extracted_text:
Музыкальное путешествие в Италию (4 класс)
Содержание:
1.
Италия  страна хранительница величайших культурно исторических
ценностей (краткий художественно исторический экскурс).
Италия  родина оперы, родина бельканто.
Чудогород Венеция.
Музыкальное посвящение М. Глинки  романс «Венецианская ночь».
Знакомство с жанром баркаролы.
Воспринимать на эмоциональнообразном уровне профессиональное и
народное музыкальное творчество разных стран мира.
2.
3.
4.
5.
Музыкальный материал:
1.
2.
3.
4.
Характеристика видов деятельности:
1.
М. Глинка, стихи И. Козлова. «Венецианская ночь» (слушание);
Н. Паганини. «Каприс» № 24 (ля минор);
П. Чайковский. «Итальянское каприччио» (по желанию педагога);
«Санта Лючия». Итальянская народная песня (пение). 2.
3.
Анализировать художественнообразное содержание, музыкальный
язык произведений мирового музыкального искусства.
Воплощать художественнообразное содержание народной музыки в
пении.
Сегодня мы совершим музыкальное путешествие в прекрасную Италию –
страну южных морей и гор, залитых солнцем долин, садов и
виноградников.
Древняя Италия по праву считается хранительницей величайших
исторических и художественных ценностей.
Почти в каждом городе страны мы можем увидеть великолепные дворцы и
храмы, фонтаны и парки, музеи и памятники.
С Италией связаны имена гениев мировой художественной культуры.
Среди них Петрарка и Данте (литература), Леонардо да Винчи и Рафаэль
(изобразительное искусство), Верди и Паганини (музыка).
Многие иностранные композиторы стремились побывать в Италии – на
родине оперы, родине прекрасного пения – бельканто (bel canto по
итальянски  прекрасное пение).
Вы знакомы с творчеством русского композитора, основоположником
русской классической музыки. М. И. Глинка создал основы русского
музыкального языка. Композитор Глинка родился недалеко от города Смоленска. Существует
легенда о том, что в момент рождения мальчика в саду запел соловей, и
это словно определило жизненный путь ребёнка – быть ему музыкантом.
Музыка М. Глинки полна народности, музыковед В. Стасов пояснял,
откуда в творчестве композитора эта черта: «Глинка родился, провёл
первые годы и получил первое своё образование не в столице, а в деревне,
и таким образом натура его приняла в себя все те элементы музыкальной
народности. Которые, не существуя в наших городах, сохранились лишь в
сердце России». М. Глинка был первым русским композитором, который
сочинил оперы, балетную музыку и симфонии, ставшие классическими, т.
е. образцовыми. Вот почему М. Глинка считается первым русским
композитором.
Но профессионально музыке Михаил Иванович Глинка учился в Италии,
тогда в России не существовало своих учебных заведений для музыкантов.
И занимался Глинка так старательно и хорошо, что вскоре обогнал своих
педагогов, и они сами почтительно стали называть его «маэстро», что
означает «учитель». В память о своём пребывании в Италии Глинка
сочинил замечательный романс, который называется «Венецианская ночь».
Посмотрите на рисунок – на нём изображён итальянский город Венеция.
Это очень необычный город, вместо привычных улиц там водные каналы, по которым неспешно и плавно скользят длинные гондолы (гондола –
венецианская лодка).  И в Венеции принято, чтобы гондольеры (лодочные
гребцы) непременно пели песни. Эти песни получили название
«баркарола». Слово «баркарола» в переводе на русский язык и означает
«песня лодочника». Слово «лодка» на итальянском языке произносится
как «барка».
Мелодия баркаролы нежная, лирическая, темп спокойный. Однообразный
ритмический рисунок вызывает ощущение лёгкого покачивания.
В стиле баркаролы написан и нежный, мечтательный романс М. Глинки
«Венецианская ночь». В музыке романса вы услышите переливы волн,
звуки воды, которая стекает с вёсел.
И ещё Венеция славится своими карнавалами, которые длятся несколько
дней и ночей подряд. Вот о таком венецианском карнавале и пойдёт речь в
романсе М. Глинки.
Послушайте начало этого романса.
Ночь волшебница дышала
Светлоюжною красой,
Тихо Брента протекала,
Серебримая луной.
Окружён волной огнистой Блеск прозрачных облаков,
И восходит пар душистый
От зелёных берегов.
(Слова И. Козлова)
Вслушайтесь в музыку романса, в его слова.
Слушание: М. Глинка. Романс «Венецианская ночь».
1.
Какой характер у романса? (Изящный, изысканный, утончённый,
нежный.)
В каком жанре сочинил композитор этот романс?
Как переводится слово «Баркарола»?
В каких жанрах создавал музыку М. И. Глинка?
Какая музыка М. И. Глинки вам запомнилась больше всего?
Что рисует сопровождение романса?
2.
3.
4.
5.
6.
Сегодня мы познакомимся с творчеством знаменитого итальянского
композитора, автора произведений для скрипки по имени Никколо
Паганини.
Паганини славился как виртуозный мастер игры на скрипке и сочинил для
неё много разных пьес. Его произведения казались настолько сложными,
что играть их мог только он сам. Имя Паганини было овеяно легендами. Люди, которым доводилось слушать его игру, не верили такому
мастерству, говорили, что смычком Паганини водит сам дьявол. У
Паганини было много завистников, не раз перед концертом ему старались
навредить – обрывали струны у скрипки. Но мастерство этого скрипача
было так велико, что он умудрялся свои сочинения исполнять даже на
одной струне.
Познакомьтесь с одним из самых знаменитых произведений Н. Паганини,
оно называется «Каприс». Обратите внимание на форму музыки и её
развитие.
Слушание: Н. Паганини. «Каприс».
1.
2.
3.
4.
5.
6.
Попробуйте спеть лейтмотив «Каприса» Н. Паганини.
Повторялся ли лейтмотив в течении пьесы? (Да.)
Менялся ли он в своём оформлении? (Да.)
Как называется такая музыкальная форма? (Вариации.)
Назовите автора этого произведения.
Паганини был не только великим композитором, но и великим
исполнителем. На каком музыкальном инструменте он играл?
7.
Как называется музыкант, который блестяще играет на музыкальном
инструменте? (Виртуоз.) 8.
Надо ли быть виртуозом, чтобы исполнять сочинения Н. Паганини?
(Да.)
В какой стране родился и жил Н. Паганини? (В Италии.)
9.
Запомни!
Баркарола
Вопросы и задания:
1.
Что в музыкальном путешествии по Италии вам запомнилось больше
всего? Почему?
2.
3.
4.
Что такое баркарола? Каковы её особенности?
Какие картины возникают во время прослушивания романса М.
Глинки «Венецианская ночь»?
Что, повашему, изображает ритм в этом романсе?
Дополнительный материал
Пётр Ильич Чайковский в 1879 1880 годах жил в Италии.
Внимательно вслушивался композитор в итальянскую народную музыку,
распеваемую уличными певцами. Особенно запомнился многодневный
яркий, красочный карнавал (правда, немало утомивший своим шумом,
«беснованием»). Под его впечатлением Чайковский решил написать фантазию на народные темы для симфонического оркестра  «Итальянское
каприччио». Он хотел, чтобы весёлая, светлая пьеса возбуждала жажду
жизни, охоту танцевать и веселиться.
Слушание: П. Чайковский. «Итальянское каприччио».
Открывается эта одночастная пьеса звуками фанфары  сигнала, который
Пётр Ильич слышал ежедневно в Риме из военных казарм, находившихся
рядом с его отелем. За медленным вступлением следуют, сменяя один
другого, эпизоды, контрастные по настроению: то грустные, печальные, то
празднично приподнятые, светлые, то песенные, то танцевальные.
Произведение состоит из нескольких танцев, следующих один за другим
без перерыва, каждый из которых основан на мелодии, услышанной
композитором в Италии, начиная с имитации военного духового оркестра
и знаменитой неаполитанской песни  до захватывающей тарантеллы в
финале.
В презентации использованы фото достопримечательностей Италии,
репродукции картин художников Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти,
Рубенса Санторо, Ивана Айвазовского, Уильяма Тёрнера, Эмилио Фоссати
и др. Дирижер и  симфонический оркестр (4 класс)
Представьте, что вы пришли в концертный зал. На сцене необычное
«общество»  пюпитры, стулья, на них  музыкальные инструменты. Потом
на эстраду вышли люди, одетые, как на бал: мужчины в черных фраках,
дамы в красивых платьях. Расселись, взяли в руки свои инструменты, и
вдруг началось нечто невообразимое!
Хаос звуков! Страшный шум! Это музыканты проверяют настройку
инструментов. А затем на сцену вышел ещё один человек во фраке с
палочкой в руках, повернулся к нам спиной, взмахнул волшебной палочкой и ... совершилось чудо  зазвучала МУЗЫКА. Играет
симфонический оркестр.
Слушание: И. Штраус (сын). Вальс «Сказки Венского леса».
У замечательного поэта Юрия Давыдовича Левитанского есть
стихотворение «Музыка»:
Есть в музыке такая неземная,
Как бы не здесь рождённая печаль,
Которую ни скрипка, ни рояль
До основанья вычерпать не могут.
И арфы сладкозвучная струна
Или органа трепетные трубы
Для той печали слишком, что ли, грубы,
Для той безмерной скорби неземной.
Но вот они сошлись, соединясь
В могучее сообщество оркестра…
Здесь мы прервём стихотворение, послушаем тишину и попытаемся
услышать внутри себя оркестр, его звуковые краски, его могучее дыхание,
уносящее нас …Туда, туда, всё выше, всё быстрей,
где звёздная неистовствует фуга…
Метёт метель. Неистовствует вьюга…
Слушание: Л. Бетховен. «Ода к радости». Финал симфонии № 9.
Да, оркестр  самый могущественный, самый волшебный музыкальный
«инструмент». И мы с вами чуть приоткроем тайну этого волшебства,
взглянем на «устройство», складывавшееся веками, этого «инструмента».
В Древней Греции глагол «орхео» означал «танцую», а орхестрой
(orchestra) греки называли полукруглую площадку перед сценой, на
которой, совершая ритмические движения, пел свою партию хор, участник
каждой античной пьесы.
Прошли века, погибла великая цивилизация, но слово это осталось жить.
Через десятки веков так стали называть помещение в театре, где
размещались музыканты, а позже – сам ансамбль музыкальных
инструментов и исполнителей на них. В этих ансамблях участвовали
самые различные инструменты.
Слушание: Франческо да Милано. «Канцона».
Нам сегодня трудно представить, что было время, когда симфонический
оркестр выглядел совсем иначе. Он вообще достаточно молод. В эпоху, когда жили великие художники Микеланджело и Тициан, оркестра ещё не
было вовсе. Во времена Шекспира он только зарождался.
Слушание: Ф. Лист. «Грёзы любви».
Конечно, вы можете спросить: разве в то время люди не собирались
вместе, чтобы помузицировать или послушать музыку? Конечно,
собирались со времён глубокой древности.
Историк Иосиф Флавий описывал один пышный культовый праздник в
Палестине в I в. н. э., в котором участвовали двадцать тысяч певцов,
двадцать тысяч трубачей, сорок тысяч арфистов и сорок тысяч
исполнителей на систрах (инструмент, похожий на погремушку). Вот
какой колоссальный оркестр.
А ещё один комический случай описал греческий историк Полибий. В III
в. до н. э. тринадцать греческих флейтистов приехали в Рим показать своё
искусство. Но римская публика не была искушённой в такого рода
музицировании, и, чтобы развлечься, они заставили музыкантов...
подраться между собой. Но вернёмся к нашему оркестру.
История симфонического оркестра восходит к рубежу XVIXVII вв.,
когда появились новые жанры музыки, такие как опера, оратория и другие.
Оркестр тогда выполнял функцию сопровождения. В него часто входили
старинные инструменты, такие как лютня, виола. Для услаждения слуха аристократов при королевских дворах стали образовываться оркестры,
часто состоявшие только из струнных инструментов. Названия их
говорили сами за себя. Например, во Франции такой оркестр называли «24
скрипки короля».
С первой половины XVIII в. состав оркестра зависел от места исполнения
музыки, ее слушателей. Чаще всего оркестры были у богатых
аристократов. Именно от вкуса и содержимого кошелька хозяина зависели
число музыкантов и состав инструментов. Обычно состав ранне
классического оркестра сводился к двум гобоям, двум валторнам и
струнным. Если количество струнных превышало двенадцать
инструментов, оркестр считался большим.
Слушание: Й. Гайдн. «Серенада».
