text: Ik ben op zoek gegaan naar deze film nadat ik Tom Clancy's roman 'Red Storm Rising' had gelezen. Tijdloos meesterwerk over Russen uit de dertiende eeuw die door de Duitsers worden binnengevallen. De film is gemaakt in 1938, in opdracht van Jozef Stalin om de Sovjets te waarschuwen voor Hitler en Duitsland. De gevechtsscènes zijn prachtig, laten zien dat je geen computeranimatie nodig hebt om een geweldige vechtscène te maken. Waarschijnlijk Sergei Eisensteins grootste werk. Zie ook 'Battleship Potemkin'. Elke geschiedenisfanaat of poli-sci-majoor moet deze film zien.

text_en: Went looking for this movie after i read Tom Clancy's "Red Storm Rising" novel. Timeless masterpiece about 13th century Russians being invaded by the Germans. Movie was made in 1938, under orders from Joseph Stalin to warn Soviets about Hitler and Germany. Battle scenes are wonderfully done, showing that you don't need computer animation to make a great fight scene. Probably Sergei Eisenstein's greatest work. Also see 'Battleship Potemkin'. Any history buff or poli-sci major should watch this movie. 10 out of 10.


text:
Deze film moet gezien worden vanwege de muziek, die in feite een prachtige cantate is, gecomponeerd door Sergei Prokofiev. De originele soundtrack is natuurlijk niet bepaald hi-fi, maar er zijn veel uitstekende versies te vinden in de klassieke muziekkeuze. De cantate kan op zich gewaardeerd worden, maar het helpt als je de film hebt gezien.
Het verhaal zelf is vrij standaard Sovjet-oorlogspropaganda in de tijd van de Tweede Wereldoorlog. Een amusante anekdote is dat Stalin later zo graag tijd wilde winnen door Hitler bij het begin van de Tweede Wereldoorlog tevreden te stellen dat Eisenstein voor korte tijd als boetedoening aan een Duitse film werd toegevoegd. Prins Alexander Nevsky (door de Russisch-orthodoxe geestelijken vereerd als een heilige), die zijn bijnaam te danken heeft aan het verslaan van Zweedse overvallers op de rivier de Neva, het Russische verzet tegen een invasie door de Teutoonse ridders, en zijn overwinning besluit met een strenge waarschuwing aan andere indringers.
Een interessant tafereel: Alexander ziet een konvooi van Russen dat als slaven door Mongoolse soldaten wordt meegenomen, en doet niets om dit te verhinderen, aangezien de Teutoonse ridders zijn prioriteit zijn. De historische Alexander Nevsky bracht eer aan de Mongoolse khans, als zijn vader vóór hem, terwijl hij werkte aan de toekomstige onafhankelijkheid van zijn rijk.

text_en:
This movie has to be seen for the music, which is actually a wonderful cantata composed by Sergei Prokofiev. Obviously, the original soundtrack is not exactly hi-fi, but there are many excellent versions available in classical music selections. The cantata can be appreciated for itself, but having seen the movie helps.

The story itself is fairly standard Soviet wartime anti-German propaganda. An amusing anecdote is that Stalin was later so eager to buy time by appeasing Hitler at the onset of World War II that Eisenstein was seconded to a German movie for a short while, as penance.

Prince Alexander Nevsky (revered as a saint by the Russian Orthodox), having earned his nickname by defeating Swedish raiders on the river Neva, musters Russian resistance against an invasion by the Teutonic knights, and concludes his victory with a stern warning to other would-be invaders.

An interesting scene: Alexander sees a convoy of Russians being taken as slaves by Mongolian soldiers, and does nothing to stop this, as the Teutonic knights are his priority. The historical Alexander Nevsky paid tribute to the Mongol khans, as his father before him, while working to consolidate his realm's future independence.


text:
Alexander Nevski is niets minder dan een grandioze film op een grandioze schaal. De film opent een venster op een wereld en een cultuur die de meeste Amerikanen nooit zullen leren kennen. En er is veel gezegd en geschreven over het nauwelijks verhulde patriottisme van de film in het licht van de ophanden zijnde oorlog met de Duitse nazi's.
Naar Amerikaanse maatstaven is het acteerwerk een beetje stijfjes. Het script mist veel tekst en veel beelden en actie. En hoewel de actie soms vermoeiend kan zijn, zijn de beelden vaak verbluffend. De regie is ongelooflijk.
Een ander punt is dat fans van Ralph Bakshi's animatiefilm misschien opmerken dat hij veel van zijn beelden voor Wizards rechtstreeks uit een exemplaar van Alexander Nevski heeft gestolen.

text_en:
ALEXANDER NEVSKY is nothing short of a grand film on a grand scale. The film opens a window to a world and culture most Americans will never become acquainted with. And much has been said and written regarding the film's thinly veiled patriotism in the face of imminent war with the German Nazis.

By US standards the acting is a bit stilted. The screenplay is short on words and big on visuals and action. And while the action can become tiresome, the visuals are often stunning. Direction is incredible.

On another note, fans of Ralph Bakshi animation might notice that he stole a lot of his visuals for WIZARDS directly from a copy of ALEXANDER NEVSKY.


text:
(Waarschuwing: spoilers! <0xE2><0x80><0x93> hoewel het moeilijk is om deze film te verpesten door details over het verhaal te vertellen.)
De zwart-witpropagandafilm van Eisenstein is niet voor iedereen. Hij is heel oud en, eh, onhandig. Wat hem voor mij zo geweldig maakt, is de soundtrack, niet het origineel maar de ge<0xC3><0xBC>pdatete soundtrack. Beter nog, de orkestversie die Prokofjev heeft gemaakt (mijn favoriete uitvoering is die van Fritz Reiner en het Chicago Symphony).
De film is op sommige plaatsen zelfs grappig. Hij doet denken aan de oude 'Midzomernachtsdroom'. Sommige scènes buitenshuis zijn heel indrukwekkend. Sommige acteurs zijn ook heel indrukwekkend. (De acteur die Nevsky speelde had vandaag een superster kunnen zijn. Idem dito voor het strijdlustige grietje Vasilisa <0xE2><0x80><0x93> beslist een rockster. )
**Dit is misschien wel's werelds beste verzameling kernachtige Russische uitdrukkingen (er zijn er tonnen van <0xE2><0x80><0x93> ze vormen het grootste deel van de gesproken tekst).
**De strijdscènes zien er in feite veel realistischer uit dan de meeste dure Hollywood-films. Deze kerels vechten even onhandig als echte boeren zouden doen. De wapens zien er gemeen uit, dus de acteurs probeerden waarschijnlijk te voorkomen dat ze elkaar echt verwondden.
**De acteur die de Duitse 'grand marshall' speelt doet in het begin van de film heel erg zijn best om er angstaanjagend uit te zien, maar hij ziet eruit alsof hij in werkelijkheid een poesje was. Nadat hij gevangen is genomen, ziet hij er heel erg zielig uit.** (Spreekt boekdelen over het beoogde publiek, da? Een echt grappig detail is dat het Duitse leger een _organe_ meebrengt, gespeeld door een figuur in een zwart gewaad. Kijk maar eens hoe de Russen die kerel ten val brengen _terwijl_ hij speelt.
Als de slag voorbij is en bijna alle Duitsers dood zijn, komt het beste deel van de film (en de muziek), het lied dat wordt gezongen voor de dode soldaten die zijn gesneuveld bij de verdediging van het moederland. Dit deel is zo droevig dat het bijna een anti-oorlogsverklaring is.
Tien keer zoveel mannen als dames hebben deze film goedgevonden. Vraag me af waarom.
Waarschuwing: Jozef Stalin hield van deze film. Ironisch: hij heeft meer Russen gedood dan wie ook. 'Zij die met een zwaard naar Rusland komen, zullen sterven door het zwaard.'

text_en:
(Warning: spoilers! -- although it's hard to spoil this film by telling story details.)

Eisenstein's black and white propaganda film is not for everyone. It's very old and it's, er, clumsy. What makes it great for me is the soundtrack, not the original but the updated soundtrack. Better still, the orchestral version Prokofiev created (my favorite performance is by Fritz Reiner and the Chicago Symphony).

The film is actually funny in places. It's reminiscent of the old "Midsummer Night's Dream". Some of the outdoor scenes are quite magnificent. Some of the actors are also quite magnificent. (The actor who played Nevsky could have been a superstar today. Ditto for the warrior chick, Vasilisa -- definitely a rocker.)

This may be the world's best collection, on film, of pithy Russian sayings (there are tons of them -- they make up the bulk of the spoken lines).

The battle scenes actually look much more realistic than most high-budget Hollywood flix. These guys are as clumsy with their fighting as real peasants would be. The weapons look nasty, so the actors were probably trying to avoid actually wounding one another.

The actor playing the German "grand marshall" is trying *really* hard to look scary early in the film, but he looks like he was really a pussycat. After he's captured he looks *so* pathetic. (Speaks volumes about the intended audience, da?)

A really humorous touch is that the German army brings an *organ* with it, played by a character in a black robe. Watch the Russians bring this guy down *while* he's playing.

After the battle is over and almost all of the Germans are dead comes the best part of the film (and the music), the song sung to the dead soldiers who've died defending the motherland. This part is so sad it's almost an anti-war statement.

Ten times as many men as ladies have rated this film. Wonder why?

Warning: Joseph Stalin liked this film. Ironic -- he killed more Russians than anybody. "Those who come to Russia carrying a sword will die by the sword".


text:
Dit is een van die films waarin je een paar van de voor de hand liggende tekortkomingen (het gevolg van de datum en locatie van de productie) opzij moet zetten en het positieve moet benadrukken. In veel opzichten is dit een waarlijk uitmuntende film.
Vergeef me de parodie in de samenvatting van één regel, maar de ernstigste tekortkoming voor een Engelse spreker als ik waren de afgrijselijke ondertitels. De prent die ik zag bevatte 1982 Sovjet-ondertitels voor de filmexport, die stelselmatig gebruik maakten van omgekeerde grammatica, vermoedelijk om de indruk te wekken van 13e-eeuwse spraak. Het werkelijke effect van deze onzin is dat het moeilijker wordt de ondertitels te volgen, wat betekent dat je minder tijd besteedt aan het kijken naar de beelden. Gezien het feit dat de cinematografische beeldspraak grote kracht heeft, is dit een echte kwestie.
Andere IMDB-niks hebben heel wat geschreven over de stalinistische propagandaelementen van deze film (voor het geval de kijker ze zelf niet opmerkt). Ze hebben ook heel wat geschreven over de strijd op het ijs, die in mijn ogen voortreffelijk is.
De liefdesaffaire mist bijna alle subtiliteit en vreemd genoeg ook alle charme. Maar het is goed om af en toe in elkaar te krimpen.
Ik kende de muziek van Prokofjev al lang voordat ik de film zag. De beelden en de muziek vullen elkaar fantastisch aan. En het zijn de beelden die lang in het geheugen zullen blijven hangen. Bergman heeft duidelijk veel geleerd van deze beelden <0xE2><0x80><0x93> de beelden van zijn middeleeuwse werken (bijvoorbeeld De Zevende Zegelring, De Maagdelijke Lente) die voortbouwen op en de ideeën van Eisenstein versterken. Deze film is in 1938 in de ussr gemaakt. In die context is het een meesterwerk, zij het een onvolkomen meesterwerk.
Voor de moderne kijker stel ik voor dat je meegaat in de stroom en geniet van de vele traktaties die te zien zijn.

text_en:
This is one of those movies where you have to put to one side some of its obvious shortcomings (a result of the date and location of its production)and accentuate the positive. In many ways this is a truly superb film.

Forgive the parody in the one line summary, but the most serious shortcoming for an English speaker like me was the ghastly subtitles. The print I saw had 1982 Soviet "Film Export" subtitles, which consistently used inverted grammar, presumably to give the impression of 13th century speech. The actual impact of this nonsense is to make it harder to follow the subtitles which means you spend less time looking at the images. Given that the cinematographic imagery is this films great strength, this is a real issue.

