text: De meesten van ons die in de jaren veertig of vijftig opgroeiden, waren gek op westerns, maar dit was er een die me was ontgaan tot ik hem vandaag op Movies for Men zag. Ik was dol op het verhaal van de film, de cinematografie en de voortreffelijke casting van Ben Johnson en Harry Carey Jr. in de hoofdrollen, samen met de altijd betrouwbare Ward Bond. Blijkbaar was deze film de inspiratie voor de latere televisieserie 'Wagon Train', waarin Bond weer eens de hoofdrol speelde als de baas van de huifkarren op weg naar het westen. Johnson steelt de film met zijn rijkunsten en het is leuk om een acteur zijn eigen stunts te zien doen zoals Ben in deze film. Andere bekende actrices zijn de lieftallige Joanne Dru als Denver en een vroege niet-sprekende rol voor James Arness, die later beroemd werd met zijn rol als maarschalk Matt Dillon in 'Gunsmoke'. Als je van dit soort films houdt, moet je deze film ook wel mooi vinden.

text_en: Most of us kids growing up in the 40's or 50's were western buffs but this was one that had escaped me until seeing on the Movies for Men Channel today. I loved the film's story, cinematography as well as the superb casting of Ben Johnson and Harry Carey Jr. in the lead roles along with the ever dependable Ward Bond. Apparently this movie was the inspiration for the later television series 'Wagon Train' which featured Bond once again as the boss of the wagon trains heading west. Johnson steals the film with his horse riding skills and it's nice to see an actor doing his own stunts like Ben does in this movie. Other notables include the lovely Joanne Dru as Denver and an early non speaking role for James Arness who later became famous for his Marshal Matt Dillon role in 'Gunsmoke.' If you like films of this genre you can't fail to like this one.


text: Ik zag deze film voor het eerst op tv in 1959, toen ik acht jaar oud was. Ik wist toen niets van westerns, maar herkende Ben Johnson uit de film 'Mighty Joe Young'. Wat me aantrok in 'Wagon Master' waren de geweldige liederen van de 'Sons of the Pioneers'. Merian C. Cooper, die de film produceerde, was de eerste die originele muziek opdracht gaf om bij een bepaalde scène te passen en zo de moderne filmsoundtrack creëerde. Cooper nam Max Steiner in de arm om de sfeer te creëren voor zijn klassieke creatie King Kong. Steiner zou later een Oscar winnen voor het thema van 'Gone With the Wind'. Cooper was ook de producer van 'Mighty Joe Young'. Je herinnert je misschien dat muziek belangrijk was voor de grote aap, die alleen reageerde op de klanken van Stephan Fosters 'Beautiful Dreamer'. In 1947 zou Cooper partner worden van John Ford, die 'Wagon Master' regisseerde. Van alle beroemde westerns van Ford is dit mijn favoriet, met zijn broer Francis en een norse Janes Arness.

text_en: I first saw this movie on TV back in 1959 when I was eight years old. I knew nothing of westerns then but recognized Ben Johnson from the movie "Mighty Joe Young." What attracted me to "Wagon Master" were the great songs sung by the "Sons of the Pioneers." Merian C. Cooper, who produced the movie, was the first to commission original music to fit the mood of a specific scene and so created the modern movie soundtrack. Cooper hired Max Steiner to create the mood for his classic creation King Kong. Steiner would later win an Oscar for the theme for "Gone With the Wind.' Cooper was also the producer of "Mighty Joe Young." If you remember, music was important to the big ape which would only respond to the sound of Stephan Foster's "Beautiful Dreamer." In 1947, Cooper would partner with John Ford, who directed "Wagon Master." Of all of Ford's famous westerns, this one is my favorite which features his brother Francis and a sullen Janes Arness.


text:
Wat kun je zeggen over een korte film met secundaire acteurs en geen'sterren', met absoluut geen slechte prestaties, niet één slecht uitgesproken dialoog, en met het koude geweld aan de ene kant, in evenwicht gehouden door het warme 'hart' van de hoofdpersonen in het verhaal?
Het is een juweel, een diamant, een kleine, waardevolle edelsteen van een western die de geest en de legende van het Amerikaanse Westen oproept. Een Westen dat niet gekoloniseerd werd door grootse helden als Hickock of Cody of Masterson of Earp, maar door de verbreiding van de gewone man en vrouw, boeren en knechten, kooplui en mijnwerkers en houthakkers, hoeren en kroegbazen en entertainers van deze tijd, van wie sommigen op zoek zijn naar rijkdom, anderen naar rust en vrede, weer anderen naar godsdienstvrijheid.
Het is misschien een heel spiritueel verhaal, hoewel het geen bepaalde religie propageert, want zelfs de niet-mormoonse cowboys die door Ben Johnson en Harry Carey jr. worden geportretteerd, gedragen zich vriendelijk en nobel tegenover iedereen in het verhaal, ongeacht hun religieuze overtuiging of geloofsovertuiging, en doen hun uiterste best om verdraagzaamheid en liefdadigheid te bevorderen wanneer de karavaan aankomt bij de gestrande mensen van de medicijnshow. En op ware bijbelse wijze, zoals David en Goliath of Samson en de Filistijnen, zijn dat de beschermengelen die naar de karavaan worden gestuurd en die uiteindelijk het hoofd moeten bieden aan de vleesgeworden kwaadaardige Clegg-clan, die hen vergelijkt met de slang in de Hof van Eden en spijt krijgt van wat ze daarna moeten doen. Het is een lieflijk, folkloristisch verhaal over het Westen dat elk doelwit raakt waarop John Ford richt.
Tegenwoordig heb ik een westerse kerstman wiens rode kledij wordt bedekt door een denim veedrijverjas, wiens rode muts wordt vervangen door een bruine stetson en die een jutezak met cadeautjes en een rol touw bij zich heeft. Aan mijn kerstman voegde ik een Winchester-geweer met een draagriem toe om op een van zijn schouders te hangen en een Colt-revolver om in zijn broeksband te stoppen. Als mensen op kantoor vragen waarom mijn kerstman een wapen moet dragen, antwoord ik simpelweg: 'Slangen!' Is de kerstsfeer immers niet een sfeer waarin iedereen krijgt wat hij verdient?
Vijfenvijftig jaar later, vooral na 911, zijn de filosofieën en eigenschappen die de personages en het verhaal van deze film hebben getoond nog steeds even relevant als toen.

text_en:
What can you say about a short little film filled with secondary actors and no "stars", with absolutely no bad performances, not one poorly delivered line of dialog, and with the cold violence on one hand being balanced by the warm "heart" of the protagonists in the story?

It's a jewel, a diamond, a little valuable gem of a western that evokes the spirit and legend of the American West. A West not settled by grand heroes like Hickock or Cody or Masterson or Earp, but by the spread of the everyday man and woman, farmers and ranch hands, merchants and miners and lumbermen, whores and barkeeps, and entertainers of the day, some looking for riches, some for peace and quiet, some for religious freedom.

It is, perhaps, a very spiritual story, though not promoting any particular religion, for even the non-Mormon cowboys portrayed by Ben Johnson and Harry Carey Jr. act in kind and noble ways toward everybody in the story, regardless of religious affiliation and beliefs, and go out of their way to promote tolerance and charity when the wagon train comes upon the stranded medicine show people. And in true biblical fashion, like David and Goliath or Samson and the Philistines, they are the guardian angels sent to the wagon train who eventually have to go head to head with the evil incarnate Clegg clan, likening them to the serpent in the Garden of Eden, and regretting what it is they have to do afterward. It's a sweet folkloric tale of the West that hits every target John Ford takes aim at.

Nowadays I have a western Santa Claus whose red outfit is covered with a denim drover coat, whose red stocking cap is replaced by a brown Stetson, who carries a burlap bag of presents and a coil of rope. To my Santa I added a Winchester rifle with a sling to put on one of his shoulders and a Colt revolver to tuck into his waistband. When people at the office ask why my Santa has to carry guns, I simply reply, "Snakes!" After all, isn't the spirit of the Christmas season one where everybody should get what they deserve?

Fifty five years later, especially post-911, the philosophies and attributes demonstrated by the characters and story of this movie are still as relevant today as they were back then.


text: De optredens van de mannelijke hoofdrolspelers maken deze lange reis naar het westen in alle opzichten interessant. De soundtrack van The Sons of The Pioneers is een van de mooiste die ik tot nu toe heb gehoord. De reis zelf is een beetje episodisch, en Joanne Dru is niet bepaald een goede actrice. Al met al is dit een hartverwarmende en ontroerende western.

text_en: The performances by the male leads make this long-hard-journey west interesting throughout. The soundtrack by the Sons of The Pioneers is one of the most beautiful I have every heard. The journey itself is somewhat episodic, and Joanne Dru is badly miscast. Overall, this is a very heartwarming and heartfelt western.


text: In het jaar 1950 waren er twee heel verschillende en interessante westerns: 'The Gunfighter' van Henry King en 'Wagon Master' van John Ford. 'The Gunfighter' was historisch gezien van grote betekenis, omdat het duidelijk beïnvloed was door Zimmerman's 'High Noon' (1951) en later door de revisionistische westerns.<br />Maar persoonlijk vind ik 'Wagon Master' beter dan het hedendaagse equivalent. Fords kleine meesterwerk heeft niet veel te maken met het vertellen van verhalen; het zou eerder opgevat moeten worden als een gedicht dat de ideeën van het oude westen weergeeft. Hoewel het optimistisch en warm van hart is, hebben we onze naïviteit te danken aan het feit dat het volkomen vrij is van pretentieuze onderstrepingen. Het landschap van de grensstreek wordt goed gebruikt omdat het het poëtische verhaal perfect ondersteunt. Voeg daar naturalistisch camerawerk aan toe en we worden vervoerd tussen de mormoonse reizigers om getuige te zijn van de westerse folklore die op filmische wijze wordt verteld.

text_en:
The year 1950 saw two very different and interesting westerns: 'The Gunfighter' by Henry King, and 'Wagon Master' by John Ford. 'The Gunfighter' was historically notable as it clearly influenced Zimmerman's 'High Noon' (1951) and later revisionist westerns.

