text: Ik heb de film kortgeleden gekregen en ik kan alleen maar zeggen dat het een goede film is. Er zijn veel beroemde monumenten en historische locaties in Rome. Hij is van dezelfde schrijver en regisseur als The Da Vinci Code. Tom Hanks speelt de hoofdrol, samen met Ewan McGregor en Ayelet Zurer. De film begint met het ruimte- en tijdexperiment in Zweden, tot een van de cilinders wordt gestolen door de meest gehate vijand van de Kerk, de Illuminati. Het is moeilijk om over de plot te praten zonder alles te bederven. Het is een race tegen de klok waarin heel Rome het spoor van de Illuminati volgt naar de geheime ontmoetingsplaats van de Illuminati. Terwijl ze racen tegen de klok om het spoor van de Illuminati te vinden. In de tijd dat het een film de moeite waard was heb ik hem 3 keer gezien en ik vind hem nog steeds leuk dus ga hem uiteindelijk maar kopen. Hij is een stuk beter dan de film van 2010. En het einde heeft een geweldige plotwending.

text_en: I recently got the movie and all I can say it is a good movie. There's a lot of famous Rome monuments and historical locations.It is from the same writer and director from The Da Vinci Code. Tom Hanks stars along with Ewan McGregor and Ayelet Zurer. The movie starts out with the space and time experiment in Sweden until one of the canisters is stolen by the church's most hated enemy the Illuminati. The plot is hard to discuss about without spoiling anything. Its a race all of Rome following the Illuminati trail to get to the Illuminati secret meeting place. While racing against time to find the path of the Illuminati. Over all its a movie worth seeing hell I watched it 3 times and I still like it so in the end go buy it. It is a lot better than the movie 2010. And the ending has one awesome plot twist.


text: Zoals het geval is met veel van dit soort films, stond mijn niet-katholicisme me in de weg om het te begrijpen. De kerk heeft een massa regels die in de loop der eeuwen zijn opgesteld. We hebben niet veel tijd om ze te leren en moeten ze accepteren zoals ze zijn. Dan voeg je er een paar slechteriken aan toe die wraak nemen voor een lange, verre daad tegen hen, die zich aan deze regels houden en proberen ze te omzeilen, en dan heb je dit boek en deze film. Ik merkte dat ik dacht: 'Dat is best cool. Waarom hebben ze dat gedaan?' Er is iets nonchalants in die Robert Langdon-figuur, waarbij hij, ongeacht waar het om gaat, altijd de juiste eerste stap lijkt te zetten. Ik denk het wel.' Het is net als kijken naar CSI, waarin ze ongelooflijk complexe zaken binnen een paar dagen oplossen. Ze weten hoe de zaken ervoor staan. In deze film is er zo veel land en zo weinig tijd om alles echt te begrijpen. Maar als je Robert Langdon creëert, moet je hem aan het werk zetten. Dat is oké, want heldhaftige nerds als hij hebben de wereld altijd al gered. Ik vond de film leuk. Ik vond de Da Vinci Code ook leuk. Interessant en niet zo slecht als mensen leken te denken. Dit is een wonder om naar te kijken en het houdt geen seconde op.

text_en: As is the case with many films of this ilk, my non Catholicism got in the way of my understanding it. The church has this mass of rules which have been put together over centuries. We have a short time to learn them and have to accept them at face value. Then, throw in some bad guys getting revenge for a long distant act against them, working under these rules and attempting to circumvent them, and you have this book and movie. I found myself thinking, "That's pretty cool. Why did they do that?" There's this casual thing in the Robert Langdon character where no matter what the issue, he seems to always make the right first move. I suppose it's like watching CSI where they solve incredibly complex cases in a matter of days. They know the lay of the land. In this film, there is so much land and so little time to really understand everything that is going on. But if you create Robert Langdon, you need to set him to work. That's OK because heroic nerds like him have been saving the day forever. I thought the film was fun. I thought the Da Vinci Code was fun too. Interesting and not as bad as people seemed to think. This is a marvel to look at and never stops for a second.


text: Dit is een lowbudget-monsterfilm met stop-motion van Brett (Een Nymfoïde Barbaar in de Dinosaurushel) Piper... en hij levert precies wat ik van zo'n productie zou verwachten: luchthartige (hoewel smakeloze) dialogen, een paar leuke actrices en een heleboel stop-motionwezens. Daarom heb ik de film 10 van de 10 van de 10 van de 10 van de 10 van de 10 gegeven <0xE2><0x80><0x93> omdat hij levert wat ik verwachtte dat hij zou leveren... en nog iets meer: Brett geeft geen centje pijn als het erom gaat zijn schepsels op het witte doek te brengen. Hij smijt een hoop beestjes naar zijn cast voor de finale. En hoe dan ook, ik ben dol op stop-motionmonsters die, vergeleken met CGI-wezens in grotere, gebudgetteerde films, gewoon zo leuk lijken om naar te kijken.

text_en: This is a low budget stop motion monster movie from Brett (A Nymphoid Barbarian in Dinosaur Hell) Piper... and it delivers just what I'd expect from such a production: light-hearted (though cheesy) dialogue, some cute actresses and lots of stop motion critters. That's why I've given the film 10 out of 10 - because it delivers what I expected it to deliver... and a bit more: Brett doesn't penny-pinch when it comes to putting his critters on screen. He hurls lots of bugs at his cast for the finale. And, anyway, I LOVE stop motion monsters which, compared to CGI critters in bigger budgeted movies, just seem to be that much fun to watch.


text:
Oké, ik ben een sukkel. Ik vond het geweldig. Ik had geen verwachtingen en die had ik allemaal ingelost. Het was een vreselijke film. Ik vond het geweldig. Ik ben erin geslaagd een dvd te laten slijten door overmatig gebruik. Niemand kan mijn obsessie begrijpen. Ikzelf ook niet, om je de waarheid te zeggen. Voor degenen die de film hebben gezien, zal dit geen verrassing zijn, maar ik vroeg de verkoper van de videotheek of ik een kopie kon kopen en dat kon, want er waren er twee in voorraad en er was er maar één afgekeurd en meer dan de helft van de tijd was hij voor mij geweest.
Nu is de film verschrikkelijk. De special effects zijn verschrikkelijk. Het acteerwerk is verschrikkelijk, maar ik vond het geweldig. De acteurs zijn stom, de plot is stom, de blunders talrijk <0xE2><0x80><0x93> bijvoorbeeld dat ze door de monsters heen konden kijken. De 'arachnoïden' zagen eruit alsof ze van plastic vuilniszakken waren gemaakt (misschien was dat ook zo). Er was licht onder de grond, TNT was niet oorverdovend, enzovoort...

Je moet echt dol zijn op B-films om hier enig plezier aan te beleven... Alcohol helpt anderen enorm.

text_en:
OK, I am a sucker. I loved it. I had no expectations and had them all fulfilled. It was a terrible movie. I loved it. I have managed to wear out a DVD from over use. No one can understand my obsession. I can't either, to tell the truth. For those who have seen the movie this will come as no surprise, but I asked the clerk at the video store if I could buy a copy and I could because there were two in stock and only one had been check out and over half of the time it had been to me.

Now, the movie is terrible. The special effects are terrible. The acting is terrible, but I loved it. The actors are silly, the plot silly, the goofs numerous--like being able to see through the monsters, The "arachnids" looked like they were made out of plastic garbage bags (maybe they were), There was light underground, TNT wasn't deafening, etc...

You must really love B-Movies to get any enjoyment out of this...alcohol helps enormously for others.


text: Ter verdediging van deze film moet ik herhalen wat ik al eerder had gezegd. De film heet Arachina, er komt geen naam in voor en ik bedoel niet geen naam zoals in acteurs die meespelen in weinig geziene arthousefilms. Ik bedoel geen naam zoals in je plaatselijke middelbare school als je besloten hebt een film geen naam te geven en hij misschien een budget van twee dollar heeft. Dus wat verwacht je dan? Hitchcock?<br />Ik had het gevoel dat de film zichzelf nooit serieus nam, waardoor hij automatisch uit de ergste filmlijst verdween. Die lijst is alleen voor films met een groot budget die zichzelf veel te serieus nemen. Ik denk aan de film _The Oscar_, de meeste films van Sylvester Stallone. De twee hoofdrollen waren niet die van Hepburn en Tracy, maar ze deden hun werk goed genoeg voor deze film. De vrouw had het zwaar te verduren en de man was geen volslagen idioot. De acteur die de oude man speelde, was eigenlijk heel goed. De man die de professor met het anale ongeduld speelde, was geen Clifton Webb, maar hij deed het fantastisch. En de rol van de bimbo, bij gebrek aan beter, werd gespeeld door twee competente acteurs. Ik moest lachen om de special effects van 50 procent. Maar dat was een deel van de charme van de film. Hij speelde als een kruising tussen Tremors en Night of the Living Dead. Het uitgangspunt van de film is net als bij alle Giant Bug-films uit de jaren vijftig. Een meteoor of straling brengt het ecosysteem in beroering en voor je het weet hebben we reuzenmieren, kreeften, stenen of hagedissen die de plaatselijke bevolking terroriseren. Deze keer was een meteoor de oorzaak van de problemen. Ik vond het erg leuk. Ik verwachtte niet veel en ik doe veel meer dan ik had verwacht.

text_en:
In defense of this movie I must repeat what I had stated previously. The movie is called Arachina, it has a no name cast and I do not mean no name as in actors who play in little seen art house films. I mean no name as in your local high school decided to make a film no name and it might have a 2 dollar budget. So what does one expect? Hitchcock?

I felt the movie never took itself seriously which automatically takes it out of the worst movie list. That list is only for big budget all star cast movies that takes itself way too seriously. THe movie The Oscar comes to mind, most of Sylvester Stallone's movies. THe two leads were not Hepburn and Tracy but they did their jobs well enough for this movie. The woman kicked butt and the guy was not a blithering idiot. The actor who played the old man was actually very good. The man who played anal retentive professor was no Clifton Webb but he did a god job. And the Bimbo's for lack of a better were played by two competent actors. I laughed at the 50 cent special effects. But that was part of the charm of the movie. It played like a hybrid Tremors meets Night of the Living Dead. The premise of the movie is just like all Giant Bug movies of the 50's. A Meteor or radiation stir up the ecosystem and before you know it we have Giant Ants, Lobsters, rocks or Lizards terrorizing the locals. A meteor was the cause of the problems this time. I was was very entertained. I didn't expect much and I go a lot more then I bargained for.


text:
Ik heb deze dvd bij de Walmart voor een prikkie gekocht, omdat ik dacht dat het een typische, waardeloze monsterfilm zou zijn, maar hij bleek veel beter te zijn dan ik had verwacht. Er is eigenlijk geen kritiek op te zeggen... het is duidelijk een lowbudgetfilm, maar dat maakt het alleen maar leuker. Het is heel cool en onderhoudend.
Er is van alles: horror, seks, een geweldig vliegtuigongeluk en goede personages. En ik zou zeggen dat hij behoorlijk origineel is, want hij komt niet echt over als een andere film die ik heb gezien. Hij heeft zijn eigen, unieke uitstraling, die ik erg goed vond, en daarom verdient deze film lof. Ik kijk ernaar uit om meer van deze geweldige films te zien van 'The Scare Master', Brett Piper, die ik heb leren kennen. 'Ik heb deze nog nooit gehoord.'
'Het dvd-menu is heel creatief met hippe muziek erboven, dus het is perfect om aan te zetten als je er nog niet aan toe bent om te gaan zitten en ernaar te kijken. Er zitten ook een paar bijzondere dingen in, die echt interessant zijn. Maar we krijgen de regisseur nooit te zien of te horen in het commentaar, dus we moeten schuw zijn. Dit komt uit de Edgewood Studios in Vermont, VS. Ik kan het aan alle horrorfans aanbevelen, je zult het geweldig vinden!'

text_en:
I bought this DVD from Walmart for cheap, thinking it would be a typical, crap straight-to-video monster junk, but it turned out much better than expected. There isn't really any criticism to say about it... it's obviously low budget, but that just adds to the cheesy old fashioned fun. It's very cool and entertaining.

