extracted_text:
Зависимость музыкального темпа от характера
музыкального произведения.(6 класс)
Как мы уже отмечали, единый темп редко сохраняется на
протяжении всего произведения. Только в маленьких пьесах может
быть выдержано одно настроение от начала до конца. Гораздо чаще
темп чутко следует поворотам и нюансам музыкального развития,
то чуть ускоряясь, то замедляясь.
Более крупные произведения вообще, как правило, строятся по
принципу контрастного чередования разделов: быстрые части или
фрагменты сменяются медленными. Это помогает более глубоко
раскрыть музыкальное содержание и способствует большему
вниманию со стороны слушателей.
Давайте вспомним, как звучит хор «Поёт зима – аукает» из
кантаты Г. Свиридова «Поэма памяти Сергея Есенина».
Музыкальный темп на протяжении звучания неоднократно
меняется, следуя за изменениями поэтического сюжета. Но и само
стихотворение имеет свою собственную динамику темпа,
рассказывая нам о «песнях и плясках» суровой зимы. Поёт зима  аукает,
Мохнатый лес баюкает
Стозвоном сосняка.
Кругом с тоской глубокою
Плывут в страну далёкую
Седые облака.
А по двору метелица
Ковром шелковым стелется,
Но больно холодна.
Воробышки игривые,
Как детки шаловливые,
Прижались у окна.
Озябли пташки малые,
Голодные, усталые,
И жмутся поплотней.
А вьюга с рёвом бешеным
Стучит по ставням свешенным
И злится всё сильней.
И дремлют пташки нежные
Под эти вихри снежные
У мёрзлого окна, И снится им прекрасная,
В улыбках солнца ясная
Красавица весна.
В начале стихотворения мы слышим, как звенит мохнатый лес,
укачиваемый зимним ветром, затем как кружит во дворе холодная
метелица, наконец, как злится и ревёт вьюга, стуча по ставням.
Усилению злого зимнего образа соответствует нарастание темпа:
музыка звучит всё быстрее и быстрее. И лишь на словах «И снится
им прекрасная, / В улыбках солнца ясная / Красавица весна» в
музыке наступает успокоение, темп становится неторопливым,
принося ощущение весеннего тепла и безмятежности.
Вот как выглядит схема темповых изменений в хоре «Поёт зима –
аукает»:
«Поёт зима аукает»  = 84
«А по двору метелица»  = 88
«А вьюга с рёвом бешеным»   = 92
Оркестровый эпизод  =104108
«И снится им прекрасная»  = 88
Заключение  = 63 Раньше темпы в музыке определялись приблизительно, по
настроению. Но иногда композиторы хотели обозначить темп очень
точно. В начале XIX века немецкий механик Иоганн Мельцель
специально для этого изобрёл метроном. Теперь часто можно
встретить в нотах кроме обычных обозначений темпа ещё и
метрономические, цифровые. Например, ♩ = 120. Это означает, что
за одну минуту должно прозвучать 120 четвертных нот. Нужная
скорость легко находится по метроному. Иногда перед такими
обозначениями ставятся буквы ММ, что означает «Метроном
Мельцеля».
О чём же рассказывает музыкальный ритм?
Что слышится нам в мерной поступи метра, в причудливом и порой
неожиданном рисунке ритма; какую загадку таят музыкальные
темпы? И как всё это, сочетаясь множеством связей, преобразуется
в стройное, совершенное и гармоничное целое  музыкальное
произведение?
Наверное, в каждом из нас живут представления о красоте.
И мы, современные люди, в этих представлениях ушли не так уж
далеко от древних греков, живших двадцать столетий назад. То,
что казалось прекрасным в те далёкие века, что породило такие неумирающие шедевры гармонии, как Парфенон или афинский
Акрополь, остаётся прекрасным и сейчас, рождая красоту не
только в симфониях и сонатах, но и в детских стихах, рисунках
или песнях.
Мы видим, что из всех искусств только музыка способна показать
нам красоту в движении, в развитии, в её становлении. А. Блок
говорил, что в мире «…катятся звуковые волны, волны духа». Но
точно так же, как сейчас, эти волны катились и сто, и двести лет
назад. В них  наши радости и надежды, поражения и
разочарования, всё, чем полна человеческая жизнь. Лишь музыке
подвластно выразить это грандиозное непрекращающееся движение
 движение звёзд и земли, океанов и рек, людских судеб и чувств.
Лишь музыка доносит до нас живой ритм давно ушедших времён.
И хотя мы знаем, что музыка никогда не воздействует какойлибо
одной своей стороной, выступая всегда в единстве всех
выразительных средств, всё же отдадим должное ритму. Ведь не
случайно выдающийся музыкант Г. фон Бюлов сказал: «Библия
музыканта начинается словами: вначале был ритм».
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
5.
Почему в хоре «Поёт зима – аукает» из кантаты Г. Свиридова
«Поэма памяти Сергея Есенина» темп многократно изменяется? С
чем это связано?
Почему именно ритм является основой музыки?
Как вы думаете, могла бы музыка существовать без ритма?
Как вы можете объяснить слова: «Порядок, симметрия
коренные свойства ритма».
Приведи примеры, где ещё, кроме музыки, проявляет себя
ритм. Отличие между метром и ритмом (6 класс)
Каждое музыкальное произведение обязательно написано в каком
нибудь определённом размере: 2/4, 3/4, 4/4 и т. д. Однако размер
редко совпадает с ритмическим рисунком музыки. Ритм обычно
намного богаче и разнообразнее простой метрической пульсации.
Метр. В музыке важную роль играет пульсация, организующая её
движение. Метр  это равномерная пульсация и он всегда один и
тот же для данного музыкального размера. Метр задаёт норму
отсчёта ритмического движения. Единица пульсации называется
долей. Доли неравноценны: есть сильные и группирующиеся вокруг
них слабые. Чередование сильных и слабых долей образует метр произведения.
Ритм. Для того чтобы создать выразительную мелодию,
недостаточно взять один за другим несколько звуков разной
высоты. Их нужно организовать, соразмерить. Слово «ритм» и
означает «соразмерность». Звуки разной продолжительности,
чередуясь, выстраиваются в определённый звуковой рисунок. По
этому рисунку мы узнаем вальс, мазурку, тарантеллу, марш.
Если метр мы изменить никак не можем, то ритм или ритмический
рисунок даёт нам тот самый простор для деятельности и
творчества, ибо рисунков ритмических можно придумать и сыграть
массу.
В сочетании равномерной пульсации метра и постоянной
изменчивости ритма, возможно, и заключён секрет
завораживающей власти ритма над человеческим сердцем.
Во всём многообразии музыки практически не найдёшь
произведения, в котором бы метр и ритм полностью совпадали.
Гораздо чаще встречаются произведения, в которых они вступают в
диалог, а порой и в спор, где ритм то и дело пытается преодолеть
сдерживающую силу метра. В таких сочинениях ритм становится
необыкновенно изобретательным. Он всячески избегает совпадения с метрическими долями, то перенося их с сильной доли на слабую,
то прерываясь акцентами и синкопами, как, например, в
знаменитом фрагменте из балета А. Хачатуряна «Гаянэ»,
получившем название «Танец с саблями».
Своей яркой выразительностью эта музыка во многом обязана
именно ритму. Его зажигательность, изменчивость,
непредсказуемость сразу же вовлекают слушателя, в живое и яркое
эмоциональное действие.
