text: Dekalog Vijf was een interessante kijkervaring voor me, vanwege de vraag die Kieslowski op subtiele wijze aan het publiek lijkt te stellen. In dit hoofdstuk gaat het om drie mannen, en Kieslowski laat de twee mannen die betrokken zijn bij een moord zien met zowel goede als slechte eigenschappen (in het geval van een van hen bijna overweldigend slecht). Met zulke verachtelijke figuren was ik bijna blij dat ze op de een of andere manier gestraft zouden worden. Maar als het moment van de moord is aangebroken (en het effect daarvan op de moordenaar) neemt Kieslowski een interessante invalshoek en lijkt hij aan de mensen die mijn mening deelden te vragen: 'Zijn jullie niet net zo schuldig als deze man?' Dit soort indirecte toespraken van het publiek maken de finale van Dekalog Vijf zo veel diepgaander als Kieslowski (zoals gewoonlijk) niet binnen de letterlijke grenzen van zijn thema blijft. Net zoals de andere delen van de Dekalog het thema van het gebod niet letterlijk opvatten, doet Dekalog Vijf dat ook niet. Het vraagt ons wat moord is, wie er meer schuldig is aan moord, en wat de juiste straf zou moeten zijn, als die er al is. Het is een fantastische film en, typisch Kieslowski, absoluut verbijsterend.

text_en: Dekalog Five was an interesting viewing experience for me, because of the question Kieslowski seems to subtly ask the audience. Three men are the focus of this chapter, and Kieslowski present the two involved in murder with traits both good and bad (In one's case, almost overwhelmingly bad). With such vile characters, I found myself almost glad that they would receive some sort of punishment. However, when the time comes for the murder (And it's subsequent effect on the murderer), Kieslowski takes an interesting angle and seems to ask those of us who shared my view, "Are you not as guilty as this man?" This sort of indirect address of the audience makes the finale of Dekalog Five that much more profound as Kieslowski (As usual) doesn't stay within the literal confines of his theme. Just as the other parts of the Dekalog don't take their Commandment's theme in it's literal sense, neither does Dekalog Five. It asks us what is murder, who is more guilty of murder, and what should be the appropriate punishment, if any? It's a fantastic film and, typical of Kieslowski, absolutely stunning.


text: De Dekalog 5 kan worden beschouwd als een gewelddadige beschuldiging tegen de doodstraf, volgens het vijfde gebod 'Gij zult niet doden': het is niet toevallig dat het concept van een staat die volledig heeft voldaan aan de bepalingen van een onrechtvaardige wet, op hetzelfde niveau wordt geplaatst als de figuur van een moordenaar. 'Maar de wet zou de aard van de wet niet kunnen imiteren, hij zou hem kunnen corrigeren,' stelt Piotr, de raadsman van de verdediging, een echte katalysator, 'de straf is een vorm van wraak die erop gericht is het kwaad voor het kwaad terug te brengen zonder de misdaad te voorkomen. Maar in naam van wie neemt de wet wraak? Echt in naam van de onschuldigen?' De afgrijselijke en gedetailleerde opeenvolging van het laatste halfuur van een ter dood veroordeelde geven waarde aan de afschrikwekkende functie die op de doodstraf wordt toegepast om alle potentiële misdadigers te intimideren. 'Wanhopige stumpers vragen niet om wanhopige oplossingen,' zegt Kieslowski in zijn boodschap, waarmee hij ons leert hoe onrechtvaardig het kan zijn om ongehoorzaam te zijn aan een gebod van God dat de straf op dezelfde manier beoordeelt als de misdaad. Er zijn hier drie verschillende morele standpunten: het aangeboren gevoel van rebellie van de moordenaar die de vijandige apathie van de omgeving wil opwekken; het sterke gevoel van chronische onverschilligheid van het slachtoffer dat geneigd is om anderen uit te lachen.' 'Dekalog 5' geeft blijk van een afschuwelijk gevoel van vervreemding en isolement: beschrijvingen van een wildernis van geweld en dwaasheid, taferelen van precaire werkomstandigheden, sinistere verschijningen van gebouwen die in een anoniem aura van verlatenheid zijn gehuld, doelloze omzwervingen door een ontmoedigende omgeving. Jazek, de hoofdfiguur, ziet zich gedwongen te worstelen met een tegenstander die sterker is dan hij: een stad die volledig is gehuld in diepe onverschilligheid, ogenschijnlijk vijandig, doof voor al zijn stomme kreten om hulp, terwijl een verbleekte foto van een klein meisje in een eerste communiejurk aan zijn ziel blijft knagen. Hij is onherstelbaar bezig zijn schreden te richten naar een onlosmakelijk verbonden weg naar de verdoemenis, gezien door de misvormingen van de 18-mm breedhoekcamera, die erop gericht is alle details te vervormen, de werkelijkheid te veranderen, haar te doen vervagen in verre en vreemde echo's. Om Jazeks schuld af te zwakken en de wreedheid van de misdaad te verzachten, heeft Kieslowsky de bananeschil van nutteloze scènes gebruikt om de schuld van Jazek af te zwakken en de wreedheid van de misdaad te verzachten, zonder zich te bekommeren om directe psychologische motieven om elk vertoon van extreem of gewelddadig gedrag te rechtvaardigen en om elke nutteloze gerechtelijke procedure te vermijden. Met andere woorden, volgens Kieslowsky is 'een misdaad altijd een misdaad': volgens het principe van 'par condicio' plaatst hij de aanklager op hetzelfde niveau als de veroordeelde, waarbij hij vele tekens of symbolen gebruikt om een samenleving te vertegenwoordigen die in het meest sinistere licht wordt gezien. Zijn smekende ogen doen dat ook.

text_en: The Dekalog 5 may be considered a violent accusation against the death sentence, according to the fifth commandment "Thou shalt not kill": not by chance it puts the concept of a State fully complied with the provisions of an unjust law on the same plane as the figure of a Murderer. "But the law might not imitate the nature, it might correct it," states Piotr, the counsel for the defense, a real catalyst character, "the punishment is a form of vengeance aiming at returning evil for evil without preventing the crime. But in the name of whom the law takes its revenge? Really in the name of the innocent ones?". The horrifying and detailed sequences of the last half hour of a man sentenced to death give value to the uselessness of the deterrent function applied to the death penalty with the purpose of intimidating all potential criminals. "Desperate plights don't demand desperate remedies", Kieslowski says in his message, teaching us how unrighteous can be the act of disobedience to a commandment of God that judges punishment the same way as crime is judged. There are three different moral attitudes here: the innate sense of rebellion of the MURDERER aiming at rousing the hostile torpor of the surrounding environment; the strong sense of chronic indifference of the VICTIM inclined to laugh at other people's requirements; the deserving behavior of the COUNSEL FOR THE DEFENSE always ready to fight against adversity, in favor of human life. The struggle for life is ruthlessly vivisected all of the time; the characters are plunged into scenes of affliction and distress, in an urban landscape accented with greenish tones and seen in its own reflections through the windshield of a taxi. Everything in "Dekalog 5" conveys a dreadful sense of estrangement and isolation: descriptions of a waste undergrowth of violence and folly, scenes of precarious conditions of work, sinister appearances of buildings immersed in an anonymous aura of desolation, aimless wanderings through disenchanting environments. Jazek, the main character, is compelled to struggle with an opponent stronger than himself: a town completely wrapped in profound indifference, apparently hostile, deaf to all his mute calls for help, while a faded photo of a little girl in a first communion dress goes on gnawing his soul. He's irremediably directing his steps towards a disconnected route to damnation seen through the deformations of the 18 mm. wide angle camera lens aiming at distorting every details, altering the reality, making it fade out in remote and alien echoes. Kieslowski doesn't bring extenuating circumstances seasoned with honey-tongued tones of melodrama in favor of the defendant, differently from some Hollywood stereotypes like "I want to live" (by Robert Wise). He doesn't slip on the banana peel of useless pathetic scenes to extenuate Jazek's guilt and to mitigate the brutality of the crime, not interested at all in proximate psychological motivations to justify any display of extreme or violent behaviors and refusing to include any useless judicial proceedings. In other words, in Kieslowsky's opinion "a crime is always a crime": according to the principle of "par condicio" he puts the prosecutor on the same plane as the condemned man, using many signs or symbols to represent a society seen in the most sinister light. And we can't remain indifferent: even if we don't agree with him, Jazek's screams of anguish touch our hearts with pity in the same manner that Terri Schiavo's entreating eyes do.


text:
'Identiteit... Ik ben een deel van mijn omgeving en ik ben ervan afgescheiden geraakt, en het feit dat we in staat zijn die verschillen duidelijk te maken, geeft ons een identiteit, en wat zich binnen onze identiteit bevindt, is alles wat ons ooit is overkomen' (Ntozake Shange in 'Vuur in de Spiegel').
Pieces zoals Decaloog V intimideerden me vroeger. Ik had het gevoel dat als ik ze accepteerde, ik iets zou compromitteren. Wat ik vroeger dacht, is het echt niet waard om je in te verdiepen. Ik begrijp wat het naturalisme probeert te zeggen. Ik heb een tastbare katharsis ervaren, een die stukje bij beetje in het niets is verdwenen, en een die nog steeds leeft, waar ik nog steeds rekening mee moet houden. Hij werkt nog steeds in mijn binnenste.
De film was niet per se meelevend. Hij hoeft niet te zeggen dat de doodstraf een verdorven iets is. Er zijn zeker verdorven mensen; of ze al dan niet moeten sterven is een andere zaak. Wat Decalogue laat zien, is dat er goede, mooie mensen bestaan die andere mensen doden als hun samenleving en hun oerdriften ze te pakken krijgen.
De 'wetenschap' van het naturalisme heeft me geholpen om Decalogue V. te waarderen. Het is de schrijfruimte niet waard om in te gaan op de reden waarom ik het mezelf niet eerder heb toegestaan, maar ik zie nu in wat het waard is om dit soort kunst te maken om mensen te'maken', of misschien om mensen iets te laten doen.
Er is een methode voor Lazars compromis met zijn...' Een groot deel van die betekenis is alleen achteraf te begrijpen. Dat zou geen vreemde gedachte moeten zijn: hoeveel van een respectabele wetenschap krijgt achteraf geen betekenis? Ik huiver als ik het zeg, maar het naturalisme lijkt zoveel productiever en zoveel minder nihilistisch als ik de macht heb om tegen mezelf te zeggen: 'Deze ruïne, dit proces, dit natuurlijke proces, maakt dat ik me tegen het systeem wil verzetten.'
Ik denk niet dat het naturalisme een onheilsportret van de mensheid schildert en ons vertelt dat we onze gepoederde pruiken moeten afwerpen en naar het bos moeten gaan. In plaats daarvan denk ik dat het bewijzen en experimenten catalogiseert, die we natuurlijk mogen negeren. We kunnen het negeren zoveel we willen, als we de naturalisten maar meer lijken willen geven om te begraven.
Want ondanks het feit dat ze hun esthetiek speciaal hebben ontworpen zonder sympathie te voelen voor het waarschijnlijke en catastrofale lot van hun personages, zijn ze ongetwijfeld bevangen door leesblindheid en schrijverssnobisme. Ik zie het verrukkelijke risico in de hoop dat het publiek zal begrijpen wat er moet gebeuren met wat ze zien. Zoals gezegd, er schuilt gevaar in het hopeloze zien van hun lot, vereeuwigd in steen. Er schuilt gevaar in het hoopvolle de natuur te kleineren, omdat die niet overeenkomt met hun wereldbeeld.
En ik denk niet dat het 'hoopvolle' rijk of gelukkig hoeft te zijn. Ik heb de film niet gezien, maar het lijkt erop dat de film _American Beauty_ de ontoereikendheid van de omstandigheden bewijst als leverancier van visie of comfort. Er zijn zowel asceten als gulzigaards als bedelaars die zich afvragen waar in zichzelf hun menselijkheid is, die rouwen omdat ze niets kunnen vinden dat hen van hun landschap scheidt.
Landschappen kunnen krachtig en prachtig geportretteerd worden, maar in werkelijkheid worden landschappen niet geacteerd. Ze veranderen, zeker, en dramatisch, maar alleen door een groot aantal natuurwetten waarover niemand werkelijk macht heeft. Maar die kunnen zelf niet veranderd worden.

text_en:
'Identity . . . . I am part of my surroundings and I became separate from them and it's being able to make those differentiations clearly that lets us have an identity and what's inside our identity is everything that's ever happened to us' (Ntozake Shange qtd in "Fires in the Mirror").