There's everything: horror, sex, a great plane crash and good characters. And I'd say it's pretty original, cuz it really doesn't come off as any other movie I've seen. It has it's own unique look, which I liked very much, that's why this film deserves credit. I look forward to seeing more of these awesome movies from "The Scare Master", Brett Piper, whom I've never heard before this one.

The DVD menu is really creative with groovy music playing over it, so it's perfect just to keep it on when you're not yet ready to sit down and watch it. It also includes some special features, which are really interesting. But we never get to see the director or hear him in the commentary, must be shy. This comes out of Edgewood Studios in Vermont, USA. I highly recommend it to all horror buffs, you'll love it!


text: Brett Piper maakt weer een heel goede film die door de zogenaamde 'experts' van de film de grond in wordt geboord. Het is een lowbudgetfilm, maar wel leuk, en de hoofdrolspeelster is heel sexy. Ik wou dat ik meer van Irene Joseph kon zien. Leuk om naar te kijken. Ik heb de dvd gekocht en ik heb ervan genoten. De special effects zijn stop-motionanimatie en veel beter dan de rotzooi die ze tegenwoordig special effects noemen. Ik ben altijd dol op films van Brett Piper, en als je dit leuk vond, kan ik je Bite Me, Screaming Dead en al het andere wat hij heeft gedaan aanbevelen. Ik verheug me erop meer van zijn werk te zien en ook meer van mevrouw Joseph. Ze heeft niet meer in films gespeeld, want ze kan uitstekend acteren.

text_en: Brett Piper again makes a very good film that is trashed by the so called film "experts." it is low budget, but fun, and the leading lady is very sexy. I wish i could see more of Irene Joseph. Good viewing fun. I bought the DVD and enjoyed it. The special effects are stop motion animation, and much better than the computer generated crap they call effects today. I always enjoy Brett Piper movies, and if you liked this I recommend Bite Me, Screaming Dead and anything else he has done. I look forward to seeing more of his work and well as more of Ms. Joseph. I simply cannot see why this woman hasn't been in more movies, as her acting is excellent.


text:
Ik zag 'Death in Venice' (1971) voor het eerst in 1971, vond het een diep ontroerende film en heb er vaak aan gedacht. Toen ik hem een paar dagen geleden opnieuw zag, besefte ik dat hij dicht bij de top van de grote cinematografie staat. Met nauwelijks enige dialoog boeit hij de kijker met de prachtige cinematografie, de fraaie acteerprestaties en vooral met de muziek van Mahler, zonder wie de film eenvoudig niet zou kunnen bestaan.
'Death in Venice' is een verbluffende Luchino Visconti. Gustav von Aschenbach (gebaseerd op Gustav Mahler) die in de zomer van 1911 naar Venetië reist om te herstellen van persoonlijke verliezen en professionele mislukkingen. Zijn zoektocht naar schoonheid en perfectie lijkt voltooid te zijn als hij een jongen van ongelooflijke goddelijke schoonheid ziet. Ashenbach (Dirk Bogard) volgt de jongen overal, zonder ooit te proberen hem te benaderen. De jongen, Tadzio, behoorde toe aan zeer zeldzame wezens met een raadselachtige en onvoorstelbare macht die je in zijn ban houdt, betovert, verovert en gevangenhoudt. Ashenbach werd een van de gevangenen van Tadzio's betoverende charmes. Hij raakte aan hem verslaafd en werd verliefd op hem. Was dat een zegen of een vloek voor hem? Ik denk het allebei. Hij stierf uit een onbereikbare, onmogelijke maar toch prachtige liefde, die het voorwerp van de volmaaktheid zelf was. Het laatste beeld dat Ashenbachs ogen opvingen, was dat van het silhouet van de jongen, omringd door de zee en het gouden zonlicht. Niets kon tippen aan de schoonheid en de charme van dat tafereel, en als je dat meeneemt naar je graf, is dat de dood waar je alleen maar van kunt dromen. Ik kon getuige zijn van een van de gezichten van de perfectie, ik kon het niet verdragen, maar ik werd uitverkoren om te leren dat het hier bestaat, in deze wereld, en dat ik nu in vrede kan sterven omdat het mij is overkomen.'
Onvergetelijke muziek, het indringende adagietto van Gustav Mahlers Vijfde Symfonie, dat perfect van pas kwam in een volmaakte film. Het weerspiegelt elke emotie van de hoofdpersonen <0xE2><0x80><0x93> het snikt, het verlangt, het smeekt om hoop, en het vat samen het idee dat je, als je eenmaal gezegend bent met schoonheid, gedoemd bent te sterven. De muziek is de hoofdzaak <0xE2><0x80><0x93> die verandert en klinkt anders naar gelang van wat er op het scherm gebeurt. De muziek klonk triomfantelijk toen Ashenbach terugkeerde naar Venetië, naar wat hij als zijn geluk beschouwde, maar wat zijn dood zou worden. De muziek klonk somber toen hij Venetië voor het eerst vanuit zee betrad. Je kunt er heel veel verschillende gevoelens in horen <0xE2><0x80><0x93> tederheid en aanbidding, verwarring en zelfverachting, aanbidding en melancholie, maar altijd <0xE2><0x80><0x93> liefde die het zuiverste geluk schenkt en de harten (letterlijk) breekt. De film voor de kijker is vergelijkbaar met wat de jongen was voor de ouder wordende componist/schrijver/kunstenaar. We zijn net zo betoverd en geboeid door de kracht en schoonheid van de muziek als Achenbach was door de jongen. 's mysterieuze charme.

text_en:
I first saw "Death in Venice" 1971) about 15 years ago, found it profoundly moving and often thought about it. Watching it again few days ago, I realized that it is close to the top of the great works of cinema. With hardly any dialog it captivates a viewer with the beautiful cinematography, the fine acting, and, above all, the Mahler's music without which the movie simply could not exist.

"Death in Venice" is a stunning Luchino Visconti's adaptation of the Thomas Mann novella about a famous composer (in the novella he was a writer but making him a composer in a movie was a great idea that works admirably) Gustav von Aschenbach (loosely based on Gustav Mahler) who travels to Venice in the summer of 1911 to recover from personal losses and professional failures. His search for beauty and perfection seems to be completed when he sees a boy of incredible divine beauty. Ashenbach (Dirk Bogard) follows the boy everywhere never trying to approach him. The boy, Tadzio, belonged to very rare creatures that own an enigmatic and inconceivable power which captivates you, enchants you, conquers you and makes you its prisoner. Ashenbach became one of the prisoners of Tadzio spellbinding charms. He became addicted to him; he fell in love with him. Was it bless or curse for him? I think both. He died from unreachable, impossible yet beautiful love which object was perfection itself. The last image Ashenbach's eyes captured was that of the boy's silhouette surrounded by the sea and golden sun light. Nothing could compare to the beauty and charm of the scene and to take it with you to the grave is the death one can only dream about. If he could, Ashenbach probably would've said, "I was able to witness one of the faces of perfection, I could not bear it but I was chosen to learn that it exists here, in this world and I can die in peace now because it did happen to me."

Unforgettable music, Gustav Mahler's haunting adagietto of his Fifth Symphony found perfect use in a perfect movie. It reflects every emotion of a main character - it sobs, it longs, it begs for hope, and it summarizes the idea that once you are blessed to encounter beauty you are condemned to die. I may come up with hundreds movies that use classical music to perfection but nothing will ever compare to "Death in Venice". I dare say that Mahler's music IS its main character - it would change and sound differently depending on what was happening on the screen. It sounded triumphantly when Ashenbach returned back to Venice, to what he thought would be his happiness but turned to be his death. It sounded gloomy when he first entered Venice from the sea. You can hear so many different feelings in it - tenderness and adoration, confusion and self-loathing, worship and melancholy, but always - LOVE that gives the purest happiness and breaks the hearts (literally). The movie for a viewer is similar to what the boy was for the aging composer/writer/Artist. We are enchanted and captivated by its power and beauty as much as Achenbach was by the boy's mysterious charm.


text:
De grootste periode van de cinema begon in het Europa van na de oorlog, met de neorealistische beweging in Italië. In de twee of drie decennia die volgden, trok Frankrijks New Wavers de aandacht van iedereen, en er was altijd wel een Bergman ergens op zijn verlaten Scandinavische eiland die er bittere meesterwerken van maakte. Maar in 1971 bracht Luchino Visconti de kunstvorm, geografisch gezien, in zijn geheel naar de kroon met zijn wonderbaarlijke werk _Death in Venice_, dat net zo goed _The Death of Europoean Cinema_ had kunnen heten. Toen de jaren zestig ten einde liepen, deden de grote Europese filmmakers dat ook, op enkele uitzonderingen na, die over het algemeen uitgeput raakten en de fakkel doorgaven aan een nieuwe Amerikaanse generatie van Movie Brats (Coppola, Scorsese & Co.). Deze film voelt absoluut aan als een groots slot, niet alleen van Visconti's film. De Visconti's zijn niet zozeer geobsedeerd door esthetische idealen, als wel door de algemene poging van Europese filmmakers om het esthetische ideaal in de film te bereiken. En wees gerust, u zult geen strenger meester vinden dan de Visconti's die hier zijn onthuld. Hij speelt niet voor de massa, mensen: of je gaat achter hem staan en volgt hem, of je wordt achtergelaten. Het ijsberen is een uitdaging: langzaam, maar nooit zonder emotioneel gewicht. 'Incidenten' zijn er maar weinig en met grote tussenpozen, maar ze lijken stuk voor stuk geladen met symbolische betekenis in een sturm-und-drang kosmos.
'We zullen waarschijnlijk nooit meer in zulk verheven gezelschap verkeren, wat de film betreft: een van de honderd.' Visconti is een van de grote schrijvers die het verhaal inspireerden (Thomas Mann), een van de grootste filmmakers die het regisseerden (Visconti), een van de grootste acteurs in de hoofdrol (Dirk Bogarde) en bijna onophoudelijk op de achtergrond aanzwellend: de Vijfde Symfonie van Gustav Mahler. Visconti maakt volledig gebruik van Mahlers vermogen om zelfs de meest cynische vrouw tot romantiek aan te zetten, en verandert de hoofdfiguur, Aschenbach, van een afgeleefde componist in een afgeleefde schrijver, en verzint zelfs dat Bogarde op Mahler lijkt (slungelige snor, bril, warrig haar, eendachtige manier van lopen). Bogarde levert, tussen twee haakjes, de waarschijnlijk grootste prestatie van een acteur in de geschiedenis van de film. Het is een grotendeels zwijgende vertoning, en de acteur moet met een gebaar of een blik heel veel betekenis overbrengen <0xE2><0x80><0x93> een moeilijke kunst zonder als Chaplin te doen of gewoon als een levend lijk.
Cinema kan niet beter. Ik zal de klachten van de Ritalin-verslaafden negeren die zeggen dat het te langzaam gaat, maar zelfs de meer legitieme klachten over een paar flashbacks van Aschenbach met die vijandige vriend van hem zijn misplaatst. De flashbacks passen keurig binnen de thematiek van de film (d.w.z.: wat is de beste weg naar esthetische perfectie: passie of discipline?), en het plotselinge en schrille van deze onderbrekingen zorgt ervoor dat de kijkers niet slaperig worden. (Natuurlijk zullen sommige kijkers door deze film heen slapen. Een non-stop stroom van Mahler en een mooi, stervend Venetië zou niet meer dan een mooie film zijn, maar deze film gaat eigenlijk over iets. En het gaat vooral over lijden, in het bijzonder het lijden van een romantische (Capital R) romanticus. Visconti, zelf een lijdende romanticus, wist waarover hij het had.
************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************ De klimatologische opeenvolging vat alles samen waar de film over gaat: liefde, lust, schoonheid, verlies, het einde van een leven dat zich aftekent tegen het begin van een ander leven, en een koude dood te midden van warme, zonnige schoonheid. Death in Venice** is een wonderbaarlijk kunstwerk.
**Dvd-tip** : net als bij het gelijktijdig uitgebrachte meesterwerk _The Damned_ van Visconti, raad ik je aan de Engelse ondertiteling aan te zetten als je naar de film kijkt. Hij is zogenaamd in het Engels, maar het geluid van de dvd klinkt nogal wazig en er wordt trouwens ook veel Italiaans gesproken tijdens de film.