Other IMDB-niks have written plenty about the Stalinist propaganda elements of this film (just in case the viewer doesn't notice them for him/herself). They have also written plenty about the battle on the ice scene, which is superb in my view.

The love interest almost totally lacks subtlety and yet strangely..... almost totally lacks charm also. But it is good to cringe every now and then.

I was familiar with the Prokofiev music to this film long before seeing the film. The images and the music complement each other marvelously. And it is the images that will stick in the mind for a long time. Bergman clearly learned a lot from these images - the imagery of his medieval pieces (e.g. The Seventh Seal, The Virgin Spring) building upon and enhancing Eisenstein's ideas. This film was made in 1938 in the USSR. In that context it is a masterpiece, albeit a flawed one.

For the modern viewer, I suggest that you go with the flow and enjoy the many treats on show.


text: Dit wordt alleen gezegd omdat Serge Prokofjev (1891-1953) misschien aanvankelijk niet wist hoe krachtig en hoe majestueus deze tekst eigenlijk is. Als je de tekst voorleest aan Alexander Nevski op. 78, is er niets minder dan een getuige door het lied heen van een van de mooiste en ontroerendste partituren in de hele muziekliteratuur. Deze film met zijn bijbehorende partituur heeft een speciale plaats in de wereld en dat kan op internet net zo waar zijn als waar dan ook. De eigen website van de componist, die door zijn nalatenschap wordt beheerd, zorgt voor extra zorg, gegeven een partituur die deze partituur werkelijk verdient. Voor mij is het net zo diep als het breed is, met zo'n stoutmoedigheid dat jij die ene wilt zijn, die ene die ze de Grote Novgorod noemden! Dit is een lied over Alexander Nevski. Ja, het gebeurde aan de rivier de Neva <0xE2><0x80><0x93> aan de rivier de Neva, op de wijde wateren. Daar doodden wij onze vijanden <0xE2><0x80><0x93> het leger van de strijders <0xE2><0x80><0x93> daar doodden wij het leger van de Zweden. Ah! Wat hebben wij gevochten, wat hebben wij hen verjaagd! Ah! Wat hebben wij hun oorlogsschepen tot aanmaakhoutjes gebeukt! In de strijd werd ons bloed vrijelijk vergoten voor ons grootse land, ons geboorteland van de Russen. Hé! Waar de bijl zwaaide, was een open straat, door hun gelederen een laan waar speren renden! Wij maaiden de binnenvallende Zweden neer als vedergras dat op woestijngrond groeit. Wij zullen nooit het geboorteland van de Russen prijsgeven. Zij die opmarcheren naar Rusland, zullen ter dood worden gebracht! Sta op tegen de vijand, Russisch land, sta op, sta te wapen, grote Novgorod!) Sta te wapen, gij Russische mensen, in de strijd, in het gevecht tot de dood, sta op, gij mensen, vrij en dapper, verdedig ons mooie, inlandse land! Aan levende krijgers hoogachting, onsterfelijke roem aan gesneuvelde krijgers! Voor inlandse mensen, sta op, Russische mensen, Russische mensen! In ons grote, inlandse Rusland zal geen vijand leven. Sta te wapen, sta op, inlandse moeder Rusland! Geen vijand zal door Russisch land marcheren, geen buitenlandse troepen zullen Rusland binnenvallen, ongezien zijn de wegen naar Rusland. Geen vijand zal de Russische velden verwoesten. Hier ligt iemand die door een wilde sabel is geveld, daar ligt iemand die door een pijl is doorboord. Uit hun wonden viel bloed als regen op onze geboortegrond, op onze Russische velden. Hij die voor Rusland in een edele dood is gevallen, zal worden gebaad door mijn kus op zijn dode ogen; en voor hem, dappere jongen, die in leven is gebleven, zal ik een ware echtgenote en een liefhebbende vriend zijn. Ik zal niet trouwen met een knappe man, aardse charme en schoonheid vervagen snel en sterven. Ik zal trouwen met de man die dapper is. Let op dit, dappere krijgers! (Nu aan het eind bij Nevski's intrede in Pskov). In ons vaderland zullen de mensen niet leven. Vijanden zullen nooit Russische steden en velden zien; zij die tegen Rusland opmarcheren zullen ter dood worden gebracht! In ons groot Rusland, in ons vaderland zal geen vijand leven! Vier en zing, moedertje Rusland! Heel Rusland kwam in triomf naar de viering. Vier en verblijd, Russisch moederland! Het moet worden opgemerkt dat Prokofjev nogal onder druk stond van Stalin, om, zo je wilt, goed te doen. Deze muzikale partituur werd door Stalin in feite met grote instemming ontvangen. Voor mij schuilt er een onmiskenbare schoonheid in de manier waarop wij deze wereld liefhebben en Nevski vertelt over een Held wiens God-gelijke attributen alle deelname aan die liefde mogelijk maken. Een waarlijk mooie en heimelijke vertelling van het verhaal van Alexander Nevski.

text_en: This is being commented on only because Serge Prokofiev(1891-1953)may not of known at first just how powerful a score and how actually majestic these lyrics really are.If you read the lyrics to Alexander Nevsky op.78 there is nothing here that is less than a witness through the song to one of the most beautiful and moving scores in all of musical literature.This film with its accompanying score have a special place in the world and that may be just as true on the internet as anywhere.The composers own website which is underwritten by his estate provides for additional care given such a score as this score truly deserves.It is to me as deep as it is wide with such boldness that you wish to be the one,the one they called Great Novgorod!This is a song about Alexander Nevsky.Yes,it happened on the River Neva-on the River Neva,on the wide waters.There we slew our foes'pick of fighting men-there pick of fighting men,the army of Swedes.Ah!How we fought,how we routed them!Ah!smashed their ships of war to kindling!In the fight our blood was freely shed for our great land,our native Russian land.Hey!Where the broadaxe swung was as an open street,through their ranks a lane where spears ran!We mowed down the invading Swedes like feather-grass grown on desert soil.We shall never yield native Russian Land.They who march on Russia shall be put to death!Rise against the foe,Russian land,arise,rise to arms,great Novgorod!(the call to arms goes on)Arise to arms,ye Russian folk,in battle just,in the fight to death,arise,ye people free and brave,defend our fair native land!To living warriors high esteem,immortal fame to warriors slain!For native home,For Russian soil,arise ye people,Russian folk!In our great Native Russia no foe shall live.Rise to arms,arise,native mother Russia!No foe shall march across Russian Land,no foreign troops shall raid Russia,unseen are the ways to Russia.no foe shall ravage Russian fields.(here dear reader we are asked to live forever with the following verse)titled"The field of the dead"-I shall go across the snow-clad field,I shall fly above the field of death.I shall search for valiant warriors,my betrothed,my stalwart youths.Here lies one felled by a wild saber,there lies one impaled by an arrow.From their wounds blood fell like rain on our native soil,on our Russian fields.He who fell for Russia in noble death shall be blest by my kiss on his dead eyes;and to him,brave lad,who remained alive I shall be a true wife and a loving friend.I'LL not be wed to a handsome man,earthly charm and beauty fast fade and die.I'll be wed to the man who's brave,Give ye heed to this,brave warriors!(now to its conclusion with Nevskys entry into Pskov)In a great campaign Russia went to war.Russia put down the hostile troops.In our native land no foe shall live.Foes who come shall be put to death!Celebrate and sing,native mother Russia!In our native land foe men shall not live.Foes shall never see Russian towns and fields;they who march on Russia shall be put to death! In our Russia great,in our native Russia no foe shall live!Celebrate and sing,native mother Russia!All of Russia came in triumph to the celebration.Celebrate and rejoice,Russian motherland!- It should be noted that Prokofiev was under quite a bit of pressure from Stalin, to if you will, make good.This musical score was really very much approved of by Stalin.To me there is a unmistakable beauty in how we love this world and Nevsky tells of a Hero whose God Like attributes provides for all participation in that love.A truly beautiful and furtive telling of the story of Alexander Nevsky.


text:
Ik denk dat iedereen die genoten heeft van Eisenteins _Ivan de Verschrikkelijke_ -films, ook genoten zou hebben van deze goed in elkaar gezette film. Deze film speelde zich af als 'Lord of the Ring: Return of the King', maar zonder het speciale effect, maar net zo goed en beter drama.
We hebben de Duitser, die zich kleedde als KKK, die Novgorod van Rusland veroverde. De Russen riepen Nevski op om hen aan te voeren in de strijd tegen de Duitser om Rusland te redden. Nikolaj Cherkasov, die Ivan speelde in de _Ivan de Verschrikkelijke_ -films, was net zo charismatisch als Nevski. De eerste 10 min hoe hij omging met het passeren van de Mongolen was fascinerend.
Veel van de scènes waren zelfs in zwart-wit prachtig. Voor het vooruitzicht van de oorlog was geen dialoog nodig zoals: ' Afgezien van een paar toespraken kan de film in feite als een stomme film worden afgedraaid. De gevechtsscènes kunnen zich meten met die van de gevechtsscènes uit de Burgeroorlog in _The Birth of a Nation_.
Een andere kracht van de film is de muziek van Sergei Prokofjev. De muziek gaf de film in die scènes zonder dialoog een episch tintje.

text_en:
I believe anyone who enjoyed Eisentein's Ivan the Terrible movies would enjoy this well crafted movie. This movie played out like "Lord of the Ring: Return of the King", but without the special effect but as good and better drama.

We have the German, who dressed like KKK, conquered Novgorod of Russia. The Russian summoned Nevsky to lead them to fight the German to save Russia. Nikolai Cherkasov, who played Ivan in the Ivan the Terrible films, was charismatic as Nevsky. The first 10 min how he handled the passing by Mongol was captivating.

Many of the scenes were beautiful even in black and white. The anticipation of War did not require any dialogue such as "how many enemy we will be killing", etc. Except for a few speeches, the film can basically be played out as a silent film. The fighting scene can hold up to those of the Civil War fighting scene of The Birth of a Nation.

Another strength of the movie is the great musical score, by Sergei Prokofiev. The music gave an epic feel to the movie in those scenes without dialogue.


text:
Het is belangrijk om te beseffen dat Eisenstein een toegewijde marxistische filmer was die een aantal zeer specifieke en specifieke theorieën had over wat film kon bereiken en hoe.
Het is domweg zinloos om Alexander Nevsky negatief te vergelijken met iets uit een soortgelijke periode in de Verenigde Staten; deze film is afkomstig van de oudste filmschool ter wereld, van een ander continent, van een totaal andere benadering van de cinema.
Om deze film wat meer te waarderen, probeer bijvoorbeeld meer te weten te komen over de montagetheorieën van Pudovkin en Kuleshov, of lees het Wikipedia-artikel over de marxistische filmtheorie. Als je deze film bekijkt zonder enig begrip van Eisensteins ideeën en idealen, zul je hem waarschijnlijk niet begrijpen. In Alexander Nevski spelen de hoofdpersonen niet zichzelf, ze zijn bedoeld als destillaties van het karakter van hun natie. Nevski en zijn generaals worden opzettelijk groter-dan-leven getoond, omdat ze gestileerde, heroïsche aspecten van het hele Russische volk vertegenwoordigen.
Het acteerwerk is niet houterig, het is bedoeld om enigszins gemaniëreerd te zijn. Het vertegenwoordigt een volkomen andere school dan de meer naturalistische, verhalende stijl die Hollywood snel aannam. De films van Eisenstein zijn speciaal ontworpen om _niet_ realistisch te zijn. Als iets enigszins 'voor de hand liggend' lijkt, of het nu belichting, taal of een pose is die door een acteur wordt aangenomen, is het bedoeld om zo te zijn. Eisenstein was een van de eerste voorstanders van de film als kunstvorm, niet alleen als amusement.
Als de montage soms lijkt te bestaan uit een botsing van beelden, tja, dat is de bedoeling. Films zijn bedoeld om met elkaar te contrasteren, Eisensteins films bevatten en belichamen elementen van een politiek/filosofisch argument, namelijk marxistische dialectiek.
Dus ga achteroverzitten, schreeuw hoera voor Rusland en zijn volkshelden, sla alarm tegen de laffe edelen en de Teutoonse indringers, en geniet van het verschil.

text_en:
It is important to realise that Eisenstein was a committed Marxist film maker who held some very specific and particular theories about what film could achieve, and how.

