text: Als het op films aankomt, maak ik niet gemakkelijk onderscheid tussen flauwekul, pure flauwekul en meesterwerken. Ik geloof dat deze film een absoluut meesterwerk is en het is moeilijk om me langer dan 90 minuten bezig te houden. Deze film was trager dan Mystic River en Harry Potter bij elkaar en toch slaagde ik erin om op mijn stoel te blijven zitten. Voor mij was het de passie die Eric Bogosian in zijn optreden legde. Het is buitengewoon moeilijk om zo'n stunt uit te halen en er een positief effect uit te halen. Bogosian heeft waarschijnlijk een van de moeilijkste eenmansvoorstellingen in de moderne film gemaakt. Ik had geen respect voor Bogosian tot het eind van de film. De hele monoloog een paar minuten voor de onverbiddelijke climax was het keerpunt, het was de sleutel die me omkeerde. Deze man had een punt bereikt dat zo laag was dat hij wist dat hij er nooit meer bovenop zou komen. De jongens van het bedrijf feliciteerden hem met zijn optreden. Door zijn vernietigende proza schudde zelfs de glibberigste man in de stoet vol ontzag zijn hoofd. Het deed me beseffen dat persoonlijke integriteit en hypocrisie er niet toe doen in de wereld van de praatradio, zelfs niet in de zakenwereld trouwens. Stone mocht dan bezig zijn met een of andere extreem-liberale agenda, maar het was de film zelf en de productie die mijn aandacht trokken. Oliver Stone is een kleine meester in humeurigheid. Het laatste derde deel van de film had waarschijnlijk de beste belichting en filmische kwaliteit die ik ooit in een film heb gezien. Stone geeft de dj-cabine het effect van een cel van twee bij twee meter in een negentiende-eeuwse gevangenis. Visueel gezien is de enige vriend van Bogosian het zwarte schuim dat zijn gebruikelijke vitriool absorbeert. Hij spreekt en het schuim spreekt niet terug. Het is een trieste metafoor, gezien de manier waarop hij de mensen behandelt die hem zijn succes hebben bezorgd. Stone en Bogosian hebben een verbluffende film gemaakt van een man die gevangenzit in zowel een gevangenis van muren als een gevangenis van zichzelf. Deze man zit gevangen in zijn eigen wil en kan daar nooit aan ontsnappen. De scène die me deed beseffen dat hij zijn ex-vrouw niet terug wilde hebben, was de scène waarin hij niet wilde dat zijn ex-vrouw terugkwam. Hij gaf de voorkeur aan zijn eigen gevangenis in plaats van aan de buitenwereld. Elk verhaal heeft een conflict en het kwam neer op de eenvoudigste van alle conflicten: de mens tegen zichzelf. 'Talk Radio' toont dit conflict op een intelligente, pakkende en gekunstelde manier. Er zitten geen verborgen boodschappen in deze film en de opeenvolging van gebeurtenissen zou door elke scherpzinnige kijker verwacht moeten worden. Ik leunde gewoon achterover en liet mijn geest door deze film in beslag nemen en ik vond hem prachtig. Hij is niet aangekondigd, niet gezien en zal nooit de erkenning krijgen die hij verdient. Laten we hopen dat het zo blijft, want edelstenen verdienen het om gevonden en dan weer verborgen te worden. Het is een juweel, want ik heb hem gevonden in de dvd-automaat van mijn plaatselijke Wal-Mart. Voor 5,50 was het de moeite waard om er een halfuur naar te zoeken. Dat heb ik gedaan en ik heb meer dan waar voor mijn geld gekregen. Dit is een van de beste films die ooit zijn gemaakt en dat is alleen al tien redenen waard. Tien redenen geven een score van tien.<br />Hier eindigt mijn tirade!

text_en:
When it comes to movies, I don't easily discriminate between crap, pure crap and masterpieces. I believe this movie is an absolute masterpiece and it's hard to keep me entertained for more than 90 minutes. This movie ran SLOWER than Mystic River and Harry Potter 3 combined and I still managed to stay riveted to my seat. For me, it was the passion that Eric Bogosian put into his performance. It's extremely difficult to pull off such a stunt and manage to garner any positive effect from it. Bogosian probably nailed one of the toughest single-man performances in modern cinema. I didn't have any respect for Bogosian until the end of the film. The entire monologue minutes before the inexorable climax was the turning point, it was the key that turned me around. This man hit a point so low that he knew he could never recover from it. The corporate boys congratulated him on the performance. His blistering prose made even the slimiest one in the cavalcade shake his head in awe. It made me realize that personal integrity and hypocrisy don't matter in the world of talk radio, even in the corporate world for that matter. Stone may have been pushing some uber-liberal agenda but it was the actual movie and production that got my attention. Oliver Stone is a minor master of the moody. The final third of the film had probably the best lighting and cinematography I have seen in any film. Stone artfully makes the DJ booth feel like five-by-seven cell in a nineteenth century prison. Visually speaking, it appears that Bogosian's only friend is the black foam that absorbs his routine vitriol. He speaks and it doesn't speak back. It's a sad metaphor considering the way he treats the people who handed him his success. Stone and Bogosian carved out a stunning film of a man who is trapped in both a prison of walls and a prison of self. This man is confined to his own volition and he can never escape it. The scene that made me realize his conundrum was when he was unwilling to his ex-wife back. He preferred his own prison instead of the world on the outside. Every story has a conflict and it came down to the simplest of all conflicts: man versus himself. 'Talk Radio' presents this conflict in an intelligent, gripping, and artful fashion. There are no hidden messages in this film and the progression of events should be expected by any astute viewer. I just leaned back and let my mind be grasped by this film and I loved it. It's unheralded, unseen, and it will never receive its due recognition. Let's hope it stays that way because gems deserve to be found and then hidden again. It's a gem because I found it in the discount DVD bin at my local Wal-Mart store. For $5.50, it was worth the half-hour I spent digging trying to find it. I did and I got more than my money's worth. This is one of the best movies ever made and that is worth ten reasons alone. Ten reasons give a score of ten.

Here ends my rant!


text: Sonny Chiba is, zoals iedereen weet, de man. In deze film speelt hij Mas Oyama (1923-1994), een echte vechtsporter die met zijn blote handen tegen 50 stieren vocht en won (een interessante vent die hem opzoekt). Hoe dan ook, Chiba doodt maar één stier in de film, maar het is een gedenkwaardige scène en, zoals de tekst zegt, net als in de zombie-tegen-haai-scène in Zombi! De film bevat ook massa's man-tegen-mangevechten en een behoorlijke plot op de koop toe, hoewel ik niet geloof dat het allemaal waar is. Deze film is het eerste deel van de Oyama-trilogie die Chiba heeft gemaakt en wordt aanbevolen voor fans van vechtsporten. Tot slot nog drie leuke weetjes: een deel van het openingsthema is gebruikt in _Killer Bill_ deel 1, Oyama zelf komt in de openingsscènes voor, en dat komt omdat hij Chiba vijf jaar in het echte leven heeft getraind!

text_en: Sonny Chiba, as everyone knows, is the man. In this film, he portrays Mas Oyama (1923-1994), a real martial artist who fought over 50 bulls with his bare handsand won (interesting guylook him up). Anyway, Chiba only kills one bull in the film but it's a memorable scene and as the liner notes say, right up there with the zombie vs. shark scene in Zombi! The film also offers up loads of hand-to-hand combat and a decent plot to boot, though I don't believe all of it is true. This film is the first of the Oyama trilogy Chiba made and is recommended for fans of martial arts action. Finally, three neat little tidbits; part of the opening theme was used in Kill Bill Volume 1, Oyama himself appears in the opening sequences, and that is because he trained Chiba in real life for five years!


text:
Mas Oyama was aan het eind van de twintigste eeuw de succesvolste karatemeester. Hij verwierp de 'training' van de karateclubs van die tijd, die zich op een intensieve, niet-vaste vorm van training concentreerden. Uiteindelijk bouwde hij zijn systeem uit tot een enorm zakenimperium met honderden scholen over de hele wereld, zonder zijn lessen te compromitteren. De tests op de Kyokushin-scholen zijn nog steeds een van de fysiek meest uitdagende tests die een karateschool nodig heeft. Een van de niet- lichamelijke problemen waar Oyama mee te maken kreeg, was een vooroordeel vanwege zijn Koreaanse afkomst en hij besteedde er veel tijd aan om te bewijzen dat hij trouw was aan Japan en Japanse karate. Deze filmserie maakte deel uit van die inspanning, hoewel iemand die de kans had om Oyama te ontmoeten (ik had die kans wel) nooit vraagtekens zou zetten bij zijn trouw aan Japan. In deze serie wordt Oyama's beroemdste leerling, Sonny Chiba, gevraagd om zijn meester te spelen.
Oyama komt van het platteland waar hij in zijn eentje heeft getraind. Hij daagt de gevestigde karatescholen die hij tegenkomt uit en maakt korte metten met hen. Walgend van de staat waarin het karate verkeert, keert Oyama terug naar zijn eenzame training. Uiteindelijk pikt hij een leerling op, wordt verliefd en loopt gangsters in de weg die verbonden zijn aan de gevestigde karatescholen. Te midden van dit alles vindt het legendarische stierengevecht met een dolle stier plaats. Hoeveel van de film waar is, is de vraag.
Dat Oyama een stier met zijn blote handen kon doden, is waar. Hij moest dit kunststukje talloze malen herhalen. Er zijn gefilmde voorbeelden van Oyama die dit daadwerkelijk deed, hoewel de stieren soms aan de ketting leken te liggen omdat Oyama op leeftijd begon te raken. Sonny Chiba speelt zijn meester met overtuiging en het karate is vrij goed. Chiba was misschien niet de beste karateleraar, maar in deze tijd stond hij zeker boven het gemiddelde.
De film is over het geheel genomen goed, veel beter dan de meeste vechtkunstfilms op de toneelafdeling. Ik heb me altijd afgevraagd waarom hij niet bekender is. Waarschijnlijk zijn het zeer realistische afbeeldingen van vechtsporten. Je ziet mensen die moe worden en pijn lijden, in tegenstelling tot 99 procent van de actiefilms waarin de held een grenzeloze fontein van energie is en elke klap een tegenstander onmiddellijk de dood injaagt. Chiba lijkt op een bepaald moment zo uitgeput dat het pijn doet om naar haar te kijken. Misschien willen de kijkers liever niet dat hun vermaak zo'n scherp beeld van de werkelijkheid weergeeft.
Geadviseerd speciaal voor vechtsporters.

text_en:
Mas Oyama was the most successful karate master of the late 20th century. He rejected the "training" of the karate clubs of the time focusing on an intense no holds form of training. He eventually built his system into a huge business empire with hundreds of schools across the world, without compromising his teachings. The testing in the Kyokushin schools are still some of the most physically challenging tests any martial art school requires. One non- physical hardship Oyama faced was prejudice due to his Korean ancestry and he spent time proving that loyalties were to Japan and Japanese Karate. This movie series was part of that effort although anyone who had the chance to meet Oyama (I did) would never question his allegiance to Japan. In this series, Oyama's most famous student, Sonny Chiba, is called upon to portray his master.

Oyama arrives from the countryside where he has been training alone. He challenges and makes short work of the established Karate schools he encounters. Disgusted by the state of karate, Oyama returns to his lone training. He eventually picks up a student, falls in love and gets in the way of gangsters who are allied with the established karate schools. In the middle of this is the legendary bullfight with a mad bull. How much of the film is true is questionable.

That Oyama could kill a bull with his bare hands is true. He was called on to repeat this feat numerous times. There are filmed instances of Oyama actually doing this, although sometimes the bulls seemed to be tethered as Oyama was getting on in years. Sonny Chiba portrays his master with conviction and the karate is quite good. Chiba may not have been the best karate practitioner but, at this point in time, he was certainly above average.

As a whole the movie is good, much better then most martial art films in the drama department. I always wondered why it's not more well known. Possibly it the very realistic depictions of martial arts. People are shown getting tired and hurt unlike 99% of action film where the hero is a limitless fountain of energy and each blow instantly dispatches an opponent to death. Chiba seems so exhausted at one point that it hurts to watch. Perhaps viewers rather not have their entertainment reflect reality so closely.

