text:
Het verlies van een geliefde partner met wie je jarenlang hebt samengeleefd, kan verschrikkelijk zijn, maar niet weten of hij dood is of nog leeft <0xE2><0x80><0x93> of nog erger, in de ontkenningsfase komen dat hij dood is <0xE2><0x80><0x93> kan iemand tot aan de rand van de afgrond brengen. Zoiets mag niemand overkomen, maar Charlotte Rampling wel met haar Marie Drillon, een hoogleraar aan de universiteit die gelukkig getrouwd is met Jean Drillon (Bruno Cremer in een bijna stille voorstelling). De eerste tien minuten beschrijven alles wat je over hen moet weten: hun dynamiek, hun liefde voor elkaar, onbetwistbaar, rustig, maar even krachtig als de geur van rozen en lavendel in een tuin. Als ze naar het strand gaan, valt Marie in slaap terwijl Jean besluit te gaan zwemmen. Als ze wakker wordt, mist ze hem en denkt ze dat hij in de buurt is. Helaas is dat niet zo... en hoe meer ze naar hem zoekt, hoe onwaarschijnlijker het wordt dat hij nog in leven is. Een zoektocht biedt weinig troost en ze blijft in onzekerheid, vraagt zich af waar Jean kan zijn, of hij nog leeft, of dood is.
Haar gedrag wordt vanaf dat moment steeds grilliger, wat een indicatie is van wat er gebeurt met iemand die zo gehecht is geraakt aan een ander en van de verschrikking die langzaam naar de oppervlakte komt als die banden plotseling, irrationeel, worden verbroken. Ze vangt een glimp op van een jonge studente en is plotseling niet meer in staat een college te geven; ze lijkt een beetje uit haar doen tijdens een diner; ze is aan het shoppen geslagen (ze koopt een nieuw overhemd en een das voor Jean) ondanks het feit dat haar rekening te hoog is bijgeschreven en ze vanwege Jeans verdwijning geen toegang heeft tot zijn fondsen (wat haar in een hachelijke situatie brengt wat betreft haar overlevingskansen). Bovenal gedraagt ze zich alsof Jean nog springlevend is.
Een bijzonder verontrustend moment breekt aan wanneer Marie besluit een verhouding te beginnen met een andere man die in haar leven komt: Vincent (Jacques Nolot), waardoor het misschien eindelijk tot haar doordringt dat de werkelijkheid misschien voor haar is geknapt. Vincent en Marie beginnen de liefde te bedrijven, voornamelijk gezien door de beweging van hun handen... en dan verschijnen Jeans handen aan de linkerkant van het scherm, geidentificeerd door het blauwe overhemd dat ze voor hem heeft gekocht. Het gaat verder in volmaakte stilte, met alleen haar gekreun dat nauwelijks te horen is. Later wordt dit vreemde trio herhaald terwijl Jean haar en Vincent van een afstand gadeslaat terwijl ze de liefde bedrijven.
Onder het zand heeft in veel opzichten de elementen van een thriller. Een verdwijning, de zoektocht en de onvermijdelijke onthulling van wat er precies is gebeurd. Maar als iemand zo diep in de ontkenningsfase zit, doen die dingen er weinig toe, als ze er al toe doen. Marie krijgt het cruciale telefoontje uit het mortuarium en besluit de boodschap te negeren. Ze lijkt niet in staat, niet bereid, om onder ogen te zien wat er is gebeurd, en een van de hartverscheurender scènes van haar verdriet vindt plaats in een kleine montage, waarin ze in haar eentje op een metrostation zit en vervolgens in de trein zit, en er verloren en leeg uitziet.
Charlotte Rampling maakt dit tot haar hele film. Ze is voortdurend op het scherm te zien, en haar optreden doet denken aan dat van Juliette Binoche in BLUE. Eigenlijk had Binoche zelf beter gekozen kunnen zijn, maar Rampling is uitmuntend in haar bereidheid om een vrouw te portretteren die intens pijn lijdt, lijdt en van binnenuit uit elkaar valt, wanhopig op zoek naar antwoorden, maar daar ook voor gesloten. Haar ontroostbare gehuil aan het eind is een emotionele krachtmeting die zich losrukt uit zijn begrenzingen, en die laatste scène op het strand terwijl ze naar het raadselachtige, spookachtige beeld rent van een man van wie ze denkt dat het haar echtgenoot is (die ze blijkbaar niet kan bereiken) is een verpletterende klap voor haar zintuigen. Een machtig meesterwerk uit de handen van Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon.

text_en:
Losing a loved partner one has lived with for years can be a devastating thing to cope with, but not really knowing if he is dead or alive -- or worse, going into denial that he has died -- can lead a person right into the edge of the abyss. Such a thing should never happen to anyone, but it does to Charlotte Rampling's Marie Drillon, a university professor who is happily married to Jean Drillon (Bruno Cremer in a near-silent performance). The opening ten minutes describes everything one needs to know about them: their dynamics, their love for each other unquestioned, quiet, but as potent as a garden filled with the scent of roses and lavender.

On a trip to the beach, Marie drifts into sleep as Jean decides to take a swim. When she awakes, she misses him and thinks he's within the area. Unfortunately, he is not... and the more she looks for him the less likely it is that he is alive. A search brings forth little comfort, and she if left from there on in limbo, wondering where Jean may be, if he is alive, or dead.

Her behavior from then on becomes increasingly erratic, which is an indicative of what happens to a person who's become so attached to another and the horror that slowly arises to the surface when those ties are suddenly, irrationally severed. She catches a glimpse of a young college student and is suddenly unable to continue giving a lecture; she seems a little off at a dinner party; she has gone on a spending spree (buying a new shirt and tie for Jean) despite the fact that her account is overdrawn and due to Jean's disappearance she has no access to his funds (which leaves her in a predicament as to how will she survive). Above all, she is acting as though Jean is still alive and well.

A particularly disturbing moment arrives when Marie decides to embark on an affair with another man who comes into her life: Vincent (Jacques Nolot) which establishes that maybe reality for her has finally cracked. Vincent and Marie begin making love, seen mainly through the motion of their hands... and then Jean's hands come into the left of the screen, identified through the blue shirt she bought him. It continues in perfect silence, with only her moans barely overheard. A later sequence has this odd threesome repeated as Jean observes her and Vincent making love from a distance.

In many ways, UNDER THE SAND has the elements of a thriller. A disappearance, the search, and the inevitable revelation as to what exactly happened. However, when a person is so deep in denial, those things matter little, if at all. Marie receives the crucial call from the morgue and decides to ignore the message left. She seems unable, unwilling, to face what has happened, and one of the more heartbreaking scenes of her anguish take place in a small montage where she is seen alone, sitting on a subway station, then riding the train, looking forlorn and empty.

Charlotte Rampling makes this her movie all the way. She's on screen at all times, and her performance is reminiscent of the one Juliette Binoche gave in BLUE. As a matter of fact, Binoche herself might have been the better choice, but Rampling is outstanding in her willingness to portray a woman in intense pain, suffering and coming apart from the inside out, desperate for answers but equally closed to them. Her disconsolate weeping at the end is an emotional tour-de-force wrenching itself out from its restraints, and that final scene on the beach as she runs towards the enigmatic, ghostly image of a man she believes to be her husband (whom she seemingly cannot reach) packs a devastating blow to the senses. A powerful masterpiece from the hands of Francois Ozon.


text: De film _Under The Sand_ van Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon heeft een duister, somber scenario. Het Franse echtpaar Marie en Jean is al een kwart eeuw getrouwd. Ze vieren hun jaarlijkse vakantie in Zuid-Frankrijk. Het drama speelt zich af terwijl ze genieten van een mooie zomerdag op een plaatselijk strand. Terwijl Marie gaat liggen om in de zon te liggen bakken, staat Jean na een peinzende blik op de branding op en loopt de branding in om te gaan zwemmen. Nadat ze in slaap is gevallen, wordt Marie wakker en merkt dat haar man niet naast haar ligt. Ze zoekt het strand af en hij is nergens te vinden. Hij is verdwenen, haar nachtmerrieachtige beproeving is begonnen. De beste decriptie die ik voor deze film kan vinden, is dat hij de intense, schommelende ervaringen van één vrouw weergeeft zoals ze het verlies van haar man op een afschuwelijke manier onder ogen moet zien. Charlotte Ramplings rol als Maris is sterk. Het hele scala aan ervaringen wordt onthuld. Zelfs als Marie probeert een nieuwe minnaar te accepteren maar zich verzet, omdat haar man nog steeds erg veel bij haar is. Deze film was duister, zelfs grimmig, maar werd aanbevolen.

text_en: Francois Ozon's film 'Under The Sand' has a dark, sombre scenario. French couple Marie and Jean have been married for a quarter of century. They take their annual vacation un the south of France. The drama unfolds as they're enjoying a beautiful summer's day at a local beach. While Marie lies down to have a sunbake, Jean, after a reflective glance at the surf, rises, and heads into the surf for a swim. After dozing off, Marie wakes up to find that her husband is not lying beside her. She searches the beach and he is nowhere to be found. He has vanished, her nightmarish ordeal has begun. The best decription I can find for this film is that it charts the intense, oscillating experiences of one woman as she has to face the loss of her husband in a horrible way. Charlotte Rampling's performance as Maris is strong. The whole gamut of experiences are revealed. Even as Marie tries to accept a new lover but struggles, because her husband is still very much with her. This film was dark, even grim, but recommended.


text: Als je films (zoals ik) beoordeelt aan de hand van de interessante gesprekken die ze na afloop oproepen, dan staat deze film bovenaan. Ga met minstens één ander persoon in gesprek en neem na afloop de tijd om te bespreken: hoe ver over de grens van het gezonde verstand is ze, of is ze? Is hij, of is hij niet? Is hij, of is hij niet? Hoeveel van wat haar schoonmoeder zegt is waar? Wat gelooft ze en wanneer gelooft ze het? Wat zijn haar keuzes over wat ze gelooft en wat zijn de implicaties van elke keuze. Is ze in staat een keuze te maken?

text_en: If you (as I do) rate films & plays by how much after-show interesting conversation they provoke, then this film is at the top. Go with at least one other person and leave time afterwards to discuss: How far over the sanity line is she, or is she? Is he or isn't he? Did he or didn't he? How much of what her mother-in-law talls her is true? What does she believe and when does she believe it? What are her choices about what to believe, and what are the implications of each choice. Is she capable of making a choice?


text: Als bewonderaar van Ozon was ik echt gelukkig toen Rusland het eerste land werd waar _Sous le sable_ werd vertoond. Het is een raadselachtige film over een oudere vrouw die haar man probeert te vinden. Op het strand gaat hij zwemmen en verdwijnt. Dit mysterie verwoest haar leven, ze probeert haar man door een minnaar te vervangen, maar dat lukt niet. _Sous le sable_ is een sierlijke Franse film over een eenzame oudere vrouw onder het zand van de tijd. Ik beveel de film aan alle fans van goede Europese cinema aan.

text_en: As a fond of Ozon I was really happy, when Russia became the first country where "Sous le sable" was presented. It's an enigmatic film about an elderly woman, who tried to find her husband. On the beach he went to swim and disappeared. This mystery ruined her life, she tried to substitute husband by lover but failed. "Sous le sable" is a dainty French film about a lone elderly woman under the sand of time. I recommend the film to all fans of good European cinema.


text:
'Sous le sable' vertelt het verhaal van Marie Drillon, voortreffelijk gespeeld door Charlotte Rampling, wier man verdwijnt als ze op vakantie zijn nadat hij in zee is gaan zwemmen. Wat volgt is de strijd van Marie, die niet kan accepteren dat haar man dood is en nooit meer terug zal komen. In verschillende scènes wordt getoond dat Marie nog steeds in de tegenwoordige tijd tegen haar man praat, alsof hij maar een paar dagen weg is maar heel snel terug zal komen. In een van de laatste scènes weten we zeker dat haar man dood is omdat ze zijn lichaam hebben gevonden. In die scène zien we opnieuw dat ze het gewoon niet kan.' Ze accepteert het niet omdat het lichaam dat wordt gevonden alle kenmerken van haar vermiste echtgenoot heeft, maar ze ontkent nog steeds dat het haar echtgenoot is.
Charlotte Rampling geeft een opmerkelijke voorstelling. De film is deels gebaseerd op iets wat Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon in het echte leven heeft meegemaakt. Jaren geleden, toen hij op het strand was, zag hij een vrouw die met haar echtgenoot in zee was gaan zwemmen en niet terugkwam. Hij heeft zich altijd afgevraagd wat er met de vrouw en haar vermiste echtgenoot was gebeurd. Uitstekende film, Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon is een briljant regisseur. Ik heb _8 Femmes_ ook gezien en dit is ook een heel goede film, hoewel het iets heel anders is.

