text: Voor mij zijn de beste & meest memorabele films vaak die waar ik op het eerste gezicht niets van weet. _American Movie_ is een perfect voorbeeld van zo'n juweeltje. Toen ik op een avond laat tv zat te kijken, zag ik de enige goede recensie tussen het afval <0xE2><0x80><0x93> gelukkig nam ik me voor een echte traktatie. _American Movie_ is een documentaire over de onvergetelijke Mark Borchardt (uitgesproken als "orchard", geloof ik), een zeer welbespraakte & charismatische jongen van Wisconson, die zijn best doet om "Midwest" te schrijven, te regisseren en te produceren, een ruige, lowbudget horrorfilm waaraan hij al jaren werkt. In Mark ontdekken we een jongeman vol contrast. Maar voor de camera onthult Mark verrassende geestigheid & inzicht terwijl hij op de Amerikaanse manier filosofeert over het leven, de liefde, de film & de filmwereld. Naarmate de film vordert, wordt het helaas duidelijk dat Marks gebrek aan discipline & zware drankzucht zijn creatieve inspanningen meedogenloos saboteren. _American Movie_ is een charmante film vol hilarische momenten & levendige personages. Een van Marks beste vrienden is Mike Schank, een bekeerde blower met een zachte stem die, nadat hij een verslaving aan krasloten achter zich had gelaten, nu afhankelijk is van frisdrank. Ik ben dol op _American Movie_. Het genereert echte empathie tussen de kijker en de hoofdpersonen en zorgt voor hilariteit zonder dat het uitbuit. Ik zou het iedereen van ganser harte aanbevelen.

text_en: For me, the best & most memorable movies are often those which on first viewing I know nothing about. American Movie is a perfect example of just such a gem. Watching TV late one evening, I spotted the one & only good review among the dross - thankfully I settled in for a real treat. American Movie is a documentary following the unforgettable Mark Borchardt (pronounced "orchard", I believe), a highly articulate & charismatic Wisconson lad, as he struggles to write, direct and produce "MidWestern", a gritty, low-budget Horror movie on which he has been working for years. In Mark we discover a young man filled with contrast. His appearance is of the classic trailer-trash stereotype - skinny, bum-fluff mustache, '80s heavy metal styling, mullet hairdo, etc. To camera however, Mark reveals startling wit & insight as he philosophizes upon life, love, movies & the American way. As the movie unfolds, it sadly becomes clear that Mark's lack of discipline & heavy drinking are relentlessly sabotaging his creative efforts. American Movie is a charming watch, filled with hilarious moments & vivid characters. Chief among these is Mark's lovable buddy Mike Schank, a soft-spoken reformed stoner who, having conquered an addiction to scratch cards, is now dependent on soda pop. I absolutely loved American Movie. It generates real empathy between the viewer & principal characters, and provides hilarity without feeling exploitative. I would wholeheartedly recommend it to anyone.


text:
Als we jong zijn, kiezen we allemaal een ideaal beroep: kunstenaar, acteur, schrijver, raketgeleerde, enz. Hoewel de meesten van ons uit onze koker groeien, heeft het hoofdpersonage van American Movie, Mark, de zijne (en ook nog op een leeftijd van een jaar of dertig) nog niet losgelaten: hij wil een rijke, beroemde regisseur worden. Ondanks het feit dat de wet van Murphy Mark niet met rust laat en er altijd iets mis lijkt te gaan, is Mark in staat om tijdens elk afschrikwekkend incident door te gaan met een nog grotere gedrevenheid om zijn doel te bereiken. Zijn verlangen om regisseur te worden bepaalt zo zijn karakter dat hij elke persoon of elk ding in zijn leven ziet als iets wat hij kan gebruiken om zijn doel te bereiken. Hoewel het me opviel dat andere IMDB-lezers Marks egoïsme afkraken, denk ik dat het een bijna gerechtvaardigd soort egoïsme is, want voor Mark staat niet beroemd worden gelijk aan de dood. Hij heeft het er voortdurend over dat hij iets van zijn stempel op de wereld wil drukken, en hij ziet filmen als een manier om dat te doen.
Jammer genoeg merkt elke kijker van deze film al vroeg dat Mark een bijna nul kans heeft om zijn droom ooit te verwezenlijken. Is hij zich daarvan bewust? Nee, in het geheel niet, en geen van zijn familie of vrienden wil hem inlichten over het geheim (zelfs sommigen van hen geloven in hem). Maar vreemd genoeg belemmert de teleurstellende toekomst die de kijker voor Mark ziet niet het vermogen om humor in de film te vinden. Dit is een heel erg grappige documentaire. De meeste lachsalvo's komen van het moment dat Mark scènes voor 'Coven' aan het opnemen is. Er is een scène waarin een acteur met zijn hoofd tegen een kast knalt, en dat werkt gewoon niet. In een andere scène zegt Marks stokoude oom Bill een paar regels in de camera; het behoeft geen betoog dat Bill na 20 opnamen met een hoop gekras en gestotter uiteindelijk vindt dat hij er genoeg van heeft. Een hoop humor komt helaas van Mark zelf. Zijn scenario, waarvan hij denkt dat het een Pulitzerprijs waardig is, is lachwekkend slecht: 'It' 't Is goed, het is goed, er is iets om voor te leven, dat heeft Jezus me gezegd.'
'American Movie' is, in tegenstelling tot wat de mensen misschien denken, een documentaire waar iedereen van kan genieten (hoewel mijn zus, die sommige scènes heeft gezien, hem ronduit bizar vond). Het feit dat Chris Smith met succes een film naar het witte doek kan brengen die zowel droefheid opwekt door Marks deprimerende levensstijl als hilariteit door scènes met Bill (die helaas is overleden voordat de film werd uitgebracht) zegt heel veel over hem. Ik vraag me af hoe de dromer Mark op deze documentaire reageert. Beseft hij dat hij in een slecht daglicht wordt gesteld? Of dat hij in veel scènes van de film als een idioot wordt afgeschilderd? Of ziet hij het als iets wat voor zijn eigen A&E-biografie zal worden vertoond? Het is een intrigerend onderwerp van verwondering, en ik hoop dat dat laatste op een dag ook voor hem zal gelden.
Ik kan deze film van harte aanbevelen: 9/10.

text_en:
When we are young, we all pick out an ideal occupation for ourselves: artist, actor, writer, rocket scientist, etc.. While most of us grow out of our pipe dreams, the main character of American Movie, Mark, has yet to let go of his(and at a thirty-something age too): to become a wealthy acclaimed director. Despite the fact that Murphy's Law won't leave Mark alone and something always seems to go wrong, Mark is able to persevere during each deterring incident with an even greater drive to reach his goals. His desire to be a director so controls his character that he sees any person or thing in his life as something to exploit to reach the goal. While I noticed other IMDB commenters are lambasting Mark's selfishness, I think it's an almost justified sort-of selfishness because for Mark, not becoming a famous director is equivalent to death. He talks incessantly about leaving some kind of mark on the world, and he sees filmmaking as a way to do this.

Unfortunately any viewer of this movie picks up early on the fact that Mark has a near-zero chance of ever achieving his dream. Is he aware of this? No, not in the slightest, and none of his family or friends want to let him in on the secret(in fact even some of them believe in him). Strangely enough though, the disappointing future the viewer feels is sure to occur for Mark doesn't impede the ability to find humor in the film. This is a very very funny documentary. Most of the laughs come from when Mark is filming scenes for "Coven". There's a scene where an actor has to have his head break a cupboard, and it's just not working. Another scene has Mark's very old uncle Bill saying a few lines to the camera; needless to say, after 20 takes of a lot of headscratching and line-stumbling Bill finally decides he's had enough. A lot of humor sadly comes from Mark himself. His screenwriting, which he seems to think is worthy of a Pulitzer, is laughingly bad: "It's alright, it's ok, there is something to live for; Jesus told me so."

"American Movie" is, contrary to what people might think, a documentary that anyone can enjoy(even though my sister, who watched some scenes, seemed to think it was downright bizarre). The fact that Chris Smith can successfully bring to the screen a film that inspires both sadness from Mark's depressing lifestyle to hilarity with scenes with Bill(who unfortunately passed away before the film was released) says quite a lot about him. I wonder how the dreamer Mark regards this documentary. Does he realize that it casts him in a bad light? Or that it sets up to show him as a fool in many scenes of the film? Or does he see it as something that will be shown prior to his own A&E Biography segment? It's an intriguing subject of wonder, and I hope the latter comes true for him some day.

I highly recommend this movie: 9/10.


text:
Wat deze film zijn karakter geeft, is de wetenschap dat het uiteindelijk allemaal waar is. Hoewel het een boeiende en humoristische documentaire is die in sommige delen aan namaak doet denken (zijn ze in scène gezet of gebeurt het echt op een grappige manier?), lijkt hij tegen het eind een beetje lang te worden.
Deze film is grappig op plaatsen waar dat wel moet, en hij loopt redelijk goed. Als je van de films van Christopher Guest hebt gehouden, kan ik je aanbevelen om naar deze film uit te kijken.
B.

text_en:
What gives this movie its personality is the knowledge, in the end, that it is all true. While it is a compelling and humorous documentary that does border on mockumentary in some parts (are they staged or is it really happening humorously?), it does seem to get a bit long towards the end.

This movie is funny in places it needs to be, and flows relatively well. Reminiscent of Christopher Guest's movies, if you liked those or Adaptation then I recommend you keep a look out for this one.

B+


text:
Ik genoot van deze film, omdat ik me er iets bij kan voorstellen.
Op een bepaald moment in mijn leven probeerde ik films te maken en had ik veel van dezelfde problemen die Mark Borchardt had toen hij zijn film probeerde te maken. En ik maakte ook een lange periode door van een in zichzelf gekeerde ontwikkeling, waarin ik weigerde te groeien. Maar toen, op wonderbaarlijke wijze, trouwde ik en kreeg ik kinderen. Ik besefte dat ik als zwoegende filmmaker naar alle waarschijnlijkheid mijn gezin niet zou kunnen voeden. Dus ik kreeg een fatsoenlijke baan en deed wat ik dacht dat ik moest doen om dat te laten gebeuren. Dat is wat een volwassene met een volwassen verantwoordelijkheidsgevoel doet.
Mark heeft...' Tot nu toe heeft hij die realiteit onder ogen gezien, en in die zin is hij een achterlijke puber. Om die reden heeft hij iets hopeloos. Net als Don Quichot lijkt hij zo onbeholpen en in de war dat hij niet beseft hoe slecht hij er eigenlijk aan toe is. De kijker voelt zich superieur en heeft medelijden met hem en zijn vriendenkring. Mark heeft kinderen, een ex-vrouw en rekeningen die betaald moeten worden, maar de film laat zien dat het hem in wezen alleen maar om zijn 'artistieke visie' te doen is.
Desondanks komt Mark in de film over als een sympathiek persoon, omringd door een heel interessante familie en een groep vrienden. Helaas ontbreekt het Mark aan veel dingen die nodig zijn om succesvol te zijn, zowel in het leven als in zijn carrière: volwassenheid, verantwoordelijkheid, opleiding, kennis, levenservaring, prioriteiten stellen, financiële invloed, enzovoort. Toch ploetert hij voort, net als Ed Wood, kennelijk zonder ook maar enige aanwijzing.
Ik denk dat we ons aangemoedigd moeten voelen door de houding van 'zeg nooit nee' van dit nobele individu, dat tegen alle verwachtingen in vecht. En man, wat zijn de verwachtingen hoog! Kiefer Sutherland, Colin Hanks, Tori Spelling en Angelina Jolie zijn allemaal nakomelingen van grote film- of tv-mensen; ongetwijfeld zullen ze op een dag allemaal willen regisseren, als ze dat al niet doen. Hoeveel ruimte is er voor een onafhankelijk iemand als Mark? Het is net alsof je iemand zichzelf met een plank op zijn hoofd ziet slaan, steeds weer opnieuw. Nu ik erover nadenk, komt dat aardig in de buurt van wat er met een van Marks acteurs gebeurt, met de deur van het keukenkastje, in een van de grappigste scènes die ik ooit in een film heb gezien.
Ondanks al mijn twijfels en schijnbare kritiek, heb ik echt van deze film genoten en ik zou hem van harte aan iedereen aanbevelen. Oom Bill is geweldig. Ik heb een vriend die zowel Mike als Mark heeft ontmoet en hij vertelde me dat deze mannen in het echte leven precies zo zijn als ze in de film lijken.

text_en:
I enjoyed this one, because I can relate to it.

