text: Oppervlakkig bezien is COOLEY HIGH een gelikte komedie die zich voordoet als een film uit die tijd (uit het begin van de jaren zestig, compleet met een vlekkeloze Motown-soundtrack). Maar er zit zoveel meer aan deze film vast <0xE2><0x80><0x93> hij wordt elke keer dat ik hem zie beter. De cast van onbekenden (op dat moment) is uitstekend, en hij valt op als een film met alleen maar zwarte acteurs die niet in een of ander Blaxpoitatie cliché vervalt <0xE2><0x80><0x93> af en toe voelt COOLEY HIGH bijna als een gemoderniseerde, stedelijke neorealistische film, met een heleboel scherpe humor erbij. Af en toe blijkt het nogal krappe budget, maar de beperkingen komen de film eigenlijk goed uit <0xE2><0x80><0x93> zo is het.' Dit is een film vol lef en oprechte emoties, die de film een urgentie verleent die in de meeste gelijkgestemde films (zoals Schultz' latere CAR WASH, die populairder was, maar grotendeels zinloos) ontbreekt. Warmhartig, maar ook levensecht, zou dit een van de slapers uit de jaren zeventig kunnen zijn <0xE2><0x80><0x93> in die tijd zeer populair, het lijkt erop dat maar weinig filmfreaks van deze film op de hoogte zijn. Hun pech <0xE2><0x80><0x93> dit is een prachtige, prachtige film.<br />De kale pan-en-scan-dvd (geen breedbeeld!?!) getuigt ervan hoe weinig er om deze uitstekende film is gegeven.

text_en:
At the surface COOLEY HIGH is a snappy ensemble comedy masquerading as a period piece (set in the early 60's, complete with a flawless Motown soundtrack). But there's SO much more to this film - it gets better every time I see it. The cast of unknowns (at the time) is excellent, and it is notable as an all-black-cast film that doesn't fall into any Blaxpoitation clichés - at times COOLEY HIGH almost feels like an updated, urban neo-realist film, with lots of edgy humor added in. At times, the rather tight budget does show, but the constraints actually serve the film well - there's a grit and honesty of emotion here that lends the film an immediacy lacking in most similar-minded films (like Schultz' later CAR WASH, which was more popular, but largely pointless) Warm-hearted but also true-to-life, this might be one of THE sleepers of the 70s - celebrated at the time, it seems that few film freaks know about this one today. Their loss - this is a fine, fine film.

The bare-bones pan-and-scan DVD (no widescreen!?!) is testament to just how little cared-for this excellent film is.


text: Wil je een film die je ergens brengt? Nou, dit is een goede keus. Als je een puber was in het tijdperk dat in deze film wordt geportretteerd <0xE2><0x80><0x93> de hooitijd van Motown <0xE2><0x80><0x93> of als je terug wilt gaan in de tijd om te zien waar je ouders zo'n ophef over maakten, dan stel ik voor dat je deze film oppakt en bekijkt. Op het gevaar af cliché te klinken: je zult lachen, je zult huilen, je zult herinneringen ophalen en je alles herinneren. Je zult teruggaan naar een tijd waarin schoolgeweld een vuistgevecht was. Je zult met genegenheid terugdenken aan je beste vrienden van school. Het is een goede film die je een goed gevoel geeft, met een randje van angst, pijn en realisme <0xE2><0x80><0x93> misvattingen, het verliezen van vrienden, beslissen wat je met je leven moet doen. Ik denk dat iedereen, ongeacht ras, leeftijd of sociaaleconomische positie, iets uit deze film kan halen en er echt van kan genieten. Dus neem een paar uur van een luie dag en kijk naar deze film; er zijn ergere manieren om je tijd door te brengen.

text_en: You want a movie that'll take you places? Well this is a good pick. If you were an adolescent in the era portrayed in this film--the hayday of Motown--or if you want to reach back and see what your parents made so much noise about, I suggest you pick up this flick and give it a watch. At the risk of sounding cliche, you'll laugh, you'll cry, you'll reminisce and remember. You'll go back to a time when school violence was a fist fight. You'll recall with fondness your best friends from school. It's a feel good movie with an edge of angst and pain and realism--misconceptions, losing friends, deciding what to do with your life. I think everyone regardless of race, age, socioeconomic standing can pull something from this movie and really enjoy it. So take a couple hours out of a lazy day and check out this film; there are much worse ways you could spend your time.


text: Sommige mensen zullen 'Cooley High' misschien hetzelfde noemen als 'American Graffiti', maar ik niet. Om te beginnen was iedereen in 'AG' blank, terwijl ze in 'CH' allemaal zwart zijn. Bovendien heeft deze film een Motown-soundtrack. De film concentreert zich vooral op een aantal Afro-Amerikaanse studenten uit de arbeidersklasse in Chicago in 1964 en hun capriolen. De film gaat voornamelijk over het gezinsleven en relaties. In hun appartementen zien we dat er nooit een vader in de buurt is. Maar deze jongemannen weten altijd hoe ze het leven ten volle moeten leven.<br />Eén ding dat deze film echt onderscheidt van de meeste andere weergaves van zwarten is dat de tieners in deze film worden afgeschilderd als zeer verantwoordelijk, die zich zorgen maken over het missen van school. Twee echt grappige scènes zijn de scène met de gorilla's en die ene blanke man in de film. Maar over het geheel genomen is de soundtrack de hoofdster. Het is echt een van de beste soundtracks uit de geschiedenis van de film (we hebben hem hier thuis zelfs op vinyl). Een klassieker in de ware zin van het woord.

text_en:
Some people may call "Cooley High" the same sort of thing as "American Graffiti", but I wouldn't. For starters, in "AG", everyone was white, whereas in "CH" they're all black. Moreover, this one has a Motown soundtrack. Specifically, the movie focuses on several working-class African-American students in 1964 Chicago and their antics. The movie deals mainly with home life and relationships. In their apartments, we see that there's never any dad around. But these young men always know how to live life to the fullest.

One thing that really distinguishes this movie from most other portrayals of black people is that the teenagers in this movie are portrayed as very responsible, worrying about missing school. Two really funny scenes are the gorilla scene, and the one white guy in the movie. But overall, the main star is the soundtrack. It is truly one of the best soundtracks in movie history (we even have it on vinyl here at home). A classic in the real sense of the word.


text: Een juweeltje uit Japan, waar vandaag de dag zo veel van de beste films ter wereld worden gemaakt. Stylistisch gezien is dit helemaal niet zo bijzonder. Het is gewoon een eenvoudig drama (met wat komische bijklanken) over herkenbare mensen die hun leven leiden. Yuko Tanaka, die het best bekendstaat van het personage Lady Eboshi in Princess Mononoke, speelt een vijftigjarige oude vrijster. Ze is trots op haar gezondheid en besteedt elke ochtend energiek aan fitness terwijl ze melk aflevert op de steile heuvels van Nagasaki. Als ze klaar is met deze parttimebaan, werkt ze haar gewone baan als verkoopster in een supermarkt (die S-Mart heet, wat deze fan van het Leger der Duisternis aan het giechelen maakte). Langs haar melkroute woont een vijftigjarige man, wiens vrouw op sterven ligt. Het blijkt dat de melkvrouw en de man, een medewerker van de kinderbescherming, op de middelbare school verkering hebben gehad en dat ze allebei nog steeds een beetje verliefd zijn op de ander. De film heeft in feite een paar grote verhaalproblemen. Als de scenarist werkelijk wil dat de twee onbeantwoorde geliefden zich verenigen, gebruikt hij een vrij ongelooflijke _deus ex machina_ -techniek. De climax is ook echt geforceerd. Maar het grootste deel van de film is prachtig klein en bevat veel opmerkzaamheid voor de twee hoofdpersonen en vele bijpersonen. De film heeft ook een aantal subplots die uiteindelijk de film lijken te verzwakken, maar dat uiteindelijk niet doen. Ik denk dat Tanaka's hartverscheurende vertolking van de eenzame melkvrouw, die zich erbij heeft neergelegd dat ze de rest van haar leven alleen zal zijn, het beste aan de film is. Wat de problemen ook waren, de film overstijgt ze grotendeels.

text_en: A gem from Japan, where so many of the world's best films are being made today. Stylistically, this isn't anything all that special. It's just a simple drama (with some comic overtones) about recognizable people going about their lives. Yuko Tanaka, best known for voicing the character Lady Eboshi in Princess Mononoke, plays a 50 year old spinster. She's takes pride in her health, spending each morning in a vigorous workout as she delivers milk up and down the steep hills of Nagasaki. After she is done with this part time job, she works her regular job as a clerk at a grocery store (called S-Mart, which made this Army of Darkness fan giggle). Along her milk route lives a 50 year old man, whose wife is dying. It turns out the milk woman and the man, a child services worker, dated in high school, and each apparently still have something of a crush on the other. The film actually has some major narrative problems. When the screenwriter actually wants the two unrequited lovers to unite, he uses a pretty unbelievable deus ex machina technique. The climactic sequence is also really forced. But most of the film is beautifully small and observant of the two main characters, as well as many side characters. The film also has several subplots that seem like they will eventually weigh the film down, but never end up doing so. I think the best thing in the film is Tanaka's heartbreaking performance as the lonely milk woman, who has resigned herself to being alone for the rest of her life. Whatever the problems were, the film mostly transcends them.


text: De hoofdrolspeelster Yuko Tanaka geeft zoveel voldoening in de buitengewoon meditatieve 'The Milkwoman', een kalm onderzoek naar gemiste kansen in het leven van een vrouw van in de vijftig die haar leven met oprecht schrijnende motieven in kaart brengt. Akira Ogata's onconventionele romantische film, opgenomen in het pittoreske, rustige stadje Nagasaki, is bij wijze van spreken niet zozeer een regelrecht melodrama als wel een weloverwogen zelfbespiegeling over de overgave van de personages aan hun huidige leven als gevolg van een tragisch verleden dat hen dwong tot een keuze die ze niet wilden maken. Tanaka speelt de rol van Minako Oba, een vrouw van middelbare leeftijd die voor haar werk in een supermarkt werkt en het op zich neemt om flessen melk af te leveren bij de bewoners van het heuvelachtige Nagasaki. Een van de huizen waar ze voortdurend langskomt om zo'n levering af te leveren, is dat van Kaita Takanashi (Ittoku Kishibe), een ambtenaar van de plaatselijke overheid die voor haar terminaal zieke vrouw zorgt (Akiko Nishina). Minako en Kaita waren op de middelbare school verliefd op elkaar en zijn na een smadelijke gebeurtenis met hun ouders uit elkaar gegaan. Ogata opent zijn film met het onheilspellende verhaal van een jonge Minako die zweert dat ze nooit uit Nagasaki weg zal gaan, en zo doet Ogata dat ook met het verhaal, geduldig vasthoudend aan Minako terwijl hij, handig geholpen door Tanako's ingehouden maar zeer effectieve optreden, haar volgt <0xE2><0x80><0x93> of ze nu met haar tante (Misako Watanabe) zit te babbelen over het feit dat ze single is, of terwijl ze de talloze voetstappen van hun heuvelachtige stad op en neer jogt om melk uit te delen <0xE2><0x80><0x93> terwijl zij en Kaita geleidelijk aan de obstakels overwinnen die hen jarenlang gescheiden hielden. Een dergelijke ongehaaste ontwikkeling is misschien niet geschikt voor kijkers die zijn opgegroeid met snelle verhalen, maar voor

text_en:
Lead actor Yuko Tanaka fulfills so much in the exceptionally meditative "The Milkwoman," a tranquil canvass on missed chances in the life of a 50-something woman, charting her routine with sincerely poignant motives. Played out in the picturesque, tranquil town of Nagasaki, Akira Ogata's unconventional romantic film, so to speak, is less a straight-out melodrama than a deliberate introspection of its characters' surrender to their current lives as a result of a tragic past that forced them to a choice they did not call for.

