text:
The Plot: Clive Owen (voordat hij in 'The Bourne Identity', 'King Arthur', 'Elisabeth: The Golden Age' en 'Sin CITY' speelde) speelt een 'huurling' die mensen naar plaatsen rijdt waar ze wanhopig naartoe moeten.
Vaak werken ze voor iets wat 'topgeheim' is en kunnen ze onze hoofdpersoon alleen maar beperkte informatie geven.
Ook is dit bedoeld om de BMW te laten zien en is het geproduceerd door Tony Scott, Ridley Scott en David Fincher (Panic Room, Alien 3). Dit aangrijpende verhaal, geregisseerd door Alejandro Gonzalez Inarritu (BABEL, 21 Grams), volgt onze held in een vreemd land dat wordt verscheurd door terroristische aanvallen en waar een fotograaf (gespeeld door de voortreffelijke Stellan Skarsgard) probeert weg te komen en zijn foto's ongedeerd te houden.

text_en:
The Plot: Clive Owen ( before he was in "The Bourne Identity," "King Arthur," "Elisabeth: The Golden Age," and "Sin CIty" ) plays a "hire" who drives people places they desperately need to go.

Often times, they are working for something "top secret" and can only give our protagonist limited information.

Also, this is meant to show off the BMW car and is executive-produced by Tony Scott, Ridley Scott and David Fincher ( Panic Room, Alien 3 ).

Directed by Alejandro Gonzalez Inarritu ( BABEL, 21 Grams ), this intense tale follows our hero in a foreign country torn by terrorist attacks trying to get a photographer (played by the excellent Stellan Skarsgard ) out of there and keep his photos unharmed.


text:
Deze film is abominabel, zelfs naar de abominabele maatstaven van Tony Zarindast. Hardcase en Vuist zijn twee misdaadbestrijders met heel verschillende stijlen <0xE2><0x80><0x93> Hardcase is een op vuurwapens beluste, op-zich-zelfstandige-blanke smeris, terwijl Vuist een raadselachtige, ondoorgrondelijke expert in Chinese vechtsporten is die het gebruik van vuurwapens schuwt, in overeenstemming met de beste tradities van het filmcliché. Ze leren elkaars kracht en deugdelijkheid te respecteren na de gebruikelijke aanvankelijke wederzijdse achterdocht. De twee gaan samen op pad om een paar onwaarschijnlijk incompetente, klassieke Zarindastesque-schurken te verslaan die iemand hebben gekidnapt of iets dergelijks.

Kijk uit voor het briljant gechoreografeerde vuurgevecht tegen het eind van de film, wanneer onze helden de 'basis' van de schurken aanvallen. (een stel vervallen krotten midden op een braakliggend terrein). Het gaat als volgt: Hardcase loopt monter verder, pistool in de hand; boef springt vanachter een gebouw te voorschijn en schiet twee keer; mist; Hardcase schiet één keer; doodt boef; herhaalt ongeveer 15 keer terwijl Hardcase steeds dichter in de buurt komt van wat hij verdomme ook zoekt. Mooiste moment: de climax van de achtervolging in de auto, die begint met Hardcase in een kleine auto die de hoofdboef, die in een stationcar rijdt, achtervolgt. Midden in de actie, zonder dat er een verklaring wordt gegeven, zit de boef plotseling in de kleine auto en Hardcase in de stationcar. De achtervolging eindigt ermee dat de boef met zijn auto in een riviertje rijdt. Hij komt brandend uit de auto, waadt door het water naar de oever en brandt prompt dood (in slow motion). De verschrikking van deze film is zo compleet, zo volmaakt in elk opzicht, dat Tony Zarindast wel eens het grootste komische genie van onze tijd zou kunnen zijn.

text_en:
This film is atrocious, even by the abysmal standards of Tony Zarindast. Hardcase and Fist are two crimefighters with very different styles - Hardcase is a gun-toting, maverick-yet-somehow-by-the-book white cop, while Fist is an enigmatic, inscrutable Chinese martial arts expert who eschews the use of firearms in line with the best traditions of movie cliche. They learn to respect each other's strength and virtue after the usual initial mutual suspicion. The two team up to defeat some implausibly incompetent, classically Zarindastesque bad guys who have kidnapped somebody, or something like that.

Watch out for the brilliantly choreographed gunfight towards the end of the movie when our heroes attack the bad guys' "base" (a bunch of rundown shacks in the middle of some waste ground). It runs thus: Hardcase walks along blithely, gun in hand; single bad guy jumps out from behind a building and shoots twice; misses; Hardcase shoots once; kills bad guy; repeat about 15 times as Hardcase draws closer to whatever the hell it is he's looking for. Best moment: the climactic car chase, which begins with Hardcase in a small car pursuing the chief bad guy, who is driving a station wagon. In the middle of the action, with no explanation offered, the bad guy is suddenly in the small car, and Hardcase is in the station wagon. The chase ends with the bad guy crashing his car into a small river. He emerges from the car on fire, wades through the water to the shore, and promptly burns to death (in slow motion). The awfulness of this movie is so complete, so perfect in every respect, that Tony Zarindast may well be the greatest comedic genius of our time.


text: In 1976, toen ik op een toneelschool in Los Angeles zat, had ik de pech dat Zarindast mij had uitgekozen om in de film te spelen (en ik gebruik die term losjes). Dood Alex, dood Alex. Zarindast is er de man niet naar om zich te laten tegenhouden door onbelangrijke details, zoals het feit dat hij mij verving door iemand die geen enkele gelijkenis vertoonde met mij of mijn personage (?). Ik kreeg nooit een script te lezen, zelfs niet de pagina met de scène waarin ik op het punt stond te verschijnen. Mijn personage doodt 'Alex' aan het eind van het verhaal, een paar kilometer verderop. Al die vervanging vond plaats terwijl ik in Zuid-Amerika was en nadat de opnamen waren afgelopen, werd ik teruggeroepen om nog meer scènes te filmen. Zarindast financierde zijn eigen film terwijl ik nooit ook maar een cent kreeg, dus ik weigerde te komen. Ik had de film nooit gezien tot ik in 2003 op internet een kopie ervan vond in een filmmagazijn in Conroe, Texas. Ik weet zeker dat ik het enige exemplaar van deze ramp kocht dat ooit is verkocht. Tijdens het filmen vond ik dat mijn acteerwerk een vreselijke reclame was die het niet waard was om mee te doen aan welke productie dan ook, laat staan een echte. Nadat ik de band in 2003 had gezien, besefte ik dat ik niet de slechtste acteur was... Mr. Zarindast was dat wel. Dat gezegd hebbende, waarom zou ik verbaasd zijn over negatieve opmerkingen over zijn producties/directies/acting/scripts/etc.

text_en: In 1976, while in a drama academy in Los Angeles, I had the misfortune to be chosen by Mr. Zarindast to act in the film (and I use the term loosely) Kill Alex, Kill. Mr. Zarindast is not one to be stopped by minor details, such as substituting me with someone who had no resemblance whatsoever with me or my character(?). I was never given a script o read, not even the page with the scene in which I was about to appear. My character kills "Alex" in the end of the story an drives away. All this substitution took place while I was in South America and was recalled to film additional scenes, after shooting had ended. I could not help Mr. Zarindast finance his own movie when I was never paid one dime, so I declined to come. I had never seen the film until, in 2003, browsing the internet I found a copy of it in a movie warehouse in Conroe, Texas. I am sure that I purchased the only copy of this disaster ever sold. While filming I thought that my acting was terrible ad unworthy of participating in any home production, let alone a real one. After seeing the tape in 2003, I realized that I was not the worst actor... Mr. Zarindast was. That being said, why would I be surprised at any negative comment towards any of his productions/directions/acting/screen-writings/etc.


text: Een vriend van me heeft de film en dus hebben we hem bekeken. Ik vond hem echt goed. Ik vond hem echt goed toen hij het huis opblies toen hij die granaat oppakte om hem weer naar buiten te gooien. En ook toen die vent tussen zijn benen werd geschoten terwijl hij op het dak zat <0xE2><0x80><0x93> cool. We hebben er allemaal van genoten en we vonden hem goed. Ik ga mijn eigen exemplaar kopen. Sinds die tijd heb ik ook andere films gezien waarin Victor Von Wright speelde en die waren ook heel goed. Sommigen zullen misschien zeggen dat deze film anders is, maar ik heb gemerkt dat sommige mensen alles en alles uit elkaar proberen te houden. Niettemin genoten we allemaal van de film en we keken er met z'n vijftienen naar.

text_en: A friend of mine has the movie and so we looked at it. I really liked the movie. I really liked the part were the house Blow up when he picked up that grenade to throw it back out. Also when the guy was shot between his legs while on the roof--Cool. We all enjoyed it and liked it. I am going to get my own copy. Also since that time I have seen other movies that Victor Von Wright, has played in and they also were very good. Some may say other wise about this movie, however I have found that some people try to pick apart anything and everything. Nevertheless, we all enjoyed the movie and there were about 15 of us watching it. Good Movie.


text:
Mijn neef huurde deze film toen hij een nachtje bij ons logeerde. Deze film is een kei van een film. Het acteerwerk, het budget en de vechtscènes zijn slecht. Mijn vader kon ons allemaal aan het lachen maken met zijn geestige observaties. Nu ik erover nadenk, is dit een geweldige feestfilm. Slecht acteerwerk, slordige regie en een slap aftreksel van een feestfilm. Geweldige feestfilm.
Aanbevolen voor feestjes. Degenen die dapper genoeg zijn om hem in zijn eentje te bekijken, zullen echt teleurgesteld zijn.
C

Weer een treffer of misser, weer een geval van treffer of misser... De Vervloekte.

text_en:
My cousin rented this movie when he was staying over one night. This movie is a howler. The acting, budget and fight scenes are bad. My father had a hoot making all of us laugh with his witty observations. Come to think of it, this makes a great party movie. Bad acting, sloppy direction and lame chop socky= Great party movie.

Recommended for party viewing. Those brave enough to view it alone will truly be dissapointed.

