text:
New York, New York Film Fr. Pan.
New England is de fysieke en psychische achtergrond van LITTLE ERIN MERRYWEATHER, een verbluffende film die zowel cerebraal als angstaanjagend is. Voor iedereen die de afgelopen dertig jaar Amerikaanse horrorfilms heeft gezien, is dit geen geringe prestatie. Het grootste deel van de oogst bestaat uit goedkope sensaties, slecht acteerwerk, lachwekkende dialogen, glorieuze nihilistische bloedstollende scènes die niets te betekenen hebben en alleen maar betekenen dat het publiek net zo banaal en saai is als in deze bloedstollende films. Voorbereid op het horror-equivalent van een toneelstuk van Brecht: het zal het publiek en de verwachtingen over wat het genre kan doen veranderen als het de knarsende conventies achter zich laat. '
Vigdis Anholt speelt Erin, een studente met een duister verleden en een nog duisterder geheim, waarvan het bestaan noch in de werkelijkheid, noch in de sprookjes die ze schrijft, echt tot uiting komt. Ze doorbreekt deze drempels met verschrikkelijke gevolgen en de mentale aardrijkskunde die ze bewandelt, brengt haar al snel boven het menselijke uit. Nou ja, misschien is dat niet helemaal waar en mijn ambivalentie ten aanzien van mijn commentaar op haar transformatie heeft evenzeer te maken met Anholts acteerwerk als met het goed uitgedachte script. In een van de meest genuanceerde acteerprestaties van de afgelopen paar jaar laat Anholt zien hoe lang we al wachten op een innovatief personage in het horrorgenre. Haar vermogen om zich tegelijkertijd kwetsbaar en verdorven te maken is roerend (niet bepaald een bijvoeglijk naamwoord dat aan acteurs in griezelfilms wordt toegeschreven); ten slotte een vrouwelijke belichaming van het toevallige kwaad dat actief is, niet passief, machtig en volkomen sui generis. Een voorstelling die een Bergman-actrice waardig is. Haar uitmuntendheid wordt gecompleteerd door de rest van de cast, met name door David Morwick als Peter, de student die de mantel van het kwaad aflegt en de wereld bevrijdt van een van de gedenkwaardigste personages die je ooit zult ontmoeten (moeten we hem prijzen of verachten omdat hij deze rol zo goed heeft gespeeld? Morele ambiguïteit ten opzichte van moordenaars is in dit geval onvermijdelijk). Morwick is, te midden van veel degelijke uitvoeringen, het meest natuurlijk; het personage is in hem aanwezig en zijn gevoeligheid weerspiegelt een fijnafstemming van de rollen van jonge volwassenen die maar al te vaak overacteren, oversekst worden, maar al te vaak overkill worden. We hebben dus een moordenaar die bezeten is door familiedemonen en een mannelijke hoofdrol die bezeten is door zijn personage: laten we dankbaar zijn dat er geen bezweringsscènes zijn.
Ik zag deze film op het New York City Horror Film Festival en werd overweldigd door mijn aanblik. De rest van het publiek was het met me eens, althans dat was te horen aan hun gehijg, nerveus gefluister en af en toe een kreet. De Franse filosoof Pascal schreef ooit over zijn angst voor open ruimten. De regisseur van de foto's, Michael Marius Pessah, verdient een compliment voor het feit dat hij zijn breedbeeldscherm heeft laten trillen met een kracht en een spanning die doen vermoeden dat er in de openlucht angst heerst, en niet alleen in krappe, donkere ruimtes. Agorafobie verdient een waarschuwing! David Leans _Lawrence of arabia_ komt me voor de geest als referentiepunt; in elk van die films neemt de breedhoeklens van de camera een geheel eigen leven aan, alsof hij zelf een personage in de actie is. _Kleine errorweter_ is een verfrissend voorbeeld van de vlijt van kleine budgetfilms, gesierd met acteerwerk en intelligent schrift. Ga ernaar kijken en bereid je voor op verrassingen, angst en verrukking.

text_en:
New York, New York Film Fr.Pan.

New England is the physical and psychic backdrop for LITTLE ERIN MERRYWEATHER, a stunning film that manages to be both cerebral and terrifying. For anyone who has watched American horror films over the last thirty years, this is no mean achievement. Most of the bumper crop consists of cheap thrills, bad acting, laughable dialogue, gloriously nihilistic exsanguination scenes that mean nothing and only signify an audience as banal and boring as these slash-and-gash films. Prepared for the horror equivalent of a Brecht play: it will transform the audience and expectations about what the genre can do when it is permitted to move beyond its creaky conventions.

Vigdis Anholt plays Erin, a college student with a dark past, and even darker secret, whose existence is neither quite lived in reality or within the fairy tales she writes. She moves through these thresholds with dreadful consequences and the mental geographies she travels soon moves her beyond the human. Well, this may not be entirely true, and my ambivalence about commenting about her transformation has as much to do with Anholt's acting as much as the well-crafted script. In one of the most nuanced acting performances of the past few years, Anholt demonstrates how long we've been waiting for an innovative character in the horror genre. Her ability to make herself vulnerable and wicked simultaneously is moving (not typically an adjective one attributes to actors in horror films); finally, a feminine embodiment of accidental evil who is active, not passive, empowered and completely sui generis. A performance worthy of a Bergman actress. Her excellence is complemented by the rest of the cast, most notably David Morwick, as Peter, the student who removes the cloak of evil and rids the world of one of the most memorable characters you'll meet (should we applaud or scorn him for this job well done? Moral ambiguity towards murderers is inevitable in this case). Morwick, amid many solid performances, is the most natural; the character inhabits him and his sensitivity reflects a fine-tuning of the young adult roles that so often become overacting, oversexed, overkill all too often. So we have a killer possessed by family demons and a male lead possessed by his character: let's be thankful that there are no exorcism scenes.

I saw this film at the New York City Horror Film Festival and was overwhelmed by my viewing. The rest of the audience would concur, or so their gasps, nervous whispers, and intermittent screams would infer. The French philosopher Pascal once wrote of his fear of open spaces. The Director of Photography Michael Marius Pessah should be complimented for inflecting his widescreen vision with a tension and force that suggests terror thrives in the open air, not just in tight, dark pockets. Agoraphobics take warning! David Lean's LAWRENCE OF ARABIA comes to mind as a reference point; in each, the camera's wide-scope takes on a life all on its own, as if it were itself a character in the action. LITTLE ERIN MERRYWEATHER is a refreshing example of the industriousness of small-budget films graced with acting chops and intelligent writing. Go see it and prepare to be surprised, terrified, and delighted.


text: Ik moet zeggen dat het me verbaasde hoe geweldig de film was. Ik was zo onder de indruk van de kunstwerken dat ik me afvroeg of ik in contact zou kunnen komen met de kunstenaar om wat illustraties te maken voor een boek dat ik aan het schrijven ben. Maar ik dwaal af. De film maakte echt indruk op me. Ze gingen terug tot de wortels van deze film en deden hun toverkunst met stemmingen en acteerwerk, in plaats van het publiek te bestoken met trucs met geld. Ze bouwden spanning op de ouderwetse manier op, door middel van mensen en hun interacties (verreweg de interessantste ter wereld).<br />De film besteedt aandacht aan het verhaal, iets wat bij grote budgetproducties in Hollywood op deze manier lijkt te ontbreken. Het is de reden waarom filmfestivals de plek zijn waar je naartoe moet gaan voor mensen die van films houden. Ik heb gezien dat Little Erin Merryweather het Woods Hole Filmfestival heeft gewonnen, wat een veelbelovend festival is. Ik begrijp wel waarom. Ik kan het van harte aanbevelen.

text_en:
I have to say I was surprised by how great the movie was. The artwork just blew me away, and I was trying to figure out if I could get in touch with the artist to do some illustrations for a book I'm writing. But I digress. The movie really impressed me. They went back to the roots on this one and did their magic with mood and acting as opposed to blasting the audience with monied tricks. It built tension the good old fashioned way, through people and their interactions (by far the most interesting in world).

The movie pays attention to story, something that seems lost on Hollywood big budget productions this way. It's the reason film festivals are the place to go for people who love movies. I saw that Little Erin Merryweather won the Woods Hole Film festival, which is an up and coming festival. I can see why. I highly recommend it.


text:
Een van de grote voordelen van het feit dat internet een semi-officieel distributiekanaal is geworden, is dat het mensen de kans geeft films te zien die ze anders nooit te zien zouden hebben gekregen, vooral de eerste keer dat filmmakers en degenen die naam proberen te maken, de kans krijgen.
De kleine Erin Merryweather zou voor mij in die categorie vallen. Ik heb geen idee hoe schrijver, regisseur en acteur David Morwick, in dit stuk, zich voelt over het feit dat zijn film op internet beschikbaar is in een divx van hoge kwaliteit, maar misschien zou hij blij moeten zijn, aangezien het een publiek voor zijn werk zal creëren <0xE2><0x80><0x93> het is onwaarschijnlijk dat hij anders had gekund. Met de beperkingen van de eerste keer filmen, vooral het gebrek aan ervaring, is het altijd goed om je bij het bekijken van deze films te richten op de positieve kanten ervan. Je zult natuurlijk fouten verwachten en het is een maatstaf voor het succes van de film in hoeverre de positieve kanten opwegen tegen de negatieve.
De kleine Erin Merryweather slaagt ruimschoots in het scoren van positieve punten.
In de recensies die hier al genoemd zijn, staan ook het kunstzinnige werk en de fotografie, die zijn prachtig. Prachtige fotografie is altijd een pluspunt bij het vertellen van een verhaal en in dit geval, samen met het kunstzinnige werk, past het bijzonder goed bij het thema van het sprookjesverhaal in een verhaal.
Dat thema zelf is ook een pluspunt voor LEM. Het genre wordt op zijn kop gezet door het herschrijven van Roodkapje en ik vind het een leuk idee dat daarmee werd gespeeld. Ook was het slim dat de film niet toestaat dat het zelf netjes in een bepaald genre wordt ingedeeld, en ook dat is een kracht die originaliteit verleent.
Al met al (en gezien het feit dat het net middernacht was geworden op Halloween!) keek ik graag naar LEM. Maar er moeten ook altijd negatieve kanten aan kritiek zitten! Wat ik me bij LEM afvraag, gezien het feit dat Mr Morwick zo geweldig goed was voor een eerste film, is dat het eigenlijk heel domme dingen zijn die hem in de steek laten.
De politieman en zijn tussenkomst waren heel, heel onrealistisch. Ik besef dat er budgetbeperkingen waren, maar als een seriemoordenaar in drie dagen tijd drie mensen heeft vermoord, zal er meer dan één politieagent bij betrokken zijn, en die zal niet alleen informatie uitwisselen met een docent aan een universiteit.
Misschien een kleinigheid, maar daardoor leken de laatste twintig minuten van de film gekunstelder en de uiteindelijke ontknoping een beetje dwaas. Ik denk dat hij had kunnen wachten tot hij verder in de film kwam voordat Erins identiteit werd onthuld, en dat zou hebben geholpen om de spanning langer vast te houden. Het verhaal van Mr. Morwick zou heel wat nuance en subtiliteit te bieden hebben gehad om op te geven en het zou de film van uitmuntend tot iets heel bijzonders hebben gemaakt. Waar Mr. Morwick hier een negen haalt, heb je het gevoel dat hij beslist de potentie heeft voor tienen.
Toch ben ik, gezien de frisheid en originaliteit, blij dat ik de tijd met Little Erin Merryweather heb doorgebracht; er valt veel voor te zeggen.

text_en:
One of the great things about the internet having become a semi-official film distribution channel is it giving people the chance to view films they never otherwise would have had a chance to see, particularly first time film-makers and those trying to make a name for themselves.