Pieces like Decalogue V used to intimidate me. I felt that if I accepted them, than I would be compromising something. What I thought before really isn't worth getting into. I understand what Naturalism is trying to say. I experienced a tangible katharsis, and one that fell into existence piecemeal, and one that's still alive, that I still have to reckon with. It's still working inside me.

The film wasn't sympathetic, per se. It doesn't need to say that the death penalty is a wicked thing. There are certainly wicked people; whether or not they should die is for another film. What Decalogue shows is that good, beautiful people exists who kill other people when their society and primal urges jack them up.

The 'science' of naturalism is what has helped me to appreciate Decalogue V. It's not worth the writing space to go into why I would not let myself before, but I see now the worth in making art like this to 'make' people, or perhaps to make people do something.

There's a method to Lazar's compromise of his . . . light. Much of that meaning makes sense only in retrospect. This should not be too strange of an idea: after all, how much of respectable science does not gain meaning in retrospect. I wince when I say it, but Naturalism seems so much more productive and so much less nihilistic when I have the power to say to myself, 'this ruin, this process, this natural process, makes me want to buck the system.'

I do not think Naturalism is painting a doomsday portrait of humanity, telling us to give up our powdered wigs and head to the woods. Instead, I think that it is cataloging proofs and experiments, that we are, of course, free to ignore. We can ignore it all we want, if we want to give the Naturalists more corpses to bury.

For surely, despite their aesthetic specifically designed without sympathy towards their characters' likely and catastrophic fate, they are impassioned by readerly inaction and writerly snobisme. I do see the delightful risk in the hope that the audience will understand what's to be done with what they see. As has been mentioned, there's danger in the hopeless seeing their fate immortalized in stone. There's danger in the hopeful disparaging the Natural because it doesn't correspond to their world view.

And I don't think that the 'hopeful' need be either wealthy or fortunate. I have not seen it, but it seems that the film American Beauty proves the inadequacy of circumstance as a provider of vision or comfort. There are ascetics as well as gluttons as well as beggars who wonder where within themselves their humanity is, who grieve because they can't find anything that separates them from their landscape.

Landscapes can be powerfully and beautifully portrayed, but in reality, landscapes do not enact. They change, sure, and dramatically, but only by a large set of Natural law which no one truly have power over. But it cannot be changed itself.


text: Een meedogenloos rechtlijnig verhaal over moord en de doodstraf door de staat. Zo pijnlijk langzaam en accuraat in de beschrijving van de doodstraf (van de voorbereiding van de galg tot het slachtoffer dat in zijn eigen broek pieste voordat hij stierf) dat het de macht heeft je van gedachten te doen veranderen over de doodstraf. De hele Dekalog is uit dit verhaal voortgekomen: de scenarist van Dekalog was de machteloze advocaat die vergeefs probeerde de beklaagde te verdedigen en te troosten.

text_en: A brutally straightforward tale of murder and capital punishment by the state. So painfully slow and accurate in the description of capital punishment (from the preparation of the gallow to the victim p***ing in his own pants before dying) it has the power to change your mind about death penalty. The whole Dekalog originated from this story: the Dekalog screenwriter was the powerless lawyer unsuccessfully trying to defend and then console the accused.


text: Het zou geweldig zijn als een discussie over deze middellange film in gang werd gezet met een kort verhaal over de hypocrisie van de mensen in Hollywood. Het was in 1988 dat Chuck Norris deze film zag op het Internationaal Filmfestival van Cannes. Hij maakte een dwaze opmerking door te zeggen dat de zinloze moord die in Dekalog 5 wordt afgebeeld veel effectiever is dan de moorden die in zijn Hollywood-films zijn opgenomen met hem als krachtige actiester. Hij had het over een onschuldige taxichauffeur wiens gezicht in Kieslowski's film wreed wordt verminkt door een roekeloze psychopaat die hem wreed met een grote steen slaat. Er zou absoluut geen rechtvaardiging moeten zijn voor geweld en de daders ervan in een waardige menselijke samenleving. Dat is de reden waarom Chuck Norris' film _Dekalog 5_ zo'n succes was. Een eerlijke recensent zou zich niet vergissen als hij/zij zegt dat de film van Kieslowski 'Dekalog: Dekalog,Piec (1.1.5)' universele connotaties heeft. Dat komt omdat de gebeurtenissen die in Dekalog 5 worden beschreven, in elk deel van de wereld kunnen plaatsvinden. De beste les die Kielowski ons geeft, betreft geweldsniveaus die aanvaardbaar zijn in een rechtvaardige samenleving. Dat is de reden waarom het brute afslachten van een onschuldige taxichauffeur bij ons een gevoel van weerzin kan oproepen. We zouden niet dezelfde haat voelen voor moord als die voorkomt in films met Arnold Schwarzenegger, Chuck Norris en Jean Claude van Damme, omdat ze veel te kunstmatig lijken. Je kunt je gemakkelijk voorstellen dat special effects en moderne studiotechnieken alleen peuters kunnen bekoren, maar dat serieuze filmfanaten er niets in zien. Kislowski pleit ook voor de hulpeloosheid van mensen bij het redden van medemensen uit de klauwen van dood en ellende. Dit is vooral interessant omdat keer op keer bewezen is dat strenge wetten en doodstraffen niet in staat zijn moord te voorkomen.

text_en: It would be great if a discussion on this medium length film is initiated with a brief tale about hypocrisy of Hollywood people.It was in 1988 that Chuck Norris saw this film at Cannes International Film Festival.He made a silly remark by uttering that the senseless killing depicted in Dekalog 5 is far more effective than killings which have been filmed in his Hollywood films with him as a potent action star.He was speaking about an innocent taxi driver whose face is brutally disfigured in Kieslowski's film by a reckless psychopath who hits him cruelly with a big stone.There should be absolutely no justification for violence and its perpetrators in a dignified human society.This is the reason why Chuck Norris' statement appears as a cruel joke which defends violent means in a society which is increasing becoming restless.An honest reviewer would not be making a mistake if he/she states that Kieslowski's film "Dekalog: Dekalog,Piec (#1.5)" has universal connotations.This is because the events depicted in Dekalog 5 can happen in any part of world.The best lesson which Kielowski gives to us concerns levels of violence which are acceptable in a just society.This is the reason why the brutal slaying of an innocent cab driver is capable of causing a feeling of repugnance in us.We would not feel the same hatred for homicide when it appears in films featuring Arnold Schwarzenegger,Chuck Norris and Jean Claude Van Damme as they appear much too artificial.One can easily grasp that special effects and modern studio techniques can charm only toddlers but make no sense to serious film enthusiasts.Kieslowski also champions helplessness of human beings in rescuing fellow humans beings from the clutches of death and misery.This is particularly interesting as time and again it has been proved that strict laws and capital punishments have not been able to prevent homicide.


text:
Anne of the Indies, geregisseerd door Jacques Tourneur (Cat People, Out of the Past, Night of the Demon) en geschreven door Phillip Dunne (How Green was My Valley) <0xE2><0x80><0x93> is een heel interessante avonturenfilm voor piraten. Het hoofdpersonage, kapitein Anne Providence, is gebaseerd op een echte vrouwelijke piraat, Anne Boney, die in werkelijkheid in de achttiende eeuw leefde en door de Atlantische Oceaan zeilde.
De film begint met de zeeslag waarin Annes (Jean Peters) piratenschip een handelsschip aanvalt dat vanuit Zuid-Amerika op weg was naar Europa. Als gevolg daarvan wordt een zeer waardevolle schat buitgemaakt, samen met een knappe Franse officier, Pierre La Rochelle (Louis Jourdan), die gevangen wordt genomen. Anne wordt uiteindelijk verliefd op hem en haar gevoelens zijn kennelijk wederzijds, maar ze laat hem pas gaan als ze ontdekt dat hij een mooie jonge vrouw heeft, Molly (Debra Paget), op wie hij behoorlijk verliefd is. Anne begint wraak te nemen op hen beiden, maar in een onverwachte wending van het lot brengt ze een groot offer om hen te redden. De piratenfilm-scenariofiguur 'Zwartbaard' duikt hier ook op, deze keer gespeeld door Thomas Gomez.

Hoewel Anne of the Indië waarschijnlijk niets meer of minder is dan een herhaling van piratenfilms, heeft het nog steeds zijn klassieke momenten in prachtige beelden en zeeslagscènes die in technicolor zijn gefilmd, evenals in sommige aspecten van het verhaal, en vooral in de persoonlijke touch waarmee Jacques Tourneur het allemaal regisseert.

text_en:
Directed by Jacques Tourneur (Cat People, Out of the Past, Night of the Demon) and written by Phillip Dunne (How Green was My Valley) Anne of the Indies is a quite interesting adventure pirate movie. Its main character of captain Anne Providence is based on a real woman-pirate Anne Boney who actually lived and sailed through 18th century's Atlantic.

The film begins with the sea battle where Anne's (Jean Peters) pirate ship attacks a trade ship that was on its way to Europe from the South America. As a result a treasure of great value is captured along with a handsome French officer Pierre La Rochelle (Louis Jourdan), who is taken prisoner. Anne ends up falling in love with him and apparently her feelings are reciprocated but it's only till she sets him free when she discovers that he has a beautiful young wife Molly (Debra Paget) with whom he pretty much in love with. Anne begins planning revenge on both of them but in an unexpected twist of fate ends up making a great sacrifice in order to save them instead. The pirate movie cliché figure of `Black Beard' also makes his appearance here, this time played by Thomas Gomez.

Though Anne of the Indies probably appears to be no more nor less than a revisiting of pirate movie clichés, it still has its classical moments in beautiful visuals and sea battle sequences filmed in Technicolor as well as in some aspects of the story and most of all in personal touches in directing of all of it by Jacques Tourneur. 7/10


text:
Ik vind de film goed, het is de beste piratenfilm die ik tot nu toe heb gezien (vergeet dat stomme Errol-Flynn-gedoe en de Pirates of the Caribbean niet). Deze film is heerlijk melancholisch. Ik vergelijk hem met 'Johnny Guitar' aan zee (maar 3 jaar eerder), twee vrouwen die vechten voor een man, waar waanzinnige liefde toe zou kunnen leiden.
Het karakter van de vrouwelijke (anti-)heldin, Anne Providence, is uitmuntend, ze handelt zonder compromissen als een kind, alleen verloren in haar zoektocht naar een eigen vrouwelijke identiteit in een echte mannenwereld. Ze heeft een heel vreemde film gemaakt <0xE2><0x80><0x93> een heldin, geen grappige piraat, zoals de meeste van haar collega's in dit genre, ze maakt niet de hele tijd grappen, ze vecht voor de armen en de goeden en doodt alleen maar die stomme spanish of barbaarse soldaten of <0xE2><0x80><0x93> beter nog <0xE2><0x80><0x93> sluwe gouverneurs, maar ze vermoordt alle arme krijgsgevangenen nadat ze een schip heeft buitgemaakt (kijk goed naar dit aan het begin van de film), ze is primitief (ze kan niet eens lezen), ze is wanhopig en ze krijgt een alcoholist, ze laat al Maar er is ook een vrouwelijke 'Anne' geweest, Anne Boney, die in de wrede werkelijkheid heeft geleefd.
De film is heel kort en het verhaal wordt op een adembenemende manier verteld. Natuurlijk heeft een film uit de jaren vijftig geen opwindende special effects voor de huidige kijkers (de schepen zwemmen heel duidelijk in een badkuip), maar dit echte drama over liefde (dat doodt), vertrouwen, verraad, wraak, haat en offers maakt je gek. Misschien is het zelfs de bedoeling dat Anne Judas Iskarioth en Jezus van Nazareth in één persoon is, dat ze wordt verraden door haar vriend (de fransoos LaRochelle) als Jezus, dat ze teleurgesteld wordt door haar vriend en hem de doodstraf bezorgt (als Judas), dat ze daar berouw over krijgt (zoals Judas, die zelfmoord pleegt volgens het evangelie van Mattheus) en dat ze zich uiteindelijk opoffert voor de redding van de geliefde vijand (als Jezus). Maar zelfs als je niet geïnteresseerd bent in deze filosofische kwesties van schuld en boete, brengt de film een heleboel (goedkope) actie als zwaardgevechten en brandende (plastic) schepen in een heel kort anderhalf uur.

text_en:
I like the film, it´s the best pirate-movie I watched hitherto (forget silly Errol-Flynn-stuff and Pirates of the Caribbean). This movie is wonderful melancholic. I compare it with "Johnny Guitar" at the sea-side (but 3 years earlier), two women fighting for a man, where mad love might lead one.

