extracted_text:
С чем проявляются традиции и новаторство в музыкальном
произведении. (6 класс)
 «Не бойся слов теория, гармония, полифония и т. п.
Относись к ним дружески, и они тебе улыбнутся».
Р. Шуман
...Представьте себе, что вы пришли в театр. Скоро раздвинется
тяжёлый занавес и начнётся спектакль. Герои старой сказки ещё не
появились на сцене, но музыка уже звучит, и вы захвачены ею.
Оркестр играет интродукцию (интродукция  слово латинского
происхождения, означает «введение»  краткое вступление к
оперному или балетному спектаклю) к балету Петра Ильича
Чайковского «Спящая красавица».
О чём эта музыка? ... Внезапно на вас обрушивается мощное и
жёсткое звучание огромного оркестра. «Колючие», изломанные
мелодические линии, резкое звучание диссонантных (диссонанс
сочетание двух или нескольких звуков, образующих
напряжённое, резкое созвучие. Слово «диссонанс» происходит от латинского dissonantia, что значит «нестройное звучание»)
аккордов, грозные кличи духовых инструментов создаёт
музыкальный портрет злой феи Карабос.
Но вот лёгкий ветерок пассажа арфы переносит нас в волшебный
мир Добра и Красоты: на фоне нежнейшего аккомпанемента
появляется прекрасная мелодия. Это тема феи Сирени. Она
спокойно парит, освещаемая светлыми красками консонантных
(консонанс  благозвучное сочетание двух или более звуков. В
переводе с латыни consonantia означает «согласное звучание»)
аккордов. Музыка звучит хрупко, беззащитно. Разве может такая
фея противостоять натиску злобной Карабос?
Давайте проследим за тем, как будет развиваться тема феи Сирени.
Сначала мелодию исполняют только два инструмента: флейта и
английский рожок. Затем её ведут скрипки, и вот наконец из неё
рождается новая тема: она звучит у медных духовых инструментов
торжественно и победно. В итоге развития лирическая мелодия
превратилась в героическую.
Чем же вызвано такое превращение?
Издавна торжественные церемонии встреч, парадов, приветствий
открывались праздничными сигналами фанфар. Эти духовые инструменты играли мелодии, использующие звуки мажорных
трезвучий. В дальнейшем такие мелодии стали называть
фанфарными. Они всегда связаны с выражением радости. А если их
к тому же исполняют медные духовые инструменты, то они
приобретают героический, торжественный характер. Поэтому,
слушая интродукцию, мы верим, что фея Сирени победит Карабос,
добро одолеет зло.
Чтобы поведать об этом, слова не нужны. Музыка рассказала
сказку своим языком, более сильным и выразительным.
Но как понять музыкальный язык? Чем он отличается от речи?
Музыкальный язык богат и разнообразен, потому что в его словаре
не просто звуки, а мелодия, лад, ритм, гармония, тембр, динамика,
темп, штрихи, фразировка ...
Всеми этими элементами музыкального языка в их всевозможных
сочетаниях пользуются композиторы, создавая музыку.
Музыкальный материал, то есть мелодия, гармония и ритм,
безусловно, неисчерпаем.
Пройдут миллионы лет, и если музыка в нашем смысле будет
ещё существовать, то те же семь основных тонов нашей
гаммы, в их мелодических и гармонических комбинациях, оживляемые ритмом, будут всё ещё служить источником
новых музыкальных мыслей.
 П. Чайковский
Музыкальное произведение мы обычно воспринимаем целиком, в
единстве всего, из чего оно состоит. Трудно, порой просто
невозможно выделить в его звучании чтото одно  мелодию, ритм
или тембры. Каждый композитор в своём творчестве стремится к
созданию их единства. Дело ведь не в том, что он изобретает какие
то новые средства выразительности, а в том, что каждый раз он
подчиняет их своему замыслу, своим представлениям о мире, о
жизни, о людях.
Как неповторимы люди, так неповторимы и их дела. Возьмите
любую простую вещь  два разных человека сделают её совершенно
поразному! Тем более это относится к вещам сложным,
заключающим в себе не только мастерство, но и душевную энергию
 ведь в их создании участвуют воспитание, опыт, вкусы, привычки,
образование и многоемногое другое. Поэтому мы не удивляемся
тому, что два композитора, живущие в одно время и в одной
стране, порой так непохожи друг на друга, как непохожи два
разных произведения даже одного композитора или две разные
скрипки одного мастера. Чтобы понять музыкальное произведение, мы обращаемся обычно
к двум сторонам  традиции (традиция – то, что унаследовано от
предшествующих поколений), в которой оно возникло, и
неповторимому «почерку» его автора.
Почему необходимо обращение к традиции?
Потому что всё в мире возникает постепенно, ничто не приходит
ниоткуда. Каждая река вытекает из своего истока и впадает в своё
море; мастерству предшествует ученичество, зрелости  юность ...
Новая песня рождается из песенных особенностей своего времени,
новый ритм  из ритмических, новый тембр  из тембровых. Любое
явление, взятое в отрыве от породивших его корней, выглядит
нелепо, как пришелец ниоткуда.
Почему же мы вновь и вновь ищем в искусстве его уникальность
(уникальный – единственный в своём роде), неповторимость?
Потому что в каждом значительном произведении, сколь бы сильно
ни выражалась в нём традиция, обязательно есть то, чего ещё не
было и никогда уже не будет, потому что миг творчества, как и
любой миг, неповторим.
Единство старого и нового, образующее каждое музыкальное
произведение, вызывает естественный вопрос: в чём оно проявляется? В биографии композитора? В названиях его
произведений? Отчасти  да.
И жизнь композитора, и названия его произведений,  всё это
помогает нам понять многое в его творчестве.
Но понимать музыку следует учиться у самой музыки, в которой
фантазия, вдохновение, понимание мира нашли самое полное своё
выражение.
И хотя музыка воздействует целостно, всё же она очень разная: в
одних случаях в такой целостности солирует ритм, а в других
мелодия, в одних мы погружаемся в волшебный мир гармонии, в
других  в многокрасочное тембровое царство. Это естественно:
ведь в каждом произведении общий замысел диктует выбор
необходимых средств выразительности.
Было бы странно, если, например, образы сказочного мира вдруг
воплотились бы в угловатых, острых ритмах, а не в красочной
гармонии и оркестровки. Также было бы странно, если бы
испанские танцы зазвучали славянской плавностью линий, и т. д.
К счастью, этого никогда не бывает. Музыкальные сказки по
прежнему, как и всегда, неторопливы и красочны, а испанские
танцы быстры и ритмичны. Каждое настроение, каждое чувство, переживание и характер
имеют своих музыкальных «представителей». Чтото выражает
себя в мелодии, чтото  в гармонии, а чтото  в особенных
динамических средствах.
Вот почему понимание музыки требует обращения к тому, что
называется, средствами музыкальной выразительности. Эти
средства образуются такими сторонами музыки, как ритм,
мелодия, гармония, полифония, фактура, тембры и динамика.
Разумеется, приведённый ряд может быть продолжен. Каждому
музыканту известно, насколько важны различные штрихи,
входящие в понятие артикуляции, ускорения и замедления темпа,
образующие область музыкальной агогики, как необыкновенно
выразительна роль педали.
