text:
Geachte heer Ram Gopal Varma, ik weet niet in welke hoedanigheid ik u deze brief schrijf. Ik ben een onverbeterlijke Amitabh Bachchan-fan, nadat ik zijn neukpartij in Jaadugar heb bijgewoond. Ik eis ook een belangrijke aanduiding in de fanclub van The Godfather, aangezien ik de Coppola-klassieker vaker heb gezien dan u flops uit uw fabriek. En ik ben natuurlijk een grote bewonderaar van u geweest, vanaf het moment dat u Nagarjuna de ketting van de fiets om zijn knokkels in Shiva liet wikkelen. Toen je Sarkar aankondigde en hem jouw Godfather noemde, wilde je alleen nog maar de datum weten waarop het eerste filmpje zou worden uitgezonden, de zondag waarop de promo's zouden worden uitgezonden, de vrijdag waarop de film zou worden uitgebracht. Het was pure wensvervulling om op je werk te weten dat jij, en niet iemand die ergens tussen de mosterdvelden van Amritsar en de tulpentuinen van Amsterdam rondhing, de taak op je had genomen om de Puzo-pagina's op het grote Bollywood-scherm te herscheppen.

Jouw cast kon dat niet.' Het heeft er meer van weg dat je voor het eerst met de legende hebt gewerkt, Abhishek als zijn zoon op het witte doek hebt gezet, Kay Kay een rol hebt gegeven die hij al jaren verdiende, vergeten gezichten als Supriya Pathak en Rukhsar hebt teruggehaald en complete niet-acteurs als Katrina en Tanishaa op de lijst hebt gezet. Vóór 1 juli had je van Sarkar de meest verwachte film gemaakt die ooit voor een Godfather-freak die Bachchan aanbad gemaakt zou worden.
De openingsbeelden wakkerden de hoop aan dat je verbluffend mooie sepiakleurige beelden op de tv tot leven waren gekomen. Maar nu noemde je Sarkar je eerbetoon aan Godfather in plaats van het woord 'geïnspireerd' dat je de hele tijd had gebruikt. Ik wil dat de twee scheppingen met elkaar worden vergeleken, maar als het medium hetzelfde is, zou een Kaante worden vergeleken met Reservoir Dogs en een Reservoir Dogs met een Stad Op Vuur.
Als je eerste en laatste reeksen de kern van een scenario vormen, gaat het allemaal om de gevestigde orde en de overdracht van macht, dan kun je de Nagares en de Corleones niet uit elkaar houden, ook al vervang je de Amerikaanse maffia door het politieke machtsspel van Maharasjtra.
Maar je hebt het mis, meneer Varma. Je wilde Amitabh in zijn jaren zeventig-avatar laten zien, zoals hij was opgeduikeld uit de hokken van Salim-Javed. Je wilde dat hij groter dan levensgroot op de loer lag. Je wilde dat hij zijn eigen merk(o) was. Hoe kon je dan zijn stem stelen uit naam van het zwijgen? Hoe kon je ervoor zorgen dat hij als vastgenageld aan zijn stoel bleef zitten tijdens de jacht op interessante camerahoeken? Hoe kon je hem daar achterlaten zonder zijn stem en zijn postuur, de twee dingen die zijn B zo groot hebben gemaakt? Coppola's Godfather-cameraman Gordon Willis verborg Brando's ogen gedurende de hele film, omdat ze niet in staat waren om die lijzige, hese stem of dat plotselinge knippen met de vingers te evenaren. Maar jij probeerde de Malik-act van je eigen Maatschappij te herhalen. Maar Bachchan is geen Ajay Devgan, want zijn kracht ligt niet in de starre blik en de verstikkende stilte. Je hebt de man eruit laten zien als een comateuze patiënt, wie...' Van tijd tot tijd worden we eraan herinnerd dat we naar de keukaarten moeten kijken en die voorspelbare oneliners moeten uitspreken. Daarvoor is Agneepath er, op elke willekeurige zaterdag.
Welke Bachchan-fan zou gaan kijken naar Kay Kay Menon die onder zijn neus de donder steelt in de scène waarin Sarkar Vishnu vraagt zijn huis te verlaten? Welke Amitabh-fan zou gaan kijken hoe hij zich concentreert op achaar en carom, in een film die over macht praat met een hoofdletter P in de promos? We kunnen niet zoveel aan in naam van zelfbeheersing en understatement! Je laat de camera niet eens vijf seconden op hem rusten als hij hoort dat zijn zoon hem wilde vermoorden. Geef mij maar de ouderwetse camera-alleen-op-Bachchan-stijl, op elke willekeurige zaterdag.
Je wordt natuurlijk beloond voor het feit dat je een acteur van Abhishek hebt gemaakt, eerst in Naach en nu in Sarkar. Je hebt hem ook de kans gegeven om Mallika Sherawat te laten zien dat hij net zo goed kan rennen als zijn vader. Zelfs in de korte gevangenissequentie laat je de Bachchans echt uit de tekst naar voren komen, een kans die Shaad in Bunty Aur Babli had gemist. Ik wou dat de film meer een verhaal over een vader en een zoon was geweest dan een chaotisch conflict tussen karikaturen in naam van personages, die als advertenties op internet opduiken. Ook laat je de vrouwen meer een rol spelen in het script dan Puzo en Coppola, en opnieuw verdien je alle punten omdat je ze er zo effectief in hebt weten te persen. Pathak is een welkome terugkeer als de moeder in het midden, Tanishaa beminnelijk als het verliefde meisje, Katrina een openbaring als de verwarde minnares van Abhishek en Rukhsar's zwijgen boekdelen spreken.
Maar subplots zijn geen klassieke remake. Als je vrij bewegende camera probeert om elk beeld een hoedje te laten lijken en je harde achtergrondmuziek onophoudelijk irriteert, worden we er voortdurend aan herinnerd dat we ons in een Fabriek bevinden. Nou ja, misschien geen Nino Rota-muziek, maar Sarkar verdiende beslist beter dan die Govinda, Govinda-songs en ongepaste fluit intermezzo's. '
'Meneer Varma, sommige van uw fabrieksdirecteuren hebben me verteld dat u bij elk project betrokken bent, van het toezicht op de opnameschema's tot het toezicht op de montagesessies. Misschien wordt, te midden van al die verschillende storyboards, de Bhiku Matre-schreeuw gedempt door de stilte van Subhash Nagare. Misschien moet u de luiken van de fabriek dichtdoen en aan één enkel zelfgemaakt product werken. Anders zouden uw producten producten blijven om te gebruiken en weg te gooien, geen schatten. En filmfanaten zoals ik, voor wie er geen hits en flops zijn, alleen goede film, zouden liever een film kiezen zonder Factory-afwerking, op elke willekeurige zaterdag.

text_en:
Dear Mr Ram Gopal Varma, I don't know in which capacity I am writing this letter to you. I am a never-say-he's-finished Amitabh Bachchan fan, having sat through his cock-chasing act in Jaadugar. I also demand some important designation in The Godfather fan club, having watched the Coppola classic more times than you have delivered flops from your Factory. And, of course, I have been a big admirer of yours, right from the time you had Nagarjuna wrapping the cycle chain around his knuckles in Shiva.

When you announced Sarkar and called it your take on Godfather, all one wanted to know was the date the first look would be out, the Sunday the promos would go on air, the Friday the film would be released. It was sheer wish fulfillment at work knowing that you, and not someone hovering between the mustard fields of Amritsar and the tulip gardens of Amsterdam, had taken up the task of recreating the Puzo pages on the Bollywood big screen.

Your cast couldn't have been more you  working for the first time with the legend, casting Abhishek as his screen-son, giving Kay Kay a role he has deserved for years, bringing back forgotten faces like Supriya Pathak and Rukhsar, and picking complete non-actors like Katrina and Tanishaa to join the list Before July 1, you had made Sarkar the most-awaited film ever for any Godfather freak who worshiped Bachchan.

The opening credits stoked the hope that your stunning sepia-tinted promos on the telly had kindled. But now, you labeled Sarkar your tribute to Godfather instead of the word "inspired" which you had been using all along. Probably you don't want the two creations to be compared but when the medium is the same, then a Kaante would be compared to Reservoir Dogs and a Reservoir Dogs to a City On Fire.

Also, when your first and last sequences  the heart of any screenplay treatment  are all about the establishment and the transfer of power, you can't keep the Nagares and the Corleones apart, even if you replace the American mafia moves with Maharashtrian political power play.

But you got it wrong, Mr Varma You wanted to show Amitabh in his 70s avatar, as rustled up by the pens of Salim-Javed. You wanted him to lurk around larger than life. You wanted him to be his own brand(o). Then how could you steal his voice in the name of using silence? How could you keep him rooted to his chair in the hunt for interesting camera angles? How could you leave him stranded without his voice and stature, the two things that have made his B so big? Coppola's Godfather cameraman Gordon Willis masked Brando's eyes throughout the movie because it didn't have the power to match that drawling husky voice or that sudden snap of the fingers. But you tried to repeat the Malik act from your very own Company. But Bachchan is no Ajay Devgan  his forte doesn't lie in the stagnant stare and the suffocating silence. You made the man look like a comatose patient, who's reminded from time to time to look at the cue cards and mouth those predictable one-liners. For that, Agneepath's there, any given Saturday.

Which Bachchan fan would go and watch Kay Kay Menon stealing the thunder from under his nose in the scene where Sarkar asks Vishnu to leave his house? Which Amitabh aficionado would go and watch him focus on achaar and carom, in a film that talks about power with a capital P in the promos? We can't handle so much in the name of restraint and understatement! You don't even allow the camera to rest on him for five seconds when he learns that his son wanted to kill him. Give me the old-school camera-only-on-Bachchan style, any given Saturday.

Kudos to you, of course, for making an actor out of Abhishek, first in Naach and now in Sarkar. You also allow him to show Mallika Sherawat that he can run as well as his father. Even in the short prison sequence, you really make the Bachchans come out of the text, an opportunity Shaad missed in Bunty Aur Babli. Wish the film could have been more a father-son story rather than a chaotic conflict between caricatures in the name of characters, who pop up like the ad windows on the Internet.

You also let the women more into the script than Puzo and Coppola did and again, you deserve all the Brownie points for squeezing them in so effectively. Pathak is a welcome return as the mother in the middle, Tanishaa lovable as the lovelorn girl, Katrina a revelation as Abhishek's confused lover and Rukhsar's silence speaks volumes.

But sub-plots do not a classic remake. When your free-flowing camera tries to make every frame look hatke and your loud background score irritates incessantly, we keep getting reminded that we are in a Factory. Well, maybe not a Nino Rota score but Sarkar certainly deserved better than those Govinda, Govinda chants and uncalled-for flute interludes.