The character of the female (anti-) heroine, Anne Providence, is superb, acting without compromise like a child, lost alone on her search for a own female identity in a real man´s world. She´s a quite strange movie-hero, not a funny pirate, as most of her companions in this genre, not making jokes all the time, fighting for the poor and good and only killing the stupid spanish or british soldiers or - better - sly governors, but she´s murdering all the poor prisoners of war, after she captured a ship (look careful at this at the start of the movie), she´s primitive (she can´t even read), she is desperated and she get´s an alcoholic, she looses all her friends as consequence of her obstinacy and she´s wearing rags most of the film. This film shows a pirate "hero" a little (!) bit as he (or in this case "she", but there has been a female "Anne" buccaneer, Anne Boney) might have been in brutal reality.

The film is quite short and the story is told in a breathtaking manner. Certainly, a film from the 1950s has no exciting special effects for present time viewers (the ships swim very obvious in a bath tube), but this real drama about love (that kills), trust, betrayal, revenge, hatred and sacrifice drives one crazy. Maybe, Anne is even supposed to be Judas Iskarioth and Jesus from Nazareth in one person, being betrayed by her friend (the french LaRochelle) as Jesus; after being disappointed by the friend, delivering him to a death penalty (as Judas); than getting remorse about this (like Judas, who commits suicide according to the gospel of Matthew); and in the end sacrificing herself for the rescue of the beloved enemy (as Jesus). But, even if you are not interested in this philosophical questions of guilt and atonement, the film brings a lot of (cheap) action as sword fights and burning (plastic) ships for a very short one and a half hour.


text: Deze film was veel beter dan ik had verwacht. Jean Peters speelt een redelijke piraat en levert goed werk in haar zwaardgevechten. (Het is moeilijk te zeggen in hoeverre ze een dubbelrol heeft, maar Peters zelf doet het duidelijk heel goed.) Met een goed en serieus scenario had dit een uitstekende film kunnen zijn. Maar het is in wezen een goedkope film. Maar nog steeds vermakelijk. Hij is niet te vergelijken met een normale Jacques Tournier-film, maar hij steekt beslist boven een gewone Jean Peters-film uit. De kleur is typerend voor deze tijd van de jaren vijftig, te opzichtig en niet realistisch. De acteurs van Zwartbaard en haar eerste stuurman en de dronken dokter waren goed. Louis Jordan was een beetje zwak. Ik denk ook niet dat Debra Paget gelijk had. Maar Jean Peters en Debra Paget waren waarschijnlijk de twee best uitziende vrouwelijke sterren van de jaren vijftig.

text_en: This movie was much better than I expected. ++++ Jean Peters actually does a passable job as a pirate and does decent work in her sword fights. (To the extent she may have a double doing the action, it's hard to tell...but Peters herself obviously is doing a good deal of it, and doing it well.) ++++ With a good and serious script, this could have been an excellent film. But it's basically cheesy. Still entertaining however. ++++ Not up to a regular Jacques Tournier film, but definitely above a regular Jean Peters film. Color is typical of this '50s time period, ie. too garish and not realistic. The actors for Blackbeard and her first mate and the drunken doctor were good. Louis Jordan was a bit weak. I don't think Debra Paget was right either. But certainly Jean Peters and Debra Paget were probably the two best looking female stars in the '50s.


text: Dit is een van de vele verhalen uit de tijd van de zeevaarders uit die tijd, met het extra onderscheid (hoewel op zichzelf niet uniek) van een vrouwelijke boekanier in het middelpunt. In het begin lijken beide hoofdrollen van Jean Peters en Louis Jourdan misschien misplaatst, maar uiteindelijk groeien ze aardig in hun rol, ongetwijfeld dank zij de getalenteerde spelers (Herbert Marshall, Thomas Gomez en James Robertson Justice) die hen steunen. Met zijn fluwelen stem is Marshall, anders dan anders, gecast als de verplichte filosofische zuiplap van een dokter, en Gomez is passend groter-dan-het-leven als Zwartbaard de Piraat. Debra Paget speelt de vrouw van Jourdan, die zich de jaloerse woede op de hals haalt van de kwajongensachtige titulaire figuur in wie Jourdan de eerste liefdespijnen wakker maakt (die hem echter niet de af en toe voorkomende geseling of zwaardwonden besparen). Tussen twee haakjes, de film was de tweede buitenaardse samenwerking van Jourdan en Paget in één jaar, na Delmer Daves _de vogel van het paradijs_. Het directe gevolg van deze onverwachte verzachting van Anne-Annes karakter is dat ze ruzie krijgt met de bemanning van Blackbeard-schepen en haar onwaarschijnlijke De energieke regie van Jacques Tourneur en de grandioze score van Franz Waxman zorgen voor een bovengemiddelde inspanning die in een hoog tempo wordt uitgevoerd. Tourneur had trouwens al in het genre gediend met het superieure voertuig van Burt Lancaster, THE FLAME AND THE ARROW (1950). Zoals gebruikelijk bij klassieke technicolorproducties geeft de cinematografie de film een weelderigheid die verkwikkend is. Tussen haakjes, er worden voor deze film verschillende looptijden gegeven (81 of 87 minuten) en, voor de goede orde, de versie die ik heb gezien was de kortste.

text_en:
This is one of several period sea-faring yarns of its era, which has the added distinction (although not in itself unique) of a female buccaneer at its center. At first, both leads – Jean Peters and Louis Jourdan – might seem miscast but they grow nicely into their roles eventually, thanks no doubt to the talented players (Herbert Marshall, Thomas Gomez and James Robertson Justice) who support them. Velvety-voiced Marshall is uncharacteristically cast as the ship’s obligatory philosophical lush of a doctor, and Gomez is suitably larger-than-life as Blackbeard The Pirate.

The cast is completed by Debra Paget as Jourdan’s wife, who incurs the jealous rage of the tomboyish titular character in whom Jourdan instills the first pangs of love (which, however, does not spare him the occasional flogging or sword-wound); incidentally, the film was the second exotic teaming of Jourdan and Paget in one year, following Delmer Daves’ BIRD OF PARADISE. The direct result of this unexpected softening of Anne’s character is her falling out with Blackbeard’s crew, and her unlikely climactic sacrifice in order to save the lives of the stranded Jourdan, Paget and Marshall.

While the film is not a particularly outstanding example of its type, Jacques Tourneur’s energetic direction and Franz Waxman’s grandiose score ensure an above-average effort that moves along at a brisk pace; incidentally, Tourneur had already done service in the genre with the superior Burt Lancaster vehicle, THE FLAME AND THE ARROW (1950). As usual with vintage Technicolor productions, the cinematography gives the film a sumptuousness that is invigorating. By the way, differing running-times are given for this film (81 or 87 minutes) and, for the record, the version I watched was the shorter one.


text: Soms is het moeilijk om een piraat te zijn... maar allemachtig, mejuffrouw Jean Peters heeft een hoop lol als ze het probeert <0xE2><0x80><0x93> en dat is duidelijk te zien, vooral tijdens haar eerste vriendschappelijke partijtje zwaardvechten met Zwartbaard (de heer Thomas Gomez <0xE2><0x80><0x93> voortreffelijk sissend) als de loutere vreugde van het optreden duidelijk op haar gezicht te lezen staat. Louis Jourdan is zowel innemend als verraderlijk als haar geliefde. Meneer Herbert Chapman is wijs en filosofisch als de wijze en filosofisch ingestelde dokter. Meneer James Robertson Justice is net iets te ongeloofwaardig als de bootsman. Maar het is juffrouw Peters die in de herinnering blijft. Welbewust puberaal, ongeletterd, taai maar kwetsbaar, wonderbaarlijk lenig en uiteindelijk moedig, is ze ieders idee van een vrouwelijke piraat. Er was beslist een kans voor haar in een pittige rol in kostuum <0xE2><0x80><0x93> dat ze die niet heeft aangegrepen is iets waar ze spijt van heeft.

text_en: Sometimes it's hard to be a pirate...............but by golly Miss Jean Peters has a lot of fun trying - and it shows,particularly during her first spot of friendly swordplay with Blackbeard (Mr Thomas Gomez - eminently hissable)when the sheer joy of performing is plain on her face. With fifty years of hindsight Feminists seem intent on grabbing this movie as some sort of an anthem for the empowerment of women in a male - dominated society but I have serious doubts that either M.Tourneur or Miss Peters had any such concept in their heads at the time. It was an exciting,entertaining family film with absolutely no pretensions,hidden meanings or alternative agenda.It was fun. M.Louis Jourdan is both winsome and treacherous as her love interest. Mr Herbert Chapman is wise and philosophical as the wise and philosophical doctor.Mr James Robertson Justice is just a tad unbelievable as the bosun. But it is Miss Peters who stays in the memory.Wilfully adolescent,illiterate,tough but vulnerable,wonderfully agile,and ultimately,courageous,she is everybody's idea of a lady pirate. There was a definite window of opportunity for her in feisty costume roles - that she did not choose to seize it is a matter of some regret.


text: Ik heb die film gezien toen ik nog heel jong was en in Houston, Texas, woonde. Ik vond hem geweldig en ik heb Jean Peters in Hollywood geschreven en haar verteld hoe leuk ik het vond om haar in deze film te zien. Ze stuurde me een gesigneerde foto. Deze film werd geregisseerd door Jacques Tourneur, en naast Jean Peters speelde ook de hoofdrolspeelster Louis Jourdan, Debra Paget en Herbert Marshall. Hij werd in 1951 in kleur uitgebracht en duurt 81 minuten. Jean Peters was getrouwd met Howard Hughes. Ze speelde ook in 'Viva Zapata' met Marlon Brando, Anthony Quinn, die een Oscar won voor de rol van Zapata's broer (Marlon Brando speelde Zapata's broer) (1952). En ze speelde ook in 'Viva Zapata' (1952). 'Captain from Castile' (1947) met Tyron Power. Sinds die tijd heb ik geprobeerd een plek te vinden waar die film te koop is, maar tot nu toe is me dat niet gelukt. Heeft iemand een idee waar ik die film kan vinden en kopen? Er staan spoilers in dit bericht, daar ben ik me niet van bewust.'