C

Another hit or miss, a case of hit or miss... -The Damned


text: Opnieuw heeft regisseur/producer/acteur/schrijver/redacteur/biograaf Tony Zarindast ons de diepgang van zijn filmvaardigheden laten zien in deze Action Movie Classic. Hardcase en Vuist heeft alles waar een hardcore actiefilmfan naar snakt; Goede Jongens die je toejuicht (Bud McCall en Eddy Lee) en Slechte Jongens die je verafschuwt (Vincent en zijn makkers), exotische schoonheden (Maureen LaVette, Christina Lunde, Debra Lamb), een boeiend verhaal geschreven door Tony Zarindast met zoveel wendingen dat je de volle negentig minuten op het puntje van je stoel zult zitten, met een constant bonzend hart van ACTIE! Actiescènes waar geen eind aan lijkt te komen, en natuurlijk een geweldige acteerprestatie van Tony Zarindast die de rol van Bud McCall speelt. s Lovable Vietnam War Veteran buddy <0xE2><0x80><0x93> Tony Marino <0xE2><0x80><0x93> brengt ons misschien wel een van de beste acteerprestaties van ALL TIME. Ik geef deze film een 10/10. Dus als er één film is die je moet zien, maak er dan Hardcase en Vuist van. Bedankt TONY ZARINDAST voor het maken van deze actiefilm <0xE2><0x80><0x93> je bent echt een film die LEGEND maakt.

text_en: Once again Director/ Producer/ Actor/ Writer/ Editor/ Cinematographer Tony Zarindast has shown us the depths of his movie making skills in this Action Movie Classic. Hardcase and Fist has everything a hardcore action movie fan craves for; Good Guys you cheer for (Bud McCall and Eddy Lee) and Bad Guys you despise (Vincent and his cronies), exotic beauties (Maureen LaVette, Christina Lunde, Debra Lamb), a captivating story written by Tony Zarindast which has so many twists and turns that you'll be at the edge of your seat for the full 90 minutes, non-stop heart pounding ACTION!! Action sequences that never seem to end, and of course a terrific acting performance by Tony Zarindast who co-stars as Bud McCall's Lovable Vietnam War Veteran buddy `Tony Marino' he brings us maybe one of the best acting performances of ALL TIME. I give this movie a 10/10. So if there is one movie you must see make it Hardcase and Fist. Thank you TONY ZARINDAST for making this action movie classic you truly are a movie making LEGEND.


text: Ik heb deze film als kind gezien en heb hem kortgeleden gezien, na meer jaren dan ik wil toegeven. Ik weet waarom hij me al die jaren is bijgebleven. Dit is machtig materiaal, zelfs naar de maatstaven van vandaag. Misdaad, straf, sensatiejournalistiek, het komt allemaal aan de orde in dit goed geacteerde, snelle drama. Bridges (alsof je hem nog nooit hebt gezien!) verandert in een 'tour de force' als de egomaniak, demente gangster die zonder reden moordt. Lovejoy is de echtgenoot en vader die verwikkeld is in een slechte economische periode, Carlson de verslaggever die moet leren dat de kracht van het woord vaak even snel en dodelijk is als die van het zwaard. Dit is een hoogstaand drama, uitgevoerd in de klassieke film-noir-traditie van de jaren vijftig, het is een must-see voor iedereen die heeft genoten van 'In Cold Blood' (1967) en films van dat genre.

text_en: I saw this movie as a child, and had a chance to see it recently after more years than I want to admit. I know why it has stuck with me for so many years. This is powerful stuff, even by today's standards. Crime, punishment, yellow journalism, it is all addressed in this finely acted, fast paced drama. Bridges(like you've never seen him before!)turns in an acting 'tour de force' as the ego-maniac, demented hoodlum that kills without reason. Lovejoy is the husband and father caught up in a bad period of economics, Carlson the reporter that must learn that the power of the word is often as swift and deadly as that of the sword. This is high drama, done in the classic 50s film-noir tradition, it is must viewing for anyone that enjoyed "In Cold Blood"(1967)and movies of that genre.


text:
De hoofdkop <0xE2><0x80><0x93> Try And Get Me! <0xE2><0x80><0x93> is de titel van de film, zoals ik die ken.
Man, dit is een ander soort film noir, voornamelijk vanwege het einde. Het draait om twee schurken, gespeeld door Lloyd Bridges en Frank Lovejoy. Van die twee is Bridges de leukste om naar te kijken. Hij en zijn vriendin (gespeeld door Adele Jergens) hebben een paar heel goede dialogen. Lovejoy en zijn potentiële vriendin hebben een paar dialogen die zo slecht zijn dat ze lachwekkend zijn! Het deed me bijna denken aan die arme Elisha Cook die het verbaal op een zuipen zet met die stoere meid Marie Windsor: in andere film noirs afgezaagd maar leuk.
Dit was bijna vanaf het begin een onderhoudende film. De laatste 30 minuten zijn echt intens nadat Lovejoy bezwijkt, zijn misdaad op een stompzinnige manier bekent en ten onrechte wordt aangemerkt als de moordenaar (hij was de medeplichtige, niet de moordenaar). Dan vormen de stadsbewoners, aangespoord door de sensatiejournalistiek van de plaatselijke krant, een enorme lynchmenigte en bestormen de gevangenis achter de twee misdadigers aan. De scènes daarvan, en wat er gebeurt, zijn afschuwelijk. Ik overdrijf niet. In feite was het een van de meest verontrustende scènes die ik ooit op film heb gezien, vooral voor een klassieke film. Het gejuich van de menigte wanneer ze de twee mannen doden (wat niet wordt getoond) is ronduit huiveringwekkend.
De film is duidelijk een krachtige aanklacht tegen de gele journalistiek en de maffiamentaliteit. De laatste scène was zo onsmakelijk dat ik deze film nooit meer heb willen zien!

text_en:
The subject headline - Try And Get Me! - is the title of the movie, as I know it.

Man, this is a different kind of film noir story, mainly because of the ending. It centers around two crooks, played by Lloyd Bridges and Frank Lovejoy. Of the two, Bridges is the more fun guy to watch. He and his girlfriend (played by Adele Jergens) have some very good dialog. Lovejoy and his potential girlfriend have some lines that are so bad they are laughable! It almost reminded me of poor Elisha Cook verbally duking it out with tough-gal Marie Windsor: in other film noirs corny but fun stuff.

This was an entertaining film almost from the start. The last 30 minutes are really intense after Lovejoy cracks, stupidly admits his crime and is unfairly accosted as the murderer (he was the accomplice, not the murderer.) Then, the townsfolk, fueled by sensationalist journalism by the local paper, form into a huge lynch mob and storm the jail after the two criminals. The scenes of that, and what happens, are horrific. I am not exaggerating. In fact, it was one of the most disturbing scenes I've ever seen on film, especially for a classic movie. The cheers from the crowd when they kill the two men (which is not shown) are downright chilling.

The film obviously is a powerful indictment on yellow journalism and of mob mentality. The last scene was so distasteful that I have never wanted to watch this movie again!


text:
Als je nadenkt over wat de film impliceert, is het geen wonder dat regisseur Cy Endfield tijdens de McCarthy-jaren op de zwarte lijst stond. Dit is een bijzonder harde en spannende vertolking van een gewone man (Frank Lovejoy) die zijn geluk niet op kan terwijl hij voor zijn gezin probeert te zorgen en tegelijkertijd zijn zelfrespect probeert te behouden. Zijn wanhoop leidt uiteindelijk tot een leven vol misdaad, onder invloed van een zelfvoldane kleine crimineel (Lallyd Bridges) (zie hoe slim Bridges Lovejoy naar zijn hand zet in de cruciale scène in het bowlingcentrum en daarna).
Echt schokkende scènes, vooral de laatste, die naar mijn idee geen gelijke heeft in het boze-maffia- realisme. Deskundig acteerwerk, vooral van Bridges, die in dit deel van zijn carrière een interessante artiest was. Maar het meest opvallend was Katherine Lockes exotisch optreden als Hazel, de manicure. Nog nooit heeft een nepglimlach of een goedkoop haarsieraad zo'n laag-bij-de-gronds verlangen overgebracht als hier, terwijl haar autorit met Lovejoy genoeg materiaal opleverde voor een dozijn feministische traktaten.
Films worden beschadigd door een aantal prekerige scènes en voice-overs, in een poging de hoogst verontrustende beelden te verzachten. Ik weet zeker dat Endfield deze scènes niet zelf heeft uitgekozen, maar ze heeft toegevoegd als concessies aan de productiecode van die tijd. Script is gebaseerd op de feitelijke gebeurtenis in San Jose, CA, in 1933, terwijl de levendige vertolking van studenten van de plaatselijke parochieschool die de aanval leiden ook op feiten is gebaseerd. Het verlies van sociaal geweten bij filmmakers als Endfield laat zien hoeveel er verloren ging tijdens de zuiveringen van Hollywood, en waarom het publiek in de koude oorlog vijftien jaar later Rock en Doris kreeg, samen met Tennessee Williams' escapisme.
Hoog aanbevelenswaardig voor mensen met een sterke maag.

text_en:
Thinking about what the movie implies, it's small wonder that director Cy Endfield was blacklisted during the McCarthy 1950's. This is a particularly hard-hitting and suspenseful depiction of an ordinary man (Frank Lovejoy) down on his luck as he tries to provide for his family and hold on to his self-respect at the same time. His desperation finally leads to a life of crime, under the influence of a preening small-time crook (LLoyd Bridges)-- (notice how cleverly Bridges bends Lovejoy to his will in the pivotal bowling alley scene and thereafter).

Really harrowing scenes, especially the last sequence, which I believe has no equal in angry mob realism. Expert acting, especially from Bridges who was an interesting performer in this part of his career. But most notable for Katherine Locke's truly exotic performance as Hazel, the manicurist. Never has a paste-on smile or cheap hair adornment conveyed as much lower-class longing as here, her car ride with Lovejoy furnishing enough material for a dozen feminist tracts.

Film is damaged by several preachy scenes and voice-overs, attempting to smooth-over the highly disturbing visuals. I'm sure these were not Endfield's choice, but were inserted as concessions to the production code of the time. Script is based on actual event in San Jose, CA, in 1933, while vivid depiction of college boys from local parochial college leading the charge is also based on fact. Loss of social conscience filmmakers like Endfield shows how much was lost during Hollywood purges, and why cold war audiences got 15 years thereafter of Rock and Doris fluff along with Tennessee Williams escapism.

Highly recommended to those with a strong stomach.


text:
Zoals anderen hebben gezegd... Deze film blijft je bij... Ik was 10... waarschijnlijk jonger... toen ik hem zag... en ik kan me nog het gevoel in mijn maag en de pijn in mijn hart herinneren. Ik herinner me niet veel van de details van de film... alleen het gevoel over de hele linie waarmee ik wegkwam... de pijn... van iets verschrikkelijk verkeerds, onrecht... Ik geloof niet dat het op een of andere manier 'werkelijk professioneel' kan zijn geweest, aangezien ik me die gevoelens nog zo goed herinner... Een 'werkelijk professioneel' gemaakte film had dat niet bij mij kunnen laten gebeuren... Ik zou hem echt graag als volwassene nog eens willen zien... Ik hoop dat ik hem op dvd kan vinden.
Het is onthullend voor me dat iemand anders... als kind... na zoveel jaren. zou van de film zijn weggegaan met dezelfde, exacte gevoelens.
Bedankt!

text_en:
As others have said.....This movie stays with you....I was 10.. probably younger..when I saw it....and I can still recall the feeling in my stomach and aching in my heart. I don't remember much of the details of the movie......just the overall feeling I came away with....the pain...of something terribly wrong, injustice... I don't believe that it could have been "workmanlike" in any way since I remember the feelings so strongly.....A "Workmanlike" made film could not have made that happen to me...I would really like to see it again as an adult....I hope I can find it on DVD.

It's revealing to me that someone else.. as a child.. after so many years.. could have come away from the film with the same, exact feelings.

