors in return for room and board and some occasional pocket money. A number of people have BEEN Dustys at some low period in their lives. She is hard-bitten, cynical, knows how to manipulate the gullible, but she too has a dream of a better life that even the sleazy New York underbelly has not snuffed out. Some people manage to find a way out, or move somewhere else and reinvent themselves successfully, but many do not, and this is their story. The jumpy 16mm photography of Milligan's legendary Auricon camera almost becomes a participant in the film, and makes everything alive and moving, the way it does in real life. There's a lot of attention to dialogue in Milligan's 60s and early 70s work--the man may have been essentially a playwright. When it works well, Milligan's dialogue works as well as some of the later, less symbolic, more explicit Tennessee Williams plays. This being an Andy Milligan film, there are no happy endings, but this film would be phony and insincere if it offered one. FLESHPOT ON 42nd STREET is an honest look at characters living in an urban jungle, a place where if you don't take advantage of the next person you meet, that person will take advantage of you. Milligan does not judge these characters; he finds the humanity within them. This is equal to the best of the Warhol-Morrissey films, and in its own right is an impressive piece of work that seems more accurate and more rich the older I get and the more I've lived. Don't wait three decades for someone to proclaim this a masterpiece and one of the most significant "windows" into the early 70's, and for it to be shown at some film festival alongside TAXI DRIVER--score a copy now.


text: Als een van de minst getalenteerde filmmakers aller tijden krijgt Andy Milligan een hoop harde kritiek over zich heen. Als ik alleen maar zijn, toegegeven, waardeloze griezelfilms had gezien, zou ik het beslist met hem eens zijn geweest. Maar na het lezen van 'The Ghastly One' (een van de beste biografieën aller tijden) en het zien van dit, een seksploitation-drama dat hij zelf heeft gemaakt, bijt ik op mijn tong. De man maakte films op budgets die H.G. Lewis ondenkbaar zou vinden en zijn misantropische wereldbeeld komt luid en duidelijk over. Elke Milligan-film, zelfs op z'n slechtst, zorgt voor een dwangmatige bezienswaardigheid, vooral als je de achtergrond van de man een beetje kent. Maar 'Fruitsalade op 42nd Street' is een werkelijk goede film, op een heel smerige manier. Het acteerwerk is goed, de personages zijn sympathiek, en de film heeft een echt unieke sfeer.<br />Een van de belangrijkste redenen voor het succes van de film is de centrale rol van Laura Cannon. Ze is sympathiek en komt over als een naïeve, onschuldige vrouw in een verdorven wereld. Voor iemand die zo berucht is om haar vrouwenhaat is het nogal vreemd om zo'n sympathieke vrouw te zien. Harry Reems (die het jaar daarvoor de hoofdrol had in de legendarische 'Deep Throat') is ook goed als de man die haar een uitweg uit het straatleven biedt. Milligans regie is nietszeggend, maar hij maakt veel gebruik van locatie-opnamen. De achtergrond van de man bestond uit toneelstukken en dat is te zien. 'Fleshpot on 42nd Street' zou een geweldige alternatieve theaterproductie zijn geweest.

text_en:
Andy Milligan receives a lot of harsh criticism as one of the least talented filmmakers ever. If I had only seen his admittedly lousy horror films, I'd definitely agree. However, after reading "The Ghastly One" (one of the best biographies ever) and seeing this, a sexploitation drama he made, I completely bite my tongue. The man made films on budgets H.G. Lewis would find unthinkable and his misanthropic world view comes through loud and clear. Any Milligan film, even at their worst, makes for a compulsive viewing, especially if you are a bit familiar with the man's background. However, "Fleshpot on 42nd Street" is a legitimately good film, in a really scuzzy kind of way. The acting is good, the characters sympathetic, and it has a really unique vibe.

One of the core reasons for the film's success is the central performance from Laura Cannon. Shes sympathetic and comes across as a naive innocent in a depraved world. For someone as notoriously misogynistic as Milligan, its rather odd to see such a likable female character. Harry Reems (who starred in the legendary "Deep Throat" the year before) is also good as the man who offers her an escape from the street life. Milligan's direction is bland, but he makes great use out of location filming. The man's background was in plays and it shows. "Fleshpot on 42nd Street" would've made a great alternative theater production. (8/10)


text: Hoe briljant de film technisch ook is, om nog maar te zwijgen van het voortreffelijke scenario, hij wordt nogal ontsierd door de hypnotiserende prestatie van Joe Powers (ook wel Richard Towers genoemd <0xE2><0x80><0x93> bij ons allemaal natuurlijk bekend als Gaylord St. James). Het is moeilijk te zeggen wat hem tot zo'n filmpersoonlijkheid maakt, maar ik denk dat hij een van de meest misdadig ondergewaardeerde acteurs is die Hollywood ooit heeft geproduceerd. Hij bestormt het scherm met een kalme maar charismatische grootsheid. Hij heeft geen Oscars <0xE2><0x80><0x93> ongelooflijk.<br />De rest van de film is een gladde, bedachtzame meditatie over de aard van identiteit, seksuele vrijheid en de radicale onbepaaldheid van taal. Het roept vragen op over de stadse verveling van de jaren zeventig, vragen die andere films niet durfden te fluisteren, en de esthetiek ervan <0xE2><0x80><0x93> die wazige, kinetische cinematografie en het prachtige, schokkende camerawerk <0xE2><0x80><0x93> doet me denken aan een jonge Godard. Maar uiteindelijk overtreft Gaylord St. James dit alles.

text_en:
For all its technical brilliance, not to mention its finely-crafted script, this film is rather stolen by the mesmerizing performance of Joe Powers (aka Richard Towers - known to us all, of course, as Gaylord St. James). It is difficult to pin down quite what makes him such a screen presence, but I do think he is one of the most criminally under-rated actors Hollywood has produced. He just commands the screen with a quiet but charismatic majesty. He has no Oscars - unbelievable.

The rest of the film is a slick, thoughtful meditation on the nature of identity, sexual freedom, and the radical indeterminacy of language. It poses questions about 1970s urban ennui that other films dared not whisper, and its aesthetics - that hazy, kinetic cinematography and beautifully jarring camera-work - put me in mind of a young Godard. But, in the end, Gaylord St. James trumps all this.


text:
Om deze film echt te kunnen waarderen, moest je erbij zijn (acteren?) of lid zijn van de filmploeg.
Ja, ik ben 'Selena' en op de rijpe leeftijd van 42 heb ik ernstige twijfels over wat we deden/deden.
Het begon allemaal als een soort 'John Waters'-gebeuren, vrienden die zich misdragen in slechte films. Op een gegeven moment hield de lol op, zeiden mensen die geacht werden vrienden te zijn niets meer, en werd BAD erger.
Ik betreur het slechte imago dat ik misschien heb geprojecteerd. (Probeer in een goudkleurige spandex broek maat 46 te passen.)
Afgezien daarvan is de film zo slecht dat ik mijn moeder er niet eens naar liet kijken. '
Tegen mijn regisseur, cast en crew zeg ik: '
'Waarom kunnen we niet gewoon allemaal met elkaar opschieten?'
'Het is al over twintig jaar, mensen!'

text_en:
To truly appreciate this film you had to be there (acting?) or have been a crew member.

Yes, I am "Selena", and at the ripe old age of 42, have serious doubts about what we were doing/did.

It all started out to be like a "John Waters" type thing, friends acting badly in bad films. Somewhere along the line,the fun discontinued, people who were supposed to be friends didn't speak anymore, and BAD became worse.

I regret the bad image I might have projected.(Try to fit in size one gold spandex pants,)

Other than that, the film SUCKS so badly, I would not even make my mama watch it.

To my director, cast and crew I say,

"Why can't we just all get along??

