extracted_text:
Анализ романса М.Глинки «Я помню чудное мгновенье»
               Ученица 7Г класса Полина А.
Романс  это музыкальное стихотворение, схожее с песней. Но всетаки есть
существенные различия в самом построении произведения. Например, в нем
абсолютно отсутствует припев, или, как его еще называют, рефрен. Хотя практика
показывает, что существуют исключения из правил. Интересно, что романс обычно
исполняется соло, реже  дуэтом, и почти никогда  хором.
История его уходит корнями в эпоху Средневековья. Сам термин “романс”
зародился в средневековой Испании. В тот период истории появляется жанр
светских песен, обычно это были стихи известных поэтов эпохи романтизма,
положенные на музыку и передававшие глубокие переживания. К слову, на
сегодняшний день слова “романс” и "песня" тождественны во многих языках. Со
временем этот музыкальный жанр приобрел такую популярность, что одиночные
произведения стали объединять в целые вокальные циклы. Символично, что первый
подобный цикл создал гений мировой музыки и отец классики — Бетховен. Его
идею подхватили и продолжили не менее известные музыканты, такие как Брамс,
Шуман и Шуберт.
Родился композитор в Смоленской губернии в 1804 году. В окрестностях села очень
часто были слышны звоны колоколов и песнопения священников, поэтому Глинка
рано начал увлекаться музыкой. Но играть на музыкальных инструментах Михаил
Иванович начал уже в подростковом возрасте, когда понял, что музыка – его
призвание. В возрасте 14 лет решает поступать в петербургский пансион . Помимо
учебной деятельности в пансионе, Глинка берет уроки игры на фортепиано и
совершенствует свои навыки. А на выпускном вечере сыграл известный концерт
австрийского композитора Гуммеля, где его талант оценили все знакомые и
преподаватели. Глинка всю жизнь мечтал посетить Европу и в 1830 году
отправляется в долгожданное путешествие. Посетив несколько стран, он
познакомился со многими композиторами и музыкантами, в результате чего
приобрел бесценный опыт. Через 4 года Глинка возвращается домой и
останавливается в Петербурге. Его стали приглашать на поэтические вечера, под
руководством Жуковского, и там он знакомится ос многими писателями и поэтами
того времени. Его посещает мысль написать оперу «Иван Сусанин», и это принесло
композитору огромный успех. Первая русская большое произведение, написанное
Михаилом Ивановичем Глинкой – стало основным этапом зарождения русской
оперы.
В 1835 году он узаконил свои отношения с Марией Петровной Ивановой –
родственницей семьи Глинки. Но этот союз не оправдал надежд Михаила
Ивановича, и брак распался. В 1837 году Глинка хорошо общается с А.С.
Пушкиным, и он предлагает поэту написать оперу на его известное произведение «Руслан и Людмила». Через 5 лет вся работа была окончена и состоялась премьера
на которую приехал уважаемый и известный композитор Ф. Лист. Он был приятно
удивлен таланту русского музыканта и бесконечно восхищался оперой .Он
становится желанным гостем многих собраний и вечеров, которые проводили
деятели культуры. Там знакомится с уважаемыми людьми, а затем возглавляет
«Могучую кучку», куда входили известные писатели и композиторы .В 1856 году
решает уехать в Германию. Там он провел последние месяцы жизни.
Романс  Михаила Ивановича Глинки "Я помню чудное мгновенье" написан на стихи
Александра Сергеевича Пушкина и носит такое же название, что и знаменитое
произведение поэта, которое, как известно, он посвятил одной из петербуржских
красавиц  Анне Керн (Полторацкой), в которую влюбился с первого взгляда на
светском приеме в доме Елизаветы Олениной, княгини, тётки Анны. Произошло это
в 1819м году, когда Анна уже была замужем и имела дочь... К моменту второй
встречи с женщиной, поразившей его воображение, Пушкин всё ещё находился под
влиянием её чар, а она к тому времени уже разошлась со своим мужем. Именно
тогда, в 1825м году, и было создано знаменитое стихотворение, а в 1826м году
состоялось первое знакомство Анны Керн с Михаилом Ивановичем Глинкой.
 Романс М. Глинки построен таким образом, что каждая строфа, в соответствии с ее
литературным содержанием, имеет и свое музыкальное оформление. Форма
романса простая 3частная. Музыка  начинается с рассказа о былом – герой
вспоминает явление ему дивного образа ; музыка фортепианного вступления звучит
тихо, светло, словно мираж… Во 2 части (третья строфа стихотворения) Глинка
замечательно передает в музыке изображение «бурь порыв мятежный» : в
аккомпанементе само движение становится взволнованным, аккорды звучат как
учащенные удары пульса или вспышки молнии. Этот бурный эпизод сменяется – в
том же куплете (в той же строфе) – эпизодом, в котором слышится музыка  уже
затихая, издалека («…я забыл твой голос нежный…»).   Для передачи настроения
«глуши» и «мрака заточенья» Глинка тоже находит замечательное по
выразительности решение: аккомпанемент становится аккордовым, никаких бурных
пассажей, звучание «уныло/
 3 часть. Восторженная тема любви в романсе звучит страстно, словно «биение
сердца» . Романс Глинки являет собой пример того неразрывного единства поэзии и
музыки, при котором почти невозможно представить себе пушкинское
стихотворение без Глинкинской интонации. Поэтический бриллиант получил
достойную музыкальную оправу. Вряд ли найдется поэт, который не мечтал бы о
таком обрамлении своих творений
                                                         Зримая музыка
Водопьянова Т.М. «Мы   везде   ощутим   в   природе   музыку,   певучее
соответствие   ее   частей,   напевный   лад   всех
соотношений, одновременность тайнодействия
света и звука», писал поэт Валерий Брюсов
А философ Освальд Шпенглер считал: «Для музыки
зрение   и   слух   в   равной   мере   суть   только   мост   к
душе, не больше». Как слушать и понимать музыку
спрашивают   многие   начинающие   любители.   На
самом деле нет ни правил, ни единственно верного
ответа.   Каждый
  из   нас   создает   свой   образ
произведения, музыка превращает нас в соавторов,
заставляет творить, сопереживать, думать.
Видеть музыку в виде воображаемого фильма или
слайдов могут многие. Эту способность можно в
себе развить. Но это необязательно. Иногда
слушателя занимает выразительность тембров,
виртуозное преодоление технических трудностей
или особенности музыкальной формы.  Есть люди,
которым достаточно воспринимать произведение,
как смену  рисунков или геометрических фигур.
Другие наблюдают за процессом в цвете. Синопсия
цветное восприятие музыки  известно очень давно.
Об этом свойстве писали античные авторы. Ньютон,
Вагнер. Римский – Корсаков обладали цветным
слухом.
Александр Николаевич Скрябин  на заре XX века не
только   сочинил   «   Поэму   огня»   с   учетом   партии
цветового   пианино,   но   и   участвовал   в   его
техническом   создании.   Свое   впечатление   от
услышанной музыки,  Брюсов описывает с помощью
вполне   зримых   образов:   «Эта   встреча   навсегда
сохранится в моей душе, как видение ослепительной
музыкальности.
  Это   было   видение   поющих,
падающих лун. Музыкальных звездностей».
Легче всего « увидеть» музыку с говорящим
названием  « Утро в лесу», « Вечер в лесу». На
помощь придут сведения из музыкального словаря
мажор, минор. Светлым, мажорным, конечно,
должно быть утро. Особенности мелодии, темпа,
выбор фактуры, инструмента  помогут подтвердить
гипотезу. Даже « Утро» Грига, которое не имеет
других комментариев увидеть очень просто и
интересно. Норвежский пейзаж, где есть море, дюны,
смолистый запах сосен и встающее из – за вершин
солнце, вот образный строй этой удивительно
светлой и поэтичной зарисовки.
Эрнст Теодор Амадей Гофман в «Крейслериане»
пишет, о своем видении музыки  композиторов
классиков. Сравнивая музыку Себастьяна Баха  и
произведения старых итальянцев, он представляет
Зримая музыка картинки
Симфонический концерт, зал
« Поэма огня»  картинка
«Утро в лесу»
И. Бах  портрет Й. Гайдн  портрет
В. Моцарт  портрет
Л. Бетховен  портрет
Ж. Ватто «Отдых итальянцев»
Баха, как  Страсбургский собор,  а музыку вторых в
виде церкви святого Петра в Риме.
 Об основателе Венской симфонической школы
замечает: «В сочинениях Гайдна раскрывается
детски радостная душа. Его симфонии ведут нас в
необозримые зеленые рощи, в веселую, пеструю
толпу счастливых людей. Юноши и девушки
проносятся перед нами в хороводах; смеющиеся
дети прячутся за деревьями, за розовыми кустами,
шутливо перебрасываясь цветами. Жизнь, полная
любви, полная блаженств и вечной молодости».
«Моцарт вводит нас в глубины царства духов. Нами
овладевает страх, но без мучений, – это скорее
предчувствие бесконечного. Любовь и печаль звучат
в дивных голосах; ночь растворяется в ярком,
пурпурном сиянии, и невыразимое томление влечет
нас к образам, которые, ласково маня нас в свои
хороводы, летят сквозь облака в  вечном танце сфер
(симфония Моцарта в Esdur, известная под
названием «Лебединой песни»).
«Инструментальная музыка Бетховена также
открывает перед нами царство необъятного и
беспредельного. Огненные лучи пронизывают
глубокий мрак этого царства, и мы видим гигантские
тени, которые колеблются, поднимаясь и опускаясь,
все теснее обступают нас и, наконец, уничтожают
нас самих. Надежда и радость, стремятся
переполнить нашу грудь совершенным созвучием
всех страстей, – мы продолжаем жить и становимся
восторженными духовидцами».
Появление оркестра и масляных красок
происходило в одно и то же время. Струнные
инструменты представляли в созвучии оркестра
краски окружающей природы. Голубоватую зелень
Ватто  можно услышать в музыке у Моцарта и
Гайдна, коричневый тон голландцев – у Бетховена.
Деревянные духовые инструменты также создавали
впечатление световых далей. Наоборот, желтый и
красный цвета, краски близкого плана, популярные
оттенки, слышались в звуках медных духовых
инструментов. Тон старой скрипки воспринимался
совершенно бесплотым. Художники Чюрлёнис, Кандинский, Клее и
многие другие пытались выразить музыку, минуя
изображения музыкантов и инструментов,
рассматривая цвет и линию как выражение звука и
мелодии. Чюрлёнис показал в своих произведениях
возможность музыкального восприятия  в виде
ритмически красочных образов, чередующихся в
определенном  ритме и темпе.
Светящийся хаос, музыка,
тысяча солнц, море, хоры –
Все сплетается в одну симфонию.
Василий Кандинский   это один из представителей
русского авангарда и абстракционизма, теоретик
искусства. Еще в детстве он начал учиться музыке,
впоследствии неплохо играл на виолончели.
Посвящением музыке был альбом «Звуки», изданный
в Германии на немецком языке. Он содержит
гравюры и стихотворения в прозе, отличающиеся
образностью и эмоциональной выразительностью.
Наиболее известна книга Кандинского «О духовном
в искусстве».  В ней художник пытается найти
соответствие  между звучанием музыкальных
инструментов и цветами в живописи. Вот как он
чувствует параллели между музыкой Рихарда
Вагнера и собственным пейзажем: «Лоэнгрин»
показался мне полным осуществлением моей
сказочной Москвы. Скрипки, глубокие басы и
прежде всего духовые инструменты воплощали в
моем восприятии всю силу предвечернего часа,
мысленно я видел все мои краски, они стояли у меня
перед глазами. Бешеные, почти безумные линии
рисовались передо мной. Я не решался только
сказать себе, что Вагнер музыкально написал «мой
час».
Древнегреческому поэту Симониду Кеосскому
приписываются слова, повторяемые из века в век:
«Живопись – немая музыка». Пифагор и его
последователи пытались  представить  все, что
окружает человека на Земле огромному
музыкальному инструменту, а в древнегреческих
мистериях человеческий организм представлялся в
виде лиры. Несколько тысячелетий музыка играет
нам картины мира.
Тончайшие краски
Тончайшие краски
Не в ярких созвучьях,
А в еле заметных
Дрожаниях струн, –
В них зримы сиянья
Планет запредельных,
М. Чюрленис «Мосты»
В. Кандинский  «Этюд для осени»
«Космическая музыка» Пифагора
http://www.cityspb.ru/event
462317/0/
Зримая музыка Непознанных светов,
Невидимых лун.
И если в минуты
Глубокого чувства,
Мы смотрим безгласно
И любим без слов,
Мы видим, мы слышим,
Как светят нам солнца,
Как дышат нам блески
Нездешних миров. Константин Бальмонт
                                                  Водопьянова Т.М.
                                                    Урок музыки в 6 классе
                Инструментальный концерт. «Итальянский концерт».
http://yandex.ru/images/search?
p=3&text=скрипичный%20концерт
%20барокко&img_url=http%3A%2F