Балет «Гаянэ» написан Хачатуряном в 1942 г. В сложное и
трагичное время эта музыка прозвучала как жизнеутверждающий
рассказ о любви к Родине, великом подъёме духа советских людей.
Мы сегодня можем поразному относиться к этой эпохе, но то, что
миллионы людей в то время жили единым порывом, с энтузиазмом
строили свою жизнь, является фактом.
Об этом времени рассказывает и балет «Гаянэ». Герои балета
колхозники и воины Красной Армии. Действие происходит на
полях армянского колхоза и в становище курдов. Молодая
колхозница Гаянэ разоблачает диверсантов  поджигателей складов
с колхозным хлопком. Среди поджигателей и муж Гаянэ. Но это не
останавливает молодую женщину, которая едва не стала жертвой мщения. В борьбе с мужемдезертиром она утвердила своё право
на самостоятельную жизнь. Теперь Гаянэ узнала и новое чувство
любви. Заканчивается балет большим народным праздником.
Действие балета развивается по двум самостоятельным, но вместе
с тем и глубоко связанным линиям: с одной стороны  это драма
Гаянэ, с другой  картины народной жизни и в будни, и в
праздники. Главной идеей, объединяющей их, является тема любви
к Родине, радости свободного труда, дружбы.
Музыка балета глубоко связана с музыкальной культурой народов
Закавказья. Мелодии его близки народным интонациям, в них
проявляются ладовые, ритмические особенности армянской
музыки. Тембры инструментов оркестра как бы подражают
звучанию народных инструментов. Народные сцены, в которых
особенно ярко проявляется эта близость с народным искусством,
занимают в балете большое место. Причём жизнь народа Хачатурян
показывает с разных сторон  и в будни  в работе, и в бедствии, и в
день праздничного веселья.
Огромной популярностью среди любителей музыки пользуются
такие фрагменты балета, как «Танец розовых девушек» и
знаменитый «Танец с саблями».
Музыка балета «Гаянэ» сразу же шагнула со сцены театра и в виде трёх оркестровых сюит сегодня живёт самостоятельной жизнью,
украшая программы концертов симфонических оркестров в разных
странах мира.
Иногда ритм или даже короткий ритмический оборот может стать
основой яркого образа всего музыкального произведения. Таково,
например, начало симфонии № 5 Л. Бетховена, которая является
очень известным и значительным сочинением. При этом вырастает
оно из короткого мотива, состоящего всего из нескольких нот.
Именно об этом мотиве композитор сказал: «Так судьба стучится в
дверь»  слова, ставшие в дальнейшем крылатыми. «Мотив судьбы»
 с таким названием эти четыре ноты навсегда вошли в историю
музыки.
Послушайте фрагмент из 1ой части Симфонии № 5 Л. Бетховена.
Первые такты симфонии образуют главную ритмическую
интонацию.  Удивительная сила мощной музыкальной энергии,
заключённая всего в четырёх нотах, пронизывает всё развитие
произведения – от первых звуков до финала.
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
Согласны ли вы, что в «Танце с саблями» А. Хачатуряна
главнейшим средством музыкальной выразительности является
ритм? В чём заключаются его особенности?
Как повашему, в музыке А. Хачатуряна взаимодействуют
метр и ритм – совпадают, дополняют друг друга или «спорят и
борются»?
Какую роль играет «мотив судьбы» в Симфонии № 5 Л.
Бетховена?
Музыкальный жанр (6 класс)
1.
2.
Разнообразие претворения трёхдольности в танцевальных
жанрах.
Своеобразие ритма мазурки (на примере мазурки сибемоль
мажор, соч. 7 № 1 Ф. Шопена). 3.
Церемонная поступь, выраженная в музыке полонеза (на
примере полонеза ля мажор, соч. 40 № 1 Ф. Шопена).
Претворение испанских народных ритмов в Болеро М. Равеля.
4.
Музыкальный материал:
1.
Ф. Шопен. Мазурка сибемоль мажор, соч. 7 № 1. Фрагмент
(слушание);
2.
Ф. Шопен. Полонез ля мажор, соч. 40 № 1. Фрагмент
(слушание);
3.
4.
М. Равель. «Болеро» (слушание);
Г. Струве, стихи А. Барто. «Бьют тамтамы» из кантаты для
хора и солиста «Голубь мира» (пение, музыкальноритмические
движения).
Характеристика видов деятельности:
1.
Осознавать интонационнообразные, жанровые особенности
музыки (с учётом критериев, представленных в учебнике).
2.
Сравнивать и определять музыкальные произведения разных
жанров и стилей (с учётом критериев, представленных в
учебнике). 3.
Творчески интерпретировать содержание музыкальных
произведений в пении, в музыкальноритмическом движении.
Так же как многообразны музыкальные ритмы, как многообразны и
музыкальные размеры. Например, размер 3/4, только что названный
основным признаком вальса, в той же мере является обязательным
и для мазурки, и для полонеза, и для болеро! При этом, несмотря
на общий размер, эти жанры очень трудно спутать друг с другом.
Обратимся к жанрам мазурки и полонеза.
Мазурка
Мазурка – старинный польский танец, исполняемый в быстром
темпе. Он возник в XII веке в крестьянской среде среди мазуров,
смелых польских наездников, и потому в мазурке мы видим
движения, напоминающие пришпоривание. Танец сопровождался
игрой на волынке. Обычно в нём участвовали четыре, восемь или
двенадцать пар.
Как это часто бывало, народный танец приходил в танцевальные
залы, салоны, нарядные гостиные и там менял свой облик. Начиная
с XIII века мазурка известна как бальный танец не только в
Польше, но и во многих европейских странах. Но не так просто было «справиться» с мазуркой. Уж очень
характерная у неё музыка. Не даёт танцевать гладко и благочинно.
Огневой танец!
...Когда гремел мазурки гром,
В огромной зале всё дрожало,
Паркет трещал под каблуком...
Так описывает мазурку Александр Сергеевич Пушкин.
Но мазурка не только музыкальное сопровождение танца. Как и
вальс, она стала инструментальной музыкой. Очень любил мазурки
польский композитор Ф. Шопен. В форме этого народного танца он
сочинил множество фортепианных пьес.
Вот как звучит мазурка сибемоль мажор Ф. Шопена.
Ритмический рисунок мазурки далёк от размеренной плавности
вальса. Он полон острых и угловатых интонаций, резких акцентов.
Полонез
Ещё один трёхдольный танец – полонез. Он тоже имеет польское
происхождение, что видно даже из его названия. Пофранцузски
слово polonaise означает «польский», поитальянски оно так и
записывается – polacca, в России было распространено название
«польский» Полонез представляет собой торжественный бальный танец
шествие, поэтому в его трёхдольности слышится не лёгкое
кружение вальса, а церемонная поступь придворных дам и их
кавалеров  полузабытая картина давно ушедших времён.
Интересно, что полонез, как и мазурка, поначалу не являлся
бальным танцем. В XVI веке он исполнялся на свадьбах и
торжественных церемониях, сопровождаясь пением. Лишь позднее
полонез стал придворным и чисто инструментальным танцем –
символом польского национального духа.
В полонезах, которые сочинял для фортепиано Ф. Шопен, мы
слышим «поступь людей, выступающих с доблестной отвагой
против всего самого несправедливого»  так сказал Ференц Лист о
полонезах Ф. Шопена.