It's been OVER TWENTY YEARS, PEOPLE!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!


text: Drie jonge bioscoopmedewerkers krijgen de taak een lang, gesloten, ouderwets theater te heropenen, waar vele jaren eerder een schokkende reeks gruwelijke moorden heeft plaatsgevonden. Het lijkt erop dat er sindsdien nog veel meer moorden hebben plaatsgevonden, maar dit blijft allemaal onbekend voor deze drie jonge parvenu's die hopen het eindelijk in hun eentje groot te kunnen maken. Als ze de grootse heropeningsavond naderen, wordt alles steeds vreemder en verwarrender met voorwerpen die plotseling zonder zichtbare hulpmiddelen beginnen te bewegen en een angstaanjagende oude man die het theater lijkt te bevolken.<br />O, dit is echt afschuwelijk. Sterker nog, als Mary Woronov er niet was geweest...' Het enige andere goede dat ik over deze film te zeggen heb, is dat sommige van de bioscoopmoorden werkelijk inventief worden uitgevoerd, zij het niet al te bloederig (een voorkeur van mij, maar niet noodzakelijkerwijs van anderen), volgens de mode van dat moment. De rest zwelgt alleen maar in een voortdurende smerigheid (zo extreem dat de zeldzamen onder ons er misschien nog iets van humor in kunnen ontdekken) en volgt het ene na het andere voorspelbare, bloeddorstige slachtoffer van de een na de ander.

text_en:
Three young movie theater employees are given the task of re-opening a long closed old-time theater at which many years before a shocking series of grisly murders took place. It seems many more murders have occurred since then but all of this remains unknown to these three young upstart employees hoping to finally make it big on their own. As they approach the grand re-opening night, things keep getting stranger and more unsettling with items suddenly starting to move around by themselves without any seen aid and a terrifying old man seemingly haunting the premises.

Oh, this is truly horrible. In fact, if it wasn't for Mary Woronov's secretary character being such a fiercely independent outspoken empowered young woman who steals practically every scene in which she appears and the incredibly hot chick who played the unbelievably sleazy yet totally sexy Selina, this would be a total loss. The only other good thing I have to say about this film is some of the movie theater murders are done in truly inventive, albeit not overly gory (a preference for me but not necessarily for others), fashion. The rest just wallows in constant sleaze (so extreme the rare few may actually find humor in it) and runs through the predictable slasher kills annoying characters off one after the other routine.


text:
Ik ben het met je eens dat Mary Woronov (Murdochs secretaresse) een van de weinige goede rollen in deze film is. Ze is mijn favoriete actrice, elke rol die ze speelt is altijd zo goed. Haar personage is sluw, sarcastisch, slim, luchthartig, grappig en sluw. Ze speelt deze rol echt goed en je krijgt een goed gevoel voor waar haar personage over gaat.
De rest van de film is vrij slecht. De muziek is het meest onderhoudende wat er is. Een van de personages heeft een heel vreemde ronde radio die ze meeneemt terwijl ze haar strakke zebrastreepje draagt. Een van de intrigerende aspecten van het verhaal was het idee dat iemand die drie studenten inhuurt om een oud, verlaten theater op te knappen. Hij geeft hun de sleutels en zegt: ga je gang. Dat zou echt leuk zijn en ik wou dat iemand me die kans gaf! Stel je voor dat je met twee andere mensen een oud, verlaten theater binnengaat en dat je besluit hoe je het wilt inrichten en opknappen. Je hebt de volledige controle over het hele gebouw. Dat zou zo leuk zijn! Helaas zien de personages dit niet als een opwindend avontuur, ze zien het als een grote klus. Ze lopen met een lang gezicht rond en maken de hele tijd ruzie met elkaar. Het is een beetje een afknapper. Maar het is leuk om na te denken over de mogelijkheden waar deze mensen niet eens enthousiast over zijn.
De film slaagt er aardig in om je een hulpeloos of een beetje bang gevoel te geven over het theater zelf. Maar de acteerprestaties (afgezien van Woronov... en misschien Murdoch, de baas <0xE2><0x80><0x93> alleen al omdat hij een heel goede, geldbeluste, nepglimlachende zakenman maakt die nooit geluk heeft) zijn echt afschuwelijk en uiteindelijk voel je je onbevredigd. Bovendien is de willekeurige slapstick een beetje smakeloos en verpest hij min of meer de realiteit die de film probeert te creëren. Als je Mary Woronov een beetje kent, weet je dat elektronische elektronische beats in de stijl van Casio's Casio-toetsenbord uit de jaren tachtig heel intrigerend kunnen zijn.

text_en:
I agree that Mary Woronov (Murdoch's secretary) is one of the only good things about this film. She is my favorite actress ever, every role she plays is always done so well. Her character is sly, sarcastic, clever, light hearted, funny and cunning. She really pulls this role off well and you get a good feel for what her character is all about.

The rest of the movie is pretty bad. The music is the most entertaining thing left. One of the characters has this really strange circular radio that she brings with her while she wears her tight zebra striped tank top.

One thing that was a little intriguing about the story was the idea that someone hires these three college-aged kids to spruce up an old abandoned theater. He gives them the keys and says - go at it. That would be really fun and I wish someone would give me that chance! Imagine going into an old abandoned theater with two other people and you get to decide how to decorate it, and fix it up. You have total control over the whole building. That would be so fun! Unfortunately, the characters do not think of this as an exciting adventure, they think of it as a big chore. They walk around with long faces and fight with each other the whole time. It's kind of a bummer. But it's fun to think about the possibilities that these people aren't even excited about.

The movie does a pretty good job at making you feel helpless or a little spooked out by the theater itself. However, the acting (besides Woronov.. and possibly Murdoch, the boss - just because makes a really good money hungry fake smiley business man who never has any luck) is really horrible and you just end up feeling unsatisfied. Plus, the random slapstick is a little tacky and kind of ruins the reality that the film tries to create.

Watch this if you dig Mary Woronov, funky 80's Casio keyboard style electronic beats and if you think having a giant spooky abandoned theater to yourself is at all intriguing.


text: De meest keiharde filmfanaat zal verbaasd staan over de algehele onbekwaamheid van deze 'film'. Mary Woronov, een slimme actrice die vooral bekend is van haar rollen als Mary Bland in _Eating Raoul_ en juffrouw Togar in _Rock 'n' Roll High School_, is verreweg de beste van al die onzin. Deze film is bijna te erg, zelfs voor MST3K <0xE2><0x80><0x93> echt waar!

text_en: The most hardcore bad film buff will be surprised by the overall ineptness of this grade-z "film". Mary Woronov, a clever actress best known for her roles as Mary Bland in Eating Raoul and Miss Togar in Rock 'N' Roll High School, is by far the best thing about this tripe. This film is almost too bad even for MST3K - honestly!


text: Deze film was zo stom en traag dat hij altijd traag was. Het enige goede aan de film was het meisje in de strakke goudkleurige broek. Er was geen bloederige hoe-heet-ie-ook-alweer en wat is een griezelfilm uit de jaren tachtig zonder een beetje bloed. Bovendien was de moordenaar helemaal niet eng en de moorden ook niet. Maar als je graag naar de ergste horrorfilm ter wereld kijkt, dan is dit iets voor jou. Verspil je tijd niet zoals ik deed toen ik dit zag.

text_en: This movie was so dumb and slow was it ever slow. The only good part of the film was the girl in the tight shinny gold pants. There was no gore whatsover and what is a 80's horror movie without a little gore. Plus the killer wasn't at all scary nor were the murders. But if you like to watch the world's worst horror movie then this is for you. Don't waste your time like I did watching this.


text: Een bioscoop met een slechte voorgeschiedenis van gruwelijke moorden uit het verleden gaat weer open. Natuurlijk beginnen de bloederige moorden opnieuw. Geschreven, geregisseerd, opgenomen, gescoord en met een ontstellend gebrek aan flair en finesse geregisseerd door de buitengewoon talentloze Rick Sloane (die later celluloid nog eens te schande maakte met de absoluut afgrijselijke 'Hobgoblins'), slaat deze gruwelijk stuntelige poging tot een bloederige spoof op iets wat op elke denkbare manier verrot is: het folterend lethargische ijsberen, de pijnlijk statische, korrelige cinematografie (er is een stinkend overschot aan saaie meesterfilms in verwerkt), een irritant dreunende en overbodige zoemende synthesizer-plaat, de vlakke (geen) regie, een langdradig spraakzaam en saai scenario, het kreunende gevoel voor laag-bij-de-grondse humor van de middelbare-school-student, de bloedeloze moordscènes, een deerniswekkend onaantrekkelijke moordenaar (hij). Het is gewoon een gerimpelde oude man met pastelkleurige make-up), de allemaal even onaantrekkelijke en onaantrekkelijke personages, een onbevredigend abrupt einde en levenloze optredens van een opvallend ongeïnspireerde cast zorgen er allemaal voor dat het kijken naar deze kleffe troep net zo leuk en bevredigend is als het eten van ranzige, rauwe paling die is doordrenkt met zure azijn. Deze troep mist de noodzakelijke ruwe charme en slonzige kracht die nodig zijn om leuke troep te zijn. In plaats daarvan is het gewoon een saai, ploeterend en meanderend zootje dat nooit vlam vat of ook maar in de verste verte amusant wordt op een zo-slonzig-is-het-rookachtige manier. Slechts een klein beetje naaktheid en de verrukkelijke aanwezigheid van de altijd betrouwbare Mary Woronov als sarcastische secretaresse bieden enige verlichting van de algehele prullerigheid van deze waardeloze loser.