Вслушайтесь в музыкальные произведения и постарайтесь
подумать не только над тем, что музыка слагается из различных
сторон своего звучания, но и то, чем именно выразительна каждая
сторона. И тогда из текучести и разнообразия, всегда лежащих в
основе музыкальных произведений, вы сможете выделить
особенные черты, появляющиеся то в гармонии, то в тембрах или
ритмах и образующие ту неповторимость «лика», которая всегда
отличала великие произведения музыкального искусства. Вопросы и задания:
1.
2.
Что образует единство музыкального произведения?
Что, кроме знания традиции и новаторства, помогает нам
лучше узнать музыкальное произведение?
3.
Послушайте Антракт к III действию оперы «Лоэнгрин» Р.
Вагнера. Можно ли согласиться, что сила воздействия этой
музыки связана с единством всех её выразительных средств? Для
ответа на этот вопрос постарайтесь охарактеризовать особенности
ритма, лада, мелодии, тембров, динамики. Роль музыки и музыкантов в эпоху античности.
(6 класс)
 От сердца до неба
Протянуты звонкие струны.
Мне дорог весь мир…
Валерий Брюсов
Силу музыки люди знали давно. Ещё боги Древней Греции
состязались между собой в пении и игре на музыкальных
инструментах. Музыканты провозглашались пророками,
способными прозревать прошлое и предсказывать будущее
благодаря той чудодейственной памяти, которую заключало в себе
их искусство. Именно музыкант Орфей был тем единственным человеком,
которому открылись ворота в Аид (в греческой мифологии –
Царство мёртвых), это мрачное и таинственное место, тщательно
охраняемое от всех, кто осмелился бы к нему приблизиться.
Однако не войско, не оружие, не титаническая физическая сила
открыли Орфею ворота Аида – их открыли божественные звуки его
лиры и его волшебного голоса.
Не менее примечательна и та часть античных преданий, которая
связана с походом аргонавтов. Собираясь в плаванье в Колхиду,
они взяли с собой Орфея. Всем им было известно, какую опасность
таят в себе моря, населённые демоническими (демонический – от
слова демон – злой дух, коварный) существами. Неминуемую
гибель несла встреча с сиренами, обитательницами морских
островов.
Что же зловещего таилось в этих загадочных существах –
полуптицахполуженщинах? Ведь они не нападали на
мореплавателей, не преследовали их корабли, у них не было ни
пушек, ни ядовитых стрел. Однако был у них другое –
божественный голос, необыкновенно притягательный, далеко разносившийся над гладью морских вод. Слышавшие пение сирен,
не помня себя, бросались в море на их призывный зов и погибали.
Чернильною водой – морями глаже лака –
Мы весело пойдём между подземных скал.
О, эти голоса, так вкрадчиво из мрака
Взывающие: «К нам!»
(из стихотворения Ш. Бодлера «Плаванье»)
Взятый в плаванье Орфей заглушал сирен пением и игрой на
лире. Одиссей же, ещё один герой мифов, проплывая мимо острова
сирен, привязал себя к мачте корабля и залил воском уши своих
товарищей, чтобы они спаслись от искушающего гибельного
призыва.
Среди чудесных оркестровых ноктюрнов К. Дебюсси есть пьеса,
которая так и называется «Сирены». В его музыке нет ничего
зловещего, это – яркая пьесакартина, в которой звучит и
необозримое пространство морских далей, и красочность
изумрудных вод, и шум волн, и звучащее над всем этим
очаровательным пейзажем прекрасное пение сирен, исполняемое
женским хором. В образе сирен воплощаются красота и смерть,
восторг и гибель – одна из вечных тем искусства. Слушание: К. Дебюсси. «Сирены» из симфонического цикла
«Ноктюрны».
Божественная музыка, таящая гибель в своём манящем призыве, не
столь уж частое, но очевидное доказательство необыкновенной
силы этого искусства.
Лира. От сердца до неба протянуты звонкие струны…
Каждый музыкальный инструмент своим неповторимым тембром,
особой харизмой отражает одну из граней человеческой души, одну
из граней нашего мира. А с чем у вас ассоциируется лира?
Попробуйте представить себе звучание этого инструмента… Какие
образы, какие чувства пробуждаются в вашей душе? Прозрачность,
чистота, гармония, звёздное небо, Аполлон, Музы, Орфей?..
Чувствуете, мы ещё не слушали переборы струн, а в воздухе уже
чтото витает…
Дивная музыка
Тайны гармонии
Чуть пробуждаются,
Тихо качаются
В тенях безмолвной души…
Валерий Брюсов Греческий миф рассказывает, что лиру изобрёл юный Гермес,
вестник богов: однажды он отважился посягнуть на стадо
священных коров, принадлежавших Аполлону. Аполлон, стремясь
восстановить справедливость, обратился к Зевсу с просьбой, чтобы
тот рассудил их. Гермесу ничего не оставалось, как во всём
признаться перед владыкой Олимпа. Но пока Аполлон возвращал
своих коров из пещеры, проворный Гермес сел на камень, достал
свою лиру, которую до этого сотворил из панциря черепахи,
коровьих рогов и трёх струн, и самозабвенно заиграл на ней.
Дивные звуки наполнили долину. Изумлённый Аполлон с
восторгом слушал игру Гермеса и тут же, не раздумывая отдал ему
всех священных коров в обмен на лиру.
Продолжая историю этого инструмента, другие мифы говорят, что
Аполлон подарил свою лиру, но уже семиструнную, легендарному
певцу Орфею, который и принёс её в мир людей. Имя Орфей
означает «Исцеляющий светом», его музыка очищала душу,
исцеляла её, наполняла небесной гармонией.
Миф о любви Орфея и Эвридики рассказывает, что игрой на лире
Орфей мог заворожить не только людей: реки останавливали своё
течение, птицы, деревья и свирепые животные  все замирали и внимали её звукам.
Возлюбленная Орфея, Эвридика умирает от укуса змеи, душа её
направляется в подземный мир к Аиду, и Орфей, ведомой силой
любви к своей возлюбленной, спускается за ней. Великая любовь
Орфея вызвала сострадание в сердце Аида, который разрешает ему
вывести Эвридику из подземного мира, но с условием: если он
оглянется и посмотрит на неё, прежде, чем Эвридика выйдет на
свет дня, он потеряет её навсегда. Но когда цель уже казалось бы
была достигнута, и он должен был соединиться с Эвридикой, его
одолевают сомнения. Орфей оборачивается и теряет свою
возлюбленную, великая любовь соединяет их только на небе.
Слушание: К. Глюк. «Мелодия» из оперы «Орфей и Эвридика».
Какая чудодейственная сила жила в этом инструменте?
Оказывается, каждая струна лиры Орфея символически была
связана с одним из божественных законов и с одним из
божественных достоинств души, пробудив которые, человек мог
познать свою истинную природу. Лира была связана и с Музами,
прекраснейшими дочерьми богини памяти Мнемозины,
присутствие которых было для людей священным. Музы, молю  из толпы многогрешного рода людского
Вечно влеките к священному свету скиталицу душу! –
поётся в одном античном гимне.
О лире мы знаем больше как об инструменте символическом, никто
никогда не слышал её голоса. Но так хочется иногда закрыть глаза
и услышать звуки, которые, едва коснувшись тебя, уносят прочь
всю тяжесть, наполняют душу свежим дыханием, пробуждают
забытые, но дорогие сердцу мечты.