At one time in my life I was trying to make films, and experienced many of the same problems Mark Borchardt did in trying to make HIS film. And I also went through a protracted period of self-absorbed arrested development, where I refused to grow. But then, miraculously, I got married, and had kids. I realized that being a struggling filmmaker was, in all likelihood, not going to feed my family. So I got a decent job and did what I felt I needed to do to make that happen. That is what an mature, responsible adult does.

Mark hasn't faced up to that reality as yet, and so, in that sense, he is a retarded adolescent. For this reason, there is a hopelessness about him. Like Don Quixote, he seems so inept and self-deluded that he doesn't realize how bad off he really is. The viewer feels a sense of superiority and pity for him and his circle. Mark has kids and an ex-wife and bills to pay, but the film depicts him caring basically only about pursuing his "artistic vision".

Despite this, Mark comes across in the film as a likeable individual, surrounded by a very interesting family and group of friends. Unfortunately, Mark lacks many of the things necessary to be successful both in life and in a career: maturity, responsibility, education, knowledge, life experience, prioritization, financial clout, etc.. Yet he trudges on, much like Ed Wood, apparently without any semblance of a clue.

I guess we are supposed to feel encouraged by the spectacle of the "never say die" attitude of this noble individual, struggling against the odds. And man, what odds there are! Kiefer Sutherland, Colin Hanks, Tori Spelling and Angelina Jolie are all offspring of big-time film or TV people; no doubt, they will all want to direct some day, if they aren't already. How much room is there for an independent like Mark? It's like watching a guy hit himself in the head with a board, over and over again. Come to think of it, that is pretty close to what happens to one of Mark's actors, with the kitchen cabinet door, in one of the funniest scenes I have ever seen in any movie.

Despite these misgivings and seeming criticisms, I truly enjoyed this movie, and would heartily recommend it to anyone. Uncle Bill is amazing. I have a friend who met both Mike and Mark and he told me that, in real life, these guys are just exactly the way they appeared in the movie.


text:
Dit zou wel eens de beste film van 1999 kunnen worden. Nee, ik maak geen grapje. Deze door Chris Smith geregisseerde documentaire vat de geest van de artistieke dwang. Smith doet het verstandige wat elke documentairemaker zou moeten doen: hij blijft onzichtbaar en weigert zijn onderwerp te beoordelen.
Terwijl de kijker toekijkt hoe Mark en zijn pogingen, hoe fel en agressief ze ook mogen zijn, om zijn films af te maken, zich voltrekken. Hij weigert compromissen te sluiten en lijdt als gevolg daarvan herhaaldelijk. Maar laten we niet vergeten dat Speilberg, Scorsese en anderen net zo nederig zijn begonnen.
En wat een geweldig onderwerp heeft hij gekozen. Mark, zijn familie en vrienden zijn allemaal fascinerende personages, veel boeiender dan welk personage dan ook dat in de gefingeerde filmproducten van vorig jaar is gecreëerd. Deze film schommelt heen en weer tussen een komedie en een tragedie, is ontroerend en leidt ons er uiteindelijk toe dat elke kijker de drang voelt om iets te creëren, ondanks talentproblemen, om van je luie reet te komen en iets te maken.
De film gaat over onafhankelijke kunstenaars en hun passies. Hij gaat ook over families, hoe afhankelijk en niet-functioneel ze ook mogen zijn en hoe uniek en mooi dat organisme in werkelijkheid ook is. Mark blijkt in de film niet alleen zijn dromen na te jagen, maar ook zijn familie <0xE2><0x80><0x93> en zij hem.
Waarom deze film niet is genomineerd voor de documentaire van het jaar gaat mijn verstand en mijn verstand te boven (ervan uitgaande dat hij dat vorig jaar wel was). Deze film moet worden gezocht en gekoesterd.

text_en:
This may actually the finest film of 1999. No I'm not kidding. This documentary directed by Chris Smith captures the very spirit of artistic compulsion. Smith does the smart thing any documentary filmaker should do: he keeps invisible and refuses to judge his subject.

As the viewer watches Mark and his efforts, no matter how funkily aggressive they may prove, to finish his films. He refuses to compromise and suffers repeatedly as a result. But lest we forget, remember Speilberg, Scorsese and others started just as humbly.

And what a great subject he chooses. Mark, his family and friends are all fascinating characters, far more than any character created in last year's fictitious cinematic products.This film oscillates on the dime between comedy, tragedy, touching sympathy and leads us ultimately to inspiring any viewer with an urge to create, despite talent issues, to get off their butts and make something.

The film is about maverick artists and their passions. It is also about families, no matter how co-dependent and disfunctional they may be and how unique and beautiful that organism truly is. Mark proves in the film to be utterly devoted not only to his dreams, but also to his family as well- and they to him.

Why this film was not nominated for documentary of the year is beyond me and criminal (that is assuming it was eligible last year). This film is to be sought out and treasured.


text: Als een 'pre-babyboomer'... geboren in 1944, in Los Angeles; daarbij de dubieuze eer genietend dat hij in leven was toen Hitler nog actief betrokken was bij zijn 'Laatste Grote Offensief'; maar ook met onze president Roosevelt die nog actief in het offensief was... dit was een van de belangrijkste 'eerste films' van mijn jonge leven. Toen ik de kans kreeg hem te zien in 'heruitgave', een aantal jaren na de première in 1946 (een gemeenschappelijke gewoonte in die jaren) beantwoord (zelfs voor mijn heel jonge geest) <0xE2><0x80><0x93> o, zoveel vragen had ik... omringd te zijn door onze terugkerende Vet-helden. Verborgen in al die vele van William Wyler's gelijkmoedigheid van subtiele'multi-plots'... met opzet NIET 'omringd','mini-' of'sub-plots'... in al hun 'kleuren en tinten van intensiteit'... De film deed meer dan al het andere dat ik me kan herinneren, om me een soort'redelijke' en 'rationele' verklaring te geven voor wat er allemaal om me heen gebeurde... in het echte leven. (Mijn persoonlijke ervaring is waarschijnlijk een 'nieuwe' en 'andere' invalshoek als ik naar deze klassieke film kijk.

text_en: As a "cusp-pre-baby-boomer"...born in 1944, IN Los Angeles; thereby having the dubious distinction of having been alive while Hitler was still actively involved in his "Last Great Offensive; but also with our President Roosevelt still actively fighting the offensive...this was one of the most important "first films" of my young life. Having the opportunity to see it in "re-release," several years after the 1946 opening (a common studio custom in those years), answered (even to my very young mind)oh-so many questions I had...being surrounded by our returning Vet heroes. Ensconced in all the many of William Wyler's equanimity of subtle "multi-plots"...intentionally NOT "surrounding," "mini" or "sub" plots...in all their "colors and shades of intensity"...did more, than anything else I can recall, to provide to me some semblance of "reason" and "rational explanation" of what had been going on all around me...in REAL life. (My personal experience perchance being a "new" and "different" angle when looking at this classic film.)


text: Nu de Tweede Wereldoorlog voorbij was, richtten de filmstudio's zich snel op dierenartsen die naar huis terugkeerden. 'The Best Years of Our Lives' was waarschijnlijk het beste voorbeeld. Het laat verschillende mensen zien die naar huis terugkeerden en die zich niet alleen aan hun vooroorlogse leven moesten aanpassen, maar ook aan de veranderende wereld in het algemeen. Het interessantste personage is waarschijnlijk niet-acteur Harold Russell. Hij heeft in de oorlog zijn handen verloren en speelt een man met haken waar zijn handen vroeger zaten, en hij herinnert de mensen eraan dat hij net als iedereen behandeld wil worden; hij werd vervolgens de beste ondersteunende acteur en kreeg een speciale Oscar voor die rol, waardoor hij de enige is die ooit twee Oscars heeft gewonnen voor dezelfde rol. Er zal waarschijnlijk altijd gediscussieerd worden over de vraag of dit een betere foto is dan 'It's a Wonderful Life', maar ik vind zeker dat ze er goed werk mee hebben geleverd. Heel goed werk.

text_en: With WWII over, movie studios quickly rushed to focus on vets returning home. "The Best Years of Our Lives" was probably the best example. It portrays various people returning home and how they have to readjust not only to their pre-war lives, but to the overall changing world. Probably the most interesting cast member is non-actor Harold Russell. Having lost his hands in the war, he plays a man with hooks where his hands used to be, and reminds people that he wants to be treated just like everyone else; he went on to win Best Supporting Actor and a special Oscar for the role, making him the only person ever to win two Oscars for the same role. There will probably always be debate over whether this deserved Best Picture more than "It's a Wonderful Life", but I certainly think that they did a good job with it. Very well done.


text: De film gaat over een andere uitzonderlijke samenwerking tussen regisseur William Wyler en filmer Gregg Toland, de eerste nadat Toland aan Citizen Kane had gewerkt. Maar het talent van beide mannen was gericht op het tot stand brengen van een perfect geconstrueerde film, die in de goede oude Amerikaanse betekenis van het woord een geweldig verhaal is. De technische aspecten van de film worden zo behandeld dat de kijker wordt meegezogen in de handeling die op het scherm plaatsvindt zonder zich te onderwerpen aan de kracht van het beeld. Techniek wordt gezien als een representatief voertuig voor de representatie, in tegenstelling tot in Citizen Kane, waar de barokke stijl van Welles bijna de aandacht van het verhaal naar de manier waarop het verhaal werd verteld trok. Een van mijn favoriete scènes in deze film is het drama van de thuiskomst van Homer en Al. Als Wilma Homers meisje is, komt ze perfect in beeld op hem af, en gaat Al op zijn vrouw af, ook perfect in beeld. Dit is een briljante scène, want alleen door het gebruik van het beeld zien we de aard van deze relaties zoals we die in de film zullen zien: Wilma houdt van Homer en ze accepteert hem zoals hij is, de vrouw van Al houdt ook van hem, maar ze is er niet op voorbereid om hem volledig te verwelkomen. Ook komen we later in de film tot de ontdekking dat hun huwelijk niet altijd een rozentuin is geweest. Wyler is een regisseur wiens kracht ligt in het trouw zijn aan zijn werk zonder de behoefte te voelen om op te scheppen. Hij wilde zijn publiek laten zien hoe moeilijk het was voor de Amerikaanse soldaten die terugkeerden uit de oorlog om zich aan te passen aan een samenleving die hen niet begreep of hen met minachting behandelde. Met een perfecte cast en een geweldige dialoog produceerden Goldwin en Wyler een film die voor altijd het sjabloon zal zijn voor elke andere thuisbioscoopfilm. De drie uur die samenvallen met de'really cut' omdat het testpubliek in die tijd geen moment het gevoel had dat de actie traag was en elke scène uit de film volkomen gerechtvaardigd leek. Het geheel is prachtig geconstrueerd, elk personage krijgt een behoorlijke hoeveelheid bloot, er wordt niets aan het toeval overgelaten en het is jammer dat Hollywood tegenwoordig nooit meer in staat is zoveel karakterconflicten op het scherm te brengen. TBYOOL verkent de diepte van de Amerikaanse manier van leven, van het Amerikaanse gezin en de Amerikaanse maatschappij in zo'n mate dat andere films eruitzien als 'het kinderuurtje'.

text_en:
The movie features another exceptional collaboration between director William Wyler and cinematographer Gregg Toland, the first after Toland worked on Citizen Kane. But the talent of both these men was focused on achieving a perfectly crafted movie, understood in the good old American sense as a great story. The technical aspects of the movie are covered so as the viewer gets absorbed into the action that takes place on the screen without submitting to the power of the image. Technique is seen as a vehicle of representation unlike in Citizen Kane where Welles' baroque style almost drew the attention from the story to the way the story was told. One of my favorite moves with deep focus in this film is the drama conveyed by the returning home welcoming of Homer and Al. If Homer's girl, Wilma comes towards him perfectly in focus, Al goes over to his wife also perfectly in focus. This is a brilliant move because it shows only through the use of the image the nature of these relationships as we will see them throughout the movie: Wilma loves Homer and she accepts him as he is, Al's wife loves him also but she feels unprepared to fully welcome him home. Also later in the film we find out that their marriage has not always been a bed of roses.