text_en: A movie theater with a bad history of past gruesome murders reopens. Of course, the bloody killings start anew. Written, directed, shot, scored and edited with an appalling lack of flair and finesse by the singularly talentless Rick Sloane (who later disgraced celluloid some more with the absolutely atrocious "Hobgoblins"), this horrendously ham-fisted attempt at a slasher spoof strikes out something rotten in every conceivable way: the excruciatingly lethargic pacing, the painfully static, grainy cinematography (there's a stinky surplus of drab master shots featured throughout), an annoyingly droning and redundant hum'n'shiver synthesizer score, the flat (non)direction, a tediously talky and uneventful script, the groan-inducing sophomoric sense of lowbrow humor, the bloodless murder set pieces, a pitifully unscary killer (he's just some wrinkled-up old guy in pasty make-up), the uniformly obnoxious and unappealing characters, a dissatisfyingly abrupt ending, and lifeless performances from a noticeably uninspired cast all ensure that watching this schlocky swill is about as fun and rewarding as eating rancid raw eels drenched with sour vinegar. This crud totally lacks the necessary crude charm and sleazy vigor required to be enjoyable junk. Instead it's just a bland, plodding and meandering stiff that never catches fire or becomes even remotely amusing in a so-shoddy-it's-smoking sort of way. Only a smidgen of nudity and the delightful presence of the always dependable Mary Woronov as a snarky, sardonic secretary provide a little relief from the overall crumminess of this lousy loser.


text:
Dean en Sam gaan naar Hibbing, Minnesota, om de mysterieuze verdwijning van een plaatselijk persoon te onderzoeken. Eenmaal daar beseffen ze dat er veel vermiste personen zijn. Als Sam verdwijnt op een parkeerterrein, vraagt Dean om hulp aan agent Kathleen (Jessica Steen), wier broer een paar jaar geleden ook is verdwenen. Dean en de sheriff onthullen dat Sam is ontvoerd door een gestoorde plattelandsfamilie die op mensen jaagt.
'The Bender' is de engste aflevering van deze serie tot nu toe. In dit spannende verhaal staan de gebroeders Winchester niet tegenover demonen, geesten of duivels, maar tegenover zieke mensen die erger zijn dan hun gebruikelijke vijanden. Ik hield van de open scène waarin Kathleen de vader van de Benders vermoordt; het is niet expliciet en elke toeschouwer mag zijn of haar eigen interpretatie geven. In mijn optiek is het recht door de handen van de vrouwelijke sheriff tot stand gekomen. Mijn stem is tien tegen één.
Titel (Brazilië): 'A Famtelia Bender' ('De Bender-familie').

text_en:
Dean and Sam go to Hibbing, Minnesota, to investigate the mysterious disappearance of a local. Once there, they realize that there are many missing persons in the place. When Sam vanishes in a parking area, Dean asks for help to Officer Kathleen (Jessica Steen), whose brother also disappear a couple of years ago. Dean and the sheriff disclose that Sam was abducted by a family of deranged hillbillies that hunt human beings.

"The Bender" is the scariest episode of this series up to this moment. In this tense story, the Winchester brothers do not face demons, ghost or fiends, but sick human beings worse than their usual enemies. I liked the open scene when Kathleen kills the father of the Benders; it is not explicit, and each viewer is allowed to have his or her own interpretation. In my point of view, justice worked through the hands of the female sheriff. My vote is ten.

Title (Brazil): "A Família Bender" ("The Bender Family")


text:
Een goede aflevering voor het simpele feit dat er in deze aflevering geen monsters zitten. Nou ja, er zijn er wel, maar het zijn mensen, wat deze aflevering tot een van de engste uit de serie maakt.

Vampiers, zombies, demonen en andere soorten van hun soort kunnen misschien interessant zijn om naar te kijken, maar we weten diep in ons hart dat ze niet om de hoek op de loer liggen voor ons. Terwijl dat bij menselijke moordenaars niet het geval is. De broers gaan in een vermist-mensenscenario, omdat ze denken dat het het werk is van het soort wezens waarop ze jagen. Maar als ze ontdekken dat het maar al te menselijk is en met de hulp van een bijna vriendelijke vrouwelijke sheriff, ontdekken ze de diepten van het kwaad waar mensen in kunnen verzinken. Een goede plot op het droge en een bevredigende afsluiting maken dit tot een uitstekende aanvulling op de lopende serie.

text_en:
Good episode for the simple fact there are no monsters in this one. Well,actually there are but they are human ones, which makes this one of the most scary in the series.

Vampires, zombies, demons and other assorted types of their ilk may make for interesting viewing, but we know in our heart of hearts that they are not lurking around the corner for us. Whereas with human killers, that is not the case. The brothers enter a missing people scenario thinking it the work of the type of creatures they hunt. Only to find it is all too human and with the aid of a almost friendly female sheriff, they discover the depths of evil that people can sink to.

A good 'Deliverance' type plot on dry land and a satisfying conclusion make this an excellent addition to the ongoing series.


text: Een van de eerste programma's waarin de broers het tegen de mensen opnemen in plaats van tegen het bovennatuurlijke. De verhaallijn van Benders was te kort voor een programma van een uur; een mogelijk tweede deel had gerechtvaardigd kunnen zijn. De schrijvers hadden meer karakterontwikkeling van het gestoorde boerengezin kunnen geven. Het motief of de opbouw van het gezin kon voor grote spanning in het verhaal zorgen. Benders is een hommage aan The Texas Chainsaw Massacre en soortgelijke films als _Wrong Turn_. Elke keer dat de kijker de huiveringwekkende boerderij ziet, kan hij of zij zich een soortgelijke film/verhaal herinneren met het lege en eenzame plattelandshuis. Dean en Sam laten zien hoe de band tussen de broers sterker wordt als Dean een arm uitsteekt om zijn broer Sam te redden. Uiteindelijk laat de vrouwelijke agent de broers verdwijnen om verder te gaan met hun belangrijke missie.

text_en: One of the first shows where the brothers go against humans instead of the supernatural. Benders storyline was too condensed for a one hour show; a possible second part could have been warranted. The writers could have given more character development of the deranged farm family. The motive or build up of the family could create great story tension. Benders is a homage of The Texas Chainsaw Massacre and other similar films such as Wrong Turn. Every time the viewer sees the chilling farmhouse, he or she can remember a similar movie/story with the vacant and lonely rural house. Dean and Sam show the brother's bond growing stronger with Dean going out on a limb to save his brother Sam. In the end the female officer lets the brothers disappear to carry on with their important mission.


text:
Grote, geweldige aflevering, ik vroeg me af wanneer ze een eerbetoon zouden maken aan films als 'Verkeerde Omgang' en 'Heuvels hebben Ogen', en ze kwamen echt met 'De Benders'.
Ik had geen idee dat deze aflevering over een gestoord, ziek gezin zou gaan dat op mensen jaagt voor de sport, omdat de titel 'De Benders' zou suggereren dat het gaat over bovennatuurlijke wezens die misschien hun uiterlijk kunnen veranderen, zoals vormveranderaars of zoiets.
Hoe dan ook, de aflevering is heel goed geregisseerd, geholpen door heel goede acteerprestaties, vooral van Dean en de agente die hem helpt zijn vermiste broer te vinden die is ontvoerd door de leden van dit zieke gezin.
Episode probeert ons ook te vertellen dat jij niet... Er zijn bovennatuurlijke dingen en monsters nodig om een enge aflevering van een tv-serie of een film te maken, mensen zijn prima!
<0x3E><0x3E> 9/10.

text_en:
Great great episode, i wondered when are they gonna make a tribute to movies like 'Wrong Turn' and 'Hills Have Eyes', and they really delivered it with 'The Benders'.

I had no clue that this episode will be the one about deranged sick family who hunts people for sport, because its title 'The Benders' would suggest that it's about some supernatural beings who can maybe change their look, like shape-shifters or something like that.

