text:
De Hoaxters halen maar vier van de tien punten. De productiewaarde is erg hoog en er komen beroemde sterren in voor, maar het onderwerp is zo weerzinwekkend dat je er bijna misselijk van wordt als je ernaar kijkt.
Ik ben blij dat het geen documentaire is, want dat is het zeker niet. Het doel is indoctrinatie, zo simpel is het. Het is een soort Amerikaanse versie van een film van Leni Riefenstahl, alleen zijn haar films veel vrolijker en leuker om naar te kijken.
Het begint met een vergelijking van Hitler, Mussolini en Hirohito. Dan zoomt de eerste kop op het scherm in: 'COMMENTAAR'. Bijna onmiddellijk wordt Stalin vergeleken met de eerste drie. wordt door de hele film heen gezongen, met tussenpozen in het verhaal.
De film is een klassiek voorbeeld van wat George Orwell 'dubbel denken' noemde. Hij fulmineert tegen 'De Grote Leugen', terwijl hij tegelijkertijd een paar van de ongelooflijkste kolder uitkraamt die ik ooit heb gehoord! Een heel klein voorbeeld is J. Edgar Hoover, de koning van de chantage, die verklaart dat hij nooit zou willen dat iemand in het openbaar in verlegenheid wordt gebracht als gevolg van zijn onderzoekingen.
Op een gegeven moment fulmineert hij tegen dictators en het een-op-een-systeem, en in één adem heeft hij het lef om filmbeelden van senator Joseph McCarthy te laten zien! Wat ik persoonlijk het meest beledigend vond, was de presentatie van het feit dat alle anti-oorlogsdemonstraties in het Witte Huis door de Internationale Communistische Partij waren georganiseerd en gefinancierd, en dat zodra Stalin en Hitler ruzie hadden gekregen, de demonstraties onmiddellijk in het niets waren opgelost.
De film hield mijn belangstelling vast. Hij is zelfs fascinerend. Maar op dezelfde morbide manier als ik me voorstel dat een treinongeluk zou zijn als je ernaar kijkt.
Op zijn minst is 'The Hoaxters' de moeite waard om te zien als een les in geschiedenis, en ook als een schoolvoorbeeld van propagandatechnieken die tegenwoordig nog steeds wijdverbreid en zeer effectief zijn.

text_en:
The Hoaxters only rates a four out of ten. The production value is very high, and it has big-name stars doing the narration, but the subject is so repugnant that it is almost nauseating to watch.

I'm glad it wasn't listed as a Documentary, because it is certainly anything but. Its purpose is indoctrination, pure and simple. It is sort of the American version of a Leni Riefenstahl film, except that her films are a lot more upbeat and enjoyable to watch.

It starts out equating Hitler, Mussolini and Hirohito. Then, the first banner headline word zooms across the screen: "COMMUNISM" Almost immediately, Stalin is equated with the first three. "All dictators are the same," is chanted throughout the film at intervals in between segments of the narration.

The film is a classic example of what George Orwell termed "double-think." It rails against "The Big Lie" while at the same moment spouting some of the most incredible whoppers I have ever heard! Just a minor example is J. Edgar Hoover, the King of Blackmail, stating that he would never want to see anyone publicly embarrassed as a result of his investigations.

At one point, it is railing against dictators and the one-party system, and in the same breath has the nerve to show film footage of Senator Joseph McCarthy!

The thing I personally found most offensive was its presentation that all the anti-war protests at the White House were engineered and funded by the International Communist Party, and that as soon as Stalin and Hitler had a falling out, the demonstrations instantly evaporated.

The film kept my interest. In fact, it is fascinating. But rather in the same morbid way as I imagine watching a train wreck taking place would be.

At the very least, "The Hoaxters" is worth watching as a lesson in history, and also as a textbook example of propaganda techniques which are still widely used and very effective today.


text: Dit is de beste geanimeerde versie van het oude verhaal van Dickens die ooit op het scherm is gebracht. Dit is geen tekenfilm; dit is een victoriaanse lithografie die tot leven is gebracht. Schitterende kunstwerken, duizelingwekkende camerastandpunten, schitterende en nauwgezette animatie op zijn best. Hier zijn meestervaklieden aan het werk; geen korte stukjes of slordig werk. De enige kritiek die ik erop kan hebben, is dat het te kort is. Ik wou dat de Kerstman hun een onbeperkt budget had gegeven om mee te werken. Waarschijnlijk niet geschikt voor jongere kinderen, omdat sommige beelden een beetje angstaanjagend zijn (de kinderen onder het gewaad van de tweede geest bezorgen me koude rillingen elke keer dat ik ze zie). Ik geloof dat ik hem in 1972 voor het eerst op PBS zag, en sindsdien is hij me blijven achtervolgen. Ik had het geluk een exemplaar op eBay te vinden, en hij was nog net zo goed als ik me van 30 jaar geleden herinnerde. Het is een schande dat hij door de televisiezenders is verwaarloosd ('A Christmas Story' en 'Miracle on 34th Street' zijn geweldige films, maar die worden elk jaar met Kerstmis geruïneerd). Als je in de kerststemming wilt komen, doe jezelf dan een lol en vraag of je een exemplaar van deze film mag lenen of stelen.

text_en: This is the best animated version of the hoary old Dickens tale ever brought to the screen. This is no assembly-line cartoon; this is a Victorian lithograph brought to life. Splendid artwork, dizzying camera angles, magnificent and painstaking animation at its best. There are master craftsmen at work here; no shortcuts or sloppy work. The only criticism I could make of it is that it's too short. I sure wish that Santa had given them an unlimited budget to work with. Probably not suitable for younger children, as some of the images are a little terrifying (the children under the robe of the second spirit send chills up my spine every time I see it). I first saw it on PBS back in 1972, I think, and it has haunted me ever since. I was fortunate enough to find a copy on eBay, and it was as good as I had remembered from 30 years back. It's a rotten shame that it's been neglected by the networks ("A Christmas Story" and "Miracle on 34th Street" are great films, but they flog them to death every Christmas). If you want to get in the Christmas spirit, do yourself a favor and beg, borrow or steal a copy of this film.


text: Deze korte film, die een Academy Award won, is de beste geanimeerde versie die ik tot nu toe heb gezien en is beter dan een paar van de live-action-versies. Alles is eersteklas-animatie, voice-casting (vooral Sim die zijn optreden als Scrooge verheerlijkt), productiewaarden. De versie is volkomen in overeenstemming met de toon en de geest van het oorspronkelijke werk, zelfs met de noodzakelijke afsnijding die is opgelegd door de korte lengte. Goed om het gedrukt te hebben. Zeer aanbevolen.

text_en: This short, which won an Academy Award, is the best animated adaptation that I've yet seen and is better than a couple of the live-action versions. Everything is top-notch-animation, voice-casting (particularly Sim reprising his performance as Scrooge), production values. The adaptation is quite true to the tone and spirit of the original work, even with the necessary truncation imposed by the brief length. Good to have it in print. Most recommended.


text: Ik wou dat iemand deze verloren gewaande edelsteen op dvd of zelfs op video zou uitbrengen. Er wordt met Kerstmis zoveel rotzooi uitgezonden dat ik niet weet wat er in de hoofden van de mensen van de televisieprogrammering omgaat dat ze dit meesterwerk niet willen laten zien. Het ziet er prachtig uit en de tekst, de regie en het acteerwerk zijn uitmuntend. Ik herinner me dat ik het voor het laatst op de gewone commerciële televisie heb gezien in 1977, toen ik nog een kind was. Ik herinner me ook dat ze tijdens een reclameblok een 7-UP-reclame lieten zien met Jeffrey Holder in de hoofdrol. Ik ben het nooit vergeten. Eerlijk gezegd is deze versie beter dan alle andere live-versies die ik heb gezien, behalve misschien de productie uit 1951 met de titel 'Scrooge'. Alastair Simm die in deze versie de rol van Scrooge weer op zich neemt. Simm is de beste Scrooge aller tijden. Als je A Christmas Carol leuk vindt, stuur dan een e-mail naar de programmeurs van Turner Classic Movies, American Movie Classics en Cartoon Network en vraag of ze deze geweldige film willen laten zien.

text_en: I wish someone would release this lost gem on DVD or even video. So much garbage is shown at Christmas I just don't know what goes on in the minds of television programming staff that they won't show this masterpiece. It looks beautiful and the writing, directing and acting are superb. I last remember seeing it on regular old commercial television when I was a child back in 1977. I also remember that during a commercial break they showed a 7-UP commercial starring Jeffrey Holder. I have never forgotten it. Truthfully, this version is better than any of the live action versions that I have seen except perhaps the 1951 production entitled "Scrooge" starring Alastair Simm who reprises the role of Scrooge in this version. Simm is the best Scrooge ever. If you like "A Christmas Carol" email the programming people at Turner Classic Movies, American Movie Classics and Cartoon Network and beg them and harass them to show this wonderful film.


text: Dit is verreweg de beste geanimeerde versie van de klassieker van Dickens. De weergaves en de animatie zijn donker en mysterieus, zonder de glimmende vlakheid die de meeste commerciële animatie ontsiert. En het script is verbazend trouw aan het origineel.<br />Het is soms moeilijk te vinden op videoband, maar het is de moeite waard.

text_en:
This is by far the best animated version of the Dickens classic. The renderings and animation are dark and mysteriously sketch-like, with none of the shiny flatness that mars most commercial animation. And the script is amazingly faithful in tone to the original.

It's sometimes difficult to find on videotape, but it is well worth the effort.


text: Ik heb net op Google Video de Oscarwinnende, maar voor de televisie gemaakte versie van A Christmas Carol gezien van Richard Williams. Ik heb in de loop der jaren zo veel versies gezien en gehoord, dat ik dit de prachtigste geanimeerde versie vind met zijn illustratiestijl van Londen en zijn mensen in de negentiende eeuw. Maar hoe boeiend de tekeningen ook zijn, ik vind het verhaal op 24 minuten een beetje te kort voor mijn smaak, dus de transformatie van Scrooge aan het eind is niet zo compleet als ik zou willen. Dat gezegd hebbende, was het leuk om te horen dat Alastair Sim weer de hoofdrol speelde, net als in de versie uit 1951. Zoals de Cratchit-familie en Tiny Tim keer op keer hebben gezegd: 'God zegene ons allen.'

text_en: I just saw Richard Williams' Oscar-winning but made-for-TV version of A Christmas Carol on Google Video. Having seen and heard so many versions over the years, I find this the most beautifully animated version with its illustration-style renderings of London and its people in the 19th century. As compelling as the drawings are though, I find the story at 24 minutes a little too short for my tastes so the transformation of Scrooge at the end is not as complete as I would like it to be. That said, it was nice to hear Alastair Sim once again portray the lead character as he had done in the 1951 version. As the Cratchit family and Tiny Tim have said over and over again, "God bless us everyone."


text:
Hoe kan iemand deze film kopen? Mijn man en ik proberen het al twee jaar, maar we kunnen hem niet vinden. Is er ergens een exemplaar beschikbaar, zo ja, wat is dan de prijs? Het is helemaal geen tekenfilm, maar een uitstekend stuk Victoriaanse kunst. De tekeningen roepen de schetsen op die in de tijd van Dickens werden gebruikt. Er zijn momenten die intens zijn, in ieder geval angstaanjagend voor jonge kinderen.
Het ijsberen geeft je het gevoel dat Scooge heel weinig tijd heeft om zijn leven te beteren. De geest van het kerstfeest is veel duisterder dan in andere versies. Onwetendheid en willen is er op een heel effectieve en afschuwelijke manier bij inbegrepen. Marley's geest mag niet gemist worden. '
Dit is alles behalve Mr. Magoo of Mickey Mouse Dickens. Stuur me alstublieft informatie over waar het te vinden is.

text_en:
How can someone buy this film. My husband and I have been trying for two years but we can't find it. Is there a copy out there available, if so what is the price? It is not at all a cartoon but an excellent piece of Victorian art. The drawings evoke the sketches used in Dickens own time. There are moments that are intense, certainly frightening for young children.