Recommended especially for martial artists.


text: Vreemd genoeg vertoonde het Independent Film Channel deze film een week nadat hij KARATE BEAR FIGHTER had uitgezonden <0xE2><0x80><0x93> ook al was de berenfilm de tweede in de trilogie en deze film de eerste! Wat dachten ze wel niet?! Hoewel alle drie deze films zogenaamd zijn gebaseerd op het leven van deze grote Kyokushin- Karatemeester, kun je je niet aan de indruk onttrekken dat ze het verhaal behoorlijk moeten hebben opgesmukt <0xE2><0x80><0x93> vooral in deze eerste film. Natuurlijk, de man vocht en doodde een stier en later een beer (in feite vocht en doodde hij veel stieren tijdens zijn carrière), maar in deze film, die zich afspeelt in het begin van de jaren vijftig, aan het eind van de film, vecht de held in feite tegen zo'n zestig mannen en doodt er velen op brute wijze. Ik kan me gewoon niet voorstellen dat dit echt is gebeurd. Dus heb ik wat onderzoek gedaan en ontdekte dat veel van de details klopten, maar dat sommige dingen in deze film pure onzin zijn! Ja, hij doodde een man uit zelfverdediging en ja, hij volgde de weduwe en haar zoon en werkte een jaar voor hen <0xE2><0x80><0x93> in een poging hen te overtuigen hem te vergeven. Maar het einde van de film is geweldig om te zien, maar onzin. Als je ziet hoe een van zijn tegenstanders een staf door zijn hoofd krijgt geramd en alle andere bloederige details niet, dan zou de Japanse regering Oyama hebben opgesloten om de samenleving te beschermen! De film is onderhoudend en de gevechten zijn uitstekend. Er zijn geen klachten over de actie of het acteerwerk. De enige kleine klacht is het camerawerk, dat een beetje slordig is tijdens sommige vechtscènes. Ondanks deze kleine klacht is dit een zeer aangename film. In veel opzichten doet het thema van de zwervende Karate-meesters denken aan de Zatoichi-films, die ook heel leuk zijn om te zien, maar veel van de heldendaden zijn echt onmogelijk. Er is een verfilmde versie in het Engels van deze film met de titel 'Champion of Death' en die heb ik net ook gezien. Het is geen slechte verfilming en hij was ingekort (een groot pluspunt), maar toch geef ik de voorkeur aan de ondertitelde versie.

text_en:
Oddly enough, the Independent Film Channel showed this film a week AFTER it showed KARATE BEAR FIGHTER--even though the bear film was the second in the trilogy and this film was the first!!! What were they thinking?! While all three of these films are supposedly based on the life of this great Kyokushin Karate master, you can't help but think that they MUST have embellished the story quite a bit--especially in this first film. Sure, the guy evidently DID fight and kill a bull and later a bear (in fact, he fought and killed MANY bulls during his career), but in this film set in the early 50s, at the end of the film, the hero actually fights about 60 guys and kills many of them brutally. I just can't imagine that this really occurred. So I did some checking and found that while many of the details are correct, some of this film is pure bunk! Yes, he DID kill a man in self-defense and YES he did follow the widow and her son and spent a year working for them--trying to get them to forgive him. But the end of the film is great to watch but hogwash. Seeing one of his opponents get a staff thrust through his head and all the other gory details couldn't have happened or else the Japanese government would have locked Oyama up to protect society! The film is entertaining and the fighting is excellent. There are no complaints about the action or acting. The only minor complaint is the camera work--which is a tad sloppy during some of the fight scenes. Despite this minor complaint, this is a most enjoyable film. In many ways, the wandering Karate master theme is pretty reminiscent of the Zatoichi films--which are also lots of fun to watch but many of the exploits are truly impossible.

FYI--There is an Englished dubbed version of this film entitled "Champion of Death" and I just saw it as well. It's not a bad dubbing and it was letter boxed (a big plus), but still I prefer the subtitled version.


text: In de 2e van zijn Historische Martial Arts-films portretteert Chiba zijn echte leven als sensei Mas Oyama. De film herschept zelfs Oyama's ongelooflijke prestatie om een woedende stier met zijn blote handen te doden (Oyama deed dit kunststukje meer dan 50 keer in het echte leven). Dynamische vechtchoreografie met authentieke Kyokushinkai-technieken. Ironisch genoeg is dit een van de zeldzame films van Sonny Chiba waarin hij geen lichaamsdelen van tegenstanders losrukt of afrukt. Voor Sonny Chiba is het beslist een van zijn top 5-films.

text_en: In the 2nd of his Historical Martial Arts films, Chiba portrays his real life sensei Mas Oyama. The film even recreates Oyama's incredible feat of killing a raging bull with his bare hands (Oyama did this feat over 50 times in real life). Dynamic fight choreography featuring authentic Kyokushinkai techniques. Ironically this is one of the rare Sonny Chiba films in which he DOESN'T tear out or rip off body parts of opponents. A must see for Sonny Chiba fans definitely one of his top 5 films


text:
Ik woonde een vertoning bij van _Fierce People_ op het Woodstock Film Festival in 2006. Ik aarzel om het een'vertoning' te noemen, want de film was in het voorjaar van 2004 opgenomen en beleefde zijn wereldpremière in Tribeca in 2005. Er werden dat jaar verscheidene festivals aan gewijd. De vertoning leek nabij, maar toen verdween hij. Poef. Verdwenen. Althans, zo leek het voor het filmpubliek. Zo nu en dan doken er geruchten op over een theater- of dvd-vertoning, maar die bleken allemaal ongegrond. Toen werd deze vertoning aangekondigd. Misschien kan ik het een'vertoning' noemen? Ik had in elk geval het gevoel dat ik getuige was van een begraven schat. En wat voor een schat was het.
Ik neem aan dat je _Fierce People_ zou kunnen omschrijven als een coming-of-agedrama. Maar het heeft ook elementen van komedie en tragedie, en mysterie. En een beetje klucht. Kortom, het echte leven. Dat maakt het moeilijk om het in een hokje te stoppen, wat het meer in de categorie van een indiefilm dan van een Hollywoodfilm plaatst. Maar de hoge productiewaarden, het grote budget en de cast van sterren lijken in tegenspraak met het indielabel. Dus laten we het een hybride noemen. En misschien is het daarom wel'verloren gegaan'. Het strekt zich niet uit tot de categorisatie.
Ik stel je voor aan Finn Earl (Anton Yelchin), 15, wiens vader afwezig is. Finn heeft hem zelfs nooit gekend. Maar hij ziet en hoort hem via de verzameling homevideo's uit Zuid-Amerika. Pap is een vermaard antropoloog, en hij heeft naam gemaakt door zich in te laten met de Yanomani, de stam van de 'Fierce People', die leven om te doden en, nou ja, zich voort te planten. Al hun activiteiten zijn gebaseerd op die twee 'taakjes', en Finn is er helemaal door gefascineerd. Mam Liz (Diane Lane) is ook een beetje afwezig. Hoewel ze fysiek aanwezig is, gaat ze helemaal op in een wereld van cocaïne en alcohol. Dus wordt Finn volwassen in zijn kleine, eenzame wereldje met zijn filmrolletjes.
Op een zomer besluit mam Finn mee te slepen naar de wildernis van New Jersey. Als massagetherapeute heeft ze een rijke cliënt, Ogden C. Osborne (Donald Sutherland, in een _tour de force_ -voorstelling) en hij hebben haar uitgenodigd voor een langdurig huisbezoek op zijn vorstelijke landgoed. Tot Osbornes'stam' behoort een verzameling excentrieke, rijke kinderen, bedienden en dorpsidioten, onder wie Finn zelf deel zal uitmaken van zijn eigen antropologische studie. Zal zijn ervaring met de films van zijn vader hem helpen het leven als bezoeker van deze stam te overleven? Zal hij worden geaccepteerd? Of zal hij worden gezien als een buitenstaander, die tegelijkertijd worstelt met zijn eigen identiteit als adolescent? Zo gaat het nu eenmaal in sprookjes, en ik neem aan dat dit het geval zou zijn geweest zonder de duistere onderbuik die regisseur Griffin Dunne en schrijver Dirk Wittenborn in dit magnifieke verhaal hebben verweven.
Met Anton Yelchin' Finn moet weer de tiener worden die hij nooit echt de kans heeft gekregen, ophouden de ouder van zijn moeder te zijn, zijn nuchtere moeder weer de ouder van hem laten zijn, en leren verantwoordelijkheid te nemen op weg naar de volwassenheid zoals het al die tijd al had moeten gebeuren. Toch moet hij deze transformatie doormaken in een gevaarlijke, donkere wereld waar spelen met vuur een dwaasheid is voor dit verscheurde gezin.
Dit is in de eerste plaats een film met een verhaal, en dat benadrukte Griffin Dunne in de inleiding van de film. Hij kocht de rechten van Wittenborns roman toen die nog geschreven moest worden, en Wittenborns roman was al geschreven. Zijn eigen script komt tot leven in de handen van de meesterlijke Dunne, op een manier die je versteld doet staan.
Dit is ook grotendeels een film met karakters, en Sutherland is nog nooit zo goed geweest. De mensen om me heen waren verbijsterd door zijn draai als Osborne, en jij zult waarschijnlijk ook versteld staan. Het personage van Diane Lane vertoont uiteindelijk zoveel persoonlijkheden dat je je nauwelijks kunt voorstellen dat een andere acteur het zo goed heeft gedaan. Ze is adembenemend. Maar boven alles is 'Fierce People' de film van Anton Yelchin. Hij heeft een lange staat van dienst als kindacteur, maar heel weinig als tiener. Afgezien van het weinig bekende 'House of D' (ook een juweeltje) is hij het best bekend als Byrd in 'Huff' op de tv. In januari zal hij te zien zijn in 'Alpha Dog' (die sinds 2004 ook op de plank staat, een film die ik dit jaar in Sundance heb gezien en waarin hij het 'hart en de ziel' is). Zijn vertolking gaat veel verder dan je zou verwachten van iemand die zo jong is, en is zonder meer spectaculair.
Deze complexe, eigenzinnige film is lang genoeg uit het zicht gebleven. 'Fierce People' is een schat vol licht en schaduw, komedie en tragedie, vreugde en pathos, maar vooral verwondering.

text_en:
I attended a screening of "Fierce People" at the 2006 Woodstock Film Festival. I hesitate to label it a "premiere" of any sort, since it was shot in the spring of 2004 and had its world premiere at Tribeca in 2005. It played several festivals that year. Release seemed imminent, then it disappeared. Poof. Vanished. Or so it appeared to the film-going public. Rumors of a theatrical or DVD release have popped up now and then, but all proved unfounded. Then this screening was announced. Perhaps one can call it a "re-premiere?" It certainly felt as if I was witness to a buried treasure. And what a treasure it was.

I suppose one could characterize "Fierce People" as a coming-of-age drama. But it also has elements of comedy and tragedy, as well as mystery. And a bit of farce thrown in. In short, real life. That makes it hard to pigeonhole, which puts it more into the category of an indie as opposed to a Hollywood movie. But its high production values, big budget feel, and star caliber cast seem at odds with the indie label. So let's call it a hybrid. And, perhaps, that's why it's been "lost." It defies categorization.

Meet Finn Earl (Anton Yelchin), 15, whose father is absent. In fact, Finn has never known him. But he sees him and hears him via the collection of home movies sent from South America. Dad is a renowned anthropologist, and has made a name for himself by setting up shop with the Yanomani, the tribe of "Fierce People" who live to kill and, well, procreate. All their activities are built around those two "tasks," and Finn is captivated by it. Mom Liz (Diane Lane) is also somewhat absent. Although present physically, she is lost in a world of cocaine and alcohol. So Finn becomes an adult in his little solitary world with his reels of film.

