text: Judith Ivey als de bedrieglijke oude hoer is geweldig. Emily Grace als het jonge meisje. Is onschuldig en opwindend als ze hoort wat er gaat gebeuren. Uitstekende regie en camera. Verhaal is duister en verontrustend. Ondersteunende cast is goed. Laat zien wat er gebeurt en wat er kan gebeuren als je pech hebt. Geweldige, onafhankelijke film. Kleine bezetting. Pace is in het begin traag en beweegt dan goed. Een goede film om je tienerdochter te laten zien die al vroeg het huis uit wil, op avontuur wil gaan. Deze film, deze film heeft een lowbudgetgevoel, maar het werkt vanwege de lage levens en gebieden waarin deze mensen zich bewegen. Ik zal nooit meer ergens stoppen zonder aan die film te denken en mijn banden te controleren voordat ik vertrek.

text_en: Judith Ivey as the scamming old whore is awesome. Emily Grace the young girl. Is innocent and exciting as she learns whats going down. Excellent direction and camera. Story is dark and disturbing.Supporting cast is good. Shows what happens and can happen with a run of bad luck. Great independent film. Small cast. Pace is slow at first and then moves good. A good movie to show your teen age daughter who has aspirations of leaving home early, for the open road and adventure. This movie, film has a low budget feel to it, but it works because of the low lifes and areas that these people move in. I will never stop a rest stop again with out thinking of this movie and checking my tires before I go.


text:
Het verhaal is een mengeling van werkelijkheid en Americana <0xE2><0x80><0x93> en heel origineel.
Emily Grace is een jong meisje dat haar saaie leventje in New England beu is. Haar louche baas doet haar een voorstel <0xE2><0x80><0x93> ze neemt ontslag en haalt wat geld uit de kassa. Het is geen kort ritje van New Hampshire naar Miami, Florida, en haar Ford Escort raakt leeg. Dan ontmoet ze een knap ouder echtpaar, geportretteerd door Judith Ivey en Bill Raymond. Ze maken een afspraak en bieden haar hun hulp aan <0xE2><0x80><0x93> het is niet veilig voor een meisje om alleen op de weg te zijn. Vooral de I-95 niet.
Emily Grace is erg realistisch als Alice, en in het begin laat ze zich door de Judith Ivey-figuur helpen; ze koopt fatsoenlijke kleren voor haar, cosmetica en zo. In het begin is het een leuke vakantie voor Alice, die hoopt dat ze haar vriendin, die in Miami studeert, tegenkomt. Er is interessante filmmuziek als het trio de camper naar Florida rijdt: de rustplaatsen, het saaie landschap en uiteindelijk de prachtige bergen van North Carolina.
Uiteindelijk is er iets mis, en de Ivey-figuur heeft blijkbaar verhalen verzonnen over haar dochter en haar man, die nu een beetje sinister lijkt. De film deed me een beetje aan Spielbergs Duel denken, hoewel het in het begin niet zo dreigend was. De moraal van het verhaal is dat je nooit weet wat de mensen denken, vooral niet als je door het land rijdt. Pas op!

text_en:
at the story. It is reality mixed with Americana- and very original.

Emily Grace is a young girl tired of her boring life working at a minimum wage job, in New England. Her sleazy boss propositions her- she quits and takes a little bit of cash from the register. Driving from New Hampshire to Miami, Florida, is not a short trip, and her Ford Escort dies out. She then meets a personable older couple, portrayed by Judith Ivey and Bill Raymond. They have an RV and graciously offer to help her out- it isn't safe for a girl to be alone on the road. Especially I-95.

Emily Grace is very realistic as Alice, and initially lets the Judith Ivey character help her; buy her decent clothes, cosmetics, etc. At first it is a nice vacation for Alice, who hopes to hook up with her girlfriend, who attends college in Miami. There is interesting cinematography, as the trio drives the RV down to Florida: the rest-stops, bland scenery and eventually beautiful mountains of North Carolina.

Eventually there is something awry, and the Ivey character apparently has fabricated stories about her daughter, as well as her husband, who now seems a bit sinister.

I will not spoil the outcome of this film- but it ends positively as the audience waits in suspense- This film reminded me a bit of Spielberg's "Duel"- while it was initially not as menacing- the moral of the story is - you never know what people are thinking- especially if you are driving cross-country. Beware!!. You will enjoy this film.


text: Dit is naar alle waarschijnlijkheid de beste film die niet veel mensen zullen zien. Hij gaf een cultuur weer op een echte, niet-hollywoodachtige manier. Die moet je zien voor iedereen die van _Indie_ houdt en voor iedereen die dat niet doet. Ik denk dat deze film meer aandacht zal vestigen op de _Indie_ -scène. Het acteerwerk was top! Het personage van Alice was zo goed geacteerd. Met volmaakte onbeholpenheid. Deze film moet naar de mainstream worden gehaald! Ik denk dat hij het heel goed zou doen! _Alice_ is de meest reële kijk op een element van onze cultuur die ik heb gezien sinds _Ga naar Alice_. Een blik die niet is aangeraakt door de hand van Hollywood. Films als deze laten jonge mensen zien dat deze dingen geen glamour hebben, maar dat ze echt en meeslepend zijn. Als je van PIECES OF APRIL hebt gehouden, zul je van deze houden!

text_en: This is most likely the best picture not many will see. It presented a culture in a real unhollywoodized way. A must see for all who like Indie and for those who don't. I think this movie will draw more into the Indie scene. The acting was top notch! The character of Alice was portreyed so well. With perfect akwardness. This movie ahould be brought to the mainstream! I think it would do phenominally! ALICE is the most real look at an element of our culture that I have seen since GO ASK ALICE. A look that is untouched by the Hollywood hand. Movies like this show young people that these things aren't glamorous but that they are real and compelling. If you liked PIECES OF APRIL you will love this one!


text: Ik verwachtte er niet veel van toen ik deze film huurde, want veel onafhankelijke films lijken tegenwoordig een beetje overschat te worden (nou ja, Hollywood-films trouwens ook), maar deze film was fantastisch, echt geweldig, het is jammer dat hij niet een enorm publiek heeft bereikt, want hij is gewoon fantastisch. Ik ben echt dol op Alice' vastberadenheid, daardoor zie ik mijn leven echt als een geschenk, en ik zie hoe bevoorrecht ik ben alleen al om een opleiding te hebben. Maar afgezien daarvan bewijst deze film echt dat een goede kunstenaar een goed verhaal kan vertellen, ongeacht het budget, het is een uitstekende film en iedereen moet hem zien, ze zullen hem prachtig vinden en er beslist iets van leren. Ik hoef geen genie te zijn om te weten dat het een van de beste films is die ik het hele jaar heb gezien, en zeker een van de meest waarheidsgetrouwe.

text_en: I wasn't expecting a whole lot when I rented this film, as a lot of independent films seem to be a bit overrated these days (well, Hollywood films too for that matter) but this movie was fantastic, really great, it's too bad it didn't reach a huge audience because it's just superb. I really love Alice's determination, it really makes me look upon my life as a gift, and i see how privileged I am just to have an education. But all of that aside, this movie really proves that a good artist can tell a good story, no matter what the budget, it's an excellent film and everyone should watch it, they will love it and definitely learn something from it. I don't have to be roger ebert to know it's one of the best movies I've seen all year, and certainly one of the most truthful.


text:
Fantastische film! Wauw <0xE2><0x80><0x93> dit is echt een traktatie. Niet te geloven dat ik zo'n juweel van een film heb ontdekt.
Een knap jong meisje dat naar het zuiden reist, naar Florida, ontmoet een vriendelijk ouder echtpaar met een camper, nadat ze een flat heeft gehuurd bij een wegrestaurant. Maar ze komt erachter dat de dingen niet zijn wat ze lijken en het echtpaar wordt een beetje eng als ze een tijdje met hen onderweg is.
Iedereen in de film was zo perfect in zijn rol dat je bijna gelooft dat je dit in het echte leven voor je ogen ziet gebeuren.
Nieuwkomer Emily Grace deed het fantastisch als de heel schattige, maar toch een beetje verlegen Alice. Emily geeft je het gevoel dat je kunt begrijpen wat ze doormaakt en dat je kunt zien hoe ze in de situatie terecht is gekomen die zich in de film ontwikkelt. Ik weet zeker dat we Emily in de toekomst in meer films zullen zien.
In tegenstelling tot wat sommige anderen hebben gezegd, waren de belichting en de foto's in deze film perfect. De montage was ook goed <0xE2><0x80><0x93> precies de juiste manier om beelden van de snelweg in elkaar te zetten, zodat je het gevoel krijgt dat je met de cast meereist op hun reis.
Ik heb het niet op het witte doek gezien, maar ik kan er alleen maar op aandringen dat iedereen naar buiten gaat om het te zien. Meer van dit soort films zijn precies wat we nodig hebben.

SF.
SF.

text_en:
Fantastic film! Wow - this is really a treat. I can't believe that I discovered such a gem of a movie.

A pretty young girl traveling south to Florida meets a friendly older couple with an RV, after she has a flat at a rest stop. However she learns that things aren't as they seem and the couple gets a bit creepy after she spends some time on the road with them.

Everyone in it was just so perfect for their parts you just about believe that you are watching this happen in real life in front of you.

Newcomer Emily Grace did a fantastic job as the really cute, yet somewhat shy Alice. Emily gives you the feeling that you can understand what she is experiencing and you can see just how she got into the situation that develops in the film. I'm sure we'll be seeing Emily in more films in the future.

Contrary to what some others have said, the lighting and photography in this were just perfect. The editing was done well too - just the right way to put together images of the highway to give you the feeling that you are traveling along with the cast on their road trip.

I didn't see it on the big screen, but I can only urge everyone to go out and see it. More films like this are *exactly* what we need.

SF


text: 'What Alice Found' is de beste film waar niemand ooit van heeft gehoord! Ik onderschatte hem toen ik ervan hoorde, en ik dacht dat het allemaal seks zou zijn, geen plot, en gewoon echt stom, maar in werkelijkheid was het echt goed. Ze zeggen dat alle onafhankelijke films klote zijn, maar deze en Napoleon Dynamite waren niet klote. Ik vroeg het aan mijn vriendin, die hem eerder had gezien dan ik, en ze zei dat Alice al die driedimensionale beelden heeft, en dat je al die naaktheid ziet, maar nee, ik herinner me geen driedimensionale beelden, en weinig naaktheid. De film had wel een punt, en hij leerde me dat ik lifters nooit moet vertrouwen. Dat vond ik uiteindelijk wel leuk, dat ze Alice een kleine dolfijn hadden gegeven... Uiteindelijk, op weg naar Flordia.

text_en: "What Alice Found" is the greatest movie that nobody's ever heard of! I underestimated it when I heard of it, and I though that it would all sex, no plot, and just really stupid, but in reality, it was really good. They say all indie movies suck, but this one, and "Napoleon Dynamite" didn't suck. I asked my friend, who'd seen it before I did, and she said that Alice has all these three-ways, and you see all this nudity, but no, there is no three-way that I remember, and little nudity. The movie did have a point, and it taught me never trust hitchhikers. I liked that in the end, they got Alice a little dolphin In the end, on her way to Flordia. I totally suggest seeing this movie.


text:
Ik gaf deze 9 sterren uit een mogelijke 10. Als hij een pietepeuterig pietepeuterig beetje meer plotlijn had gehad, had ik hem 10 gegeven.
Niettemin is het een hoogst interessante film.
Judith Ivey, die een innemende oude sloerie speelt, had de Oscar voor haar optreden moeten krijgen.