Болеро
Обратимся ещё к одному танцу – болеро.
Трёхдольность болеро  танца, родившегося в Испании, в свой ритм
заключила характерный стук кастаньет, выражающийся в
ритмической звукоподражательности.
Традиции музыки болеро с огромной яркостью воплотил в своём
«Болеро» для оркестра М. Равель. Тонкое, глубинное постижение им национального духа этого испанского танца было столь точным,
что имя Равеля – французского композитора первой половины ХХ
века  до сих пор связывается с Испанией.
«Испания  моя вторая родина»,  нередко говорил Равель.
Испанская тематика проходит красной питью через весь его
творческий путь: «Испанская рапсодия», «Испанский час»,
«Болеро» и др. Испанские мотивы постоянно встречаются в его
фортепианных и вокальных пьесах. В его испанских опусах живёт и
дышит Испания с её неповторимыми красками, ароматом её садов,
движениями её народных плясок.
Стихия танца пронизывает всё творчество Равеля. Но ни в одном
произведении композитора эта завораживающая сила танцевальных
ритмов не проявилась так ярко и безудержно, как в
симфонической пьесе «Болеро».
Музыка «Болеро» в самый короткий срок завоевала широкое
признание во всём мире, подлинно всенародную популярность. Не
прошло и двухтрёх лет, как сочинение это, выйдя за пределы
концертных залов, стало достоянием всевозможных
аранжировщиков, переложивших его для самых неожиданных
ансамблей. Знаменитую тему «Болеро» насвистывали на улице люди, даже и не
подозревавшие её происхождения. «Болеро», совсем неожиданно
для Равеля, принесло ему при жизни такую славу, какой
удостаиваются лишь великие композиторыклассики.
В чём же «секрет» огромного обаяния этого произведения?
Прежде всего в редкой красоте темы.
Зародившись в легчайшем звучании флейты на фоне абсолютно
неизменной ритмической формулы (два малых барабана рр), эта
тема многократно повторяется всё время на том же ритмическом
фоне, но каждый раз в новой инструментальной «одежде». От
повтора к повтору с неумолимой настойчивостью нарастает сила
звучания, расцветает тембровая палитра, усиливается
динамическое напряжение. Новое появление темы  новая краска.
После флейты  кларнет, затем фагот в высоком регистре, за ним
малый кларнет, потом гобой д'амур. Когда общая сила звучания
оркестра уже достигла известной интенсивности, композитор
поручает тему двум голосам  флейте и трубе с сурдиной. Далее
мелодия звучит поочерёдно у нескольких саксофонов, у флейт,
поддержанных валторной и челестой, у гобоев, английского рожка
и кларнетов, наконец вступает молчавший до сих пор тромбон, после которого мелодия передаётся всему составу деревянных
инструментов и саксофону. Так растёт и ширится эта неудержимая
лавина.
Н. Заболоцкий, посвятивший своё стихотворение «Болеро»
замечательному творению французского мастера, намеренно
называет Равеля «испанцем». И это звучит как высшая награда!
Итак, Равель, танцуем болеро!
Для тех, кто музыку на сменит на перо,
Есть в этом мире праздник изначальный
Напев волынки скудный и печальный
И эта пляска медленных крестьян...
Испания! Я вновь тобою пьян!
Но жив народ, и песнь его жива.
Танцуй, Равель, свой исполинский танец,
Танцуй, Равель! Не унывай, испанец!
Вращай, История, литые жернова,
Будь мельничихой в грозный час прибоя!
О, болеро, священный танец боя!
«Испанец» Равель в этом стихотворении Заболоцкого предстаёт
как музыкант, сумевший, подобно истинному испанцу, войти в изначальную стихию испанских народных ритмов, плениться их
завораживающей красотой и поднять скромный крестьянский танец
на пьедестал общечеловеческого
восхищения.
Вопросы и задания:
1.
Что объединяет и что различает мазурку и полонез?
Расскажите на примере мазурки сибемоль мажор и полонеза ля
мажор Ф. Шопена.
2.
3.
4.
5.
В чём причина столь сильного воздействия музыки «Болеро»
М. Равеля? Только ли ритм участвует в создании музыкального
образа этого произведения?
«Болеро» написано в форме вариаций. Можно ли считать
выбор композитором данной формы закономерным? Почему?
Во время прослушивания обратите внимание на ритмическое
подражание звуку кастаньет. Что оно привносит в восприятие
музыки?
Как вы думаете, почему из всех музыкальных жанров именно
танцы отличаются наибольшей ритмической характерностью? Многообразные проявления ритма в окружающем мире  (6
класс)
В ритме есть нечто волшебное;
Он заставляет нас верить,
Что волшебное принадлежит нам…
И. В. Гёте
Ритм обнаруживает себя повсюду в окружающем мире. Ритмично
чередуются времена года, месяцы, недели, дни и ночи. Ритмичны
человеческое дыхание и биение сердца.
Ритмичны архитектурные сооружения, дворцы и дома с их
симметрично расположенными окнами, колоннами и лепными
украшениями. Всё это говорит о том, что ритм является одной из
первооснов жизни: он присутствует в живой и неживой
природе, мы его слышим и видим – в шуме морского прибоя, в
узоре на крыльях бабочки, в срезе любого дерева, любого сучка.
Может быть, во всеобщей ритмичности бытия и заключён ответ на
вопрос, отчего мы так чувствуем музыкальные ритмы и отчего это
чувство пробуждается в нас уже с первых дней жизни, задолго до
того, как мы научимся различать и понимать слова. Приходилось ли вам задумываться когданибудь, почему
маленькие дети так быстро и легко засыпают под звуки
колыбельной песни? Почему они тут же начинают приплясывать,
если поёшь им какуюнибудь музыкальную прибаутку? Ведь
ребёнок ещё не учился ничему и не знает, что на музыку следует
както реагировать  двигаться, танцевать и т. д.
Наверное, это происходит оттого, что музыкальный ритм наиболее
близок восприятию человека. Воздействуя на него, он способен
вызывать ответную реакцию. А любая ответная реакция  это уже
диалог, общение человека с внешним миром, первое ощущение
единения с ним.
Вот почему иногда говорят, что ритм – изначальная форма связи
человека с жизнью, с людьми, со своим временем.
Люди издавна стремились понять природу музыкального ритма.
Господство ритма во всех сферах жизни позволило ещё во времена
Античности выдвинуть музыку на первый план в устройстве
Вселенной.
Например, древнегреческий философ и математик Пифагор
представлял мир как некий вселенский музыкальный инструмент.
Этот инструмент управлялся «музыкой сфер»  звучаниями, рождаемыми бесконечным движением небесных сфер. В основе
этой грандиозной картины мира находились четыре начальных
божественных числа (1  2  3  4). Они вносили в строение и
понимание Вселенной порядок и гармонию.
Порядок, то есть истина, красота и симметрия (симметрия –
соразмерность, пропорциональность частей целого), наделялся и
нравственными качествами. Пифагореец Филолай писал: «Лжи не
принимает в себя природа числа и гармонии... Порядок и
симметрия прекрасны и полезны, беспорядок же и асимметрия
(асимметрия – отсутствие симметрии) безобразны и вредны».
Порядок, симметрия  коренные свойства ритма. Мы находим их в
самых разнообразных музыкальных сочинениях  от незатейливой
детской песенки до сложных оперных и симфонических
произведений.