The pacing causes one to feel as though Scooge has very little time left to mend his ways. The ghost of Christmas Present is much darker than in other versions. Ignorance and Want are included in a very effective and horrific manner. Marley's ghost is not to be missed.

This is anything but Mr Magoo or Mickey Mouse Dickens. Please post info as to where it can be found.


text: Ik was me niet bewust van deze 24-minuten durende animatieversie van de klassieker van Charles Dickens, maar voelde me duidelijk aangetrokken tot de film vanwege Williams' status in het veld. Dat wil zeggen, afgezien van de rigoureuze maar effectieve compressie van het bronmateriaal (dankzij extreem snelle overgangen tussen de ene scène en de volgende, gekenmerkt door bewonderenswaardig mobiele achtervolgingsshots!), terwijl de essentie van het verhaal (versterkt door het verhaal van Sir Michael Redgrave) behouden blijft, is dat Alastair Sim en Michael Hordern hun rollen van Ebenezer Scrooge en Jacob Marley hernemen uit de definitieve versie van twintig jaar geleden!! Ja, het geheel lijkt bovenal te putten uit de film uit 1951: van het script, dat soms woordelijk wordt aangehaald, tot de stijl van de animatie, die met opzet het opmerkelijke detail van het Dickensiaanse Londen opriep, en dan vergeet je nog de voortreffelijke fantasiesequenties die de troefkaart van die film waren! En hierin ligt misschien het ultieme dilemma van deze film: hoewel het zeker geen plichtmatige of overbodige inspanning is, is het niet waarschijnlijk dat je de eerdere filmische vertolking om die reden zult opgeven.

text_en: I was not aware of this 24-minute animated version of the Charles Dickens classic/Yuletide perennial but was obviously drawn to the film given Williams' stature in the field. Its biggest coup  that is, apart from the rigorous yet effective compression of the source material (thanks to extremely fast transitions between one scene and the next, characterized by admirably mobile tracking shots!), while maintaining the essence of the tale (abetted by the narration of Sir Michael Redgrave)  is to have Alastair Sim and Michael Hordern reprise their roles of Ebenezer Scrooge and Jacob Marley respectively from the definitive screen adaptation of 20 years previously!! Indeed, the whole seems to draw upon the 1951 SCROOGE above all: from the script, which it sometimes quotes verbatim, to the style of animation, deliberately evoking the remarkable detail of Dickensian London  not forgetting the superbly-realized fantasy sequences  which was that particular production's trump card! And, herein, lies perhaps this film's ultimate dilemma: while certainly not a perfunctory or redundant effort, one is not likely to forsake the earlier cinematic rendition because of it


text: Dit is mijn op een na favoriete kerstfilm. Mijn eerste was Mr. Magoo's kerstfilm. Ik vond Alastair Sims als Scrooge geweldig. Ik weet dat hij met Kerstmis op een heleboel zenders te zien is, maar ik heb hem dit jaar maar één keer gezien, dus ik heb hem maar online besteld. Ik kon hem in geen van mijn plaatselijke winkels vinden. Mijn schoonzus houdt meer van de George C. Scott-versie, dus we maken altijd ruzie over welke de beste is. Wat mij betreft is haar versie niet te vergelijken met deze! Ik vond de geesten geweldig en het hele gedoe, en vooral zijn huishoudster!

text_en: This is my second favorite Christmas Carol. My first being Mr. Magoo's Christmas Carol. I loved Alastair Sims as Scrooge. I know it's on alot at Christmas but I only got a chance to see it once this year so I just ordered it online. I was not able to find it in any of my local stores. My sister-in-law loves the George C. Scott version better so we always argue about which one is best. Her version doesn't hold a candle to this one as far as I'm concerned! I loved the ghosts and the whole thing and especially his housekeeper!!


text:
Deze geanimeerde versie van Dickens' _A Christmas Carol_ werd geregisseerd door de legendarische Chuck Jones, hoewel de film totaal niet lijkt op zijn typische werk. Dit is n<0xC3><0xAD>ét de Chuck Jones van Looney Tunes of Tom & Jerry!! Voor deze aardige vertolking van het klassieke verhaal kreeg de film de Oscar voor de beste Animated Short.
In veel opzichten lijkt de film vandaag de dag een beetje gewoontjes, hoewel het in 1971 een nogal bijzondere film was. Met andere woorden, in die tijd waren lage beeldsnelheden en goedkope animatie de norm, en vergeleken met de rest van de animatiefilms was het prachtig <0xE2><0x80><0x93> vooral de met veel zorg getekende achtergronden. Dat was niet best, zeker niet voor die dag.
De enige echte problemen die ik met de film heb, zijn niet zozeer de animatie, maar het verhaal zelf en de presentatie ervan <0xE2><0x80><0x93> die is een beetje aan de saaie kant. Dat komt doordat een groot deel van de film woord voor woord Dickens is en net als zo veel, zo veel andere versies is. Plus een paar plaatsen waar het dramatischer of warmer had kunnen zijn, maar dat was het niet. Maar dat is een kleinigheidje, en sommige scènes in de film waren heel, heel goed <0xE2><0x80><0x93> zoals die oude dames die praten over de buit die ze van het lijk hebben gekregen <0xE2><0x80><0x93> de stemmen waren hier uitstekend. En over stemtalent gesproken, sommige stemmen waren zwak <0xE2><0x80><0x93> met te weinig energie <0xE2><0x80><0x93> vooral die van Scrooge zelf. Maar Marley en de oude dames waren heel goed.
Over het geheel genomen zou ik deze film een 7 geven <0xE2><0x80><0x93> hoewel hij bijna goed genoeg is om een 8 te krijgen. Het is de moeite waard om te zien <0xE2><0x80><0x93> verwacht alleen niet iets dat in het bijzonder beter (of slechter) is dan de meeste andere 247392-versies van het verhaal. Maar als je de beste versie van het verhaal wilt zien, is de George C. Scott-versie geweldig <0xE2><0x80><0x93> en legt de nadruk op de sociale aspecten van het verhaal. Met andere woorden, de filmmakers beseften dat het niet zozeer een film over Kerstmis is, maar meer een verhaal over hebzucht en bezorgdheid voor je medemens.

text_en:
This animated version of Dickens' "A Christmas Carol" was directed by the legendary Chuck Jones, though the film doesn't at all appear like any of his typical work. This is NOT the Chuck Jones of Looney Tunes or Tom & Jerry!! For this nice rendition of the classic story, the film received the Oscar for Best Animated Short.

In many ways the film seems a bit ordinary today, though for 1971 it was a rather extraordinary film. In other words, at that time, low frame rates and cheap animation was the norm and compared to the rest of the animated films it was lovely--particularly the painstakingly drawn backgrounds. While the characters lack some smoothness in animation, it isn't that bad--especially for the day.

The only real problems I see with the film aren't really the animation but the story itself and its presentation--it is a bit on the dull side. That's because much of the film is word-for-word Dickens and is like so many, many other versions. Plus, a few places where it could have been more dramatic or warm, it wasn't. But, this is a minor quibble and some of the scenes in the film were very, very good--such as the old ladies talking about the haul they got off the corpse--the voice work was excellent here. And, speaking of voice talent, some of the voices were weak--with too little energy--especially Scrooge himself. Marley and the old ladies, however, were very good.

Overall, I'd give this film a 7--though it's almost good enough to get an 8. It's well worth seeing--just don't expect anything particularly better (or worse) than most of the other 247392 versions of the tale. However, if you are looking to see perhaps the best version of the story, the George C. Scott version is terrific--and really emphasizes the social commentary aspects of the story. In other words, the film makers realized it's less a film about Christmas and more a tale of greed and concern for your fellow man.


text:
Coeurs, de nieuwste productie van de Franse meester Alain Resnais, staat te boek als een van de beste Europese producties van 2006, een feit dat werd bevestigd door de Zilveren Leeuw die de film in Venetië kreeg. Terwijl de critici en het publiek op het festival meer uit waren op andere films, zoals _The Black Dahlia_ of _INLAND EMPIRE_, kwam deze kleine, intieme, bitterzoete karakterstudie langzaam maar zeker in de richting van welverdiende erkenning, wat bewees dat de grote regisseur van de New Wave niets van zijn bijzondere gevoel voor humor had verloren.

Net als een van zijn bekendste films, _ Smoking/No Smoking_, is _Coeurs_ gebaseerd op een toneelstuk van Alan Ayckbourn. Maar terwijl _ Smoking/No Smoking_ zijn onbezoedelde Engelsheid heeft behouden, maakt Resnais het vrij duidelijk dat hij niet van plan is de film te verfilmen. Zijn nieuwe werk houdt hij zo ver mogelijk uit de buurt van de literaire bron: de titel is totaal anders (de Franse filmmaker vond _Private Fears in Public Places_ misleidend wat het onderwerp betreft), en het verhaal speelt in Parijs, met de onvermijdelijke (en, mag ik er wel aan toevoegen, briljante) veranderingen in de dialoog die dat met zich meebrengt.
De film gaat over zes mensen die worstelen om een betekenisvolle relatie aan te gaan of te behouden. Je hebt de ouder wordende Thierry (André Dussollier, grappig en hartverscheurend tegelijk) die moet vechten tegen zijn gevoelens voor zijn jongere assistente (Sabine Azéma). Je hebt zijn zus Gaelle (Isabelle Carré), die elke avond een blind date heeft en altijd enorm teleurgesteld terugkomt. Nicole (Laura Morante), een gefrustreerde vrouw die een mooi appartement probeert te vinden terwijl ze haar werkloze en steeds afstandelijker wordende vriend Dan (Lambert Wilson) probeert te versieren. En Lionel (Pierre Arditi, een laconieke onthulling), een eenzame barkeeper die voor zijn vader moet zorgen, de onbeschofte, door seks geobsedeerde Arthur (Claude Rich, gezien maar niet gezien). In de loop van vier dagen ontmoeten deze personages elkaar en beïnvloeden ze elkaar op onverwachte, amusante maar ook heel ontroerende manieren.
<0x3E> Met dit meesterwerk bewijst Resnais dat hij een echte auteur is. Hij vertelt ons een schijnbaar eenvoudig verhaal over liefde en verlangen met een directe, eerlijke benadering, van het hilarische begin tot de ontroerende, open conclusie. Hij speelt de hoofdrol in _Coeurs_, en met behulp van subtiele, pretentieloze trucs weet hij het onmogelijke voor elkaar te krijgen, namelijk dat de film er theatraal maar niet al te bizar uitziet. De sprekende delen zijn uitsluitend bestemd voor de zes hoofdrolspelers (plus Rich' onschatbare vocale cameo), elke scène speelt zich binnenshuis af (en de locaties zijn altijd dezelfde), en het belangrijkste is nog wel dat de opeenvolgende scènes met elkaar verbonden zijn door een metaforische sneeuwval, waardoor de film een poëtische, bijna magische sfeer krijgt.

