extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  7  класса
            По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На тему    Сергей Прокофьев. Симфония № 1 «Классическая»
Музыка Сергея Прокофьева, крупнейшего композитора ХХ века разнообразна
по содержанию. Светлая лирика и мудрое эпическое повествование,
драматизм и юмор, острая шутка, яркие и психологически точные характеры
всё это разные стороны прокофьевской музыки. Композитору удалось
передать в звуковых образах радостное ощущение жизни, дух эпохи, бодрость,
мужественность, силу.
Искусство Прокофьева глубоко связано с классическими традициями. Это
ярко национальный композитор, развивавший принципы
Мусоргского, РимскогоКорсакова, Глинки, Бородина. В то же время в
музыке Прокофьева нашла выражение классическая линия, идущая от его
увлечения жизнерадостным искусством Гайдна, Моцарта, раннего Бетховена.
Д. Б. Кабалевский так сказал о музыке Прокофьева: «Восторженный певец
жизни, солнца и молодости, она дала людям растревоженного, сурового и
жестокого ХХ века ту радость и свет, которых им так часто недостаёт».
Неслучайно Прокофьева часто сравнивают с В. Маяковским в поэзии и М.
Сарьяном в живописи  так много в его музыке солнца, света, ярких красок:
«Светить всегда, светить везде, до дней последних донца, светить – и никаких
гвоздей! Вот лозунг мой и Солнца».
Вы уже знаете монументальную кантату «Александр Невский», созданную С.
Прокофьевым на основе музыки к одноименному фильму С. Эйзенштейна,
балеты «Ромео и Джульетта» и «Золушка», в которых радостная энергия
сочетается с «застенчивой» лирикой. Продолжая традиции балетов
Чайковского, Прокофьев создал современные классические образцы жанра.
Велики достижения композитора и в симфоническом творчестве, начиная от
симфонической сказки «Петя и Волк» и кончая семью симфониями.
Иногда композиторы изменяют собственному стилю, имитируя музыкальные
формы прошлого времени. Прокофьеву это отлично удалось в его ранней
Первой симфонии, известной как «Классическая». Он написал её в духе
классицизма: в музыке слышатся отголоски изящности Гайдна и
жизнерадостности Моцарта. Эта оживлённая первая часть, как и симфония в
целом, отмечена лёгкостью оркестровки и вызывает в памяти очарование более раннего музыкального стиля. К примеру, изысканная мелодия скрипок,
звучащая под ритмичный аккомпанемент фагота, напоминает музыку Гайдна.
Однако не стоит забывать, что это произведение – искусная стилизация с
множеством гармоний и мелодических оборотов, принадлежавших скорее
Прокофьеву и его времени, нежели XVIII веку.
Когда Прокофьев создавал свою «Классическую» симфонию, он писал: «Мне
казалось, что если бы Гайдн дожил до наших дней, он сохранил бы свою
манеру письма и в то же время воспринял бы коечто от нового. Такую
симфонию мне и хотелось написать». Вот и в его симфонии скромная фактура
и прозрачная оркестровка в стиле Гайдна и Моцарта сочетались с «налётом
новых гармоний». Это тоже было в стиле Гайдна. Вы ведь помните, что «отца
симфонии» в своё время обвиняли в «скандальной весёлости и нарушении
правил строгого голосоведения».
Композитор закончил симфонию летом 1917 года, в период политических
потрясений. Он удалился от невзгод на свою загородную дачу под
Петроградом (так стал называться Петербург в 1914 году), где в первый раз
сочинял без фортепиано и обнаружил, что «тематический материал,
сочинённый без рояля, часто выходит лучшего качества».
Изза событий, связанных с революцией, премьера произведения была
отложена. Она состоялась в мае 1918 года. Прокофьев дирижировал сам, а
среди зрителей на премьере присутствовал новый нарком просвещения
Анатолий Луначарский.
Музыка полна острых, «колючих» тем, стремительных пассажей, ярких
акцентов. Использование особенностей танцевальных жанров (полонеза,
менуэта, гавота, галопа), игра тембрами и регистрами (скрипки, флейты),
новизна гармоний, внезапные гармонические «дерзости»  всё это с головой
выдаёт Прокофьева, особенности его музыкального почерка.
Внезапные динамические акценты и сопоставления, лёгкая и прозрачная
оркестровка определяют характер финала этой симфонии: ослепительная
радость звучит в нем (композитор хотел, чтобы здесь отсутствовали какие
либо минорные аккорды). Не случайно на музыку Симфонии № 1 создавались
хореографические композиции.
Популярнейший Гавот, ставший 3й частью симфонии, был сочинён раньше
других частей. Тогда же были сделаны наброски 1й и 2й частей. «Автор задался целью воскресить «старые добрые времена», времена фижм, пудреных
париков и косичек»,  говорится в авторизованном пояснении к первому
исполнению симфонии. Но в музыке нет черт музейного реставраторства: она
полна детской беззаботности, жизнерадостности. Её слегка ироничный тон
подчёркивается пикантными гармоническими сопоставлениями и забавными
скачками в мелодии.
Композитор сохранил парный состав гайдновского оркестра  без тромбонов,
солирующие инструменты – весёлые трели флейты, ворчание фагота,
порхающее звучание скрипок. Воспользовался традиционным «венским»
приёмом резких смен прозрачного piano громогласными tutti.
Звуки музыки
I. Allegro
Симфония начинается громким аккордом всего оркестра, после которого
взбегают вверх пассажи флейт, кларнетов и струнных  как будто взвивается
занавес и начинается представление...
Главная тема сонатного аллегро  лёгкая, подвижная, в прозрачной
оркестровке.
Побочная носит комический характер благодаря сочетанию широких и лёгких
скачков мелодии скрипок (авторская ремарка  с элегантностью!), с
неуклюжим аккомпанементом фаготов и внезапно врывающимися валторнами.
В разработке несколько сгущается фактура, озорная побочная партия,
порученная басовым инструментам, становится более тяжеловесной (по
определению Асафьева, «элегантно шутливая тема» превращается в «грузно
шагающего великана»), на миг оборачивается грозной... но это не настоящее
всё проносится в неудержимом вихре, как карнавальное шествие. И два
заключительных такта, почти точно повторяющих начало, опускают занавес.
II. Larghetto
2я часть выдержана в ритме полонеза, но его характер скорее напоминает
изящный старинный менуэт, которому, собственно, и место во второй части
гайдновской симфонии. Мелодия украшена трелями  так и видятся кавалеры
в напудренных париках, дамы в фижмах с мушками, жеманно приседающие в
такт музыке. Средний раздел части более взволнован, музыкальное развитие приводит к яркой кульминации, но в репризе трёхчастной формы
возвращается движение чуть чопорного танца.
III. Gavotta. Non troppo allegro
Третья часть имеет название  гавот. Это танец с размашистыми движениями,
широкими мелодическими ходами, яркий и жизнерадостный. В среднем
эпизоде  традиционном мюзетте (мюзетт (фр. musette)  старинный
французский танец быстрого темпа), на фоне гудящего аккомпанемента,
имитирующего звуки волынки, звучит незатейливый плясовой мотив,
слышатся отзвуки русского наигрыша. (Много лет спустя композитор
использовал эту музыку в балете «Ромео и Джульетта».)
IV. Finale. Molto vivace
Весёлый и подвижный финал завершает симфонию. В главной партии  снова
простенькие арпеджированные и гаммообразные взлёты и падения, забавные
повторяющиеся короткие фразы скрипок. Побочная партия и здесь звучит
юмористически, с характерным стучащим, как дробь, мотивом у деревянных
духовых инструментов. А в заключительной теме возникает светлая,
характерно русская мелодия, очень близкая одной из тем оперы «Снегурочка»
РимскогоКорсакова.
Классические образы музыки XVIII в. оказываются как бы преломлёнными
сквозь призму русской песенности. Так композитор средствами гайдновской
техники спел о неприхотливых радостях жизни.
В связи с этим интересно вспомнить отзывы Маяковского о музыке
Прокофьева: «Воспринимаю сейчас только музыку Прокофьева  вот
раздались первые звуки и  ворвалась жизнь, нет формы искусства, а жизнь
стремительный поток с гор или такой ливень, что выскочишь из под него и
закричишь  ах, как хорошо! Ещё, ещё!»
Вопросы и задания:
Слушая Симфонию № 1 («Классическую») С. Прокофьева, запишите в
«Творческой тетради» свои впечатления от каждой из её частей. Как вы
думаете, герой Симфонии живёт в эпоху венских классиков, или он наш
современник?
Какие из частей Симфонии построены в сонатной форме? Как сопоставление
контрастных тем раскрывает замысел композитора? Какие особенности музыки выдают музыкальный стиль композитора?
Продирижируйте одной из частей Симфонии № 1 или придумайте
композицию, в которой передадите особенности её развития.
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/sergeyprokofevsimfoniyano1
klassicheskaya

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 7  классе по программе В. . Алеева .Т. Науменко на тему
Сергей Прокофьев. Симфония № 1 «Классическая»
Искусство Прокофьева глубоко связано с классическими традициями. Это ярко национальный композитор, развивавший принципы Мусоргского, Римского-Корсакова, Глинки, Бородина. В то же время в музыке Прокофьева нашла выражение классическая линия, идущая от его увлечения жизнерадостным искусством Гайдна, Моцарта, раннего Бетховенав материале представлены - вопросы и задания по теме