%2Fcontent.foto.mail.ru%2Fmail
%2Fbymerang12%2F_answers%2Fi
990.jpg&pos=97&uinfo=sw1366sh768ww1349
wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404320034077
Успокоились все. День кончался,
А под вечер вернулся поэт:
"Видно с музой скрипач обвенчался",
Вспоминал он скрипичный концерт.
Скрипку взял виртуоз. Зазвучала.
Лёгкость звуку даёт мастерство,
Эти звуки  блаженству начало,
В них гармонии всей торжество.
В звуках видел такие картины:
То  как капли живого дождя,
То  дубы, всех веков исполины,
Распускались, листвой шелестя.
То  вдруг, солнышко жизнь излучает,
А потом  запоёт соловей.
Только скрипку одну замечают
И смычок, что порхал всё быстрей.
Всем казалось, что скрипка ожила
И довольна своею судьбой.
Виртуозу давно отслужила
И смычок заиграл сам собой.
   Читаем в стихотворении, посвященном музыке
инструментального концерта. Его автор
Наталия Белостоцкая.
Жанр инструментального концерта ценят любители
серьёзной музыки. Замечательное симфоническое
http://yandex.ru/images/search?
p=4&text=скрипичный%20концерт
%20барокко&img_url=http%3A%2F
%2Fmusic.genebee.msu.su%2Fimages %2Fchamber.gif&pos=127&uinfo=sw1366sh768
ww1349wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404320038406
Афиша от барокко до джаза
http://festival.1september.ru/articles/609429/
Портрет Чайковского
Страдивари, лучше за работой
Антонио Вивальди  портрет
Сандро Боттичелли «Весна»
произведение плюс знаменитый солист; лучше не
придумаешь. Состязание в разработке темы,
виртуозные каденции, какая  то особенная атмосфера
приподнятости, праздничности, изыска. А если всё на
равных  и оркестр, и солист, то еще интереснее!
«Концерт,  говорится в музыкальном словаре,
публичное исполнение произведений по заранее
составленной «программе». У этого слова есть и
другое значение: так называется сочинение для какого
либо музыкального инструмента (или голоса) в
сопровождении оркестра. А вот почему оно так
называется? Слово это можно перевести как
«состязание»», Так как силе, мощи и блеску
симфонического оркестра противопоставляются талант
исполнителясолиста, его мастерство. Таким образом,
«Концерт для скрипки с оркестром»  это состязание
скрипача с симфоническим оркестром.
Вот что пишет о концерте Чайковский: «Тут есть две
равноправные силы, то есть могучий, неисчерпаемо
богатый красками оркестр, с которым борется и
которого побеждает (при условии талантливости
исполнителя) маленький, невзрачный, но сильный
духом соперник. В этой борьбе много поэзии и бездна
соблазнительных для композитора комбинаций»
Инструментальный концерт появился в то время, когда
в 17 веке стали создавать уникальные по своим
возможностям музыкальные инструменты. Создателем
скрипок, тайна которых не разгадана до сих пор, был
Антонио Страдивари. Он придавал своим скрипкам
разную форму, делая их длиннее и уже, то шире и
короче, то увеличивал, то уменьшал выпуклость дек,
его скрипки уже можно было различить среди тысячи
других. И звук у них был свободный и певучий, как
голос девушки утром на Кремонской площади.
Летящий неземной звук его творений до сих пор никто
не смог воспроизвести. Некоторые люди всерьез
утверждали, что дерево, из которого сделаны
несколько самых известных скрипок,  это обломки
Ноева ковчега.
Пожалуй, самым известным  и любимым во всем мире
считаются  четыре концерта  «Времен года» Антонио
Вивальди.
Тема времен года всегда была популярна в искусстве.
Что касается изобразительных искусств, то времена
года, точнее характерные для данного месяца работы,
изображались в самых разных жанрах  от скульптуры в
порталах готических соборов до графики. В живописи
 это знаменитая картина Сандро Боттичелли «Весна»
или «Царство Флоры». Посреди цветущего луга стоит
Венера. Она представлена здесь иначе, чем это делали античные мастера: она изображена в виде нарядной
девушки.
Поэтические программы, раскрытые в четырех сонетах,
интересны для нас тем, что как бы подтверждают
авторским словом общие впечатления от образности
искусства Вивальди и ее возможного выражения в
главном для него жанре концерта. В концерте «Весна»
из « Времен года» Вивальди программа первой части
раскрывает содержание: «Пришла весна, и веселые
птички приветствуют ее своим пением, и ручейки
бегут, журча. Небо покрывается темными тучами,
молнии и гром тоже весну возвещают. И вновь
возвращаются птички к своим сладостным песням».
Светлая, сильная, аккордовоплясовая музыкальная
тема  определяет эмоциональный тонус всей части.
Концертирующие скрипки подражают пению птичек.
  Новый эпизод  короткая весенняя гроза. И опять
возвращается главная тема «Пришла весна». Музыке
медленной  части из концерта "Весна" соответствуют
следующие строки сонета: «На цветущей лужайке, под
шелест дубрав, спит козий пастушок с верной собакой
рядом». Для финала Вивальди пишет следующее
пояснение: « Под звуки пастушьей волынки танцуют
нимфы». Легкое движение, танцевальные ритмы,
стилизация народного инструмента».
В каждом концерте из «Времен года» медленная часть
выделяется спокойной картинностью после
динамичного Allegro: картина томления природы и
всего живого в летнюю жару; спокойный сон поселян
после осеннего праздника урожая; «хорошо сидеть у
камелька и слушать, как за стеной дождь бьет в окно»
когда свирепеет ледяной зимний ветер. Финалом
«Лета» становится картина бури, финалом «Осени»
«Охота».
Прошло много лет, и Гайдн уже на ином этапе развития
музыкального искусства воплотил тему "времен года" в
монументальной оратории. Поэтические картинны
сюжета Вивальди, привлекли также и творческое
внимание Гайдна: и у него есть картина бури и грозы в
"Лете", "Праздник урожая" и "Охота" в "Осени",
контрасты трудной зимней дороги и домашнего уюта в
"Зиме".
Распространяясь по Европе, концерты Вивальди
оказали плодотворное влияние на многих
композиторов, послужили для современников
образцами концертного жанра вообще. Так, концерт
для клавира сложился под несомненным
художественным воздействием скрипичного концерта,
что наилучшим образом может быть прослежено на
примере Баха.
Д. Арчимбольдо «Весна»
http://www.proza.ru/2012/07/13/434
Пастораль
«Роскошный часослов герцога
Беррийского»  на выбор
Й. Гайдн  портрет
И. С. Бах   портрет Новый для клавирной музыки жанр концерта,
создателем которого справедливо считается И.С. Бах,
возник на основе переложений для клавира
итальянских скрипичных концертов, в первую очередь
– Вивальди. Интересно, что почти все баховские
клавирные концерты первоначально были созданы как
скрипичные, а уже затем переложены  им для клавира.
Главным итогом исканий композитора в этой области
явился «Итальянский концерт», созданный в 1735 году.
Это название, данное самим Бахом, указывает на
происхождение концертного жанра, родиной которого
была Италия. Композиция опирается на традиции
концертов Вивальди – это трехчастный цикл с
быстрыми, действенными крайними частями и
лирической, медленной средней частью.
Музыкальный стиль и основное настроение
«Итальянского концерта» определяет его начальная
тема – энергичная и жизнерадостная. Влияние
полифонического мышления обнаруживается и в
дальнейшем развитии темы. После изложения
начального «ядра» темы, характерные интонации
«растворяются» в общих формах движения. Музыка
приобретает текучесть, свойственную полифоническим
формам. Во II части концерта на смену действенности
приходит созерцание. Это лирическая   медленная
часть. Тема, звучащая в верхнем, «флейтовом»
наделена чертами импровизационности.
Многочисленные синкопы, ритмическая свобода,
придают музыке текучесть.
Музыка финала вызывает ассоциации с картиной
народного праздника. Она воплощает не
индивидуальные чувства, а общее настроение
праздничного веселья. Общие контуры формы,
тональный план в крайних частях «Итальянского
концерта» сходны. В финале тоже есть вторая,
«побочная» тема, которая проходит в экспозиции в
главной тональности. Как и в I части, периодическое
возвращение основной темы вносит в композицию
черты рондо.
Вопрос:
 Как вы понимаете термин барокко?
Ответ:
Барокко – это один  из самых красивых и изысканных
стилей в искусстве. Предположительно происходит от
португальского выражения  – жемчужина причудливой
формы. И в самом деле, барокко – это жемчужина в
цепи меняющихся художественных ценностей в
живописи, архитектуре, скульптуре, литературе,
музыке.
Вопрос: Какие существуют жанры инструментальной
А. Вивальди – портрет 2
http://yandex.ru/images/search?text=музыкальный
%20концерт%20в
%2017%20веке&pin=1&uinfo=sw1366sh768
ww1349wh641pd1wp16x9_1366x768
Концерт барочной музыки
ПАУЗА
ПАУЗА музыки?
Ответ:    Жанр симфонии, концерта, увертюры, сонаты,
сюиты…
В  концертной судьбе любого концерта огромную роль
играет личность исполнителя. Вдохнуть жизнь в
произведение под силу только музыканту   виртуозу.
«Когда думаю о «Виртуозах…», сразу возникает
детская улыбка Владимира Спивакова и игривая
музыка в исполнении его коллектива.   Как передать
звучание скрипки, ее нежность, взлеты и падение, ее
переливы, невообразимую виртуозность божественное
звучание скрипки в скрипичном концерте П.И.
Чайковского?  Кажется, от этих звуков рвется не
только душа  струны не выдержат такого
напряжения…. меркнет: – угасала люстра. Потом
закрыли двери всех проходов. Вот она та тишина,
которая потрясает: при таком количестве народа – ни
звука. Медленно поползли в разные стороны части
занавеса. Раздались рукоплескания, на сцене уже были
музыканты, они легко, с достоинством улыбаясь,
раскланивались. Ждали Маэстро. Что за звуки! Как
передать это волшебство! Красивая мелодия легкая,
как ветерок, прокатывалась по залу, казалось вместе с
шумом листьев, затем, весело взметнувшись, полетела
вверх, снова опустилась, опять взлетела, а маэстро то
хитро улыбался, то, как бы с удивлением вглядывался
в своих же музыкантов, как будто видел их впервые. А
потом резко выбрасывал руки и музыка, в очередной
раз, словно вспархивала, как птица. А потом раз! И
замолчала…»   Вспоминает Эдуард Шульман.
…Трепет звёзд  в скрипичном ключе.
   Он работает как ожог
    Бог, играющий на луче.
    Он читает огонь с листа…
Инструментальный ансамбль
https://www.google.ru/search?q=скрипичный
%20концерт
%20барокко&gws_rd=ssl&tbm=isch#newwindow=
1&q=%D1%81%D0%BA
%D1%80%D0%B8%D0%BF
%D0%B8%D1%87%D0%BD%D1%8B%D0%B9+
%D0%BA%D0%BE%D0%BD
%D1%86%D0%B5%D1%80%D1%82+
%D0%B8%D1%88%D1%80%D0%B0%D1%8E
%D1%82+
%D0%B2%D0%B8%D1%80%D1%82%D1%83%D
0%BE%D0%B7%D1%8B+%D0%BC%D0%BE
%D1%81%D0%BA
%D0%B2%D1%8B&tbm=isch&facrc=_&imgdii=_
&imgrc=eIgQeSx_Aj9HsM%253A
%3BiZ8Kb2ImSkGqlM%3Bhttp%253A%252F
%252Fstatic.diary.ru%252Fuserdir
%252F3%252F0%252F8%252F9%252F30895%252
F80563610.jpg%3Bhttp%253A%252F
%252Fwww.diary.ru%252F~orenjiiro%252F
%253Ffrom%253D40%3B450%3B300
Виртуозы Москвы
Играют скрипичный концерт
                                                           Водопьянова Т.М.
                                                      Урок музыки в 7 классе
                                                   Классика и современность
Если бы жители других планет смогли
судить о культуре мыслей и чувств
современного человечества по
расшифрованным им радиосигналам,
«снятым» с произвольно выбранной
точки земли, то возможно он пришел бы
к весьма  неутешительным выводам. Мы
постоянно сталкиваемся с ним в быту:
дома, в школе, на улице, магазинах и
прочих общественных местах. Речь идет
Музыкальное шоу - фото о привычном звучании в записи
«фоновой» развлекательной музыки.
Такая музыка звучит практически
круглосуточно, ее слышно из машин,
динамиков магазинов и торгово-
развлекательных центров, она
назойливо сопровождает нас в поезде и
автобусе и т. п. Она стала настолько
привычной, что многим ее порой не
хватает. Большую часть составляет
музыка в записи. «Живое» звучание – в
концертном зале, музыкальном театре
резко уступает  количеству музыки,
звучащей из плеера, компьютера,
динамика, телевизора. К сожалению,
формирование музыкальных
пристрастий в наше время формируется
под воздействием TV, Интернета. На
центральных каналах Российских
вещательных каналов почти совсем
исчезли трансляции оперы, балета,
симфонические концерты. Классическая
музыка, которая прежде постоянно
звучала из динамиков, очень мало
знакома детям и их родителям.
Крупнейший американский
музыкальный критик Алекс Росс,
главный музыкальный обозреватель
журнала «Нью-Йоркер», написал
несколько лет назад статью, которая
вызвала большой скандал.
Она называлась «Я ненавижу
классическую музыку». Речь там шла