Degenen die dachten dat _Coeurs_ meer kans had op minder gevloek en meer sympathie voor de personages, zouden eens naar _Coeurs_ moeten kijken. Het einde is misschien niet helemaal gelukkig, maar je loopt tenminste niet het risico in misantropie te vervallen. Onder het ogenschijnlijke pessimisme klopt een hart. Het hart van een ervaren regisseur die niet is gestopt om ons te verbazen.

text_en:
Coeurs, the latest achievement of French master Alain Resnais, stands out as one of the finest European productions of 2006, a fact confirmed by the Silver Lion it was awarded in Venice. While the critics and audience at the festival were more anxious to see other films, like The Black Dahlia or INLAND EMPIRE, this small, intimate, bittersweet character study quietly moved towards well deserved recognition, proving that the great New Wave director had lost none of his special touch.

Like one of his best known films, Smoking/No Smoking, Coeurs is based on a play by Alan Ayckbourn. But whereas Smoking/No Smoking retained its untarnished Englishness, Resnais makes it pretty clear that he's keeping his new work as distant as possible from its literary source: the title is completely different (as the French filmmaker thought Private Fears in Public Places was misleading in regards to the subject), and the story is set in Paris, with the inevitable (and, I might add, quite brilliant) changes in the dialogue that this requires.

The film focuses on six people struggling to achieve or maintain meaningful relationships. There's the aging Thierry (André Dussollier, funny and heartbreaking at the same time) who has to fight his feelings for his younger assistant (Sabine Azéma). There's his sister Gaelle (Isabelle Carré), who goes out on blind dates every night and always comes back hugely disappointed. There's Nicole (Laura Morante), a frustrated woman who's trying to find a nice apartment whilst dealing with her unemployed and increasingly detached boyfriend, Dan (Lambert Wilson). And there's Lionel (Pierre Arditi, a laconic revelation), a lonely bartender who has to take care of his father, the rude, sex-obsessed Arthur (Claude Rich, heard but not seen). Over the course of four days, these characters will meet and affect each others'lives in unexpected, amusing, but also very touching ways.

With this masterwork, Resnais proves himself a true auteur, telling us an apparently simple tale of love and longing with a direct, honest approach, from the hilarious beginning to the moving, open conclusion. In adapting Ayckbourn's stage work, he manages the impossible, which is to make the movie look theatrical but not overly bizarre, using subtle, unpretentious tricks: the speaking parts belong solely to the six leading actors (plus Rich's priceless vocal cameo), every single scene takes place indoors (and the locations are always the same), and, most importantly, sequences are linked by a metaphorical snowfall, which gives the film a poetic, almost magical feel.

Those who thought Closer could have benefited from less swearing and more sympathy for its characters should watch Coeurs. It may not exactly end on a happy note, but at least it doesn't risk sliding into misanthropy. Beneath the apparent pessimism, there's a heart beating. The heart of an experienced director who hasn't stopped to amaze us.


text: Ik heb de film vandaag gezien en ik heb er veel van genoten, ook al zal ik hem niet tot mijn Resnais-favorieten rekenen. Het verhaal op zich is eenvoudig, maar zit vol zinspelingen en 'non-dits'. Het doet me denken aan 'Smoking/No Smoking', zonder de verhaallijn, en 'On connadiert la chanson', zonder de liedjes. Ik hou van de manier waarop Resnais een heel universum creëert, half realistisch, half droomachtig, met maar zes personages, een beperkt aantal scènes en alomtegenwoordige sneeuw. De zes personages worstelen met eenzaamheid, botsen tegen verschillende obstakels: verkeerde partij, pech, gebrek aan wilskracht of perverse manipulatie. De algehele sfeer is een beetje triest, maar op een koele, zachte manier (sneeuwachtig, mag ik wel zeggen) en met humoristische trekjes, vooral wat betreft de videobanden en een onzichtbare, maar uitstekend verstaanbare, knorrige oude man van Claude Rich (die in feite zeven personages speelt). De acteerprestaties zijn onberispelijk, met een speciale noot voor Sabine Azema, André Dussolier en Pierre Arditi. En een interessante bezetting voor Lambert Wilson (die tegen de achtergrond speelt).

text_en: I've just seen the movie today, and enjoyed it a lot, even if I won't range it among my Resnais favorites. The story in itself is simple but full of allusions and "non-dits". It reminds me altogether of "Smoking/No Smoking", without the narrative twist, and "On connaît la chanson", without the songs. I like the way Resnais creates a whole universe, half realistic, half dreamlike, with only six characters, limited sets and omnipresent snow. These six characters struggle with loneliness, butting against various obstacles : wrong match, bad luck, lack of will or perverse manipulation. The general atmosphere is kind of sad, but in a cool and soft way (snowy if I may say so), and with humorous touches, especially all that relates to videotapes and an invisible but perfectly audible grumpy old man played by Claude Rich (which makes seven characters actually). The acting is impeccable, with a special note for Sabine Azema, André Dussolier and Pierre Arditi. And an interesting cast for Lambert Wilson (playing against type).


text: Er zijn een heleboel redenen om van _Coeurs_ te houden. Ik moet zeggen dat ik aanvankelijk niet veel verwachtingen had van deze Franse bewerking van het Britse stuk _Private Fears in Public Places_ van de gevierde Alan Ackynbourn. Ik had het mis: acteur-regisseur- scenarist Jean-Michel Ribes heeft een knap staaltje werk geleverd met het script. De verhalen van de zes personages kruisen elkaar soepel, er wordt een paar keer flink gelachen, maar de algemene stemming van de film is bitterzoet en peinzend. Het einde is in zekere zin erg pessimistisch: de levensechte boodschap is: liefde is een droom, en vroeg of laat moet iedereen wakker worden. De film toont opmerkelijk acteerwerk. De Italiaanse Laura Morante werd in Venetië onderscheiden met de Pasinetti-prijs, maar de rest van de cast is ook heel sterk. Er worden eervolle vermeldingen gegeven voor de gevoelige vertolking van Pierre Arditi en, op lichtere toon, voor die van André Dussollier. De regie van Alain Resnais, winnaar van de Zilveren Leeuw op het laatste filmfestival van Venetië, gaf de film een duidelijk theatraal gevoel. Het herhaalde beeld van de sneeuwval, gebruikt tussen de ene en de andere scène, is toepasselijk en poëtisch. Al met al een goede film <0xE2><0x80><0x93> aanbevolen.

text_en: There are lots of reasons to love "Coeurs" . At first, I must say, I hadn't great expectations for this French adaptation of the British play "Private Fears in Public Places", by the acclaimed Alan Ackynbourn. I was wrong: actor- director- screenwriter Jean-Michel Ribes did a clever job with the script. The stories of the six characters intersect smoothly, there are a few big laughs, but the general mood of the film is bitter-sweet and pensive. The ending is in a way very pessimistic: the very true-to-life message is love is a dream, and soon or later everybody has to wake up. The film shows remarkable acting. Italian Laura Morante was awarded with the Pasinetti award in Venice, but the rest of the cast is very strong as well. Honorable mentions go to Pierre Arditi's sensitive performance, and, with lighter tones, to André Dussollier's. Alain Resnais' direction, winner of the Silver Lion at the latest Venice film festival, left in the film a distinct theatrical feeling. The repeated image of the snowfall, used between one scene and another, is appropriate and poetic. Over all a good film - recommended. 8/10 in my book.


text: Ik geloof dat ik ergens heb gelezen dat Alain Resnais en Alan Ayckbourne vrienden zijn en dat Resnais affiniteit heeft met Ayckbournes werk, getuige Smoking/No Smoking en nu Coeurs. Er duiken weer oude rotten op. Sterker nog, als Resnais een repertoiregezelschap zou hebben, zouden daar zeker zijn vrouw Sabine Azema, Pierre Arditi, Lambert Wilson en André Dussollier bij horen, die allemaal aanwezig en correct zijn, samen met Isabelle Carre, die voor het eerst optreedt en Laura Morante die het sextet afrondt. Helaas is geen van de zes echt gelukkig, zelfs nauwelijks tevreden; de bijbellezende Azema komt er misschien nog het dichtst bij in de buurt en glimlacht als ze de rommel opruimt na de onzichtbare invalide Claude Rich <0xE2><0x80><0x93> ze ruimt zelfs z<0xC3><0xAD>jn rommel op als hij eten over haar heen gooit; Isabelle Carre is een beetje te jong om de zus van André Dussollier te zijn, maar gezien haar schoonheid is er geen echte reden voor haar om de ware liefde te zoeken in de kolommen van De Eenzame Harten. Alle zes de acteurs stralen en Resnais heeft ervoor gekozen de scènes te markeren met vallende sneeuwvlokken als symbool van een permanent gebrek aan warmte in alle zes de levens.

text_en: I think I read somewhere that Alain Resnais and Alan Ayckbourne are friends and Resnais does have an affinity with Ayckbourne's work, witness Smoking/No Smoking and now Coeurs. Severl old hands turn up yet again, indeed if Resnais can be said to have a repertory company it would certainly include his long-time wife Sabine Azema, Pierre Arditi, Lambert Wilson and Andre Dussollier, all present and correct here along with first-timer Isabelle Carre with Laura Morante completing the sextet. Alas, none of the six are really happy, hardly even content; the bible-reading Azema possibly comes closest, smiling as she cleans up after unseen invalid Claude Rich - even cleaning HERSELF up when he throws food over her; Isabelle Carre is a little young to be the sister of Andre Dussollier but given her loveliness there's no real reason for her to pursue true love in the Lonelyhearts columns. All six actors shine and Resnais has opted to mark the scene changes with falling snowflakes symbolising a permanent lack of warmth in all six lives. Verdict: Hearts are trumps.