Ведь лира звучит не только благодаря струнам… В ней живёт
тихий, но сильный зов Неба, который когдато в неё вдохнули
Боги. Он звучит и сейчас, хотя струны лиры давно умолкли.
Давайте на миг остановимся и прислушаемся: может, звуки лиры
похожи на журчание чистого родника, на лёгкий шелест ветра,
играющего весенней листвой; а может, отзвук серебряных струн
слышится в чистом смехе ребёнка, в шёпоте влюблённых, в вечной
молитве материнского сердца?
…Звуков попрежнему не слышно, но в душе возникли знакомые
чистые и трепетные чувства…
Анна Мироненко (из журнала «Человек без границ»)
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
5.
Почему только Орфею открылись ворота в Царство мёртвых?
Всегда ли сила музыки подчинена добрым намерениям?
Расскажите на примере пьесы К. Дебюсси «Сирена».
Рассмотрите нотную запись темы сирен. Прослушайте её. Что
слышится в её звучании?
Звучание какого инструмента усиливает живописность
музыкального образа в «Сиренах» Дебюсси?
Есть ли в кажущейся безмятежности ноктюрна Дебюсси
какойлибо оттенок грусти? Где вы его заметили? Каким
средством музыкальной выразительности он передаётся?
Возвращение к темам, сюжетам и образам в произведениях
искусства разных времён (6 класс) Чем больше узнаёшь музыку, тем больше удивляешься  сколько в
ней повторяющихся тем, сюжетов, образов. Как в жизни
отдельного человека, так и в жизни всего человечества не бывает
ничего лишнего, устаревшего, изжившего себя.
Попрежнему, как и в старые времена, поёт в произведениях
композиторов волшебная лира Орфея, происходят сказочные
чудеса, вновь и вновь возрождаются древние молитвы.
Над ними время не властно: здесь нет забвения, здесь царствует
вечность. И примечательно, что на заре цивилизации, в античной
Греции, фантазия людей поставила у истоков всех искусств
Мнемозину – богиню памяти.
Существует даже такое предание: вблизи пещеры Трофония
(предсказателя человеческих судеб) находились два источника,
имеющие названия Лета и Мнемозина. Испивший из первого
источника забывал свою жизнь и её тяготы, испивший из второго
запоминал всё, что видел и слышал.
Лета и Мнемозина – также имена греческих богинь: богиня
забвения Лета, уносит воспоминания о земном и преходящем;
богиня памяти Мнемозина даёт человеку великую созидательную
силу – увековечить каждое мгновение жизни. Именно Мнемозина стала матерью всех девяти муз,
покровительствующих искусствам, передав им в наследство самую
поразительную способность, отличающую искусства и поныне. Это
способность наделять бессмертием всё, к чему они прикасаются.
Контуры зверей, начертанные в первобытных пещерах, и
лучезарные города – памятники Греции и Италии, полотна
живописцев, дающие панораму лиц, костюмов и обычаев, и
пламенные стихи, запечатлевшие живой жар сердца какогонибудь
неведомого нам средневекового рыцаря, – всё это неисчислимые
чудеса, подаренные нам искусством.
Ушли в небытие столетия, люди и их дела, угасли страсти, но
неповторимое ощущение времени, в котором нам не довелось жить,
но которое мы помним самой главной памятью, данной человеку, –
памятью души.
Послушайте пьесу «Старый замок» М. Мусоргского из известного
вам цикла «Картинки с выставки».
Образ средневековой старины дан как воспоминание об ушедшем
мире, над которым уже не властно время. Состояние
вневременности, вечности передано в музыке с особой
статичностью всех её выразительных средств: однообразием ритма, органным пунктом – выдержанной нотой в басу, сохраняющейся на
протяжении всей пьесы, несколько отстранённой, уже словно бы
внеземной мелодией, звучащей как печальная песня трубадура.
Однако эта музыка, явившаяся к нам подобно призраку, как будто
из другого мира, вызывает у слушателя живое сожаление об
ушедших временах с их рыцарями и прекрасными дамами,
величественными замками и чудесными песнями. И именно в
сегодняшнем, тёплом эмоциональном переживании заключено
главное доказательство того, что искусство несёт в себе не
механическую память, а именно душу времени. Прикосновение к
этой душе, как к великой загадке, вновь и вновь вдохновляет
поэтов и музыкантов, и они обращаются к вечным темам и образам,
«примеряя» их к современности.
Вот почему и сейчас музыканты по всей России собирают
исчезающие крупицы народной музыки, запечатлевшие в себе
память ушедших веков, создают музыкальные коллективы,
возрождающие исполнение забытых духовных песнопений, когда
то составлявших неотъемлемую часть жизни русского человека.
Композиторы все чаще обращаются к древним пластам культуры,
вводя в свои композиции мелодии, звучавшие много веков назад. Так столетия ведут свой неторопливый разговор. Это разговор
равных: ведь в искусстве, в отличие от других видов деятельности,
нет примитивных эпох. Каждая дала свои образцы
непревзойдённой силы и величия: и блистательная
АНТИЧНОСТЬ, и озарённое духовностью СРЕДНЕВЕКОВЬЕ, и
любознательное ВОЗРОЖДЕНИЕ, и гармоничный
КЛАССИЦИЗМ, и мечтательный РОМАНТИЗМ. Есть своё
величие и у МУЗЫКИ ХХI ВЕКА, ещё пока не имеющей
собственного названия, кроме  СОВРЕМЕННОСТЬ.
Человечеству, как и отдельному человеку, нужна вся музыка  и та,
что звучит сегодня, и та, что создавалась в предшествующие века.
Чем больше «миров» открыл для себя человек в искусстве, тем
более яркими гранями раскрывается перед ним жизнь. Ведь в сотни
раз богаче и драгоценнее каждый её миг, если он озарён светом
любви и восхищения всех воспевших его в своих стихах и своих
песнях.
Вопросы и задания:
1.
Каким предстаёт старый замок в пьесе М. Мусоргского?
Какие средства музыкальной выразительности участвуют в
создании музыкального образа? 2.
3.
Можно ли сказать, что прошедшие столетия живут в памяти
людей?
Назовите главнейшие культурные эпохи.
Реальность и фантазия в жизни человека. (6 класс) В человеческой жизни есть как бы два плана, два течения. Один
составляют внешние события. Например, мы знаем, в каком доме
живёт человек, как он одевается, какие у него привычки и т. д.
Другой составляет сокровенные мысли, глубинные переживания,
духовные искания человека. Нередко именно в нём сосредоточено
главное содержание человеческой жизни. Ведь сказал же Экзюпери:
«Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь».
Конечно, просто глядя на человека, трудно узнать его склонности,
вкусы, привязанности. Однако его внутренний мир нередко
проявляет себя внешне: во взгляде, улыбке, интонациях голоса.
Мы говорим: «этот человек духовно богат», когда его слова и
поступки убеждают нас в существовании особого внутреннего
мира, окрашивающего внешние проявления искренностью и
глубиной. Точно так же мы отмечаем чьюто пустоту и духовное
оскудение, когда видим, что человек живёт исключительно
материальными, практическими интересами.
