extracted_text:
"Сороковая симфония" В.А. Моцарта (4 класс)
Содержание:
1.
Индивидуальнохарактерные стилевые особенности творчества
композиторов  венских классиков.
2.
3.
4.
Лирические образы в музыке В. А. Моцарта.
Роль мелодического начала в его сочинениях.
Знакомство с жанром симфонии: композиционное строение,
исполнительский коллектив (симфонический оркестр).
Музыкальный материал:
1.
2.
В. А. Моцарт. Симфония № 40. I часть. Экспозиция (слушание);
В. А. Моцарт. Хор «Послушай, как звуки хрустально чисты» из оперы
«Волшебная флейта» (слушание, пение).
Характеристика видов деятельности:
1.
Анализировать и обобщать жанровостилистические особенности
композиторов  венских классиков (в соответствии с критериями,
представленными в учебнике).
2.
Обнаруживать и выявлять характерные свойства музыки В. А.
Моцарта. 3.
Исполнять ритмический аккомпанемент к вокальной партии.
Мелодия Моцарта льётся для меня совершенно естественно,
как льётся какойнибудь прекрасный ручей или источник.
И. Тургенев
Творчество Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена мы ценим за
жизнеутверждающий характер, ясность и выразительность музыкального
языка. При этом музыка каждого из этих композиторов имеет свои яркие
особенности.
Так, в произведениях Гайдна преобладают светлые, радостные
настроения, у Бетховена – настроения драматические, отражающие
борьбу, стремление к победе.
У Моцарта особенной глубиной отличаются лирические образы. И
радость, и печаль запечатлены у композитора в ярких запоминающихся
мелодиях, передающих чувства человека, его душевные переживания.
«Сущность музыки – в мелодии»,  писал Моцарт. И в каком бы жанре не
были созданы его произведения, будь то опера, симфония, соната,  всегда
по выразительности мелодии мы безошибочно угадываем: звучит музыка
Моцарта. В. А. Моцарт прожил недолгую жизнь, но успел создать огромное число
музыкальных произведений – около 600. Это  оперы, симфонии, сонаты,
песни.
На этом уроке мы познакомимся с выдающимся произведением Моцарта,
известным во всём мире,  Симфонией № 40. Её музыка отличается
вдохновенностью и лиричностью, с необычайной искренностью в ней
раскрывается глубина чувств и переживаний человека.
Слово «симфония» в переводе с греческого означает «созвучие». Это
крупное музыкальное произведение, состоящее из четырёх частей,
объединённых одним общим замыслом. Чаще всего композиторы выбирали
именно жанр симфонии, чтобы рассказать слушателям о тех событиях,
которые во все времена волновали человека. Музыка симфоний говорила о
добре и зле, красоте и уродстве, войне и мире. Темами многих симфоний
становились любовь, героизм, подвиги народа.
Симфония звучит в исполнении симфонического оркестра.
Сегодня мы послушаем первую часть Симфонии № 40 и поговорим о ней
подробнее.
Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40, 1ая часть (экспозиция).
1.
В каком темпе начинается симфония? (В быстром.) 2.
3.
4.
5.
6.
Какой характер в начале произведения? (Взволнованный,
напряжённый, порывистый.)
Какие инструменты играют начальную мелодию? (Струнные –
скрипки.)
Появлялась ли в этой музыке позднее другая мелодия? (Да.)
Каким стал характер музыки во время звучания второй темы?
(Неторопливым, более спокойным.)
Какие музыкальные инструменты исполняли вторую тему? (Духовые
– гобои.)
Первая часть симфонии состоит из трёх разделов.
В первом разделе композитор показывает нам основные темы  мелодии,
каждая из них имеет свой характер. Этот раздел называется экспозиция,
что означает  показ. Вы, наверное, слышали выражение: «экспозиция
картин на выставке», то есть показ картин. В экспозиции симфонии все
основные темы (а их, как правило, четыре) предстают перед нами.
Основные темы экспозиции называются так: главная партия, связующая,
побочная и заключительная. Главная и побочная партии контрастны между
собой, между ними  связующая. Заключительная партия часто
перекликается по характеру с главной. Она завершает экспозицию. Второй раздел называется разработка. В нём темы развиваются,
варьируются, разрабатываются, сталкиваясь друг с другом.
Последний, третий раздел  реприза повторяет первый (экспозицию), с
некоторыми изменениями.
Давайте послушаем основные темы экспозиции (главную и побочную
темы) первой части симфонии и постараемся различить характер основных
тем.
Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40, 1ая часть (главная и побочная
партии).
Тема главной партии напоминает взволнованную речь человека. Кажется,
что он, едва переводя дыхание, спешит рассказать о своих душевных
переживаниях. Короткие, прерывистые мотивы скрипок звучат
необыкновенно трепетно и жалобно.
Тема побочной партии – мягкая, нежная. Кажется, что в своих мыслях
человек ненадолго уходит от действительности, погружаясь в мир светлых
грёз и воспоминаний.
Экспозиция завершается оркестровым forte радостного, энергичного
характера. Музыка Моцарта ослепляет солнечностью и заставляет плакать людей,
говорящих на разных языках, но одинаково чувствующих красоту и
любящих музыку.
1.
2.
3.
4.
Музыку какого композитора вы сегодня слушали?
Какое произведение называется? (Симфония № 40.)
Поясните, что такое симфония?
Каков был характер главной партии Симфонии № 40?
(Взволнованный, трепетный.)
5.
6.
7.
8.
Каков был характер побочной партии Симфонии № 40? (Мягкий,
нежный, неторопливый.)
На уроках музыки мы часто называем произведения словом «шедевр».
Кто помнит, что означает это слово? (Вершина творчества, лучший
образец произведения.)
Подходит ли к Симфонии № 40 слово «шедевр» и почему?
Как вы думаете, что принесло музыке Моцарта такую популярность?
(Красивая мелодия, которая легко запоминается.)
Запомни! Симфония
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
В чём заключаются главные отличительные особенности
произведений композиторов – венских классиков?
Что означает слово «симфония»? Из скольких частей состоит
симфония?
Какое средство выразительности прежде всего определяет образ 1
части Сорокой симфонии В. А. Моцарта?
 Венские музыкальные классики (4 класс)
Содержание:
1.
2.
3.
4.
Австрия  крупнейший музыкальный центр Европы.
Композиторы  венские классики: Й. Гайдн, В. Моцарт, Л. Бетховен.
Расцвет ряда жанров в их творчестве.
Знакомство с жанром квартета. 5.
Соединение драматизма и лирики в произведениях В. А. Моцарта (на
примере арии Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта»).
Музыкальный материал:
1.
2.
Й. Гайдн. Квартет ре минор, соч. 76 № 2. IV часть (слушание);
В. А. Моцарт. Ария Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта»
(слушание);
3.
4.
Л. Бетховен. Симфония № 9 «Хоральная», 4 часть (слушание, по
желанию педагога);
Й. Гайдн, русский текст Я. Синявского. «Мы дружим с музыкой»
(пение).
Характеристика видов деятельности:
1.
Анализировать жанровостилистические особенности музыкальных
произведений.
2.