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  7  класса
            По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На тему     Йозеф Гайдн. Симфония № 103 «С тремоло литавр»
Йозеф Гайдн  великий австрийский композитор. Он оставил множество
произведений почти во всех музыкальных жанрах и формах, существовавших
в его время. Моцарт, его друг и младший современник, писал: «Никто не в
состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко
трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн».
Музыкальные образы его сочинений навеяны жизнью и бытом австрийского
крестьянства. Картины мирной счастливой жизни, танцы и хороводы, природа,
радости крестьянского труда составляют содержание его произведений.
Многие мелодии, сочинённые Гайдном, становились народными и распевались
теми, кто даже не знал имени их создателя. Оптимистическое отношение к
жизни отразилось в его музыке жизнерадостной, пронизанной сияющей
улыбкой и народным юмором.
Основное историческое и художественное значение приобрела
инструментальная музыка Гайдна симфоническая и камерная, а также
оратории «Сотворение мира» и «Времена года». С творчеством композитора
связан расцвет таких жанров, как симфония, струнный квартет, клавирная
соната.
Одной из главных исторических заслуг Гайдна является то, что именно в его
творчестве приобрела окончательный вид симфония. Над этим жанром он
работал в течение тридцати пяти лет, отбирая самое необходимое,
совершенствуя найденное. Его творчество предстаёт как сама история
формирования этого жанра.
Прежде всего, давайте разберёмся, что же это такое?
Симфонии принадлежит одно из самых почётных мест среди самых различных
жанров. Всю историю своего существования она чутко отражала своё время:
симфонии Гайдна, Моцарта, Бетховена, Берлиоза, Прокофьева, Шостаковича
 размышления об эпохе, человеке, истории мира и жизни на земле. Любая
симфония  целый мир. Мир художника, мир его времени.
Симфония  один из самых сложных жанров музыки, не связанных с другими
искусствами. Она требует от нас вдумчивости, обобщения. Германия той эпохи была центром философской мысли, отразившей социальные сдвиги в
Европе. Кроме того, в Германии и Австрии сложились богатые традиции
инструментальной музыки. Здесь и появилась симфония. Она возникла в
творчестве композиторов чехов и австрийцев и окончательно сложилась в
творчестве Гайдна.
Классическая симфония сформировалась как цикл из четырёх частей,
которые воплощали в себе разные стороны человеческой жизни.
Первая часть симфонии быстрая, активная, иногда предваряемая медленным
вступлением. Она пишется в сонатной форме в быстром темпе.
Вторая часть  медленная  обычно задумчивая, элегическая или пасторальная,
то есть посвящённая мирным картинам природы, спокойному отдохновению
или мечтам. Бывают вторые части и скорбные, сосредоточенные, глубокие.
Третья часть  менуэт, а позднее и скерцо. Это игра, веселье, живые картинки
народного быта.
Четвертая часть  финал  итог всего цикла, вывод из всего, что было
показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Часто финал
отличается патетикой жизнеутверждения, торжественным, победным или
праздничным характером.
В такой форме писались симфонии Гайдна. В творчестве Гайдна утвердилось
особое отношение к симфонии. Она была рассчитана на массовую аудиторию,
имела больший масштаб и силу звучания. Исполнял симфонии
симфонический оркестр, состав которого также утвердился в творчестве
Гайдна. Хотя в то время в состав оркестра входили ещё немногие
инструменты: скрипки, альты, виолончели и контрабасы  в струнно
смычковую группу; деревянную группу составляли флейты, гобои, фаготы (в
некоторых симфониях Гайдн использовал и кларнет).
Из медных инструментов были представлены валторны и трубы.
Из ударных инструментов Гайдн использовал в своих симфониях только
литавры. Исключение составляет соль мажорная «Лондонская симфония»
(«Военная»), в которую композитор ввёл ещё треугольник, тарелки, большой
барабан.
Ярким примером симфонического цикла в творчестве Гайдна является одна
из «Лондонских симфоний»  Симфония № 103 ми бемоль мажор. Композитор открывает её ярким приёмом – тремоло (от итал. tremolo
дрожащий) литавр, отсюда и название «Симфония с тремоло литавр». Как и
положено, в этом произведении четыре части. Причём в творчестве Гайдна
сложилась не только характерная последовательность частей, но и их
характер и строение.
Первая часть симфонии открывается медленным вступлением, оттеняющим
весёлое и стремительное allegro. Композитор начинает симфонию дробью
литавр, напоминающей раскаты грома.
Allegro очень напоминает картину народного праздника. В его основе лежат
две темы танцевального характера. Тема главной партии сначала проводится в
основной тональности у струнных инструментов.
В симфониях Бетховена мы можем обнаружить резкое различие в характере
главной и побочной партий. Для творчества Гайдна это не характерно. Вот и в
этой симфонии побочная партия близка по характеру главной. Она тоже
танцевальна, написана в ритме изящного, лёгкого вальса и очень похожа на
венскую уличную песенку.
Вы, наверное, помните, что первый раздел сонатного аллегро, в котором
происходит изложение основного материала, называется экспозицией.
Второй раздел не случайно получил название разработки. В нём развиваются
обе темы экспозиции и тема вступления. В своём симфоническом творчестве
Гайдн большое внимание уделял способам развития темы. Одним из главных
для него приёмов стала мотивная разработка тем. Он умел выделить из темы
короткие мотивы, делая их независимыми от самой темы, проводить их в
разных тональностях, в разных голосах, так что они могли соединяться в
самых неожиданных сочетаниях. Вот и в этой разработке тему главной партии
он делит надвое, причём каждая из частей развивается самостоятельно. Он в
корне меняет характер темы вступления. Если в начале симфонии она звучит
медленно и таинственно, в разработке Гайдн как бы включает её в общее
движение, ускоряя её темп. Важным способом развития является и смена
тональностей. Побочная партия здесь проводится в ре бемоль мажоре (вместо
си бемоль мажора в экспозиции). Не менее важно в разработке и тембровое,
оркестровое развитие, когда темы проводятся у различных инструментов. Третий раздел сонатного аллегро  реприза. Здесь как бы подводится итог
всему развитию, темы проходят в том же порядке в главной тональности,
различия между ними сглаживаются.
Вторая часть симфонии, Andante, вносит контраст к весёлой, быстрой первой
части. Это медленные и спокойные вариации на две темы.
Первая тема (до минор)  мелодия народной хорватской песни. Неторопливо и
спокойно она излагается струнными инструментами.
Вторая тема (до мажор) похожа на волевой, бодрый марш. Её исполняют не
только струнные, но и деревянные духовые и валторна.
После изложения тем следуют вариации  поочерёдно на каждую тему, в
которых обе мелодии сближаются. Первая тема звучит взволнованно и
напряжённо, а маршевая становится более плавной и мягкой.
Третья часть симфонии  традиционный менуэт. Но это скорее не бальный
придворный менуэт, изящный и чопорный, а менуэт народный, с характерным
чётким ритмом.
Средний раздел менуэта называется трио. Когдато давно так называли
середину оркестровых произведений, которую исполняли только три
инструмента. В XVIII веке, хотя трио играли не только три инструмента,
звучность в них несколько облегчалась. Вот и в этой симфонии Гайдна
полного звучания оркестра в трио струнные инструменты ведут мягкую,
плавную мелодию.
В четвёртой части симфонии вновь возвращается праздничное настроение.
Здесь нет контрастов и напряжённости. Написан финал в форме рондо, где
главная тема  народного происхождения. Фоном ей служит характерный ход
валторн, похожий на звуки лесного рога.
Все части Симфонии № 103, при всём различии, объединены единым
танцевальным ритмом и бодрым праздничным настроением.
Вопросы:
Расскажите, как строилась классическая симфония?
В какой форме пишется первая часть симфонии Гайдна?
Сколько симфоний написал Гайдн? Каково строение Симфонии ми бемоль мажор Гайдна?
Почему её называют «С тремоло литавр»?
Послушайте 1ю часть Симфонии. Как соотносятся между собой темы
вступления, главной и побочной партий? Какие чувства вызывает у вас
контрастное сопоставление вступления и двух тем сонатного аллегро?
В каких частях сонатной формы вы услышали отдельные интонации темы
вступления или всю тему целиком  в экспозиции, разработке, репризе, коде?
Какую роль играет контраст в драматургическом развитии 1й части?
Послушайте финал Симфонии. Каким предстаёт перед нами композитор?
Можно ли предположить, что музыку, полную такой жизненной энергии и
радости, Гайдн сочинил в 62 года?
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/yozefgaydnsimfoniyano103s
tremololitavr

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 7 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,   на тему  Йозеф Гайдн. Симфония № 103 «С тремоло литавр»
Йозеф Гайдн - великий австрийский композитор. Он оставил множество произведений почти во всех музыкальных жанрах и формах, существовавших в его время. Моцарт, его друг и младший современник, писал: «Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн».в материале представлены - вопросы и задания по теме

