text:
De cinema van het stille en fascistische Italië werd gekenmerkt door epische films met voornamelijk op de mythologie geïnspireerde thema's. Mussolini, die in 1922 aan de macht kwam, de oprichter van Cinecitt<0xC3><0xA0>, onderschatte het belang van de cinema als middel om met de massa te communiceren niet. Fellini stond erom bekend dat hij het personage van Giulietta Masina in Notti di Cabiria 'Cabiria' noemde, naar de film uit 1913 van Giovanni Pastrone, een grootse productie met een visuele flair die niet zo veel verschilde van Satyricon. Letterlijk honderden personages paraderen voor de camera in deze visuele orgie van een film, die de herinnering oproept aan verdwenen 'Kolossalen' of gigantische budgetproducties.
Fellini's film was slechts gedeeltelijk geïnspireerd door de literaire bron, Petronius' Satyricon. Twee jonge Romeinse mannen, de blonde Encolpio en de brunette Ascilto, worden aan elkaar voorgesteld als rivalen in de liefde voor de kokette, androgyne slaafjongen Gitone. Als de laatste verkiest bij Ascilto te zijn, raakt de afgewezen minnaar Encolpio betrokken bij een reeks avonturen, allemaal verteld met een bekende (voor Fellini-minnaars) non-lineaire verhaalstructuur met tijdelijke inconsistenties en droomachtige, plotselinge veranderingen van omgeving en stemming. Encolpio gaat naar het decadente banket van een voormalige slaaf, Trimalcione, die nu stinkend rijk is. Eumolpo, een verarmde dichter die Encolpio onderweg ontmoet, veracht de rijke man, des te meer omdat hij rijk is en zichzelf ook nog dichter durft te noemen. De mensen met een zwak hart zullen er op dit punt veel op tegen hebben dat de wellust waarmee de gasten aan het banket eten, drinken en wellustig doen, allesbehalve subtiel is. De Trimalcione-sequenties kwamen op mij over als een satirisch commentaar op de opkomst van de nouveau riche in het Italië van de jaren zestig. Een hoogtepunt van de banketscène is het verhaal dat de gastheer vertelt. Het gaat over een jonge weduwe, een oase van cinematografische rust te midden van de snerpende kakofonie van de rest van de film.
In een verhaallijn die doet denken aan het ritme van dromen (typerend voor de latere Fellini, die zijn Jungiaanse neigingen verraadt), wordt Encolpio gevangengenomen door de piraat Lica, die hem aan boord van zijn schip neemt. Dit is de plek waar de jonge bok Ascilto en Gitone weer tegen het lijf loopt, die ook gevangen zijn genomen door de tiran. Op dit punt was ik vooral onder de indruk van Donati's buitengewone talent als decorontwerper. Het schip was helemaal niet gebouwd om er als een herkenbaar schip uit te zien, maar eerder als een symbool ervan. Het hoeft geen betoog dat hoe abstract het ook was, je wist dat het een schip was, omdat de'scheepsachtige essentie' van het schip er allemaal in zat! Als Encolpio in een duel met Lica wordt verslagen, wordt hij gedwongen om met de piraat te trouwen tijdens een ceremonie aan dek. Maar Lica wordt door een paar politieke rivalen onthoofd als een nieuwe keizer het overneemt. 'Alles verandert, zodat alles hetzelfde blijft.' Het is een cynisch gezegde dat je nog steeds vaak in Italië hoort. Het slaat op het feit dat de ene inhalige heerser de andere zal opvolgen in een meedogenloze strijd om macht en privileges. Op dat moment besef je dat Satyricon ook een briljante satire op de moderne samenleving is.
<0x3E> Encolpio en Ascilto gaan vervolgens het aristocratische huis binnen van een echtpaar dat net zijn slaven heeft bevrijd en zelfmoord heeft gepleegd door zichzelf dood te bloeden (een symbool van de dood van de aristocratie terwijl de nouveaux riches dik worden?). In Encolpio's lege huis bezoeken de twee jongemannen een soort heiligdom waar een oude man gebruikmaakt van de zogenaamde genezende krachten van een ziekelijk, etherisch hermafrodiet kind. Aanbidders, melaatsen, kreupelen en zieke mensen van alle soorten komen in groten getale vragen om gunsten van de godvruchtige hermafrodiet. Als dit geen duistere, meedogenloze parodie is op de katholieke gewoonte om relikwieën van heiligen te aanbidden, dan weet ik het niet meer!
Vervolgens wordt Encolpio gevangengenomen door een paar soldaten en verslagen door de Minotaurus in zijn mythologische labyrint. Het leven van de jongeman wordt gespaard als hij de Minotaurus letterlijk uit zijn hoofd praat om hem te doden, in een tafereel dat zowel postmodern als subtiel komisch is. Maar er staat Encolpio een nieuwe vernedering te wachten, waardoor hij op zoek gaat naar de tovenares Enotea. Haar verhaal wordt in flashbacks verteld. Ook nu weer zullen de preutse en lichtgelovige mensen de scènes van een vervloekte vrouw die letterlijk 'beval' door vuur door haar vagina niet als hun kopje thee beschouwen! Hoewel ik moet toegeven dat ze onsmakelijk zijn, vind ik zulke elementen ook archetypisch symbolisch en uiteindelijk fascinerend.
Na een bezoek aan Enotea is Encolpio getuige van de moord op zijn vriend Ascilto. Wanhopig van streek besluit Encolpio naar Afrika te varen op een koopvaardijschip dat eigendom is van de ooit arme en verbitterde dichter Eumolpo, die nu even stinkend rijk en decadent is als Trimalcione, die hij ooit bekritiseerde om zijn parvenu-vulgariteit. Als de oude dichter sterft, laat hij een testament na waarin staat dat degene die zijn lijk opeet een deel van zijn rijkdom krijgt - in wezen een erfenis door kannibalisme! Encolpio weigert de transactie, terwijl een groep inhalige Romeinse hoogwaardigheidsbekleders wordt getoond die staan te kauwen op wat kennelijk het taaie oude vlees van de dode dichter is, en er uitzien als een stel vette koeien die op hun herkauwers staan te kauwen. Als een satire op een stagnerende en inhalige maatschappij ooit krachtiger en scherper was geweest dan dit, zou ik er graag meer over horen!
Fellini zelf omschreef deze film als 'Science fiction van het verleden'. De totale en opzettelijke kunstzinnigheid van Satyricon, met zijn af en toe duistere symboliek en galerij van groteske portretten en snerpende muziek, is misschien niet voor iedereen weggelegd. Wat vooral verontrustend is aan Satyricon, is dat de kijker wordt meegevoerd naar een rijk waarin je geen idee hebt welke grenzen er kunnen worden overschreden. Dat is precies de reden waarom dit een perfecte weergave is van een tijdperk van volledige morele decadentie <0xE2><0x80><0x93> het voert de kijker naar precies hetzelfde rijk van onzekerheid dat de personages ervaren.

text_en:
The cinema of the silent and Fascist eras in Italy was characterised by epic movies with mostly mythology-inspired themes. Mussolini, who came into power in 1922, the founder of Cinecittà, did not underestimate the importance of cinema as a means of communicating with the masses. Fellini notoriously called Giulietta Masina's titular character in Notti di Cabiria after the 1913 movie "Cabiria" by Giovanni Pastrone, a grand production with a visual flair not so dissimilar to Satyricon. Literally hundreds of characters parade in front of the camera in this visual orgy of a movie, evoking the memory of lost "Kolossals", or gargantuan budget productions.

Fellini's movie was only loosely inspired by its literary source, Petronius's Satyricon. The nominal "plot" follows two young Roman men, the blonde Encolpio and the brunette Ascilto, introduced as rivals in love for the coquettish, androgynous slave-boy Gitone. When the latter chooses to be with Ascilto, the spurned lover Encolpio becomes involved in a series of adventures, all narrated with a familiar (to Fellini lovers), non-linear narrative structure with temporal inconsistencies and dreamlike, sudden changes of setting and mood. Encolpio attends the decadent banquet of a former slave, Trimalcione, now filthy rich. Eumolpo, an impoverished poet whom Encolpio meets on the way there, despises the wealthy man, all the more so for being rich and for having the nerve to also call himself a poet. The faint-hearted may at this point find much to object to  the lasciviousness with which the banquet guests eat, drink and act lustful with one another is anything but subtle. The Trimalcione sequences felt to me like a satirical commentary on the rise of the nouveau riche in 1960s Italy. A highlight of the banquet scene is the story that the host narrates. It tells of a young widow, an oasis of cinematic calm in among the strident cacophony of the rest of the movie.

In a narrative passage which is reminiscent of the rhythm of dreams (typical of late Fellini, betraying his Jungian tendencies), Encolpio ends up captured by the pirate Lica, who takes him on board his ship. This is where the young buck meets Ascilto and Gitone again, also captives of the tyrant. At this point I was especially impressed with the extraordinary talent of Donati as a set designer. The ship wasn't built to look like a recognisable ship at all, but was rather like a symbol of one. Needless to say that no matter how abstract it was, you knew it was a ship, as its "ship-like essence" was all there! When Encolpio is beaten in a duel with Lica, he is forced to marry the pirate in a ceremony celebrated on the deck. But Lica is decapitated by some political rivals when a new Emperor takes over. "Everything changes so that it can all stay the same" is a cynical saying you still often hear in Italy. It refers to the fact that one greedy ruler will succeed another in a ruthless battle for power and privilege. That's when you realise Satyricon is a brilliant satire of modern society as well.

Encolpio and Ascilto then wander into the aristocratic home of a husband and wife who've just freed their slaves and committed suicide through bleeding themselves to death (a symbol of the death of aristocracy while the nouveau riche are getting fat?). After a threesome with a slave-girl who was left behind in the dead couple's empty home, the two young men attend a sort of sanctuary where an old man exploits the alleged healing powers of a very sick-looking, ethereal hermaphrodite child. Worshippers, lepers, cripples and sick people of all descriptions flock to ask for favours off the allegedly divine hermaphrodite. If this isn't a dark, ruthless parody of the Catholic practice of worshipping saints' relics, I don't know what is!

Subsequently captured by some soldiers, Encolpio is defeated by the Minotaur in his mythological labyrinth. The young man's life is spared when he literally talks the Minotaur out of slaying him, in a scene which is both post-modern and subtly comical. But a new humiliation is in store for Encolpio, which has him set off looking for the sorceress Enotea. Her story is told in flashback. Yet again, the prudish and faint of heart will not find the scenes of a cursed woman literally "giving birth" to fire through her vagina as their cup of tea! Though admittedly unsavoury, I also find such elements to be archetypically symbolic, and ultimately fascinating.

After visiting Enotea, Encolpio witnesses the killing of his friend Ascilto. Desperately upset, Encolpio decides to set sail for Africa on a merchant ship owned by the once-poor and bitter old poet Eumolpo, now as filthy rich and decadent as Trimalcione, whom he had once criticised for his parvenu vulgarity. When the old poet dies, he leaves a testament stating that whoever will eat his corpse will have a share of his wealth - basically, inheritance by cannibalism! Encolpio refuses the deal, while a group of greedy Roman dignitaries are shown chewing on what must obviously be the dead poet's tough old flesh, looking like so many fat cows chewing on their cuds. If a satire of a stagnant and greedy society was ever more potent and cutting than this, I would really like to hear about it!