Музыкальные произведения в какойто мере похожи на людей. В
них тоже могут быть своя глубина и характер: порой сложный,
порой легкомысленный. Поэтому разные люди любят разную музыку: одни слушают Моцарта и Брамса, другие довольствуются
нехитрыми песенками. Ведь музыка бывает разной.
Послушайте, например, музыку М. Глинки.
В «Вальсефантазии» мастерски сочетаются два начала,
выраженные в названии произведения.
С одной стороны, это вальс – плавный, кружащийся танец с
трёхдольным ритмом. Известно, что вальсы могут быть разными –
весёлыми и торжественными, грустными и трепетными.
С другой стороны, в этом произведении Глинка воплощает нежное,
полётное вращение, уносящее наше воображение в прекрасный мир
фантазии.
Михаил Иванович Глинка познакомился с очаровательной
девушкой, воспитанницей Смольного института Екатериной Керн,
дочерью легендарной Анны Керн, которой посвящено
стихотворение А. Пушкина «Я помню чудное мгновенье». Глинка
серьёзно увлёкся ею.
Слушание: М. Глинка. Романс «Я помню чудное мгновенье» (по
желанию учителя).
Екатерине он посвятил романс, написанный на пушкинские стихи,
посвящённые её матери, и тогда же стал работать над фортепианным «Вальсомфантазией»  своего рода поэмой вальса,
вдохновлённым образом Екатерины Ермолаевны, словно рисующим
её в обстановке бала.
Любовь Глинки была взаимной, однако роман скоро кончился: оба
были несвободны, к тому же Екатерина Ермолаевна скоро уехала
по совету врачей на Кавказ. В 1842 году Керн вернулась в
Петербург, но встреча её с Глинкой уже не имела для него
прежнего значения. Вскоре он через общую знакомую вернул ей её
письма, а затем без сожалений уехал за границу.
Недолгий период романа с Е. Керн характеризуется подъёмом
творческой деятельности Глинки. «Вальсфантазия»  одна из
вершин этого периода, настоящая жемчужина русской
музыкальной классики.
В музыке «Вальсафантазии» отразилась вся поэзия этого чувства,
принёсшего Глинке много и радостных, и горьких переживаний.
В «Вальсефантазии» Глинка обращается к жанру танцевальной
музыки, который был наиболее популярен в то время. Однако из
небольшой пьесы прикладного назначения композитор делает
развёрнутую симфоническую поэму, вобравшую в себя богатейшую
гамму человеческих чувств. Это произведение Глинки явилось тем зерном, из которого в будущем вырастет русская лирико
психологическая симфоническая музыка.
Первое впечатление от знакомства с «Вальсомфантазией»
чувство удивительного очарования, изысканности и нежности.
Основная тема вальса проникнута задумчивопечальным
настроением. С ней чередуются мотивы, передающие другие
оттенки чувства  то элегическигрустные, то драматически
взволнованные, то пленительно изящные.
Так дивно недопеть,
Недотянуть смычка,
Иль недокрасить кистью, засыпая,
Лишь гений смог уметь,
И вальсом в облака,
Волшебные мелодии взлетают...
Н. Губин
Слушание: М. Глинка. «Вальсфантазия».
Искусство будит фантазию, навевает образы дальних стран, в
которых, может быть, человеку никогда не суждено побывать,
рассказывает о событиях и героях, с которыми ему никогда не
встретиться, оно даёт опыт, который сам он никогда бы не приобрёл. Искусство рождает мечту, а мечта всегда богаче
реальности. Это знали поэты всех времён, наделявшие фантазию
волшебными крыльями, уносящими человека в царство невиданных
чудес.
Реальность и фантазия – эти два мира сосуществуют постоянно,
рождая не только поэтов и музыкантов, но и людей других
романтических профессий – лётчиков, геологов,
путешественников.
В один ненастный день, в тоске нечеловечьей,
Не вынеся тягот, под скрежет якорей,
Мы всходим на корабль – и происходит встреча
Безмерности мечты с предельностью морей.
Эти строки из стихотворения французского поэта Ш. Бодлера
«Плаванье».
Обратите внимание: «встреча безмерности мечты с предельностью
морей» обозначает такие горизонты человеческой меты, в
сравнении с которыми даже моря – эти извечные символы
необозримого пространства – кажутся предельными, узкими и
тесными.
Что же такое фантазия? Почему иногда её называют высшей реальностью, душой всего
существующего?
Вероятно, это происходит оттого, что без фантазии невозможно
ничего создать: от самой простой вещи до произведения искусства.
Многие поэты, художники и композиторы – люди, живущие в мире
своих фантазий, – вызывали удивление тем, что ничего не
понимали в повседневной действительности. В то же время они
потрясали всех своим знанием человека, самых сокровенных
тайников его души.
«Я на 85 процентов музыкант, во мне только 15 процентов
человека»,  говорил Сергей Рахманинов, и в этих словах слышна
вся мыслимая одержимость искусством, на которую способен
большой художник.
Ведь жизнь каждого художника протекает в сложном переплетении
реальности и творческого воображения, переплетении, рождающем
совершенно новый, особенный мир его произведений. И, как ни
удивительно, эти произведения учат нас глубже понимать именно
живую жизнь.
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
5.
Вспомните, известные вам произведения различных видов
искусства, где одновременно сочетаются и реальность, и
фантазия.
Почему в стихотворении Ш. Бодлера «Плаванье» поэт
сравнивает «безмерность мечты» с «предельностью морей» в
пользу мечты?
Подумайте, о каких «тяготах», «тоске» и «ненастье» говорил
Бодлер в своём стихотворении.
Почему, повашему, М. Глинка воплотил фантазию в жанре
вальса? Может быть, для этого лучше было использовать другой
жанр (например, марш)?
Как вы считаете, относится Симфония № 3 И. Брамса к такой
музыке, которая пробуждает фантазию? Какие образы она
вызывает в вас?
Выразительные возможности гармонии (6 класс)
Содержание:
1.
Гармония как важнейший фактор музыкальной драматургии в
опере Ж. Бизе «Кармен». 2.
3.
Применение композитором метода «забегания вперёд» в
увертюре произведения; роль темы роковой страсти в дальнейшем
развитии оперы.
Ладовый контраст между темами увертюры и темой роковой
А. Блок. Поэтический цикл «Кармен». Фрагмент.
страсти.
Художественный материал:
1.
Музыкальный материал:
1. Ж. Бизе. Увертюра к опере «Кармен» (слушание).
Характеристика видов деятельности:
1.
Воспринимать гармонические особенности музыкального
произведения.
2.
3.
Анализировать приёмы взаимодействия нескольких образов в
музыкальном произведении.
Сравнивать особенности музыкального языка (гармонии) в
произведениях, включающих образы разного смыслового
содержания
Мир музыки был бы неполон без «Кармен»,
Бизе достаточно было бы написать только эту оперу, чтобы стать Бизе…
(Г. Маркези)
Я мечтал добиться большего!
(Ж. Бизе)
Каждая эпоха оставляет свои памятники  произведения, образы,
сюжеты. В них находит воплощение то, в чём с наибольшей силой
проявил себя дух времени: идеалы и стремления, жанры и
выразительные средства искусства. Это, например, сюжеты и
образы произведений искусства.
Среди ярких образов искусства XIX века – цыганка Кармен,
прелестная, непредсказуемая, неудержимая героиня новеллы
французского писателя П. Мериме и оперы Ж. Бизе «Кармен».
