text:
Head had een trots moment moeten zijn, niet alleen vanwege zijn sterren (The Monkees en Victor Mature) of zijn regisseur/medeschrijver (Bob Rafelson), maar ook vanwege zijn andere mede-medeschrijver (en korte cameo) Jack Nicholson. Zoals de film nu is, lijken de meeste mensen hem te mijden, en buitenstaanders beschouwen de film op zijn best als een curiositeit.
Hoewel de T.V.-serie beroemd was vanwege de fratsen van 'Help!' van de Beatles, wordt deze film ook door dezelfde mensen beoordeeld. Maar in tegenstelling tot de afgezaagde en pijnlijk overschatte Beatles-films en zelfs de gedateerde T.V.-serie van de Monkees, heeft Head een diepere laag. De duistere natuur is hier aan het werk, en hoewel dat misschien bizar klinkt als je het over een gefabriceerde popband hebt, geeft het gebruik van bepaalde thema's en beelden (zoenende vrouwen, lachende invaliden en levensechte beelden van een Vietcong-krijgsgevangene die van dichtbij wordt doodgeschoten) de film een scherpte die veel'serieuze' films niet zouden durven nastreven.
Er zijn ook leuke momenten, variërend van James Bond-imitaties tot 'Big Victor' en mijn persoonlijke favoriet, Mickey Dolenz onder beseige door Arabische soldaten te paard. 'Ik ben de dummy, Mickey, ik ben altijd de dummy', beweert Tork, waarmee hij keurig zijn eendimensionale folie-rol van de serie samenvat), waarmee hij bedoelt dat hun personages als ze 'zichzelf' spelen en niet-spelen, meer open worden en daardoor minder algemeen en irritant worden dan ze in de serie waren. Dit niveau van parodie en zelfbewustzijn neemt zelfs zijn fab-4- origine aan, met subtielere versies van de Maharishi en openlijke erkenning door een serveerster die vraagt: 'Nou, als het Gods geschenk aan de achtjarigen niet is, hoe bedank je Ringo Starr dan?' Ook moet je luisteren naar Tork die 'Strawberry Fields Forever' fluit als hij op de wc zit.
Dan zijn er natuurlijk nog de liedjes. Zes stuks hier, iets psychedelischer dan gewoonlijk, wat hun fans misschien van zich heeft vervreemd, en zelfs een cameo van Frank Zappa zou zich op dit moment niet tegen hun charmes hebben gekeerd. Waarschijnlijk is het charmante 'As We Go Along' het beste, hoewel het eerste, een door Carol King geschreven 'Porpoise Song', interessant spreekt over het verlangen om te leven terwijl de tijd meedogenloos wegtikt en de dood steeds dichterbij komt. Op een lichtere toon lijkt het refrein van 'de bruinvis lacht' een directe imitatie van 'I am the Walrus'.
Misschien is het meest inventief van Head, met directe verwijzingen naar de stomme film en de drugscultuur, de verhaalstructuur. Niet de enige reden, maar wel de belangrijkste reden waarom het beter wordt met meer beelden, is dat het verhaal naar links, naar rechts, naar voren, naar achteren, rond en door verschillende niveaus van de werkelijkheid gaat. In wezen is het een reeks schetsen die losjes aan elkaar hangt, de samenhang wordt verstevigd door de ruimte-tijd-overtreffende plot die zijn interne logica aan elkaar hangt door middel van flashbacks, droomsequenties, de gevangenis van de geest en de afstandsbediening van het kanaal.

Met een perfect begin en einde was deze intelligent geschreven, alwetende film niet wat het tienerpubliek van The Monkees had verwacht en wat vervolgens een negatieve, kritische ontvangst kreeg. Nu die verwachtingen weg zijn, moet deze film dringend worden herzien.

text_en:
Head should have been a proud moment not just for its stars (The Monkees and Victor Mature), or its director/co-writer (Bob Rafelson), but also its other co-writer (and brief cameo) Jack Nicholson. As it stands, most of them seem to shun it, and to outsiders the movie is regarded, at best, as a curio.

While the T.V. series was famously based on the antics of the Beatles' 'Help!', this film is also judged by the same accord. Yet far from the trite and painfully overrated Beatles films, and even the dated Monkees T.V. series, Head has a layer of depth. An undercurrent of man's darker nature is at work here, and while that may sound like a bizarre thing to say about a manufactured pop band, the use of certain themes and images (hitting women, laughing at cripples and real-life footage of a Vietcong POW shot dead at point-blank range) give the film an edge that many 'serious' films would not dare to aspire to.

There are also the fun moments, which range from James Bond parodies to 'Big Victor' and my personal favourite, Mickey Dolenz under beseige by Arab soldiers on horseback. (One of them turns to Mickey and hisses 'pssst!', only for the 'pssst!' to appear in subtitles!) The group are aware of their manufactured image in the film ('I'm the dummy, Mickey I'm always the dummy', claims Tork, neatly summing up his one-dimensional foil role of the series), meaning that their characters  they play 'themselves' acting and not-acting here  are opened out more, and consequently are less generic and irritating than they were in the series. This level of parody and self-awareness even takes on their fab-four origins, with subtler takes on the Maharishi and out-and-out acknowledgements with a waitress who asks: 'Well, if it isn't God's gift to the eight-year-olds are you still paying tribute to Ringo Starr?' Also listen out for Tork whistling 'Strawberry Fields Forever' while in the bathroom.

Then there are the songs, of course. Six of them here, slightly more psychedelic than usual, which may have alienated their fanbase, and even a Frank Zappa cameo wouldn't have turned on an adult audience to their charms at this point. Probably the best is the charming 'As We Go Along', though the first, a Carol King-penned 'Porpoise Song', interestingly talks of the desire to live while time is ticking remorselessly away and death gets ever nearer. On a lighter note, its refrain of 'the porpoise is laughing' seems to be a direct mickey-take of 'I am the Walrus'.

Constantly inventive with direct references to silent film and drug culture, perhaps Head's finest feature is its narrative structure. Not the only  but the most important  reason why it improves with multiple viewings, the story goes left, right, forwards, backwards, circular and through several levels of reality. In essence a series of sketches hung loosely together, its cohesion is tightened by the space-time defying plot which hangs its internal logic together by means of flashback, dream sequence, prison of the mind and remote control channel changer.

With a perfect beginning and end, this intelligently-written, knowing film was not what The Monkees' pre-teen audience was expecting and subsequently suffered a negative critical reception. Now those expectations have gone, this one is in dire need of serious reappraisal.


text: 'Head' is een film die het goed heeft gedaan sinds de première in 1968. De film is een complete tegenstrijdigheid van het imago van de Monkees. De film toont de Monkees op een manier zoals hun fans hen nooit hebben gezien: als mensen met echte gedachten. De Monkees werden volledig in de hand gehouden door hun producenten en kregen de kans om hun kant van het verhaal te vertellen. De film plaagt hun imago, de amusementsindustrie en het Amerikaanse bedrijfsleven. De soundtrack bevat een deel van hun beste muziek. Het is een film die de moeite waard is om keer op keer te zien.

text_en: "Head" is a film that has held up well since its original release date in 1968. The movie is a complete contradiction of the Monkees image. It presents the Monkees in a way their fans never perceived them; men with real thoughts. Totally controlled by their producers, the Monkees were given the opportunity to tell their side of the story. The film pokes fun at their image, the entertainment industry, and corporate America. The soundtrack contains some of their best music. It's a movie well worth seeing over and over again.


text:
Verrassend genoeg zijn de Monkees een grote favoriet van me. Ja, ze hadden de oorspronkelijke geïmporteerde rockband kunnen zijn, een gimmick die in de 21e eeuw zeker overkill is geworden. Maar hun muziek is nog steeds een van de beste die de jaren zestig te bieden hadden. Last Train to Clarksville, Daydream Believer, I'm A Believer, (I'm Not) Your Stepping Stone, Valleri en Pleasant Valley Sunday zijn geweldige nummers, geschreven door goede songwriters als Boyce/Hart, Neil Diamond, Goffen/King en John Stewart. Hoewel ze geen grote musici of songwriters waren, hadden ze een sympathieke uitstraling op het witte doek en veel publiek, en sommige van hun eigen nummers waren zelfs behoorlijk. De show is gedateerd in 2007, maar ik kijk af en toe nog steeds naar de show als een tijdcapsule naar het leven in 1966-1968; die magische en gevaarlijke tijd in de Amerikaanse geschiedenis.
Maar zoals we allemaal weten, als voorbode van de dingen die komen gaan voor mensen als Kelly Clarkson, wilden The Monkees niet beschouwd worden als gefabriceerde marionetten van hun platenmaatschappij. Ondanks hun gemiddelde talent wilden ze hun eigen liedjes schrijven, hun eigen albums maken en de touwtjes in handen hebben als het op tournees aankwam. Helaas liep dat uit op een ramp, vooral toen Peter Tork's 'The Monkees' uit de mottenballen werd gehaald. De keuze van Jimi Hendrix als openingsnummer werd afgewezen omdat hij de show stal en er in zijn muziek zware seksuele suggesties doorklonken die niet bij de inhoud van The Monkees pasten.
Maar de laatste nagel aan de doodskist van de Monkees (tot 1986) was de beruchte film Head. Head werd geschreven door Bob Rafelson en Jack Nicholson terwijl ze naar verluidt high waren van de Mary-Jane. De film kreeg slechte recensies en bracht maar 416.000 dollar op. Tegenwoordig is de film een cultklassieker, zijn tijd vooruit, en hij brengt een boodschap over van wat de jongeren in 1968 bezighield, de Summer of Anger.
Head heeft eigenlijk geen plot. Het komt erop neer dat een op de vier hoofdpersonen van The Monkees zonder enige reden van scène naar scène slingert. Ze gaan van eten in een restaurant, naar kijken hoe Davy Jones door Sonny Liston in elkaar wordt geslagen, naar een western, naar in een vacu<0xC3><0xBC>m worden gezogen, naar optreden bij een concert enzovoort. De film geeft in wezen een indirecte kijk op wat er mis was met de Amerikaanse samenleving. The Monkees sneuvelen tegen het commercialisme, de oorlog in Vietnam, het Amerikaanse beleid, censuur, de gevestigde orde en hebzucht. Je moet tussen de regels door lezen om te zien wat de doelwitten van de spot waren. De scène waarin ze met 16 tegen 4 in de westerse scène staan, zou een symbool van hen kunnen zijn tegen de sessiemuzikanten, songwriters, platenproducenten en wat al niet meer die hun carrières in handen hadden en op hen schoten met het kanon waarmee ze 'Verdwijn!' zeggen.
De film is werkelijk een psychedelische trip om te aanschouwen. De opzichtige tie-dye-kleuren, het hypnotiserende concert, de buikdansscènes en de drugachtige beelden zijn overal. Het acteerwerk is eigenlijk heel goed, maar dat is alles.' De film is net zo bevooroordeeld als ik de T.V.-show van de Monkees vind. Een kleine soundtrack met 'The Porpoise Song' en drie songs die door de Monkees zelf zijn geschreven.
De film heeft zowaar af en toe een paar hilarische scènes, hoewel dat misschien niet zo had mogen zijn. Mickey Dolenz die een Coke Machine in elkaar slaat die hem geen frisdrank heeft gegeven, of zijn heftige vuistslagen in de boksscène (ik bedoel, hij was een pezige kerel die waarschijnlijk niet meer woog dan 135 kilo) maakten me aan het lachen.
Al met al is deze film een absolute must-see voor elke Monkees-fan. Ik denk dat een heleboel mensen deze film inderdaad 'over hun hoofd' zullen vinden, maar degenen die geobsedeerd zijn door de 60's' Destijds zullen de mensen en de maatschappij het een fantastische tijdcapsule vinden.

text_en:
The Monkees, surprisingly, are a big favorite of mine. Yes, they might have been the original manufactured rock band; a gimmick that certainly has reached overkill in the 21st century. However, their music holds up as some of the best the 1960's had to offer. Last Train To Clarksville, Daydream Believer, I'm A Believer, (I'm Not) Your Stepping Stone, Valleri and Pleasant Valley Sunday are great songs, written by good songwriters such as Boyce/Hart, Neil Diamond, Goffen/King and John Stewart. While they weren't great musicians or songwriters, they had a likable screen presence and plenty of appeal and some of their own stuff was actually decent. Their T.V. show is dated stuff in 2007 but I still watch the show on occasion as a time capsule to life in 1966-1968; that magical and dangerous time in U.S. history.