One summer, Mom decides to drag Finn along with her into the wilds of New Jersey. A massage therapist, Mom has catered to a wealthy client, Ogden C. Osborne (Donald Sutherland, in a tour de force performance) and he has invited her for an extended house call at his palatial estate. Osborne's "tribe" includes an assortment of eccentric rich kids, servants, and village idiots among whom Finn will find himself part of his own anthropological study. Will his experience with Dad's films help him survive life as a visitor to this tribe? Will he be accepted? Or will he be seen as an outsider, concurrently struggling with his own identity as an adolescent? Such is the stuff of fairy tales, and I suppose this would be if not for the dark underbelly which director Griffin Dunne and writer Dirk Wittenborn have infused into this magnificent story.

With Anton Yelchin's voice-over, intercutting pieces of Dad's home movies, Finn must learn to go back to being the teenager he never really had a chance to be, stop being the parent to his Mom, allow newly-sober Mom to be parent to him, and learn responsibility on the way to adulthood the way it should have taken place all along. Yet he needs to make this transformation in a dangerous, dark world where playing with fire is folly to this fractured family.

This is, first and foremost, a story-driven film and Griffin Dunne emphasized as much in the intro to the film. He bought the rights to Wittenborn's novel even as it was being written, and Wittenborn's own screenplay comes to life in the hands of the masterful Dunne in a way that's a work of wonder.

This is also largely a character-driven film, and Sutherland has never been better. His star turn as Osborne stunned those around me and will likely leave you amazed as well. Diane Lane's character ultimately exhibits so many personalities that it's hard to imagine another actor pulling it off so well. She is breathtaking. But more than anything, "Fierce People" is Anton Yelchin's film. He has a long resume as a child actor but preciously little as a teen. Other than the little-known "House of D" (also a gem), he is best known as Byrd on TV's "Huff." In January, he will be seen in "Alpha Dog" (also sitting on the shelf since 2004, a film I saw at Sundance this year and in which he is the "heart and soul"). His performance here goes far beyond what one would expect from someone so young, and is nothing short of spectacular.

This complex, quirky film has remained out of sight long enough. "Fierce People" is a treasure filled with light and shadow, comedy and tragedy, joy and pathos, but mostly wonder.


text: Ik vond dit een heel goede film. Iemand zei dat hij 'ziek' was, dus konden ze er niet naar kijken. Ik denk dat als je beseft dat hij een R-rating heeft, je voorbereid bent op de naaktheid en het drugsgebruik. Het is een goed verhaal en de acteurs zijn geweldig. Het is gewoon niet preuts om het te waarderen! Het gaat in feite over een moeder die drugs gebruikt en clean wil worden, dus belt ze een heel rijke oude vriend en die brengt ze naar zijn landgoed en er gebeuren gekke dingen. Ik denk dat het een drama is. Ik ben het gewoon zo zat dat mensen niet van films houden vanwege vloeken of naaktheid. Dat is de wereld waarin we leven. Dat ben jij kennelijk ook.' Je voelt je niet op je gemak met jezelf als je dingen als deze film niet kunt zien. En hij heeft een R-rating. Dus dat moet je van het begin af aan duidelijk maken dat het niet alleen maar perzikkleurige vrolijke regenbogen zijn. Ik vond het mooi. Ik denk dat jij het ook mooi zult vinden!

text_en: I thought this was a very good movie. Someone said it was 'sick' so they couldn't watch it. I think if you realize its rated R then you will be prepared for the nudity and drug use. It is a good story and the acting is amazing. Just can't be a prude to appreciate it! Its basically about a mom who does drugs and wants to get clean so she calls a very wealthy old friend and he moves them to his estate and crazy things happen. I guess it is a drama. I am just so sick of people who don't like movies because of cursing or nudity. That is the world we live in. You obviously aren't comfortable with yourself if you can't see things like this movie. And it's rated R. So, that should tell you from the beginning that its not all peachy happy rainbows. I liked it. I think you will too!


text: Ik had het geluk dit op het Tribeca-filmfestival te zien. Ik was stomverbaasd over hoe goed hij was gemaakt en hoe vermakelijk deze prachtige kleine film was. Directeur Griffin Dunne heeft geweldig werk geleverd bij het samenstellen van deze film, die verschillende personages en verschillende verhaallijnen heeft die zo soepel en naadloos in elkaar overlopen. Het hoofdverhaal gaat over de familie en het is een erg boeiend en onderhoudend verhaal dat de kijker bij elke scène betrekt. De film als geheel is geloofwaardig en integer, maar heeft toch die commerciële kant <0xE2><0x80><0x93> een 'indie'-film voor het grote publiek, zo je wilt. De acteurs doen het allemaal uitstekend, maar Diane Lane is de stralendste van allemaal. Diane Lane is gewoon sensationeel in deze fantastische film en zou een Oscar moeten krijgen. Ik weet dat het nog vroeg is, maar Lane speelt haar rol hier tot in de puntjes.

text_en: I was lucky enough to see this at this years Tribeca film festival. I was stunned by how well made and how entertaining this wonderful little film was. Director Griffin Dunne has done a great job assembling this film that has several characters and several story lines that blend so smoothly and seamlessly. The main story involves the family and it is very thought-provoking and entertaining story that involved the viewer in every scene. The film as a whole has credibility and integrity, yet still has that commercial edge - an "indie" movie for the masses if you like. The performances by the cast are all excellent but it is Diane Lane who shines the brightest. Diane Lane is simply sensational in this wonderful film and should be Oscar nominated. Early days I know, but Lane acts her socks off here.


text:
Ik kan me niet voorstellen waarom hij nog niet theatraal is uitgebracht. Er zit een geweldige cast in, met Sutherland, Lane en vooral Chris Evans die spectaculair werk leveren. Wakker worden, studiobazen!
Het verhaal is gebaseerd op de ervaringen van de schrijver/regisseur, die opgroeit als het 'arme kind' in een extreem welvarende gemeenschap, waar klasse alles is en een verschil maakt in elk aspect van het leven, van kleding tot rechtvaardigheid.
Tijdens het vragenuurtje in de film werd de schrijver gevraagd naar zijn ervaringen, en vooral naar wat we niet weten over de superrijken. Hij zei dat ze niet dom zijn, dat ze erg slim zijn (in tegenstelling tot hoe ze zichzelf afschilderen), dat ze plannen hebben en dat ze een bedreiging vormen!
In veel opzichten is deze film extreem vroeg.

text_en:
I can't imagine why it hasn't been theatrically released yet. It's got a great ensemble cast, with Sutherland, Lane, and especially Chris Evans doing spectacular work. Wake up, studio execs!

The story is based upon the experiences of the author/screenwriter, growing up as the "poor kid" in an extremely affluent community, where class is everything, and makes a difference in every aspect of life, from clothing to justice.

During the film's Q&A, the author was asked about his experiences, and particularly what we don't know about the ultra-rich. He said they aren't stupid, they're very smart (as opposed to how they may portray themselves), they've got plans, and they are a threat!

In many ways, this film is extremely timely.


text:
Ik heb echt genoten van Fierce People. Ik heb de film per ongeluk ontdekt, toen ik mijn On-Demand-filmlijsten doornam op zoek naar iets interessants om naar te kijken. De film gaat voornamelijk over de klasse in Amerika, en hij trekt snel je aandacht. De personages zijn slim en welbespraakt en het verhaal houdt zich niet aan de gebruikelijke Hollywood-regels.
De hoofdfiguur is Finn, een vroegrijpe, maar kansarme jongen van vijftien die de zomer doorbrengt bij de familie Osbourne. Donald Sutherland speelt de patriarch, Ogden C. Osborne, de op zeven na rijkste man van Amerika. Diane Lane speelt Finns moeder, een vriendin van Ogden, die ook een regelmatige cocaïnegebruiker en een slet is. De Osbournes hebben een groot landgoed en leven volgens hun eigen regels. In het begin lijken ze charmant en wereldwijs, maar de superrijken zijn anders. Zij zijn gewend om hun zin te krijgen. De film is vooral leuk omdat hij scherpe intelligente dialogen heeft, voortreffelijk acteerwerk en een verhaal dat onverwachte wendingen neemt. Het is ook een film met een R-rating, dus helemaal gezond is hij niet.
De cast is uitstekend. Anton Yelchin is geloofwaardig en sympathiek in de veeleisende rol van Finn. Sutherland en Diane Lane zijn nog nooit zo goed geweest. Chris Evans is indrukwekkend als de sluwe kleinzoon van Osbourne. Kristen Stewart is goed als de knappe kleindochter. Een film van hoge kwaliteit.

text_en:
I really enjoyed Fierce People. I discovered the film by accident, searching through my On-Demand movie lists trying to find something interesting to watch. The film is mostly about class in America, and it quickly grabs your attention. The characters are smart and articulate and the story doesn't stick to the usual Hollywood rules.

The main protagonist is Finn, a precocious, but underprivileged 15 year old who spends his summer with the Osbourne family. Donald Sutherland plays the patriarch, Ogden C. Osborne, the seventh richest man in America. Diane Lane plays Finn's mother, a friend of Ogden who is also a habitual cocaine user and a slut. The Osbournes own a large estate and seems to live by their own rules. At first they seem charming and sophisticated but the super-rich are different. They are used to getting their own way. The film is enjoyable mainly because it has crisp intelligent dialog, superb acting and a story which takes unexpected turns. It is also an R rated movie, so it's not entirely wholesome.

The cast is excellent. Anton Yelchin is believable and sympathetic in the demanding role of Finn. Sutherland and Diane Lane have never been better. Chris Evans is impressive as Osbourne's devious grandson. Kristen Stewart is good as the pretty grand daughter. High quality movie.


text: Een briljante en gevoelige film met in elkaar verweven plotlijnen. Als algemene waarschuwing wordt de film halverwege helemaal donker. Hoe onverwacht het ook is, het is een verandering die ik goed vond passen bij de thema's van de film, met name de vergelijking van de Ishkanani met de stinkend rijke mensen en (zoals Finn aan het eind zegt) de manier waarop elke persoon de stam vormt en hoe de hele stam in elke persoon wordt weerspiegeld.<br />Anton Yelchin (Finn Earl) is spectaculair in deze film. Hij is waarschijnlijk het best bekend als Chekov uit Star Trek of als Kyle Reese in Terminator Salvation, maar hij heeft in een hele reeks films gespeeld. Waarschijnlijk hebben we er nog nooit van gehoord (Alpha Dog, nog zo'n briljante vertolking van Yelchins rol, House of D, Hearts in Atlantis, om er maar een paar te noemen...). Waar het om gaat, is dat deze jongen deze film echt opneemt en hem tot de zijne maakt. Andere uitmuntende vertolkingen van Diane Lane en Donald Sutherland maken deze film des te beter, van geweldig tot uitmuntend.

text_en:
A brilliant and sensitive movie with interwoven plot lines. As a general warning, the movie turns quite dark about half way through. As sudden as it is, this is a change that I found fitting to the themes of the movie, particularly the comparison of the Ishkanani to the filthy rich, and (as is said by Finn at the end) how each person makes up the tribe, and how the whole tribe is reflected in each person.