Emily Grace (fotograferen van Alice), die ik nog nooit eerder had gezien, doet ook uitstekend werk en heeft het meest sexy lichaam dat ik ooit op film heb gezien.
In een mum van tijd is Alice van de n.e. naar Florida vertrokken, waar ze een vriendin heeft (of misschien is het haar zus, dat weet ik niet zeker, en dat is mijn schuld, niet de film). s) en hoge verwachtingen van een studie, die zij en haar familie zich eigenlijk niet kunnen veroorloven.
<0x3E><0x3E> Ze lijkt nogal kwetsbaar, daar in haar eentje op de weg, en inderdaad komt ze een paar nogal ruig uitziende figuren tegen, en kort daarna ontdekt ze dat er een gat in een van haar banden zit.
<0x3E><0x3E> Ze is op dat moment op een rustplaats en wordt geholpen door een vrouw die Sandra heet en haar man Bill, een ouder echtpaar dat in een camper reist.
<0x3E><0x3E> Ze gaan naar het zuiden, naar Florida, en nemen haar onder hun hoede, maar is iedereen wel zo als ze zich voordoen? Flashbacks en paranoia komen in het verhaal voor als onze jonge heldin een paar nieuwe lessen over het leven leert.

text_en:
I gave this 9 stars out of a possible 10. If it had had just a teensy weensy bit more plot line I would have given it 10.

Nonetheless it is a highly interesting film.

Judith Ivey, playing a likable old floozy, should have been given the Oscar for her performance.

Emily Grace (portraying Alice), whom I had never seen before, also does an excellent job and has THE sexiest body I think I've ever seen on film.

In a beat to heck old car, Alice has lit out from the n.e. for Florida where she has a friend (or maybe it's her sister, I'm not sure, and that's my fault, not the film's), and high hopes of going to college, which she and her family can't really afford.

She seems rather vulnerable out there on the road alone, and sure enough she encounters some slightly rough looking characters and shortly after that it's discovered there's a hole in one of her tires.

She is at a rest stop at the time and is assisted by a woman named Sandra and her husband, Bill, an older couple who are traveling in an RV.

They're going south, to Florida, and take her under their wing, but is everyone quite the way they're presenting themselves? Flashbacks and paranoia enter the story as our young heroine learns some new lessons about life.


text:
Geweldige film, fantastisch acteerwerk, geweldige productiewaarden en een coole, actierijke korte film met een perfecte draai aan het eind. Wat een geweldige korte film!
Ik zag deze film in Vail of Aspen op een filmfestival en ik was diep onder de indruk. Daarna zag ik hem nog een keer op een ander festival (waar hij weer won) en ik was nog meer onder de indruk omdat de subtiele details de tweede keer duidelijk te zien waren <0xE2><0x80><0x93> voor een korte film legt dit een heleboel slimme laagjes over een korte tijd.
Ongeoorloofde afwezigheid is niet voor mensen met een zwak hart, maar het is heel goed gedaan en volkomen indrukwekkend voor een korte film <0xE2><0x80><0x93> voor welke film dan ook. Het is een interessant verhaal dat heel goed wordt verteld, en elke scène zet het verhaal in beweging, wat aantoont dat goede filmersinstincten deze film hebben gemaakt. De film ziet er schitterend uit en David Morse is ook verbluffend, met een dynamische prestatie in elke scène. Het is een geweldige ervaring om te zien hoe zijn karakter probeert de boogballen die het leven hem toewerpt te verslaan.
Het moet ook worden opgemerkt dat wanneer oorlogsslachtoffers dagelijks op de voorpagina's staan, de lijnen tussen werkelijkheid, goed en kwaad, heel grijs kunnen worden, terwijl de retoriek luid wordt en dingen zwart-wit probeert te maken. Awol stelt het publiek handig in staat zelf te beslissen wat ze denken dat de boodschap is, wat echt is en wat niet, wat bijdraagt aan het mysterie.
Beide keren dat ik de film heb gezien, ging het publiek veel meer op in de film dan de anderen die ermee speelden, wat veel zegt. Er zijn op dit moment veel korte films op de markt, maar er zijn er maar weinig die het soort uitmuntendheid en complexe onderwerpkeuze bieden als Awol.
Het klinkt mij in de oren alsof de vorige recensent niet goed bij zijn hoofd is, of een of andere persoonlijke agenda heeft, want dit is echt een geweldig voorbeeld van onafhankelijke korte films maken. Ik zie een heleboel korte films, en ik moet zeggen, als alle korte films die op het festival worden gemaakt zo goed waren, dan zou de korte filmbusiness een flinke opdonder krijgen.

text_en:
Excellent story, wonderful acting, amazing production values and a cool, action-packed short with a perfect twist at the end. What a great short film!

I saw this film in Vail or Aspen at a film festival and was wowed by it. Then I saw it again at another festival (where it won again) and I was even more impressed because subtle touches become evident the second time around - for a short film, this packs a lot of clever layers into a short time.

AWOL is not for the faint of heart, but it is very well done and completely impressive for a short film - for any film actually. It's an interesting story told very well, and every scene moves the story, which reveals good film-making instincts went into making this film. The film looks gorgeous and David Morse is also stunning, with a dynamic performance delivered in every scene. Watching his character attempt to defeat the curveballs life is throwing him makes a great viewing experience.

It also should be noted, that when tortures of war are in the headlines everyday, the lines between reality, good and evil, can get very gray while the rhetoric gets loud and attempts to make things black and white. AWOL smartly allows the audience to decide for themselves what they think the message is, what is real and what is not, which adds to the mystery.

Both times I've seen it, the audience was WAY more into this movie than the others playing with it, which is saying a lot. There are a lot of shorts out there right now, but few deliver the kind of all around excellence and complex subject matter that AWOL does.

It sounds to me like the previous reviewer is off his or her rocker, or has some personal agenda, because this really is a great example of short independent film-making. I see a LOT of short films, and I must say if only ALL the shorts making the festival rounds were this good, THEN the shorts business would have some serious legs.


text: Ik heb deze film ook op een filmfestival gezien, maar in tegenstelling tot de vorige poster vond ik hem zowel interessant als origineel. In een zee van verschrikkelijke gezichten is een korte broek vaak twee keer zo erg als voor een klein budget en slecht acteerwerk, maar A.W.O.L. is een strakke kleine thriller die teruggrijpt op 'The Outer Limits'. De opvoeringen zijn goed, niet dat je iets anders zou verwachten van Morse of McGinley, en de regie is scherp en met geld. Persoonlijk vind ik het moeilijk om de commentaren van de vorige poster te rijmen met de film die ik heb gezien. L is heel toepasselijk geschreven door Shane Black, die, zoals gewoonlijk, met het genre speelt en zowel de pulpgevoeligheid van de verhalen eer aandoet als tegelijkertijd naar het publiek knippert en zichzelf niet al te serieus neemt. Al met al blijkt A.W.O.L. een bijzonder goed uitgevoerde en grappige film te zijn.

text_en: I too saw this film at a film festival, but unlike the previous poster I found it both interesting and original. In a sea of terrible features, shorts are often twice as bad do to small budgets and poor acting, A.W.O.L however is a taut little thriller that hearkens back to "The Outer Limits." The performances are solid, not that one would expect otherwise from Morse or McGinley, and the directing is sharp and on the money. I personally find it difficult to reconcile the previous poster's comments with the film I saw. A.W.O.L is quite aptly written by Shane Black, who, as is usually the case, plays with the genre both paying homage to the stories pulp sensibilities, while simultaneously winking at the audience and never taking itself too seriously. All in all A.W.O.L proves to be an extremely well executed and fun film.


text: Als je op zoek bent naar alternatieve werkelijkheden, naar wat echt is en wat alleen maar fantasie, dan is dit een thriller die je op het verkeerde been zet en je echt aan het denken zet. Probeer er een kopie van te krijgen, dan kun je het zelf zien! Ik heb hem onlangs gezien op een filmfestival in L.A. en het was verreweg de beste van de groep die ik heb gezien. Het hielp dat hij ergens over ging, in tegenstelling tot de andere die werden vertoond. Hij is heel goed geregisseerd en de productiewaarde is top. Ik zou hem vergelijken met Jacob's Ladder in die zin dat je blijft raden naar de werkelijke werkelijkheid van de wereld waarin we leven. Je moet echt proberen die film op te sporen, en als hij op festivals in de buurt wordt vertoond, probeer er dan achter te komen.

text_en: If you're into alternate realities, contemplating what's real and what's just a fantasy, this is an edge-of-your-seat thriller that'll keep you guessing and really make you think. Try to get a copy of it and see for yourself! I watched it at an L.A. film festival recently and it was by far the best one in the group that I saw. It helped that it was actually about something, unlike the others that were screened. It's very well directed and the production value is top notch. I would compare it to Jacob's Ladder in that it keeps you guessing as to what the true reality is of the world that we're in. You should definitely try to hunt this film down and if it's screening at any festivals near you, try to check it out.


text:
Deze film brengt de psychologische thriller tot nieuwe hoogten. De film, die goed geschreven is door Shane Black, wordt feilloos uitgevoerd door de cast onder het toeziend oog van regisseur Jack Swanstrom. Swanstrom is duidelijk een regisseur naar wie we in de toekomst moeten uitkijken. Zijn kracht ligt in zijn aanpassing aan persoonlijke ervaringen, zowel op het doek als in de collegezaal.
Deze tot nadenken stemmende film is een must-see voor iedereen die actie, drama, spanning en mysterie kan waarderen. Zoals bij alle goede films gaat de kijker zelf op reis om zijn eigen interpretatie van de film te vinden. Het mystieke aspect van de film is intrigerend en draagt bij aan de spanning. Je merkt dat je samen met Marquette naar de antwoorden zoekt. Het publiek vond de film op het festivalcircuit goed <0xE2><0x80><0x93> met vele prijzen in de wacht gesleept, moeten ze het erover eens zijn geweest dat A.W.O.L. (2006) de moeite waard is om naar te kijken.
Ik zou dolgraag een kopie willen hebben <0xE2><0x80><0x93> hoe moet ik eraan komen?

text_en:
This movie takes the psychological thriller to new depths. Well written by Shane Black, the film is executed phenomenally by the cast under the watchful eye of Director Jack Swanstrom. Clearly, Swanstrom is a director that we should look out for in the future. His strength lies in his adaptation of personal experiences both on screen and in the classroom.

This thought-provoking film is a must see for anyone who can appreciate action, drama, suspense, and mystery. As with all good films, the viewer goes on a journey of their own to find their individual interpretation of the movie. The mystical aspect of the film is intriguing and adds to the suspense. You find your self looking for the answers along with Marquette. Audiences have liked the movie on the festival circuit - with many awards received, they must have agreed that A.W.O.L. (2006) is well worth watching.

I'd love to own a copy - how do I go about getting one?


text:
Nadat hij een tijdje uit de lucht was geweest, kwam Columbo terug met een paar nieuwe tv-detectiveseries die weliswaar niet zo goed waren als de oorspronkelijke serie, maar toch beter waren dan de series die in de latere jaren negentig werden uitgezonden.
'Murder Can Hazardous to Your Health' gebruikte de toen (en nu denk ik, als je er goed over nadenkt) echte misdaadseries als de situatie voor een moord. De moord wordt gepleegd door een zeer succesvolle, egocentrische, echte misdaadpresentator, George Hamilton (in een aardige rolbezetting). Zijn kettingrokende aartsvijand, gespeeld door Peter Haskell, probeert Hamilton te chanteren als hij een pornovideo ontdekt die Hamilton in zijn jonge jaren met een minderjarige actrice heeft gemaakt. Hij rookte sigaretten om de doodssteek toe te brengen door middel van vergif, waarmee hij zichzelf ook een alibi verschafte.
Columbo wordt erbij gehaald om uit te zoeken wat er is gebeurd. De rest weet je. Heel onderhoudend.

text_en:
After being off the air for a while, Columbo returned with some new made-for-TV mysteries that, while not being as good as the original series, are better than the shows that were done in the later '90s.