Mr Varma, some of your Factory directors tell me that you are involved with every project, from overseeing the shooting schedules to supervising the editing sessions. Perhaps, in the middle of all the various storyboards, the Bhiku Matre scream is being muted by the Subhash Nagare silence. Perhaps, you need to bring the shutters down on the factory and work on a single homemade product. Otherwise, your products would remain products, to use and throw, not treasure. And movie buffs like me, for whom there are no hits and flops, only good cinema, would rather choose a film without Factory finish, any given Saturday.


text:
Aan het begin van de film zegt Ramgopal Verma dat 'Sarkar' zijn eerbetoon aan _The Godfather_ is. Deze film voelt meer als een belediging. Hij verbleekt vreselijk bij de klassieker van Coppola. Hoewel niemand verwachtte dat Ramgopal Verma in Coppola's schoenen zou gaan staan, zorgde de film wel voor een hoop opwinding.
Amitabh Bachchan speelt 'Sarkar', een personage dat automatisch vergelijkingen trekt met de Indiase politieke partij Supremo Bal Thackeray van Shiv Sena. Abhishek Bachchan speelt zijn zoon Shankar, die uit het buitenland terugkeert en verstrikt raakt in Sarkars politieke spelletjes thuis. Net als Al Pacino in de oorspronkelijke _Godfather_.
Zoals de meeste Bollywoodfilms zijn incidenten en personages overduidelijk simplistisch en gespeend van enige solide basis. Snelle telefoontjes en plotselinge aankondigingen doen de film van de ene kant naar de andere gaan. Abishek neemt Mumbai's duistere onderwereld van politiek en misdaad als een eend die het water in gaat. Amithab Bachchan als Sarkar wordt geacht er schitterend en machtig uit te zien, maar uiteindelijk ziet hij er alleen maar oud en onwetend uit. Het grootste deel van zijn acteerwerk bestaat uit het voortdurend staren naar allerlei dingen op de set <0xE2><0x80><0x93> de acteur voor hem, de vloer of een andere willekeurige richting.
Maar Kay Kay doet het buitengewoon goed als de verongelijkte oudste zoon Vishnu. Net als Zakir Hussain als Rashid, de dopesmokkelaar uit Dubai die in Mumbai voet aan de grond wil krijgen. Deze acteur heeft een ontzagwekkende uitstraling en de manier waarop hij eruitziet kan je de rillingen over de rug doen lopen. Zodra hij op het scherm verschijnt, wil je wegrennen en je onder het bed verstoppen.
<0x3E> Ondanks alle onmiskenbare tekortkomingen deed de film het goed bij de kassa. Het enthousiasme en de grote cast hielpen duidelijk. Verma slaagt er ook in je belangstelling vast te houden, zij het enigszins voor de laatste helft van de film. Hij maakt zelfs een vervolg op deze film, waarvan ik zeker weet dat het meer van hetzelfde kaliber zal zijn.

text_en:
At the beginning of the movie, Ramgopal Verma says that "Sarkar" is his tribute to The Godfather. This one feels more like an insult. It pales terribly in comparison to the Coppola classic. Although no one was expecting Ramgopal Verma to fill Coppola's shoes, the movie did create a lot of expectation and buzz.

Amitabh Bachchan plays "Sarkar", a character automatically drawing instant comparisons to Indian political party Shiv Sena's Supremo Bal Thackeray. Abhishek Bachchan plays his son Shankar who returns from abroad and gets caught up in Sarkar's politics at home. Just like Al Pacino in the original Godfather.

As most Bollywood fare, incidents and characters are overtly simplistic and devoid of any kind of solid foundation. Quick phone calls and sudden announcements turn the film from one direction to another. Abishek takes to Mumbai's murky underworld politics-crime nexus like a duck takes to water. Amithab Bachchan as Sarkar is supposed to look magnificent and powerful, he just ends up looking old and clueless. Most of his acting is centered around constantly staring at different things around the movie set - the actor in front of him, the floor or in some other random direction.

However, Kay Kay performs exceedingly well as the wronged elder son Vishnu. So does Zakir Hussain as Rashid, the Dubai based dope smuggler who wants to gets his footing in Mumbai. This actor has awesome screen presence and can send chills down your spine with just the way he looks. The moment he enters the screen, you want to run and hide under the bed.

All its obvious flaws not withstanding, the film did well at the box office. The buzz and the big star cast obviously helping. Also Verma manages to hold your interest albeit mildly towards the later half of the film. He is actually making a sequel to this one which I am sure will be more of the same fare.


text: Wat is er in's hemelsnaam met RGV gebeurd? Er is zoveel mis met deze film dat je even moet stoppen om te beslissen waar je moet beginnen - eerst het ergste en dan de muziek. Elke scène ging vergezeld van die pretentieuze achtergrondmuziek die je de stemming vertelt, nogal zielig, mag ik wel zeggen. Ten tweede de belichting - hebben we echt zulke donkere scènes nodig waarin we ons afvragen of de projector het nog doet? En ten slotte - als je de Godfather en de Godfather 2 in één adem wilt noemen - besef dan alsjeblieft dat een heleboel van ons hebben meegekeken. 'Ab Tak 56 was briljant, maar deze twee films laten iets te wensen over. De mensen zullen niet meer onder de indruk zijn van alleen maar corrupte politici en zo. Misschien moet de RGV _Maqbool_ eens gaan zien, en dat is goed genoeg om een RGV te zijn!'

text_en: What on earth happened to RGV? There are so many things wrong about this movie that one needs to stop and decide where to start- first and worst - the music. Every scene was accompanied with this pretentious background music that was telling you the mood, quite pathetically, I might add. Secondly, the lighting - do we really need such dark scenes where we are wondering if the projector is still working? And finally - if you are going to Indianise the Godfather and Godfather 2 - please realize that a lot of us have seen in. Nayakan was a ripoff of GF1 but better done, and more entertaining. I have seen a similarity in both Company and Sarkar and while RGV's Ab Tak 56 was brilliant, these two movies leave something to be desired. People will not be impressed any more by just corrupt politicians and the lot. Maybe RGV should see Maqbool, which is good enough to be RGV!!


text:
Een remake kan succesvol zijn. Een aanpassing kan succesvol zijn. Het doet er niet toe of het een remake of een aanpassing is.
Een goede film is een goede film en een slechte film is hoe dan ook een slechte film.
Sarkar, ben ik bang, was een heel slechte film. Ten eerste, alleen al door de personages er gevaarlijk uit te laten zien, of macho, wekken ze geen aura om zich heen op.

Wat was er zo briljant aan Nagre (Amitabh Bacchans personage) dat we in een aura van zijn'macht' hadden moeten verkeren en wat toonde de 'welwillendheid' van het personage? Niets.
Dit feit werd gezegd door een commentator en Amitabh bleef maar gezichtsuitdrukkingen geven. Nu kan Amitabh schitterende gezichtsuitdrukkingen laten zien, maar waarom zou het iets te betekenen hebben als er geen geschiedenis of verhaal aan vastzit?
Ook de personages die onder'sarkar' werkten werden niet op de juiste manier uitgescholden. Waarom zouden we, alleen omdat een man een bril had, aannemen dat hij wijs was?
De film verliep over het algemeen nogal saai, want er werden scènes uit de Godfather in geknipt (zoals de politieman die Abhishek Bacchan sloeg), de oudere broer die door Abhishek werd vermoord (zoals Fredo werd vermoord op instructie van Pacino), maar er werd te veel gezocht in de film, met te weinig verhaal en te weinig diepgang. Dat was inderdaad het probleem. Als je 3 uur lang ingewikkelde details probeert op te nemen, zoals een Godfather in 2 uur, en dan nog met weinig dialogen, krijg je alleen maar de hoogtepunten van een cricketwedstrijd te zien, en nooit de impact die een volledige wedstrijd zal hebben.

text_en:
A remake can be successful. An adaptation can be successful. It isn't relevant whether its a remake or an adaptation.

A good movie is a good movie and a poor movie is a poor movie, regardless.

Sarkar, I am afraid, was a very poor movie. First of all, just by making characters look dangerous, or macho, they don't bring in an aura about them.

What was so brilliant about Nagre(Amitabh Bacchan's character) that we should have been in aura of his 'power' and what showed the 'benevolence' of the character? Nothing.

This fact was said by a commentator and Amitabh kept giving facial expressions. Now Amitabh can give brilliant facial expressions but why should it mean any thing if there is no history or story to go with it.

There wasn't proper charecterisation of the characters who worked under 'sarkar' too. Just because a man had spectacles, why should we assume he is wise. ] The flow of the movie was generally dullbecause scenes from the Godfather were created (like the policeman slapping Abhishek Bacchan), the older brother being killed by Abhishek (like Fredo was killed on instructions of Pacino) but too much was sought to be packed into the movie with too little story and depth to go with it. That was indeed the problem.

If you try to pack 3 hours of intricate detail like a Godfather in 2 hours and that too with few dialogues, what you get is a highlights show from a cricket match, never making the full impact watching a full match will make.


text: Ik ben een grote fan van Zack Allan en was teleurgesteld dat hij maar één scène in de film kreeg. Dit was ook mijn favoriete scène waarin hij de wapens van een personage in beslag neemt en haar naar Daar Beneden stuurt. Helaas vond het grootste deel van de actie buiten de stations plaats, in tegenstelling tot Thirdspace & River of Souls. Na de eerste drie seizoenen vond ik Garibaldi niet meer zo leuk en denk ik dat Sheridan oké is maar geen Sinclair. Ik vind Lochley leuk maar ze had maar beperkte speeltijd. Als je van kruistocht of ruimtegevechten houdt moet je ervan genieten. Persoonlijk kan ik er maar 1/10 van geven.

text_en: I'm a huge Zack Allan fan and was disappointed that he only got one scene in the movie. This was also my favourite scene where he confiscates a character's weapons and directs her to Down Below. Unfortunately unlike Thirdspace & River of Souls, most of the action took place off station. I didn't care much for Garibaldi after the first three seasons and think Sheridan is okay but no Sinclair. I like Lochley but she only had limited screen time. If you like Crusade or space battles you should enjoy it. Personally I can only give it 1/10.


text: Antoine Monot, in een imitatie-imitatie van Kevin Smiths Silent Bob, blijft erom vragen, maar schrijver/regisseur Christian Zwerbert luistert nooit. Zwerbert kan gewoon geen nee zeggen tegen een mop, hoe goedkoop die ook is. Het beste aan deze film is de soundtrack. Natuurlijk zouden Joey Burns uit Calexico en de goddelijke Jonathan Richman, de ingehouden bard van de oude stempel van 'There's something about Mary', elk verhaal over een drop-out in een klein stadje op waarde weten te schatten. In visuele allure ziet Stefan (Lukas Gregorowicz) er cool genoeg uit in zijn bruine BMW tweedeurs, met pilotenzonnebril, die nergens heen gaat. Goed, hij gaat per ongeluk met zijn bohémienachtige jongere zusje (Marie Zielcke) naar bed, maar ja, wie zou dat niet doen? Hij gaat ook zwart-wit als hij een royale dosis van die mysterieuze stof slikt die ze nul-nul noemen, maar als je een iets serieuzere weergave zoekt van wat een roes met je kan doen, raad ik je aan 'Fear and Loathing in Las Vegas' te lezen.

text_en: Countenance! Antoine Monot, in a copycat impersonation of Kevin Smith's Silent Bob, keeps asking for it, but writer/director Christian Zübert never listens. Zübert just can't say no to a joke, no matter how cheap. The best thing about this movie is its soundtrack. Of course, Joey Burns of Calexico and the divine Jonathan Richman, understated old-school bard of "There's something about Mary" fame, would grace any small-town dropout story. In visual allure, Stefan (Lukas Gregorowicz) looks cool enough riding his tan six-series BMW two-door, wearing aviator shades, going nowhere. True, he *accidentally* sleeps with his wild-eyed bohemian kid sister (Marie Zielcke), but then, who wouldn't? Thumbs up also to how he goes black-and-white on a liberal dose of that mysterious substance they call zero-zero, but if you're looking for a slightly more serious rendering of what intoxication can do to you, I suggest you check out "Fear and Loathing in Las Vegas".


