text:
Shepitko is de vrouw van de Russische filmmaker Elem Klimov, die de commercieel bekendste film uit 1984 regisseerde, _KOM AND SEE_, die over het algemeen wordt beschouwd als een van de meest realistische oorlogsfilms aller tijden en die vooral bekend is vanwege de schroeiende poëtische intensiteit, maar volgens mij ontbreekt de innerlijke complexiteit van deze nog grotere Russische film, die niet alleen de gruwelijke beelden aan de buitenkant onderzoekt, maar ook werkelijk inspirerende beelden vindt die zich op individuen of kleine groepjes personages richten die de absolute waanzin weerspiegelen die zich in deze mensen afspeelt en waarvan het einde gewoon ontzagwekkend is. De kogels vliegen in het rond en lichamen sterven in een vuurgevecht bij de aftiteling, waar de intensiteit van de film nooit afneemt en zich concentreert op grimmige gezichten, uitgeputte soldaten die bijna niets te eten hebben, een doodsbange bevolking onder bezetting, uitgehongerde kinderen met versteende moeders, allemaal gesitueerd in een immens landschap van eindeloze witte sneeuw. Net als CRANES ARE FLYING (1957) gaat dit over een Russisch leger dat zich terugtrekt, een traumatische schok aan het begin van de oorlog, toen ze bijna werden weggevaagd. Het Russische platteland is onder de voet gelopen door Duitse nazi's die de burgers terroriseren, het voedsel dat ze hebben stelen en hen onder dwang dwingen hun informantenogen en oren te worden. Wat de Russische soldaten overlaten, verbergen ze onder de dekking van de bossen, maar ze zijn gedwongen voedselexpedities te ondernemen naar naburige boerderijen. Deze film volgt twee soldaten die van het begin af aan op een bijna onmogelijke missie zijn, aangezien er in hartje winter weinig voedsel over is. De een is gezond en fit, Vladimir Gostyukhin als Rybak, terwijl de ander, Boris Plotnikov als Sotnikov, wordt vertraagd door een tuberculeuze hoest en uiteindelijk door een kogel in zijn been die hem bijna voor dood achterlaat, maar zijn partner redt hem heldhaftig. Als ze door kniehoge sneeuwhopen stappen, op sommige plaatsen kruipend met onvoldoende bescherming tegen de harde elementen, wordt de natuur zelf hun taaiste vijand, zoals in zoveel Russische films.
Spoilers! Alles wordt teruggebracht tot een kwestie van overleven. Als ze hun bestemming bereiken, is de boerderij verwoest en in puin achtergelaten. Ze dringen het door de Duitsers bezette gebied binnen, waar de volgende boerderij wordt bemand door een bejaarde Sovjet-collaborateur die bang is voor vergelding door de nazi's. De partizanen vinden hem een lafaard, maar trekken verder, waar ze uiteindelijk worden gevangengenomen en naar een nazikamp in een nabijgelegen stad worden gebracht, waar ze als gevangenen worden vastgehouden, samen met een trotse, beschermende moeder (Ljoedmila Polyakova) die hen heeft geholpen te verbergen. De trouwe Tarkovski verschijnt als Anatoli Solonitsyn als Portnov, de ondervrager, een Russische leraar van een nabijgelegen academie die een sympathisant van de nazi's is geworden. De diepgewortelde verdorvenheid van de oorlog is de manier waarop de Russen hun mede-Russen martelen en executeren, en Solonitsyn is briljant in de verachtelijke rol waarvoor hij volmaakt geschikt is. Voor zover we kunnen zien, terwijl nazi-officieren joviaal met elkaar staan te babbelen, is hij zelfs in deze groep een buitenstaander, die wordt gezien als een soort lugubere begrafenisondernemer in een zwarte mantel die stelselmatig mannen naar hun graf stuurt. Het publiek wordt niet gespaard voor het zien van martelingen bij Sotnikov, die niets dan minachting toont, terwijl Rybak vrijuit spreekt in de hoop zijn leven te redden, maar beiden worden ter dood veroordeeld, hoewel Rybak de kans krijgt het Duitse Rijk te dienen als politieman. De moeder, de oudere collaborateur en een kind worden aan deze groep toegevoegd en brengen nog één laatste nacht samen levend door, waar ze samen de verdiensten van een soldatenmissie bespreken, van het zijn van een patriot, een moeder, een lafaard of een collaborateur. Ieder van hen lijkt individueel gedreven door een wanhopige behoefte om te overleven, maar Sotnikov biedt zichzelf aan als een onzelfzuchtig voorbeeld, in een poging zijn schuld te bekennen om de anderen te sparen, waarbij de toepasselijk gekozen titel zijn geestelijke verlossing weerspiegelt.
De volgende ochtend lijkt Portnov lichtelijk geamuseerd door hun plotselinge bereidheid om te praten, maar spaart niemand, behalve Rybak, die zijn kant kiest om in leven te blijven en in gedachten redeneert dat als hij nog leeft, hij in elk geval een kans heeft om te ontsnappen. Maar er is geen ontsnapping mogelijk aan deze kwelling. Wat er gebeurt wordt getoond met een verfijnde delicaatheid en poëtische gratie, terwijl we getuige zijn van het verraad van de oorlog zonder dat er ook maar één schot wordt gelost, terwijl de executie door ophanging wordt veranderd in een openbaar spektakel, waarbij de dorpelingen gedwongen worden om met de loop van een geweer toe te kijken. De snelheid en de aangrijpende intensiteit van deze film zijn meedogenloos, want er is nooit een moment zonder dreigende dreiging, schitterend gefilmd door Vladimir Tsjoetsjnov (die bij hetzelfde auto-ongeluk om het leven is gekomen als Shepitko), met volmaakt beheerste landschappen en veel camerabewegingen, waarvan veel van dichtbij, met gebruikmaking van portretfoto's, vooral die van een felle jonge jongen aan het eind die de veroordeelde mannen gadeslaat, die een surrealistische verbinding legt met de volgende generatie zonder dat er woorden worden gesproken, geaccentueerd door de psychologisch afschrikwekkende muziek van Alfred Shnittke, die lijkt op de transcendente maar razend verontrustende monolietmuziek uit Kubricks 2001: A SPACE ODYSSEY (1968). Het geluidsontwerp van deze film is zeer geavanceerd en uniek modern, waarbij het gebruik van geluid buiten het scherm voortdurend de rauwe zenuwen blootlegt van elk moment, honden die blaffen, wind die waait, kogels die inslaan, nazi's in de buurt die in onvertaald Duits kwebbelen of sadistisch lachen om hun hulpeloosheid, wat de afschuwelijke spanning alleen maar opvoert tot waanzinnige hoogten. In veel opzichten lijkt Dreyer in zijn _The Course of JOAN of ARC_ (1928) op iemand die volkomen krankzinnig is, het meedogenloze besef dat je geen keus hebt en dat je toch gedwongen bent er een te maken. De nachtmerrieachtige innerlijke gedachten aan het eind worden woordeloos uitgedrukt, waar de adeldom van de doden boekdelen spreekt, waar stemmen in de hoofden van de levenden blijven weerklinken als een explosie van nooit eindigende echo's, maar waar slechts stilte de frisse winterlucht vult met een droefgeestige eerbied en een diep gevoel van verlies.

text_en:
Shepitko is the wife of Russian filmmaker Elem Klimov, who directed the more commercially known 1984 film COME AND SEE, generally regarded as one of the most realistic war films ever, bar none, notable for its searing poetic intensity, but I believe it lacks the inner complexity of this even greater Russian film, which examines not just the graphic outer horrors, but she finds truly inspiring images focusing on individuals or small groups of characters that reflect the absolute insanity taking place inside these human beings, the ending of which is simply awe-inspiring. Bullets are flying and bodies are dying in a gun skirmish over the opening credits, where the intensity of the film never lets up throughout the duration, focusing on grim faces, worn out soldiers with next to nothing to eat, a terrified population under occupation, starving children with petrified mothers, all cast in an immense landscape of endless white snow. Like CRANES ARE FLYING (1957), this features a Russian army in retreat, a traumatizing shock early in the war when they were nearly wiped out. The Russian countryside has been overrun by German Nazi's who are terrorizing the citizens, stealing what food they have, forcing them under duress to become their informant eyes and ears. What Russian soldiers are left hide under cover of forests, but are forced to send food expeditions to neighboring farms. This film follows two soldiers that from the outset are on a near impossible mission, as there's little food left anywhere in the dead of winter. One is healthy and fit, Vladimir Gostyukhin as Rybak, while the other, Boris Plotnikov as Sotnikov, is slowed down by a tubercular sounding cough and eventually a bullet in his leg that nearly leaves him for dead, but his partner heroically rescues him. As they step through knee deep snow drifts, crawling at some points with insufficient protection against the harsh elements, like so many other Russian films, nature itself becomes their toughest foe.

Spoilers!! Everything is reduced to a matter of survival. When they reach their destination, the farm has been demolished and left in a state of rubble, pushing forward into German occupied territory where the next farm is manned by an elderly Soviet collaborator who fears Nazi retribution. The partisan soldiers think him a coward but move on, where they are eventually captured and brought to a Nazi camp in a nearby town and held as prisoners, along with a proud and protective mother (Lyudmila Polyakova) who helped hide them. Tarkovsky stalwart Anatoli Solonitsyn appears as Portnov the interrogator, a Russian teacher from a nearby academy turned Nazi sympathizer. Russians torturing and executing fellow Russians is the depth of war depravity and Solonitsyn is brilliant in the despicable role he's perfectly suited for. From what we can see, as Nazi officers chat jovially in close proximity to one another, he is an outsider even among this group, seen instead as a kind of gruesome black-cloaked undertaker who routinely sends men to their graves. The audience is not spared from witnessing acts of torture on Sotnikov, who offers nothing but contempt, while Rybak speaks freely, hoping to save his life, but both are condemned to die, though Rybak is offered a chance to serve the German Reich as a police agent. The mother, the elderly collaborator, and a child are added to this group, spending one last night together alive where together they discuss the merits of a soldier's mission, of being a patriot, a mother, a coward, or a collaborator. Each seems individually driven by a desperate need to survive, but Sotnikov offers himself as a selfless example, attempting to confess his guilt to spare the others, where the aptly chosen title reflects his spiritual redemption.

By the next morning, Portnov seems mildly amused, mocking them at their sudden willingness to talk, but spares no one except Rybak, who changes sides to keep his life, rationalizing in his thoughts that if he's alive, at least he has a chance to escape. But there is no escapenot from this torment. What happens is shown with exquisite delicacy and poetic grace, as we witness the treachery of war without a single shot being fired, as the execution by hanging is turned into a public spectacle, where the villagers at the point of a gun are forced to witness. The pace and harrowing intensity of this film is relentless, as there is never a moment without impending menace, gorgeously shot by Vladimir Chukhnov (who died in the same car accident as Shepitko), featuring perfectly composed landscapes and plenty of camera movement, much of it at close range using portraitures, especially that of a fierce young boy at the end who eyes the condemned men, who makes a surreal connection to the next generation without any words being spoken, accentuated by the psychologically horrific music of Alfred Shnittke which resembles the transcendent yet furiously disturbing monolith music from Kubrick's 2001: A SPACE ODYSSEY (1968). The sound design of this film is highly advanced and uniquely modern, where the use of off screen sound continually exposes the raw nerves of each moment, dogs barking, wind blowing, bullets firing, nearby Nazi's chattering in untranslated German or laughing sadistically at their helplessness, which only ratchets up the hideous tension to insane heights. In many ways resembling Dreyer's THE PASSION OF JOAN OF ARC (1928), utter insanity is exposed here, the relentless realization that you have no choice, yet you are forced to make one anyway. The nightmarish inner thoughts at the end are expressed wordlessly, where the nobility of the dead speaks volumes, where voices continue to reverberate inside the heads of the living like an explosion of neverending echoes, yet only silence fills the crisp wintry air with a mournful reverence and a profound sense of loss.


text: Ik heb dit net gezien en ik vind het moeilijk te geloven dat het niet beter bekend is. Dit en de iets beter bekende, maar bijna even schandalig verwaarloosde _Kom en zie_ (Klimov, 1986) moeten wel twee van de beste oorlogsfilms zijn. Ze zijn betekenisvol, krachtig, scherpzinnig. THE ASCENT is ook begiftigd met een spaarzaam gebruikte, maar briljante, vernietigende score van Schnittke.

text_en: Having just seen this, I find it hard to believe that it is not better known. This and the slightly-better-known, but almost-as-shamefully-neglected COME AND SEE (Klimov, 1986) must be two of the greatest war films. They are meaningful, powerful, incisive. THE ASCENT is also gifted with a sparingly-used, but brilliantly trenchant score by Schnittke.


text:
Zelfs als Voskhozhdeniye je favoriete film was, zou je hem op zijn hoogst eens in de tien jaar kunnen zien. Hij is gewoon te emotioneel inspannend. The ASCENT wordt algemeen beschouwd als de beste film van Shepitko, maar het verhaal gaat over partizanen die midden in de winter in het bos van Wit-Rusland in de door de Duitsers bezette Sovjet-Unie opereren.