Perfectly embodying the requisite world-weariness subjected to a spiritless routine, Tanaka plays Minako Oba, a middle-aged woman who, before her work shift at a supermarket, takes it upon herself to deliver bottles of milk among the residents of the hilly Nagasaki. One of the houses she constantly passes by to make such a delivery is that of Kaita Takanashi (Ittoku Kishibe), a local government employee caring for her terminally ill wife (Akiko Nishina). Minako and Kaita were high school sweethearts who, courtesy of an ignominious event concerning their parents, separated ways since then.

Opening his film with the foreboding narration of a young Minako vowing never to leave Nagasaki, Ogata does as such with the narrative, patiently sticking with Minako as he, deftly aided by Tanako's understated yet highly effective performance, follows her -- whether she's having chitchat with her aunt (Misako Watanabe) on being single, or when she jogs up and down the countless footsteps of their hilly town to distribute milk -- as she and Kaita gradually overcome the hindrances that kept them apart for years. Such unhurried development may not suit viewers weaned on fast-paced narratives but for the rest, it's a heartfelt introspection that affects powerfully and emphatically.


text:
Ik denk dat degenen die eerder een eenzijdige relatie met iemand hebben gehad zich kunnen identificeren met het hoofdpersonage Minako (Yuko Tanaka), een vijftigjarige vrouw die nog steeds in goede gezondheid verkeert, zoals blijkt uit haar dagelijkse routine, die erop neerkomt dat ze's ochtends heel vroeg opstaat om zich voor te bereiden op haar melkbezorging, waarbij ze flessen Megmilk in een tas moet sjouwen op een route die ze met de regelmaat van de klok door de stad volgt, om lege flessen om te ruilen voor volle en om betalingen en ontvangsten in ontvangst te nemen. En er is altijd die ene bezorging die helemaal bovenaan is en die een lange trap moet beklimmen om klanten tevreden te stellen. En vreemd genoeg was die stop een stop die ze maakte bij een man op wie ze van haar tienertijd tot aan haar volwassenheid bijna haar hele leven verliefd is geweest, en waarbij het product niet werd gewaardeerd, maar in de gootsteen werd gegoten. Omdat ze op dezelfde school hebben gezeten, zien we dat ze niet met elkaar praten en dat ze in hun dagelijks leven fysiek altijd zo dicht bij elkaar staan, maar tegelijkertijd zo ver weg lijken. Er is geen oogcontact, afgezien van vluchtige blikken bij toeval en weinig erkenning van elkaars bestaan. We ontdekken dat ze een verleden delen dat waarschijnlijk alle ideeën over samenzijn heeft vernietigd, waarin de duidelijke aantrekkingskracht tussen de twee door de vorige generatie werd belemmerd om zich te ontwikkelen. Ik vond Minako zelf een interessante vrouw, iemand die haar gevoelens zo lang heeft onderdrukt, dat je je alleen maar kunt afvragen wat voor schade het zou aanrichten. Als ik lees dat de oorspronkelijke Japanse titel 'Op zekere dag lees je boeken' betekent en dat klopt, dan had ik het gevoel dat de film een prachtige finale had met die opname van haar goed gevulde boekenkast, waarschijnlijk een toespeling op het feit dat ze uiteindelijk toch niet alleen is, en dat ze waarschijnlijk op haar krukken was teruggevallen om de pijn van het alleen-zijn te verwerken en terug te keren naar een levensstijl waaraan ze al vijftig jaar gewend was. Behalve dat ze zich in twee banen heeft gestort, heeft ze van die boeken die als een soort ontsnappingsmiddel dienen, en zo nu en dan pent ze kleine, lieve niemendalletjes aan de liedbijdrageprogramma's op de radio.

Yuko Tanaka leverde een prijzenswaardig werkstuk toen de emotioneel sterke vrouw zich neerlegde bij haar lot en besloot van niemand anders te gaan houden, van niemand anders dan haar geliefde. Takanashi (Ittoku Kishibe) was een interessantere figuur met meer facetten. Hij houdt zich aan zijn huwelijksgelofte en besteedt een aanzienlijk deel van zijn filmtijd aan de verzorging van zijn ziekelijk bedlegerige vrouw (gespeeld door Akiko Nishina) terwijl hij jongleert met zijn baan bij de afdeling Jeugdzaken van het stadhuis. Ik had het gevoel dat het werk hem, als kinderloos echtpaar, een manier verschaft om te zorgen, niet voor zijn eigen kinderen, maar voor de kinderen van anderen, de kinderen met problemen die verwaarloosd worden en aan hun lot worden overgelaten. In een zeldzaam moment van woede zien we hoe hij zulke eigenzinnige ouders, die het leven van hun kinderen niet op waarde weten te schatten, boos de les leest.

Het verhaal van Kenji Aoki heeft kleine eigenaardigheden om de personages aantrekkelijk te maken en slaagde erin om er ook veel meer glimpen en dimensies in te leggen, zoals dat Takanashi een hopeloze haiku-dichter is ondanks het feit dat hij lid is van de haiku-club, en steunt op personages als het bejaarde echtpaar Minagawa, waar Masao (Koichi Ueda) een paar komische maar trieste momenten doormaakte terwijl hij langzaam seniel werd, terwijl vrouw Toshiko (Misako Watanabe) het verhaal vertelt en ons meeneemt in het liefdesverhaal van een alleenstaande vrouw op haar vijftigste. Zelfs Akiko Nishina's optreden als de bedlegerige echtgenote was ronduit fascinerend, met haar personage dat in de verlichte staat verkeert waarin ze het verleden van haar man kent en in haar ziekelijke toestand onzelfzuchtige en pijnlijke beslissingen neemt.
Het is wat je kunt verwachten van een typische Japanse romantische film, zonder jonge, huwbare hoofdrollen als dwarse geliefden, maar met alle andere elementen op hun plaats, zoals romantische decors, liefdesliedjes en dat typische ingehouden maar liefdevolle gedrag. Ik dacht dat het verhaal het gevaar liep dat het de gebaande paden zou verlaten als onbeantwoorde liefde wordt geconsumeerd, maar regisseur Akira Ogata slaagde erin de gebruikelijke melodramatische momenten in zulke verhalen te vermijden, al vroeg het verhaal wel om een duidelijke plotontwikkeling naar de laatste akte die je kon voorspellen, vooral als je je romantische 101 al ver voorbij was. Als je in de stemming bent voor een bitterzoet liefdesverhaal met een onbeantwoorde liefde als hoofdthema, dan is The Milkwoman een aanbevelenswaardige romantische film (al wordt hij in een rustig tempo verteld) als je in de stemming bent voor bitterzoete liefde, herinneringen en een leven zonder spijt.

text_en:
I guess those who have been in a one-sided relationship of some sort before will be able identify with the lead character Minako (Yuko Tanaka), a 50 year old woman who is still in the pink of good health, as demonstrated by her daily, grinding routine of waking up extremely early in the morning to prepare for her milk delivery work, where she has to lug bottles of Megmilk in a bag in a route around her town like clockwork, to exchange empty bottles for full ones, and to collect payment and issue receipt. And there's always be that one delivery stop that's right at the top, needing to scale a long flight of stairs in order to achieve customer satisfaction.

And peculiar enough, that stop happened to be a stop delivering to a man with whom she has been in love with for almost all her teenage to adult life, and not having the product appreciated, but poured down the sink. Having gone to the same school, we see that they're not talking to each other, and in their daily life always seem so close physically, but yet so far away. There's no eye contact, save for cursory glances by chance, and little acknowledgement of each other's existence. We learn that they share a past that probably destroyed all notions of being together, where clear attraction between the two was hampered from developing further by the earlier generation.

While I thought Minako was an interesting woman in herself, one who has kept her feelings suppressed for so long, one can only wonder what kind of damage it would do. If I read that the original Japanese title means "At some time the days you read books" and it's accurate, I felt the movie had a wonderful finale with that shot of her well stocked bookcase, likely alluding to the fact that she's not alone after all, and had probably fallen back on her crutch of sorts to deal with the pain of being alone, and back to a lifestyle which she had already been accustomed to for 50 years. Besides immersing herself in two jobs, she has those books which serve as a form of escapism, and occasionally pens little sweet nothings to song dedication shows on the radio.

Yuko Tanaka did a commendable job as the emotionally strong woman resigned to her fate and her decision to love none other, her object of affection, Takanashi (Ittoku Kishibe) was a more interesting character who has more facets. Staying true to marriage vows, he spends significant amount of screen time looking after his sickly bedridden wife (played by Akiko Nishina), while juggling with his job of social welfare in the Children's Affairs department in City Hall. I felt that as a childless couple, the job provided him a means to care, not for his own, but for other people's children, the troubled ones who are neglected and left to fend for themselves. In a rare moment of rage, we see how he angrily chides such wayward parents who don't appreciate and wastes their children's lives away.

The story by Kenji Aoki provides little quirks to make its characters appeal and successfully attempted to provide a lot more glimpses and dimension into them as well, such as how Takanashi is a hopeless Haiku poet despite being a member of the Haiku club, and supporting characters such as the aged Minagawa couple, where Masao (Koichi Ueda) lent some comical though sad moments as he slowly turned senile, while wife Toshiko (Misako Watanabe) narrates and brings us through this love story of a single woman at 50. Even Akiko Nishina's performance as the bedridden wife was nothing short of arresting, with her character's enlightened state of knowing her husband's past, and making unselfish, and painful decisions in her sickly state.

It's what you can expect from a typical Japanese romantic movie, sans young, nubile leads as star-crossed lovers, but with all other elements in place such as romantic set ups, love songs and those quintessential restrained but affectionate behaviour. I thought the story was in danger of going down the beaten track when unrequited love gets consummated, but director Akira Ogata managed to steer clear of the usual melodramatic moments in such stories, though the story did call for some obvious plot development into the final act that you can predict, especially if you're already way past your Romance Movie 101.

