extracted_text:
Реальность и фантазия в
жизни человека. (6 класс)

В человеческой жизни
есть как бы два плана, два течения. Один составляют внешние события. Например,
мы знаем, в каком доме живёт человек, как он одевается, какие у него привычки и
т. д.
Другой составляет сокровенные
мысли, глубинные переживания, духовные искания человека. Нередко именно в нём
сосредоточено главное содержание человеческой жизни. Ведь сказал же Экзюпери:
«Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь».
Конечно, просто глядя
на человека, трудно узнать его склонности, вкусы, привязанности. Однако его
внутренний мир нередко проявляет себя внешне: во взгляде, улыбке, интонациях
голоса.
Мы говорим: «этот
человек духовно богат», когда его слова и поступки убеждают нас в существовании
особого внутреннего мира, окрашивающего внешние проявления искренностью и
глубиной. Точно так же мы отмечаем чью-то пустоту и духовное оскудение, когда
видим, что человек живёт исключительно материальными, практическими интересами.
Музыкальные произведения в какой-то мере похожи на людей. В них
тоже могут быть своя глубина и характер: порой сложный, порой легкомысленный.
Поэтому разные люди любят разную музыку: одни слушают Моцарта и Брамса, другие довольствуются
нехитрыми песенками. Ведь музыка бывает разной.
Послушайте, например, музыку М. Глинки.
В «Вальсе-фантазии»
мастерски сочетаются два начала, выраженные в названии произведения.
С одной стороны, это
вальс – плавный, кружащийся танец с трёхдольным ритмом. Известно, что вальсы
могут быть разными – весёлыми и торжественными, грустными и трепетными.
С другой стороны, в
этом произведении Глинка воплощает нежное, полётное вращение, уносящее наше
воображение в прекрасный мир фантазии.
Михаил Иванович
Глинка познакомился с очаровательной девушкой, воспитанницей Смольного
института Екатериной Керн, дочерью легендарной Анны Керн, которой посвящено
стихотворение А. Пушкина «Я помню чудное мгновенье». Глинка серьёзно увлёкся
ею.
Слушание: М. Глинка. Романс «Я помню чудное мгновенье» (по
желанию учителя).
Екатерине он посвятил
романс, написанный на пушкинские стихи, посвящённые её матери, и тогда же стал
работать над фортепианным «Вальсом-фантазией» - своего рода поэмой вальса,
вдохновлённым образом Екатерины Ермолаевны, словно рисующим её в обстановке
бала.
Любовь Глинки была
взаимной, однако роман скоро кончился: оба были несвободны, к тому же Екатерина
Ермолаевна скоро уехала по совету врачей на Кавказ. В 1842 году Керн вернулась
в Петербург, но встреча её с Глинкой уже не имела для него прежнего значения.
Вскоре он через общую знакомую вернул ей её письма, а затем без сожалений уехал
за границу.
Недолгий период
романа с Е. Керн характеризуется подъёмом творческой деятельности Глинки.
«Вальс-фантазия» - одна из вершин этого периода, настоящая жемчужина русской
музыкальной классики.
В музыке
«Вальса-фантазии» отразилась вся поэзия этого чувства, принёсшего Глинке много
и радостных, и горьких переживаний.
В «Вальсе-фантазии»
Глинка обращается к жанру танцевальной музыки, который был наиболее популярен в
то время. Однако из небольшой пьесы прикладного назначения композитор делает
развёрнутую симфоническую поэму, вобравшую в себя богатейшую гамму человеческих
чувств. Это произведение Глинки явилось тем зерном, из которого в будущем
вырастет русская лирико-психологическая симфоническая музыка.
Первое впечатление от
знакомства с «Вальсом-фантазией» - чувство удивительного очарования,
изысканности и нежности. Основная тема вальса проникнута задумчиво-печальным
настроением. С ней чередуются мотивы, передающие другие оттенки чувства - то
элегически-грустные, то драматически-взволнованные, то пленительно изящные.
Так дивно недопеть,
Недотянуть смычка,
Иль недокрасить кистью, засыпая,
Лишь гений смог уметь,
И вальсом в облака,
Волшебные мелодии взлетают...
Н. Губин
Слушание: М. Глинка. «Вальс-фантазия».
Искусство будит
фантазию, навевает образы дальних стран, в которых, может быть, человеку
никогда не суждено побывать, рассказывает о событиях и героях, с которыми ему
никогда не встретиться, оно даёт опыт, который сам он никогда бы не приобрёл.
Искусство рождает мечту, а мечта всегда богаче реальности. Это знали поэты всех
времён, наделявшие фантазию волшебными крыльями, уносящими человека в царство
невиданных чудес.
Реальность и фантазия
– эти два мира сосуществуют постоянно, рождая не только поэтов и музыкантов, но
и людей других романтических профессий – лётчиков, геологов, путешественников.
В один ненастный день, в тоске нечеловечьей,
Не вынеся тягот, под скрежет якорей,
Мы всходим на корабль – и происходит встреча
Безмерности мечты с предельностью морей.
Эти строки из
стихотворения французского поэта Ш. Бодлера «Плаванье».
Обратите внимание:
«встреча безмерности мечты с предельностью морей» обозначает такие горизонты
человеческой меты, в сравнении с которыми даже моря – эти извечные символы
необозримого пространства – кажутся предельными, узкими и тесными.
Что же такое
фантазия?
Почему иногда её
называют высшей реальностью, душой всего существующего?
Вероятно, это
происходит оттого, что без фантазии невозможно ничего создать: от самой простой
вещи до произведения искусства.
Многие поэты,
художники и композиторы – люди, живущие в мире своих фантазий, – вызывали
удивление тем, что ничего не понимали в повседневной действительности. В то же
время они потрясали всех своим знанием человека, самых сокровенных тайников его
души.
«Я на 85 процентов
музыкант, во мне только 15 процентов человека», - говорил Сергей Рахманинов, и
в этих словах слышна вся мыслимая одержимость искусством, на которую способен
большой художник.
Ведь жизнь каждого
художника протекает в сложном переплетении реальности и творческого
воображения, переплетении, рождающем совершенно новый, особенный мир его
произведений. И, как ни удивительно, эти произведения учат нас глубже понимать
именно живую жизнь.
Вопросы и задания:
1.   Вспомните,
известные вам произведения различных видов искусства, где одновременно
сочетаются и реальность, и фантазия.
2.   Почему
в стихотворении Ш. Бодлера «Плаванье» поэт сравнивает «безмерность мечты» с
«предельностью морей» в пользу мечты?
3.   Подумайте,
о каких «тяготах», «тоске» и «ненастье» говорил Бодлер в своём стихотворении.
4.   Почему,
по-вашему, М. Глинка воплотил фантазию в жанре вальса? Может быть, для этого
лучше было использовать другой жанр (например, марш)?
5.   Как
вы считаете, относится Симфония № 3 И. Брамса к такой музыке, которая
пробуждает фантазию? Какие образы она вызывает в вас?
Выразительные возможности гармонии (6
класс)