text_en: I saw this movie when I was very young living in Houston, Texas. I really enjoyed this movie, and I wrote to Jean Peters in Hollywood, and I told her how much I enjoyed seeing her in this movie. She sent me an autographed photo. This movie was directed by Jacques Tourneur, and besides Jean Peters in the starring role. It also stars Louis Jourdan, Debra Paget, and Herbert Marshall. It was released in 1951 in color and is 81 minutes long. Jean Peters was married to Howard Hughes. She also starred in "Viva Zapata" with Marlon Brando, Anthony Quinn, who won an Oscar for playing the role Zapata's brother (Marlon Brando starred as Zapata) (1952). And she also starred in "Captain from Castile" (1947) with Tyron Power. Since then I've been trying to find a place where it is available, but so far I have not been successful. Does anybody have any suggestions about where I can find and purchase this movie? It this comment contains spoilers, I am unaware of it.


text:
De bezetting voor deze uitvoering van Rigoletto is uitstekend. Edita Gruberova zingt Gilda schitterend en hartstochtelijk. Luciano Pavarotti zingt eveneens schitterend. Vergara is een prachtige Maddalena; Fedora Barbieri is een beroemde oudere zangeres die Giovanna, de dienstmeid, zingt. Weikl zingt Marullo; Wixell zingt zowel Rigoletto als Monterone. Als Rigoletto is Wixell waarschijnlijk de meest overtuigende actrice in dit hard-to-beat ensemble van grote zangeressen. Kathleen Kuhlmann in de Contessa. Alle hoofdrollen zijn bekend en wereldberoemd.
Dit is zowel visueel als muzikaal een opwindend Rigoletto.
Ik heb het zowel op de laserdisc als op de dvd. Jij zou het ook moeten hebben!

text_en:
The cast for this production of Rigoletto is excellent. Edita Gruberova sings Gilda magnificently and passionately. Luciano Pavarotti also sings splendidly. Vergara is a fine Maddalena; Fedora Barbieri is a famous older singer who sings the maid, Giovanna. Weikl sings Marullo; Wixell sings both Rigoletto and Monterone. As Rigoletto, Wixell is probably the most convincing acting singer in this hard-to-beat ensemble of great singers. Kathleen Kuhlmann in the Contessa. All principals are well-known and world-renowned.

This is an exciting Rigoletto visually as well as musically.

I have it on both laser disc and DVD. You should have it too!


text:
Pavarotti en de rest van de cast zijn fantastisch in deze prachtig gefilmde opera van Giuseppe Verdi,'s werelds beste componist van opera's. De coloratuursopraan is bijzonder spectaculair met haar perfecte hoogte. De titelrol is goed gespeeld en goed gezongen. De hele productie is zo perfect als je maar kunt verwachten.
Een meesterwerk van cinematografie!

text_en:
Pavarotti and the entire cast are superb in this beautifully filmed opera by Giuseppe Verdi, the world's finest composer of operas. The coloratura soprano is particularly spectacular with her perfect pitch. The title role is well-enacted and well-sung. The entire production is as perfect as one could expect.

A masterpiece of cinematography!


text:
Ik hou net zo veel van de goede dingen des levens als wie dan ook, maar tot een jaar of vijf geleden speelde de opera geen rol in mijn amusementskeuzes. O, ik heb wel een paar pogingen gedaan om erachter te komen waar al die drukte om was; ik had verschillende televisieproducties gezien <0xE2><0x80><0x93> met name delen van Wagners Ring Cycle op de openbare televisie <0xE2><0x80><0x93> in de hoop de fascinatie van andere mensen voor de kunstvorm te begrijpen. En ik wist dat ik delen van verschillende opera's kon waarderen (ik herinner me dat ik als kind verbaasd was dat ik de fragmenten van Madame Butterfly in My Geisha echt mooi vond, en ik genoot van de operascènes in Moonstruck en Pretty Woman), maar in tegenstelling tot de personages in die films begreep ik het gewoon niet. In 1995 zag ik een live-uitvoering van _Rigoletto_ door de New York City Opera Company, en die avond 'kreeg ik het voor elkaar'. Wat een prachtige, glorieuze optocht van kleur en muziek en rauwe emotie! En ik bedoel echt _emotie_ met een hoofdletter! De sleutel, denk ik, is dat de operamuziek de artiesten in staat stelt om vrijelijk en geloofwaardig te acteren op een manier die belachelijk zou lijken als hun woorden alleen maar werden uitgesproken. Alles hangt natuurlijk af van de muziek, en als de muziek magisch is, zoals in _Rigoletto_, kan een opera een schitterend vermaak zijn.
Een meelevend familielid gaf me een laserdisc-kopie van de tv-productie van de opera uit 1982, en ik...' Aangezien ik 'Rigoletto' niet regelmatig live kan zien, heb ik ontdekt dat deze video-uitvoering een prima vervanging is. Luciano Pavarotti is perfect in de rol van de hertog; Ingvar Wixell is uitstekend als zijn laaghartige hofnar Rigoletto; en Rigoletto's geliefde dochter Gilda wordt gespeeld door de enigszins onopvallende Edita Gruberova. De decors en kostuums zijn overdadig, en de locatieshots op de rivier laat in de film geven een extra dramatiek aan het verhaal die op het toneel nooit kan worden geëvenaard.
Als je 'Rigoletto' nog nooit hebt gezien, of als je denkt dat je niet van opera houdt of het niet begrijpt, raad ik je aan deze op video te zoeken en hem te kopen of te huren. Als dit je niet bevalt, als deze uitvoering van 'Rigoletto' je niet de kracht van de kunstvorm opera laat inzien, nou, dan geef je het gewoon op en ga je ergens anders heen. Maar ik vermoed dat je, als je net zo nieuw bent met opera als ik, aangenaam verrast zult zijn.

Bill Anderson.

text_en:
I like the good things in life as much as anybody, I suppose, but until about five years ago, opera didn't figure into my entertainment choices. Oh, I made a few attempts to learn what all the fuss was about; I'd watched several television productions -- notably parts of Wagner's Ring Cycle on public television -- hoping to understand other people's fascination with the art form. And I knew I could like parts of various operas (I remember being surprised as a kid that I actually LIKED the snippets of "Madame Butterfly" in "My Geisha, and I enjoyed the opera scenes in "Moonstruck" and "Pretty Woman"), but unlike the characters in those films, I just didn't "get it."

Then in 1995 I saw a live performance of "Rigoletto" presented by the New York City Opera Company, and that night I "got it." What a wonderful, glorious pageant of color and music and raw Emotion! And I do mean Emotion with a capital E! The key, I think, is that the operatic music allows the performers to over-act freely and believably in a way that would seem silly if their words were just spoken. Everything hinges on the music, of course, and when the music is magical, as it is in "Rigoletto," an opera can be a magnificent entertainment.

A sympathetic family member gave me a laserdisc copy of the 1982 TV production of the opera, and I've found that since I can't see live performances of "Rigoletto" live on a regular basis, this video version is a fine substitute. Luciano Pavarotti is perfect in the part of the Duke; Ingvar Wixell is excellent as his mean-spirited court jester Rigoletto; and Rigoletto's beloved daughter Gilda is played by the somewhat plain-featured Edita Gruberova. The sets and costumes are lavish, and the location shots on the river late in the film bring a heightened sense of drama to the story that could never be matched on a stage.

If you've never seen "Rigoletto," or if you think you don't like or understand opera, I urge you to find this one on videotape and buy it or rent it. If you don't like this, if this production of "Rigoletto" doesn't make you appreciate the power of the art form of opera, well, just give it up and move on to something else. But I suspect, if you're new to opera as I was, that you'll be pleasantly surprised.

Bill Anderson


text:
Dit is het soort onbekende en vergeten film waarvan je droomt als je naar oude video's kijkt. Het is een prachtig komisch juweel met een briljant grappige tekst, ingebed in de prachtige opeenvolging van personages, een prachtig inventieve en grappige muzikale score en geestige, luchtige aanwijzingen van Montgomery zelf. Dit is een film om keer op keer te bekijken. Montgomery is een beetje een acteur die door zijn militaire reservedivisie opdracht krijgt het huis van een jonge debutante te infiltreren om de identiteit van haar voormalige minnaar, een vermoedelijke juwelendief, te achterhalen. Hoewel de premisse nogal belachelijk is, zijn de resultaten hilarisch. Montgomery is de verwarde plant, Ann Blyth is een wonder als de romantisch geobsedeerde, vreselijk serieuze debutante en de stoet van komische karakters, variërend van doorgewinterde toneelspeelster, de moeder van Jane Cowl, de advocate van Jane Cowl, tot het hulpje van Lillian Randolph <0xE2><0x80><0x93> ze zijn allemaal fabelachtig.

Vreemd genoeg heeft dit alleen maar een Oscar gekregen voor Sound, terwijl het toch de hoogste lof verdiende voor Direction, Screenplay en Musical Score.

VERGEET HET NIET <0xE2><0x80><0x93> het is een van de beste films van Hollywood.

text_en:
This is the sort of unknown and forgotten film one dreams about discovering in watching old videos. It is a superb comic gem with brilliantly funny writing, embedded in the marvellous array of characters, a wonderfully inventive and funny musical score, and witty, light direction from Montgomery himself. This is one to watch over and over. Montgomery is a bit part actor who finds himself assigned by his military reserve division to infiltrate a young debutante's home to discover the identity of her former beau, a suspected jewel thief. While the premise is rather preposterous, the results are hilarious. Montgomery is the befuddled plant, Ann Blyth is a marvel as the romantically obsessed, terribly earnest debutante and the parade of comic characterizations from veteran stage actress, Jane Cowl's lawyer mother to Lillian Randolph's take-charge maid - are all fabulous.

Oddly enough this only earned an Oscar nom for Sound, when it deserved top nods for Direction, Screenplay and Musical Score.

DO NOT MISS IT - it's one of Hollywood's best.


text: Ik was verbaasd dat 'Once More, My Darling' ('Once More, My Darling') niet genoeg stemmen had geoogst (op dit moment) voor een 'gebruikersrating'. Het is een 'krankzinnige' komedie waar ik in de loop der jaren vele malen van heb genoten. De missie van Robert Montgomery plaatst hem in een aantal zeer onwaarschijnlijke situaties, en hij is precies de juiste man voor deze taak. Hij houdt zijn kenmerkende 'benevelde' blik gedurende de hele film en ook nog hysterisch. Ann Blyth speelt zijn vroegrijpe/excentrieke achtervolgster, die een relatie aangaat die niet bestaat. Haar personage is geschift genoeg om de onverdiende bijnaam 'Moordenaar' te verdienen, maar blijft schattig en knuffelig.<br />Onder de overvloed aan B-films uit het eind van de jaren veertig en het begin van de jaren vijftig is 'Once More, My Darling' een topper.

text_en:
I was surprised, "Once More, My Darling", had not generated enough votes (at this writing) for a "user rating". It's a "screwy" comedy I have enjoyed many times over the years. Robert Montgomery's mission places him in some very improbable situations, and he's just the man for the job. He maintains his trademark "befuddled" look throughout the film and hysterically, too. Ann Blyth plays his precocious/eccentric pursuer, who assumes a relationship that does not exist. Her character is kooky enough to warrant the unearned nickname "Killer", but remains cute and cuddly.

