text:
Ghost Game vertelt het verhaal van twee stellen & goede vrienden, Abbey (Shelby Fenner) & Nate (Peter Cilella) plus Dara (Alexandra Barreto) & Randy (Curt Cornelius) die besluiten om samen een weekendje te gaan kamperen. Ze rijden diep de verlaten wouden in waar het Buckhorn River Resort kilometers van de bewoonde wereld ligt, de manager van het resort Simon (Eric Woods) wijst ze de weg in de richting van hun hut & daar gaan ze. Sebastian (Aaron Patrick Freeman) en zijn vriendin Talia (Danielle Hartnett) & een idioot genaamd neef Ted (Robert Berson) komen later ook opdagen om zich bij het gezelschap te voegen. Helaas, opgesloten zitten in een blokhut in de middle of nowhere zonder een Playstation kan begrijpelijkerwijs saai worden (een beetje zoals het kijken naar deze film in feite) dus besluiten ze om de dingen op de ouderwetse manier te doen & een bordspelletje te spelen. Ze komen op een metalen doos met iets wat eruitziet als een of ander spel erin & ondanks het zorgelijke 'Dit spel mag je niet spelen'-toontje erin gooien ze er toch een balletje in. Maar ze zijn zich er niet van bewust dat ze drie geesten hebben ontketend, de geesten van een kring tienerheksen genaamd Jessi (Sarah Shoup), Rachel (Caroline D'Amore) & Lucy (Sahra Silanee) die ongeveer 30 jaar geleden zijn gestorven tijdens een bovennatuurlijke ceremonie die misliep. Als de vrienden beginnen te sterven beseffen de overlevenden dat ze het spel tot het eind toe moeten spelen als ze willen ontsnappen met hun leven...

Ik vond Spookspel op z'n best gemiddeld & op z'n slechtst gewoon weer zo'n lullige lowbudgetfilm op video die de planken van de videotheek op z'n slechtst vult. Het script van Benjamin Oren is traag, redelijk voorspelbaar, bevolkt de film met uiterst irritante personages in het bijzonder Talia & heeft geen overtuigingskracht. Toen de vrienden naar een afgelegen blokhut reden dacht ik aan The Evil Dead (1981) met een stukje Cabin Fever (2002) & toen ik het bos zag dacht ik ook dat de filmmakers onlangs The Blair Witch Project (1999) hadden gezien samen met Friday the 13th (1980) & het is vrij gemakkelijk te zien dat die (en nog meer) invloed hadden op Ghost Game, maar dan gaat het een beetje de andere kant op met al dat bovennatuurlijke gedoe & het spel. Ghost Game is zo simpel & recht voor z'n raap. Om de een of andere bizarre reden noemt de IMDb Ghost Game een komedie/horror, nou ik kan je nu al vertellen dat er in deze film geen sprake is van een opzettelijke komedie & dat de film zichzelf 100% serieus neemt.
<0x3E> Directeur Knee had duidelijk geen groot budget om mee te werken & dat is te zien, Ghost Game is van begin tot eind rechtstreeks op video te zien vanaf de goedkope opname op beeldkwaliteit, het feit dat er maar ongeveer tien mensen in het hele ding zitten & dat er maar één locatie wordt gebruikt. Er is geen atmosfeer, spanning, angst of significant bloedverlies behalve een beetje als iemand op een tak valt & daar door zijn keel wordt gespietst.
Met een verondersteld budget van zo'n 400.000 kan ik het een beetje spreiden maar over het geheel genomen is het nog steeds saai, vergeetbaar & saai. Het verbaast me niet dat dit rechtstreeks naar de video ging dat is zeker. Het acteren was oké maar zoals ik al zei vond ik het hoogst irritante tienerpersonage & ik zat daar maar te hopen dat ze allemaal vermoord zouden worden & dat Ghost Game het af zou maken waardoor ik uit m'n lijden verlost zou zijn. Na gezegd te hebben dat de drie goth-meisjes die de heksen speelden behoorlijk hot waren.
Ghost Game deed niets voor me, het is net iets origineler dan een hoop goedkope rotzooi, het is bekwaam & het is niet zo slecht als sommige van die rechtstreekse-video-onzin. Ik heb het volgehouden, maar dat is op zichzelf geen aanbeveling. Toezichtbaar als je wanhopig bent.

text_en:
Ghost Game tells the tale of two couples & close friends, Abbey (Shelby Fenner) & Nate (Peter Cilella) plus Dara (Alexandra Barreto) & Randy (Curt Cornelius) who decide to get together for a camping weekend. They drive deep into the isolated forest wilderness where the Buckhorn River Resort is located miles from civilisation, the resort manager Simon (Eric Woods) points them in the general direction of their cabin & they're off. Sebastian (Aaron Patrick Freeman) along with his girlfriend Talia (Danielle Hartnett) & an idiot named Cousin Ted (Robert Berson) also turn up later on to join the party. Unfortunately being stuck in a log cabin in the middle of nowhere without so much a as Playstation can understandably become boring (a bit like watching this film in fact) so they decide to do things the old fashioned way & play a board game. They come across a metal box with what looks like a game of some sort inside & despite the worrying 'Do Not Play This Game' note inside they give it a whirl anyway. However they are unaware that they have unleashed three ghosts, the ghosts of a coven of teenage witches named Jessi (Sarah Shoup), Rachel (Caroline D'Amore) & Lucy (Sahra Silanee) who died 30 odd years ago in a supernatural ceremony that went wrong. As the friends start to die the survivors realise that they must play the game to a complete finish if they want to escape with they're lives...

Co-produced & directed by Joe Knee I thought Ghost game was average at best & just another crap low budget shot on video travesty that clutter video shop shelves at worst. The script by Benjamin Oren is slow, fairly predictable, populates the film with highly irritating character's especially Talia & has no conviction. As the friends drive out to an isolated log cabin I was thinking The Evil Dead (1981) crossed with a bit of Cabin Fever (2002) & when I saw the woods I was also thinking that the filmmakers had recently seen The Blair Witch Project (1999) along with Friday the 13th (1980) & it's fairly easy to tell that these (& more besides) had an influence on Ghost Game, but then it goes into a slightly different direction with all the supernatural stuff & the game. Unfortunately it makes no real difference as the annoying character's remain, the whole story when you think about it doesn't make any sense, the horror aspects are disappointingly tame & as a whole the film sucks, it's as simple & straight forward as that. For some bizarre reason the IMDb jointly lists Ghost Game as a comedy/horror, well I can tell you now that there is no intentional comedy in this film at all & it takes itself 100% seriously.

Director Knee obviously didn't have a big budget to work with & it shows, Ghost Game has straight-to-video written all over it from the cheap shot on video picture quality, the fact there's only about ten people in the entire thing & only one location used throughout. There is zero atmosphere, tension, scares or significant gore apart from a bit when someone falls on a branch & is impaled on it through their throat.

With a supposed budget of about $200,000 I can cut it a little bit of slack but as a whole it's still bland, forgettable & dull. I ain't surprised this went straight-to-video that's for sure. The acting was OK but as I've said I found the teenage character's highly irritating & I was sitting there hoping they would just all get killed & Ghost Game would finish thereby putting me out of my misery. Having said that the three goth girls who played the witches were pretty hot.

Ghost Game did nothing for me, it's slightly more original than a lot of low budget rubbish, it's competent & it's not as bad as some of these straight-to-video crap I've sat through but that in itself is no recommendation. Watchable if your desperate.


text: Ik denk dat als deze film een groter budget had gehad, hij echt geweldig zou zijn geweest. Het concept is goed, het acteren en filmen is typisch een B-film, beter dan de meeste lowbudgetfilms, en zou met de juiste mensen een fantastische kaskraker zijn. De huur waard, als je zo'n maandloon hebt, in plaats van een afzonderlijke filmprijs. P.S.: Mijn '8 van 10' is met de wetenschap dat het een waardering is voor een B-film. Ik vind dat de goede heks verbazingwekkend veel op Ali Larter lijkt, maar dat kan ik niet bevestigen, en ze gaan echt voor de bijl. Het acteren was volkomen onrealistisch. Precies de heks van Blair, en er gebeurt iets in de tijdlus. Je vraagt je af wie 'athena' is en waarom ze belangrijk is. Het had meer verhaal nodig. Het liet niet echt zien dat er mensen waren die echt iets deden, wat erg Alfred Hitchcock-achtig van de regisseur was.

text_en: I think if this movie had a bigger budget, it would have been really great. The concept is good, the acting and shooting is typical "B" rated movie, its better than most low budget movies, and would be an amazing blockbuster with the right people. Worth the rent, if you have one of those pay by the month things, instead of individual movie prices. FYI - My "8 of 10" is with the knowledge that it is a rating for a B movie. I think the good witch looks amazingly like Ali Larter, but I can't confirm that, and they take death in real stride. The acting was totally unrealistic. Its very Blair witch, and there is a time loop kind of thing happening. You wonder who "athena" is, and why she is important. It needed more story. It did not actually show any people really doing anything, which was very Alfred Hitchcockian of the director.


text: Ben Oren is een literair Geniaal als het om deze film gaat. Het verbaast me dat hij nog niet beroemd is, en ik meen het. Hoewel spookspelletjes niet de engste film zijn, is het wel een van de slimste onafhankelijke films die ik ooit heb gezien, en hij heeft een slim gevoel voor humor. Hoewel veel mensen de film misschien niet leuk vinden, vind ik de plot wel grappig en er zijn zoveel belangrijke citaten uit de film die ik met mijn vrienden deel. Al met al zou ik het geweldig vinden om een film van Ben Oren op het witte doek te zien. Ik ben ervan overtuigd dat hij zal slagen, en hoewel veel mensen deze film niet mooi vonden vanwege het budget, vind ik hem geweldig. Ik kan niet wachten om te zien wat deze aankomende schrijver nog meer te bieden heeft. Als enorme studio's films als _Oma's Jongen_ en _Ze is de Man_ uitbrengen, denk ik dat deze ontwikkelde jonge schrijver grote dingen zal doen.

text_en: Ben Oren is a literary Genius when it comes to this movie. I am surprised he is not famous yet. and i am serious. though ghost games is not the scariest movie it is one of the smartest indie movies i have seen and has a smart sense of humor. Though many people may not get the movie i believe the plot is funny and there are so many key quotes from the movie that i share with my friends. all in all i would love to see a Ben Oren movie on the big screen. I believe that he will succeed and though many people did not love this movie on the budget it was made i think it is wonderful. I can not wait to see what else this up and coming writer has to offer. If huge studios are putting out movies like Grandma's Boy and She's the Man i believe this educated young writer will do big things.


text:
Dit was een van de meest absurde ideeën voor een film waar ik ooit het ongenoegen mee heb gehad! Ik weet dat het is wat het is, maar het acteren was waarschijnlijk het ergste dat ik tot nu toe heb gezien. Deze mensen konden gewoon hun tekst niet uitspuwen en als ze dat deden was het moeilijk om ze te verstaan vanwege al hun onontcijferbare accenten. Om maar te beginnen over de rauwe goedkoopheid van de rekwisieten, zoals die stomme tuinfakkels die elk deel van het gebouw/arena/buiten van de slechterik verlichten, of de hoofdfiguur die een bouwmachine naar het gevecht rijdt omdat het portier van de auto op slot zit, of waarom de slechte Aziatische gast een Michael Jackson-dans doet nadat hij een gevecht heeft gewonnen (wat me spijt, maar het doet afbreuk aan iemands vermeende stoerheid). Die lijst is ook nog maar het topje van de ijsberg, er zaten echt zo veel gaten in het verhaal en dat soort dingen dat ik gek zou worden als ik er nog meer over nadacht. Er zou geen subsidie gegeven moeten worden voor dit soort fecaliën.
<0x3E> Einde van de vertelling.
<0x3E> Films: Awww, verrek, nee!
<0x3E> Dvd Purchase: Ik zou het niet in ontvangst nemen als je me betaalde.
<0x3E> Rental: Het is het niet waard, in geen enkel opzicht!

text_en:
This was one of the most absurd ideas for a movie I've ever had the displeasure of coming across! I know it is what it is; but the acting was probably the worst I've seen up to now. These people just couldn't spit out their lines and when they did it was hard to understand them because of all their indecipherable accents. I went in with low expectations and yet I was still disappointed because it doesn't even classify as typical mindless action-type fun such as "Bloodsport" and the like. And don't get me started on the raw cheesiness of the props such as those stupid tiki torches lighting up every part of the building/arena/outside that the bad guy owns, or the main character driving a construction machine to the fight because the car door is locked, or why the bad Asian dude does a Michael Jackson dance after he wins a fight (which I'm sorry for, but it definitely detracts from one's alleged toughness). That list is just the tip of the iceberg as well, there were seriously so many plot holes and the like that I'd go crazy if I thought about them any harder. Funding should not be handed out for fecal matter such as this.