музыка

group: Дисциплины


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  7  класса
            По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На тему     Клод Дебюсси. Триптих «Ноктюрны»: «Облака»,
«Празднества» и «Сирены»
   Импрессионизм в музыке
В конце XIX века во Франции появилось новое направление, получившее
название «импрессионизм». Слово это в переводе с французского языка
означает «впечатление». Импрессионизм возник в среде художников.
В 70е годы на различных парижских выставках появились оригинальные
картины К. Моне, К. Писсаро, Э. Дега, О. Ренуара, А. Сислея. Их искусство
резко отличалось от приглаженных и безликих работ живописцев
академистов.
Импрессионисты вышли из своих мастерских на вольный воздух, научились
воспроизводить игру живых красок природы, сверкание солнечных лучей,
разноцветные блики на водной глади, пестроту праздничной толпы. Они
применяли особую технику пятенмазков, которые вблизи казались
беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное ощущение живой игры
красок. Свежесть мгновенного впечатления в их полотнах сочеталась с
тонкостью психологических настроений.
Позднее, в 8090е годы, идеи импрессионизма нашли выражение и во
французской музыке. Два композитора  К. Дебюсси и М. Равель  наиболее
ярко представляют импрессионизм в музыке. В их фортепианных и
оркестровых пьесахэскизах с особой новизной выражены ощущения,
вызванные созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест
леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с личными
переживаниями музыкантапоэта, влюблённого в красоту окружающего мира.
Основоположником музыкального импрессионизма считается АшильКлод
Дебюсси, который обогатил все стороны композиторского мастерства
гармонию, мелодику, оркестровку, форму. В то же время он воспринял идеи
новой французской живописи и поэзии.
Клод Дебюсси Клод Дебюсси – один из самых значительных французских композиторов,
повлиявших на развитие музыки ХХ века, как классической, так и джазовой.
Дебюсси жил и работал в Париже, когда этот город был Меккой
интеллектуального и артистического мира. Пленительная и красочная музыка
композитора в немалой степени способствовала развитию французского
искусства.
Биография
АшильКлод Дебюсси родился в 1862 году в городе СенЖерменанЛе,
немного западнее Парижа. Его отец Мануэль был мирным владельцем
магазина, но, перебравшись в большой город, окунулся в драматические
события 1870 – 1871 годов, когда вследствие Франкопрусской войны
произошло восстание против правительства. Мануэль присоединился к
мятежникам и был заключён в тюрьму. Тем временем юный Клод начал брать
уроки у мадам Моте де Флёрвиль и получил место в Парижской
консерватории.
Новое течение в музыке
Пережив столь горький опыт, Дебюсси проявил себя одним из самых
талантливых студентов Парижской консерватории. Дебюсси тоже был так
называемым «революционером», часто шокируя учителей своими новыми
идеями о гармонии и форме. По этим же причинам он был большим
поклонником творчества великого русского композитора Модеста Петровича
Мусоргского – ненавистника рутины, для которого в музыке не существовало
авторитетов, а на правила музыкальной грамматики он обращал мало
внимания и искал свой новый музыкальный стиль.
В годы обучения в Парижской консерватории Дебюсси знакомится с
Надеждой фон Мекк, известной русской миллионершей и меценаткой,
близкой подругой Петра Ильича Чайковского, по приглашению которой в
1879 году совершает своё первое заграничное путешествие по Западной
Европе. Вместе с фон Мекк они посетили Флоренцию, Венецию, Рим и Вену.
После путешествия по Европе Дебюсси предпринял свою первую поездку по
России, где выступал на «домашних концертах» фон Мекк. Здесь он впервые
узнал творчество таких великих композиторов как Чайковский, Бородин,
РимскийКорсаков, Мусоргский. Вернувшись в Париж, Дебюсси продолжил
обучение в консерватории. Вскоре он получил долгожданную Римскую премию за кантату «Блудный
сын» и проучился в столице Италии два года. Там же он повстречался с
Листом и впервые услышал оперу Вагнера. На Всемирной парижской
выставке 1889 года звуки яванского гамелана пробудили его интерес к
экзотической музыке. Эта музыка была безумно далека от западной традиции.
Восточная пентатоника, или гамма из пяти ступеней, отличающаяся от гаммы,
принятой в западной музыке,  всё это привлекало Дебюсси. Из этого
необычного источника он почерпнул многое, создавая свой поразительный и
замечательный новый музыкальный язык.
Эти и другие впечатления сформировали собственный стиль Дебюсси. Два
ключевых произведения: «Послеполуденный отдых Фавна», написанный в
1894 году, и опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), явились доказательством
его полной зрелости как композитора и открыли новое течение в музыке.
Созвездие талантов
Париж в первые годы ХХ века был пристанищем для художниковкубистов и
поэтовсимволистов, а Русский балет Дягилева притягивал целое созвездие
блестящих композиторов, художников по костюмам, декораторов, танцоров и
хореографов. Это танцовщикхореограф Вацлав Нижинский, знаменитейший
русский бас Фёдор Шаляпин, композитор Игорь Стравинский.
В этом мире нашлось место и Дебюсси. Его изумительные симфонические
эскизы «Море», его чудеснейшие тетради прелюдий и тетради «Образов» для
фортепиано, его песни и романсы – всё это говорит о необычайной
оригинальности, отличающей его творчество от других композиторов.
После бурной молодости и первого брака, в 1904 году он женился на певице
Эмме Бардак и стал отцом дочери КлодЭммы (Шушу), которую обожал.
Поворот судьбы
Бесконечно нежный и утончённый музыкальный стиль Дебюсси формировался
долгое время. Ему было уже за тридцать, когда он завершил своё первое
значительное произведение – прелюд «Послеполуденный отдых фавна»,
вдохновлённый поэмой своего друга, писателясимволиста Стефана
Малларме. Произведение впервые было исполнено в Париже в 1894 году. Во
время репетиций Дебюсси постоянно вносил изменения в партитуру, и после
первого представления ему, вероятно, оставалось много чего доработать. Приобретая известность
Несмотря на все сложности и то, что прелюд был исполнен в конце долгой и
утомительной программы, публика почувствовала, что она слышит нечто
поразительно новое в отношении формы, гармонии и инструментальной
краски, и немедленно вызвала исполнить произведение на бис. С того момента
имя композитора Дебюсси стало известно каждому.
Непристойный сатир
В 1912 году великий русский импресарио Сергей Дягилев решил показать
балет на музыку «Послеполуденного отдыха фавна», хореографом
постановщиком и исполнителем которого стал прославленный Вацлав
Нижинский. Эротическое изображение образа фавна, или сатира, вызвало
некоторый скандал в обществе. Дебюсси, по природе своей закрытый и
скромный человек, был разгневан и смущён происшедшим. Но всё это только
добавило славы произведению, поставившему его в авангард композиторов
современной музыки, а балет завоевал прочное место в мировом классическом
репертуаре.
С началом войны
Интеллектуальная жизнь Парижа пошатнулась с началом Первой мировой
войны в 1914 году. К тому времени Дебюсси был уже серьёзно болен раком.
Но он всё ещё создавал новую выдающуюся музыку, например фортепианные
этюды. Начало войны вызвало у Дебюсси подъём патриотических чувств, в
печати он подчёркнуто называл себя «французский музыкант». Он умер в
Париже в 1918 году во время обстрела города немцами, всего за несколько
месяцев до окончательной победы союзников.
Звуки музыки
Ноктюрн (nocturne), в переводе с французского – ночной.
В XVIII в. – цикл небольших пьес (род сюиты) для ансамбля духовых
инструментов или в сочетании их со струнными. Исполнялись вечером, ночью
на открытом воздухе (подобно серенаде). Таковы ноктюрны у В. Моцарта,
Михаэля Гайдна.
С ХIХ в. – музыкальная пьеса певучего, большей частью, лирического,
мечтательного характера, как бы навеянная ночной тишиной, ночными
образами. Ноктюрн пишется в медленном или умеренном темпе. Средняя часть иногда контрастирует своим более оживлённым темпом и
взволнованным характером. Жанр ноктюрна как пьесы для фортепиано создан
Филдом (первые его ноктюрны изданы в 1814 году).  Широкое развитие этот
жанр получил у Ф. Шопена. Ноктюрн пишут и для других инструментов, а
также для ансамбля, оркестра. Ноктюрн встречается и в вокальной музыке.
«Ноктюрны»
Дебюсси закончил три симфонических произведения, в совокупности
называемые «Ноктюрны», в самом начале ХХ века. Он заимствовал название у
художника Джеймса Макнейла Уистлера, чьим поклонником являлся.
Некоторые гравюры и картины художника как раз и назывались
«ноктюрнами».
В этой музыке композитор выступил как подлинный импрессионист, который
искал особые звуковые средства, приёмы развития, оркестровку для передачи
непосредственных ощущений, вызванных созерцанием природы,
эмоциональных состояний людей.
Сам композитор в пояснении к сюите «Ноктюрны» писал, что это название
имеет чисто «декоративный» смысл: «Речь идёт не о привычной форме
ноктюрна, но обо всём том, что это слово содержит, от впечатлений до
особых световых ощущений». Дебюсси однажды признал, что естественным
толчком к созданию «Ноктюрнов» послужили его собственные впечатления от
современного Парижа.
Сюита имеет три части  «Облака», «Празднества», «Сирены». Каждая из
частей сюиты имеет свою программу, написанную композитором.
«Облака»
Триптих «Ноктюрны» открывается оркестровой пьесой «Облака». На мысль
назвать так своё сочинение композитора навели не только реальные тучи,
которые он наблюдал, стоя на одном из парижских мостов, но и альбом
Тёрнера, состоящий из семидесяти девяти этюдов облаков. В них художник
передал самые разнообразные оттенки облачного неба. Наброски звучали как
музыка, переливаясь самыми неожиданными, едва уловимыми сочетаниями
красок. Всё это ожило в музыке Клода Дебюсси. «Облака»,  пояснял композитор,  это картина неподвижного неба с медленно
и меланхолически проходящими облаками, уплывающими в серой агонии,
нежно оттенённой белым светом».
Слушая «Облака» Дебюсси, мы как бы сами оказываемся вознесёнными над
рекой и рассматриваем однообразноунылое пасмурное небо. Но в этом
однообразии – масса красок, оттенков, переливов, мгновенных изменений.
Дебюсси хотел отразить в музыке «медленный и торжественный марш облаков
по небу». Извилистая тема у деревянных духовых рисует нам прекрасную, но
меланхоличную картину, изображающую небо. Альт, флейта, арфа и
английский рожок – более глубокий и тёмный по тембру родственник гобоя –
все инструменты добавляют свою тембральную окраску к общей картине.
Музыка по динамике лишь едва превышает пиано и, в конце концов,
полностью растворяется, словно облака исчезают на небосклоне.
«Празднества»
Спокойные звучания первой части сменяются пиршеством красок следующей
пьесы «Празднества».
Пьеса строится композитором как сцена, в которой сопоставляются два
музыкальных жанра  танец и марш. В предисловии к ней композитор пишет:
«Празднества»  это движение, пляшущий ритм атмосферы с взрывами
внезапного света, это также эпизод шествия ... проходящего сквозь праздник и
сливающегося с ним, но фон остаётся все время  это праздник ... это
смешение музыки со светящейся пылью, составляющее часть общего ритма».
Связь живописи и музыки была очевидной.
Яркая картинность литературной программы находит своё отражение в
живописности музыки «Празднеств». Слушатели погружаются в мир, полный
звуковых контрастов, затейливых гармоний, игры инструментальных тембров
оркестра. Мастерство композитора проявляется в его удивительном даре
симфонического развития.
Празднества» наполнены ослепительными оркестровыми красками. Яркое
ритмическое вступление струнных рисует нам оживлённую картину
праздника. В средней части будто слышится приближение парада,
сопровождаемое медными и деревянными духовыми, затем звучание уже
всего оркестра постепенно нарастает и выливается в кульминацию. Но вот это мгновение исчезает, волнение проходит, и мы слышим только лёгкий шёпот
последних звуков мелодии.
В «Празднествах» он изобразил картины народных увеселений в Булонском
лесу.
«Сирены»
Третья пьеса триптиха «Ноктюрны»  «Сирены», для оркестра с женским
хором.
«Это море и его бесчисленные ритмы,  раскрывал программу сам
композитор,  затем посреди волн, посеребрённых луной, возникает,
рассыпается смехом и затихает таинственное пение Сирен».
Немало поэтических строк посвящено этим мифическим существам – птицам
с головами прекрасных девушек. Ещё Гомер описал их в своей бессмертной
«Одиссее».
Чарующими голосами сирены заманивали к острову путешественников, и
корабли их гибли на прибрежных рифах, и вот мы можем услышать их пение.
Поёт женский хор – поёт с закрытыми ртами. Слов нет – одни звуки, будто
рождённые игрой волн, парящие в воздухе, исчезающие, едва возникнув, и
снова возрождающиеся. Даже не мелодии, а лишь намёк на них, как мазки на
полотнах художниковимпрессионистов. И в результате эти звуковые блёстки
сливаются в красочную гармонию, где нет ничего лишнего, случай
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/kloddebyussitriptihnoktyurny
oblakaprazdnestvaisireny

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 7 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему  Клод Дебюсси. Триптих «Ноктюрны»: «Облака»,              «Празднества» и «Сирены»
В конце XIX века во Франции появилось новое направление, получившее название «импрессионизм». Слово это в переводе с французского языка означает «впечатление». Импрессионизм возник в среде художниковв материале представлены - вопросы и задания по теме


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  6  класса
            По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На тему      Инструментальный концерт
Само это слово вам, конечно, знакомо, особенно в первом его значении.
«Концерт,  говорится в музыкальном словаре,  публичное исполнение
произведений по заранее составленной программе».
Но дело в том, что у этого слова есть и другое значение: так называется
сочинение для какоголибо музыкального инструмента (или голоса) в
сопровождении оркестра. А вот почему оно так называется? И почему
участники конкурса должны были играть именно концерт?
Слово это можно перевести как «состязание»», таким образом, «Концерт для
фортепиано с оркестром»  это состязание пианиста с симфоническим
оркестром.
Когда вам интересно смотреть спортивное состязание? Когда «противники»
равны по силе, по мастерству, верно? Потому что если состязаются слабая и
сильная команды или мастер спорта с новичкомлюбителем, то заранее уже
ясно, кто победит. А это совсем не интересно.
В концерте состязаются какойнибудь музыкальный инструмент и... целый
симфонический оркестр. Вот тактак! Да разве какойнибудь крохотке
флейте или хрупкой, изящной скрипке под силу победить или хотя бы, говоря
спортивным языком, «сделать ничью» с этакой громадой? Что же это за
состязание?
Великолепное, друзья мои, замечательное состязание! Так как силе, мощи и
блеску симфонического оркестра противопоставляются талант исполнителя
солиста, его мастерство, достигнутое годами и годами напряжённой работы.
Скажу вам по секрету, что выигрывает почти, всегда тот, кто на первый
взгляд кажется слабейшим. Солист подчиняет себе оркестр. Конечно, только
в том случае, если он настоящий музыкант, талантливый исполнитель, потому
что для него это очень серьёзное испытание. И когда нет мастерства и
таланта, побеждает оркестр. Но какая это грустная победа. Победа есть, а
музыки нет.
Музыка концерта. Каких только трудностей в ней не найдёшь! Сложные до
головоломности пассажи, сильные аккорды, стремительно катящиеся гаммы... Это всё так называемые технические трудности, испытание беглости пальцев,
силы удара,  словом, умения музыкантаисполнителя. И композитор,
создавая концерт, всегда думает о том, чтобы музыкант мог в этом
произведении показать все своё мастерство.
Однако если бы композитор думал только об этом, если бы концерт состоял
только из одних задач и хитроумных головоломок, его нельзя было бы назвать
настоящим произведением искусства. В таком произведении не было бы
самого главного  мысли, содержания.
Вот что пишет о концерте Чайковский: «Тут есть две равноправные силы, то
есть могучий, неисчерпаемо богатый красками оркестр, с которым борется и
которого побеждает (при условии талантливости исполнителя) маленький,
невзрачный, но сильный духом соперник. В этой борьбе много поэзии и бездна
соблазнительных для композитора комбинаций».
Если бы страницы книги могли зазвучать после этих слов, мы сразу же
услышали бы яркие, полнозвучные аккорды оркестра – начало Первого
фортепианного концерта Чайковского. С первыми звуками этой музыки
словно сама радость врывается в зал. Каким маленьким и слабым кажется
сидящий за роялем пианист. Мощное звучание оркестра словно отгородило
его от зала плотной стеной.
И в эту ликующую массу звуков могучим колоколом влился новый голос.
«Слушайте!  словно говорят нам размеренные, торжественные аккорды.
Слушайте! Вы не можете не слышать меня». И мы слышим, прекрасно слышим
звучный, сильный голос рояля. Широкой мелодией разлились скрипки и,
смиряя своё безудержное ликование, постепенно затих оркестр.
Теперь звучит один рояль... Сменяют друг друга виртуозные аккорды и
пассажи, одевают мелодию в сверкающий, богатый наряд. Но и оркестр ещё не
смирился. Он не уступит так просто, не сдастся без борьбы. Вспыхивает
страстный спор. Главная тема слышна то в оркестре, то в партии рояля... Да,
конечно, это, прежде всего замечательная музыка. Настоящая музыка, а не
просто головоломные, виртуозные трюки.
Обычно музыка концерта  светлая, радостная и нарядная. Должна вам
сказать, что слово «концерт» переводится не только как «состязание», но и
как «согласие». А это значит, что состязание всегда дружеское. Но, конечно, слушая концерт, вы порой и погрустите, и помечтаете, и
задумаетесь над чемто. Иногда музыка может быть и очень мрачной, даже
трагической. Например, в скрипичном концерте Шостаковича или в Третьем
фортепианном концерте Рахманинова, о котором мы ещё будем говорить.
Однако это бывает гораздо реже.
Тонкий и выразительный музыкальный колорит концерта для скрипки
Феликса Мендельсона сочетается здесь со строгостью формы. Композитор
достиг здесь той высокой драматичности, которая позволяет говорить о его
связи с бетховенскими симфоническими традициями. Вместе с тем концерт
насыщен духом романтизма  от первой до последней ноты. В нем
сосредоточились характернейшие черты творчества Мендельсона
лиричность, песенность, изящество, чувство красоты и гармоничности
окружающего мира.
Концерт  большое, многочастное произведение (хотя бывают и одночастные
концерты). Как правило, в нем три части. Первая – самая действенная,
«главный участок борьбы». Вторая  медленная, лирическая. Часто её образы
связаны с природой. Третья часть  финал. Музыка финала чаще всего
особенно жизнерадостная, стремительная и блестящая.
Что напоминает такое строение? Ну конечно, симфонию! Маленькую
симфонию. Только с новым действующим лицом  солистом.
В отличие от симфонии, в концерте есть так называемая каденция  большой
эпизод, который солист исполняет без оркестра. Интересно, что в давние
времена, когда форма концерта только начала зарождаться, каденцию сочинял
не композитор, а сам исполнитель. Композитор же только указывал место, где
она должна быть (обычно в первой части). Тогда каденция была как бы
вставным номером, в котором солист показывал всё своё мастерство,
демонстрировал возможности музыкального инструмента. Нетрудно
догадаться, что музыкальные достоинства такой каденции были по большей
части не особенно велики и в содержании произведения большой роли не
играли.
Первым написал каденцию для пианиста Бетховен в своём Четвёртом
фортепианном концерте. С тех пор это стало правилом. Каденции перестали
быть «чужими» в общей музыке концерта, хотя по сей день сохраняют
виртуозность и блеск и попрежнему дают возможность исполнителю показать настоящее мастерство, продемонстрировать все возможности музыкального
инструмента, будь то рояль или флейта, скрипка или тромбон.
Мы говорим, что концерт  это состязание, но прежде всего это, конечно,
серьёзнейшее испытание для солиста, серьёзный экзамен на звание настоящего
музыкантаисполнителя.
Теперь вы, наверное, понимаете, почему исполнение концерта всегда входит в
программу конкурсов.
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/instrumentalnyykoncert