К концу XVIII в. сложился так называемый малый оркестр: около
тридцати струнных инструментов, две флейты, два гобоя, дветри
валторны и литавры. Для такого состава писали Й. Гайдн, В. Моцарт. И
только в творчестве Бетховена (17701827) сложился «Классический»
состав оркестра. Но он тоже отличался от современного. Только в эпоху
романтизма в состав оркестра вошли многие духовые инструменты, была
расширена струнная группа. 3а несколько веков музыкальная практика выработала несколько типов
симфонического оркестра.
Вопервых, концертный оркестр. Он располагается на возвышенной
эстраде в зале, и мы, сидя на своих местах, постоянно видим и оркестр, и
дирижёра.
Вовторых, оперный оркестр. Он предназначен для исполнения музыки
опер и балетов. Чтобы не закрывать нам артистов на сцене, этот оркестр
рассаживают в специальном углублении  оркестровой яме. Видите,
оперный оркестр «сидит в яме»!
В наши дни есть ещё оркестры радио, телевидения, кино. Чаще всего они
нам не видны, так как располагаются в особых студиях, порой за тысячи
километров.
Расположение инструментов оркестра
Где бы ни работал оркестр, строение его одинаково.
Как вы думаете, имеет ли значение, как рассаживаются музыканты в
оркестре? Конечно, сидят музыканты не так, как им захотелось, а в
строгом порядке. На опыте десятков дирижёров и оркестров стало ясно,
что музыканты хорошо видят дирижёрскую палочку, если располагаются
веерообразно, а дирижёр находится в центре. Опыт показал, что все однородные инструменты надо собрать вместе. Это
позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре.
Очень важно равномерное звучание всего оркестра. Что бы было, если бы
впереди располагались трубы и тромбоны, а скрипки в глубине сцены?
Медные инструменты перекрыли бы звучание струнных. Поэтому впереди
мы видим инструменты с более тихим голосом.
Вот мы ещё раз произнесли это слово  ДИРИЖЁР. Кто же это такой?
Давно ли возникло дирижёрское искусство, в чём его особенности и
секреты? На эти вопросы мы сейчас попробуем ответить.
Перенесёмся в далёкое прошлое. У костра собралось всё племя, чтобы
отпраздновать удачную охоту. Мужчины исполняют ритуальный танец. Во
главе танцующих  вождь племени. Движениями своего тела он задаёт
ритм танцующим и музыкантам, играющим на тростниковых флейтах,
раковинах и барабанах. Каждый жест тела вождя  понятный всем
условный знак, подсказывающий, каким должно быть продолжение танца.
Наверное, именно так выглядели первые сцены дирижирования. Именно от
них и пошла традиция: во главе группы музыкантов или певцов должен
стоять человек, которому подчиняются все,  дирижёр.
А теперь попробуем мысленно перенестись в античную Грецию, в
огромный открытый театр, где собрались десятки тысяч зрителей. Главной фигурой в древнегреческом театре был корифей. Он дирижировал
хором  так в то время называлась группа актёров, которым нужно было
петь, танцевать, исполнять пантомимы. Жестам корифея подчинялись и
музыканты, сопровождавшие спектакль игрой на разных инструментах.
Хотя нужный ритм корифеи отбивали ударами окованной железом
подошвы, основным орудием дирижирования были руки. Тогда и возникла
дошедшая до наших дней система дирижирования, названная
хейрономией.
Для того чтобы управлять большим музыкальным коллективом, нужен
дирижёр (французское diriger  управлять, направлять, руководить).
Дирижёры существуют в музыке очень давно. В средние века они
назывались поразному  магистры, проценторы, канторы. Символом их
высокого положения служил тяжёлый, искусно отделанный жезл. Во время
службы церковный дирижёр обычно ставил его на самое видное место. В
конце средних веков этот жезл превратился в важного помощника
дирижёра  батуту, прообраз дирижёрской палочки. Правда, на палочку
она была мало похожа  это была массивная, длиной около метра палка.
Поначалу батутой, как это делали первобытные музыканты, отсчитывали
ритм ударами. Но такое «шумное» дирижирование часто мешало слушать
музыку. Прошло время, и некоторые дирижёры, желая избежать «шумного» дирижирования, стали вместо батуты использовать «тихие»
предметы: свёрнутые в рулон ноты или даже носовой платок.
Было время, когда дирижёр руководил оркестром, играя на скрипке или
клавесине. Этот способ предпочитал И.С. Бах. Но пришло время, когда
состав оркестра настолько увеличился, что, играя самому, таким большим
коллективом руководить стало невозможно.
И вот в начале XIX в. сложилось понятие дирижёра, близкое нашему. Но в
то время он ещё стоял лицом к публике, так как считалось неприличным
поворачиваться к ней спиной. Поэтому он стоял спиной к оркестру и
руководил им, не видя музыкантов. Это, конечно, было неудобно.
Революцию в этом деле совершили Ф. Мендельсон и Р. Вагнер, впервые
решившиеся повернуться во время концерта лицом к оркестру.
В начале же XIX в. композиторы и дирижёры К. М. Вебер и Л. Шпор
впервые применили для дирижирования небольшую палочку. С тех пор
она стала верной помощницей дирижёра.
Однажды русский композитор А. Глазунов приехал в Англию, где должен
был дирижировать оркестром. Он не знал английского языка, поэтому
выучил только одну фразу: «Господа, прошу вас сыграть то, что я нарисую
концом своей палочки».
Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40 (фрагмент). Одна из главных задач дирижёра  заставить весь оркестр играть строго
ритмично и слаженно. Это достаточно сложно. Представьте, что дирижёр
показал музыкантам первую долю такта, то есть взмахнул палочкой
именно тогда, когда уже должна звучать музыка. Но ведь комуто из
оркестрантов надо набрать воздух в лёгкие, комуто поднять смычок, то
есть всем надо приготовиться, чтобы начать вместе. Поэтому дирижёр
даёт заблаговременную команду – «ауфтакт». Именно он  основа
дирижирования.
Но дирижёр не только следит за тем, чтобы все играли согласованно. Он
разучивает произведение с исполнителями, показывает вступление всем
инструментам, быстро или медленно, громко или тихо они должны играть.
Главная задача дирижёра  наиболее полно передать авторский замысел.
Для этого он должен обладать тонким слухом и огромной творческой
фантазией, быть человеком, широко образованным. Только если он
обладает этими качествами, если у него есть любовь к своему искусству,
он подчинит себе оркестр и вместе с ним подарит слушателям ту великую
радость, которую несёт в себе музыка.
Слушание: П. Чайковский. Концерт для фортепиано с оркестром № 1
(фрагмент). И вновь вспомню слова Ю. Башмета: «Нужно быть сильным человеком,
чтобы не нуждаться в опоре, не зависеть от окружающих. Вести за собой,
ничуть не сомневаясь, что за тобой пойдут. Иными словами, дирижёр
должен обладать харизмой (харизма  Божий дар, благодать, обаяние;
умение вести за собой) и для своих оркестрантов, и для слушателей».
О роли дирижёра в оркестре очень точно рассказывает стихотворение В.
Солоухина «Дирижёр».
Я слушал музыку, следя за дирижёром.
Вокруг него сидели музыканты,
У каждого особый инструмент,
Сто тысяч звуков, миллион оттенков!
А он один, над ними возвышаясь,
Движеньем палочки, бровей, и губ, и тела,
И взглядом, то молящим, то жестоким,
Те звуки из безмолвья вызывал...
То скрипки вдруг польются, то тревожно
Господствовать начнёт виолончель.
То фортепьяно мощные фонтаны
Ударят вверх, и взмоют, и взовьются,
И в недоступной зыбкой вышине
Рассыплются на брызги и на льдинки, Чтоб с лёгким звоном тихо замереть...
Все правильно. Держать у ног стихию
И есть искусство.
Браво, дирижёр!
Дирижёр необходим в любом оркестре. И каждый из них посвоему
откликнется на движение дирижёра. «Камерный оркестр, так же как
автомобиль «Порше», способен реагировать быстро. А первоклассный
симфонический оркестр подобен «Роллсройсу»: он не может так же
быстро развернуться, но ездить на нём потрясающе». (Ю. Башмет.
Вокзал мечты).
Ответьте на вопросы:
1.
2.
3.
4.
Что такое оркестр и когда впервые появилось это слово?
Когда зародился симфонический оркестр и с чем это связано?
Для какого состава писали Гайдн и Моцарт?
В творчестве какого композитора сложился классический состав
оркестра?
5.
6.
Как располагаются инструменты симфонического оркестра?
Выберите правильный ответ на вопрос: «Кто руководит оркестром?»
скрипач, трубач, органист, дирижёр, контрабасист.  Поэма огня «Прометей» (4 класс)
Флейты звук зоревоголубой,
Так подетскому ласковомалый,
Барабана глухой перебой,
Звук литавр торжествующеалый...
(К. Бальмонт)
Музыкантфилософ Александр Николаевич Скрябин, чьё творчество
оказалось созвучным бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его
смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам добра, справедливости
и всеобщего братства людей пронизывает всё его музыкальное искусство.
Александр Скрябин родился в Москве 6 января 1872 года в семье
дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тётушка
Любовь Александровна Скрябина, давшая ему первые уроки музыки. Она
вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепиано.
А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик
относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве
маленькие игрушечные рояли...
Музыку Скрябин стал сочинять рано  в семь лет он написал свою первую
оперу, назвав её именем девочки, в которую был тогда влюблён. В 11летнем возрасте, параллельно обучению в московском кадетском
корпусе в Лефортове, начались и его регулярные музыкальные занятия в
классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С.
Зверева, у которого в ту пору уже учился Серёжа Рахманинов.
В ранней юности его любимый композитор  Шопен, позднее  Бетховен.
Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую
консерваторию закончил в двадцать лет по классу фортепиано, получив
малую золотую медаль.
В то же время он испытал большое чувство любви. Его избранницей была
пятнадцатилетняя Наташа Секерина. На своё предложение он получил
отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше
не повторилось.
Скрябин начинает рано и успешно гастролировать  Берлин, Дрезден,
Люцерн, Генуя, Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему.
«Он  весь порыв и священное пламя», «он раскрывает в своей игре
неуловимое и своеобразное очарование славян  первых пианистов в
мире»,  писали о нём.
Скрябин обретает славу и в отечестве, и за рубежом. Композитор
Анатолий Лядов приветствовал его новые творения словами: «Появилось
новое и великое искусство». Николай РимскийКорсаков о нём писал: «Звезда первой величины». Лев Толстой, услышав одну из фортепианных
миниатюр композитора, откликнулся так: «Очень искренне, искренность
дорога. По одной этой вещи можно судить, что он большой художник».
Музыка его оказалась столь новой и непривычной, столь дерзкой, что,
например, исполнение его Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года
превратилось в форменный скандал. Мнения публики разделились: одна
половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады,
бурно аплодировала.
«Какофония»  таким страшным словом назвал симфонию мэтр и учитель
Н. А. РимскийКорсаков, а вслед за ним и десятки других музыкальных
авторитетов. Но Скрябин ничуть не был смущён. Он уже ощущал себя
мессией, провозвестником новой религии. Такой религией для него было
искусство. Он верил в его преобразующую силу, он верил в творческую
личность, способную создать новый, прекрасный мир.
Скрябин считал, что только искусство способно очистить человека от
злобы мира. Это стихотворение  яркое подтверждение поэтического дара
композитора:
О, дивный образ Божества,
Гармоний чистое искусство! Тебе приносим дружно мы
Хвалу восторженного чувства!
Ты жизни светлая мечта,
Ты праздник, ты отдохновенье,
Как дар приносишь людям ты
Свои волшебные виденья.
В тот мрачный и холодный час,
Когда душа полна смятенья,
В тебе находит человек
Живую радость утешенья.
Ты силы, павшие в борьбе,
Чудесно к жизни призываешь.
В уме усталом и больном
Ты мыслей новых строй рождаешь.
Ты чувств безбрежный океан
Рождаешь в сердце, восхищённом,
И лучших песней песнь поёт
Твой жрец, тобою вдохновлённый.
Царит всевластно на Земле
Твой дух свободный и могучий. Тобой поднятый человек
Свершает славно подвиг лучший.
Придите, все народы мира,
Искусству славу воспоём!
(А. Скрябин)
Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют, но всё же он живёт на
грани нужды, и желание поправить свои материальные дела снова и снова
гонит его по городам и весям. Исполнение его произведений в Европе и
Америке, как правило, вызывало восторженный приём слушателей.
Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов, в корреспонденции из
Лондона писал, как восторженно принимала аудитория концерт Скрябина:
«Меломаны, тридцать лет посещающие лондонские концерты, не забудут
тех оваций, которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале стоял какой
то вопль, махали платками, чем попало. Оркестр, заражённый общим
настроением, встал и поклонился новому светилу».