Anyway the episode is very well directed, aided by very good acting performances, specially from Dean and female cop who helps him find his lost brother who was kidnapped by the members of this sick family.

Episode also tries to tell us that you don't need supernatural stuff and monsters to make a scary TV show episode or a movie, humans will do just fine !

9/10


text:
Dit is de eerste aflevering waarin Sam & Dean het opnemen tegen menselijke schurken in plaats van bovennatuurlijke monsters. De show is erop gericht om stadslegendes aan te passen, en ik weet niet zeker of dit verhaal een naam heeft, maar het komt me wel bekend voor. Een familie van achterlijke gekken kidnapt en jaagt op nietsvermoedende slachtoffers voor de lol. Hoe dan ook, dit is een goede aflevering, met veel karakterontwikkeling tussen de broers. De laatste aflevering, 'Nachtmerrie', maakte beide broers duidelijk dat Sams visioenen erger worden. Voor Dean sloeg dit zijn beschermende instincten ten opzichte van zijn kleine broertje in de war. En voor Sam bracht het hem emotioneel dichter bij Dean, die altijd zijn beschermer was geweest. Die band wordt getoond in 'The Benders'. terwijl de broers uit elkaar worden gehaald en elkaar uiteindelijk moeten redden. Het komt erop neer dat je, als je naar een dvd kijkt, deze aflevering echt niet moet overslaan.
'The Benders' draait om Sam die wordt ontvoerd door een enge familie die voor de lol op mensen jaagt. Dean & Sam zijn naar de stad gekomen om een paar onverklaarbare verdwijningen te onderzoeken. Helaas zwerft Sam alleen buiten rond en wordt hij ontvoerd. De arme Sam wordt al snel opgesloten in een kooi op een afgelegen boerderij, samen met een andere ontvoerde man. De gestoorde familie die hen vasthoudt, vermoordt Sams celgenoot en heeft soortgelijke plannen met Sammy. Dean liegt tegen een plaatselijke politieagente die Kathleen heet en zegt dat hij van de staatspolitie is. Hij haalt haar over om hem te helpen Sam te zoeken. Een videocamera op de parkeerplaats waar Sam is verdwenen geeft hun een aanwijzing en al snel zitten ze Sam op de hielen.
Het blijkt dat Kathleens broer jaren geleden ook is ontvoerd en vermoord door de gestoorde familie. Kathleen wordt ook door hen ontvoerd en Dean moet stiekem naar de boerderij om te proberen de zaak te redden. Hij is ongelooflijk opgelucht dat Sammy nog leeft, maar hij kan het niet.' De familie zegt dat ze Sam, Dean en Kathleen zullen vermoorden. Maar Sam komt uit de kooi en redt Dean. Kathleen vermoordt de vader van het moordlustige gezin. Dan zegt ze tegen Sam en Dean dat ze de stad uit moeten voordat de politie komt en vragen gaat stellen. Sam en Dean lopen weer samen de weg af. Dean mompelt dat Dean hem niet meer zal komen zoeken als Sam weer in de problemen komt. 'Jawel, dat doe je wel,' antwoordt Sam. Ik moet lachen als Dean probeert uit te leggen waarom hij in niets lijkt op de echte politieman, wiens identiteit hij heeft gestolen. Hij kijkt naar de foto van de grote, Afro-Amerikaanse man die hij voorwendde te zijn en krimpt een beetje ineen. 'Nou, ik ben een hoop afgevallen. En ik heb die huidziekte van Michael Jackson.' Ik moet erom lachen. Ik vind het echt leuk als Dean Sammy probeert te beschermen. Ze hebben zo'n leuke relatie. Dean kan beginnen met de spot drijven met Sams liefde voor de remake van _Godzilla_, om vervolgens Kathleen te smeken hem te helpen omdat Sam' Het is zijn verantwoordelijkheid sinds de brand in Lawrence, om te dreigen dat hij alle gekken zal vermoorden als zijn broer wordt aangeraakt. Dean is gewoon zo schattig. En ik vind Sam leuk in deze aflevering, aangezien het in werkelijkheid Sammy is die uit de kooi komt. Hij is behoorlijk slim. En ik vind het cool dat Kathleen wraak neemt op haar broer door die enge vader neer te schieten.
In deze aflevering vallen heel veel mensen anderen aan omdat ze een bedreiging vormen voor hun familie. Dean bedreigt het gestoorde gezin voor Sam, de enge vader bedreigt Kathleen voor zijn familie, en Kathleen vermoordt de vader omdat hij haar broer heeft vermoord. Het is interessant. Ten slotte vind ik Deans gesprek met het enge gezin leuk, terwijl hij...' Dean zit vastgebonden op de stoel. Hij is nog steeds niet van plan om zich als een bijdehante hufter te gedragen. 'O, neem me niet kwalijk. Wacht, nee, dat was ik vergeten, misschien doe je dat wel.' Maar tegelijkertijd maakt hij zich zorgen over wat ze met Sam gaan doen. Als ze tegen hem zeggen dat hij moet kiezen op wie ze nu gaan jagen, Sam of Kathleen, aarzelt Dean. Je kunt zien dat hij probeert te bedenken welke optie Sam de beste kans geeft om te overleven. Als de familie uiteindelijk besluit om zowel Sam als Kathleen te vermoorden, is Deans woede eigenlijk een beetje eng.
Aan de ene kant is er iets mis met de manier waarop Dean uit die handboeien komt. Kathleen boeit hem aan het autoportier, en Dean pulkt aan het slot van de boei om zijn pols. Maar terwijl hij daarmee bezig is, komt het gestoorde gezin al de weg af. Vervolgens zien we dat Dean is ontsnapt en dat de handboeien zijn verdwenen. Maar tenzij Dean de tijd heeft genomen om ook het slot aan de kant van de boei die nog aan het autoportier vastzat te wrikken, lijkt het gewoon niet te kloppen.
Mijn favoriete deel van de episode: Dean die zichzelf aan Kathleen beschrijft terwijl hij doet alsof hij van de politie is. 'Ja, Dean. Hij was zo'n beetje het zwarte schaap van de familie... Maar wel knap.' Ik moet er elke keer weer om lachen.

text_en:
This is the first episode where Sam & Dean face human villains instead of supernatural monsters. Adapting urban legends is a trademark of the show, and I'm not really sure that this particular tale has a name, but it's still familiar. A family of backwoods crazies kidnap and hunt unsuspecting victims for sport. Anyway, this is a good episode, with a lot of character development between the brothers. Last episode, "Nightmare," made clear to both brothers that Sam's visions are getting worse. For Dean, this knocked his protect instincts towards his little brother into overdrive. And for Sam, it drove him emotionally closer to Dean, who's always been his protector. That bond is shown in "The Benders," as the brothers are separated and end up having to save each other. Basically, if you're watching on DVD, you really shouldn't skip this episode.

"The Benders" revolves around Sam being kidnapped by a creepy family, who hunts humans for fun. Dean & Sam have come to town to investigate some unexplained disappearances. Unfortunately, Sam wanders outside alone and is abducted. Poor Sam is soon locked up in a cage on an isolated farm, with another kidnapped man. The crazy family holding them, murders Sam's cell mate and have similar plans for Sammy. Meanwhile, Dean is frantic to find his little brother. So frantic that he actually goes to the police for help, for once. Since he's still wanted for murder (Thanks to that shape-shifter in "Skin" killing those people and wearing Dean's face) Dean lies to a local police officer named Kathleen, telling her that he's from the state police. He convinces her to help him look for Sam. A video camera of the parking lot that Sam disappeared from gives them a clue and soon the two of them are hot on Sam's trail.

It turns out that Kathleen's brother was also kidnapped and killed by the crazy family years before. Kathleen is soon abducted by them, too, and Dean has to sneak onto the farm and try to save the day. He is incredibly relieved to find Sammy alive, but he can't get the cages open without a key. Dean is also sort of repulsed by the idea that humans are behind the disappearances. ("Demons I get. People are just crazy.") As he tries to find the key, he is captured, too. The family says that they will kill Sam, Dean, & Kathleen. But Sam gets out of the cage and saves Dean. Kathleen kills the father of the murdering family. Then she tells Sam & Dean to get out of town before the police show up and start asking questions. Sam & Dean start off down the road together again. Dean mutters that the next time Sam gets into trouble, Dean's not gonna come looking to find him. "Yeah, you will." Sam replies.

