text:
Zoals ik al verwachtte, hebben te veel recensies van deze film (van professionals en amateurs) zich, zo niet meer, op de ideologie van de film gericht. Dat komt doordat The Sea Inside (aka Mar adentro) een film over euthanasie is. Om precies te zijn is het een waargebeurd verhaal over een beruchte Galiciër, Ramón Sampedro, die vele jaren heeft gevochten voor het recht op hulp bij zelfdoding, die dat recht door het Spaanse gerechtshof is ontzegd, en die <0xE2><0x80><0x93> nou ja, ik wil het einde van de film niet voor je bederven.
Het echte leven van Sampedro katalyseerde een nationaal debat over euthanasie in Spanje. The Sea Inside_, een andere retorische hulp is geboden in het internationale debat over deze hot-buttonkwestie.
Maar zoals ik blijf zeggen (tegen dovemansoren?), uw mening, voor of tegen, over de ideologie van de film mag uw beoordeling van de film niet beïnvloeden. U wordt niet geacht de filosofische of politieke boodschappen die Amenábar wil overbrengen te beoordelen. U wordt geacht de film te beoordelen, als een film. Misschien is dat een beetje te idealistisch, aangezien niemand van ons waarschijnlijk onze beoordelingen helemaal kan scheiden van onze ideologische vooroordelen, maar idealistisch of niet, dat is het doel.
Dus vergeet even de filosofische en politieke kwesties. Als film heeft Amenábar een van zijn elegantste en meest volwassen werken tot nu toe gemaakt. Hij concentreert zich niet op maatschappelijke debatten. Hij concentreert zich niet op Sampedro's juridische/politieke strijd. Hij concentreert zich op Sampedro als man, die zijn dagen slijt in een bed in het huis van zijn broer.
Sampedro, gespeeld door Javier Bardem, was een dwarslaesiepatiënt. Als de film begint, is hij al 26 jaar dwarslaesiepatiënt. Die toestand werd veroorzaakt, zoals Amenábar ons laat zien in schitterende flashbacks, door een duikongeluk <0xE2><0x80><0x93> Sampedro werd afgeleid door een mooie vrouw, berekende het water verkeerd, dook erin, brak zijn nek en verdronk bijna. Als dwarslaesiepatiënt begon hij uiteindelijk poëzie te schrijven, waarvan een deel werd gepubliceerd in een boek met de titel _Cartas Desde El Infierno_ ('Brieven uit de hel'). In het echte leven werd Sampedro's boek een bestseller in Spanje. Misschien dat Amenábar Sampedro's artistieke werk als leidraad heeft genomen voor een elegante, poëtische film.
Het grootste deel van _The Sea Inside_ speelt in Sampedro's slaapkamer. De focus in deze scènes is Bardems complexe en sublieme optreden. Als dwarslaesiepatiënt kan Bardem alleen zijn hoofd bewegen en praten. Hij heeft zich de subtiele veranderingen in gelaatsuitdrukking en stembuiging eigen gemaakt om een diep karakter te kunnen uitdrukken in een veelzijdige, intellectuele benadering van het leven. Bardem en Amenábar laten Sampedro vaak filosofisch worden in zijn ingehouden spraak, maar dat is dan ook alles.' Het is altijd een combinatie van een verdorven gevoel voor humor, passie voor esthetiek <0xE2><0x80><0x93> met inbegrip van muziek en vrouwen <0xE2><0x80><0x93> en een droefheid en soms zelfs verbittering die niet ver onder het oppervlak liggen. Verschillende onderliggende emoties breken af en toe door als golven op de huid van de oceaan.
De mensen met wie Sampedro het vaakst te maken heeft, vergemakkelijken dit vaak op een ingewikkelde manier. Tot die anderen behoren zijn schoonzus, Manuela (Mabel Rivera), die sinds Sampedro's ongeluk zijn hoofdverzorgster is; zijn broer, José (Celso Bugallo), die een van de luidruchtige tegenstanders is van Sampedro's wens om te sterven, en met wie er een onderliggende onopgeloste kwestie is (het lijkt erop dat José degene was die Sampedro van de verdrinkingsdood heeft gered. ); zijn neef Javier (Tamar Novas), die misschien wel het meest begripvol tegen hem is; een voorvechter van het recht op de dood, Gené (Clara Segura); een pro-Deoadvocaat, Julia (Belén Rueda), die hij wilde omdat ze een degeneratieve ziekte had, CADASIL (Cerebrale Autosomal Dominant Arteriopathie met Subcorticale Infarcten en Leukoencephalopathie), en daarom empathischer zou zijn, en op wie hij verliefd wordt; en Rosa (Lola Duedenas), een vrouw uit de buurt die in een conservenfabriek werkt en als dj bijklust, die over hem heeft gehoord van de media, die hem wil overhalen om te willen leven, en die verliefd op hem wordt.
Het grootste deel van de film bestaat uit de interactie tussen deze personages en Sampedro in zijn kamer. Er zijn ook nog een paar bijfiguren, onder wie Sampedro's vader, die merkwaardig afstandelijk blijft, en een beruchte en mediagevoelige priester, Padre Francisco (José Marmera Pou), die zijn best doet om Sampedro op andere gedachten te brengen via filosofie/theologie (in een scène die vaak ten onrechte als 'komisch' wordt omschreven <0xE2><0x80><0x93> er zit een komisch element in, maar de scène is in de eerste plaats erg serieus).
Dat het grootste deel van de film zich in Sampedro's kamer afspeelt, geeft het echtpaar een grotere impact bij het decoreren. Sampedro's kamer heeft een mooi, groot raam, waarvan hij zegt dat het hem tevredenstelt als observatiepunt over de wereld. Misschien nog wel belangrijker is dat hij het raam regelmatig ziet als een lanceerplatform waardoor hij over de heuvels naar de oceaan vliegt, waar hij altijd van heeft gehouden en die de meest invloedrijke kracht in zijn leven is geweest <0xE2><0x80><0x93> hij heeft er zijn brood mee kunnen verdienen toen hij jonger was en het heeft hem zijn mobiliteit ontnomen. Amenábar geeft ons een fantastische reeks beelden van Sampedro die zich een van zijn vluchten naar de zee voorstelt. Het is prachtig gefilmd, met lage hoeken (waarschijnlijk van een helikopter) van de langsrazende heuvels, tot we een riviertje volgen naar de weidse oceaan, die in deze film vrijheid, de oneindige en natuurlijke krachten vertegenwoordigt. De andere belangrijke verandering van decor komt als Sampedro eindelijk in een rolstoel gaat zitten (voor het overige weigerde hij dat, en zei hij dat ze 'zijn immobiliteit bespotten'), om in de rechtszaal zijn gezicht te laten zien om zijn zaak te helpen bepleiten. Amenábar geeft ons een schrijnende, melancholische reisfilm, subjectief geschoten, waarin Sampedro vanuit zijn autoraam het leven en de wereld in actie ziet.
Of je het eens bent met het legaliseren van euthanasie of niet, het valt moeilijk te ontkennen dat dit een goed geacteerde, goed geschreven en goed geconstrueerde film is. Je gelooft misschien niet dat het een tien is (en dat is nog onwaarschijnlijker als je het niet eens bent met het legaliseren van euthanasie), maar het is toch de moeite waard om te zien als een mooi voorbeeld van artistiek, geraffineerd filmen.

text_en:
As I expected would happen, too many reviews of this film (from professionals and amateurs alike) have focused as much if not more on the film's ideology. That's because The Sea Inside (aka Mar adentro) is a film about euthanasia. Specifically, it's a true story about an infamous Galician named Ramón Sampedro, who fought for many years for the right to assisted suicide, who was denied that right by the Spanish constitutional court, and who--well, I don't want to ruin the ending of the film for you.

The real life Sampedro catalyzed a national debate on euthanasia in Spain. Now with producer/director/writer/composer/editor Alejandro Amenábar's (Abre Los Ojos, 1997, and The Others, 2001) "biopic", The Sea Inside, another rhetorical aid has been provided in the international debate on this hot button issue.

But as I keep saying (to deaf ears?), your opinion, pro or con, on the film's ideology shouldn't affect your rating of the film. You're not supposed to be rating the philosophical or political messages that Amenábar wants to make. You're supposed to be rating the film, as a film. Maybe that's a bit too idealistic, as none of us can likely completely divorce our evaluations from our ideological biases, but idealistic or not, that's the goal.

So forget about the philosophical and political issues for a moment. As a film, Amenábar has turned in one of his most elegant and mature works to date. He does not focus on societal debates. He does not focus on Sampedro's legal/political struggles. He focuses on Sampedro as a man, living out his days confined to a bed in his brother's home.

Sampedro, played here in an amazing performance by Javier Bardem, was a quadriplegic. As the film begins, he has been a quadriplegic for 26 years. That condition was brought about, as Amenábar shows us through marvelously shot flashbacks, by a diving accident--Sampedro was distracted by a beautiful woman, miscalculated the water, dove in, snapped his neck, and almost drowned. As a quadriplegic he eventually began writing poetry, some of which was published in a book entitled Cartas Desde El Infierno ("Letters from Hell"); in real life Sampedro's book became a best seller in Spain. Perhaps taking Sampedro's artistic work as a cue, Amenábar has created an elegantly poetic film.

Most of The Sea Inside is set inside Sampedro's bedroom. The focus in these scenes is Bardem's complex and sublime performance. As a quadriplegic, Bardem is limited to moving his head and talking. He has mastered subtle changes of expression and inflection to convey a deep character with a multifaceted, intellectual approach to life. Bardem and Amenábar have Sampedro often waxing philosophical in understated speech, but there's always a combination of a wicked sense of humor, passion for the aesthetic--including music and women, and a sadness and even occasionally bitterness not far below the surface. Different underlying emotions occasionally break through like waves on the skin of the ocean.

The people Sampedro interacts with most frequently facilitate this in complex ways. These others include his sister-in-law, Manuela (Mabel Rivera), who has been his chief caretaker since Sampedro's accident; his brother, José (Celso Bugallo), who is one of the vocal objectors to Sampedro's wish to die, and with whom there is an underlying unresolved issue (it seems like maybe José was the one to save Sampedro from drowning?); his nephew, Javier (Tamar Novas), who is perhaps the most understanding towards him; a right-to-die advocate, Gené (Clara Segura); a pro bono lawyer, Julia (Belén Rueda), whom he wanted because she had a degenerative disease, CADASIL (Cerebral Autosomal Dominant Arteriopathy with Subcortical Infarcts and Leukoencephalopathy), and would thus by more empathic, and who he falls in love with; and Rosa (Lola Dueñas), a local woman who works at a cannery and moonlights as a DJ, who heard about him from the media, who wants to convince him to desire to live, and who falls in love with him.

The bulk of the film consists of these characters interacting with Sampedro in his room. There are also a few other ancillary characters, including Sampedro's father, who remains oddly distant, and a notorious and media-conscious priest, Padre Francisco (José María Pou), who does his best to change Sampedro's mind via philosophy/theology (in a scene often mistakenly characterized as "comic"--it has an attendant comic element, but the scene is primarily very serious).

That most of the film takes place in Sampedro's room ingeniously gives the couple significant changes in setting greater impact. Sampedro's room has a nice, big window, which he says he is satisfied with as an observation point on the world. Maybe even more importantly, he regularly imagines the window as a launching pad through which he flies across the hillsides to the ocean, which he always loved, and which has been the most influential force in his life--it provided his living when he was younger and took his mobility away. Amenábar gives us a fantastical sequence of Sampedro imagining one of his flights to the sea. It is beautifully shot, with low angles (presumably from a helicopter) of the hills rushing by, until we follow a stream to the wide-open ocean, which in this film represents freedom, the infinite, and natural forces.