Жорж Бизе. Биография
Талант Жоржа Бизе проявился очень рано  в детские годы.
Однако композитор умер, не дожив и до 40 лет, не исполнив всего,
что было ему предназначено. Впрочем, Бизе успел создать
«Кармен»  одну из величайших опер всех времён и народов. Бизе
не было суждено дожить до своего триумфа. Лишь после его
смерти весь мир стал восторженно рукоплескать
непревзойдённому шедевру – опере «Кармен». Жорж Бизе родился в Париже в семье музыкантов 25 октября 1838
года. Его талант к музыке проявился рано. Уже в 10 лет мальчик
поступил в Парижскую консерваторию, где среди его педагогов
оказались оперные композиторы, как прославленный Жак Галеви и
начинающий Шарль Гуно. Бизе, однако, сначала добился успеха
как блестящий пианист, обучаясь в классе Мармонтеля. Его игру
отметили Лист и Берлиоз.
В возрасте 17 лет Бизе сочинил искрящуюся Симфонию До мажор,
которая впервые была исполнена лишь в 1835 году.
Его обучение в консерватории окончилось блестяще: в 1857 году
Бизе был удостоен Римской премии за кантату «Кловис и
Клотильда». Благодаря этому он мог в течение четырёх лет
полностью посвящать себя музыке, живя на скромную стипендию в
Риме на вилле Медичи (это было обязательным условием). Он
наслаждался чудесной римской архитектурой и красотами
сельской местности, но сочинял в это время очень мало.
Итальянская идиллия внезапно прервалась, когда в 1860 году
заболела мать композитора, и Бизе вернулся в Париж. Она умерла
в 1961 году. Бизе и так отличался довольно сложным характером, а теперь он лишился поддержки единственного понастоящему
родного ему человека.
Вскоре у Бизе родился сын от служанки, но семейный очаг он
приобрёл лишь в 1869 году, женившись на Женевьеве Галеви,
дочери своего учителя.
В творчестве его преследовали неудачи. В 1863 году она написал
оперу «Искатели жемчуга», но она стала популярной лишь гораздо
позднее. В 1870е годы Бизе создал ещё несколько опер и музыку к
пьесе Альфонса Доде «Арлезианка».
Когда в 1870 году началась франкопрусская война, Жорж вступил
в Национальную гвардию. В 1871 году он с энтузиазмом вернулся к
занятиям композицией, а в 1873 – начал работать над оперой
«Кармен» по новелле Проспера Мериме.
Посмертная слава
Когда «Кармен»  взрывоопасная история страсти, ревности и
убийства   была впервые показана на сцене Опера Комик 3 марта
1875 года, публика и критика были шокированы аморальностью
сюжета. Опера прекрасно посещалась, только в первый год
состоялось 45 спектаклей, однако Бизе приходилось терпеть
критические отзывы. Его здоровье, и без того слабое, пошатнулось, и через три месяца после премьеры он умер от сердечного
приступа. Композитор так и не узнал, какой триумф был уготован
шедевру.
Опера «Кармен». Увертюра
Никогда ещё подобные персонажи – работницы табачной фабрики,
цыганеконтрабандисты – не выходили на оперную сцену в
качестве главных, да к тому же трагических героев. Парижская
публика, привыкшая к благородным господам и невинным девицам
(если, конечно, забыть о «Травиате» Верди), сначала растерялась.
Тем более, что эта шокирующая история сопровождалась музыкой,
перед которой невозможно было устоять.
Узнаваемая с первых звуков Увертюра, словно переносит нас в
Севилью – город, где и сегодня много цыган (правда, сам Бизе
никогда в Испании не был и, видимо, располагал только одним
сборником испанских песен из библиотеки Парижской
консерватории).  Затем вступает мрачная тема судьбы,
предсказывая финал истории Кармен и Хозе.
Кармен – красивая, вспыльчивая, темпераментная цыганка,
работающая на сигаретной фабрике. Изза драки, возникшей среди
девушек фабриканток, Кармен арестовывают и приводят в полицейский участок. Там она томится в ожидании ордера, и её
стережёт сержант Хозе. Цыганка смогла влюбить его и уговорить
отпустить на свободу. Хозе на тот момент имел невесту, хорошую
должность и одинокую мать, но встреча с Кармен перевернула всю
его жизнь. Он отпускает её, и лишается работы и уважения,
становится простым солдатом.
Кармен продолжает веселиться, посещает пабы и сотрудничает с
контрабандистами. Попутно кокетничает с Эскамильо, известным
красавцем тореадором. Хозе, в пылу ссору поднявший руку на
своего начальника, не имеет другого выбора, кроме как остаться со
своей Кармен и её друзьями, незаконно перевозящими грузы. Он
безумно её любит, давно забыл про невесту, вот только Кармен
меняет свои чувства по настроению, и Хозе ей наскучил. Ведь на
горизонте появился Эскамильо, богатый и знаменитый, который
пообещал дать бой в её честь. Финал предсказуем и трагичен. Как
Хозе не умолял Кармен вернуться к нему, она в резких выражениях
говорит, что всё кончено. «Свободной родилась  свободной и
умру»,  гордо бросает она в лицо Хозе... Вместе с Кармен в музыку пришла тема роковой любовной
страсти, столь мощной и сокрушительной, что отзвуки её можно
обнаружить даже в искусстве нашего времени.
А. Блок в своём цикле «Кармен», признается в том непостижимом
воздействии, какое оказывал на него образ роковой цыганки.
Бушует снежная весна.
Я отвожу глаза от книги ...
О, страшный час, когда она,
Читая по руке Цуниги,
В глаза Хазе метнула взгляд!
Насмешкой засветились очи,
Блеснул зубов жемчужный ряд,
И я забыл все дни, все ночи,
И сердце захлестнула кровь,
Смывая память об отчизне ...
А голос пел: «Ценою жизни
Ты мне заплатишь за любовь!»
Обратите внимание: поэт, читая книгу, невольно отождествляет
самого себя с Хозе  главным героем драмы, изза любви к Кармен,
потерявшим всё: невесту, мать, воинскую честь. Такова странная, поистине колдовская сила этой героини, обещающей так много и
постоянной лишь в одном  в своей гордой независимости.
Музыка Ж. Бизе воплощает в себе всю роковую силу Кармен, всю
выразительность и яркость драмы (драма – здесь; тяжёлое событие,
переживание, причиняющее страдание), весь её красочный
национальный и природный колорит.
Так, уже в увертюре к опере, после жизнерадостных, мажорных
мелодий главных тем, обещающих на первый взгляд очень весёлый
музыкальный спектакль, внезапно вторгается тема Кармен. Это
напряжённая, тревожная, поддерживаемая грозными минорными
аккордами.
Смысл данной темы показать неизбежность грядущей трагедии
(трагедия – драматическое произведение, изображающее
напряжённую борьбу, обычно оканчивающееся гибелью героя). И
как бы ни развивался дальше музыкальный сюжет оперы,
слушатель уже находится во власти этой темы, соединившей в себе
и неизбежность гибельных чувств героев, и предсказание их
будущей трагедии. Важно и то, что тема Кармен  единственная во всей увертюре,
отступающая от царящего в ней мажорного лада и построенная на
звуках так называемой цыганской гаммы.
Так с самого начала оперы в сознание слушателя входит
предчувствие, ожидание какихто предстоящих главных событий.