However, I personally find 'Wagon Master' superior to it's contemporary counterpart. Ford's minor masterpiece isn't much about storytelling; it should be conceived more as a poem describing conceptions of old west. Although optimistic and warm at heart, we are deserved from naivety because it's completely free from pretentious underscoring. Frontier scenery is well used as it supports the poetic narrative perfectly. Add naturalistic camera work and we are transported among the mormon travellers to witness western folklore told in cinematic means.


text: George Cukor is een van mijn favorieten en zal dat altijd blijven. De vergeten held van zijn generatie. Niemand noemt Cukor in één adem met John Ford, Howard Hawks, William Wyler of Billy Wilder, en toch, kijk maar eens naar zijn filmografie. Van sprankelende komedies als 'The Philadelphia Story', 'Adam's Rib', 'Holiday', psycho-drama's als 'Gaslight', 'A Double Life', een geweldige semi-western als 'Heller in Pink Tights', om nog maar te zwijgen van 'My Fair Lady' of 'Travels with my Aunt'. Candice Bergen geeft ons voor het eerst in haar carrière een glimp te zien van de geweldige komiek die ze op het punt stond te worden. Jacqueline Bisset stamt uit de tijd van Greer Garson en Loretta Young, en Hart Bochner komt tussenbeide. Hij plaagt ons en belooft ons iets spectaculairs dat uiteindelijk in 1989 zal resulteren in 'Apartment Zero', Meg Ryan, aangezien Bergens dochter al Meg Ryan is. Hoe vermoeid de formule ook is, het blijft een Cukor-film en naar ik heb begrepen een van Almodovars favoriete films.

text_en: George Cukor is and always will be one of my favorites. The unsung hero of his generation. Nobody mentions Cukor in the same breath as John Ford, Howard Hawks, William Wyler or Billy Wilder and yet, look at his filmography. From sparkling comedies "The Philadelphia Story" "Adam's Rib" "Holiday" Psycho melodramas "Gaslight" "A Double Life" a great semi western "Heller in Pink Tights" not to mention "My Fair Lady" or "Travels with my Aunt" He was at the service of his actors, he never put himself in front of the camera. I feel a certain tenderness watching "Rich and Famous" flashes of the old master still very much in evidence. Candice Bergen gives us for the first time in her career glimpses of the wonderful comedian she was about to become. Jacqueline Bisset is a throwback to the days of Greer Garson and Loretta Young and Hart Bochner steps in, teasing us, promising something spectacular that will eventually materialize in 1989 with "Apartment Zero", Meg Ryan, as Bergen's daughter is already Meg Ryan. As tired as the formula is, it remains a Cukor film and for what I gather one of Almodovar's favorite movies.


text:
George Cuckor, bekend als regisseur van vrouwen, had niet op twee meer getalenteerde en mooie vrouwen kunnen hopen voor zijn laatste film. Zelf een remake van Bette Davis' kitscherige Old Acquaintance, geschreven door John Van Druten, is deze film beslist gedateerd, maar nog steeds verrukkelijk.
Bergen en Bisset stralen als beste vriendinnen die elkaar overal de loef afsteken, maar het toch voor elkaar krijgen om vriendinnen te blijven. Liz Hamilton (Bisset) is een'serieuze' schrijfster, intellectueel en elegant. Ze ontmoet haar beste vriendin Merry Noel, die haar leven lang op een exclusieve meisjesschool heeft gezeten, en ze beginnen een leven van niet altijd vriendschappelijke concurrentie. Later in hun leven, als Liz een 'beloofde' is, wordt ze een 'belovende'. Merry, die wel serieus schrijft maar een writer's block heeft, besluit een poging tot schrijven te wagen, wat haar vriendin woedend maakt vanwege Merry's nonchalante benadering van het vak dat ze zelf misschien een beetje te serieus opvat.
Tot Liz' grote verdriet hebben Merry's slonzige romans succes, en uiteindelijk wordt haar oude vriendin Liz genomineerd voor de National Book Award. Bergen steelt de show als de hooghartige schrijfster van hitsige bestsellers die van plan is de gebroken stukken van haar leven bij elkaar te brengen in combinatie met haar laatste literaire triomf, maar helaas, zo simpel is het nooit.
<0x3E> De bijrollen zijn voorbehouden aan David Selby, die je je misschien herinnert als de tragische Quentin Collins uit Dark Shadows, Hart Bochner en natuurlijk een verrukkelijk jonge en veranderlijke Meg Ryan in haar eerste filmrol sinds ze de soaps heeft verlaten.
<0x3E> _Rich and Famous_ is kattig, kitscherig, geestig en wijs. Het culmineert in een nieuwjaarsfiasco dat de blijvende aard van ware vriendschap benadrukt, en ik laat nooit een jaar voorbijgaan zonder ernaar te kijken op oudejaarsavond. Kijk ernaar en je zult zien waarom.

text_en:
George Cuckor, known as a director of women, couldn't have hoped for two more talented and beautiful women for his last film. Itself a remake of Bette Davis' campy "Old Acquaintance" written by John Van Druten, this film is definitely dated, but still delightful.

Bergen and Bisset sparkle as best friends who compete at everything, but manage to remain friends. Liz Hamilton (Bisset) is a "serious" writer, intellectual, and elegant. She meets her lifelong best friend Merry Noel at an exclusive girls school and they begin a lifetime of not always friendly competition. Later in their lives, when Liz is a "promising" but blocked writer of serious fiction, Merry decides to try her hand at writing, which infuriates her pal because of Merry's casual approach to the craft she herself takes perhaps a little too seriously.

Much to Liz's chagrin, Merry's trashy novels hit pay dirt, and ultimately, her old friend Liz is judging her novel for the National Book Award. Bergen steals the show as the haughty writer of steamy bestsellers who schemes to bring together the broken pieces of her life in conjunction with her final literary triumph, but alas, things are never that simple.

The supporting cast includes David Selby, whom you might remember as the tragic Quentin Collins from Dark Shadows, Hart Bochner and, of course, a deliciously young and mercurial Meg Ryan in her first film role since leaving the soaps.

Rich and Famous is catty, campy, witty and wise. It culminates in a New Years fiasco that stresses the enduring nature of true friendship, and I never let a year go by without watching it on New Years Eve. Watch it and you'll see why.


text: Vandaag heb ik eindelijk mijn dvd gekregen, heb hem bekeken en ben blij te kunnen melden dat dit de originele theaterversie van de film is. Zoals je misschien in eerdere recensies van 'Rich and Famous' hebt gelezen, is het script voor de tv-versie van de film die op de een of andere manier eind jaren negentig op vhs terecht is gekomen, gecorrigeerd en nu op dvd uitgebracht, compleet met de vliegtuigtoiletscène, Matt Lattanzi's blote kont en de scène in de hotelkamer waar Liz (Jacqueline Bisset) Merry (Candice Bergen) een 'K' noemt! Het is er allemaal en het ziet er beter uit dan ooit! Een kraakheldere digitale transfer, breedbeeld en speciale features, waaronder een originele theatertrailer en een vintage item uit 1981, getiteld 'Candy'. 'Op Locatie met Rich and Famous', met cast- en regisseursinterviews. Als je net zo van deze film houdt als ik, zul je niet teleurgesteld zijn als je deze dvd koopt. Blij dat ik hem eindelijk op dvd heb. Het wachten waard! Bedankt Warner Bros!

text_en: I finally received my DVD today, viewed it and I'm pleased to announce this is the original theatrical version of the film. As you may have read in previous reviews of "Rich and Famous" that the edited for TV version of the film that somehow made it onto VHS sometime in the late 90's but, now WB has corrected the error and released it on DVD complete with the airplane restroom scene, Matt Lattanzi's bare butt, and the scene in the Hotel room where Liz (Jacqueline Bisset) calls Merry (Candice Bergen) a C**t! It's all there and looks better than ever! A crisp clear digital transfer, widescreen, and special features that include original theatrical trailer and a vintage 1981 featurette called "On Location with Rich and Famous" with cast and director interviews. If you love this film as I do you won't be disappointed with purchasing this DVD. Glad to finally have this on DVD Well worth the wait! Thank you Warner Bros!


text: Ik hield van deze film vanwege de dialogen en de voortreffelijke acteerprestaties van Candace en Jacqueline. Maar tot nu toe, nu ik een Bette David-marathon op TNT heb gezien, heb ik nooit geweten dat deze film een remake is van een klassieker van Bette Davis uit 1943, genaamd Old Acquaintance. Bette speelt samen met Miriam Hopkins, met wie ze tijdens de opnamen van de film in een vreselijke vete verwikkeld was, omdat Bette een verhouding had met Miriams man, die haar regisseerde in een film voordat ze Old Acquaintance maakten.<br />Hoe dan ook, beide films zijn elke minuut die je ernaar kijkt waard. Ik kan deze film ten zeerste aanbevelen als je van veel dialogen en drama houdt. Het is een studie in de psychologie van vrouwen en hun relaties met elkaar, naar mijn mening.

text_en:
I loved this film because of the dialog and superb acting by Candace and Jacqueline. However, I never knew until now, watching a Bette David marathon on TNT that this film is a remake of a 1943 Bette Davis classic called Old Acquaintance. Bette co-stars with Miriam Hopkins who she was in a terrible feud with during the making of the movie because Bette had had an affair with Miriam's husband who directed her in a film before they made Old Acquaintance.

Anyway, both are worth every minute spent watching. I highly recommend this film if you like a lot of dialog and drama. It's a study in the psychology of women and their relationships with each other, in my opinion.


text:
Onlangs zag ik deze film weer (na 25 jaar). In het origineel is er een scène in de badkamer van een vliegtuig tijdens de landing tussen het personage van Jacqueline Bisset en dat van Michael Brandon. In de gehuurde versie zat deze scène niet. Heb ik me dat verbeeld?
Of maakt dit deel uit van het 'opruimen' van films waarbij sommige delen worden weggelaten omdat sommige mensen dat niet 'gepast' vinden?
Ik ben dol op deze film <0xE2><0x80><0x93> hij is precies als de vriendschap tussen een vriendin en mij en we zijn al 25 jaar vriendinnen en we hebben hem samen gezien. Haar man dacht ook dat wij het waren.
Dank je, Joan.

text_en:
Recently I saw this movie again (after 25 years). In the original there is a scene in the bathroom of an airplane during the landing between Jacqueline Bisset's character and Michael Brandon's character. The rented version did not have this scene in it. Did I imagine this?

Or, is this part of the "clean up" of movies where some are altered to exclude portions some people think are not "appropriate"?

I love this movie -- it is exactly like the friendship between a friend and I and we've been friends for 25 years and saw it together. Her husband thought it was us as well.

Thank you, Joan


text: Goh, ik begin er al aardig achter te komen dat je soms een andere kijk op een film krijgt als je hem als jongeman hebt gezien en dan weer twintig jaar later - voornamelijk omdat je in twintig jaar meer leert. Ik had bijvoorbeeld geen idee wie George Cukor was - wat een geweldige regisseur hij was en hoeveel daarvan deze film heeft gemaakt. Het enige wat ik kan zeggen is... dat ik deze film echt goed vond omdat hij een gebied raakte dat parallel liep aan mijn leven: levenslange vriendschap tussen twee vrouwen. Kan dat ooit bestaan? Nou, in bepaalde doses wel... en deze film ging over op... 'hoe'. Ik was nog jong en had nog niet veel levenservaring toen ik dit voor het eerst zag, dus concentreerde ik me meer op het 'rijk' en 'beroemd' van de twee. Op dat moment had ik er geen idee van dat er een verschil was en wat er zou gebeuren met twee vrouwen die ontdekten dat er een verschil was... en hoe dat hun vriendschap zou beïnvloeden. Via hun mannen, hun carrière, de decennia die hen definieerden. En één ding bleef sterker dan al het andere... hun vriendschap en het feit dat ze elkaar beter kenden dan wie dan ook.<br />Toen werd ik ouder, ging een beetje naar de film... en keek die film nog een keer met mijn beste vriendin van de middelbare school. en we zijn nog steeds de beste vrienden... maar deze film is geen cinematografische meesterwerk... hij kan af en toe als een beetje kitscherig worden gezien... op sommige punten een beetje te veel van het goede (een beetje op het niveau van 'Dynasty' en 'Dallas' voor mij) en eerlijk gezegd kan ik me wel vinden in de 'teddybeer'-scène want we delen een beer die heel wat meer betekent dan een pluchen speelgoedbeest tijdens onze beproevingen en beproevingen met mannen/carrières et cetera... dus het is niet zo overdreven als het lijkt...! Zoals velen al hebben gezegd, is het geweldig om Meg Ryan en Matt Latanzzi en Dack Rambo en David Selby te zien in dit stuk uit 1981. dit is een leuke 'chick'-film!

text_en:
Gosh, I am learning pretty fast that sometimes when you see a film as a youngster and then again 20 years later you gain a different view -- primarily because in 20 years you learn more. For example, I had no idea who George Cukor was - how great of a director he was and how much of that made this film fly. All I can say is..I really liked this film for it touched on an area that paralleled my life: lifelong friendship between two women. Can that EVER exist? Well, in certain doses, yes...and this film let out in a bit on ... "how".

