text:
Ik was al een hele tijd in deze film geïnteresseerd, vooral nadat ik een paar recensies op internet had gelezen over de dvd-uitgave, maar ik bleef de aankoop uitstellen vanwege de buitensporige prijs en het totale gebrek aan relevante supplementen. Toen de film eerder dit jaar uit de schappen verdween, gaf ik uiteindelijk toe, maar de hele bestelling (waaronder een aantal andere zeer begeerlijke titels) ging verloren bij het transport! Gelukkig is de dvd weer in de aanbieding, en ik ben blij dat ik hem heb gekocht! Maar goed, dit is een vreemde film en een echte slaper: in het begin een verwarrend, maar treffend occult verhaal, dat de spijker op de kop slaat met betrekking tot zowel de grimmige, kleinsteedse sfeer als de griezeligheid van de sinistere gebeurtenissen. Een kleine cast reageert volmaakt op een bondig, boeiend en intelligent scenario: met name met Strother Martin, die de dialoog beter laat klinken dan hij in werkelijkheid is met zijn genuanceerde optreden als de dorpsdokter/hoofd van de heksenkring; L.Q. Jones en Alvy Moore (die allebei ook de film hebben geproduceerd!) bieden solide steun als de nuchtere sheriff en zijn stripfanaat van assistenten. De plot combineert elementen van verschillende eerdere films over hekserij en het bovennatuurlijke, en niet alleen de voor de hand liggende titels: het feit dat de stad in een betovering verkeert die aanvankelijk niet kan worden geïdentificeerd, doet bijvoorbeeld onmiddellijk denken aan een soortgelijke aandoening van een bepaald bourgeoisgezin in Luis Bunuels subliem surrealistische THE EXTERMINATING ANGEL (1962); de 'bezeten kinderen'-invalshoek is misschien ontleend aan VILLAGE OF THE DOMINED (1960); er zijn veel films geweest <0xE2><0x80><0x93> vooral van recente datum <0xE2><0x80><0x93> waarin de satanische riten van een heks worden getoond. De film die ze zich het best herinneren, is ROSEMARY'S BABY (1968).
De occulte scènes (die evenzeer worden benadrukt door de mistige buitenkant als door de schimmige belichting van het opzichtig ingerichte huis waar de duivelse gebeurtenissen plaatsvinden) zijn zo zakelijk dat ze verontrustend en uiterst effectief zijn <0xE2><0x80><0x93> vooral de openingsscène waarin een legertank een auto verplettert (!). ), de plundering van een duivelspop (een idee dat in de loop der jaren met de dood is bezegeld, maar dat hier een onmiskenbare huivering opwekt), een surrealistische droomsequentie (in de ijskamer waar alle slachtoffers worden bewaard, omdat ze niet begraven kunnen worden!), een scène waarin de heksen een twijfelend lid van de heksenkring aanvallen, een onthoofding door een paardrijdende middeleeuwse ridder (!) en de lange 'zwarte massa'-afsluiting (met de heksen, vergezeld van het betreffende kind dat ze zullen 'overnemen', allemaal in het rood gekleed <0xE2><0x80><0x93> met uitzondering van een in het zwart geklede Martin die de ceremonie leidt) die culmineert in rituele collectieve zelfmoord!
De film heeft ook het lef om een neerslachtig 'gordijn' op te hangen; het is ' Het is zo verfrissend om een titel tegen te komen (al is het een lowbudgetproductie) van een grote Hollywoodstudio, Columbia, die erin slaagt zo volledig tegen de draad in te gaan (zoals ik al zei, de film is heel vreemd <0xE2><0x80><0x93> en dat geldt ook voor de montage en de score)! Het is ook vreemd dat zo'n stijlvolle <0xE2><0x80><0x93> en filmische <0xE2><0x80><0x93> horrorfilm wordt gemaakt door een tv-regisseur die meestal wordt geassocieerd met westerns en andere familiefilms! Tussen haakjes, hetzelfde thema werd bijna gelijktijdig behandeld in de tweede Christopher Lee/Peter Cushing-samenwerking Niets dan de nacht (1972; die Lee zelf produceerde! ) <0xE2><0x80><0x93> een film die ik zo'n 20 jaar geleden stom genoeg heb gemist toen hij op de plaatselijke tv werd uitgezonden, en die sindsdien m.i.a. is!!
P.S. Deze recensie van THE BROTHERHOOD OF HATE zal ongetwijfeld spoilers bevatten, maar de synopsis en de illustraties op de dvd-cover zijn in elk geval in staat om alles te verraden!

text_en:
I had been interested in this film for a long time, especially after reading a couple of online reviews of the DVD edition; however, I kept postponing its purchase because of the excessive price-tag and utter lack of relevant supplements. When it went out-of-print earlier this year, I finally gave in - but the entire order (which included a number of other highly-desirable titles) got lost in transit!; luckily, the DVD has been re-issued at bargain-price - and I'm sure glad I picked it up!

Anyway, this is one strange film, and a genuine sleeper: initially confusing but striking occult tale which manages to hit bullseye with respect to both its forbidding small-town atmosphere and the inherent eeriness of the sinister goings-on. A small cast responds perfectly to a terse, absorbing and intelligent script: lead Strother Martin, in particular, makes the dialogue sound better than it actually is with his nuanced performance as the town doctor/head of the witch's coven; L.Q. Jones and Alvy Moore (both of whom also produced the film!) offer solid support as the no-nonsense sheriff and his comic-strip aficionado assistant.

The plot merges elements of various earlier films dealing with witchcraft and the supernatural, and not only the obvious titles: the fact that the town is held under a spell which can't at first be identified, for instance, brings instantly to mind the similar affliction of one specific bourgeois household in Luis Bunuel's sublimely surreal THE EXTERMINATING ANGEL (1962)!; the 'possessed children' angle was borrowed, perhaps, from VILLAGE OF THE DAMNED (1960); there have been many films - especially of a recent vintage - where the satanic rites of a witches' coven are shown: from THE CITY OF THE DEAD (1960) to THE DEVIL RIDES OUT (1968) but, since the proceedings take place in modern-day America (albeit in remote surroundings) and revolve around elderly witches (seeking a 'renaissance'), the film they recall most of all is ROSEMARY'S BABY (1968).

The occult scenes (accentuated as much by foggy exteriors as by the shadowy lighting of the garishly-decorated house where the diabolical events take place) are presented in a completely matter-of-fact way as to make them unsettling and extremely effective - particularly the opening sequence involving an army tank crushing a car(!), the rampage of a devil-doll (a concept which has been done to death over the years but, here, it raises an undeniable frisson), a surreal dream sequence (set inside the ice chamber where all the victims are kept, since they can't be buried!), a sequence where the witches attack a doubting member of the coven, a beheading committed by a horse-riding medieval knight(!) and the lengthy 'black mass' finale (with the witches, accompanied by the respective child they will be 'taking over', all dressed in red - except for a black-clad Martin presiding over the ceremony) which culminates in ritual mass suicide!

The film also has the guts to deliver a downbeat 'curtain'; it's so refreshing to come across a title (albeit a low-budget production) from a major Hollywood studio, Columbia, that contrives to go so completely against the grain (like, I said, the film is quite weird - extending also to the editing and the score)! It's odd, too, that such a classy - and cinematic - horror offering {sic} should come from a TV director most often associated with Westerns and other family fare! By the way, the same theme was dealt with almost contemporaneously in the nth Christopher Lee/Peter Cushing collaboration NOTHING BUT THE NIGHT (1972; which Lee produced himself!) - a film I foolishly missed out on some 20 years back when it was shown on local TV, and which has been M.I.A. ever since!!

P.S. This review of THE BROTHERHOOD OF Satan will certainly contain spoilers but, then, the synopsis and artwork featured on the DVD cover manage to give everything away anyway!


text: Ik huurde deze film om twee redenen. De eerste was alle goede dingen die ik erover las. Ik was diep onder de indruk en was het helemaal eens met alle recensies die ik las. De tweede reden is dat ik deze jongens ken. Ik ken Mark niet zo goed als ik Mike ken. Hij is niet veel veranderd in de jaren dat we elkaar kenden. Ik ken hem als 'de Vrouw met de Zeis' van een plaatselijk radiostation in Milwaukee. Zoals hij in deze film is, is hij echt Mike 100%. Hij heeft me ooit een tafeltje gegeven dat hij zelf had gemaakt. Het was een kleintje, ongeveer 15 cm hoog, met Metallica erop. Het gekke was dat het maar twee poten had. Soms is het de gedachte die telt, en Mike heeft altijd eerst aan anderen gedacht.

text_en: I rented this movie for two reasons. The first was all of the good things that I read about it. I definately was impressed, and couldn't agree more with all of the reviews I read. The second reason is because I know these guys. I don't know Mark as well as I do Mike. He hasn't changed much from the years we knew each other. I know him as "the reaper" from a local Milwaukee radio station (WMSE). The way he is in this film is genuinely Mike 100%. He once gave me a table that he made. It was a little one, about 15" high, that said Metallica on it. The odd thing about it was it only had two legs. Sometimes it's the thought that counts, and Mike always has thought about others first.


text:
Ik ben er trots op dat ik aan de universiteit van Milwaukee heb gestudeerd, waar delen van de film zijn opgenomen. Ja, ik herken Mitchell Hall, waar ik een filmcursus heb gevolgd, mogelijk dezelfde als die van mijn medestudent Smith.
Daar heb ik over 'American Movie' gehoord. Onze professor vertelde ons erover, kort voordat de film werd uitgebracht. Ik was er wel door geïntrigeerd, maar om de een of andere reden heb ik het een paar maanden uitgesteld (hij moet het best goed hebben gedaan als hij nog in de bioscopen draaide, in elk geval in Milwaukee).
Toen ik hem eindelijk zag, vond ik het een onderhoudende documentaire. Het is geen meesterwerk <0xE2><0x80><0x93> het duurt een beetje te lang <0xE2><0x80><0x93> maar ik vind Marks passie en toewijding inspirerend. Ik hoop dat deze film het begin van grotere en betere dingen voor hem inluidt. Misschien dat zijn aanstaande 'Northwestern' hem naar het grote geluk zal voeren. Wie weet?
Rentering: *** (uit **)

108 min. Verschenen door Sony Pictures Classics.

text_en:
I'm proud to say I'm a student at UW-Milwaukee, where parts of the film were shot. Yep, I recognize Mitchell Hall, where I took a film class, possibly the same course as fellow student Smith.

That's where I learned about "American Movie." Our professor told us about it shortly before its release. To be sure, I was intrigued, but for some reason, I put off seeing it for several months(it must've done pretty well if it was still playing, at least in Milwaukee).

When I finally got around to seeing it, I thought it was an entertaining documentary. It's not a masterpiece-it goes on a bit too long-but I find Mark's passion and commitment inspiring. I hope this film signals the beginnings of bigger and better things him. Maybe his forthcoming "Northwestern" will propel him to fortune. Who knows?