It is simply idle to compare Alexander Nevsky negatively with anything from a similar period in the US; this film comes from the oldest film school in the world, from another continent, from an entirely different approach to cinema.

To appreciate this film a little more, try finding out about Pudovkin's and Kuleshov's theories of montage, for example, or read the Wikipedia entry on Marxist Film Theory. If you're feeling really bold, you might even investigate the triadic forms of Hegelian dialectic.

It follows that if you watch this film without some understanding of Eisenstein's ideas and ideals, you probably won't get it. In Alexander Nevsky the main characters aren't playing themselves, they are meant to be distillations of their nation's character. Nevsky and his generals are deliberately shown larger-than-life, because they represent stylised, heroic aspects of the entire Russian people.

The acting isn't wooden, it's meant to be slightly mannered. It represents a completely different school from the more naturalistic, narrative style which Hollywood was rapidly adopting. Eisenstein's films are especially designed *not* to be realistic. If anything seems somewhat "obvious", whether lighting or language or a pose struck by an actor, it's meant to be that way. Eisenstein was one of the early proponents of film as an art form, not just as entertainment.

If the editing sometimes seems to consist of a clash of images, well, that's the idea. Shots are meant to contrast with each other, Eisenstein's films contain and embody elements of a political/philosophical argument, namely Marxist dialectic.

So sit back, shout hurrah for Russia and her folk-hero defenders, boo at the cowardly nobles and the Teuton invaders, and enjoy the difference.


text:
'Alexander Nevsky' markeerde de terugkeer van regisseur Sergei Eisenstein naar het filmen na een periode van ballingschap, en wat hij produceerde was een propagandafilm met een kale montage waarin Ruslands superioriteit ten opzichte van Duitsland werd verkondigd.
Er is heel weinig plot: Russen verenigen zich tegen Duitsers in de strijd; Rusland wint. De film is in feite een uitgebreide montage van voornamelijk gevechtsscènes, afgewisseld met enkele momenten van Duitse wreedheid (zoals een nogal schokkende scène waarin Duitse soldaten Russische kinderen op een laaiend vuur gooien). Dit was Eisensteins eerste geluidsfilm, en het is duidelijk dat hij geen idee had wat hij met het medium aan moest. Deze film lijkt eigenlijk meer op een stomme film met wat extra geluid. Er zijn een paar dialoogscènes, maar die blijven nogal levenloos op het scherm staan, en het geijsbeer is helemaal weg, alsof de acteurs niet echt samen op de set waren toen ze die opnamen. Eisenstein gebruikt meestal geluid als excuus om een opzwepende score van Prokofjev over de gebeurtenissen heen te leggen, en dat is inderdaad een van de belangrijkste eigenschappen van de film.
Je kunt zeggen wat je wilt over het vermogen (of het gebrek daaraan) van Eisenstein om acteurs te regisseren of zijn film een meer verhalende vorm te geven, maar hij weet zeker hoe hij beelden en muziek samen moet monteren voor het maximale effect, en 'Alexander Nevsky' straalt over alles heen door zijn tekortkomingen.
Een pluim.
Een pluim.

text_en:
"Alexander Nevsky" marked director Sergei Eisenstein's return to film-making after a period of exile, and what he produced is a bald-faced propaganda film proclaiming Russia's superiority over Germany.

There's very little plot: Russians unite to battle Germans; Russia wins. The film is really an extended montage of mostly battle scenes, mixed in with some moments of German brutality (like a rather shocking scene that shows German soldiers throwing Russian children onto a raging fire). This was Eisenstein's first sound film, and it's clear that he had no idea what to do with the medium. Indeed, this film really looks more like a silent film with some sound added. There are some dialogue scenes, but they sit rather lifelessly on the screen, and the pacing is all off, as if the actors weren't actually on the set together at the same time when they were filming them. Eisenstein mostly uses sound as an excuse to overlay a rousing Prokofiev score over the proceedings, and indeed, that's one of the film's biggest assets.

Say what you will about Eisenstein's ability (or lack of) to direct actors or tell his film in a more narrative format, he certainly knows how to edit images and music together for maximum effect, and "Alexander Nevsky" over all shines through its deficiencies.

Grade: A


text: Alexander Nevsky wordt terecht beschouwd als een meesterwerk in de filmwereld. Maar het is wel erg verouderd. De mensen besluiten er niets over te zeggen en praten over de grote veldslagen en de grote muziek. De geluidseffecten mogen dan goed zijn geweest, maar afgezien van het onheilspellende orgel zijn alle geluiden lachwekkend. Misschien word ik hiervoor door filmfanaten gefotografeerd, maar ik weet zeker dat de moderne kijker van Alexander Nevsky het met me eens zal zijn dat de schaamteloze propaganda en de afschuwelijke muziek de aandacht van de film afleiden. Ik heb deze film 10/10 gegeven omdat het ontegenzeggelijk een meesterwerk is. Maar het heeft zijn goede kanten. De kostuums van de Teutoonse ridders zijn schitterend en de veldslagscènes zijn redelijk goed voor de tijd. Het is echter een meesterwerk dat zijn ouderdom laat zien.

text_en: Alexander Nevsky is rightfully held up as a cinematic masterpiece. It has however aged very badly. People decide not to mention this and talk about the great battles and the great music. The sound effects may have been good then but apart from the foreboding organ all the sounds are risible. I may be shot by film buffs for this but i'm sure the modern viewer of Alexander Nevsky will agree that the blatant propaganda and the appalling music to detract from the film. I gave this film 10/10 because it is undeniably a master piece. It does have its great bits however. The costumes of the Teutonic knights are superb and the battle scenes are fairly good for the time.It is however a master piece that is showing it's age.


text: Eisensteins eerste geluidsfilm gaat over de slag op het ijs van 1242, toen de Russen onder Alexander Nevski de ridders van Livon versloegen om Rusland onder het rooms-katholicisme te brengen. De in 1938 gemaakte Nevski kan als propagandamateriaal worden beschouwd: de Germaanse ridders, met hun sinistere (en ietwat maffe) helmen, zijn duidelijk stand-ins voor de nazi's. De slachting die de ridders aanrichten als ze een Russische stad binnentrekken, lijkt een profetische waarschuwing voor de slachtingen van de Tweede Wereldoorlog. De film eindigt met een waarschuwing: zij die met het zwaard naar Rusland zijn gekomen, zullen door het zwaard sterven. Eisensteins terugkeer in de officiële gunst werd ook gesymboliseerd door het fraaie zwart-witbeeld (dat enigszins aan een daguerreotype deed denken). Tegen het eind van de jaren twintig wilde Stalin dat de Russische filmmakers ophielden met experimenteren en films maakten die populistischer en voor het Russische publiek aanvaardbaarder waren. Dat maakte een einde aan Eisensteins carrière in Rusland, en in Nevsky kwam hij terug met zijn toegankelijker film. Nevsky's sterke punt is de tweede helft ervan, waarin de strijd zelf een rol speelt, en die wordt terecht gezien als een mijlpaal in de filmgeschiedenis: nooit eerder (en waarschijnlijk ook nooit daarna) zou een strijd zo levendig op het scherm worden weergegeven. Een ander sterk punt is Prokofjevs prachtige, meeslepende soundtrack (het was in die tijd volkomen ongebruikelijk om een componist te gebruiken om een film te maken). Een van de zwakkere punten: het komische relief (in de vorm van twee onnozele Russische krijgers die een mooie Russische boer het hof proberen te maken) is echt onthutsend.

text_en: Eisenstein's first sound film retells the battle of the ice of 1242, when the Russians under Alexander Nevsky defeated the Livonian knights, eager to bring Russia under Roman Catholicism. Made in 1938, Nevsky can be seen as a piece of propaganda: the Germanic knights, with their sinister (and somewhat goofy) helmets are obvious stand-ins for the Nazis. The butchery by the knights when they enter a Russian town seems a prophetic warning of the massacres of World War II. The film ends with a warning: those who came to Russia with the sword will die by the sword. Made in delicate black and white (somewhat reminiscent of a daguerreotype), it also marked Eisenstein's return to official favor. By the late 1920s, Stalin wanted Soviet filmmakers to stop experimentation and made movies that would be more populist and palatable to the Russian public. That stopped Eisenstein's career in Russia for a decade, and in Nevsky he came back with his more accessible film. Nevsky's strong point is in its second half, which features the battle itself, and it is justly seen as a milestone in movie history: never before (and probably never after) a battle would be so vivid in the screen. Another strong point is Prokofiev's beautiful, haunting soundtrack (using a composer to score a movie was completely unusual at the time). One of its weaker points: the comic relief (in the form of two simpleton Russian warriors trying to woo a beautiful Russian peasant) is really jarring.


text: Als Patricia Newell wordt aangevallen nadat ze getuige is geweest van de moord op haar nicht, gaat rechercheur Carrella in de stad op zoek naar haar moordenaar. Nadat ze de moordenaar na een intensieve klopjacht heeft geïdentificeerd, wordt Patricia naar familie in het land gestuurd. Voor Carrella is de zaak gesloten... of niet? 'Blood Relatives' is een vergeten meesterwerk. Donald Sutherland speelt een politieman en het is leuk om Donald Pleasance in een kleine rol als kinderverkrachter te zien. De conclusie is behoorlijk verontrustend. Toch is 'Blood Relatives' meer een mysterie dan een horrorfilm, dus fans van bloed zullen teleurgesteld zijn. Een must-see voor fans van ouderwetse detectivefilms.

text_en: When Patricia Newell is attacked after witnessing her cousin's murder,Detective Carrella searches the city for her killer.Identifying the murderer after an intensive manhunt,Patricia is sent to live with relatives in the country.For Carrella the case is closed...or is it?"Blood Relatives" is an overlooked masterpiece.Donald Sutherland plays a cop and it's nice to see Donald Pleasance in a small role as a child molester.The conclusion is pretty disturbing.Still "Blood Relatives" is more of a mystery than a horror film,so fans of gore will be disappointed.A must-see for fans of old-fashioned mystery movies.9 out of 10.


text: Ik kan echt niet geloven dat deze film niet beter is. Claude Chabrol zou je kunnen omschrijven als een soort Franse Alfred Hitchcock, en hoewel dit pas de tweede film van hem is die ik heb gezien (de eerste was Le Boucher), zie ik nu al dat deze man iets bijzonders is, alleen al door de kracht van deze twee films. De film is een coproductie van Frans en Canadees, en speelt zich af in Canada. De cast bestaat uit Britse en Canadese sterren en de hoge kwaliteit van de voorstellingen belooft veel goeds voor de rest van de film, die ook van hoge kwaliteit is. De film is een moordmysterie en begint wanneer een jong meisje, overdekt met bloed, naar een politiebureau wordt gebracht. Na door inspecteur Carella te zijn ondervraagd, blijkt dat het jonge meisje, Patricia, en haar zuster, Muriel, zijn aangevallen door een man die haar zuster heeft vermoord en die Patricia maar net heeft laten gaan. Maar terwijl het onderzoek voortduurt, gaat Patricia terug naar het bureau om nieuw bewijsmateriaal te leveren, dat een veel schokkender identiteit van de moordenaar aan het licht brengt.<br />De optredens in deze film zijn uitstekend. Donald Sutherland is zoals gewoonlijk ingetogen, maar hij past heel goed in de rol die hij hier heeft gekregen en ik zou niet aarzelen zijn optreden in _Bloedverwanten_ een van zijn allerbeste te noemen. De film bevat ook scènes waarin de Britse sterren Donald Pleasance en David Hemmings de hoofdrol spelen en die allebei een goede rol spelen; vooral Pleasance laat zien hoe geweldig hij als acteur kan zijn en benadrukt hoe jammer het is dat hij zijn tijd heeft verdaan met Halloween-films. De onbekende Aude Landry geeft ook een geweldige vertolking van haar rol als Patricia. De film is het eerste uur erg mysterieus en houdt het publiek echt in de ban. Als inspecteur Carella het dagboek van Muriel ontdekt, wordt de film meer een drama waarin de laatste handelingen van het meisje worden getoond; en hoewel dit gedeelte van de film niet zo goed is als het voorafgaande, is het toch goed.' Bloedverwanten is een geweldige film die het echt verdient om beter bekeken te worden. Le Boucher is een bekendere poging van Chabrol, maar voor mijn geld is dit minstens zo goed! Zeer aanbevelenswaardig.

text_en:
I honestly can't believe that this film isn't more highly rated. Claude Chabrol could be described as something like a French Alfred Hitchcock, and while this film is only the second one of his that I've seen (the first being Le Boucher), I can already see that this guy is something special just on the strength of these two films. The film is a French and Canadian co-production, and takes place in Canada. The cast is made up of British and Canadian stars and the high quality performances bode well with the rest of the film; most of which is high quality also. The film is a murder mystery and begins when a young girl covered in blood is brought into a police station. After being questioned by Inspector Carella, it emerges that the young girl, Patricia, and her sister Muriel were attacked by a man who killed the sister and only just allowed Patricia to flee. However, as the investigation goes on, Patricia goes back to the station to give new evidence, which reveals a far more shocking identity to the murderer.

