Drama
नाटक प्रदर्शन में प्रदर्शित कल्पना का विशिष्ट तरीका हैः एक नाटक, ओपेरा, माइम, बैले, आदि, एक थिएटर में, या रेडियो या टेलीविजन पर प्रदर्शन किया जाता है। सामान्य रूप से कविता की एक शैली के रूप में माने जाने वाले, नाटकीय मोड को अरस्तू के पोएटिक्स (सी. 335 ईसा पूर्व) के बाद से महाकाव्य और गीतात्मक मोड के साथ विपरीत किया गया है-जो नाटकीय सिद्धांत का सबसे पहला काम है। "नाटक" शब्द एक यूनानी शब्द से आया है जिसका अर्थ है "कार्य" या "कार्य" (शास्त्रीय यूनानीः, द्रामा), जो "मैं करता हूँ" (शास्त्रीय यूनानीः, द्रायो) से लिया गया है। नाटक से जुड़े दो मुखौटे कॉमेडी और त्रासदी के बीच पारंपरिक सामान्य विभाजन का प्रतिनिधित्व करते हैं। अंग्रेजी में (जैसा कि कई अन्य यूरोपीय भाषाओं में समान मामला था), शब्द प्ले या गेम (एंग्लो-सैक्सन प्लीगन या लैटिन लुडस का अनुवाद) विलियम शेक्सपियर के समय तक नाटकों के लिए मानक शब्द था-जैसे इसके निर्माता एक नाटककार के बजाय एक नाटक निर्माता थे और इमारत एक नाटक के बजाय एक नाटक-घर थी। एक विशिष्ट प्रकार के खेल को निर्दिष्ट करने के लिए अधिक संकीर्ण अर्थों में "नाटक" का उपयोग आधुनिक युग से होता है। इस अर्थ में "नाटक" एक ऐसे नाटक को संदर्भित करता है जो न तो एक कॉमेडी है और न ही एक त्रासदी है-उदाहरण के लिए, ज़ोला की थ्रेस रैकिन (1873) या चेखव की इवानोव (1887)। यह संकीर्ण भावना है कि फिल्म और टेलीविजन उद्योगों ने फिल्म अध्ययन के साथ-साथ अपने-अपने मीडिया के भीतर "नाटक" को एक शैली के रूप में वर्णित करने के लिए अपनाया। "रेडियो नाटक" शब्द का उपयोग दोनों अर्थों में किया गया है-मूल रूप से एक लाइव प्रदर्शन में प्रसारित। इसका उपयोग रेडियो के नाटकीय उत्पादन के अधिक उच्च-भुजा और गंभीर अंत को संदर्भित करने के लिए भी किया जा सकता है। रंगमंच में नाटक का अभिनय, दर्शकों के सामने एक मंच पर अभिनेताओं द्वारा प्रस्तुत किया जाता है, उत्पादन के सहयोगी तरीकों और स्वागत के सामूहिक रूप को पूर्वनिर्धारित करता है। नाटकीय ग्रंथों की संरचना, साहित्य के अन्य रूपों के विपरीत, इस सहयोगी उत्पादन और सामूहिक स्वागत से सीधे प्रभावित होती है। माइम नाटक का एक रूप है जहाँ कहानी की क्रिया को केवल शरीर की गति के माध्यम से बताया जाता है। नाटक को संगीत के साथ जोड़ा जा सकता हैः ओपेरा में नाटकीय पाठ आम तौर पर पूरे समय गाया जाता है; जैसा कि कुछ बैले नृत्य में "भावना, चरित्र और कथात्मक कार्रवाई को व्यक्त या नकल करता है"। संगीत में बोले गए संवाद और गीत दोनों शामिल हैं; और नाटक के कुछ रूपों में प्रासंगिक संगीत या संगीत संगतता होती है जो संवाद को रेखांकित करती है (उदाहरण के लिए मेलोड्रामा और जापानी नो)। निकट नाटक एक ऐसा रूप है जिसे प्रस्तुत करने के बजाय पढ़ने का इरादा है। आशुरचना में, नाटक प्रदर्शन के क्षण से पहले मौजूद नहीं होता है; कलाकार दर्शकों के सामने अनायास एक नाटकीय पटकथा तैयार करते हैं। पश्चिमी नाटक का इतिहास शास्त्रीय यूनानी नाटक पश्चिमी नाटक की उत्पत्ति शास्त्रीय यूनान में हुई है। एथेंस के शहर-राज्य की नाट्य संस्कृति ने नाटक की तीन शैलियों का निर्माण कियाः त्रासदी, हास्य और व्यंग्य नाटक। उनकी उत्पत्ति अस्पष्ट बनी हुई है, हालांकि 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व तक, उन्हें भगवान डायोनिसस का जश्न मनाने के उत्सव के हिस्से के रूप में आयोजित प्रतियोगिताओं में संस्थागत किया गया था। इतिहासकार कई प्राचीन यूनानी नाटककारों के नाम जानते हैं, कम से कम थेस्पिस को नहीं, जिन्हें एक अभिनेता ("हाइपोक्रिट्स") के नवाचार का श्रेय दिया जाता है, जो बोलता है (गाने के बजाय) और एक चरित्र का प्रतिरूपण करता है (अपने स्वयं के व्यक्ति में बोलने के बजाय), कोरस और उसके नेता ("कोरिफियस") के साथ बातचीत करते हुए, जो गैर-नाटकीय कविता (डिथिराम्बिक, गीत और महाकाव्य) के