как раз о том, что сам этот термин
потерял смысл. «Я ненавижу
классическую музыку, — начинается
статья. — Нет, не вещь, которая так
называется, но само это
название. Потому что это название
отправляет великое, упорно и упрямо
живучее искусство в раздел парковых
аттракционов, посвященных
прошлому. Это название полностью
отрицает возможность создавать
сегодня музыку, достойную
бетховенского духа. Это название
изгоняет в Ничто работу тысяч
прекрасных композиторов, которые
должны стесняясь
говорить, чем они зарабатывают себе на
хлеб.
Существует теория, что классическая
музыка увеличивает работоспособность.
Но то, что эта музыка примиряет вас с
внешним миром, что она вас
успокаивает и дает надежду в самый
Алекс Росс - фото Симфонический оркестр - фото
Радио «Орфей»   - фото
трудный час — это точно.
Классикой называют такие
произведения искусства, которые
являются лучшими, продолжают
волновать многие поколения людей.
Классическим называют античное
искусство (искусство Древней Греции и
Древнего Рима), а также искусство
эпохи Возрождения и классицизма.
Понятие классическая музыка
применяется к творчеству величайших
композиторов мира. Классическими
могут быть как произведения,
созданные в далёком прошлом, так и
современные. Классика часто
противопоставляется новым течениям в
искусстве, которые ещё не прошли
проверку временем. Нередко
современники ошибаются в оценке
музыкальных произведений. Многие
произведения, не получившие
признания при жизни авторов,
впоследствии вошли в золотой фонд
мировой музыки. Классическая музыка
создавалась на правилах и традициях
европейского музыкального искусства.
«Классический» (от латинского classicus)
в переводе на русский язык значит
«образцовый», «первоклассный».
Средства музыкальной
выразительности, такие как лад, ритм,
темп, тембр, динамика, интонация,
гармония, фактура используются
композитором в соответствии
сообразным строем произведения, его
стилевыми и жанровыми особенностями.
Где мы можем услышать классическую
музыку? Человек включает радио и
сразу слышит «мое — не мое». В Москве
есть радиостанция, которая
называется «Орфей». Ей через год 20
лет.
Радиостанция «Орфей»  доступна
многим
любителям классической музыки. У
этого радио есть своя аудитория.
Слушая музыку на этом канале можно
прекрасно отдохнуть, погрузиться в
этот дивный мир, который бесконечен, и
никогда тебя не подведет — и на время
забыть о кризисе, о политике, об
инфляции, о ценах и даже пострадать —
под музыку Шуберта, Брамса,
Шумана, а также подправить свою
образованность. Конечно, нужны яркие,
разговорные программы о музыке и Группа Emerson, Lake & Palmer
(сокращённо ELP) - фото
Исполнители фольклора - фото
Церковный хор - фото
Джазовый концерт - фото
музыкантах. Очень интересные
программы делает Михаил Казиник.
Есть хорошие примеры современных
поп, рок и прочих музыкантов, которые
вставляют в свой репертуар обработки
"классических" произведений. Это
самый действенный метод пропаганды
"классической" музыки. Музыка, в
полной мере использующая
современный уровень развития
музыкального языка. В этом смысле
Мусоргский - современник не Кюи и
Серова, а Дебюсси и Прокофьева (а то и
еще попозже) , современник той стадии
развития музыки, когда его наиболее
смелые идеи стали всеобщим
достоянием. Когда возникло
представление о том, что не вся вновь
написанная музыка современна, что
музыка может устареть сразу после
своего рождения, никто не знает.
Народная музыка -  вобрала в себя
многовековую народную традицию.
Интонационный строй этой музыки
является  языком души народа, а
лучшие исполнители из поколения в
поколение передают своеобразие,
характер и манеру звукоизвлечения,
живого интонирования ментальной
памяти своего народа. В классической
музыке используются народные напевы,
способы развития, присущие
фольклорной традиции.
Духовная музыка – обращает человека к
вечным темам мировых религий.
Хоровое пение православной церкви или
органная музыка европейских
концессий возвышает и очищает
слушателя. Строгие каноны духовной
музыки выверены тысячелетиями, в них
нет места
 пошлости  и развлекательной
легковесности. Звучание музыки в
храме может потрясти до глубины души
и даже способно изменить жизнь
человека.
Джаз – привлекает интеллектуальный
слой городской интеллигенции. Больше
всего его приверженцев среди
интеллектуалов, так как слушание
требует определенной
сосредоточенности и внимания,
эмоционального отклика и даже
соучастия в исполнении. Особенности
джаза – импровизация, часто
нескольких музыкантов одновременно, Фестиваль авторской песни- фото
Рок – концерт - фото
свобода ритма, своеобразная игра со
средствами музыкальной
выразительности - активно
воспринимаются продвинутыми
слушателями.  Во время   джазовой
композиции слушатель  становится
музыкальным попутчиком исполнителя,
соучастником « сейшена».
Авторская песня – объединяет наиболее
думающую и романтическую  часть
аудитории, способную воспринять
сложные, философские тексты,
положенные на аккомпанемент гитары.
Поэзия общения у костра, в походе, в
экспедиции имеет своих приверженцев.
Традиции клубов самодеятельной песни,
бардовских фестивалей существуют
десятилетия и продолжаются  в наши
дни. Шансон в нашей стране- это способ
рассказать о непростой судьбе многих
соотечественников.
Рок музыка - просто музыкальное
направление, это молодежная культура,
средство общения молодежи.  Рок
музыка привлекает необычностью
звучания электрогитар и барабанов,
особой манерой пения, креативностью
текстов. Большую роль играет внешний
антураж – костюмы, прически,
атмосфера концертов т фестивалей. Рок
- музыканты эмоциональны,
импульсивны, откровенны, не боятся
обидеть и шокировать. Расцвет рок –
музыки пришелся на конец XX века. Но и
теперь есть фанаты и глубокие знатоки
этого стиля, которые чаще всего любят
какую либо группу или направление.
Возникновение и развитие поп-рока (в
начале 1960-х 1970-х годов на Западе; в
конце 1980-х годов в отечественной
музыке), как правило, связано с
активной коммерческой составляющей
рок музыки),Существует множество
стилевых разновидностей рока:
Альтернативый рок, гранж, индастриэл,
брит-поп, сайкобилли, а также
различного рода стилевые синтезы.Поп–
рок ,Фолк – рок,Джаз –рок. Современные
формы джаз-рока более известны как
фьюжн. Арт – рок, симфо-рок , техно-рок
, барокко-рок,электронный рок.
 Хард рок (энергичный, жесткий ритм-н-
блюз, отличавшийся также особым
саундом «перегруженных»
электрогитар с искаженным звуком. В
1990-е годы возродился в виде движения хард-энд-хэви.
Панк – рок, для которого характерны
грязное звучание плохих инструментов,
выразительный минимализм, не
связываемый цензурой текстовой
эпатаж и вызывающий имидж (рваная,
грязная одежда; неряшливая прическа.
Альтернативной музыкой или
альтернативой называют совокупность
течений, существовавших
приблизительно с 1985 по 1995г.
На рубеже 70-80-х гг. возникло новое
явление современной культуры - рейв
(rave
-«восторгаться»,«бредить»,«неистовств
овать»).
Жанр рок-оперы объединил в себе
черты рока и классической музыки.
Однако в основе рок-оперы – рок-
музыка. Её стилистика восходит к
различным направлениям рока (что
совершенно не исключает
заимствований из классической музыки,
джаза и т.д.)
Музыка тех кто умеет любить,
Музыка тех кто умеет прощать,
Музыка тех, кто умеет забыть,
Но музыка тех, кто не может смолчать!
Музыка тех, кто «отдал душу ветру»,
Музыка крыш и музыка слов,
Музыка струн, разлетевших по свету,
Музыка – Рок, что тревожит богов!
Хип-хоп культура, культура - рожденная
на улицах больших городов, среди
высотных домов, многочисленных
заводов рабочих кварталов, шумящих
автотрасс и прочего пейзажа
современного города. Хип-хоп - это
стиль жизни тысяч молодых людей
нового поколения, носящих широкие
штаны и шапку в любое время года,
танцующих брейк-данс на улице,
рисующих граффити, увлекающихся
экстремальным спортом, катающихся на
агрессивных роликах и сноубордах.
Местом рождения брейк-данса
считается Нью-Йорк. Джеймс Браун,
один из первых брейкеров, исполнявших
свои хиты, потихоньку приплясывал. Вот
это приплясывание и положило начало
нового направлению музыка. Позже
была разработана методика тренировок,
в основу которых были положены
элементы акробатики, народных танцев,
афро-бразильскую борьбу и приемы
китайского кунг-фу.
Рок – концерт – фото - 2
Хип – хоперы - фото Рэпер - фото
Ди- джей - фото
Исполнители эстрадной песни -
фото
Рэп появился благодаря одному ди-
джейскому приему - незамысловатого
наложения на уже имеющуюся чужую
фонограмму. Рэп изначально
существовал, как танцевальная музыка.
Можно сказать, что в наше время
большинство тинэйджеров причисляют
себя к почитателям рэпа, многие
пытаются писать и читать свои  тексты.
В них слышится отклик молодежи на
проблемы сегодняшней жизни. Это
тексты о любви, взаимоотношениях в
среде сверстников, о политике,
коррупции. Можно сказать, что рэп
занял нишу, которая в конце прошлого
века принадлежала року. Однако, с
музыкальной точки зрения, потерял
много сточки зрения мелодии гармонии
живого звучания и  драйва.
Они видали то, чего не всякий видел,
И побеждали там где каждый и не смог,
И зажигают перед толпами народа,
И тот мыслью стать рэпером продрог.
Став жителем и уличных дорог,
И тратуаров, и подъездов, и сугробов,
Тот человек на битве побеждает,
И пальцем давит всяких разных снобов.
Пишет Иван Евсеев
Появление Техно положило конец
делению музыки на направления.
Музыканты стали широко использовать
в трэках звуки, позаимствованные из
других композиций, запустив целую
волну обработки чего угодно, но в Техно
звучании. Внешне Техно проявляется в
особой небрежности, свойственной
обитателям студенческих общежитий.
Драные джинсы-клеш, растянутые
свитеры больших размеров, длинные
слипшиеся волосы, козлиная бородка,
тяжелые военные или туристические
ботинки, татуировки. Этот стиль сильно
полюбился российской молодёжи.
Популярная музыка - это музыка
действительно пользуется  наибольшей
популярностью у людей самого разного
возраста. Она не сложна по
содержанию, доступна для любителей.
Поп-музыка - современная эстрадная
музыка (попса), возникла как реакция на
усложнение популярной музыки, она
адресована молодежи. В ее сочинении
часто используются определенные
стандарты, зачастую она ориентируется на усредненный вкус. К
сожалению, большая эстрада XX века,
представителями которой были великие
зарубежные и отечественные
исполнители, звезды мировой эстрады,
осталась в прошлом. Коммерческая
основа современного шоу – бизнеса
накладывает негативный отпечаток на
качество музыки, которая поставлена на
поток огромной индустрией.
Современная  молодежная музыка
пользуется в подростковой среде
широкой популярностью, в то время как
классическая, народная и современная
академическая музыка, а также
произведения джаза и рок-музыки,
несущие определенную смысловую
нагрузку, остаются за пределами
внимания подростков.
Но нужно помнить о том, что  «среди
негативных последствий, к которым
приводит неконтролируемое
прослушивание музыки с навязчивым
ритмом и повышенной громкостью:
снижение и потеря слуха, гипертония,
галлюцинации, агрессивность, ярость,
депрессия, страхи, состояние транса
различной глубины, склонность к
самоубийству. Под воздействием такой
музыки усиливается токсичное
воздействие наркотиков и алкоголя, а
дозы принимаемых стимуляторов
возрастают. Может возникать
определенная  зависимость,  сродни
наркотической  и от самого слушания
громкой,  ритмичной музыки»
Развлекательная музыка, как правило,
подчиняется зыбким законам
скоропреходящей моды. Жизнь даже
самых удачных  песен измеряется
годом, чаще месяцами, а нередко и
неделями. Эти песни быстро
приедаются, перестают развлекать и
вызывают потребность в чем-то более
развлекательном, а потом еще в более
развлекательном и т. д. - до
бесконечности...
Современная музыкальная культура
весьма многолика. Она отражает  собой
состояние общества,
характеризующееся множественностью
жизненных стилей. Современная
молодежь  стремиться к
самореализации, что и приводит к
разрастанию молодежных субкультур.
Выбор той или иной субкультуры
Современные подростки - фото
Подросток с плеером - фото
«Золотой граммофон» - фото
Молодежь на улице большого
города - фото обеспечивает молодому человеку
приобщение  к ее ценностями и
помогает приобрести определенный
статус в группе сверстников. Это
является важным звеном врастания
молодого человека в сложную структуру
современного общества. Однако в