Little Erin Merryweather would fall into that category for me. I have no idea how writer, director and actor in this piece David Morwick, feels about his film being available in the high quality divx format on the internet, but maybe he should be glad, as it will create an audience for his work it's unlikely he would have had any other way.

With the constraints of first time film making, especially lack of experience, it is always good to focus on the positives in reviewing these films. You will of course expect mistakes and it is a measure of the films success in how far the positives outweigh the negatives.

Little Erin Merryweather succeeds abundantly in scoring positives.

Already mentioned in its reviews here are its art work and photography, they're beautiful. Beautiful photography is always an asset to good story telling and in this case, along with the art work, ties in especially well with the theme of the fairy story within a story.

That theme itself is another plus for LEM. The genre is turned on its head by it's rewriting of Little Red Riding Hood and I like the idea that that was played with. Also clever was the fact that the film doesn't allow it's self to be neatly categorised into any one genre, and that too is a strength that lends originality.

All in all (and given that it had just turned midnight on Halloween!) I enjoyed watching LEM. However there always has to be negatives in criticising too! What puzzles me with LEM, given how much Mr Morwick got superbly right for a first film, is that it's actually quite silly things that let him down.

The policeman and his intervention was very, very unrealistic. I realise there were budget constraints, but if a serial killer has killed three people in three days, there will be more than one police officer involved, who will not just be sharing information with a college lecturer.

A small point maybe, but it made the last twenty minutes of the film seem more contrived and the eventual denouement a bit silly. I think he could have waited until further into the film before Erin's identity were revealed and that would have helped maintain tension for longer. If I had to sum up LEM's flaws, it would be that if explored just a bit more deeply, it's story would have had a great deal for nuance and subtlety to give up and that it would have elevated the film from excellent to something really special. Where Mr Morwick scores B+ here, you feel he definitely has the potential for A's.

Still, given its freshness and originality, I'm glad I spent the time with Little Erin Merryweather; it has a lot to recommend it.


text: Ik ken een van de actrices in deze film, maar ik denk niet dat ik bevooroordeeld ben, want ik heb haar verteld wanneer ze niet de beste projecten kiest. Ik heb dit gezien in de dga-bioscoop in New York en ik zal volkomen eerlijk zijn over wat wel en niet werkt in deze film. Wat niet werkte voor mij was een deel van de montage/decoratie. Er waren een of twee scènes die bleven hangen <0xE2><0x80><0x93> de eerste vent die in het bos werd vermoord plus waarom zei hij niets? De andere scène waar ik niet dol op was, was die vent die doelloos rondliep met een snoeischaar <0xE2><0x80><0x93> wat had dat voor zin? Ik was helemaal niet zo dol op de optredens van Peters vrienden. Dit is wat wel werkt en heel goed is. De foto's in de film zijn prachtig. De kleur rood springt er echt uit. De soundtrack is om van te smullen, vooral omdat het een originele soundtrack is. Ik heb hier andere recensies gelezen waarin mensen zeggen dat dit een van de beste kunstwerken is die ze ooit hebben gezien. Ze hebben volkomen gelijk. Er zijn een paar heel krachtige scènes. Er komen er drie in me op. De vrouw die de lerares speelt, Liz Callahan, is een absolute professional. De man die Peter speelt, David Morwick, is ook geweldig. Hij heeft het natuurlijke in zich. Erin Merryweather, gespeeld door Vigdise Anholt, is een angstaanjagende schurk. Ze kan het helemaal. Omdat ik wist dat het een lowbudgetfilm was die niet door een studio was gemaakt, vond ik het geweldig om hem in de bioscoop te zien. Dit hoort op het witte doek. Bovendien heb ik gehoord dat de rit om deze film af te maken zwaar was, vooral voor de filmmakers, dus ze hebben mijn respect omdat ze hem tot een goed einde hebben gebracht. Het goede weegt beslist op tegen het slechte en daarom geef ik een tien.

text_en: I know one of the actresses in this film but I don't think I'm biased because I've told her when she doesn't pick the greatest projects lol.I saw this at the DGA theater in NY and I'll be completely candid about what works and what doesn't work in this movie. What didn't work for me was some of the editing/pacing. There were one or two scenes that dragged bit - the first guy that was killed in the forest plus why didn't he say anything? The other scene I wasn't crazy about was the guy wandering around aimlessly with clippers - what was the point of that? Wasn't all that crazy about the performances of Peter's friends. Here is what does work and quite well. The photography in the movie is exquisite. The color red really jumps out at you. The sound track is to die for, especially since it is an original score. I've read other reviews on here where people say this is some of the best art work they've seen. They are absolutely right. There are some very powerful performances here. Three come to mind. The woman who plays the teacher, Liz Callahan is an absolute pro. The guy who plays Peter, David Morwick is also great. He's got the natural stuff. Erin Merryweather played by Vigdise Anholt is one scary villain. She nails it. Knowing that this was low budget and not done by a studio, it blew me away watching it in the theater. This belongs on the big screen. Also, I've heard the ride to finish this film was a tough one particularly for the filmmakers so they have my respect for seeing it through. The good definitely outweighs the bad and that is why I give a ten.


text: Ik ben dol op deze trailer, die me terugbrengt naar de horrorfilms uit de jaren zeventig en het begin van de jaren tachtig. Films als Nightmare on Elm Street, Friday the 13th, Children of the Corn, Halloween, films met een heleboel gedenkwaardige schurken, waren zo leuk om naar te kijken. Ik hou niet zo van de nieuwe horrorfilms van tegenwoordig, zoals Hostile, The Descent en een heleboel van de films die Lionsgate uitbrengt. Er is zo veel overdreven, smerig, grof geweld. Toen ik deze voorvertoning zag, voelde ik me weer een klein kind in het theater. Zelfs de acteurs hebben iets nostalgisch. Acteur David Morwick doet me denken aan Tommy van Eight is Genoeg op wie ik smoorverliefd was. Zij (Vigdis Anholt) doet me denken aan Glenn Close van Fatal Attraction <0xE2><0x80><0x93> leuk!

text_en: I love this trailer, brings me back to the horror movies of the 70's and early 80's. Films like Nightmare on Elm Street, Friday the 13th, Children of the Corn, Halloween, films that had a lot of memorable villains were so much fun to watch. I don't like a lot of the new horror movies today like Hostile, The Descent and a lot of the films that Lionsgate puts out. There is so much over the top, icky, gross violence. Watching this preview, I felt like a little kid in the theater again. Even the actors kind of have a nostalgic look to them. Actor David Morwick reminds me of Tommy of Eight is Enough who I had a huge crush on. She, (Vigdis Anholt) reminds me of Glenn Close from Fatal Attraction - fun stuff!


text:
Opmerkelijk grappige western/revolutionaire actiefoto van Mitchum als een oplichter die zich voordoet als priester en Langella als de Zuid-Amerikaanse dictator die hij en zijn vrienden door chantage tot moord hebben aangezet. Hayworth verschijnt kort als Langella's gekwelde moeder.
De actie is snel en goed geënsceneerd, en de humor van de film is zo effectief dat hij vaak (tevergeefs, geloof ik) wordt gezien als een misvatting van het genre, in plaats van als het mooie voorbeeld van het genre op zijn best. Deze hele redenering zit me dwars, omdat hij impliceert dat een avonturenfilm niet grappig kan zijn, dat hij dodelijk serieus moet zijn. Zoiets als 'Duck, You Sucker!' in deze film.' De oneerbiedige humor is een van de belangrijkste ingrediënten ervan, maar het doet geen afbreuk aan de status van een fatsoenlijke actiefilm. Het lijkt eerder op de manier waarop tegenwoordig actiefilms worden gemaakt <0xE2><0x80><0x93> ik vraag me af of de critici en fans die dit als een 'parodie' zien, ook vinden dat Schwartzeneggers 'Commando' en 'The Running Man' ook parodieën zijn.

Naarmate Mitchums personage meer betrokken raakt bij Langella's boerendorp en hun het sacrament geeft omdat ze in geen jaren een priester hebben gezien, begint hij de priester van zijn 'conversie' te worden, maar zijn daden houden zijn vrienden en Langella in het ongewisse over de omvang van zijn 'conversie'. Dit brengt het thema naar voren van de verschijning die werkelijkheid wordt, een ongewoon thema voor een western.
<0x3E> Goede voorstellingen en een ongewoon goede film.

text_en:
Remarkably funny western/revolutionary action pic stars Mitchum as a con artist who poses as a priest and Langella as the South American' dictator he and his friends have been blackmailed into assassinating. Hayworth appears briefly as Langella's tormented mother.

The action is fast and well staged, and the film's humor is so effective that it has often been seen (mistakenly, I believe) as a spoof of its genre, rather than as the fine example it is of the genre at its best. This whole line of reasoning bothers me, because it implies that an adventure movie can't be funny, that it has to take itself deadly serious. Much like "Duck, You Sucker!" this film's irreverent humor is one of its main ingredients, but it does not detract from its standing as a decent action flick. It's in fact closer to the way action pictures are made today -- I would question whether the critics and fans who see this as a "parody" also think that Schwartzenegger's "Commando" and "The Running Man" are also parodies?

As Mitchum's character becomes more involved with Langella's peasant village, giving them the sacrament because they haven't seen a priest in years, he begins to BECOME the priest of his con-game, but his actions keep his friends and Langella guessing as to the extent of his "conversion." This brings up the theme of the appearance becoming the reality, an unusual theme for a western action flick.

Good performances and an unusually good film results.


text: Niet iedereen is het erover eens dat dit een parodie is. Ik heb gelezen dat de film verwarrend bleek te zijn vanwege problemen op de set. Inclusief Rita Hayworths alzheimer en een acteur die de eerste zes weken van de opnamen een rol had. Hij was ernstig gewond en kon zijn rol niet goed voltooien. Vandaar de verwarring. Iedereen wilde de hele zaak gewoon vergeten, maar ze hebben hem toch uitgebracht. Maar alles was niet verloren, ik persoonlijk vond hem heel uniek en intrigerend. En als fan van Mitchum een zeldzame, fantastische vondst op het klassieke filmkanaal.

text_en: Not everyone agrees that this a parody. I have read that the film turned out confusing because of problems on the set. Including, Rita Hayworth's Alzheimer's and an actor who had a part for the first six weeks of filming. He was severly injured and couldn't complete his part properly. Therefore the confusion. Everyone wanted to just forget the whole thing but they released it anyway. All wasn't lost however, I personally found it very unique and intriguing. And as a Mitchum fan a rare, wonderful find on the classic movie channel.


text:
Tot op zekere hoogte doet Ralph Nelsons 'The Wrath of God' denken aan westerns, maar net als Nelsons 'Lelies of the Field' gaat de komedie volgens mij over een diepgeworteld geloof in goddelijke genade. Beide films richten zich op onwaarschijnlijke menselijke materialen die een roeping hebben die ze niet herkennen en waar ze zich niet bewust tegen verzetten. Hier speelt Robert Mitchum een oplichter die zich voordoet als priester en een katholieke martelaar in de traditie van Thomas Becket en Thomas More, die door velen worden aangezien voor een hedonist.