Rating: *** (out of ****)

108 min/Released by Sony Pictures Classics


text: Mijn metgezellen waren verbijsterd toen ze ontdekten dat deze film een documentaire was. Hij was zo grappig, het leek wel een script, en toch gaf hij een levendig beeld van het echte leven in de filmwereld. We voelden ons ertoe aangetrokken om Coven te kopen en wilden Mark en Mike ontmoeten. Als studenten gaven deze films ons de broodnodige blik op het echte leven.

text_en: My companions were astounded to find that this movie was a documentary. It was so funny, it seemed scripted, yet it gives a stirring picture of real life in the indie film life. We felt moved to purchase Coven and wanted to meet Mark and Mike. As college students, this film gave us a much needed glimpse of real life.


text: Elke keer dat ik niet 150 procent van mijn dromen of doelen geef, denk ik aan Mark Borchardt, het levende onderwerp van 'American Movie'. Marks hardnekkige volharding om zijn eerste speelfilm te produceren en te draaien is zo fascinerend dat je ervan moet lachen, je hoofd schudt van droefheid en voor hem opkomt.<br />Sinds de film over R. Crumb heb ik niet meer zo'n eerlijke documentaire gezien. De ondersteunende 'cast' (Marks echte familie en vrienden) zijn allemaal geweldig. Geef deze film een kans en je krijgt een geweldige film te zien en een prachtig portret van de dingen waarvan de Amerikaanse droom is gemaakt.

text_en:
Anytime I'm not giving 150% to my dreams or my goals I think of Mark Borchardt, the real-life subject of "American Movie". Mark's dogged persistence at having his first feature film produced and shot is so captivating that it will have you laughing, shaking your head with sadness and rooting for him.

I haven't seen a documentary this honest since the movie on R. Crumb. The supporting "cast" (Mark's real-life family and friends) are all great. Give this movie a chance and you'll see a great film and a wonderful portrait of the stuff that the American dream is made of.


text: Het onderwerp van deze film is potentieel deprimerend: een man van een jaar of dertig, zonder baan, weinig opleiding, drie kinderen uit een mislukte relatie, die in het huis van zijn ouders woont, maar die ervan droomt om speelfilms te regisseren. Maar na ongeveer een halfuur in de film besef je dat Mark Borchardt een onuitputtelijke voorraad energie en ambitie heeft <0xE2><0x80><0x93> het is alleen allemaal gebundeld in zijn behoefte om films te regisseren, en niets anders zal hem gelukkig maken. De film springt over het emotionele spectrum heen, maar uiteindelijk voel je je gelukkig, omdat je zojuist een paar geweldige mensen hebt leren kennen. Ga dit zien <0xE2><0x80><0x93> je zult uiteindelijk wensen dat het langer had geduurd.

text_en: The subject matter of this film is potentially depressing: a man about thirty, with no job, little education, three kids from a failed relationship, living in his parents' house, but with a dream of directing feature films. But about a half-hour into the movie you realize that Mark Borchardt has a bottomless supply of drive and ambition--it's just that it's all channeled into his need to direct movies, and nothing else will make him happy. The movie jumps all over the emotional spectrum, but in the end you come away feeling happy, because you've just gotten to know some wonderful people. Go to see this--you'll end up wishing it was longer.


text: Deze documentaire is zo'n prachtig voorbeeld van wat een onderhoudende en verbazingwekkende ervaring een documentaire kan zijn, als hij zo goed wordt gemaakt als deze. Mark is slim, grappig en heel gedreven, en dit verhaal over zijn persoonlijke strijd om zijn dromen te verwezenlijken zal iedereen die weet hoe het is om een 'onmogelijke' droom te hebben, inspireren.

text_en: This documentary is such a wonderful example of what an entertaining and amazing experience a documentary can be, if done so well as this. The subject, Mark, is smart, funny and very driven, and this story of his personal fight to live his dreams will be inspiring to anyone who knows what it is like to harbor an "impossible" dream. See this mov


text: American Movie is een geweldige documentaire. Hij volgt de beproevingen en beproevingen van een zeer vastberaden onafhankelijke filmmaker die zijn eerste film probeert af te maken.<br />De ruwe beelden en inzichtelijke inhoud van deze film zijn een uitstekend voorbeeld van hoe documentaires geproduceerd moeten worden. Ik heb ook het gevoel dat de film heel inspirerend kan zijn voor diegenen onder ons die zelf filmmaker willen worden.

text_en:
American Movie is a wonderful documentary. It follows the trials and tribulations of a very determined independent filmmaker as he struggles to finish his first film.

The raw footage and insightful content of this film is an excellent example of how documentaries should be produced. I also feel that the film can very inspirational to those of us that want to be filmmakers ourselves.


text: De American Movie van Chris Smith is een inzichtelijk onderzoek naar de Amerikaanse droom. De film draait om Mark Borchardt, een onafhankelijke filmer uit Wisconsin. Mark droomt er al van om een groot schrijver en regisseur te worden sinds hij een tiener was en een onscherpe ingebouwde camera had. De film volgt Mark in zijn poging om zijn droomfilm, de Northwestern-film, te maken. Er zijn een aantal hilarische scènes in de film waarin Mark de preproductie van de Northwestern-film doormaakt en later zijn korte film Coven (uitgesproken als coven, de correcte uitspraak, Mark zegt: 'Klinkt te veel naar oven') die hij wil gebruiken om geld in te zamelen voor de voltooiing van de Northwestern-film. Het inzicht en de humor van deze film staan op één lijn met die van Roger and Me, de geweldige film van Michael Moore. Ik zag hem voor het eerst tijdens een chaotische vertoning van het Sundance Film Festival, die de geest van de film naar voren bracht <0xE2><0x80><0x93> aan het begin van de film viel er een reusachtige luchtkoker van het plafond, die zeven mensen raakte en een vertraging van vijfentwintig minuten veroorzaakte; halverwege de film begon het geluid te sputteren en de projector moest worden stilgezet om het op te lossen, en de laatste twintig minuten stopte de projector en brandde de film uit. Ondanks de vertragingen bleef het publiek bij de film en gaf hem een staande ovatie. American Movie won aan het eind van het festival ook de Grand Jury Prize for Documentary. Ik kan deze mooie film ten zeerste aanbevelen, en het is de moeite waard om bij elke helse vertoning te blijven zitten.

text_en: Chris Smith's American Movie is an insightful examination of the American dream. The movie focuses around Mark Borchardt, an independent film maker from Wisconsin. Mark has dreamed of becoming a great writer and director since he was a teenager and had an out of focus hi8 camera. The movie follows Mark through his attempt to make his dream feature film, Northwestern. There are a number of hilarious scenes in the film as Mark goes through pre-production of Northwestern and later his short film Coven (pronounced co-ven, the correct pronunciation, Mark says "Sounds too much like oven,") which he plans to use to raise money to complete Northwestern. This film's insight and humor is on par with Roger and Me, Michael Moore's great film. I first viewed it at a chaotic Sundance Film Festival screening that brought out the spirit of the movie- a giant air duct fell from the ceiling at the beginning of the movie, hit seven people and caused a twenty-five minute delay; half way through the film the sound started fluttering and the projector had to be stopped to fix it, and in the last twenty minutes the projector stopped and the film burned up. Despite the delays, the audience stayed through the movie and gave it a standing ovation. American Movie also won the Grand Jury Prize for Documentary at the end of the festival. I highly recommend this fine film, worth sitting through any hellish screening.


text: Laten we eerlijk zijn, er worden voortdurend veel slechte films gemaakt. Voor mensen die in de filmindustrie werken, heb je waarschijnlijk veel tijd en moeite gestoken in veel van deze plotwendingen, in plaats van in wonderen. Soms, en dat is mijn mening, is alleen al het maken van de film belangrijk voor ons. Om een verhaal te vertellen (hoe eenvoudig en onrealistisch ook). Bovendien is het samenwerkende proces een sleutelkenmerk dat uniek is voor film en theater. Om een productie van welk kaliber dan ook te maken, heb je de talenten nodig van een wisselend aantal mensen, afhankelijk van de schaal waarop je het doet, om het verhaal tot leven te brengen. Maar het intrigerendste aan American Movie is niet de film die wordt gemaakt. Het is de filmmaker zelf, als personage in zijn eigen leven, die onze aandacht opeist. Geen van hen fungeert als model voor de filmmakers die we kennen en met wie we hebben samengewerkt. Maar, zal ik zeggen, het zijn archetypen van kleine delen van ons die proberen deel uit te maken van deze cultactiviteit van onafhankelijk filmen. (Goed, een heel klein deel van ons.) Dit zijn de mensen die onder de stenen van hun eigen leven leven en toevallig in de val lopen van de romantiek van de film. Dit leidt me naar mijn volgende argument. _American Movie_ vat de rauwe geest van onafhankelijk filmen samen. Slechte verhalen worden verteld in (nu) digitale films met slordige effecten en afschuwelijke uitvoeringen <0xE2><0x80><0x93> omdat dit het beste is wat ze kunnen maken met een budget van een paar duizend dollar in plaats van een studiobudget van een paar miljoen dollar per dag. Dat is het verschil tussen lage, lage, eindproducties en studioproducties. De onafhankelijke filmmaker wil gewoon een lineair of zelfs non-lineair verhaal creëren om zo goed mogelijk te kunnen filmen met het geld dat hij in zichzelf en de middelen om hem heen investeert om een eindproduct te zien op zijn aftandse tv. Ruig individualisme manifesteert zich in elke kunstvorm. Ik vind deze film voor veel filmmakers een briljant document van de waarheid. Ik ben niet vol van mezelf. Man, die mensen zijn hilarisch. Hun problemen lijken hilarisch, hun karakters zijn hilarisch. Beste regel uit de film: 'Het is goed! Het is goed! Er is iets om voor te leven! Jezus heeft het me gezegd!!!' Duizend keer gezegd door een grappige oude man. Terug naar Tom Beach. De Regels van Chicago.

text_en: Let's face it, lot's of bad movies are made all the time. For those people who work in film, you have probably poured a lot of time and effort into many of these plot less wonders. Sometimes, and this is my opinion, it is the act of merely making the movie that is important to us. To tell a story, (no matter how simple and unrealistic). Also, the collaborative process is one key characteristic that is unique to film and theater. To put on a production of any caliber, requires the talents of a varying amount of people, depending on its scale, to bring its story to life. The most intriguing part of American Movie, however, is not the movie being filmed. It is the movie maker himself, as a character of his own life, which demands our attention. None of them serve as models of the filmmakers we know and have worked with. But, I will argue, they are archetypes of small parts of us which try to be a part of this cult activity of independent film-making. (Alright a very small part of us) These are the people who live under the rocks of their own lives and just so happen to be snared by the romance of cinema. This leads me to my next argument. American Movie captures the raw spirit of independent film-making. Bad stories told on (nowadays) digital film with sloppy effects and horrible performances- because this IS the best they can do with a budget of a couple thousand dollars rather than a studio budget of several million dollars a day. That is the difference between low low LOW end productions and studio productions. The independent filmmaker just wants to create a linear or even a nonlinear story to shoot as well as he can with the money he's investing in himself and the resources around him in order to see a finished product on his rundown TV. Rugged Individualism materializes in every art form. I find this film to be a brilliant document of truth for many filmmakers. And no, I'm not full of myself. Man, these people are hilarious. Their problems seem hilarious, their characteristics are hilarious. Best line of the movie: "It's alright!. . . It's okay!. . . There's something to live for!. . . Jesus told me so!!!" Said a million times by a funny old man. Hat's off to Tom Beach. Chicago Rules.


text:
Chris Smith is een superieure filmmaker met het zelden getoonde talent om een goed verhaal te ontdekken en er dan als de sodemieter vandoor te gaan. Smiths 'American Movie' is het waargebeurde verhaal van de filmregisseur die Mark Borchardt zou willen zijn, een loser die zijn bejaarde oom wil uitmelken om hem geld af te troggelen om zijn afgrijselijke verhaal af te maken. Maar nooit, onder geen enkele omstandigheid, om een betaalde baan te krijgen of de kinderen te onderhouden die hij heeft verwekt.
Het talent van producer Smith is zo groot dat Mark eerder sympathiek lijkt dan anders. Zelfs terwijl hij oom Bill verleidt met zoetgevooisde dromen en hoofdrollen voor producenten, is het zijn wanhoop om iemand te zijn, om zijn naam te koppelen aan die van mensen als Scorsese en Spielberg, die ons raakt.
'American Movie' De humor komt voort uit Borchardts in Ed Wood-stijl gesitueerde geloof in zijn eigen genialiteit. Uit zijn weerzinwekkende pogingen tot acteren, uit het feit dat hij zijn niet bepaald filmkundige moeder inruilt voor een vermiste cameraman en uit het feit dat hij zijn lieve, maar door hersenbeschadigingen aangetaste vriend Mike in dienst neemt wanneer hij een acteur of een crewlid te kort komt.
De gruwel komt voort uit wat Borchardt niet kan zien: het is deze uiterst Amerikaanse houding <0xE2><0x80><0x93> Ik Wil, Daarom Ben Ik Genoemd <0xE2><0x80><0x93> die hem ervan weerhoudt te zien hoeveel hij nog te leren heeft over het vak dat hij heeft gekozen. Hij is er zo van overtuigd dat hij niet kan falen dat falen gegarandeerd is.

text_en:
Chris Smith is a superior filmmaker with the seldom-seen talent for spotting a good story, then getting the hell out of its way. Smith's "American Movie" is the true-to-life record of filmmaker wannabe Mark Borchardt, a loser intent on milking his elderly uncle for cash to complete his horror short. But never, under any circumstances, to pursue gainful employment or support the children he's conceived.

