text:
Ik moet toegeven dat ik bevooroordeeld ben ten aanzien van mijn stem voor deze film, maar ik heb daar goede redenen voor, aangezien ik een deel van de geschiedenis ken die in Hollywood een Hollywood-behandeling heeft gekregen. De roman van Edna Ferber, waarop deze film is gebaseerd, stamt uit een tijd waarin echte namen niet gebruikt mogen worden. In zekere zin is deze film een en al rook en spiegels. Hoewel hij in 1946 is uitgebracht, is hij kort na Casablanca opgenomen. Ingrid Bergman is in deze film op haar stralendst als brunette.
Ze speelt een mooie vrouw die haar schoonheid probeert in te zetten om een rijke echtgenoot te krijgen. Vandaag de dag is dat een goudzoeker, maar in dit sociale tijdperk is ze begerenswaardig & het soort vrouw dat maakt dat alle mannen haar willen, & al die oude verwaande societytypes praten over haar & mijden haar, terwijl ze willen dat ze haar waren. Ingrid is op haar best & speelt deze rol goed.
Er ontstaat enige sympathie voor Ingrids personage in het New Orleans-gedeelte van deze film als ze erin slaagt een fatsoenlijk graf voor haar geschokte moeder te regelen als onderdeel van de regeling die haar familie heeft getroffen om haar uit New Orleans weg te krijgen. De verwaande familie daar is zo door haar gechoqueerd dat ze bijna alles doen wat ze vraagt om haar de stad uit te krijgen.
Gary Cooper is goed in deze film hoewel hij al een beetje ouder lijkt te worden voor de rol van zwierige Texaanse vrijgezel/gokker. Hij speelt het goed, gezien die handicap die hij had die ouder leek dan hij in werkelijkheid was door zijn kettingroken. Flora Robison als Ingrids Maid werd genomineerd voor een Oscar als ondersteunende actrice in deze film. Jerry Austin als Cupido werd in vele opzichten overschat voor zijn rol maar is de enige komische verademing in de film & speelt hem goed. Als de film naar Saratoga verhuist, laat hij duidelijk zien hoe belangrijk Saratoga in die tijd was. Ik vind de scène waarin Bergman naar de bron van de Saratoge wandelt om wat van het 'zoutwater' te drinken dat iedereen toen zo gezond vond. Als ze wat drinkt dwingt ze zichzelf geen vies gezicht te trekken en zegt ze dat het lekker is & dat ze meer moet drinken.
De echte geschiedenis is de spoorwegslag die in werkelijkheid plaatsvond op de spoorlijn in Tunnel, New York <0xE2><0x80><0x93> dat is de echte Saratoga Trunk, de titel van de film. Deze slag vond plaats in 1869 tussen agenten van Andrew Carnagie & J.P. Morgan. De spoorlijn was in 1869 de economische sleutel tot het land dat het steenkoolgebied & de oostkust met elkaar verbond. De verwijzingen ernaar zijn door de hele film heen zeer reëel. Er is zelfs een dialoog waarin Carnagie wordt beschreven als een 'Scot' hoewel de verwijzing vaag is & onbekend voor iedereen die de geschiedenis rond de slag niet kent.
De spoorlijn & de spoorwegtunnel in Tunnel, New York (zipcode 13848) bestaan nog steeds hoewel de film in Californië is opgenomen. De zin in de film terwijl hij met de trein de tunnel in rijdt klopt, het is nog steeds'machtig mooi land'.

text_en:
I have to admit I am prejudiced about my vote on this film, but I have strong reasons as I know some of the true history that was given the Hollywood treatment here. Edna Ferber's novel upon which this is based is from an era where real names can't be used. In a way, this film is all smoke & mirrors. Even though it was released in 1946, it was filmed shortly after Casablanca. Ingrid Bergman is at her most radiant in this movie as a brunette.

She plays a beautiful woman who is trying to trade on her beauty to get a rich husband. Today that is a gold digger, but in this social era, she is desirable & the kind of woman who makes all the men want her, & all the old snooty society types talk of her & avoid her, while wishing they were her. Ingrid is at her best & plays this role well.

Some sympathy for Ingrids character is raised in the New Orleans section of this film as she manages to get a decent belated tomb for her scandalized mother as part of the settlement by her relatives to get her to leave New Orleans. The snooty family of relatives there are so scandalized by her that they will do almost anything she asks to get her to leave town.

Gary Cooper is good in this film though he already appears to be aging a bit to play a dashing Texan Bachelor/Gambler. He pulls it off well considering that handicap which he appeared older than he was due to his real life chain smoking. Flora Robison as Ingrid's Maid got nominated for an Oscar as supporting actress in this film. Jerry Austin as Cupidor was over-looked in many ways for his role but is the only comic relief in the film & does it well.

When the film moves to Saratoga, it depicts accurately how important Saratoga was in that era. I like the sequence when Bergman walks to the Saratoge Spring to get some of the "sulfur" water which everyone considered so healthy then. When she drinks some she forces herself not to make a face and comments how good it is & that she must have more.

The real history is the railroad battle which really occurred on the rail line in Tunnel, New York- which is the actual Saratoga Trunk the film title is derived from. This battle actually happened in 1869 between agents for Andrew Carnagie & J. P. Morgan. The line was the economic key to the country in 1869 connecting coal country & the east coast. The references to it are throughout the film are very real. There is even some dialog describing Carnagie as a "Scot" though the reference is vague & unfamiliar to anyone not knowing the history around the battle.

The railroad line & the railroad tunnel in Tunnel, New York (zip code 13848) still exist although the film was shot in California. The real tunnel is about 1 mile long. It is still part of a key freight line today, years after this occurred. I grew up there. Gary Cooper's line in the film while he is riding the train into the tunnel is right, it is still "mighty pretty country".


text: Ik ben opgegroeid in New York City en elke middag vertoonde ABC de film van halfvijf <0xE2><0x80><0x93> Saratoga Trunk was een van de eerste films die ik als kind heb gezien. Ik was dol op die film en hij is me nog jaren bijgebleven. Ik heb hem onlangs nog een keer gezien en ik vond hem nog steeds geweldig <0xE2><0x80><0x93> misschien ben ik gewoon een romanticus <0xE2><0x80><0x93> maar ik vond hem goed gespeeld. Ik wil niet zeggen dat deze film alleen goed was vanwege de hoofdrolspelers <0xE2><0x80><0x93> ik wist echt niet wie ze waren toen ik de film voor het eerst zag <0xE2><0x80><0x93> ik denk dat ik als kind gewoon wist hoe je een goede rol moest spelen. Zowel Bergman als Cooper was uitstekend. Ik vond het vooral geweldig om het oude New Orleans te zien in de periode van deze film. Als je ooit de kans krijgt om New Orleans te bezoeken <0xE2><0x80><0x93> je moet films zien die de stad in die periode laten zien <0xE2><0x80><0x93> als je een paar van de oude huizen in de French Quarter (niet alleen Bourbon Street) of uptown ziet, kun je je het leven van 100 jaar geleden echt voorstellen.<br />Ik hou van oude films <0xE2><0x80><0x93> dit is voor mij een goede film!!

text_en:
I grew up in New York City and every afternoon ABC would show the 4:30 movie- Saratoga Trunk was one of the first movies I remember watching as a kid. I loved this movie and it has stayed with me for years. I recently watched it again and still thought it was great - maybe I am just a romantic - but I thought it was well done. I do not want to say this movie was good only because of the main actors - I really did not know who they were when I first saw this movie - I guess I just knew quality acting as a child. Both Bergman and Cooper were excellent. I especially loved seeing old New Orleans during the time period of this movie . If you ever get a chance to visit New Orleans - you should watch movies that show the city during that time period - when you get to see some of the old homes in the French Quarter(not just Bourbon Street) or uptown, you can truly imagine life as it was 100 years ago.

I love old movies - this one to me is a good flick!!


text:
Ik zou deze film hoog op mijn lijst van Ingrid Bergman-films zetten. Afgezien van Ingrids schoonheid, is haar talent in de ene scène na de andere duidelijk te zien. Ze was verdrietig, gemeen, geestig.
<0x3E><0x3E> Ondeugend, flirterig, verrukkelijk grappig, liefdevol, teder, verdrietig, van streek, gelukkig, enzovoort. Je kunt het zo gek niet bedenken of ze was al die dingen en nog meer.
<0x3E><0x3E> En dus was Ingrid Bergman overtuigend.
<0x3E><0x3E> Ingrid speelt een beruchte vrouw (Clio) die terugkeert naar New York.
<0x3E><0x3E> Orleans valt op een gokker uit Texas, Gary Cooper (Clint). Ik vond vooral de scène prachtig waarin ze aan de eettafel zitten en elkaar zwijgend aanstaren. Zij in een elegante witte jurk en hij in een knappe witte cowboy.
<0x3E><0x3E> Wat een chemie! Wat een liefde!

text_en:
I would rate this film high on my list of Ingrid Bergman films. Ingrid's beauty aside, her talent is evident in scene after scene. She was sad, mean, witty,

snobbish, flirtatious, delightfully funny, loving, tender, sorrowful, distressed, happy, etc. You name it, she was all those things and more. -And so

convincing. Ingrid plays a notorious woman (Clio) who comes back to New

Orleans and falls for a Texas gambler, Gary Cooper (Clint). I especially loved the scene where they are sitting at the dining table saying nothing, just staring at each other. She, in an elegant white gown and he in a handsome white cowboy

outfit, sitting there looking at her adoringly. What chemistry! What love!


text: Ik zag deze film voor het eerst toen ik op de lagere school zat, in de jaren zestig. Ik was gefascineerd door het personage dat Ingrid Bergman speelde en het was mijn kennismaking met de Franse wijk van New Orleans. Het eerste deel van de film is het beste als ze terugkomt om wraak te nemen op de vrouw en dochter van haar vader (haar moeder was in ongenade gevallen). In die tijd ontmoet ze de geweldige Clint Maroon, gespeeld door Gary Cooper. De chemie tussen die twee is geweldig. De tweede helft van de film speelt zich af in Saratoga, New York (de Saratoga van de titel) en ik heb er nooit zo van genoten als van de omgeving van New Orleans, maar het is nog steeds heel goed. Ik geef deze film een 10 <0xE2><0x80><0x93> deels uit nostalgie, maar vooral omdat het gewoon een verdomd goeie film is en de personages, afgezien van Bergman en Cooper, net zo geweldig zijn (Flora Robson staat op het punt om de scènes van Bergman te stelen). Vroeger werd hij regelmatig op tv uitgezonden, maar hij wordt zelden of nooit uitgezonden <0xE2><0x80><0x93> het zou een goede film zijn voor een van de klassieke filmzenders om op te pikken en in hun programmering op te nemen.

text_en: I first saw this movie when I was in elementary school, back in the 1960s. I was fascinated with the character played by Ingrid Bergman and it was my introduction to the French Quarter of New Orleans. The first part of the movie is the best as she comes back to exact some revenge on her father's wife and daughter (her mother had been driven out in disgrace). During this time she meets the wonderful Clint Maroon, played by Gary Cooper. The chemistry between the two is great. The second half of the movie takes place in Saratoga, NY (the Saratoga of the title) and I never enjoy it as much as the New Orleans setting but it's still very good. I give this movie a ten - partly out of nostalgia but mostly because it's just a darn good movie and the characters besides those of Bergman and Cooper are equally wonderful (Flora Robson comes close to stealing the scenes from Bergman). It used to be shown on TV periodically but it's shown rarely if ever - it would be a good one for one of the classic movie stations to pick up and put into their programming cycles.