Not being your average lovey-dovey story, I thought The Milkwoman told a strong story with unrequited love as a central theme, and frankly a recommended romance movie (though told at a measured pace) if you're in the mood for some bittersweet loving, reminiscence, and seeking to live without regrets.


text: De plot van _De melkvrouw_ is een simpel verhaal over onbeantwoorde liefde dat ondanks het verstrijken van de jaren nog steeds sterk is. Minako Obha (Yuko Tanaka) is nu vijftig jaar oud en woont alleen. Ze heeft twee baantjes: het ene als caissière in een supermarkt, het andere als melkdame die haar dagelijkse ronde maakt door de heuvels van Nagasaki. Een van haar stops is bij het huis van Kaita Takanashi (Ittoku Kishibe), een overheidsfunctionaris die voor zijn terminaal zieke vrouw Yoko zorgt. Minako en Kaita zagen elkaar vroeger als schoolkinderen, maar na de dood van Minako's moeder en Kaita's vader, die samen een affaire leken te hebben, werd hun relatie verbroken. Maar liggend in haar ziekbed weet Yoko dat de gevoelens van haar man voor de melkdame niet helemaal verdwenen zijn en ter wille van Kaita na haar dood probeert ze een manier te vinden om hen weer bij elkaar te brengen.<br />Hoewel het verhaal misschien simpel is, zijn de emoties en de middelen waarmee die worden uitgedrukt in feite waar het hart en de schoonheid van de film liggen. De film neemt de tijd om de eenvoudige dagelijkse handelingen van elk van de personages te laten zien, waarbij hun handelingen worden vastgelegd door een oude vrouw die hun verhaal voor een boek schrijft terwijl ze voor haar eigen man zorgt die tekenen van dementie vertoont. Al doende schetst de film de sociale omstandigheden van mensen uit verschillende lagen van de bevolking, hoe ze dagelijks met elkaar omgaan, hoe relaties ontstaan en hoe heden en verleden met elkaar in botsing kunnen komen. De regisseur doet dit schitterend met een sterke structuur en visuele stijl. Pas later in de film begint het verhaal een conventioneler en onvermijdelijk melodramatisch pad te volgen, alsof het inderdaad wordt geconstrueerd om te passen in de verhaalstructuur van het boek dat wordt geschreven. Het wordt allemaal geaccentueerd door de emotionele diepten die de film aanroert, die het best tot hun recht komen in de uitzonderlijke prestatie van Yuko Tanaka.

text_en:
The storyline of The Milkwoman is a simple one of unrequited love that despite the passing of decades still remains strong. Now 50 years old, Minako Obha (Yuko Tanaka) lives alone and works two jobs  one as a checkout clerk in a supermarket, the other as a milklady, doing her daily round on the hills of Nagasaki. One of her stops is at the house of Kaita Takanashi (Ittoku Kishibe), a government official who tends to his terminally ill wife Yoko (Akiko Nishina). Minako and Kaita used to see each other as school children, but after the death of Minako's mother and Kaita's father, who it seems were having an affair together, their own relationship was destroyed. Lying in her sick bed, Yoko knows however that her husband's feelings for the milklady aren't completely gone and, for the sake of Kaita after she has died, she attempts to engineer a means of bringing them back together.

While the story might be simple, the emotions it deals with and the means by which it expresses them is really where the heart and beauty of the film lie. The film takes its time to show the simple daily routines of each of the characters, their actions being recorded by an old lady who is writing their story for a book while looking after her own husband who is showing signs of dementia. In the process it depicts the social circumstances of people from different ways of life, how they interact with each other on a daily basis, how relationships form, and how past and present can collide. The director handles this marvellously with a strong structure and visual style. It's only later in the film that the story starts to follow a more conventional and inevitably melodramatic path, as if it is indeed being constructed to fit the narrative structure of the book that is being written. It's all validated by the emotional depths the film touches, represented most effectively in the exceptional performance of Yuko Tanaka.


text: Dit is een verhaal over een lange en moeilijke liefde. Het dagelijks leven van een vrouw van vijftig jaar en een paar mensen om haar heen wordt beschreven. Haar dagelijks leven is zo gewoon en routineus dat ik in het begin twijfelde aan wie de echte hoofdrolspeelster was. Dan weten de toeschouwers dat de vrouw en een man die haar klasgenoot op de middelbare school was heel weinig met elkaar gemeen hadden. De vrouw doet al zo lang hetzelfde werk <0xE2><0x80><0x93> melkvrouw en caissière in een supermarkt <0xE2><0x80><0x93> zo lang. Er zijn zo veel hellingen dat het bezorgen van melkflessen heel zwaar werk is. De man is met een andere vrouw getrouwd, die nu stervende is aan kanker. Hij werkt in het stadhuis en verzorgt haar thuis met liefde. Ze kijken nooit recht in de ogen en praten nooit met elkaar, maar ze vergeten elkaar nooit.<br />De oorspronkelijke Japanse titel betekent: 'Op bepaalde dagen lees je boeken'. Maar toen de man zei: 'Nu wil ik doen wat ik altijd heb willen doen', was het natuurlijk om haar te omhelzen en met haar te vrijen. Ze schrijft aan een diskjockey dat 'Als God ons de tijd geeft om te praten, hebben we minstens een hele dag nodig'. Droomend over die dag sublimeert ze het verlangen door hard te werken en boeken te lezen. Ik ken persoonlijk een vrouw die jarenlang van een man heeft gehouden, zelfs nadat hij met een andere vrouw was getrouwd en door een ongeluk was overleden. Daarom is de verhaallijn niet zo bijzonder. Deze film portretteert veeleer onuitgesproken romances bij veel gewone mannen en vrouwen. Via deze film zult u zich uw romance herinneren die lang geleden verloren is gegaan. Dit is een film met een blijvend effect.

text_en:
This is a story of a long and awkward love. The daily life of a woman of 50 years old and some people around her is depicted. Her daily life is so ordinary and routine that I doubted who was the real lead character in the beginning. Then the audiences know that the woman and a man who was her high-school class mate had very tiny connection. The woman has been doing the same job - a milk-woman and a supermarket casher - so long. There are so many slopes that delivering milk bottles is a very hard job. The man had married another woman, who is now dying of cancer. He works at the City Hall and devotedly cares her at home. They never look straight nor talk each other, but they never forget each other.

The original Japanese title means "At some time the days you read books". But of course when the man said "Now I want to do what I've always wanted to do", it was to hug her and make love with her. She writes to a radio disk jockey that "If God gives us time to talk, we need at least a whole day". Dreaming of that day, she has been sublimating the desire in hard work and book reading. I personally know a woman who has loved a man for long years, even after he married another woman and died for an accident. Therefore the story setting is not that special. Rather, this movie well portrays unspoken romances in many ordinary men and women. Through this movie, you will recall your romance that is lost long ago. This is a movie with lasting effect.


text: Deze film was echt goed geschreven en heel onderhoudend. Er zat ook geweldig acteerwerk in. Luke Perry deed het heel overtuigend (zoals altijd). Als je op zoek bent naar een spannende film om naar te kijken, moet deze boven aan je lijstje staan. Er is een mengeling van komedie, drama en actie. Je kunt op sommige punten letterlijk voelen wat de acteurs voelen. Ik was erg onder de indruk van deze film. De special effects waren heel goed. De hele film was heel overtuigend. Deze film is een van mijn favorieten. Wat er gebeurt is dat Noord-Amerika verscheurd kan worden en dat Jack en zijn team moeten proberen een uitbarsting te voorkomen door Noord-Amerika te vernietigen. Het was een heel cool en creatief idee. Ik vond deze film geweldig en ik weet zeker dat dat voor jou ook geldt.

text_en: This movie was really well written and was very entertaining.There was great acting in it too. Luke Perry did a very convincing job. (like he always does)If you are looking for a eventful movie to watch this should be at the top of your list. There is a mixture of comedy, drama, and action. You can literally feel what the actors are feeling at points. I was very impressed by this movie. The special effects were very well done. The whole movie was very convincing. This movie is one of my favorites. What happens is North America could be torn apart and Jack and his team have to try and to stop an eruption by destroying North America. It was a very cool and creative idea. I loved this movie and i know you will too.


text:
Het is interessant om te zien wat de mensen van deze film vinden, want hij is in feite heel uniek (hoewel hij enkele kenmerken heeft van het werk van Clive Barker). Ook al lijkt het misschien een beetje cynisch om dat te zeggen, de film is net ingewikkeld genoeg om de mensen die een standaard Hollywoodscenario nodig hebben af te leiden, en gelaagd, zodat je, als je wilt dat je gevoed wordt, een normaal monster ziet met veel monsters en een onsamenhangende plot.
Wie een lineaire, specifieke en ontwarde plot nodig heeft, zal deze film haten, omdat het verhaal, net als in de novelle, gedeeltelijk tussen de regels ligt, of in dit geval, gedeeltelijk buiten het scherm, in commentaren en de verbeelding. Een andere mogelijke verklaring is het einde, waarvan ik, zonder het te bederven, kan zeggen dat het niet helemaal goed en niet helemaal slecht is. Het is in feite helemaal niet zo duidelijk, en ik weet dat sommige mensen er razend van worden dat ze niet te weten zijn gekomen wat er gebeurd is, maar voor mij, en ongetwijfeld voor vele anderen, voegt het verhaal er een andere dimensie aan toe <0xE2><0x80><0x93> de dimensie van de speculatie, en bovendien het punt dat grote ontwrichting een neiging heeft tot rimpelingen die zich heel ver uitstrekken.
Er is hier beslist sprake van moraal, maar van een heel ander soort dan het standaard Hollywood-in-je-gezicht-aan-het-eind-van-de-film-type. Het samenvatten van die moraal is eenvoudig, ook al is het niet zo eenvoudig als het lijkt: vooroordelen en de menselijke neiging om het andere te haten.
Ik ben dol op deze film, ook al zijn de gezichten van de acteurs (met uitzondering van David Cronenberg, die er fantastisch uitziet) nogal smakeloos, zoals veel recensenten hebben opgemerkt. Ik weet niet zeker of dat alleen komt door hun krakkemikkige uiterlijk en gebrek aan diepgang, maar gezien het feit dat dit veel voorkomende problemen zijn bij het omzetten van literatuur in een scenario, denk ik van niet.
Al met al is dit een geweldige film, vooropgesteld dat je niet verwacht dat het een standaard horrorfilm is.

text_en:
It is interesting to see what people think of this movie, since it is, in fact, quite unique (though it bears some of the trademarks of Clive Barker's writing). Even though it might seem a bit cynical to say so, the movie is just intricate enough to deflect those that need standard Hollywood plot hooks, and layered, so that if you expect to be fed, you will see a normal monster flick with lots of monsters and a disjointed plot.

Those who need a linear, specific and untangled plot line will hate this movie, because the story lies, like in the novella, partially between the lines, or in this case, partially off screen, in comments and the imagination.

Another possible hang-up is the ending, of which I can say, without spoiling it, that it is not entirely good and not entirely bad. It is, in fact, not very defined at all, which I know sends some people into raging tantrums about that they didn't get to know what happened, but to me, and to many others, I'm sure, just adds another dimension to the story - the dimension of speculation, and, in addition, the point that great disruption has a tendency to cause ripples that extend quite far.

There is definitely moral here, but of a rather different kind than the standard Hollywood in-your-face-at-the-end-of-the-movie sort of display. Summing that moral up is simple, even though it is not quite that simply displayed; prejudice and the human tendency to hate the different.

I love this movie, even though, as many of the reviewers have noted, the expressions of the actors (with the exception of David Cronenberg, who does a wonderful appearance) are rather tacky. I'm not sure they are entirely to blame for their rickety appearance and lack of depth, though, seeing that these are common problems in converting literature to screenplay.