प्रदर्शन का एक पारंपरिक हिस्सा थे। हालाँकि, पाँच नाटककारों के काम का केवल एक छोटा सा हिस्सा आज तक बचा हैः हमारे पास त्रासदीवादी एस्किलस, सोफोकल्स और यूरिपिड्स और कॉमिक लेखकों अरिस्टोफेनेस और चौथी शताब्दी के उत्तरार्ध से मेनेंडर के पूर्ण ग्रंथों की एक छोटी संख्या है। एस्किलस की ऐतिहासिक त्रासदी द पर्सियन सबसे पुराना जीवित नाटक है, हालांकि जब इसने 472 ईसा पूर्व में सिटी डायोनिसिया प्रतियोगिता में पहला पुरस्कार जीता था, तो वह 25 से अधिक वर्षों से नाटक लिख रहे थे। त्रासदी के लिए प्रतियोगिता ("एगोन") 534 ईसा पूर्व में शुरू हुई होगी; आधिकारिक रिकॉर्ड ("दीदासकालियाई") 501 ईसा पूर्व से शुरू होते हैं जब व्यंग्य नाटक पेश किया गया था। दुखद नाटककारों को नाटकों की एक चतुष्कोण प्रस्तुत करने की आवश्यकता थी (हालांकि व्यक्तिगत कृतियाँ आवश्यक रूप से कहानी या विषय से जुड़ी नहीं थीं), जिसमें आमतौर पर तीन त्रासदी और एक व्यंग्य नाटक शामिल होते थे (हालांकि अपवाद बनाए गए थे, जैसा कि 438 ईसा पूर्व में यूरिपिड्स के एल्केस्टिस के साथ किया गया था)। कॉमेडी को आधिकारिक तौर पर 487 से 486 ईसा पूर्व तक प्रतियोगिता में पुरस्कार के साथ मान्यता दी गई थी। पाँच हास्य नाटककारों ने सिटी डायोनिसिया में प्रतिस्पर्धा की (हालाँकि पेलोपोनेशियन युद्ध के दौरान इसे घटाकर तीन कर दिया गया होगा), प्रत्येक ने एक एकल हास्य की पेशकश की। प्राचीन यूनानी कॉमेडी को पारंपरिक रूप से "पुरानी कॉमेडी" (5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व), "मध्य कॉमेडी" (4 वीं शताब्दी ईसा पूर्व) और "नई कॉमेडी" (4 वीं शताब्दी के अंत से 2 ईसा पूर्व) के बीच विभाजित किया गया है। शास्त्रीय रोमन नाटक 270 और 240 ईसा पूर्व के बीच कई यूनानी क्षेत्रों में रोमन गणराज्य (509-27 ईसा पूर्व) के विस्तार के बाद, रोम को यूनानी नाटक का सामना करना पड़ा। गणराज्य के बाद के वर्षों से और रोमन साम्राज्य (27 ईसा पूर्व-476 ईस्वी) के माध्यम से, रंगमंच पूरे यूरोप में, भूमध्य सागर के आसपास पश्चिम में फैल गया और इंग्लैंड तक पहुँच गया; रोमन रंगमंच इससे पहले की किसी भी संस्कृति की तुलना में अधिक विविध, व्यापक और परिष्कृत था। जबकि यूनानी नाटक का प्रदर्शन पूरे रोमन काल में जारी रहा, वर्ष 240 ईसा पूर्व नियमित रोमन नाटक की शुरुआत का प्रतीक है। हालाँकि, साम्राज्य की शुरुआत से, पूर्ण-लंबाई के नाटक में रुचि नाटकीय मनोरंजन की व्यापक विविधता के पक्ष में कम हो गई। रोमन साहित्य की पहली महत्वपूर्ण कृतियाँ त्रासदी और हास्य थीं जो लिवियस एंड्रोनिकस ने 240 ईसा पूर्व से लिखी थीं। पाँच साल बाद, गेनियस नेवियस ने भी नाटक लिखना शुरू किया। दोनों में से किसी भी लेखक का कोई नाटक नहीं बचा है। जबकि दोनों नाटककारों ने दोनों शैलियों में रचना की, एंड्रोनिकस को उनकी त्रासदियों के लिए और नेवियस को उनकी हास्य फिल्मों के लिए सबसे अधिक सराहा गया; उनके उत्तराधिकारियों ने एक या दूसरे में विशेषज्ञता हासिल की, जिसके कारण प्रत्येक प्रकार के नाटक के बाद के विकास को अलग किया गया। ईसा पूर्व दूसरी शताब्दी की शुरुआत तक, रोम में नाटक दृढ़ता से स्थापित हो गया था और लेखकों के एक संघ (कॉलेजियम कवि) का गठन किया गया था। रोमन हास्य जो बच गए हैं वे सभी फैबुला पेलियाटा (यूनानी विषयों पर आधारित हास्य) हैं और दो नाटककारों से आते हैंः टाइटस मैकियस प्लॉटस (प्लॉटस) और पब्लियस टेरेंटियस एफ़र (टेरेंस)। ग्रीक मूल पर फिर से काम करते हुए, रोमन हास्य नाटककारों ने नाटक को एपिसोड में विभाजित करने में कोरस की भूमिका को समाप्त कर दिया और इसके संवाद में संगीत संगतता की शुरुआत की (प्लॉटस के हास्य में एक तिहाई संवाद और टेरेंस के संवाद में दो तिहाई के बीच)। सभी दृश्यों की क्रिया एक सड़क के बाहरी स्थान पर सेट की जाती है और इसकी जटिलताएं अक्सर जासूसी से होती हैं। प्लॉटस, जो दोनों में से