"Murder Can Be Hazardous to Your Health" used the then (and I guess now, if you think about it) true crime shows as the situation for a murder. The murder is committed by a very successful, egomaniacal true crime show host, George Hamilton (in a nice bit of casting). His chain-smoking nemesis, who lost the job to him, played by Peter Haskell, attempts to blackmail Hamilton when he discovers a porno video Hamilton made with an underage actress in his salad days. Hamilton uses Haskell's cigarettes to deliver the death blow via poison, giving himself an alibi as well.

Columbo is brought in to find out what happened. You know the rest. Highly entertaining.


text:
Ik vond de Columbo-film eigenlijk wel leuk, de sfeer was echt thrillerachtig en de aanpak deed me soms zelfs aan film noir denken, in de film duurde de eerste 30 minuten ongeveer. Het is echt leuk en goed gedaan op de ouderwetse manier, met de juiste camerahoeken en het juiste licht. Het betekent niet meteen dat deze film briljant is, maar hij is wel goed genoeg om hem als een late Columbo-opname te beschouwen. Het is beslist een betere film dan de gemiddelde 'latere' Columbo-opname.
<0x3E> 26 jaar na zijn vorige optreden in de Columbo-film keert George Hamilton opnieuw terug om de hoofdrol te spelen tegenover Peter Falk, opnieuw als de moordenaar, natuurlijk in een totaal andere en nieuwe rol. Ik vond hem in zijn rol aardig en hij was een goede Columbo-'boef', die de goede oude inspecteur een goede concurrentie bezorgde. Ze hadden samen een paar mooie scènes. Het probleem met de'moderne' nieuwe Columbo-films was altijd min of meer geweest dat er geen goede, bekende acteur tegenover Peter Falk in voorkwam. Deze film heeft duidelijk geen last van dit probleem. Maar ik moet zeggen dat Peter Falk in deze film niet op zijn best te zien is. Hij heeft het personage zeker beter gespeeld en zijn prestatie is...' Deze film is niet consistent genoeg, wat waarschijnlijk ook te wijten is aan de regisseur Daryl Duke, die onder andere ook verantwoordelijk was voor de afgrijselijke film 'Tai-Pan'.
Het verhaal is vrij goed en aangenaam, maar het feit dat dezelfde samenzwering om de moord te verdoezelen al eerder in een eerdere Columbo-film is gebruikt, maakt het er natuurlijk ook niet beter op. Hij werd al eerder gebruikt in de film 'Columbo: Playback' uit 1975. Niettemin heeft de film natuurlijk ook nog genoeg 'originele' momenten in zijn eigen verhaal, ook al is in wezen elke Columbo-film min of meer hetzelfde. Maar ach, dat maakte de Columbo-serie zo geweldig en consistent. Als het niet kapot is, maak het dan ook niet.
Het is ook waar dat er in deze film meer aanwijzingen dan gewoonlijk voor de Luitenant worden achtergelaten, wat niet betekent dat de film waarvan de moordenaar de moordenaar is, dommer of slordiger is, maar ik zie het meer als dat de schrijvers overmatig enthousiaster zijn dan anderen. Het maakt de film of het verhaal niet slecht en het maakt het misschien zelfs wel leuker om Columbo hard aan het werk te zien en allerlei kleine, maar belangrijke aanwijzingen te ontdekken. Gelukkig is de film ook gevuld met een of andere leuke, effectieve, bevrijdende Columbo-komedie.
Gewoon een goede late Columbo-introductie.

7/10

text_en:
I sort of liked this Columbo movie its atmosphere, which was real thriller like and its approach even at times reminded me of film-noir, in the movie its first 30 minutes or so. It's really nice and done in a good old fashioned way, with the right camera angles and use of light. It doesn't mean instantly that this movie is a brilliant one though but its solid enough to consider this a good late Columbo movie entry. It's definitely a better movie than the average 'later' Columbo movie entry.

26 years after his previous Columbo movie appearance, George Hamilton returns once again to play the main lead opposite Peter Falk, again as the murderer, in a total different and new role of course. I liked him in his role and he was a good Columbo 'villain', who gave the good old Lieutenant some good competition. They had some nice sequences together. Problem with the 'modern' new Columbo movies always sort of had been that it didn't feature a good well known actor opposite Peter Falk. This movie obviously doesn't suffer from this problem. But I must say though that this movie doesn't feature Peter Falk at this best. He has certainly played the character better and his performance isn't quite consistent enough within this movie, which is probably also due to he movie its director Daryl Duke, who also directed the really dreadful movie "Tai-Pan", among many other projects.

It has a rather good and enjoyable story but the fact that the same sort of plot to cover up the murder had been used before in an earlier Columbo movie also doesn't help of course. It got used before in the 1975 movie "Columbo: Playback". Nevertheless it of course also still has plenty enough 'original' moments of its own with its story, even though of course in essence every Columbo movie is more or less the same. But oh well, that is what made the Columbo series so great and consistent. If it ain't broke don't fix it.

It also is true that within this movie more clues than usual are left out for the Lieutenant, which doesn't mean that the movie its murderer is more stupid or sloppy but I more see it as the writers being more overly enthusiastic than others. It doesn't make the movie or story bad and it in fact perhaps even makes it more enjoyable, to see Columbo hard at work and discovering all kind of small but important clues. Luckily the movie is also filled with some enjoyable effective relieving Columbo-comedy.

Simply a good late Columbo movie entry.

7/10


text: In de jaren zestig was deze grimmige studie van Joy, een jonge proletarische echtgenote, de inleiding tot de carrière van Ken Loach, die een van de meest gedistingeerde en gerespecteerde Britse filmmakers aller tijden werd. Ik wist toen nog maar heel weinig van Brecht, de politiek of de realiteit van de minderbedeelden, en ik was behoorlijk onder de indruk van de esthetische waarde van de film, de vrije stijl, de sobere kleurenfilm en Joys monologen voor de camera. Ik was ook erg verbaasd dat Terence Stamp (die dankzij 'Billy Budd', 'The Collector' en 'Modesty Blaise' een beroemdheid was geworden) zo weinig tijd op het witte doek doorbracht. In Panama bleef Loach niet in de grote bioscopen (wat voor deze film nauwelijks het geval is) en ik verloor het contact met zijn films. Ik heb nog maar net gehoord over zijn successen, 'Kes', 'Family Life', 'Black Jack', tot ik in de jaren tachtig terechtkwam. De prachtige titelsong van Donovan is trouwens verkrijgbaar in zijn bloemlezing 'Troubadour'.

text_en: Back in the 60's, this grim study of Joy, a young proletarian wife, was the introduction to the career of Ken Loach, who became one of the most distinguished and respected British filmmakers of all time. By then I knew very little about Brecht, politics or the reality of the under-privileged, and I was quite impressed by the aesthetic of the film, its free style, its austere color cinematography, and Joy's monologues in front of the camera. I was also much surprised to find that Terence Stamp (who had become a celebrity, thanks to "Billy Budd", "The Collector" and "Modesty Blaise") had so little screen time. Although 20th Century Fox distributed "Poor Cow" in Panama, Loach did not stay in mainstream cinema (which this film hardly is) and I lost contact with his films. I just heard of his successes, "Kes", "Family Life", "Black Jack". until I caught up in the 80's. The beautiful title song by Donovan, by the way, is available in his anthology "Troubadour".


text: Ken Loach liet de wereld de trieste kant zien van Swinging London met 'Poor Cow', over de Londense Joy (Carol White) die een dief aan de haak slaat en een zoon bij hem verwekt, om vervolgens te zien hoe de man in de bak belandt. Terwijl zijn vriend (Terence Stamp) haar een beetje helpt, blijkt hij niet veel beter te zijn in wat een loser hij is. Het wordt Joy al snel duidelijk dat ze een serieuze beslissing moet nemen over waar ze in haar leven naartoe wil.<br />Eén ding dat ik vaststelde <0xE2><0x80><0x93> ik weet niet of dit wel of niet klopt <0xE2><0x80><0x93> was het gebruik van ironie in de film. Ze heet Joy, maar ze ervaart geen vreugde in haar leven. Zelfs als dat niet de bedoeling was, is het nog steeds een film die ik aan iedereen aanbeveel. Featuring songs van Donovan (een ervan <0xE2><0x80><0x93> 'Colors' <0xE2><0x80><0x93> verscheen in een andere Terence Stamp-film: 'The Limey' (die, tussen twee haakjes, in 1999 uitkwam, toen ik net zo oud was als mijn ouders toen 'Poor Cow' uitkwam).

text_en:
Ken Loach showed the world the down-and-out flip side of Swinging London with "Poor Cow", about London woman Joy (Carol White) hooking up with a thief and having a son with him, only to see the man end up in the slammer. While his friend (Terence Stamp) manages to help her out some, he proves to be little better in what a loser he is. It soon becomes clear to Joy that she's going to have to make a serious decision about where she's going in her life.

One thing that I determined - I don't know whether or not this is accurate - was a use of irony in the movie. Her name is Joy, but she experiences no joy in her life. Even if that wasn't intended, it's still a movie that I recommend to everyone. Featuring songs by Donovan (one of which - "Colors" - appeared in another Terence Stamp movie: "The Limey" (which, incidentally, came out in 1999, when I was as old as my parents were when "Poor Cow" came out)).


text: Een van de beste 'keukenmeiden'. Fantastische uitzichten op Londen en onschatbare fragmenten van het arbeidersleven in de jaren zestig. Loach' oog lijkt alles te vangen, maar oordeelt niet <0xE2><0x80><0x93> een voorproefje van de dingen die komen gaan. Net als 'Kes', 'Riff-raff' en 'Sweet Sixteen' dient het als filmische sociale geschiedenis van Groot-Brittannië. Carol White is volkomen overtuigend, je houdt van haar, je vindt haar leuk, je wilt voor haar zorgen, maar je houdt je hoofd gebogen over haar zelfvernietigende beslissingen en toch volg je haar in de een of andere ijdele hoop. Goed gesteund door Terence Stamp (vers van 'The collector', ook van 'The hit') en een overvloed aan Engelse gezichten (die er allemaal erg jong uitzien). Precies afgestemd op Donovans lieflijke klanken. 'Geel is de kleur', in een prachtige scène, die eindigt met zijn woorden: 'Ik word beter, hè' (liedje dat ook werd gebruikt in 'The rules of Attraction', geloof ik) Kijk hoe Carol Whites moeder zich klaarmaakt om 'er op uit te gaan en een vent te versieren', en haar valse oogwimpers opdoet bij het geluid van 'Rosie' op de radio <0xE2><0x80><0x93> onbetaalbaar. Een schat voor iedereen die toentertijd in de buurt was en een herinnering aan hoe goed het leven nu is in Engeland. Tussen haakjes, Soderburgh gebruikte knipsels uit 'Arme koe' in 'The Limey'.

text_en: One of the best of the 'kitchen-sinks'. Fantastic views of London and invaluable snippets of working class life of the 60's. Loach's eye seems to capture everything, yet makes no judgment - a taste of things to come. As with 'Kes', 'Riff-raff' and 'Sweet Sixteen', it serves as a cinematic social history of Britain. Carol White is completely convincing, you love her, fancy her, want to take care of her, but hold your head at her self-destructive decisions and still follow her in some vain hope. Well backed up by Terence Stamp, ( fresh off 'The collector', also catch 'The Hit' ) and a plethora of English faces ( all looking very young ). Pefectly set to Donovan's dulcet tones. Stamp sings 'Yellow is the color', in a lovely scene, ending with him saying, " Getting better, ain't I " ( song also used in 'The rules of Attraction' - I think ) Watch Carol Whites screen mum getting ready to 'go out and get a bloke', putting on her false eye-lashes to the sound of 'Rosie' on the radio - priceless. A treasure for anyone who was around at the time and a reminder of how good life is now in England. Incidentally Soderburgh used clips from 'Poor cow' in 'The Limey'.


text:
Dit is een goede film, die onlangs op de Britse dvd is uitgebracht (zolang je je aandacht erbij kunt houden en je IQ hoger is dan dat van een fruitvliegje). Hij is niet zo deprimerend als hij had kunnen zijn, maar hij is wel op zijn slechtst. Terrance Stamp speelt geweldig, de muziek is mooi, en Carol White is heel geloofwaardig als de alleenstaande moeder die niet kan ophouden van een crimineel te houden.
Mijn favoriete scène is die waarin Carol en haar vriendin die met haar in de pub werkt (die met dat enorme bijenkorfkapsel dat over een van haar ogen valt) buitenissig zitten te roddelen over alle mannen die langslopen.
Het enige wat dit bedierf, was de beverige acteerprestatie van Carol. En Donovan zorgt voor een paar van de meest lome, milde, bitterzoete teksten uit de jaren zestig.

text_en:
Recently released on British DVD, this is a good movie (as long as you have an attention span and IQ of more than a fruit fly). Not as depressing as it could have been, this is kitchen-sink at its most dirty. Terrance Stamp is great in it, the music is sweet, Carol White is very believeable as the single mum tart who can't stop loving criminals.