условиях глобальной
распространенности массовой культуры
и возникновении новых форм
художественной коммуникации
(телевидение, компьютерные диски,
Интернет - сайты, радио, музыка
мобильных телефонов) возрастает роль
развлекательной звуковой продукции в
социализирующем процессе. С этим
звуковым миром сталкивается
современный человек при поиске новых
социальных связей и контактов
 Каждое поколение сильно отделено от
музыкального мира своих детей, так как
предпочитают музыку своего времени.
Взрослые часто запрещают подросткам
открыто слушать современную музыку,
отчего те постоянно прослушивают ее
через наушники, что снижает качество и
усугубляет вредное воздействие. В
течение последнего десятилетия XX
века в нашей стране формируется
система  шоу бизнеса с частными
студиями звукозаписи, продюсерскими
центрами, музыкальными
радиостанциями и музыкальными
каналами телевидения. Большую
популярность приобретают Интернет-
клубы, особый интерес представляет
наличие  музыки в социальных сетях. В
современных условиях, благодаря
развитию музыкальной индустрии,
ориентация подростков в области
музыки формируется, главным образом,
под воздействием средств массовой
информации (телевидение, радио,
печать) и общения со сверстниками.
Подлинное, глубокое искусство
неподвластно веяниям моды, оно
способно жить века, обогащая духовный
мир человечества и не проявляя
признаков старения, как живут великие
творения Баха, Моцарта, Бетховена,
Чайковского
Компьютерный клуб - фото
Концерт в филармонии - фото
                                                            Водопьянова Т.М. Урок музыки в 6 классе
«Симфоническое  развитие музыкальных образов. «В печали  весел, а в веселье печален».
Связь времен».
Портрет Моцарта
http://avto24.su/main/11936
FORTEPIANOMUZIKASKAChAT
BESPLA
Музыка ангелов
Моцарт за клавесином
Симфонический оркестр
 «Вечный солнечный свет в музыке, имя тебе «Моцарт»,−
восклицал Антон Григорьевич Рубинштейн в своей книге
«Музыка и ее представители». Карл Барт замечает: «Не знаю, в
самом ли деле ангелы в присутствии Бога играют лишь Баха; но
я уверен, что в своем домашнем кругу они играют Моцарта».
В музыке Моцарта преобладают жизнерадостные тона, ясная,
неомраченная лирика; вместе с тем она содержит немало сцен,
насыщенных смятением и драматизмом: «Моцарт.  Это значит,
что у мира есть смысл и смысл этот ощутим для нас в своем
подобии – в музыке»
                                       (Считал Генрих Гессе)
Случалось, что Моцарт, возвратясь домой после утомительного
концерта, немедленно садился за рояль и продолжал свои
импровизации до глубокой ночи. Моцарт весь превращался в
чувство и созвучия, и изпод его пальцев вытекали чудные
мелодии. Только тот, кто слышал Моцарта в эти часы, мог
познать всю глубину и величину его музыкального гения;
свободный и ничем не стесненный дух его смелым полетом.
 Известно, что три его лучших симфонии написаны менее чем в
два месяца: 26го июня симфония № 39,25 июля – симфония №
40; симфония № 41 – 25 августа 1788 года.
Эти месяцы были очень трудными в жизни композитора. Семье
буквально грозил голод. Моцарт пишет друзьям, меценатам,
умоляет помочь ему, дать денег хотя бы на короткий срок. И в
это жестокое время  такая удивительная Симфония! В ней
душа Моцарта, его печаль:
«Отзовись! Отзовись! Отзовись же!
Я к Тебе свой полёт направляю.
Это жизнь.
                 Это жизнь!
                                 Ближе.
                                                 Ближе!
Прорываюсь меж адом и раем.
Озарён любовью страстной,
Окрылён Твоим  знаменьем,
Боже! В этом мире горести и безмерных слёз
К Тебе
           душой
                         стремлюсь!
                                                Стремлюсь!
                                                                    Стремлюсь!» (Так пропела основную мелодию Юнона Таранова)
Симфония соль минор – поэма скорби. Она приобрела большую
популярность благодаря необычайно искренней музыке,
понятной самому широкому кругу слушателей. В мечтательной
второй части голоса струнных тесно сплетаются – как в
любовных дуэтах из итальянских опер того времени.
Знаменитый драматический менуэт сменяется церемонным
трио., в духе его страстной и порывистой «Прощальной»
симфонии Гайдна. Как и другие его инструментальные
произведения, симфония № 40 тесно смыкается с эстетикой
театра. Темы симфонии, словно с любовью обрисованные
персонажи, которые живут, любят и страдают, а каждая из
четырех частей подобна акту оперной постановки. Зловещая
музыка роковых тем вторгается в каждую из частей, внося
смятение и трепет. В получасовой симфонии проносится целая
человеческая жизнь с ее взлетами и падениями, накопленной
мудростью и наивностью, твердостью духа и немощью, верой и
сомнением.
Первая часть начинается как бы с полуслова: взволнованной,
прерывистой, словно чутьчуть задыхающейся мелодией
скрипок. Глубоко выразительная, искренняя, как будто
молящая, мелодия — главная партия сонатного аллегро —
родственна арии Керубино из оперы « Свадьба Фигаро».
Побочная тема исполнена меланхолии, лиризма, в ней и
мечтательность, и покорность, и тихая грусть. В I части
завязка конфликта. Первый этап развития драмы. Показан
сложный душевный мир героя, драматизм жизни.
Во второй части господствует мягкое, спокойносозерцательное
настроение. Музыка погружается во внутренний мир человека.
Показан напряженный поиск гармонии жизни. Альты с их
своеобразным, чуть придушенным тембром запевают ласковую
мелодию — главную тему. Ее подхватывают скрипки.
Третья часть — менуэт. Но не жеманный или изысканный
придворный танец. В нем проступают черты маршевости, хотя и
свободно претворенной в трехдольном танцевальном ритме.
Только в трио, появляются прозрачные пасторальные звучания
с мягкой перекличкой струнных и деревянных инструментов.
Развитие переходит в сферу размышления. Мир поэзии,
прекрасного (природа, душа).
Стремительный финал лишен обычной для заключительных
частей классических симфоний жизнерадостности. Он
продолжает временно прервавшееся драматическое развитие.
Тревога, волнение, захватывают и репризу финала. Слышится
возвращение драматических
образов I части. Готовность человеческого духа к борьбе. Лишь
заключительные такты симфонии приносят утверждение
Итак, основное содержание симфонии – это трагическое
Ноты Симфонии № 40 В.
Моцарта,
Фильм «Амадей»
http://yandex.ru/images/search?
p=3&text=фильм%20амадей
%20моцарт&img_url=http%3A%2F
%2Fimg1.iol.it%2Fcinema%2Ffoto
%2F17996%2Famadeus_mini.jpg&pos
=117&uinfo=sw1366sh768ww
1349wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
411318633
«Вертер» Гете
http://yandex.ru/images/search?
text=вертер%20гете&uinfo=sw1366
sh768ww1349wh641pd1wp
16x9_1366x768
http://yandex.ru/images/search?
text=вертер%20гете&img_url=http
%3A%2F%2Fwww.siue.edu
%2FCOSTUMES%2Fimages
%2FPLATE75B.JPG&pos=5&uinfo=s
w1366sh768ww1349wh641pd1
wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
408772827 История Вертера
и Лотты
http://yandex.ru/images/search?
text=МЕНУЕТ&img_url=http%3A
%2F%2Fcontent.foto.mail.ru%2Fmail
%2Fvdv_alchevsk%2F_answers%2Fi
15629.jpg&pos=4&uinfo=sw1366sh
768ww1349wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
409111743
Менуэт
http://yandex.ru/images/search?
text=вертер%20гете&img_url=http
%3A%2F%2Fwww.belcanto.ru
%2Fmedia%2Fimages%2Fpublication
%2F14011404.jpg&pos=16&uinfo=sw
1366sh768ww1349wh641pd1
wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
408772827
"Уже написан Вертер...» http://yandex.ru/images/search?
p=2&text=моцарт%20и
%20сальери&img_url=http%3A%2F
%2Fwww.kinoteatr.ru%2Facter
%2Fphoto
%2F7%2F8%2F3987%2Fsm_191330.j
pg&pos=67&uinfo=sw1366sh768
ww1349wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
411014596
Моцарт и Сальери
костюмы 18 века
Франция
http://yandex.ru/images/search?
text=костюмы%2018%20века
%20франция&img_url=http%3A%2F
%2Fwww.americanrevolution.org
%2Fclothing
%2Ffrenchfashion2.jpg&pos=27&uinfo
=sw1366sh768ww1349wh641
pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
411118665
Чайковский – портрет
осознание несовершенства мира. Жизненные конфликты
воспринимаются как неразрешимые. Напряженные поиски
ясности, гармонии – безрезультатны.
Юрий Левитанский  посвятил Симфонии такие стихи:
«Есть в музыке такая неземная,
как бы не здесь рожденная печаль,
которую ни скрипка, ни рояль
до основанья вычерпать не могут.
И арфы сладкозвучная струна
или органа трепетные трубы
для той печали слишком, что ли, грубы
для той безмерной скорби неземной.
И вот тогда, с подоблачных высот,
той капельки владетель и хранитель,
нисходит инопланетянин Моцарт
и нам бокал с улыбкой подает:
и можно до последнего глотка
испить ее, всю горечь той печали,
чтоб чуя уже холод за плечами,
вдруг удивиться  как она сладка!»
В  музыке Моцарта  редко слышатся страсти, но она
проникнута чувством, глубокой поэзией, полна
жизнерадостности и веселья. В ней нет сентиментальности, но в
каждой ноте сияет любовь и красота. В ней, пожалуй,
отразилась несколько "манерность" того времени: "Это было
время утонченности и чопорности во всем: в обращении, в
разговоре, в костюме. Мужчины носили напудренный парик с
косичкой сзади, кружевное жабо, кружевные манжеты, шитый
фрак, чулки, башмаки; дамы носили прическу вроде башни,
ходили в фижмах, в которых нельзя было повернуться. Танцы
были медленные, с глубокими поклонами или
подпрыгиванием". Но манерность эта  только во внешней
форме его музыки, в тонкой отделке, в поэтической грации. В
музыке его нет ничего грубого, пошлого; душа его какою была в
жизни, такою же вылилась и в его творениях; « за что ни брался
Моцарт, из всего у него выходили жемчужины».
По словам Чайковского, он «узнал, что такое музыка»
благодаря произведениям Вольфганга Амадея Моцарта. Он
вспоминал, что испытывал «святой восторг», когда дома в
детстве слушал механический орган, игравший фрагменты «Дон
Жуана». На последнем в своей жизни концерте 16 октября 1893
года, где впервые прозвучала Шестая симфония, Чайковский
продирижировал сделанной им в 1889 году редакцией двух
танцев из оперы «Идоменей». Музыкальнокритические статьи,
письма и дневниковые записи Чайковского исполнены
восхищенных слов по поводу моцартовских сочинений. В
дневнике за 1886 год композитор записал: «Моцарт есть
высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в
сфере музыки». В 1875 году Чайковский перевел с
итальянского на русский либретто оперы «Свадьба Фигаро» и сделал новую редакцию ее речитативов, в 1893 году написал
вокальный квартет «Ночь» на собственный поэтический текст, в
котором использовал фрагмент моцартовской фортепианной
Фантазии до минор.
«По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая,
кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере
музыки»,  писал  Петр Ильич Чайковский Своего рода
приношением любимому композитору стала оркестровая сюита
«Моцартиана», написанная летом 1887 года. Сюита включает
четыре произведения Моцарта в инструментовке Чайковского:
первая часть — Маленькая жига для клавира,
вторая — Менуэт для клавира,
третья — мотет Ave Verum Corpus для хора, струнных
инструментов и органа,
четвертая — Десять вариаций для клавира на тему из оперы
Глюка.
В XIX веке «Моцартиана» стала первым симфоническим
циклом, полностью состоящим из заимствованных пьес. Желая
подчеркнуть новизну замысла, Чайковский предпослал своему
новому сочинению предисловие, в котором объяснил, что цель
создания сюиты — «дать новый повод к более частому
исполнению этих жемчужин музыкального творчества». Идею
«Моцартианы» Чайковский определил как «старина в
современной обработке» и потому в манере инструментовки не
следовал приемам оркестрового письма Моцарта, предложив
взгляд художника нового времени на музыку вековой давности.
Если бы Моцарт  вёл дневник, мы узнали бы о его встречах,
путешествиях, поступках, проблемах и многом другом. Слова
самого Моцарта красноречиво рассказывают о нем:
«Достичь небес – это нечто прекрасное и возвышенное, но и на
милой земле несравненно прекрасна жизнь! Поэтому оставьте
нас быть людьми».
Не случайно, образ автора 40 Симфонии привлекает к себе и в
XX веке. «Моцарт  это молодость музыки, вечно юный родник,
несущий человечеству радость весеннего обновления и
душевной гармонии», считал Дмитрий Шостакович. А великий
физик современности, Альберт Эйнштейн, который сам любил
играть произведения композитора, заключает: «В музыке
Моцарта можно увидеть всю Вселенную»