text:
Ik heb Resnais pas kortgeleden ontdekt, toen ik het meesterwerk Providence zag. Sindsdien heb ik uitgekeken naar zijn films, dus toen dit deel bleek te zijn van het Franse filmfestival, wist ik dat ik het moest zien.
Hoe zou ik het beoordelen? Eerst was ik daar niet zo zeker van. Hoewel het vanaf het begin zijn hilarische momenten had, begon ik me af te vragen of dit een film was die de moeite waard was om meer dan één keer te zien. Als hij door iemand anders dan Resnais was geregisseerd, was dat misschien wel zo.
Maar in de tweede helft kwam de film pas echt op gang. De ontmoeting tussen Dan en Gaelle (die tot dan toe tamelijk oninteressante personages waren geweest) was uitmuntend, en vrij realistisch en innemend. Dit maakte de conclusie des te hartverscheurender, ook al leken de gevolgen een beetje clichématig. Ook werd ik meteen warm van André Dussollier, die met zijn gezichtsuitdrukkingen zoveel kan zeggen.
Mogelijk waren de personages van Nicole en Charlotte de nadelen. Het was moeilijk om echt sympathie op te brengen voor de eerste, en ik vond de laatste een beetje vreemd <0xE2><0x80><0x93> het leek alsof ze overdreef voor het humoristische effect, wat prima was, maar als het erom ging een serieus punt te maken, wist je niet precies hoe je het moest opvatten. Het hele pornogedoe was ook een beetje maf en leek, behalve dat er af en toe werd gelachen, ook een beetje gekunsteld.
Maar die dingen deden niet echt af aan de film. De dialoog was uitstekend en het hoogtepunt (met uitzondering van de eerder genoemde ontmoeting) was het einde. Het leek erop dat Resnais had gewacht tot het einde van de film om wat kunstzinnigheid tentoon te spreiden, maar het werkte ongetwijfeld. De scène met de sneeuw die in het huis viel (die deels deed denken aan Tarkovski's _Sola's_ ) was geweldig, net als de laatste momenten waarin alle personages op bekende maar vervormde plaatsen te zien waren, om hun eenzaamheid en/of ongelukkigheid te tonen. De basissequentie is al vele malen eerder gedaan, maar door de manier waarop Resnais hem regisseerde, was hij een klasse beter dan de rest. Zoals iedereen je zal vertellen, kan het einde van een film cruciaal zijn, en het einde van deze film was fantastisch.
Een laatste opmerking: in dit geval vond ik de Engelse titel veel beter dan de Franse. 'Couers' (dat volgens mijn beperkte kennis van het Frans 'harten' betekent) is een beetje saai in vergelijking met de Engelse titel 'Privéangsten in openbare plaatsen', die misschien niet helemaal relevant is voor de film, maar toch een uitstekende titel is.

text_en:
I only discovered Resnais very recently, when I saw the masterpiece Providence. Since then, I've been keeping an eye out for his films, so when this turned out to be showing as part of the French Film Festival, I knew I had to see it.

How would I rate it? At first, I wasn't so sure. Although it had its hilarious moments right from the start, I was starting to wonder if this was a film worth watching more than once. Indeed, if it had been directed by anybody but Resnais, it may not have been.

It was in the second half, though, that the film really hit its stride. The meeting between Dan and Gaelle (who up to that point were fairly uninteresting characters) was superb, and was quite realistic and engaging. This made the conclusion so much more heart-wrenching, even though the consequences did seem a little clichéd. Also, I immediately warmed to Andre Dussollier, who is able to say so much with his facial expressions.

Possibly the drawbacks were the characters of Nicole and Charlotte. It was hard to really sympathize with the former, and I thought the latter was a little odd - it seemed like she was overacting for humorous effect, which was fine, but when it came to her making a serious point, you weren't sure how to take it exactly. The whole porn thing was a little wacky as well and, apart from creating some laughs, seemed a little contrived.

Those issues, however, did not seriously detract from the film. The dialogue was excellent, and the highlight (with the exception of the afore-mentioned meeting) was the ending. It seemed like Resnais had been waiting to get to the end of the film just so he could pull off some artiness, but there is no doubt that it worked. The scene with the snow falling in the house (partly reminiscent of Tarkovsky's Solaris) was great, as were the final moments showing every character in familiar yet distorted places, to show their loneliness and/or unhappiness. The basic final sequence has been done many times before, but the way Resnais directed it put it in a class above the rest. As anyone would tell you, endings can be crucial to a film, and this film's ending was superb.

One final comment - this was a case where I thought the English title was a lot better than the French one. 'Couers' (which I believe, from my limited knowledge of French, means 'hearts') is a little dull compared to the English title of 'Private Fears in Public Places' which, while perhaps not perfectly relevant to the film, is still an excellent title all the same.


text: Ik heb er geen spijt van dat ik zonder de juiste documentatie naar deze film ben gerend, want ik heb 119 minuten pure vreugde doorgebracht, bedorven door een onverklaarbare afloop (die sindsdien is opgelost). Het is natuurlijk een testament, maar ik ben maar vijf jaar jonger dan Alain Resnais en ik breng mijn tijd liever door zonder dat er al te veel vragen worden gesteld, voornamelijk over de dood. Het is natuurlijk een transcriptie van een Engels toneelstuk, maar AR heeft het niet blindelings gekozen, hij moet op dezelfde golflengte (of kortere afstand) zitten als Alan Ayckburn. Perfect script, perfecte regie, perfecte spelers, wat mijn teleurstelling nog groter maakt. Bovendien is de religieuze toewijding van Sabine Azema verre van evident, en Isabelle Carré lijkt meer op de dochter van André Dussolier dan op haar zuster. De assistent lachte veel, net als ik, en kwam glimlachend naar buiten (ik niet). Maar het was beslist de beste film van het jaar, op de voet gevolgd door PRADA.

text_en: I do not regret to have rushed to see this movie without proper documentation, because I spent 119 minutes of pure joy, spoiled by an inexplainable ending (solved since).It is of course a testament, but I am only five years younger than Alain Resnais and I prefer to spend them without too much questions asked, about death mostly. It is of course a transcription of an English stage-play, but AR did not choose it blindly, he must be on the same wave length (or shortcut) with Alan Ayckburn. Perfect script, perfect direction, perfect players, making my disappointment even bigger. Besides, the religious devotion of Sabine Azema is far from obvious, and Isabelle Carré looks more like André Dussolier's daughter than sister. The assistance laughed a lot, like I did, and came out smiling, (not me). However, and definitely, the best movie of the year, closely followed by PRADA. harry carasso, Paris


text:
Op de hoge leeftijd van vijfentachtig jaar keert Alain Resnais terug met een weemoedige, soms amusante vertolking van het toneelstuk van Ayckbourn, waarmee hij de Engelse dysfunctie, onthechting en verlatenheid naar Parijs overbrengt.
Resnais compenseert de beperkingen en de logheid van de bron door het beeld van de film in een vuurrode gloed te dompelen en provocerende visuele parallellen tussen de zes hoofdpersonen te voorschijn te toveren.
Ze zouden allemaal scherven van de ene identiteit kunnen zijn, want ze delen dezelfde trek van ontevredenheid van middelbare leeftijd (middelbare klasse).
<0x3E> Favoriete scène <0x3E> Wanneer de sneeuw die elke scène markeert eindelijk op de set neerdaalt terwijl Charlotte en Lionel op zoek zijn naar zielen.

text_en:
At the grand old age of 85, Alain Resnais returns with a wistful, sometimes amusing adaptation of the Ayckbourn play, transporting English dysfunction, disconnection and desolation to Paris.

Resnais compensates for the limits and staginess of the source by immersing the look of the film in a fire-side lustre and teasing out provocative visual parallels between the six main characters.

They could all be shards of the one identity, such do they share the same strain of middle-aged (class) discontent.

Favourite scene  When the snow that bookmarks each scene finally cascades onto the set as Charlotte and Lionel search souls.


text:
Relaties. Ze kunnen grappig en verdrietig zijn. Je hebt de relatie van Charlotte (Sabine Azéma) met haar collega Thierry (André Dussollier). Ze is erg gelovig en leent hem een video met religieuze muziek. Natuurlijk ziet hij, als het tv-programma afbreekt, iets wat ze hem vast niet wilde laten zien. Of toch wel? Het is niet duidelijk.
Dan is er de vader van Charlotte en Lionel (Pierre Arditi) en Lionels vader Arthur (Claude Rich). Ze werkt's avonds als verzorgster en Arthur, die we nooit zien, is een chagrijnige oude rotzak. Hij gooit soep over haar heen, praat smerig en schreeuwt tegen haar.

Lionel, een barkeeper, heeft te maken met zijn vader, en met Dan (Lambert Wilson), die zes maanden geleden uit het leger is getrapt en het zijn verloofde, Nicole (Laura Morante) behoorlijk lastig maakt omdat ze geen werk heeft gevonden. Hij brengt zijn tijd door met dronken worden.
Thierry en Charlotte hebben de volgende dag een grappig gesprek over de band. Charlotte heeft geen idee wat ze op het eind heeft ingesproken. Thierry verheugt zich op nog een band. Hij wordt niet teleurgesteld. Na de tweede band gaat hij natuurlijk weer verder, met rampzalige gevolgen, maar Charlotte vertelt haar geheim aan Lionel en dat is precies wat hij nodig heeft om zijn mond te houden. Natuurlijk moet ze na afloop veel bidden. '
Zoals ik al zei, er is een heleboel grappigs en een heleboel verdrietigs, maar zo zijn relaties nu eenmaal. Alain Resnais heeft heel wat uit een paar zeer getalenteerde acteurs weten te halen en een film gepresenteerd die buitengewoon plezierig was.

text_en:
Relationships. They can be funny and sad. There is the relationship of Charlotte (Sabine Azéma) with her co-worker Thierry (André Dussollier). She is very religious and lends him a video of religious music. Of course, when the TV program cuts off, he sees something I am sure she didn't mean for him to see. Or, did she? It is not clear.

Then there is Charlotte and Lionel's (Pierre Arditi) father Arthur (Claude Rich). She is working as a caregiver in the evenings and Arthur, whom we never see, is one cantankerous old bastard. he throws soup on her, speaks foully, and screams at her.

Lionel, a bartender, has to deal with his father, and with Dan (Lambert Wilson), who got kicked out of the Army six months ago and is getting hell from his fiancée, Nicole (Laura Morante) for not finding a job. He spends his time getting plastered.

Thierry and Charlotte are funny the next day discussing the tape. Charlotte has no idea what she left on the end. Thierry is looking forward to another tape. He is not disappointed. Of course, after the second tape, he moves forward with disastrous results, but Charlotte exposes her secret to Lionel and it is just the thing to shut him up. Naturally, she has to do a lot of praying afterward.