Вот известное вам произведение В. А. Моцарта – хор «Волшебные
колокольчики» из оперы «Волшебная флейта». Спойте
(послушайте) его, и вы сразу почувствуете лёгкость,
естественность, соразмерность ритма и мелодии. Наверное,
поэтому такая музыка легко запоминается и взрослыми, и детьми. Несмотря на симметрию и порядок музыкального ритма, именно в
музыке он достигает наибольшего многообразия. Именно ритм
придаёт неповторимый облик музыкальным жанрам, помогает нам
уже с первых тактов узнать вальс и полонез, болеро и тарантеллу,
услышать торжественную поступь марша и величавую
приподнятость гимна. Эти ритмы так характерны (характерный – с
ярко выраженными особенностями), что без труда улавливаются в
сочинениях более сложных жанров  симфониях, романсах, ариях.
А порой характерные ритмы можно услышать даже в звуках
окружающего мира.
Так, И. Штраус – «король вальса» утверждал, что первые такты
своего знаменитого вальса «Сказки Венского леса» он уловил в
перестуке колёс кареты и только потом записал.
Может быть, поэтому в Австрии, на родине Штрауса, многие его
вальсы считаются подлинно народной музыкой  так естественно
вырастают их ритмы и мелодии из атмосферы, духа, культурных
традиций своей страны.
Музыка Иоганна Штрауса, титулованного «короля вальса», давно
превратилась в символ блестящего праздника жизни. Красота
штраусовских мелодий, роскошь оркестровых красок, изобретательность и остроумие его танцевальных пьес уже более
двух веков неотразимо воздействуют на любую публику – от
простых слушателей до знаменитых музыкантов мира.
Знаменитый австрийский композитор и дирижёр Иоганн Штраус
родился в Вене. Его отец – Иоганн Штраусстарший был
прославленным австрийским композитором и дирижёром. Штраус
сын прославился как создатель классического венского вальса.
Сочинять он начал очень рано: его первый вальс был написан им в
6летнем возрасте. Всего Штраус написал около 500 танцевальных
пьес, большинство которых составляют вальсы. Популярность во
всём мире приобрели его вальсы «На прекрасном голубом Дунае»,
«Весенние голоса» и «сказки Венского леса». Широко известны и
другие танцы Штрауса – польки, кадрили, галопы.
Сочинял Штраус с удивительной лёгкостью. Он создавал вальс за
12 часа. Мог писать в поезде и в гостях, на рассвете и среди ночи.
Не найдя чистых листов нотной бумаги, Иоганн в порыве
вдохновения записывал мелодии на собственных манжетах,
ресторанных салфетках, наволочках и простынях. Он стал
всеобщим любимцем, создав невероятное количество танцевальных
мелодий. Музыка Штрауса до сих пор царит на балах не только в Австрии,
но и во многих других странах мира.
В чём же заключается неповторимое своеобразие ритма вальса –
этого популярного бального танца XIX века? Прежде всего в его
музыкальном размере  3/4. В этом размере написаны все вальсы
мира, не только венские, но и французские, русские, немецкие ...
Чередование одной сильной и двух слабых долей такта сразу же
навевает образ плавного кружения, изящного и лёгкого танца.
Замечательная музыка вальса «Сказки венского леса» получила
всенародное признание не только у себя на родине, в Австрии, но и
во всём мире.
Вопросы и задания:
1.
Приведите примеры, где ещё, кроме музыки, проявляет себя
ритм?
2.
3.
Какое значение придавалось музыкальному ритму в эпоху
Античности?
В чём же заключаются особенности ритма вальса? Расскажите
на примере вальса И. Штрауса «Сказки венского леса». 4.
Можно ли говорить о присутствии музыкального ритма на
картине С. Боттичелли «Весна»? С ритмом какого музыкального
жанра вы бы сравнили ритм этой картины? Почему?
С чем проявляются традиции и новаторство в музыкальном
произведении. (6 класс)
 «Не бойся слов теория, гармония, полифония и т. п.
Относись к ним дружески, и они тебе улыбнутся».
Р. Шуман
...Представьте себе, что вы пришли в театр. Скоро раздвинется
тяжёлый занавес и начнётся спектакль. Герои старой сказки ещё не
появились на сцене, но музыка уже звучит, и вы захвачены ею.
Оркестр играет интродукцию (интродукция  слово латинского
происхождения, означает «введение»  краткое вступление к оперному или балетному спектаклю) к балету Петра Ильича
Чайковского «Спящая красавица».
О чём эта музыка? ... Внезапно на вас обрушивается мощное и
жёсткое звучание огромного оркестра. «Колючие», изломанные
мелодические линии, резкое звучание диссонантных (диссонанс
сочетание двух или нескольких звуков, образующих
напряжённое, резкое созвучие. Слово «диссонанс» происходит
от латинского dissonantia, что значит «нестройное звучание»)
аккордов, грозные кличи духовых инструментов создаёт
музыкальный портрет злой феи Карабос.
Но вот лёгкий ветерок пассажа арфы переносит нас в волшебный
мир Добра и Красоты: на фоне нежнейшего аккомпанемента
появляется прекрасная мелодия. Это тема феи Сирени. Она
спокойно парит, освещаемая светлыми красками консонантных
(консонанс  благозвучное сочетание двух или более звуков. В
переводе с латыни consonantia означает «согласное звучание»)
аккордов. Музыка звучит хрупко, беззащитно. Разве может такая
фея противостоять натиску злобной Карабос?
Давайте проследим за тем, как будет развиваться тема феи Сирени.
Сначала мелодию исполняют только два инструмента: флейта и
английский рожок. Затем её ведут скрипки, и вот наконец из неё рождается новая тема: она звучит у медных духовых инструментов
торжественно и победно. В итоге развития лирическая мелодия
превратилась в героическую.
Чем же вызвано такое превращение?
Издавна торжественные церемонии встреч, парадов, приветствий
открывались праздничными сигналами фанфар. Эти духовые
инструменты играли мелодии, использующие звуки мажорных
трезвучий. В дальнейшем такие мелодии стали называть
фанфарными. Они всегда связаны с выражением радости. А если их
к тому же исполняют медные духовые инструменты, то они
приобретают героический, торжественный характер. Поэтому,
слушая интродукцию, мы верим, что фея Сирени победит Карабос,
добро одолеет зло.
Чтобы поведать об этом, слова не нужны. Музыка рассказала
сказку своим языком, более сильным и выразительным.
Но как понять музыкальный язык? Чем он отличается от речи?
Музыкальный язык богат и разнообразен, потому что в его словаре
не просто звуки, а мелодия, лад, ритм, гармония, тембр, динамика,
темп, штрихи, фразировка ... Всеми этими элементами музыкального языка в их всевозможных
сочетаниях пользуются композиторы, создавая музыку.
Музыкальный материал, то есть мелодия, гармония и ритм,
безусловно, неисчерпаем.
Пройдут миллионы лет, и если музыка в нашем смысле будет
ещё существовать, то те же семь основных тонов нашей
гаммы, в их мелодических и гармонических комбинациях,
оживляемые ритмом, будут всё ещё служить источником
новых музыкальных мыслей.
 П. Чайковский
Музыкальное произведение мы обычно воспринимаем целиком, в
единстве всего, из чего оно состоит. Трудно, порой просто
невозможно выделить в его звучании чтото одно  мелодию, ритм
или тембры. Каждый композитор в своём творчестве стремится к
созданию их единства. Дело ведь не в том, что он изобретает какие
то новые средства выразительности, а в том, что каждый раз он
подчиняет их своему замыслу, своим представлениям о мире, о
жизни, о людях.