All in all, this is a great movie, provided that you do not expect it to be a standard horror movie.


text:
Dit was de film die me voor het eerst duidelijk maakte wat een geweldige acteur Martin Sheen eigenlijk is. Hij beweert bescheiden dat Charlie een betere acteur is, maar Charlie kan hem niet bijbenen.
Ik vond het spannend en genoot intens van de verstrengeling van het liefdesverhaal met de hoofdplot (en meestal haat ik liefdesverhalen). Er zit aan het eind een geweldige draai in de plot die me volkomen geloofwaardig leek, vooral in de begintijd van de jaren tachtig, en nu waarschijnlijk ook.
Bij de laatste scène zat ik op het puntje van mijn stoel. Deze film illustreert duidelijk dat verraad vaak wordt toebedeeld aan degenen die we vertrouwen, terwijl vijanden die tot vijand zijn verklaard meer gemeen hebben dan ze vermoeden, en ten slotte dat menselijk mededogen kan worden gevonden waar we het het minst verwachten.

irenereziele.

text_en:
This was the film that first indicated to me what a great actor Martin Sheen really is. He modestly claims that Charlie is a better actor, Charlie can't hold a candle to him.

I found it suspenseful and thoroughly enjoyed the intertwining of the love story with the main plot (and I usually HATE love stories). There's a great plot twist at the end that struck me as being fully credible, particularly in the early 80's time period, and probably now also.

The final scene had me on the edge of my seat. This film roundly illustrates that treachery is often doled out by those we trust, while declared enemies have more in common than they suspect, and finally, that human compassion can be found where we least expect it.

irenerose


text: Ik moet toegeven dat ik, toen ik deze film voor het eerst begon te bekijken, geen idee had wat er aan de hand was. Dus het begin was een beetje verwarrend voor me. Maar dat deed niets af aan mijn plezier in de film. De personages maken duidelijk dat ze ingewikkelder zijn dan ze op het eerste gezicht lijken, en dat maakt dit een gedenkwaardige film. Eerst hoorde ik dat dit een echte 'Hollywood'-film was. Hoewel het duidelijk ontbreekt aan het stereotiepe 'geweren en vuisten'-element, maken de overtuigende optredens van getalenteerde acteurs als Martin Sheen en Sam Neill het meer dan goed. Ik zie liever een film met meer inhoud dan filmen.

text_en: I must admit, when I first began watching this film I had no clue what was going on. So the beginning was a bit confusing for me. However, that did not diminish my enjoyment of the movie. The characters reveal themselves to be more complex than they may first appear, and that is what makes this a memorable film. At first I heard this was a real "Hollywood" movie. Although it obviously lacks the stereotypical "guns and fists" element, the convincing performances of talented actors such as Martin Sheen and Sam Neill more than make up for it. I'd rather see a film with more substance than shooting any day.


text: Ik heb deze film rond 1983 voor het eerst gezien en ik vond hem geweldig! Ik heb alle veilingsites afgeschuimd om het origineel te kopen. Dit is een heel goede thriller met een paar wendingen die het interessanter maken. Ik wil verder niet te veel zeggen, want als je ooit de kans krijgt om hem te zien, zul je blij zijn dat ik niet te veel heb gezegd!

text_en: I first saw this film on hbo around 1983 and I loved it! I scoured all of the auction web sites to buy the vhs copy. This is a very good suspense movie with a few twists that make it more interesting. I don't want to say too much else because if you ever get a chance to see it, you'll be glad I didn't say too much!


text: Van de ongeveer 600 Spaghetti Westerns die dit hebben gemaakt, moet dit ergens in de top 20 staan. Niet te geloven dat dit geen recensies heeft gekregen! Gemma is hier uitstekend in. Van Johnson is ook goed hoewel zijn vervormde stem een beetje afwijkend is, maar dat is de charme van de Italiaanse stijl. Prachtige fotografie en een paar voortreffelijk geënsceneerde acties. Alle bijrollen zijn goed gespeeld. De strengheid van het racistische trekje bij de slechteriken is zelfs naar de huidige maatstaven behoorlijk streng, wat in sommige situaties een emotionele diepte aan Gemma's personage toevoegt. Absoluut uitmuntende score van Luis Bacalov. Zie dat dit op die geweldige widescreen-dvd uit Japan staat. Dat moet een spaghetti zijn.

text_en: Out of the 600 or so Spaghetti Westerns made this has got to be in the top twenty somewhere. Can not believe this hasn't received any reviews! Gemma is excellent in this. Van Johnson is good too though his dubbed voice is a little off killter but that's the charm of the Italian style. Beautiful photography and some excellently staged action. All the supporting characters are well played. The severity of the racist streak in the bad guys is pretty tough even by todays standards which creates an emotional depth to Gemmas character in some of the situations that take place. Absolutely FANTASTIC score by Luis Bacalov. See this is in the wonderful Wide screen DVD from Japan. A spaghetti must have.


text: In de tijd van de burgeroorlog reist de president (Van Johnson) naar Dallas en wordt vermoord door corrupte ambtenaren en een zakenman die de vice-president wil installeren, die ze kunnen chanteren vanwege belastende documenten. Een schutter (Guiliano Gemma) die ervan overtuigd is dat zijn zwarte vriend ten onrechte van de moord wordt beschuldigd, probeert de waarheid aan het licht te brengen. Tonino Valeri regisseert deze fascinerende, zij het gebrekkige film, die duidelijk een allegorie is voor de moord op Kennedy. De film laat misschien ten onrechte zwarten zien die als slaven op plantages in Texas werken, maar de film is niettemin plezierig en biedt een interessante interpretatie <0xE2><0x80><0x93> dat de dood van Kennedy het gevolg was van een coup de t<0xC3><0xAA>te <0xE2><0x80><0x93> die veel Amerikanen destijds niet konden accepteren. De moord op Oswald wordt hier herhaald terwijl de zwarte die van de moord wordt beschuldigd, wordt vermoord door de verantwoordelijke mannen, op weg naar de gevangenis van Fort Worth. Dit moment in de film is melodramatischer dan Oswalds dood, waarbij zijn verschillende begeleiders voor zijn ogen worden doodgeschoten. Niettemin is dit beslist een van de interessanter en de moeite waardder spaghettiwesterns. De moeite van het bekijken waard!

text_en: In post civil war America the President, (Van Johnson), travels to Dallas and is assassinated by corrupt officials and businessman interested in installing the vice President whom they can blackmail due to incriminating documents. A gunman (Guiliano Gemma) convinced that his black friend is wrongly accused of the assassination aims to uncover the truth. Tonino Valeri directed this fascinating, if flawed film which obviously is an allegory for the Kennedy assassination. The film may wrongly present blacks as slaves working on plantations in Texas but the film is nonetheless enjoyable and presents an interesting interpretation - that Kennedy's death was the result of a coup de tat- which many Americans could not accept at the time. Oswald's murder is replayed here as the black accused of the assassination is murdered by the men responsible, on route to Fort Worth prison. This moment in the film is more melodramatic than Oswald's death with his various escorts shot down before his over the top death scene. Nonetheless this is definitely one of the more interesting and worthwhile spaghetti westerns. Worth a look!


text:
Dit is een aangrijpend verhaal dat elementen ontleend aan de moord op Kennedy, en dat met succes gebruikt wordt om een uitstekend westernverhaal te creëren.
De film heeft een goede muziekscore, hoewel hij het titelthema een beetje te vaak herhaalt. Giuliano Gemma en de rest van de cast zijn uitmuntend. Dit is een meer cerebraal dan gebruikelijk spaghettiwestern die meer op verhaal dan op actie is gebaseerd, en hij slaagt omdat het verhaal uitstekend is. Dat wil niet zeggen dat er geen actie in de film zit. Er is meer dan genoeg, en hij is heel goed gemaakt. Deze film trekt je er meteen in en houdt je tot het eind in beslag. Je zult je altijd blijven afvragen wat er in die documenten zit waar iedereen achteraan zit. Er staat ook wat scherp commentaar op de Amerikaanse politiek in.
Deze film laat zien waarom Valerii naar mijn mening op drie manieren in verband kan worden gebracht met Sollima en Corbucci, die in de rangorde van spaghetti-westernregisseurs op de tweede plaats staan.

text_en:
This is a gripping story that borrows elements from the Kennedy assassination, and uses them successfully to create an excellent western tale.

The movie has a good music score, though it relies on repeating the title theme a little too much. Giuliano Gemma and the rest of the cast are superb. This is a more cerebral than usual spaghetti western that relies more on story than action, and it succeeds because the story is excellent. This is not to say that there is no action in the movie. There is plenty, and it is very well crafted. This movie pulls you in right away, and keeps you absorbed til the end. You'll always be wondering what's in those documents everyone's after. It also has some biting commentary on American politics.

This movie shows why Valerii, in my opinion, is in a three way tie with Sollima and Corbucci for second place in the rankings of spaghetti western directors.


text:
Tonino Valerii's 'Il Prezzo Del Potere' alias 'The Price of Power' is een uitstekende en boeiende spaghettiwestern die de moord op Kennedy weerspiegelt. Een geweldige hoofdrol van Giuliano Gemma en een uitstekende regie van Luis Bacalof zijn slechts twee van de vele redenen om deze film te bekijken.
In 1881 is Texas verdeeld in mensen die de afschaffing van de slavernij op prijs stellen en gewoon in vrede willen leven, en mensen die na 16 jaar nog steeds de federatie willen herstellen. Ondanks waarschuwingen besluit president James Garfield, die een nieuw gelijkheidsbeleid wil invoeren, een bezoek te brengen aan Dallas, waar corrupte politiefunctionarissen zijn moordaanslag voorbereiden. Bill Willer (Giuliano Gemma) en twee van zijn vrienden, een zwarte man genaamd Jack Donovan (Ray Shaunders) en een kreupele man genaamd Nick (Manuel Zarzo) zijn vastbesloten de moord op de president te voorkomen.
Aangezien James Garfield niet werd vermoord door racisten, die de Confederatie weer in Texas wilden installeren, maar in Washington D.C. door de geestelijk labiele Charles Guiteau, is de plot van 'Price of Power' natuurlijk historische onzin. Aangezien de film echter geen historische juistheid beweert, maar probeert te verwijzen naar de moord op Kennedy in 1963 in Dallas, is het feit dat het verhaal fictief is, legitiem.
Giuliano Gemma levert een uitstekende prestatie als Bill Willer, Benito Stefanelli is geweldig als de schurkachtige en corrupte sheriff Jefferson. Een paar andere goede optredens zijn die van Ray Shaunders als Bills zwarte vriend Jack, Warren Vanders als Arthur McDonald, de adviseur van de president, en Fernando Rey als Pinkerton, een schurkachtige rijke zakenman. De Score van Luis Entrevquez Bacalov is geweldig, de filmografie en locaties zijn geweldig en (zoals in Valerii's eerdere 'Day of Anger') doen veel denken aan Sergio Leone, voor wie Valerii werkte als assistent-regisseur voor 'A Fistful of Dollars' en 'For A Few Dollars More'.
Alles bij elkaar genomen is 'Il Prezzo Del Potere', na 'Day of Anger', weer een uitstekende spaghettiwestern die zowel het grote talent van Giuliano Gemma als de regisseur Tonino Valerii toont. Het is een must-see voor Spaghetti Western-fans, en ik kan het ook iedereen aanbevelen.

text_en:
Tonino Valerii's "Il Prezzo Del Potere" aka. "The Price Of Power" is an excellent and enthralling Spaghetti Western that mirrors the Kennedy assassination. A great leading performance by Giuliano Gemma and an excellent score by Luis Bacalof are just two of the many reasons to watch this movie.