Final Summation:

Movies: Awww, hellz no!

DVD Purchase: Wouldn't collect it if you paid me.

Rental: Not worth it in any aspect whatsoever!


text: Een slecht geregisseerde en slecht geschreven imitatie van zo'n beetje elke andere film van een bokstoernooi - alleen, hoe slecht andere films van dit genre ook zijn, ze halen tenminste de formule. De trainingssequentie, een vast onderdeel van het 'bokstoernooi', is een perfecte microkosmos van hoe de film in zijn geheel is: sjofel, dubieus op het gebied van logica en techniek, spaarzaam in actie en techniek, vol met clichés, en ondanks het mogelijke plezier dat je zou kunnen beleven aan hoe slecht hij is, gewoonweg oninteressant. Veel onnodige scènes, absoluut verschrikkelijke dialoog en flinterdunne personages gespeeld door ongeïnteresseerde acteurs die door half-geimproviseerde dialoog strompelen, maken deze 'film' tot een volslagen tijdverspilling.

text_en: A shoddily directed and poorly written knockoff of pretty much every other fighting tournament movie-- except, as bad as other movies of this genre are, at least they pull off the formula. The training sequence, a staple of the "fighting tournament" B-movie, is a perfect microcosm of how the movie is as a whole; shabby, questionable in logic and technique, sparse in action and intelligence, heavy on clichés, and despite the possible enjoyment one could get from how bad it is, simply uninteresting. Many unnecessary scenes, absolutely terrible dialogue, and wafer-thin characters played by uninterested actors who stumble through half-improvised dialogue make this "movie" a complete waste of time.


text:
Door de slechte geluidskwaliteit ging ik echt mijn haren uit mijn hoofd trekken en de accenten van de acteurs werkten op mijn zenuwen, maar ik zette hem niet uit. Ik vond het belangrijk wat er met Derek Longstreet was gebeurd en keek tot het eind toe.
Ik hoop dat ze alle technische problemen voor het voor de hand liggende vervolg oplossen en dat ze de volgende keer een paar welbespraakte acteurs krijgen. Het sterke punt van deze film waren de gevechten, niets bijzonders, maar goed voor de energie.

text_en:
Poor sound quality really had me pulling my hair out, and the accents of the actors was trying my nerves, but I didn't turn it off. I cared about what happened to Derek Longstreet and I watched until the end.

I hope they fix all the technical problems for the obvious sequel and get some well spoken actors next time. The strong point of this film was the fights, nothing fancy, but good energy.


text: Bryan Genesse en Billy Drago zijn de beste rollen in deze film, en ik hou van de gevechten. Olivier Gruner was de zwakke schakel in de film, een vreselijke acteur en een vreselijke actiester, maar zijn bijrollen compenseren zijn gebrek aan talent. Als je van vechten en van die bizarre Hongkong kungfu-trainingsscènes houdt, dan is _The Circuit_ een aanrader.

text_en: Bryan Genesse and Billy Drago are the best things about this movie, and I like the fights. Olivier Gruner was the weak link in the film, terrible actor and terrible action star, but his supporting cast makes up for his lack of talent. If you like fighting and those bizarre Hong Kong kung fu movie training sequences, The Circuit delivers!


text: The Circuit is weer zo'n lowbudgetactiefilm over een van die ondergrondse vechtcircuits. Olivier Gruner speelt Dirk Longstreet, een ex-circuitkampioen die nu hoogleraar is. Hij komt tot de ontdekking dat hij terug moet naar het circuit om zijn broer te zoeken, die ten prooi is gevallen aan de goklust van de leiders van het circuit. Ondertussen probeert een jonge verslaggeefster de primeur te krijgen over Dirks verleden. Een veelbelovend begin van een vermoeide formule verslechtert halverwege de film snel. Bijna elke secundaire verhaallijn is slecht ontwikkeld en uiteindelijk overbodig. Gruner is een geweldige vechter met een rustig charisma en hij heeft een beter acteertalent dan de meeste hoofdrolspelers in dit genre. In het begin van de film heeft hij een paar goede vechtscènes in een bar en vooral in het park. Maar de trainingsscènes met Billy Drago bieden weinig nieuws, en Drago zelf verdoet zijn tijd in een niet-traditionele goede-jongensrol. De echte boosdoeners in de film zijn het langzame heen en weer lopen, vooral de middelste derde scène, en de verschrikkelijke vechtscènes in het 'circuit'. Jalal Merhi, de regisseur, is zelf een echte vechter, dus van hem verwachten we betere vechtscènes. Ondanks een paar goede vliegende trappen van sommige vechters blijken de meeste vechteffecten onevenredig slecht bij elkaar passende geluidseffecten te zijn. Een aantal van Gruners vechtsportbewegingen zijn eigenlijk gewoon gewone worstelgrepen. Gruner schijnt ten prooi te vallen aan het Van Damme-syndroom van tot moes geslagen te worden voordat hij met korte uitbarstingen van energie weer overeind krabbelt. Ik ben nooit een groot liefhebber geweest van deze vorm van climactische gevechten. Het climactische gevecht is echt teleurstellend en onbevredigend ook; we blijven achter met een onafgemaakt gevecht op het moment dat we een afstraffing verwachten. Dit is een fatale fout van regisseur Merhi. Geef ons wat we willen in een vechtfilm!

text_en: The Circuit is another low budget action movie about another one of those underground fighting circuits. Olivier Gruner stars as Dirk Longstreet, an ex-circuit champ who is now a college professor. He finds he has to return to the circuit to search for his brother, who has fallen prey to the gambling clutches of the circuit leaders. Meanwhile, a young female reporter tries to get the scoop on Dirk's past. A promising beginning to a tired formula quickly deteriorates midway through the movie. Almost every secondary storyline is poorly developed and ultimately unneeded. Gruner is a great fighter with quiet charisma, and he possesses better acting ability than most lead actors of this genre. He has a couple of good fight scenes early on in the movie in a bar and especially in the park scene. However, the training sequences with Billy Drago offer little of anything new, and Drago himself is wasted in an untraditional good guy role. The real culprits in the movie are the slow pacing, especially the middle third, and the terrible fight scenes in the "circuit." Jalal Merhi, the director, is an actual fighter himself, so we expect better fight sequences from him. Despite some good flying kicks from some fighters, most of the fight effects turn out to be disproportionately mismatched sound edits. Several of Gruner's martial arts moves are really just common wrestling holds. Gruner seems to fall prey to the Van Damme syndrome of getting beaten to a pulp before rising to the occasion with brief flurries of energy. I've never been a big fan of this style of filming climactic fights. The climactic fight is really disappointing and unsatisfying too; we are left with an unfinished fight right when we expect a punishing finish. This is a fatal flaw by director Merhi. Give us what we want in a fight picture! There is a sequel: The Circuit 2. 1/2 star of 4.


text:
En nu lijd ik aan een posttraumatisch stresssyndroom. Deze film was afschuwelijk. Hij was saai, onrealistisch, en het acteerwerk was afschuwelijk. Het beste deel van de film was de aftiteling, want die betekende het einde van mijn marteling.
Als ik Gruner de aardige vent zie spelen met bewegingen van de dood en een hart van goud, is dat een afknapper. Als ik hem nog één keer hoor zeggen: 'Ik wil niet vechten', zal ik het uitschreeuwen van frustratie. Hij heeft mogelijkheden, maar hij kiest de verkeerde scripts.
Er waren zoveel dingen in deze film die ik kon uitknippen, ik zou dagenlang kunnen typen. Het ergste zou zijn als Gruner schaamteloos zijn eigen sportuitrusting aantrok. Dan is er nog de gratuite naaktheid, de verplichte nieuwsgierige verslaggever en de slechterik in het zwart.

text_en:
And I am now suffering from post traumatic stress syndrome. This movie was horrible. It was boring, unrealistic, and the acting was dreadful. The best part of the movie was the end credits because that signaled the end of my torture.

Watching Gruner play the nice guy with moves of death and a heart of gold is wearing out its welcome. If I hear him say," I don't want to fight" one more time I will scream in frustration. He has potential, but he is picking the wrong scripts.

There were so many things in this movie I could nitpick, I would be typing for days. The worst would be Gruner blatantly plugging his own line of athletic gear. Then there is the gratuitous nudity, the requisite nosy reporter, and the bad guy wearing black. Skip this or suffer like I did.


text:
Herzog maakt al sinds het eind van de jaren zestig briljante films, en eerlijk gezegd is het een beetje lastig om zo'n productief regisseur bij te houden.
Maar als je een fan bent van zijn gezicht en zijn verbijsterende documentairewerk, vereist 'Lezen over/in duisternis' je onmiddellijke aandacht.
De film is in wezen een vogelvlucht (vaak letterlijk) van de plaag van door olie verstikte dood, brand, chaos en verwoesting die het gevolg was van de korte maar groteske technologische blitzkrieg van de Golfoorlog. Herzog heeft natuurlijk vooral belangstelling voor de schijnbare waanzin van de bemanningen van koopvaardij-Amerikaanse brandweermannen die in de woestijn de oliebronnen blussen.

Verscheidene punten van het conflict en de nasleep ervan borrelen onvermijdelijk naar de oppervlakte, maar komen niet boven water zonder openlijk te worden gesust. De beelden zijn het meest aan de orde van de dag.
En ze zijn oogverblindend. Verbijsterende, angstaanjagende beelden die zelfs in de canon van Herzog opvallen <0xE2><0x80><0x93> grote panorama's van zwartheid en gloeiende angst die elke sf-regisseur jaloers zouden maken. Ze worden door weinig anders vergezeld: korte intermezzo's, een bijna niet-bestaand, vreselijk serieus verhaal van Herzog en een spookachtige en elegische score.
De korte interviews met individuen die hebben geleden zijn hartverscheurend, misschien des te meer omdat ze zo kort zijn.
Zie dit.

text_en:
Herzog has been making brilliant films since the late '60s, and frankly it's a bit of a pain in the arse keeping up with such a prolific director.

However, if you are a fan of his features and staggering documentary work, "Lessons of/in Darkness" demands your immediate attention.

The film is essentially a birds-eye view (often quite literally) of the plague of oil-choked death, fire, chaos and destruction that resulted from the brief but grotesquely internecine technological blitzkrieg of the Gulf War. Herzog, of course, takes particular interest in the seeming madness of the crews of mercernary American firefighters that are putting out the oil well fires across the deserts.

Various points on the conflict and its aftermath inevitably bubble to the surface, but arise without overt proselytizing. The images do the majority of the talking.