Anton Yelchin (Finn Earl) is spectacular in this movie. He is probably best known as Chekov from Star Trek or Kyle Reese in Terminator Salvation, but he's been in a whole plethora of movies you've probably never heard of (Alpha Dog, which is another brilliant performance on Yelchin's part, House of D, Hearts in Atlantis, to name a few...) The point is that this kid really takes this movie and makes it his own. Other excellent performances from Diane Lane and Donald Sutherland are what takes this movie up a notch, from great to excellent.


text: Voor de acht mensen die de eerdere commentaren op 'Vuurmensen' van 'Psycolicious Me' en 'Topdany' 'behulpzaam' vonden, en voor eventuele toekomstige bezoekers van de site die ze hebben gezien voordat de auteurs ze hebben gewist: deze negatieve kritieken zijn niet alleen korter dan de richtlijnen van de site voorschrijven, maar ze zijn ook volkomen onwaar, onwaar, onjuist en onjuist. Blythes vader ligt bijvoorbeeld in coma, NIET DOOD <0xE2><0x80><0x93> Maya en Finn hebben hem zelfs in het ziekenhuis opgezocht. Bovendien was het Dwayne, de stroper van de hertenjacht op het landgoed <0xE2><0x80><0x93> NIET Blythe <0xE2><0x80><0x93> die Jilly, het dienstmeisje, zwanger heeft gemaakt, enzovoort, enzovoort. Dus als je ADD hebt waardoor je je niet op de eenvoudigste details kunt concentreren, hou die dan alsjeblieft voor je door niet te doen alsof je Siskel of Ebert bent. Anders moet je een ontkenning bij je commentaar voegen!

text_en: To the eight people who found the previous FIERCE PEOPLE comments by "Psycolicious Me" and "Topdany" "helpful," as well as to any future site visitors who see them before their authors delete them: these negative critique's are not only shorter than the site guidelines mandate, but they are entirely bogus, nonfactual, incorrect, and misinformative. For instance, Blythe's dad is in a coma, NOT dead--Maya and Finn even visit him in the hospital. Furthermore, it was estate deer poacher Dwayne--NOT Blythe--who knocked up Jilly the maid, etc., etc. So if you have ADD which makes you incapable of focusing on the simplest details, please keep your condition to yourself by not pretending to be Siskel or Ebert. Otherwise, include a disclaimer with your comments!


text:
Vanaf de openingsscènes van FIERCE PEOPLE (een mengeling van tribale gewoonten zoals gefotografeerd door de antropoloog vader van de jonge verteller Finn Earl, die aantoont waarom deze Zuid-Amerikaanse stam in Ishkanani zo woest is) is de richting van de film vaag: kijken we naar een duistere komedie die het leven in de straten van New York vergelijkt met onbeschaafde volkeren, of is dit een boodschapfilm met een serieuzere bedoeling? Maar naarmate het verhaal zich ontwikkelt, wordt deze dunne scheidslijn tussen amusement en filosofische impact steeds duidelijker. Griffin Dunnes richting van Dirk Wittenborns verhaal wordt steeds duidelijker. De versie die hij van zijn roman heeft gemaakt, is soms een beetje onzorgvuldig, omdat hij afdwaalt van de rationele ontwikkeling van de plot, maar uiteindelijk is de uiteindelijke impact sterk genoeg om de gaten die hij heeft gecreëerd te dichten.
Onze verteller Finn Earl (Anton Yelchin) woont met zijn aan coke verslaafde masseuse/seksueel geobsedeerde moeder Liz (Diane Lane) in New York en wacht op de zomer waarin hij met zijn antropoloog-vader op een schoolreisje naar Zuid-Amerika gaat (een vader die hij alleen van brieven en video's kent), als een drugsvangst hun leven abrupt verandert: een van Liz' rijke cliënten, Ogden Osborne (Donald Sutherland) redt de armlastige familie en verhuist met hen naar zijn landgoed van twaalf hectare, het summum van rijkdom en macht. In ruil voor Osbornes privé-masseur kunnen Liz en Finn in het landhuis gaan wonen bij de 'vuile rijken' Osborne <0xE2><0x80><0x93> dochter Mrs. Langley (Elizabeth Perkins) en kleinkinderen Bryce (Chris Evans) en Maya (Kristen Stewart). Osborne en zijn arts leiden Liz over het uitdrogingspad en Finn krijgt een band met Osborne en zijn kleinkinderen, en ondanks het verschil in arm versus rijk werkt de woonsituatie <0xE2><0x80><0x93> voor een tijdje. Er gebeuren dingen die gevoelens veranderen en Finn wordt aangevallen en verkracht door een gemaskerde aanvaller, een keerpunt voor de film en Finns kijk op de familie Osborne. Osborne vertelt Finn over zijn verleden en samen slagen ze erin de waarheid over Finns verleden te ontdekken. De film gaat over Paz de la Huerta's verontrustende incident <0xE2><0x80><0x93> en ook over de verschrikkelijke ziekte van de rijke klasse.
De film maakt gebruik van veel fragmenten van de stamactiviteit tijdens de film, waardoor enkele verontrustende parallellen worden getrokken met sommige van de meer uitdagende scènes. Voor deze kijker werkt dat goed, maar wanneer de regisseur besluit om de stamleden in vol ornaat te plaatsen binnen de context van het landgoed van de Osbornes, voelt het concept geforceerd aan, alsof het publiek gedwongen moet worden om 'het te snappen'. De verschillende subplots tussen dienstmeid Jilly (Paz de la Huerta) en Finn en de introductie van een zwaarlijvige, achterlijke krijttekenaar Whitney (Branden Williams) leggen de geloofwaardigheid op het randje van het benadrukken van de grens tussen de rijken en de 'lagere klasse'. Maar de uitvoeringen van Sutherland, Lane en Yelchin zijn sterk genoeg om ons de tekortkomingen van de film te vergeven. Het is geen geweldige film, maar wel een met een heleboel waardige ideeën die op het scherm worden uitgestort van een project dat zich vaak verloren voelt in zijn strijd om richting.

text_en:
From the opening scenes of FIERCE PEOPLE (an interplay of tribal customs as photographed by the anthropologist father of the young narrator Finn Earl, demonstrating why this South American tribe of Ishkanani is so fierce) the direction of the film is nebulous: are we watching a dark comedy about comparing life in the New York streets to uncivilized peoples, or is this a message film of a more serious intent? But as the story develops this fine line between entertainment and philosophical impact becomes increasingly clear. Griffin Dunne's direction of Dirk Wittenborn's adaptation of his novel may be a bit careless at times as it strays from rational plot development, but in the end there is a strong enough final impact to patch up the holes he created.

Our narrator Finn Earl (Anton Yelchin) lives with his coke-addicted masseuse/sexually obsessed mother Liz (Diane Lane) in New York, waiting for the summer when he is to join his anthropologist father on a field trip to South America (a father he knows only from letters and videos), when a drug bust abruptly changes their lives: one of Liz's wealthy clients Ogden Osborne (Donald Sutherland) rescues the down and out family and moves them to his ten acre estate, the epitome of wealth and power. In exchange for being Osborne's private masseuse, Liz and Finn can live in the mansion with the 'filthy rich' Osbornes - daughter Mrs. Langley (Elizabeth Perkins) and grandchildren Bryce (Chris Evans) and Maya (Kristen Stewart). Osborne and his physician lead Liz on the drying out path and Finn bonds with Osborne and his grandchildren, and despite the disparity in poor versus wealthy, the living situation works - for a while. Incidents occur to alter feelings and Finn is attacked and raped by a masked assailant, a turning point for the film and Finn's view of the Osborne family. Osborne reveals his past to Finn and together they manage to discover the truth about Finn's troubling incident - and also about the fierce disease of the wealthy class.

The film uses many clips of tribal activity during the film, drawing some disturbing parallels for some of the more challenging scenes. For this viewer that works well, but when the director elects to place tribal individuals in full regalia within the context of the Osborne estate, the concept feel contrived, as though the audience has to be forced to 'get it'. The various subplots between maid Jilly (Paz de la Huerta) and Finn and the introduction of an obese retarded chalk artist Whitney (Branden Williams) push the credibility edge of emphasizing the line between the wealthy and the 'lower class', but the performances by Sutherland, Lane, and Yelchin are strong enough to make us forgive the film's lapses. Not a great film but one with a lot of worthy ideas splashed around on the screen of a project that often feels lost in its struggle for direction. Grady Harp


text:
Dit is een bewerking van een boek van Dirk Wittenborn, dat ik niet heb gelezen. De jonge Finn Earl woont met zijn moeder Liz (Diane Lane) in een krappe flat in de Lower East Side in New York. Hij droomt ervan om samen met zijn vader, een antropoloog, te studeren aan een ruige stam in Zuid-Amerika. Liz heeft vriendjes en doet aan coke. Als hij wordt betrapt terwijl hij coke voor haar aan het scoren is, betaalt een van haar klanten (Liz is een legitieme masseuse) een rijke meneer Osborne haar borgtocht in ruil voor het feit dat ze zijn fulltime persoonlijke masseuse is op zijn enorme landgoed in New Jersey. Ze worden erheen gereden in een limo, terwijl zij vastgebonden op de achterbank ligt met haar jurk omhoog en haar slipje uit. (Dit en een paar laag uitgesneden kledingscènes zijn de enige uitbuiting van mevrouw Lane. Sommigen zullen misschien teleurgesteld zijn, maar ik vind het jammer dat ze al die dingen in 'Ontrouw' moest doen om de A-lijst te halen. Die dame heeft meer talent in haar pink dan Streep, Roberts en Sally Field in hun hele lichaam en de tijd die haar toekomt.) Als ze aankomen, raakt Finn bevriend met Osbornes kleinzoon Bryce, en hij krijgt verkering met zijn nieuwe vriendin, zijn kleindochter Maya. Liz gaat in de tussentijd naar de AA en gaat uit met een AA-dokter. Ze knapt op wonderbaarlijke wijze onmiddellijk op. Finn gebruikt echter veel drugs naast seks met zijn nieuwe vrienden. Bryce lijkt me een prima vent, maar hij wordt jaloers als Osborne Finn meeneemt op een luchtballonwedstrijd in plaats van hem, en dat leidt tot een tragedie.
Het geniale van het verhaal (en de film) is dat ze de gewelddadige daden van de smerige, rijke stam van de Fierce-indianen naar de Yanomano-krijgers verplaatsen. Het is echter een beetje onwaarschijnlijk dat als Liz erachter komt wat er met haar zoon gebeurt, ze alleen maar actie van Osborne eist en geen contact opneemt met de autoriteiten of de zaak in Thelma and Louise-stijl regelt. Er zijn elementen van een gotische roman met een openbaring van de dorpsidioot. Ook doen ze bijna geen plot of karakterontwikkeling voorafgaand aan de verhuizing naar Blysdale. Pearl Kantrowitz in 'Walk on the Moon' was op haar 18e ongewenst zwanger van Finn en voelde zich in de val gelokt. Dit staat in het boek, maar niet in de film. Toch zijn dit kleine tekortkomingen. De film zal op 31 januari 2005 in première gaan, ruim een jaar na de oorspronkelijke releasedatum, en ik kon gewoon niet wachten.
Er waren heel wat Red Carpet-momenten in de bioscoop waar ik de film zag, met bijna de hele cast... behalve Diane Lane!! Directeur Dunne zei dat ze weg was om een film te filmen. Ik weet dat ze niet heeft beloofd dat ze zou komen, maar ik kwam van een heel eind buiten de stad en het zou zo geweldig zijn geweest om haar in levenden lijve te zien. Sutherland was heel goed, en de jongen die Finn speelde ook. Lane was schitterend, zoals altijd, maar ik herinner me maar een of twee emotionele scènes, waarin ze Finn betrapt met drugs: 'we gaan samen in bed liggen, moeder en zoon', en met Osborne: 'je verknipte kleinzoon'. Ze zou beter af zijn met een knikje van de tegenspeelster, maar zo werkt het niet, tenzij ze het haar geven voor 'werk'.

text_en:
this is an adaptation of a Dirk Wittenborn book, which I did not read. young Finn Earl lives with his Mom Liz (Diane Lane) in a cramped lower East Side New York Apartment. he dreams of joining his Anthropologist father studying a fierce tribe in South America. Liz has boyfriends and does coke. when he is caught scoring coke for her, one of her customers (Liz is a legitimate masseuse) a rich Mr. Osborne bails her out in return for being his full time personal masseuse in his huge estate in New Jersey. They are driven there in a limo with her strung out lying in the back seat with her dress hitched way up and panties showing. (this and a few low-cut dress scenes is the only exploitation of Ms. Lane. some may be disappointed but I'm sorry she had to do all that stuff in "Unfaithful" to make the A-List. That lady has more talent in her little finger than Streep, Roberts, and Sally Field do in their entire BODIES and its time she was given her due.) when they arrive Finn makes friends with Osbornes grandson Bryce, and has a coming of age with his new girlfriend, granddaughter Maya. Liz meanwhile joins AA and dates an AA doctor. She miraculously cleans up instantly. Finn however does a lot of drugs along with sex with his new friends. Bryce seems like an OK guy but gets jealous when Osborne takes Finn on a hot air balloon race instead of him, and this leads to tragedy.

the genius of the story, (and movie) is that they cut from the violent acts of the Fierce filthy rich Blysdale tribe to the Yanomano warriors. It's a little implausible though that when Liz finds out what happens to her son she merely demands action from Osborne and does not either contact the authorities or settle it Thelma and Louise style. there are elements of a Gothic Romance with a revelation by the village idiot. Also they do almost no plot or character development prior to the move to Blysdale. Liz, for instance, like Lane's Pearl Kantrowitz in "Walk on the Moon" had an unwanted pregnancy with Finn at 18 and felt trapped. This is in the book but not the movie. Still, these are minor shortcomings. The movie will be in full release 12/31/05 over a year after the original release date, and I just couldn't wait.

