text: Een van de grote documentaires uit de jaren zeventig. Wordt zowel uitermate amusant als fascinerend dankzij een uitstekende verzameling archieffilmfragmenten, een prachtig verhaal en een paar echt geïnspireerde originele muziek. De boodschap is duidelijk <0xE2><0x80><0x93> dat wil zeggen: sla de man die met een of andere idiote uitvinding komt aanzetten niet in elkaar... zijn volgende poging om hetzelfde apparaat te maken kan een miljoen opbrengen! Een monumentale productie die alle studenten van het documentairemaken zouden moeten zien... slechts één kleine 'downer'... de homevideo van deze titel lijkt korter te zijn dan de tv-versie. Ik kan me verscheidene scènes van het origineel herinneren die absoluut niet op de video stonden. Een werkelijk gedenkwaardige en positieve kijkervaring.

text_en: One of the great documentaries of the 1970s . Manages to be both extremely amusing and fascinating thanks to an excellent collection of archival film clips ,a fine narration and some truly inspired original music. The message is clear - i.e. don't knock the guy who comes up with some crazy invention.... his next attempt at the same gadget could sell a million ! A landmark production which all students of documentary making should see . Just one slight "downer" .... the home video release of this title seems to be shorter than the TV version. I can remember several scenes from the original which definitely weren't on the video. A truly memorable and positive viewing experience.


text: Gizmo is een eerbetoon aan het streven van de mensheid naar vooruitgang en de vindingrijkheid van de mens. 'Uitvinding' is in deze film een vrij ruim begrip <0xE2><0x80><0x93> je ziet vreemde apparaten, en je ziet ook mensen die verbazingwekkende (en vreemde) dingen met hun lichaam doen. De meeste beelden zijn in zwart-wit en zien eruit alsof ze afkomstig zijn uit oude filmjournaals. Onvergetelijke scènes zijn er onder meer met vliegende machines compleet met fladderende vleugels,'menselijke vliegen' die zonder touwen in wolkenkrabbers klimmen, een whiskydistilleerderij die whisky '100 miljoen keer sneller laat verouderen dan de natuur', en de uitsmijter is een vrouw die wat zij noemt de 'oeroude kosmische wetten van de luchtvaart' heeft herontdekt. Deze film is pure magie <0xE2><0x80><0x93> ik heb hem talloze keren gezien en moet lachen als ik alleen al aan sommige scènes denk. Zo veel mensen in deze film hadden hun uitvindingen moeten uitproberen voordat ze de krant erbij haalden om ze te filmen. Sommige mislukkingen zijn gewoon spectaculair! Ook zeker de moeite waard is de soundtrack, die is fantastisch. Bijna elk segment van de film gaat vergezeld van een geweldig nummer dat de sfeer verhoogt en echt bijdraagt aan de herhalingswaarde. Als je een exemplaar van Gizmo tegenkomt, moet je het zeker gaan bekijken <0xE2><0x80><0x93> volwassenen en kinderen zullen er echt van genieten.

text_en: Gizmo is a tribute to humankind's pursuit of progress and the inventive spirit. "Invention" in this film is a pretty loose term - you see strange contraptions, and you also see people doing amazing (and odd) things with their bodies. Most of the footage is in black and white and looks like it was gathered from old newsreels. Unforgettable sequences include flying machines complete with flapping wings, "human flies" climbing skyscrapers without ropes, a whiskey distillery that ages whiskey "100 million times faster than nature", and the topper is a woman who has rediscovered what she calls the "ancient greek cosmic laws of flight". This film is pure magic - I have watched it countless times and I laugh just thinking about some of the scenes. So many of the people in this film should have tried their inventions out before calling the newspaper out to film them. Some of the failures are just spectacular! Also definitely worth mentioning is the soundtrack which is fantastic. Almost every segment of the film is accompanied by a great song which helps to set the mood and really adds to its replay value. If you come across a copy of Gizmo, definitely check it out - adults and children will both really enjoy it.


text: Ik heb deze film in de jaren zeventig gezien (op PBS, geloof ik) en ik weet nog dat ik hardop moest lachen om de onwaarschijnlijke uitvindingen die met ernst en enthousiasme werden aangeboden door hun lichtelijk waandenkbeelden koesterende uitvinders (voordat ze misgingen, vreselijk misgingen). Geweldige ouderwetse film. Het is net America's Funniest Home Video's voor de lezers van The New Yorker.

text_en: I saw this film in the 70's (on PBS i believe) and remember laughing out loud at the unlikely inventions offered up with earnestness and enthusiasm by their slightly delusional inventors(before watching them go wrong, horribly wrong). Great b/w vintage footage. Its like America's Funniest Home Video's for The New Yorker readers.


text: De beelden zijn verbazingwekkend! Het is duidelijk dat de gefilmde fragmenten zijn gemaakt op het moment dat de gebeurtenissen 'klaar waren om te beginnen' en dat de apparaten in het laatste stadium van ontwikkeling waren. Stel je eens voor hoeveel van dit soort brouwsels nooit dit stadium hebben bereikt, of plaatsvonden zonder gefilmd te zijn. Het geduld van redacteur Howard Smith voor het doornemen van zoveel bronnen wordt hier beloond. Sommige van de ideeën inspireerden (of werden geïnspireerd door) scènes in hedendaagse Hollywoodfilms, d.w.z. het beklimmen van gebouwen, of overleven als fotopostkaarten. Wat we hier zien is een staaltje van ongebruikelijk en dwangmatig gedrag dat populair was in het filmtijdperk. Een vraag: was de tv-presentator de jonge David Letterman?

text_en: The images are amazing! Clearly, the filmed clips were taken at the time the events were ready to 'take off,' and the devices were at the final stage of development. Imagine how many similar concoctions never reached this stage, or took place without being filmed. The patience of editor Howard Smith for reviewing so many sources is being rewarded here. Some of the ideas inspired (or were inspired by) scenes in contemporary Hollywood movies, i.e., the building climbing, or survive as photo post cards. What we see here was a sampling of unusual and compulsive behavior popular in the film age. A question: was the TV presenter the young David Letterman?


text: Neil Rosengarden is de componist van We Don't Make Em Anymore. Niet Nicholas Hollander.<br />Zou iemand die weet hoe je dit moet veranderen en er de tijd voor heeft om het te doen, hier alsjeblieft voor willen zorgen? Het is zo ingewikkeld. Ik ben Neil Rosengarden en ik ben de 100% componist van We Don't Make Em Anymore, en als je het wilt verifiëren, ga dan naar bmi. Dank je wel!!!! Oké, ik zal er nog wat regels tekst aan toevoegen. Wat voor tekst wil je? Gele roos van tekst als? Sleep de A-trein? Ik moet nu van de computer af. Ik moet nog een paar liedjes schrijven, oké. Zorg ervoor dat ik hier nooit meer terugkom. Bedankt, het was echt heel leuk.

text_en:
Neil Rosengarden is the composer of We Don't Make 'Em Anymore. Not Nicholas Hollander.

Would someone who knows how to change this and has the time to do it take care of this please? It's so complicated. I am Neil Rosengarden and am the 100% composer of We Don't Make 'Em Anymore, and if you want to verify it, check it at BMI. Thank You!!!! Okay, I'll add more lines of text. What kind of text would you like? Yellow rose of text as? Text the A train? I need to get off the computer now. I have to write some more songs, okay. Don't make me come back here ever again. Thanks, it's really been fun.


text:
Gizmo! is een documentaire die draait om het creatieve instinct van de mens. Een aantal van de meest buitenissige uitvindingen van de wereld (zwart-wit) zijn erin verwerkt. De film is echt origineel en geeft je een rijk gevoel van bevrediging. Ik kreeg er echt een goed gevoel van.
Ik heb hem 20 jaar geleden gezien... tot vandaag. Het was een van mijn inspiratiebronnen toen ik opgroeide. Hij richt zich in wezen op een nieuwsgierige geest dus als je van onderwijs houdt... dit is een geweldige film om aan de kinderen te laten zien.
Door de hele film heen zijn er veelsoortige uitvindingen te zien. Sommige waren succesvol andere niet. Ze hadden allemaal het gemeenschappelijke effect dat je dacht: hé, dat kan ik ook! Er waren uitvindingen op het gebied van vliegen, van een berghelling in een reusachtig wiel tuimelen, muziekinstrumenten maken met papieren bekertjes... al met al een heel interessant horloge.

text_en:
Gizmo! is a documentary centered around man's creative instinct. Some of the world's most way out inventions ( black and white) have been included here. The score is really original and watching it gives you a rich sense of satisfaction. It really left me with a feel good feeling.

I watched this 20 years ago...haven;t seen it till today. It was one of my inspirations growing up. It basically caters to an inquisitive mind so if you're into education...this is a great movie to show the kids.

There are multifarious inventions shown throughout the film. Some were successful some were not. All had the common effect of making you think "hey I can do that too !" There was inventions about flying, tumbling down a mountain side inside a giant wheel, making musical instruments with paper cups....all in all a very interesting watch. ps : I was addicted to this program for years in my childhood. Hope to see it soon again.


text:
Het moest er een keer van komen: een film over mensen die NIET met hun ideeën slaagden.
Ze kregen in elk geval hun kwartiertje roem.

In 'Gizmo' worden de opwinding en de deugd van de creativiteit ten volle omhelsd als een veelheid van uitvindingen van lang geleden worden getoond, via journaalbeelden. Sommige zijn behoorlijk levensvatbaar (onverwoestbare hoofdbenodigdheden) terwijl andere gewoon doodgewoon stom zijn (onbenoembare vliegmachines), maar allemaal tonen ze een hoop verbeeldingskracht achter de waanzin.
Maar je moet het de uitvinders nageven: ze probeerden de mensheid te verbeteren. Het was in elk geval niet via oorlogswapens.
Al met al is 'Gizmo' een hoop lol, zelfs voor het hele gezin. Als je het kunt vinden, huren, of zelfs op tv kunt zien, kijk er dan naar. Vooral als geen van je ideeën ooit slaagt.
Je zult je beter voelen.
Tien sterren. Laat maar horen voor de entreprenuriale geest!

text_en:
It had to happen someday: a movie about people who DIDN'T succeed with their ideas.

At least they got their fifteen minutes of fame.

In "Gizmo", the excitement and virtue of creativity is embraced in full as a multitude of inventions from a ways back are shown, via newsreels. Some are pretty viable (indestructable head gear) while others are just plain silly (inummerable flying machines) but all show a lot of imagination behind the madness.

You have to hand it to the inventors, though: they were trying to better mankind. At least it wasn't through weapons of war.

All in all, "Gizmo" is a lot of fun, for the whole family, even. If you can find it, rent it, or even catch it on TV, watch it. Especially if none of your ideas ever succeed.

You'll feel better.