The other significant change of setting arrives with Sampedro finally taking to a wheelchair (he otherwise refused them, saying they "mocked his immobility") to make an appearance in court to help plead his case. Amenábar gives us a poignant, melancholy travelogue, shot subjectively, of Sampedro viewing life and the world in action from the car window.

Whether you agree with legalizing euthanasia or not, it's difficult to deny that this is a well-acted, well-scripted and well-constructed film. You may not believe that it's a ten (and that's even more unlikely if you disagree with legalizing euthanasia), but it's still worth watching as a fine example of artistic, sophisticated film-making.


text:
THE SEA INSIDE (2004)** Javier Bardem, Belen Rueda, Lola Duenas, Mabel Rivera, Celso Bugallo, Joan Dalmau, Alberto Jimenez, Tamar Novas, Francesc Garrido, Jose Maria Pou, Alberto Amarilla, Nicolas Fernandez Luna. (Dir: Alejandro Amenabar)
<0x3E> Een inspirerend verhaal over een levende dood; Bardem is uitmuntend.
<0x3E> Het ware levensverhaal van de Spaanse dwarslaesiepatiënt Ramon Sampedro en zijn verzoek om zijn verlangen naar euthanasie te vervullen met het recht om te sterven wordt misschien niet als een bron van inspiratie beschouwd, maar dat is deze film wel. Sampedro (op voortreffelijke wijze gespeeld door Bardem) was een viriele, energieke jongeman toen hij na een tragisch duikongeluk zijn ledematen niet meer kon gebruiken (in flashbacks op een afschuwelijke manier herbeleefd met een enorme schok voor de zintuigen) en bijna dertig jaar lang verlamd in bed lag terwijl zijn liefhebbende familie voor hem zorgde. Hoewel hij niet meer in staat was zich te bewegen, was zijn geest heel actief en hij bleek een bekwaam uitvinder, dichter, schrijver en kunstenaar te zijn die zijn geest bezig hield tot hij de gedachte niet meer kon verdragen dat hij in zijn onvolgroeide toestand nog langer zou moeten leven. Julia (de etherische Rueda die prachtig bij Bardem past, alsof ze inderdaad zielsverwanten zijn) wordt ingehuurd om Sampedro's laatste wens om een eind aan zijn leven te maken te dwarsbomen en wordt op haar beurt _aide de camp_ als hij zich voor haar begint open te stellen zoals hij nog nooit voor iemand heeft gedaan. Er is niet veel tijd verstreken en Julia begint een onderzoek naar het verleden van haar pupil, waarin ze ontdekt dat zijn familie veel brieven heeft verborgen. Als Julia Ramon hiermee confronteert, wil hij eerst niets met haar bespreken, maar uiteindelijk is hij het met haar eens dat dit zijn zaak kan helpen en wordt het project een boek in wording, een memoire/biografie door middel van vrije poëzie en proza.
De film is een hartverscheurend verhaal over de menselijke geest en hoe liefde uiteindelijk zegeviert over hartzeer in vele vormen, waaronder voor Ramon de onwaarschijnlijke liefde die hij deelt met een volslagen vreemde die Rosa (Duenas) heet, een alleenstaande moeder die hem op een dag op tv ziet en haar ertoe aanzet om op de fiets naar zijn afgelegen boerderij in Spanje te gaan om hem te leren kennen en misschien van gedachten te veranderen over het feit dat hij een eind aan zijn leven wil maken. De filmmaakster Amenabar, die samen met Mateo Gil het fascinerende scenario heeft geschreven, laat een beetje fantasie toe in de mix als Ramon zich voorstelt hoe hij als door een wonder zijn bed verlaat en door de landelijke landschappen vliegt naar de uiteindelijke zee, waar hij zo veel jaar geleden heeft geleden onder de wrede wending van het lot die hem dertig jaar lang gevangen heeft gehouden. De film is geen complete afgang met een sluwe geest en af en toe een humoristische toon die het effect van de laatste akte van het verhaal niet vermindert. Ook de opmerkelijke make-up van James en Jo Allen doet wonderen bij het verouderen van de levendige Bardem tot een ouder wordende man, wat hun een Acadamy Award zou moeten opleveren.
Bardem en Rueda verdienen een Oscar als twee mensen die zoveel gemeen hebben, en ondanks het feit dat Rueda's Julia getrouwd is met een liefhebbende, toegewijde echtgenoot, is het absoluut onmogelijk dat twee mensen die zo voor elkaar geschapen zijn om te beginnen nooit samen zijn geweest. Dat is slechts een van de wreedheden die waar klinken, maar het is niet per definitie het geval met de film als geheel; het is een must-see en een van de beste van het jaar.

text_en:
THE SEA INSIDE (2004) **** Javier Bardem, Belen Rueda, Lola Duenas, Mabel Rivera, Celso Bugallo, Joan Dalmau, Alberto Jimenez, Tamar Novas, Francesc Garrido, Jose Maria Pou, Alberto Amarilla, Nicolas Fernandez Luna.(Dir: Alejandro Amenabar)

An inspiring tale of a living death; Bardem is superb

The true life account of Spanish quadriplegic Ramon Sampedro and his petition to fulfill his desire for euthanasia by the right to die may not be considered a likely source of inspiration but this film is just that.

Sampedro (played superbly by Bardem) was a virile, energetic young man when he lost the function to his limbs after a tragic diving accident (recounted horrifically in flashback with a visceral jolt to the senses) and for nearly thirty years lay paralyzed in bed while his loving family cared to his every need. Although his abilities to move were nil his mind was very much active and proved skillful as an inventor, poet, author and artist that kept his mind busy until he could no longer bear the thought of living longer in his stunted condition.

Enter beautiful yet also afflicted with a crippling disease attorney Julia (the ethereal Rueda who matches Bardem beautifully as if they were indeed soul mates) is hired to see through Sampedro's final wish to end his life and in turn becomes an aide de camp when he begins to open up to her like to no one ever before. Not too long has time passed and Julia begins to investigate her charge's past discovering many letters hidden away by his family. When Julia confronts Ramon with this he at first is reluctant to discuss any thing with her but eventually he agrees with her that this may help his case and the project becomes a book in the making  a memoir/biography by way of free-style poetry and prose.

The film is a heartbreaking tale of the human spirit and how love eventually triumphs over heart ache in many forms including for Ramon the unlikely love he shares with a complete stranger named Rosa (Duenas) a single mother who sees him on TV one day inspiring her to bicycle to his remote farmhouse in Spain to get to know him and possibly change his mind about ending his life.

Filmmaker Amenabar, who co-wrote with Mateo Gil the fascinating screenplay, allows some fantasy into the mix when Ramon envisions himself magically leaving his bed and flying across the bucolic landscapes to the eventual sea where he suffered so many years ago the cruel twist of fate that has imprisoned him for three decades. The film is not a complete downer with a sly wit and occasionally humorous tone throughout that doesn't dilute the impact of the story's final act. Kudos also to the remarkable make-up job by James and Jo Allen do a tremendous job in aging the vibrant Bardem to an aging man to full effect that should get them an Acadamy Award nod.

Bardem and Rueda deserve Oscar nominations as two people with so much in common and despite Rueda's Julia being married to a loving, doting husband, that a pair of people so made for one another it is down right impossible they were never together to begin with. That's just one of the cruelties that rings true but it is not by definition of the film as its whole; it is a must-see and one of the year's best.


text: Ik heb net Mar Ardentro gezien en had het gevoel dat ik iets over deze film moest zeggen. Euthanasie is een moeilijk onderwerp op elk gebied en helaas kan het de werkelijke waarde van een film soms verdraaien. Veel mensen zijn vol lof over de uitstekende cast en het is prachtig beeld- en camerawerk. Javier Bardem is een acteur die elke film die hij maakt iets extra's geeft. Het is een beetje dwaas om te zeggen dat hij de echte Sampredo in zich heeft, want ik geloof niet dat een van de recensenten Sampredo persoonlijk heeft gekend. Stilliggen en een zekere charme gebruiken is een acteerkunst die weliswaar goed is uitgevoerd, maar geen 'perfecte' voorstelling is. Bardem doet gewoon wat hij goed doet... en dat is het dan. Het camerawerk is prachtig en roept gevoelens en perspectieven op die de film zelf niet weet over te brengen. Sampredo wordt hier getoond als een man die er zo op gebrand is om te sterven dat hij zijn liefhebbende gezin achterlaat en trouwt met een vrouw die hij alleen maar opzoekt als de ander hem niet wil helpen bij zijn zoektocht naar een waardige dood. Ik ben hier niet om iets te zeggen over het recht op euthanasie. Het probleem is dat je er nauwelijks aan kunt ontkomen als je commentaar levert op dit soort films. Het onderwerp van de film is zo sterk dat je bijna gedwongen bent om de film in dat sterke onderwerp te bespreken. Ik vind dat een zwak punt van de film <0xE2><0x80><0x93> ongewild <0xE2><0x80><0x93> omdat Sampredo een onmannelijk personage is. Iemand die veel slimmer is dan zijn familie zoals geportretteerd in de eenvoudige neef die het dubbele gedicht dat aan hem is gericht niet 'krijgt'. Iemand die een liefhebbende en zorgzame familie zal verlaten omdat hij denkt dat zijn leven onwaardig is. Een scène die in contrast staat met de vrouwelijke advocaat die volgens de film de'verkeerde' keuze in een verre staat van dementie laat eindigen, wat erop wijst dat Sampredo's keuze de juiste was. De vrouw die hem voortdurend opzoekt wordt bijna genegeerd vanwege de mooie advocaat, maar wordt plotseling door Sampredo getrouwd als ze erin toestemt hem te helpen sterven. Deze keuzes maken van Sampredo een berekenend figuur, hoe charmant Bardem hem ook afschildert. De film overtuigt niet helemaal en ik denk eigenlijk dat Amenabar niet van plan was om dit onevenwichtige element aan zijn film toe te voegen. Voor een jonge regisseur is het nog steeds een indrukwekkende film en hij heeft zeker zijn sterke momenten (de discussie tussen de priester en Sampredo bijvoorbeeld). Het camerawerk is indrukwekkend en de film is goed geacteerd. Maar 10 van de 10... nee, de film bereikt die uitmuntendheid niet.

text_en: I just saw Mar Ardentro and felt that I had to comment on this film. Euthanasia is a difficult topic in any field and unfortunately is can sometimes distort the true value of a movie. Many people have raved about the excellent cast and it's beautiful imagery/camera-work. Certainly Javier Bardem is an actor that brings something extra to each film he makes. To say that he encompasses the real Sampredo is a little silly since I don't think that any of the reviewers have known Sampredo personally. To lie still and use a certain charm is a acting skill that although well performed doesn't constitute a 'perfect' performance. Bardem just does what he does well...and that's it. The camera-work is beautiful and evokes feelings and perspectives that the movie itself lacks to deliver. Sampredo here is shown as a man that is bend on dying so much that he leaves his loving family behind and marries a woman that he only seeks out when the other will not help him in his quest for a dignified death. Now I'm not here to say anything about the right for or against euthanasia. The problem is that when commenting movies like this you can hardly escape it. The movie's subject is so strong that you're almost compelled to discuss the movie in that strong subject matter. I find it a weakness for the movie -unintentionally- portrays Sampredo as a unsymphatetic character. Someone who is much smarter then his family as portrayed in the simple cousin that doesn't "get" the double layered poem directed towards him. Someone who will leave a loving and caring family because HE thinks his life is undignified. A scene that is juxtaposed to the female lawyer who according to the movie makes the "wrong" choice ending up in a far state of dementia thus indicating that Sampredo's choice was the right one. The woman that constantly seeks him out is almost disregarded for the beautiful lawyer but suddenly is married by Sampredo when she agrees to help him die. These choices make Sampredo into a calculated figure no matter how charming Bardem portrays him. Argumentive I would say it doesn't convince fully and I kinda think that Amenabar didn't intend on adding this unbalanced element in his film. For a young director it's still an impressive film and it certainly has it's strong moments (the discussion between the priest and Sampredo for instance). The camera-work IS impressive and the film is well acted. But 10 out of 10...no the movie doesn't reach that excellence.