My favourite scene is where Carol and her friend who works in the pub with her (the one with the enormous beehive hairdo which comes down over one eye) sit outisde and gossip about all the men who walk past.

The only thing that marred this was the shakey acting of Carol's first husband, but if you can get past that, you're OK. And Donovan provides some of the most languid, mellow, bittersweet lyrics to come out of the 60s.


text: Geen amusementsfilm, maar een film over echte levens & beperkte ambities voor de arbeidersklasse in de jaren zestig. Vermakelijk vanwege mijn opvoeding, maar ik weet niet of het voor de meeste mensen zou werken. Typisch Loach. Vol met tv-acteurs/actrices uit de jaren zeventig/tachtig/negentig.

text_en: Not a film of entertainment, but of real lives & limited ambition for the working class in 60's. Enjoyable because of my upbringing, not sure it'd work for most people. Typical Loach. Full of TV actors/actresses of 70's/80's/90's.


text: Dit is een van die klassieke Amerikaanse films die gemaakt zijn voor tv-films die alleen gemaakt zijn om op een regenachtige middag naar te kijken. Hoewel het script hoogst onwaarschijnlijk is, neemt het zichzelf nooit al te serieus en dat geldt ook voor de cast die leidt tot een geweldige tongue-in-cheek-detective-/horrorfilm die je het best kunt combineren met een zak popcorn of een doos bonbons. Een groot voordeel van deze film is de fantastische locatieopnamen en ondanks de vreemde gebeurtenissen en nog vreemdere inwoners rond Lake Tommahawk zou ik het helemaal niet erg vinden om daar te wonen!<br />Al met al een geweldige film om keer op keer te bekijken.

text_en:
This Is one of those classic American made for TV movies that are just made for watching on a rainy afternoon. Although the script is highly implausible it never takes itself too seriously and neither do the cast which leads to a great tongue in cheek murder mystery / horror film best enjoyed with a bid bag of popcorn or box of chocolates. A big bonus of this film is the fantastic location filming and despite the strange goings on and even stranger residents round Lake Tommahawk I for one would not mind living there!

All in all a great film to watch over and over again.


text:
De premisse van het verhaal is heel gewoon; de gemiddelde familie wil weg uit de ratrace; wil een eenvoudig leven leiden... dus verhuizen ze van Sherman Oaks, Californië, naar Lake Tomahawk, met de kinderen op sleeptouw.
Het meer is prachtig, ze hebben een oud huis gehuurd... maar wacht, er is misschien iets in het meer; er worden mensen vermoord, en niemand weet hoe (nooit geweten waarom). Gerald McRaney is uitstekend, een bekend gezicht voor Lifetime-kijkers; Valerie Harper is ook goed; aangezien deze film in 1988 is gemaakt, zou de schrijver misschien een vervolg moeten produceren!
Je zult ook genieten van Barry Corbin als de excentrieke dorpsbewoner, en Darryl Anderson als een Bruce Dern-achtige/gekke militair. Als de plot een beetje te veel van het goede is; als je een filmliefhebber bent, zul je herinnerd worden aan soortgelijke scenario's uit 'Psycho'; 'Deliverance'; evenals andere horrorverhalen van dat genre. Verschillende camera-opnamen en scènes zullen je een gevoel van déj<0xC3><0xA0> vu geven.
Ga achterover zitten en geniet; als je het niet te serieus neemt, is het heel vermakelijk; en beter dan, bijvoorbeeld, de recentere film:
'I Know What You Did Last Summer'; het schijnt dat ze in de goeie ouwe jaren tachtig betere films hebben gemaakt.

text_en:
The premise of the story is common enough; average family wants out of the rat race; wants to find the simple life....so they move from Sherman Oaks,California to Lake Tomahawk; kids in tow.

The lake is beautiful, they have leased an old house....but wait; there may be something in the lake; people are being murdered, and no one knows how (never mind why). Gerald McRaney is excellent, a familiar face for Lifetime viewers; Valerie Harper is also good; since this film was made in '88 maybe the writer should produce a sequel!.

You will also enjoy Barry Corbin as the town eccentric, and Darryl Anderson as a Bruce Dern-lookalike/crazed military man.

While the story plot is a bit over the top; if you are a movie buff you will be reminded of similar scenarios from ""Psycho""; ""Deliverance""; as well as other horror stories of that genre. Several camera shots and sequences will give you a sense of deja vu.

Sit back and enjoy; if you don't take it too seriously it is very entertaining; and better than, for example the more recent movie:

""I Know What You Did Last Summer""; it seems they made better movies in the good old 80's!.


text:
Rachel en Chuck Yoman (Valerie Harper, Gerald McRaney) besloten dat het in de stad te druk en te gevaarlijk was voor hun gezin, dus pakten ze hun tegenstribbelende zoon (Gregory Togel) en dochter (Tammy Lauren) op en verhuisden terug naar een meer zoals dat waar Rachel als kind woonde.
Ze zeggen dat je niet meer naar huis kunt, maar dit is een ideaal landelijk huis met wat op het eerste gezicht een Mayberry-gevoel heeft. Later lijkt het huis meer op de mensen in Deliverance. Algauw duiken er lijken op en iedereen ziet er verdacht uit, op een paar vriendelijke gezichten na. Dit weerhoudt het gezin er niet van om rond te rennen en in het bos rond te scharrelen.
We ontdekken dat ze superonwetend moeten zijn om de geheimen te vinden en ze pas aan iemand te vertellen als ze als de tegenstanders worden beschouwd.
Kan de genegeerde jonge Stevie zijn ouders redden of zal hun achtervolger zijn/haar voet ertussen zetten?
Deze film is meer dan de meeste parodieën, omdat hij werd gespeeld met schandalige gezichten. Ze hadden geen betere acteurs kunnen kiezen en Daryl Anderson was buitengewoon eng. Een bijkomend voordeel is dat ze ons laten weten wat er gebeurt voordat de personages erachter komen, in plaats van na afloop een aanwijzing uit de hoed te toveren. Hoe dan ook, deze tv-film is goed voor een paar lachbuien.

text_en:
Rachel and Chuck Yoman (Valerie Harper, Gerald McRaney), decided the city is too busy and dangerous for their family, so they packed up their reluctant son (Gregory Togel) and daughter (Tammy Lauren) and moved back to a lake like the one Rachel lived at as a child.

They say you can not go home again but this is an ideal rural home with what at first seems like a Mayberry feel. Later the residence seems to be more like the people in Deliverance. Soon bodies start turning up and everybody looks suspect with the exception of a few friendly faces. This does not keep the family from enjoying running around and messing around in the woods.

We find that they have to be super ignorant to find the secrets and not tell anyone until they get ax-cepted as the antagonists.

Can the ignored young Stevie save his parents or will their pursuer(s) put his/her foot in it?

This film is more than most parodies as it was played with strait faces. They could not have chosen better actors and Daryl Anderson was exceptionally creepy. An added plus is that they let us know what is happening before the characters find out, instead of pulling a clue out of the hat after the fact. Anyway this made for TV movie is good for a few laughs.


text:
Closet Land. De titel roept gedachten aan geheimen op. En dat is in feite de kern van deze Amnesty International-film. Regeringsgeheimen, persoonlijke geheimen, het zijn integraal onderdeel van dit verhaal.
Verreweg de beste acteerprestaties in een veel te lange tijd: zowel Alan Rickman als Madeleine Stowe waren fenomenaal in hun vertolking van respectievelijk een regeringsondervrager en een slachtoffer. Met alleen de twee acteurs in deze ongebruikelijke standaardlange film is het meteen duidelijk dat beide acteurs toegewijd en getalenteerd genoeg waren om de kijker mee te nemen in deze kleine zeepbel van een wereld en de deur dicht te trekken.
Een woord van waarschuwing...

Wat is er? In de beschrijving van deze film wordt vermeld dat er een subplot is dat over seksueel misbruik in de kindertijd gaat. Hoewel er geen schokkende details over het misbruik worden vermeld, kan de aard ervan voor sommige kijkers moeilijk te bevatten zijn <0xE2><0x80><0x93> vooral gezien de intensiteit van de film in zijn geheel.
Ik ben geen grote fan van Amnesty International-films, maar deze film trok me aan omdat het acteerwerk zo uitzonderlijk was, en ik kan het niet helpen dat ik deze film een van mijn persoonlijke favorieten vind.

text_en:
Closet Land. The title itself conjures up thoughts of secrets. And that is really what's at the heart of this Amnesty International film. Government secrets, personal secrets, both are integral pieces of this story.

By far the greatest acting seen in too long a time, both Alan Rickman and Madeleine Stowe were phenomenal in their portrayal of a Government Interrogator and Victim respectively. With only the two actors in this unusual standard length film, it is instantly clear that both actors were dedicated and talented enough to pull the viewer into this tiny bubble of a world and shut the door.

A WORD OF CAUTION...

What isn't mentioned on the description of this movie is that there is a subplot that deals with childhood sexual abuse. While there is no graphic detail about the abuse, the nature of it may be difficult for some viewers to watch - especially given the intensity of the film on whole.

I'm not a big fan of Amnesty International films, but this movie drew me in because the acting was so exceptional, and I can't help but make this movie one of my personal favorites.


text:
'Closet Land' werd gesponsord door Amnesty International en heeft veel politieke ondertonen, maar er zit zoveel meer achter dit rijke, roerende verhaal...
Dit gaat niet alleen over de politieke spanning aan het eind van de jaren tachtig, maar ook over de persoonlijke vervolging die een vrouw doormaakt als kind dat door een vriendin van de familie is misbruikt. We zien de subtiele verwijzing naar de parallellen met een oneerlijke structuur van overheid en maatschappij en de cultuur van seksuele uitbuiting waarbij een op de vier jonge kinderen wordt misbruikt en een op de drie vrouwen een vorm van verkrachting heeft meegemaakt.
Voor mij roept het een ijzingwekkende vraag op: creëert de houding van onze seksuele onderdrukking <0xE2><0x80><0x93> aanzetten tot roof <0xE2><0x80><0x93> de politieke omgeving van angst en censuur, of voedt de socio-politieke disfunctie een cultuur van seksuele roof? De psychologische gevolgen van het stellen van deze vraag dwingen ons tot een plek waar we worden gedwongen onze eigen antwoorden te ontwikkelen.
Uiteindelijk heeft onze jonge schrijfster (Stowe) een vergelijkbaar moment aan het eind van Hensens 'Labyrint' <0xE2><0x80><0x93> ze beseft in één stralend, briljant moment dat het idee dat haar macht haar wordt ontstolen door de geheime politie (Rickman) een illusie is. Niemand kan je macht stelen <0xE2><0x80><0x93> ze kunnen je er alleen maar toe verleiden hem af te staan, en dan heb je het recht hem te allen tijde terug te nemen.
Dit is geen film om lichtvaardig in te stappen, en dat doe je dan ook niet. De minimalistische aspecten in combinatie met de kinderlijke animatie brengen de diepste delen van de psyche in beroering en laten geen toeschouwer onberoerd.

text_en:
"Closet Land" was sponsored by Amnesty International and does have a lot of political overtones, but there's so much more to this richly stirring story than that...