19/8/10.

text_en:
"Sous le sable" tells the story of Marie Drillon, excellently performed by Charlotte Rampling, whose husband disappears when they are on holiday after he went for a swim in the sea. What follows is the struggle of Marie who can't accept the fact that her husband is dead and that he will never return. In several scenes is shown that Marie still talks to her husband in the present tense, like he's only gone for a couple of days but will return very quickly. In one of the last scenes we know for sure her husband is dead because they found his body. In that scene, we see again that she just can't accept it because the body that is found has all the characteristics of her missing husband, but she still denies that it is her husband.

Charlotte Rampling gives a remarkable performance. The movie is partly based on something Francois Ozon experienced in real life. Years ago, when he was at the beach, he saw a woman who's husband was went for a swim in the sea and didn't seem to return. He always wondered what happened to the woman and her missing husband. Excellent movie, Francois Ozon is a brilliant director. I've seen "8 Femmes" as well and this is also a very good movie, although it's something completely different.

8/10


text: Deze film is magisch. De manier waarop hij wordt geregisseerd tot op het moment dat je eigenlijk niet meer weet wat er aan het eind gebeurt. De vertolking van Marié door Charlotte Rampling is inspirerend dat zo'n hoog niveau nog steeds in de film naar voren kan komen. Haar vertolking is een van de beste die ik ooit heb gezien en zet je echt aan het denken over de subtiele subplots van wat haar doet en denkt. De overgang tussen scènes in het Engels en het Frans werkt ook goed, hoewel sommige ondertitels niet zo goed zijn. Dat is helaas een constant probleem. De vertolking van Bruno Cremer is zowel realistisch als spiritueel en zet je echt aan het denken over zijn rol. Ik vond het vermakelijk dat Fran-<0xC3><0xA7>ois Ozon Duitsers in hetzelfde licht ziet als zijn landgenoot Anton De Cones, als een volk dat geobsedeerd is door naaktheid. Als de enige andere bewoners van het 'German Beach' naakt waren.

text_en: This film is magical. The way that it is directed through to the way that you really don't quite know what is going on at the end. The portrayal of Marié by Charlotte Rampling is inspiring that such a high level of acting could be protrude on film still. Her performance is one of the best I have ever seen and really drives home the subtle sub plots of what makes her do and think what she dose. The switch between scenes in English and French works well also though some of the subtitles are not so good. This alas is a constant problem. Bruno Cremer's performance is both realistic and spiritual which really drives home his characters role. I was amused to see that François Ozon thinks of Germans in the same light as his countryman Anton De Cones, as a race obsessed with nudity. As the only other occupants of the 'German Beach' were naked.


text:
De psychologe Elizabeth Kubler-Ross benadrukt vijf stadia van het typische rouwproces: ontkenning en isolement, woede, onderhandelen, depressie en aanvaarding. Het is duidelijk te zien dat Marie dit proces niet volgt. En hoewel ze duidelijk uiting geeft aan ontkenning, wordt haar ontkenning niet in isolement gehuld. Dit wordt voor het eerst getoond in de scène van het diner, wanneer ze Jean luchtig en in de tegenwoordige tijd bespreekt. Ozon gebruikt een studie van de reacties van Maries vrienden om aan te tonen dat er iets niet in de haak is. Dit druist in tegen de geschriften van zowel Freud als Kubler-Ross, die de sociale terugtrekking van mensen in zelfverloochening observeren, alsof dat de enige manier is om de rouwende te onderhouden.' Het alternatief is dat hij of zij wordt afgesneden van alle externe factoren die de fantasie kunnen ruïneren. Dit tafereel is moeilijk te aanschouwen, omdat Marie het zakelijk brengt, zonder een spoor van melancholie, en omdat de vrienden niet in staat zijn Marie ermee te confronteren of de kwestie van Jeans dood te forceren.
Maries verdriet lijkt te worden gemarkeerd door haar bereidheid om deze externe factoren onder ogen te zien, wat eerder overkomt als bijna koppig dan als oprecht zichzelf voor de gek houdend. Onder normale omstandigheden zou zo'n hoog niveau van sociale interactie tot een groter gevoel van realiteit voor de rouwenden lijken te leiden. Maar Marie is gewapend met verschillende verdedigingsmechanismen die ze gebruikt als ze rechtstreeks met haar werkelijke situatie wordt geconfronteerd. In eerste instantie, wanneer ze na het etentje en na een lezing wordt geconfronteerd met Amanda, maakt Marie gebruik van taalveranderingen om de toon van het gesprek te veranderen. Het lijkt erop dat ze zich meer op haar gemak en geïsoleerd kan voelen wanneer ze Engels spreekt, en misschien was ze voor Jeans verdwijning in staat om dezelfde techniek te gebruiken om haar eigen individualiteit binnen haar huwelijk uit te oefenen. Dit gebruik van taal roept bepaalde vergelijkingen op met het isolationistische gedrag dat wordt aangetroffen in psychologische studies over verdriet en verlies, zoals het eufemisme van Colin Murray Parkes voor 'de weduwe die fluisterend sprak uit angst dat de werkelijkheid te echt zou worden'.
Later in de film, als Marie's vrouw, wordt ze geïmiteerd. Als haar verdediging begint te wankelen, neemt ze haar toevlucht tot zowel woede als beledigingen om te voorkomen dat haar persoonlijke werkelijkheid wordt vernietigd. Voor het eerst overstijgt ze haar kalme vernislaagje wanneer Vincent haar met Jean confronteert, en wanneer ze met haar schoonmoeder wordt geconfronteerd, neemt ze haar toevlucht tot kleinzielige beledigingen. Deze reeks reacties lijkt tot een hoogtepunt te komen wanneer ze terugkeert naar Lit-et-Mix om de uiteindelijke realiteit van de dood van haar man onder ogen te zien. Nu ze kennelijk geen manieren meer heeft om haar situatie te ontkennen, barst Marie in lachen uit. Dit kan worden opgevat als een bevestiging van Maries afglijden naar de waanzin, of als een inleiding tot haar laatste moment van aanvaarding, zoals die zich afspeelde op het strand in de laatste scène. Ondanks deze afwijkingen van de gevestigde psychologische geschriften, komt Maries gedrag gedeeltelijk overeen met sommige van Freuds theorieën, zoals die naar voren komen in 'Rouw en melancholie', in het bijzonder wanneer hij rouwen beschrijft als het proces van'realiteitstesting'6. Maries handelingen kunnen worden gezien als een manier voor haar om haar nieuwe emoties en sociale omgeving te onderzoeken sinds het verlies van Jean. In feite kan de film worden gezien als een studie in de manier waarop Marie verschillende alternatieve werkelijkheden onderzoekt: de ongemakkelijkheid van haar prille relatie met Vincent toont haar aarzeling om haar persoonlijke realiteit van een monogaam leven met Jean achter zich te laten, alsof ze experimenten op zichzelf uitvoert en voortdurend de grenzen test van de wereld die ze om zich heen heeft getoverd. Dit wordt visueel uitgedrukt door Ozon bij het bestuderen van Maries lichamelijkheid, de manier waarop ze lichamelijk met haar omgeving omgaat. De meest expliciete 'werkelijkheidstest' vindt plaats als Marie op haar bed ligt en door zes handen wordt gestreeld, die van Jean, Vincent en zijzelf: het kan bijna worden gezien als de overgang tussen twee van haar werkelijkheden. Ozon maakt ook regelmatig gebruik van reflecties van Maries lichaam. Om het verlies van haar man echt te verwerken, moet ze zichzelf hervinden, en misschien ook haar eigen sterfelijkheid onder ogen zien, een onderwerp dat in haar gesprek met Vincent over Virginia Woolf nadrukkelijk ter sprake komt. Ook wordt erop gezinspeeld in haar gesprek met haar schoonmoeder: ze wisselen beledigingen uit over wie er als eerste in een psychiatrisch ziekenhuis terecht zal komen, terwijl Ozon de ouder wordende trekken van de schoonmoeder bestudeert. De scène waarin Marie flauwvalt wanneer ze een begraafplaats ziet, zou je kunnen zien als een reactie op Jeans verhaal. Het verhaal van Marie Rampling kon worden geïnterpreteerd als haar reactie op haar eigen sterfelijkheid.
Ondanks deze verwijzingen naar de psychologie van verlies en rouw kan Ozons film echter niet op deze manier worden gelezen. De film gaat net zozeer over het leven als over de dood. In zekere zin is de veronderstelde dood van Jean slechts een subplot in het verhaal van Maries zelfontdekking. De essentie van de film is duidelijk gebaseerd op Charlotte Ramplings centrale voorstelling, die dubbelzinnig blijft, maar in alle opzichten krachtig is, en complexe ideeën over gehechtheid en verlies weerspiegelt, en een aantal onbeantwoorde vragen achterlaat over de redenen voor haar daden en wat daaruit voortvloeit. De film is bedoeld open eindes te hebben, zoals te zien is in de laatste scène waarin Marie op een mysterieuze man af rent, misschien om de dubbelzinnige aard van leven en dood in een seculiere samenleving te weerspiegelen waarin de dood niet langer geassocieerd wordt met ideeën over een leven na de dood of met ritualistische afweermechanismen die intrinsiek zijn in christelijke interpretaties van sterfelijkheid.

text_en:
The Psychologist Elizabeth Kubler-Ross highlights five stages of the typical mourning process: denial and isolation, anger, bargaining, depression and acceptance. It is clear to see that Marie does not follow this process. And although she clearly expresses denial, her denial is not shrouded in isolation. This is first shown in the dinner party scene as she discusses Jean flippantly and in the present tense, Ozon using a study of Marie's friends' reactions to show that something is not right. This runs contrary to the writings of both Freud and Kubler-Ross, who observe the social withdrawal of those in self-denial, as if the only way to maintain the mourner's alternative reality is to cut him or her from all outside factors which have the potential of ruining the fantasy. This scene is difficult to watch due to Marie's matter-of-fact delivery with no hint of melancholy, and the friends' inability to confront Marie or force the issue of Jean's death.