Композитор всё больше чувствовал постоянное переутомление. Это
находило отражение в его музыке. Например, в Девятой сонате появился
мотив, который произвёл впечатление на внимательных слушателей. Когда
у композитора спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это  тема
подкрадывающейся смерти». Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И смерть не замедлила:
прервав работу над всеми грандиозными замыслами, она наступила через
два месяца после произнесённых слов. Он умер 27 апреля 1915 г. от
внешне незначительной причины  карбункула на губе, вызвавшего общее
заражение крови.
Весть о смерти композитора мгновенно облетела всю Москву. На
кладбище Новодевичьего монастыря его провожала многотысячная толпа.
16 января далёкого 1896 года в Парижской газете «Музыкальный гид»
было напечатано: «Александр Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё
прозвучит в веках!» Предсказание сбылось. Его имя, его творения
продолжают звучать в веках и радовать человечество.
Звуки музыки
Каждый воистину великий поэт, художник, композитор дарит потомкам
частицу своей души, величайшие творения мировой культуры. Их с
увлечением читают, ими любуются, их слушают. Такова судьба каждого из
гениальных творцов. Но трём композиторам Вселенной подарено было
нечто большее.
Можно ли себе представить, скольких младенцев матери в разных странах
мира уже в первые дни жизни приветствуют колыбельной «Спи моя
радость, усни», написанной, как утверждает легенда, великим Моцартом? А сколько миллионов молодожёнов вступают в брак под торжественную и
ликующую музыку «Свадебного марша» МендельсонаБартольди! И уж
совершенно неожиданный масштаб оказался предуготован наследию
Скрябина. Не миллионы, а миллиарды землян повседневно встречаются с
его наследием. Где бы они ни родились, где бы ни жили, чем бы ни
занимались  хоть раз в жизни им доводилось общаться с его подарком
человечеству.
В далёком 1910 году (более ста лет назад!) он завершил своё гениальное
творение  симфоническую поэму «Прометей».
Прометей – один из древнейших мифологических героев. В мифах
Древней Греции он предстаёт как благодетель (человек, который
оказывает бескорыстную помощь) человечества, наделивший разумом
«слепых, жалких людей, живших как муравьи в пещерах». Именно
Прометей научил их строить дома, заниматься ремёслами, писать и
считать, понимать искусство.
Для блага людей, Прометей похитил у всемогущего Зевса божественный
огонь. Рассерженный Зевс жестоко наказал дерзкого героя. По его
повелению Прометея цепями приковали к скале, где огромный орёл
клевал его печень, за ночь, выраставшую вновь.
Позже Зевс смиряет свой гнев: его сын Геракл освобождает героя. И поскольку героем является в поэме легендарный похититель огня,
подаривший человечеству этот символ цивилизации, композитор впервые
вводит в партитуру музыкального произведения «голос» огня. Впервые
сочетает музыку со светом и цветом.
Попробуйте представить себе сегодня землянина, пусть и далёкого от
музыки, пусть и не слышавшего никогда даже имени Скрябина  но не
встречавшегося с его наследием в области цветомузыки! Ведь наверняка
каждый человек хоть раз в жизни побывал в дискотеке, на эстрадном
концерте, хоть когданибудь слушал концерт по телевидению. И всё это
происходило в содружестве: музыки симфонической, эстрадной, джазовой
и празднества цвета и света!
Александр Скрябин сразу же стал родоначальником нового направления в
музыкальном искусстве  цветомузыки.
«Прометей» должен был сопровождаться светоэффектами с помощью
световой клавиатуры. Зал должен был погружаться в сияние красного,
синего и других цветов. В этом сочинении воплощались мечты
композитора о синтезе искусств, о «световой симфонии». В партитуру
была введена особая нотная строка. Композитор обозначил её
итальянским словом «luce», означающим «свет». Она предназначалась для
ещё не существующего инструмента. В течение многих лет люди пытались осуществить это световое
сопровождение. К сожалению, мы так и не узнаем, как представлял себе
это световое сопровождение сам композитор.
Оркестровая ткань произведения то ювелирно прозрачна (соло
фортепиано, скрипки, виолончели), то сгущается до мощных эпизодов
всего оркестра. В главной кульминации в конце коды «громадный
лучезарный подъем» (хор, орган, колокол, весь состав медных и ударных
инструментов). Однако, при всей грандиозности кульминации «Прометей»
воспринимается скорее, как самое утончённое, нежели как самое мощное
произведение Скрябина.
Вопросы и задания:
1.
Что олицетворяет образ Прометея в одноимённом симфоническом
произведении А. Скрябина?
2.
3.
В чём состоит необычность партитуры этого произведения?
Послушайте заключительный фрагмент поэмы, воплощающий
«громадный лучезарный подъём. Какие группы симфонического оркестра
усиливает главную кульминацию произведения? 4.
Во время прослушивания обратите внимание на введение в состав
оркестра редких партий – фортепиано, хора, органа и колоколов.
Подумайте. С какой целью они использованы.
Оливье Мессиан (4 класс)
...Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия...
(О. Мессиан)
Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье Мессиан  один из самых
ярких, универсальных и своеобразных музыкантов ХХ века.
Современникам казалось, что творческий путь Мессиана был спокоен и тих, ведь всю жизнь он был верен двум занятиям  музыке и орнитологии, а
историки музыки нередко сравнивают его с Бахом. Будучи примерным
католиком, значительную часть своей жизни он проработал церковным
органистом, написавшим немало произведений духовного содержания.
Оливье Мессиан  композитор, который придумал свою музыкальную и
мировоззренческую Вселенную, свой музыкальный и ритмический
порядок, при этом сам уверял, что не придумал ничего нового.
Детские годы будущий композитор провёл в Авиньоне и Гренобле,
городах, где его отец  знаток английской литературы, переводчик
Шекспира  преподавал в лицее английский язык. Сильное влияние на
формирование художественной натуры ребёнка оказала его мать, довольно
известная в своё время поэтесса Сесиль Соваж.
Сам Оливье с раннего детства проявил склонность и талант к музыке и в
11 лет уже поступил в Парижскую консерваторию, где занимался с Жаном
Галлоном гармонией, с Марселем Дюпре игрой на органе и с Полем Дюка
композицией.
Блестящие способности мальчика обратили на себя внимание музыкантов
и за пределами консерватории. Его сочинения для органа и для
фортепиано, написанные ещё в стенах консерватории, были услышаны в
концертах и встретили благоприятный отклик критики. После окончания в 1930 году консерватории Мессиан получает назначение
органистом в один из крупнейших парижских соборов  Святой Троицы,
где проработал свыше шестидесяти лет. Уже в ту эпоху молодой
композитор проявляет себя как пытливый искатель новых технических
средств в музыке. Он разрабатывает свою систему ладовых формул и
ритмических конструкций, основанных отчасти на пристальном изучении
древних музыкальных источников  греческих, индийских, григорианских.
Особый интерес молодого композитора вызывает «музыка птиц». Он
приступает к систематической записи звучаний голосов различных
представителей царства пернатых.
Мессиан нотами записывал голоса птиц, пренебрегая всеми правилами
орнитологовтрадиционалистов. Специалист Московского зоопарка
Иннокентий Сметанин говорит, что правильную картину голосов птиц
дают только графическая и фонозапись. «Были попытки записывать
голоса и нотной записью, но адекватно записать не удалось»,  утверждает
он. Не удалось никому, кроме Мессиана, который сам ходил по лесам с
нотной тетрадкой в руках, а потом переносил пение птиц на бумагу.
С началом в Европе Второй мировой войны Оливье пошёл на фронт, а
через несколько месяцев, во время отступления, он оказался в немецком
плену. Один из немецких офицеров из лагерной охраны оказался
любителем музыки. Он подарил Мессиану нотную бумагу, карандаш и резинку. Среди товарищей по заключению были скрипач, кларнетист и
виолончелист.
«Квартет на конец мира» написан для скрипки, кларнета, виолончели и
фортепиано. Однако поскольку в распоряжении композитора не было
фортепиано, его партия была сочинена позже, когда в лагерь было
доставлено старое разбитое пианино и устроен концерт для заключённых.
Конечно, самый факт создания музыкального произведения в столь
трагической обстановке, и организация его исполнения перед
пятитысячной толпой заключённых, испытывавших тяжкие муки голода,
холода (исполнение состоялось 15 января 1941 года в лютый мороз),
болезней, унижений, является актом высокого мужества и стойкости
перед лицом суровых испытаний.
Освобождённый из концлагеря летом 1942 года, Мессиан возвратился в
Париж где продолжил работать при церкви, а также преподавать в
Парижской консерватории по классу гармонии.
У него учились Булез, Штокхаузен, Ксенакис. Есть последователи
Мессиана и в России.
Среди наград композитора  премия Эрнста Сименса 1975 года, Премия
Эразмус 1971го, награда от Королевского филармонического общества и много прочих. Кроме того, Мессиан был удостоен почётных степеней от
нескольких учебных заведений Франции.
Оливье Мессиан много выступал как органист и пианист, исполнитель
собственных сочинений.
Яркое отражение в творчестве Оливье Мессиана нашла тема Востока.
Увлечение этой интереснейшей темой возникло у композитора после того,
как он ознакомился с трактатом (трактат – научный труд), содержащим
120 индийских ритмов. Глубокие смыслы, заключённые в них, были
связаны с древневосточными учениями о божествах, о космосе, о
Вселенной.
После изучения культуры восточных народов Мессиан создаёт одно из
своих лучших творений – «Турангалилусимфонию», написанную по заказу
Бостонского симфонического оркестра.
Название турангалила имеет древнеиндийское происхождение. «Туранга»
означает «бегущее время», «движение и ритм», «гимн радости». «Лила»
«божественная игра», «игра творения», «любовь». Симфония
«Турангалила»  это песнь любви, гимн радости» ...
Для воплощения грандиозных смыслов, заключённых в названии,
композитор обратился к крупному музыкальному жанру симфонии. При
этом симфонический цикл он расширил до десяти частей! Потрясает огромный состав оркестра, в котором особенно выделяется
группа ударных инструментов. Помимо большого барабана мы слышим
мощные, «колокольные» удары тамтама, сверкающие серебристые звоны
турецких тарелок, шумовой гул китайских тарелок.
Ярчайший фрагмент симфонии – пятая часть «Ликование звёзд». В
огненном вихре звучаний перед нами проносятся мириады (неисчислимое
множество) звёзд, освещаемых красочными потоками света. Не только
звёзды, но и вся природа – горы, моря, океаны – участвует в грандиозном
музыкальном действии. Мы наблюдаем космическую игру, по словам
Мессиана, «ослепительную, безмерную, сверхчеловеческую радость».
В середине и в заключении солирует музыкальный инструмент «Волны
Мартено». Его необычное, «космическое «звучание достигается за счёт
электрозвуковых вибраций.
Во время Первой мировой войны, когда на долгое время гул
разрывающихся снарядов, свист пуль, скрежет гусениц танков и т.п.
наполняли окружающий мир, французский радист Морис Мартено,
сидя в окопах, мечтал найти новое звучание, которое бы заглушило
ноты войны.  Экспериментируя с военной радиостанцией, он
заинтересовался необычным «поющим» звуком, который издавали
лампы оборудования. Будучи музыкантом по призванию (он в совершенстве играл на скрипке), ему не составило труда превратить
случайные электрические звуки радиостанции в незатейливые мелодии.
После окончания войны, увлечённый электрическим звучанием, Морис
Мартено продолжил свои эксперименты. Почти десять лет он
работал над своим проектом и только лишь в 1928 году достиг
желаемого результата. В этом же году на Парижской выставке он
представил мировому сообществу своё изобретение, назвав его «Волны
Мартено. Поскольку это был один из первых подобных инструментов,
изобретение Мартено вызвало оживлённый интерес.
Мартено действительно удалось найти новое звучание. Люди, впервые
услышавшие в 1928 году его инструмент, окрестили его «космическим
пианино», поскольку он издавал необычные для того времени неземные
звуки, которые одновременно кажутся и радостными, и загадочными,
и величественными!
В настоящее время, когда современные синтезаторы способны
воспроизвести множество сложнейших звуков, инструмент Мориса
Мартено потерял свою актуальность, но некоторые музыканты,
отдавая дань истории, всё же продолжают его использовать в своём
творчестве.
Вопросы и задания: 1.
2.
Какие смыслы заключает в себе древнеиндийское слово
«турангалила»?
Послушайте пятую часть «Турангалилысимфонии» О. Мессиана. За
счёт каких средств музыкальной выразительности достигается эффект
грандиозности звучания? Слова для справок: ритм, мелодия, лад (мажор,
минор), динамика, тембр, оркестровка.