Fellini himself defined this movie as being "Science fiction of the past". The movie's complete and intentional artifice, its occasionally obscure symbolism and gallery of grotesque portraits and strident soundtrack may not be everyone's thing. What is especially unsettling about Satyricon is that the viewer is led into a realm in which you have no idea what boundaries might be crossed. That's exactly why this is a perfect portrayal of an epoch of complete moral decadence - it drags the viewer into the exact same realm of uncertainty that the characters experience.


text: Ik denk dat dit een van die'sleutelfilms' voor een regisseur is, die misschien niet noodzakelijkerwijs zijn beste is, maar die tot de rand gevuld is met zijn passies en obsessies <0xE2><0x80><0x93> of, de passies en obsessies die hij in zijn andere films niet naar voren brengt. Het feit dat een belangrijke artiest zoiets homo-erotischs en zo in-je-gezicht kan regisseren, maakt dat ik des te meer respect heb voor Fellini. Het is moeilijk te zeggen wat de film precies is of moet zijn: het is een satire en een eerlijk kostuumdrama, een epos van zwaard en zand, een fantasie, een aanval op de zintuigen en een kunstbespotting, en een liefdesverhaal. Het is ook heel sexy. Sommige scènes tussen Encolpio en Ascilto, allebei verbazingwekkend mooie mannen, zijn zo erotisch dat je je niet kunt voorstellen dat deze film destijds werd geaccepteerd. Het is duidelijk dat de film in het begin een grof meesterwerk is, een grotesk vertoon van Fellini-tragedies, waarin jongensliefde en -verkopen, onthoofdingen en winden laten aan de orde van de dag zijn.<br />Als komedie is er een geweldige scène waarin Encolpio en Ascilto hun spullen verdelen, inclusief de jongen die ze gebruiken (die veel vrouwelijker is dan jongensachtig); als epos is er een gevecht met een Minotaurus; als romance is er een opzienbarende scène tussen de twee mannen die met een andere vrouw in bed liggen, waarbij de een zich vooroverbuigt om met zijn vingers door het haar van de ander te strijken; als kunstkritiek is er...' Het is de aanval op dichters die van anderen stelen en beweren dat het hun eigendom is; als huwelijkskomedie is er een scène waarin Encolpio met een oude man trouwt en te horen krijgt dat hij zijn voorliefde voor jonge jongens moet opgeven. (Encolpio lijkt zowel op Malcolm McDowell <0xE2><0x80><0x93> ongetwijfeld iets waar hij aan dacht toen hij _Caligula_ maakte <0xE2><0x80><0x93> als op een meer volwassen Christopher Atkins in _The Blue Lagoon_.) Het is ook interessant om deze weergave van de Romeinse samenleving met onze huidige te vergelijken en te zien of Fellini's visie op gelijkheid en decadentie nog enige weerklank heeft. Ik denk dat de komedie van de film ook over het hoofd wordt gezien; de concurrentie tussen Encolpio en Ascilto, hun ijdelheid, hun seksuele voorkeuren en Encolpio' De uiteindelijke impotentie van een vrouw is heel spottend, maar nooit gemeen. Wat het ook is, het is een heel sterk visioen, en alleen al daarom is het de moeite waard om te zien.

text_en:
I think this is one of those "key" films for a director, that may not necessarily be his best, but is filled to the brim with his passions and obsessions -- or, the passions and obsessions he doesn't bring up in his other films. The fact that a major artist could direct something so homoerotic and so in-your-face makes me respect Fellini all the more. It's hard to tell what, exactly, the film is or is meant to be: it's a satire and an honest costume drama, a sword-and-sandal epic, a fantasy, an attack on the senses and an art mockery, and a love story. It's also very sexy. Some of the scenes between Encolpio and Ascilto, both astonishingly beautiful men, are so erotic you can't believe this movie was accepted at the time. Obviously the movie is at first a gross-out masterpiece, a flaunting of Fellini grotesqueries, where there is boy-loving and boy-selling, decapitations, and farting.

As a comedy, there's a great scene where Encolpio and Ascilto divide up their things, including the boy they use (who is much more feminine than boyish); as an epic there's a battle with a minotaur; as a romance there's a startling scene between the two men in bed with another women where one leans over to run his fingers through the other's hair; as an art satire there's the attack on poets who steal from others and claim it as their own; as a marriage comedy there's a scene where Encolpio marries an old man and is told he must give up his taste for young boys. (Encolpio resembles both Malcolm McDowell -- surely something thought of during the making of "Caligula" -- and a more mature Christopher Atkins in "The Blue Lagoon.") It's also interesting to compare this depiction of Roman society with our current one, and see if Fellini's view of same-sexuality and decadence has any resonance today. I think the comedy of the film is overlooked, as well; the competition between Encolpio and Ascilto, their vanity, sexual appetites, and Encolpio's eventual impotence, is very mocking, but never mean-spirited. Whatever this is, it's a very strong vision, and on that score alone it's worth watching. 8/10


text: Het lijkt erop dat iedereen op dit mededelingenbord een heel belangrijk punt over Satyricon over het hoofd heeft gezien: het is gebaseerd op een Boek! Een groot deel van de 'raarheid' is niet het werk van Fellini, maar van de schrijver! Het boek is geschreven door Petronius, een van de hovelingen van keizer Nero in de eerste eeuw. Het boek wordt door historici algemeen beschouwd als een kijkje in het leven van de Romeinen uit de lagere klassen en de algemene sociale mores van die tijd. Bovendien zijn delen van het boek verloren gegaan in de middeleeuwen, dus de schetsmatige, lineaire verhaallijn komt uit het boek, niet uit Fellini! Behalve dat de film er prachtig uitziet, laat hij ook goed zien hoe heel anders de oude Romeinse samenleving was dan die van ons, en dat seks in het bijzonder niet als iets schandelijks werd beschouwd of op enigerlei wijze beperkt werd tot een beperkt idee van wat 'normaal' is, zoals in Amerika tegenwoordig. In tegenstelling tot recente films of televisieprogramma's over de Romeinse tijd <0xE2><0x80><0x93> zoals 'Rome' van HBO <0xE2><0x80><0x93> die voortdurend proberen de antieke wereld vertrouwd en 'net als wij' te laten lijken. Fellini gaat de andere kant op en geeft de andere kant van de medaille <0xE2><0x80><0x93> ja, de Romeinen waren in veel opzichten 'net als wij', maar in andere opzichten waren ze ook heel buitenaards en net als de moderne Amerikanen van de VN <0xE2><0x80><0x93> heel anders.

text_en: It seems like everyone on this message board missed a very important point about Satyricon: It is based on a Book! So much of the "weirdness" is not Fellini's doing, but the author's! The book was written by Petronius, one of the Emperor Nero's courtiers in the 1st Century. The book is widely recognized by historians as a peek into the lives of lower class Romans, and the general social mores of the time. In addition, parts of the book were lost during the Middle Ages, so the sketchy, non linear storyline comes from the book, not Fellini! Besides being visually gorgeous, the film does a very good job of portraying how very different ancient Graeco-Roman society was from our own, and how sex in particular was not seen as shameful or in any way limited to a narrow idea of what's "normal" as it is in America today. Unlike recent Roman Period movies or shows - such as HBO's "Rome" - which are constantly trying to make the ancient world seem familiar and "just like us." Fellini goes the other direction, and gives the other side of the coin - YES, the Romans were "like us" in many ways, but in other ways, they were also quite Alien, and UN-like modern Americans - VERY unlike.


text:
Ik heb 8 van de 10 keer op Fellini Satyricon gestemd, maar ik kan me voorstellen dat een paar mensen dat een te toegeeflijke score vinden. Ik weet dat een paar mensen er zo over zullen denken <0xE2><0x80><0x93> ik heb de film aan een paar vrienden laten zien en ze zijn het er allemaal over eens dat hij er prachtig uitziet en dat hij bij talloze gelegenheden amusant is. Maar ze hebben er niet veel meer aan. Dat is jammer voor ze. Aaah, ja.

Zoals Vincent Canby in zijn recensie in de New York Times van 1970 zei: 'Fellini Satyricon is zijn eigen rechtvaardiging'. Deze film is puur bedoeld om op esthetisch niveau te boeien. Het surrealisme, de kermis van het leven, de monumentale pracht en praal, de visuele combinatie van schoonheid en lelijkheid, en de zwarte humor zijn alles wat de film bezit en nodig heeft. Ik geloof dat Fellini deze film alleen maar wilde vermaken. En hij was ongetwijfeld een meesterverteller.
Verwacht niet veel karakterisering, ingewikkelde plotontwikkelingen of gevatte morele uitingen. Dit is een film die er mooi uitziet en klinkt, en hij slaagt erin je belangstelling (of de mijne in elk geval, ik kan niet voor iedereen spreken) twee korte uren vast te houden door dat te doen. Fellini was een goddelijk genie.

text_en:
I've voted 8 out of 10 for Fellini Satyricon, but I can imagine that a few people may find that to be an overly indulgent grade. Actually, I know that a few people will feel that way -- I've shown it to several friends, and they all agree it looks beautiful and manages to amuse on numerous occasions. But they don't get much more out of it. That's too bad for them. Aaaw yeah.

As Vincent Canby said in his review, from 1970 in the New York Times, 'Fellini Satyricon is its own justification'. This movie exists purely to engage on an aesthetic level. The surrealism, the carnival-of-life atmosphere, the monumental pageantry, the visual juxtaposition of beauty and ugliness, and the black humour are all the film possesses and are all it requires. I believe that Fellini's intention with this film was simply to entertain. And he was a master entertainer, no doubt.

Don't expect much in the way of characterisation, of complex plot developments, or of nifty moral expression. This is a film that looks and sounds beautiful, and it manages to hold your interest (or mine anyway, I can't speak for everyone) for two brief hours by doing just that. Fellini = Godlike genius.


text: De openingssequentie van deze film fascineert zoals alleen een Fellini-film dat kan. In feite ben je zo geconcentreerd op de achtervolging dat het pas tot je doordringt als de film is afgelopen dat het over (voornamelijk) homoseksualiteit ging. Deze film is een visueel gedicht dat alleen op dat niveau volkomen begrijpelijk is. Als de laatste bevriezing (friezen) plaatsvindt, heb je het gevoel dat je bent ontwaakt uit een aangename droom die alleen zinvol was omdat hij aangenaam was.<br />Was dit het oude Rome? Misschien wel of misschien niet, maar Satyricon is zeker alles wat ontbreekt aan alle andere films over deze antieke stad die de moderne fascinatie oproept.

text_en:
The opening sequence of this film mesmerizes as only a Fellini film can. In fact you are so intent on the back drop, it only hits you after the film is over that it was about (mostly) homosexuality. This film is a visual poem that makes total sense only on that level. When the final freeze (frieze) occurs, you feel as though you have awakened from a pleasant dream that made sense only in the fact that it was pleasant.