In 1881 Texas is divided into those who appreciate the abolition of slavery and just want to live in peace, and those who, after 16 years, still want to reinstall the confederacy. In spite of warnings, President James Garfield, who wants to establish a new policy of equality, decides to visit Dallas, where corrupt law enforcement officials are planning his assassination. Bill Willer (Giuliano Gemma) and two of his friends, a black man named Jack Donovan (Ray Shaunders), and a crippled guy named Nick (Manuel Zarzo) are determined to prevent the President's murder.

Since James Garfield was not assassinated by racists, who wanted to reinstall the confederacy in Texas, but in Washington DC by mentally unstable Charles Guiteau, the storyline of "Price Of Power" is, of course, historical nonsense. Since the movie, however, doesn't claim historical accuracy, but tries to allude to the 1963 Kennedy assassination in Dallas, the fact that the story is fictitious is legitimate.

Giuliano Gemma delivers an excellent performance as the main character Bill Willer, Benito Stefanelli is great as the villainous and corrupt Sheriff Jefferson. Some other good performances are those of Ray Shaunders as Bill's black friend Jack, Warren Vanders as Arthur McDonald, the president's adviser, and Fernando Rey as Pinkerton, a villainous rich businessman. The Score by Luis Enríquez Bacalov is great, the cinematography and locations are great and (such as in Valerii's earlier "Day Of Anger") remind a lot of Sergio Leone, for whom Valerii used to work as an assistant director for "A Fistful Of Dollars" And "For A Few Dollars More".

All said, "Il Prezzo Del Potere" is, after "Day Of Anger", another excellent Spaghetti Western that shows both the great talent of Giuliano Gemma as an actor and Tonino Valerii as a director. "The Price Of Power" is a must-see for Spaghetti Western fans, and I also highly recommend it to everybody else. 8/10


text:
Ik was niet bekend met deze film, tot ik hem zag staan in een lijst van de top 20 van spaghettiwesterns die ik onlangs was tegengekomen (volgens de marathon die ik deze laatste paar weken maakte van films uit de subgenre); het zag er dus naar uit dat de film vrijwel onmiddellijk op de late avond Italiaanse televisie moest verschijnen (voor het eerst, daar ben ik vrij zeker van, in een flink aantal jaren)!
Helaas heeft de kabelontvangst van het kanaal waarop hij werd uitgezonden het begeven. De laatste tijd ging het niet zo geweldig: ik heb de film op VHS opgenomen, maar ik besloot hem niet te houden vanwege deze factor. Toevallig kwam ik er de volgende dag achter dat hij op een Regio 2-dvd uit Italië te koop was (met een interview met scriptschrijver Ernesto Gastaldi zonder licentie), en toen ik voldoende onder de indruk was, besloot ik hem ter plekke te bestellen, ook al wist ik dat ik een hele tijd niet aan de dvd toe zou komen omdat ik graag wat tijd tussen de ene film en de volgende laat zitten! Even tussen haakjes: toen ik onlangs een lading Spaghetti Westerns op een Italiaanse dvd kocht, besloot ik Sergio Sollima niet te bestellen.' s Face  to Face (1967), omdat ik in de veronderstelling was dat het een klef zaakje was, maar ik heb net gehoord dat er op de disk een interview met de regisseur staat (zoals ook het geval was geweest met THE BIG GUNDOWN 1966-1966, die ik heb gekocht). Het leek me nogal vreemd dat Sollima geen soortgelijke bijdrage zou leveren aan de dvd-uitgave van die film toen hij Face to Face als zijn favoriete werk beschouwde (volgens de regisseur). De moeilijkheid is dat ik THE BIG GUNDOWN zo mooi vond dat ik hem heb gevolgd met een blik op het gezicht naar het gezicht via de opname die ik van de Italiaanse tv had gemaakt! Ik heb nu wel de dvd van die film besteld <0xE2><0x80><0x93> vooral omdat hij nog steeds met korting is <0xE2><0x80><0x93> maar zoals ik al zei, met het oog op een tweede blik op THE PRICE OF POWER (hoewel ik misschien Sollima's interview nog eens ga bekijken als de dvd binnenkomt)...
Oké. De film die nu in de recensie wordt besproken, is een heel ongebruikelijke Spaghetti Western en een heel interessante, zelfs ambitieuze, omdat hij een overgang van de JFK-moorden naar een Old West-decor laat zien! In feite doet de film denken aan Anthony Manns bondige zwart-witthriller The Tall TARGET (1951) <0xE2><0x80><0x93> die ging over een moordaanslag op de toenmalige Amerikaanse president Abraham Lincoln. In de film speelt een van de populairste Italiaanse sterren uit die subcategorie, Giuliano Gemma, een rol die misschien wel zijn indrukwekkendste westerse rol is (veel van zijn andere films hadden een luchthartige inslag). De bijrollen worden gespeeld door ten minste twee andere notabelen: Van Johnson (in een van zijn weinige en voornamelijk onopvallende Italiaanse films) als de Amerikaanse president die in de nadagen van de Burgeroorlog in Dallas wordt vermoord, en Fernando Rey als het hoofd van een samenzwering van zuiderlingen die niet alleen zijn moord beramen, maar ook handig de nieuwe Amerikaanse president, Johnsons vice-president, manipuleren door middel van chantage!
Benito Stefanelli maakt ook een goede indruk als een corrupte sheriff die de hele film lang achter Gemma aan zit, en met wie hij een paar keer een 'duel in het donker' heeft. <0xE2><0x80><0x93> met de pistolen op de grond in plaats van in hun respectievelijke holsters en het enige licht in de kamer afkomstig van het uiteinde van de sigaren van de cowboys! Ook Ray Saunders is erbij betrokken als Gemma's zwarte hulpje, die in het verhaal uiteindelijk de verdoemde 'Lee Harvey Oswald' wordt. Stelvio Massi <0xE2><0x80><0x93> die later als regisseur bij een aantal poliziotteschi zijn tanden laat zien <0xE2><0x80><0x93> zit achter de schitterende cinematografie van de film; Luis Enrique Bacalov levert op zijn beurt weer een geweldige 'Euro-Cult'-score <0xE2><0x80><0x93> die genoeg verschilt van de stijl van Ennio Morricone om even herkenbaar te zijn. De regie van de film mag dan even imposant zijn als die van andere Spaghetti Westerns, maar hij handelt de gebeurtenissen efficiënt genoeg af (het laatste vuurgevecht is bijzonder goed uitgevoerd); de film is zeker een van de meer onderschatte onderdelen van de subgenre, en voor degenen die dat willen is alleen al de nieuwigheid van de plot een reden om op te passen voor...

text_en:
I was unfamiliar with this film, until I saw it included in a list of the Top 20 Spaghetti Westerns I recently came across (following the marathon I made these last few weeks of films from the subgenre); it was auspicious, then, that the film had to turn up almost immediately on late-night Italian TV (for the first time, I'm pretty sure, in a good number of years)!

Unfortunately, the cable reception of the channel on which it was broadcast hasn't been great lately: I recorded the film on VHS but I decided not to keep it due to this factor; as it happened, the very next day I watched the film, I found out that it was available on a Region 2 DVD from Italy (featuring an interview with uncredited scriptwriter Ernesto Gastaldi) - and, having been sufficiently impressed, I decided to order it there and then, even if I knew that I wouldn't be getting to the DVD for quite a while as I like to allow some time between one viewing of a film and the next! A brief parenthesis here: when I recently purchased a spate of Spaghetti Westerns on Italian DVD, I opted not to order Sergio Sollima's FACE TO FACE (1967), since I was under the impression that it was a bare-bones affair; however, I've just learned that the disc actually contains an interview with the director (as had been the case with THE BIG GUNDOWN [1966], which I bought). It did seem baffling to me that Sollima wouldn't offer similar contribution to that film's DVD edition when he actually considered FACE TO FACE as his favorite work (as per the director's talent bio included on the Blue Underground Region 1 disc of yet another Sollima Spaghetti Western - RUN, MAN, RUN [1968]); the trouble is that I loved THE BIG GUNDOWN so much that I followed it with a viewing of FACE TO FACE via the recording I owned made off Italian TV! I did order the DVD of that film now - especially since it's still discounted - but as I said with respect to a second look at THE PRICE OF POWER (although I may still check out Sollima's interview when the disc arrives)...

O.K., rant over: the film under review is quite an unusual Spaghetti Western and a very interesting, indeed ambitious one at that, being a transposition of the JFK assassination case to an Old West setting! Actually, it's reminiscent of Anthony Mann's terse black-and-white thriller THE TALL TARGET (1951) - which dealt with an assassination attempt on the life of then-U.S. President Abraham Lincoln. It features one of the most popular Italian stars from this subgenre, Giuliano Gemma, in what is perhaps his most impressive Western role (many of his other films tended to have a light-hearted bent). The supporting cast includes at least two other notables: Van Johnson (in one of his few and mainly unremarkable Italian films) as the American President killed in post-Civil War Dallas and Fernando Rey as the head of a conspiracy of Southerners - who not only plots his assassination but also conveniently maneuvers the new acting U.S. leader, Johnson's Vice-President, by means of blackmail!

Benito Stefanelli also makes a good impression as a corrupt sheriff who pursues Gemma all through the picture, and with whom he's engaged a couple of times in a 'duel in the dark' - with the guns resting on the floor rather than in their respective holsters and the only light in the room provided by the end of the cowboys' cigars! Also involved is Ray Saunders as Gemma's black sidekick whom the narrative eventually turns into the doomed "Lee Harvey Oswald" figure. Stelvio Massi - who later cut his teeth, as director, on a number of poliziotteschi - is behind the film's luminous cinematography; similarly, Luis Enrique Bacalov supplies yet another great "Euro-Cult" score - which is different enough from the style of Ennio Morricone as to be equally distinguishable. Valerii's direction here may mot be as imposing as that in other Spaghetti Westerns but he handles the proceedings efficiently enough (the final gunfight is especially nicely done); the film is certainly one of the more underrated entries in the subgenre and, for those so inclined, the novelty of the plot line alone should make it one to look out for...


text: De prijs van de eer, ook wel bekend als de prijs van de energie, is een ambitieus westers melodrama, licht van toon, dat een Old West-versie van de moordaanslag op JFK wil vertellen. In 1881 reist de president naar Dallas en wordt vanuit een raam neergeschoten terwijl hij in zijn rijtuig door de stad paradeert. Corrupte ambtenaren hebben de moord uitgevoerd en een nederige slaaf de schuld in de schoenen geschoven. Onze held, de serieuze maar nietszeggende Giuliano Gemma, wil de samenzwering ontrafelen. Een innemend verhaal, gewaagd vanwege het onderwerp, maar onderhoudend ondanks de schaarste aan schiet-op-actie. De film is een 7 van de 10, ondanks de slechte presentatie van de dvd, die té donker is van het slechte geluid. Zoek een goede kopie.

