History of Asian art
एशियाई कला के इतिहास में एशिया महाद्वीप की विभिन्न संस्कृतियों, क्षेत्रों और धर्मों की कलाओं की एक विशाल श्रृंखला शामिल है। एशिया के प्रमुख क्षेत्रों में मध्य, पूर्व, दक्षिण, दक्षिण पूर्व और पश्चिम एशिया शामिल हैं। मध्य एशियाई कला में मुख्य रूप से यूरेशियन स्टेपी के तुर्की लोगों की कृतियाँ शामिल हैं, जबकि पूर्वी एशियाई कला में चीन, जापान और कोरिया की कृतियाँ शामिल हैं। दक्षिण एशियाई कला में भारतीय उपमहाद्वीप की कलाएँ शामिल हैं, जबकि दक्षिण पूर्व एशियाई कला में ब्रुनेई, कंबोडिया, पूर्वी तिमोर, इंडोनेशिया, लाओस, मलेशिया, म्यांमार (बर्मा), फिलीपींस, सिंगापुर, थाईलैंड और वियतनाम की कलाएँ शामिल हैं। पश्चिम एशियाई कला निकट पूर्व की कलाओं को शामिल करती है, जिसमें मेसोपोटामिया की प्राचीन कला भी शामिल है, और हाल ही में इस्लामी कला का प्रभुत्व है। कई मायनों में, एशिया में कला का इतिहास पश्चिमी कला के विकास के समानांतर है। एशिया और यूरोप का कला इतिहास आपस में बहुत जुड़ा हुआ है, एशियाई कला यूरोपीय कला को बहुत प्रभावित करती है, और इसके विपरीत; संस्कृतियाँ कला के सिल्क रोड प्रसारण, खोज और उपनिवेशीकरण के युग के सांस्कृतिक आदान-प्रदान, और इंटरनेट और आधुनिक वैश्वीकरण जैसे तरीकों के माध्यम से मिश्रित हैं। प्रागैतिहासिक कला को छोड़कर, मेसोपोटामिया की कला एशिया में कला के सबसे पुराने रूपों का प्रतिनिधित्व करती है। ऊपरी पुरापाषाण पूर्वोत्तर एशिया पूर्वोत्तर एशिया की कठिन जलवायु में पहला आधुनिक मानव व्यवसाय लगभग 40,000 पहले का है, जिसमें उत्तरी साइबेरिया की प्रारंभिक याना संस्कृति लगभग 31,000 ईसा पूर्व की है। लगभग 21,000 ईसा पूर्व तक, दो मुख्य संस्कृतियों का विकास हुआः माल्टा संस्कृति और थोड़ी देर बाद अफोंटोवा गोरा-ओशुर्कोवो संस्कृति। दक्षिणी साइबेरिया के इरकुत्स्क ओब्लास्ट में बैकाल झील के पास अंगारा नदी पर माल्टा में केंद्रित माल्टा संस्कृति संस्कृति ने ऊपरी पुरापाषाण काल में माल्टा की शुक्र की मूर्तियों जैसी वस्तुओं के साथ कला के कुछ पहले कार्यों का निर्माण किया। इन आकृतियों में अक्सर विशाल हाथी दांत होते हैं। ये आकृतियाँ लगभग 23,000 साल पुरानी हैं और ग्रेवेटियन से उत्पन्न होती हैं। इनमें से अधिकांश मूर्तियाँ शैलीबद्ध कपड़े दिखाती हैं। अक्सर चेहरे को चित्रित किया जाता है। ऊपरी पुरापाषाण काल की पोर्टेबल मूर्तियों की परंपरा लगभग विशेष रूप से यूरोपीय होने के कारण, यह सुझाव दिया गया है कि उस समय अवधि के दौरान यूरोप के साथ माल्टा का किसी प्रकार का सांस्कृतिक और सांस्कृतिक संबंध था, लेकिन यह अभी भी अस्थिर है। मध्य एशिया में मध्य एशियाई कला आधुनिक किर्गिस्तान, कजाकिस्तान, उज्बेकिस्तान, तुर्कमेनिस्तान, अजरबैजान, ताजिकिस्तान, मंगोलिया, तिब्बत, अफगानिस्तान और पाकिस्तान के साथ-साथ चीन और रूस के कुछ हिस्सों के बड़े पैमाने पर तुर्की लोगों द्वारा बनाई गई दृश्य कला है। हाल की शताब्दियों में, इस क्षेत्र की कला इस्लामी कला से बहुत प्रभावित हुई है। इससे पहले, मध्य एशियाई कला चीनी, यूनानी और फारसी कला से प्रभावित थी, कला के सिल्क रोड प्रसारण के माध्यम से। घुमंतू लोक कला घुमंतू लोक कला मध्य एशियाई कला के एक महत्वपूर्ण पहलू के रूप में कार्य करती है। यह कला इस क्षेत्र में रहने वाले खानाबदोश समूहों की जीवन शैली के मूल को दर्शाती है। यह कला अर्ध-बहुमूल्य पत्थरों, रजाई, नक्काशीदार दरवाजे और कढ़ाई वाले कालीनों की सुंदरता से मंत्रमुग्ध होना तय है। संगीत और संगीत वाद्ययंत्र मध्य एशिया शास्त्रीय संगीत और वाद्ययंत्रों से समृद्ध है। कुछ प्रसिद्ध शास्त्रीय संगीत वाद्ययंत्रों की उत्पत्ति मध्य एशियाई क्षेत्र में हुई थी। रुबाब, डोम्ब्रा और चांग मध्य एशिया की संगीत कलाओं में उपयोग किए जाने वाले कुछ संगीत वाद्ययंत्र हैं। मध्य एशियाई कला का पुनरुद्धार मध्य एशियाई लोगों का जीवन खानाबदोश जीवन शैली के इर्द-गिर्द घूमता है। इस प्रकार आधुनिक समय में अधिकांश मध्य एशियाई कलाएँ भी स्वर्ण युग को प्रदर्शित करने वाले खानाबदोश जीवन से प्रेरित हैं। वास्तव में, मध्य एशियाई कला में परंपरा और संस्कृति का स्पर्श अंतर्राष्ट्रीय कला मंचों के लिए एक प्रमुख आकर्षण कारक के रूप में कार्य करता है। मध्य एशियाई कलाओं के प्रति वैश्विक मान्यता ने निश्चित रूप से इसके महत्व को बढ़ाया है। पूर्वी एशियाई कला चीनी कला चीनी कला अपने पूरे प्राचीन इतिहास में विविध रही है, जो चीन के सत्तारूढ़ राजवंशों और बदलती तकनीक द्वारा अवधि में विभाजित है। कला के विभिन्न रूप महान दार्शनिकों, शिक्षकों, धार्मिक हस्तियों और यहां तक कि राजनीतिक नेताओं से भी प्रभावित हुए हैं। चीनी कला में ललित कलाएँ, लोक कलाएँ और प्रदर्शन कलाएँ शामिल हैं। चीनी कला वह कला है, चाहे वह आधुनिक हो या प्राचीन, जो चीन में या चीनी कलाकारों या कलाकारों द्वारा उत्पन्न हुई या अभ्यास की जाती है। सोंग राजवंश में, कविता को सी के नाम से जानी जाने वाली एक गीत कविता द्वारा चिह्नित किया गया था, जो इच्छा की भावनाओं को व्यक्त करती थी, अक्सर एक गोद लिए हुए व्यक्तित्व में। इसके अलावा सोंग राजवंश में, परिदृश्यों की अधिक सूक्ष्म अभिव्यक्तियों के चित्र दिखाई दिए, धुंधली रूपरेखा और पर्वत आकृति के साथ जो प्राकृतिक घटनाओं के प्रभाववादी उपचार के माध्यम से दूरी को व्यक्त करते थे। यह इस अवधि के दौरान था जब चित्रकला में भावनात्मक तत्वों के बजाय आध्यात्मिक तत्वों पर जोर दिया गया था, जैसा कि पिछली अवधि में था। कुंक, चीनी ओपेरा का सबसे पुराना मौजूदा रूप वर्तमान शंघाई के पास कुंशन में सोंग राजवंश के दौरान विकसित हुआ। युआन राजवंश में, चीनी चित्रकार झाओ मेंगफू की पेंटिंग ने बाद में चीनी परिदृश्य चित्रकला को बहुत प्रभावित किया, और युआन राजवंश ओपेरा चीनी ओपेरा का एक प्रकार बन गया जो आज भी कैंटोनीज़ ओपेरा के रूप में जारी है। चीनी चित्रकला और सुलेख कला चीनी चित्रकला गोंगबी और ज़ीई चीनी चित्रकला में दो चित्रकला शैलियाँ हैं। गोंगबी का अर्थ है "सावधानीपूर्वक", चित्र में समृद्ध रंग और विवरण इसकी मुख्य विशेषताएं हैं, इसकी सामग्री मुख्य रूप से चित्रों या आख्यानों को दर्शाती है। ज़ीई का अर्थ है 'फ्रीहैंड', इसका रूप अक्सर अतिरंजित और अवास्तविक होता है, जिसमें लेखक की भावनात्मक अभिव्यक्ति पर जोर दिया जाता है और आमतौर पर परिदृश्य को चित्रित करने में इसका उपयोग किया जाता है। कागज और रेशम के अलावा, दीवारों पर पारंपरिक चित्र भी बनाए गए हैं, जैसे कि गांसु प्रांत में मोगाओ ग्रोटोस। डुनहुआंग मोगाओ ग्रोटो उत्तरी वेई राजवंश (386-534 AD) में बनाए गए थे। इसमें 700 से अधिक गुफाएँ हैं, जिनमें से 492 गुफाओं की दीवारों पर भित्ति चित्र हैं, जो कुल 45,000 वर्ग मीटर से अधिक हैं। भित्ति चित्रों की सामग्री बहुत व्यापक है, जिसमें बुद्ध की मूर्तियां, स्वर्ग, स्वर्गदूत, महत्वपूर्ण ऐतिहासिक घटनाएं और यहां तक कि दानदाता भी शामिल हैं। प्रारंभिक गुफाओं में चित्रकला शैलियों को भारत और पश्चिम से प्रभाव मिला। तांग राजवंश (618-906 CE) से, भित्ति चित्र अद्वितीय चीनी चित्रकला शैली को प्रतिबिंबित करने लगे। चीनी सुलेख चीनी सुलेख का पता झोउ राजवंश में दिखाई देने वाली दझुआन (बड़ी मुहर लिपि) से लगाया जा सकता है। सम्राट किन द्वारा चीन को एकीकृत करने के बाद, प्रधान मंत्री ली सी ने नए आधिकारिक पाठ के रूप में शियाओझुआन (छोटी मुहर) शैली को एकत्र और संकलित किया। छोटी मोहर लिपि बहुत सुरुचिपूर्ण है लेकिन जल्दी से लिखना मुश्किल है। पूर्वी हान राजवंश में, लिशु (आधिकारिक लिपि) नामक एक प्रकार की लिपि का उदय होने लगा। क्योंकि यह कोई वृत्त और बहुत कम घुमावदार रेखाओं को प्रकट नहीं करता है, यह तेजी से लिखने के लिए बहुत उपयुक्त है। उसके बाद, कैशु शैली (पारंपरिक नियमित लिपि) प्रकट हुई है, और चूंकि इसकी संरचना सरल और स्वच्छ है, इसलिए यह लिपि आज भी व्यापक रूप से उपयोग की जाती है। प्राचीन चीनी शिल्प जेड अर्ली जेड का उपयोग आभूषण या बलिदान के बर्तन के रूप में किया जाता था। सबसे पुरानी चीनी नक्काशीदार-जेड वस्तु प्रारंभिक नवपाषाण काल (लगभग 3500-2000 ईसा पूर्व) में हेमुडू संस्कृति में दिखाई दी। शांग राजवंश (सी. 