Увлекательность и живость оперы, необыкновенная красота её
музыки усиливают контраст между этим предчувствием и реально
происходящими действиями.
В такой двойственности заключён один из смыслов музыкальной
гармонии – её способности передавать события или ситуации
противоположного характера.
Вопросы:
1.
2.
Какой предстаёт Кармен в стихотворении А. Блока?
С какой целью Ж. Бизе вводит в жизнерадостную музыку
увертюры своей оперы тему Кармен?
3.
Послушайте увертюру к опере «Кармен». Сколько
контрастных разделов можно услышать в этой музыке? Звучанием
каких групп инструментов симфонического оркестра композитор
подчёркивает конфликт сюжета? 4.
5.
Какие выразительные свойства гармонии дали возможность
показать в увертюре события противоположного характера?
Продолжите эмоциональный словарь, характеризующий
образный строй увертюры: праздник – трагедия, радость –
страдание…
Гармония как единство противоположных начал
 (6 класс)
 «Моё убеждение таково,
мажорный лад побуждает к деятельности,
отправляет в широкий мир...
Минорный выражает всё невыразимое и томительное…»
И. В. Гёте
В музыке крайне редко встречаются произведения, в которых
выражалось бы полностью безмятежное настроение. Гораздо чаще
музыкальная гармония построена на противоположности светлого
и затемнённого, печального и радостного.
Такое понимание гармонии как единства противоположных начал
заложено ещё в мифологии. В одном из древнегреческих мифов рассказывается, что Гармония
была дочерью Ареса  бога войны и раздора и Афродиты – богини
любви и красоты.
В своих странствиях Кадм однажды убил змея и вошёл в пещеру,
где раньше жил змей, и увидел там девушку неописуемой красоты,
узницу змея. Когда Кадм и Гармония выходили из пещеры, Кадм
увидел в пасти убитого змея чтото золотое, ярко сверкающее, но
не стал подходить ближе.
Вскоре они увидели спускающуюся с неба лестницу, по которой
шли Зевс с Герой, Посейдон с Амфитритой и Арес с Афродитой.
Вмиг появились столы с яствами, и Зевс объявил, что в награду за
подвиг он даёт Кадму в жёны Гармонию. Они зажили счастливо, но
однажды, вспомнив прошлое, Кадм рассказал Гармонии о золоте,
лежащем у пасти змея. Жена тотчас же пожелала его иметь и
послала Кадма к пещере.
У пещеры сидела Афина под видом нимфы и предупредила, чтобы
Кадм не брал золото, но тот испугался гнева жены и нашёл под
костями змея золотое ожерелье невиданной красоты. (Вариант:
ожерелье работы Гефеста было подарено Гармонии в день
свадьбы). Когда Кадм принёс ожерелье Гармонии, та решила подарить его Семеле. Вскоре Семела погибла, сгорев в пламени
своего возлюбленного Зевса. Потом ожерельем владели по очереди
Агава и Автоноя, но и те скоро погибли. На старости лет Кадм и
Гармония, потерявшие дочерей, покинули Фивы. «Боги карают
меня за убийство змея, лучше б и мне стать змеёй»  сказал
однажды Кадм и превратился в змею. Гармония бросилась к нему,
обвила его тело руками и тоже стала змеёй. Впоследствии боги
перенесли их на острова блаженных.
Соединение коварной и разрушительной силы и силы вечной
юности, жизни и любви  такова основа равновесия и покоя,
олицетворяемых Гармонией. Поэтому гармония в музыке
искусстве временном, движущемся  почти никогда не предстаёт в
своём законченном виде. Наоборот, она достигается в развитии,
борьбе, становлении.
Наверное, двойственная природа гармонии и стала причиной того,
что гармония музыкальная почти целиком строится на
противоположностях. Противоположны светлый мажор и
печальный минор; консонанс своим согласным звучанием
противостоит диссонансу с его напряжённостью; неустойчивый
аккорд стремится к разрешению в устойчивый. Слово консонанс в переводе с латинского означает согласное
звучание, а диссонанс  нестройное, несогласное звучание.
Ни одно музыкальное произведение не может быть построено
только лишь на благозвучных сочетаниях. Диссонанс является
важнейшим стимулятором развития в музыке. Одна из важнейших
особенностей диссонансов заключается в том, что, будучи
несогласованными, они как бы лишают музыку ощущения покоя,
требуют движения, которое обычно связывается с необходимостью
перехода диссонанса в консонанс, его разрешения.
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. ХТК, том 1, BWV 846
(два варианта исполнения)
Поэтому, не таким удивительным кажется то, что произведений,
подобных Прелюдии До мажор Баха, в музыке не так много.
Гораздо чаще встречаются сочинения, в которых гармония
выражает стремления и страдания, мечты и надежды, тревоги и
раздумья  всё, чем полна человеческая жизнь. И так же как,
например, в живописи, где даже самую простую картину
невозможно написать одной краской и одной линией, так и в
музыке никакой замысел не может быть воплощён только каким
нибудь одним гармоническим средством. Слушание: Ф. Шуберт. «Серенада» (два варианта исполнения)
Вспомните «Серенаду» Ф. Шуберта, которую вы слушали недавно.
В ней для передачи различных настроений композитор использовал
ладовый контраст – контраст мажора и минора, передающий
различные оттенки чувств героя.
В способности передавать различные оттенки человеческих чувств,
порой прямо противоположные, состоит одно из коренных свойств
музыкальной гармонии.
Гармония во все времена опиралась на лады, различные по своему
характеру. Уже древнегреческие философы спорили о характере
воздействия музыкальных ладов. Они признавали, что изменение
даже одного звука лада придаёт ему совершенно иную
выразительность.
Вспомним хорошо известные нам мажор и минор, основные
аккорды которых отличаются друг от друга однимединственным
звуком! Но как резко отличается характер их звучания!
«Моё убеждение таково,  писал великий немецкий писатель и
мыслитель И. В. Гёте,  мажорный лад побуждает к деятельности,
отправляет в широкий мир... Минорный выражает всё невыразимое
и томительное». Вспомните Симфонию № 40 В. А. Моцарта  одного из самых
гармоничных композиторов. Как естественно в ней гармоническое
дыхание, соотношение «света» и «тени», как органично
переплетение мажора и минора в их сопоставлении, чередовании,
изящной игре!
Сольминорная симфония встаёт как предвестница скорбных и
страстных образов зрелого Моцарта. Резко выделяясь в кругу
жизнерадостных симфоний XVIII века, она даже среди
произведений Моцарта кажется необычной гостьей. Но именно
потому она открывает доступ к затаённым мыслям композитора.
С самого же начала первой части вы, вероятно, ощутите в музыке
чуть взволнованную, затуманенную дымкой лирики печаль. Но
сразу же контраст  острая драматическая вспышка. А потом опять
лёгкая грусть и опять такая же вспышка. Так на протяжении всех
четырёх частей симфонии будет то восстанавливаться, то вновь
разрушаться душевное равновесие, и мы почувствуем, какой
огромной силы эмоциональный заряд был заложен в первой
мелодии, открывавшей симфонию.
Во второй части контраст обостряется: сперва словно бы полное
спокойствие, а в среднем эпизоде  почти трагическое звучание. Далее менуэт  традиционный менуэт. Но здесь этот
благонамеренный танец аристократических балов наполнен такой
взволнованностью и таким драматизмом, какого никогда ещё не
знала танцевальная музыка той эпохи.