text_en: PRICE OF HONOR aka PRICE OF POWER is an ambitious Western melodrama, light on the action, which seeks to tell an Old West version of the JFK assassination. In 1881, the president travels to Dallas and is shot from a window while parading thru town in his carriage. Corrupt officials have carried out the murder and have a humble slave take the rap. Our hero, the earnest but bland Giuliano Gemma, aims to unravel the conspiracy. An engaging story, audacious for its subject matter, but entertaining despite the paucity of shoot-em-up action. The film is a 7 out of 10, despite the poor presentation of the DVD, which is overly dark with poor sound. Look for a good copy.


text: Het feest van Babette draait voor mij om genezing: het herstellen van de scheuring tussen geest en lichaam in het orthodoxe christendom. Deze puriteinse gemeenschap in het afgelegen Denemarken mist een adequate waardering van al Gods gaven in de schepping. Ze hebben het dualisme van de heilige Paulus tot het uiterste doorgevoerd en de nadruk gelegd op het leven van de 'geest' en niet op het leven van het 'vlees'. Beide oudere zusters werden in hun jeugd afgeschrikt door de verlokkingen van de liefde en de verleidingen van het leven buiten hun eenvoudige dorp. Zij en hun parochianen houden vast aan de smalle bijbelse interpretatie van hun voormalige leider en de vader van de zusters. De ouder wordende gemeente is prikkelbaar en twistziek geworden, en de zusters weten niet wat ze moeten doen. En dan komt Babette, een Franse vreemde, en iemand aan wie ze vriendelijkheid kunnen tonen. Ze kunnen niet weten dat ze uiteindelijk hun vriendelijkheid zal beantwoorden en vruchtbare grond zal geven aan hun droge, stoffige theologie. Babette zal alles geven wat ze heeft en de zusters en hun kudde onderwijzen over genade, over opoffering, over hoe sensuele ervaring (zoals in het brood en de wijn van de eucharistie) het leven kan veranderen en over waarom ware kunst ons zo diep raakt. Als ze elkaar en zichzelf kunnen vergeven, kunnen ze zich concentreren op Gods liefde die zich op een concrete manier in het heden voor hen ontvouwt. Als predikant en kunstenaar kan ik geen betere film aanbevelen. Ware kunst en ware gratie!

text_en: Babette's Feast, for me, is about healing: mending the schism between spirit and body in orthodox Christianity. This puritanical community in remote Denmark is missing an adequate appreciation of all of God's gifts in creation. They have taken the dualism of St. Paul to an extreme, and stress the life of the "spirit," not the life of the "flesh." Both elderly sisters, in their youth, were frightened by the lure of love and the temptations of life outside their simple village. They, and their parishioners, cling to the narrow biblical interpretation of their former leader, and the sisters' father. The aging congregation has become testy and quarrelsome, and the sisters don't know what to do. Enter Babette, a French stranger, and someone to whom they can show kindness. They have no way of knowing that she will ultimately return their kindness and give fertile soil to their dry, dusty theology. Babette will give everything she has, and in the process, will teach the sisters and their flock about grace, about sacrifice, about how sensual experience (as in the bread and wine of the Eucharist) can change lives, and about why true art moves us so deeply. When they can forgive each other, and themselves, they can focus on God's love that unfolds before them in a concrete way in the present. As a minister, and an artist, I can't recommend a movie more highly. True art and true grace!!


text:
Deze rustige en pretentieloze Deense film, die vlekkeloos is geregisseerd, geschreven, uitgevoerd en gefilmd, is een voorbeeld van film op zijn best, en als er iemand bestaat die naar BABETTE'S FEAST kan kijken zonder op een fundamenteel niveau geraakt te worden, dan is het iemand die ik niet wil kennen.
Het verhaal is heel eenvoudig. In de negentiende eeuw wonen twee oudere ongetrouwde dames (Birgitte Federspiel en Bodil Kjer) in het afgelegen Jutland, waar ze hun leven, hun romantische mogelijkheden en hun persoonlijke geluk hebben opgeofferd om de religieuze bediening van hun lang geleden overleden vader voort te zetten voor de kleine kudde die hij diende. De jonge bewonderaarsters sturen hun een Fran<0xC3><0xA7>aise, Babette (Stéphane Audran), wier man en zoon in Frankrijk zijn gesneuveld en die haar vaderland is ontvlucht om niet hetzelfde lot te ondergaan. Hoewel ze haar diensten niet echt nodig hebben, nemen de zusters haar in dienst als dienstmeid en kokkin <0xE2><0x80><0x93> en met het verstrijken van de jaren stellen haar slimheid en onvermoeibare inspanningen voor hen de ouder wordende gemeente in staat bij elkaar te blijven en de zusters een gerieflijker leven te laten leiden dan ze zich hadden voorgesteld; het hele dorp bewondert haar en is van haar afhankelijk.
Maar op een dag ontvangt Babette een brief: ze heeft een loterij gewonnen en is nu, naar dorpse maatstaven, een rijke vrouw. In de wetenschap dat haar nieuwe rijkdom haar terugkeer naar Frankrijk zal betekenen, geven de zusters gehoor aan haar wens om een echte Franse maaltijd voor hen en de leden van hun kleine gemeente te bereiden. De maaltijd en de avond die ermee gepaard gaat, zijn inderdaad een gedenkwaardige avond <0xE2><0x80><0x93> maar niet om redenen die te verwachten waren, want Babettes feestmaal blijkt voedsel voor zowel lichaam als ziel te zijn, en is uiteindelijk haar liefdesgeschenk aan de vrouwen die haar in huis hebben genomen en aan de dorpelingen die zo goed voor haar zijn geweest.
De film is in alle opzichten buitengewoon, gedetailleerd en toch niet overweldigend in zijn presentatie ervan. Naarmate de film vordert, gaan we van de personages houden, zowel van hun simpele devotie voor God als van hun al te menselijke zwakheden, en de scènes waarin Babette haar feestmaal bereidt en de maaltijd wordt genuttigd, zijn krachtig, mooi en ongelooflijk gedenkwaardig. Er zijn verscheidene films geweest die voedsel als metafoor voor de liefde hebben gebruikt, maar geen daarvan benaderde de eenvoudige artisticiteit en schoonheid van Babettes geluk, dat ons herinnert aan alle goede dingen van de mensheid en bewijst dat het voedsel is voor zowel lichaam als ziel. Hoogst, zeer aanbevolen.

Gary F. Taylor, alias GFT, Amazon Reviewer, Amazon.

text_en:
Flawlessly directed, written, performed, and filmed, this quiet and unpretentious Danish film is an example of cinema at its best, and if a person exists who can watch BABETTE'S FEAST without being touched at a very fundamental level, they are a person I do not care to know.

The story is quite simple. In the 1800s, two elderly maiden ladies (Birgitte Federspiel and Bodil Kjer) reside in remote Jutland, where they have sacrificed their lives, romantic possibilities, and personal happiness in order to continue their long-dead father's religious ministry to the small flock he served. One of the women's youthful admirers sends to them a Frenchwoman, Babette (Stéphane Audran), whose husband and son have been killed in France and who has fled her homeland lest she meet the same fate. Although they do not really require her services, the sisters engage her as maid and cook--and as the years pass her cleverness and tireless efforts on their behalf enables the aging congregation to remain together and the sisters to live in more comfort than they had imagined; indeed, the entire village admires and depends upon her.

One day, however, Babette receives a letter: she has won a lottery and is now, by village standards, a wealthy woman. Knowing that her new wealth will mean her return to France, the sisters grant her wish that she be allowed to prepare a truly French meal for them and the members of their tiny congregation. The meal and the evening it is served is indeed a night to remember--but not for reasons that might be expected, for Babette's feast proves to be food for both body and soul, and is ultimately her gift of love to the women who took her in and the villagers who have been so kind to her.

The film is extraordinary in every way, meticulous in detail yet not overpowering in its presentation of them. As the film progresses, we come to love the characters in both their simple devotion to God and their all-too-human frailties, and the scenes in which Babette prepares her feast and in which the meal is consumed are powerful, beautiful, and incredibly memorable. There have been several films that have used food as a metaphor for love, but none approach the simple artistry and beauty of BABETTE'S FEAST, which reminds us of all the good things about humanity and which proves food for both body and soul. Highly, highly recommended.

Gary F. Taylor, aka GFT, Amazon Reviewer


text:
Subliem <0xE2><0x80><0x93> volmaakt <0xE2><0x80><0x93> verheven <0xE2><0x80><0x93> een ware les in de geïdealiseerde betekenis van het leven. We worden volledig meegesleept in de levensreizen van Martina en Phillipa en Babette.
Hun verlangens, verlangens, opofferingen klinken nog lang na in de film. Toen ik hem jaren geleden zag <0xE2><0x80><0x93> toen hij al heel wat bekendheid kreeg vanwege de vermetelheid van het onderwerp <0xE2><0x80><0x93>, toen de helft van de film bestond uit één diner <0xE2><0x80><0x93> toen de zaal 'oooh' en 'aaah' riep bij sommige gangen die hun einde naderden, was het publiek 'oooh' en 'aaah' aan het roepen.
Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette en Babette Toen ik de film jaren later zag, na mijn eigen wendingen en wendingen in het leven, besefte ik hoe diepzinnig de film eigenlijk is. Bij het kijken ervan stroomden de tranen vrijelijk.
De film is een meditatie over het verstrijken van de tijd en de manier waarop hij een schijnbaar eenvoudig verhaal gebruikt om commentaar te geven op het leven en de liefde en de kunst en de edelmoedigheid is werkelijk iets om te koesteren.
<0x3E>

text_en:
Sublime--perfect--profound--a true lesson on the idealized meaning of life. We get completely caught up in the life journeys of Martina and Phillipa and

Babette. Their yearnings, desires, sacrifices resonant long after the movie has ended. Seeing it years ago--as it was gaining a great deal of notoriety at the audaciousness of its subject matter--half the movie being a single dinner--the audience was "oohing and aahing" as some of the courses took their final

glorious shape, laughing at the reaction of the diners, as they became totally seduced by the gustatorial pleasures being introduced to them by Babette, and being totally surprised at the turn of events at the end of the film. Subsequently seeing the film years later after my own twists and turns of life, I realized just how profound the film is. On this viewing tears flowed freely. The film's

meditation on the passage of time and the way it uses a seemingly simple story to comment on life and love and art and generosity is truly something to

cherish.


text: Stephane Audran is de gelijknamige heldin in deze prachtig gedocumenteerde studie over een kleine Deense gemeenschap aan het eind van de vorige eeuw. Twee mooie en muzikaal begaafde zussen geven hun eigen vooruitzichten op geluk en een huwelijk op om voor hun oude vader te zorgen. Op een dag komt een Franse vrouw, Babette, voor hen werken. Na een paar jaar wint ze de loterij en is ze vastbesloten iets te doen voor de zussen die haar in huis hebben genomen. Haar oplossing is een exquis en overvloedig feestmaal te bereiden dat het leven van alle genodigden verandert. Dit is een film over menselijke en culturele interactie, weerspiegeld in de veranderende taal van de dialoog, van Deens tot Frans, en vooral tussen de plichtsgetrouwe nuchterheid van het protestantse Noord-Europa en de zinnelijkheid van het katholieke zuiden. Hij gaat ook over menselijke behoeften, en hoe warmte en vriendelijkheid kunnen worden uitgedrukt en gestimuleerd door het ontwikkelen van de zintuigen. Een zeer opbeurende film.