text:
Ik neem aan dat het een hele prestatie is om aan een publiek een waargebeurd verhaal te kunnen vertellen over een fr<0xC3><0xAA>le man; een verhaal waarin de hoofdpersoon het grootste deel van de film op zijn rug zal liggen, in een bed en niet in staat zich te bewegen. En toch ligt de prestatie in de effectiviteit van de film als een dramatisch stuk; als een herinnering aan een waargebeurd verhaal en ik vermoed als een argument waarom mensen het recht zouden moeten hebben om te sterven als ze dat willen. Maar de film is geen politieke verklaring en misschien schrikt hij gelukkig af van te veel debatten, hoewel er toch een in zit ter wille van het argument. Sterker nog, dit is een van die vreemde taalfilms waarin de hoofdpersoon een invalide is die niets anders kan doen dan praten met de mensen om hem heen, maar toch in staat is om innemend en boeiend over te komen.
Dus in plaats van een uit-en-te-na argument, is de film meer een lief maar tijdig dramatisch stuk over iemand die iets wil of op zoek is naar iets; het enige verschil is dat door het bereiken van dit 'doel' het de beëindiging van iemands leven zou betekenen en dat het bereikt zou worden door fysiek nergens heen te gaan. Javier Bardem speelt de rol van Ramón Ramón Sampedro in het echte leven, een man die op veel jongere leeftijd een duik nam in een meertje dat veel te ondiep was voor zo'n activiteit. Dat maakte hem voor de rest van zijn leven bedlegerig en zijn wens om te sterven is het onderwerp van de film van de Chileense regisseur Alejandro Amenábar. We hebben in ons leven zo veel films gezien waarin personages bepaalde 'doelen' hebben. Of doelwitten die je voor het einde van de film moet ontmoeten om het publiek een bevredigende ervaring te bieden, maar de verandering van tempo in _The Sea Inside_ is zacht; er komen geen jonge, energieke, aantrekkelijke helden in voor die op verre plaatsen strijd gaan leveren, maar een echt mens achter iets aan dat zoveel voor hen betekent.
Zelfs als je een sterk beleid hebt, pro of anti-euthanasie, hoop je misschien dat Ramón aan het eind toch krijgt wat hij wil. De film begint heel vroeg met Ramón die een toespraak houdt over waarom hij wil sterven door het kijken naar familieleden, waarbij hij de situatie en de persoon in kwestie onmiddellijk introduceert bij het toekijkende publiek dat misschien niet weet waar de film over gaat. Interessant is dat sommige familieleden 'anti' zijn wat hij wil, waardoor elk publiek dat een sterke mening over de persoon in kwestie heeft, in hun respectievelijke schoenen zou kunnen komen te staan. Maar het doel van deze opzet is om het publiek te vertellen: 'Nee, dit is niet één man die achter iets aan zit en die toevallig door zijn hele familie wordt gesteund tot het einde toe.' De film had heel gemakkelijk een richting in kunnen gaan waarin het de familie Sampedro versus. iedereen, maar sommigen zijn tegen Ramóns idee; sommigen zijn te jong om te erkennen wat er werkelijk aan de hand is en anderen lijken te zeer van streek om zelfs maar een andere mening te hebben dan dat ze willen dat Ramón nog wat langer blijft, ze houden tenslotte van hem.
De _Sea Inside_ is het vervolg van een verhaal dat draait om een soort slachtoffer. Ramón is verlamd en we zien de dingen vanuit zijn perspectief. Dit is iets dat de kijkers kan ontwrichten of de film heel vreemd kan laten overkomen, gezien het feit dat we een film te zien krijgen vanuit het gezichtspunt van een slachtoffer in plaats van een aanstichter of een hoofdrolspeler in een film die altijd de oorzaak in de oorzaak en gevolg-aandrijving opwekt. Maar dit is geen kritiek en het strekt de regisseur tot eer dat hij zo'n benadering op zo'n effectieve manier heeft gebracht. De film stelt vragen; hij biedt zijn publiek een scenario. Als je in Ramóns positie verkeerde: wat zou je dan doen, of denken, of dromen, of praten? Dientengevolge zijn dromen over advocaat Juila (Rueda) niet zozeer voor het genoegen van het publiek als wel een heel klein venster op de escapistische fantasieën van één man in zijn hachelijke situatie.
De studie van Julia verhevigt iets later, wanneer ze bepaalde overeenkomsten met Ramón begint te vertonen, en dat is het moment waarop ze een beroerte krijgt als gevolg van een ziekte die ze zelf ook heeft. Deze eigenschap lijkt op tijd te komen in de voortgang van hun relatie en voegt een nieuw ingrediënt van verbondenheid toe, boven op een reeds hechte vriendschap. Dit komt doordat Julia de fysieke pijn en de beperkingen voelt, niet in de zin dat ze dat is.' Ik ben niet in staat om op te staan en te gaan lopen, maar ik denk dat ze de waarde van het leven beseft, gezien het feit hoe emotioneel slecht ze zich daarvoor voelde. Hoewel de film gebaseerd is op een waargebeurd verhaal en over euthanasie gaat, voelt het meer als een op aarde neergedaald drama over een man in een situatie waarin hij bereid is te vechten voor wat hij wil, maar dat verbaal moet doen. Het is verfrissend om films als _The Sea Inside_ te zien, omdat ze niet alleen verwijzen naar de geschiedenis en ons daar een inzicht in geven, maar ook omdat ze op een emotioneel en boeiend niveau presteren.

text_en:
I suppose it's quite an achievement to be able to present to an audience a true tail about a frail man; a tail in which the protagonist will spend the majority of the film on his back, in a bed and totally unable to move. And yet the achievement is in the film's effectiveness as a dramatic piece; as a recollection of a true story and I guess as an argument as to why people should have the right to die if they so wish to. But the film isn't a political statement and perhaps thankfully it shies away from too many scenes of debate although it does include one for the sake of argument anyway. More-so, this is one of those foreign language films that presents its lead character as a cripple whom can do nothing but talk to the people around him and yet is able to come across as engaging and compelling anyway.

So rather than be an out and out argument, the film is more a sweet yet timely dramatic piece about another person wanting something or in search of something; the only difference is that by attaining this 'goal', it would mean the termination of a someone's life and it would be achieved by not physically going anywhere. Javier Bardem plays real life Galician Ramón Sampedro, an individual who at a much earlier age dived into a clearing of water that was too shallow for such activity. This rendered him bedridden for the rest of his life and his wish to die is the focus of Chilean director Alejandro Amenábar's film. We've seen so many films in our lives in which characters have certain 'goals' or targets one must meet before the film is over to provide a satisfactory experience for the audience, but the change of pace in The Sea Inside is gentle; it does not involve young, energetic, attractive heroes going off to do battle in far off places but a real person after something that means so much to them.

Even if you do have a strong policy, either pro or anti-euthanasia, you may find yourself hoping Ramón gets what he wants at the end of it all anyway. The film sets its tone very early on with Ramón giving a speech on why he wants to die to watching family members, immediately introducing the situation and subject to the watching audience who may not know what the film is about. Interestingly, some of the family members are 'anti' what he wishes which might place any audience member that feels strongly about the subject in their respective shoes. But the purpose of this set up is to tell the audience 'No, this isn't one man after something who incidentally has the whole of his family backing him to the end'. Quite easily, the film could've gone down a route in which it is the Sampedro family vs. everybody else but some are anti-Ramón's idea; some are too young to acknowledge what's really going on and others are seemingly too distraught to even have an opinion other than they just want Ramón to stick around a bit longer, they love him after all.

The Sea Inside is a following of a story revolving around a victim of sorts. Ramón is a quadriplegic and it is his perspective we see things from. This is something that may disjoint viewers or have the film come across as quite odd given we are being presented with a film from the point of view of a victim rather than an instigator or a lead character in a film that is always inducing the cause in the cause and effect drive. But this is no criticism and it's a credit to the director for delivering such an approach in the effective manner in which it is. The film asks questions; it offers a scenario to its audience. If you were in Ramón's position: what would you do, or think about or dream of or talk about? Consequently, dreams about lawyer Juila (Rueda) are not so much shot for the audience's pleasure as much as they are an ever so slight window into one man's escapist fantasies from his predicament.

The study of Julia intensifies somewhat later on when a she begins to share certain similarities with Ramón and that is when she begins to have strokes that are a result of a disease of her own. This trait seems timely in the progression of their relationship and adds a further ingredient of connection on top of an already engaging friendship. This is because Julia feels the physical pain and restriction, not in a sense that she isn't able to get up and walk, but I think she realises the value of life given how emotionally bad she felt beforehand. While the film is based on a true story and covers the subject of euthanasia, it feels like more of a down to Earth drama about a man in a situation in which he is prepared to fight for what he wants but must do so verbally. It's refreshing to see films like The Sea Inside as it not only references history and gives us an insight into that but as a stand alone film, delivers on an emotional and engaging level.


text: Het is een soapopera die gebaseerd is op een toegepast ethisch idee. Een film over menselijk lijden en dood is niet noodzakelijkerwijs een goede film. Ik kreeg er geen enkele emotie van, de ideeën zijn helemaal niet nieuw, de spanning ontbreekt, de tweede helft wordt saai maar tegen het eind vind ik hem op een komische manier heel interessant. Ik bedoel, je hebt zo'n verlamde kale man van middelbare leeftijd die meer vrouwen krijgt dan Don Juan. Hij lijkt niet zoveel te lijden als je zou verwachten van iemand die meer dan achtentwintig jaar volkomen verlamd is, hij heeft geen problemen met God (en dat zou je waarschijnlijk ook verwachten), de mensen om hem heen lijken de volmaakte slaven (ik kan het niet). Ik moet denken aan Bergman's Gehuil en Gefluister, dat in veel opzichten lijkt op deze film, die gewoon barst van de emoties, en niet allemaal even humane). Deze film is het perfecte recept voor huisvrouwen die op zoek zijn naar een beetje emotionele spanning, maar niet verwachten dat ze worden weggeblazen. De film is het zien waard te midden van al het cynisme dat we vandaag de dag te verduren krijgen omdat hij oprecht de bedoeling heeft een modern ethisch vraagstuk te presenteren zonder de kijker te willen opwinden. Amenabar wrijft je niet onder de neus dat het een film is en hij kiest geen partij, hij wil ons geen fanatici maken vanwege een bepaald idee. Toch heb ik geen idee waarom deze film zo hoog werd aangeslagen.