The performances in this film are excellent. Donald Sutherland is subdued as usual, but he suits the role he's given here very well and I wouldn't hesitate to name his performance in Blood Relatives as one of his very best. The film also features supporting turns from British stars Donald Pleasance and David Hemmings who both give good turns; Pleasance in particular who shows just how great an actor he can be and highlights what a shame it is that he went on to waste himself in Halloween films. The unknown Aude Landry also gives a great performance in her role as Patricia. The movie is very mysterious for the first hour and really keeps the audience hooked. When Inspector Carella discovers Muriel's diary, the film turns into more of a drama in which the girl's last actions are shown; and while this section of the film is not as good as what went before it, it's still interesting and leads into a great twist at the end! Overall, Blood Relatives is a great film that really deserves to be better seen. Le Boucher is a better known effort from Chabrol, but for my money this is at least as good! Highly recommended viewing.


text: Geïllustreerde psychologische thriller, met een bijzonder goede hoofdrol van een sombere Donald Sutherland, en krachtige ondersteunende rollen van Donald Pleasence en David Hemming. Het materiaal besluit het allemaal wat somber te houden en verplaatst zich van de onderzoeksperiode naar de achtergrond van het slachtoffer. De zelden voorkomende en nogal norse aard van het onderzoek trok me aan, maar de flashbacks naar de kant van het slachtoffer die haar laatste dagen laat zien, waren niet zo boeiend en werden een beetje saai en eentonig. Hoewel het script zeer gedetailleerd is en ons tot op zekere hoogte aan het lijntje houdt, had de laatste en verrassende onthulling veel schokkender moeten zijn en de slordige uitvoering ervan maakt het er niet beter op. De muziek van de film heeft een emotionele scherpte die gewoon blijft hangen, en de vaardige manier waarop regisseur Claude Chabrol (voor het merendeel goed) acteert, heeft een sterke stilistische en strakke manier, die het beste haalt uit de stemmingswisselingen en de flexibele cast. De jonge acteurs Lisa Langlois en Aude Landry doen het ook ongelooflijk goed.

text_en: Evocatively directed and slickly photographed psychological mystery thriller with an exceptional lead performance by a sombre Donald Sutherland, and potent support roles from Donald Pleasence and David Hemming. The material decides to keep it all glum, and moves from the investigation period into the back-story of the victim. The seldom, and quite sullen nature of investigation pulled me in, but when it flashback to the victim's side showing her final days weren't as compelling, and became somewhat stodgy and stock-like. While the script is strongly detailed and to a certain degree complex in stringing us along, however the final and surprising revelation should have been more bone-jarring and it's not helped out by its sloppy execution. Howard Blake's music score has an emotional sting to its cues that simply linger, and director Claude Chabrol's capable handling (well for most part) has a strong stylistic and tight manner, which gets the best out of moody locations and flexible cast. The young faces Lisa Langlois and Aude Landry do an incredibly good job as well.


text: Chabrol, door velen beschouwd als een vreemd-over het hoofd geziene figuur, is in mijn ogen de reden dat men hem heeft laten vallen: de smerige factor. Hoewel hij niet zo openlijk sexy, gewelddadig of bloederig is als in veel films van deze periode, begint hij toch verrassend, en hoewel er een nogal onaangenaam luchtje aan blijft kleven. Mevrouw Audran, hier niet de koele maagd maar een dronken moeder, Donald Pleasence doet zich voor als kinderverkrachter, David Hemmings heeft zijn oog laten vallen op minderjarigen en het centrale thema is de relatie tussen een broer, een zus en een nichtje. Nee, helemaal niet aardig en Chabrol behandelt het allemaal alsof het heel normaal is (zoals het in een Frans dorpje zou kunnen zijn! (in plaats van Ed McBain's New York City. Als dit op een sensationeler manier behandeld was, zou het een meer aanvaardbare, maar mindere film geweest zijn. Hier moeten we echt kiezen tussen de waarschijnlijkheid van verschillende onaangename mogelijkheden voor de uiteindelijke ontknoping. Erg om naar te kijken.

text_en: Considered by many to be a strangely overlooked Chabrol it seems to me the reason it has been cold shouldered is its sleaze factor. Not as overtly sexy, violent or gory as many films of this period it nevertheless starts rather startlingly and although becoming more measured continues to ooze a rather unpleasant odour. Ms Audran, not here the ice maiden but a drunken mother, Donald Pleasence does a cameo as a child molester, David Hemmings has his eyes on underage sex and the central theme involves the relationship between a brother, sister and niece. No not very nice at all and Chabrol treats it all as if it is very normal (like it might be in some small French village!) instead of Ed McBain's New York City. Had this been treated in a more sensational manner then it would have been a more acceptable but lesser film. Here we really have to choose between the likelihood of various unpleasant options before the final denouement. Very watchable


text: Ten slotte ontdekte ik wat ik me meende te herinneren toen ik vier was. Nadat ik de kleurenversie uit 1960 op vhs had gezien, zei ik steeds weer dat ik me herinnerde dat ik het 2 keer eerder in zwart-wit had gezien. Nu heeft de imdb me geholpen om de waarheid te weten, dat het twee keer (2 producties) in zwart-wit is uitgezonden in 2 succesvolle jaren, 1955 & 56. Dat zijn de uitzendingen die ik me het best herinner van toen ik vier was. Ik besefte niet dat de uitzending van 56 niet hetzelfde was als de uitzending van 55. In 1960 was ik negen en de kleurenversie deed me dat gewoon niet. De zwart-witversie was prachtig, met net zoveel ontzag en bewondering als de hightechfilms van tegenwoordig, zelfs zonder computereffecten. Je had erbij moeten zijn! Commentaar graag als je een soortgelijke reactie had op de b&w-versie.

text_en: Finally I discovered what I thought I remembered as a four year old. After seeing the 1960 color version on VHS, I kept saying I remembered seeing it in black and white 2 times before. Now the IMDb has helped me to know the truth, that it was broadcast twice (2 productions) in black and white in 2 successful years, 1955 & 56. These are the ones I remember best as a four year old. I didn't realize the 56 broadcast was not the same as the 55. In 1960, I was 9 and the color production just didn't do it for me. The black and white version was wonderful with just as much awe and wonder impact as the high tech films of today, even without any computer effects. You had to have been there! Please comment if you had a similar reaction to the b&w version.


text: Producers' Showcase-versie van de musical Peter Pan met Mary Martin uit 1955 heeft het voordeel dat het grootste deel van de oorspronkelijke Broadway-cast erin te zien is, onder wie Kathleen Nolan als Wendy, die een natuurlijkere actrice was dan het meisje dat ze in 1960 voor het kleurenprogramma inhuurden. Het is jammer dat de meeste mensen geen zwart-witfilms meer willen zien, want in veel opzichten is deze eerdere productie <0xE2><0x80><0x93> die niet eens in de IMDb-lijst staat als je 'Peter Pan' invoert in de zoekmachine! <0xE2><0x80><0x93> beter dan de schattigere kleurenversie die de meeste mensen hebben gezien. Ik kreeg het origineel op disk en heb er vervolgens aan gewerkt om het er digitaal beter uit te laten zien en te laten klinken. Als ik er nu de kleurenversie van 1960 op zet, ziet het er in vergelijking opzichtig uit. Ik vermoed dat Mary Martin zelf ongetwijfeld de voorkeur gaf aan deze originele uitzending van Producers' Showcase uit 1955.<br />Als extraatje zag ik op de disk ook de oorspronkelijke reclamespots en de openingspromo. Wat lijkt de jaren vijftig nu ver weg <0xE2><0x80><0x93> zo'n onschuldige tijd vergeleken met de huidige tijd. Ik mis het.

text_en:
This 1955 Producers' Showcase version of the musical Peter Pan with Mary Martin has the benefit of showcasing most of the original Broadway cast, including Kathleen Nolan as Wendy, who was more natural an actress than the girl they hired for the 1960 color televised play. It's a shame that most people won't sit through anything black and white anymore because in many respects this earlier production - which doesn't even show up in the IMDb listings when you put "Peter Pan" into the search engine! - is superior to the cutesier color version most people have watched. I obtained the original on disc and then did work on it to make it look and sound better digitally. Now when I put the 1960 color version on it looks garish in comparison. I suspect Mary Martin herself no doubt preferred this original 1955 b/w Producers' Showcase televised version.

As an added plus the disc I got also showed the original commercials and opening promo. How far away the 1950's seem now - such an innocent time compared to today. I miss it.


text:
Een zwaar leven wordt nog zwaarder als de drie kinderen van een alleenstaande moeder na haar vroegtijdige overlijden naar verschillende pleeggezinnen worden gestuurd.
Om bij elkaar te kunnen blijven, beraamt de oudere jongen een gewaagde, zeer riskante ontsnappingspoging om een in de verte verdwenen oom te vinden <0xE2><0x80><0x93> de enige naaste verwant die ze nog hebben.
Hun tocht voert de drie doodsbange weglopers mee op een achtervolging door de woestijn in een klassieke kever: berooid, hongerig, wanhopig, geterroriseerd door delinquenten en te jong om te rijden, opgejaagd door de immer dreigende overheid. Wat de film ontbeert aan acteer- en plot-realisme, wordt gecompenseerd door de oprechte menselijke behoefte om deel uit te maken van een bevredigende en complete familie <0xE2><0x80><0x93> zelfs als die familie in elkaar geflanst is met onderdelen van gebroken levens.

Zeker, het einde is geforceerd en te theatraal voor een kritische filmbezoeker, maar elk hart klopt met dezelfde kreet om samen te zijn en erbij te horen.
Met al zijn zwakheden geef ik deze film toch een sterke aanbeveling.

text_en:
A tough life gets tougher when the three children of a single mom are scheduled to be sent to separate foster homes after her untimely passing.

To stay together, the older boy plans a daring, high risk escape to find a distant lost uncle- their only remaining next of kin.

Their trek takes the three fearful runaways on a chase through the desert in a classic beetle, penniless, hungry, desperate, terrorized by delinquents and too young to drive, hunted by the ever threatening civil authorities.

