extracted_text:
Что за музыка у Вангелиса?
Говорят, что музыка этого композитора — на любителя.
А какая — не на любителя? Да, более всего он известен
саундтреками… но какими! Не зря его имя, точнее,
творческий псевдоним, известно всему миру (а
настоящее — погречески величественно: Эвангелос
Одиссей Папатанассиу — Evangelos Odyssey
Papathanassiou). Знатоки не зря шутят, что он напрасно в
качестве псевдонима использовал сокращенную форму
первого имени, т.к. второе, Одиссей, было бы как нельзя
более кстати. Дело в том, что Вангелис — большой
любитель странствий по музыкальным жанрам. И не
только к фильмам сочиняет музыку. Так, вместе с Уэйном Иглингом работал над балетными постановками,
писал репертуар для Монсеррат Кабалье. Несколько лет
назад в афинском храме Зевса представил свою хоровую
симфонию «Mythodea». Для меня так Вангелис —
гимновый композитор, это чисто субъективное
восприятие, не претендующее на оценку… Но
практически каждое его произведение может стать
гимном, что прекрасно демонстрируется в знаменитом
альбоме «Voicis», в «антарктических» композициях и т.
д. Это, видимо, связано с тем, что, как отмечают
музыкальные критики, в любой самой простенькой
песенке Вангелис умудряется преподнести
величественный симфонизм и особую, неповторимую чистоту и прозрачность звучания. Музыкальный талант
был обнаружен у Эвангелоса Папатанассиу в раннем
детстве: ему было 4 года, когда сочинил первую
композицию для фортепьяно. А в 6 лет уже дал свой
первый сольный концерт, на котором исполнял
собственные сочинения. Но затем категорически
отказался учиться музыке! Он писал ее, не зная нот…
После школы юноша увлёкся битломанией, организовал с
несколькими сверстниками группу Formynx, которая
вскоре стала очень популярной в Греции. Потом уехал в
Париж с друзьями Демисом Руссосом и Лукасом
Сидерасом (1968), где они создали другую группу —
«Дитя Афродиты», причём не просто так, а в знак протеста против фашистского путча «чёрных
полковников» на своей родине. И между прочим, в это
время Вангелис учился в Сорбонне. В 1971 году группа
записала альбом — электронную ораторию «666 —
Apocalypse of John», после чего распалась. И хотя
повсеместно утверждается, что причиной этого не была
ссора или финансовые неувязки, на самом деле
размолвка всё же была. Впрочем, она не помешала
дальнейшим приятельским отношениям бывших друзей,
так что и говорить об её сути не стоит. Необязательно
останавливаться подробно и на всей дискографии
композитора, разве что стоит упомянуть его
сотворчество с Джоном Андерсоном, вокалистом «Yes». Так, их совместный альбом «Рай и ад» (технорок,
замешанный на классике) — это выдающаяся музыка, вне
всякого сомнения. Вангелис исполнял там все
музыкальные партии, от фортепианной до ударных, а Д.
Андерсон вёл вокальную. Это событием подследовало
после того, как в 1975 году Вангелис подписал контракт
с компанией RCA и основал собственную студию
звукозаписи «Nemo Studios». А после выхода в 1981м
фильма «Огненные колесницы» он получает вместе с
новой славой и «Оскара». Но наконец наступает время,
когда музыкант после 20летних странствований по миру
возвращается в Грецию, где живёт и поныне. Он сочиняет
музыку для самых знаменательных празднеств в стране, в том числе, для открытия Олимпиады в Афинах. И при
всём при том умудряется «не мелькать» на публике, не
пускать досужих журналистов в свою личную жизнь,
заявляя: «Всё, что я пытаюсь сделать — это позволить
людям узнать, что я думаю, через мою музыку».
Впрочем, и тут есть некая сложность, так как Вангелис
исключительно строг в подходе к собственным
произведениям и далеко не все из них позволяет
записывать на диски. Для примера: даже знаменитейший
саундтрек к фильму Р. Скотта «Бегущий по лезвию
бритвы» с трудом «пробился» сквозь авторскую цензуру
на запись через восемь лет после выхода кинокартины на
экран. Вангелис — величайший маэстро страны эллинов, музыка его звучит на всей земле, и даже те, кому не
известно это имя, несомненно слышали её, так как
мелодии из кинофильмов моментально разносятся по
теле и радиоэфиру. Но сколько бы ни говорилось об его
творчестве, никакие рассказы не сравнятся со звучанием
творений.

intro: Говорят, что музыка этого композитора — на любителя. А какая — не на любителя? Да, более всего он известен саундтреками… но какими! Не зря его имя, точнее, творческий псевдоним, известно всему миру (а настоящее — по-гречески величественно: Эвангелос Одиссей Папатанассиу — Evangelos Odyssey Papathanassiou). Знатоки не зря шутят, что он напрасно в качестве псевдонима использовал сокращенную форму первого имени, т.к. второе, Одиссей, было бы как нельзя более кстати.

title: Что за музыка у Вангелиса?


extracted_text:
Как музыка влияет на психику человека?
Музыка — это язык звуков, она неотделима от природы.
Звуки имеют огромное влияние на человеческую психику
и на организм в целом. Это воздействие может быть как
созидающим, так и уничтожающим. Както ранней
осенью мне посчастливилось прослушать серебряную
сонату, исполненную ветром на трёх пирамидальных
серебристых тополях. Был тёплый тихий день.
Предзакатное солнце освещало верхушки деревьев. И
вдруг невидимый дирижёр — ветер — ласково прошёлся
по серебряным листочкам, и они затрепетали, зашелестели, поблёскивая в лучах солнца. Первые звуки
осенней мелодии проникли в сознание. Несколько минут
ветер, как музыкантчародей, играл тополиным
серебром. Соната, иначе и не скажешь, звучала недолго,
но в эти мгновения я забыла, что нахожусь на
оживлённой улице большого города. Такой
завораживающей музыки мне не доводилось слышать. В
такие моменты приходит осознание того, что звуки
природы, создающие музыку, вечны, как вечна и сама
Вселенная. Земля появилась на свет более 4−4,5
миллиардов лет назад. В тот период атмосфера нашей
планеты не содержала свободного кислорода и
биологическая жизнь ещё не зародилась. Почти никаких звуков, только свист ветра, гул извергающихся вулканов,
удары падающих метеоритов. Возможно, так выглядела
Земля в первые миллионы лет своего существования. С
возникновением растительного и животного мира наша
планета ожила и наполнилась звуками. Плеск воды,
потрескивание огня, шум листвы, голоса животных —
все эти звуки создавали природную музыку, порой
спокойную и жизнеутверждающую, а порой — грозную и
разрушающую. Совокупность звуков, представляющих
собой гармоничные колебания определённых длин волн,
рождают музыку. И вот появляется человек — одно из
высокоорганизованных звеньев биологической цепочки.
Человек — это сложная колебательная система, связанная со Вселенной, поэтому неудивительно, что
звуки природы воздействуют на его организм и психику.
С незапамятных времён музыка играла важную роль в
жизни человека. Мыслители и учёные древности считали,
что музыка устанавливает порядок во Вселенной, в том
числе и в человеке. В то же время она может нести
разрушительную силу и сеять хаос в природе и в людях, в
частности. Сила музыки необычайно велика. М. Лютер
сказал: «Музыка есть искусство пророков. Это —
единственное искусство, которое наравне с теологией
может успокаивать волнение души и обращать дьявола в
бегство». Целительными силами звуков люди
пользовались издавна. Ещё Гиппократ, отец медицины, практиковал лечение музыкой. Он установил четыре типа
темперамента людей и в зависимости от них
рекомендовал прослушивание определённых мелодий.
Он считал, что меланхоликам полезна ясная и
возвышенная музыка; флегматикам — мелодии,
спокойно входящие в мысли и чувства, без повторения
одной и той же музыкальной темы; холерикам —
спокойная, немного тягучая, но освежающая музыка;
сангвиникам необходима летящая, похожая на
танцевальную, мелодия. Но поскольку нет людей с чисто
выраженным типом темперамента, то при подборе
музыкальных произведений следует это учесть. Жизнь
рождает музыку, а она, в свою очередь, воздействует на жизнь людей. Она может изменить отношение человека к
жизни, укрепить его волю, пробудить благородство и
доброту. Нет на земле живого существа Столь
жестокого, крутого, адски злого, Чтоб не могла хоть на
час В нём музыка свершить переворота. (В. Шекспир) Но
могущество музыки может и погубить человека, и этим
её качеством пользовались люди. Например, в Китае в
третьем веке до нашей эры был издан закон, в котором
говорилось: «Кто поносит высших особ, не должен быть
повешен, но играющие на барабанах, флейтах и других
музыкальных инструментах должны шумно играть для
него без перерыва до тех пор, пока он мёртвым не
упадёт…». Музыка хранит в себе много тайн и загадок. Интересно, что каждый человек воспринимает её по
своему. У человека прослушивание музыки
сопровождается чувством эйфории, вызванным
высвобождением дофамина в области полосатого тела
головного мозга. Установлено, что у людей и животных
под воздействием музыки может изменяться кровяное
давление, частота сердечных сокращений, а также
уменьшаться ритм и глубина дыхательных движений,
вплоть до полной остановки дыхания. Проведённые в
Японии исследования показали, что у кормящих матерей,
слушающих определённую классическую музыку,
количество молока увеличивается на 20−100 процентов,
а у слушающих попмузыку — уменьшается на 50 процентов. Люди, страдающие амузией, не способны
распознавать и исполнять музыку. Сильное влияние
музыки на человеческий мозг замечено у классики.
Предполагают, что музыка оказывает воздействие на
анатомическом уровне, делая мозг более подвижным.
Показательна в этом отношении музыка Моцарта. Она
производит успокаивающее действие и улучшает
пространственное восприятие; ритмы, мелодии и
высокие частоты его произведений стимулируют
творческие области головного мозга. Девид Вэйс сказал в
предисловии к своему роману «Возвышенное и земное»,
что Моцарт писал свои произведения предельно просто и
ясно. А Александр Пушкин написал: «Ты, Моцарт, — бог и сам того не знаешь». Прав был Фр. Шопен, когда
сказал, что музыка не имеет отечества, что её отечество
— вся Вселенная. Звуки всегда жили и будут жить во
Вселенной. Это и биение Солнца, звучание атмосферы
Земли, а также другие звуки, порождаемые звёздными
ветрами. Впервые космические звуки записал
американский исследовательский спутник «Вояджер». В
США был выпущен диск с космической музыкой. Но это
не те звуки, которые воспринимаются человеческим
ухом. В космосе могут распространяться
электромагнитные волны. Они и были записаны
спутником, обработаны и перенесены в слышимый
диапазон звуковых волн. Космические звуки, как считают некоторые специалисты, способны исцелять
человека от многих заболеваний.

intro: Музыка — это язык звуков, она неотделима от природы. Звуки имеют огромное влияние на человеческую психику и на организм в целом. Это воздействие может быть как созидающим, так и уничтожающим. Как-то ранней осенью мне посчастливилось прослушать серебряную сонату, исполненную ветром на трёх пирамидальных серебристых тополях. Был тёплый тихий день. Предзакатное солнце освещало верхушки деревьев. И вдруг невидимый дирижёр — ветер — ласково прошёлся по серебряным листочкам, и они затрепетали, зашелестели, поблёскивая в лучах солнца.