text_en: It's a soap-opera drawing upon an applied ethics idea. A movie about human suffering and death is not necessarily a good movie. I didn't get any emotion from it, the ideas are not at all new, the tension lacks, it becomes tedious towards the second half but towards the end I think it becomes quite interesting in a burlesque way. I mean you have this middle-aged, paralyzed bald guy who gets more women than Don Juan. He doesn't seem to suffer as much as you would expect from someone completely paralyzed for over 28 years, he has no issues with God (and one would probably expect that too), the people around him seem to be the perfect slaves (I can't get out of my mind Bergman's Cries and Whispers, similar to this one in many respects, which simply bursts with emotions, and not all of them humane) etc. This movie is the perfect recipe for housewives who look for some emotional thrill but don't expect to be blown away. The movie is worth seeing among all the cynicism we get today for its sincere intention to present a modern ethical issue without any desire to arouse the viewer. Amenabar doesn't rub your face in it and he doesn't take sides, he doesn't want to make us fanatics for a particular idea. Still I have no clue as to why this movie was so highly regarded.


text:
Een vriend van me vroeg: 'Moet je niet pro-euthanasie zijn om deze film leuk te vinden? Is het een vergissing van de film om te veronderstellen dat de meeste mensen met een dwarslaesie een eind aan hun leven willen maken?' Interessante vragen.
Voor zover ik kan zien (verbeter me als ik het mis heb) is er maar één dwarslaesiepatiënt die in _The Sea Inside_ een eind aan zijn leven wilde maken. Denk maar dat Ramón Sampedro dit ook in de film ter sprake bracht. Hij is degene die dood wil. Hij is degene die vecht voor zijn recht om over zijn dood te beslissen. Hij spreekt voor zichzelf en niet voor andere dwarslaesiepatiënten. Als je het vanuit Ramóns gezichtspunt bekijkt, is het niet zo vreemd dat zijn voornaamste doel een persoonlijk doel is. Maar wat deze film wel doet (naar mijn mening in elk geval) is dat hij de kijkers dwingt om zichzelf de vragen te stellen die mijn vriend zo beknopt heeft gesteld.
Na de eerste keer dat ik The Sea Inside had gezien, liep ik in een waas van tegenstrijdigheden naar huis. Ik deed mijn best om me te verzoenen met dit ergerlijke idee: waarom zou Ramón willen sterven? Gezien de liefde, zorg en opofferingen die Ramón zo onvoorwaarde Er stond een veelzeggende opmerking in: '... totale afhankelijkheid gaat ten koste van intimiteit.' De meeste mensen snakken naar zo'n intimiteit. Natuurlijk hangt het grootste deel van onze waardering voor dergelijke 'behoeften' af van het individu.
Als iemand met een familiebevooroordeelde gevoeligheid voelde ik sterk mee met de verzorgers in deze film. Waarom kan Javier niet nadenken over het offer en de liefde van zijn familie en vrienden? Is hij blind voor dat alles? Ik zou denken van niet. Het wonder van The Sea Inside is daarom de inzichtelijke weergave van een zeer humanistische oorlogshandeling. Als we geconfronteerd worden met de voogdij over een geestelijk gezonde maar uitgeschakelde geliefde, die de kalme, bewuste en rationele bedoeling heeft om te sterven, wat is dan het juiste om te doen? Is de zorg voor en het in leven houden van deze geliefde, tegen zijn of haar wil, een vroom gebaar? Toont het de waarde van onze liefde? Of sust het slechts onze 'zelfzuchtige' angst voor een onvervangbaar verlies? Zouden hun invalide pupillen, met zoveel begrip betoond aan verzorgers, niet ook een over het hoofd geziene daad van opoffering zijn als ze zich onderwierpen aan de totale afhankelijkheid van anderen om te overleven? Retorisch of niet, hoeveel is 'waardigheid' een individu waard? Is leven (of sterven) met waardigheid een voorrecht of een recht? Als we echt om iemand geven en van hem of haar houden, moeten we dan ook zijn of haar uiteindelijke beslissingen in het leven (zoals de dood) respecteren? Een stortvloed van vragen die de film had kunnen stellen, antwoorden die ik niet kan geven.

In onze gretigheid om de verdiensten van pro-leven of pro-keuze te demarreren, lopen we het risico een zee van grijs te negeren die de mensen die het nauwst getroffen zijn, de verzorgers en degenen om wie ze geven, verzwelgt. Vandaar dat Sea Inside de delicate maar complexe relatiedynamiek tussen hen probeerde te verduidelijken. Intuïtief begrijpt deze film één ding: dat de aard van 'opoffering' nooit eenzijdig is. In deze oorlog moeten we niet proberen argumenten te winnen, maar ingespannen te observeren en hopelijk vast te stellen wie de'sterkere' partij is om dat offer te brengen.
The Sea Inside is een ontnuchterende film. Hij heeft mijn ogen geopend voor dingen die ik niet wil zien. En daar ben ik dankbaar voor.

text_en:
A friend of mine asked: "Doesn't one have to be pro-euthanasia in order to like this movie? Is it a mistake of the movie to infer most quadriplegics want to end their lives?" Interesting questions.

As far as I can see (correct me if I'm wrong), there is only one quadriplegic who wanted to end his life in The Sea Inside. Think Ramón Sampedro addressed this in the movie as well. It is he who wants to die. It is he who is fighting for his right to decide his death. He is speaking for himself and not other quadriplegics. Though his pioneering work, depending on one's perspective, may prove beneficial or damaging to quadriplegics down the road, his primary objective is a personal one. But one thing this movie does (my opinion anyway), is that it forces us the viewers to ask ourselves the inferring questions my friend so succinctly put forth.

After my first viewing of The Sea Inside, I walked home in a conflicted blur. I struggled to reconcile with this exasperating notion; why would Ramón want to die? Given the love, care and sacrifices so unconditionally showered on Ramón by the people surrounding him, why would he doggedly cling on to his hurtful decision? Then, on my second viewing, a shared thought between Ramón and the lawyer lady entered my consciousness. It threw up a telling observation: "...total dependency comes at the expense of intimacy." Most human beings crave for such an intimacy. Of course, how much we value such "needs", depends largely on the individual.

As a person with a familial-biased sensibility, I empathised strongly with the caregivers in this movie. Why can't Javier consider the sacrifice and the love from his family and friends? Is he blind to it all? I would think not. The miracle of The Sea Inside therefore, is its insightful depiction of a very humanistic tug of war. When we are faced with the guardianship of a sane but incapacitated loved one, whom has expressed a calm, conscious and rational intent to die, what then is the right thing to do? Is caring for and keeping this loved one alive, against his or her will, a pious gesture? Does it show up the worth of our love? Or does it merely soothe our "selfish" fears of irreplaceable loss? With so much understanding accorded to caregivers, wouldn't their invalid charges, by submitting themselves to the total dependency of others for survival, also be an overlooked act of sacrifice? Rhetorical or not, how much is "dignity" worth to an individual? Is living (or dying) with dignity a privilege or a right? If we really care and love a person, should we also respect their eventual decisions in life (as in death)? A torrent of questions the movie might have asked, answers to which, I'm in no position to provide.

In our eagerness to intellectually demarcate the merits of pro-life or pro-choice, we run the risk of ignoring a sea of grey that's engulfing the people most intimately affected, the caregivers and the ones they care for. The Sea Inside hence attempted to present the delicate yet complex relationship dynamics between them. Intuitively, this film understands one thing; that the nature of "sacrifice" is never one-sided. In this tug of war, we should endeavour not to win arguments, but to intently observe and hopefully determine, who is the "stronger" party to make that sacrifice.

The Sea Inside is a sobering film. It opened my eyes to things I don't wanna see. And for that, I am grateful.


text:
Ik heb vandaag _The Sea Within_ gezien en ik vond hem geweldig. De acteurs van de film zijn geweldig (vooral Javier Bardem natuurlijk), maar ik dacht dat Belén Rueda een betere rol zou hebben. Lola Duenaas, Clara Segura en vooral Mabel Rivera geven uitstekende interpretaties. En ik kan Celso Bugallo en Joan Dalmau (broer en vader van de hoofdpersoon) niet vergeten.
Er zijn twee technische aspecten waar ik erg van hield: de foto's van Aguirresarobe en de partituur van Amenábar zelf. Ik vond het lied _Negra sombra_ ( _Dark Shadow_ ), van Luz Casal met muziek van Carlos Nánez, mooi.
Kortom, ik vind dat de Spaanse academie _The Sea Within_ moet kiezen om mee te doen aan de Oscar Awards. Ik hield van andere Spaanse producties, zoals Almodóvars 'Bad Education', maar Amenábars film is veel beter. 'The Sea Within' verdient alle prijzen.

text_en:
I have seen 'The Sea Within' today and I loved it. The actors of the movie are wonderful (specially Javier Bardem, of course), but I thought that Belén Rueda would have a better role. Lola Dueñas, Clara Segura and, specially, Mabel Rivera perform excellent interpretations. And I cannot forget Celso Bugallo and Joan Dalmau (brother and father of the protagonist).

There are two technical aspects I loved very much: Aguirresarobe's photography and the score by Amenábar himself. I liked the song, 'Negra sombra' ('Dark Shadow'), by Luz Casal with music of Carlos Núñez.

In short, I think that the Spanish Academy should choose 'The Sea Within' in order to compete in the Oscar Awards. I liked other Spanish productions, such as Almodóvar's 'Bad Education', but Amenábar's film is much better than them. 'The Sea Within' deserves all the awards.


text:
Aangezien veel andere gebruikers de plot al hebben uitgelegd en commentaar hebben geleverd, zal ik dat niet doen.
Maar ik wil nog eens herhalen dat de interpretatie van Bardem geweldig is, net als die van de andere acteurs en actrices in deze film.
Bij het lezen van de voorgaande commentaren heb ik gemerkt dat sommige mensen kritiek hebben op het feit dat de film geen standpunten laat zien die tegen euthanasie zijn en dat die kleine presentjes belachelijk worden gemaakt. Naar mijn eerlijke mening is dat verre van waar.
Er zijn veel personages die zich in een grijs gebied bewegen tussen van Ramón Sampedro houden, willen dat hij blijft en zijn wens om te sterven begrijpen. Het meest voor de hand liggend is de familie. Ramóns schoonzus praat bijvoorbeeld nooit voor of tegen euthanasie. Een andere figuur is Gené (de activiste voor sociale rechten) die op het laatste moment tegen Ramón zegt dat hij alles nog eens moet overdenken. De scène laat duidelijk zien dat ze niet wil dat hij doodgaat.
Dan zijn er nog figuren die duidelijk tegen euthanasie zijn. Ramóns broer is er duidelijk tegen, net als zijn vader ('Er is maar één ding erger dan de dood van je zoon, en dat is een zoon hebben die dood wil.') Andere gebruikers hebben opgemerkt dat de discussie tussen Ramón en de priester belachelijk wordt gemaakt en gefilmd om ons te laten denken dat Ramón GO Vanuit mijn gezichtspunt komt de komedie in deze scène voort uit het feit dat de priester probeert Ramón ervan te overtuigen dat hij moet doorgaan met leven met argumenten die volkomen vreemd zijn aan Ramóns denkwijze. De toespraak van de priester is in de trant van: 'God geeft en God neemt', 'Wij zijn niet de eigenaars van ons eigen leven, zij behoren toe aan God', enzovoort. De komedie komt voort uit het feit dat Ramón atheïst is en dat alles wat de priester tegen hem zegt dus onzin is.
Deze film is de antithese van manicheïsme, hij geeft de toeschouwer de kans om over het onderwerp na te denken en zijn/haar eigen mening te vormen. En boven al het andere uit klinkt een kreet van bevrijding.

text_en:
Since many other users have already explained and commented the storyline, I won't do it.