Wyler is a director whose force lies in being true to his work without feeling the need to boast. He wanted to show his audience how hard it was for the American soldiers returning from the war to fit into a society that either didn't understand them or treated them with contempt. With a perfect cast and great dialogue Goldwin and Wyler produced a movie that will forever be the template for any other returning home movie. The three hours which coincide with the "rough cut" because the test audience back then never felt for a moment that the action was slow and indeed every scene from the film seems perfectly justified. The whole thing is constructed beautifully, every character gets a fair amount of exposure, nothing is left to chance and it is quite pitiful that Hollywood nowadays never manages to bring so much character conflict to the screen. TBYOOL explores the depth of the American way of life, of the American family and society to an extent that makes other movies look like "the children's hour".


text: Er werden zo veel grote talenten gebruikt in 'The Best Years of Out Lives', dat het resultaat wel een wonder moet zijn. Denk eens aan wat de regisseur, William Wyler, voor zijn kiezen kreeg; in de nasleep van een militaire overwinning op statistische machten die afschuwelijke misdaden hadden begaan en de wereld hadden overspoeld als het tot gevechten kwam, maakte hij een film die betoogde dat de leiders van de Verenigde Staten zelf diep anti-individuaal waren <0xE2><0x80><0x93> dat ze 'de beste jaren van de levens hadden verspild van degenen die waren opgeroepen of misleid om de oorlog te voeren <0xE2><0x80><0x93> wat, aangezien het de rechten van individuen negeerde, niets anders was geweest dan een discussie over de mate van slavernij waarin mensen moesten leven.' Sherwood, auteur van 'The Road to Rome' en andere verdedigingen van individuen tegen tirannieke ideeën. De ironische titel werd gebruikt om de talenten van acteurs als Frederic March, Myrna Loy, Teresa Wright, Dana Andrews, Virginia Mayo, Cathy O'Donnell en Hoagy Carmichael in een grootschalig maar thematisch drama te verwerken. De slimme plotlijn was de ervaring van de 'paren' nadat de soldaten (drie in de schijnwerpers) hadden geprobeerd naar huis terug te keren in een 'overwinningscultuur'. Hun bittere ervaringen en het besef van hun eigen behoefte om weer te vechten tegen wat er aan het thuisfront gebeurde, vormen een sterk en ontnuchterend contrast met het conventionele idee dat 'alles goed was met 'Amerika'. March en zijn vrouw hebben de grootste moeite om zich aan te passen, en hij drinkt; O'Donnells jongeman, Harold Russell, heeft haken in plaats van handen en vraagt zich af of het leven wel de moeite waard is om te leven; en het ergste van alles is dat Andrews' vrouw hem inruilt voor een vent met geld en hij heeft jaren verloren, waardoor werkgevers zijn rechten op een baan negeren of ontkennen, rekening houden met zijn individuele verdiensten, zelfs hebben wat hij had voordat hij uit zijn leven was weggerukt en in de arena van het risico was geworpen <0xE2><0x80><0x93> voor niets, en met verlies van alles wat hij ooit had gehad. De verpletterende climax van de film komt wanneer elk van de drie de confrontatie aangaat met de noodzaak om weer te vechten, ieder voor zijn eigen geluk; en alle drie vinden ze de moed om door te gaan met vechten <0xE2><0x80><0x93> ieder voor zijn eigen geluk, dat nu wordt bedreigd door een merkwaardig anti-zelf, anti-werkelijkheid die een niet-Amerikaanse Verenigde Staten onverschillig laat. Wylers regie, vooral van de scène waarin Andrews in de cockpit van een in de mottenballen gelegde B-17 zit, alleen, en de scène van Russells bruiloft, is werkelijk prachtig. Dit is een zeer krachtige film en een geweldige film op zijn eigen manier, een film waar mannen en vrouwen het voor één keer over eens kunnen zijn. Muziek van Hugo Friedhofer en kostuums van Irene Sharaff dragen bij aan de glans ervan. Een van de beste en meest onverwachte films aller tijden, in verbluffend B/W.

text_en: So many great talents were utilized in "The Best Years of Out Lives", the result has to be somewhat miraculous. Think of what its director, William Wyler, faced; in the aftermath of a military victory over statist powers who had committed abominable crimes and engulfed the world if battles, he was making a film that argued that the US's leaders were themselves profoundly anti-individual--that they had "wasted the best years of the lives of those drafted or misled into fighting the war--which since it ignored the rights of individuals had been for nothing except argument over the degree of slavery men were to exist under." There are beautiful sets by Julia Heron, Gregg Toland's cinematography and a script by Robert E. Sherwood, author of "The Road to Rome" and other defenses of individuals against tyrannical ideas. The ironic title was used to draw the talents of actors such as Frederic March, Myrna Loy, Teresa Wright, Dana Andrews, Virginia Mayo, Cathy O'Donnell and Hoagy Carmichael into a large-scale but thematic drama. The clever plot line was the experiences of thee "couples" after the soldiers (three being spotlighted) tried to return home to a 'victory culture". Their bitter experiences and their realization of their own need to fight again against what was happening on the homefront poses a strong and sobering counterpoint to the conventional notion being sold that "all was well with "America"". March and his wife have a terrible time adjusting, and he is drinking; O'Donnell's young man, Harold Russell,, has hooks instead of hands and wonders if life can even be worth living; and worst of all Andrews' wife throws him over for a guy with dough and he has lost years, causing employers to ignore or deny his rights to a job, to consideration on his individual merits, to have even what he had before he had been ripped from his life and thrust into the arena of risk--for nothing, and loss of everything he had ever had. The shattering climax of the film comes when each of the three has to confront the need to do battle again,each for his own happiness; and all three succeed in finding the courage to go on fighting--each for his own happiness, which is now being threatened by a curiously anti-self, anti-reality indifferent an un-American United States. Wyler's direction, especially of the scene where Andrews sits in the cockpit of a mothballed B-17, alone and the scene of Russell's wedding is wonderful indeed. This is a most powerful film and a great one on its own terms, one women and men can agree on for once. Music by Hugo Friedhofer and costumes by Irene Sharaff add to its luster. One of the best and most unexpected films of all time, in stunning B/W.


text: Deze film vertelt de verhalen van verschillende stellen die het post-WWII-leven moeten verwerken. In vele ontroerende scènes komt het publiek te weten hoe de oorlog mensen heeft veranderd, terwijl hun menselijke geest doorging met triomferen.<br />Mijn favoriete scène is die van een jonge soldaat, die naar huis terugkeerde als een dubbele geamputeerde (nadat hij beide armen tot aan de elleboog was kwijtgeraakt) en er zeker van was dat zijn liefje, dat nog steeds met hem wil trouwen, niets aan hem zou hebben. Zijn meisje zei alleen maar dat ze hem zou helpen met de dingen die hij niet zou kunnen doen De scène waarin een militair om een lening vraagt, is ook een hoogtepunt. Als hij aanvankelijk wordt geweigerd omdat hij een 'hoog risico vormt', neemt een hogere bankfunctionaris het over en zegt: 'U hebt voor ons land gevochten en ons beschermd <0xE2><0x80><0x93> dat is voor mij goed genoeg. Uw lening is goedgekeurd!' 'The Best Years of Our Lives' heeft 6 Oscars gewonnen, waaronder een speciaal beeldje voor de gehandicapte acteur die ons allemaal liet zien dat het leven doorgaat en dat het de moeite waard blijft om te leven, zelfs voor iemand met een ernstige handicap. Deze film is een genot om steeds weer te zien. Een ware klassieker! Zeer aanbevolen!

text_en:
This film tells the stories of several couples coping with Post-WWII life. Through many moving accounts the audience learns how the War has changed people, while their human spirit went on to triumph.

My favorite scene is where a young service man, who returned home as a double amputee (after losing both arms up to the elbow) is sure that he would be no good to his sweetheart, who still wants to marry him. His girl simply said that she would help him with the things he wouldn't be able to do, but that they would be fine together. Moved by this true demonstration of love, the man embraces his fiancée in tears.

The scene where a service man asked for a bank loan is also a highlight. When he is initially refused as a "high risk", a higher ranking bank official takes over saying "You fought for our country and kept us safe--that's good enough for me. Your loan is approved!" "The Best Years of Our Lives" won 6 Oscars, including a special statuette for the disabled actor who showed us all that life goes on and will continue to be worth living, even with a severe handicap. This film is a joy to watch over and over again. A true classic! Highly recommended!


text:
Hoewel de fantastische frisdrankafdeling van de plaatselijke drogisterij niet langer bestaat en de kleren absoluut uit 1946 dateren, zijn ze nu wel heel erg gedateerd.

de naoorlogse jaren, en goed en kwaad zijn gemakkelijk te begrijpen, en
de oude vliegtuigen echt gedateerd zijn, zal deze film nooit gedateerd worden.

De menselijke aanpassingen en problemen na de oorlog, de prachtige
liefdesverhalen, de geweldige acteerprestaties (vooral van Harold Russell en
Dana Andrews) zijn in 2002 net zo ontroerend als in 1946. Zoals zovelen zijn mijn herinneringen aan de oorlogsjaren en de thuiskomsten vandaag zo vers alsof ze gisteren hebben plaatsgevonden <0xE2><0x80><0x93> deze film is zeer relevant voor onze tijd.

text_en:
Although the wonderful soda counter in the local drugstore no

longer exists, and the clothes are definitely l946 immediate

post-war vintage, and good and evil are easy to understand, and

those old planes are really dated, this movie will never be dated.

The human adjustments and problems post-war, the beautiful

love stories, the wonderful acting (especially Harold Russell and

Dana Andrews) are as moving today in 2002 as they were in l946.

I was one of the young women who welcomed our marvelous

veterans home from World War II. Like so many, my memories of

the war years and the homecomings are as fresh today as if they

took place yesterday - this movie is very relevant for our times.


text: Dit is een van de grootste films aller tijden. Het verhaal is fascinerend en de acteurs zijn overtuigend. Je identificeert je echt met de personages. William Wyler bewijst met deze film dat hij een groot regisseur is. Zijn vakmanschap is onovertroffen.

text_en: This is one of the great movies of all time. The story is fascinating and the actors are convincing. Your really identify with the characters. William Wyler proofs with this movie that he is a great director. His craftsmanship is unsurpassed.


text:
Ik was helemaal ondersteboven toen ik 'The Best Years of Our Lives' zag. De acteurs, het script en Master William Wyler's Direction (winnaar van de Oscar voor beste regisseur in 1946) zijn Briljant.
Deze film gaat over drie veteranen uit de Tweede Wereldoorlog die uit de oorlog terugkomen en herenigd worden met hun geliefden, maar de ontberingen van het thuiskomen na de oorlog moeten doorstaan.
De eerste man, Al Stephenson (gespeeld door Fredric March in zijn Oscarwinnende rol) komt thuis en vindt zijn vrouw Millie ( De tweede man, Fred Derry (gespeeld door Dana Andrews) moet een goede baan vinden en thuiskomen bij een vrouw met wie hij nog maar 20 dagen getrouwd was voor hij naar de oorlog vertrok. Hij begint te ontdekken dat ze niet meer dezelfde is.