text_en: Stephane Audran is the eponymous heroine of this beautifully measured study of a small Danish community towards the end of the last century. Two beautiful and musically talented sisters give-up their own prospects of happiness and marriage in order to look-after their ageing father. One day, a French woman, Babette, comes to work for them. After some years she wins the lottery and is determined to do something for the sisters who have taken her in. Her solution is to prepare an exquisite and sumptuous feast, which changes the lives of all those invited. This is a film about human and cultural interaction, reflected in the changing language of the dialogue from Danish to French, and especially between the dutiful sobriety of Protestant northern Europe and the sensuousness of the Catholic south. It is also about human needs, and how warmth and kindness can be expressed and stimulated through the cultivation of the senses. A profoundly uplifting film.


text:
De lege plekken en het oppervlakkige van een ansichtkaart van 'Uit Afrika' verhulden zo goed als alle belangstelling die ik had kunnen hebben om Isak Dinesen te lezen. Dus toen mijn broer 'Babette's Feest' voor me kocht, en ik wist dat het gebaseerd was op een verhaal van Dinesen, rende ik niet bepaald naar de videorecorder. Maar toen de titels kwamen, werd het duidelijk dat dit geen gewone film was. Jutland (waar hij zich afspeelt) is Afrika niet; de kille mist die zich op de camerabeelden verzamelt is niet uitnodigend. De koude, onherbergzame zee; de zware, grijze wolken; de bleke, ijzige, groene kliffen <0xE2><0x80><0x93> dat zijn de ontberingen die te zien zijn op de gezichten waarover regisseur Gabriel Axel het doek optrekt. In de talloze verdiensten van deze film is dat gezicht het meest gedenkwaardig. Het staat daar als een kaart die het geliefde wonder van de apostel van haar vader voor ons neerlegt; als een doolhof van fjorden waar de complicaties van de volharding en toewijding van haar congregatie als glanzende wapenschilden boven hangen.
Ik neem aan dat het Dinesens punt is dat de wereld op onverklaarbare wijze wordt aangetrokken door christelijke toewijding, wanneer Philippa wordt afgewezen door haar enige serieuze aanbidder (omdat hij bang is dat hij nooit zal kunnen tippen aan de regels en ontberingen van haar kleine religieuze kliek) en hij terugkeert om haar meesteres te vinden, die hij beschouwt als de beste kok van het hele continent. Het is ook haar standpunt dat Christus de twijfels en spijts van hen die het wereldse succes opgeven (Philippa's zuster Martina wijst alle pogingen van een bezoekende bariton (Jean-Philippe Lafont, wiens joligheid een verheffend contrast vormt met de schaarste aan geest die zijn ontdekking omringt) afwijst om haar in een operaster te veranderen; de titelfiguur verlaat Frankrijk en een benijdenswaardige reputatie en zoekt onderdak als bediende van twee oude vrijsters) om artistieke triomfen te behalen voor alleen God en degenen die Hem het meest na staan als getuigen. Maar het is Axel die de bitterheid van het leven van deze mensen weeft met de rijkdom van Martina's stem en de tafel van Babette Hersant en een weelderigheid tentoonspreidt die je nooit zou verwachten van een film over opoffering, geloof en religieuze overtuiging.
Wat deze film onderscheidt van andere religieuze films is de geslepen humor. 'Babette's Feest', dat wil zeggen, het banket zelf <0xE2><0x80><0x93> een postume herdenking van de honderdste verjaardag van de dominee <0xE2><0x80><0x93> is een prachtig georkestreerde botsing van gevoelens die komische momenten oplevert door een ensemble van acteurs die ongeëvenaard zijn in hun subtiliteit. Het is alleen deze handige komedie die de plechtige gevoelens bij het slot van de film verrijkt. Samen doen ze iets wat vrome films zelden doen. Ze laten een gelovige trillend hoopvol achter, onverwacht vastberaden en nederig.

text_en:
The dead spots and picture-postcard superficiality of "Out of Africa" just about buried any interest I might have had to read Isak Dinesen. So when my brother bought me "Babette's Feast," and knowing it was based on a Dinesen story, I didn't exactly race to the VCR. But as the titles rolled, it became clear that this was no ordinary movie. Jutland (where it's set) is not Africa; the chill mist that collects on the camera shots is not inviting. The cold, forbidding sea; the heavy, gray clouds; the pale, icy green cliffs--translate to hardships that show on the faces over which director Gabriel Axel draws the curtain. The craggiest is Bodil Kjer's as Philippa; amid the myriad merits of this movie, the most memorable is that face. It stands like a map laying before us the cherished wonder of her minister father's apostolate; like a maze of long-overlooked fjords where the complications of her congregation's perseverance and commitment hang like gleaming escutcheons.

I gather it's Dinesen's point how the world is drawn inexplicably to Christian dedication, when Philippa is rejected by her only serious suitor (because he fears he'll never measure up to the rules and rigors of her small religious clique), and he returns to find her mistress of whom he regards as the greatest chef on the continent. I figure it's also her point that Christ answers the doubts and regrets of those who give up worldly success (Philippa's sister Martina rebuffs efforts by a visiting baritone (Jean-Philippe Lafont whose jolliness creates an uplifting counterpoint to the sparsity of spirit that surrounds his discovery) to turn her into an opera star; the title character leaves France and an enviable reputation and seeks sanctuary as the servant of two spinster sisters) to pursue artistic triumphs for only God and those closest to Him to witness. But it's Axel who weaves the asperity of these people's lives with the richness of Martina's voice and Babette Hersant's table and effects a sumptuousness you'd never expect from a movie about sacrifice, faith, and religious conviction.

What sets this movie apart from other religious movies is its sly humor. "Babette's Feast," that is, the banquet itself--a posthumous commemoration of the minister's 100th birthday--is a beautifully orchestrated clash of sensibilities that delivers comic moments by an ensemble of actors that are unparalleled in their subtlety. It's just this deft comedy that enriches the solemn sentiments at closing. Together they do something pious movies seldom do. They leave a believer tremulously hopeful and unexpectedly resolute and humbled.


text: Deze film kwam in de jaren tachtig als een schok. Verre van trends <0xE2><0x80><0x93> dat wil zeggen, in het hart van oprechte creativiteit <0xE2><0x80><0x93> staat Babettes gaestebud bekend als een van de beste films van die tijd. Stephane Audran, de geweldige actrice van haar ex-man Claude Chabrol (le boucher, la rupture,les noces rouges <0xE2><0x80><0x93> allemaal voor filmliefhebbers onontbeerlijke klassiekers) heeft een levenslange reputatie opgebouwd. Als je haar met liefde en genegenheid ziet koken, is haar maaltijd een feest voor de ogen. Alle mensen die dit meesterwerk zagen, hebben echt geproefd, hebben Babettes culinaire triomf geproefd. Maar het ontroerendste deel van het verhaal is het slot: Babette was een geweldige Franse kok, ze was beroemd, en nu had ze een nieuw thuisland gevonden, maar Dus de twee oude zusters troosten haar: In de hemel zullen er enorme keukens zijn waar ze voor eeuwig zal koken. Terwijl ze haar fortuin deelt met haar nieuwe vrienden, heeft Babette hun leven veranderd, ze heeft hun genot geschonken en een magische avond die ze zich hun leven lang zullen herinneren.

text_en: This movie came aside as a shock in the eighties.Far from trends,that is to say in the heart of sincere creativity,Babettes gaestebud stands as one of the finest movies of its time.Stephane Audran,the wonderful actress of her ex-husband Claude Chabrol's greatest achievements (le boucher,la rupture,les noces rouges,all unqualified musts for movie buffs)gave a lifetime performance.To see her prepare with love and affection her meal is a feast for the eyes.All the people who saw this masterpiece actually tasted,ate Babette's culinary triumph. But the most moving part of the story is its conclusion:Babette was a great French chef,she was famous,now she found a new homeland but her heyday is behind her and she won't never be allowed to come back to her dear France.So the two old sisters do comfort her:In heaven,there will be huge kitchens where she cooks for eternity.While sharing her fortune with her new friends,Babette changed their life,she gave them pleasure and a magic evening they would remember forever.In this simple but extraordinary screenplay,human warmth is everywhere,and I wish everybody a Babette's feast,would it be only for one starry night...


text:
Als je de eerste 30 minuten van deze film zo traag vindt dat je je afvraagt waarom je ernaar kijkt, geef het dan niet op. Bovendien is het horen van de Deense taal een beetje nieuw voor de meeste Noord-Amerikanen, die niet veel Deense films zien en horen. Hoe dan ook, naarmate de film vorderde, werd hij steeds beter en werd de kijker beloond voor zijn/haar geduld.
Omdat ik een fan ben van de film 'Out of Africa', trok deze film mijn aandacht omdat hij is gebaseerd op een korte roman van Isak Dinesen (Karen Blixen), de hoofdpersoon in die film.
De maaltijd <0xE2><0x80><0x93> Babettes feestmaal <0xE2><0x80><0x93> was verbazingwekkend. Ik ben geen chef-kok, maar ik was onder de indruk! Ook de manier waarop je het verhaal interpreteert, verschilt. Ik neem aan dat het ervan afhangt hoeveel je ervan begrijpt en hoe je tegenover religie staat. In het laatste geval kan de manier waarop je naar de definitie van 'legaalisme' kijkt van invloed zijn op de manier waarop je dit verhaal interpreteert.
Hoe dan ook, het is een mooie film, maar kijk hem niet als je op dieet bent.

text_en:
If you find the first 30 minutes of this film to be so slow that you wonder why you're watching it, don't give up. Also, hearing the Danish language is a bit new to most North Americans, who don't see and hear a lot of Danish films. Anyway, as the film progressed it got better and better and the viewer is rewarded for his/her patience.

Being a fan of the movie, "Out Of Africa," this film piqued my interest because it's based on a short novel by Isak Dinesen (Karen Blixen), the major character in that film.

The meal - Babette's feast - was amazing. I'm no chef, but I was impressed! How one interprets the story, too, varies, I suppose depending on how much you read into this, and where you stand religion-wise. If the latter, how you look at the definition of "legalism" can affect how you interpret this story.