Как неповторимы люди, так неповторимы и их дела. Возьмите
любую простую вещь  два разных человека сделают её совершенно поразному! Тем более это относится к вещам сложным,
заключающим в себе не только мастерство, но и душевную энергию
 ведь в их создании участвуют воспитание, опыт, вкусы, привычки,
образование и многоемногое другое. Поэтому мы не удивляемся
тому, что два композитора, живущие в одно время и в одной
стране, порой так непохожи друг на друга, как непохожи два
разных произведения даже одного композитора или две разные
скрипки одного мастера.
Чтобы понять музыкальное произведение, мы обращаемся обычно
к двум сторонам  традиции (традиция – то, что унаследовано от
предшествующих поколений), в которой оно возникло, и
неповторимому «почерку» его автора.
Почему необходимо обращение к традиции?
Потому что всё в мире возникает постепенно, ничто не приходит
ниоткуда. Каждая река вытекает из своего истока и впадает в своё
море; мастерству предшествует ученичество, зрелости  юность ...
Новая песня рождается из песенных особенностей своего времени,
новый ритм  из ритмических, новый тембр  из тембровых. Любое
явление, взятое в отрыве от породивших его корней, выглядит
нелепо, как пришелец ниоткуда. Почему же мы вновь и вновь ищем в искусстве его уникальность
(уникальный – единственный в своём роде), неповторимость?
Потому что в каждом значительном произведении, сколь бы сильно
ни выражалась в нём традиция, обязательно есть то, чего ещё не
было и никогда уже не будет, потому что миг творчества, как и
любой миг, неповторим.
Единство старого и нового, образующее каждое музыкальное
произведение, вызывает естественный вопрос: в чём оно
проявляется? В биографии композитора? В названиях его
произведений? Отчасти  да.
И жизнь композитора, и названия его произведений,  всё это
помогает нам понять многое в его творчестве.
Но понимать музыку следует учиться у самой музыки, в которой
фантазия, вдохновение, понимание мира нашли самое полное своё
выражение.
И хотя музыка воздействует целостно, всё же она очень разная: в
одних случаях в такой целостности солирует ритм, а в других
мелодия, в одних мы погружаемся в волшебный мир гармонии, в
других  в многокрасочное тембровое царство. Это естественно: ведь в каждом произведении общий замысел диктует выбор
необходимых средств выразительности.
Было бы странно, если, например, образы сказочного мира вдруг
воплотились бы в угловатых, острых ритмах, а не в красочной
гармонии и оркестровки. Также было бы странно, если бы
испанские танцы зазвучали славянской плавностью линий, и т. д.
К счастью, этого никогда не бывает. Музыкальные сказки по
прежнему, как и всегда, неторопливы и красочны, а испанские
танцы быстры и ритмичны.
Каждое настроение, каждое чувство, переживание и характер
имеют своих музыкальных «представителей». Чтото выражает
себя в мелодии, чтото  в гармонии, а чтото  в особенных
динамических средствах.
Вот почему понимание музыки требует обращения к тому, что
называется, средствами музыкальной выразительности. Эти
средства образуются такими сторонами музыки, как ритм,
мелодия, гармония, полифония, фактура, тембры и динамика.
Разумеется, приведённый ряд может быть продолжен. Каждому
музыканту известно, насколько важны различные штрихи,
входящие в понятие артикуляции, ускорения и замедления темпа, образующие область музыкальной агогики, как необыкновенно
выразительна роль педали.
Вслушайтесь в музыкальные произведения и постарайтесь
подумать не только над тем, что музыка слагается из различных
сторон своего звучания, но и то, чем именно выразительна каждая
сторона. И тогда из текучести и разнообразия, всегда лежащих в
основе музыкальных произведений, вы сможете выделить
особенные черты, появляющиеся то в гармонии, то в тембрах или
ритмах и образующие ту неповторимость «лика», которая всегда
отличала великие произведения музыкального искусства.
Вопросы и задания:
1.
2.
Что образует единство музыкального произведения?
Что, кроме знания традиции и новаторства, помогает нам
лучше узнать музыкальное произведение?
3.
Послушайте Антракт к III действию оперы «Лоэнгрин» Р.
Вагнера. Можно ли согласиться, что сила воздействия этой
музыки связана с единством всех её выразительных средств? Для
ответа на этот вопрос постарайтесь охарактеризовать особенности
ритма, лада, мелодии, тембров, динамики. Роль музыки и музыкантов в эпоху античности.
(6 класс) От сердца до неба
Протянуты звонкие струны.
Мне дорог весь мир…
Валерий Брюсов
Силу музыки люди знали давно. Ещё боги Древней Греции
состязались между собой в пении и игре на музыкальных
инструментах. Музыканты провозглашались пророками,
способными прозревать прошлое и предсказывать будущее
благодаря той чудодейственной памяти, которую заключало в себе
их искусство.
Именно музыкант Орфей был тем единственным человеком,
которому открылись ворота в Аид (в греческой мифологии –
Царство мёртвых), это мрачное и таинственное место, тщательно
охраняемое от всех, кто осмелился бы к нему приблизиться.
Однако не войско, не оружие, не титаническая физическая сила
открыли Орфею ворота Аида – их открыли божественные звуки его
лиры и его волшебного голоса.
Не менее примечательна и та часть античных преданий, которая
связана с походом аргонавтов. Собираясь в плаванье в Колхиду,
они взяли с собой Орфея. Всем им было известно, какую опасность таят в себе моря, населённые демоническими (демонический – от
слова демон – злой дух, коварный) существами. Неминуемую
гибель несла встреча с сиренами, обитательницами морских
островов.
Что же зловещего таилось в этих загадочных существах –
полуптицахполуженщинах? Ведь они не нападали на
мореплавателей, не преследовали их корабли, у них не было ни
пушек, ни ядовитых стрел. Однако был у них другое –
божественный голос, необыкновенно притягательный, далеко
разносившийся над гладью морских вод. Слышавшие пение сирен,
не помня себя, бросались в море на их призывный зов и погибали.
Чернильною водой – морями глаже лака –
Мы весело пойдём между подземных скал.
О, эти голоса, так вкрадчиво из мрака
Взывающие: «К нам!»
(из стихотворения Ш. Бодлера «Плаванье»)
Взятый в плаванье Орфей заглушал сирен пением и игрой на
лире. Одиссей же, ещё один герой мифов, проплывая мимо острова
сирен, привязал себя к мачте корабля и залил воском уши своих товарищей, чтобы они спаслись от искушающего гибельного
призыва.
Среди чудесных оркестровых ноктюрнов К. Дебюсси есть пьеса,
которая так и называется «Сирены». В его музыке нет ничего
зловещего, это – яркая пьесакартина, в которой звучит и
необозримое пространство морских далей, и красочность
изумрудных вод, и шум волн, и звучащее над всем этим
очаровательным пейзажем прекрасное пение сирен, исполняемое
женским хором. В образе сирен воплощаются красота и смерть,
восторг и гибель – одна из вечных тем искусства.
Слушание: К. Дебюсси. «Сирены» из симфонического цикла
«Ноктюрны».
Божественная музыка, таящая гибель в своём манящем призыве, не
столь уж частое, но очевидное доказательство необыкновенной
силы этого искусства.