However, as we all know, as a portent of things to come for the likes of Kelly Clarkson, The Monkees didn't want to be considered manufactured and just puppets for their recording company. Despite their average talents, they wanted to write their own songs, produce their own albums and call the shots when it came to tours. Sadly, this turned out to be a disaster; especially when Peter Tork's choice of Jimi Hendrix as an opening act was nixed due to his stealing of the show and heavy sexual suggestions in his music compared to The Monkees G-Rated content.

However, the final nail in the coffin for the Monkees (until 1986) was the infamous motion picture Head. Head was written by Bob Rafelson and Jack Nicholson while they were allegedly high on the Mary-Jane. The film received poor reviews and only made $16,000 in the box office. Today, the film is a cult classic, ahead of its time and delivers a message of what was on the minds of the youth in 1968, the Summer Of Anger.

Head really has no plot. Basically, one to four of The Monkees lurch from scene to scene without any rhyme or reason. They go from eating in a diner, to seeing Davy Jones getting bashed by Sonny Liston, to a Western, to being sucked into a vacuum, to performing at a concert and so forth. The film basically offers up oblique opinions of what was wrong with American society. The Monkees bash commercialism, the war in Vietnam, American policy, censorship, the Establishment and greed. You have to read between the lines to see what the targets of derision were.

The Monkees spend a lot of time boxed up at certain junctions of the film, symbolizing how they felt their record company saw them; as nothing but toys for them to play with when it was time to record another hit album. A scene where they are outnumbered 16-4 in the Western scene could be a symbol of them against the session musicians, songwriters, record producers and whatnot who controlled their careers and the cannon they fire at them is their way of saying "Begone!".

The film is truly a psychedelic trip to behold. The flashy tie-dye colors, the hypnotic concert and belly dancing scenes and the druggy imagery is everywhere. The acting is actually very good but that's being biased as I like The Monkees T.V. show. A small soundtrack features "The Porpoise Song" and three songs written by The Monkees themselves.

The film actually has some hilarious scenes on occasion; although maybe they weren't supposed to be. Mickey Dolenz beating up a Coke Machine that didn't give him a soda or his violent punch-ups in the boxing scene (I mean, he was a wiry guy who probably weighed no more than 135) had me laughing it up.

All in all, this movie is an absolute must-see for any Monkees fan. I think a lot of people will feel this movie is indeed "over their Head" but for those obsessed with the 60's and society at the time will find it a great time capsule.


text:
Wat kan ik zeggen over deze film die niet is gezegd door alle andere commentaren hier, die min of meer alles samenvatten, de mensen die ervan houden, koesteren hem, de mensen die hem haten... nou ja, ze verafschuwen hem. Dit is het filmequivalent van Marmite.
Ik heb persoonlijk elke seconde ervan in mijn geheugen geprent, hij is cyclisch, claustrofobisch, introspectief, magisch en wordt beschouwd als een van de meest unieke films die ooit zijn gemaakt. Ondanks wat velen hebben gezegd, geloof ik echt dat dit een cultfilm is, het is een diamant in de ruwe grond die alleen maar wacht om ontdekt te worden, als hij eenmaal is opgegraven zullen zijn fantastische psychedelische beelden en ongelooflijke soundtrack onvergetelijk zijn, wat op zichzelf al een prestatie is. Een van mijn vrienden die de film heeft gezien, vergeleek hem meer met een musical, en in veel opzichten zou iemand die de context waarin deze film is gemaakt niet ten volle kan waarderen, er waarschijnlijk meer aan hebben om Head als zodanig te zien.
Ik ben altijd dol geweest op de Monkees, vooral op de T.V.-show toen die in de jaren tachtig werd herhaald. Mijn moeder had Head voor me opgenomen toen die op T.V. werd vertoond. laat op de avond, omdat ze wist dat ik van ze hield, heb ik er een dag later naar gekeken en het bleef in mijn geheugen hangen tot ik zo'n twintig jaar later een kopie op dvd kon vinden, waar ik nu van zou genieten is een speciale editie, het zou fascinerend zijn om meer inzicht te krijgen in de totstandkoming van dit meesterwerk. We kunnen alleen maar hopen.

text_en:
What can I say about this movie that has not been said by all the other comments here, they pretty much sum up everything, the people who love it cherish it, the people who hate it... well, they loathe it. This is the movie equivalent of Marmite.

I personally have committed every second of it to memory, it is cyclical, claustrophobic, introspective, magical and stands as being one of the most unique films ever made. Despite what many have stated, I believe this truly is a cult movie, it is a diamond in the rough just waiting to be discovered, once unearthed it's fantastical psychedelic visuals and incredible soundtrack will be unforgettable, which is an achievement in itself. One of my friends who watched it likened it more to a musical, and in many respects to those who do not fully appreciate the context in which this film is made, would probably get more out of it to view Head as such.

I was always fond of the Monkees, especially the T.V. show back when it was repeated during the 80's. My mum had recorded Head for me when it was shown on T.V. late night, as she knew I liked them, I watched it a day later and it lodged in my memory until I was able to find a copy on DVD about 2 decades later, what I would love now is a special edition, it would be fascinating to get a greater insight into the making of this masterpiece. We can only hope.


text:
Er zijn twee manieren om 'Head' te bekijken. Ofwel is het een oogverblindende, geestdriftige collage van muziek, oude filmclips, psychedelia en t.v.-comedy, of een minder ingewikkelde, pretentieuze, onsamenhangende puinhoop. De waarheid ligt waarschijnlijk ergens in het midden. Het is ook een van de beste films aller tijden.
'The Monkees' <0xE2><0x80><0x93> Davy Jones, Peter Tork, Mickey Dolenz en Mike Nesmith <0xE2><0x80><0x93> hadden net hun hitserie afgerond en wilden een film maken. In samenwerking met schrijver Jack Nicholson en regisseur Bob Rafelson maakten ze 'Head'.
Het begint bij de opening van een brug in San Francisco, waar de poort van de Monkees het hele gebeuren overspoelt. Mickey springt over de reling en plonst honderden meters het water in. Mermaids redt hem onder begeleiding van een schitterende compositie van Jerry Goffin en Carole King, getiteld 'The Porpoise Song', en beelden die de Stargate-finale van '2001' in vergelijking daarmee saai doen lijken. Je bent inmiddels ofwel in verwarring gebracht of volledig in de ban.
Nog meer bizarre gebeurtenissen ontvouwen zich: Mickey gebruikt een tank om een Coca-Cola-automaat midden in de woestijn te vernietigen; het hele Italiaanse leger geeft zich aan hem over; de groep wordt ingehuurd om de roos in Victor Mature's haar te spelen voor een televisiereclame; een te dikke serveerster beledigt de groep en beschrijft hen als 'Gods geschenk aan de achtjarigen'. Een onverwacht verjaardagsfeestje voor Mike loopt verkeerd af; de groep wordt in een stofzuiger gezogen, en als klap op de vuurpijl wordt de hele groep weggereden in een reusachtige glazen tank.
Je zult dit vreselijk vinden of juist geweldig. Ik vond het een verfrissende afwisseling na de stompzinnige popsongs van de 'laten we de show hier maar eens gaan doen'-variant. De liedjes zijn ook goed; 'Daddy's Song' is voortreffelijk gechoreografeerd door Toni Basil (die later zou verschijnen in Rafelsons 'Easy Rider') en gaat prat op een voortreffelijke montage, waarbij Davy's kleren met de snelheid van het licht van kleur veranderen. 'As We Go Along' is een prachtig nummer van Goffin & King met bijpassende beelden die een sterke milieuboodschap bevatten. '
Frank Zappa, Annette Funicello zijn gewoon twee van de gaststerren die je kunt laten opdraven. Heeft Victor Mature het script gelezen voordat hij ermee instemde om dit te doen, vraag je je af? Maar hij is er wel hilarisch in.
'
'Head' is een juweeltje uit de jaren zestig en de moeite waard om keer op keer opnieuw te bekijken. Jammer dat er destijds geen publiek bij was. Was 'Spiceworld' maar zo geweest!'

text_en:
There are two ways to regard 'Head'. Either it is a dazzling, mind-blowing collage of music, old film clips, psychedelia and T.V. sitcom-style comedy, or a plot less, pretentious, rambling mess. The truth probably lies somewhere in between. It is also one of the best movies of all time.

'The Monkees' - Davy Jones, Peter Tork, Mickey Dolenz, and Mike Nesmith - had just finished their hit series, and wanted to do a movie. In collaboration with writer Jack Nicholson and director Bob Rafelson, they made 'Head'.

It begins at a bridge opening ceremony in San Francisco, where the Monkees gate crash the proceedings. Mickey jumps over the safety rail, plunging hundreds of feet into the water. Mermaids rescue him to the accompaniment of a gorgeous Jerry Goffin & Carole King composition called 'The Porpoise Song' and visuals that make the Stargate finale of '2001' look drab by comparison. By now you will either have switched off in puzzled disgust or be completely captivated.

More bizarre happenings unfold; Mickey uses a tank to destroy a Coca-Cola machine in the middle of the desert; the entire Italian Army surrenders to him; the group are hired to play to play the dandruff in Victor Mature's hair for a television commercial; an overweight waitress insults the group, describing them as 'God's gift to the eight year old's'; a surprise birthday party for Mike goes wrong; the group are sucked into a vacuum cleaner, and to cap it all, are driven away inside a giant glass tank.

You will either hate this or love it. I found it a refreshing change from mindless pop musicals of the 'let's do the show right here' variety. The songs are good too; 'Daddy's Song' is superbly choreographed by Toni Basil ( later to appear in Rafelson's 'Easy Rider' ) and boasts wonderful editing, with Davy's clothes changing colour at lightning speed. 'As We Go Along' is a lovely Goffin & King number whose accompanying images carry a strong environmentalist message.

Frank Zappa, Annette Funicello are just two of the guest stars to crop up. Did Victor Mature read the script before agreeing to do this, one wonders? He's hilarious in it though.