Содержание:
1.   Гармония
как важнейший фактор музыкальной драматургии в опере Ж. Бизе «Кармен».
2.   Применение
композитором метода «забегания вперёд» в увертюре произведения; роль темы
роковой страсти в дальнейшем развитии оперы.
3.   Ладовый
контраст между темами увертюры и темой роковой страсти.
Художественный материал:
1.   А.
Блок. Поэтический цикл «Кармен». Фрагмент.
Музыкальный материал:
1.   Ж.
Бизе. Увертюра к опере «Кармен» (слушание).
Характеристика видов деятельности:
1.   Воспринимать
гармонические особенности музыкального произведения.
2.   Анализировать
приёмы взаимодействия нескольких образов в музыкальном произведении.
3.   Сравнивать
особенности музыкального языка (гармонии) в произведениях, включающих образы
разного смыслового содержания
Мир музыки был бы неполон без «Кармен»,
Бизе достаточно было бы написать только эту оперу,
чтобы стать Бизе…
(Г. Маркези)
Я мечтал добиться большего!
(Ж. Бизе)
Каждая эпоха
оставляет свои памятники - произведения, образы, сюжеты. В них находит
воплощение то, в чём с наибольшей силой проявил себя дух времени: идеалы и
стремления, жанры и выразительные средства искусства. Это, например, сюжеты и
образы произведений искусства.
Среди ярких образов
искусства XIX века – цыганка Кармен, прелестная, непредсказуемая, неудержимая
героиня новеллы французского писателя П. Мериме и оперы Ж. Бизе «Кармен».
Жорж Бизе. Биография
Талант Жоржа Бизе
проявился очень рано - в детские годы. Однако композитор умер, не дожив и до 40
лет, не исполнив всего, что было ему предназначено. Впрочем, Бизе успел создать
«Кармен» - одну из величайших опер всех времён и народов. Бизе не было суждено
дожить до своего триумфа. Лишь после его смерти весь мир стал восторженно
рукоплескать непревзойдённому шедевру – опере «Кармен».
Жорж Бизе родился в
Париже в семье музыкантов 25 октября 1838 года. Его талант к музыке проявился
рано. Уже в 10 лет мальчик поступил в Парижскую консерваторию, где среди его
педагогов оказались оперные композиторы, как прославленный Жак Галеви и
начинающий Шарль Гуно. Бизе, однако, сначала добился успеха как блестящий
пианист, обучаясь в классе Мармонтеля. Его игру отметили Лист и Берлиоз.
В возрасте 17 лет
Бизе сочинил искрящуюся Симфонию До мажор, которая впервые была исполнена лишь
в 1835 году.
Его обучение в
консерватории окончилось блестяще: в 1857 году Бизе был удостоен Римской премии
за кантату «Кловис и Клотильда». Благодаря этому он мог в течение четырёх лет
полностью посвящать себя музыке, живя на скромную стипендию в Риме на вилле
Медичи (это было обязательным условием). Он наслаждался чудесной римской
архитектурой и красотами сельской местности, но сочинял в это время очень мало.
Итальянская идиллия
внезапно прервалась, когда в 1860 году заболела мать композитора, и Бизе
вернулся в Париж. Она умерла в 1961 году. Бизе и так отличался довольно сложным
характером, а теперь он лишился поддержки единственного по-настоящему родного
ему человека.
Вскоре у Бизе родился
сын от служанки, но семейный очаг он приобрёл лишь в 1869 году, женившись на
Женевьеве Галеви, дочери своего учителя.
В творчестве его
преследовали неудачи. В 1863 году она написал оперу «Искатели жемчуга», но она
стала популярной лишь гораздо позднее. В 1870-е годы Бизе создал ещё несколько
опер и музыку к пьесе Альфонса Доде «Арлезианка».
Когда в 1870 году
началась франко-прусская война, Жорж вступил в Национальную гвардию. В 1871
году он с энтузиазмом вернулся к занятиям композицией, а в 1873 – начал
работать над оперой «Кармен» по новелле Проспера Мериме.
Посмертная слава
Когда «Кармен» -
взрывоопасная история страсти, ревности и убийства -  была впервые
показана на сцене Опера Комик 3 марта 1875 года, публика и критика были
шокированы аморальностью сюжета. Опера прекрасно посещалась, только в первый
год состоялось 45 спектаклей, однако Бизе приходилось терпеть критические
отзывы. Его здоровье, и без того слабое, пошатнулось, и через три месяца после
премьеры он умер от сердечного приступа. Композитор так и не узнал, какой триумф
был уготован шедевру.
Опера «Кармен». Увертюра
Никогда ещё подобные
персонажи – работницы табачной фабрики, цыгане-контрабандисты – не выходили на
оперную сцену в качестве главных, да к тому же трагических героев. Парижская
публика, привыкшая к благородным господам и невинным девицам (если, конечно,
забыть о «Травиате» Верди), сначала растерялась. Тем более, что эта шокирующая
история сопровождалась музыкой, перед которой невозможно было устоять.
Узнаваемая с первых
звуков Увертюра, словно переносит нас в Севилью – город, где и сегодня много
цыган (правда, сам Бизе никогда в Испании не был и, видимо, располагал только
одним сборником испанских песен из библиотеки Парижской консерватории).
 Затем вступает мрачная тема судьбы, предсказывая финал истории Кармен и
Хозе.

Кармен – красивая,
вспыльчивая, темпераментная цыганка, работающая на сигаретной фабрике. Из-за
драки, возникшей среди девушек фабриканток, Кармен арестовывают и приводят в
полицейский участок. Там она томится в ожидании ордера, и её стережёт сержант
Хозе. Цыганка смогла влюбить его и уговорить отпустить на свободу. Хозе на тот
момент имел невесту, хорошую должность и одинокую мать, но встреча с Кармен
перевернула всю его жизнь. Он отпускает её, и лишается работы и уважения,
становится простым солдатом.
Кармен продолжает веселиться, посещает пабы и сотрудничает с контрабандистами.
Попутно кокетничает с Эскамильо, известным красавцем тореадором. Хозе, в пылу
ссору поднявший руку на своего начальника, не имеет другого выбора, кроме как
остаться со своей Кармен и её друзьями, незаконно перевозящими грузы. Он
безумно её любит, давно забыл про невесту, вот только Кармен меняет свои
чувства по настроению, и Хозе ей наскучил. Ведь на горизонте появился
Эскамильо, богатый и знаменитый, который пообещал дать бой в её честь. Финал
предсказуем и трагичен. Как Хозе не умолял Кармен вернуться к нему, она в
резких выражениях говорит, что всё кончено. «Свободной родилась - свободной и
умру», - гордо бросает она в лицо Хозе...

Вместе с Кармен в
музыку пришла тема роковой любовной страсти, столь мощной и сокрушительной, что
отзвуки её можно обнаружить даже в искусстве нашего времени.
А. Блок в своём цикле
«Кармен», признается в том непостижимом воздействии, какое оказывал на него
образ роковой цыганки.
Бушует снежная весна.
Я отвожу глаза от книги ...
О, страшный час, когда она,
Читая по руке Цуниги,
В глаза Хазе метнула взгляд!
Насмешкой засветились очи,
Блеснул зубов жемчужный ряд,
И я забыл все дни, все ночи,
И сердце захлестнула кровь,
Смывая память об отчизне ...
А голос пел: «Ценою жизни
Ты мне заплатишь за любовь!»
Обратите внимание:
поэт, читая книгу, невольно отождествляет самого себя с Хозе - главным героем
драмы, из-за любви к Кармен, потерявшим всё: невесту, мать, воинскую честь.
Такова странная, поистине колдовская сила этой героини, обещающей так много и
постоянной лишь в одном - в своей гордой независимости.
Музыка Ж. Бизе
воплощает в себе всю роковую силу Кармен, всю выразительность и яркость драмы
(драма – здесь; тяжёлое событие, переживание, причиняющее страдание), весь её
красочный национальный и природный колорит.
Так, уже в увертюре к
опере, после жизнерадостных, мажорных мелодий главных тем, обещающих на первый
взгляд очень весёлый музыкальный спектакль, внезапно вторгается тема Кармен.
Это напряжённая, тревожная, поддерживаемая грозными минорными аккордами.
Смысл данной темы
показать неизбежность грядущей трагедии (трагедия – драматическое произведение,
изображающее напряжённую борьбу, обычно оканчивающееся гибелью героя). И как бы
ни развивался дальше музыкальный сюжет оперы, слушатель уже находится во власти
этой темы, соединившей в себе и неизбежность гибельных чувств героев, и
предсказание их будущей трагедии.
Важно и то, что тема
Кармен - единственная во всей увертюре, отступающая от царящего в ней мажорного
лада и построенная на звуках так называемой цыганской гаммы.
Так с самого начала
оперы в сознание слушателя входит предчувствие, ожидание каких-то предстоящих
главных событий. Увлекательность и живость оперы, необыкновенная красота её
музыки усиливают контраст между этим предчувствием и реально происходящими
действиями.
В такой
двойственности заключён один из смыслов музыкальной гармонии – её способности
передавать события или ситуации противоположного характера.
Вопросы:
1.   Какой
предстаёт Кармен в стихотворении А. Блока?
2.   С
какой целью Ж. Бизе вводит в жизнерадостную музыку увертюры своей оперы тему
Кармен?
3.   Послушайте
увертюру к опере «Кармен». Сколько контрастных разделов можно услышать в этой
музыке? Звучанием каких групп инструментов симфонического оркестра композитор
подчёркивает конфликт сюжета?
4.   Какие
выразительные свойства гармонии дали возможность показать в увертюре события
противоположного характера?
5.   Продолжите
эмоциональный словарь, характеризующий образный строй увертюры: праздник –
трагедия, радость – страдание…
Гармония
как единство противоположных начал
 (6
класс)

 «Моё убеждение таково,
мажорный лад побуждает к деятельности,
отправляет в широкий мир...
Минорный выражает всё невыразимое и томительное…»
И. В. Гёте
В музыке крайне редко
встречаются произведения, в которых выражалось бы полностью безмятежное
настроение. Гораздо чаще музыкальная гармония построена на противоположности
светлого и затемнённого, печального и радостного.
Такое понимание
гармонии как единства противоположных начал заложено ещё в мифологии.
В одном из
древнегреческих мифов рассказывается, что Гармония была дочерью Ареса - бога
войны и раздора и Афродиты – богини любви и красоты.

В своих странствиях Кадм
однажды убил змея и вошёл в пещеру, где раньше жил змей, и увидел там девушку
неописуемой красоты, узницу змея. Когда Кадм и Гармония выходили из пещеры,
Кадм увидел в пасти убитого змея что-то золотое, ярко сверкающее, но не стал
подходить ближе.
Вскоре они увидели спускающуюся с неба лестницу, по которой шли Зевс с Герой,
Посейдон с Амфитритой и Арес с Афродитой. Вмиг появились столы с яствами, и
Зевс объявил, что в награду за подвиг он даёт Кадму в жёны Гармонию. Они зажили
счастливо, но однажды, вспомнив прошлое, Кадм рассказал Гармонии о золоте,
лежащем у пасти змея. Жена тотчас же пожелала его иметь и послала Кадма к
пещере.
У пещеры сидела Афина под видом нимфы и предупредила, чтобы Кадм не брал золото,
но тот испугался гнева жены и нашёл под костями змея золотое ожерелье
невиданной красоты. (Вариант: ожерелье работы Гефеста было подарено Гармонии в
день свадьбы). Когда Кадм принёс ожерелье Гармонии, та решила подарить его
Семеле. Вскоре Семела погибла, сгорев в пламени своего возлюбленного Зевса.
Потом ожерельем владели по очереди Агава и Автоноя, но и те скоро погибли. На
старости лет Кадм и Гармония, потерявшие дочерей, покинули Фивы. «Боги карают
меня за убийство змея, лучше б и мне стать змеёй» - сказал однажды Кадм и
превратился в змею. Гармония бросилась к нему, обвила его тело руками и тоже
стала змеёй. Впоследствии боги перенесли их на острова блаженных.

Соединение коварной и
разрушительной силы и силы вечной юности, жизни и любви - такова основа
равновесия и покоя, олицетворяемых Гармонией. Поэтому гармония в музыке -
искусстве временном, движущемся - почти никогда не предстаёт в своём
законченном виде. Наоборот, она достигается в развитии, борьбе, становлении.
Наверное,
двойственная природа гармонии и стала причиной того, что гармония музыкальная
почти целиком строится на противоположностях. Противоположны светлый мажор и
печальный минор; консонанс своим согласным звучанием противостоит диссонансу с
его напряжённостью; неустойчивый аккорд стремится к разрешению в устойчивый.

Слово
консонанс в переводе с латинского означает согласное звучание, а диссонанс -
нестройное, несогласное звучание.

Ни одно музыкальное
произведение не может быть построено только лишь на благозвучных сочетаниях.
Диссонанс является важнейшим стимулятором развития в музыке. Одна из важнейших
особенностей диссонансов заключается в том, что, будучи несогласованными, они
как бы лишают музыку ощущения покоя, требуют движения, которое обычно
связывается с необходимостью перехода диссонанса в консонанс, его разрешения.
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. ХТК, том 1, BWV 846 (два
варианта исполнения)
Поэтому, не таким
удивительным кажется то, что произведений, подобных Прелюдии До мажор Баха, в
музыке не так много. Гораздо чаще встречаются сочинения, в которых гармония
выражает стремления и страдания, мечты и надежды, тревоги и раздумья - всё, чем
полна человеческая жизнь. И так же как, например, в живописи, где даже самую
простую картину невозможно написать одной краской и одной линией, так и в
музыке никакой замысел не может быть воплощён только каким-нибудь одним
гармоническим средством.
Слушание: Ф. Шуберт. «Серенада» (два варианта исполнения)
Вспомните «Серенаду»
Ф. Шуберта, которую вы слушали недавно. В ней для передачи различных настроений
композитор использовал ладовый контраст – контраст мажора и минора, передающий
различные оттенки чувств героя.
В способности
передавать различные оттенки человеческих чувств, порой прямо противоположные,
состоит одно из коренных свойств музыкальной гармонии.
Гармония во все
времена опиралась на лады, различные по своему характеру. Уже древнегреческие
философы спорили о характере воздействия музыкальных ладов. Они признавали, что
изменение даже одного звука лада придаёт ему совершенно иную
выразительность.
Вспомним хорошо
известные нам мажор и минор, основные аккорды которых отличаются друг от друга
одним-единственным звуком! Но как резко отличается характер их звучания!
«Моё убеждение
таково, - писал великий немецкий писатель и мыслитель И. В. Гёте, - мажорный
лад побуждает к деятельности, отправляет в широкий мир... Минорный выражает всё
невыразимое и томительное».
Вспомните Симфонию №
40 В. А. Моцарта - одного из самых гармоничных композиторов. Как естественно в
ней гармоническое дыхание, соотношение «света» и «тени», как органично
переплетение мажора и минора в их сопоставлении, чередовании, изящной
игре!

Соль-минорная симфония
встаёт как предвестница скорбных и страстных образов зрелого Моцарта. Резко
выделяясь в кругу жизнерадостных симфоний XVIII века, она даже среди
произведений Моцарта кажется необычной гостьей. Но именно потому она открывает
доступ к затаённым мыслям композитора.
С самого же начала первой части вы, вероятно, ощутите в музыке чуть
взволнованную, затуманенную дымкой лирики печаль. Но сразу же контраст - острая
драматическая вспышка. А потом опять лёгкая грусть и опять такая же вспышка.
Так на протяжении всех четырёх частей симфонии будет то восстанавливаться, то
вновь разрушаться душевное равновесие, и мы почувствуем, какой огромной силы
эмоциональный заряд был заложен в первой мелодии, открывавшей симфонию.
Во второй части контраст обостряется: сперва словно бы полное спокойствие, а в
среднем эпизоде - почти трагическое звучание.
Далее менуэт - традиционный менуэт. Но здесь этот благонамеренный танец
аристократических балов наполнен такой взволнованностью и таким драматизмом,
какого никогда ещё не знала танцевальная музыка той эпохи.
И наконец финал. Он проносится как стремительный вихрь, полный контрастов -
одновременно и лёгкий, словно не знающий никаких препятствий, и ещё более
взволнованный, и драматичный, чем менуэт. Вся симфония - словно образ самого
Моцарта, вырывающегося из тисков своего времени, устремлённого в будущее...
О красоте этой музыки говорить невозможно - вслушайтесь в неё, и вы все
почувствуете сами. Моцарт изложил её так ясно и прозрачно, что не услышать её
невозможно!
Моцарт неожиданно раскрыл здесь всю меру своей душевной зрелости, высказал
давно накопившийся протест против всего, что сковывало его творческую волю, его
ум и воображение, надежды, и сделал это с такой смелостью и прямотой, на какую
не решался ни один из современных ему музыкантов. Эта драматическая исповедь
вводит нас в мир глубоких душевных противоречий - поэтических взлётов и скорбных
выводов, идеалистических мечтаний и бурной жажды деятельности.
Шуман сказал про эту симфонию: «Каждая нота в ней - чистое золото, каждая часть
её - это клад» ...

Гармония всегда
возникает из противоположностей и противоречий там, где есть любовь. Ведь
гармония - подлинная душа искусства, его красота и правда.
Вопросы и задания:
1.   В
чём заключается смысл древнегреческого мифа о Гармонии?
2.   Какие
два лада составляют основу музыкальной гармонии?
3.   Подумайте,
гармонично ли музыкальное произведение, звучащее исключительно в мажоре,
содержащее только благозвучные аккорды. Чего в нём не хватает?
Многозначность
понятия гармония. (6 класс)

Есть ли что-нибудь более прекрасное, чем сила гармонии?
Хотелось бы видеть здесь проявление некоей божественной любви,
узнать её происхождение и установить связь с другими силами,
которыми держится Вселенная.
Птолемей
«Гармония» - одно из
самых главных понятий музыкального искусства. Что же оно означает?
Слово «гармония»
возникло далеко за пределами музыки. Люди издавна называли гармонией красоту и
соразмерность, где бы она себя ни проявляла - в архитектурном ли сооружении,
состоянии души или человеческой фигуре.
Древние греки словом
«гармония» определяли даже периоды мирной жизни, свободные от войн и
потрясений.
В музыке слово «гармония»
выражает её основное свойство – благозвучие (благозвучный – приятный на слух).
Благозвучие как порядок в царстве звуков, аккордов, ладов – это и есть
музыкальная гармония.
Как и всякое
искусство, музыка имеет свой собственный «материал». Как цвет в живописи, слово
в литературе, мрамор в скульптуре - так звук в музыке есть её ядро, из которого
рождается музыкальное произведение. Однако любой произвольный порядок звуков
ещё не является признаком гармонии. Послушайте, как звучит случайный набор
музыкальных звуков.
Музыка начинается
лишь тогда, когда её звуки организуются по определённым законам, которым
подчиняется музыкальное произведение.
Великий русский
композитор М. И. Глинка о гармонии сказал так: «Дело гармонии дорисовать
слушателям те черты, которых нет и не может быть в мелодии». Иными Словами -
гармония как бы досказывает мысль, которая заключена в мелодии. Без помощи
гармонии музыкальная мысль не может быть высказана полным голосом.
Гармония - одно из
выразительнейших средств в музыке, это голоса и аккорды, сопровождающие
мелодию. Они составляют с мелодией не только одно гармоническое целое, но
поддерживают, дополняют и украшают её звучание.
Гармония ощутима в
любом произведении. В самых высших своих проявлениях она воздействует как
непрерывно струящийся свет, в котором мы ощущаем отблеск неземной божественной
гармонии. Произведения, отмеченные знаком такой «высшей» гармонии, есть у
многих композиторов - у Баха и Моцарта, Шуберта и Брамса. В таких произведениях
течение музыки несёт печать возвышенного покоя и равновесия.
Одно из таких
произведений – Прелюдия до мажор И. С. Баха.