1600-1046 ईसा पूर्व) के दौरान, बी (गोलाकार छिद्रित जेड) और कांग (वर्गाकार जेड ट्यूब) दिखाई दिए, जिन्हें बलिदान के बर्तन माना जाता था, जो आकाश और पृथ्वी का प्रतिनिधित्व करते थे। झोउ राजवंश (1046-256 BCE) में, उच्च कठोरता वाले उत्कीर्णन उपकरणों के उपयोग के कारण, जेड को अधिक नाजुक तरीके से तराशा गया और कपड़ों में लटकन या आभूषण के रूप में उपयोग किया जाने लगा। जेड को अमर माना जाता था और वह मालिक की रक्षा कर सकता था, इसलिए नक्काशीदार-जेड वस्तुओं को अक्सर मृतक के साथ दफनाया जाता था, जैसे कि पश्चिमी हान राजवंश के राजकुमार लियू शेंग की कब्र से जेड दफन सूट। चीनी मिट्टी के बरतन एक प्रकार का चीनी मिट्टी का बर्तन है जो उच्च तापमान पर केओलिन से बनाया जाता है। चीन में सबसे पहले मिट्टी के बर्तन शांग राजवंश (c.1600-1046 ईसा पूर्व) में दिखाई दिए। और चीनी मिट्टी के बर्तनों के उत्पादन ने चीनी मिट्टी के बर्तन के आविष्कार की नींव रखी। चीनी चीनी मिट्टी के बर्तनों के इतिहास का पता हान राजवंश (206 ईसा पूर्व-220 ईस्वी) से लगाया जा सकता है। तांग राजवंश में, चीनी मिट्टी के बर्तन को सेलैडन और सफेद चीनी मिट्टी के बर्तन में विभाजित किया गया था। सोंग राजवंश में, जिंगडेज़ेन को शाही चीनी मिट्टी के बर्तन उत्पादन केंद्र के रूप में चुना गया था और नीले और सफेद चीनी मिट्टी के बर्तनों का उत्पादन शुरू किया गया था। आधुनिक चीनी कला चीन में अंतिम सामंती राजवंश के अंत के बाद, नए सांस्कृतिक आंदोलन के उदय के साथ, चीनी कलाकार पश्चिमी कला से प्रभावित होने लगे और पश्चिमी कला को चीनी संस्कृति में एकीकृत करना शुरू कर दिया। अमेरिकी जैज़ से प्रभावित, चीनी संगीतकार ली जिनहुई (जिन्हें चीनी पॉप संगीत के पिता के रूप में जाना जाता है) ने लोकप्रिय संगीत का निर्माण और प्रचार करना शुरू किया, जिसने एक बड़ी सनसनी पैदा कर दी। 20वीं शताब्दी की शुरुआत में, चीन में तेल चित्रों की शुरुआत हुई, और अधिक से अधिक चीनी चित्रकारों ने पश्चिमी चित्रकला तकनीकों को छूना शुरू कर दिया और उन्हें पारंपरिक चीनी चित्रकला के साथ जोड़ना शुरू कर दिया। इस बीच, चित्रकला का एक नया रूप, कॉमिक्स भी उभरने लगा था। यह कई लोगों के बीच लोकप्रिय था और उस समय मनोरंजन का सबसे किफायती तरीका बन गया था। तिब्बती कला तिब्बत (चीन में तिब्बत स्वायत्त क्षेत्र) और अन्य वर्तमान और पूर्व हिमालयी राज्यों (भूटान, लद्दाख, नेपाल और सिक्किम) की कला को संदर्भित करती है। तिब्बती कला सबसे पहले और सबसे महत्वपूर्ण पवित्र कला का एक रूप है, जो इन संस्कृतियों पर तिब्बती बौद्ध धर्म के प्रबल प्रभाव को दर्शाता है। रेत मंडला (टिबः किलखोर) एक तिब्बती बौद्ध परंपरा है जो चीजों की अस्थायी प्रकृति का प्रतीक है। बौद्ध सिद्धांत के हिस्से के रूप में, सभी चीजों को अस्थायी के रूप में देखा जाता है। एक रेत मंडल इसका एक उदाहरण है, क्योंकि एक बार जब इसका निर्माण हो जाता है और इसके साथ समारोह और दर्शन समाप्त हो जाते हैं, तो इसे व्यवस्थित रूप से नष्ट कर दिया जाता है। जैसे ही महायान बौद्ध धर्म चौथी शताब्दी ईसा पूर्व में एक अलग स्कूल के रूप में उभरा, इसने बोधिसत्वों, दयालु प्राणियों की भूमिका पर जोर दिया, जो दूसरों की सहायता के लिए निर्वाण के लिए अपने व्यक्तिगत पलायन को छोड़ देते हैं। प्रारंभिक काल से विभिन्न बोधिसत्व भी मूर्तिकला के विषय थे। महायान बौद्ध धर्म की संतान के रूप में तिब्बती बौद्ध धर्म को यह परंपरा विरासत में मिली थी। लेकिन वज्रयान (या बौद्ध तंत्र) की अतिरिक्त प्रमुख उपस्थिति का कलात्मक संस्कृति में एक प्रमुख महत्व हो सकता है। तिब्बती कला में चित्रित एक आम बोधिसत्व देवता चेनरेजिग (अवलोकितेश्वर) हैं, जिन्हें अक्सर प्रत्येक हाथ के बीच में एक आंख के साथ एक हजार सशस्त्र संत के रूप में चित्रित किया जाता है, जो सभी को देखने वाले दयालु व्यक्ति का प्रतिनिधित्व करता है जो हमारे अनुरोधों को सुनता है। इस देवता को वज्रयान अभ्यास के लिए यिडम, या 'ध्यान बुद्ध' के रूप में भी समझा जा सकता है। तिब्बती बौद्ध धर्म में तांत्रिक बौद्ध धर्म शामिल है, जिसे वज्र के सामान्य प्रतीकवाद के लिए वज्रयान बौद्ध धर्म के रूप में भी जाना जाता है, हीरा थंडरबोल्ट (जिसे तिब्बती में दोरजे के रूप में जाना जाता है)। अधिकांश विशिष्ट तिब्बती बौद्ध कला को तंत्र के अभ्यास के हिस्से के रूप में देखा जा सकता है। वज्रयान तकनीक ध्यान के दौरान कई दृश्यों/कल्पनाओं को शामिल करती है, और अधिकांश विस्तृत तांत्रिक कला को ध्यान के देवताओं (यिडम) के प्रतिनिधित्व से लेकर मंडल और सभी प्रकार के अनुष्ठान उपकरणों तक इन दृश्यों के लिए सहायक के रूप में देखा जा सकता है। तांत्रिक बौद्ध धर्म का एक दृश्य पहलू क्रोधित देवताओं का सामान्य प्रतिनिधित्व है, जिन्हें अक्सर क्रोधित चेहरे, लौ के घेरे या मृतकों की खोपड़ी के साथ चित्रित किया जाता है। ये छवियाँ संरक्षक (एस. के. टी.) का प्रतिनिधित्व करती हैं। धर्मपाल) और उनका डरावना व्यवहार उनके सच्चे दयालु स्वभाव को नकारता है। वास्तव में, उनका क्रोध धर्म शिक्षण की सुरक्षा के साथ-साथ भ्रष्टाचार या अभ्यास में व्यवधान को रोकने के लिए विशिष्ट तांत्रिक प्रथाओं की सुरक्षा के प्रति उनके समर्पण का प्रतिनिधित्व करता है। वे सबसे महत्वपूर्ण रूप से क्रोधित मनोवैज्ञानिक पहलुओं के रूप में उपयोग किए जाते हैं जिनका उपयोग चिकित्सक के नकारात्मक दृष्टिकोण पर विजय प्राप्त करने के लिए किया जा सकता है। इतिहासकारों का कहना है कि सामान्य रूप से तिब्बती चित्रकला पर चीनी चित्रकला का गहरा प्रभाव था। 14वीं और 15वीं शताब्दी से, तिब्बती चित्रकला में चीनी के कई तत्वों को शामिल किया गया था, और 18वीं शताब्दी के दौरान, चीनी चित्रकला का तिब्बती दृश्य कला पर गहरा और दूरगामी प्रभाव पड़ा। ग्यूसेप तुच्ची के अनुसार, किंग राजवंश के समय तक, "एक नई तिब्बती कला विकसित की गई थी, जो एक निश्चित अर्थ में चीनी 18 वीं शताब्दी की चिकनी अलंकृत प्राचीनता की प्रांतीय प्रतिध्वनि थी।" जापानी कला जापानी कला और वास्तुकला में जापान में मानव निवास की शुरुआत से, 10 वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व में, वर्तमान तक निर्मित कला के काम शामिल हैं। जापानी कला में कला शैलियों और मीडिया की एक विस्तृत श्रृंखला शामिल है, जिसमें प्राचीन मिट्टी के बर्तन, लकड़ी और कांस्य में मूर्तिकला, रेशम और कागज पर स्याही चित्रकला और प्राचीन काल से समकालीन 21वीं शताब्दी तक अन्य प्रकार की कलाकृतियां शामिल हैं। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के दौरान एडो (टोक्यो) की महानगरीय संस्कृति में कला का रूप बहुत लोकप्रिय हुआ, जिसकी उत्पत्ति 1670 के दशक में हिसिकावा मोरोनोबू के एकल-रंगीन कार्यों से हुई। सबसे पहले, केवल भारतीय स्याही का उपयोग किया जाता था, फिर कुछ प्रिंटों को हाथ से ब्रश से रंगा जाता था, लेकिन 18 वीं शताब्दी में सुजुकी हारुनोबू ने निशिकी-ए का उत्पादन करने के लिए पॉलीक्रोम प्रिंटिंग की तकनीक विकसित की। सामान्य रूप से जापानी कलाओं के इतिहास के साथ, जापानी चित्रकला का इतिहास देशी जापानी सौंदर्यशास्त्र और आयातित विचारों के अनुकूलन के बीच संश्लेषण और प्रतिस्पर्धा का एक लंबा इतिहास है। जापान में चित्रकला की उत्पत्ति जापान के प्रागैतिहासिक काल में हुई थी। साधारण छड़ी की आकृतियाँ और ज्यामितीय डिजाइन जोमोन काल के मिट्टी के बर्तनों और यायोई काल (300 ईसा पूर्व-300 ईस्वी) की कांस्य घंटियों पर पाए जा सकते हैं। ज्यामितीय और आलंकारिक दोनों डिजाइनों के साथ भित्ति चित्र कोफुन काल (300-700 AD) से कई ट्यूमलस में पाए गए हैं। प्राचीन जापानी मूर्तिकला ज्यादातर बौद्ध धर्म में मूर्ति पूजा या शिंटो देवता के जीववादी संस्कारों से ली गई थी। विशेष रूप से, सभी कलाओं में मूर्तिकला बौद्ध धर्म के इर्द-गिर्द सबसे अधिक केंद्रित हो गई। पारंपरिक रूप से उपयोग की जाने वाली सामग्री धातु थी-विशेष रूप से कांस्य-और, अधिक सामान्य रूप से, लकड़ी, जो अक्सर लाखदार, सुनहरे रंग की या चमकीले रंग की होती थी। तोकुगावा काल के अंत तक, इस तरह की पारंपरिक मूर्तिकला-लघु कृतियों को छोड़कर-बौद्ध मंदिरों और कुलीन वर्ग द्वारा संरक्षण के नुकसान के कारण काफी हद तक गायब हो गई थी। उकियो, जिसका अर्थ है "तैरती दुनिया", उस उत्साही युवा संस्कृति को संदर्भित करता है जो एडो (आधुनिक टोक्यो), ओसाका और क्योटो के शहरी केंद्रों में खिल गई थी जो उनके लिए एक दुनिया थी। यह होमोफोन शब्द "दुखद दुनिया" (कु) का एक विडंबनापूर्ण संकेत है, जो मृत्यु और पुनर्जन्म का सांसारिक स्तर है जिससे बौद्धों ने मुक्ति की मांग की थी। कोरियाई कला कोरियाई कला मिट्टी के बर्तनों, संगीत, सुलेख, चित्रकला, मूर्तिकला और अन्य शैलियों में अपनी परंपराओं के लिए जानी जाती है, जो अक्सर बोल्ड रंग, प्राकृतिक रूपों, सटीक आकार और पैमाने और सतह की सजावट के उपयोग से चिह्नित होती है। हालांकि तीन स्वतंत्र संस्कृतियों के बीच स्पष्ट और विशिष्ट अंतर हैं, कोरिया, चीन और जापान की कलाओं के बीच महत्वपूर्ण और ऐतिहासिक समानताएं और अंतःक्रियाएं हैं। कोरियाई कला का अध्ययन और प्रशंसा अभी भी पश्चिम में एक प्रारंभिक चरण में है। चीन और जापान के बीच कोरिया की स्थिति के कारण, कोरिया को जापान के लिए केवल चीनी संस्कृति के माध्यम के रूप में देखा जाता था। हालाँकि, हाल के विद्वानों ने कोरिया की अपनी अनूठी कला, संस्कृति और न केवल चीनी संस्कृति को प्रसारित करने में बल्कि इसे आत्मसात करने और अपनी एक अनूठी संस्कृति बनाने में महत्वपूर्ण भूमिका को स्वीकार करना शुरू कर दिया है। किसी राष्ट्र द्वारा जन्म और विकसित की गई कला उसकी अपनी कला होती है। आम तौर पर, कोरियाई चित्रकला का इतिहास लगभग 108 ईस्वी का है, जब यह पहली बार एक स्वतंत्र रूप के रूप में दिखाई देता है। उस समय और गोरियो राजवंश के मकबरों पर दिखाई देने वाले चित्रों और भित्ति चित्रों के बीच, बहुत कम शोध किया गया है। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि जोसियन राजवंश तक प्राथमिक प्रभाव चीनी चित्रकला था, हालांकि कोरियाई परिदृश्य, चेहरे की विशेषताओं, बौद्ध विषयों और कोरियाई खगोल विज्ञान के तेजी से विकास को ध्यान में रखते हुए खगोलीय अवलोकन पर जोर दिया गया था। कोरियाई चित्रकला के पूरे इतिहास में, अक्सर शहतूत के कागज या रेशम पर काले ब्रशवर्क के एकवर्णी कार्यों को लगातार अलग किया गया है; और रंगीन लोक कला या मिन-ह्वा, अनुष्ठान कला, मकबरे की पेंटिंग और उत्सव कला जो रंग का व्यापक उपयोग करती हैं। यह अंतर अक्सर वर्ग-आधारित थाः विद्वानों, विशेष रूप से कन्फ्यूशियस कला में, ने महसूस किया कि कोई भी श्रेणीकरण के भीतर एकवर्णी चित्रों में रंग देख सकता है और महसूस किया कि रंग के वास्तविक उपयोग ने चित्रों को मोटा कर दिया है, और कल्पना को प्रतिबंधित कर दिया है। कोरियाई लोक कला, और वास्तुशिल्प फ्रेम की पेंटिंग को कुछ बाहरी लकड़ी के फ्रेम को रोशन करने के रूप में देखा गया था, और फिर से चीनी वास्तुकला की परंपरा के भीतर, और भारत की कला से प्रेरित प्रचुर मात्रा में समृद्ध थालो और प्राथमिक रंगों के प्रारंभिक बौद्ध प्रभाव। कोरिया में समकालीन कलाः कोरियाई कला में पश्चिमी शैली की तेल चित्रकला का पहला उदाहरण कोरियाई कलाकार को हू आई-डोंग (1886-1965) के स्व-चित्रों में था। इनमें से केवल तीन कार्य आज भी शेष हैं। ये स्व-चित्र उस माध्यम की समझ प्रदान करते हैं जो शैलीगत और सांस्कृतिक अंतर की पुष्टि से परे है। बीसवीं शताब्दी की शुरुआत तक, कोरिया में तेल और कैनवास का उपयोग करके चित्रकारी करने के निर्णय की दो अलग-अलग व्याख्याएँ थीं। एक पश्चिमी विचारों और कला शैलियों के कारण ज्ञान की भावना होना। यह ज्ञान सत्रहवीं और अठारहवीं शताब्दी के एक बौद्धिक आंदोलन से प्राप्त हुआ। जापान द्वारा कोरिया के विलय की अवधि के दौरान को इस पद्धति से चित्रकारी कर रहे थे। इस दौरान कई लोगों ने दावा किया कि उनकी कला राजनीतिक हो सकती है, हालांकि, उन्होंने खुद कहा कि वह एक कलाकार थे न कि एक राजनेता। को ने कहा, "जब मैं टोक्यो में था, एक बहुत ही दिलचस्प बात हुई। उस समय टोक्यो में सौ से भी कम कोरियाई छात्र थे। हम सभी नई हवा पी रहे थे और नई पढ़ाई शुरू कर रहे थे, लेकिन कुछ ऐसे भी थे जिन्होंने कला का अध्ययन करने के लिए मेरी पसंद का मजाक उड़ाया। एक करीबी दोस्त ने कहा कि इस तरह के समय में चित्रकला का अध्ययन करना मेरे लिए सही नहीं था। कोरियाई मिट्टी के बर्तनों को 6000 ईसा पूर्व के रूप में पहचाना गया था। बाहर की ओर नक्काशीदार सजावटी रेखाओं के कारण इस मिट्टी के बर्तन को कंघी-पैटर्न वाले मिट्टी के बर्तन के रूप में भी जाना जाता था। प्रारंभिक कोरियाई समाज मुख्य रूप से मछली पकड़ने पर निर्भर थे। इसलिए, वे मछली और समुद्र से एकत्र की गई अन्य चीजों जैसे शेलफिश को संग्रहीत करने के लिए मिट्टी के बर्तनों का उपयोग करते थे। मिट्टी के बर्तनों में दो मुख्य क्षेत्रीय भेद थे। पूर्वी तट के लोगों का आधार समतल होता है, जबकि दक्षिण तट पर मिट्टी के बर्तनों का आधार गोल होता है। दक्षिण एशियाई कला पाकिस्तानी कला पाकिस्तानी कला की एक लंबी परंपरा और इतिहास है। इसमें चित्रकला, मूर्तिकला, सुलेख, मिट्टी के बर्तन और बुने हुए रेशम जैसी कपड़ा कलाओं सहित विभिन्न प्रकार की कलाएँ शामिल हैं। भौगोलिक रूप से, यह भारतीय उपमहाद्वीप की कला का एक हिस्सा है, जिसमें अब पाकिस्तान भी शामिल है। बौद्ध कला बौद्ध कला की उत्पत्ति भारतीय उपमहाद्वीप में 6 वीं से 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व में ऐतिहासिक गौतम बुद्ध के जीवन के बाद की शताब्दियों में हुई थी, इससे पहले कि अन्य संस्कृतियों के साथ इसके संपर्क और एशिया और दुनिया के बाकी हिस्सों में इसके प्रसार के माध्यम से विकसित हो। बौद्ध कला ने विश्वासियों के साथ यात्रा की क्योंकि प्रत्येक नए मेजबान देश में धर्म का प्रसार, अनुकूलन और विकास हुआ। यह बौद्ध कला की उत्तरी शाखा बनाने के लिए उत्तर में मध्य एशिया और पूर्वी एशिया में विकसित हुआ, और पूर्व में दक्षिण पूर्व एशिया तक बौद्ध कला की दक्षिणी शाखा बनाने के लिए। भारत में, बौद्ध कला का विकास हुआ और यहां तक कि हिंदू कला के विकास को भी प्रभावित किया, जब तक कि हिंदू धर्म के साथ-साथ इस्लाम के जोरदार विस्तार के कारण 10वीं शताब्दी ईस्वी के आसपास भारत में बौद्ध धर्म लगभग गायब नहीं हो गया। बौद्ध कला में