There are some good parts to this episode. I have to laugh when Dean tries to explain why he looks nothing like the real police officer, whose identity he's stolen. He looks at the photo of the large, African American man who he was pretending to be and sort of winces, "Well, I've lost a lot of weight. And I have that Michael Jackson skin disease thing." It makes me smile. I really enjoy Dean when he's all over protective of Sammy. They have such a cute relationship. Dean can go from making fun of Sam's love of the remake of "Godzilla," to begging Kathleen for help because Sam's been his responsibility ever since the fire in Lawrence, to threatening to kill the entire crazy if the touch his brother. Dean's just so cute. And I like Sam in this episode, since it's really Sammy who gets out of the cage. He's pretty clever. And I think it's cool that Kathleen takes revenge for her brother by shooting the creepy father guy.

Really there's a lot of people attacking others because they pose a threat to their family in this episode. Dean threatens the crazy family for Sam, the creepy father threatens Kathleen for his family, and Kathleen kills the father because he murdered her brother. It's interesting. Finally, I like Dean's conversation with the creepy family while he's tied to the chair. He's still not willing to back down from being a smart-ass. "Oh, eat me. Wait, no, I forgot, you actually might." But at the same time he's worried about what they might do to Sam. When they tell him to choose which person they'll hunt next, Sam or Kathleen, Dean hesitates. You can see him trying to figure out which option will give Sam the best chance of survival. When the family finally decided to kill both Sam and Kathleen, Dean's rage is actually sort of scary.

On the downside, there's something wrong with the way Dean gets out of those handcuffs. Kathleen cuffs him to the car door, and then Dean picks the lock of the cuff around his wrist. But, the crazy family is already coming down the road, as he works on it. Next we see that Dean has escaped and that the handcuffs are gone. But, unless Dean took the time to also pick the lock on the handcuff side that was still attached to the cars door, it just doesn't seem to make sense.

My favorite part of the episode: Dean describing himself to Kathleen, while pretending to be a policeman. "Yeah, Dean. He was kind of the black sheep of the family... Handsome, though." It just makes me laugh every time.


text: Onder de reportages over de plotlijnen die door keiharde horrorfans uit de gloriedagen van het genre zeker zullen erkennen en waar ze gewoon van genieten, zo simpel is het, kon ik niet anders dan het gevoel hebben dat het tijd werd voor 'Bovennatuurlijk' om zich te richten op een paar psychotische rednecks! Het heeft geen bovennatuurlijke thematiek! Goed gedaan, vond ik, desalniettemin. Sam verdwijnt van het parkeerterrein van een motorcafé, tot Deans ontzetting, en met de hulp van een potentieel vriendelijke vrouwelijke politieagent probeert hij zijn broer op te sporen. Het blijkt dat een familie van gestoorde inteeltlijders, die diep in de binnenlanden van Minnesota wonen, mensen ontvoeren en in het wild loslaten om voor de lol op ze te jagen... Met behulp van een paar sluwe leugens weet Dean de agent over te halen om hem te helpen zijn broer te redden, zij het niet zonder moeite... Zoals veel horrorfans heb ik een voorliefde voor moordlustige hillbilly's en 'The Benders' is een aardige standaardversie van het subgenre, maar het is interessant om te zien hoe deze twee dynamische figuren betrokken zijn bij deze specifieke setting. In feite is de kwaadaardige familie dreigend en uiterst sinister <0xE2><0x80><0x93> nadat Dean hun huis is binnengedrongen, slaan ze hem en verbranden hem met een roodgloeiende vuurpijl. Sam wordt opgesloten in een ingewikkeld afgesloten kooi, samen met een ander slachtoffer dat op de lange termijn minder geluk heeft... Tot nu toe niet de BEST-episode in de serie (mijn huidige favorieten zijn 'Asylum' en 'Skin'). ) hoewel het wel aardig in de buurt komt. Voor de goede orde, het is niet zo geweldig als de controversiële X Files-aflevering over psycho-inteelt, maar het komt in de buurt!

text_en: Among it's coverage of plot lines that die hard horror fans are sure to acknowledge from the genres glory days and just wholeheartedly enjoy, plain and simple, I couldn't help but feel it was about time for "Supernatural" to focus on some psychotic rednecks! It ain't supernaturally themed! Well done, I found it to be, non-the-less. Sam vanishes from a biker bar parking lot, to Dean's dismay and, with the help of a potentially friendly female police officer, he attempts to track down his brother. Turns out, a family of deranged in-breeders, residing in the deep backwoods of Minnesota, are kidnapping people and releasing them into the wild in order to hunt them for sport... With the use of some crafty lies, Dean manages to coax the cop into accompanying him to his brother's rescue, though not without difficulty... Like many horror fans, I have an appreciation for killer hill-billies and "The Benders" pulls off a pretty standard-style of the sub-genre, yet it is interesting to see these two dynamic characters involved in this particular setting. Actually, the evil family is menacing and extremely sinister - after Dean infiltrates their homestead, they beat him and burn him with a red-hot fire-poker. Sam is kept in an intricately locked cage along with another victim who isn't so lucky in the long run... So far, not the BEST episode in the series (my current favorites being "Asylum" and "Skin") though it is pretty much right up there with them. For the record, it doesn't rank as awesome as the controversial "X Files" episode about psycho in-breeders, but it comes close!


text: 'Demonen volgen een strikt patroon, geesten willen wraak nemen. Mensen zijn gewoon gek!' Dit stukje dialoog, een letterlijk citaat uit de show, is de best mogelijke samenvatting van deze vijftiende aflevering van de schitterende show 'Bovennatuurlijk'. Tot nu toe is dit de enige aflevering die de naam niet eer aandoet, aangezien er absoluut niets bovennatuurlijks is aan het soort kwaad dat de gebroeders Winchester hier tegenkomen. Terwijl hij op verkenning uitgaat in een afgelegen stadje op het platteland van Minnesota, waar een mysterieus grote hoeveelheid onopgeloste vermissingszaken is, verdwijnt Sam zelf op een parkeerplaats. Met behulp van een plaatselijke rechercheur ontdekt Dean al snel de wortel van het kwaad. In plaats van mythologische monsters of rusteloze geesten staan de broers tegenover de ziekste en meest onvoorspelbare soort vijand. Een familie van hillbilly-jagers, zo gestoord als de pest en waarschijnlijk zo ingeteeld als het maar kan, handhaaft hun traditie om nietsvermoedende mensen te vangen en weer in de bossen op te jagen. 'De Benders' is beslist de meest verontrustende aflevering van het eerste seizoen, want laten we eerlijk zijn, er is niets angstaanjagender dan mensen van vlees en bloed. De familie Bender bestaat uit een verzameling griezelige redneck-freaks, met de onvermijdelijke slechte tandhygiëne en snotterende lachsalvo's, en hun modus operandi van het ontvoeren en vasthouden van slachtoffers is inventief, maar wel een beetje te geraffineerd voor een stelletje boerenkinkels. De film uit 1932 is talloze malen geïmiteerd, met wisselend succes, maar nooit beter dan in kwaliteit. Deze 'Bovennatuurlijke' episode brengt weer een geweldig eerbetoon aan de cinematografische mijlpaal. Vanwege de typisch afgelegen setting in de binnenlanden en de archetypische redneck-figuren zit het script ook vol verwijzingen en kleine eerbetoons aan tonnen andere 'Hicksploitation'-films, met name Deliverance, The Texas Chainsaw Massacre en Just Before Dawn.