text:
Ja, wat had ik dan verwacht? Ik dacht dat het een film zou zijn over jonge volwassenen op hun keerpunt in het leven, zoiets als 'Sonnenallee' of 'American Pie', waar ik erg van hield. Ik wilde een grappige film zien, misschien met een ironische blik op het idyllische Wuerzburg. En wat kreeg ik?
Attention, spoilers ahead!
Deze film begint met een lange dialoog die je een goede hint geeft van wat er onvermijdelijk op zal volgen: nog langere dialogen. Soms dacht ik dat Moritz Bleibtreu zijn tekst vergeten was en dat probeerde te verbergen door te improviseren en gewoon te herhalen wat hij eerder zei. Maar als ik aan Bleibtreu denk als een van de betere duitse acteurs, geloof ik dat dit effect echt bedoeld was. Ik denk dat de auteur wilde laten zien hoe saai het kan zijn om met goede vrienden te praten, vooral als ze stoned zijn. Maar echt, ik heb geen film nodig om me te vervelen door het gepraat van stonede vrienden. Het grootste deel van deze film bestaat uit saaie dialogen.
Maar goed, dat is één ding. Daar kan ik mee leven, ik heb mooie films gezien met afschuwelijke dialogen, denk maar eens aan het levenswerk van Schwarzenegger. Maar het volgende punt is dat de personages goedkoop en vlak zijn en dat de verhaallijn net zo voor de hand liggend is als wat dan ook. Waarom denk je dat iemand een tuinslang naar zijn hennepplanten diep in het bos brengt? Om ze water te geven? Natuurlijk niet, meestal vind je geen waterleidingen diep in het bos, of wel soms? De enige reden voor die tuinslang is dat een jager die toevallig langskomt terwijl de twee hoofdrolspelers hun dope oogsten, gedrogeerd kan worden, mishandeld en ten slotte gevuld met drie flessen Jaegermeister. Ik had echt een hekel aan die scène, omdat hij echt gewelddadig is. Meestal vind ik geweld in films niet erg <0xE2><0x80><0x93> slapsticks zitten er vol mee. Maar in dat soort komedie is er een stilzwijgende overeenkomst tussen de film en jou dat mensen het niet doen. Maar als dat gebeurt in een film die verder zo realistisch is, lijken slapstickscènes ook echt. In deze scène in 'Lammbock' dacht ik echt dat deze jager ernstig gewond moest zijn, zo niet dood <0xE2><0x80><0x93> de laatste scène wekte echt bij mij de indruk dat hij daar ligt te sterven, helemaal volgegoten met meer drank dan iemand aankan. En de hoofdpersonen lopen gewoon weg. Het zou anders zijn geweest als de auteur consequent één stijl had gevolgd; de scène had heel grappig kunnen zijn.
Over consequent zijn gesproken <0xE2><0x80><0x93> dat is wat ik het meest miste aan deze film. De hele film lijkt een opsomming van kleine episodes die de schrijver te binnen zijn geschoten. Dingen gebeuren gewoon zonder duidelijke reden <0xE2><0x80><0x93> ja, ik weet het, zo is het leven, maar dat is geen film, want film is bedoeld om een verhaal te vertellen, niet om saaie episodes zonder enige betekenis te laten zien. Ik merkte dat ik de hele tijd vroeg: 'Wat heeft het voor zin?' Afgezien van de twee hoofdpersonen worden de personages niet uitgediept, je komt er nooit achter waarom de zus van de hoofdpersoon met zijn beste vriend Kai naar bed wil, eigenlijk, zegt ze tegen je, maar ik kon er niet in komen, helemaal niet. Ik denk dat ze daar alleen maar was om Kai de kans te geven die kinderlijke aidstestschets te spelen, die je wel duizend keer eerder hebt gezien, en meestal beter. De vriendin van de hoofdpersoon ontmoet je één keer, dan vertrekt ze uit Duitsland (wat je niet eens ziet, en het lijkt de jongen niet te kunnen schelen) en ten slotte staat er in één zin dat ze iemand anders in Amerika heeft ontmoet en dat ze met de hoofdpersoon uit elkaar gaat. Ik had de indruk dat de schrijver een paar losse eindjes wilde afwerken. Dat heeft hij eigenlijk niet gedaan, je komt er nooit echt achter wat er zo slecht is aan rechten studeren, vader zijn. Papa regelt uiteindelijk alles en serveert midden in de nacht koffie, wat hem volgens mij tot een van de aardigste personages in de hele film maakt) en in het mooie Wuerzburg. Zelfs het etentje met papa's laag-bij-de-grondse vriend, dat misschien bedoeld was om te laten zien hoe vreselijk het is om aan papa's verwachtingen te moeten voldoen, leek saai, gewoon een gezellig etentje met de vrienden van de familie (afgezien van het tripje dat die vent later maakt, maar ik denk dat het niet de bedoeling was om te laten zien dat het niet gezond is om dope te gebruiken voordat je met je ouders dineert, als er al sprake van was). Ik heb in mijn leven veel ergere etentjes meegemaakt dan dit, en toch heb ik mijn examens afgemaakt. Ik kon geen enkel personage in de hele film begrijpen, ze leken alleen maar vlak en onwaarschijnlijk.
Dit alles maakte het een niet-zo-goede film, maar niet een die ik niet nog eens op de televisie zou willen zien. Er waren echt een paar goede scènes (de meeste waren niet nieuw, maar net als die met die aardige en begripvolle politiemannen), sommige waren echt grappig, sommige dialogen waren goed en ik vond Bleibtreu's stuk leuk, hoewel hij deze keer zijn bekende stereotypen weer herhaalde. Niet goed, niet afstotelijk, dat dacht ik toen de film half voorbij was.
Maar toen kwam die incestscène en die vond ik echt weerzinwekkend. Incest is gewoon niet grappig. Ik weet niet eens of het grappig bedoeld was, sommige mensen in het publiek lachten, dus het had net zo goed zo kunnen zijn bedoeld. Deze scène bedierf de hele film voor mij, ik kon geen sympathie meer voelen voor de hoofdpersoon <0xE2><0x80><0x93> ik kan geen sympathie voelen voor iemand die zo hulpeloos is, voor mij is dit verkrachting en verkrachting is niet grappig. Dus het had een vleugje drama kunnen zijn, maar de incest wordt nooit meer genoemd (hoewel we dachten dat dit een reden kon zijn geweest voor de hoofdpersoon om uiteindelijk Duitsland te verlaten, maar aangezien het nooit meer wordt genoemd, weten we het niet). Ik verwachtte bijna dat de zus uiteindelijk zwanger zou worden, wat de finishing touch aan dit smakeloze verhaal zou hebben toegevoegd, maar zelfs dit laatste cliché komt niet uit, net zomin als er in deze film iets echt is opgelost of tot het einde is doordacht. Het is niet echt grappig, het is niet echt een drama, het is helemaal geen road movie <0xE2><0x80><0x93> <0xC3><0xA0> la Tarantino, ondanks zijn wanhopige pogingen tot geweld <0xE2><0x80><0x93> en het is zeker niet leuk.
Laat die film maar zitten. Kijk naar 'Final Fantasy', dat is ook slecht, maar in elk geval met mooie beelden en niet zo smakeloos.

text_en:
Yeah, what did I expect? I thought this would be a film about young adults at their turning-point in life, something like "Sonnenallee" or "American Pie", which I liked a lot. I wanted to see a funny film, perhaps with an ironic look on idyllic Wuerzburg. And what did I get?

Attention, spoilers ahead!

This film starts with a lengthy dialogue which gives you a good hint of what will inevitably follow: more lengthy dialogues. Sometimes I thought Moritz Bleibtreu might have forgotten his text and trying to hide that fact by improvising and just repeating what he was saying before. But as I think of Bleibtreu as one of the better german actors, I believe that this effect really was intended. I think the author wanted to show how boring talking to close friends can be - especially when they are stoned. But really, I don't need cinema to be bored by stoned friends' talk. Boring dialogues make up most of this film.

But okay, that's one thing. I can cope with that, I have seen nice films with abominable dialogues, just think of Schwarzenegger's life's work. But the next thing is that characters are cheap and flat and that the storyline is as foreseeable as anything. Just one example (SPOILER!!): Why, do you think, does someone take a garden hose to his hemp-plants deep in the forest? To water them? Of course not, usually you don't find water-pipes deep in forests, do you? The only reason this water-hose is there is that a hunter who happens to come by while the two protagonists are harvesting their dope can be drugged, maltreated and finally filled up with three bottles of Jaegermeister. I truly hated this scene, because it's really violent. Usually, I don't mind violence in films - slapstick-comedies are full of it. But in that sort of comedy there is a silent agreement between the film and you that people don't get hurt if they fall on their faces or get beaten with chairs or things like that. But if that happens in a film which is otherwise realistic enough, slapstick-scenes also seem real. In this particular scene in "Lammbock" I really thought that this hunter must be badly injured, if not dead - the final scene really invoked in me the impression that he is left to die there, totally filled up with more booze anyone could handle. And the protagonists just walk away. It would have been otherwise if the author had consistently followed one style; the scene could have been quite funny.

Talking about being consistently - that's what I missed most about this film. The whole film seems to be a listing of small episodes that came to the author's mind. Things just happen without a apparent reason - yeah, I know, that's life, but that's not cinema, because cinema is meant to tell a story, not to show boring episodes without any significance. I found myself asking "Where's the point?" all the time. Characters besides the two main ones are not elaborated, you never get to know why the protagonist's sister wants to sleep with his best friend Kai, in fact, she tells you but I could not buy it, not at all. I think she just was there to give Kai an opportunity to act this childish AIDS-test sketch, which you sure have seen a thousand times before, and mostly better. The protagonist's girlfriend you meet once, then she leaves Germany (what you don't even see and the guy doesn't seem to care) and finally it is mentioned in one sentence that she has met someone else in America and splits up with the protagonist. It seemed to me that the author wanted to tie up a few loose ends. He actually didn't, you never really get to know what's so bad about studying law, being daddy's son (daddy fixes everything in the end and serves coffee in the middle of the night, which to my mind made him one of the nicer characters in the whole film) and living in beautiful Wuerzburg. Even the dinner with daddy's layer-friend, which maybe was intended to show how horrible it is to have to live up to dad's expectations, seemed flat, just another nice dinner with the family's friends (except for the trip the guy is on later, but I think showing that eating dope before you dine with parents isn't healthy was not the point of this scene, if there was any). I have experienced far worse dinners in my life than this one and still finished my exams. I couldn't understand one single character in the whole film, they just seemed flat and implausible.

All this made it a not-so-good film, but not one I wouldn't watch again on television. It really had a few good scenes (most of them were not new, though, like the one with the nice and understanding policemen), some were really funny, some dialogues were nice and I like Bleibtreu's play, although he repeated his well-known stereotypes again this time. Not good, not abominable, that's what I thought after the film was half over.