Наблюдать и оценивать интонационное богатство музыкального мира
(на примере произведений композиторов  венских классиков)
В контексте истории
Австрия была многонациональной империей. В ней наряду с австрийцами,
у которых родной язык  немецкий, жили венгры и различные славянские народы, в том числе чехи, сербы, хорваты. Их песенные и танцевальные
мелодии можно было слышать и в деревнях, и в городах. В Вене народно
бытовая музыка звучала повсюду  в центре и на окраинах, на
перекрёстках улиц, в публичных садах и парках, в ресторанах и кабачках,
в богатых и небогатых частных домах.
Вена  центр огромной страны  вбирала в себя эти неисчерпаемые
фольклорные богатства. Венский простой люд был очень музыкален. В
домах и на улицах города, на многочисленных народных гуляниях, наряду
с австрийскими песнями раздавались звуки венгерского чардаша и полных
глубокого чувства мелодий сердца Европы  западного славянства.
Процветали австрийские танцы  лендлеры и вальсы. Народные мелодии и
музыкальные жанры вливались в музыку венских композиторов
совершенно естественно, часто неприметно для них самих, а заодно и для
их аристократических слушателей.
Австрия стала крупнейшим музыкальным центром Европы. С этой страной
связаны имена многих выдающихся композиторов, дирижёров,
исполнителей.
Огромное значение для мировой музыкальной культуры имеет творчество
австрийских композиторов   Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта
и Людвига ван Бетховена. Жизнь и деятельность каждого из них подолгу протекала в столице
Австрии  Вене. Поэтому Гайдна, Моцарта и Бетховена называют
венскими классиками. Классиками – потому что созданные ими
произведения получили всемирное признание, как выдающиеся,
образцовые. Сочинения композиторов Венской классической школы до
сих пор остаются непревзойдённым образцом.
Музыка классического периода отличается объективностью и
элегантностью формы.  Композиторы писали не для церкви, а скорее для
гостиных и балов, которые становятся популярными в это время. В этот
период кларнет стал равноправным инструментом оркестра, а клавесин
был вытеснен только что изобретённым фортепиано.
Наследие композиторов «Венской тройки» составляет одну из вершин
мирового музыкального искусства. Оно оказало огромное влияние на всё
последующее развитие классической музыки. Сочинения композиторов
Венской классической школы до сих пор остаются непревзойдённым
образцом.
С творчеством венских классиков связан расцвет таких жанров, как опера,
симфония, соната, концерт, квартет. Некоторые из них нам уже известны,
с другими мы познакомимся впервые.
Гайдн. Краткие биографические сведения Основоположником классической венской школы стал Франц Йозеф
Гайдн.
Гайдн родился в деревне Рорау, в Австрии. Его родители не были
профессиональными музыкантами, хотя отец любил народные песни и
играл на арфе, не зная нот. В пять лет Гайдн вместе с отцом пел на
семейных музыкальных вечерах.
В детстве Йозеф был наделён прекрасным чистым голосом, благодаря
чему был принят в качестве певчего в хор венского собора св. Стефана. В
хоровой школе он многому научился, но когда начал ломаться голос,
пришлось уйти. Будущий музыкант к 17 годам получил почти полное
исполнительское и композиторское образование.
Гайдн зарабатывал на жизнь уроками музыки, а также игрой на клавесине,
органе и скрипке. Постепенно он под опекой итальянского композитора
Никола Порпоры стал сочинять собственную музыку, в том числе свои
первые струнные квартеты.
В 1761 году богатый венгерский князь Пал Антал Эстерхази пригласил к
себе Гайдна в Эйзенштадт в качестве вицекапельмейстера. С этого
момента началась служба Гайдна у семейства Эстерхази, которая
продолжалась целых три десятилетия. В своём распоряжении композитор имел один из лучших оркестров
Европы, для которого написал множество опер, сочинений духовного
характера, симфоний и струнных квартетов.
Последние годы жизни Гайдн провёл в Лондоне.
За свою долгую жизнь Гайдн подарил миру огромное количество
гениальных творений. И хотя многое из его наследия было утеряно и того,
что сегодня известно потомкам, было достаточно чтобы Чайковский
сказал о Гайдне: «Не будь его  не было бы ни Моцарта ни Бетховена».
Звуки музыки
Одним из создателей классического квартета является Йозеф Гайдн.
Классический (струнный) квартет включает четыре инструмента – две
скрипки, альт, виолончель. При том, что каждый участник квартета
исполняет самостоятельную партию, его общее звучание отличается
единством и стройностью.
Квартет. Слово «квартус» на латыни означает «четвёртый». От него и
пошло название ансамбля четырёх исполнителей, вокалистов или
инструменталистов. Чаще всего в квартетах собираются родственные
инструменты либо только струнные, либо только деревянные духовые,
либо медные духовые. Квартетом ещё называют произведение, созданное для ансамбля из четырёх исполнителей, например: «Квартет» Бетховена,
«Квартет» Бородина...
Квартеты соч. 76 Гайдн создавал в зените славы и композиторского
мастерства. Они стали итогом длительного совершенствования
композитора, которому в момент их создания было уже 65 лет. Второй
квартет опуса стоит особняком – это единственное произведение,
написанное в миноре.
Никакие квартеты не были так любимы исполнителями, как квартеты
Гайдна. Так же и теперь гайдновские квартеты продолжают сохранять
большой интерес и для исполнителей и для слушателей.
Слушание: Й. Гайдн. Квартет ре минор, соч. 76 № 2. IV часть.
Моцарт. Краткие биографические сведения
Высочайший взлёт венской школы связан с творчеством гениального
Моцарта.
Вольфганг Амадей Моцарт родился в семье композитора Леопольда
Моцарта. Одарённый феноменальным слухом мальчик с раннего детства
начал учиться игре на клавесине и скрипке под руководством отца.
Вскоре Леопольд Моцарт демонстрировал чудоребёнка при дворе
архиепископа Зальцбургского, а в 6 лет мальчик уже гастролировал с концертами по всей Европе. К двенадцати годам Моцарт был автором трёх
опер.
Поездки расширили музыкальный кругозор и принесли ему множество
ярких впечатлений. Куда бы семья не прибыла, всюду игру юного Моцарта
на клавире встречали восторженно. Маленький гений был предметом
разговоров всей Европы.
В 1770 году Моцарт вместе с отцом отправился в Италию, где с
триумфальным успехом прошли премьеры его опер, в том числе и новой
«Митридат, царь Понта». В Сикстинской капелле Моцарт прослушал
хоровое сочинение Аллегри «Мизерере», которое было запрещено
публиковать и исполнять вне капеллы. Молодой композитор поразил всех,
по памяти записав произведение после единственного прослушивания.
Однако юный Моцарт не у всех вызывал восхищение, многие музыканты
завидовали ему или относились с недоверием. Так, в городе Болонье
местные музыканты устроили Моцарту настоящий экзамен  предложили
сочинить фугу. Обычно на это уходило несколько часов. Моцарт же
справился с ним всего за полчаса. После этого юный композитор был
избран членом Болонской музыкальной академии.
После триумфальных поездок по Франции и Италии он вернулся в
Зальцбург и стал капельмейстером в архиепископском оркестре, где служил его отец. Однако Моцарт пришёлся там не ко двору. Ему
завидовали другие музыканты, а деспотичного архиепископа не устраивал
его гордый характер. Тем не менее, Моцарт много работал и именно в
Зальцбурге стал зрелым, самостоятельным мастером симфонической
музыки. Наконец ему надоело находиться в услужении, и он ушёл в
отставку.