Marie's grief seems to be marked as atypical by her willingness to face these outside factors, which comes across as almost stubborn rather than genuinely self-deluding. Under normal circumstances, such a high level of social interaction would appear to lead to a greater sense of reality for the bereaved. However, Marie is armed with several defence mechanisms which she uses when directly confronted with her true situation. In the first instance, when confronted by Amanda after the dinner party and after a lecture, Marie uses changes in language to switch the tone of the conversation. It seems that she can feel more comfortable and isolated when speaking in English, and perhaps she was able to use the same technique before Jean's disappearance to exert her own individuality within her marriage. This use of language draws certain comparisons to isolationist behaviour seen in psychological studies of grief and bereavement, for example Colin Murray Parkes' elusion to "the widow who spoke in a whisper for fear of making reality too real".

Later in the film, as Marie's defences begin to get breached, she resorts to both anger and insults in order to keep her personal reality from being destroyed.. she transcends her calm veneer for the first time when confronted about Jean by Vincent, and when confronted by her mother-in-law she resorts to petty insults. This series of reactions seems to come to a head when she returns to Lit-et-Mix to face the final reality of her husband's death. Having seemingly run out of ways to deny her situation, Marie breaks into laughter. This can be read either as a confirmation of Marie's descent into madness or as a prelude to her final moment of acceptance as played out on the beach in the final scene.

Despite these deviations from established psychological writings, Marie's behaviour does in part correspond to some of Freud's theories as set out in "Mourning and Melancholia", in particular when he describes mourning as the process of "reality-testing"6. Marie's actions can be seen as a way for her to examine her new emotions and social surroundings since the loss of Jean. In fact, the film could be seen as a study in the way in which Marie explores several alternative realities: the awkwardness of her fledgling relationship with Vincent displays her hesitation in leaving her personal reality of a monogamous life with Jean, as if she is performing experiments on herself, constantly testing the limits of the world she has conjured around herself. This is expressed visually by Ozon in studying Marie's physicality, the way in which she interacts physically with her surroundings. The most explicit "reality-testing" scene occurs when Marie is lying on her bed and is caressed by six hands, those of Jean, Vincent and herself: It can be seen almost as the transition sequence between two of her realities. Ozon also frequently uses reflections of Marie's face in order to convey the idea of her physicality, literally highlighting the reflective nature of her self-discovery: in order to truly recover from the loss of her husband she must re-identify herself, perhaps also coming to terms with her own mortality, the subject of which is most explicitly conveyed in her conversation with Vincent about Virginia Woolf. It is also hinted at during her conversation with her mother-in-law: the two of them trading insults over who will be the first to end up in a psychiatric home, while Ozon makes studies of the mother-in-law's aging features. The scene in which Marie passes out when seeing a cemetery could be seen as a reaction to Jean's death, but could equally be interpreted as her reaction to her own mortality.

However, despite these references to the psychology of loss and bereavement, Ozon's film cannot simply be read in this way. The film is as much about life as it is about death. In a way, the presumed death of Jean runs merely as a sub-plot in the story of Marie's self-discovery. The essence of the film is clearly based around Charlotte Rampling's central performance, which remains ambiguous but powerful throughout, reflecting complex ideas about attachment and loss, and leaving behind several unanswered questions over the reasons for her actions as well as what results from them. Ultimately, Ozon's film is intended to remain open-ended, as displayed in the final scene where Marie runs towards a mystery man, perhaps reflecting the ambiguous nature of life and death in a secular society in which death is no longer associated with notions of an afterlife or ritualistic coping mechanisms intrinsic in Christian interpretations of mortality.


text:
Charlotte Rampling speelt een prijswinnend toneelstuk over de reactie van een vrouw op haar man, die na 25 jaar in de oceaan in Zuid-Frankrijk is verdwenen. Ze leken een sereen en soepel functionerend stel dat jaarlijks samen op vakantie ging. Ze hadden een prachtige villa aan zee en leken de routine van het reizen te kennen, het huis te openen en zich voor te bereiden op ontspanning. Ze lijken een verliefd stel, maar zij is in de veertig, fit en slank, terwijl hij ouder en dikker werd. Hij haalde hout voor de haard, zij maakte pasta en ze gingen samen naar bed met genegenheid, maar zonder hartstocht.
De volgende dag was heerlijk en hij smeerde liefdevol zonnebrand op haar rug. Hij ging in zijn eentje zwemmen, omdat zij er de voorkeur aan gaf zich een tijdje te ontspannen en een boek te lezen. Ze zag hem nooit meer terug, omdat hij nooit meer terugkwam. Ze was in alle staten en begon met een zoektocht, maar er werd geen lijk gevonden. Het jaar daarop probeerde ze haar leven weer op te pakken, nog steeds de dood van haar man ontkennend. Haar vriendinnen werden steeds bezorgder en probeerden haar aan een aardige vrijgezel te koppelen, en uiteindelijk stemde ze erin toe een afspraakje met hem te maken en met hem te vrijen. Het beeld van haar man bleef haar op een zachte, vriendelijke manier bij.
De gebeurtenissen versnelden zich, het vinden van het lijk, een schokkend gesprek met haar bejaarde schoonmoeder. Als ze op het strand in huilen uitbarst, lijkt ze uiteindelijk weer greep te krijgen op de werkelijkheid, maar het plotselinge einde moet nauwlettend in de gaten worden gehouden om een aanwijzing te krijgen hoe ze er uiteindelijk mee omgaat.
Na de liefdesscène komt het schokkende besef bij het nieuwe vriendje op dat hun fysieke intimiteit na afloop niets meer voor haar betekende. Dit is wat veel geliefden voelen als ze beseffen dat de fysieke intimiteit slechts oppervlakkig en tijdelijk was. Je vraagt je af wat er gebeurt met de magische, blijvende liefde en toewijding.

text_en:
Charlotte Rampling does an award-winning acting job depicting a woman's reaction to her husband of 25 years disappearing into the ocean in the south of France. They seemed to be a serenely and smoothly functioning couple taking their annual vacation together. They had a lovely seaside villa and seemed to know the routine of travelling, opening the house and preparing to relax. They seem like a loving couple, but she is in her 40's, fit and trim while he was aging and overweight. He got wood for a fire and she made pasta and they went to bed together with affection, but no passion.

The next day was lovely and he lovingly applied sunblock to her back. He went swimming by himself as she preferred to relax for awhile and read a book. She never saw him again as he never returned. She was frantic and initiated a search, but no body was found. The following year she was trying to get on with her life, still denying her husband's death. Her friends grew increasingly concerned and tried to fix her up with a pleasant single man, and eventually she agreed to have a date with him and make love. The image of her husband remained with her in a soft, friendly way.

Events accelerate, the finding of the body, a shocking talk with her aged mother-in-law. Ultimately she seems to come to grips with reality as she breaks down and cries on the beach, but the sudden ending must be watched closely for a clue to how she eventually copes.

After the love-making scene, there is a shocking realization by the new boyfriend, that their physical intimacy meant nothing to her after the fact. This is what many lovers feel when they realize the physical intimacy was only skin deep and temporal. One wonders by what magic enduring love and commitment happens.


text: Nadat ik _Swimming Pool_ heb gezien (mijn eerste _Ozovino-ervaring_ <0xE2><0x80><0x93> zijn eerste film in de Amerikaanse taal), al zijn vorige films en nu deze, ben ik tot de conclusie gekomen dat Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon een werkelijk briljant filmmaker is, iemand die diep, diep onder de oppervlakte van de dingen kan tasten <0xE2><0x80><0x93> zoals alleen een Scorpio dat kan <0xE2><0x80><0x93> om over te brengen wat in films bijna niet te vatten is: de psychologische toestand en de motivatie. Charlotte Rampling is fantastisch in _Swimming Pool_ en in _Sous Le Sable_ (Onder het Zand), creëert ze een van de verbijsterend subtiele en hartverscheurendste portretten van verdriet die ik ooit heb gezien; deze film is diep treurig, een briljante, verbijsterend volwassen film.

text_en: After seeing Swimming Pool (my first Ozonic experience - his first American-language movie), all of his previous films and now this one, I've come to the conclusion that Francois Ozon is a truly brilliant filmmaker, someone who is capable of foraging deep, DEEP under the surface of things - as only a Scorpio can - to convey what is nearly non-conveyable in films: psychological state and motivation. Charlotte Rampling is superb in Swimming Pool, and in Sous Le Sable (Under the Sand), she creates one of the most stunningly subtle and heartbreaking portraits of grief that I've ever experienced; this film is profoundly sad, a brilliantly accomplished, astoundingly mature piece of work.


text:
Dit is een tour de force voor Charlotte Rampling <0xE2><0x80><0x93> alleen al door haar prestatie is het de moeite waard om naar haar te kijken.
Het begint met Marie (Rampling) en haar man Jean (Bruno Cremer) die uit Parijs vertrekken naar hun zomerhuis op het platteland. Door de alledaagse activiteiten van hun reis en hun eerste nacht weg te volgen, komen we heel wat over hen te weten. Het ritme van hun huwelijksleven is al lang geleden ingesleten. Maries gehechtheid aan Jean is duidelijk, maar Jeans gevoelens voor Marie zijn minder vastomlijnd en dat wordt een relevant element in de plot.
Op de dag na hun aankomst in het zomerhuis gaat het stel naar het strand. Terwijl Marie zich in de zon zit te koesteren, gaat Jean zwemmen en komt niet meer terug. Marie doorloopt alle verwachte reacties <0xE2><0x80><0x94> ze wacht gespannen, belt de politie, is getuige van de zoektocht en geeft het ten slotte op. Op dat punt begeven we ons in de diepere lagen van het verhaal, als het ware. De uitdrukking op Jeans gezicht vlak voordat hij gaat zwemmen, geeft aan dat de oorzaak van zijn verdwijning onduidelijk is. Was zijn verdwijning een ongeluk, zelfmoord of moedwillig?
Marie lost deze verbijsterende situatie op door in een staat van ontkenning te geraken en dat is het moment waarop Rampling en Ozon de film boven het gewone laten uitstijgen, terwijl ze op subtiele wijze het geleidelijk aan afbreken van Maries illusies volgen. De reacties op de foto's waarop Marie een oudere man in een zwembad ziet zwemmen of een opgenomen boodschap krijgt dat er een lichaam is gevonden, zijn krachtig in hun understatement. Het gebruik van belichting om Maries stemmingen te accentueren is heel effectief, net als het gebruik van fel wit licht wanneer ze duidelijk in de problemen zit.
Ze is op haar best als ze zich afvraagt of een vrouw van in de vijftig wel sexy kan zijn.
De onderliggende boodschap van de manier waarop Maries vrienden met haar reacties proberen om te gaan, is onderhoudend, waardoor je je afvraagt hoe je het beste kunt omgaan met een vriend die in een staat van ontkenning verkeert. Je wilt hen steunen, maar je wilt hen ook aanmoedigen de realiteit onder ogen te zien.
Relaties zijn altijd ingewikkelder dan de betrokkenen begrijpen en, zoals hier het geval is, een traumatische gebeurtenis kan emoties en gedachten losmaken die nooit eerder zijn onderzocht. Ik heb het dubbelzinnige einde gebruikt om de hoop, de angst en het onkenbare te personifiëren in Maries relatie met Jean, en misschien in alle belangrijke relaties.

text_en:
This is a tour de force for Charlotte Rampling - her performance alone makes this worth watching.

Things begin with Marie (Rampling) and her husband Jean (Bruno Cremer) heading out of Paris to their summer home in the country. In following the mundane activities of their trip and first night away we learn quite a bit about them. The rhythms of their married life have long since been grooved. Marie's attachment to Jean is apparent, but Jean's feelings for Marie are less well established and this becomes a relevant plot element.