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в  6 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему      Инструментальный концерт
познакомить учащихся с зарождением и развитием жанра инструментального концерта на примере концерта на примере творчества русских композиторов ,  закрепить представления о различных видах концерта, расширить представления о программной музыке,  продолжить знакомить с лучшими образцами музыки эпохи барокко.Активизация творческой и познавательной деятельности воспитанников достигается, посредством использования современных педагогических технологий, через интеграцию различных видов искусства и информационных технологий.

title: Инструментальный концерт


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  7   класса
            По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На тему   Хачатурян. Концерт для скрипки с оркестром
При первых звуках поэтичного вальса к драме М. Ю. Лермонтова «Маскарад»
или «Танца с саблями» из балета «Гаянэ» слушатель сразу догадывается, что
это музыка Хачатуряна, в которой чувствуется сочный колорит восточных
мелодий, стремительный танцевальный ритм и особая красочность звучания
оркестра.
Биография
Музыкальный путь композитора начался необычно. В детстве Хачатурян не
учился музыке, только слушал народные песни и пел сам. Его отец, известный
в Тбилиси мастер переплётного дела, был самодеятельным музыкантом. Он
пел под аккомпанемент народных инструментов  саза, кеманчи или тара.
Настоящие занятия музыкой начались, когда Араму исполнилось 19 лет. Он
приехал в Москву и поступил в техникум при Институте имени Гнесиных по
классу виолончели. Талант юноши сразу же привлёк внимание выдающихся
педагогов. В классе композитора Гнесина Хачатурян изучал музыкальных
классиков и впервые попробовал сочинять музыку. Он блестяще оканчивает
музыкальный техникум и поступает в Московскую консерваторию в класс к
известному композитору Н. Мясковскому. В консерватории Хачатурян пишет
свою первую симфонию, а также камерные и инструментальные произведения.
Любопытно, что созданные им в то время марши были включены в
обязательный репертуар военных оркестров.
В 1934 году Хачатурян закончил Московскую консерваторию, и его имя, как
лучшего выпускника, было высечено на «золотой доске».
Первая симфония сразу была признана выдающимся произведением. В ней
уже тогда проявилась такая черта творчества Хачатуряна, как
импровизационность. Импровизировать  это значит сочинять внезапно, без
предварительной подготовки. Здесь же это означало лёгкость и вместе с тем
чёткость мелодии. Недаром композитор использовал много фольклорного
материала  танцевальные мелодии Грузии и Армении.
Вслед за Первой симфонией появляется Концерт для фортепиано с
оркестром. В нём также соединяются яркие национальные ритмы с чёткостью, свойственной классическим концертам Чайковского. Композитор пробует
свои силы в самых разных жанрах  пишет балет «Счастье», поставленный
впервые Ереванским театром балета, а также музыку к кинофильмам и ко
многим драматическим пьесам.
По заказу театра им. Вахтангова Хачатурян создаёт знаменитый «Вальс» к
драме М. Лермонтова «Маскарад», а для спектакля МХАТа «Кремлёвские
куранты» пишет песню «Море Балтийское».
Наиболее крупным произведением стал Концерт для скрипки с оркестром,
посвящённый Давиду Ойстраху, с которым композитора связывала не только
дружба, но и длительное творческое сотрудничество.
В годы войны Хачатурян пишет свой второй балет – «Гаянэ», в котором
рассказывает о борьбе советских людей с врагами.
С 1950 года он преподавал в Московской консерватории и впервые начал
выступать как дирижёр. Любопытно, что исполнял он только произведения
собственного сочинения, считая, что композитор не может воплотить музыку,
сочинённую другим.
Центральное произведение послевоенного времени  балет «Спартак»,
ставший своеобразной визитной карточкой Большого театра. Появлению
этого балета на сцене Большого театра предшествовала долгая история.
Премьера «Спартака» состоялась в 1956 году в Ленинграде. Несмотря на то,
что балет был восторженно принят публикой и критикой, композитор счёл
необходимым доработать его музыку, и на сцене Большого театра была
поставлена практически новая версия балета.
В нём музыкальными средствами рассказана история восстания
древнеримских рабов и воссоздана история любви Спартака и Фригии.
Новизна балета в том, что Хачатурян строит его драматургию на соединении
динамичных массовых сцен и своеобразных танцевальных монологов героев.
Это отражено и в характере музыки.
В последние годы жизни композитор работал над монументальным
сочинением совершенно нового типа. Это был концертрондо, каждая из
частей которого должна была исполняться оркестром с одним из солистов  на
скрипке, виолончели и на фортепиано. Однако Хачатурян так и не успел
закончить работу над этим новаторским сочинением. Значение его творчества заключается в создании им практически новой
музыки, музыки ХХ века, отличающейся особым динамизмом,
драматичностью конфликта, мелодической выразительностью, специальной
тональностью сольных партий.
Вот почему произведения Хачатуряна входят в программу произведений,
обязательных для исполнения участниками Московского международного
конкурса имени П. Чайковского.
Концерт для скрипки с оркестром
Концерт для скрипки с оркестром написан Хачатуряном в пору творческой
молодости. Его музыка передаёт характерное для композитора страстное
упоение земной красотой, поющей, животворящей, лучезарной.
Это произведение принадлежит к числу популярнейших творений советской
музыки. Эта популярность во многом связана с достоинствами сочинения. С
особой силой здесь проявился дар композитора создавать музыку,
опирающуюся на народное творчество. В концерте не использованы
подлинные народные мелодии, но весь он является выражением армянской
народной песенности.
Композитор, следуя традициям, варьирует мелодии, оплетая их кружевом,
орнаментом, «играет» ритмами, оркестровыми красками, перекличками
оркестра с солирующей скрипкой. Праздничный, приподнятовосторженный
тон Концерта вызывает ассоциации с цветущей природой Армении, рождает в
сердцах слушателей ответный восторг: «Да будет свет! И да будет
радость!» (Б. Асафьев.)
Произведение это очень сложно для исполнения и требует от скрипача
огромного мастерства. Но это не просто виртуозность ради виртуозности. Она
является средством выражения содержания музыки, её жизнерадостности,
праздничности. Концерт посвящён известному скрипачу Давиду Ойстраху,
который и был первым исполнителем этого сочинения.
В концерте три части, которые рисуют три разные картины из жизни народа,
поэтические зарисовки природы Армении. В центре их  лирическая «песня»,
которую обрамляют две танцевальные части.
Первая часть открывается энергичным и напористым оркестровым
вступлением, которое сразу же вводит нас в сферу активного действия. Чёткий, упругий ритм и танцевальный характер отличают главную партию
сонатного аллегро. Эта тема, исполняемая солирующей скрипкой, близка
народной музыке Закавказья.
Побочная партия своей импровизационностью напоминает пение народных
певцовашугов.
В разработке, состоящей из трёх разделов, подвергаются развитию все три
темы. Результатом этого развития становится сближение этих тем, когда
плавная мелодия побочной партии наполняется энергичными ритмами, а
танцевальная главная партия становится более лиричной. Как и положено,
разработка завершается блестящей виртуозной каденцией скрипки. (В
концерте есть так называемая каденция  большой эпизод, который солист
исполняет без оркестра).
В репризе все темы первой части Allegro con fermezzo варьируются,
обрастают подголосками, движение становится все более динамичным. Такая
реприза называется динамической. Завершает первую часть кода,
утверждающая волевой мужественный образ первой части.
Вторая часть Andante sostenuto  самый лиричный образ концерта. Это
своеобразная «песня без слов», которая «поётся» на фоне прекрасного
кавказского пейзажа. Вы никогда не были на Кавказе? Представьте
величественные горы, освещённые лучами солнца, какаято первозданность
горного пейзажа. Потому и музыка, его рисующая, звучит как гимн солнцу,
красоте, природе.
Финал, 3 часть Allegro vivace  грандиозная картина народного праздника. Всё
в нём полно движения, огня, энергии. Это как бы общий танец, из которого
время от времени выделяются солисты. Движение танца постепенно
становится всё более стремительным, как будто в танцевальный круг
вливается всё больше людей. Оркестр подражает народным инструментам.
Большое значение в драматургии концерта играет кода финала. В ней в
стремительном вихревом движении проносятся темы первой части, что
объединяет произведение в единое целое.
Для творчества Хачатуряна характерны оптимизм, жизнеутверждение. Вот и
здесь драматические и лирические образы первой части превращаются в
образы народного праздника, веселья, буйной пляски. Вопросы и задания:
Послушайте Концерт для скрипки с оркестром А. Хачатуряна и запишите
свои впечатления от каждой из его частей в «Творческую тетрадь».
Какие принципы развития  контраст, повтор, вариационность  использует
композитор в каждой части Концерта? В каком соотношении находятся в
Концерте солирующая скрипка и оркестр?
Если представить себе героя этой непрограммной музыки, то какими чертами
его наделил композитор?
Какие черты музыки Концерта Хачатуряна созвучны вашим мыслям и
чувствам, восприятию современных слушателей?