text: Misschien is deze film een beetje te lang, maar hij heeft na vijfenveertig jaar nog steeds iets charmants. De hoofdrollen lijken me geschikter voor Clark Gable en Vivien Leigh. Gary Cooper kan me niet schelen, maar Ingrid Bergman is prima, vooral met dat donkere haar. De film is de moeite waard voor de bijrollen: Flora Robson is geweldig als mulattin-bediende. Ze is een blanke vrouw met een zwart gezicht, en ze kan een kwaadaardige uitdrukking hebben of een voodoo-meesteres. Jerry Austin als bediendedwerg is een verrukkelijke rol, die je ondanks een paar te lange scènes aan het lachen houdt. Over scènes gesproken, Florence Bates steelt de meeste van de scènes waarin ze als douairière sociale dame speelt. Ik begrijp de afloop van het spoorweggevecht aan het eind van de film niet, en de laatste scène was pure Hollywood-troep. Het is een raar gevoel als je beseft dat de titel van de film naar een spoorweg verwijst in plaats van naar een stuk bagage!

text_en: Perhaps this movie is a little too long, but it still has some charm 45 years later. The main roles seem more appropriate for Clark Gable and Vivien Leigh. I could care less about Gary Cooper, but Ingrid Bergman is fine, particularly in dark hair. The movie is worth seeing for the supporting cast: Flora Robson is terrific as a mulatto servant. She is a white woman in blackface, and can have an expression of evil or of a voodoo mistress. Jerry Austin as a servant dwarf has a delightful role, that keeps you chuckling despite some overlong scenes. Speaking of scenes, Florence Bates steals most of the ones she is in as a dowager social lady. I didn't understand the outcome of the railroad fight at the end of the movie, and the last scene was pure Hollywood dreck. It's an odd feeling when you realize the film title refers to a railroad rather than a piece of luggage!


text:
Deze korte film levert zeker geen problemen op. Het verhaal gaat over een slager die ten onrechte een onschuldige man vermoordt die volgens hem zijn achterlijke dochter seksueel heeft misbruikt. De film laat zien hoe de slager zijn tijd uitdient en weer terugkeert naar het leven met zijn dochter in de pleegzorg, en hoe hij zich moet verzoenen met een leven zonder toekomst.
De beeldende openingsscènes van een afgeslacht paard en de frontale geboorte van de dochter van de slager brengen je in een wrede stemming die je de hele film lang bijblijft.
De flitsende stroom van de film is heel direct en draagt bij aan de wreedheid ervan. Het gevolg is dat er in die 40 minuten heel wat te zien is. Je laat je volledig inpakken door de slager die geen leven heeft <0xE2><0x80><0x93> vooral nadat hij zijn dochter aan de sociale dienst en zijn bedrijf heeft verloren. Zijn verhaal wordt vervolgd in de uitstekende film Seul Contre Tous.

text_en:
This short film certainly pulls no punches. The story is of a butcher who wrongfully kills an innocent man who he believes has sexually molested his retarded daughter. The film goes onto depict how the butcher serves his time, and returns to life with his daughter in care, and having to come to terms with a life with no future.

The graphic opening scenes of a horse being slaughtered, and the full frontal birth of the butchers daughter puts you a brutal frame of mind that stays with you throughout the film.

The snappy flow of the film is very direct and adds to its brutality. Consequently alot of ground is covered in the 40 minutes. You are taken in fully with the butchers non-life - particularly after he loses his daughter to social services and his business. His story continues in the excellent film Seul Contre Tous


text: Dit was mijn eerste Gaspar Noe-film die ik heb gezien en ik moet zeggen dat ik geschokt was. Ik vind het niet erg om in het algemeen bloed te zien, maar dit is niet eens bloed, het is echt afslachten. Voor sommigen van jullie zijn een paar scènes misschien onmogelijk om te zien en dan bedoel ik echt walgelijk. Afgezien van deze aspecten worden hier de belangrijkste ideeën onthuld en de dialogen zijn werkelijk briljant. Als je een sterk argument krijgt om een nieuw leven in de wereld te brengen en de manier waarop het wordt gegeven, kun je niet stoppen en een minuut de tijd nemen om erover na te denken. De acteurs deden hun werk goed, vertegenwoordigden de algemene maskers van een selectie die maar weinig mensen op de bodem van een zieke maatschappij vinden. De film zit vol metaforen, maar die laat ik aan jullie over. Kijk er niet naar als je een lichte, ontspannende tijd wilt hebben. Ik beveel deze film aan voor iedereen die iets wil hebben om over na te denken of gewoon iets anders wil zien dan wat je in de gemiddelde bioscoop ziet.

text_en: This was my first Gaspar Noe movie I've watched and I have to say I was shocked. I don't mind gore in generally, but this isn't even gore , it's real butchering. For some of you a couple of scenes may be impossible to see and I mean really disgusting. Leaving aside these aspects, the main ideas revealed here and the dialog are quite brilliant. When you are given a strong argument against bringing a new life into the world and the manner in which it is given, you can't stop and take a minute to think about it. The actors did their job well, representing general masks of a handpick few people found at the bottom of a diseased society. The movie is full of metaphors, but I'll let you figure them out. Don't watch it if you want to have a lite, relaxing time. I recommend this movie to all those of you who want something to think about or simply watch something different of what you find in your average cinema.


text: Dit is de veertig minuten durende film die ons kennis laat maken met het personage van de Slachter, die later in de film Seul Contre Tous grondiger aan de tand zal worden gevoeld. In deze film volgt hij de vroege periode van zijn leven van 1965-1979, maar concentreert zich op het eind van de jaren zeventig. De eerste beelden zijn van de slachting van een paard, dan de geboorte van een baby, de dochter van de Slachter, die we elk jaar snel zien opgroeien. De Slachter (in beide films gespeeld door Philippe Nahon) is een man die verbitterd is jegens de wereld. Hij haat veel dingen. Zijn woede komt tot een hoogtepunt wanneer een man zijn autistische dochter aanvalt. De Slachter verminkt vervolgens de verkeerde man en komt in de gevangenis terecht. Deze film volgt het leven van de slager tot vlak na zijn vrijlating uit de gevangenis, en daarna neemt Seul Contre Tous het van hem over. Ik heb de films verkeerd bekeken, eerst Seul Contre Tous. Probeer deze film als eerste te zien, als je kunt.

text_en:
This is the forty minute film that introduces us to the character of the Butcher, who will later be examined more thoroughly in the feature Seul Contre Tous. In this film, it follows the early period of his life from 1965-1979, but focusing on the late seventies. The first images are of a slaughter of a horse, then the birth of a baby, the Butcher's daughter, who we quickly see growing up each year. The Butcher (played by Philippe Nahon in both films) is a man bitter with the world. He hates many things. His anger comes to a head when a man assaults his autistic daughter. The Butcher then maims the wrong man, and finds himself in prison.

This film follows the butcher's life to just after his release from prison, then Seul Contre Tous takes over from there. I watched the films the wrong way about, Seul Contre Tous first. Try and watch this little film first if you can.


text:
De korte film die Gaspar Noe op de filmkaart zette en ons kennis liet maken met zijn afgrijselijke, maar door en door interessante personage The Butcher, briljant gespeeld door Phillipe Nahon. Noe's regie heeft alle kenmerken van zijn latere films, waaruit blijkt dat hij vanaf het begin zijn eigen stem en stijl uitsneed. Zijn plotselinge knippen met scherpe, harde geluiden, het overslaan van flashbacks en vele andere technieken worden allemaal gebruikt om de kijker van zijn stuk te brengen. En het werkt zeker. Hij is ook niet bang om geweld te tonen, zoals de kijkers van Irreversible zullen weten. Hier is het geweld even krachtig, en in de vervolgfilm Seul Contre Tous is het bijna ondraaglijk.
De film begint met een paard dat wordt gedood. Hij is in zijn hoofd geschoten en we zien hem op de vloer kronkelen, terwijl er een plas bloed uit stroomt. Dan zien we een menselijke geboorte in al zijn bloederige glorie, de dochter van de Slachter. Hij was een weeskind in de Tweede Wereldoorlog en is opgegroeid met een haat voor de wereld en alles en iedereen. Hij bediende zijn klanten, maar zijn innerlijke monoloog herinnert ons voortdurend aan zijn gedachten <0xE2><0x80><0x93> hij wil ze allemaal dood hebben. Zijn dochter Blandine Lenoir, die zes jaar later haar rol weer zou oppakken, is het enige waar hij om geeft en we zien ze samen ouder worden. Maar ze is stom en het onderwerp van pesterijen en spelletjes. De relatie die de Slachter met zijn dochter heeft, is bijna incestueus. Hij baadt haar als ze oud genoeg is om het zelf te doen enz., maar dat wordt in de volgende film verder uitgediept. Als ze door een man wordt aangevallen, ontploft de Slachter van woede en steekt hij een onschuldige man in zijn mond. Hij gaat naar de gevangenis en wordt bevrijd van de enige dingen die hij wil: zijn winkel en zijn dochter. In de korte veertig minuten zien we dit alles en meer, zijn tijd in de gevangenis en zijn vrijlating naar zijn eigen wereld. Vanwege de toestand van zijn dochter, die volgens mij ook autistisch is, is ze minzaam, kijkt ze alleen maar, en staat ze volledig onder controle van haar vader. De film gaat verder in de uitzonderlijk sombere Seul Contre Tous. Als je kunt, kijk dan naar deze twee films, deze eerst. Het acteerwerk is werkelijk uitstekend, maar het is heel moeilijk om ernaar te kijken vanwege de meedogenloze toon.
7 van de 10.

text_en:
The short film which got Gaspar Noe on the movie map, introducing us to his horrific, but thoroughly interesting character The Butcher, played brilliantly by Phillipe Nahon. Noe's direction here has all the hallmarks of his later films, showing he was carving his own voice and style from the beginning. His sudden cutting along with harsh, loud noise, skipping flashbacks and many other techniques all are used to disconcert the viewer. And it certainly works. Also, he is not afraid of showing violence, as viewers of Irreversible will know. Here the violence is equally powerful, and in the sequel Seul Contre Tous, it is almost unbearable.

The film opens with a horse being killed. It is shot in the head, and we watch it writhe on the floor, its pool of blood flowing out. We then see a human birth in all its bloody glory, the daughter of The Butcher. He was orphaned in WWII, and has grown up hating the world, and everyone and everything in it. He serves his customers, but his interior monologue constantly reminds us of his thoughts- he wants them all dead. His daughter Blandine Lenoir, who would also reprise her role six years later, is the only thing he cares about, and we watch them grow older together. She is however mute, and the subject of bullying and toying. The Butcher's relationship with her is almost incestuous, bathing her when she is old enough to do it herself etc,but this is explored more in the next film. When she is attacked by a man, the Butcher explodes with rage, stabbing an innocent man in the mouth. He goes to prison, taken from the only things he wants- his shop and daughter. In the short 40 minutes we see all this and more, his time in prison and release back to his world. Because of his daughter's state, autistic as well i think, she is bland, does little except stare, and is under the full control of her father. The film continues in the exceptionally bleak Seul Contre Tous. If you can, watch these two films, this one first. It has some truly excellent acting, but is very difficult to watch because of the relentless tone.