On the day after their arrival at the summer home the couple go to the beach. While Marie suns herself, Jean goes for a swim and he does not come back. Marie goes through all of the expected reactions - waiting anxiously, calling the police, witnessing the search, and finally giving up. It is here that we move into the deeper waters of the story, as it were. The expressions on Jean's face just prior to his going on the swim sets the tone of ambiguity as to the cause of his vanishing. Was his disappearance an accident, suicide, or willful?

Marie deals with this bewildering situation by entering into a state of denial and this is where Rampling and Ozon boost this movie beyond the ordinary as they subtly trace the gradual chipping away of Marie's illusions. The reaction shots of Marie's seeing an older man swimming in a pool, or receiving a recorded message that a body has been found, are powerful in their understatement. The use of lighting to accentuate Marie's moods is quite effective, like the use of harsh white light when she is in obvious agony.

Rampling is at the top of her form and she completely puts to rest any idea that a woman in her 50s cannot be sexy.

The subtext of how Marie's friends try to deal with her reactions is engaging, making you wonder about the best way to deal with a friend in a state of denial. You want to be supportive, but also want to encourage them to face what you think are the realities of the situation.

Relationships are always more complicated than the participants understand and, as is the case here, a traumatic event can unleash emotions and thoughts previously unexplored. I took the ambiguous ending to personify the hopes, fears, and unknowables in Marie's relationship with Jean, and maybe in all significant relationships.


text:
Een verrassende verandering voor (tot aan dat stadium in zijn carrière als regisseur) de shockauteur Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon, in het kielzog van de burgerlijke fa<0xC3><0xA7>ades van REGARDE LA MER en SITCOM. Dit minimalistische meesterwerk gaat over liefde, verlies en verdriet, maar wordt nooit grof.
Marie, een Engelse docente literatuur aan een Parijse universiteit, raakt tijdens een vakantie aan zee letterlijk haar man Bruno Cremer kwijt. Ze doet een dutje op het strand terwijl hij aan het zwemmen is. Als ze wakker wordt, is hij verdwenen. Per ongeluk of vrijwillig verdronken? Verstopt hij zich misschien voor een verstikkend huwelijk? Ozon geeft geen duidelijke antwoorden, maar concentreert zich, maar concentreert zich op Marie. De film begint met de koppige ontkenning van het vertrek van haar man, terwijl zij haar professionele en sociale leven weer oppakt alsof er niets is gebeurd. Terwijl de mensen om haar heen aannemen dat ze haar verstand aan het verliezen is, blijkt de waarheid aanzienlijk minder tastbaar en veel genuanceerder. Een aarzelende verhouding met de vriend van een vriend lijkt vanaf het begin gedoemd te mislukken, wat leidt tot de verpletterende slotscène, die des te hartverscheurender is omdat hij openstaat voor allerlei interpretaties, die geen van alle erg vrolijk zijn.
Hoewel de filmmaker heeft gezegevierd in zijn verdorven humor en zijn morele shocktactiek, betekent dit gelukkig niet dat hij plechtig is geworden. De algemene luchtigheid van de toon zou inderdaad kunnen opvallen in het licht van het onderwerp, en bovendien...' Het is zelfs een verbazingwekkend erotisch moment als Marie zich voorstelt dat ze door zowel haar echtgenoot als haar minnaar wordt betast in een elegante masturbatiefantasie. Uiteindelijk is dit grotendeels Ramplings show en duidelijk ook als zodanig bedoeld. Ze is hier zelden langer dan een tel buiten beeld, en ze geeft het soort voorstelling dat zowel subtiel als sensueel is, en dat haar handelsmerk is sinds ze in de jaren zestig wereldwijd filmpubliek kreeg. Haar mysterieuze schoonheid is in de loop der jaren niet minder geworden (maar eerder groter). In weerwil van haar eigen gedragscode (ze werkt zelden meer dan één keer met dezelfde regisseur en is altijd op zoek naar nieuwe ervaringen om haar ambacht en persoonlijke groei te bevorderen), kreeg ze een hoofdrol in Ozons bedrieglijk opgewekte zwemwedstrijd en speelde ze een ondersteunende rol in zijn eerste mislukking tot nu toe, de afgrijselijke engel.

text_en:
A surprising change of pace for (up to that stage in his directorial career) shock auteur François Ozon in the wake of bourgeois facade-ripping as REGARDE LA MER and SITCOM, this minimalist masterpiece deals with love, loss and grief yet never becomes heavy-handed.

Middle-aged Marie (luminous Charlotte Rampling making a belated but extremely welcome return to leading roles), an English literature professor at a Parisian university, quite literally loses her husband (hauntingly sad-eyed Bruno Cremer) while on seaside holiday. She takes a nap on the beach as he's out swimming. When she wakes up, he has disappeared. Accidentally or voluntarily drowned ? Hiding perhaps from a stifling marriage ? Ozon offers no solid answers but focuses but focuses on Marie's stubborn denial of her husband's departure as she resumes her professional and social life as if nothing had happened. While those around her assume she's slipping from sanity, the truth proves considerably less tangible and far more nuanced. A tentative affair with the friend of a friend seems doomed from the start, leading to the shattering final scene, all the more heartbreaking for being open to any number of interpretations, none of them particularly cheerful.

Even though the filmmaker has reigned in his wicked humor and morality-defying shock tactics, this fortunately doesn't mean he has gone all solemn on us. The general lightness of tone might indeed startle in light of the subject matter, plus there's even an astonishingly erotic moment when Marie imagines herself being groped by both husband and lover in an elegant masturbatory fantasy. Ultimately, this is very much Rampling's show and clearly intended as such. Rarely out of frame for more than an instant here, she delivers the type of performance  both subtle and sensuous  that has been her stock in trade since she started enchanting movie audiences worldwide back in the '60s, her mysterious beauty undiminished (if anything, augmented more like) by the passing years. Contrary to her personal code of conduct (she will rarely work more than once with the same director, always looking for new experiences to further her craft and personal growth), she went on to star in Ozon's deceptively upbeat SWIMMING POOL and took a supporting role in his first failure to date, the atrocious ANGEL.


text: Ik sta versteld van Ozons inzicht in verlies. Als de dood zo plotseling komt, kun je de illusie hebben dat het leven doorgaat, vooral als een stel al zoveel jaren samen is. We krijgen alles te zien, van Maries standpunt tot het punt waarop zelfs haar beste vriendin, Amanda, onsympathiek lijkt. Als Marie inderdaad probeert zich los te maken van Jeans herinnering, biedt de nieuwe minnaar haar al na één nacht aan haar te helpen met haar 'probleem'. De korte scène met de schoonmoeder is uitmuntend. De toespelingen op Virgina Woolf vormen ook de sleutel tot begrip. Voor mij is het de sympathie van Ozon voor het personage Marie, degene die met verlies moet omgaan, die deze film zo'n kracht geeft. Zonder een spoor van toegeeflijkheid zien we een sterk personage dat probeert te overleven wat haar leven heeft verwoest.

text_en:
I am amazed at Ozon's insight into loss. When death is so sudden there can be the illusion of life continuing, particularly when a couple have grown together for so many years. We are led to see everything from Marie's point of view to the point that even her best friend, Amanda, seems unsympathetic. When Marie does attempt to move away from Jean's memory, the new lover, after only one night, is already volunteering to help her with her "problem". The brief scene with mother-in-law is superb. The allusions to Virgina Woolf are also key to understanding.

For me, it is the sympathy given by Ozon to the character of Marie, the one who has to cope with loss, which gives this film such power. Without a hint of indulgence, we see a strong character attempting to survive an experience which has shattered her life.


text:
Dit is een volwassen, bedachtzame studie van de spelletjes die we met onszelf spelen om de dag door te komen; een wandeling door verlies en ontkenning. Het acteren is de hele tijd eenvoudig en voortreffelijk.
Deze rol krijgt Rampling verdiend toegejuicht, maar Bruno Cremer, die als haar echtgenoot misschien wel de moeilijkste rol heeft om te spelen, is een prachtig uitgevoerde, subtiele lijn.
Ozon is een van mijn favoriete regisseurs. Zijn werk wordt altijd provocerend, riskant en bereid om de donkere hoeken van het leven van zijn personages te verkennen. Een deel van Ozons werk is vrolijk en kitscherig. Zijn andere stijl is rustig en serieus. Dit is een van zijn meest serieuze en een van de beste.

text_en:
This is a mature, thoughtful study of the games we play with ourselves to make it through the day; a walk through loss and denial. The acting is simple and superb throughout.

Rampling gets deserved praise for this role, but Bruno Cremer as her husband has perhaps the most difficult role to tread, it's a fine line done marvelously.

Ozon is one of my favorite Directors. His work is always thought provoking, risky, and willing to explore the dark corners to bring fullness to the life of his characters. Some of Ozon's work is bright and campy. His other mode is quiet and serious. This is one of his most serious, and one of the best.


text: Ik heb die film vanmiddag gezien en ik heb er echt van genoten. Was er nog iemand die een beetje van zijn stuk werd gebracht door de overgang van Frans naar Engels en toen weer terug naar Frans zonder enige aankondiging? De eerste keer dat het gebeurde, was ik erg verbaasd. Waarom denk je dat ze dat deed? Ik zie er het nut niet van in. De enige keer dat het me duidelijk werd, was toen ze lesgaf en voorlas uit een Engelse roman, verder begreep ik er op andere plaatsen niets van. Commentaar? Uitstekende film, ik zal hem aan vrienden aanbevelen en proberen nog een paar films van Charlotte Rampling te zien. Het sneeuwt hier en dus viel deze film heel goed bij ons weer. Kan iemand me nog een andere film van Charlotte Rampling aanbevelen? Ik zou heel graag nog een andere film willen zien waarin ze een rol heeft. Doet ze zowel Franse als Britse films?

text_en: I just saw this movie this afternoon and really enjoyed it. Was anyone else taken back a little by the change from French to English and then back to French without any notice. The first time it happened, I was very surprised. Why do you think that was done? I don't see any purpose The only time, it made sense to me was when she was teaching and reading from an English novel, otherwise, it didn't make sense in other places. Any comment? Excellent movie, I will recommend it to friends and try to see a few more Charlotte Rampling movies. It is a snowy day here and so this movie went very well with our weather. Can anyone recommend any other Charlotte Rampling movies? I would definitely like to see something else that she has starred in. Does she do both French and British movies?


text:
Deze charmante, sobere film van de Franse filmmaker Ozon stelt de vragen van verlies en ontkenning, seksualiteit en de vele manieren waarop we met verdriet omgaan. Als we iemand ons hele leven kennen, hoe functioneren we dan als onze omstandigheden zijn veranderd? En op welke manier compenseren we de leegte en het menselijke contact waar we naar verlangen?
Het verhaal is eenvoudig, maar de meditaties zijn complex en ingewikkeld. Marie en haar man zijn op vakantie in het pittoreske zuidwesten van Frankrijk als de man op een verlaten strand gaat zwemmen, maar nooit meer terugkomt. Het overgrote deel van de film gaat over Marie's leven. De film gaat over de manier waarop Rampling haar wereld ervaart na de mysterieuze verdwijning van haar man, en over haar bespiegelingen over seksualiteit en ouderdom.
Dit is een mooie film. In de traditie van de Franse filmschool zijn er veel rustige, meditatieve scènes; momenten waarop Ramplings personage door rijkelijk gemeubileerde kamers en huizen van haar welgestelde metgezellen glijdt, die haar steunen en raad geven. De spaarzame dialoog creëert een in zichzelf gekeerde en bespiegelende film <0xE2><0x80><0x93> volkomen verfrissend en volwassen in de eisen die het publiek eraan stelt. Maries optreden verdient een speciale vermelding. Ze neemt de hele film op. Ze is een sensuele, sexy, wereldwijze en volledig ontwikkelde vrouw. Haar acteerwerk is minimaal, maar het heeft een groot effect. Ze is in staat haar gevoelens van ontkenning, spijt, lichtzinnigheid en vrouwelijkheid over te brengen zonder dat er soms een dialoog aan te pas komt. Ze speelt Marie realistisch met de beperkingen van de normen van de maatschappij, maar komt in de verleiding zich los te maken en haar gevoelens en schuldgevoelens te ontketenen die onder het zand begraven liggen. Dit is een van de grote filmoptredens.
Dit was zo verfrissend en mooi om te zien, een traktatie om een tijdje in het pittoreske Landes te vertoeven. Het was een eerlijke en oprechte vertolking van hoe we met verlies omgaan, als we zo gewend zijn ons leven te leiden en onze liefde als iets vanzelfsprekends beschouwen. Ozon en Rampling waren allebei adembenemend, sensueel en sleurden me hun wereld binnen. Tegen het eind van de film wilde ik haar wereld van herinneringen en spijt niet meer verlaten, en ik bleef zo lang mogelijk naar de aftiteling luisteren. Ik wilde blijven luisteren naar het breken van de golven, de vredige getijden die me onder het zand trokken.

text_en:
This charming sober film from French filmmaker Ozon poses the questions of loss and denial, sexuality, and the many ways that we deal with grief. When we grow to know someone all our lives, how do we function when our conditions have changed? And in what ways do we compensate to fill the voids and human touch that we linger for?