अधिक लोकप्रिय थे, ने 205 और 184 ईसा पूर्व के बीच लिखा था और उनकी बीस हास्य फिल्में बची हुई हैं, जिनमें से उनके प्रहसन सबसे अधिक ज्ञात हैं; उनके संवाद की बुद्धि और विभिन्न प्रकार के काव्य छंद के उपयोग के लिए उनकी प्रशंसा की गई थी। टेरेंस द्वारा 166 और 160 ईसा पूर्व के बीच लिखी गई सभी छह हास्य फिल्में बच गई हैं; उनके कथानकों की जटिलता, जिसमें उन्होंने अक्सर कई यूनानी मूल को जोड़ा था, की कभी-कभी निंदा की जाती थी, लेकिन उनके दोहरे कथानकों ने मानव व्यवहार के विपरीत एक परिष्कृत प्रस्तुति को सक्षम किया। कोई प्रारंभिक रोमन त्रासदी नहीं बची है, हालांकि इसे अपने समय में अत्यधिक माना जाता था; इतिहासकार तीन प्रारंभिक त्रासदियों-क्विंटस एन्नियस, मार्कस पैकुवियस और लुसियस एसियस के बारे में जानते हैं। साम्राज्य के समय से, दो त्रासदियों का काम जीवित है-एक अज्ञात लेखक है, जबकि दूसरा स्टोइक दार्शनिक सेनेका है। सेनेका की नौ त्रासदियाँ बच गई हैं, जिनमें से सभी फैबुला क्रेपिडाटा (यूनानी मूल से अनुकूलित त्रासदियाँ) हैं; उदाहरण के लिए, उनका फीद्रा, यूरिपिड्स के हिप्पोलिटस पर आधारित था। इतिहासकारों को यह नहीं पता कि फैबुला प्रेटेक्स्टा (रोमन विषयों पर आधारित त्रासदियों), ऑक्टेविया का एकमात्र मौजूदा उदाहरण किसने लिखा था, लेकिन पूर्व समय में त्रासदी में एक चरित्र के रूप में उनकी उपस्थिति के कारण इसे गलती से सेनेका के लिए जिम्मेदार ठहराया गया था। प्रारंभिक मध्य युग की शुरुआत में, चर्चों ने वार्षिक समारोहों को जीवंत करने के लिए बाइबिल की घटनाओं के नाटकीय संस्करणों का मंचन किया, जिन्हें धार्मिक नाटकों के रूप में जाना जाता है। सबसे पहला उदाहरण ईस्टर ट्रॉप है जिसे आप ढूंढते हैं? (क्वेम-क्वेराइटिस) ()। दो समूह लैटिन में प्रतिक्रियाशील रूप से गाते थे, हालांकि पात्रों का कोई प्रतिरूपण शामिल नहीं था। 11वीं शताब्दी तक, यह इस्लामी युग के स्पेन को छोड़कर पूरे यूरोप में रूस, स्कैंडिनेविया और इटली तक फैल गया था। 10वीं शताब्दी में, ह्रोस्विता ने टेरेंस के हास्य पर आधारित लैटिन में छह नाटक लिखे, जो धार्मिक विषयों पर आधारित थे। उनके नाटक पहली महिला नाटककार द्वारा रचित होने के लिए जाने जाते हैं और उत्तर-शास्त्रीय युग का पहला पहचान योग्य पश्चिमी नाटक है। बाद में, बिंगन के हिल्डेगार्ड ने एक संगीतमय नाटक, ओर्डो वर्चुटम () लिखा। प्रारंभिक धर्मनिरपेक्ष नाटकों में से सबसे प्रसिद्ध में से एक दरबारी पादरी रॉबिन और मैरियन है, जिसे 13 वीं शताब्दी में एडम डे ला हाले द्वारा फ्रेंच में लिखा गया था। द इंटरल्यूड ऑफ द स्टूडेंट एंड द गर्ल (अंग्रेज़ी में सबसे पहले ज्ञात में से एक), द बॉय एंड द ब्लाइंड मैन जैसे समकालीन फ्रांसीसी प्रहसनों के स्वर और रूप में सबसे करीब प्रतीत होता है। मध्य युग के अंत में फ्रांस और जर्मनी से कई नाटक बचे हैं, जब लगभग हर यूरोपीय देश में किसी न किसी प्रकार का धार्मिक नाटक किया जाता था। इनमें से कई नाटकों में हास्य, शैतान, खलनायक और जोकर शामिल थे। इंग्लैंड में, व्यापार संघों ने स्थानीय भाषा में "रहस्य नाटकों" का प्रदर्शन करना शुरू कर दिया, जो कई प्लेलेट या "प्रतियोगिताओं" के लंबे चक्रों से बने थे, जिनमें से चार मौजूद हैंः यॉर्क (48 नाटक), चेस्टर (24), वेकफील्ड (32) और तथाकथित "एन-टाउन" (42)। वेकफील्ड चक्र से दूसरा चरवाहों का खेल एक चोरी की गई भेड़ की एक हास्यास्पद कहानी है जिसे इसका नायक, मैक, अपने नवजात बच्चे के पालना में सोते हुए गुजरने की कोशिश करता है; यह तब समाप्त होता है जब चरवाहों को जिनसे उसने चोरी की है, उन्हें यीशु के जन्म के लिए बुलाया जाता है। नैतिकता नाटक (एक आधुनिक शब्द) 1400 के आसपास एक विशिष्ट नाटकीय रूप के रूप में उभरा और इंग्लैंड में प्रारंभिक एलिजाबेथ युग में फला-फूला। वर्णों का उपयोग अक्सर विभिन्न नैतिक आदर्शों का प्रतिनिधित्व करने के लिए किया