Роберт Шуман (4 класс)
Роберт Шуман родился 8 июня 1810 года в городе Цвиккау, в
музыкальной семье. Отец его был известный торговец книгами,
книгоиздатель, и Роберт был младший из 5 детей. От отца Шуман
унаследовал страстную любовь к поэзии и литературе. Учась в гимназии
он организовал там поэтический кружок, сам писал стихи и даже драмы. Увлечение поэзией сыграло очень важную роль в будущем музыкальном
творчестве Шумана.
С семи лет Роберт обучался музыке, брал уроки фортепиано у местного
органиста, импровизировал, сочинял пьесы. Его импровизации, его
дирижирование маленьким оркестром товарищей по гимназии, когда ему
было 12 лет, указывали на то, что в нём наряду с литературным таится
музыкальное дарование.
До 16 лет мальчик не знал, кем он будет, какую дорогу в жизни ему
избрать. Хотя, он по желанию матери, и поступил в университет города
Лейпцига, чтобы стать юристом, но занятия юридическими науками не
особенно увлекали его.
Юноша уже почувствовал вкус удачного старта в мире музыкального
искусства. Он достиг больших успехов как виртуозный пианист и
органист. Он старательно изучал музыку великих композиторов Моцарта и
Вебера. Он сам создавал музыкальные зарисовки, которые музыкальными
звуками умело передавали изображение человека. Он полюбил творчество
Шуберта, и сам написал несколько песен.
Добившись разрешения матери посвятить себя музыке, Шуман начинает
готовить себя к карьере пианиставиртуоза. Молодой музыкант понимал,
что упустил много времени в совершенствовании игры на фортепиано. Желая поскорее добиться совершенства, он изобрёл аппарат, который, по
его мнению, должен был ускорить процесс развития его рук. Он
представлял собой гирю, которая подвешивалась к потолку и
прикреплялась к пальцу пианиста. К сожалению, аппарат этот не помог, а,
наоборот, привёл к тому, что Шуман повредил себе палец. Для пианиста
это было непоправимое горе!
Шуман понял, что карьера великого пианиста для него стала
недосягаемой, и тогда он решил заняться композиторством. Он стал ещё
усерднее изучать музыкальные труды других авторов, в первую очередь И.
С. Баха. Композиторская деятельность Шумана продолжалась 24 года. В
его сочинениях присутствует удивительная самобытность – его мелодии
узнаются с первых звуков. Красивые напевы, полные необычайной
прелести и выразительности, широкий полёт романтической фантазии
придают фортепианным пьесам Шумана особенное звучание.
В 1844 году Шуман вместе со своей женой – пианисткой Кларой Шуман –
совершил концертную поездку в Россию. В Петербурге и Москве музыка
Шумана имела большой успех. Великие русские музыканты
– Чайковский, Рубинштейн, представители «Могучей кучки»  были
подлинными ценителями его творчества.
Во время поездки в Россию Клара Шуман вела путевой дневник, и об этом
она написала в своём дневнике. Сейчас её дневник издан в виде книги, и каждый может прочитать о том, как Шумана встречали в России. Русским
музыкантам пришлись по душе новаторство Шумана, оригинальность его
музыки, свобода творческих замыслов и поэтичность, всё это привлекло к
нему симпатии широких кругов слушателей и передовых музыкантов.
Немецкий композитор Роберт Шуман хотел, чтобы, по его словам,
«музыка исходила из глубины настоящего и была не только приятной
забавой, красивой по звучанию, но и стремилась к чемуто ещё». В своей
музыке – и для детей, и для взрослых – Шуман дал именно такие
замечательные образцы, способные вызывать восторг у слушателей до сих
пор.
Каждое из произведений Шумана  это прекрасная музыка, полная
соцветия образов, равнозначных по яркости и глубине мыслей. Шуман
вкладывал в каждое своё сочинение всего себя, всю свою жизнь.
Жизнь композитора закончилась рано. Но, несмотря на это, мы всётаки
можем считать его счастливым. Он выполнил задачу своей жизни: оставил
нам на память образец настоящего артиста, который был исполнен
честного прямодушия, благородства и духовности. Поэтому, перечисляя
имена великих композиторов, люди будут вспоминать и имя Роберта
Шумана.
Звуки музыки Карнавал – это народный танецшествие, первоначально возникший в
Италии. Карнавал – это веселье и радость, море красок, обилие
зажигательных мелодий и ритмов. Его участники одеты в яркие костюмы и
маски.
Привычными гостями итальянских карнавалов являются любимые
народнокомедийные персонажи. Среди них задира и насмешник
Пульчинелла (итальянский «брат» русского Петрушки. Нескладный и
ребячливый Арлекин, мечтательный Пьеро. Эти персонажи показывают
весёлые представления. Развлекая народ, они много балагурят, танцуют и
поют.
Итак, поднимем крышку рояля, пригласим пианиста и  на карнавал! Мы
отправляемся на «Карнавал» немецкого композитора Роберта Шумана.
...Рояль зазвучал точно фанфары  весело и торжественно. Фанфары
возвещают нам, что праздник уже начался. Вот он, непременный участник
всех карнавалов  вальс. Танцуют пёстрые маски, кружится, кружится
вальс. Потом музыка изменилась, теперь рояль звучит взволнованно,
страстно... Мы, кажется, услышали чейто разговор? Нетнет, не будем
подслушивать чужие секреты. Скорее дальше за пёстрым и ярким
хороводом. Звучит уже не вальс, а задорный галоп.
Закончилось вступление к «Карнавалу». Теперь будем рассматривать маски.
...Нехорошо смеяться над грустным человеком. Но удержаться от смеха
трудно  уж очень он неуклюж. Бродит среди толпы и каждую минуту на
чтото натыкается. Чемто он напоминает нам гномика из «Картинок с
выставки». Но гномик был деловитым, серьёзным и таинственным, а этот
унылый и меланхоличный. Таким нам рисует его музыка  медленная,
словно нехотя сыгранная фраза, и сразу же её обрывает другая,
коротенькая  из трёх нот, громких и резких. Помните, в «Гноме» тоже так
чередовались музыкальные фразы. Только там энергично, напористо, а
здесь  вяло, медленно.
Да, удивительно нелепая фигура встретилась нам на карнавале. А ведь вы
очень хорошо знаете эту маску. Вы встречались с ней, когда читали
«Золотой ключик» Алексея Толстого. Это Пьеро. Унылый Пьеро в белом
балахоне с чёрными помпонами, с рукавами, свисающими почти до полу.
Топчется среди весёлых гостей, скучает... Казалось бы, ему здесь и быть
не хочется. А вот поди ж ты  ни один карнавал без него не обходится.
Ну, а там, где Пьеро, там ищи его всегдашних спутников  Арлекина и
Коломбину. Эта троица всегда неразлучна. С самых давних времён, когда
только начинал создаваться народный итальянский театр масок, или, как
его называют в Италии, «комедия дель арте». Мы сказали, что эта троица неразлучна. Почему же тогда в «Золотом ключике» один только Пьеро?
Где же остальные?
А они там есть, только зовут их иначе. Ведь озорной деревянный
мальчишка, непоседа и хитрец Буратино, очень похож на Арлекина. А
место Коломбины заняла кокетливая, хорошенькая Мальвина.
Значит, и здесь, на карнавале, они тоже втроём. Так и есть.
Живая, лёгкая и чуть поддразнивающая музыка. Вот он, насмешник и
весельчак Арлекин! Так и видишь перед собой его изящную фигурку в
пёстром трико. Сквозь прорези маски блестят лукавые живые глаза. Этот
не станет спотыкаться на каждом шагу. Слышите, как озорно взлетает
музыка... Несколько лёгких шагов  и взлёт, прыжок. Ещё, ещё... Только
что был здесь, и вот его уже нет  стремительно пронеслась вихрем музыка
 и закончилась.
Снова проходят перед нами маски... Наконецто!.. Вот она, Коломбина.
Музыка кокетливая, дразнящая  Коломбина танцует... А кто её партнёр?
Смешной старик Панталоне  тоже один из героев комедии дель арте. Он
уморительно ковыляет на своих худых, негнущихся ногах, ухаживает за
красоткой Коломбиной. Коломбина подшучивает над стариком
Панталоне, кокетничает с ним и, конечно же, убегает  зачем ей старый
Панталоне, когда гдето здесь, на карнавале, её Арлекин. Снова проходят перед нами маски... Эвзебий, Флорестан, Киарина,
Эстрелла…
А теперь попрошу вас пройти вот сюда. Здесь собралась группа людей без
карнавальных костюмов и масок. Это друзья Шумана.
«Шляпы долой, господа! Перед вами  гений!»  сказал об этом человеке
Шуман. Сказал тогда, когда этот человек был ещё очень молод, когда его
музыку знали ещё очень немногие. Музыку? Значит, этот человек
композитор? Совершенно верно.
Что напоминает нам музыка, изображающая этого человека? Пожалуй, вот
что  прелюдию Шопена. Те же мелодические обороты, то же настроение
лирическое и грустное, та же поэзия звуков, а главное  звучание рояля...
Помните? «Он  душа фортепиано». Сам Шуман тоже гениально
чувствовал природу рояля, он очень много писал для фортепиано. Так ему
ли не понять душу юного Шопена!..
Да, друзья мои, это Шопен.
Ещё один человек без маски в пёстрой толпе. Подойдём к нему.
...Как удивительно, непривычно звучит рояль! Стремительные резкие
скачки, неудержимое, вихревое движение  всё это скорей подошло бы
скрипке в руках виртуоза.

intro:
Сегодня мы совершим музыкальное путешествие в прекрасную Италию – страну южных морей и гор, залитых солнцем долин, садов и виноградников.
Древняя Италия по праву считается хранительницей величайших исторических и художественных ценностей.
Почти в каждом городе страны мы можем увидеть великолепные дворцы и храмы, фонтаны и парки, музеи и памятники.
С Италией связаны имена гениев мировой художественной культуры. Среди них Петрарка и Данте (литература), Леонардо да Винчи и Рафаэль (изобразительное искусство), Верди и Паганини (музыка).
Многие иностранные композиторы стремились побывать в Италии – на родине оперы, родине прекрасного пения – бельканто (bel canto по-итальянски - прекрасное пение).

музыка

group: Дисциплины


extracted_text:
Дирижер и  симфонический оркестр (4 класс)
Представьте, что вы пришли в концертный зал. На сцене необычное
«общество»  пюпитры, стулья, на них  музыкальные инструменты. Потом
на эстраду вышли люди, одетые, как на бал: мужчины в черных фраках,
дамы в красивых платьях. Расселись, взяли в руки свои инструменты, и
вдруг началось нечто невообразимое!
Хаос звуков! Страшный шум! Это музыканты проверяют настройку
инструментов. А затем на сцену вышел ещё один человек во фраке с
палочкой в руках, повернулся к нам спиной, взмахнул волшебной
палочкой и ... совершилось чудо  зазвучала МУЗЫКА. Играет
симфонический оркестр.
Слушание: И. Штраус (сын). Вальс «Сказки Венского леса».
У замечательного поэта Юрия Давыдовича Левитанского есть
стихотворение «Музыка»:
Есть в музыке такая неземная,
Как бы не здесь рождённая печаль,
Которую ни скрипка, ни рояль
До основанья вычерпать не могут. И арфы сладкозвучная струна
Или органа трепетные трубы
Для той печали слишком, что ли, грубы,
Для той безмерной скорби неземной.
Но вот они сошлись, соединясь
В могучее сообщество оркестра…
Здесь мы прервём стихотворение, послушаем тишину и попытаемся
услышать внутри себя оркестр, его звуковые краски, его могучее дыхание,
уносящее нас
…Туда, туда, всё выше, всё быстрей,
где звёздная неистовствует фуга…
Метёт метель. Неистовствует вьюга…
Слушание: Л. Бетховен. «Ода к радости». Финал симфонии № 9.
Да, оркестр  самый могущественный, самый волшебный музыкальный
«инструмент». И мы с вами чуть приоткроем тайну этого волшебства,
взглянем на «устройство», складывавшееся веками, этого «инструмента».
В Древней Греции глагол «орхео» означал «танцую», а орхестрой
(orchestra) греки называли полукруглую площадку перед сценой, на
которой, совершая ритмические движения, пел свою партию хор, участник
каждой античной пьесы. Прошли века, погибла великая цивилизация, но слово это осталось жить.
Через десятки веков так стали называть помещение в театре, где
размещались музыканты, а позже – сам ансамбль музыкальных
инструментов и исполнителей на них. В этих ансамблях участвовали
самые различные инструменты.
Слушание: Франческо да Милано. «Канцона».
Нам сегодня трудно представить, что было время, когда симфонический
оркестр выглядел совсем иначе. Он вообще достаточно молод. В эпоху,
когда жили великие художники Микеланджело и Тициан, оркестра ещё не
было вовсе. Во времена Шекспира он только зарождался.