Источник   http://musicfantasy.ru/materials/hachaturyankoncertdlyaskripkis
orkestro

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в  7 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему  тему   Хачатурян. Концерт для скрипки с оркестром
Концерт для скрипки с оркестром написан Хачатуряном в пору творческой молодости. Его музыка передаёт характерное для композитора страстное упоение земной красотой, поющей, животворящей, лучезарной.в материале представлены - вопросы и задания по теме


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  7   класса
            По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На тему    Шуберт. Симфония №8 си минор, «Неоконченная»
Музыку Бетховена, в которой слышались ещё отголоски Великой
французской революции, вытесняли произведения развлекательных жанров.
Внешним фоном жизни Франца Шуберта, который был современником
Бетховена, была весёлая, «танцующая» Вена. Интерес к судьбам
человечества, гармония разума и действительности отодвигались на задний
план. Творческие планы Шуберта, потребность в духовном общении находили
сочувствие и поддержку лишь в небольшом кругу друзей, людей, преданных
искусству. В музыке Шуберта впервые раскрылись черты характера,
эмоционального строя человека нового тогда XIX в. Своё отношение к жизни,
окружающему миру художник выражает через лирику чувств и переживаний
реального, обычного человека. А для этого нужны иные формы и иные
средства выражения, передающие непосредственность высказывания.
Живое чувство ритма музыки, непрерывно длящуюся мелодию можно
сравнить с речью человека, ощущением его дыхания. Мы всегда слышим,
спокоен он или взволнован, радуется или печалится, как меняется его
состояние. Вслушиваясь в музыкальную интонацию, всегда можно понять
смысл музыки, почувствовать её выразительность, силу воздействия.
Франц Шуберт  непревзойдённый автор сонат, симфоний, струнных
квартетов и более шестисот песен. Шуберт был одним из основоположников
немецкой романтической музыки. Жизнь Шуберта была короткой и полной
разочарований. Но он оставил после себя музыкальное наследие,
беспрецедентное по выразительности и богатству мелодий.
Биография
Франц Петер Шуберт родился в предместье Вены, местечке Лихтенталь.
Семья была многодетной – четырнадцать детей, из которых выжили только
пятеро. Его отец Франц Теодор Шуберт, был школьным учителем, и в юности
будущий композитор пробовал свои силы в педагогике. Но вскоре стало ясно,
в чём его истинное призвание. Шуберт пел в хоре Венской императорской
капеллы, где его педагогом был капельмейстер Антонио Сальери, в прошлом
соперник Моцарта. Годы юности были полны обещаний и надежд. Коренастый и некрасивый,
Шуберт всё же не испытывал недостатка в друзьях и почитателях – людях,
которые распахивали двери своих домов, оказывали протекцию в
музыкальных кругах и исполняли его музыку.
Затем начались знаменитые «Шубертиады» в венских салонах или при
поездках за город, на которых впервые прозвучали многие сочинения
композитора. Это помогало его имени приобретать известность в венском
обществе, в том числе и в артистических кругах. Однако во всём остальном
Шуберта преследовали неудачи. Он упорно работал над несколькими операми
и другими сценическими произведениями, в частности над музыкой к
«Розамунде», но мало какие получили широкое признание. Его здоровье
быстро ухудшалось. В состоянии глубочайшего отчаяния он писал о себе как
о «проклятом, несчастнейшем в мире создании».
Повороты судьбы
Через общих знакомых в венском обществе Шуберт был представлен
баритону Иоганну Михаэлю Фоглю. Благодаря прекрасному голосу и
импозантной внешности тот уже был звездой Венской Оперы, и на него не
сразу произвёл впечатление неопытный и неуклюжий молодой композитор.
«Вы разбрасываетесь мыслями»,  ворчал он на Шуберта. Но вскоре распознал
гений юноши и стал его самым пылким сторонником.
Фогль способствовал постановке нескольких опер Шуберта и в некоторых из
них пел. Ещё большее значение имела его поддержка Шуберта как
первопроходца и первого мастера немецкой художественной песни.
Фогль пел многие песни композитора из «Шубертиад», а также брал друга на
гастроли.
Гастрольная поездка 1819 годы была для композитора особенно счастливой.
Они с Фоглем поселились в сельской местности вместе со своим другом
Альбертом Штадлером. В это время Шуберт сочинил прелестный
фортепианный квинтет, в который включил мелодию своей песни «Форель»,
вероятно, часто и с удовольствием исполнявшуюся Фоглем. После смерти
композитора Фогль ещё много лет продолжал исполнять его песни.
Известность в узких кругах Вена славилась традициями домашнего музицирования, распространёнными
среди людей всех сословий. Однако, несмотря на успех его музыки среди
любителей и на продолжение «Шубертиад», в остальном удача всё реже ему
улыбалась. Несколько опер подряд – «Альфонсо и Эстрелла», «Заговорщики,
или домашняя война», «Феррабрас»  не были поставлены (в первую очередь, в
их прискорбной судьбе повинны либреттисты). Успешное исполнение музыки
к «Розамунде» несколько вознаградило композитора. Произведения
печатались, но чаще – небольшие, не приносившие существенных гонораров.
Лето 1824 года он провёл в качестве учителя в семействе Эстерхазе, в 1825
году вместе с Фоглем вновь отправился в Верхнюю Австрию.
1826 год принёс ещё одно разочарование: не было удовлетворено ходатайство
Шуберта о предоставлении ему места капельмейстера Придворной капеллы,
где он когдато пел ребёнком и, выступив в последний раз, оставил запись в
альтовой партии мессы Петера Винтера: «Шуберт, Франц, прокукарекал в
последний раз 26 июля 1812 года».
Безвременная смерть
Концертные поездки вскоре тоже стали для него невозможны изза ухудшения
здоровья. Образ жизни композитора, от природы очень общительного,
поневоле становился всё более и более замкнутым, часто он был вынужден
проводить время взаперти.
Шуберт испытывал благоговение перед Бетховеном, который также жил и
работал в Вене. Он был на премьере Девятой симфонии великого
композитора. Казалось, что Шуберт предчувствовал собственную кончину и
лихорадочно работал, чтобы завершить свои последние и лучшие сочинения –
вокальный цикл «Зимний путь», Девятую симфонию и Струнный квинтет До
мажор.
Окрыляющей была дошедшая до Шуберта весть об одобрении его таланта
самим Бетховеном. По словам Шиндлера, друга Бетховена, познакомившего
его с шубертовскими песнями, Бетховен долго не расставался с ними и
многократно восклицал: «Воистину, в Шуберте живёт божественная искра».
Сковывающая Шуберта робость, изза которой он лишь издали осмеливался
взирать на своё божество, полная глухота Бетховена, его замкнутость
помешали их сближению. 1828, последний, год жизни композитора принёс ему, наконец, признание
венской публики. Организованный в Вене авторский концерт вызвал
долгожданный крупный успех. Но частичные удачи последнего времени уже
не могли восстановить подорванный внутренней напряжённостью и
длительными лишениями организм. С осени 1828 года здоровье Шуберта
ухудшилось.
Франц Шуберт умер 19 ноября 1828 года и был похоронен рядом с
Бетховеном. Друг композитора, драматург Франц Грильпарцер написал на его
могиле: «Музыка похоронила здесь богатое сокровище и ещё более
прекрасные надежды».
Шуберт. Симфония № 8 си минор, «Неоконченная»
Благодаря Шуберту появился новый тип лирикодраматической симфонии.
Одним из первых шедевров мировой музыкальной культуры стала его
симфония №8. «Я пел песни и пел их много лет. Когда я пел о любви, она
приносила мне страдания, когда я пел о страдании, оно превращалось в
любовь. Так любовь и страдания раздирали мне душу»,  писал Ф. Шуберт.
Эта идея и определила содержание симфонии №8. Она явилась обобщением
образов вокальных сочинений композитора, разросшимся до значения
жизненно важных проблем: человек и судьба, любовь и смерть, идеал и
действительность.
В 1865 году один из венских капельмейстеров составлял программу концерта
старой венской музыки. Для этого он перебирал кипы старинных рукописей. В
одном неразобранном архиве он обнаружил неизвестную ранее партитуру
Шуберта. Это была симинорная симфония. Она была исполнена впервые в
декабре 1865 года  через 43 года после создания.
В то время, когда Шуберт писал эту симфонию, он уже был известен как
автор прекрасных песен и фортепианных пьес. Но ни одна из написанных им
симфоний не была публично исполнена. Новая симинорная симфония
создавалась сначала в виде переложения для двух фортепиано, а затем уже  в
партитуре. В фортепианном варианте сохранились наброски трёх частей, но в
партитуре композитор записал только две. Поэтому впоследствии она
получила название «Неоконченной». До сих пор во всём мире ведутся споры, является ли она незавершённой, или
Шуберт полностью воплотил свой замысел в двух частях вместо принятых в
то время четырёх.
Существует мнение, что композитор собирался писать обычную
четырёхчастную симфонию. Его идеалом, к которому он стремился
приблизиться, был Бетховен. Это доказала Большая До мажорная симфония
Шуберта. А написав эти две части, он мог просто испугаться  так они не
были похожи на всё написанное в этом жанре до него. Вероятно, композитор
не понял, что созданное им  шедевр, открывающий новые пути в развитии
симфонии, счёл симфонию неудачей и оставил работу.
Однако две части этой симфонии оставляют впечатление удивительной
цельности, исчерпанности. Неоконченная симфония  новое слово в этом
жанре, открывшее дорогу романтизму. С ней в симфоническую музыку вошла
новая тема  внутренний мир человека, который остро ощущает свой разлад с
окружающей действительностью.
Симфония почти через сорок лет после смерти композитора завоевала
огромную популярность. Шуберту удалось невозможное: невероятно
гармонично поведать о тоске и одиночестве, превратить своё отчаяние в
прекрасные мелодии. «Неоконченную» симфонию много раз пытались
окончить, но в концертной практике эти версии не прижились.
Первая часть симфонии написана в форме сонатного allegro.
Симфония начинается с сумрачного вступления  своего рода эпиграфа. Это
небольшая, лаконично изложенная тема  обобщение целого комплекса
романтических образов: томления, «вечного» вопроса, тайной тревоги,
лирических раздумий. Она рождается откудато из глубины в унисоне
виолончелей и контрабасов.
Она застывает, словно неразрешённый вопрос. А дальше  трепетный шелест
скрипок и на его фоне  распев главной темы. Эту выразительную, словно
молящую о чемто мелодию исполняют гобой и кларнет. По музыкально
поэтическому образу и настроению тема главной партии близка к
произведениям типа ноктюрна или элегии.
Постепенно лента мелодии разворачивается, становится все более
напряжённой. На смену ей приходит мягкая вальсовая тема побочной партии.
Она похожа на островок безмятежного покоя, светлую идиллию. Но эту идиллию прерывает оркестровое tutti. (Слово tutti поитальянски означает
«все». Так называют фрагмент музыкального произведения, исполняемый
всем оркестром). Драма вступает в свои права. Тема побочной партии как
будто пытается пробиться на поверхность сквозь сокрушительные аккорды. И
когда эта тема, наконец, возвращается, как сильно она изменена  надломлена,
окрашена скорбью. В конце экспозиции все застывает.
Разработка построена на теме вступления. Музыкальное развитие достигает
колоссальной кульминации. И вдруг  полное опустошение, остаётся звучать
лишь одинокая тоскливая нота. Начинается реприза. Ещё один круг
драматического развития приходится на коду. В ней  то же напряжение,
пафос отчаяния. Но сил для борьбы больше нет. Последние такты звучат как
трагический эпилог.
Вторая часть  мир других образов. Это поиски новых, светлых сторон жизни,
примирённость с ней. Как будто герой, переживший душевную трагедию, ищет
успокоения. Изумительной красотой отличаются обе темы этой части: и
широкая песенная главная, и побочная, проникнутая тонкими
психологическими оттенками.
Очень эффектно завершает композитор симфонию: постепенно затухает,
растворяется начальная тема. Возвращается тишина...
«Музыка Шуберта,  писал Б. Асафьев,  может сказать гораздо больше, чем
любые мемуары и записки, потому что она сама звучит, как неистощимо
содержательный, эмоционально объективный дневник».
Вопросы:
В каком году симфония была написана? Когда состоялось её первое
исполнение?
Почему симфонию называют «Неоконченной»?
Сколько всего симфоний написал Шуберт?
Чем отличается тематизм симфонии?
Как характер произведения влияет на оркестровку?
Расскажите о строении частей симфонии. Источник   http://musicfantasy.ru/materials/shubertsimfoniyano8
neokonchennaya