7 out of 10


text: Ik zou zeggen dat deze film verontrustend is. De wreedheid wordt op een heel ziekelijke manier weergegeven, het lijkt wel een psychose in 40 minuten. Tegelijkertijd is het een wrede introspectie van het menselijk gedrag. De scènes zijn woest, beginnend met de slachtpartij van het paard en eindigend met de brute seksscène in de keuken. Elke emotie wordt tot het uiterste uitgebuit, de frustratie van de slager, de liefde voor zijn dochter bijna incestueus, de woede als hij ontdekt dat ze misbruikt is, elk gevoel is zo natuurlijk en zo verkeerd. Deze film brengt de waarheid over de menselijke natuur op een heel eerlijke en brute manier. De boodschap van de film is dat...' Het leven van een mens kan in een seconde veranderen als gevolg van zijn gedrag en dat de meest primitieve emoties het sterkst zijn en bepalend zijn voor zijn gedrag. Ik hield van de unieke manier van filmen, de eenvoud en de wreedheid die gepaard gingen met de stilte waarin alleen innerlijke gedachten doorklinken.

text_en: I would say that this film is disturbing. The brutality is depicted in a very sick way, it's like a psychosis in 40 minutes. In the same time, it is a cruel introspection in human behavior. The scenes are ferocious, starting with the butchery of the horse and ending with the brutal sex scene in the kitchen. Every emotion is exploited to extreme, the frustration of the butcher, the love for his daughter almost incestuous, the rage when he finds out she has been abused, every feeling is so natural and so wrong. This film delivers the truth about human nature in a very honest and brutal way. The message of the film is that one's life can change in a second as a consequence of one's behavior and that the most primitive emotions are the most powerful and can determine one's acting. I'd loved the unique manner of filming, the simplicity and the brutality accompanied with the silence in which only inner thoughts pierce through.


text: Dit is een verbluffend goed gefilmde vroege praatfilm-bewerking van het stuk van Eugene O'Neill. Het grootste nadeel ervan is een statische camera, en als gevolg daarvan komt het er meestal uit als een gefilmd toneelstuk, wat jammer is, want het is een mooi staaltje van primitief filmen, gemaakt in een tijd dat geluid allerlei technische problemen opriep, en als gevolg daarvan waren de meeste films experimenteel, of dat nu de bedoeling van de makers was of niet. Garbo is even mysterieus en charismatisch als in haar stomme films, en haar entree is nog steeds klassiek. Haar stem is vreemd diep, bijna jongensachtig, wat haar toch al verleidelijke excentrieke persoonlijkheid alleen maar versterkt. Als haar vriend is Charles Bickford gepast viriel - hij is kennelijk uit een ruige familie geboren - en een volmaakte tegenhanger van de goddelijke Garbo. Zijn Ierse accent is helemaal niet slecht en hij lijkt altijd een geboren zeeman te zijn, heel O'Neill-achtig in zijn onafhankelijke, peinzende aard. Als Garbo's (heel) verwarde vader, lijkt George Marion werkelijk uit een andere tijd te komen. Hij heeft het soort gezicht en stem - open, ongemanierd, volkomen argeloos - dat van de aarde verdwenen is. Marie Dressler is ook een O'Neill. Haar wezenloze uitdrukking en de intensiteit rond haar ogen spreken boekdelen, zoals ze haar drankzuchtige karakter speelt als een vrouw die soms grenst aan een psychose. Poëtische vrijheid misschien, aangezien dit niet in het script staat, maar we kunnen juffrouw Dressler haar houding vergeven. Het verhaal eindigt met een verschuiving naar het volgende, net zo verschillend van afronding, wat voor de auteur geen pretje is; en degenen die hun film uiteindelijk netjes hebben uitgewerkt, zullen teleurgesteld zijn door het ontbreken van een echte verrassing. In Anna Christie zijn we in het land van de O'Neills, een oord van zee, stormen en mist, een gevoel van allesdoordringende en vervloekte onzekerheid, dat we nu betitelen als onzekerheid, of angstneurose. In plaats van deze stemming te analyseren, geeft de auteur die eenvoudig en wijselijk aan, terwijl weer, land, oceaan en mensen zich met elkaar verstrengelen en elkaar toespreken in een unieke taal die we naar ons gevoel moeten hebben gehoord.

text_en: This is an amazingly well-filmed early talkie adaptation of the Eugene O'Neill play. Its major drawback is a static camera, and as a result it comes off much of the time as the filmed play it is, which is a pity, for it's a good piece of primitive moviemaking, made at a time when sound was posing all kinds of technical problems, and as a result most films were experimental whether or not this was their maker's intention. Garbo is as mysterious and charismatic as she was in her silent films, and her entrance is still classic. Her voice is strangely deep, almost boyish, which only enhances her already seductively eccentric persona. As her boyfriend, Charles Bickford is appropriately virile,--he was apparently born craggy--and a perfect counterpart to the divine Garbo. His Irish brogue is not bad at all, and he seems always a natural man of the sea, very O'Neill-like in his independent, brooding nature. As Garbo's (very) confused father, George Marion seems truly from another time. He has the sort of face and voice,--open, unmannered, totally without guile--that has vanished from the earth. Marie Dressler is also in the O'Neill swing of things. Her blank expression and intensity around the eyes speaks volumes, as she plays her boozy character as a woman at times bordering on psychosis. Poetic license, perhaps, as this is not in the script, but we can forgive Miss Dressler's excesses; she is too good at it not to. The story ends with a movement to the next thing, as distinct from resolution, which isn't the author's cup of tea; and those who like their films neatly worked out in the end will be disappointed by the absence of any real surprise. In Anna Christie we are in O'Neill country, a place of sea, storms and fog, a feeling of all-pervading and damnable uncertainty, which we would now call ambivilance, or anxiety neurosis. Rather than analyze this mood the author simply and wisely presents it, as weather, land, ocean and people intertwine and address one another in a unique language we feel priveleged to have heard.


text: Garbo's eerste gesproken woorden in deze film uit 1930 brachten het publiek in vervoering en maakten deel uit van de Hollywood-legende. Garbo was een ster geworden in haar eerste Amerikaanse film, _The Torrent_, in 1926. En het publiek wachtte tot deze film, om te zien of Garbo de overgang naar het gesproken woord zou kunnen maken. Dat deed ze. En terwijl Pola Negri, Vilma Banky en Renee Adoree door hun accent aan de kant werden geschoven, voer Garbo nog tien jaar door. Ondanks de stijfheid van deze film is Garbo werkelijk voortreffelijk, vooral in de openingsscène met de even grote Marie Dressler als Marthy. De twee grote sterren wisselen vuile blikken en scherpe woorden terwijl ze elkaar taxeren terwijl ze een paar borrels drinken en de toon zetten voor de rest van de film. Garbo was 25; Dressler was 60. Charles Bickford is oké als Matt, en George F. Marion is goed als Ouwe Chris. Marion kreeg deze rol in 1922 op Broadway en speelde hem ook in de stomme versie van 1923 met Blanche Sweet. Dit toneelstuk van Eugene O'Neill is een echte klassieker, maar werd vreemd genoeg nooit meer opgenomen. Anna Christie is een van Garbo's beste rollen. En ondanks de gekunsteldheid van de film en de grimmigheid van het verhaal, is ze echt een wonder. Zie deze voor Garbo en Dressler!

text_en: Garbo's first spoken words in this 1930 film electrified audiences and became part of Hollywood legend. Garbo had become a star in her first American film, The Torrent, in 1926. And audiences waited til this film to see if Garbo could make the transition to talkies. She did. And while Pola Negri, Vilma Banky, and Renee Adoree fell by the wayside because of their accents, Garbo sailed on for another decade. Despite the staginess of this film, Garbo is really excellent, especially in the opening scene with the equally great Marie Dressler as Marthy. The two great stars trade dirty looks and sharp words as they size each other up while they have a few drinks and set the tone for the remainder of the film. Garbo was 25; Dressler was 60. Charles Bickford is OK as Matt, and George F. Marion is good as Old Chris. Marion originated this role on Broadway in 1922 and also played it in the 1923 silent version with Blanche Sweet. This Eugene O'Neill play is a true classic yet, oddly, was never filmed again. Anna Christie ranks as one of Garbo's greatest performances. And despite the staginess of the film and the grimness of the story, she is truly a marvel. See this one for Garbo and Dressler!


text:
78 jaar geleden... de première van 'Anna Christie', aangekondigd met de slogan 'Garbo praat!' De film duurt 16 minuten en de kijkers bereiken de climax van hun nieuwsgierigheid: Greta komt de bar binnen en gaat door een langverwachte overgang van stilte naar geluid: een paar seconden die haar stille tijdperk afsluiten en dan zegt Greta Garbo eindelijk een historische zin: 'Geef me een whisky, ginger ale erbij en wees niet gierig, schatje!'
'Anna Christie' (1930) is de film van Clarence Brown die een grote zwijgende ster, Greta Garbo, in contact bracht met de cinematografie. Tegenwoordig kunnen we ons alleen maar voorstellen hoe belangrijk die overgang voor acteurs en actrices was. De carrières van velen zouden zeker eindigen <0xE2><0x80><0x93> iets wat we op dit moment nauwelijks of helemaal niet meer meemaken. En het was geen toeval dat Clarence Brown de regie van de eerste talkshow met de Zweedse schoonheid op zich nam. Garbo vertrouwde de regisseur na twee van zijn grote zwijgende producties: FLESH AND THE DEVIL (1926) en A WOMAN OF AFFAIRS (1928): films die een daverend succes hadden bij de kassa, beide met Garbo in de hoofdrol.
Maar we leven in 2008 en dat feit over de film, die nu puur historisch is, lijkt van ondergeschikt belang. De vraag voor de kijker van vandaag is niet hoe Garbo's stem klinkt, maar of de film na deze 78 jaar nog te bekijken is. Met andere woorden, we doen allemaal ons best om de vraag te beantwoorden of de film de tand des tijds heeft doorstaan. Is dat het geval?
Toen ik hem onlangs bekeek, kwam ik tot de conclusie dat 'Anna Christie', afgezien van een paar kleine technische aspecten, waaronder de statische camera, nog steeds heel onderhoudend is. Het is enerzijds een prachtig verhaal over een leven, over een werkelijkheid waar de jonge vrouw voor staat (gebaseerd op het toneelstuk van Eugene O'Neill) en anderzijds een artistieke manifestatie van ware grootsheid op het gebied van richting en acteren. Ik zal deze twee aspecten in afzonderlijke alinea's analyseren.
CONTENT: Chris Christopherson (George F. Marion), een zware drinker, leidt een leven als zeeman, op een schuit. Hoewel zijn dagen vol zorgen zijn, wordt hij getroost door een brief van zijn dochter Anna (Garbo) die hij al vijftien jaar niet heeft gezien. Ze schrijft dat ze bij hem terugkomt. Hij begint alles te veranderen om het beter te maken, maar vergeet daarbij dat zijn dochter niet langer een kind is zonder ervaring, maar een drieëntwintigjarige vrouw die allerlei dingen heeft meegemaakt op een boerderij in Minnessota, waar ze woonde en werkte. Bovendien vergeet hij dat ze het recht heeft een ander soort mannelijke liefde in haar leven te accepteren... Deze korte weergave van de inhoud, niet vanuit het perspectief van de hoofdfiguur, maar vanuit het personage dat eerder aan ons wordt voorgesteld dan Anna (haar vader Chris) doet je beseffen hoe universeel het is. Geen enkele letter uit de hele tekst die het leven lijkt te zijn, is na al die jaren uitgewist. Zaken die hier in 1930 werden besproken, zijn nog steeds betekenisvol en geldig...
Er zijn niet veel personages in de film, maar er zijn er twee die echt schitteren in de rollen. Het is natuurlijk Greta Garbo zelf die iets buitengewoons heeft gedaan in haar 15 jaar durende fenomeen, de aanwezigheid die een grote rol speelt in de geschiedenis van de vroege film (iets wat ik in veel van mijn eerdere commentaren op haar films al heb besproken). Maar hier is Garbo een beetje anders. Ik geef toe dat er in deze film momenten zijn dat ze zich niet erg op haar gemak voelt in haar rol. Dat lijkt te worden veroorzaakt door haar nieuwe ervaring met geluid in het Engels; maar haar optreden is, zoals altijd, oprecht en uniek. Maar dat is wat iedereen van Garbo had verwacht. De echte verrassing van de film voor de kijkers van 1930 en ook voor ons is Marie Dressler als Marthy. Ze is uitstekend in haar gezichtsuitdrukkingen, in haar accent, in het hele beeld van een drinkende vrouw die naar het leven kijkt vanuit het perspectief van 'de fles opentrekken'. Haar beste momenten zijn het gesprek met Anna Christie in de bar, voorafgegaan door haar hilarische gesprek met Chris. De rest van de bijrollen zijn goed, maar niet geweldig (hier wordt dat gecompenseerd door de Duitse versie). Vooral Dressler is, met uitzondering van Garbo zelf, een absoluut vlekkeloze keuze.
Als je me zou vragen wat ik van 'Anna Christie' vind, zou ik je dit vertellen: het is een klassieke film. Maar er is nog één ding dat ik aan het eind moet noemen. Het is humor, een geweldige geestigheid, die de hele film door merkbaar is. Hoewel de inhoud heel serieus is en 'Anna Christie' op geen enkele manier de geest van een komiek heeft (de enige komische film van Garbo was NINOTCHKA), zijn er van die momenten waarop je in tweeën zult splijten. Sla bijvoorbeeld het bezoek van Anna en Matt aan het pretpark niet over, vooral niet aan het restaurant waar hij melk voor haar bestelt omdat hij denkt dat ze zo deugdzaam en onschuldig is, bier voor zichzelf en waar Marthy zich plotseling bij toeval bij hen voegt...
'Anna Christie' is een volmaakte film voor klassieke liefhebbers en voor iedereen die op zijn minst een beetje geïnteresseerd is in de ware grootsheid van de voorstelling. 'Skaal Greta Garbo! Skaal Marie Dressler! Laten we een toost uitbrengen op de geweldige dingen die je in de film hebt gedaan! Skaal na al die jaren, nu wijn veel beter smaakt en je geest in een andere zin bij ons is...'

