Carnatic music
कर्नाटक संगीत, जिसे दक्षिण भारतीय भाषाओं में या के रूप में जाना जाता है, आमतौर पर दक्षिण भारत से जुड़ी संगीत की एक प्रणाली है, जिसमें आधुनिक भारतीय राज्य कर्नाटक, आंध्र प्रदेश, तेलंगाना, केरल और तमिलनाडु शामिल हैं। यह भारतीय शास्त्रीय संगीत की दो मुख्य उप-शैलियों में से एक है जो प्राचीन हिंदू ग्रंथों और परंपराओं, विशेष रूप से सामवेद से विकसित हुई है। दूसरी उप-शैली हिंदुस्तानी संगीत है, जो उत्तरी भारत से फारसी या इस्लामी प्रभावों के कारण एक अलग रूप के रूप में उभरा। कर्नाटक संगीत में मुख्य जोर मुखर संगीत पर है; अधिकांश रचनाएँ गाने के लिए लिखी जाती हैं, और जब वाद्ययंत्रों पर बजाई जाती हैं, तब भी उन्हें गायकी (गायन) शैली में प्रस्तुत किया जाता है। हालांकि शैलीगत अंतर हैं, (सापेक्ष संगीत की पिच), (एकल स्वर की संगीत ध्वनि), (मोड या मधुर सूत्र), और (लयबद्ध चक्र) के मूल तत्व कर्नाटक और हिंदुस्तानी संगीत दोनों में आशुरचना और रचना की नींव बनाते हैं। हालांकि आशुरचना एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है, कर्नाटक संगीत मुख्य रूप से रचनाओं के माध्यम से गाया जाता है, विशेष रूप से कृति (या कीर्तनम)-एक रूप जो 14 वीं और 20 वीं शताब्दी के बीच पुरंदर दास, कनक दास और कर्नाटक संगीत की त्रिमूर्ति जैसे संगीतकारों द्वारा विकसित किया गया था। कर्नाटक संगीत भी आमतौर पर रचनाओं के माध्यम से सिखाया और सीखा जाता है। अपने विकास के बाद की अवधि में, कर्नाटक संगीत के विकास में तेलुगु का वर्चस्व रहा है। अधिकांश कर्नाटक रचनाएँ तमिल में रचनाओं के साथ संस्कृत, तेलुगु और कन्नड़ में हैं। कर्नाटक संगीत आमतौर पर संगीतकारों के एक छोटे समूह द्वारा प्रस्तुत किया जाता है, जिसमें एक प्रमुख कलाकार (आमतौर पर एक गायक), एक मधुर संगत (आमतौर पर एक वायलिन), एक लय संगत (आमतौर पर एक मृदंगम) और एक तंबुरा होता है, जो पूरे प्रदर्शन में एक ड्रोन के रूप में कार्य करता है। प्रदर्शन में उपयोग किए जाने वाले अन्य विशिष्ट वाद्ययंत्रों में घटम, कांजीरा, मोर्सिंग, वेणु बांसुरी, वीणा और चित्रवीणा शामिल हो सकते हैं। कर्नाटक संगीतकारों की सबसे बड़ी सांद्रता चेन्नई शहर में पाई जाती है। विभिन्न कर्नाटक संगीत समारोह पूरे भारत और विदेशों में आयोजित किए जाते हैं, जिसमें मद्रास संगीत सत्र भी शामिल है, जिसे दुनिया के सबसे बड़े सांस्कृतिक कार्यक्रमों में से एक माना जाता है। भारतीय संस्कृति में सभी कला रूपों की तरह, भारतीय शास्त्रीय संगीत को एक दिव्य कला रूप माना जाता है जो देवताओं और देवी (हिंदू देवी-देवताओं) से उत्पन्न हुआ है, और इसका प्रतीक के रूप में सम्मान किया जाता है। प्राचीन ग्रंथों में जानवरों और पक्षियों की ध्वनियों से स्वरों या स्वरों की उत्पत्ति के संबंध का भी वर्णन किया गया है और अवलोकन और धारणा की गहरी भावना के माध्यम से इन ध्वनियों का अनुकरण करने के लिए मनुष्य के प्रयास का भी वर्णन किया गया है। ऐसा माना जाता है कि सामवेद, जिसने भारतीय शास्त्रीय संगीत की नींव रखी थी, में ऋग्वेद के भजन शामिल हैं, जो संगीतमय धुनों पर सेट किए गए हैं, जिन्हें वैदिक यज्ञों के दौरान तीन से सात संगीत स्वरों का उपयोग करके गाया जाता है। यजुर्वेद, जिसमें मुख्य रूप से बलिदान के सूत्र शामिल हैं, स्वर पाठ के साथ वीणा का उल्लेख करता है। रामायण और महाभारत जैसे महाकाव्यों सहित कई प्राचीन ग्रंथों में भारतीय शास्त्रीय संगीत का उल्लेख किया गया है। याज्ञवल्क्य स्मृति में उल्लेख किया गया है कि "जो वीणा में पारंगत है, वह जिसके पास ज्ञान है। कर्नाटक संगीत आज भी संगीत की अवधारणाओं (स्वर, राग और ताल सहित) पर आधारित है, जिनका कई प्राचीन कार्यों में विस्तार से वर्णन किया गया है, विशेष रूप से भरत के नाट्य शास्त्र और इलंगो अडिगल द्वारा सिलप्पाधिकारम। 12वीं शताब्दी के बाद से उत्तर भारत में फारसी और इस्लामी प्रभावों के कारण, भारतीय शास्त्रीय संगीत दो अलग-अलग शैलियों-हिंदुस्तानी संगीत और कर्नाटक संगीत में अलग होने लगा। टिप्पणियाँ और अन्य कृतियाँ, जैसे कि शारंगदेव की संगीत रत्नाकर, ने भारतीय शास्त्रीय संगीत में पाई जाने वाली संगीत अवधारणाओं के बारे में विस्तार से बताया। 16वीं और 17वीं शताब्दी तक, कर्नाटक और हिंदुस्तानी संगीत के बीच एक स्पष्ट सीमांकन था; कर्नाटक संगीत फारसी और अरबी प्रभावों से अपेक्षाकृत अप्रभावित रहा। यह वह समय था जब कर्नाटक संगीत विजयनगर में फला-फूला, जबकि विजयनगर साम्राज्य अपनी अधिकतम सीमा तक पहुँच गया। पुरंदर दास, जिन्हें "कर्नाटक संगीत के पिता (पितामह)" के रूप में जाना जाता है, ने उस प्रणाली को तैयार किया जो आमतौर पर कर्नाटक संगीत के शिक्षण के लिए उपयोग की जाती है। वेंकटमाखिन ने अपनी संस्कृत कृति चतुर्दंडी प्रकाशिका (1660 ईस्वी) में राग वर्गीकरण की मेलकर्ता प्रणाली के सूत्र का आविष्कार और लेखन किया। गोविंदाचार्य मेलकर्ता प्रणाली को संपूर्णा राग योजना में विस्तारित करने के लिए जाने जाते हैं-वह प्रणाली जो आज आम उपयोग में है। 