However, I'd like to restate that Bardem's interpretation is terrific, as also are those of the other actors and actresses in this film.

Reading the previous comments I've noticed that some people criticize the fact that the film doesn't show points of view opposed to euthanasia and that those little present are ridiculed. In my honest opinion this is far from true.

There are many characters that move in a gray zone between loving Ramón Sampedro and wanting him to stay, and understanding his desire to die. Most obvious of those are the family. For instance, Ramón's sister-in-law never talks for or against euthanasia. Another such character is Gené (the social rights activist) who, in the last moment, tells Ramón to re-think it all. The scene clearly shows that she doesn't want him to die.

Then there are characters who are clearly against euthanasia. Ramón's brother is clearly against it, as is his father ("There's only one thing worse than the death of son, and it's having a son that wants to die.") Other users have commented that the discussion between Ramón and the priest is ridiculed and filmed to make us think that Ramón is GOOD and the priest is BAD. Well, no doubt the scene is comic, but that doesn't mean the priest is caricatured or ridiculed. From my point of view, the comedy in this scene comes from the fact that the priest is trying to convince Ramón to keep on living using arguments totally alien to Ramón's thinking. The priest's speech goes on the line of "God gives and God takes", "We aren't the owners of our own lives, they belong to God"... and so on. The comedy arises from the fact that Ramón is atheist and all the priest is saying to him is therefore nonsense.

This film is the antithesis of manicheism, it leaves the spectator the chance to think on the subject and make up his/her own opinion. And above anything else is a chant of FREEDOM.


text:
Opnieuw heeft Almenábar ons voorzien van een topfilm. Deze regisseur is verbazingwekkend en hij heeft bewezen dat hij even getalenteerd en effectief is als hij genres doorsnijdt.
De uitstekende karakterontwikkeling van de film, door middel van dialogen en persoonlijke eigenaardigheden, maar ook met subtielere details (de blik van Ramons vader), stelt het publiek in staat zich zeer nauw met de hoofdrolspelers te identificeren, waardoor het belang en de emotionele impact van de gebeurtenissen die zich afspelen des te groter worden. De beelden zijn soms eenvoudig, soms verbijsterend (de droom op het strand), en ik denk dat Almenábars films echt profiteren van het feit dat hij ook de muziek componeert <0xE2><0x80><0x93> die paste perfect bij de wisselende stemmingen van de film. Deze film gaat niet alleen over euthanasie, wat op zich een belangrijke kwestie is, maar ook over de dualiteit van een man die soms echt van het leven lijkt te genieten (zij het op een beperkte manier) en toch onwankelbaar vasthoudt aan zijn verlangen om te sterven. De overweldigende droefheid van de film wordt geaccentueerd door goed getimede geestige opmerkingen, die des te grappiger zijn omdat ze een welkom respijt bieden van de melancholie die je ongetwijfeld zult voelen.
Hoewel duidelijk in het voordeel van euthanasie, doet deze film het uitstekend als het gaat om de Dat het kind dood wil.'
Uitstekend geschreven, geacteerd, geregisseerd, cinematografie, muziek <0xE2><0x80><0x93> 10/10.

text_en:
Once again Almenábar has provided us with a top quality film. This director is amazing, and he's proven that he's equally talented and effective when crossing genres.

The excellent character development of the movie, through dialogue and personality quirks, but with more subtle details as well (Ramon's father's gaze), allows the audience to identify with the protagonists very closely, making the importance and emotional impact of the events which take place all the more profound. The visuals are at times, simple, at times stunning (the dream to the beach), and I think Almenábar's films really benefit from the fact that he also composes the music - it matched the film's varying moods flawlessly.

More than just a film about euthanasia, which in itself is an important issue, this film tackles the duality of a man who at times genuinely seems to enjoy life (albeit in a quite limited way), and yet one who is unswerving in his desire to die. The overwhelming sadness of the film is punctuated by well-timed quips of humor, which seem all the funnier because they provide a welcome respite from the melancholy you will certainly feel.

Although clearly in favor of euthanasia, this film does an excellent job representing the myriad points of view of Ramon's friends and family. Most poignant was Ramon's father, when he said, despondent, "There's only one thing worse than losing a child. That the child wants to die."

Excellent writing, acting, directing, cinematography, music - 10/10.


text:
'Ik heb geworsteld met de dood. Het is de minst opwindende strijd die je je kunt voorstellen. Hij vindt plaats in een ontastbare grijsheid, met niets onder je voeten, met niets om je heen, zonder toeschouwers, zonder rumoer, zonder glorie, zonder het grote verlangen naar de overwinning, zonder de grote angst voor de nederlaag, in een ziekelijke atmosfeer van lauwe scepsis, zonder veel geloof in je eigen gelijk, en nog minder in dat van je tegenstander. Als dat de vorm is van de ultieme wijsheid, dan is het leven een groter raadsel dan sommigen van ons denken dat het is.'
Het is moeilijk om het onderwerp van de dood lyrisch te maken in welk kunstwerk dan ook. Toch hebben films de laatste tijd dappere pogingen gedaan om het menselijk te maken, in die zin dat het wordt omarmd als een deel van de cyclus van alle levende wezens, en dat het kan worden gekozen in plaats van gewettigd. 'Uitverkoren' is het sleutelwoord voor Alejandro Amenabars _Sea Inside_, dat losjes is gebaseerd op het ware verhaal van de Galicische zeeman Ramon Sampedro. Het is een drama over euthanasie zonder vooroordelen, gehuld in liefde, poëzie en vriendschap. Als het klinkt als _Barbar Invasions_ (2003), waarin een professor met kanker afscheid neemt van levenslange vrienden en geliefden voordat hij zich van het leven berooft, dan heb je gelijk. In feite is _Sea_ beter omdat het meer tijd met de hoofdpersoon doorbrengt voordat hij vertrekt, een opmerkelijke prestatie die niet in het minst saai of oninteressant is.
Javier Bardem als Ramon heeft expressieve ogen en een bevelende stem voor de romantische dwarslaesiepatiënt, een combinatie van een harde realist en een dichterlijke lijder. Belen Rueda speelt de gehandicapte advocate Julia, die een denkbeeldige minnares van Ramon wordt en steeds stralender wordt naarmate haar leven door ziekten wordt gedegenereerd. Naast de al bijna soapachtige omstandigheid is Lola Duenas de rol van Rosa, een bezoekster met een blauwe kraag die aanvankelijk probeert Ramon ervan te weerhouden de dood te zoeken, maar al snel verliefd op hem wordt. Over romantisch romantiseren van arbeidsongeschiktheidsarts gesproken: deze man heeft ongelooflijk veel geluk met het aantrekken van degelijke vrouwen, en hij kan geen vinger verroeren. Maar praten kan hij wel, en daarmee bewijst hij het ultieme argument over wat vrouwen willen: liefde die spreekt, niet alleen maar maakt.
Ik zal de belangrijkste film voor een Oscar die euthanasie als climax heeft niet noemen om de ervaring niet voor de eerste keer te bederven. Voldoende is het om te zeggen dat beide films erin slagen beide kanten van een twistziek onderwerp te ontsluiten zonder een specifiek standpunt te dwingen. Het religieuze rechts heeft het recht te klagen dat de vroegere film en Barbaarse Invasies zelfmoord veroorzaken; het heeft niet het recht de prachtig uitgebalanceerde Zee Binnen van hetzelfde te beschuldigen. '
'Een leven in deze toestand heeft geen waardigheid,' zegt Ramon. De ironie is dat hij zich met zo'n verheven waardigheid gedraagt dat iedereen twijfelt aan zijn besluit om een eind aan zijn leven te maken. 'The Sea Inside' is een formidabele inzending voor de Oscarnominatie voor beste buitenlandse taalfilm van 2004.

text_en:
" I have wrestled with death. It is the most unexciting contest you can imagine. It takes place in an impalpable grayness, with nothing underfoot, with nothing around, without spectators, without clamor, without glory, without the great desire of victory, without the great fear of defeat, in a sickly atmosphere of tepid skepticism, without much belief in your own right, and still less in that of your adversary. If such is the form of ultimate wisdom, then life is a greater riddle than some of us think it to be." Marlow in Joseph Conrad's "Heart of Darkness"

It's difficult to make lyrical the subject of death in any work of art. Yet movies have recently made bold attempts to humanize it to the extent that it is embraced as a part of the cycle of all living things, and it can be chosen rather than legislated. "Chosen" is the operative word for Alejandro Amenabar's Sea Inside, based loosely on the true story of the Galician sailor Ramon Sampedro. It is a drama about euthanasia without prejudice clothed in love, poetry, and friendship. If it sounds like Barbarian Invasions (2003), in which a cancerous professor says farewell to lifelong friends and loves before he takes his life, then you are right. In fact, Sea is better because it spends more intimate time with the protagonist before he goes, a remarkable feat with not one of those moments in the least dull or uninteresting.

Javier Bardem as Ramon has expressive eyes and commanding voice for the romantic quadriplegic, a combination of tough realist and poetic sufferer. Belen Rueda plays the disabled lawyer Julia, who becomes an imaginary lover for Ramon, increasing in radiance as her life degenerates with disease. Added to the already almost soap opera circumstance is Lola Duenas as Rosa, a blue collar visitor who initially tries to dissuade Ramon from seeking death but quickly falls in love with him. Talk about romanticizing disabilityThis guy has unbelievable luck attracting substantial women, and he can't move a finger. But talk he can, proving the ultimate argument about what women want: love that speaks, not just makes.

I will refrain from mentioning the major motion picture now up for an Oscar that features euthanasia as its climax in order not to spoil the experience for first timers. Sufficient it is just to say both films are successful in opening up both sides of a contentious subject without forcing a specific point of view. The religious right has a right to complain that the former film and Barbarian Invasions celebrate suicide; it has no right to accuse the beautifully balanced Sea Inside of the same.