In haar laatste film heeft Rita Hayworth bovennatuurlijk rood haar (vuurrood, niet de kleur van natuurlijk menselijk haar), weinig rimpels, en moet ze er vroom uitzien (wat haar lukt). Als haar flamboyante, getraumatiseerde en getraumatiseerde zoon mag Frank Langella het decor verorberen, wat hij met groot genoegen doet (voor 'Dracula', na zijn gedenkwaardige filmdebuut in 'Het dagboek van een krankzinnige huisvrouw' en Mel Brooks' bewerking van 'The Twelve Chairs'). Ken Hutchinson doet het prima als de voor de vorm normale man die verstrikt raakt in de intriges van anderen, inclusief het romantische subplot waarin hij een stom Indianenmeisje (Paula Pritchett) bespeelt. In een Sidney Greenstreet-achtige rol als een corpulente en corrupte wapensmokkelaar is Victor Buono gepast komisch. Toch is het Mitchums film, en hij is even boeiend als hij zijn priesterrol serieus neemt als wanneer hij de gebruikelijke losgeslagen maar competente existentialist speelt die van niemand iets verwacht. Een mengelmoes van buitenlandse huurlingen die betrokken waren bij de verwarringen rond de langdurige Mexicaanse revolutie en die partij kozen tegen hun financiële belangen, kwam voor in een aantal films van eind jaren zestig en begin jaren zeventig, waaronder 'The Wild Bunch', 'The Professionals' en 'A Fistful of Dynamite'. Die laatste twee films gebruiken een aanzienlijke dosis humor binnen het genre van expats die partij kiezen (waaronder in Mexicaanse omgevingen in verschillende tijdperken 'Vera Cruz', 'Old Gringo' en 'Bring Me the Head, of Alfredo Garctelta').

text_en:
To some extent Ralph Nelson's "The Wrath of God" spoofs westerns, but like Nelson's "Lilies of the Field," under the comedy is, I think, a deeply felt belief in divine grace. Both movies focus on unlikely human materials having a vocation they fail to recognize and consciously resist. Herein, Robert Mitchum plays a con man masquerading as a priest and a Catholic martyr in the tradition of Thomas à Becket or Thomas More mistaken by many as a hedonist.

In her last screen performance Rita Hayworth has preternaturally red hair (fire-engine red, not a color of any natural human hair), few lines, and is required to look devout (which she manages to do). As her flamboyantly traumatized and traumatizing son, Frank Langella gets to chew up the scenery, which he does with great relish (before "Dracula," after his memorable film debut in "Diary of a Mad Housewife" and Mel Brooks's adaptation of "The Twelve Chairs"). Ken Hutchinson does fine as the token normal guy who is embroiled in others' plots, including the romantic subplot that involves him with a mute Indian maiden (Paula Pritchett). In a Sidney Greenstreet-kind of role as a corpulent and corrupt gun-runner Victor Buono is suitably droll. Still, it is Mitchum's movie, and he is as compelling when he takes his priestly role seriously as when he plays the usual disengaged but competent existentialist who expects nothin' from nobody. <bt>
 A motley gang of foreign mercenaries getting involved in the confusions of the long-running Mexican revolution and taking a side against their financial interest recurred in a number of late-1960s and early-70s movies, including "The Wild Bunch", "The Professionals", and "A Fistful of Dynamite." The latter two use considerable humor within the genre of expatriates taking sides (which in Mexican settings of different eras includes "Vera Cruz", "Old Gringo", and "Bring Me the Head, of Alfredo García").


text: Heel leuk. Dit is een heel goede western. Deze film is een must-see voor fans van het genre of van Robert Mitchum. Ik heb deze film nooit op video kunnen vinden, laat staan op dvd. Mijn favoriete aspect van de film is het jongetje dat Robert Mitchum door de film heen volgt. Ik geloof dat de film nog beter zou zijn geweest als deze relatie meer was benadrukt. Dat is vooral waar als je de climax van de film beschouwt, die een beetje te wensen overlaat vanwege dit gebrek aan een relatie. Niettemin was ik aan het eind nog steeds ontroerd. Wat een schattig kind! Verstandig en ongebruikelijk voor Hollywood om een Mexicaans kindacteur voor de rol te kiezen.

text_en: Very enjoyable. This is a very good Western. This movie is a must see for fans of the genre or of Robert Mitchum. I was never able to find this movie on video let alone DVD. My favorite aspect of the movie is the little boy who trails Robert Mitchum throughout the movie. I believe that the movie would have been even better if this relationship had been emphasized more. This is especially true when you consider the climax of the movie which is left a little wanting because of this lack of relationship. Nevertheless, I was still moved at the end. What a cute kid! Wise and unusual choice for Hollywood to pick a Mexican child actor for the part.


text: De aanpassing van het westernboek van James Graham speelt als een overblijfsel uit de jaren veertig van de twintigste eeuw. Robert Mitchum is heel aardig in de rol van een machinegeweerdragende 'priester' die, samen met twee misdadigers, in het Midden-Amerika van de jaren twintig in een moordcomplot wordt betrokken. Het duurt een hele tijd voordat de merkwaardige combinatie van brutale terzijdes en bloedvergieten zich heeft gemanifesteerd; regisseur Ralph Nelson lijkt een eigenzinnige benadering te proberen, maar hij gaat niet ver genoeg met zijn sombere, ironische inval. Maar na een slap eerste uur gaat het ijsberen wel weer door, en de bijrollen zijn interessant.

text_en: Adaptation of James Graham's western book plays like a leftover second-feature from the 1940's. Robert Mitchum is very likable playing a machine-gun toting "priest" who, along with two criminals, is cornered into an assassination plot in 1920's Central America. Curious combination of cheeky asides and formula bloodshed takes a good while to jell; director Ralph Nelson appears to be attempting a quirky approach, but he doesn't go far enough with his dark-humored take. However, the pacing does pick up after a draggy first hour, and the supporting players are interesting. Rita Hayworth, cast as a sympathetic Senora, makes her final screen appearance. ** from ****


text:
Ik woonde de East Coast Premiere van 'Off the Black' bij op het Woodstock Film Festival. Omdat ik enorm had uitgekeken naar het zien van deze film sinds ik er meer dan een jaar geleden voor het eerst over had gehoord, en omdat ik het verhaal en de cast en de crew een beetje kende, waren mijn verwachtingen inderdaad een beetje hoger dan normaal. Toch probeerde ik alle vooroordelen die ik in de loop der tijd had ontwikkeld van me af te zetten. Ik kwam met een schone lei binnen. En niet alleen was ik niet teleurgesteld, maar ik was zelfs een beetje geschokt. De ervaring van het zien van 'Off the Black' deed wat maar heel weinig films dit jaar hebben gedaan: ik bleef achter met een traan in mijn oog en een glimlach op mijn gezicht. Ik heb in Toronto meer dan 30 films zitten wachten tot dat zou gebeuren, en dat gebeurde ook, één keer maar. Dit was mijn eerste film hier op Woodstock en ik was er helemaal weg van.

Binnen enkele seconden worden we letterlijk voorgesteld aan de jonge Dave Tibbel (Trevor Morgan). Hij staat op de werpheuvel, met zweetdruppels op zijn voorhoofd, en bekijkt de signalen van de catcher. Zijn gezicht vult het hele scherm, alsof de regisseur zegt: 'Daar gaat-ie dan. Als het je niet bevalt wat je ziet, zal het moeilijk voor je worden. Als het je wel bevalt, ga dan achteroverzitten en kijk hoe het De andere helft van die relatie is Ray Cook (Nick Nolte), de scheids die achter de thuisplaat staat. Maar dit is niet 'Brokeback Baseball', nee, hoewel u zich dat vast wel kunt voorstellen. Het is iets anders. Het is iets wat in de Amerikaanse cinema zelden wordt onderzocht, en het is stoutmoedig en gedurfd. Het is een liefdesverhaal <0xE2><0x80><0x93> een goede, ouderwetse romance tussen twee individuen die toevallig mannelijk zijn, en het is volkomen platonisch. 'Is dat mogelijk?' zult u misschien vragen. Dat is het zeker, en 'Off the Black' zal het voor u bewijzen.
Deze film is met passie en zorg gemaakt. De zachte, natuurlijke belichting van de interieurs stelt het volledige mysterie van de personages tot bloei. Eén enkele lamp geeft een wisselwerking van licht en schaduw, die de felle en donkere kanten van Dave en Ray weerspiegelt, evenals de familieleden die hen omringen. Daves vader Tom (Timothy Hutton), teruggetrokken en afstandelijk. Zuster Ashley (Sonia Feigelson), op het punt volwassen te worden, slungelig en bang. Allen hebben geheimen te vertellen, maar doen dat niet, of willen dat niet, of kunnen dat niet. Cinematografieker Tim Orr slaagt erin in elk klein dingetje schoonheid te vinden: condensstrepen, druipende goten, gevels, dakranden en licht hellende daken. En het platteland <0xE2><0x80><0x93> o hemel. Het weelderige landschap van de Catskills is onbeschrijflijk. Zoals Ponsoldt na de vertoning in het vraag-en-antwoordgesprek opmerkte, is het de bedoeling dat het zijn huis in Georgia is. Maar het zou overal kunnen zijn waar zee en lucht en kleine stadjes overheersen. Sommige opnamen zijn letterlijk adembenemend. Ik merkte dat ik een paar keer naar adem snakte. Maar wat mijn hart nog meer op hol deed slaan, was de spaarzame, bijna zelfgemaakte soundtrack. Af en toe onderbroken door het gefluit van een trein in de verte, werd de muziek geen moment afgeleid en werd er geen 'dit is belangrijk' geschreeuwd. Het contrast tussen de schoonheid van de omgeving en de lelijkheid van de gebroken individuen die de omgeving bevolken, is groot. Het is op dit doek dat schrijver/regisseur James Ponsoldt in zijn eerste werk een kunstwerk vervaardigt dat eenvoudigweg een van de meest aangrijpende liefdesverhalen is die je je kunt voorstellen. Ik heb mijn recensies al eerder gelezen en weet dat ik een hekel heb aan traditionele recensies, omdat ze altijd te veel prijsgeven. Het is gemakkelijk om een samenvatting van de film te vinden, dus dat zal ik hier niet doen. Maar in veel liefdesverhalen ontmoeten de hoofdpersonen elkaar, raken verstrikt in spanning en bedrog en worden uiteindelijk verliefd. Soms wordt dat gevolgd door een breuk en een tragedie. Dat zijn niet mijn woorden, maar die van Ponsoldt in het vraag-en-antwoordgesprek na de film, die zei dat hij de film in feite als een romantisch liefdesverhaal heeft geschreven. Hij werd toevallig gespeeld door twee mannelijke acteurs en is platonisch.
Eerlijk gezegd is de film soms moeilijk om naar te kijken. Het beeld dat Morgan schetst van de zelden nuchtere Ray is verwarrend en pijnlijk, als een zere kies waar je zo snel mogelijk van af wilt. Morgans gevoelige, kwetsbare Dave met zijn droevige ogen is als een puppy die zich verschuilt onder Rays opgerolde krant. Maar de bravoure van Ray verdwijnt, het sarcastische zelfvertrouwen en de humor komen van Dave, en de jongen die een vader nodig heeft, gaat steeds meer lijken op de man die een zoon nodig heeft. En wat deze film tot slot zo vreugdevol maakt, is de wisselwerking tussen de twee. Het is allemaal zo natuurlijk dat het niet in een script leek te zitten. Zoals later bleek, was dat wel zo. In antwoord op mijn vraag tijdens het vraag-en-antwoordspelletje over hoeveel er geimproviseerd was, gaf Ponsoldt niet zo verrassend toe dat hij Nolte en Morgan vrij vaak de vrije hand gaf, en dat sommige van de beste scènes in de film van hen alleen waren. En alleen de beste regisseurs zijn bereid om een stapje terug te doen en dat te laten gebeuren. En alleen de beste acteurs kunnen het voor elkaar krijgen. De meesten zullen niet verbaasd zijn over Noltes prestatie <0xE2><0x80><0x93> hij is per slot van rekening zo goed als een veteraan. 's eerste keus, grotendeels gebaseerd op zijn optreden in de indieklassieker 'Mean Creek'), maar hij speelt deze film zo zelfverzekerd en vlot dat ik hoofdschuddend van verbazing het theater verliet. En een traan in mijn oog en een glimlach op mijn gezicht. Dat krijg je van 'Off the Black'.