Музыка этого гениального композитора обладает
универсальной по спектру воздействия на человека исцеляющей
энергетикой. Каковы же «секретные механизмы»
общепризнанного уникального лечебного эффекта именно этой
музыки? Музыка Моцарта гениально проста, чиста, светла,
солнечна, искренна. Не случайно ее автора во всем мире
называют “солнечным” композитором. Кстати, большинство
своих произведений Моцарт создал в  тональности Ре мажор,
тональности Солнца!
Чайковский – портрет 2
Ноты «Моцартиана»
 Моцарт – портрет 3
Альберт Эйнштейн
играет на скрипке
http://yandex.ru/images/search?
p=3&text=моцарт%20%20и
%20здоровье&img_url=http%3A%2F
%2Fimg.ezop.ua
%2F318%2F431%2F000%2Fmuzyka
dlyazdorovyaeffektmocarta
160%40.jpg&pos=96&uinfo=sw1366
sh768ww1349wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
411593785 «Моцарт на старенькой скрипке играет.
Моцарт играет, а скрипка поет.
Моцарт отечества не выбирает
просто играет всю жизнь напролет.
Ах, ничего, что всегда, как известно,
наша судьба  то гульба, то пальба...
Не оставляйте стараний, маэстро,
не убирайте ладони со лба». Поется в песне Булата Окуджавы.