18वीं और 19वीं शताब्दी में, कर्नाटक संगीत को मुख्य रूप से मैसूर साम्राज्य, त्रावणकोर साम्राज्य और तंजौर के मराठा शासकों के स्थानीय राजाओं द्वारा संरक्षण दिया गया था। मैसूर और त्रावणकोर राज्यों के कुछ राजघराने स्वयं प्रसिद्ध संगीतकार थे और वीणा, रुद्र वीणा, वायलिन, घटम, वेणु, मृदंगम, नादस्वरम और स्वरबत जैसे संगीत वाद्ययंत्र बजाने में निपुण थे। संगीत में निपुण कुछ प्रसिद्ध दरबारी संगीतकारों में वीने शेषन्ना (1852-1926) और वीने सुब्बन्ना (1861-1939) शामिल थे। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के दौरान, चेन्नई शहर (जिसे तब मद्रास के नाम से जाना जाता था) कर्नाटक संगीत के केंद्र के रूप में उभरा। पूर्ववर्ती रियासतों के विघटन और भारतीय स्वतंत्रता आंदोलन के 1947 में अपने समापन पर पहुंचने के साथ, कर्नाटक संगीत निजी संस्थानों द्वारा आयोजित टिकट प्रदर्शनों के साथ जनता की कला में संरक्षण में एक क्रांतिकारी बदलाव के माध्यम से चला गया, जिसे सभा कहा जाता है। दक्षिण भारत के बाहर कर्नाटक संगीत 18वीं शताब्दी से, विदेशों में दक्षिण भारतीय अप्रवासी समुदायों में वृद्धि हुई, विशेष रूप से दक्षिण पूर्व एशिया और सीलोन में। नाट्टुकोट्टई चेट्टियार जैसे समुदाय अपनी समृद्ध संरक्षण गतिविधि के कारण विदेशों में कर्नाटक सांस्कृतिक परिदृश्य के विस्तार में भाग लेते हैं। कर्नाटक संगीत कलाकार इसलिए दक्षिण भारतीय समुदायों के बीच विदेशों में प्रदर्शन करते हैं जो स्थानीय सामुदायिक जीवन को जीवंत करने के लिए उनके आने का अनुरोध करते हैं। 20वीं शताब्दी से, कर्नाटक संगीत ने श्रीलंका की आबादी के कुछ सामाजिक वर्गों के बीच महत्वपूर्ण लोकप्रियता हासिल की, जो उस समय हिंदू पुनरुत्थान के रूप में जाने जाने वाले एक प्रमुख सांस्कृतिक आंदोलन से बहुत प्रभावित थे। इस प्रकार 1920 और 1930 के दशक के दौरान कर्नाटक संगीत को कोलंबो और जाफना बुर्जुआ वर्ग के सांस्कृतिक और पहचान के प्रतीक के रूप में और अधिक व्यापक रूप से श्रीलंकाई तमिल सांस्कृतिक पहचान के रूप में विनियोजित और अत्यधिक महत्व दिया गया था। आधुनिक श्रीलंकाई तमिल पहचान के निर्माण में कर्नाटक संगीत को दिया गया स्थान महत्वपूर्ण अनुपात तक पहुंच गया है, जैसे कि अधिकांश जाफना कॉलेजों के पाठ्यक्रम में इसकी क्रमिक वृद्धि, जहां इसने 1930 के दशक के मध्य से पश्चिमी शास्त्रीय संगीत की शिक्षा को प्रतिस्थापित किया, या कोलंबो और जाफना के उच्च सामाजिक वर्गों के बीच इसका उच्च सम्मान, जहां युवा महिलाओं के बीच कर्नाटक संगीत की शिक्षा अच्छी शिक्षा के संकेत के रूप में अपेक्षित है। कई लोगों ने अपने कौशल में सुधार के लिए भारत की यात्रा की है और अभी भी कर रहे हैं। कर्नाटक संगीत में मुख्य जोर मुखर संगीत पर है; अधिकांश रचनाएँ गाने के लिए लिखी जाती हैं, और जब वाद्ययंत्रों पर बजाई जाती हैं, तब भी उन्हें गायन शैली (गायकी के रूप में जाना जाता है) में प्रस्तुत किया जाता है। हिंदुस्तानी संगीत की तरह, कर्नाटक संगीत दो मुख्य तत्वों पर आधारित हैः, मोड या मधुर सूत्र, और, लयबद्ध चक्र। आज, कर्नाटक संगीत संगीतकारों द्वारा संगीत समारोहों या रिकॉर्डिंग में या तो मुखर रूप से या वाद्ययंत्रों के माध्यम से प्रस्तुत किया जाता है। कर्नाटक संगीत स्वयं संगीत कार्यों या अभूतपूर्व संगीतकारों की रचनाओं के इर्द-गिर्द विकसित हुआ (नीचे देखें)। महत्वपूर्ण तत्व श्रुति श्रुति आमतौर पर संगीत की पिच को संदर्भित करता है। यह पश्चिमी संगीत में एक टॉनिक (या कम सटीक रूप से एक कुंजी) के अनुमानित समकक्ष है; यह वह स्वर है जिससे अन्य सभी स्वर लिए गए हैं। इसका उपयोग सप्तक में श्रेणीबद्ध पिचों के अर्थ में भी किया जाता है। जबकि कर्नाटक संगीत में एक पैमाने (या राग) के भीतर आने वाली ध्वनियों की एक अनंत संख्या है, श्रवण धारणा द्वारा अलग की जा सकने वाली संख्या बाईस है (हालांकि वर्षों से, उनमें से कई परिवर्तित हो गए हैं)। इस अर्थ में, श्रुति जहां श्रवण संबंधी धारणा से निर्धारित होती है, वहीं यह श्रोता के मन में भी एक अभिव्यक्ति है। स्वर स्वर एक प्रकार की संगीतमय ध्वनि को संदर्भित करता है जो एक एकल स्वर है, जो एक परिभाषित आवृत्ति के बजाय एक स्वर की सापेक्ष (उच्च या निम्न) स्थिति को परिभाषित करता है। स्वर कर्नाटक संगीत के स्वर को भी संदर्भित करते हैं, जिसमें सात स्वर होते हैं, "सा-री-गा-मा-पा-दा-नी" (हिंदुस्तानी सरगमः सा-रे-गा-मा-पा-धा-नी या पश्चिमी दो-रे-मी-फा-सो-ला-टी से तुलना करें)। ये