музыка

group: Дисциплины

доп. образование взрослых

group: Другое

title: Как музыка влияет на психику человека?


extracted_text:
Эрик Сати. Что такое меблировочная музыка?
«Я родился слишком молодым — в слишком старые
времена». Каждое утро, включая телевизор, я слышу этот
вальс в какойто рекламе не помню чего. Наверное, Сати
был бы счастлив. По крайней мере, всю жизнь он
декларировал интерес именно к некоей «технической»
музыке. Музыке — как предмету обстановки,
музыкальному конвейеру. При этом Эрик Сати был
человеком умным, думающим, очень талантливым,
предвосхитившим будущие направления музыки аж лет
на 50 вперед. Но зачем я оказался на этой Земле, такой приземленной и такой землистой? Я явился сюда, чтобы
исполнить долг? Выполнить какуюто миссию —
поручение? Меня прислали сюда поразвлечься? Немного
развеяться? Позабыть горести того света, о которых я
уже ничего не помню? Возможно, я здесь совсем
неуместен? Как ответить на все эти вопросы? Думая, что
поступаю хорошо, я, едва придя в этот мир, принялся
поигрывать Музыку, которую сам же и сочинял… Изза
этого и начались все мои невзгоды… (Эрик Сати.
«Заметки млекопитающего») Эрик Сати (везде ударения
на последний слог) родился 17 мая 1855 года во
французской Нормандии. Большую часть жизни он был
вынужден зарабатывать деньги — а для этого в Париже были кабаре. Подобное существование не могло не
сказаться на желчности характера и на проблемах с
печенью (абсент ведь и к циррозу легко приводит). Но
империя развлечений требовала своих служителей и
жертв. И ведь нельзя сказать, что Сати уж был так
совсем неизвестен своим согражданам и современникам.
И ноты его издавались, сначала благодаря помощи
мачехи и отца, потом издатели сами были готовы. И
тепло дружил Сати со своими гениальными
современниками — Дебюсси и Равелем, которые высоко
его ценили. И Сергей Дягилев, организовавший в Париже
знаменитые «Русские сезоны», тут же заказал Сати для
них балет. Балет «Парад» был написан, публика его освистала («Долой русских!» — наверное, этот абсурд
Сати тоже понравился). И великий Игорь Стравинский
был впечатлен французским музыкантом («Тонкая
штучка, он весь был наполнен лукавством и умной
злостью»). Кстати, именно для этого балета французский
поэт Гийом Аполлинер впервые придумал слово
«сюрреализм». Фото: Источник Таким он и был: тапером,
и при этом серьезным композитором, одетым с иголочки
господином, у которого в доме — всегда кавардак,
представителем парижской богемы; и вполне себе
социалистом, автором одновременно пьес с
провокационными названиями («Дряблые прелюдии»,
«Засушенные эмбрионы», «В лошадиной шкуре»,) и автором нежнейших «Гипнопедий» и мудрейшего
«Сократа»… Если внимательно всмотреться в картины
Ренуара, ТулузЛотрека и других художников этого
периода, можно обнаружить одну и ту же женщину. Это
— натурщица МариКлементин (Сюзанна) Валадон,
которая впоследствии стала сама художницей — первой,
принятой во французский союз художников. С Сюзанной
Эрика Сати связывали личные отношения. Но сын
Валадон — всемирно известный художник Морис
Утрилло — не сын Сати. Зато остались портреты самого
Сати работы Сюзанны. И снова здесь вспоминается вальс
Сати «Je te veux», о котором шла речь в самом начале.
Сначала просто песня с понятным названием и полу эротическим содержанием, потом она стала пьесой для
разных инструментов, потом — джазовой композицией,
потом заставкой какихто компьютерных игр и прочая.
Вполне салонная парижская песенка времен Белль Эпок
почемуто оказывается вполне уместной в наши дни. Но
вспоминается далеко не только этот вальс.
Поссорившись с возлюбленной, Сати написал пьесу
«Vexations» («Раздражения», «Досады»), которую
предписывалось исполнять 840 раз подряд (но ни в коем
случае не больше). То есть звучать она должна была
около суток. Шутки шутками, но ведь сейчас эта пьеса
так и исполняется. То есть пианисты сутки сменяют друг
друга, слушатели, вероятно, тоже, да и слушать можно с любого места. А можно сладко поспать в кресле — это
же «меблировочная музыка», а можно вообще стать
частью этой меблировочности. Чем мы сами часто не
мебель, когда ктото рядом пытается сказать нечто для
него важное? Вот эта вот гипнотическая повторяемость
стала «фишкой» определенного направления в музыке
ХХ века, особенно в США (и, как ни странно, в России).
Однообразность, внутренняя бесконфликтность,
навязчивая повторяемость, отсутствие четкого начала и
конца — главные особенности этой «меблировочной
музыки». Эрик Сати оказал влияние — прямое или
опосредованное — практически на всех: от
Стравинского до Шостаковича, не говоря уже о французах. Эрика Сати трудно отнести к какомуто
главенствующему направлению. Там и «остаточное» от
романтизма, и импрессионизм, и проблески будущих
течений — модерна, авангарда, минимализма,
сюрреализма, дадаизма, конструктивизма, примитивизма,
неоклассицизма, театра абсурда. То есть этот
эксцентричный музыкант, зарабатывающий на жизнь в
кабаре, оказался предтечей сразу десятка направлений в
академической музыке. И дело его живет. Но этот
неугомонный юморист не мог не посмеяться и над собой:
Прошу иметь в виду, раз и навсегда: не существует
никакой школы Сати. Так называемый «Сатизм» просто
не смог бы существовать. Именно во мне он нашёл бы своего первейшего и непримиримого врага. (Эрик Сати.
«Нет казарме!»)

intro: Эрик Сати. Что такое меблировочная музыка? «Я родился слишком молодым — в слишком старые времена». Каждое утро, включая телевизор, я слышу этот вальс в какой-то рекламе не помню чего. Наверное, Сати был бы счастлив.по крайней мере, всю жизнь он декларировал интерес именно к некоей «технической» музыке. Музыке — как предмету обстановки, музыкальному конвейеру. При этом Эрик Сати был человеком умным, думающим, очень талантливым, предвосхитившим будущие направления музыки аж лет на 50 вперед. Но зачем я оказался на этой Земле, такой приземленной и такой землистой? Я явился сюда, чтобы исполнить долг? Выполнить какую-то миссию — поручение? Меня прислали сюда поразвлечься? Немного развеяться? Позабыть горести того света, о которых я уже ничего не помню? Возможно, я здесь совсем неуместен? Как ответить на все эти вопросы? Думая, что поступаю хорошо, я, едва придя в этот мир, принялся поигрывать Музыку, которую сам же и сочинял… Из-за этого и начались все мои невзгоды… (Эрик Сати. «Заметки млекопитающего») Эрик Сати (везде ударения на последний слог) родился 17 мая 1855 года во французской Нормандии. Большую часть жизни он был вынужден зарабатывать деньги — а для этого в Париже были кабаре. Подобное существование не могло не сказаться на желчности характера и на проблемах с печенью (абсент ведь и к циррозу легко приводит). Но империя развлечений требовала своих служителей и жертв. И ведь нельзя сказать, что Сати уж был так совсем неизвестен своим согражданам и современникам. И ноты его издавались, сначала благодаря помощи мачехи и отца, потом издатели сами были готовы. И тепло дружил Сати со своими гениальными современниками — Дебюсси и Равелем, которые высоко его ценили. И Сергей Дягилев, организовавший в Париже знаменитые «Русские сезоны», тут же заказал Сати для них балет. Балет «Парад» был написан, публика его освистала («Долой русских!» — наверное, этот абсурд Сати тоже понравился). И великий Игорь Стравинский был впечатлен французским музыкантом («Тонкая штучка, он весь был наполнен лукавством и умной злостью»). Кстати, именно для этого балета французский поэт Гийом Аполлинер впервые придумал слово «сюрреализм». Фото: Источник Таким он и был: тапером, и при этом серьезным композитором, одетым с иголочки господином, у которого в доме — всегда кавардак, представителем парижской богемы; и вполне себе социалистом, автором одновременно пьес с провокационными названиями («Дряблые прелюдии», «Засушенные эмбрионы», «В лошадиной шкуре»,) и автором нежнейших «Гипнопедий» и мудрейшего «Сократа»… Если внимательно всмотреться в картины Ренуара, Тулуз-Лотрека и других художников этого периода, можно обнаружить одну и ту же женщину. Это — натурщица Мари-Клементин (Сюзанна) Валадон, которая впоследствии стала сама художницей — первой, принятой во французский союз художников. С Сюзанной Эрика Сати связывали личные отношения. Но сын Валадон — всемирно известный художник Морис Утрилло — не сын Сати. Зато остались портреты самого Сати работы Сюзанны. И снова здесь вспоминается вальс Сати «Je te veux», о котором шла речь в самом начале. Сначала просто песня с понятным названием и полу-эротическим содержанием, потом она стала пьесой для разных инструментов, потом — джазовой композицией, потом заставкой каких-то компьютерных игр и прочая. Вполне салонная парижская песенка времен Белль Эпок почему-то оказывается вполне уместной в наши дни. Но вспоминается далеко не только этот вальс. Поссорившись с возлюбленной, Сати написал пьесу «Vexations» («Раздражения», «Досады»), которую предписывалось исполнять 840 раз подряд (но ни в коем случае не больше). То есть звучать она должна была около суток. Шутки шутками, но ведь сейчас эта пьеса так и исполняется. То есть пианисты сутки сменяют друг друга, слушатели, вероятно, тоже, да и слушать можно с любого места. А можно сладко поспать в кресле — это же «меблировочная музыка», а можно вообще стать частью этой меблировочности. Чем мы сами часто не мебель, когда кто-то рядом пытается сказать нечто для него важное? Вот эта вот гипнотическая повторяемость стала «фишкой» определенного направления в музыке ХХ века, особенно в США (и, как ни странно, в России). Однообразность, внутренняя бесконфликтность, навязчивая повторяемость, отсутствие четкого начала и конца — главные особенности этой «меблировочной музыки». Эрик Сати оказал влияние — прямое или опосредованное — практически на всех: от Стравинского до Шостаковича, не говоря уже о французах. Эрика Сати трудно отнести к какому-то главенствующему направлению. Там и «остаточное» от романтизма, и импрессионизм, и проблески будущих течений — модерна, авангарда, минимализма, сюрреализма, дадаизма, конструктивизма, примитивизма, неоклассицизма, театра абсурда. То есть этот эксцентричный музыкант, зарабатывающий на жизнь в кабаре, оказался предтечей сразу десятка направлений в академической музыке. И дело его живет. Но этот неугомонный юморист не мог не посмеяться и над собой: Прошу иметь в виду, раз и навсегда: не существует никакой школы Сати. Так называемый «Сатизм» просто не смог бы существовать. Именно во мне он нашёл бы своего первейшего и непримиримого врага. (Эрик Сати. «Нет казарме!»)


extracted_text:
Как музыка помогает почувствовать себя лучше?
С вами бывало такое? Идете себе в хмуром настроении, а
тут вдруг веселая мелодия откудато заставляет
улыбнуться или почти пуститься в пляс. Или, услышав
знакомые ноты, с тоской вспоминаете о некогда
любимом человеке, к которому, казалось бы, давно
остыли. Музыка имеет сильнейшее воздействие на
психику человека. Каким образом она действует и можно
ли использовать ее, чтобы помочь себе. История Уже в
древности было замечено, что звуки и ритмы могут очень
сильно воздействовать на человека. Шаманы использовали это знание, чтобы добиться определенного
эффекта во время обрядов, а колыбельные песни всегда
помогали матерям успокоить и убаюкать детей. О
воздействии музыки писали Пифагор и Аристотель. А в
Китае врачи могли порекомендовать мелодию под
каждое заболевание. Уже в 19 веке в Европе была
официально признана музыкальная терапия. Воздействие
музыки оценили и установили экспериментально врачи.
Постепенно во всем мире ее начали использовать для
реабилитации и ускорения выздоровления больных с
физическими и психическими отклонениями.
Музыка сегодня Сегодня лечение музыкой развито во многих странах и
имеет очень широкий спектр применения — стресс,
депрессия, улучшение памяти, повышение
интеллектуальных способностей, снижение агрессии,
вдохновение, средство анестезии в стоматологии и
хирургии. Музыку рекомендуют слушать беременным
женщинам для гармоничного развития плода. Словом,
всему, что связано с поднятием настроения и духа,
поможет прослушивание музыки. Как музыка действует
на человеческий организм Секрет воздействия музыки —
в определенных ритмах, которые могут оказывать
благоприятное воздействие на психику, внутренние
органы и весь организм в целом. Музыкальные инструменты вызывают резонанс внутри человеческого
тела и заставляют его взаимодействовать с собственным
ритмом, подчиняя себе. Любимая музыка способна
расширить сосуды и понизить холестерин в крови. Еще
больший эффект оказывает пение и игра на музыкальных
инструментах. Какая музыка подходит Многие люди
подсознательно слушают «нужную» музыку. Но, чтобы
добиться видимого целебного эффекта, необходимо
слушать классику. Именно классические произведения
дают превосходные результаты. Для снятия стресса
хорошо подойдет симфоническая музыка — ария из
Сюиты № 3 Баха, от состояния одиночества избавят
Чайковский и Брамс. Хорошо заснуть поможет 2я часть 2го «Концерта для фортепиано с оркестром» Бетховена
или «Лунный свет» Дебюсси, а первая часть концерта №
2 Рахманинова снимет депрессию. Школа электронной
музыки Tramplin Индивидуальные курсы. Программа
обучения под Ваши задачи, цели и опыт. Узнать больше
tramplin.pro Яндекс.Директ На органы пищеварения
хорошо влияют баян и аккордеон. Для легких добрым
помощником будет флейта. Сердечнососудистой
системе подойдут виолончель, арфа и скрипка. На печень
благоприятно влияют гобой, кларнет и цимбалы. Как
слушать Чтобы ощутить эффект, «лекарство» нужно
слушать осознанно, а не в качестве фона, негромко.
Избегайте такой музыки, которая вызывает определенные ассоциации с событиями или людьми из
вашей жизни и содержит слова на известном вам языке.
Если держать при себе набор правильно подобранных и
любимых мелодий, то можно без труда сохранить
хорошее настроение и зарядиться решимостью и
энергией. Поставьте чтонибудь зажигательное на звонок
вашего будильника, включите расслабляющую музыку,
вернувшись с работы, и прислушайтесь… к переменам
внутри себя.