Булат  Окуджава с
гитарой
Фильм «Амадей»
http://yandex.ru/images/search?
p=3&text=фильм%20амадей
%20моцарт&img_url=http%3A%2F
%2Fuf2.rimg.info%2Fthumb
%2Fa2693b2a9d997747d0c695cf70739
27e970ab116619895eb782adcc272720
b80.jpg&pos=119&uinfo=sw1366sh
768ww1349wh641pd1wp
16x9_1366x768&rpt=simage&_=1404
411318633

file_name: Анализ романса Глинки.docx

intro:
Романс М. Глинки построен таким образом, что каждая строфа, в соответствии с ее литературным содержанием, имеет и свое музыкальное оформление. Форма романса- простая 3-частная. Музыка  начинается с рассказа о былом – герой вспоминает явление ему дивного образа ; музыка фортепианного вступления звучит тихо, светло, словно мираж… Во 2 части (третья строфа стихотворения) Глинка замечательно передает в музыке изображение «бурь порыв мятежный» : в аккомпанементе само движение становится взволнованным, аккорды звучат как учащенные удары пульса или вспышки молнии. Этот бурный эпизод сменяется – в том же куплете (в той же строфе) – эпизодом, в котором слышится музыка - уже затихая, издалека («…я забыл твой голос нежный…»).   Для передачи настроения «глуши» и «мрака заточенья» Глинка тоже находит замечательное по выразительности решение: аккомпанемент становится аккордовым, никаких бурных пассажей, звучание «уныло/
 3 часть. Восторженная тема любви в романсе звучит страстно, словно «биение сердца» . Романс Глинки являет собой пример того неразрывного единства поэзии и музыки, при котором почти невозможно представить себе пушкинское стихотворение без Глинкинской интонации. Поэтический бриллиант получил достойную музыкальную оправу. Вряд ли найдется поэт, который не мечтал бы о таком обрамлении своих творенийДомашняя работа ученицы 7 класса

title: Анализ романса М. Глинки «Я помню чудное мгновенье»