जाता था। उदाहरण के लिए, प्रत्येक व्यक्ति में अच्छे कार्य, ज्ञान और शक्ति जैसे आंकड़े शामिल हैं, और यह चरित्र चित्रण दर्शकों के लिए अच्छे और बुरे के बीच संघर्ष को मजबूत करता है। दृढ़ता का महल (-1425) जन्म से मृत्यु तक एक मौलिक आकृति की प्रगति को दर्शाता है। हॉरेस्टेस (Horestes), एक देर से "संकर नैतिकता" और एक अंग्रेजी बदला नाटक के शुरुआती उदाहरणों में से एक, मध्ययुगीन रूपक परंपरा से एक वाइस के साथ ओरेस्टेस की शास्त्रीय कहानी को एक साथ लाता है, गंभीर, दुखद दृश्यों के साथ बारी-बारी से हास्य, थप्पड़ के दृश्य। इस अवधि में क्रिसमस के मौसम के दौरान प्रदर्शित होने वाले ममर्स प्ले के लोक नाटक भी महत्वपूर्ण थे। हेनरी VIII के शासनकाल के दौरान दरबार के मास्क विशेष रूप से लोकप्रिय थे। एलिजाबेथन और जैकोबियन इंग्लैंड में नाटक के महान फूलों में से एक 16वीं और 17वीं शताब्दी में हुआ। इनमें से कई नाटक पद्य में लिखे गए थे, विशेष रूप से अयाम्बिक पेंटामीटर। शेक्सपियर के अलावा, क्रिस्टोफर मार्लो, थॉमस मिडलटन और बेन जॉनसन जैसे लेखक इस अवधि के दौरान प्रमुख नाटककार थे। मध्ययुगीन काल की तरह, ऐतिहासिक नाटकों ने पिछले राजाओं के जीवन का जश्न मनाया, जिससे ट्यूडर राजशाही की छवि में वृद्धि हुई। इस अवधि के लेखकों ने अपनी कुछ कहानियों को यूनानी पौराणिक कथाओं और रोमन पौराणिक कथाओं या प्लॉटस और टेरेंस जैसे प्रसिद्ध रोमन नाटककारों के नाटकों से आकर्षित किया। अंग्रेजी पुनर्स्थापना कॉमेडी पुनर्स्थापना कॉमेडी 1660 से 1710 तक पुनर्स्थापना अवधि के दौरान इंग्लैंड में लिखित और प्रदर्शन की गई अंग्रेजी कॉमेडी को संदर्भित करती है। शिष्टाचार की कॉमेडी का उपयोग पुनर्स्थापना कॉमेडी के पर्याय के रूप में किया जाता है। प्यूरिटन शासन द्वारा सार्वजनिक रंगमंच पर प्रतिबंध लगाने के बाद, 1660 में चार्ल्स द्वितीय की बहाली के साथ सिनेमाघरों के फिर से खुलने से अंग्रेजी नाटक के पुनर्जागरण का संकेत मिला। रिस्टोरेशन कॉमेडी अपनी यौन क्षमता, शहरी, महानगरीय बुद्धि, अप-टू-मिनट सामयिक लेखन और भीड़भाड़ वाले और हलचल वाले कथानकों के लिए जानी जाती है। इसके नाटककारों ने समकालीन फ्रांसीसी और स्पेनिश मंच से, अंग्रेजी जैकोबियन और कैरोलिन नाटकों से, और यहां तक कि ग्रीक और रोमन शास्त्रीय हास्य नाटकों से भी स्वतंत्र रूप से चोरी की, जिसमें विभिन्न कथानकों को साहसिक तरीकों से जोड़ा गया। एकल नाटक में स्वर के परिणामी अंतर को अस्वीकार करने के बजाय सराहा गया, क्योंकि दर्शकों ने नाटकों के भीतर और साथ ही नाटकों के बीच "विविधता" को महत्व दिया। रिस्टोरेशन कॉमेडी दो बार शीर्ष पर रही। यह शैली 1670 के दशक के मध्य में कुलीन हास्य के एक असाधारण प्रदर्शन के साथ शानदार परिपक्वता पर आई। इस छोटे से स्वर्ण युग के बाद बीस दुबले साल आए, हालांकि 1680 के दशक में पहली पेशेवर महिला नाटककार, एफ्रा बेन की उपलब्धि एक महत्वपूर्ण अपवाद है। 1690 के दशक के मध्य में, एक संक्षिप्त दूसरा पुनर्स्थापना हास्य पुनर्जागरण उत्पन्न हुआ, जिसका उद्देश्य व्यापक दर्शकों के लिए था। स्वर्णिम 1670 और 1690 के शीर्ष समय की हास्य फिल्में एक-दूसरे से काफी अलग हैं। जॉन ड्राइडन, विलियम वाइचरली और जॉर्ज एथेरेज की असंवेदनशील या "कठिन" हास्य फिल्मों ने कोर्ट में माहौल को प्रतिबिंबित किया और स्पष्ट रूप से निरंतर यौन साज़िश और विजय की एक कुलीन मर्दाना जीवन शैली का जश्न मनाया। द अर्ल ऑफ रोचेस्टर, वास्तविक जीवन की पुनर्स्थापना रैक, दरबारी और कवि, को एथेरेज के द मैन ऑफ मोड (1676) में एक दंगाई, मजाकिया, बौद्धिक और यौन रूप से अप्रतिरोध्य अभिजात वर्ग के रूप में चित्रित किया गया है, जो ग्लैमरस पुनर्स्थापना रैक (वास्तव में पुनर्स्थापना कॉमेडी में कभी भी एक बहुत ही सामान्य चरित्र नहीं) के भावी पीढ़ी के विचार के लिए एक टेम्पलेट है। एकमात्र नाटक जो उस समय और अब पुनर्स्थापना कॉमेडी में लगाए गए अश्लीलता के आरोप का समर्थन करने के लिए सबसे अधिक काम करता है, वह शायद विचरले की उत्कृष्ट कृति द कंट्री वाइफ (1675) है, जिसके शीर्षक में एक अशिष्ट श्लेष है और जिसका कुख्यात "चीन दृश्य" निरंतर दोहरे प्रवेश की एक श्रृंखला है। 