Like I said, there is a lot that is funny, and a whole lot that is sad, but isn't that the way relationships are? Alain Resnais got a lot out of some very talented actors and presented a film that was thoroughly enjoyable.


text: Deze film wordt zo nu en dan uitgezonden op IFC en is de moeite van het bekijken waard. Sommige van de optredens zijn eigenaardig en subtiel, en de romantische komedie is onderkoeld (hoewel ik uit een staat kom waar ik niet van hou als het om 'romantische komedies' gaat, vind ik ze in feite suikerzoet en onverdraaglijk). Onnodig te zeggen dat de scènes hier een verademing zijn. De moeite van het bekijken waard is de vertolking van Sabine Azema, als Charlotte, Isabelle Carre als Gaelle en Lambert Wilson als Dan.<br />De decors zijn origineel en op de achtergrond van sneeuw, in de stad Parijs. Romantisch en ironisch, nooit banaal of weeïg. Meer dan één visie waard voor een publiek met smaak dat niet nog een Hollywood-opvoering van banale romantiek kan verdragen. Aanbevolen.

text_en:
This film is shown occasionally on IFC and is worth watching,some of the performances are quaint and subtle, and the romantic comedy is understated (Though I'm from the states I don't like over the top Hollywood "romantic comedies",actually find them saccharine and intolerable.) Needless to say,the vignettes here are a breath of fresh air. Worth noting is the performance of Sabine Azema,as Charlotte,Isabelle Carre as Gaelle, and Lambert Wilson as Dan.

The sets are original and in the backdrop of snow, in the city of Paris. Romantic and ironic, never trite or cloying. Worth more than one view for audiences with taste who cannot stomach yet another Hollywood serving of trite romance. Recommended.9/10.


text: Nog zo'n mooi voorbeeld van de getalenteerde Franse kunst om alledaagse alledaagse situaties om te toveren tot geniaal amusement. Met als extraatje dat je verwend wordt met een van Lambert Wilsons briljante optredens. Absoluut fantastisch. Uitstekend script, schitterende set, onberispelijke rolbezetting, sublieme cameravoering, opbeurende soundtrack. Een perfecte mix van geestige humor, subtiel drama & verlokkende toevalligheden. Gewoon een eersteklas Franse film. Een absoluut meesterwerk dat je niet mag missen. Het beste woord om deze film te beschrijven is 'gezellig', een Frans woord dat helaas berucht is omdat het niet in een andere taal kan worden vertaald.

text_en: Another fine example of the accomplished French art of turning daily mundane situations into sheer genius entertainment. With the added bonus of being spoiled with one of Lambert Wilson's brilliant performances. Absolutely fantastic. Excellent script, splendid set, impeccable casting topped of with sublime camera work, lightening & soundtrack. A perfect mix of penchant humour, subtle drama & tantalising coincidences. Just plain top notch French cinema. An absolute masterpiece that qualifies as sin to miss out on. The best word to describe this movie is 'gezellig', a dutch word which unfortunately is notoriously renowned for it's inability to be translated into another language.


text: Als ik had geweten dat 'Privéangsten in openbare ruimten' (de Engelse titel van _Coeurs_ ) de naam is van een toneelstuk van Alan Ayckbourn, zou ik misschien weg zijn gebleven, maar de aantrekkingskracht van een nieuwe film van een van de grote auteurs van de twintigste eeuw was te sterk. De man die _ Hiroshima mon amour_ en _L'annee derniere a Marienbad_ heeft gemaakt, heeft zijn vermogen om de kijker te frustreren niet verloren, deze keer met een reeks trieste Parijzenaars die gevangen zitten in eenzaamheid en zichzelf te slim af zijn. De 'humor' van de film gaat ten koste van deze zielige figuren, voor wie het moeilijk is veel sympathie op te brengen, en hun steeds terugkerende en irriterende gedrag wordt al snel irritant. Nu ik _Coeurs_ heb gezien, begrijp ik waarom Renais' _Coeurs_ zo irritant is. De laatste productie heeft weinig of geen distributie in de Engelse sprekende wereld gehad <0xE2><0x80><0x93> de film is zielloos, te lang en uitsluitend voor degenen die de tijd van de Franse New Wave missen.

text_en: Perhaps if I had realised that "Private Fears in Public Places" (the English title for Coeurs) is the name of an Alan Ayckbourn play, I would have stayed away, but the allure of a new movie from one of the great auteurs of the twentieth century was too strong. The man who made Hiroshima mon amour and L'annee derniere a Marienbad has not lost his ability to frustrate the viewer, this time with a series of sad Parisians locked into loneliness and self-defeating behaviours. The "humour" of the film is at the expense of these pathetic characters, for whom it is hard to feel much sympathy, and their complusive and repetitive behaviours rapidly become irritating. Having seen Coeurs, I can understand why Renais' recent output has had little or no distribution in the English speaking world - the film is soulless, overlong and strictly for those who miss the days of the French New Wave.


text:
Dat bracht me op het idee dat een aantal van degenen die deze film op waarde wisten te schatten daar wel eens gelijk in zouden kunnen hebben <0xE2><0x80><0x93> ik was zo teleurgesteld!
Cinematografie <0xE2><0x80><0x93> volkomen statisch.
Richting <0xE2><0x80><0x93> vlak.
Dialoog <0xE2><0x80><0x93> nou ja, het is realistisch, maar het is geen goede dialoog; het is eigenlijk saai.
personages <0xE2><0x80><0x93> niet een waar we echt om geven: rare ballen maar geen interessante mafkezen, bovendien zijn ze allemaal depressief! & daar hebben ze ook alle recht toe, niets erger dan neuroten zonder gevoelsayuma. Zou iemand als Woody Allen leuk zijn als hij af en toe niet grappig was?
Symboliek <0xE2><0x80><0x93> onhandig <0xE2><0x80><0x93> sneeuw, sluiers, dingen 'in-tussen' <0xE2><0x80><0x93> afgezaagd & saai!
Meestal kijk ik elke film door als ik hem langer dan 30 minuten heb gezien, maar deze niet. Ik heb het geprobeerd, maar ik viel steeds in slaap. Ik denk dat ik door de sneeuw bevriezingsverschijnselen kreeg.
Resnais heeft een paar geweldige films gemaakt, maar als je hem in je hart wilt sluiten, sla dan dit zwanenlied maar over.

text_en:
I got this thinking that probably several of those who appreciated this film might be right about it - I was so disappointed!

Cinematography - utterly static.

Direction - flat.

Dialogue - well, it's realistic, but that doesn't make good dialog; in fact, it's dull.

Characters - not one we really care about: odd balls but not interesting weirdos, besides they're all depressed! & have every right to be, nothing worse than neurotics without sensesayuma. Would anyone like Woody Allen if he wasn't funny sometimes?

Symbolism - clumsy - snow, veils, things "in-between" - hackneyed & boring!

Usually I'll watch any movie through if I've made it past 30 mins, but not this one. I tried, but I kept falling asleep. I think I got mental frostbite from the snow.

Resnais has made some great films, but if you want to remember him fondly, skip this swan song.


text: Ik hoef u niet te vertellen dat Sergei Eisenstein een van de belangrijkste vernieuwers van de film was, en dat hij de montage voorgoed meester was en de manier waarop films werden gemaakt en door het publiek werden waargenomen kon veranderen. Ik kan niet toegeven dat ik Eisensteins grootste bewonderaar was, en dat kwam niet door een aversie tegen zijn werk, maar gewoon door onervarenheid. Afgezien van 'The Battleship Potemkin' (1925) <0xE2><0x80><0x93> een vereiste voor iedere filmliefhebber in de dop <0xE2><0x80><0x93> had ik zijn debuutfilm 'Glumov's Diary' (1923) alleen maar gezien, een korte en weinig intrigerende korte film waar je moeilijk aan kunt komen. 'Sentimental Romance' werd geregisseerd door Eisenstein en Grigori Aleksandrov, die bij verschillende gelegenheden samenwerkten. Dit was de eerste keer dat het stel zich in 'talken' waagde, en ik moet toegeven dat ik onder de indruk was van de film.' 'Sentimental Romance' wordt op IMDb onverklaarbaar omschreven als een komedie, wat vreemd is, want er is geen spoor van humor te bekennen.<br />In plaats daarvan is dit een van de droevigste films die ik in weken heb gezien, een treurige en bitterzoete ode aan de onontkoombare eenzaamheid. Ik weet niet waar de zangeres (gespeeld door Mara Griy) over zong, maar haar eenzame situatie brak mijn hart. Er zitten twee kanten aan de film van Eisenstein en Aleksandrov. De eerste, die zo'n vijf minuten duurt, is een fanatieke en maffe collage van vallende bomen, doorsneden met brekende golven van de oceaan, die zo ingenieus in elkaar zijn gezet dat ik zou kunnen zweren dat ik een beeld zag van water dat een bos verzwolg. Dan wordt alles wat trager en doet Eisenstein even een stap achteruit van de montagetafel. De zangeres wordt voorgesteld als een stil silhouet tegen een felverlicht raam, en de camera vangt haar bewegingen soepel en gracieus op. Hoewel het waarschijnlijk geïnspireerd is door de steeds populairdere surrealistische werken van het eind van de jaren twintig en het begin van de jaren dertig, zoals 'Un chien andalou' (1929), 'H2O' (1929) en 'The Blood of a Poet' (1930) <0xE2><0x80><0x93> vind ik deze inspanning veel beter. Het mist de pretenties van zijn tijdgenoten en heeft aanzienlijk meer hart dan ik voor een surrealistisch werk voor mogelijk had gehouden.

text_en:
It doesn't need saying that Sergei Eisenstein was one of cinema's most significant innovators, and his mastering of the montage was forever to alter how films were made and perceived by audiences. I can't confess to being Eisenstein's greatest admirer  not through any aversion to his work, but simply due to inexperience. Aside from the 'The Battleship Potemkin (1925),' a prerequisite for any budding film buff, I'd previously only seen his debut effort 'Glumov's Diary (1923),' a brief and plot-less short that is rather difficult to come by. 'Sentimental Romance (1930)' was co-directed by Eisenstein and Grigori Aleksandrov, who worked together on several occasions. This was the pair's first venture into "talkies," and I must admit to being impressed by the film's complex mastery of this new medium. Dialogue is absent, with the exception of the lone female protagonist's melancholy opera performance, and rhythmic editing is used to synchronise the music with the accompanying images. IMDb inexplicably lists 'Sentimental Romance' as a comedy short, which is odd since there isn't a trace of humour in sight.