text_en:
I attended the East Coast Premiere of "Off the Black" at the Woodstock Film Festival. Having greatly anticipating seeing this film since I'd first heard about it over a year ago, and knowing a bit about the story as well as the cast and crew, my expectations were admittedly a bit higher than usual. Yet I tried to put away any preconceived notions I'd developed over time. I walked in with a clean slate. And not only was I not disappointed, but I was actually somewhat shocked. The experience of seeing "Off the Black" did what very few films have done this year; it left me with a tear in my eye and a smile on my face. I sat through over 30 films in Toronto waiting for that happen, and it did, just once. This was my first film here at Woodstock and it got me good.

Within seconds, literally, we are introduced to young Dave Tibbel (Trevor Morgan). He's standing on the pitcher's mound, sweat beaded on his brow, studying the catcher's signals. His face completely fills the screen, as if the director is saying, "here you go. If you don't like what you see, this will be tough for you. If you do, sit back and watch the story develop." The story is that of a relationship between Dave and someone else, of course. But that someone is no blonde bombshell or voluptuous vixen. The other half of that relationship is Ray Cook (Nick Nolte), the ump standing behind home plate. But this is not "Brokeback Baseball," no, although surely that may enter your mind. It's something else. It's something rarely explored in American cinema, and it's bold and daring. It's a love story -- a good old-fashioned romance between two individuals who just happen to be male, and it's totally platonic. "Is this possible?" you may ask. It sure is, and "Off the Black" will prove it to you.

This film is made with passion and care. The soft, natural lighting of the interiors allows the full mystery of the characters to flourish. Single point lighting allows interplay of light and shadow which echoes the bright and dark sides of Dave and Ray, as well as the family members who surround them. Dave's father Tom (Timothy Hutton), withdrawn and distant. Sister Ashley (Sonia Feigelson), on the cusp of adulthood, gawky and afraid. All have secrets to tell, but don't, or won't, or can't. Cinematographer Tim Orr manages to find beauty in every little thing -- contrails, dripping gutters, siding and eaves and gently sloping roofs. And the countryside -- oh my. The lush scenery of the Catskills is indescribable. As Ponsoldt pointed out in the Q&A after the screening, the setting is supposed to be his Georgia home. But it could be anywhere where sea and sky and small towns predominate. Some of the shots are literally breathtaking. I found myself gasping several times. But what tugged at my heart even more was the sparse, almost homespun soundtrack. Punctuated by the occasional train whistle in the distance, the music never distracted, never shouted, "this is important." The contrast between the beauty of the setting and the ugliness of the fractured individuals who populate it is stark. It is on this canvas that writer/director James Ponsoldt, in his first feature, crafts a work of art that is simply one of the most poignant love stories imaginable. Those who've read my comments before know that I dislike traditional reviews because they invariably give too much away. It's easy to find a synopsis of the film so I won't do that here. But in many love stories, the protagonists meet, get tangled in tension and deception, and finally fall in love. Occasionally that's followed by breakup and tragedy. Those aren't my words -- they are those of Ponsoldt in the Q&A after the film, who said that he actually wrote the film as a romantic love story. It just happened to be played by two male actors and is platonic.

To be honest, the film can be hard to watch at times. Nolte's portrayal of the seldom sober Ray is unsettling and painful, like a bad toothache that you can't wait to be pulled. Morgan's sensitive, vulnerable, sad-eyed Dave is like a puppy cowering beneath Ray's rolled up newspaper. But the bravado falls away on Ray's part, the sarcastic self-confidence and humor emerges from Dave, and the boy who needs a father draws closer to the man who needs a son. Finally, what makes this film so joyful to watch is the interplay between the two. It is all so natural that it seemed unscripted. As it turned out, much of it was. In reply to my question during the Q&A regarding how much was improvised, Ponsoldt not so surprisingly admitted that he gave free reign to Nolte and Morgan quite often, and some of the best lines in the film were theirs and theirs alone. And only the best directors are willing to step back and let that happen. And only the best actors can pull it off. Most will not be surprised at Nolte's performance -- he is, after all, a veteran if there ever was one. But "Off the Black" could be the vehicle which puts Trevor Morgan on filmgoers' radar, if it's not already. I'd seen his work before (He was Ponsoldt's first choice, largely based on his performance in the indie classic "Mean Creek"), but he carries this film so confidently and easily that I left the theater shaking my head in wonderment. And a tear in my eye and a smile on my face. "Off the Black" will do that to you.


text: Dit is mijn ontkenning: ik ben familie van iemand die bij de film betrokken is, dus ik ben niet helemaal onbevooroordeeld. Dat gezegd hebbende, heb ik de voorvertoning in Sundance gezien en ik vond het een geweldige film. Het begin geeft echt aan hoe pijnlijk ongebonden en zonder richting Dave Tibble (Trevor Morgan) is. Naarmate de film vordert, toont Ray Cook (Nick Nolte) aan Dave, in tegenstelling tot Daves vader (Timothy Hutton), dat of je nu wel of niet volledig succesvol bent, de enige manier om echt te leven is om je met de problemen van het leven bezig te houden, zonder zelfmedelijden. De cast was allemaal uitstekend, vooral Nick Nolte; hij was geweldig in deze rol. De afloop van de film is bitterzoet maar hoopvol.

text_en: Here's my disclaimer: I am related to someone involved in the film, so I'm not completely unbiased. Having said that, I saw the preview at Sundance and I thought it was a great movie. The beginning really conveys a sense of how painfully disconnected and lacking direction Dave Tibble (Trevor Morgan) is. As the film progresses Ray Cook (Nick Nolte), in contrast to Dave's father (Timothy Hutton), shows Dave that whether or not you are completely successful the only way to really live life is to engage with its issues, without self-pity. The cast was all excellent, especially Nick Nolte; he was awesome in in this role. The conclusion of the film is bittersweet yet hopeful.


text: Ik heb van deze film genoten. Nick Nolte doet alles wat hij kan en Trevor Morgan, als zijn onwillige protegé, geeft een genuanceerde voorstelling. Maar bovenal vond ik _OFF THE BLACK_ geloofwaardig. De premisse is een beetje onwaarschijnlijk, maar de acteurs kunnen de uitdaging aan en de regisseur weet waar hij het verhaal moet laten. Het is geen vertoning van het plattelandsleven, maar het is ook geen oefening in sentiment. Er zijn geen scènes met een verhaallijn of explosieve confrontaties, maar er zijn wel waarheden. Dit is niet zo'n film die zich zozeer op het negatieve richt als wel om de kijker te verdoven. (Ik kan er wel tien noemen die dat de afgelopen vijf jaar hebben gedaan.) Maar hij benadrukt wel dat het leven niet volmaakt is. De filmdistributie is ook niet perfect, en dat is de reden waarom dit niet in de bioscoop is vertoond. Maar de dvd is er. Pak hem.

text_en: I enjoyed this movie. Nick Nolte gives his all and Trevor Morgan, as his reluctant protégé, gives a nuanced performance. Above all, I found OFF THE BLACK believable. The premise is a bit unlikely, but the actors are up to the challenge and the director knows where to take the story. It's not an expose of rural life, but it's not an exercise in sentiment, either. There are no set-pieces, one-liners or explosive confrontations, but there are truths. This is not one of these movies which focus so much on the negative as to numb the viewer. (I can name about ten movies in the last five years which do that.) But it does insist that life isn't perfect. The world of movie distribution isn't perfect either, which is why this didn't appear at the multiplex. But the DVD is there. Grab it.


text: Heel sterke optredens van alle betrokkenen, vooral van Nick Nolte en Trevor Morgan. Maar het vlezige scenario van James Ponsoldt is het meest opwindend. De diepte van de gevoelens die hij van zijn acteurs krijgt, is ook goed. Ik wou dat hij meer dan 23 dagen had om te filmen, want sommige opnamen zijn marginaal, maar sommige opnamen zijn gewoon prachtig, vooral de close-ups van de gezichten van de acteurs.<br />Een beetje overdrijven: dit is een film over de menselijke geest, de menselijke natuur en de aard van families, vooral ad hoc families. En hij heeft een van de subtielste toepassingen van een vrouwelijk personage uit de laatste tijd (het personage Debra).

text_en:
Really strong performances by all involved, especially Nick Nolte and Trevor Morgan. But it is James Ponsoldt's meaty script that is really thrilling. The depth of feeling he gets from his actors is good too. I wish he had more than 23 days to shoot, since some of the photography is marginal, but some shots are just beautiful, especially the close-ups of the actors' faces.

Mild spoiler: This is a film of the human spirit, and human nature, and the nature of families: especially ad hoc families. And it has one of the most subtle uses of a female character in recent memory (the character Debra).


text:
Geweldig verhaal, heel goed geschreven door James Ponsoldt. Degene die de cast bij elkaar heeft gezocht, heeft geweldig werk geleverd.
Het moet heel wat hebben gekost, want er komen een paar bekende namen in voor.
De interactie tussen iedereen lijkt perfect te verlopen. Ik kan me sommige scènes uit de film nog herinneren uit mijn begintijd.
Op de middelbare school (het toiletpapier in de bomen en zo). Nick Nolte zou internationaal erkenning moeten krijgen voor 'Off the Black', net als Ponsoldt.
Off the Black zal het goed doen bij de kassa als het een succes wordt. Het heeft voor iedereen iets interessants en het is een geweldig verhaal. Ik hoop dat het niet verloren gaat omdat er geen moord in voorkomt, geen openlijke seks, bloed en geronnen bloed. Wat deze film belooft en brengt is iets waar tieners en volwassenen van alle leeftijden iets mee kunnen. Ga in hetzelfde weekend naar 'Off the Black' en 'Apocalypto' en ik weet zeker dat je je beter zult voelen na de Ponsoldt-film.

text_en:
Great story, very well written by James Ponsoldt. Whoever assembled the cast did a great job.