This is not just about the political tension of the late 80s - it's about the personal persecution that a woman puts herself through as a child who was molested by a family friend. We see the subtle allusion to the parallels of a dishonest government/society structure and the culture of sexual predation where one in four young children are molested and one in three women has experienced some form of rape.

For me, it brings up a chilling chicken-and-egg question: does the attitude of our sexual repression-leading-to-predation create the political environment of fear and censoring, or does the socio-political dysfunction fuel a culture of sexual predation? The psychological ramifications of even asking this question force us to a place where we are brought to develop our own answers.

In the end, our young lady writer (Stowe) has a similar moment to the one at the end of Hensen's "Labyrinth" - she realizes in one shining, brilliant moment that the idea of having her power stolen from her by the secret police (Rickman) is an illusion. No one can steal your power - they can only trick you into giving it up, and then you have the right to take it back at any time.

This is not a movie to be entered into lightly, and you most certainly do ENTER it. The minimalist aspects coupled with the child-like animation stirs the deepest parts of the psyche and leaves no viewer unchanged.


text: Deze film treft het hart met een werkelijkheid zoals ik nog nooit heb gezien. Hij laat zien wat wij, in een democratische samenleving, als vanzelfsprekend beschouwen, en wat we gelukkig maar zelden meemaken. Het acteerwerk in de film is voortreffelijk; soms moet je jezelf eraan herinneren dat de film een dramatisering is, en niet het echte leven. De heer Rickman doet wonderen met zijn rol (zoals hij dat met alle rollen doet) en maakt de ondervrager volledig dimensioneel en menselijk. Het decor is ongelooflijk. Het geeft het gevoel van 'in het ronde theater'. Wat niets toevoegt of wegneemt van de emotie van de actie. Deze film probeert de ogen van de kijker te openen, en ik...' Ik zou zeggen dat ze dat doel met succes hebben bereikt.

text_en: This film hits the heart with a reality like no other I have seen. It shows what us what we, in a democratic society, take for granted, and just what we are lucky enough not to be experiencing. The acting in the film is superb, sometimes you have to remind yourself that the movie is a dramatization, and not real life. Mr. Rickman does wonders with his role (as he does with all roles) making the interrogator fully dimensional and human. The set is incredible. It gives the feeling of 'in the round" theater. Which does not add or take away from the emotion of the action. This movie seeks to open the eyes of the viewer, and I'd say they have made a success of that goal.


text:
Acteren, natuurlijk! Denk je eens in, Closet Land had heel goed zo afschuwelijk kunnen aflopen <0xE2><0x80><0x93> een hele film die in één kamer is opgenomen met maar twee mensen, dan kunnen ze maar beter een paar verdomd interessante dingen hebben om over te praten.
Maar het liep niet vreselijk af. Integendeel, dankzij de ongelooflijke beelden van zowel Stowe als Rickman is Closet Land op zichzelf al een meesterwerk.
Dat wil niet zeggen dat het voor iedereen zo is. Mensen die hun aandachtsspanne hebben verkleind door g<0xC3><0xAA>nante seksscènes en lukraak schieten, hebben misschien moeite om Closet Land te verteren. Maar degenen die een goed verhaal zonder explosies kunnen waarderen, zouden het eens moeten bekijken (al moet je maar een paar videowinkels bellen om iemand te vinden die het in voorraad heeft).

text_en:
Acting, of course! Think about it, Closet Land could easily have turned out so horribly - an entire movie filmed in one room with only two people, they better have some damned interesting things to chat about.

But it didn't turn out horribly. On the contrary, thanks to incredible portrayals by both Stowe and Rickman, Closet Land is a masterpiece in its own right.

That's not to say it is for everyone. Persons who have had their attention spans decreased through glitzy sex scenes and random gun fire may have trouble digesting Closet Land. However, those who can appreciate good story telling without explosions should give it a look (no matter how many video stores you have to call to find someone who has it in stock).


text: Deze film bezorgde me steeds terugkerende nachtmerries, waarin de stem van Alan Rickman een almachtige, verraderlijke, fascistische heerser vertegenwoordigde. De engste film die ik ooit heb gezien <0xE2><0x80><0x93> psychologische terreur die krachtiger is dan alles wat een 'horror'-film ooit heeft bereikt. De stem van Alan Rickman zal voor mij altijd de macht en de angst van een totalitaire staat vertegenwoordigen, die me doen denken aan Orwells 1984. Deze film beschrijft voor degenen die zich niets aantrekken van de realiteit van een groot deel van de huidige wereldregeringen. Deze film is verontrustend, maar op een manier waarop iedereen hem zou moeten zien <0xE2><0x80><0x93> het is een beschrijving van een werkelijkheid die niemand ooit zou moeten meemaken, maar zovelen wel.

text_en: This movie gave me recurring nightmares, with Alan Rickman's voice representing an omnipotent, insidious, fascist ruler. The scariest movie I have ever seen - psychological terror more powerful than anything any "horror" movie has ever achieved. Alan Rickman's voice will always represent to me the power and terror of a totalitarian state, reminiscent of Orwell's 1984. This movie describes to those who don't care the reality of a large part of current world governments. This film is disturbing, but in a way that everyone should watch it - it's a description of a reality that no one should ever have to experience, but so many do.


text: 'Closet Land' vertelt een krachtig verhaal met veel subtiele elementen. Je zou van tevoren een heleboel over de plot van de film kunnen lezen, maar dat is niet echt nodig. Het enige wat je hoeft te weten, is dat de film helemaal over een verhoor gaat. Onderweg leren we een heleboel over de ondervrager en degene die ondervraagd wordt. We leren ook dat de wereld een donkere en enge plek kan zijn. Vooral als je er absoluut geen controle over hebt.<br />Uiteindelijk komt de film neer op een waarschuwing (hoewel de film eigenlijk verschillende aspecten heeft) over wat er met de vrijheid van mensen gebeurt als ze 'de andere kant op kijken' en het onrecht negeren dat de mensen om hen heen overkomt. Als je ongeveer anderhalf uur de tijd hebt en weet waar je dit kunt huren, raad ik je sterk aan dat te doen.

text_en:
"Closet Land" tells a powerful story and has many different subtle elements. You could read lots of stuff about the movie's plot before hand, but you don't really need to. All you need to know is that the movie is all about an interrogation. Along the way, we learn lots of things about the interrogator and the person being interrogated. We also learn that the world can be a dark and scary place. Especially when you have absolutely no control over it.

In the end, the movie amounts to a warning (really though, the movie has several different aspects to it) about what happens to people's freedoms when they "look the other way" and ignore injustices happening to those around them.

If you've got about an hour and a half and know where you can rent this, I strongly recommend that you do so.


text: Zoals Margot in 'Fear of Fear' het slachtoffer wordt van haar ambitieuze echtgenoot, zoals Fox in 'Fox and his friends' tot zelfmoord wordt gedreven door zijn vriend die al zijn geld heeft afgepakt, zoals Xaverl Bolwieser in 'The Stationsmaster's Wife' die naar de gevangenis gaat om zijn overspelige vrouw de kans te geven hem kwijt te raken, zoals Hermann Hermann die zijn toevlucht zoekt in krankzinnigheid om zijn stomme vrouw en failliete bedrijf te ontvluchten, zo is ook Hans Epp het slachtoffer van de Duitse 'Wirtschaftswunder' <0xE2><0x80><0x93> Maatschappij na de Tweede Wereldoorlog in R.W. Uit het feit dat Fassbinder zowel door sociaal misbruik tussen mannen en vrouwen als tussen heteroseksuele en homoseksuele paren heen heeft gespeeld, moet het duidelijk zijn dat hij geen voorkeur voor een van beide seksen heeft.<br />In het geval van Hans Epp zijn er de vrouwen die hem tot wanhoop, ziekte en ten slotte de dood drijven. Als hij terugkomt uit het Vreemdelingenlegioen waar hij heen gevlogen is omdat hij de druk van zijn moeder niet meer kon verdragen, klaagt ze dat hij nog leeft terwijl de brave jongen van haar buurvrouw vermoord is. Dan krijgt Hans een baan als politieman, maar hij wordt door zijn voorman verrast als hij door een prostituee wordt verleid. Nadat hij zijn baan is kwijtgeraakt, werkt hij als fruitkoopman met weinig inkomen, en gaat hij van de ene achtertuin naar de andere om zijn producten 'uit te schreeuwen'. Zijn moeder, een van zijn zusters en haar man schamen zich dat ze zo'n'straatwerker' in hun familie hebben. 'De liefde van zijn leven' (ze heeft geen naam in de film) weigert met hem te trouwen omdat zijn werk niet past bij haar maatschappelijke status en afkomst. Dus trouwt hij met Irmgard, van wie hij niet houdt en die niet van hem houdt. Door haar voortdurende druk op hem vlucht hij in de drank. Op een avond, als zijn vrouw hem aan het stalken is, ontploft hij en slaat haar. Ze vlucht naar haar familie, waar deze gebeurtenis precies was waar ze op gewacht hadden. Als Irmgard een advocaat belt voor een scheiding, krijgt Hans een hartaanval. Imrgard besluit bij hem te blijven, maar van nu af aan mag hij niet meer zwaar werk doen en alcohol drinken. Dus begint hij zich steeds overbodiger te voelen, wordt steeds stiller en steeds depressiever. Als hij ontdekt dat Irmgard hem bedriegt, kiest hij ervoor een eind aan zijn leven te maken, maar niet zoals Hermann Hermann door een reis naar het licht van de waanzin te maken, maar hij drinkt zich dood in het bijzijn van Imrgard, hun dochtertje en zijn zuipende vrienden. Fassbinder zei in een interview dat Hans wist wat hij deed. De vraag is echter: pleegde Hans gewoon zelfmoord omdat hij zijn ellendige omgeving niet meer kon verdragen, of deed hij aan zelfrechtvaardiging?

text_en:
Like Margot in "Fear of Fear" falls victim of her ambitious husband, like Fox in "Fox and his friends" is driven into suicide by his boyfriend who took all his money away, like Xaverl Bolwieser in "The Stationsmaster's Wife" who goes to prison in order to give his cheating wife a chance to get rid of him, like Hermann Hermann who seeks refuge in insanity in order to flee his stupid wife and bankrupt company, so also Hans Epp is a victim of the German "Wirtschaftswunder"-Society after World War II in R.W. Fassbinder's "The Merchant of the Four Seasons". Simply from the fact that Fassbinder played through social abuse between men and women as well as between hetero- and homosexual couples, it should be clear that he does not favorize any sex.