Ten stars. Let's hear it for the entreprenurial spirit!


text:
Ik heb heel wat over deze film gehoord - hij krijgt over het algemeen slechte recensies en wordt beschreven als 'onBergmanesk', en het feit dat hij zo moeilijk te vinden is, heeft me tot heel lage verwachtingen voor de film gebracht. Ik verwachtte iets tussen de atypische Bergman-plot van 'Het Slangen ei' en het verontrustende maatschappelijke geweld van 'Van het leven van de Marionettes' in. Uiteindelijk vond ik een kopie, slecht van kwaliteit, en verwachtte op z'n best middelmatigheid als ik hem erin stopte.
Nadat ik hem net had gezien, kan ik zeggen dat ik heel aangenaam verrast was over de film. Veel dingen die erover gezegd worden, zijn gewoon niet waar - de plot past heel goed bij het andere materiaal van Bergman. Een getrouwde vrouw, Karin (Anderson), wordt verliefd op een gestoorde architect, David (Gould), en de twee beginnen een emotioneel verwarde liefdesrelatie. Karin zit gevangen tussen haar gelukkige burgerlijke leventje met haar man (Sydow) en haar kinderen, en haar hartstochtelijke, onconventionele relatie met David. Karen is te goeder trouw en weigert te kiezen tussen haar twee levens, hoewel zowel David als haar man haar uiteindelijk de keuze oplegt. Zoals de meeste Bergman-films is het een psychologische achtbaan en een naargeestige weergave van de grofheid van menselijke relaties.
Bibi Anderson doet het fantastisch in een heel moeilijke rol, en Max von Sydow speelt de rol van de eerlijke en goedbedoelende echtgenoot heel goed, waarbij hij de sympathie van de kijker zwaar op de proef stelt. De stijve vertolking van Gould is een echo van die van Carradine in 'The Serpent's Egg', dus het moet helaas worden toegeschreven aan Bergmans moeite met het in het Engels regisseren, niet aan Gould zelf. Als ik het me goed herinner, is de film zowel in het Zweeds als in het Engels gemaakt en zijn beide versies tegelijk opgenomen, wat een duidelijke productiemoeilijkheid zou kunnen verklaren, gezien de soms mechanische manier waarop het script is geschreven.
De film heeft een uitstekend tempo en beweegt zich heel snel en soepel, prachtig gefotografeerd door Nykvist op een manier die sterk lijkt op 'The Passion of Anna'. Anders dan veel van Bergmans deprimerende werk in de jaren zeventig, had ik een goed gevoel over de film toen hij was afgelopen.
Ik niet. Ik weet niet waarom deze film zo'n slechte reputatie heeft - ik ben heel verbaasd dat ik hem gezien heb. Ik vermoed dat de voor de hand liggende vergissing om hem in het Engels te maken de oorzaak is.
Het lijkt veel op Bergmans andere werk in deze periode. Heel goed.

<0x3E>

text_en:
I've heard a lot of things about this film -- it generally gets low reviews, is described as "unBergmanesque", and the fact that its so difficult to find led me have very low expectations for the film. I expected something between the atypical Bergman plot of "The Serpent's Egg" and the disturbing social violence of "From the Life of the Marionettes." I finally tracked down a copy, poor in quality, and expected mediocrity at best when I put it in.

After having just finished watching it, I can say I was very pleasantly surprised with the film. A lot of the things said about it are just plain false -- the plot is very much in keeping with Bergman's other material. A married woman, Karin (Anderson), falls in love with a disturbed architect, David (Gould), and the two begin an emotionally confused love affair. Karin is caught between her happy bourgeois life with her husband (Sydow) and children, and her passionate, unconventional relationship with David. Acting in bad faith, Karen refuses to choose between her two lives, though both David and her husband eventually push the decision on her. Like most Bergman films, its a psychological roller coaster and a bleak portrayal of the coarseness of human relationships.

Bibi Anderson does a wonderful job in a very difficult role, and Max von Sydow plays the part of the honest and good intentioned husband very well, playing hard on the viewer's sympathies. The stiff performance of Gould echoes that of Carradine in "The Serpent's Egg," so it must unfortunately be attributed to Bergman's struggle with directing in English, not on Gould himself. If I recall, the film was made in both Swedish and English, both versions filmed at once, which poses obvious production difficulties which might account from the some times mechanical treatment of the script.

The film has an excellent pace to it, and moves very swiftly and smoothly, wonderfully shot by Nykvist in a way very similar to "The Passion of Anna." Unlike a lot of Bergman's depressing work in the 1970s, I felt good about the film when it was over.

I don't know why this film has such a poor reputation -- I'm very much baffled after having seen it. My guess is the obvious mistake of having made it in English accounts for most of this.

Its seems a lot like Bergman's other work in this period. Very Good.


text:
'... en ik denk dat dat deels te maken heeft met het feit dat het verhaal, afgezien van enkele opvallende symboliek (sommige subtiel, andere niet zo subtiel, deels te danken aan de fotografie), tamelijk eenvoudig is. Dat geeft Bergman de ruimte om te proberen ons deze personages te laten begrijpen. In mindere handen (of liever gezegd, in handen die niet zo bedreven zijn in het analyseren van de ziel) zou dit bijna een tv-drama kunnen zijn. Maar ik ben het niet eens met sommige critici <0xE2><0x80><0x93> met Ebert in het bijzonder <0xE2><0x80><0x93> dat Bergman met deze film zijn stijl heeft verloren. In sommige opzichten is hij moderner ingedeeld dan sommige van zijn andere films (en dat hij in het Engels is, maakt hem anders dan sommige van zijn handelsmerk Svensk Filmindustri-films), hoe dan ook.' Het kon gewoon geen kwaad. Er waren momenten dat ik de film bekeek, meestal in de eerste vijftig minuten, en dat ik dacht dat dit een van Bergmans beste was, omdat hij de regie min of meer aan de acteurs overliet, die allemaal sensationeel waren. Hoewel de film tegen het eind niet helemaal tot leven komt en het voelt alsof hij abrupt is afgelopen, voelt de climax niet al te gecompromitteerd. _The Touch_ is net als de film van Adrian Lyne (die uit een film van Chabrol is voortgekomen) Ontrouw, alleen lijkt deze film iets meer doordrenkt van de werkelijkheid dan regelrechte seksualiteit.

Karin (Bibi Andersson, een van Bergmans belangrijkste actrices) leidt een tamelijk rustig, routineus leven met haar man Andreas (Max von Sydow) en hun twee kinderen. Na de dood van haar moeder (die haar emotionele besluiteloosheid voor de film waarschijnlijk in gang heeft gezet), ontmoet ze David (Elliot Gould), en beginnen de twee langzaam een verhouding. Maar David is niet bepaald een evenwichtig mens, en Karin raakt er in het begin door van streek. Algauw worden ze verliefd, maar raken van elkaar gescheiden, het soort machinaties met een ontrouwverhaal dat zich begint te ontvouwen, zonder de emoties van daarvoor te verliezen. De drie hoofdrolspelers van de film, Andersson, Von Sydow en Gould, lijken in deze personages te leven, en vooral Gould (voor wie dit zijn enige rol bij de regisseur zou zijn) geeft een soort dubbelzinnigheid af die ook in Karin zit. Ik zou zijn acteerprestaties op een lijst van zijn beste willen zetten... je kunt aan zijn gezicht zien wat hij wil en wat hij vreest en binnen de zorgvuldige omlijsting is dit een man die op het randje balanceert. Bergman had eens gezegd dat Gould een'moeilijke' acteur was om mee te werken, maar die spanning kwam op het witte doek goed tot uiting, althans vanuit mijn gezichtspunt.
Zoals ik al zei, in mindere handen zou dit een tweede melodrama kunnen worden en een deel van de films die weigeren tot die categorie te behoren, is een eer voor niet alleen Bergman, maar ook voor filmer Sven Nykvist. Telkens als ik een film zie met hun samenwerking (of zelfs als dat niet zo is). Ik kijk altijd naar de manier waarop Nykvist de camera beweegt. Hoe naadloos hij deze personages volgt en hoe hij ze in hun donkerste uithoeken belicht alsof het licht en de controle over hun gezicht deel uitmaken van de tekst. Het gebeurt vaak (en terecht) dat je de aanwezigheid van de camera niet eens voelt, alsof Nykvist niet eens een techniek heeft. Maar het gaat hier niet alleen om Nykvist en Bergman met hun licht-en-donkerspelletjes, maar ook om een documentaire-achtige sfeer in de productie.
Het komt erop neer dat dit een experiment is voor Bergman, zoals het dat voor zijn fans is. Hij experimenteert met een genre dat hij al honderden keren heeft beproefd, hij experimenteert met muziek (in tegenstelling tot sommige van zijn drama's, waaronder Bach en Mozart, klinkt het hier een beetje popperig voor die tijd), en hij experimenteert deze keer met zijn cast. Is het net zo krachtig en ontzagwekkend als zijn 'trilogie' of zijn andere grote werken? Waarschijnlijk niet. Maar het wordt helaas afgedaan als een minder belangrijk werk van hem, wat niet noodzakelijkerwijs waar is. De film moet ook gezien worden door meer mensen van tegenwoordig, aangezien hij vrijwel onmogelijk te koop is op video of dvd.

text_en:
...and I think part of the reason for that is, aside from some notable uses of symbolism (some subtle, some not so subtle, in part due to the photography), the story is rather simple. This gives Bergman room to try and get us to understand these characters. In lessor hands (or rather, hands not as proficient in the soul-searching drama as Bergman is) this could be almost a TV melodrama. But I would disagree with some critics- notably with Ebert- that Bergman has lost his tone with this picture. In some ways it is more modernly set than some of his other films (and that it is in English sets it apart from some of his trademark Svensk Filmindustri pictures), however it doesn't hurt it terribly so. There were times while watching the film, mostly in the first fifty minutes, that I thought this was one of Bergman's best, by giving his control somewhat over to the actors, who are all sensational. While it doesn't quite live up towards the end, and feels abruptly finished, the climax doesn't feel too compromised. The Touch is like the Adrian Lyne film (which draws itself from a Chabrol film) Unfaithful, only this film seems a little more steeped in reality than outright sexuality.

Karin (Bibi Andersson, one of Bergman's key actresses) lives a rather calm, routine life with her husband Andreas (Max von Sydow) and their two children. After her mother dies (which I suppose sets up her emotional indecisiveness for the film), she meets David (Elliot Gould), and the two slowly begin an affair. But David is not the most stable of people, and it shakes Karin up at first. Soon they fall in love, but are separated, the sort of usual machinations with an infidelity story begin to unfold, and yet not losing the emotions from before. The three key actors of the film, Andersson, Von Sydow, and Gould, seem to live in these characters, and especially Gould (for whom this would be his only role with the director) conveys a sort of double nature that is also within Karin. His performance is one that I would put in a list of his best- you can tell everything he wants and fears in his face and actions, within the careful framing, this is a man on the edge. Bergman had once described Gould as a "difficult" actor to work with, but that tension came out the right way on screen, at least from my perspective.

As I mentioned, in lessor hands this could become a further melodrama, and part of the films refusal to subvert to that category is a credit to not only Bergman, but to cinematographer Sven Nykvist. Whenever I see a film with their collaboration (or even if it's Nykvist with, perhaps, a lessor director), I always watch for how Nykvist moves the camera. How seamlessly he follows these characters, and in their darkest recesses he lights them like the light and control on their faces is part of the writing. A lot of times (appropriately so) one may not even feel the presence of the camera, as if Nykvist doesn't even have a technique. But it is here where not only does he and Bergman go with their touches of light and dark, they also go for a documentary feel in the production.