एक आम दृश्य उपकरण मंडल है। एक दर्शक के दृष्टिकोण से, यह योजनाबद्ध रूप से आदर्श ब्रह्मांड का प्रतिनिधित्व करता है। विभिन्न आध्यात्मिक परंपराओं में, मंडलों को एक पवित्र स्थान की स्थापना के लिए, और ध्यान और समाधि प्रेरण के लिए एक सहायता के रूप में, एक आध्यात्मिक शिक्षण उपकरण, उम्मीदवारों और अनुयायियों का ध्यान केंद्रित करने के लिए नियोजित किया जा सकता है। इसकी प्रतीकात्मक प्रकृति किसी को "अचेतन के उत्तरोत्तर गहरे स्तरों तक पहुँचने में मदद कर सकती है, अंततः ध्यानकर्ता को अंतिम एकता के साथ एकता की एक रहस्यमय भावना का अनुभव करने में सहायता करती है जिससे ब्रह्मांड अपने सभी कई रूपों में उत्पन्न होता है।" मनोविश्लेषक कार्ल जंग ने मंडल को "अचेतन स्व के केंद्र के प्रतिनिधित्व" के रूप में देखा, और उनका मानना था कि मंडल के उनके चित्रों ने उन्हें भावनात्मक विकारों की पहचान करने और व्यक्तित्व में पूर्णता की दिशा में काम करने में सक्षम बनाया। भूटानी कला तिब्बत की कला के समान है। दोनों ही दिव्य प्राणियों के साथ वज्रयान बौद्ध धर्म पर आधारित हैं। भूटान में बौद्ध धर्म के प्रमुख वर्ग द्रुक्पा काग्यू और न्यिंगमा हैं। पहला काग्यू स्कूल की एक शाखा है और बौद्ध गुरुओं और 70 जे खेनपो (भूटानी मठों के नेताओं) की वंशावली का दस्तावेजीकरण करने वाले चित्रों के लिए जाना जाता है। न्यिंगमा क्रम पद्मसंभव की छवियों के लिए जाना जाता है, जिन्हें 7वीं शताब्दी में भूटान में बौद्ध धर्म की शुरुआत करने का श्रेय दिया जाता है। किंवदंती के अनुसार, पद्मसंभव ने भविष्य के बौद्ध गुरुओं, विशेष रूप से पेमा लिंगपा के लिए पवित्र खजाने छिपाए। खजाना खोजने वाले (टर्टोन) भी न्यिंगमा कला के नियमित विषय हैं। प्रत्येक दिव्य प्राणी को विशेष आकार, रंग, और/या पहचान करने वाली वस्तुएँ दी जाती हैं, जैसे कि कमल, शंख-कवच, गड़गड़ाहट और भीख का कटोरा। सभी पवित्र छवियाँ सटीक विनिर्देशों के अनुसार बनाई गई हैं जो सदियों से उल्लेखनीय रूप से अपरिवर्तित रही हैं। भूटानी कला विशेष रूप से विभिन्न प्रकार के कांस्य में समृद्ध है जिन्हें सामूहिक रूप से खाम-सो (खाम में बने) नाम से जाना जाता है, भले ही वे भूटान में बने हों, क्योंकि उन्हें बनाने की तकनीक मूल रूप से तिब्बत के पूर्वी प्रांत खाम से आयात की गई थी। इन क्षेत्रों में भित्ति चित्रों और मूर्तियों को बौद्ध कला रूपों के प्रमुख कालातीत आदर्शों पर तैयार किया गया है। भले ही विस्तार पर उनका जोर तिब्बती मॉडल से लिया गया है, लेकिन प्रचुर कढ़ाई वाले कपड़ों और चमकदार आभूषणों के बावजूद उनकी उत्पत्ति को आसानी से पहचाना जा सकता है, जिनके साथ ये आकृतियाँ भव्य रूप से ढकी हुई हैं। राक्षसों की विचित्र दुनिया में, कलाकारों को दैवीय प्राणियों की छवियों का प्रतिरूपण करने की तुलना में स्पष्ट रूप से कार्य करने की अधिक स्वतंत्रता थी। भूटान की कला और शिल्प जो विशिष्ट "हिमालयी राज्य की भावना और पहचान" का प्रतिनिधित्व करते हैं, उन्हें ज़ोरिग चोसम की कला के रूप में परिभाषित किया गया है, जिसका अर्थ है "भूटान की तेरह कला और शिल्प"; तेरह शिल्प बढ़ईगीरी, चित्रकला, कागज बनाना, लोहार, बुनाई, मूर्तिकला और कई अन्य शिल्प हैं। थिम्पू में इंस्टीट्यूट ऑफ ज़ोरिग चोसम भूटान की समृद्ध संस्कृति और परंपरा को संरक्षित करने और सभी पारंपरिक कला रूपों में छात्रों को प्रशिक्षित करने के एकमात्र उद्देश्य के साथ भूटान सरकार द्वारा स्थापित पारंपरिक कला और शिल्प का प्रमुख संस्थान है; पूर्वी भूटान में एक और समान संस्थान है जिसे त्राशी यांग्त्से के नाम से जाना जाता है। थिम्पू में 'लोक विरासत संग्रहालय' में भूटानी ग्रामीण जीवन भी प्रदर्शित किया गया है। थिम्पू के युवाओं के बीच कला रूपों को प्रोत्साहित करने और बढ़ावा देने के लिए थिम्पू में एक 'स्वैच्छिक कलाकार स्टूडियो' भी है। भारतीय कला भारतीय कला को विशिष्ट अवधियों में वर्गीकृत किया जा सकता है, जिनमें से प्रत्येक कुछ धार्मिक, राजनीतिक और सांस्कृतिक विकास को दर्शाता है। सबसे शुरुआती उदाहरण पेट्रोग्लिफ हैं जैसे कि भीमबेटका में पाए जाने वाले, जिनमें से कुछ 5500 ईसा पूर्व से पहले के हैं। इस तरह के कार्यों का उत्पादन कई सहस्राब्दियों तक जारी रहा। सिंधु घाटी सभ्यता की कला का अनुसरण किया गया। बाद के उदाहरणों में महाराष्ट्र राज्य के एलोरा के नक्काशीदार स्तंभ शामिल हैं। अन्य उदाहरण अजंता और एलोरा गुफाओं के भित्ति चित्र हैं। भारतीय कला में मुगल साम्राज्य के योगदान में मुगल चित्रकला, फारसी लघु चित्रों से बहुत अधिक प्रभावित लघु चित्रकारी की एक शैली और मुगल वास्तुकला शामिल हैं। ब्रिटिश राज के दौरान, आधुनिक भारतीय चित्रकला पारंपरिक भारतीय और यूरोपीय शैलियों के संयोजन के परिणामस्वरूप विकसित हुई। राजा रवि वर्मा इस अवधि के अग्रदूत थे। अबनिद्रनाथ टैगोर, गगनेन्द्रनाथ टैगोर, जामिनी रॉय, मुकुल डे और नंदलाल बोस के नेतृत्व में इस अवधि के दौरान बंगाल स्कूल ऑफ आर्ट का विकास हुआ। भारत में सबसे लोकप्रिय कला रूपों में से एक को रंगोली कहा जाता है। यह सैंडपेन्टिंग सजावट का एक रूप है जिसमें बारीक पीसे हुए सफेद पाउडर और रंगों का उपयोग किया जाता है, और आमतौर पर भारत में घरों के बाहर इसका उपयोग किया जाता है। दृश्य कला (मूर्तिकला, चित्रकला और वास्तुकला) गैर-दृश्य कलाओं के साथ घनिष्ठ रूप से परस्पर संबंधित हैं। कपिल वात्स्यायन के अनुसार, "शास्त्रीय भारतीय वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला, साहित्य (काव्य), संगीत और नृत्य ने अपने-अपने माध्यमों द्वारा निर्धारित अपने स्वयं के नियम विकसित किए, लेकिन उन्होंने न केवल भारतीय धार्मिक-दार्शनिक मन की अंतर्निहित आध्यात्मिक मान्यताओं को एक दूसरे के साथ साझा किया, बल्कि उन प्रक्रियाओं को भी जिनके द्वारा प्रतीक और आध्यात्मिक अवस्थाओं के संबंधों को विस्तार से तैयार किया गया था।" भारतीय कला के अद्वितीय गुणों में अंतर्दृष्टि दार्शनिक विचार, व्यापक सांस्कृतिक इतिहास, सामाजिक, धार्मिक और राजनीतिक पृष्ठभूमि की समझ के माध्यम से सबसे अच्छी तरह से प्राप्त की जाती है। विशिष्ट अवधिः प्राचीन काल का हिंदू धर्म, जैन धर्म और बौद्ध धर्म (3500 ईसा पूर्व-वर्तमान) इस्लामी प्रभुत्व (712-1757 CE) औपनिवेशिक काल (1757-1947) भारत में आधुनिक और उत्तर-आधुनिक कला स्वतंत्रता और उत्तर-औपनिवेशिक काल (1947 के बाद) नेपाली कला काठमांडू की प्राचीन और परिष्कृत पारंपरिक संस्कृति, पूरे नेपाल में, अपने अत्यधिक धार्मिक लोगों द्वारा अभ्यास किए जाने वाले हिंदू और बौद्ध लोकाचार की एक निर्बाध और असाधारण बैठक है। इसने जैन धर्म, इस्लाम और ईसाई धर्म जैसे अन्य धर्मों द्वारा प्रदान की गई सांस्कृतिक विविधता को भी अपने दायरे में लिया है। दक्षिण पूर्व एशियाई कला ब्रुनेई कला सिल्वर ब्रुनेई कला में एक लोकप्रिय तत्व है। सिल्वरस्मिथ गहने, फूलदान और गोंग (एक मुड़े हुए रिम के साथ धातु की डिस्क जो चिपकने पर एक प्रतिध्वनित नोट देती है) बनाते हैं। एक अन्य लोकप्रिय बर्तन पासिगुपान है, जो एक प्रकार का छोटा बर्तन है जिसमें मंडला प्रिंट होता है और जिसमें तंबाकू होता है। बुनाई कौशल पीढ़ियों से चला आ रहा है। ब्रुनेई गाउन और सरोंग बनाने के लिए कपड़े का उत्पादन करता है। "कपड़े की बुनाई और सजावट के साथ-साथ इसे पहनना, प्रदर्शित करना और इसका आदान-प्रदान करना, वर्षों से ब्रुनेई की संस्कृति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा रहा है (ऑर 96)।" 