Лира. От сердца до неба протянуты звонкие струны…
Каждый музыкальный инструмент своим неповторимым тембром,
особой харизмой отражает одну из граней человеческой души, одну
из граней нашего мира. А с чем у вас ассоциируется лира?
Попробуйте представить себе звучание этого инструмента… Какие образы, какие чувства пробуждаются в вашей душе? Прозрачность,
чистота, гармония, звёздное небо, Аполлон, Музы, Орфей?..
Чувствуете, мы ещё не слушали переборы струн, а в воздухе уже
чтото витает…
Дивная музыка
Тайны гармонии
Чуть пробуждаются,
Тихо качаются
В тенях безмолвной души…
Валерий Брюсов
Греческий миф рассказывает, что лиру изобрёл юный Гермес,
вестник богов: однажды он отважился посягнуть на стадо
священных коров, принадлежавших Аполлону. Аполлон, стремясь
восстановить справедливость, обратился к Зевсу с просьбой, чтобы
тот рассудил их. Гермесу ничего не оставалось, как во всём
признаться перед владыкой Олимпа. Но пока Аполлон возвращал
своих коров из пещеры, проворный Гермес сел на камень, достал
свою лиру, которую до этого сотворил из панциря черепахи,
коровьих рогов и трёх струн, и самозабвенно заиграл на ней.
Дивные звуки наполнили долину. Изумлённый Аполлон с восторгом слушал игру Гермеса и тут же, не раздумывая отдал ему
всех священных коров в обмен на лиру.
Продолжая историю этого инструмента, другие мифы говорят, что
Аполлон подарил свою лиру, но уже семиструнную, легендарному
певцу Орфею, который и принёс её в мир людей. Имя Орфей
означает «Исцеляющий светом», его музыка очищала душу,
исцеляла её, наполняла небесной гармонией.
Миф о любви Орфея и Эвридики рассказывает, что игрой на лире
Орфей мог заворожить не только людей: реки останавливали своё
течение, птицы, деревья и свирепые животные  все замирали и
внимали её звукам.
Возлюбленная Орфея, Эвридика умирает от укуса змеи, душа её
направляется в подземный мир к Аиду, и Орфей, ведомой силой
любви к своей возлюбленной, спускается за ней. Великая любовь
Орфея вызвала сострадание в сердце Аида, который разрешает ему
вывести Эвридику из подземного мира, но с условием: если он
оглянется и посмотрит на неё, прежде, чем Эвридика выйдет на
свет дня, он потеряет её навсегда. Но когда цель уже казалось бы
была достигнута, и он должен был соединиться с Эвридикой, его одолевают сомнения. Орфей оборачивается и теряет свою
возлюбленную, великая любовь соединяет их только на небе.
Слушание: К. Глюк. «Мелодия» из оперы «Орфей и Эвридика».
Какая чудодейственная сила жила в этом инструменте?
Оказывается, каждая струна лиры Орфея символически была
связана с одним из божественных законов и с одним из
божественных достоинств души, пробудив которые, человек мог
познать свою истинную природу. Лира была связана и с Музами,
прекраснейшими дочерьми богини памяти Мнемозины,
присутствие которых было для людей священным.
Музы, молю  из толпы многогрешного рода людского
Вечно влеките к священному свету скиталицу душу! –
поётся в одном античном гимне.
О лире мы знаем больше как об инструменте символическом, никто
никогда не слышал её голоса. Но так хочется иногда закрыть глаза
и услышать звуки, которые, едва коснувшись тебя, уносят прочь
всю тяжесть, наполняют душу свежим дыханием, пробуждают
забытые, но дорогие сердцу мечты. Ведь лира звучит не только благодаря струнам… В ней живёт
тихий, но сильный зов Неба, который когдато в неё вдохнули
Боги. Он звучит и сейчас, хотя струны лиры давно умолкли.
Давайте на миг остановимся и прислушаемся: может, звуки лиры
похожи на журчание чистого родника, на лёгкий шелест ветра,
играющего весенней листвой; а может, отзвук серебряных струн
слышится в чистом смехе ребёнка, в шёпоте влюблённых, в вечной
молитве материнского сердца?
…Звуков попрежнему не слышно, но в душе возникли знакомые
чистые и трепетные чувства…
Анна Мироненко (из журнала «Человек без границ»)
Вопросы и задания:
1.
2.
Почему только Орфею открылись ворота в Царство мёртвых?
Всегда ли сила музыки подчинена добрым намерениям?
Расскажите на примере пьесы К. Дебюсси «Сирена».
3.
4.
Рассмотрите нотную запись темы сирен. Прослушайте её. Что
слышится в её звучании?
Звучание какого инструмента усиливает живописность
музыкального образа в «Сиренах» Дебюсси? 5.
Есть ли в кажущейся безмятежности ноктюрна Дебюсси
какойлибо оттенок грусти? Где вы его заметили? Каким
средством музыкальной выразительности он передаётся?
Возвращение к темам, сюжетам и образам в произведениях
искусства разных времён (6 класс)
Чем больше узнаёшь музыку, тем больше удивляешься  сколько в
ней повторяющихся тем, сюжетов, образов. Как в жизни
отдельного человека, так и в жизни всего человечества не бывает
ничего лишнего, устаревшего, изжившего себя.
Попрежнему, как и в старые времена, поёт в произведениях
композиторов волшебная лира Орфея, происходят сказочные
чудеса, вновь и вновь возрождаются древние молитвы.
Над ними время не властно: здесь нет забвения, здесь царствует
вечность. И примечательно, что на заре цивилизации, в античной Греции, фантазия людей поставила у истоков всех искусств
Мнемозину – богиню памяти.
Существует даже такое предание: вблизи пещеры Трофония
(предсказателя человеческих судеб) находились два источника,
имеющие названия Лета и Мнемозина. Испивший из первого
источника забывал свою жизнь и её тяготы, испивший из второго
запоминал всё, что видел и слышал.
Лета и Мнемозина – также имена греческих богинь: богиня
забвения Лета, уносит воспоминания о земном и преходящем;
богиня памяти Мнемозина даёт человеку великую созидательную
силу – увековечить каждое мгновение жизни.
Именно Мнемозина стала матерью всех девяти муз,
покровительствующих искусствам, передав им в наследство самую
поразительную способность, отличающую искусства и поныне. Это
способность наделять бессмертием всё, к чему они прикасаются.
Контуры зверей, начертанные в первобытных пещерах, и
лучезарные города – памятники Греции и Италии, полотна
живописцев, дающие панораму лиц, костюмов и обычаев, и
пламенные стихи, запечатлевшие живой жар сердца какогонибудь неведомого нам средневекового рыцаря, – всё это неисчислимые
чудеса, подаренные нам искусством.
Ушли в небытие столетия, люди и их дела, угасли страсти, но
неповторимое ощущение времени, в котором нам не довелось жить,
но которое мы помним самой главной памятью, данной человеку, –
памятью души.
Послушайте пьесу «Старый замок» М. Мусоргского из известного
вам цикла «Картинки с выставки».
Образ средневековой старины дан как воспоминание об ушедшем
мире, над которым уже не властно время. Состояние
вневременности, вечности передано в музыке с особой
статичностью всех её выразительных средств: однообразием ритма,
органным пунктом – выдержанной нотой в басу, сохраняющейся на
протяжении всей пьесы, несколько отстранённой, уже словно бы
внеземной мелодией, звучащей как печальная песня трубадура.