В 1781 году он уехал в Вену и стал зарабатывать на жизнь своим
творчеством. Там он много сочинял и давал концерты. С его именем
связано становление австрийской оперы: до Моцарта на австрийской сцене
шли в основном оперы итальянских композиторов или их подражателей.
Композитор так и не смог добиться большого достатка, постоянно
находился в долгах и вынужден был браться за любые заказы. Кроме того,
тяжёлая болезнь подтачивала его силы.
Правда, в последние годы жизни Моцарт создал ещё одну оперу  светлую
и радостную сказку «Волшебная флейта». В музыке этой оперы
преобладают жизнерадостные тона, ясная, неомрачённая лирика. Вместе с
тем в ней немало сцен, насыщенных страстью, душевным смятением,
драматизмом.
Последнее произведение Моцарта гениальный «Реквием»  осталось
незаконченным. Работу над ним оборвала смерть, наступившая 5 декабря 1791 г. в Вене. Похоронили Моцарта на кладбище для бедняков, и его
могила затерялась.
Сейчас оперы Моцарта ставят на лучших сценах мира, а его сочинения
входят в репертуар крупнейших музыкантов современности.
Звуки музыки
Оперный жанр в творчестве венских классиков представлен
преимущественно сочинениями В. А. Моцарта. Нам предстоит послушать
арию царицы ночи из его оперысказки «Волшебная флейта».
Два мира враждуют в «Волшебной флейте»: царство грозной
повелительницы ночи и солнечное царство мудреца Зарастро. В мире
Зарастро разлит яркий солнечный свет, слышны торжественные звуки труб
и тромбонов, царят мир и спокойствие.
Повелительница мрака и зла, коварная Царица одержима идеей власти над
миром. Она стремится победить мудрого правителя Зарастро и захватить
его талисман – священный солнечный диск. Свою ярость она выражает в
яростновиртуозной арии. «Ужасной мести жаждет моё сердце! Я
беспощадна!»  восклицает Царица ночи. Она повелевает родной дочери
погубить Зарастро.
Слушание: В. Моцарт. Ария Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта». Бетховен. Краткие биографические сведения
Ещё одним великим представителем венской школы является Людвиг ван
Бетховен.
Детство Бетховена прошло в Бонне. Профессию мальчик выбрал не
случайно: его отец и дед были профессиональными музыкантами, так что
он, естественно, пошёл по их стопам. Его детство протекало в
материальной нужде, было безрадостным, суровым. Вместе с тем большую
часть времени Людвиг должен был посвящать занятиям: мальчика обучали
игре на скрипке, фортепиано, органе.
Он быстро делал успехи и уже с 1784 года служил в придворной капелле.
Людвиг прошёл хорошую школу в придворном оркестре, где его
обучением занимались многие выдающиеся музыканты  К. Нефе, И.
Гайдн, И. Альбрехтсбергер, А. Сальери. Там он начал сочинять музыку, а
также сумел занять место органиста и виолончелиста.
В 1787 году Бетховен решил отправиться навстречу судьбе в Австрию. Её
столица  Вена  славилась великими музыкальными традициями. Там жил
Моцарт, учиться у которого было давним желанием Бетховена. Услышав
игру юного боннского музыканта, Моцарт сказал: «Обратите на него
внимание. Он всех заставит о себе заговорить!» Влиятельные друзья помогли Бетховену, и вскоре он стал модным
пианистом и учителем. С 1792 года Бетховен постоянно живёт в Вене.
Вскоре он приобрёл славу замечательного пианиста и импровизатора. Его
игра поражала современников глубиной страстей, эмоциональностью,
необычайной инструментовкой.
Однако композитора, находившегося в расцвете сил, поразил тяжёлый
недуг. С 1796 года он начал глохнуть и к концу 1802 года оглох
полностью. Вначале он впал в отчаяние, но, преодолев тяжёлый
психологический кризис, смог собраться и снова начал сочинять музыку.
Тяжёлые переживания и огромную любовь к жизни и музыке Бетховен
отразил в своих сочинениях, но теперь они приобрели драматический
оттенок.
В центре почти всех произведений Бетховена представлен яркий,
незаурядный характер борющейся личности, обладающий неподдельным
оптимизмом. Вместе с тем героические образы переплетаются с глубокой,
сосредоточенной лирикой, с образами природы. Умение Бетховена
соединять в одном произведении элементы разных жанров стало не только
открытием, но и особенностью музыки его последователей. Творчество
композитора оказало большое влияние на европейскую музыку. Тяжёлое заболевание, потребовавшее нескольких операций, подорвало его
могучий организм. Людвиг ван Бетховен скончался 26 марта 1827 года. В
день его похорон были отменены занятия во всех венских школах. За
гробом великого музыканта шла двадцатитысячная толпа людей.
Звуки музыки
Последней из созданных Бетховеном симфоний стала Девятая, которая
звучит как гимн мощи и силе человеческого духа, восставшего над
недугом. Ведь последние годы жизни Бетховена были омрачены тяжёлыми
жизненными лишениями, болезнью, одиночеством.
Для самого грандиозного претворения темы героической борьбы и победы
Бетховену в его Девятой симфонии оказалось недостаточным
выразительных средств оркестра. И он поступил совершенно необычным
до того образом  ввёл в финал симфонии хор и певцовсолистов. Слова он
взял из «Оды к Радости» своего современника  немецкого поэта
Фридриха Шиллера. На эти слова Бетховен создал венчающий
произведение величественный гимн, призывающий народы всего мира к
радостному братскому единению.
Как будто огромное солнце поднимается на небе. «Обнимитесь, миллионы,
слейтесь в радости одной!» Вот оно, будущее! В единении всех людей,
стремящихся к миру, свободе, счастью. Премьера симфонии состоялась 7 мая 1824 года в одном из венских
театров. Бетховен стоял за дирижёрским пультом и размахивал руками.
Он давно уже не мог управлять оркестром, потому что был глух. На самом
деле дирижировал другой капельмейстер, стоявший рядом с Бетховеном.
Когда музыка отзвучала, начались такие овации, что, казалось, рухнет
крыша театра. Их не слышал один Бетховен. Он стоял спиной к публике.
Тогда одна из певиц повернула его лицом к залу. И он увидел успех своей
симфонии. Бетховена приветствовали пятикратными овациями. Но даже
императора тогда полагалось приветствовать трижды. Чтобы прекратить
такое нарушение церемониала, полиция приказала слушателям покинуть
зал.
Эта мелодия принята в настоящее время в качестве гимна Европейского
Союза.
По силе мысли, широте замысла, совершенству воплощения Девятая
симфония не имеет себе равных. Девятая симфония с её финальным
призывом стала идейным завещанием человечеству и оказала сильнейшее
воздействие на симфонизм XIX и XX веков.
Слушание: Л. Бетховен. Симфония № 9 «Хоральная», 4 часть (фрагмент).
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
Какого из великих композиторов называют венскими музыкальными
классиками?
Чем объясняется такое определение?
Расцвет каких музыкальных жанров связан с творчеством венских
классиков?
Назовите состав классического (струнного) квартета.
Что отличает звучание квартета Й. Гайдна – единство, слаженность
или их отсутствие?
Черты песенности, танцевальности или маршевости очевидны в
музыке Й. Гайдна?
Ария Царицы ночи – это ария мести. Послушайте арию. Только ли
драматический характер присущ ей? Подумайте, почему?
Какое произведение венчало собой творчество Л. Бетховена?
Кто автор стихов, положенных в основу финала Девятой симфонии?