Basically, this is an experiment for Bergman, as it is for his fans to endure. He's experimenting with a genre done hundreds of times, he experiments with music (unlike some of his dramas, which includes Bach or Mozart, here it's kind of pop-sounding for the period), and he experiments with his cast this time around. Is it as powerful and awe-inspiring as his "trilogy" or his other great works? Probably not. But it is unfortunately panned down as a lessor work of his, which isn't necessarily true. The film also needs to be seen by more people of today, as it is virtually impossible to buy on video or DVD. A-


text: In een klein stadje in Zweden is Karin Vergerus (Bibi Andersson) een huisvrouw uit de middenklasse. Ze is getrouwd met dokter Andreas Vergerus (Max von Sydow) en heeft een zoon en een dochter. Ze ontmoet de gestoorde Duits-Amerikaanse Joodse architect David Kovac (Elliott Gould), die in haar stad een kerk restaureert, en is kortgeleden bevriend geraakt met haar man. David heeft drank- en rookproblemen en na een etentje in het huis van de Vergerus biecht hij haar zijn verliefdheid op Karin op. Deze bekentenis wakkert haar sensualiteit en vrouwelijkheid aan, die na vijftien jaar stabiel en trouw huwelijk waren vergeten. Karin heeft een verhouding met David, die haar wereld verscheurt: aan de ene kant heeft ze de stabiliteit en veiligheid van haar saaie huwelijk en haar burgerlijke leventje, en aan de andere kant heeft ze de vrijheid van de relatie met haar minnaar. Ze heeft een heleboel problemen om de koers van haar leven te bepalen. Deze schitterende open einde-film is ook een prachtig werk van Ingmar Bergman, zijn eerste Engelse gesproken film. Bibi Andersson, Max von Sydow en Elliott Gould hebben weer uitstekende prestaties geleverd in een ontroerend verhaal over een vierendertigjarige vrouw die verdeeld is in twee mogelijke levens en die niet weet hoe ze moet beslissen welke weg ze zal volgen. Ik stem voor acht.<br />Titel (Brazilië): sera do amor ('Het uur van de liefde')

text_en:
In a small town in Sweden, Karin Vergerus (Bibi Andersson) is a middle-class housewife, married with Dr. Andreas Vergerus (Max von Sydow) and having a son and a daughter. She meets the disturbed German-American Jewish architect David Kovac (Elliott Gould), who is restoring a church in her town, and has recently become friend of her husband. David has drinking and smoking problems and after a dinner party at the Vergerus's home, he confesses his infatuation for Karin to her. This declaration revives her sensuality and femininity, which were forgotten after fifteen years of stable and loyal marriage. Karin has an affair with David, tearing apart her world: in one side, she has the stability and safety of her boring marriage and bourgeois life, and in the other side, she has the freedom of the relationship with her lover. She has lots of difficulties to decide the course of her life. This magnificent open end film is another wonderful work of Ingmar Bergman, his first English spoken movie. Bibi Andersson, Max von Sydow and Elliott Gould have again outstanding performances in a touching story about a thirty-four years woman divided in two possible lives and without knowing how to decide the way to be followed. My vote is eight.

Title (Brazil): `A Hora do Amor' (`The Hour of the Love')


text:
Het is het verhaal van een getrouwde vrouw die verliefd wordt op een andere man. Het getrouwde stel <0xE2><0x80><0x93> Max von Sydow en Bibi Andersson <0xE2><0x80><0x93> heeft een goed contact met elkaar en hun karakters passen goed bij elkaar. Ze zijn allebei rustige, bedachtzame en rationele mensen die zich niet spontaan zullen gedragen. De indringer <0xE2><0x80><0x93> Elliott Gould <0xE2><0x80><0x93> in de idylle die zij samen met hun tienerdochter belichamen, is daarentegen een onstuimige man, compromisloos, dominant en gekweld door innerlijke tegenstrijdigheden en dwangneuroses. Andersson vertelt hem op een gegeven moment dat hij zichzelf haat. De twee heimelijke geliefden passen niet bij elkaar. Ze hebben moeite om het sociale gedrag en de houding van de ander te accepteren en vinden het niet prettig om tegen hun omgeving te liegen. Maar binnenkort kunnen ze niet meer zonder elkaar leven.
Het doel van de film kan niet zijn om te laten zien hoe twee tegengestelde karakters elkaar aanvullen, aangezien Andersson eerder nog gelukkiger was met Von Sydow en omdat het allemaal op zo'n afstandelijke manier wordt verteld. Het portret van een liefde zou graag de toeschouwers betrekken om de vreugde en de pijn ervan over te brengen. In plaats daarvan lijkt de vraag waarom Andersson zich van Von Sydow afwendt naar Gould opzettelijk verwarrend. De dialogen en het acteerwerk van de geliefden zijn cerebraal en kil, alsof ze verdwaasd op een toneel hun tekst opzeggen en zichzelf verbazen over hun daden en gevoelens. Alsof ze in een opwelling hun persoonlijkheid willen isoleren. Deze impuls of drang is niet eros, aangezien seks in het begin van hun affaire eerder een probleem dan een bevrediging is voor deze twee bedeesde geliefden. Misschien is liefde of de behoefte om liefde te voelen en te geven op zichzelf al zo'n drang, een autonoom iets dat zich laat gelden, ongeacht de omstandigheden en de personages die erbij betrokken zijn.
De centrale metafoor van de film is een middeleeuws houten beeld van Maria, dat onlangs is opgegraven nadat het eeuwenlang begraven was geweest <0xE2><0x80><0x93> net als het vermogen van Gould en Andersson om minnaars of man en vrouw te zijn. Maar met de opgraving van Maria komen er ook insectenlarven in haar tot leven, die haar van binnenuit aantasten. Voordat ze elkaar ontmoeten, probeert Gould zelfmoord te plegen en wordt Andersson gereduceerd tot een echtgenote. Ze bloeien op in hun nieuwe liefde en die vernietigt hun leven.
Beschaving betekent in veel opzichten de domesticatie van onze impulsen. Daarom beseft Andersson dat ze haar familie en Goulds verborgen vrouw/zus geen blijvende schade moet toebrengen. Dat is waar. Maar Gould vertelt haar dat ze zichzelf voor de gek houdt door er niet met hem vandoor te gaan en hij heeft gelijk.

text_en:
It's the story of a married woman falling in love with another man. The married couple - Max von Sydow and Bibi Andersson - does live in fine rapport, their personalities matching well. Both are quiet, contemplative, and very rational persons, not liable to act spontaneous. The intruder - Elliott Gould - on the idyll which they embody together with their teenaged daughter is in contrast an impetuous man, uncompromising, overbearing, and tormented by inner contradictions and compulsions. Andersson tells him at one point that he hates himself. The two clandestine lovers aren't appropriate for each other. They have difficulties to accept the other's social behaviour and stance and don't like it to lie to their environments. But soon they cannot live without each other anymore.

The point of the film cannot be to show how two contrary characters complement each other, as Andersson was even more happy with von Sydow before and because it's all told in such a detached manner. The portrait of a love would like to involve the spectators to convey the joy and pain of it. Instead the question why Andersson turns away from von Sydow toward Gould seems intentionally perplexing. The dialogues and acting of the lovers is cerebral and cold, as if they were reciting dazedly on a stage, astounding themselves with their actions and feelings. As if they were actuating on an impulse isolate from their personalities. This impulse or drive is not eros, as especially at the beginning of their affaire sex is more a problem than a fulfilment to these two diffident lovers. Maybe love or the need to feel and give love is itself such a drive, an autonomous thing asserting itself regardless of the circumstances and the characters involved.

The central metaphor of the film is a medieval wooden statue of Mary, recently excavated after being buried for centuries - like Gould's and Andersson's potential to be lovers or man and woman. But with the disinterment of the Mary there also come alive insect larvae inside her, corroding her from within. Before they meet Gould attempted suicide and Andersson was reduced to a wife. They flower in their new love and it destroys their lives.

Civilization means in many ways the domestication of our impulses. Therefore Andersson realizes that she must not harm lastingly her family and Gould's hidden wife/sister. This is true. But Gould is telling her that she is lying to herself by not eloping with him and he's right, too.


text: Mijn vrouw en ik hebben de privé-uitgave van 'The Touch' van Elliott Gould op een filmfestival gezien. We vonden het allebei een fantastische film. De scènes waren zo realistisch en levensecht. Ik vond ook dat de cinematografie een werk was dat ik erg hoog zou aanslaan. Ik heb met vrienden over deze film gesproken en het lijkt erop dat heel wat van ons zich wel kunnen vinden in een paar van de personages in ons eigen leven. De film was naar mijn mening voortreffelijk geënsceneerd. De intensiteit van de film was voor mij een emotionele achtbaan. Ik merkte dat ik naderhand hevig had gezweet, maar dat was goed. Elliott zei dat deze film niet te koop of te huur was. Ik zou graag willen weten of iemand daar weet dat hij beschikbaar is. Bedankt.

text_en: My wife and I just saw Elliott Gould's private copy of "The Touch" at a film festival. We both thought it was a fantastic movie. Scenes were so realistic and true to life. I also thought that the cinematography was a work that I would rate very high. I have discussed this movie with friends and it seems that quite a few of us could relate to a few of the characters in our own lives. The movie was directed superbly in my opinion. The intensity throughout the movie was an emotional roller-coaster to me. I found that afterwards I had sweated profusely but this was a good thing. Elliott said that this movie was not available to buy or rent. I would be interested in knowing if anyone out there knows of its availability. Thanks


text: Ingmar Bergman behoort ongetwijfeld tot de elite van de filmregisseurs, maar hij begaat toch een misstap met zijn eerste Engelstalige film (van de twee). Bergman speelt de vaste acteurs Bibi Andersson en Max von Sydow, een Zweeds echtpaar dat in de betere kringen verkeert en van leven verandert door de schijnbaar mysterieuze verschijning van de Amerikaan Elliot Gould. Na een aantal (niet zo) discrete rolletjes valt Bibi Andersson voor de humeurige, onvoorspelbare Gould. De film is gebaseerd op de filmografie van Sven Nykvist en bevat een verrassend tedere liefdesscène, maar de film is niet in staat om twee grote tekortkomingen te overwinnen: de onhandige dialoog (geschreven door Bergman) en de slechte acteerprestaties van Elliot Gould. Gould kan een innemende acteur zijn, maar hij is veel te goed voor deze film.

text_en: Ingmar Bergman certainly ranks among the elite of film directors, yet missteps with this, his first (of two) English language film. The Bergman regulars, Bibi Andersson and Max von Sydow star as an upscale Swedish married couple whose lives are altered by the seemingly mysterious appearance of American Elliot Gould. After a series of (not so) discreet passes, Andersson finds herself falling for the moody, unpredictable Gould.Sven Nykvist's cinematography and one surprisingly tender love scene nearly save this, but, the film is unable to overcome two glaring flaws: the awkwardness of the dialogue (written by Bergman) and the poor performance by Elliot Gould. Gould, I suppose, can be an engaging actor, but is way out of his league; this film is, ultimately, only for completists.