1690 के दशक में रिस्टोरेशन कॉमेडी की दूसरी लहर के दौरान, विलियम कांग्रेव और जॉन वानब्रुग की "नरम" कॉमेडी एक मजबूत मध्यम वर्ग के तत्व के साथ-साथ महिला दर्शकों के लिए अधिक सामाजिक रूप से विविध दर्शकों को आकर्षित करने के लिए तैयार हुई। हास्य का ध्यान युवा प्रेमियों से पुरानी पीढ़ी को पछाड़कर वैवाहिक संबंधों के उतार-चढ़ाव की ओर स्थानांतरित हो जाता है। कांग्रेव के लव फॉर लव (1695) और द वे ऑफ द वर्ल्ड (1700) में, एक दूसरे के प्रति अपने आकर्षण का परीक्षण करने वाले जोड़ों के देने और लेने के सेट शादी की पूर्व संध्या पर मजाकिया विवाहपूर्व बहसों में परिवर्तित हो गए हैं, जैसा कि बाद के प्रसिद्ध "प्रोविसो" दृश्य में है। वानब्रुघ की द प्रोवोक्ड वाइफ (1697) में एक हल्का स्पर्श और अधिक मानवीय रूप से पहचाने जाने वाले पात्र हैं, जबकि द रीलैप्स (1696) को इसकी असाधारण बुद्धि और लॉर्ड फॉपिंगटन के चरित्र चित्रण के लिए सराहा गया है, जो एक असाधारण और प्रभावित बर्लेस्क फॉप है। पुनर्स्थापना कॉमेडी के लिए अपने संशोधित रूप में भी सहिष्णुता 17वीं शताब्दी के अंत तक समाप्त हो रही थी, क्योंकि जनमत नाटककारों की तुलना में और भी तेजी से सम्मान और गंभीरता की ओर मुड़ गया था। 1700 में द वे ऑफ द वर्ल्ड के बहुप्रतीक्षित ऑल-स्टार प्रीमियर में, पांच वर्षों के लिए कांग्रेस की पहली कॉमेडी, दर्शकों ने उस सूक्ष्म और लगभग उदास काम के लिए केवल मध्यम उत्साह दिखाया। सेक्स और बुद्धि की कॉमेडी को भावनात्मक कॉमेडी और अनुकरणीय नैतिकता के नाटक द्वारा प्रतिस्थापित किया जाने वाला था। 19वीं शताब्दी के नॉर्वेजियन नाटककार हेनरिक इबसेन और 20वीं शताब्दी के जर्मन थिएटर व्यवसायी बर्टोल्ट ब्रेख्त का महत्वपूर्ण और अभिनव योगदान आधुनिक नाटक पर हावी है; प्रत्येक ने अनुकरण करने वालों की परंपरा को प्रेरित किया, जिसमें आधुनिक युग के कई महान नाटककार शामिल हैं। दोनों नाटककारों की कृतियाँ, अपने अलग-अलग तरीकों से, आधुनिकतावादी और यथार्थवादी दोनों हैं, जिनमें औपचारिक प्रयोग, मेटा-नाटकीयता और सामाजिक आलोचना शामिल हैं। शैली के पारंपरिक सैद्धांतिक प्रवचन के संदर्भ में, इबसेन के काम को "उदार त्रासदी" की पराकाष्ठा के रूप में वर्णित किया गया है, जबकि ब्रेक्ट के काम को एक ऐतिहासिक कॉमेडी के साथ जोड़ा गया है। आधुनिक युग के अन्य महत्वपूर्ण नाटककारों में एंटोनिन आर्टाउड, अगस्त स्ट्रिंडबर्ग, एंटोन चेखव, फ्रैंक वेडेकिंड, मौरिस मैटरलिंक, फेडेरिको गार्सिया लोर्का, यूजीन ओ 'नील, लुइगी पिरांडेलो, जॉर्ज बर्नार्ड शॉ, अर्न्स्ट टोलर, व्लादिमीर मायाकोव्स्की, आर्थर मिलर, टेनेसी विलियम्स, जीन जेनेट, यूजीन आयोनेस्को, सैमुअल बेकेट, हैरोल्ड पिंटर, फ्रेडरिक ड्यूरनमैट, डारियो फो, हेनर मुलर और कैरिल चर्चिल शामिल हैं। ओपेरा वेस्टर्न ओपेरा एक नाटकीय कला रूप है जो शास्त्रीय यूनानी नाटक को पुनर्जीवित करने के प्रयास में पुनर्जागरण के दौरान उत्पन्न हुआ था जिसमें संवाद, नृत्य और गीत को जोड़ा गया था। पश्चिमी शास्त्रीय संगीत के साथ दृढ़ता से जुड़े होने के कारण, ओपेरा में पिछली चार शताब्दियों में भारी बदलाव आया है और यह आज तक रंगमंच का एक महत्वपूर्ण रूप है। ओपेरा परंपरा पर 19वीं शताब्दी के जर्मन संगीतकार रिचर्ड वैगनर का प्रमुख प्रभाव उल्लेखनीय है। उनके विचार में, उनके समय के ओपेरा में संगीत और रंगमंच के बीच कोई उचित संतुलन नहीं था, क्योंकि इन कार्यों में संगीत नाटकीय पहलुओं से अधिक महत्वपूर्ण प्रतीत होता था। शास्त्रीय नाटक के साथ संबंध को बहाल करने के लिए, उन्होंने संगीत और नाटक के समान महत्व पर जोर देने