Слушание: Ф. Лист. «Грёзы любви».
Конечно, вы можете спросить: разве в то время люди не собирались
вместе, чтобы помузицировать или послушать музыку? Конечно,
собирались со времён глубокой древности.
Историк Иосиф Флавий описывал один пышный культовый праздник в
Палестине в I в. н. э., в котором участвовали двадцать тысяч певцов,
двадцать тысяч трубачей, сорок тысяч арфистов и сорок тысяч
исполнителей на систрах (инструмент, похожий на погремушку). Вот
какой колоссальный оркестр. А ещё один комический случай описал греческий историк Полибий. В III
в. до н. э. тринадцать греческих флейтистов приехали в Рим показать своё
искусство. Но римская публика не была искушённой в такого рода
музицировании, и, чтобы развлечься, они заставили музыкантов...
подраться между собой. Но вернёмся к нашему оркестру.
История симфонического оркестра восходит к рубежу XVIXVII вв.,
когда появились новые жанры музыки, такие как опера, оратория и другие.
Оркестр тогда выполнял функцию сопровождения. В него часто входили
старинные инструменты, такие как лютня, виола. Для услаждения слуха
аристократов при королевских дворах стали образовываться оркестры,
часто состоявшие только из струнных инструментов. Названия их
говорили сами за себя. Например, во Франции такой оркестр называли «24
скрипки короля».
С первой половины XVIII в. состав оркестра зависел от места исполнения
музыки, ее слушателей. Чаще всего оркестры были у богатых
аристократов. Именно от вкуса и содержимого кошелька хозяина зависели
число музыкантов и состав инструментов. Обычно состав ранне
классического оркестра сводился к двум гобоям, двум валторнам и
струнным. Если количество струнных превышало двенадцать
инструментов, оркестр считался большим. Слушание: Й. Гайдн. «Серенада».
К концу XVIII в. сложился так называемый малый оркестр: около
тридцати струнных инструментов, две флейты, два гобоя, дветри
валторны и литавры. Для такого состава писали Й. Гайдн, В. Моцарт. И
только в творчестве Бетховена (17701827) сложился «Классический»
состав оркестра. Но он тоже отличался от современного. Только в эпоху
романтизма в состав оркестра вошли многие духовые инструменты, была
расширена струнная группа.
3а несколько веков музыкальная практика выработала несколько типов
симфонического оркестра.
Вопервых, концертный оркестр. Он располагается на возвышенной
эстраде в зале, и мы, сидя на своих местах, постоянно видим и оркестр, и
дирижёра.
Вовторых, оперный оркестр. Он предназначен для исполнения музыки
опер и балетов. Чтобы не закрывать нам артистов на сцене, этот оркестр
рассаживают в специальном углублении  оркестровой яме. Видите,
оперный оркестр «сидит в яме»!
В наши дни есть ещё оркестры радио, телевидения, кино. Чаще всего они
нам не видны, так как располагаются в особых студиях, порой за тысячи
километров. Расположение инструментов оркестра
Где бы ни работал оркестр, строение его одинаково.
Как вы думаете, имеет ли значение, как рассаживаются музыканты в
оркестре? Конечно, сидят музыканты не так, как им захотелось, а в
строгом порядке. На опыте десятков дирижёров и оркестров стало ясно,
что музыканты хорошо видят дирижёрскую палочку, если располагаются
веерообразно, а дирижёр находится в центре.
Опыт показал, что все однородные инструменты надо собрать вместе. Это
позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре.
Очень важно равномерное звучание всего оркестра. Что бы было, если бы
впереди располагались трубы и тромбоны, а скрипки в глубине сцены?
Медные инструменты перекрыли бы звучание струнных. Поэтому впереди
мы видим инструменты с более тихим голосом.
Вот мы ещё раз произнесли это слово  ДИРИЖЁР. Кто же это такой?
Давно ли возникло дирижёрское искусство, в чём его особенности и
секреты? На эти вопросы мы сейчас попробуем ответить.
Перенесёмся в далёкое прошлое. У костра собралось всё племя, чтобы
отпраздновать удачную охоту. Мужчины исполняют ритуальный танец. Во
главе танцующих  вождь племени. Движениями своего тела он задаёт
ритм танцующим и музыкантам, играющим на тростниковых флейтах, раковинах и барабанах. Каждый жест тела вождя  понятный всем
условный знак, подсказывающий, каким должно быть продолжение танца.
Наверное, именно так выглядели первые сцены дирижирования. Именно от
них и пошла традиция: во главе группы музыкантов или певцов должен
стоять человек, которому подчиняются все,  дирижёр.
А теперь попробуем мысленно перенестись в античную Грецию, в
огромный открытый театр, где собрались десятки тысяч зрителей.
Главной фигурой в древнегреческом театре был корифей. Он дирижировал
хором  так в то время называлась группа актёров, которым нужно было
петь, танцевать, исполнять пантомимы. Жестам корифея подчинялись и
музыканты, сопровождавшие спектакль игрой на разных инструментах.
Хотя нужный ритм корифеи отбивали ударами окованной железом
подошвы, основным орудием дирижирования были руки. Тогда и возникла
дошедшая до наших дней система дирижирования, названная
хейрономией.
Для того чтобы управлять большим музыкальным коллективом, нужен
дирижёр (французское diriger  управлять, направлять, руководить).
Дирижёры существуют в музыке очень давно. В средние века они
назывались поразному  магистры, проценторы, канторы. Символом их
высокого положения служил тяжёлый, искусно отделанный жезл. Во время службы церковный дирижёр обычно ставил его на самое видное место. В
конце средних веков этот жезл превратился в важного помощника
дирижёра  батуту, прообраз дирижёрской палочки. Правда, на палочку
она была мало похожа  это была массивная, длиной около метра палка.
Поначалу батутой, как это делали первобытные музыканты, отсчитывали
ритм ударами. Но такое «шумное» дирижирование часто мешало слушать
музыку. Прошло время, и некоторые дирижёры, желая избежать
«шумного» дирижирования, стали вместо батуты использовать «тихие»
предметы: свёрнутые в рулон ноты или даже носовой платок.
Было время, когда дирижёр руководил оркестром, играя на скрипке или
клавесине. Этот способ предпочитал И.С. Бах. Но пришло время, когда
состав оркестра настолько увеличился, что, играя самому, таким большим
коллективом руководить стало невозможно.
И вот в начале XIX в. сложилось понятие дирижёра, близкое нашему. Но в
то время он ещё стоял лицом к публике, так как считалось неприличным
поворачиваться к ней спиной. Поэтому он стоял спиной к оркестру и
руководил им, не видя музыкантов. Это, конечно, было неудобно.
Революцию в этом деле совершили Ф. Мендельсон и Р. Вагнер, впервые
решившиеся повернуться во время концерта лицом к оркестру. В начале же XIX в. композиторы и дирижёры К. М. Вебер и Л. Шпор
впервые применили для дирижирования небольшую палочку. С тех пор
она стала верной помощницей дирижёра.
Однажды русский композитор А. Глазунов приехал в Англию, где должен
был дирижировать оркестром. Он не знал английского языка, поэтому
выучил только одну фразу: «Господа, прошу вас сыграть то, что я нарисую
концом своей палочки».
Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40 (фрагмент).
Одна из главных задач дирижёра  заставить весь оркестр играть строго
ритмично и слаженно. Это достаточно сложно. Представьте, что дирижёр
показал музыкантам первую долю такта, то есть взмахнул палочкой
именно тогда, когда уже должна звучать музыка. Но ведь комуто из
оркестрантов надо набрать воздух в лёгкие, комуто поднять смычок, то
есть всем надо приготовиться, чтобы начать вместе. Поэтому дирижёр
даёт заблаговременную команду – «ауфтакт». Именно он  основа
дирижирования.
Но дирижёр не только следит за тем, чтобы все играли согласованно. Он
разучивает произведение с исполнителями, показывает вступление всем
инструментам, быстро или медленно, громко или тихо они должны играть. Главная задача дирижёра  наиболее полно передать авторский замысел.
Для этого он должен обладать тонким слухом и огромной творческой
фантазией, быть человеком, широко образованным. Только если он
обладает этими качествами, если у него есть любовь к своему искусству,
он подчинит себе оркестр и вместе с ним подарит слушателям ту великую
радость, которую несёт в себе музыка.
Слушание: П. Чайковский. Концерт для фортепиано с оркестром № 1
(фрагмент).
И вновь вспомню слова Ю. Башмета: «Нужно быть сильным человеком,
чтобы не нуждаться в опоре, не зависеть от окружающих. Вести за собой,
ничуть не сомневаясь, что за тобой пойдут. Иными словами, дирижёр
должен обладать харизмой (харизма  Божий дар, благодать, обаяние;
умение вести за собой) и для своих оркестрантов, и для слушателей».
О роли дирижёра в оркестре очень точно рассказывает стихотворение В.
Солоухина «Дирижёр».
Я слушал музыку, следя за дирижёром.
Вокруг него сидели музыканты,
У каждого особый инструмент,
Сто тысяч звуков, миллион оттенков! А он один, над ними возвышаясь,
Движеньем палочки, бровей, и губ, и тела,
И взглядом, то молящим, то жестоким,
Те звуки из безмолвья вызывал...
То скрипки вдруг польются, то тревожно
Господствовать начнёт виолончель.
То фортепьяно мощные фонтаны
Ударят вверх, и взмоют, и взовьются,
И в недоступной зыбкой вышине
Рассыплются на брызги и на льдинки,
Чтоб с лёгким звоном тихо замереть...
Все правильно. Держать у ног стихию
И есть искусство.
Браво, дирижёр!
Дирижёр необходим в любом оркестре. И каждый из них посвоему
откликнется на движение дирижёра. «Камерный оркестр, так же как
автомобиль «Порше», способен реагировать быстро. А первоклассный
симфонический оркестр подобен «Роллсройсу»: он не может так же
быстро развернуться, но ездить на нём потрясающе». (Ю. Башмет.
Вокзал мечты). Ответьте на вопросы:
1.
2.
3.
4.
Что такое оркестр и когда впервые появилось это слово?
Когда зародился симфонический оркестр и с чем это связано?
Для какого состава писали Гайдн и Моцарт?
В творчестве какого композитора сложился классический состав
оркестра?
5.
6.
Как располагаются инструменты симфонического оркестра?
Выберите правильный ответ на вопрос: «Кто руководит оркестром?»
скрипач, трубач, органист, дирижёр, контрабасист. Поэма огня «Прометей» (4 класс)
Флейты звук зоревоголубой,
Так подетскому ласковомалый,
Барабана глухой перебой,
Звук литавр торжествующеалый...
(К. Бальмонт)
Музыкантфилософ Александр Николаевич Скрябин, чьё творчество
оказалось созвучным бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его
смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам добра, справедливости
и всеобщего братства людей пронизывает всё его музыкальное искусство. Александр Скрябин родился в Москве 6 января 1872 года в семье
дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тётушка
Любовь Александровна Скрябина, давшая ему первые уроки музыки. Она
вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепиано.
А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик
относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве
маленькие игрушечные рояли...
Музыку Скрябин стал сочинять рано  в семь лет он написал свою первую
оперу, назвав её именем девочки, в которую был тогда влюблён.
В 11летнем возрасте, параллельно обучению в московском кадетском
корпусе в Лефортове, начались и его регулярные музыкальные занятия в
классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С.
Зверева, у которого в ту пору уже учился Серёжа Рахманинов.
В ранней юности его любимый композитор  Шопен, позднее  Бетховен.
Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую
консерваторию закончил в двадцать лет по классу фортепиано, получив
малую золотую медаль.
В то же время он испытал большое чувство любви. Его избранницей была
пятнадцатилетняя Наташа Секерина. На своё предложение он получил отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше
не повторилось.
Скрябин начинает рано и успешно гастролировать  Берлин, Дрезден,
Люцерн, Генуя, Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему.
«Он  весь порыв и священное пламя», «он раскрывает в своей игре
неуловимое и своеобразное очарование славян  первых пианистов в
мире»,  писали о нём.
Скрябин обретает славу и в отечестве, и за рубежом. Композитор
Анатолий Лядов приветствовал его новые творения словами: «Появилось
новое и великое искусство». Николай РимскийКорсаков о нём писал:
«Звезда первой величины». Лев Толстой, услышав одну из фортепианных
миниатюр композитора, откликнулся так: «Очень искренне, искренность
дорога. По одной этой вещи можно судить, что он большой художник».
Музыка его оказалась столь новой и непривычной, столь дерзкой, что,
например, исполнение его Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года
превратилось в форменный скандал. Мнения публики разделились: одна
половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады,
бурно аплодировала.