И наконец финал. Он проносится как стремительный вихрь,
полный контрастов  одновременно и лёгкий, словно не знающий
никаких препятствий, и ещё более взволнованный, и драматичный,
чем менуэт. Вся симфония  словно образ самого Моцарта,
вырывающегося из тисков своего времени, устремлённого в
будущее...
О красоте этой музыки говорить невозможно  вслушайтесь в неё, и
вы все почувствуете сами. Моцарт изложил её так ясно и
прозрачно, что не услышать её невозможно!
Моцарт неожиданно раскрыл здесь всю меру своей душевной
зрелости, высказал давно накопившийся протест против всего, что
сковывало его творческую волю, его ум и воображение, надежды, и
сделал это с такой смелостью и прямотой, на какую не решался ни
один из современных ему музыкантов. Эта драматическая исповедь
вводит нас в мир глубоких душевных противоречий  поэтических
взлётов и скорбных выводов, идеалистических мечтаний и бурной
жажды деятельности. Шуман сказал про эту симфонию: «Каждая нота в ней  чистое
золото, каждая часть её  это клад» ...
Гармония всегда возникает из противоположностей и
противоречий там, где есть любовь. Ведь гармония  подлинная
душа искусства, его красота и правда.
Вопросы и задания:
1.
2.
3.
В чём заключается смысл древнегреческого мифа о Гармонии?
Какие два лада составляют основу музыкальной гармонии?
Подумайте, гармонично ли музыкальное произведение,
звучащее исключительно в мажоре, содержащее только
благозвучные аккорды. Чего в нём не хватает?
Многозначность понятия гармония. (6 класс)
Есть ли чтонибудь более прекрасное, чем сила гармонии?
Хотелось бы видеть здесь проявление некоей божественной
любви,
узнать её происхождение и установить связь с другими силами,
которыми держится Вселенная.
Птолемей «Гармония»  одно из самых главных понятий музыкального
искусства. Что же оно означает?
Слово «гармония» возникло далеко за пределами музыки. Люди
издавна называли гармонией красоту и соразмерность, где бы она
себя ни проявляла  в архитектурном ли сооружении, состоянии
души или человеческой фигуре.
Древние греки словом «гармония» определяли даже периоды
мирной жизни, свободные от войн и потрясений.
В музыке слово «гармония» выражает её основное свойство –
благозвучие (благозвучный – приятный на слух). Благозвучие как
порядок в царстве звуков, аккордов, ладов – это и есть
музыкальная гармония.
Как и всякое искусство, музыка имеет свой собственный
«материал». Как цвет в живописи, слово в литературе, мрамор в
скульптуре  так звук в музыке есть её ядро, из которого
рождается музыкальное произведение. Однако любой
произвольный порядок звуков ещё не является признаком
гармонии. Послушайте, как звучит случайный набор музыкальных
звуков. Музыка начинается лишь тогда, когда её звуки организуются по
определённым законам, которым подчиняется музыкальное
произведение.
Великий русский композитор М. И. Глинка о гармонии сказал так:
«Дело гармонии дорисовать слушателям те черты, которых нет и
не может быть в мелодии». Иными Словами  гармония как бы
досказывает мысль, которая заключена в мелодии. Без помощи
гармонии музыкальная мысль не может быть высказана полным
голосом.
Гармония  одно из выразительнейших средств в музыке, это голоса
и аккорды, сопровождающие мелодию. Они составляют с мелодией
не только одно гармоническое целое, но поддерживают, дополняют
и украшают её звучание.
Гармония ощутима в любом произведении. В самых высших своих
проявлениях она воздействует как непрерывно струящийся свет, в
котором мы ощущаем отблеск неземной божественной гармонии.
Произведения, отмеченные знаком такой «высшей» гармонии, есть
у многих композиторов  у Баха и Моцарта, Шуберта и Брамса. В
таких произведениях течение музыки несёт печать возвышенного
покоя и равновесия. Одно из таких произведений – Прелюдия до мажор И. С. Баха.
«Такого чуда, как Бах, не знает другое искусство. Уметь
очистить человеческую природу так, что она приобретает
божественные очертания, вложить духовное рвение в самые
обыденные человеческие поступки, преходящему придать
крылья вечности, обожествить земное и очеловечить
божественное  вот что мог Бах  самое высокое и самое
чистое, что дала музыка всех времён ...
Эта музыка  наилучший источник молодости. Она обновляет
душу и располагает провести день в безмятежной и доверчивой
радости».
(Х. М. Корредор)
Создавая свой цикл прелюдий и фуг, известный ныне всему миру
под названием «Хорошо темперированный клавир», Бах ставил
перед собой вполне определённую цель: познакомить играющих на
клавире со всеми двадцатью четырьмя мажорными и минорными
тональностями, многие из которых до того времени не были в
употреблении.
«Хорошо темперированный клавир» справедливо считается
своеобразной энциклопедией баховских образов. В редком разнообразии камерных форм «Хорошо темперированного
клавира» раскрывает Бах большой и сложный мир человека, его
художественнопоэтические представления, богатейшую область
человеческих чувств.
Бах тонко использовал в прелюдии приёмы, идущие от лютневой
музыки XVIII века (для щипковых инструментов характерна
фактура из разложенных аккордов), ставшие уже традиционными в
клавирной музыке.
Вслушаемся в звучание Прелюдии до мажор. Отчего её музыка
кажется такой светлой, такой умиротворённой?
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. Хорошо темперированный
клавир, том 1, BWV 846 в исп. Гарри Купера (клавесин)
Прежде всего этому способствует характер музыкального течения:
негромкий, неторопливый, не содержащий никаких срывов и
неожиданностей. Ничто в прелюдии не меняет первоначально
избранного движения  ни ритм, ни темп ... Лишь только гармония
бесконечно колеблется, мерцает, оборачиваясь то мажорными, то
минорными звучаниями, то чуть омрачаясь, то вновь
умиротворяясь.
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
Что мы называем музыкальной гармонией?
Где, помимо музыки, проявляет себя гармония?
Почему гармонию, как и мелодию, считают главным
средством музыкальной выразительности?
Что отличает характер Прелюдии до мажор И. С. Баха? Как
проявляет себя гармония в этой прелюдии?
5.
Созвучен ли образ «Сикстинской мадонны» Рафаэля музыке
Прелюдии до мажор? Попробуйте объяснить, в чём проявляется
эта созвучность? (Возможно повторное слушание по желанию
педагога).
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. Хорошо темперированный
клавир, том 1, BWV 846 в исп. Фридриха Гульда (фортепиано)
Взаимодействие национальных культур в музыкальных
произведениях. (6 класс)
 «Музыка, как и любое искусство,
передаёт мысли того, кто её создал,
мысли и чувства тех, кого она изображает…» В. А. Сухомлинский
Мелодии, как и ритмы, отличаются глубоко отличаются друг от
друга. Они отражают и национальные особенности страны, красоту
пейзажа, и характер человека, и конечно же творческую личность
композитора.
Даже тогда, когда композитор обращается к сюжету из
зарубежного искусства, он вносит в своё музыкальное
произведение столько родных интонаций, что оно становится
достоянием национальной культуры его страны.