Such is producer Smith's skill that Mark appears more sympathetic than otherwise. Even as he entices Uncle Bill with sugar-spun dreams and executive producer credits, it is his desperation to be somebody, to have his name coupled with the likes of Scorsese and Spielberg that touches us.

"American Movie" also belongs in that rare, often attempted but seldom achieved sub genre that successfully blends hilarity with horror. The humor comes from Borchardt's Ed Wood-style belief in his own genius. From his appalling attempts at acting, from his substituting his less than film-savvy mother for a missing cameraman and from his employing sweet but brain-damaged friend Mike whenever he's short an actor or crew member.

The horror comes from seeing what Borchardt cannot: It is this very American attitude--I Want, Therefore I Am Entitled--that keeps him from seeing just how much he has to learn about his chosen craft. He is so confident he can't fail that failure is guaranteed.


text: David Lynch regisseerde zijn eerste film, _Erasurehead_, in de loop van een aantal jaren en voegde telkens nieuwe scènes toe als het hem lukte wat meer geld bij elkaar te krijgen. Kevin Smith maakte _Clerks_ op zijn werk, terwijl hij als kantoorbediende werkte, en Robert Rodriguez schepte er altijd over op dat _From Dusk Till Dawn_ precies 40.000 dollar kostte. Maar 40.000 is nog steeds verdomd veel geld om bij elkaar te krijgen als je als schoonmaker op een kerkhof werkt. En stel dat een aankomend filmregisseur niet alleen zo'n baan had, maar ook de ambitie had van zulke sterren en de sulligheid van Smith, maar absoluut geen talent? Zo iemand is Mark Borchardt, het onderwerp van deze hilarische documentaire, die een overzicht geeft van zijn pogingen om in de loop van vele jaren een paar films te maken. Borchardt combineert zijn waanzinnige dromen met aanvallen van depressie en een fatale onmacht om er een eind aan te maken; je voelt bijna dat hij bijna de voorkeur geeft aan de eindeloze inspanningen van het zoeken naar een onmogelijke perfectie dan aan berusting in de realiteit dat hij eenvoudigweg (op grond van het bewijsmateriaal dat in 'American Movie' werd gepresenteerd) niet erg goed is. En net als een moderne Ed Wood omringt hij zich met een episch gezelschap van mede-slachtoffers; zijn oprechte genegenheid voor wie is zijn grootste verademing. De collectie omvat zijn ruziënde ouders, zijn beste vrienden (de een een crimineel, de ander een bekeerde drugsverslaafde), zijn eigen ongelukkige kinderen en het allermooiste: zijn bejaarde oom Bill. Bill mag dan in een caravanpark wonen en het leven zo'n beetje hebben opgegeven, maar hij is de eigenaar van een klein fortuin (280.000 pond om precies te zijn) en de ontroerende maar potentieel uitbuitende relatie tussen de twee mannen vormt de kern van de film. Borchardt slaagt erin een paar acteurs te ronselen (naast zichzelf natuurlijk), maar over het algemeen is hij volledig afhankelijk van vrienden en familie om zijn werk af te maken (zelfs Bill heeft een rol voor de camera). 'American Movie', de ene na de andere herhaling van 'Lost in La Mancha', het verhaal van Terry Gilliams noodlottige poging om 'Don Quichot' te filmen. In die film was je onder de indruk van de enorme hoeveelheid professionalisme die er tentoongespreid werd (onvoldoende voor de taak die voor hem lag) en hoe verdomd moeilijk het is, zelfs voor experts die miljoenen moeten uitgeven om een film te maken; terwijl Borschadt niet alleen berooid is, maar ook nog zo'n clown dat hij de naam van zijn eigen werk ('Coven') niet eens behoorlijk kan uitspreken. Uiteindelijk is Borschadt menselijk genoeg om te willen dat hij succes heeft, maar afschuwelijk genoeg om de kijker nog in staat te stellen om zijn mislukkingen te lachen. Ik zou het als ongeloofwaardig van de hand wijzen, maar zoals het nu is, is het een van de grappigste documentaires die je ooit zult zien.

text_en: David Lynch shot his first film, 'Erasurehead', over several years, adding new scenes each time he managed to raise a little bit more cash. Kevin Smith made 'Clerks' at work, while working as a clerk, and Robert Rodriguez has boasted that 'From Dusk Till Dawn' cost precisely $30,000. But $30,000 is still a hell of a lot of money to raise if you work as a cleaner in a cemetery. And what if an aspiring film maker not only had such a job but also had all the ambition of such luminaries, and all the dorkishness of Smith, but absolutely none of the talent. Such a figure is Mark Borchardt, the subject of this hilarious documentary which chronicles his attempt to make a pair of movies over many many years. Borchardt combines his lunatic dreams with flights of depression and a fatal inability to call it a day; one senses he almost prefers the endless labours of searching for an impossible perfection to an accommodation with the reality that he's simply (on the evidence presented in 'American Movie') not very good. And like a modern day Ed Wood, he surrounds himself with an epic crowd of fellow losers, his genuine affection for whom is his greatest redeeming feature. The collection includes his warring parents, his best friends (one a criminal, the other a reformed drug addict), his own hapless children and best of all his aged Uncle Bill. Bill may live in a trailer park, and just about have given up on life, but he is the owner of a small fortune ($280,000 to be precise) and the touching but potentially exploitative relationship between the two men lies at the heart of the film. Borchardt manages to enlist a few actors to perform (alongside himself, of course) but in the main he is wholly dependent on friends and family to complete his work (even Bill has a role on camera). On British TV, the BBC brilliantly scheduled a screening of 'American Movie' back-to-back with 'Lost in La Mancha', the story of Terry Gilliam's ill fated attempt to film 'Don Quixote'. In that film, one was impressed by the huge amount of professionalism on display (inadequate as it was to the task in hand), and just how damn difficult it is even for experts with millions to spend to make a film; whereas Borschadt is not only penniless, but also such a clown that he can't even pronounce the name of his own work ('Coven') properly. Ultimately, Borschadt is human enough for you to want him to succeed, but awful enough for the viewer to still be able to laugh at his failures. If this film was fiction, you'd dismiss it as unbelievable; but as it is, it's one of the funniest documentaries you're likely to see.


text:
Het verhaal zelf is routine: een jongen loopt van huis weg en komt terecht op een muziekschool voor kinderen. Hij haalt een beroemde violist over om de school te sponsoren. De film is een mengeling van schietpartijen in 11 weken en laat veel amusante gaten achter die de oplettende kijker zelf kan vinden.
Hoe lang de plot ook mag zijn, de film wordt gerechtvaardigd door de muziek en het acteerwerk. Er is veel muziek, waaronder klassieke werken van Heifetz en het Meremblum Orchestra, een van de belangrijkste jeugdsymfonieën van die tijd, en genoemde muziek is uitstekend. Op zichzelf zou het de film de moeite waard maken. De regie- en beoordelingstaken waren in goede handen: die van Alfred Neumann.
Het acteren is een studie in contrasten. De kinderen in het orkest, van wie de meesten weinig of geen acteerervaring hadden, moeten regisseur Archie Mayo gek hebben gemaakt door in de camera te kijken, de rol die ze hadden te overdrijven en overdreven ijverig de aanwijzingen op te volgen. Maar de spontaniteit die het gevolg is van hun gebrek aan training, voegt een interessante charme aan de film toe. De ervaren acteurs waren geweldig met het materiaal waarmee ze moesten werken. Walter Brennan was perfect gecast in zijn rol, een die hij in het echte leven nabootste. Joel McCrea en Andrea Leeds waren ideale spelers voor hun rol. En de bijrollen waren een ware Who's Who van karakteracteurs: Marjorie Main, Arthur Hohl, Paul Harvey, Charles Coleman, Perry Ivins en Porter Hall in zijn typische rol van de zware jongens <0xE2><0x80><0x93> stuk voor stuk ideale acteurs. En de bijrollen: Jessie Arnold, John Hamilton, Marjorie Wood, Jimmy Flavin, Dulcie Day, de gruizige Lee Phelps in zijn gebruikelijke rol als politieman en vele andere. Als je van karakteracteurs houdt, zal deze film veel herinneringen oproepen.
Over het geheel genomen is de film erg leuk en wordt hij aanbevolen, zelfs als je geen liefhebber van klassieke muziek bent.

tvcat

text_en:
The story itself is routine: A boy runs away from home and ends up in a struggling music school for kids. He convinces a famous violinist to sponsor the school. The film is a splicing of shootings over 11 weeks, and leaves many amusing holes which the observant viewer may find for him/herself.

However long the whiskers of the plot might have been, the movie is justified by its music and acting. There is plenty of music, featuring classical works played by Heifetz and by The Meremblum Orchestra, one of the leading youth symphonies of that day, and said music is excellent. By itself, it would make the picture worth viewing. The conducting and scoring duties were put in the best of hands: those of Alfred Neumann.

The acting is a study in contrasts. The kids in the orchestra, most of whom had little or no acting experience, must have driven director Archie Mayo crazy, looking into the camera, overacting the parts that they had, and overstudiously following directions given to them. But the spontaneity that results from their lack of training adds an interesting charm to the picture. The veteran actors were marvelous with the material they had to work with. Walter Brennan was perfectly cast in his role, one that he emulated in real life. Joel McCrea and Andrea Leeds were ideal fits for their parts. And the supporting acting was a veritable Who's Who of character actors: Marjorie Main, Arthur Hohl, Paul Harvey, , Charles Coleman, Perry Ivins, and Porter Hall in his typical role of the heavy---all ideally cast. And the bit players: Jessie Arnold, John Hamilton, Marjorie Wood, Jimmy Flavin, Dulcie Day, the gravelly voiced Lee Phelps in his usual role as a policeman and many many more. If you're a fan of character actors, this movie will bring back a lot of memories.