Terwijl de kijker wordt overvallen door de puur fysieke ervaring van de oorlog, met name de ontberingen van kou en sneeuw, de feitelijke strijd tegen de natuur en de fascisten, is er altijd een subtiele, nauwelijks waarneembare subtekst van een moreel oordeel en de vraag of een mens in de ene context moreel of immoreel kan zijn, maar in een andere context niet. Een partizanengroep die zich in de bossen schuilhoudt, wordt door een Duitse patrouille aangevallen en raakt zijn voedselvoorraden kwijt. Twee mannen, Rybak, die het gebied kennen, en Sotnikov, een joodse schoolmeester, krijgen de opdracht naar een klein dorp te gaan om voedsel te halen. Ze vinden het dorp tot de grond toe afgebrand met niets eetbaars en niets meer dan verkoolde balken en funderingen waarin in een nis een kinderspiegel is verborgen. Het overweldigende gevoel is dat degene die de wreedheid van de oorlog over een land en een volk brengt, werkelijk vervloekt is. Ik dacht aan de oorlog die de Amerikanen en Britten naar Irak hadden gebracht en aan het feit dat de gruwelen van de oorlog aan het volk brengen de daad van een gedegenereerde natie is.
De twee gaan naar een groter dorp in de buurt, waar ze onder dwang een lam van de collaborateurshoofdman krijgen. Het lam van de Duitser arriveert en de twee partizanen ontsnappen onder vuur. Sotnikov wordt in zijn voet geraakt en weet die van de Duitser af te weren, terwijl Rybak met het lam wegkomt. Sotnikov wordt zo wanhopig dat hij zijn laars uittrekt om een kogel door zijn hoofd te jagen. Op dat moment komt Rybak terug en trekt Sotnikov uit de vuurlinie. '
Rybak sleept Sotnikov door het bos, bloederig meter voor meter, allemaal in één lange opname. Elke meter is een marteling, maar toch trekt hij hem door diepe sneeuw, over bergkammen, door kuilen, over zwarte boomstronken die kraken onder het gewicht van de mannen. Er zijn verschillende overeenkomsten met het filmvocabulaire van Tarkowsky hier <0xE2><0x80><0x93> de lange opnamen waarin een proces wordt vastgelegd, het effect van het gebruik van herhalingen, en de emotionele spanning die ontstaat naarmate de opname langer duurt. Op de achtergrond hangt, onopgemerkt door de actie, een vraag <0xE2><0x80><0x93> heeft Rybak een immorele daad begaan door terug te gaan voor Sotnikov? Of het nu onder de morele maatstaven van het marxistisch-leninisme viel of alleen maar onder de gemeenschappelijke eis van het overleven van de groep, het was toch zijn plicht om het voedsel terug te brengen naar zijn uitgehongerde groep en Sotnikov achter te laten om zijn ontsnapping te dekken? Om één man op te offeren om de groep te laten overleven? Wat tot de vraag leidt: Kan van een man die immoreel is onder het ene filosofische systeem, verwacht worden dat hij moreel is onder een ander moreel systeem? De partizanen komen als een nieuwe oorlogsvloek naar een boerderij met een vrouw en drie kleine kinderen. Ze is verbitterd door de gesel van de oorlog en kan zich met haar drie kinderen nog maar net staande houden. Ze zijn nog maar nauwelijks uitgerust of er komen nog meer Duitsers. Ze maken aanstalten om weg te gaan en worden naar de zolder gestuurd om zich te verbergen.
Sotnikovs hoest verraadt hen. Als een Duitser zijn hoofd om de hoek van de deur steekt en niemand reageert, dreigt hij op de zolder te schieten. Rybaks zenuwen breken en ze worden gevangen genomen. Wie heeft hier nu de morele verantwoordelijkheid? Sotnikov voor het hoesten of Rybak voor het breken van zijn nek? De twee partizanen en de moeder worden vastgebonden en naar een nabijgelegen stad gebracht, waar ze onheilspellend onder een smeedijzeren boog bij de ingang door lopen. Ze vinden het dorpshoofd en een klein meisje al in hechtenis. Ze worden ondervraagd door een overloper uit Wit-Rusland, gespeeld door de favoriete Anatoli Solonitsyn van Tarkowsky. Sotnikov houdt zijn hoofd tijdens de ondervraging en de marteling en vraagt alleen wat het vooroorlogse beroep van de ondervrager was. Hij geeft geen antwoord, maar gezien zijn gemak om achter een bureau te staan was het waarschijnlijke antwoord 'onderwijzer'.
Rybak smeekt daarentegen om zijn leven en biedt zelfs aan bij de politie te gaan. Het tot nu toe onopgemerkte karakterfoutje, het nemen van een'verkeerde' morele beslissing, waarbij de ambiguïteit (sentimentaliteit) het vooroordeel maskeerde, wordt nu duidelijk, verontrustend en heel lelijk.
De vijf zitten in een donkere cel. Ze moeten de volgende dag allemaal sterven. Van hieruit worden de elementen van een christelijke parabel sterker. Echte Rembrandt-verlichting en composities worden gebruikt, zoals ook andere poses van Christus in de oude meesters zijn afgebeeld. Hij besluit dat hij iedereen kan redden als hij de schuld voor iedereen op zich neemt. Hij moet tot de ochtend in leven worden gehouden, zodat hij iedereen kan redden. Hij vraagt de moeder om vergeving en het dorpshoofd, die weet wat er gebeurt, voelt niet meer zo'n wanhoop bij het zinloze sterven als voorheen.
De ochtend breekt aan. Het kan de Duitsers niet schelen of Sotnikov alle zonden van zijn metgezellen op zich neemt of niet. Ze zullen allemaal worden opgehangen. Ze sjokken door een steil hellende straat die een soort Via Dolorosa is. Er wordt een bank naar de executieplaats gebracht, de poort naar het dorp. Er hangen vijf touwen aan. De bank is maar voor drie personen, dus Sotnikov gaat op een boomstronk staan die Rybak onder hem vandaan schopt. Ze worden allemaal opgehangen.
Als Rybak met de Duitsers de weg af loopt, noemt iemand in de menigte hem een Judas, een onnodige verwijzing, Shepitko's enige misstap. Rybak stelt zich verscheidene keren voor dat hij in de rug wordt geschoten terwijl hij probeert te ontsnappen en een eervolle dood sterft, en probeert zich, zonder succes, in het schijthuis op te hangen, maar vertrekt met de Duitsers als de geslagen hond die hij is. Maar als Rybak in moreel opzicht gelijk had om terug te gaan en Sotnikovs leven te redden, heeft hij dan ongelijk als hij probeert zijn eigen leven te redden?

text_en:
Even if Voskhozhdeniye was your favorite film it would only be possible to watch it, at most, every ten years. Its just too emotionally strenuous.Widely regarded as Shepitko's finest film, THE ASCENT is the story of partisans operating in the Byelorussian forest in the dead of winter in German occupied Soviet Union.

While assaulting the audience with the sheer physicality of the wartime experience, particularly the privations of cold and snow, the actual struggle for survival against both nature and the fascists, there is always a subtle, barely inferred sub-text of moral judgment and the question about whether a man can be moral or immoral in one context but otherwise in another.

A partisan group hiding in the woods is attacked by a German patrol and loses their food supplies. Two men, Rybak, who knows the area, and Sotnikov, a Jewish schoolteacher, are assigned the task of going to a small village for food. They find the village burnt to the ground with nothing edible and nothing more than charred timbers and foundations in which in one cubby hole there's a children's mirror hidden. The overwhelming feeling is that whoever brings the brutality of war to a land and a people become truly cursed. I thought of the war that the Americans and British brought to Iraq and about how bringing the horrors of war to people is the act of a degenerate nation.

The two move on to a nearby larger village where they obtain, under duress, a lamb from the collaborator headman. The German's arrive and the two partisans escape under fire. Sotnikov is hit in his foot and holds off the German's as Rybak gets away with the lamb. Sotnikov becomes so desperate that prepared not to be taken alive he removes his boot in order to put a bullet into his head. Just then Rybak returns and drags Sotnikov out of the line of fire.

Rybak drags Sotnikov through the forest, bloody meter by meter all done in one long take. Each meter is an agony and yet he still pulls him through deep snow, up ridges, across depressions, over black bush stumps which crack as they snap under the weight of the men. There are several similarities to the cinematic vocabulary of Tarkowsky here - the long takes documenting a process, the effect of using repetition, and the resulting emotional stress which builds the longer the shot goes on. In the background, unnoticed because of the action, there hangs a question- did Rybak commit an immoral act by going back for Sotnikov? Whether under the moral standards of Marxist-Leninism or merely the common imperative of the survival of the group, wasn't his duty to get the food back to his starving band and leave Sotnikov to cover his escape? To sacrifice one man in order for the group to survive? Which leads to the question - Can a man who is immoral under one philosophical system be expected to be moral under a different moral system? The partisans come as if another curse of war to a farm house containing a woman with three small children. She is embittered by the scourge of war and barely hanging on with her three children. They are barely rested when more Germans show up. They make their way to leave and are directed to the loft to hide.

Sotnikov's cough gives them away. When a German pops his head in to have a look and no one responds he threatens to fire across the loft and Rybak's nerves break and they are captured. Now who has the moral responsibility here? Sotnikov for coughing or Rybek for cracking? The two partisans and the mother are trussed up and taken to a nearby town passing ominously under a wrought iron arch at the entrance. They find the headman and a small girl already in custody. They are interrogated by a turncoat Byelorussian played by Tarkowsky favorite Anatoli Solonitsyn. Sotnikov keeps his head during interrogation and torture and only asks what the interrogator's prewar profession was? He doesn't answer but from his ease standing behind a desk the likely answer was 'schoolteacher'.

Rybak on the other hand begs for his life and even offers to join the police. The previously unnoticed character defect, making a 'wrong' moral decision, the ambiguity (sentimentality) of which disguised it from judgment, now becomes obvious, unsettling and very ugly.

The five sit in a dark cell. They are all scheduled to die the next day. From here the elements of a Christian parable become stronger. Genuine Rembrandt lighting and compositions are used as other Old Master poses of Christ are represented. He decides he can save everyone if he takes on the guilt for everyone. He must be kept alive until morning so he can save everyone. He asks the mother for forgiveness and the headman knowing what is taking place doesn't feel such despair at dying uselessly as he did before.

Morning comes. The Germans don't care if Sotnikov takes on all of the sins of his companions or not. They will all be hung. They trudge up a steeply inclined street which is a virtual Via Dolorosa. A bench is taken up to the site of execution which is the gateway to the town. Five ropes hang from it. The bench only stands three, so Sotnikov stands on a tree stump which Rybak kicks out from under him. They all are hung.