Thanks!


text: Een ontzagwekkend krachtige blik op de maatschappelijke klassenscheiding in de Verenigde Staten rond 1950, die culmineerde in de transformatie van gezagsgetrouwe burgers tot een gewelddadige, bloeddorstige meute die vastbesloten was het recht in eigen hand te nemen. De massapsychologie van het geweld van de meute had niet beter geportretteerd kunnen worden. Ik heb geen idee hoe deze werkelijk ontroerende film in de vergetelheid had kunnen raken. De boodschap dat geweld nooit een conflict oplost, is vandaag de dag nog net zo pijnlijk actueel als in 1950. Zullen we nooit van het verleden leren? Een van de donkerste Noir-films die ik ooit heb gezien. Genereert een opeenvolgende waterval van emoties die het spectrum van menselijke ervaringen, behoeften en drijfveren overspant. Goed gespeeld en de moeite waard om naar te kijken. Zeer aanbevolen.

text_en: An awesomely powerful look at the divide between social classes in the US circa 1950 culminating in the transformation of law-abiding citizens into a violent, blood-thirsty mob bent on taking the law into their own hands. The mass psychology of mob violence couldn't be better portrayed. I have no idea how this truly moving film could have fallen into obscurity. It's message that violence never resolves conflict is as painfully current today as it was in 1950. Will we never learn from the past? One of the darkest Noir films I've seen. Generates a successive waterfall of emotions spanning the spectrum of human experiences, needs and drives. Well acted and well worth watching. Very highly recommended.


text: Een beetje prekerig in de stijl van die tijd, maar een opmerkelijke film. De openingsscène is bijzonder sterk. Een van de interessante details is dat de filmlynchbende voornamelijk bestaat uit studenten in hun schoolshirts. Model Adele Jergens had niet echt een Hollywoodcarrière, maar in deze film zit ze goed. Hoewel het verhaal zich afspeelt na de Tweede Wereldoorlog, is het gebaseerd op een echte lynchpartij in San Jose, Californië, in 1933. Verslaggever Royce Brier van de San Francisco Chronicle kreeg een Pulitzer voor zijn verslag van de gebeurtenis. De gouverneur van Californië, James Rolph jr., zou hebben gezegd dat hij graag alle gevangenen die een straf uitzitten wegens ontvoering zou willen overdragen aan de voogdij van...' die voortreffelijke vaderlandslievende burgers van San Jose, die weten hoe ze zo'n situatie moeten aanpakken.'

text_en: A bit preachy in the style of the day but a remarkable film. The opening is especially strong. Among the interesting touches, the movie lynch mob is made up mainly of college students wearing their school t-shirts. New York Model Adele Jergens didn't have much of a Hollywood career but she's right on the money in this one. Although the time frame is post WWII, the story is based on an actual lynching in San Jose, California, in 1933. Reporter Royce Brier of the San Francisco Chronicle won a Pulitzer for his account of the event.California Governor James Rolph Jr. was quoted as saying he would like to turn over all jail inmates serving sentences for kidnapping to the custody of "those fine patriotic San Jose citizens, who know how to handle such a situation."


text:
Frank Lovejoy is een veteraan die tijdens de oorlog nooit naar het buitenland is gestuurd. Hij kan geen baan vinden om zijn vrouw (Kathleen Ryan) en zoontje te onderhouden. Boos, verbitterd en misschien een beetje schuldig raakt hij bevriend met de slechterik Lloyd Bridges, die manchetknopen van platina draagt en zich in het Californische stadje kostelijk lijkt te amuseren. Bridges biedt Lovejoy een baan aan als wagenmenner. Gewoon een paar kleine inbraken, niets ernstigs. Maar de inbraken escaleren tot de ontvoering van een student uit een rijke familie. Bridges, een jaloerse psychopaat, vermoordt het kind uit wrok. Zowel Bridges als Lovejoy worden gepakt en in de gevangenis gezet, maar een paar duizend mensen breken in de gevangenis in, slaan de mannen in elkaar en smeren ze als serveerschalen naar buiten, waar ze voor het gerecht worden gebracht.
Ik heb hem niet meer gezien sinds ik een kind was, maar de herinnering aan die climactische collectieve moord doet me nog steeds ineenkrimpen.
Het is onmogelijk om na zoveel jaren commentaar te leveren op de voorstellingen, of op veel van de andere dingen die er worden opgevoerd, maar tenzij mijn hersenen in tofu zijn veranderd, voel ik me gedwongen de film aan te bevelen.
Hij werd gemaakt op het hoogtepunt van de anti-Roodhysterie in Hollywood, een tijd waarin subliminale pro-communistische boodschappen werden vertaald in filmische tri En de reclamecampagne die met deze vertoning gepaard ging, leek het publiek bijna aan te zetten tot zinloze maffia-acties. Op de hoogte gebracht worden van de explosieve behoefte aan gerechtigheid! Dat soort dingen. Met andere woorden: de rooien op hun donder geven.
Het was volkomen in tegenspraak met de boodschap van de film zelf, die luidde dat gewone kerels zich kunnen laten meeslepen door de omstandigheden en tot de ontdekking komen dat ze hetzelfde lot ondergaan als degenen die werkelijk slecht zijn. O, en maffia's kunnen gevaarlijk zijn. (Als je een sociaal psycholoog bent, denk dan aan 'riskante verandering'.) Van alle eenvoudige zwart-witmisdaaddrama's die in de naoorlogse periode verschenen, is dit een van de weinige die me bij de kladden hadden.
Gebaseerd op een echt incident in San Jose, Californië, in de jaren dertig.
Als het zich voordoet, zorg er dan voor dat je het te pakken krijgt.

text_en:
Frank Lovejoy is a veteran who never was sent overseas during the war. He can't find a job to support his wife (Kathleen Ryan) and little boy. Angry, embittered, and perhaps a little guilty, he falls in with bad guy Lloyd Bridges who sport platinum cuff links and seems to be enjoying himself all over the little California town. Bridges offers Lovejoy a job as his wheel man. Just a couple of minor stick-ups, nothing serious. But the robberies escalate into the kidnapping of a college boy from a rich family. Bridges, an envious psychopath, kills the kid out of spite. Both Bridges and Lovejoy are caught and jailed but several thousand people break into the jail, beat the men, and pass them outside overhead like serving platters where they meet vigilante justice.

I haven't seen it since I was a kid but the memory of that climactic collective murder still makes me wince.

It's impossible to comment on the performances, or on much else for that matter, after the passage of so many years but unless my brain has turned to tofu, I'm compelled to recommend the film.

It was made at the height of the anti-Red hysteria in Hollywood, a time when subliminal pro-communist messages were being read into cinematic trifles. And the advertising campaign that accompanied this release seemed almost to goad the audience into mindless mob action. Get in on the ground floor of the explosive rage for justice! That sort of thing. In other words, hang the Reds.

It was completely at odds with the message of the movie itself, which was that ordinary guys can get sucked up by circumstances and find themselves suffering the same fate as those who are truly evil. Oh -- and mobs can be dangerous. (If you're a social psychologist, think "risky shift".) Out of all the simple black-and-white crime melodramas that appeared in the post-war period, this is one of the few that had me by the lapels.

Based on a real incident in 1930s San Jose, California.

If it shows up, be sure to catch it.


text:
Dit is een echte slaper in de film noir-categorie, omdat zo weinig mensen hem in de oorspronkelijke distributie hebben gezien. Er was een juridisch meningsverschil over de oorspronkelijke titel, 'Sound of Fury', die volgens sommigen te veel leek op Fritz Langs 'Fury' die eerder was opgenomen.
Een groot deel van deze film werd in Phoenix opgenomen, en het oude stadhuis is heel prominent aanwezig, met zijn prachtige koperen deuren. Een echte nachtclub, de 'La Jolla Club', later bekend als de 'Guys and Dolls', werd gebruikt voor een belangrijke scène.
Lloyd Bridges toonde zijn geweldige bereik en capaciteiten als een psychopaat met een wilde blik in zijn ogen, en Lovejoy was tragisch meelevend als een gewone, gekwelde man die vreselijk is toegetakeld. De bezetting was heel sterk. Dit staat op één lijn met de film noirs van het eind van de jaren veertig <0xE2><0x80><0x93> het begin van de jaren vijftig <0xE2><0x80><0x93> en doet het nog steeds goed.
Geniet!

text_en:
This is a true sleeper in the film noir category, because so few people saw it in original distribution. There was a legal dispute caused by the original title, "Sound of Fury" which some felt was too close to Fritz Lang's "Fury" filmed earlier.

Much of this picture was filmed in Phoenix, and the old city courthouse is very prominent, with it's beautiful copper doors. A true 'dive' nightclub, the "La Jolla Club" later known as the "Guys and Dolls" was used for a key scene.

Lloyd Bridges showed his wonderful range and capability as a wild-eyed psycho, and Lovejoy was tragically sympathetic as a tortured regular guy gone terribly wrong. The cast was very strong.

This is on a par with any of the noir films of the late 40s-early 50s, and holds up today.

Enjoy!


text: In de oorspronkelijke doos van de video zat Patsy Kensit, die er op dat moment uitzag alsof ze een grote ster zou worden. Dat is nooit gebeurd, en nu staat Elizabeth Hurley (die de derde rekening krijgt) op de voorkant van de videodoos. Tjonge, wat veranderen de dingen! Dit is een traag bewegende maar zeer ongebruikelijke & interessante karakterstudie van drie mensen op een kleine boot die van Gibralter naar Barbados reizen. De acteerprestaties zijn voortreffelijk (vooral die van Kensit & Prochnow, die allebei veel charisma hebben), de veranderende kleine groepsdynamiek is heel interessant voor kijkers die van karakterstudies houden, en de plot is nogal verrassend. Let op de dubbele maat van Kensit's.' Het is diezelfde dubbelzinnigheid die haar personage door de hele film heen drijft. Hurley wordt een paar keer kort halfnaakt getoond, dus dat kan óf je belangstelling opwekken óf je afschrikken; niet geschikt voor jongere kijkers. Houd je er tijdens de trage momenten aan vast, het is het waard. Ik geef het een 8/10.

text_en: The original box for the video featured Patsy Kensit, who at that time looked like she was going to become a big star. It never happened, & now Elizabeth Hurley (who receives third billing) is featured on the front of the video box. My, how things change! This is a slow moving but very unusual & interesting character study of three people on a small boat, traveling from Gibralter to Barbados. The acting is superb (especially Kensit & Prochnow, both of whom have much charisma), the changing small group dynamics are very interesting for viewers who like character studies, & there's quite a surprise in the plot. Notice the double standard of Kensit's character as she first has sex with a man (in exchange for something she expects but never gets) & then disapproves her friend's (Hurley's) going a bit "too far" after their burlesque dance routine. It's this same ambiguity that drives her character throughout the movie. Hurley is shown semi-nude briefly a couple of times, so that may either peak your interest or turn you off; not for younger viewers. Stick with it during the slow moments, it's worth it. I rate it 8/10.


text: Ik genoot van de film, ook al had ik dat niet verwacht. De minder belangrijke personages waren wat aanmatigend en niet erg overtuigend, maar eenmaal op de boot waren de drie hoofdpersonen erg goed, met name Patsy Kensit en Elizabeth Hurley. Het gedrag van de vrouwen was echter volstrekt onbegrijpelijk voor mij. Ik denk dat het scenario meer achtergrondinformatie over hun personages nodig had.

text_en: I enjoyed this film, even though I didn't expect to. The minor characters were hammy and unconvincing, but once on the boat the three main characters were very good, particularly Patsy Kensit and Elizabeth Hurley. However, the women's behavior was absolutely incomprehensible to me. I think the screenplay needed more background on their characters. A surprise ending.


text:
Als je geïnteresseerd bent in korte glimpen van Elizabeth Hurleys tepels, zou je deze film interessant kunnen vinden. Dat is de enige positieve eigenschap van deze vreemde film met een vreemd, verwarrend verhaal met vreemde, verwarrende personages.
<0x3E> Periodiek lijkt het verhaal logisch te worden, maar dan stort het weer in als de personages iets anders doen wat schijnbaar ongemotiveerd of slecht gemotiveerd is. Terwijl mijn dramadocente het gebruik van het woord'motivatie' probeerde te vermijden vanwege de mogelijkheid van een cliché, kan ik geen beter woord bedenken. Er werd eenvoudigweg geen logische reden gegeven voor de gebeurtenissen in deze film. De motivatie ontbreekt.
<0x3E> Natuurlijk, het was maar één dollar in de aanbieding. Misschien zou ik het moeten doen. Niet te veel klagen.

text_en:
If you are interested in brief glimpses of Elizabeth Hurley's nipples you might find this movie interesting. That is the only redeeming quality of this strange movie with an odd, confusing story featuring odd confusing characters.

Periodically the story seems to be about to make sense but then it falls apart again as the characters do something else seemingly unmotivated or poorly motivated. While my drama instructor tried to avoid using the word "motivation" because of possibility of cliché I can think of no word better. There was simply no logical reason presented for the goings on in this film. The motivation is missing.