text_en:
Cinema's greatest period started in post-War Europe with Italy's Neo-Realist movement. During the next 2 or 3 decades that followed, France's New Wavers caught everyone's attention, and there was always Bergman up there on his desolate Scandinavian island somewhere, making bitter masterpieces. But in 1971, Luchino Visconti brought the art-form to full circle, geographically speaking, with his miraculous work *Death in Venice*, which might as well be called *The Death of Europoean Cinema*. After the Sixties wound down, so did the great European filmmakers, who, with some exceptions, generally grew exhausted and passed the torch to a new American generation of Movie Brats (Coppola, Scorsese, & Co.). This movie absolutely feels like a grand summing-up, not just of Visconti's particular obsessions, but of the general attempt of European filmmakers to achieve the aesthetic ideal in movies. And rest assured, you will find no sterner task-master than the Visconti revealed here. He's not playing to the crowd, folks: either you get behind him and follow along, or you get left behind. The pacing is a challenge: slow, but never without emotional weight. "Incidents" are few and far between, but each seems loaded with symbolic significance in a sturm-und-drang cosmos.

We will probably never be in such rarefied company again, in terms of the movies: one of the century's great writers who inspired the tale (Thomas Mann), one of the greatest filmmakers directing it (Visconti), one of the greatest actors in the lead role (Dirk Bogarde), and swelling almost ceaselessly in the background, Gustav Mahler's 5th Symphony. Taking full advantage of Mahler's ability to inspire Romanticism in even the most cynical breast, Visconti changes the main character, Aschenbach, into a decrepit composer from his original persona as a writer, even making Bogarde up to LOOK like Mahler (geeky mustache, specs, shaggy hair, duck-like walk). Bogarde, by the way, delivers what is probably greatest performance of an actor in the history of movies: it's a largely silent performance, and the actor has to deliver reams of meaning in a gesture or a glance -- a difficult trick without mugging like Chaplin or merely acting like an animated corpse.

Cinema just doesn't get better than this. I'll ignore the complaints from the Ritalin-addicts out there who say that it's too slow, but even the more legitimate gripe concerning some of Aschenbach's flashbacks with that antagonistic friend of his is misplaced. The flashbacks fit neatly within the movie's thematic concerns (i.e., which is the better path to aesthetic perfection: passion or discipline?), and the suddenness and shrillness of these interruptions serve to prevent sleepiness among the viewers. (Of course, some viewers will sleep through this movie, anyway.) A nonstop stream of Mahler and beautiful, dying Venice would be nothing more than a pretty picture; but this movie is actually about something. And what it's mostly about is suffering: Romantic (capital R) suffering, in particular. As a suffering Romantic himself, Visconti knew whereof he spoke.

[SPOILER . . . I guess] If for nothing else, see *Death in Venice* for its portentous opening credits . . . and for its unforgettable ending, with Bogarde's jet-black hair-dye dripping off of his sweaty, dying head and onto his chalk-white face. Meanwhile, off in the distance, young Tadzio, the object of Bogarde's dying desire, stands in the ocean and points toward the horizon like a Michelangelo sculpture. The climatic sequence sums up with agonizing economy everything that the movie is about: love, lust, beauty, loss, the ending of a life set against the beginning of another life, and cold death in the midst of warm, sunny beauty. *Death in Venice* is a miraculous work of art.

[DVD tip: as with the simultaneously released Visconti masterpiece *The Damned*, I recommend that you turn the English subtitles ON while watching this movie. It's ostensibly in English, but the DVD's sound seems muddy and there's a lot of Italian spoken during the film, anyway.]


text: De controversiële roman van Thomas Mann vormt de basis voor de film 'A Death in Venice'. In het boek is de held een auteur, maar in de film verandert de regisseur Luchino Visconti, die ook het scenario heeft geschreven, hem in een compositeur. Als zodanig is de auteur/componist Gustav von Aschebach (Dirk Bogarde) een opgebrande ambachtsman. Na een lange en succesvolle carrière zoekt hij nu de rust en kalmte van een minder hectisch leven. Hij besluit op vakantie te gaan naar Venetië, waar hij zijn slinkende ambitie hoopt te verjongen. Maar terwijl hij in het pittoreske vakantieoord aan zee verblijft, trekt hij de aandacht van een beeldschone jonge tiener, Tadzio (Bj<0xC3><0xB6>rn Andrésen), die hem met nieuwsgierige belangstelling gadeslaat en op slag verliefd op hem wordt. Hoewel Gustav gefascineerd is door de wonderbaarlijke jongen, moet hij toch enige tijd alleen zijn met de gouvernante van de jongen (Nora Ricci), terwijl hij te maken heeft met een plaag die de stad lijkt te hebben geteisterd. De filmdialoog blijft, net als de roman, subtiel, net als de korte ontmoetingen tussen de jongen en de kunstenaar. Uiteindelijk wordt het publiek, in tegenstelling tot het boek, belemmerd door insinuaties en fantasierijke fantasieën. Hun verhouding krijgt nooit vleugels, krijgt nooit substantie, krijgt nooit een kans, en als er geen korte oplossing in het boek was geweest, had de film alleen maar de mogelijkheid van'stel dat'. Niettemin kun je met de held meevoelen en hem een ogenblik rust gunnen om te verkrijgen wat verboden is, ongrijpbaar, maar beslist bekritiseerd door spiedende ogen. Geweldig verhaal en een Bogarde-klassieker.

text_en: Thomas Mann's controversial novel is the basis for the film "A Death in Venice. " Although in the book, the hero is an author, in the film the director Luchino Visconti who also wrote the screenplay, transforms him into a Composer. As such, the Author/Composer, Gustav Von Aschebach (Dirk Bogarde) on the verge of mental exhaustion is a burned-out artisan. After a long and successful career now seeks the peace and tranquility of a less hectic life. He decides to go on vacation to Venice where he hopes to rejuvenate his dwindling ambition. However, while staying at the picturesque seaside resort, he captures the attention of a beautiful young teenage boy, Tadzio (Björn Andrésen) who eyes him with curious interest and is immediately smitten by him. Although Gustav is captivated by the wondrous youth, he nevertheless must find some private time away from the boy's governess (Nora Ricci), while having to cope with a invading plague which seems to have infested the city. The movie dialog, like the novel remains subtle as are the few brief encounters between the boy and the artist. In the end. the audience unlike the book is hampered with innuendos and imaginative flights of fancy. Their affair is never given wing, substance or opportunity and were it not for the brief resolution in the book, the film allows only the possibility of 'what if.' Nevertheless, one can sympathize with the hero and wish him a moment's peace to obtain that which is forbidden, elusive but definitely criticized by prying eyes. Great story and a Bogarde Classic. ****


text: Zijn de badplaatsen de droeve, troosteloze plaatsen die ze altijd verbeelden, zoals in films en romans? Deze film, samen met de bijna-contemporaire 'Don't Look Now', portretteert Venetië als een bijzonder smerige en decadente toeristenval (voor een luchthartiger benadering, zie 'Just Married' met Ashton Kutcher en Brittany Murphy). Ik ben nooit in Venetië geweest, maar het vormt een perfecte achtergrond voor dit sombere, maar weelderige spektakel van Luchino Visconti, een van de grote stylisten van de wereldcinema. Nu ik de film heb gezien, zou ik willen dat ik de novelle van Thomas Mann had gelezen waarop hij is gebaseerd (die ook een inspiratiebron vormde voor een opera van Sir Benjamin Britten). Ik ken het achtergrondverhaal en de film heeft weinig plot of uitleg, en ik vraag me af of Aschenbach (Dirk Bogarde) geobsedeerd is door de jonge Tadzio. Is hij homoseksueel? Een pedofiel? Of is zijn verlangen naar de mooie jonge vrouw onschuldiger? Misschien herinnert Tadzio hem aan wat hij had kunnen zijn en weet hij nu dat hij dat nooit zal zijn. Degenen die klagen over het trage tempo van de film moeten zich beperken tot auto-ongelukken en kung-fu: na 2 uur en 15 minuten is de film niet bijzonder lang en beweegt hij zich in een rustig, maar nauwelijks traag tempo. De film heeft baat bij de betoverende muziek van Gustave Mahler, op wie Aschenbachs personage duidelijk is gebaseerd. Dirk Bogarde geeft een ontroerende voorstelling, en de film wordt opgeluisterd door de aanwezigheid van Silvana Mangano, een van de grote schoonheden van Italië, als Tadzio's moeder.

text_en: Are sea side resorts the sad, dreary places they're always depicted as in movies and novels? Certainly this movie, along with the near-contemporary "Don't Look Now" depicts Venice as a particularly squalid and decadent tourist trap (for a more light-hearted approach, see "Just Married" with Ashton Kutcher and Brittany Murphy). Having never been to Venice I can't say for sure, but it does make a perfect setting for this somber but sumptuous spectacle from Luchino Visconti, one of the great stylists of world cinema. Having seen the movie I now wish I had gotten around to reading the Thomas Mann novella it's based on (which also inspired an opera by Sir Benjamin Britten). Since I don't know the back story and the movie has little in the way of plot or exposition, I'm left wondering about Aschenbach (Dirk Bogarde)'s obsession with young Tadzio. Is he a homosexual? A pedophile? Or is his longing for the beautiful youth something more innocent? Perhaps Tadzio reminds him of what he could have been and now knows he never will be. Those who complain of the slow pace of this movie should stick to car crashes and kung-fu: at 2 hours and 15 minutes it's not particularly long, and it moves at a leisurely but hardly sluggish pace. The film benefits from the ravishing music of Gustave Mahler, on whom Aschenbach's character is clearly based. Dirk Bogarde gives a moving performance, and the movie is graced by the presence of Silvana Mangano, one of Italy's great beauties, as Tadzio's mother.