It must have cost plenty as there are some well known names here.

The interaction between everyone seems to flow perfectly. I can relate to some of the scenes in the movie from my earlier days

at High School ( the toilette paper in the trees etc.) Nick Nolte should get recognition internationally from "Off the Black" as should Ponsoldt.

Off the Black will do well at the box office if promoted. It has something of interest for everyone and is a GREAT story. I hope it does not get lost due to its lack of murder, overt sex, blood and gore. What this movie promises AND delivers is something teenagers and adults of all ages can relate to. Go see "Off the Black" and "Apocalypto" on the same weekend and I am certain you will feel better after the Ponsoldt Movie.


text:
James Ponsoldt is een indrukwekkend nieuw talent, wiens talenten goed tot hun recht komen in deze uitmuntende kleine film, _OFF THE BLACK_. Ponsoldt is de zeldzame combinatie van schrijver/regisseur die iets ongewoons en belangrijks te vertellen heeft en de vaardigheden heeft om zijn verhaal met oprechte gevoeligheid en met verbazingwekkend gepolijste vaardigheid te vertellen voor iemand die zo nieuw is op het toneel.

In een klein stadje ergens in de Verenigde Staten woont de bejaarde alcoholist Ray Cook (Nick Nolte) alleen en brengt hij zijn tijd door met het maken van videobanden van zichzelf in gesprek met zijn zoon van wie hij al jaren gescheiden is. Hij is ook de scheidsrechter van het plaatselijke honkbalteam, de werper voor de tiener Dave Tibbel (Trevor Morgan), een jongen wiens moeder haar gezin in de steek liet en Dave en zijn jongere zusje Ashley (Sonia Feigelson) overliet aan de zorg van een afstandelijke vader (Timothy Hutton), een man die liever elk gesprek of emotionele steun met zijn verwarde kinderen vermijdt. Op een avond brengen Dave en twee vrienden een bezoek aan het huis van Ray Cook. Er ligt afval op zijn gazon, er staan graffiti op zijn oprit en er hangt wc-papier aan de boom en aan de tv-antenne. Ray is nuchter genoeg om een van hen <0xE2><0x80><0x93> Dave <0xE2><0x80><0x93> te betrappen en sluit met de jongen een pact dat hij de politie niet zal bellen als Dave belooft Rays rommelige tuin op te ruimen.
Dave houdt zich aan zijn belofte en geleidelijk worden Ray en Dave hartelijker tegenover elkaar en ontdekken ze in elkaar de wanhopige behoefte om hun lege levens te vullen <0xE2><0x80><0x93> een 'zoon' en een 'vader'. Ray haalt Dave over om op de re<0xC3><0xBC>nie van zijn middelbare school als zijn zoon op te treden en de gevolgen van die ervaring, in combinatie met talloze andere incidenten, vormen een hechte band tussen de twee in een van de tederste liefdesrelaties die ooit op film zijn vastgelegd. Nee, deze film gaat niet over lichamelijke aantrekkingskracht: hij gaat over het soort liefde dat in ieder van ons een fundamentele behoefte is en dat helaas in zovele levens vandaag de dag jammer genoeg ontbreekt.
Nick Nolte levert een uitmuntende prestatie en het is verfrissend om hem opnieuw te zien bewijzen dat hij een prima karakterspeler is. Trevor Morgan (op 20-jarige leeftijd!) is een openbaring, zo'n acteur die in zijn vak schijnbaar intuïtief uitblinkt. De bijrollen zijn eveneens eersteklas en de muziek van Claire Campbell, Alex Neville en Brian Petway past als een handschoen in de film. De filmopvoering van Tim Orr is zo afgestemd op het verhaal dat het lijkt alsof de camera een ander personage is. Uit het zwart is weer zo'n kleine Indie-film die onder de radar is binnengekomen en een veel groter publiek verdient dan hij had. Uitstekend aanbevolen.

text_en:
James Ponsoldt is an impressive new talent whose gifts are well displayed in this very excellent small film, OFF THE BLACK. Ponsoldt is that rare combination of writer/director who has something unusual and significant to say and has the skills to tell his story with genuine sensitivity and with amazingly polished skill for one so new on the scene.

In a small town anywhere in the US aging alcoholic Ray Cook (Nick Nolte) lives alone, spends his time making videotapes of himself in conversation with his son from whom he has been separated for years. He also is the umpire for the local baseball team, the pitcher for whom is a teenage lad Dave Tibbel (Trevor Morgan), a boy whose mother deserted her family leaving Dave and his younger sister Ashley (Sonia Feigelson) in the care of functionless distant father (Timothy Hutton), a man who would rather avoid any conversation or emotional support with his confused kids. Dave and two friends visit Ray Cook's house one night, empty trash on his lawn, scratch graffiti on his driveway and throw toilet paper streaming from the tree and TV antennae. Ray is sober enough to catch one of them - Dave - and makes a pact with the boy that he will not call the cops if Dave promises to clean up Ray's cluttered yard.

Dave keeps his promise and gradually Ray and Dave warm to each other, each finding in the other the desperate needs to fill their empty lives - a 'son' and a 'father'. Ray convinces Dave to pose as his son at his high school reunion and the results of that experience coupled with numerous other incidents bond the two in one of the more tender love relationships ever captured on film. No, this film is not about physical attraction: it is about the kind of love that is a basic need in each of us and one that sadly is lacking in so very many lives today.

Nick Nolte delivers a superb performance and it is refreshing to see him once again prove that he is a fine character actor. Trevor Morgan (at age 20!) is a revelation, that kind of actor who apparently excels in his craft intuitively. The supporting cast is likewise first class and the musical score by Claire Campbell, Alex Neville, and Brian Petway fits the film like a glove. Tim Orr's cinematography is so attuned to the story that it feels like the camera is another character. OFF THE BLACK is yet another little Indie film that came in under the radar and deserves so much greater an audience than it has had. Highly Recommended. Grady Harp


text:
De derde keer is de charme van James Ponsoldt, schrijver, regisseur en acteur in een ontroerende indiefilm waar iedereen zich in kan verplaatsen. Misschien is de film daarom na een paar weken al niet meer in de bioscopen te zien. Het is een verhaal waarin we allemaal een stukje van onszelf kunnen vinden.
Rays leven is een puinhoop. Hij runt overdag een autosloperij en komt thuis in een huis waar hij met een lelijke hond woont en waar ze allebei hun verdriet verdrinken in bier. Hij leidt de plaatselijke wedstrijden en weet dat dat alleen maar vragen om moeilijkheden is.
Nadat het plaatselijke team zijn kans heeft verspeeld in de play-offs van de staat, pakt hij een tiener die bij hem inwoont. De moeder van deze tiener is weggelopen en zijn dag is zo goed als voorbij. De twee <0xE2><0x80><0x93> Ray en Dave <0xE2><0x80><0x93> kunnen het goed met elkaar vinden en Ray wordt een surrogaatvader, terwijl Dave een surrogaatzoon wordt.
Het is grappig, teder en droevig. Het zet je aan het denken over je eigen leven en over het tellen van je vrienden <0xE2><0x80><0x93> of vrienden maken als je er niet genoeg hebt.

text_en:
The third time is the charm for James Ponsoldt, writer, director and actor in a really touching indie film that everyone can relate to. Maybe that is why it died at the box office after a few weeks without really making it big. It's a story that we can all find a piece of ourselves in.

Ray's life is in the crapper. he runs a junkyard by day and comes home to a house where he lives with an ugly dog and they both drown their sorrows in beer. He umps the local games and know that is just asking for trouble.

After the local team loses their chance at the State playoff, he catches one teen who papers his house. This teen's mom has run off and his day is pretty much dead to the world. The two- Ray and Dave - hit it off and Ray becomes a surrogate dad, while Dave becomes a surrogate son.

It's funny, tender, and sad. It will make you think about your own life and count your friends - or make some if you don't have enough.


text:
Deze film uit 2006 draaide eind 2006 in niet meer dan 4 bioscopen.
Hij had in minstens 1000 bioscopen in het hele land moeten draaien. De R-rating die hij heeft gekregen is niet juist, het zou echt een PG 13 moeten zijn.
Het F-woord wordt een paar keer gebruikt als uitdrukking & er is één nare seksuele opmerking van een tienerjongen tegen zijn vriendje. DIT IS VOOR MIJ GEEN REDEN VOOR DE R RATING.
James Ponsoldt schreef & regisseerde het script met veel zorg.
Nick Nolte, een van onze betere acteurs, geeft de voorstelling van zijn carrière als zieke, zware drinker die veel problemen heeft. '
Trevor Morgan was nog geen twintig toen hij deze film maakte. Ook hij is een problematische tiener die bevriend raakt met Nick Nolte nadat hij wat vandalisme in Noltes huis heeft gepleegd. De jonge meneer Morgan zal nog vele jaren acteur zijn om naar te kijken. 'Dit is niet zijn eerste film maar de reden is duidelijk waarom hij deze mooie rol heeft gekregen. Hij zal een ster worden.'
Timothy Hutton is Trevors zeer zwijgzame & afstandelijke vader.
Rosemarie Dewitt is charmant als Trevors jongere zusje.
'De hele cast is in feite uitstekend.'

<0x3E><0x3E> HOWEVER, noteer dat de film langzaam gaat, zie dit alsjeblieft & blijf erbij, je zult beloond worden & zoek aan het eind uit wat de titel betekent
<0x3E><0x3E> Resultaten *1/2 (van de 4) 93 punten (van de 100) IMDb 9 (van de 10)

text_en:
This 2006 film played in no more than 4 theatres in late 2006.

It should have played in at least 1000 theatres across the country. The R rating it has gotten is incorrect,It really should be a PG 13.

The F word is used a few times as an expression & there is one nasty sexual remark one teen ager makes to his buddy. THIS TO ME IS NO REASON FOR THE R RATING,.

James Ponsoldt both wrote the screenplay & directed with much care.

Nick Nolte one of our better actors gives the performance of his career as sick heavy drinking man, who has many problems.

Trevor Morgan was not yet 20 when he did this film,he too is a troubled teen who is befriended by Nick Nolte after he does a bit of vandalism to Nolte's house. Young Mr Morgan will be an actor to watch for many years, This is not his first film BUT the reason is obvious why he got this plum role/ HE WILL BE A STAR.

Timothy Hutton is Trevor's very silent & distant father. & is just excellent.

Rosemarie Dewitt is charming as Trevors younger sister.

In fact the entire cast is excellent,.