«Какофония»  таким страшным словом назвал симфонию мэтр и учитель
Н. А. РимскийКорсаков, а вслед за ним и десятки других музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не был смущён. Он уже ощущал себя
мессией, провозвестником новой религии. Такой религией для него было
искусство. Он верил в его преобразующую силу, он верил в творческую
личность, способную создать новый, прекрасный мир.
Скрябин считал, что только искусство способно очистить человека от
злобы мира. Это стихотворение  яркое подтверждение поэтического дара
композитора:
О, дивный образ Божества,
Гармоний чистое искусство!
Тебе приносим дружно мы
Хвалу восторженного чувства!
Ты жизни светлая мечта,
Ты праздник, ты отдохновенье,
Как дар приносишь людям ты
Свои волшебные виденья.
В тот мрачный и холодный час,
Когда душа полна смятенья,
В тебе находит человек
Живую радость утешенья.
Ты силы, павшие в борьбе,
Чудесно к жизни призываешь. В уме усталом и больном
Ты мыслей новых строй рождаешь.
Ты чувств безбрежный океан
Рождаешь в сердце, восхищённом,
И лучших песней песнь поёт
Твой жрец, тобою вдохновлённый.
Царит всевластно на Земле
Твой дух свободный и могучий.
Тобой поднятый человек
Свершает славно подвиг лучший.
Придите, все народы мира,
Искусству славу воспоём!
(А. Скрябин)
Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют, но всё же он живёт на
грани нужды, и желание поправить свои материальные дела снова и снова
гонит его по городам и весям. Исполнение его произведений в Европе и
Америке, как правило, вызывало восторженный приём слушателей.
Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов, в корреспонденции из
Лондона писал, как восторженно принимала аудитория концерт Скрябина:
«Меломаны, тридцать лет посещающие лондонские концерты, не забудут
тех оваций, которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале стоял какой то вопль, махали платками, чем попало. Оркестр, заражённый общим
настроением, встал и поклонился новому светилу».
Композитор всё больше чувствовал постоянное переутомление. Это
находило отражение в его музыке. Например, в Девятой сонате появился
мотив, который произвёл впечатление на внимательных слушателей. Когда
у композитора спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это  тема
подкрадывающейся смерти».
Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И смерть не замедлила:
прервав работу над всеми грандиозными замыслами, она наступила через
два месяца после произнесённых слов. Он умер 27 апреля 1915 г. от
внешне незначительной причины  карбункула на губе, вызвавшего общее
заражение крови.
Весть о смерти композитора мгновенно облетела всю Москву. На
кладбище Новодевичьего монастыря его провожала многотысячная толпа.
16 января далёкого 1896 года в Парижской газете «Музыкальный гид»
было напечатано: «Александр Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё
прозвучит в веках!» Предсказание сбылось. Его имя, его творения
продолжают звучать в веках и радовать человечество.
Звуки музыки Каждый воистину великий поэт, художник, композитор дарит потомкам
частицу своей души, величайшие творения мировой культуры. Их с
увлечением читают, ими любуются, их слушают. Такова судьба каждого из
гениальных творцов. Но трём композиторам Вселенной подарено было
нечто большее.
Можно ли себе представить, скольких младенцев матери в разных странах
мира уже в первые дни жизни приветствуют колыбельной «Спи моя
радость, усни», написанной, как утверждает легенда, великим Моцартом?
А сколько миллионов молодожёнов вступают в брак под торжественную и
ликующую музыку «Свадебного марша» МендельсонаБартольди! И уж
совершенно неожиданный масштаб оказался предуготован наследию
Скрябина. Не миллионы, а миллиарды землян повседневно встречаются с
его наследием. Где бы они ни родились, где бы ни жили, чем бы ни
занимались  хоть раз в жизни им доводилось общаться с его подарком
человечеству.
В далёком 1910 году (более ста лет назад!) он завершил своё гениальное
творение  симфоническую поэму «Прометей».
Прометей – один из древнейших мифологических героев. В мифах
Древней Греции он предстаёт как благодетель (человек, который
оказывает бескорыстную помощь) человечества, наделивший разумом «слепых, жалких людей, живших как муравьи в пещерах». Именно
Прометей научил их строить дома, заниматься ремёслами, писать и
считать, понимать искусство.
Для блага людей, Прометей похитил у всемогущего Зевса божественный
огонь. Рассерженный Зевс жестоко наказал дерзкого героя. По его
повелению Прометея цепями приковали к скале, где огромный орёл
клевал его печень, за ночь, выраставшую вновь.
Позже Зевс смиряет свой гнев: его сын Геракл освобождает героя.
И поскольку героем является в поэме легендарный похититель огня,
подаривший человечеству этот символ цивилизации, композитор впервые
вводит в партитуру музыкального произведения «голос» огня. Впервые
сочетает музыку со светом и цветом.
Попробуйте представить себе сегодня землянина, пусть и далёкого от
музыки, пусть и не слышавшего никогда даже имени Скрябина  но не
встречавшегося с его наследием в области цветомузыки! Ведь наверняка
каждый человек хоть раз в жизни побывал в дискотеке, на эстрадном
концерте, хоть когданибудь слушал концерт по телевидению. И всё это
происходило в содружестве: музыки симфонической, эстрадной, джазовой
и празднества цвета и света! Александр Скрябин сразу же стал родоначальником нового направления в
музыкальном искусстве  цветомузыки.
«Прометей» должен был сопровождаться светоэффектами с помощью
световой клавиатуры. Зал должен был погружаться в сияние красного,
синего и других цветов. В этом сочинении воплощались мечты
композитора о синтезе искусств, о «световой симфонии». В партитуру
была введена особая нотная строка. Композитор обозначил её
итальянским словом «luce», означающим «свет». Она предназначалась для
ещё не существующего инструмента.
В течение многих лет люди пытались осуществить это световое
сопровождение. К сожалению, мы так и не узнаем, как представлял себе
это световое сопровождение сам композитор.
Оркестровая ткань произведения то ювелирно прозрачна (соло
фортепиано, скрипки, виолончели), то сгущается до мощных эпизодов
всего оркестра. В главной кульминации в конце коды «громадный
лучезарный подъем» (хор, орган, колокол, весь состав медных и ударных
инструментов). Однако, при всей грандиозности кульминации «Прометей»
воспринимается скорее, как самое утончённое, нежели как самое мощное
произведение Скрябина.
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
Что олицетворяет образ Прометея в одноимённом симфоническом
произведении А. Скрябина?
В чём состоит необычность партитуры этого произведения?
Послушайте заключительный фрагмент поэмы, воплощающий
«громадный лучезарный подъём. Какие группы симфонического оркестра
усиливает главную кульминацию произведения?
Во время прослушивания обратите внимание на введение в состав
оркестра редких партий – фортепиано, хора, органа и колоколов.
Подумайте. С какой целью они использованы.
Оливье Мессиан (4 класс) ...Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия...
(О. Мессиан)
Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье Мессиан  один из самых
ярких, универсальных и своеобразных музыкантов ХХ века.
Современникам казалось, что творческий путь Мессиана был спокоен и
тих, ведь всю жизнь он был верен двум занятиям  музыке и орнитологии, а
историки музыки нередко сравнивают его с Бахом. Будучи примерным
католиком, значительную часть своей жизни он проработал церковным
органистом, написавшим немало произведений духовного содержания.
Оливье Мессиан  композитор, который придумал свою музыкальную и
мировоззренческую Вселенную, свой музыкальный и ритмический
порядок, при этом сам уверял, что не придумал ничего нового.
Детские годы будущий композитор провёл в Авиньоне и Гренобле,
городах, где его отец  знаток английской литературы, переводчик
Шекспира  преподавал в лицее английский язык. Сильное влияние на
формирование художественной натуры ребёнка оказала его мать, довольно
известная в своё время поэтесса Сесиль Соваж. Сам Оливье с раннего детства проявил склонность и талант к музыке и в
11 лет уже поступил в Парижскую консерваторию, где занимался с Жаном
Галлоном гармонией, с Марселем Дюпре игрой на органе и с Полем Дюка
композицией.
Блестящие способности мальчика обратили на себя внимание музыкантов
и за пределами консерватории. Его сочинения для органа и для
фортепиано, написанные ещё в стенах консерватории, были услышаны в
концертах и встретили благоприятный отклик критики.
После окончания в 1930 году консерватории Мессиан получает назначение
органистом в один из крупнейших парижских соборов  Святой Троицы,
где проработал свыше шестидесяти лет. Уже в ту эпоху молодой
композитор проявляет себя как пытливый искатель новых технических
средств в музыке. Он разрабатывает свою систему ладовых формул и
ритмических конструкций, основанных отчасти на пристальном изучении
древних музыкальных источников  греческих, индийских, григорианских.
Особый интерес молодого композитора вызывает «музыка птиц». Он
приступает к систематической записи звучаний голосов различных
представителей царства пернатых.
Мессиан нотами записывал голоса птиц, пренебрегая всеми правилами
орнитологовтрадиционалистов. Специалист Московского зоопарка Иннокентий Сметанин говорит, что правильную картину голосов птиц
дают только графическая и фонозапись. «Были попытки записывать
голоса и нотной записью, но адекватно записать не удалось»,  утверждает
он. Не удалось никому, кроме Мессиана, который сам ходил по лесам с
нотной тетрадкой в руках, а потом переносил пение птиц на бумагу.
С началом в Европе Второй мировой войны Оливье пошёл на фронт, а
через несколько месяцев, во время отступления, он оказался в немецком
плену. Один из немецких офицеров из лагерной охраны оказался
любителем музыки. Он подарил Мессиану нотную бумагу, карандаш и
резинку. Среди товарищей по заключению были скрипач, кларнетист и
виолончелист.
«Квартет на конец мира» написан для скрипки, кларнета, виолончели и
фортепиано. Однако поскольку в распоряжении композитора не было
фортепиано, его партия была сочинена позже, когда в лагерь было
доставлено старое разбитое пианино и устроен концерт для заключённых.
Конечно, самый факт создания музыкального произведения в столь
трагической обстановке, и организация его исполнения перед
пятитысячной толпой заключённых, испытывавших тяжкие муки голода,
холода (исполнение состоялось 15 января 1941 года в лютый мороз), болезней, унижений, является актом высокого мужества и стойкости
перед лицом суровых испытаний.
Освобождённый из концлагеря летом 1942 года, Мессиан возвратился в
Париж где продолжил работать при церкви, а также преподавать в
Парижской консерватории по классу гармонии.
У него учились Булез, Штокхаузен, Ксенакис. Есть последователи
Мессиана и в России.
Среди наград композитора  премия Эрнста Сименса 1975 года, Премия
Эразмус 1971го, награда от Королевского филармонического общества и
много прочих. Кроме того, Мессиан был удостоен почётных степеней от
нескольких учебных заведений Франции.
Оливье Мессиан много выступал как органист и пианист, исполнитель
собственных сочинений.
Яркое отражение в творчестве Оливье Мессиана нашла тема Востока.
Увлечение этой интереснейшей темой возникло у композитора после того,
как он ознакомился с трактатом (трактат – научный труд), содержащим
120 индийских ритмов. Глубокие смыслы, заключённые в них, были
связаны с древневосточными учениями о божествах, о космосе, о
Вселенной. После изучения культуры восточных народов Мессиан создаёт одно из
своих лучших творений – «Турангалилусимфонию», написанную по заказу
Бостонского симфонического оркестра.
Название турангалила имеет древнеиндийское происхождение. «Туранга»
означает «бегущее время», «движение и ритм», «гимн радости». «Лила»
«божественная игра», «игра творения», «любовь». Симфония
«Турангалила»  это песнь любви, гимн радости» ...
Для воплощения грандиозных смыслов, заключённых в названии,
композитор обратился к крупному музыкальному жанру симфонии. При
этом симфонический цикл он расширил до десяти частей!
Потрясает огромный состав оркестра, в котором особенно выделяется
группа ударных инструментов. Помимо большого барабана мы слышим
мощные, «колокольные» удары тамтама, сверкающие серебристые звоны
турецких тарелок, шумовой гул китайских тарелок.
Ярчайший фрагмент симфонии – пятая часть «Ликование звёзд». В
огненном вихре звучаний перед нами проносятся мириады (неисчислимое
множество) звёзд, освещаемых красочными потоками света. Не только
звёзды, но и вся природа – горы, моря, океаны – участвует в грандиозном
музыкальном действии. Мы наблюдаем космическую игру, по словам
Мессиана, «ослепительную, безмерную, сверхчеловеческую радость». В середине и в заключении солирует музыкальный инструмент «Волны
Мартено». Его необычное, «космическое «звучание достигается за счёт
электрозвуковых вибраций.
Во время Первой мировой войны, когда на долгое время гул
разрывающихся снарядов, свист пуль, скрежет гусениц танков и т.п.