And they are eye-popping. Startling, frightening visuals that stand out even in the Herzog canon -- great vistas of blackness and glowing terror that would make any sci-fi director soylent green with envy. They are accompanied by little else: brief interstitials, an almost nonexistent, terribly serious Herzog narrative and a ghostly and elegiac score.

The short interviews with individuals who suffered are heartbreaking, perhaps all the more so due to their brevity.

See this.


text:
Herzogs grandioze manier van doen, zijn gevoel voor het theatrale en voor waargebeurde historische gebeuren, komen ontzagwekkend samen in dit apocalyptische visioen van oliebranden en verwoesting dat in het kielzog van de Golfoorlog achterblijft.
Als er ooit een man is geweest die in staat was om op zo'n grote schaal een beeld van verwoesting te schetsen, dan is het Herzog wel. Het zou interessant zijn om te weten of deze documentaire een opdracht was of dat Herzog deze film op persoonlijke, artistieke basis heeft geregisseerd. Wat de reden voor de productie ook is, _Lessen of Darkness_ (de Engelse titel) is een verbluffend stuk werk. Het Koeweitse landschap wordt weergegeven in grote, wijde hoekshots, waardoor het eerder op het oppervlak van een vreemde planeet lijkt dan op het Midden-Oosten. Enorme oliebranden, de met kraters bezaaide verbrande woestijn, donkere olievlekken, verkreukelde en achtergelaten machines en oorlogsvoertuigen, verschijnen in een surrealistische en ontzagwekkende optocht die de kijker de adem beneemt door hun schoonheid en de schok van de totale verwoesting.
Een centraal gedeelte, waar zachte voetstappen langs een afgrijselijke vertoning van martelwerktuigen lopen, vormt een schokkend contrast met de beelden die de film opent. Hier is de impact kleiner, intiemer, maar even bewegend.
In het derde en laatste deel van de film proberen brandweerlieden de oliebranden te blussen, terwijl hun slangen en apparatuur in de rook en de zonneschijn omhoog en naar buiten steken, als monsters in het vreemde landschap. De sonore muziek van Wagner sluit perfect aan bij een visie die een volkomen karakteristieke, gedenkwaardige toevoeging is aan Herzogs oeuvre.

text_en:
Herzog's grandiose manner, sense of the operatic, and true historical events come together awe-inspiringly in this apocalyptic vision of oil fires and destruction left in the wake of the Gulf War.

If ever a man was fitted to undertake the portrayal of destruction on such a grand scale, then Herzog is he. It would be interesting to know whether this documentary was a commission or Hertzog directed this film on a personal, artistic basis. Whatever the reason for its production, Lessons of Darkness (it's English title) is a stunning piece of work. The Kuwaiti landscape is presented in sweeping, wide angle shots making it look like the surface of an alien planet rather than the Middle East. Huge oil fires, the cratered burnt desert, dark oil spills, crumpled and abandoned machinery and war vehicles, appear in surreal and awesome parade which both take the viewer's breath away in their beauty and shock through the utter devastation.

A central section, in which quiet footsteps walk alongside a ghastly display of torture implements, provides a shocking contrast to the images that open the film. Here the impact is smaller, more intimate but as moving.

In the third and last part of the film, firefighters attempt to douse the oil blazes, their hoses and equipment rearing up and out in the smoke and sunshine, shining like monsters in the alien landscape.

The sonorous music of Wagner perfectly complements a vision which is an entirely characteristic, memorable addition to Herzog's oeuvre.


text: Lessen in duisternis is een van de fascinerendste, meest hypnotiserende ervaringen die ik ooit heb meegemaakt. Ik had het gevoel dat ik me in een vreemde nachtmerrie bevond, in een vreemde wereld. De film is bijna puur visueel; het zijn adembenemende opnamen. Het lijkt meer op sciencefiction dan de meeste sciencefictionfilms ooit hebben gemaakt. Absoluut fascinerend.

text_en: Lessons of darkness is one of the most captivating, hypnotic experiences I have ever witnessed. I felt like I was in a strange nightmare and in an alien world. The film is almost purely visual; it is breathtakingly shot. It feels more like science fiction than most sci-fi films ever made. Absolutely haunting.


text: Lessen der duisternis (1992) lijkt en doet denken aan Fata Morgana (1971). Net als bij de eerdere film brengt Lessen de kijker of in verwarring of in verwarring binnen de eerste paar minuten. In het begin van Lessen zien we een luchtopname van een ongewone stad. Het is duidelijk een moderne stedelijke omgeving, want we zien snelwegen, verkeer, stoplichten en grote gebouwen, maar het is ook duidelijk dat het geen Amerikaanse stad is. De verteller (Herzog) zegt dat deze stad op het punt staat door oorlog te worden verwoest en de gedachte dat deze vreemde, maar levendige plaats wordt vernietigd, wordt volkomen weerzinwekkend. Herzog slaagt dus in zijn opzet met de benadering die hij aanvankelijk van plan was en die hij in Fata Morgana heeft laten varen. Lessen der duisternis zegeviert als een nep-SF-verhaal over een apocalyps die de hele beschaving bedreigt. Gelukkig is er geen universitaire opleiding voor nodig om te beseffen dat de beelden zijn opgenomen in Irak in de nasleep van de Eerste Golfoorlog. Gelukkig hoeft Herzogs anti-oorlogsverklaring ook niet expliciet te zijn om effectief te zijn. In het begin van de film doen interviews met twee Irakese vrouwen denken aan de menselijke prijs van deze militaire gebeurtenis. In de rest van de film lijken mensen aan de rand van de 'actie' te staan, maar ze komen steeds terug naar het centrum van ons bewustzijn. Degenen die blijven kijken, zullen uiteindelijk een verkillende herhaling tegenkomen in deze film (het vuur brandt nog steeds! Maar die herhaling kan ook cumulatief en hypnotiserend werken. Dit is niet voor iedereen een filmervaring, maar voor degenen die er de smaak voor hebben, zal de film onvergetelijk zijn.

text_en: Lessons of Darkness (1992) looks and acts like a companion piece to Fata Morgana (1971). As with the earlier film, Lessons either captures viewers or leaves them confused and bored within the first few minutes. Early in Lessons we see an aerial shot of an unusual city. It is obviously a contemporary urban area because we see highways, traffic, stoplights, and large buildings, but it is also obvious that it is not an American city. The narrator (Herzog) announces that this city is about to be destroyed by war and the thought of this strange but vibrant place being destroyed becomes completely repugnant. Thus, Herzog succeeds here with the approach he initially planned and then abandoned in Fata Morgana. Lessons of Darkness triumphs as a mock Science Fiction story of an apocalypse that threatens all of civilization. Luckily, it doesn't take a college education to realize that the footage is shot in Iraq in the aftermath of the First Gulf War. Luckily as well, Herzog's anti-war statement does not need to be explicit to be effective. Early in the film, interviews with two Iraqi women suggest the human price of this military event. In the rest of the film, humans appear to be on the periphery of the "action" but they keep coming back to the center of our consciousness. Those who persist in their viewing will eventually encounter a chilling repetitiveness in this film (the fires are still burning!) However, that repetitiveness can become cumulative and mesmerizing. This is not a film experience for everyone, but for those who have a taste for it the film will be unforgettable.


text:
Herzog heeft hier een meesterwerk afgeleverd...

In een soortgelijke poging als Aguirre, Fata Morgana en Nosferatu heeft Herzog de groteske absurditeit van de hedendaagse mens gevangen en mooi gemaakt. Hij is begonnen met het scheppen van de beelden die essentieel zijn voor het voortbestaan van de mens <0xE2><0x80><0x93> de beelden die voor de mens noodzakelijk zijn om te ontsnappen aan de onbegrijpelijkheid van onze moderne tijd. De beelden in deze film gaan niet over oorlog of over de wreedheden van de oorlog. Ze bieden de mens <0xE2><0x80><0x93> die verstoken is van adequate beelden <0xE2><0x80><0x93> eerder een reeks beelden waarmee hij kan beginnen te begrijpen. Om de complexiteit en de fundamentele basis van deze complexiteit te begrijpen, waarvoor zijn taal momenteel fundamenteel ontoereikend is.
Chapeau Werner!

text_en:
Herzog has worked a masterpiece here...

In a similar endeavor to Aguirre, Fata Morgana and Nosferatu, Herzog has captured the grotesque absurdity of contemporary man and made it beautiful. He has begun creating the images essential to man's survival - those necessary for man to escape the inarticulacy in face of our modern times. The images in this film are not about war nor the atrocities of war. They are rather offering man - who is void of adequate images - a set of images with which he may begin to understand. To understand the complexities and the fundamental basis of these complexities for which at present, his language is fundamentally insufficient.

Chapeau Werner!


text:
Dit is niet zozeer een documentaire als wel een kunstwerk. Herzog biedt een visuele symfonie die te vergelijken is met de grandeur van Dante.
De cinematografie van deze film is een voortdurende aanwezigheid van schoonheid en verschrikking, hartverscheurend en adembenemend, maar nog altijd verre van pathos. Herzog demonstreert in zijn volle lengte de kracht van beelden, de essentie van film of fotografie als medium dat losstaat van logisch begrip.
Er zit geen verhaal in deze film omdat hij zichzelf als zodanig definieert, niet als een visuele derogatie van verbale expressie, maar als een vrije vorm van expressie die wordt uitgebeeld in sensuele, veeleisende en ontroerende beelden! Ik heb zelden zo'n oprecht en veeleisend cinematografiewerk gezien.
Deze film is een must voor elke fotograaf of iemand die zich met visuele kunsten bezighoudt. Ik heb zelden zo'n oprecht en veeleisend filmwerk meegemaakt.
In een vlaag van subjectiviteit verdient deze film een tien met een griffel, ik ben nu klaar om te sterven, dank u...

text_en:
This is less a documentary than it is a work of art. Herzog presents a visual symphony comparable to the grandeur of Dante.

The cinematography of this movie is a constant presence of beauty and terror, heart-throbbing and breathtaking, still always far from pathos. Inspiring and touching throughout its full length, Herzog demonstrates the power of pictures, the essence of film or photography as a medium separate from logical understanding.

There is no storyline to this motion picture since it defines itself as such, - not as a visual derogative of verbal expression but as a free form of expression displayed in sensuous, demanding and touching PICTURES!

This movie is a must for any photographer or person involved in visual arts, I have seldom encountered such a sincere and demanding work of cinematography.