8.
9.
10. Каков характер финала Девятой симфонии?
Композитор Италии Джузеппе Верди (4 класс) Содержание:
1.
2.
Роль оперы в жизни итальянского народа.
Значение музыки Дж. Верди в годы оккупации Италии австрийскими
войсками.
3.
Важнейшие отличительные особенности произведений Верди  сила
духа, стремление к свободе, призыв к борьбе.
Музыкальный материал:
1.
2.
Характеристика видов деятельности:
1.
Дж. Верди. Марш из оперы «Аида» (слушание);
«В путь». Итальянская народная песня (пение).
Воспринимать на эмоциональнообразном уровне профессиональное
музыкальное творчество народов мира.
2.
3.
Распознавать особенности музыкальной речи композиторов (на
примере творчества Дж. Верди).
Узнавать по характерным стилевым признакам изученные
музыкальные сочинения.
В контексте истории Для итальянского народа опера является одним из любимых музыкальных
жанров. Захватывающие сюжеты, пышные декорации, прекрасное
исполнение издавна сделали оперу всеобщим предметом поклонения.
Опера. А что это такое?
Ну, прежде всего это театральное представление. На сцене происходят
какието события, участников этих событий изображают актёры.
Декорации, костюмы, свет  всё это, как в любом театре.
Чем же отличается этот спектакль от спектаклей драматического театра?
Тем, что он музыкальный. Главное в нём  музыка. Ей подчинено всё. И
дело не только в том, что актёры, вместо того чтобы говорить, поют. Всё,
что происходит на сцене, раскрывается и в музыке – характеры героев и
основная мысль, идея всего произведения.
Опера имеет богатое историческое прошлое. Она родилась около 400 лет
назад в итальянском городе Флоренции. Позже опера получила
распространение во многих странах Европы, в том числе, с середины
XVIII века, и в России. Оперы писали почти все великие композиторы:
Моцарт и Верди, Вагнер и Бизе, Глинка и Чайковский, Мусоргский и
РимскийКорсаков, Рахманинов и Прокофьев…
По традиции посещать оперные театры могли все слои общества.
Аристократические семьи располагались в богатых ложах. В партере находились служащие и офицеры. Бедняки толпились на галёрке. (Галёрка
– верхний ярус театра).
Каждое новое произведение темпераментные итальянцы воспринимали
крайне эмоционально. Если музыка и исполнение нравились публике,
взрывам одобрительных аплодисментов не было конца. Однако в случае
неуспеха «в награду» артистам нередко доставались бранные выкрики и
гневный топот.
Любовь итальянцев к опере объясняется и другой важной причиной. В
XVIII веке север Италии был захвачен австрийскими войсками. Чтобы
удержать власть, новые правители ввели запреты на свободу слова, на
издание патриотических газет и журналов. По счастью, запреты не
коснулись музыкальных театров. Враги считали, что опера – всего лишь
пустая забава итальянских богачей.
Расчёт оказался неверным: ведь музыка обладает огромной силой
человеческого объединения!
Именно в это время на сцене знаменитого театра «Ла Скала» (по
итальянски «скала»  «лестница») ставятся оперы Джузеппе Верди.
В своей музыке композитор сумел передать переживания и надежды
итальянского народа. Пламенность чувств, призыв к борьбе он отразил в
ярких запоминающихся мелодиях, энергичных ритмах. После спектаклей итальянцы повсюду распевали мелодии из опер Верди, выражающие
стремление к свободе.
Биография
Джузеппе Верди родился в маленькой деревушке неподалёку от города
Буссето, где его отец был трактирщиком. Первым инструментом, на
котором мальчик научился играть, был старый спинет (предшественник
клавесина). Учил будущего композитора органист деревенской церкви
Байстрокки.
Занятия музыкой Верди не прекратил и вовремя учёбы в школе, после
окончания, которой поступил на службу в контору купца Антонио
Барецци. Хозяин Верди был большим любителем музыки, и именно в его
доме проявилась необычайная музыкальная одарённость юноши.
Работая у купца, Верди уже в 15 лет не только играл на органе в
городском соборе, но и дирижировал городским филармоническим
оркестром, заменяя штатного дирижёра.
В 1831 году он получил стипендию и отправился поступать в Миланскую
консерваторию. Однако его не приняли, поскольку он происходил из
низшего сословия, поэтому пришлось брать частные уроки у дирижёра
театра «Ла Скала» Винченцо Лавинья. Именно в это время Верди пришлось заменить своего учителя во время
одного из концертов. Выступление Верди прошло настолько успешно, что
дирекция театра заказала ему сочинение оперы. Однако материальные
условия вынудили Верди занять должность директора филармонического
общества в Буссето. Одновременно он подрабатывал в том же городе
церковным органистом.
Концерты с участием Верди были настолько популярными, что в церковь,
где он играл, собирались жители со всего города. Поворотным в жизни
будущего композитора стал 1839 год, когда на сцене «Ла Скала»
состоялась премьера его первой оперы «Оберто». Она прошла с огромным
успехом, после чего Верди получил заказ написать ещё несколько опер.
В 1842 году вся Италия аплодировала новым операм композитора –
«Набукко» и «Ломбардцы в крестовом походе». Тема освобождения от
вражеского гнёта, звучавшая в их музыке, вызвала огромный политический
резонанс. Оперы Верди стали такими популярными, что их одновременно
поставили в нескольких городах Италии. На сцене Лондонского театра
прозвучала его опера «Макбет».
Верди стал живым классиком итальянской музыки. Менее чем за десять
лет он написал восемь опер, каждая из которых явилась шедевром этого
жанра. Среди них – «Риголетто», «Трубадур», «Травиата», «Симон Бокканегра», «Балмаскарад», «Сицилийская вечерня».
Любопытно, что в России оперы Верди далеко не сразу были приняты
публикой. Даже крупные композиторы и критики  В. Стасов, А. Серов, П.
Чайковский  лишь какоето время спустя оценили их достоинства.
Причина была в том, что напряжённая драматургия и яркая музыка
требовали незаурядных способностей, что оказалось не по силам,
имевшимся в то время в России певцам и исполнителям.
В следующее десятилетие творчество Верди было менее интенсивным. Но
каждая из его опер представляла собой монументальное произведение.
Центральное место занимают оперы «Дон Карлос» по драме Ф. Шиллера, а
также «Аида» по египетской легенде.
Оперы поражают своим размером, исполнение их длилось не менее пяти
часов. Кроме того, был задействован большой состав инструментов и
огромное количество исполнителей. Верди увлекался народными сценами,
поэтому часто эти пьесы происходили в естественных декорациях:
например, «Аида» часто ставилась вблизи Каира на фоне пирамид.
Верди стремился к созданию музыкальной драмы, где музыка и
драматургия соединялись бы в единое целое и каждый герой получал бы
завершённую музыкальную характеристику. Примером такой оперы
является «Отелло»  последняя опера Верди, премьера которой
состоялась в феврале 1887 года. Композитор сам руководил постановкой и даже показывал отдельные сцены актёрам, среди которых был великий
итальянский певец Ф. Таманьо. Дирижировал оперой Артуро Тосканини.
Спектакль стал подлинным триумфом композитора. Все улицы вокруг
театра были заполнены народом, и после окончания спектакля публика
донесла Верди на руках до его дома.