नाम शादजा, ऋषभ, गांधार, मध्यम, पंचमा, धैवत और निषाद के संक्षिप्त नाम हैं। अन्य संगीत प्रणालियों के विपरीत, सोल्फेज (जिसे स्वर कहा जाता है) के प्रत्येक सदस्य के तीन रूप होते हैं। अपवाद ड्रोन नोट, शादजा और पंचमा (जिसे टॉनिक और प्रमुख के रूप में भी जाना जाता है) हैं, जिनका केवल एक रूप है; और मध्यम (उप-प्रमुख), जिसका दो रूप हैं। तमिलनाडु के कुदुमियान मलाई में 7वीं शताब्दी के एक पत्थर के शिलालेख में रा, री, रू आदि के साथ प्रतीकों को सॉलफेज करने के लिए स्वर परिवर्तन दिखाया गया है। उच्च चतुर्थांश-स्वर को दर्शाने के लिए। एक स्वर, या राग में, आमतौर पर प्रत्येक स्वर का केवल एक संस्करण मौजूद होता है। "हल्के" रागों में अपवाद मौजूद हैं, जिनमें, कलात्मक प्रभाव के लिए, दो हो सकते हैं, एक आरोही (आरोहणम में) और दूसरा अवरोही (अवरोहणम में)। राग प्रणाली कर्नाटक संगीत में एक राग एक धुन बनाने के लिए नियमों का एक समूह निर्धारित करता है-जो पश्चिमी अवधारणा के मोड के समान है। यह ऊपर (आरोहणम्) और नीचे (अवरोहणम्) की गति के लिए नियमों को निर्दिष्ट करता है, किस स्वर का पैमाना अधिक होना चाहिए और किस स्वर का अधिक संयम से उपयोग किया जाना चाहिए, किस स्वर को गमक (अलंकरण) के साथ गाया जा सकता है, किस वाक्यांश का उपयोग किया जाना चाहिए या उससे बचा जाना चाहिए, आदि। वास्तव में, यह अनिवार्य संगीत कार्यक्रमों की एक श्रृंखला है जिसे या तो पूरी तरह से या एक विशेष आवृत्ति के साथ देखा जाना चाहिए। कर्नाटक संगीत में, सम्पूर्णा रागों (जिनके तराजू में सभी सात स्वर हैं) को मेलाकार्ता नामक एक प्रणाली में वर्गीकृत किया जाता है, जो उन्हें उनके स्वरों के प्रकार के अनुसार वर्गीकृत करता है। बत्तीस मेलकर्ता राग हैं, जिनमें से छत्तीस मध्यम (उपप्रधान) शुद्ध (टॉनिक से पूर्ण चौथा) है, शेष छत्तीस मध्यम (उपप्रधान) प्रति (टॉनिक से एक संवर्धित चौथा) है। रागों को छह के सेटों में बांटा गया है, जिन्हें चक्र ("पहिये", हालांकि वास्तव में पारंपरिक प्रतिनिधित्व में खंड) कहा जाता है, जिन्हें सुपरटोनिक और मध्यस्थ पैमाने की डिग्री के अनुसार बांटा गया है। मेलकर्ता रागों के नाम निर्धारित करने के लिए एक प्रणाली है जिसे कटपायदी सांख्य के रूप में जाना जाता है। रागों को दो वर्गों में विभाजित किया जा सकता हैः जनक राग (अर्थात. मेलकर्ता या मूल राग) और जन्य राग (एक विशेष जनक राग के वंशज राग)। जन्य रागों को स्वयं विभिन्न श्रेणियों में उपवर्गीकृत किया गया है। ताल प्रणाली ताल एक निश्चित समय चक्र या मीटर को संदर्भित करता है, जो एक विशेष रचना के लिए निर्धारित किया जाता है, जो तालों के समूह से बनाया जाता है। तालों में एक निर्धारित संख्या में तालों के चक्र होते हैं और एक गीत के भीतर शायद ही कभी बदलते हैं। उनके पास विशिष्ट घटक होते हैं, जो संयोजन में मौजूद विविधता (108 से अधिक) को जन्म दे सकते हैं, जिससे विभिन्न रचनाओं में अलग-अलग लय होती है। कर्नाटक संगीत गायक आमतौर पर निर्दिष्ट पैटर्न में अपने हाथों को ऊपर और नीचे करके और समय रखने के लिए एक साथ अपनी उंगलियों का उपयोग करके ताल रखते हैं। ताल तीन मूल भागों (जिन्हें अंग कहा जाता है) से बना है जो लघु, धृतम और अनुधृतम हैं, हालांकि जटिल तालों में प्लुतम, गुरु और काकपादम जैसे अन्य भाग हो सकते हैं। सात मूल ताल समूह हैं जो लघु, धृतम और अनुधृतम से बनाए जा सकते हैंः अत ताल ध्रुव ताल एक ताल झम्प ताल मत्य ताल रूपक ताल त्रिपुट ताल ए लघु के पाँच प्रकार हैं (जिन्हें जाति कहा जाता है) गिनती के पैटर्न के आधार पर। पाँच जाति गुणा सात ताल समूह पैंतीस मूल ताल देते हैं, हालाँकि अन्य अंगों के उपयोग से कुल 108 ताल बनते हैं। राग में सुधार भारतीय शास्त्रीय संगीत की आत्मा है-एक आवश्यक पहलू। "मनोधर्म संगीतम" या "कल्पना संगीतम" ("कल्पना का संगीत") जैसा कि इसे कर्नाटक संगीत में जाना जाता है, इसमें कई प्रकार के आशुरचना शामिल हैं। कर्नाटक संगीत में आशुरचना के मुख्य पारंपरिक रूपों में निम्नलिखित शामिल हैंः आलापन निरवल पल्लवी रागम स्वरकल्पना तनम तानी अवतारम राग आलापन एक आलापन, जिसे कभी-कभी रागम भी कहा जाता है, एक राग या स्वर का प्रदर्शन है-बिना किसी लय के एक धीमा आशुरचना, जहां राग अलंकरण के आधार के रूप में कार्य करता है। आलापन करने में, कलाकार प्रत्येक राग को एक ऐसी वस्तु के रूप में मानते हैं जिसकी शुरुआत और अंत होता है और जिसमें किसी न किसी तरह से विचारों के क्रम होते हैं। कलाकार राग का पता लगाएगा और इसकी विभिन्न बारीकियों को छुएगा, पहले निचले सप्तकों में गाएगा, फिर धीरे-धीरे उच्च सप्तकों की ओर बढ़ेगा, जबकि प्रदर्शन किए जाने वाले गीत का संकेत देगा। सैद्धांतिक रूप से, यह सबसे आसान प्रकार का आशुरचना होना चाहिए, क्योंकि नियम