Being a youngster with not a lot of life experience at the first time I saw this so I focused more on the "rich" and "famous" part between the two. At the time, I had no idea there was a difference and what would happen to two women who discovered there was...and how that would effect their friendship. Through their men, their career, the decades that defined them. And coming to realize one thing remained stronger than anything else...their friendship and knowing each other more than anyone else could have.

Then I got older, studied film a bit... and watched this film again with my best friend from High School. We do understand the 'rich' and 'famous' angle ... and we are still the best of friends...but this film is not a cinematic masterpiece...it can be seen as a bit campy at times...a little over the top at points (kinda on a 'Dynasty' and 'Dallas' level to me..) and honestly I can identify with the "teddy bear" scene for we do share a bear that means a lot more than a stuffed fun toy through our trials and tribulations with men/careers, et al..so its not as over the top as it seems....! As many already said, seeing Meg Ryan and Matt Latanzzi and Dack Rambo and David Selby are great in this 1981 piece. this is a nice "chick" flick!


text: Zowel Jackie als Candice is geweldig in deze film. Ze passen goed in hun rol en krijgen verschillende keren de kans om te schitteren. Vooral de manier waarop Candice de woorden 'Puerto Ricaans' uitspreekt is erg grappig, want ze is zo vriendelijk als ze maar kan zijn, maar tegelijkertijd neerbuigend. Ik had het origineel van deze film, getiteld 'Old Acquaintance', met in de hoofdrollen Bette Davis en Miriam Hopkins, gezien. Het schijnt dat ze niet met elkaar overweg konden, dus omdat de film over vriendschap tussen vrouwen gaat, zou dat een probleem kunnen zijn. Hier bewonderen en respecteren de actrices elkaar duidelijk. Hart Bochner en Meg Ryan hebben ondersteunende rollen en zijn allebei uitstekend, vooral Bochner, die wat mij betreft nooit veel fatsoenlijke rollen in films heeft gekregen. George Cukor heeft hierna geen film meer gemaakt, dus dit was een goede om op uit te gaan.

text_en: Both Jackie and Candice are terrific in this movie. They are well-suited to their roles and have several chances to shine. In particular, the way Candice pronounces the words "Puerto Rican" is very funny, as she is being kind as she can be but condescending at the same time. I had seen the original of this movie, called "Old Acquaintance", starring Bette Davis and Miriam Hopkins. They allegedly did not get along, so because the movie is about female friendship, that might have been a problem. Here, the actresses clearly admire and respect each other. Hart Bochner and Meg Ryan have supporting parts and are both excellent, in particular Bochner, who never got many decent parts in movies, as far as I am concerned. George Cukor did not make another movie after this, so this was a good one to go out on.


text:
De Ghost Walks is een vernuftig mysterie met een geweldige draai, een gevatte dialoog, en het beste van alles is een mietje dat tot in de puntjes wordt gespeeld door de karakteracteur Johnny Arthur, die zijn personage nooit vernedert of kleinert. Meneer Arthur is geweldig in zijn rol van Homer Erskine, die een komische afwisseling vormt met de rol van de secretaris van de Broadway-producent Herman Wood, gespeeld door een andere karakteracteur, Richard Carle.
Ze spelen voortreffelijk op elkaar in.

Hoewel de acceptabele woorden van de tijd'snoezepoes' en'snoezepoes' worden gebruikt om het karakter van Homerus te beschrijven, zijn ze nooit gemeen of denigrerend bedoeld en worden ze niet door de mannelijke mannen van de film gesproken, maar door zijn werkgever, die hem elke andere scène ontslaat en opnieuw in dienst neemt en die een bijna geërgerde genegenheid voor zijn toegewijde werknemer aan de dag legt.
Er is een geweldige scène waarin Homer tegen zijn baas zegt dat hij de beste jaren van zijn leven aan hem heeft gewijd en dat hij alles behalve een moeder voor hem is geweest.
De mysterieuze invalshoek van de film is heel vermakelijk en de wending aan het eind zou je wel eens met hechtingen kunnen achterlaten.
Voor een lowbudgetfilm over een armeluiswijk heeft deze film schitterende decors en schitterende kostuums.
Directeur Frank Strayer gaat kundig met zijn cast om en deze film houdt zich veel beter staande dan sommige van zijn andere lowbudgetdetectives, maar hij had een geweldig script om mee te werken en een paar geweldige acteurs om het uit te voeren.
Deze film is een must-see voor mensen die van armeluisfilms houden, oude donkere huismysteries (ze zijn er zelfs in geslaagd om de tekst 'It was a dark and stormy night' te gebruiken) en het heeft als bijkomend voordeel dat het een vroege weergave is van een homoseksueel personage in een film waar uiteindelijk niets ergs met hem of haar gebeurt.
Deze film is te downloaden in de sectie 'openbare film' van het internetarchief op archive.org.

text_en:
The Ghost Walks is a nifty little mystery with a great twist, snappy dialog, and best of all a pansy played to the twittery hilt by character actor Johnny Arthur which never demeans or denigrates his character. Mr. Arthur is great in his role of Homer Erskine bringing great comic relief as the secretary of the Broadway producer Herman Wood, played by another great character actor Richard Carle.

They play off of each other superbly.

Although the acceptable words of the time sissy and cream puff are used to describe the character of Homer, it is never mean spirited or meant as denigration, and are not spoken by the manly males of the film but by his employer, who fires and rehires him every other scene and who displays an almost exasperated affection for his devoted employee.

There is a great scene where Homer tells his boss that he has devoted the best years of his life to him and has been everything but a mother to him.

The mystery angle of the film is very entertaining, and the twist at the end might just leave you in stitches.

For a low budget poverty row picture, this film has superb set decoration and great costuming.

Director Frank Strayer ably handles his cast and this film holds together much better than some of his other low budget mystery attempts, but he had a great script to work with and some wonderful actors to carry it through.

This film is a must see for devotees of poverty row films, old dark house mysteries (they actually managed to work in the lines "It was a dark and stormy night)and it has the added bonus of being an early representation of a gay character in film where nothing bad happens to them in the end.

This movie is available for download in the public domain film section of the Internet Archive at archive.org.


text:
Op weg naar een landhuis waar een nieuw toneelstuk wordt voorgelezen, komen een theaterproducent, zijn secretaresse en de toneelschrijver vast te zitten in de modder. Ze gaan op weg naar een huis in de buurt, maar komen uit bij het huis van de verloofde van de toneelschrijver. Als je niet kunt raden dat er een moord en een bloedbad ophanden zijn, dan heb je niet opgelet.
Dit is een goede invalshoek in het genre van het oude, donkere huis. Het heeft niet alleen een goed mysterie, maar er lopen ook een paar heel grappige one-liners doorheen. De bezetting is over het hele bord uitstekend en ze zijn meer dan bereid om zich te amuseren met wat goed materiaal is. Ik zou graag zeggen dat dit een van de beste films van het genre is, en dat zou het ook moeten zijn, maar voor mij is er onderweg iets gebeurd waardoor ik maar zeven van de tien punten ben gezakt. Ik kan je niet vertellen wat het is, in elk geval niet met zekerheid. Misschien is het het gevoel dat ik bijna vanaf het begin wist waar het heen ging, of misschien is het iets anders, ik weet niet precies wat, maar er was iets wat ik niet van me af kon schudden waardoor ik deze film leuk vond, ook al wilde ik er graag van houden. Het was net niet geweldig en op de een of andere manier schoot het tekort.
Dat betekende dat ik het je moet laten zien. Het is per slot van rekening een heel geestige film, die je volledig boeit, ook al is hij net niet geweldig.

text_en:
On their way to a country house to hear a new play being read a theatrical producer, his secretary, and the playwright end up stuck in the mud. They make their way to a nearby house, only to end up at the home of the playwright's fiance. If you can't guess that murder and mayhem are about to take place then you haven't been paying attention.

This is a a good entry in the old dark house genre. Not only does it have a good mystery, you also have some very funny one liners wandering through it. The cast is across the board excellent and they're more than willing to have a good time with what is good material.

I would love to say that this is one of the best of the genre, it should have been, but for me something happened on the way that made me down grade the rating to only seven out of ten. I can't tell you what it is, not for certain anyway. Perhaps its the sense that I knew where it was going almost from the outset, or perhaps its something else, I'm not sure what, but there was something that I couldn't shake that made me like this film despite wanting to love it. It just missed being great and somehow fell short.

That said I DO SUGGEST YOU SEE IT. It is after all a very witty film, that entertains fully, despite just missing being great.


text:
Een van de genres die in de jaren dertig van de twintigste eeuw tot bloei kwamen, was de variatie in misdaadromans die bekendstond als 'het moordmysterie', aangezien het toevoegen van geluid aan een film bijdroeg aan een meer getrouwe vertaling van wat het publiek in de oorspronkelijke toneelstukken ervoer. En aangezien horrorfilms in die jaren erg populair waren, bereikten de moordmysteriefilms door het versterken van de horrorelementen van de plot een populariteit die bijna gelijk was aan die van het vorige decennium (waarin de eerste films van het genre werden geproduceerd). De aankomende toneelschrijver Charles Belden zag in deze hernieuwde belangstelling voor moordmysteries een kans om naam te maken, nadat Warner Bros. zijn drieledige toneelstuk 'The Wax Works' had uitgekozen. om de griezelfilm 'Mystery of the Wax Museum' te maken. Belden sloot zich aan bij de onafhankelijke filmmaker Frank R. Strayer om films te blijven maken, en 'The Ghost Walks' was een van zijn beste.
In 'The Ghost Walks' speelt John Miljan Prescott Ames, een jonge toneelschrijver die indruk wil maken op de beroemde Broadway-producent Herman Wood (Richard Carle) met zijn nieuwe stuk. Ames neemt Wood en zijn assistent Homer (Johnny Arthur) mee naar zijn buitenhuis om zijn stuk voor te lezen, maar zijn auto komt vast te zitten in de modder tijdens een vreselijke storm. De drie mannen vragen de hulp van een vluchteling in een oude villa die toevallig eigendom is van een oude kennis van Ames. In het huis zijn Wood en Homer getuige van de vreemde relatie tussen Ames en de huiseigenaars, maar dit is allemaal een plan dat is bedacht om indruk te maken op Wood: iedereen in het huis is een acteur die een rol speelt in zijn moordmysterie. Helaas wordt de moord die wordt gepleegd in het echt gepleegd, en hoewel Wood en Homer denken dat het allemaal nep is (na het ontdekken van Ames' oorspronkelijke plan), weet de cast dat iemand in het huis een echte moordenaar is.
Zoals verwacht bevat het scenario van Charles Belden voor 'The Ghost Walks' de klassieke elementen van de moordmysteries uit die tijd, zoals de stormachtige avond in een oud, donker huis als decor, de verplichte groep verdachten en het vleugje komedie. Het is interessant om te zien hoe Belden de film een echte parodie op het genre maakt met de vele wendingen die hij aan zijn verhaal geeft om in te spelen op de clichés van de thrillers. De dialogen zijn uitstekend, vol geestigheid en luchthartige charme, en hoewel de plot zeker aan het eind een hoop vaart verliest (hij volgt de routine van de thrillers toch al), is hij altijd interessant en onderhoudend dankzij zijn slimme wendingen en vooral zijn eigenzinnige personages. Interessant is ook dat er een duidelijke homoseksuele ondertoon in zit, die weliswaar stereotiep is, maar nooit denigrerend, en die soms echt grappig is.
Door regisseur Frank R. Strayer was al een ervaren vakman in de achterbuurten van de filmindustrie, maar zijn samenwerking met de schrijver Charles Belden leverde hem een paar van zijn interessantste films op, en 'The Ghost Walks' was een van die films. Hoewel hij duidelijk met een beperkt budget en de typische productiewaarden van onafhankelijke films van die tijd bezig was, wist Strayer gebruik te maken van zijn decor en een sfeervolle film te maken die goed bij de sfeer en de toon van het verhaal paste. Het tempo is soms een beetje te traag, maar Strayer wist dat de kracht van zijn film in het script van Belden lag en hij maakte er het beste van. Hij liet zijn acteurs het beste van hun personages maken, met uitstekende resultaten. De uitvoering is inderdaad een beetje typerend en onorigineel, maar Strayer maakt in deze film een effectief, zij het ingehouden, werk.
Zoals hierboven beschreven, zit het script vol met grote lijnen die de grillige personages laten schitteren, en gelukkig hebben de meeste acteurs daar hun voordeel mee gedaan. De oudere acteur Richard Carle is opmerkelijk geestig als de chagrijnige producent Herman Wood, die veel charme aan zijn personage toevoegt, vooral in zijn scènes met Johnny Arthur, die de flamboyante secretaris Homer speelt. Arthur is degene die de beste scènes krijgt, en hij geeft en doet hilarisch als de laffe maar geestige assistent. John Miljan is net goed genoeg als Presocott Ames, niets bijzonders, maar ook niets echt ergs, en hetzelfde zou je kunnen zeggen van June Collyer als Gloria Shaw (het verplichte liefje), die prima is. Maar Donald Kirke is echt een genot om naar te kijken als de boosaardige Terry Shaw, en het is jammer dat hij niet meer speeltijd heeft gekregen.