Любовь к музыке великого композитора была всенародной. Известно, что
в день его похорон все жители Милана вышли к театру «Ла Скала»
проститься с маэстро. (Маэстро – почётное название выдающихся
музыкантов, композиторов, художников.) В знак особого почтения во
время траурной процессии лошадям специально подвязали тканью
подковы, чтобы не было слышно цокота копыт.
Музыка Верди продолжает покорять сердца миллионов людей и поныне!
Звуки музыки
Марш из оперы Дж. Верди «Аида»
Действие оперы происходит в древнем Египте. Перед зрителями предстаёт
красочное зрелище. Площадь, полная народу. На троне – царь Египта,
окружённый жрецами, приближёнными, стражей. Грандиозный храм и
триумфальная арка создают впечатление величия и могущества.
Ликующая толпа встречает египетское войско, под предводительством Радомесом, после победы над Эфиопами. Музыка марша передаёт
победный шаг воинов, гордость победителей, возвращающихся домой,
радость встречающих.
Тема марша, воинственная и торжественноликующая, звучит у трубы в
сопровождении оркестра. В ней слышатся энергичные фанфарные
возгласы. (Фанфара – сигнальная труба.)
Весь марш строится на развитии этой темы. Композитор находит свежие и
яркие краски для выражения в музыке торжественности и величия. В
середине марша неожиданно сменяется тональность, вступает весь
оркестр. Музыка становится ещё светлее и праздничнее.
Марш исполняет симфонический оркестр, а также духовой оркестр,
размещённый прямо на сцене. Музыканты, облачённые в костюмы египтян,
становятся участниками сценического действия.
Вопросы и задания:
1.
Почему для итальянского народа опера является одним из любимых
музыкальных жанров?
2.
Послушайте марш из оперы «Аида». Её сюжет рассказывает о борьбе
двух древних народов – Эфиопии и Египта. Звуки торжественного марша
символизируют победу египтян. После прослушивания фрагмента постарайтесь ответить, почему итальянцы так горячо воспринимали
музыку Верди. Какую огромную силу она заключает в себе?
Музыкальное путешествие в Италию (4 класс)
Содержание:
1.
Италия  страна хранительница величайших культурно исторических
ценностей (краткий художественно исторический экскурс).
Италия  родина оперы, родина бельканто.
Чудогород Венеция.
Музыкальное посвящение М. Глинки  романс «Венецианская ночь».
Знакомство с жанром баркаролы.
2.
3.
4.
5.
Музыкальный материал:
1.
2.
3.
4.
Характеристика видов деятельности:
М. Глинка, стихи И. Козлова. «Венецианская ночь» (слушание);
Н. Паганини. «Каприс» № 24 (ля минор);
П. Чайковский. «Итальянское каприччио» (по желанию педагога);
«Санта Лючия». Итальянская народная песня (пение). 1.
2.
3.
Воспринимать на эмоциональнообразном уровне профессиональное и
народное музыкальное творчество разных стран мира.
Анализировать художественнообразное содержание, музыкальный
язык произведений мирового музыкального искусства.
Воплощать художественнообразное содержание народной музыки в
пении.
Сегодня мы совершим музыкальное путешествие в прекрасную Италию –
страну южных морей и гор, залитых солнцем долин, садов и
виноградников.
Древняя Италия по праву считается хранительницей величайших
исторических и художественных ценностей.
Почти в каждом городе страны мы можем увидеть великолепные дворцы и
храмы, фонтаны и парки, музеи и памятники.
С Италией связаны имена гениев мировой художественной культуры.
Среди них Петрарка и Данте (литература), Леонардо да Винчи и Рафаэль
(изобразительное искусство), Верди и Паганини (музыка).
Многие иностранные композиторы стремились побывать в Италии – на
родине оперы, родине прекрасного пения – бельканто (bel canto по
итальянски  прекрасное пение). Вы знакомы с творчеством русского композитора, основоположником
русской классической музыки. М. И. Глинка создал основы русского
музыкального языка.
Композитор Глинка родился недалеко от города Смоленска. Существует
легенда о том, что в момент рождения мальчика в саду запел соловей, и
это словно определило жизненный путь ребёнка – быть ему музыкантом.
Музыка М. Глинки полна народности, музыковед В. Стасов пояснял,
откуда в творчестве композитора эта черта: «Глинка родился, провёл
первые годы и получил первое своё образование не в столице, а в деревне,
и таким образом натура его приняла в себя все те элементы музыкальной
народности. Которые, не существуя в наших городах, сохранились лишь в
сердце России». М. Глинка был первым русским композитором, который
сочинил оперы, балетную музыку и симфонии, ставшие классическими, т.
е. образцовыми. Вот почему М. Глинка считается первым русским
композитором.
Но профессионально музыке Михаил Иванович Глинка учился в Италии,
тогда в России не существовало своих учебных заведений для музыкантов.
И занимался Глинка так старательно и хорошо, что вскоре обогнал своих
педагогов, и они сами почтительно стали называть его «маэстро», что означает «учитель». В память о своём пребывании в Италии Глинка
сочинил замечательный романс, который называется «Венецианская ночь».
Посмотрите на рисунок – на нём изображён итальянский город Венеция.
Это очень необычный город, вместо привычных улиц там водные каналы,
по которым неспешно и плавно скользят длинные гондолы (гондола –
венецианская лодка).  И в Венеции принято, чтобы гондольеры (лодочные
гребцы) непременно пели песни. Эти песни получили название
«баркарола». Слово «баркарола» в переводе на русский язык и означает
«песня лодочника». Слово «лодка» на итальянском языке произносится
как «барка».
Мелодия баркаролы нежная, лирическая, темп спокойный. Однообразный
ритмический рисунок вызывает ощущение лёгкого покачивания.
В стиле баркаролы написан и нежный, мечтательный романс М. Глинки
«Венецианская ночь». В музыке романса вы услышите переливы волн,
звуки воды, которая стекает с вёсел.
И ещё Венеция славится своими карнавалами, которые длятся несколько
дней и ночей подряд. Вот о таком венецианском карнавале и пойдёт речь в
романсе М. Глинки.
Послушайте начало этого романса. Ночь волшебница дышала
Светлоюжною красой,
Тихо Брента протекала,
Серебримая луной.
Окружён волной огнистой
Блеск прозрачных облаков,
И восходит пар душистый
От зелёных берегов.
(Слова И. Козлова)
Вслушайтесь в музыку романса, в его слова.
Слушание: М. Глинка. Романс «Венецианская ночь».
1.
Какой характер у романса? (Изящный, изысканный, утончённый,
нежный.)
2.
3.
4.
5.
6.
В каком жанре сочинил композитор этот романс?
Как переводится слово «Баркарола»?
В каких жанрах создавал музыку М. И. Глинка?
Какая музыка М. И. Глинки вам запомнилась больше всего?
Что рисует сопровождение романса? Сегодня мы познакомимся с творчеством знаменитого итальянского
композитора, автора произведений для скрипки по имени Никколо
Паганини.
Паганини славился как виртуозный мастер игры на скрипке и сочинил для
неё много разных пьес. Его произведения казались настолько сложными,
что играть их мог только он сам. Имя Паганини было овеяно легендами.
Люди, которым доводилось слушать его игру, не верили такому
мастерству, говорили, что смычком Паганини водит сам дьявол. У
Паганини было много завистников, не раз перед концертом ему старались
навредить – обрывали струны у скрипки. Но мастерство этого скрипача
было так велико, что он умудрялся свои сочинения исполнять даже на
одной струне.