बहुत कम हैं, लेकिन वास्तव में, एक सुखद, व्यापक ("राग के लिए अनुभव" देने के अर्थ में) और सबसे महत्वपूर्ण, मूल राग आलापन गाने के लिए बहुत कौशल की आवश्यकता होती है। निरावल निरावल, आमतौर पर अधिक उन्नत कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया जाता है, जिसमें एक गीत के पाठ की एक या दो पंक्तियों को बार-बार गाया जाता है, लेकिन मधुर तात्कालिक विस्तार की एक श्रृंखला के साथ। हालांकि निरावल में असाधारण मधुर विविधताएं होती हैं, आम तौर पर, अवधि के मूल पैटर्न बनाए रखे जाते हैं; पाठ की पंक्तियों में प्रत्येक शब्द ताल चक्र में अपने मूल स्थान (ईदम) के भीतर सेट रहता है। फिर लाइनों को गति के विभिन्न स्तरों पर भी खेला जाता है जिसमें दोहरी गति, तिगुनी गति, चौगुनी गति और यहां तक कि सेक्सटुपल गति भी शामिल हो सकती है। तात्कालिक विस्तार राग, गति और रचना के विषय को रेखांकित करने के दृष्टिकोण से किया जाता है। कल्पनास्वरम कल्पनास्वरम, जिसे स्वरकल्पना के रूप में भी जाना जाता है, में स्वरों (सोल्फा शब्दांश) का उपयोग करके मधुर और लयबद्ध मार्गों में सुधार किया जाता है। निरावल की तरह, कल्पनास्वरों को राग के एक विशेष स्वर पर और ताल चक्र में एक विशिष्ट स्थान (ईदम) पर समाप्त करने के लिए गाया जाता है। कल्पनास्वरों में कुछ हद तक अनुमानित लयबद्ध संरचना होती है; स्वरों को सम (लयबद्ध चक्र की पहली ताल) पर समाप्त करने के लिए गाया जाता है। स्वरों को उसी गति से या गाए जा रहे राग की गति से दोगुना भी गाया जा सकता है, हालांकि कुछ कलाकार ट्रिपल-स्पीड वाक्यांश भी गाते हैं। कल्पनास्वरम आशुरचना का सबसे प्राथमिक प्रकार है, जिसे आमतौर पर आशुरचना के किसी भी अन्य रूप से पहले पढ़ाया जाता है। तनम तनम आशुरचना के सबसे महत्वपूर्ण रूपों में से एक है, और रागम तनम पल्लवी का अभिन्न अंग है। मूल रूप से वीणा के लिए विकसित, इसमें था, नाम, थोम, आ, नोम, ना, आदि जैसे अक्षरों के साथ राग का विस्तार करना शामिल है। रागम तनम पल्लवी रागम, तनम और पल्लवी संगीत समारोहों में प्रमुख लंबा रूप है, और आशुरचना का एक समग्र रूप है। जैसा कि नाम से पता चलता है, इसमें राग आलापन, तानम और एक पल्लवी रेखा होती है। एक धीमी गति वाले ताल पर सेट, पल्लवी पंक्ति अक्सर कलाकार द्वारा रचित की जाती है। निरावल के माध्यम से, कलाकार जटिल मधुर और लयबद्ध तरीकों से पल्लवी रेखा में हेरफेर करता है। निरावल के बाद कल्पनास्वरम आते हैं। तनि अवतारम तानि अवतारम विस्तारित एकल को संदर्भित करता है जिसे एक संगीत कार्यक्रम में तालवादक द्वारा बजाया जाता है, और आमतौर पर एक संगीत कार्यक्रम में मुख्य रचना के बाद बजाया जाता है। तालवादक एकल के दौरान अपने कौशल और लयबद्ध कल्पना की पूरी श्रृंखला प्रदर्शित करता है, जिसमें दो से बीस मिनट लग सकते हैं। रचनाएँ भारत के उत्तरी भाग के हिंदुस्तानी संगीत के विपरीत, कर्नाटक संगीत को रचनाओं के माध्यम से सिखाया और सीखा जाता है, जो कई जटिल संगीत विवरणों को कूटबद्ध करता है, साथ ही मुफ्त आशुरचना के लिए गुंजाइश भी प्रदान करता है। कर्नाटक संगीत रचना की लगभग हर प्रस्तुति अलग और अद्वितीय है क्योंकि यह संगीतकार की दृष्टि के तत्वों के साथ-साथ संगीतकार की व्याख्या का प्रतीक है। एक कर्नाटक रचना में वास्तव में दो तत्व होते हैं, एक संगीत तत्व है और दूसरा वह है जो रचना में व्यक्त किया जाता है। यह शायद इस तथ्य के कारण है कि अधिकांश कर्नाटक संगीत रचनाएँ गायन के लिए बनाई जाती हैं। समृद्ध संगीत अनुभव के अलावा, प्रत्येक रचना संगीतकार के ज्ञान और व्यक्तित्व को सामने लाती है, और इसलिए शब्द संगीत तत्व के रूप में ही महत्वपूर्ण हैं। यह संगीतकारों के लिए एक विशेष चुनौती पेश करता है क्योंकि इस संगीत को प्रस्तुत करने में केवल सही संगीत स्वरों को बजाना या गाना शामिल नहीं है; संगीतकारों से यह समझने की उम्मीद की जाती है कि संगीतकार द्वारा विभिन्न भाषाओं में क्या व्यक्त किया गया था, और संगीत वाक्यांशों को गाना जो उस प्रभाव को पैदा करने के लिए कार्य करता है जो संगीतकार द्वारा उसकी रचना में इरादा किया गया था। रचनाओं के कई प्रकार/रूप हैं। गीतम और स्वराजती (जिनकी अपनी विशिष्ट रचना संरचनाएँ हैं) मुख्य रूप से बुनियादी सीखने के अभ्यास के रूप में काम करने के लिए हैं। भारतीय शास्त्रीय नृत्य और भारतीय भक्ति संगीत से जुड़ी रचनाओं का भी कर्नाटक संगीत की सूची में तेजी से उपयोग किया जा रहा है। संस्कृत स्लोक, तमिल विरुत्तम, कन्नड़ उगभोग और तेलुगु पद्यमु या सिसापाद्य रूपों का प्रदर्शन विशेष रूप से अद्वितीय है। हालाँकि इन रूपों में गीत-आधारित छंद होते हैं, संगीतकार एक आलापन की तरह मुक्त लय में राग वाक्यांशों में सुधार करते हैं, इसलिए ध्वनि मूल्य और पाठ का अर्थ दोनों, संगीतकार को विस्तृत मधुर सुधारों के माध्यम से मार्गदर्शन करते हैं। दिव्य प्रबंधम, थेवरम और उगभोग जैसे रूपों को अक्सर इसी तरह से प्रस्तुत किया जाता है, हालांकि, इन रूपों में देवरनामा, जावली, पदम, थिलाना और तिरुप्पुगाज़ रूपों की तरह एक निर्धारित राग और लय भी हो सकती है। कर्नाटक संगीत में सबसे आम और महत्वपूर्ण रूप वर्णम और कृति (या कीर्तनम) हैं। वर्णम वर्णम छोटे मीट्रिक टुकड़े हैं जो एक राग की मुख्य विशेषताओं और आवश्यकताओं को समाहित करते हैं। राग की विशेषताओं और नियमों (जिन्हें राग के संचार के रूप में भी जाना जाता है) में शामिल है कि राग के प्रत्येक स्वर पर कैसे जोर दिया जाना चाहिए, राग का सरगम, और इसी तरह। सभी वर्णों में गीत के साथ-साथ एक पल्लवी, एक अनुपल्लवी, मुक्ताई स्वर, एक चरणम और चिट्टस्वर सहित स्वर अंश शामिल होते हैं। अपनी जटिल संरचना के लिए जाने जाने वाले वर्णम कर्नाटक संगीत में एक मौलिक रूप हैं। कर्नाटक संगीत के कलाकारों द्वारा स्वर संस्कृति को विकसित करने और लय के उचित स्वर और नियंत्रण को बनाए रखने में मदद करने के लिए वर्णम का अभ्यास कई गति में मुखर अभ्यास के रूप में किया जाता है। कर्नाटक संगीत समारोहों में, वर्णों को अक्सर संगीतकारों द्वारा उद्घाटन के रूप में प्रस्तुत किया जाता है-संगीतकारों के लिए एक गर्मजोशी के रूप में, और दर्शकों का ध्यान आकर्षित करने के साधन के रूप में। कृति कर्नाटक गीत (कृतियाँ) संरचना और शैली में भिन्न होते हैं, लेकिन आम तौर पर इसमें तीन इकाइयाँ होती हैंः पल्लवी। यह पश्चिमी संगीत में 1 या 2 पंक्तियों के साथ एक स्वर के बराबर है। अनुपलवी। यह दूसरा श्लोक है, 2 पंक्तियों के रूप में भी। चरण। अंतिम (और सबसे लंबा) श्लोक जो गीत को समेटता है। चरणम आमतौर पर अनुपल्लवी से प्रतिरूप उधार लेता है। कई चरण हो सकते हैं। इस तरह के गीत को कीर्तनम या कृति कहा जाता है। एक कृति के लिए अन्य संभावित संरचनाएँ हैं, जिनमें चिट्टस्वरा नामक स्वर मार्ग भी शामिल हो सकते हैं। एक चित्तस्वरा में केवल स्वर होते हैं, और इसमें कोई शब्द नहीं होते हैं। अन्य में भी चरण के अंत में एक श्लोक होता है, जिसे मध्यमकाल कहा जाता है। इसे चरण के तुरंत बाद गाया जाता है, लेकिन दोगुनी गति से। कर्नाटक संगीत में कई प्रमुख संगीतकार हैं। पुरंदर दास (1484-1564) को कर्नाटक संगीत के पितामह (पिता या दादा) के रूप में संदर्भित किया जाता है क्योंकि उन्होंने कर्नाटक संगीत सिखाने में बुनियादी पाठ तैयार किए, और कर्नाटक संगीत में उनके महत्वपूर्ण योगदान के सम्मान में। उन्होंने स्वरावली और अलंकार के रूप में जाने जाने वाले श्रेणीबद्ध अभ्यासों की संरचना की, और साथ ही, राग मायामालवगौला को शुरुआती लोगों द्वारा सीखे जाने वाले पहले पैमाने के रूप में पेश किया। उन्होंने नौसिखिया छात्रों के लिए गीत (सरल गीत) की भी रचना की। समकालीन त्यागराज (1767-1847), मुथुस्वामी दीक्षितर (1776-1835) और श्यामा शास्त्री (1762-1827) को श्यामा शास्त्री की रचनाओं की गुणवत्ता, मुथुस्वामी दीक्षितर की रचनाओं की विविधता और कृतियों की रचना में त्यागराज के विपुल उत्पादन के कारण कर्नाटक संगीत की त्रिमूर्ति माना जाता है। कर्नाटक संगीत की त्रिमूर्ति से पहले के प्रमुख संगीतकारों में श्रीपदराज, व्यासतीर्थ, कनकदास, वादिराज तीर्थ, अरुणाचल कवि, अन्नमाचार्य, नारायण तीर्थ, विजय दास, जगन्नाथ दास, गोपाल दास, भद्राचल रामदास, सदाशिव ब्रह्मेंद्र और ऊट्टुकडु वेंकट कवि शामिल हैं। अन्य संगीतकारों में स्वाति थिरुनल, गोपालकृष्ण भारती, नीलकांत सिवन, पटनाम सुब्रमण्य अय्यर, मैसूर वासुदेवचर, कोटेश्वर अय्यर, मुथैया भागवतार, सुब्रमण्यम भरतियार, कल्याणी वरदराजन, एम. बालमुरलीकृष्ण और पापनाशम सिवन शामिल हैं। इन संगीतकारों की रचनाओं को आज के कलाकारों द्वारा अक्सर प्रस्तुत किया जाता है। कर्नाटक संगीत के संगीतकार अक्सर धार्मिक भक्ति से प्रेरित होते थे और आम तौर पर कन्नड़, मलयालम, संस्कृत, तमिल या तेलुगु में से एक या अधिक भाषाओं में निपुण विद्वान होते थे। वे आम तौर पर अपनी रचनाओं में एक हस्ताक्षर शामिल करते थे, जिसे मुद्रा कहा जाता था। उदाहरण के लिए, त्यागराज (जिन्होंने संस्कृत और तेलुगु में रचना की) के सभी गीतों में त्यागराज शब्द है, मुत्तुस्वामी दीक्षितर (जिन्होंने संस्कृत और मणिप्रवलम में रचना की) के सभी गीतों में गुरुगुह शब्द हैं; श्यामा शास्त्री (जिन्होंने संस्कृत और तेलुगु में रचना की) के गीतों में श्यामा कृष्ण शब्द हैं; पुरंदरदास (जिन्होंने कन्नड़ और संस्कृत में रचना की) के सभी गीतों में पुरंदर विट्ठल शब्द हैं; जबकि गोपालकृष्ण भारती (जिन्होंने तमिल में रचना की) ने अपनी रचनाओं में हस्ताक्षर गोपालकृष्णन का उपयोग किया है। पापनाशम सिवन, जिन्हें कर्नाटक