के लिए ओपेरेटिक रूप को पूरी तरह से नवीनीकृत किया, जिसे उन्होंने "संगीत नाटक" कहा। चीनी ओपेरा ने कुछ लंबे समय में अधिक रूढ़िवादी विकास देखा है। पैंटोमाइम पैंटोमाइम (अनौपचारिक रूप से "पैंटो"), एक प्रकार का संगीतमय कॉमेडी स्टेज प्रोडक्शन है, जिसे पारिवारिक मनोरंजन के लिए बनाया गया है। यह इंग्लैंड में विकसित किया गया था और अभी भी पूरे यूनाइटेड किंगडम में प्रदर्शन किया जाता है, आम तौर पर क्रिसमस और नए साल के मौसम के दौरान और कुछ हद तक, अन्य अंग्रेजी बोलने वाले देशों में। आधुनिक पेंटोमाइम में गीत, हास्य, थप्पड़ कॉमेडी और नृत्य शामिल हैं, लिंग-पार करने वाले अभिनेताओं को नियुक्त किया गया है, और एक प्रसिद्ध परी कथा, दंतकथा या लोक कथा पर आधारित कहानी के साथ सामयिक हास्य को जोड़ा गया है। यह रंगमंच का एक सहभागी रूप है, जिसमें दर्शकों से संगीत के कुछ हिस्सों के साथ गाने और कलाकारों के लिए वाक्यांशों को चिल्लाने की उम्मीद की जाती है। ये कहानियाँ दंतकथाओं और लोककथाओं की परंपरा का पालन करती हैं। आम तौर पर, एक सबक सीखा जाता है, और दर्शकों की कुछ मदद से, नायक/नायिका दिन बचाता है। इस तरह के नाटक में मास्क और फिर से कॉमेडिया डेल 'आर्टे में देखे जाने वाले स्टॉक पात्रों का उपयोग किया जाता है, इन पात्रों में खलनायक (डॉक्टर), जोकर/नौकर (आर्लेचिनो/हार्लेक्विन/बटन), प्रेमी आदि शामिल हैं। इन नाटकों में आमतौर पर नैतिक दुविधाओं पर जोर दिया जाता है, और अच्छाई हमेशा बुराई पर विजय प्राप्त करती है, इस तरह का खेल भी बहुत मनोरंजक है जो इसे कई लोगों तक पहुंचने का एक बहुत ही प्रभावी तरीका बनाता है। शास्त्रीय रंगमंच से लेकर पश्चिमी संस्कृति में पैंटोमाइम का एक लंबा नाट्य इतिहास रहा है। यह आंशिक रूप से इटली की 16 वीं शताब्दी की कॉमेडिया डेल 'आर्ट परंपरा के साथ-साथ अन्य यूरोपीय और ब्रिटिश मंच परंपराओं, जैसे कि 17 वीं शताब्दी के मास्क और संगीत हॉल से विकसित हुआ। 19वीं शताब्दी के अंत तक पेंटोमाइम का एक महत्वपूर्ण हिस्सा हार्लेक्विनेड था। ब्रिटेन के बाहर "पेंटोमाइम" शब्द का उपयोग आमतौर पर यहाँ चर्चा किए गए नाट्य रूप के बजाय नकल करने के लिए किया जाता है। माइम माइम एक नाट्य माध्यम है जहाँ एक कहानी की क्रिया को शरीर की गति के माध्यम से, भाषण के उपयोग के बिना बताया जाता है। माइम का प्रदर्शन प्राचीन यूनान में हुआ था, और यह शब्द पैंटोमिमस नामक एक एकल नकाबपोश नर्तक से लिया गया है, हालांकि उनका प्रदर्शन आवश्यक रूप से शांत नहीं था। मध्यकालीन यूरोप में, माइम के प्रारंभिक रूप, जैसे कि ममेर नाटक और बाद में डंबशो, विकसित हुए। उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में पेरिस में, जीन-गैस्पर्ड डेबुराउ ने कई विशेषताओं को मजबूत किया जो हमें आधुनिक समय में पता चला है, जिसमें सफेद चेहरे में मूक आकृति भी शामिल है। कॉमेडिया डेल 'आर्टे और जापानी नोह थिएटर से काफी प्रभावित जैक्स कोपाउ ने अपने अभिनेताओं के प्रशिक्षण में मास्क का इस्तेमाल किया। एटियेन डेक्रॉक्स, उनके एक शिष्य, इससे बहुत प्रभावित थे और उन्होंने माइम और परिष्कृत शारीरिक माइम की संभावनाओं को एक उच्च मूर्तिकला रूप में खोजना और विकसित करना शुरू कर दिया, जिससे यह प्रकृतिवाद के दायरे से बाहर हो गया। जैक्स लेकोक ने अपने प्रशिक्षण विधियों के साथ माइम और शारीरिक रंगमंच के विकास में महत्वपूर्ण योगदान दिया। बैले जबकि कुछ बैले "आंदोलन की रेखाओं और पैटर्न पर जोर देते हैं" नाटकीय नृत्य "भावना, चरित्र और कथात्मक कार्रवाई को व्यक्त या अनुकरण करता है। इस तरह के बैले नाट्य कार्य हैं जिनमें पात्र होते हैं और "एक कहानी बताते हैं", बैले में नृत्य आंदोलन "अक्सर शारीरिक अभिव्यक्ति के रोजमर्रा के रूपों से निकटता से संबंधित होते हैं, [ताकि] लगभग सभी नृत्य में एक अभिव्यंजक गुण निहित हो", और इसका उपयोग क्रिया और भावनाओं दोनों को व्यक्त करने