So mad there just has to be real genius behind it, 'Head' is a little '60's gem and one worth revisiting time and time again. Shame it did not find an audience at the time. If only 'Spiceworld' had been like this!


text: Symboliek in overvloed, prachtige melodieën, deze film heeft de verwachtingen van het 'zodra we niet meer bestaan'-publiek de bodem ingeslagen. Deze monniken en de van nature geselecteerde leden van de groep waren getuige van een subtiele, maar toch subtiele manier om elkaar gedag te zeggen. De boodschap klinkt vandaag de dag nog steeds na, de kooi waaruit je ontsnapt en de brug waar je vanaf wilt springen, zijn de volgende generaties teleurstellingen, er zullen altijd nieuwe kinderen in het blok zijn die degenen vervangen die zich uit de ketenen bevrijden. De film kan soms frustrerend zijn, omdat de thema's die door de film worden aangevallen zo overduidelijk losstaan van de Amerikaanse manier van leven, dat een denkend en redenerend persoon niet anders kan dan naar zijn eigen spiegelbeeld in de scènes van Head staren en niet alleen hun persoonlijke motieven in twijfel trekken om de waanzin van het dagelijkse Amerikaanse leven voort te zetten, maar ook de motieven van degenen die willen dat het voortduurt omwille van de waanzin. De laatste scène, die lijkt op de ridderlijke uitdaging van Don Quichot aan de gekooide tijger om naar buiten te komen voor de strijd, toont aan hoe misleidend en onmogelijk de meeste dromen zijn.

text_en: Symbolism galore, great tunes, this film crushed their "soon to be no more" target audience's expectations. These monkees and the naturally selected members of the group, were witnessing a subtle yet in your face, kiss goodbye to each other. The message rings true today, the cage you escape from and the bridge you want to jump off of, are the next generations own disappointments, there will always be new kids on the block replacing those who break free from the chains. The film can be frustrating at times, because the themes the film attacks are so blatantly apart of the American way of life, a thinking and reasoning person cannot help but stare at their own reflection in the scenes of Head, and question not only their personal motives for continuing the madness of everyday American life, but the motives of those who want it to continue for the sake of madness. The final scene, similar to Don Quixote's chivalric daring of the caged tiger to exit for battle, represents just how delusional and impossible most dreams are.


text: Wauw. We keken naar deze film in de hoop dat er tenminste een paar fatsoenlijke rotsklimscènes in zouden zitten. We waren teleurgesteld, maar het was nog steeds een geweldige film! Hij was zoooo cheesy, hij was geweldig! Ik heb al heel lang niet meer zo hard om een film gelachen. Als je van rotsklimmen houdt en je houdt van cheesy films, dan is deze absoluut voor jou!

text_en: Wow. We watched this film in the hopes that it would have at least some decent rock climbing scenes. We were disappointed there, but it was still a great movie! It was soooo cheesy it was great! I haven't laughed so hard at a movie in a long time. If you are into rock climbing, and you enjoy cheesy movies, then this one is absolutely for you!


text: Mijn vrienden en ik hadden een periode dat we films huurden waar niemand van ons ooit van had gehoord. Het enige goede dat daaruit voortkwam, was deze film, 'Take it to Limit'. Meteen toen de film begon, wisten we dat ons een echte klassieker te wachten stond. De muziek is waarschijnlijk gemaakt door blanke jongens van het platteland uit Colorado, maar het klinkt net als rap uit het begin van de jaren negentig. De ster van de show, acteur Leo Fitzpatrick, speelt de slechterik zo goed, vooral omdat hij de hele film een grote puist heeft. Deze film is gebaseerd op klimmen, en ik ben geen klimmer, maar zelfs ik vind het hilarisch als ze de klimmer laten worstelen met klimmen, en dan...' Als je deze film niet wilt missen, zul je steeds weer dezelfde fragmenten te zien krijgen. Je zult bij elke afslag een verrassing krijgen. Je zult de onvergetelijke zinnen uit je hoofd leren. Ik kan deze film aan iedereen aanbevelen. Neem hem mee in de sneeuw. Disclaimer: deze film is slecht gemaakt, maar dat maakt hem juist zo geweldig.

text_en: My friends and went through a period of time when we would rent movies that none of us had ever heard of. The only good that came from it was this movie, "Take it to Limit" Right as the movie started, we could tell we were in for a true classic. The music is probably done by rural white boys from Colorado, but it sounds just like early 90's rap. The star of the show, actor Leo Fitzpatrick, plays the bad-boy so well, especially sporting a big zit the entire movie. This movie is based on climbing, and I'm not a climber, yet even I think it's hilarious when they have the climber struggling to climb and there's a guy in the background who is basically walking up the 'cliff'. You don't want to miss this movie, you'll get to see the same clips over and over again. You'll get surprises at every turn. You'll find yourself quoting the unforgettable lines. I highly recommend this movie to anyone. Take it snow. Disclaimer: This movie is poorly done, but that is what makes it great


text:
Wauw. Deze film is de stem van een klimmende generatie. Directeur Sam Keith neemt ons mee naar de donkerste diepten van de menselijke ziel, waar we liefde, leven en touwklimmen vinden. De wereldwijze Telly (Leo Fitzpatrick) volgt zijn hart en zijn ankers op een cerebrale reis om het gezonde verstand te vinden in een post-apocalyptisch Colorado. In plaats daarvan ontmoet Telly de confrontatie in Don (Jason Bortz), de belichaming van machismo en een tijdbom van menselijke zwakheden. De epische film bereikt een hoogtepunt tijdens een hartverscheurende touwklimwedstrijd die zelfs de sterkste kijkers op de duizelingwekkende hoogten zal doen duizelen.
Deze film heeft het allemaal: touwtjespringen buiten, touwtjespringen in de sportschool, afgeknipte shorts en mouwloze flanellen overhemden, Awesome klimfilmpjes (sommige zo goed dat je hem 2 of 3 keer ziet!), beren- en slangenaanvallen.
Ik gaf de film 8 van de 10 omdat ik wilde zien hoe de romance zich nog een beetje verder ontwikkelde. Het leek alsof de film begon met een kruidige, touwtjespringende seksscène tussen Telly en zijn nieuwe geliefde, maar helaas zou die niet passen in de toch al overvolle anderhalf uur durende achtbaanrit.
Fans van Cliffhanger en Mission Impossible II zullen deze film een ruwe diamant vinden. Al met al, als je klaar bent om je wereldbeeld over de mensheid en het klimmen te betwisten, dan is dit de film voor jou!!!

text_en:
Wow. this movie is the voice of a climbing generation. Director Sam Keith takes us to the darkest depths of Man's soul where we find love, life, and top-roping. World-weary Telly (Leo Fitzpatrick) follows his heart and his anchors through a cerebral journey to find sanity in a post-apocalyptic Colorado. Instead, Telly meets confrontation in Don (Jason Bortz), the embodiment of machismo and a zeitgeist of humanities foibles. The epic film comes to a climbax at a gut-wrenching top-roping competition that will make even the strongest willed viewers squeamish at the dizzying heights.

This movie has it all: Top-roping outside, Top-roping in the gym, Cut-off shorts and sleeveless flannel shirts, Awesome climbing footage (some so good, you see it 2 or 3 times!), Bear and snake attacks.

I gave the movie 8 out of 10 because I wanted to see the romance develop a bit more. It seemed as if the film was leading up to a spicy, top-roped sex scene between Telly and his new lover, but alas, it wouldn't fit into the already jam-packed hour and a half thrill ride.

Fans of Cliffhanger and Mission Impossible II will find this flick to be a diamond in the rough. Overall, if you are ready to challenge your world view on humanity and climbing, this is the film for you!!!1


text:
De titel van mijn recensie dekt zo'n beetje mijn hele recensie.
Dit is voor mij wat Teenage Mutant Ninja Turtles voor iemand die 5 jaar ouder was was. Hoewel ik die kleine popcultuurgolf heb gemist, heb ik de speelgoedserie en de tv-serie die Mighty Max heette met beide armen omhelsd.
Wil je weten hoe ik hierin opging? Ik ging als Mighty Max op Halloween.
Godzijdank dat internet er was. Dankzij Demonoid kon ik vorige week voor het eerst in meer dan tien jaar naar deze geweldige serie uit mijn jeugd kijken.
Ik zit er nu naar te kijken, omdat ik net helemaal uit mijn dak ging toen ik Rob Paulson van Animaniacs herkende, en ik ben ook dol op de humor van beroemdheden in...' Na 4 minuten hebben ze het al gehad over: 'Met naam en toenaam: Clint Eastwood, gouverneur Arnold, Dustin Hoffman, John Wayne, EN Ace Ventura.'
Verdomme, pas nu ik dit opschrijf besef ik dat ik deze serie op geen enkele manier minder dan een perfecte score kan geven. Alle onvolkomenheden zijn verloren gegaan in de mist van de tijd.
Dit is mijn jeugd. Dit is ontzagwekkend. Dit is de machtigste.

text_en:
The title of my summary pretty much covers my review.

This is to me what Teenage Mutant Ninja Turtles was to someone 5 years older. While I missed out on that little pop-culture wave, I embraced the toy line and t.v. series that was Mighty Max with both arms.

You wanna know how into this I was? I went as Mighty Max for Halloween.

Thank God for the internet. Thanks to Demonoid, last week I was able to watch this great show from my childhood for the first time in over a decade.

I'm watching this right now, having just been blown away by recognizing Rob Paulson of Animaniacs, and am also loving the celebrity humor in "Tar Wars". 4 minutes in, and they have already mentioned, By NAME: Clint Eastwood, Governor Arnold, Dustin Hoffman, John Wayne, AND Ace Ventura. Hells yeah.

Damn, it is only upon writing this that I realize there is NO WAY IN HELL I can give this series anything less than a perfect score. Any imperfections have been lost in the fog of time.

This Is My Childhood. This Is Awesomeness. This Is The Mighty One.


text: Een verrassend goede tekenfilm, van dezelfde klasse als _Batman: TAS_ en zijn collega's. In mijn jeugd had ik ervan genoten en sinds kort kon ik ze allemaal weer zien, met de geweldige stem van Tim Curry, Richard Moll, Tony Jay en Maurice LaMarche in verschillende rollen. Het enige probleem dat ik had, was dat de stem van Rob Paulson een beetje te oud leek voor het titelpersonage, maar dat was niet zo erg, want de verhalen waren geweldig, en het feit dat het hele verhaal een geweldig einde had, was ook geweldig. Sommige mensen zeggen dat het een uitglijder was, maar ik vond het verfrissend vergeleken met veel series die de zaken gewoon laten hangen. Hopelijk komt er een dag dat ze deze serie op dvd uitbrengen, helaas gebeurde dat in een tijd dat dvd's nog niet in zwang waren en de tekenfilm waarschijnlijk alleen diende om een bepaald soort speelgoed te verkopen, dat ik ondanks de onderhoudende tekenfilm nooit aantrekkelijk vond.

text_en: A surprisingly great cartoon in the same league as Batman:TAS and its ilk, I enjoyed it in my youth and recently had been able to watch them all again, great voice acting from Tim Curry, Richard Moll, Tony Jay, and Maurice LaMarche in various roles. The only qualm I had was Rob Paulsons voice seemed a little too old for the title character, but that wasn't a big deal as the stories were great, and the fact that the whole thing has a great time loop twist ending. Some people say it was a cop-out, but I found it refreshing compared to many series that just leave things hanging. Hopefully one day they put this series out on DVD, unfortunately it came out at a time when DVD's weren't yet prevalent and the cartoon probably only served to sell a particular type of toy, which I never found appealing despite the entertaining cartoon.


text:
Alle personages in deze tekenfilm waren hilarisch. Norman de vikingbewaker had een paar gedenkwaardige zinnen en de schedelmeester, de slechterik, zwoer altijd dat hij Max met een of ander krankzinnig gekakel zou vermoorden. Het tekenwerk is het beste.
Toen ik jonger was, zat ik aan de set gekluisterd wanneer dit werd uitgezonden. Als ze met een dvd kwamen van alle afleveringen die ze hadden gemaakt, zou ik gedwongen zijn hem te kopen. Dit en een Conan de Barbaar zijn de tekenfilms die ik het meest mis uit mijn kindertijd. Ik denk dat deze tekenfilms van alle grote tekenfilms de minst gewaardeerde zijn. Ik keek naar deze tekenfilms op kanaal 13 in Los Angeles. Ik herinner me dat de uil altijd bang was en Max waarschuwde dat hij in de problemen zat en dat hij de uitverkorene was. Max geloofde niet dat hij de uitverkorene was en maakte de uil altijd het leven zuur. Norman was minder spraakzaam, maar zijn eenvoud was grappig. Hij zei dingen als: 'Ik eet monsters als ontbijt' als hij met ze vocht. En als hij met zombies vocht, zei hij: 'Ik eet zombies als... nooitgedacht.' Klassieke tekenfilmkomedie en actie.
Ik stel voor dat ze Mighty Max herscheppen.

text_en:
All the characters in this cartoon were hilarious. Norman the Viking guardian had some memorable phrases and the skull master, the bad guy, would always be vowing to kill Max with some insane cackling. The writing is the best.