Among the glut of "B" movies from the late 1940's and 1950's, "Once More, My Darling" is a standout. This one is worth looking for....


text:
In deze ongeveer 34-seconden korte film van Thomas Edison zien we Annabelle Moore de 'Serpentine Dance' van Loie Fuller uitvoeren in twee verschillende fantastische, golvende gewaden.
Moore was een van de grootste sterren van het eind van de negentiende eeuw. Ze speelde in een aantal korte films van de Edison Company, waaronder deze, die een van de eerste Kinetoscoop-films was die in 1894 in Londen werden vertoond.
Loie Fuller had zelfs het patent op de Serpentine Dance, die Moore hier uitvoert in gewaden (en ook in hele lijsten) die vaak met de hand zijn gekleurd, als voorbode van een van de meer gebruikelijke symbolische toestellen van het stille tijdperk. De films van Moore waren blijkbaar zo populair dat ze vaak opnieuw moesten worden gedraaid (inclusief opnieuw filmen). De versie die ons nu ter beschikking staat, is misschien een latere versie/remake. Moore werd nog populairder toen het gerucht ging dat ze naakt zou verschijnen op een privéfeestje in een restaurant in New York City. Ze werd later in 1907 de ster van de 'Gibson Bathing Girl' in de Ziegfeld Follies. Daar verscheen ze tot 1912.
Het korte stuk valt op door de bewegingsstructuur, die vooral tijdens de 'tweede helft' bijna abstract wordt. Het lijkt een beetje op een schilderij van Morris Louis, ook al is dat bijna zestig jaar voor Louis' relevante werk.
Je zou dit korte stuk op dvd moeten kunnen vinden in een aantal verschillende anthologieën van vroege films.

text_en:
In this approximately 34-second Thomas Edison-produced short, we see Annabelle Moore performing the Loie Fuller-choreographed "Serpentine Dance" in two different fantastical, flowing robes.

Moore was one of the bigger stars of the late Victorian era. She was featured in a number of Edison Company shorts, including this one, which was among the first Kinetoscope films shown in London in 1894.

Loie Fuller had actually patented the Serpentine Dance, which Moore performs here in robes (as well as entire frames) that are frequently hand tinted in the film, presaging one of the more common symbolic devices of the silent era. Supposedly, the Moore films were popular enough to have to be frequently redone (including refilming). The version available to us now may be a later version/remake. Moore became even more popular when it was rumored that she would appear naked at a private party at a restaurant in New York City. She later went on to star as the "Gibson Bathing Girl" in the Ziegfeld Follies in 1907. She appeared there until 1912.

The short is notable for its framing of motion, which, especially during the "second half", becomes almost abstract. It somewhat resembles a Morris Louis painting, even though this is almost 60 years before Louis' relevant work.

You should be able to find this short on DVD on a number of different anthologies of early films.


text: Zoals alle vroegste films is deze 'film' heel, heel kort <0xE2><0x80><0x93> hij duurt ongeveer één minuut! Daarom is het vanwege de korte duur niet echt mogelijk hem te vergelijken met modernere films. Maar voor die tijd is het in feite een heel bijzondere film. Dat komt grotendeels doordat de afdrukken met de hand zijn geschilderd, waardoor Annabelle rood en andere kleuren heeft terwijl ze haar verbazingwekkende dans uitvoert. Ik heb twee verschillende versies gezien <0xE2><0x80><0x93> een waarin ze rood is en een waarin ze de hele tijd van kleur verandert. Ik denk dat de rode op de dvd 'The Great Train Robbery and Other Primary Works' de beste van allemaal is. De dans zelf is heel hypnotiserend en lijkt veel op een verbazingwekkend kunstwerk. En in tegenstelling tot andere films van één minuut (of minder) van de dag, is dit er een die ik herhaaldelijk zou kunnen zien <0xE2><0x80><0x93> het is alleen maar zo visueel boeiend en vreemd.<br />Als je hem online wilt zien, is er een tweede versie van 36 op Google Video (tik in'serpentinedans').

text_en:
Like all of the very earliest films, this "movie" is very, very short--lasting about one minute! So, because of its brevity, it's not really possible to compare it to more modern films. But, for its time, it's actually a very remarkable film. Much of this is because the prints were hand painted--making Annabelle appear red and other colors as she does her amazing dance. I've actually seen two different versions--one where she is red and another where she changes color throughout. I think the red one depicted on the DVD "The Great Train Robbery and Other Primary Works" is the best of them. The dance itself is very hypnotic and much like a piece of amazing performance art. And, unlike other one minute (or less) films of the day, this one is one I could see repeatedly--it's just that visually compelling and odd.

If you want to see it online, there is a 36 second version on Google Video (type in "serpentine dance").


text:
Zou dit een van de vroegste kleurenfilms kunnen zijn? Het is eigenlijk de tweede. Dit is een heel mooi stuk film van Thomas Edison. Dit was een van zijn vele andere films.
Ik vind dit de mooiste van alle Thomas Edison-films. Er is een meisje op te zien dat danst en haar jurk om zich heen beweegt, die rood wordt van de film. Het is gewoon prachtig.
Je kijkt naar de geschiedenis als je dit ziet. Je kijkt naar wat films van die tijd groot maakte! Dit heeft misschien geen plot of iets anders interessants, maar dit is de tweede kleurenfilm ooit.
Ik kan dit iedereen aanbevelen, vooral als je...' Je moet de leerlingen iets leren over filmen of zoiets, je moet ze laten zien waar kleurenfilms zijn begonnen!

text_en:
Could this be one of the earliest colour films? It's actually the second. This is a very beautiful piece of film produced by Thomas Edison. This was one of many of his other films.

I think this is the most beautiful of any Thomas Edison films. It shows a girl dancing and moving her dress all around, which turns red with the film. It's just beautiful.

You are watching history when you watch this. You are watching what began to make movies of the day great! This may not have a plot, or anything very interesting, but this is the second colour film ever.

I recommend this to everyone, especially if you're teaching students about filming or something of the sort, you have to show them what began color films!


text: Jammer, niemand schijnt dit meesterwerkje van een thriller te kennen. Waar grotere films met een groter budget falen, levert 'Terminal Choice' een hoop opwinding, schokken en bloedig geweld op. Een klein juweeltje, dat het verdient om in je plaatselijke videotheek te worden bekeken. Die anonieme vent daar beneden heeft groot gelijk als hij zegt dat je nooit meer een ziekenhuis zult vertrouwen... zo effectief is het! Goed einde ook, niet echt een draai, maar het eindigt niet zoals je zou verwachten. Ja, dat is Ellen Barkin in haar eerste rol... en dat is het einde.

text_en: A pity, nobody seems to know this little thriller-masterpiece. Where bigger budgeted movies fail, "Terminal Choice" delivers lots of thrills, shocks and bloody violence. A little seen gem, that deserves being searched for in your local video shop. That anonymous guy beneath is quite right, when he says, you'll never trust hospitals again... it IS that effective ! Good ending,too, not really a twist, but it doesn't end the way one thought it would. Yep, that's Ellen Barkin in an early role...


text:
'Hoppity Goes to Town' was de tweede en laatste volledige animatiefilm, gemaakt door Max en Dave Fleischer, die een parallel universum creëerden met Disney. Hoewel de films van Disney tegenwoordig goed in de herinnering blijven, zijn de Fleischer-films 'Gulliver's Travels' en deze vergeten.
'Hoppity' is een fascinerend origineel, geen aanpassing van de eerste film. Dat is een groot pluspunt, zou je denken. Nee, de critici, die om te beginnen zelden aan de kant van de Fleischers stonden, hebben zich hiervoor op hen gestort. Ja, het verhaal is niet zo spannend als 'Gulliver', maar hoe kun je een film haten die zo vrolijk met zichzelf te koop loopt?
De film zit vol geweldige muzikale nummers en een heel meeslepend verhaal, wat een misdaad zou zijn om te onthullen. De personages zijn beminnelijk en charmant en er zit pit in deze film.
De Fleischers hebben zichzelf hier echt overtroffen en dat is nooit meer helemaal goed gekomen. Het grootste deel van hun tijd zouden ze hebben besteed aan eendagsvliegen, nadat ze zich bij de kassa een stuk in de kraag hadden gezopen. Het is jammer dat ze geen hoofdrollen meer hebben gespeeld. Wie weet? Hun volgende poging zou wel eens het meesterwerk kunnen zijn geworden waar ze op uit waren.
**** van 4 sterren.

text_en:
"Hoppity Goes to Town" was the second and last full length animated feature made by Max and Dave Fleischer, who created a parallel universe to Disney. While Disney's films are well remembered today, both of the Fleischer films "Gulliver's Travels" and this one are forgotten.

"Hoppity" is a spellbinding original, not an adaptation like the first picture. That is a major plus, one would think. No, the critics, rarely on the Fleischers' sides to begin with, tore into them for this. Yes, the story is not as tight as "Gulliver", but how can you hate a film that flaunts itself so joyfully?

It is filled with great musical numbers and a very involving story, which would be a crime to reveal. The characters are lovable and charming and there is heart in this film.

The Fleischers' really outdid themselves here and never quite did so again. Most of their time would be devoted to one-reelers after this tanked at the box office. It's a shame they didn't continue making features. Who knows? Their next attempt may have become the masterpiece they were aiming for.

**** out of 4 stars


text: Leslie Carbaga's uitstekende boek over de Fleishers vertelt het hele verhaal van de grote verhuizing van de Fleischers van hun hele animatie-eenheid naar Florida, en hun daaropvolgende uitschakeling door Paramount.<br />Meneer Bug Goes to Town heeft de reputatie van de animatiepioniers niet aan Paramount ontnomen, hoewel het vaak op die manier wordt verteld, en dit was Paramounts favoriete versie van het verhaal. Volgens Carbaga wilde de grote studio vooral de animatiestudio in de tang nemen en de berucht kibbelende broers helemaal uit de film werken. Meneer Bug verschafte hun precies het voorwendsel om dat te doen... De trieste afsluiting van een groots, eigenzinnig, vernieuwend hoofdstuk in de Amerikaanse animatie. Ik wilde ook opmerken dat de film eigenlijk op 4 december 1941 in première ging, niet op 7 december. Dat zou in elk geval wel eens kunnen kloppen, want in termen van de nationale stemming zou dat het succes van de film kunnen aantasten. Maar een ander deel van de legende rond dit woelige filmpje is dat hij werd afgelast omdat hij de pech had in de bioscopen te draaien op hetzelfde moment dat Dombo (verschenen op 23 oktober 1941) nog steeds heel druk bezig was met zijn vakantie. Ik heb geen onderzoek gedaan naar de kassanummers, maar ik zou zeggen dat Dombo's gelijktijdige aanwezigheid in de bioscopen waarschijnlijk indruk heeft gemaakt op meneer Bug. Films kijken was in die tijd op z'n best, en succesvolle films deden het maanden in de bioscopen goed... Iets onvoorstelbaars in deze typisch korte-film-dagen.

text_en:
Leslie Carbaga's excellent book on the Fleishers tells the whole story of the Fleischer's big move of their entire animation unit to Florida, and their subsequent ejection by Paramount.

Mr. Bug Goes to Town didn't destroy the animation pioneers' credit with Paramount, although it's often told that way, and this was Paramount's favorite version of the story. According to Carbaga, the big studio, more than anything, wanted to get their mitts on the animation studio and ease the famously bickering brothers out of the picture altogether. Mr. Bug provided them the pretext to do just that. --The sad closing of a great quirky, innovative chapter in American animation.