संगीत के तमिल त्यागराज के रूप में जाना जाता है, ने तमिल और संस्कृत में रचना की और अपनी रचनाओं में हस्ताक्षर रामदासन का उपयोग किया। कर्नाटक संगीत सीखना पारंपरिक रूप से पुरंदर दास द्वारा तैयार की गई प्रणाली के अनुसार सिखाया जाता है। इसमें सरली स्वर (श्रेणीबद्ध अभ्यास), अलंकार (सात तालों पर आधारित अभ्यास), गीत या सरल गीत और स्वरजाति शामिल हैं। छात्र के एक निश्चित मानक तक पहुँचने के बाद, वर्णम पढ़ाए जाते हैं और बाद में, छात्र कृति सीखता है। आम तौर पर एक छात्र को एक संगीत कार्यक्रम में प्रदर्शन करने के लिए पर्याप्त निपुण होने से पहले सीखने में कई साल लगते हैं। सभी दक्षिण भारतीय राज्यों में सीखने के पाठ और अभ्यास कमोबेश एक जैसे हैं। सीखने की संरचना को जटिलता के बढ़ते क्रम में व्यवस्थित किया जाता है। पाठ सरली वरिसाई (एक विशेष राग के लिए सोल्फेज सेट) के सीखने के साथ शुरू होते हैं। कर्नाटक संगीत पारंपरिक रूप से गुरुकुल प्रणाली में पढ़ाया जाता था, जहाँ छात्र अपने गुरु (ग्रहणकर्ता) के साथ रहता था और कला सीखता था। 20वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, जीवन शैली में बदलाव और युवा संगीत उम्मीदवारों के साथ-साथ एक समानांतर शैक्षणिक कैरियर को आगे बढ़ाने की आवश्यकता के साथ, इस प्रणाली को बहुत कम लोगों ने अपनाया है। संगीतकार अक्सर लोगों को अपने गुरु परंपरा, या किसी प्रमुख प्राचीन संगीतकार या संगीतकार के शिष्यों के पदानुक्रम के बारे में बताने में बहुत गर्व महसूस करते हैं, जिससे वे संबंधित हैं। जिनके शिष्य-पदानुक्रम का अक्सर उल्लेख किया जाता है, उनमें त्यागराज, मुथुस्वामी दीक्षितर, श्यामा शास्त्री, स्वाति थिरुनल और पापनाशम सिवन शामिल हैं। आधुनिक समय में, छात्रों के लिए संगीत सीखने के लिए दैनिक या साप्ताहिक रूप से अपने गुरुओं के पास जाना आम बात है। हालाँकि नई तकनीक ने ऑडियो कैसेट और सीडी पर रिकॉर्ड किए गए सीखने के अभ्यास जैसे त्वरित-सीखने वाले मीडिया की उपलब्धता के साथ सीखने को आसान बना दिया है, लेकिन अधिकांश गुरुओं द्वारा इन्हें हतोत्साहित किया जाता है जो इस बात पर जोर देते हैं कि छात्रों के लिए आमने-सामने सीखना सबसे अच्छा है। भारतीय संगीत में नोटेशन नोटेशन कोई नई अवधारणा नहीं है। हालाँकि, कर्नाटक संगीत सदियों तक बिना लिखे मौखिक रूप से प्रसारित होता रहा। इस प्रणाली का नुकसान यह था कि यदि कोई व्यक्ति एक कृति के बारे में सीखना चाहता है, उदाहरण के लिए, पुरंदर दास द्वारा रचित, तो इसमें पुरंदर दास के छात्रों के वंश से एक व्यक्ति को खोजने का कठिन कार्य शामिल था। कर्नाटक संगीत के लिखित संकेतन को 17वीं शताब्दी के अंत और 18वीं शताब्दी की शुरुआत में पुनर्जीवित किया गया था, जो तंजौर में शाहजी द्वितीय के शासन के साथ हुआ था। शाहजी की संगीत पांडुलिपियों की प्रतियां अभी भी तंजौर के सरस्वती महल पुस्तकालय में उपलब्ध हैं और वे हमें संगीत और उसके रूप का अंदाजा देती हैं। इनमें उल्लिखित रागों का प्रदर्शन करते समय उपयोग किए जाने वाले सोल्फेज के अंश होते हैं। शास्त्रीय पश्चिमी संगीत के विपरीत, कर्नाटक संगीत को सोल्फा नामों का प्रतिनिधित्व करने के लिए रोमन या भारतीय लिपि का उपयोग करके लगभग विशेष रूप से टॉनिक सोल-फा संकेतन में नोट किया जाता है। कर्मचारी संकेतन का उपयोग करने के पिछले प्रयास ज्यादातर विफल रहे हैं। भारतीय संगीत में सैकड़ों रागों का उपयोग किया जाता है, जो पश्चिमी संगीत में चर्च मोड से कहीं अधिक हैं। बहुत अधिक आकस्मिक उपयोग के बिना कर्मचारी संकेतन का उपयोग करके कर्नाटक संगीत लिखना मुश्किल हो जाता है। इसके अलावा, कर्मचारी संकेतन के लिए आवश्यक है कि गीत को एक निश्चित कुंजी में बजाया जाए। की और निरपेक्ष पिच की धारणाएँ पश्चिमी संगीत में गहराई से निहित हैं, जबकि कर्नाटक संकेतन कुंजी को निर्दिष्ट नहीं करता है और स्वरों को दर्शाने के लिए स्केल डिग्री (सापेक्ष पिच) का उपयोग करना पसंद करता है। गायक टॉनिक नोट की वास्तविक पिच चुनने के लिए स्वतंत्र है। कर्नाटक संकेतन के अधिक सटीक रूपों में, स्वरों के ऊपर प्रतीक रखे गए हैं जो दर्शाते हैं कि स्वरों को कैसे बजाया या गाया जाना चाहिए; हालाँकि, अनौपचारिक रूप से इस प्रथा का पालन नहीं किया जाता है। एक स्वर की लंबाई दिखाने के लिए, कई उपकरणों का उपयोग किया जाता है। यदि नोट की अवधि को दोगुना करना है, तो अक्षर को या तो बड़े अक्षर में लिखा जाता है (यदि रोमन लिपि का उपयोग किया जाता है) या एक डायक्रिटिक (भारतीय भाषाओं में) द्वारा लंबा किया जाता है। तीन की अवधि के लिए, पत्र को बड़े अक्षरों में लिखा जाता है (या डायक्रिटाइज़ किया जाता है) और उसके बाद अल्पविराम होता है। चार की लंबाई के लिए, अक्षर को बड़ा अक्षर (या डायक्रिटाइज्ड) किया