In a frenzy of subjectivity this flick deserves a full 10 out of 10, I am ready to die now, thank you...


text: Deze documentaire geeft je het gevoel dat het middenoosten deel uitmaakt van een heel andere wereld. Hij begint met een opname van voor de oorlog boven Koeweit. Het ziet eruit als een plek ver van deze wereld, met quasi-religieuze wolkenkrabbers die de camera verwelkomen als hij over de haven vliegt. Satellietbeelden van na de oorlog, uit elkaar geblazen tot een verwarde massa die op een gevallen ruimtestation lijkt. Een echo van een sciencefictionfilm, maar met een spookachtig gevoel dat alleen de werkelijkheid kan bereiken. De beelden worden versterkt door enkele van de ontroerendste muziek ooit gecomponeerd. Herzog worstelt met een grote brok in zijn keel om de situatie met onregelmatige tussenpozen te verduidelijken. De situatie spreekt voor zichzelf, er zijn geen woorden nodig, de beelden en de muziek combineren om zo dicht mogelijk bij het niet-representatieve te komen. Ik adviseer Godfrey Reggio's Koyaanisqatsi (1983) aan mede-bewonderaars van deze film, en het is een boodschap.

text_en: There is a sense with this documentary, that the middle east is part of another world altogether. It opens with a fly over of Kuwait pre-war, looking like a place far removed from this world, with its quasi-religious skyscrapers welcoming the camera as it comes over the port. Satellites are shown post-war, blown apart in a tangled mass resembling a fallen space station. Echoing a sci-fi, but with a ghostlike feeling only reality can achieve. The images are reinforced by some of the most moving music ever composed. Herzog struggles with a large lump in his throat, to clarify the situation with infrequent narration. The situation speaks for itself, no words are necessary, the images and the music combine to get as close to representing the unrepresentable as possible. I recommend Godfrey Reggio's Koyaanisqatsi (1983) to fellow admires of this film, and it's message.


text: Herzog is zo'n schat dat hij al zijn vreemde en filmische vaardigheden in een speciaal meesterwerkje als dit weet te leggen. Kleine details, zoals een vlammetje in een gigantische zwarte rookwolk, of het beeld van een bulldozer die mooi wordt gemaakt, worden prachtig in beeld gebracht.

text_en: Herzog is such a darling bringing all his weirdness and filmmaking skills into a special little masterpiece like this one. Small details like a little flame in the middle of gigantic cloud of black smoke or making a bulldozer beautiful is captured and it is wonderful.


text: Dit is een van de weinige documentaires, samen met Kleinste Soldaat, waarin zijn politieke opvattingen en zijn Duitse Schuld het meest direct zijn. Gewoonlijk beperkt hij zich tot het bestuderen van karakters en individuen. Deze gaat over het karakter van de moderne oorlogvoering en roept herinneringen op aan The Doors When the Music's Over, en aan Apocalypse Now. Herzog vliegt in een helikopter door oliebranden, speelt Wagner en leest voor uit Apocalypse. Dit is een documentaire over het leven, waarin de kunst het leven imiteert. Zelfs als je niet denkt dat echte beelden van scènes die gewoonlijk alleen in horrorfilms te zien zijn, ontroerend zijn, is de fotografie van de kleuren van de zon door de rook en het vuur verbluffend. De mensen die zich niet herinneren dat er in de Perzische Golf in 1991 enige actie is geweest, moeten de even treffende details van de resultaten van beide partijen in het oog houden.

text_en: This ranks as one of the few documentaries, along with Littlest Soldier, where his politics and German Guilt are most direct. Usually he limits himself to studies of character, individuals. This one is about the character of modern warfare and brings up memories of The Doors' When the Music's Over, and reference to Apocalypse Now. Herzog flies in a helicopter, through oil fires, playing Wagner, and reading from the Apocalypse. This is a filmaker's documentary of life imitating art imitating life. Even if you don't think real images of scenes usually reserved for horror movies are moving, the photography of the colors of the sun through the smoke and fire is stunning. And those who think it's politics are one sided should note the equally graphic details of the results of both sides' work. For those that don't remember, there was a little action in the Persian Gulf in 1991.


text:
Hoewel Werner Herzog heeft verklaard dat hij zijn film Lessons of Darkness uit 1992 als een sciencefictionfilm beschouwt, mag die ook niet als een documentaire worden afgedaan. Maar in tegenstelling tot de recente Wild Blue Yonder, waarin Herzog een echte sciencefictiondocumentaire maakte, wordt de lijn nog verder vervaagd door alles wat met mensen te maken heeft dubbelzinnig te maken met betrekking tot hun relatie tot hun omgeving. Hoewel de locaties duidelijk zijn en de twee interviews aangeven waar de mensen mogelijk vandaan komen, houdt hij zijn duik van 54 minuten in de Koeweitse olievelden vooral visueel. Soms had ik zelfs het gevoel dat iemand had besloten een documentaire te maken over een of andere beschaving in de toekomst in een of andere obscure sciencefictionroman (of, heel even, over een ongrijpbare planeet in het Duin-universum). Het is dan het beste, zoals Herzog suggereert, om een documentaire buiten de context van de periode te plaatsen, zelfs als de beelden op het groene scherm (hoe kort ook) onmiddellijk associaties oproepen. Maar als je ernaar kijkt zonder de associaties van de oorlog in Irak, deel 1 of het verband met Koeweit (zoals met _Wild Blue Yonder_, dat niet 'het' NASA en onderwaterfotografie met elkaar verbindt), word je vervuld van een immense verwondering over wat er kan worden vastgelegd met een lens die niet gebonden is aan conventies. Maar te midden van de vrijheid die Herzog besluit te gebruiken met zijn middelen, komt hij uiteindelijk tot zijn meest visueel meeslepende verhandeling over vernietiging tot nu toe. Het is alsof hij heeft besloten om bepaalde aanwijzingen van Kubrick via 2001 en alleen maar algemene natuurdocumentaires op te volgen om het soort buitenaardse aspect van dit alles te vangen. Want het plaatsen van deze olievelden, die in een staat van verval achterbleven na genoemde 'fictieve' oorlog, is net zoiets als de natuur tegemoet treden op een koers tegen de natuur in (vuur op olie, dan water op vuur). Er is ook een element van de industrie dat deze weg in deze mix vindt, vooral vanwege de aanwezigheid van mensen in deze mix. Herzog geeft op avant-gardistische wijze (die van Dieter en Yonder) Romeinse cijfers aan de scènes, en in thema en toon werkt het (bijvoorbeeld een deel dat bedoeld is om de rondsjokkende machines te laten zien, wordt aangeduid als deel van 'dinosaurussen', of als de mensen de olie in brand steken en de anderen 'gek' zijn dat ze eraan komen). En uiteindelijk neemt wat begint als eenvoudig, maar toch ruimtelijk ingewikkeld, de rafelige velden op in een handeling van het zien van ruïnes en iets dat in een objectief referentiekader ongelooflijk lijkt.
Maar dat is niet zo. Dat wil niet zeggen dat Herzog het volledig beperkt tot totale, dialoogloze landschappen (die hij, zoals hij in het verleden heeft gezegd, graag in hoogdravende termen 'leidt') van vuur en stompzinnige figuren die de vlammen aanwakkeren. Hij krijgt ook twee interviews met vrouwen die erbij waren toen de oorlog uitbrak <0xE2><0x80><0x93> een die geen woorden heeft voor wat ze zegt, behalve dat haar man is omgekomen, een ander die een kind bij zich had en nu getraumatiseerd is <0xE2><0x80><0x93> en op de een of andere manier past ook dat niet in de context. Ik weet zeker dat Herzog, als hij dat had gewild, zelfs in zijn beperkte tijd en onder de omstandigheden waarin hij nu verkeert, in staat zou zijn geweest een of andere politieke standpunten in te nemen. Zijn besluit om de politiek en alles wat daar direct mee te maken heeft in concrete termen te blijven zien, is verstandig. Niet dat er niets concreets is aan het zien van een vernietiging van deze omvang. Maar na een tijdje krijgt dit alles iets abstracts, waardoor het des te echter van aard wordt, terwijl je toch het onderwerp onder controle houdt in iets wat uit deze wereld lijkt te komen, etherisch en op de een of andere manier onnatuurlijk, terwijl het toch de natuur is (vandaar de wetenschappelijke werkelijkheid).
Het is bijna te kunstzinnig voor zijn eigen bestwil, nu Herzogs tussentitels en ultrasombere commentaar als grafstenen de gedeelten van de ene reeks waanzin aan de andere markeren. Het is hier ook een durf die volkomen onwankelbaar is, en vanuit het oogpunt van de cinematografie gaat het zelfs (zij het niet van tijd tot tijd) gelijk op met wat Kubrick in 2001 deed of wat Lynch in _Duin_ had kunnen doen, namelijk dat een filmmaker plaatsen en voorwerpen gebruikt die van deze wereld zijn, maar dan het publiek meeneemt naar een plaats die ook zeker niet zo is. Het voegt er een zekere mate van geestelijk ongemak aan toe, maar dat is waarschijnlijk een groot deel van het punt: de olie zien branden op bevel van een regering die elke avond op het nieuws is geweest waar we naar kijken is één ding (of liever gezegd, was), maar het is iets anders.' Het is iets anders om het plotseling in een ander licht te zien, waar het in het domein van de sciencefiction de kijker vraagt om vragen te stellen door middel van abstracties die je zou kunnen vergeten als je het als de volledige waarheid zou beschouwen. Het is een hybride film die je nooit zou zien in een bioscoop naast de grote sf-films, maar die je dan hoogstwaarschijnlijk ook niet zou willen zien.

text_en:
While Werner Herzog has stated that he looks at his 1992 film Lessons of Darkness as a work of science fiction, it shouldn't be discounted as a documentary either. But unlike the recent Wild Blue Yonder, where Herzog made a true science fiction documentary, this time the line is further blurred by making everything involving humans ambiguous as to their connections with their surroundings. Despite the locations being discernible as to where it's at, and the two interviews being indicative of where the people are possibly from, he keeps his 54 minute plunge into the Kuwait oil fields a primarily visual trip. It sometimes even felt like someone had decided to do a documentary on some civilization in the future in some obscure sci-fi novel (or, for a moment, like some wayward planet in the Dune universe). It's best then, as Herzog suggests, to take one out of context of the period, even if seeing the green-screen images (however brief) of the war conjures up immediate associations. If looking at this without the associations of the Iraq war part 1 or the Kuwait connection in it all with oil however (as with Wild Blue Yonder not associating that its 'just' NASA and underwater photography), it fills one with an immense wonder at what can be captured by a lens not bound by conventions.

But amid the freedom that Herzog decides to use with his resources, he ends up striking his most visually compelling treatise on destruction to date. It's like he decided to take certain cues from Kubrick via 2001, and from just general nature documentaries, in order to capture the sort of alien aspect to this all. Because the act of setting these oil fields, which were left in a state of disrepair following said "fictional" war, is like facing nature off on a course against nature (fire on oil, then water on fire). There's also the element of industry that finds this way in this mix, especially because of the presence of human beings in this mix. Herzog, in avant-garde fashion (ala Dieter and Yonder) sections off the scenes with Roman numerals, and in theme and tone it does work (e.g. a part meant for showing the machines trudging around is labeled as being part of 'dinosaurs', or when the people set the oil on fire and the others are "mad" in coming in on it). And eventually what starts out as just simple, yet spatially complex, aerial takes on the tattered fields, turns into an act of seeing ruin and something that would seem incredible in an objective frame of reference.

But that doesn't mean Herzog limits it completely to total dialog-less landscapes (which, as Herzog has said in the past, he likes to think in grandiose terms he "directs") of fire and obtuse figures fanning and producing the flames. He also gets two interviews with women who were around when the war was there- one who is given no words for what she says except that her husband was killed, another who had a child with her and who is now traumatized- and somehow this too works even out of context. I'm sure that if Herzog had wanted to, even in limited time and circumstances he was in, he could be able to work some political stance in the proceedings. His decision to keep politics or anything of the immediate recognizable in concrete terms is a wise one. Not that there isn't something concrete to seeing destruction of this magnitude. But there's an abstract quality to all of this after a while that makes it all the more real in nature, while still keeping to a control of the subject matter into something that looks out of this world, ethereal, and somehow unnatural while still being about nature all the same (hence science-reality).