Однако эта музыка, явившаяся к нам подобно призраку, как будто
из другого мира, вызывает у слушателя живое сожаление об
ушедших временах с их рыцарями и прекрасными дамами,
величественными замками и чудесными песнями. И именно в
сегодняшнем, тёплом эмоциональном переживании заключено главное доказательство того, что искусство несёт в себе не
механическую память, а именно душу времени. Прикосновение к
этой душе, как к великой загадке, вновь и вновь вдохновляет
поэтов и музыкантов, и они обращаются к вечным темам и образам,
«примеряя» их к современности.
Вот почему и сейчас музыканты по всей России собирают
исчезающие крупицы народной музыки, запечатлевшие в себе
память ушедших веков, создают музыкальные коллективы,
возрождающие исполнение забытых духовных песнопений, когда
то составлявших неотъемлемую часть жизни русского человека.
Композиторы все чаще обращаются к древним пластам культуры,
вводя в свои композиции мелодии, звучавшие много веков назад.
Так столетия ведут свой неторопливый разговор. Это разговор
равных: ведь в искусстве, в отличие от других видов деятельности,
нет примитивных эпох. Каждая дала свои образцы
непревзойдённой силы и величия: и блистательная
АНТИЧНОСТЬ, и озарённое духовностью СРЕДНЕВЕКОВЬЕ, и
любознательное ВОЗРОЖДЕНИЕ, и гармоничный
КЛАССИЦИЗМ, и мечтательный РОМАНТИЗМ. Есть своё
величие и у МУЗЫКИ ХХI ВЕКА, ещё пока не имеющей
собственного названия, кроме  СОВРЕМЕННОСТЬ. Человечеству, как и отдельному человеку, нужна вся музыка  и та,
что звучит сегодня, и та, что создавалась в предшествующие века.
Чем больше «миров» открыл для себя человек в искусстве, тем
более яркими гранями раскрывается перед ним жизнь. Ведь в сотни
раз богаче и драгоценнее каждый её миг, если он озарён светом
любви и восхищения всех воспевших его в своих стихах и своих
песнях.
Вопросы и задания:
1.
Каким предстаёт старый замок в пьесе М. Мусоргского?
Какие средства музыкальной выразительности участвуют в
создании музыкального образа?
2.
3.
Можно ли сказать, что прошедшие столетия живут в памяти
людей?
Назовите главнейшие культурные эпохи. Реальность и фантазия в жизни человека. (6 класс)
В человеческой жизни есть как бы два плана, два течения. Один
составляют внешние события. Например, мы знаем, в каком доме
живёт человек, как он одевается, какие у него привычки и т. д.
Другой составляет сокровенные мысли, глубинные переживания,
духовные искания человека. Нередко именно в нём сосредоточено
главное содержание человеческой жизни. Ведь сказал же Экзюпери:
«Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». Конечно, просто глядя на человека, трудно узнать его склонности,
вкусы, привязанности. Однако его внутренний мир нередко
проявляет себя внешне: во взгляде, улыбке, интонациях голоса.
Мы говорим: «этот человек духовно богат», когда его слова и
поступки убеждают нас в существовании особого внутреннего
мира, окрашивающего внешние проявления искренностью и
глубиной. Точно так же мы отмечаем чьюто пустоту и духовное
оскудение, когда видим, что человек живёт исключительно
материальными, практическими интересами.
Музыкальные произведения в какойто мере похожи на людей. В
них тоже могут быть своя глубина и характер: порой сложный,
порой легкомысленный. Поэтому разные люди любят разную
музыку: одни слушают Моцарта и Брамса, другие довольствуются
нехитрыми песенками. Ведь музыка бывает разной.
Послушайте, например, музыку М. Глинки.
В «Вальсефантазии» мастерски сочетаются два начала,
выраженные в названии произведения.
С одной стороны, это вальс – плавный, кружащийся танец с
трёхдольным ритмом. Известно, что вальсы могут быть разными –
весёлыми и торжественными, грустными и трепетными. С другой стороны, в этом произведении Глинка воплощает нежное,
полётное вращение, уносящее наше воображение в прекрасный мир
фантазии.
Михаил Иванович Глинка познакомился с очаровательной
девушкой, воспитанницей Смольного института Екатериной Керн,
дочерью легендарной Анны Керн, которой посвящено
стихотворение А. Пушкина «Я помню чудное мгновенье». Глинка
серьёзно увлёкся ею.
Слушание: М. Глинка. Романс «Я помню чудное мгновенье» (по
желанию учителя).
Екатерине он посвятил романс, написанный на пушкинские стихи,
посвящённые её матери, и тогда же стал работать над
фортепианным «Вальсомфантазией»  своего рода поэмой вальса,
вдохновлённым образом Екатерины Ермолаевны, словно рисующим
её в обстановке бала.
Любовь Глинки была взаимной, однако роман скоро кончился: оба
были несвободны, к тому же Екатерина Ермолаевна скоро уехала
по совету врачей на Кавказ. В 1842 году Керн вернулась в
Петербург, но встреча её с Глинкой уже не имела для него прежнего значения. Вскоре он через общую знакомую вернул ей её
письма, а затем без сожалений уехал за границу.
Недолгий период романа с Е. Керн характеризуется подъёмом
творческой деятельности Глинки. «Вальсфантазия»  одна из
вершин этого периода, настоящая жемчужина русской
музыкальной классики.
В музыке «Вальсафантазии» отразилась вся поэзия этого чувства,
принёсшего Глинке много и радостных, и горьких переживаний.
В «Вальсефантазии» Глинка обращается к жанру танцевальной
музыки, который был наиболее популярен в то время. Однако из
небольшой пьесы прикладного назначения композитор делает
развёрнутую симфоническую поэму, вобравшую в себя богатейшую
гамму человеческих чувств. Это произведение Глинки явилось тем
зерном, из которого в будущем вырастет русская лирико
психологическая симфоническая музыка.
Первое впечатление от знакомства с «Вальсомфантазией»
чувство удивительного очарования, изысканности и нежности.
Основная тема вальса проникнута задумчивопечальным
настроением. С ней чередуются мотивы, передающие другие оттенки чувства  то элегическигрустные, то драматически
взволнованные, то пленительно изящные.
Так дивно недопеть,
Недотянуть смычка,
Иль недокрасить кистью, засыпая,
Лишь гений смог уметь,
И вальсом в облака,
Волшебные мелодии взлетают...
Н. Губин
Слушание: М. Глинка. «Вальсфантазия».
Искусство будит фантазию, навевает образы дальних стран, в
которых, может быть, человеку никогда не суждено побывать,
рассказывает о событиях и героях, с которыми ему никогда не
встретиться, оно даёт опыт, который сам он никогда бы не
приобрёл. Искусство рождает мечту, а мечта всегда богаче
реальности. Это знали поэты всех времён, наделявшие фантазию
волшебными крыльями, уносящими человека в царство невиданных
чудес.
Реальность и фантазия – эти два мира сосуществуют постоянно,
рождая не только поэтов и музыкантов, но и людей других романтических профессий – лётчиков, геологов,
путешественников.
В один ненастный день, в тоске нечеловечьей,
Не вынеся тягот, под скрежет якорей,
Мы всходим на корабль – и происходит встреча
Безмерности мечты с предельностью морей.
Эти строки из стихотворения французского поэта Ш. Бодлера
«Плаванье».