text: Eerst moet ik een mening delen met de recensent die deze film saai vond omdat hij hem classificeerde als een rampenfilm en vond dat er niet genoeg spanning was voor een goede rampenfilm. Persoonlijk vraag ik me af of rampenfilms wel een duidelijke categorie vormen <0xE2><0x80><0x93> het zijn drama's in de categorie van de thrillers, waarin de gebruikelijke dramatische opwinding van gewelddadige actie wordt vervangen door de spanning van het afwachten of de ophanden zijnde ramp al dan niet kan worden afgewend. Om deze spanning te handhaven moet zo'n film gebaseerd zijn op een fictief verhaal. Daarentegen kunnen films over echte gebeurtenissen volwaardige documentaires zijn die alleen van tevoren of gelijktijdig zijn opgenomen; of semi-documentaires waarin sommige essentiële scènes fictief, maar zo nauwkeurig mogelijk, gereconstrueerd en na afloop gefilmd moeten zijn. St. Helens behoort duidelijk tot die laatste categorie. Zulke films moeten een voldoende dramatisch verhaal hebben om de belangstelling van de kijkers vast te houden, maar ze hebben ook een heel belangrijke rol om het grote publiek in dramatische termen de feitelijke impact van de gebeurtenis in kwestie over te brengen op de levens van de gewone mensen die erdoor zijn getroffen. We beoordelen het succes van semi-documentaires aan de hand van de mate waarin ze in staat zijn deze twee doelstellingen te bevredigen. Helens beantwoordt aan beide doelstellingen en was artistiek gezien een zeer succesvolle film.<br />Vulkaanuitbarstingen zijn geen zeldzame gebeurtenissen, maar de uitbarsting in Noord-Amerika van een vulkaan die door het publiek over het algemeen als uitgestorven werd beschouwd, trok enorm veel aandacht naarmate de gebeurtenissen zich van dag tot dag ontvouwden. Miljoenen in Noord-Amerika ondergingen in een periode van enkele dagen een doffe hemel en vallende as, en diegenen onder ons die oud genoeg zijn, herinneren zich het verhaal nog heel goed. Uiteindelijk kostte deze uitbarsting vijftig negen levens, maar twee daarvan leverden in het bijzonder voor de media blijvende human interest-verhalen op en vormden later de kern van het verhaal van deze film. Een van hen was de jonge geoloog uit de Verenigde Staten. Geologische Dienst, die zijn enthousiasme om er met hem vandoor te gaan zo hoog opvoerde dat hij een controle uitvoerde in een gebied heel dicht bij de berg toen de uitbarsting plaatsvond. Hij zag het gebeuren en had tijd om het telefonisch te rapporteren voor hij werd overweldigd door de ontsnappende gassen of vallende rotsen. De andere was de bejaarde gepensioneerde man die alleen woonde in een hut aan Spirit Lake, heel dicht bij de vulkaan, en die consequent weigerde te worden geëvacueerd tot het te laat was. Dit zijn de voornaamste personages in deze semi-documentaire en ze worden allebei heel sympathiek afgebeeld, zodat hun zelfdestructieve gedrag heel begrijpelijk wordt. Maar deze gedramatiseerde semi-documentaire met zijn human interest-verhalen is de moeite waard om herhaaldelijk te bekijken, en hij is prijzenswaardig zorgvuldig, om geen van de feiten ernstig te vervormen in het belang van de artistieke vrijheid. We zullen misschien nooit in de buurt komen van een vulkaan die dreigt uit te barsten, maar we lezen elk jaar over dergelijke uitbarstingen, en deze film helpt ons een beter begrip te krijgen van hoe een vulkaan werkelijk is.

text_en:
First I must take issue with the reviewer who found this film boring because he classed it as a disaster movie, and felt there was not the suspense necessary for a good disaster movie. Personally I would question whether disaster movies really comprise a distinct category - they are dramas in the thriller category where the more usual dramatic excitement of violent action is replaced by the tension of waiting to see whether or not the impending disaster can be staved off. To maintain this tension, such a movie has to be based on a fictional story. By contrast, films of real events can be full documentaries which were filmed only in advance or concurrently; or semi-documentaries in which some of the essential scenes have had to be fictionally, but as accurately as possible, reconstructed and filmed after the event. St. Helens clearly fits this latter category. Such films should have a sufficiently dramatic story to retain the viewers interest throughout, but they also have a very important role to play in conveying to the general public in dramatic terms the actual impact of the event in question on the lives of the ordinary people who were affected. We judge the success of semi-documentaries from the extent to which they succeed in satisfying these two objectives. In my view St. Helens meets both objectives well, and was artistically a most successful film.

	Volcanic eruptions are not rare events, but the eruption in North America of a volcano generally regarded by the public as extinct, attracted enormous public attention as events unfolded day by day. Millions in North America experienced dull skies and falling ash over a period of several days, and those of us who are old enough remember the story very well. Ultimately this eruption cost fifty nine lives, but two of these in particular provided the media with ongoing human interest stories and later provided the core story for this movie. One was the young geologist from the U.S. Geological Survey who allowed his enthusiasm to run away with him to such an extent that he was conducting monitoring in an area very close to the mountain when the eruption took place. He saw it happen, and had time to report it by telephone before he was overwhelmed by the escaping gases or falling rocks. The other was the elderly retired man living alone in a cabin on Spirit Lake very close to the volcano who consistently refused to be evacuated until too late. These are the principal characters in this semi-documentary, and both are portrayed very sympathetically so that their self destructive behaviour becomes quite understandable. I would rate this as a very good film - I also have an 'official' full documentary account of this eruption on videotape, it provides many interesting facts about the scientific impact on the area; but this dramatised semi-documentary with its human interest stories is the one which will bear watching repeatedly, and it is commendably careful not to seriously distort any of the facts in the interests of artistic licence. We may never be near a volcano that is threatening to erupt, but we read about such eruptions each year and this film helps to give us a better understanding of what one is really like.


text: Deze film is heel geschikt voor emotie en drama. Ik ben in St. Helens geweest en vind het een prachtig gebied. Het is grotendeels teruggegroeid en weer groen en vruchtbaar, gedomineerd door de grimmige, grijze, uitgebrande monoliet van de berg. In zekere zin is het een grafsteen van graniet en puimsteen, nog dampend en heet ondanks meer dan twintig jaar sluimeren. Heel somber en indrukwekkend om te zien. De eerste keer dat ik de film zag, ongeveer twintig jaar geleden, op tv, vond ik hem mooi. Hij was een beetje ingekort voor reclames, dus ik heb hem waarschijnlijk ongeveer vijfenzeventig minuten gezien, dus er zaten een paar gaten in de plot, maar niets om me zorgen over te maken. Het is tenslotte een gefictionaliseerd docudrama. Harry Truman (Carney is een echte afsplitsing van Ed Norton), de chagrijnige oude soldaat die niet wil doen wat hij niet wil doen. Hij heeft het recht verdiend om op zijn eigen land te sterven. En David Jackson (Huffman) die gebaseerd is op wijlen David Johnston die tijdens de uitbarsting op de berg is gestorven. Hij wordt afgeschilderd als het tegenovergestelde van Truman, een kalme dromer die de stompzinnigheid en bureaucratie (een en dezelfde) van de plaatselijke zakenlieden en functionarissen van de ngs haat. Harry en hij konden het ondanks hun verschillen goed met elkaar vinden en hebben iets gemeen met de liefde van de berg die op het punt staat alles te vernietigen. In de plaatselijke gemeenschap, terwijl hij de vrede probeert te bewaren terwijl het drama zich ontvouwt. Het liefdesverhaal van Huffman en Yates? Waarschijnlijk niet waar, en naar mijn mening overbodig in de film. Een stel country-and-western-'plaatselijke boerenkinkels' in de bar, om elkaar te leren kennen, is een fatsoenlijke manier om ons te helpen, net als de stad en de mensen, maar je vraagt je wel iets af. Bijvoorbeeld, waarom maken Cassie Yates en haar zoon, die een auto heeft, een helikoptervlucht om uit de gevarenzone te komen? En als het nieuws van de uitbarsting op het scherm komt, is het eerste wat ze zeggen dat Harry Truman in zijn lodge was en dat David Jackson, de 'Young Geologist', op de berg was toen die ontplofte. Snel werk. Het slotthema, 'Op jou, Harry Truman', is een tamelijk goede ballade, en meeslepend, ook al zou de oude Harry zelf waarschijnlijk de spot hebben gedreven met de overdreven sentimentele tekst. 'Klinkt als varkens die worden vermoord.' De film van de uitbarsting en de latere vernietiging zijn indrukwekkend en hartverscheurend. Het was een enorme ramp die duizenden hectaren bos en wildernis platlegde. Maar als je naar St. Helens gaat, zul je het meest verrast worden door de attracties langs de weg. 'ST. HELENS: VOEL DE ERUPTION! BELEEF DE VERNIETIGING, DE QUAKE, DE POWER, vanuit het comfort van een stoel. Overal kun je films zien, stukken lavasteen kopen en onder as begraven huizen verkennen. Wat een land.

text_en: This film is pretty good for emotion and drama. I've been to St. Helens and love the region. It's largely grown back and is green and fertile again, dominated by the stark gray gutted monolith of the mountain. In a way, it's a tombstone of granite and pumice, still steaming and hot despite more than two decades of slumber. Very somber and impressive sight. I liked the movie the first time I saw it probably about 20 years ago on TV. It was cut a bit for commercials so I probably saw about 75 minutes so there were a few plot holes, but nothing to worry about. After all, it's a fictionalized docudrama. The only real characters? Harry Truman (Carney in a real departure from Ed Norton), the crusty old soldier who won't do what he don't want to. He's earned the right to die on his own land. And David Jackson (Huffman) who is based on the late David Johnston who died on the mountain in the eruption. He's portrayed as the antithesis of Truman, a calm dreamer who hates stupidity and bureaucracy (one and the same) in the local businessmen and NGS officials. He and Harry hit it off despite their differences and find common ground in the love of the mountain about to destroy everything. I rather liked Tim Thomerson, the sheriff, who's out of his usual stand-up routine but a 'stand up guy' in the local community, as he tries to keep peace as the drama unfolds. The Huffman/Yates love interest? Probably untrue, and in my opinion, unnecessary in the film. A bit of country-western 'local yokels' in the bar, getting to know one another is a decent way of helping us like the town and the folks, but one wonder something. For instance, why does Cassie Yates and her son, who have a car, get a helicopter ride out of danger? And when the news report of the eruption comes on, the first thing they say is that Harry Truman was at his lodge and David Jackson, the 'Young Geologist' was on the face of the mountain when it erupted. Fast work. The end theme, "Here's to You, Harry Truman," is a pretty good ballad, and catchy, even if old Harry himself would probably have scoffed at the overly maudlin lyrics. "Sounds like pigs being murdered." The film of the eruption and the later destruction are impressive and gut-wrenching. It was a huge disaster which flattened thousands of acres of forest and wilderness. Yet, if you go up to St. Helens, the thing you'll be most surprised by is the roadside attractions. "ST. HELENS: FEEL THE ERUPTION! EXPERIENCE THE DESTRUCTION, THE QUAKE, THE POWER, from the comfort of a chair. All over the place, you can see movies, buy lava chunks and explore houses buried under ash. What a country.


text:
Noem me een onvolwassen jongetje, maar ik heb een diepere ervaring opgedaan door alleen maar naar een documentaire over Mount St. Helens te kijken. Om die reden zaten er ook een paar echte beelden van de uitbarsting tussen. Dat was nog eens goed, zo ongeveer het enige wat goed was in deze stomme film. (Sommige mensen zouden dit als een spoiler kunnen zien.) De acteur die Harry Truman speelt is. Veel. Te. Jong. Truman was waarschijnlijk in de zeventig, de acteur ziet eruit alsof hij nog maar net de vijftig is gepasseerd.
Deze film duurt ongeveer negentig minuten. Ben ik daar ooit dankbaar voor, negentig minuten pure marteling die nog wordt versterkt door het feit dat ze vloeken (ik heb het over S-woorden) alsof het de hele tijd 1999 is. '... moeten ze minstens drie keer per scène vloeken. Ik zeg je, het loopt uit de hand.'
De enige goede zin in de hele film is: 'Ahh, hayte bahg pypes!' o, sorry, vertaalde versie: 'Ik haat doedelzak!' Die zin is legendarisch geworden in de buurt van mijn huis.
1 ster is veel te veel. Als ik de keus had, zou ik 0,00000001 sterren geven. Kijk in plaats daarvan naar een documentaire over Mount St. Helens.

text_en:
Call me an immature little boy, but i've had a more profound experience just watching a documentary on Mount St. Helens. To that end, there was actually some real footage of the eruption mixed in there somewhere. Now that was good, about all that actually was good in this dumb movie. (some people might think of this as a spoiler) The actor who plays Harry Truman is. Way. Too. Young. Truman was probably in his seventies, the actor looks like he's barely out of his fifties.

This movie runs about ninety minutes. Am I ever thankful for that, ninety minutes of sheer torture magnified by the fact that they swear (i'm talking S-words here) like it's 1999 just all the time. they must swear at least three times every scene. I'm telling you, it's out of control.

The only good line in the whole movie is "Ahh, hayte bahg pypes!" oh, sorry, translated version: "I hate bagpipes!" That line has become legendary around my house.