Homer Parish (gespeeld door Harold Russell in zijn Oscar-winnende rol) heeft in de oorlog zijn handen verloren en moet de reacties van zijn familie en die van zijn verloofde Wilma (gespeeld door Cathy O'Donnell) op de haken die hij in plaats van handen heeft, verwerken.
Alle mannen en hun families worden in de film in verschillende scènes herenigd. De verhalen van deze mannen zijn allemaal prachtig met elkaar verweven.
Deze film definieert waarlijk de betekenis van een 'klassiek'. Dit onvergetelijke drama (winnaar van de prijs voor de beste film in 1946) is een film die iedereen zou moeten zien.
Als mij gevraagd zou worden een favoriete film te kiezen, zou dit'm zijn!
Uit 10 zou ik 'The Best Years of Our Lives' uit 10 geven.
Dus de volgende keer dat je naar je plaatselijke videotheek gaat en deze film huurt, zul je er geen spijt van krijgen!
geen afkeurenswaardig materiaal een goede familiefilm.

text_en:
I was blown away when I saw "The Best Years of Our Lives". The acting, script, and Master William Wyler's Direction(winner of Best Director in 1946)is Brilliant.

This film is about three WWII veterans who come home from the war and are reunited with their loved ones, but have to deal with the hardships of coming home from the war.

The first man Al Stephenson(Played by Fredric March in his Oscar winning role) comes home to find his wife Millie(played by Myrna Loy) and children Peggy and Rob(played by Teresa Wright and Michael Hall) are more grown up and different than before he left for the war.

The second man Fred Derry(played by Dana Andrews) has to find a good job and come home to a wife he had only been married to 20 days before he left for the war. He begins to find out that she is not the same.

Homer Parish(played by Harold Russell in his Oscar winning role)has lost his hands in the war and must deal with his family's and fiance' Wilma's(played by Cathy O'Donnell) reactions to the hooks he has instead of his hands.

All of these men and their families are reunited in the film in different scenes. The stories of these men are all interwoven beautifully together.

This film truly defines the meaning of a "Classic". This unforgettable drama(winner of best picture in 1946) is a film that everyone should see.

If I was asked to pick a favorite film this would be it!

Out of 10 I would give "The Best Years of Our Lives" An 10.

So next time you go to your local video store rent this movie you won't regret it!

NO objectionable material a good family film.


text:
Ik was helemaal ondersteboven toen ik 'The Best Years of Our Lives' zag. De acteurs, het script en Master William Wyler's Direction (winnaar van de Oscar voor beste regisseur in 1946) zijn Briljant.
De film gaat over drie veteranen uit de Tweede Wereldoorlog die samen thuiskomen in een vliegtuig en toevallig allemaal in dezelfde stad wonen. Ze worden allemaal herenigd met hun familie.
De eerste man Al Stephenson (gespeeld door Fredric March in zijn Oscarwinnende rol) moet zich aanpassen aan zijn vrouw Millie (gespeeld door Myrna Loy) en Kinderen Peggy en Rob (gespeeld door Teresa Wright en Michael Hall) omdat ze anders zijn dan voordat hij naar de oorlog vertrok. De tweede man Fred Derry (door Dana Andrews gespeeld in een uitmuntende rol) moet een goede baan vinden en zich aanpassen aan een vrouw met wie hij nog maar 20 dagen getrouwd is voor hij naar de oorlog vertrekt. Hij begint te ontdekken dat ze niet meer dezelfde is.
De derde man moet zich veel moeilijker aanpassen. Homer Parish (door Harold Russell gespeeld in zijn uitmuntende oscar-rol) heeft in de oorlog zijn handen verloren en moet de reacties van zijn familie en die van zijn verloofde Wilma (door Cathy O'Donnell gespeeld) verwerken op de haken die hij in plaats van zijn handen heeft. Al deze mannen en hun families worden in de film op verschillende manieren herenigd. De verhalen van deze mannen zijn allemaal prachtig met elkaar verweven.
Deze film definieert waarlijk de betekenis van een 'klassiek'. Dit onvergetelijke drama (winnaar van de prijs voor de beste film in 1946) is een film die iedereen zou moeten zien.
Als mij gevraagd zou worden een favoriete film te kiezen, zou ik deze kiezen.
Uit 10 zou ik 'The Best Years of Our Lives' uit 11 geven.
Dus de volgende keer dat je een film huurt en deze huurt, zul je er geen spijt van hebben.

text_en:
I was blown away when I saw "The Best Years of Our Lives". The acting, script, and Master William Wyler's Direction(winner of Best Director in 1946)is Brilliant.

The film is about Three World War II veteran's who come home together on a plane and all by chance live in the same town. They all are reunited with their families.

The first man Al Stephenson(Played by Fredric March in his Oscar winning role) has to adapt to his wife Millie(played by Myrna Loy) and Children Peggy and Rob(played by Teresa Wright and Michael Hall) being different than before he left for the war.

The second man Fred Derry(played by Dana Andrews in an excellant role) has to find a good job and adapt to a wife he had only been married to 20 days before he left for the war. He begins to find out that she is not the same.

The third man Has a much more harder adaptation to make. Homer Parish(played by Harold Russell in his excellant oscar role)He has lost his hands in the war and must deal with his family's and fiance' Wilma's(played by Cathy O'Donnell) reactions to the hooks he has instead of his hands. All of these men and their families are reunited in the film in different scences. The stories of these men are all interwoven beautifully together.

This film truly defines the meaning of a "Classic". This unforgettable drama(winner of best picture in 1946) is a film that everyone should see.

If I was asked to pick a favorite film I would pick this one.

Out of 10 I would give "The Best Years of Our Lives" An 11.

So the next time you rent a movie rent this one you won't regret it.


text: Terwijl ik met mijn kleindochter (22 jaar) naar een alledaagse moderne film keek (The Runaway Bride) vroeg ze me: 'Wat is de grootste film van je leven geweest sinds 1938?' Tjonge! Wat een keus! Het kostte me de hele zomer van nadenken en een paar films opnieuw bekijken voor ik mijn besluit nam. Het is 'The best years of our lives'. Deze film heeft geen gebreken. Het is een film waarin elk van de kleinere personages een rol speelt en waarin dialoog essentieel is voor het hele verhaal. Er is geen enkele rol in de film die je kunt weglaten. De fixatie van de vrouw op haar broers gebrek aan handen, de man die thuiskomt bij jongvolwassen kinderen die zonder hem en met andere ideeën zijn opgegroeid, het beeld van een jongeman wiens enige verantwoordelijkheid was dat hij een zuiplap was die de leider van een groep mannen werd en voor zijn daad een medaille kreeg. Een vrouw die zich nu moet aanpassen aan de echtgenoot die al jaren niet bij haar is geweest. Het besef van de mensen die zich in de veiligheid van hun veilige huizen bewust zijn van de offers die deze gewone mannen voor hen hebben gebracht. De blik op het leven van liefhebben en leven met een man zonder handen. Een eerste blik en reactie op de nieuwe misvormingen van hun zoon. Een man die gewend is in een oogwenk een beslissing te nemen over leven en dood, die terug moet keren naar de manier waarop hij zich een weg moet banen door de leningenstructuur van een conservatieve bank. Dit is geen sympathieke, huilerige, harttokkelende vertoning. Dit was het echte leven! Het had niet anders geportretteerd kunnen worden. Dit, mijn vrienden, is hoe het was! Dit zou je gemakkelijk als een documentaire kunnen beschouwen. Laat je in deze tijd van kleurenfilm alsjeblieft niet afschrikken door het zwart-wit, want het is een van de beste B/W-opnamen, die je ooit te zien zult krijgen. De casting was perfect. Als ik kon, zou ik het verplicht stellen dat iedereen die zich bezighoudt met geschiedenis, filmmaken, creatief schrijven, sociologie, familierecht of psychologie dit schitterende voorbeeld van de kunst van het filmmaken bekeek en erover rapporteerde.

text_en: While watching a mundane modern movie (The Runaway Bride) with my granddaughter (age 22) she asked me "Since you've been watching movies since 1938, what is the greatest movie of your lifetime?" Boy! What a choice that is! It took me all summer of thought and relooking a some flicks before I made my decision. It is "THE BEST YEARS OF OUR LIVES". This movie has no flaws. It is one movie in which each one of the minor characters part and dialog is essential to the whole story. There is not a single part in the film which could be left out. The young girl's fixation with her brothers lack of hands, the man coming home to young adult children who have grown up without him and with different ideas, the portrayal of a young man whose only responsiblity was as a soda jerk who became the leader of a group of men, and was awarded medals for his action. A women who must now adjust to the husband who's life has been away from her for years. The realization of the folks who were in the safety of there secure homes of the sacrifices these ordinary men made in their behalf. The look into the life of loving and living with a man without hands. A parents first look and reaction to their son's new deformities. A man used to making life and death decision in a instant, having to return to the way of plodding though a conservative bank's loan structure. This is no sympathetic, tear jerking, heart strumming act. THIS WAS REAL LIFE! It could not have been portrayed any different. This, my friends, is HOW IT WAS!! This could easily be considered a documentary. In this day of color film, please do not be turned off by the black and white because it is one of the finest B/W filming, editing and directing you will ever see. The casting was perfect. If I could, I would make it compulsory for anyone taking history, film making, creative writing, sociology, family counciling or psychology to view and report on this magnificent example of the film makers art.


text:
Deze uitmuntende post-oorlogsklassieker uit de jaren veertig wordt de laatste tijd nogal eens over het hoofd gezien.
Deze film is in 1945 uitgebracht en is in 1946 verfilmd.
Beide films zijn genomineerd voor een Oscar, voornamelijk ten koste van _It's A Wonderful Life._ Beide films zijn genomineerd voor de prijs voor de beste film, beste regisseur en beste acteur, allemaal gewonnen door _Best Years_.
en Dana Andrews, samen met een amateuracteur, Harold Russell (een soldaat in het echte leven, die bij een explosie beide handen kwijtraakte), spelen de hoofdrol in de film _It's A Wonderful Life_.
terugkerende soldaten, die ontdekken dat het leven heel anders is dan ze zich herinneren.
 Myrna Loy is voortreffelijk als de vrouw van March, die het gezin bij elkaar moet houden terwijl hij weg is.
de familie bij elkaar moet houden. De scheurende scheur.
De scène waarin March en Loy worden herenigd is schitterend.
Alle drie de mannen ontdekken dat ze moeite hebben zich aan te passen aan het leven na de oorlog, niet

in ieder geval Russell die met kunsthanden in het reine komt, en zijn financiën
(Cathy O'Donnell) probeert te behulpzaam te zijn. Sam Goldywn wordt geciteerd die zegt dat het hem niet kan schelen of de film geen geld oplevert, zolang iedereen in Amerika de film maar ziet, zodat ze hem zullen waarderen.
Als er een film is die 10 van de 10 waard is, is het deze wel.