There were lots of Red Carpet moments in the theater I saw the movie at, with almost the whole cast...except Diane Lane!! $#%#Q$ Director Dunne said she was off filming a movie. I know she didn't promise to be there, but I came from way out of town and it would have been such a thrill to see her in person. The movie is a definite Best Picture contender, as for acting?? Sutherland was quite good, and so was the boy who played Finn. Lane was magnificent as always, but I only recall one or two emotional scenes, when she catches Finn with drugs "lets get f****d up together mother and son" and with Osborne "your twisted grandson...". She would fare better with a supporting actress nod but it wont work that way. unless they give it to her for a "body of work."


text: Ik ben naar de première van het Tribeca Film Festival in New York geweest en ik vond de film echt geweldig!! Ik ben Dianes grootste fan en natuurlijk gaf ze, zoals altijd, een schitterend optreden!! Ik heb al haar films gezien en ik moet zeggen dat dit een van mijn nieuwe favorieten is. Diane was grappig en ontroerend en het benam me gewoon de adem. Donald Sutherland was verrassend humoristisch maar ook behoorlijk serieus. Anton Yelchin is gewoon een geweldige jonge acteur en hij gaf een geweldig optreden. Al met al kan ik deze film aanbevelen aan iedereen die een uitstekende film kan waarderen. 10 duimen omhoog!!! Ik zou hem beslist nog eens gaan zien en nog eens en nog eens. Dit is tot nu toe de beste film van het jaar!

text_en: Went to the premiere at the Tribeca Film Festival in NYC and I absolutely loved the film!!! I am Diane's #1 biggest fan and of course, as always, she gave a magnificent performance!! I have seen every single one of her movies and I must say that this is one of my new favorites. Diane was funny and moving and just took my breath away. Donald Sutherland was surprisingly humorous but also a good amount of serious. Anton Yelchin is just a wonderful young actor and gave an amazing performance. All in all, I recommend this film to anyone who can appreciate an excellent movie. 10 thumbs up!!! I would definitely go see it again and again and again. This is the best film of the year so far!!!


text:
Een jonge missionaris die na 20 jaar in China terugkeert, weigert de cat's paw te worden voor een bende gangsters uit zijn geboortestad.
Deze film wijkt enigszins af van Harold Lloyds eerdere films. De humor is hier meer gebaseerd op dialogen, die vaak nogal ernstig zijn, dan op de uitgebreide kluchten die Harolds klassiekers uit het verleden voortbrachten. Er zijn echter ook schitterende momenten die puur visueel vermakelijk zijn, zoals wanneer Harold probeert een cabriolet door een drukke straat te volgen, of wanneer hij wanhopig probeert te voorkomen dat een nachtclubstripper haar kleren verliest. Er is ook een climaxscène, die zich afspeelt in een souterrain in Chinatown, waarin Harold vol leedvermaak ongegeneerd in de donkerste komedie springt. Maar de meeste humor komt van Harolds eigen werk. Harolds weigering om de zondebok te zijn van de criminelen die zijn geboorteplaats al jaren runnen.
En het is een hele verzameling corrupte politici & schurken waar Harold mee te maken krijgt, gespeeld door een schare voortreffelijke karakteracteurs: George Barbier, Nat Pendleton, Grant Mitchell, Edwin Maxwell, Alan Dinehart, Warren Hymer & stotterende Fuzzy Knight. Pert Una Merkel is aanwezig als het tabaksmeisje dat Harolds aandacht trekt en hem blijft intrigeren door haar nuchtere kijk op het leven.
Filmfanaten zullen Samuel S. Hinds herkennen als Harolds zendingsvader, Charles Sellon als een bejaarde dominee van Stockport, en Herman Bing als een Duitse gangster <0xE2><0x80><0x93> allemaal ongecrediteerd. Ook is Noah Young, die slechts een paar seconden als ontvoerder optreedt, te zien, een bekend gezicht uit Harolds stomme films, die hier zijn laatste verschijning maakt in een Lloyd-film.
Fox gaf de film een hoge productiewaarde, vooral in de openingsscènes die in China spelen.

text_en:
Returning from 20 years in China, a young missionary refuses to become THE CAT'S-PAW for a gang of hometown hoodlums.

This movie was a bit of a departure from Harold Lloyd's previous movies. Comedy derived more from dialogue, often rather serious, predominates here, rather than the elaborate sight gags which powered Harold's classics of the past. There are some splendid moments, however, which are pure visual fun, as when Harold attempts to follow a convertible down a crowded street, or when he desperately tries to keep a nightclub stripper from losing her clothes. There is also the climactic scene, set in a Chinatown basement, in which Harold gleefully jumps unabashedly into the darkest comedy. But most of the humor derives from Harold's refusal to be the patsy of the criminals who've run his hometown for years.

And it's quite a collection of crooked politicians & thugs Harold finds himself up against, played by a bevy of fine character actors: George Barbier, Nat Pendleton, Grant Mitchell, Edwin Maxwell, Alan Dinehart, Warren Hymer & stuttering Fuzzy Knight. Pert Una Merkel is on hand as the tobacco stand girl who catches Harold's eye and keeps him intrigued by her no-nonsense outlook on life.

Movie mavens will recognize Samuel S. Hinds as Harold's missionary father; Charles Sellon as an elderly Stockport clergyman; and Herman Bing as a German gangster--all uncredited. Also, showing up for only a few seconds as an attempted kidnapper, is Noah Young, a familiar face from Harold's silent films, here making his final appearance in a Lloyd picture.

Fox gave the film fine production values, especially in the opening scenes set in China.


text:
Het moet worden toegegeven dat het beste werk van Harold Lloyd eindigde met zijn laatste stille komedie 'Speedy' in 1928. Daarna begint hij geluidsfilms te maken (zoals Chaplin en Keaton en Laurel & Hardy en W.C. Fields) en hij doet het beter dan Keaton, maar niet zo goed als de andere drie. Chaplin was rijk genoeg om zijn eigen films te maken als producent (maar hij reguleerde zijn films zo dat er vijf jaar tussen de producties zaten). Laurel & Hardy stonden onder de bescherming van Hal Roach, dus de productienormen voor hun korte films en geluidsfilms waren vrij goed. Fields werkte eerst met Mack Sennett, toen met Paramount, en daarna met vrije productie. Lloyd probeerde de route die Chaplin volgde, maar met minder succes. Hij produceerde zijn eigen films, maar in tegenstelling tot Chaplin had hij geen eigen studio. Ook waren zijn eerste twee keuzes niet goed (vooral 'Feet First'). Maar hij begon verstandiger te kiezen en 'Movie Crazy', 'The Cat's Paw' en 'The Milky Way' waren allemaal goede keuzes. Deze drie (en mogelijk 'The Sin of Harold Diddlebock') waren zijn beste geluidsavonturen. Ze zijn allemaal onderhoudend, maar ze zijn geen van alle opgewassen tegen 'Safety Last', 'The Freshman', 'The Kid Brother' of 'Speedy'.
Van de vier beste geluidsfilms is 'The Cat's Paw' de meest controversiële. Ezekiel Cobbs oplossing om de stad die hem tot burgemeester heeft gekozen van de ondergang te redden Als er een film wordt gemaakt, moet hij politiek zijn: 'The Cat's Paw' is uit 1934. In dat tweede jaar van de Roosevelt New Deal (op zichzelf al controversieel vanwege de grotere betrokkenheid van de overheid) zagen de bioscoopbezoekers films als 'Gabriel over het Witte Huis' en 'The Phantom President', waarin onze leiders buiten de wet om acties ondernamen om het land van interne vijanden te bevrijden (en om overal ter wereld ontwapening af te dwingen). Zelfs Cecil B. De Mille ging op die manier te werk met 'This Day and Age', waarin een stel tieners ratten gebruiken om een gangster te dwingen zijn misdaden op te biechten.
Voor ons is het gebruik van geweld om wie dan ook te dwingen (zelfs een stelletje bullebakken en vechtersbazen als Alan Dineharts bende) afstotelijk. Het Hooggerechtshof heeft ons tenslotte beschermd tegen bekentenissen onder dwang. Wat we vergeten, is dat de hervormingen waaraan we denken pas zijn doorgevoerd toen de Warren Court en de Burger Court ze doorvoerden. Hoewel de mening van rechter Sutherland in de Powell-zaak ('Scottsboro-jongens') uit 1932 garandeerde dat iedere verdachte recht had op een advocaat, breidde Gideon v. Wainwright deze pas in 1962 uit tot het inhuren van een advocaat door de rechtbank. De Miranda-zaak, met zijn inmiddels bekende anti-zelfincriminatie-waarschuwing, stamt uit 1963. In 1934 werd niets van dit alles als noodzakelijk beschouwd.
Als je andere films uit die periode bekijkt, zie je dat er tot 1954 (en zelfs tot 1960) trucs worden gebruikt om bekentenissen los te krijgen <0xE2><0x80><0x93> Kirk Douglas bekent zijn misdaden in het bijzijn van getuigen van 'I Walk Alone', terwijl Burt Lancaster een pistool op hem gericht houdt. Als Lancaster weggaat, zegt Douglas spottend dat hij onder dwang heeft bekend, om vervolgens te zien dat het pistool wordt uitgeladen. Plotseling beseft hij dat hij (legaal <0xE2><0x80><0x93> in 1948) heeft bekend zonder dwang. Ik zeg het niet graag tegen burgers die deze brief lezen, maar wat Cobb/Lloyd in de slotscène van 'The Cat's Paw' met Dinehart en zijn vrienden doet, was niet alleen legaal, maar zou in 1934 tot hun gevangenisstraf hebben geleid. We kunnen het hardhandig, fascistisch of afschuwelijk noemen, maar het zou legaal zijn geweest toen het werd bedacht.

text_en:
It has to be admitted that the best work of Harold Lloyd ended with his last great silent comedy "Speedy" in 1928. After that he enters sound films (like Chaplin and Keaton and Laurel & Hardy and W.C. Fields) and does do better than Keaton, but not as well as the other three. Chaplin was rich enough to make his own films as producer (but he paced his films so there were five years between productions). Laurel & Hardy were under the protection of Hal Roach, so production standards for their shorts and sound films were pretty good. Fields first worked with Mack Sennett, than with Paramount, and then free-lanced. Lloyd tried the route that Chaplin took, but with less success.

He produced his own films, but unlike Chaplin he did not own his own studio. Also his first two choices were not good (especially "Feet First"). But he did begin to choose more wisely and "Movie Crazy", "The Cat's-Paw", and "The Milky Way" were all good choices. These three (and possibly "The Sin of Harold Diddlebock") were his best sound ventures. They are all entertaining, but none are up to "Safety Last", "The Freshman", "The Kid Brother", or "Speedy".

Of the top four sound films "The Cat's Paw" is the most controversial. Ezekiel Cobb's solution to ridding the city that elects him mayor is very extreme for the tastes of 2005. Or is it? When a movie is made dictates what it's politics are: "The Cat's Paw" is from 1934. That second year of the Roosevelt New Deal (itself rather controversial for heavier government involvement) movie audiences saw films like "Gabriel Over the White House" and "The Phantom President", where our leaders did extra-Constitutional actions to rid the nation of internal enemies (and to force disarmament around the globe). Even Cecil B. De Mille got into this act with "This Day and Age", where a bunch of teenagers use rats to force a gangster to confess his crimes.