HOWEVER PLEASE NOTE the film is slow moving, Please see this & stay with it,you will be rewarded & at the very end find out what the title means

Ratings ***1/2 (out of 4) 93 points (out of 100) IMDb 9 (OUT OF 10)


text: Ik was dol op de trailer voor deze film omdat hij er interessant en grappig uitzag. Ik vond de twee hoofdrolspelers Nick Nolte en Trevor Morgan echt leuk. Ze werkten heel goed samen en ik kon ze gemakkelijk samen zien werken in andere films. Ik vond de relatie die ze opbouwden leuk. Ray was van zijn eigen zoon vervreemd om redenen die we niet kennen en David beschouwde Ray als een vaderfiguur omdat zijn eigen vader er niet voor hem kon zijn vanwege een handicap. Het is niet ongebruikelijk dat mannen op deze manier een band met elkaar hebben, of het nu platonisch is of niet. In de loop van de geschiedenis hebben oudere mannen vaak jongere mannelijke metgezellen gehad. Helaas moet de maatschappij er tegenwoordig een lelijke draai aan geven en veronderstellingen maken. Daves jongere vrienden maakten hem belachelijk omdat hij zoveel tijd met de oudere scheidsrechter doorbracht, ook al gebeurde er niets behalve dat ze een vriendschap ontwikkelden en Dave als een zoon voor Ray was, en ik denk dat Dave tegen Ray opkeek en hem respecteerde en later duidelijk echt om hem gaf. Het enige probleem met die film die ik had was dat hun relatie even snel voorbij was als hij begonnen was, en het leek erop dat er veel te veel meer moest worden gedaan en gezegd. Ik ben het eens met wat iemand anders zei over waarom Daves moeder zelfs maar werd genoemd, omdat ze niet eens in de film voorkwam. Haar afwezigheid sloeg nergens op en werd niet goed uitgelegd of onderzocht. En de 2 kinderen bleken ook opmerkelijk goed te zijn omdat ze een gehandicapte vader hadden en door hun moeder in de steek werden gelaten. Dat vond ik niet geloofwaardig. En dan was er nog dat hele achterliggende verhaal over Ray's verleden dat erbij werd gesleept en ook niet werd onderzocht. Als die ontbrekende personages in de film zaten, zou het gemakkelijker zijn om de personages beter te begrijpen en te begrijpen hoe ze zo kapot waren geworden. Ik bedoel, in godsnaam! Iets zorgde ervoor dat ze naar elkaar reikten om aan hun behoeften te voldoen. Het was ironisch en komisch hoe ze elkaar uiteindelijk ontmoetten. Er waren zo veel komische momenten in deze film en hij was zo echt grappig dat ik hard moest lachen. Hoe meer hij over zijn nieuwe vriend te weten kwam, des te beter zijn gezicht werd. Het had ook een serieuze kant en het was erg realistisch en dit soort dingen gebeurt. Ik ken mensen die dit hebben meegemaakt. Maar zoals ik al zei, het is een goede film, maar hij had meer kunnen vertellen en veel dieper kunnen gaan.

text_en: I loved the trailer for this movie because it looked interesting and funny.I really liked the 2 leads Nick Nolte and Trevor Morgan.They work really well together and I could easily see them working together in other movies.I liked the relationship they built.Ray was estranged from his own son for reasons we don't know and David looked to Ray as a father figure since his own dad couldn't be there for him because of a disability.It isn't uncommon for males to bond this way whether it be platonic or not.Throughout history older men have often had younger male companions.Unfortunately society nowadays has to put their ugly spin on it and make assumptions.Even in the movie David's younger friends ridiculed him about spending time with the older ump even though there was nothing happening except they were developing a friendship and Dave was like a son to Ray, and I think Dave looked up to Ray and respected him and later obviously really cared about him.The only problem with this movie I had was their relationship was over as quick as it began, and it seemed there was way too much more that had to be done and said.I agree with what another person said about why even mention Dave's mother since she wasn't even in the movie period.None of her absence made sense and wasn't explained well or explored at all.Also the 2 kids turned out remarkably well for having a disabled dad and being abandoned by their mother.I didn't find that believable.And then there was this whole back story about Ray's past that got thrown in and also not explored.If these missing characters were in the movie it would be easier to understand the characters better and understand how they ended up being so broken.I mean for Chris'sakes! something made them reach out to each other to have their needs met.It was ironic and comical how they ended up meeting.There were so many comical moments in this movie and played so genuinely funny I laughed hard.The reunion and the bullshitting was a riot and the look on Dave's face was priceless the more he learned about his new buddy.It also had it's serious side and was very realistic and this type of thing does happen.I know people who are living this. But like I said, it's a good movie but had potential to tell more and to go way deeper.


text: Deze opmerking is bedoeld als leidraad om mensen die tijd hebben om maar één film te zien over een stervende, grijze atleet die zijn beste tijd al lang achter zich heeft liggen, te helpen beslissen of ze 94 minuten met Nick Nolte willen doorbrengen of 111 minuten met Mickey Rourke. (Dit is een beetje zoals de beroemde vergelijking tussen honkbal en football van wijlen de komiek George Carlin; wees gewaarschuwd, ik kies nog steeds voor honkbal.) Op basis van sportacties is het uitzetten van de bal <0xE2><0x80><0x93> het TITLE-veld <0xE2><0x80><0x93> beperkt tot éen gerichte bal, terwijl DE WRESTLER veel scènes bevat van lijf-aan-lijf-gevechten en stoelgevechten. Wat seks betreft, Nick Nolte' Zijn personage (Ray Cook) heeft prostaatkanker en waarschijnlijk is het knuffelen en zoenen met zijn oude schoolvriendin Marianne (een godzijdank volledig geklede Sally Kirkland) zo'n beetje het enige wat hij uitspookt, terwijl Randy 'The Ram' Robinson van Mickey Rourke veel tijd achter de schermen doorbrengt met de topless Marisa Tomei (die zijn exotische danseres Cassidy speelt). Met betrekking tot drugsgebruik beperkt Ray zich zo'n beetje tot een koelkast vol bier, plus een fles wijn bij het eten en af en toe een fles whisky (die hij te danken heeft aan het misdadige gedrag van een minderjarige door drankgebruik onder de achttien te promoten bij zijn elfjarige surrogaatzoon Dave Tibbel, gespeeld door Trevor Morgan), terwijl The Ram zijn leven in een puinhoop lijkt te veranderen door zich te volproppen met alle drugs die de mensheid kent. 'Kwellend' en 'bitterzoet' zijn toepasselijke omschrijvingen van beide films, maar de producers van OFF THE BLACK hebben er duidelijk een paar grofheden tussendoor gegooid om de gewenste R-rating te krijgen voor een film die net zo goed PG13 had kunnen zijn, terwijl THE WRESTLER absoluut een heel 'harde' R is. Voor wat het waard was, ik vond het laatste verhaal een pietsje hoger dan _Bang the UMPIRE SLOW_, bij '9'.

text_en: This comment is intended as a guide to help people who have time to see only one movie about a dying grizzled athlete way past his prime to decide if they want to spend 94 minutes with Nick Nolte or 111 minutes with Mickey Rourke. (This is sort of like the late comedian George Carlin's famous routine comparing baseball to football; be warned, I still pick baseball.) On the basis of sports action, OFF THE BLACK is limited to ONE pitched ball--the TITLE pitch--while THE WRESTLER has many scenes of body-slamming, chair-bashing excitement. In terms of sex, Nick Nolte's character (Ray Cook) has prostate cancer and presumably the cuddling and kissing he does with his old high school sweetheart Marianne (a thankfully fully-clothed Sally Kirkland) is about all he's up to, while Mickey Rourke's Randy "The Ram" Robinson gets to spend a lot of screen time with topless Marisa Tomei (playing his exotic dancer lover Cassidy). In regard to substance abuse, Ray pretty much limits himself to a refrigerator full of beer, plus dinner wine and the occasional bottle of whiskey (contributing to the delinquency of a minor through promoting under-aged drinking with his 11th-grader surrogate son Dave Tibbel, played by Trevor Morgan), while The Ram seems to keep his life in shambles through over-medicating himself with every drug known to mankind. "Poignant" and "bittersweet" aptly describe both films, but the producers of OFF THE BLACK very obviously threw in a few crudities to obtain their desired "R" rating for a movie which could have just as easily been PG13, while THE WRESTLER is definitely a very "hard" R. For what it's worth, I rated the latter story one notch higher than BANG THE UMPIRE SLOWLY, at "9."


text:
's Avonds, als het parfum van WILD ORCHIDS hangt, maakt een Javaanse prins de mooie vrouw van een Amerikaanse magnaat het hof.

Hoewel het eigenlijk weinig meer is dan een verhaal over een romantische driehoeksverhouding, maken de voortreffelijke acteerprestaties en de voortreffelijke presentatie van de film dit tot een zeer aangename film.
Greta Garbo, exquise & sereen, toont opnieuw dat ze meer was dan alleen maar een perfect gebeeldhouwd gezicht. Ze was ook een zeer gedisciplineerde actrice die haar strak beheerste lichaam gebruikte om emotionele diepten en subtiele nuances over te brengen. Zelfs in wat voor haar een tamelijk onbelangrijke film was, is ze een wonder om naar te kijken, meer dan superlatiefisch, alle bijvoeglijke naamwoorden uitputtend. Ze is gewoon Garbo en dat is genoeg. Voor wat betreft het pure exotisch konden maar weinig Hollywood-sterren uit die tijd zich met Garbo meten. Nils Asther was een van hen. Hoewel hij uit Scandinavië kwam, was er iets in de botstructuur van zijn gezicht dat hem ideaal maakte voor Aziatische rollen. Hij had al veel succes gehad als matinee-idool tegen de tijd dat _WILD ORCHIDS_ werd opgenomen. Hij is een uitstekend acteur, maar hij schijnt er een hekel aan te hebben alle aandacht van de kijkers aan Garbo te besteden. (Zowel in Zweden als in Amerika moeten ze een paar interessante privé-gesprekken hebben gevoerd op de set.) Asther maakt van zijn karakterisering van de prins een boeiende mengeling van charme en lafheid <0xE2><0x80><0x93> een wezen dat heel goed in staat is zijn zwoele tegenspeler tot echtelijke ontrouw te verleiden. Voor Asther zou het moeilijk zijn om aan een rol in een film te beginnen, want zijn zware accent maakte het moeilijk voor MGM om hem effectief te casten en uiteindelijk zou hij naar Zweden terugkeren. Maar als hij de juiste rol kreeg, zoals in Frank Capra's _The Bitter Tea of General Yen_ (1933), was Asther in staat het natuurlijke talent te tonen dat hem zelden werd gevraagd te gebruiken.
Lewis Stone is het stevige steunpunt waarop zijn twee extravagante tegenspelers balanceren. Terwijl zij hartstocht en sensualiteit uitstralen, geniet hij van de eenvoudiger deugden: plichtsbesef, waardigheid en, als hij eindelijk in de gaten krijgt wat de prins allemaal uitspookt, gerechtvaardigde toorn. Hij slaagt erin dit alles te doordrenken met een rustig gevoel voor verwarde humor, wat zijn karakter des te menselijker maakt. De eersteklas-productiewaarden van de film brengen de hitte & het hedonisme van Java tot leven voor de kijker. Vooral de Javaanse dans is interessant. Het gebruik van geluidseffecten in deze late stomme film is van enige betekenis <0xE2><0x80><0x93> ze illustreren precies waar sommige filmpuristen vonden dat de bioscoop moest blijven: met muziek en effecten, maar absoluut geen dialoog.

text_en:
During nights scented with the perfume of WILD ORCHIDS, a Javanese prince woos the beautiful wife of a visiting American tycoon.

Although really little more than a story about a romantic triangle, the excellent acting & superb presentation make this a very enjoyable film.