text_en: "Demons follow a strict pattern, ghosts want revenge  People are just crazy!" This piece of dialog, which is an actual quote taken from the show, is the best possible summarization of this fifteenth episode in the magnificent show "Supernatural". So far, this is the only installment that doesn't live up to the name, as there's absolutely nothing supernatural about the type of evil the Winchester brothers encounter here. Whilst scouting around in a remote Minnesota countryside town where there is a mysteriously large amount of unsolved missing person cases, Sam himself disappears in a parking lot. With the help of a local police detective, Dean quickly discovers the root of the evil. Rather than mythological monsters or restless spirits, the brothers are up against the sickest and most unpredictable kind of enemy. A family of hillbilly hunters deranged as hell and probably as inbred as they come, uphold their tradition of capturing unsuspecting people and hunt them down again in the woods. "The Benders" is definitely the most effectively unsettling episode of the first season because, let's face it, there's nothing scarier than flesh and blood human beings. The Bender family is a collection of eerie redneck freaks, with obligatory bad dental hygiene and sniveling laughs, and their modus operandi of abducting victims and holding them is inventive but admittedly a bit too sophisticated for a bunch of yokels. The basic plot of "The Benders" is inspired by one of the oldest but still one of the greatest horror/cult movies ever made, namely "The Most Dangerous Game". This 1932 film has been imitated numerous times, with variable success, but never surpassed in terms of quality. This "Supernatural" episode brings another terrific homage to the cinematic landmark. Due to the typically remote backwoods setting and the archetypal redneck characters, the script is also stuffed with references and little tributes towards tons of other 'Hicksploitation' movies, most notably "Deliverance", "The Texas Chainsaw Massacre" and "Just Before Dawn".


text:
Audie Murphy is houterig in zijn vertolking van de Amerikaan en is, in een vertakking van de roman, de held van het stuk. Niet precies wat Greene in gedachten had, maar relevant voor gebeurtenissen in de Verenigde Staten tijdens het McCarthy-tijdperk, toen deze film werd gemaakt (1958).
Phuong heeft niet het belang gekregen dat ze in de roman eist. De manier waarop ze door eerst Fowler en daarna de Amerikaan (Pyle in de roman, maar niet genoemd in deze film) wordt 'gekoloniseerd' is een commentaar op de manier waarop het vreemde landschap wordt afgebeeld en ook op de manier waarop het land is gekoloniseerd. Desondanks is ze ook manipulatief. Maar nadat ik een paar negatieve dingen over deze productie van The Quiet American heb gezegd, is het een MUST-view voor het weergeven van spanningen in het tijdperk van de Koude Oorlog en de draai die de Verenigde Staten aan de gebeurtenissen geven. Vergeet niet dat Audie Murphy en Joseph L. Mankiewicz op het hoogtepunt van het McCarthyisme als getuigen voor het HUAC hebben getuigd tegen hun collega-acteurs en collega's.
Deze film is volkomen relevant voor de gebeurtenissen die zich vandaag de dag afspelen en voor al diegenen die geïnteresseerd zijn in de gevolgen van het kolonialisme en de opkomst van de Vietnamoorlog. Interessant aan deze film is de andere kijk op de gebeurtenissen in Greenes schitterende roman, die helaas in sommige gevallen in de film uit 1958 is weggelaten of verdraaid.
Deze film moet worden gevolgd door de Philip Noyce-versie van The Quiet American (2001) met Michael Caine als Thomas Fowler en Brendan Fraser als Pyle (de Amerikaan in de Mankiewicz-versie). Er is een goede gelegenheid om de twee versies met elkaar te vergelijken, die heel verschillend zijn, gezien het feit dat de Noyce Quiet American dichter bij de roman ligt.
Ik zou ook als lichte opluchting willen aanbevelen dat de kijkers naar de Mash Season 2-serie kijken, waarin we kolonel Flag van de cia een paar keer hard zien lachen.

text_en:
Audie Murphy is wooden in his portrayal of the American and, in a twist to the novel, is the hero of the piece. Not quite what Greene had in mind but relevant to events in the USA during the McCarthy era when this film was made (1958).

Phuong has not been given the importance she demands in the novel. The way in which she is 'colonised' by first Fowler and then the American (Pyle in the novel, but not named in this film) is a comment on the way in which the foreign landscape is depicted and also on how the country has been colonised. Despite this she is also manipulative.

However, having said some negative things about this production of The Quiet American, it is a MUST view for the portrayal of tensions in the cold war era and the USA's twist to events as they unfold. Remember that Audie Murphy and Joseph L. Mankiewicz testified for HUAC against their fellow actors and colleagues at the height of McCarthyism.

This film is totally relevant to events unfolding today and for all those interested in the effects of colonialism and the rise of the Vietnam War. What is interesting about this film is the different take on events portrayed in Greene's superb novel, unfortunately, some of which were omitted or subverted in the 1958 film.

This film should be followed by the Philip Noyce version of The Quiet American (2001) with Michael Caine as Thomas Fowler and Brendan Fraser as Pyle (the American in the Mankiewicz version). There is a good opportunity to contrast and compare the two versions which are very different, given that the Noyce Quiet American is closer to the novel.

I would also recommend for light relief that viewers watch the Mash Season 2 TV series in which we see Colonel Flag of the CIA raising a few loud laughs.


text:
De Stille Amerikaan heeft veel om naar uit te kijken, omdat hij is aangepast aan de hand van misschien wel het beste boek dat Graham Greene ooit heeft geschreven. Het is echter een zeer goed gemaakte en geletterde film die erin slaagt een redelijke poging te doen de afschrikwekkende reputatie van zijn bronmateriaal eer aan te doen.
<0x3E> Audie Murphy levert een uitmuntende prestatie als de titelfiguur, een Amerikaan die in Vietnam woonde tijdens de Franse inval in het land. Hij gelooft dat hij een verschil kan maken door geld te geven voor wapens, maar zijn politieke en economische overtuigingen leiden vaak tot dood en vernietiging. Een Britse journalist genaamd Fowler (Michael Redgrave) raakt bevriend met hem, maar hun vriendschap wordt al snel verstoord als de jonge Amerikaan een verhouding krijgt met Fowlers Vietnamese ma<0xC3><0xAE>tresse. Uiteindelijk vraagt Fowler zich af of hij de Amerikaan aan zijn vijanden moet verraden als een daad van wraak voor wat de Amerikaan zijn liefdesleven heeft aangedaan.
De film is krachtig, meeslepend en goed geacteerd. Je zou misschien kritiek kunnen hebben op de buitengewoon hoge hoeveelheid dialogen (het is zo'n film waarin je de plot kwijtraakt als je 30 seconden niet luistert), maar dat is waarschijnlijk de enige echte zwakte. De thema's verraad, kolonialisme en de wijsheid om je met de zaken van andere naties te bemoeien, worden gedachteloos behandeld, en het morele dilemma waar de personages aan het eind voor komen te staan, is emotioneel verpletterend. Redgrave geeft een geweldige vertoning weg en brengt de pijn van zijn dilemma met pijnlijke overtuiging over.

text_en:
The Quiet American has a lot to live up to, because it is adapted from possibly the best book that Graham Greene ever wrote. However, it is a very well made and literate film which manages to make a reasonable stab at living up to the forbidding reputation of its source material.

 Audie Murphy gives a career-best performance as the title character, an American living in Vietnam during the French incursion into the country. He believes that he can make a difference by providing funding for arms, but his political and economic beliefs often lead to death and destruction. A British journalist named Fowler (Michael Redgrave) befriends him, but soon their friendship is damaged when the young American has an affair with Fowler's Vietnamese mistress. In the end, Fowler ponders whether to betray the American to his enemies as an act of revenge for what the American has done to his love-life.

 The film is powerful, absorbing and well-acted. It perhaps could be criticised for the extraordinarily high amount of dialogue (it's one of those films where if you stop listening for 30 seconds, you'll lose the plot) but that is probably the only true weakness. The themes of betrayal, colonialism, and the wisdom of interfering in the affairs of other nations, are handled thought-provokingly, and the moral dilemma facing the characters at the end are emotionally shattering. Redgrave gives a great performance, conveying the pain of his dilemma with aching conviction.


text: Graham Greene had geen prettige kijk op de wereld <0xE2><0x80><0x93> of in elk geval op de activiteiten van de mens in de wereld. Hoewel er maar weinig films zijn die recht doen aan de boeken waarop ze zijn gebaseerd, is _The Quiet American_ een ijzingwekkende waarschuwing voor wat de Verenigde Staten in de komende jaren te wachten staat. Murphy, altijd een aantrekkelijke figuur op het scherm, maar niet bekend om zijn diepte en breedte als acteur, is ideaal voor deze ingehouden rol. Een zeer goed gemaakte thriller die gaat over racisme, kolonialisme, verschillende 'economische' stromingen, en zich al die tijd richt op de individuele menselijke impact van besluitvorming op hoog niveau. Zijn we alleen maar pionnen, gedwongen om alleen maar bevelen op te volgen, of hebben we de verantwoordelijkheid om actie te ondernemen aan de kant van wat we weten dat juist is, ondanks de persoonlijke kosten?