Zoals gewoonlijk bij films van Frank R. Strayer doet het lage budget de film veel pijn, want hoewel Strayer zijn best doet, voelt de film soms nog steeds niet echt goed aan. Maar het grootste probleem is het zeer trage tempo, want zelfs als de film gevuld is met sprankelende momenten vol geestige dialogen, beweegt hij zich zo langzaam dat hij voor een moment saai en vervelend kan worden. Ook moet gezegd worden dat Miljan en Collyer weliswaar effectief zijn in hun rollen, maar dat ze nogal saai en middelmatig zijn in vergelijking met Arthur en Carle, en je zou wensen dat de film meer gericht was geweest op het komische paar dat ze vormen dan op het hoofdpersonage. Ten slotte, zoals boven het einde staat geschreven, is het een beetje zwak en voldoet het niet aan de hoge maatstaven van de eerste en de tweede rol, hoewel Belden met de eer moet gaan strijken dat hij tot het eind toe creatieve wendingen in de plot heeft laten zien.

Je zou kunnen zeggen dat Charles Belden een onverdiende held is van het genre van de detectivefilms, zoals in de vele horror- en detectivefilms die uit de B-filmstudio's kwamen, die de bijnaam 'de armenwijk' hadden, 'The Ghost Walks' met gemak tot de beste films behoort (afgezien van Strayer's vorige film, 'The Vmapire Bat') ondanks de tekortkomingen ervan. En zelfs als het absoluut geen meesterwerk van het genre is, is het nog altijd een meesterwerk. Het is een leuke manier om de avond door te brengen en te genieten van de manier waarop de film de draak steekt met zijn eigen oorsprong als een detectiveverhaal. Een zeer aanbevelenswaardige film als je van het genre houdt.

text_en:
One of the genres that flourished during the decade of the 30s was the variation of crime fiction known as "the murder mystery", as the addition of sound to films helped to make a more faithful translation to film of what the audiences experienced in the original plays. And since horror films were very popular in those years, by enhancing the horror elements of the plots the murder mystery films experienced a popularity almost equal to what it enjoyed in the previous decade (in which the first movies of the genre were produced). Aspiring playwright Charles Belden saw in this renewed interest in murder mysteries a chance to make a name for himself, after Warner Bros. picked his three-act play, "The Wax Works", to create the 1933 horror film, "Mystery of the Wax Museum". Belden joined independent filmmaker Frank R. Strayer to keep making films, and "The Ghost Walks" was one of his best.

In "The Ghost Walks", John Miljan plays Prescott Ames, a young playwright who wants to impress a famous Broadway producer named Herman Wood (Richard Carle) with his new play. Ames takes Wood and his assistant Homer (Johnny Arthur) to his country house for a reading of his play, but his car ends up stuck in the mud during a terrible storm. The three men ask for refugee in an old Mansion which happens to be property of one of Ames' old acquaintances. Inside the house, Wood and Homer witnesses the strange relationship between Ames and the house owners, however, this is all a plan conceived to impress Wood: everyone in the house is an actor playing a role in his murder mystery. Unfortunately, the murder committed is done for real, and while Wood and Homer think it's all fake (after discovering Ames' original plan), the cast knows that someone inside the house is a real murderer.

As expected, Charles Belden's screenplay for "The Ghost Walks" features the classic elements of the murder mystery stories of its time, as we have the stormy night at an old dark house as setting, the obligatory group of suspects, and the touch of comedy. However, what's interesting here is how Belden makes the film a real spoof on the genre with the many twists he puts in his story to play with the clichés of murder mystery plays. The dialogs are excellent, full of wit and lighthearted charm, and while the plot certainly loses a lot of steam by the end (it follows the murder mystery routine anyways), it never fails to be interesting and entertaining thanks to its smart twists and specially its quirky characters. Interestingly, there's an obvious gay subtext that while stereotypical, it's never denigrating and it's genuinely funny at times.

By 1934 director Frank R. Strayer was already an experienced craftsman in the Poverty row side of the film industry, but his partnership with writer Charles Belden would give him a couple of his most interesting movies, and "The Ghost Walks" was one of them. While obviously done on a shoestring budget and the typical production values of independent films of its time, Strayer manages to take advantage of his set and makes an atmospheric movie that fits nicely the mood and tone of the story. The pacing is a little too slow at times, but Strayer knew that the power of his film was on Belden's script and makes the most of it, letting his cast to make the most of their characters with excellent results. Certainly the execution is a bit typical and unoriginal, but Strayer makes an effective albeit restrained work in this film.

As written above, the screenplay is filled with great lines that make the quirky characters shine, and fortunately, most of the cast play with this to their advantage. Veteran character actor Richard Carle is remarkably funny as cranky producer Herman Wood, adding a lot of charm to his character, specially in his scenes with Johnny Arthur, who plays the flamboyant secretary Homer. Arthur is the one who gets the most best scenes, and he gives and hilarious performance as the cowardly yet witty assistant. John Miljan is just effective as Presocott Ames, nothing amazing, but nothing really bad, and the same could be said about June Collyer as Gloria Shaw (the obligatory love interest), whom is just fine. However, Donald Kirke is really enjoyable as the malicious Terry Shaw, and it's a shame he didn't get more screen time.

As usual with Frank R. Strayer films, the low budget hurts the film badly, as while Strayer makes the best he can, the film still feels kind of plain at times. However, the main problem is problem the very slow pace it has, as even when the film is filled with sparkly moments of witty dialogs, it moves at a pace so slow that can become boring and tedious for moments. It also must be said that while effective in their roles, Miljan and Collyer are pretty dull and average when compared to Arthur and Carle, and one wishes the movie had been more focused on the comedic pair they make than on the main couple. Finally, as written above the ending is kind of weak and not up to the high standard of the first and middle parts, although credit must go to Belden for keeping creative plot twists appearing until the very end.

One could say that Charles Belden is an unsung hero of the murder mystery genre, as among the many horror and mystery films that came out the B movie studios nicknamed as "the Poverty Row", "The Ghost Walks" is easily among the best (alongisde Strayer's previous film, "The Vmapire Bat") despite its shortcomings. And even when it's definitely not a masterpiece of the genre, it's a nice way to spend a night enjoying the way it pokes fun at its own origin as a murder mystery play. A very recommended film if you like the genre. 7/10


text:
Ik heb een film op een verzameling goedkope B-films. Hij is niet gerestaureerd, in feite was het geluid de eerste paar minuten moeilijk te onderscheiden.
In eerste instantie leek het een typische spookhuisfilm en voelde het aan als de voorloper van Clue, Murder by Death, House on Haunted Hill, enzovoort.
Ongeveer een halfuur na het begin van de film neemt de verhaallijn een echt interessante wending <0xE2><0x80><0x93> en verandert hij van een melodramatisch melodrama in iets heel anders en veel onderhoudender dan ik aanvankelijk had gedacht.
Moet je nagaan, het is hartstikke leuk, ook al geven de lange clips en bredere shots (en het gebrek aan muziekscores) het een beetje een knarsend gevoel naar de maatstaven van vandaag.

text_en:
I have this movie on a collection of inexpensive B-movies. It's not restored, in fact, the audio was difficult to discern for the first few minutes.

At first, it seemed like a typical haunted house film, and feels very much like the forerunner of Clue, Murder by Death, House on Haunted Hill, etc.

About a half hour into the film, the storyline takes a really interesting twist--and it goes from being a cliché melodrama to something entirely different, and far more entertaining than I had initially thought.

Check it out, it's a great deal of fun, even if the long clips and wider shots (and near lack of music score) make it feel a bit creaky by today's standards.


text: De film begint met een chagrijnige oude Broadway-producent (uitermate goed gespeeld door de doorgewinterde acteur Richard Carle) die wordt gereden door een man die hoopt hem een verhaal te verkopen voor een aankomend toneelstuk. Maar er komt een zware storm en hun auto komt vast te zitten in de modder, zodat ze gedwongen zijn een plek te zoeken om de nacht door te brengen. Gelukkig is er een landhuis in de buurt, hoewel het nogal vreemd lijkt dat de mensen binnen de schrijver kennen en hij zegt dat hij niet besefte dat dit het huis was van een man die hij kende (en verachtte). want dit maakt allemaal deel uit van een ingewikkelde list van de schrijver om een groep acteurs thuis zijn verhaal te laten opvoeren. Maar halverwege de list komen de producent en zijn gekoeioneerde assistente erachter dat het moordmysterie dat zich in het huis afspeelt nep is en vinden ze de hele zaak behoorlijk grappig. Wat niemand echter beseft, is dat er een ontsnapte maniak vrij rondloopt en dat hij op het punt staat om dit geënsceneerde toneelstukje op te voeren <0xE2><0x80><0x93> met prachtige wendingen en wendingen. Dus als het erop lijkt dat er een echte moord is gepleegd, zijn de acteurs echt doodsbang, terwijl Carle en zijn maatje ervan overtuigd zijn dat het allemaal een grap is. Ik heb al een deel van de plot uitgelegd, maar er zijn nog veel meer aspecten van de film die je zelf zult moeten bedenken <0xE2><0x80><0x93> en het is zeker bedoeld om je te amuseren en te laten raden.<br />Aangezien dit een B-film in het publieke domein is, had ik zeker geen hoge verwachtingen van deze kleine film. Maar ik was dolblij toen de film veel beter bleek te zijn dan de gemiddelde film <0xE2><0x80><0x93> met een heel interessante en nieuwe draai aan het oude cliché over een donkere en stormachtige nacht in een landhuis. En hoewel de plot van de film heel goed was, was de dialoog nog beter <0xE2><0x80><0x93> met veel sprankelende humor en een prettig luchtig tempo. Vol aangename verrassingen en meer dan de moeite waard.

text_en:
The film begins with a cranky old Broadway producer (exceptionally well-played by veteran character actor Richard Carle) being driven by a man hoping to sell him a story for an upcoming play. However, there is a bad storm and their car becomes stuck in the mud and so they are forced to look for some place to spend the night. Fortunately, there's a mansion nearby though it seems pretty odd that the people inside know the writer and he says he didn't realize this was the home of a man he knew (and despised). However, while this seems like bad and contrived writing, it is not....as this is all part of an elaborate ruse by the writer to have a group of actors in the home act out his plot. However, part-way through the ruse, the producer and his browbeaten assistant figure out that the murder mystery taking place in the home is fake and think the whole affair is pretty funny. What no one realizes, though, is that an escaped maniac is loose and he is about to enter this contrived little plot--making for some wonderful twists and turns. So when it seems that there is a real murder, the actors are truly terrified while Carle and his sidekick are convinced it's all a hoax. While I have explained some of the plot, there are many more aspects of the film you'll just have to figure out yourself--and it's surely to keep you entertained and guessing.