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 7 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему  Шуберт. Симфония №8 си минор, «Неоконченная»
Франц Шуберт - непревзойдённый автор сонат, симфоний, струнных квартетов и более шестисот песен. Шуберт был одним из основоположников немецкой романтической музыки. Жизнь Шуберта была короткой и полной разочарований. Но он оставил после себя музыкальное наследие, беспрецедентное по выразительности и богатству мелодий.в материале представлены - вопросы и задания по теме


extracted_text:
Задания второй части ЕГЭ по истории России XVIIIв.
1. В XVIII веке в России правили два великих императора  Петр I и Екатерина II.
   Объясните, чем отличалось царствование Екатерины Великой (приведите три объяснения).
2.
На протяжении всего времени своего правления Пётр I проводил активную внутреннюю и
внешнюю  политику,   создавая   современное   государство.   Немало   усилий   он   приложил   к  тому,
чтобы сохранить созданное, желая обеспечить преемственность и стабильность дальнейшего раз
вития политической системы и страны в целом.
       Чем можно объяснить, что после его смерти начинается противоречивая «эпоха дворцовых пе
реворотов», в рамках которой России пришлось пережить период политической нестабильности и
унизительное для национального достоинства время «бироновщины»? Приведите не менее трёх
объяснений.
3.
В XVIII в. в России быстро развивалась промышленность. Но на многих предприятиях ис
пользовался не вольнонаёмный, а подневольный труд; владельцы мануфактур из купцов или кре
стьян предпочитали не нанимать, а покупать крестьян по указу 1721 г.
Укажите три причины, которые заставляли их так поступать, несмотря на то, что производитель
ность подневольного труда была в 2,53 раза ниже, чем вольнонаёмного, а покупать приходилось
целые деревни, не все жители которых были способны работать на предприятии.
В 1762 г., свергнув Петра III, на престол вступила Екатерина II. Но политика свергнуто
4.
гоимужа была во многом продолжена новой императрицей.
  Проиллюстрируйте это положение тремя примерами.
5.
Этот император царствовал около полугода. Он вывел Россию из войны, в которой было
одержано несколько побед. Не успев короноваться, император был свергнут своей супругой и вско
ре убит. Обряд коронования над его прахом был произведён более чем через 30 лет при перезахоро
нении.
     Назовите императора, о котором идёт речь. Укажите название войны, из которой Россия вышла
при этом императоре.
     Укажите причину, по которой был совершён небывалый обряд коронования праха императора.
Электив. История 10 – 11 класс. Гудзишевская Н.В. МБОУ СШ № 1 г.Вилючинск Задания второй части ЕГЭ по истории России XVIIIв.
Ответы:
политика просвещенного абсолютизма, проводимая Екатериной II, способствовала укрепле
в стране оживилась общественная жизнь;
усилилось крепостничество, но впервые был поставлен вопрос о смягчении или даже отмене
Задание 1.
Отличия:

нию самодержавия за счет модернизации и совершенствования системы управления;


крепостного права;

словие;

предпринимательства;



достижение выхода к Черному морю;
расширение прав сословий;
развитие местного сословного самоуправления.
дворянство освободилось от обязательной службы и превратилось в привилегированное со
экономическая политика была направлена на укрепление помещичьего хозяйства и свободу
Задание 2.
Объяснения:

уничтожение старинной традиции передачи власти в государстве по старшинству от отца к
сыну посредством введения нового закона, устанавливающего право императора назначать преем
ника по своей воле «Указ о престолонаследии» (1722)

расслоение   правящего   слоя   аристократии   по   идеологическому   принципу   –   сторонников
(представители   «новой»   петровской   аристократии)   и   противников   петровских   преобразований
(представители старомосковской аристократии)


правящих монархов
усиление роли иностранцев на российской службе в жизни государства
приобретение офицерским корпусом гвардейских полков значимой роли в периоды смены
Задание 3.
Причины:



владельца.
 нехватка свободных рабочих рук в стране изза наличия крепостного права;
возможность не тратиться в дальнейшем на оплату труда купленных крестьян;
купленными крестьянами было проще управлять. так как они становились собственностью
Задание 4.
Подтверждение:

Екатерина II не разорвала союза с Фридрихом II (хотя Россия и не приняла участия в воен
ных действиях на его стороне), т. к. ожидала от Фридриха II благожелательного отношения к пози
ции России в решении дел в Речи Посполитой и в Курляндии;

генералпрокурор А.И. Глебов, генерал П.А. Румянцев, Б.К. Миних и др.);

политика Петра III по отношению к дворянам (Пётр III издал манифест о вольности дворян
ской) была продолжена Екатериной изданием указа 3 июля 1762 г., повелевавшего крестьянам на
ходиться в таком же беспрекословном повиновении помещикам, как и прежде, а затем, в 1785 г.,
изданием жалованной грамоты дворянству;

вельможи, занимавшие важные посты при Петре III, сохранили их (канцлер М.И. Воронцов,
Екатерина II провела секуляризацию церковных земель, начатую Петром III;
Электив. История 10 – 11 класс. Гудзишевская Н.В. МБОУ СШ № 1 г.Вилючинск Задания второй части ЕГЭ по истории России XVIIIв.

крестьян;

Екатерина II оставила в силе указ Петра III о запрещении владельцам мануфактур покупать
был оставлен в силе указ Петра III об упразднении Тайной розыскных дел канцелярии.
Задание 5.
император  Пётр III;
1.
 война  Семилетняя
2.
 причина:
3.

неприязненные отношения между Павлом I и его матерью Екатериной II стали причиной
особого почитания Павлом своего отца Петра III, свергнутого с престола Екатериной, и стремления
«восстановить справедливость» в отношении отца, который не успел короноваться; это стало при
чиной решения о совершении обряда коронования праха Петра III;

курса, проводившегося Екатериной II, которая свергла Петра III;

свержения и смерти отца.
устроив коронацию праха Петра III, Павел стремился морально наказать живых виновников
  устроив коронацию праха Петра III, Павел продемонстрировал изменение политического
Электив. История 10 – 11 класс. Гудзишевская Н.В. МБОУ СШ № 1 г.Вилючинск

file_name: Задания 2 части ЕГЭ. Объяснение явлений, событий. 18 век.docx

intro: Подборка заданий для элективного занятия по истории России XVIII в. для 10 - 11 классов содержит задания второй части КИМов. В заданиях требуется найти объяснение явлениям / событиям, происходившим в XVIII. задания можно использовать для тематического или поурочного контроля знаний учащихся 10 класса, а также для самостоятельной подготовки учащихся к ЕГЭ.Задания второй части ЕГЭ по истории России XVIII в. 10 - 11 классы

title: Подборка заданий для элективного занятия по истории (10-11 класс, история)


extracted_text:
Задания к теме «Диссоциация и химическое равновесие».
1 вариант.
1.Записать схему электролиза раствора:
CuSO4+H2O =
2.Записать константу равновесия реакции:
ALCL3+H2SO4=
3. В какую сторону сместится химическое равновесие, если температуру
уменьшить, давление увеличить: H2+Fe2O3= Fe+ H2O+G
2 вариант.
1.Записать схему электролиза раствора:
Ca(NO3)2+H2O =
2.Записать константу равновесия реакции:
AL(OH)3+H2S=
3. В какую сторону сместится химическое равновесие, если температуру
уменьшить, давление увеличить: H2+Fe2O3= Fe+ H2O+G
3 вариант.
1.Записать схему электролиза раствора:
Mg3(PO4)2+H2O =
2.Записать константу равновесия реакции:
HNO3+S= H2SO4 + H2O +NO2
3. В какую сторону сместится химическое равновесие, если температуру
уменьшить, давление увеличить: H2+Fe2O3= Fe+ H2O+G

file_name: Задания к теме Диссоциация и химическое равновесие.docx

intro: Для проверки знаний и умений студентами материала по теме "Диссоциация и химическое равновесие" -(химия ЕН.03) даются задания по вариантам в конце урока минут на 10- 15 для самостоятельной работы. Основные направления -это электролиз веществ в растворе (составить схему и расписать ее); определить константу равновесия реакции; химическое равновесие по принципу Ле Шателье.

title: Задания по теме "Диссоциация и химическое равновесие" ( СПО химия)


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  8   класса
                По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На  тему  Шуберт. Форель и «Форелленквинтет»
Франц Шуберт  австрийский композитор XIX века. Главное место в его
творчестве занимает. Будучи автором более 600 песен, Шуберт сделал этот
жанр столь же значительным и серьёзным, как соната, симфония.
«Из числа музыки не для театра, не для церкви, не для концерта есть особенно
замечательный отдел  романсы и песни для одного голоса с фортепиано. От
простой, куплетной формы песни этот род развился до целых маленьких
единичных сценмонологов, допускающих всю страстность и глубину
душевной драмы. Этот род музыки великолепно проявился в Германии, в
гении Франца Шуберта», писал А. Н. Серов.
Шуберт  «соловей и лебедь песенности». В песне вся его творческая
сущность. Именно шубертовская песня является своеобразной границей,
отделяющей музыку романтизма от музыки классицизма.
Одна из самых известных песен композитора – «Форель»  написана на стихи
близкого друга, немецкого поэта К. Ф. Д. Шубарта.
По воспоминаниям друзей, Шуберт, сочинив эту песню, в тот же день принёс
её на суд слушателей. Песню с величайшим удовольствием повторили
несколько раз и признали, что это «одно из наиболее грациозных и нежных его
произведений».
В этой песне поэт и композитор создали образ хрупкой беззащитной красоты.
Следуя за стихами и мелодией, мы как бы глазами авторов видим
безмятежную картину: яркий солнечный день на берегу ручья, изящную игру
быстрых форелей в прозрачной воде. На душе радостно и светло. Эта
спокойная радость, гармония человека и природы идеально выражена
музыкой Шуберта. Простой, безыскусной мелодией, куплетным строением
песня «Форель» близка народным австрийским и немецким песням. В её
оживлённом движении ощущается игривая танцевальность. Мелодию украшает изящный аккомпанемент. Фортепианные пассажи подобны
лёгким ритмичным всплескам волн. Они переливаются в прозрачных звуках
аккордов, как струи журчащего ручья под лучами солнца.
Начало первых двух куплетов песни пронизано интонациями радости
фанфарными мотивами. Как и в народных австрийских и немецких песнях,
гармония здесь опирается на простейшие аккорды  трезвучия Т, S, D. Звучит
только мажор. Но вот в мир безмятежной красоты и гармонии вторгается
нечто враждебное, чуждое. Беспечная рыбка попалась на крючок рыбака...
Поэт описывает выразительную сценку:
Но скучно стало плуту
Так долго ждать,
Поток взмутил он в ту ж минуту
Уж дрогнул поплавок,
Он дёрнул прут свой гибкий,
А рыбка бьётся там.
Следуя за поэтическим текстом, композитор резко изменяет характер музыки
в третьем куплете песни. Теперь вместо мажора звучит минор, вместо
консонансов  диссонансы, мрачнеет регистр аккомпанемента. Мелодию
сменяет речитатив, его дыхание становится взволнованным, сбивчивым, в нем
выделяются резкие восклицательные интонации. Партия сопровождения
прерывается паузами  в них чувствуется напряжённое ожидание.
Разрушен мир красоты, исчезли покой и радость...
Однако законы музыкальной целостности произведения требуют обрамления,
музыкального повтора. Поэтому третий куплет завершается вновь короткими
закруглёнными песенными фразами у фортепиано, звучавшими в самом начале
песни.
Шуберт. Форелленквинтет
В самую счастливую пору своей жизни написал Шуберт этот квинтет. Шёл
1819 год.
Вместе с Михаэлем Фоглем композитор путешествует по Верхней Австрии.
Фогль, уроженец этих краёв, щедро «делится» с Шубертом. Но не только
радость узнавания новых мест и людей принесло Шуберту это путешествие.
Он впервые воочию убедился в том, что его знают не только в Вене, в узком кругу друзей. Что почти в каждом хоть немного «музыкальном» доме есть
рукописные копии его песен. Собственная популярность не просто удивила
его — она его ошеломила.
В верхнеавстрийском городке Штейре Шуберт и Фогль повстречали
страстного почитателя шубертовских песен, промышленника Сильвестра
Паумгартнера. Ещё и ещё раз просил он друзей исполнить для него песню
«Форель». Он мог слушать её бесконечно. По заказу Сильвестра
Паумгартнера Шуберт (больше всего на свете любивший доставлять радость
людям) и написал инструментальный квинтет «Форель»  его красиво
называют «Форелленквинтет», в четвертой части которого звучит мелодия
песни «Форель». Он пожелал, чтобы финал представлял собой вариации на
мелодию песни Шуберта «Форель». Он же настоял на необычном для
классического квинтета составе инструментов: фортепиано, скрипка, альт,
виолончель и контрабас.
В квинтете бурлит, переливаясь через край, молодая энергия. Порывистые
мечты сменяются грустью, грусть вновь уступает место мечтам, звонкому
счастью бытия, которое только и возможно в двадцать два года.
Тема четвертой части, простая, почти наивная, грациозно ведомая скрипкой,
расплёскивается множеством вариаций. Первоначально излагается сама тема
песни. За ней следует ряд вариаций, каждая из которых не похожа на другую,
и каждый из инструментов маленького ансамбля успевает сказать своё слово.
А завершается «Форель» безудержным, искрящимся танцем, навеянным
Шуберту, вероятно, танцами верхнеавстрийских крестьян.
Вопросы и задания:
Расскажите о песне Шуберта «Форель», спойте её.
В чем проявилось сходство этой песни с народными немецкими и
австрийскими песнями?
Почему в песне появился речитативный эпизод? Каковы его особенности?
Какие изобразительные детали фортепианного аккомпанемента дополняют
музыкальный образ песни? Послушайте фрагмент из «Форелленквинтета» и постарайтесь ответить на
вопросы: как развивается музыка в квинтете? Какие инструменты солируют в
каждой из вариаций?
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/shubertforeliforellenkvintet