«Такого чуда, как
Бах, не знает другое искусство. Уметь очистить человеческую природу так, что
она приобретает божественные очертания, вложить духовное рвение в самые
обыденные человеческие поступки, преходящему придать крылья вечности,
обожествить земное и очеловечить божественное - вот что мог Бах - самое высокое
и самое чистое, что дала музыка всех времён ...
Эта музыка - наилучший источник молодости. Она обновляет душу и располагает
провести день в безмятежной и доверчивой радости».
(Х. М. Корредор)

Создавая свой цикл
прелюдий и фуг, известный ныне всему миру под названием «Хорошо темперированный
клавир», Бах ставил перед собой вполне определённую цель: познакомить играющих
на клавире со всеми двадцатью четырьмя мажорными и минорными тональностями, многие
из которых до того времени не были в употреблении.
«Хорошо
темперированный клавир» справедливо считается своеобразной энциклопедией
баховских образов. В редком разнообразии камерных форм «Хорошо темперированного
клавира» раскрывает Бах большой и сложный мир человека, его
художественно-поэтические представления, богатейшую область человеческих
чувств.
Бах тонко использовал
в прелюдии приёмы, идущие от лютневой музыки XVIII века (для щипковых
инструментов характерна фактура из разложенных аккордов), ставшие уже
традиционными в клавирной музыке.
Вслушаемся в звучание
Прелюдии до мажор. Отчего её музыка кажется такой светлой, такой
умиротворённой?
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. Хорошо темперированный
клавир, том 1, BWV 846 в исп. Гарри Купера (клавесин)
Прежде всего этому
способствует характер музыкального течения: негромкий, неторопливый, не
содержащий никаких срывов и неожиданностей. Ничто в прелюдии не меняет
первоначально избранного движения - ни ритм, ни темп ... Лишь только гармония
бесконечно колеблется, мерцает, оборачиваясь то мажорными, то минорными
звучаниями, то чуть омрачаясь, то вновь умиротворяясь.
Вопросы и задания:
1.   Что
мы называем музыкальной гармонией?
2.   Где,
помимо музыки, проявляет себя гармония?
3.   Почему
гармонию, как и мелодию, считают главным средством музыкальной выразительности?
4.   Что
отличает характер Прелюдии до мажор И. С. Баха? Как проявляет себя гармония в
этой прелюдии?
5.   Созвучен
ли образ «Сикстинской мадонны» Рафаэля музыке Прелюдии до мажор? Попробуйте
объяснить, в чём проявляется эта созвучность? (Возможно повторное слушание по
желанию педагога).
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. Хорошо темперированный
клавир, том 1, BWV 846 в исп. Фридриха Гульда (фортепиано)

Взаимодействие национальных
культур в музыкальных произведениях. (6 класс)

 «Музыка, как и любое искусство,
передаёт мысли того, кто её создал,
мысли и чувства тех, кого она изображает…»
В. А. Сухомлинский
Мелодии, как и ритмы, отличаются глубоко
отличаются друг от друга. Они отражают и национальные особенности страны,
красоту пейзажа, и характер человека, и конечно же творческую личность
композитора.
Даже тогда, когда композитор обращается
к сюжету из зарубежного искусства, он вносит в своё музыкальное произведение
столько родных интонаций, что оно становится достоянием национальной культуры
его страны.
Среди таких произведений - чудесный
детский балет «Щелкунчик», написанный П. Чайковским по сказке немецкого
писателя Э. Т. А. Гофмана.
Рождественская музыкальная сказка
Чайковского полна прекрасных ярких мелодий - то напряжённо-драматических
(драматический – связанный с переживаниям), то тихих и нежных, то песенных, то
танцевальных.
Несмотря на обращение к сказочному
сюжету из немецкой литературы, музыка «Щелкунчика» глубоко русская, как и
вообще музыка Чайковского. И новогодние танцы, и волшебные картины зимней
природы - всё в этом балете проникнуто интонациями, близкими и понятными
каждому человеку, выросшему в России. Не случайно сам Чайковский признавался:
«Я ещё не встречал человека, более меня влюблённого в матушку Русь... Я
страстно люблю русского человека, русскую речь, русский склад ума, русскую
красоту лиц, русские обычаи».
«Русское» в балете «Щелкунчик» выражает
себя не только в народно-песенных мелодиях. Скорее мы отмечаем ту огромную силу
чувств и переживаний, которая так свойственна русскому человеку.

Сказка Эрнеста Теодора
Амадея Гофмана «Щелкунчик и Мышиный король» была опубликована в 1816 году. Её
главные герои - девочка по имени Мари и странная игрушка - щипцы для колки
орехов в форме солдатика, тот самый легендарный Щелкунчик, которого подарил
Мари её крестный, сказочник Дроссельмейер. Только он знал, что Щелкунчик - это
не безобразная игрушка, а прекрасный принц, которого заколдовала злая королева
Мышильда.
В рождественскую ночь начинаются сказочные превращения, благодаря которым
Щелкунчик оживает и вступает в схватку с мышами. В этой битве ему помогают тоже
ожившие игрушки Мари. И вот счастливый финал - Щелкунчик убивает Мышиного
короля, тем самым рассеивая злые чары. И Мари, полюбившая уродливую игрушку,
видит перед собой расколдованного принца. Он приглашает её в свою страну, где
объявляет Мари своей принцессой.
Эта бессмертная история, рассказанная нам Эрнстом Амадеем Гофманом и бережно
перенесённая в музыкальное измерение Петром Ильичом Чайковским, напоминает
взрослым о том, что не всё в мире можно купить. Есть ещё и настоящие
неподдельные чувства!

Одна из ярчайших мелодий балета – «Па-де-де» из II действия.
Выдающийся балетмейстер М. Петипа назвал «потрясающей по своему воздействию». (Па-де-де
– танец двоих.)
Эта мелодия, возникающая после
неторопливого вступления, начинается сразу с высшей своей точки. Такой тип
мелодии получил название «вершина-источник». Подобно водопаду, он зарождается
на высоте, и затем уже мелодия движется только вниз, «растворяясь» в пассажах
аккомпанемента.
В «Щелкунчике» эта мелодия выражает
очень многое – и страдания главных героев – Мари и Щелкунчика, и отвагу их помыслов
и поступков, и, наконец, огромную всепобеждающую силу чистой любви.
Слушая мелодию «Па-де-де» из балета
«Щелкунчик», удивляешься, как много в музыке от живой выразительности
человеческой речи! Наверное, в этом её свойстве снова и снова обнаруживает себя
происхождение мелодии от интонации человеческого голоса. Ей доступны малейшие
оттенки - и вопрос, и восклицание, и даже многоточие...
Вслушайтесь в интонационное развитие
музыки этого фрагмента - и вы убедитесь, что в нём присутствует всё многообразие
эмоционального высказывания. Но есть в ней и то, о чём великий романтик Г.
Гейне сказал: «Где кончаются слова, там начинается музыка». Может быть, правота
этих слов особенно очевидна, если речь идёт о мелодии: ведь из всех сторон
музыкальной выразительности именно мелодия ближе всего к интонации живой речи.
Мелодию по праву можно назвать языком,
который близок и понятен всем – людям, живущим в различные времена, говорящим
на разных языках, детям и взрослым. Не означает ли это, что мелодия «угадывает»
нас самих – наши затаённые чувства, наши мысли? Ведь не случайно говорят:
«струны души», когда хотят выразить то, что даёт нам возможность воспринимать и
любить безграничную прелесть окружающего мира.
Вопросы и задания:
1.   Какие
чувства выражает мелодия «Па-де-де» из балета «Щелкунчик» П. Чайковского?
2.   Почему
музыку балета «Щелкунчик», написанную на сюжет немецкой сказки, можно назвать
истинно русской?
3.   Вспомните
несколько мелодий, в которых выражались бы различные интонации: грустная,
ласковая, весёлая и т. д.