intro: С вами бывало такое? Идете себе в хмуром настроении, а тут вдруг веселая мелодия откуда-то заставляет улыбнуться или почти пуститься в пляс. Или, услышав знакомые ноты, с тоской вспоминаете о некогда любимом человеке, к которому, казалось бы, давно остыли. Музыка имеет сильнейшее воздействие на психику человека. Каким образом она действует и можно ли использовать ее, чтобы помочь себе. История Уже в древности было замечено, что звуки и ритмы могут очень сильно воздействовать на человека.


extracted_text:
Как музыка влияет на наш мозг?
Музыка доставляет нам немало удовольствия. Многие не
представляют и дня без прослушивания любимых
мелодий. Каждый из нас может похвастаться своими
музыкальными предпочтениями. Ктото в восторге от
рока, а ктото от классической музыки, ктото любит
джаз, а когото прельщают народные песни. Каким
образом наш мозг определяет то, как мы воспринимаем
те или иные музыкальные композиции? Почему одна
музыка нам приятна, а другая нет. Учеными уже давно
проводятся исследования, связанные с влиянием музыки на мозг. Доказано, что когда человеку нравится то, что
он слушает, происходит стимуляция центра
удовольствия, улучшается мозговая деятельность.
Слушая любимые мелодии, мы способствуем тому,
чтобы организмом вырабатывался дофамин — гормон
удовольствия. Он вырабатывается и тогда, когда мы
вкусно едим или занимаемся сексом. Любое позитивное,
приятное для нас занятие способствует выработке
дофамина. Учеными, работающими в Институте
неврологии (г. Монреаль), был поставлен опыт, в
котором приняло участие девятнадцать добровольцев
возрастом от 18 до 30 семи лет. Им предложили к
прослушиванию шесть десятков музыкальных произведений, заранее опросив испытуемых об их
музыкальных предпочтениях. Вся предложенная музыка
была для участвующих в опыте незнакомой, они слышали
ее в первый раз. Испытуемым было поставлено задание
дать оценку музыкальным произведениям, проведя среди
них своеобразный аукцион. За понравившуюся песню тем
предстояло заплатить некую символическую сумму денег
из своего кармана. В результате у ученых получился
альбом из избранных музыкальных композиций, за
которые участники заплатили больше всего денег. К
каждому участвующему в опыте был подсоединен
аппарат МРТ, отслеживающий реакцию мозга на
прослушиваемую музыкальную композицию. Длительность каждого трека была равна 30 секундам.
Этого времени оказалось вполне достаточно, чтобы
человек мог уверенно сказать, нравится ему
поставленная мелодия или нет. Во время прослушивания
музыкальных треков, которые нравились испытуемым, в
их мозге наблюдалась активность некоторых его зон, в
том числе и так называемого центра удовольствия.
Активность оказалась сопоставимой с той, которая
бывает при занятиях сексом или употреблении
алкогольных напитков. Мозгу достаточно совсем
немного времени, чтобы определить, нравится ли
человеку новая мелодия. Далее срабатывает его
способность предугадывать ожидания и происходит выработка дофамина. Человек испытывает удовольствие
не только от музыки, но и от предвкушения
удовольствия, которое музыка должна ему доставить.
Ученые установили, что во время прослушивания
мелодии в мозге человека происходит возникновение
эмоциональных ассоциаций. Так каждая музыкальная
композиция отзывается в нас определенной эмоцией.
Чем более приятными нам кажутся звуки мелодии,
которую мы слышим, тем лучше образуются новые
нейронные связи, от которых зависят наши когнитивные
способности. Речь идет о способностях, благодаря
которым мы взаимодействуем с окружающей средой:
внимании, восприятии, памяти, логического мышления, воображения, способности принимать решения. Когда
человек прослушивает некую комбинацию звуков, из
которых состоит мелодия, происходит активация
отделов мозга, отвечающих за способность распознавать
образы, за прогнозирование, за эмоциональное
восприятие. Отделы мозга при этом взаимодействуют
между собой, и человек получает эстетическое
удовольствие.

intro: Музыка доставляет нам немало удовольствия. Многие не представляют и дня без прослушивания любимых мелодий. Каждый из нас может похвастаться своими музыкальными предпочтениями. Кто-то в восторге от рока, а кто-то от классической музыки, кто-то любит джаз, а кого-то прельщают народные песни. Каким образом наш мозг определяет то, как мы воспринимаем те или иные музыкальные композиции? Почему одна музыка нам приятна, а другая нет. Учеными уже давно проводятся исследования, связанные с влиянием музыки на мозг.

title: Как музыка влияет на наш мозг?


extracted_text:
Музыка древности: какой она была?
 Первобытное общество Если спросить жителя
территорий бывшей Российской империи или хотя бы
СССР (территория поменьше) — «Почему весь мир без
исключения считает, что здесь была великая культура?»,
то каков будет ответ? Из чего это следует? Как можно
это понять? Разве что вспомнят школьный курс
литературы, и уже это хорошо. Возможно даже, что и
еще какието «музыкальные фамилии» вспомнят, кроме
Мадонны и Примадонны, но это решительно ничего не
меняет. Что за культура была, что она дала миру — вряд
ли с ходу ктото сможет ответить. Но при этом
существует и «равноудаленность» от европейской музыки. Одним словом, с музыкой дела обстоят на
данный момент неважно. И это предельно мягко сказано.
А уж о музыкальном народном творчестве своего народа
(своих народов) и вовсе у людей представление крайне
смутное. Уверена, что в украинских селах помнят и поют
какието старые песни, что же касается Центральной
России — здесь ситуация намного хуже. Хороших книг и
радио или телепередач, написанных доступно и
«популярно», крайне мало. Недавно появилась книга
английского комедиографа, писателя и драматурга
Стивена Фрая «Неполная и окончательная история
классической музыки». Небольшая справка Стивен Фрай
(родился в 1957 году) считается «эталонным носителем английского духа». Ктото может его знать по роли
Оскара Уйальда в одноименном фильме 1997 года, кто
то — по роли Дживса в знаменитом «Дживс и Вустер».
Ктото мог слышать его известные начитки аудиокниг
(например, «Гарри Поттера»). Наверняка найдутся и
читатели его прозы. Недавно Фрай выпустил книгу
«Неполная и окончательная история классической
музыки» (2007 год). Она переведена и на русский язык.
Это неплохая и насыщенная информацией книга,
написанная любителем музыки для таких же любителей.
Может быть, слегка избыточен чисто английский юмор,
но сколько уважения и любви к предмету разговора!
Любви к музыке, в том числе и к русской, кстати. Те, кто решит прочесть Фрая — это тоже хороший вариант в
плане ознакомления с этим странным явлением —
музыкой. Так что желающие могут просто прочитать
книгу Стивена Фрая «Неполная и окончательная история
классической музыки». Но мне бы хотелось написать
свою Полную и неокончательную историю музыки. Что
такое музыка? Зачем она нужна? Как мы ее чувствуем?
Откуда взялось понятие «классика»? Что было в
Западной Европе, а что — у восточных славян? А что
было в Азии? Что происходит на данный момент? На эти
вопросы можно попробовать ответить, в том числе и с
вашей помощью. Итак, сначала — откуда? Музыка —
ровесница человечества Естественно, обозначить «начало» невозможно. Не только «время», но и «место»:
везде, где жили когдато первобытные люди, везде
находят и подтверждение наличия у них первых
музыкальных инструментов. Но как можно судить о том,
какая это была музыка? Здесь, конечно, все больше
предположений, но эти предположения вполне имеют
право на существование. Ведь и сейчас на нашей планете
живут первобытнообщинным строем целые народы. И их
культуру изучают. Не нужно забывать, что сохранилось и
множество исторических свидетельств
путешественников, миссионеров и всех остальных, кто
оказывался в гуще чужой культуры. Находки археологов
— тоже большая тема для исследований. Каменные плиты — литофоны, свистки, погремушки и колотушки,
раковины — они же первые трубы, музыкальный лук (где
тетива — струна), флейты из костей и рогов различных
животных — это все первые инструменты. Довольно
рано появилось звукоподражание: например, пению птиц
или крикам зверей. Иногда звукоподражание могло быть
просто необходимо во время охоты или военных
действий, для конспирации. Предполагается, что очень
рано сложились и первые песни первобытного общества:
мать баюкала ребенка, воинов с добычей встречали
особыми торжественными восклицаниями, пелиплакали
на погребениях умерших. Музыка была и составной
частью игры. Музыка часто была средством лечения больных. Музыка всегда была тесно связана с
религиозными представлениями, она была частью всех
церемоний и обрядов. Музыка была и составной частью
обыденной жизни с ее тяжелой работой, радостями и
горестями. То есть музыка просто была всегда, она
вызрела внутри человеческой жизни. И не нужно
забывать, что огромное количество языков Азии и
Африки относятся к так называемым тоновым или
тональным языкам. В этих языках от высоты сказанного
звука (слога) зависит значение слова. Это не знакомая
нам всем интонация в прозвучавшей фразе, а именно
«лексика и грамматика» в высоте одного и того же слога.
Огромное значение имел ритм. Тут нужно сказать, что практически не было музыки «отдельно», она
существовала вместе со словами и танцем (или
пантомимой). Ритм соединял музыку и танец. А танец —
это уже элемент драмы, персонификации действующих
лиц, какогото сюжета. И это, в свою очередь, дальше
усложняет мелодию и слова. То есть все идет к
дальнейшему развитию. Исключительно интересный
вывод, который иногда встречается в исследованиях о
музыкальной культуре первобытных племен. В основном
— мелодии минорные (если кто помнит, минор — это
«грустный» лад). А ведь сама природа дает нам мажор
(то есть «радостный» лад). Есть в акустике понятие
«обертоны». Это физическое явление, связанное с колебаниями звучащего тела. То есть у каждого звука
есть сразу несколько призвуков, имеют значение первые
16 призвуков. Так вот: что струна, что человеческий
голос дают первыми своими обертонами именно
мажорное трезвучие. Не придуманная какойто
многомудрой головой «история», а физическая
реальность и закон природы, о котором нужно иметь
представление, поскольку это будет важно и в
дальнейшем. Сама природа дает мажор, а человечество
всю историю сочиняет преимущественно в миноре (в
этом противопоставлении довольно много условного, но
от этого не менее интересного). У меня нет ответа —
почему так происходит. Впрочем, существует у целых народов так называемое обертоновое пение (или
обертонное, или горловое) — чтобы иметь о нем
представление, можно послушать тувинскую,
монгольскую или тибетскую народную музыку. Горловое
пение — отдельная большая тема для разговора. И это
тоже очень древняя традиция и искусство. Итак, музыка
глубокой древности вошла вместе с человечеством в
следующий этап развития — и вошла уже с первыми
музыкальными инструментами, песнями и танцами. Ни
одна из древнейших крупных цивилизаций не обошлась
без своей музыки. Древние Египет, Индия, Иудея, Китай
уже имели в своем распоряжении вполне
профессиональную музыку и музыкантов. В этих цивилизациях появилась и первая теория музыки. А
античные философы добавили к музыке и математику.

intro: Первобытное общество Если спросить жителя территорий бывшей Российской империи или хотя бы СССР (территория поменьше) — «Почему весь мир без исключения считает, что здесь была великая культура?», то каков будет ответ? Из чего это следует? Как можно это понять? Разве что вспомнят школьный курс литературы, и уже это хорошо. Возможно даже, что и еще какие-то «музыкальные фамилии» вспомнят, кроме Мадонны и Примадонны, но это решительно ничего не меняет. Что за культура была, что она дала миру — вряд ли с ходу кто-то сможет ответить.