The story is simple enough, but the meditations are complex and intricate. Marie and her husband are on holiday in the picturesque south-west of France when at a deserted beach, the husband goes for a swim but never returns. The extensive majority of the film is concerned with Marie's perception of her world after her husband mysterious disappearance and her reflections on sexuality and ageing.

This is a fine film. In tradition with the French school of film-making, there are many quiet, meditative scenes; moments where Rampling's character glides through ornately furnished rooms and houses of her affluent companions who offer support and counsel. The sparse dialogue creates an introspective and reflective film - totally refreshing and mature in the demands on the audience.

The city streets of the Landes region and the associated beaches are serenely photographed. It is truly beautiful to watch. Add Ozon's exceptional direction that heighten the loneliness and regret enforced by Rampling and the film is a treat for the senses.

Rampling's performance deserves a special mention. She carries the entire film for the duration. She is a sensual, sexy, sophisticated and fully-developed female. Her acting is minimal but it works to great effect. She is able to communicate her feelings of denial, regret, giddiness and womanhood with sometimes no dialogue, realistically playing Marie with the constraints of society's norms but tempted to break free and unleash her feelings and guilt buried under the sand. This is one of the great film performances.

This was so refreshing and beautiful to watch, a treat to be engulfed in picturesque Landes for a while. It was a truthful and honest portrayal of how we cope with loss; when we are so used to living our lives, taking our loves for granted. Ozon and Rampling were both stunning, sensual and reeled me into their world. By the film's end I was reluctant to leave her world of memories and regret, and I drifted of listening to the credits as long as I could. I wanted to continue listening to the crash of the waves, the peaceful tides pulling me under the sand.


text:
SPOILERS ARE AARD.
Charlotte Rampling geeft een prachtig ingehouden beeld van de breekbaarheid van een vrouw die de belangrijkste pilaar in haar leven is kwijtgeraakt.

Haar reactie in het mortuarium is een mooi voorbeeld van haar acteertalent.

text_en:
SPOILERS AHEAD.

Charlotte Rampling gives a marvelously understated portrayal of the fragility of a woman who has lost the central pillar in her life.

Her reaction in the mortuary scene provides a fine example of her skills as an actress.


text: Langzaam, weloverwogen en een perfect voorbeeld van voortreffelijke montage, lijkt elke beweging betekenis te hebben. Ik heb me nooit gerealiseerd dat Rampling zo'n krachtige dramatische acteur was. Het einde is niet meer dan dat - en het eindigt. Er is geen dramatische afsluiting, de kijker is niet zeker van het einde, maar zo hoort het ook. Ik zag dit in hetzelfde weekend als Moulin Rouge, wat onderstreepte wat een genoegen het is om een zorgvuldige karakterstudie op het scherm te zien.

text_en: Slow, deliberate, and a perfect example of great editing, every movement seems to have meaning. I never realized Rampling was such a powerful dramatic actor. The ending is just that-- and ending. There's no dramatic closure, the viewer is unsure of the ending, but that is as it should be. Saw this the same weekend as Moulin Rouge, which underscored what a pleasure it is to see a thoughtful character study on screen.


text:
Dit is een film die zich langzaam ontwikkelt, maar niet zonder zijn greep te verliezen. Hij is niet saai, tenzij je 18 jaar oud bent. In feite is dit een volwassen film voor volwassen kijkers die de complexiteiten en het geluk begrijpen van relaties in het midden van het leven, die nog gecompliceerder worden door het verlies of de handicap van een vaste partner wiens patronen goed geleerd en ervaren zijn op dat lange pad. Lange relaties leiden tot aanvaarding en hunkering naar gedeelde prestaties, gewoonten en lichaamstaal <0xE2><0x80><0x93> goed of slecht. In langdurige relaties worden slechte tijden vermengd met de beste. Alle slechte tijden zijn zonder risico. Zoals anderen hebben opgemerkt, heeft Marie (Charlotte Rampling) haar man Jean (Bruno Cremer) verloren tijdens een ingetogen vakantiereisje naar hun villa aan zee in het zuiden van Frankrijk. We weten niet veel meer over hen dan dat hun relatie gespannen is of goed. We leren die elementen niet in een groots drama, maar in een geestelijke marteling die zich in Maries geest voltrekt <0xE2><0x80><0x93> vooral nadat Jean van het strand is verdwenen terwijl Marie zich op het zand koesterde.
Dit script is een op de tenen lopende dans tussen het echte en het onwerkelijke; tussen gezond verstand en krankzinnigheid; tussen een tijdelijke geestelijke afwijking die wordt veroorzaakt door het verlies van een partner en de noodzaak om koste wat kost de herinnering aan een levenspartner vast te houden. Misschien zien we alleen maar een korte periode in de tijd, of erger nog, iets wat blijvender is.
Dat antwoord zullen we nooit weten.
We kennen alleen de ervaring die directeur Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon heeft gecreëerd en die een open einde heeft.

text_en:
This is a film that is slow in developing but not without losing its grip. It is not boring unless you are 18years old. Actually, this is a mature film for mature viewers who understand the complexities and bliss of mid-life relationships that are further complicated by the loss or disability of a steady partner whose patterns are well learned and experienced along that long path. Long relationships lead to an acceptance and craving for shared performance, habits and body language - either good or bad. In long-term relationships, bad times are blended with the best. All bad times are without risk.

As others have commented, Marie (Charlotte Rampling) has lost her husband Jean (Bruno Cremer) in a low-keyed holiday trip to their seaside residence in southern France. We do not know much about them other than it appears that their relationship is either strained or okay. We learn those elements not in high-level drama but one of progressive mental torture going on in Marie's mind - particularly after Jean disappears beachside while Marie is basking on the sand.

This script is a tiptoe dance between the real and unreal; between sanity and insanity; between a temporary mental aberration induced by bereavement and the need to retain the memory of a life-partner at all cost. Perhaps, what we see is just a short slice in time or worse, something more permanent.

We will never know that answer.

We only know the experience that Director François Ozon created that has an open ending.


text:
Dit is zonder enige twijfel de film van Charlotte Rampling. Op het witte doek speelt ze bijna de hele tijd bewonderenswaardig de rol van Marie, een vrouw van middelbare leeftijd wier man op een zonnige dag op een eenzaam strand plotseling verdwijnt.
Haar toenemende wanhoop en weigering de feiten te accepteren die naar zijn zekere dood door verdrinking lijken te wijzen, eisen onmiddellijk onze aandacht op. De onzekerheid over het voorval en haar ongeloof voeden bij ons de hoop, hoe gering ook, dat hij op de een of andere manier nog in leven is.
Het acteren is in alle opzichten zowel gevoelig als overtuigend. Charlotte Rampling is een groot actrice die zich met zo'n gratie beweegt dat ze zelfs de bereiding van een kop koffie interessant kan maken om naar te kijken. De magie van deze film schuilt in de alledaagse voorvallen die deel uitmaken van ons leven... zoals naar het strand gaan of je afvragen wie er aan de andere kant van de lijn is als de telefoon gaat. Voeg daar een mystiek aspect aan toe en je hebt een winnaar.
Niet iedereen zal het misschien eens zijn met het einde, maar ik vind dit een intrigerende film. We worden geconfronteerd met een groot vraagteken. Onze hoop groeit... Ik moet denken aan het oude gezegde 'De wens is de vader van de gedachte'.

text_en:
This is definitely Charlotte Rampling's film. On the screen nearly all the time she admirably plays the part of Marie, a middle-aged woman whose husband Jean disappears suddenly during a sunny day at a lonely beach.

Her mounting despair and refusal to accept the facts which seem to point to his certain death by drowning grip our attention at once. The uncertainty of the incident and her disbelief nurture in us the hope, however meagre, that somehow or other he is still alive.

The acting throughout is both sensitive and convincing. Charlotte Rampling is a great actress moving with such grace she can even make the preparation of a cup of coffee interesting to watch. The magic of this film is found in the simple every day incidents that make up our lives...like going to the beach or wondering who is at the other end when the telephone rings. Add to this a mystic quality and you have a winner.

Not every one perhaps will agree with the ending, but I think this one is intriguing. A big question mark confronts us. Our hopes rise..... There comes to mind the old saying...."The wish is father of the thought".


text: Het lijkt erop dat Ozon met See The Sea een succes heeft gemaakt van wat hij niet kon waarmaken. De prestatie van Charlotte Rampling is zo verbazingwekkend dat het pijn doet. Maar de echte eer moet aan Ozon zelf worden toegekend. Het is verbazingwekkend voor een regisseur van zijn leeftijd om een film zo economisch, zo volwassen te maken en de regisseur voor de kijker verborgen te houden terwijl alles van de regisseur afhangt. Het is meesterwerk. Het is het meesterwerk van Fran<0xC3><0xA7>ois Ozon, een ontroerend drama over een vrouw die haar verlies ontkent, een alledaagse gewoonte die misschien wel in de 'golven' wordt genoemd. De laatste opname van Charlotte Rampling die over het zand naar de illusie van haar man rent is verbazingwekkend.

text_en: Ozon seems to have made here, what he couldn't quite succeed with See The Sea. Charlotte Rampling's performance is so amazing it hurts. But the real credit should be given to Ozon himself. It's surprising for a director of his age to make a film so economic, so mature and hiding the director from the viewer when it's all depending on the director. It's a master's work. It's François Ozon's masterpiece. a touching drama about a woman's denial of her loss, an everyday habit maybe like mentioned in the "waves". the last shot of Charlotte Rampling running on the sands towards the illusion of her husband is amazing. and how ozon cuts it before she ever reaches.


text: Under the Sand was een aangrijpende film. Charlotte Rampling was uitstekend als de ontkennende, treurende echtgenote. Ik denk dat de film goed was in het onderzoeken van de gevolgen van de dood van een echtgenoot of echtgenote. Het is geen film voor jonge mensen en het is ook geen bijzonder vrolijke film. Hij heeft wel een effect op je. Ik vroeg me af of ik net zo sterk of zo zwak zou zijn als Marie Drillon in een soortgelijke situatie. De film nodigde uit tot zelfonderzoek en dat is voor mij het kenmerk van een goede film.