text_en: Graham Greene did not have a comfortable vision of the world--or at least of the activities of human beings in the world. While very few movies do justice to books on which they are based, the Quiet American is a chilling forewarning of what the United States would be letting itself in for in the years to come. Murphy, always an appealing figure on the screen but not noted for truly great acting depth and breadth, is ideal for this understated role. A very well done thriller which addresses racism, colonialism, various "economic"isms, all the while focusing on the individual human impacts of high level decision-making. Are we just pawns, forced into just following orders, or do we have the responsibility to take action on the side of what we know to be right, in spite of the personal cost?


text:
Ik heb die film net op Turner Classic Movies gezien. Toen hij voorbij was, moest ik denken aan wat Hemingway zei toen hem werd gevraagd naar zijn mening over de filmversie van _De sneeuwbergen van de Kilimanjaro_ : 'Hij was oké, op één ding na: in mijn verhaal sterft de hoofdpersoon, en in de film leeft hij.' Deze film is net zo'n vervorming van Greene als die andere film van Hemingway; in Greenes roman was de titelfiguur bedoeld als een schurk, maar in deze film is hij een held.
Het is geen bedrieger om te zeggen dat de titelfiguur sterft, want de film begint met zijn dood en vertelt in flashbacks wat er daarna gebeurt. De hoofdpersoon van het boek, de schijnbaar naïeve, idealistische Amerikaan die in (toen) Frans Indo-China voor een vaag idealistische agent werkt, is in werkelijkheid een sinistere, undercover CIA-agent die onder één hoedje speelt met een gewetenloze generaal. Samen met de generaal beraamt hij bomaanslagen op openbare plaatsen die de dood van tientallen onschuldige mensen tot gevolg hebben, en laat dan bewijsmateriaal achter dat de indruk wekt dat de communisten de bomaanslag hebben gepleegd. Zijn doel is om het Vietnamese volk tegen zowel de Fransen als de communisten op te zetten, waardoor ze kwetsbaar zijn voor interventie van de Verenigde Staten, die de afvallige generaal natuurlijk de leiding zullen geven. De Amerikaan wordt door Fowler, de meelijwekkende Engelse journalist die zijn rivaal in de liefde is, zo slecht gevonden dat hij meedoet aan een complot om hem te laten vermoorden. De roman is intens anti-Amerikaans, net als Greene.
Deze film daarentegen, die in 1958 op het hoogtepunt van de Koude Oorlog en vlak na het McCarthy-tijdperk werd uitgebracht, kon het zich niet veroorloven om anti-Amerikaans te lijken. Het titelpersonage wordt daarom neergezet als een goed mens die inderdaad hoopte dat een door de VS gesteunde 'derde macht' in Vietnam zou ingrijpen. Hij wordt nooit als CIA-agent geïdentificeerd, en zijn medeplichtigheid aan de bomaanslagen wordt onthuld als een communistisch verzinsel om de naïeve Fowler en anderen voor de gek te houden. '... moord omdat hij een rivaal in de liefde is en niet omdat hij slecht is. Greene zou woedend zijn geweest over deze verandering en de film hebben afgekeurd. Er was enige poëtische gerechtigheid: de film was zowel een commerciële als een kritieke mislukking.
De film heeft zo zijn voordelen. Hij werd op locatie in Saigon opgenomen, wat heel ongebruikelijk is voor de tijd dat de meeste films zoals deze in de studio werden opgenomen. Als gevolg daarvan krijgen we te zien hoe Saigon in een onschuldiger tijd was, voordat de Amerikaanse interventie op grote schaal plaatsvond. Er zijn verscheidene Aziatische acteurs en actrices in bijrollen, maar niet in de hoofdrol van Phuong, de Vietnamese prostituee op wie zowel Fowler als de Amerikaan verliefd wordt. Phuong wordt gespeeld door een blanke actrice met slechte make-up, een voortzetting van een betreurenswaardige Hollywood-praktijk die tot de jaren zestig heeft geduurd. Er is een schitterende voorstelling van Michael Redgrave als Fowler. Audie Murphy slaapwandelt door zijn vertolking van de Amerikaan.
Deze film is een interessante curiositeit die de moeite waard is, maar de film uit 2002 met Michael Caine en Brendan Frasier is veel beter en veel waarachtiger dan Greenes roman. Die versie wordt ten zeerste aanbevolen.

text_en:
I just saw this film on Turner Classic Movies. When it was over I was reminded of Hemingway's comment when he was asked his opinion of the film version of "The Snows of Kilimanjaro": "it was okay except for one difference; in my story the protagonist dies, and in the film he lives." This film is as much a distortion of Greene as the other film was of Hemingway; in Greene's novel the title character was intended to be a villain, but in this film he is a hero.

It is not a spoiler to tell you that the title character dies, because the film begins with his death and tells what leads up to it in flashback. In Greene's novel, the seemingly naive, idealistic American who is in (then) French Indochina for vaguely idealistic operative is in fact a sinister undercover CIA operative in cahoots with an unscrupulous general. Together with the general, he plans and executes bombings in public places that result in the deaths of dozens of innocent people, then leaves evidence making it appear that the Communists carried out the bombing. His purpose is to turn the Vietnamese people against both the French and the Communists, leaving them open to intervention by the US, who will of course put the renegade general in charge. The American is seen as so evil by Fowler, the pathetic English journalist who is his rival in love, that Fowler goes along with a plot to have him killed. The novel is intensely anti-American, as was Greene.

By contrast, this film, released in 1958 at the height of the cold war and just after the McCarthy era, could not afford to appear anti-American. The title character is therefore made to appear like a good guy who was indeed hoping for a US-backed "third force" to intervene in Vietnam. He is never identified as a CIA operative, and his complicity in the bombings is revealed as a Communist fabrication intended to dupe the naive Fowler and others. Fowler collaborates in the American's murder because he is a rival in love and not because he is evil. Greene was reportedly outraged at this change and denounced the film. There was some poetic justice: the film was both a commercial and critical failure.

There are some merits to the film. It was filmed on location in Saigon, very unusual for the time when most films like this were filmed in the studio. Consequently, we get to see what Saigon was like in a more innocent time, before large scale US intervention. There are several Asian actors and actresses in minor roles, but not in the key role of Phuong, the Vietnamese prostitute with whom both Fowler and the American fall in love. Phuong is played by a Caucasian actress with poor makeup, a continuation of a lamentable Hollywood practice that lasted until the 1960s. There is a superb performance by Michael Redgrave as Fowler. Audie Murphy sleepwalks through his portrayal of the American.

This film is an interesting period curiosity that is worth watching, but the 2002 film with Michael Caine and Brendan Frasier is much better and much truer to Greene's novel. That version is highly recommended.


text: The Quiet American is niet een van de beste boeken van Greene, na de successen van de jaren dertig en veertig, maar het is een heel onderhoudende lectuur. Joe Mankiewicz heeft een geweldige aanpassing op het witte doek gemaakt met voortreffelijke acteurs. In de versie van 2002 zal ik Michael Redgrave, Giorgia Moll en Claude Dauphin boven Michael Caine, Do Thi Hai Yen en Rade Serbedzija verkiezen, en wat Audie Murphy betreft <0xE2><0x80><0x93> hij is natuurlijk geen Hamlet, maar zijn koppige vastberadenheid en ongedwongen zuidelijke charme maken meer indruk op me dan Brendan Fraser in de rol van Pyle, die gevaarlijk stille Amerikaan.<br />Ik was blij met de manier waarop het verhaal zich ontvouwde, de politieke thema's waren goed uitgewerkt en de Cao Dai-scènes waren heel goed. Vergeet niet dat in 1956 de stadswallen van Saigon en het platteland nog niet gemoderniseerd waren; je ziet het echte werk. De koppeling van Redgrave en Dauphin is even onderhoudend als die van Bogart en Rains in Casablanca: is er een groter compliment?

text_en:
The Quiet American is not one of the greatest Greene books, coming after the successes of the Thirties and Forties, but it is a very entertaining read. Joe Mankiewicz made a great adaptation to the screen with superb actors. I will take Michael Redgrave, Giorgia Moll and Claude Dauphin over Michael Caine, Do Thi Hai Yen and Rade Serbedzija in the 2002 version any day, and as for Audie Murphy--sure he's no Hamlet, but his dogged determination and easy Southern charm impress me more than Brendan Fraser in the role of Pyle, that dangerously quiet American.