1 star is way too many. if given a choice i'd give it 0.00000001 stars. Watch a Mount St. Helens documentary instead.


text: Dit wordt beschouwd als het zwakste verhaal van serie twee en het is niet moeilijk te begrijpen waarom. Na een paar verhalen, waarvan er een beschouwd wordt als een moderne klassieker (De onmogelijke planat/Satanspleet) en het andere (Liefde en monsters) een van de radicaalste tv-stukken is die ooit zijn geproduceerd, zou het nooit zo goed ontvangen worden, maar de warme ontvangst door Luke heeft voornamelijk te maken met het feit dat het een heel saai voorspelbaar verhaal is.<br />Als je de 'volgende keer'-trailer van de vorige week hebt gezien, weet je van tevoren waar het verhaal over gaat en daarom is het er.' Je kunt je ook niet aan de indruk onttrekken dat, omdat de plot een van die dingen is die op de achterkant van een pakje sigaretten staan geschreven, er zo veel poeha is die zich richt op disfunctionele gezinsproblemen, in dit geval alleenstaand ouderschap. Ik denk echt vaak dat sommige schrijvers zich meer thuis zouden voelen als ze aan EASTENDERS of CORONATION STREET zouden werken. Dit is allemaal al erg genoeg, maar we hebben een verdomd stomme aflevering waarin de dokter de olympische fakkel draagt! Het laat zien dat de aflevering slecht was geconstrueerd toen je dat soort gelul erbij moet betrekken.

text_en:
This is considered to be the weakest story of series two and it's not very difficult to see why . Coming after a couple of stories , one of which is considered to be a modern classic ( The Impossible Planat/Satan Pit ) while the other ( Love And Monsters ) is one of the most radical pieces of television produced Fear Her was never going to be all that well received , but its Luke warm reception is to do mainly with the fact it's a very dull predictable story

If you watched the " next time " trailer from the previous week then you'll know in advance as to what the story is about and therefore there's no suspense . You also can't help notice that because the plot was one of those written on the back of a cigarette packet efforts then there's so much padding centered around on dysfunctional family issues , in this case single parenthood . Really I often think some of the writers would be more at home working on EASTENDERS or CORONATION STREET . All this is bad enough but we've got a bloody stupid sequence of the Doctor carrying the Olympic torch ! It shows had badly constructed the episode was when you've got to include crap like that


text:
Ik wilde niet bang voor haar zijn. Ik wilde die hakbijl pakken en haar een flinke klap verkopen in haar stomme, brutale smoel.
De enige leuke dingen aan deze episode waren de obsessie van de dokter met die eetbare kogellagers, de manier waarop hij de Tardis parkeert, en Roses' 'Raads'-gesprek met de man op het asfalt.
Maar... eeeee, nog meer enge krabbelende beestjes, kibbelende buren,'spookachtige' raam silhouetten, ingestudeerde Exorcist-stemmen, afgerukte Poltergeist-kasten enzovoort. Iemand die weinig creativiteit bezat, probeerde Rod Serlings oneindig veel getalenteerdere lijk op dit punt tot leven te wekken, maar in plaats daarvan schreven ze een retardisode.
Bovendien was dit een vreselijk vernuftig bedachte product placement-'love'-brief naar de spelen van 2012... letterlijk.

*PUKE*

text_en:
I didn't want to fear her. I wanted to grab that pick-axe and smash her a good one in her stupid sass-talking gob.

The only fun things about this episode were the Doctor's obsession with those edible ball-bearings, the way he first parks the Tardis, and Roses's "Council" conversation with the tarmac chap.

But...ewwwwww, more scary scribbling beasties, squabbling neighbors, "spooky" window silhouettes, put-on Exorcist voices, ripped-off Poltergeist closets et al. Someone lacking in creativity was trying to revive Rod Serling's infinitely more talented corpse on this one but they wrote a retardisode instead.

Moreover this was a terribly-crafted product placementy goodwill 'love' letter to the games of the 2012 Olympiad...literally.

*PUKE*


text:
De trailer hiervoor baarde me absoluut geen zorgen. Een klein meisje dat haar tekeningen kan laten bewegen? Ha! Maar mijn god, wat heb ik me vergist. Deze episode is een ongelooflijk slim geschreven stuk dat me eigenlijk nogal verbaasde.
Achteraf gezien is er in deze hele episode niets wat niet telt voor de uiteindelijke uitkomst. De aandacht voor details is perfect <0xE2><0x80><0x93> de kentekenplaten van '09' en '61' op de auto's, de nieuws tickertape onder aan de tv <0xE2><0x80><0x93> er wordt helemaal niets overgeslagen. Billie Piper is geweldig als ze laat zien hoe goed Rose kan meespelen, zowel Chloe als haar moeder speelt haar rol perfect, en David Tennant is zoals gewoonlijk briljant.
Het idee achter het hele verhaal is geniaal, en de manier waarop het uitpakt, heeft zelfs mij, een geharde fan van Resident Evil, een paar keer de zenuwen bezorgd. Ik zou zeggen dat dit waarschijnlijk een van de beste afleveringen van de serie is <0xE2><0x80><0x93> hoewel, om eerlijk te zijn, nog lang niet goed genoeg voor _The Girl in the Fireplace_, wat verreweg de beste aflevering is sinds de serie weer is opgestart.

text_en:
Now, the trailer for this didn't worry me in the slightest. A little girl who can make her drawings move? Ha! But good God, was I wrong. This episode is an incredibly clever piece of writing that actually quite surprised me.

With the benefit of hindsight, there's not a single thing mentioned in this entire episode that doesn't count towards the final outcome. The attention to detail is perfect - the '09' and '61' numberplates on the cars, the news ticker on the bottom of the TV - nothing at all gets missed. Billie Piper is outstanding as she shows just how good a sidekick Rose is, both Chloe and her mother play their parts perfectly, and David Tennant is brilliant as usual.

The idea behind the whole story is genius, and the way it pans out even had me, a hardened Resident Evil fan, feeling tense a couple of times. I'd say this is probably one of the best episodes of the series - although, to be honest, still not even a patch on The Girl in the Fireplace, which is easily the best since the show was revived.


text:
Komt het alleen door mij of zijn mensen tegenwoordig een beetje te kieskeurig? Oké, dus Fear Her is niet zo groot als de rest van de serie, maar dat maakt het nog steeds geen slechte aflevering.
De dokter en de roos speelt zich af in 2012, ten tijde van de Olympische Spelen in Londen, maar er verdwijnen kinderen uit een gewone straat en een moeder probeert de krachten van haar dochter Chloe te verbergen.
De plot is goed, het acteerwerk is goed, en het heeft ook een nogal sinistere rol <0xE2><0x80><0x93> een half levende tekening van Chloe's dode vader ligt op de loer in haar kast en zegt: 'Ik kom je pijn doen.' Over het geheel genomen vind ik het een vrij goede aflevering van _Doctor Who_, en ik vind het niet...' Ik weet niet waar al die drukte om is.

text_en:
Is it just me or are people a tad too fussy these days? OK, so Fear Her isn't on such a big scale as the rest of the series, but that still doesn't make it a bad episode.

The Doctor and Rose land in 2012, at the time of the London Olympics, but children are vanishing from an ordinary street and a mother is trying to hide her daughter Chloe's powers.

The plot is good, the acting is good, and it also has a rather sinister part - a half-living drawing of Chloe's dead father is lurking in her wardrobe and says "I'm coming to hurt you". Overall I think it's a pretty good Doctor Who episode, and I don't know what the fuss is about.


text:
Dit was een knap stukje schrijven en het zat vol fantasie (iets waar ik altijd van hou). Billie Piper en David Tennant hebben nog een fantastische manier gevonden om alles zo geloofwaardig en echt te maken. Wat me het meest aanstond aan deze aflevering was de manier waarop ze hem afrondden. Meestal is de enige manier om een monster tegen te houden door het dood te schieten, of door een code te vinden waardoor het zijn emoties terugkrijgt, terwijl dit gewoon een liedje was om de nachtmerrie weg te zingen.
Deze aflevering bewees ook wat een sterk karakter Rose eigenlijk is, en hoe ver ze is gekomen van een gewoon jong meisje tot de sidekick van de dokter.
' Meer zeg ik er niet over, maar ik wil alleen vragen of iemand anders heeft opgemerkt dat de binnenkant van de teerdis een beetje op de buitenkant van een dalek lijkt...?

text_en:
This was a clever piece of writing and was full of imagination (something I always like.) Billie Piper and David Tennant did another fantastic way of making everything so believable and real. The thing I liked most about this episode was the way they finished it. Usually the only way to stop a monster is by shooting it, or finding a code that'll make them have their emotions back, where as this one was just taking away the nightmare with a song.

This episode also proved what a strong character Rose really is, and how far she has come from being just an ordinary young girl to being the doctor's side kick.

That's all I am gonna say on this, but I just want to ask, has anyone else noticed that the inside of the tardis looks a bit like the outside of a dalek?.....


text: Het valt niet te ontkennen dat 'Vrees Haar' een slecht ei is <0xE2><0x80><0x93> het is onbeduidend in de serie, een beetje lachwekkend, en niet bepaald duister of angstaanjagend. Maar toen ik het zei, was het interessant. Ik was er helemaal weg van <0xE2><0x80><0x93> ik ben altijd dol geweest op de premisse van tekeningen die tot leven komen, en deze episode maakt daar goed gebruik van. De Doctor en Rose hebben eindelijk weer een doel in het verhaal deze keer, en het idee om deze set te maken in 2012, aan het begin van de Olympische Spelen, is weer een geniale inval. Natuurlijk zou zoiets als dit dan nooit gebeuren, maar het was immens fascinerend om duizenden mensen te zien verdwijnen vanwege een tekening op de muur van een of ander kind. Het volgende - ze tekende de aarde op haar muur - moet ik nog meer zeggen? Persoonlijk vond ik dit fascinerend, omdat het een leuk ritje was en bij lange na niet zo stom of pathetisch als 'Liefde en Monsters'. Het einde was passend opwindend en vreemd - maar de dokter redt weer eens de dag, maar de laatste woorden van deze aflevering laten ons wachten op het einde van deze serie die passend duister en mysterieus belooft te worden. Terwijl 'Liefde en Monsters' gewoon saai was, 'Vrees haar'. Het was een interessante episode die me in elk geval inspireerde om door te gaan met kijken <0xE2><0x80><0x93> geen naakte monsters die mensen door de straten achternazitten en geen slecht geschreven romance die garandeert dat dit een stukje Doctor Who is dat leuk zal blijken te zijn.