text:
Visconti's 'Dood in Venetië', dat zich afspeelt in Venetië en voornamelijk op het Lido, is een triomf van het filmen, een combinatie van de uitmuntende Dirk Bogarde's karakterisering en de vakkundige fotografie van het gebied in al zijn dagelijkse stemmingen. Voor degenen die van Venetië houden, is dit een film om te koesteren.
Mahlers muziek, die veelvuldig in de film te horen is, verhoogt het drama. De stemming die daardoor ontstaat, is niet altijd gelukkig. Maar ja, wat kun je anders verwachten met zo'n titel?
Er is niet veel dialoog in de film. Eigenlijk niet veel. Het zijn voornamelijk achtergrondgeluiden, gebabbel en gelach van de hotelgasten. Het intrigerende onderdeel is de uitwisseling van blikken tussen een zekere Gustav von Aschenbach, een componist van enige faam, en een slanke tiener, Tadzio, die elkaar van tijd tot tijd zien aan de tafels in de eetzaal van het hotel, op het strand en op vreemde, onverwachte plaatsen in Venetië. Ze lijken elkaars aanwezigheid eerst verlegen te erkennen met weinig meer dan een zweem van een glimlach, maar later met een sterke, fascinerende, dringende blik.
Iedere toeschouwer zal zijn eigen interpretatie hebben. De componist heeft een kind van zichzelf verloren. Is dit gedrag een uiting van verlangen naar het kind van wie hij hield? Is het misschien een seksuele aantrekkingskracht voor deze fragiele jongeman met zijn verdwaasde, ietwat meisjesachtige blik? Zou hij een nieuwe inspiratiebron ontdekken voor een nog ongeschreven meesterwerk? Wie weet?
Van het begin tot het eind toont deze film de ware geest van het negentiende-eeuwse Venetië. De elegantie van de dames, de ligstoelen op het zand, de kinderen die ronddartelen in hun badpakjes van nek tot knie, de gloed van zonsondergangen en een algemeen gevoel van tevredenheid met de wereld. Hoewel sommigen misschien denken dat het tempo soms nogal traag is, heeft de film over het geheel een zachtaardige kwaliteit, maar met een smeulende besluiteloosheid tussen twee onderdrukte menselijke wezens. Wees voorbereid op een droevig en mooi einde.

text_en:
Set in Venice mainly on the Lido, Visconti's "Death in Venice" is a triumph of filmmaking combining the excellence of Dirk Bogarde's characterisation and expert photography of the resort area in all its various daily moods. For those who love Venice, this is a film to cherish.

Mahler's music frequently heard throughout the film heightens the drama. The mood it creates is not always happy. But then what else would you expect with a title like that?

There is not a lot of dialogue in the film. Rather sparse in fact. It's mainly background noises and chatter and laughter among the hotel guests. The intriguing part is to interpret the exchange of glances between Gustav von Aschenbach a composer of some renown and a slim teenage youth Tadzio who see each other from time to time across the tables of the hotel dining room, on the beach and at odd unexpected places around Venice. They seem to acknowledge each other's presence shyly at first with little more than the suggestion of a smile but later with a strong and riveting and urgent gaze.

Each viewer will have his own interpretation. The composer has lost a child of his own. Is this behaviour an expression of yearning for the child he loved? Is it perhaps a sexual attraction towards this fragile young man with his dazed somewhat girlish stare? Could he be discovering some new inspiration for a yet unwritten musical masterpiece? Who knows?

From beginning to end this film captures the true spirit of 19th Century Venice. The elegance of the ladies, the deck chairs on the sand, the children frolicking in their neck-to-knee bathing costumes, the glow of sunsets and a general feeling of satisfaction with the world. While some may think the pace is rather slow at times, the film has an overall gentle quality, but with a simmering indecision between two repressed human beings. Be prepared for a sad and beautiful ending.


text: Het verhaal van een vreemde liefde en een ontluikend verlangen. Gedicht over schoonheid en zijn volmaaktheid, angst en aanraking. Een schijfje Visconti, Mahler en Mann. En een gekweld Venetië. Ik weet niet of het een meesterwerk is, een gedicht of de weerspiegeling van de wereld van een filmregisseur. Het is absoluut een'memento mori' en een verkenning van illusie. Een oude spiegel van grenzen, tekens en de teerheid van de dood. Een reis in een oude ruimte, nostalgisch, wreed en schitterend. 'Dood' is een reiskopie van Orfeu in de onmiddellijke werkelijkheid. En de essentie is de muziek. Een zachte, zoete muziek, als honing of het vuur van de winter. Als elke spijt en elk verdriet. Als een toevluchtsoord in diepe eenzaamheid. Hij is de onderzoeker van de laatste vorm van Gods aanwezigheid. De Schoonheid, die schoonheid die het leven zin geeft, die tegelijk zonde en deugd is, het geschenk van verwachtingen en lijden. Hij sterft omdat hij het recht heeft te hopen, te geloven in de werkelijkheid van wonderen en op zijn eigen manier. Een slachtoffer? Vergeet het maar! Alleen Tadzio kan de vrijheid geven als een onbetekenend offer. Wie heeft gezien dat de zon kan hopen in dezelfde toestand te leven?

text_en: Story of a strange love and a fall desire. Poem about beauty and his perfection, fear and touch.A slice of Visconti, Mahler and Mann. And an agonize Venice. Idon't know if it is a masterpiece, a poem or the reflection of a film director's world. It is, absolutely, a" memento mori". and a exploration of illusion. A old mirror of limits, signs and death's delicacy. A trip in an old space, nostalgic, cruel and splendid. "Death" is a Orfeu's trip copy in the immediate reality. And the essence is the music. A soft, sweet music, like honey or winter's fire. Like every regret and every sorrow. Like a refuge in deep solitude. Gustav is gay by accident. He is the Researcher of last form of God's presence. The Beauty, that beauty who gives life's sense, who is sin and virtue in same time, the gift of expectations and sufferings. He dies because he has right to hope, to believe in the reality of miracle and in his way. A victim? No way! Only Tadzio may give the freedom like an insignificant sacrifice. Who saw the sun can hope to live in same condition?


text:
In Luchino Visconti's film _Dood in Venetië_ is het niet alleen de schoonheid in de omringende wereld die vervalt, maar in de jacht op de schoonheid zelf vervalt Gustav von Aschenbach tot niet meer dan een omhulsel van een man. Om het verval te begrijpen, moeten we de schoonheid erkennen die ons betovert, die het best beschreven en uitgelegd kan worden in een citaat van Socrates dat in Thomas Manns versie van _Dood in Venetië_ te vinden is: 'Alleen schoonheid is mooi en is tegelijkertijd zichtbaar - want het is het enige aspect van het spirituele dat we met onze zintuigen kunnen waarnemen - en wat zou er gebeuren als het goddelijke, als de rede en de deugd en de waarheid met ons zouden spreken via onze zintuigen? Zouden we dan niet ten onder gaan en verteerd worden door liefde?' In de film zien we precies hetzelfde gebeuren: de man wordt omhuld door een verlangen naar schoonheid, dat overgaat in een verlangen naar de jongen, Tadzio. Hoewel het nuchtere deel van zijn geest hem vertelt dat het aanbidden van schoonheid kan leiden tot sensualiteit en overgave, kan hij zich niet inhouden.
Het zou gemakkelijk zijn om dit als een mooie film te beschrijven; al in het begin zien we de extravagantie van de salon, en we worden getrakteerd op een perfecte samenvatting van het leven van de hogere klasse van rond de eeuwwisseling, allemaal perfect op film vastgelegd door de filmer Pasqualino De Santis. Maar Visconti geeft zich niet over aan de pittoreske aspecten van Venetië. In plaats daarvan zijn de glorieuze en sensuele artistieke prestaties uit het verleden gebaseerd op materialisme en sensuele schoonheid, en die dingen worden naar het verleden verbannen. De stad waarvan we weten dat hij van ongeëvenaarde schoonheid en uniekheid is, is niets meer dan een vakantieoord met een nieuwsgierig hotelpersoneel. De straten worden uitputtende labyrinten vol walgelijke viezigheid en verrotting, de stad vervalt in de pas met de hoofdpersoon. Alleen door de flashbacks krijgen we een glimp te zien van waarom deze beroemde componist een broze en onschuldige man is. De dood van zijn dochter, en waarschijnlijk ook die van zijn vrouw, en het uitvallen van zijn muziek stellen ons in staat te begrijpen waarom hij zichzelf kapotmaakt. Alfred, met wie Aschenbach diepgaande gesprekken voert over de betekenis van schoonheid en wie die kan scheppen; maar Alfred is meer dan een vriend, hij is Aschenbachs alter ego, en wat Alfred zegt verwoordt de twijfels en angsten van de componist zelf. De scène waarin Aschenbach besluit Venetië te verlaten wordt onmiddellijk gevolgd door een fragment waarin Alfred hem vertelt dat hij zwak is, vervreemd en dat hij geen gevoelens heeft. Uiteindelijk zouden we kunnen concluderen dat deze flashbacks helemaal niet de werkelijkheid zijn. Het is een verval van het geheugen in plaats van objectieve weergave van het verleden, deze flashbacks worden vervormde herinneringen. We kunnen zeggen dat het verval van herinneringen is omdat zelfs Aschenbach erop zinspeelt, hij verklaart: ' en, na de scène in het kantoor van het reisbureau, zien we hoe Aschenbach Tadzio en zijn familie confronteert en waarschuwt dat ze Venetië moeten verlaten, maar direct na de ontmoeting zien we hem weer bij de klerk zitten en beseffen dat het allemaal in zijn verbeelding is gebeurd. Hij gebruikt lange scènes zonder dialoog die worden omlijst door de aangrijpende muziek van Gustav Mahler. Hij laat de geest van de kijker dwalen terwijl we Aschenbachs leven en eerbaarheid zien vergaan met de schoonheid om hem heen.
Langzaam beseft de kijker dat onze held wordt overweldigd door uitputting, vermengd met een groeiend besef dat de stad stikt van het vuil. De afbrokkelende stad vormt het toneel voor de middelbare man.' De film eindigt met Von Aschenbach die zwakjes in een strandstoel zit te kijken hoe Tadzio met zijn vriend vecht, we zien de zwarte verf uit zijn haar over zijn wang lopen en het lijkt op verrot bloed, het is een visioen van de laatste momenten van zijn leven, maar dan voor zijn laatste adem. Het uiteindelijke verval is begonnen, overal om hem heen is de stad bezoedeld, en daarmee is hij geworden wat hij verafschuwt. Als Aschenbach sterft, heeft hij hetzelfde geschilderde gezicht als de oude man op de veerboot aan het begin van de film, een man die hem had verontrust. Het najagen van schoonheid was de oorzaak van zijn verval, bij het najagen van artistieke schoonheid kon hij zijn eigen verscheiden en dat van de stad om hem heen niet voelen; zijn sensualiteit wordt bevredigd, maar voortdurend in toom gehouden door de aanwezigheid van dood en verval. Het zijn deze drie thema's die De Verdoemde en de Dood in Venetië met elkaar verbinden, schoonheid, dood en verval, deze thema's zijn de kunst van Visconti, de schoonheid van zijn werk ligt in het verval van de schoonheid zelf. In deze film worden we getrakteerd op de uitspattingen van één groot man. We zien de geëerde componist Gustav von Aschenbach die op zoek is naar ware en zuivere schoonheid, en het is deze eigenschap die overal om hem heen vergaat en hem naar een ellendige, eenzame dood leidt terwijl hij het doelwit van zijn affectie gadeslaat. Ik geloof dat Visconti ons door deze films probeert te vertellen dat wat mooi is niet kan blijven bestaan. Verval is intrinsiek in de wereld om ons heen, en als we worden afgeleid, kan het de pracht vernietigen. In _Dood in Venetië_ wordt alles vanwege de cultuur en het streven naar schoonheid gewist. Schoonheid en vergankelijkheid zijn als doornen verweven in Visconti's werken, tegelijk mooi en destructief, het zijn deze thema's die zijn kunst bepalen.

text_en:
In Luchino Visconti's film Death in Venice, it is not only the beauty in the surrounding world that decays, but in the pursuit of beauty itself Gustav von Aschenbach decays into a mere shell of a man. To understand the decay, we must acknowledge the beauty which enchants us, it is best described, and explained in a quote from Socrates found in Thomas Mann's version of Death in Venice, "beauty alone, is lovely and visible at once it is the sole aspect of the spiritual which we can perceive through our senses Else whatif the divine, if reason and virtue and truth were to speak to us through the senses? Should we not perish and become consumed by love?" We see in the film this very thing happen, the man becomes enveloped by a longing for beauty, which turns into a longing for the boy, Tadzio. Even though the levelheaded part of his mind tells him that adoration of beauty can lead to sensuousness and abandon, he cannot contain himself.