extracted_text:
Водопьянова Т.М.
                                           Урок искусства в  8 классе
                           Великий дар творчества: радость и красота созидания.
Вы помните, как Незнайка  пробовал стать
музыкантом, художником? Когда у него ничего из
этого не получилось, непризнанный гений решил
писать стихи, что тоже не закончилось успехом. И
дело совсем не в отсутствии таланта. Любое дело, тем
более творческое – это очень большой ежедневный
труд.
В каждом классе есть ребята, которые успевают
учиться в музыкальной или художественной школе,
занимаются в кружках. Несколько часов в сутки у них
уходит на занятия на инструменте, рисунок, танец или
пение. Но результат того стоит – на концертах,
выставках, творческих конкурсах  они демонстрируют
свое мастерство.
Чаще всего начало творческих занятий начинается в
раннем детстве - пример вундеркиндов Моцарта,
Листа, Прокофьева всем известен. С маленьким
Моцартом занимался его отец, который выбрал
необходимые предметы для общего развития, а
музыке уделил много внимания и времени.
Сергей Прокофьев, поступая в 13 лет в Петербургскую
консерваторию, выделялся среди других количеством
собственных сочинений. Его музыка была уже тогда
достаточно зрелой. Но  этому предшествовали годы
занятий музыкой, часы, проведенные за фортепиано.
Очень важно, найти  свой талант. Он может быть в
любой области – в спорте, математике,
изобретательстве. Выступления фигуриста Евгения
Плющенко или  нашей легкоатлетки Елены
Исинбаевой были подобны концерту, их техника,
умноженная на мастерство, заставляла миллионы
людей во всем мире с замиранием следить за экраном.
Красиво решенное уравнение, компьютерная
программа, авторская управляемая модель
появляются в результате творческого подхода к
своему увлечению. Достижения школьников могут
дать много очков вперед по сравнению со многими
взрослыми. И за их работами будущее развитие науки
и техники.
Ждать вдохновения, или пытаться, как Незнайка что –
то создать на дилетантском уровне, пустая трата
времени. Писатель - фантаст Станислав Лем писал,
что «человек не обязан быть творцом, но может им
стать - если хватит сил и таланта». Можно стать
талантливым слушателем, зрителем, читателем. «Если
звезды зажигаются, значит это кому – то нужно»,
нужно чтобы великие произведения  дошли до нас  и
были поняты.
Человек, познавший радость творчества, живет
наполненной, осмысленной жизнью. Большинство
Художник у
мольберта
Юный Сергей
Прокофьев
Елена Исимбаева
перед прыжком -
фото
Техническое
творчество детей
Н. Носов «Незнайка и
его друзья»
Детский концерт
Концерт маленького
Моцарта
Станислав Лем - фото просто не может не петь, не играть, не писать. Это все
приходит, откуда – то свыше, как будто неведомая
сила складывает слова в рифмы, звуки в мелодии,
краски в картину.
 Пушкин, Гумилёв, Блок, Есенин, Маяковский
раскрывают в своих произведениях  тему творчества.
О том, как рождается искусство, писала Анна
Ахматова:
«Бывает так: какая-то истома;
В ушах не умолкает бой часов;
Вдали раскат стихающего грома.
Неузнанных и пленных голосов
Мне чудятся и жалобы и стоны,
Сужается какой-то тайный круг,
Но в этой бездне шепотов и звонов
Встает один, все победивший звук.
Так вкруг него непоправимо тихо,
Что слышно, как в лесу растет трава,
Как по земле идет с котомкой лихо...
Но вот уже послышались слова
И легких рифм сигнальные звоночки, -
Тогда я начинаю понимать,
И просто продиктованные строчки
Ложатся в белоснежную тетрадь».
Александр Сергеевич Пушкин поэму «Моцарт и
Сальери» начинает с монолога Сальери, в котором тот
подробно рассказывает, как с детства он нашел путь к
творчеству, как научился сочинять, познал вкус
успеха:
«Труден первый шаг
И скучен первый путь. Преодолел
Я ранние невзгоды. Ремесло
Поставил я подножием искусству;
Я сделался ремесленник: перстам
Придал послушную, сухую беглость
И верность уху. Звуки умертвив,
Музыку я разъял, как труп. Поверил
Я алгеброй гармонию. Тогда
Уже дерзнул, в науке искушенный,
Предаться неге творческой мечты.
Я стал творить; но в тишине, но в тайне,
Не смея помышлять еще о славе.
Нередко, просидев в безмолвной келье
Два, три дня, позабыв и сон и пищу,
Вкусив восторг и слез вдохновенья,
Я жег мой труд и холодно смотрел,
Как мысль моя и звуки, мной рожденны,
Пылая, с легким дымом исчезали».
Видимая легкость, с какой сочинял Моцарт, его
детская простота и полное отсутствие честолюбия, не
давали покоя маэстро, «гений и злодейство» не всегда
не совместны. Но двести лет музыку Сальери никто не
играл.
Всегда оставаться неудовлетворенным - в этом один
из секретов творческой личности. И хотя судьбы
многих великих на первый ряд трагичны, никто из них,
Анна Ахматова - фото
Сальери – кадр
фильма «Моцарт и
Сальери»
Моцарт - кадр
фильма «Моцарт и
Сальери»
Ван Гог –
автопортрет с
отрезанным ухом наверное, не пожелал бы себе другого. Гойя и
Бетховен, Мусоргский и Ван Гог заплатили
страданиями и болью за бессмертие своего
творчества.
«Творенье может пережить творца:
Творец уйдет, Природой побеждённый,
Однако образ, им запечатлённый,
Веками будет согревать сердца.
Я тысячами душ живу в сердцах
Всех любящих, и, значит, я не прах,
И смертное меня не тронет тленье».
Читаем в сонете Микеланджело.
О том, что все – таки радость необходима для
творчества, считал норвежский композитор Эдвард
Григ. Немецкий драматург Бертольд  Брехт считал,
что   все виды искусства служат величайшему из
искусств – искусству жить на Земле. А американский
художник XX века Рокуэлл Кент о  высшей цели,
которой может служить искусство, говорит:
«Способствовать тому, чтобы люди глубже понимали
жизнь и больше её любили».
Ему близок по взглядам французский писатель, автор
романа о Бетховене,  Ромен Роллан: «Радость,
бешенство радости - солнце, озаряющее все, что есть,
и все, что будет, - божественная радость творчества!
Все радости жизни в творчестве!».
«Творчество — это движущая сила, которая
поддерживает в нас жизнь», считал
Николай Рерих — художник, философ,
путешественник.
Пробуйте творить, и вы поймете как это занимательно,
легко и просто! Каждый способен творить красоту,
которая спасет этот мир! Когда приходит вдохновенье
Оно как капельки росы.
Как ранним утром озаренье
Вдруг промелькнёт, как луч грозы.
Тогда приходит пониманье
Того, что мы живём не зря.
Оно стирает расстояния
Вновь унося нас на планету «Земля».
Рокуэлл Кент «Гора
Равноденствия.
Зима»
Ромен Роллан - фото
Николай Рерих « Агни
Йога»
Красота спасет мир -
иллюстрация

file_name: Великий дар творчества.docx

intro:
Красиво решенное уравнение, компьютерная программа, авторская управляемая модель появляются в результате творческого подхода к своему увлечению. Достижения школьников могут дать много очков вперед по сравнению со многими  взрослыми. И за их работами будущее развитие науки и техники.
Ждать вдохновения, или пытаться, как Незнайка что – то создать на дилетантском уровне, пустая трата времени. Писатель - фантаст Станислав Лем писал, что «человек не обязан быть творцом, но может им стать - если хватит сил и таланта». Можно стать талантливым слушателем, зрителем, читателем. «Если звезды зажигаются, значит это кому – то нужно», нужно чтобы великие произведения  дошли до нас  и были поняты.
Человек, познавший радость творчества, живет наполненной, осмысленной жизнью. Большинство  просто не может не петь, не играть, не писать. Это все  приходит, откуда – то свыше, как будто неведомая сила складывает слова в рифмы, звуки в мелодии, краски в картину.Сценарий урока

искусство

group: Дисциплины

title: Разработка урока  "Великий дар творчества: радость и красота созидания"