Радость
и скорбь в произведениях В. А. Моцарта
(6
класс)

Стихия музыки – могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней.
Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодия всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…
                             Евгений
Винокуров

Немало на свете и
весёлых мелодий, рождённых в минуты радости или в дни праздников. Даже среди
серенад - большей частью грустных и задумчивых – можно найти жизнерадостные и
подвижные мелодии, полные очарования и оптимизма (оптимизм – бодрость,
жизнерадостность).
Кому не знакома
прелестная и грациозная (грациозный – изящный, стройный) «Маленькая ночная
серенада» В. А. Моцарта, мелодия которой полна света и обаяния праздничной
ночи!
В Вене XVIII века
было принято устраивать небольшие ночные концерты под окнами того человека,
которого хотели отметить вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в
его честь, был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной серенаде, а
скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном концерте участвовало несколько
человек - ведь радость объединяет людей!
Для исполнения
серенады Моцарта требовался струнный оркестр - собрание виртуозных и
выразительных инструментов, так волшебно певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой
ночной серенады» пленяет тонкостью и изяществом. В её звуках оживает облик
старой Вены, необычайно музыкального города, где днём и ночью можно было
услышать чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает, что это
не драматическая история, а не более чем беззаботная прелестная музыкальная
шутка.
Очарованный светлыми
моцартовскими мелодиями, русский певец Ф. Шаляпин так выразил своё отношение к
великому венскому классику: «Идёшь в дом, простой, без лишних украшений,
уютный, большие окна, море света, кругом зелень, всё приветливо, и тебя
встречает радушный хозяин, усаживает тебя, и так хорошо себя чувствуешь, что не
хочешь уходить. Это Моцарт».
В этих искренних
словах отражена лишь одна сторона музыки Моцарта - та, что связана с самыми
светлыми образами и настроениями. Но, пожалуй, во всей многовековой истории
музыки не найдёшь композитора, чьи мелодии были бы только радостными и
гармоничными.
И это понятно: ведь и
жизнь никогда не бывает только светлой, только ясной, в ней неизбежны утраты и
разочарования, ошибки и заблуждения. В ней человек не только занят обычными
делами - ходит в детский сад или в школу, занимается спортом или играет на
компьютере. Кроме всего этого он задаётся очень многими вопросами, пытаясь
понять себя, свою жизнь и своё место в окружающем мире. Он думает не только о
том, куда поехать отдыхать или как отпраздновать день рождения, но и о том, что
составляет более важные и серьёзные проблемы - проблемы добра и зла, любви и ненависти,
жизни и смерти.
Именно в искусстве
наиболее ярко проявляют себя те чувства и раздумья, которыми живёт человек. И
поэтому не следует удивляться, когда тот же самый Моцарт, написавший «Маленькую
ночную серенаду», тот Моцарт, которого композитор А. Рубинштейн называл
Гелиосом - богом солнца музыки, о котором восклицал: «Вечный солнечный свет в
музыке- имя тебе Моцарт!» - создаёт одно из самых скорбных во всём мировом
искусстве сочинений - свой Реквием.
Умирающий композитор,
последние месяцы своей жизни посвятивший этому произведению, так писал о нём в
одном из своих писем: «Передо мной моя погребальная (погребальный - похоронный)
песнь. Не могу оставить её незавершённой».

«Реквием» - последнее,
произведение композитора и одно из самых вдохновенных и глубоких музыкальных
творении XVllI века ...
Заказ написать «Реквием» (траурную мессу) Моцарт получил в июле 1791 года.
Заказчик, незнакомый композитору человек в тёмном плаще, не пожелал открыть
своего имени, но с большой аккуратностью выплачивал обещанный гонорар.
Впоследствии, много лет спустя после смерти Моцарта, выяснилось, что
таинственный незнакомец был управляющим некоего графа Вальзега, меломана и
музыканта-любителя. Стремясь прослыть композитором, граф скупал чужие
сочинения, переписывал их от руки и выдавал за свои. Так поступил он и с
«Реквиемом», который в 1793 году был исполнен как произведение графа Вальзега в
память его покойной жены. Когда в начале XIX века в печати появилось сообщение
о предстоящей публикации «Реквиема» Моцарта, возмущённый граф потребовал у
вдовы композитора возмещения убытков».
«Реквием» Моцарта написан на традиционный латинский текст католической
заупокойной службы, которая сложилась в далёком средневековье. Содержание
текста - мольба ... о даровании вечного покоя умершим, мистические картины
страшного суда, образ бога - грозного и милосердного, карающего и прощающего.
Этот канонизированный текст послужил Моцарту лишь канвой, по которой устремилась
его творческая мысль. Гений композитора возвысился над церковными канонами. Не
погребальную мессу - Моцарт создал бесценный памятник своей эпохи великих
философов, революционеров, музыкантов... Его «Реквием» - это глубокая и мудрая
трагическая поэма о жизни и смерти, о судьбах личности и всего человечества;
это взволнованная, трогательная исповедь человеческой души, живущей между
отчаянием и надеждой, правдивый рассказ о её сомнениях и страхах. И что
особенно важно, в музыке Моцарта рядом с религиозным смирением, с готовностью
предстать перед «высшим судом», клокочет мужественный, страстный протест и
неприятие смерти.
Вот почему католическая церковь весьма неохотно допускала исполнение
моцартовского «Реквиема» в своих службах, вот почему он стал преимущественно
достоянием концертной эстрады и пользуется несравненной популярностью в наши
дни.

Реквием был заказан
Моцарту неким незнакомцем, одетым во всё чёрное, который однажды постучался в
дом композитора и передал этот заказ как поручение очень важного лица. Моцарт с
увлечением принялся за работу, в то время как болезнь уже подтачивала его силы.
Душевное состояние
Моцарта в период работы над Реквиемом с огромной драматической силой передал
Пушкин в маленькой трагедии «Моцарт и Сальери». Вот как говорил композитор о
своих тревогах незадолго до смерти.
Мне день и ночь покоя не даёт
Мой чёрный человек. За мною всюду
Как тень он гонится. Вот и теперь
Мне кажется, он с нами сам - третий
Сидит…

Популярная
легенда о том, что композитор был отравлен своим соперником Антонио Сальери,
определённо не имеет под собой оснований.

Моцарт не успел
завершить свой Реквием. Незаконченные разделы после смерти композитора были
дописаны его учеником Ф. 3юсмайром, который был посвящён Моцартом в замысел
всего сочинения.
Не в этих ли во
многом трагических обстоятельствах создания Реквиема заключена его непостижимая
глубина и сила, воплотившая в себе последнюю волю великой души, уже овеянной
дыханием вечности?
Моцарт остановился в
начале «Lacrimosa», дальше он не мог уже продолжать. В этой части, входящей в
кульминационную зону сочинения, после гнева, ужаса, мрака предшествующих частей
наступает состояние возвышенной лирической скорби.
Мелодия «Lacrimosa»
(«Слёзный день») основана на интонации вздоха и плача, одновременно являя образец
глубокой искренности и благородной сдержанности чувства. Необычайная
задушевность и красота этой музыки сделали её широко популярной.
Вопросы и задания:
1.   Какие
настроения передаёт «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта? Как вы думаете,
почему над этой музыкой не властно время, почему её с удовольствием слушают и
взрослые, и дети во все времена?
2.   Какие
интонации звучат в «Lacrimosa» из «Реквиема» В. А. Моцарта?
3.   Задумайтесь:
«Маленькая ночная серенада» и «Реквием» принадлежат перу одного композитора.
Почему, по-вашему, они такие разные?
4.   Приведите
примеры различных произведений одного автора (из области литературы или
живописи), которые отличались бы контрастным характером.