"A life in this condition has no dignity," Ramon says. The irony is he conducts himself with supreme dignity that makes anyone question his determination to end his life. "The Sea Inside" is a formidable entry in 2004's Oscar nominations for best foreign language film.


text: Toen ik Before Night Falls voor het eerst zag, was Javier Bardem net genomineerd voor een Academy Award. Ik dacht: hij heeft het! Maar dat was niet zo. Ik heb gisteravond _Mar Adentro_ gezien. Geef het hem alsjeblieft deze keer... Dit is een acteur. Overtuigend, ontroerend, emotioneel, briljant. Zie ook _Los Lunes al Sol_, dan begrijp je waar ik het over heb. Hij is een absolute kameleon en ik zweer je dat het niet alleen het resultaat is van zijn make-up. Deze film is zo mooi, zo goed gedaan, de personages zijn zo echt. Gefeliciteerd met Alejandro Amenábar (wat dacht je van een nominatie voor _Best Director_?). Ik moet ook de grimeurs noemen. Ik kan geen ander woord bedenken dan schitterend. Ik hoop echt dat deze film de erkenning krijgt die hij verdient. Wat mij betreft is dat al gebeurd.

text_en: When I first saw "Before Night Falls", Javier Bardem had just been nominated for an Academy Award. I thought "he's got it!". He didn't. I watched "Mar Adentro" last night. Please give it to him this time... This is an actor. Convincing, touching, emotional, brilliant. See also "Los Lunes al Sol" and you will understand what I am talking about. He is an absolute chameleon and I swear it's not only the result of make-up work. This movie is so beautiful, so well done, the characters are so real. Congratulations to Alejandro Amenábar (how about a Best Director nomination?). I also have to mention the make-up artists. I can't think of another word but magnificent. I really hope this movie gets the recognition it deserves. As far as I am concerned, it already has...


text: Dit is waarschijnlijk de beste film die in minstens de afgelopen vijf jaar is gemaakt. Ik heb altijd geloofd dat het veel moeilijker is om mensen aan het huilen te krijgen dan om ze aan het lachen te maken. Als je 400 volwassenen in dezelfde ruimte hardop wilt zien huilen, ga dan naar deze film. Hij is adembenemend. Javier Bardem speelt de rol van zijn leven. Je zult huilen, je zult lachen, je zult glimlachen... Het meest verdiende feit is dat in Spanje iedereen van Ramon Sampedro weet. Persoonlijk kende ik het hele verhaal en zelfs het einde. De film is dus uitmuntend door de manier waarop het verhaal wordt verteld. En op dit gebied is Amenabar een THE-meester.<br />Deze film is een MUST.

text_en:
This is probably the best movie filmed in at least the last five years. I've always believed that making people cry is far more difficult than making them laugh. If you want to see 400 adults crying out loud in the same room, go see this movie. It's breathtaking. Javier Bardem performs the role of his life. You will cry, you will laugh, you will smile... The most deserving fact is that in Spain everybody knows about Ramon Sampedro. Personally I knew the full story and even the end of it. So, the excellence of the movie is in the way that the story is told. And in this field, Amenabar is a THE master.

This movie is a MUST.


text:
'Tesis', 'Open je ogen' en 'The Others' waren het bewijs van Amenabars talent en vaardigheid als filmmaker, maar (naar mijn bescheiden mening) waren het ook slechte films in hun poging het publiek te slim af te zijn. Ze boden altijd een schroef te veel aan en gaven de voorkeur aan goedkope sensaties, kronkels en bochten boven diepte en resonantie. Gelukkig voor iedereen koos Amenabar een onderwerp voor zijn nieuwe film dat geen verrassend einde toestond en dat zich richtte op personages en de emotionele banden die hen met elkaar verbinden.
Het resultaat is een klein wonder van een film, prachtig geschreven, gefotografeerd, gescoord, gespeeld en geregisseerd. Iedereen die bij deze film betrokken is, levert een uitmuntende prestatie, achter en voor de camera's, van de fantastische cast (Bardem straalt, maar Mabel Rivera, Celso Bugallo, Clara Segura en Lola Duenaas geven de film een verbazingwekkende authenticiteit) tot aan Aguirresarobes verfijnde belichting.
De film gaat in feite op veel relevante kwesties en emoties in, raakt hart en geest met gelijke kracht en levert een laatste klap die je nog lang na de aftiteling bijblijft. Dit is een briljant uitgevoerde film die niet alleen een mijlpaal zal zijn in de Spaanse filmwereld, maar ook een aangename verrassing zal zijn als hij in het buitenland wordt uitgebracht (Sony Classics heeft een recordbedrag van zes miljoen dollar betaald voor de distributie). 'Het zou me niet verbazen als hij in de Oscarrace terechtkomt... Er is geen houden aan in Amenabar...'
'Buen trabajo, Alejandro!'

text_en:
"Tesis", "Open your eyes" and "The Others" were proof of Amenabar's talent and skill as a filmmaker, but (in my humble opinion) were also flawed films in their attempt to outsmart the audience, always offering one turn of the screw too many, favoring cheap thrills, twists and turns over depth and resonance. Lucky for everyone Amenabar chose a subject for his new film that would not allow a surprise ending, focusing on characters and the emotional ties that bind them.

The result is a little miracle of a film, beautifully written, photographed, scored, acted and directed. Everyone involved in this film delivers a carrer-high performance,behind and in front of the cameras, from the wonderful cast (Bardem shines, but Mabel Rivera, Celso Bugallo, Clara Segura and Lola Dueñas give the film an amazing authenticity) to Aguirresarobe's exquisite lensing.

The film taps on many relevant issues and emotions effectively , it addresses heart and mind with equal power and delivers a final punch that stays with you long after the credits roll. This is a brilliantly executed film that not only will stand as a landmark in Spanish cinema, but will surely become a pleasant surprise when it opens in the abroad (Sony Classics has paid a record 6 million dollars to distribute it) Don't be surprised it it manages to get in the Oscar race... There's no stopping Amenabar...

Buen trabajo, Alejandro!


text:
Het is nu 2005 en 15 jaar geleden dat deze tekenfilm voor het eerst werd uitgezonden. Ik heb hem al zo'n 10 jaar niet meer serieus of van dichtbij bekeken. Nu ik een volwassene van in de dertig ben, kan ik er met een serieus oog naar terugkijken als ik de afleveringen opnieuw bekijk.
In concept is de tekenfilm deels een hommage aan de klassieke Looney Tunes, maar ook zijn eigen originele show. Er zijn een paar afleveringen die net als de oude tekenfilms zijn gestructureerd. Er is bijvoorbeeld een zanger die Buster aanvalt, en dus neemt hij wraak op het concert van deze zanger <0xE2><0x80><0x93> precies zoals in de oude tekenfilm van Bugs Bunny. De tekenfilm die daarop volgt, lijkt op Looney Tunes, maar dan in een ander tijdperk. Als je naar de oude Looney Tunes kijkt, deden ze een heleboel dingen precies zoals Tiny Toons deed. De oude Looney Tunes maakten een heleboel sociale commentaren en parodieën. Er waren beroemdheden die werden geïmiteerd. Er waren een heleboel afgezaagde grappen uit die tijd, slang en dialogen. De komedie was surrealistisch en maf. Dat kun je ook van Tiny Toons zeggen. De komediestijl is'spiritueel' precies hetzelfde. Het is absoluut een terugkeer naar de klassieken, die in de decennia voorafgaand aan deze show niet goed (zo niet helemaal niet) waren uitgevoerd in cartoons. We herkennen de culturele verwijzingen in Tiny Toons en we kunnen met onze ogen rollen als iets wat we niet leuk vinden ter sprake komt. Het idee dat Looney Tunes afgezaagd is, komt doordat we in de jaren veertig nog niet leefden. Bovendien was Looney Tunes in die tijd het origineel, maar tegenwoordig worden de tekenfilms steeds opnieuw gemaakt. Het is dus niet zo moeilijk om Tiny Toons in een oneerlijk licht te zien, omdat we blootgesteld worden aan de actualiteit en te veel blootgesteld worden aan tekenfilms in het algemeen.
Er zijn zeker verschillen in veel opzichten <0xE2><0x80><0x93> de timing, de presentatie en natuurlijk de duur van de shows. Het zijn twee verschillende stijlen uit twee verschillende periodes, die onder twee heel verschillende omstandigheden worden opgevoerd <0xE2><0x80><0x93> Looney Tunes voor volwassenen in theaters en Tiny Toons voor kinderen die tv kijken. Niettemin hebben ze goed werk geleverd door een originele show te maken met originele grappen EN nog steeds hulde te brengen aan de komische stijl van de oude Looney Tunes.
Aangezien Tiny Toons veel meer tijd had om mee te spelen, hadden ze ook een paar echte momenten van grote levendige inspiratie. Je hoeft alleen maar te kijken naar afleveringen van 1 minuut tot 3, naar de aflevering van de baby-Plucky-toilet... er zijn er nog zoveel meer. Een van de beste komische dialogen die ooit geanimeerd zijn geweest, is bijvoorbeeld die in Dertien-nog-wat, als Babs en Buster op een splitscreen aan de telefoon zitten in de hoop dat ze elkaar over het hoofd zien. De miscommunicatie is spectaculair. De karakterontwikkeling in deze aflevering en in verscheidene andere (meestal die van Deanna Oliver of Sherri Stoner) is vrij goed. De vrouwelijke personages werden serieus genomen als persoonlijkheden en ontwikkeld, wat ongebruikelijk was, aangezien het tegenovergestelde meestal het geval is bij tekenfilms uit die periode.
Dit was de eerste moderne tekenfilm met veel zowel popcultuur-referenties als zelfreferenties. Dit was zijn tijd ver vooruit. Tiny Toons opende echt een deur voor schrijvers om zich de vrijheden te veroorloven die tegenwoordig in tekenfilms zo gewoon zijn, in plaats van de saaie onzin te doen die wij als kinderen in de jaren tachtig moesten verduren. Ja, ik was dol op Transformers en Thundercats, maar Tiny Toons sprong daar helemaal vanaf. Het was een frisse wind. Bakshi's _Nieuwe Avonturen van Machtige Muis_ mag dan een voorloper zijn geweest, maar _Kleine Toontjes_ heeft van deze surrealistische vorm van komische tekenfilm schrijven een echt succes gemaakt.
Als kind heb ik een paar grappen totaal over het hoofd gezien. Een aflevering is bijvoorbeeld een eerbetoon aan de Marx Brothers, dat ik als tiener volledig heb genegeerd. Nu heb ik er een nieuw respect voor gekregen. Er zijn zoveel geïnspireerde grappen die ik nooit echt briljant heb gevonden. Het is dat soort komedie dat me doet denken aan Looney Tunes en Family Guy. Dat soort komedie heb ik als kind nooit gezien. Dat heb ik de laatste tijd bij de meeste afleveringen die ik heb gezien.
' Dit soort dingen zie je pas als je de serie echt hebt gezien. In tegenstelling tot sommige andere recensenten van wie ik weet dat ze het niet terecht vinden, heb ik alle afleveringen gezien en er goed over nagedacht, ze zowel als kind als als volwassene aan de kaak gesteld.
Je kunt zien dat er ook ontzettend veel zorg is besteed aan het acteerwerk. Ik heb het niet alleen over de hoofdpersonen, maar ook de bijpersonen hebben het heel goed en creatief gedaan. Maar om terug te komen op de hoofdpersonen, sommige van de hoofdpersonen waren briljant. Naar mijn mening heeft Tress MacNeille haar beste optredens in deze tekenfilm gehad. Ze is sindsdien niet meer dezelfde geweest. Rob Paulsen heeft hier ook ongelooflijke dingen gedaan. Dit wil niet zeggen dat het programma geen slechte afleveringen had. Het had er meer dan genoeg. Het had ook een heleboel middelmatige afleveringen. Maar het had verreweg de meeste echt grappige afleveringen. Vooral toen het voor het eerst werd uitgezonden, was het echt grappig om te zien.
Uit 10 geef ik het programma een 8,5 <0xE2><0x80><0x93> en mijn complimenten voor het opengooien van de envelop en het openbreken van de deuren die naar een nieuw tijdperk van cartoons leidden.

text_en:
It's now 2005 and 15+ years since this cartoon first aired. I haven't actually watched it seriously or closely in about 10 years. Now that I'm an adult in my 30s I can look back with a serious eye as I watch the episodes again.

In concept, the cartoon is partly an homage to the classic Looney Tunes but also its own original show. There are a few episodes that are structured like the old cartoons. For example, there is a singer that attacks Buster and so he exacts revenge on this singer's concert -exactly like the old Bugs Bunny cartoon. The ensuing cartoon is similar to Looney Tunes, just in a different era. If you look at the old Looney Tunes, they did an awful lot of stuff exactly like Tiny Toons did. The old Looney Tunes made a lot of social commentary and parody. There were celebrity impersonations. There were a lot of corny period jokes, slang, and dialog. The comedy was surreal and wacky. You can say this exactly for Tiny Toons as well. The comedy styling is 'spiritually' the same. Most definitely a throwback to the classics which hadn't been done well (if at all) in cartoons in the decades prior to this show. We recognize the cultural references in Tiny Toons and we can roll our eyes when something we don't like comes up. But the reason we don't think Looney Tunes are corny is because we weren't alive back in the 40s. Also, Looney Tunes was original back in those days but today cartoons are rehashed over and over. So it's easy to perceive Tiny Toons in an unfair light due to our exposure to current events and our overexposure to cartoons in general.