extracted_text:
Музыка Англии: какой она была? Рождественские песни
Какое Рождество без рождественских песен? Разве что
только у нас, а вообще в мире эти песни — неотъемлемая
часть праздника. А ведь один рождественский гимн (по
происхождению — австрийский) однажды остановил
войну. Это — реальный исторический факт, когда песня
на сутки остановила Первую мировую войну. Alin Andrei
Shutterstock.com Пусть на сутки, но остановила. Песню
знала вся Европа, все солдаты из всех враждующих
окопов, и «Тихая ночь» послужила толчком к
перемирию. Но сейчас — о том, что поют на английском
языке, в Англии или в США. Рождественские гимны
имеют разное происхождение. И сначала о малоизвестном. Одна из самых популярных
американских рождественских песен может прозвучать
довольно неожиданно для нашего уха: Щедрик, щедрик,
щедрівочка, Прилетіла ластівочка, Стала собі щебетати,
Господаря викликати:  — Вийди, вийди, господарю.
Щедрик — это украинская народная песня, ставшая
американской песней под названием «Carol Of The Bells»
(«колядка колокольчиков»). Стараястарая песня с
призывом к щедрости хозяина. Предполагается ее петь
на Рождество по старому стилю, но в США ее играют на
свое Рождество. Hark how the bells, sweet silver bells, all
seem to say, throw cares away — так она звучит по
английски. Когдато украинский композитор Леонтович обработал эту красивую народную песню и в этой
аранжировке она завоевала огромную популярность за
океаном. (Николай Дмитриевич Леонтович или Микола
Дмитриевич, 1877−1921 гг., — хоровой дирижер и
педагог. Он был убит в лихое время, но этой темы я
касаться не буду). Ныне украинский «Щедрик» или
«Carol Of The Bells» — исключительно популярная
рождественская песня, ее также можно услышать как
саундтрек к фильмам («Один дома», «Гриффины» и
другие). Песня эта существует в разнообразных
вариантах: от исполнения знаменитым Венским хором
мальчиков до попгрупп. Но «Щедрик» — случай
уникальный. В основном то, что поют на Рождество в англоязычных странах, родом из Западной Европы.
Многие английские «колядки» ведут свое начало еще со
Средневековья (святой Амвросий, испанский поэт
Пруденций). Первые известные рождественские гимны
для церковных служб были написаны еще в 4 веке нашей
эры. Интересно, что чуть позже в эти церковные мелодии
привносились интонации из популярных в то время
народных песенок. Позже их стали петь на «кухонной
латыни», а потом уже на родных языках в каждой стране.
Так и формировались эти гимны. К сожалению,
переведено далеко не все, поэтому придется
пользоваться «родными» названиями и обозначениями.
За это прошу прощения, хотя моей вины тут нет. В английском языке существует слово carol¸ оно означает
«праздничная песнь». Это слово восходит к
старофранцузскому carole — им в Средние века
называли довольно энергичный танец, при котором все
вставали кругом, держась за руки. Подобные танцы были
распространены повсеместно в Западной Европе — от
деревень и до королевских дворцов. В основном это была
танцевальная музыка. Затем эти «танцевальные песенки»
стали исполняться во время религиозных праздников
мистерий. Одна из старейших известных песен —
Coventry Carol — была записана в середине 16 века.
Потом мистерии запретили, заодно запретили и песенки
— как языческие. Это не удивительно — взять хотя бы старую песенку «The Holly and the Ivy». Падуб
остролистный был священным деревом для друидов
(символ Солнца), да и для римлян тоже (Сатурн). Это
потом он стал рождественским украшением. Несмотря
на запреты песни, видимо, жили в народе, они
потихоньку возвращались в общественную жизнь.
Наконец, уже в 19 веке они возродились к новой
полноценной жизни окончательно. С тех во всем
англоязычном мире — расцвет старинных
рождественских гимнов. Их поют, а профессиональные
музыканты используют в своих произведениях. Еще
Моцарт использовал, например, старинную и очень
известную рождественскую песенку, которая родом из Уэльса («Deck the Halls»). Случалось и наоборот: когда к
стихам «прикладывали» мелодии из «серьезных»
произведений известных композиторов. Такова одна из
самых популярных песен «Hark! The Herald Angels Sing»
(«Вести ангельской внемли»). Сначала сочинили слова, а
потом их «положили» на музыку Ф.Мендельсона. В
Англии также существовала традиция колядования, по
английски — wassailing. Само слово «wassail»
переводится и как колядование, и как бражничество,
пирушка, рождественский пунш. Колядующие ходили от
дома к дому, желали здоровья и благополучия. Те, кто
побогаче, делились с теми, кто победнее. Возможно, эта
традиция восходит еще к дохристианским временам, но насколько она древняя, никто не знает. От этой традиции
осталась песни «Here We Come Awassailing» или
«Wassail, Wassail, All Over the Town», их легко найти в
Интернете. «Пусть ничто вас не печалит»… Скрудж так
решительно схватил линейку, что певец в страхе бежал,
оставив замочную скважину во власти любезного
Скруджа«… (Чарльз Диккенс. «Рождественская песнь в
прозе. Святочный рассказ с привидениями). У великого
английского писателя здесь упоминается песня «God rest
you merry, gentlemen». Это тоже одна из популярных
рождественских песен в Англии и США. «Придите к
Младенцу» (Adeste Fideles) — один из широко известных
рождественских гимнов. О происхождении его продолжают спорить: то ли он написан в 18 веке, то ли
намного раньше — в 13 веке (святой Бонавентура).
Песня еще известен под названием «Португальский
гимн». Выяснять происхождение этого гимна — дело
исследователей. Но с гимнами часто происходили
превращения и приключения во времени. Таков,
например, гимн «Святой Вацлав» — «Good King
Wenceslas». Известно, что слова написаны в 19 веке, но
мелодия — в 13 веке. Причем, впервые эта мелодия
появилась в одном из старейших финских песенников, но
текст там — из знаменитого сборника Carmina Burana, и
тот старый текст несколько грешит некоторой
греховностью, если можно так выразиться. The First Nowell — эта песенка известна с 18 века или раньше.
Само слово Nowell — от старофранцузского Noël и
дальше к латинскому слову, обозначавшему «рождение».
Считается, что песенка пришла с югазапада Англии, из
графства Корнуолл. Возможно, этим объясняется
несколько необычное для народных песен построение
мелодии: фактически одна фраза все время повторяется
или варьируется. Noel, Noel, Noel, Noel Born is the King
of Israel. Текст песенки, конечно, религиозный,
существует в разных вариантах: корнуольском,
английском, американском, но отличий немного. Песню
записали, аранжировали еще в 19 веке. С тех пор поют и
никому она не мешает. Услышать ее можно повсеместно в любом исполнении: от детских хоров до Элвиса Пресли
и так далее. Рождественских гимнов очень много, все
рассмотреть никак не получилось, поэтому пришлось
ограничиться несколькими. Но все эти песни живы и
востребованы обществом. Песни существуют в
разнообразных вариантах: в «серьезных» хоровых
обработках, в джазовых и рокаранжировках, но они
абсолютно живые и естественно вплетены в жизнь
общества.


extracted_text:
Музыка XIX века: какой она была?
Беллини и великая музыка Жрицы друидов Бельканто —
слово, знакомое многим. Красивое пение — bel canto —
стиль, дух, целая эра итальянской музыки. И сколько бы
особенностей у этого стиля не было, обычно все сразу
понимают, о чем идет речь. Этот стиль пения со своей
сложнейшей техникой зародился еще во времена
барокко, прошел несколько этапов, очередной расцвет
получил в начале XIX века, в творчестве Россини,
Беллини и Доницетти. ArTono Shutterstock.com
Плавность и пластичность, гибкость и виртуозный блеск — это то «немногое», что требовалось от главного
древнейшего музыкального инструмента —
человеческого голоса. Не говоря уже о том, что с
подобным голосом надо родиться, нужно еще научиться
им пользоваться: вести длинную мелодическую линию, к
тому же украшенную музыкальным орнаментом: «Как
сейчас, вижу милейшего Беллини, когда он, обессилев от
множества изреченных им головокружительных
беллинизмов, опустился в кресло». (Генрих Гейне.
«Флорентийские ночи»). Беллини На сайте есть
биография Беллини, поэтому биографические моменты я
опущу. Напомню, что «лебедь Катании» Винченцо
Беллини прожил совсем мало — 33 года (1801−1835 гг.). Он умер на пике своего триумфа от «воспаления
кишечника» (диагноз тогдашних докторов), возможно,
это было инфекционное заболевание. Все наследие
Беллини — а это оперы — до сих пор на театральных
сценах всего мира. И не только на сценах, но и в кино. А
в Италии Беллини — глубоко почитаемый композитор.
Постановки опер Беллини на родине часто
сопровождались демонстрациями — не нужно забывать,
что единой Италии, как и единой Германии, тогда не
существовало. И именно в опере — своем любимом
жанре, в своем детище, итальянцы всегда видели прямые
ассоциации с действительностью. Приподнятость,
возвышенный пафос массовых сцен — и невероятная нежность, элегичность главных героев — это то, что
делает итальянскую оперу итальянской оперой. Почти
всегда в серьезной опере (сериа) — главная тема —
конфликт между долгом и чувством. Опера «Норма» —
не исключение. Долг и любовь — противопоставление
старое, как мир. А если долг заключается в
противоположных вещах? Тогда конфликт
усугубляется… Действие оперы происходит
приблизительно за полвека до нашей эры. Легионы Юлия
Цезаря вторглись в Галлию. В священной роще под
священным же деревом собираются друиды, чтобы
выслушать призыв к восстанию из уст своего жреца. Но
главная коллизия в том, что дочь жреца — верховная жрица Норма — мать детей римского проконсула
Поллиона. Ради него она предала веру, нарушила обет
целомудрия. Народ ее готов к восстанию, а
возлюбленный признается, что давно уже любит другую,
тоже жрицу и собирается уехать с ней в Рим.
Драматический узел никак не меньше, чем те, которые
предлагаются нам ныне с экранов телевидения, скорее —
куда более мощный. Кстати, по поводу экранов — не
могу не упомянуть совсем недавний (2005 год)
отечественный проект: фильмопера «Норма»
московского режиссера и сценариста Бориса
Айрапетяна. Это едва ли не первый отечественный
фильмопера после огромного перерыва. Вот что сказал в интервью режиссер: «В последние годы идея
экранизировать оперу, которую я люблю с детских лет,
серьезно завладела мной. В какойто момент вдруг
оказалось, что заниматься чемто другим я не могу… то,
что меня волнует в современном мире, еще больший
„неформат“, чем собственно фильмопера…». Фильм с
успехом был показан в Европе, куплен крупнейшей
американской кинокомпанией («Universal»). Так что не
исключено, что картина вернется к нам как импортный
продукт. Нам не привыкать. Фильм сделан прекрасно.
Съемки, кстати, велись в Армении. И две основные темы
в опере замечательно взаимодействуют на фоне скал и
древних храмов. «Для меня опера „Норма“ — это не только история соблазненной и покинутой женщины, не
менее важна и тема национальноосвободительной
борьбы. Беллини мечтал, чтобы обе эти музыкально
драматические темы стали равноправными в постановках
его любимой оперы, и я постарался следовать замыслу
композитора» (из интервью Бориса Айрапетяна). В
«Норме» сквозь мелодраму ярко высвечивает тема
восстания галльского племени против римских
завоевателей. Что итальянцам в начале XIX века было,
естественно, очень близко. Желающие легко найдут в
Сети либретто и описание этой оперы. А я предлагаю
сконцентрироваться только на одной сцене. Одна из
самых трудных для певиц арий является одной из самых красивых, знаменитых, упомянутых, цитируемых, просто
одной из очень любимых человечеством. Это поистине
легендарная музыка — «Каста дива». Casta diva «Casta
diva, che inargenti» («О богиня, взор твой ясный») Жрица
Норма одна, дети в пещере с подругой. Она обращается с
молитвой к луне, ее обуревают противоречивые чувства,
но она хочет мира, понимая при этом, что «крови
римлян» суждено пролиться. И свою любовь к римскому
военачальнику — отцу детей — Норма тоже вспоминает.
Casta diva и Илья Обломов  — Сыро в поле, — заключил
Обломов, — темно; туман, как опрокинутое море, висит
над рожью; лошади вздрагивают плечом и бьют
копытами: пора домой. В доме уж засветились огни; на кухне стучат в пятеро ножей; сковорода грибов, котлеты,
ягоды… тут музыка… Casta diva… Casta diva! — запел
Обломов.  — Не могу равнодушно вспомнить Casta diva,
— сказал он, пропев начало каватины, — как
выплакивает сердце эта женщина! Какая грусть заложена
в эти звуки!.. И никто не знает ничего вокруг… Она
одна… Тайна тяготит ее; она вверяет ее луне… (И.А.
Гончаров. «Обломов»). Котлеты, ягоды, сковорода
грибов, и все это под музыку Беллини — ну что еще
нужно, в самом деле! Что вы все о какихто делах,
хлопотах и проблемах! Вы послушайте — какая грусть у
этой женщины! А под сковородочку грибков! Великий и
бессмертный Илья Ильич Обломов был своего рода идеалистом. И свой жизненный идеал он видел именно
так, как описал: в единстве материального и духовного.
И этот идеал вполне поэтичен. Кто поспорит, что
Обломов не умел чувствовать прекрасное? Casta diva —
музыкальный мотив любви Ильи Обломова в гениальном
романе Гончарова. Но Обломов делает своей выбор, и не
в пользу любви к Ольге, не в пользу собственного идеала:
— Да выпей, Андрей, право выпей: славная водка! Ольга
Сергевна тебе этакой не сделает! — говорил он
нетвердо. — Она споет Casta diva, а водки сделать не
умеет так! И пирога такого с цыплятами и грибами не
сделает! Надо ли говорить, что в фильме «Несколько
дней из жизни И.И. Обломова» Никиты Михалкова звучит каватина Нормы? Но это далеко не все. Каватина
Нормы, кроме упомянутых выше примеров, звучит во
множестве кинокартин. Упомяну лишь «РоГоПаГ»
(Италия, Франция, 1963 год), «Кровавая вражда»
(Италия, режиссер Лина Вертмюллер, 1979 год),
«АтлантикСити» (СШАКанадаФранция, «Золотой
лев» Венецианского кинофестиваля), «Мосты округа
Мэдисон» (США, режиссер Клинт Иствуд), «Дорога на
Веллвилл» (США, режиссер Алан Паркер) «2046»
(Гонконг, 2004 год). «Casta diva» звучит в очень
интересном фильме «Господин Никто» (4 страны,
режиссер Жако Ван Дормаль, 2009 год) и еще в паре
десятков других. И будет звучать. Красота останется красотой, что бы в мире не происходило. У Винченцо
Беллини, как и у Джоаккино Россини, тоже две могилы
— одна в Париже, другая — дома, в Италии, на острове
Сицилия. Пора в Россию, пора в Германию. Но в Италии
нас ждет еще великая музыка — Доницетти, поэтому
придется задержаться.