But then came this incest scene and this I really found repulsive. Incest simply isn't funny. I don't even know if this was intended to be funny, some people in the audience laughed, so it could have been meant this way. This scene spoiled the whole film for me, I couldn't feel sympathy for the protagonist any more - I can't feel sympathy for anyone who f**** a helpless person, to me, this is rape and rape isn't funny. So it might have been a hint of drama or so, but the incest is never again mentioned (although we thought this could have been one reason for the protagonist to leave Germany in the end, but as it is never mentioned again, we don't know.), it is even totally unnecessary. I almost expected the sister to become pregnant in the end, which would just have added the finishing touch to this tasteless story, but not even this final cliche is fulfilled, just as nothing is really solved or thought through to the end in this film. It isn't really funny, it isn't really a drama, it isn't at all a road movie a la Tarantino despite desperate tries on violence, it is definitely not enjoyable.

Skip this film. Watch "Final Fantasy", that's also bad, but at least with beautiful pictures and not that tasteless.


text:
Touch Of Death, uit 1988, is waarschijnlijk de meest frustrerende Fulci-film die ik tot nu toe heb gezien, en ik sluit me aan bij het koor van horrorfans dat zegt dat zijn films slechter worden naarmate je verder in zijn carrière komt. Gezien de plotbeschrijving verwachtte ik een beetje slechtgehumeurd vermaak met deze film, maar ondanks alle bizarre tierelantijnen voelt hij zelfs bij een looptijd van slechts 80 minuten saai aan en lijdt hij aan misselijkmakende sjofele productiewaarden en vakmanschap (of het gebrek daaraan). Een gokverslaafde weduwnaar drinkt en dineert met rijke (en vreemde) vrouwen die hij via eenzame harten ontmoet voordat hij ze op een gruwelijke manier om zeep helpt <0xE2><0x80><0x93> ze soms opeet of ze aan dieren voert <0xE2><0x80><0x93> en hun geld steelt om zijn schuldeisers op afstand te houden. Natuurlijk, het is onwaarschijnlijk dat één man de gastheer zou zijn voor zoveel verknipte pathologie in één keer (verslaafde, psychopaat, kannibaal), maar dit is Fulci!
Touch is eigenlijk de goedkoopste en spaarzaamste Fulci-film die ik ooit heb gezien. Er komt bijna niemand in voor, zelfs niet op de achtergrond van opnamen op straat, bijvoorbeeld. Het laatste wat de hoofdpersoon doet, gebeurt in de zieligste tv-studio ter wereld. Hij krijgt niet eens de kans om in de camera te kijken, want hij moet alle koppen voorlezen van slecht bij elkaar passende vellen papier.
Sommige scènes gaan maar door, waarbij de hoofdpersoon in zichzelf mompelt over wat hij heeft gedaan of gaat doen, maar het acteerwerk is bij lange na niet goed genoeg om dit soort dingen vol te houden, dus het resultaat is voornamelijk kijkersverveling. De film ziet er in het algemeen ook saai en lelijk uit. Ik heb gelezen dat het de bedoeling was dat het een Italiaanse telefilm zou worden (is er ooit een film op die locatie gedraaid? Met de hoeveelheid bloed die erbij betrokken is, lijkt het onwaarschijnlijk) en het riekt inderdaad naar waardeloze oude productiewaarden.
Dit is ook Fulci's eerste uitstapje naar regelrechte zwarte humor, maar hij is gewoon een te onbeschaamde regisseur om er iets van te maken. Soms wordt er opvallend vrolijke of 'gekke' muziek gebruikt om een gruwelijke scène uit te beelden, bijvoorbeeld als de held/boef in zijn kelder een lijk aan het opensnijden is. Het effect is niet echt huiveringwekkend of grappig of ironisch <0xE2><0x80><0x93> het is voornamelijk knoestig en waardeloos.
Natuurlijk zijn er een paar verlossende momenten van bloed (waarop je wacht terwijl je wakker probeert te blijven), inclusief de uiteindelijke moord in de oven (! van een vrouw die haar leven niet op wil geven, zelfs niet nadat haar gezicht helemaal in elkaar is geramd met een verdomd goede knuppel, en van een dakloze die vijf keer met een auto over hem heen en weer wordt gereden. Maar het meest schandalige element van Touch is al die fysieke misvormingen van de weduwen die door die gek het hof worden gemaakt. Baarden, harige moedervlekken, slordige hazenlippen <0xE2><0x80><0x93> het is niet zo dat hij vrouwen zocht met zulke trekken, het is gewoon de manier waarop alle eenzame weduwen kennelijk zijn. Er zijn een heleboel opnamen van meneer Gek die in het geheim grimassen trekt terwijl hij die vrouwen inpalmt. De zwarte humor van zo'n opzichtige vrouwenhater zou wat uithoudingsvermogen of resonantie kunnen hebben als de film...' Het is in het algemeen niet zo slecht uitgevoerd. Uiteindelijk lijkt Touch of Death gewoon een luie, onsamenhangende puinhoop.

text_en:
Hailing from 1988, Touch Of Death is probably the most frustrating Fulci film I've seen to date, prompting me to join the chorus of horror fans who generalise that his films get worse as you get later into his career. Considering the plot synopsis, I was expecting some bloody bad-natured fun with this one, but for all its bizarre flourishes, it feels tedious even at a running time of just 80 minutes, and suffers from nauseatingly shabby production values and film-making craft (or lack thereof).

El Story: A gambling addict widower wines and dines rich (and strange) women he finds via lonely hearts columns before offing them in gruesome fashion - sometimes eating them or feeding them to animals - and stealing their money to keep his debtors at bay. Sure, it's unlikely that just one man would be the host for so much screwed-up pathology all at once (addict, psycho/sociopath, cannibal), but this is Fulci!

Touch is actually the cheapest and sparsest looking Fulci film I've seen. There's almost nobody in it, even in the background of shots out on the street, for instance. A newsreader who keeps appearing on the film's televisions to warn the non-existent cast about the maniac's latest doings operates out of the most pathetic TV studio on the planet. He never even gets to look at the camera because has to read all the headlines off misaligned sheets of paper.

Some scenes just go on and on with the protagonist muttering to himself about what he's done or what he's about to do, but the acting is nowhere near good enough to sustain this kind of thing, so the main outcome is viewer boredom. The film also looks bland and ugly in general. I've read that it was intended to be an Italian telemovie (did it ever screen in that venue? With the amount of gore involved, it seems unlikely), and it does reek of crappy old telemovie production values.

This is also Fulci's first foray into outright black humour, but he's just too graceless a director to make it work. Sometimes conspicuously cheerful or 'wacky' music is used to play against a gruesome scene, for instance while the hero/villain is carving up a dead body in his basement. The effect isn't really chilling or funny or ironic anything that you'd like it to be - it's mostly just hamfisted and crappy.

There are of course some redeeming moments of gore (that you'll be waiting for while trying to stay awake), including the eventual murder by oven(!) of a woman who just won't quit life, even after her face has been totally bashed apart with a bloody great club, and a homeless guy who gets a car run back and forth over him about five times. The most outrageous element of Touch, however, is all the physical deformation on the widows courted by the crazy guy. Beards, hairy moles, messy harelips - it's not like he sought out women with these features, it's just the way all lonely hearts widows are, apparently. There are plenty of shots of Mr Crazy secretly grimacing while he's smooching up these women. The black humour of such garish misogyny might have some staying power or resonance if the film wasn't so poorly executed in general. In the end, Touch Of Death just seems like a really lazy, inarticulate mess.


text: Dit is gewoon verschrikkelijk. Ik heb spijt van elke seconde van de 80 minuten dat ik naar deze troep heb zitten kijken. Ik denk dat het een komedie moet voorstellen, maar ik kan me niet herinneren dat ik veel gelachen heb, behalve om een paar flagrante inconsistenties en regelrechte grove fouten.<br />Een onaantrekkelijke man van middelbare leeftijd, Lester genaamd, ontmoet rijke, onaantrekkelijke vrouwen van middelbare leeftijd via advertenties voor een eenzaam hart, en vermoordt ze dan voor het geld dat hij nodig heeft om zijn gokverslaving te voeden. Dat is het hele verhaal, en dat is eigenlijk het enige wat er gebeurt. Onderweg wordt er een poging tot intrige gedaan als Lester telefoontjes krijgt van een mysterieuze onbekende die hem treitert met het feit dat hij zijn geheim kent, maar het wordt zo slecht uitgevoerd dat je je misschien niet realiseert wat er eigenlijk zou moeten gebeuren. De scènes waarin Lester de rijke weduwen vermoordt zijn allemaal vrij wreed, maar ook schijnbaar verkleed als komedies. In een van de scènes wordt een vrouw met een houten stok geslagen en dan in een oven geduwd. Het is heel wreed afgebeeld, maar het speelt zich af tegen blèrende walsmuziek van een bigband, waarbij Lester voortdurend gezichten trekt en komedieposes aanneemt. In een andere scène wordt het slachtoffer vermoord terwijl ze voortdurend schrille operaliedjes zingt... je moet dit zien om het te geloven! In feite <0xE2><0x80><0x93> je hoeft het helemaal niet te zien, sterker nog, ik raad je ten zeerste aan om deze flop te vermijden. Fulci lijkt niet te weten welke hoed hij op heeft en er is geen spoor te bekennen van de flair die je in zijn eerdere carrière hebt gezien. Eén scène viel me op als bijzonder beroerd: de openbaring wanneer Lester zich plotseling realiseert dat hij geen schaduw heeft. Fulci lijkt niet in staat te zijn om een visuele weergave van dit fenomeen op het scherm te bedenken, dus vanaf dat moment filmt hij de acteur gewoon als normaal, met schaduw en al! En zo verpest hij de hele invalshoek. Of hij had geen budget voor de effecten, of het kon hem gewoon niet genoeg schelen om een manier te bedenken om het te laten zien. Wat het ook was, het moet je een voorproefje geven van hoe waardeloos dit hele project is. Ik begreep het grootste deel van de film niet eens, en er was zeker niets op het scherm dat de helft van de tijd de moeite waard was om naar te kijken. Zelfs het einde was zo plat als een pannenkoek. Echt waardeloos.

text_en:
This is just dreadful. I regret every second of the 80 minutes I spent watching this dreck. I think it's supposed to be a comedy, but I don't remember laughing much, except at a few blatant inconsistencies and downright glaring errors.