Среди таких произведений  чудесный детский балет
«Щелкунчик», написанный П. Чайковским по сказке немецкого
писателя Э. Т. А. Гофмана.
Рождественская музыкальная сказка Чайковского полна
прекрасных ярких мелодий  то напряжённодраматических
(драматический – связанный с переживаниям), то тихих и нежных,
то песенных, то танцевальных.
Несмотря на обращение к сказочному сюжету из немецкой
литературы, музыка «Щелкунчика» глубоко русская, как и вообще
музыка Чайковского. И новогодние танцы, и волшебные картины
зимней природы  всё в этом балете проникнуто интонациями, близкими и понятными каждому человеку, выросшему в России. Не
случайно сам Чайковский признавался: «Я ещё не встречал
человека, более меня влюблённого в матушку Русь... Я страстно
люблю русского человека, русскую речь, русский склад ума,
русскую красоту лиц, русские обычаи».
«Русское» в балете «Щелкунчик» выражает себя не только в
народнопесенных мелодиях. Скорее мы отмечаем ту огромную
силу чувств и переживаний, которая так свойственна русскому
человеку.
Сказка Эрнеста Теодора Амадея Гофмана «Щелкунчик и
Мышиный король» была опубликована в 1816 году. Её главные
герои  девочка по имени Мари и странная игрушка  щипцы для
колки орехов в форме солдатика, тот самый легендарный
Щелкунчик, которого подарил Мари её крестный, сказочник
Дроссельмейер. Только он знал, что Щелкунчик  это не
безобразная игрушка, а прекрасный принц, которого заколдовала
злая королева Мышильда.
В рождественскую ночь начинаются сказочные превращения,
благодаря которым Щелкунчик оживает и вступает в схватку с
мышами. В этой битве ему помогают тоже ожившие игрушки Мари. И вот счастливый финал  Щелкунчик убивает Мышиного короля,
тем самым рассеивая злые чары. И Мари, полюбившая уродливую
игрушку, видит перед собой расколдованного принца. Он
приглашает её в свою страну, где объявляет Мари своей
принцессой.
Эта бессмертная история, рассказанная нам Эрнстом Амадеем
Гофманом и бережно перенесённая в музыкальное измерение
Петром Ильичом Чайковским, напоминает взрослым о том, что не
всё в мире можно купить. Есть ещё и настоящие неподдельные
чувства!
Одна из ярчайших мелодий балета – «Падеде» из II действия.
Выдающийся балетмейстер М. Петипа назвал «потрясающей по
своему воздействию». (Падеде – танец двоих.)
Эта мелодия, возникающая после неторопливого вступления,
начинается сразу с высшей своей точки. Такой тип мелодии
получил название «вершинаисточник». Подобно водопаду, он
зарождается на высоте, и затем уже мелодия движется только вниз,
«растворяясь» в пассажах аккомпанемента.
В «Щелкунчике» эта мелодия выражает очень многое – и
страдания главных героев – Мари и Щелкунчика, и отвагу их помыслов и поступков, и, наконец, огромную всепобеждающую
силу чистой любви.
Слушая мелодию «Падеде» из балета «Щелкунчик»,
удивляешься, как много в музыке от живой выразительности
человеческой речи! Наверное, в этом её свойстве снова и снова
обнаруживает себя происхождение мелодии от интонации
человеческого голоса. Ей доступны малейшие оттенки  и вопрос, и
восклицание, и даже многоточие...
Вслушайтесь в интонационное развитие музыки этого фрагмента
и вы убедитесь, что в нём присутствует всё многообразие
эмоционального высказывания. Но есть в ней и то, о чём великий
романтик Г. Гейне сказал: «Где кончаются слова, там начинается
музыка». Может быть, правота этих слов особенно очевидна, если
речь идёт о мелодии: ведь из всех сторон музыкальной
выразительности именно мелодия ближе всего к интонации живой
речи.
Мелодию по праву можно назвать языком, который близок и
понятен всем – людям, живущим в различные времена, говорящим
на разных языках, детям и взрослым. Не означает ли это, что
мелодия «угадывает» нас самих – наши затаённые чувства, наши мысли? Ведь не случайно говорят: «струны души», когда хотят
выразить то, что даёт нам возможность воспринимать и любить
безграничную прелесть окружающего мира.
Вопросы и задания:
1.
Какие чувства выражает мелодия «Падеде» из балета
«Щелкунчик» П. Чайковского?
2.
3.
Почему музыку балета «Щелкунчик», написанную на сюжет
немецкой сказки, можно назвать истинно русской?
Вспомните несколько мелодий, в которых выражались бы
различные интонации: грустная, ласковая, весёлая и т. д.
Радость и скорбь в произведениях В. А. Моцарта
(6 класс)
Стихия музыки – могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней. Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодия всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…
                             Евгений Винокуров
Немало на свете и весёлых мелодий, рождённых в минуты радости
или в дни праздников. Даже среди серенад  большей частью
грустных и задумчивых – можно найти жизнерадостные и
подвижные мелодии, полные очарования и оптимизма (оптимизм –
бодрость, жизнерадостность).
Кому не знакома прелестная и грациозная (грациозный – изящный,
стройный) «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта, мелодия
которой полна света и обаяния праздничной ночи!
В Вене XVIII века было принято устраивать небольшие ночные
концерты под окнами того человека, которого хотели отметить
вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в его честь,
был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной
серенаде, а скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном концерте участвовало несколько человек  ведь радость
объединяет людей!
Для исполнения серенады Моцарта требовался струнный оркестр
собрание виртуозных и выразительных инструментов, так волшебно
певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой ночной серенады» пленяет тонкостью и
изяществом. В её звуках оживает облик старой Вены, необычайно
музыкального города, где днём и ночью можно было услышать
чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает,
что это не драматическая история, а не более чем беззаботная
прелестная музыкальная шутка.
Очарованный светлыми моцартовскими мелодиями, русский певец
Ф. Шаляпин так выразил своё отношение к великому венскому
классику: «Идёшь в дом, простой, без лишних украшений, уютный,
большие окна, море света, кругом зелень, всё приветливо, и тебя
встречает радушный хозяин, усаживает тебя, и так хорошо себя
чувствуешь, что не хочешь уходить. Это Моцарт».
В этих искренних словах отражена лишь одна сторона музыки
Моцарта  та, что связана с самыми светлыми образами и
настроениями. Но, пожалуй, во всей многовековой истории музыки

intro:
...Представьте себе, что вы пришли в театр. Скоро раздвинется тяжёлый занавес и начнётся спектакль. Герои старой сказки ещё не появились на сцене, но музыка уже звучит, и вы захвачены ею.
Оркестр играет интродукцию (интродукция - слово латинского происхождения, означает «введение» - краткое вступление к оперному или балетному спектаклю) к балету Петра Ильича Чайковского «Спящая красавица».
О чём эта музыка? ... Внезапно на вас обрушивается мощное и жёсткое звучание огромного оркестра. «Колючие», изломанные мелодические линии, резкое звучание диссонантных (диссонанс - сочетание двух или нескольких звуков, образующих напряжённое, резкое созвучие. Слово «диссонанс» происходит от латинского dissonantia, что значит «нестройное звучание») аккордов, грозные кличи духовых инструментов создаёт музыкальный портрет злой феи Карабос.