text_en: Under the Sand was a haunting, touching movie. Charlotte Rampling was excellent as the denying, grieving wife. I think the film did a good job in examining the effects from the death of a spouse. It is not a young person's movie nor is it a particularly happy movie. It does have an effect on you. I wondered if I would be as strong or as weak as Marie Drillon if placed in a similar situation. The movie invited this introspection and that for me is the hallmark of a good film.


text: Een prachtig eenvoudig verhaal, verteld zonder overbodige details (Ozon respecteert het natuurlijke tempo van de rouwtijd). Maar wat me het meest opvalt is Charlotte Rampling, die nog nooit zo echt, zo mooi, zo mysterieus is geweest. Ik zal haar gezicht in deze film niet vergeten. Het is niet gebruikelijk, zo'n ontmoeting tussen een actrice en een personage.

text_en: A beautiful simple story, told with no unecessary effects (Ozon respects the natural pace of mourning time). But what strikes most is Charlotte Rampling, who's never been so real, so beautiful, so mysterious. I won't forget her face in this film. It's not usual, that kind of meeting between of an actress and a character.


text: Ik ga niet over de acteurs praten. Dat heeft iedereen hier al gedaan en het probleem dat ik met deze film heb, heeft helemaal niets met acteren te maken. Het is heel goed gedaan. Maar het is triest en deprimerend. Niet veel mensen zullen willen zien hoe Marie worstelt om te accepteren dat haar man 'weg' is en dat ze nu alleen is. Haar man is al 3 maanden weg en ze praat over hem alsof hij nooit is verdwenen. De moeder van de man, die in een verpleeghuis zit, maakt een opmerking tegen Marie en zegt dat ze waarschijnlijk ook gek en saai is. Misschien is haar zoon daarom wel verdwenen <0xE2><0x80><0x93> omdat zijn leven & zijn vrouw hem verveelden. Waarom iemand zo'n opmerking zou maken tegen iemand die lijdt, is me een raadsel. Maar om de een of andere reden is daar die pathetische scène die erop wijst dat Marie misschien krankzinnig is. Dat is ze niet. Ze is kapot van verdriet en niet in staat te accepteren dat haar man misschien dood is, misschien door zelfmoord. Als dit allemaal naar klinkt, wees dan voorbereid. Dit is helemaal geen opbeurende film. Ik vond 'Zwemmen in het zwembad' veel leuker en zou dit niet nog een keer willen meemaken. Probeer iets anders.

text_en: I'm not going to talk about the actors. Everyone here has already done that and the problem I have with this film doesn't involve the acting at all. It is very well done. However, it is sad and depressing. Not many people will want to watch Marie struggle to accept the fact that her husband is 'gone' and that she is now alone. Her husband has been gone for 3 months and she talks about him as if he never disappeared. The husband's mother, who is in a nursing home, makes a comment to Marie telling her that she's probably crazy and boring too. Maybe that is why her son disappeared-because he was bored with his life & his wife. Why anyone would make such a comment to someone suffering is beyond me. But for some reason, there it is, this pathetic scene hinting that Marie might be insane. She isn't. She's grief stricken and unable to accept the fact that her husband may be dead, perhaps by suicide. If this all sounds dismal, be prepared. This is NOT an uplifting film at all. I enjoyed "Swimming Pool" much better and wouldn't want to sit through this again. Try something else.


text:
De oogverblindende, beeldschone Meg Foster en de ruigharige, babyface-achtige Michael Burns zijn een wispelturig, ongedwongen hippiestel met grote ogen, dat tijdens hun doelloze tocht door de Verenigde Staten in deze onweerstaanbaar hippe 'Easy Rider'-uitgave uit het begin van de jaren zeventig van de vorige eeuw een oogverblindend stel groteske figuren tegen het lijf loopt. Foster en Burns leveren een sympathieke rol op, met de onderschatte en altijd charmante Foster in een zeldzame bijrol (Foster speelde de rol in feite opnieuw in de bizarre horrorfilm 'Welcome to Arrow Beach'). Bruce Dern levert een angstaanjagende, staande camee als een zenuwachtige, met een stiletto zwaaiende psycho-motorrijder in een gele elektrische hengel; Joyce Van Patten levert eveneens een prachtig afzichtelijke vertolking van een bittere, zelfingenomen, vierkante en schokkend giftige stadsmoeder van de hel; Mariana Hill en Burke Burns zijn schrikbarend grof en vulgair als een luidruchtige, slonzige, blanke zwerfster en haar aangeschoten, onzekere, macho hufterige echtgenoot, en de tv-serie 'Hill Street Blues' van Michael Conrad is solide als een potige, sjofele, vriendelijke, maar geile vrachtwagenchauffeur die ons zwervende tweetal een lift geeft naar San Francisco.

Quentin Masters' De sobere, scherpzinnige regie vermijdt wijselijk de gebruikelijke, overdadige excessen die in die tijd in veel alternatieve films werden gebruikt, en kiest in plaats daarvan voor een tijdlozere, grotendeels onopgesmukte en duidelijk naturalistische stijl die vrij oud is. Don Mitchells episodische, maar samenhangende script geeft met de grootst mogelijke helderheid en scherpzinnigheid een reeks levendige, kleurrijke en boeiende scènes weer, die met scherpzinnigheid het onstuimige hedonisme, de morele tolerantie, de onbehagen en paranoia uit het Nixon-tijdperk, het corrumperen en tenietdoen van de idealen van het bloemenkind, de massale desillusie en de intense spirituele malaise uit het begin van de jaren zeventig weergeven. De bedauwde, goudgetinte cinematografie van Harry Stradling jr. geeft de film een zonnig, prachtig lyrisch aanzien, terwijl de soundtrack kan bogen op een heleboel harmonische en smaakvolle folkloristische balladen. De zorgeloze toon wordt somberder naarmate de film op zijn gemak zijn spookachtig sombere einde nadert en op die manier een eind maakt aan alles met een onthutsende toon van grimmige zelfontdekking. Een weliswaar passé, maar nog steeds intrigerend stuk.

text_en:
The strikingly lovely Meg Foster and baby-faced, shaggy-haired Michael Burns are a flighty, wide-eyed, free'n'easy hippie couple who encounter a stunningly twisted array of distinctly all-American grotesque characters during their aimless trek across the United States in this compellingly groovy "Easy Rider"-inspired early 70's road movie curio. Foster and Burns make for likable leads, with the underrated and always captivating Foster particularly fine in a rare starring role (Foster basically reprised the character in the oddball cannibal horror outing "Welcome to Arrow Beach"). Bruce Dern contributes a stand-out scary cameo as a jittery, switchblade-wielding psycho motorist in a yellow hot rod; Joyce Van Patten likewise turns in a marvelously hideous portrayal of a bitter, smugly square and shockingly venomous suburbanite harridan mother from hell; Mariana Hill and Burke Burns are alarmingly gross and vulgar as a loud, trampy white trash wife and her boozy, insecure macho jerk husband, and "Hill Street Blues" TV series regular Michael Conrad is solid as a burly, scruffy, friendly, but horny truck driver who gives our wandering twosome a ride into San Francisco.

Quentin Masters' spare, sharply observant direction wisely avoids the usual stylistic overkill excesses which mar many counterculture films made at the time, opting instead for a more timeless, largely unadorned and plainly naturalistic style which has dated pretty well. Don Mitchell's episodic, yet coherent script conveys a series of vividly realized, colorful and engrossing vignettes with topmost clarity and acuity, perceptively nailing the rampant hedonism, moral permissiveness, Nixon-era unease and paranoia, corrupting and erosion of flower child ideals, mass disillusionment, and intense spiritual malaise which defined the early 70's. Harry Stradling, Jr.'s dewy, golden-hued cinematography gives the picture a sunny, beautifully lyrical look while the soundtrack boasts plenty of nicely harmonic and flavorsome folk ballads. The carefree tone darkens as the film leisurely progresses towards its hauntingly downbeat conclusion, thus ending things on a startling note of grim self-discovery. An admittedly passé, but still intriguing period piece.


text:
Thumb Tripping is een weinig bekende hippiefilm die in 1972 werd gemaakt. Hij is niet zonder reden weinig bekend. De reden is dat hij een beetje armzalig is... en degenen die hem hebben gezien (en dat waren er niet veel) hebben er geen mond-tot-mondreclame van gemaakt. Er zijn een paar acteurs in meegespeeld die grotere en betere dingen hebben gedaan, met name Meg Foster en Bruce Dern; ook de regisseur Quentin Masters zou later een seksmisdrijf scoren met de Joan Collins-film The Stud. Maar in deze film is er weinig interessants te vinden, afgezien van een vrijblijvend verhaal dat af en toe inzicht geeft in de toegeeflijke en nonchalante houding van de jeugd aan het eind van de jaren zestig/vroeg in de jaren zeventig. Op de meeste terreinen is Duim Tripping een saaie, gedateerde, verwarde en totaal vergeten miskleun.

De jonge lifters Gary (Michael Burns) en Chay (Meg Foster) trekken samen door Californië, liften mee als ze kunnen en brengen de avonden onder de sterren door. Gary is een jongen met een fatsoenlijke achtergrond en een thuis in Connecticut, die zijn studie heeft uitgesteld om zichzelf te 'ontdekken'; Chay is een meer vrijgevochten type dat het hier-en-nu wil ervaren nu ze nog jong is. Tijdens hun zwerftochten komen Gary en Chay allerlei rare types tegen en raken soms verstrikt in bizarre avonturen. Ze worden opgepikt door de wegracers Smitty (Bruce Dern) en Simp (Larry Hankin) die hen bedreigen met een stiletto; later liften ze mee met een verbitterde vrouw (Joyce Van Patten) die al een hekel heeft aan hippies sinds haar dochter is weggelopen om er zelf een te worden; een andere keer merkt Chay dat ze wordt aangestaard door een vrachtwagenchauffeur van middelbare leeftijd (Mike Conrad); en op hun laatste 'dikke trip' reizen ze mee met slecht functionerende man-en-vrouw-alcoholisten (Mariana Hill en Burke Burns).
De afleveringen komen en gaan zonder veel indruk achter te laten, deels vanwege de wazige soundtrack (die een groot deel van de dialoog onhoorbaar maakt) en deels vanwege de volstrekt oninteressante hoofdpersonen. Michael Burns geeft een niet-optreden dat op een dag door artsen zou kunnen worden aanbevolen als remedie tegen slapeloosheid, terwijl Foster het niet veel beter doet als de onsympathieke vrouwelijke hoofdrolspeelster, die lijkt te denken dat ze vrij en gelukkig is, maar in werkelijkheid alleen maar een egocentrische slet is. De galerij van achtergrondpersonages is veel fascinerender dan deze twee, maar ze komen en gaan te snel om veel indruk te maken. Het script (van Don Mitchell, uit zijn eigen roman) heeft geen idee waar het heen gaat en kuiert alleen maar van de ene zinloze situatie naar de andere. Waar Easy Rider een vergelijkbare plot had en vrijblijvend was, had het tenminste interessante personages en situaties, en charismatische acteurs. Thumb Tripping heeft daar niets van en het is een heel moeilijke film om van het begin af aan tot het onbevredigende einde te verdragen.

text_en:
Thumb Tripping is a little-known hippie road movie made in 1972. It's little-known for a reason. The reason is that it is somewhat poor.... and those who saw it (of which there were few) did not build for it a word-of-mouth reputation of any note. There are a few cast members in it who went on to bigger and better things, notably Meg Foster and Bruce Dern; also the director Quentin Masters would later score a sexploitation hit with the Joan Collins movie The Stud. However, in this film there is very little of interest other than a freewheeling narrative that offers occasional insights into the permissive and casual attitudes of the youth of the late '60s/early '70s. In most departments, Thumb Tripping is a tedious, dated, muddled and totally forgettable misfire.