15वीं शताब्दी में बुनाई महत्वपूर्ण हो गई। एंटोनियो पिगाफेटा ने अपनी यात्रा के दौरान ब्रुनेई का दौरा किया और देखा कि कपड़े कैसे बनाए जाते हैं। एक उदाहरण जोंगसरात था, जो शादियों और विशेष अवसरों के लिए उपयोग किया जाने वाला एक हस्तनिर्मित परिधान था। इसमें आमतौर पर चांदी और सोने का एक संकेत शामिल होता है। इसका उपयोग दीवार को ढकने के लिए किया जा सकता है। ब्रुनेई में दो प्रकार के कपड़ों को बाटिक और इकत कहा जाता है। बाटिक एक रंगीन सूती कपड़ा है जिसे मोम-प्रतिरोधी रंगाई के रूप में जानी जाने वाली तकनीक से सजाया जाता है। इकत को बाटिक के समान प्रक्रिया के माध्यम से बनाया जाता है, तैयार कपड़े पर पैटर्न को रंगने के बजाय, इसे बुनाई के दौरान बनाया जाता है। कंबोडिया की कला और कंबोडिया की संस्कृति का कई शताब्दियों पुराना एक समृद्ध और विविध इतिहास रहा है और यह भारत से बहुत प्रभावित रहा है। बदले में, कंबोडिया ने थाईलैंड, लाओस और इसके विपरीत को बहुत प्रभावित किया। कंबोडिया के लंबे इतिहास के दौरान, प्रेरणा का एक प्रमुख स्रोत धर्म से था। लगभग दो सहस्राब्दियों के दौरान, कंबोडियनों ने स्वदेशी जीववादी मान्यताओं और बौद्ध धर्म और हिंदू धर्म के भारतीय धर्मों के समन्वय से एक अद्वितीय खमेर विश्वास विकसित किया। भारतीय संस्कृति और सभ्यता, अपनी भाषा और कलाओं सहित, पहली शताब्दी ईस्वी के आसपास मुख्य भूमि दक्षिण पूर्व एशिया तक पहुंच गई। आम तौर पर यह माना जाता है कि समुद्री व्यापारी चीन के साथ व्यापार करते समय थाईलैंड और प्रशांत की खाड़ी के साथ बंदरगाहों पर भारतीय रीति-रिवाजों और संस्कृति को लाए थे। इससे लाभान्वित होने वाला पहला राज्य फ़नान था। विभिन्न समय पर, कंबोडियन संस्कृति ने जावानी, चीनी, लाओ और थाई संस्कृतियों के तत्वों को भी अवशोषित किया। कंबोडिया की दृश्य कलाओं का इतिहास सदियों से प्राचीन शिल्प तक फैला हुआ है; खमेर कला अंगकोर काल के दौरान अपने चरम पर पहुंच गई थी। पारंपरिक कंबोडियन कला और शिल्प में कपड़ा, गैर-कपड़ा बुनाई, चांदी बनाने, पत्थर की नक्काशी, लाख के बर्तन, मिट्टी के बर्तन, वाट भित्ति चित्र और पतंग बनाना शामिल हैं। 20वीं शताब्दी के मध्य में, कंबोडिया में आधुनिक कला की एक परंपरा शुरू हुई, हालांकि 20वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में खमेर रूज द्वारा कलाकारों की हत्या सहित कई कारणों से पारंपरिक और आधुनिक कला दोनों में गिरावट आई। सरकारों, गैर सरकारी संगठनों और विदेशी पर्यटकों के बढ़ते समर्थन के कारण देश ने हाल ही में एक कलात्मक पुनरुद्धार का अनुभव किया है। खमेर मूर्तिकला खमेर साम्राज्य की पत्थर की मूर्तिकला को संदर्भित करती है, जिसने 9वीं से 13वीं शताब्दी तक आधुनिक कंबोडिया पर आधारित एक क्षेत्र पर शासन किया, लेकिन उससे बड़ा। सबसे प्रसिद्ध उदाहरण अंगकोर में पाए जाते हैं, जो साम्राज्य के केंद्र के रूप में कार्य करता था। 7वीं शताब्दी तक, खमेर मूर्तिकला अपने हिंदू प्रभावों से दूर होने लगती है-बौद्ध आकृतियों के लिए पूर्व-गुप्त, हिंदू आकृतियों के लिए पल्लव-और निरंतर शैलीगत विकास के माध्यम से, यह अपनी मौलिकता विकसित करने के लिए आती है, जिसे 10वीं शताब्दी तक पूर्ण और निरपेक्ष माना जा सकता है। खमेर मूर्तिकला जल्द ही धार्मिक प्रतिनिधित्व से परे चली जाती है, जो देवी-देवताओं की आड़ में दरबारी आकृतियों को चित्रित करने के लिए लगभग एक बहाना बन जाती है। लेकिन इसके अलावा, यह एक प्रकार के परीक्षण स्थल की तरह शैलीगत परिशोधन के निष्पादन के लिए एक साधन और अपने आप में अंत का गठन करने के लिए भी आता है। हम पहले ही देख चुके हैं कि कैसे खमेर साम्राज्य का सामाजिक संदर्भ इस कला को समझने के लिए एक दूसरी कुंजी प्रदान करता है। लेकिन हम यह भी कल्पना कर सकते हैं कि अधिक विशिष्ट स्तर पर, बुद्धिजीवियों और कलाकारों के छोटे समूह काम कर रहे थे, जो शैली की एक काल्पनिक पूर्णता का अनुसरण करते हुए महारत और परिष्करण में आपस में प्रतिस्पर्धा कर रहे थे। खमेर मूर्तिकला में हम जो देवता पाते हैं, वे भारत के दो महान धर्मों, बौद्ध धर्म और हिंदू धर्म के हैं। और उन्हें हमेशा महान प्रतिमाशास्त्रीय सटीकता के साथ दर्शाया जाता है, जो स्पष्ट रूप से दर्शाता है कि विद्वान पुजारियों ने कार्यों के निष्पादन की देखरेख की। फिर भी, उन हिंदू छवियों के विपरीत जो एक आदर्श रूढ़िवादिता को दोहराती हैं, इन छवियों को महान यथार्थवाद और मौलिकता के साथ माना जाता है क्योंकि वे जीवित मॉडलः राजा और उसके दरबार को दर्शाती हैं। खमेर कला का वास्तविक सामाजिक कार्य, वास्तव में, राजकुमारों में सन्निहित देवताओं की इन छवियों के माध्यम से अभिजात वर्ग का महिमामंडन था। वास्तव में, "देव-राजा" के पंथ के लिए एक उत्कृष्ट कुलीन कला के विकास की आवश्यकता थी जिसमें लोगों को संप्रभु की दिव्यता का ठोस प्रमाण देखना चाहिए था, जबकि अभिजात वर्ग को खुद को देखने में खुशी होती थी-यदि यह सच है, तो आदर्श रूप में-जटिल अलंकरण, सुरुचिपूर्ण कपड़े और असाधारण गहने की भव्यता में अमर। मूर्तियाँ देवताओं की प्रशंसनीय छवियाँ हैं, शाही और प्रभावशाली उपस्थिति, हालांकि स्त्री कामुकता के बिना नहीं, हमें दरबार में महत्वपूर्ण व्यक्तियों और काफी शक्ति वाले व्यक्तियों के बारे में सोचने पर मजबूर करती हैं। जिन कलाकारों ने पत्थरों की मूर्तिकला की, वे निस्संदेह उन व्यक्तियों द्वारा मांगे गए प्राथमिक उद्देश्यों और आवश्यकताओं को पूरा करते थे जिन्होंने उन्हें कमीशन किया था। मूर्तियाँ रूढ़िवादी तरीके से चुनी हुई देवत्व का प्रतिनिधित्व करती हैं और महान कौशल और विशेषज्ञता के साथ, दरबार की उच्च आकृतियों को उनके सभी वैभव में, पोशाक, अलंकरण और एक परिष्कृत सुंदरता के गहने में चित्रित करने में सफल होती हैं। सबसे पुरानी ज्ञात फिलिपिनो कलाएँ रॉक आर्ट्स हैं, जहाँ सबसे पुराना एंगोनो पेट्रोग्लिफ्स है, जो नवपाषाण युग के दौरान बनाया गया था, जो 6000 और 2000 ईसा पूर्व के बीच का है। नक्काशी का उपयोग संभवतः बीमार बच्चों के लिए एक प्राचीन उपचार अभ्यास के हिस्से के रूप में किया जाता था। इसके बाद अलाब पेट्रोग्लिफ्स आया, जो 1500 ईसा पूर्व के बाद का नहीं था, जिसमें पुडेंडा जैसे प्रजनन क्षमता के प्रतीक प्रदर्शित किए गए थे। शैल कलाएँ पेट्रोग्राफ हैं, जिनमें पेनाब्लैंका से लकड़ी के कोयले की चट्टान कला, सिंगनापन से लकड़ी के कोयले की चट्टान कला, आंडा में लाल हेमेटाइट कला और मोनरियल (टीकाओ) से हाल ही में खोजी गई चट्टान कला शामिल हैं, जिसमें बंदरों, मानव चेहरे, कीड़े या सांप, पौधों, ड्रैगनफ्लाइज़ और पक्षियों को दर्शाया गया है। 890 और 710 ईसा पूर्व के बीच, मानुंगुल जार दक्षिणी पलावन में बनाया गया था। यह एक माध्यमिक दफन जार के रूप में कार्य करता है, जहां शीर्ष आवरण एक साइकोपॉम्प के साथ एक नाव के माध्यम से आत्मा की मृत्यु के बाद की यात्रा को दर्शाता है। 100 ईसा पूर्व में, कबायन ममी कब्र गुफाओं को एक पहाड़ से तराशा गया था। 5 ईसा पूर्व-225 ईस्वी के बीच, कोटाबातो में मैतम एंथ्रोपोमोर्फिक मिट्टी के बर्तन बनाए गए थे। शिल्प माध्यमिक दफन जार थे, जिनमें से कई में मानव सिर, हाथ, पैर और छाती को दर्शाया गया था। चौथी शताब्दी ईस्वी तक, और सबसे अधिक संभावना है कि उससे पहले, फिलीपींस के प्राचीन लोग विशाल युद्धपोत बना रहे थे, जहाँ सबसे पहले ज्ञात पुरातात्विक साक्ष्य बुटुआन से निकाले गए हैं, जहाँ जहाज की पहचान एक बालंगे के रूप में की गई थी और इसकी तारीख 320 ईस्वी थी। सबसे पुरानी, वर्तमान में पाई जाने वाली, कलाकृति जिस पर एक लिखित लिपि है, 900 ईस्वी का लगुना कॉपरप्लेट शिलालेख है। प्लेट में ऋण के भुगतान पर चर्चा की गई है। बुटुआन आइवरी सील देश में सबसे पुरानी ज्ञात हाथीदांत कला है, जो 9वीं से 12वीं शताब्दी ईस्वी के बीच की है। मुहर में एक प्राचीन लिपि की नक्काशी है। इस अवधि के दौरान, विभिन्न कलाकृतियाँ बनाई गईं, जैसे कि अगुसन छवि, एक देवता की सोने की मूर्ति, जो संभवतः हिंदू धर्म और बौद्ध धर्म से प्रभावित थी। 