In any case, it's a fine film, but don't watch this if you're dieting.


text:
'Babette's Feest' en 'The Horse's Mouth' zijn de twee meest inzichtelijke, nauwkeurige films over hoe het is om een echte kunstenaar te zijn. De sleutelzinnen in 'Babette's Feest' zijn niet, zoals sommige andere commentatoren hier hebben gezegd, 'een kunstenaar is nooit arm', maar twee zinnen die ervoor en erna komen:
'Ik was in staat hen gelukkig te maken toen ik mijn uiterste best deed... In de hele wereld klinkt één lange kreet uit het hart van de kunstenaar: geef mij de kans om mijn uiterste best te doen.'
Ik ben negen jaar bezig geweest met het produceren van experimentele multimedia-muziektheaterproducties in San Francisco, waarbij ik geld inzamelde voor producties waarbij tientallen zangers, acteurs, ontwerpers enz. betrokken waren. en de kunstenaars die ik steunde, spanden zich tot het uiterste in om hun uiterste best te doen. Ze waren net als Babette: ze wilden wanhopig graag elke dollar bij elkaar krijgen die nodig was om hun uiterste best te doen. Babettes kunst bestaat uit een voortreffelijke Franse kookkunst en het kost haar 10.000 franc om haar kunst ten koste van alles tot stand te brengen. Als ze na jaren van politieke verbanning uit Frankrijk, geïsoleerd met twee zorgzame oude vrijsters aan een sombere Scandinavische kust, plotseling een meevaller van 10.000 franc krijgt, doet ze wat elke echte kunstenaar zou doen: ze ziet dat ze onverwacht de kans krijgt om haar uiterste best te doen, en dus doet ze het. Ze geeft al het geld uit zodat ze haar beste werk als kunstenares kan maken. De wending in de film is dat we pas weten dat ze zo'n kunstenares is als ze de maaltijd bereidt en opdient. Tot dan toe lijkt ze gewoon een Franse vrouw uit de arbeidersklasse te zijn die een beetje pingelt met de ambachtslieden, en ze is heel serieus (haar man en zoon zijn in 1871 bij geweldpleging in Parijs om het leven gekomen).
Voor zo'n kunstenares is het van ondergeschikt belang of er een publiek is voor de kunst dat in staat is die te waarderen. Daarom brengt de auteur dit diner in een gemeenschap van mensen die onmogelijk enig idee kunnen hebben van wat ze krijgen. Babette heeft deze maaltijd niet klaargemaakt als geschenk voor de twee oude vrijsters, of voor de religieuze gemeenschap. Het was niet haar doel om een verzoening of een sfeer van goede gevoelens te bewerkstelligen onder de leden van de kleine religieuze sekte. Sterker nog, ze gaat niet één keer de keuken uit om met een van hen te praten. Na de maaltijd zit ze in haar eentje wat wijn te drinken, zonder ook maar enige aandacht te schenken aan de reacties van de gasten. Ze koestert zich in de voldoening dat ze eindelijk de kans heeft gekregen om als kunstenares haar best te doen. Daarom is het zo bevredigend, en zo belangrijk voor het verhaal, dat de generaal onverwachts komt opdagen <0xE2><0x80><0x93> want, zoals Babette meteen weet, een generaal weet wat ze hem heeft voorgelegd en zal het waarderen. Want er schuilt een soort tragedie in een groot kunstwerk dat aan een publiek wordt getoond zonder dat er ook maar één persoon is die in staat is het te waarderen. Ze is blij, heel blij, dat hij is gekomen, in feite is hij de enige gast over wie ze het tijdens het hele diner heeft, de enige die ze heeft uitgekozen voor een speciale behandeling <0xE2><0x80><0x93> niet een van de oude vrijsters. Maar ze heeft de maaltijd niet gepland in de wetenschap dat zo iemand zou komen om het te ontvangen. Voor iedereen die de kans heeft gehad om een echt eersteklas diner in Parijs bij te wonen, zoals ik (mijn vader was in de jaren tachtig marineattaché in Parijs en ik heb mijn wittebroodsweken in Frankrijk doorgebracht), zijn dit diner, Babettes voldoening over het bereiden ervan en het plezier dat het de gasten bezorgt, absoluut overtuigend. Als kunst het vermogen heeft om de ontvanger een gevoel van vreugde te geven, dan is het wel een heerlijke Franse maaltijd, gekookt en opgediend in Frankrijk. Deze film gaat over het transformerende effect van grote kunst op de ontvangers. Voor het diner zijn de leden van de kleine religieuze sekte ruziezoekers die oude wrokgevoelens oprakelen. De oude hymnen kunnen de goede verstandhouding niet herstellen; de mensen negeren ze, praten erover. Maar de gedeelde ervaring van sensuele grote kunst <0xE2><0x80><0x93> want de mensen kunnen genieten van de smaak van het voedsel en de wijn, ook al hebben ze geen idee dat ze grote kunst ervaren <0xE2><0x80><0x93> verzadigt de mensen, brengt hen in een vergevingsgezinde stemming, verzoent hen, en door hen gelukkig te maken, moedigt hij hen aan van elkaar te houden, en heeft dus een goddelijk heilig effect van het brengen van vrede. Dit is de bewering die men tegenwoordig in de moderne kunstbeweging aantreft <0xE2><0x80><0x93> dat kunst de traditionele religies kan vervangen om de mensheid vrediger te maken. Dus in tegenstelling tot de commentatoren hier die zeggen dat deze film spreekt voor de macht van het christelijke geloof, is het juister om te zeggen dat de film beweert dat kunst wonden kan genezen die het christelijke ritueel niet kan genezen. Na al mijn jaren in de kunstwereld moet ik zeggen dat deze bewering <0xE2><0x80><0x93> dat kunst vrede brengt die het geloof niet kan brengen <0xE2><0x80><0x93> overdreven en onzinnig is. Maar het is een mooie verzinsel en het is het tweede hoofdthema van deze prachtige film.
Een laatste opmerking: bij Babettes aankomst in het huis van de oude vrijsters wordt een zekere Franse generaal, Galliffet, genoemd als degene die in 1871 Babettes man en zoon executeerde en een militaire regel oplegde waardoor ze moest vluchten. Aan het eind van de film, als de generaal het verhaal vertelt van de voortreffelijke maaltijd die hij vele jaren eerder (voor 1871) in Parijs heeft genuttigd, aan het eind van een paar militaire manoeuvres, blijkt dat diezelfde Galliffet zijn gastheer was bij die maaltijd. Terwijl de generaal het verhaal vertelt, prees de Franse generaal Galliffet de kok van die maaltijd als de grootste vrouw, de enige vrouw voor wie hij zijn leven zou riskeren. Natuurlijk was die vrouw Babette. Ironisch genoeg was diezelfde Franse generaal, die zei dat hij Babette boven alle andere vrouwen eerde, er verantwoordelijk voor dat ze voor altijd uit Frankrijk werd verdreven.

text_en:
"Babette's Feast" and "The Horse's Mouth" are the two most insightful, accurate films on what it is to be a real artist. The key lines in "Babette's Feast" are not, as some other commentators here have said, "an artist is never poor," but two lines that come before and after it:

"I was able to make them happy when I gave of my very best. ... Throughout the world sounds one long cry from the heart of the artist: give me the chance to do my very best."

I spent nine years producing experimental multi-media music theater in San Francisco, raising money for productions that involved dozens of singers, actors, designers, etc., and the artists I supported stretched every penny in their effort to do their very best. They were just like Babette: they were desperate to get every dollar necessary to do their very best work. Babette's art is fine French cooking, and for her to perform her art at its very best costs 10,000 francs. When, after years in political exile from France, isolated with two caring spinsters on a bleak Scandinavian coast, she suddenly gets a windfall of 10,000 francs, she does what every real artist would do: she sees that she unexpectedly has the chance to do her very best, and so she does it. She spends all the money so that she can do her very best work as an artist. The twist in the movie is that we don't know she is such an artist, until she is actually cooking and serving the meal. Up until then, she appears to be just a working-class French lady who haggles a bit with the tradesmen, and is very serious (her husband and son were murdered in Paris violence in 1871).

To such an artist, it is secondary whether there is an audience for the art that is competent to appreciate it. That is why the author set this dinner in a community of people who could not possibly have any understanding of what they are receiving. Babette did not cook this meal as a gift to the two spinsters, or to the religious community. It was not her goal to achieve a reconciliation or spirit of good feelings among the members of the little religious sect. Indeed, she never once leaves the kitchen to speak to any of them. After the meal, she is sitting alone, sipping some wine, not paying the slightest attention to how the guests reacted. She is basking in the satisfaction of finally having the chance to have done her best as an artist.

That is why it is so satisfying, and so important to the story, that the General unexpectedly shows up -- for, as Babette knows instantly, a general will know what she has placed before him, and will appreciate it. For there is a sort of tragedy in a great work of art being shown to an audience that lacks even one person competent to appreciate it. She is glad, very glad, he came, in fact he is the only guest she ever mentions during the entire dinner, the only one she singles out for special treatment -- not either of the spinsters. But she did not plan the meal knowing that such a person would come to receive it.

To anyone who has had the chance to enjoy a real first-class Parisian dinner, as I have (my father was Naval Attache to Paris in the 1980s, and I had my honeymoon in France), this dinner, and Babette's satisfaction in making it, and the pleasure it brings to the diners, is absolutely convincing. If any art has the power to suffuse the recipient with a sense of joy, it is a fine French meal cooked and served in France. This movie makes a claim about the transformative effects of great art on the recipients. Before the dinner, the members of the little religious sect are quarrelsome, dredging up old resentments. The old hymns fail to restore good fellowship; people ignore them, talk over them. But the shared experience of sensual great art -- for the people can enjoy the tastes of the foods and wines even if they have no conception that they are experiencing great art -- contents the people, puts them in a forgiving mood, reconciles them, and by making them happy, encourages them to love each other, and thus has a god-like sacred effect of bringing peace. This is the claim found in the modern art movement today -- that art can supplant the traditional religions in making mankind more peaceful. Thus, contrary to those commentators here who say that this film speaks for the power of Christian belief, it is more accurate to say that the film claims that art can heal wounds that Christian ritual cannot. After all my years in the art world, I have to say that this claim -- that art brings peace that religion cannot -- is overblown and invalid. But it is a pretty conceit and it is the second main theme of this beautiful film.

One last note: at Babette's arrival at the spinsters' home, a particular French general, Galliffet, is named as the person who in 1871 executed Babette's husband and son, and imposed a military rule that she had to flee. At the end of the film, as the General tells the story of the magnificent meal he enjoyed in Paris many years before (before 1871), at the conclusion of some military maneuvers, it turns out that this same Galliffet was his host at the meal. As the General tells the story, French general Galliffet praised the chef of that meal as the greatest woman, the only woman he would risk his life for. Of course, that woman was Babette. Thus, ironically, the same French general who said he honored Babette above all other women was responsible for driving her away from France forever.


text: Als 'Babette's Feest' niet de beste film is die ooit is gemaakt, dan is 'Babette's Feest' zeker een van de meest liefdevolle. Dit is een prachtige verkenning van de betekenis van kunstzinnigheid, edelmoedigheid, trouw en gratie. Humor is vermengd met teder verlangen; personages worden behandeld met onderzoekende eerlijkheid, maar ook met diep respect. Er zijn hier meditaties over herinnering, lot, ouderdom en trouw. Prachtig camerawerk van cinematografieker Henning Kristiansen: zelden hebben gerimpelde gezichten er zo stralend uitgezien in het kaarslicht. De maaltijd gaat vergezeld van heerlijke muziek uit die tijd, Brahms, Mozart en eenvoudige volksliedjes. Geniet van dit feestmaal voor de ogen en de geest, want zoals de generaal zegt: 'Genade en waarheid hebben elkaar gevonden, en rechtschapenheid en gelukzaligheid zullen elkaar kussen.'

text_en: If not the best movie ever made, "Babette's Feast" is certainly among the most loving. This is a wonderful exploration of the meaning of artistry, generosity, loyalty, and grace. Humor is mixed with tender longing; characters are treated with searching honesty but also deep respect. There are meditations here on memory, fate, old age and faithfulness. Marvellous camera work by cinematographer Henning Kristiansen: seldom have wrinkled faces looked so luminous in the candle-light. The meal is accompanied by delicious period music, Brahms, Mozart and simple folk hymns. Enjoy this feast for the eyes and the spirit, for as the General says: "Mercy and truth have met together, and righteousness and bliss shall kiss one another."