I was glued to the set when this would come on when I was younger. If they came out with a DVD of all the episodes they made I would be forced to buy it. This and a Conan the Barbarian cartoon are the ones I miss the most from childhood. I think these cartoons are the most unappreciated out of all the great cartoons. I used to watch these cartoons on channel 13 in the Los Angeles Area.

I remember the owl was always afraid, warning Max that he was in trouble and that he was the chosen one. Max didn't believe that he was the chosen one and always gave the owl trouble. Norman was less talkative but his simplicity was funny. He would say things like "I eat monsters for breakfast" when he was battling them. And then when he was battling zombies he would say "I eat zombies for...nevermind." Classic cartoon comedy and action.

I vote that they re-air Mighty Max.


text: Ik zal het kort houden. Het was een genot om te zien. Het was misschien wel of niet effectiever geweest als de personages hadden geleken op hun tegenhangers in het echte leven, maar afgezien van deze kleine observatie vond ik de fantasiedierfiguren het leukst. De beelden waren verbluffend, op de tweederangs CG-scènes na, die ik had kunnen weglaten. Ik heb trouwens toch een hekel aan computeranimatie, het gaat tegen het doel van een biopic als deze in. Kijk maar, jij zult het ook waarderen!

text_en: I'll make this brief. This was a joy to watch. It may or may not have been more effective if the characters had resembled their real life counterparts, but aside from this minor observation I found the fantasy animal characters to be most enjoyable. The visuals were most stunning except for the second-rate CG scenes, which could have been left out. I dislike computer generated animation anyways, it defeats the purpose of a biopic such as this one. Watch it, you will appreciate it too!


text:
Spirit and Chaos is een artistieke biopic van Miyazawa Kenji, een Japanse dichter en schrijver die aan het begin van de twintigste eeuw actief was. De film beschrijft en interpreteert zijn artistieke methode ('plakgedichten'), zijn inspiratie (de geest van de natuur en haar fantastische schoonheid) en zijn worsteling om een harde realiteit te accepteren in het aangezicht van zijn idealistische verbeelding.
De film integreert fragmenten van Miyazawa's gedichten prachtig in de plot. Zijn relatie met zijn studenten was sterk, vooral in een scène waarin hij alles wat hij heeft aan een student aanbiedt die net is betrapt op het stelen van materiaal uit de klas. Miyazawa's onbaatzuchtige medeleven met de boeren in zijn dorp, zijn zus en andere ongelukkige mensen kunnen voor ons allemaal een les zijn. Bovendien werd Miyazawa's toewijding aan de wetenschap ook mooi weergegeven. In een tijd waarin westerse ideeën nog steeds met scepsis werden ontvangen, vooral in provinciesteden als die waar Miyazawa is opgegroeid, begrijpt hij het nut ervan om zijn dorpsgenoten te helpen en wordt hij geïnspireerd door de elegantie ervan. De manier waarop de film momenten van artistieke passie en teleurstelling bij de schrijver weergaf, was echt intens en goed geïnterpreteerd.
Ik had het gevoel dat de CGI die in de film was verwerkt, weliswaar vernieuwend was, maar in strijd met de meer organische animatie. Je zou kunnen zeggen dat dit met opzet was gedaan om conflicten in de hoofdfiguur weer te geven, maar ik vond het nogal onesthetisch. Ik wou ook dat de film over Miyazawa's ervaringen had gesproken. Het was een film met boeddhistische invloeden, maar hij werkte prima zonder die invloeden.
Ik vond deze film erg goed. Ik geef hem een 9/10, waarbij het ene punt wordt afgetrokken voor de CGI. Verder waren de animatie, de plot en de dialogen allemaal prachtig en oprecht. Ik heb geen andere films van Kawamori Shoji gezien, maar na deze zal ik ze zeker een kans geven.

text_en:
Spirit and Chaos is an artistic biopic of Miyazawa Kenji, a Japanese poet and writer who was active in the early 20th century. The film captures and interprets his artistic method ('sketching' poems), his inspiration (the spirit of nature and its fantastic beauty) and his struggles to accept a harsh reality in the face of his idealist imagination.

The film integrated excerpts of Miyazawa's poems into the plot beautifully. His relationships with his students was powerful, especially in one scene where he offers everything he has to a student who has just been caught stealing materials from the classroom. Miyazawa's selfless compassion for the farmers in his village, his sister and other unfortunate people can serve as a lesson to us all. Furthermore, Miyazawa's devotion to science was also nicely portrayed. In a time when Western ideas were still met with skepticism, especially in provincial towns like the one where Miyazawa grew up, he understands its usefulness in helping his fellow villagers and is inspired by its elegance. The way the film presented moments of artistic passion and disappointment in the writer were truly intense and well interpreted.

I felt that the CGI integrated into the film, while groundbreaking an innovative, clashed with the more organic animation. It could be argued that this was intentional to represent conflict within the main character, but I found it rather unaesthetic. I also wish that the film had discussed Miyazawa's Buddhist influence, but it worked fine without it.

I though this film was very well done. I give it a 9/10, with the one point being deducted for the CGI. Otherwise the animation, plot and dialog were all wonderful and heartfelt. I haven't seen any other films by Kawamori Shoji, but after seeing this one I will be sure to give them a chance.


text:
Ik had nooit gedacht dat ik dit over een biopic zou zeggen, maar er is bijna een overdaad aan personages (vooral met betrekking tot Kenji Miyazawa's emoties) en te weinig letterlijke gebeurtenissen in zijn leven <0xE2><0x80><0x93> tegen het eind weet ik niet zeker of hij doodgaat (dat wordt van hem verwacht), of dat zijn zus uiteindelijk doodgaat (dat wordt van haar verwacht), of dat de regisseur een beetje te veel tijd doorbrengt op de Galactische Spoorweg (dat is een inside joke, voor het geval je het gemist hebt <0xE2><0x80><0x93> Miyazawa schreef een kinderboek met de titel Night on the Galactische Spoorweg). Maar deze blik in de geest van een schrijver die 'poëzie en sprookjes uit zijn verbeelding schetste' is heel intelligent, creatief, onderhoudend en emotioneel sterk. En dat alles ondanks het feit dat iedereen net zo geanimeerd is als een dier (zoals in veel van Miyazawa's verhalen).
Sommige beelden zijn echt verbijsterend, vooral als je bedenkt dat het een tv-film was. Serieus, sommige beelden (zoals de scène met de vogels die blauw licht achter zich aan slepen) zijn bijna net zo goed als Fantasia. Maar ik kan nog steeds niet tegen computeranimatie als die vermengd is met celanimatie. De treinen van CGI zijn afschuwelijk duidelijk <0xE2><0x80><0x93> zelfs nog duidelijker dan de Anastasia-trein.

10/8/10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'10/'

text_en:
I never thought I'd say this about a biopic, but there is a near over-abundance of characterization (especially concerning Kenji Miyazawa's emotions) and too little on the literal occurrences in his life--by the end, I'm not sure if he dies (he's supposed to), or if his sister finally dies (she's supposed to), or if the director spent a little too much time on the Galactic Railroad (that's an inside joke, in case you missed it--Miyazawa wrote a children's book called Night on the Galactic Railroad). However, this glimpse inside the mind of a writer who "sketched poetry and fairy tales from his imagination" is very intelligent, creative, entertaining, and emotionally powerful.

All this despite the fact that everyone is animated as animals (like in many of Miyazawa's stories).

Some of the visuals are truly astounding, especially considering that it was a made for TV movie. Seriously, some of them (like the sequence with birds trailing blue light) rival parts of Fantasia. However, I still can't stand computer animation when it is mixed with cel animation. The CGI trains are horribly obvious--even more so than the Anastasia train.

8/10


text:
Emanuele Crialese heeft fantastisch werk geleverd met een van die films die jarenlang in je achterhoofd blijven hangen. Het was Respiro (zie commentaar en synopsis hier op imdb).
Nu, met de schitterende jonge talenten die hij toen voor het eerst op het witte doek had, brengt hij het publiek in een duistere leegte. Een letterlijke duik in gevaarlijk water. Het onderwerp is migratie. In dit geval van Italië naar de Nieuwe Wereld (de naam van de film). Een groots opgezette titel voor zijn Amerikaanse release: 'The Golden Door'.
Het verhaal van een gezin dat alles achterlaat en de rest op het spel zet <0xE2><0x80><0x93> dat wil zeggen, hun leven <0xE2><0x80><0x93> voor een droom.
Ik vind het vreselijk om de show te bederven door het verhaal te vertellen, dus doe ik dat maar niet.' Ik zal me een beetje verdiepen in het werk dat Crialese en zijn hele team zo briljant hebben gedaan.
Om te beginnen wil hij zich beperken tot wat hij weet: zo veel mogelijk direct geluid. Dat betekent: de hele film. De textuur, de pijn, de nuances van de werkelijkheid zijn altijd vermengd met de geuren, de hitte of de kou, het zweet en het bloed, leven en dood, even levendig als in het echte leven.
Het gepiep van gebogen metaal en knarsend hout, het beruchte gedreun van de wind en de onheilspellende geluiden van grote motoren en scheepshoorns behoren tot de punten die deze film zo boeiend maken.
Cinematografie is in handen van een Franse couturier. De symboliek van het licht is aanwezig vanaf het allereerste shot (alweer bijna het allereerste shot van Respiro) en doordringt de hele film met intimiteit en een verschrikkelijk gevoel van wanhoop. De gedempte klanken en de grauwe, grimmige beelden van mensen die lijden op de krappe, smerige boot waarop ze naar de hoop varen, zijn hypnotiserend.
Licht wordt spaarzaam gebruikt, bijna om elk personage in het donker te ontdekken. De schoonheid van elk shot en elke scène wordt geaccentueerd door de kostuums uit die tijd en de perfect uitgekozen fysieke kenmerken van de acteurs.
Zoals gewoonlijk is Vincenzo Amato weer helemaal alleen. Hij speelt de vader van twee zoons (dezelfde acteurs die vijftien en twaalf waren en nu negentien en zestien zijn) met alle macht die hij altijd overbrengt op zijn zeer complexe personages.
Charlotte Gainsbourg is zo-zo. Ik denk dat ze nooit meer de perfectie heeft bereikt die ze bereikte in The Cement Garden en in haar allereerste film: L'Effrontée.
Misschien komt het gewoon doordat ze een beetje onhandig lijkt in haar rol.
De locaties en decors zijn hard en meeslepend, bijna alsof ze een personage op zichzelf spelen.
Misschien is het meest opmerkelijke personage dat van Filippo Pucillo, de zwijgende jongste zoon. Het contrast met zijn eerste rol is hier compleet. Toen speelde hij een overspannen jongen die net zo meedogenloos was als alles om hem heen. Nu is zijn personage een en al expressie. En dat is alles: geen woorden. Zijn ogen vertellen het hele verhaal met sublieme kracht.
Misschien is dit zo'n film die in de Verenigde Staten niet erg goed ontvangen zal worden. Het is in alles absoluut Italiaans. Het is zo Italiaans dat de taal meestal een van de vele dialecten is die veel ouder zijn dan het Italiaans zelf. In de Verenigde Staten zal deze film misschien een beetje te veel zijn voor Amerikanen vanwege het onderwerp. Maar iedereen die zich het verhaal van zijn familie herinnert toen hij in de Verenigde Staten aankwam, zal deze film met ontzag bekijken. En opnieuw gaat het minimalisme hand in hand met Crialese's ideeën, met een slotscène in het water. Alleen gaat het deze keer van onderwaterfotografie naar luchtfoto's.
Al met al een geweldig en goed verteld verhaal van deze filmmaker, dat dit jaar (2006) pas 6 prijzen heeft gewonnen en genomineerd is voor de Gouden Leeuw. Geen kleinigheid!

text_en:
Emanuele Crialese did a fantastic job with one of those films that linger in the back of your mind for years. It was Respiro (see comments and synopsis here in IMDb).