To us, the use of violence to force anyone (even a bunch of goons and boodlers like Alan Dinehart's gang) to confess is repellent. After all, the Supreme Court has protected us from confession under duress. What we forget is that the reforms we are thinking of did not occur until the Warren Court and the Burger Court made them. For example, although Mr. Justice Sutherland's opinion in the Powell ("Scottsboro Boys") Case of 1932 guaranteed every criminal defendant had a right to counsel, Gideon v. Wainwright did not extend this to ordering court paid counsel to defendants until 1962. The Miranda Case, with it's now well-known anti-self-incrimination warning is from 1963. Nothing like this were considered necessary in 1934.

If you study other movies of the period up to 1954 (and even to 1960) tricks are used to get confessions - Kirk Douglas confesses his crimes in front of witnesses in "I Walk Alone" while Burt Lancaster holds a gun to him. When Lancaster leaves, Douglas sneers about confessing under duress, only to see the gun is unloaded. Suddenly he realizes that (legally - in 1948) he has confessed without duress. Hate to say it, to any civil libertarians reading this note, but what Cobb/Lloyd does to Dinehart and his pals in the conclusion of "The Cat's Paw" was not only legal, but would have led to their jail sentences in 1934. We may call it heavy handed, fascistic, or horrid, but it would have worked legally when it was thought up.


text:
Wat vaak over het hoofd wordt gezien bij Harold Lloyd, is dat hij acteur was. In tegenstelling tot Chaplin en Keaton had Lloyd niet de Vaudeville-/Music Hall-achtergrond en was hij geen geboren komiek. Hij kwam naar Hollywood om te acteren en ontdekte dat hij er aanleg voor had om grappig te doen <0xE2><0x80><0x93> eerst in korte broek, daarna in een hoofdrol. Hij maakte naam als 'Lonesome Luke', een Chaplin-imitatie; met de rol van de 'briljante jongen', die hem eerder tot een typisch Amerikaanse jongen maakte dan tot een groteske, vond Lloyd zijn draai en werden zijn films een van de beste producties in het stille tijdperk.
Hij kreeg een reputatie als 'dwaas' in een paar korte broeken, en behield die in een paar van zijn beste films ('Safety Last', 'For Heaven's Sake', 'Girl Shy'). Hij was in de jaren twintig populairder dan Chaplin of Keaton, en hij werd heel rijk voordat de geluidsfilm opkwam.
De eerste geluidsfilms waren vaak een ramp. Om het meeste uit hun 'geluid' te halen, werd in veel films te veel dialoog gebruikt.
Lloyds acteertalent was, na twintig jaar, afgestemd op de zwijgende film. Hij had geen slechte stem; de hoge toon paste bij zijn 'bril'-personage. En zijn geluidsfilms waren niet de onvoorspelbare rampen uit de legende. Toch waren de geluidsfilms tot een hoge kunst verheven (vooral die van Lloyd's, die niet bezuinigden op het budget en buitengewoon goed gemaakt waren); met de komst van de praatfilms moest je weer leren lopen en maakten ze een paar misstappen.
Hoewel hij probeerde mee te gaan met de tijd en geluid omarmde, waren Lloyds beste stukken uit zijn eerste (al te praatzieke) films nog steeds visueel <0xE2><0x80><0x93> zoals de scène in 'Movie Crazy', waarin hij lijkt te rijden in een chique auto, maar in werkelijkheid 'een lift krijgt' op zijn fiets.
Proberen de waaghalzerij die hem beroemd maakte, zoals in 'Feet First', weer op te pakken was een misstap. (In 'Safety Last', zijn beste film en de film die, al dan niet terecht, Lloyd in de loge zette als 'daredevil komiek', speelde hij een vastberaden jongeman die naar de top klimt. 'Safety Last' had een natuurlijke structuur die opklom naar het moment dat zijn personage de zijkant van het gebouw beklom. Het was duidelijk dat hij bang was, maar zijn angst maakte de humor des te groter. In 'Voeten eerst' kwam hij per ongeluk in een hachelijke positie om in een gebouw te klimmen; zijn uitzinnige kreten om hulp deden afbreuk aan de humor. Zijn personage was meelijwekkend en ineengekrompen, zijn ambitie om zijn nek te redden <0xE2><0x80><0x93> mogelijk een accurate weergave van de jaren dertig, maar niet amusant).
Harold Lloyd zat niet in het verleden vastgeroest, als een of andere maffe Norma Desmond. Hij omarmde geluid en probeerde zijn films in verschillende richtingen te sturen, groeiend en veranderend met de filmindustrie. Toen 'Voeten eerst' faalde, gaf hij de waaghalzerij op en maakte een satire op de pratende filmindustrie, 'Movie Crazy'. Net zoals hij door veel films moest ploeteren als 'Eenzame Luke'. Voordat hij zijn plaats in de filmgeschiedenis had veroverd met de man met de bril, had hij verschillende richtingen in geluidsfilms geprobeerd voordat hij zijn draai in geluid had gevonden, wat hij deed met 'The Catspaw'.
In 'The Catspaw' speelt hij de zoon van een missionaris in China, die zonder het te weten tot burgemeester wordt gekozen als dekmantel voor corrupte politieke belangen. Als hij achter de waarheid komt, geeft hij zichzelf de taak om de stad schoon te maken. Lloyd was pas begin veertig, maar hij kon nog steeds de vrijpostige jongeman spelen.
Maar 'The Catspaw' was weer een kassucces, en Lloyd maakte nog maar drie films, waaronder 'The Milky Way'. Van zijn belangrijkste concurrenten had Chaplin nog steeds stomme films in zich, en Keaton was hopeloos slecht geregisseerd. 'The Milky Way' suggereert dat Lloyd misschien wel een talent voor komedie zou hebben gehad als hij wat jonger was geweest, of als het publiek hem het voordeel van de twijfel had gegeven na zijn eerste geluidsfiasco's.
Hoewel de film ten onrechte belastend is geweest over de manier waarop Lloyds personage de stad opruimt, past het wel bij hem. Vanaf zijn dagen in'shorts' wilde Lloyd zijn publiek bang maken, en de climax van 'The Catspaw' slaagde daar opnieuw in, op een verrassende manier; totdat de truc wordt onthuld, lijkt die gruwelijk, en dan komt het lachen.
Als een voortbrengsel van zijn tijd is 'The Catspaw' charmant en grappig. Een zeer goed geschreven geluidskomedie, goed geacteerd door Lloyd. De door Sam Taylor geregisseerde film, met zijn merkwaardige mengeling van drama en sluwe humor, doet bijna denken aan een Frank Capra- of Preston Sturges-komedie.

text_en:
What is often neglected about Harold Lloyd is that he was an actor. Unlike Chaplin and Keaton, Lloyd didn't have the Vaudeville/Music Hall background and he wasn't a natural comedian. He came to Hollywood to act; and he discovered he had a knack for acting funny -- first in shorts, then in features. He made a name for himself as "Lonesome Luke", a Chaplin knock-off; with the "glasses character" that made him the all-American boy rather than a grotesque, Lloyd found his stride and his movies became some of the best produced during the silent era.

He developed a reputation as a "daredevil" in some shorts, and retained this in some of his best movies ("Safety Last", "For Heaven's Sake", "Girl Shy"). He was more popular than either Chaplin or Keaton during the twenties and he became very rich before the advent of sound.

The first sound movies were often disasters. To get the most out of their "sound", too much dialog was used in many movies.

Lloyd's acting skills were, after two decades, geared for silents. He didn't have a bad voice; its high pitch suited his "glasses" character. And his sound films weren't the unqualified disasters of legend. Yet silent movies had been raised to a high art (especially Lloyd's, which did not stint on budget and were extremely well-crafted); with the introduction of talkies movies had to learn to walk again and they made some missteps.

Though he tried to move with the times and embraced sound, Lloyd's best bits from his early (overly talky) talkies were still visual -- such as the scene in "Movie Crazy" where he appears to be riding in a swank car, but actually "hitched a ride" on his bicycle.

Trying to recapture the daredevil antics that made him famous, as he did in "Feet First", was misstep. (In "Safety Last", his best movie and the one that, deservedly or not, shoved Lloyd in the box as a "daredevil comic", he played a determined young man, climbing to the top. "Safety Last" had a natural structure that ascended to his character's scaling the side of the building. He was obviously afraid, but his fear added to the humor. In "Feet First", he arrived in a precarious building-scaling position by accident; his frantic cries for help detracted from the humor. His character was pathetic and cringing, aspiration to save his neck -- possibly an accurate statement of the 1930s, but not amusing).

Harold Lloyd was not mired in the past, like some wacky Norma Desmond. He embraced sound and tried to take his movies in different directions, growing and changing with the industry. When "Feet First" failed he left the daredevil business and made a satire on the talking movie industry, "Movie Crazy". Just as he had to flounder through many movies as "Lonesome Luke" before carving his place in movie history with the glasses character, he had tried several directions in sound movies before hitting his stride in sound, which he did with "The Catspaw".

In "The Catspaw" he plays a missionary's son reared in China who unwittingly gets elected mayor as a front for corrupt political interests. When he finds out the truth, he sets himself the task of cleaning up the town. Only in his early forties, Lloyd could still act the brash young man.

Yet "The Catspaw" was another box-office failure, and Lloyd made only three more movies, including "The Milky Way". Of his chief competitors, Chaplin still had silent movies in him and Keaton was hopelessly mismanaged. "The Catspaw" and "The Milky Way" suggest Lloyd might have mastered sound comedy if he had been a little younger, or if audiences had given him the benefit of the doubt after his early sound fiascoes.

Though the movie has been unfairly maligned about the way Lloyd's character cleaned up the town, it suits him. From his days in "shorts" Lloyd wanted to scare his audience, and the climax of "The Catspaw" achieved it yet again, in a surprising way; until the trick is revealed it appears gruesome, and then come the laughs.

Viewed as a product of its time, "The Catspaw" is charming and funny. A very well-written sound comedy, well-acted by Lloyd. Directed by Sam Taylor, its curious blend of drama and sly humor make it look almost like a Frank Capra or Preston Sturges comedy.


text:
Als fan van Harold Lloyd ben ik het eens met de opmerkingen van de andere recensent, behalve dan dat ik vind dat 'Movie Crazy' zijn beste geluidsfilm was; 'Cat's Paw' komt daar dicht bij in de buurt. (Maar dat is slechts mijn mening.)
Deze film is van begin tot eind een 'hoot' en in veel scènes steelt George Barbier (de schurk die hem tot burgemeester kiest) de show bijna! (Vooral aan het eind van de film).
Je zou willen dat Una Merkels personage iets sympathieker tegenover Harold stond, vooral naarmate de film vordert. Pas in de laatste paar minuten van de film komen we achter haar ware gevoelens voor hem. (En zelfs dan is er geen 'romance' <0xE2><0x80><0x93> zoenen, enz.) '
Dit is een _must-see_ -film!

text_en:
As a Harold Lloyd fan, i agree with the other reviewer's comments, EXCEPT that I feel that "Movie Crazy" was his best sound film; "Cat's Paw" is a close second. (But, this is just MY opinion).

This film is a "hoot" from beginning to end and, in many scenes, George Barbier (the crook that gets him elected mayor) almost steals the show! (Especially at the end of the film).

One wishes that Una Merkel's character would be a bit more sympathetic to Harold, especially as the film progresses. Only in the last few minutes of the film do we find out her true feelings for him. (And, even then, there is no "romance" - kissing, etc).