Was this ancient Rome? It may or may not have been, but Satyricon is certainly everything lacking from all other films about this ancient city which holds the modern fascination.


text: In de eerste eeuw na Christus schreef de briljante en geestige schrijver Patronius een boek met de titel _Satyricon_, dat vanaf het begin al wijd en zijd populair was. Helaas voor ons werd gezegd dat het onthullende boek keizer Nero had ontstemd, die zo jaloers was op de auteur dat hij het verbood en opdracht gaf het te vernietigen. Wat bewaard is gebleven, zijn slechts fragmenten van het oorspronkelijke manuscript, en daarom werd de regisseur Federiico Fellini gedwongen het hele werk af te maken. Dientengevolge wordt de film in onsamenhangende vorm gezien. Niettemin werd wat er werd gemaakt een meesterwerk van filmkunst. Ondanks de fragmentarische aanpak hoef je je alleen maar de decadentie van het oude Rome te herinneren, de tijd en de vele religieuze praktijken die het met zich meebracht.' Het gefragmenteerde verhaal gaat over twee Romeinse jongemannen: Encolpio (Martin Potter) de romantische avonturier en zijn goede vriend Ascilto (Hiram Keller) de al even avontuurlijke, opportunistische maar moreel corrupte metgezel. Samen delen ze hun reizen, fortuinen, bezittingen en een speciale liefde voor hun slavinnetje Gitone (Max Born) die ze uit de handen van een populaire toneelspeler en zijn gezelschap moeten redden. Fellini's illusionistische film geeft hun reizen een uitzonderlijk literair tintje, want ze worden uitgenodigd om de zeer gulzige rijken, de glibberige armen en de visueel groteske mensen te bezoeken. Ondergaand aan aardbevingen en slavernij brengen ze een bezoek aan een heidense tempel, waar ze een zeldzaamheid ontdekken, de verering van een Hemaphrodite als een godachtige godheid die ze ontvoeren. Helaas sterft het schepsel en ze ontsnappen. Uit angst voor de toorn van de vereerders reizen ze opnieuw naar het buitenland, maar al snel bevinden ze zich in ketenen op een Romeins slavenschip, dat vervolgens wordt gekaapt en ze aan boord worden gehesen, waarna ze uiteindelijk op een eiland belanden, waar ze opnieuw van plan zijn een nieuw avontuur aan te gaan om hun verdwenen slaafje te zoeken en te redden. Hoewel de film incompleet is, als een puzzel, moet je niet vergeten dat de regisseur slechts met de restanten van het oorspronkelijke werk werkt. Deze film, of wat ervan over is, is nog steeds een Italiaanse Klassieke.

text_en: In the 1st century AD. a brilliant and witty writer named Patronius wrote a book called " Satyricon " and from it's inception, became widely popular. Unfortunately for us, the revealing book was said to have displeased the emperor Nero who was so envious of the author, he banned and ordered it destroyed. What was saved are only fragments of the original manuscript and thus director Federiico Fellini was hamstrung to complete the entire work. Consequently, the movie is seen in disjointed form. Nevertheless, what was crafted became a superb masterpiece of film. Despite the fragmentary approach, one needs only remember the decadence of ancient Rome, the times and it's many religious practices together with it's ruler and sloven people to understand the movie. The fragmented story is of two Roman youths Encolpio (Martin Potter) the romantic adventurer and his close friend Ascilto (Hiram Keller) the equally adventurous, opportunistic but morally corrupt companion. Together they share their travels, fortunes, possessions and a special love for their slave boy Gitone (Max Born) whom they have to extricate from a popular stage actor and his troupe. Fellini's illusionary film takes extreme literary license with their travels as they are invited to visit the very gluttonous rich, the inclement poor and the visually grotesque. Suffering earthquakes and enslavement they visit a pagan temple where they discover a rarity, the worship of a Hemaphrodite as a God-like deity whom they kidnap. Unfortunately the creature dies and they escape. Fearing the wrath of the worshipers they again travel abroad but soon find themselves in chains on a Roman slave ship which is then seized and boarded and finally they end up on an island where they are once again planning to embark on another adventure to search and rescue their lost slave-boy. Although incomplete like a puzzle, one must remember the director is working with only the remnants of the original work. This film or what there is of it, still remains an Italian Classic. ****


text: Ik was al een jaar lang van plan om deze film te gaan zien, maar het lukte me eindelijk om hem van het internet te bestellen. Ik werd niet teleurgesteld. Ik heb nog nooit een film van Fellini gezien, maar ik zal het binnenkort toch eens moeten proberen. Ik was bijna de hele film volkomen in de war over het verhaal, maar ik begreep de concepten nog steeds, en het deed er eigenlijk niet toe. Om deze film te kunnen waarderen, moet je gewoon je overtuigingen een tijdje opschorten en kijken hoe deze prachtige film zich ontvouwt. Ik begrijp dat het verhaal in feite niet helemaal compleet is, omdat het niet helemaal intact is ontdekt. Maar de reis van deze mannen is in wezen een mooi schouwspel. Ik vroeg me af of iemand anders ook getroffen was door de gelijkenis tussen Gitone en Barbra Streisand. Ik zag het bijna meteen en vond het een interessante bijkomstigheid. Kijk naar deze film. Probeer niet alles te begrijpen, geniet er gewoon van en laat je meeslepen door Fellini's genialiteit.

text_en: I'd been meaning to see this movie for about a year, before I was finally able to order it off the internet. I was not disappointed. I've never seen a Fellini film, but I'm definitely going to have to try sometime soon. I was utterly confused as to the story almost the entire way through, but I still grasped the concepts, and it really didn't matter. To appreciate this movie, you just have to suspend your beliefs for a while and watching this gorgeous movie unfold. I understand that the actually story is somewhat incomplete, as it hasn't totally been discovered intact. But, it's basic journey of these men is a sight to see. I was wondering if anyone else was struck by the resemblance of Gitone to Barbra Streisand? I noticed it almost immediately and thought it an interesting side note. Watch this movie. Don't try to understand all of it, just enjoy it, and be enthralled by Fellini's genius


text: In de eerste paar eeuwen van onze tijd was de wereld van de literatuur in verval. Aan de ene kant was er rijkdom en overvloed, aan de andere kant lieten de mensen hun religie, hun waarden en hun levensdoel los. Spelletjes in het Collosseum waren een groot deel van de belangstelling van de mensen <0xE2><0x80><0x93> sommige gegevens geven aan dat er op een bepaald moment 170 dagen per jaar spelletjes waren; dat is 170 dagen zonder werk voor de burgers. Degenen die macht hadden, hadden meer belangstelling voor hun orgieën van eten en braken en hun seksuele perversiteiten dan voor het besturen van het volk. Dat is het beeld dat wij krijgen voorgeschoteld van de romandichters uit die Ik kijk liever naar een goede, gewelddadige film dan naar een film over Ingmar Bergman <0xE2><0x80><0x93> die ons misschien meer inzicht zou geven in het leven en in onze toestand als emotionele wezens <0xE2><0x80><0x93> en voetbal neemt ons leven over. In die tijd waren de mensen geïnteresseerd in romantische romans over driehoeksverhoudingen. Dit is de plot van Fellini-Satyricon. Het toneelstuk is gebaseerd op een roman, Satyricon, die de spot dreef met die romantische romans en ze op hun kop zette door de driehoeksverhouding tussen twee mannen en een kleine jongen te presenteren. Ik herinner me de naam van de romanschrijver van dit boek niet, maar ik weet dat een deel van de tekst verloren is gegaan. Het is geen actiefilm, noch een verhaal, het is puur pictorisch. Fellini-Satyricon is de meest opvallende afbeelding van de decadentie van de roman. Het gaat niet over historische feiten, het is een beeld van wat decadentie kan zijn. De relevantie van dit beeld is zo groot dat we er zelfs een expliciete parodie op vinden in 'Asterix in Helvetia'.

text_en:
In the first few centuries of our age, the roman world was in decay. In one hand there was wealth and abundance, in the other people were loosing their religion, their values and purpose of living. Collosseum games were a great part of people's interest -- some data indicates that, at some point, there were 170 days of games a year; that's 170 without work for citizens. Those who had power, had more interest in their orgies of eating and vomiting and their sexual perversities than in governing the people. Such is the image presented to us by roman poets of this period such as Juvenal.

Today, we'd rather see a good violent film than to watch, say a film of Ingmar Bergman -- which would perhaps give us more insight about life and about our condition as emotional beings -- and football is taking over our lives. Back then, people's interests were about romantic novels about triangular love affairs. This is the plot of Fellini-Satyricon. The screen play is based upon a roman novel, Satyricon, which mocked about those romantic novels and turned them upside down, by presenting the triangular love affair between two men and a little boy. I don't remember the name of the roman author of this novel but I know part of the text was lost.

It is not an action movie, nor narrative, it is purely pictorical. Fellini-Satyricon is the most striking depiction of roman decadence. It's not about historical facts, it's an image of what decadence can be. The relevance of this image is such that we even find an explicit parody of it in "Asterix in Helvetia".


text:
Dit is beslist geen film om naar te kijken als je op zoek bent naar een 80-90-minuten-film of een liefdesfilm voor het vermaak. Aan de andere kant zul je er maar tweeënhalf uur voor nodig hebben om een paar van de meest opvallende en kleurrijke beelden uit de romanwereld van alle tijden te zien <0xE2><0x80><0x93> en elke regisseur heeft daar moeite mee.
De laatste minotaurusscène, heb ik begrepen, komt niet voor in de oorspronkelijke roman van Petronius (dat kan niet). Het is het 'Felliniaanse moment' van de film. De film eindigt altijd in een soort apotheose die je gevoel dat je verloren bent naar het hoogste punt brengt - en die je, op het moment dat je dacht dat je het begon te begrijpen, duidelijk maakt dat er heel wat meer is dan je kunt bevatten.
Fellini heeft eens gezegd dat hij veel meer hield van decadentie dan van gezond verstand, omdat het eerste zoveel rijker was in beeld en kleur.

text_en:
This is definitely not the movie to see if you seek a good 80-90 minute soft action or love film for entertainment. On the other hand, it will take only two and a half hours of your time to see some of the most striking and colorful imagery of the roman world of all times - of which, every director has difficulty in escaping.

The final minotaur scene, I understand, is not on the original Petronius novel (it couldn't be). It is the "Fellinian moment" of the film. All of Fellini's films end up in some sort of non-sense apotheosis which take your feeling of being lost to the highest point -- and signals you, at the moment you were thinking you were starting to grasp it, that there's a whole lot more than what you can comprehend.