Now, carrying the magnificent young talents he had for the first time on screen then, he takes the audience into a dark void. A literal plunge into dangerous waters. The subject is migration. In this case, from Italy to the New World (the name of the film). A big deal calling it for its American release "The Golden Door".

The story of a family that leaves everything and risks the rest -that is, their lives, for a dream.

I hate to spoil the show telling the story, so I'll dwell a bit in the work Crialese and all his team did so brilliantly.

First of all, choosing to stick to what he knows: direct sound as much as possible. This means, the whole film. The textures, the pain, the nuances of reality are always mingled with the smells, the heat or the cold, the sweat and the blood, life and death, as vibrantly as it is in real life.

The squeaks of bent metal and grinding wood, the infamous drone of the wind and the ominous sounds of big engines and ship horns are among the points that make this film so involving.

Cinematography is in the hands of a French couturier. The symbolism of light is present from the very first shot (again, almost the very first shot from Respiro) and pervades throughout the film with intimacy and a terrible sense of desperation. The subdued tones and the very gray and grim depictions of people suffering the cramped and filthy boat they sail to hope is mesmerising.

Light is used sparsely, almost to discover every character in the dark. The beauty of every shot, and every scene is accentuated by the period costumes and the perfectly selected physical features of the actors.

Again, as he usually does, Vincenzo Amato is definitely on his own. He plays the father of two sons (the same actors who were fifteen and twelve and now are nineteen and sixteen) with all the power he always conveys to his very complex characters.

Charlotte Gainsbourg is so-so. I guess she's never achieved again the perfection she reached in The Cement Garden and in her very first film: L'Effrontée.

Maybe it's just that she seems a bit awkward in her role.

The locations and sets are harsh and compelling, almost playing a character on their own.

Maybe the most remarkable character is the one played by Filippo Pucillo, the mute younger son. The contrast here with his first role is complete. Then, he played a supercharged kid that was as relentless as anything around him. Now, his character is all expression. And just that: no words at all. His eyes tell the whole story with sublime power.

Maybe this is one of those films that will not be very well received in the States. It's absolutely Italian in everything. It's so Italian that most of the time, the language is one of the many dialects that is much older than Italian itself. In the USA this film may be a bit too much for Americans because of the subject. But anyone who remembers the story of their families when they arrived in the States, will see this films with awe.

And, again, the minimalism that goes hand in hand with Crialese's ideas is back with a closing scene in the water. Only this time it goes from underwater photography to aerial.

All in all, another great and very well told story from this filmmaker that only this year (2006) has collected 6 prizes and was nominated for the Golden Lion. Not a small deed!


text:
Door de expressieve cinematografie van Agnes Godard (Beau Travail) is de _Golden Door_ een visueel treffend gedicht dat de reis volgt van een boerengezin dat rond de eeuwwisseling van hun primitieve huis op Sicilië naar Ellis Island in New York reist. Het is een surrealistische, raadselachtige, vaak vreemde, maar uiteindelijk zeer bevredigende ervaring. De nieuwste film van Emanuele Crialese (Respiro) combineert droomachtige en symbolische beelden met korrelig realisme en is als een impressionistisch schilderij <0xE2><0x80><0x93> een filmische weergave van hoe het immigratieproces voor onze ouders en grootouders moet zijn geweest. Crialese kwam in contact met het museum op Ellis Island, met de gezichten van de immigranten op de foto's die hij zag en met zijn onderzoek naar het harde beleid en de procedures die bij de toelating van immigranten werden gevolgd.

Geleid door brieven die hij las over immigranten die naar familieleden werden gestuurd die thuisbleven, identificeerde Crialese zich met de verarmde immigranten die in staat waren de positieve kant van de dingen te zien. Voor Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato) en zijn oudste zoon Angelo (Francesco Casisa) is Amerika een verre droom waar ze niets van weten. Nadat ze een rotsachtige berg hebben beklommen om tot de heiligen te bidden om een teken, worden ze beloond met een prentbriefkaart van Salvatore. Salvatores jongste zoon, Pietro (Filippo Pucillo), een doofstomme, die de nieuwe wereld afbeeldt als een land waar ze kunnen baden in rivieren van melk, onder een geldboom kunnen zitten of reuzenuien en wortelen kunnen oogsten.
Nadat ze hun dieren hebben afgestaan in ruil voor schoenen en pakken, vertrekken Salvatore, zijn twee zoons en zijn bejaarde moeder Fortunata (Aurora Quattrocchi) met meer hoop dan angst voor hun avontuur, maar al snel gaat het de andere kant op. Als ze aan boord van de boot gaan en in hun overvolle derdeklascompartiment gaan zitten, vindt de meest besproken scène van de film plaats. Met behulp van een camera aan het plafond die massa's mensen laat zien terwijl het schip wegvaart, is het beeld verdeeld in de mensen aan boord van het schip en de mensen die vanaf de kade naar hen zwaaien, en de manier waarop ze van elkaar gescheiden zijn, suggereert dat ze uit elkaar worden gerukt van alles wat vertrouwd is.
Aan boord van het schip bevindt zich een mysterieuze Engelse vrouw die Lucy heet (Charlotte Gainsbourg). Crialese vertelt niet over haar verleden of de reden waarom ze naar Amerika reist, maar ze lijkt te staan voor het begin van de moderne wereld die ze gaan betreden. Hoewel ze elkaar behoedzaam in de gaten houden, raakt Lucy geïnteresseerd in Salvatore en vraagt ze hem met haar te trouwen zodat ze het land in mag. De reis is verraderlijk door een hevige storm die tegen het schip beukt. In bijna volledige duisternis worden de passagiers in het tussendek tegen de zijkant van de boot gesmeten en daarna liggen lichamen verstrengeld en verwrongen op de vloer als in een macabere Totentanz. Het doorkruisen van de immigratieprocedure op Ellis Island wordt er niet gemakkelijker op en Crialese valt aan op de manier waarop ongeletterde boeren, in naam van het 'beschaafde' gemeenschapsleven, gedwongen zijn puzzels in elkaar te zetten, wiskundige taken uit te voeren en vernederende medische onderzoeken te ondergaan om te bewijzen dat ze 'fit' zijn.
Een huwelijksceremonie voelt als een veiling en de jonge vrouwen zien er terneergeslagen uit als ze worden gekoppeld aan te dikke mannen van middelbare leeftijd. Dit is echter de enige manier waarop ze de 'Gouden Deur' kunnen betreden, aangezien alleenstaande vrouwen worden afgewezen tenzij ze een partner hebben, zogenaamd om de dreiging van prostitutie te voorkomen. Door de mist kunnen de immigranten het land van melk en honing nauwelijks zien en er is geen Vrijheidsbeeld dat om de vermoeide en arme mensen vraagt, de nederige massa's die ernaar snakken om vrij te kunnen ademen. In hun verbeelding stroomt de rivier echter nog steeds, wachtend tot ze erin springen. Hoewel het einde dubbelzinnig is en de ene deur uitkomt op een kale muur, symboliseert een andere deur een wedergeboorte van de ziel en de overgang die we allemaal moeten maken van de oude wereld naar de nieuwe.

text_en:
Enhanced by the expressive cinematography of Agnes Godard (Beau Travail), Golden Door is a visually striking tone poem that follows the journey of a peasant family from their primitive home in Sicily to Ellis Island in New York at the turn of the century. It is a surreal, enigmatic, often strange, but ultimately deeply rewarding experience. Interweaving dreamlike and symbolic imagery with gritty realism, the latest film by Emanuele Crialese (Respiro) is like an impressionistic painting - a cinematic artist's rendering of what the immigration process may have been like for our parents and grandparents. Crialese's "magical, mystery tour" came about as a result of his visit to the museum on Ellis Island, the looks on the faces of the immigrants depicted in photographs he saw, and his research into the harsh policies and procedures used during the admission of immigrants.

Guided by letters he read of immigrants sent to relatives who remained at home, Crialese identifies with those impoverished immigrants who were able to see the positive side of things beyond their ordeal. To Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato) and his older son Angelo (Francesco Casisa), America is a distant dream that they know nothing about. After climbing a rocky mountain to pray to the saints for a sign, they are rewarded when they are shown post cards by Salvatore's younger son, Pietro (Filippo Pucillo), a deaf mute, that depict the new world as a land where they can bathe in rivers of milk, sit under a money tree, or harvest giant onions and carrots.

After disposing of their animals in exchange for shoes and suits, Salvatore, his two sons, and his elderly mother Fortunata (Aurora Quattrocchi) set out on their adventure with more hope than trepidation but the equation soon shifts the other way. As they board the boat and settle into their crowded third-class steerage compartments, the most-talked about scene in the film takes place. Using an overhead camera that shows masses of people standing, as the ship pulls away, the frame is divided into those aboard the ship and those waving goodbye from the dock and the way they are separated implies they are being torn asunder from everything familiar.

Aboard the ship is a mysterious English woman named Lucy (Charlotte Gainsbourg). Crialese does not reveal her past or the reason she is traveling to America but she seems to stand for the onset of the modern world they are entering. Though they eye each other cautiously, Lucy becomes interested in Salvatore and asks him to marry her in order to allow her to enter the country. The voyage is treacherous with a violent storm buffeting the ship. Shot in almost complete darkness, passengers in steerage are tossed against the side of the boat and, afterward, bodies lie tangled and twisted on the floor as if in a macabre Totentanz. The rite of passage through immigration processing at Ellis Island does not become any easier and Crialese attacks the way illiterate peasants, in the name of preserving "civilized" society, are forced to put puzzles together, perform mathematical tasks, and undergo humiliating medical examinations to prove they are "fit".