text_en:
78 years ago...the premiere of "Anna Christie" advertised by the slogan "Garbo Talks!" The film runs for 16 minutes and the viewers reach the climax of curiosity: Greta enters the bar and gets through a long awaited transfer from silence into sound: a few seconds closing her silent era and, at last, Greta Garbo says a historic line: "Gimme a whiskey, ginger ale on the side and don't be stingy, baby!"

"Anna Christie" (1930) is the movie by Clarence Brown that introduced a great silent star Greta Garbo to talkies. Nowadays, we can only imagine what serious transfer it was for actors and actresses. The careers of many were bound to end - something we hardly or not at all see at present. And it was no coincidence that it was Clarence Brown who directed the first talkie with the Swedish beauty. Garbo trusted the director after two of his great silent productions, FLESH AND THE DEVIL (1926) and A WOMAN OF AFFAIRS (1928): movies that achieved a smashing success at the box office, both with Garbo in the lead.

But we are in 2008 and that fact about the movie, now purely historical, appears to be of minor importance. The question for today's viewer is not what Garbo's voice sounds like but if the movie is still watchable after these 78 years. In other words, we all strive to answer the question if the movie has stood a test of time. Has it?

When I recently watched it, I came into conclusion that, except for some minor technical aspects, including static camera, "Anna Christie" is still very entertaining. It's, on the one hand, a wonderful story of a life, of a reality that the young woman faces (being based on Eugene O"Neill's play), and, on the other hand, an artistic manifestation of true magnificence in the field of direction and acting. Let me analyze these two aspects in separate paragraphs.

CONTENT: Chris Christopherson (George F Marion), a heavy drinker, lives a life of a sailor, on a barge. Although his days are filled with sorrows, he is consoled by a letter from his daughter Anna (Garbo) whom he hasn't seen for 15 years. She says that she will come back to him. He starts to change everything for better; however forgets that his daughter is no longer a child lacking experience but a 23 year-old woman who has got through various sorts of things on a farm in Minnessota where she lived and worked. Moreover, he forgets that she has a right to accept another kind of male love in her life... This brief presentation of the content not from the perspective of the main character but the one which is introduced to us sooner than Anna (her father Chris) makes you realize how universal it is. Simply no letter from the whole text that life appears to be has been erased after all these years. Cases discussed here in 1930 are still meaningful and valid...

PERFORMANCES. There are not many characters in the movie, but there are two that really shine in the roles. It is of course Greta Garbo herself who did something extraordinary in her 15 year-long phenomenon, the presence that strongly marked the history of early cinema (something I have already discussed in many of my earlier comments on her films). But here, Garbo is slightly different. I admit that there are moments in this movie when she does not feel very comfortable with her role. That seems to be caused by her new experience with sound in English; however, her performance is, as always, genuine and unique. But that is what everyone has expected from Garbo. The true surprise of the movie for the 1930 viewers and also for us is Marie Dressler as Marthy. She is excellent in her facial expressions, in her accent, in the entire portrayal of a drinking woman who looks at life from the perspective of "hitting the bottle." Her best moments include the conversation with Anna Christie in the bar preceded by her hilarious talk with Chris. The rest of the supporting cast are fine yet not great whatsoever (here the German version makes up for it). Particularly Dressler, except for Garbo herself, constitutes an absolutely flawless choice.

If you asked me what I like about "Anna Christie" nowadays, that's what I would tell you: it's a classic movie. However, there is one more thing that I must mention at the end. It is humor, wonderful wit that is noticeable throughout. Although the content is quite serious and "Anna Christie" in no way carries a comedian spirit (the only Garbo's comedy was NINOTCHKA), there are such moments when you will split your sides. Don't skip, for instance, Anna and Matt's visit in the fun park, particularly at the restaurant where he orders milk for her thinking how virtuous and innocent she is, beer for himself and where suddenly Marthy joins them by chance...

"Anna Christie" is a perfect movie for classic buffs and a must see for all at least a bit interested in the true magnificence of performance. If you are fed up with many of those modern starlets, seek such movies out and you shall be satisfied. Very worth your search!

Skaal Greta Garbo! Skaal Marie Dressler! Let us drink a toast to the great jobs you did in the movie! Skaal after all these years when wine tastes much better and your spirits are with us in a different sense...


text:
Voor Greta Garbo's eerste sprekende film koos MGM wijselijk voor Eugene O'Neills Pultizer Prize-winnende film ANNA Christie uit 1921.
Ook wijselijk steunden de producenten Garbo met niet één maar twee leden van de oorspronkelijke Broadway-cast (George Marion als Anna's vader Chris en James T. Mack als Johnny de Priester <0xE2><0x80><0x93> voor de film om geen aanstoot te geven omgevormd tot 'Johnny the Harp').
Deze kleine verandering is interessant. Zoals te veel films die ervan beschuldigd worden (door degenen die willen dat MOVIES MOVIES zijn en hun oorsprong negeren) dat ze 'niet veel meer zijn dan geënsceneerde toneelvoorstellingen', is het probleem niet het stuk, maar de filmmakers die niet trouwer zouden zijn aan hun eigendommen. Door een groots filmisch toneelwerk af te zwakken zodat het niemand voor het hoofd zou stoten, of het te openen omdat ze dat konden, verloren te veel mensen juist de kwaliteiten die het stuk de moeite van het filmen waard maakten.
Gelukkig had het respect dat de studio had voor O'Neill en Garbo ervoor gezorgd dat Anna Christie het normaal gesproken destructieve proces op bewonderenswaardige wijze overleefde in Frances Marions over het algemeen gevoelige versie van het scherm. Wonder boven wonder stond Marion zelfs toe dat het begin van de scène waarin Anna Garbo haar verleden op 'de boerderij' onthulde aan de man met wie ze zo graag wilde trouwen en aan de vader die haar daar tactvol naartoe had gestuurd, werd verdoezeld! Wat moet de Bond van Fatsoen daar wel niet van gedacht hebben!
De bronvermelding. 's grootste probleem is altijd geweest dat de vriendin van Chris, Marthy, de neiging heeft met de eerste akte weg te lopen en dan bij de laatste twee te verdwijnen, zodat Anna het toneel kan bestijgen <0xE2><0x80><0x93> de twee kanten van de echt goede vrouw die mannen niet altijd herkennen.
De perfect gecaste Marie Dressler (die haar tanden ook al in het Broadway-toneel had gezet voordat ze naar Hollywood ging) vormt ook op dit gebied de perfecte tegenhanger voor Garbo's Anna, en de snel bewegende film duurt maar 90 minuten. En scenarioschrijfster Marion is zo verstandig om van O'Neill af te wijken en Dressler terug te halen voor een ontroerende scène op twee derde van de film, die veel mensen zal doen denken aan Julie Lavernes tweede hoofdrol in SHOW BOAT.
De eerste scène van Anna en Marthy samen op het scherm (16 minuten na het begin van de film) waarin ze elkaars stemming peilen en alle spanning van de rest van het verhaal opwekken, is een van de meest aangrijpende scènes in het hele stuk. Die mag je niet missen.
Anna Christie is een groots tragisch toneelstuk en een goed filmdrama. Het is moeilijk voor te stellen dat een latere remake, die bijna zeker het lef en de sfeer van deze remake uit 1930 zou verliezen (hij werd in 1923 voor het eerst zonder geluid opgenomen, ook met George Marions oorspronkelijke Broadway Chris) deze uitstekende film zou kunnen verbeteren.
De interne scènes waren het dichtst bij het stuk, maar de buitenkant mag niet worden overgeslagen door iemand met oog voor de sfeer. Hoewel het achtergrondwerk naar moderne technische maatstaven niet veel voorstelt, geven de achtergronden een beter beeld dan de meeste films over het tijdperk van de werkelijke wereld waarin het toneelstuk zich afspeelt (vooral in de haven van New York).

Bijna al Garbo's naturalistische voorstellingen uit het geluidstijdperk hebben het voortreffelijk gedaan (alleen de al te vaak geïmiteerde sterfscène uit _CAMILLE_, zeven jaar later, zal af en toe gniffelen vanwege de zwaarwichtige regie en de parodieën), maar deze ANNA HARI, samen met de verscheidenheid aan haar films uit 1932, MATA HARI en GRAND HOTEL, en de sublieme Lubitsch in haar komische film uit 1939, NINOTCHKA ('Garbo lacht!'), is beslist haar beste werk.

O'Neill-fans die gecharmeerd zijn van dit stuk aan de rand van zijn geroemde 'zeestukken', zouden de mooie in de Tweede Wereldoorlog gemaakte film moeten opsporen die werd uitgebracht in het jaar voordat de Verenigde Staten zich bij het conflict aansloten, THE LONG VOYAGE HOME (1940). Hij is bijna net zo vaardig uit die zeestukken getrokken als deze van ANNA Christie, en toont een jeugdige John Wayne in een van zijn zeldzame niet-westerse stukken, die een uitstekende cast van ervaren acteurs ondersteunt die hem de weg wijzen.

text_en:
For Greta Garbo's first talking picture, MGM wisely chose Eugene O'Neill's Pultizer Prize winning 1921 play ANNA Christie.

Also wisely, the producers backed Garbo up with not one but two members of the Original Broadway Cast (George Marion as Anna's father, Chris, and James T. Mack as Johnny the Priest - transmuted to "Johnny the Harp" for films so as not to offend).

This little change is interesting. Like too many films accused (by those who want MOVIES to be MOVIES and ignore their origins) of being "little more than filmed stage plays," the problem is not the play but the movie makers who wouldn't be more faithful to the property. By diluting a great cinematic stage work so it wouldn't offend anyone, or opening it up because they COULD, too many lose the very qualities which made the piece worth filming in the first place.