Of course, it was only one dollar in the bargain bin. Perhaps I shouldn't complain too much.


text:
Dit was zo ongeveer het ergste wat er bestond. De hele film lang moet je wachten op een samenhangende plot, en dan aan het eind een verrassend einde waardoor je je leeg voelt.
Het is net zoiets als proberen om twee uur lang een ei op het eind te zetten en dan tot de ontdekking komen dat het niet lukt (tenzij het de zonnewende is).
Kijk hier niet naar.

text_en:
This was about as bad as they come. Throughout the movie, you'll continue to wait for a coherent plot, then at the end, a surprise ending that will leave you feeling empty.

Not unlike trying to stand an egg on it's end for two hours only to find out that it can't be done (unless it's the solstice).

Don't watch this.


text: Dit moet wel de 'Verschrikkelijkste' film van 1990 zijn. Iemand suggereerde dat de 'Skipper' een 'West-Indische' haven moest verlaten, vandaar de cruise. Dit klopt niet op 2 punten. De schipper wordt verdacht van 'kwaadaardig spel' met een rivaal en zinkt naar de bodem van een fles, en de haven die hij aandoet en waar hij met een smoes een cruise krijgt aangeboden, is kennelijk Gibraltar (de oude Morris 1300, bestuurd door havenbeambten, met de Rots op de achtergrond). Vervolgens vertrekken ze op een zeer opgeblazen reis. d. op zoek zijn naar het dichtstbijzijnde schip, eiland of wat dan ook om ze allebei kwijt te raken! De finale is helemaal niets voor Lou, een misdaad zonder motief die eerlijk gezegd ongelooflijk is, en de laatste schriftelijke verklaring maakt duidelijk dat degene die deze onzin heeft geschreven net iets te veel vrouwen nachtmerries heeft gehad. Als je iets goeds wilt zien in het genre van de 'zee thriller', probeer dan 'Deep Calm'. Ik denk dat als je een Patsy of Liz 'ding' hebt, je dit zou kunnen verdragen, er is zelfs af en toe een Hurley-tietenflits. Maar eigenlijk alleen interessant voor C-filmliefhebbers Willie de hond krijgt mijn stem voor beste acteur hier.

text_en: This has got to be the out there 'Most Awful' film of 1990. Someone suggested the 'Skipper' was asked to leave a 'West Indies' port, hence the cruise. This is wrong on 2 counts. The skipper is suspected of committing 'foul play' on a rival and sinks to the bottom of a bottle and the port he meets and is tricked into a cruise by the women in is obviously Gibraltar (old Morris 1300 driven by port officials, scene showing the Rock). They then set sail on what is a most turgid voyage. At one point Su (Patsy Kensit) steals the Skippers' (Jurgen Prochnow) insulin whilst her friend Lou (Elizabeth Hurley) protects her friend from his rage. I think after that I'd be looking for the nearest ship, island anything to get rid of them both! The finale comes completely out of character for Lou, a crime without motive that is frankly unbelievable and the final written statement makes it clear that whoever wrote this tripe had one too many misogynist nightmares. If you want to watch something good in the 'sea-story thriller' genre try 'Deep Calm'. I guess if you've got a Patsy or Liz 'thing' you might put up with this, indeed there is an occasional Hurley boob flash. But really only of interest to C movie lovers Willie the dog gets my vote for best actor here.


text: Gewoonlijk word ik niet overrompeld door films met zogenaamde boogballen, want ik ben tenslotte een van de kijkers die meteen wist dat de man in 'The Sixth Sense' dood was <0xE2><0x80><0x93> het was duidelijk te zien, maar sommige mensen leken er verbaasd over te zijn <0xE2><0x80><0x93> dus ik was een beetje van mijn stuk gebracht door de boogbal in deze zogenaamde DODE RUIMTE. De voornaamste reden is dat, terwijl de beste boogballen door de hele film heen aanwijzingen hebben, deze volkomen uit de lucht komen vallen. De film zelf is nogal vermakelijk, en voor fans van Elizabeth Hurley (die, voor zover ik me kan herinneren, de enige toplessscène in deze film heeft) en Patsy Kensit is deze film een must-see. Ik vond Kensit gedurende het grootste deel van de film erg irritant, wat jammer was omdat ik over het algemeen van haar werk hou, maar ze had niets aan een tamelijk slecht script. Over het geheel genomen een interessante manier om een paar uur door te brengen, maar beter als huur dan als aankoop.

text_en: Usually movies so-called curveballs don't catch me off guard, I am after all one of the viewers who knew instantly that the guy was actually dead in "The Sixth Sense" - it was plainly obvious to me but seemed to surprise some people - so I was a little taken aback by the curveball in this wannabe DEAD CALM. The main reason is that whereas the best curveballs have clues peppered liberally throughout the movie, this one comes completely out of left field. The movie itself is somewhat diverting entertainment, and for fans of Elizabeth Hurley (who has as far as I can recall her only topless scene in this movie) and Patsy Kensit this movie is a must-see. I did find Kensit very annoying throughout most of the movie which was a shame because I generally enjoy her work, but she was not helped by a pretty terrible script. Overall, an interesting way to spend a couple of hours though better as a rental than a purchase.


text: Tja, dit was een waargebeurd verhaal over de zee, en dat kon je maar beter laten voor wat het was. De bemanning zag er goed uit, maar ze waren zo slonzig dat ze het verdienden om voor het ontbijt de kiel te laten halen (voor de haaien dan). De enige reden om de eerste paar minuten te blijven kijken, is de ijdele hoop dat de twee bemanningsleden het zouden redden, dus ik zal je de moeite besparen en je laten weten dat dat niet het geval is. Ik moet zeggen dat Hurley vrijwel onherkenbaar was, of dat nu kwam door de operatie of doordat ze haar wenkbrauwen had laten uitdunnen, weet ik niet. Om het samen te vatten: ik denk dat het voor ieders carrière, inclusief die van de regisseur, het beste zou zijn geweest als deze film gewoon was gezonken, zonder een spoor achter te laten of zelfs maar een rimpeling. Aye aye, kap'tein, los de ma'n zeil, hard naar bakboord als u begrijpt wat ik bedoel.

text_en: WEll this was a true tale of the seas, that would have been better left bobbing around like the corker it is. The crew were good looking enough but they were so slovenly that they deserved to be keel hauled before breakfast, (for the sharks that is). The only reason to keep watching beyond the first few minutes is the vain hope that the two crew might get it on, so let me save you the trouble and let you know that they don't. I have to say that Hurley was virtually unrecognizable, whether it was pre-surgery or that simply thinning her eye brows really dose the trick, I am not sure. To sum it up I think it would have best served each of their careers, including the director, if this film had simply sunk without trace or even a ripple. Aye aye cap'n, loose the ma'n sail, hard to port if you get my drift.


text:
Ik heb deze dvd gekocht omdat ik ten onrechte dacht dat de premisse interessante mysterie- en ontsnappingsmogelijkheden had, dat de aantrekkelijke, goedbekende cast onderhoudende optredens zou geven, en dat er, zelfs als de plot en het acteerwerk mislukten, nog genoeg zou zijn om de film tot een van die films te maken die leuk zijn om naar te kijken omdat ze zo slecht zijn. Tot mijn onmiddellijke en toenemende teleurstelling was er niets van dat alles waar. Behoed jezelf voor dit lot. De score van één ster is uitgevonden voor een film als deze.
De plot is onontwikkelde, onsamenhangende onzin. De film begint met een harde, donkere, verwarrende scène op zee, waar de zeeman in een storm terechtkomt en iemand overlijdt. Dit verhaal wordt nooit echt uitgelegd of verder uitgewerkt. Later stemt de nu aan lager wal geraakte zeeman er plotseling mee in om twee luidruchtige, louche barzangers en hun lastige hond mee te nemen op een vierweekse reis naar Barbados. Tijdens de reis krijgt een van de zangers een onredelijke hekel aan de zeeman, maakt het ene kinderlijke ruzie na het andere met hem, snuffelt in zijn bezittingen en komt met de theorie op de proppen dat hij de persoon op de eerdere reis heeft vermoord vanwege een of andere liefdesdriehoek. De zeeman legt de theorie later uit aan de andere zanger, die hem vriendelijker lijkt, en dan wordt de hele moordtheorie afgedaan alsof het een vergissing was. Na vele saaie, moeizame, zinloze scènes waarin het drietal aan boord ruzie maakt, met een aantal verzonnen en uiteindelijk saaie tegenslagen te maken krijgt en allerlei routineklusjes moet doen, zoals hondenpoep van het dek spuiten, is er op het laatste moment een psychotische moord aan boord, die uit het niets komt en niets verklaart. De film eindigt met een cryptische boodschap op het scherm over het lot van de overlevenden, die ook weer geen enkele betekenis geeft aan wat er daarvoor is gebeurd.
De film is een complete mislukking, niet alleen als serieus drama, maar ook als luchtig vermaak. De verbeeldingskracht is niet toereikend om hem sexy, grappig of leuk te vinden om naar te kijken. De oppervlakkige, losersfiguren kunnen niet minder interessant of aantrekkelijk zijn. De matroos is zo knorrig, in zichzelf gekeerd en afgetakeld, de vijandige zangeres zo overdreven onaangenaam, de andere zangeres zo geesteloos en leeghoofdig, het kinderachtige gekibbel van de personages zo constant en ergerlijk, en de toon van de film zo somber dat er geen greintje chemie of blijvende vrolijkheid tussen de personages is. Niet alleen is het gedrag van de personages een totale uitspatting, er is niets erotisch aan de situaties, het decor of de kleding. Dat geldt ook voor een vroege, korte, g<0xC3><0xAA>nante scène in een bar waarin de ene zangeres zogenaamd stript, maar dat duidelijk niet doet, en een korte glimp van een plichtmatige, slaperige 'liefdesscène'. die geen enkele clou bevat (ik weet niet welke dvd-versie anderen hebben gezien, maar als de versie die ik heb gezien naaktheid bevatte, moet ik die hebben gemist door met mijn ogen te knipperen, zodat ik alleen de feitelijke pathetische inhoud van de film kon beoordelen).
Jammer genoeg hebben sommige films absoluut niets goeds in zich. Dit is er een van. Het enige wat je moet doen als dit gebeurt, is het ronduit zeggen. Er is niets ongepasts aan. Zo is het nu eenmaal. De hele film lang. De film heeft zo zijn tekortkomingen, maar geeft ze vervolgens zonder enige reden een kans, doet zijn uiterste best om brokjes informatie te voorschijn te toveren die de moeite van het bekijken waard zijn, of probeert te speculeren over mogelijke verklaringen voor de geschrapte scènes of'mogelijke verklaringen' die, net als magie, op de een of andere manier zin zouden kunnen geven aan deze puinhoop, wat de verspilling van tijd en geld van een film als deze alleen maar verergert en, erger nog, bijdraagt aan de indruk dat bioscoopbezoekers sukkels zijn.
Toch is dit alles wat de zogenaamde positieve recensies van deze film hebben kunnen doen. Iemand die naar een film als deze kijkt voor een zogenaamd serieus'schildje' van 'persoonlijkheden' is degene die 'een zeer beschermd leven leidt'. niet iemand die dit nutteloze stukje fictie onder de loep neemt om te zien of er geen onvolkomenheden in zitten. De simplistische observatie dat lang in een krappe ruimte op een boot zitten kan leiden tot hutspot (en dat het zelfs nog erger kan zijn als de mensen psychopaten zijn) is niet bepaald een bron van ware betekenis of amusementswaarde, met of zonder de bewering van'realistische zeilscènes'. De suggestie dat het feit dat een psychopaat deel uitmaakt van de cast betekent dat alles goed gaat en dat alle maatstaven van kwaliteit, samenhang en plezier het raam uit gaan, is niet op zijn plaats in een geloofwaardige recensie. Als het beste wat een recensie kan zeggen is dat een film 'niet helemaal waardeloos' is, dan is dat niet wat er in een recensie moet staan. Waarom zou je de moeite nemen om te doen alsof de film enige echte waarde heeft, als het publiek er niets meer dan een 'gevoel van leegte' aan overhoudt (en nee, niet alle films 'zijn' iets), en als het je wel lukt om het publiek met niets anders dan een 'gevoel van leegte' achter te laten, waarom zou je dan nog de moeite nemen om te doen alsof de film enige echte waarde heeft? Natuurlijk kan er 'flauw' amusement zijn dat leuk is. Maar dat betekent niet dat alles wat op het scherm te zien is ook echt goed is. En het is bespottelijk om serieus gebruik te maken van de termen 'persoonlijk drama', 'karakterstudie' of 'psychologische studie' van lesbische jaloezie of wat dan ook. Wat hier op het scherm te zien is, maakt zonder enige twijfel volkomen duidelijk dat de film geen van deze voor de hand liggende en mislukte pogingen om er een excuus voor te vinden, verdient.

text_en:
I bought this DVD because I mistakenly thought that the premise had some interesting mystery/suspense possibilities, that the attractive, well-recognized cast would deliver entertaining performances, and that, even if the plot and acting failed, there still might be enough to make the film one of those movies that is fun to watch because of how bad it is. To my immediate and mounting disappointment as the film droned on, none of this was true. Save yourself from this fate. The one-star rating was invented for a film like this.