A marriage brokering ceremony feels like an auction block and the young women look despondent when they are matched with overweight middle-aged men. This is the only way they can enter the "Golden Door", however, since single women are rejected unless they have partners, ostensibly to prevent the threat of prostitution. Through the fog the immigrant's can barely see the land of milk and honey and there is no Statue of Liberty asking for the tired and the poor, the humbled masses yearning to breathe free. In their imagination, however, the river is still flowing, waiting for them to jump in. Though the ending is ambiguous and one door opens on to a blank wall, another door symbolizes a rebirth of the soul and the passage we must all take from the old world to the new.


text: Dit is kersttijd! Een kerstfeest in termen van wedergeboorte, of dat is tenminste te hopen met betrekking tot de Italiaanse bioscoop. Het is zo'n 30-40 jaar geleden dat de Italiaanse bioscoop nog geen kunststuk van dit formaat produceerde. Dit is een absoluut eigentijdse film die ook op hetzelfde niveau van kwaliteit kan worden beschouwd als de Italiaanse meesterwerken uit het verleden, om maar eens een naam te noemen. En ten slotte is dit ook een grote productie voor de Italiaanse maatstaven van die tijd. In deze film is er een zeldzaam evenwicht van verschillende elementen, die allemaal op verschillende niveaus begrijpelijk en aangenaam zijn. Echte poëzie, echte humor, echte tederheid, echt drama, echte schoonheid. Geen retoriek, geen gemakkelijke, surrealistische verkorte versies, geen typisch toeristisch, Tornatore-achtig gefantaseer, geen overmatig acteerwerk, geen autoreferenties van de regisseur. Er is ook een koel gebruik van twee hartverscheurende Nina Simone-liedjes, waarvan de muziek, naar ik meen, nooit op de juiste manier voor een score is gebruikt. Dus als dit geen echte opleving voor de Italiaanse film zal zijn, dan is het een buitengewone ontwikkeling voor Emanuele Crialese na zijn 'Respiro', een ontegenzeggelijk mooie film. 'Nuovomondo' mag niet worden gemist, het is dat soort'medicijnfilm' die je helpt om te genieten van het filmen, film kijken, helpen om te genieten en het leven te begrijpen. Francesco Cabras.

text_en: This is Christmas time! A nativity in terms of rebirth, or at least this is what can be hoped regarding the Italian cinema. It was something like 30-40 years that the Italian cinema didn't craft an art piece of this size. This is an absolute contemporary film that can be also regarded at the same level of quality as the Italian masterpieces of the past, needless to quote any name. And finally this is also a big production for Italian standards of the time. In this movie there is a rare balance of different elements, all of them understandable and enjoyable at different levels of fruition. Real poetry, real humor, real tenderness, real drama, real beauty. No rhetoric, no easy surreal shortcuts, no typical touristic Tornatore-like picturing, no over acting, no director autoreferentialism. There is also a cool use of two heartbreaking Nina Simone's songs, whose music, I reckon has never been used in a proper way for a score. So if this will not be a real reviveing for the Italian cinema it is an extraordinary evolution for Emanuele Crialese after his 'Respiro' another definitive beautiful film. 'Nuovomondo' is not to be missed, it is that kind of 'medicine film' helpful to enjoy movie-making, movie watching, helpful to enjoy and understand life. Francesco Cabras


text:
De Gouden Deur (NUOVOMONDO) is voor deze kijker de mooiste film van het jaar tot nu toe. Het is een meesterwerk van concept, scenario, regie, acteerwerk en filmografie. Belangrijker nog, deze stralende, prachtige film is een hard nodige reflectiespiegel voor ons om de geschiedenis van de immigratie van 'buitenlanders' naar Amerika te bekijken in een tijd waarin het woord 'grenslanders' al een politieke lont in het kruitvat is. Schrijver/regisseur Emanuele Crialese heeft ons niet alleen een diep ontroerend verhaal gegeven, hij heeft ook een toetssteen geleverd voor de kijkers om de geschiedenis van elk van onze oorsprongen opnieuw te bezoeken: met uitzondering van de indianen zijn we allemaal als 'buitenlanders' Amerika binnengekomen. op een bepaald moment in onze geschiedenis, en het is deemoedig om deze film met dat feit in gedachten te bekijken.
De film begint op het einde van de eeuw op Sicilië, als de door armoede getroffen weduwnaar Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato) en zijn broer Angelo (Francesco Casisa) een rotsachtige heuvel beklimmen om hun aandenkens aan het kruis te overhandigen en een teken te vragen of ze moeten blijven vechten voor hun bestaan op het eiland of naar Amerika moeten gaan, het land van dromen. De doofstomme zoon Pietro (Filippo Pucillo) rent naar de top van de heuvel met ansichtkaarten die hij heeft gevonden met afbeeldingen van Amerika (geld dat aan bomen groeit, vruchten en groenten die groter zijn dan mensen, enz.) en Salvatore accepteert dat als teken dat hij met zijn gezin naar Amerika moet verhuizen. Nadat hij zijn onwillige moeder Fortunata (Aurora Quattrocchi) en zijn zussen Rita (Federica De Cola) en Rosa (Isabella Ragonese) heeft overgehaald om de reis te maken, verkoopt hij zijn enige bezittingen (twee ezels, geiten en konijnen) en regelt de man met de boot hun reis. Hij geeft het gezin schoenen, passende kleding en instructies om aan boord te gaan van een oceaanstomer als derdeklaspassagier. Als het gezin Mancuso aan boord gaat, wordt hun gevraagd om een foto te maken, en terwijl ze achter een geschilderde achtergrond poseren, loopt een Engelse vrouw, Lucy/Luce (Charlotte Gainsbourg) de foto in alsof ze deel uitmaakt van dit boerengezin. Lucy kan niet zonder mannelijk escorte aan boord gaan voor Amerika.
De reis begint en op haar vriendelijke manier maakt Luce kennis met het gezin Mancuso. Als ze in Amerika aankomen, maakt ze haar veilige overtocht definitief door Salvatore voor te stellen met haar te trouwen 'voor het gemak, niet uit liefde'. Tijdens een hevige storm en de ontstellend armoedige leefomstandigheden, overleven de vele derdeklaspassagiers de storm. Ze krijgen een band met elkaar en komen uiteindelijk op Ellis Island aan, in de overtuiging dat hun droom over Amerika is uitgekomen. Maar iedereen moet aan strenge fysieke tests, ontluizingstests en zelfs intelligentietests worden onderworpen om vast te stellen of ze Amerika kunnen betreden: de autoriteiten laten hun weten dat Amerika geen genetisch inferieure mensen in de nieuwe wereld wil! Elke vrouw moet door een man worden uitgekozen om op Ellis Island te trouwen voordat ze wordt toegelaten. De manier waarop de familie Mancuso een eenheid blijft vormen, tot een enigszins verrassend einde van het verhaal, is de afsluiting van het verhaal.
<0x3E> Weinigen van ons begrijpen de strenge regels en strenge behandeling die immigranten op Ellis Island te wachten staan (of op zijn minst te wachten staan rond de eeuwwisseling), en als we dat wel doen, hebben we ervoor gekozen die informatie te verzwijgen. Maar afgezien van alle politieke kwesties is THE GOLDEN DOOR in de eerste plaats een film van enorme schoonheid, schitterende fotografie, door een enorme groep acteurs en actrices invoelende optredens, en een zeer gevoelig geschreven en gefocust verhaal. Het is een film die een brede distributie verdient, een film die iedereen moet zien. Zeer aanbevolen.

text_en:
THE GOLDEN DOOR (NUOVOMONDO) is for this viewer the finest film of the year to date. It is a masterpiece of concept, writing, directing, acting and cinematography. More importantly, this radiantly beautiful film is a much needed reflective mirror for us to view the history of immigration of 'foreigners' into America at a time when the very mention of the word 'borders' is a political fuse. Writer/director Emanuele Crialese has given us not only a deeply moving story, he has also provided a touchstone for viewers to re-visit the history of each of our origins: with the exception of the Native Americans, we all entered America as 'foreigners' at some point in our histories, and it is humbling to view this film with that fact in mind.

The film opens in turn of the century Sicily as poverty stricken widower Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato) and his brother Angelo (Francesco Casisa) climb a rocky hill to present their tokens to the cross to ask for a sign as to whether they should continue to struggle for existence on the island or go to America, the land of dreams. Mancuso's deaf mute son Pietro (Filippo Pucillo) runs to the top of the hill with postcards he has found with images of America (money growing on trees, fruits and vegetables larger than people, etc), and Salvatore accepts this as the sign that he should move his family to America. After convincing his reluctant mother Fortunata (Aurora Quattrocchi) and his sisters Rita (Federica De Cola) and Rosa (Isabella Ragonese) to make the trip, he sells his only possessions (two donkeys, goats, and rabbits) and the man with the boat arranges their trip, giving the family shoes, appropriate clothing, and instructions to board an ocean liner as third class passengers. As the Mancuso family prepares to board they are asked for a photograph, and as they pose behind a painted set, an Englishwoman Lucy/Luce (Charlotte Gainsbourg) walks into the photo as though she were part of this peasant family. Lucy cannot board the boat for America without male escort.

The voyage begins and Luce in her gentle way identifies with the Mancuso family, finally solidifying her safe passage by proposing to Salvatore to marry her 'for convenience, not for love' when they arrive in America. Through a violent storm and living conditions that are appalling poor, the multitude of third class passengers survive, bond, and eventually arrive at Ellis Island, believing their dream of America has been fulfilled. But everyone must pass harsh physical tests, de-lousing, and even intelligence testing to determine if they can enter America: the officials let them know that America does not want genetically inferior people entering the new world! Each woman must be selected by a man to marry on Ellis Island before they are allowed admission. The manner in which the Mancuso family remains united until a somewhat surprising ending is the closing of the tale.

Few of us understand the strict rules and harsh treatment immigrants face (or at least faced at the turn of the century) on Ellis Island, and if we do we have elected to submerge that information. THE GOLDEN DOOR presents the case for immigrants' struggles in a manner that not only touches our hearts but also challenges our acceptance of current immigration legislation. But all political issues aside, THE GOLDEN DOOR is first and foremost a film of enormous beauty, exquisite photography, deeply felt performances by a huge cast, and a very sensitively written and directed story. The is a film that deserves wide distribution, a movie that is a must see for everyone. Highly recommended. Grady Harp


text: Ik had net de gelegenheid om 'Nuovomondo' te zien (tot nu toe in de Verenigde Staten bekend als 'De Gouden Deur'), en ik was erg onder de indruk van het dromerige & af en toe surrealistische verhaal over een familie die in het begin van de twintigste eeuw van Sicilie naar de Verenigde Staten emigreert. Het werkte ook goed als een (verplichte) middelvinger in de oogbal van de Binnenlandse Veiligheidsdienst (bij voorkeur helemaal tot aan de 3e knokkel), in de voorstelling van de slechte behandeling van buitenlanders die alleen maar een beter leven willen dan ze van hun oorspronkelijke moederland krijgen. Dit is een rustige, ingehouden film die heerlijk is om naar te kijken (het af en toe gebruiken van het surrealisme is altijd een genoegen), terwijl het scenario goed geschreven is. Dit is een film voor mensen die genoeg hebben van het stompzinnige escapisme van Hollywood en die weinig meer doen dan popcorn verkopen (niet dat ik een gloeiende hekel heb aan popcorn, hoor, ik ben er dol op). Je zou er verstandig aan doen om Nuovomondo/De Gouden Deur (of hoe het in jouw gebied ook heet) eens op te zoeken.

text_en: I just had the opportunity to see 'Nuovomondo' (hitherto known in the U.S. as 'The Golden Door'), and was very impressed by both it's dreamy & occasionally surreal tale of a family that immigrates from Sicially to the U.S. in the early days of the 20th century. It also worked as a (proverbial)middle finger jammed into the eyeball of Homeland Security (preferably all the way up to the 3rd knuckle),in it's depiction of the ill treatment of foreigners who just want a better life than they were getting from their original mother land. The (mostly) Italian cast, with a few exceptions works well. This is a quiet,understated film that is lovely to look at (the occasional,but tasteful use of surrealism is always a pleasure),while the screenplay is well written. This is a film for those who are sick & tired of mindless escapism from Hollywood that serves little more than to sell popcorn (not that I have any burning issues with popcorn,mind you!---I actually love the stuff). You would do wise to seek out Nuovomondo/The Golden Door (or whatever it's being titled in your area).