There certainly are differences in many respects - the timing, the delivery, and obviously the duration of the shows. They are two different styles from two different periods, being done under two very different circumstances - Looney Tunes being made for adults in theaters and Tiny Toons being made for kids watching TV. Even so, they did a good job making an original show with original gags AND still paying homage to and patterning after the comedy stylings of the old Looney Tunes.

Since Tiny Toons had a lot more time to play with, they had some genuine moments of great animated inspiration. You only have to look at episodes like 1 minute to 3, the baby Plucky toilet episode.. there are so many more. For example, one of the best comedy dialog exchanges ever animated is in ThirteenSomething when Babs and Buster are on the phone in a split screen, hoping each misses the other. The miscommunication is spectacular. Notably, the character development in this episode and in several others (usually the ones penned by Deanna Oliver or Sherri Stoner) is rather good. The female characters were taken seriously as personalities and developed, unusual considering the opposite is usually true for cartoons of that period.

This was the first modern cartoon that had lots of both pop culture-referential and self-referential humor. This was way ahead of its time. Tiny Toons really opened up a door for writers to take comic liberties that are so common in the cartoons today, instead of doing the boring old crap we endured as 80s kids. Yes, I loved Transformers and Thundercats, but Tiny Toons totally jumped away from all that. It was a breath of fresh air. Bakshi's New Adventures of Mighty Mouse may have been a precursor, but Tiny Toons made this surreal style of comedy cartoon writing a real success.

As a kid I totally overlooked some jokes. For example, one episode is an homage to the Marx Brothers that I completely ignored as a teen. Now I have a newfound respect for it. There are so many inspired gags that I never noticed that are genuinely brilliant. It's that kind of comedy that makes me think of Looney Tunes and Family Guy. I NEVER noticed that kind of comedy as a kid. I've been thinking this for most episodes I watched recently.

You'd notice these kinds of things if you actually WATCHED the show. Unlike some other reviewers here who I know are unfairly judging it, I've seen all the episodes and have thought about them thoroughly, exposed both as a kid and as an adult.

You can tell there was an awful lot of care taken with the voice acting too. I'm not talking about just the main characters, but the side characters were done really well and creatively too. But back to the main characters, some of the main characters were brilliant. Tress MacNeille had, in my opinion, her best performances in this cartoon. She hasn't been the same since. Rob Paulsen also did some incredible stuff here, too.

This is all not to say the show didn't have some bad episodes. It had plenty. It had a lot of mediocre ones, too. But by far it certainly had a lot of genuinely funny episodes. Especially back when it first aired it was actually funny to watch.

Out of 10 I give the show an 8.5 - and kudos for pushing the envelope and breaking down the doors leading to a new era of cartoons.


text: Ze maken gewoon geen cartoons meer zoals vroeger. Deze was geestig, had geweldige personages en het beste ensemble van stemmen dat ooit voor een tekenfilm is gemaakt. Dit is nog steeds een van de beste tekenfilms van de dag en een van de meest gewaardeerde, en het heeft verscheidene Emmy Awards gewonnen.

text_en: They just don't make cartoons like they used to. This one had wit, great characters, and the greatest ensemble of voice over artists ever assembled for a daytime cartoon show. This still remains as one of the highest rated daytime cartoon shows, and one of the most honored, winning several Emmy Awards.


text:
Oké, het programma was een beetje onevenwichtig, maar ik vond het nog steeds geweldig. Ik vond de twee hoofdpersonen irritant, maar Hamton & Plucky waren altijd amusant.
Ik wil de afleveringen van Baby Plucky echt op dvd (of zelfs op vhs). Laat die alsjeblieft vrij!
Met name de aflevering 'Potty Years' die op 22 december 1991 werd uitgezonden; de aflevering 'Going up' die op 17 december 1992 werd uitgezonden en de aflevering 'Minister golf' op 11 december 1992.
Het zijn de grappigste stukjes van de hele serie en zelfs meer dan tien jaar later refereren we nog steeds aan die stukjes!
(Ik heb niets meer te zeggen, reduceer het minimum alsjeblieft tot iets van 5 regels en beloon ons voor kortheid!)

text_en:
OK, the show was a little uneven, but I still loved it. I found the main two bunnies annoying, but Hamton & Plucky were always amusing.

I really want the Baby Plucky episodes on DVD (or even VHS). Please release those!

Specifically the "Potty years" episode aired on 11/22/91; the "Going up" episode aired on 9/17/92 and the "Minister golf" episode in 11/92.

They are the funniest bits of the whole series and even over a decade later we still reference these bits!

(I have nothing more to say, please reduce the minimum to something like 5 lines and rewards us for brevity!)


text:
Na het succes van 'Muppet Babies' krijtte Warner Brothers 'Tiny Toons'. Maar in plaats van Bugs Bunny, Daffy Duck en alle andere leden van de Looney Toon-bende te creëren, creëerden ze nieuwe dierfiguren, kinderen met een eigen persoonlijkheid, maar toch een weerspiegeling van hun voorgangers. De hoofdrolspelers waren Buster & Babs Bunny (geen familie, wat hun running gag of catch-zin werd), Plucky Duck, Hampton Pig, Dizzy Devil, Shirley 'the' Loon, Elmira, Montana Max, Furball, Sweety, de ratten en andere dieren van Perfecto Prep, en de originele Looney Toons. Ze woonden in Acme Acres en studeerden aan de Acme Looniversity, waar de Looney Toon-bende als leraar werkte en als mentor diende voor de jongere generatie, de ins en outs van de komedie.
Tijdens de tournee van de show werden er diverse foto's gemaakt in de administratie van de Bush sr., in de popcultuur, en gekoppeld aan verschillende andere grappen en grollen.
Buster & Babs, zoals al eerder vermeld, waren in sommige opzichten vergelijkbaar met Bugs Bunny, maar ze hadden ook hun eigen persoonlijkheidskenmerken en komische stijl, namelijk Babs' neiging om iedereen en alles te imiteren, terwijl Buster, die zelf ook heel grappig kon zijn, Babs' capriolen meestal nadeed als hetero. Plucky Duck was in feite een kopie van Daffy Duck (geen geschifte Daffy maar een egomaniak van Daffy), met bijna net zo'n groot ego als Daffy en net zo'n obsessie om de Buster & Babs te slim af te zijn als Daffy met de Bugs, hoewel hij meestal bij zijn pogingen plat op zijn gezicht viel, en toch bleef hij vreemd genoeg door en door vertederend. Hampton was een nog verlegener versie van Porky Pig, en hij had de ondankbare taak om Porky te spelen voor Plucky's Daffy. Shirley, de blonde eend, was een new age-meisje uit het dal, dat door Plucky in en uit fases van spot of wedijver met haar genegenheid werd gehaald. Dizzy was de paarse versie van de Tasmaanse Duivel. Furball was de zwijgzame Sylvester en Sweety was de roze Tweetie-vogel. Dan had je nog het paarse vrouwelijke stinkdier dat naar een vriendje verlangde en de pintgrote versies van Wile Coyote en de Road Runner. Het kwaad werd gedefinieerd in de vorm van Montana Max, een rijke jongen die er altijd op uit was om geld te verdienen of mensen het leven zuur te maken. Dan had je ook nog Elmira, een gestoorde dierenliefhebster voor wie iedereen bang was. En dan had je Godo Dodo, een vreemd ding-uit-een-ma-gig wezen dat geen duidelijk omschreven soort had, behalve dat hij uit 'Wacky Land' of zoiets kwam. In de popcultuur waren Batman (heel vaak in feite), Michael Jackson, Vanilla Ice, Dances With Wolves, Indiana Jones, Star Trek, Supergirl, fastfoodrestaurants, de tien geboden, de Twilight Zone, Saturday Night Live en zelfs de Simpsons niet weg te denken.

Het was niet alleen grappig, maar het was ook warm en ontroerend, iets wat de opvolger van 'Animaniacs' nooit heeft bereikt. Ook gevolgd door 'Taz-Mania'.

text_en:
After the success of "Muppet Babies" Warner Brothers chalked up "Tiny Toons". But instead of making Bugs Bunny, Daffy Duck and all the rest of the Looney Toon gang kids, they created new animal characters who were kids with their own distinct personalities but personalities that nonetheless mirrored their predecessors. The leads included Buster & Babs Bunny (no relation, which became their running gag or catch phrase), Plucky Duck, Hampton Pig, Dizzy Devil, Shirley 'the' Loon, Elmira, Montana Max, Furball, Sweety, the rats and assorted animals of Perfecto Prep, and the original Looney Toons cast themselves. The "Tiny Toons" lived in Acme Acres and attended Acme Looniversity, where the Looney Toon gang worked as teachers who served as mentors to the younger generation the ins and out of comedy.

During the show's run, various pot shots were taken at the Bush SR. administration, pop culture, and coupled with various other gags and spoofs.

Buster & Babs, arguably the show's main characters, as mentioned above, were similar to Bugs Bunny in some respects, but they also had their own differing personality ticks and comic styles, namely, Babs' tendency to impersonate anyone and everyone, while Buster, capable of being a great goof himself, usually played straight man (or straight rabbit) to Babs' antics. Plucky Duck was a virtual copy of Daffy Duck (not screwball Daffy but egomaniac Daffy), with nearly as big an ego as Daffy and just as much of an obsession with upstaging the Buster & Babs as Daffy had with upstaging Bugs, though he usually fell flat on his face in his attempts, yet he remained strangely endearing through out. Hampton was an even more shy version of Porky Pig, and he had the thankless job of playing Porky to Plucky's Daffy. Shirley, the blond duck gal, was a new age valley girl type whom Plucky would go in and out of phases of mocking or vying for her affections. Dizzy was the purple version of the Tasmanian Devil. Furball was the silent Sylvester and Sweety was the pink Tweetie bird. There was also the purple female skunk who longed for a boyfriend and the pint sized versions of Wile Coyote and the Road Runner. Evil was defined in the form of Montana Max, a rich kid who was always out to make a buck or make people's lives miserable. There was also Elmira, a deranged animal lover whom everyone feared. And then there was Godo Dodo, an odd thing-a-ma-gig creature who had no clearly designated species except that he was from "Wacky Land" or something like that.

Pop culture references included Batman (quite frequently actually), Michael Jackson, Vanilla Ice, Dances With Wolves, Indiana Jones, Star Trek, Supergirl, fast food joints, the Ten Commandments, the Twilight Zones, Saturday Night Live and even the Simpsons, among others.