Instead, this is one of the saddest films I've seen in weeks, a mournful and bittersweet ode to inescapable loneliness. I don't know what the singer (played by Mara Griy) was singing about, but her solitary plight really broke my heart. There are really two sides to Eisenstein and Aleksandrov's film. The first, comprising the opening five minutes or so, is a frenetic and zany montage of trees falling down, intercut with crashing ocean waves, which are spliced so ingeniously into place that I could swear I saw a shot of water actually engulfing a forest. Then everything slows down a bit, and Eisenstein briefly steps back from the editing console. The singer is introduced as a silent silhouette against a brightly-lit window, and the camera catches her movements smoothly and gracefully. Though likely inspired by the ever-more-popular Surrealist works of the late 1920s and 1930s  namely 'Un chien andalou (1929),' 'H2O (1929)' and 'The Blood of a Poet (1930)'  I like this effort much better. It lacks the pretensions of its contemporaries, and has considerably more heart than I imagined possible for a work of surrealism.


text:
Veel hedendaagse wetenschappelijk onderzoek naar de geschiedenis van de film leidt tot discussies over de vraag waar de eerste'muziekvideo' vandaan kwam. Deze video's worden los van de musicals gezien, omdat ze bestaan om beeldmateriaal voor de muziek te creëren, terwijl musicals de muziek gebruiken om drama of spektakel te creëren voor beeldmateriaal. Misschien kunnen we dan stellen dat 'Romance Sentimentale' van Eisenstein en Alexandrov, een poging om een verhaal te creëren voor een opera dat ze 'dat oude Russische lied' noemen, een van de eerste muziekvideo's is? Vooral Eisenstein is geschikt voor deze benadering, omdat één ding dat muziek en beeldende kunst goed met elkaar verbindt, ritmische montage is, iets waar hij om te beginnen beroemd om is, en ook iets wat hij eerder met succes had gebruikt om geluidsachtige indrukken te creëren in volkomen geluidloze films (bijvoorbeeld door snel te knippen tussen een machinegeweer en de schutter om het geluid van het uitladen van het machinegeweer voor te stellen).
Deze film houdt ook verband met de overeenkomsten tussen muziek en beeldhouwwerk (sommige theoretici beschouwen muziek als 'geluidssculptuur'), natuur, huiselijk leven, kunst en emoties, die natuurlijk allemaal in deze film aanwezig zijn. De stukken met vuurwerk zijn echt episch en ik durf te wedden dat de inspiratie achter sommige beelden in Disney's latere 'Fantasia' te vinden was, vooral de animatie met Mickey Mouse.
Er zijn een paar experimenten met het geluid zelf, zoals bijvoorbeeld in het begin, toen het geluid van de muziekinstrumenten die werden gestemd, werd vermengd met geluiden van de natuur om te spelen met het idee van de potentiële ritmische kwaliteiten die inherent zijn aan de natuur.
- PolarisDiB.

text_en:
A lot of contemporary scholarship into film history creates debates as to where the first "music video" came from. These would be considered separate from musicals in that it exists to create imagery for the music, while musicals use the music to create drama or spectacle for imagery. Possibly we could then argue that Eisenstein's and Alexandrov's "Romance Sentimentale", an attempt to create a narrative for an Opera that they call "that old Russian song", is one of the first music videos? Eisenstein in particular is good for this approach because one thing that ties music and imagery together well is rhythmic editing, something he is famous for in the first place and also something that he had previously successfully used to create sound-like impressions in completely silent films (like, for instance, quick cutting between a machine gun and its firer to represent the sound of the machine gun unloading).

This movie also ties in the similarities between music and statue (some theorists consider music "sound sculpture"), nature, domestic life, art, and emotions, which of course all all present in this film. In fact, the use of Rodin's pieces with fire-works is down right epic and I would hedge a fare money-sum was the inspiration behind some of the images in Disney's later "Fantasia," especially the animation with Mickey Mouse.

There are some experiments into the sound itself, like for instance during the beginning when the sound of the musical instruments tuning is intercut with sounds of nature to play with the idea of the potential rhythmic qualities inherent in nature.

--PolarisDiB


text:
Om 20 minuten is dat kort genoeg om door iedereen gezien te worden. Het illustreert keurig dat de film rond 1930 al een status had verworven als een combinatie van kunst en amusement.
Dit is zeer toegankelijke kunst <0xE2><0x80><0x93> en zeer Russisch <0xE2><0x80><0x93> de snelle montage van de zee en de bomen bij de opening en de thema's van existentiële eenzaamheid en sentimentaliteit die door elkaar heen lopen, zijn kenmerkend voor de Russische psyche, maar blijven heel gemakkelijk toegankelijk.
Maar het belangrijkste kenmerk van de film is de uitstekende soundtrack <0xE2><0x80><0x93> die is werkelijk voortreffelijk. De muziek van Alexis Arkhangelsky, die zelf een uitstekende klassieke componist was (Zijn meest uitgevoerde stuk is 'Prijs de Heer'). Het is duidelijk dat Chopin en Prokofjev geïnspireerd zijn door de alt, Mara Griy (de vrouw van de financier, heb ik begrepen), en dat ze het fantastisch doet.

Zowel Grigori Aleksandrov als natuurlijk Sergei Eisenstein zou tot in de jaren vijftig de twee invloedrijkste Sovjet-regisseurs blijven.
Het is interessant om op te merken dat deze film werd gemaakt op het moment dat Eisenstein naar Hollywood verhuisde (Hij heeft hem nooit gemaakt <0xE2><0x80><0x93> de machthebbers van Hollywood onder Pease zouden een Sovjet-regisseur gewoon niet accepteren <0xE2><0x80><0x93> het plan was dat hij Shaw's Arms & The Man zou maken).

Romance Sentimentale is gegroepeerd als avent-guarde met L'Age D'<0xC3><0x89>té. of (wat bijna een eeuw later nog steeds behoorlijk verontrustend is) en Bloed van de Dichter, maar dit is in feite avent-guadrepoëzie, een overgang van Dadaisme en het verlangen om met een schok tot surrealisme over te gaan en een meer introvert innerlijk gezichtspunt. Het einde is een prachtige elegische verrassing en hoewel de film experimenteel is, blijft hij over het geheel genomen echt gangbaar.
Als je de kans krijgt om hem te zien, is het de moeite waard.

text_en:
At 20 minutes this is short enough to be seen by everyone. It illustrates neatly that cinema by 1930 had already acquired a status as art and entertainment combined.

This is very accessible art - and very Russian - the quick cut montage of sea and trees at the opening and its themes of existential loneliness and sentimentality that run throughout are quintessential characteristics of the Russian psyche, yet remain very easily accessible.

The key feature of the film though is the excellent soundtrack - it really is outstanding. The music by Alexis Arkhangelsky, who was himself an outstanding classical composer (His most performed piece is "Praise Ye The Name Of The Lord") is obviously Chopin and Prokofiev inspired with the alto, Mara Griy (The wife of the backer, so I understand), doing a wonderful job

Both Grigori Aleksandrov and of course Sergei Eisenstein would remain the two most influential Soviet directors right up to the 1950s.

It is interesting to note that this film was made just as Eisenstein was moving to Hollywood (He never made - the Hollywood powers under Pease simply wouldn't countenance a Soviet director - the plan was that he make Shaw's Arms & The Man).

Romance Sentimentale is grouped as avent-guarde with L'Age D'or (Which is still pretty disturbing nearly a century later) and Blood of the Poet but this is really avent-guadre poetry, a move from Dadaism and it's desire to shock into surrealism and a more introverted internal viewpoint. The ending a wonderful elegiac surprise and even though the film is experimental it remains truly mainstream in its vision overall.

If you get a chance to see it it is well worth the effort.


text: Nou, dit is een eerste. Ik heb net een 'kunstfilm' gezien, en ik vond hem helemaal niet vreselijk. Eigenlijk was hij op een heel vreemde manier heel boeiend <0xE2><0x80><0x93> hoewel het beslist NIET het soort film is dat ik vaak zou willen zien (als ik dat deed, zou ik mijn naam in 'Dieter' moeten veranderen en naar een chique plek moeten verhuizen, zoals Parijs of Praag). Deze film van Grigori Aleksandrov en Sergei M. Eisenstein was kennelijk in opdracht gemaakt door de echtgenoot van de dame in deze film.<br />Het zou erg moeilijk zijn om de film te beschrijven, omdat er geen duidelijke plot of dialoog in zit, maar daar gaat-ie dan. In veel opzichten is de film een combinatie van de Cocteau-film _BLOOD OF A POET_, de schilderijen van Ansel Adams en een Russische muziekvideo. Ik weet dat dit allemaal vreemd en verwarrend klinkt, maar het klopt wel. Tot bijna de zesde minuut laat de film alleen hier en daar een stukje van het landschap zien dat op muziek is gezet. Dan worden scènes van een mooie Russische dame die zingt met elkaar in verband gebracht <0xE2><0x80><0x93> samen met een paar zinloze beelden (zoals de op Cocteau geïnspireerde scène waarin de camera achteruit wordt gedraaid en een paar uitbarstingen van sterren die een animator er aan het eind op grandioze wijze aan toevoegt). Afgezien van de zinloze beelden werkte de film heel goed <0xE2><0x80><0x93> een handige mix van sombere muziek, beelden en camerawerk <0xE2><0x80><0x93> als iets wat je in een moderne kunstgalerie zou kunnen zien. Niet irritant en enigszins interessant (in tegenstelling tot BLOOD OF A POET).

text_en:
Well, here is a first. I just watched an "art film" and I didn't totally hate it. In fact, in a very odd way, it was rather compelling--though certainly NOT the type film I'd like to see very often (if I did, I'd have to change my name to "Dieter" and move to someplace chic, like Paris or Prague). This film by Grigori Aleksandrov and Sergei M. Eisenstein was apparently commissioned by the husband of the lady featured in this film.

To describe the film would be very hard, as it has no apparent plot or dialog, but here goes. In many ways, the film is like a combination of the Cocteau film BLOOD OF A POET, the paintings of Ansel Adams and a Russian music video. I know this all sounds strange and confusing, but this is pretty accurate. Until nearly the sixth minute, the film just shows bits of scenery here and there set to music. Then, scenes of a lovely Russian lady singing are inter-spiced into the film--along with some pointless images (such as the Cocteau inspired scene where the camera is run backwards as well as some star-bursts that an animator added in grand fashion towards the end). Aside from the pointless images, the film actually worked very well--a deft blending of moody music, images and camera-work--like something you might see in a modern art gallery. Not annoying and somewhat interesting (unlike BLOOD OF A POET).


text: Deze beste stedelijke thriller was misschien wel de beste die er in de tijd van de blaxploitatie is gemaakt. Het verhaal is grimmig, naargeestig en gewelddadig en het vuil en het vuil van Harlem is in elke scène aanwezig. Het thema van de film is zwart versus wit, zonder subtiele grijstinten. Drie zwarte mannen stelen geld van de maffia, met voorspelbare resultaten die in korte tijd volgen. Anthony Quinn en Yaphet Kotto zijn politieagenten met heel verschillende agenda's en hun relatie is er een van wederzijdse afkeer. Anthony Franciosa is overdreven als de maffia-inspecteur en Richard Ward is een maffia-baas met een knarsende stem uit Harlem die zich met een brutale uitdaging tegen de maffia verzet. De zang van Bobby Womack begeleidt de film.

text_en: This top urban thriller was perhaps the best of the films made during the blaxploitation era. The story is grim, bleak and violent and the grit and grime of Harlem is present in every scene. The theme throughout is black vs. white with no subtle shades of gray. Three black men steal money from the Mafia, with predictable results that follow in short order. Anthony Quinn and Yaphet Kotto are police officers with quite different agendas and their relationship is one of mutual dislike. Anthony Franciosa is over-the-top as the Mafia lieutenant and Richard Ward is a gravel-voiced Harlem crime boss who stands up to the Mafia with a brash defiance. Bobby Womack's vocals accompany the film.


text:
Vermomd als politieagenten stelen drie zwarte misdadigers een grote hoeveelheid geld nadat ze vijf koeriers van het syndicaat en twee politieagenten hebben vermoord.'
<0x3E><0x3E> De New Yorkse politie en de maffia reageren onmiddellijk bezorgd.
<0x3E><0x3E> Kapitein Frank Mattelli (Quinn) is een taaie politieveteraan. Hij neemt het luitenant Pope (Kotto) kwalijk dat hij zich met de zaak bemoeit, terwijl maffiabaas Don Gennaro (Frank Mascetta) zijn paranoïde schoonzoon, Nick D'Salvio (Anthony Franciosa) stuurt om de controle over het filiaal in Harlem te herstellen en ervoor te zorgen dat het geld wordt teruggegeven.
<0x3E><0x3E> Het zwarte syndicaat, aangevoerd door dokter Johnson (Richard Ward) en zijn assistent Shevvy (Gilbert Lewis), wijst D'Salvio af. Salvio belooft weliswaar alleen voor de vorm te helpen en beschuldigt Mattelli, die jarenlang door Johnson is omgekocht, maar dat is dan ook alles.