Greta Garbo, exquisite & serene, shows once again that she was more than just a perfectly sculpted face. She was also a very disciplined actress who used her tightly controlled body to convey emotional depths and subtle nuances. Even in what for her was a rather minor film, she is a marvel to watch, beyond superlatives, exhausting all adjectives. She is simply Garbo and that is enough.

For sheer exoticism, few Hollywood male stars of the period could compete with Garbo. Nils Asther was one of these. Although Scandinavian, something about the bone structure of his face made him ideal for Asian roles. He had already enjoyed much success as a matinee idol by the time WILD ORCHIDS was filmed. A fine actor, he seems loath to accede all of the viewers' attention to Garbo. (Swedes both, they must have had some interesting private conversations on the set.) Asther makes his characterization of the Prince a compelling blend of charm & cowardice - a creature quite capable of seducing his sultry costar into marital infidelity. The onset of talkies would prove difficult for Asther, his heavy accent making it hard for MGM to cast him effectively and he would eventually return to Sweden. However, when given the right role, as in Frank Capra's THE BITTER TEA OF GENERAL YEN (1933), Asther was able to exhibit the natural talent he was seldom called upon to use.

Lewis Stone is the solid fulcrum over which his two extravagant costars teeter. While they exude passion & sensuality, he revels in the simpler virtues - duty, dignity, and, when he finally catches on to the Prince's depredations, righteous wrath. He manages to infuse all this with a quiet sense of befuddled humor, which only makes his character all the more human.

The film's first rate production values make the heat & hedonism of Java come alive for the viewer. The Javanese dancing is of particular interest. The use of sound effects in this late silent film is of some significance - they perfectly illustrate where some film purists thought the cinema should remain: with music and effects, but definitely no dialogue.


text:
Dit is geen stomme film <0xE2><0x80><0x93> dit is een vroege geluidsfilm. Hoewel er geen dialoog is, heeft de film een doorlopende, volledig georkestreerde filmmuziek en geluidseffecten. Hij is nogal lang en zou zonder slechte effecten een halfuur korter kunnen zijn. Timing varieert <0xE2><0x80><0x93> Maltin timet hem op 102 minuten, de MGM/UA vhs-box timet hem op 119 minuten, maar mijn timing van de vhs zelf in die studio-uitgave komt op 109 minuten.
Garbo is getrouwd met een oudere man, Stone, die haar verwaarloost met zijn zakelijke verplichtingen terwijl hij op reis is naar een theeplantage op Java. Een Javaanse prins ziet zijn kans schoon om de verveelde Garbo te verleiden en gaat snel te werk. Als Stone eindelijk in de gaten krijgt wat er aan de hand is, manipuleert hij de prins zo dat hij met hem meegaat op een tijgerjacht in het maanlicht, maar eerst schiet hij het pistool van de prins leeg.
Garbo is heel verleidelijk en geeft een eersteklas voorstelling. Haar memorabele close-ups zijn: haar reactie op de geseling van de bediende, een pop die in bed ligt als de prins aan haar wordt voorgesteld, aan boord van de boot. Er zijn andere goed geco<0xC3><0xB6>rdineerde momenten, het meest gedenkwaardig wanneer ze op haar balkon van het paleis staat, rechts van het scherm in een lichtbundel <0xE2><0x80><0x93> de schaduw van de prins in de deuropening wordt over haar heen geworpen en de camera zoomt langzaam in op de Prins die van links in beeld komt terwijl hij en de camera op haar gericht zijn.
De geluidseffecten zijn talrijk en goed geco<0xC3><0xB6>rdineerd: verkeer, lawaai van mensenmassa's, scheepsfluiten, zweepslagen, etensgeluiden, deuren die dichtgaan, treinfluiten, handgeklap, insecten/vogels, gongen, poorten die dichtgaan, stemmen van kampvuren, gegrom van tijgers, geweerklik, geweerschoten. Er zijn ook twee scènes, de ene met een koor dat een titellied zingt, de andere met een uitgebreide (te lange en ook nogal saaie) presentatie van inheemse Javaanse dansers, compleet met koor, geklap, geroep, stampvoeten enz. om de dansen te verlevendigen).
Het is zeker niet Garbo's beste stille film, maar hij houdt de aandacht vast voor de oppervlakkige kijker en is fascinerend als een vroege geluidsfilm voor de muziek en de geluidseffecten.

text_en:
This is not a silent film - this is an early sound film. Although there is no dialogue, the film has a continuous fully orchestrated score and sound effects. It is rather overlong and could have been trimmed by half an hour without any ill effects. Timings vary - Maltin times it at 102 minutes, the MGM/UA VHS box times it at 119 minutes, but my timing of the VHS itself within that studio release comes to 109 minutes.

Garbo is married to an older man, Stone, who neglects her with business duties while on a trip to a tea plantation in Java. A Javanese prince sees his opportunity to seduce the bored Garbo and proceeds apace.

SPOILER ALERT - SKIP THIS PARAGRAPH. When Stone finally catches on, he manipulates the Prince into accompanying him on a moonlit tiger hunt, but first empties the Prince's gun of bullets.

Garbo is most alluring and gives a first rate performance. Memorable close ups include: her reaction to the servant's whipping, a dolly in as the Prince is introduced to her, in her bed on board the boat. There are other well composed moments, most memorably when she is on her balcony at the palace at right of screen in a shaft of light - the shadow of the prince in the doorway is cast upon her and the camera slowly dollies in with the Prince entering the frame from left when he and the camera are upon her.

The sound effects are numerous and well coordinated: traffic, crowd noise, ship's whistle, whipping, triangle dinner call, doors closing, train whistles, hand claps, insects/birds, gongs, gates closing, campfire voices, tigers growls, rifle clicks, rifle shots. There are also two sequences, one a chorus singing a title song, the other an elaborate (overlong and rather boring as well) presentation of native Javanese dancers, complete with a chorus, claps, calls, stomps etc. to illuminate the dances).

It is certainly not Garbo's best silent but holds the attention for the casual viewer and is fascinating as an early sound film for the music and sound effects.


text: Hoewel 'Wild Orchids' geen grote klassieker is, illustreert de film wel de magie van de Stille Orchids op hun hoogtepunt. Binnen een paar minuten legt regisseur Sidney Franklin de kwetsbare relatie vast tussen Lewis Stone, een zakenman met belangstelling voor de handel en de jacht, en Greta Garbo, zijn jongere, verwaarloosde vrouw. Het paar begint aan een zeereis naar Java, op zoek naar theeplantages, en de strijd om Garbo's genegenheid wordt al snel uitgevochten in de gedaante van een exotische prins. Het is moeilijk te peilen hoe Stones ogenschijnlijke en raadselachtige voorliefde voor zaken en zijn mooie vrouw te verklaren is. Garbo zou je kunnen omschrijven als Stones trofee, en dat is ze ook. Gekleed door Adrian en gefotografeerd door William H. Daniels, Garbo zou voor iedere man of vrouw, waar ook ter wereld, een gekoesterde trofee zijn.<br /><0x3E> Eenmaal aan boord van het schip, met dezelfde sobere stijl die werd gebruikt om het huwelijk van Lillie en John Sterling te illustreren, schetst Franklin snel het karakter van Nils Asther, de Javaanse prins. Garbo kijkt vol afgrijzen toe hoe Asther een bediende buiten zijn hut afranselt, en zijn donkere ogen en potlooddunne snorretje spreken boekdelen. Hoewel hij te knap en soms te grillig is om als Lothario helemaal overtuigend te zijn, doet Asther zijn uiterste best om vriendschap te sluiten met Stone en zijn vrouw te verleiden. Jammer genoeg helpt de onverschilligheid van Stone ten opzichte van zijn vrouw deze film alleen maar een bekende weg in te slaan. De Deense Asther als de Javaanse prins De Gace is even Aziatisch als het rijk waarover hij regeert, dat in de koortsachtige gedachten van de artdirectors van MGM werd opgeroepen. Het welkomstbanket doet denken aan het banket in 'Indiana Jones and the Temple of Doom', maar dan zonder de slangen en de oogballen. Op een gegeven moment draagt Garbo een plaatselijk kostuum en hoewel ze haar man niet weet te betoveren, voorspelt ze wel haar latere verschijning, opnieuw tegenover Stone, als Mata Hari. Ondanks Asthers incidentele fouten zijn de optredens van de drie hoofdrollen naturalistisch. Stone is altijd solide en betrouwbaar, en Garbo, tja, die is altijd fascinerend wanneer ze op het witte doek verschijnt. is Garbo, de vertegenwoordiger van stomme films op hun best, en waardig vermaak.

text_en:
While "Wild Orchids" is not a major classic, the film does illustrate the magic of the Silents at their peak. Within a few minutes, director Sidney Franklin establishes the vulnerable relationship between Lewis Stone, a businessman with an interest in commerce and hunting, and Greta Garbo, his younger and neglected wife. The couple embarks on a sea voyage to Java in search of tea plantations, and competition for Garbo's affection soon appears in the guise of an exotic prince. Stone's apparent and puzzling preoccupation with business over his beautiful wife is hard to fathom. Garbo could be described as Stone's trophy wife, and trophy she is. As garbed by Adrian and photographed by William H. Daniels, Garbo would be a prized trophy for any man or woman anywhere any time.

Once aboard ship, with the same economy of style used to illustrate the marriage of Lillie and John Sterling, Franklin quickly sketches the character of Nils Asther, the Javanese prince. Garbo watches in horror as Asther whips a servant outside his cabin, and his dark eyes and pencil-thin mustache speak volumes. Although too pretty and occasionally fey to be totally convincing as a Lothario, Asther works hard at befriending Stone and seducing his wife. Unfortunately, Stone's indifference towards his wife only helps propel this film down a familiar road.