Considering that this is a B-movie in the public domain, I certainly did NOT have very high hopes for this little film. However, I was thrilled when the film turned out to be a much better than average flick--with a very interesting and novel twist on the old clichéd plot about a dark and stormy night spent in a mansion. Plus, while the plotting of the film was very good, the dialog was even better--with lots of sparkling wit and a nice light-hearted pace. Full of pleasant surprises and well worth your time.


text: Er is behoefte aan dit soort vermaak in onze moderne wereld. Je kunt naar 'Ma en Pa' kijken met volwassenen, met je familie (kinderen van elke leeftijd of gewoon in je eentje zoals ik). Ze zijn lief, maar lief zijn is zo verfrissend in een maatschappij waarin kinderen kinderen vermoorden, een verschrikkelijke oorlog, ongepaste primetime televisie en armoede. We weten niet eens waar al die kinderen vandaan komen! Geef mij maar modern sanitair en ik word graag een Ketel. Humor heeft NIET nodig beledigende taal. Het is moeilijk om een gesprek te volgen in programma's waarin elk ander woord wordt gepiept. Ontspan, trek je schoenen uit en klim met een lekker ouderwets glas limonade in je luie stoel, en adem gewoon rustig in en uit terwijl ma tussen de middag de kippen van de tafel veegt!

text_en: There is a need for this kind of entertainment in our modern world. You can watch "Ma and Pa" with adults, with your family (kids any age or just by yourself like me. They are gentle, but gentle is so refreshing in a society of kids killing kids, a horrible war, inappropriate prime time television and poverty. We don't even get a hint of where all of those children came from! Give me modern plumbing and I'll gladly become a Kettle. Humor does NOT require offensive language. It is hard to follow conversations in shows where every other word is bleeped. Relax, take your shoes off, and climb in your recliner with a good old-fashioned glass of lemonade, and just breathe easy watching Ma sweeping the chickens off the table at lunch time! Pj


text:
De verdere avonturen van Ma en Pa Kettle gaan bijna naadloos verder waar Het Ei en ik zijn opgehouden. Voor het eerste solo-avontuur van de Kettles wordt een nieuw schrijfteam en een nieuwe regisseur geïntroduceerd. Leonard Goldstein, medeproducent van Het Ei en ik, was de producent van De verdere avonturen van Ma en Pa Kettle. Omdat veel personages door dezelfde acteurs en actrices worden gespeeld, werkt de focus van de MacDonalds tot de Kettles heel goed. Er is een verwijzing naar het feit dat Ma Birdie Hicks op de kermis heeft verslagen met haar quilt, een imitatie in Het Ei en ik. Het prijzengeld van de quiltwedstrijd zou worden gebruikt om Tom Kettle naar de universiteit te sturen. In deze film keert Tom terug naar huis als afgestudeerde van de universiteit.
In deze film zijn twee intriges met elkaar verweven. De ene is de komedie van het eenvoudige gezin uit de bergen dat in een hypermodern huis trekt. De andere is een licht moralistisch toneelstuk over de invloed van het milieu op kinderen als ze opgroeien.

Pa Kettle (Percy Kilbride) wilde een gratis tabakszak als hij meedeed aan een wedstrijd en won uiteindelijk een huis. Zijn teleurstelling dat hij geen gratis tabakszak kreeg, wordt voor de gein gespeeld. Als pa met dynamiet speelt, is hij zich totaal niet bewust van de explosie. Kilbride vertrok geen spier toen het puin van de explosie om hem heen viel. Hij speelde zijn rol perfect. In zijn autobiografie schreef Jack Benny dat hij diep onder de indruk was van de manier waarop Percy Kilbride zijn verhaal had gebracht. Kilbride had dat komische nummer tot in de puntjes verzorgd.
Ma (Marjorie Main) en Pa verhuizen naar het nieuwe huis met moderne gemakken die Ma en Pa bijna net zo verwarren als helpen. Ma past zich veel sneller aan dan Pa. Bij de moderne gemakken hoort ook een televisie, in 1949 een heel nieuw huishoudartikel. Bewegende muren, verborgen bedden en leidingen worden gebruikt als komische rekwisieten, maar de aandacht gaat uit naar Ma en Pa, nooit naar de rekwisieten zelf.

Tom Kettle (Richard Long) leert Kim Parker (Meg Randall) kennen, een tijdschriftschrijfster die vindt dat hygiëne en omgeving van essentieel belang zijn voor kinderen om als volwassene succes te kunnen hebben. Tom is een intelligente, selfmade man die de theorie tegenspreekt dat succes alleen uit een ongerepte omgeving kan voortkomen. Dit onderwerp wordt in een paar scènes kort besproken, maar daarna weggelaten. Het was ook de enige serieuze discussie in deze overigens grillige film.
<0x3E> Het zou bijna een ramp zijn om de Kettles uit hun vervallen oude huis te zien verhuizen naar een nieuw huis, als de personages zichzelf niet trouw waren gebleven. Ma was praktisch, net Pa was de vis uit het water die voor de beste komedie zorgde. Hij voelde zich nooit thuis in het nieuwe huis, maar de feitelijke plaats van een comfortabel bed kon hem niet schelen.

text_en:
The Further Adventures of Ma and Pa Kettle almost seamlessly picks up where The Egg and I left off. For the first solo adventure of the Kettles a new writing team and director is introduced. Leonard Goldstein, associate producer of The Egg and I, was producer of The Further Adventures of Ma and Pa Kettle. With many of the characters played by the same actors and actresses the focus from the MacDonalds to the Kettles works very well. There is a reference to Ma beating Birdie Hicks for first prize at the fair for her quilt, an import scene in The Egg and I. The prize money from the quilt contest was to be used to send Tom Kettle to college. In this movie Tom is returning home as a college graduate.

There are two plots intertwined in this movie. One is the comedy of the simple mountain family moving into a state of the art modern house. The other is a light morality play on how environment affects children as they grow up.

Pa Kettle (Percy Kilbride) wanted a free tobacco pouch for entering a contest, and ended up winning a house. His disappointment at not getting the free tobacco pouch is played for laughs quite a bit. When Pa plays with dynamite he is totally oblivious to the explosion. Kilbride never flinched in the scene as the debris from the explosion fell around him. He played the part to perfection. In his autobiography, Jack Benny mentioned how impressed he was with Percy Kilbride's deadpan delivery. Kilbride took that comedic device to a high level of perfection.

Ma (Marjorie Main) and Pa move into the new house with modern conveniences that confuse Ma and Pa almost as much as they help them. Ma adapts far more quickly than Pa. Included with the modern conveniences is a television, a very new household item in 1949. Moving walls, hidden beds, and plumbing fixtures are used as comic props, but the attention is on Ma and Pa, never the props themselves.

Tom Kettle (Richard Long) meets Kim Parker (Meg Randall), a magazine writer who feels that hygiene and environment are essential for children to realize success as adults. Tom is a bright, self-made man who contradicts the theory that success can only come from a pristine environment. This subject is briefly discussed in a couple of scenes, but left to subside. It was also the only serious discussion in this otherwise whimsical movie.

Seeing the Kettles moving out of their run-down old house to move to a new house would almost be a disaster if it were not for the characters staying true to themselves. Ma was the practical one, just as she had been in the The Egg and I. Pa was the fish out of water that provided the best comedy. He never felt at home in the new house, but the actual location of a comfortable bed would never be of concern to him.


text: De Ma & Pa Kettle-personages waren zeer populair EN controversieel. De films waarin hun kroost voorkwam, maakten de weg vrij voor televisieseries die volgden en de winnende formule wilden evenaren. Een duidelijke verwijzing is 'The Beverly Hillbillies', waarin het nieuwe huis werd gekocht met oliegeld, omdat het niet was gewonnen in een wedstrijd. Je zou zelfs kunnen zeggen dat de sitcom 'Newhart' uit de jaren tachtig zijn idee van achterlijke plattelandspersonages van deze serie heeft geleend. Toch vraag ik me af of Betty Macdonald, de in Washington gevestigde schrijfster die deze personages heeft gecreëerd, niet meer kwaad dan goed heeft gedaan. Haar vertolking van plattelandspersonages maakt hen tot het mikpunt van vele grappen in termen van hun zogenaamde slordigheid en luiheid. (Het echte gezin waarop Macdonald de Ketels had gebaseerd, werd met succes voor het gerecht gedaagd... met de bewering dat ze belachelijk waren gemaakt en vernederd met deze niet bepaald vleiende verwijzingen). Natuurlijk, het is komedie en de situaties brengen ons heel wat lachbuien en leuke momenten... en de politieke correctheid zoals we die tegenwoordig kennen, bestond in de jaren veertig en vijftig nog niet. Maar ik denk dat Macdonald die personages nog steeds verstandiger had kunnen schrijven en dat Universal International ze met meer waardigheid aan de wereld had kunnen laten zien (er bestaat zoiets als goede smaak). De meer realistische momenten zijn wanneer de oudste zoon Tom zich schaamt voor zijn plattelandsafkomst, maar leert zijn ouders en broers en zussen te accepteren zoals ze zijn. De Ketels op hun beurt moeten leren inzien dat ze dat niet kunnen. Het past niet bepaald in een moderne wereld. Dat is geen grap... dat is een nuchtere waarheid.

text_en: The Ma & Pa Kettle characters were highly popular AND controversial. The films that featured their brood paved the way for television sitcoms that came after it and sought to emulate its winning formula. One obvious reference is 'The Beverly Hillbillies,' where the new home was bought with oil money, not having been won in a contest. You could even say the 1980s sitcom 'Newhart' borrows its idea of backwards rural characters from this series. Still, I wonder if Betty Macdonald, the Washington-based author who created these characters, didn't do more harm than good. Her portrayal of hillbilly characters makes them the butt of many jokes in terms of their alleged sloppiness and laziness. (The real life family that Macdonald based the Kettles upon, successfully sued...claiming they had been ridiculed and humiliated with these less-than-flattering references). Sure, it's comedy and the situations bring us a great many laughs and fun moments...and political correctness as we know it today did not exist in the 1940s and 1950s. But I think Macdonald could've still written these characters more sensibly and Universal International could've had its scriptwriters show them on screen with more dignity (there's such a thing as good taste). The more realistic moments are when the oldest son Tom is ashamed of his rural heritage but learns to accept his parents and siblings for who they are. For their part, the Kettles have to realize that they don't exactly fit into a modern world. That's not a joke...that's a sober truth.