Overall, the picture is very enjoyable and is recommended, even if you aren't a fan of classical music.

tvcat


text:
Vele jaren lang probeerde Samuel Goldwin zijn vriend Jascha Heifetz naar het witte doek te halen. Op een avond toen Goldwyn en zijn vrouw Frances zaten te eten met Heifetz en zijn vrouw, de zwijgende filmster Florence Vidor, stelde Goldwyn voor dat Heifetz een filmster zou worden. Na enige overredingskracht stemde Heifetz toe, op voorwaarde dat zijn acteerprestaties tot een minimum beperkt zouden blijven. En de film, die oorspronkelijk de titel 'Muziekschool' droeg, was geboren.
Het verhaal zelf is nogal standaard: een straatjongen (Gene Reynolds, die het meest bekend is als de producer van 'M*A*S*H'), loopt van huis weg en komt terecht op een muziekschool die financieel in de problemen zit en geleid wordt door professor Lawson (Walter Brennan). In een poging om geld in te zamelen voor de school lopen de jongen en een paar andere kinderen Heifetz tegen het lijf in Carnegie Hall. Na veel gedoe verschijnt Heifetz uiteindelijk op het schoolconcert om de school te sponsoren.
Het verhaal is, hoewel voorspelbaar, verrassend goed geschreven, hoewel de film ook een aantal kleine blunders bevat, waarbij verschillende scènes aan elkaar zijn geknoopt. De meest opvallende daarvan is de jonge cellist die de orkestkamer uit wordt gestuurd om iets te doen en die een paar seconden later in het orkest wordt gezien.
Wat niet verrassend is, is hoe goed het acteerwerk is. Zoals in die tijd gebruikelijk was voor studio's, omringde de studio de onervaren ster met talent van naam en faam: Brennan, Joel McCrea, Andrea Leeds, Porter Hall, Marjorie Main (later beroemd geworden door haar rol in Ma and Pa Kettle), Arthur Hohl, Paul Harvey en een Who's Who van karakteracteurs. Actrice Diana Lynn en zangeres/actrice Kaye Connor maakten hun (onbevestigde) debuut in deze film, evenals de oude bekende Nelson Eddy als zanger en Gale Sherwood als Jacqueline Nash. Kinderacteurs Reynolds, Walter Tetley en Terry Kilburn spelen ook mee.
Goldwyn huurde het Peter Meremblum Symphony, een hoog aangeschreven jeugdorkest uit de Los Angeles Area, om in de film te spelen. De meeste kinderen in het orkest waren...' Veel van de kinderen in het orkest maakten carrière: Kaye Connor en Diana Lynn speelden allebei in het theater en in films, Richard Berres was producer en regisseur, Mitchell Lurie stichtte een bekend bedrijf in muziekartikelen, Elliott Rapaport werd een vooraanstaand cardioloog, Lewis Elias was bandleider, Thomas Facey dirigent van verschillende symfonieorkesten, Channing Robbins was een vooraanstaand docent aan de Julliard School, zijn zus Joyce Robbins was docent aan de SUNY Stonybrook School, en veel van de kinderen in het orkest probeerden een muzikale carrière op te bouwen met grote symfonieorkesten.
Hoewel Heifetz' acteerprestaties tot een minimum waren beperkt, was zijn salaris dat niet. Hij had 170.000 voor zeven weken. Toen sommige scènes op een later tijdstip opnieuw moesten worden opgenomen, kreeg hij nog eens 150.000 voor vier weken. Wat gelukkig niet tot een minimum werd beperkt, was zijn muzikale uitvoering. Componist Alfred Neumann (die ooit dirigent was van het Meremblum-orkest) deed de score. Heifetz speelt de 'Introductie en Rondo Capriccioso' van Camille Saint-Saens, zijn eigen arrangement van Manuel Ponce's 'Estrellita' (onder begeleiding van een on screen Teddy Saidenberg), Dinicu's duivels moeilijke 'Hora Staccato' (uit een opname van Vitaphone, met Emanuel Bay aan de piano), een fragment uit Tsjaikovski's 'Melody', een fragment voor viool solo uit Tsjaikovski's bekende 'Adante Cantabile'. van zijn opus 11 strijkkwartet (dat tijdens de aftiteling aan het begin van de film wordt gespeeld) en de laatste beweging van Felix Mendelssohn-Barthody's E-mineur vioolconcert. Tijdens al deze uitvoeringen zijn er veel close-ups van Heifetz' optreden, waaronder een paar zeer close-ups van zijn vingervlugheid en -buiging, iets wat van waarde zou kunnen zijn voor violisten die zijn techniek willen bestuderen.
Het orkest van Meremblum staat hier ook op het podium, met de aria's 'Caro Nome' van Verdi en 'Casta Diva' van Bellini (beiden met Sherwood in de hoofdrol), een arrangement van de ouverture van Rossini's 'Barber of Seville', een kort fragment uit Mozarts 'Eine Kleine Nachtmusik' en het eerder genoemde concert van Mendelssohn (met Heifetz). Op de achtergrond is Diana Lynn te horen, die een deel van Chopins Nocturne in B-mineur speelt, en een vijfjarige Mary Ruth die Chopins populaire 'Minute'-wals speelt.
Al met al is dit een uitstekende film. AMC heeft hem tot begin 1992 regelmatig uitgezonden. Ik heb hem de laatste jaren niet op de televisie gezien, maar er zijn gemakkelijk kopieën van te krijgen. Als je de kans krijgt, raad ik je ten zeerste aan de film te bekijken.

text_en:
For many years, Samuel Goldwin tried to bring his friend Jascha Heifetz to the screen. One evening when Goldwyn and his wife Frances were having dinner with Heifetz and his wife, silent screen star Florence Vidor, Goldwyn proposed that Heifetz star in a movie. After some persuasion, Heifetz agreed, on the condition that his acting be kept to a minimum. And the movie, originally titled "Music School" was born.

The story itself is rather stock: A streetwise boy (Gene Reynolds, who is best known as the producer of "M*A*S*H"), runs away from home and ends up at a financially troubled music school run by Professor Lawson (Walter Brennan). While attempting to raise funds for the school, the boy and some other kids happen across Heifetz at Carnegie Hall. After much ado, Heifetz ends up appearing at the school concert and sponsoring the school.

The story, while predictable,is surprisingly well written, although the film contains several minor gaffes where different scenes were patched together, the most obvious being the young cellist who is sent out of the orchestra room on an errand and is seen sitting in the orchestra a few seconds later.

What is not surprising is how good the acting is. As was customary for studios then, the studio surrounded the inexperienced star with veteran talent: Brennan, Joel McCrea, Andrea Leeds, Porter Hall, Marjorie Main (later of Ma and Pa Kettle fame), Arthur Hohl, Paul Harvey, and a Who's Who of character actors. Actress Diana Lynn and singer/actress Kaye Connor made their (uncredited) debuts in this film, as did longtime Nelson Eddy singing partner Gale Sherwood (as Jacqueline Nash). Child veteran actors Reynolds, Walter Tetley and Terry Kilburn also appear.

Goldwyn hired the Peter Meremblum Symphony, a highly regarded youth orchestra from the Los Angeles Area, to appear in the film. Most of the kids in the orchestra weren't actors, but they were excellent musicians, as good as professionals (which many of them later became). Many of the kids in the orchestra went on to noteworthy careers: Kaye Connor and Diana Lynn both starred in the theater and movies, Richard Berres was a producer and director, Mitchell Lurie founded a well-known music supply company, Elliott Rapaport went on to be a prominent cardiologist, Lewis Elias was a band leader, Thomas Facey a conductor with different symphonies, Channing Robbins a prominent instructor at the Julliard School, his sister Joyce Robbins an instructor witn SUNY Stonybrook, and many of the kids in the orchestra pursued musical careers with major symphony orchestras.

While Heifetz's acting was kept to a minimum, his salary wasn't. He commanded $70,000 for seven weeks. When some scenes had to be re-shot at a later date, he got an additional $50,000 for another four weeks. What thankfully wasn't kept to a minimum was his musical output. Composer Alfred Neumann (who was once a Meremblum Orchestra conductor) handled the scoring. Heifetz performs the "Introductionne and Rondo Capriccioso" by Camille Saint-Saens, his own arrangement of Manuel Ponce's "Estrellita" (with an off-screen Teddy Saidenberg accompanying), Dinicu's devilishly difficult "Hora Staccato" (from a Vitaphone recording, with Emanuel Bay at the piano), an excerpt from Tchaikovsky's "Melody", an excerpt arranged for violin solo from Tchaikovsky's well-known "Adante Cantabile" from his opus 11 string quartet (played during the opening credits at the beginning of the movie), and the final movement from Felix Mendelssohn-Barthody's E Minor Violin Concerto. During all of these performances, there are many closeups of Heifetz's performing, including some very close shots of his fingering and bowing, something that would be of value to violinists desiring to study his technique.

The Meremblum orchestra also shines here, performing the arias "Caro Nome" by Verdi and "Casta Diva" by Bellini, (both with Sherwood singing ), an arrangement of the overture from Rossini's "Barber of Seville", a short excerpt from Mozart's "Eine Kleine Nachtmusik", and the previously-mentioned Mendelssohn concerto (with Heifetz). Diana Lynn can be heard in the background of one scene, performing part of Chopin's Nocturne in B-flat Minor, and a five year old Mary Ruth performs Chopin's popular "Minute" Waltz.

All in all, this is an excellent movie. AMC showed this regularly up until early 1992. I haven't seen it on television in recent years, but copies of it are not difficult to obtain. If you have the chance, I highly recommend that you view the movie.


text:
Ik denk dat Samuel Goldwyn twee dingen probeerde te bereiken in deze film. Ten eerste is de film een eerbetoon aan Jascha Heifetz, die wordt beschouwd als de beste vioolvirtuoos van de afgelopen eeuw. Ten tweede probeerde hij, nadat hij met zijn film met dezelfde titel de kinderen uit Dead End op het witte doek had gebracht en hen had zien signeren bij Warner Brothers, een tweede bende aanlokkelijke straatschoffies te creëren.
Hoewel de film goed was, was er beslist geen behoefte aan dat de kinderen uit deze film werden gehergroepeerd voor een andere rol.
De leider van de bende is Gene Reynolds, die ooit viool speelde, maar nu aan het hoofd staat van een straatbende van sjofele straatschoffies. Zijn stiefvader, Arthur Hohl, breekt de viool die de jonge Reynolds van zijn vader heeft gekregen en dreigt hem naar een heropvoedingsgesticht te sturen, ondanks de zwakke protesten van zijn moeder, Marjorie Main.
De jonge Reynolds stuit toevallig op een muziekschool die wordt geleid door de oude muziekmeester Walter Brennan en zijn dochter Andrea Leeds. Ze nemen hem op, maar ze hebben hun financiële problemen met een heleboel schuldeisers onder leiding van Porter Hall.
Deze film is vooral vandaag te zien omdat het een kans is voor liefhebbers van klassieke muziek om Jascha Heifetz te zien en te horen, die, zoals je zult begrijpen, de oplossing is voor alle problemen. Joel McCrea speelt ook een rol in de film, maar hij heeft een nogal kleurloze rol als vriend van Andrea Leeds.
Afgezien van Heifetz is er één ding dat de film wel doet: het onderwerp kindermishandeling en mishandelde echtgenoten aansnijden, zij het voorzichtig. Arthur Hohl is een gemene man en Marjorie Main is duidelijk een mishandelde echtgenote.
De kinderen in de cast doen het goed: Reynolds, Tommy Kelly, Terry Kilburn en een jong meisje dat Jacqueline Nash heet en dat is opgegroeid als Gale Sherwood, de nachtclubpartner van Nelson Eddy. Als kind had ze al een mooie sopraan.
Maar het is Heifetz voor wie je de film ziet.

text_en:
I think Samuel Goldwyn was trying to accomplish two things in this film. First the film is a homage to Jascha Heifetz, considered to be the best violin virtuoso of the past century. Secondly having brought to the screen the Dead End kids with his film of the same title and seeing them sign with Warner Brothers, he was trying to create a second gang of appealing urchins.