Fellini once said that he loved decadence much more than sound-mindedness, since the former was so much more rich in its imagery and colors.


text: Geweldige visuele ervaring, zij het licht van plot. Surrealistisch en soms verontrustend. Ergens in de bizarre wereld die Fellini schiep ligt een kern van waarheid. Ik stel me voor dat deze film elementen bevat die dichter bij het echte Romeinse leven staan dan Spartacus ooit heeft gedaan (ik weet dat het greek is, maar wat maakt het uit).

text_en: Wonderful visual experience albeit light on plot. Surreal and sometimes disturbing. Somewhere in the bizarre world that Fellini created lies a kernal of truth. I imagine this film contains elements closer to real Roman life then Spartacus ever did(I know it's greek but whatever).


text: Ik vind het fascinerend om te zien hoe Fellini het voor elkaar heeft gekregen om zo'n ongebruikelijke film te maken <0xE2><0x80><0x93> een film die niets te maken heeft met alle andere films over de oude Romeinen die in de jaren zestig zijn gemaakt. Hoewel Satyricon er zo surrealistisch uitziet, toont het ons een veel betere manier om te begrijpen hoe deze mensen 2000 jaar geleden werkelijk leefden en liefhadden, aangezien het ver verwijderd is van de antiseptische hollywoodstijl, waarin de geringste hint naar de werkelijke voorkeuren van veel Romeinen geheim werd gehouden (zoals de uitgeknipte scènes in 'Spartacus').

text_en: I find it fascinating to see how Fellini managed it to create such an unusual movie - a film that has nothing to do with all the other pictures of ancient Romans, made in the 60s. Although Satyricon looks so surreal, it shows us a much better way to understand how these people 2000 years ago actually lived & loved, as it's far away from the antiseptic hollywood-style, where the slightest hint to the real likings of many Romans was kept as a secret (like the cut out scenes in "Spartacus").


text: Deze film is werkelijk betoverend en, net als de oorspronkelijke roman van Petronius, waarop hij is gebaseerd, uniek. Deze film heeft bizarre dialogen, afstotelijke beelden, allerlei rariteiten van de natuur, vreemde muziek, scènes die nergens op slaan, en toch laten herhaaldelijke bezichtigingen zien dat het wel degelijk ergens op slaat... eenvoudigweg omdat de moraal van dit verhaal is dat het nergens op slaat, en het leven duizend verschillende kanten op kan gaan, we zijn allemaal als dobbelstenen in de handen van het lot.<br />Andere opmerkingen: Nu ik het oorspronkelijke werk heb gelezen, kan ik zeggen dat dit een heel interessante interpretatie is. Hoewel de film niet helemaal trouw is aan het boek en bepaalde gebeurtenissen min of meer met elkaar verwart en een paar nieuwe scènes introduceert, komt hij qua sfeer aardig overeen met het boek en is hij dus, zoals ik al zei, uniek en echt in staat zijn eigen genre te vormen. Komedie? Tragedie? Farce? Symfonische film? Wie zal het zeggen?

text_en:
This movie is truly mesmerizing and, like Petronius' original novel, on which it was based, it one of a kind. This film is has bizarre dialog, repulsive images, many freaks of nature, strange music, scenes that don't make sense, and yet at the same time, repeated viewings will show that it does make sense... simply because the moral of this story is that it doesn't make sense, and life can go in a thousand crazy directions, we're all like dice in the hands of fate.

Other comments: Having read the original work, I can say that this is a very interesting interpretation. While not strictly faithful to the book and while sort of splicing certain events together and introducing some new scenes, this movie is actually pretty close in spirit to the book and as such, as I said, unique and really able to constitute its own genre. Comedy? Tragedy? Farce? Epic? Acid trip? Who knows!


text:
De Satyricon was een van de ontroerendste films die ik ooit heb gezien. Er was zoveel symboliek en er waren zoveel onderstromen.
Fellini's weglatingen en toevoegingen spreken elkaar niet tegen, maar beschrijven wel de overgebleven fragmenten van de oorspronkelijke Satyricon. Hij had de taak een doorlopend kunstwerk te maken van een gehavende, gefragmenteerde romp waarvan hoofd en ledematen waren afgehakt. Een aantal van Fellini's bronnen over wat er niet in Petronius zit, komt van Suetonius, Ovidius, Tacitus, Juvenalis en Propertius. Je zou zijn reconstructie kunnen vergelijken met die van een paleontoloog die vorm geeft aan enkele tientallen fossiele beenderen. Hij verklaarde dat het niet zijn bedoeling was ondeugd of corruptie te tonen, maar om een onbevooroordeelde blik te werpen op een moreel in verval geraakte wereld. De film voorspelt zowel de wereld van Rome voor het christendom als de postchristelijke wereld die op het punt staat geboren te worden. Het morele geweld dat de film illustreert, voorspelt de irrationele barbaarsheid van onze eigen tijd.
Fillini verwerpt wat er over de antieke wereld geschreven is en houdt zich aan wat er geschilderd is. Het scenario synthetiseert kunst, beweegt als muziek en spreidt zich uit als een reeks schilderijen, een catalogus van beelden zonder karakterontwikkeling, verhaal of drama. Droomachtige beelden van lijden en obsessies vereisen grote intellectuele inspanning van de kant van de kijker. Zijn beelden zijn hypnotiserend, als het water van de Styx, en hallucinerend als de doeken van Hiëronymus Bosch. Beschilderd vlees wordt tot leven gewekt en behoudt het gevoel van leven op fragmenten tussen de ruïnes.
We krijgen een enorm levend fresco van Romeinse decadentie voorgeschoteld als metafoor voor de huidige samenleving en als allegorische satire over waar we heen gaan. De film is een raam en een spiegel waarin we zowel het verleden als het heden tegelijk kunnen zien, een wereld zonder morele ankering, een nachtmerriewereld, een ontbindend lichaam dat vergeven is van ongedierte. Het is een fabel voor onze tijd, die morele decadentie gelijkstelt met de Apocalyps. Fellini creëert het met een frescoachtige beheersing.
We zijn zowel gefascineerd als afgestoten. De jonge en de mooie zijn even monsterlijk en onzuiver als de oude en de lelijke. Fellini gebruikt het groteske om te proberen het verloren gevoel van de kijkers voor het mysterieuze, het transcendente en het heilige terug te winnen. Deze groteskheid brengt ons in een ontmoeting met een andere werkelijkheid. Surrealistische elementen overheersen, ze duwen de menselijke elementen opzij. Dissociatie, of een vervreemde en onsamenhangende gelijktijdigheid, wordt gebruikt om de sfeer van een droom te creëren. Fellini zei dat zijn film 'de documentaire van een droom' was. De droom is angstaanjagend, omdat hij alleen te verdragen is door intense en onverantwoordelijke toegeeflijkheid, gevolgd door een eindeloze ontsnapping. De personages zijn ballingen in een wereld die ze zelf hebben gecreëerd en waar ze geen controle over hebben. De film is doordrenkt van freudiaanse symboliek. De overgeschilderde fresco-achtige gezichten vertegenwoordigen zowel de uiterlijke maskers van oppervlakkige relaties als de maskers die de duistere impulsen en dwangmatigheden verbergen die de identiteit van het ego dreigen te overweldigen en in te nemen. Fellini's film is een surrealistisch visioen van een hedonistische wereld waar alleen het masker van het ego bestaat; er is geen echt ego dat logica of rede invoert, en geen superego dat ethiek of moraliteit invoert. Het is een idyllische wereld die onvermijdelijk zijn pionnen moet verteren, omdat hij zich alleen beweegt op primitieve drijfveren, een wereld zonder onschuld, zuiverheid, wederzijdse verplichtingen, beperkingen of echte liefde. Als thema zou je kunnen zeggen dat het verhaal gaat over de seksuele opvoeding van Encolpio die zich afspeelt in een moreel dalende wereld. Hij overtuigt zijn tegenstanders door zijn fysieke schoonheid; een wensdroom van de adolescent die, geconfronteerd met een verschrikkelijke en corrupte wereld, ontdekt dat hij er betrekkelijk ongeschonden doorheen kan komen, dankzij zijn jeugd en schoonheid. Hij ontwapent zijn tegenstanders met zijn oppervlakkige aura van onschuld en seksuele aantrekkingskracht, die hem meer dan eens het leven redt, maar hem in zijn eigen geweten ontmant, waardoor hij uiteindelijk impotent wordt bij vrouwen. Fellini's oversekste, verslindende vrouwen zijn geen moederfiguren of liefdesfiguren, maar symbolisch vrouwen die gecastreerd willen worden. In plaats van ideaalobjecten voor het voltooien van de innerlijke vermenging van mannelijke en vrouwelijke elementen van de psyche, zijn ze nachtmerrieachtig uit op ontmanning. Ze kunnen alleen maar functioneren als copulerende verslinders. Maar de dood van Ascilto, Encolpio's alter ego, vertegenwoordigt symbolisch de dood van Encolpio's homoseksuele verlangens en twijfels, die hem weer tot een man maken en zijn impotentie uitwissen.
Net als de fragmentarische resten van de Satyricon van Petronoius Arbiter eindigt Fellini's film als een onafgemaakte zin. De personages zijn als in een overbrengingspatroon bevroren, vastgelijmd in afzonderlijke rottende muren van gebroken metselwerk; het is ons venster op de wereld van Rome, maar een wereld die een voorbode is van het heden en de toekomst van onze eigen wereld. Het is een film die de moeite waard is om keer op keer te bekijken om de symboliek en diepere facetten ervan te ontdekken.

text_en:
The Satyricon was one of the most moving films I have ever seen. There was so much symbolism and so many undercurrents. I present a composite critique.

Fellini's omissions and additions neither contradict nor violate, but further define the surviving fragments of the original Satyricon. He had the task of making a continuous work of art of a scarred, fragmented torso with its head and limbs chopped off. Some of Fellini's sources of what is not in Petronius are from Suetonius, Ovid, Tacitus, Juvenal and Propertius. One might liken his reconstructing to that of a paleontologist giving form to a few dozen fossil bones. He stated that his intention was not to show vice or corruption, but to give an unbiased look at a morally decaying world. The film prefigures both the world of Rome prior to Christianity and the post-Christian world presently lurching toward birth. The moral violence that punctuates the film prefigures the irrational savagery of our own age.

Fillini rejects what has been written about the ancient world and sticks to what has been painted. The scenario synthesizes art, moving like music and spreading out like a suite of paintings, a catalog of images without character development, story, or drama. Dream-like images of anguish and obsessions demand great intellectual effort on the part of the viewer. His images are mesmerizing, like the waters of the Styx, and hallucinating like the canvases of Hieronymous Bosch. Painted flesh is brought to life and retains the sense of life on fragments amid the ruins.

We are presented a vast living fresco of Roman decadence as a metaphor for present society and as an allegorical satire of where we may be trending. The film is a window and a mirror where we may see both past and present at the same time, a world without moral anchoring, a nightmare world, a decomposing body infested with vermin. It is a fable for our times, equating moral decadence with apocalypse. Fellini constructs it with fresco-like mastery.

We are both fascinated and repelled. The young and the beautiful are as monstrous and impure as the old and the ugly. Fellini uses the grotesque to try to reclaim the viewers' lost sense of the mysterious, the transcendent and the holy. This grotesqueness zaps us into an encounter with another reality. Surrealistic elements dominate, pushing aside the human elements. Dissociations, or an alienated and incoherent simultaneity, are used to create the atmosphere of a dream. Fellini said that his film was "the documentary of a dream." The dream is frightening, because it is endurable only through intense and irresponsible indulgence followed by interminable escape. The characters are exiles in a world that is both of their own creation and beyond their control.

The film is heavy with Freudian symbolism. The over-painted fresco-like faces represent both the external masks of surface relationships and the masks that hide the darker impulses and compulsions that threaten to overwhelm and assume the identity of the ego. Fellini's film is a surrealistic vision of a hedonistic world where there is only the mask of the ego; there is no real ego to impose logic or reason, and no superego to impose ethics or morality. It is an id world that must inevitably consume its pawns, because it moves only on primitive drives, a world without innocence, purity, mutual commitments, restraints, or real love.