extracted_text:
Музыка романтизма: какой она была?
Михаил Глинка Глинку в советское время восхваляли и
выделяли среди других русских композиторов того
времени, в наше время любят несколько «принизить».
Всё не полюдски. Чуть ли не претензии предъявляются.
Мало написал? Посмотрите сколько и попробуйте сами.
И кто сказал, что нужно больше? Или вдруг когото
смущает название оперы «Жизнь за царя» .С этим
названием связано много любопытного. Опера
сочинялась строго как «Иван Сусанин», репетировалась
как «Иван Сусанин» и только за неделю до премьеры сменила название на «Жизнь за царя». Что же
произошло? Здесь сразу очевидны два объяснения.
Первое: Глинке настоятельно порекомендовали сменить
название. Долго шла речь о «Смерти за царя». В итоге
решили, что за царя лучше «жить», хотя по смыслу одно
и то же. Известно, что Глинка сопротивлялся, в итоге
согласился. Император был очень доволен, что
естественно. Вряд ли у Михаила Глинки были какието
особые верноподданнические чувства. Его воспитателем
в Петербурге был В. Кюхельбекер — поэт и будущий
декабрист («Кюхля»). А в круг друзей входили А.
Пушкин, А. Грибоедов, В. Одоевский, А. Мицкевич.
Вторая причина — еще интереснее. Глинка не первый, кто написал оперу на этот сюжет («Иван Сусанин»). А
сейчас маленькое, но крайне занятное отступление. Если
я когданибудь доберусь, то обязательно напишу об
одном потрясающем роде. Который начался когдато
давнымдавно, продолжается и сейчас во многих странах.
Начался этот род в Венеции, один из его представителей
приехал в Россию, остался здесь (как и Джон Филд),
сделав очень много для становления русской
музыкальной культуры. Звали его Катерино Альбертович
Кавос (30 октября 1775 — 10 мая 1840 гг.), он был
композитором. Потомков Катерино Альбертовича даже
трудно перечислить. Сын и внук первого «русского
Кавоса» — известные архитекторы в СанктПетербурге (А. Кавос и Ц. Кавос). Среди правнуков — еще один
архитектор и два художника (в том числе Александр
Бенуа). А дальше — только по нарастающей: художник
Евгений Лансере, знаменитая художница Зинаида
Серебрякова и английский кинорежиссер Питер
Устинов. Катерино Кавос и его потомки — отдельная
тема (точнее, много тем), в этом надо подробно
разбираться и уточнять. А здесь упоминание Катерино
Альбертовича более чем уместно: именно он написал
первую оперу «Иван Сусанин». У него, кстати, Иван
Сусанин не погибает. Когда Глинка написал свою —
через 20 лет! (по совету В. Жуковского) — Кавос не
обиделся. Более того: лично репетировал и дирижировал на премьере. Так что тема подвига русского крестьянина
была весьма востребована в обществе того времени. Так
и шли в театрах одновременно две оперы на один сюжет.
Именно «Жизнь за царя» Глинки стала вехой в развитии
отечественного искусства. После премьеры оперы друзья
устроили вечеринку, на которой Пушкин, Вяземский,
Жуковский сочинили «Канон в честь Глинки». А музыку
написал князь В. Одоевский: Пой в восторге, русский
хор! Вышла новая новинка. Веселися, Русь! Наш Глинка
— Уж не Глинка, а фарфор! Эта тема подвига была
востребована не только в России. Замечательный поэт
Михаил Цетлин (чьим именем назван музей в
Иерусалиме) написал в США книгу «Пятеро и другие» — о русских композиторах. Там есть рассказ о том, как
М. Балакирев дирижировал «Иваном Сусаниным» в
Праге. Успех был грандиозный: «Сначала
предполагалось закончить торжество официальным
перенесением бюста Глинки в Национальный музей. Но
немцы всполошились, австрийский ландрат процессию
запретил, и бюст перенесли потихоньку, без церемонии, и
почемуто поставили не с композиторами, а в избранном,
но чуждом ему обществе… Шекспира!». (Михаил
Цетлин «Пятеро и другие» — вживую книги не нашла,
цитирую по Интернету). В Российской империи опера
шла как «Жизнь за царя», в СССР как «Иван Сусанин»,
сейчас опять называется «Жизнь за царя». Итак, «Жизнь за царя» считается первой русской национальной оперой.
Оперы писались и раньше, но именно здесь «все
сошлось» в одной точке: и мощь сюжета, и сильная
драматургия, и замечательная музыка. Во всем мире уже
вовсю шло становление своих национальных школ. А
теперь представим, насколько это было непросто, как
нужно было прорываться вперед, чтобы в результате
сравняться с теми странами, где исторически уже давно
существовала профессиональная музыка, где сложились
многие направления, где уже был огромнейший
музыкальный багаж. Поэтому не удивительно, что
именно М. И. Глинку считают первым русским
классиком. А вторая опера — «Руслан и Людмила» (по сказке А. Пушкина) только закрепила место Глинки в
истории музыки. (Недавно встретила статью о тайнописи
в этой опере. Автор утверждает, что вся опера пронизана
намеками на взаимоотношения Николая I и А. Пушкина
— Ю. Златковский. «О тайных смыслах в опере М. И.
Глинки «Руслан и Людмила»). Мне трудно здесь судить,
возможно, элементы сатиры присутствуют, но в целом
достаточно относиться к этой музыке как к первой
эпической сказке, с победой добра над злом. Но классик
не может быть классиком, если он не интегрирует весь
«мировой слуховой опыт». В «Руслане и Людмиле» есть
номера «Турецкий танец», «Арабский танец»,
«Лезгинка». В «Иване Сусанине» — «польские темы» как противопоставление «русским» (Полонез, Мазурка).
М. Глинка много путешествует, по всей Европе (он и
умирает в Берлине). В Париже Глинка общается с Дж.
Мейербером. В Италии он знакомится с Беллини и
Доницетти. И везде Михаил Глинка слушает музыку,
воспринимает то, что может послужить ему источником
будущего вдохновения. В этом отношении показательна
поездка в Испанию. Арагонская хота Судя по всему,
поездка была интересная. Паспорт, который полагалось
выправлять для поездки за границу, оказался утерян.
Пересечь границу помогла парижская газета со статьей о
Глинке, написанная Г. Берлиозом. Любопытно, что в
Мадриде в то время состоялась королевская свадьба. Причем на ней оркестр играл и отрывок из оперы «Жизнь
за царя». Но сам Глинка, как турист, попасть во дворец
не смог. В поездке в качестве гида и помощника
композитора сопровождал некий дон Сантьяго с дочкой.
Через месяц Глинка уже свободно говорил поиспански.
И, конечно, слушал необычные испанские мелодии.
Глинка умел слушать: и то, что наигрывал в кафе
испанский купеческий сын — музыкантлюбитель, и то,
что напевал погонщик мулов, и то, что слышно на
городских улицах, и то, что в деревнях. Из поездки он
привез два оригинальных произведения: «Арагонскую
хоту» (хота — народный испанский танец) и
«Воспоминания о летней ночи в Мадриде». Так в России впервые появилась «русская музыка об Испании». М.
Глинка сумел «вжиться», «перевоплотиться» в иную
национальную культуру — а это признак высшего
мастерства. Сами испанцы отказывались верить, что эту
музыку написал не испанец, настолько ощущали мелодии
«родными». Так почувствовать иной народный дух
может только гениальный художник. Именно охват всего
современного и предшествующего мирового наследия
делает музыку классической во всех смыслах этого
слова. Что касается стиля Глинки — то, чтобы мне
больше не метаться судорожно в заголовках статей,
оставляю «романтизм». Хотя, безусловно, много общего
в его стиле усматривается и с искусством классицизма, и с новым «реалистическим» методом. Но еще раз: музыка
шире, чем все стили вместе взятые. И пусть так и будет.
Музыка Михаила Ивановича Глинки не теряет ни своего
значения, ни своей красоты. Романтический
взволнованнощемящий «Вальсфантазия», элегическая
«Разлука», оперы, оркестровые произведения, романсы
— все остается с нами.