text:
Deze film is een impressionistische, poëtische kijk op de immigrantenervaring, een bespiegelende blik op de beroering en de angst die met emigratie in verband kunnen worden gebracht. Dit zijn aspecten die in films over emigratie naar Amerika in het bijzonder en naar enig ander land in het algemeen niet vaak aan de orde komen, en de film geeft levendig en overtuigend een beeld van de nervositeit en het enthousiasme, zij het dan van onwetendheid, die arme, ongeletterde Siciliaanse immigranten hebben in afwachting van hun emigratie naar de Verenigde Staten.
Ze hebben enkele fantastische, onrealistische ideeën over de Verenigde Staten die tijdens de reis worden verspreid. Een ervan is dat de rivieren van melk zijn, een beeld dat in de film tot een poëtisch, impressionistisch effect wordt weergegeven. De film bevat geen geluid en de stilte lijkt een weerspiegeling van het onbehagen over de onwetendheid van de plaatselijke bevolking over het leven in Amerika, of zo niet onwetendheid ervan, dan toch een visioen dat significant gekleurd is door bijgeloof en fantasie.
Dat gezegd hebbende, schetst de film met schokkend realisme de boottocht naar de Verenigde Staten en het intakeproces dat de aankomst op Ellis Island moest ondergaan. De boottocht wordt voorgesteld als nogal saai, wat ongetwijfeld een groot deel van de tijd was. De verblijven waarin de nieuwe bewoners slapen, worden afgebeeld als buitengewoon vol met bedden die op een afstand van tien of vijftien centimeter van elkaar staan en waar veel licht ontbreekt, wat benedendeks ongetwijfeld het geval was. Opnieuw wordt de film niet aangevuld met ongepaste muziek of overdreven felle verlichting, en het resultaat is een vrij realistische voorstelling van hoe het was voor mensen die naar de Verenigde Staten emigreerden. De dorpelingen mogen dan niet van deze wereld zijn, maar ze zijn heel redelijk, en de omgang met de oudste van de emigranten, Fortunata (Aurora Quattrocchi) en de immigratiebeambte die op bepaalde resultaten staat, is heel bitterzoet omdat ze niet verdund of verzacht wordt ten behoeve van een stroperig slot, en je ziet de versmelting van het realisme van Sicilië met de uitgebreide voorschriften die het leven in de Verenigde Staten beheersen. De immigranten en hun verhaal zijn heel interessant, en de combinatie van het koele realisme en de magische fantasie van de verbeelding van de mensen zorgt voor een overtuigend beeld van de overtuigingen van de Sicilianen, of van welk volk dan ook, dat weinig formele opleiding heeft genoten in de Verenigde Staten. Het acteren is net zo onbeholpen; het is helemaal niet demonstratief of opzichtig, maar lijkt er des te realistischer door. Dat gezegd hebbende, zijn alle hoofdrolspelers, met name Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato), uitstekende leiders van de groep. Hoewel hij nooit glimlacht, spreken de daden van zijn personage veel luider en het is duidelijk dat de andere leden van de groep, zijn twee zoons en de bovengenoemde oude Fortunata, de jongens, (gelukkig) veel luider spreken. Amato's karakter is doordrenkt van fatsoen en oprechtheid, en het getuigt van zijn bekwaamheid dat zijn karakter zo bekwaam en zelfverzekerd lijkt, terwijl zijn karakter weinig emotie verraadt.
Een van de vreemde kanten van de film is een toevallige ontmoeting met een mysterieuze Engelse vrouw (de voortreffelijke en toepasselijk mysterieuze Charlotte Gainsbourg) die Italiaans spreekt, en gedurende de hele film vragen we ons af waarom ze naar de Verenigde Staten gaat en wat haar connectie is met de overigens unanieme Siciliaanse emigrantengroep. Aan het eind wordt dit eindelijk onthuld, en de onthulling wordt op een realistische manier gedaan en lijkt niet bijzonder melodramatisch of opzichtig.
De film wordt geregisseerd door Emmanuel Crialese, die een stevige greep heeft op de realistische, zij het soms bijgelovige wereldvisie die zijn personages bewonen en die hij vakkundig en vol vertrouwen presenteert. Het is in feite fantastisch vertrouwen, gezien de onhandige combinatie van realisme en bijgeloof in de film. Het is een waardig onderzoek naar de ervaringen van immigranten.

text_en:
This film is an impressionistic, poetic take on the immigrant experience, a reflective look at the turmoil and fear which might be associated with emigrating. These are aspects not often considered in movies about emigration to America in particular and to to any country more generally and the film vividly and convincingly depicts the nervousness and enthusiasm, if ignorance, that poor, illiterate Sicilian immigrants have in anticipation of their emigration to the United States.

They have some fantastic, unrealistic notions about the United States which are disseminated on the trip over. One is that the rivers run with milk, an image which is depicted in the movie to poetic, impressionistic effect. The film is devoid of sound and the silence seems to reflect the uneasiness of the ignorance the locals have about life in America, or if not ignorance of it, a vision significantly colored with superstition and fantasy.

That said, the movie depicts with jolting realism, the boat ride to the United States and the intake process which arrivals at Ellis Island had to undergo. The boat ride is imagined as rather dull which surely it was much of the time. The quarters in which the incoming residents sleep is depicted as extremely crowded with beds spaced four or five inches from one another and lacking much light, which it was surely the case below deck.

Again, the film is not supplemented with undue music or excessively bright lighting and the effect is to create a fairly realistic imagining of what it was truly like for people emigrating to the United States. The villagers may not be worldly, but they are quite reasonable, and the interaction with the eldest of the emigrants, Fortunata (Aurora Quattrocchi) with the immigration officer who insists on particular results, are quite bittersweet inasmuch as they are not diluted or softened for the benefit of a syrupy conclusion and one sees the melding of the realism of Sicily with the extensive regulations which guide life in the United States.

The immigrants and their story are very interesting and the combination of cold-eyed realism and the magical fantasy of peoples' imaginations make for a persuasive vision of the beliefs held by Sicilians, or any people, with little formal education moving to the United States. The acting is similarly barebones; it is not at all demonstrative or showy, but seems the more realistic for it. That said, all the main performers, in particular Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato), the clear leader of the group is excellent. While never smiling, his character's actions speak much louder and it is clear that (thankfully) the other members of the group, his two sons and the above mentioned elder Fortunata, the boys' grandmother, have faith in his leadership abilities and respect his clear leadership. Amato imbues his character with great decency and forthrightness and it is a testament to his abilities that his character appears so capable and confident while his character betrays very little emotion.

One oddness of the film is a chance encounter with a mysterious Englishwoman (the excellent and fittingly mysterious Charlotte Gainsbourg) who speaks Italian and, during the entire film, we wonder why she is going to the United States or what connection she has to the otherwise unanimously Sicilian emigrant group. At the end, this is finally revealed and the revelation is done typically realistically and does not seem particularly melodramatic or showy.

The film is directed by Emmanuel Crialese who has a firm grasp on the realistic, if sometimes superstitious world view his characters inhabit and presents it competently and confidently. It is in fact fantastically confident given how awkwardly the realism and superstition might have combined in the film. It is a worthy examination of the immigrant experience.


text:
Een paar dagen geleden, in Rome, heeft een jonge Roemeen met criminele precedenten een dame van middelbare leeftijd die na een middagje winkelen thuiskwam, aangevallen en doodgemarteld. Een Roemeens meisje, dat alles had gezien, vertelde wat er was gebeurd.
Daarom begon er een discussie over de veel te grote stroom immigranten uit Roemenië, waarbij ze hen als misdadigers bestempelden, iedereen, zonder onderscheid.
Ik ben pas vijftien, maar ik dacht: wat voor idee van welstand geeft Italië deze arme mensen? Hoe kunnen ze ons ooit beschouwen als het land van overvloed? Gisteravond zag ik eindelijk NUOVOMONDO, en mijn vraag had een antwoord. Als je alleen maar een ezel en een paar geiten hebt, maken die propagandabriefkaarten met daarop de Verenigde Staten als een land met melkrivieren en enorme groenten, zo'n indruk.
NUOVOMONDO is echt een must-see. De film balanceert op het randje van een etherische symboliek (melkrivieren, toneelspel, harde, rotsachtige bergen, de naam en het personage Lucy/Luce) en een wreed realisme (de massa hoopvolle mensen op het schip, de procedures op Ellis Island). Er is een gemengde cast, van de engelachtige Charlotte Gainsbourg tot de realistische Vincenzo Amato, tot een verbitterde en verpletterende Aurora Quattrocchi als de moeder.

text_en:
Some days ago, in Rome, a young Romanian man with criminal precedents assaulted and tortured to death a middle-age lady coming back home after an afternoon of shopping. A Romanian girl, who had seen everything, reported what happened.

Therefore, it started a debate about the too much intense flow of immigrants from Romania, generalizing them as criminals, everyone, indiscriminately.

I'm only 15, but I thought: what idea of affluence does Italy give to these poor people? How ever do they regard us as the Land of Plenty? Yesterday evening I finally saw NUOVOMONDO, and my question had an answer. When you have only a donkey and some goats, those propaganda postcards showing United States as a land with milk rivers and huge vegetables, makes such an impression.

NUOVOMONDO is really a must-see film. It balances an ethereal symbolism (milk rivers, glances' play, hard and rocky mountains, the name and character Lucy/Luce) and a cruel realism (the mass of hopeful people on the ship, the procedures at Ellis Island). There's a mixed cast, going from the angelic Charlotte Gainsbourg to the realistic Vincenzo Amato, till a bitter and smashing Aurora Quattrocchi as the mother. But was it really so hard to enter in the New World?


text:
Nuovomondo (2006) werd geschreven en geregisseerd door Emanuele Crialese. Deze film is anders <0xE2><0x80><0x93> en volgens mij beter <0xE2><0x80><0x93> dan de meeste films over verarmde mensen die Europa verlaten en naar de Verenigde Staten komen.
De film begint met scènes in een arm, landelijk deel van Sicilië. We horen altijd dat Sicilië een rotsachtig eiland is, maar de implicaties van die zin zul je pas begrijpen als je het eerste halfuur van 'The Golden Door' ziet.
Het middelste deel van de film is gewijd aan de lange reis naar de Verenigde Staten. De meeste immigratiefilms laten ons tien minuten zien van mensen in de derdeklassectie die zeeziek worden en daarna het Vrijheidsbeeld zien. Niet deze film <0xE2><0x80><0x93> we krijgen een idee van het leven benedendeks, en dat is niet charmant. (En het Vrijheidsbeeld zien we ook niet echt.)
Uiteindelijk zal de gemiddelde film ons nog tien minuten Ellis Island laten zien, en daarna lopen de immigranten door de Lower East Side van New York. Hier niet <0xE2><0x80><0x93> de Ellis Island-ervaring neemt ongeveer een derde van de film in beslag.
Vincenzo Amato is uitstekend als Salvatore Mancuso, die zijn twee zoons en zijn moeder naar de nieuwe wereld brengt. Charlotte Gainsbourg is net zo goed als Lucy Reed, een mysterieuze Engelse vrouw die ook vloeiend Italiaans spreekt.
Er zitten een paar vreemde trekjes in de film, vooral de soundtrack met liedjes van Nina Simone. Er moet enige symboliek in zitten, maar ik kan er geen touw aan vastknopen.
Een andere recensent heeft er al op gewezen dat deze film beter in de bioscoop bekeken kan worden dan op dvd. Maar toch, groot of klein scherm, het is de moeite waard om het uit te zoeken.

text_en:
"Nuovomondo (2006)" (shown in the U.S. as "The Golden Door") was written and directed by Emanuele Crialese. This film is different--and, I think, better--than most movies about impoverished people who leave Europe and come to the United States.

The film begins with scenes in a poor, rural region of Sicily. We always hear that Sicily is a rocky island, but you won't really understand the implications of that phrase until you see the first half-hour of "The Golden Door."