I wanted to comment, also, that the film actually debuted December 4, 1941, not December 7. That may have been close enough to do the trick, anyway, in terms of national mood damaging the film's success. But another part of the legend of this troubled little film is that it was killed by having the bad luck to be in the theaters at the same time Dumbo (released October 23, 1941) was still doing very brisk holiday business. I haven't done the research into box office numbers, but I'd say that Dumbo's concurrent presence in theaters likely had an impact on Mr. Bug. Movie-going was at an all time high at this period, and successful films could go strong in theaters for months. -- Something unimaginable in these typically short-run, quick to-DVD days.


text:
Ik heb dit voor het eerst in zwart-wit gezien, rond Kerstmis in het begin van de jaren zestig, toen het op de Britse televisie werd uitgezonden. Ik was er helemaal weg van en keek het telkens weer na als het op tv werd herhaald (misschien maar twee of drie keer, toevallig <0xE2><0x80><0x93> als we toen videorecorders hadden gehad!).
Zoals door andere medewerkers is beschreven, beschrijft het verhaal de terugkeer van Hoppity de Sprinkhaan, na een lange afwezigheid, naar een Amerikaanse stad uit de jaren veertig. Hij ontdekt dat alles niet is zoals hij het heeft achtergelaten en zijn goede insectenvrienden (die in de 'hoge landen' wonen, net buiten de tuin van een songwriter en zijn vrouw) worden nu bedreigd door de'menselijke wezens'. <0xE2><0x80><0x93> die het kapotte afrasteringshek voor het huis vertrappen, dat zij als sluipweg gebruiken.
--Insectenhuisjes worden aan hun voeten platgetrapt en ook vaak verbrand door weggegooide sigarenpeuken en lucifers. De oude meneer Bumble en zijn mooie dochter Honey (Hoppity's jeugdliefde) lopen ernstig gevaar hun Honey Shop aan deze dreiging te verliezen.
--Om hun problemen nog groter te maken heeft de sluwe insectenmagnaat C. Bagley Beetle zelf romantische plannen met Honey Bee en hoopt hij met de hulp van zijn handlangers de Vlieg en de Mosquito te kunnen overreden Bumble te dwingen hem haar hand te geven. Zal de heldhaftige en onbevreesde Hoppity de slag winnen en erin slagen de insectengemeenschap te redden van hun lafhartige lot, en vooral zijn dierbare Honey van het hare? Geniet van de klassieke liedjes ('Katy Did, Katy Didn't' is een schitterend, swingend, vrolijk voorbeeld) en de kleurrijke beelden terwijl het verhaal zich ontvouwt.
De tijd heeft mijn fascinatie voor dit meesterwerk van animatie en verhalen vertellen niet afgezwakt, en ik was heel blij toen ik hoorde dat het op video was uitgebracht, hoewel ik er later achter kwam dat het een NTSC-PAL-formaat was. Hoe dan ook, ik liet onmiddellijk de video opsturen en kocht toen pas een draagbare tv-/videocombinatie (compleet met de weergave van de NTSC). Sindsdien heb ik veel nostalgische beelden gezien, en ik heb zelfs ontdekt dat de tv-rechten zijn overgegaan van de BBC (die me vertelde dat ze de film waarschijnlijk nooit op een van hun zenders zouden vertonen) naar FilmFour, die de film (eindelijk!) in het begin van 2007 op hun digitale zenders hebben uitgezonden.
Mijn kleindochter (die toen drie jaar oud was) was helemaal in de ban van de film <0xE2><0x80><0x93> en dit is een kind dat is beïnvloed door het digitale tijdperk en de daaruit voortvloeiende door de computer gegenereerde producties!
Ik zou deze film aan iedereen aanbevelen, en vooral aan de jongste kijkers.
Geef Max Fleischer een postume Oscar!

text_en:
I first watched this in black and white, circa Christmas in the early Sixties, when it was shown on British television. I was absolutely hooked, and watched it over again whenever it was repeated on TV (possibly two or three times only, as it happens - if only we'd had video recorders then!).

As outlined by other contributors, the plot describes the return of Hoppity the Grasshopper, after a period spent away, to a Forties American city. He finds that all is not as he left it, and his good insect friends (who live in the 'lowlands' just outside the garden which belongs to a songwriter and his wife) are now under threat from the 'human ones', who are trampling through the broken down fence which prefaces the property, using it as a shortcut.

Insect houses are being flattened by their feet, and are also often burned by cast away cigar butts and matches. Old Mr Bumble and his beautiful daughter Honey (Hoppity's childhood sweetheart) are in grave danger of losing their Honey Shop to this threat.

To compound their problems, devious insect 'property magnate' C. Bagley Beetle has romantic designs on Honey Bee himself, and hopes, with the help of his henchmen Swat the Fly and Smack the Mosquito, to force Bumble to give him her hand in marriage.

Will the heroic and fearless Hoppity win the day, and manage to save the community of bugs from their dastardly fate, and especially his precious Honey from hers? Enjoy the classic songs ("Katy Did, Katy Didn't" is a superb, swinging, upbeat example), and the colourful visuals, as the tale unfolds.

Time has not blunted my fascination for this masterpiece of animation and story-telling, and I was much pleased to find that it had been released to video, although I later found out that it was in NTSC PAL format. Never mind, I sent off for the video immediately, and only then bought a portable TV/video combination (complete with NTSC playback).

I have enjoyed many nostalgic viewings since then, and have even discovered that the TV rights have switched from BBC (who informed me they were unlikely to ever show the film on any of their stations) to FilmFour, who have (at last!) been showing it on their digital stations in early 2007.

My granddaughter (aged three) was absolutely entranced while we watched it together - and this is a child who has been influenced by the digital age and the resulting computer-generated productions!

I would thoroughly recommend this film for any age, and especially the youngest of viewers.

Give Max Fleischer a posthumous Oscar!


text:
Mr. Bug Goes to Town was een van die films waar ik als kind over hoorde, maar tot nu toe was er nooit een kopie van gemaakt. Ik had de film net op dvd gezien en vond het een verrukkelijke, charmante film, met prachtige animatie, een goede plot en geweldige liedjes. Als deze film door Disney was gemaakt, zou hij als een klassieker worden beschouwd, maar omdat hij was gemaakt door een kleine, bekende filmstudio die allang niet meer bestaat, is de film door de mazen van het net geglipt.
De film was gemaakt door de Max Fleischer-studio's in hun studio's in Miami, FL, en werd uitgebracht door Paramount Pictures. De film zou op 1 december in première gaan. 7 mei 1941, de dag van de bomaanslag op Pearl Harbor. Hoewel dit waarschijnlijk niet bevorderlijk was voor de release van de film, draaide de film nog wel een jaar in een aantal bioscopen, wat bewezen kon worden door wat research. De film werd door de meeste grote Amerikaanse kranten een 'familie favoriet' genoemd. De film werd ongeveer elk jaar opnieuw uitgebracht, meestal rond de feestdagen, zoals Pasen, in elk geval in de grote steden.
Halverwege de jaren vijftig werd de film opnieuw uitgebracht onder de nieuwe naam 'Hoppity Goes to Town', genoemd naar de hoofdrolspeler in de film.
De film is een echt periodiek werk, waarin een stukje Americana wordt vastgelegd zoals dat aan het eind van de jaren dertig en het begin van de jaren veertig van de twintigste eeuw gebeurde. De animatie is geweldig en veel van de personages zijn heel schattig. De animatie van de mensen in de film gebeurt via het rotoscope-proces, wat betekent dat eerst de acteurs werden gefilmd en daarna de beelden door animators werden nagebootst, waardoor de beweging er heel echt uitziet.
De Fleischer-studio's waren een van de vele studio's die in de jaren dertig en veertig animatiefilms maakten. Hoewel sommige Fleischer-personages zoals Betty Boop, Popeye en de Superman-tekenfilms bekender zijn, wordt het werk van de studio min of meer vergeten.
Bijna als geheel is het werk van de Fleischer-studio's in het openbaar domein. Alle Superman-cartoons zijn openbaar, op één na alle 'Color Classics'-series zijn openbaar, en de film 'Gullivers Reizen' is ook openbaar. Deze film is naar het schijnt nooit in de Verenigde Staten op dvd of vhs uitgebracht, maar in Europa. Maar als je even op internet zoekt, kun je heel snel een kopie vinden. Ik kan je de zoekmachine aanbevelen.

text_en:
Mr. Bug Goes to Town was one of those films that I grew up hearing about, however a copy could never be obtained until now. I just watched this film on DVD and thought it was a delightful and charming film, with wonderful animation, a good plot and great songs. If this film was made by Disney then the film would be considered a classic, however because it was made by a little known film studio that is long gone, the film has slipped through the cracks.

The film was made by the Max Fleischer studios at their Miami, FL studios and was released through Paramount Pictures. The film was to have had its premiere on Dec. 7th, 1941, the date of the bombing of Pearl Harbor. Though this probably did hurt the release of the film, the film did play at some movie theaters for up to a year as evidenced by doing some research. The film was called a family favorite by most of the major American newspapers. The film continued to be re-released about every year or so, usually around holidays like Easter, at least in major cities.

In the mid 1950s, this film was re-released under a new name "Hoppity Goes to Town," named after the lead character in the film.

The film is a true period piece, capturing a slice of Americana as it was back in the late 30s and 1940's. The animation is great, and many of the characters are very cute. The animation of the humans in the film is via the rotoscope process, meaning that actors were filmed and then that footage was traced over by animators, giving the movement a very real look.

The Fleishcher studios were one of several animation studios making animated cartoons back in the 30s and 40s. While some of the Fleischer characters like Betty Boop, Popeye and the Superman cartoons are better known, the work of the studio is more or less forgotten.

Almost as a whole the body of work of the Fleischer studios are in the public domain. All of the Superman cartoons are public domain, all but one of the "Color Classics" series are public domain, and the film "Gulliver's Travels" is also in the public domain. This film never appears to have been released in the US on VHS or DVD but was released in Europe. However some looking around on the internet can very quickly produce you with a copy. I recommend the search.


text: Ik herinner me al jaren een liedje:'just a couple in a castle' ('No. 20 moonbeam square, just a couple in castle in the air'). Ik kon het liedje niet vinden, maar ik herinnerde me dat het te maken had met tekenfilminsecten. Ik vond een verwijzing naar de film op internet. Ik had de film gezien toen ik nog maar 9 jaar oud was in het Ligonier PA-theater. Ik was blij toen ik zag dat Kenny Gardner de zanger was in de rol van Guy Lombaro (ik ben een fan van Lombardo). En toen zag ik dat de film geproduceerd was door de Fleisher Bros. die weer een heel goede, hele enge tekenfilm had gemaakt van 'Gullivar's Travels' (die ik me ook heel goed herinnerde). De liedjes werden ook geassocieerd met Hoagy Carmichael en Frank Loesser, die tot de allerbesten behoren. Geen wonder dat ik me de film, de song en de kleurrijke animatie herinnerde. Als volledige musical is dit een film die je je moet herinneren als een van de beste van de eerste volledige musicals. Nu ik eraan terugdenk, was de plot misschien niet zo geweldig, maar hij was heel goed in elkaar gezet en het was een gemakkelijke film om naar te kijken.

text_en: I have for years remembered a song "JUST A COUPLE IN A CASTLE" ("No. twenty moonbeam square, just a couple in castle in the air"). I couldn't find the song, but I remembered that it it had to do with cartoon bugs. I located a reference to the movie on the web. I had seen the movie when I was only 9 year old at the Ligonier PA theatre. I was pleased to find that it had Kenny Gardner the singer with Guy Lombaro (I am a Lombardo fan). And then to see that it was produced by the Fleisher Bros. who did another very good full lengh cartoon feature of "Gullivar's Travels" (also remembered fondly). Also the songs were associated with Hoagy Carmichael and Frank Loesser who are among the very best. No wonder I remembered the film, the song, and the colorful animation. As a full lengh musical this is a movie which should be remembered as a one of the best of the early full lengh musicals. Now that I remember it, the plot may not have been earth shaking, but was very well presented and makes for a easy to watch abd delightful movie.


text: Hallo, ik denk al mijn hele leven over deze film. Ik zag hem toen ik 5 jaar oud was in Los Angeles, Californië, in 1942. Wat een prachtig verhaal van goed zijn voor elkaar, vriendelijkheid en liefdadigheid. Je vergeet dat het de insecten zijn die met elkaar verbonden zijn. Het was net alsof het mensen waren. Ik ben dol op deze film en mijn volwassen kinderen ook. Wat een prachtige kleur in deze film. Ik moet deze film nog eens zien. Er is een verhaal over een envelop in de film, maar ik kan me het 'waarom' ervan gewoon niet herinneren.<br />Bedankt voor het luisteren.

text_en:
Hello again, I have been thinking about this movie all my life. I saw it when I was 5 years old in Los Angeles, California in 1942. What a wonderful story of being good to one another, kindness, and charity. You forget it is the bugs relating to one another. It was just as if they were people. I love this movie and so do my adult children. Such beautiful color in this movie.I need to see this movie again. There is a story about an envelope in the movie, that I just can't remember the "why" of it.