text_en: There is little denying that "Fear Her" is a bad egg - it is insignificant in the series, a bit laughable, and not exactly dark or terrifying. But saying that, it was interesting. It had me hooked - I've always loved the premise of drawings coming to life, and this episode uses that to good advantage. The Doctor and Rose finally have some purpose in the story this time round, and the idea to have this set in 2012 on the dawn of the Olympics is another stroke of genius. Of course, something like this would never happen then, but it was immensely riveting to see thousands of people disappear because of a drawing on some kid's wall. The next thing - she was drawing the Earth on her wall - need I say any more? I personally found this riveting because it was a fun ride, and nowhere near as stupid or pathetic as "Love and Monsters". The ending was suitably thrilling and strange - the Doctor once again saves the day, though, but the last words of this episode leave us waiting for the conclusion of this series which promises to be suitably dark and mysterious. Whereas "Love and Monsters" was just boring, "Fear Her" was an interesting episode that at least inspired me to keep watching - no naked monsters chasing people through the streets and no badly-written romance ensure this is a slice of Doctor Who that will prove fun. 7/10


text:
'Two' was een programma op tv halverwege de jaren negentig. Het was in de lucht, in dezelfde tijd als verscheidene andere nachtelijke avonturendrama's. Ik vond dat de jaren negentig het laatste grote tijdperk van tv-avonturenseries leken te zijn. Ik weet niet waarom, maar ik vermoed dat mensen het genre van de avonturenseries niet meer zo aantrekkelijk vinden als vroeger. Wie weet? Ik keek elke zaterdagavond naar 'Two' op een plaatselijke zender van een syndicaat, en het kwam na het nieuws van elf uur. De lekkere Michael Easton speelde de hoofdrol, hij heette Gus McClain. Gus McClain was een ernstige, zuipende professor, die een leuk, tam leventje leidde. Gus vond het allemaal geweldig, tot hij ontdekte dat zijn vrouw op een dag plotseling was vermoord. Dit programma had precies dezelfde premisse als de _Fugitive_ -serie. In plaats van achter een eenarmige dader aan te gaan, ontdekt Gus McClain dat zijn eigen kwaadaardige tweelingbroer, Booth, de moord op zijn vrouw heeft gepleegd. En Gus zweert dat hij Booth te pakken zal krijgen en hem voor het gerecht zal brengen.
Maar er is één probleem: de FBI denkt dat Gus de misdaad heeft gepleegd, aangezien ze niet kunnen weten dat Gus een tweelingbroer heeft. Het wordt nog ingewikkelder als Booth een van de achtervolgers vermoordt. De FBI-agent raakt vervolgens zo geobsedeerd door het inrekenen van Gus dat het een obsessie voor hem wordt. En dat gebeurt bijna, meer dan eens tijdens de serie. Maar Gus slaagt er altijd in om door haar spreekwoordelijke 'greep' heen te glippen.
Het komt erop neer dat de hele serie gebaseerd is op het feit dat Gus Booth gevangenneemt, voordat de FBI Gus te pakken kan krijgen. Niets nieuws aan dit soort kat-en-muis-scenario's. Iedereen die met enige regelmaat naar de tv kijkt, heeft het allemaal al eens gezien. Ik zou zeggen dat je alleen naar _Two_ moet kijken als je toevallig een fan van Michael Easton bent. Anders is _Two_ op zijn best een middelmatige avonturenserie.

text_en:
"Two" was a show on TV during the mid-90s. It was on the air, at the same time as several other late-night adventure-dramas. In fact, I thought that the 90s seemed to be the last great era of TV adventure shows. Don't know why, but I suspect folks just don't find the adventure show genre as appealing as they once did. Who knows?? I watched "Two" on a local syndicated station every Saturday night, and it came on after the 11:00 news. It starred hunky Michael Easton as the main character, named Gus McClain. Gus McClain was an earnest, milquetoast college professor, who led a nice, tame life.

Everything was great for Gus, until he found his wife had been suddenly murdered one day. This show had the exact same premise as the "Fugitive" series. Instead of chasing a one-armed culprit, Gus McClain finds that his own evil twin brother, Booth, had committed his wife's murder. And Gus vows to capture Booth, and bring him to justice.

There's just one hitch though-the FBI thinks Gus committed the crime, since they've no way of knowing that Gus has a twin brother. It gets even more complicated, when Booth kills one of the pursuing FBI agent's partner. This FBI agent then becomes insanely obsessed with capturing Gus. And she almost does, on more than one occasion during the series run. But Gus always manages to slip through her proverbial 'grasp'.

Basically the whole series is based on Gus capturing Booth, before the FBI can get Gus. Nothing new about this type of cat-and-mouse scenario. Anyone who watches TV with any frequency, has seen it all before. I'd say the only reason to watch "Two", is if you happen to be a Michael Easton fan. Otherwise, "Two" is, at best, a mediocre adventure show.


text:
De kans is groot dat je leven, als je je slechts terloops bewust bent van de wereld waarin je leeft, dat van de Finzi-Contini's nabootst, een van de twee families die in deze film worden afgebeeld.
Het begin van de film van De Sica volgt de stand van zaken in Italië, kort nadat de fascistische regering van Mussolini de gewone tennisclubs voor Italiaanse joden verboden heeft <0xE2><0x80><0x93> slechts het begin van de separatistische houding van de regering. De joden in de stad reageren op verschillende manieren: Giorgio, die verliefd is op de dochter van de Finzi-Contini's, is woedend; zijn vader is zijn filosofisch ingestelde broer; Giorgio's broer raakt pas van streek nadat hij naar Frankrijk is gestuurd om te studeren en later, als hij tot zijn afgrijzen hoort van de Duitse concentratiekampen. Maar voor de Finzi-Contini's doet het er niet echt toe. Ze zijn anders dan de andere joden, omdat ze door rijkdom en privileges zijn opgegroeid in een familie die even trots als kwetsbaar is. Ze lijken nauwelijks te weten, of zich er zelfs maar om te bekommeren, dat hun rechten langzaam worden afgepakt. Het lijkt erop dat ze door jaren van prestige en maatschappelijke status boven de wetten van het land staan.
De ommuurde tuin van de Finzi-Contini's is een symbool van de valse zekerheid die de mensen behouden, niet wetend dat problemen van buitenaf hen tot de werkelijkheid kunnen dwingen. De tuin van de film lijkt te beloven dat niets zal veranderen en dat alles hetzelfde zal blijven. Interessant genoeg filmt De Sica de tuin op een manier die dit thema van valse veiligheid afdwingt. Hij geeft ons nooit een visuele oriëntatie op de rest van de stad, zodat we nooit kunnen zeggen hoe groot of hoe klein de tuin is. Heb je je ooit onbehaaglijk gevoeld als je ergens bent waar je de exacte afmetingen van je grens niet kent? Dat is het gevoel dat we hier krijgen met opnamen van de tuin die zich eindeloos lijken uit te strekken.
De Tuin van de Finzi-Contini's is om vele redenen een geweldige film, en een daarvan is dat hij ons dwingt een proactieve houding aan te nemen ten opzichte van de wereld waarin we leven. Er is niets mis met een veilig gevoel, maar het is er wel.' Het is belangrijk om een objectieve houding aan te nemen met betrekking tot de wereld waarin we leven. En je wilt zeker niet van buitenaf naar binnen kijken naar degenen die dat al beseffen.

text_en:
Chances are, if you are only casually aware of the world that you live in, your life imitates that of the Finzi-Continis, one of two families depicted in this film.

The beginning of de Sica's film follows the state of affairs in Italy shortly after the Fascist government of Mussolini has declared the ordinary tennis clubs off limits for Italian Jews-just the beginning for the Government's separatist stance. The Jews in town react in various ways: Giorgio, who is in love with the daughter of the Finzi-Continis, is enraged; his father his philosophical; Giorgio's brother is upset only after being sent to France to study, and later, finding out to his horror about the German concentration camps. To the Finzi-Continis, though, it doesn't really matter. They're different from the other Jews because wealth and privilege have bred them into a family as proud as it is vulnerable. They hardly seem to know, or even care, about the fact that their rights are slowly being taken away. It seems that years of prestige and social status have put them above the laws of the land.

The walled garden of the Finzi-Continis is a symbol for the false security that people retain, unaware that problems on the outside may force them into reality. The garden of the film seems to promise that nothing will change and that everything will remain the same. Interestingly, de Sica films the garden in a way that enforces this theme of false security. He never orients us visually with the rest of the city, so we can never tell how big or how small the garden is. Have you ever felt uneasy being somewhere not knowing the exact dimensions of your boundary? That's the feeling we get here with shots of the garden that seem to stretch on forever.

The Garden of the Finzi-Continis is a great film for many reasons, one of which is how it forces us to take a proactive stance regarding the world that we live in. There's nothing wrong with feeling secure but it's important to try to take an objective stance with reference to the world that we live in. And you certainly don't want to be on the outside looking in to those who have realized it already.


text: Dit was waarschijnlijk Vittorio DeSica's laatste uitstekende film voor zijn dood in 1974 en het kostte me ongeveer twintig jaar om hem voor de tweede keer te bekijken. Deze keer begrijp ik hem beslist beter dan de eerste keer. Het verhaal speelt aan het eind van de jaren dertig in Ferrara, Italië, waar de ophanden zijnde oorlog aan de horizon opdoemt. De familie Finzi-Contini is rijk en joods en woont in een groot landhuis achter gesloten hekken en ze vinden het heerlijk om vrienden te ontvangen voor picknicks en tennis. Een van die vrienden is Giorgio (Lino Capolicchio) en hij is verliefd op Micol Finzi-Contini (Dominique Sanda) en ze kennen elkaar al sinds hun kindertijd, maar Micol houdt niet van Giorgio. Giorgio's vader (Romolo Valle) lijkt zich niet bewust van wat er in de wereld gebeurt en zegt: 'Zo erg is het nu ook weer niet.' Mussolini heeft wetten uitgevaardigd die Joden verbieden naar school te gaan, de bibliotheek te betreden en andere beperkingen op te leggen. Op een avond ontdekt Giorgio dat Micol een verhouding heeft met zijn meer fascistische vriend Bruno (Fabio Testi) en Micol ziet hem door het raam, maar lijkt zich er niets van aan te trekken.<br />**SPOILER ALERT************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************* DeSica wilde de wereld nog steeds laten zien hoe het er in Italië in de duistere tijden aan toe ging, en hoewel hij een groter budget had en beroepsacteurs in zijn films speelde, veranderde zijn houding nooit echt. Deze film gaat in de eerste plaats over de twee hoofdrollen van Capolicchio en Sanda. Zelfs met de oorlog voor de deur leken ze allebei in hun eigen wereldje te leven. Giorgio werd een heel boze en diepbedroefde man, en zelfs als er soldaten in zijn stad rondliepen, leek hij zich alleen maar druk te maken over Micols afwijzing van hem. Maar aan het eind van de film kwam hij bij zijn positieven en ontsnapte. Hij liet zich niet de baas worden door wat er met hem gebeurde. Jammer genoeg moesten Micol en haar familie te lang wachten en werden ze opgepakt en naar kampen gestuurd. Er zijn in deze film scènes waarvan ik dacht dat Micol zat te wachten tot ze door de fascisten en de nazi's zou worden opgepakt. Het is een van de redenen waarom ze met Bruno naar bed ging en zich niets leek aan te trekken van de gebeurtenissen om haar heen. Weet je nog wat Giorgio's vader tegen hem zei? Hij zei: 'Om het leven te begrijpen, om de wereld echt te begrijpen, moet je minstens één keer sterven. Dus is het beter om jong te sterven, als er nog tijd is om te herstellen en weer te leven.' Nadat we deze gedachte nog een keer in de film hadden gezien, liet DeSica ons misschien zien dat Micol uit haar toevluchtsoord moest komen om de wereld om haar heen te begrijpen.

text_en:
This was probably Vittorio DeSica's last excellent film before his death in 1974 and it took me about 20 years to view it a second time. I certainly understand it more this time than the first time I viewed it. Story is set in the late 1930's in Ferrara, Italy with the impending war looming on the horizon. The family of the Finzi-Continis are rich and Jewish and live in a huge manor behind locked gates and they love to have friends over for picnics and tennis. One of the friends is Giorgio (Lino Capolicchio) and he is in love with Micol Finzi-Contini (Dominique Sanda) and they have known each other since they both were kids but Micol does not love Giorgio. He's persistent in his affections but Micol lives in an isolated world hidden behind the gates and her demeanor is very cold and malicious. Meanwhile, Giorgio's father (Romolo Valle) seems to be oblivious to what is happening in the world and utters "It's not that bad". Mussolini has enacted laws that forbid Jews from going to school, entering the library and other restrictions. One night Giorgio discovers Micol having an affair with his more Fascist friend Bruno (Fabio Testi) and Micol notices him in the window but seems not to care.