It's almost too arty for its own good in a small way, with Herzog's inter-titles and ultra-somber voice-over becoming like gravestones marking the sections of one set of madness to another. But there's also a daring here that is totally unshakable too, and from a point of view of cinematography it actually goes on par (if not occasionally seems to top) what Kubrick did in 2001 or what Lynch could've done in Dune, which is that a filmmaker uses places and objects that are of this world, but then taking the audience to a place that is also assuredly not so. It adds a level of mental discomfort, but then that's likely a big part of the point- seeing the oil burned by order of a government that's been on the news we watch every night is one thing (or rather was), but it's another to suddenly take it in another light, where in the realm of science-fiction it asks the viewer to raise questions via abstractions one might forget when taking it as complete truth. It's a hybrid film that you'd never see this in a cineplex next to the big-bang sci-fi action fare, but then most probably wouldn't want to.


text:
Werner Herzog beschrijft de oliebranden in Koeweit tijdens de Golfoorlog. Dat is de simpele verklaring die niet wordt gegeven tijdens de film of het verhaal van de film en die de samenstelling van het werk niet vermeldt. In plaats daarvan is dit een apocalyptisch verhaal over een stad die wordt verdeeld, verwoest en vervangen door razende inferno's, door mensen gemaakte vulkanen, vlakten die veranderen in woestijnen en wouden die worden opgezogen door oliemeren. De film zelf is heel elementair en toont vaak contrasten tussen tegengestelde krachten, water en vuur, olie en lucht. Herzog voegt er voor het poëtische effect klassieke muziek aan toe en toont personages die allemaal hun stem zijn kwijtgeraakt.
De eerste helft is Apocalypse gerealiseerd, compleet met Bijbelse aantekeningen en alles. Het landschap is verwoest, lange helikopterbeelden laten niets anders zien dan woestenij. De tweede helft is merkwaardiger, en uiteindelijk ook verontrustender. In de tweede helft zie je mensen de branden blussen, door de olie graven, de boel weer opbouwen en de technologie, de stevigheid en de gemeenschap weer aan het landschap toevoegen. Maar hoe minder je een hoopvolle boodschap in deze reportage leest, hoe groter de kans is dat diezelfde arbeiders het vuur weer aanwakkeren. Er wordt geen echte motivatie uitgelegd of beschreven, behalve dat de arbeiders er zelf voor zorgen dat ze de verwoesting kunnen voortzetten.
Herzog heeft altijd al de neiging gehad om de camera naar de rand van de overlevingskansen en de menselijke conditie te brengen, en zelfs met de technische aspecten van een filmcamera die zo dicht bij razende inferno's en spuitende oliebronnen komt, moet rekening worden gehouden. Hij is onbevreesd voor zijn vak, zijn apparatuur en zijn leven, en dat komt doordat hij zijn hele filmwereld volledig met zijn ziel doordrenkt.

- PolarDiB.

text_en:
Werner Herzog documents the Kuwaiti oil fires during the Gulf War. That is the simple explanation not given during the film or the movie's narration, and does not inform the composition of the work. Rather, here is an apocalyptic tale of a city divided, destroyed, and replaced by raging infernos, man-made volcanoes, plains turned to deserts and forests subsumed by lakes of oil. The movie itself is very elemental and often contrasts opposing forces, water and fire, oil and sky. Herzog adds classical music for poetic effect, and shows characters, all of whom have lost their voices.

The first half is Apocalypse realized, complete with Biblical notation and everything. The landscape is destroyed, long helicopter shots show nothing but wasteland. The second half is more curious, and ultimately more disturbing. For the majority of the second half you watch as people put out the fires, dig through the oil, and rebuild, reintroducing technology and solidity and community to the landscape. Then, less you read a hopeful message into this feature, those same workers reignite the fire. No real motivation is explained or described, except that the workers themselves subsist off of continuing the destruction.

Herzog has always shown a propensity to bringing the camera to the edges of survival and human condition, and even the technical aspects of bringing a film camera so close to raging infernos and spraying oil wells has to be taken into account. He is fearless for his craft, his equipment, and his life, and it is because he imbues all of his cinema completely with his soul.

--PolarisDiB


text: De een of andere oostelijke zee die zwaar in de ochtendschemering lag, aan de verste horizon bijgestaan door titanische muren van rook en gekroond door vuurtorens en hete fonteinen van brandende olie die zich in de lucht bogen. Deze bedrieglijke zee die de hemel erboven reflecteert en gemaakt is van ruwe olie. Werner Herzog zet zijn camera op een helikopter en neemt ons mee door het desolate landschap van de olievelden van Koeweit, maar er is geen sprake van politiek, van een topografisch aspect van de Golfoorlog. Deze oliebranden zijn het gevolg van de verschroeide-aardepolitiek van Iraakse strijdkrachten die zich in 1991 uit Koeweit terugtrokken nadat ze het land hadden veroverd, maar die door de strijdkrachten van de coalitie werden verdreven. Op een waarlijk apocalyptische manier nodigt Herzog ons gewoon uit om 'te komen kijken'. De korte passages uit het boek van de Apocalyps, de ene na de andere luchtfoto, laten een land zien dat door oorlog is verwoest, de aarde zo zwart als teer zo ver het oog reikt, een uitgestrekte zwarte vlakte die zich tot aan de rand van de wereld uitstrekt, de hemel verkoold door enorme vuren en rookwolken. Dit is eigenlijk een documentaire over de Apocalyps, over het einde van de wereld, de Golfoorlog een model van alle oorlogen om er een eind aan te maken. Een waarlijk ontzagwekkend schouwspel van vernietiging en verlatenheid dat de onstoffelijkheid van de mens weerspiegelt wanneer hij wordt afgezet tegen de natuur in zijn eigen vermogen om die te vernietigen. Geen documentaire in de traditionele zin van het woord, maar voornamelijk een plot-minder-60-minuten-expeditie in de diepe krochten van een door oorlog verscheurde woestijn, waar de grandeur van de beelden het met Kubrickiaans aplomb doorlaat. Uiteindelijk hernieuwen de arbeiders enkele van de oliebronnen die ze eerder hebben gedoofd. Herzog peinst in zijn commentaar: 'Nu zijn ze tevreden. Nu hebben ze weer iets om uit te doven.'

text_en: Some eastern sea that lay heavily in the dawn, attended in its farthest far horizon by titanic walls of smoke and crowned by spires of fire and hot gouts of burning oil arching in the air. This deceptive sea reflecting the sky above made of crude oil. Werner Herzog mounts his camera on a helicopter and takes us through the desolate landscape of Kuwait's oil fields yet there's no politics involved, no topical Gulf War content. These oil fires the result of the scorched earth policy of Iraqi military forces retreating from Kuwait in 1991 after conquering the country but being driven out by Coalition military forces. In a truly apocalyptic manner, Herzog simply invites us to "come and see" the works of man. Reciting short passages from the book of the Apocalypse as sweeping aerial shot after sweeping aerial shot expose a land ravaged by war, the earth tarred far as the eye can see, a vast steppe of black tending to the rim of the world, the skies charred by enormous fires and billows of smoke. This is really a documentary on the apocalypse, on some end to the world, the Gulf War a paradigm of all wars to end it with. A truly awe-inspiring spectacle of destruction and abandonment that mirrors man's insubstantiality when measured up against nature in his own power to destroy it. Not a documentary in the traditional sense but mostly a plot less 60 minute expedition in the deep recesses of a wartorn desert that lets the grandeur of its visuals see it through with Kubrickian aplomb. In the end the workers reignite some of the oil wells they previously extinguished. Herzog muses in his voice-over: "Now they are content. Now they have something to extinguish again".


text:
Een grotendeels stemloze, picturale weergave van de nasleep van de Perzische Golfoorlog in Koeweit. Ballet cinematografie, voor een groot deel vanuit de lucht, bevat helse horizonten en verwoeste landschappen die nauwelijks herkenbaar zijn als aardse, doordrenkte, met rook gevulde landschappen, tot en met de adagio's van Verdi, Schubert, Prokofjev en anderen. De beelden spreken, ondanks hun groteske schoonheid, de waarheid, als bewegende schilderijen.
We zien het gedetailleerde drama van een onbeheersbare brandende oliebron die getemd en afgedekt wordt, we zien enorme meren van olie, waarvan sommige koken, en we zien kilometers ver over de verkoolde resten van gebouwen en het afval van de oorlog vliegen. Zware apparatuur sjokt als prehistorische dinosaurussen; mannen in hun brandpakken strompelen rond als buitenaardse wezens uit de ruimte. Verder zijn er nergens levende wezens, zelfs geen planten.
We bezoeken een martelkamer en bekijken de met bloed bevlekte martelwerktuigen die netjes op tafels zijn uitgestald, en dan horen we de getuigenissen van twee moeders over onuitsprekelijke wreedheid, zo onuitsprekelijk dat een moeder, die toekeek hoe haar twee zoons doodgemarteld werden, letterlijk het vermogen verloor om samenhangend te spreken, zo onuitsprekelijke onuitsprekelijke onuitsprekelijke dat een kleine jongen op wiens hoofd werd getrapt en wiens vader werd gedood door het Irakese leger sindsdien heeft geweigerd een woord uit te brengen.
Maar dat zijn de enige twee gevallen van intiem menselijk contact. De rest van deze korte documentaire van 53 minuten kijkt van een afstand toe. Herzog brengt hier en daar wat tekst in, waarvan sommige overdreven literair zijn, maar het grootste deel van de tijd kijken we door de cameralens naar een wereld die veel fascinerender en meeslepender is dan alles wat een filmproducent zou kunnen verzinnen.
Verbazingwekkend genoeg is deze krasserige afdruk, een opmerkelijk historisch document, de enige die er bestaat, en dit is de eerste bioscoopvertoning (de film is al eerder op verschillende filmfestivals vertoond).

text_en:
A mostly voiceless pictorial depiction of the aftermath of Persian Gulf War in Kuwait. Balletic cinematography, a good deal of it aerial, encompasses infernal horizons and devastated landscapes hardly recognizable as earthly, sweeping oil drenched, smoke filled distances, to the adagio strains of Verdi, Schubert, Prokofiev, and others. The images, for all their grotesque beauty, speak the truth, like moving paintings.

We witness the detailed drama of an out-of-control burning oil well being tamed and capped, see vast lakes of oil, some of them boiling, and fly for miles over the charred remains of buildings and the discarded refuse of war. Heavy equipment plods like prehistoric dinosaurs; men in their fire suits stumble about like aliens from outer space. Otherwise there are no living things, not even plants, anywhere.

We visit a torture chamber and examine blood stained instruments of torture neatly laid out on tables, then hear two mothers' testaments of unspeakable brutality, so unspeakable that one mother, who watched as her two sons were tortured to death, literally lost the ability to speak coherently, so unspeakable that a little boy whose head was stepped on and father killed by the invading Iraqi army has refused to utter a word since.

But these are the only two instances of intimate human contact. The rest of this brief 53 minute documentary watches from afar. Herzog inserts some narration here and there, some of it overly literary, but for the most part we are left to peer out through the camera lens at a world far more fascinating and compelling than anything any film maker could contrive.

Astonishingly, this scratchy print, a remarkable historical document, is the only one in existence, and this is its first theatrical screening (it has been seen at various film festivals previously).


text: Werner Herzog vertelt spaarzaam vanuit het perspectief van een buitenaards wezen, maar laat de beelden voor het grootste deel het woord doen. En ja, er zitten behoorlijk krachtige beelden in deze documentaire van 50 minuten.<br />Dit is een vrij typische Herzog-documentaire, wat, als je hem niet kent, betekent dat het een vrij trage film is. Maar de beelden zijn zo geweldig, dat als je je erin laat meeslepen, ik het langzame ijsberen niet als een probleem zie. Herzog zegt altijd dat hij in zijn films naar 'extatische waarheid' zoekt. Ik denk dat hij dat met deze film heeft bereikt.

text_en:
Werner Herzog narrates sparingly from an alien's perspective, but for the most part lets the images do the talking themselves. And yes, there are some pretty powerful images contained within this 50 minute documentary.