наполняли окружающий мир, французский радист Морис Мартено,
сидя в окопах, мечтал найти новое звучание, которое бы заглушило
ноты войны.  Экспериментируя с военной радиостанцией, он
заинтересовался необычным «поющим» звуком, который издавали
лампы оборудования. Будучи музыкантом по призванию (он в
совершенстве играл на скрипке), ему не составило труда превратить
случайные электрические звуки радиостанции в незатейливые мелодии.
После окончания войны, увлечённый электрическим звучанием, Морис
Мартено продолжил свои эксперименты. Почти десять лет он
работал над своим проектом и только лишь в 1928 году достиг
желаемого результата. В этом же году на Парижской выставке он
представил мировому сообществу своё изобретение, назвав его «Волны
Мартено. Поскольку это был один из первых подобных инструментов,
изобретение Мартено вызвало оживлённый интерес.
Мартено действительно удалось найти новое звучание. Люди, впервые
услышавшие в 1928 году его инструмент, окрестили его «космическим пианино», поскольку он издавал необычные для того времени неземные
звуки, которые одновременно кажутся и радостными, и загадочными,
и величественными!
В настоящее время, когда современные синтезаторы способны
воспроизвести множество сложнейших звуков, инструмент Мориса
Мартено потерял свою актуальность, но некоторые музыканты,
отдавая дань истории, всё же продолжают его использовать в своём
творчестве.
Вопросы и задания:
1.
Какие смыслы заключает в себе древнеиндийское слово
«турангалила»?
2.
Послушайте пятую часть «Турангалилысимфонии» О. Мессиана. За
счёт каких средств музыкальной выразительности достигается эффект
грандиозности звучания? Слова для справок: ритм, мелодия, лад (мажор,
минор), динамика, тембр, оркестровка. Роберт Шуман (4 класс)
Роберт Шуман родился 8 июня 1810 года в городе Цвиккау, в
музыкальной семье. Отец его был известный торговец книгами,
книгоиздатель, и Роберт был младший из 5 детей. От отца Шуман
унаследовал страстную любовь к поэзии и литературе. Учась в гимназии
он организовал там поэтический кружок, сам писал стихи и даже драмы.
Увлечение поэзией сыграло очень важную роль в будущем музыкальном
творчестве Шумана.
С семи лет Роберт обучался музыке, брал уроки фортепиано у местного
органиста, импровизировал, сочинял пьесы. Его импровизации, его
дирижирование маленьким оркестром товарищей по гимназии, когда ему
было 12 лет, указывали на то, что в нём наряду с литературным таится
музыкальное дарование.
До 16 лет мальчик не знал, кем он будет, какую дорогу в жизни ему
избрать. Хотя, он по желанию матери, и поступил в университет города Лейпцига, чтобы стать юристом, но занятия юридическими науками не
особенно увлекали его.
Юноша уже почувствовал вкус удачного старта в мире музыкального
искусства. Он достиг больших успехов как виртуозный пианист и
органист. Он старательно изучал музыку великих композиторов Моцарта и
Вебера. Он сам создавал музыкальные зарисовки, которые музыкальными
звуками умело передавали изображение человека. Он полюбил творчество
Шуберта, и сам написал несколько песен.
Добившись разрешения матери посвятить себя музыке, Шуман начинает
готовить себя к карьере пианиставиртуоза. Молодой музыкант понимал,
что упустил много времени в совершенствовании игры на фортепиано.
Желая поскорее добиться совершенства, он изобрёл аппарат, который, по
его мнению, должен был ускорить процесс развития его рук. Он
представлял собой гирю, которая подвешивалась к потолку и
прикреплялась к пальцу пианиста. К сожалению, аппарат этот не помог, а,
наоборот, привёл к тому, что Шуман повредил себе палец. Для пианиста
это было непоправимое горе!
Шуман понял, что карьера великого пианиста для него стала
недосягаемой, и тогда он решил заняться композиторством. Он стал ещё
усерднее изучать музыкальные труды других авторов, в первую очередь И. С. Баха. Композиторская деятельность Шумана продолжалась 24 года. В
его сочинениях присутствует удивительная самобытность – его мелодии
узнаются с первых звуков. Красивые напевы, полные необычайной
прелести и выразительности, широкий полёт романтической фантазии
придают фортепианным пьесам Шумана особенное звучание.
В 1844 году Шуман вместе со своей женой – пианисткой Кларой Шуман –
совершил концертную поездку в Россию. В Петербурге и Москве музыка
Шумана имела большой успех. Великие русские музыканты
– Чайковский, Рубинштейн, представители «Могучей кучки»  были
подлинными ценителями его творчества.
Во время поездки в Россию Клара Шуман вела путевой дневник, и об этом
она написала в своём дневнике. Сейчас её дневник издан в виде книги, и
каждый может прочитать о том, как Шумана встречали в России. Русским
музыкантам пришлись по душе новаторство Шумана, оригинальность его
музыки, свобода творческих замыслов и поэтичность, всё это привлекло к
нему симпатии широких кругов слушателей и передовых музыкантов.
Немецкий композитор Роберт Шуман хотел, чтобы, по его словам,
«музыка исходила из глубины настоящего и была не только приятной
забавой, красивой по звучанию, но и стремилась к чемуто ещё». В своей
музыке – и для детей, и для взрослых – Шуман дал именно такие замечательные образцы, способные вызывать восторг у слушателей до сих
пор.
Каждое из произведений Шумана  это прекрасная музыка, полная
соцветия образов, равнозначных по яркости и глубине мыслей. Шуман
вкладывал в каждое своё сочинение всего себя, всю свою жизнь.
Жизнь композитора закончилась рано. Но, несмотря на это, мы всётаки
можем считать его счастливым. Он выполнил задачу своей жизни: оставил
нам на память образец настоящего артиста, который был исполнен
честного прямодушия, благородства и духовности. Поэтому, перечисляя
имена великих композиторов, люди будут вспоминать и имя Роберта
Шумана.
Звуки музыки
Карнавал – это народный танецшествие, первоначально возникший в
Италии. Карнавал – это веселье и радость, море красок, обилие
зажигательных мелодий и ритмов. Его участники одеты в яркие костюмы и
маски.
Привычными гостями итальянских карнавалов являются любимые
народнокомедийные персонажи. Среди них задира и насмешник
Пульчинелла (итальянский «брат» русского Петрушки. Нескладный и
ребячливый Арлекин, мечтательный Пьеро. Эти персонажи показывают весёлые представления. Развлекая народ, они много балагурят, танцуют и
поют.
Итак, поднимем крышку рояля, пригласим пианиста и  на карнавал! Мы
отправляемся на «Карнавал» немецкого композитора Роберта Шумана.
...Рояль зазвучал точно фанфары  весело и торжественно. Фанфары
возвещают нам, что праздник уже начался. Вот он, непременный участник
всех карнавалов  вальс. Танцуют пёстрые маски, кружится, кружится
вальс. Потом музыка изменилась, теперь рояль звучит взволнованно,
страстно... Мы, кажется, услышали чейто разговор? Нетнет, не будем
подслушивать чужие секреты. Скорее дальше за пёстрым и ярким
хороводом. Звучит уже не вальс, а задорный галоп.
Закончилось вступление к «Карнавалу».
Теперь будем рассматривать маски.
...Нехорошо смеяться над грустным человеком. Но удержаться от смеха
трудно  уж очень он неуклюж. Бродит среди толпы и каждую минуту на
чтото натыкается. Чемто он напоминает нам гномика из «Картинок с
выставки». Но гномик был деловитым, серьёзным и таинственным, а этот
унылый и меланхоличный. Таким нам рисует его музыка  медленная,
словно нехотя сыгранная фраза, и сразу же её обрывает другая,
коротенькая  из трёх нот, громких и резких. Помните, в «Гноме» тоже так чередовались музыкальные фразы. Только там энергично, напористо, а
здесь  вяло, медленно.
Да, удивительно нелепая фигура встретилась нам на карнавале. А ведь вы
очень хорошо знаете эту маску. Вы встречались с ней, когда читали
«Золотой ключик» Алексея Толстого. Это Пьеро. Унылый Пьеро в белом
балахоне с чёрными помпонами, с рукавами, свисающими почти до полу.
Топчется среди весёлых гостей, скучает... Казалось бы, ему здесь и быть
не хочется. А вот поди ж ты  ни один карнавал без него не обходится.
Ну, а там, где Пьеро, там ищи его всегдашних спутников  Арлекина и
Коломбину. Эта троица всегда неразлучна. С самых давних времён, когда
только начинал создаваться народный итальянский театр масок, или, как
его называют в Италии, «комедия дель арте». Мы сказали, что эта троица
неразлучна. Почему же тогда в «Золотом ключике» один только Пьеро?
Где же остальные?
А они там есть, только зовут их иначе. Ведь озорной деревянный
мальчишка, непоседа и хитрец Буратино, очень похож на Арлекина. А
место Коломбины заняла кокетливая, хорошенькая Мальвина.
Значит, и здесь, на карнавале, они тоже втроём. Так и есть.
Живая, лёгкая и чуть поддразнивающая музыка. Вот он, насмешник и
весельчак Арлекин! Так и видишь перед собой его изящную фигурку в пёстром трико. Сквозь прорези маски блестят лукавые живые глаза. Этот
не станет спотыкаться на каждом шагу. Слышите, как озорно взлетает
музыка... Несколько лёгких шагов  и взлёт, прыжок. Ещё, ещё... Только
что был здесь, и вот его уже нет  стремительно пронеслась вихрем музыка
 и закончилась.
Снова проходят перед нами маски... Наконецто!.. Вот она, Коломбина.
Музыка кокетливая, дразнящая  Коломбина танцует... А кто её партнёр?
Смешной старик Панталоне  тоже один из героев комедии дель арте. Он
уморительно ковыляет на своих худых, негнущихся ногах, ухаживает за
красоткой Коломбиной. Коломбина подшучивает над стариком
Панталоне, кокетничает с ним и, конечно же, убегает  зачем ей старый
Панталоне, когда гдето здесь, на карнавале, её Арлекин.
Снова проходят перед нами маски... Эвзебий, Флорестан, Киарина,
Эстрелла…
А теперь попрошу вас пройти вот сюда. Здесь собралась группа людей без
карнавальных костюмов и масок. Это друзья Шумана.
«Шляпы долой, господа! Перед вами  гений!»  сказал об этом человеке
Шуман. Сказал тогда, когда этот человек был ещё очень молод, когда его
музыку знали ещё очень немногие. Музыку? Значит, этот человек
композитор? Совершенно верно. Что напоминает нам музыка, изображающая этого человека? Пожалуй, вот
что  прелюдию Шопена. Те же мелодические обороты, то же настроение
лирическое и грустное, та же поэзия звуков, а главное  звучание рояля...
Помните? «Он  душа фортепиано». Сам Шуман тоже гениально
чувствовал природу рояля, он очень много писал для фортепиано. Так ему
ли не понять душу юного Шопена!..
Да, друзья мои, это Шопен.
Ещё один человек без маски в пёстрой толпе. Подойдём к нему.
...Как удивительно, непривычно звучит рояль! Стремительные резкие
скачки, неудержимое, вихревое движение  всё это скорей подошло бы
скрипке в руках виртуоза.
Маэстро Паганини! И вы пришли на карнавал? Простите, пожалуйста, вы
не встречали здесь композитора Шумана? Нам непременно нужно его
найти. Должен же он быть на этом карнавале.
Торжественно зазвучал марш. В нём чувствуется какойто воинственный
задор. Началось финальное шествие.
Но куда же делись маски? Панталоне, Пьеро, Коломбина, Арлекин?.. Их
больше нет. Карнавал окончен. О! Здравствуйте, композитор Шуман. Наконецто мы встретились. Снята
последняя маска  и под ней то же, знакомое всему миру лицо гениального
немецкого композитора Роберта Шумана.
Ярко, красиво нарисовал Роберт Шуман музыкальные портретымаски!
В юности Шуман был очень весёлым человеком, неистощимым
выдумщиком. В музыке «Карнавала» это чувствуется особенно сильно.
Вот что писал русский композитор и критик Цезарь Кюи, когда услышал
«Карнавал»: «Нужно иметь неисчерпаемый талант Шумана, чтобы так
беспечно и в таком количестве расточать его в одном произведении».
В России карнавальные шествия появились в XVIII веке. Впервые они
прошли в Петербурге 300 лет назад в честь проводов зимы и встречи
весны.
Вопросы и задания:
1.
Можно ли считать пьесы Р. Шумана «Арлекино» и «Пьеро»
музыкальными портретами? Какими показаны персонажи этих пьес? Что
отличает их характеры, походку, движения?
2.