Познакомьтесь с одним из самых знаменитых произведений Н. Паганини,
оно называется «Каприс». Обратите внимание на форму музыки и её
развитие.
Слушание: Н. Паганини. «Каприс».
1.
2.
3.
4.
Попробуйте спеть лейтмотив «Каприса» Н. Паганини.
Повторялся ли лейтмотив в течении пьесы? (Да.)
Менялся ли он в своём оформлении? (Да.)
Как называется такая музыкальная форма? (Вариации.) 5.
6.
7.
8.
Назовите автора этого произведения.
Паганини был не только великим композитором, но и великим
исполнителем. На каком музыкальном инструменте он играл?
Как называется музыкант, который блестяще играет на музыкальном
инструменте? (Виртуоз.)
Надо ли быть виртуозом, чтобы исполнять сочинения Н. Паганини?
(Да.)
В какой стране родился и жил Н. Паганини? (В Италии.)
9.
Запомни!
Баркарола
Вопросы и задания:
1.
Что в музыкальном путешествии по Италии вам запомнилось больше
всего? Почему?
2.
3.
4.
Что такое баркарола? Каковы её особенности?
Какие картины возникают во время прослушивания романса М.
Глинки «Венецианская ночь»?
Что, повашему, изображает ритм в этом романсе?
Дополнительный материал Пётр Ильич Чайковский в 1879 1880 годах жил в Италии.
Внимательно вслушивался композитор в итальянскую народную музыку,
распеваемую уличными певцами. Особенно запомнился многодневный
яркий, красочный карнавал (правда, немало утомивший своим шумом,
«беснованием»). Под его впечатлением Чайковский решил написать
фантазию на народные темы для симфонического оркестра  «Итальянское
каприччио». Он хотел, чтобы весёлая, светлая пьеса возбуждала жажду
жизни, охоту танцевать и веселиться.
Слушание: П. Чайковский. «Итальянское каприччио».
Открывается эта одночастная пьеса звуками фанфары  сигнала, который
Пётр Ильич слышал ежедневно в Риме из военных казарм, находившихся
рядом с его отелем. За медленным вступлением следуют, сменяя один
другого, эпизоды, контрастные по настроению: то грустные, печальные, то
празднично приподнятые, светлые, то песенные, то танцевальные.
Произведение состоит из нескольких танцев, следующих один за другим
без перерыва, каждый из которых основан на мелодии, услышанной
композитором в Италии, начиная с имитации военного духового оркестра
и знаменитой неаполитанской песни  до захватывающей тарантеллы в
финале. В презентации использованы фото достопримечательностей Италии,
репродукции картин художников Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти,
Рубенса Санторо, Ивана Айвазовского, Уильяма Тёрнера, Эмилио Фоссати
и др.
Дирижер и  симфонический оркестр (4 класс)
Представьте, что вы пришли в концертный зал. На сцене необычное
«общество»  пюпитры, стулья, на них  музыкальные инструменты. Потом
на эстраду вышли люди, одетые, как на бал: мужчины в черных фраках, дамы в красивых платьях. Расселись, взяли в руки свои инструменты, и
вдруг началось нечто невообразимое!
Хаос звуков! Страшный шум! Это музыканты проверяют настройку
инструментов. А затем на сцену вышел ещё один человек во фраке с
палочкой в руках, повернулся к нам спиной, взмахнул волшебной
палочкой и ... совершилось чудо  зазвучала МУЗЫКА. Играет
симфонический оркестр.
Слушание: И. Штраус (сын). Вальс «Сказки Венского леса».
У замечательного поэта Юрия Давыдовича Левитанского есть
стихотворение «Музыка»:
Есть в музыке такая неземная,
Как бы не здесь рождённая печаль,
Которую ни скрипка, ни рояль
До основанья вычерпать не могут.
И арфы сладкозвучная струна
Или органа трепетные трубы
Для той печали слишком, что ли, грубы,
Для той безмерной скорби неземной.
Но вот они сошлись, соединясь
В могучее сообщество оркестра… Здесь мы прервём стихотворение, послушаем тишину и попытаемся
услышать внутри себя оркестр, его звуковые краски, его могучее дыхание,
уносящее нас
…Туда, туда, всё выше, всё быстрей,
где звёздная неистовствует фуга…
Метёт метель. Неистовствует вьюга…
Слушание: Л. Бетховен. «Ода к радости». Финал симфонии № 9.
Да, оркестр  самый могущественный, самый волшебный музыкальный
«инструмент». И мы с вами чуть приоткроем тайну этого волшебства,
взглянем на «устройство», складывавшееся веками, этого «инструмента».
В Древней Греции глагол «орхео» означал «танцую», а орхестрой
(orchestra) греки называли полукруглую площадку перед сценой, на
которой, совершая ритмические движения, пел свою партию хор, участник
каждой античной пьесы.
Прошли века, погибла великая цивилизация, но слово это осталось жить.
Через десятки веков так стали называть помещение в театре, где
размещались музыканты, а позже – сам ансамбль музыкальных
инструментов и исполнителей на них. В этих ансамблях участвовали
самые различные инструменты.
Слушание: Франческо да Милано. «Канцона». Нам сегодня трудно представить, что было время, когда симфонический
оркестр выглядел совсем иначе. Он вообще достаточно молод. В эпоху,
когда жили великие художники Микеланджело и Тициан, оркестра ещё не
было вовсе. Во времена Шекспира он только зарождался.
Слушание: Ф. Лист. «Грёзы любви».
Конечно, вы можете спросить: разве в то время люди не собирались
вместе, чтобы помузицировать или послушать музыку? Конечно,
собирались со времён глубокой древности.
Историк Иосиф Флавий описывал один пышный культовый праздник в
Палестине в I в. н. э., в котором участвовали двадцать тысяч певцов,
двадцать тысяч трубачей, сорок тысяч арфистов и сорок тысяч
исполнителей на систрах (инструмент, похожий на погремушку). Вот
какой колоссальный оркестр.
А ещё один комический случай описал греческий историк Полибий. В III
в. до н. э. тринадцать греческих флейтистов приехали в Рим показать своё
искусство. Но римская публика не была искушённой в такого рода
музицировании, и, чтобы развлечься, они заставили музыкантов...
подраться между собой. Но вернёмся к нашему оркестру.
История симфонического оркестра восходит к рубежу XVIXVII вв.,
когда появились новые жанры музыки, такие как опера, оратория и другие. Оркестр тогда выполнял функцию сопровождения. В него часто входили
старинные инструменты, такие как лютня, виола. Для услаждения слуха
аристократов при королевских дворах стали образовываться оркестры,
часто состоявшие только из струнных инструментов. Названия их
говорили сами за себя. Например, во Франции такой оркестр называли «24
скрипки короля».
С первой половины XVIII в. состав оркестра зависел от места исполнения
музыки, ее слушателей. Чаще всего оркестры были у богатых
аристократов. Именно от вкуса и содержимого кошелька хозяина зависели
число музыкантов и состав инструментов. Обычно состав ранне
классического оркестра сводился к двум гобоям, двум валторнам и
струнным. Если количество струнных превышало двенадцать
инструментов, оркестр считался большим.
Слушание: Й. Гайдн. «Серенада».