Though the film was good there certainly was no demand that the kids from this film be reteamed for another feature.

Leader of the gang is Gene Reynolds who at one time played the violin, but now leads a street gang of disreputable urchins. His stepfather, Arthur Hohl, breaks the violin his late father gave young Reynolds and threatens to send him to reform school over the feeble protests of his mother Marjorie Main.

Young Reynolds happens to stumble onto a music school run by the old music maestro himself, Walter Brennan and his daughter Andrea Leeds. They take him in, but they have their financial problems with a lot of creditors led by Porter Hall.

This film is mostly to be seen today because it's a chance for classical music lovers to see and hear Jascha Heifetz who as you gather is the solution one way or another to everybody's problems. Joel McCrea is in this film also, but has a rather colorless part as Andrea Leeds boyfriend.

Besides Heifetz, one thing the film does do is touch on, albeit gingerly on the topic of child abuse and battered spouses. Arthur Hohl is one mean man and Marjorie Main is very clearly a much battered wife.

The kids in the cast do well, Reynolds, Tommy Kelly, Terry Kilburn and a young girl under the name of Jacqueline Nash who grew up and performed as Gale Sherwood, nightclub partner to Nelson Eddy. She had a nice soprano even as a child.

But it's Heifetz you see the show for.


text: Een intelligente jongen die geïnteresseerd is in'serieuze' muziek (een uitstervend ras, dat wel <0xE2><0x80><0x93> wie speelt er viool als niemand viool kan spelen?) <0xE2><0x80><0x93> zou dit een interessante fictie kunnen vinden over straatkinderen en grote muzikale sterren. Heifitz was inderdaad de grootste violist van zijn generatie en de film geeft hem een zeldzame kans om zijn techniek op het scherm tentoon te spreiden. De kinderen, vooral Gene Reynolds, zijn prima en al met al is de film een goed voorbeeld van de eersteklas gezinsopname aan het eind van de jaren dertig. Hij staat niet boven aan de lijst van de beste films van '39, maar het is een leuke manier voor een intelligent gezin om een regenachtige middag door te brengen met AMC of de Video Store <0xE2><0x80><0x93> veel succes bij Blockbuster!

text_en: A bright youngster interested in "serious" music (admittedly a vanishing breed--who'll play the fiddle when no one can play the violin??"--could find this an interesting fiction about street kids and great musical stars. Heifitz was indeed the greatest violinist of his generation and the film gives him a rare on-screen chance to display his technique. The kids, especially Gene Reynolds, are fine and, all in all, the pic is a good example of first-rate studio family fare of the late 30's. It doesn't hit the top of the great '39 list, but it's a nice way for an intelligent family to spend a rainy afternoon with AMC or the Video Store--- good luck at Blockbuster!!!!


text:
Hoewel veel geluidsopnamen van grote musici als Jascha Heifetz bewaard zijn gebleven, zijn de filmopnamen en tv-uitzendingen zeer beperkt. Daarom zijn muziekopnamen als 'They Shall Have Music' zulke zeldzame juweeltjes. Hoewel je met moderne ogen en oren over de plot kunt kibbelen, moet de oplettende kijker de unieke verrukkingen van deze film in het juiste perspectief plaatsen. De plot was bedoeld om zowel het jonge als het oude publiek van die tijd aan te spreken, maar is tot op de dag van vandaag een genot om te zien. Een belangrijk aspect van het kijken naar klassieke films is om ze te zien door de ogen van de bioscoopbezoeker van die tijd. Ik moet het oneens zijn met een recensent die klaagt over een film die in zwart-wit is opgenomen, of die zich verplicht voelt te melden dat zijn studenten dergelijke bedenkingen hebben. Dit zijn jeugdige klachten die een beperkt historisch perspectief weerspiegelen. Voor de docent zou dit een leerzame gelegenheid moeten zijn om de unieke eigenschappen van zwart-witfotografie en de plaats ervan in de cinematografische geschiedenis te verklaren. Kleur kan in feite een goede verhaallijn of de muziek in de weg staan. De zwart-witfotografie van John Fords 'Stagecoach' is bijvoorbeeld, net als de stills van Ansel Adams, een artistiek meesterwerk.
Wat Heifetz' houterige houding betreft, zou ik het daar absoluut niet mee eens kunnen zijn. Als je op zoek bent naar schaamteloze emotionele poses, ga dan naar een rockconcert. De rol van een klassieke muzikant als Heifetz is om het publiek te raken, niet hem of haar zelf. Heifetz' emoties worden overgebracht door zijn spel, niet door zijn lichaamstaal. Hij had het zeldzame vermogen om elke emotionele nuance uit de muziek te halen en die over te brengen op zijn luisteraars. Het is de luisteraar die geraakt moet worden, niet de artiest.
Tussen twee haakjes vroeg een recensent of hij Heifetz op YouTube het eerste deel van het Tsjaikovski-vioolconcert had zien spelen, met Frank McHugh in het publiek. Dit komt uit de film 'Carnegie Hall' uit 1947, niet 'They Shall Have Music' 'Carnegie Hall'. Het is een nog grotere schat van vele grote klassieke kunstenaars in hun beste jaren. We zijn gezegend dat er filmproducenten waren die, althans in deze beperkte gevallen, ervoor kozen om deze kunstenaars tentoon te stellen. Het was nog steeds een tijdperk dat niet volledig werd overschaduwd door de laagste gemene deler die we vandaag de dag hebben.

text_en:
Although many audio recordings of great musicians like Jascha Heifetz survive, the cinematic or televised record is limited indeed. This is why musical offerings like "They Shall Have Music" are such rare gems. While, with modern eyes and ears, one can quibble about the plot, the perceptive viewer should put this film's unique delights in their proper perspective. The plot was designed to appeal to both young and old audiences of the era, but it remains enjoyable to this day. A important aspect of the experience of watching classic films is to see them through the eyes of the moviegoer of that era.

I must take issue with reviewer who complains about a film that is in black and white, or who feel obliged to report that their students express such reservations. These are juvenile complaints which reflect a limited historical perspective. For the teacher, this should offer up an educational opportunity to explain the unique qualities of black and white photography and its place in cinematic history. Color can, in fact, get in the way of a good storyline, or the music. For example, the black and white photography of John Ford's "Stagecoach," is, like the still photographs of Ansel Adams, an artistic masterpiece.

As for Heifetz being wooden, I could not disagree more. If you want blatant emotional posturing, go to a rock concert. The role of a classical musician like Heifetz is to move the audience, not him or herself. Heifetz's emotion is conveyed through his playing, not through his body language. He had a rare ability to extract every emotional nuance out of the music and transfer it to his listeners. It is the listener who should be moved, not the artist.

Incidentally, one reviewer asked about seeing Heifetz on YouTube playing the 1st movement of the Tchaikovsky Violin Concerto, with Frank McHugh in the audience. This is from the 1947 film "Carnegie Hall," not "They Shall Have Music" "Carnegie Hall" is an even greater treasure of many great classical artists in their prime. We are blessed that there were film producers who, at least in these limited instances, chose to showcase these artists. In was still an era not totally overwhelmed by the lowest common denominator tripe we get today.


text:
Ik heb echt genoten van deze film, en ik ben geen liefhebber van klassieke muziek. Het verhaal van het stoere straatjochie dat klassieke muziek ontdekt en zijn leven verandert, was geweldig om te zien, zonder sentimenteel te worden of te ongeloofwaardig, hoewel sommige details me aan het denken zetten (Frankie en zijn hond kunnen in het souterrain van de school wonen zonder dat een van de leerlingen of leraren hem ontdekt? Waar heeft hij gegeten? Gebaad? Heeft hij ooit schone kleren gekregen? Wat heeft hij zijn hond te eten gegeven? De eigenaar van de school vond het niet belangrijk om de politie in te lichten over het vinden van een vermiste jongen, maar hem voor onbepaalde tijd in het souterrain te laten wonen?) ). Maar we kunnen zulke onrealistische details laten voor wat ze zijn en gewoon genieten van het ontroerende, grappige en een beetje spannende (voor mij in elk geval) verhaal en de geweldig getalenteerde kinderen.
Ik vond de scène waarin de moeders schouder aan schouder op de trap stonden om te voorkomen dat de politie de school binnen zou komen prachtig: ik betwijfel of ze daar tegenwoordig nog mee weg zouden komen. En ik vond het leuk dat de jongen die Frankie had gestolen door de rollen om te draaien (hoewel dat nooit echt ergens toe leidde) en Frankies vrienden hem uiteindelijk hielpen.
Al met al een geweldige film voor iedereen!

text_en:
I really enjoyed this movie, and I'm not a classical music fan. The story of the tough street kid discovering classical music and changing his ways was great to watch, without being sentimental or too unbelievable, although some details had me scratching my head (Frankie and his dog can live in the basement of the school without any of the students or teachers discovering him? Where did he eat? Bathe? Did he ever get a change of clothes? What did he feed his dog? The owner of the school didn't think it was important to notify the police about finding a missing boy, but let him live in the basement indefinitely? :-) ). But we can let such unrealistic details slide and just enjoy the touching, fun, and slightly suspenseful (for me, anyway) story and wonderfully talented children.

I loved the scene with the mothers standing shoulder to shoulder on the steps barring the policemen from entering the school: I doubt they would get away with that nowadays. And I liked the nice touch about the boy Frankie stole from turning the tables on him (although that never really went anywhere), and Frankie's friends helping him out in the end.