In Hans Epp's case there are the women who drive him into despair, illness and finally death. When he comes back from the Foreign Legion where he flew because he could not stand anymore the pressure of his mother, she complains that he is still alive while the good boy from her neighbor had been killed. Then Hans gets a job as a policeman, but is surprised by his foreman while he is seduced by a prostitute. After having lost his job, he works as a fruit-merchant with little income, going from backyard to backyard "crying out" his produce. His mother, one of his sisters and her husband are ashamed to have such a "street-worker" in their family. "The love of his life" (she has no name in the movie) refuses to marry him because his job does not fit together with her social status and origin. So he marries Irmgard whom he does not love and who does not love him. From her constant pressure on him he flees into drinking. One evening, after his wife was stalking him, he explodes and hits her. She flees to her family for which this event was just what they have been waiting for. When Irmgard is calling a lawyer for divorce, Hans suffers a heart attack. Imrgard decides to stay with him, but from now on, he is not allowed anymore to do heavy work and to drink alcohol. So he starts to feel more and more superfluous, gets quieter and quieter and more and more depressive. When he finds out that Irmgard cheats him, he chooses to end his life, but not like Hermann Hermann by having a trip into the light of madness, but he drinks himself to death in front of Imrgard, their little daughter and his boozing buddies. Fassbinder said in an interview that Hans knew what he was doing. The question, however is: Did Hans just kill himself because he could not stand anymore his miserable environment, or did he make self-justice?


text: Het is moeilijk te zeggen waarom deze film zo belangrijk voor me is. Hoewel het een heel goede film is, is dit beslist niet de meest geslaagde Fassbinders-film. Hij staat nog steeds, samen met _American Soldier_, op mijn persoonlijke lijst van favorieten als ik eraan denk.

text_en: I'd be hard pressed to say what is it that makes this film so important to me. While a very good movie, this is definitely not the most outstanding Fassbinder's film. Still along with the American Soldier it keeps making it into my personal list of favorites whenever I get to thinking about it.


text: Wat ik over deze film te zeggen heb... nou, om te beginnen vond ik hem wel oké, niet de beste maar ook niet de slechtste. Ik zei dat ik het script geweldig en origineel vond, echt anders en verfrissend. Nu zou ik niet willen zeggen dat het de beste film is die ik ooit heb gezien als gevolg van het acteerwerk. De acteurs die elke rol speelden, lijken die gespeeld te hebben zonder enige emotie, alsof ze het leven uit hen hebben weggezogen. Als de vrouw lachte of huilde, leek dat me om de een of andere reden niet echt, dat is maar een voorbeeld, maar echt alle personages deden helemaal niet echt. Ik wou dat ik meer positieve dingen over deze film kon zeggen, zodat jullie hem tenminste één keer kunnen zien, maar hoe kan ik dat doen als ik weet dat ik hem nooit meer zal zien? Ik heb deze film gehuurd in de bibliotheek van mijn school, zonder iets te horen over de film zelf of de regisseur. Ik heb het erop gewaagd, omdat het verhaal dat op de achterkant werd beschreven heel interessant klonk en dat was het ook.

text_en: What kind I say about this movie. well for starters, I thought that this film was okay, not the greatest not worst. I said this cause I thought that the script was great and original, really different and refreshing. Now I wouldn't say that it's the greatest film that I've seeing cause of the acting. The actors that played each role, seems that they played them without emotions, as if they took the life out of them. When the wife laughed or cried, this didn't look real to me for some reason, that's just an example, but sincerely all the characters didn't act real at all. I wish I could say more positive things about this film so you guys can see it at least once but how can I do that since I know that I'm not going to see this movie again. I rented this film from the library of my school, without hearing anything about the film itself or the director. I took a chance because the story that was describe on the back sounded really interesting and it really was.


text:
Na het doorslaande succes van 'Mijn naam is BARBRA' stond CBS-televisie Barbra toe een nog uitgebreider vervolg te creëren als haar tweede special. Streisand was zo verstandig om, om het doorslaande succes van 'Mijn naam is BARBRA' te kunnen volgen, te weten dat haar tweede special het niveau van inventiviteit en spektakel nog verder zou moeten opkrikken. Zoals te verwachten was, slaagde ze daar opnieuw in. Nog indrukwekkender was het feit dat Streisand erin slaagde deze grote productie op te zetten zonder de intimiteit en het visioen van 'Mijn naam is BARBRA' op te offeren.

Opnieuw is de special verdeeld in drie afzonderlijke Acts. Het warenhuis had zo'n succes met de eerste speciale aanbieding, dat Streisand en consorten besloten nog een keer op locatie te filmen voor de eerste akte van deze tweede speciale aanbieding. Deze keer werd de locatie bepaald: het Philadelphia Art Museum, waar Barbra eindeloos de kans zou krijgen om verschillende kunstwerken te 'invoeren' die pasten bij de liedjes die werden gespeeld. Naast de talloze artistieke mogelijkheden die deze locatie bood, bood het museum de perfecte gelegenheid om in kleur te filmen.
Na de opname van 'Draw Me a Circle', die zich afspeelt tegen de achtergrond van de openingsscène, rent Barbra vervolgens in een dienstmeisjeskostuum door het museum op de klanken van Kern en Harbachs 'Yesterdays'. Ze stopt om verschillende schilderijen en standbeelden te bewonderen, waarbij ze vaak het personage wordt dat wordt afgebeeld en een thematisch passend lied zingt. Streisand voert een bitterzoete vertolking op van Hammerstein en Rombergs One Kiss als Thomas Eakins publiekssinger, geeft een hilarisch campy vertolking van Chopins 'Minute Waltz' als Marie Antoinette, omhelst de abstracte kunst met het koortsachtige ritme van Peter Matz' 'Gotta Move', en voert een hartverscheurende vertolking op van Non C'est Rien als een radeloos Modigliani-meisje. Het hoogtepunt van akte I is echter wanneer Streisand profielen vergelijkt met het bustebeeld van de Egyptische koningin Nefertiti, terwijl ze een tour de force-vertolking zingt van Rogers en Harts 'Where or When'. De circusserenade uit de tweede akte stelt Streisand in staat om met verschillende boerderij- en circusdieren om te gaan, terwijl ze verschillende liedjes zingt met boerderij/circus/dierenthema's. Tot de hoogtepunten behoren Barbra die 'Were That Special Face' zingt voor een babyolifant, die 'I've Grown Getting At That Face' ten gehore brengt als serenade voor een biggetje, de kitscherige 'Sam, You Made the Pants to Long' die ze zingt voor een groep jonge pinguïns, en Barbra die een profiel vergelijkt met een miereneter terwijl ze 'We Have So Much in Common' neuriet. Streisand zwaait ook op een trapeze en springt van een trampoline op het koor van 'Spring Again', en vertraagt de boel dan door een meeslepende versie van 'I Stayed Too Long at the Fair' te zingen terwijl ze alleen Barbra krijgt ook de kans om met haar poedel Sadie te pronken en spreekt zelfs een beetje Frans.
Het derde concert is opnieuw het hoogtepunt van de avond. Het concert wordt uitgevoerd op een uniek ontworpen podium met een trap die nergens naartoe leidt. Streisand opent het concert met een zwoele vertolking van 'Anywhere I Hang My Hat Is Home' van Harold Arlen, waarna hij overgaat op hartgrondige versies van het bekende standaardnummer 'It Had to Be You' en de zelden gehoorde 'C'est Si Bon (It's So Good)'. Streisand verrast het publiek vervolgens met een adembenemend krachtige, octaafhoge uitvoering van de Sweet Charity-song 'Where Am I Going'. Streisand introduceert ook de toen pas geschreven ballad 'Starting Here, Starting Now' van Richard Maltby, Jr.-David Shire, die een hartstochtelijke stem van Streisand bevat die tot de beste vocale prestaties van haar lange carrière behoort.
Meer dan wat ook was Color Me Barbra een uitlaatklep voor Streisands steeds toenemende, megawatt-sterke macht. Ondanks de aanwezigheid van nog meer visuele chaos is Streisand zelf altijd de belangrijkste attractie. Haar stem klinkt even mooi als altijd, en deze special was de eerste om aan te tonen hoe treffend ze in kleur foto's maakt. Net als met MY NAME IS BARBRA was Color Me Barbra ook weer een daverend succes en leverde het weer een soundtrack op die in de top vijf van _Gold-selling_ kwam. Eenvoudig gezegd: _COLOR I BARBRA_ tart de traditie en ontpopt zich als een vervolg dat bijna op één lijn staat met een klassiek origineel.

text_en:
After the across-the-board success of MY NAME IS BARBRA, CBS television permitted Barbra to create an even more elaborate follow-up as her second special. Streisand wisely knew, in order to follow in the ground-breaking success of MY NAME IS BARBRA, that her second special would indeed need to raise the bar even further in inventiveness and spectacle. Not surprisingly, she succeeded once again. Even more impressively, Streisand managed to mount this large production without sacrificing the intimacy and vision of MY NAME IS BARBRA.

Once again, the special is divided into three distinct Acts. Filming on location at Bergdorf Goodman's department store was so successful in the first special, that Streisand and company decided to film on location once again for the first Act of this second special. The decided-upon location this time was the Philadelphia Art Museum, which would allow endless chances for Barbra to "enter" different art works that would correspond with the songs being performed. In addition to the numerous artistic possibilities that this location made possible, the museum would offer the perfect opportunity to take advantage of filming in color.

After the recording of "Draw Me a Circle" that is set against the opening credits, Barbra then dashes around the museum in a maid costume to the strains of Kern and Harbach's "Yesterdays." She stops to admire various paintings and statues, often becoming the character that is depicted and singing a thematically appropriate song. Streisand performs a bittersweet rendition of Hammerstein and Romberg's "One Kiss" as Thomas Eakin's CONCERT SINGER, delivers a hilariously campy performance of Chopin's "Minute Waltz" as Marie Antoinette, embraces abstract art with the frenetic rhythm of Peter Matz's "Gotta Move," and performs a wrenching rendition of "Non C'est Rien" as a distraught Modigliani girl. The high point of Act I, however, is when Streisand compares profiles with the bust sculpture of Egyptian Queen Nefertiti, while singing a tour de force rendition of Rogers and Hart's "Where or When." The Act II circus medley allows Streisand to interact with various farm and circus animals, while singing various songs with farm/circus/animal themes. Some highlights include Barbra singing "Were Thine That Special Face" to a baby elephant, performing "I've Grown Accustomed to that Face" as a serenade to a piglet, the campy "Sam, You Made the Pants to Long" sung to a group of baby penguins, and Barbra comparing profiles with an anteater while crooning "We Have So Much in Common." Streisand also swings on a trapeze and leaps from a trampoline to the chorus of "Spring Again," and then slows things down by performing a haunting version of "I Stayed Too Long at the Fair" while seated alone on stage. Barbra also gets the chance to show off her pet poodle Sadie in this segment, and even speak a little French.

The Act III concert is once again the high point of the hour. Dressed in a slenderizing white wool dress, the concert segment is performed on a uniquely-designed stage with a partial staircase that leads nowhere. Streisand opens the Act with a sultry rendition of Harold Arlen's "Anyplace I Hang My Hat Is Home," before launching into heartfelt versions of the familiar standard "It Had to Be You" and the rarely-heard "C'est Si Bon (It's So Good)." Streisand then really amazes the audience with a breathtakingly powerful, octave-soaring performance of the Sweet Charity ballad "Where Am I Going," of which Streisand delivers the definitive rendition of. Streisand also introduces the then-newly written Richard Maltby, Jr.-David Shire ballad "Starting Here, Starting Now," which contains an impassioned vocal from Streisand that ranks among the very best vocal performances of her long career.