text: Dit is de eerste van de Ma en Pa Kettle-films. Marjorie Main (ma) steelt de show in alles wat ze doet. Grappig om Ida Moore te zien als Emily, de gekke oude dame in de trein... god, ze was altijd al oud; ze speelde in 'Desk Set' en 'Alfred Hitchcock Presents'. Hun nieuwe huis is ook een medespeelster hier - het is het huis van de toekomst met een paar echt coole uitvindingen die pa niet mooi vindt. Houd van de schilderknevel. Kijk uit naar TOM... hij speelde in 'Nanny & the Professor'. Helaas is hij heel jong gestorven... vreemd genoeg speelde hij zijn laatste rol in de serie 'Death Cruise'. De film werd geregisseerd door Charles Lamont, die niet alleen een aantal van de Kettle-films regisseerde, maar ook een aantal van de Abbott- en Costello-films, dus hij moet het een en ander van komedies hebben geweten. Prettige komedie, eenvoudige humor. Zelfs de releasedatum was 1 april, 1949. Het verhaal begint ermee ons te laten zien wat een achterlijk, landelijk volkje het is (de buren zijn zelfs indiaanse Amerikanen), maar naarmate het verhaal vordert, krijgen we sympathie en respect voor hen.

text_en: This as the first of the Ma and Pa Kettle flicks. Marjorie Main (Ma) steals the show in anything she does. Funny to see Ida Moore as Emily, the daffy old lady on the train.. god she was ALWAYS old; she was in "Desk Set" and "Alfred Hitchcock Presents". Their new house is also a co-star here -- its the house of the future with some really cool inventions that Pa doesn't care for. LOVE the painting gag. Keep an eye out for TOM... he starred in "Nanny & the Professor". Unfortunately he died real young... oddly enough, his last role was on the series "Death Cruise". weird. Directed by Charles Lamont, who not only directed several of the Kettle films, he also did a bunch of the Abbott and Costello flicks, so he must have known a thing or two about comedy. Fun story, plain, simple humor. Even the release date was April Fool's day, 1949. The story starts out by showing us what backward and country-folk they are (the neighbors are even Native Americans), but as the story progresses, we have sympathy and respect for them.


text:
Een van de meest onderhoudende van alle zwijgende komedies is Pudovkins korte _Chess Fever_, een waanzinnig verhaal over hoe een rigoureus intellectueel bordspel zelfs de meest zorgvuldig voorbereide centrale economies kon ontwrichten. Zo'n weinig belovend komisch onderwerp als schaken vond een eerdere uitlaatklep in deze verrukkelijke korte komedie. Twee jongemannen spelen het spel ernstig tegen een kunstmatige achtergrond, een beschilderde achtergrond. Dit in tegenstelling tot eerdere Lumiere-shorts zoals _L'Arrosseur Arrosse_ of _Repas du bebe_, waarin de menselijke activiteit opzettelijk werd omlijst door een natuurlijke omgeving. Het verschil in activiteiten (natuurlijke voedering van baby, watertuin, kunstmatig beademingsapparaat) is mogelijk van belang. Het grootste contrast in deze film is dat van deze onaantastbare achtergrond en het kalme, serene schaakspel, en de felle hartstochten die dat laatste veroorzaakt, zoals de beschuldiging dat je vals speelt in een hoogst onwaardige m<0xC3><0xAA>lee. Het intellectuele spel wordt een grof fysiek handgemeen, net zoals de pretenties van kunstzinnige filmmakers voor altijd worden ondermijnd door de 'cruciale' eisen van het publiek.
Wat het meest amusant aan de film is, is niet het feit dat hij geleidelijk in slapstick overgaat, maar de manier waarop hij wordt gefilmd, hoe hij wordt voortgezet lang nadat de eerste grap is gemaakt; de manier waarop de camera weigert het gevecht enige aandacht te geven en zich in plaats daarvan op de set richt, terwijl wij glimpen opvangen van rondvliegende voeten en losgeraakte kleding. 's weigering om te redigeren is vermetel, zodat de humor lijkt te voort te komen uit iets anders dan de strijd, iets wat onze behoefte aan lichamelijk contact overstijgt, onze onwil om los te laten.
Wat vooral briljant is, is de ontknoping, wanneer deze patsers uit de hogere kringen worden betrapt door de huisknecht, die hen oppakt als twee schooljongens die van de weg afdwalen, alsof hij op het punt staat hen een draai om hun oren te geven. Als je niet van meesters kunt verwachten dat ze zich netjes gedragen, dan zal iemand het voor hen moeten doen.

text_en:
One of the most entertaining of all silent comedies is Pudovkin's short 'Chess Fever', a mad tale of how a rigorously intellectual board game could disrupt even the most carefully planned central economies. Such an unpromising comedic subject as chess found an earlier outlet in this delightful short. Two young men play the game earnestly against an artificial background, a painted set. This is in contrast to earlier Lumiere shorts such as 'L'Arrosseur Arrosse' or 'Repas du bebe', wherein the human activity was deliberately framed by a natural setting. The difference in activities (natural=feeding baby, watering garden; artificial=chess) is possibly significant.

The main contrast in this film is between this immoveable background and the placid, serene game of chess, and the fierce passions this latter causes, as accusations of cheating lead to a most undignified melee. The intellectual game becomes a gross physical scrap, just as the pretensions of arty filmmakers are forever deflated by the 'cruder' demands of audiences.

What is most amusing about the film is not neccessarily this descent into slapstick, but the way it is filmed, its prolonging long after the initial joke has been made; the way the camera refuses to dignify the fight with anything like attention, focusing instead on the set, while we catch glimpses of hurling feet and dislodged clothing. The film's refusal to edit is audacious, so that the humour seems to arise from something else other than the fight, reflecting our need for physical contact over intellectual stimulation, our unwillngness to let go.

What is especially brilliant is the denouement, as these upper-class fops are caught by the valet, who picks them up like two errant schoolboys, as if he is about to box their ears. If masters can't be expected to keep their place with decorum, than somebody's going to have to do it for them.


text:
'Fata Morgana' van de beroemde filmmaker Werner Herzog is adembenemend onorthodox. Hoewel er van tijd tot tijd personages in de film voorkomen, is er geen echt verhaal. De film is ook geen educatieve of historische documentaire. Het is een film zonder bijbehorend scenario.
De film bestaat uit merkwaardige achtergrondmuziek en een enigszins onlogische verhaallijn, waarvan de combinatie een lange reeks beelden overspant van voornamelijk, maar niet uitsluitend, de Sahara. Sommige van die beelden zijn prachtig vreemd en ongewoon. De camera neemt spookachtige beelden op, of luchtspiegelingen, optische illusies die je kwellen en je hypnotiseren.
Deze algemene cinematografische trend wordt af en toe onderbroken door observatieve terzijdes over serendiverse onderwerpen. In een van die scènes geeft een man met een bril ons een mini-instructie over hagedissen. En in wat voor mij de meest fascinerende en bizarre scène was, zit een man met een donkere bril te zingen met een stem die volledig wordt vervormd door de microfoon die hij gebruikt, begeleid door een oude dame die een pittig deuntje speelt op een oude piano. Noch de man, noch de oude dame lijkt plezier te hebben in wat ze doen. Wat barok.
'Fata Morgana' heeft een onderliggend concept, een concept dat de grote verscheidenheid aan vreemde beelden en eclectische geluiden verenigt. Maar dat concept is zo subtiel, zo ondoorzichtig dat je er zonder hulp nooit achter zult komen. Vanuit dit subtiele thema is de film inderdaad zinnig. Maar zonder dat referentiepunt kan de film saai en oneindig lijken, een zinloze opeenvolging van willekeurige aardse beelden en esoterische verhalenbabbels.
'Fata Morgana' is een overbodige, thematisch verbijsterende en filmisch ketterse film, die je ofwel in zwijm doet vallen van verrukking, of je aan het kotsen maakt. Je klampt je vast aan de zen-achtige eigenschappen van de film, of je komt in de verleiding om de dvd in duizend stukken te slaan. Eén ding waar de meeste kijkers het over eens zijn: 'Fata Morgana' is... anders.

text_en:
Famed filmmaker Werner Herzog's "Fata Morgana" is breathtakingly unorthodox. Although characters appear in the film from time to time, there is no actual story. The film is also not an educational or historical documentary. It's a film without an accompanying screenplay.

The film consists of curious background music and a somewhat illogical narrative VO, the combination of which overlays a long string of images from mostly, though not exclusively, the Sahara Desert. Some of the images are wonderfully odd, and out of the ordinary. The camera captures ghostly images, or mirages, optical illusions that tantalize and mesmerize.

This general cinematic trend is punctuated by occasional observational asides on serendipitous topics. For example, in one sequence a man wearing goggles gives us a mini-tutorial on lizards. And in what for me was the most captivating and bizarre sequence, a small inset room contains a man with dark goggles who sings in a voice that is totally distorted by the microphone he's using, accompanied by an old lady who plays a punchy tune on an old piano. Neither the man nor the old lady seems to enjoy what they're doing. How baroque.

"Fata Morgana" does have an underlying concept, one that unites the wide assortment of strange images and eclectic sounds. But that concept is so subtle, so opaque that you'll never figure it out without help. From this subtle theme the film does indeed make sense. Without that point of reference, however, the film can seem tedious and unending, a pointless parade of random earthy images and esoteric narrative gibberish.

Unapologetically redundant, thematically baffling, and cinematically heretical, "Fata Morgana" will likely either make you swoon with delight, or cause you to throw up. You'll either latch on to the film's Zen-like qualities or be tempted to smash the DVD into a thousand pieces. One thing that most viewers will agree on: "Fata Morgana" is ... different.


text:
Succesvolle films over metafysische onderwerpen zijn zeldzaam, maar Fata Morgana is daar een goed voorbeeld van. Je kunt het grote onderwerp aan de ambities van de jeugd toeschrijven, maar Herzog doet het verbazingwekkend goed. Het doel van de film is om mensen te laten zien, en zelfs de wereld, vanuit een niet-menselijk gezichtspunt.
De film bestaat uit drie delen: Schepping, Paradijs en De Gouden Eeuw. De beelden van elk deel zijn in contrapunt met de voice-over. Hoewel de tekst van 'De Schepping' (uit de Popol Vuh, een Maya-mythe) verwijst naar de oerwoestenij, gaat de scène niet verder in het illustreren van de mythe. Hij gaat over de woestenij en over verschillende soorten vernietiging (vuur, rook, verongelukte voertuigen). De film is allesbehalve dat, en <0xE2><0x80><0x93> 'De Gouden Eeuw' is duister komisch <0xE2><0x80><0x93> terwijl de hoogste cultuur het vreemde muzikale nummer langs de weg is.
De Popol Vuh suggereert dat de mensheid het centrale object van de schepping is, maar de film doet alles wat hij kan om dat idee ongedaan te maken. Het mythologische kader van de film heeft geen verwijzing naar de historische tijd van de mens. Er zijn geen noemenswaardige menselijke personages. Als een jongen met een hond in een verlengd shot staat, is de eerste suggestie van het standpunt van de jongen; tegen het eind is het veel meer dat van de hond. Evenzo is de hagedis een sterker personage dan de mens die hem introduceert, en de partner van de schildpad lijkt nauwelijks menselijk met zijn grote zwemvliezen.
<0x3E> Menselijke verhalen en natuurdocumentaires zijn altijd antropomorf, maar dat heeft Fata Morgana niet. Zeker, de duinen zien eruit als een vrouwelijk lichaam, maar de vergelijking snijdt naar twee kanten. Waarschijnlijk kunnen alleen mensen gemakkelijk onderscheid maken tussen hun schepping en de natuur, en hier staan vliegtuigen en fabrieken naast bergen, meren en watervallen. Mensen en beschaving maken allemaal deel uit van een breder natuurlandschap.
<0x3E> In 1979 gaf Herzog een nieuwe draai aan het idee toen hij Nosferatu vanuit het standpunt van de vampier hervormde.

text_en:
Successful films on metaphysical subjects are rare, but Fata Morgana is a good case. You can chalk up the large subject to the ambitions of youth, but Herzog does an amazingly good job. The movie's point is to show human beings, and even the world, from a non-human point of view.