An unattractive middle-aged man called Lester meets up with rich unattractive middle-aged women via lonely hearts ads, and then murders them for the money he needs to feed his gambling addiction. That's the whole plot, and that's really all that happens. Along the way there is an attempt at intrigue when Lester starts to get phone calls from a mysterious stranger who taunts him about knowing his secret, but its so badly implemented, you may not realise what is actually supposed to be happening. The sequences in which Lester murders the rich widows are all quite brutal but also seemingly dressed up as comedies. One sequence has a woman bludgeoned with a wooden pole and then shoved into an oven. It's very cruelly depicted, but it is played out against blaring big-band waltz music, with Lester pulling faces and adopting comedy poses throughout. Another scene has the victim murdered while she constantly sings shrill opera songs...you have to see this to believe it! Actually - you don't have to see it at all, in fact I strongly recommend you avoid this flop. Fulci does not seem to know which hat he is wearing and there's no evidence of any of the flair seen in his earlier career. One sequence stood out to me as particularly wretched: the revelation when Lester suddenly realises that he has no shadow. Fulci seems unable to think up any visual representation of this phenomena on screen, so from this point on he just films the actor as normal, shadow and all!! And thus totally blows the whole angle. Either he had zero budget for effects, or he just didn't care enough to think up any way of showing it. Whatever it was, that should give you a taste of how lame this whole project is. I couldn't even understand most of the film, and there certainly wasn't anything on screen worth looking at half the time. Even the ending was as flat as a pancake. A real dud.


text: Deze hedendaagse Fulci-kluns is een totaal abominabele kwakzalver die te maken heeft met een ongeneeslijke gokker (Brett Halsey) die besluit in Blauwbaard-stijl zijn steeds hoger wordende schulden af te betalen door een paar van de lelijkste teven die je ooit zult zien te verleiden en die toevallig rijke weduwen zijn! Het door Fulci geschreven script slaagt er ook in om een paar zwarte komische elementen te verwerken <0xE2><0x80><0x93> die slechts resulteren in een niet zo grappige toestand met een lijk dat niet wil blijven liggen, een slachtoffer van een operazangeres dat niet wil ophouden met zingen enzovoort <0xE2><0x80><0x93> om nog maar te zwijgen van een dubbelgangerthema dat regelrecht uit THE STUDENT OF PRAGUE komt <0xE2><0x80><0x93> hoewel de twee persoonlijkheden in dit geval communiceren via radioboodschappen die van tevoren zijn opgenomen! Het verbaast me dat deze film geen blijk geeft van de verfijning van Mario Bava's hatchet for the honeymoon (1970) waarop hij in meerdere opzichten lijkt en dat hij zich tevredenstelt met het opstapelen van de weerzinwekkend bloederige (maar niet erg overtuigende) effecten van afgehakte ledematen en platgedrukte of smeltende gezichten waarmee Fulci inmiddels helaas volledig in verband was gebracht.

text_en: This latter-day Fulci schlocker is a totally abysmal concoction dealing with an incurable gambler (Brett Halsey) who decides Bluebeard-style to pay off his ever-rising debts by seducing some of the ugliest bitches you will ever lay your eyes on and who just happen to be wealthy widows! The Fulci-penned script also contrives to incorporate a few blackly comedic elements - which only result in some unfunny business involving a corpse which won't stay put, an opera singer victim who won't stop singing, etc. - not to mention a doppelganger theme straight out of THE STUDENT OF PRAGUE - although, in this case, the two personas communicate via pre-recorded radio messages!! In the end, I can't say I'm surprised that this film shows no sign of the sophistication of Mario Bava's HATCHET FOR THE HONEYMOON (1970) which it resembles in several ways and that it is content to merely pile up the disgustingly gory (but none-too-convincing) effects of dismembered limbs and squashed or melting faces with which, alas, Fulci had by then become completely associated.


text: Lucio Fulci was beroemd om zijn Italiaanse spetterende films, voornamelijk zijn ondode films als Zombie of The Beyond. Hier regisseerde hij een soort zwarte komedie, maar er is maar één probleem: het is misselijkmakend. Ik zeg dit in de wetenschap dat ik van City of the Walking Dead hou (die ook goor is, maar niet zoals deze). Een dwangmatige gokker krijgt geld voor zijn verslaving door lelijke en misvormde rijke vrouwen het hof te maken en hen dan te vermoorden en hun geld te stelen. In de film lijkt dit plan zo eenvoudig. Ik denk dat de vrouwen te lelijk waren om naar een bank te gaan, dus hadden ze altijd hun geld bij zich. Na de tiende moord begon ik te vermoeden wat ik altijd over Fulci heb gehoord: hij haatte vrouwen. Hoe dan ook, deze film stinkt, is niet grappig, en Fulci had bij _giallo_ en bovennatuurlijke zombiefilms moeten blijven. Vermijd deze film ten koste van alles.

text_en: Lucio Fulci was famous for his Italian splatter movies, mostly his undead films like Zombie or The Beyond. Here he directed a black comedy of sorts, but there's just one problem: its nauseating. I say this knowing that I like City of the Walking Dead (which is also gross but not like this). A compulsive gambler gets money for his habit by romancing ugly and deformed rich women then murdering them and stealing their cash. The film makes this plan look that easy. I guess the women were too ugly to go to a bank, so they always had their cash on person. After the upteenth murder I began to suspect what I've always heard about Fulci: he hated women. He must have. At any rate this film stinks, its not funny, and Fulci should have stayed with giallo and supernatural zombie movies. Avoid this film at all costs.


text: Er zijn bepaalde horrorregisseurs voor wie ik in de loop der jaren zoveel respect en bewondering heb opgebouwd, dat ze me onmogelijk kunnen teleurstellen, wat voor rotzooi ze ook willen opnemen. Lucio Fulci is er vast en zeker een van, maar verdomme, hij probeert me teleur te stellen met zijn latere pogingen! Je kunt je gemakkelijk veroorloven de meeste films die Fulci heeft geregisseerd of geproduceerd aan het eind van de jaren tachtig over te slaan en in plaats daarvan gewoon naar 'Cat in the Brain' te kijken, want die ene titel verzamelt en herhaalt de beste en gruwelijkste beelden van niet minder dan ZEVEN andere Fulci-films, waaronder de walgelijkste moordenscènes in 'When Alice Broke the Mirror'. Als geheel behoort deze film beslist tot de beste van onze regisseurs.' Het script is zo onsamenhangend als de pest, de basisgedachte is volstrekt ongeloofwaardig en nogal stompzinnig, en er is absoluut geen enkele spanning om van te genieten. De titel is prachtig, maar die zegt eigenlijk niets. Er speelt een personage dat Alice heet in het verhaal, maar dat is alleen maar een ondersteunende rol, en ze breekt zeker geen spiegels. Ik neem aan dat ze dingen zou kunnen breken door gewoon haar stem te gebruiken, want ze is operazangeres, maar dat doet ze niet. De plot draait om een playboy van middelbare leeftijd die gokt en aan gokverslaving lijdt, die zijn dagen slijt met het verleiden van rijke weduwen en ze om hun geld vermoordt. Lester Parson slacht de dames (en onwelkome getuigen) op gruwelijke wijze af, maakt biefstukken van hun sappigste lichaamsdelen en voedt de restjes aan zijn kat. Er is ook een dwaze psychologische subplot waarin hij denkt dat zijn eigen schaduw verantwoordelijk is voor de moorden in plaats van hijzelf. Het verschil tussen 'When Alice Broke the Mirror' en een paar van Fulci's grootste horrorfilms ('The Beyond', 'City of the Living Dead', o) ligt in het feit dat hij absoluut niet de moeite neemt om een verschrikkelijke sfeer te creëren. De personages, waaronder Lester, zijn kleurloos en saai en de moorden worden normaal gesproken afgebeeld, alsof het de gewoonste zaak van de wereld is om een vrouw te portretteren. De belichting is slecht, de cinematografie superlelijk, de montage onhandig en amateuristisch, en de acteerprestaties zijn ronduit beroerd. Als ik niet beter wist, zou ik denken dat Lucio met opzet een waardeloze film heeft gemaakt om te protesteren tegen alle harde critici die een hekel hebben aan zijn repertoire, hoeveel energie en moeite hij er ook in steekt. Het voor de hand liggende element om hier van te genieten is eenvoudigweg het schandalige bloedvergieten, want zelfs de poging om in de zwarte komedie op te gaan werkt niet goed. Het is een weinig eisend stukje horrorvermaak, maar afgezien daarvan valt er niet veel aan te bevelen.

text_en: There are certain horror directors for whom I've built up so much respect & admiration over the years, that they can't possibly disappoint me know matter what garbage to decide to put on film. Lucio Fulci is surely one of them, but damned, he's trying to disappoint me with his later efforts! You can easily afford yourself to skip most of the films Fulci directed or produced during the late 80's and simply watch "Cat in the Brain" instead, because that one title gathers and repeats the best and absolute goriest footage of no less than SEVEN other Fulci-flicks, including the sickest murders sequences featuring in "When Alice Broke the Mirror". As a whole, this movie definitely ranks among our director's weakest and most pointless achievements. The script is incoherent as hell, the basic premise is totally implausible and somewhat stupid and there's absolutely no suspense to enjoy. I love the title, but it's actually quite meaningless. There is a character named Alice in the story, but it's only a supportive role and she certainly doesn't break any mirrors. I suppose she could break stuff simply using her voice, as she's an opera singer, but she doesn't. The plot revolves on a middle-aged and gambling-addicted playboy who spends his days seducing wealthy widows and killing them for their money. Lester Parson butchers the ladies (as well as unwelcome witnesses) in gruesome ways, makes steaks out of their juiciest body parts and feeds the remainders to his cat. There's also a silly psychological sub plot in which he thinks his own shadow is responsible for the murders instead of him. The difference between "When Alice Broke the Mirror" and some of Fulci's greatest horror films ("The Beyond", "City of the Living Dead", ") lies in the fact that he totally doesn't bother to create a horrific atmosphere. The characters, Lester included, are colorless and boring and the murders are ordinarily depicted; like it's the most common thing in the world to put a woman's head in a microwave or repeatedly run back and forth over a human body with a car. The lighting is poor, the cinematography super-ugly, the editing clumsy and amateurish and the acting performances are downright miserable. If I didn't know any better, I would think Lucio deliberately made a lousy film in order to protest against all the harsh critics that dislike his repertoire no matter how much spirit and effort he put into it. The obvious element to enjoy here is simply the outrageous gore & bloodshed, because even the attempt to blend in black comedy doesn't work properly. As long as Lester swings around his chainsaw and cuts off women's feet, "When Alice Broke the Mirror" is an undemanding piece of horror entertainment, but other than that, there's isn't a whole lot to recommend.


text:
Lucio Fulci, een regisseur die niet bepaald bekendstaat om zijn subtiliteit, waagt zich onbezonnen aan zwarte humor in _Touch of Death_, een tv-film over Lester Parsons (Brett Halsey), een psychopaat die rijke weduwen verleidt en vermoordt om zijn gokschulden te betalen.
<0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> Dit weerhoudt Fulci er niet van een van Fulci's mindere pogingen te zijn.
<0x3E> Zoals ik bij veel van zijn andere films heb gemerkt, staat een begrijpelijk verhaal niet bepaald hoog op de agenda als Lucio achter de camera zit. Deze film heeft veel eigenaardigheden die me meer dan verbaasd deden staan: waarom heeft Lester niet al zijn slachtoffers met de ontledingsmethode die we in het begin zien? Waarom zijn al zijn slachtoffers behaard of misvormd? Waar gaat dat einde in godsnaam over? Ik begrijp zijn populariteit niet, want ik heb gemerkt dat de meeste van zijn films, die ik tot nu toe heb gezien, over het algemeen geen goede verhaallijnen en geen technische bekwaamheid bevatten. Touch of Death verandert mijn mening in elk geval niet.

text_en:
Lucio Fulci, a director not exactly renowned for his subtlety, ill-advisedly tries his hand at black humour in Touch of Death, a made for TV movie about Lester Parsons (Brett Halsey), a psycho who seduces and murders rich widows in order to pay his gambling debts.

Starting off with a wonderfully gory scene in which the lethal lothario disposes of his latest victim via chainsaw, mincing machine and hungry hogs, Touch of Death starts promisingly enough, but Fulci soon loses control of proceedings, introducing a weird sub-plot involving a mysterious copycat killer and some heavy handed 'comedic' scenes. There are several more graphic murders which, in true Fulci fashion, are extremely violent and gruesome, but even the high level of bloodletting doesn't stop this from being one of Fulci's poorer efforts.