What the movie lacks in acting and plot realism, it makes up for in the honest human need to be a part of a fulfilled and complete family- even if that family is cobbled together with spare parts of broken lives.

Sure, the ending is forced and too over-dramatic for the critical movie goer, but every heart beats the same cry for family togetherness and belonging.

With all its weaknesses, I still give this movie a strong recommendation.


text: Mijn nichtjes en ik kijken al naar deze film sinds we klein waren. Ik weet niet precies wat het is met deze film, maar we hebben ons vastgeklampt aan deze vertederende film en hij is een speciaal onderdeel geworden van de herinneringen van ons gezin.<br />Ik kan deze film absoluut aanbevelen aan iedereen die van goede, gezonde familiefilms houdt, want dat is precies wat dit is. De dingen die de vier kinderen doen zijn absoluut hilarisch om te zien. Het is een oude film, maar laat je daar niet door misleiden. Dit is een van de beste films die er zijn die zo'n sterke band tussen broers en zussen laten zien.

text_en:
My cousins and I have watched this movie ever since we were little. I don't know exactly what it is about this movie, but we latched on to this endearing movie and it has become a special part of our family's memories.

I totally and absolutely recommend this movie to anyone who likes good wholesome family movies because that is exactly what this is. The things that the four kids get themselves into is absolutely hilarious to watch. It is an old movie but don't let that fool you. This is one of the best movies out there that shows such strong sibling bond for each other.


text: Het is echt jammer dat niemand iets van deze film weet. Ik denk dat als hij een beetje opgedirkt was geweest en als hij niet zo goedkoop was geweest, een van de grote filmmaatschappijen hem misschien wel had willen hebben. Ik heb deze film voor het eerst gezien toen ik elf was, en ik vond hem zo indrukwekkend met al die geweldige, maar toch illegale dingen die Mitchell doet om zijn gezin bij elkaar te houden. Hij heeft me toen geïnspireerd en verbaast me nog steeds. Als je het geluk hebt een kopie van deze film te vinden, moet je hem niet missen!

text_en: It's really too bad that nobody knows about this movie. I think if it were just spruced up a little and if it weren't so low-budget, I think one of the major film companies might have wanted to take it. I first saw this movie when I was 11, and I thought it was so powerful with the many great, yet illegal lengths that Mitchell goes to just to keep his family together. It inspired me then and it amazes me now. If you're lucky enough to find a copy of this movie, don't miss it!


text: De Commentaarschrijver vóór mij zei dat deze film de ergste is die hem/haar als kind ooit is opgedrongen. Maar ik moet zeggen dat ik toen ik klein was dol was op deze film en dat ik hem nu nog steeds leuk vind. De film heeft het beste thema van alle gezinsleden bij elkaar. Gezien de periode waarin de film werd uitgebracht, dacht ik dat de film goed was geacteerd. Ik wou alleen dat ik er nog ergens een exemplaar van kon vinden!! Van alle films uit de jaren tachtig die ik als kind heb gezien, was dit een van mijn favorieten. Ik weet dat ik hem waarschijnlijk minstens één keer per week met mijn broer en mijn moeder heb gezien. Ik zou hem zeker aanbevelen aan iemand die ik ken <0xE2><0x80><0x93> of die ik niet ken. Dus als je er een exemplaar van vindt, raad ik je aan het te bekijken! Het is prachtig en hartverwarmend.

text_en: The Commenter before me stated this movie is the worst that was ever forced upon him/her as a child. I have to say though that I loved this movie when was little and I still love it today. The movie has the best running theme of all-family togetherness. Considering the time period the movie was released I thought the movie was acted out well. I only wish I could still find a copy of it somewhere!! Of all the 1980's films I watched as a kid this was on of my favorites. I know I probably watched it at least once a week with my brother and my mom. I would definitely recommend it to anyone I know-or don't know. So if you do find a copy of it I suggest watching it! It's wonderful and heartwarming.


text: 'In ons eentje' is een ontroerend verhaal over vier kinderen die na de dood van hun moeder uit het pleeggezin weglopen, met slechts één koffer, hun hond Ralph en in hun moeders oude auto op zoek gaan naar hun oom Jack. Onderweg krijgen ze pech en ze leren Peggy Williams kennen, een onderwijzeres op vakantie. Zij biedt aan hen te helpen. Samen gaan zij en de kinderen op zoek naar oom Jack, maar ze worden gedwongen zich te verbergen voor de autoriteiten die van plan zijn hen terug te brengen naar het pleeggezin. Deze film vertelt een verhaal over liefde, vriendschap en hoe belangrijk het is om bij je familie te blijven terwijl de kinderen zich op hun verbazingwekkende reis wagen.

text_en: "on our own" is a touching story of four kids who run away from foster home after their mother dies, with only one suitcase, their dog Ralph and $9 they set off in their mums old car in search of their uncle Jack. On the way their car breaks down and they meet Peggy Williams, a schoolteacher on holidays and she offers to help them out. Together she and the children search for uncle Jack but are forced to hide from the authorities that plan to take them back into foster care as they do so. This film tells a story of love, friendship and how important it is to stick with your family as the children venture out on their amazing journey.


text:
Vanaja (2006), geschreven en geregisseerd door Rajnesh Domalpalli, is een buitengewone film uit Zuid-India. Mamatha Bhukya speelt de 15-jarige Vanaja, die op het platteland woont bij haar liefhebbende, maar aan de drank verslaafde vader. Als ze wil slagen in het leven, zal ze de lasten van een lage kaste en armoede moeten dragen.
Ik ging naar de film in de verwachting dat ik een zielig meisje te zien zou krijgen dat door de maatschappij vermorzeld wordt. Maar dat is niet wat Vanaja ons laat zien. De jonge vrouw is aantrekkelijk, intelligent en ambitieus. Ze accepteert haar lot niet met tranen of simpelweg berusting. Ze wil slagen, en het is nooit duidelijk of ze zal slagen, ondanks de kansen die ze heeft.
Het acteerwerk dat Mr. Domalpalli put uit zijn verzameling amateurs. Mamatha Bhukya is uitmuntend in de titelrol, en Urmila Dammannagari doet het uitzonderlijk goed als mevrouw Rama Devi, de rijke landeigenaar die vroeger een beroemde klassieke danseres was.
In de film leert Vanaja de Zuid-Indiase klassieke dans, net als in het echte leven. Ik kon niet zeggen hoe goed Vanaja's dans was naar Indiase maatstaven, maar de vele dansscènes waren fascinerend. (Denk niet dat het Bollywood is <0xE2><0x80><0x93> dit is klassieke dans. Het is ook heel anders dan ballet, want bij ballet tilt de danseres haar hakken van de vloer. In de sound-indiaanse dans is de hiel het belangrijkste contactpunt.)
Dit is een film die je niet mag missen. Het werkt op dvd, maar beter op een bioscoopscherm, omdat het dansen dan beter te zien is. Maar als dvd je enige optie is, moet je het zo zien. Zorg ervoor dat je het ziet.

text_en:
Vanaja (2006), written and directed by Rajnesh Domalpalli, is an extraordinary film from South India. Mamatha Bhukya plays 15-year-old Vanaja, who lives in a rural area with her loving but alcoholic father. If she is going to succeed in life, she will have to overcome the liabilities of low caste and poverty.

I went to the film expecting the depiction of an wretched girl who is crushed by society. This isn't what "Vanaja" shows us. The young woman is attractive, intelligent, and ambitious. She won't accept her fate with tears or simple resignation. She wants to succeed, and it's never clear that she won't succeed, despite the odds.

The acting that Mr. Domalpalli draws forth from his cast of amateurs is miraculous. Mamatha Bhukya is outstanding in the title role, and Urmila Dammannagari does an exceptional job as Mrs. Rama Devi, the wealthy landowner who is a formerly famous classical dancer.

In the film Vanaja learns South Indian classical dance, as she did in real life. I couldn't tell how good Vanaja's dancing was by Indian standards, but the many dance scenes were spellbinding. (Don't think Bollywood--this is classical dance. It's also very different from ballet, because in ballet the dancer lifts her heels away from the floor. In Sound Indian dance, the heel is the primary contact point.)

This is a movie that is not to be missed. It will work on DVD, but will be better on a theater screen because the dancing will be shown to better advantage. However, if DVD is your only option, then see it that way. Just be sure to see it.


text: Dit is niet een typische Indiase film. Er is een groot gevoel van menselijkheid, en de personages zijn behoorlijk realistisch. Er is een grote dynamiek in de intermenselijke relaties, en er is een gevoel van schuld, verdriet, passie en passiviteit onder de vele personages. Als je dit ziet, krijg je een idee van de zware last van de 5000 jaar van lagen en lagen van de geschiedenis van het sociale bestaan van een van de oudste beschavingen. De laatste scène van een olifant die wegloopt op het platteland was een grote voetnoot bij zo'n oude beschaving, en toch zijn menselijke relaties bewaard en gekoesterd. Ik heb het op dvd gezien, de twee interviews met de regisseur en de hoofdactrice zijn heel interessant. Was verbaasd te horen dat de film het niet goed heeft gedaan (of niet is vertoond) in India (... maar misschien niet al te verbaasd). Het artistieke erfgoed van de plattelandsgemeenschappen raakt langzaam verloren en de erfenis wordt niet opgepikt door jongere generaties, aangezien sommige oudere musici in de film tegenwoordig niet meer leven. Geweldige film.

text_en: This is not your typical Indian film. There is some great sense of humanity, and the characters are pretty realistic. There is great dynamism in the interpersonal relationships, and there is a sense of guilt, grief, passion, passivity among the many characters. While seeing this, one gets a feel for the heavy burden of the 5000 years of layers and layers of history of social existence of one of the oldest civilizations. The final scene of an elephant walking away in the rural area was a great footnote to such a ancient civilization, and yet, human relations are still preserved and nurtured. Saw it on DVD, the two interviews with the director and the main actress are very interesting. Was surprised to learn that the movie has not done well (or not being shown) in India (... but maybe not too surprised). The artistic patrimony of rural societies is being slowly lost and its inheritance not picked up by younger generations, as some of the older musicians in the movie are no longer living today. Great film.


text:
Deze film wint 26 van de 28 prijzen waarvoor hij is genomineerd en zal zonder twijfel een van de beste van 2007 worden. Het feit dat hij is gemaakt met niet-professionele acteurs en dansers maakt hem des te bijzonderder.
Het is geen Bollywood-productie, maar het gaat over kunst. Een meisje uit een lagere kaste wil zingen en dansen. Ze wil hogerop komen in de maatschappij, maar er zijn grenzen. In India kan niet iedereen president worden, er is een kastenstelsel en de bekrompen geesten staan niet toe dat dat wordt doorbroken. Vanaja (Mamatha Bhukya) gaat op haar vijftiende van school en gaat werken voor de hospita (Urmila Dammannagari), die ooit een goede danseres was. Nadat ze een tijdje voor de dieren heeft gewerkt, leert ze zingen en dansen. De film is opvallend mooi met een rijke kleurschakering. Het is verbazingwekkend wat je met 40.000 dollar kunt doen, aangezien deze film een meesterwerk was voor de schrijver.
De zoon van de hospita (Karan Singh) komt uit Amerika terug om zich kandidaat te stellen voor een ambt en wordt getroffen door het meisje. Maar zij behoort tot een lagere kaste en kan alleen maar een instrument zijn voor zijn lusten. Thuis gaat het er niet beter aan toe omdat haar vader drinkt en eet en haar geld steelt. Ze raakt zwanger en moet de baby aan de hospita verkopen.
Uiteindelijk komt ze nooit boven haar kaste uit, maar het verhaal was fascinerend en de acteurs waren echt goed.

text_en:
Winning 26 out of the 28 awards it was nominated for, there is no doubt that this film will stand as one of the best of 2007. The fact that it was made with non professionals who were trained to act and dance makes it that much more special.

It is not a Bollywood production, but it is about art. A lower caste girl wants to sing and dance. She wants to move up in society, but there is a limit. Everyone cannot be President in India, there is a caste system, and the narrow minds will not allow it to be breached.