*****SPOILER ALERT*****

While DeSica somewhat abandoned his neo-realism approach later in his career this does have an aura of those wonderful films like "The Bicycle Thief" and "Umberto D". DeSica still wanted to show the world what it was like in Italy during the darker times and even though he had a larger budget and professional actors in his films his attitude never really shifted. This film is primarily about the two lead characters played by Capolicchio and Sanda. Even with war upon them they both seemed to be in their own world. Giorgio became a very angry and heartbroken man and even with soldiers walking around his city he seemed to only care about Micol's rejection of him. But late in the film he did snap out of it and escaped. He didn't allow what happened to him to get the better of him. Unfortunately, Micol and her family waited too long and were rounded up to be sent to camps. There are instances in this film that I thought Micol was awaiting to be taken by the Fascists and Nazi's. It's one of the reasons she slept with Bruno and seemed unperturbed by the events around her. Remember what Giorgio's father told him? He said, "In life, in order to understand, to really understand the world, you must die at least once. So it's better to die young, when there's still time left to recover and live again". After viewing this thought provoking film once again, maybe DeSica was showing us that Micol needed to get out of her haven and understand the world about her.


text:
Ik hoorde voor het eerst een radiobewerking van _De tuin van de Finzi Contini_, en ik vond het moeilijk om een bewerking van een film te maken. Het boek is in feite bovenal psychologisch (of romantisch in de literaire betekenis van de negentiende eeuw) omdat de verteller zijn innerlijke wereld en zijn lijden beschrijft...
Maar Vittorio de Sica slaagde erin dit uit te drukken zonder een monoloog te gebruiken, zonder een te langzame film te maken... De muziek is ook heel goed... de beelden zijn prachtig...
Ik moet enkele commentaren corrigeren: Malnate, de minnaar van Micol is geen fascist maar een communist... Er is ook een verschil met het boek: in het boek weten we niet zeker dat Micol en Malnate minnaars waren, het is een veronderstelling terwijl het in de film een bewijs is...
Ondanks deze verschillen verdient deze film een tien van de tien!

text_en:
I first heard a radio adaptation from the Garden of the Finzi Contini and afer that read the book. I thought it would be difficult to make an adaptation to cinema. Indeed, the book is above all psychological (or romantic in the literary meaning of the 19th century)i.e the narrator describing his inner world and his sufferings...

However, Vittorio de Sica succeeded in expressing this without using monologue, without making a too slow picture... The music is very good too... the images are wonderful...

I must correct some commentaries Malnate, Micol's lover is not a fascist but a communist... There is also a difference with the book : in the book we do not know for sure that Micol and Malnate were lovers, it is an assumption whereas it is an evidence in the film...

In spite of this differences, this picture deserves a 10 out of 10!


text: Het Italiaanse volk voelde zich waarschijnlijk moreel vernederd in de wetenschap dat hun regering tijdens de Tweede Wereldoorlog had deelgenomen aan de uitroeiing van de Joden. 'De Tuin van de Finzi-Contini' was waarschijnlijk hun manier om te laten zien dat ze het goedmaakten. Het gaat over de Joodse Finzi-Contini-familie in Ferrara in de jaren dertig. Ze zijn een zeer welgestelde familie (met een vals gevoel van veiligheid) en veel mensen in de familie vallen voor elkaar. Helaas voor hen kan zelfs hun maatschappelijke status hen niet beschermen tegen de ondergang die hun wacht.<br />Net als in 'De fietsdief'. Meer dan twintig jaar later toont Vittorio de Sica het wanhopige bestaan van een paar mensen, omringd door wat velen ten onrechte voor een vreugdevolle wereld aanzien.

text_en:
The Italian people probably felt a moral degradation knowing that their government had participated in exterminating Jews during WWII. "The Garden of the Finzi-Continis" was probably their way of showing that they were atoning for it. It tells of the Jewish Finzi-Contini family in Ferrara in the 1930s. They are a very well off family (with a false sense of security), and many of the people within the family are falling for each other. Unfortunately for them, not even their social status can protect them from the doom that awaits them.

Much like in "The Bicycle Thief" over 20 years earlier, Vittorio De Sica shows the desperate existences of a few people, surrounded by what many incorrectly assumed to be a joyful world. Wonderful.


text: Hoewel onmiskenbaar niet voor de oppervlakkigen of degenen die verwachten dat hun film tot in de kleinste details 'actie' uitstraalt, blijft THE GARDEN OF THE FINZI-CONTINIS (een parabel uit de laatste dagen van de verdoemde onschuld?) na meer dan een kwart eeuw een van de volmaaktste weerspiegelingen van het geleidelijke proces waarmee de Holocaust had kunnen plaatsvinden in een Europa dat zichzelf als beschaafd beschouwde.<br />Het tragische liefdesverhaal laat ons de tuin in. Alleen onze eigen handeling <0xE2><0x80><0x93> of blinde onwetendheid <0xE2><0x80><0x93> laat ons eruit. Er hoeft niet veel te worden toegevoegd aan de opmerkzame commentaren die al de details van deze prachtige en ontroerende film hebben bestudeerd, maar Amerikanen, vooral die van mijn mede- republikeinen die in staat zijn objectief naar hun eigen land en leiders te kijken, zouden serieus de politici moeten bestuderen die angst en vage 'vijanden' gebruiken om in het licht van deze film macht te verwerven en te behouden. Het besef is onontkoombaar dat de wereld van de Finzi-Contini's niet zo ver van de onze verwijderd is. Een kwestie van niet geringe omvang. De tuin is nog steeds verleidelijk aantrekkelijk, het terrein eromheen nog relatief vrij, maar zullen we de koers volgen die de Finzi-Contini's hebben gevolgd, of zullen we actief uit onze tuin komen nu het nog kan?

text_en:
While undeniably not for the shallow or those who expect their movies to lay every detail out for them amid plenty of "action," THE GARDEN OF THE FINZI-CONTINIS (a parable on a latter day "Eden" of doomed innocence?) remains after more than a quarter century one of the most perfect reflections of the gradual process by which the Holocaust could have happened in a Europe which believed itself civilized.

The tragic love story allows us into the garden. Only our own action - or blind ignorance - can allow us out.

Not a lot need be added to the perceptive comments already examining the details of this beautiful and moving film - but Americans, especially those of my fellow Republicans who are able to objectively look at their own country and leaders, should seriously examine the politicians who use fear and nebulous "enemies" to gain and hold power in the light of this film. The realization is inescapable that the world of the Finzi-Continis is not that far removed from our own. A question of degree not of kind.

The garden is still seductively attractive, the country around it still relatively free, but will we follow the course the Finzi-Continis took or will we come actively out of our garden while there is time?


text:
De tuin van de Finzi-Contini's is een van de vele films over de fascistische vervolging van joden die, niet in de laatste plaats, aan regisseur Vittorio de Sica te danken zijn. Zijn veteranenhanden maken van een voortreffelijk verhaal een meesterwerk.
Het verhaal gaat over een jonge Italiaans-jood en zijn interactie en zoektocht naar romantiek met de dochter van een rijke joodse aristocraat. De beproevingen van hun relatie komen tot stand tijdens de groei van het fascisme in Italië aan het eind van de jaren dertig. Zelfs de kijker voelt hoe de segregatie zich om de twee jonge mensen en hun families sluit.
Maar zelfs het schitterende drama van de film kan geen maat houden bij de ontzagwekkende cinematografie van het prachtige landschap die de film zijn vitaliteit geeft. Het acteerwerk is goed, vooral van de ondersteunende cast, maar af en toe komen er uit alle richtingen briljante invallen.
Uitmuntend.

text_en:
`The Garden of the Finzi-Continis' stands out from the scores of films about the Fascist persecution of Jews due, in no small part, to director Vittorio De Sica. His veteran hands crafting an excellent story into a masterpiece.

The story focuses on a young Italian-Jew and his interaction and quest for romance with the daughter of a wealthy Jewish aristocrat. The trials of their relationship coming during the growth of Fascism in Italy in the late-1930s. Even the viewer can feel the segregation closing on the two young people and their families.

But even the superb drama of the film cannot hold a candle to the awesome cinematography of beautiful scenery that adds vitality to the film. The acting is good, mostly from the supporting cast, but occasional spouts of brilliance come from all directions.

Exceptional. 9/10 stars.


text: Ik keek net naar de dvd en had de film al jaren niet meer gezien. Ik vond hem nog net zo ontroerend als ik me herinnerde van de eerste keer dat ik hem had gezien. Onder andere het Gebed voor de Doden (El Moleh Rachamim) dat prachtig werd gezongen bij de aftiteling. Ik ben niet joods, dus ik moest wat 'googelen' om te weten te komen dat El Moleh... inderdaad een gebed voor de doden is. Wat me zo ontroerde, afgezien van de droevige, mooie stem van de zanger, waren de namen Aushwitz, Maidenek, Treblinka et. al. die in de tekst waren doorgestreept. Het deed me denken aan de voorlaatste alinea in de tekst van Andre Schwartz-Bart. Dank u voor de kans om mijn gedachten te delen.

text_en: I just watched the DVD and had not seen the movie in many years. I found it every bit as moving as I had remembered from my first viewing. This included the Prayer For the Dead (El Moleh Rachamim) magnificently sung as the final credits rolled. I am not Jewish so I had to do some "googling" to learn that El Moleh...is indeed a prayer for the dead. What moved me so apart from the singer's mournfully beautiful voice were the names Aushwitz, Maidenek, Treblinka et. al. interpolated into the text. It reminded me of the penultimate paragraph in Andre Schwartz-Bart's extraordinary novel of the Holacaust, The Last Of The Just where the names of the death camps are artfully placed among the repeated words "And praised Be The Lord". Thank you for the opportunity to share my thoughts.