As a theme, one might say that the story is about the sexual education of Encolpio set in the context of a morally declining world. He triumphs over his opponents via his physical beauty; a wish-fulfilling dream of the adolescent who, confronting a terrible and corrupt world, finds that he can wander through it relatively unscathed, thanks to his youth and beauty. He disarms his opponents with his surface aura of innocence and sexual attraction, which saves his life more than once, but it emasculates him in his own conscience, eventually rendering him impotent with women. Fellini's oversexed, devouring women are not mother figures or love figures but symbolically wish to castrate. Rather than objects of idealization for completing the inner merger of male and female elements of the psyche they are nightmarishly intent on emasculation. They can function only as copulatory devourers. However, the death of Ascilto, Encolpio's alter ego, symbolically represents the death of Encolpio's homosexual desires and self doubts, restoring him to manhood and erasing his impotence.

Like the fragmented remains of Petronoius Arbiter's Satyricon, Fellini's film ends as an unfinished sentence. The characters are as if in a transfer pattern, frozen, plastered into separate decaying walls of broken masonry; it is our window to the world of Rome, but a world that mirrors a portent for the present and the future of our own world.

This is a film well worth viewing again and again to uncover its symbolism and deeper facets.


text: Dit is een van de origineelste en persoonlijkste films die ooit over het oude Rome zijn gemaakt. De film ademt de sfeer en de geest van de klassieke Rome-mentaliteit en de artistieke manier van leven. Alleen een Italiaan zou deze verre wereld zo goed en accuraat kunnen beschrijven.<br />Alles in de productie is zorgvuldig gekozen en elk detail heeft dat typische Fellini-karakter van dromen en werkelijkheid dat de essentie van het menselijk leven en onze psychologie raakt. Dit is een meesterlijk kunstwerk dat laat zien hoe een film eruit zou moeten zien en ons eraan herinnert dat films de krachtigste artistieke expressie kunnen zijn. De beste scènes zijn de ondergrondse romans vol hoeren en gekken, en de grote orgiescène is een klassieker met een perfecte richting, een heel goede foto en een artistieke richting.

text_en:
This is one of the most original visions and personal ever made in cinema about ancient Rome. It has all the mood and spirit of the classic Rome mentality and artistic way of life. Only an Italian could have describe this distant world so well and accurate.

 Everything in the production is carefully chosen and every detail has this very Fellinian touch of dreams and reality touching the very essence of the human life, and our psychology. This is an art master piece that shows what a movie should look like and makes us remember that films can be the most powerful artistic expression. the best scenes are the roman undergrounds full of whores and weirdos, also the big orgy scene is a classic with a very perfect direction, really good photo and artistic direction.


text:
Satyricon, de meest visueel glorieuze film die ik ooit heb gezien, is een leerboek kunstgeschiedenis dat van zijn bladzijden is bevrijd en op film is overgezet. De beelden veranderen van monochroom naar kleur, van abstract naar realisme, van in een studio lijkend naar buiten voor je verbaasde ogen. De buitenkant is adembenemend, de decors zijn subliem, de kleuren, de compositie, de belichting zijn oogverblindend. Ik heb dit in schilderijen en mozaïeken gezien, maar nooit in film. Zelfs Tarkovski kan het niet evenaren.
Satyricon vertelt geen verhaal in de gebruikelijke betekenis van het woord. Er zijn twee hoofdrolspelers, maar hun tegenstander is niet op het scherm, hij zit in de stoel van de regisseur. Het lot drijft Encolpius en Ascyltos van het ene avontuur naar het volgende. Net als bij het lezen van Don Quichot komen er in het verhaal verhalen voor en raken we onze hoofdpersonen soms kwijt, maar dan komen ze weer terug om ons naar het volgende hoofdstuk in het boek over kunstgeschiedenis te leiden dat Fellini heeft geschreven.
Geschiedenis, architectuur, mythologie, schilderkunst, poëzie: dat zijn de onderwerpen van de film. Maar nog belangrijker dan dat is het ware gevoel van mysterie dat deze film bij kunst oproept. Kunst werd geboren uit de behoefte van de mensheid om orde te scheppen in de confrontatie met chaos en mysterie. Het mysterie is nog steeds niet opgelost, dus kunst (deze film, bijvoorbeeld) leeft voort. In de 2000 jaar sinds Petronius _The Satyricon_ schreef, is er veel veranderd. In de chaos van deze film zul je veel bekende dingen tegenkomen, ook al kun je je vrienden niet vertellen waar het over gaat.

text_en:
Satyricon, the most visually glorious film I've ever seen, is an art history textbook liberated from its pages and transferred to film. The images metamorphose from monochrome to color, from abstraction to realism, from seeming to be in a studio to being outdoors before your amazed eyes. The exteriors are breathtaking, the sets are superlative, the colors, the composition, the lighting are stunning. I've seen this in paintings and mosaics, but never in film. Not even Tarkovsky can compare.

Satyricon does not tell a story in the usual sense of the word. There are two protagonists, but their adversary isn't on the screen, he's in the director's chair. Fate pushes Encolpius and Ascyltos from one adventure to the next. Like reading Don Quixote, there are stories within the story and we lose our protagonists sometimes, but then they reappear to guide us to the next chapter within the art history book Fellini has created.

History, architecture, mythology, painting, poetry: these are the subjects of the movie. But even bigger than that is the true sense of mystery that this film evokes regarding art. Art was born out of mankind's need to create order in the face of chaos and mystery. The mystery still has not been solved, so art (this film, for example) continues to live. Art is humanity, and Satyricon is a waking dream on this topic. Although times change and mores shift, mankind hasn't changed much in the 2000 years since Petronius wrote The Satyricon. Within the chaos of this film you will find much that is familiar, even if you can't really tell your friends what it's about.


text: Wat plot betreft verschillen films van elkaar. Sommige hebben voor de hand liggende plotlijnen die in de geschiedenis van de film/literatuurcultuur herhaaldelijk zijn toegepast. Je weet hoe het in de eerste vijf minuten afloopt. Andere hebben plotlijnen die er zijn, maar je moet de film vijf keer zien voor je alles begrijpt. Sommige hebben geen plot en dat weet iedereen, en in dat geval kun je maar beter iets anders hebben dat verdomd goed is uitgevoerd! Dan komt er een film die balanceert op de dunne lijn van twijfelachtig succes, waar je niet kunt zeggen of er een plot is of niet. Als je, terwijl je naar Satyricon kijkt, merkt dat je afdwaalt of het uiteindelijk een begrijpelijke conclusie wordt, waarna je bevredigend kunt mompelen: 'Ahhh ja, nu heb ik het'. Nou, uiteindelijk is er geen sprake van zoveel geluk, jammer jongens en meisjes. Het enige wat ik uit het verhaal kon opmaken is dat het de reis is van de hoofdfiguur die naar iets op zoek is, of naar iemand? Heel moeilijk uit te maken. Het begint als een conflict tussen een Griekse jongen en een andere die allebei een onbeheersbare begeerte koesteren naar een jongere jongen dan zijzelf. De jongen kiest uiteindelijk de een boven de ander, of iets van die vreemde soort. De andere gaat er op uit, naar een soort hoerenkast of zo iets. Het hele geval baadt in een onnatuurlijke kleur. Maar, ik graad. Om terug te komen op de veronderstelde half onzichtbare verhaallijn, gaat de veronderstelde hoofdfiguur op een reis van vele naakte, vreemd uitziende dames. De secundaire personages komen allemaal voor en verdwijnen gedurende het hele verhaal. Men moet dit eigenlijk meer zien als een surrealistische wereld met kleine taferelen en delen die niet door een grote ruggengraat met elkaar verbonden zijn, want anders zou men zeker verloren zijn. Over alles heen is er de stroom van een reis met een paar echt knappe jongens, vreemde koningen (of was er maar één) en vreemd uitziende vrouwen! Het lijdt geen twijfel dat er vele subtiele punten zijn, maar het is misschien eerst niet duidelijk wat die zijn. Uiteindelijk, als er een soort complot is, draait het waarschijnlijk om een jongeman die zichzelf (of zijn seksualiteit) probeert te vinden, zij het op verschillende manieren.

text_en: As far as plots go, movies differ. Some have obvious plots that have been done repeatedly in the history of film/literature culture. You know how the thing is going to end in the first five min. Others have plots that are there, but one has to watch the movie five times before understanding it all. Some do not have plots and everyone knows it, in which case it better have something else that is damn well done! Then comes along a movie, teetering on the thin line of questionable success where one can not tell whether there is a plot or not. If, while watching Satyricon you find yourself wandering whether it is going to wrap up finally into an understandable conclusion after which you can satisfactorily murmur `ahh yes, now I got it'. Well, in the end there is no such luck, sorry lads and lasses. Of the plot the one thing I could gather is that it is the journey of the main character who is searching for something, or some one? Very hard to figure out. It starts out as a conflict between one Greek lad and another who both have unbegotton lust of a younger lad then themselves. The lad ends up choosing one over the other, or something of that strange sort. The other goes off, into something like a whorehouse, or something. The whole thing is bathed in color of unnatural hue. But, I degrees., To get back to the supposed half invisible story line, the supposed main character goes off on a journey of many naked breasted strange looking ladies. The secondary characters all come in and disappear throughout the story. One really has to view this more as a surreal world with little scenes and parts that are not really connected by any great spine, because otherwise one is to be lost for sure. Over all it has the flow of an acid trip with some really pretty boys strange kings (or was there just one) and strange looking women! There is no doubt that there are many subtle points to be made, but it may not at first be clear what they are. Ultimately, if there is any sort of plot it probably revolves around a young man trying to find himself (or his sexuality) though different occurrences.


text: Satyricon is niet zozeer een film als wel een serie complexe beelden en handelingen. Soms is hij te lang en te saai, maar uiteindelijk is hij fascinerend. De kostuums en de decors zijn spectaculair, en sommige scènes zijn buitengewoon onderhoudend. Maar ja, die scènes zijn dan ook het probleem. Ik hoorde voor het eerst van de film toen ik Latijn studeerde, en daardoor was ik me bewust van de gefragmenteerde aard van het oorspronkelijke werk en was ik voorbereid op hetzelfde in de film, en hoewel een deel van de actie provocerend is, is een groot deel van de schermtijd gewoon, nou ja, nogal saai <0xE2><0x80><0x93> het is moeilijk te volgen en er is geen vertaling van moderne tijden of gevoelens, maar toch zijn er door al die kronkelingen momenten <0xE2><0x80><0x93> momenten die visueel verbluffend zijn, ontzag inboezemen en als niets uit deze wereld voelen.

text_en: Satyricon is less a movie and more a series of complex images and actions. It is too long and tedious at times but ultimately fascinating. The costumes and the sets are spectacular, and some of the sequences are immensely entertaining. But, then again, the sequences are the problem. I first learned of the film while studying Latin and therefore was aware of the fractured nature of the original work and was prepared for the same in the movie, and while some of the action is provocative a fair amount of screen time is just, well, rather dull--its hard to follow and has no translation to modern times or sentiments, still through all the meandering there are moments--moments that are visually stunning, inspire awe, and feel like nothing from this world.