Anthony Quinn speelt de oudere rechercheur die al lang geleden heeft ingezien dat al zijn inspanningen niet meer zullen opleveren dan een klein deel van de dekmantel van de misdaad, maar hij voelt zich niet te goed om steekpenningen aan te nemen van een schurk. Zijn manier om met een onwillige getuige om te gaan is eerst hard toeslaan en dan pas vragen stellen. De rigoureus wettelijke aanpak van het politiewerk, zoals geïllustreerd door Yaphet Kotto, is niets voor Quinn. Dit is zijn territorium, zijn koninkrijkje, en hij bewaart de vrede zo goed als hij kan.

text_en:
Disguised as cops, three black crooks steal a big amount of cash after killing five syndicate runners and two policemen The New York police and the Mafia react with immediate concern

Tough police veteran Captain Frank Mattelli (Quinn) resents the intrusion of Lieutenant Pope (Kotto), a black detective, in the case, while Mafia boss Don Gennaro (Frank Mascetta) sends his paranoid son-in-law, Nick D'Salvio (Anthony Franciosa), to reassert control over the Harlem branch and see that the money is recovered

The black syndicate, headed by Doc Johnson (Richard Ward) and his assistant Shevvy (Gilbert Lewis), rejects D'Salvio, while promising only token help, and accuses Mattelli, who has been on the take from Johnson for years

Anthony Quinn plays well the ageing detective who has long ago perceived that all his efforts are not going to do more than raise the very small part of the cover of crime, but he is not above taking a bribe from a racketeer His method of dealing with a reluctant witness is to hit hard first and ask questions laterThe rigorously legal approach to police work, as exemplified by Yaphet Kotto, is not for Quinn This is his territory, his little kingdom, and he keeps the peace as best he knows


text:
Barry Shear regisseerde en Luther Davis schreef (na een roman van Wally Ferrsi) _Across 110th Street_ in 1972 en de filmsterren Anthony Quinn als Mattelli en Yaphet Kotto als Pope. Pope en Mattelli zijn twee politierechercheurs, Mattelli blank en Pope zwart, die een bloederige moord met een machinegeweer onderzoeken die plaatsvond in Harlem, op een plek waar zelden blanken iets anders doen dan zakendoen. Iemand heeft een grote hoeveelheid geld van de Italiaanse maffia gestolen en dat is allemaal in de bloedige schietpartij terechtgekomen, en alleen de dieven zijn er levend vanaf gekomen. De twee hoofdpersonen proberen de zaak op te lossen voordat het te laat is, want de maffia is bereid gewelddadige methoden te gebruiken om zijn geld terug te krijgen. Dat is een uitgangspunt voor deze klassieke film.
Ik ben echt dol op de sfeer in deze film, want die ontbreekt in de meeste van de huidige films. De omgeving in Harlem is erg lelijk, smerig en zanderig, en dat past bij het leven. Deze film verbergt niets, hij toont de ware gezichten van het leven in deze grote stad en alle ziekten van prostitutie tot moord die daar leven. Deze film komt aardig in de buurt van Don Siegel.' Het meesterwerk van Quinn, Dirty Harry (1971), liet ook een ruige stedelijke omgeving zien zonder een greintje humor of iets wat de realistische en genadeloze sfeer kon verzachten. De fotografie is ook geweldig en technisch gezien zijn er in deze film geen tekortkomingen. De actiescènes zijn opwindend <0xE2><0x80><0x93> zij het niet te veel <0xE2><0x80><0x93> en alles in deze film is zo krachtig en effectief als de regisseur en de scenarist van plan waren.
Het meest tragische personage is Mattelli, die vijfenvijftig is en niet van plan is zijn leven bij de politie en met al dat tuig voort te zetten. Kotto's personage is jonger en wil nog steeds doorgaan, maar aan het eind van de film heeft hij misschien ook andere ideeën over zijn leven. De slotscène is heel krachtig en gedenkwaardig, vooral omdat hij zo tragisch en droevig is, en ook intelligent en tot nadenken stemt. De laatste 10 minuten zijn heel opmerkelijk, omdat de spanning te snijden is en niemand weet hoe dit zal aflopen en, belangrijker nog, wie er aan het eind nog in leven zal zijn. Kogels doen hun werk als ze worden afgevuurd en laten nooit iemand in leven in deze gewelddadige en hebzuchtige wereld.
De uitvoeringen zijn echt fantastisch en ik vind Quinn persoonlijk het leukst in deze moeilijke film. Hij acteert heel overtuigend en heeft een paar harde scènes en fragmenten, waaruit zijn acteertalent blijkt. Ondanks het feit dat het geweld in mentaal opzicht wreed is, is het in fysiek opzicht ook heel sterk, want de maffia martelt mensen zonder wroeging om zijn doel te bereiken, maar ze hadden er ook mee moeten ophouden voordat het te laat was. Geweld en misdaad leveren nooit iets op, en dit is weer een film om uit te beelden en erover te vertellen. Deze film mag dan niet al te 'visueel gewelddadig' zijn volgens de normen voor videospelletjes en R-ratings, maar vergeleken met de meeste andere films van vandaag is geweld veel sterker en emotioneel uitdagender in deze eerlijke film, die zijn wreedheid nooit verfraait met stompzinnige one-liners en humoristische pogingen. Dit is een van de meest realistische misdaadfilms die ik ooit heb gezien. De geldbuidel aan het eind laat enige hoop voor morgen achter, ook al is die hoop voor de meeste hoofdpersonen zelf te laat gekomen.
Aan de overkant van 110th Street zijn een paar tamelijk ongeloofwaardige scènes en fragmenten, die niet al te zorgvuldig worden verklaard en weinig overtuigend lijken, maar het zijn er heel weinig en ze zijn gemakkelijk te vergeven na alle verdiensten en positieve dingen die deze film te bieden heeft. Deze film is net zo klassiek als Dirty Harry en ik deze 9/10-beoordeling geven en ik beveel hem ten zeerste aan voor liefhebbers van ruige gangster- en misdaadfilms, die nooit domme pogingen doen om het publiek met humor of andere popcornmethoden te amuseren.

text_en:
Barry Shear directed and Luther Davis wrote (after a novel by Wally Ferrsi) Across 110th Street in 1972 and the film stars Anthony Quinn as Mattelli and Yaphet Kotto as Pope. Pope and Mattelli are two police detectives, Mattelli white and Pope black, who investigate a bloody machine gun murder that took place in Harlem, in a location in which there rarely are any white people doing something else than business. Somebody stole big amount of Italian mafia's money and it all ended up in the bloody shoot out, and only the thieves got away alive. The two lead characters try to solve this thing before it is too late, since the mafia is willing to use violent ways in order to get its money back..This is a premise for this classic film.

I really love the atmosphere in this film since it is something that totally lacks in most of today's films. The setting in Harlem is very ugly, dirty and gritty and therefore true to life. This film doesn't hide anything, it shows the true faces of life in this big city and all the diseases from prostitution to murder that live inside it. This film is pretty close to Don Siegel's masterpiece, Dirty Harry (1971) which also showed very gritty urban setting without any bit of humor or something to ease the realistic and merciless atmosphere. The photography is also very great and technically there are no worth mentioning flaws in this film. The action scenes are exciting - albeit not too plenty - and everything in this film is as powerful and effective as the director and screenwriter intended to.

The most tragic character is Quinn's Mattelli, who is 55 and not so willing to continue his life in police and with all this scum. Kotto's character is younger and still willing to keep on, but at the end of the movie, he may have another thoughts about his life, too. The end scene is very powerful and memorable mostly because it is so tragic and sad and also intelligent and thought-provoking. The whole last 10 minutes is very remarkable as the tension is in top and no one knows how this will end and, more importantly, who will be alive at the end. Bullets when fired do their jobs and never leave anyone alive in this violent and greedy world.

The performances are totally wonderful, and I personally like Quinn the most in this difficult film. He acts very convincingly and has some hard scenes and segments, which show his abilities as an actor. The violence despite being brutal in mental way, is very strong physically, too, as the mafia tortures people without remorse in order to reach its target, but also they should have finished before it became too late. Violence and crime never pays, and this is again one movie to depict and tell about it. This film may not be too "graphically violent" by today's video game and R rating standards, but compared to most of today's films, violence is far stronger and emotionally challenging in this honest film, which never glamorizes its brutality with stupid one liners and humor efforts. This is among the most realistic crime films I've ever seen. The moneybag at the end leaves some hope for tomorrow, even though the hope is for most of the protagonists themselves too late.