के लिए किया जाता है; माइम का भी उपयोग किया जाता है। उदाहरणों में प्योट्र इलिच चैकोव्स्की की स्वान लेक शामिल है, जो ओडेट की कहानी बताती है, एक राजकुमारी जिसे एक दुष्ट जादूगर के अभिशाप से हंस में बदल दिया गया था, सर्गेई प्रोकोफीव की बैले रोमियो एंड जूलियट, जो शेक्सपियर के प्रसिद्ध नाटक पर आधारित है, और इगोर स्ट्राविंस्की की पेट्रुष्का, जो तीन कठपुतलियों के प्यार और ईर्ष्या की कहानी बताती है। रचनात्मक नाटक में नाटकीय गतिविधियाँ और खेल शामिल हैं जिनका उपयोग मुख्य रूप से बच्चों के साथ शैक्षिक परिवेश में किया जाता है। संयुक्त राज्य अमेरिका में इसकी जड़ें 1900 के दशक की शुरुआत में शुरू हुईं। विनीफ्रेड वार्ड को शिक्षा में रचनात्मक नाटक का संस्थापक माना जाता है, जिसने इवान्स्टन, इलिनोइस में नाटक का पहला शैक्षणिक उपयोग स्थापित किया। एशियाई नाटक भारत भारतीय नाटक का सबसे पहला रूप संस्कृत नाटक था। पहली शताब्दी ईस्वी और 10वीं शताब्दी के बीच भारत के इतिहास में सापेक्ष शांति की अवधि थी जिसके दौरान सैकड़ों नाटक लिखे गए थे। 10वीं और 11वीं शताब्दी में शुरू हुई इस्लामी विजयों के साथ, रंगमंच को हतोत्साहित या पूरी तरह से प्रतिबंधित कर दिया गया था। बाद में, स्वदेशी मूल्यों और विचारों को फिर से स्थापित करने के प्रयास में, 15वीं से 19वीं शताब्दी तक विभिन्न क्षेत्रीय भाषाओं में विकास करते हुए, पूरे उपमहाद्वीप में ग्रामीण रंगमंच को प्रोत्साहित किया गया। भक्ति आंदोलन कई क्षेत्रों में प्रदर्शनों में प्रभावशाली था। क्षेत्रीय भाषाओं के अलावा, असम ने ब्रजावली नामक एक कृत्रिम रूप से मिश्रित साहित्यिक भाषा में वैष्णव नाटक का उदय देखा। शंकरदेव के कार्यों में अंकिया नाट नामक एकल-अभिनय नाटकों का एक अलग रूप विकसित हुआ, जिसकी एक विशेष प्रस्तुति को भोना कहा जाता है। 19वीं शताब्दी के मध्य से 20वीं शताब्दी के मध्य तक ब्रिटिश साम्राज्य के तहत औपनिवेशिक शासन की अवधि के दौरान आधुनिक भारतीय रंगमंच का विकास हुआ। संस्कृत रंगमंच संस्कृत नाटक के सबसे पुराने जीवित टुकड़े पहली शताब्दी ईस्वी के हैं। प्राचीन काल के पुरातात्विक साक्ष्यों का खजाना रंगमंच की परंपरा के अस्तित्व का कोई संकेत नहीं देता है। प्राचीन वेदों (1500 और 1000 ईसा पूर्व के बीच के भजन जो दुनिया में साहित्य के शुरुआती उदाहरणों में से हैं) में इसका कोई संकेत नहीं है (हालांकि एक छोटी संख्या में संवाद के रूप में रचना की गई है) और वैदिक काल के अनुष्ठान रंगमंच के रूप में विकसित नहीं हुए हैं। पतंजलि के महाभारत में संस्कृत नाटक के बीजों का सबसे पहला संदर्भ है। 140 ईसा पूर्व के व्याकरण पर यह ग्रंथ भारत में रंगमंच की शुरुआत के लिए एक व्यवहार्य तिथि प्रदान करता है। संस्कृत रंगमंच के लिए साक्ष्य का प्रमुख स्रोत रंगमंच पर एक ग्रंथ (नाट्यशास्त्र) है, एक संग्रह जिसकी रचना की तारीख अनिश्चित है (अनुमान 200 ईसा पूर्व से 200 ईस्वी तक) और जिसके लेखक का श्रेय भरत मुनि को दिया जाता है। यह ग्रंथ प्राचीन दुनिया में नाटकीयता का सबसे पूर्ण कार्य है। यह अभिनय, नृत्य, संगीत, नाटकीय निर्माण, वास्तुकला, वेशभूषा, मेकअप, प्रॉप्स, कंपनियों के संगठन, दर्शकों, प्रतियोगिताओं को संबोधित करता है और रंगमंच की उत्पत्ति का एक पौराणिक विवरण प्रदान करता है। इसके नाटक को संस्कृत साहित्य की सर्वोच्च उपलब्धि माना जाता है। इसमें नायक (नायक), नायिका (नायिका) या जोकर (विदुसक) जैसे पात्रों का उपयोग किया जाता था। अभिनेताओं ने एक विशेष प्रकार में विशेषज्ञता प्राप्त की होगी। इसे राजाओं के साथ-साथ ग्राम सभाओं द्वारा भी संरक्षण दिया गया था। प्रसिद्ध प्रारंभिक नाटककारों में भास, कालिदास (विक्रम और उर्वशी, मालविका और अग्निमित्र, और शकुंतला की पहचान के लिए प्रसिद्ध), शूद्रक (द लिटिल क्ले कार्ट के लिए प्रसिद्ध), अश्वघोष, दानदीन और सम्राट हर्ष (नागानंद, रत्नवली और