All in all, a great movie for everyone!


text:
Zoals je kunt zien aan de paar commentaren die hier staan <0xE2><0x80><0x93> de mijne zijn misschien wel de laatste die je zult zien, tenzij er een grote dvd-uitgave is of TCM hem nog een keer draait! <0xE2><0x80><0x93> is dit een soort 'Our Gang'-film met een stel verschillende kinderen. MGM was beslist de muziekstudio <0xE2><0x80><0x93> als de musici, dansers en zangers niet onder contract stonden, dan waren ze wel op de tap. Heifetz was een van de duurste... dat doet het voor een beetje liefdadigheidswerk!!! Het honorarium dat hij in die tijd ontving was ongehoord. In een andere muzikale film met José Iturbi (Mexicaanse pianist) speelden ongeveer 100 kinderen een of ander eenvoudig deuntje op 100 piano's... dus de sceptici die denken dat jonge kinderen niet muzikaal zijn, hebben het mis: ik was er een. Zoals iedereen schrijft, was 'Frankie Smith' <0xE2><0x80><0x93> de bekende Amerikaanse naam <0xE2><0x80><0x93> (Gene Reynolds) het slecht-maar-goede kind dat van de straat wordt geplukt door de eigenaars van een muziekschool. Kun je je voorstellen dat Walter Brennan ('Prof. Lawson') van al die westerns de man was die de school leidde? Joel McCrea ('Peter McCarthy') en Andrea Leeds ('Ann Lawson') waren de grotere sterren in 'They Shall Have Music', met een hele rits bekende figuranten (van wie velen op eigen houtje sterren werden). Zoals anderen hebben opgemerkt, maakten bijna alle kinderen in het orkest (in feite The Meremblum Symphony uit Los Angeles) grote successen in hun leven, hetzij als musici (voor de studio's) hetzij in andere bedrijven. Het spijt me te moeten zeggen dat er tegenwoordig niet veel orkesten voor jonge mensen zijn <0xE2><0x80><0x93> een trieste vergissing. Ouders met kinderen op school hebben het meestal zo druk met hun best doen om hun hoofd boven water te houden, en velen weten niet eens wat er met de kinderen op school gebeurt. Muziekles kan duur worden, en bijna IEDEREEN zou liever een footballteam hebben...
Dit is het goedkoopste concert van Jascha Heifetz dat je ooit zult horen in deze film... in die tijd kostte het een kwartje. Hij speelt briljant, ook al ziet hij eruit alsof hij liever ergens anders zou zijn... emotieloos. Volgens contract is elk concert van Yo-Yo Ma zo vreugdevol dat je het liefst meteen een cello zou willen kopen... deze jongen heeft het naar zijn zin... zoals de kinderen in het straatconcert, wanneer ze Heifetz om de tuin leiden zodat hij op hun school kan spelen.
Alle orkestnummers werden gespeeld door 'de kinderen', en zo klinkt het ook. Ik ben dol op dit soort films <0xE2><0x80><0x93> hun plot is zo simpel dat je in twee dagen uitvogelt of je van de film hebt genoten <0xE2><0x80><0x93> of hem <0xC3><0xBC>berhaupt hebt begrepen. We moeten meer van dit soort films maken <0xE2><0x80><0x93> we kunnen alleen maar jongere kinderen inspireren om andere instrumenten te spelen dan gitaren... Bravo!

text_en:
As you can tell from the few comments posted here - mine may very well be the last you'll see, unless there is a big DVD-release or TCM plays it again ! - this is a kind-of "Our Gang" movie with a bunch of different kids. MGM certainly WAS the musical studio - if the musicians, dancers and singers weren't under contract, they were on tap. Heifetz was one of the most expensive.....that does it for a little charity work !!! The fee he received in that era was unheard of. Another musical film with Jose Iturbi (Mexican pianist) featured about 100 kids playing some simple tune on 100 pianos......so, those skeptics who think young children aren't musical are mistaken: I was one.

As all write, "Frankie Smith" - good-ole American name - (Gene Reynolds) was the bad-but-good kid who is taken-in from the streets by the owners of a music-school. Can you believe that Walter Brennan ("Prof. Lawson") of all those western movies was the man running the school? Joel McCrea ("Peter McCarthy") and Andrea Leeds ("Ann Lawson") were the bigger stars in "They Shall Have Music", with a host of well-known extras (many of whom went-on to become stars in their own rights). As others have commented, almost all of the kids in the orchestra (actually, The Meremblum Symphony from Los Angeles) made big successes of their lives, either as musicians (for the studios) and other businesses.

Sad to say, there aren't that many young-people's orchestras today - a sad mistake. Parents with children in school are usually so busy trying to keep their heads above water, and many don't even know what is happening to the kids in school. Musical instruction can get to be pricey, and almost EVERYONE would rather had a football-team.....

This is the cheapest concert by Jascha Heifetz you'll ever hear is contained in this movie.....in those days, a quarter. His playing is brilliant, even if he looks like he'd rather be someplace else.....emotionless. By contract, any concert by Yo-Yo Ma is so joyful, it makes you want to run right out and buy a cello.....this guy is having a good time....like the kids in the "street" concert, when they hoodwink Heifetz to play at their school.

All of the orchestral numbers were played by "the kids," and they make it sound easy. I love this type of movie - their plots are so simple, it doesn't take you two days to figure-out if you enjoyed - or understood - the movie, at all. We need some new movies like this - can't do anything but inspire younger kids to play other instruments than guitars.......Bravo!


text:
Ik heb enorm genoten van deze film... en ik kijk er nog steeds af en toe naar. Ik heb hem gebruikt bij mijn muzieklessen op de school waar ik lesgeef. De kinderen lijken ervan te genieten, hoewel ze zouden willen dat hij in kleur was.
Het beste aan deze film is voor mij, die is opgegroeid nadat Heifetz was overleden, de kans om de meesterviolist echt zijn instrument te zien bespelen! Ik was verbaasd over hoe'modern' de verhaallijn is. Hoewel, verwijzingen naar de 'presbyteriaanse school' zijn uit de tijd. Een jongen, wiens vader is overleden en die wordt opgevoed door zijn moeder en stiefvader... de meeste van onze kinderen worden tegenwoordig opgevoed door stiefouders, hoewel de film de indruk wekt dat de meeste stiefouders wreed zijn. Ik word heel erg kwaad als zijn moeder niet zijn kant kiest en zijn daden niet verdedigt tegen de stiefvader.
En de muziekkeuze is ook moeilijk te geloven. Ik vind het ongelooflijk dat een kind, dat eruitziet als een jaar of acht, de 'Minute Waltz' kan spelen, of dat een meisje van dertien een aria kan zingen uit Rigoletto.
Afgezien daarvan is het een heel leuke, leuke film en ik kan hem aanbevelen. Ik wou dat hij op dvd uitkwam.

text_en:
I thoroughly enjoyed this movie...and I watch it from time to time still. I've used it in my music classes at the school where I teach. The kids seem to enjoy it, although, they wish it were in color.

The best thing about this movie is, for me, who grew up after Heifetz had died, is the chance to actually see the master violinist work his craft! I was surprised at how "up to date" the story line is. Although, references to "reform school" are outdated. A boy, whose father had died, and is being raised by his mom and stepfather....most of our kids today are being raised by stepparents, although the movie makes it seem like most stepparents are cruel. I get VERY angry when his mother doesn't take his side and defend his actions against the step-father.

Also, the musical selections are difficult to believe. I find it unbelievable that a child, who looks to be about 8, can play the "Minute Waltz", or that a 13 year old girl could sing an aria from Rigoletto.

Other than that, it's a really fun, feel good movie and I do recommend it. I wish it would come out on DVD.


text: Hal Hartleys inleiding tot een Europese filmserie is een van zijn twee of drie beste pogingen tot nu toe, en gelukkig ook een van de weinige die op dvd verkrijgbaar zijn. Al na 63 minuten zou ik alleen nog maar over Hartley kunnen klagen dat ik altijd meer wil, maar nooit zo veel als nu. Martin Donovan is zo verbazingwekkend als Jezus. PJ Harvey is mooi en interessant als Magdelena, maar het hoogtepunt voor mij was Thomas Jay Ryan (Henry Fool) als Satan. Hartley geeft hem een uitstekende dialoog en een kans om zijn galmende stem ten volle te benutten. Kijk naar drie scènes waarin een microfoon op hem wacht, alsof de duivel op het punt staat een poëziewedstrijd te winnen. Ik heb nog meer commentaren over deze film gelezen en moest de mijne er nog aan toevoegen omdat er niet genoeg loftuitingen zijn. Als je van Henry Fool, Martin Donovan in wat dan ook (Tegenover de Seks) houdt en/of van heel slimme komedies gebaseerd op bijbelse ideeën, moet je dit zo snel mogelijk doen.

text_en: Hal Hartley entry into a European film series is one of his two or three best efforts to date, and, lucklily, one of the few available on DVD. At only 63 minutes running time, my only quibble would be with Hartley I always leave wanting more, but never so much as this time. Martin Donovan is astonishing as Jesus. PJ Harvey is beautiful and interesting as Magdelena, but the high point for me was Thomas Jay Ryan (Henry Fool) as Satan. Hartley gives him excellent dialogue and a chance to use his resounding voice to full effect. Look for three scenes in which a microphone awaits him, as if a poetry slam is about to be won by the devil. I have read other comments on this film and had to add mine because there is not enough praise going around. If you like Henry Fool, Martin Donovan in anything (Opposite of Sex), and/or very clever comedies based on biblical ideas, get this as quickly as possible.


text: Een van de vele speculaties over 2000 was dat de wereld op 31 december 1999 om klokslag middernacht zou vergaan. In 'Het boek van het leven' bestudeert schrijver/regisseur Hal Hartley de mogelijke gevolgen van een nieuw millennium, te beginnen met de terugkeer van Jezus naar de aarde op oudejaarsavond 1999. Het verhaal behandelt de taak van de Zoon van God, die de resterende drie van de zeven zegels van het boek van het leven (dat nu in een Mac-laptopcomputer zit) moet openen, waarin ook de namen staan van de honderdvierenveertigduizend goede zielen die op de laatste dag gespaard zullen worden. Harvey) arriveert in New York om de voorbereidingen te treffen die nodig zijn voor het uitvoeren van zijn vaders wil, maar hij begint te twijfelen; moet hij oordelen over de levenden en de doden? Verdienen zij wat hun moet overkomen? Het is een beker die Hij liever niet op dit moment zou omarmen, hetgeen Satan (Thomas Jay Ryan) bemoedigt, die vreest dat de vrucht van al zijn harde werk om middernacht zal worden weggewassen, want hij kan zijn werk alleen voortzetten zolang er mensen in de buurt zijn die zich vastklampen aan hun armzalige hoop en dromen. Hartley, die een artistieke, conceptuele film heeft gemaakt, presenteert het verhaal op een intelligente, gedurfde, provocerende manier, waarbij hij zijn uiterste best doet om het gevoelige onderwerp niet aan te tasten, zodat het zelfs voor de vurigste fundamentalist niet beledigend is. De dialoog tussen Jezus en Satan is intrigerend en stimulerend, net als het effect van hun aanwezigheid op degenen die ze tijdens hun lichamelijke verblijf in de stad tegenkomen. Het is een boeiende meditatie over de spirituele kant van het kwetsbare bestaan van de mens en een contemplatie van wat is voorspeld in de Openbaringen van Johannes in de Apocalyps, het laatste boek van het Nieuwe Testament. Hij houdt de esthetiek van de huidige omgeving in stand door gebruik te maken van gewijzigde filmsnelheden die de film visueel een etherische kwaliteit geven. Christus draagt onopvallend een pak en stropdas, waardoor hij goed opgaat in de bevolking, terwijl de kleding van Satan wat nonchalanter is en hij er wat sjofel uitziet; hij heeft een blauwe plek boven zijn linkeroog. Donovan is goed gecast als Jezus, wat hem een welwillend voorkomen en een ingehouden urgentie geeft die heel effectief zijn. Het is natuurlijk een unieke weergave van de Verlosser, en misschien wel de beste sinds Max von Sydow in _Het grootste verhaal dat ooit is verteld_. Hij weet met succes een gevoel van innerlijke vrede en rust over te brengen, van sereniteit, dat de essentie vormt van de kern van het personage. En Ryan speelt de rol van de Prins der Duisternis met verve; hij heeft een duidelijke manier van spreken en een resonerende stem, waardoor hij absoluut fascinerend is om naar te kijken. Zijn ogen zijn donker en doordringend, een eigenschap die hij effectief gebruikt met steelse blikken en fascinerende blikken. Hij is de man die je alles kon verkopen in ruil voor je ziel voordat je wist wat je overkwam. Het is een gedenkwaardige vertolking die zo goed contrasteert met Donovans vertolking van Jezus. Tot de bijrollen behoren Martin Pfeffercorn (Martelaar), Miho Nikaido (Edie), Dave Simonds (Dave), D.J. Mendel (advocaat), James Urbaniak (True Believer), Katreen Hardt (assistente van de advocaat) en Anna Kohler (klerk van het hotel). In zijn eigen, onnavolgbare stijl, met _Het boek van het leven_, heeft Hartley een perspectief van de laatste dagen gecreëerd dat interessant, onderhoudend en werkelijk uniek is. Hij heeft een manier om het leven te laten zien zoals het is, een methode die bijzonder goed werkt bij een film als deze. Hoewel vrij kort voor een speelfilm (looptijd 63 minuten), is het niettemin een van Hartleys beste en de toegangsprijs meer dan waard. Het is een film die je bij zal blijven en je misschien aan het denken zal zetten over een paar dingen die je misschien in een hoekje van je geest hebt weggestopt voor later. En dat is een deel van de aantrekkingskracht van deze film; het doet je beseffen dat'vernietigend' hoogstwaarschijnlijk 'nu' is.