As Rybak descend the road with the Germans, someone in the crowd calls him a Judas, an unnecessary allusion, Shepitko's only misstep. Rybak imagines several times being shot in the back trying to escape, dying an honorable death and tries, unsuccessfully, to hang himself in the shithouse, but leaves with the Germans as the beaten dog he is. However if Rybak was morally right to go back and save Sotnikov's life, is he wrong to try to save his own life?


text: Ik heb deze film vele jaren geleden gezien (samen met een andere film van Shepitko, Wings) als onderdeel van een Russische filmserie in een plaatselijk filmarchief. Maar voor zover ik weet is geen enkele van Shepitko's films ooit in de Verenigde Staten op video of dvd verschenen. _Opgang_ is een geweldige film, naar elke maatstaf, met verbluffende zwart-witfoto's, een hypnotiserende regie en acteurs die zo diep in hun rol opgaan dat je niet het gevoel hebt dat ze alleen maar een voorstelling geven. Hoewel de details uit die tijd over het Russische verzet tegen (en samenwerking met) de Duitse bezetting heel veelzeggend zijn, is het verhaal tijdloos. Twee Russische partizanen worden door de Duitsers gevangen genomen, en de ondervraging stelt hun integriteit en moed op de proef. Ik vermoed dat de reden waarom het niet door de Russen op dvd is uitgebracht (hier komt de klap op de vuurpijl) is dat de joodse intellectueel (en niet de stoere Russische boer) de partizaan is die zich verzet tegen bedreigingen en verleidingen, sereen zijn dood tegemoet gaat en een heldhaftig voorbeeld stelt voor de dorpelingen.

text_en: I saw this film many years ago (along with another of Shepitko's films, Wings) as part of a Soviet film series at a local film archive. But none of Shepitko's films, as far as I can tell, have ever made it to video or DVD in the United States. Ascent is a great film by any standard, with stunning black and white photography, hypnotic direction, and actors so deep into their roles that you have no sense of them merely giving a performance. Although the period details of Russian resistance to (and collaboration with) German occupation are very telling, the story is timeless. Two Russian partisans are captured by the Germans, and the interrogation tests their integrity as well as their courage. I suspect the reason why it has not been released on DVD by the Russians (here comes the spoiler) is that the Jewish intellectual (and not the tough Russian peasant) is the partisan who resists both threats and temptation, goes serenely to his death, and sets an heroic example for the villagers.


text: Deze geweldige film geeft ons een aanwijzing over de diepte van onze ziel op de dodelijkste momenten van ons leven. Mijn hart krimpt elke keer ineen als ik het tafereel van de ophanging zie. Ik heb geen woorden... Je moet deze briljante film zien.

text_en: This greatest movie gives us clue to the depth of our souls in most deadly moments of our lives. My heart is shrinking every time I saw the scene of hanging. I have no words any... You must see this brilliant picture.


text:
The Ascent (1977)
Larisa Shepitko is een naam die maar weinigen kennen. Haar briljante carrière als regisseur duurde slechts een decennium en werd abrupt beëindigd door een tragisch auto-ongeluk. Ondanks haar korte carrière slaagde ze er echter in een paar van de beste Sovjet-films van haar tijd te maken. Haar laatste film, The Ascent, wordt algemeen beschouwd als een van de beste Sovjet-films van de jaren zeventig. Niettemin bleef haar werk in de daaropvolgende jaren in de vergetelheid, meestal alleen beschikbaar op zeldzame en slechte kopieën op video. Dat is nu veranderd dankzij de mensen van Criterion. Ze hebben twee van Shepitko's beste werken vrijgegeven via hun Eclipse-afdeling: Wings en haar voorlaatste meesterwerk The Ascent. In de donkerste dagen van de Tweede Wereldoorlog trekken twee partizanen over besneeuwd Russisch platteland, op zoek naar voedsel nadat hun groep door nazipatrouilles is aangevallen. Oorspronkelijk gaan ze alleen naar een boerderij in de buurt, maar als ze daar aankomen, zien ze dat die met de grond gelijk is gemaakt door de Duitsers. Omdat ze niet met lege handen willen terugkeren, trekken ze verder vijandelijk gebied in. Onderweg komen ze niet alleen vijandelijke soldaten tegen, maar ook de barre omstandigheden van de Russische vlakten, mogelijk verraad en hun eigen ziel.
De film is geen simplistische plot of bestemming. Hij behandelt moeilijke vragen met pijnlijke rationaliteit. Hij neemt nooit de gemakkelijke weg of geeft ons troostende antwoorden. De tweede helft van de film is gevuld met morele dilemma's. Shepitko toont ons de intieme verschrikkingen van de oorlog door middel van het interne conflict tussen mede-Russen <0xE2><0x80><0x93> degenen die samenwerkten en degenen die terugvochten. Hoewel ze de collaborateurs toont als de duidelijke hielenlikkers, toont ze niettemin ook waarom velen zich tot dergelijke tactieken wendden <0xE2><0x80><0x93> om te overleven.
De film bevat een aantal religieuze verwijzingen, met name naar het begin van de kruisiging. Dit is een spirituele reis, naar de harten, zielen en geesten van de twee partizanen en degenen die ze tegenkomen. Shepitko en haar cameraman leggen de reis in prachtige zwart-witfoto's vast. De camera beweegt zich in lange shots, vergelijkbaar met het camerawerk van een andere Russische film.' Shepitko was een van de grootste filmmakers van Rusland, Andrei Tarkovski. Net als vele anderen was Shepitko duidelijk beïnvloed door de stijl van Tarkovski, en de _Opstanding_ heeft een paar van zijn ritmische noten uit _Iwans jeugd_. Het is een verbluffende film om naar te kijken en hij weet de koude en angstaanjagende sfeer van bezet Rusland fantastisch te vangen.
Shepitko's man zou tien jaar later eer bewijzen aan haar grote film. Elem Klimov maakte zijn eigen meesterwerk met een van de grootste films die ik ooit heb gezien: _Come and See_. Het verhaal en de thema's van die film waren duidelijk beïnvloed door _Opstanding_. Hoewel die film ook vrij obscuur is, kreeg hij veel meer aandacht dan een van Shepitko's andere films. Dat werkte echter als een brug naar Shepitko en is een van de beste hulpmiddelen geweest om haar werk levend te houden.
De Verheffing is een werkelijk schitterende film en zou terecht beschouwd moeten worden als een van de beste films uit de jaren zeventig. De verbluffende cinematografie is inspirerend; de sfeer is angstaanjagend authentiek; en de lessen zijn onvergetelijk. Het is, in elke betekenis van het woord, niets minder dan een meesterwerk. Wat jammer dat Shepitko's carrière werd afgebroken toen ze op haar hoogtepunt was.

text_en:
The Ascent (1977)

Larisa Shepitko is a name very few are familiar with. Her bright career as a director only lasted a single decade, ended abruptly by a tragic car accident. Despite her short career, she however managed to create some of the best Soviet films of her time. Her last film, The Ascent, is widely regarded as one of the finest Soviet films of the 1970s. Nevertheless, her work remained in obscurity throughout the years that followed, usually only available on rare and poor copies on video. That has now changed thanks to the folks at Criterion. They've released two of Shepitko's best works through their Eclipse department - Wings, and her penultimate masterpiece The Ascent.

Set during the darkest days of WWII in snowy rural Russia, two partisans trudge their way across the land in search of food after their party is attacked by Nazi patrols. They're originally only to go to a nearby farm, but when they arrive they find it razed by the Germans. Not wanting to return empty handed, they continue on deeper into enemy territory. Along the way they must confront not only enemy soldiers, but the harsh conditions of the Russian plains, potential betrayal and their own souls.

The movie does not fall into simplistic plot devices or destinations. It addresses difficult questions with painful rationality. It never takes the easy road or gives us comforting answers. The second half of the film is filled with moral dilemmas. Shepitko shows us the intimate horrors of war through the internal conflict between fellow Russians - those who collaborated and those who fought back. While she does show the collaborators as the clear heels, she nevertheless also shows why many turned to such tactics - survival.

The film contains a number of religious references, particularly to the lead up to the crucifixion. This is a spiritual journey, into the hearts, souls, and minds of the two partisans and those they encounter. Shepitko and her cinematographer capture the journey in beautiful black and white photography. The camera moves in long shots, similar to the camera-work of another of Russia's greatest filmmakers, Andrei Tarkovsky. Shepitko, like many others, was clearly influenced by Tarkovsky's style, and the Ascent takes some of its rhythmic notes from Ivan's Childhood. It is a stunning film to look at, and does a fantastic job of capturing the cold and terrifying atmosphere of occupied Russia.

Shepitko's husband would pay homage to her great film a decade later. Elem Klimov made his own war masterpiece with one of the greatest films I've ever seen - Come and See. The story and themes of that film were clearly influenced by The Ascent. Though that film is also a fairly obscure one, it received far more attention that any of Shepitko's films. That however acted as a bridge to Shepitko, and has been one of the best helps to keeping her work alive.

The Ascent is a truly magnificent film, and rightly should be considered one of the best films of the 70s. It's stunning cinematography is inspiring; its mood is frighteningly authentic; and its lessons are unforgettable. It is, in any definition of the word, nothing less than a masterpiece. How unfortunate that Shepitko's career was cut short just as it was hitting its peak.


text:
Ik ben het met een andere recensent eens: dit is zo'n onthutsende film dat het moeilijk zal zijn om hem binnenkort nog eens te bekijken, hoewel hij alleen al vanwege de kwaliteit het kijken waard is. De complexiteit van de personages, de ongelooflijke cinematografie en de uitmuntende regie maken deze film de emotionele prijs van het kijken waard.
Er is één scène, waarin de twee partizanen zich door de sneeuw voortslepen om aan een patrouille te ontsnappen, en dat is misschien, puur lichamelijk, de meest verbazingwekkende voorstelling die ik ooit heb gezien. In feite is dit, hoewel niet episch <0xE2><0x80><0x93> het verhaal loopt door <0xE2><0x80><0x93> een film van memorabele scènes. Er zijn de rantsoenen die worden uitgedeeld onder de partizanen, de sneeuwscènes, de verwoeste boerderij, de ontmoetingen in de huizen, de ondervragingen, de 'kelderscène', de 'opstijging'. Allemaal springen ze eruit als juwelen in een halsketting.
Voor mij is de religiositeit niet openlijk. Eerlijk gezegd denk ik niet dat het in een Sovjetfilm zou zijn toegestaan. Ik zie dit als een existentiële parabel over de waarde van het leven. Dit is een verhaal waarin de held <0xE2><0x80><0x93> en hij is een ware held <0xE2><0x80><0x93> de schurk wordt, en de zwakkere de sterkere. Is dit een mystiek proces of wordt het door de omstandigheden gedicteerd? Er is een transfiguratie, maar komt die van binnenuit of van buitenaf? Je moet de film zien om de kwesties te begrijpen, want ze kunnen niet worden besproken zonder te veel van het verhaal te verraden. Ik kan niet genoeg zeggen over het acteerwerk. Het is...' Het is moeilijk voor me om te kiezen welke van de hoofdrollen het meest aangrijpend is. Ik ben niet bekend met Sovjetfilms uit de jaren zeventig en ik ken geen van de acteurs, maar ze zijn allemaal fantastisch. Ik zie ook hoe de regisseur Larisa Shepitko gebruikmaakt van kinderen. Ze doen me denken aan de engeltjes van Giotto.
Er is een beetje gerommel op het eind. Er is kennelijk een eerdere relatie tussen de soldaat Sotnikov en de ondervrager Portnov, maar die blijft hangen. En de laatste scène is een beetje dubbelzinnig. Maar vergeleken met de totale ervaring zijn dat maar kibbelarijtjes. Dit is een film die je je leven lang zal bijblijven.

text_en:
I agree with another reviewer, this is such a shattering film, that will be tough to watch again soon, though for quality alone, it deserves repeated viewing. The complexity of the characters, the incredible cinematography and superb direction make this movie worth the emotional price of watching.