प्रियदर्शिका के लिए प्रसिद्ध) शामिल हैं। शकुंतला (अंग्रेजी अनुवाद में) ने गोएथे के फाउस्ट (1808-1832) को प्रभावित किया। मोबाइल थिएटर भारत में थिएटर का एक अलग रूप विकसित हुआ है जहां पूरा दल विशेष रूप से देश के पूर्वी हिस्सों में अस्थायी मंचों और उपकरणों के साथ एक स्थान से दूसरे स्थान पर नाटकों का प्रदर्शन करने के लिए यात्रा करता है। जात्रा ("यात्रा" के लिए बंगाली), बंगाल में चैतन्य महाप्रभू के वैष्णव आंदोलन में उत्पन्न हुई, एक परंपरा है जो इस प्रारूप का पालन करती है। पड़ोसी राज्य असम में वैष्णव नाटक, जिनका नेतृत्व श्रीमंत शंकरदेव ने किया था, अंकिया नाट और भोना के रूप लेते हैं। ये, पश्चिमी प्रभावों के साथ, असम में आधुनिक मोबाइल थिएटर के विकास को प्रेरित करते हैं, जिसे असमिया में भ्राम्योमन के नाम से जाना जाता है। आधुनिक भ्राम्योमन हिंदू पौराणिक कथाओं से लेकर पश्चिमी क्लासिक्स और हॉलीवुड फिल्मों के रूपांतरण तक सब कुछ प्रस्तुत करता है और लाइव विजुअल इफेक्ट्स जैसी आधुनिक तकनीकों का उपयोग करता है। असमिया मोबाइल थिएटर एक सौ करोड़ का उद्योग होने का अनुमान है। भ्राम्योमन की स्व-निहित प्रकृति, सभी उपकरणों और यहां तक कि मंच को स्वयं सेना द्वारा ले जाने के साथ, दूरदराज के गाँवों में भी प्रदर्शन करने की अनुमति देती है, जिससे व्यापक पहुंच होती है। इस उद्योग के अग्रदूतों में अच्युत लहकर और ब्रजनाथ सरमा शामिल हैं। आधुनिक भारतीय नाटक रवींद्रनाथ टैगोर एक अग्रणी आधुनिक नाटककार थे जिन्होंने राष्ट्रवाद, पहचान, आध्यात्मिकता और भौतिक लालच की खोज और उन पर सवाल उठाने के लिए प्रसिद्ध नाटक लिखे। उनके नाटक बंगाली में लिखे गए हैं और इनमें चित्रा (चित्रांगदा, 1892), द किंग ऑफ द डार्क चैंबर (राजा, 1910), द पोस्ट ऑफिस (डाकघर, 1913) और रेड ओलियंडर (रक्तकारबी, 1924) शामिल हैं। गिरीश कर्नाड एक प्रसिद्ध नाटककार हैं, जिन्होंने कई नाटक लिखे हैं जो समकालीन प्रासंगिकता वाले विचारों और आदर्शों की आलोचना और समस्या उत्पन्न करने के लिए इतिहास और पौराणिक कथाओं का उपयोग करते हैं। कर्नाड के कई नाटक जैसे तुगलक, हयावदना, तलदंडा और नागा-मंडला भारतीय नाटक में महत्वपूर्ण योगदान देते हैं। विजय तेंदुलकर और महेश दत्तानी 20वीं शताब्दी के प्रमुख भारतीय नाटककारों में से हैं। हिंदी में मोहन राकेश और उर्दू में दानिश इकबाल को नए युग के नाटक का निर्माता माना जाता है। मोहन राकेश की आधे अधूरे और दानिश इकबाल की दारा शिकोह को आधुनिक क्लासिक माना जाता है। चीन के चीनी रंगमंच का एक लंबा और जटिल इतिहास है। आज इसे अक्सर चीनी ओपेरा कहा जाता है, हालांकि यह आम तौर पर विशेष रूप से बीजिंग ओपेरा और कुंक के रूप में जाने जाने वाले लोकप्रिय रूप को संदर्भित करता है; चीन में रंगमंच के कई अन्य रूप रहे हैं, जैसे कि ज़जू। जापान जापानी नो नाटक एक गंभीर नाटकीय रूप है जो नाटक, संगीत और नृत्य को एक पूर्ण सौंदर्य प्रदर्शन अनुभव में जोड़ता है। यह 14वीं और 15वीं शताब्दी में विकसित हुआ और इसकी अपनी संगीत वाद्ययंत्र और प्रदर्शन तकनीकें हैं, जो अक्सर पिता से बेटे को सौंपी जाती थीं। कलाकार आम तौर पर पुरुष थे (पुरुष और महिला दोनों भूमिकाओं के लिए), हालाँकि महिला शौकिया भी नो नाटक करते हैं। नो नाटक को सरकार और विशेष रूप से सेना द्वारा समर्थित किया गया था, जिसमें कई सैन्य कमांडरों की अपनी मंडलियाँ थीं और कभी-कभी वे खुद प्रदर्शन करते थे। यह आज भी जापान में किया जाता है। क्योगेन नो नाटक का हास्य प्रतिरूप है। यह संवाद पर अधिक ध्यान केंद्रित करता है और संगीत पर कम ध्यान केंद्रित करता है, हालांकि नो वाद्ययंत्रकार कभी-कभी क्योगेन में भी दिखाई देते हैं। 17वीं शताब्दी से विकसित काबुकी नाटक एक अन्य हास्य रूप है, जिसमें नृत्य शामिल है। जापान में आधुनिक नाट्य और संगीतमय नाटक भी शिंगेकी और टकाराजुका रेव्यू जैसे रूपों में विकसित हुए हैं। ।