The movie is in three parts: Creation, Paradise, and The Golden Age. The imagery of each is in counterpoint to the voice-over. Although the text of `The Creation' (from the Popol Vuh, a Mayan myth) refers to the primordial wasteland, the scene goes no further in illustrating the myth. It dwells on the waste, and on various specimens of destruction (fire, smoke, wrecked vehicles). The images from `Paradise' are anything but that, and `The Golden Age' is darkly comic  the highest culture is the strange roadside musical act.

The Popol Vuh suggests that mankind is the central object of creation, but the movie does everything it can to undo this notion. Its mythological framework has no referent in human historical time. There are no human characters to speak of. When a boy stands with a dog in an extended shot, the initial suggestion is of the boy's point of view; by the end it is much more the dog's. Likewise the lizard is a stronger character than the human who introduces it, and the turtle's partner barely looks human with his big flippers.

Animal stories and nature documentaries always anthropomorphize, but Fata Morgana has none of that. Certainly the dunes look like a female body, but the simile cuts both ways. Presumably only humans can distinguish easily between their creation and nature, and here airplanes and factories are presented alongside mountains, lakes, and waterfalls. People and civilization are all part of a broader natural landscape.

In 1979 Herzog put a new twist on the idea when he remade Nosferatu from the vampire's point of view.


text: Binnen de eerste 30 seconden van deze film kun je bepalen of je de film wilt uitkijken of niet. De film begint met beelden van vliegtuigen die op een vliegveld landen, het ene na het andere vliegtuig dat op een met luchtspiegelingen gevulde startbaan duikt. Je kunt heel goed raden dat deze film niet over een'verhaal' gaat. Op het eerste gezicht is het zelfs gemakkelijk om te denken dat de eerste beelden herhalingen zijn van beelden van hetzelfde vliegtuig. Het aanvankelijke drama zit hem in de scherpte van je waarneming, die is gebaseerd op je bereidheid om de film eenvoudig als een reeks beelden te ervaren. Als je na deze opening de film wilt zien, zul je je niet vervelen. Misschien ben je zelfs gehypnotiseerd. De film kan een emotionele ervaring zijn, het kan een intellectuele ervaring zijn, het kan allebei zijn. Te oordelen naar het commentaar op de dvd, dat van essentieel belang is, was het voor Herzog in de eerste plaats een emotionele ervaring, en op een gegeven moment heeft hij het er expliciet over dat de film een samenwerking is tussen filmmaker en kijker. Er is ruimte genoeg voor de kijker om van deze film precies te maken wat hij of zij ervan wil maken.

text_en: You will be able to tell within the first 30 seconds of this film whether you want to finish watching it. The film opens with images of planes landing at an airport, one plane after another diving into a mirage-filled runway. You will be able to accurately guess that this movie is not about a "story." At first viewing, it's even easy to think the opening images are repetitive shots of the same plane. The initial drama is in the acuteness of your perception, which is built on your willingness to experience the film simply as a series of images. If after this opening, you want to see the movie, you will not be bored. You may even be mesmerized. The movie may be an emotional experience; it may be an intellectual experience; it may be both. Judging from the DVD commentary, which is essential, it was primarily an emotional experience for Herzog, and, at one point, he talks explicitly about how the film is a collaboration between filmmaker and viewer. There's plenty of room for the viewer to make of this film exactly what he or she wants to make of it. Take a gamble?


text: Fata Morgana is een absoluut meesterwerk. Het is Werner Herzogs meest onconventionele film. Hij heeft geen plot of verhaal. In plaats van een verhaal krijgen we een verzameling beelden, woorden en muziek die zo prachtig samengaan. Het is ook geen documentaire. Sommige mensen in deze film worden gefotografeerd en krijgen een tekst te lezen. Hij heeft een paar van de mooiste en aangrijpendste beelden. Herzog maakt echte luchtspiegelingen en we zien auto's en mensen die midden in de woestijn ronddrijven en die er niet echt zijn, maar die honderden kilometers verderop worden weerkaatst als in een spiegel. De muziek in deze film is zo briljant <0xE2><0x80><0x93> van Leonard Cohen, Mozart en de Third Ear Band. s 2001: A Space Odyssey in the Desert; zo is deze film. Deze film is zo hypnotiserend dat hij je het gevoel kan geven dat je geest je lichaam heeft verlaten. Je moet hem zien. Hij zal de manier waarop je naar films kijkt veranderen.

text_en: Fata Morgana is an absolute masterpiece. It's Werner Herzog's most unconventional film. It doesn't have a plot or story. Instead of a story, we're given a collection of images, words and music that work so wonderfully together. It's not a documentary either. Some of the people in this film are directed and given lines to read. It has some of the most beautiful and haunting images. Herzog shoots real mirages and we see cars and people floating around in the middle of the desert who aren't actually there but hundreds of miles away reflected like in a mirror. The use of music in this movie is so brilliant - from Leonard Cohen, Mozart, and the Third Ear Band. Imagine Stanley Kubrick's 2001: A Space Odyssey in the desert; that's what this movie is like. This film is so hypnotic that it has the ability to make you feel as though your spirit has left your body. A must see. It will change the way you view films. Rating: 10 out of 10.


text:
Werner Herzog, die zonder enige twijfel een van de interessantste filmmakers van de afgelopen vijftig jaar is, heeft de grenzen van de cinema misschien wel verder verlegd dan welke andere commerciële filmmaker ook. Ik ken Herzog nu al een paar decennia en ben nog steeds onder de indruk van zowel de man als zijn werk. Vorig jaar ging ik naar Rescue Dawn en was enigszins verbaasd over de betrekkelijke mainstream van de film, maar toch kon ik me niet aan de indruk onttrekken dat Herzog zijn acteurs en crew meenam naar de echte jungle om niet alleen de film te maken, maar hem ook te beleven. Geen enkele andere filmmaker is zo bezeten van de zuiverheid van het filmen en de daaropvolgende overlevering van dergelijke producties als Fitzcarraldo, die tot filmlegende is gesmeed.
Vandaag ben ik naar Fata Morgana gegaan, een film van Herzog uit 1969 die je zou kunnen omschrijven als een allegorische filmische ansichtkaart. Zonder onderzoek te doen naar de precieze locaties, ga ik ervan uit dat de film ergens in Afrika is opgenomen, zowel in de kuststreek als in de woestijn, een gebied dat ooit de bakermat van de kindertijd, de kinderbeschaving en het kinderleven op aarde kan zijn geweest. Het gaat Herzog om die oorsprong, de Bijbelse opvatting van de Hof van Eden en de Apocalyps, zoals die tot uitdrukking komt in het verhaal dat gedurende de 79 minuten durende film wordt verteld.
'Ik kon niet naar fm kijken.' Het gaf me het gevoel dat ik een passagier was die een lange reis voor de boeg had. In de openingssequentie wordt de titel vertaald als 'Mirage' en Herzog vergelijkt deze vertaling met een reeks herhalingen van commerciële straalvliegtuigen die op een landingsbaan landen. Deze beelden zijn pervers, hun driedimensionale aard wordt platgedrukt door een lange lens en er worden lagen uitlaatgassen, hittegolven en lichtafwijkingen op elkaar gestapeld. Het effect was dat ik tot de conclusie kwam dat de dingen niet zijn wat ze lijken.
fm is verdeeld in 3 zeer duidelijke hoofdstukken: 1) Schepping, 2) Paradijs en 3) Het Gouden Tijdperk. Hoofdstuk 1 opent met talloze, lome beelden, waarin sombere, dorre landschappen voorbijglijden, dode dieren wegrotten, kapotte hulzen van neergestorte vliegtuigen en achtergelaten auto's langzaam uit elkaar vallen in de woestijnzon. De mensen die dit onherbergzame landschap bevolken, zijn haveloos, glimlachen niet en lijken gevangenen van de woestijn. Het verhaal gaat over een tijd voor het leven, een tijd waarin het doek van de aarde blanco was en alles wat er bestond de hemel was. Terwijl het verhaal over een eenvoudiger, zuiverder tijdperk gaat, roept een portret van een jonge jongen die een vosachtig dier bij de keel vasthoudt een huiveringwekkende afbeelding op van de wrede, meedogenloze poging van de mens om een heerschappij over de natuur af te dwingen. In het volgende hoofdstuk krijgen we meer van hetzelfde te zien, maar de beelden en de mensen zijn levendiger en lijken doordrenkt met een beetje leven en vitaliteit. We luisteren naar een bioloog met een bril die vertelt hoe moeilijk een monitorhagedis het heeft om in zo'n levenloze omgeving op prooi te jagen. Hij houdt de kronkelende monitor vast, die met zijn tong naar de vliegen zwiept, en beschrijft ook hoe moeilijk het is om deze wezens te vangen in de verzengende hitte van 140 graden. De parallel wordt genoteerd en Herzog gaat verder met het onderzoeken van dit concept via herhaalde, openhartige portretten van individuen die door de zon, de woestijn en de moeizame inspanningen die nodig zijn om in dit wrede rijk te leven, zijn gehavend. Hij zet ook in op het thema dat de mens, als hij zijn omgeving niet onder controle heeft, wel zijn controle over zijn omgeving uitoefent, en niet altijd op de prettigste manier.
Het laatste hoofdstuk voert ons van de hoogoven van de woestijn naar het meer vertrouwde territorium van Herzog, bevolkt door excentriekelingen en absurd gedrag. Niemand lijkt een effectievere symbiotische relatie te hebben met de vreemde snuiters van de wereld dan Herzog <0xE2><0x80><0x93> misschien voelt hij zich hier het meest thuis. Net als Errol Morris kiest Herzog ervoor om zijn camera in een zo schijnbaar objectief mogelijke positie te plaatsen voordat hij de film laat draaien. Het daaropvolgende geflirt van Herzog met zijn proefpersoon is het gevolg van het feit dat hij tot ver voorbij het punt kan doorgaan waarop de meeste regisseurs zouden hebben geroepen dat het afgelopen was. Zoals bij Morris het geval is, gaat deze verlengde opname verder dan het 'aan'-moment dat de proefpersonen zich verplicht voelen te bieden en maakt hun fa<0xC3><0xA7>ade, ondanks het ongemak dat ze gedwongen worden tot overwerk, plaats voor iets echts. Het grappigste portret in dit hoofdstuk is dat van de band van twee personen die een vreemd, polka-achtig liedje speelt dat Herzog dit hele hoofdstuk herhaalt. De drummer van de band draagt dezelfde bril als de bioloog, net als een andere jongen die een goocheltruc doet en vraagt: 'Wat is dat met die bril?' Ze geven de film beslist iets lichtzinnigs, maar je vraagt je af of ze een diepere betekenis of betekenis hebben, of dat dit gewoon weer een voorbeeld is van Herzogs speelsheid.
Afgezien van het verhaal gebruikt Herzog folk- en bluesmuziek als soundtrack van de experimentele documentaire. Leonard Cohen gebruikt de meeste beeldtijd, twee van zijn prachtig melancholieke songs 'So Long Marianne' en 'Suzanne' begeleiden de golvende landschappen perfect en geven ons het overtuigende gevoel dat we er echt helemaal voor gaan. Aan het eind van de reis keert Herzog terug naar een van de vele opnamen die in de film terugkomen: de verre omlijsting van een eenzaam voertuig dat door de eindeloze woestijn rijdt, omhuld door een waterspiegel die de horizon vult. Ondanks de algehele somberheid van FM geeft het crescendo van de film en het luchtspiegelende motief je een hoopvolle geest, het geloof dat het leven tegen alle verwachtingen in stand zal houden en misschien zelfs wel zal bloeien.