As I have found with many of his other movies, a comprehensible storyline is not exactly high on the agenda when Lucio is behind the camera. This film has many peculiarities which left me more than little perplexed: why didn't Lester dispose all of his victims using the dismemberment method seen at the beginning? Why are all of his victims either hairy or disfigured? What the hell is that ending all about?

Fulci is considered by many to be one of the 'greats' of horror cinema; I don't understand his popularity, finding the majority of the films of his that I have seen so far to be generally lacking both decent narratives and technical proficiency. Touch of Death certainly does nothing to change my opinion.


text: In 1994 waren de Power Rangers een enorme franchise geworden en directieleden van het Amerikaanse Netwerk hoopten mee te doen aan de actie en kwamen met de Tattooed Teenage Alien Fighters uit Beverly Hills, waarin de kwaadaardige Emporer Gorganus, die eruitziet alsof hij een zelfgemaakt Darth Vader-kostuum draagt, en zijn pratende vogel, die eruitziet als een rubberen hondenkauwspeeltje, naar de aarde komen om er binnen te dringen met reusachtige monsters die eruitzien als afdankertjes uit een Godzilla-film uit 1970. Gelukkig rekruteert Nimbar - een buitenaards wezen dat eruitziet als een gigantisch stuk doorzichtige gelei - vier tieners om de aarde te verdedigen. Nimbar geeft ze allemaal een tatoeage van een ander sterrenbeeld, waardoor ze kunnen veranderen in opgedofte superhelden die eruitzien als dansers uit een jaren tachtig-techno - geen muziekvideo, maar ze kunnen ook worden gecombineerd tot een reuzenridder. Er werden veertig afleveringen gemaakt. De usa Network had duidelijk niet het geld om te proberen een show uit Japan aan te passen zoals de Power Rangers deden, en verzon deze show op eigen houtje met het budget van een scififilm uit de jaren vijftig. De vechtscènes zijn algemeen, de special effects zijn slecht en sommige sets zien eruit alsof ze elk moment om kunnen vallen. De acteurs beseften zo'n beetje hoe belachelijk de show was en speelden het goed en overdreven. Ik kan me voorstellen hoe geschokt ze waren toen de show werd afgelast.

text_en: Back in 1994 the Power Rangers had become a huge franchise and t.v. executives at the USA Network were hoping to get in on the action and came up with the Tattooed Teenage Alien Fighters from Beverly Hills, in which the evil Emporer Gorganus, who looks like he's wearing a home made Darth Vader costume, and his talking bird, that looks like a rubber dog chew toy, come to earth to invade it using giant monsters that look like rejects from a 1970's Godzilla film. Fortunately Nimbar an alien that looks like a giant piece of clear jello recruits four teenagers to defend the earth, Nimbar gives them each a tattoo of a different star constellation that allows them to transform into buffed up superheros who look like dancers from an eighties tech no music video, they could also combined into a giant knight. Forty episodes were made. The USA Network clearly did not have the money to try to adapt a show from Japan like Power Rangers did, and made up this show on their own using the budget of a 1950's scifi film. The fights scenes are generic, the special effects are poor, and some of the sets look like they could fall down. The actors pretty much realized how ridiculous the show was and pretty much ham it up and overact. I can only imagine their shock when the show was cancel led.


text: Ik was verbaasd over de enthousiaste reacties op deze film. Ik vond hem saai, hoe graag ik ook naar Penelope Cruz keek, en de plot was vaak slecht uitgewerkt. Het leek me ook een intens seksistische film: als de rollen van de mannen en de vrouwen omgedraaid waren, zou bijna iedereen die ook maar een greintje gezond verstand had, gaan klagen dat de film een intense vrouwenhater is. Het is niet alleen zo dat de belangrijkste mannen allebei worden afgeschilderd als volslagen eikels en seksuele roofdieren, maar ook dat de vrouwen worden afgeschilderd als bijna vlekkeloos, die een utopische gemeenschap vormen die geen enkel conflict kent en die berust op meedogenloze vrijgevigheid en een goed humeur. Utopieën zijn berucht om hun saaiheid en deze blijkt geen uitzondering te zijn. Het is ook interessant om te zien wat er gebeurt (en daar komt de plotwending, al gaat het om een heel vroege scène) als de tienerdochter haar vader vermoordt. (1) Haar moeder neemt de verantwoordelijkheid op zich en (2) de dochter lijkt bijna geen wroeging te hebben (en in feite verdwijnt haar emotionele leven dan ook uit de film). Het is niet echt een verheerlijkte moord, hoewel Aldomovars camera op een bloeddorstige manier op het bloed blijft hangen, alsof het een aantrekkelijk schilderij is, en dan wordt het opgezogen en verdwijnt het uit het zicht zonder moeder en dochter, materieel noch emotioneel, te bebloeden. Later onthult de film een andere moord, opnieuw door een vrouw op een man, en opnieuw is het een moord die de film impliciet onderschrijft. Kortom, Volver is een ideologisch gedreven film met een onplezierige en in feite weerzinwekkende ideologie, en dus schrijf ik een ideologische kritiek. Maar afgezien daarvan is het gewoon niet erg interessant. Het heeft niets van de diepte van bijvoorbeeld Aldomovars _Praten met haar_, waar ik van hield.

text_en: I've been surprised by the enthusiastic response to this film. It seemed dull to me, much as I enjoyed looking at Penelope Cruz, and the plot details often poorly worked out. It also seemed like an intensely sexist film: if the gender roles were reversed, almost everyone with any sense would be up in arms complaining the movie is intensely misogynist. It's not just that both the principal males are portrayed as complete jerks and sexual predators, but also that the women are portrayed as almost flawless, forming a utopian community which lacks conflict of any kind and which rests on relentless generosity and good humor. Utopias are notoriously dull and this one turns out to be no exception. But it's also interesting to notice what happens (and here comes the plot giveaway, though it refers to a very early scene) when the teenage daughter kills her father. (1) Her mother rushes to take responsibility for it and(2) the daughter seems to suffer almost no remorse (and in fact her emotional life then disappears from the film). It's not quite a glorified killing, though Aldomovar's camera lingers on the blood in a bloodthirsty way, as though it makes an attractive painting, and then it's soaked up and out of sight without bloodying either daughter or mom, neither materially nor emotionally. Later the film reveals another killing, again by a woman of a man, , and once again it is a killing which the film implicitly endorses.In short, Volver is an ideologically-driven film with an unpleasant and in fact a repugnant ideology, and so I write an ideological critique. But apart from that, it's just not very interesting. It has none of the depth of, say, Aldomovar's Talk to Her, which I loved.


text: Een film van Almodovar doet me telkens weer huiveren. De met hoofdletters geschreven film opent met het nieuwste werk van de Spaanse auteur en roept onmiddellijk herinneringen op aan wellustige nonnen, zachtaardige necrofielen, geestige transseksuelen <0xE2><0x80><0x93> en ik ben nog niet eens aan het kritisch beschimpte vroege werk van de kindermoordenaar toegekomen. En na een prachtige openingsmontage, waarin de camera over een winderig kerkhof dwaalt, geanimeerd door een schare weduwen die koortsachtig grafstenen schrobben, dacht ik dat Pedro me weer in zijn ban had.<br />Maar toen mijn nostalgie eenmaal was weggeëbd, was er maar heel weinig om haar plaats in te nemen. Voor een regisseur die ervan geniet om de mensheid te verbinden met moordenaars en verkrachters, is het heel moeilijk om in zijn vrouwen enige emotionele diepte of vertedering te vinden. Penelope Cruz is Raimunda, een koppige huisvrouw wier leven gecompliceerd wordt doordat haar dochter per ongeluk haar gewelddadige echtgenoot doodt. Gelukkig woont ze in het Spanje van Almodovar, waar je vrienden je maar al te graag helpen met het wegwerken van een lijk voor een rondje cocktails. Voeg aan de smeltkroes de geest van Raimunda's moeder toe en een hele rits andere excentrieke, hartelijke matriarchen. 'Volver' betekent letterlijk 'terugkeren', en het lijkt erop dat Pedro oud materiaal recyclet. Het subplot van de incest voelt alsof het is vastgeplakt als het obligate 'taboe'. In plaats van commentaar te geven op of het onderwerp aan te tasten, zoals met zijn behandeling van pedofilie in Slechte Opvoeding, voelt het geforceerd en niet overtuigend te midden van de sentimentele kuisheid van de film. Ik stel voor dat Almodovar zijn volgende film Salir noemt (om verder te gaan).

text_en:
A film by Almodovar- sends a tingle down my spine every time. The capitalized print which opens the Spanish auteur's latest feature instantly induces memories of salacious nuns, gentle necrophiliacs, wisecracking transsexualsand I haven't even got as far as the infant-terrible's critically reviled early work. And after a beautiful opening montage, with the camera roving across a wind-swept graveyard animated by a hoard of widows feverishly scrubbing tombstones, I thought Pedro had me again under his wicked spell.

Yet once my nostalgia had subsided, there was very little to fill its place. For a director who revels in bringing humanity to assassins and rapists, he does a very poor job at finding any emotional depth or endearing quality in his women. Penelope Cruz is Raimunda, a headstrong housewife whose life is complicated by her daughter's accidental killing of her abusive husband. Thankfully she lives in Almodovar's Spain where your friends will quite happily help to dispose of a corpse for the offer of a round of cocktails. Add to the melting-pot the ghost of Raimunda's mother and a host of other eccentrically warm-hearted matriarchs. "Volver" means literally to return, and Pedro does appear to be recycling old material. The sub-plot of incest feels as though it were tacked-on as the obligatory "taboo". Instead of commenting on or subverting the issue, as with his treatment of paedophilia in Bad Education, it feels forced and unconvincing amid the film's chick-flick sentimentality. I suggest Almodovar call his next film Salir (to move on).