The plot is undeveloped, incoherent nonsense. The film opens with a loud, dark, confusing sequence at sea where the sailor is caught in a storm and someone dies. There is never any serious attempt to explain or develop this story. Later, the now down-and-out sailor suddenly agrees to ferry two loudmouth, fringe bar singers and their bothersome dog on a 4-week trip to Barbados. During the trip, one of the singers takes an unreasoning dislike to the sailor, picks one childish fight after another with him, rummages through his possessions, and comes up with a theory that he killed the person on the earlier voyage because of a love triangle of some sort. The sailor later explains away the theory to the other singer, who seems friendlier to him, and then the whole murder theory is just dropped as if it were a mistake. After many tedious, labored, pointless scenes of the three on board quarreling, facing several trumped-up, ultimately boring seafaring adversities, and doing various routine chores like hosing dog poop off the deck, there is a last-minute, psycho-type killing on board that comes out of nowhere and explains nothing. The film ends with a cryptic message on screen about the fate of the survivors that, again, gives no meaning to anything that has come before.

The film is a complete failure not only as serious drama but as light entertainment. By no stretch of the imagination is it sexy, funny, or fun to watch. The superficial, loser characters could not be less interesting or attractive. The sailor is so grouchy, withdrawn, and broken-down, the hostile singer so exaggerated in her disagreeableness, the other singer so vapid and vacuous, the petty quarreling among the characters so constant and annoying, and the tone of the film so dark that there is not an ounce of chemistry or lasting good cheer among the characters. Not only is the characters' behavior a total drag, there is nothing erotic about the situations, scenery, or wardrobe. This includes an early, short, embarrassing scene in a bar in which one singer supposedly strips but clearly does no such thing and a split-second glimpse of a perfunctory, sleepy "love scene" that packs no punch whatsoever (I do not know what DVD version others saw, but if the one I saw contained any nudity, I must have missed it by blinking, leaving me only the actual pathetic substance of the film to judge).

Sadly, some movies have absolutely nothing redeeming about them. This is one of them. The only thing to do when this happens is to come right out and say so. There is nothing inappropriate about this. It is just the way it is. Reciting all the movie's flaws but then giving them a pass for no reason at all, straining to conjure and contrive tidbits that are supposedly worth watching, or engaging in speculative, wishful thinking that edited scenes or "possible explanations" exist that, like magic, would somehow make sense of this mess, only compounds the waste of time and money from a film like this and, even worse, contributes to the impression that moviegoers are suckers.

Yet, this is all that the would-be positive reviews of this film have been able to do. Someone who looks to a movie like this for a supposedly serious "portrayal" of "personalities" is the one who is "living a very sheltered life," not someone who takes this useless piece of fiction to task for it glaring flaws. The simplistic observation that spending a long time in close quarters on a boat can lead to cabin fever (and that it can be even worse if the people are psychos) is hardly the stuff of true meaning or entertainment value, with or without claimed "realistic sailing scenes." The suggestion that including a psycho in the cast means that anything goes and that all standards of quality, coherence, or enjoyability go out the window has no place in any credible effort at movie reviewing. When the best a review can say is that a film is "not totally worthless" and that it manages to leave the audience with nothing more than a "feeling of emptiness" (and no, that's not all movies "are about"), why bother to pretend it has any real value? Of course there can be "fluff" entertainment that is enjoyable. But that does not mean that anything on a screen qualifies. And it makes a mockery of any serious use of the terms to say that this film is a "personal drama," "character study," or "psychological study" of lesbian jealousy or anything else. What is on the screen here makes perfectly clear beyond any doubt that the movie does not deserve any of these obvious and unsuccessful efforts to make excuses for it.


text: Hoe indrukwekkend sommige latere films van Kurosawa ook zijn <0xE2><0x80><0x93> 'Kagemusha' en 'Ran' bijvoorbeeld <0xE2><0x80><0x93>, ik moet bekennen dat ik met meer plezier terugga naar zijn vroege werk, met name de films die zich afspelen in het moderne Japan en niet in het feodale verleden ervan. Hij was niet een van die kunstenaars die steeds beter werden, maar eerder een die steeds nieuwe uitdagingen aanging, niet altijd met dezelfde mate van succes als 'Dodesukaden' en 'Dreams' zouden bewijzen. Ik beschouw de 'Ikiru' uit 1952 als zijn grootste prestatie, met de drie moderne dagfilms die eraan voorafgingen, 'Dronken Engel', 'Het Stille Duel' en 'Stray Dog'. 'Stray Dog' geniet van technische verdienste. Het vertelt het verhaal van een politieman die, nadat hij tijdens een busreis zijn pistool is kwijtgeraakt, een odyssee onderneemt om het terug te krijgen. Vragen over moraal en eer liggen op de loer, net als in elke Kurosawa-film, en de zoektocht wordt steeds dringender naarmate er meer bewijs wordt verzameld dat het wapen bij criminele activiteiten is gebruikt. Wat in een andere cultuur gewoon pech zou zijn, wordt hier gezien als een kwestie van schaamte en schande voor de ongelukkige politieman, die alles moet opgeven. De zoektocht wordt gevolgd door een oogverblindende reeks achtervolgingen, ontmoetingen en ondervragingen, die het publiek, net als de held, af en toe uitgeput achterlaat. Het is de hele tijd warm weer, de personages transpireren overvloedig en soms barst alles uit in een tropische stortbui <0xE2><0x80><0x93> geen enkele andere regisseur maakt zo fysiek gebruik van regen. Misschien is 'Stray Dog' in meer dan twee uur een beetje te lang om het materiaal in stand te houden. Het zakt een beetje in in het midden, maar de achtervolgingen aan het eind van de film zijn prachtig gedaan, vooral de voorlaatste scène waarin de agent zijn prooi achtervolgt door begroeiing waar stad en platteland elkaar ontmoeten. Je kunt bijna de dampende atmosfeer ruiken van een ochtend na regen, als alles weer opwarmt. Mogelijk hebben de twee andere Mifune-films uit dezelfde periode een voordeel. Het zijn meer meditatieve werken, hun lengtes zijn duurzamer. Maar voor pure cinematografische bravoure is dit de beste.

text_en: Impressive as some of the later films of Kurosawa are - "Kagemusha" and "Ran" for example, I have to confess that it is his early work, particularly those set in modern Japan as opposed to its feudal past, that I find myself returning to with greater pleasure. He was not one of those artists who necessarily got better and better, rather was he one who continued to take on different challenges, not always with the same degree of success, as "Dodesukaden" and "Dreams" were to prove. I have long regarded the 1952 "Ikiru" as his greatest achievement, with the three modern day day films starring Toshiro Mifune that precede it, "Drunken Angel", "The Quiet Duel" and "Stray Dog", fascinating consolidations of his skill as a director. "Stray Dog" revels in technical accomplishment. It tells the story of a policeman who, after experiencing the theft of his gun while travelling on a bus, embarks on an odyssey to retrieve it. Questions of morality and honour loom large as they do in any Kurosawa film, with the quest becoming ever more urgent as evidence is gathered of the weapon being used in criminal activities. What might be regarded as plain bad luck in another culture is here seen as a matter of shame and dishonour by the unfortunate policeman, that has to be addressed forsaking all else. The search is pursued in a dazzling series of chases, encounters and interrogations that leaves the audience, like the hero, exhausted at times. The weather is hot throughout, characters sweat profusely and sometimes everything erupts in a tropical downpour - no other director uses rain so physically. Perhaps, at over two hours, "Stray Dog" is a little too long to sustain its material. It sags a little in the middle, but the chases at the outer ends of the film are wonderfully done, particularly the penultimate sequence where the cop pursues his prey through vegetation where city and countryside meet. You can almost smell the steamy atmosphere of a morning after rain where everything is about to heat up again. Possibly the other two Mifune films of the same period have the edge on this. They are more meditative works, their lengths more sustainable. But, for sheer cinematic bravado, this is the one.


text:
Het jaar daarop, 1950, zou Kurosawa zijn eerste grote internationale succes behalen met het meesterwerk Rashomon. Hier beschikt Kurosawa niet over de trefzekerheid die zijn carrière zou kenmerken, maar Stray Dog is niettemin een uitstekende film noir en een doeltreffende verkenning van Kurosawa's ideeën over het naoorlogse Japan in het bijzonder en over de toestand van de mensheid in het algemeen.
Zoals je van zo'n genie mag verwachten, is Kurosawa niet tevreden met een eenvoudig verhaal over goede en slechte agenten en overvallers. Hij verkent de sociale en economische omstandigheden in het naoorlogse Japan, die veel jonge mensen <0xE2><0x80><0x93> vooral terugkerende veteranen <0xE2><0x80><0x93> aanzetten tot misdaad, en ook de specifieke omstandigheden die de daden van Yusa (Isao Kimura) de misdadiger motiveren. Een reeks fouten van de held, de jonge rechercheur Murakami (Toshiro Mifune), is inderdaad een van de factoren achter Yusa's misdaden.
Maar Stray Dog is ook geen gemakkelijke schuld-maatschappij-boodschap. Kurosawa verontschuldigt zich niet voor Yusa. Door Murakami een vergelijkbaar verleden te geven (zo vergelijkbaar zelfs dat het een beetje gekunsteld overkomt), maakt Kurosawa duidelijk dat Yusa dezelfde keuze had als Murakami. Dat hij een andere keuze heeft gemaakt, is zijn verantwoordelijkheid.
Maar nog interessanter vind ik het personage van hoofdrechercheur Sato (Takashi Shimura), Murakami's meerdere, mentor en vriend. In deze film is Sato de wijze oude man, en in de handen van een mindere kunstenaar dan Kurosawa eindigt zo'n personage meestal als spreekbuis voor het standpunt van de regisseur zelf. Maar hier staat Kurosawa Sato toe een harde wet-en-regel-filosofie te omarmen: de politie is de goeden, de boeven zijn de slechten, en daarmee uit. Sato heeft geen geduld voor Murakami's schuldgevoelens of lichtgeraakte filosofieën.
Dat Kurosawa toestond dat deze visie (die niet Kurosawa's visie is, en ook niet die van de film) werd verwoord door de wijste, vriendelijkste, competentste en sympathiekste acteur van de film, is een bewijs van zijn zelfvertrouwen en moed.

text_en:
The following year, 1950, would see Kurosawa achieve his first major international success with the masterpiece Rashomon. Here, Kurosawa doesn't quite have the sureness of touch which would characterize most of his career, but Stray Dog is nevertheless a fine film noir and an effective exploration of Kurosawa's ideas about postwar Japan in particular and the human condition in general.