text: Het is verbazingwekkend dat de weinige overgebleven fragmenten van Petronius' werk zo'n verbluffende en Rabelaisiaanse filmische stoeipartij in het oude Rome opriepen. De auteur had de euvele moed om de gevaarlijke keizer Nero te tarten door de schandelijke excessen van die tijd te bespotten. Vergeet niet dat hij daarvoor is terechtgesteld en dat het grootste deel van zijn werk vernietigd is. De 'feestvierende houding' is in feite afkomstig van de Romeinen, die hun gasten veren voor de keel gaven en kommen om in te kotsen, zodat ze bij het legen nog meer konden eten en drinken. Trimalchio's banket is typerend voor wat er van Petronius' werk over is. De sombere opeenvolging van de waardige zelfmoord van verdoemde patriciërs herinnert ons eraan dat veel prominente personen die door hun politieke connecties uit de gratie waren geraakt, gedwongen waren hun familie op deze manier in de steek te laten, wat ook inhield dat hun bezittingen werden geconfisqueerd. Petronious zelf eindigde op deze manier.<br />Fellini heeft ons een fascinerende kroniek van een voorbije tijd gegeven. Door dit te doen, biedt hij ons ook een opmerkelijke reis naar de talloze aspecten van het menselijk leven in al zijn rijkdom.

text_en:
It is astonishing that the few surviving fragments of Petronius' work evoked such a stunning and Rabelaisian cinematic romp through ancient Rome. The author was extremely daring to flout the dangerous emperor Nero by satirizing the egregious excesses of the time. Keep in mind that he was executed for it and most of his work destroyed. The "party 'til you puke" attitude actually originated with the Romans, who provided feathers for the throat and basins for their guests to vomit into so that in voiding they could eat and drink even more. Trimalchio's banquet is typical, it's description is much of what is left of Petronius' work. The somber sequence depicting the dignified suicide of proscribed patricians reminds us that many prominent persons who fell out of favor by their political affiliations were forced to abandon their families in this way which also included confiscation of their property. Petronious himself ended in this way.

Fellini has given us a fascinating tryptych into a bygone era. In doing so, he also provides a remarkable journey into the myriad aspects of human life in all its richness.


text: Onlangs ben ik op zoek gegaan naar een video- of dvd-opname, want ik kan me nog goed herinneren dat ik deze film in 1972 in Sydney Australië heb gezien. Een fantastische film, die door een genie is samengesteld. De reeks vreemde personages die in en uit de film zijn geweven. Binnenkort wordt hij in Australië op dvd uitgebracht en het is een must-see, vooropgesteld dat je openstaat voor vreemde gebeurtenissen.

text_en: I have recently been seeking a video or DVD as i still clearly remember seeing this film in 1972 in Sydney Australia. A superb movie provided by a genius of composing each frame. The series of strange characters that weaved in and out of the film. It is shortly being released on DVD in Australia and is a must see provided you are open to strange proceedings


text:
Petronius' _Satyricon_, de inspiratiebron voor Fellini's meesterlijke, zij het niet-lineaire, gelijknamige film, heeft een goede kans om de eerste roman te zijn die ooit is geschreven. Helaas is het werk van Petronius tot op de dag van vandaag niet in een vorm gegoten die ook maar in de verte op een complete tekst lijkt. De hoofdstukken, of wat ervan over is, worden op ongelegen momenten afgebroken, delen zijn ernstig onsamenhangend, overgangen bestaan niet, enzovoort. Fellini's aanpassing is eigenlijk heel goed.
Sextus Petronius, in alle verhalen de minister van goede smaak, of arbiter elegantium, schreef niet alleen een aantal korte gedichten en epigrammen, maar pleegde ook zelfmoord nadat hij betrokken was geraakt bij een complot tegen Nero. Petronius pleegde zelfmoord op ongeveer dezelfde manier als John Gielgud. s Nerva in de film Caligula van Tinto Brass uit 1979.
De rechtlijnigheid die je van een hedendaagse film zou verwachten, ontbreekt in Satyricon, en terecht. In plaats van te klagen over Fellini's schijnbaar gebrekkige beheersing van het verhaal, zou het publiek moeten applaudisseren voor zijn triomf om de volledige ervaring van deze chaotische, maar belangrijke film op het scherm te brengen.
Fellini heeft nooit een 'gemakkelijke' film gemaakt, maar Satyricon benaderen zonder enige serieuze voorbereiding is een ernstige teleurstelling. Lees de nog bestaande fragmenten van Petronius voordat je de film bekijkt, en richt je niet op de bekende passages die iedereen in het Latijn 101 heeft bestudeerd, maar op het onsamenhangende ritme van het willekeurig gefragmenteerde verhaal.

text_en:
Petronius' Satyricon, the inspiration for Fellini's masterful, albeit non-linear, eponymous film, has a good claim on being the first novel ever written. Unfortunately, Petronius' work was not transmitted to our day in anything even vaguely resembling a complete text. The chapters, or rather what are left of them, break off at inconvenient moments, sections are severely disjointed, transitions are non-existent, and so on. Fellini's adaptation is actually quite good.

Sextus Petronius, by all accounts the Emperor's minister of good taste, or arbiter elegantium, not only wrote a number of short poems and epigrams, but also committed suicide after being implicated in a plot against Nero. Petronius took his own life in much the same way that John Gielgud's Nerva did in Tinto Brass' 1979 film Caligula.

The linearity expected from contemporary film is absent in Satyricon, and rightly so. Instead of lamenting Fellini's seemingly poor control of the narrative, audiences should be applauding his triumph in bringing the full experience of this chaotic yet important film to the screen.

Fellini never made an 'easy' film; but to approach Satyricon without a modicum of serious preparation is setting oneself up for a severe disappointment. Read Petronius' surviving fragments before watching the film, and do not focus on the well known passages everyone has studied in Latin 101, instead consider the disjointed rhythms of the randomly fragmented narrative.


text_en: (1972) As far as plots go, movies differ. Some have obvious plots that have been done repeatedly in the history of film/literature culture. You know how the thing is going to end in the first five min. Others have plots that are there, but one has to watch the movie five times before understanding it all. Some do not have plots and everyone knows it, in which case it better have something else that is damn well done! Then comes along a movie, teetering on the thin line of questionable success where one can not tell whether there is a plot or not. If, while watching Satyricon you find yourself wandering whether it is going to wrap up finally into an understandable conclusion after which you can satisfactorily murmur `ahh yes, now I got it'. Well, in the end there is no such luck, sorry lads and lasses. Of the plot the one thing I could gather is that it is the journey of the main character who is searching for something, or some one? Very hard to figure out. It starts out as a conflict between one Greek lad and another who both have unbegotton lust of a younger lad then themselves. The lad ends up choosing one over the other, or something of that strange sort. The other goes off, into something like a whorehouse, or something. The whole thing is bathed in color of unnatural hue. But, I degrees., To get back to the supposed half invisible story line, the supposed main character goes off on a journey of many naked breasted strange looking ladies. The secondary characters all come in and disappear throughout the story. One really has to view this more as a surreal world with little scenes and parts that are not really connected by any great spine, because otherwise one is to be lost for sure. Over all it has the flow of an acid trip with some really pretty boys strange kings (or was there just one) and strange looking women! There is no doubt that there are many subtle points to be made, but it may not at first be clear what they are. Ultimately, if there is any sort of plot it probably revolves around a young man trying to find himself (or his sexuality) though different occurrences.


text:
Dit was de eerste Fellini-film die ik in 1974 of daaromtrent zag. Het was een middernachtelijke vertoning in Westwood in Cinemascope op een reusachtig scherm. Ik was zelden zo gemanipuleerd door een film. Het was zo overweldigend dat ik meteen de volgende nacht terugging om nog eens te kijken. De enorme hoeveelheid details en opvallende bizarre symbolische composities bleef me overweldigen. Het werd een aantal jaren mijn favoriete film en ik moet hem ongeveer 30 keer met verschillende vrienden in theaters hebben gezien. Hoe kan ik zo'n kunstwerk samenvatten? Het is een onbewust schouwspel, een blik op de mensheid door een lachspiegel in een ander universum. Hoewel ik later een fan werd van Fellini's films. In de voorgaande en daaropvolgende films bleef Satyricon mijn favoriet, en ik beschouw het als het hoogtepunt van Fellini's carrière. Nooit heeft zijn vruchtbare verbeelding zo diep gedolven als hier. In tegenstelling tot veel van Fellini's films is dit geen autobiografische film, maar een archetypische film. Fellini had tijdens het filmen zelfs een Jungiaanse analist op de set.
Voor degenen die het niet hebben meegemaakt: Satyricon is een losse bewerking van de oudste nog bestaande roman van dezelfde naam van Petronius Arbiter, een Romein uit de tijd van Nero, die een uitgebreide serie satirische en schunnige verhalen schreef. De roman overleefde slechts in fragmenten, en toen Fellini de verhalen aanpaste, besloot hij niet te proberen het verhaal op te lappen, maar in plaats daarvan een reeks uiterst gedetailleerde episoden te maken. Dat paste in zijn visie op de geschiedenis. We kennen de geschiedenis (vooral de oude geschiedenis) alleen van stukjes en beetjes die door de eeuwen heen zijn doorgegeven. Hoewel de drie hoofdpersonen in de hele film terugkeren, veranderen de situaties en plaatsen om hen heen onverwachts. Hoewel deze picareske episoden inderdaad exotisch, vreemd en grappig zijn, is het Fellini's visie die deze film uniek maakt. In het bijzonder is het zijn rondzwervende camera die een ingewikkelde choreografie heeft en in grote groepsscènes goed van pas komt. Hoewel we tegenwoordig de bewegende camera als een standaardpraktijk beschouwen, werd hij in de jaren zestig lang niet zo vaak gebruikt en Fellini had een heel eigen manier van actie- en karakterscènes maken die nog steeds opvalt als de zijne. Bepaalde scènes (vooral de rosse buurt aan het begin) voelen aan alsof we in een soort donkere achtbaan zitten die langs een reeks kamers met allerlei curiositeiten glijdt. Een andere heel opvallende techniek is dat een paar van de personages in de camera staren, meestal een 'nee, nee' dat je alleen in documentaires ziet. Het effect creëert een merkwaardige confrontatie terwijl de personages onbewogen naar ons staren terwijl wij naar hen kijken.
De muziek van Satyricon is ook een fascinerend element. Hoewel Nino Rota een aanzienlijk deel van de muziek heeft gecomponeerd (vooral de vreemd geformuleerde melodie aan het eind en de parade van de nieuwe keizers), bestaat een groot deel van de muziek uit wereldmuziek (zoals de Balinese Apendans) of elektronische avant-garde composities (onder andere van Ilhan Mimaroglu, Andrew Rudin en Todd Dockstader). Dit geeft de film een dubbel gevoel van heel primitief zijn en tegelijkertijd van buitenaards zijn.