More than anything else, Color Me Barbra was a showcase for Streisand's ever-increasing, mega-watt star power. Despite the presence of even more visual razzle-dazzle, Streisand herself is always the main attraction. Her voice sounds as beautiful as ever, and this special was the first to showcase how strikingly she photographs in color. As with MY NAME IS BARBRA, COLOR ME BARBRA was another rating-smash and spawned yet another Top-Five, Gold-selling soundtrack album. Simply put, COLOR ME BARBRA defies tradition and emerges as a sequel that is nearly on par with a classic original.


text: In vervolg op 'My Name is Barbra' uit 1965, en opgenomen in schitterende kleuren, 'Color Me Barbra', komt La Streisand met een mengeling van nostalgie, komische komedie, vrouwelijke romantische angst en verleidelijke ernst voor een krankzinnig uur vol showbiz-schittering. Ze is een opgeknipte femme fatale, een fee en een raadsel. Met haar Egyptische oogmake-up en voortdurend veranderende kapsels is ze ook een kameleon. Haar stem is vol en ontroerend, ook al zijn een paar van haar liedjes dat niet ('One Kiss', 'Yesterdays'). De circusact is niet zo intrigerend als het museumbezoek (waarbij de verwaandheid van Barbra de beelden in de schilderijen wordt, een idee dat beter werkt dan je zou denken). De circusmedley (gebouwd rond liedjes met het woord 'gezicht'! ) is meisjesachtig schattig zonder ooit echt betoverend te worden. Toch is dit een levendige, jazzy special <0xE2><0x80><0x93> niet zo emotioneel verlokkend als 'My Name Is Barbra', maar zeker een geweldige tweedejaarsprestatie.

text_en: Follow-up to 1965's "My Name Is Barbra", and shot in brilliant color, "Color Me Barbra" has La Streisand alternating nostalgia, clowning comedy, feminine romantic angst, and beguiling seriousness for a crazy-quilt hour of show-biz razzle dazzle. She's a cut-up and a femme fatale, a sprite and an enigma. With her Egyptian eye make-up and ever-changing hairstyles, she's also a chameleon. Her voice is rich and moving, even if a few of her songs are not ("One Kiss", "Yesterdays"). The circus sequence isn't as intriguing as the museum trip (with the conceit of Barbra becoming the images in the paintings, an idea which works better than you may think). The circus-medley (built around songs featuring the word "face"!) is girlishly cute without ever really becoming enchanting. Still, this is a lively, jazzy special--not quite as emotionally tantalizing as "My Name Is Barbra", but certainly a sterling sophomore effort.


text: Een jaar na haar triomfantelijke eerste special, 'My Name Is Barbra', hergroepeerde Barbra Streisand zich met haar productieteam om deze vervolgspecial in de toenmalige revolutionaire kleuren te produceren. De eerste uitzending in maart 1966 volgt op eenzelfde opzet als zijn voorganger <0xE2><0x80><0x93> drie segmenten, de eerste twee met unieke concepten. Het eerste vindt plaats in de avonduren van het Philadelphia Museum of Art, waar ze, gekleed als een oude vrijster, door de zalen dwaalt en door middel van liedjes deel uitmaakt van de kunstwerken. In verschillende gedaanten geeft Streisand uitdrukking aan een verscheidenheid aan stemmingen, van de komische noot van de 'Minute Waltz' tot het melodrama van 'Non C'est Rien' op een schilderij van Modigliani tot de beatnikachtige razernij van 'Gotta Move' op abstracte kunst. Mijn favoriete moment in de special is wanneer ze verandert in een evenbeeld van koningin Nefertiti terwijl ze een meeslepende vertolking van Rogers en Harts 'Where or When' zingt.<br />Het tweede deel begint met weer een komische monoloog vol malle non-sequiturs, deze keer in het Frans, en het tweede deel is terug in de studio voor een felgekleurde circussuite waarin ze omgaat met dieren, waaronder haar geliefde poedel Sadie. Ze vindt een passende context voor 'Sam, You Made the pants too long' met een schare pinguïns en vergelijkt haar profiel komisch met dat van een miereneter met 'We Have So Much in Common'. Net als bij de eerste special eindigt het programma met een meeslepend soloconcert waarin ze een paar kastanjes zingt. 'Every Place I Hang My Hat Is Home', 'Where Am I Going?' en 'Starting Here, Starting Now' horen er ook bij. Ook de korte inleiding die ze in 1986, ironisch gekleed in het wit, opnam, toen de special voor het eerst op dvd werd uitgebracht, komt erin voor. De combinatie van locatie en muziek is nog effectiever dan in haar eerste special, en een 23-jarige Streisand is in topvorm.

text_en:
A year after her triumphant first special, "My Name Is Barbra", Barbra Streisand regrouped with her production team to produce this follow-up CBS-TV special in then-revolutionary color. First broadcast in March 1966, "Color Me Barbra" follows a similar format to its predecessor - three segments, the first two with unique concepts. The first takes place in the after-hours halls of the Philadelphia Museum of Art where dressed as a period maid, she roams the galleries and becomes part of the artwork through song. In various guises, Streisand expresses a variety of moods from the comedy schtick of the "Minute Waltz" to the melodrama of "Non C'est Rien" in a Modigliani painting to the beatnik-style frenzy of "Gotta Move" set to abstract art. My favorite moment in the special is when she transforms into a dead ringer of Queen Nefertiti while singing a haunting rendition of Rogers and Hart's "Where or When".

Opening with another comic monologue full of silly non-sequiturs, this time in French, the second segment is back in the studio for a brightly-colored circus medley where she interacts with animals, including her beloved poodle Sadie. She finds an appropriate context for "Sam, You Made the Pants Too Long" with a bevy of penguins and comically compares her profile to an anteater's with "We Have So Much in Common". As with the first special, the program ends with a riveting solo concert in which she sings some chestnuts, "Any Place I Hang My Hat Is Home", "Where Am I Going?" and "Starting Here, Starting Now" among them. Also included is the brief introduction she filmed in 1986, ironically dressed in all-white, when the special was first released on VHS. The juxtaposition of locale and song is even more effective than in her first special, and a 23-year old Streisand is in peak form.


text: Nou, ik ben bang dat mijn recensie van deze special niet veel anders zal zijn dan die van de anderen voor mij, maar ik heb er letterlijk alleen maar naar gekeken <0xE2><0x80><0x93> tijdens een drive voor PBS-leden <0xE2><0x80><0x93> en eerlijk gezegd ben ik te opgewonden om n<0xC3><0xAD>ét iets te zeggen. Om het raadsel van Barbra Streisand echt te kunnen waarderen, moet je terugkijken naar vóór de film. Vóór het Broadway-fenomeen halverwege de jaren zestig. Toen de televisie nog een jong medium was, was er een vorm van amusement die heel prominent in de ether te zien was en die tegenwoordig nog slechts een herinnering is: de muzikale variatie. Sommige musicals waren wekelijkse series, maar andere waren eenmalige, eenmalige specials, die meestal het speciale talent van de individuele artiest toonden. Dit is het moment waarop we voor het eerst ongeremd naar Streisand kijken. Ze was al gastartieste geweest in andere variétéprogramma's, zoals Garry Moore, Ed Sullivan, en had een grote slag geslagen in een eenmalige dubbelvoorstelling met de vrouw die haar de dirigeerstok van de trompet van het buitengewone zou overhandigen: Judy Garland. In 1966 introduceerde choreografe me buckra Barbra Streisand in kleur (vandaar de titel), maar ze kopieerde het format van haar eerste voorstelling van het jaar daarvoor bijna tot op de letter. In drie verschillende scènes zien we een abstracte Streisand (in een na-de-werk-museum, waar ze naar kunstwerken kijkt en soms zelf een kunstwerk wordt), een komische Streisand die een al bewonderend publiek bespeelt in een studiocircus (met veel pluizige en bonte dieren) en als klap op de vuurpijl een zingende Streisand in miniconcertvorm die <0xE2><0x80><0x93> nou ja, eerlijk gezegd, die het gewoon doet.<br />Het verbaast me dat ze het filmdebuut van FUNNY GIRL nog heeft meegemaakt, en dat ze ook nog songwriter, regisseur en politiek activist is geworden. Hier is ze amper 24 en doet ze buitengewone dingen omdat, zoals ze in haar eigen inleiding voor de camera zegt, 'we niet wisten dat we het niet konden, dus hebben we het gedaan'. De opname van het museum wordt in Philadelphia in een weekend gemaakt, vlak nadat het museum op zaterdagavond voor het publiek is gesloten, en kennelijk is er alleen maar een kleurencamera gebruikt. Toch zijn er veel geknipt en ingezoomd, wat resulteert in een nogal spectaculair hoogtepunt: het moderne, naar een beatnik neigende 'Gotta Move'. Nadat ze tussen de moderne abstracten zijn verdwaald, beginnen de bongo's van de jazzclub. Streisand komt tevoorschijn in een psychedelische jurk en met glinsterende oogmake-up, en speelt de pakkende staccatomuziek met een bijna androgyne sexappeal. Pas in het derde bedrijf, of je het gelooft of niet, wordt het hoogtepunt geëvenaard of verbeterd door een ander staaltje van Streisands kunnen: in de muziek van het concert, in een witte jurk en met parels in haar oren, reciteert Streisand het vurige 'Gotta Move'. 'Every Place I Hang My Hat is Home', en dan de laatste noten, met zo'n climax die je doet gillen als een klein meisje, ook al ben je 44 jaar oud... en een jongen.

text_en:
Well, I fear that my review of this special won't heed much different observation than the others before me, but I literally just watched it- during a PBS membership drive- and frankly I'm too excited NOT to say anything. To really appreciate the enigma that is Barbra Streisand, you have to look back before the movies. Before the Broadway phenomenon of the mid-60's. When television was still a young medium, there was a form of entertainment very prominent on the air that is but a memory today: musical variety. Some musical shows were weekly series, but others were single, one-time specials, usually showcasing the special talent of the individual performer. This is where we get the raw, uninhibited first looks at Streisand. She had already been a guest performer on other variety shows including Garry Moore, Ed Sullivan, and scored a major coup in a one-time only tandem appearance with the woman who would pass her the baton of belter extraordinary: Judy Garland. In 1966, COLOR ME BARBRA introduced Barbra Streisand in color (hence the title), but copied the format of her first special a year earlier almost to the letter. In 3 distinct acts, we get an abstract Streisand (in an after-hours art museum looking at and sometimes becoming the works of art), a comic Streisand working an already adoring audience in a studio circus (populated with many fuzzy and furry animals), and best of all, a singing Streisand in mini-concert format just-- well, frankly, just doing it.

It amazes me that she still had the film debut of FUNNY GIRL yet to come, as well as turns as songwriter, director, and political activist. Here, she is barely 24 years old, doing extraordinary things because, as she puts it in her own on-camera introduction, 'we didn't know we couldn't, so we did.' The art museum sequence is shot in Philadelphia over one weekend immediately after the museum closed to the public on Saturday evening, and apparently done with only ONE color camera. Yet there are cuts, dissolves, and tracking shots galore, resulting in one rather spectacular peak moment-- the modern, slightly beatnik-flavored, "Gotta Move." After getting lost amongst the modern abstracts, jazz-club bongos begin, with Streisand emerging in a psychedelic gown and glittering eye makeup, doing the catchy staccato tune with almost androgynous sex appeal. It is not until Act 3, believe it or not, that the moment is matched or bettered by another feat: in the concert sequence, in a white gown and pearl earrings, Streisand recites the torchy "Any Place I Hang My Hat is Home," tearing into the final notes and revealing one of those climactic belts that makes you scream like a little girl even if you're 44 years old...and a guy. Just plain old great television. Check it out.