text_en:
This superb 40's post war classic, tends to be overlooked these

days. When it was released in 1945, it cleaned up at the 1946

Oscars, mostly at the expense of `It's A Wonderful Life.' Both films were up for best film , best

director, and best actor, all won by Best Years'. Frederic March ,

and Dana Andrews along with an amateur actor Harold Russell ( a

real life soldier,who lost both hands in an explosion,) play the

returning soldiers, finding life is very different , from what they

remember. Myrna Loy is superb as March's wife, who has to keep

the family together while he has been away.The tear jerking

scene where March and Loy are reunited is magnificent. All three

men find that they have problems readjusting to post war life, not

least Russell coming to terms with artificial hands, and his finance

(Cathy O'Donnell ) trying to be too helpful. Sam Goldywn is quoted that he doesn't care if the film makes no

money at all, as long as everyone in America sees the film ,so they

will appreciate what these men went through. If any film is worth 10 out of 10, it is this one.


text:
Omdat er zoveel recensies over deze mooie film zijn geweest, zal ik een lijst opstellen en proberen kwesties aan te snijden die nog niet zijn besproken.
1. Dana Andrews was 38 toen deze film werd opgenomen. Zijn personage was volgens het script halverwege de twintig. Andrews, een zeer onderschatte acteur, speelde briljant een personage dat veel jonger had moeten zijn.
2. Fredric March, zoals alle grote acteurs, moet af en toe door de regisseur worden ingehouden om overmatig acteren te voorkomen. Hij was aan het filmen toen hij op de avond na zijn aankomst dronken was, en ook de volgende ochtend toen hij zijn kater in de spiegel bekeek.
3. Dana Andrews was net zo fantastisch als in 'Laura', 'The Ox-Bowl Incident', 'A Walk in the Sun', 'The Purple Heart' en vele andere films. Waarom won Fredric March de Academy Award en waarom werd Dana Andrews niet eens genomineerd voor zijn uitmuntende acteerprestaties?
4. Harold Russell gaf de beste voorstelling die ik ooit van een niet-acteur heb gezien.
5. Ik besef dat dit de jaren veertig waren, maar Dana Andrews leek geen romantische belangstelling te hebben voor zijn buitengewoon aantrekkelijke vrouw (Virginia Mayo).
6. Ray Teal, die de kwezel in de rechtervleugel speelde, werd jaren later beroemd omdat hij de sheriff speelde in 'Bonanza'.

7. De professor uit het zuiden schreef dat de film traag bewoog, saai was en slecht geacteerd. De professor is hoogstwaarschijnlijk niet op de hoogte van klassieke films. De schoonheid en betekenis van deze tijdloze klassieken is dat het langzaam bewegende karakterstudies zijn die vloeken, buitensporig geweld en gratuite seks vermijden.
***Het verbaasde me dat nul op de drie mensen mijn recensie nuttig vond.

text_en:
Since there have been so many reviews of this fine film I will write in a list form and attempt to address issues that have not been discussed.

1. Dana Andrews was 38 during the filming of this movie. His character according to the screenplay was in his mid 20s. Andrews, a highly underrated actor, did brilliantly play a character who was supposed to be much younger.

2. Fredric March like all GREAT actors needs at times to be restrained by the director to avoid over-the-top acting. He was mugging for the cameras when he was drunk on the night after his arrival and also the next morning when he was checking out his hang over in his mirror.

3. Dana Andrews was superb as he was in "Laura," "The Ox-Bowl Incident," "A Walk in the Sun," "The Purple Heart" and many other films. Why did Fredric March win the Academy Award and why was Dana Andrews not even nominated for his outstanding performance?

4. Harold Russell gave the best performance I have ever seen by a non actor.

5. I realize this was the 1940s but Dana Andrews seemed to have no romantic interest in his exceptionally attractive wife (Virginia Mayo).

6. Ray Teal, who played the right wing bigot, years later became famous for portraying the sheriff on "Bonanza."

7. The professor from the south wrote that the film was slow moving, boring and poorly acted. The professor more than likely is uninformed about classic films. The beauty and significance of these ageless classics is that they are slow moving character studies that avoid profanity, excessive violence and gratuitous sex.

***I was surprised that zero out of 3 people found my review useful.


text:
Deze film is vaker in en uit de mode geweest dan de minirok. Een triomf in de naoorlogse periode, maar in de jaren zeventig vrijwel vergeten, behalve door bioscoopbezoekers. De laatste tijd is hij weer populair geworden als misschien wel de meest evenwichtige weergave van de integratie van soldaten in het naoorlogse leven (en daar horen zeker films als 'The Deer Hunter' bij). Ik vind hem mooi, maar mijn algehele evaluatie ligt ergens tussen die twee uitersten in.
Het verhaal is eenvoudig. Drie totaal verschillende militairen die na de Tweede Wereldoorlog (de Grote!) zijn afgezwaaid vliegen terug naar hun woonplaats in het Midwesten en proberen hun burgerlevens op te pakken of te hervatten. De een heeft een handicap, de ander heeft een luizenbaantje, en de ander heeft niets anders om op af te gaan dan vastberadenheid.
Er zijn een paar goede, maar helaas nogal ongelijksoortige optredens. Fredric March kreeg de Oscar voor de beste acteur voor zijn rol van een oude sergeant die terugkeert naar zijn werk bij de plaatselijke bank. Persoonlijk vind ik dat Jimmy Stewart die prijs verdiende voor 'It's a Wonderful Life', dat ook de prijs voor de beste film verdiende, maar deze film heeft duidelijk een gevoelige snaar geraakt bij het naoorlogse publiek. Zoals ik al zei, hij was modieus. March heeft één fantastische scène, een grappige toespraak die me deed denken aan een soortgelijk incident met de echte held van de Tweede Wereldoorlog, Pappy Boyington, en verder is hij solide maar niet spectaculair. Ik ga hier tegen mijn gevoel in, maar ik dacht dat Myrna Loy, die de vrouw van March speelde, terecht door de Academie werd genegeerd. Ik bespeurde nauwelijks een spoor van warmte in haar. Ik bleef zelfs denken dat ze Frederic March een klap zou geven omdat hij haar ergerde. Iedere keer als ze samen waren, trok ze een lelijk gezicht. Er ontbrak iets aan haar, aan haar geforceerde glimlach en haar houding van tolerantie in plaats van vrolijkheid. Ik denk dat al die onzin over dat ze 'de volmaakte echtgenote' was, alleen maar juist is als je denkt dat een passieloze huisvrouw uit de jaren vijftig je ideaal is. Misschien ben je het daar niet mee eens, maar de Academy-stemmers blijkbaar niet. Ze is een groot probleem in deze film, een verschrikkelijk misbaksel. Als een voormalige zuiplap die een oorlogsheld is geworden en dan weer achter de toonbank terechtkomt, is Dana Andrews verbazingwekkend. Hij wordt opgezadeld met een vrouw die kennelijk met hem is getrouwd vlak voordat hij om de verkeerde redenen naar de oorlog vertrok, en zijn toekomst ziet er somber uit. Maar dan loopt hij toevallig Marchs dochter Peggy tegen het lijf (Teresa Wright, op een fantastische manier) en het vuurwerk barst los. Beide zijn geweldig, maar dan komt die oneffenheid weer terug die deze film doordrenkt. Een paar momenten van pure soapopera, onderbroken door de meest klassieke zin: 'Ik ga dat huwelijk kapotmaken!' De romantiek is opbeurend en weerspiegelt inderdaad een gemeenschappelijke toestand na de oorlog, die van terugkerende militairen die bij hun terugkeer de liefde vinden. Nu we het toch over opbeuren hebben, nu komen we bij Harold Russell. Hij heeft iets naturalistisch in zijn acteerwerk, of is het non-acting, wat vandaag de dag nog net zo waar is als toen. Als hij zijn situatie nuchter bekijkt, is hij een inspiratiebron. Zijn beste scène, een van de beste in de hele film, is wanneer hij het meisje dat hem leuk vindt mee naar boven neemt om haar te laten zien hoe hij er werkelijk aan toe is. 'Ik heb geluk, ik heb nog steeds mijn ellebogen, in tegenstelling tot sommige jongens.' Echt geweldig.
De film heeft een paar momenten die de lucht in gaan. Hij heeft ook een paar momenten die in de middagsoaps thuishoren. Neem het goede met het slechte en bekijk deze voor de hoogtepunten.

text_en:
This film has gone in and out of fashion more often than the miniskirt. A triumph in the post-war period, it was virtually forgotten by the 1970s except by students of cinema. Recently, it has begun to get recognition as perhaps the most even-handed representation of soldiers' integration into post-war life ever made (and that most definitely includes films such as "The Deer Hunter.") I like it, but my overall evaluation is somewhere between those extremes.

The tale is a simple one. Three very different servicemen who have mustered out after World War II (The Big One!) fly home to their Midwest town and try to resume, or create, civilian lives. One has a disability, one has a cushy job waiting for him, and the other has nothing to go on but determination.

There are some good but unfortunately uneven performances. Fredric March won the Best Actor Oscar for playing an old Sergeant who returns to his job at the local bank. Personally, I think Jimmy Stewart deserved it for "It's a Wonderful Life," which also deserved the Best Picture Award, but clearly this film touched a nerve with the post-war audience. As I said, it was fashionable. March has one fantastic scene, a humorous speech that brought to mind somewhat similar incident involving real WWII hero Pappy Boyington, and otherwise is solid but unspectacular.

I am going against the grain here, but I thought that Myrna Loy, who played March's wife, was justly ignored by the Academy. I detected barely a hint of warmth from her. In fact, I kept thinking she was going to slap Frederic March for annoying her. She practically grimaced every time they were together. Something was definitely missing there, in her forced smiles and her air of tolerance rather than joyfulness. I think all this nonsense about her being "the perfect wife" is correct only if you think a passionless 1950s homemaker is your ideal. You may disagree with that, but the Academy voters apparently did not. She is a major problem with this film, terribly miscast.

Dana Andrews as a former soda jerk who became a war hero, then winds up behind the counter again, is amazing. He is saddled with a wife who evidently married him right before he left for the war for all the wrong reasons, and his future looks bleak. But then he chances upon March's daughter Peggy (Teresa Wright, in a fantastic turn), and fireworks explode. Both are great, but then comes that unevenness again that pervades this film. Some moments of pure soap opera intrude, punctuated by the all-time classic line, "I'm going to bust that marriage up!" The romance is uplifting and does mirror a common condition after the war, that of returning servicemen finding love upon their return.

Speaking of uplifting, now we come to Harold Russell. He has a naturalistic quality to his acting, or is it non-acting, that rings just as true today as it no doubt did then. Taking a no-nonsense approach to his situation, he is an inspiration. His best scene, one of the best in all cinema, is when he brings the girl who likes him up to his bedroom to show her the truth of his condition. "I'm lucky, I still have my elbows unlike some of the boys." Truly great stuff.