12वीं से 15वीं शताब्दी तक, बुटुआन सिल्वर पेलियोग्राफ बनाया गया था। सिल्वर की स्क्रिप्ट को अभी तक समझा जाना बाकी है। 13वीं-14वीं शताब्दी के बीच, बैंटन, रोम्ब्लॉन के मूल निवासियों ने दक्षिण पूर्व एशिया में सबसे पुराने जीवित इकत वस्त्र, बैंटन कपड़े को तैयार किया। कपड़ों का उपयोग मृत्यु कंबल के रूप में किया जाता था। 16वीं शताब्दी तक, 19वीं शताब्दी के अंत तक, स्पेनिश उपनिवेशीकरण ने देश में कला के विभिन्न रूपों को प्रभावित किया। 1565 से 1815 तक, फिलिपिनो शिल्पकार एशिया से अमेरिका तक व्यापार के लिए उपयोग किए जाने वाले मनीला गैलन बना रहे थे, जहाँ कई सामान यूरोप जाते थे। 1565 में, फिलीपींस में टैटू बनाने की प्राचीन परंपरा पहली बार पिंटाडोस के माध्यम से दर्ज की गई थी। 1584 में, फोर्ट सैन एंटोनियो आबाद पूरा हो गया था, जबकि 1591 में, फोर्ट सैंटियागो का निर्माण किया गया था। 1600 तक, फिलीपीन कॉर्डिलेरास की चावल की छतें बनाई गईं। पांच चावल छत समूहों को विश्व धरोहर स्थलों के रूप में नामित किया गया है। 1607 में, सैन ऑगस्टिन चर्च (मनीला) का निर्माण किया गया था। इस इमारत को विश्व धरोहर स्थल घोषित किया गया है। यह स्थल अपने चित्रित इंटीरियर के लिए प्रसिद्ध है। 1613 में, कागज पर सबसे पुराना जीवित सुयत लेखन सैंटो टॉमस बेबाइन दस्तावेज़ विश्वविद्यालय के माध्यम से लिखा गया था। 1621 के बाद, टिकाव, मस्बेट में मोनरियल स्टोन्स का निर्माण किया गया। 1680 में, सदियों का मेहराब बनाया गया था। 1692 में, नुएस्ट्रा सेनोरा डे ला सोलेदाद डी पोर्टा वागा की छवि को चित्रित किया गया था। मानोग चर्च की स्थापना 1701 में की गई थी। 1710 में, पाओय चर्च का विश्व धरोहर स्थल बनाया गया था। चर्च अपने विशाल बट्रेस के लिए जाना जाता है, जो भूकंप बारोक वास्तुकला का हिस्सा है। 1720 में, सांता एना में कैमरिन डे ला वर्जेन में धार्मिक चित्र बनाए गए थे। 1725 में, ऐतिहासिक सांता एना चर्च बनाया गया था। 1765 में, सांता मारिया चर्च का विश्व धरोहर स्थल बनाया गया था। यह स्थल अपनी उच्च भूमि संरचना के लिए उल्लेखनीय है। बकरा चर्च 1782 में बनाया गया था। 1783 में, बटानेस के इड्जांग, महल-किले, पहली बार दर्ज किए गए थे। संरचनाओं की सही उम्र अभी भी अज्ञात है। 1797 में, मिआगाओ चर्च का विश्व धरोहर स्थल बनाया गया था। चर्च अपने अग्रभाग की नक्काशी के लिए प्रसिद्ध है। तायुम चर्च 1803 में बनाया गया था। 1807 में, बेसी विद्रोह चित्र बनाए गए थे, जो बेसी उत्पादन और खपत पर स्पेनिश हस्तक्षेप के खिलाफ इलोकानो क्रांति को दर्शाते थे। 1822 में, ऐतिहासिक पैको पार्क की स्थापना की गई थी। 1824 में, लास पिनास बैंबू ऑर्गन बनाया गया था, जो बांस से बना पहला और एकमात्र अंग बन गया था। 1852 तक, सैंटियागो एपोस्टोल के पैरिश चर्च के पवित्र कला चित्र समाप्त हो गए थे। 1884 में, स्पेन में एक कला प्रतियोगिता के दौरान गवर्नर बुस्टामांटे और उनके बेटे और स्पोलियारियम की हत्या दोनों ने पुरस्कार जीते। 1890 में, चित्र, फीडिंग द चिकन, बनाया गया था। पेरिसियन लाइफ को 1892 में चित्रित किया गया था, जबकि ला बुलाकिना को 1895 में चित्रित किया गया था। मिट्टी की कला, द ट्रायम्फ ऑफ साइंस ओवर डेथ, 1890 में तैयार की गई थी। 1891 में, एशिया का पहला और एकमात्र पूर्ण-इस्पात चर्च, सैन सेबेस्टियन चर्च (मनीला) बनाया गया था। 1894 में, मिट्टी की कला मदर्स रिवेंज बनाई गई थी। 20वीं शताब्दी में, या संभवतः इससे पहले, बयांग का कुरान लिखा गया था। उसी समय के दौरान, गुइडे, बेसाओ के पत्थर कृषि कैलेंडर की खोज बाहरी लोगों द्वारा की गई थी। 1913 में, रिजाल स्मारक पूरा हो गया था। 1927 में, सैंटो टॉमस विश्वविद्यालय के मुख्य भवन का पुनर्निर्माण किया गया था, जबकि इसका केंद्रीय सेमिनरी भवन 1933 में बनाया गया था। 1931 में सुलु के शाही महल दारुल जंबंगन को नष्ट कर दिया गया था। उसी वर्ष मनीला मेट्रोपॉलिटन थिएटर का निर्माण किया गया था। फिलीपींस के चित्रों में चिकित्सा की प्रगति 1953 में पूरी हुई थी। सेंटो डोमिंगो चर्च 1954 में बनाया गया था। 1962 में, अंतर्राष्ट्रीय चावल अनुसंधान संस्थान की पेंटिंग पूरी हुई, जबकि मनीला भित्ति चित्र 1968 में बनाया गया था। 1993 में बोनिफैसियो स्मारक बनाया गया था। इंडोनेशियाई कला इंडोनेशियाई कला और संस्कृति को मूल स्वदेशी रीति-रिवाजों और कई विदेशी प्रभावों के बीच लंबी बातचीत से आकार दिया गया है। इंडोनेशिया सुदूर पूर्व और मध्य पूर्व के बीच प्राचीन व्यापारिक मार्गों के साथ केंद्रीय है, जिसके परिणामस्वरूप कई सांस्कृतिक प्रथाएं हिंदू धर्म, बौद्ध धर्म, कन्फ्यूशियसवाद और इस्लाम सहित कई धर्मों से दृढ़ता से प्रभावित हैं, जो सभी प्रमुख व्यापारिक शहरों में मजबूत हैं। इसका परिणाम एक जटिल सांस्कृतिक मिश्रण है जो मूल स्वदेशी संस्कृतियों से बहुत अलग है। इंडोनेशिया आम तौर पर चित्रों के लिए नहीं जाना जाता है, जटिल और अभिव्यंजक बाली चित्रों के अलावा, जो अक्सर पारंपरिक नृत्यों के प्राकृतिक दृश्यों और विषयों को व्यक्त करते हैं। अन्य अपवादों में स्वदेशी केन्या पेंट डिजाइन शामिल हैं, जो आमतौर पर ऑस्ट्रोनेशियन संस्कृतियों में पाए जाते हैं, स्थानीय प्राकृतिक रूपांकन जैसे कि फर्न, पेड़, कुत्ते, हॉर्नबिल और मानव आकृतियाँ। ये अभी भी पूर्वी कालीमंतन के अपो कयान क्षेत्र में केन्या दयाक लॉन्गहाउस की दीवारों को सजाते हुए पाए जाते हैं। इंडोनेशिया में एक लंबा कांस्य और लौह युग है, लेकिन कला-रूप विशेष रूप से 8 वीं शताब्दी से 10 वीं शताब्दी तक फला-फूला, दोनों कला के स्वतंत्र कार्यों के रूप में, और मंदिरों में भी शामिल किया गया। सबसे उल्लेखनीय मध्य जावा में बोरोबुदुर के मंदिर में सैकड़ों मीटर की राहत मूर्तियां हैं। लगभग दो मील की उत्कृष्ट नक्काशी मूर्तियाँ बुद्ध के जीवन की कहानी बताती हैं और उनकी शिक्षाओं को दर्शाती हैं। यह मंदिर मूल रूप से बैठे हुए बुद्ध की 504 मूर्तियों का घर था। यह स्थल, मध्य जावा में अन्य स्थानों की तरह, एक स्पष्ट भारतीय प्रभाव दिखाता है। सुलेख, जो ज्यादातर कुरान पर आधारित है, का उपयोग अक्सर सजावट के रूप में किया जाता है क्योंकि इस्लाम प्राकृतिक चित्रण को मना करता है। कुछ विदेशी चित्रकार भी इंडोनेशिया में बस गए हैं। आधुनिक इंडोनेशियाई चित्रकार विभिन्न प्रकार की शैलियों और विषयों का उपयोग करते हैं। बाली कला हिंदू-जावानी मूल की कला है जो 13वीं शताब्दी के अंत में बाली में अपने विस्तार के साथ मजापहित साम्राज्य के कारीगरों के काम से विकसित हुई। 16वीं से 20वीं शताब्दी तक, कामासन गाँव, क्लुंगकुंग (पूर्वी बाली), शास्त्रीय बाली कला का केंद्र था। 