Fortunately, the respect the studio had for both O'Neill and Garbo allowed ANNA Christie to survive the normally destructive process admirably in Frances Marion's generally sensitive screen adaptation. Wonder of wonders, Marion even allows the POINT of the scene where Garbo's Anna reveals her past on "the farm" to the man she badly wants to marry and the father who sent her there in tact! What the League of Decency must have thought of that!

The source play's greatest problem has always been that Chris's friend Marthy tends to walk away with the first act and then disappears from the last two so that Anna can take stage - the two sides of the genuinely good woman men don't always recognize.

The perfectly cast Marie Dressler (who had cut her teeth on the Broadway stage as well before going to Hollywood) is the perfect balance for Garbo's Anna in this area as well and the fast moving film at only 90 minutes, doesn't allow us too much time to miss her - one of the few benefits from atmosphere being shown rather than eloquently described in the original - AND screenwriter Marion is wise enough to stray from O'Neill to bring Dressler back for a touching scene two thirds of the way through the film that will remind many of Julie Laverne's second act appearance in SHOW BOAT.

Anna and Marthy's early scene together on screen (16 minutes into the film) taking each other's measure and setting up all the tension of the rest of the story is among the most affecting scenes in the entire piece. Not to be missed.

ANNA Christie is great tragic play and a good film drama. It's hard to imagine that a latter day remake, which would almost certainly lose the grit and atmosphere of this 1930 remake (it was first filmed without sound in 1923 - also with George Marion's original Broadway Chris) could improve on this excellent filming.

The internal scenes hew closest to the play, but the exteriors shouldn't be missed by anyone with an eye to atmosphere. While the background screen work is not to modern technical standards, the backgrounds give a better glimpse than most films of the era of the actual world in which the screen play is set (especially in the New York harbor).

Nearly all Garbo's naturalistic performances of the sound era have held up superbly (only the too often parodied death scene from CAMILLE, 7 years later, will occasionally draw snickers because of the heavy handed direction and the parodies), but this ANNA Christie, together with the variety of her 1932 films, MATA HARI and GRAND HOTEL, and the sublime Lubitsch touch on her 1939 comedy, NINOTCHKA ("Garbo laughs!"), surely stand as her best.

O'Neill fans who are taken with this play at the edge of his lauded "sea plays," should track down the fine World War II shaped film released in the year before the U.S. entered the conflict, THE LONG VOYAGE HOME (1940). It is almost as skillfully drawn from those sea plays as this one is from ANNA Christie, and features a youngish John Wayne in one of his rare non-Westerns supporting a fine cast of veteran actors showing him the way.


text:
Ik had alle negatieve recensies over _Anna Christie_ gelezen. Je weet wel, de klachten over de statische camera, het verouderde acteerwerk en de woordkeuze van het scenario. Maar toen ik het gisteren bekeek, vond ik het opmerkelijk aangrijpend en aangenaam. Ja, de camera van Clarence Brown blijft voor het grootste deel op zijn plaats, en ik ben er vrij zeker van dat een van de microfoons verborgen was in het licht van het schip. Ja, er is veel dialoog en geen spectaculaire actiesequenties. Het is een vroege talkie met primitieve technische aspecten. Maar... dan heb je Garbo, Marie Dressler, George F. Marion en Charles Bickford, die allemaal bewijzen dat geweldig acteerwerk tijdloos is.
Ik geloof dat _Anna Christie_ nog steeds een van Garbo's meest iconische voorstellingen is. Het is een prachtige vertolking van de Goddelijke, in een rol die eigenlijk helemaal niet bij haar past. Ja, we hebben Garbo vermoeid en bijna verslagen gezien, maar nooit met wallen onder haar ogen of met een glas whisky achter haar kiezen. Garbo heeft zoveel (verrukkelijk) toneelrollen gespeeld, dat het fascinerend is haar een hedendaagse vrouw te zien spelen. Ze wordt niet omlaag getrokken door zware jurken of make-up. Deze vertolking van Garbo lijkt nogal rauw.
De plot, uit het toneelstuk van O'Neill, gaat over de vermoeide Zweedse ex-prostituee Anna en haar hereniging met haar aan de drank geraakte, zeemanachtige vader. Anna heeft genoeg problemen gehad voor elk meisje van twintig, zoals ze de dronken, slonzige Marthy (kleermaker) in een bar vertelt. Ze vindt troost in een leven op zee en in een romance met een ruige, maar goedhartige visser (Charles Bickford). Maar haar verleden dreigt alles te verpesten.
Charles Bickford wordt over het hoofd gezien in Garbo's lange rij van (grotendeels inferieure) hoofdrolspelers. Hij is de enige acteur die het scherm met haar kan delen zonder door haar magische aanwezigheid te worden opgeslokt. De twee hebben een geweldige chemie en lijken het leuk te vinden om met elkaar te werken. Dressler kan nooit worden verweten dat hij het spel onderschat, en opnieuw is de grande dame haar oude streken weer aan het uithalen, maar ze is geweldig en overtuigend in haar rol, nooit irritant, zoals in het vreselijke 'Eten om acht uur'. Marion eerder, maar hij was geweldig als Garbo's vader.
Dit is Pre-Code, en nogal korrelig en donker naar MGM-maatstaven. Ik vond het echt leuk, en hoewel het op sommige plaatsen misschien kraakt, is het nog steeds geweldig.

text_en:
I'd read all the negative reviews for "Anna Christie". You know, the gripes about the static camera, out-dated acting and wordiness of the screenplay. But when I viewed it yesterday I found it remarkably affecting and enjoyable. Yep, Clarence Brown's camera remains stationary for the most part, and I'm pretty sure one of the microphones was concealed in the ship's light. Yep, there's a lot of dialogue and no spectacular action sequences. It's an early talkie with primitive technical aspects. But... then there's Garbo, Marie Dressler, George F. Marion and Charles Bickford, all proving that great acting is timeless.

I believe "Anna Christie" is still one of Garbo's most iconic performances. And it's a wonderful performance from the Divine One, in a role that is really quite atypical for her. Yes, we've seen Garbo weary and almost beaten, yet never with bags under her eyes or her knocking back shots of whiskey. Garbo played so many (delightful) costume roles, that to see her play a contemporary woman is fascinating. She's not weighed down by heavy dresses or make-up. This performance seems quite raw from Garbo.

The plot, from the O'Neill play, follows weary Swedish ex-prostitute Anna, and her reunion with her boozy, seaman father. Anna's had enough trouble for any girl of twenty, as she tells drunken, slovenly Marthy (Dressler)in a bar. She finds solace in a life at sea, and romance with a rough-hewn, but good-hearted, fisherman (Charles Bickford). But her past threatens to ruin it all.

Charles Bickford is overlooked in Garbo's long line of (largely inferior) leading men. He's one actor who can actually share the screen with her and not get swallowed up by her magical presence. The pair have great chemistry together and seemed to enjoy working with one another. Dressler can never be accused of underplaying, and once again the grand dame is up to her old tricks, but she's terrific and convincing in her role, never annoying as in the dreadful "Dinner At Eight". I've never really heard of George F. Marion before, but he was wonderful as Garbo's father.

This is Pre-Code, and rather gritty and dark by MGM's standards. I really enjoyed it, and while it may creak in some places, it's still wonderful.


text:
En met die woorden kwam een van de grote filmreclamecampagnes tot een einde. 'Garbo Talks', en die woorden sprak ze uit in haar eerste geluidsfilm, een bewerking van de Eugene O'Neil-rol in Anna Christie.
In tegenstelling tot sommige andere spelers en andere studio's, deed MGM er alles aan om het juiste medium voor Greta Garbo te vinden. Veel spelers die goed waren in het universele medium van de stomme film, zouden hun carrière verliezen vanwege hun spraakgebreken. Hun zware accent zou hen in de weg zitten, sommigen kenden geen Engels.
Het was geen toeval dat Anna Christie als Greta Garbo werd gekozen. Ten eerste omdat het werd geschreven door een van Amerika's beste acteurs. Het was een van O'Neils bekendste toneelschrijvers, en het was het soort literaire eigendom dat haar zou hebben aangesproken. Ten tweede was de titelrol gespeeld door iemand die Zweeds was, dus kon het accent verklaard worden. Ten slotte waren veel van de kink in de kabels van de vroege comedy's opgelost, ook al maakte Anna Christie nog steeds gebruik van titelkaartjes.
Zoals het meeste werk van O'Neil is het weinig actievol, maar wel lang en diepgravend. Het verhaal speelt zich af aan de waterkant van New York, waar Garbo als Anna bij haar vader George Marion is gaan wonen. Marion is jaren geleden, toen Anna nog een baby was en Marion zijn vrouw in de steek had gelaten, van huis weggelopen. Anna heeft moeten doen wat ze kon om in de wereld van de volwassenen te overleven en daar hoort prostitutie bij.
Marion is natuurlijk blij haar te zien, hij schopt zelfs Marie Dressler eruit, het oude wijf uit de havenbuurt met wie hij al jaren samenwoont om plaats te maken voor zijn eigen vlees en bloed. Uiteraard hebben zowel Marion als Garbo moeite zich aan elkaar aan te passen, wat niet gemakkelijker wordt als ze onderdak bieden aan een matroos die gespeeld wordt door Charles Bickford en die een oogje heeft op Garbo.
Marion speelt zijn rol uit de oorspronkelijke Broadway-productie. De rol van Anna op het toneel werd gespeeld door Pauline Lord. Anna Christie deed in het seizoen 1921-1922 177 voorstellingen op Broadway. Het is een van de best bekende films, en ook een die vaak opnieuw is uitgebracht.
Natuurlijk werd Garbo's vertolking, met een perfecte dictie, zelfs met een Zweeds accent, geprezen en was haar toekomst in geluidsfilms verzekerd. Greta Garbo kreeg een Oscarnominatie voor beste actrice en de film kreeg ook nominaties voor Clarence Brown als beste regisseur en voor William Daniels voor cinematografie. Daniels zou vooral veel lof krijgen voor de manier waarop hij de scènes aan de waterkant fotografeerde. En Brown creëerde de sfeer aan de waterkant waar de film zich afspeelt.
Het werk van Eugene O'Neil is tijdloos, zodat Anna Christie, zelfs met veel van de attributen van de eerste geluidsfilms, niet zo oud is als veel andere films uit die tijd. Garbo laat ook zien dat ze de subtiliteit beheerst die nodig is om in het geluidsmedium te werken. Anna Christie is in alle opzichten een klassieker.

text_en:
And with those words one of the great movie publicity campaigns came to a conclusion. 'Garbo Talks' and she spoke those words in her first sound film, an adaption of the Eugene O'Neil play Anna Christie.

Unlike with some other players and some other studios, MGM took great care in finding the proper vehicle for Greta Garbo. Many players who were fine in the universal medium of silent film would lose their careers because of talkies. Their heavy native accents would get in the way, some didn't know any English.

It was no accident that Anna Christie was chosen for Garbo. First of all it being authored by one of America's leading playwrights, it was the kind of literary property that would have appealed to her. Secondly since the title role was someone who was Swedish, the accent could be explained. Finally a lot of the kinks from early talkies had been worked out, even though Anna Christie still made use of title cards.

Like most of O'Neil's work it's short on action, but long and deep on characterization. The story takes place on the New York waterfront where Garbo as Anna has come to live with her father George Marion. Marion ran away to sea years ago when Anna was a baby and Marion abandoned his wife. Anna has had to do what she could to survive in the adult world and that includes prostitution.

Marion of course is glad to see her, he even kicks out Marie Dressler, the old waterfront crone he's been living with for years to make room for his flesh and blood. Of course both Marion and Garbo have their problems adjusting to each other, not made easy when they give shelter to a sailor played by Charles Bickford who takes a fancy to Garbo.