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 8 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему  Шуберт. Форель и «Фореллен-квинтет»
Франц Шуберт - австрийский композитор XIX века. Главное место в его творчестве занимает. Будучи автором более 600 песен, Шуберт сделал этот жанр столь же значительным и серьёзным, как соната, симфония.в материале представлены - вопросы и задания по теме

title: Шуберт. Форель и «Фореллен-квинтет»


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  5   класса
                По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На  тему   В каждой мимолётности вижу я миры…»
«Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель,
живописец, призван служить  человеку и народу...»
(С. Прокофьев)
Константин Бальмонт был необычайно захвачен музыкой Прокофьева. В ней
он находил ту звучащую магию, которая стала основой всего поэтического
творчества. В августе 1917 года Бальмонт вписал в альбом Сергея
Прокофьева «Что вы думаете о солнце» свой сонет:
Ребёнку богов, Прокофьеву
Ты  солнечный богач. Ты пьёшь, как мёд, закат.
Твое вино  рассвет. Твои созвучья, в хоре,
Торопятся принять в спешащем разговоре
Цветов загрезивших певучий аромат.
Вдруг в золотой поток ты ночь обрушить рад.
Там гдето далеко рассыпчатые зори
Как нитка жемчугов, и в световом их споре
Темнеющий растёт в угрозном гуле сад.
И ты, забыв себя, но сохранивши свет
Степного ковыля, вспоенного весной,
В мерцаниях мечты, все новой, все иной,
С травинкой поиграл в вопросы и ответы,
И в звук свой, заронив поющие приметы,
В ночи играешь в мяч с серебряной луной.
(К. Бальмонт)
Сергей Прокофьев принадлежит к числу тех музыкантов, которые составили
славу русской музыки ХХ в. Он был выдающимся пианистом, дирижёром,
композитором, который работал во всех жанрах и в каждом оставил образцы
непревзойдённого совершенства.
Начало столетия  взрывчатое, бурное время, и в этот вихревой поток
Прокофьев ворвался как нечто неповторимое и новаторское. Неудивительно,
что представители «серебряного века» (так называли этот период в искусстве) не поняли его музыку, и только немногие смогли увидеть в нём создателя
нового искусства. Он был художником дерзким, своенравным, не терпевшим
никаких штампов, и его произведения, как правило, были новым словом в
искусстве.
Прокофьев был творцом светлого, жизнелюбивого искусства.
Иносказательным портретом композитора могут служить строки из поэмы
Маяковского «Облако в штанах»:
От вас, которые влюблённостью мокли,
От которых в столетья слеза лилась,
Уйду я, солнце моноклем
Вставлю в широко растопыренный глаз.
Действительно, он был солнечным композитором. Широко известно, что
композитор завёл альбом с названием «Что вы думаете о солнце?» Ответ на
этот вопрос в альбом записывали многие крупные музыканты, литераторы,
художники.
Известнейший пианист Артур Рубинштейн написал в этом альбоме такие
слова: «Лучше всего я постигаю Солнце благодаря нескольким гениальным
личностям, с которыми имею счастье быть знакомым. КорольСолнце сказал:
«Государство  это я!»  Вы, мой дорогой Прокофьев, могли бы сказать:
«Солнце  это я!»
Этот солнечный свет был неистребим, и Прокофьев пронёс его через все
коллизии своей нелёгкой жизни.
Биография
На Украине, недалеко от города Донецка, есть скромное село Красное
(бывшая Сонцовка), где родился и провёл своё детство замечательный
русский композитор Сергей Сергеевич Прокофьев.
С детства композитор рос в атмосфере крепких традиций русской музыки.
Его мать отлично играла на рояле и с четырёхпяти лет приобщила
талантливого мальчика к  серьёзной музыке.
В своей «Автобиографии» композитор вспоминает такой эпизод из детства:
«...кувыркался в постели моего отца. Вокруг стоят родные. В передней звонок
– приехали гости. Все бегут встречать. Продолжаю кувыркаться и, слетев с
постели, ударяюсь лбом о железный сундук. Нечеловеческий рёв, все бегут обратно. Удар был здоровенный  шишка на лбу сравнялась только к тридцати
годам. Когда, уже молодым человеком, я дирижировал в Париже, художник
Ларионов трогал её пальцем и говорил: «А может быть, в нейто и весь
талант?»
К июню 1900 г. была закончена первая опера Серёжи Прокофьева «Великан».
«Тётя Таня водила к фотографу, снявшему меня перед картонным пианино,
на пюпитре которого стоял белый лист. Готовые фотографии были отнесены к
тёти Таниному сослуживцу, обладателю каллиграфического почерка, и он
мелко вывел на них: Опера «Великан», соч. Серёжи Прокофьева».
Новаторство было характерной приметой музыки Прокофьева на протяжении
всего его творческого пути. Поиски собственного стиля композитор начал
ещё в раннем детстве. Наблюдая за интенсивным развитием музыкальных
способностей ребёнка, родители отвезли его в Москву к известному
композитору и педагогу Сергею Ивановичу Танееву.
11летний мальчик показал маэстро увертюру к опере «На пустынных
островах», где музыкальными  средствами попытался изобразить дождь,
ветер, бурю. Танеев с большим интересом отнёсся к юному дарованию,
посоветовал начать систематические занятия композицией, но отметил
чрезвычайную простоту и однотипность гармоний, использованных в
произведении. Спустя несколько лет, услышав новые сочинения Прокофьева,
Танеев пожаловался, что в них «очень уж много фальшивых нот». Молодой
композитор напомнил ему о предыдущем отзыве, и Сергей Иванович, шутя,
воскликнул «Неужто это я толкнул вас на такую скользкую дорогу!»
В 13летнем возрасте Серёжа поступил в Петербургскую консерваторию, где
его наставниками были Н. А. РимскийКорсаков, А. К. Лядов, Н. Н.
Черепнин, А. Н. Есипова.
Прокофьев обучался по трём специальностям  композитора, пианиста и
дирижёра.
Несмотря на то, что Прокофьев с детства занимался игрой на рояле, его
пианистическая подготовка оставляла желать лучшего. Замечательный
консерваторский педагог А. Н. Есипова долго не могла совладать с
неправильными навыками музыканта, и однажды вынуждена была пригрозить.
«Или Вы будете держать, как следует руки, или уходите из моего класса!» Наконец, все трудности были пройдены, и в 1914 году для Прокофьева
наступил решающий момент. По итогам концерта выпускников лучшему
пианисту присуждалась премия им А. Г Рубинштейна. Мечтая о призе
победителя  новом великолепном рояле фирмы «Шредер», амбициозный
молодой человек пошёл на хитрость. Не надеясь обойти своих сильных
соперников с классическим произведением, он включил в программу
собственный Первый фортепианный концерт (1911).  В случае неудачи,
объяснял Прокофьев, «Не ясно было бы изза чего я проиграл, изза плохого
концерта или изза плохой игры».
Ни Концерт, ни его исполнение строгая комиссия не посчитала неудачным. С
начальными звуками Концерта в зал ворвалась свежесть, энергия молодости,
упругие и неожиданные ритмы. Становилось ясно, что создать и исполнить
такую яркую музыку может только необычайно талантливый человек.
Премию присудили Прокофьеву. Но восторженным овациям большей части
зала противостояла негативная реакция на новый, непривычный музыкальный
язык и содержание сочинения. В будущем композитор ещё не раз становился
свидетелем жарких споров вокруг своих произведений. С присущей ему
остротой и резкостью суждений он парировал любые обвинения.
Летом 1917 г. Прокофьев поехал на курорт в Ессентуки. Мятежи на Дону
отрезали его от Москвы и Петрограда. За эти месяцы «кавказского плена»
появились Концерт для скрипки с оркестром, Третья и Четвертая
фортепианные сонаты, цикл «Мимолётности» и «Классическая симфония».
После революции Прокофьев выезжает за рубеж. Делает он это очень
своеобразно: через всю страну, объятую пламенем гражданской войны, он
поехал поездом из Петрограда во Владивосток. Так он добрался до Токио, два
месяца ждал визу на въезд в США, где с успехом проходят его концерты.
Потом, практически без гроша в кармане, он оказывается в СанФранциско и,
наконец, с большими сложностями в начале сентября  в НьюЙорке.
Начинается его «завоевание» Америки.
Жизнь вне России не была лёгкой. Его музыку не всегда принимали. Поначалу
американская публика не проявляла к нему интереса: там интересовались
только тем, что проверено в Европе и имело громкий успех. Музыка была там
товаром, который тоже нуждался в рекламе. Прошло два года, и Прокофьев понял, что в Америке ему делать нечего. Он
перебирается в Париж, оттуда совершая гастрольные поездки.
Здесь он сближается с Онеггером, Мийо, Пуленком, общается с
Рахманиновым, Равелем, композиторами «Шестёрки», художниками Пикассо,
Матиссом, Чарли Чаплином, дирижёрами Стоковским, Кусевицким,
Тосканини, продолжает сотрудничество с Дягилевым. Для его труппы
композитор пишет балеты «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре».
В 1927, 1929, 1932 гг. Прокофьев приезжает в Россию с гастролями. Его
концерты проходят с триумфом. Проводя на родине недели, он не мог
представить себе истинной жизни в стране. Он видел лишь «фасад» этой
жизни – «будни великих строек» как пелось в популярной песне, энтузиазм
людей. Повидимому, не представляя, какова на самом деле жизнь в давно
покинутой им стране, Прокофьев считал, что, вернувшись в Россию, сможет
жить так, как сам захочет, то есть выезжать на гастроли, писать то, что
пожелает. Но он глубоко ошибался.
В 1933 г. композитор вернулся на родину. Первые пять лет гастроли ещё
продолжались, но затем выезд ему был запрещён.
Резко изменилась тематика его творчества. Были написаны музыка к
кинофильму «Александр Невский», оперы «Семён Котко», «Повесть о
настоящем человеке», оратория «На страже мира» и многое другое. Конечно,
наряду с этими уступками господствующей идеологии, которые тоже стали
шедеврами русского искусства, им были написаны балеты «Ромео и
Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке», опера «Дуэнья»,
увертюры, концерты, фортепианные произведения.
Когда началась Великая Отечественная война, Прокофьев был эвакуирован на
Кавказ. Только в 1943 г. он вернулся в Москву. Всё это время композитор
работал над оперой «Война и мир». Эта работа заняла много лет.
Послевоенные годы обернулись для композитора тяжкими испытаниями.
Резко ухудшилось его здоровье, а главное, он попал в жерло советской
идеологии. Его музыка, так же как и произведения Шостаковича, была
признана критикой в 1948 г. формалистической и антинародной. Неизвестно,
как реагировал Прокофьев, избалованный всемирной славой, на эту жестокую
критику. Он никогда не высказывался по этому поводу. Он молчал. Но, конечно, это не могло не отразиться на нём. Возможно, именно эти
преследования окончательно подорвали его здоровье.
Последним произведением, которое довелось композитору услышать в
концертном зале, была Седьмая симфония. Это было в 1952 г. Гениальный
симфонический цикл, в котором всё дышит одухотворёнными, чистыми
красками, стал настоящим завещанием великого Мастера потомкам.
Прокофьев умер 5 марта 1953 г., в один день со Сталиным. С этим и было
связано то, что смерть его, на фоне официальной скорби, прошла совершенно
незамеченной. О ней не было сообщено ни в одной газете. Поэтому хоронили
одного из крупнейших композиторов ХХ в. лишь самые близкие друзья.
Вопросы:
Назовите годы жизни композитора.
Какие жанры были ему особенно близки?
Перечислите известные вам крупнейшие произведения Прокофьева.
В каком году композитор уехал за границу? Когда он вернулся на родину?
Почему Прокофьева называли «солнечным композитором»? Что сказал о нем
А. Рубинштейн?
Где Прокофьев учился? Кто были его учителями?
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/sergeyprokofevvkazhdoy
mimolyotnostivizhuyamiry