20वीं शताब्दी के पहले भाग के दौरान, बाली कला की नई किस्मों का विकास हुआ। बीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, उबुद और उसके पड़ोसी गाँवों ने बाली कला के केंद्र के रूप में एक प्रतिष्ठा स्थापित की। उबुद और बटुआन अपने चित्रों के लिए जाने जाते हैं, मास अपनी लकड़ी की नक्काशी के लिए, सेलुक सोने और चांदी के कारीगरों के लिए, और बटुबुलन अपने पत्थर की नक्काशी के लिए जाने जाते हैं। कोवार्रूबियास ने बाली कला का वर्णन इस प्रकार किया है, ". एक अत्यधिक विकसित, हालांकि अनौपचारिक बारोक लोक कला जो हिंदूवादी जावा के शास्त्रीयता के परिष्करण के साथ किसान जीवन को जोड़ती है, लेकिन रूढ़िवादी पूर्वाग्रह से मुक्त और उष्णकटिबंधीय आदिम की राक्षसी भावना के उल्लास से प्रेरित एक नई जीवन शक्ति के साथ।" आइज़मैन ने बताया कि बाली की कला वास्तव में नक्काशीदार, चित्रित, बुनी हुई और रोजमर्रा के उपयोग के लिए वस्तुओं में तैयार की जाती है, न कि वस्तु कला के रूप में। 1920 के दशक में, कई पश्चिमी कलाकारों के आगमन के साथ, बाली हाल के वर्षों में वाल्टर स्पाइज (जर्मन), रुडोल्फ बोनेट (डच), एड्रियन-जीन ले मेयूर (बेल्जियम), एरी स्मिट (डच) और डोनाल्ड फ्रेंड (ऑस्ट्रेलियाई) जैसे अवांट-गार्डे कलाकारों के लिए एक कलाकार एन्क्लेव (जैसा कि ताहिती पॉल गौगिन के लिए था) बन गया। इनमें से अधिकांश पश्चिमी कलाकारों का द्वितीय विश्व युद्ध के बाद की अवधि तक बाली लोगों पर बहुत कम प्रभाव था, हालांकि कुछ विवरण बाली की रचनात्मकता को पहचानने की कीमत पर पश्चिमी उपस्थिति पर अधिक जोर देते हैं। रचनात्मकता की यह अभूतपूर्व अवधि 1930 के दशक के अंत में चरम पर पहुंच गई। चार्ली चैपलिन और मानवविज्ञानी ग्रेगरी बेटसन और मार्गरेट मिड सहित प्रसिद्ध आगंतुकों की एक धारा ने प्रतिभाशाली स्थानीय लोगों को अत्यधिक मौलिक कृतियों को बनाने के लिए प्रोत्साहित किया। 1930 के दशक के मध्य में बाली में अपने प्रवास के दौरान, बेटसन और मीड ने 2000 से अधिक चित्र एकत्र किए, मुख्य रूप से बातुआन गाँव से, लेकिन सनूर के तटीय गाँव से भी। पश्चिमी कलाकारों में, जासूसों और बोनेट को अक्सर पारंपरिक बाली चित्रों के आधुनिकीकरण का श्रेय दिया जाता है। 1950 के दशक के बाद से, बेलीज़ कलाकारों ने इन कलाकारों से परिप्रेक्ष्य और शरीर रचना विज्ञान के पहलुओं को शामिल किया। इससे भी महत्वपूर्ण बात यह है कि उन्होंने प्रयोग को प्रोत्साहित करके परिवर्तन के एजेंटों के रूप में काम किया और परंपरा से प्रस्थान को बढ़ावा दिया। परिणाम व्यक्तिगत अभिव्यक्ति का एक विस्फोट था जिसने बाली कला में परिवर्तन की दर को बढ़ाया। लाओ कला लाओटियन कला में चीनी मिट्टी, लाओ बौद्ध मूर्तिकला और लाओ संगीत शामिल हैं। लाओ बौद्ध मूर्तियों को सोने, चांदी और अक्सर कांस्य सहित विभिन्न प्रकार की सामग्री में बनाया गया था। ईंट-और-मोर्टार भी विशाल छवियों के लिए उपयोग किया जाने वाला एक माध्यम था, इनमें से सबसे प्रसिद्ध वियनतियान में फया वाट (16 वीं शताब्दी) की छवि है, हालांकि एक नवीनीकरण ने मूर्तिकला के रूप को पूरी तरह से बदल दिया, और यह अब लाओ बुद्ध जैसा नहीं है। लकड़ी छोटी, पवित्र बौद्ध छवियों के लिए लोकप्रिय है जो अक्सर गुफाओं में छोड़ दी जाती हैं। बुद्ध की बड़ी, आदमकद खड़ी छवियों के लिए भी लकड़ी बहुत आम है। अर्ध-बहुमूल्य पत्थर में नक्काशी की गई सबसे प्रसिद्ध दो मूर्तियाँ फ्रा केओ (पन्ना बुद्ध) और फ्रा फुथा बुटसावरत हैं। फ्रा केओ, जो संभवतः शियांग सेन (चियांग सेन) मूल का है, जेड के एक ठोस खंड से तराशा गया है। 18वीं शताब्दी के अंत में सियामी लोग इसे लूट के रूप में ले जाने से पहले यह दो सौ वर्षों तक वियनतियान में रहा। आज यह थाईलैंड साम्राज्य के पैलेडियम के रूप में कार्य करता है, और बैंकॉक के ग्रैंड पैलेस में रहता है। फ्रा केयो की तरह फ्रा फुथा बुटसावरत भी बैंकॉक के ग्रैंड पैलेस में अपने स्वयं के चैपल में स्थापित है। 19वीं शताब्दी की शुरुआत में सियामी लोगों द्वारा इसे जब्त करने से पहले, यह क्रिस्टल छवि चम्पासैक के लाओ साम्राज्य का पैलेडियम थी। पाक ओउ गुफाओं में कई सुंदर लाओ बौद्ध मूर्तियां उकेरी गई हैं। पाक ओउ (ओउ नदी का मुहाना) के पास थाम टिंग (निचली गुफा) और थाम थ्युंग (ऊपरी गुफा) लाओस के लुआंग प्रबांग के पास हैं। वे गुफाओं का एक शानदार समूह है जो केवल नाव द्वारा पहुँचा जा सकता है, लुआंग प्रबांग के केंद्र से लगभग दो घंटे ऊपर की ओर, और हाल ही में अधिक प्रसिद्ध हो गए हैं और पर्यटकों द्वारा अक्सर आते हैं। गुफाओं को उनकी प्रभावशाली बौद्ध और लाओ शैली की मूर्तियों के लिए जाना जाता है जो गुफा की दीवारों में नक्काशी की गई हैं, और सैकड़ों फेंके गए बौद्ध आकृतियों को फर्श और दीवार की अलमारियों पर रखा गया है। उन्हें वहाँ रखा गया था क्योंकि उनके मालिक उन्हें नष्ट नहीं करना चाहते थे, इसलिए उनकी अवांछित मूर्तियों को वहाँ रखने के लिए गुफाओं तक एक कठिन यात्रा की जाती है। मलेशियाई कला मलेशियाई कला मुख्य रूप से मलय कला और बोर्नियन कला से बनी है, जो ब्रुनेई, इंडोनेशिया और सिंगापुर जैसी दक्षिण पूर्व एशिया की अन्य शैलियों के साथ समानता रखती है। मलेशिया में कला का इतिहास मलय सल्तनतों से शुरू होता है, जिसमें चीनी, भारतीय और इस्लामी कलाओं का प्रभाव है। पारंपरिक मलेशियाई कला मुख्य रूप से नक्काशी, बुनाई और चांदी बनाने के शिल्प पर केंद्रित है। पारंपरिक कला ग्रामीण क्षेत्रों से हाथ से बुनी हुई टोकरी से लेकर मलय दरबारों के चांदी के काम तक है। आम कलाकृतियों में सजावटी क्रिस और बीटल नट सेट शामिल थे। सांगकेट के रूप में जाने जाने वाले शानदार वस्त्र बनाए जाते हैं, साथ ही पारंपरिक पैटर्न वाले बाटिक कपड़े भी बनाए जाते हैं। पूर्वी मलेशिया के मूल निवासी अपने लकड़ी के मुखौटे के लिए जाने जाते हैं। मलेशियाई कला का विस्तार हाल ही में हुआ है, क्योंकि 1950 के दशक से पहले लोगों और जानवरों को आकर्षित करने के बारे में इस्लामी वर्जनाएँ प्रबल थीं। बाटिक, सांगकेट, पुआ कुंबू और टेकट जैसे वस्त्रों का उपयोग सजावट के लिए किया जाता है, जिन्हें अक्सर एक पेंटिंग या पैटर्न के साथ कढ़ाई किया जाता है। पारंपरिक गहने रत्नों से सजाए गए सोने और चांदी से बनाए जाते थे, और पूर्वी मलेशिया में, चमड़े और मोतियों का उपयोग उसी प्रभाव के लिए किया जाता था। म्यांमार की कला म्यांमार (बर्मा) में बनाई गई दृश्य कला को संदर्भित करती है। प्राचीन बर्मी कला भारत से प्रभावित थी और अक्सर धार्मिक प्रकृति की थी, जिसमें थैटन साम्राज्य में हिंदू मूर्तियों से लेकर श्री क्षेत्र साम्राज्य में थेरवाद बौद्ध छवियां शामिल थीं। बागान काल में भित्ति चित्रों और मूर्तियों से लेकर प्लास्टर और लकड़ी की नक्काशी तक कई कला रूपों में महत्वपूर्ण विकास देखा गया। 14वीं और 16वीं शताब्दी के बीच जीवित कला की कमी के बाद, कलाकारों ने चित्रों और मूर्तियों का निर्माण किया जो बर्मी संस्कृति को दर्शाते हैं। बर्मी कलाकारों को सरकारी हस्तक्षेप और सेंसरशिप के अधीन किया गया है, जिससे म्यांमार में कला के विकास में बाधा आई है। बर्मी कला मुद्रा, जातक कथाएँ, पगोडा और बोधिसत्व सहित केंद्रीय बौद्ध तत्वों को दर्शाती है। सिंगापुर की कला सिंगापुर की कला के इतिहास में मलय द्वीपसमूह की स्वदेशी कलात्मक परंपराएं और चीन, भारतीय उपमहाद्वीप और यूरोप के यात्रा करने वाले कलाकारों और प्रवासियों की विविध दृश्य प्रथाएं शामिल हैं। सिंगापुर की कला में मलय दुनिया की मूर्तिकला, कपड़ा और सजावटी कला परंपराएं शामिल हैं; चित्रांकन, परिदृश्य, मूर्तिकला, प्रिंटमेकिंग और देश के ब्रिटिश औपनिवेशिक काल के प्राकृतिक इतिहास के चित्र; चीनी-प्रभावित नानयांग शैली के चित्रों, सामाजिक यथार्थवादी कला, अमूर्त कला और युद्ध के बाद की अवधि में उभरने वाली फोटोग्राफी प्रथाओं के साथ। आज, इसमें स्वतंत्रता के बाद सिंगापुर की समकालीन कला प्रथाएं शामिल हैं, जैसे कि प्रदर्शन कला, वैचारिक कला, स्थापना कला, वीडियो कला, ध्वनि कला और नई मीडिया कला। आधुनिक सिंगापुर की कला