Marion is repeating his role from the original Broadway production. The role of Anna on stage was done by Pauline Lord. Anna Christie ran for 177 performances in the 1921-22 season on Broadway. It's one of O'Neil's best known works and one that's revived frequently.

Of course Garbo's performance with perfect diction even with a Swedish accent was acclaimed and her future in sound films was assured. Greta Garbo received an Oscar nomination for Best Actress and the film also got nominations for Clarence Brown as Best Director and William Daniels for Cinematography. Daniels should especially get a lot of kudos for the way he photographed the waterfront scenes. And Brown created the mood around the waterfront where the film is set.

Eugene O'Neil's work is timeless so Anna Christie even with a lot of the trappings of early sound films does not date the way many films of that era do. Garbo also shows she mastered the subtlety needed to work in the sound medium. Anna Christie is a classic, all the way around.


text: Deze film is de moeite waard, ondanks wat je misschien te horen krijgt. De vertolking van Marie Dressler als een dronken oude zuiplap (ik hoop dat ik het goed spel) is reden genoeg om deze film te zien. Het is een verbazingwekkende vertolking. Ze is in drie scènes een hele tijd in een dronken toestand en ze doet nooit twee keer hetzelfde. Je kunt de alcohol zelfs ruiken als ze klaar is. Verbazingwekkend. En Greta spreekt natuurlijk haar eerste zinnen in de film en ze is geweldig. Het verhaal van Eugene O'Neill is solide en zoals de meeste O'Neill-verhalen, heel diep en intens. Dit is geen licht vermaak maar als je die geweldige karakteracteurs uit de jaren dertig en veertig waardeert, zul je het leuk vinden. Een deel van de film is technisch gezien wat wazig, maar alles bij elkaar is het de moeite waard.

text_en: This film is worthwhile despite what you may hear. The performance of Marie Dressler (I hope I am spelling it right) as a drunken old sot is reason enough to see this film. It is an amazing performance. She is in a drunken stupor in three scenes for a good long while and she never does the same thing twice. You can actually smell the alcohol when she is done. Amazing. And Greta of course speaks her first lines on film and shes great. The Eugene O'Neill story is solid and like most O'Neill stories, very deep and intense. This is not light entertainment but if you appreciate those great character actors from the 30's and 40's you will like it. Some of the film is technically fuzzy but all in all worthwhile.


text:
Anna Christie (1930)
Anna Christie heeft een paar fantastische rollen en een paar fantastische optredens, en toch zou het nog beter moeten zijn dan het is. Het heeft drama. Sommige scènes zijn echt sfeervol, en als de interieuropnamen rond de tafel saai zijn, zijn de opnamen's nachts en op zee echt heel opwindend. Dan zijn er de bijna historische, levendige scènes die zich afspelen in Coney Island (zelfs een korte, zenuwachtige rit in een achtbaan), en de aflevering waarin twee vrouwen achter een netje in aparte bedden liggen en bezoekers op het middenpad ballen kunnen gooien om te proberen hen omver te gooien, en de vrouwen (onopvallend gekleed) de mannen opporren op een griezelig seksuele manier. Al die tijd kijkt Garbo (die vooraan in de menigte staat) toe.
Garbo maakt deze film natuurlijk meer dan alleen maar een van de vele eersteklas komische films. Ze speelt alle kanten van haar personage. Ze is bedeesd en sceptisch en lijdt aan een soort innerlijke angst. Ze lacht en huilt, trekt zich terug en zet door. In sommige opzichten is het een vooruitstrevende, opmerkelijke film (geregisseerd door Clarence Brown, die een hele reeks belangrijke films uit het pre-code geluidstijdperk heeft gemaakt).
Hoewel de film is gebaseerd op een succesvol toneelstuk van Eugene O'Neil, is het de manier waarop het geschreven is die een beetje te wensen overlaat, omdat de acteurs soms het gevoel hebben dat ze het tempo niet bij kunnen houden. En dan is er nog Greta Garbo, die echt een natuurlijke uitstraling heeft, ook al lijkt het soms een beetje te veel van het goede (maar ja, dat geldt voor iedereen). Garbo is natuurlijk het eerst beroemd als zwijgende actrice, en dit is haar pratende filmdebuut. Het publiek was zo dol op haar dat ze het jaar daarop een Duitse versie maakte.

text_en:
Anna Christie (1930)

Anna Christie has some terrific parts, and some amazing performances, and yet it should be even better than it is. It has drama. Some of the scenes are really atmospheric, and if the interior shots around the table are a bore, other shots at night and at sea are really pretty exciting. Then there are the nearly historical, lively scenes set in Coney Island (even a brief jittery roller coaster ride), and the episode where two women are behind a netting in separate beds, and visitors to the midway can throw balls to try to tip them over, and the women (scantily dressed) egg the men on is weirdly sexual come-on kind of way. All the while Garbo (at the front of the crowd) watches.

Garbo of course is what makes this movie more than just another very good early talkie. She plays all sides of her character. She is coy and skeptical and in some kind of inner anguish. She laughs and cries, withdraws and pushes outward. In some ways it's a forward looking, remarkable movie (directed by Clarence Brown, who has a whole series of significant films from this pre-code sound era).

Though based on a successful Eugene O'Neil play, it's the writing that struggles a little as the actors seem to go through the paces at times. Marie Dressler is great in that exaggerated way she almost trademarked. And then there is Greta Garbo, who really does have a natural presence, even if it seems she's overacting, just slightly, at times (but then, so is everyone else). Garbo is of course famous first as a silent actress, and this is her talking film debut. Audiences loved her enough that she made a German language version the following year.


text:
Greta Garbo speelt de hoofdrol in 'Anna Christie', een heel vroege MGM 'talkie' uit 1930, de eerste keer dat Garbo praat. 'Anna Christie' is een krachtige film, maar niet voor iedereen. De film is gefilmd als een toneelspel, met weinig decors en cinematografie, veel dialoog en dramatische karakteriseringen. Eugene O'Neil, die het stuk 'Anna Christie' schreef, staat bekend om zijn duistere werk en Garbo's personage Anna Christie is een sombere figuur met een gekweld verleden.
De geluidskwaliteit van de dvd was middelmatig. Wat de zaak er niet beter op maakt, is dat George F. Marion, die Anna's van haar vader vervreemde vader Chris Christofferson speelt, verbaal moeilijk te begrijpen is. Marion geeft een goede vertolking van de oude, dronken zeelieden die balanceren op de rand van de waanzin met zijn fixatie op het kwade...' Maar zijn dialogen zijn geschreven met een heel zwaar Zweeds accent, zoals ook het oorspronkelijke stuk van O'Neil. De dialoog van Marie Dressler als Marthy Owens is al even moeilijk te begrijpen. Dressler speelt geloofwaardig de rol van een oude, aan lager wal geraakte, dronken vrouw, een 'havenrat'. Haar dialoog komt ook overeen met het oorspronkelijke stuk van O'Neil, net als die van Charles Bickford als de Ierse zeeman, en van Matt Burke als de man die Anna najaagt in een problematische relatie. Garbo is in feite het gemakkelijkst te begrijpen.
Het sterke punt van de film is Greta Garbo. Ze speelt een hartverscheurende rol als slachtoffer van verwaarlozing en misbruik, wat leidt tot een leven als prostitutie. Garbo was in die tijd een grote ster en werd beschouwd als een van de mooiste vrouwen van Hollywood. Hier is haar blik niet glamoureus, maar gekweld. Haar lichaamshouding is bijna dubbelgevouwen van de pijn. Ze vertrekt haar gezicht om een zielig wezen op het scherm te worden. Garbo brengt deze door angst gekwelde gevoelens over op de kijker om ons van haar ellende te overtuigen.
Dit is duistere materie en Garbo brengt die tot leven. Het is geen lichte kost, geen lolletje, niet voor iedereen. Anna Christie is sterke emotie die uit de diepten wordt opgediept om te worden onderzocht, dit is een geweldige rit.

text_en:
Greta Garbo stars in 'Anna Christie', a very early 1930 MGM 'talkie', the first time 'Garbo Talks'. 'Anna Christie' is a powerful movie but not for everyone. The movie is filmed like a stage play, short on sets and cinematography, long on dialogue and dramatic characterizations. Eugene O'Neil who wrote the play 'Anna Christie' is known for his dark work and Garbo's character Anna Christie is a bleak figure with a tortured past.

The sound quality on the DVD was mediocre. Not helping matters is that George F. Marion who plays Anna's estranged dad, Chris Christofferson, is verbally hard to understand. Marion gives a good performance as the old drunken seamen who’s teetering on insanity with his fixation of the evil 'devil sea'. But his dialogue is written with a very heavy Swedish accent, this is true to O'Neils original play. Marie Dressler's dialogue as Marthy Owens is equally hard to understand. Dressler believably portrays a broken down old drunken women, a 'wharf rat'. Her dialogue also is true to O'Neils original play as is Charles Bickford as the Irish seamen, Matt Burke who pursues Anna in a troubled relationship. Garbo is actually the easiest to understand.

The films strong point is Greta Garbo. She delivers a gut wrenching performance as the victim of neglect and abuse, leading to a life of prostitution. Garbo was a huge star at the time and considered one of the most beautiful women in Hollywood. Here her look isn't glamorous, it's tortured. Her body posture nearly doubles over in agony. She scrunches her face to become a pathetic creature on the screen. Garbo conveys these angst-ridden feelings to the viewer to convince us of her misery.

This is dark subject matter and Garbo brings it to life. It’s not light fare, not fun, not for everyone. ‘Anna Christie’ is strong emotions dredged up from the depths for examination, this is one helluva ride.


text: Het is niet zo'n slecht idee om beide films tegelijk te bekijken om een idee te krijgen van de vroege filmproductie en de manier waarop de camera's werkten. Ik geef Garbo (maar niet veel) een schouderklopje voor haar natuurlijkheid. Robeson is majestueus. Maar zijn optreden is gericht op een groot prosceniumtheater. Iets anders wat me opviel waren de thema's van macht voor vrouwen en minderheden in de films. Er waren nog geen films uit Hollywood gekomen die de stemmen van marginale figuren als Anna en Brutus op de voorgrond lieten treden. Dit waren zeer progressieve films voor hun tijd. Het is heel waarschijnlijk dat O'Neill veel eerder dan alle anderen de tekenen aan de wand zag over de toekomst van Amerika.

text_en: Viewing both of these films concurrently is not a bad idea to get a sense of early film production and acting for the camera styles. I give the nod to Garbo(but not by much)in regard to her naturalness. Robeson is majestic. But his performance is aimed for a large proscenium theater. Something else that struck me was the movies themes of empowerment for women and minorities. There hadn't been any films coming out of Hollywood yet that allowed the voices of marginal characters like Anna and Brutus to take the foreground. These were very progressive films for their time. It's quite probable that O'Neill saw the writing on the wall way before everyone else did about the future of America.


text:
'Anne Christie' was Garbo's veertiende film en de eerste waarin haar hese Zweedse stem te horen was. Ze speelt de hoofdrol, Anna, die worstelt met het feit dat ze in de steek gelaten is door haar vader Chris (een dronken scheepseigenaar gespeeld door George F. Marion), en met de pech van het leven dat ze moet leiden om haar hoofd boven water te houden.
De ontmoeting met de Ierse Matt (Charles Bickford) zou wel eens het keerpunt voor haar kunnen zijn... of niet? Garbo ziet er geweldig uit en klinkt geweldig in dit drama dat, hoewel het er nogal lomp en traag uitziet, bijna 80 jaar later nog steeds belangstelling wekt en een publiek boeit. Marie Dressler maakt indruk in de rol die haar een tweede succes opleverde in films als Min and Bill, Dinner at Eight en Emma, terwijl Marion en Bickford meer dan voldoende zijn.
Een interessant stukje filmgeschiedenis. Garbo zou in de jaren daarna betere komedies maken, maar 'Anna Christie' zal altijd herinnerd worden als de eerste keer dat ze op het witte doek te zien was.

text_en:
'Anne Christie' was Garbo's 14th film and the first in which her husky Swedish voice was heard. She plays the lead character, Anna, who has struggled with being abandoned by her father Chris (a drunken barge owner played by George F Marion), and with the misfortune of the life she has has to lead to keep her head above water.