This is a Must-See film!


text:
Deze film verraste me. Jarenlang heb ik veel geluidsfilms van Harold Lloyd (en die van Keaton) gemeden omdat ze over het algemeen een welverdiende reputatie hebben van waardeloze films vergeleken met de stomme films, omdat de basisformule verloren is gegaan. Maar toen ik deze film zag, was ik aangenaam verrast te merken dat ik hem eigenlijk wel leuk vond... toen ik eenmaal had geaccepteerd dat het niet echt een 'Harold Lloyd'-film was (ondanks het feit dat hij er een hoofdrol in speelde). Dat komt omdat hij, hoewel hij in niets lijkt op de stijl van zijn eerdere films, zeer origineel is en Lloyd niet slecht speelt in een totaal ander type personage.
Zoals ik al eerder heb gezegd, ontbreekt hier de basisformule van de oude films bijna volledig. Lloyd doet niet het bekende stuntwerk, de romantiek is heel anders dan in zijn eerste filmromannetjes, en de plot is ronduit bizar! In plaats van de gebruikelijke rollen is hij de zoon van een Chinese missionaris die voor het eerst sinds hij een kleine jongen was naar Amerika terugkeert. Omdat hij, hoewel hij eruitziet als een Amerikaan (afgezien van zijn witte pak en ontdekkingshelm), denkt en gedraagt hij zich als een Chinees. In veel opzichten is hij heel naïef over Amerika en is hij een onschuldige wolf. In het begin ontmoet hij een man die een plaatselijke partijleider blijkt te zijn. Die baas levert altijd een verliezende kandidaat voor het burgemeesterschap op <0xE2><0x80><0x93> omdat hij door de corrupte burgemeester is omgekocht om een 'aangewezen' kandidaat te leveren die er geen enkele moeite mee heeft om te winnen. Nou, de oude knakker die ze van oudsher voor het burgemeesterschap hebben, is net overleden en hij besluit om de naïeve Lloyd te leiden <0xE2><0x80><0x93> die heeft geen schijn van kans om te winnen! Nou, het ondenkbare gebeurt en Lloyd wint!!! Dit, en Lloyds besluit om de stad op te ruimen, brengt de oude politieke machine zwaar in de war en ze doen er alles aan om de eerlijke Lloyd te vernietigen. Net als het erop lijkt dat Lloyd naar de gevangenis gaat voor een verzonnen aanklacht wegens corruptie, bedenkt hij een plan dat voor 100% onmogelijk en zeer illegaal is om ondertekende bekentenissen van de boeven te krijgen. Maar ondanks dat is het ongelooflijk grappig en een geweldig einde. Dus mijn advies aan het eind is: stel je ongeloof uit en geniet ervan.
Een belangrijke opmerking: deze film is absoluut NIET politiek correct. Het woord 'Chink' wordt herhaaldelijk gebruikt. Ik vond het beledigend, maar gezien de tijden heb ik het genegeerd, zoals jij ook zou moeten doen. Maar als je iemand bent die het NIET KAN en het leuk vindt om boos te zijn, dan raad ik je aan om nooit naar films te kijken <0xE2><0x80><0x93> want je zult keer op keer beledigd worden.

text_en:
This movie caught me by surprise. For years I have avoided many of Harold Lloyd's sound pictures (as well as those of Keaton) because they have a generally well-deserved reputation for being lousy compared to the silent films because the basic formula has been lost. However, when I saw this film I was pleasantly surprised to find I actually liked it,...once I accepted it really was not a "Harold Lloyd" film (despite him starring in it). This is because although it is nothing like the style of his earlier films, it IS highly original and Lloyd isn't bad playing a totally different type of character.

As I mentioned above, the formula of the old films is almost completely missing here. Lloyd does not do the old familiar stunt work, the romance is quite unlike his early screen romances, and the plot is just plain weird! Instead of the usual roles, he is the son of a Chinese missionary who returns to America for the first time since he was a small boy. Because of this, though he looks like an American (except for his white suit and explorer's helmet), he thinks and acts a lot like someone who is Chinese. In many ways, he's very naive about America and is like an innocent among wolves. Early on, he meets a man who turns out to be a local party boss. This boss ALWAYS produces a losing candidate for the mayoral race--because he is bought and paid for by the corrupt mayor to produce a "token" candidate who has NO CHANCE of winning. Well, the old geezer who they traditionally run for office just died and he decides to run the naive Lloyd--he hasn't a prayer of winning! Well, the unthinkable happens and Lloyd wins!!! This, and Lloyd's decision to clean up the town greatly upsets the old political machine and they stop at nothing to destroy honest Lloyd. Just when it appears Lloyd is headed to jail on a trumped up corruption charge, he creates a scheme that is 100% impossible and very illegal to get signed confessions from the crooks. However, despite this, it is incredibly funny and a great ending. So, my advice is at the end, just suspend disbelief and enjoy.

An important note: This movie is definitely NOT politically correct. The word "Chink" is used repeatedly. I found it offensive but considering the times, I ignored it as you should too. If, however, you are someone who CAN'T and like being angry, I suggest you never watch movies anyway--as you are bound to become offended again and again.


text:
Voor degenen onder jullie die op zoek zijn naar de krankzinnige stunts die een stille komedie van Harold Lloyd zo typeerden, is dit niet de film voor jullie. Wat The Cat's Paw ons geeft is een interessante en atypische figuur voor Lloyd, die probeerde zich in geluid te manifesteren.
Voor mij is de film die het dichtst in de buurt komt van Lloyds personage die van Peter Sellers in _Being There_. Ondanks al het onderwijs dat Lloyd heeft gekregen in de omgang met de wereld, had hij net zo goed in afzondering kunnen opgroeien als Sellers.
Maar hij is opgegroeid als kind van een zendeling in China en ik geloof niet dat hij daar is opgegroeid. Ik weet niet hoeveel christendom hij en zijn familie de Chinezen hebben kunnen bijbrengen, maar de jonge Harold heeft de wijsheid van de Chinese filosoof Lin Po geleerd, die hij voortdurend citeert als een aforisme uit de gelukskoekjestijd. Lin Po blijkt een wijze man te zijn.
Hoe dan ook, Lloyds vader, Samuel S. Hinds, heeft besloten dat zijn zoon wat onderwijs nodig heeft in de moderne wereld van het Amerika van de twintigste eeuw en hij stuurt hem terug om de gast te zijn van de pastoor van de kerk die de missie ondersteunt. De pastoor daar is de eeuwige kandidaat voor de 'hervormingsbeweging' van de stad Stockport. Maar Lloyd is er nog niet of de pastoor sterft. Nu is de hervormingsbeweging een schijnvertoning en de dominee een slachtoffer van de politieke bazen die bij elke verkiezing een stroman als tegenstander nodig hebben. Ze komen tot de conclusie dat Lloyd misschien wel een beter slachtoffer is dan de vent die net gestorven is.
Natuurlijk blijkt dat in dit soort films niet zo'n gemakkelijke opgave te zijn. In feite citeert Lloyd voortdurend uit Lin Po, en de manier waarop Charlie Chan de wijsheid uitdeelde, bewijst dat hij een heel goede tegenstander is voor de schurken die Stockport regeren. Bovendien wekt Lloyd de bewondering van Una Merkel, een even cynische dame als Jean Arthur in _Mr. Deeds and Mr. Smith_.
De Cat' s-Paw is nog steeds een aardige politieke satire, hoewel het Harold Lloyd niet zo'n grote naam in de komedie maakte als hij in stomme films was geweest. Een aardige cast van spelers werd gekozen door regisseur Sam Taylor, onder wie George Barbier, die een politieke baas speelt die Lloyd ontmaskert en in feite blijkt te beschikken over een vleugje eerlijkheid.

text_en:
For those of you looking for the crazy stunts that typified a Harold Lloyd silent comedy, this is not the film for you. What The Cat's-Paw gives us is an interesting and atypical character for Lloyd who was trying to establish himself in sound.

For me the closest movie comparison to Lloyd's character is that of Peter Sellers in Being There. For all the education that Lloyd has received in dealing with the world, he might as well have been brought up in isolation as Sellers was.

But where he was brought up was as a missionary's child in China and I don't know how much Christianity he and his family were able to teach the Chinese, but young Harold has learned the wisdom of Chinese philosopher Lin Po whom he quotes constantly like a fortune cookie aphorism. As it turns out Lin Po turns out to be one wise dude.

Anyway Lloyd's father Samuel S. Hinds has decided his son needs some education in the modern world of 20th century America and he sends him back to be the guest of the pastor of the home church which sponsors the mission. The pastor there is the perennial candidate of the 'reform' movement of that town of Stockport. But no sooner does Lloyd arrive and the pastor dies.

Now the reform movement is a sham and the pastor a patsy of the political bosses who need a straw-man opponent in every election. They decide Lloyd just might be a better patsy than the guy who just died.

Of course as it goes in these type of films the patsy proves to be not so easy a proposition. In fact Lloyd constantly quoting from Lin Po, the way Charlie Chan used to dispense wisdom proves quite the adversary for the crooks who run Stockport. In addition Lloyd gains the admiration of Una Merkel, as cynical a dame as Jean Arthur was in Mr. Deeds and Mr. Smith.

The Cat's-Paw is still a nice political satire though it did not establish Harold Lloyd as big a comedy name as he was in silent films. A nice cast of players was selected by director Sam Taylor topped by George Barbier who plays a political boss who discovers Lloyd and actually proves to have a streak of honesty in him.


text: 'Saltmen' is een lange film voor zijn genre, en vaak gaat het tempo veel langzamer dan verwacht mag worden van een westers publiek. Dat gezegd hebbende, heb ik er met volle teugen van genoten, zowel in termen van interessante onderwerpen als de schitterende beelden die deze film bevat. Een deel van het landschap is werkelijk adembenemend, en er is zoveel interessants dat de meeste mensen 'Saltmen' wel zullen overleven met een minimum aan gebruik van de snel vooruitspoelende beelden.

text_en: _Saltmen_ is a long film for its genre, and quite often the pace is much slower than that expected by Western audiences. That being said, I enjoyed it thoroughly both in terms of interesting subject matter and the magnificent images this film contains. Some of the scenery is truly breathtaking, and there is enough of interest that most should be able survive _Saltmen_ with minimal use of the fast-forward.


text: Een documentaire over een nomadische stam in Tibet die naar een droog meer trekt om zout te halen, klinkt niet erg aantrekkelijk. Maar dit is geen popcornfilm, maar een visueel cultureel feestmaal waarbij je deelneemt aan een snel verdwijnend stukje mensheid. Het bijgeloof, de epische liederen en gedichten, het geloof van een volk dat echt gelooft in het volgen van zijn eigen unieke levenspatroon, was iets wat het Westen in de tijd van Homerus had, maar wat de meesten van ons nu helaas volkomen vreemd is in de 'ontwikkelde' wereld. We hebben de spirituele sereniteit verloren die ontstaat door het volgen van goed gevestigde levenspatronen, vaak met ijzingwekkende geestelijke gevolgen in onze steeds ziellozer wordende samenleving. De filmmakers hebben ons nauw verweven met deze materieel arme maar spiritueel rijke en strijdlustige zoutzakken. En ze hebben ons doen inzien dat er meer in het leven is dan het winkelcentrum en de popcultuur. Dus los je landlijnen af, zet je mobieltje uit, doe de lichten op de oprit uit en leun achterover en laat je meevoeren naar een tijdloos avontuur.

text_en: A documentary about a nomadic tribe in Tibet going out to a dry lake to get salt does not sound very appealing. But this is not a popcorn movie but a visual cultural feast whereby you partake of a rapidly vanishing morsel of humanity. The superstitions, the epic songs and poetry, the faith of a people who truly believe in following their own unique patterns of life are something the West had in the times of Homer but that is now, unfortunately, completely foreign to most of us in the "developed" world. We have lost the spiritual serenity that comes from following well established patterns of life, often with dire mental consequences in our increasingly soulless society. The film makers have woven us intimately into the fabric of these materially poor but spiritually rich and scrappy saltmen. And made us see that there was more to life than the shopping mall and pop culture. So disconnect your land lines, turn off your cells, turn off the driveway lights and sit back and ease yourself into a timeless adventure.