The middle section of the film is devoted to the long voyage to the U.S. Most immigration films show us ten minutes of people in the third-class section becoming seasick, and then show us the Statue of Liberty. Not this movie--we get a sense for life below decks, and it isn't charming. (We never actually see the Statue of Liberty, either.)

Finally, the typical movie will give us another ten minutes of Ellis Island, and then the immigrants are walking through New York's Lower East Side. Not here--the Ellis Island experience occupies about one-third of the footage.

Vincenzo Amato is outstanding as Salvatore Mancuso, who is bringing his two sons and his mother to the new world. Charlotte Gainsbourg is equally good as Lucy Reed, a mysterious Englishwoman who also speaks fluent Italian.

There are some strange touches in the movie, especially the sound track with songs by Nina Simone. There must be some symbolism there, but I couldn't make sense of it.

Another reviewer has already pointed out that this film will do better viewed in a theater rather than on DVD. Still, large screen or small screen, it's worth seeking out.


text:
De Gouden Deur is het verhaal van de reis van een Siciliaanse familie van de Oude Wereld (Italië) naar de Nieuwe Wereld (Amerika). Salvatore, een man van middelbare leeftijd die hoopt op een vruchtbaarder leven, haalt zijn familie over om hun vaderland achter te laten op Sicilië, de zware reis over de woeste zee te maken en te gaan wonen in een land waarvan men zegt dat de rivieren er vol melk stromen. Kortom, ze geloven dat hun dromen van voorspoed vervuld zullen worden door alles op het spel te zetten voor de Nieuwe Wereld. De beeldspraak van de Nieuwe Wereld is optimistisch, slim en zeer fantasievol. Het verhaal speelt zich af in de Nieuwe Wereld; er wordt getoond hoe wortelen en uien die twee keer zo groot zijn als mensen worden geoogst om rijkdom en gezondheid te suggereren, en rivieren van melk worden naar binnen gezwommen en stromen door de geest van degenen die anticiperen op wat de Nieuwe Wereld te bieden heeft. Al deze beelden zijn surrealistisch verweven met de personages en helpen het korrelige realisme dat het verhaal voor het publiek ontvouwt goed tot uiting te brengen. Het contrast tussen deze beelden en de duistere realiteit van het Siciliaanse volk geeft hun hoop terwijl ze aan boord van het schip naar de Nieuwe Wereld zijn.
De reis naar de Nieuwe Wereld wordt bijna in het pikkedonker opgenomen, vooral wanneer de zeeën bulderen en de mensen in het schip bijna omkomen. De duistere realiteit waar ik op doelde is de Oude Wereld en de reis zelf naar de Nieuwe Wereld. De Oude Wereld wordt afgebeeld als enigszins berooid en primitief. Dit wordt getoond terwijl Salvatore zich inspant om de weinige bezittingen die hij nog heeft (ezels, geiten en konijnen) te verkopen om de passende kleding te krijgen die hij nodig heeft om de Nieuwe Wereld te betreden. Ik vond het nogal interessant dat deze mensen geloofden dat ze zich aan een bepaalde kledingvoorschriften moesten houden om geaccepteerd te worden in de Nieuwe Wereld; het leek bijna alsof ze vonden dat mensen zich aan een bepaald stereotype of keurslijf moesten houden om als moreel verantwoord te worden beschouwd. Het krachtigste beeld in de film is dat van het schip dat zijn thuisland verlaat en koers zet naar de Nieuwe Wereld. Op deze opname is een panorama te zien van een menigte mensen die zich langzaam van elkaar lijken los te maken, wat de scheiding tussen de Oude en de Nieuwe Wereld verbeeldt. Deze opname suggereerde ook dat de mensen werden weggerukt van alles wat hun ooit vertrouwd was, dat ze zich wilden losmaken van hun vroegere duistere levensomstandigheden en verlangend waren een wereld te betreden die meer belofte inhield.
Zoals later in contrast staat met hoe de Nieuwe Wereld er visueel uitziet, lijkt de Oude Wereld donker en somber in vergelijking met de heldere, maar mistige Nieuwe Wereld. Ik vond het bijzonder interessant dat het Vrijheidsbeeld op Ellis Island nooit door de mist te zien is, maar verborgen blijft. Ik denk dat dit een opzettelijke keuze was om de aandacht af te leiden van het doel waar het Vrijheidsbeeld voor staat: 'Geef mij uw armen, uw vermoeiden, uw hongerigen' leek een grap ten aanzien van wat deze mensen moesten doormaken toen ze in de Nieuwe Wereld aankwamen. Toen ze eenmaal in Amerika waren aangekomen, moesten ze nogal vernederende tests ondergaan (d.w.z. ontluizing, wiskunde, puzzels, enz.) om te bewijzen dat ze geschikt waren voor de Nieuwe Wereld. Deze tests veranderden de perspectieven van het Siciliaanse volk volledig. Salvatores moeder had de grootste moeite om zich te onderwerpen aan de regels en wetten van de Nieuwe Wereld, omdat ze zich meer geschonden voelde dan dat ze met respect werd behandeld. Waar hun dromen ooit hoop en optimisme boden voor wat de Nieuwe Wereld zou brengen, was de realiteit van wat de Nieuwe Wereld vereiste kleinerend en onbeschoft. Salvatore verandert niet veel meer dan zijn houding ten opzichte van wat hij dacht dat de Nieuwe Wereld zou zijn, tegenover wat de Nieuwe Wereld in werkelijkheid was. Deze houding werd gedeeld door bijna iedereen die met hem meereisde. Hun karakters hebben meer te maken met een gekoesterde droom die ernstig verstoord is en een duistere realiteit die geaccepteerd moet worden. De film lijkt een sterk commentaar te geven op de voorbereiding om een hemelse en beschaafde samenleving binnen te gaan. Schoonheid, huwelijk en intelligentie zijn vereisten. Deze regels in acht nemen is bedoeld om te voorkomen dat ziekte, immoreel gedrag en domheid de overhand krijgen. Misschien is dit een commentaar op de wijze waarop Amerika heeft geleerd van de fouten van andere landen en daarom met opzet is opgericht om ervoor te zorgen dat deze epidemieën niet zouden uitbreken en verwoesten. Hoewel de regels streng leken, waren ze er om het volk te beschermen en te helpen te gedijen.

text_en:
The Golden Door is the story of a Sicilian family's journey from the Old World (Italy) to the New World (America). Salvatore, a middle-aged man who hopes for a more fruitful life, persuades his family to leave their homeland behind in Sicily, take the arduous journey across the raging seas, and inhabit a land whose rivers supposedly flow with milk. In short, they believe that by risking everything for the New World their dreams of prosperity will be fulfilled. The imagery of the New World is optimistic, clever and highly imaginative. Silver coins rain from heaven upon Salvatore as he anticipates how prosperous he'll be in the New World; carrots and onions twice the size of human beings are shown being harvested to suggest wealth and health, and rivers of milk are swam in and flow through the minds of those who anticipate what the New World will yield. All of this imagery is surrealistically interwoven with the characters and helps nicely compliment the gritty realism that the story unfolds to the audience. The contrast between this imagery versus the dark reality of the Sicilian people helps provide hope while they're aboard the ship to the New World.

The voyage to the New World is shot almost in complete darkness, especially when the seas tempests roar and nearly kill the people within. The dark reality I referred to is the Old World and the journey itself to the New World. The Old World is depicted as somewhat destitute and primitive. This is shown as Salvatore scrambles together to sell what few possessions he has left (donkeys, goats and rabbits) in order to obtain the appropriate clothing he needs to enter the New World. I thought it was rather interesting that these people believed they had to conform to a certain dress code in order to be accepted in the New World; it was almost suggesting that people had to fit a particular stereotype or mold in order to be recognized as morally fit. The most powerful image in the film was when the ship is leaving their homeland and setting sail for the New World. This shot shows an overhead view of a crowd of people who slowly seem to separate from one another, depicting the separation between the Old and New Worlds. This shot also suggested that the people were being torn away from all that was once familiar, wanted to divorce from their previous dark living conditions and were desirous to enter a world that held more promise.

As later contrasted to how the New World visually looks, the Old World seems dark and bleak as compared to the bright yet foggy New World. I thought it was particularly interesting that the Statue of Liberty is never shown through the fog at Ellis Island, but is remained hidden. I think this was an intentional directing choice that seemed to negate the purpose of what the Statue of Liberty stands for: "Give me your poor, your tired, your hungry" seemed like a joke in regards to what these people had to go through when arriving at the New World. Once they arrived in the Americas, they had to go through rather humiliating tests (i.e. delousing, mathematics, puzzles, etc.) in order to prove themselves as fit for the New World. These tests completely changed the perspectives of the Sicilian people. In particular, Salvatore's mother had the most difficult time subjecting herself to the rules and laws of the New World, feeling more violated than treated with respect. Where their dreams once provided hope and optimism for what the New World would provide, the reality of what the New World required was disparaging and rude. Salvatore doesn't change much other than his attitude towards what he felt the New World would be like versus what the New World actually was seemed disappointing to him. This attitude was shared by mostly everyone who voyaged with him. Their character arcs deal more with a cherished dream being greatly upset and a dark reality that had to be accepted.

The film seems to make a strong commentary on preparing oneself to enter a heavenly and civilized society. Cleanliness, marriage and intelligence are prerequisites. Adhering to these rules is to prevent disease, immoral behavior and stupidity from dominating. Perhaps this is a commentary on how America has learned from the failings of other nations and so was purposefully established to secure that these plagues did not infest and destruct. Though the rules seemed rigid, they were there to protect and help the people flourish.


text: 'Nuovomondo' was een geweldige ervaring. Veel filmmakers vertellen hun verhalen voor een groot deel door middel van dialogen. Emanuele Crialese regisseert zijn film heel visueel. Voor alles wat hij wil vertellen, vindt hij krachtige beelden die voor zichzelf kunnen opkomen. Zo begrijpt hij de film als een medium dat in de eerste plaats zijn verhalen vertelt via de beelden op het scherm. Vooral de Europese cinema is vaak erg op dialogen gericht (en veel van de jonge Amerikaans-Amerikaanse regisseurs zijn daar sterk door beïnvloed). Crialese's tegengestelde houding was in feite het punt, en dat maakte deze film speciaal voor mij. Hij heeft ook een heel interessant onderwerp dat verpakt is in een heel ongewoon verhaal dat met humor wordt verteld. Vincenzo Amato is een uitstekende familiehoofd Salvatore, evenals de fantastische Charlotte Gainsbourg, die ik in al haar films graag zie. Er zitten veel geweldige scènes in deze film. Om er maar een te noemen: als het schip Italië verlaat en de mensen alleen maar zwijgend staren. Deze scène is geweldig, vooral als je bedenkt welke popculturele verwijzingen erin zitten (Titanic!).

text_en: "Nuovomondo" was a great experience. Many filmmakers tell their stories to a big extent via dialogue. Emanuele Crialese directs his film very visually driven. For everything he wants to tell, he finds powerful images that are able to stand for themselves. Thus, he understands film as a medium that primarily tells its stories over the pictures on screen. Particularly European cinema is often very dialogue-driven (and many of the young US-American directors are strongly influenced by that). Crialese's opposite attitude was really the point, that made this film special for me. It has also a very interesting topic that is wrapped up in a quite unusual story and told with humour. Vincenzo Amato is outstanding as family head Salvatore, as well as the amazing Charlotte Gainsbourg, who I enjoy watching in every single one of her movies. There are many great sequences in this movie. Just to pick one: When the ship leaves Italy and the people just quietly stare. This scene is great, particularly if you consider the pop cultural references that go with it (Titanic!).