text: Een van de eerste dingen die ik opmerkte waardoor deze cultuur opviel tussen de rest was tijdens de wake bij Soles huis. Op een luchtopname is te zien hoe Sole wordt gebloemd met kussen door een zee van vrouwen. Ik geloofde dat dit een commentaar was op de hechte band die vrouwen hadden met elkaar van deze cultuurdemonen die gedurende de generaties, scheidingen en misverstanden, bij elkaar bleven en toch in staat waren een band met elkaar aan te gaan en op elkaar te vertrouwen. Ook leek de film vrouwen te verheerlijken als bijna vlekkeloze individuen. Wat ik bedoel met vlekkeloos is dat ze niet onder de gevolgen van hun daden leden en werden behandeld alsof ze geen onvolmaaktheden hadden. Een voorbeeld hiervan is kort nadat Paula per ongeluk haar vader heeft vermoord. Haar moeder komt haar onmiddellijk te hulp en neemt de volle verantwoordelijkheid voor de daad op zich, terwijl Paula bijna geen spijt lijkt te hebben van wat ze heeft gedaan. Een ander voorbeeld hiervan is dat elke dochter (of kleindochter) de gelegenheid heeft gehad om zich te herenigen met hun zogenaamde 'dode' moeder (grootmoeder). Wetend welke spanningen dit hoogstwaarschijnlijk in hun familie heeft veroorzaakt, omarmen ze stuk voor stuk hun moeder zonder zich druk te maken over wat ze heeft gedaan (dat wil zeggen: haar man en zijn minnaar vermoorden). In dit licht worden vrouwen afgebeeld als vrouwen die niet alleen van elkaar houden, los van hun karakter, maar ook als vrouwen die dat niet doen. Het lijkt niet in het minst gehinderd te worden door de optredens van hun vrienden/familieleden.<br />Een ander idee dat volgens mij intrigerend was in deze cultuur was hun idee van het bovennatuurlijke. Met de dood van Raimunda en Soles moeder en haar onverklaarbare terugkeer bouwt de regisseur de emoties van het publiek op om te geloven dat deze film het bovennatuurlijke zal belichamen. De mensen die in deze cultuur worden afgebeeld lijken erg bovennatuurlijk, dat wil zeggen, ze willen maar al te graag geloven dat het leven na het graf bestaat. Hun tante, oude vriendin Augustina, de prostituee en andere mensen die in de stad La Mancha wonen, geloven allemaal dat de geruchten dat de doden terugkomen om de 'onafgemaakte zaak' af te maken, waar zijn. Ik geloofde dat dit een gemengde weerspiegeling was van het religieuze geloof van de cultuur (voornamelijk katholiek) en de noodzaak om het goed te maken met degenen die tijdens hun leven geen kans hadden gekregen om vergeven te worden. Het geloof dat ze hadden met betrekking tot het feit dat de doden 'leven' was ook bedoeld om hoop te geven aan de berooide omstandigheden waarin ze tijdens hun leven verkeerden. Wanneer de kijker wordt blootgesteld aan het feit dat deze film helemaal niet bovennatuurlijk is, is het interessant om te zien welke rol de moeder blijft spelen. Ze wordt behandeld alsof ze nog steeds een geest is (d.w.z. zich verstopt in kleine spleten (onder het bed of in een kofferbak)). Ik geloof dat de regisseur de moeder op die manier had beschreven om de reeds bestaande bovennatuurlijke overtuigingen die de stad had aangenomen nog sterker te maken. Het karakter van de moeder leek een metafoor te zijn voor het lang gekoesterde geloof van de stad in leven na de dood.

text_en:
One of the first things I noticed that allowed this culture to stand out among the rest was during the wake at Sole's place. An aerial shot is used to show Sole being flowered with kisses by a sea of women. I believed this was a commentary on the closeness that women had for each other of this cultureones who stuck together across the generations, separations and misunderstandings, and still being able to bond and rely on each other. Also, the film seemed to glorify women as almost flawless individuals. What I mean by flawless is that they did not suffer the consequences for their actions and were treated as if they had no imperfections. An example of this is shortly after Paula accidentally killed her father. Her mother immediately comes to her rescue and takes full responsibility for the act while Paula seems to suffer almost no remorse for what she has done. Again, another example of this is when each daughter (or granddaughter) has had an opportunity to reunite with their supposed "dead" mother (grandmother). Knowing the stresses that this has most likely caused in their family, each one of them still embraces the mother without care for what she has donethat is, killing her husband and his lover. In this light, women are portrayed as ones who not only love each other independent of character acts, but also ones who don't seem bothered in the least by the acts in which their friends/family members perform.

Another idea that I thought was intriguing of this culture was in regards to their idea of the supernatural. With the death of Raimunda and Sole's mother and her inexplicable return, the director builds the audience's emotions to believe that this film is going to embody the supernatural. The people depicted in this culture seem very supernatural, that is to say, very eager to believe that life exists beyond the grave. Their aunt, long-time friend Augustina, the prostitute and other people living in the city of La Mancha all believe the rumors of the dead coming back to family members to finish the "unfinished business." I believed this was a mixed reflection of the culture's religious faith (predominantly Catholic) as well as their need to make amends with those who had no chance to be forgiven during mortality. The belief they held in regards to the dead being "alive" was also to give hope to the destitute circumstances they suffered in mortality. When the viewer is exposed to the fact that this film isn't supernatural at all, it's interesting to observe the role the mother continues to play. She's treated as if she still is a ghost (i.e. hiding in small crevices (underneath the bed or inside a car trunk)). I believe the director portrayed the mother this way to heighten the already existent supernatural beliefs the city had adopted. The mother's character seemed to be a metaphor for the city's long-held belief in life after death.


text:
Tenminste, voor mij. Ik heb de carrière van Mr. Almdovar vanaf het begin gevolgd en ik was niet zo weg van deze film. Ik denk dat Penelope Cruz niet goed was gecast, het type vrouw dat ze speelt ziet er niet zo goed uit, ze maakt het personage ongeloofwaardig. Bovendien was de zangscène gewoon raar. Ik snap het niet en de lipsynchronisatie was vreselijk.
Als Spanjaard werd ik ook gek van de accenten. Waarom hebben mensen die uit hetzelfde dorp komen zo'n ander accent? Het verschil tussen de twee zussen is opvallend en slaat nergens op. En het dorp? Zijn we in 2007 of 1950? Ik betrapte mezelf erop dat ik mijn Amerikaanse echtgenoot probeerde uit te leggen dat veel dingen in de film 'oude koek' zijn, dat de dingen niet meer zo zijn.
Ik had meer verwacht, maar deze keer kwam meneer Almodovar niet met een oplossing, althans niet voor mij. Ik zeg niet dat juffrouw Cruz haar werk niet goed doet, ik zeg dat ze daar niet thuishoort, dat ze dat personage niet uitbeeldt.

text_en:
At least for me. I have been following the career of Mr. Almdovar since the beginning and I was not crazy about this film. I think Penelope Cruz was miscast, the type of woman she is portraying does not look that good, she makes the character unbelievable. Also, the singing scene was just weird. I do not get the point and the lip-sync was awful.

As Spaniard, another thing that drove me nuts are the accents. Why people coming from the same place have such a different accent? The difference between the two sisters is notable and makes no sense. And the village? are we in 2007 or 1950? I found myself trying to explain to my American husband that many of the things in the movie are "old school", things are not like that anymore.

I was expecting more but this time Mr.Almodovar did not deliver, at least for me. I am not saying that Miss Cruz does a bad job, I am saying that she does not belong there, not portraying that character.


text: Hoewel ik naar _Salem_ heb gekeken, weet ik niet of uitwerpselen zuur smaken. Als dat zo is, dan heeft deze 'film' de juiste titel. Zoveel ruwe olie, zo weinig substantie, dit is het celluloid-equivalent van selderij <0xE2><0x80><0x93> alleen reinigt het het gehemelte niet. Het laat de smaak van verspilde tijd in de mond van de geest achter, en als ik deze film kon uitkotsen en die omvang/kosten terug kon krijgen, zou ik dat doen. Nablijven was opwindender. De regisseur zou gedwongen moeten worden een onnozele pet op te zetten, en de Geest van Ed Wood jr. zou deze semi-professionele projectie niet van een zeker falen kunnen redden. Ze laat zich niet voor de gek houden door de smakelijke Dominique Swain: bekwaam ooggetuige van wat ze was in de remake van Lolita, minder tragisch en gewiekster dan Sue Lyon, maar bij lange na niet beter. Maar een tot nu toe competente draai aan de schroeven maakt haar nog niet tot een vaardig handwerkster. Daar heb je handwerk voor nodig, geen rotzooi, en dat is deze film. De spoelen horen in de meisjestoiletten, doorgespoeld tot de leidingen barsten, terwijl regisseur/directe-loze Christina Wayne 5-10 moet doen in de studiezaal. Kijk naar iets anders en kom door deze les, voor altijd!

text_en: Though I have watched Salò, I do not know if excrement tastes tart. If it does, this "film" is accurately titled. So much of roughage, so little substance, this is the celluloid equivalent of celery - only it does not cleanse the palate. It leaves the taste of wasted time in the mind's mouth, and if I could vomit this film and get back that expanse/expense I would. Detention was more exciting. The director should be forced to wear a dunce cap, and the Spirit of Ed Wood Jr. couldn't save this semi-professional projection from certain failure. A waste of time, a waste of mind. **Don't be fooled by the toothsome Dominique Swain: competent eye-candy she was in the Lolita remake, less tragic and savvier than Sue Lyon, though by no means better. However, a previously competent turn of the screw does not make her a skilled crafts-person. You need craft for that, not crap, which is what this film is. The reels belong in the girls' bathroom, flushed till the pipes burst, while director/direct-less Christina Wayne should do 5-10 in study hall. Watch anything else and pass this class, by (bye), forever!


text:
'Tart' is een goede illustratie van de oude yogi Berra die zei: 'Als je niet weet waar je heen gaat, kom je waarschijnlijk ergens anders terecht.' Schrijver/regisseur Christina Waye is (in haar eerste film) erin geslaagd een film van 3,0 miljoen te maken die ergens anders terechtkomt. 'Tart' is ofwel een verhaal dat de ouderdom nadert zonder personages die een rationeel mens kan begrijpen, een zwarte komedie zonder humor, of een seksfilm zonder iets bijzonder sexy's.
In tegenstelling tot de standaardfilm van Swain, had 'Tart' een competente en ervaren productieontwerper in dienst. Goed genoeg om twee bijzonder fraaie opnamen te leveren: de scène waarin Swain en Barton samen in een bubbelbad zitten en de scène waarin Swain in het park is <0xE2><0x80><0x93> wat een mooie montage van het beeld van 'Alice in Wonderland' oplevert. Het symbolisme dat in deze elementen is verwerkt, ondersteunt de mogelijkheid dat Waye (ondanks het ontbreken van een lineaire logica of een eenheid van toon) toch enig visionair talent en ambities heeft om een kwaliteitsfilm te maken.
Het is zelfs mogelijk dat Waye een samensmelting van de enigszins expressionistische 'Metropolitan' en de kampklassieker 'Cruel Intentions' probeerde te maken, die ook over de hogere klasse in Manhattan gaat. Er zijn veel camerashots van ramen en deuren, maar weinig close-ups van gezichten en ogen. De eerste techniek duidt op symboliek en de laatste op opzettelijke afstandelijkheid ten opzichte van de personages en hun motieven. 'Tart' leek minstens twee keer op het punt te staan het kampterrein op te gaan en het zou verstandig zijn geweest om in die richting door te gaan. Eerst was er de scène waarin ze proberen de schijnbaar overleden Swain in de stortkoker te dumpen. Dan is er het hele verhaal dat haar vader joods is (gespeeld tot in het extreme als Joel Grey die in 'Cabaret' met de joodse guerrilla danst).
In haar andere films is Swains acteertechniek erop gericht om elke scène waarin ze verschijnt te overweldigen (maak hier gebruik van het decor) maar in 'Tart' toont ze echt haar vermogen om zich in te houden. Dit is de beste voorstelling uit haar carrière. Het geeft ook enige aanwijzingen over haar lichamelijke aftakeling, van de slanke superschat in 'Girl' tot de logge bochel in 'Pumpkin'. Deze metamorfose was ongeveer half voltooid tegen de tijd dat ze 'Tart' maakte; zo gaat de tand des tijds te werk.
Mischa Barton ('Ik voel me een stuk beter met Sixth Sense' ik voel me een stuk beter) en Lacey Chabet zijn uitstekend in bijrollen. De rest van de cast is gewoon afschuwelijk, hoewel dit deels aan Waye's script en regie te wijten is.

text_en:
"Tart" is a good illustration of old the Yogi Berra saying: "If you don't know where you are going, you will probably end up someplace else". Writer/Director Christina Waye (in her first feature) has managed to make a $3 Million movie that ends up someplace else. "Tart" is either a coming of age story devoid of characters that a rational person can connect with, a black comedy without any humor, or a sexploitation movie without anything that is particularly sexy.