There is one scene, of the two partisans dragging themselves through the snow to escape a patrol, that's perhaps, for sheer physicality, the most amazing performance I've ever seen. In fact, though not episodic -- the story flows -- this is a movie of memorable scenes. There's the passing of rations amongst the partisans, the snow scenes, the ruined farm scene, the encounters in the houses, the interrogation, the "basement" scene, the "ascent". All stand out like jewels in a necklace.

For me, the religiosity isn't overt. Frankly, I don't think it would have been permitted in a Soviet film. I do see this as an existential parable about the value of life. Here is a tale where the hero -- and he is a true hero -- becomes the villain, and the weaker one becomes the stronger one. Is this a mystical process or one dictated by circumstances? There is a transfiguration, but does it come from within or without? You must see the movie to understand the issues, for they can't be discussed without giving away too much of the story. I can't say enough about the acting. It's hard for me to choose which of the leads is more affecting. I'm not familiar with Soviet film of the 70s and am not familiar with any of the actors, but they are all superb. I also note how director Larisa Shepitko uses children. They remind me of Giotto's child angels.

There is a little muddling in the end. There is apparently a prior relationship between the soldier Sotnikov and the interrogator Portnov, but this is left dangling. And the final scene is a bit ambiguous. But compared to the total experience these are quibbles. This is a movie that will mark you for life.


text: Fantastische Russische Tweede Wereldoorlog-film. Zoals de meeste Russische Tweede Wereldoorlog-films is The Ascent ongelooflijk aangrijpend. Het verhaal volgt twee partizanen, Sotnikov en Rybak (Boris Plotnikov en Vladimir Gossikhin), die op een missie gaan om voedsel te zoeken. Op hun tocht worden ze gezien door Duitse soldaten, die Sotnikov verwonden. Sotnikov doodt op zijn beurt een van de Duitsers, wat tot problemen leidt voor de twee partizanen en alle anderen die ze later tegenkomen. Het grootste succes van de film is zijn levendige gevoel voor plaats. Rusland is bevroren en besneeuwd, en het is moeilijk om niet te voelen dat de kou regelrecht naar je eigen botten gaat. Shepitko houdt haar shot dicht bij de personages en bekijkt elke rots in de branding. Het was waarschijnlijk niet de keuze, maar de film is ingelijst in 1.33:1, wat de film een claustrofobisch gevoel geeft. Hoewel de hele film een hele prestatie is, had ik wel het gevoel dat de eerste helft sterker was dan de tweede. Mijn voornaamste klacht over de film is dat hij door de climax een zeer weinig subtiele christelijke allegorie wordt. Ik denk gewoon niet dat de symboliek veel toevoegt aan de gebeurtenissen, vooral niet omdat ik al geïntrigeerd was door het debat tussen de twee partisanen. Het is niet helemaal eerlijk. Ik woog de voors en tegens van hun argument af. Ik begon me te buigen naar het standpunt van een bepaalde figuur, en dan duikt de regisseur op en zegt dat hij Judas is! Ondanks het feit dat het niet helemaal volgens de regels is, is dit toch een must-see.

text_en: Fantastic Russian WWII movie. Like most Russian WWII movies, The Ascent is incredibly harrowing. It's also dense in its symbolism. The story follows two partisans, Sotnikov and Rybak (Boris Plotnikov and Vladimir Gostyukhin), who go on a mission to search for food. On their trip, they are spotted by German soldiers, who wound Sotnikov. Sotnikov, in turn, kills one of the Germans, which leads to trouble for the two partisans and everyone else they later run into. The greatest success of the film is its vivid sense of place. Russia is frozen and snowy, and it's hard not to feel that cold go straight to your own bones. Shepitko keeps her shot close to the characters, examining every crag of their faces. It was probably not the choice, but the film is framed 1.33:1, which gives the film a sense of claustrophobia. While the entire film is quite an achievement, I did feel that the first half was stronger than the second. My main complaint about the movie is that it develops into a very unsubtle Christian allegory by its climax. I just don't think the symbolism adds much to the proceedings, especially when I was already intrigued by the debate between the two partisans. It's not quite fair. I was weighing the pros and cons of their argument. I began to lean toward the point of view of a certain character, and then the director pops up and tells me that he's Judas! Despite some heavy-handedness, this is still a must-see.


text: Als je de kans krijgt, ga dan naar deze Russische films (hoe moet ik ze noemen: edelstenen, meesterwerken, verborgen schatten?), oorlogsfilms zoals deze, of _The dawns here are quiet,_ of _Proverka na dorogah_... En kijk meteen daarna weer naar de Amerikaanse oorlogsfilms, of de internationale producties, die met de bondgenoten en de Duitsers, enzovoort. Of, nog erger, kijk naar de Italiaanse oorlogsfilms. Alles uit het westen zal oppervlakkig, gekunsteld, belachelijk lijken in vergelijking met de Russische films. Ik ben zó verbijsterd door de kwaliteit van de voornoemde Russische oorlogsfilms dat ik de woorden niet kan vinden om hun verpletterende superioriteit boven de Angelsaksische oorlogsfilms te prijzen.

text_en: If you have a chance, see this Russian(how should I call them: gems, masterpieces,hidden treasures?), war movies like this one, or The dawns here are quiet, or Proverka na dorogah... And , right after that, watch again the American war movies, or the international productions, those one with the allies and the Germans,etc. Or, even worse, watch the Italian war movies. Everything from the west will seem shallow, contrived, ridiculous, in comparison with the Russian movies. I am sooooo stunned by the quality of the aforementioned Russian war movies that I cannot find the words to praise enough their shattering superiority over Anglo-Saxon war movies.


text:
Het is geen verrassing dat Larisa Shepitko getrouwd was met Elem Klimov, die later de regie zou doen van de meest aangrijpende oorlogsfilm die ooit is gemaakt: 'Come and See' (1985). 'The Ascent' (1977) is Shepikto's laatste voltooide film, voordat een voortijdige dood in dezelfde vorm wordt gegoten. De film, die zich afspeelt tijdens de Tweede Wereldoorlog, volgt een paar Russische partizanen die voedsel proberen te bemachtigen voor hun uitgehongerde leger, terwijl ze de Duitse bezetters proberen te ontlopen. De eerste veertig minuten zijn pijnlijk gespannen, terwijl de twee mannen zich door het ruige, met sneeuw bedekte landschap voortslepen. De wereld om hen heen is volledig ontdaan van leven, warmte en kleur (het landschap is zelfs zo eentonig en saai dat ik er letterlijk zo lang over heb gedaan om te beseffen dat de film in zwart-wit is opgenomen).
Na de gevangenneming van de partizanen door Duitse soldaten wordt de film een kille meditatie over loyaliteit en moraal. Terwijl Sotnikov (Boris Plotnikov) weigert zijn leger te verraden, zelfs onder extreme druk, probeert de minder vastberaden Ryback (Vladimir Gostyukhin) zichzelf te redden. Doet hij er verkeerd aan? Rybacks verraad is ontmoedigend, maar de film doet dat niet. De kijker wordt gedwongen na te denken over wat zijn eigen reactie zou kunnen zijn in zo'n situatie. Shepitko heeft medelijden met Ryback zoals de Bijbel medelijden heeft met Judas. Beide mannen hebben hun bondgenoten verraden aan de vijand en werden gedwongen toe te kijken hoe ze werden geëxecuteerd. Maar terwijl Judas zelfmoord pleegde door zich op te hangen (althans volgens het evangelie van Matthe<0xC3><0xBC>s), merkt Ryback dat zelfs die mogelijkheid voor hem niet meer openstaat. In een ondraaglijk gespannen climax raakt de riem om zijn nek los.
'De Verheffing' ontleent zijn emotionele kracht aan Shepitko's verbazingwekkende streven naar realisme. Ik twijfel er niet aan dat de twee hoofdrolspelers dagen achtereen op handen en knieën over de besneeuwde aarde klauteren, en hun ellende is inderdaad zo overtuigend dat ik zelfs verkouden werd terwijl ik naar de film zat te kijken (echt waar). Interessant is dat de film verschillende keren op deze werkelijkheid ingaat, wanneer Ryback zich voorstelt dat hij een poging doet om zich te bevrijden en dan door zijn Duitse overweldigers wordt neergeschoten. Deze methode, hoewel ongebruikelijk, past goed bij de Bijbelse allegorie. Ryback staat voor een beproeving van zijn waardigheid, en als hij voor een nieuw dilemma komt te staan, kiest hij consequent voor het zelfzuchtige alternatief, waarbij zijn eigen leven de enige criterium is. Ten slotte leeft hij nog, maar de nachtmerrie van oorlog en schuld houdt aan.

text_en:
It comes as no surprise that Larisa Shepitko was married to Elem Klimov, who would later direct the most harrowing war film ever made, 'Come and See (1985).' 'The Ascent (1977)'  Shepikto's final completed film before a premature death  is built in very much the same mould. Set during WWII, the film follows a pair of Soviet partisans who try to secure food for their starving army while evading the occupying German forces. The first forty minutes are agonisingly tense, as the two men drag themselves though the harsh, snow-covered landscape, the world around them completely sapped of life, warmth and colour (indeed, so monotonously drab is the scenery that it literally took me this long to realise that the film was shot in black-and-white).

Following the partisans' capture by German soldiers, the film becomes a cold meditation on loyalty and morality. Whereas Sotnikov (Boris Plotnikov) refuses to betray his army, even under extreme duress, the less resolute Ryback (Vladimir Gostyukhin) attempts to save himself. Is he wrong to do so? Ryback's betrayal is disheartening, but the film doesn't immediately condemn his actions are treacherous; instead, the viewer is forced to consider what their own response might be in such a situation. Shepitko pities Ryback as the Bible pities Judas. Both men betrayed their allies to the enemy, and were forced to watch them executed. However, whereas Judas committed suicide by hanging (at least according to Gospel of Matthew), Ryback finds even that option closed to him  in an excruciatingly taut climax, the belt around his neck becomes unfastened.

'The Ascent' draws its emotional power from Shepitko's astonishing pursuit of realism. I have no doubt that the two principal actors spent days on end clambering across the snow-covered earth on their hands and knees, and, indeed, so convincing is their misery that I actually developed a cold while watching the film (seriously, I did). Interestingly, the film interjects on this reality on several occasions, as Ryback imagines himself making a bid for freedom, and then being gunned down by his German captors. This device, though unusual, works well with its Biblical allegory; Ryback is facing a trial of his worthiness, and, faced with a new dilemma at every turn, he consistently chooses the selfish alternative, his own life the only deciding criteria. At film's end, he is still alive, but the nightmare of war and guilt persists.


text: Bij het lezen van de commentaren word ik getroffen door het overduidelijke effect dat deze prachtige film op de kijkers heeft. Maar hoe kun je naar deze film kijken zonder te bedenken dat de gekunstelde dialoog een subtiele en o zo gewaagde berisping was aan het adres van de autoriteiten die op dat moment de touwtjes in handen hadden in wat toen de ussr was, op dat moment in de geschiedenis? Het ging niet alleen om de zielen in de tijd en de plaats van de handeling die onthuld werd. De vragen, oppervlakkig gesteld, zijn ronduit provocerend wanneer ze worden gesteld in het hier en nu. Wie zijn de echte 'collaborateurs'? Ik verbaas me erover dat de schrijver uit de gevangenis is gebleven. Ik heb ergens gelezen dat grote spanning een katalysator kan zijn voor het produceren van grote kunst. Deze film is een meesterwerk van misleiding, waarbij de kijker kennelijk naar één kant wordt geleid, terwijl hij het publiek vraagt 'over mijn schouder te kijken, naar waar ik het eigenlijk over heb'.

text_en: Reading the comments I am struck by the obvious effect this wonderful film has on viewers. But, how can you watch this movie and not reflect that the artful dialog was a subtle and oh so daring rebuke to the authorities "in control" in what was then the USSR at that moment in history? It wasn't the souls only in the time and place of the action being revealed. The questions, superficially asked, are nakedly provocative when directed to the here and now. Who are the real "collaborators"? I marvel that the writer stayed out of prison. I read somewhere that great stress can be a catalyst for producing great art. This film is a masterpiece of misdirection, apparently pointing one way, while asking the audience to "look over my shoulder, at what I'm really talking about." What courage.