К концу XVIII в. сложился так называемый малый оркестр: около
тридцати струнных инструментов, две флейты, два гобоя, дветри
валторны и литавры. Для такого состава писали Й. Гайдн, В. Моцарт. И
только в творчестве Бетховена (17701827) сложился «Классический»
состав оркестра. Но он тоже отличался от современного. Только в эпоху романтизма в состав оркестра вошли многие духовые инструменты, была
расширена струнная группа.
3а несколько веков музыкальная практика выработала несколько типов
симфонического оркестра.
Вопервых, концертный оркестр. Он располагается на возвышенной
эстраде в зале, и мы, сидя на своих местах, постоянно видим и оркестр, и
дирижёра.
Вовторых, оперный оркестр. Он предназначен для исполнения музыки
опер и балетов. Чтобы не закрывать нам артистов на сцене, этот оркестр
рассаживают в специальном углублении  оркестровой яме. Видите,
оперный оркестр «сидит в яме»!
В наши дни есть ещё оркестры радио, телевидения, кино. Чаще всего они
нам не видны, так как располагаются в особых студиях, порой за тысячи
километров.
Расположение инструментов оркестра
Где бы ни работал оркестр, строение его одинаково.
Как вы думаете, имеет ли значение, как рассаживаются музыканты в
оркестре? Конечно, сидят музыканты не так, как им захотелось, а в
строгом порядке. На опыте десятков дирижёров и оркестров стало ясно, что музыканты хорошо видят дирижёрскую палочку, если располагаются
веерообразно, а дирижёр находится в центре.
Опыт показал, что все однородные инструменты надо собрать вместе. Это
позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре.
Очень важно равномерное звучание всего оркестра. Что бы было, если бы
впереди располагались трубы и тромбоны, а скрипки в глубине сцены?
Медные инструменты перекрыли бы звучание струнных. Поэтому впереди
мы видим инструменты с более тихим голосом.
Вот мы ещё раз произнесли это слово  ДИРИЖЁР. Кто же это такой?
Давно ли возникло дирижёрское искусство, в чём его особенности и
секреты? На эти вопросы мы сейчас попробуем ответить.
Перенесёмся в далёкое прошлое. У костра собралось всё племя, чтобы
отпраздновать удачную охоту. Мужчины исполняют ритуальный танец. Во
главе танцующих  вождь племени. Движениями своего тела он задаёт
ритм танцующим и музыкантам, играющим на тростниковых флейтах,
раковинах и барабанах. Каждый жест тела вождя  понятный всем
условный знак, подсказывающий, каким должно быть продолжение танца.
Наверное, именно так выглядели первые сцены дирижирования. Именно от
них и пошла традиция: во главе группы музыкантов или певцов должен
стоять человек, которому подчиняются все,  дирижёр. А теперь попробуем мысленно перенестись в античную Грецию, в
огромный открытый театр, где собрались десятки тысяч зрителей.
Главной фигурой в древнегреческом театре был корифей. Он дирижировал
хором  так в то время называлась группа актёров, которым нужно было
петь, танцевать, исполнять пантомимы. Жестам корифея подчинялись и
музыканты, сопровождавшие спектакль игрой на разных инструментах.
Хотя нужный ритм корифеи отбивали ударами окованной железом
подошвы, основным орудием дирижирования были руки. Тогда и возникла
дошедшая до наших дней система дирижирования, названная
хейрономией.
Для того чтобы управлять большим музыкальным коллективом, нужен
дирижёр (французское diriger  управлять, направлять, руководить).
Дирижёры существуют в музыке очень давно. В средние века они
назывались поразному  магистры, проценторы, канторы. Символом их
высокого положения служил тяжёлый, искусно отделанный жезл. Во время
службы церковный дирижёр обычно ставил его на самое видное место. В
конце средних веков этот жезл превратился в важного помощника
дирижёра  батуту, прообраз дирижёрской палочки. Правда, на палочку
она была мало похожа  это была массивная, длиной около метра палка. Поначалу батутой, как это делали первобытные музыканты, отсчитывали
ритм ударами. Но такое «шумное» дирижирование часто мешало слушать
музыку. Прошло время, и некоторые дирижёры, желая избежать
«шумного» дирижирования, стали вместо батуты использовать «тихие»
предметы: свёрнутые в рулон ноты или даже носовой платок.
Было время, когда дирижёр руководил оркестром, играя на скрипке или
клавесине. Этот способ предпочитал И.С. Бах. Но пришло время, когда
состав оркестра настолько увеличился, что, играя самому, таким большим
коллективом руководить стало невозможно.
И вот в начале XIX в. сложилось понятие дирижёра, близкое нашему. Но в
то время он ещё стоял лицом к публике, так как считалось неприличным
поворачиваться к ней спиной. Поэтому он стоял спиной к оркестру и
руководил им, не видя музыкантов. Это, конечно, было неудобно.
Революцию в этом деле совершили Ф. Мендельсон и Р. Вагнер, впервые
решившиеся повернуться во время концерта лицом к оркестру.
В начале же XIX в. композиторы и дирижёры К. М. Вебер и Л. Шпор
впервые применили для дирижирования небольшую палочку. С тех пор
она стала верной помощницей дирижёра.
Однажды русский композитор А. Глазунов приехал в Англию, где должен
был дирижировать оркестром. Он не знал английского языка, поэтому выучил только одну фразу: «Господа, прошу вас сыграть то, что я нарисую
концом своей палочки».
Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40 (фрагмент).
Одна из главных задач дирижёра  заставить весь оркестр играть строго
ритмично и слаженно. Это достаточно сложно. Представьте, что дирижёр
показал музыкантам первую долю такта, то есть взмахнул палочкой
именно тогда, когда уже должна звучать музыка. Но ведь комуто из
оркестрантов надо набрать воздух в лёгкие, комуто поднять смычок, то
есть всем надо приготовиться, чтобы начать вместе. Поэтому дирижёр
даёт заблаговременную команду – «ауфтакт». Именно он  основа
дирижирования.
Но дирижёр не только следит за тем, чтобы все играли согласованно. Он
разучивает произведение с исполнителями, показывает вступление всем
инструментам, быстро или медленно, громко или тихо они должны играть.
Главная задача дирижёра  наиболее полно передать авторский замысел.
Для этого он должен обладать тонким слухом и огромной творческой
фантазией, быть человеком, широко образованным. Только если он
обладает этими качествами, если у него есть любовь к своему искусству,
он подчинит себе оркестр и вместе с ним подарит слушателям ту великую
радость, которую несёт в себе музыка. Слушание: П. Чайковский. Концерт для фортепиано с оркестром № 1
(фрагмент).
И вновь вспомню слова Ю. Башмета: «Нужно быть сильным человеком,
чтобы не нуждаться в опоре, не зависеть от окружающих. Вести за собой,
ничуть не сомневаясь, что за тобой пойдут. Иными словами, дирижёр
должен обладать харизмой (харизма  Божий дар, благодать, обаяние;
умение вести за собой) и для своих оркестрантов, и для слушателей».
О роли дирижёра в оркестре очень точно рассказывает стихотворение В.
Солоухина «Дирижёр».
Я слушал музыку, следя за дирижёром.
Вокруг него сидели музыканты,
У каждого особый инструмент,
Сто тысяч звуков, миллион оттенков!
А он один, над ними возвышаясь,
Движеньем палочки, бровей, и губ, и тела,
И взглядом, то молящим, то жестоким,
Те звуки из безмолвья вызывал...
То скрипки вдруг польются, то тревожно
Господствовать начнёт виолончель.