Радость
и скорбь в произведениях В. А. Моцарта
(6
класс)

Стихия музыки – могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней.
Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодия всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…
                             Евгений
Винокуров

Немало на свете и
весёлых мелодий, рождённых в минуты радости или в дни праздников. Даже среди
серенад - большей частью грустных и задумчивых – можно найти жизнерадостные и
подвижные мелодии, полные очарования и оптимизма (оптимизм – бодрость, жизнерадостность).
Кому не знакома
прелестная и грациозная (грациозный – изящный, стройный) «Маленькая ночная
серенада» В. А. Моцарта, мелодия которой полна света и обаяния праздничной
ночи!
В Вене XVIII века
было принято устраивать небольшие ночные концерты под окнами того человека,
которого хотели отметить вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в
его честь, был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной серенаде, а
скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном концерте участвовало несколько
человек - ведь радость объединяет людей!
Для исполнения
серенады Моцарта требовался струнный оркестр - собрание виртуозных и
выразительных инструментов, так волшебно певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой
ночной серенады» пленяет тонкостью и изяществом. В её звуках оживает облик
старой Вены, необычайно музыкального города, где днём и ночью можно было
услышать чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает, что это
не драматическая история, а не более чем беззаботная прелестная музыкальная
шутка.
Очарованный светлыми
моцартовскими мелодиями, русский певец Ф. Шаляпин так выразил своё отношение к
великому венскому классику: «Идёшь в дом, простой, без лишних украшений,
уютный, большие окна, море света, кругом зелень, всё приветливо, и тебя
встречает радушный хозяин, усаживает тебя, и так хорошо себя чувствуешь, что не
хочешь уходить. Это Моцарт».
В этих искренних
словах отражена лишь одна сторона музыки Моцарта - та, что связана с самыми
светлыми образами и настроениями. Но, пожалуй, во всей многовековой истории
музыки не найдёшь композитора, чьи мелодии были бы только радостными и
гармоничными.
И это понятно: ведь и
жизнь никогда не бывает только светлой, только ясной, в ней неизбежны утраты и
разочарования, ошибки и заблуждения. В ней человек не только занят обычными
делами - ходит в детский сад или в школу, занимается спортом или играет на
компьютере. Кроме всего этого он задаётся очень многими вопросами, пытаясь
понять себя, свою жизнь и своё место в окружающем мире. Он думает не только о
том, куда поехать отдыхать или как отпраздновать день рождения, но и о том, что
составляет более важные и серьёзные проблемы - проблемы добра и зла, любви и
ненависти, жизни и смерти.
Именно в искусстве
наиболее ярко проявляют себя те чувства и раздумья, которыми живёт человек. И
поэтому не следует удивляться, когда тот же самый Моцарт, написавший «Маленькую
ночную серенаду», тот Моцарт, которого композитор А. Рубинштейн называл
Гелиосом - богом солнца музыки, о котором восклицал: «Вечный солнечный свет в
музыке- имя тебе Моцарт!» - создаёт одно из самых скорбных во всём мировом
искусстве сочинений - свой Реквием.
Умирающий композитор,
последние месяцы своей жизни посвятивший этому произведению, так писал о нём в
одном из своих писем: «Передо мной моя погребальная (погребальный - похоронный)
песнь. Не могу оставить её незавершённой».

«Реквием» - последнее,
произведение композитора и одно из самых вдохновенных и глубоких музыкальных
творении XVllI века ...
Заказ написать «Реквием» (траурную мессу) Моцарт получил в июле 1791 года.
Заказчик, незнакомый композитору человек в тёмном плаще, не пожелал открыть
своего имени, но с большой аккуратностью выплачивал обещанный гонорар.
Впоследствии, много лет спустя после смерти Моцарта, выяснилось, что таинственный
незнакомец был управляющим некоего графа Вальзега, меломана и
музыканта-любителя. Стремясь прослыть композитором, граф скупал чужие
сочинения, переписывал их от руки и выдавал за свои. Так поступил он и с
«Реквиемом», который в 1793 году был исполнен как произведение графа Вальзега в
память его покойной жены. Когда в начале XIX века в печати появилось сообщение
о предстоящей публикации «Реквиема» Моцарта, возмущённый граф потребовал у
вдовы композитора возмещения убытков».
«Реквием» Моцарта написан на традиционный латинский текст католической
заупокойной службы, которая сложилась в далёком средневековье. Содержание
текста - мольба ... о даровании вечного покоя умершим, мистические картины
страшного суда, образ бога - грозного и милосердного, карающего и прощающего.
Этот канонизированный текст послужил Моцарту лишь канвой, по которой
устремилась его творческая мысль. Гений композитора возвысился над церковными
канонами. Не погребальную мессу - Моцарт создал бесценный памятник своей эпохи
великих философов, революционеров, музыкантов... Его «Реквием» - это глубокая и
мудрая трагическая поэма о жизни и смерти, о судьбах личности и всего
человечества; это взволнованная, трогательная исповедь человеческой души,
живущей между отчаянием и надеждой, правдивый рассказ о её сомнениях и страхах.
И что особенно важно, в музыке Моцарта рядом с религиозным смирением, с
готовностью предстать перед «высшим судом», клокочет мужественный, страстный
протест и неприятие смерти.
Вот почему католическая церковь весьма неохотно допускала исполнение
моцартовского «Реквиема» в своих службах, вот почему он стал преимущественно
достоянием концертной эстрады и пользуется несравненной популярностью в наши
дни.

Реквием был заказан
Моцарту неким незнакомцем, одетым во всё чёрное, который однажды постучался в
дом композитора и передал этот заказ как поручение очень важного лица. Моцарт с
увлечением принялся за работу, в то время как болезнь уже подтачивала его силы.
Душевное состояние
Моцарта в период работы над Реквиемом с огромной драматической силой передал
Пушкин в маленькой трагедии «Моцарт и Сальери». Вот как говорил композитор о
своих тревогах незадолго до смерти.
Мне день и ночь покоя не даёт
Мой чёрный человек. За мною всюду
Как тень он гонится. Вот и теперь
Мне кажется, он с нами сам - третий
Сидит…

Популярная
легенда о том, что композитор был отравлен своим соперником Антонио Сальери,
определённо не имеет под собой оснований.

Моцарт не успел
завершить свой Реквием. Незаконченные разделы после смерти композитора были
дописаны его учеником Ф. 3юсмайром, который был посвящён Моцартом в замысел
всего сочинения.
Не в этих ли во
многом трагических обстоятельствах создания Реквиема заключена его непостижимая
глубина и сила, воплотившая в себе последнюю волю великой души, уже овеянной дыханием
вечности?
Моцарт остановился в
начале «Lacrimosa», дальше он не мог уже продолжать. В этой части, входящей в
кульминационную зону сочинения, после гнева, ужаса, мрака предшествующих частей
наступает состояние возвышенной лирической скорби.
Мелодия «Lacrimosa»
(«Слёзный день») основана на интонации вздоха и плача, одновременно являя
образец глубокой искренности и благородной сдержанности чувства. Необычайная
задушевность и красота этой музыки сделали её широко популярной.
Вопросы и задания:
5.   Какие
настроения передаёт «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта? Как вы думаете,
почему над этой музыкой не властно время, почему её с удовольствием слушают и
взрослые, и дети во все времена?
6.   Какие
интонации звучат в «Lacrimosa» из «Реквиема» В. А. Моцарта?
7.   Задумайтесь:
«Маленькая ночная серенада» и «Реквием» принадлежат перу одного композитора.
Почему, по-вашему, они такие разные?
8.   Приведите
примеры различных произведений одного автора (из области литературы или
живописи), которые отличались бы контрастным характером.

Мелодия
- важнейшее средство музыкальной выразительности (6 класс)

Мелодия всегда будет самым чистым
выражением человеческой мысли…
Ш. Гуно
Если ритм
присутствует везде - и в природе, и в искусствах, то мелодия всецело
принадлежит музыке. Именно с мелодии и начинается музыка как особое искусство.

В переводе с греческого это
слово означает «пение» «песня», «напев» ... Самая первая в мире мелодия была,
наверное, колыбельная. С той поры люди сочинили столько мелодий, что если
каждый день с утра до ночи их слушать, то жизни не хватит, чтобы познакомиться
хотя бы с половиной из них.
Давайте и мы попробуем сочинить мелодию. Заманчиво сверкают клавиши рояля:
пожалуйста, мы к твоим услугам, говорят они. Кажется, легче всего сочинить
какую-нибудь песенную мелодию.
Вспомните какие-нибудь стишки, ну, скажем, такие:
    Чижик, пыжик, где ты был?
    На Фонтанке воду пил...
А теперь, читая про себя эти незамысловатые строчки, ритмично ударяйте по
клавишам. По каким? Да по каким придётся... Ну, что? Не получается мелодия?
Ничего удивительного. Далеко не каждый набор звуков  мелодия.
Оказывается, мелодия создаётся по определённым законам, а устанавливает эти
законы музыкальный слух человека. Звуки в мелодии должны ладить между собой,
как бы вытекая друг из друга, продолжая друг друга.
Мелодии песен и танцев нам всегда понятны. Но вот иногда, слушая серьёзную
музыку, мы встречаемся с мелодиями, которые кажутся нам... немелодичными. А
знатоки и любители музыки слушают их с удовольствием. В чём тут дело?
Композитор С. С. Прокофьев говорил: ...Когда Бетховен сочинял свои мелодии, они
были так новы, что многие современники говорили: «Этот глухой старик не слышит,
что он сочиняет». Между тем Бетховен правильно угадал будущее, и его мелодии
доставляют нам наслаждение через 100 лет после его смерти. То же самое было с
Вагнером, Листом и многими другими замечательными композиторами».
Но неужели, нам, чтобы понять новую музыку и привыкнуть к ней, придётся ждать
сто лет? Нет, конечно. Если вы будете почаще встречаться с самой разной
музыкой, ваш слух станет гибким, послушным и научится понимать самые разные
музыкальные языки.