text:
Tijdens de Tweede Wereldoorlog proberen twee Wit-Russische (Sovjet-Russische) soldaten te voorkomen dat ze door de nazi's gevangen worden genomen, terwijl ze door besneeuwd terrein sjokken, op zoek naar voedsel en veiligheid. Als je niet van zwart-wit 'buitenlandse' films houdt, kun je nog steeds genieten van 'Voskhozhdeniye' (in het Engels 'De Verheffing'). Regisseur Larisa Shepitko speelt de film buitengewoon goed, ondanks het feit dat het grotendeels een zelfonderzoekend stuk is. Haar voortijdige dood, bij een auto-ongeluk, maakte dit helaas tot haar laatste film.
Nadat de openingsmissie is afgekondigd, lijkt er niet veel te kunnen gebeuren in de besneeuwde bossen, maar Shepitko en een veranderende setting maken het onverwacht opwindend. De hoofdrollen worden gespeeld door Vladimir Gostyukhin (als de spiritueel gewonde 'Rybak'). en Boris Plotnikov (als de lichamelijk gewonde 'Sotnikov') weten met succes te voorkomen dat ze door de steeds groter wordende symboliek verpletterd worden. Hun allegorische optredens, onder Shepitko's scherpe leiding, geven een gedenkwaardige en tot nadenken stemmende kijk op een bekend verhaal.
**Voskhozhdeniye** (2/4/77) Larisa Shepitko <0xE2><0x80><0x93> Vladimir Gostyukhin, Boris Plotnikov, Ljoedmila Polyakova, Anatoli Solonitsyn, Anatoli Solonitsyn (1977).

text_en:
During World War II, two Byelorussian (Soviet Russian) soldiers try to avoid being captured by occupying Nazis, as they trudge through snowy terrain, searching for food and safety. If you happen not to like black-and-white "foreign" films, you may still enjoy "Voskhozhdeniye" (retiled in English "The Ascent"). Director Larisa Shepitko paces the film extraordinarily well, despite its being a largely introspective piece of work. Her untimely death, in a car accident, made this Ms. Shepitko's final film, unfortunately.

After the opening mission is declared, there doesn't seem to be much that could happen in the snowy woods, but Shepitko and a changing setting make it unexpectedly exciting. Leading players Vladimir Gostyukhin (as the spiritually wounded "Rybak") and Boris Plotnikov (as the physically wounded 'Sotnikov") successfully avoid being crushed by the ever increasing symbolism. Their allegorical performances, under Shepitko's sharp direction, provide a memorable and thought-provoking take on a familiar story.

******** Voskhozhdeniye (4/2/77) Larisa Shepitko ~ Vladimir Gostyukhin, Boris Plotnikov, Lyudmila Polyakova, Anatoli Solonitsyn


text:
Ik heb het begin van de film gemist. Ik kwam binnen toen de partizanen in de boerderij waren. Ik kan naar waarheid zeggen dat het afschuwelijk was. De morele implicaties zijn ontstellend.
Mijn angst voor pijn en marteling maakt dat ik mezelf alleen maar als een lafaard kan zien. Ik zie de Christus-achtige bekwaamheid die door de dappere patriot werd uitgebeeld, en ik kan alleen maar bidden dat ik de morele verdorvenheid zou kunnen of willen hebben om zijn voorbeeld te volgen.
Ik zie dat het hoofdthema van de film is om de zwakheid en kracht van de gemartelden te laten zien, maar wat een ellendige beslissing om mee geconfronteerd te worden. En dat allemaal omdat de ziel van de mens op zo'n manier kan worden verwrongen dat pijn en lijden die een medemens wordt aangedaan, op de een of andere manier bevredigend is. Of het nu mentaal of fysiek is.
Ik vond de film zeer vermakelijk.

text_en:
I missed the beginning of the film. I came in when the partisan's were in the farm house. I can truthfully say that it was horrifying. The moral ramifications are staggering.

My fear of pain and torture leave me unable to see myself other than cowardly. I see the Christ like ability that was depicted by the brave patriot, and I can only pray that I could or would have the moral turpitude to follow his example.

I see that a main theme of the film is to show the weakness/strength of the tortured, but what a dismal decision to have to be confronted with. All because the soul of man can be distorted in such a way that, pain and suffering being brought to bear on a fellow human being is in some way satisfying. Be it mental or physical.

I found the film very thought provoking.


text: DE ASCENT is een zeer waardevolle aanvulling op de recente heropvoedingsprogramma's van de Sovjet-Unie. De film van regisseur Larisa Shepitko uit 1977 onderzoekt de morele vertakkingen van loyaliteit en eer in het door de Duitsers bezette Rusland tijdens de Tweede Wereldoorlog. Te voet en in een sneeuwstorm vertrekken twee leden van een partizanengroep uit de Sovjet-Unie om voorraden te verzamelen, en ze worden gevangengenomen door nazisoldaten. De film gaat over de manier waarop elke man zijn morele alternatieven aanpakt of vastlegt. De een kiest voor waardigheid en integriteit, terwijl de ander kiest voor samenwerking met de vijand. Maar uiteindelijk kan hij zich niet aan zijn zelfzuchtige beslissing houden. De film maakt veel gebruik van langzame breedbeeldpanorama's die overgaan in extreme close-ups, en benadrukt het spirituele dilemma in de ziel van elke man. Dit is geen geweldige film, maar hij schetst wel een intens moreel dilemma tegen de achtergrond van een ruige en ijskoude Sovjetwoestijn.

text_en: THE ASCENT is a very worthwhile addition to recent re-releases from the Soviet Union. Director Larisa Shepitko's 1977 film examines the moral ramifications of allegiance and honor in German occupied Russia during The Second World War. On foot and in a blizzard, two members of a partisan Soviet group leave to locate supplies, and are captured by Nazi soldiers. The focus of the movie is on how each man handles or internalizes his moral alternatives. One chooses dignity and integrity, while the other opts for collaboration with the enemy. However, in the end, he cannot abide by his selfish decision. The film makes much use of slow, wide-angle pans which shift to extreme closeups, and highlight the spiritual quandary within the souls of each man. This is not a great film, but it does effectively portray an intense moral dilemma against the backdrop of a harsh and frigid Soviet wilderness.


text: Veel animatiefans beschouwen Wladyslaw Starewicz als het grote vergeten genie van een speciale tak van de kunst, de poppenanimatie, die hij bijna in zijn eentje heeft uitgevonden... en toevallig ook nog bijna per ongeluk. Als jongeman had Starewicz meer belangstelling voor entomologie dan voor de film, maar zijn mislukte poging om twee vechtende boktorren te filmen leidde tot een onverwachte doorbraak in de filmindustrie toen hij besefte dat hij beweging kon simuleren door de karkassen van kevers te manipuleren en ze één voor één te fotograferen. Deze ontdekking leidde tot de productie van Starewicz' verbazingwekkend gedetailleerde klassieker, de korte THE CAMERAMAN'S REVENGE, die hij in 1912 in Rusland maakte, in een tijd dat animatiefilms nog in de kinderschoenen stonden. Het politieke tumult rond de Russische Revolutie had Starewicz ertoe gebracht naar Parijs te verhuizen, waar een van zijn eerste producties <0xE2><0x80><0x93> toevallig? <0xE2><0x80><0x93> een duistere politieke satire was die onder meer bekendstond als 'Kikvors' of 'De Kikkers die een Koning zochten'. In bijna alle films van Starewicz zit wel een vleugje zwarte komedie, maar hier is het echt heel duister, meer gericht op volwassenen die de satirische aspecten kunnen waarderen dan op kinderen, en die de climax naar alle waarschijnlijkheid schokkend zouden vinden. (Ik ben van middelbare leeftijd en vond het zelf ook behoorlijk schokkend.) En inderdaad, afdrukken van de film die bedoeld was voor Engelssprekende kijkers uit de jaren twintig kregen titelkaartjes vol woordspelingen en kwinkslagen om de scherpe Het verhaal speelt zich af in een moeras, het Gemenebest van Kikvorsen, waar de burgers niet gelukkig zijn met hun regering en een speciale zitting hebben belegd om te zien wat ze kunnen doen om de situatie te verbeteren. Ze besluiten Jupiter om een koning te smeken. De menigte is indrukwekkend geanimeerd in deze openingsscène <0xE2><0x80><0x93> het moet niet gemakkelijk zijn geweest om zoveel kikkerpoppetjes tegelijkertijd levend te laten lijken <0xE2><0x80><0x93> terwijl Jupiter op zijn beurt wordt afgebeeld als een grappige man met een witte baard in de wolken, die eruitziet alsof hij liever een dutje doet. Als Jupiter hun een boomachtige god stuurt die hen onbewogen aankijkt, besluiten de kikkers dat dit geen verbetering is en eisen een andere koning. Geïrriteerd stuurt Jupiter hun een ooievaar. De Burgemeester stapt naar voren om hem de sleutel van het Gemenebest te overhandigen, terwijl de filmcamera's het gebeuren vastleggen. Tot ieders afgrijzen vreet de ooievaar de Burgemeester op en gaat vervolgens vrolijk tekeer, waarbij hij willekeurige burgers opslokt. Op een kaartje staat droog: 'Nieuws over de eetlust van de Koning verspreidt zich door het koninkrijk.' Als de nu doodsbange kikkers Jupiter opnieuw om hulp smeken, verliest hij zijn geduld en bekogelt hun gemeenschap met bliksemschichten. De moraal van ons verhaal, verteld door een ongelukkige kikker vlak voordat hij wordt opgegeten, is: 'Laat maar zitten.' Als je bedenkt in welke periode dit opzienbarende filmpje werd gemaakt, en gezien het feit dat het werd gemaakt door een Russische emigrant op het hoogtepunt van de Burgeroorlog van dat belegerde land, zou je dit gemakkelijk kunnen zien als een parabel over die gebeurtenissen. Het kan zijn dat Starewicz de onrust in Rusland in gedachten had toen hij 'Frogland' maakte, maar wat de aanleiding ook was voor zijn keuze van het materiaal, de film geldt als een universeel waarschuwingsverhaal. 'Frogland' zou de Sovjet-Unie, Italië, Duitsland of Japan in de jaren dertig van de twintigste eeuw kunnen zijn, of elk ander land uit welk tijdperk dan ook dat zijn waakzaamheid laat varen en wordt overweldigd door tirannie. Het is een fascinerende film, zelfs een charmante op zijn macabere manier, maar de boodschap is niet grappig.

text_en:
Many animation buffs consider Wladyslaw Starewicz the great forgotten genius of one special branch of the art, puppet animation, which he invented almost single-handedly . . . and, as it happened, almost accidentally. As a young man Starewicz was more interested in entomology than the cinema, but his unsuccessful attempt to film two stag beetles fighting led to an unexpected breakthrough in film-making when he realized he could simulate movement by manipulating beetle carcasses and photographing them one frame at a time. This discovery led to the production of Starewicz' amazingly elaborate classic short THE CAMERAMAN'S REVENGE, which he made in Russia in 1912, at a time when motion picture animation of all sorts was in its infancy.

The political tumult of the Russian Revolution caused Starewicz to move to Paris, where one of his first productions-- coincidentally? --was a dark political satire variously known as "Frogland" or "The Frogs Who Wanted a King." A strain of black comedy can be found in almost all of Starewicz' films but here it is very dark indeed, aimed more at grown-ups who can appreciate the satirical aspects than children, who would most likely find the climax upsetting. (I'm middle-aged and found it pretty upsetting, myself.) And indeed, prints of the film intended for English-speaking viewers of the 1920s were given title cards filled with puns and quips in order to help soften the sharp sting of the finale.