Vanaja (Mamatha Bhukya) quits school at 15 and goes to work for the Landlady (Urmila Dammannagari), who was once an accomplished dancer. After some time working the animals, she is taught to sing and dance. The film is strikingly beautiful with rich color. It is amazing what can be done with $20,000, as this film was a Master's project for the writer director.

The Landlady's son (Karan Singh) returns from America to run for office and is struck by the girl. But, she is lower caste and can only be a vessel for his lust. Things are no better at home as her father drinks and eats and steals her money. She ends up pregnant and has to sell the baby to the Landlady.

In the end, she never rises above her caste, but the story was fascinating and the acting was really good.


text: Vanaja is een film vol superlatieven. De cast is uitzonderlijk goed doordacht, met Mamatha als kroon op het werk, een voortreffelijke productie en mogelijk preproductie met Rajnesh aan het roer, een fantastische reis over het platteland van Zuid-India door de ogen van een 15-jarige, een opmerkelijke mengeling van traditionele en moderne zang en dans, perfect in elkaar overvloeiend, en een prachtige achtergrond van weelderige kleuren van de flora en fauna die deze schitterende ervaring vormen. Wat een geweldige prestatie voor een debuterende regisseur! De casting was perfect. Ik wou dat India met meer van zulke films kwam. Deze film zal mijn hele leven een van mijn favorieten blijven.

text_en: Vanaja is a film of superlatives. It has an exceptionally well thought-out cast with Mamatha being the crowning jewel, a superb production and possibly pre-production with Rajnesh at the helm, a fantastic journey of rural Southern India through the eyes of a 15 year old, a remarkable mixture of song and dance, traditional and modern, blended perfectly, and a beautiful backdrop of lush color of the flora and fauna that make up the magnificent experience. What a towering achievement for a debut director!! The casting was absolutely dead-on. I wish India would come out with more of such films. This film will remain as one of my top favorites for my entire life. 9/10.


text: Laten we wel wezen, je weet wat je kunt verwachten als je afstemt op een post-1990 Corey Feldman-film, waarschijnlijk zijn er borsten, wapens en auto's. Als je zegt dat er meer in deze film zit dan alleen naakte dames (het spijt me dat ik het moet zeggen), want het zijn voornamelijk mensen die op een aantal ongebruikelijke en, zoals de naam al zegt, vaak'mystieke' manieren om de dood vinden. Ik ben dol op waardeloze horror, en ik ben dol op deze film. Als je dat niet bent, zul je het waarschijnlijk niet worden, maar ik denk dat het de meeste mensen wel een poging waard is, het is niet zo waardeloos dat het je weekend verpest of zo. 'We zijn op de juiste plek. Het is een cracker!'

text_en: let's face it, you know what to expect when you tune into a post 1990 Corey Feldman film, there are probably boobs, guns and cars. saying that, there is more to this movie than just naked ladies (i'm sorry to say), cos it's mainly people getting themselves killed in a variety of unusual, and as the name suggests, often 'mystical' ways. I love crappy horror, and i love this film. If you don't, you probably wont. but i think it's worth most people giving it a go, it's not so crappy that it'll ruin your weekend or anything. All in all, if its mindless good fun, a bit of corpse loving, and an 80's childhood superstar your in the mood for, then you've come to the right place. its a cracker!!!!


text: Het kan me niet schelen dat sommige mensen deze film slecht vonden. Als je de Waarheid wilt: dit is een Heel Goede Film! Hij heeft alles wat een film zou moeten hebben. Je zou deze echt moeten Krijgen.

text_en: I don't care if some people voted this movie to be bad. If you want the Truth this is a Very Good Movie! It has every thing a movie should have. You really should Get this one.


text:
Voorzichtigheid <0xE2><0x80><0x93> mogelijke spoilers voorin... Net voor de tweede keer naar 'Joe' gekeken. De eerste keer was dertig jaar geleden op een luchtmachtbasis. Daar werd ik aan herinnerd door de luchtmachtoverjas met de sgt-strepen die de vriend/dealer droeg; wij vliegers moesten erg lachen toen dat voor het eerst op het scherm verscheen, want dat is een 'levenslange' rang. In de loop der jaren heb ik verschillende andere beelden van de film bij me gedragen. Vooraan stond de beeldschone en kwetsbare dochter van de directeur. Zoals iemand anders opmerkte: je kon je ogen niet van haar afhouden. Ik besefte nu pas dat dit een twintigjarige Susan Sarandon in haar eerste film was. Wat jammer dat ze niet meer films heeft gemaakt toen ze er zo uitzag. Ik herinner me ook de ironie van het feit dat een tegencultuurheld als Peter Boyle de titelrol speelde van een rechtse wapenfanaat. Net zoiets als George C. Scott die generaal speelde in _Dr. Strangelove_ en _Patton_. En natuurlijk maakte de schokkende afloop een blijvende indruk.

Dertig jaar geleden was het de meest besproken film die ooit op de basis is gedraaid. We vonden het toen een geweldige film en ik had er niet veel zin in om hem nog eens te zien, omdat ik bang was dat hij net zo teleurstellend gedateerd zou zijn als _Easy Rider_. Maar nu ik hem weer heb gezien, sta ik ervan te kijken hoe goed de film het heeft gehouden. Het is een heel sterk scenario met weinig gaten, hoewel je je afvraagt waarom het vriendje onmiddellijk uit de badkuip stapt als Sarandon bij hem in bad stapt.
Als ik op zoek ben naar een verklaring waarom deze film nog steeds zo onderhoudend is, moet ik denken dat het iets te maken heeft met de perfecte fysieke casting. Boyle was fysiek geloofwaardig als Joe (zoals anderen hebben opgemerkt dat zijn vertolking de Archie Bunker-figuur een paar jaar later zou inspireren). Was Ted Knight het model voor zijn 'Caddyshack'-personage <0xE2><0x80><0x93> rechter Smail, naar de reclameman van Dennis Patrick in 'Joe'? Het onschuldig kijkende meisje met de pop van Raggety Ann roept nog steeds een beschermende reactie op bij alle mannelijke kijkers <0xE2><0x80><0x93> de casting is perfect.
De naakt- en drugsscènes houden stand (ze waren heel provocerend voor hun tijd) en zijn zo expliciet als maar kan in 'Dertien'. Het enige wat aan deze film afdoet, is dat het geweld niet realistisch of beeldend is. 'Joe' speelde zich ongeveer in dezelfde tijd af als 'The Wild Bunch', en de toon van het geweld in de film was nog maar net veranderd.
Een andere reden waarom deze film overeind blijft, is dat de gebeurtenissen van de afgelopen paar jaar de relevantie van het thema en de context van deze film hebben teruggebracht. In de film zijn beide typen 'conservatief'. De tegencultuur wordt neergezet als de spot drijven met de rechtlijnige cultuur, en hoewel ze paranoïde zijn ten opzichte van de conservatieven (legaal gezien, aangezien dit slechts een paar maanden na Kent State was) kunnen ze de verleiding niet weerstaan om met hun levensstijl te koop te lopen in een poging hen tegen zich in het harnas te jagen. Het politieke landschap is niet zo heel anders na 30 jaar. Ik weet niet of conservatieven jonge mensen en liberalen zo erg benijden als in 1970, maar ze zijn banger en haten hen meer.
Een uitstekende film die nu verrassend genoeg net zo relevant is als in het begin van de jaren zeventig.

text_en:
Caution-possible spoilers ahead.. Just watched 'Joe' for the second time. The first time was 30+ years ago on an Air Force Base. I was reminded of that by the Air Force overcoat with Tech. Sgt. stripes wore by the boyfriend/dealer; we airmen had quite a laugh the first time that appeared on the screen because that is a 'lifer' rank. Over the years I have carried several other images from the film. Foremost was the absolutely beautiful and vulnerable daughter of the executive. As someone else commented, you could not take you eyes off her. I did not realize until now that this was a 20-year old Susan Sarandon in her first movie. What a loss that she did not do more movies when she looked like that. I also recall the irony of having a counterculture hero like Peter Boyle playing the title role of a right-wing gun nut. Not unlike George C. Scott playing generals in Dr. Strangelove and Patton. And of course the shocking ending made a lasting impression.

30+ years ago it was the most talked about movie that ever played on the base. We thought it was a great film then and I have been reluctant to see it again because I was afraid that it would be as disappointingly dated as Easy Rider. But watching it today I was amazed at how well the film has held up. It is a very strong script with few holes although you have to wonder about the boyfriend immediately getting out of the bathtub when Sarandon gets in with him.

Searching for an explanation of why this film is still so entertaining I have to think it has something to do with the perfect physical casting. Boyle was physically believable as Joe (as others have pointed out his portrayal would inspire the Archie Bunker character a few 'years later). Did Ted Knight model his 'Caddyshack' character-Judge Smails after the Dennis Patrick's advertising executive in 'Joe'? They look alike and sound alike. Patrick was totally believable as the wrapped-too-tight upper middle class executive. And Sarandon's doe-eyed innocent with the Raggety Ann doll still evokes a protective response from all male viewers-perfect casting.

The nude and drug scenes actually hold up (they were very provocative for their day) and are as explicit as anything to be found in 'Thirteen'. About the only thing that dates this film is that the violence is not realistic or graphic. 'Joe' was about the same time as 'The Wild Bunch', and the tone of movie violence had a just begun to change.

Another reason this film holds up is that events in the past couple of years have brought back the relevancy of the theme and context of this film. In the film both types of 'conservatives' are portrayed as full of fear and hate toward the unconventional ways of the counterculture; and filled with envy at their free and hedonistic lifestyle. The counterculture is portrayed as mocking the straight culture; and although paranoid toward conservatives (legitimately so given that this was just a couple months after Kent State) they cannot resist flaunting their lifestyle in an attempt to antagonize. The political landscape is not all that different 30+ years later. I'm not sure conservatives envy young people and liberals as much as 1970, but they fear and hate them more.

An excellent film that surprisingly is as relevant now as it was in the early 1970's.


text: De rijke zakenman Bill Compton (gespeeld door Dennis Patrick) vermoordt na een ruzie per ongeluk het hippievriendje van zijn dochter. In paniek trekt hij zich terug in een bar, waar hij Joe Curran (gespeeld door Peter Boyle) ontmoet: een luidruchtige, boze, kwezelachtige man die verbitterd is over hoe zijn geliefde land is geworden. Onopzettelijk laat Bill Joe ontdekken dat hij zojuist een hippie heeft vermoord. En dat is nog maar het begin. 'Joe' is een klassieke film over een onwaarschijnlijke vriendschap. Een band tussen twee mannen, de een van een blanke arbeidersachtergrond, de ander van een arbeidersachtergrond. Bill & Joe hebben één ding met elkaar gemeen: ze schamen zich voor hoe krankzinnig de wereld is geworden. Dennis Patrick & Peter Boyle hebben allebei een zeer realistische weergave van hun personages gegeven. Directeur John G. Avidsen regisseert dit lowbudget juweeltje met dezelfde finesse als een film met een budget van honderd miljoen dollar. Het script zit vol met uitstekende karakterontwikkeling en heel gevatte, realistische dialogen. Ondanks de sterke punten heeft deze film ook zijn zwakheden. Het script valt ongeveer 3/4 van de film in slaap, maar wordt net op tijd wakker voor de schokkende climax. Deze film bevat ook een heel vroege en weinig inspirerende voorstelling van de 24-jarige Susan Sarandon als Bills dochter Melissa, samen met haar hippievriend Frank, die heel neutraal wordt geportretteerd door Patrick Mc Dermott. Je kon alleen maar dankbaar zijn dat hij al vroeg in de film om het leven kwam. Ondanks de paar tekortkomingen is dit een van die vergeten films uit de jaren zeventig die dat niet zouden moeten zijn. Hoewel 'Joe' erg gedateerd is naar de maatstaven van vandaag de dag, is de chemie tussen Dennis Patrick en Peter Boyle vandaag de dag volkomen relevant, en het is de lijm die de hele film bijeenhoudt.