Meeting Irish Matt (Charles Bickford) may mark the turning point for her ... or does it? Garbo looks and sounds great in this drama which, although looking rather clunky and moving at a slow pace, still manages to interest and engage an audience nearly 80 years later. Marie Dressler makes an impact in the role which gave her a second flush of movie success in films such as Min and Bill, Dinner at Eight, and Emma; while Marion and Bickford are more than adequate.

An interesting slice of movie history. Garbo would do better talkies in the years following, but 'Anna Christie' will always be remembered for the first time she talked on screen.


text: De schitterende Greta Garbo is in topvorm in deze, haar eerste filmrol. Ze krijgt veel bijval van de rest van de cast, met inbegrip van Charles Bickford, de ruige zeeman die haar hart veroverd heeft. Mevrouw Garbo geeft een geweldige vertolking, zoals ze meestal doet als de vervreemde dochter van een zeekapitein die na vijftien jaar terugkeert. Ook in de cast zit die geweldige actrice Marie Dressler. Een geweldige film!

text_en: The magnificent Greta Garbo is in top form in this, her first talkie. She gets fine support from the rest of the cast which includes Charles Bickford the rugged sailor who captures her heart. Ms. Garbo gives a great performance as she usually does as the estranged daughter of a sea captain who returns after fifteen years. Also in the cast is that great actress Marie Dressler. A great movie!


text:
039: Anna Christie (1930) <0xE2><0x80><0x93> op 21 oktober 1930 vrijgegeven; op 10 oktober 2006 bekeken.

Op 24 oktober 1929: Zwarte Donderdag, de beurs crasht. Nu zal het land, en zelfs de hele wereld, zich tot Hollywood wenden om te ontsnappen aan de wereldwijde Grote Depressie.
<0x3E><0x3E> Anne Frank, June Carter, Yasser Arafat, Bob Newhart, Barbara Walters, Doris Roberts, Ed Asner, Dick Clark, Roy E. Disney, Gene Hackman.
<0x3E><0x3E> Eindelijk begint onze Odyssey in alle ernst met Greta Garbo's eerste geluidsfilm, een eenvoudige karakterstudie genaamd Anna Christie. Een uitmuntende prestatie van Greta Garbo, die meteen liet zien wat haar talenten konden bereiken in het stille tijdperk (ik wilde iets van haar stille werk zien, maar Netflix niet). Het lijkt wel of ze niet genoeg voorraad hebben. Wat vreemd). Een van de dingen die me telkens weer opvielen, was de manier waarop het Zweedse accent klonk, alsof de letter J was vervangen door een y-klank. Uiteindelijk was Anna het enige personage dat ik leuk vond; ik gaf niet echt om haar vader die van haar vervreemd was, of haar zogenaamde aanbidder. Het ziet ernaar uit dat de geluidsapparatuur beter wordt (niemand buigt zich naar voren om in de mysterie-can te praten), maar de camera beweegt nog steeds niet. We zullen er zeker op letten dat dat verandert naarmate onze odyssee voortduurt.
KEVIN: Onze eerste film uit de jaren dertig is de eerste geluidsfilm van de zwijgende ster Greta Garbo, Anna Christie. Dit is een heel eenvoudige film, met slechts vijf verschillende locaties waar we lange perioden van de 89 minuten filmtijd doorbrengen, vaak met een statische camera. Het was ook geweldig om Marie Dressler in beeld te zien, en heel hilarisch, want wat we te horen krijgen is een eindeloze reeks hartgrondige en toch beschonken scheldwoorden. Ik heb erg van Garbo's optreden genoten, want ze houdt de film zelfs op de meest omslachtige momenten overeind. Ik vond George Marion en Charles Bickford niet echt aardig, misschien omdat ik met geen van beiden meevoelde, dus ik was opgelucht en opgewonden toen Anna eindelijk voor zichzelf opkwam en liet zien dat ze niet 'behoort' aan haar van haar vader vervreemde vader of haar gespierde Ierse vriendje. Het is ook geweldig om te zien dat de vermaarde stille scenarist Frances Marion geen stap overslaat als ze van stil naar geluid gaat.
Laatste film gezien: Speedy (1928). Laatste film in chronologische volgorde: The Love Parade (1929). Volgende film: The Blue Angel (1930).

text_en:
039: Anna Christie (1930) - released 2/21/1930; viewed 3/10/06

On October 24, 1929: Black Thursday, the stock market crashes. Now the country and indeed the world will look to Hollywood for escape from the worldwide Great Depression.

BIRTHS: Anne Frank, June Carter, Yasser Arafat, Bob Newhart, Barbara Walters, Doris Roberts, Ed Asner, Dick Clark, Roy E. Disney, Gene Hackman.

DOUG: At long last, our Odyssey resumes in earnest with Greta Garbo's first sound film, a simple character study called Anna Christie. An excellent performance from Ms. Garbo, who showed right off the bat that her talents could carry over from the silent era (I wanted to see some of her silent work, but Netflix doesn't seem to be stocking them. How odd). One thing I noticed over and over was the way the Swedish accent sounds, like replacing the letter J with a Y sound. Anna ends up being the only character I liked; I didn't really care for her estranged father or her would-be suitor. It looks like the sound-recording systems are getting better (nobody leaning in to talk into the mystery-can), but the camera still isn't moving. We'll be sure to watch for that to change as our odyssey continues.

KEVIN: Our first film of the 1930's is the first sound film of silent starlet Greta Garbo, Anna Christie. This is a very simple movie, with only about five different locations where we spend long stretches of the film's 89 minute running time, often with a static camera. It was great to see Marie Dressler in sound as well, and quite hilarious as what we hear is an endless chain of heartfelt yet inebriated slurs. I very much enjoyed Garbo's performance, as she sustains the film through even the most meandering moments. I didn't really like George Marion or Charles Bickford, maybe because I wasn't sympathetic to either of them, so I was relieved and excited when Anna finally stands up for herself and shows them that she doesn't "belong" to either her estranged father or her muscle-bound Irish boyfriend. It's also great to see that renowned silent screenwriter Frances Marion hasn't missed a step going from silent to sound.

Last film viewed: Speedy (1928). Last film chronologically: The Love Parade (1929). Next film: The Blue Angel (1930).


text: Ik heb die GROTE Klassieke film van Greta Garbo gezien en vond haar optreden uitstekend. Maar de Duitse filmversie met Engelse onderschriften was haar beste optreden. Greta Garbo zei zelfs tegen de pers dat de Duitse film haar favoriet was, omdat ze daar de overgang moest maken van stomme films naar geluid. Greta had een hoge stem en moest les nemen om haar stem te kunnen dempen voor haar toekomstige rollen in films. Dit verhaal was heel droevig omdat Greta Garbo (Anna Christie), 'Ninotchka'39, op een boerderij door jonge jongens werd misbruikt en haar vader haar jaren geleden verliet als zeeman en daarna als kapitein van een kolenschuit. Er waren veel scènes van het oude New York, de Brooklyn Bridge, Coney Island en de skyline van Manhattan. Charles Bickford (Matt Burke), 'Days of Wine & Roses' (1962).

text_en: Viewed this GREAT Classic film of Greta Garbo and thought her performance was excellent. However, the German film version which had English captions was her greatest performance. Greta Garbo even mentioned to the press that the German film was her favorite where she had to make the change from Silent films to sound. Greta had a high pitched voice and had to take lessons in order to lower her voice for her future roles in films. This story was very sad because Greta Garbo(Anna Christie),"Ninotchka",'39, was abused on a farm by young boys and her father left her years ago as a sailor and then as a coal barge captain. There were many scenes of Old NYC, the Brooklyn Bridge, Coney Island and the sky line of Manhattan. Charles Bickford(Matt Burke),"Days of Wine & Roses",'62 a Classic veteran actor gave a great supporting role.


text: Ik hield van de geweldige belichting en werd verwarmd door dit verhaal over de Amerikaanse arbeidersklasse en het leven op een zeehaven in de eerste helft van de twintigste eeuw. Ik werd meegesleept door de tijdloze waakzaamheid van deze realistische voorstelling. Ik zag en voelde de kracht van de ster. Ik zag en voelde de melancholische 'greek'-komedie. Is er iemand in de stemming voor een borrel met een biertje erbij?... of een glaasje gemberbier?

text_en: i loved the great lighting and was warmed by this story of American working class society and seaport life in the first half of the 20th century. i was drawn in by the timeless watchability of this realistic performance. see and feel the star power. melancholic "greek" comedy. Anybody in the mood for a shot with a beer back?...or a little ginger? Hey, waterboy !!


text: Deze korte film was de eerste korte die door Paramount Famous Studios werd uitgebracht en was een van de vele die door de studio werden gemaakt, waarin Popeye zich rechtstreeks tegen de vijand, meestal de Japanners, verzette. Terwijl Warner Brothers, Disney en, in mindere mate, andere studio's korte films maakten waarin de Duitsers als florissanten werden afgeschilderd, richtte de meerderheid van Famous Studios zich op de Japanners. Gezien Pearl Harbor en Popeye's banden met de marine is dat heel begrijpelijk. Dit is een gemiddelde korte film. _Red, White and' Blue and Spinach For Britain_ is beter geworden. Maar het is nog steeds de moeite van het kijken waard. Aanbevolen.

text_en: This short was the first short released by Paramount Famous Studios and was one of several done by the studio showing Popeye engaged directly against the enemy, most often the Japanese. While Warner Brothers, Disney and, to a lesser extent, other studios, did shorts often depicting Germans as foils, the majority of Famous Studios efforts focused on the Japanese. Given Pearl Harbor and Popeye's naval ties, this is quite understandable. This is an average short. Seein' Red, White an' Blue and Spinach For Britain have aged better. But it's still worth watching. Recommended.


text:
In deze Popeye-cartoon uit de Tweede Wereldoorlog zaten een paar heel goede grappen, en hij was beslist bovengemiddeld voor zijn genre. Hij was ook mooi getekend, met een paar geweldige invalshoeken, goede details en... nou ja, een heleboel interessante beelden.
Waar het op neerkomt is dat Popeye op zee is in zijn kleine bootje en per ongeluk in een Japans bootje met twee kerels terechtkomt. (Tussen haakjes, waarom werden de 'Jappen' altijd afgebeeld met grote, ronde brillen en vooruitstekende tanden?)
Hoe dan ook, die onschuldig ogende Japanse matrozen willen dat Popeye een vredesverdrag tekent. O jee, denkt de goedgelovige Popeye, 'wacht maar tot de admiraal dit ziet!' In een van die grote schilderijenscènes waar ik het net over had, zien we langzaam maar zeker dat dat kleine Japanse schip in werkelijkheid een grote onderzeebootjager is... en Popeye zit diep... eh, diep in het water!
Het is leuk om te zien hoe hij zich uit de situatie redt.

text_en:
This World War II Popeye cartoon had some very good sight gags in it, and its decidedly above-average for its genre. It was nicely drawn, too, with some great angles, good detail and....well, lots of interesting sights.

What it amounts to is Popeye out at sea in his little boat and accidentally running into a small Japanese boat, with two guys on it. (Incidentally, why were the "Japs" always pictured with big, round glasses and bucked teeth?).