As you might expect from such a genius, Kurosawa is not satisfied with a simple good-guys/bad-guys cops-and-robbers story. He explores in depth the social and economic conditions in postwar Japan which led many young people--particularly returning veterans--to take to crime, and also the particular circumstances which motivate the acts of Yusa (Isao Kimura), the criminal. Indeed, a series of mistakes by the hero, rookie detective Murakami (Toshiro Mifune), are one factor behind Yusa's crimes.

But neither is Stray Dog a facile blame-society message film, either. Kurosawa makes no excuses for Yusa. By giving Murakami a very similar history (so similar, in fact, that it comes off as a little contrived), Kurosawa makes the point that Yusa had the same choice as Murakami. That he chose differently is his responsibility.

But even more interesting to me is the character of chief detective Sato (Takashi Shimura), Murakami's superior officer, mentor, and friend.

Sato is the wise elder figure in this film, and in the hands of a lesser artist than Kurosawa, such a character generally ends up as a mouthpiece for the director's own viewpoint. Here, though, Kurosawa permits Sato to espouse a hardcore law-and-order philosophy: The cops are the good guys, the crooks are the bad guys, and that's it. Sato has no patience for Murakami's guilt feelings or touchy-feely philosophizing.

That Kurosawa would permit this view (which is not Kurosawa's view, nor the film's) to be given voice by the film's wisest, kindest, most competent, and most likable character is a mark of his confidence and courage.


text: STRAY DOG staat bekend als het eerste echte meesterwerk van Akira Kurosawa, en dat is om minstens twee grote redenen opmerkelijk: de stijl <0xE2><0x80><0x93> klassieke Amerikaanse film noir (rijk, fluwelig van sfeer), versterkt met een vleugje Italiaans neorealisme (heel veel gebruik van verschillende locaties, die een prachtig uitzicht bieden op het dagelijks leven in het naoorlogse Japan), en de ster, een jonge Toshiro Mifune, wiens werkelijk co<0xC3><0xB6>peratieve samenwerking met Kurosawa hier werd geconsolideerd en in de daaropvolgende 16 jaar op spectaculaire wijze zou uitgroeien.<br />Mifune werd net zo'n internationaal icoon als Kurosawa, en dit is de eerste film waarin duidelijk wordt waarom. Als voorbeeld van een film noir biedt _STRAY DOG_ meer dan genoeg aangrijpende spanning en morele complexiteit, en hij doet het goed naast klassiekers als THE BIG HEAT, THE KILLING en THE MALTESE FALCON. Kurosawa belicht internationale invloeden in Japanse films in een ongekende mate (de internationalistische impulsen van Ozu, Kenji Mizoguchi en Mikio Naruse zijn net zo diep en gevarieerd, maar veel discreter ingezet), en Kurosawa legt ook de nadruk op de Japanse details (de jonge agent die verwacht ontslagen te worden, die de mogelijkheid zelfs op een verontschuldigende manier accepteert, en er dan zeker van is dat hij niet ontslagen zal worden <0xE2><0x80><0x93> dat zou niet gebeuren in een vergelijkbare Amerikaanse setting), terwijl hij steeds dezelfde details aan universaliteiten koppelt: eer, adeldom, verantwoordelijkheid. Dit zou de draad worden die Kurosawa's beroemde periode/samoerai-films met zijn eigentijdse drama's verbond. STRAY DOG was misschien wel de eerste van zijn films waarin de tijdelijkheid van de wereldrealiteit echt tot uiting kwam - een tijdloze, klassieke film.

text_en:
STRAY DOG stands as the legendary Akira Kurosawa's first real masterpiece, noteworthy for at least two big reasons: the style - classic American film noir (rich, velvety b&w atmospheres), enhanced with a touch of Italian neo-realism (great use of diverse locations, which provide a great view of day-to-day postwar Japan), and the star, a young Toshiro Mifune, whose truly collaborative association with Kurosawa was cemented here, and would grow in spectacular fashion during the subsequent 16 years.

Mifune became as much of an international icon as Kurosawa, and this is the first film where it's easily evident why. As an example of film noir, STRAY DOG offers plenty of gripping suspense and moral complexity, and holds up well alongside classics like THE BIG HEAT, THE KILLING or THE MALTESE FALCON. Kurosawa touched upon international influences to an unprecedented degree in Japanese film (the internationalist impulses of Ozu, Kenji Mizoguchi or Mikio Naruse are just as deep and varied, but far more discreetly deployed), Kurosawa also skillfully highlights Japanese specifics (the rookie cop expecting to be fired, even accepting the possibility in an apologetic fashion, only to be assured that he will not be fired - this would not occur in a similar American setting), while always linking the same details to universals: honor, nobility, responsibility. This would become the thread linking Kurosawa's celebrated period/samurai films to his contemporary dramas. STRAY DOG was perhaps the first of his films where it truly resonates in a global fashion - a timeless, classic film.


text: Een fascinerende Amerikaanse film noir, een van Kurosawa's eerste grote films. Wat in het begin een zwak uitgangspunt voor een thriller lijkt, zorgt uiteindelijk voor een centrale situatie in de film, die hem veel beter vooruitdrijft dan bijvoorbeeld Donzoko. Muziek is ook geweldig.<br />Toshiro Mifune, die er jong en knap uitziet, is geweldig als de centrale figuur, een rechercheur wiens pistool in een bus wordt gestolen. Wat begint als een rechercheur die zenuwachtig is over het vinden van zijn pistool en het herstellen van een domme fout, ontwikkelt zich tot een uitzinnige en zelfstandige man die zich op de een of andere manier verantwoordelijk voelt voor de misdaden die met zijn pistool worden gepleegd. In _Stray Dog_ zijn de spanning en het detectiveverhaal goed ontwikkeld, maar wat het verhaal zo boeiend maakt, is de onthulling van het schuldgevoel van de hoofdpersoon, en zijn kennis over misdaad, criminelen, en dat het belangrijk is om je fouten goed te maken.

text_en:
Captivating American-esque noir, one of Kurosawa's first great films. What seems like a weak premise for a thriller at the start actually ends up providing a great central situation for this movie which drives it forward much better than, say, Donzoko. Music, also is great.

Toshiro Mifune, looking young and handsome, is quite marvellous as the central character, a detective whose gun is stolen on a bus. What starts out as a detective nervous about finding his gun and fixing a silly mistake, develops into a frantic and desparate man who feels somehow responsible for whatever crimes are committed with his gun. The suspense and detective-story plot are well developed in Stray Dog, but what really makes the story captivating is the revelation of the central character's feeling of guilt throughout, and his learning about crime, criminals, and that what is important is to make good come of your mistakes.


text: Met zijn voorliefde voor het opnemen van 'westerse' ideeën in zijn films, slaat Kurosawa weer een homerun met zijn visie op de misdaadfilm. Zoals altijd slaagt hij erin scènes te maken die (in de handen van een mindere regisseur) saai lijken, maar die absoluut fascinerend worden. Mifunes rit op de tram, bijvoorbeeld, als hij zijn pistool verliest; of de scène waarin hij de situatie aan zijn superieuren moet uitleggen (en vervolgens in de politiedossiers naar een verdachte moet zoeken); of de lange undercoverscène. We kunnen zijn frustratie bijna voelen. De spanning stijgt. En weer hebben we de briljante Shimura die op Mifune speelt en op zorgvuldig gemoduleerde toon advies geeft aan de heethoofdige jonge rechercheur. Als er ooit een volmaaktere combinatie van acteurs in de geschiedenis van de cinema is geweest, dan heb ik die nooit gezien.

text_en: With his penchant for incorporating "Western" ideas into his films, Kurosawa hits yet another home run with his take on the crime film. As ever, he manages to make scenes that would (in the hands of a lesser director) seem boring become absolutely riveting. Mifune's ride on the trolley, when he loses his gun, for instance; or the scene where he has to explain the situation to his superiors (and the subsequent search through police files for a suspect); or the long undercover sequence. We can almost feel his frustration. The tension mounts. And yet again we have the brilliant Shimura playing off of Mifune, speaking in carefully modulated tones as he dispenses advice to the hotheaded young detective. If ever there was a more perfect combination of performers in cinema history, I never saw them.


text:
Deze vroege Kurosawa-film interesseerde me niet alleen als historisch object, maar ook omdat, zoals in alle films die ik tot nu toe van hem heb gezien, de morele en filosofische implicaties van het verhaal evenveel gewicht in de schaal leggen als de dramatische en poëtische aspecten. Een ander commentaarlid zei: 'Wanneer heb je voor het laatst een film gezien waarin de hoofdpersoon iets had wat een moreel imperatief wordt genoemd?' Voor mij is het buitengewoon bevredigend om regisseurs als Kurosawa, Bergman en Hirokazu Kore-eda te zien die morele thema's serieus en waardig behandelen en niet terugdeinzen voor moeilijke vragen.
Ik was ook geïntrigeerd door het feit dat bijna elke scène al het stempel draagt van Kurosawa's unieke visie als regisseur. Ik heb geen idee hoe het komt, maar er is iets, bijna als een vingerafdruk, waar onmiskenbaar 'Kurosawa' op staat. Ik zou het aan meer begaafde en beter geschoolde kijkers dan ikzelf moeten overlaten om het te verklaren, maar ik vind het prachtig om te zien. Dat zal voor een deel te danken zijn aan de uitzonderlijk goede filmers met wie Kurosawa gewoonlijk werkte.
Ik vind de film ongeveer een halfuur te lang, maar als ik dan toch een film moet zien die een beetje te lang is, ben ik in elk geval blij dat hij van Kurosawa is!

text_en:
This early Kurosawa film interested me not only as a historical object, but because, as in every one of his films I've seen so far, the moral and philosophical implication of the story carries as much weight as the dramatic and poetic aspects. As another commenter said here, "When was the last time you saw a film where the central character had something called a moral imperative." To me it's extremely gratifying to find directors like Kurosawa, Bergman, and today's Hirokazu Kore-eda who treat moral themes seriously and with dignity, and don't shy away from difficult questions.

I was also intrigued by how almost every scene bears, already, the stamp of Kurosawa's unique vision as a director. I have no idea how this comes about, but there's just something there, almost like a fingerprint, that says "Kurosawa" unmistakeably. I would have to leave it to more gifted and better schooled viewers than myself to explain it, but I love seeing it. In part, I suppose it's due to the exceptionally fine cinematographers that Kurosawa habitually worked with.