text:
Drie afzonderlijke en afstandelijke individuen kruisen elkaar met de brute moord op een van hen. De één uur durende film onthult alleen de gebeurtenis die de drie individuen pas bij elkaar brengt nadat de helft van de film is afgelopen. Ik heb andere fragmenten van de 'Dekalog' gezien, maar deze kwam op mij over als het spaarzaamste deel van de dialoog en toch het fascinerendste deel van de structuur.
De film begint met een rechtenstudent die een zogenaamd verweer betoogt tegen een man die van moord wordt beschuldigd. Uiteraard moeten dezelfde argumenten door de man als een volwaardige advocaat zijn herhaald, maar dit wordt nooit op het scherm vertoond (tenminste niet in de korte één uur durende versie van Dekalog 5). We moeten ons voorstellen dat dit het geval moet zijn geweest. Een taxichauffeur die een misantroop is, heeft twee facetten in zijn karakter: de goede kant geeft een schurftige hond te eten, maakt zijn taxi zorgvuldig schoon, raapt de vuile vodden op van mensen die geen greintje gezond verstand hebben en denkt aan zijn vrouw terwijl ze op sterven ligt; de slechte kant jaagt kleine poedels de stuipen op het lijf, weigert een dronkenlap een lift te geven <0xE2><0x80><0x93> waarschijnlijk omdat hij bang is dat hij in de taxi zal kotsen <0xE2><0x80><0x93> en lonkt naar mooie meisjes. De weerzinwekkende hoofdpersoon die genadeloos moordt, stenen van bruggen in het snelverkeer gooit en vreemden zonder enige aanleiding in urinoirs duwt, is ook iemand die onschuldige jonge meisjes aan het lachen kan maken. De film en het script laten dus de goede en de slechte kant van twee van de drie hoofdpersonen zien.
Toch gaat de film niet over de doodstraf, maar meer over moord. Het vijfde gebod 'Gij zult niet doden' wordt theologisch onderzocht ('Zelfs God heeft Kaïn gespaard...'), sociologisch wordt de tederheid van bruten tegenover kinderen en arme, eenzame honden onderzocht, en psychologisch (nawerkingen van een dronken nacht met een vriend die leidde tot de onbedoelde dood van zijn zus, van wie hij een foto bij zich heeft). Wat maakt dat gewone mensen in moordenaars veranderen <0xE2><0x80><0x93> dit wordt nooit helemaal verklaard, maar er zijn talloze suggesties.
In Kieslowski's film wordt het vijfde gebod 'Gij zult niet doden' gebruikt. In de wereld van Kieslowski en de jonge idealistische advocaat zien we een patroon waarin gebeurtenissen en mensen in een kosmische zin met elkaar verbonden zijn (let op de gelijkenis tussen de clown en de moordenaar, zoals die in de spiegel van de cabine hangt). Kieslowski en de jonge idealistische advocaat lijken ons te vragen om het gebod letterlijk en figuurlijk te bekijken: waarom doden we? Zijn de mensen die volgens de wet gedood worden echt slecht? Is er een kracht buiten de maatschappij (de dronken nacht die tot het leven van een meisje leidde) die ons tot weerzinwekkende moordenaars maakt?
Het zou het bos missen als de bomen de twee gedetailleerde moorden in de film zouden bespreken <0xE2><0x80><0x93> beide zonder genade. De film nodigt de kijker uit om na te denken over de vraag waarom God ons vraagt om niet te doden. Ik heb begrepen dat een langere, volledige versie van de film door Kieslowski is gemaakt. Maar zelfs deze korte versie is schitterend, met zijn sobere en sobere script, intelligente montage, interessante filmografie en een uitstekende regie die veel meer biedt dan de som van de delen.
Dit deel gaat over de meer gezonde Dekalogs 6,7 en 8.

text_en:
Three distinct and distant individuals' lives intersect with the brutal killing of one by another. The one-hour film only reveals the event that brings the three individuals together only after half the film is over. I have seen other segments of the "Dekalog" but this one struck me as the most sparse one in dialogue and yet most fascinating in structure.

The film opens with a law student practicing a mock plea of defense for a man charged with murder. Obviously the same arguments must have been repeated by the man as a full-fledged lawyer but this is never shown on screen (at least in the short 1-hr version of Dekalog 5). We are made to imagine that this must have been the case. A cab driver who is a misanthrope, has two facets to his character: the good side feeds a mangy dog, cleans his cab meticulously, picks up dirty rags thrown by people who lack civic sense, and remembers his wife while dying; the bad side frightens small poodles, refuses to give a ride to a drunk--probably worried that he will puke in the cab--and ogles at pretty girls. The repulsive protagonist who murders without mercy, drops stones from bridges on fast moving traffic, and pushes strangers into urinals without any provocation, is also a person who can make innocent young girls laugh. Kieslowski's film and the script thus present the good and the bad side of two of the three main characters.

Yet the film is not about capital punishment but more a treatise on killing. The Fifth Commandment "Thou shalt not kill" is explored theologically--("Even God spared Cain...'), sociologically the tenderness of brutes to children and poor forlorn dogs, and psychologically (after effects of drunken night with a male friend that led to the accidental death of his sister, whose photograph he carries with him). What makes ordinary persons turn into killers--this is never fully explained but suggestions are legion.

In Kieslowski's world there is a pattern where events and people are interlinked in a cosmic sense (note the resemblance of clown to the killer, as it hangs from the mirror in the cab). Kieslowski and the young idealist lawyer seem to ask us to look at the Commandment literally and figuratively--why do we kill? Are the people legally killed truly bad? Is there a force beyond society (the drunken night that led to life of a girl) that makes us into abhorrent murderers?

It would be missing the forest for the trees to discuss the two detailed killings in the film--both without mercy. The film invites the viewer to contemplate why we are asked by God not to kill.

I understand a longer full-length version of the film was made by Kieslowski. But even this short 1-hr version is superb with its bleak and sparse script, intelligent editing, interesting cinematography and top-notch direction that provides much more than the sum of its parts.

This segment anticipates the more wholesome Dekalogs 6,7 and 8.


text:
Toen we jaren geleden de film zagen die Kieslowski van deze aflevering van 'De decaloog' had gemaakt, gingen we terug naar deze kijker terwijl we naar de volledige tien afleveringen keken. Net als de andere films is deze losjes gebaseerd op het vijfde gebod, of 'Gij zult niet doden'.
Kryzsztof Kieslowski, die samen met Kryzsztof Piesewicz schreef, keek naar de geest van een jongeman die een gruwelijke misdaad begaat door een onschuldig iemand te vermoorden om zijn frustraties af te reageren. Deze aflevering heeft een Dostojevski-personage dat ons bleef herinneren aan 'Misdaad en straf', of in elk geval aan een aantal van de eigenschappen van de roman, die worden doorgegeven aan de doelloze jongeman die blijkbaar geen goede eigenschappen heeft. Het verhaal laat de jongeman zien terwijl hij door de straten van de stad zwerft, zonder een duidelijk idee te hebben wat hij moet doen of waar hij naartoe moet. Het enige tedere moment dat hij toont, is wanneer hij bij de fotograaf langsgaat om te vragen of hij een oude foto van zijn zus kan laten restaureren. Kieslowski laat het aan het lot over om de moordenaar in een taxi te laten stappen met de bedoeling de chauffeur te beroven, maar het zijn zijn woede en frustratie die de jongeman de overhand geven om een man te vermoorden die het niet verdiende om te sterven. De laatste momenten van deze misdadiger zijn een van de aangrijpendste scènes in elke film, zowel uit het verleden als uit het heden. Het andere element in het verhaal is de relatie tussen de verdachte en de misdadiger. Niets kan de rechtbank ervan weerhouden de jongeman ter dood te veroordelen. De advocaat heeft aan het eind het gevoel dat hij zijn cliënt in de steek heeft gelaten en gaat naar de rechter om te zien waar hij de fout in is gegaan. Het enige wat de jongeman hem vraagt is de foto op te halen en naar zijn moeder te sturen.

Kieslowski's verslag van de interpretatie van het vijfde gebod zorgt voor een verrassende film die de kijker nog lang zal heugen nadat deze episode is vergeten.

text_en:
Having seen the full length film Kieslowski made out of this episode of "The Decalogue" years ago, came back to this viewer as we watched the complete ten vignettes. As with the other films, this one is loosely based on the fifth commandment, or, "Thou shalt not kill".

Kryzsztof Kieslowski, writing with Kryzsztof Piesewicz, took a look at the mind of a young man who commits a heinous crime in murdering an innocent person to vent his own frustrations. This installment has a Dostoyevskian character that kept reminding us about "Crime and Punishment", or at least some of the qualities of the novel are passed to the aimless youth who apparently has no redeeming qualities.

The story shows the young man as he roams the streets of the city without a clear idea of what to do, or where to go. The only tender moment he displays is when he visits the photographer's place to ask to have an old picture of his sister restored. Kieslowski leaves it up to fate to have the murderer board a taxi with the intention of robbing the driver, but it's his anger and frustration that get the best of this youth to kill a man that didn't deserve to die. The last moments of this criminal is one of the most gripping sequences in any film, past, or present.

The other element in the story is the relationship between the public defendant and the criminal. Nothing can prevent the court to condemn to death the young man. The lawyer feels at the end he has failed his client and goes to the judge to see where he went wrong. All he is asked by the young man is to retrieve the picture and send it to his mother.

Kieslowski's account of how he interprets the fifth commandment makes for a surprising film that will stay in the viewer's mind long after this episode is forgotten.


text:
Dit is de episode die waarschijnlijk het meest in verband staat met het partnerrecht, 'Gij zult niet doden', in die zin dat het direct de immer controversiële kwestie aan de orde stelt: 'Waarom doden we mensen die mensen doden om aan te tonen dat doden verkeerd is?' Deze kwestie wordt in deze episode in twee delen uiteengezet: voor de moord, wanneer de film de tweedeling laat zien tussen de idealistische, veelbelovende advocaat en de straatcrimineel die zo opgaat in zijn manier van leven dat zijn leven niet meer is dan een weergave van wat hij geacht wordt te doen, gevolgd door de periode na het proces en voor de executie, wanneer ze allebei moeten boeten voor de doden waarvoor ze zich verantwoordelijk voelen en die dus delen. Een van de grote pluspunten van dit soort verhalen is dat het verhaal zowel in kleine als grote lijnen volledig is uitgewerkt, zodat we zowel de motivaties en de levensgeschiedenissen van de personen met wie we maar iets minder dan een uur kunnen doorbrengen, begrijpen. Ondanks al zijn misdadige bedoelingen en spot, is de moordenaar nog steeds erg sympathiek, en draait het belangrijkste deel van zijn daden om een geschiedenis van een ongeluk. Zijn manier van moorden is meer een verlangen om de dood in de hand te houden dan een verlangen om daadwerkelijk te vernietigen. De idealistische naïviteit van de advocaat toont aan dat je de dood niet toestaat in een wereld waarin je die niet in de hand kunt houden. Hun ontmoeting is inderdaad belangrijk; ze moeten er allebei aan toegeven, maar ze moeten het niet verder uitbouwen.
Afgezien daarvan is het interessant om te zien hoe deze episode van invloed is op Rouge, Kieslowski's latere voltooiing van de Trois Colours-trilogie. Een van Kieslowski's grootste invloeden lijkt het idee van rechtvaardigheid te zijn, en gezien het feit dat de decaloog een meditatie is op iets wat staat voor Goddelijke rechtvaardigheid, lijkt dit wel de meest zelfbewuste.
-PolarisDiB.
-PolarisDiB.

text_en:
This is the episode that probably most closely relates to it's partner law, "Thou Shalt Not Kill," in that it directly brings up the ever controversial issue, "Why do we kill people who kill people to show that killing is wrong?" This issue is presented in two parts within the episode: before the killing, when the film shows the dichotomy between the idealistic up-and-coming lawyer and the street thug so caught up in his ways that his life is merely a representation of what he's supposed to do, followed by the period after the trial and before the execution, when both are made to suffer for the deaths they feel responsible for and thus share.

One of the great things about the way these episodes work are in the both small and big ways the story is fully developed, so that we understand both the motivations and histories of characters we're only able to spend slightly less than an hour with. For all his criminal intentions and mockery, the killer is still very sympathetic, revolving the most important part of his actions around a history of accidental death. His way of killing is more a desire to control death than it is any desire to actually destroy. Similarly, the lawyer's idealistic naivety shows one unwilling to allow death to happen in a world where he can't control it. Their meeting is, indeed, important; they both have to give in to it while not propagating it.

As an aside, it's interesting how much this episode affects viewing of Rouge, Kieslowski's later completion of the Trois Colours trilogy. One of Kieslowski's biggest influences seems to be the idea of justice, and considering that the Decalogue is a meditation on something that represents Divine Justice, this one seems almost the most self-conscious.

--PolarisDiB