This is a pretty typical Herzog documentary, which if you aren't familiar with him, that means it's a pretty slow paced film. But the images are so great, if you let yourself get caught up in them, I don't see the slow pacing to be a problem. Herzog always says he's looking for "ecstatic truth" in his films. I think he achieved that with this one.


text: 'Certain Fury' is op de meeste vlakken een slechte film (de lage productiewaarde en de vaak heel slechte dialoog springen eruit), maar Tatum O'Neal is innemend en taai, en ze maakt de film de moeite waard om helemaal in je eentje te bekijken. Irene Cara is vreselijk, en de hakscène is hilarisch nep, maar Tatum heeft me overgehaald, genoeg om deze film een cijfer te geven.

text_en: "Certain Fury" is grade-Z stuff in most departments (the low production values and the often very bad dialogue stand out), but Tatum O'Neal is engagingly tough and she makes the film worth watching all by herself. Irene Cara is awful, and the slashing scene is hilariously fake, but Tatum won me over, enough to give this film a ** rating.


text: Bepaalde Woede, slecht geacteerd, geschreven en geregisseerd, zorgt voor een behoorlijke hoeveelheid onbedoelde lachbuien. Tatum is het'slechte' meisje, Irene het 'goede' meisje dat'slecht' wordt. In een van de grappigste scènes spuugt Tatum Peter Fonda in het gezicht. Hij reageert door haar van dichtbij met zijn nagelvijl in het gezicht te slaan. Als ze gillend op de grond valt, roept hij tegen zijn handlangers: 'Haal dat kreng van mijn boot!' Als je van 'goede slechte films' houdt, dan is deze voor jou. Als je van kwaliteit houdt... nou, dan ben je gewaarschuwd.

text_en: Badly acted, written, and directed, Certain Fury provides a fair amount of unintentional laughs. Tatum is the 'bad' girl, Irene the 'good' girl gone bad. One of the funniest scenes had Tatum spitting in Peter Fonda's face. He responds by slashing her face (in unconvincing close-up) with his nail file. When she falls to the ground screaming, he blurts out to his hench-men, "Get this bleeding bitch off my boat!" If you like 'good bad films' then this one is for you. If you prefer quality...well then you've been warned.


text:
Het zit zo:
<0x3E><0x3E> Tatum als wit uitschot. De Tuff Girrl. Ze rookt! Ze vloekt! Ze heeft een nieuwe agent nodig en kwaliteitstijd in een zonnestudio!
<0x3E><0x3E> En dan komt Irene 'Fame' Cara. De Goede Girrl. Ze komt uit Westchester! Ze draagt gap-kleren! Ze laat ons weer eens haar negatieve blaaskaak zien in een onbedoeld hysterische bijna-verkrachtingsscène!
<0x3E><0x3E> Deze kalkoen draaft voort als een lesje in kamp & clichés, en voor de goede orde is de gootsteen in de keuken erin gezet. We hebben een achtervolging te voet in de riooltunnels, een hoog oprijzend inferno in een crackhoerenkroeg, de klassieke bootscène van Peter Fonda, en een finale waarbij ik kersen Capri Sun uit mijn neusgaten sproeide. In werkelijkheid is het een echte knieslapper.
'Certain Fury' is niet echt kitscherig genoeg om een cultstatus te verwerven, maar 'Certain Fury' is vast en zeker te vinden in een uitstalkast van een Blockbuster... ergens tussen 'Tuff Turf' en een Olsen-film in.

text_en:
It's like this:

Tatum as po' white trash. The Tuff Girrl. She smokes! She swears! She needs a new agent and quality time at a tanning salon!

Enter Irene "Fame" Cara. The Good Girrl. She's from Westchester! She wears GAP clothes! She once again shows us her negative-boobage in an unintentionally hysterical near-rape scene!

This turkey trots along like a how-to tutorial in camp & cliche, and the kitchen sink has been thrown in for good measure. We have a foot chase in the sewer-tunnels, a towering inferno in a crackwhore flophouse, the classic Peter Fonda boat scene, and a finale that had me spraying cherry Capri Sun from my nostrils. Hint: It's supposed to be sad but it's really a knee-slapper.

Not quite campy enough to be cult, "Certain Fury" can surely be found in a Blockbuster close-out bin... sandwiched somewhere between "Tuff Turf" and an Olsen Twin flick.


text: 'Raven' was een geweldige show. De plot was goed, er waren geweldige vechtscènes en er was een geweldige chemie tussen de acteurs. Ik kan het van harte aanbevelen als je het kunt vinden. Ik ben nog steeds op zoek naar de afleveringen op videoband!

text_en: 'Raven' was a great show. It had a good plot, great fight sequences, and awesome chemistry between the actors. I highly recommend it if you can find it. I am still trying to find the episodes on videotape!


text: Ik was nog heel klein toen dit programma hier in Europa werd uitgezonden, maar toch herinner ik me twee programma's waaraan mijn familie en ik min of meer verslaafd waren: Sledge Hammer en Raven. Hoewel ze niet erg op elkaar leken, waren ze allebei in de jaren tachtig en negentig iconen van de geniale serie. Ik herinner me nog het geweldige decor en de sfeer in Rave en de gevechten waren net zo opwindend als altijd, hoe zou een klein ventje als ik me zo'n programma anders duidelijk kunnen herinneren? De hoofdpersonen waren zeer ontwikkeld en Raven zelf had als voormalig lid van de Zwarte Draak zo'n groot mysterie over zich.<br />'Zoals door veel mensen hier vóór mij gezegd, is het...' Het is jammer dat Raaf (en ook de voorhamer) zo'n korte levensspanne heeft gehad. En hoewel er nu veel programma's op dvd worden uitgebracht, blijft Raaf om onduidelijke redenen, in elk geval voor mij, in de kou staan. Geef dit programma alsjeblieft uit en maak ons gelukkig!

text_en:
I was still very little when this show aired here in Europe, but even so, I still remember two shows me and my family were sort of addicted to : Sledge Hammer and Raven. Although not very alike, they were and are both icons of genius series in the 80's and 90's. I still remember the great scenery and atmosphere in Rave and the fights were exciting as ever, how else would a little guy like I was remember such a show clearly? The main characters were great developed and Raven himself had such a great mystery over him as a former member of the Black Dragons.

As mentioned by many people here before me, it's a pity that Raven (and sledge hammer too) had such a short lifespan. And while many shows are now re-released on DVD, Raven stays in the cold for no apparent reason, at least to me. Please release this show and make us happy :(


text:
De Britse bioscopen in de jaren zeventig zaten vol met programma's die waren gebaseerd op populaire televisieseries als 'Bless This House', 'Please Sir!' en natuurlijk 'On The Buses'. Toen Benny Hill door de Thames werd gevraagd een film te maken, koos hij voor een compilatie van zijn beste komedie. Hij was waarschijnlijk geïnspireerd door 'Ten Years From Your Show Of Shows', dat een jaar eerder met veel succes was uitgebracht.
In tegenstelling tot de Monty Python-film 'And Now For Something Completely Different', waarin de originele tv-sketches werden getoond, werd er geen enkel onderdeel opnieuw gemaakt voor het witte doek.
Daaronder vielen 'Tribute to the Lower Tidmarsh Ambulance Brigade', 'Garden Of Love', 'The Short Life Of Maurice Dribble', 'The Messenger'. en 'Wishing Well' en nog veel meer.
Benny's oude bende <0xE2><0x80><0x93> Bob Todd en Jackie Wright <0xE2><0x80><0x93> komen in beeld, en de geweldige Patricia Hayes komt in verschillende scènes voor.
Dit zag ik in het badplaatsje Tenby in Zuid-Wales, en het maakte een perfecte afsluiting van een middag vol fish-and-chips, waanzinnige golf, zon en snoepfloss. Ondanks het feit dat het materiaal rechtstreeks van de televisie was gehaald, voelde niemand zich bedrogen en was iedereen in de bioscoop in een opperbest humeur.
Mijn enige klacht was dat de beeldkwaliteit in de overgang naar het grote scherm merkbaar was verslechterd, waardoor de film er wat flets uitzag.
Fellow-recensent Theo Robertson vraagt zich af waarom de 'Sale of the Half-Century' zo slecht was. 'Hill's Angels' werden pas in 1980 opgericht.
Het succes van de film leidde ertoe dat Thames soortgelijke compilaties voor I.T.V. ging maken, die voornamelijk tijdens de Bank Holidays zouden worden uitgezonden. Netwerk heeft nu al Benny's vroege Thames-werk voor D.V.D. uitgebracht, dus ik kan het niet echt aanbevelen om dit te kopen. Bovendien is de beeldkwaliteit van 'The Annuals' veel beter.
Het grappigste moment: 'Tuppertime', Benny's spotje op 'Dee Time' (een populaire B.B.C.-chatshow uit de jaren zestig met Simon Dee). In de loop van de sketch heeft Benny's 'Tommy Tupper' moeite om een verveelde, pijprokende Henry McGee te interviewen. Zijn oudste man, een beschonken actrice, en een dominee (Michael Sharvell-Martin) die in de lucht is gegaan terwijl zijn gulp openstond!

text_en:
British cinemas in the '70's were full of features based on popular television sitcoms such as 'Bless This House', 'Please Sir!', and, of course 'On The Buses'. When Benny Hill was asked by Thames to make a movie, he opted for a compilation of his top-rated sketch show. He had probably been inspired by 'Ten From Your Show Of Shows' which had been released the year before to great success.

Unlike the Monty Python film 'And Now For Something Completely Different', 'The Best Of Benny Hill' showcased the original television sketches, not a single item was remade for the big screen.

These included 'Tribute To The Lower Tidmarsh Ambulance Brigade', 'Garden Of Love', 'The Short Life Of Maurice Dribble', 'The Messenger', and 'Wishing Well' amongst others.

Benny's old gang - Bob Todd and Jackie Wright - are in evidence, and the wonderful Patricia Hayes appears in several items.

I saw this in the seaside resort of Tenby in South Wales and it perfectly rounded off an afternoon of fish and chips, crazy golf, sun and candy floss. Despite the fact that the material was directly taken from television, no-one felt cheated or left the theatre in a mood other than happy.

My only complaint was that in the transference to the big screen, the picture quality had noticeably deteriorated, giving the movie a washed-out look.

Fellow reviewer Theo Robertson wonders why the 'Sale Of The Half-Century' sketch was not used. Benny had yet to come up with the idea. 'Hill's Angels' were not formed until 1980.

The movie's success led to Thames making similar compilations for I.T.V., these would be mainly be screened on Bank Holidays. Network has released all of Benny's early Thames work on D.V.D. now, so I could not really recommend purchasing this. Besides, the picture quality on 'The Annuals' is far better.