Первая услышанная,
первая пропетая мелодия становится одновременно и первой музыкой в жизни
человека. В ней есть то, что позволяет нам провести границу между звучаниями
природы и той музыкой, в которой выражена человеческая душа. Не случайно П.
Чайковский, этот великий создатель мелодий, говорил: «Мелодия - душа музыки»,
ибо где, как не в ней - то светлой и радостной, то тревожной и сумрачной -
слышатся нам человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья...
Человек нередко
сравнивал с мелодией то, что казалось ему наиболее прекрасным в окружающем
мире, - пение лесной птицы, журчание ручья, а порой и вообще далёкие от
звучаний образы: плавно изогнутую линию реки или силуэт далёких гор.
У Пушкина в «Каменном
госте» есть такое сравнение: «Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает;
но и любовь мелодия». Великий поэт видит в мелодии вдохновляющую силу, ту силу,
которая есть высший предел человеческих чувств.
Если музыкальный ритм
всё вокруг приводит в движение, рождая танец и присущие ему жесты, то мелодия
воздействует совсем иначе. Она не требует никаких внешних физических проявлений
- ни движений, ни постукиваний в такт. Её восприятие происходит в глубинном,
скрытом плане. Иногда, слушая волнующую мелодию, хочется даже закрыть глаза -
ведь переживание музыки относится к самым сокровенным человеческим чувствам.
Чем же объясняется
воздействие мелодии?
Может быть, тем, что
вначале, задолго до создания музыкальных инструментов, она принадлежала голосу
– человеческому голосу, пением выражавшему то, что бессильны были выразить
слова?
Послушайте чудесную
мелодию «Серенады» Ф. Шуберта - одну из самых проникновенных лирических
(лирический – нежный, задушевный) мелодий, созданных для голоса. Как и любая
другая серенада, она поётся ночью в честь возлюбленной.

Жанр серенады появился как
вокальное или инструментальное произведение, исполнявшееся обычно вечером или
ночью в знак уважения или любви к какому-либо лицу. Часто это была песня с
гитарным аккомпанементом под окном любимой.
После смерти Шуберта его последние четырнадцать песен, написанные летом 1828
года, были выпущены в свет в сборнике «Лебединая песня». Туда вошли такие
шедевры художественной песни, как «Город», «Двойник» и знаменитая «Серенада»,
помещённая в сборнике четвёртой.
Выдающуюся популярность эта лирическая песня на слова немецкого поэта Людвига
Рельштаба приобрела, прежде всего благодаря певучей мелодии широкого дыхания.
Большинство её фраз завершаются мечтательными взлётами. Они звучат, как нежные
призывы к возлюбленной прийти на тайное ночное свидание. Звучанию гитары
подражает и фортепианное сопровождение в «Вечерней серенаде» Шуберта. Оно много
раз вторит в различных регистрах вокальной партии, как бы создавая атмосферу
нежной мечтательности - то трепетной, то восторженной. Этому способствуют
красочные сопоставления с минором одноименного мажора - приём, очень
характерный для гармонического языка композитора.

Серенада (текст песни)
Русский текст Н.
Огарёва, музыка Ф. Шуберта
Песнь моя летит с мольбою тихо в час ночной.
В рощу лёгкою стопою ты приди, друг мой.
При луне шумят уныло листья в поздний час,
Листья в поздний час.
И никто, о друг мой милый, не услышит нас,
Не услышит нас.
Слышишь, в роще зазвучали трели соловья,
Звуки их полны печали, молят за меня.
В них понятно всё томленье, вся тоска любви,
Вся тоска любви.
И наводят умиленье на душу они,
На душу они.
Дай же доступ их призванью, ты душе своей,
И на тайное свиданье ты приди скорей!
Ты приди скорей!
В мелодии «Серенады»
мы угадываем все чувства, которыми живёт сердце возлюбленного в этот ночной
час: и нежную грусть, и томление, и надежду на скорую встречу. Наверное,
«Серенада» Шуберта - о счастливой любви: наступит день, влюблённые встретятся.
И всё же её мелодия открывает нам очень многое - то, чего нет в словах и о чём
вообще рассказать очень трудно.
Молодость,
возлюбленная, ночная песня, летящая к ней, - вот содержание произведения, в
котором перечислено всё, кроме самого главного. Главное же заключено в мелодии,
рассказывающей нам о том, как много печали даже в самой счастливой любви и как
может быть печален человек даже в своей радости.
Серенада Ф. Шуберта
существует и как вокальное, и как инструментальное произведение для фортепиано
и даже для оркестра.
Слушание «Серенады» на выбор педагога:
1.   Шуберт.
«Серенада» из сб. «Лебединая песнь» (исп. И. Архипова на русском языке)
2.   Шуберт.
«Серенада» из сб. «Лебединая песнь» (симфонический оркестр)
3.   Шуберт.
«Серенада» из сб. «Лебединая песнь» (в исп. Дж. Ширли-Квёрка – баритон, Ян
Партридж – фортепиано)
4.   Шуберт.
«Серенада» из сб. «Лебединая песнь». Музыкальная кавер-версия, сделанная
композитором и аранжировщиком А. Волковым на музыку «Серенады» Франца Шуберта.
Вокальные партии исполняют: Ирина Туманова - женский вокал, Андрей Дунаев -
мужской вокал.

Музыкальная
кавер-версия - авторская музыкальная композиция (часто известная) в исполнении
другого музыканта или коллектива. Исполнение кавер-версии может содержать
элементы оригинальной музыкальной композиции, на которую накладываются элементы
новой музыкальной аранжировки.

В современной
интерпретации эта песня, летящая в пространстве, обрела сегодня куда большую
масштабность и мощь, динамику и энергию, стремящиеся к свету. Что-то потеряла,
что-то нашла, но она, как и весь мир, находится в процессе развития - не всегда
простого.
Мелодия - «одно из
древнейших и универсальных проявлений творчества человека», не зря мы говорим:
«найти свою мелодию, свою ноту». Чудес не бывает - чтобы развиваться, быть
творческим человеком, нужно этому учиться: впитывать опыт других, впитывать
красоту. Каждый жанр может подарить свои открытия, но в проверенной временем
музыке великих композиторов: Баха, Моцарта, Вивальди, Бетховена, Вагнера,
Чайковского, Рахманинова, Форе и других - так много состояний, образов,
оттенков, что можно её открывать всю жизнь. Вопрос не в самой музыке, но в том,
что мы можем услышать и понять в ней, а что может пройти мимо нас.
«Музыка своей
мелодией доводит нас до самого края вечности и даёт нам возможность в течение
нескольких минут постичь её величие», — писал Томас Карлейль.
Вопросы и задания:
1.   В
чём заключаются главные отличия выразительности мелодии от выразительности
ритма?
2.   Как
вы понимаете слова П. Чайковского: «Мелодия - душа музыки»? Объясните на
примере «Серенады» Ф. Шуберта.
3.   Какие
музыкальные инструменты могли бы исполнить мелодию в «Серенаде» Ф. Шуберта?

Основные
темпы в музыке (6 класс)

 «Библия музыканта начинается словами:
Вначале был ритм»
(Г. фон Бюлов)