Our tale is set in a swamp, the Frogland Commonwealth, where the citizens are unhappy with their government and have called a special session to see what they can do to improve matters. They decide to beseech Jupiter for a king. The crowds are impressively animated in this opening sequence-- it couldn't have been easy to make so many frog puppets look alive simultaneously --while Jupiter, for his part, is depicted as a droll white-bearded guy in the clouds who looks like he'd rather be taking a nap. When Jupiter sends them a tree-like god who regards them impassively the frogs decide that this is no improvement and demand a different king. Irritated, Jupiter sends them a stork.

Delighted with this formidable-looking new king who towers above them, the frogs welcome him with a delegation of formally dressed dignitaries. The Mayor steps forward to hand him the key to the Commonwealth as newsreel cameras record the event. To everyone's horror, the stork promptly eats the Mayor and then goes on a merry rampage, swallowing citizens at random. A title card dryly reads: "News of the king's appetite spreadeth throughout the kingdom." When the now-terrified frogs once more beseech Jupiter for help, he loses his temper and showers their community with lightning bolts. The moral of our story, delivered by a hapless frog just before he is eaten, is "Let well enough alone."

Considering the time period when this startling little film was made, and considering the fact that it was made by a Russian émigré at the height of that beleaguered country's Civil War, it would be easy to see this as a parable about those events. Starewicz may or may not have had Russia's turmoil in mind when he made "Frogland," but whatever prompted his choice of material the film stands as a cautionary tale of universal application. "Frogland" could be the Soviet Union, Italy, Germany or Japan in the 1930s, or any country of any era that lets its guard down and is overwhelmed by tyranny. It's a fascinating film, even a charming one in its macabre way, but its message is no joke.


text: De Kikkers die een Koning of Kikkerland willen hebben is het meest waarschuwende verhaal dat ik ooit van Ladislaw Starewicz heb gezien over mensen die willen dat de regering hun problemen oplost. Het ironische is dat ze tot de god Jupiter bidden voor hun antwoorden. Jupiter reageert eerst door een boomstronk te sturen en dan een ooievaar. Geen van beide werkt en de ooievaar is vooral gevaarlijk voor de amfibische wezens! De kikkers hebben menselijke eigenschappen als we zien hoe ze zich volgens de laatste mode kleden en we zien hoe sommigen foto's nemen of een filmcamera gebruiken als de ooievaar arriveert! Zoals ik al zei, dit korte verhaal is meer een politieke allegorie die meer geschikt is voor volwassenen dan voor kinderen. Sterker nog, ik zag dit voor het eerst op de Rhino VHS met Bambi ontmoet Godzilla. Dat alleen al zou je moeten vertellen wat je hier kunt verwachten!

text_en: The Frogs Who Wanted a King or Frogland is Ladislaw Starewicz's most cautionary tale about people wanting government to solve their problems that I've ever seen. The ironic thing is that they pray to the god Jupiter for their answers. Jupiter responds first by sending a tree stump and then a stork. Neither works out and the stork is especially dangerous to the amphibian creatures! The frogs have some human qualities when we see them dress in the latest fashions of the day and we see some take pictures or use a movie camera when the stork arrives! Like I said, this short is very much a political allegory more suitable for adults than children. In fact, I first saw this on the Rhino VHS that had Bambi Meets Godzilla. That alone should tell you what to expect here!


text:
Wladyslaw Starewicz was een in Rusland geboren animator die in Frankrijk woonde en die ongelooflijke dingen deed met gebruikmaking van stop-motion. Ik heb een paar van die films eerder gezien en ze bevatten zijn favoriete onderwerpen: insecten, kikkers en verschillende dieren. Ze zijn buitengewoon realistisch en levensecht en zelfs vandaag de dag is het verbazingwekkend om te zien <0xE2><0x80><0x93> de kwaliteit is gewoonweg fantastisch.
In deze film komen een heleboel kikkers voor. Ze doen een beroep op hun god, Jupiter, om hun een koning te geven. Waarom hebben ze een koning nodig, vraagt Jupiter zich af <0xE2><0x80><0x93> hun leven is nu prima in orde. Dus, om ze een nare les te leren, maakt hij een Egret tot koning en die begint een voor een zijn onderdanen op te eten! Dan doen de kikkers weer een beroep op Jupiter, die de voor de hand liggende moraal uitspreekt dat het zo hoort.' Het is het beste om gelukkig te zijn met wat je hebt!
Hoewel de kwaliteit van de animatie ongelooflijk is, is dit een heel enge film voor kinderen. Ik zou denken dat ze hier allebei doodsbang van zouden worden, omdat de dieren er zo echt uitzien, en ook omdat het verhaal zelf niet voor bangeriken is!

text_en:
Wladyslaw Starewicz was a Russian-born animator living in France who did incredible things using stop-motion. I've seen a couple of these films before and they feature his favorite subjects--insects, frogs and various animals. They are extremely realistic and lifelike and even today are amazing to watch--the quality is simply fantastic.

This one stars lots and lots of frogs. They appeal to their god, Jupiter, to give them a king. Why do they need a king, wonders Jupiter--their lives are perfectly fine now. So, to teach them a nasty lesson, he makes an Egret the king and one by one it starts eating its subjects! Then, the frogs once again appeal to Jupiter, who states the obvious moral that it's best to be happy with what you have!

While the animation quality is incredible, this is a very creepy film for kids. I would think this would terrify them both by how real the animals look as well as the story itself which is not for the faint of heart!


text: Een van Starevich' vroegste films die in Frankrijk zijn gemaakt, is waarschijnlijk zijn enige politieke satire. Het verhaal van The Frogs Who Wanted A King is een afspiegeling van de titel ervan: een groep hoge 'kikvorsmannen' vindt dat de democratie is afgekalfd, en dus eisen ze een koning van Jupiter om over hun land te heersen. Als hij een boomstronk naar beneden stuurt, vragen de kikkers om een andere koning, en ze zeggen dat de boomstronk alleen maar 'politiek hout' is. Jupiter stuurt deze keer een hongerige ooievaar naar beneden, wiens kikkerogen de inwoners van de stad verslinden. Als de oorspronkelijke 'kikvors' op het punt staat langs de snavel van de ooievaar naar beneden te glijden, spreekt hij zijn moraal uit: 'Laat ze maar met rust.' Deze film bevat een paar prachtige scènes met een menigte kikkers van marionetten. Starewicz laat het publiek geloven dat ze allemaal tegelijk in beweging zijn door de achtergrond voortdurend in beweging te houden en maar een stuk of zes kikkers tegelijk tot leven te wekken. De ietwat afgezaagde dialoog en de problemen met de belichting op een paar plaatsen doen afbreuk aan de kwaliteit van herhalingen, hoe belangrijk het historische belang van Starewicz' leven ook is om naar te kijken. Zijn gevoelens ten opzichte van de regering direct na zijn vlucht uit Rusland worden waarschijnlijk in deze film tot uitdrukking gebracht. Bovendien zijn de technische prestaties van het tot leven wekken van zoveel personages in een stop-motionfilm verbazingwekkend.

text_en: One of Starevich's earliest films made in France is possibly his only political satire. The story of The Frogs Who Wanted A King mirrors its title as a group of high "croakers" feel that democracy has gone flat so they demand a king from Jupiter to rule their land. When he sends down a stump, the frogs ask for another king, saying the stump is but "political timber." Jupiter sends down a hungry stork this time whose frog lusty eyes devour the town's residents. As the original "croaker" is about to slide down the stork's beak, he speaks his moral: "let well enough alone." This film features a few beautiful crowd scenes of dozens of puppet frogs. Starewicz tricks the audience into believing they are all moving at once by keeping the background in constant motion and animating only about six frogs or so at one time. The slightly corny dialogue and problems with lighting in a few places diminish the quality of repeat viewings, however its historical significance in Starewicz's life make it of importance to watch. His feelings towards government immediately following his flee from Russia are likely expressed in this film. In addition, the technical accomplishments of animating so many characters at once in a stop-motion film is astounding.


text:
Uitstekende oefening in het uitwerken van meervoudige plannen:

- de geest van het nog niet beëindigde kolonialisme in Frankrijk tonen.

- meer in het algemeen de saaie mentaliteit van superioriteit van alle mensen uit het westen.
- een vernieuwing van de spionage- en thrillers: oss 117 is onbeschaafd en stom!

Het goede idee is dat het, ondanks al deze boodschappen, een grappige film is, met veel grappen en grollen, heel licht en sprankelend.
Speciale vermelding voor Jean Dujardin en Berenice Bejo.
Beslist de moeite waard om te zien. Vraag me af hoe het in Amerika zal worden ontvangen.
Het schijnt een succes te zijn in Frankrijk, dus waarschijnlijk komt er een volgende versie.

text_en:
Excellent exercise on multiple plans:

- showing the not yet ended colonialism spirit in France

- more generally the boring mindset of superiority from all western people

- a renewal of the spy and thriller movies: OSS 117 is uncultured and stupid!

The good idea is that, in spite of all these messages, it is a funny film, plenty of jokes and gags, very light and sparkling.

Special mention to Jean Dujardin and Berenice Bejo.

Definitely worth seeing. Wonder how it will be appreciated in US?

Seems to be a success in France, so probably a next version will come.


text: Dit is waarschijnlijk een van de beste Franse films die ik in lange tijd heb gezien! Deze 'pastiche' of parodie op spionagefilms is heel goed gemaakt en zal je van het begin tot het eind aan het lachen maken. Sommige verwijzingen naar de wereld van vandaag zijn heel subtiel. De hele Marociaanse context van de film is te begrijpen in het licht van de hedendaagse Franse cultuur/omgeving. Dat gezegd hebbende, zijn alle grappen en <0xE2><0x80><0x93> schijnbaar <0xE2><0x80><0x93> schokkende opmerkingen die vanwege deze context als zodanig begrepen hadden kunnen worden, toegestaan en geaccepteerd omdat dit een parodie is. Ik kreeg van mijn zussen, die de film al hadden gezien, te horen dat ik ook moest gaan, en ze verzekerden me dat ik het geweldig zou vinden, en dat was ook zo! Als je de oude 007-films met Sean Connery leuk vond en ook van films als Airplane of Hot Shots houdt, zul je het geweldig vinden. Ik hoop alleen dat deze film op dvd wordt uitgebracht in de Verenigde Staten... Wacht maar af.

text_en:
This is probably one of the best French movies I had seen in a very long time! This "pastiche" or parody of spy movies is very well made and is going to make you laugh from the beginning to the end. Some references to today's world are very subtle. The whole Maroccan context of the movie is to be understood in light of today's French culture/environment. That said, all the jokes and - seemingly - shocking remarks that could have been understood as such because of this context, are permitted and accepted because this is a parody.