text:
'Nostalgie is zelfvernietiging.'
Een van de grootste holocaustfilms aller tijden, The Garden of the Finzi-Continis, speelt zich niet af in nazi-Duitsland, maar in het fascistische Italië tijdens de regering van Mussolini. De Tweede Wereldoorlog ligt in het verschiet en de rassenwetten worden al toegepast. Het is Italiaanse Joden verboden om bedienden te gebruiken, het is Joden verboden om met niet-Joden te trouwen, ze worden van openbare scholen verwijderd, ze mogen niet meer telefoneren, ze mogen niet meer in de bibliotheek komen, ze mogen geen necrologieën schrijven en ze moeten zich aan strenge avondklokregels houden. Geleidelijk aan worden de rechten van Joden uitgeroeid en worden zelfs de rijkste Joodse families gereduceerd tot derderangs burgers. Tegenover dit landschap wordt het verhaal verteld van twee Joodse families, de welgestelde en aristocratische familie Finzi-Contini en de middenklasse van de familie Bassani. De Finzi-Contini's leiden een afgezonderd bestaan binnen de muren van hun vorstelijke landgoed. Omringd door hoge muren en een enorme tuin leeft de familie in een droomwereld, in de overtuiging dat het fascisme hun weelderige levensstijl onaangetast zal laten. Directeur Vittorio de Sica gebruikt overbelichte beelden en witte kleding om te suggereren dat deze rijke Joden schitterende engelen zijn, die in luxe dansen en als zwevende godheden door hun landgoed fietsen. Als de familie tenniswedstrijden organiseert voor vrienden en familie, schiet De Sica hen neer als onschuldige bosnimfen die in hun idyllische paradijs spelen. Buiten de stenen muren van het Finzi-Contini-landgoed broeit het natuurlijk. De familie Bassani past zich in het begin met succes aan de racistische wetten van Mussolini aan, waarbij hun vader verklaart dat ze ondanks hun nieuwe beperkingen nog steeds een redelijk veilig bestaan kunnen leiden. Hun dochter zal gewoon thuis les moeten krijgen, hun dienstmeisje zal naar binnen gesmokkeld moeten worden en hun zoon, Giorgio, zal gewoon de privé-bibliotheken van vrienden moeten gebruiken. Niets aan de hand. Ze kunnen zich aanpassen.
We zien dus al hoe zelfgenoegzaam iedereen is. Het is niet alleen een kwestie van niet-joden die deze racistische wetten negeren, maar van joden die deze wetten zonder meer accepteren uit angst de boel op stelten te zetten. De Bassani's onderwerping en de Finzi-Contini's die ze negeren. Maar zelfs als ze Mussolini's racistische segregatiepolitiek zouden willen aanvechten, hoe zouden ze dat dan moeten doen? Tijdens een scène waarin Giorgio uit een openbare bibliotheek wordt geschopt, maakt De Sica duidelijk dat als de wereld instort, dat nooit iemands schuld is. De macht is gefragmenteerd en iedereen volgt angstig bevelen op, gehoorzaamt regels die door iemand anders zijn bedacht. Het systeem werkt omdat alles in compartimenten is verdeeld, iedereen heeft de leiding over zijn eigen deel van de koek. Om een georganiseerd systeem te bestrijden zou een snelle opeenvolging van fronten nodig zijn.
En dus onderwerpen joden en niet-joden zich aan de racistische wetten. De oorlog zal snel voorbij zijn, hopen ze, en Italië en Duitsland zullen snel als overwinnaars uit de bus komen. Gewoon afwachten en hopen dat er iets verandert. Grote vergissing.
De tweede helft van de film gaat over de romance tussen Giorgio Bassani en Micol Finzi-Contini. Ondanks Micols rijkdom en schoonheid houdt Giorgio vooral van haar vanwege de rust die ze uitstraalt. Hij kende haar al toen ze nog een kind was en begint haar als een nostalgisch symbool te zien. Ze is een kiekje in de tijd, de personificatie van Europa voordat het fout ging. Veel mensen hebben geklaagd dat Micol een nul in de film is. Dat ze als een zombie door haar landgoed loopt en dat ze nooit een reden geeft om Giorgio's avances af te wijzen. Maar daar gaat het juist om. Micol is een geïdealiseerde visie op de wereld, die zichzelf voor de gek houdt en tegelijkertijd de massaontkenning vertegenwoordigt. Ze is een geest uit het verleden, en Giorgio kan haar niet bereiken omdat ze de levende wereld al lang de rug heeft toegekeerd.
Zo ontkracht de roman veel van de thema's die in de film aan de orde komen. Ten eerste illustreert hij de valse overtuiging van zowel niet-joden als joden dat ze de verschrikkingen van dit vijandige politieke klimaat bespaard kunnen blijven als ze zich afzonderen en zich met hun eigen zaken bemoeien. Ten tweede toont het aan dat geen rijkdom, prestige of scholing je kan beschermen tegen stompzinnige, irrationele onverdraagzaamheid. Ten slotte benadrukt het de gevaren van de joodse etnofilie. Het jodendom kan nauwkeurig worden omschreven als een culturele vesting die buitenstaanders buiten houdt en insiders binnen (de mate waarin joodse gemeenschappen geïsoleerd zijn van hun gastculturen wordt zelfs op genetisch niveau weerspiegeld). Natuurlijk zou je je niet moeten assimileren om vervolging te vermijden, maar deze etnofilie is grotendeels de reden dat hun hele geschiedenis er een is van spectaculair succes en groei, gevolgd door vervolging en slachting. Een cyclus die zich herhaalt van de Egyptische exodus tot de Holocaust.
<0x3E><0x3E> Films over de holocaust, zoals 'The Garden of the Finzi-Continis', 'Seven Beauties', 'The Boat is Full' en 'The Shop On Main Street', zijn belangrijk als tegenwicht tegen de mythen over de holocaust. Maar de Holocaust was geen horrorfilm. Het gebeurde niet in zwart-wit en met bibberige documentairebeelden. Het ontvouwde zich met de banaliteit van het dagelijks leven, in heldere kleuren, gewone activiteiten van dag tot dag die zelden verstoord werden. Er was niets vreemds aan de Holocaust. De wereld stortte niet in of barstte uit in geweld. In plaats daarvan bleef ze met een serene, veel huiveringwekkender aanvaarding staan. Misschien is dat de reden dat de documentaires over Hitler die met zijn gezin in de Beierse Alpen vertoefde, veel gruwelijker zijn dan zijn luide toespraken. Het was twee bezichtigingen waard.

text_en:
"Nostalgia is self destruction."  Adrienne Rich

One of the greatest Holocaust films ever made, "The Garden of the Finzi-Continis" takes place, not in Nazi Germany, but fascist Italy during the reign of Mussolini. World War 2 is on the horizon and already racial laws are being implemented. Italian Jews are forbidden from using servants, are banned from marrying non Jews, are removed from public schools, have no phone listings, no library privileges, no obituaries, and are subject to strict curfews. Gradually the rights of Jews are eradicated, even the wealthiest Jewish families reduced to third class citizens.

Against this landscape is told the story of two Jewish families, the affluent and aristocratic Finzi-Contini family and the middle class Bassani family. The Finzi-Continis live a cloistered existence within the walls of their palatial estate. Surrounded by tall walls and a vast garden, the family lives in a dream world, believing that fascism will leave their lavish lives untouched. Director Vittorio de Sica uses overexposed images and white clothing to suggest that these wealthy Jews are magnificent angels, dancing in luxury, bicycling through their estate like gliding deities. When the family hosts tennis games for friends and family, de Sica shoots them like innocent forest nymphs, playing in their idyllic Eden.

Of course, outside the stone walls of the Finzi-Contini estate, trouble brews. The Bassani family adjusts to Mussolini's racist laws with success at first, their father stating that despite their new limitations they can still live a reasonably secure existence. Their daughter will simply have to be home schooled, their maid will have to be smuggled in and their son, Giorgio, will simply have to use the private libraries of friends. No big deal. They can adjust.

So already we see how complacent everyone is. It's not just a question of non-Jews ignoring these racist laws, but of Jews accepting these laws outright for fear of rocking the boat. The Bassani's submit and the Finzi-Contini's ignore. But even if they wanted to challenge Mussolini's racist segregation policies, how would they go about doing so? During one scene, in which Giorgio is kicked out of a public library, de Sica makes it clear that when the world begins to collapse, it's never anyone's fault. Power is fragmented and everyone is fearfully following orders, obeying rules that somebody else devised. The system runs because everything is compartmentalised, everyone is in charge of their own section of the pie. To fight an organised system would take organisation and rebellion on a fast array of fronts.

And so Jews and Gentiles submit to the racist laws. The war will be over soon, they hope, and Italy and Germany will soon emerge victorious. Just abide and hope that things change. Big mistake.

The later half of the film focuses on the romance between Giorgio Bassani and Micol Finzi-Contini. Despite Micol's wealth and beauty, Giorgio loves her primarily for the sense of tranquillity she represents. He knew her during her childhood, and so begins to see her as a nostalgic symbol. She represents a snapshot in time, a personification of Europe before things went bad. Many have complained that Micol is a cipher in the film. That she prowls her estate like a zombie and that she never gives a reason for rejecting Giorgio's advances. But this is the very point. Micol is an idealized vision of the world, simultaneously deluding herself and representative of mass denial. She is a ghost of the past, and Giorgio cannot attain her because she has long turned her back to the living world.

The romance thus abstracts many of the themes that take place in the film. Firstly, it illustrates the false belief held by both Gentiles and Jews that if they isolate themselves and mind their own business, they may be spared the horrors of this hostile political climate. Secondly, it shows that no amount of wealth, prestige and education can defend you against mindless, irrational bigotry. Finally, it highlights the dangers of Jewish ethnocentricity. Judaism can accurately be described as a cultural fortresses that keeps outsiders out and insiders in (the degree to which Jewish communities are isolated from their host cultures is even reflected at the genetic level). Of course, one should not have to assimilate to avoid persecution, but this ethnocentricity is largely the reason that their entire history is one of spectacular success and growth followed by persecution and slaughter. A cycle which plays out repeatedly from the Egyptian Exodus to the Holocaust.

9/10  Quieter Holocaust pictures like "The Garden of the Finzi-Continis", "Seven Beauties", "The Boat is Full" and "The Shop On Main Street" are important in countering the myths of the Holocaust. Hollywood film's like "Schindler's List" have colonised our minds with a very "American view" of the Holocaust. They present us with false iconography, rich with their own set of visual signifiers. But the Holocaust was not a horror movie. It did not happen in black and white and with shaky documentary footage. It unfolded with the banality of everyday life, in bright colours, ordinary day to day activities rarely upset. There was nothing alien about the Holocaust. The world didn't break down or erupt into violence. Instead it stood back with a serene, far more chilling acceptance. Perhaps this is why, today, documentary footage of Hitler relaxing with his family in the Bavarian Alps is far more horrific than any of his loud mouthed speeches.

Worth two viewings.


text: Net als Louis Malles op dezelfde thematiek geënte film uit 1987 AU REVOIR, LES ENFANTS, is Vittorio daSica's THE GARDEN OF THE FINZI-CONTINI's een meditatief stuk over de betrekkelijk veilige haven van een groep mensen <0xE2><0x80><0x93> in dit geval een hele familie van rijke joden die een bevoorrecht leven leiden terwijl de verschrikkingen van de Tweede Wereldoorlog en het antisemitisme voortrazen. Maar ze geloven dat hun rijke positie en hun eigen huis hen zullen beschermen en ze trekken verder, zich niet bewust van de buitenwereld, in een bevroren periode van tijd en ruimte die hen even lijkt te sparen, tot het vrij duidelijk wordt dat de muren die hen zo beschermden beginnen af te brokkelen en dat ze op weg zijn naar een onvermijdelijk treinongeluk dat alles wat ze kennen zal vernietigen. Als hun rechten en die van het joodse volk van hen worden afgenomen, merken ze plotseling dat ze wakker worden in een werkelijkheid die ze niet kunnen begrijpen, maar waar ze naartoe moeten. De film is een langzaam bewegend, lyrisch gedicht dat verschilt van zijn eerdere neorealistische werk, en in zijn looptijd deze denkbeeldige werkelijkheid vastlegt alsof dit alles een droom was die de Finzi-Contini's hadden. De gefilterde lens vergroot slechts de bijna betoverde schoonheid die van het scherm op de ogen van de kijkers neerdaalt; dit is in feite nostalgie naar een tijd die voorbij is, een reis door de herinnering en een subtiele inval in een ontkenning van de verschrikkingen van de oorlog die nooit zijn lelijke kop opsteekt, maar die uiteindelijk een heel gezin verzwelgt.

text_en: Much like Louis Malle's similarly themed film from 1987 AU REVOIR, LES ENFANTS, Vittorio daSica's THE GARDEN OF THE FINZI-CONTINI's is a meditative piece on the relatively safe haven of a group of people -- in this case, an entire family of wealthy Jews who enjoy a life of privilege as the horrors of World War II and anti-Semitism rages on. The Finzi-Contini's, however, believe that their position of wealth and their very home will shield them from being touched, and they move on, oblivious to the world outside, in a frozen period of time and space that seems, for a moment, to spare them, until it becomes rather clear that the walls that so protected them are beginning to crumble and that they are headed towards an inevitable train wreck which will destroy all that they know. As their rights and the rights of the Jewish people are stripped away from them, they find themselves suddenly awake into a reality they cannot understand, but must move into. DaSica's movie is a slow-moving lyrical poem which differs from his earlier Neo-Realist work, and captures in its running time this illusionary reality as if all this were a dream that the Finzi-Continis were having. The filtered lens only maximizes the almost enchanted beauty that pours through from the screen and onto the viewers' eyes; indeed, this is nostalgia for a time gone by, a trip down memory lane and a subtle incursion into a denouncement of the horrors of war which never rears its ugly head but whose presence ultimately swallows a family, whole.