I think the film is about thirty minutes too long, but if I have to see a film that's a bit too long, I'm at least glad it's by Kurosawa!


text:
Stray Dog (1949)
Een vroege Kurosawa-film, gemaakt voordat hij met Rashomon de aandacht van filmliefhebbers trok. Toshiro Mifune speelt een jonge detective wiens pistool is gestolen door een zakkenroller. Uit angst voor zijn baan en in verlegenheid gebracht, gaat hij op zoek naar zijn pistool, dat tijdens een smoorhete hittegolf in Tokio bij twee misdaden door de dief is gebruikt...
De invloed van Kurosawa in het westen is in Stray Dog nog even duidelijk als altijd, want het lijkt in alle opzichten op een conventioneel Amerikaans politieverhaal. Verschillende scènes deden me denken aan de latere film Touch of Evil van Orson Welles, met name een uitgebreide montagesequentie met een vergelijkbare sfeer als de beroemde openingsscène van Welles' film Touch of Evil. Een andere scène, waarin Mifune en de oudere politieman die het onderzoek leidt, gespeeld door Takashi Shimura, een Japanse honkbalwedstrijd observeren, had een Hitchcock-scenario kunnen zijn. Elementen van deze film lijken te zijn overgenomen uit verschillende hedendaagse werken, van het dubbelganger-misdaadromannetje in _Heat_ van Michael Mann tot John Reilly's wanhopige zoektocht naar zijn verdwenen pistool in _Magnolia_.
Maar ondanks de verwijzingen naar conventionele genrefilms, geeft Kurosawa zijn film met verschillende filosofische thema's en ideeën meer diepgang. Ten eerste is er de subtiele manier waarop de rechercheur en de dief met elkaar in verband worden gebracht. Mifune legt uit dat zijn bezittingen na de oorlog allemaal zijn gestolen, en dat hij heeft overwogen zich tot de misdaad te wenden, maar heeft gekozen voor de tegenovergestelde aanpak. De dief, die uiteindelijk het pistool van Mifune in handen krijgt, pleegt de misdaden juist omdat ook hij zijn tas met bezittingen heeft laten stelen. Mifune voelt zich diep schuldig dat zijn pistool bij deze misdaden is gebruikt, en hij stort bijna helemaal in als zijn baas, Shimura, wordt neergeschoten en gewond raakt. Het idee komt bij Mifune op dat het leven van de misdaad dat hij heeft weten te vermijden door deze toevallige gebeurtenis in zijn leven is teruggekeerd. De rover zelf wordt alleen in de grote laatste achtervolging gezien, maar alleen al door de achtervolging krijgt hij een verbazingwekkende diepgang. De laatste achtervolging tussen de twee mannen is een klassieke Kurosawa-scène. In een gespannen moment komt er bij beide mannen een instinctieve reactie op dat ze elkaar eindelijk gevonden hebben. Mifune wordt op het platteland in zijn arm geschoten, terwijl Mozart uit een piano in een naburig huis zweeft. Zijn bloed druppelt op de bloemen beneden. Het thema dat het pistool slechts over een bepaald aantal kogels beschikt wordt waargemaakt als de rover twee keer vuurt en mist, zodat het pistool leeg is en Mifune hem kan overmeesteren. De twee mannen worstelen in de bloemen, vallen in een rivier en raken onder de modder. De rover wordt uiteindelijk overmeesterd en krijgt handboeien om. Kurosawa maakt een prachtige opname van de twee onherkenbare, uitgeputte mannen die als een spiegelbeeld op de voorgrond naast elkaar staan, terwijl op de achtergrond een groep zingende schoolkinderen voorbijloopt. De rover begint plotseling te huilen en te jammeren. De identiteit is onduidelijk, de rover is niet kwaadaardiger dan de rechercheur, alleen een zwakkere man die toegaf aan de moeilijke omgeving waarmee hij werd geconfronteerd.
Hoewel sommige elementen van de techniek niet zo goed ontwikkeld zijn als die van Kurosawa.' De film die het meest bekend is, zoals de stuntelige flashback-intro en het verhaal, vertonen veel momenten die het teken weergeven van de waarlijk grote filmmaker die hij zou worden. Het gevoel van een benauwende omgeving, zowel in de plaats als in het weer, is sterk en het is waarschijnlijk de meest zweterige film die ik ooit heb gezien! Het detectiveverhaal zelf is behoorlijk meeslepend, maar de laatste, beslissende scène alleen al overstijgt de eenvoudige genrefilm en overstijgt iets diep poëtisch en ontroerends.

text_en:
Stray Dog (1949)

An early Kurosawa film, made before he came to the attention of cinema enthusiasts with Rashomon. Toshiro Mifune plays a young detective whose pistol is stolen by a pickpocket. Fearing for his job, and fuelled by embarrassment he sets out to find his pistol, which has been used in two crimes by the thief, in Tokyo during a sweltering heatwave...

Kurosawa's western influences are as clear as ever in Stray Dog, as for all intents and purposes it plays like a conventional American police story. Several scenes reminded me of Orson Welles' later film Touch of Evil, particularly an extended montage sequence with a similar feel to the famous opening shot of Welles' film showing a disguised Mifune walking the streets as he attempts to track down blackmarket arms dealers accompanied by a cacophony of street noise and Latin-jazz-big band music. Another scene where Mifune and the older cop leading the investigation, played by Takashi Shimura, stakeout a Japanese Baseball game, could've been a Hitchcock set-piece. Elements of this film seem to have been referenced in a variety of contemporary works from the doppelganger criminal/detective idea in Michael Mann's Heat to John C Reilly's desperate search for his lost gun in Magnolia.

However, despite the references to conventional genre film, Kurosawa adds depth to his film with several philosophical themes and ideas. First is the subtle way in which the detective and the robber are shown to be connected. Mifune explains how his possessions were all stolen after the war, and that he contemplated turning to crime but decided on the opposite route of law enforcement. The robber, who ends up with Mifune's gun, commits the crimes exactly because he too had his bag of belongings stolen. Mifune feels a deep sense of guilt that his pistol has been used in these crimes and almost breaks down completely when his boss, Shimura, is shot and wounded. The idea resonates with Mifune, that the life of crime he managed to avoid has returned to his life through this chance occurrence. The robber himself, is only seen in the great final chase, but he is given surprising depth of character just in the chase alone. The final chase between the two men is a classic Kurosawa scene. In a tense moment, there is an instinctive reaction by both men that they've finally found each other. Mifune is shot in the arm, out in the countryside, as Mozart drifts from a piano in a nearby house. His blood drips onto the flowers below. The theme that the gun only has a certain number of bullets pays off, as the robber fires twice and misses, leaving the gun empty allowing Mifune to overpower him. The two men wrestle in the flowers, falling into a river and get covered in mud. The robber is eventually overpowered and handcuffed and Kurosawa composes a wonderful shot showing the two, unrecognisable and exhausted men arranged at either side of the frame in the foreground, like a mirror image, while a group of singing schoolchildren walk past in the background. The robber suddenly begins to cry, and howls in anguish. Identity is blurred, the robber is no more evil than the detective, just a weaker man who gave in to the difficult environment he was faced with.

Although some elements of the technique aren't as well developed as Kurosawa's most famous, such as the clumsy flashback intro and narration there are many moments which show the sign of the truly great filmmaker he was to become. The sense of oppressive environment, both place and weather, is strong and it's possibly the sweatiest film I've seen! The detective story itself is pretty compelling, but the final, climactic scene alone transcends simple genre film-making with something profound, poetic and moving.


text:
Kurosawa's eerste meesterwerk; misschien wel zijn eerste. _Stray Dog_ trekt onmiddellijk je aandacht, met de fantastische, bizarre close-ups van de schurftige hond die achter de openingstitels staat te hijgen. Na de aftiteling geeft de regisseur een clinic over de kunst van het monteren, waarbij hij snel non-lineair snijdt, zodat het verhaal meteen ter zake komt: een beschaamde jonge agent (een onmogelijk jonge Toshiro Mifune) die aan zijn baas uitlegt dat hij zijn wapen is kwijtgeraakt; dan een sprong terug naar eerder op de dag tijdens de schietoefening; dan een snelle montage naar een scène in een volle stadsbus waarin de colt wordt gestolen. Kurosawa, die duidelijk ongeduldig is met de presentatie, laat zijn redacteur het snijmes met meedogenloze precisie hanteren. Pas nadat de premisse is vastgesteld, vertraagt de film.
Inderdaad, _Stray Dog_ heeft de neiging om in de twee uur die daarop volgen te meanderen. Er is een beroemde scène van 8 minuten waarin Mifune, undercover op zoek naar zijn pistool, door de puinhopen (menselijk en anderszins) van een zwarte onderwereld in het gebombardeerde Tokio van na de oorlog dwaalt. Deze 8 minuten bevatten geen enkele verhandeling, maar wel een verbluffende op locatie gemaakte montage van die Honda van de 2de eenheid (die later _Godzilla_ regisseerde) die onbeschaamd overgaat in vernietigend sociaal commentaar, en dit is uiteindelijk veel interessanter dan het verstoppertje spelen over het gestolen pistool van een beginnend rechercheur. Met zijn stilistische en thematische schulden aan oude Eisenstein-films en aan de toenmalige trends in de Italiaanse filmwereld, ontwikkelt Kurosawa zijn eigen polemiek over het Japan van na de oorlog die historici zal fascineren. Degenen onder ons in het Westen die een eigen mening hebben over hoe het er in Japan aan toe gaat (het stereotiepe beeld is dat het een welvarend land is dat wordt bevolkt door welvarende mensen) zullen geschokt zijn door de smerige omstandigheden en de verdorvenheid die in deze film worden getoond. Het is een land in een tijd en een plaats waar vrouwen pistolen stelen voor criminelen om rijstrantsoenkaarten mee te scoren.
De film gaat uiteindelijk over hoe iemand onder dergelijke omstandigheden een gevoel van moraliteit in stand houdt. Mifunes agent verschilt per slot van rekening niet veel van de psychopaat die hij achtervolgt: allebei zijn het veteranen van achter in de twintig die op totaal verschillende paden terecht zijn gekomen, die plotseling bij elkaar zijn gekomen. Een recensent hieronder klaagde over Kurosawa's 'fatsoenlijke humanisme' (hoe kan humanisme 'fatsoenlijk' zijn?), maar ik noem het liever een heldhaftig humanisme. Mifune is een eerzame jongeman die ervoor kiest om een held te zijn: het zou tenslotte gemakkelijker zijn geweest om uit het korps te stappen nadat hij de schande had moeten ondergaan dat zijn wapen was gestolen, en het zou zeker gemakkelijker zijn geweest om als zijn tegenstander Yusa over de zwarte markt te zwerven en in het algemeen aan psychopathie ten prooi te vallen. Kurosawa stelt dat als een mens (of een natie) het juiste pad kiest, verlossing kan worden gevonden. Niet voor de laatste keer: Kurosawa maakt heldhaftigheid en eenvoudig fatsoen opwindend om naar te kijken.
Al met al is _Stray Dog_ een mijlpaal voor Kurosawa en de cinema in het algemeen. Het staat trots naast zijn meer beroemde prestaties in het decennium daarna.

text_en:
Early Kurosawa masterpiece; arguably, his first. *Stray Dog* grabs your attention immediately, with the superbly weird close-ups of the mangy dog panting behind the opening credits. Following the credits, the director delivers a clinic on the art of montage, utilizing quick nonlinear cutting that makes the narrative get straight to the point: ashamed rookie cop (an impossibly young Toshiro Mifune) explaining to his boss that he lost his gun; then a jump back to earlier in the day during target practice; then a quick cut to a scene on a crowded city bus in which the Colt gets lifted. Properly impatient with exposition, Kurosawa has his editor wield the cutting knife with ruthless precision. Only after the premise is established does the movie slow down.

Indeed, *Stray Dog* tends to meander during the next two hours. There's a famous 8-minute sequence in which Mifune, going undercover in search of his gun, wanders through the detritus (human and otherwise) of a black-market underworld in bombed-out post-War Tokyo. These 8 minutes contain zero exposition, containing instead some stunning on-location montage from 2nd-unit guy Honda (who directed *Godzilla* later) that unabashedly turns into scathing social commentary, and this, in the final analysis, is far more interesting than the catch-as-catch-can plot about a rookie detective's stolen gun. Owing stylistic and thematic debts to old Eisenstein pictures as well as then-current trends in Italian cinema, Kurosawa fashions his own polemic about post-War Japan that can't help but fascinate historians. Those of us in the West who have our own perceptions about what Japan is like (the stereotype is that it's a spiffy country inhabited by spiffy people) will be shocked at the filthy conditions and depravity glimpsed at in this footage. It's a land in a time and a place where women steal pistols for criminals in order to score rice-ration cards.