का उद्भव, या अधिक विशेष रूप से, "आत्म-जागरूक कलात्मक अभिव्यक्ति का उद्भव" अक्सर 20 वीं शताब्दी में कला संघों, कला विद्यालयों और प्रदर्शनियों के उदय से जुड़ा हुआ है, हालांकि इसके बाद से दृश्य प्रतिनिधित्व के पहले के रूपों को शामिल करने के लिए इसका विस्तार किया गया है, जैसे कि सिंगापुर की ऐतिहासिक अवधि से। वर्तमान में, सिंगापुर की समकालीन कला भी कला द्विवार्षिक और अन्य प्रमुख अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनियों के माध्यम से अंतर्राष्ट्रीय स्तर पर प्रसारित होती है। सिंगापुर में समकालीन कला "अति-आधुनिकता और निर्मित पर्यावरण; अलगाव और बदलते सामाजिक रूढ़ियाँ; उत्तर-औपनिवेशिक पहचान और बहुसंस्कृतिवाद" के विषयों की जांच करती है। इन प्रवृत्तियों के पार, "प्रदर्शन और प्रदर्शनशील शरीर की खोज" एक सामान्य दौड़ने वाला धागा है। सिंगापुर में प्रदर्शन कला का एक उल्लेखनीय इतिहास है, जिसमें सरकार ने ऐतिहासिक रूप से 1994 से 2003 तक उस विशिष्ट कला रूप के लिए नो-फंडिंग नियम लागू किया था, जो 5वें मार्ग कला क्षेत्र में एक विवादास्पद प्रदर्शन कलाकृति के बाद था। थाई कला थाई कला और दृश्य कला पारंपरिक रूप से और मुख्य रूप से बौद्ध और शाही कला थी। मूर्तिकला लगभग विशेष रूप से बुद्ध की छवियों की थी, जबकि चित्रकला पुस्तकों के चित्रण और इमारतों, मुख्य रूप से महलों और मंदिरों की सजावट तक ही सीमित थी। विभिन्न अवधियों की थाई बुद्ध छवियों की कई विशिष्ट शैलियाँ हैं। समकालीन थाई कला अक्सर पारंपरिक थाई तत्वों को आधुनिक तकनीकों के साथ जोड़ती है। पारंपरिक थाई चित्रों में विषयों को बिना किसी परिप्रेक्ष्य के दो आयामों में दिखाया गया था। चित्र में प्रत्येक तत्व का आकार इसके महत्व को दर्शाता है। रचना की प्राथमिक तकनीक क्षेत्रों को विभाजित करना हैः मुख्य तत्वों को अंतरिक्ष परिवर्तकों द्वारा एक दूसरे से अलग किया जाता है। इसने मध्यवर्ती आधार को समाप्त कर दिया, जो अन्यथा परिप्रेक्ष्य का संकेत देगा। परिप्रेक्ष्य को 19वीं शताब्दी के मध्य में केवल पश्चिमी प्रभाव के परिणामस्वरूप पेश किया गया था। चित्रों के लिए सबसे अधिक वर्णनात्मक विषय थे या हैंः जातक कथाएँ, बुद्ध के जीवन के प्रसंग, बौद्ध स्वर्ग और नरक, और दैनिक जीवन के दृश्य। सुखोथाई काल की शुरुआत 14वीं शताब्दी में सुखोथाई साम्राज्य में हुई थी। सुखोथाई काल की बुद्ध की छवियाँ सुरुचिपूर्ण हैं, जिनमें पापपूर्ण शरीर और पतले, अंडाकार चेहरे हैं। इस शैली ने कई छोटे शारीरिक विवरणों को छोड़कर बुद्ध के आध्यात्मिक पहलू पर जोर दिया। छवियों को तराशने के बजाय धातु में डालने की सामान्य प्रथा से प्रभाव बढ़ गया था। इस अवधि में "चलने वाले बुद्ध" मुद्रा की शुरुआत हुई। सुखोथाई कलाकारों ने बुद्ध के प्रामाणिक परिभाषित चिह्नों का अनुसरण करने की कोशिश की, जैसा कि वे प्राचीन पाली ग्रंथों में दिए गए हैंः त्वचा इतनी चिकनी है कि उससे धूल नहीं चिपक सकती; पैर हिरण की तरह; जांघ बरगद के पेड़ की तरह; कंधे हाथी के सिर की तरह बड़े; हाथ हाथी के तने की तरह गोल हैं, और घुटनों को छूने के लिए पर्याप्त लंबे हैं; हाथ कमल की तरह खिलने वाले हैं; उंगलियां पंखुड़ियों की तरह मुड़ गई हैं; सिर अंडे की तरह; बाल बिच्छू के डंक की तरह; चिन आम के पत्थर की तरह; नाक तोते की चोंच की तरह; अर्लोब्स शाही कान की बालियों से लंबे; पलकें गाय की तरह; आँख। सुखोथाई ने सावनखालोक शैली में बड़ी मात्रा में चमकीले मिट्टी के बर्तनों का भी उत्पादन किया, जिनका पूरे दक्षिण पूर्व एशिया में व्यापार किया जाता था। पूर्वी तिमोर में तिमोर कला कला 2006 के पूर्वी तिमोर संकट के दौरान हिंसा के बाद से लोकप्रिय होने लगी। देश में रहने वाले बच्चों ने शांति भित्ति चित्रों में दीवारों को तराशना शुरू कर दिया। ईस्ट तिमोर आर्ट्स सोसाइटी क्षेत्र में कला को बढ़ावा देती है, और देश में उत्पादित कई अलग-अलग कलाकृतियों का घर है। वियतनामी कला वियतनामी कला दक्षिण पूर्व एशियाई क्षेत्र में ऐसी संस्कृतियों में से सबसे पुरानी है। एक समृद्ध कलात्मक विरासत जो प्रागैतिहासिक काल की है और इसमें शामिल हैंः रेशम चित्रकला, मूर्तिकला, मिट्टी के बर्तन, मिट्टी के बर्तन, लकड़ी के टुकड़ों के प्रिंट, वास्तुकला, संगीत, नृत्य और रंगमंच। पारंपरिक वियतनामी कला वियतनाम में या वियतनामी कलाकारों द्वारा प्राचीन काल से (विस्तृत डोंग सोन ड्रम सहित) चीनी प्रभुत्व कला के बाद की कला है जो ताओवाद और कन्फ्यूशियसवाद जैसे अन्य दर्शनों के बीच चीनी बौद्ध कला से दृढ़ता से प्रभावित थी। चंपा की कला और फ्रांसीसी कला ने भी बाद में एक छोटी भूमिका निभाई। वियतनामी कला पर चीनी प्रभाव वियतनामी मिट्टी के बर्तनों और मिट्टी के बर्तनों, सुलेख और पारंपरिक वास्तुकला तक फैला हुआ है। वर्तमान में, वियतनामी लाख चित्र काफी लोकप्रिय साबित हुए हैं। गुयेन राजवंश, वियतनाम के अंतिम शासक राजवंश (सी. 1802-1945) ने चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बर्तनों की कला में एक नए सिरे से रुचि देखी। पूरे एशिया में शाही दरबारों ने वियतनामी मिट्टी के बर्तनों का आयात किया। गुयेन राजवंश के दौरान प्रदर्शन कला (जैसे शाही दरबार संगीत और नृत्य) कितने उच्च विकसित हुए, इसके बावजूद कुछ लोग कला के अन्य क्षेत्रों को गुयेन राजवंश के उत्तरार्ध के दौरान गिरावट की शुरुआत के रूप में देखते हैं। 19वीं शताब्दी की शुरुआत में, आधुनिक कला और फ्रांसीसी कलात्मक प्रभाव वियतनाम में फैल गए। 20वीं शताब्दी की शुरुआत में, इकोले सुपरियर डेस ब्यूक्स आर्ट्स डी ल 'इंडोचीन (इंडोचीन कॉलेज ऑफ आर्ट्स) की स्थापना यूरोपीय तरीकों को पढ़ाने के लिए की गई थी और ज्यादातर बड़े शहरों जैसे हनोई और हो ची मिन्ह सिटी में इसका प्रभाव था। फ्रांस के वियतनाम के 80 साल के शासन के दौरान वियतनामी लोगों पर लगाए गए यात्रा प्रतिबंधों और राष्ट्रीय स्वतंत्रता के लिए युद्ध की लंबी अवधि का मतलब था कि बहुत कम वियतनामी कलाकार वियतनाम के बाहर प्रशिक्षित या काम करने में सक्षम थे। संपन्न पृष्ठभूमि के कुछ कलाकारों को फ्रांस जाने और अधिकांश भाग के लिए वहां अपना करियर बनाने का अवसर मिला। उदाहरणों में ले थी लु, ले फो, माई ट्रुंग थू, ले वान डे, ले बा डांग और फाम तांग शामिल हैं। आधुनिक वियतनामी कलाकारों ने रेशम, लाह आदि जैसे कई पारंपरिक माध्यमों के साथ फ्रांसीसी तकनीकों का उपयोग करना शुरू कर दिया, इस प्रकार पूर्वी और पश्चिमी तत्वों का एक अनूठा मिश्रण बनाया। वियतनामी सुलेख सुलेख का वियतनाम में एक लंबा इतिहास रहा है, जिसमें पहले चुओ नोम के साथ चुओ हान का उपयोग किया जाता था। हालाँकि, अधिकांश आधुनिक वियतनामी सुलेख में इसके बजाय रोमन-चरित्र आधारित चौ क्वेक नग्वू का उपयोग किया जाता है, जो बहुत लोकप्रिय साबित हुआ है। अतीत में, वियतनाम की पुरानी चरित्र-आधारित लेखन प्रणालियों में साक्षरता विद्वानों और अभिजात वर्ग तक ही सीमित थी, फिर भी सुलेख ने वियतनामी जीवन में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। विशेष अवसरों पर जैसे कि टेट गुयेन डान, लोग गाँव के शिक्षक या विद्वान के पास जाते थे ताकि उन्हें एक सुलेख लटकाया जा सके (अक्सर कविता, लोक कथाएँ, या यहाँ तक कि एक शब्द भी)। जो लोग पढ़ या लिख नहीं सकते थे, वे अक्सर विद्वानों को प्रार्थना लिखने के लिए नियुक्त करते थे जिन्हें वे मंदिर के मंदिरों में जला देते थे। पश्चिम एशियाई/निकट पूर्वी कला मेसोपोटामिया की कला इज़राइल की कला और यहूदी प्रवासी इस्लामी कला ईरानी कला अरब आर्ट गैलरी ऑफ आर्ट इन एशिया