I was told by my sisters who had already seen this movie that I should go too and assured me that I was going to have a great time, and indeed I had! If you liked the old 007 movies with Sean Connery and also like movies like Airplane or Hot Shots, you will be delighted. I just hope this movie is released on DVD in the US... Wait and see.


text: Ik heb net de film gezien, die eigenlijk best goed is. De trailers hadden een indruk bij me achtergelaten van ofwel de zoveelste film van Dujardin die een eenmansshow was geworden (zie _Brice de Nice_ ) of een dure, stomme Franse komedie. Verrassend genoeg is het geen van beide. Geheim agent OSS 117 is dom, maar hij weet het in elk geval min of meer, terwijl ik altijd heb gemerkt dat James Bond dom was maar zich gedroeg als een slimme ezel. De dialoog is geestig met een hoop tongue-in-cheek humor die je eerder zou verwachten van een Britse dan van een Franse film. De vrouwen en de muziek zijn prachtig. Een verfrissende reis naar het verleden, toen de slechteriken ex-nazi's of Russische bruten waren, auto's glommen en Frankrijk koloniën had!

text_en: Just saw the movie, it's actually pretty good. The trailers'd left me an impression of either yet another Dujardin one-man-show-turned-film (à la _Brice de Nice_) or an expensive, stupid French comedy. Surprisingly, it's neither. Secret agent OSS 117 is stupid, but at least he sort of knows it, whereas I've always found that James Bond was stupid but acted like a smart arse. Dialogue is witty with a lot of tongue-in-cheek humour that one would expect from a British rather than a French movie. The women and the music are beautiful. A refreshing trip into the past, when the bad guys were ex-Nazis or Soviet brutes, cars were shiny, and France had colonies!


text: Het lijkt erop dat M. Hazanavicius terug is! De man achter 'la classe américaine' komt terug met een echt leuk en slim vervolg op die ouderwetse OSS-117... Terwijl regisseurs de neiging hebben om vervolgen van oude klassiekers te 'actualiseren' (denk aan de wrekers, de mensen), koos Hazanavicius ervoor om te werken aan een echt goedkope held, OSS-117, een soort lowbudget-freak 007, en besluit om het op een ouderwetse manier te doen... De fotografie, de lichaamshoudingen, de vechtscènes, de choreografie en de FX, alles is als een eerbetoon aan de manier waarop films in de jaren vijftig werden gemaakt. En het werkt, want de toon en de grappen van de film zijn echt goed! Hij ziet er gewoon uit als een onbevroren Lino Ventura, met zo'n 10 kg minder, wat perfect is voor de rol. De andere leden van de cast passen er ook perfect bij, met alles wat je maar kunt dromen van Russische spionnen, Egyptische sympathisanten en voormalige nazi's. En natuurlijk de vrouwen, want er moeten 'femmes fatales' zijn in elke goede spionagefilm... De plot is goed (misschien niet briljant maar goed genoeg...) Het begint allemaal in 1955 met een Britse spion die verdwijnt terwijl hij een Russische lading wapens in het Suezkanaal volgt. Dan stuurt Frankrijk zijn beste vriend, agent OSS-117, om te ontdekken wat er met zowel de lading als de agent is gebeurd... Het is een feit dat deze agent echt zo dom is als het maar kan, en hij glipt door het verhaal heen zonder het zelfs maar te begrijpen, en lost het op een heel clouseau-achtige manier op. Ik moet zeggen dat ik een slecht gevoel had over de film, omdat de publiciteit eromheen nogal angstaanjagend was, en aangezien franse humor de neiging heeft nogal populistisch en plat te zijn (vergeet les bronzés 3 of kamperen...) maar ik was echt verrast, en op de goede manier! Ik kan hem ten zeerste aanbevelen, of je nu een goede parodie op Bond-films wilt (veel leuker dan bijvoorbeeld D.E.B.S., maar met minder rokken) of je bent een fan van die oprechte en openhartige manier van filmen die ze in de 50's hadden. Ja, dat is het, slim en (echt!) grappig, je hebt het weer helemaal begrepen, meneer Hazanavicius!

text_en: Seems like M.Hazanavicius is back!The man behind "la classe américaine" comes back with a really fun and clever sequel to those old-fashioned OSS-117...Whereas directors tend to "over-actualize" sequels of old classics (remember the avengers,urk), Hazanavicius chose to work on a really cheap hero, OSS-117, a kind of low-budget french 007, and decides to do it in a old-school way...The photography, the body attitudes, the fights choreography and the FX, everything is like an homage to the way films were made back in the 50s.And it works, as the tone and jokes of the movie are really good! Jean Dujardin embodies perfectly this stupid-arrogant-macho-selfish french spy, lost in a country he understands only in terms of folklore and inferiority.Yes, that's it, just the way the occident uses to consider its colonies back then (and, oh no, I won't say it has anything to do with what happens nowadays in the very same area...ah ah)...He just looks like an unfrozen Lino Ventura, with something like 40 pounds less, which is perfect for the role.The other members of the cast fit perfectly as well, with all you can dream of Russian spies, Egyptian independantists and former Nazis.And of course, the women, as there has to be "femmes fatales" in any good spy-movies... The plot is good (maybe not brilliant but really good enough...), taking place between actual historical facts, and remembering us in a funny way how France (and the others) treated its colonies back in those days. It all starts in 1955 with a British spy disappearing while tracking a Russian cargo full of weapons in Suez.Then France sends his best friend, agent OSS-117, to discover what happened to both the shipment and the agent... The fact is that this agent is really as dumb as can be, and he slips through the story without even understanding it, solving it in a very clouseau-esquire way. I have to say I had a bad feeling about the movie, as the publicity made around it was quite frightening, and as french humor tends to be quite populist and flat (forget about les bronzés 3 or camping...) but I was really surprised, and in the good way! I highly recommend it, whether you want a good parody of Bond-esquire movies (much more fun than in D.E.B.S. for example, but less skirts) or you're a fan of that genuine and candid way of filming they had back in the 5Os. Yes, that's it clever and (really!) funny, you've got the point once again Mr Hazanavicius!


text: Gisteravond heb ik deze film gezien en ik moet zeggen dat ik van elke minuut heb genoten. Als je hem beziet in de geest van een parodie op Bond-films, is hij werkelijk superieur. De ware komedie van de film zit hem in zijn schaamteloze minachting voor politieke correctheid. De vrouwenhaat, culturele ongevoeligheid en bijna lachwekkend machogedrag van de films van dit genre worden gebruikt voor het grootste komische effect. Ook worden de onlogische en formulaire elementen aan de kaak gesteld, waarbij agent OSS 117 voortdurend waanzinnig snel moeilijke dingen leert (zoals Arabisch en hoe je een traditioneel instrument moet bespelen) zonder dat hij ook maar een paar voor de hand liggende aanwijzingen mist. Sommige zinnen uit de film maakten me na afloop uren aan het lachen... en ik moet zeggen dat ik een paar... interessante... Franse woorden heb geleerd die mijn professoren waarschijnlijk heel boos zouden maken als ik ze zou gebruiken. Al met al vond ik deze film uitstekend. Erg grappig en de eerste film die ik ooit heb gezien die alle aspecten van de spionagefilm parodieert.

text_en: I just saw this film last night, and I have to say that I loved every minute. If taken in the spirit of a parody of Bond-esquire films, it's truly superior. The true comedy of the film is in its blatant disregard for political correctness. The misogyny, cultural insensitivity, and almost laughable macho-ism of the films of this genre are used for major comic effect. It also calls the illogic and formulaic elements to task, with Agent OSS 117 constantly learning difficult things insanely quick (such as Arabic and how to play a traditional instrument) while missing some pathetically obvious clues. Some of the lines from the film left me laughing for hours after the movie was finished...and I have to say I have learned some...interesting...French vocabulary that would probably have my Professors quite exasperated with me were I to use. All in all, I thought this film excellent. Intensely funny and the first film I've ever seen that truly parodies all aspects of the spy film.


text: Ik heb dit onlangs gezien op het Palm Springs International Film Festival van 2007, waar het eindigde als een van de publiekslievelingen. Dit is een smet op de huisvlijt van de OSS 117-films uit de jaren vijftig en zestig. De eerste OSS 117-film, gebaseerd op de roman van Jean Bruce, werd in 1956 op het witte doek gebracht, lang voor de eerste James Bond-film, met Ivan Desny als Hubert Bonisseur De La Bath, en tot 1970 werden er zes actiefilms gemaakt met Luc Merenda, Frederick Stafford, Kerwin Matthews en John Gaven. Jean Dujardin speelt de titelrol in deze komische verfilming van de serie. Als de film begint die in 1945 speelt, heeft hij een snor en lijkt hij op Desny, maar als de film begint die in 1955 speelt, lijkt hij echt op Sean Connery. Jean Fran<0xC3><0xA7>ois Hazanavicius schreef dit hilarische scenario van een spion die naar Egypte wordt gestuurd om de moord op een vriend te onderzoeken. Het leent zich voor de dwaasheid van _Naked Gun_, _Get Smart_ en _The Pink Panther_ en gebruikt nieuwe humor bij actuele gebeurtenissen in een verrukkelijke combinatie waar internationaal publiek van zal genieten, en ik weet zeker dat dit de eerste van meer zal zijn van een in ere hersteld OSS 117 dat is omgebouwd tot komedie. Michel Hazanavicius regisseert. Ik zou dit een 7,5 geven en het aanbevelen.

text_en: I recently saw this at the 2007 Palm Springs International Film Festival where it ended up as one of the audience favorites. This is a spoof on the french cottage industry of OSS 117 films of the 50's and 60's. The first OSS 117 film based on the novel by Jean Bruce was brought to the screen in 1956, long before the first James Bond film, staring Ivan Desny as Hubert Bonisseur De La Bath and six subsequent action adventure spy films were made up to 1970 with Luc Merenda, Frederick Stafford, Kerwin Matthews and John Gaven all taking turns as Oss 117. Jean Dujardin is in the title role in this comedic take on the series. As the film begins set in 1945 he has a french mustache and resembles Desny but as the film begins it's setting of 1955 he really looks like Sean Connery. Jean François Halim wrote this hilarious screenplay of a spy sent to Egypt to investigate the murder of a friend. It borrows on the silliness of Naked Gun, Get Smart and the Pink Panther and uses fresh humor on current events in a delightful combination that international audiences will enjoy and I am sure this will be the only the first of more to come of a revived OSS 117 reworked to comedy adventures. Michel Hazanavicius directs. I would give this a 7.5 and recommend it.


text:
Zo zou ik het willen samenvatten! Er waren anderen die zeiden: Naked Gun ontmoet James Bond. Ik denk dat mijn woorden nauwkeuriger zijn, maar op dat punt ben ik niet neutraal...
Deze film is een soort explosie uit het verleden. Hij doet je denken aan oude films (uit de jaren vijftig en zestig) en dat is niet alleen omdat hij zich afspeelt in die periode (1955 om precies te zijn, met uitzondering van de Flashback), maar ook door de stemming waarin de film wordt gemaakt en door wat hij op het scherm te zien geeft! De hoofdrolspeler (die, zoals me is verteld, erg populair is in zijn vaderland Frankrijk) is perfect in zijn rol. Hij is de spion met het getal 117 aan zijn naam. Er is één personage dat hem in de film samenvat door een vraag te stellen, over of hij goed is of niet... je zult het zien als je de film kijkt!
Dit is echt heel grappig, en als je je spionnen leuk vindt, vermengd met komedie met de flair van de oude school, maar niet zichzelf of wat dan ook serieus neemt, dan moet je dit zien!
)

text_en:
That's how I'd sum it up! There were other who said, Naked Gun meets James Bond. I think mine is more accurate, but I'm not neutral on that point ... ;o)

This movie is kind of a blast from the past. It reminds you of the old movies (from the '50s & '60s) and that's not only because it plays in that time period (1955 to be exact, with the Flashback exception), but it's the mood the movie is made in and it shows on screen! The main actor here (who is as I've been told very popular in his homeland France), is perfect in his role here. He's the spy with the number 117 attached to him. There is one character who sums him up in the movie, by asking a question, about if he's good or not ... you'll see when you watch the movie!