Not only funny, but it also managed to be warm and touching, something it's successor "Animaniacs" never quite attained. Also followed by "Taz-Mania".


text:
Omdat ik een kind uit de jaren negentig ben, heb ik echt genoten van deze serie en ik kan met trots zeggen dat ik er meer van heb genoten dan van de klassieke WB-tekenfilms.
Ik weet niet waarom; de tekenfilms uit de vroege jaren negentig hadden iets speciaals; ik weet niet of het de sfeer van onzekerheid was, een generatieverandering, wat dan ook. Maar 'Tiny Toons' hield de sfeer van de jaren negentig vast en bracht een van de populairste, grappigste en onderschatte tekenfilms uit die ooit zijn gemaakt.
De herinneringen zijn vaag, maar ik kan alleen maar zeggen dat ik van elke aflevering en elk product dat met de serie te maken had heb genoten. Geen enkele andere tekenfilm maakte me ooit zo hartelijk aan het lachen (voordat ik me ging verdiepen in donkere comedy's voor tieners). De personages waren allemaal grappig en hadden de eigenaardigheid dat ze geen echte hoofdpersoon hadden. Elk personage was hilarisch en verdiende het om een hoofdrol te krijgen.

text_en:
Being a 90's child, I truly enjoyed this show and I can proudly say that I enjoyed it big time and even more than the classical WB cartoons.

I don't know why; early 90's cartoons had something special; I don't know if it was the uncertainty atmosphere, a generational change, whatever. But "Tiny Toons" kept the 90's vibe and delivered one of the most popular, funny, and underrated cartoons ever created.

The memories are murky but I can only say that I enjoyed every single episode and product related to the show. Easily, none other cartoon made me laugh in a tender way (before getting into dark sitcoms oriented for teenagers).

The characters were all funny and had the peculiarity of not having a true lead character. Every single character was hilarious and deserved to be called a lead.


text: Toen ik opgroeide, keek ik vaak naar dit programma. Als ik eraan terugdenk, herinner ik het me heel goed. Als je het mij vraagt, was het een goed programma. Twee dingen die ik me heel goed herinner, zijn de openingsscène en de herkenningsmelodie. Bovendien was iedereen perfect gecast. De tekst was ook heel sterk. De optredens waren ook van topkwaliteit. Ik hoop dat een of andere zender het terugbrengt, zodat ik elke aflevering kan zien. Voordat ik dit afrond, wil ik graag zeggen dat ik me dit programma altijd in mijn herinnering zal blijven herinneren, ook al heb ik niet elke aflevering gezien. Ten slotte, als een of ander netwerk het ooit terugbrengt, hoop ik dat je het op een dag te horen krijgt voordat het voorgoed uit de lucht gaat.

text_en: I used to watch this show when I was growing up. When I think about it, I remember it very well. If you ask me, it was a good show. Two things I remember very well are the opening sequence and theme song. In addition to that, everyone was ideally cast. The writing was also very strong. The performances were top-grade, too. I hope some network brings it back so I can see every episode. Before I wrap this up, I'd like to say that I'll always remember this show in my memory forever, even though I haven't seen every episode. Now, in conclusion, if some network ever brings it back, I hope that you catch it one day before it goes off the air for good.


text: Dit is een leuke, stille Franse komedie over een man die met een ander wedt dat hij geen uur in dit kasteel kan blijven omdat het er spookt. En als de man eenmaal binnen is, ziet het er veel meer uit als een gekkenhuis of misschien als de na-effecten van lsd!! Hoewel er geesten en skeletten zijn, is er ook een vreemde menagerie van dieren, vreemde special effects en grappen. Het is vreselijk moeilijk te beschrijven, maar de beelden alleen al maken de film de moeite waard. HOWEVER, je moet begrijpen dat de genotzuchtige regisseur ook veel 'grappige grappen' had die totaal verkeerd uitpakten en de film schade toebrachten. Zijn 'cameratrucs' waren niet zozeer lastig als wel irritant en stom. Het wordt nog beter. De film heeft een hoog tempo, is grappig en de moeite van het bekijken waard. Ik vond het vooral leuk om naar het acteren en de berovingen van Max Linder te kijken. Hij was zo expressief en grappig! Jammer dat hij tegenwoordig zo goed als vergeten is. Voor een interessante maar trieste lezing, kijk naar de IMDb-biografie over hem.

text_en: This is a cute little French silent comedy about a man who bets another that he can't stay in this castle for one hour due to its being haunted. And, once the guy enters the house, it looks much more like a crazed fun house or maybe like the after-effects of LSD!! While there ARE ghosts and skeletons, there is a weird menagerie of animals, odd special effects and gags as well. It's awfully hard to describe but the visuals alone make the film worth seeing. HOWEVER, understand that the self-indulgent director also had many "funny gags" that totally fell flat and hurt the movie. His "camera tricks" weren't so much tricky but annoying and stupid. IGNORE THESE AND KEEP WATCHING--it does get better. The film is fast paced, funny and worth seeing. In particular, I really liked watching the acting and mugging of Max Linder--he was so expressive and funny! Too bad he is virtually forgotten today. For an interesting but very sad read, check out the IMDb biography on him.


text: Om verschillende redenen is Dakota Incident een curiositeit. Het zal van het begin af aan duidelijk zijn dat de film is gemaakt lang voordat iemand ooit op het idee van politieke correctheid is gekomen. Hoewel, het personage van Ward Bond verzacht de scherpte met een dialoog in de trant van'misschien kunnen we met hen communiceren, per slot van rekening zijn het ook mensen'. Zijn rol staat zij aan zij met die van de prediker in _War of the Worlds_, die zich voorbereidt om met de Martianen te communiceren. In feite is het griezelig. De titel is ook merkwaardig. Het gebruik van het woord 'Incident' geeft de film een belangrijkheid en raffinement die waarschijnlijk geen kwaad konden. De geconstrueerde verzameling personages en Linda Darnells mooie jurk en hoed zijn prachtige gedateerde details die Dakota Incident tot een cool westers kunstvoorwerp uit de jaren vijftig maken.

text_en: Dakota Incident is a curiosity for several reasons. It will be obvious from the start that it was made long before anyone ever thought of political correctness. Although, the Ward Bond character softens the edge with "maybe we can communicate with them, after all they're humans, too" type of dialogue. His part stands side-by-side with the preacher attemtping to communicate with the Martians in War of the Worlds. In fact, it's uncanny. The title is curious too. Use of the word "Incident" contributes an importance and sophistication to the film that probably didn't hurt boxoffice. The contrived assortment of characters and Linda Darnell's fancy dress and hat are wonderful dated touches that make Dakota Incident a cool western artifact from the mid-fifties.


text: Een wijd en zijd onbekende, vreemde kleine western met oogverblindende kleuren (waarschijnlijk van hetzelfde materiaal als dat gebruikt werd in 'Johnny Guitar', ik denk 'Trucolor' of zoiets, waardoor bloeddruppels op glanzende robijnen lijken), bijna surrealistische taferelen met verwrongen actie en personages. Helemaal geen meesterwerk, maar in westerse encyclopedieën zou er meer aandacht aan dit juweeltje besteed moeten worden.

text_en: A widely unknown strange little western with mindblowing colours (probably the same material as it was used in "Johnny Guitar", I guess "Trucolor" or something, which makes blood drips look like shining rubies), nearly surrealistic scenes with twisted action and characters. Something different, far from being a masterpiece, but there should be paid more attention to this little gem in western encyclopedias.


text:
Ik heb deze film niet meer gezien sinds hij halverwege de jaren zeventig uitkwam, maar ik herinner me wel dat het een zeer realistische weergave was van de muziekbusiness (met Paul Simons 'One Trick Pony' als hoogtepunt, nog zo'n enorm onderschatte IMO-film).
Harvey Keitel levert uitstekend werk als producer die gevangen zit tussen de muziek waarin hij gelooft en de commerciële 'trippe' waarmee de platenmaatschappijen hem willen laten werken.
Aangezien ik mijn hele carrière in de muziekbusiness heb doorgebracht als componist/aangever/producer, kan ik echt instaan voor de geloofwaardigheid van deze film.
Als hij ooit ongemonteerd op dvd uitkomt, zou ik hem kopen!

text_en:
I haven't seen this film since it came out in the mid 70s, but I do recall it as being a very realistic portrayal of the music business ( right up there with Paul Simons "One Trick Pony " ..another vastly underrated film IMO )

Harvey Keitel does an excellent job as a producer caught between the music he believes in , and the commercial "tripe" the record company "suits" want him to work with.

Since I spent my entire career in the music business as a composer /arranger /producer, I can really vouch for the verisimilitude this film possesses.

If it should ever come out on DVD uncut, I'd buy it!


text:
Oké... het is 2005, en als je deze film eindelijk te zien krijgt, zul je waarschijnlijk uitroepen dat hij gedateerd is. Maar het punt is, het script was brutaal, en de publiciteit over de muziekindustrie in die tijd was even brutaal... en het duurde even voordat de muziek die door Afro-Amerikanen was gemaakt op hetzelfde niveau werd gebracht als blanke acts. In sommige gevallen is dat nog steeds zo <0xE2><0x80><0x93> maar in de jaren zeventig ging deze film over een deel van de 'achtergrond' die velen niet kenden. Nu hebben we 'American Idol' <0xE2><0x80><0x93> 'Pop Idol' en dat soort dingen <0xE2><0x80><0x93> die ons in de geest van de 'platenbazen' brengen. en hoe ze denken dat ze iets op de markt moeten brengen dat verkoopt en geen talent op de markt.
Toen ik nog een kind was, was ik dol op de Earth, Wind and Fire-uitgave van 'That's the Way of the World', die een paar van hun grootste hits bevatte: 'Shining Star', 'Reasons', 'Yeanin', Learnin'' en de titel. Ik had geen idee dat dit een geluidsspoor van een film was... tot ik naar Los Angeles verhuisde en het geweldige 'Z'-kanaal kreeg.
Het 'Z'-kanaal vertoonde deze film als onderdeel van een 'Harvey Keitel'-retrospectief. Jee, ik had geen idee dat Harvey Keitel zoveel films maakte - en toen ik deze zag, was ik verbaasd. Deze film is geen filmisch meesterwerk, maar hij verdient meer verdienste dan hij heeft gekregen. Het is een aardig filmpje. Harvey Keitel, meer dan een'verwaande kwast' voor Earth, Wind and Fire, doet het geweldig als een gescheurde platenbaas die 'het systeem probeert te bevechten'. Hier kunnen een heleboel lessen uit getrokken worden, en ook een hoop 'insider'-handel die aan de kaak is gesteld.
Als je dit ongecensureerd kunt vinden... dan is het de moeite waard om ernaar te kijken.

text_en:
Okay...it's 2005 and when you finally get to look at this film, you will probably exclaim that it is dated. But here's the thing, the screenplay was bold, the exposure of the music industry at that time was as bold as well...and it took some time for this to get music that was created by African Americans to be promoted on the same level as white acts. In some cases it still is - but back in the 70's this film addressed some of the "background" many never knew. Now we've got "American Idol" - "Pop Idol" and other such things that allow us into the minds of the "record execs" and how they think they should market something that sells and not market talent.

When I was a kid, I loved the Earth, Wind and Fire release of "That's the Way of the World" which contained some of their biggest hits: "Shining Star", "Reasons", "Yeanin', Learnin'" and the title. Little did I know this was a SOUNDTRACK of a MOVIE...until I moved to Los Angeles and got the wonderful "Z" Channel.

The "Z" Channel showed this film as part of a "Harvey Keitel" retrospective. Gee, I had no idea Harvey Keitel DID so many movies -- and when I saw this one, I was surprised. This movie is not a cinematic masterpiece, but it does deserve more merit than it got. It's a nice little film. More than a "vanity piece" for Earth, Wind and Fire, Harvey Keitel does a great job as a torn record executive trying "to fight the system". There are a lot of lessons to be drawn from this, and a lot of "insider" trade that was exposed.

If you can find this uncut...it's worth a look.