जाता है और उसके बाद एक अर्धविराम होता है। इस तरह से किसी भी अवधि को अर्धविराम और अल्पविराम की एक श्रृंखला का उपयोग करके इंगित किया जा सकता है। हालांकि, एक सरल संकेतन विकसित हुआ है जो अर्धविराम और बड़े अक्षरों का उपयोग नहीं करता है, बल्कि अल्पविराम की एक संबंधित संख्या का उपयोग करके नोटों के सभी विस्तारों को इंगित करता है। इस प्रकार, लंबाई में चार गुना सा को "एस,,," के रूप में दर्शाया जाएगा। ताल की संरचना के आधार पर संकेतन को स्तंभों में विभाजित किया जाता है। लघु और धृतम के बीच विभाजन को ए. द्वारा इंगित किया जाता है, जिसे डंडा कहा जाता है, और इसी तरह दो धृतम या धृतम और अनुधृतम के बीच विभाजन होता है। एक चक्र के अंत को दोहरे डंडा द्वारा चिह्नित किया जाता है, और यह एक सीज़ुरा की तरह दिखता है। कर्नाटक संगीत का प्रदर्शन आमतौर पर संगीतकारों के एक छोटे समूह द्वारा किया जाता है, जो एक ऊंचे मंच पर बैठते हैं। इसमें आम तौर पर, कम से कम, एक प्रमुख कलाकार, एक मधुर संगत, एक लय संगत और एक ड्रोन होता है। प्रदर्शन संगीतमय या संगीतमय-नाटकीय हो सकते हैं। संगीत गायन या तो मुखर होते हैं, या विशुद्ध रूप से वाद्य होते हैं, जबकि संगीत-नाटकीय गायन हरिकथा को संदर्भित करते हैं। चाहे वह किसी भी प्रकार का गायन हो, जो विशेषताएँ हैं वे रचनाएँ हैं जो संगीत की इस शैली का मूल हैं। तम्बुरा पारंपरिक ड्रोन वाद्य है जिसका उपयोग संगीत समारोहों में किया जाता है। हालाँकि, तंबूरों को तेजी से श्रुति बक्से द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है, और अब अधिक सामान्य रूप से, इलेक्ट्रॉनिक तंबुरा। ड्रोन अपने आप में प्रदर्शन का एक अभिन्न अंग है और स्थिरता प्रदान करता है-पश्चिमी संगीत में सद्भाव के बराबर। एक मुखर गायन में, एक संगीत कार्यक्रम दल में प्रमुख कलाकार (ओं) के रूप में एक या अधिक गायक हो सकते हैं। वाद्ययंत्र, जैसे सरस्वती वीणा और/या वेणु बांसुरी, कभी-कभी एक संगत के रूप में पाए जा सकते हैं, लेकिन आमतौर पर, एक गायक को एक वायलिन वादक (जो उसकी बाईं ओर बैठता है) द्वारा समर्थित किया जाता है। ताल संगतकर्ता आमतौर पर एक मृदंग वादक होता है (जो वायलिन वादक का सामना करते हुए दूसरी तरफ बैठता है)। हालांकि, अन्य तालवाद्य जैसे कि घटम, कांजीरा और मोरसिंग भी अक्सर मुख्य तालवाद्य के साथ होते हैं और ताल के साथ लगभग विपरीत तरीके से बजाते हैं। संगत वाद्ययंत्रों का उद्देश्य धुन का अनुसरण करने और तालों को बनाए रखने से कहीं अधिक है। संगत प्रस्तुत प्रत्येक रचना का एक अभिन्न अंग है, और वे मुख्य गायक द्वारा उल्लिखित मधुर वाक्यांशों का बारीकी से पालन करते हैं और उन्हें बढ़ाते हैं। राग, निरावल और कल्पनास्वरम जैसे खंडों में विस्तार करते समय या रचनात्मकता का प्रदर्शन करते समय गायक और वायलिन वादक बारी-बारी से काम करते हैं। हिंदुस्तानी संगीत समारोहों के विपरीत, जहां एक साथ तबला वादक कभी-कभी संगीत वाक्यांशों का पालन किए बिना ताल रख सकता है, कर्नाटक संगीत में, संगतकर्ताओं को रचना की पेचीदगियों का पालन करना पड़ता है क्योंकि कई रचनाओं में एडप्पु जैसे तालवाद्य तत्व होते हैं। कुछ संगीत समारोहों में प्रमुख संगीतकारों और संगतकर्ताओं के साथ टिप्पणियों का आदान-प्रदान करने और प्रमुख संगीतकार के संगीत वाक्यांशों की भविष्यवाणी करने वाले संगीतकारों के साथ अच्छी बातचीत होती है। समकालीन संगीत कार्यक्रम की सामग्री एक समकालीन कर्नाटक संगीत कार्यक्रम (जिसे कुचेरी कहा जाता है) आमतौर पर लगभग तीन घंटे तक चलता है, और इसमें कई विविध रचनाएं शामिल होती हैं। कर्नाटक गीत एक विशेष राग में रचे जाते हैं, जिसका अर्थ है कि वे राग के स्वरों से विचलित नहीं होते हैं। प्रत्येक रचना विशिष्ट स्वरों और तालों के साथ सेट की जाती है, लेकिन कलाकार बड़े पैमाने पर सुधार करते हैं। राग की सुंदरता को उजागर करने के लिए रचना की धुन के साथ-साथ स्वरों का उपयोग करने में सुधार होता है। संगीत कार्यक्रम आमतौर पर एक वर्णम या एक आह्वान के साथ शुरू होते हैं जो उद्घाटन के रूप में कार्य करेगा। वर्णम की रचना राग के स्वरों पर जोर देने के साथ की जाती है, लेकिन इसमें गीत, साहित्यम भी होगा। यह दर्शकों का ध्यान आकर्षित करने के लिए जीवंत और तेज़ है। एक आह्वानात्मक वस्तु आमतौर पर वर्णम के बाद आ सकती है। वर्णम और/या आह्वानात्मक रचना के बाद, कलाकार कीर्तन (आमतौर पर कृति के रूप में संदर्भित) नामक लंबी रचनाएँ गाता है। प्रत्येक कृति एक विशिष्ट राग से चिपक जाती है, हालांकि कुछ एक से अधिक रागों से बनी होती हैं; इन्हें रागमालिका (रागों की माला) के रूप में जाना जाता है। आम तौर पर, प्रारंभिक कृति गाने के बाद, कलाकार ताल पर राग का कल्पनास्वरम गाता है। कलाकार को राग के नियमों के अनुसार