The film has some moments that soar. It also has some moments that belong in the afternoon soaps. Take the good with the bad and see this one for the high points.


text: Wat kun je anders zeggen over een Wilder-film dan dat het de meest menselijke en echte verhalen zijn over mensen en wat hen drijft, wat hen irriteert, wat hen kwelt. Billy creëerde beelden als schilderijen die voor eeuwig de menselijke toestand weerspiegelen. Hij schildert het goede en het slechte in ons allemaal. Hij schildert ook met liefde. Ik kan me niet voorstellen dat iemand een lijst met de beste films heeft zonder een Wilder-film erop. Ze houden stand omdat ze waar zijn. Ik zag deze film voor het eerst op tv in de jaren zestig, toen ik nog klein was en de kamer uit moest omdat ik tranen in mijn ogen kreeg en me geneerde. Ik ben een oude man en ik voel nog steeds tranen opwellen, maar ik ga de kamer niet uit. Ik heb deze mensen gekend en van hen gehouden en ik ben om hen opgegroeid. Billy heeft hen in deze film bewaard en niet op de 'grootste generatie'-manier, maar op een zeer realistische manier, waardoor de kracht van de menselijke geest bewaard is gebleven.

text_en: What can one say about any Wilder film other than they are the most human and real stories about people and what drives them, bugs them,haunts them. Billy created pictures like paintings that stand forever reflecting the human condition. He paints the good and the bad in all of us. He also paints with love. I can't imagine anyone having a list of greatest films without a Wilder film on it. They will last because they are true. I first saw this movie on TV in the 60s when I was a kid and I had to leave the room because I felt tears welling up in me and was embarrassed. Now I'm an old man and I still feel the tears welling but don't leave the room. I knew these people and loved them and grew up around them. Billy preserved them in this film and not in a 'greatest generation' way but in a most realistic way that preserved the power of the human spirit.


text: De genialiteit van deze film ligt niet in het filmproces, dat een conventioneel, maar uitgevoerd, in elkaar vervlochten verhaal is van de leugens van drie militairen na de Tweede Wereldoorlog, maar in het feit dat dit verhaal <0xC3><0xBC>berhaupt werd verteld. Samuel Goldwyn verdient de eer dat hij de _chutzpah_ heeft om door een film te komen die aanvoert een invalide veteraan met tangen in plaats van handen, een alcoholist en een ondermaatse filmer.

text_en: The brilliance of this film lies not in the filmmaking process, which is a conventional, but executed, intertwining tale of the lies of three servicemen post WWII, but in the fact that this story was told at all. Samuel Goldwyn deserves credit for having the chutzpah to push through a film who has for its leads a disabled vet with pincers for hands, an alcoholic, and an underachiever.


text: Ik zag deze film voor het eerst als tiener (ik ben nu in de veertig) en beschouw hem al heel lang als mijn lievelingsfilm. Het verhaal is enorm ontroerend, zonder sentimenteel te worden. Het acteerwerk, vooral van March en Loy, is perfect. En het feit dat Dana Andrews te oud is voor zijn rol, doet niets af aan de geloofwaardigheid van zijn romance met Theresa Wright (die volgens mij het enige belangrijke personage in de film is dat nog leeft). Dit had ook een naoorlogs melodrama kunnen zijn, maar het script en de cast zijn gewoon te goed om dat te kunnen zijn.

text_en: I first saw this film as a teenager (I'm now in my 40's), and have long considered it to be my favorite movie. The story is enormously moving, without being sentimental. The acting, especially by March and Loy, is dead-on. And the fact that Dana Andrews is too old for his role doesn't take away from the believability of his romance with Theresa Wright (whom I believe is the only major character in the film still living). This could have turned out to be another post-war melodrama, but the script and cast are simply too good for that to happen.


text: Dit is een van de beste. Het werkt zo goed dat je nauwelijks merkt dat de toen 37-jarige Dana Andrews is gecast als de zuipschuit die de oorlog in gaat en vier jaar later terugkomt, toen hij hooguit 25 zou zijn geweest. Maar ja, wie had hem anders moeten spelen?

text_en: This is one of the great ones. It works so beautifully that you hardly notice the miscasting of then 37 year old Dana Andrews as the drugstore soda jerk who goes to war and comes back four years later, when he would have been, at most, 25. But then, who else should have played him?


text: Dit is een bedachtzame film die de ongelijkheid van de zogenaamde hogere klasse en degenen die voor hen werken, de rijken en de armen, blootlegt. Robert Shaw levert een bewonderenswaardige prestatie in zijn rol als de gedienstige, correcte chauffeur, Steven Ledbetter, die lady Franklin (Sarah Miles) helpt haar geestelijke depressie te overwinnen. Maar Steven heeft veel gemengde gevoelens ten opzichte van deze dame uit de hogere klasse. Hij wordt onvermijdelijk verliefd op haar, wat uiteraard de maatschappelijke grenzen die hen scheiden overschrijdt.<br />Ik heb niets gelezen voor deze film en beoordeel de film alleen zoals ik hem heb gezien. Ik beschouw het als een heel eerlijk verhaal over de realiteit van het dagelijks leven en het conflict tussen wat we van het leven wensen of verwachten en wat we krijgen. Het is een mooi drama dat de moeite waard is om nog eens te zien.

text_en:
This is a thoughtful film that lays bare the inequities of the so-called upper class and those who work for them, the haves and have-nots. Robert Shaw does a creditable job in his role as the obliging, correct chauffeur, Steven Ledbetter, who helps Lady Franklin (Sarah Miles) overcome her mental depression at the outset. However, Steven has many mixed feelings regarding this lady of the upper class. He inevitably falls in love with her, which of course is overstepping the societal boundaries that separate them.

I have not read anything prior to this and only judge the movie as I have seen it. I consider it a very honest story about the realities of daily living and the conflict of what we might wish or expect from life and what we get. It's a fine drama worth seeing again.


text:
Onlangs kreeg ik deze film als cadeau op dvd, en ik wist eerst niet of hij me zou bevallen (hoewel een van mijn favoriete acteurs een hoofdrol heeft). In feite is hij op weg om een favoriet te worden.
Ten eerste: het is gelukkig niet hetzelfde als het boek, waarvan ik het einde overdreven melodramatisch vind. Ten tweede: het is een van de beste films die ik over de Eerste Wereldoorlog heb gezien. 'Wat?' zou je kunnen vragen. 'Het is geen oorlogsfilm!' Het is waar: we zien geen veldslagen of bombardementen, geen loopgraven, geen gas. Maar het toont de kosten van de oorlog, de schade die is aangericht aan de levens van de mannen die erin hebben gevochten, en de impact die dit had op degenen die hen na stonden.
Eerst zien we Helen (Sarah Miles), de weduwe van een baronet, die op haar vrijlating uit een psychiatrische inrichting wacht. Alle vrouwen in de film lijken weduwen te zijn: sommigen van hen komen uit de oorlog, maar Helens veel oudere echtgenoot, Sir Thomas (we zien hem later op een foto), werd ziek en stierf terwijl zij op een feest was, vandaar haar door schuldgevoelens overmande instorting. Ze is verdwaald en eenzaam. Het prikkeldraad rond het ziekenhuisterrein doet denken aan krijgsgevangenkampen en loopgraven: net als veel mannen in de buitenwereld lijdt Helen aan een soort shellshock. Als ze uit het ziekenhuis komt, moet ze weer met beide benen op de grond komen te staan in de buitenwereld: een wereld die we door haar ogen ervaren als somber, troosteloos en onvriendelijk. Haar moeder kan haar geen echte steun bieden. Zelf is ze weduwe en heeft ze haar eigen emotionele afweer opgebouwd, waarachter ze zich verbergt om niet geconfronteerd te worden met het verdriet van haar dochter. (Zoals veel mensen, vooral in die tijd, schijnt ze geestesziekte g<0xC3><0xAA>nant te vinden.)
Ledbetter, de ingehuurde chauffeur, wordt een steun en toeverlaat, en helpt Helen om zich weer aan het leven aan te passen, maar ze beseft niet dat hij gevaarlijk geobsedeerd raakt door haar. Dit is een uitmuntende voorstelling van Robert Shaw. Ledbetter is een voormalig beroepssoldaat, een ex-sergeant-majoor die een boksclub runt en zijn eigen autoverhuurbedrijf heeft opgezet. Op het eerste gezicht lijkt hij taai en sterk, betrouwbaar, maar er zitten barstjes onder de oppervlakte: hij heeft zich niet echt aangepast aan het burgerleven. Hij verzint (om redenen die hij later uitlegt) een gezinsleven en een huiselijk leven dat hij niet heeft; hij heeft gewelddadige uitbarstingen met collega's, en seks zonder affectie. Als hij in de buurt komt van Helen, een vrouw met wie hij, zelfs met de grotere sociale vrijheid na de oorlog, niet realistischerwijs had kunnen hopen te trouwen, legt dat psychologische breuklijnen bloot die hem verscheuren. Tegenwoordig zou je de diagnose PTSS kunnen stellen.
Hetzelfde geldt voor de andere man in Helens leven. Zowel Ledbetter als Helen kent hem: Ledbetter had tijdens de oorlog onder hem gediend en Helen had hem in politieke kringen ontmoet en hem een 'popinjay' gevonden. Maar hij en Helen beginnen nu een relatie, waarbij Helen van plan is zijn politieke carrière te steunen, zowel financieel als emotioneel. Peter Egan, net terug van zijn toneelsucces als Stanhope in 'Journey'''s End' van de sheriff, maakt Hugh meer dan een onvolwassen schoft. Er volgt een onthullende, ingetogen scène achter in de auto tussen Helen en Hugh, waarin ze Brookes 'The Old Vicarage at Grantchester' citeren. Ze vraagt hem naar zijn oorlogservaringen: 'Was het heel erg?' Hij kan geen antwoord geven. Ze zegt: 'Nou, je bent nu terug.' Maar zijn zacht uitgesproken antwoord daarna: 'Ben ik dat? Soms vraag ik me af...' is de sleutel tot zijn karakter. Terwijl licht en schaduw over zijn gezicht flitsen, weten we dat er sommige verschrikkingen zijn die niet onder woorden kunnen worden gebracht. In een nerveuze toespraak (waarin Helen hem geruststelt) tegen de plaatselijke politici tijdens een diner, onthult hij dat hij zich als onafhankelijk zal opstellen, niet langer als liberaal (de partij die het land in de oorlog heeft betrokken). Zijn emotionele leven is net zo beschadigd als dat van Ledbetter. Hij kan zich niet gemakkelijk losmaken van Connie, die emotioneel en financieel van hem afhankelijk is: als we tussen de regels door lezen, is ze waarschijnlijk een oorlogsweduwe (misschien van een vroegere kameraad?) met een kind, wiens tekeningen we zien op de muur van haar huis. De crisis tussen het drietal breidt zich langzaam uit, met een angstaanjagende scène tussen Helen en Ledbetter in de auto, en Ledbetter die luistert naar Hugh en Connie als hij hen rijdt, terwijl Hugh Connie probeert over te halen dat ze hun relatie kunnen voortzetten, zelfs als zijn relatie met Helen zich ontwikkelt; dat hij haar in elk geval zal blijven steunen. Jaloezie, obsessie en zijn overtuiging dat hij Helen moet beschermen tegen een dubbelhartige gouddelver leiden ertoe dat Ledbetter haar en Hugh in haar huis met geweld confronteert.
Het einde is totaal anders dan dat van de roman, en is er beter door: het is dramatisch, maar minder melodramatisch, en heeft een niet-sentimentele toon. We beginnen met een personage dat herstelt van een zenuwinzinking; we eindigen met een ander die lijdt. Helen, zo voelt men, is nu wijzer en sterker dan beide mannen, die niet in staat zijn geweest zich volledig aan te passen aan het zogenaamde 'land voor helden' waarnaar ze terugkeerden uit de nachtmerrie van de totale oorlog. Het nieuwe einde is open: men voelt dat zij in elk geval zal omgaan met wat er voor hen ligt, zonder illusies. In dit opzicht weerspiegelt het goed de realiteit van de tijd waarin vrouwen (Helen, Connie en zovele anderen) de stukken moesten oprapen van een wereld waarin te veel mannen waren gestorven of thuisgekomen met verschillende graden van geestelijke en lichamelijke schade.
'Nou, jij dan.' 'Ben ik dat? Soms vraag ik me dat af.'

text_en:
I was recently given this film on DVD as a gift, and was unsure at first if it would appeal (although one of my favourite actors has a leading role). In fact, it's on its way to becoming a favourite.

First of all: thankfully, it's *not* the same as the book, the ending of which I think is excessively melodramatic. Secondly: it's one of the best films I've seen about the First World War. "What?" you may ask. "It's not a war film!" True: we see no battles or bombardments, no trenches, no gas. But it shows the cost of war, the damage done to the lives of the men who fought in it, and the impact this had on those close to them.