То фортепьяно мощные фонтаны
Ударят вверх, и взмоют, и взовьются, И в недоступной зыбкой вышине
Рассыплются на брызги и на льдинки,
Чтоб с лёгким звоном тихо замереть...
Все правильно. Держать у ног стихию
И есть искусство.
Браво, дирижёр!
Дирижёр необходим в любом оркестре. И каждый из них посвоему
откликнется на движение дирижёра. «Камерный оркестр, так же как
автомобиль «Порше», способен реагировать быстро. А первоклассный
симфонический оркестр подобен «Роллсройсу»: он не может так же
быстро развернуться, но ездить на нём потрясающе». (Ю. Башмет.
Вокзал мечты).
Ответьте на вопросы:
1.
2.
3.
4.
Что такое оркестр и когда впервые появилось это слово?
Когда зародился симфонический оркестр и с чем это связано?
Для какого состава писали Гайдн и Моцарт?
В творчестве какого композитора сложился классический состав
оркестра?
5.
Как располагаются инструменты симфонического оркестра? 6.
Выберите правильный ответ на вопрос: «Кто руководит оркестром?»
скрипач, трубач, органист, дирижёр, контрабасист. Поэма огня «Прометей» (4 класс)
Флейты звук зоревоголубой,
Так подетскому ласковомалый,
Барабана глухой перебой,
Звук литавр торжествующеалый...
(К. Бальмонт)
Музыкантфилософ Александр Николаевич Скрябин, чьё творчество
оказалось созвучным бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его
смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам добра, справедливости
и всеобщего братства людей пронизывает всё его музыкальное искусство.
Александр Скрябин родился в Москве 6 января 1872 года в семье
дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тётушка
Любовь Александровна Скрябина, давшая ему первые уроки музыки. Она
вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепиано.
А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик
относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве
маленькие игрушечные рояли... Музыку Скрябин стал сочинять рано  в семь лет он написал свою первую
оперу, назвав её именем девочки, в которую был тогда влюблён.
В 11летнем возрасте, параллельно обучению в московском кадетском
корпусе в Лефортове, начались и его регулярные музыкальные занятия в
классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С.
Зверева, у которого в ту пору уже учился Серёжа Рахманинов.
В ранней юности его любимый композитор  Шопен, позднее  Бетховен.
Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую
консерваторию закончил в двадцать лет по классу фортепиано, получив
малую золотую медаль.
В то же время он испытал большое чувство любви. Его избранницей была
пятнадцатилетняя Наташа Секерина. На своё предложение он получил
отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше
не повторилось.
Скрябин начинает рано и успешно гастролировать  Берлин, Дрезден,
Люцерн, Генуя, Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему.
«Он  весь порыв и священное пламя», «он раскрывает в своей игре
неуловимое и своеобразное очарование славян  первых пианистов в
мире»,  писали о нём. Скрябин обретает славу и в отечестве, и за рубежом. Композитор
Анатолий Лядов приветствовал его новые творения словами: «Появилось
новое и великое искусство». Николай РимскийКорсаков о нём писал:
«Звезда первой величины». Лев Толстой, услышав одну из фортепианных
миниатюр композитора, откликнулся так: «Очень искренне, искренность
дорога. По одной этой вещи можно судить, что он большой художник».
Музыка его оказалась столь новой и непривычной, столь дерзкой, что,
например, исполнение его Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года
превратилось в форменный скандал. Мнения публики разделились: одна
половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады,
бурно аплодировала.
«Какофония»  таким страшным словом назвал симфонию мэтр и учитель
Н. А. РимскийКорсаков, а вслед за ним и десятки других музыкальных
авторитетов. Но Скрябин ничуть не был смущён. Он уже ощущал себя
мессией, провозвестником новой религии. Такой религией для него было
искусство. Он верил в его преобразующую силу, он верил в творческую
личность, способную создать новый, прекрасный мир.
Скрябин считал, что только искусство способно очистить человека от
злобы мира. Это стихотворение  яркое подтверждение поэтического дара
композитора: О, дивный образ Божества,
Гармоний чистое искусство!
Тебе приносим дружно мы
Хвалу восторженного чувства!
Ты жизни светлая мечта,
Ты праздник, ты отдохновенье,
Как дар приносишь людям ты
Свои волшебные виденья.
В тот мрачный и холодный час,
Когда душа полна смятенья,
В тебе находит человек
Живую радость утешенья.
Ты силы, павшие в борьбе,
Чудесно к жизни призываешь.
В уме усталом и больном
Ты мыслей новых строй рождаешь.
Ты чувств безбрежный океан
Рождаешь в сердце, восхищённом,
И лучших песней песнь поёт
Твой жрец, тобою вдохновлённый. Царит всевластно на Земле
Твой дух свободный и могучий.
Тобой поднятый человек
Свершает славно подвиг лучший.
Придите, все народы мира,
Искусству славу воспоём!
(А. Скрябин)
Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют, но всё же он живёт на
грани нужды, и желание поправить свои материальные дела снова и снова
гонит его по городам и весям. Исполнение его произведений в Европе и
Америке, как правило, вызывало восторженный приём слушателей.
Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов, в корреспонденции из
Лондона писал, как восторженно принимала аудитория концерт Скрябина:
«Меломаны, тридцать лет посещающие лондонские концерты, не забудут
тех оваций, которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале стоял какой
то вопль, махали платками, чем попало. Оркестр, заражённый общим
настроением, встал и поклонился новому светилу».
Композитор всё больше чувствовал постоянное переутомление. Это
находило отражение в его музыке. Например, в Девятой сонате появился
мотив, который произвёл впечатление на внимательных слушателей. Когда у композитора спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это  тема
подкрадывающейся смерти».
Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И смерть не замедлила:
прервав работу над всеми грандиозными замыслами, она наступила через
два месяца после произнесённых слов. Он умер 27 апреля 1915 г. от
внешне незначительной причины  карбункула на губе, вызвавшего общее
заражение крови.
Весть о смерти композитора мгновенно облетела всю Москву. На
кладбище Новодевичьего монастыря его провожала многотысячная толпа.
16 января далёкого 1896 года в Парижской газете «Музыкальный гид»
было напечатано: «Александр Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё
прозвучит в веках!» Предсказание сбылось. Его имя, его творения
продолжают звучать в веках и радовать человечество.
Звуки музыки
Каждый воистину великий поэт, художник, композитор дарит потомкам
частицу своей души, величайшие творения мировой культуры. Их с
увлечением читают, ими любуются, их слушают. Такова судьба каждого из
гениальных творцов. Но трём композиторам Вселенной подарено было
нечто большее.

intro:
Творчество Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена мы ценим за жизнеутверждающий характер, ясность и выразительность музыкального языка. При этом музыка каждого из этих композиторов имеет свои яркие особенности.
Так, в произведениях Гайдна преобладают светлые, радостные настроения, у Бетховена – настроения драматические, отражающие борьбу, стремление к победе.
У Моцарта особенной глубиной отличаются лирические образы. И радость, и печаль запечатлены у композитора в ярких запоминающихся мелодиях, передающих чувства человека, его душевные переживания.
«Сущность музыки – в мелодии», - писал Моцарт. И в каком бы жанре не были созданы его произведения, будь то опера, симфония, соната, - всегда по выразительности мелодии мы безошибочно угадываем: звучит музыка Моцарта.