किसी भी सप्तक में स्वरों की एक श्रृंखला में सुधार करना चाहिए और कृति से चुने गए वाक्यांश के साथ स्वरों को जोड़ते हुए सुचारू रूप से तालों के चक्र की शुरुआत में लौटना चाहिए। वायलिन मुख्य कलाकार के साथ बारी-बारी से इन्हें प्रस्तुत करता है। स्वर के बहुत लंबे तारों में, कलाकारों को अपने स्वरों की सटीक गणना करनी चाहिए ताकि यह सुनिश्चित किया जा सके कि वे राग से चिपके रहें, गीत के ताल में कोई अजीब विराम या चूक न हो, और स्वरों का एक जटिल पैटर्न बनाए जिसका एक जानकार दर्शक अनुसरण कर सके। इसके बाद कलाकार राग की खोज करते हुए राग आलापन नामक एक खंड के साथ मुख्य रचनाओं की शुरुआत करते हैं। इसमें वे आ, री, ना, ता आदि ध्वनियों का उपयोग करते हैं। धीरे-धीरे स्वरों और राग के प्रवाह को विस्तृत करने के लिए स्वरों के बजाय। यह धीरे-धीरे शुरू होता है और एक शिखर तक बढ़ता है, और अंत में राग की एक जटिल प्रदर्शनी स्थापित करता है जो कलाकार के कौशल को दर्शाता है। यह सब बिना किसी लयबद्ध संगत या ताल के किया जाता है। फिर मधुर संगत (वायलिन या वीणा), राग की व्याख्या करती है। अनुभवी श्रोता कुछ ही स्वर सुनने के बाद कई रागों की पहचान कर सकते हैं। इस प्रकार स्थापित राग के साथ, गीत शुरू होता है, आमतौर पर बोल के साथ। इसमें, संगत (आमतौर पर वायलिन, कभी-कभी वीणा) मुख्य कलाकार और तालवाद्य (जैसे मृदंगम) के साथ प्रदर्शन करती है। गीत के अगले चरण में, वे फिर से निरावल या कल्पनास्वरम गा सकते हैं। अधिकांश संगीत समारोहों में, मुख्य कार्यक्रम के अंत में कम से कम एक खंड होगा, जिसमें एकल प्रदर्शन करने के लिए तालवाद्य (जिसे तानी अवतारम कहा जाता है) होगा। तालवाद्य कलाकार लय के जटिल प्रतिरूपों का प्रदर्शन करते हैं और अपने कौशल का प्रदर्शन करते हैं। यदि कई ताल वाद्ययंत्रों का उपयोग किया जाता है, तो वे एक लयबद्ध संवाद में संलग्न होते हैं जब तक कि मुख्य कलाकार एक बार फिर धुन नहीं उठाता। कुछ अनुभवी कलाकार संगीत कार्यक्रम के बीच में रागम थानम पल्लवी के साथ मुख्य भाग का अनुसरण कर सकते हैं, यदि वे इसे मुख्य आइटम के रूप में उपयोग नहीं करते हैं। मुख्य रचना के बाद, संगीत कार्यक्रम छोटे और हल्के गीतों के साथ जारी रहता है। संगीत समारोह के अंत में प्रस्तुत किए जाने वाले कुछ प्रकार के गीत हैं तिलाना और थुक्कड़-दर्शकों द्वारा अनुरोधित लोकप्रिय कृतियों या रचनाओं के अंश। प्रत्येक संगीत कार्यक्रम जो दिन का अंतिम होता है, एक मंगलम, एक आभारी प्रार्थना और संगीत कार्यक्रम के समापन के साथ समाप्त होता है। दर्शक एक विशिष्ट संगीत कार्यक्रम के दर्शकों को कर्नाटक संगीत की कुछ समझ होगी। दर्शकों को कलाकार के प्रदर्शन के साथ ताल बजाते हुए देखना भी विशिष्ट है। जब भी कलाकार रचनात्मकता का प्रदर्शन करता है, दर्शक ताली बजाकर उसे स्वीकार करते हैं। अनुभवी कलाकारों के साथ, संगीत कार्यक्रम के बीच में, अनुरोध आने लगते हैं। कलाकार आमतौर पर अनुरोधों को गाता है, और यह कलाकार के कई हजार कृतियों के व्यापक ज्ञान को प्रदर्शित करने में मदद करता है जो मौजूद हैं। उत्सव भारत और दुनिया भर में कर्नाटक संगीत प्रदर्शनों वाले विभिन्न संगीत समारोह आयोजित किए जाते हैं। 19वीं शताब्दी के दौरान चेन्नई शहर (तब मद्रास के रूप में जाना जाता था) के कर्नाटक संगीत के केंद्र के रूप में उभरने के साथ, इसके संगीतकारों ने 1846 में त्यागराज आराधना उत्सव की स्थापना की। आराधना उत्सव कर्नाटक संगीत के महान संगीतकार त्यागराज की वार्षिक पुण्यतिथि है। तिरुवयारू शहर में आयोजित, हजारों संगीतकार उनकी रचनाओं को प्रस्तुत करने के लिए उत्सव में भाग लेते हैं। अपनी स्थापना के बाद से, अन्य त्योहारों को पूरे भारत और विदेशों में इसी तरह से शुरू किया गया था, जैसे कि भारतीय शहर गुरुवायूर में चेम्बाई संगीतोलसवम और अमेरिकी शहर क्लीवलैंड में आराधना। चेन्नई शहर में छह सप्ताह तक चलने वाला भव्य "संगीत सत्र" भी आयोजित किया जाता है, जिसे दुनिया के सबसे बड़े सांस्कृतिक कार्यक्रम के रूप में वर्णित किया गया है। संगीत सत्र की शुरुआत 1927 में मद्रास संगीत अकादमी के उद्घाटन के अवसर पर की गई थी। यह एक महीने तक चलने वाला पारंपरिक कर्नाटक संगीत उत्सव हुआ करता था, लेकिन तब से यह नृत्य और नाटक के साथ-साथ गैर-कर्नाटक कला रूपों में भी विविध हो गया है। कुछ संगीत कार्यक्रम आयोजक इस मौसम के दौरान अपने स्वयं के कर्नाटक संगीत समारोह भी आयोजित करते हैं। शहर के विभिन्न स्थानों पर सैकड़ों संगीतकारों द्वारा हजारों प्रदर्शन आयोजित किए जाते हैं। कर्नाटक गणकला परिषद कर्नाटक संगीत का एक वार्षिक सम्मेलन है, जो हर साल फरवरी में आयोजित किया जाता है, जिसमें सुबह व्याख्यान और प्रदर्शन होते हैं, और दोपहर और शाम को प्रदर्शन होते हैं। ।