Funniest moment - 'Tuppertime', Benny's spoof on 'Dee Time' ( a popular '60's B.B.C. chat show starring Simon Dee ). Over the course of the sketch, Benny's 'Tommy Tupper' struggles to interview a bored, pipe-smoking Henry McGee, the country's oldest man, an inebriated actress, and a vicar ( Michael Sharvell-Martin ) who has gone on air with his flies undone!


text: Benny Hill was een geweldige komiek, dat blijkt wel uit deze passende hommage aan hem, die hier wordt vertoond als een compilatie van zijn allerbeste korte broeken. Zijn komische rol is weliswaar nogal dubbelzinnig, want door Benny zien mannen er als idioten uit en worden de Engelse woorden verminkt, maar ik hou van dubbelzinnigheid en het past helemaal bij Benny. De kwaliteit is een beetje korrelig en verwaterd, maar de korte broeken zijn nog steeds heel leuk, vooral Tuppertime is onbetaalbaar, vooral met de dominee die in de uitzending komt met zijn gulp open, en Benny is nog net zo geweldig als vroeger. Jackie Wright en Bob Todd doen hun gebruikelijke onbaatzuchtige stoeipartijen tot in de perfectie, en Patricia Hayes is verrukkelijk in haar verschijning. Het script is ook van topkwaliteit en de muziek is goed. Al met al heb ik me echt vermaakt, een echt mooie 83 minuten om je middag door te brengen.

text_en: Benny Hill was a true comedy great, evident in this fitting tribute of him, shown here as a compilation of his very best shorts. His comedy is admittedly quite bawdy, as Benny makes men look like idiots and lectures mangling the English language, but I like bawdy and particularly it suits Benny to a tee. The quality is a little grainy and washed out, but the shorts are still a lot of fun, Tuppertime especially is priceless particularly with the vicar who comes on the air with his flies undone, and Benny is as wonderful as ever. Jackie Wright and Bob Todd do their usual selfless stooging to perfection, and Patricia Hayes is delightful in her appearances. The scripting is also top notch and the music is well done. Overall, I truly enjoyed myself, a really nice 83 or so minutes to spend your afternoon. 9/10 Bethany Cox


text:
Het schrijnende verhaal en de sarcastische weergave van het leven en de morele waarden van het rode lichtgebied van het subcontinent worden in deze geweldige film treffend weergegeven.
De film onderstreept de harde feiten die aantonen hoe een arme jonge vrouw verstrikt raakt in het kwaad van de prostitutie. De kijkers worden gedwongen de dwaasheden en de bittere behandeling die een onschuldige vrouw wordt aangedaan toe te geven en uiteindelijk hun toevlucht te zoeken in de smerige kant van de wereld. Het toeval wil dat de meest gerespecteerde, rijke en invloedrijke elite van de stad ook troost vindt in het gezelschap van deze vrouw. Maar in beide gevallen, d.w.z. Ze zijn uit hun huis gezet en verlangen ernaar onderdak te vinden (fysiek voor de armen en psychologisch voor de rijken).
Het nummer 'Chingari Koi Barhke' is een klassiek meesterwerk dat het voortreffelijke scenario en de filmografie verdoezelt, in combinatie met de hartverscheurende acteerprestaties van Rajesh Khanna, die met zijn aanwezigheid achter het scherm heeft bewezen een superster te zijn. Zijn briljante en betoverende acteerwerk in de boot op een maanverlichte nacht spreekt boekdelen over de subtiele verbeeldingskracht van de regisseur. De tekst en de muziek van dit nummer kunnen de emoties van zelfs een extreem egocentrisch persoon weerspiegelen. Telkens als je naar dit nummer kijkt... vind je iets latent levendigs dat diep in de ziel roert. Het trio Rajesh Khanna, Kishore Kumar en Shakti Samantha vulde de film aan met een magisch hypnotiserend nummer. DIT IS DE HOOGSTE TOEKOMST VAN DE Indiase Film. Geloof me, de richting, de muziek, het acteerwerk en de cinematografie in dit nummer zullen in de nabije toekomst waarschijnlijk niet worden geëvenaard, gezien de overheersende tijdloze, krankzinnige, kinderachtige, opschepperige, goedkope, vulgaire en synthetische richting, het acteerwerk en het hoofdthema van de film.
Een paar van de zeer subtiele en bittere menselijke waarden en gevoelens kruipen aan het eind van de film naar boven, ten gevolge van de essentiële les voor de mensheid om 'goed te doen en deugd te verdienen'.

text_en:
The poignant story and sarcastic representation of the life and moral values of the sub-continent's red light area is captivatingly pictured in this great movie.

The movie underlines the stark facts that depict how a poor and young woman gets entangled in the evils of prostitution. The viewers are compelled to admit the follies and bitter treatment meted out to an innocent woman who ultimately resorts to find refuge in the filthy side of the world. By, coincidence, the most respected, wealthy and influential elite of the city also finds solace in the company of this woman. But something is common in both, i.e., they have been rejected from their homes and yearn to find shelter (physical for the poor and psychological for the rich).

The song "Chingari Koi Barhke" is a classic masterpiece shrouding the excellent screenplay and cinematography coupled with heartrending acting of Rajesh Khanna who has proved that he is a SUPER STAR given his spellbinding screen presence. His brilliant and mesmerizing acting in the boat in a moonlit night speaks volumes about the subtle imagination of the director. The lyrics and music of this song can reverberate the emotions of even an extremely self centered person. Whenever, one watches this song ......one finds something latently vibrant which stirs deep inside the soul. The trio of Rajesh Khanna, Kishore Kumar and Shakti Samantha supercharged the movie with this magically hypnotic song. THIS IS THE HIGH POINT IN Indian MOVIE MAKING. Believe you me, the direction, music, acting and cinematography in this song is very unlikely to be equaled in near future, given the prevailing temporal, crazy, puerile, showy, cheap, vulgar and synthetic direction, acting and main theme of the movies.

Some of the very subtle and bitter human values and sentiments creep at the climactic end of the movie underlying the quintessential lesson for mankind to "do good and earn virtue".


text:
Ik ben de laatste tijd steeds meer gedesillusioneerd geraakt over Bollywood en zijn onveranderlijke werveling van met suiker bedekte, goede producten, die geen hart en ziel hebben, maar als iemand één film zou oppikken, als een baken, als een voorbeeld van de grote emotionele en spirituele golven die door India stromen, dan zou het deze zijn.
Een aangrijpend maar eeuwigdurend drama van liefde en de kracht van mededogen en menselijkheid. Het vertelt het verhaal van een vrouw (Pushpa), die door de maatschappij en haar etablissementen wordt verstoten en gemeden, om weg te rotten aan de beruchte randen ervan. Maar in het bordeel waar ze verblijft, bouwt ze een tempel van liefde en zorg voor de twee mensen die haar komen bezoeken. Nandu en Anand maken deel uit van de maatschappij, maar alleen ogenschijnlijk, verlangend naar het mededogen dat hun families hun niet kunnen bieden, en op zoek naar dat medeleven komen ze bij Pushpa, wier overvloed aan liefde en menselijke sympathie haar sjofele sociale status ver overschaduwt. Alleen zij zien haar innerlijke schoonheid, terwijl de maatschappij haar mishandelt, maar zoals de directeur al aangeeft, kunnen zij niet de eigenschappen van liefde, geluk en rust leveren voor leden als Nandu en Anand. Pushpa's relatie met Anand is zeker een van de mooiste die u zult zien. Hun relatie is zuiver platonisch, en slaagt waar de sociale verbintenis van het huwelijk <0xE2><0x80><0x93> voor beiden <0xE2><0x80><0x93> faalt. Als ze elkaar blijven ontmoeten, groeit hun band, en naast hun eigen sociaal verankerde families creëren ze een kleine familie van ware liefde, diepte en zorg. Ze ontvangen van elkaar de liefde waar ze zo naar verlangen <0xE2><0x80><0x93> moederlijke liefde voor Nandu, een ware metgezel voor Anand en een kind en echtgenoot voor Pushpa <0xE2><0x80><0x93> hoewel hun relatie met elkaar geen sociale legitimiteit heeft. Samanta slaagt erin een cynische voorstelling van de maatschappij te creëren die mensen dwingt binnen de grenzen van haar maatschappelijke instituut van een familie te blijven, maar die hen niet kan voorzien van de emotionele en spirituele ingrediënten waaruit die familie bestaat. Voeg daar het feit aan toe dat het uiteindelijk de maatschappij is die het bordeel heeft gecreëerd, waar onvervulde verlangens vervuld kunnen worden, en je hebt een representatie die Pushpa's relatie met Nandu en Anand des te 'heiliger' maakt.
Deze film behandelde een thema dat een groot taboe was in Indian Cinema, en slaagt erin een volwassen, maar nooit overdreven of didactisch verhaal te presenteren waarmee uiteindelijk elk Indiaas huishouden zich kan identificeren. De muziek is een absolute verrukking en voegt iets toe aan het melancholieke maar verlossende karakter van de relatie tussen de drie hoofdrolspelers. De presentatie is klasse, en er wordt niets gedaan om de levendig groteske aard van de rosse buurt en de mensen die er komen te wonen te verbergen. Het heeft een redelijk aantal stereotiepe personages, die vooral fungeren als symbolen van de gewetenloze, sluwe aard van de maatschappij. Ja, je krijgt porties van het typische Hindi-drama, maar het is zeer beperkt tot op zekere hoogte. Waar het in slaagt, is je te leren over menselijke relaties en dat het liefde, saamhorigheid en begrip zijn die tot een gezin maken, en niet een sociale ceremonie of een juridisch document. Dit is een film voor alle generaties die menselijke relaties waarderen en het vermogen om maatschappelijke grenzen te overschrijden.

text_en:
I have recently become more disillusioned that ever with Bollywood and its invariable churning of sugar-coated, feel good products, which lack a heart and soul. but if someone was pick up one film, as a beacon, as an example of the great emotional and spiritual waves that flow though India, it would be this one.

A poignant yet everlasting drama of love and the power of compassion and humanity. it tells the story of a woman (Pushpa), who is ostracized and eschewed by society and its establishments, to rot away on the notorious fringes of it. Yet within the brothel she resides, she builds a temple of love and care for those two people that come to see her. Nandu and Anand are members of society, yet only ostensibly, yearning for the compassion that their families fail to provide them, and in search, they come to Pushpa, whose abundance of love and human sympathy far overshadows her disreputable social standing. They alone see her inner beauty, while society maligns her, yet as the director points, cannot provide the qualities of love, happiness and tranquility for members like Nandu and Anand. Pushpa's relationship with Anand is certainly one of the most beautiful you will see. Theirs is a purely platonic relationship, which succeeds where the social union of marriage - for both - fails.

As they continue to meet, their bond grows, and beyond their own socially certified families, they create a little family of true love, depth and care. They receive from each other the love they so desire - motherly love for Nandu, a true companion for Anand, and a child and husband for Pushpa - though their relationship with each other has no social legitimacy. Samanta succeeds in creating a cynical presentation of society as one that compels people to stay within the confines of its social institution of family yet cannot provide for the very emotional, and spiritual ingredients that constitute it. Add the fact that it is society after all that created the brothel, where unquenched desires can be fulfilled, and what you have is a representation that makes Pushpa's relationship with Nandu and Anand all the more 'holy'.

This film tackled a theme that was very much taboo in Indian Cinema, and succeeds in presenting a mature, yet never over-the-top, nor didactic story that ultimately every Indian household can identify with. The music is an absolute delight and adds to the melancholic yet redemptive nature of the relationship between the three protagonists. Setting presentation is class, with nothing done to hide the vividly grotesque nature of the red light district and the people that patronise it. It has its fair share of stereotypical characters, who function very much as symbols of the unscrupulous, cunning nature of society. Yes, you get doses of the typical Hindi film melodrama, but its very much reserved to a modicum. Where it succeeds is in teaching you about human relationships and that it is love, togetherness and understanding that makes family, and not a social ceremony or some legal document. This is a film for all generations who appreciate human relationships and its power to transcend social boundaries.


text: Ik beweer niet dat ik een expert ben op het gebied van de Bengaalse literatuur (verre van dat), maar ik heb altijd gevonden dat verhalen die uit Bengalen komen een klasse apart zijn. De karakterisering, de diepgang van de plot, de oprechtheid van de menselijke emotie in die verhalen zijn de beste die er te vinden zijn. Kabuliwala is ook zo'n geweldige film die is gebaseerd op een Bengaals verhaal.<br />Sharmila Tagore is fantastisch, Vinod Mehra speelt de volwassen Nandu met grote oprechtheid. Rajesh Khanna geeft Anandbabu veel geloofwaardigheid, ondanks het feit dat hij tijdens het maken van deze film een grote ster is geworden. Om Prakash is altijd een genoegen om te zien, hoewel zijn rol erg klein is. Burman en Kishore Kumar maakten het helemaal af met hun geweldige muziek!

text_en:
I don't claim to be an expert in Bengali literature (far from it), but I have always found stories coming out of Bengal to be a class apart. The characterization, the depth of the plot, the sincerity of the human emotion in those stories are the among the finest to be found anywhere. Kabuliwala is another such great movie to be based on a Bengali story.