It would be easy to describe this as a beautiful film; early on we see the extravagance of the parlor, and we are treated to a perfect summarization of turn-of-the century upper class life, all captured on film perfectly by cinematographer Pasqualino De Santis. But Visconti does not indulge in the picturesque aspects of Venice. Instead, the glorious and sensuous artistic achievements of the past are based on materialism and sensuous beauty, and these things are relegated to the past. The city we know to be of incomparable beauty and uniqueness is nothing more than a leisure resort with a nosy hotel staff. The streets become exhausting labyrinths filled with disgusting filth and rot, the city decays in step with the protagonist. Only through the flashbacks are we allowed a glimpse of why this famous composer is a frail and innocuous man. The death of his daughter, and presumably his wife, along with the failure of his music allow us to understand why he is destroying himself.

Alfred, with whom Aschenbach has in depth conversations on the meaning of beauty and who can create it; but Alfred is more than a friend, he is Aschenbach's alter-ego, and what Alfred says articulates the composer's own doubts and fears. The scene in which Aschenbach decides to leave Venice is immediately followed by a clip of Alfred telling him that he is weak, alienated and lacks feelings. In the end we might be able to conclude that these flashbacks are not reality at all. It is a decay of memory, rather than objective renderings of the past, these flashbacks become distorted memories. We can say that these are decayed memories because even Aschenbach alludes to it, he declares, "reality distracts and degrades us;" and, following the scene in the travel agent's office we see Aschenbach confront Tadzio and his family and warn them - leave Venice, but directly after the encounter we see him sitting with the clerk again and realize it was all in his imagination, he employs long scenes without dialogue that are framed by the poignant music of Gustav Mahler. He allows the viewer's mind to wander as we watch Aschenbach's life and respectability decay with the beauty around him.

Slowly the viewer realizes that our hero is overwhelmed by exhaustion that is mixed with a growing awareness that the town is suffocating in filth. The crumbling city sets the stage for the middle aged man's attraction to Tadzio, it is romantic longing for something so idealized and ambiguous that it can never be consumed, even in fantasy. The beauty of this Polish boy kindles a fire in him that, at first, makes him glow, then consumes him. The film concludes with von Aschenbach sitting feebly in a beach chair watching Tadzio fight with his friend, we see the black dye from his hair running down on his cheek and it looks like rotten blood, it is a vision of his life's expiring moments, though before his last breath. The final decay has happened, all around him the city is soiled, and with it he has become what he detests. As Aschenbach dies he has the same painted face as the old man on the ferry at the beginning of the film, a man that had disturbed him. It was the pursuit of beauty that initiated his decay, in the pursuit of artistic beauty he could not sense his own demise, and that of the city around him; his sensuality is indulged in, while constantly kept in check by the presence of death and decay. It is these three themes that tie The Damned and Death in Venice together, beauty, death, and decay, these themes are Visconti's art, the beauty of his work is in the decay of beauty itself.

In this film we are treated to the deliquescence of one great man. We see the honored composer Gustav von Aschenbach in the pursuit of true and pure beauty, and it is in the pursuit of this trait that it decays all around him and leads him to a miserable, lonely death watching the target of his affection. I believe that through these movies Visconti is trying to tell us that what is beautiful cannot last. Decay is intrinsic in the world around us, and when we become distracted, it can destroy the splendor. In Death in Venice, it is because of culture and through the pursuit of beauty that all is deleted. Beauty and deliquescence are woven together like thorns in Visconti's works, at once beautiful and destructive, it is these themes that define his art.


text: Ik kan niet goed verklaren waarom ik dit zo aantrekkelijk vind en 'The Leopard' niet; het kan zijn omdat de aandacht hier gericht is op alles wat geweldig was aan die film, die intieme momenten die Visconti zo schitterend kan vertolken. Net als die film heeft hij een majestueus traag tempo, maar deze keer is het niet te lang. Het is het soort film waarin niets gebeurt, behalve dat er twintig minuten voorbijgaan. Ik denk dat dat deels te danken is aan de manier waarop de film omgaat met flashbacks die fungeren als hun eigen miniverhaal. Net als 'The Leopard' heeft hij een sympathieke hoofdrol die hetzelfde soort versleten pathos opwekt <0xE2><0x80><0x93> hoewel Bogard's' De manier waarop Gustav het onderwerp van zijn genegenheid aan ons voorstelt, is briljant: de camera toont een meisje, een meisje, een meisje, en dan die mooie, vrouwelijke jongen. Het is een soort toespeling op de sonnetten van Shakespeare, en het voelt niet zwaar aan. Pas als de camera Tadzio volledig in beeld heeft, zich terugtrekt en we zijn lange, slanke benen zien, beseffen we dat hij geen jongen is, maar een puber - in het begin zijn we gedwongen om op een ongemakkelijke manier vraagtekens te zetten bij Gustavs aantrekkingskracht; Visconti moet dat hebben geweten, en hij deinst er niet voor terug.) Visconti is buitengewoon geduldig met Gustav; we krijgen een indruk van de man, we kennen hem. Het is een grotendeels zwijgende voorstelling, en als hij zijn mond opendoet, is dat om venijn uit te spuwen; geen wonder dat hij wil dat de engelachtige jongen met de open gelaatstrekken zich op hem projecteert. Er is een verschil met Tadzio (we kennen hem nooit, net zoals we nooit een handvol groteske Fellini-stukken kennen, maar dat is...' Maar het is niet zo flirterig als het lijkt (er is echter wel een scène waarin hij om een paal heen draait die te veel is). Tadzio leidt hem niet noodzakelijkerwijs af <0xE2><0x80><0x93> hij kijkt naar hem; Visconti zoomt alleen maar in, dat is alles.<br />De film beschrijft Gustav niet als homo <0xE2><0x80><0x93> Tadzio is niet eens echt een man, hij is een opgedirkte versie van een jongen (delicaat, bleek, spichtig, met gouden lokken) waar iedereen van lijkt te houden (inclusief een beeldschone, iets oudere jongeman met wie hij worstelt). Wat als een verwijzing naar Gustavs homoseksualiteit zou kunnen worden opgevat, is de beroemde kappersscène, die zijn onderdrukte ijdelheid aan het licht brengt. Het is niet helemaal geslaagd: de hele scène met Alfred is een verspilling, en een paar overbodige scènes, mensen die tassen dragen, hadden weggelaten kunnen worden. Sommige scènes zijn grof, zoals wanneer Gustavs boot aanmeert en ruige jongens hem voorbijlopen - de uitdrukking op zijn gezicht is te opvallend. (Maar in dezelfde scène krijgt Gustav een woedeaanval omdat hij een nieuwe roeier wil, iets wat zo onverklaarbaar is dat het het goedmaakt.) Maar er zijn scènes - die elkaar voor het eerst raken - die een opmerkelijke, stille intensiteit opbouwen. Tadzio die een pianoliedje steeds weer herhaalt, de noten trillend in de lucht, is misschien wel het beste voorbeeld van de spanning die de film uitstraalt. Er is één discussie die een debat bevat dat me bijzonder interesseert: kan kunst spiritueel zijn als ze de zintuigen bevredigt, of moet ze verdergaan dan de zintuigen? (We kunnen Tarkovski, die zowel Visconti als Mann waardeert, beschouwen als het beste voorbeeld van iemand die verder gaat dan de zintuigen.) Ik denk dat deze het allebei kan.

text_en:
I can't quite explain why I find this so alluring and "The Leopard" not; it may be because the focus here is on all that was great with that film, those intimate moments that Visconti can render so magnificently. Like that film, it has a majestically slow pace, but this time it isn't overlong. It's the kind of film where nothing happens but twenty minutes passes like that. I think that must be due in part to the way the film deals with flashbacks that act as their own mini-story. Like "The Leopard," it has a sympathetic lead who brings out the same kind of worn pathos -- though Bogard's performance is more willing to open itself to being unlikable, especially in look: he has a really stupid grin that's easy to dislike. It's often quite beautiful in the quiet moments. It's the opulence of Visconti's films, the grandeur of the ball scenes, that I find tedious, as they exchange individual clarity with mass precision. But here, that is part of the point -- Gustav surrounded by a visual din.

The way in which the object of Gustav's affection is introduced to us is quite brilliant -- the camera shows a girl, girl, girl, then this beautiful, feminine-featured boy. It's like an allusion to Shakespeare's sonnets, and it doesn't feel heavy-handed. (It's not until the camera views Tadzio fully, pulls back and we see his long, slender legs, that we realize he is not a boy, but an adolescent -- at first we're forced to question Gustav's attraction in an uncomfortable way; Visconti must have known that, and he doesn't shy away from it.) Visconti is extremely patient with Gustav; we get a sense of the man, we know him. It's a largely silent performance, and when he does open his mouth it's to spew venom; no wonder he wants the angelic, open-featured boy to project himself onto. There's a difference with Tadzio (we never know him, just as we never know a handful of Fellini grotesques; but that's because his life is another, its own film), but it's not as flirtatious as it's been made to seem (there is one scene, however, where he twirls around a pole that's too much). Tadzio isn't necessarily leading him on -- he's looking at him; Visconti just zooms in is all.

The film doesn't detail Gustav as being gay -- Tadzio isn't even really male, he's a prettified version of a boy (delicate, pale, wispy, with golden locks) that everyone seems to love (including one gorgeous, slightly older young man who he wrestles with). The closest they go to showing what could be understood as a reference to Gustav's homosexuality is the famous barber scene, which unlocks his repressed vanity.