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 5 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему  В каждой мимолётности вижу я миры…»
Сергей Прокофьев принадлежит к числу тех музыкантов, которые составили славу русской музыки ХХ в. Он был выдающимся пианистом, дирижёром, композитором, который работал во всех жанрах и в каждом оставил образцы непревзойдённого совершенства.в материале представлены - вопросы и задания по теме

title: В каждой мимолётности вижу я миры…»


extracted_text:
Дополнительный материал для проведения уроков  музыки    для  5   класса
                По программе  Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской,
                  На   тему Джордж Гершвин. Рапсодия в блюзовых тонах
Джордж Гершвин стал настоящим воплощением американской мечты,
поднявшись от положения скромного иммигранта к вершинам славы и
богатства.

О чем рассказывает его музыка? О простых людях, об их радостях и горестях,
об их любви, об их жизни.
Вот почему его музыка понастоящему национальна...
Д. Шостакович

Джордж Гершвин
С именем американского композитора и пианиста Дж. Гершвина связана одна
из интереснейших глав истории музыки. Становление и расцвет его творчества
совпали с «веком джаза» — так называл эпоху 2030х гг. XX в. в США
крупнейший американский писатель С. Фитцджеральд. Это искусство оказало
основополагающее влияние на композитора, который стремился выразить в
музыке дух своего времени, характерные черты жизни американского народа.
Гершвин считал джаз народной музыкой. «Я слышу в нем музыкальный
калейдоскоп Америки — наш огромный бурлящий котел, наш... национальный
жизненный пульс, наши песни...» — писал композитор.
Джордж Гершвин родился в НьюЙорке в 1898 году в семье еврейских
эмигрантов из России. Настоящие имя и фамилия композитора  Янкель
Гершовиц.
Его детство прошло в одном из районов города — ИстСайде, где его отец
был владельцем небольшого ресторана. Озорной и шумный, отчаянно
проказничавший в компании своих сверстников, Джордж не давал родителям
повода считать себя музыкально одаренным ребенком. Все изменила покупка
пианино для старшего брата. Редкие уроки музыки у различных учителей и,
главное, самостоятельные многочасовые занятия импровизацией определили
окончательный выбор Гершвина. Гершвин не получил систематического музыкального образования и всем
своим достижениям в области композиции он в основном обязан
самообразованию и требовательности к себе в сочетании с неуемным
интересом к крупнейшим музыкальным явлениям своего времени. Будучи уже
всемирно известным композитором, он не стеснялся обращаться с просьбами
о занятиях композицией и инструментовкой к М. Равелю, И. Стравинскому,
А. Шенбергу.
В 16 лет Джордж стал штатным пианистом в издательстве Ремика,
«рекламируя» новые песни на знаменитой улице в НьюЙорке, где
располагалась группа нотных издательств, которую окрестили «Тин Пен
Элли». Он также начал писать собственные песни и к 1917 году был готов
двигаться дальше.

Стечение обстоятельств
Его первый большой успех случился в 1919 году. Гершвин работал на
постановке мюзикла «Лала, Люсиль!» и вместе с поэтомпесенником
Ирвингом Цезаром написал песню «Swanee» («Суони»). Исполненная великим
Элом Джолсоном, она стала шлягером. К началу 1920х годов Гершвин был
восходящей звездой среди композиторов бродвейских мюзиклов. Он
продолжал свое музыкальное образование, оттачивал мастерство как пианист
и никогда не боялся пробовать чтото новое. Случай преставился в 1924 году,
когда дирижер джазоркестра Пол Уайтмен попросил его написать
произведение для фортепиано с оркестром – «Рапсодию в блюзовых тонах».
Она стала настоящей сенсацией.

Невиданный успех
В 1930е годы карьера Джорджа Гершвина могла считаться одной из
величайших историй успеха ХХ века. В основном работая со своим братом,
талантливым поэтомпесенником Айрой, он стоял плечом к плечу с Ирвингом
Берлином, Джеромом Керном и Коулом Портером сочиняя музыкальные шоу
для Бродвейской сцены и Голливуда.
Он также пополнил список своих инструментальных
сочинений Фортепианным концертом фа мажор и мечтательной поэмой «Американец в Париже». Его пианизм удивлял талантливейших композиторов
 Равеля и Прокофьева, Стравинского и Шёнберга. Гершвина чествовали во
время частых визитов в Европу, где многие из его музыкальных постановок
пользовались таким же успехом. В 1935 году он закрепил свою популярность
оперой «Порги и Бесс».

Трагичный финал
В 1937 году Джордж и Айра вернулись в Голливуд работать над экранизацией
еще двух мюзиклов, где в главной роли выступал их старый друг Фред Астер.
Внезапно у Джорджа начались головокружения и головные боли, несколько
раз он падал в обморок. У него обнаружились симптомы опухоли головного
мозга, композитор перенес операцию, но было уж слишком поздно. Джордж
Гершвин умер в июле того же года, не дожив до своего 39го дня рождения.
Айра продолжил свою карьеру в музыкальном театре и кино и прожил до 1983
года.

«Рапсодия в блюзовых тонах»
Однажды Гершвин случайно прочитал в газете, что по заказу Уайтмена
работает над джазовым концертом, хотя на самом деле даже не собирался
писать подобное произведение. Решив, что это ошибка, он позвонил своему
«шефу» и выяснил, что тот действительно внес еще несуществующее
сочинение в программу предстоящего концерта, где авторитетные
музыкальные критики на основе прослушанного должны были ответить на
животрепещущий вопрос «что есть американская музыка?». Гершвину не
оставалось ничего, кроме как согласиться.
Так родилась «Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody in Blue»), в названии
которой обыгрываются два значения английского слова «Ыuе» лирическая
песня (блюз) и голубой цвет.
Композитор вспоминал о создании «Рапсодии»: «Внезапно мне пришла в
голову идея. Так много болтали об ограниченности джаза, так неверно
понимали его функцию. Принято считать, что джаз должен звучать в одном
темпе и основываться только на танцевальных ритмах. Я решил, насколько возможно, разбить эту ошибочную концепцию одним ударом. Вдохновленный
этой целью, я принялся писать с непривычной скоростью».
В день премьеры, 12 февраля 1924 года, в Иоулиэнхолле Нью–Йорка
собрались певцы, пианисты из «Тин Пен Элли», звезды джаза и мюзикла,
выдающиеся критики и академические композиторы среди которых Сергей
Рахманинов и Игорь Стравинский. Программа концерта, объявленного
«экспериментом в современной музыке», включала произведения множества
авторов с использованием элементов джаза. Поначалу «эксперимент» явно не
вызвал восторга у публики.
Некоторые слушатели уже начали покидать зал. Но вот за рояль сел Джордж
Гершвин. Зазвучала «Рапсодия в блюзовых тонах» («Рапсодия в стиле блюз»).
От прежней скуки не осталось и следа. Оркестранты играли, словно
выворачивая себя наизнанку от эмоций, искренне, от души. Дирижер Пол
Уайтмен не замечал, что по его щекам катятся слезы восторга. Гершвин играл
на фортепиано неподражаемо. Отзвучали последние звуки «Рапсодии». Зал
захлебнулся бурей оваций!
Критика единодушно приветствовала гениальный мелодический дар
Гершвина, «оригинальное чувство гармонии» и «ритмическую
изобретательность». Но самое главное достоинство сочинения заключалось в
том, что впервые произошло органичное соединение состава оркестра,
ассоциирующегося с произведениями Моцарта, Бетховена или Чайковского, и
блюзового стиля. С легкой руки Уайтмена новое направление стали именовать
симфоджазом.
Впоследствии «Рапсодия в стиле блюз» оказалась наиболее часто
исполняемым во всем мире произведением, написанным американским
композитором. И уже к ней были вполне применимы слова, сказанные
дирижером и музыкальным критиком Уолтером Дамрошем о Концерте для
фортепиано с оркестром Гершвина, созданном в 1925 году: «Многие
композиторы ходили вокруг джаза,  как коты вокруг тарелки с горячим
супом, ожидая пока он остынет, чтобы насладиться им, не опасаясь обжечь
языки, поскольку они привыкли к тепловатой, дистиллированной жидкости,
приготовленной поварами классической школы. Леди Джаз, украшенная
интригующими ритмами, шла танцующей походкой через весь мир, вплоть до
эскимосов на Севере и полинезийцев на Южных островах. Но нигде ей не
встретился рыцарь, который ввел бы ее как уважаемую гостью в высшее музыкальное общество. Джордж Гершвин совершил это чудо. Он  принц,
который взял Золушку за руку и открыто провозгласил ее принцессой,
вызывая удивление мира и бешенство ее завистливых сестер».
«Рапсодия в блюзовых тонах» стала визитной карточкой Гершвина. Ныне она
с равным успехом исполняется музыкантами и академического и джазового
направлений.
Источник   http://musicfantasy.ru/materials/dzhordzhgershvinrapsodiyav
blyuzovyhtonah

intro:
Представлен дополнительный материал к уроку музыки в 5 классе по программе Г. П. Сергеевой, Е. Д. Критской, на тему  Джордж Гершвин. Рапсодия в блюзовых тонах
Джордж Гершвин стал настоящим воплощением американской мечты, поднявшись от положения скромного иммигранта к вершинам славы и богатства.
Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody in Blue»), в названии которой обыгрываются два значения английского слова «Ыuе» лирическая песня (блюз) и голубой цвет.Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody in Blue»), в названии которой обыгрываются два значения английского слова «Ыuе» лирическая песня (блюз) и голубой цвет.