Young hitch-hikers Gary (Michael Burns) and Chay (Meg Foster) make their way around California together, hitching rides when they can and spending evenings under the stars. Gary is a kid from a decent background and a home in Connecticut who has chosen to postpone going to college in order to "discover himself"; Chay is a more freewheeling type who just wants to experience the here-and-now while she is still young. During their wanderings, Gary and Chay come across various weird types and sometimes find themselves caught up in bizarre adventures. They're picked up by road-racers Smitty (Bruce Dern) and Simp (Larry Hankin) who threatens them with a switchblade; later they hitch a lift from an embittered woman (Joyce Van Patten) who has hated hippies since her daughter ran away to become one; another time Chay finds herself being ogled by a middle-aged trucker (Mike Conrad); and in their final "thumb trip", they find themselves travelling with dysfunctional husband-and-wife alcoholics (Mariana Hill and Burke Burns).

The episodes come and go without leaving much of an impression, partly due to the fuzzy soundtrack (which renders much of the dialogue inaudible) and partly because of the thoroughly uninteresting main characters. Michael Burns gives a non-performance that may one day be recommended by doctors as a cure for insomnia, while Foster fares little better as a dislikable female lead whose character seems to think she's free and happy but in reality is just a self-centred slut. The gallery of background characters are far more fascinating than these two, but they come and go too quickly to make much of an impact. The script (by Don Mitchell, from his own novel) has no idea where it's going and merely ambles along from one pointless situation to another. Where Easy Rider was similarly plot less and freewheeling, at least it had interesting characters and situations, and charismatic performers. Thumb Tripping has none of that and is a very tough film to endure from low-key beginning to unsatisfying end.


text:
De afgelopen maanden heb ik de Voyager-seizoenen 4 tot 7 op dvd verzameld (voordien had ik alleen 1 tot 3 op video, want Kes is mijn favoriete personage) en ik ben net aan het eind gekomen. Ik heb ze gezien toen ze oorspronkelijk hier in Engeland op tv werden vertoond, maar ik was het meeste vergeten. Ben ik tevreden met het einde? Ik denk het wel. Natuurlijk zou ik, als fan, graag meer willen zien van wat er met de personages gebeurde als ze thuiskwamen, maar dat wordt aan onze verbeelding overgelaten. In veel opzichten lijkt 'Eindspel' op 'Alle Goede Dingen Gaan Goed' van Next Gen. De betrokkenheid van de bemanning in de toekomst, maar vooral van de kapitein. Een nieuwe romance die in de finale begint (Troi en Worf in het volgende gen en Zeven van de Negen en hier Chakotay), wat in de toekomst tot de dood leidt. Ik hield echt van 'Eindspel', eerlijk tegenover alle personages, waarin Neelix verschijnt, hoewel hij het schip twee episodes eerder heeft verlaten. B'elanna schenkt het leven aan haar dochter met haar liefhebbende echtgenoot Tom. Tuvok is ziek, maar naar huis terugkeren betekent dat hij genezen kan worden. Harry is altijd het meest bezorgd en vastberaden geweest, maar geeft toe dat de reis belangrijk is. De Dokter wordt in de toekomst door iedereen gerespecteerd en kiest ten slotte de naam Joe! Maar natuurlijk heeft de Kapitein de grootste rol, die haar toekomstige ik ontmoet die de bemanning eerder naar huis wil hebben om ongelukken te voorkomen. De Borg zijn erbij betrokken, want ze hebben een grote rol gespeeld in deze periode van Voyager. Alice Krige speelt de Borg-koningin weer fantastisch, alleen haar stem en acteermethode zijn schitterend. Maar ik heb medelijden met Susanna Thompson, de Borg-koningin van de tv die is vervangen door de Borg-koningin van de film. Maar misschien was ze niet beschikbaar. De special effects zijn fantastisch, het Borg-sub-ruimtecentrum en de Borg-koningin vallen uit elkaar! Het is heel spannend. Vooral als ze uit de Borg-sub-ruimtegang komen en zeggen dat hun locatie precies is waar ze dachten dat ze zouden zijn nadat ze hadden gezegd dat ze door een gang moesten die terugvoert naar het deltakwadrant. En wat een geweldig idee om voor de bescherming in een Borg-bol te gaan, op de speciale dvd's zeggen ze dat het net zoiets was als het Trojaanse paard. Voyager had door kunnen gaan. Als het populairder was geweest, zouden ze zijn gebleven bij hun oorspronkelijke idee van de bemanning die zich realiseert dat het schip hun thuis is, zoals in Harry's toespraak en wat Tom zei omdat zijn vrouw en kind er zijn. En dan hadden ze thuis kunnen komen in een film!
Over het geheel genomen was Voyager een beetje een misser. Het zesde seizoen leek één goed seizoen te zijn, gevolgd door een minder goed seizoen. De twee afleveringen die zich afspelen in het Holografische Ierse dorp zijn afschuwelijk! Mijn indruk van Zeven van Negen was dat zij het overnam, dat het allemaal om haar draaide, wat niet waar was. Toen ze voor het eerst verscheen, was het vierde seizoen te veel op haar gericht, maar daarna werd het een stuk gelijkmatiger. En haar personage is soms vernuftig, 20 jaar als een Borg-drone die geleidelijk haar menselijkheid herontdekt. Ik mag haar wel, vooral in 'Iemand die over me waakt', 'Onvolmaaktheid' en 'Menselijke fout'. Toen Naomi Wildman aanvankelijk bang voor haar was, maar daarna vaak haar vriendin werd, was dat prachtig. Chakotay werd mijn minst favoriete personage. Weg was de chemie met Janeway (zullen ze/zullen ze?) en je zou nooit denken dat hij de eerste officier was, hij wordt meestal volledig aan de kant geschoven. Ik vond het heerlijk om te zien hoe de relatie tussen Tom en B'elanna tegen alle verwachtingen in opbloeide. Ik heb Neelix altijd erg gemogen. Tuvok was soms goed, vooral als hij zijn logica kwijt was, emoties kreeg en met Neelix bevriend was. Harry was soms irritant, maar op andere momenten een prima figuur. De Doctor is waarschijnlijk mijn favoriet, als je ziet hoe ver hij komt en wat voor komische situaties hij creëert ('De ketellapper, de tenor, de dokter, de spion' is fantastisch!). Janeway is mijn favoriete kapitein van elke serie en je kunt zien dat Kate Mulgrew er echt van geniet.
Ik wou dat er meer was, ik ben dol op Voyager!

text_en:
The past few months I have collected Voyager seasons 4 to 7 on DVD (I only had 1 to 3 on video before that, because Kes is my favourite character) and have just reached the end. I saw them when they were originally shown on TV here in the UK but had forgotten most of it. Am I satisfied with the ending? I think I am. Naturally as I fan I would have liked to have seen more about what happened to the characters when they got home but that's left to our imagination. In many ways "Endgame" is similar to Next Gen's "All Good Things" The involvement of the crew in the future, but mainly the captain. A new romance starting in the finale (Troi and Worf in Next Gen and Seven of Nine and Chakotay here), which results in death in the future. I truly loved "Endgame," fair to all characters, Neelix appears although he left the ship two episodes earlier. B'elanna gives birth to her daughter with loving husband Tom. Tuvok is ill but returning home means he can be cured. Harry has always been the most anxious and determined but admits the journey is important. The Doctor, in the future, is well respected by all and finally chooses the name Joe! But of course the Captain has the largest role, meeting her future self who wants to get the crew home earlier to prevent casualties. The Borg are involved, as they have played a massive part in this period of Voyager. Alice Krige plays the Borg Queen again fantastically, just her voice and acting method are magnificent. I feel sorry for Susanna Thompson though, the TV Borg queen replaced by the movie Borg queen. Maybe she wasn't available though. The special effects are fantastic, the Borg sub space hub and the Borg queen falling apart! It's very tense. Especially when they come out of the Borg subspace corridor and say their location is right where they thought they'd be after they'd said they'd have to go in a corridor that leads back to the delta quadrant. And what a wonderful idea to get inside a Borg sphere for protection, on the DVD special features they say it was like the Trojan horse. Voyager could have continued. If it was more popular they would have stuck with their original idea of the crew realising the ship is their home, like in Harry's speech and what Tom said because his wife and child are there. And then they could have got home in a film!

Overall, Voyager was a bit hit and miss. The sixth season seemed to be one good one followed by one less than good one. The two episodes set in the Holographic Irish village are horrible! My perception of Seven of Nine was that she took over, it all revolved around her, which wasn't true. When she first appeared, season 4 was focused on her for too many of the episodes but it evened out after that. And her character is ingenious at times, 20 years as a Borg drone gradually rediscovering her humanity. I like her, especially in "Someone to Watch Over Me," "Imperfection," and "Human Error." When Naomi Wildman was scared of her initially but then became her friend often by her side, that was lovely. Chakotay became my least favourite character. Gone was the chemistry with Janeway (will they/won't they?) and you'd never think he was first officer, he's completely pushed aside most of the time. I loved seeing Tom and B'elanna's relationship blossom against the odds. I always liked Neelix a lot. Tuvok was good at times, especially when he lost his logic, gained emotion and was friends with Neelix. Harry was annoying at times but a okay character at other times. The Doctor is probably my favourite, seeing how far he comes and comedy situations he creates ("Tinker, Tenor, Doctor, Spy" is fantastic!). Janeway is my favourite Captain of any series and you can tell Kate Mulgrew is really enjoying it.

I wish there was more, I love Voyager!


text: Dit is een geweldig einde van de voorstelling. Het feit dat Adm. Janeway in staat was een dubbele schakeling in de Borg te doen, was geweldig. Het feit dat ze zich liet infecteren, waardoor ze de koningin infecteerde met een 'gif' dat in wezen het einde van de Borg betekende, was geweldig. De manier waarop ze het einde maakten, liet ook wat over, niet veel, voor een film over een re<0xC3><0xBC>nie. Maar ze brachten ze wel 'thuis' en de manier waarop ze dat deden was fantastisch! Het was triest om afscheid te nemen van een deel van mijn familie. Het einde met Tom en B'Lanna die hun baby krijgen op het moment dat ze het Alfa-vierkant betreden, was een geweldige manier om een nieuw begin te laten zien. Het zou leuk zijn om een soort re<0xC3><0xBC>niefilm te maken, gewoon om te zien waar hun personages vandaag zouden zijn.

text_en: This is a great ending to the show. The fact that Adm. Janeway was able to do a double switch on the Borg was great. The fact that she allowed herself to be infected, thus infecting the Queen with a "poison" that in, essence, ended the Borg was great. The way they ended it also left some, not a lot, for a reunion movie. However, they did bring them "home" and the way they did it was fantastic!! It was sad to say good bye to a part of my family. Ending it with Tom and B'Lanna having their baby just as they enter the Alpha quad. was a great way to show a new beginning. It would be nice to have a reunion movie of some type - just to see where their characters would be today.


text: Nadat ik gretig op het einde had gewacht, moet ik zeggen dat ik wilde dat ik me niet bij de hele serie had aangesloten. De laatste aflevering was alles tegen de voorgaande zeven jaar. Alles is erdoor verpest. De reis duurde 23 jaar, maar kapitein Janeway heeft de macht om het te verkorten... laten we zeggen, zeven jaar. Waarom zeven? Waarom niet één? Of niets? Waarom niet het hele avontuur vermijden? Tijdens de hele reis stierven er bemanningmebers. Waarom wil ze alleen Zeven van de Negen redden? De anderen tellen niet mee of zo? Het belachelijkste gedeelte als de bemanning zegt dat naar huis gaan niet echt het belangrijkste voor ze is. Zoals ze zeggen: 'De reis is belangrijker dan de bestemming'. Ongelooflijk. En in het laatste tafereel zijn ze omringd door andere Federatieschepen en is de Aarde in zicht. Niets over landen en terugkeren naar het normale leven.<br />Het ergste einde ooit.

text_en:
After eagerly waiting to the end, I have to say I wish I wouldn't have joined the whole series at the first place. The final episode was everything against the previous seven years. It has ruined everything. The journey was 23 years, but captain Janeway has the power to reduce it... let say, seven years only. Why seven? Why not just one? Or nothing? Why not avoid the whole adventure? Crewmemebers were dying all along the journey. Why she wants to save Seven of Nine only? The others don't count or what? The most ridiculous part when the crew states that getting home is not really the most important thing to them. As the say, "journey is more important than the destination". Unbelievable. And at the finale scene the are surrounded by other Federation ships and the Earth is in sight. Nothing about landing, returning to the normal life.