It isn't totally successful -- the whole section with Alfred is a waste, and some unnecessary scenes, people carrying bags in long shot, could have been excised. Some parts are heavy-handed, such as when Gustav's boat pulls in and rowdy boys pass him by -- the looks on his face are too obvious. (But during the same scene Gustav throws a fit, wanting a new rower, something so unexplainable that it makes up for it.) But there are some scenes -- touching for the first time -- that build up a remarkable, quiet intensity. Tadzio repeating a piano song again and again, the notes quivering in the air, may be the best example of the anxiety the film has. There is one discussion that contains a debate I'm especially interested: Can art be spiritual if it satisfies the senses, or does it have to go beyond them? (We can consider Tarkovsky, who esteems both Visconti and Mann, to be the prime example of someone going beyond mere sensory sensations.) I think this one manages to do both. 9/10


text: Het is misschien moeilijk uit te leggen, maar deze film is een meesterwerk. Misschien omdat ik me nooit had kunnen voorstellen dat een verhaal als dit, of een film met zo weinig woorden, al die poëzie zou uitdrukken. De ware poëzie en aristocratie van de menselijke hartstochten en obsessies. Bogard is verbazingwekkend en onnodig om te zeggen dat Venetië wordt gebruikt als een volmaakt decor: donker, deprimerend en somber, net als Bogards ziel. En klassieke muziek is meer een eenvoudige achtergrondmuziek die de menselijke gevoelens begeleidt. Naar mijn mening een klassiek meesterwerk van de europese filmkunst.

text_en: It may be hard to explain how, but this film is a masterpiece. Perhaps, because i never imagined that a plot like this or a film with so few words would convey all this poetry. The true poetry and aristocracy of human passions and obsession. Bogard is amazing and needless to say that Venice is utilised as a perfect scenery: dark, sinking and dreary just like Bogard's soul. And classical music is more that a simple background escort to human feelings. In my opinion, a classic masterpiece of european film-making.


text:
Vanaf de eerste tot en met de laatste scène blinkt regisseur Visconti uit in zijn kunst, in die zin dat de film voor God mag weten hoe lang een culturele schat blijft. Het is perfectie <0xE2><0x80><0x93> als film, bedoel ik <0xE2><0x80><0x93> maar het verhaal heeft een paar kleine tekortkomingen.
De roman van Thomas Mann is ook een perfect kunstwerk, dus het is natuurlijk onmogelijk om het in een andere vorm te gieten. Visconti volgt het verhaal min of meer, en pas als hij een beetje afwijkt, hapert de overgang. En hoe prachtig het landschap ook is, de spanning in de lucht tussen de personages, de honderden subtiele signalen en allegorieën, de bijna onverdraaglijk verhoogde bezetting van Mahlers muziek <0xE2><0x80><0x93> toch verontrusten de minieme afwijkingen in de plot me.
Misschien ben ik gewoon het slachtoffer van het verlangen van de mens om alles perfect te hebben. Niettemin zal ik één voorbeeld noemen, dat ik als cruciaal beschouw.
WACHTWOORD: SPOILERS
In Manns verhaal eet Aschenbach de aardbeien die waarschijnlijk de ziekte bevatten die hem zal doden, nadat hij zijn gefrustreerde jacht op de jongen Tadzio in Venetië heeft opgegeven. Niet in staat om de ene lekkernij te vangen, neemt hij genoegen met een andere <0xE2><0x80><0x93> die hem vergiftigt. Het is heel subtiel in het boek, maar het is er wel. De verboden vrucht, min of meer, maar meer een teken dat hij het leven zelf opgaf.
In Visconti's film eet hij ook aardbeien, maar in een nogal onbetekenende scène bij het strand. De jacht in Venetië eindigt op een veel melodramatischere manier. Het werkt ook, maar het ontbreekt aan enige subtiliteit, inderdaad, en ook aan het gelaagde symbolisme, dat voedsel geeft om over na te denken.
Maar dat is allemaal vergeven als de film ons in staat stelt ons tegoed te doen aan prachtige scènes, gezichten en constellaties, en zeker aan zoveel andere symbolen als we kunnen verteren: het laatste gebaar van Tadzio, staande in het water, is de even sublieme en mysterieuze finale.

text_en:
From the first to the last scene of the movie, director Visconti excels at his art, to the extent that the movie is ensured to remain as a cultural treasure for only God knows how long. It is perfection - as a movie, that is, but the story has some minor shortcomings.

Thomas Mann's novel is also a perfect piece of art, so of course it is impossible to bring into another media. Visconti follows the story pretty much, and it is only when he allows himself to deviate slightly, that the transition falters. And no matter how wonderful the scenery is, the tension in the air between the characters, the hundreds of subtle signals and allegories, the almost unbearably heightened serving of Mahler's music - still, the minute anomalies in the plot disturb me.

Maybe I'm just a victim of man's desire to flaw the flawless. Nevertheless, I will offer one example, which I regard as crucial.

WARNING: SPOILERS

In Mann's story, Aschenbach eats the strawberries which probably contain the disease that will kill him, after giving up his frustrated chase of the boy Tadzio in Venice. Unable to catch one delight, he settles for another - which poisons him. It is very subtle in the book, but it is there. The forbidden fruit, of sorts, but more a sign of him surrendering life itself.

In Visconti's film, he also eats strawberries, but in a rather insignificant scene by the beach. The chase in Venice ends in a much more melodramatic way. It works, too, but lacks some subtlety, indeed, and also the multi-layered symbolism, giving food for thought.

But that's all forgiven, when the film allows us to feast on beautiful sceneries, faces and constellations, and certainly as many other symbols as we can possibly digest - the last gesture of Tadzio, standing in the water, being the equally sublime and mysterious finale.


text:
Bevat Spoilers

Luchino Visconti's verfilming van de novelle van Thomas Mann is visueel, zo niet filosofisch, trouw aan de bron (Brittens opera is een getrouwer weergave van de apollinische en dionysische strijd die de op leeftijd geraakte schrijver teistert). Het is zonder meer een van de mooiste films die ooit zijn gemaakt.
In de Visconti-versie ligt de nadruk meer op de fysieke aspecten van het verhaal. Nooit heeft Venetië er mooier en verleidelijker, decadenter en slapelozer uitgezien. Als je de novelle hebt gelezen, is het alsof de beschrijvingen op de bladzijden tot leven komen. Hoewel hij erg weinig dialoog heeft, brengt hij de bitterheid, de opgelaaide passie en uiteindelijk het meelijwekkende verlangen van Aschenbach alleen al door middel van gezichtsuitdrukkingen over. Bj<0xC3><0xB6>rn Andresen, de jonge acteur die Tadzio speelt, het beeldschone voorwerp van Aschenbachs verlangen, was perfect gecast. Ook hij speelt de rol met gezichtsuitdrukkingen en gebaren. De rol van Tadzio is van cruciaal belang voor het verhaal, dus elke acteur in deze rol moet het waard zijn om hartstocht en verlangen op te wekken. Visconti, met zijn ongelooflijke oog voor schoonheid, wist precies wat hij deed. En om Ashenbach van een schrijver te veranderen in een componist die gebaseerd was op Gustav Mahler, en vervolgens Mahlers muziek te gebruiken, vooral de Adagietto uit de Vijfde Symfonie, was nog een briljante zet. De muziek en _Dood in Venetië_ zullen altijd onlosmakelijk met elkaar verbonden blijven in mijn gedachten. Net als de spookachtige beelden die door de film heen opduiken, vooral dat laatste van Ashenbach die op het strand sterft terwijl Tadzio langzaam de zee in loopt.
Op een dag zal deze film op dvd worden uitgebracht en zullen de visuele pracht en praal ervan volledig aan ons worden teruggegeven.

text_en:
Contains Spoilers

Luchino Visconti's film adaptation of Thomas Mann's novella is visually, if not philosophically, faithful to its source (Britten's opera offers a more faithful reading of the Apollonian/Dionysian struggles which consume the aging writer). It is certainly one of the most gorgeous films ever made.

 In the Visconti version, the emphasis is more on the physical aspects of the story. Never has Venice looked more beautiful and alluring, more decadent and effete. If you've read the novella, it's like having the descriptions on its pages come to life. Dirk Bogarde gives an outstanding performance as Gustav von Aschenbach. Although he has very little dialogue, he conveys the bitterness, aroused passion and finally, pitiful yearning of Aschenbach through facial expressions alone. Bjorn Andresen, the young actor who plays Tadzio, the beautiful object of Aschenbach's desire, was perfectly cast. He too plays the part with facial expressions and gestures. The Tadzio character is pivotal to the story, so any actor in this role must be worthy of inspiring passion and desire. Visconti, with his incredible eye for beauty, knew exactly what he was doing. And changing Ashenbach from a writer to a composer based on Gustav Mahler, and then using Mahler's music, especially the Adagietto from the 5th Symphony, was another brilliant stroke. Although I'd read the Mann story before the film, Mahler's music and Death in Venice will always be inextricably linked in my mind. As will the haunting images which appear throughout the film, especially that last one of Ashenbach dying on the beach as Tadzio walks slowly into the sea.

 One day this film will be released in DVD widescreen format and its visual splendors completely restored to us.


text: Persoonlijk kan ik het alleen maar eens zijn met Stephen-12: laat je gaan. Het heeft echt geen zin om te proberen deze film te 'vangen'. Ik hou van films waarin niets (onopvallend) gebeurt. Herzogs 'Aguirre, der Zorn Gottes' heeft hetzelfde niets, hoewel die film minder overtuigend is, omdat de climaxen nogal in het begin van het verhaal zitten, dus moest Herzog zich concentreren op de natuur versus Kinski. _Morte a Venezia_ is echter heel anders, omdat die verschillende climaxen, wendingen enzovoort heeft. Vanaf het punt waar Aschenbachs bagage verloren gaat, gaat de film bijna'snel' naar zijn grote finale (zijn laatste zandkorrels beginnen door de zandloper te lopen na het moment van gelukzaligheid waarop hij fantaseert over het waarschuwen van de Poolse familie en het strelen van Tadzio's haar). Je kunt, als je wilt, in deze een paar echte aanwijzingen/symbolen zoeken (dat hij probeert zijn bagage achter te laten vanaf het moment dat hij arriveert, dat Tadzio aan het eind wijst, dat de inhoud en de vorm van de hele film volkomen in overeenstemming zijn), maar het heeft geen zin om dat te doen: het zal de film niet beter of slechter maken, want de kracht ligt in de onderstroom van de hele verhaallijn, die nooit expliciet wordt gemaakt. Tonnen geschiedenis, rottend Europa, het einde van het 'romantische tijdperk' zoals we het hebben leren kennen, dat slechts het begin is gebleken (individuele emoties & uitdrukkingen zijn nu belangrijker dan ze ooit zijn geweest). Maar wacht, nu begin ik zelf die ene kleine (kleine) tekortkoming van de film te ontwikkelen: de 'laten we het over kunst hebben'-fragmenten. Nu is er één ding dat je nooit moet doen. Ikzelf geloof dat het op andere manieren tot uitdrukking had kunnen komen. Bovendien geloof ik dat het in de rest van de film al heel duidelijk wordt.<br />Ik hou niet van expliciete films. Ik kan boeken lezen, dus ik wil geen verhaallijn die alleen maar spreekt tot mijn beweegredenen. Ik geef de voorkeur aan films die je niet in woorden kunt uitleggen, maar alleen in film (Lynch' Lost Highway, Weir's Picknick bij Hanging Rock en Roeg's Roeg). s Man Who fell to Earth behoort ook tot die categorie, want het heeft een reden om te bestaan als film en niet alleen als boek. En de novelle van Thomas Mann dan? Ik heb het nooit gelezen, maar vergeet het maar! De film geeft een ander gezichtspunt: hij zegt dingen die je nooit in een boek kunt zeggen. Hij gebruikt de filmkunst om je door beelden en muziek hetzelfde te laten voelen als wat Mann je liet voelen door middel van tekst. Net zo briljant, maar andere werelden.

text_en:
Personally, I can only but agree with Stephen-12: indulge. There's really no point in trying to 'capture' this film. I like movies where nothing (explicitly) happens. Herzog's 'Aguirre, der Zorn Gottes' has got the same nothingness, though that movie is less convincing, since the climaxes are rather in the beginning of the story, so Herzog had to focus on nature versus Kinski. Morte a Venezia is wholly different though, since it has several climaxes, turns, etc. In fact, from the point where Aschenbach's luggage is lost, the movie almost 'rushes' to its grand finale (his final grains of sand begin running through the hourglass after the moment of bliss where he fantasises about warning the Polish family and caressing Tadzio's hair).