The movie is ultimately about how a person maintains a sense of morality in such conditions. Mifune's cop is, after all, not too different from the psychopath whom he pursues: both are veterans in their late twenties who ended up on entirely different paths which have suddenly converged. One reviewer below complained about Kurosawa's "facile humanism" (how can humanism be "facile"?), but I rather call it a heroic humanism. Mifune is an honorable young man who chooses to be a hero: after all, it would've been easier to quit the force after enduring the shame of getting his gun stolen, and it certainly would've been easier to roam the black-markets like his antagonist Yusa and generally cave in to psychopathy. Kurosawa is suggesting that if a man (or a nation) chooses the right path, redemption can be found. Not for the last time, Kurosawa makes heroism and simple decency thrilling to watch.

All in all, *Stray Dog* is a landmark achievement for Kurosawa and for cinema in general. It stands proudly beside his more famous achievements in the decade that followed. 8 stars out of 10.


text: Akira Kurosawa's STRAY DOG (Engelse titel) is een meeslepend, poëtisch visioen van een jonge Tokiose officier (Toshiro Mifune) die in een bus zijn pistool wordt ontstolen. Gedreven door een obsessie volgt hij het spoor van de zakkenroller door de sjofele onderwereld van het naoorlogse China, in een poging zijn eer te herwinnen. Een zeldzame film van grote sociale en filosofische betekenis. Het bedrieglijk eenvoudige verhaal wordt ingewikkelder als de man die het pistool van Mifune in zijn bezit krijgt, mensen begint te doden en Mifune zichzelf de schuld begint te geven. Elke seconde van deze film klinkt waarachtig. Een ongelooflijke sfeervolle combinatie van noir-drama en duistere komedie. Net zo goed als Kurosawa's beroemde samoerai-films.

text_en: Akira Kurosawa's STRAY DOG (English title) is a riveting, poetic vision of a young Tokyo officer (Toshiro Mifune) who's handgun is stolen from him on a bus. Driven to obsession, he follows the trail of the pickpocket through the seedy underworld of post-war China, in an attempt to regain his honor. A rare film of great social and philosophical significance. The deceptively simple story grows more complex as the man who gains possession of Mifune's handgun begins killing people and Mifune starts to blame himself. Every single second of this film rings true. An incredible atmospheric combination, of noirish melodrama and dark comedy. Every bit as good as Kurosawa's celebrated samurai pictures.


text:
Deze film wordt alleen maar beter naarmate hij vordert. Het tempo is absoluut perfect, het begin en het grootste deel van de film zijn traag, een afspiegeling van de drukkende hitte. Aan het eind gaat het steeds sneller, naarmate Murukami steeds geagiteerder raakt.
De mooiste scène van de film is de climax als Murukami Yusa in het bos in het nauw drijft. De beelden zijn prachtig. En aan het eind van de scène vallen ze naast elkaar op de grond, als een tweeling. De symmetrie van het shot creëert een parallel tussen de twee figuren, die in de rest van de film verder wordt onderzocht, waardoor duidelijk wordt dat de twee mannen van dezelfde soort zijn. Het acteerwerk is fantastisch, Takashi Shimura speelt zijn rol van de veteraan/mentor uitstekend en een jonge Mifune speelt Murukami's schaamte en gebrek aan zelfvertrouwen uitstekend.
Het is jammer dat de kwaliteit van de film niet zo goed is als van andere zwart-witfilms, maar de film is uit 1949, dus je kunt het Kurosawa niet echt kwalijk nemen. Ik geef deze film een 9/10. Als je van Kurosawa of van film noir houdt, is dit een'moet je zien'-film.

text_en:
This movie just keeps on getting better as it plays. The pacing is absolutely perfect, the beginning and most of the movie itself are slow, reflecting the oppressing heat. At the end it keeps getting quicker as Murukami becomes more and more frantic.

The best scene of the film is its climax when Murukami corners Yusa in the woods, the images are wonderful. And the end of the scene they fall to the ground, side by side, like twins. The symmetry of the shot creates a parallel between the two characters which is further explored in the rest of the movie, revealing that the two men are of the same kind.

The acting is wonderful, Takashi Shimura does a great job in portraying his veteran/mentor character and a young Mifune does a great job in showing Murukami's shame and lack of self confidence.

It's a shame the quality of the picture isn't as good as other black and white films but the movie's from 1949 so you can't really blame Kurosawa. I give this one a 9/10. If you like Kurosawa or film-noir this is a "must see".


text: Akira Kurosawa heeft, samen met zijn medeschrijver Ryuzo Kikushima, hier iets heel intrigerends in handen: een scenario dat de kijker echt weet te boeien, zoals het openen van een strak, tot op het bot uitgewerkt detectiveverhaal van types als Dashiell Hammett (een invloed op minstens één Kurosawa-film, tussen haakjes). Zijn uitgangspunt is bedrieglijk eenvoudig: een nerveuze, maar volkomen professionele en ietwat afgematte politieman, gespeeld door een jonge, goed verzorgde Toshiro Mifune, krijgt in de metro een pistool in zijn zak en besteedt minstens de helft van de film aan het zoeken ernaar. Als een zakkenroller, gespeeld door een van de allerbeste Japanse karakteracteurs Takashi Shimura, zijn partner wordt in de zaak, dan gebeuren er dingen, en dan wordt de plot steeds ingewikkelder. Maar als iemand die een paar scenario's heeft gelezen (en geprobeerd heeft te schrijven) weet ik bij het kijken alleen maar hoeveel details er waarschijnlijk in zijn verwerkt, de nuances van de dingen die Mifune heeft moeten doen. Het is een heel delicate, ontzagwekkende prestatie, gezien de lagen van de inhoud van de film.<br />Het is duidelijk dat Kurosawa, zoals de regisseur de opnamen noemt, zijn ware meester is, hoewel hij nog steeds een jonge regisseur is, vol vertrouwen in zijn stijl, hoewel hij er slechts kleine fluorides aan toevoegt (soms heel goed). Dit werkt in zijn voordeel als hij het thema van de hete, hete, het ellendige gewicht van een zomerdag gebruikt in de drukkere, armere wijken van Tokio. Maar _Stray Dog_ is meer dan een gewone detectivefilm. Dat het verhaal stevig in elkaar zit en goed genoeg is om veel weg te hebben van de Amerikaanse films uit die tijd, doet er nauwelijks toe. En het voegt die extra laag van versterkt realisme toe voor onze hoofdpersonen die op jacht zijn; je zou deze film zelfs kunnen zien als de Bicycle Thief (die op zoek is naar een verloren voorwerp in de duistere uithoeken van de stad) als hij geschreven was met minder sentiment en meer lef. Het is een zekere mate van tijd en structuur die _Stray Dog_ onderscheidt van de talrijke 'film noirs' van de Amerikaanse cinema uit die tijd. Hoewel het het soort vastberadenheid en geestigheid van die films bevat, is het ook afhankelijk van het feit dat het de mensen in deze wereld zo eerlijk mogelijk wil weergeven, hoe verdorven de dingen ook zijn (zoals in Kurosawa's latere film _High & Low_ ). Maar ondanks Mifunes voorzichtige en onbuigzame manier van acteren en Shimura's typische intelligente, ontspannen manier van doen, is het het script dat alles bij elkaar brengt; die lange, fascinerende opeenvolging van Mifine die door de straten sjokt op zoek naar zijn pistool, was waarschijnlijk niet geïmproviseerd. Heel goed gedaan.

text_en:
Akira Kurosawa, along with his co-writer Ryuzo Kikushima, has here something very intriguing- a screenplay that really draws the viewer in, like opening up a tight, to-the-bone detective story by the likes of Dashiell Hammett (an influence on at least one Kurosawa film, by the way). His basic premise is deceptively simple- a nervous but completely professional and slightly worn-down cop, played by a young & trim Toshiro Mifune, gets his gun pick-pocketed on the subway, and he spends at least half of the film on his own looking for it. When a pickpocket specialist, played by one of the very best Japanese character actors Takashi Shimura, comes into being his partner on the case, then things, then the plot starts to thicken further. But as someone who's read (and tried to write) a few screenplays, I just know watching this how much detail probably went into it, the nuances of things that Mifune had to do. It's quite a delicate, awesome feat, considering the layers of the film's content.

Obviously, Kurosawa as the director calls the shots in terms of the visuals, his true forte, though this is him still in a young director mode, very confident in his style, though only giving minor fluoride's of style (sometimes quite well). This works to his advantage when using the motif of hot, heat, the wretched weight of a summer's day in the more crowded, poorer areas of Tokyo. But Stray Dog is more than just a kind of common detective film. That the story is sturdy and good enough to be akin very much to the American films of the time is almost besides the point. Like De Sica, to a degree, Kurosawa uses the post-war streets and real locations (it's not all just Toho this time), and it adds that layer of heightened realism for our main characters on the prowl; in fact one could look at this film as being like the Bicycle Thief (looking for a lost item in the dark places of the city) had it been written with a fair amount less sentiment and more grit.

When the suspense comes forth, it's really a knockout, especially when it comes time for he final confrontation with the thief, where it becomes such a struggle that the two are like, well, dogs, very primal as it boils down to the law versus the criminal. There's a certain sense of time and structure that sets apart Stray Dog from the numerous 'film-noirs' of American cinema of the period- while it contains the kind of determined edge and wit of those films, it also relies on portraying the people in this world as honestly as possible, however downtrodden things are (like Kurosawa's later film High & Low, location adds to the mood greatly). But even through Mifune's cautious and un-bending kind of performance, and Shimura's typical intelligent, laid-back way, it's the script that pulls everything together; that long, fascinating sequence of Mifine trudging through the streets looking for his gun was not very likely improvised. Very well done.


text: Stray Dog is de andere detective-noirfilm van Kurosawa, samen met High and Low. In deze film wordt het pistool van een jonge rechercheur gestolen, wat leidt tot een reeks misdaden die steeds gewelddadiger worden. Hoewel het onwaarschijnlijk is dat je het tot rechercheur zou brengen en net zo 'groen' zou zijn als deze kerel, levert het wel een interessante plot. We zien hoe de rechercheur hulp krijgt van zijn collega's terwijl hij de hele zaak op een rijtje zet. Er worden ook interessante parallellen getrokken tussen de rechercheur en de misdadiger. Het grootste deel van de film is goed, maar er zijn momenten dat hij wat langdradig is, wat helaas gebruikelijk is in Kurosawa-films (behalve Yojimbo, die perfect was). Alles bij elkaar is _Stray Dog_ een heel stijlvolle film met een paar ongelooflijke shots en (op dat moment) spectaculaire filmeffecten. Het is de moeite waard om naar te kijken, al was het alleen maar om het Japan van na de oorlog te zien.

text_en: Stray Dog is the other detective noir film by Kurosawa along with High and Low. In this film a rookie homicide detective has his gun stolen which leads to a string of crimes each more violent than the previous. While it is unlikely you could make it to detective and be as "green" as this guy, it does make for an interesting plot device. We watch as the detective gets help from his fellow cops as he puts the whole thing together. There are also interesting parallels drawn between the detective and the criminal. Most of the film holds up well but there are times when it drags which is unfortunately common in Kurosawa films (except for Yojimbo which was perfect). All in all Stray Dog is a very stylish movie with some incredible shots and some ground breaking (at the time) film effects. It's worth watching just to see post war Japan.