Anyway, these harmless-looking Japanese sailors want Popeye to sign a peace treaty. Oh, boy, thinks the gullible Popeye, "wait until the Admiral sees this!" In one of those great artwork scenes I was alluding to above, we slowly see how that little Japanese ship is really a big destroyer.....and Popeye is in deep....um, water! "Why, you double-crossing Ja-pansies!," yells our Sailor Man.

How he gets out of the situation is fun to watch.


text:
Als je gevoelig bent voor extreme raciale stereotypen, dan is deze tekenfilm niet voor jou. Maar als je een zeldzaam staaltje oorlogsanimatie wilt zien, kom dan maar op!
In deze tekenfilm patrouilleert Popeye op zee en ontdekt iets wat lijkt op een Japanse vissersboot. De twee Japanse vissers laten Popeye denken dat ze een ondertekend vredesverdrag willen. Maar schijn kan bedriegen; de vissersboot blijkt een Japans marineschip te zijn! Wat volgt wordt vandaag beschouwd als morele oppeppers.
Wees gewaarschuwd: de Japanners in de film worden op een gemene manier weergegeven. Vergeet echter niet dat er in die tijd een oorlog aan de gang was. Maar ik kan deze cartoon van harte aanbevelen aan degenen die geïnteresseerd zijn in het tijdperk van de Tweede Wereldoorlog.

text_en:
If you are very sensitive when it comes to extreme racial stereotypes, this cartoon is not for you. But if you are strongly interested in seeing a rare piece of wartime animation, come on in!

In this cartoon, Popeye is patrolling the seas and discovers what looks like a Japanese fishing boat. The two Japanese fishermen trick Popeye into thinking that they want a peace treaty signed. But looks can be deceiving; the fishing boat turns out to be a Japanese navy ship! What follows is considered today to be morale-boosting propaganda.

Be forewarned, the representations of the Japanese in the film are done in a mean-spirited fashion. Keep in mind, though, that there was a war going on at the time. But I strongly recommend this cartoon to those who are interested in the WWII era.


text:
Het gevoel dat we iemand nodig hebben die de rol speelt van Arbiter van de smaak van het publiek en van de politieke correctheid, weet ons altijd te bekoren. Het lijkt wel of die zelfbenoemde, zelfbenoemde, pseudo-intellectuele types overal opduiken, of het nu in je familie is, in de kerk of bij het bowlen.
DIT ZIJN DE MENSEN DIE ALLE GEDACHTEN DIE ONZE TIJD VERGETEN HEBBEN <0xE2><0x80><0x93> Tenzij, natuurlijk, wat 'het' ook is, niet strookt met de 'aanvaardbare' taal, de mores en de algemene'standaarden' van 'juist' gedrag.

Zo komt het dat de laatste tijd hightech-boekverbranders een groot deel van wat eens Hollywood was, op de korrel hebben genomen. 's grootste prestatie; namelijk hun deelname aan onze eigen Geallieerde Propaganda door middel van hun onzelfzuchtig gefabriceerde boodschappen en filmthema's.

Koud, wreed in zijn generatie, strekt de banale code en de lijst van nu onaanvaardbaar zich uit tot de oorlogscartoons die niet overeenkomen met de nieuwe, lichtgeraakte, tastbare, door de maatschappij in het leven geroepen 'officiële' houdingen, die deze 'gedachtepolitie' ons heeft opgedrongen.
We waren oprecht verbaasd toen we zagen dat er boeken schijnen te zijn met zulke levendige korte onderwerpen. De meerderheid, voor zover we weten, is afkomstig uit de LOONEY TUNES en MERRIE MELODIES van Warner Brothers, met in de hoofdrol Bugs, Daffy, Elmer & Porky, allemaal in conflict met Hitler, Goerring, 'Il Duce', Tojo en dergelijke. Verrassend genoeg vonden we echter een ruime voorraad tekenfilms van MGM, Walt Disney, Lantz, Paramount-Famous Studios en de gebroeders Fleischer.
Je bent een lame meneer jap (Famous Studio's/Paramount Pictures, 1942) en dat is een prima voorbeeld van waar we het over hebben.

Je bent een lame meneer jap en je bent vrijwel niet te onderscheiden van de tekenfilms die de productie vormden van de Studio's van Max en Dave Fleischer voor de zakelijke coup de tat van 1941, die ze uit de grond stampte en de nieuwe naam 'Famous' Studio's kreeg. Je bent een lame meneer jap en je draagt niet een van de nietszeggende plotelementen die de laatste dag van Popeye Cartoons reduceren tot het niveau van de ultieme korte film.
We herinneren ons allemaal hoe we Popeye en Olive Oyl samen zouden hebben. En daar komt Bluto, gewoonlijk de exponent van de wolfsfluit en een op het scherm aanvaardbare versie van een mannelijke reactie op vrouwelijke schoonheid. Olive valt voor Bluto's minder eervolle attenties, tot hij een beetje te fysiek wordt en er onveranderlijk uit flapt: 'Hé Babe, wat dacht je van een kusje?' Op dat moment horen we: 'Help! Help, Popeye en de kleine zeeman komen aanzetten om de zaak te redden; compleet met het obligate blikje Spinazie! Overdrijven we niet, Schultz? Nogmaals, deze JAP-LAP-cartoon lijkt nergens op. O, zeker, hij volgt op het verhaal dat Popeye nu bij de Amerikaanse marine zit. De gebroeders Fleischer brachten de kleine man in 1941 in dienst om aan de stemming in het land tegemoet te komen en als openlijke steunbetuiging aan de mannen die nu voor de eerste vredesverkiezing in de geschiedenis van de Verenigde Staten werden opgeroepen. Max en Dave stelden Popeye zelfs in dienst aan boord van het mythische slagschip, de U.S.S. Pensyltucky.
Ons punt is het volgende. JULLIE ZIJN EEN ZACHTE JAP EN ANDERE SPINACH FER Britain zijn geen karikaturale voertuigen voor komische afleiding in het theaterprogramma, in de ware zin van het woord. Ze zijn eerder een soort groep redactionele cartoons die veel weg hebben van die van welke 'Great Metropolitan Newspaper' dan ook. Deze geanimeerde korte broeken, die veel lijken op de illustraties die nog steeds op een paneel te zien zijn, hebben personages die sterk symbolisch en representatief zijn voor Naties, Ideeën en Idealen, zoals een rechtvaardige en blijvende Vrede. In de meeste gevallen is de held (Popeye, Bugs Bunny of wie dan ook) alleen met het symbool van de Vijand. Het zijn allebei sterk overdreven visuele metaforen voor abstracte concepten en gedachten, zelfs als ze gehuld zijn in humoristische attributen om ze nog vermakelijker te maken.
<0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E>

text_en:
THE FEELING of the need to have someone play the role of Arbiter of Public Taste and Political Correctness always manages to get under our skin. It does seem that these self-appointed, self-superior, pseudo-intellectual types do appear everywhere; be it in one's family, church or bowling league.

THESE are the guys who would have society completely disregard and ignore all that went before us; unless, of course, whatever 'it' is does not fly in the face of today's "acceptable" language, mores and general "standards" of "proper" behavior.

SO it is that these latter day, high tech book burners have targeted a great deal of what was Hollywood's greatest achievement; namely their participation in our own Allied Propaganda via their unselfishly crafted message and theme films.

COLDLY brutal in its generation, the Banned Code and List of Now Unacceptable extends into the Wartime Cartoons that don't meet with the new touchy, feely socially engineered 'official' attitudes; which these "Thought Police" have foisted down upon us.

WE were truly surprised to see that there seem to be volumes of such animated short subjects. The majority we are aware of are from Warner Brothers' LOONEY TUNES and MERRIE MELODIES; featuring Bugs, Daffy, Elmer & Porky, all in conflict with Hitler, Goerring, 'Il Duce', Tojo and the like. Surprisingly though, we found an ample supply of cartoons from MGM, Walt Disney, Lantz, Paramount-Famous Studios and the Brothers Fleischer.

YOU'RE A SAP MR. JAP (Famous Studios/Paramount Pictures, 1942) is a prime example of just what we're talking about.

BEING virtually indiscernible from the cartoons that were the output of the Studios of Max and Dave Fleischer before the 1941 business coup-de-tat that moved them out, bringing the new name of "Famous" Studios, YOU'RE A SAP MR. JAP bore none of the bland plot elements that would reduce the latter day Popeye Cartoons down to the level of the ultimate formula short movie.

WE all remember how we'd have Popeye and Olive Oyl together. Enter Bluto, usually the exponent of wolf whistle and an on acceptable on-screen version of a Male reaction to feminine pulchritude. Olive falls for Bluto's less than honorable attentions; until he gets a little too physical and invariably blurts out, "Hey Babe, how 'bout a kiss?" At this point we hear "Help! Help, Popeye and the diminutive sailor shows up to save the day; replete with the obligatory can of Spinach! DO we exaggerate, Schultz? ONCE again this JAP SAP cartoon is nothing like any of that. Oh sure, it follows the storyline of now having Popeye in the U.S. Navy. The Brothers Fleischer put the little guy in the service in 1941 to conform to the mood in the country and as an open gesture of support for the men now being conscripted in the first Peacetime Draft in United States History. Max and Dave even put Popeye in service aboard the mythical Battleship, the U.S.S. Pensyltucky.

OUR point is just this. YOU'RE A SAP MR. JAP and others like SPINACH FER Britain aren't cartoon vehicles for comic relief in the Theatre's program at all in the true sense. Rather they are a sort of grouping of Editorial Cartoons much like those from any "Great Metropolitan Newspaper". These animated shorts, much like those still one panel illustrations, have characters that are highly symbolic and representative of Nations, Ideas and Ideals, such as a just and lasting Peace. In most cases, the hero (Popeye, Bugs Bunny or whoever) is alone with the symbol of the Enemy. Both are highly exaggerated visual metaphors for abstract concept and thought; even if they are cloaked in humorous trappings for wider palatability.

OUR liberal stupidgencia (the antithesis of intelligencia) may not see themselves this way; but for this sort of behavior, they are no more than Neo Nazi Book burners.

PLEASE, allow the future generations to view and appreciate a view of past happenings that is both Historical and Humorous.

POODLE SCHNITZ!!


text:
Als het mogelijk zou zijn om een 10-film te bekronen... zou dit de enige film zijn die ik zou kiezen.
Ik herinner me dat ik deze film vele, vele jaren geleden op tv heb gezien <0xE2><0x80><0x93> en gelukkig was ik voldoende voorbereid om hem te filmen. Nu wordt mijn videokopie oud, de videotechnologie is verouderd en ik begin me zorgen te maken dat ik de verrukkingen van deze film misschien niet veel langer zal kunnen genieten.
Als natuurfilm is hij uitmuntend. Als film over de relatie tussen de mens en de natuur overstijgt hij alles wat er voor of na die tijd is gemaakt. Hoe kan de filmindustrie toestaan dat zo'n klassieker onopgemerkt en vergeten blijft? Als er zoiets bestaat als een lobby- of pressiegroep die de heruitgave van deze film wil forceren, tel mij dan mee en stuur me pronto de details.
Ik vermoed dat er een bom duiten te verdienen valt voor iedereen die in staat is deze film in de huidige markt opnieuw uit te brengen.

text_en:
If it were possible to award a 10+ .... this would be the one film I would choose.

I remember catching this film on TV many, many years ago - and fortunately being prepared enough to video it. Now my video copy is getting old, video technology is outdated and I'm starting to worry that I may not be able to enjoy the delights of this movie for much longer.

As a wildlife film it is superb. As a film about the relationship between man and nature it surpasses anything screened before or since. How can the film industry allow such a classic to go unnoticed and forgotten? If such a thing as a lobby/pressure group exists to push for the re-release of this film, count me in and send me the details pronto.

My guess is there's a mint to be made by anyone able to re-release this in today's market.