You can, if you want to, seek some real clues/symbols in this one (his trying to leave behind his luggage from the moment he arrives, the pointing Tadzio at the end, the fact that in the whole film content and form are completely in sinc), but there's no point in doing this: it won't make the film better or worse, since its force lies in the whole storyline's undertow, which is never made explicit. Tons of history, decaying Europe, the end of the 'romantic era' as we've come to know it, which has proven to be only the beginning of it (individual emotions & expression are more important now than they ever were). But wait, now I myself am beginning to develop the one minor (tiny) flaw of the film: the 'let's talk about art'-parts. Now there's one thing never to do. I myself believe it could have been expressed by other means. Furthermore, I believe it becomes already very clear in the rest of the film.

I don't like explicit films. I can read books, so I don't want a storyline that speaks merely to my rationale. I prefer films that you cannot explain in words, but only in film (Lynch's Lost Highway, Weir's Picknick at Hanging Rock and Roeg's Man Who fell To Earth also belong in this category), for then, and then only, it has a reason to exist as film and not merely as a book. So what about Thomas Mann's novella? I've never read it, but forget about it! The movie gives a different point of view: it says things you can never say in a book. It uses the movie-art to make you feel, through images and music, the same thing that Mann made you feel, using text. Equally brilliant, but different worlds.


text: Visconti's meesterwerk! Ik geef toe dat ik veel van zijn werk niet ken, maar ik kan me niet voorstellen dat zijn andere werk deze fabelachtige film zou overtreffen. Gisteravond heb ik _Dood in Venetië_ gezien na een afwezigheid van ongeveer 25 jaar en ik was volkomen geboeid door alles wat ik zag. Deze geboeidheid was een pastiche die uit vele elementen bestond: de buitengewone opnamen die Visconti heeft gemaakt, voornamelijk zijn liefde voor lange, lome opnamen van mensen die eten, zwemmen, wandelen en een belangrijk karakter uitbeelden terwijl ze door deze massa mensen lopen; de briljante interpretatie door de filmers van Visconti's keuze van de opnamen; het acteren volgens de principes zonder al te veel dialogen en de scènes alleen al door de gezichtsuitdrukkingen complex laten overkomen. Het is waar: jonge mensen die deze film voor het eerst zien, moeten zich ervan bewust zijn dat ze naar een unieke film kijken, een film die in 2006 niet gemaakt had kunnen worden. Een film waarvan de tijd ligt in die korte periode in de jaren zestig en zeventig van de vorige eeuw, toen de artistieke vrijheid werd gegeven aan filmregisseurs en filmbonzen die secundaire rollen kregen. Zoals veel commentatoren van IMDb hebben geschreven, is deze film naar hun mening lang, saai (te weinig actie) en pretentieus. Ik neem aan dat deze commentaren, naar de maatstaven van Hollywood-pap, verdienstelijk zijn. Jammer genoeg minimaliseren ze op tragische wijze de verbazingwekkende schoonheid en diepte van dit werk en Alsjeblieft, als je de Dood in Venetië niet hebt gezien, huur dan een exemplaar en verdiep je in een film en een verhaal uit een andere tijd. Je zult beloond worden.

text_en:
Visconti's masterpiece! I admit that I am unfamiliar with much of his work but I cannot imagine his other work surpassing this fabulous film. Last night I watched Death in Venice after an absence of about 25 years and was totally captivated by all that I saw. This captivation was a pastiche composed of many elements: The extraordinary shots directed by Visconte, primarily his love of long, languorous shots of people dining, swimming, walking and containing a significant character passing through this mass of people; the cinematographers brilliant interpretation of Visconti's shot selection; the acting by the principles without over-riding dialog and conveying the scenes complexity through facial features alone.

It is true: young people watching this film for the first time must be aware that they are watching a unique film, a film that could not be made in 2006. A film whose time rests in those brief handful of years in the Sixties and early Seventies of the last century when artistic license was passed to film directors and money-men took secondary roles. As many of the recent IMDb commentator's have written, this film, in their judgment, is long, boring (too little action) and pretentious. I suppose by the standards of Hollywood pap, these comments contain merit. Unfortunately they tragically minimize the amazing beauty and depth of this work and others like it from those years.

Please, if you have not seen Death in Venice, rent a copy and immerse yourself in a film and story from another time. You will be rewarded.


text: Ik heb die film vele jaren geleden gezien en ik vond hem verschrikkelijk <0xE2><0x80><0x93> ik kon niet wachten tot hij afgelopen was en ik zou naar buiten zijn gelopen als er niet een meisje op mijn schouder had liggen slapen. Weet je wat? Ik ben die film nooit vergeten, sterker nog, ik zou zeggen dat hij me door de jaren heen blijft achtervolgen met zijn beelden en muziek. Over hoeveel films heb ik gehuild en gelachen in de bioscoop, en ze vervolgens vergeten zodra ik de straat op ging, zoals... zie je, ik kan er niet eens een bedenken! Rarer zijn films als _De dood in Venetië_, die je bewustzijn binnendringen en de zee veranderen. De Fransen zeggen graag dat film een kunst is, en films als deze bewijzen dat ze gelijk hebben. Ik geef hem 10 sterren, hoger dan de 3 die ik hem gaf op de avond dat ik hem zag.

text_en: I saw this film many years ago, and absolutely hated it -- I could not wait for it to end, and would have walked out, but there was a girl sleeping on my shoulder. You know what? I have never forgotten this film, and more, I would say that it continues to haunt me with its images and music over the years. How many movies have I wept over and laughed over in the moviehouse, then forgotten as soon as I hit the street, like ... you see, I can't even think of one! Rarer are films like Death in Venice that enter your consciousness and work sea changes. The French like to say film is an art, and movies like this one prove they are right. I give it 10 stars, up from the 3 I gave it the night I saw it.


text: Het heeft alle elementen die je zult haten <0xE2><0x80><0x93> een lome benadering van de filmtaal, een schilderachtig gevoel voor compositie, een intense homo-erotische focus op het elegante verhaal, een prachtig en ongebruikelijk gebruik van muziek en, erger nog, het is gebaseerd op een verhaal dat je waarschijnlijk ook zou haten... Maar als je vindt dat films geen alternatieve plot hebben, niet vol actie en waardeloze dialogen zitten, niet de visuele grammatica van MTV/TV Commercials nodig hebben, kijk dan dit eens. Het is een van mijn favoriete films en misschien wel Visconti's meest perfect geconstrueerde werk. Het is subliem, net als de beweging van Mahler die hij door de hele film heen nadrukkelijk gebruikt.

text_en: Philistines beware, especially American ones! This has all the elements you'll hate - a langorous approach to film language, a painterly sense of composition, an intense homoerotic focus to its elegant narrative, a wonderful and unusual use of music and, even worse, it's based on a story you'd probably hate as well... If, however, you do feel that films don't to have derivative plotlines, be full of action and crappy dialogue, don't need the visual grammar of MTV/TV Commercials, then watch this. It's one of my favourite films, and is perhaps Visconti's most perfectly formed piece of work. It's sublime, like the movement of Mahler he uses insistently throughout the film.


text:
Ik weet niet goed waar ik moet beginnen. Kortom, het was een teleurstellende film. Omdat ik lesgaf in de novelle, was ik me ervan bewust dat het een moeilijk verhaal zou zijn om in een film om te zetten. De film heeft een paar interessante zinnen (voornamelijk tussen Alfred en Aschenbach), maar hij vertegenwoordigt niet het debat over kunst dat de novelle in wezen vormt.
Om te beginnen verwachtte ik een oudere Aschenbach en een jongere Tadzio. In het boek is Tadzio veertien, maar hij wordt beschreven als puur, ideaal, onschuldig, terwijl hij in de film naar seks stinkt en een plaaggeest is. Hij is een medeplichtige van Aschenbach, hij kijkt altijd naar hem terug, bijna uitdagend. In het boek is het Aschenbach die steelse blikken op de jongen werpt. Wat Aschenbach betreft, ik had me iets voorgesteld dat meer leek op de professor die in een clown veranderde in The Blue Angel (gebaseerd op een verhaal van de broer van Thomas Mann) dan deze veertigjarige met nauwelijks grijs haar. Eerlijk is eerlijk, ik vind dat Dirk Bogarde goed werk heeft geleverd, maar iemand anders had dat moeten doen, of hij had er in het begin ouder uit moeten zien.
Ik weet dat de ontdekking van homoseksualiteit belangrijk is voor het verhaal, maar de film beperkt het gepraat over kunst en de tweespalt tussen de apollinische en Dyonisische inspiratie en richt zich in plaats daarvan op Aschenbachs obsessie voor Tadzio en rechtvaardigt dat niet. Ik vond het mooi dat Mahlers muziek werd gebruikt, want uiteindelijk inspireerde hij Mann tot het schrijven van zijn verhaal. Ik weet niet of het wel zo'n slimme zet was om van Aschenbach een musicus te maken. Of de creatie van Alfred, die ik me niet uit het boek herinner.
En wat me vooral opviel was het geluid en het feit dat het niet bij de lippen van de acteurs paste. Ik vroeg me af of het misschien een andere titel had gekregen omdat ik verwachtte dat het in het Italiaans zou zijn. Maar toen herinnerde ik me dat elke Italiaanse film die ik heb gezien dit probleem heeft. Het zit me alleen dwars omdat deze regisseurs (Fellini is de andere persoon die ik bedoel) me dwarszit. Ik denk aan de scènes waarin Aschenbach bijna in elkaar zakt en begint te lachen. Deze scène had/had de sterkste moeten zijn, maar was in plaats daarvan irritant.

text_en:
I'm not sure where to start with this. In short, it was a disappointing movie. Having taught the novella, I was aware that it would be a hard story to turn into a movie. The movie has a couple of interesting lines (mainly between Alfred and Aschenbach) but it doesn't represent the debate on art that basically shapes the novella.

For one, I was expecting an older Aschenbach and a younger Tadzio. In the book, Tadzio is fourteen, but he is described as pure, ideal, innocent, whereas in the movie he reeks of sexuality and is a tease. He is an accomplice to Aschenbach, he always looks back at him, almost provokingly. In the book, it is Aschenbach who steals glances at the boy. As for Aschenbach, I imagined something closer to the professor-turned-clown in The Blue Angel (based on a story by Thomas Mann's brother Heinrich) than this forty-year old with hardly any gray hair. In all fairness, I do think that Dirk Bogarde did a good job, but either someone else should have done that, or he should have made to look older at the beginning.

I know that the discovery of homosexuality is important to the story, but the movie minimizes the talk about art and the duality between the Apollonian and Dyonisian inspirations and focuses instead on Aschenbach's obsession of Tadzio and does not justify it. I liked the fact that Mahler's music was used, because ultimately he did inspire Mann to write his story. I'm not sure turning Aschenbach into a musician was a particularly good move. Or the creation of Alfred who I don't remember in the book.