Unlike the standard Swain film, "Tart" actually employed a competent and experienced production designer. Good enough to provide two extremely nice shots: the scene of Swain and Barton taking a bubble bath together and the scene of Swain in the park-featuring a nice montage of the "Alice in Wonderland" sculpture. The symbolism incorporated into these elements supports the possibility that Waye (despite the absence of a linear logic or unity of tone) actually has some visionary talent and aspirations for making a quality film.

It is even possible that Waye was trying for a fusion of the somewhat expressionistic "Metropolitan" and the camp classic "Cruel Intentions" which also deal with the Manhattan upper class. There are many camera shots framed by windows and doors yet few tight shots of faces and eyes. The former technique hinting at symbolism and the latter at intentional distancing from the characters and their motivations. "Tart" seemed on the verge of veering into camp territory at least twice and would have been well advised to keep going in that direction. First there was the scene where they try to dump the seemingly deceased Swain into the garbage chute. Then there is the whole bit about her father being Jewish (played to the same extreme as Joel Grey dancing with the Jewish guerrilla in "Cabaret").

In her other films Swain's acting technique is to overwhelm each scene in which she appears (insert scenery chewing here) but in "Tart" she actually shows an ability to restrain herself. This is the best performance of her career. It also provides some clues about her physical deterioration from willowy super cute in "Girl" to hulking lumpy-faced in "Pumpkin". This transformation was about half-complete by the time she made "Tart"; so go the ravages of time.

Mischa Barton ("Sixth Sense's" I feel better girl) and Lacey Chabet are excellent in supporting roles. The rest of the cast is simply horrible, although some of the blame for this should go to Waye's script and direction.


text:
Het begin van de film was verwarrend en de rest was voorspelbaar. Het was gewoon zo'n film die ik in mijn netflix-lijst tegenkwam en ik dacht dat het interessant zou zijn om Brad Renfro en Bijou Phillips weer samen te zien spelen sinds Bully. Helaas gebeurde 'interessant' nooit in deze film. Swain speelt een onzichtbaar meisje op een particuliere school waarvan de beste vriendin rijk is en alles doet wat ze wil (Phillips). Maar Swain vindt een van de jongens (Renfro) uit de 'incrowd' leuk en begint uiteindelijk met hen om te gaan. En natuurlijk zijn de dingen goed, net als in alle andere films (tenminste, dat neem je aan, want de film laat nooit doorschemeren dat de dingen goed zijn) en dan worden de dingen niet zo goed als je met rijke kinderen omgaat.
Het probleem met de film is dat er absoluut geen pieken en dalen zijn. Het is gewoon een dode, levenloze film die, nadat je hem hebt gezien, je het gevoel geeft dat je alles beter had kunnen doen. Sommige scènes (die met Renfro's ouders) slaan helemaal nergens op, want de regisseur en de schrijver hebben er helemaal niets mee gedaan.
<0x3E> Alle interessante dingen die zich hadden kunnen afspelen, werden volkomen genegeerd en dit is bijna alsof je naar een episode kijkt uit de tijd dat ze nog geen sterren waren (Mischa Barton en Rachel Bison van de OC).
<0x3E> Het enige lichtpuntje in deze film is Phillips. Ze hadden meer scènes met haar erin nodig. Renfro ziet er gewoon uit alsof hij een stukje van zijn karakter van Bully heeft overgenomen. En, in's hemelsnaam, de titel is BS, verander de naam.

text_en:
The beginning of the movie was confusing and the rest of it was predictable. It was just one of those movies that I came across in my netflix instant queue and I thought it would be interesting to see Brad Renfro and Bijou Phillips team up together again since Bully. Unfortunately "interesting" never happened in this movie. Swain plays an invisible girl at a private school whose best friend is rich and does anything she wants at any time (Phillips). But Swain likes one of the boys (Renfro) from the "in crowd" and eventually starts hanging with them. And, of course, like all other movies things are good (or so you assume since the movie never hints on that things are good) and then things become not so good by hanging with the rich kids.

The problem with the movie is that there are absolutely no peaks and valleys. It is just a dead lifeless movie that after you've watched it, you feel you could have done anything better. Some scenes (the ones with Renfro's parents) don't even make sense as to being in the movie because the director and writer didn't follow up on it, at all.

All the interesting things that COULD have played out was just completely ignore and this is almost like watching a before they were stars episode (Mischa Barton and Rachel Bison from the OC).

The only shining light in this movie, and the reason it doesn't get a ONE rating from me is Phillips. They needed more scenes with her in it. Renfro just look like he brought over a bit of his character from Bully. And, for pete's sake, the Title is BS, change the name.


text:
De basisstructuur van een verhaal: Begin, Midden, Eind.
Soms wordt er met deze structuur gespeeld, en dan krijgen we Memento of Irreversible, en het verhaal speelt zich achterstevoren af. Soms is het gewoon niet lineair, <0xC3><0xA0> la Pulp Fiction. Hoe dan ook, ze hebben allemaal een begin, midden en eind.
Dit is de eerste film die ik ooit heb gezien die geen einde heeft.
Begin: Meisjes beste vriendin wordt van school gestuurd.
Midden: Meisje moet het zonder beste vriendin zien te redden.
Eind: Niet bestaand.
Niet dat een einde deze film gered zou hebben, maar hij zou in elk geval compleet zijn geweest.
Het is een oefening in apathie; we krijgen een feestmix van personages, en die blijken allemaal sukkels te zijn. Saaie, ijdele, stompzinnige en bleke imitaties van mensen.
En dit is de actie in deze film: er gebeurt niets. Er gebeurt helemaal niets. Mischa Barton probeert te praten met een geaffecteerd Engels accent, Dominique Swain jammert de hele tijd en Brad Renfro wordt gepijpt door een of andere ouwe vent. Einde film.
Tegen de tijd dat de aftiteling begon, had ik het afschuwelijke gevoel dat veel gevangenen moeten hebben: de tijd, die kostbare minuten van ons leven, zijn gewoon verspild.
Het enige aanvaardbare punt (en dat is een zeer nadrukkelijk ALLEEN) is Brad Renfro. Hij gedraagt zich goed. Lacey Chabert mag ik meestal wel, maar hier heb ik geen geluk. Als gevolg van goed werk in andere films zal ik Mischa Barton deze travestie vergeven, maar ik hoop dat alle leden van de cast een klap in hun gezicht hebben gekregen voor hun betrokkenheid.
Alsjeblieft, ik smeek het je. Vermijd het. Maak jezelf niet wijs dat je zelf een beslissing kunt nemen. Mijn zus zei dat ik dit nooit moest zien en ik negeerde haar omdat ik zelf een beslissing wilde nemen. Dat was een slechte beslissing.
Ik heb nooit een hekel aan een film gehad. Er zijn er veel die ik niet leuk vind, maar ik heb nooit een hekel aan een film gehad. Tot ik dit zag.

text_en:
Basic structure of a story: Beginning, Middle, End.

Sometimes this structure is played with, and we get Memento or Irreversible and the story plays backwards. Sometimes it's just not linear, a la Pulp Fiction. Regardless, they all have a beginning, middle and end.

This is the first film I have ever seen that doesn't have an end.

Beginning: Girl's best friend is expelled.

Middle: Girl needs to cope without best friend.

End: Non existent.

Not that having an end would've saved this film, but at least it would have been complete.

It's an exercise in apathy; we get a party-mix of characters, and they all turn out to be duds. Boring, vain, vapid and pallid imitations of people.

And here's the action within this film: NOTHING HAPPENS. Nothing at all happens. Mischa Barton tries to talk with a plummy English accent, Dominique Swain whines a lot and Brad Renfro receives a blow job from some old guy. End of movie.

By the time the credits rolled, I had a horrible feeling that many prisoners must feel: periods of time, those precious minutes of our life, have just been wasted.

The only passable point (and that is a very emphatic ONLY) is Brad Renfro. He acts well. Lacey Chabert I tend to like, but no luck here. Due to good work in other films, I will forgive Mischa Barton this travesty, but I hope all cast members were slapped in the face for their involvement.

Please, I implore you. Avoid. Don't fool yourself into thinking "I'll make up my own mind". My sister told me to never see this, and I ignored her, wanting to make up my own mind. That was a bad decision.

I have never hated a film. There are many I don't like, but I have never hated a film. Until I saw this.


text:
Eghads, wat een slechte film. Tart is misschien wel de slechtste film die ik het hele jaar heb gezien, en ik ben een paar keer tegen een blunder aangelopen. Er is niets goeds aan deze rotzooi, van de karakterbeschrijving tot de plot. Zelfs de gewoonlijk zo briljante Dominique Swain kon deze film niet redden. Geen van de personages is ook maar een greintje sympathiek, misschien met uitzondering van Eloise (geweldig gespeeld door Lacey Chabert, het enige lichtpuntje in deze treurige mislukking).
****Mogelijke ploertendoders**

Het grootste probleem met Tart is dat het maar doordraaft zonder iets te zeggen. Het waggelt dronken rond in plaats van ons langs het pad van het verhaal te leiden. Het introduceert ook tal van potentieel tantaliserende details (de hypochondrische broer, de moeder). Het is een film waarin de hoofdpersoon, de antisemitische klasgenoot, de moordzuchtige vader van de andere klasgenoot, voortdurend zijn bezittingen in beslag neemt, zonder dat hij ook maar één ervan met succes kan onderzoeken. En net als ik ten slotte denk dat er misschien een soort oplossing voor de personages is, komt de film onverwacht gewelddadig tot een einde.
Ik verliet de film met het gevoel dat hij me iets probeerde te vertellen, maar met de sterke indruk dat de boodschap was vergeten voordat hij kon worden overgebracht. Dit is een voor de hand liggende eerste film van een schrijver/regisseur die eigenlijk veel meer tijd moet besteden aan het werken onder meer gevestigde filmmakers voordat hij meer van haar werk aan een nietsvermoedend publiek kan opdringen.
Ik gaf deze film een 1 van de 10, en ik...' Ik ben meestal heel royaal, zelfs met slechte films.

text_en:
Eghads, what a bad movie. Tart is perhaps the very worst movie I've seen all year, and I've run across some doozies. There is nothing redeeming about this trash, from the characterization to the direction to the plot. Even the usually brilliant Dominique Swain couldn't save this movie. None of the characters are in the least bit sympathetic, with the possible exception of Eloise (wonderfully portrayed by Lacey Chabert, the only bright spot in this dismal failure).

*******Possible Spoilers********

The main problem with Tart is that it rambles on without saying anything. It staggers about drunkenly instead of leading us along the path of the story. It also introduces numerous potentially tantalizing details (the hypochondriac brother, the mother's possessions constantly being repossessed, the anti-semitic classmate, the other classmate's murderous father) without successfully exploring a single one of them. And just when I finally thought that there might be some sort of resolution for the characters, the movie crashes to an unexpectedly violent end.

I left the movie feeling that it was trying to tell me something, but with the strong impression that the message was forgotten before it could be communicated. This is an obvious first film from a writer/director who really needs to spend much more time working under more established film makers before foisting any more of her work on an unsuspecting public.

I gave this film 1 out of 10, and I'm usually very generous, even with bad films.