We first see Helen (Sarah Miles), a baronet's widow, awaiting her release from a mental hospital. All the women in the film appear to be widows: some from the war, but Helen's much-older husband, Sir Thomas (we see him later in a photograph) was taken ill and died while she was at a party, hence her guilt-stricken breakdown. She is lost and lonely. The wire around the hospital grounds evokes POW camps and the trenches: like many of the men in the outside world, Helen is suffering from a kind of shell-shock.

Out of hospital, she has to find her feet in the outside world again: a world we experience through her eyes as bleak, desolate and unfriendly. Her mother is unable to provide her with any real support. Herself a widow, she has put up her own emotional defences, behind which she hides to avoid dealing with her daughter's distress. (Like many people, especially in that time, she seems to find mental illness embarrassing.)

Ledbetter, the hired driver, becomes a supportive presence, and helps Helen begin to adjust to life again, but she does not realise that he is becoming dangerously obsessed with her. This is a superb performance by Robert Shaw. Ledbetter is a former regular soldier, an ex-sergeant-major who runs a boxing club and has set up his own car-hire business. Superficially, he seems tough and strong, dependable, but there are cracks beneath the surface: he has not really adjusted to civilian life. He invents (for reasons he later explains) a family and home life he does not have; he has brutal outbursts with colleagues, and affection-less sex. Getting close to Helen  a woman whom, even with the greater post-war social freedom, he could not realistically have hoped to marry  exposes psychological fault-lines that tear him apart. These days, one might diagnose PTSD.

The same is true of the other man in Helen's life, aspiring politician Captain Hugh Cantrip (Peter Egan). He is ambitious, handsome, but also very young. Tellingly, his girlfriend, Connie (Caroline Mortimer), mothers him, combing his hair and making sure he has a clean handkerchief before he goes out. He is known to both Ledbetter and Helen: the former had served under him during the war, and Helen had met him in political circles and had thought him a "popinjay". However, he and Helen now begin a relationship, with Helen intending to support his political career, financially and emotionally. Peter Egan, fresh from his stage success as Stanhope in R C Sheriff's 'Journey's End', makes Hugh more than an immature cad. There is a revealing, understated scene in the back of the car between Helen and Hugh, in which they quote Brooke's 'The Old Vicarage at Grantchester'. She asks, of his war experience, "Was it very bad?" He cannot answer. She says: "Well, you're back now." But his softly-spoken reply  "Am I? Sometimes I wonder"  is the key to his character. As light and shadow flicker across his face, we know that there are some horrors that cannot be put into words. The disproportionate casualties suffered by junior officers of his sort  straight out of school or university and expected to lead from the front  are well-known. In a nervous speech (during which Helen reassures him) to local political folk at a dinner-party, he reveals that he will stand as an Independent, no longer as a Liberal (the party which had taken the country into the war). His emotional life is as damaged as Ledbetter's. He cannot easily extricate himself from Connie, who depends on him emotionally and financially: reading between the lines, she is probably a war-widow (perhaps of a former comrade?) with a child, whose drawings we see on the wall of her home.

***SPOILERS***

The crisis between the trio builds slowly, with a frightening scene between Helen and Ledbetter in the car, and Ledbetter listening in to Hugh and Connie when he is driving them, as Hugh tries to persuade Connie that, even as his relationship with Helen develops, they can continue theirs; that he will, at least, continue to support her. Jealousy, obsession and his belief that he must protect Helen from a duplicitous gold-digger lead Ledbetter to confront her and Hugh violently in her home.

The ending is entirely different from that of the novel, and is better for it: it is dramatic, but less melodramatic, and maintains an unsentimental tone. We began with one character recovering from a mental breakdown; we end with another suffering one. Helen, one senses, is now wiser and stronger than both the men, who have been unable fully to adapt to the so-called 'land fit for heroes' to which they returned from the nightmare of total war. The new ending is open: one feels that she, at least, will cope with whatever lies ahead, without illusions. In this, it reflects well the reality of the time, in which women (Helen, Connie, and so many others) had to pick up the pieces of a world in which too many men had died or had come home with varying degrees of mental and physical damage.

"Well, you're back now."  "Am I? Sometimes I wonder"


text:
Omdat ik Hartleys 'The Go-Between' al een hele tijd ken, zowel in zijn oorspronkelijke boekvorm als in de teleurstellende verfilming door Pinter-Losey, was dit interessant materiaal. 'The Hireling' blijkt bij tijd en wijle bijna een spiegelbeeld te zijn; voor het grootste deel speelt het in een iets minder verre periode, waarin het Britse klassensysteem aan de orde komt, en waarin een sportwedstrijd aan de orde komt (het boksen neemt de plaats in van cricket) die nogal veel over.
Dit frist het geheugen op in zijn kleinschalige karakteropbouw. Je krijgt niet echt de kans om lady Franklin en Leadbitter in de romanistische zin van het woord te 'kennen', maar deze afstand wordt op gepaste wijze uitgebuit door de acteurs lichaamstaal en stembuigingen te leren. Je afstandelijkheid ten opzichte van het volledig meevoelen met het ene ware karakter weerspiegelt de sluimerende'verschillen' die de centrale relatie zo verdoezelen. Miles en Shaw zijn prachtig subtiel, en we zien meer in hun'mindere'; niet één keer zijn het dramatische, opzichtige vertolkingen. Het zijn passende Stanislavski-interpretaties die de indruk wekken dat deze personages buiten de grenzen van de film een leven hebben. Alle andere rollen worden zeer bevredigend vertolkt, hoewel ze in deze film veel kleiner zijn dan ik in het boek veronderstel en inderdaad vergeleken worden met 'The Go-Between', een verbluffend werk over desillusie. De desillusie in het midden van deze film is zo triest en ontroerend verwoord in de late scènes waarin Shaw Miles kust en afgewezen wordt, en dan in de scène waarin een dronken Leadbitter de confrontatie aangaat met Cantrip en lady Franklin. Het is verschrikkelijk jammer dat wat een ongelooflijk schrijnend einde zou zijn geweest van de verwende, troosteloze levens aan weerszijden van het scherm,'verfraaid' wordt met een beslist vreemde kleine slotscène. Je raakt volkomen in de war door de sprong in de toon, terwijl Shaws Leadbitter in paniek raakt en ironisch 'Rule Britannia' en 'God Save the Queen' zingt terwijl hij met zijn auto ergens tegenaan knalt. Het politieke punt wordt zwaar overschaduwd door dit bombastische, nogal lugubere opera-achtige einde. Alle gevoel voor subtiliteit, dat tot nu toe zo doeltreffend tot uiting is gebracht, is verloren gegaan, omdat het impliciete punt zwaar en luidruchtig wordt gemaakt. Agit-prop heeft zeker geen plaats in dit soort delicate periodedrama's.
Over het geheel genomen kan men echter niet te hard zijn. Hoewel dit absurde eindstuk een grote tekortkoming is, moet de rest van de film geprezen worden als een gevoelige, ontroerende film, vol droefheid en met gedetailleerde observaties over de manier waarop de Britse samenleving in het verleden was. Hartleys lome maar kristalheldere touch is gedurende de hele film duidelijk aanwezig. Het is alleen jammer dat we niet eindigen met de verpletterende afsluiting van Shaws dronken scène. Lady Franklin wordt abrupt haar plaats in het epicentrum van de film ontzegd, terwijl het voortreffelijke menselijke drama op een bizarre manier afglijdt naar het gebied van de politieke puntscores. Ook Shaw <0xE2><0x80><0x93> de meest droge en toch diepgevoelde acteur <0xE2><0x80><0x93> wordt verraden door de buitensporige overdrijving die de film besluit. Zo wordt een mooie, kleinschalige triomf gesaboteerd; maar we moeten de vele goede punten niet vergeten.

text_en:
Having been familiar with Hartley's "The Go-Between" for a good while, both in its original book form and in its disappointing Pinter-Losey film adaptation, this was interesting stuff. "The Hireling" proves almost a mirror image at times; set in a slightly less distant period for the main part, featuring exposure of the British Class System, and containing a set piece sports match (boxing takes the place of cricket) that reveals rather a lot about .

This refreshes in its small-scale, character focus. You do not exactly get to 'know' Lady Franklin and Leadbitter in the novelistic sense, but this distance is appropriately played out in telling body language and inflection from the actors. Your distance from ever fully sympathizing with any one true character mirrors the dormant 'difference' that so dooms the central relationship. Miles and Shaw are wonderfully subtle, and we see more in their 'less'; never once are these actorly, showy performances. They are fittingly Stanislavskian interpretations that create the impression of these characters having life outsides the confines of the film. All other parts are very satisfactorily handled, though they are far smaller in this film than I presume in the novel and compared indeed to "The Go-Between", a stunning work about disillusionment.

The disillusion at the centre of this film is so sadly and movingly conveyed in the late scenes where Shaw kisses Miles and is rejected, and then where a drunken Leadbitter confronts Cantrip and Lady Franklin. It's a howling shame that what would have been an incredibly poignant ending of spoiled, desolate lives at either side of the screen, is 'embellished' with a decidedly odd little coda. One is entirely bemused by the jump in tone, as Shaw's Leadbitter goes beserk and ironically sings "Rule Britannia" and "God Save the Queen" as he crashes his car into things. The political point is heavily over-egged by this bombastic, rather dingily operatic ending. All sense of subtlety, so effectively conveyed hitherto, is lost, as the implicit point is heavily and noisily made. Agit-prop surely has no place in this sort of delicate period drama.

Overall, however, one cannot be too harsh. While this absurd end-piece is a major flaw, the rest of the film must be praised as a sensitive, evocative film, of sadness and detailed observation about the way British society was in the past. Hartley's languid but crystal-clear touch is very much in evidence throughout. It's just a shame that we don't end on the shattering conclusion to Shaw's drunk scene. The tragic, deluded figure of Sarah Miles' Lady Franklin is abruptly denied her place at the epicenter of the film, as the excellent human drama bizarrely slips into the realms of political point scoring. Shaw also - that most dry and yet deeply feeling of actors - is betrayed by the out-of-character excess that closes the film. Thus; a fine, small-scale triumph is sabotaged; but we ought to remember the many good points.