text_en: One of the many speculations about Y2K was that the world was going to end at the stroke of midnight on December 31, 1999. In `The Book Of Life,' writer/director Hal Hartley takes a look at the possible ramifications of a new millennium Armageddon, beginning with the return of Jesus to Earth on New Year's Eve, 99. The story examines the task of the Son of God, who must open the remaining three of the seven seals contained in the Book of Life (now contained in a Mac laptop computer), in which there is also the names of the one-hundred and forty-four thousand good souls who will be spared on the last day. Jesus (Martin Donovan), along with Magdalena (P.J Harvey), arrives in New York City to make the preparations necessary for carrying out his Father's will, but he begins to have second thoughts; must he judge the living and the dead? Do they deserve what must befall them? It is a cup He would prefer not to embrace at this particular moment, which gives encouragement to Satan (Thomas Jay Ryan) who fears that the fruit of all his hard labor is about to be washed away at midnight, for he can only continue his work so long as there are people around who cling to their pitiful hopes and dreams. An artistically rendered, high concept film, Hartley presents the story in an intelligent, thought provoking manner, taking great care in dealing with the sensitive subject matter so as to make it inoffensive even to the most ardent fundamentalist. The dialogue between Jesus and Satan is intriguing and stimulating, as is the effect of their presence upon those they encounter during their corporeal stay in the city. It's an engrossing meditation on the spiritual side of Man's fragile existence and a contemplation of that which has been prophesied in the Revelations of St. John in the Apocalypse, the last Book of the New Testament. And there is logic in Hartley's approach to the Second Coming; he maintains the aesthetic of the contemporary setting while employing altered film speeds which visually give the film an ethereal quality. Christ inconspicuously wears a suit and tie, effectively blending in with the populace, while Satan's attire is a bit more casual, his appearance somewhat scruffy; he sports a bruise above his left eye. Donovan is well cast as Jesus, lending a benevolent mien and a sense of restrained urgency to his character that is very effective. It is, of course, a unique portrayal of The Saviour, and possibly the best since Max von Sydow's in `The Greatest Story Ever Told.' He successfully conveys a feeling of inner peace and tranquility, of serenity, that is the essence at the very core of the character. And Ryan is thoroughly engaging in his role of the Prince of Darkness; he has a distinct manner of speech and a resonant quality to his voice that make him absolutely mesmerizing to watch. His eyes are darkly penetrating, a trait he uses effectively with furtive glances and captivating stares. He's the guy who could sell you anything in exchange for your soul before you ever knew what hit you. It's a memorable performance that contrasts so well with Donovan's portrayal of Jesus. The supporting cast includes Martin Pfeffercorn (Martyr), Miho Nikaido (Edie), Dave Simonds (Dave), D.J. Mendel (Lawyer), James Urbaniak (True Believer), Katreen Hardt (Lawyer's Assistant) and Anna Kohler (Hotel Clerk). In his own, inimitable style, with `The Book Of Life,' Hartley has crafted a perspective of the last days that is interesting, entertaining and truly unique. He has a way of capturing life as it is just off center, a method which works especially well with a film like this. Comparatively short for a feature film (running time of 63 minutes), it nevertheless is one of Hartley's best, and more than worth the price of admission. It's a film that will stay with you and perhaps make you think about some things you may have tucked away in a corner of your mind for later. And that is part of the attraction of this film; it makes you realize that `later' most likely is now. I rate this one 9/10.


text: Hartley op zijn dooie gemak: Martin Donovan, geboren om Jezus te spelen, komt als Messias naar het millenium Manhatten; P.J. Harvey is uitstekend als de secondant van Magdelena. Een kleine film, maar droog amusant, kort en lief.

text_en: Hartley on low-key form: Martin Donovan, born to play Jesus, comes as Messiah to millenial Manhatten; P.J. Harvey is excellent as sidekick Magdelena. A slight film, but drily amusing, short and sweet.


text: Dit is mijn favoriete film van Hal Hartley. Al zijn films zijn kleine juweeltjes. Ik ben dol op onafhankelijke films en ik hoop dat Hal Hartley nooit mainstream wordt of op de fles gaat. Stel dat de Here Jezus terugkomt en zo veel van zijn volk houdt dat hij het laatste boek niet kan openslaan om de ongelovigen te vernietigen? Het was leuk om P.J. Harvey in een film te zien, want ik ben een fan van haar muziek. Kijk hier niet naar als je een fan bent van Hollywood-films waarin je koekjes snijdt, je zult teleurgesteld worden.

text_en: This is my favorite Hal Hartley movie. All his movies are small gems. I love independent movies and I hope Hal Hartley never goes mainstream or sells out. What if the Lord Jesus did come back and loved his people so much that he could not open the final book and destroy the unbelievers? It was nice to see P. J. Harvey in a movie since I am a fan of her music. Don't watch this if you are a fan of cookie cutter Hollywood movies, you will be disappointed.


text:
Deze binnenkomer van 1 uur en 30 minuten wordt het best begrepen door katholieken, de grootste religie van zichzelf genezende komieken over de hele wereld. Dat wil niet zeggen dat de film niet op eigen benen kan staan, wat hij wel doet, dat de film niet zonder gebreken is, wat hij wel heeft. Voornamelijk technische problemen: geloof dat digitaal in 1998 het antwoord was, terwijl de film in feite nog in de kinderschoenen stond <0xE2><0x80><0x93> een bèta van een bèta, zo je wilt, en herschrijven zal hem nooit beter maken. In godsnaam, Hal... neem alsjeblieft een Rode. Of drie.
Als je van Hartley-films houdt, natuurlijk, dan zul je ervan houden. Ik hield ervan, omdat ik van Grim/Fool hield, en achteraf gezien waren er nog extra voordelen: ik kon...' Onwillekeurig viel mijn oog op een verontrustende zelfprofetie, een hoog overvliegend vliegtuig dat in deze film uit 1998 werd gebruikt als voorbode van het armageddon. Het was alsof Cheney het hele idee van Hal had gekregen. Het is waar <0xE2><0x80><0x93> Hartley laat zijn spelers in de camera ronddraaien alsof het het Lagerhuis is, gewoon een van de trucjes die even wat rust nodig hebben. Per slot van rekening hebben we nu al aandacht voor de acteurs, en het schrijven leeft. Geen geweldig schrijven, maar... vurig. Mag ik het woord vurig gebruiken? Doelgericht, intelligent, niet neerbuigend.
Ik vind P.J. Harvey in deze film geweldig, natuurlijk zou ik overal van haar houden. Vreemd genoeg zou Helen Mirren, als ze een jongere versie van zichzelf nodig had, Harvey moeten opzoeken en een fles blond haar moeten meenemen.

text_en:
This 1-hour 30-minute inside joke is best understood by Catholics, the number one religion of self-medicating comedians the world over. That isn't to say it can't stand on its own which it does, that the film isn't without its flaws, which its got. Technical issues, mostly: Belief that in 1998 digital was the answer when in fact it was in its infancy - a Beta of a Beta if you will, and re-mastering will never improve it. For the love of God, Hal...please get yourself a Red One. Or three.

If you like Hartley films of course, you'll like it. I liked it, because I liked Grim/Fool, and there were added benefits of retrospect: I couldn't help noticing a disturbing self-prophecy, an airliner soaring overhead, used as a harbinger of Armageddon in this 1998 movie. It was as if Cheney had gotten the whole idea from Hal. It's true - Hartley moves his players round into the camera like it's the House of Commons, just one piece of the gimmickry that needs a rest. After all, we're already paying attention to the actors, and the writing is alive. Not great writing, but...fervent. Can I use the word fervent? Purposeful, intelligent, not condescending.

Absolutely love PJ Harvey in this, course I'd love her anywhere. Oddly, if Helen Mirren needs a younger self, she should look Harvey up and bring a bottle of blond.


text:
Een van mijn favoriete Hartley-films. (Alsof er een'slechte' zou kunnen zijn.) Hoewel, deze film gaat misschien wat meer over de religieuze kant van de zaak dan we normaal zouden verwachten. Niettemin blijft het een Hartley-kant waar we allemaal aan gewend zijn geraakt.
Eerste film over Jezus en Satan die hun ideeën, meningen, hoop en spijt bespreken over het ophanden zijnde einde van de beschaving. Stel je nu voor dat het hele gesprek plaatsvindt bij een paar drankjes in de bar bij jou in de buurt. En als extra gespreksonderwerp (om nog maar te zwijgen van visuele afleiding) laten we PJ Harvey erin optreden als de zwoele metgezel (alias Magdelena) van meneer Chist. Op de achtergrond speelt de altijd aanwezige Salvation Army Band (gespeeld door Yo La Tengo) als extra afleiding. De weg naar morele rechtvaardiging is nog nooit zo'n genot geweest.
Het kan zijn dat er meer vragen dan antwoorden zijn, maar dat is juist het leuke ervan. En Mr. Donovan is een ingetogen genie, zoals altijd.

text_en:
One of my favorite Hartley movies. (As if there could be a "bad" one.) Although, this may be a bit more on the religious side of things than we would normally expect. Nonetheless, it still maintains that Hartley slant to which we've all become accustomed.

First picture Jesus and Satan discussing their ideas, opinions, hopes and regrets about the impending end of civilization. Now imagine the entire conversation taking place over a few drinks in your neighborhood bar. And as an added conversational (not to mention visual) distraction, let's toss in PJ Harvey as the sultry companion (aka Magdelena) to Mr. Chist. Then, just for grins, in the background, an ever present Salvation Army Band (played by Yo La Tengo) to serve as an added diversion. The road to moral justification has never been such a pleasure.