Обратите внимание: «встреча безмерности мечты с предельностью
морей» обозначает такие горизонты человеческой меты, в
сравнении с которыми даже моря – эти извечные символы
необозримого пространства – кажутся предельными, узкими и
тесными.
Что же такое фантазия?
Почему иногда её называют высшей реальностью, душой всего
существующего?
Вероятно, это происходит оттого, что без фантазии невозможно
ничего создать: от самой простой вещи до произведения искусства.
Многие поэты, художники и композиторы – люди, живущие в мире
своих фантазий, – вызывали удивление тем, что ничего не понимали в повседневной действительности. В то же время они
потрясали всех своим знанием человека, самых сокровенных
тайников его души.
«Я на 85 процентов музыкант, во мне только 15 процентов
человека»,  говорил Сергей Рахманинов, и в этих словах слышна
вся мыслимая одержимость искусством, на которую способен
большой художник.
Ведь жизнь каждого художника протекает в сложном переплетении
реальности и творческого воображения, переплетении, рождающем
совершенно новый, особенный мир его произведений. И, как ни
удивительно, эти произведения учат нас глубже понимать именно
живую жизнь.
Вопросы и задания:
1.
Вспомните, известные вам произведения различных видов
искусства, где одновременно сочетаются и реальность, и
фантазия.
2.
Почему в стихотворении Ш. Бодлера «Плаванье» поэт
сравнивает «безмерность мечты» с «предельностью морей» в
пользу мечты? 3.
4.
5.
Подумайте, о каких «тяготах», «тоске» и «ненастье» говорил
Бодлер в своём стихотворении.
Почему, повашему, М. Глинка воплотил фантазию в жанре
вальса? Может быть, для этого лучше было использовать другой
жанр (например, марш)?
Как вы считаете, относится Симфония № 3 И. Брамса к такой
музыке, которая пробуждает фантазию? Какие образы она
вызывает в вас?
Выразительные возможности гармонии (6 класс)
Содержание:
1.
Гармония как важнейший фактор музыкальной драматургии в
опере Ж. Бизе «Кармен».
2.
3.
Применение композитором метода «забегания вперёд» в
увертюре произведения; роль темы роковой страсти в дальнейшем
развитии оперы.
Ладовый контраст между темами увертюры и темой роковой
страсти.
Художественный материал: А. Блок. Поэтический цикл «Кармен». Фрагмент.
1.
Музыкальный материал:
1. Ж. Бизе. Увертюра к опере «Кармен» (слушание).
Характеристика видов деятельности:
1.
Воспринимать гармонические особенности музыкального
произведения.
2.
3.
Анализировать приёмы взаимодействия нескольких образов в
музыкальном произведении.
Сравнивать особенности музыкального языка (гармонии) в
произведениях, включающих образы разного смыслового
содержания
Мир музыки был бы неполон без «Кармен»,
Бизе достаточно было бы написать только эту оперу,
чтобы стать Бизе…
(Г. Маркези)
Я мечтал добиться большего!
(Ж. Бизе)
Каждая эпоха оставляет свои памятники  произведения, образы,
сюжеты. В них находит воплощение то, в чём с наибольшей силой проявил себя дух времени: идеалы и стремления, жанры и
выразительные средства искусства. Это, например, сюжеты и
образы произведений искусства.
Среди ярких образов искусства XIX века – цыганка Кармен,
прелестная, непредсказуемая, неудержимая героиня новеллы
французского писателя П. Мериме и оперы Ж. Бизе «Кармен».
Жорж Бизе. Биография
Талант Жоржа Бизе проявился очень рано  в детские годы.
Однако композитор умер, не дожив и до 40 лет, не исполнив всего,
что было ему предназначено. Впрочем, Бизе успел создать
«Кармен»  одну из величайших опер всех времён и народов. Бизе
не было суждено дожить до своего триумфа. Лишь после его
смерти весь мир стал восторженно рукоплескать
непревзойдённому шедевру – опере «Кармен».
Жорж Бизе родился в Париже в семье музыкантов 25 октября 1838
года. Его талант к музыке проявился рано. Уже в 10 лет мальчик
поступил в Парижскую консерваторию, где среди его педагогов
оказались оперные композиторы, как прославленный Жак Галеви и
начинающий Шарль Гуно. Бизе, однако, сначала добился успеха как блестящий пианист, обучаясь в классе Мармонтеля. Его игру
отметили Лист и Берлиоз.
В возрасте 17 лет Бизе сочинил искрящуюся Симфонию До мажор,
которая впервые была исполнена лишь в 1835 году.
Его обучение в консерватории окончилось блестяще: в 1857 году
Бизе был удостоен Римской премии за кантату «Кловис и
Клотильда». Благодаря этому он мог в течение четырёх лет
полностью посвящать себя музыке, живя на скромную стипендию в
Риме на вилле Медичи (это было обязательным условием). Он
наслаждался чудесной римской архитектурой и красотами
сельской местности, но сочинял в это время очень мало.
Итальянская идиллия внезапно прервалась, когда в 1860 году
заболела мать композитора, и Бизе вернулся в Париж. Она умерла
в 1961 году. Бизе и так отличался довольно сложным характером, а
теперь он лишился поддержки единственного понастоящему
родного ему человека.
Вскоре у Бизе родился сын от служанки, но семейный очаг он
приобрёл лишь в 1869 году, женившись на Женевьеве Галеви,
дочери своего учителя. В творчестве его преследовали неудачи. В 1863 году она написал
оперу «Искатели жемчуга», но она стала популярной лишь гораздо
позднее. В 1870е годы Бизе создал ещё несколько опер и музыку к
пьесе Альфонса Доде «Арлезианка».
Когда в 1870 году началась франкопрусская война, Жорж вступил
в Национальную гвардию. В 1871 году он с энтузиазмом вернулся к
занятиям композицией, а в 1873 – начал работать над оперой
«Кармен» по новелле Проспера Мериме.
Посмертная слава
Когда «Кармен»  взрывоопасная история страсти, ревности и
убийства   была впервые показана на сцене Опера Комик 3 марта
1875 года, публика и критика были шокированы аморальностью
сюжета. Опера прекрасно посещалась, только в первый год
состоялось 45 спектаклей, однако Бизе приходилось терпеть
критические отзывы. Его здоровье, и без того слабое, пошатнулось,
и через три месяца после премьеры он умер от сердечного
приступа. Композитор так и не узнал, какой триумф был уготован
шедевру.
Опера «Кармен». Увертюра

intro:
Музыкальный темп на протяжении звучания неоднократно меняется, следуя за изменениями поэтического сюжета. Но и само стихотворение имеет свою собственную динамику темпа, рассказывая нам о «песнях и плясках» суровой зимы.
Поёт зима - аукает,
Мохнатый лес баюкает
Стозвоном сосняка.
Кругом с тоской глубокою
Плывут в страну далёкую
Седые облака.
А по двору метелица
Ковром шелковым стелется,
Но больно холодна.
Воробышки игривые,
Как детки шаловливые,
Прижались у окна.
Озябли пташки малые,
Голодные, усталые,
И жмутся поплотней.
А вьюга с рёвом бешеным
Стучит по ставням свешенным
И злится всё сильней.
И дремлют пташки нежные
Под эти вихри снежные
У мёрзлого окна,
И снится им прекрасная,
В улыбках солнца ясная
Красавица весна.