Rating:- *** 1/2/*****


text: Toen ik nog heel jong was, had mijn moeder een serie van vier Looney Tunes/Merrie Melodies-shorts op de band staan, en ik heb ze allemaal een paar keer bekeken. Een Coy Decoy was een van die shorts, en ik was echt geschokt toen ik in een andere reactie las dat die verboden was. Toen ik jong was, begreep ik de Black Beauty-knevel om te beginnen al niet. Toch is dat waarschijnlijk de reden waarom die verboden was, hoewel ik me die knevel niet eens herinnerde tot ik die op een videosite zag. Toen ik de video bekeek, herinnerde ik me bepaalde beelden <0xE2><0x80><0x93> in het bijzonder het slinken van Daffy's hoed en Daffy's ogen die met de regelmaat van de klok kleiner werden terwijl de decoy in het meer om hem heen cirkelde. Ik maakte me niet druk om de prop die er hoogstwaarschijnlijk de oorzaak van was dat de prop was verboden. In plaats daarvan werd ik overspoeld door jeugdherinneringen aan het kijken naar dit korte filmpje. Omdat ik het als kind zo leuk vond om naar dit korte filmpje te kijken, geef ik het een zeven.

text_en: When I was very young, my mother had a series of four Looney Tunes/Merrie Melodies shorts on tape and I watched them all several times. A Coy Decoy was one of these shorts, and I was truly shocked to read in another comment that it had been banned. When I was young I probably did not even understand the Black Beauty gag to begin with. Still this is probably why it was banned, though until I watched this on a video site, I did not even remember the gag. Upon viewing the video I did remember certain shots - in particular the shrinking of Daffy's hat and Daffy's eyes becoming clockworkish as the decoy circled him in The Lake. I was not bothered by the gag that was most likely the reason the gag was banned. Instead I was flooded with childhood memories of watching this short. Because of how much I liked this short as a child, I rate it 7 out of 10.


text:
Er zit maar één racistische grap in dit korte Daffy Duck-verhaal, en die is dat Daffy in _Black Beauty_ op de rug van een zwarte vrouw rijdt. Ik kan gedeeltelijk begrijpen waarom die grap erin zat, want in die tijd wisten maar weinig mensen niet hoe onbeleefd het was om racistisch te zijn, en het was nog niet eens verboden om zwarten te discrimineren.
A Coy Decoy' is op dit moment in feite een grappig, interessant kort verhaal waarin Daffy personages in boeken ontmoet en dingen in boeken doet. Ik vond dit korte verhaal heel goed (ondanks de andere recensenten die er nu bij staan). De manier waarop Daffy zo verliefd is op de mechanische eend is vaag verontrustend, maar tegelijkertijd hoogst amusant. Porky is een mooie uitgave van de episode, hoewel het voor hem niet van levensbelang was om erbij te zijn. De wolf is een voorbeeld van hoe mensen in die tijd ook over wolven dachten, bloeddorstige, vreselijke beesten, wat ze natuurlijk nooit echt zijn geweest (tenzij ze erg veel honger hebben). Ik vond ook de stijl van de tekenfilm leuk <0xE2><0x80><0x93> en het thema van de episode.
Voor mensen die helemaal weg zijn van Daffy Duck en voor mensen die geen bezwaar hebben tegen de racistische grappen in tekenfilms, is er _A Coy Decoy_!
Beschikbaar op YouTube.

text_en:
There is only one racist joke in this Daffy Duck short, which is basically, when Daffy rides Black Beauty, it is a black woman. I can understand partly why this joke was included, as at the time few people did not know how rude it was to be racist and it wasn't even illegal to discriminate black people yet.

Aside from this point, "A Coy Decoy" is basically a fun, interesting short where Daffy meets characters in books and does things in books. I liked this short quite a lot (despite the other reviewers on here). The way Daffy is so in love with the clockwork duck is vaguely disturbing, yet highly amusing at the same time. Porky is a nice edition to the episode, though it was not vital for him to be there. The wolf is an example of how people thought of wolves in those days as well, blood-thirsty, terrible animals, which of course they never really have been (unless they are very hungry). I also liked the style of animation used - and the theme of the episode.

For people who are totally into Daffy Duck and for people who do not mind the occasional racist joke in cartoons, enjoy "A Coy Decoy"!

Available on YouTube.


text: Ik doorstond de hoogtepunten. Ik doorstond de dieptepunten... ik huilde, lachte, kotste mijn immer liefhebbende ingewanden uit. Maar door dat alles heen werd ik weer heel. Ik werd een beter mens omdat ik deze ervaring had doorstaan in zelfopgelegde vernedering. Het gebeurt niet elke dag dat we kunnen zeggen dat we het ergste hebben meegemaakt en er aan de andere kant uitkomen met iets wat sterk lijkt op onze geestelijke gezondheid, compleet en ongeschonden. Vrienden... buren <0xE2><0x80><0x93> verenigt u en wees één. Ga naar buiten en vind deze film en kwijn weg in zijn buitensporigheden. Zet hem hoog op de schoorsteenmantel en kus de polystyreen doos. Neem hem mee naar bed. Neem hem mee als je gaat winkelen of een blind date hebt met vreemde mensen. Ze zullen je des te meer waarderen om je sublieme en uniek schizofrene kijk op de film. En dan zullen ze je hun lievelingsdrankje in het gezicht gooien (maar jij bent degene die het laatst lacht). Ik heb me kandidaat gesteld voor Gouverneur met deze kleine schoonheid onder mijn riem (en dat kun jij ook!). Het is een traktatie die het waard is om keer op keer te krijgen.

text_en: I went through the highs. I went through the lows...cried, laughed, puked my ever-loving guts out. But through it all, I was made whole. I became a better person for having sat through this experience in self-imposed degradation. It's not every day we can say that we have lived through the worst, and come out the other side with something closely resembling our sanity whole and intact. Friends...neighbors-unite and be as one now. Go out and find this film and languish in its extravagancies. Place it high on the mantel and kiss its polystyrene box. Take it to bed. Take it out with you when you go shopping, or have blind dates with strange people. They will appreciate you all the better for your sublime and uniquely schizophrenic slant on cinema. And then they will throw their beverage of choice in your face (but you will have the last laugh). I ran for Governor with this little beauty under my belt (and you can too!). It is a treat worth having again and again.


text: Ik herinner me die film zoals de andere persoon die er iets over zei het zei. Ik heb er een opname van gemaakt, maar nu wou ik dat ik hem nog had, want het moest wel een van de slechtste films aller tijden zijn. Grappig, op een heel slechte manier. Ik herinner me dat de kop op de doos luidde: 'De ultieme frontale lobotomie'. Ik heb hem van mijn moeder gekregen, die hem van een vriendin op haar werk had gekregen die zei dat het de slechtste/viesste film was die ze ooit had gezien, dus mijn moeder zei: 'Mijn zoon zal hem vast prachtig vinden,' en de vrouw gaf hem aan haar, alleen om hem uit haar bezit te krijgen. Ik plakte hem er later op, wat ik betreur. Ik herinner me ook de 'kurkschroeven'. Dat ding was zo'n ballenvanger... zo'n geel ding met een rode 'knop' aan het eind, en als je op die rode knop drukt, vliegt er een bal door de lucht. Nou, die gebruikten ze met een slinger aan het ene uiteinde en een kurkentrekker in de trechter. Als de moordenaar iemand vermoordde, lieten ze zien dat hij met het 'wapen' naar voren kwam en dan maakten ze een close-up van wat op rauwe kip leek en nepbloed op het hoofd van de slachtoffers. Ik weet niet wat ik nog meer over dat 'juweel' kan zeggen, behalve dat als je van slechte films houdt, het niet erger kan worden dan dit.

text_en: I remember this film as the other person that commented said. I recorded over it but wish I had it now just because it had to be one of the worst movies ever. Funny, in a real bad way. I remember the tag line on the box was "The ultimate frontal lobotomy". I got it from my mom, who got it from a friend at work who said it was the worst / cheesiest movie she had ever seen, so my mom said "My son will probably love it." and the woman gave it to her just to get it out of her possession. I then later taped over it, which I regret. I also remember the "corck screw" thing was one of those ball catcher things.... the yellow cone shaped things, with a red "button" at the end, and when you hit the red thing, it sends a ball flying. Well, they used that with a crank on one end, and a corkscrew in the funnel. When the killer killed they would show him coming forward with the "weapon" and then cut to a close up of what appeared to be raw chicken and fake blood on the victims head. I don't know what else to say about this "gem" except that if you like bad films, it doesn't get any worse than this.


text: Deze film is misschien wel een van de creatiefste horrorfilms aller tijden. Hij heeft alles wat je je maar kunt wensen: spanning, drama, komedie, verwarrende subplots, inheems Amerika, hersenen vreten... Als je op zoek bent naar de ultieme, ultieme hersenzuigende film, moet je niet verder zoeken. Het verhaal van een man die wraak wil nemen. En hoe kun je dat beter krijgen dan met: 'Ik weet het, ik zuig hun hersenen uit!' Met geweldige geluidseffecten en indrukwekkende special effects kan ik deze film niet genoeg aanbevelen.

text_en: This movie is possibly one of the most creative works of horror ever. It has everything you could want... suspense, drama, comedy, confusing subplots, native americans, brain eating... If you're looking for the be-all, end-all of brainsucking movies, look no further. The story of a man, bent on revenge. And how better to get it? "I know, I'll suck out their brains!" With great sound effects, and impressive special effects, I can't recommend this movie enough.


text:
Barbet Schroeders 'Murder by Numbers' met in de hoofdrol Sandra Bullock is solide werk, hoewel niet bijzonder boeiend. Ik ben een grote fan van Sandra Bullock, en ze doet haar werk uitstekend als forensisch rechercheur Cassie Mayweather, die niet erg sympathiek is en ook een gebroken persoon is. Maar er zit een zekere afstandelijkheid in de verhaalstructuur. Het gaat over de perfecte moord die wordt gepleegd door twee verwende, psychopathische tieners, Richard (Ryan Gusling) die de coole is en Justin (Michael Pitt) die de sympathieke nerd. Het komt erop neer dat Richard en Justin een jonge vrouw vermoorden, omdat ze niets beters te doen hebben op een doordeweekse avond. Ze zijn heel slim en heel arrogant, wat normaal gesproken geen slechte zaak is, maar hier werkt het gewoon niet. Het script van Tony Gayton doet het geweldig goed als het gaat om het onderzoek naar een raadselachtige moord, en het is echt een kwestie van cijfers. We hebben hier twee punkers die met hun superioriteit te koop lopen, en we willen gewoon dat ze ten onder gaan.
Dit is geen grote verkenning van de duistere kant, zoals Schroeders _Reversal of Fortune_ over Claus von B<0xC3><0xBC>low. Er zitten interessante wendingen in _Numbers_. De film is niet zozeer een thriller, maar eerder een karakterstudie van Cassie. Sandra Bullock brengt de bravoure van Cassie in evenwicht, haar angst om mensen bij haar te laten binnendringen en haar geheime verleden. Bullock brengt moed en kracht bij een lijdende personage. Haar partner en min of meer haar geliefde, Sam (gespeeld door Ben Chaplin) is meer een onverhuld plot dan een echt personage. Hoewel Chaplin het verbijsterende heel bewonderenswaardig doet. Het andere leuke is dat Richard en Justin een vreemde seksuele aantrekkingskracht met elkaar hebben. Het interessantste aan 'Nummers' zijn Pitt en Gusling.
De film kent veel onderhoudende wendingen en wendingen. Alles wordt heel bekwaam gedaan. Ik heb de film ongeveer een week geleden gezien en achteraf bezien vind ik hem iets leuker dan toen ik hem zag. Maar het is gewoon geen inspirerend werk. Sandra Bullock en Barbet Schroeder verdienen veel beter, en wij ook.

text_en:
Barbet Schroeder's "Murder by Numbers" starring Sandra Bullock is solid work, though not particularly compelling. I am a big Sandra Bullock fan, and she is effective here as forensic detective Cassie Mayweather, who is not very likable and a broken person too. However, there is a sense of detachment inherent in the story structure. It's about the perfect murder executed by two spoiled sociopath teenagers, Richard (Ryan Gusling) who is the cool one, and Justin ( Michael Pitt) who is the sympathetic geek. Basically, Richard and Justin kill a young woman, because they have nothing better to do on a school night. They are very smart and very arrogant which is normally not a bad thing, but it just doesn't work here. Tony Gayton's script does a great job of detailing the investigation of a puzzling murder, and it is truly by the numbers. We have these two punk kids flaunting their superiority, and we just want them to take a fall.

This is not a great exploration into the dark side, like Schroeder's "Reversal of Fortune" about Claus von Bulow. There are interesting turns in "Numbers". The movie is not so much a thriller, but rather a character study of Cassie. Sandra Bullock balances the bravado of Cassie, her fear of letting people get in with her, and her secret past. Bullock brings courage and strength to a suffering character. Her partner and sort of love interest, Sam (played by Ben Chaplin), is more a plot unconcealing than a real character. Though Chaplin does the bewilderment thing very admirably. The other nice touch is having Richard and Justin involved a strange sexual attraction. The most interesting thing about "Numbers" are Pitt and Gusling.

There are many entertaining twists and turns throughout the movie. Everything is done very competently. I saw the movie about a week ago, and in retrospect I like it a little more than I did when I saw it. However, it is just not inspired work. Sandra Bullock and Barbet Schroeder deserve a lot better, and so do we.