intro: Михаил Глинка Глинку в советское время восхваляли и выделяли среди других русских композиторов того времени, в наше время любят несколько «принизить». Всё не по-людски. Чуть ли не претензии предъявляются. Мало написал? Посмотрите сколько и попробуйте сами. И кто сказал, что нужно больше? Или вдруг кого-то смущает название оперы «Жизнь за царя» .С этим названием связано много любопытного. Опера сочинялась строго как «Иван Сусанин», репетировалась как «Иван Сусанин» и только за неделю до премьеры сменила название на «Жизнь за царя». Что же произошло? Здесь сразу очевидны два объяснения. Первое: Глинке настоятельно порекомендовали сменить название. Долго шла речь о «Смерти за царя». В итоге


extracted_text:
Soul. Какая она, музыка афроамериканской души?
Про музыку соул говорят — «ни джаз, ни блюз». Соул
зародился в пятидесятых годах прошлого века как
напоминание о временах рабства черного населения
США. Чтобы хоть както оправдать вопиющие факты
истребления рабов, боясь нарушить заповедь «не убий»,
«набожные» расисты выдвинули «теорию», что
притесняемые ими чернокожие рабы — это бездушные
животные, и что библейская заповедь на них не
распространяется. На волне таких настроений в белом
обществе вопрос о душе для черного населения стал вопросом жизни и смерти, и они начали объединяться в
соулбратства. Духовные песнопения — госпел и
спиричуэл — соединились с ритмэндблюзом, так и
возник соул. Спиричуэл является одним из жанров
американской духовной музыки, он проникнут мотивами
одиночества и впитал в себя традиции африканского и
англокельтского фольклора. Госпел — духовная музыка
афроамериканцев, исполняется в сопровождении
фортепиано или инструментального ансамбля, по манере
исполнения близка к блюзу. В музыке соул есть
несколько направлений: «мемфисский», «детройтский»
соул и «белый» соул («голубоглазый») — важнейшие из
них. Мемфисской школе присущи акцентированный ритм, скупая инструментовка, «фирменный» звук
электроклавишных и виртуозность музыкантов. Для
филадельфийской школы, напротив, характерны легкие,
едва намеченные звуком тарелок ритмы, роскошные
аранжировки вокала и сладкие мелодии в медленном и
среднем ритме. Термин «соул» вначале закрепился в
среде джазменов (soul — душа). Они причисляли соул к
новому течению в джазе, более открытому и
эмоциональному, но и упрощенному гармонически.
Однако к джазу соул не имеет никакого отношения, как
не имеет он ничего общего и с попсой. Близок к соулу
только фанк. Даже специалистам сложно отделить соул
от фанка, и они считают, что фанк — это продолжение музыки соул. Фанк — жаргонное словечко жителей
негритянских кварталов. Аналогов этому слову в
русском языке нет. Означает оно «запах сексуально
возбужденного человеческого тела». Можно
предположить, что, когда война за свои души была
успешно выиграна, афроамериканское население
разделило музыку души и тела на два разных стиля.
Например, в 1955 году госпел «Иисус для меня — целый
мир» в исполнении родоначальника соула Рэя Чарлза
стал песней «У меня есть женщина», при этом в ней
сохранились слова и обороты, характерные для молитв.
Общественное мнение, конечно, посчитало такой
эксперимент Чарлза кощунством, а звукозаписывающая фирма «Atlantic» сначала не решалась выпускать его
записи. Но погоня за деньгами и новыми музыкальными
формами, а также настойчивость Рэя Чарлза свели на нет
все опасения, и в 1959 году вышел альбом «Что бы я
хотел сказать». Успешно преодолев неприятие со
стороны благочестивых членов негритянского общества,
соул быстро распространился по каналам шоубизнеса и
стал неотъемлемой частью афроамериканской культуры.
Соул приобрел статус попмузыки и был катализатором
самосознания для молодежи. Музыка соул и появление в
60х годах черного движения за равные права —
«Черный — это прекрасно!» — две части одной
философской идеи. Соул не просто развлекал, он был проповедью, а соулпевцы были проповедниками,
символами единства черной расы. Джеймс Браун,
например, имел огромное влияние на черных
бунтовщиков и не раз помогал гасить шумные и
разрушительные демонстрации на улицах американских
городов, призывая демонстрантов к спокойствию.
Обучение игры на синтезаторе Уникальная методика.
Опытные преподаватели. Первый урок бесплатно! Как
уже было сказано выше, родоначальником музыки соул
стал певец Рэй Чарлз. А развивалась она благодаря
Джеймсу Брауну и Сэму Куку. Потом соул разделился
на два направления — социальное и развлекательное.
Социальный соул создал Джеймс Браун, с помощью музыки он обращался к темнокожему населению США,
указывал на проблемы и жизненную неустроенность.
Развлекательное направление соул взял на себя Рэй
Чарлз, он исполнял легкие лирические композиции. В
семидесятых годах соул уступил место фанку. В те годы
наиболее популярным становится «филадельфийский»
соул, который отличался от классического соула
усложнёнными, сочными аранжировками и элементами
фанка. Музыку соул исполняли и белые музыканты —
такой соул иронически назвали «голубоглазым». Сейчас
термин «голубоглазый соул» — соул в исполнении
белокожих музыкантов — не используется, потому что
многие соулхиты написаны тандемами белых и чернокожих музыкантов. Знатоки соула делят «черную»
музыку на два стилистических потока. «Взрослый соул»
— его исполнители делают яркие и богатые аранжировки
и привлекают для записи профессиональных джаз и
фанкмузыкантов. Городской ритмэндблюз (Urban
R’N’B) — приносит огромные прибыли
звукозаписывающим компаниям Европы и США. Именно
этот стиль стал популярен в молодежной среде.

intro: Про музыку соул говорят — «ни джаз, ни блюз». Соул зародился в пятидесятых годах прошлого века как напоминание о временах рабства черного населения США. Чтобы хоть как-то оправдать вопиющие факты истребления рабов, боясь нарушить заповедь «не убий», «набожные» расисты выдвинули «теорию», что притесняемые ими чернокожие рабы — это бездушные животные, и что библейская заповедь на них не распространяется.


description:
Soul. Какая она, музыка афроамериканской души?
Про музыку соул говорят — «ни джаз, ни блюз». Соул
зародился в пятидесятых годах прошлого века как
напоминание о временах рабства черного населения
США. Чтобы хоть както оправдать вопиющие факты
истребления рабов, боясь нарушить заповедь «не убий»,
«набожные» расисты выдвинули «теорию», что
притесняемые ими чернокожие рабы — это бездушные
животные, и что библейская заповедь на них не
распространяется. На волне таких настроений в белом
обществе вопрос о душе для черного населения стал

description:
вопросом жизни и смерти, и они начали объединяться в
соулбратства. Духовные песнопения — госпел и
спиричуэл — соединились с ритмэндблюзом, так и
возник соул. Спиричуэл является одним из жанров
американской духовной музыки, он проникнут мотивами
одиночества и впитал в себя традиции африканского и
англокельтского фольклора. Госпел — духовная музыка
афроамериканцев, исполняется в сопровождении
фортепиано или инструментального ансамбля, по манере
исполнения близка к блюзу. В музыке соул есть
несколько направлений: «мемфисский», «детройтский»
соул и «белый» соул («голубоглазый») — важнейшие из
них. Мемфисской школе присущи акцентированный

description:
ритм, скупая инструментовка, «фирменный» звук
электроклавишных и виртуозность музыкантов. Для
филадельфийской школы, напротив, характерны легкие,
едва намеченные звуком тарелок ритмы, роскошные
аранжировки вокала и сладкие мелодии в медленном и
среднем ритме. Термин «соул» вначале закрепился в
среде джазменов (soul — душа). Они причисляли соул к
новому течению в джазе, более открытому и
эмоциональному, но и упрощенному гармонически.
Однако к джазу соул не имеет никакого отношения, как
не имеет он ничего общего и с попсой. Близок к соулу
только фанк. Даже специалистам сложно отделить соул
от фанка, и они считают, что фанк — это продолжение

description:
музыки соул. Фанк — жаргонное словечко жителей
негритянских кварталов. Аналогов этому слову в
русском языке нет. Означает оно «запах сексуально
возбужденного человеческого тела». Можно
предположить, что, когда война за свои души была
успешно выиграна, афроамериканское население
разделило музыку души и тела на два разных стиля.
Например, в 1955 году госпел «Иисус для меня — целый
мир» в исполнении родоначальника соула Рэя Чарлза
стал песней «У меня есть женщина», при этом в ней
сохранились слова и обороты, характерные для молитв.
Общественное мнение, конечно, посчитало такой
эксперимент Чарлза кощунством, а звукозаписывающая

description:
фирма «Atlantic» сначала не решалась выпускать его
записи. Но погоня за деньгами и новыми музыкальными
формами, а также настойчивость Рэя Чарлза свели на нет
все опасения, и в 1959 году вышел альбом «Что бы я
хотел сказать». Успешно преодолев неприятие со
стороны благочестивых членов негритянского общества,
соул быстро распространился по каналам шоубизнеса и
стал неотъемлемой частью афроамериканской культуры.
Соул приобрел статус попмузыки и был катализатором
самосознания для молодежи. Музыка соул и появление в
60х годах черного движения за равные права —
«Черный — это прекрасно!» — две части одной
философской идеи. Соул не просто развлекал, он был

description:
проповедью, а соулпевцы были проповедниками,
символами единства черной расы. Джеймс Браун,
например, имел огромное влияние на черных
бунтовщиков и не раз помогал гасить шумные и
разрушительные демонстрации на улицах американских
городов, призывая демонстрантов к спокойствию.
Обучение игры на синтезаторе Уникальная методика.
Опытные преподаватели. Первый урок бесплатно! Как
уже было сказано выше, родоначальником музыки соул
стал певец Рэй Чарлз. А развивалась она благодаря
Джеймсу Брауну и Сэму Куку. Потом соул разделился
на два направления — социальное и развлекательное.
Социальный соул создал Джеймс Браун, с помощью

description:
музыки он обращался к темнокожему населению США,
указывал на проблемы и жизненную неустроенность.
Развлекательное направление соул взял на себя Рэй
Чарлз, он исполнял легкие лирические композиции. В
семидесятых годах соул уступил место фанку. В те годы
наиболее популярным становится «филадельфийский»
соул, который отличался от классического соула
усложнёнными, сочными аранжировками и элементами
фанка. Музыку соул исполняли и белые музыканты —
такой соул иронически назвали «голубоглазым». Сейчас
термин «голубоглазый соул» — соул в исполнении
белокожих музыкантов — не используется, потому что
многие соулхиты написаны тандемами белых и

description:
чернокожих музыкантов. Знатоки соула делят «черную»
музыку на два стилистических потока. «Взрослый соул»
— его исполнители делают яркие и богатые аранжировки
и привлекают для записи профессиональных джаз и
фанкмузыкантов. Городской ритмэндблюз (Urban
R’N’B) — приносит огромные прибыли
звукозаписывающим компаниям Европы и США. Именно
этот стиль стал популярен в молодежной среде.