Sharmila Tagore is superb, Vinod Mehra plays the grown up Nandu with great sincerity. Rajesh Khanna lends a lot of credibility to Anand-babu despite having turned a major superstar during the making of this movie. Om Prakash is always a pleasure to watch although his role is very small. R.D.Burman and Kishore Kumar top it all off with the great music!


text: Er wordt gezegd dat het menselijk ras altijd voortschrijdt, maar dat na een bepaald punt alles wordt vernietigd en dat God het vanaf het allereerste begin weer zal scheppen. Ik kan me dus voorstellen dat het onmogelijk is dat zo'n film ooit weer gemaakt kan worden. God moet de wereld opnieuw scheppen en alleen dan kan zo'n film gemaakt worden. Ik prijs Shakti Samant Sahib en zijn team voor hun eeuwige bijdrage aan de maatschappij. Het is onmogelijk dat deze mensen nog duizenden jaren geboren zullen worden. Deze film toont ook dat Indains talent en kwaliteiten hebben, aangezien deze mensen geboren en getogen zijn in India en Indiaas hebben geleerd. Ik bewonder Mughl-e-Azam, maar in mahamad-e-azam zijn er koningen, legers en magie om de verhaallijn te ondersteunen, maar Amar Prem is puur natuurlijk en dicht bij de gewone man, dus is het een les en een grote satire op onze samenleving, vooral in het subcontinent.

text_en:
It is said, that this human race is always progressing but after a point all is destroyed and God will again create it from the very beginning. So I can imagine that it is not possible that this kind of movie can be made again ever. The world has to be created again by God and only than this kind of movie can be made. I slute Shakti Samant Sahib and his team for their eternal contribution to the society. It is not possible that these people will born again for thousands of years. This film also shows Indains have talent and qualities as these people were born and brought up in India and were Indian by heart.

I admire Mughl-e-Azam but in Mughal-e-azam there is king, armies, and glamour to support the story line and creenplay but Amar Prem is purely natural and close to common man therefore it is a lesson and a great satire on our society specially in the subcontinent.


text:
Een dorpsmeisje wordt door haar schoonouders en haar eigen familie weggestuurd. Een vriendin verkoopt haar aan een bordeel waar ze door Anand wordt bezocht. Anand is getrouwd, maar vindt vrede met Pushpa. Zoals het lot wil, verhuist de relatieve Sharma van Pushpa naar dezelfde plaats. Ze probeert wat liefde van de familie te krijgen, maar is nu te besmet voor een 'gerespecteerde' maatschappij. De film gaat er in grote lijnen over hoe ieder mens naar 'liefde' verlangt en hoe zeldzaam het is om bemind te worden.
Deze film is goddelijk. Ik heb er geen ander woord voor. Het is een fantastische combinatie van concept, verhaallijn, uitvoering en acteerwerk. Ik zie deze film in dezelfde categorie als...' 'Ram Teri Ganga Maili', omdat de ellende van de hoofdpersoon nog steeds hetzelfde is, maar toch heel anders. RTGM is meer een sociaal-politieke verklaring, terwijl deze film op een heel persoonlijk niveau werkt. Pushpa en haar verlangen naar liefde zijn gewoon te hartverscheurend. Iedereen van wie ze houdt, verdwijnt op een gegeven moment. In haar latere jaren zorgt ze voor haar stervende man. De paradox van de situatie is heel interessant, want door de film heen zie je de jonge Pushpa als prostituee. De manier waarop Shakti Samantha de dood van haar man heeft aangepakt, is briljant. Ze gaat naar de rivier met een heel schoon en uitdrukkingsloos gezicht; ze gebruikt een steentje en doet de armbanden af. Nandu is het hoogtepunt van de film. Pushpa kan geen gezin stichten en dus probeert ze in Nandu een zoon te vinden die slecht wordt behandeld door zijn stiefmoeder. Pushpa deelt de pijn van het verlangen naar een zoon met Anand, die haar minnaar zou moeten zijn, maar ze kunnen natuurlijk niet trouwen en kinderen krijgen. Het personage van Anand is ook briljant, want hij is niet zomaar een neutraal personage.
Rajesh Khanna is briljant in deze film, maar het is een Sharmila Tagore-film. Ze heeft een Oscar-optreden gegeven. Rajesh Khanna heeft ook een Oscar-optreden gegeven. Moet de naam van het genie noemen omdat je niet kunt voorspellen wie deze film in de geschiedenis van de Indian Cinema zal verslaan. Rahul Deb Burman. Amar-Prem is zonder enige twijfel de beste Indiase soundtrack die ooit is opgenomen. Kishore Kumar in de bloei van zijn leven, openingstune van SD Burman en aangrijpende poëzie van Anand Bakshi. Ik heb zin om over 'DE' KK te schrijven, maar dat zou jazz zijn. Natuurlijk weten we allemaal hoe erg we hem elke dag missen. Shakti Samantha heeft een meesterwerk gecreëerd. Een must watch.

text_en:
A village girl Pushpa is turned away by her in-laws and her own family. A friend sells her to a brothel where she is frequented by Anand. Anand is married but he finds peace with Pushpa. As the fate has it Pushpa's relative Sharma moves in the same locality as Pushpa. She tries to find some love from the family but is too contaminated for a 'respected' society now. The film is broadly about how every human-being long for 'love' and still how rare it is to be loved.

This movie is divine. I have no other word for it. It's a fantastic combination of concept, story line, execution and acting. I see this film in the same league as 'Ram Teri Ganga Maili' because the woes of the protagonist are the same still it is completely different. RTGM is more a socio-political statement while this film works at a very personal level. Pushpa and her longing for love is just too heart breaking. Everyone she loves disappear at some point or the other. In her later years she takes care of her dying husband. The paradox of the situation is very interesting because through out the film you see young Pushpa as a prostitute. The way Shakti Samantha has handled the death of her husband scene is brilliant. She goes to the river with a very clean and expressionless face; she uses a small rock and just gets rid of the bangles. Nandu is the high point of the film. Pushpa cannot have a family and so she tries to find a son in Nandu who is ill-treated by his step mom. Pushpa shares the pain of longing for a son with Anand who is supposed to be her lover but obviously they can't marry and have children. The character of Anand is also brilliant as he is not just a neutral character.

Rajesh Khanna is brilliant in this film but it's a Sharmila Tagore film. She has given an Oscar performance. Rajesh Khanna has also given an Oscar performance. Must mention the name of the genius because of who this film is sure to go down in the history of Indian Cinema. Mr. Rahul Deb Burman. Amar-Prem is unarguably the best Indian soundtrack ever recorded. Kishore Kumar in his prime, opening credits by SD Burman and poignant poetry by Anand Bakshi. I feel like writing about 'THE' KK but that would be jazz. Of course we all know how much we miss him everyday. Shakti Samantha has created a masterpiece. A must watch. 10/10.


text: Deze film is een remake van een oude Bengaalse klassieker met Uttam Kumar in de hoofdrol. De rol van Uttam Kumar is gespeeld door Rajesh Khanna in deze Shakti Samanta-film. Maar de uitvoering van Super Star Rajesh Khanna, Sharmila Tagore en de muziek van Rahoel Dev Burman is een levenswerk en ze hebben in deze film magie gecreëerd. Andere personages spelen ook goed - Omprakash, Leela Mishra, Sujit Kumar, Vinod Mehra en anderen hebben hun rol goed gespeeld. De film zal herinnerd worden om zijn 6 nos-3 van Kishore Kumar, 2 van Lata en 1 van S. Burman. Het verhaal is een klassieker en de film verdient meer dan het aandeel dat hij de afgelopen 38 jaar heeft gehad en is een tijdloze klassieker en is een levenswerk van alle cast en crew. De dialoog van de film 'Pushpa, ik haat tranen' is onsterfelijk. Je moet zien hoe de magie van Rajesh Khanna, Kishore Kumar en Rahoel Dev Burman aan het begin van de jaren zeventig werkte om later te worden bedorven door Amitabh Bachchan en zijn trend van actiefilms. Het is waar dat mensen goede dingen zoals Amar Prem vergeten en alle slechte dingen onthouden. Je moet zien en je moet huilen.

text_en: This movie is a re make of an old Bengali classic starring Uttam Kumar. The role of Uttam Kumar has been played by Rajesh Khanna in this Shakti Samanta movie. However, the performance of Super Star Rajesh Khanna, Sharmila Tagore and the music of Rahul Dev Burman are a life a time effort and they have created magic in this movie. Other characters also do their part well- Omprakash, Leela Mishra,Sujit Kumar, Vinod Mehra and others have done their part well. The movie will be remembered for its 6 nos- 3 by Kishore Kumar, 2 by Lata and 1 by S D Burman. The story is a classic and the movie deserves more than what share it has got in last 38 years and is a timeless classic and is life time effort of all the cast and crew. Dialogue of the movie "Pushpa I hate tears' is immortal. A must see to see how the magic of Rajesh Khanna, Kishore Kumar and Rahul Dev Burman worked in the early 1970s to be later spoiled by Amitabh Bachchan and his trend of action movies. It is true people forget good things like Amar Prem and remember all the bad things. A must see and a tear jerker.


text: Hoe moet ik deze film beschrijven... De allereerste scène van de film vormt de achtergrond van de film en vertelt over het meesterwerk dat we in de komende 155 minuten zullen aanschouwen... Hebt u het lied 'doli me bithay Ke Kanhar' gehoord...? Ik wed dat u de liederen van de laatste tijd zult vergeten... zowel de zoon als de vader, namelijk de RD Burman en de SD Burman en de voortreffelijke sharmila Tagore zullen u in het lied aan het huilen maken... Nou, u zult er lang over doen om te herstellen van de film nadat u hem hebt gezien... maar als u hem niet interessant bekijkt, zult u hem niet mooi vinden... Hij is heel artistiek en heeft een gevoelige smaak... Je zult er op een heel andere manier emotioneel van worden. Shakti Da heeft het vermogen om je door de benarde toestand van zijn personage aan het huilen te maken en bovendien past de muziek zich stukje bij beetje aan de sfeer van de film aan... RD Burman was op zijn best in deze film... de liedjes zijn in de film verwerkt om de kijker de geest van het personage binnen te voeren... de teksten zijn fantastisch. Rajesh Khanna is onstuitbaar. Heb geen woorden om uit te drukken hoe hij in de film acteerde. Wat Sharmila Tagore betreft, die was hetzelfde als rajesh khanna... de tweede helft van de film is heel ontroerend... Kijk maar naar de manier waarop het liedje 'BADA NATKATH HAI' wordt gezongen. Ik beveel deze film aan voor iedereen die niet heeft gezien waartoe indiaanse regisseurs in staat zijn. Kijk ernaar om het te weten te komen.

text_en: Well how should I describe this movie... the very first scene of the movie itself sets the background of the movie and tells about the masterpiece we are going to witness in the next 155 minutes....... Have you heard the song "doli me Bithay Ke Kanhar..."......? I bet you will forget the songs of recent times.... both son and father namely RD Burman and SD burman and the excellent sharmila Tagore will make you cry in the song............. Well you will take a long time to recover from the movie after watching it .... but if you don't watch it interestingly you will not like it much.... It is very artistic and touchy in its flavour....... It is bound to make you emotional in a very different way. Shakti Da has this great capability of making you cry by his character's plight and on the top of that the music matches the atmosphere of the movie bit by bit.... RD Burman was at his best in this movie.... the songs are incorporated in the movie to carry the viewer into the mind of the character.the lyrics are marvellous. Rajesh Khanna is unstoppable. Don't have words to express how he acted in the movie. As for Sharmila Tagore, she was the same as rajesh khanna.. the second half of the movie is quite touching..... Look at the way the song "BADA NATKAHT HAI" is used in the background when Vinod Mehra returns to search pushpa.. I recommend this movie to all who haven't seen what Indian directors are capable of. watch it to know it.............