The Danish Asther as the Javanese Prince De Gace is as Asian as the realm he rules, which was conjured in the frenzied minds of MGM's art directors. The welcome banquet is reminiscent of the feast in "Indiana Jones and the Temple of Doom," but without the snakes and eyeballs. At one point, Garbo dons a local costume and, although she fails to charm her husband, she does presage her subsequent appearance, opposite Stone once again, as Mata Hari. Despite Asther's occasional lapses, the performances of the three leads are naturalistic. Stone is always solid and dependable, and Garbo, well, she is always captivating whenever on screen. While not among her greatest, "Wild Orchids" is vintage Garbo, representative of silent films at their best, and worthy entertainment.


text:
MGM had Greta Garbo in de jaren 1928 en 1929 heel druk met het maken van films, omdat de studio de komst van de geluidsfilm zag aankomen, die mogelijk een van hun belangrijkste producten zou vernietigen. Niemand wist wat de uitkomst van Garbo's carrière in die tijd zou zijn.
Zo maakte Greta Garbo tot 'Anna Christie' in 1930 geluid. Deze stomme film is helemaal niet echt stil. Hij heeft voor die tijd een zeer geavanceerde score, inclusief geluidseffecten, publieksgeluiden en zelfs zingen tijdens muzieknummers, met lange opnamen van de zangers, zodat je niet kunt zien dat er geen echte synchronisatie met de zangers zelf is.
Het verhaal gaat over de vijftigjarige John Sterling (Lewis Stone) en zijn jonge vrouw Lillie (Greta Garbo). De twee gaan op een cruise naar Java, zodat John zaken met plezier kan combineren. Het is zijn zaak om een paar plantages te bekijken, die hij misschien zal kopen. Het plezier is zijn verlangen om te jagen en op een tijger te schieten, terwijl hij op Java is. Op de boot ontmoet het paar prins De Gace, gespeeld door Nils Asther. John is bepaald geen nalatige echtgenoot, maar op zijn vijftigste jaar heeft hij zijn romantische dagen grotendeels achter zich gelaten. Dit maakt Lillie tot een gemakkelijk doelwit voor de charmante prins en zijn zilveren tong. Hij maakt onmiddellijk jacht op haar en zet zijn jacht voort, terwijl de Sterlings te gast blijven in zijn huis. Lillie staat in tweestrijd, maar doet haar best om de prins en zijn avances te ontwijken. Op een avond tijdens hun verblijf, nadat ze een dag naar plantages hebben gekeken, ziet John de silhouetten van de prins en Lillie in de schaduw van het huis, vlak nadat de prins haar heeft vastgegrepen voor een snelle kus. Wat zal John aan deze situatie doen? Het acteerwerk in deze film is heel goed. Asther komt goed over als de slijmerige, maar aantrekkelijke prins en Lewis Stone was een geweldige stille acteur. Zijn verbazing als hij het paar voor het eerst in een omhelzing ziet en zijn blik van grote minachting en wetendheid als hij later de prins ziet flirten met een dienstmeisje, zeggen alles. Toch zou hij, net als Garbo, een paar van zijn beste voorstellingen kunnen geven met sprekende films, waarin hij zowel de rol van de schurk in de MGM-precodes kon spelen als die van rechter Hardy in de roemruchte Andy Hardy-serie.
Bestaande afdrukken van deze film zijn heel goed bewaard gebleven en ik kan hem ten zeerste aanbevelen voor filmfanaten.

text_en:
MGM had Greta Garbo quite busy making films during 1928 and 1929 as the studio saw the approach of sound film possibly destroying one of their top assets. Nobody knew what the outcome of Garbo's career would be at the time.

Thus Greta Garbo made silents until 1930's "Anna Christie". This silent film is not really silent at all. It has a very sophisticated score for its time, including sound effects, crowd noises, and even singing during musical numbers, with long shots of the singers so you can't see that there is no true synchronization with the singers themselves.

The story is that of 50ish John Sterling (Lewis Stone) and his young wife, Lillie (Greta Garbo). The two are embarking on a cruise to Java so that John can mix business with pleasure. His business is to look over some plantations that he may buy. The pleasure is his desire to hunt and shoot a tiger while in Java. On the boat the couple meet Prince De Gace, played by Nils Asther. John is by no means a neglectful husband, but at age 50 he has largely left his romantic days behind him. This makes Lillie a likely target for the charming prince and his silver tongue. He makes a play for her right off the bat, and continues his chase as the Sterlings remain guests in his home. Lillie is torn, but tries her best to avoid the prince and his advances. One night during their stay, after returning from a day of looking at plantations, John sees the silhouettes of the prince and Lillie on the drawn shade of the house just after the prince has grabbed her for a quick kiss. What will John do about this situation? The acting in this film is quite well done. Asther comes across well as the slimy but attractive prince, and Lewis Stone was a wonderful silent actor. His surprise when he first sees the couple in an embrace, and his look of both great disdain and knowing when he later sees the prince flirting with a servant girl says it all. Yet, like Garbo, some of his best performances would come with talking pictures where he could both artfully play the cad in the MGM precodes as well as Judge Hardy of the Andy Hardy series fame.

Existing prints of this film are quite well preserved, and I highly recommend it for silent film enthusiasts.


text: De reden waarom deze stomme film nog steeds wordt gezien en genoten, is eenvoudigweg omdat de regisseur van deze film Sidney Franklin was, die een heel beroemde regisseur was in de jaren 20, 30 en 40. Zijn beroemde film was 'The Good Earth', 1937, een verhaal geschreven door Pearl Buck, en kreeg een groot publiek. Natuurlijk zag Greta Garbo (Lillie Sterling) er heel sexy en nogal jong uit en ze had een oud uitziende echtgenoot, die Lewis Stone (John Sterling) was, die alles van Lillie hield en aanbad. Een tijdje verloopt alles gladjes in de jungle, maar een tweebenige gigolo besluit wat lol te maken met de jonge en knappe Lillie. Het is geweldig vermaak als je van de klassieken houdt en van geweldig acteren en regisseurs.

text_en: The reason this silent film is still viewed today and enjoyed, is simply because the director of this film was Sidney Franklin who was a very famous director during the 20's 30's and 40's. His famous film was, "The Good Earth",1937, a story written by Pearl Buck, and received large audience attendance. Of course, Greta Garbo,(Lillie Sterling), looked very sexy and rather young and having an old looking husband, who was Lewis Stone,(John Sterling), who loved and adored everything about Lillie. Things go smoothly for a while in the jungle, but a two legged gigolo decides to have some fun with young and hot looking Lillie. It is great entertainment if you like the old time Classics and great acting and directors.


text: Ik genoot echt van de film, want ik leunde achterover en luisterde. Ontleding is in een film niet leuk. Dit is een luchtige stoeipartij in plaats van ART! Ik lachte en had het naar mijn zin. Ik genoot van Cary Grants eerste optreden en van de zang van Grace Moore. Ailene McMahon was een echte Eve Arden voor de pittige Eve zelf. Het vreemde is dat Grace een Australische operazangeres speelt met haar Amerikaanse accent, terwijl Cary Grant een Amerikaan met zijn Engelse accent speelt. Miss Moore moet een manier vinden om het land binnen te komen, omdat ze geen toestemming heeft om de staten binnen te komen. De grensbewakers moeten in de jaren dertig veel strenger zijn geweest! Als je deze film in handen kunt krijgen, ga dan rustig zitten, ontspan je en geniet ervan.

text_en: I really enjoyed this movie because I just sat back and listened. Dissection is no fun in film. This is a breezy romp rather than ART! I laughed and had a good time. I enjoyed Cary Grants early performance and adored Grace Moore's singing. Ailene McMahon was a regular Eve Arden pre the spunky Eve herself. The odd part is that Grace plays an Australian opera singer with her American accent while Cary Grant plays an American with his English accent. Miss Moore needs to find a way into the country since she doesn't have permission to enter the states. The border guards must have been much tougher in the 1930's! If you can get your hands on this film just sit back, relax and enjoy.


text: Weer zo'n luchthartige stoeipartij uit de jaren dertig. Wie houdt er nu niet van Cary Grant? Dit is een voorproefje van de komische kant van de Cary Grant van wie we zo hielden in de vele films die hij daarna maakte. Miss Moore belicht het scherm met haar zang. Grace Moore was een operaster uit de Met die haar weg naar de film vond. Ze werd genomineerd voor een Oscar voor haar film 'One Night of Love' uit 1934. Hier moet een Australische operazangeres naar Amerika, maar kan de grens niet over en stemt in met een plan. Deze film heeft nogal wat charme. Ik hou van de scènes uit Mexico. Eén nummer in het bijzonder is een beetje overdreven, maar al met al is het een leuke romantische film. Het is misschien geen Shakespeare, maar het is wel erg leuk.

text_en: Another light hearted romp from the 30's. Who doesn't like Cary Grant? This is an early glimpse into the comedic side of the Cary Grant we loved in so many films he made afterward. Miss Moore lights up the screen with her singing. Grace Moore was an opera star from the Met that found her way into film. She was nominated for Best Actress for her 1934 film "One Night of Love". Here an Australian opera singer needs to get to America but cannot get over the border and agrees to a plan. This movie has quite a bit of charm. I love the scenes of Mexico. One song in particular is a bit overdone but, all in all this is a nice romantic film. It may not be Shakespeare but it's a lot of fun.


text:
De enige regisseursprestatie van Robert Riskin (de getalenteerde scenarist van veel van Frank Carpa's beste films) is _When you're in LOVE_, een van de vele films die probeerden het succes van _One night of LOVE_ uit 1934 te herscheppen. Deze film kan bogen op het voordeel dat operazangeres Grace Moore, de ster van de vorige film, de hoofdrol heeft, maar het lijkt nooit echt veel te voorstellen en werd niet goed ontvangen door het publiek na de première. De basisstelling van de film (de beroemde Australische operazangeres 'huurt' een Amerikaanse man in om als haar echtgenoot op te treden om het land binnen te komen) is redelijk uitvoerbaar, maar de film weet niet veel vaart of belangstelling op te wekken. Riskin levert een respectabele prestatie voor een eerste keer als regisseur, maar toont een slecht gevoel voor tempo en laat de film ploeteren.

Moore is acceptabel als de Diva van de film (ze heeft nooit echt de leiding over het scherm, maar ze heeft een merkwaardig soort gelijkvormigheid) en Cary Grant is prima in vorm als haar 'geleende' partner, maar ze spelen figuranten die zich alleen maar lijken te gedragen op de manier die door het script vereist wordt. Hun relatie ondergaat in de loop van de film talloze ups en downs, maar het heeft me nooit echt kunnen schelen of ze uiteindelijk bij elkaar komen, en dat is een ernstige afknapper voor dit soort film. De film wordt ook ontsierd door veel te veel pietepeuterige muzieknummers die alleen maar schijnen te bestaan om de duur van de film te bekorten en te dienen als de facto-demonstratie van Moores schrille stem (zelfs 'Minnie the Moocher', dat vaak wordt aangeduid als het hoogtepunt van de film, is praktisch niet te horen). De echte redding van de film is Aline MacMahon in een frisse en intelligente vertolking als Moores assistente <0xE2><0x80><0x93> MacMahons goedmoedige vertolking is een klein komisch juweel omringd door een zee van middelmatigheid.

text_en:
The sole directorial effort from Robert Riskin (the talented screenwriter behind many of Frank Carpa's best films), WHEN YOU'RE IN LOVE is one of many films that attempted to re-create the success of 1934's surprise hit ONE NIGHT OF LOVE. This film boasts the advantage of featuring opera singer Grace Moore, the star of the previous film, in the lead role, yet it never really seems to amount to much and was not well-received by audiences upon it's original release. The film's basic premise (famous Australian opera singer "hires" an American man to pose as her husband in order to enter the country) is a workable enough set-up, but the picture fails to generate much momentum or interest. Riskin does a respectable job for a first time director, but displays a poor sense of pace and allows the picture to become plodding.

Moore is acceptable as the film's Diva (she never really commands the screen, but she has a odd sort of like-ability) and Cary Grant is in fine form as her "rented" mate, but they are playing stock characters who only seem to behave in the manner that is necessitated by the script. Their relationship suffers numerous ups and downs throughout the course of the film, but I never really cared whether they ended up together and that is a serious determent for this type of picture. The film is also marred by far too many piecing musical numbers that seem to exist only to pad out the film's runtime and serve as a defacto showcase for Moore's shrill voice (even "Minnie the Moocher," which is often referred to as the film's highpoint, is virtually unlistenable). The film's true saving grace is Aline MacMahon in a fresh and intelligent performance as Moore's assistant - MacMahon's good-natured portrayal is a minor comic gem surrounded by a sea of mediocrity.