extracted_text:
Почему Цезаря Кюи современники называли генералом
от музыки?
Цезарь Антонович Кюи — человек разносторонних
талантов, оставивший заметный след и в музыке, и в
военной фортификации, и в общественной жизни России
конца XIX — начала ХХ веков. Сын французского
офицера, раненного в бою под Смоленском и
оставшегося в России, и литовской дворянки, он родился
6 (18) января 1835 года в Вильно. Отец мальчика,
преподававший французский язык в гимназии, был
человеком музыкально одаренным, играл на фортепиано и органе, сочинял музыку. Его музыкальные пристрастия
передались младшему из пяти детей, названному при
рождении ЦезаремВениамином. Первые уроки игры на
фортепиано мальчик получил дома у отца и старшей
сестры. Затем старательно занимался с частными
педагогами. Уже в 14 лет Цезарь сочинил свою первую
музыкальную пьесу — мазурку. Сочинение музыки его
увлекло, последовали наивноподражательные ноктюрны,
романсы, увертюры. Нотные записи его сочинений
показали Станиславу Монюшко, жившему в Вильно.
Талантливый польский композитор оценил дарование
молодого коллеги и стал бесплатно с ним заниматься.
Чуть более полугода проучился у него Цезарь, но эти уроки он вспоминал всю жизнь. К сожалению, занятия
музыкой пришлось прервать, наступило время
определяться с будущей профессией. В 1851 году Цезарь
по совету отца поступил в Главное инженерное училище
в СанктПетербурге. В годы учебы на серьезное занятие
музыкой времени не оставалось. Но столица с ее
богатыми культурными традициями, несомненно, много
дала будущему композитору. Военноинженерное дело
юноша постигал старательно, по окончании в 1855 году
училища молодой офицер поступил в Николаевскую
Военноинженерную академию. В 1857 году, как один из
лучших выпускников, был произведен в поручики и
оставлен в академии репетитором по топографии. А уже через два года стал преподавателем фортификации,
которой посвятил все свою последующую военную
жизнь. Человек громадной работоспособности, он на все
находил время. Педагогическую деятельность Кюи
сочетал с серьезным занятием музыкой. По его словам,
большое влияние на него, как на композитора, оказала
дружба с М. А. Балакиревым, знакомство с которым
состоялось в 1856 году. Балакирев не только стал его
наставником, но и ввел в среду профессиональных
музыкантов, многие из которых, как и Кюи, оказались
людьми военными. Его близкими друзьями и коллегами
по композиторскому труду стали Мусоргский, Римский
Корсаков, Бородин, Даргомыжский. На ученице Даргомыжского, певице М. Р. Бамберг, в 1858 году Кюи
женился. Ей он посвятил оркестровое скерцо для
фортепиано в 4 руки. Исполнение этого скерцо 14
декабря 1859 года в симфоническом концерте
Императорского русского музыкального общества стало
первым публичным исполнением произведения
композитора Кюи. С этого времени его произведения
стали исполняться не только в России, но и за рубежом.
Кюи оказался плодовитым автором. Им были написаны
оперы «Кавказский Пленник», «Сын Мандарина»,
«Вильям Ратклиф», «Анджело», «Сарацин», «Пир во
время чумы», «Капитанская Дочка». Всего Кюи написал
14 опер, из них четыре для детей: «Снежный Богатырь», «Красная Шапочка», «Кот в сапогах», «Иванушка
Дурачок». Стоит отметить, что шумного успеха его
оперы не имели, хотя многие из них исполнялись на
ведущих российских оперных подмостках. Лучшими из
созданных им опер считаются «Вильям Ратклиф» и
«Анджело», которые неоднократно ставились на сцене
Мариинского и Большого театров. Согласно
предсмертной воле Даргомыжского, Кюи написал конец
1й сцены в «Каменном Госте», а после смерти
Мусоргского дописал оперу «Сорочинская ярмарка».
Музыковеды считают, что наиболее полно как
композитор Кюи раскрылся в небольших камерных
произведениях, прежде всего, в романсах, которых он создал более 400. Его романсы отличаются
искренностью, лиричностью, неподдельной глубиной
чувств. И сегодня можно услышать в исполнении лучших
российских вокалистов его романсы, написанные на
прекрасные стихи Пушкина, Лермонтова, Майкова,
Мицкевича, Некрасова. Стоит отметить, что для
вокального исполнения им было создано около 70 хоров
и 2 кантаты. Много интересных произведений Кюи
написал в области инструментальной музыки — это
сюиты, скерцо, тарантелла, 3 струнных квартета, 25
фортепианных прелюдий, много пьес для скрипки и для
виолончели. Современники хорошо знали Цезаря Кюи и
как музыкального критика. Он долгие годы был постоянным сотрудником «СанктПетербургских
Ведомостей», где освещал музыкальную жизнь России.
Его статьи и рецензии печатались в таких изданиях, как
«Музыкальное обозрение», «Артист», «Неделя»,
«Новости» и многих других отечественных и
иностранных газетах и журналах. В Париже вышла его
книга «Музыка в России», внесшая свой вклад в
распространение русской музыки в Европе. Естественно,
что в своих статьях он отражал музыкальные взгляды и
идейную платформу балакиревского кружка —
знаменитой «Могучей кучки», членом которой он долгие
годы являлся. Активная композиторская деятельность не
мешала Кюи успешно продвигаться по служебной лестнице. Он стал профессором, признанным
авторитетом в фортификации, по его учебникам учились
многие поколения российских офицеров. Его труды и
статьи по фортификации переводили заграницей, а
известные зарубежные фортификаторы состояли с ним в
переписке, обсуждая новинки военноинженерного дела.
С началом Русскотурецкой войны 1877−78 гг. Кюи по
просьбе генерала Скобелева выезжал в действующую
армию, участвовал в фортификационном укреплении
русских позиций. При назначении в 1880 г. командующим
АхалТекинской военной экспедицией, генерал Скобелев
неоднократно советовался с Кюи по вопросам
инженерного обеспечения боев в пустыне и организации коммуникационных линий. После успешного завершения
операции он писал Кюи: «Я не забыл давнопрошедшее,
когда был плохим Вашим учеником, не забыл позиций
под Константинополем, наконец, главное, не забыл тех
ценных советов, которыми в значительной степени
достигнуты наши последние успехи под ГеокТепе».
Признанием заслуг Кюи в военной сфере послужило
производство его в чин инженергенерала (соответствует
генералполковнику) и приглашение для чтения лекций
по фортификации наследнику престола (будущему
императору Николаю II) и великим князьям. Во всех
сферах своей деятельности Цезарь Кюи стал признанным
авторитетом, его избрали своим членом многие российские и иностранные музыкальные общества и
научные академии. Даже после революции он продолжал
оставаться профессором трех военных академий.
Правда, служба новой власти для него продолжалась
совсем недолго. Умер Цезарь Антонович Кюи в
Петрограде 26 марта 1918 года. Его похоронили на
Тихвинском кладбище (современный Некрополь
мастеров искусств).

intro: Цезарь Антонович Кюи — человек разносторонних талантов, оставивший заметный след и в музыке, и в военной фортификации, и в общественной жизни России конца XIX — начала ХХ веков. Сын французского офицера, раненного в бою под Смоленском и оставшегося в России, и литовской дворянки, он родился 6 (18) января 1835 года в Вильно. Отец мальчика, преподававший французский язык в гимназии, был человеком музыкально одаренным, играл на фортепиано и органе, сочинял музыку. Его музыкальные пристрастия передались младшему из пяти детей, названному при рождении Цезарем-Вениамином. Первые уроки игры на фортепиано мальчик получил дома у отца и старшей сестры. Затем старательно занимался с частными педагогами. Уже в 14 лет Цезарь


extracted_text:
Чюрлёнис. Музыка живописи или живопись музыки?
«…Помни, что исполнятся все наши желания, все мечты.
Счастье с нами, а если судьба слегка мешает и стесняет,
то уж такая у нее привычка…» (Чюрленис). Многие из
тех, кто отмечают особую зловредную привычку судьбы
стеснять и мешать, хорошо при этом понимают, что
ощущения счастья это не затрагивает. «Счастье с нами».
Но с этим чувством часто бывает трудно жить. Без
фантазеров и мечтателей мир не смог бы существовать,
не вытянул бы ни одного своего столетия. Фраза,
сказанная в 1929 году Горьким, («А где же мечта? Мечта
где? Фантазия где — я спрашиваю? Почему у нас
Чюрленисов нет?») доказывает, что умел писатель видеть много дальше проповедуемого соцреализма и понимал
необходимость самых разнообразных форм
самовыражения в искусстве. «Вселенная представляется
мне большой симфонией; люди — как ноты» (Чюрленис).
Местом рождения и местом смерти Чюрлениса значится
Российская империя. Но нужно понимать, что родился он
в Литве. Отец был из крестьянской семьи, работал
органистом в церкви. Мать — из немецких переселенцев,
она занималась детьми, среди которых Микалоюс
Константинас был старшим. Несмотря на то, что отец
Чюрлениса был литовцем, мать — немкой, родными его
языками оставались польский и русский (только к
моменту знакомства с будущей женой он начал изучать литовский язык). Итак, Микалоюс Константинас
Чюрленис родился 10 (22) сентября 1875 года в городе
Варена (сейчас — Литва). Умер 28 марта (10 апреля)
1911 года в Пустельнике Миньски (ныне — Польша). В
этом году — столетие со дня смерти. Семья была
многодетная и небогатая, но, как часто случается (или
случалось раньше), на одаренного ребенка обратили
внимание те, кто мог помочь. Благодаря князю Михаилу
Огинскому мальчик с раннего детства получил
возможность заниматься музыкой. Образование, которое
получил Чюрленис, также несло на себе печать
специфики места рождения. Он учился в двух
консерваториях — в Варшавской и в Лейпцигской. Живописи Чюрленис учился позже и тоже в Варшаве.
Композитор, художник, поэт, даже философ — одно
неотделимо от другого. Чюрленис — автор многих
музыкальных сочинений (около 250) и более 300 картин
— как тут определишь? Невозможно «определить» его и
в стилистическом отношении: хотя несомненно сильное
влияние символизма, модерна, артнуво в живописи,
позднего романтизма и импрессионизма и прочих «
измов» — в музыке. А также глубокого полифонизма и
там, и там. В 1907 году Чюрленис приезжает в
Петербург. Именно там, в условиях нищеты, за пару лет
он создает большую часть своих картин. Его принимают
и признают такие художники, как Маковский, Добужинский, Бенуа, Бакст, Рерих, Лансере.
Добужинский отдал свой рояль. Чюрленису старались
помочь с выставками: первая состоялась в том же году в
рамках выставки «Союза русских художников».
Художники «Мира искусства» привлекли его к
театральнодекоративному искусству. А. Бенуа писал,
что если бы он (Бенуа) был богат, он бы заказал
Чюрленису гигантские фрески. «Умение заглянуть в
бесконечность пространства и в глубь веков делали
Чюрлёниса художником чрезвычайно широким и
глубоким, далеко шагнувшим за узкий круг
национального искусства», — писал М. В. Добужинский.
Но все чаще композитор испытывал тоску, приступы депрессии усугублялись. В 1910 году Чюрлениса
помещают в нервную больницу под Варшавой. После
прогулки в лесу он простудился и умер возрасте 35 лет.
Ритм, пластика, архитектоника — все эти понятия
одинаково применимы к разным видам искусств. Узор
линий, узор мелодии, краски на кисти и краски
музыкальных гармоний. Форма, композиция — само
собой. Даже слова «тональность» и «полифония» давно
перешли свои узкие границы. Многие картины
Чюрлениса так и называются: картиныфуги, картины
сонаты, картиныпрелюды. И наоборот — музыка
переходит свои границы: «Талантливейший лирик
Чюрленис мечтал превратить музыку в живопись», — писал известнейший музыковед и композитор Борис
Асафьев. Вопрос о синтезе искусств — вопрос очень
старый. Почему именно на переломе эпох (19 и 20 веков)
этот вопрос актуально и мощно встал перед многими
деятелями — сказать не могу. Уже было в обиходе
понятие «цветной слух», известно, например, что им
обладал Н.А. РимскийКорсаков. Но достаточно назвать
только Александра Скрябина. Его идеи, не вселенского
мистического масштаба, а идеи светомузыки были
реализованы техническими специалистами из Казани
(НИИ «Прометей») спустя много десятилетий. В
партитуру своей симфонической поэмы «Прометей» он
включил партию световой клавиатуры — ее расшифровали. Идею «Мистерии» — действа звуков,
красок, запахов, движений — Скрябин реализовать не
успел. Общность Скрябина и Чюрлениса трудно не
заметить. Даже во внешности есть чуть уловимые общие
черты. Заметна некоторая общность интересов и идей.
Азбучным стало представление о том, что вопросы
светомузыки с «музыкальной стороны» решал Скрябин, а
с «живописной» — Чюрленис. Происходило это в одно и
то же время — в первом десятилетии 20 века. При этом
— знакомы они не были. Маковский писал о Чюрленисе:
«Его творчество — музыка в той же степени, как
живопись». То, как виделслышал (одновременно)
Чюрленис, можно разгадывать, расшифровывать и распутывать. А можно просто воспринимать, как мы
воспринимаем любые другие образы. Ромен Роллан был
восхищен творчеством художника и композитора,
посвятив ему многие строки: «Просто невозможно
выразить, как я взволнован этим поистине магическим
искусством, которое обогатило не только живопись, но и
расширило наш кругозор в области полифонии и
музыкальной ритмики. Каким плодотворным могло бы
быть развитие этого открытия в живописи больших
пространств, в монументальной фреске! Это новый
духовный континент, Христофором Колумбом которого,
несомненно, остается Чюрленис… Я думаю, что он сам
должен был пережить какуюто мечту и то ощущение, которое нас охватывает, когда мы, засыпая, вдруг
чувствуем, что парим в воздухе». Ощущение парения
дано, вероятно, каждому. Не все в нем, правда,
нуждаются. Хрупкость обыденной земной жизни и
нездешние миры в творчестве — все это Чюрленис. Но
что больше всего меня поражает в его картинах и музыке
— это ощущение внутренней чистоты.


extracted_text:
Ушкова Надежда Евгеньевна
Старший воспитатель МБДОУ «Детский сад № 316» г.о. Самара
Оценка диагностической культуры воспитателей ДОУ
При   рассмотрении   диагностической   культуры   воспитателей   мы
выделяем три аспекта:
– содержательный, который требует четкого определения показателей
готовности детей к обучению в школе;
–   методический,
  касающийся   требований   к   организации
диагностирования;
– инструментальный, определяющий диагностические методики.
В   настоящее   время   воспитателям   очень   тяжело   выбрать   какоелибо
исследование критериев готовности воспитанников к школе.
Помимо   этого   все   методики   обследования   детей   разработаны   для
специалистов образовательных учреждений: логопедов и психологов.
Нами интегрированы усилия педагогов, психологов, медиков и других
работников ДОУ в осуществлении системной диагностики, которая создает
наилучшие условия для  всесторонней развития личности каждого ребенка.
Опираясь на  имеющиеся разработки, нами были определены критерии
развития детей и готовности их к обучению в школе:
– состояние физического развития (крупная и мелкая моторика);
– развитие произвольности поведения;
– психическая готовность (сформированность психических процессов,
внимание, восприятие, память, мышление, воображение, речь) и как следствие
наличие необходимого объема программных знаний и умений;
– социальнонравственная готовность (сформированность нравственных
качеств, отношение к окружающим людям, сформированность самооценки);
– мотивационная готовность; – сформированность игровой деятельности.
Мы предлагаем рассматривать диагностическую культуру воспитателей
ДОУ как интегративную характеристику. Она включает мотивацию, знания,
умения   и   творческие   способности,   позволяющие   на   достаточно   высоком
уровне   оценивать   и   прогнозировать   психологопедагогические   условия   для
оптимального развития личностиребенка в процессе его подготовки к школе.
Диагностическая   культура   также   помогает   оценивать   эффективность
педагогической деятельности воспитателей ДОУ.
Интегральный   подход   позволил   определить   следующие   критерии
диагностической культуры:
– наличие знаний в области психологопедагогической диагностики
(I уровень – низкий);
– умение применять эти знания в типичной или частично измененной
ситуации (II уровень – средний);
–   синтез   знаний,   умений   и   творческих   способностей,   позволяющий
эффективно   осуществлять   психологопедагогическое   диагностирование   и
прогнозировать   условия   для   оптимального   развития   личности   каждого
ребенка (III уровень – высокий).
Существуют   возможности   развития   диагностической   культуры
воспитателей ДОУ при соблюдении следующих условий:
1)   обеспечение   мотивации   воспитателей   к   овладению   системой
психологопедагогической диагностики;
2) реализация спецкурса по системной диагностике с использованием
продуктивных   методов   и   форм   работы   со   слушателями   и   разнообразных
средств   повышения   активности   воспитателей   в   ходе   освоения   программы
курса;
3) содействие применению полученных знаний в различных ситуациях
педагогической деятельности.