text: Ik denk dat Gerards commentaar op de film de spijker op de kop sloeg. Interessante film, maar erg lang. Het is absoluut het tegenovergestelde van de nieuwe school van opzichtige, sexy, Moore-achtige dokters. Er is geen verteller, geen met elkaar verweven feiten of achtergrondinformatie, en geen andere foefjes. Wat je ziet is wat je krijgt <0xE2><0x80><0x93> een blik in de verdwijnende wereld van de Zoutmannen van Tibet. Als grote dokter-fan verbaasde het me hoezeer ik met deze film de aandacht verloor, namelijk door de lengte en het gebrek aan dialoog. Maar uiteindelijk zou ik hem aanbevelen als het onderwerp je interessant lijkt. Het is een prachtig verhaal, informatief, en biedt een waardevol (en sluitend) inzicht in het leven van de Tibetaanse zoutmannen (en vrouwen:) <0xE2><0x80><0x93> allemaal belangrijke attributen van een goede dokter. Maar zet een grote pot koffie, dat helpt.

text_en: I think Gerard's comments on the doc hit the nail on the head. Interesting film, but very long. It's definitely the antithesis to the new school of flashy, sexy, Moore-style docs. There is no narrator, no facts or side info interlaced, and no other gimmicks. What you see is what you get - a glimpse into the vanishing world of the Saltmen of Tibet. As a huge doc fan, I was surprised how much I lost attention with this film, namely due to the length and lack of dialogue. In the end though I would recommend it if the subject matter sounds interesting to you. It's beautifully shot, informative, and presents a valuable (and closing) window into the way of life of the Tibetan saltmen (and women :) - all important attributes of a good doc. But do put on a big pot of coffee, it'll help.


text: Dit is een prachtig gefilmde film die de toekomst van alle inheemse volkeren, vooral de nomadische stammen, in twijfel trekt. De film gaat over de Zoutmannen van Tibet en beweegt zich met een snelheid die sommige westerse kijkers een ongemakkelijk gevoel zal geven. Voor sommige volkeren verloopt het leven nog steeds in hetzelfde tempo als duizenden jaren geleden. Deze film volgt een groep stamleden op hun jaarlijkse tweemaandelijkse queeste om zout te vinden. Hun stam leidt zijn leven op een traditionele manier (langzaam naar moderne maatstaven) en houdt altijd rekening met hun vele goden. Dit is een opmerkelijke film, een die een stuk zal bewaren van wat helaas geschiedenis zal worden. De moeite waard. Je moet geen haast hebben als je hem ziet.

text_en: This is a beautifully filmed movie that questions the future of all indigenous peoples, especially nomadic tribesmen. Focusing on the Saltmen of Tibet, the film moves at pace that may make some western viewers uncomfortable. For some peoples, life still proceeds at the same pace which it has for thousands of years. This film follows a group of tribesmen on their annual two month quest to get salt. Their tribe lives its life in a traditional manner (slowly by modern standards) and always accounting to their many gods. This is a remarkable film, one which will preserve a piece of what may, unfortunately, become history. Well worth the time. Don't be in a rush when you see it.


text: Een treffende beschrijving door Spock van een almachtige fat in wiens klauwen de bemanning van de _Waaghals_ valt. Dit was een sector van de ruimte die ons sterrenschip had moeten vermijden: eerst verdwijnt Sulu & Kirk gewoon van de brug; een landingsploeg volgt hen naar het oppervlak van een onbekende planeet en ontmoet daar Trelane, een schijnbaar aristocratische man, gekleed in de kledij van een Aarde van vele eeuwen geleden. Maar hij toont de vermogens van iets of iemand die ver boven de menselijke waardigheid staan en komt niet voor in McCoy's medische tricorder. De officieren slagen erin terug te ontsnappen naar het schip, maar Trelane blijft opduiken als een slechte kosmische cent. Hij brengt hen allemaal terug, met inbegrip van wat vrouwelijk gezelschap, om zijn spelletjes voort te zetten. Het dilemma neemt nu elementen aan van 'Het Gevaarlijkste Spel' in de ruimte, en de totale hulpeloosheid van de bemanning ten opzichte van zo'n ongebreidelde macht heeft een ergerlijk, zelfs gekmakend aspect.<br />Wat dit werkelijk tot een geweldige episode maakt, is de gedenkwaardige prestatie van gastster Campbell als de overweldigende maar niet alwetende vreemdeling. Zijn personage is duidelijk een vroege versie van Q, die twintig jaar later als piloot voor de TNG-serie werd geïntroduceerd. Trelanes confrontatie met Spock valt op te midden van al het vreemde drama dat zich ontvouwt. Zoals gewoonlijk begint Kirk al snel naar mogelijke zwakheden in zijn nieuwe aartsvijand te zoeken, ondanks het feit dat hij volkomen overtroefd is. De antwoorden op de vraag wat of wie Trelane precies is, liggen de hele tijd voor ons neus, dus als we de waarheid te weten komen, is die volkomen logisch, gezien het feit dat Campbell zo perfect acteert. Hij laat zich niet onbetuigd, loopt op te scheppen tegenover een onbekend publiek en maakt opmerkingen die aanstekelijk zijn, maar niet helemaal goed <0xE2><0x80><0x93> we kunnen het in eerste instantie niet helemaal plaatsen, maar er ontbreekt iets. Om de paar minuten wordt zijn toon onheilspellender en lijkt het erop dat de crew in groot gevaar verkeert. In zekere zin kun je je ogen niet van hem afhouden, je wacht altijd op wat hij gaat doen. Acteur John de Lancie heeft een soortgelijke toon aangeslagen in de serie Next Generation.

text_en:
An apt description by Spock of an all-powerful fop into whose clutches fall the crew of the Enterprise. This was one sector of space our starship should have avoided: first Sulu & Kirk simply disappear off the bridge; a landing party follows them to the surface of an unknown planet and encounter Trelane, a seemingly aristocratic man dressed in attire from an Earth of many centuries past. But he demonstrates abilities of someone or something far beyond human and doesn't register on McCoy's medical tricorder. The officers manage to escape back to the ship but, like some bad cosmic penny, Trelane keeps popping up. He brings them all back, including some female companionship, to continue his games. The dilemma now takes on elements of 'The Most Dangerous Game' out in space and there's an exasperating, even infuriating aspect to the crew's utter helplessness before such unbridled power.

What really makes this a great episode is the memorable performance by guest star Campbell as the overpowering but not all-knowing alien. His character is obviously an early version of Q, who was introduced 20 years later in the pilot for the TNG series. Trelane's confrontation scene with Spock stands out among all the strange drama which unfolds. As usual, Kirk quickly begins to look for possible weaknesses in his new nemesis, despite being quite outmatched. The answers to exactly what or who Trelane is are right in front of us the whole time so, when we do learn the truth, it makes complete sense in view of Campbell's pitch-perfect acting. He indulges himself constantly, preening before some unknown audience, remarking on things with a flair which is infectious but not quite right - we can't quite pin it down at first, but there's something missing here. Every few minutes, his tone becomes sinister and the crew now appears to be in serious danger. In a way, you can't take your eyes off him, always waiting to see what he does next. Actor John de Lancie captured that similar tone as Q on the Next Generation series.


text: In 'The Squire of Gothos' ontmoeten Kirk en zijn bemanning een machtig superwezen dat de Kapitein, 'Bones' en een paar bemanningsleden zonder duidelijke reden gevangenhoudt. Ik kan me vergissen, maar ik denk dat dit de eerste aflevering van _Star Trek_ is die ik ooit heb gezien en het programma dat me naar meer deed snakken. Het is niet een van de beste afleveringen, maar de keiharde premisse van een buitenaards wezen dat de bemanning van de Enterprise in een hoek drijft, is het soort situatie dat de show zo leuk maakt om naar te kijken. In zekere zin verwacht het supermenselijke wezen een van de beroemdste personages uit _Star Trek_, de raadselachtige 'Q' van de volgende generatie. Deze episode is ook gedenkwaardig omdat hij een unieke situatie creëert: het is de eerste keer dat Uhura deel uitmaakt van de handeling en het verhaal laat de kijker zien wat een innemend karakter Uhuara kan hebben als het verhaal haar toestaat. Jammer dat de show deze iconische figuur nooit volledig heeft onderzocht.

text_en: In "The Squire of Gothos", Kirk and his crew encounter a powerful super-being, who keeps the Captain, "Bones" and a few crewmembers captive for no apparent reason. I could be wrong, but I think this is the first Star Trek episode I ever saw and the program that made me hungry for more. It is not one of the best episodes, but the rock-solid premise of an alien being who putting the Enterprise's crew in a corner, is the kind of situation that makes the show so much fun to watch. In a way, the super-humanoid anticipates one of Star Trek's most famous characters, Next Generation's enigmatic "Q". This episode is also memorable for creating a unique situation: it is the first time Uhura is part of the action and the story allows the viewer to see what an endearing character Uhuara can be when the story allows her. Too bad the show never fully explored this iconic figure.


text: Ik vond het wel leuk om te zien hoe jonker Trelane in deze episode de hele bende op zijn kop zette, maar na een tijdje leek het allemaal een beetje te lang te duren. Zeker, het theatrale gedoe was een tijdje best grappig, en het einde was een goede manier om de hele zaak af te ronden. Ik denk dat het probleem was dat ik het leuk vond om Trelane te zien als hij vol bravoure en pret zat, maar dat de pret verdween als hij wraakzuchtig en gemeen werd. Over een stemmingsmaker gesproken <0xE2><0x80><0x93> van de irritante maar innemende gastheer naar de vent die Kirk ter dood veroordeelde! Maar ondanks dat was het een leuke episode en de moeite waard. Voor de keiharde Trekkies is dit een must-see, voor anderen een must-see.' Het is gewoon een mooi stuk van de molen.

text_en: I did enjoy watching Squire Trelane jerk around the crew in this episode, though after a while the whole thing just seemed a little too long. Sure, the histrionics were kind of funny for a while, and the ending was a pretty good way to wrap the whole thing together. I think the problem was that I enjoyed seeing Trelane when he was full of bravado and fun, the fun seemed to vanish when Trelane became vindictive and nasty. Talk about a mood killer--going from the obnoxious but affable host to the guy sentencing Kirk to death! But, despite this, the episode was enjoyable and worth my time. For die-hard Trekkies, this is a must-see, for others it's just a pretty run of the mill one.


text: Generaal Trelayne is een superwezen dat een spelletje wil spelen met de bemanning van de Enterprise. Er schijnen een heleboel hoogst onwaarschijnlijke en onzinnige dingen te gebeuren, en Trelayne schijnt geobsedeerd te zijn door de menselijke praktijken van oorlogvoering en moord. Hij schijnt behoefte te hebben aan iets wat hij opwindend vindt en heeft een menselijke omgeving geschapen (hoewel een paar honderd jaar uit de tijd) waarin hij zijn fantasieën kan uitleven. De omgeving is op een subtiele manier onecht, en de bemanning begint onmiddellijk de tegenstrijdigheden te zien. Algauw wordt duidelijk dat Trelayne niet alleen een onvolwassen god is, maar ook een heel feilbare. Ongeacht hoe je over deze denkt, blijf in de buurt van het Twilight Zone-achtige einde. Het is de moeite waard.<br />Zoals velen al opmerkten, inspireerde het karakter van Trelayne de meer ontwikkelde en amusante voortlevende Q <0xE2><0x80><0x93> en je kunt in John DeLancie's constructie van die persoonlijkheid meer zien dan alleen maar een afspiegeling van Campbells Trelayne. Het is leuk om te vergelijken hoe de vier kapiteins die we met Q hebben zien omgaan, allemaal op zo'n totaal verschillende manier met hem omgaan.

text_en:
General Trelayne is a super-being who wants to play a little game with the crew of the Enterprise. A lot of extremely unlikely and nonsensical stuff seems to be happening, and Trelayne seems obsessed with the human practices of warfare and murder. He seems to need to experience what he imagines to be a thrill and has created a human environment (though a few hundred years out of date) in which to play out his fantasies. The environment is subtly inauthentic, and the crew immediately begins to spot the inconsistencies. Pretty soon it becomes clear that Trelayne is not just an immature god, but a very fallible one. Regardless of how you feel about this one, stick around for the Twilight Zone-like ending. It is well worth it.

As many have pointed out, Trelayne's character inspired the more developed and amusing on-going character Q - and you can see in John DeLancie's construction of that personality more than just shades of Campbell's Trelayne. It is fun to compare how the four captains we have seen coping with Q all deal with him so radically differently.