Quite possibly more questions than answers, but therein lies the fun. And Mr. Donovan is subdued brilliance, as always.


text:
Hoewel het niet het beste werk van Hal Hartley is (mijn persoonlijke favoriet is 'Surviving Desire'), is er nog steeds veel leuks aan deze film, vooral voor fans van Hartleys dialogen. Zelfs voor publiek dat nieuw is voor Hartley, zou ik deze film zeker aanbevelen boven het studentikoze 'Dogma'. Deze film is intelligenter, trouwer aan zijn bronmateriaal (de bijbel) en leuker dan de andere apocalyptische films van voor het millennium.
Deze film maakt deel uit van de Franse '2000 As Seen By' (2000 Par Vu)-serie; als zodanig is het misschien zelfs een lowbudgetfilm die minder budget heeft dan Hartleys andere werk. Hoewel het in deze context begrijpelijk is dat er eenvoudige scènes worden opgenomen met een digitale camera, is het grootste probleem met deze film het onfortuinlijke gebruik van het wazige/schokkende effect. Ik zou het effect graag nooit meer in een film zien; vooral in het begin maakt het de film bijna onbruikbaar. Maar als je deze tekortkoming over het hoofd ziet, kun je rekenen op een mooie film. Vooral opmerkelijk is Magdalena (gespeeld door P.J. Harvey) die vertelt hoe Jezus haar redde van de steniging; een korte scène die ik verrassend ontroerend vond. (Ondanks het feit dat het NIET Maria Magdalena was die dit overkwam; de vrouw in de Bijbel was naamloos.)

text_en:
Though not Hal Hartley's best work (my personal favorite is "Surviving Desire"), there is still much to like about this movie, especially for fans of Hartley's dialogues. Even to audiences new to Hartley, I would definitely recommend this movie over the sophomoric "Dogma." This movie is more intelligent, truer to its source material (the Bible), and more fun than any of the other pre-millennium apocalypse movies.

 This movie is actually part of the French "2000 As Seen By." (2000 Par Vu) series; as such, it is perhaps even a lower-budget film than Hartley's other works. While the need for simple scenes shot with digital camera is understandable in this context, the main problem with this movie is the unfortunate overuse of the blurry/jittery effect. I'd be happy to never see this effect used in a movie again; especially at the beginning, it almost makes the movie unwatchable. But overlook this flaw, and you'll be treated to a fine film. Especially notable is Magdalena (played by P.J. Harvey) relating how Jesus saved her from being stoned to death; a short scene I found surprisingly moving. (Despite the fact that it was NOT Mary Magdalene that this happened to; the woman in the Bible was unnamed.)


text: Hilarische film over goddelijke vergelding. Camerawerk stinkt (op digitale video geschoten) en lijkt op vroege MTV-video's. Draai de andere wang toe door voorbij het visuele te kijken en je op het verhaal te concentreren. Lacht om van alles en nog wat voor mensen met een goed ontwikkeld gevoel voor ironie.

text_en: Hilarious film about divine retribution. Camera work stinks (shot on digital video) and looks like early MTV videos. Turn the other cheek by looking past the visual and concentrate on the story. Laughs galore for those with a well-developed sense of irony.


text: Het boek des levens was een soort korte snack, die de eetlust opwekte voor Hartleys volgende lange film.<br />Deze film hoeft niet op het witte doek te worden vertoond, kijk ernaar met een paar vrienden die fan zijn van Hal Hartley of Wayne Wang, of beter nog, probeer een paar nieuwelingen te bekeren.

text_en:
The Book of Life was rather like a short snack, whetting the appetite for Hartley's next full length movie.

This movie doesn't need to be seen on the big screen, watch it with a few friends who are Hal Hartley or Wayne Wang fans, or better still, try to convert some newbies.


text: Hoewel het camerawerk zeker 'funky' was <0xE2><0x80><0x93> misschien net niet'stoned' <0xE2><0x80><0x93> was de premisse van de film fantastisch. Je had echt een vernietigende (in de ware traditie van Hal Hartley) satirische blik nodig op God, Jezus en de duivel. De wisselwerking tussen Jezus en Satan levert een paar hilarische scènes op... Zelfs de monologen van Jezus waren geweldig <0xE2><0x80><0x93> dit was verreweg de beste Jezus die ik ooit heb gezien. Zo ontspannen, zen-achtig, Zoon-van-God-achtig, maar nog steeds zo'n aardige vent. Op een niveau is dit een heel algemene kijk op de paradoxen van het christendom, maar toch is er nog een persoonlijk niveau, waar je met Jezus Christus kunt omgaan zonder een God-Complex te hebben (helaas voor Martin Donovan en Hal Hartley).

text_en: While the camerawork was certainly "funky" - perhaps one dutch-roll short of "stoned" - the premise of the film was fantastic. It really took a scathingly satirical (in the true traditional of Hal Hartley) look at God, Jesus and Devil. The interaction of Jesus and Satan provides some hilarious scenes... Even the monologues of Jesus were great - this was by far the best Jesus I've even seen. So laidback, Zen-like, Son-of-God-ish but still such a nice guy. On one level this is a very general look on the paradoxes of Christianity, but yet there is still a personal level, where you can relate to Jesus Christ without having a God-Complex (thanx to Martin Donovan and Hal Hartley).


text: Hal Hartley is vergeleken met een moderne William Shakespeare, dankzij het feit dat hij zijn acteurs hun tekst laat voordragen in een jambische pentameter. Hij weet zeker hoe hij een cast moet samenstellen en opnieuw is Martin Donovan sensationeel, terwijl Thomas Jay Ryan zijn rol speelt met een intensiteit die onvergetelijk is. Hoewel de film maar 1 uur duurt, werkt het tijdsbestek fantastisch en houdt het publiek tot het allerlaatste moment de adem in. Hal Hartley is zonder twijfel een van de beste regisseurs die de afgelopen 20 jaar uit Amerika zijn gekomen, met een visie die uniek, grappig en hartverwarmend is.

text_en: Hal Hartley has been likened to a modern day William Shakespeare, by virtue of the fact that he gets his actors to deliver their lines in an iambic pentameter. He certainly knows how to assemble a cast and once again Martin Donovan is sensational, whilst Thomas Jay Ryan plays his role with an intensity that is unforgettable. Although the film is only 1 hour, the time frame works wonderfully and keeps the audience on a fast tracked race right till the very end. Without a doubt Hal Hartley is one of the best directors to come out of America in the last 20 years, with a vision that is unique, funny and heart warming.


text: De belofte van Martin Donovan in de rol van Jezus was, eerlijk gezegd, genoeg om me de film te laten zien. Beslist de moeite waard; slim en grappig zonder het te overdrijven. De low-quality-opname was waarschijnlijk een passend effect, maar was uiteindelijk een beetje te veel van het goede, en het einde leek meer op een programma van PBS dan op dat van Hartley. Toch waren er te veel gedenkwaardige zinnen en grote momenten om er een hard oordeel over te vellen.

text_en: The promise of Martin Donovan playing Jesus was, quite honestly, enough to get me to see the film. Definitely worthwhile; clever and funny without overdoing it. The low-quality filming was probably an appropriate effect but ended up being a little too jarring, and the ending sounded more like a PBS program than Hartley. Still, too many memorable lines and great moments for me to judge it harshly.


text:
In The Book of Life speelt Martin Donovan Jezus, die op 31 december op JFK Airport verschijnt om het nieuwe millennium in te luiden door te strijden tegen Thomas Jay Ryan (Satan) en het lot van de wereld te bepalen. Verder is er nog David Simonds (Kurt de accountant van Amateur) als een dwangmatige, dakloze gokker.
Zoals gewoonlijk creëert Hartley een surrealistische wereld waarin de schoonheid van het gewone, vreemd en buitenaards gemaakt, door kunstig ingelijste taferelen en stedelijk/industriële landschappen vol verblindend licht en schaduw stroomt. Zoals gewoonlijk introduceert hij schijnbaar toevallige details in een vroeg stadium en brengt ze later terug in hilarische en onverwachte contexten <0xE2><0x80><0x93> de humor is eenvoudig, maar duizelingwekkend en niet te onderdrukken. Hartley heeft een verbluffend vermogen om kleine, hartstochtelijke momenten te creëren van het tegelijkertijd alledaagse en buitenissige. Zoals gewoonlijk creëert hij een toon die blasé en wereldmoe is, maar tegelijkertijd kwetsbaar, open en eerlijk. Binnen een paar minuten verandert hij van uitbundige humor in een taal die metafysisch en poëtisch is <0xE2><0x80><0x93> het soort schrijven dat zo rechttoe rechtaan en perfect is dat het moeilijk is om je tranen in te houden, ondanks het gebrek aan duidelijke emotie. Nog een ontzagwekkende en uiterst onderhoudende film.
Het Boek des Levens is opgenomen (met een digitale camera?) met een wazig effect: een gevoel van het hemelse hand in hand met het naderende onheil, en een hyperbewustzijn van het heden als broos en vluchtig in de laatste ogenblikken. De films van Hartley hebben de gewoonte om het heden voorrang te geven, maar dit unieke effect wordt nog versterkt als de beelden over het scherm spoelen op een manier die aanvankelijk schokkend is, maar die steeds mooier wordt naarmate je er meer aan gewend raakt. Het laatste shot is spectaculair. Dit klinkt misschien allemaal heel mooi, maar de film is een komedie en hij maakt zichzelf belachelijk, terwijl hij tegelijkertijd de draak steekt met het concept van Armageddon, het Laatste Oordeel en 'urbaniteit'. Hoewel de film in feite heel diepzinnig, ontroerend en levensbevestigend is, is hij voor het grootste deel luchthartig en speels. Het acteerwerk is vlekkeloos in termen van de ingetogen toon die Hartley in zijn films heeft ontwikkeld (een toon die sommige mensen helemaal niet hebben). De mensen die een negatieve reactie op Peter Greenaway hebben, zullen deze film ongetwijfeld cynisch en smalend opvatten <0xE2><0x80><0x93> mensen die afknappen op Hartleys abrupte overgangen en opschepperige of geaffecteerde technieken <0xE2><0x80><0x93> maar iedereen die een fan van Hartley is, zal deze film prachtig vinden (als ze tenminste de kans krijgen om hem te zien). Het is moeilijk te zeggen hoe de film op video eruit zou zien.

text_en:
In The Book of Life, Martin Donovan plays Jesus, who shows up at JFK airport on December 31 to usher in the new millennium by battling with Thomas Jay Ryan (Satan) and deciding the fate of the world. There is also David Simonds (Kurt the accountant from Amateur) as a compulsive, homeless gambler.

As usual, Hartley creates a surreal world in which the beauty of the ordinary made strange and otherworldly flows through artfully-framed scenes and urban/industrial landscapes filled with dazzling light and shadow. As usual, he introduces seemingly incidental details early, then brings them back later in hilarious and unexpected contexts--the humor is simple, but giddy and irrepressible. Hartley has an amazing ability to build toward small and rapturous moments of the simultaneously mundane and outrageous. As usual, he creates a tone that is jaded and world-weary but at the same time, vulnerable, open, and honest. He moves within minutes from uproarious humor into language that is metaphysical and poetic-the kind of writing that is so dead-on and perfect that it's difficult to hold back tears despite the lack of obvious emotion. Another awesome and highly entertaining film.

The Book of Life is shot (a digital camera?) with a blurry effect: a sense of the celestial hand-in-hand with impending doom and a hyper-awareness of the present as fragile and fleeting in it's last moments. All of Hartley's films have a way of prioritizing the present, but this unique effect compounds it as the images wash across the screen in a way that is at first jarring, but becomes increasingly beautiful as you settle into it. The final shot is spectacular. All this may sound precious, but the film is a comedy and it makes fun of itself even as it makes fun of the concept of Armageddon, Judgment Day, and "urbanity." Although it is actually quite profound, moving, and life-affirming, it is for the most part lighthearted and playful. The acting is flawless in terms of the kind of the subdued tone that Hartley has developed in his films (a tone that some people don't get and that prompts them to judge such acting as hollow--the same people who have a negative response to Peter Greenaway). As always, there are bound to be people who respond to this film with cynicism and scorn--people put off by Hartley's abrupt shifts and what they see to be pretentious or mannerist techniques--but anyone who is a Hartley fan will love this film (if they can get a chance to see it, that is). It's hard to say what it would be like on video.