And one thing that really got to me was the sound and how it did not match the actors' lips. I was wondering if it was dubbed because I expected it to be in Italian. But then I remembered that each Italian movie I have watched has this problem. It just bothers me because these directors (Fellini is the other person I'm thinking of) are supposed to epitomize perfection in Italian cinema, and here are their characters laughing without sound, then you hear a noise that doesn't correspond to their faces (I'm thinking of the scenes when Aschenbach almost collapses and starts laughing. This scene could/should have been the strongest, but it was annoying instead).


text:
Zijn muziek, vooral wat we er hier over horen, is erg traag. Vanaf het tijdstip van Bachs dood hadden componisten manieren bedacht om de muziek in een steeds langzamer tempo te laten vorderen: meer dan een eeuw later schreven Wagner en Mahler stukken die zo langzaam zijn als muziek maar kan zijn. <0xE2><0x80><0x93> Je kunt natuurlijk vals spelen door een 4/4 mars te schrijven en dan een tempo te bepalen van, laten we zeggen, semiquaver ren 1, maar dat tempo zou niet het juiste tempo zijn. Wagner en Mahler schreven muziek die BELANGRIJK wordt gespeeld in een slakkengang. Gezien het feit dat de traagheid in geen enkel opzicht klinkt als te langzaam'slak' is dat de verkeerde uitdrukking. Een criticus schreef over een beroemde Wagner-dirigent: 'Hij slaat de tijd niet, hij slaat de eeuwigheid.' Voor zover ik weet, was dat misschien als compliment bedoeld.
Ik heb het gevoel dat de regisseurs in het begin van de jaren zeventig hebben bedacht hoe ze de traagst mogelijke films moesten maken: je hebt 'Death in Venice' en je hebt 'Solyaris'. Ik geef de voorkeur aan het eerste. Om te beginnen stapt 'Solyaris' over de streep, of een andere streep, en wordt slaapverwekkend; 'Death in Venice' grijpt je van begin tot eind bij de keel. Er gebeurt niet veel, maar het gebeurt allemaal in de juiste volgorde, in het juiste tempo, met fotografie waar je in kunt verdwalen.
Een andere manier om vals te spelen met muziek is, tussen haakjes, om iets te schrijven dat niet deugt. Dergelijke muziek klinkt traag, maar is in feite gewoon onmuzikaal, net zoals veel films traag aanvoelen omdat ze geen ritme en vorm hebben. 'Dood in Venetië' hoort daar niet bij. Het is in elk opzicht prachtig, het doet je denken aan de tijdloosheid en de contextloosheid van kwaliteit. Je hebt geen theoretische kennis nodig om te reageren op Visconti's meesterschap, zoals je ook reageert op de incompetentie van een mindere regisseur. Het is een groots werk.

text_en:
His music, especially what we hear of it here, is very slow. From around the time of Bach's death composers had been working out ways of making music progress at a slower and slower pace: over a century later, Wagner and then Mahler wrote pieces that are about as slow as it is possible for music to get. -Of course, one can cheat by writing a 4/4 march and then specifying a tempo of, say, semiquaver = 1, but that tempo wouldn't be the correct tempo. Wagner and Mahler wrote music that is PROPERLY played at a snail's pace. Given that the slowness in no sense sounds too slow "snail's pace" is the wrong expression. A critic wrote of a famous Wagner conductor, "He doesn't beat time, he beats eternity." For all I know this was meant as a compliment.

I get the feeling that around the early 1970s directors worked out how to make the slowest possible films: there's "Death in Venice", and there's "Solyaris". I much prefer the former. For one thing, "Solyaris" steps over the line, or some line, and becomes soporific; "Death in Venice" is gripping from beginning to end. Not much happens, but it all happens in the right sequence, at the right pace, with photography you can get lost in

Another way of cheating with music, by the way, is to write something that doesn't really have a tempo at all. Such music sounds slow, but is really just unmusical, just as many films feel slow because they lack rhythm and form. "Death in Venice" isn't one of them. Beautiful in every respect, it will remind you of the timelessness and contextlessness of quality. You need no theoretical knowledge to respond to Visconti's mastery, as you do to respond to a lesser director's incompetence. It's a great work.


text:
Een film om de kijkers te verdelen. Alleen de kritiek wijst op het begrafenistempo, de overbelichte close-ups en de hardnekkige blikken tussen de hoofdrolspelers. Advocaten wijzen op Dirk Bogardes indrukwekkende acteerprestaties en Pasqualino De Santis' beste foto's van Venetië.
Alles bij elkaar genomen zou dit een toegeeflijke, geromantiseerde lofzang kunnen zijn op de nobele edelheid van de homoseksuele liefde (in een tijd, 1971, toen het wettelijk toegestaan werd). Visconti is er in feite in geslaagd een rijkere, complexere film te maken dan zo'n eenmalig product. Hij heeft zijn ideeën <0xE2><0x80><0x93> met fouten en al <0xE2><0x80><0x93> tot een nauwgezet geco<0xC3><0xB6>rdineerde boog samengesmeed.
Binnenin bevindt zich inderdaad de centrale voorstelling van Bogardes Aschenbach. In plaats van een onnozele, pas-op-de-wereld-homo slaagt hij erin een pathetische componist, verslagen door tragedie en onbegrepen integriteit, te helpen die redding ziet in Tadzio. Zijn gehypnotiseerde, wankelende rondgang door een steeds helser Venetië na de jongen is een treffende metafoor voor de vasthoudendheid van de kunstenaar voor de waarheid in het aangezicht van de dilettantenbende (en het is expliciet geïllustreerd met zo'n flashback).
Mahlers muziek is misschien een beetje te veel van het goede, hoewel ze goed is nagebootst. De Italiaanse overdub is een slopend anachronisme, maar gelukkig lijdt het acteerwerk er niet te veel onder.

text_en:
A film to divide its viewers. Just criticism points at its funereal pace, over-used snap zooms and persistent, lingering gazes between the protagonists. Advocates point to Dirk Bogarde's mighty performance and Pasqualino De Santis' benchmark photography of Venice.

Taken altogether, this might suggest an indulgent, romanticised elegy for the nobility of homosexual love (at a time, 1971, when it was becoming consensually legal). In fact Visconti has succeeded in making a richer, more complex film than such a single-issue vehicle. He has knit his ideas - foibles and all - into a meticulously paced arc.

Inside this does indeed sit the central performance of Bogarde's Aschenbach. Rather than a simpering, Johnny-come-lately gay, he manages to give a pathetic composer beaten by tragedy and misunderstood integrity who sees salvation in Tadzio. His mesmerised staggering around an increasingly hellish Venice after the boy is a straight metaphor for the artist's tenacity for truth in the teeth of the dilettante mob (and it is explicitly cut with such a flashback).

Mahler's music is possibly a little over-used although it is well appropriated. The Italian overdub is a wearing anachronism but thankfully the acting doesn't suffer too much. 7/10


text: De grootste tragedie die de mens te wachten staat, is dat hij, die zo vaak van het goddelijke kan genieten, genoegen neemt met het banale. Uit dit feit komt zoveel grote tragedie naar voren. _Dood in Venetië_ is een van de zeer weinige films met het geduld en de dapperheid om dit feit rechtstreeks aan te pakken. De film confronteert het menselijk oog met schoonheid en inspiratie in hun twee meest onvermijdelijke menselijke vormen: zelfontkenning en verval. Ongetwijfeld is dit de grootste film die geen merkbare invloed heeft op de bioscoop. Zijn strenge, verfijnde uiterlijk, galmende geluid, mengsel van niet-ondertitelde talen en hoogst uitdagende thema's zijn onmogelijk na te bootsen: evenzeer een toeval van zijn bijzondere productie als van de visie van de regisseur. De centrale rol, tegelijkertijd stijf, opgewonden en kwetsbaar in het aangezicht van expressie en decadentie, accentueert Bogarde alsof hij misschien niet de beste Britse acteur van zijn generatie is, maar zeker wel de avontuurlijkste. In staat om sympathie te behouden als zijn verlangens hem overmeesteren en interessant ondanks de eindeloze close-ups en de Mahler-score boven hem. Niet iets voor een vrijdagavond met je vriendin, maar zeker oké als je de grenzen van de menselijke geestelijke beperking wilt verkennen.

text_en: The greatest tragedy man faces is that, capable so often of the divine he settles for the banal.From this fact does so much great tragedy emerge. Death in Venice is one of very few films with the patience and bravery to tackle this fact head-on.It confronts the human eye with beauty and inspiration in their two most inevitable human forms-self denial and decay. Undoubtedly this is the greatest film to have no discernable influence on mainstream cinema. Its austerely refined look, echoey sound, mixture of unsubtitled languages, and highly challenging themes being impossible to copy: as much an accident of its peculiar production as of the vision of its director. The central performance, at once rigid, aroused, and vulnerable in the face of expression and decadence highlights Bogarde as if not the best British actor of his generation then certainly the most adventurous. Able to hold on to sympathy as his desires take him over and interesting despite the endless close-ups and Mahler score playing above him Not one for a Friday night with your girlfriend but certainly OK if you want to explore the limits of human spiritual limitation.


text:
Als alle films vernietigd moesten worden en er maar één gespaard kon worden, dan moest dat _Dood in Venetië_ zijn. Het is een monument in de filmgeschiedenis. Er is veel kritiek op deze film omdat hij traag, saai en te voor de hand liggend is als het gaat om waar het om gaat (een oude man ontdekt de schoonheid van een jonge jongen en wordt op tragische wijze vernietigd, eerst mentaal, dan fysiek). We moeten deze film waarderen om wat hij is. _Morte a Venezia_ is meer dan dertig jaar geleden opgenomen en toont een periode die zelfs nog verder teruggaat, aan het begin van de twintigste eeuw.
In die tijd was het leven traag in vergelijking met nu. Mensen werden geacht zich op een bepaalde manier te gedragen en hun ware emoties zelfs voor zichzelf te verbergen. Directeur Visconti en Dirk Bogarde, de hoofdrolspeler, slagen er op bewonderenswaardige wijze in om te laten zien hoe de oudere componist Von Aschenbach zijn romantische belangstelling voor een jonge jongen ontdekt. Voor een man als Von Aschenbach moet dit in zijn tijd een te grote schok zijn geweest om ermee in het reine te komen. We zien zijn innerlijke strijd, voornamelijk op het gezicht van Bogarde, tegen de prachtige achtergrond van Venetië en begeleid door de meest fantastische muziek, gecomponeerd door Gustav Mahler.
Deze film is traag, dat valt niet te ontkennen. Geen special effects, geen achtervolgingen in auto's of gevechten om het publiek op zijn plaats te houden. Ook geen perverse seksscènes; de interactie tussen man en jongen blijft beperkt tot steelse blikken van verre en af en toe een glimlach. In feite gebeurt er dus niet veel in deze film? Niet als je wilt dat je zintuigen worden bespeeld als de snaren van een viool in een romantisch concert. Dit is de film om dat te bereiken.

text_en:
If all movies had to be destroyed and only one could be spared, Death in Venice would have to be it. It is a monument in movie history. Much criticized for being slow, boring and too obvious in stating it's point (an old man discovers beauty in a young boy and is tragically destroyed, first mentally, then physically), we should appreciate this movie for what it is. 'Morte a Venezia' was shot over 30 years ago, and it portrays a period even further back, at the beginning of the twentieth century.

Life was slow then, compared to now. People were supposed to behave in a certain way, hiding their true emotions even from themselves. Director Visconti and Dirk Bogarde, the leading actor, admirably succeed in showing how the aging composer Von Aschenbach discovers his romantic interest in a young boy. For a man like Von Aschenbach, in his time, this must have been a shock too powerful to come to terms with. We see his inner struggle, mostly on the face of Bogarde, against the beautiful backdrop of Venice and accompanied by the most wonderful music, composed by Gustav Mahler.

This movie is slow, there is no denying it. No special effects, car chases or fights to keep the audience pinned to their seats. No perverted sex scenes either; the interaction between man and boy is limited to stolen glances from afar and the occasional smile.

So, basically, nothing much happens in this movie? Not if you want your senses to be hit like a base drum. If you want them to be played like the strings of a violin in a romantic concerto, this is the movie to do it.