I was pleased by the way the story unfolded, the political themes were well worked out, and the Cao Dai scenes were very good. Don't forget that in 1956 the city scapes of Saigon and the countryside still had not been modernized; you are seeing the real thing. The pairing of Redgrave and Dauphin is as entertaining as that of Bogart and Rains in Casablanca: is there any higher praise?


text:
Het is moeilijk om naar deze film te kijken en niet vrij duidelijke politieke implicaties te zien in bijna alles wat er gebeurt. Maar wat het meest opvalt, is de rol van het terrorisme in het hart van het verhaal. Alle personages draaien rond Vietnamese gebeurtenissen die op de meest onverwachte plaatsen opduiken <0xE2><0x80><0x93> of moet ik zeggen ontploffen. En niets wordt ooit echt opgelost. Zelfs niet de misdaad in het middelpunt van het verhaal.
Elk personage als een politiek paradigma te zien is bijna te gemakkelijk, en als de film al een grote fout heeft, dan is het dat de personages een beetje te sterk getekend zijn als vertegenwoordigers van hun nationaliteiten en niet als unieke persoonlijkheden. Het is, tussen twee haakjes, nogal brutaal en vrijpostig. Hij is de nieuweling die blundert, troebele relaties binnendringt met de naïviteit van de argeloze, de Lone Ranger die totaal niet in zijn element is. Audie Murphy speelt hem uitstekend, en het gebrek aan subtiliteit in zijn acteerstijl past perfect bij zijn karakter.
Michael Redgrave is breedsprakig en zalvend als de Britse journalist Fowler, die een verhouding heeft met een mooi, maar uiteindelijk leeghoofdig Vietnamees meisje, Phuong (Giorgia Moll). Hij is dubbelhartig en achterbaks, maar ook op zijn eigen manier naïef. Fowler, die duidelijk uitgeput is en probeert iets blijvends te redden uit de puinhopen van zijn tijd in Vietnam, blijft naar geluk graaien zonder ooit te begrijpen dat dat nooit kan gebeuren. Het voornaamste verschil tussen Fowler en de Amerikaan is dat Fowler al heel lang banden heeft met mensen en plaatsen in Saigon. Hij is zo dicht bij 'inboorling worden' gekomen als hij kan zonder zijn identiteit volledig te verliezen. De energieke Amerikaan heeft die banden niet, maar probeert gretig de banden van de Oude Wereld te verbreken en ze de zijne te maken. Dit veroorzaakt duidelijk een conflict dat niet op vriendschappelijke wijze kan worden opgelost. De Oude Wereld versus de Nieuwe, vechtend om een land te domineren dat zelf een verontrustende dominantie begint te krijgen. In wezen hebben alle drie de partijen een agenda, en slechts één kan die vervullen.
De Oude Wereld Fowler liegt tegen iedereen, zelfs tegen zichzelf, om de dingen te laten zoals ze zijn. De status-quo is belangrijk voor hem omdat hij beseft dat de onvermijdelijke verandering die hij ontkent, niet in zijn voordeel zal zijn. De Amerikaan daarentegen is pijnlijk eerlijk op een charismatische maar uiteindelijk lege manier. Zoals Fowler opmerkt, zou het beter voor de Amerikaan zijn als hij zelf een paar fouten had, dan zou hij anderen misschien beter begrijpen. Wat een heel milde kijk op de Amerikaan is. Fowler begrijpt tenminste zichzelf en zijn verdorvenheid, terwijl de Amerikaan alleen maar lege begrippen als zelfbeschikking en nationale verlangens lijkt te begrijpen zonder enig spoor van introspectie of waar die mooie woorden uiteindelijk toe moeten leiden.
De film is spraakzaam, en als je niet betrokken bent bij Fowlers diverse morele dilemma's en conflicten, kan hij saai worden. De scènes van Saigon zijn het beste deel van de film, het is heel ongelooflijk om te zien hoe geavanceerd en bijna elegant Saigon was voor de Amerikaanse betrokkenheid en de communistische overname. Jammer dat de film niet in kleur is opgenomen. Heel beschaafde omgevingen worden verwoest door terroristische bommen, die in de jaren vijftig misschien nieuw en exotisch leken, maar nu helaas heel gewoon lijken. Het verhaal zelf is ongelooflijk vooruitziend. Terrorisme is een modern concept, en de gedachte dat de beoefenaars ervan uiteindelijk altijd verliezen is even naïef als de Amerikanen denken dat ze een winnaar kunnen uitkiezen in Vietnam. Fowler, die vol is van diepzinnigheid en mooie woorden, wordt door de communisten gebruikt om het verhaal te verspreiden dat ze bekend willen maken. Hij voldoet plichtsgetrouw, het perfecte werktuig, zonder hun activiteiten ook maar in het minst te hinderen. Ondertussen stort zijn wereld in en verliest hij alles wat hij in de stad had. De Amerikaan verliest ook, maar op een heel andere manier. Maar je weet dat anderen zoals hij terugkomen. Wie wint? Nou, het antwoord daarop zou duidelijk moeten zijn.
Het is de moeite waard om het minstens één keer te zien. Niet, zoals sommigen beweren, het beste werk van Graham Greene, maar toch een mooie meditatie over Zuidoost-Aziatische gebeurtenissen voordat ze plaatsvonden door iemand die ze begreep.

text_en:
It is difficult to watch this film and not read fairly obvious political implications into almost everything that happens. But what is most striking is the role of terrorism at the heart of the story. All of the characters revolve in orbit around Vietnamese events that keep popping - or should I say, blowing - up in the most unexpected places. And nothing is ever really resolved. Not even the crime at the center of the story.

To read each character as a political paradigm is almost too easy, and if the film has a major flaw, it is that the characters are a bit too starkly drawn as representing their nationalities and not unique personalities. The American, who isn't very quiet at all, by the way, is brash and forward. He is the new kid who blunders around, intruding on murky relationships with the naiveté of the guileless, the Lone Ranger completely out of his element. Audie Murphy does a fine job portraying him, the lack of subtlety in his acting style perfectly complementing his character.

Michael Redgrave is wordy and unctuous as the British journalist, Fowler, who is having an affair with a beautiful but ultimately vacuous Vietnamese girl, Phuong (Giorgia Moll). He is duplicitous and double-dealing, but also naive in his own ways. Clearly worn out and trying to save something permanent from the wreckage of his time in Vietnam, Fowler keeps grasping for happiness without ever understanding that can never happen. The main difference between Fowler and the American is that Fowler has longstanding ties to people and places in Saigon. He has come as close to "going native" as he can without losing his identity completely. The energetic American has no such ties, but eagerly seeks to rupture the Old World ties and make them his own. Obviously, this sets up conflict that cannot be resolved amicably. The Old World vs. the New, battling to dominate a country that itself is beginning to find dominance disturbing. In essence, all three parties have an agenda, and only one can fulfill it.

The Old World Fowler lies to everyone, even to himself, to keep things as they are. The status quo is important to him because he realizes that the inevitable change he is denying will not be to his advantage. The American, on the other hand, is painfully honest in a charismatic but ultimately empty way. As Fowler remarks, it would be better for the American if he had a few faults of his own, then he might understand others better. Which is a very charitable view of the American. Fowler at least understands himself and his depravity, whereas the American just seems to understand empty concepts like self-determination and national longings without any hint of introspection or where those fine words ultimately must lead.

The film is talky, and if you are not engaged by Fowler's various moral dilemmas and conflicts, it can get tedious. The scenes of Saigon are the film's best part, it is quite incredible to see how advanced and almost elegant Saigon was before the American involvement and Communist takeover. Too bad the film was not shot in color. Very civilized settings are ravaged by terrorist bombs, which may have seemed novel and exotic in the 1950s, but unfortunately seems quite common now.

The story itself is incredibly far-sighted. Terrorism is a modern concept, and thinking that its practitioners always lose in the end is as naive as the Americans thinking they can pick a winner in Vietnam. Fowler, while full of profundity and fancy words, is used by the Communists to get out the story they want known. He dutifully complies, the perfect tool, without hindering their activities in the slightest. Meanwhile, his world collapses and he loses everything he had in the city. The American loses, too, but in quite a different way. But you know that others like him will be back. Who wins? Well, the answer to that should be obvious.

Worth seeing at least once. Not, as some claim, Graham Greene's best work, but still a fine meditation on Southeast Asian events before they actually occurred by someone who understood.