Thanks for listening.


text: Ik heb deze tekenfilm gezien als kind, als vader en nu als opa. Het is mijn favoriete tekenfilm. Ik ben dol op de personages, de leuke deuntjes en de heel goede tekeningen. Ik ben helemaal weg van het belangrijkste liedje dat door de hele tekenfilm heen te horen is. Ik vind het een prachtig tekenfilmpje. Iedereen die ik het heb laten zien, is er gewoon dol op. Het is jammer dat het op zo'n slechte dag (de bomaanslag in Pearl Harbor) is uitgekomen. Als het niet zo slecht was getimed, zou het een groot succes zijn geweest. Ik hoop dat ik er een dvd van kan vinden, want alle videobanden doen het geen recht. Ik denk dat als iemand het aan zijn kind laat zien, ze hetzelfde resultaat zullen bereiken. Ze zullen het prachtig vinden.

text_en:
I have viewed this cartoon as a child, a father, and now a grand-father. It is my favorite cartoon. I love the characters, the great little tunes, and the very good drawings. I totally love the main song which comes up throughout the cartoon. I think it is a beautiful little cartoon. Everyone I have shown it to simply loves it. It is too bad it opened on such a bad day (Pearl Harbor bombing). If it wasn't for the bad timing it would have been a great success. I hope I can find a DVD of it because all the VHS tapes don't do it justice.

I think if anyone shows it to their child they will come up with the same result. They will just love it.


text:
Wat ik het mooist vond aan deze animatiefilm uit 1941 is het gevoel dat hij geeft voor het begin van de jaren veertig. Het zijn de liedjes, de kleding, auto's, het gebouwenjargon van die tijd, et cetera. Je hebt het gevoel dat je terug bent in de tijd.
Door sommige recensies die ik hier heb gelezen, begrijp ik dat het een pechfilm was, die een paar dagen voor de aanval op Pearl Harbor werd uitgebracht. Wauw, niemand zou in die roerige en schokkende dagen naar de film gaan voor een animatiefilm, dat weet ik zeker. Jammer, want de mensen zouden in die tijd, bijna zeventig jaar geleden, echt onder de indruk zijn geweest van een leuke animatiefilm. De kleuren zijn mooi, de tekeningen zijn goed en het verhaal zit goed in elkaar terwijl we de insecten zoeken die geleid worden door 'Hoppity' en zijn mooie meisje 'Honey' om het nog lang en gelukkig te maken en veilig te zijn. Het gaat er ook om dat ze allemaal een plekje in het gras vinden waar ze kunnen leven zonder bang te hoeven zijn dat ze door mensen vertrapt worden.
Maar er is een gemene schurk <0xE2><0x80><0x93> 'C. Bagley Beetle' <0xE2><0x80><0x93> en twee van zijn handlangers. Die helpers ('Swat, The Fly' en 'Smack, the Mosquito') zijn komieken, compleet met hun Brooklynse accent! Het verhaal is een bekend verhaal waarin een gemene oude man met het lieve jonge ding wil trouwen en haar op gewetenloze wijze tot een huwelijk dwingt. De goeierd heeft intussen het hele zooitje tegen zich, maar uiteindelijk wint hij natuurlijk.
Mijn favoriete gedeelte <0xE2><0x80><0x93> dit zal erger klinken dan het was <0xE2><0x80><0x93> was toen de goeierd 'Hoppity' tijdelijk geëlektrocuteerd werd en hij in zwart-wit danste. Dat was fantastische animatie!
Weet je, het is maar goed dat ik dit niet als klein kind heb gezien; ik zou bang zijn geweest om buiten te spelen en al die aardige insectwezens te verpletteren! Je weet nooit wat (of wie) er in dat gras onder je voeten zit!

text_en:
What I liked best about this feature-length animated film from 1941 is the great feel it gives for the early 1940s. It's the songs, the clothing, automobiles, buildings lingo of the day, etc. You feel like you've stepped back into time.

From reading some of the reviews here, I see this was a hard-luck film, being released a couple of days before the Pearl Harbor attack. Wow, no one would be interested in going to the movies for a feature-length cartoon during those eventful and shocking days, I'm sure. Too bad, because the folks missed some nice animation would have really impressed back then, almost 70 years ago. The colors are nice, drawings are good and story involving as we root for the bugs led by "Hoppity" and and his beautiful girl "Honey" to make it happily-ever-after and out of harm's way. It's also about all of them finding a grassy spot they can live and not worry about humans trampling them.

There is a nasty villain, though - "C. Bagley Beetle" - and two of his henchmen. Those helpers ("Swat, The Fly" and "Smack, the Mosquito") are comedians, complete with their Brooklyn-ese accents! The story is a familiar one where a nasty old man wants to marry the sweet young thing and uses unscrupulous means to force her hand. The good guy, meanwhile, has the decked stacked against him but in the very end, of course, prevails.

My favorite part - this will sound worse than what it was - was when good-guy "Hoppity" got temporarily electrocuted and he danced in black-and-white. That was fantastic animation!

You know, it's a good thing I didn't see this as a very little kid; I would have been afraid to play outside and squash all those nice bug-people! You never know what (or who) is in that grass beneath your feet!


text: Hoppity is een charmante, zij het lichtelijk grillige animatiefilm die, gezien het feit dat hij in 1941 is gemaakt, de tand des tijds ongelooflijk goed heeft doorstaan. Nu moet ik toegeven dat ik een zwak heb voor 'Hoppity gaat naar de stad' (zoals hij in het Verenigd Koninkrijk wordt genoemd), nadat ik met mijn broertjes en zusjes vaak naar een vhs-versie heb gekeken die door onze ouders op de tv is opgenomen. Stel je mijn verbazing voor toen ik vanochtend wakker werd en nog net op tijd was om hem op Channel Four te zien (om 06.15 uur was het weer zover!). De film was net zo verrukkelijk als ik me hem herinnerde, met de animatie die de tand des tijds heeft doorstaan en een prachtig moreel verhaal dat zowel ouders als kinderen zal aanspreken. Misschien dat ik deze vergeten klassieker op een dag met mijn eigen kinderen zal delen. Met een leuke aanloop voor kinderen (88 Mins) en een eenvoudige, maar toch meeslepende verhaallijn zit er echt iets voor iedereen in dit verhaal over de kleine jongen die op het goede pad komt. Ik kan me echt voorstellen dat dit met succes in CGI wordt herschreven. Let op Pixar.

text_en: Hoppity is a charming if slightly phycadelic animated movie that considering it was made in the 1941 has stood the test of time incredibly well. Now I have to admit I have a soft spot for 'HoppityGoes To Town' (as it is called in the United Kingdom) having watched a VHS version taped of the TV by our parents many times with my siblings.Imagine my surprise when I woke up this morning just in time to catch it on Channel Four (at 0615 never the less!) The film was just as delightful as I remembered it with the animation standing the test of time and a lovely moral tale which should appeal to parents and children alike. Maybe one day I to shall share this forgotten classic with children of my own. With a nice running time for kids (88 Min's)and a simple yet involving storyline there really is something for everyone in this tale of the little guy coming good. I really could see this being successfully remade in CGI. Take note Pixar.


text:
'Mr. Bug Goes To Town' was de laatste grote prestatie die de Fleischer-studio's produceerden. De kwaliteit van de Superman-serie die tegelijkertijd werd geproduceerd, is duidelijk te zien in deze buitengewone film.
De muziek en de tekst van Frank Loesser en Hoagy Carmichael (met hulp van Flieshcer-veteraan Sammy Timberg) zijn heel goed, maar niet zo goed als de score van de film door Leigh Harline, die ook Sneeuwwitje voor Disney scoorde. Harlines 'atmosfeermuziek' is voortreffelijk en een traktatie voor de oren.
De opbouw en de regie van de film waren jaren voor het tijd was, en opnieuw overtroffen de achtergrondartiesten van de Fleischer-studio zichzelf. De techin-kleurige schoonheid van de film valt niet te ontkennen, en hoewel Hoppity de sprinkhaan de ster is, wordt de film gestolen door de personages van Swat the Fly en Smack the Mosquito. De tekst van Swat door Jack Mercer (van de roemruchte Popeye-film) is van onschatbare waarde. Kenny Gardner (zwager van Guy Lombardo... en een van de sterzangers van zijn band... doet zijn gebruikelijke aardige werk in de rol van Dick Dickinsen.
De film is om alle verkeerde redenen bekritiseerd. De Fleischer Studio's waren animatiedeskundigen bij uitstek, en dit blijkt duidelijk uit het eindproduct. De film is melodieus, het verhaal groots voor alle leeftijden, en de laatste scènes van de insecten die voor hun leven vechten op een oprijzende wolkenkrabber vormen een van de beste montages en animaties van alle geanimeerde films uit verleden en heden.
Mis deze prachtig met de hand getekende film niet. Vergeet ook de titelsequentie niet met het meest gedetailleerde voorbeeld van Max Fleischers opmerkelijke 3-D steriotical proces dat vier maanden in beslag nam om 16.000 piepkleine glasruitjes te bouwen en te gebruiken in de 'geëlektrificeerde' gebouwen van Manhattan.
Mis niet de heer Bug Goes To Town... oftewel Hoppity Goes To Town. Ik durf te wedden dat je met open mond naar het resultaat kijkt!

text_en:
"Mr. Bug Goes To Town" was the last major achievement the Fleischer studios produced. The quality of the Superman series produced at the same time is evident in this extraordinary film.

The music and lyrics by Frank Loesser and Hoagy Carmichael (with assistance by Flieshcer veteran Sammy Timberg are quite good, but not as much as the scoring of the picture by Leigh Harline who also scored Snow White for Disney. Harline's "atmospheric music" is superb, and a treat for the ears.

The layout and staging of the picture was years ahead of it's time, and once again the Fleischer's background artists outdid themselves. The techincolored beauty of the film cannot be denied, and while Hoppity the grasshopper is the star, the characters of Swat the Fly and Smack the Mosquito steal the picture. Swat's voicing by Jack Mercer (of Popeye fame) is priceless. Kenny Gardner (brother-in-law) of Guy Lombardo...and a featured vocalist in his band...does his usual pleasant job in the role of Dick Dickinsen.

The movie has been criticized for all the wrong reasons. The Fleischer Studios were animation experts par excellence and this shows very clearly in the finished product. The movie is tuneful, the story great for all ages, and the final scenes of the bugs scrambling for their lives upon a rising skyscraper is some of the best staging and animation of any animated film past and present.

Do not miss this wonderfully hand drawn film. Also don't fail to appreciate the title sequence with the most elaborate example of Max Fleischer's remarkable 3-D sterioptical process which took four months to construct and employed 16,000 tiny panes of glass in the "electrified" buildings of Manhattan.