Послушайте романс К. Дебюсси «Пьеро». Только ли потешным
комедиантом предстаёт его герой? В чём причина несчастья Пьеро? Эдвард Григ, путешествие в Норвегию (4 класс)
Много разных стран есть на свете, и почти в каждой из них есть свои
особенности. Сегодня с помощью музыки мы с вами совершим
путешествие в северную страну, которая называется Норвегией.
Это суровый, холодный, но необыкновенно красивый край: неприступные
горные скалы летом одеты в яркозелёный наряд, а зимой – в сверкающий белый. По крутым склонам низвергаются водопады и шумят горные
речушки.
Глубоко врезаются в берег узкие и извилистые морские заливы – фьорды.
На их берегах приютились живописные рыбацкие селения и деревеньки.
Северное небо отражается в синих бездонных озёрах. Здесь, в Норвегии,
городе Бергене 15 июня 1843 года родился Эдвард Григ, норвежский
композитор, чьё творчество неразрывно связано с мелодиями его родины.
Один из восторженных поклонников Грига русский писатель Лев Кассиль
сказал так: «Его мелодии выпадают кристаллами».
И, действительно, музыка Грига удивительно мелодична. Его мотивы
узнаёшь, даже если слышал их всего один раз. Вот, например, знаменитая
«Песня Сольвейг» из музыки к драме писателя Генриха Ибсена «Пер
Гюнт».
Но может быть, не все знают содержание этой пьесы. Тогда послушайте.
Давно ушёл Пер Гюнт странствовать по свету. Но в родной деревушке его
осталась ждать верная невеста по имени Сольвейг.
В своей песне Сольвейг тоскует о женихе, которого она давно не видела, и
надеется на то, что он скоро возвратится. Вот как поётся об этом в её
песне. Зима пройдёт, и весна промелькнёт,
Завянут все цветы, снегом их занесёт.
Но ты ко мне вернёшься, мне сердце говорит,
Тебе верна останусь, тобой лишь буду жить.
Музыка в начале песни грустная, распевная. Но в середине Сольвейг
вспоминает весёлые дни, когда она была счастлива. И тогда мелодия
становится оживлённой, лёгкой, похожей на народный танец.
Много диковинных странствий выпадает на долю Пера Гюнта. Вот он
оказался в пещере Горного Короля. Послушайте, какими удивительными
красками рисует бал в пещере Горного Короля композитор Григ. Здесь он
использовал эффект, который называется «приближение и удаление».
Сначала мы будто слышим издалека приближающиеся к нам шаги.
Пляска начинается тихо, ровно. Но вот словно зловещий вихрь врывается
в пещеру, и волшебный танец начинает напоминать бешеный хоровод. А в
самом конце раздаются громкие удары всего оркестра: праздник кончился,
все сказочные существа улетают прочь.
Что же спугнуло бешено веселящихся троллей, гномов, кобольдов и
гоблинов? Эти существа ночные и боятся только одного  ясного солнца.
 Значит, пришла пора послушать пьесу Грига, которая называется «Утро»
и рисует восход солнца на небе. Музыка сначала рисует, как просыпается земля, оживает ветер, начинают
раскрываться цветы на полях. Солнышко бросает на землю лишь первые
робкие лучи. Но оркестр рисует картину, как эти лучи растут, крепнут,
как кругом светлеет. И вот, наконец, изза горизонта показывается яркий
солнечный диск.
Благодаря своему таланту Григ умел делать людей счастливыми. Вот
какая встреча однажды произошла между композитором и маленькой
норвежской девочкой по имени Дагни Педерсен...
Композитор Эдвард Григ проводил осень в лесах около Бергена. Однажды
Григ встретил в лесу маленькую девочку с двумя косичками  дочь
лесника. Она собирала в корзину еловые шишки.
 Как тебя зовут, девочка?  спросил Григ.
 Дагни Педерсен,  вполголоса ответила девочка.
 Вот беда, мне нечего тебе подарить. Я не ношу в кармане ни кукол, ни
лент, ни бархатных зайцев. Но не беда. Я придумал. Я подарю тебе одну
интересную вещь. Но только не сейчас, а лет через десять.
 Ой, как долго!  Дагни даже всплеснула руками.
 Понимаешь, мне нужно её ещё сделать.
 А что это такое?  Узнаешь потом.
  Разве за всю свою жизнь,  строго спросила Дагни,  вы можете сделать
всего пять или шесть игрушек?
Григ смутился.
 Да нет, это не так,  неуверенно возразил он. Я сделаю её, может быть, за
несколько дней. Но такие вещи не дарят маленьким детям. Я делаю
подарки для взрослых. А теперь давай корзину. Ты её едва тащишь. Я
провожу тебя.
Когда среди деревьев показался дом лесника, Григ сказал:
 Ну, теперь ты побежишь сама, Дагни Педерсен. В Норвегии много
девочек с таким именем и фамилией, как у тебя. Как зовут твоего отца?
 Хагеруп.
 Прощай, Дагни!
Григ пригладил волосы девочки и пошёл в сторону моря.
 Я напишу музыку,  решил Григ.  На заглавном листе я прикажу
напечатать: «Дагни Педерсен  дочери лесника Хагерупа Педерсена, когда
ей исполнится восемнадцать лет».
Григ писал музыку для Дагни Педерсен больше месяца. Он писал и видел,
как навстречу ему бежит, задыхаясь от радости, девушка с зелёными сияющими глазами. Она обнимает его за шею и говорит «спасибо», сама
ещё не зная, за что она благодарит его.
  Ты, как солнце,  говорит ей Григ.  Как нежный ветер и раннее утро. У
тебя на сердце расцвёл белый цветок и наполнил все твоё существо
благоуханием весны. Я видел жизнь. Что бы тебе ни говорили о ней, верь
всегда, что она удивительна и прекрасна. Ты  белая ночь с её загадочным
светом. Ты  счастье. Ты  блеск зари. Да будет благословенно всё, что
окружает тебя.
В 18 лет Дагни окончила школу. По этому случаю отец отправил её
погостить к своей сестре Магде. Пускай девочка (отец считал её девочкой,
хотя Дагни была уже стройной девушкой с тяжёлыми русыми косами)
посмотрит, как устроен свет, как живут люди и немного повеселится. Кто
знает, что ждёт Дагни в будущем?
Тётушка Магда и её муж Нильс предложили Дагни сходить на концерт, и
Дагни надела чёрное платье из шелковистого мягкого бархата.
Дагни впервые слушала симфоническую музыку. Она произвела на неё
странное действие. Все переливы и громы оркестра вызвали у Дагни
множество картин, похожих на сны. Потом она вздрогнула и подняла
глаза. Ей почудилось, что худой мужчина во фраке, объявлявший
программу концерта, назвал её имя.  Это ты меня звал, Нильс?  спросила Дагни дядюшку Нильса.
Дядюшка Нильс смотрел на Дагни не то с ужасом, не то с восхищением. И
так же смотрела на неё, прижав ко рту платок, тётушка Магда.
 Что случилось?  спросила Дагни.
И она услышала, как человек во фраке сказал:
 Слушатели из последних рядов просят меня повторить. Итак, сейчас
будет исполнена знаменитая музыкальная пьеса Эдварда Грига,
посвящённая дочери лесника Хагерупа Педерсена Дагни Педерсен по
случаю того, что ей исполнилось 18 лет.
Дагни нагнулась и закрыла лицо ладонями. Так, значит, это был он, тот
седой человек, что помог ей донести до дому корзину с еловыми
шишками. Это был Эдвард Григ, волшебник и великий музыкант. И она его
укоряла, что он не умеет быстро работать! Так вот тот подарок, что он
обещал сделать ей через 10 лет. Дагни плакала, не скрываясь, слезами
благодарности.
В наплыве звуков вдруг возник знакомый голос. «Ты счастье,  говорил он.
 Ты  блеск зари!»
 Если бы можно было увидеть его!  думала Дагни.  Если бы он появился
здесь! С каким стремительно бьющимся сердцем я побежала бы ему
навстречу, обняла бы за шею и казала бы только одно слово – «спасибо!»  За что?  спросил бы он.
 Я не знаю,  ответила бы Дагни.  За то, что вы не забыли меня. За вашу
щедрость. За то, что вы открыли передо мной то прекрасное, чем должен
жить человек.
Дагни шла по пустынным улицам. Она не замечала, что следом за ней,
стараясь не попадаться ей на глаза, шёл Нильс, посланный Магдой.
Сумрак ночи ещё лежал над городом. Но в окнах слабой позолотой уже
занимался северный рассвет.
Дагни вышла к морю. Оно лежало в глубоком сне, без единого всплеска.
Дагни сжала руки и застонала от неясного ещё ей самой, но охватившего
всё её существо чувства красоты этого мира.
– Слушай, жизнь, – тихо сказала Дагни, – я люблю тебя.
И она засмеялась, глядя широко открытыми глазами на огни пароходов.
Они медленно качались в прозрачной серой воде. Нильс, стоявший
поодаль, услышал её смех и пошёл домой. Теперь он был спокоен за Дагни.
Теперь он знал, что её жизнь не пройдёт даром.
«Корзина с еловыми шишками»  одно из наиболее лирических
произведений К. Паустовского. Эта новелла радостна и чиста, как и сама
музыка Эдварда Грига. Вот он, невысокий, седоволосый, идёт по осеннему лесу, наполненному
солнцем и терпким запахом смолы... Беззвучно покачиваются ветви, тихо
опадают жёлтые листы. Вокруг густая таинственная тишина. Но для Грига
даже тишина была полна неповторимых мелодий и звуков. Для него весь
мир  это величественная и прекрасная симфония, в которую вплетают
свои голоса и золотистозелёные сосны, и сумрачные громады скал, и
зыбкий воздух над фьордами, и даже корзина, наполненная смолистыми
шишками.
Да, мир прекрасен, и его красота особенно чувствуется на закате жизни.
Дочь лесника восьмилетняя Дагни Педерсен, беззаботно собирающее
шишки, даже не подозревает до чего красива земля: горы, море, люди, как
красива она сама... Старый композитор, встретивший её в лесу,
задумывает сделать Дагни подарок.
Это будет не тряпичная кукла и не безделушка, решает Григ, он напишет
для неё музыкальную пьесу  о тишине весенних рассветов, о рокоте моря,
бьющегося у норвежских берегов, о синеве неба и золотой осени. Это
будет его подарок ко дню совершеннолетия Дагни, чтобы она, вступая в
жизнь, шла рука об руку с прекрасным, а, главное, чтобы помнила, что
человек счастлив и красив только тогда, когда отдаёт людям всю свою
жизнь, работу, талант». Мы не знаем, какова была дальнейшая жизнь Дагни Педерсен, но невольно
верим, что её жизнь не прошла впустую.
Ну вот, мы и совершили путешествие в Норвегию, где познакомились с
музыкой композитора Эдварда Грига. И теперь, я думаю, музыку Грига вы
не спутаете ни с какой другой.
 «Не ручей – море ему имя...» (4 класс) … Бах! С тобой немногий мог сравниться:
Ты стал как органист Великим издавна,
А то, что ты нанёс на нотные страницы,
На долгие тебя прославит времена…
(Г. Телеман)
Удивительна судьба музыки этого великого немецкого композитора, со
дня рождения которого прошло более трёхсот лет. При жизни он получил
признание преимущественно как органист и знаток музыкальных
инструментов, а после смерти был почти забыт на несколько десятилетий.
Но затем постепенно стали словно заново открывать его творчество и
восхищаться им как драгоценным художественным сокровищем,
непревзойдённым по мастерству, неисчерпаемым по глубине и
человечности содержания. «Не ручей!  Море должно быть ему имя». Так
сказал о Бахе другой музыкальный гений  Бетховен.
Посмотрите на портрет великого композитора. На нас смотрит сам Иоганн
Себастьян Бах. Обратите внимание, как необычно одевались музыканты
тех времён. На его голове – парик с буклями. Он одет в тёмный кафтан, на
шее повязан белый платок. Он глядит на нас через три века. Его взгляд
серьёзен, волевой подбородок поджат, губы твёрдо сомкнуты, словно он
предвидит все испытания, которые ему придётся пережить в этом мире, но
он готов к проверкам судьбы. Как появился в этом мире такой великий

intro:
Представьте, что вы пришли в концертный зал. На сцене необычное «общество» - пюпитры, стулья, на них - музыкальные инструменты. Потом на эстраду вышли люди, одетые, как на бал: мужчины в черных фраках, дамы в красивых платьях. Расселись, взяли в руки свои инструменты, и вдруг началось нечто невообразимое!
Хаос звуков! Страшный шум! Это музыканты проверяют настройку инструментов. А затем на сцену вышел ещё один человек во фраке с палочкой в руках, повернулся к нам спиной, взмахнул волшебной палочкой и ... совершилось чудо - зазвучала МУЗЫКА. Играет симфонический оркестр.