Across 110th Street has some pretty non-believable scenes and segments, which are not explained too carefully and seem little unconvincing, but they are very few and are easy to forgive after all the merits and positive things this film gives. This film is as classic as Dirty Harry and I give this 9/10 rating and recommend it very highly for lovers of gritty gangster and crime films, which never have any stupid efforts to amuse and entertain the audience with humor or other popcorn methods.


text: Richard Ward als de trotse bendeleider uit Harlem en Paul Benjamin als Jim Harris <0xE2><0x80><0x93> het staal van een trio kleine dieven die tot over hun oren in de zaak zitten <0xE2><0x80><0x93> zijn de sterren van deze film die op een hoop wordt gegooid met de blaxploitation-categorie. Hoewel Anthony Quinn en Yaphet Kotto de sterren zijn, samen met Tony Franciosa als een middelmatige gangster die zijn laatste kans krijgt om een gerespecteerd lid van de New York Mob te worden, zijn de bovengenoemde acteurs die dit voortreffelijke misdaaddrama spelen een veel bloediger en grimmiger versie van _The Killing_. Als Jim Harris alle agenten van Law and Order en NYPD Blue bij elkaar optrommelde, zou hij ook de hele CSI-ploeg afslachten. Topkwaliteit.

text_en: Richard Ward as the proud Harlem gangleader and Paul Benjamin as Jim Harris the steel of a trio of smalltime thieves who get in over their heads are the stars of this movie which has gotten lumped into the blaxploitation category. Though Anthony Quinn and Yaphet Kotto are the stars along with Tony Franciosa as a middling hood given his last chance to become somebody of respect in the New York Mob get top billing its the above mentioned actors who carry this excellent crime drama which is a far bloodier and grimmer version of The Killing. Doc Johnson isn't anybody's flunky and Jim Harris would slaughter all the cops on Law and Order and NYPD Blue combined plus pistol whip the CSI crew too. Top rate.


text: De echte misdaad die in deze film voorkomt, is de kale dvd-uitgave. Hoewel de dvd-uitgave geweldig is, verdient deze film echt een opleving en een speciale editie... hij smeekt om herontdekt te worden!!! Deze film zou een van de grootste misdaadfilms aller tijden moeten zijn. Er zijn geen dimensionale personages... ze worstelen allemaal met goed en kwaad in zichzelf en de motieven zijn duidelijk. Volkomen onvoorspelbaar en vol ongelooflijke opwindende scènes met geweldige, bedachtzame dialogen. Geen typische zwarte-agent-blanke-agent-film die de regels overtreedt en scènes heeft die ik nooit eerder heb gezien... je kunt niet beter dan deze film.

text_en: The real crime involved in this movie is the bare bones dvd release.Though the print is great this movie really deserves a revival and a special edition....its begging to be re-discovered!!! This film would have to be one of the greatest crime flicks ever. No one dimensional characters here...all of them struggle with good and bad inside themselves and the motivations are clear. Totally unpredictable and full of incredible exciting scenes with great thoughtful dialogue. Not a typical black cop/ white cop movie this breaks rules and has scenes Ive never seen before... you cant do better than this flick.great theme song too which was re-done and updated again by the original composer Bobby Womack for Jackie Brown.check it out!You wont be dissapointed....


text:
Paul Benjamin, Ed Bernard en Antonio Fargas, vermomd als politieagenten, overvallen een bank van de maffia en rukken de bank leeg op de melodie van _nintendo_ _300.000_. Maar de ontsnapping is behoorlijk bloederig. Vijf gangsters en twee echte politieagenten komen om.
De film is een race tegen de klok omdat er voor deze daders twee parallelle klopjachten aan de gang zijn. De hoofdinspecteur van het plaatselijke politiebureau, Anthony Quinn, staat onder druk om deze politiemoordenaars in te rekenen. Het is niet duidelijk of Quinns connectie met de plaatselijke zwarte gangsterbende die de operatie voor de maffia leidt, zijn onderzoek zal helpen of belemmeren.
Intussen heeft de plaatselijke Don zijn schoonzoon Anthony Franciosa gestuurd om zijn eigen klopjacht op de overvallers te leiden. Natuurlijk hebben ze bronnen die de politie niet heeft.
Natuurlijk verschillen de methoden niet veel van elkaar. De Miranda-waarschuwing was in die tijd iets nieuws en Quinn is een oude rot die er niet echt in gelooft. De manier waarop Quinn en Franciosa-ondervrager elkaar ondervragen laat niet veel ruimte voor verschil, behalve dan dat Quinns slachtoffers na afloop nog ademhaalden.
Deze film heeft waarschijnlijk meer slechte mensen in de hoofdrol dan alle andere die er zijn geweest tot Goodfellas uit de kast kwam. Yaphett Kotto, die van het hoofdbureau is gestuurd om de situatie in de gaten te houden, is waarschijnlijk de enige fatsoenlijke agent onder de hoofdrolspelers. De beste rollen in de film worden gespeeld door Tony Franciosa, die nooit ergens slecht in is, en Richard Ward, die dan wel voor de Italiaanse maffia werkt, maar beslist geen lakei is. Hij is vastbesloten een winnaar te worden, wat er ook met Quinn en Franciosa gebeurt.
Het is een ruwe blik op de harde kant van de wetshandhaving, en het zijn ook gangsters zonder de glamour van de Godfather.

text_en:
Paul Benjamin, Ed Bernard, and Antonio Fargas disguised as policemen raid a mob numbers bank and rip it off to the tune of $300,000.00. But the getaway is pretty bloody. Five gangsters and two real policemen wind up dead.

The film is a race against time because two parallel manhunts are at work for these perpetrators. The captain of the local police precinct Anthony Quinn is under pressure to bring in these cop killers. It's not clear whether Quinn's connection to the local black gangster crew who run the operation for the mafia is going to help or hinder his investigation.

In the meantime the local Don has sent his son-in-law Anthony Franciosa to head his own manhunt for the robbers. Of course they have sources that the cops don't have.

Of course the methods aren't too much different. Miranda warnings were a new thing at the time and Quinn is an old timer who really doesn't believe in them. The way Quinn and Franciosa interrogate doesn't leave too much room for difference, except that Quinn's subjects were still breathing after it was over.

This film probably has more bad people in it than any other that came along until Goodfellas came out. Yaphett Kotto as a cop sent from headquarters to monitor the situation is probably the only decent one among the principal players.

The best performances in the film are by Tony Franciosa who is never bad in anything and Richard Ward who may work for the Italian mob, but is by no means a lackey. He's determined to wind up a winner no matter what happens to Quinn and Franciosa.

It's a gritty look at the seamy side of law enforcement and its also gangsters without the Godfather glamor.


text: In tegenstelling tot de meeste recensies die je in _Across 110th Street_ aantreft, zal ik proberen niet deel te nemen aan het debat over de vraag of de film al dan niet kan worden beschouwd als een echte poging tot Blaxploitatie. Ik zal echter zo veel mogelijk ingaan op alle dingen die _Across 110th_ wél vertegenwoordigt, en dat is heel wat! Dit is een bonafide ruige, smerige, compromisloze en onophoudelijk gewelddadige actiethriller uit het glorieuze begin van de jaren zeventig. Het is een keihard verhaal van verdorvenheid en overleving, met degelijke acteerprestaties en een strak scenario, maar zonder opdringerige morele lessen of onnodige sentimentele intermezzo's. Het is zonder meer de beste Italiaanse thriller van Blacks V. die ooit is gemaakt, en dit kwam tussenbeide met een sterk verhaal over twee totaal niet te evenaren agenten die gedwongen worden samen te werken, wat resulteert in een onvoorstelbaar machtige en onvergetelijke film; zij het een die alleen kan worden genoten door mensen met een sterke maag en stalen zenuwen, want het bloedvergieten is meedogenloos en de spanning is om te snijden. De kruimeldief Jim Harris en zijn twee handlangers besluiten een grote som geld te stelen van de Italiaanse maffiosi die de touwtjes in Harlem in handen hebben. De overval gaat echter vreselijk mis en Harris vermoordt niet minder dan vijf gangsters en twee politieagenten. De Italianen sturen hun dodelijkste psychopaat naar Harlem en de zwarte gangstergemeenschap organiseert ook haar eigen klopjacht. Ondertussen houdt de politie zich bezig met interne rassenkwesties. De oude, corrupte, maar veteraan-kapitein Mattelli is gedwongen het onderzoek over te dragen aan inspecteur Pope, die net van de universiteit komt en nog vol idealen zit. Dit is een van de gruwelijkste en angstaanjagend realistische vertolkingen van de van misdaad vergeven wijk New York City in het begin van de jaren zeventig. Er zijn nauwelijks sympathieke personages in de hele film, de ambiance is voortdurend op het randje van deprimerend en de afsluiting is een enorme klap in het gezicht. De personages van de politie zijn altijd aanwezig en opvallend, maar morele waarden en toespraken worden de kijkers nooit door de strot geduwd. De uitvoeringen zijn ongelooflijk, vooral die van Anthony Franciosa als de krankzinnige maffiamoordenaar en Paul Benjamin als de kleine dief die een moordenaar wordt. Maar het grootste respect gaat uit naar Anthony Quinn, die moedig een naargeestig en rauw politiepersonage illustreert met zijn status in Hollywood. De soulmuziek is verbazingwekkend en de werkelijke locaties in Harlem maken de film des te authentieker. Barry Shears regie is zelfverzekerd en strak, en ik kan niet geloven dat ik nog niet een paar van zijn andere films heb gezien. Ik heb nog steeds een exemplaar van _The Todd Killings_ rondslingeren, dus ik hoop dat die net zo meesterlijk is als deze film!

text_en: Unlike in most reviews there are to find on "Across 110th Street", I will try not to participate in the debate about whether or not the film classifies as a genuine Blaxploitation effort. I will, however, elaborate as much as I can on all the things that "Across 110th" does represent  and that is quite a lot! This is a bona fide gritty, vile, uncompromising and unceasingly violent action-thriller from the glorious early 70's. It's a hardcore-to-the-bone tale of corruptness and survival with solid acting performances and a tight screenplay, yet without pushy morality lessons or unnecessary sentimental interludes. "Across 110th Street" is arguably the best Blacks Vs Italians thriller ever made, and this intervened with a strong story about two completely unmatchable cops that are forced to work together results in an unimaginably powerful and unforgettable movie; albeit one that only can be enjoyed by people with strong stomachs and nerves of steel as the bloodshed is relentless and the level of suspense is unremitting. Petty thief Jim Harris and his two accomplices decide to steal a large sum of money from the Italian Mafiosi that are running the show in Harlem. The heist goes terribly wrong, though, and Harris kills no less than five gangsters and two police officers. The Italians send their most lethal psychopath to Harlem and the black gangster community organizes their own manhunt as well. Meanwhile the police force deals with internal racial issues. The aging and corrupt but veteran Captain Mattelli is forced to hand over the investigation to Lieutenant Pope, who's fresh out of university and still full of ideals. This is one of the grittiest and frighteningly realistic depictions of the crime-infested New York City district during the early 70's. There are hardly any amiable characters in the entire film, the ambiance is constantly on the verge of depressing and the downbeat ending comes a massive slap in the face. The racial tension between the "main" police officer characters is always present and noticeable, yet moral values and speeches are never shoved down the viewers' throats. The performances are incredible, particularly Anthony Franciosa as the crazed mafia killer and Paul Benjamin as the small thief turned murderer. But the utmost respect is for Anthony Quinn, for courageously illustrating a dismal and raw cop-character with his status in Hollywood. The soul soundtrack is amazing and the actual Harlem filming locations make the film all the more authentic. Barry Shear's direction is surefooted and tight, and I can't believe I haven't checked out some of his other work yet. I still have a copy of "The Todd Killings" lying around, so I hope it's as masterful as this film!