text_en: Wealthy businessman Bill Compton (played by Dennis Patrick) accidentally kills his daughter's hippie boyfriend after an argument. Panic-stricken, he retreats to a bar, and meets Joe Curran (played by Peter Boyle): a loud-mouth, angry, bigot who is bitter over how his beloved country has become. Unintentionally, Bill allows Joe to find out that he just killed a hippie. And this is only the beginning. "Joe" is a classic film of an unlikely friendship. A bond between two men, one of a white-collar background, the other of a blue-collar background. Bill & Joe have one thing in common, they are disgraced over how crazy the world has become. Dennis Patrick & Peter Boyle have both given very realistic portrayals of their characters. Director John G. Avidsen with this "pre-Rocky" effort, directs this low-budget gem with the same finesse as a movie with a $100 million budget. The script is loaded with excellent character development and very snappy, realistic dialog. In spite of its strengths this film does have its weaknesses. The script falls asleep roughly 3/4 of the way through, but it wakes up just in time for the jarring climax. This film also features a very early and uninspiring performance by a 24-year old Susan Sarandon as Bill's daughter Melissa, along with her hippie boyfriend Frank, portrayed very blandly by Patrick Mc Dermott. One could only be thankful that he was killed off early in the film. In spite of its few flaws this is one of those forgotten films of the 70's that should not be. Even though "Joe" is very dated to today's standards, the chemistry between Dennis Patrick & Peter Boyle is completely relevant today, and it is the glue that holds the whole film together.


text: 'Joe' is zo'n film waarin je, ook al denk je dat het allemaal wel gladjes zal verlopen, uiteindelijk wordt getroffen door... Ik kan geen analogie bedenken. De film liet niet alleen zien dat Amerika's lang vervlogen idee van eenheidsworst achterhaald was, maar ook de verschillende aspecten van onze samenleving. Melissa Compton (Susan Sarandon) is het ultieme bloemenkind, terwijl haar vader Bill (Dennis Patrick) een keurige manager is. Op een dag vermoordt Bill per ongeluk Melissa's vriendje. Meteen daarna maakt Bill kennis met Joe Curran (Peter Boyle), een ultrarechtse, rabiate racist die keihard werkt. Als gevolg daarvan gaan de twee steeds meer met de hippies om, aan wie Bill een hekel heeft en aan wie Joe een hartgrondige hekel heeft. Maar uiteindelijk heeft alles dodelijke gevolgen.<br />Het is waar dat sommige delen van de film een beetje gedateerd zijn, maar het is een goede combinatie van de twee kanten van Amerika tijdens de Vietnamoorlog. En wees gerust, de gevolgen van dat alles zullen waarschijnlijk nooit verdwijnen.

text_en:
"Joe" is one of those movies where, although you think that it might go along smoothly, ends up hitting you like...I can't come up with an analogy. It showed not only that America's long-standing idea of unity was moot, but also the various aspects within our society. Melissa Compton (Susan Sarandon) is the ultimate flower child, while her father Bill (Dennis Patrick) is a clean-cut executive. One day, Bill accidentally kills Melissa's boyfriend. In the immediate aftermath, Bill gets acquainted with Joe Curran (Peter Boyle), an ultra-right-wing, rabidly racist working stiff. As a result, the two of them end up associating more and more with the hippies, whom Bill finds unpleasant and Joe outright hates. But in the end, everything has dead serious consequences.

True, some parts of the movie are a little bit dated, but it's a good juxtaposition of America's two sides during the Vietnam War. And rest assured, the residual effects of all that will probably never go away.


text: Het verbaasde me dat ik zo emotioneel betrokken raakte bij deze film. Peter Boyle is een tour de force als de sociaal conservatief-conservatieve arbeider, Joe. Ik had echt met sommige van zijn klachten te doen. Natuurlijk noemt hij de onderliggende socio-economische redenen voor veel van zijn vooroordelen niet. De film geeft ook een interessant inzicht in de snelle verandering die de Amerikaanse samenleving in die tijd onderging. Recreatiedrugs, losse seks en de uitdaging van ouderlijk gezag waren in de mode en namen de oude, in ere gehouden tradities van respect voor God, land en leeftijd over. Fans van Susan Sarandon zullen verrukt zijn. Joe is haar filmdebuut. Ze zorgt ook voor een visuele traktatie aan het begin van de film. Aanbevolen, 8/10.

text_en: I was surprised by how emotionally invested I became in this film. Peter Boyle is a tour de force as the working class socially conservative bigot, Joe. I actually sympathized with some of his complaints. Of course he doesn't mention the underlying historical socio-economic reasons for many of his prejudices. The film also provides interesting insight into the rapid change American society was undergoing at this time. Recreational drugs, casual sex, and the challenging of parental authority became in vogue and replaced the more time honored traditions of respect for God, country and seniority. Susan Sarandon fans will be delighted. Joe is her film debut. She also provides viewers with a visual treat near the beginning of the film. Recommended, 8/10.


text: Als Archie Bunker gewapend was geweest, zou hij heel goed 'Joe' geweest kunnen zijn. Maar 'All in the Family' zou niet zo'n groot succes zijn geworden, omdat de censuur het nooit in de richting van deze film zou hebben laten gaan. Joe is een arbeider die een racist en een fanaticus is, en een grote mond heeft, vooral als hij dronken is. Op een avond ontmoet hij een man in een bar, Bill, die een borrel drinkt om zijn gespannen zenuwen te kalmeren nadat hij per ongeluk het junkievriendje van zijn dochter heeft vermoord, en hij laat dat aan Joe merken. Wat er gebeurt, is dat Bills dochter met de junkie samenwoonde, en zij...' Na een overdosis wordt ze naar het ziekenhuis gebracht, en hij gaat langs het appartement om haar spullen op te halen, maar hij verwacht niet dat hij het vriendje tegen het lijf zal lopen, dat net thuiskomt van een grote drugsdeal. In de worsteling die volgt, wordt het vriendje per ongeluk gedood, en Bill wil natuurlijk niet dat iemand het echt weet. Maar hij laat het Joe weten, en als de kranten en de tv-verslagen uitkomen, ziet Joe ze, legt 2 en 2 bij elkaar, en plotseling is die man in zijn ogen een held. Hij gaat later met hem om en Bill is natuurlijk bang dat Joe hem gaat chanteren, maar niet voor geld, hij wil met hem optrekken. En dat is in zekere zin nog erger. Bills dochter ontsnapt uit de kliniek waar ze zit, glipt weer naar huis, hoort per ongeluk wat er is gebeurd en is dan op de vlucht, en de rest van de film bestaat grotendeels uit Joe & Bill die 'de underground' infiltreren om haar te vinden. Dat bouwt zich op tot een nogal schokkend einde, dat ik totaal niet had verwacht en dat precies op de juiste toon eindigt, of op de verkeerde toon, afhankelijk van je gezichtspunt. Een soort fatsoenlijke maar weinig verheffende kijk op het leven in het begin van de jaren zeventig, voornamelijk vanuit het gezichtspunt van een bekrompen arbeidersklasse, wat het niet voor iedereen is, maar het is helemaal geen slechte film en het is een fatsoenlijke film. 8 van de 10.

text_en: If Archie Bunker was armed, he may well have been "Joe". However, "All in the Family" would have had a rather short run because the censors would never have allowed it to run along the lines of THIS movie. Joe is a working class guy who is a racist and a bigot, and has a big mouth, especially when he's drunk. One night he meets a man in a bar, Bill, who is having a drink to soothe his frazzled nerves after accidentally killing his daughter's junkie boyfriend and he lets that slip to Joe. What happens is that Bill's daughter was living with the junkie, and she's hauled off to the hospital after an overdose, and he goes by the apartment to collect her things but doesn't expect that he'll actually run into the boyfriend, who comes in fresh from a big drug deal. In the struggle that ensues, the boyfriend is killed accidentally and Bill doesn't want anyone really to know, of course. But he lets it slip to Joe, and then when the newspapers and TV reports come out, Joe sees them, puts 2 and 2 together, and suddenly this man is a hero in his eyes. He hooks up with him later and Bill is of course concerned that Joe is going to blackmail him, but not for money, he wants to hang out with him. Which is, in a way, almost worse. Now, Bill's daughter escapes from the clinic she's in, and slips back home, and accidentally overhears what happened and then is on the run, and most of the rest of the movie consists of Joe & Bill infiltrating "the underground" to try to find her. This builds up to a rather shocking ending, which to me was totally unexpected and ends on just the right note, or wrong note, depending on your point of view. A sort of decent but dim view of life in the early 70's, mostly from a working class bigot's point of view, which makes it not for everyone, but it's not a bad film at all and it's a decent watch. 8 out of 10.


text:
22. JOE (drama, 1970) Joe is een racistische fabrieksarbeider die bekendstaat om zijn hekel aan 'hippies en ni'ers'. Hij ontmoet Bill, een zakenman die net de minnaar van zijn jonge dochter Jill (Susan Sarandon) heeft vermoord. Jill loopt weg en sluit zich aan bij een commune van hippies aan de rand van de stad. Bill vraagt Joe om hulp. Hun zoektocht voert hen door de meest troosteloze delen van de stad, waar de innerlijke haat en weerzin van beide mannen op de proef worden gesteld.

Critique: dit was de eerste hit van regisseur John G. Avildsen, die van een slaper in een superster veranderde (een verbazingwekkende run met titels als 'Rocky', 'The Karate Kid', 'Split-Image' en 'Weekend at Bernie'). De film is interessant genoeg om de thema's en ideeën van de turbulente jaren zestig te bevatten (Vietnamoorlog, zwarte macht, vrouwenemancipatie enzovoort). Er is ook een goede vertolking van Peter Boyle in de rol van Joe, een van de eerste antihelden van de film. Hij is altijd goed geweest in het spelen van enge, bazige zwaargewichten wier abstracte ideeën worden tegengehouden door zijn intimiderende aanwezigheid (hij speelde het monster van Frankenstein in de spoof Young Frankenstein van Mel Brook). Hij doet me denken aan een klein kind dat gevangenzit in een groot, dom, onhandig lichaam. De film heeft een zwak script (de ontmoeting van Joe en Bill, bijvoorbeeld, is een beetje toevallig), maar hij eindigt met een bijzonder gruwelijke, post-Taxi Driver-achtige afloop.
QUOTE: titellied: '' Ik heb een vent gezien die rommel aan kinderen verkoopt. Hij wordt elke keer dat ik langskom zenuwachtig. Want hij weet dat als ik hem te pakken krijg, ik hem een schop onder zijn kont zal geven.'

text_en:
22. JOE (drama, 1970) Joe (Peter Boyle) is a racist factory worker who's known to hate "hippies and ni**ers". He meets Bill, a businessman who has just murdered the lover of his drug addict young daughter Jill (Susan Sarandon). Jill runs away and joins a hippie commune at the outskirts of town. Bill turns to Joe for help. Their search leads them through the seediest parts of town where both men's inner hatred and loath is furthered tested.

Critique: This was director John G. Avildsen's first sleeper-turned smash hit (an amazing run which included: 'Rocky', 'The Karate Kid', 'Split-Image', 'Weekend at Bernie's'). Film is interesting enough in that it served to encapsulate the themes and ideas of the turbulent 60s (Vietnam War, black power, women's lib etc.). It also has a good performance from Peter Boyle as Joe, one of the cinema's first antiheroes. He's always been good at playing creepy, bossy heavies whose abstract ideas are enforced by his intimidating presence (he would play the Frankenstein monster in Mel Brook's spoof Young Frankenstein). He reminds me of a little kid trapped in a big, dumb, awkward body. Film has a weak script (the meeting of Joe and Bill, for instance, is a bit coincidental), but it has a particularly gruesome, post-Taxi Driver ending.