Do not miss Mr. Bug Goes To Town...aka Hoppity Goes To Town. I'll wager you'll be bug eyed at the results!


text: Nou ja, misschien ben ik wel bevooroordeeld omdat ik als kind naar een dvd van deze film heb gekeken, die nu klaar is om afgedraaid te worden en ik net een paar uur bezig ben geweest om een dvd te vinden als verjaardagscadeau voor mijn vader. De film is zo onschuldig en onschuldig dat hij voor alle leeftijden geschikt is... veel beter dan alles wat Disney ooit heeft gemaakt naar mijn mening (en ik werkte vroeger in de Disney-winkel!!!). De personages zijn leuk en de prijs voor de beste scène is een verband tussen de verstoorde bruiloft (vooral de muzikale talenten van Swat, the fly, en Smack the mug) en de fantastische nachtclubscène. Bij de muzieknummers moet ik nog steeds neuriën, twintig jaar nadat ik hem voor het eerst heb gezien. Er is geen andere film die ik beter kan aanbevelen tijdens het babysitten, en in feite heeft elk kind dat ik ken (dankzij mijn liefhebbende Hoppity-ouders) deze film al vele malen gezien. Hij zal altijd hoge cijfers krijgen voor zijn fantastische liefdesverhaal, een briljante slechterik en boven alle originaliteit.

text_en: well, i may be bias as i grew up watching a VHS copy of this film that is now ready to snap and have just spent the last couple of hours tracking down a DVD copy as a birthday pressie for my Dad. The film is so harmless and inoffensive it suits all ages.... much better than anything Disney ever made in my opinion (and i used to work in the Disney Store!!!). The characters are enjoyable and the award for best scene is a tie between the disrupted wedding (especially the musical talents of Swat, the fly. and Smack the mosquito), and the amazing night club scene. The musical numbers still have me humming 20 years after i first watched it. there is no other film that i can better recommend whilst baby-sitting, and in fact every child i know (thanks to my Hoppity loving parents) have seen this film, many times. It will always get top marks for its fabulous love story, a brilliant baddy and over all originality.


text:
Als Hoppus naar de stad gaat, ontdekt hij alleen maar slecht nieuws voor zijn insektachtige buren in de Lage Landen. Kan deze eerlijke, goedmoedige sprinkhaan zijn liefje, Miss Honey Bee, redden van de machinaties van de kwaadaardige C. Bagley Beetle <0xE2><0x80><0x93> en ook zijn vrienden naar een veilig nieuw thuis leiden <0xE2><0x80><0x93> voordat het te laat is?
Hoewel niet een van de grote geanimeerde onderdelen (een zeer nieuwe kunst in de tijd dat deze film werd gemaakt) Hoppus is een plezierige film die de kritiekloze kijkers plezier zou moeten doen. Technisch is hij goed gemaakt, met een over het algemeen goede animatie. Het grootste nadeel van de film is dat geen van de personages echt een hart van goud heeft <0xE2><0x80><0x93> ze komen niet levensecht over. op het scherm, zoals Jiminy Cricket een jaar eerder in PINOCCHIO.
Het is echter niet eerlijk om de productie van de Fleischer Studio te vergelijken met die van Disney. Max & Dave Fleischer hadden hun eigen ster te volgen; hun bijdrage <0xE2><0x80><0x93> en het zou een aanzienlijke zijn <0xE2><0x80><0x93> zou in het domein van de tekenfilm liggen. Met hun POPEYE en BETTY BOOP-serie schiepen ze alternatieve werkelijkheden die even levensvatbaar waren als die van andere tekenfilmstudio's. HOPPITY was hun tweede experiment met animatie over de gehele lengte (na GULLIVER'S TRAVELS in 1939), en vanaf dat moment zouden ze hun energie weer aan het korte tekenfilmonderwerp wijden. In feite was de eerste van de zeer lovende SUPERMAN-serie al in omloop.
HOPPIE' Het verhaal heeft veel te danken aan Frank Capra, het is energiek, ga als held de strijd aan met machtige maatschappelijke krachten. De oorspronkelijke titel van de film was 'Mr. Bug goes to town', wat je onmiddellijk doet denken aan Gary Cooper of Jimmy Stewart en hun Capra-achtige avonturen.
Jack Mercer, beroemd als de stem van Popeye, spreekt hier voor twee heel verschillende personages, de oude heer Bumble & Swat the Fly. Filmfanaten moeten in staat zijn om veteranen als Pinto Colvig & Mae Questel te strikken, beiden in ongecensureerde rollen.
De film bevat een paar leuke liedjes van Hoagy Carmichael & Frank Loesser, waarvan 'Be My Little Baby Bumble Bee' het bekendst is. is een mooie romantische melodie die herontdekt dient te worden.
Het is jammer dat de eerste animatiefilm, met zijn zwaai vanuit de hemel en voorbij de ondoordringbare skyline van New York, achter de openingstitels verdwijnt.

text_en:
When HOPPITY GOES TO TOWN he discovers nothing but bad news for his little insect neighbors in the Lowlands. Can this honest, good-natured grasshopper save his sweetheart, Miss Honey Bee, from the machinations of the evil C. Bagley Beetle - and also lead his friends to a safe new home - before it's too late?

While not one of the great animated features (a very new art at the time this film was created) HOPPITY is an enjoyable film which should bring pleasure to uncritical viewers. Technically it is well made, with animation of a generally high quality. The movie's main drawback is that none of the characters really have any `heart' - they don't come `alive' on the screen in the way Jiminy Cricket did a year earlier in PINOCCHIO.

However, it is ultimately unfair to compare the Fleischer Studio output with that of Disney. Max & Dave Fleischer had their own star to follow; their contribution - and it would be a considerable one - would be in the realm of the one-reel cartoon. With their POPEYE and BETTY BOOP series they created alternate realities as viable as any produced by other cartoon studios. HOPPITY was their second experiment with feature length animation (after GULLIVER'S TRAVELS in 1939), and henceforth they would expend their energies again on the cartoon short subject. In fact, the first in the highly acclaimed SUPERMAN series was already in release.

HOPPITY'S story owes a great deal to Frank Capra, with it's energetic, go get em hero up against powerful societal forces. Indeed, the film's original title was MR. BUG GOES TO TOWN, which immediately puts one in mind of Gary Cooper or Jimmy Stewart and their Capraesque adventures.

Jack Mercer, famous as the voice of Popeye, here speaks for two very different characters, old Mr. Bumble & Swat the Fly. Movie mavens should be able to catch veteran voice actors Pinto Colvig & Mae Questel, both in uncredited roles.

The film has some pleasant songs supplied by Hoagy Carmichael & Frank Loesser, of which `Be My Little Baby Bumble Bee' is the most familiar. `We're The Couple In The Castle' is a fine romantic tune which deserves to be rediscovered.

It is unfortunate that the film's initial animation, with its sweep out of the heavens and past the in-depth New York skyline, is obscured behind the opening credits.


text:
Mensen die me kennen, zeggen dat ik een zwak heb voor animatiefilms.
Eerlijk is eerlijk, die mensen hebben HELEMAAL gelijk. Mijn eigenlijke zwak is voor buitengewoon goed gemaakte animatiefilms, zoals deze klassieke familiefilm van Max en David Fleischer.
Je denkt misschien bij jezelf: als het zo goed is, waarom heb ik er dan nog nooit van gehoord? Dat is een terechte vraag. Deze film werd in dezelfde week uitgebracht als de aanslagen op Pearl Harbor. De onvermijdelijk slechte timing zorgde ervoor dat de film in relatieve vergetelheid raakte. Maar het ziet er beter uit, want hij is uiteindelijk op dvd uitgebracht onder de titel 'BUGVILLE'.
Het is grappig dat de film dit allemaal heeft doorgemaakt, omdat het de plot min of meer weerspiegelt. Hoewel sommige mensen beweren dat de film een milieuboodschap probeert over te brengen (gee), denk ik persoonlijk dat het voornaamste idee van de film is dat je door tegenspoed en tegenspoed heen moet zien te komen (het land had zich destijds immers nog maar net uit de depressie weten te redden).
Onze sprinkhaanheld, Hoppity, wil zijn bedreigde gemeenschap wanhopig graag helpen. Probleem: elke keer dat hij het probeert, of het nu door de slechte wil van anderen is of gewoon door pech, faalt hij jammerlijk... en begint hij langzaam de minachting te verdienen van juist die mensen die hij probeert te redden. Alleen door de aanmoediging en steun van zijn vrienden komt hij weer op de been en vecht hij voor de goede zaak. Gewoon een gezonde herinnering dat, als puntje bij paaltje komt, niemand echt zelfvoorzienend is.
'Oké,' zeg je. 'Er zit een goede boodschap in (twee zelfs). Maakt dat het echt helemaal af?'
Mijn antwoord: Gedeeltelijk.
Het is niet alleen de boodschap die deze film bijzonder maakt. Het is de karakterisering. Dit is zo'n film waarin je de persoonlijkheid van elk lid van de cast in hun animatie kunt zien. Je hebt de gesproken tekst bijna niet nodig. Een goede manier om het allemaal samen te vatten is 'energiek' of 'levend'. Een heleboel films hebben het verkoopargument gebruikt, 'beminnelijke cast'. Als ik dat zinnetje hoor, moet ik altijd aan deze film denken.
Het verkoopargument: de slechteriken: Swat the Fly en Smack the Mosquito. Veel films hebben 'beminnelijke' slechteriken, maar ik denk niet dat je zo'n onderhoudend of innemend type als deze kerels zult vinden. Vergeet die 3 Stooges Cartoon uit de jaren zestig. Swat and Smack komt het dichtst in de buurt van een geanimeerde versie van Moe en Curly (maar helaas niet van Larry) die je ooit zult vinden. Bijna alle grappige momenten hebben op de een of andere manier te maken met dit gruwelijke tweetal. Ja, het zijn waardeloze niksnutten, maar je geeft nog steeds om ze. Dat is het.' Het is het soort macht dat je alleen ziet bij een echt getalenteerde schrijver, regisseur en crew.
De film heeft twee korte grappen die draaien om raciale stereotypen (indiaanse Amerikanen en Chinezen). Ik denk niet dat ze kwaadaardig bedoeld waren, maar ze zijn er toch. Ik vond ze niet vervelend, maar het zou niet eerlijk zijn om iemand niet te waarschuwen die ze misschien wel vervelend zou vinden.
Dus als je mijn zwakheid deelt (en ik denk dat je dat doet), probeer deze dan eens.

text_en:
People who know me say I have a weakness for animated films.

To be fair, those people are HALF right My actual weakness is for exceptionally well-done animated films, such as this vintage family flick from Max and David Fleischer.

You may be thinking to yourself, "well if it's so great, why haven't I heard of it?" Fair question. This movie was released the same week as the attacks on Pearl Harbor. The unavoidably bad timing caused the film to sink into relative obscurity. Things are looking up, though, because it has finally been released on DVD under the title "BUGVILLE".

It's funny that the film went through all this, because it kind of mirrors the actual plot. Although some people claim that the movie is trying to send an environmental message (ugh), I personally think that the movie's main idea is perseverance through adversity and hard times (after all, the country had barely pulled out of the Depression at the time).

Our grasshopper hero, Hoppity, desperately wants to help his endangered community. Problem: each time he tries, whether through the ill-will of others or through simple bad luck, he fails miserably...and slowly begins to earn the disdain of the very people he's trying to save. Although he does his best to maintain a positive outlook, he occasionally breaks down and it's only through the encouragement and support of his friends that he gets back on his feet and fights the good fight. Just a healthy reminder that, when all is said and done, no one is really self-sufficient.

"Okay", you're saying. "It has a good message (two actually). Does that really make it EXCEPTIONALLY WELL-DONE?"

My answer: Partially.

It's not just the message that makes this movie special. It's the characterization. This is one of those films where you can just see the personality of each cast member in their animation. You almost don't even need the spoken lines. A good way to sum it all up is "energetic" or "lively". A lot of movies have used the selling point, "lovable cast of characters". Whenever I hear that line, it always makes me think of this movie.

Case in point, the bad guys: Swat the Fly and Smack the Mosquito. Many movies have "lovable" villains, but I don't think you'll find any as entertaining or endearing as these fellows. Forget that 3 Stooges Cartoon from the 60s. Swat and Smack are the closest thing to an animated version of Moe and Curly (but sadly not Larry) that you'll ever find. Virtually all of the funniest moments somehow involve this gruesome twosome. Yeah, they're rotten no-goodniks, but you still care about them. That's the kind of power you only see from a really talented writer, director, and crew.

The movie has two brief jokes revolving around racial stereotypes (Native Americans and Chinese). I don't think they were intended to be malicious; but they're there, regardless. They didn't bother me, but it'd be pretty unfair of me not to warn someone who potentially would be bothered by them.

So, if you share my weakness (and I think you do), give this one a go.