Op één niveau geeft Satryicon commentaar op de jeugd van het eind van de jaren zestig, de losgeslagen hippies die zonder een'moreel kompas' van de ene plaats naar de andere trekken <0xE2><0x80><0x93> het ene hedonistische avontuur na het andere in een verzadigde en decadente wereld. Op een ander niveau is de wereld die wordt afgebeeld een collectieve droom waarvan onze beschaving een marionet is van oerkrachten onder de oppervlakte. Op die manier voelt Satyricon zowel vreemd als herkenbaar, zijn beelden zowel verleidelijk als afstotelijk. Je kunt Fellini bewonderen omdat hij zo'n ambitieus idee aanpakt, en het is aan hem en zijn medewerkers (vooral Danilo Donati) te danken dat deze film zoveel heeft bereikt.

text_en:
This was the first Fellini film that I saw back in 1974 or so. It was a midnight screening in Westwood in Cinemascope on a giant screen. I had seldom been so effected by a film. It was so overwhelming, I went back the very next midnight for another look. The sheer amount of detail and striking bizarre symbolic compositions continued to overwhelm me. It became my favorite film for a number of years and I must have seen it with various friends about 30 times in theaters. How can I summarize such a work of art? It's a subconscious spectacle, a view of humanity through a fun house mirror in an alternate universe. Though later I became a fan of Fellini's previous and subsequent films, Satyricon remained my favorite and I regard it as THE high-point in Fellini's career. Never has his fertile imagination delved as deeply as here. Unlike so much of Fellini's output, this is not a personal autobiographical film but instead an archetypal film. Fellini even had a Jungian analyst on the set while shooting.

For those who haven't experienced it, Satyricon is a loose adaptation of the oldest surviving novel of the same name by Petronius Arbiter, a Roman from the time of Nero, who wrote a sprawling series of satirical and bawdy stories . The novel only survived in fragments and Fellini decided when adapting the tales to not try and patch up the narrative but instead present a series of highly detailed episodes. This fit into his view of history. We only know history (particularly ancient history) from bits and pieces passed down through the ages. Though the three lead characters reappear throughout the film, the other characters, situations and locales around them change unexpectedly. Now, while these picaresque episodes are indeed exotic, weird and funny, it is Fellini's vision that makes this film unique viewing. In particular is his roaming camera that is intricately choreographed and put to great use in large group scenes. Though we take moving camera as standard practice today, it really wasn't used nearly as much in the 1960s and Fellini had a distinctive way of shooting action and character gesture that still stands out as his own. Certain sequences (particularly the red light district near the beginning) feel as though we are on some kind of dark ride, gliding past a series of rooms containing all manner of curiosities. Another very striking technique is to have a few of the characters stare into the camera, generally a "no no" in all but documentaries. The effect creates a curious confrontation as the characters stare impassively  watching us as we watch them

The music for Satyricon is another fascinating element. Though Nino Rota composed a substantial amount of the score (particularly the oddly phrased melody heard at the end and the new emperors parade), a great deal of the music is either world folk music (such as the Balinese Monkey Chant) or avant garde electronic compositions (Ilhan Mimaroglu, Andrew Rudin, and Todd Dockstader among others). This gives the film a dual feeling of being very primal and yet otherworldly.

On one level Satryicon comments on the youth of the late 1960s, the unanchored hippies wondering from place to place without a "moral compass" -- one hedonistic adventure after another in a satiated and decadent world. On another level the world depicted is a collective dream of which our civilization is puppet-ed by primal forces beneath the surface. In this way Satyricon feels both foreign and recognizable, its images both seductive and repellent. One can admire Fellini for tackling such an ambitious concept and it is due to he and his collaborators (particularly Danilo Donati) that this film achieves so much.


text: Fellini's STYRICON is een van de echte kunstfilms van de Europese cinema van het eind van de jaren zestig, het is een uitspatting van kleur, religieuze ondertonen, filosofische beschouwingen en erotiek. Fellini neemt ons mee op een dubbelzinnige odyssee van episodische aard, waarin Encolpio (Martin Potter) in het middelpunt staat, samen met Ascilto (Hiram Keller) tegenover de ongelooflijke maar onmogelijke wereld van het oude Rome; de zwoele gemeenschap van Romeinen die een luxueus leven leiden, waar de aard van morele tradities voortdurend tot het uiterste wordt opgerekt. Zowel de knappe jongeling Encolpio als Ascilto strijdt om de seksuele genoegens van een mysterieuze slaafjongen (Max Born), die hen verenigt en verdeelt terwijl ze beiden verwikkeld raken in verbijsterende avonturen van vaak homoseksuele betekenis. De film springt heen en weer in de tijd en vertelt zijn verhaal zonder enige uitleg, de kijker hoeft alleen maar mee te doen zonder de plot echt te begrijpen <0xE2><0x80><0x93> Fellini brengt een fascinerende reis die structureel het werk van Petronius volgt.<br /><0x3E> Grotesk geschilderd benadrukt de film niet het alledaagse leven van de burgers van het Romeinse rijk als Petronius' werkelijke script, maar Fellini laat het vooral tot leven komen door zijn visuele overdaad en buitensporige connotaties. Persoonlijk hou ik van Fellini's absurditeit en kunstzinnigheid, en hoewel dit vaak wordt beschouwd als een voornamelijk problematische film, vind ik hem altijd uniek en invloedrijk voor de vele volgende filmregisseurs van de wereldcinema.

text_en:
Fellini's SATYRICON is one of the true art-movies of the late 60ties European cinema, it's extravagance of color, religious undertones, philosophical questioning and eroticism is captivating. Fellini takes us on a bawdy odyssey of episodic nature where Encolpio (Martin Potter) in center, together with Ascilto (Hiram Keller), faces the incredible but impossible, world of ancient Rome; the sultry society of Romans who lives luxurious lives in self-indulgence where the nature of moral traditions is constantly pushed to the limit. Both handsome youths Encolpio and Ascilto battles for the sexual pleasures of a mysterious slave boy (Max Born) who unites and divides them as both enters bewildering adventures of often homosexual significance. The film jumps back and forth in time, and jags its narration with no sorts of explanation, the viewer just has to go along for the ride without never really understanding the plot - Fellini throws a fascinating travelogue who structurally follows the actual work of Petronius.

Grotesquely painted, the film doesn't punctuated the everyday life of citizens of the Roman empire as Petronius' actual script, Fellini mainly makes it come to life by its visual opulence and outrageous connotations. I personally love Fellini's absurdity and artful touch, and though this is often viewed as a mostly problematic film, I always find it quite unique and influential for the many following film directors of world cinema.


text:
Hij wordt opgehangen wegens moord; zij sterft aan een mysterieuze ziekte. Bij toeval ontmoeten ze elkaar voordat ze aan boord gaan van een schip dat op weg is naar San Francisco, en ze worden verliefd. Hij is William Powell, de meest charmante hoofdrolspeler van de 30's. Zij is Kay Francis, de best geklede vrouw van de 30's. Ze zijn allebei heel aantrekkelijk, maar gedoemd te sterven.
Zo luidt de basisscenariotekst voor dit prachtige drama vol tranen, humor en drama. Het team van Powell en Francis was al in vier films van Paramount verschenen voordat ze in 1932 door Warner Brothers werden gecontracteerd, toen ze deze film maakten, samen met een andere klassieker, Jewel Robbery. Waar Powell en zijn latere partner Myrna Loy een aantal jaren later bij MGM een toonbeeld van verfijnde humor waren, waren Powell en Francis een romantisch stel. Zowel Loy als Francis waren goedgeklede, donkerharige schoonheden. Terwijl Loy een carrière had die bijna zestig jaar duurde, zou Francis halverwege de veertig van het toneel verdwijnen. Als gevolg daarvan was ze een van Hollywoods vergeten hoofdrolspeelsters, tot het succes van Ted Turners klassieke filmkanaal haar weer in de schijnwerpers bracht.
'One Way Passage' is de meest geliefde film van het team, en het winnende verhaal dat een Academy Award won, is slechts een van de hoogtepunten. De sterren zijn er ook een, maar de bijrollen waren eenvoudigweg fantastisch. Frank McHugh als dronken oplichter is een perfecte komedie-aflevering, samen met de fabelachtige Aline MacMahon als de valse'gravin'. Als er in 1932 voor het eerst een Academy Award was uitgereikt voor acteerprestaties, zou ze die gewonnen hebben voor deze film. Ze is gewoonweg fantastisch. Er is geen moment op het witte doek waarop ze niet domineert. Warner Brothers bood haar blijkbaar de kans om een hoofdrol te krijgen, maar de realistische MacMahon besefte dat haar beste rollen zouden komen met de karakterrollen die de schijnwerpers vaak wegnamen van de sterren. Bekijk MacMahon in de zeer bekende 'Gold Diggers of 1933' en meer obscure films zoals 'The Merry Frinks' en 'While the Patient Slept' om te zien wat ik bedoel. Haar latere films, 'Dragon Seed' en 'The Search', zijn perfecte voorbeelden van wat een juweel ze als actrice was.
De muziek, later op de achtergrond te horen in menig 'B'-film van Warners, is klassiek. Het scenario is uitmuntend, en de lengte - nou ja, niet meer dan 68 minuten, wat aantoont dat goede dingen in kleine porties komen. Helaas zijn Powell en Francis na dit en 'Jewel Robbery' nooit meer aan elkaar gekoppeld; Powell ging naar MGM, waar hem betere dingen te wachten stonden, terwijl Francis bij Warners bleef voor vele soortgelijke films, die geen van alle de charme van deze film konden overtreffen. Hij werd natuurlijk in 1940 door Warner Brothers herschreven als 'Till We Meet Again' met George Brent en Merle Oberon. Die versie was niet slecht, maar zeker niet te vergelijken met deze film. Het einde zal je met een gebroken hart achterlaten.

text_en:
He's set to be hanged for murder; she's dying of a mysterious illness. By chance, they meet before sailing on a ship set-sailing for San Francisco, and fall in love. He is William Powell, the most debonair leading man of the 30's. She is Kay Francis, the best dressed woman of the 30's. They are both very attractive, yet doomed.

Such is the basic storyline for this wonderful drama filled with tears, humor, and drama. The team of Powell and Francis had appeared together in four films at Paramount before being signed by Warner Brothers in 1932 when they made this film along with another classic, "Jewel Robbery". Where Powell and his later partner Myrna Loy exemplified sophisticated humor several years later at MGM, Powell and Francis were a romantic couple. Both Loy and Francis were well-dressed, dark-haired beauties. While Loy had a career that lasted almost 60 years, Francis would retire from the screen by the mid-late 40's. As a result, she was one of Hollywood's forgotten leading ladies until the success of Ted Turner's classic movie channel brought her back into the limelight.

"One Way Passage" is the team's most beloved film, and its Academy Award winning story is just one of the highlights. The stars are another, but the supporting cast was simply superb as well. Frank McHugh, as a drunken conman, is perfect comedy relief along with the fabulous Aline MacMahon as the phony "countess". If there had been Supporting Academy Awards for acting in 1932, she would have won for this film handsdown. She is simply wonderful. There is not a moment of hers on screen where she doesn't dominate it. Warner Brothers apparently offered her the chance to become a leading lady, but the realistic MacMahon realized that her best parts would come with the character roles that often stole the limelight away from the stars. Catch MacMahon in the very well known "Gold Diggers of 1933" and more obscure films such as "The Merry Frinks" and "While the Patient Slept" to see what I mean. Her later films, "Dragon Seed" and "The Search", are perfect examples of what a gem she was as a performer.