QUOTE: Title Song: "I saw a fella selling junk to children. He gets nervous every time I pass Cause he knows that if I catch him I'm gonna kick his head and kick his fat a$$."


text:
Eindelijk heb ik de ware reden gezien waarom Peter Boyle beroemd is geworden. Dat was niet omdat hij het monster was in 'Young Frankenstein' of omdat hij de chagrijnige Frank Barone was in 'Everybody Loves Raymond'. Voor jongere mensen die hem alleen van de tv kennen, moet je deze film eens proberen, want Frank lijkt wel een heilige.
'Joe' is Boyle in zijn beste acteerrol en zoals iemand al zei, heeft hij hoogstwaarschijnlijk inspiratie opgedaan voor 'Archie Bunker' in 'All In The Family'. Ik denk dat Boyle zelfs een beetje terug is gegaan naar 'Joe' om Frank te spelen. (Ik zeg dit omdat het me opviel dat de kelder van zowel 'Joe' als 'Frank Barone er hetzelfde uitziet. Ik wist niets van deze film toen ik hem uit de bibliotheek haalde, ik wist alleen dat Boyle en Susan Sarandon erin voorkwamen. Ja, Susan ziet er geweldig uit in deze film, en voor een jonge actrice een heel goede eerste rol. Een jonge hippie die aan haar ouders ontsnapt en samenwoont met een drugsverslaafde hippie die ook zoveel verkoopt als hij koopt.
Na een bijna fatale overdosis aan te veel pillen wordt ze in het ziekenhuis opgenomen terwijl haar ouders haar spullen gaan halen. Haar moeder wil het stinkende appartement niet binnengaan, maar haar vader wel. Terwijl pappa haar spullen pakt, komt haar vriendje thuis en wisselen de twee woorden en dan doet de vader wat we Joe later zullen horen zeggen dat hij met een hippie zou willen doen.
Joe raaskalt dat hij een bloedhekel heeft aan verschillende culturen/rassen, hippies en een waslijst van anderen. Als hij zegt: 'Ik zou er heel graag eentje willen vermoorden,' zegt de vader (die probeert te doen alsof hij een grapje maakt) 'Dat heb ik net gedaan.' Joe trapt er bijna in, maar vindt het dan grappig.
Later, als de politie ter plaatse is en het verhaal in de krant staat, beseft Joe dat hij geen grapje maakte. In plaats van de rijke kerel voor geld te chanteren, chanteert hij hem eigenlijk, min of meer. Door hem en zijn vrouw te dwingen...' Lang verhaal kort: hun omgang is ongemakkelijk, maar als Sarandon lucht krijgt van wat haar vader heeft gedaan, loopt de bodem het risico uit de zaak te vallen.
Hoe dit alles uiteindelijk afloopt, zul je zelf moeten zien. Hoewel het meer dan 35 jaar geleden is, is het einde iets wat je niet zult verwachten. Tenzij je de film eerder hebt gezien, natuurlijk. Nogmaals, ik beveel hem voornamelijk aan voor degenen die hem niet hebben gezien.
10 sterren voor Boyle, niet alleen omdat hij iemand speelt die volkomen tegengesteld is aan zijn karakter, maar ook voor wat anderen zal laten zien dat hij meer was dan alleen maar een tv- en filmacteur.

text_en:
I finally have seen the real reason why Peter Boyle became famous. It wasn't being the monster in "Young Frankenstein" or being cranky Frank Barone on "Everybody Loves Raymond". For younger people who only know him from TV,give this film a try,it makes Frank look like a saint.

"Joe" is Boyle in his finest acting role and as someone mentioned,most likely gave the inspiration for "Archie Bunker" on "All In The Family". I think Boyle even went back to "Joe" a little to play Frank. (I say this because I noticed the basement of both "Joe" & Frank Barone look similar.)

I knew nothing of this movie when I checked it out of the library,I just knew Boyle and Susan Sarandon were featured. Yes,Susan does look great here and for a young actress a very good early role. A young hippie wanna be,who escapes her parents home and lives with,the ultimate lost in a drug induced haze hippie,who also sells as much as he buys.

After a near-fatal over-dose on too many pills,she is hospitalized while her parents go to collect her things,her mother wont go into the smelly,run down apartment but her father does. While Dad gathers up her things,her boyfriend comes home and the two exchange words and then the father does what we will later hear Joe say he'd like to do to a hippie.

Joe is shooting his mouth off about how he hates different cultures/races,hippies and a laundry list of others. When he says,"I'd really like to kill one of them",the father (trying to look like he's kidding)says,"I just did". Joe almost buys it but then takes it as funny.

Later,when the police are at the scene and the story is in the paper,Joe realizes,he wasn't kidding. Instead of nailing the rich guy for money through blackmail,he actually,kind of,does blackmail him. By just wanting him and his wife to "get to know" him and his wife. Long story short their association is awkward but after Sarandon gets wind of what her father has done,the bottom is at risk of falling out.

How this all plays out in the end you'll have to watch for yourself. Although it's over 35 years ago,the ending is something you wont expect. Unless you've seen the film before of course. Again,I recommend it mostly for those who haven't seen it.

10 stars for Boyle not just playing someone completely opposite his nature but for what will show others that he was more than just a TV and movie comedy actor. (END)


text:
Ik heb alleen op de beste gestemd omdat deze film twee kiekjes van Americana heeft bevat: een in 1970 en een voor elk jaar daarna.
Er is niet echt iets veranderd.
Joe is eigenlijk een zak, een grote stomme lul die iedereen in de wereld uitscheldt voor zijn eigen stommiteit. Dat is niet echt een spoiler, maar de sleutel tot de film is de grote zakenman die 'doet nooit iets verkeerd' is en bevriend raakt met deze semi-barbaarse Joe, en hij krijgt een soort... bevestiging van zijn onverdraagzaamheid, zijn stommiteit en het gevoel dat hem onrecht wordt aangedaan.
Toch zouden maar weinig mensen zeggen dat het vriendje van de dealer het verdiende om te sterven. En die kinderen hadden Joe en Compton niet moeten afpikken. En Joe en Compton raakten zowaar in de ban van de hasj en de jonge meiden, totdat ze werden beroofd. In veel opzichten een eenvoudige film, behalve dat New York City in 1970 een gevechtszone was dankzij de zorg van Nixon en al het geld dat naar de oorlog in Vietnam ging. Terwijl ik dit schrijf (25 april 2007) is er op Netflix een 'heel lange wachttijd' voor deze film <0xE2><0x80><0x93> wat me blij maakt, want ik denk dat er mensen zijn die het willen leren. Dit was een vrij goed kiekje <0xE2><0x80><0x93> niet precies, een beetje karikaturistisch <0xE2><0x80><0x93> maar het kwam in feite aardig in de buurt van hoe het er toen uitzag. Het is geen bijstand meer, maar dat betekent alleen maar dat de loonslavernij heeft gewonnen.
Verbazingwekkend hoe miljonairs klagen dat ze niet genoeg geld verdienen, en dan klagen dat <0xC2><0xA3> 5,15 per uur te veel is om hun mensen te betalen.

text_en:
I only voted excellent because this film took two snapshots of Americana: one in 1970, and one for every year afterward.

Nothing's really changed.

Joe is actually a jerk, a big stupid slob who's mad at everybody else in the world for his own idiocy. This ain't really a spoiler, but the key to the film is the big, corporate "never does wrong" guy making friends with this semi-troglodyte Joe, and he gets some kind of...validation from his bigotry and stupidity and sense of being wronged.

Yet, few would argue, that the dealer boyfriend did deserve to die. And those kids shouldn't have ripped Joe and Compton off. And Joe and Compton were actually getting into the hash and the young skin until they got ripped off. A simple film in many ways, except that in 1970 New York City was par to a battle zone thanks to Nixon's care, and all of the money going to the war in Vietnam. As I write this (2/25/2007) there is a "very long wait" on Netflix for this film - which makes me happy because I think there are people out there who want to learn. This was a pretty good snapshot - not exact, a bit caricaturist - but actually pretty close to how it was back then. And the scary thing is - things haven't changed that much. Sure, there's no more welfare, but that just means the wage-slavery has won out.

Amazing how millionaires will complain about not making enough money, then complain that $5.15 an hour is too much to pay their people.


text: WAARSCHUWING: Deze passage lezen nadat je de film hebt gezien! Net als 'Easy Rider', die een jaar eerder is uitgebracht, probeert 'Joe' te illustreren wat er gebeurt als de tegencultuur en de rest van het (hoewel rechts) Amerika elkaar ontmoeten: er komt een gewelddadig einde aan. Hoewel deze film voor het grootste deel een traag vertoon is van de traditionele 'ouderwetse' Amerikaanse moraal versus de 'doe-wat-je-wel-kunt'-levensstijl van de jaren zestig, is het ook een commentaar op de hogere klasse versus de lagere middenklasse en hun onvermogen om elkaar in het midden te ontmoeten, zoals geïllustreerd wordt wanneer de Comptons de Currans ontmoeten. Boyles 'Joe' vertegenwoordigt een generatie die vastzit in de jaren veertig en vijftig, waar 'een rooien voor mammie (of jap of hippie, wat dat betreft) vermoorden oké is zolang het Amerika helpt en redt. Joe en zijn vrouw Mary Jo zijn duidelijk de archetypen voor Archie Bunker en Dingbat-vrouw Edith. Het einde van deze film <0xE2><0x80><0x93> die voor altijd bekend zal blijven omdat hij gewelddadig is (maar niet bloederig, er is helemaal geen bloed te zien) <0xE2><0x80><0x93> is echter onevenwichtig. Joe maakt de hippiegeneratie (verbale) af en gaat vervolgens (letterlijk) met hen in zee om in hun gelederen te infiltreren om Comptons dochter op te sporen <0xE2><0x80><0x93> terwijl hij duidelijk van het idee had moeten walgen, maar het separatistische idee laat voor wat het is omwille van de seks. Wanneer hij door diefstal wordt verraden (lees: vertrouwen van de oudere generatie in de nieuwe generatie), slaat hij toe door een niet-aflatende reeks moorden. Misschien is het aan de Tarantino's van Hollywood te danken dat de toeschouwer een bloederige dood in de slotscène verwacht, maar de bloedeloze schietpartijen verlangen naar enige impact of realisme. 'Joe' is geen geweldige film, maar het is een interessante vertoning van klasse- en cultuurverwantschap en de dierlijke onderliggende uitersten van de generatiekloof.

text_en: WARNING: Reading this entry after watching the movie! Like 'Easy Rider' released a year before, 'Joe' tries to illustrate what happens when the counterculture and mainstream (albeit right-wing) America meet: a violent end ensues. Although this film is for the most part a slow-moving display of traditional "old-fashion" American morals versus the 60's "do-what-feels-good" lifestyle, it is also a commentary on upper-class vs. lower-middle class and their inability to meet in the middle as illustrated when the Comptons meet the Currans. Boyle's Joe represents a generation stuck in the 1940s and 50s where 'Kill a commie for Mommy (or jap or hippie for that matter) is okay so long as it helps and saves America. Joe and wife Mary Jo are clearly the archetypes for Archie Bunker and Dingbat wife, Edith. This movie - which will forever be known for it's violent (but not bloody - no blood is seen at all) ending is uneven however. Joe blasts (verbally) the hippie generation then (literally) lays down with them to infiltrate their numbers to locate Compton's daughter - when clearly he should have been repulsed by the idea but forgoes the separatist idea for the sake of sex. When he is betrayed through thievery (read: trust of the older generation to the newer generation), he lashes out through an unrelenting chain of murder. Perhaps it is due to the Tarantinos of Hollywood that the watcher expects blood-streaming death in the end scene, but the bloodless shootings long for any sort of impact or realism. 'Joe' is not a great movie, but it is an interesting display of class and culture alienation and the animalistic underlying extremes to the generation gap.