Worst ending ever.


text: SPOILERS. Net als bij andere posters had ik het gevoel dat het einde een beetje abrupt was. Ik had graag gezien dat de bemanning zich na hun terugkeer op aarde aan het leven op aarde aanpaste. Ik neem aan dat de schrijvers dit probleem voorzagen door aan het begin van de aflevering een aantal afleveringen van _The Voyager on Earth_ 'voorin te laden'. (Die tijdlijn is natuurlijk uitgewist, dus het is allemaal irrelevant.) Ik vond het wel mooi hoe admiraal Janeway stierf voor de bemanning van de _The Voyager_. Als fans krijgen we onze portie, door Janeway zowel het ultieme offer te laten brengen als verder te laten leven. Ik geef toe dat de scènes waarin Janeway en haar oudere zelf gesprekken voerden bizar waren en zo gemakkelijk de grens naar het kamp hadden kunnen overschrijden. Gelukkig lukte het Mulgrew(s) ook.

text_en: SPOILERS. Like other posters, I felt that the ending was a bit abrupt. I would have liked to have seen the crew adjusting to life back on earth after their return. I suppose the writers anticipated this problem by "front loading" some Voyager on earth sequences at the beginning of the episode. (Of course, that time line has been eradicated, so it's all moot.) I did like how Admiral Janeway died for the Voyager crew. As fans, we get to have our cake and eat it to, by having Janeway both make the ultimate sacrifice and live on. I admit that the scenes of Janeway and her older self having conversations was bizarre and so easily could have crossed the line into camp. Fortunately, Mulgrew(s) pulled it off.


text: Pas na 2-3 jaar was ik echt een fan van _Star Trek_. Dankzij de opkomst van Netflix en de post-2000-distributie van videotechnologie ben ik in staat om in het verleden van alle geweldige _Star Trek_ -afleveringen te duiken. Voor degenen die niet echt elke aflevering kijken en ze uit het hoofd kennen, via TNG, DS9, Voyager enzovoort, zal de algemene consensus zeggen: 'Ik vind _The Next Generation_ het beste.' Dat komt doordat kapitein Picard en zijn bemanning nog fris waren toen ze voor het eerst verschenen, na tientallen jaren van Star Trek-verhongering. Maar om eerlijk te zijn, waardeer ik de creativiteit van _ Voyager_ -afleveringen meer dan die van TNG. De afleveringen van _ Voyager_ gaan ook door de tijd, in tegenstelling tot TNG. Toegegeven, gegevens van TNG zijn geweldig, maar uiteindelijk worden ze oud, maar Voyager's dokter - dat is nog eens creativiteit! In plaats van kunstmatige intelligentie onhandig en onhandelbaar te maken, geef je hem de vrijheid om meer uit te drukken dan je ooit voor mogelijk had gehouden. Niet alleen is Picardo zo'n groot acteur, maar de premisse voor zijn uitgebreide zelfgroei, als dokter, zelfrealisatie, is nu op zijn best science-fiction! Eindspel portretteert hem als een echtgenoot die met een 'organische' is getrouwd, die een neuro-implantaat zendontvanger uitvindt voor de interface van een menselijke machine, en zelfs - in de episode vóór Eindspel - ongehoorzaam is aan het bevel van de Kapitein en'menselijke' fouten maakt. In tegenstelling tot DS9, die vanaf de eerste aflevering gezegend zijn met 2 mooie vrouwen, moet de Voyager 3 seizoenen overleven zonder Jeri Ryan en ik geloof dat het Picardo is die ze met zijn persoonlijkheid heeft voortgebracht. Natuurlijk gaat de rest van de cast van de Voyager gewoon zonder moeite, Harry Kim en Tom Paris <0xE2><0x80><0x93> heel natuurlijk. Ik ben dol op Tuvoc-humor, ondanks het feit dat ik een Vulcan ben. En ten slotte ben ik zo blij dat ze die oorspronkelijke vrouwelijke kapitein kwijt zijn <0xE2><0x80><0x93> o, als je de zeldzame beelden mag zien <0xE2><0x80><0x93> God zij dank voor Kate! Ze heeft zich door de 7 jaar heen ontwikkeld tot een buitengewoon zelfverzekerde, geloofwaardige en respectabele vrouwelijke kapitein. Bedankt, Star Trek, voor het maken van Voyager, ik geniet van elke aflevering, de creatieve verkenning van mogelijkheden, van moraal en van onze kosmische uitgestrektheid.

text_en: I was not really a big fan of Star Trek until past 2-3 years. Thanks to the advent of Netflix and post 2000 video technology distribution, I am able to embark into the past of all the great Star Trek episodes. For those that don't really watch every single episode and know them by heart, through TNG, DS9, Voyager, etc., general popular consensus will say -- "I like The Next Generation" the best. That's because Captain Picard and his crew were fresh when they first appeared after decades of Star Trek starvation. But to be quiet honest, I appreciate the creativity of Voyager's episodes more than TNG. Voyager's episodes also progresses through time unlike TNG. Granted Data from TNG is great but it eventually gets old but Voyager's doctor -- now that's creativity! Instead of making artificial intelligence awkward and jerky, give him the freedom to express beyond anything you imagined. Not only is Picardo such a great actor but the premise setting for his expansive, self growth, as a doctor, self realization now that is science fiction at its best! Endgame portray him as a husband married to an "organic", inventing neuro-implant transceiver for human-machine interface, and even -- in the episode before Endgame, to disobey Captain's order and make "human" mistakes. Unlike DS9 which are blessed with 2 beautiful women right from 1st episode, Voyager has to survive 3 seasons without Jeri Ryan and I believe it is Picardo that carried them with his personality. Of course the rest of the Voyager's cast chemistry just flows effortless, Harry Kim and Tom Paris -- very natural. I love Tuvoc occasional humor, despite being a Vulcan. Finally, I'm so glad they got rid of that original female captain -- oh, if you get to watch the rare footage -- thank God for Kate! She has developed through the 7 years into an extremely confident, believable, and respectable female captain. What a GREAT job! Thank you Star Trek for making Voyager, I enjoy every episode, the creative exploration of possibilities, of morals, and of our Cosmic expanse.


text:
Deze laatste Voyager-episode begint 23 jaar in de toekomst. Voyager is thuisgekomen. In de vele jaren die het kostte om terug te keren, is de geest van de Vulcan Tuvok vernietigd. Hij had een ziekte die ze niet konden genezen toen ze thuiskwamen.
Kapitein Janeway ontmoet buitenaardse wezens die over tijdreizen-technologie beschikken. Ze beseft dat er in het Delta Quadrant een Warp-kanaal is dat de Voyager onmiddellijk thuis zou kunnen brengen - als ze terug zou kunnen gaan in de tijd en de Voyager op de hoogte zou kunnen stellen. Er is één probleem. Het kanaal bevindt zich diep in de Borg-ruimte.
Janeway bezoekt Tuvok. Hij is net een kind. Hij zit geobsedeerd te krabbelen en werkt aan wiskundeproblemen of filmrecensies of zoiets; hij is ervan overtuigd dat die op de een of andere manier belangrijk zijn. In het instituut roept Tuvok om 'Janeway' om alsjeblieft, alsjeblieft, bij hem terug te komen.
Janeway besluit een federatiependel te vorderen en die uit te rusten met de wapentechnologie van twintig jaar voor de Borg, in de hoop dat ze terug in de tijd kan gaan en deze nieuwe technologie kan gebruiken om de _Leeuwerik_ naar het Conduit te leiden.
Als ze terug in de tijd gaat en zich bij de _Leeuwerik_ aansluit, ontmoet Janeway haar jongere zelf. De twee kapiteins zijn het niet met elkaar eens en maken ruzie over het plan. De echte kapitein bezoekt Tuvok en vraagt hem of het waar is dat hij een hersenaandoening heeft. Tuvok geeft toe dat het waar is, maar de faciliteiten aan boord van het schip kunnen die niet genezen, dus heeft hij het voor zich gehouden. De jonge kapitein stemt in met het plan van de oudere kapiteins. Om hun kansen op succes te vergroten maakt de oudere Janeway plannen om de Borg af te leiden met d'r shuttle. De Borg neemt Janeway en d'r shuttle zelfs te grazen. De Borgkoningin assimileert kapitein Janeway persoonlijk. Maar Janeway heeft dit verwacht! De Borgkoningin heeft een virus in d'r eigen geassimileerd dat d'r doodt. Met de dood van de Borgkoningin komt de Voyager door het Weefselkanaal terug in de Federatieruimte.

text_en:
This final Voyager episode begins 23 years in the future. Voyager has made it back home. In the many years it took to return tho, the Vulcan Tuvoks' mind has been destroyed. He carried a disease they were too late getting home to cure.

Captain Janeway comes across aliens who have time travel technology. She realizes, there's a Warp Conduit in the Delta Quadrant that could bring Voyager home immediately - if she could go back in time and notify Voyager. There's one problem. The Conduit is deep inside Borg Space.

Janeway visits Tuvok. He's like a child. He scribbles tho, obsessed, working on math problems or movie reviews or something, he's convinced are important somehow. In the institution, Tuvok cries, asking for 'Janeway' to please, please come back to him.

Janeway decides to commandeer a federation shuttle and equip it with weapons technology 20 years ahead of the Borg, in the hopes of going back in time and using this new technology to guide Voyager to the Warp Conduit.

When she goes back in time and links up with Voyager, Janeway meets her younger self. The two captains disagree, arguing about the plan. The real-captain visits Tuvok asking him if it's true he has a brain disorder. Tuvok admits it's true, but it can't be cured by the facilities on the ship so he's kept it to himself.

The young Captain agrees to the older Captains' plan. To increase their chances of success the older Janeway plans to distract the Borg with her shuttle craft. The Borg actually capture Janeway and her shuttle. The Borg Queen personally assimilates Captain Janeway. But Janeway's expected this! the Borg Queen has assimilated a virus into herself that kills her. With the Borg Queen dead Voyager makes it thru the Warp Conduit back to federation space.