The music score, later heard in the background of many a Warners "B" film, is classic. The screenplay is superb, and the length-well, a mere 68 minutes, which goes to show that good things do come in small packages. Sadly, after this and "Jewel Robbery", Powell and Francis were never paired again; Powell went onto MGM where better things awaited him, while Francis remained at Warners for many similar films, none of which could surpass the charm of this film. It was remade of course by Warner Brothers in 1940 as "Till We Meet Again" with George Brent and Merle Oberon. That version was not bad, but certainly an also ran compared to this film. The ending will leave you joyfully heartbroken.


text: Een stervende vrouw en een ter dood veroordeelde man worden verliefd op een oceaanstomer; hoe vind je dat als hoogstaand concept, omstreeks 1932. Nee, ik geef niets prijs over dit strak in elkaar gezette, voortreffelijk geproduceerde melodrama. De verfijnde klasse, belichaamd door de altijd glamoureuze Kay Francis en de gentleman-boef William Powell, karakteriseren het tragische aspect van het verhaal, terwijl de ethiek warmte en humor, in de klassieke stijl van Warner Bros., perfect worden geleverd door Aline MacMahon, Warren Hymer en Frank McHugh. Een heleboel prachtige kleine details, niet in het minst door de manier waarop McHugh de laatste scène speelt. Als het op tv is, moet je het niet missen.

text_en: A dying woman and a condemned man fall in love on an ocean liner; how's that for high concept, circa 1932. No, I'm not giving anything away about this tightly plotted, exquisitely produced melodrama. Upper class sophistication, personified by ever-glamorous Kay Francis and gentleman crook William Powell, characterizes the tragic aspect of the story, while ethic warmth and humor, in the classic Warner Bros. style, are perfectly supplied by Aline MacMahon, Warren Hymer, and Frank McHugh. Lots of marvelous small touches, not the least being the way McHugh plays the final scene. If it's on, don't miss it.


text: Dit is waarschijnlijk de meest onderschatte romantische film aller tijden! De sterren <0xE2><0x80><0x93> William Powell en Kay Francis <0xE2><0x80><0x93> zijn fantastisch. De bijrollen <0xE2><0x80><0x93> Aline MacMahon, Franck McHugh en Pat O'Brien <0xE2><0x80><0x93> zijn nog nooit zo goed geweest. De muziek is een klassieker; het verhaal een juweel. Van de openingsscène in een bar in het Verre Oosten, compleet met een fantastisch zingend trio, tot het laatste, hartverscheurende moment, is deze film het perfecte samenraapsel van grote sterren en een belachelijk dwaze plot, volkomen geloofwaardig en verteerbaar. Kay Francis was een van de grootste sterren van de jaren dertig, en dit is een van haar beste films; William Powell, ook onderschat, is nog nooit zo beminnelijk geweest. Allebei verdienden ze een Oscarnominatie voor deze geweldige film, net als MacMahon en McHugh (die pas over een paar jaar aan de beurt zijn). Kay Francis deed alles tijdens haar bewind als topster van Warner. Het is verbazingwekkend hoe ze van een breekbare heldin een keiharde vrouw kon worden en er dan een komedie van kon maken. Een waarlijk veelzijdige en fantastische ster die door TCM uit de anonimiteit werd gered. Helaas zou Powell noch Francis ooit een Oscar winnen - Julia Roberts, nota bene!

text_en: This is likely the most underrated great romance picture of all time! The stars--William Powell and Kay Francis--are superb. The supporting players--Aline MacMahon, Franck McHugh, and Pat O'Brien--have never been better. The music score is a classic; the story a perfect gem. From the opening shot at a Far East bar, complete with a marvelous singing trio, to the final, heartbreaking moment, this film is the perfect 1930s concoction of great stars and a ridiculously silly plot made totally believable and palatable. Kay Francis was one of the top stars of the decade, and this is one of her best films; William Powell, also underrated, has never been more suave. Both deserved Oscar nominations for this great fiolm, as did MacMahon and McHugh for support (not a category for another few years). Kay Francis did everything during her reign as a top Warners star. It's amazing how she was able to go from fragile heroine to hard-edged woman and then throw in a comedy. A truly versatile and wonderful star rescued by TCM from obscurity. Sadly, neither Powell nor Francis would ever win an Oscar----Julia Roberts indeed!


text:
Dit is een update van een eerdere opmerking. _One Way Passage_ is waarschijnlijk de meest onderschatte romantische film aller tijden! De sterren <0xE2><0x80><0x93> William Powell en Kay Francis <0xE2><0x80><0x93> zijn uitmuntend. De bijrollen <0xE2><0x80><0x93> Aline MacMahon, Frank McHugh en Warren Hymer <0xE2><0x80><0x93> zijn nog nooit zo goed geweest. De muziek is een klassieker; het verhaal een juweel. Francis is stervende aan een zeldzame ziekte; Powell gaat naar huis om de executie onder ogen te zien. Ze ontmoeten elkaar en worden verliefd.

Vanaf de openingsscène in een bar in het Verre Oosten, compleet met een fantastisch zingend trio (Jane Jones is een van de zangeressen), tot het laatste, hartverscheurende moment, is deze film het volmaakte samenraapsel van grote sterren en een belachelijke intrige die volkomen geloofwaardig en smakelijk is gemaakt. Kay Francis was een van de grootste sterren van het decennium en dit is een van haar beste films; William Powell, altijd onderschat, is nog nooit zo beminnelijk geweest. Allebei verdienden ze een Oscarnominatie voor deze geweldige film, net als MacMahon en McHugh (die pas over een paar jaar aan de beurt zijn).
Kay Francis deed alles tijdens haar bewind als topster. Het is verbazingwekkend hoe ze van een breekbare heldin een hardvochtige vrouw kon worden en er dan een komedie van kon maken. Een werkelijk veelzijdige en fantastische ster die door TCM uit de anonimiteit werd gered. William Powell zou een paar jaar na deze film in The Thin Man doorslaan. Hij begon als schurk in stomme films (When Knighthood Was in Flower in 1922), maar in de bioscoop werd hij de belichaming van de joviale heer.
Twee grote sterren, maar Powell en Francis zouden nooit een Oscar winnen.

text_en:
This is an update of an earlier comment. One Way Passage is likely the most underrated romance picture of all time! The stars--William Powell and Kay Francis--are superb. The supporting players--Aline MacMahon, Frank McHugh, and Warren Hymer--have never been better. The music score is a classic; the story a perfect gem. Francis is dying from a rare malady; Powell is going home to face execution. They meet and fall in love.

From the opening shot at a Far East bar, complete with a marvelous singing trio (Jane Jones is one of the singers), to the final, heartbreaking moment, this film is the perfect 1930s concoction of great stars and a ridiculously silly plot made totally believable and palatable. Kay Francis was one of the top stars of the decade, and this is one of her best films; William Powell, always underrated, has never been more suave. Both deserved Oscar nominations for this great film, as did MacMahon and McHugh for support (not a category for another few years).

Kay Francis did everything during her reign as a top star. It's amazing how she was able to go from fragile heroine to hard-edged woman and then throw in a comedy. A truly versatile and wonderful star rescued by TCM from obscurity. William Powell would hit his stride a few years after this film in The Thin Man. He started out in silent films as a villain (When Knighthood Was in Flower in 1922) but talkies turned him into the epitome of the debonair gent.

Two great stars, but neither Powell nor Francis would ever win an Oscar.


text:
Dan Hardesty heeft al een hele tijd weten te voorkomen dat hij gepakt werd. Zijn geluk houdt op in Hongkong, waar hij wordt opgepakt. Hij wordt teruggestuurd naar de Verenigde Staten om zijn schuld aan de maatschappij af te lossen. Sergeant Steve Burke is de man die de oplichter begeleidt in het oceaanschip dat de Stille Oceaan oversteekt. Dan ziet het schip en is onmiddellijk geboeid door de intrigerende Joan Ames, een rijke vrouw. Ook aan boord treffen we twee oplichters aan die op de terugweg naar huis zijn. 'Barrel House' Betty doet zich voor als de valse gravin Barilhaus, en een man uit Dans verleden, Skippy, vindt ook manieren om passagiers te bedriegen.
In deze situatie wordt Joan verliefd op Dan. Ze heeft geen idee van zijn verleden, of waarom hij op dit specifieke schip zit. Dan daarentegen heeft geen flauw idee van de dodelijke ziekte waaraan Joan lijdt. Hun tijd samen is kostbaar en ze worden allebei hopeloos verliefd. Skippy en de gravin smeden samen een plan om Dan te helpen ontsnappen. Hun plan houdt in dat de valse gravin verliefd wordt op dr. Hymer, die Joan tijdens deze reis behandelt. Dan heeft besloten te proberen te ontsnappen, en als ze in San Francisco aankomen, waar Joan de waarheid over Dan te weten komt en instort, zet Dan zijn plan nooit door en wordt hij weggestuurd. Deze bitterzoete vertelling van een onmogelijke romance kreeg een prachtige behandeling van Tay Garmett, een regisseur die wist hoe hij deze onmogelijke romances in scène moest zetten. Robert Lord creëerde een prachtig toneelstuk dat zelfs nu nog heel zinnig is.
William Powell en Kay Francis spelen de gedoemde geliefden. Meneer Powell, een van de knapste figuren van die tijd, is de juiste man voor de verfijnde Kay Francis, die een van de populairste hoofdrolspeelsters van Warner was. Vóór de komst van Bette Davis heerste mevrouw Francis over de hele film door haar intrigerende schoonheid en haar manier om van elk personage dat ze speelde een winnaar te maken. Maar de vreugde van deze film gaat uit naar Aline MacMahon en Frank McHugh. Deze twee karakteracteurs doen hun best om er een winnende komedie van te maken.
'One Way Passage' is een film die de liefhebbers van klassieke cinema niet zal teleurstellen.

text_en:
Dan Hardesty has evaded being caught for quite some time. His luck runs out in Hong Kong, where he is apprehended. He is being sent back to the States to pay his debt to society. Sgt. Steve Burke is the man escorting the con man in the ocean liner traveling across the Pacific. Dan sees and immediately is captivated by the intriguing Joan Ames, a wealthy woman. Also on board we find two con artists working their way back home. "Barrel House" Betty is passing herself as the phony Countess Barilhaus, and a man from Dan's past, Skippy, is also finding ways to scam passengers.

In this setting, Joan falls in love with Dan. She has no idea about his past, or why he is on this particular ship. Dan, on the other hand, has no inkling about the fatal disease Joan is suffering. Their time together is precious and both fall hopelessly in love. Skippy and the Countess plot together to help Dan escape. Their scheme involves the phony countess falling in love with Dr. Hymer, who is attending Joan on this trip. Dan has decided to try to escape, and as they arrive in San Francisco, where Joan learns the truth about Dan and collapses. Dan never goes ahead with his plan and is sent away.

This bittersweet story of an impossible romance, was given a wonderful treatment by Tay Garmett, a director who knew how to stage these impossible romances. Robert Lord created a fine screen play that even seen today makes a lot sense.

William Powell and Kay Francis play the doomed lovers. Mr. Powell, one of the handsomest figures of the time is the right man for the exquisite Kay Francis, who was one of the most popular leading ladies at Warner. Before the arrival on the scene of Bette Davis, Ms. Francis reigned supreme because of her intriguing beauty and her way of making every character she played a winner. The joy of this film though are Aline MacMahon and Frank McHugh. These two character actors give their best to make this a winning comedy.

"One Way Passage" is a movie that will not disappoint the lovers of classical cinema.