file_name: Статья Н.Е..docx

intro: В современное время существует огромное количество всевозможных исследований и диагностик по изучению показателей готовности воспитанников к школе. Педагоги дошкольных образовательных учреждений в растерянности и конечно каждое учебное заведение может создать свою концепцию диагностической культуры педагогов. Выбрать свои  критерии готовности воспитанников к школе

психологическая работа

group: Педагогика

title: Диагностическая культура воспитателей ДОУ


extracted_text:
Премия Грэмми и русская духовная музыка. Какая здесь
связь?
Связь между американской премией и русской духовной
музыкой самая простая и прямая. Совсем недавно, 8
февраля 2015 года, в ЛосАнджелесе состоялась 57я
торжественная церемония вручения этой самой
престижной музыкальной награды — Грэмми (Grammy
Awards). Категорий было несколько. За песню наградили
британца Сэма Смита. Были нараждены Бейонсе и Lady
Gaga — за лучшие исполнения и попальбом. Но об этих
номинациях я писать, с вашего разрешения, не буду. А
вот в «хоровой категории» премию получил диск
американского хора. Диск с записью русской духовной музыки — и там представлены литургические
песнопения Русской Православной церкви. Главным
образом, на диске записаны работы С. Рахманинова, А.
Кастальского, М. ИполлитоваИванова, А. Гречанинова,
П. Чеснокова, Николая Кедровамладшего и наших
современников Георгия Свиридова и Владимира
Мартынова. Спел всю эту музыку техасский хор
«Conspirare». Сначала немного о хоре. Этот коллектив
специализируется на духовной музыке (в частности,
часто исполняет И.С. Баха). Руководит хором Крэйг
Джонсон. Крэйг Джонсон (Craig Hella Johnson, родился в
1962 году) — американский хоровой дирижер,
композитор, аранжировщик. Учился в знаменитой Джульярдской школе и в престижном Йельском
университете. Основал музыкальный коллектив
«Conspirare», который поет и выступает уже более 20
лет. Сама группа возникла на базе Техасского
университета, а Крэйг Джонсон считается сейчас вторым
по значимости классическим музыкантом американского
штата Техас. Также группой «Conspirare» было
выпущено 20 дисков. Один из дисков этого коллектива
«The Sacred Spirit of Russia» — «Святой дух России» —
и стал победителем премии Грэмми 2015 года. Музыка
на этом диске отражает состояние русской духовной
музыки 19 века, где, с одной стороны, чувствуется
проникновение определенных европейских традиций, с другой стороны — задействованы древнерусские
традиции знаменного распева. Надо сказать, что русская
духовная музыка имеет заслуженную славу во всем мире.
Ее поют от Торонто до Сиднея, и в православных
церквях, и в храмах других конфессий (кстати, диск, о
котором идет речь, был записан в лютеранском соборе
города Остина — столицы Техаса). Русскую духовную
музыку исполняют и на концертных площадках,
разумеется. Тут нужно понимать еще одну вещь. После
революции часть музыкантов, которая работала в этой
области, осталась в России (Кастальский, Чесноков),
часть по понятным причинам была вынуждена уехать.
Все они продолжали работать в этом жанре по всему миру. В качестве примера можно привести знаменитую
семью Кедровых. Николай Николаевич Кедровстарший
— композитор и исполнитель русской духовной музыки
(1871−1940 гг.), похоронен в Париже. Его сын, чья
работа тоже есть на диске — Николай Николаевич
Кедровмладший — композитор и исполнитель русской
духовной музыки в Париже (1906−1981 гг.). Его внук —
Александр Николаевич Кедров — протодиакон
Парижского Кафедрального Собора (родился в 1965
году). А уж если кому интересно, то французская
актриса, обладательница премии «Оскар» Лиля Кедрова
(Елизавета Николаевна Кедрова) — дочь Николая
Николаевича Кедровастаршего (9 октября 1918 — 16 февраля 2000, ПетроградПарижКанада). Оскара она
получила в 1965 году за работу в фильме «Грек Зорба».
Но такие семьи заслуживают отдельного разговора. Факт
в том, что традиции было кому продолжать. Более того,
к традициям подключались люди, изначально никакого
отношения к России и русской культуре не имеющие.

intro: Связь между американской премией и русской духовной музыкой самая простая и прямая. Совсем недавно, 8 февраля 2015 года, в Лос-Анджелесе состоялась 57-я торжественная церемония вручения этой самой престижной музыкальной награды — Грэмми (Grammy Awards). Категорий было несколько. За песню наградили британца Сэма Смита. Были нараждены Бейонсе и Lady Gaga — за лучшие исполнения и поп-альбом. Но об этих номинациях я писать, с вашего разрешения, не буду. А вот в «хоровой категории» премию получил диск американского хора. Диск с записью русской духовной музыки — и там представлены литургические песнопения Русской Православной церкви.


extracted_text:
Практическое занятие  по теме: «Трудовой коллектив и кадровый
потенциал»
Вопросы для обсуждения:
1. Что такое коллективный труд?
2. Опишите экономические условия формирования коллективов.
3. Перечислите основные виды коллективов.
4. Опишите   механизм   образования   формальных   и   неформальных
коллективов.
5. Должен ли руководитель вмешиваться в процесс образования и действия
неформальных групп?
6. Что и из каких источников он должен знать об этих группах?
7. Каким образом можно использовать их деятельность в интересах дела?
8. Каким способом можно «отыскать» лидера неформальной группы?
9. Можно ли превратить неформальный коллектив в формальный?
10.Оцените психологический климат в своем коллективе.
Психологическая характеристика коллектива:
 Психологический климатнастроение работников, отношение к делу и людей
между собой. Он может быть благоприятным и неблагоприятным
 Сплоченность  взаимное тяготение людей друг к другу, единство действий и
устремлений,   способность   отстаивать   интересы   всего   коллектива   и   его
отдельной личности.
   Совместимость   людей   в   коллективе      соответствие   личных   целей,
устремлений,            ценностей групповым и индивидуальным.
   Восприятие   или   отклонение   нововведений,   степень   конформизма,
следование традициям, обычаям, привычкам.
10.  Составьте перечень вопросов, которые требуют своего решения для ввода
«в строй» нового работника.
11.  Ознакомьтесь с основными разделами плана НОТ. Основные разделы плана НОТ
I.
  Совершенствование   организации   рабочих   мест   (планировка,
специализация, оснащение, контроль, освещенность и т. д.)
I.I.   Улучшение   обслуживания   рабочих   мест   (обеспечение   сырьем,
материалами, заготовками, инструментом, наладка, уборка, транспортировка
и т. д.).
III.
Совершенствование   разделения   и   кооперации   труда
(выработка   наиболее   рациональных   форм   труда,   совершенствование
профессий и специальностей).
IV.
Внедрение   передовых   методов   и   приемов   труда
(рационализация   трудовых   движений,   фиксирование   на   фото   и
кинопленку, анализ и распространение лучшего опыта работников).
V.Совершенствование нормирования и оплаты труда (включение в процесс
нормирования   самих   работников,   применение   материального   и   морального
стимулирования).
VI.Укрепление дисциплины труда и преданности предприятию (распорядок
дня,   соблюдение   требований   технологического   процесса,   отношение   к
предметам   и   средствам   труда,   взаимопомощь   и  поддержка   в   процессе
труда).
VII.
Повышение
(курсы
переподготовки   и   повышения   квалификации,   обмен   передовым
опытом работы, деловые игры и т. д.).
квалификации

работников

VIII.
Улучшение условий труда и отдыха (научно обоснованные
режимы труда, перерывы в работе, охрана труда, техника безопасности,
психологическая разгрузка, гигиена).
Контрольные вопросы и логические упражнения для занятия
1. Вы  начальник производственного отдела. В какой последовательности Вы
будете проводить беседу с вновь принятым сотрудником:
      познакомлю   с  отделом   и  обстановкой   в   нем;  расскажу о трудностях в
работе;  поздравлю   с   назначением   и   началом   работы;  подробно   изложу
требования   к   работнику?  Имеет   ли   последовательность   постановки
вопросов какоелибо значение?
2. Как ввести в должность нового сотрудника:
              назначить шефом;
              назначить стажером;
              познакомить с коллегами и рабочим местом; предоставить действовать самостоятельно?
   К какому разряду работников это подходит и что дает?
3. Какие   из   перечисленных   причин   являются   главными   в   разочаровании
молодого менеджера своей работой:
ожидал быстрых результатов, а их нет;
шеф не замечает моих успехов, да и недостатков тоже;
мои научные (учебные) знания остаются не востребованными;
в коллективе нет человеческих отношений, конфликты и ссоры;
шеф не ставит четких целей, пассивен, не дает «блеснуть»?

 Какие,   кроме   перечисленных,   Вы   назовете   причины   недовольства
молодых работников своим положением (материальные, моральные     и
т.     д.),   если   Вы     уже   работали   или   проходили  производственную
практику.
4. Как уволить сотрудника:
в связи с сокращением штата;
в   случае   непримиримых   разногласий   в   работе,   не   позволяющих
продолжать совместную работу;
в случае нарушения трудовой дисциплины;  по собственному желанию
работника?
Когда и кто сообщает работнику об увольнении?
5. Назовите истоки противоречий между личностью и группой, а также между
группами.
6. По каким причинам образуются и развиваются неформальные коллективы?
Какие   способы   повышения   эффективности   работы   Вашей  группы
7. Какие   меры   необходимо   предусмотреть   в   работе   с   формальными   и
неформальными   группами   в   условиях   предстоящей   перестройки
деятельности или структурного преобразования предприятия?
8.
возможны и осуществимы при подготовке к экзаменам?
9.
наиболее ценную информацию?
(А) наглядная информация
(В) промышленный шпионаж
(С) письменная информация
(D) информация в глобальных сетях
Какой из неформальных методов прогнозирования позволяет получать
Самостоятельная работа студента
I.  Подготовить материал  для  предстоящей  учебной  управленческой   деловой
игры и представить его для обсуждения; определить   предполагаемую   численность   персонала   для   создаваемого
предприятия или организации (нормативы разрабатываются самостоятельно):
А. Рабочие (основной профессии и вспомогательные рабочие);
Б. Младший обслуживающий персонал;
В. Инженерно  технические работники;
Г. Служащие.
II Подготовить квалификационную характеристику для:
     А. Бригадира производственной бригады;
     Б. Начальника инструментального цеха;
     В. Начальника отдела технического контроля;
     Г. Начальника отдела кадров
    Д. Главного инженера предприятия и т. д. (одну по выбору студентов).
III. Подготовить один из пунктов плана НОТ (по выбору студентов).
См. разделы плана научной организации труда.

file_name: Практическое занятие  по теме «Трудовой коллектив и кадровый потенциал».docx

intro: Данный материал предназначен для работы на практическом занятии по дисциплине "Менеджмент" для студентов специальностей "Экономика и бухгалтерский учет", "Коммерция", "Товароведение" и д.р. Материал содержит: вопросы для осуждения темы "Трудовой коллектив и кадровый потенциал", контрольные вопросы и логические упражнения, задания для самостоятельной работы по заданной теме.

title: Контрольные вопросы и логические упражнения к Практическому занятию  по теме: «Трудовой коллектив и кадровый потенциал»