Toen ik klaar was met het schrijven van deze post verwees ik naar FM en ontdekte dat Herzog de film een paar weken na een bloederige coup in het Saharaanse Kameroen had opgenomen. Herzog en zijn crew waren, zoals zijn legende wilde, gearresteerd, in elkaar geslagen en gevangengezet. In de gevangenis werd Herzog ziek door schistosomiasis, een bloedparasiet. Het is echt moeilijk om niet te houden van zo'n hypnotische en sobere film als Fata Morgana; de wetenschap dat de filmmaker bereid was te sterven om de film gemaakt te krijgen, maakt dat je er alleen maar meer respect voor krijgt.
<0x3E> http://eattheblinds.blogspot.com/?

text_en:
Inarguably one of the most interesting filmmakers of the last 50 years, Werner Herzog has been pushing the boundaries of cinema perhaps more so than any other commercial filmmaker. I've been acquainted with Herzog for a few decades now and I've never not been impressed by both the man and his work. Last year I went to see Rescue Dawn and was somewhat surprised at how relatively mainstream the film was, yet couldn't help but imagine Herzog taking his actors and crew into the actual jungle to not only make the film, but to live it. No other filmmaker is as crazed about the purity of the film-making process and the subsequent lore from such productions as Fitzcarraldo has been forged into cinematic legend.

Today I sat down to Fata Morgana, a 1969 Herzog film that could be described as an allegorical filmic postcard. Without researching the actual locations, I'm assuming it was shot somewhere in Africa, both coastal and desert, a region that could have once been the cradle of infant man, infant civilization, infant life on earth. It is these origins, the biblical notion of the Garden of Eden and the Apocalypse that Herzog is concerned with, as is voiced by the narration dispensed throughout the 79 minute run time.

Watching FM I couldn't help but feel I was a passenger on a profound journey. In the opening sequence, the title is translated as "Mirage" and Herzog juxtaposes this translation with multiple repetitions of commercial jets landing on an airstrip. These images are perverted, their 3-dimensionality crushed flat by a long lens, piling layers of exhaust, heat waves and light aberrations all on top of one another. The effect left me to conclude: things are not as they seem.

FM is divided into 3 very distinct chapters: 1) Creation, 2) Paradise and 3) The Golden Age. Chapter One, opens with countless, languid images, where bleak, barren landscapes scroll by, dead animals rot, broken shells of crashed airplanes and abandoned cars slowly disintegrate in the desert sun. The people populating this inhospitable landscape are ragged, unsmiling and apparent prisoners of the desert. The narration talks of a time before life, a time where the canvas of earth was blank and all that existed were the heavens. While the narration hearkens to a simpler, purer era, a portrait of a young boy holding a fox-like animal by its throat evokes a chilling depiction of man's cruel, ruthless attempt to enforce a dominion over nature.

In the next chapter we are introduced to more of the same, yet the images and people are more animated and seem infused with a modicum of life and vitality. We listen to a goggled biologist talk about the difficultly a monitor lizard has hunting for prey in such a lifeless environment. As he holds the squirming monitor, its tongue flicking at flies, he also describes how difficult it to capture these creatures in the searing 140 degree heat. The parallel is duly noted and Herzog continues to explore this concept through repeated, candid portraits of individuals battered by the sun, the desert and the laborious efforts required to exist in this harsh realm. He also pushes forward the theme that if not in control, man asserts his control over his environment and not always in the most pleasant of ways.

The last chapter takes us out of the desert's blast furnace and into the more familiar Herzog territory populated by eccentrics and absurd behavior. No one seems to have a more effective symbiotic relationship with the oddballs of the world than Herzog -- possibly this is where he feels most at home. Much like Errol Morris, Herzog chooses to place his camera in as seemingly objective a position as he can before he lets the film roll. The subsequent flirtation Herzog has with his subject is the result of him being able to continue shooting well beyond the point when most directors would have yelled cut. As Morris does, this extended roll pushes past the "on" moment the subjects feel obliged to offer and through their discomfort of being pushed into overtime, their facade gives way to something real. The most humorous portrait in this chapter is of the 2 person band playing an odd, polka-like song that Herzog recycles throughout this chapter. The drummer of the band wears the same goggles as the biologist, as does another guy doing a magic trick, begging the question: what's with the goggles? They definitely add some levity to the film, but one has to wonder if they hold any deeper meaning or significance, or is this just another example of Herzog's playfullness.

The narration aside, Herzog utilizes folk and blues music as the experimental documentary's soundtrack. Leonard Cohen grabs the most screen time, two of his beautifully melancholic songs "So Long Marianne" and "Suzanne." perfectly accompany the scrolling landscapes, adding to the convincing feel that we are truly along for the ride. By the end of the journey, Herzog comes back to one of the many shots that recur throughout the film: the distant framing of a lone vehicle traversing the endless desert engulfed by a water mirage that fills the horizon. Despite the overall bleakness of FM, the crescendo of the film and the mirage motif leave you with a hopeful spirit, belief that against all odds, life will persevere and possibly even flourish.

Having finished writing this post, I referenced FM to discover that Herzog shot it in Saharan Cameroon only weeks after a bloody coup. True to his legend, Herzog and his crew were arrested, beaten and imprisoned. While imprisoned, Herzog fell ill with Schistosomiasis, a blood parasite. It's truly hard not to love such a hypnotic and austere film as Fata Morgana; knowing the filmmaker was willing to die to get it made only makes you respect it all the more.

http://eattheblinds.blogspot.com/


text: Fata Morgana is verreweg de vreemdste en verbijsterendste kunstfilm die ik ooit heb gezien. Ik aarzel om het een documentaire te noemen, want hoewel er elementen van documentatie van de beelden in zitten, zijn de beelden zelf zo ongewoon, zo hallucinogeen, zo onduidelijk, dat ik me afvraag of het echt de moeite waard was om dit verhaal te vertellen, alleen maar om deze beelden te laten bestaan. De film is in wezen het verhaal van de aarde en de schepping van de aarde, gefilmd vanuit het perspectief van een buitenstaander, of het nu een vreemde is of iets anders onbeschrijflijks, en alles speelt zich af in de Sahara-woestijn. De titel van de film heeft te maken met de illusie of weerspiegeling van beelden, zowel echt als gehallucineerd, waar mensen in de woestijn vaak getuige van zijn. Deze staan ook wel bekend als luchtspiegelingen.<br />De film begint met een landing van een vliegtuig, gevolgd door een volgende landing, en nog een keer, en nog een keer, en nog een keer, en nog een keer, en nog een keer. Bij elke landing begint de feitelijke architectuur van zowel de plek waar het vliegtuig landt als het vliegtuig zelf langzaam in elkaar over te lopen en steeds minder echt te worden en steeds meer een weerspiegeling. De weerspiegeling in deze film wordt alleen maar intenser en ongewoner naarmate de film vordert. Het verhaal van de film gaat over de schepping van het universum, waarbij verontrustende seksuele beelden van zand en landschap langs de camera glijden. De opnamen gaan steeds verder de woestijn in en Herzog filmt alles wat hij ziet en vindt. In de verte zijn de vreemdste weerspiegelingen van de wereld te zien, terwijl Herzog een aantal van de zuiverste en fotogeniekste verzamelingen buitenstaanders ontmoet die je ooit zult zien. Als de soundtrack van Leonard Cohen begint, kun je er zeker van zijn dat je je in de wereld van een krankzinnige man bevindt die verliefd is op het universum. Ik kan niet veel meer over deze film zeggen zonder iets te verpesten, maar ik kan wel zeggen dat het een ontnuchterende ervaring is en dat er eigenlijk niets beters bestaat. Ik vind het heerlijk om films te zien die gewoon in hun eigen klas zitten. Deze film is zeker een goed voorbeeld van hoe Herzog het heerlijk vindt om verhalen en documentaires te vermengen tot een verwisselbare vorm. Fata Morgana blijft helaas wat te lang hangen <0xE2><0x80><0x93> die is een beetje welkom <0xE2><0x80><0x93> maar tegen de tijd dat hij bijna afgelopen is, zijn de beelden hoogstwaarschijnlijk voorgoed in je geheugen gegrift. Beslist een must-see voor mensen die geobsedeerd zijn door de aard en de oorsprong van het universum.

text_en:
Fata Morgana is, by far, one of the weirdest and most perplexing art films I have ever seen. I hesitate to call it a documentary because, while is does have elements of documentation of it's images, the images themselves are so unusual, so hallucinogenic, so unclear, that I wonder whether it was really worth telling this story just so that these images can exist. The film basically is the tale of the earth and the creation of the earth shot from the perspective of an outsider, be it alien or something otherwise indescribable, all taking place in the Sahara desert. The title of the picture relates to the illusion or reflection of images, both real and hallucinated, that people in the desert often witness. These are also known as mirages.

The film opens with a plane landing followed by the plane landing again and then again and again and again and again and again and again. With each plane landing shot, the actual architecture of both the location it is landing at and the plane itself begin to slowly dissolve into one another and grow less and less real and more and more reflective imagery. The imagery in this film only grows more intense and more unusual as the picture continues. The narration of the film tells of the creation of the universe as alarming sexual images of sand and landscape move past the camera. The shots go further and further into the desert and Herzog films whatever he sees and finds. The strangest reflections of the world are on display in the distance while Herzog meets some of the most pure and photogenic collections of outsiders that you are ever likely to see. When the Leonard Cohen soundtrack kicks in, you can be sure that you are in the world of a mad man who is in love with the universe.

I cannot say too much more about this film without ruining anything, but I will say that it is a sobering experience and there's really nothing like it. I love seeing films that are just in classes of their own. This film certainly is a good example of how Herzog loves to intermingle narrative storytelling and documentary film-making into an interchangeable form. Fata Morgana unfortunately does overstay it's welcome just a bit, but by the time it nears it's end the images will most likely be burned into your mind forever. Definitely a must-see for those who are obsessed with the nature and the origin of the universe.