Very funny indeed this is and if you like your spies mixed with comedy with old school flair, but not taking itself or anything else for that matter seriously, than you need to watch this! :o)


text: Als Fran<0xC3><0xA7>aise vond ik het heel prettig om te kunnen lachen om het oude stereotiepe beeld dat er van Fransen zoals zij wordt gemaakt, om sommige tekortkomingen van westerlingen, om spionagefilms enzovoort... en ook om een heleboel andere dingen, onderweg... Ik heb hem al 3 keer gezien en elke keer ontdekte ik nieuwe dingen en lachte ik tot tranen toe... Jean Dujardin, Bérénice Béjo, de regisseur Aure Atika en de hele cast, de hele crew heeft fantastisch werk geleverd. Deze film is grappig, maar hij is nog veel meer dan dat: hij heeft een heleboel niveaus. 's moedig genoeg om kritisch te zijn), vanwege de fysieke komedie, omdat je in de personages gelooft enzovoort... Esthetisch en muzikaal gezien is het ook een succes. Ga ernaar kijken als je kunt.

text_en: As a French, i found it very pleasant to be able to laugh at the old stereotype which is made of French like that, at some defaults of Westerners, at Spy movies etc...and at a lot of other things too, en route... I already saw it 3 times and each time i discovered new things and laughed to tears... Jean Dujardin, Bérénice Béjo, Aure Atika the director and all the cast, all the crew did a fantastic job. This movie is funny but is although much more than that : it's got plenty of levels to it. You laugh because of simple gags, because of some critics made with wit (the movie's courageous enough to be critical), because of physical comedy, because you believe in the characters etc... Esthetically and musically, it's a success too. Go see it if you can.


text:
Jean Dujardin neemt Connery's manier van doen in zich op: het rechttrekken van de manchetknopen bij het betreden van een club, als alle vrouwen zich naar hem omdraaien om hem te bewonderen, het nonchalant rechttrekken en gladstrijken van de das, de zwierige, staalharde tred. Het is griezelig, en je begint te beseffen hoeveel van Bond in de jaren zestig Connery's schepping was en niet echt Ian Flemings personage.
De cinematografie is een afspiegeling van die eerste films, de film begint voornamelijk met From Russia With Love en Thunderball. De grootste grap is hoe chauvinistisch de held is, niet alleen in termen van seksisme, maar ook in termen van nationalisme en kolonialisme, en hoe hij zijn neus ophaalt als hij naar Egypte wordt gestuurd.
'Het' Het is niet volmaakt <0xE2><0x80><0x93> ongeveer 20 minuten lang lijkt het een eendagsvlieg en stukjes ervan doen je denken aan een van de grappen van die tijd, en die waren er genoeg. In _The Intelligence Men_ van Morcecambe en Wise liepen ook mannen met een fez op die er verdacht uitzagen hun helden achterna, en dat gaat een beetje terug. In tegenstelling tot Sellers' _Clouseau_ of baron Cohens _Borat_ geeft Dujardin zijn personage niet zo'n laagje echtheid of oprechte pathos <0xE2><0x80><0x93> hij heeft het te druk met het perfectioneren van zijn Connery-manieren. Het doet niet genoeg met de aftiteling of een groots nummer, en er is geen grappige of serieuze schurk, zoals in Mike Myers' _Dr Evil_ of Ricardo Montalbans _Naked Gun_ -nemesis, waartegen de held het moet opnemen. Maar de scène waarin OSS117 op een ochtend in Cairo wakker wordt, deed me hardop lachen in de driekwart lege bioscoop, en het ziet er allemaal prachtig uit, en bovendien krijg je nooit de kans om Operatie Kind Broeder op het scherm te zien, en de vrouwen zijn superknap, echt superknap. Het is een Bond-spoof zonder dat je in de maffe set van Ken Adam of grappige gadgets verzeild raakt. Aanbevolen.

text_en:
Jean Dujardin gets Connery's mannerisms down pat: the adjusting the cuff links when entering a club as all the women turn to admire him, the nonchalant straightening and smoothing down of the tie, the swaggering, steely gait. It's uncanny, and you come to realise just how much of Bond in the Sixties was Connery's creation and not really Ian Fleming's character.

The cinematography is a nod to those early films, the movie takes off From Russia With Love and Thunderball mainly. The main joke is how chauvinistic the hero is, not just in terms of sexism but nationalism and colonialism, and how he puts noses out of joint when he is sent to Egypt.

It's not perfect - about 20 mins in it seems a one-joke movie and bits of it remind one of spoofs of the day, of which there were plenty. Morcecambe and Wise's The Intelligence Men had suspect-looking men in fez's following their heroes around too, and that's going back a bit. Unlike Sellers' Clouseau or Baron Cohen's Borat, Dujardin doesn't give his character that layer of realness or genuine pathos - he is too busy perfecting his Connery mannerisms. It doesn't do enough with the credits or a big song, and there's no funny or serious villain, like Mike Myers' Dr Evil or Ricardo Montalban's Naked Gun nemesis, for the hero to go up against.

But the scene where OSS117 wakes up in Cairo one morning had me laughing out loud in the three-quarters empty cinema, and the whole thing looks wonderful, plus you'll never get a chance to see Operation Kid Brother on the screen, and the women are ace crumpet, really hot. It's a Bond spoof without falling into the mad scientist/Ken Adam sets or funny gadgets routine. Throughly recommended.


text:
OSS 117 was van het begin tot het eind leuk.
Het is moeilijk te definiëren waarom een film je raakt of met je in verband brengt, en ik zal niet proberen zo'n perfecte komedie te analyseren, die zo politiek incorrect is dat er zelfs academische artikelen aan gewijd zouden moeten worden!
Alles is hier ouderwets, van vrouwenkleren (zucht!), mambo-dansen, de 'heldenzang'... ('Bambino' klinkt als een Italiaanse canzonetta, gezongen in... Arabisch!)!
Hubert is fysiek indrukwekkend, maar zo dom als de neten. Van alle 007's lijkt hij op Sean Connery, maar hij is beslist meer sympa omdat hij... dom is, altijd zijn mening geeft, giechelt, zelfs homo-erotische fantasieën heeft en er gaan geruchten over hem. Kortom, hij is een antiheld! Soms trekt hij alleen maar zijn wenkbrauwen op of fronst hij zijn wenkbrauwen, en meer is er niet nodig om je aan het lachen te maken.
Bérénice Bejo is de ware koningin van de film. Gracieus, verraderlijk, maar met idealen. Aure Atika is daarentegen gereduceerd tot een soort femme fatale. Het is verbazingwekkend om haar die'sexy bom' te zien zijn, gij.
Je kunt het gewoon niet vergelijken met 'Austin Powers'! Ik ben het eens met D. Hartley van Amazon (Seattle, WA) dat het respectvol is ten opzichte van het genre.
Wat is jouw favoriete scène? Een van mijn favoriete scènes is het 'gevecht van de kippen' met de gemaskerde schurk. Maar de echt perfecte scène is als hij tijdens de cocktail met zijn contactpersonen zit te kletsen, hoe ze allemaal vol zelfvertrouwen gemeenplaatsen mompelen... Deze scène alleen al maakt het comedy-genre de moeite waard.

text_en:
OSS 117 was fun from start to finish.

It's difficult to define why one film touches or connects with you or not, and I won't try to analyze such perfect comedy, so politically incorrect that even academic papers should be dedicated to it :)!

Everything is old fashioned here, from women's clothes (sigh!), Mambo dance, the "hero singing"... ("Bambino" sounds like an Italian canzonetta sung in... arabic :)!).

Hubert is physically imposing, but dumb as hell. From all the 007s, he looks like Sean Connery, but is definitely more sympa because he's... silly, speaks his mind all the time, giggles, even has some homoerotic fantasies and there are rumours about him. In short, as an anti hero, he rocks :)! Sometimes he only raises his eyebrows or frowns, and that's all it takes to make you laugh.

Bérénice Bejo is the true queen of the film. Graceful, treacherous but with ideals. Aure Atika, to the contrary, is reduced to a femme fatale of sorts. It's surprising to see her that "sexy bomb", thou.

You just can't compare it with "Austin Powers"! I agree with Amazon's D. Hartley (Seattle, WA) on it being respectful to the genre.

Which is your favourite scene? One of my favourite scenes is the "fight of the chickens" with the masked villain. But the truly perfect one is when chatting at the cocktail with his contacts, how they all mutter platitudes with confidence... This scene alone makes the comedy genre worthwhile.


text: Ik was dol op deze film en kan hem aanbevelen aan iedereen die van een goede spionne houdt en die Johnny English een g<0xC3><0xAA>nante figuur vond. Dit is de film die JE had moeten zijn. Maar hij is gebaseerd op een oude Franse filmserie, dus hij heeft niet echt iets met Bond te maken.<br />De productie is briljant, je zou bijna geloven dat de film in de jaren zestig is opgenomen. Hij heeft zelfs dezelfde pastelkleuren als de kleurenfilms uit die tijd. Jean Dujardin speelt zijn rol met precies de juiste hoeveelheid domheid en naïviteit, niet met de onnozele pantomime van Rowan Atkinson. En zelfs als je de film niet mooi vindt, wil je hem zien voor Berenice Bejo. Zij is de opwinding.

text_en:
I loved this film and recommend it to anyone who like a good spy spoof and who thought Johnny English was an embarrassment. This is the film JE should have been. But it's based on an old French films series so it's not really Bond related.

The production is brilliant, you'll almost believe the film was shot back in the 60's. It even has that same pastel kind of colouring films had in those days. Jean Dujardin plays his part with just the right amount of dumbness and naivety, not with ham fisted pantomime silliness like Rowan Atkinson And even if you don't like the film, you will want to see it for Berenice Bejo. Ooh la la! She is the hotness ...


text: Dit is de laatste aantekening in de lange reeks films met de Franse agent O.S.S. 117 (de Franse afkorting van James Bond). De serie werd in het begin van de jaren vijftig gelanceerd en leverde minstens acht films op (waarvan er nooit een in de Verenigde Staten werd uitgebracht). 'O.S.S.117:Cairo, Nest van spionnen' is een luchtige komedie die niet... ik herhaal niet, te serieus genomen moet worden. Onze hoofdpersoon zit midden in een spionagemissie in Egypte (met Morroco als stand-in voor Egypte) om iets over een lang verloren gewaande vriend te weten te komen. Wat volgt is de gebruikelijke James Bond/inspecteur Cloussou-achtige fratsen. Hoewel onze man een soort openlijke xenofoob, seksistisch, homofoob is, wordt het behandeld als pure klucht (zoals ik al zei, neem het niet te serieus). Hoewel er een beetje grof taalgebruik & tekenfilmgeweld in zit, is het in principe oké voor oudere kinderen (leeftijd 12 & hoger). Zoals eerder in de onderwerpregel gezegd: ga lekker zitten, geef de popcorn aan & geniet ervan.

text_en: This is the latest entry in the long series of films with the French agent, O.S.S. 117 (the French answer to James Bond). The series was launched in the early 1950's, and spawned at least eight films (none of which was ever released in the U.S.). 'O.S.S.117:Cairo,Nest Of Spies' is a breezy little comedy that should not...repeat NOT, be taken too seriously. Our protagonist finds himself in the middle of a spy chase in Egypt (with Morroco doing stand in for Egypt) to find out about a long lost friend. What follows is the standard James Bond/Inspector Cloussou kind of antics. Although our man is something of an overt xenophobe,sexist,homophobe, it's treated as pure farce (as I said, don't take it too seriously). Although there is a bit of rough language & cartoon violence, it's basically okay for older kids (ages 12 & up). As previously stated in the subject line, just sit back,pass the popcorn & just enjoy.


text: Ik zag de film toen ik in mei 2006 in Parijs was... Ik zat te dubben tussen dat en een onmogelijke missie... Ik ben heel blij dat ik OSS 117 heb gekozen, niet alleen omdat hij grappig was, maar omdat ik in Frankrijk net zo goed naar een film van Frénch kon kijken. Ik heb me uitstekend vermaakt... kan hem aanbevelen. Het is belangrijk dat je de Franse gemeenschap van vandaag een beetje begrijpt om echt van de humor van deze film te kunnen genieten... kan niet wachten tot de dvd uitkomt... Ik weet niet hoe sommige van de 'jeu de mots' 'puns' in het Engels zouden worden vertaald... ik zal hem zeker kopen als hij uit is! wat een film is met Dujardin in de hoofdrol waar alle kinderen het in Frankrijk over hadden. deze film is een komedie, maar dwazer dan je je kunt voorstellen... als je beide films met elkaar vergelijkt, moet ik zeggen dat Dujardin goed werk heeft geleverd in OSS 117.

text_en: Saw the move while in Paris in May 2006 ... I was debating between that and mission impossible...I am very glad I choose OSS 117 not only because it was funny but might as well watch a FRench movie while in France. I had a great time... would recommend it. It is important to have some understanding the French society of Today to really enjoy the humor of this movie ... cannot wait for the DVD to come out... I don't know how some of the 'jeu De mots' 'puns' would be translated in English I 'll certainly buy it when it is out! P.S. I saw on 'BRice de Nice' which is a movie starring Dujardin that all kids were talking about in France. this movie is a comedy but sillier than one can imagine...in comparing both movies I have to say that Dujardin did a good job in OSS 117.