extracted_text:
МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ
УЧРЕЖДЕНИЕ ГИМНАЗИЯ №12 ГОРОДА «ГАРМОНИЯ»
Каширина  Анастасия Алексеевна
   ВЕСЕЛЫЕ НОТКИ
Руководитель проект
Учитель музыки
Водопьянова Татьяна Михайловна ЛИПЕЦК 2017
АННОТАЦИЯ ПРОЕКТА
Цель:
Познакомиться   с историей появления нотной записи и  основами музыкальной грамоты.
Задачи:
1.   Пополнить   и   совершенствовать   запас   знаний,   умений   и   навыков   по     музыкальной
культуре.
2.   Познакомиться     с   новыми   музыкальными   терминами,   понятиями,   с   музыкальными
инструментами.
3.  Помочь одноклассниками запомнить теоретический материал по музыке   с помощью
интересных  и увлекательных заданий.
Предполагаемый  результат:
повышение музыкальной грамотности.
Продукт проектной деятельности:
презентация и  раздаточный материал для уроков музыки.
Методы и приемы:
В ходе работы мною использовались следующие методы:
1.Анализ литературы по теме.
2.Теоритические исследования.
3.Методы наблюдения, сравнения, описания и др.
Актуальность проекта:
Музыка   звучит   сейчас   повсюду.   Но   доступности   и   простоты   в   овладении
музыкальным   языком   нет.   Формулировки   теоретических   понятий   трудно   заучиваются
детьми,   не   вызывают   интереса   к   музыке,   а   порой   отбивают   у   детей     всякое   желание
овладеть музыкальной грамотой. Эти наблюдения навели меня  на следующую мысль:
Изучить   историю   появления   нотной   записи   ,придумать   игры   со   сказочными
музыкальными сюжетами, где главные герои – Ноты, музыкальные Знаки, Феи.
Мне очень понравилось играть в придуманные игрысказки, и освоение музыкальной
грамоты уже не казалось трудным и скучным делом, а стало интересным процессом. Мои
музыкальные   занятия   превратились   в   увлекательные   путешествия   по   просторам
музыкальных знаний и приносили  радость творчества и вдохновения. Мой Проект   «Весёлые нотки» поможет войти в волшебный мир музыки, развить
музыкальность и художественный вкус, творческие способности, обогатить духовный мир.
В. А. Сухомлинский  говорил: «Духовная жизнь ребёнка полноценна лишь тогда,
когда   он   живёт   в   мире   игры,   сказки,   музыки,   фантазии,   творчества.   Без   этого   он   –
засушенный цветок».
Музыка звучала, когда люди еще не знали нот. Много мелодий было утеряно. Люди не
всегда точно могли воспроизвести понравившийся мотив. Сначала для записи музыки были
придуманы невмы и только потом ноты.
История происхождения нот
В   Италии,
 Гвидо.
 Он очень хорошо пел и преподавал музыку. В Ареццо был монастырь, где Гвидо занимался
  в   городе   Ареццо   жил   музыкантмонах   по   имени
с   хором   мальчиков   и   учил   их   церковному   пению.   Занятия   проходили   каждый   день   и
начинались с распевки.
Распевкой служил «гимн святому  Иоанну». Теперь его можно назвать самой важной
песней в истории музыки, потому что именно этот гимн положил начало нотам.
Каждую   следующую   строчку   гимна мальчики   должны   были   петь немного   выше
предыдущей. Мальчики забывали текст, иногда фальшивили, и Гвидо сам пропевал первый
слог   каждой   строчки   на   нужной   высоте.   Для   того,   чтобы   помочь   своим   ученикам
запоминать мелодию и ускорить процесс обучения, Гвидо решил записать высоту звуков на
бумаге, дав каждому звуку название, чтобы мальчики могли «читать» музыку с листа. Он
разместил первые слоги каждой строчки первого куплета гимна на четырех линеечках, в
виде квадратных значков. Четыре линейки использовались как ступеньки, а на них, как на
лесенке,   располагались   квадратные   значкиноты,   каждая   из   которых   соответствовала
звуку. В начале Гвидо использовал красные, черные и желтые линеечки для размещения
нот. Он создал для детей понятный и наглядный музыкальный алфавит. Позже линеечки
перестали рисовать цветными, все они стали черными, а ноты из квадратных превратились
в круглые.
Названия нот сохранились до наших дней:
 Текст латинского «Гимна святому Иоанну». Гимна
"Ut queant laxis                                первая строчка дала название ноте Ут       (позже До)
Resonare fibris                                 вторая строчка  ноте РЕ
Mira gestorum                                  третья ноте МИ
Famuli tuorum                                  четвертая  ноте ФА Solve poluti                                      пятая ноте СОЛЬ
Labrii reatum                                    шестая ноте ЛЯ
Sancte Johanes"
Этот гимнмолитва о том, чтобы Святой Иоанн (покровитель пения) помог звучать голосам
певчих, которые будут восхвалять Господа, без хрипоты.
Дословный перевод:
«Чтобы   могли   воспеть   на   расслабленных   струнах   твои   чудные   деяния,   разреши   грех
оскверненных уст, Святой Иоанне»
Гвидо   совершил   революционный   переворот  в   музыке.   Он   придумал   ноты,   изобрел
современную систему записи нот  и создал сольфеджио.
Он   придумал   методику   преподавания   музыки   для   своих   учеников   по   руке.   Термин
«Гвидонова рука» используется до сих пор.
Каждая фаланга пальцев соответствовала звуку определенной высоты, поэтому работая с
хором, Гвидо мог по своей руке показывать ученикам, какой звук петь. Почти как Гвидо
1000 лет назад, профессор Уильям Март показывает технику преподавания высоты звуков
по руке.
Почти через пятьсот лет как Гвидо придумал ноты, ноту Ут  заменили на ноту До
(Do), потому что ее легче пропевать, она более благозвучна.  Ученые считают, что нота Do
появилась   от   слова   «Dominis»      Господь,   а   другая   версия   говорит   что   do   –   «даю»   в
переводе с латыни. Некоторые считают, что ноту До ввел музыкант Дж. Дони, взяв первые
буквы своей фамилии(около1540 года), еще добавили ноту си (Si или Ti). Считается, что
нота   СИ   получила   свое   название   от   инициалов   Святого   Иоанна   (Sancte   Ioanes)   Х.
Вальрантом   в   1574   году.   Затем   к   четырем   линеечкам,     придуманным   Гвидо   добавили
пятую и перестали их рисовать цветными.
Добавили ключи. И такая система нот которая называется    нотация дошла и до
наших дней. В 1213 веках в многоголосном пении использовалась квадратная нотация.
Позже на Руси в нее перевели крюковую запись с закреплением длительностей и назвали
киевской или «топорики». С 8 по 16 век установили точные временные соотношения между
всеми   длительностями,   появилась   мензуральная   нотации   (от   лат.   mensura      мера;
размеренная нотация), которая фиксировала не только высоту, но и длительность звуков.
Эта запись мне напоминала чтото в современной музыкальной азбуке.
Изменилось графическое написание – квадратные головки округлились, появились
нотные штили – вертикальные линии, обозначающие длительность звуков. С переходом от записи   на   папирусе   к   записи   на   бумаге,   нотные   знаки   разделились   на   «белые»
(незаполненные) и «черные» (заполненные), обозначая длительность.
С развитием многоголосия стали использовать смешанную нотацию.
Четырехлинейную   строку   заменил   удобный   пятилинейный   нотный   стан   и   система   из
нескольких нотных строк, объединенных чертой или фигурной скобкой.
В   инструментальной   музыке   1718   веков   применялись   особые   системы   письма
табулатуры      наглядные   схемы,   из   буквенных   и   цифровых   обозначений   высоты,
дополнительных   условных   знаков   ритма   и   динамики.   В   них   отражались   особенности
нотного письма, принятого в той или иной стране, специфика музыкального инструмента.
Количество   линий   соответствовало   числу   струн   музыкального   инструмента   или
полифонических голосов мелодии. Каждый звук нижнего голоса, дополнялся цифровыми
обозначениями   баса,   гармонии,   по   которым   исполнители   достраивали   все   остальные
голоса,   как   сопровождениеаккомпанемент   к   мелодии.   Сейчас   эта   система   частично
используются   как   вспомогательная   при   обучении   игры   на   некоторых   музыкальных
инструментах.
Наконец,   нотная   запись   приобрела   современную   форму.   В   ней   присутствует   не
только   система   условных   знаков     (нотоносец,   ключи,   диезы,   бемоли,   длительность,
динамические   оттенки   громкости,   исполнительские   штрихи   плавно,   отрывисто),   но   и
дополнительные   словесные   пояснения   (темпа,   характера   и   способа   исполнения).   Для
большей   наглядности   есть   еще   обозначения   и   сокращенного   нотного   письма   (репризы,
октавный   перенос,   повторения   мелодического   оборота   и   т.д.)   Но   музыка   безгранична.
Нотная   запись   не   остается   неизменной.   По   мере   развития   музыкального   искусства
расширяется   его   образная   сфера,   обновляются   музыкальные   темы,   появляются   новые
музыкальные   формы,   утверждаются   новые   средства   выразительности.   Все   это   требует
постоянного   совершенствования   нотной   записи.   Дополняется   и   уточняется   система
условных обозначений, появляются новые способы записи.
Современная нотация представляет собой схемы, графические записи, взаимодействие с
живописью.   Особенно   мне   понравилась   запись   Кошачьей   симфонии.   Ноты   это   головы
кошек, а кошачьи усы  добавочные линейки нотного стана. Направление музыки вверх или
вниз подсказывают кошачьи прыжки. Позы говорят о характере в каждом моменте музыки
(остановка кошка, умывающаяся лапкой или беззаботно валяющаяся на спине).Что только
не   использую   композиторы   21   века      кляксы,   созвездия,   серии,   циклы,   даже
математические законы вероятности появления музыкальных элементов. С   появлением   электронной   аппаратуры   –   синтезаторов,   усилителей,   динамиков   вес
акустический материал (тоны, шумы, импульсы, щелчки) обрабатывается и комбинируется,
превращаясь в многообразные смеси, темброкрасочные звучания, записываются звуковые
волны.
Звукоряд
Весь ряд музыкальных звуков выстроен в единую систему – звукоряд, то есть такой
ряд, в котором все звуки следуют друг за другом по порядку, от самых низких до самых
высоких звуков, или наоборот.
Звукоряд   разделяется   на   октавы   –   отрезки   музыкального   звукоряда,   каждый   из
которых   содержит   набор   одинаковых   по   названию   нот   –   до,   ре,   ми,   фа,   соль,   ля,   си.
звукоряд, октавы
Для записи и чтения нот используют нотный стан – это строка для записи нот в виде
пяти   параллельных   линий   (правильнее   сказать   –   линеек).   Любые   ноты   звукоряда
записываются   на   нотном   стане:   на   линейках,   под   линейками   или   над   ними   (ну   и,
естественно, между линейками  с равным успехом). Линейки  принято нумеровать снизу
вверх: нотоносец.
  Сами ноты обозначаются головками овальной формы. Если для записи ноты не
хватает основных пяти линеек, то для них вводятся специальные дополнительные линейки.
Чем выше нота звучит, тем выше она располагается и на линейках: низкие и высокие ноты
Представление о точной высоте звука дают музыкальные ключи, из которых наиболее всем
известны два – скрипичный и басовый.
  Нотная  грамота   для  начинающих   базируется  на  изучении  скрипичного   ключа  в
первой октаве.
Длительности нот
  Продолжительность каждой ноты относится к области музыкального времени, которое
представляет собой непрерывное движение с одной и той же скоростью равных долей,
сравнимых с мерным биением пульса. Обычно одна такая доля ассоциируется с четвертной
по длительности нотой. что каждая новая, более мелкая длительность, получается в ходе
деления целой ноты на число 2 в nой степени: 2, 4, 8, 16, 32 и т.д. Так, целую ноту мы
можем разделить не только на 4 четвертных, но с равным успехом и на 8 восьмых или 16
шестнадцатых нот. Музыкальное время очень хорошо организовано, и в его организации помимо долей
участвуют   более   крупные   единицы   –   такты,   то   есть   отрезки,   которые   содержат   точно
заданное число долей. Такты выделяются визуально путём разделения одного от другого
вертикальной тактовой чертой. Количество долей в тактах, и длительность каждой из них
отражается в нотах с помощью числового размера.
Размеры
  Размеры, и длительности, и доли тесно связаны с такой областью в музыке, как
ритм. Нотная грамота обычно оперирует наиболее простыми размерами, например, 2/4, 3/4
и т.п.
Тембр
Тембр звуков  это область, которая нотной грамотой для начинающих почти совсем
не затрагивается. Однако, как правило, в нотах есть разные указания по этому поводу.
Самое простое – название инструмента или голоса, для которого предназначено данное
сочинение. Самое сложное связано с техникой игры (например, включение и выключение
педалей на рояле) или с приёмами извлечения звука (например, флажолеты).
Выводы:
Я   думаю,   что   современное   нотное  письмо   позволяет   точно   отразить   «живое»   звучание
музыки. Окунувшись в исследование нотной записи, я поняла, что это для меня сложно, но
все равно интересно.
В   течение   работы   над   проектом   я   еще   занималась   нотными   играми,   составила
список слов, которые состоят из нот, собрала материал для оформления сборника загадок,
ребусов, песен о нотах, создала музыкальное домино а на кружке вместе с девочками и
разучили песни о нотах. Были времена, когда музыка не записывалась.
Напевы и песни передавались на слух, из уст в уста.
Но   наступил   момент,   когда   люди   решили   начать   их   фиксировать,   чтобы   потомки,
владеющие нотной грамотой и имеющие музыкальный слух, смогли исполнить их любимую
музыку и песни даже через несколько столетий. Для этого они придумали ноты  знаки,
которые показывают высоту и длительность звука. Музыка звучит повсюду, она очень нужна людям и помогают нам услышать ее и записать –
нотные знаки

file_name: ВЕСЕЛЫЕ НОТКИ.doc

intro:
Современная нотация представляет собой схемы, графические записи, взаимодействие с живописью. Особенно мне понравилась запись Кошачьей симфонии. Ноты это головы кошек, а кошачьи усы - добавочные линейки нотного стана. Направление музыки вверх или вниз подсказывают кошачьи прыжки. Позы говорят о характере в каждом моменте музыки (остановка -кошка, умывающаяся лапкой или беззаботно валяющаяся на спине).Что только не использую композиторы 21 века - кляксы, созвездия, серии, циклы, даже математические законы вероятности появления музыкальных элементов.
С появлением электронной аппаратуры – синтезаторов, усилителей, динамиков вес акустический материал (тоны, шумы, импульсы, щелчки) обрабатывается и комбинируется, превращаясь в многообразные смеси, тембро-красочные звучания, записываются звуковые волны.Проект ученицы 2 класса

title: Проектная работа    «Какие секреты есть у музыки?»