Стремление
музыкального ритма к преодолению «земного притяжения» метрической пульсации –
одно из проявлений эмоциональности в музыке. Ведь и у человека пульс бьётся не
всегда ровно, он ускоряется или замедляется в зависимости от его переживаний,
волнений и тревог.
Если проследить
поведение ритма в музыкальном произведении, то обнаружится, что оно не всегда
одинаково. Где-то ритм поддерживает спокойное и неторопливое повествование, где-то,
наоборот, включается в стремительное движение музыкального потока, где-то
нарочито (нарочито – намеренно, специально) замедляется и даже как будто
замирает.
Здесь мы подходим к
ещё одному средству ритмической выразительности музыки - её скорости, или темпу.
Музыка за долгие века
своего существования научилась движению во множестве темпов - от медленных до
самых стремительных. Каждый из музыкальных темпов имеет своё название, обычно
на итальянском языке. Так, например,
Adagio (адажио) означает «медленно»,
Moderato (модерато) – «умеренно»,
Аllеgrо (аллегро) – «скоро»,
Presto (престо) – «быстро»,
Presto prestissimo (престо престиссимо) – «в высшей степени быстро».
Рядом с этими
названиями могут применяться обозначения усиливающего (molto - мольто – «очень»)
или сдерживающего характера (mа nоn troppo - ма нон троппо – «но не слишком»).
Музыкальный темп в
огромной степени зависит от содержания и характера произведения, от тех
настроений и эмоций, которые в нём преобладают.
Музыка
созерцательного, углублённого характера редко имеет быстрый темп. Музыка же
весёлого или шуточного характера, наоборот, почти никогда не бывает медленной.
Вот почему, даже не зная многих музыкальных произведений, мы можем заранее
угадать их темп по тому, что известно об их содержании или жанре.
Например, органные
хоральные прелюдии И. С. Баха. Как должны они звучать?
Прежде всего
вспомним, что орган был первоначально церковным инструментом и с его звучанием
связывались самые светлые и возвышенные образы. Точно так же и хорал возник как
церковное песнопение, и лишь со временем некоторые композиторы стали включать
мелодии хоралов в свои инструментальные сочинения.
Духовная музыка,
просветлённая, свободная от суеты мира, представляет собой царство медленных и
величественных темпов, то спокойно-отрешённых, то исполненных затаённой
горести, но всегда благородно-сдержанных. «Прекрасное должно быть величаво» -
эти слова А. Пушкина в полной мере относятся к данной области музыкального
искусства.
Органная хоральная
прелюдия «Я взываю к Тебе, Господи» И. С. Баха отличается особой, печальной
красотой, свойственной многим произведениям композитора. Мелодия хорала,
изложенная в верхнем голосе, столь выразительна, что напоминает пение.
Неторопливый темп в
этой прелюдии предстаёт как выражение строгости и собранности, глубокой
сосредоточенности музыкальной мысли.
Совсем по-иному
звучат в музыке быстрые темпы. Быстрые темпы - это мир живых и радостных
эмоций, стремительных танцев, движений, душевных порывов.
3авязалась, закипела,
Все идёт живей, живей,
Обуяла тарантелла
Всех отвагою своей ...
Эй, простору! Шибче, скрипки!
Юность мчится! С ней цветы,
Беззаботные улыбки,
Беззаветные мечты!
Эти слова из
«Неаполитанской тарантеллы» итальянского композитора Дж. Россини.
Тарантелла - один из
самых жизнерадостных и зажигательных народных танцев Италии.
Быстрый темп -
Allegro con brio (аллегро кон брио) – «быстро, с жаром» - кажется ещё более
стремительным благодаря непрерывному движению трёхдольных ритмических фигур, а
также многочисленным подбадривающим возгласам и повторам.

Вопросы и задания:
1.   Почему
органная хоральная прелюдия И. С. Баха «Я взываю к Тебе, Господи» звучит в
неторопливом темпе?
2.   Представьте
мысленно, что «Неаполитанская тарантелла» зазвучала бы в медленном темпе.
Изменился бы её характер?
3.   Назовите
известные вам музыкальные произведения, написанные в быстром или медленном
темпе. Как вы думаете, почему эти произведения написаны именно в этих темпах?

Зависимость
музыкального темпа от характера музыкального произведения.(6 класс)

Как мы уже отмечали,
единый темп редко сохраняется на протяжении всего произведения. Только в
маленьких пьесах может быть выдержано одно настроение от начала до конца.
Гораздо чаще темп чутко следует поворотам и нюансам музыкального развития, то
чуть ускоряясь, то замедляясь.
Более крупные
произведения вообще, как правило, строятся по принципу контрастного чередования
разделов: быстрые части или фрагменты сменяются медленными. Это помогает более
глубоко раскрыть музыкальное содержание и способствует большему вниманию со
стороны слушателей.
Давайте вспомним, как
звучит хор «Поёт зима – аукает» из кантаты Г. Свиридова «Поэма памяти Сергея
Есенина».
Музыкальный темп на
протяжении звучания неоднократно меняется, следуя за изменениями поэтического
сюжета. Но и само стихотворение имеет свою собственную динамику темпа,
рассказывая нам о «песнях и плясках» суровой зимы.
Поёт зима - аукает,
Мохнатый лес баюкает
Стозвоном сосняка.
Кругом с тоской глубокою
Плывут в страну далёкую
Седые облака.
А по двору метелица
Ковром шелковым стелется,
Но больно холодна.
Воробышки игривые,
Как детки шаловливые,
Прижались у окна.
Озябли пташки малые,
Голодные, усталые,
И жмутся поплотней.
А вьюга с рёвом бешеным
Стучит по ставням свешенным
И злится всё сильней.
И дремлют пташки нежные
Под эти вихри снежные
У мёрзлого окна,
И снится им прекрасная,
В улыбках солнца ясная
Красавица весна.
В начале
стихотворения мы слышим, как звенит мохнатый лес, укачиваемый зимним ветром,
затем- как кружит во дворе холодная метелица, наконец, как злится и ревёт
вьюга, стуча по ставням. Усилению злого зимнего образа соответствует нарастание
темпа: музыка звучит всё быстрее и быстрее. И лишь на словах «И снится им
прекрасная, / В улыбках солнца ясная / Красавица весна» в музыке наступает
успокоение, темп становится неторопливым, принося ощущение весеннего тепла и
безмятежности.
Вот как выглядит
схема темповых изменений в хоре «Поёт зима – аукает»:
«Поёт зима- аукает» - = 84
«А по двору метелица» - = 88
«А вьюга с рёвом бешеным» -  = 92
Оркестровый эпизод - =104-108
«И снится им прекрасная» - = 88
Заключение - = 63

Раньше темпы в музыке
определялись приблизительно, по настроению. Но иногда композиторы хотели
обозначить темп очень точно. В начале XIX века немецкий механик Иоганн Мельцель
специально для этого изобрёл метроном. Теперь часто можно встретить в нотах
кроме обычных обозначений темпа ещё и метрономические, цифровые.
Например, ♩ = 120. Это означает,
что за одну минуту должно прозвучать 120 четвертных нот. Нужная скорость легко
находится по метроному. Иногда перед такими обозначениями ставятся буквы ММ,
что означает «Метроном Мельцеля».

О чём же рассказывает
музыкальный ритм?
Что слышится нам в
мерной поступи метра, в причудливом и порой неожиданном рисунке ритма; какую
загадку таят музыкальные темпы? И как всё это, сочетаясь множеством связей,
преобразуется в стройное, совершенное и гармоничное целое - музыкальное
произведение?
Наверное, в каждом из
нас живут представления о красоте.
И мы, современные
люди, в этих представлениях ушли не так уж далеко от древних греков, живших
двадцать столетий назад. То, что казалось прекрасным в те далёкие века, что
породило такие неумирающие шедевры гармонии, как Парфенон или афинский
Акрополь, остаётся прекрасным и сейчас, рождая красоту не только в симфониях и
сонатах, но и в детских стихах, рисунках или песнях.
Мы видим, что из всех
искусств только музыка способна показать нам красоту в движении, в развитии, в
её становлении. А. Блок говорил, что в мире «…катятся звуковые волны, волны
духа». Но точно так же, как сейчас, эти волны катились и сто, и двести лет
назад. В них - наши радости и надежды, поражения и разочарования, всё, чем
полна человеческая жизнь. Лишь музыке подвластно выразить это грандиозное
непрекращающееся движение - движение звёзд и земли, океанов и рек, людских
судеб и чувств. Лишь музыка доносит до нас живой ритм давно ушедших времён.
И хотя мы знаем, что
музыка никогда не воздействует какой-либо одной своей стороной, выступая всегда
в единстве всех выразительных средств, всё же отдадим должное ритму. Ведь не
случайно выдающийся музыкант Г. фон Бюлов сказал: «Библия музыканта начинается
словами: вначале был ритм».
Вопросы и задания:
1.   Почему
в хоре «Поёт зима – аукает» из кантаты Г. Свиридова «Поэма памяти Сергея
Есенина» темп многократно изменяется? С чем это связано?
2.   Почему
именно ритм является основой музыки?
3.   Как
вы думаете, могла бы музыка существовать без ритма?
4.   Как
вы можете объяснить слова: «Порядок, симметрия - коренные свойства ритма».
5.   Приведи
примеры, где ещё, кроме музыки, проявляет себя ритм.

Отличие
между метром и ритмом (6 класс)
Каждое музыкальное
произведение обязательно написано в каком-нибудь определённом размере: 2/4,
3/4, 4/4 и т. д. Однако размер редко совпадает с ритмическим рисунком музыки.
Ритм обычно намного богаче и разнообразнее простой метрической пульсации.

Метр. В
музыке важную роль играет пульсация, организующая её движение. Метр - это
равномерная пульсация и он всегда один и тот же для данного музыкального
размера. Метр задаёт норму отсчёта ритмического движения. Единица пульсации
называется долей. Доли неравноценны: есть сильные и группирующиеся вокруг них
слабые. Чередование сильных и слабых долей образует метр произведения.
Ритм. Для того чтобы создать выразительную мелодию, недостаточно взять
один за другим несколько звуков разной высоты. Их нужно организовать,
соразмерить. Слово «ритм» и означает «соразмерность». Звуки разной
продолжительности, чередуясь, выстраиваются в определённый звуковой рисунок. По
этому рисунку мы узнаем вальс, мазурку, тарантеллу, марш.
Если метр мы изменить никак не можем, то ритм или ритмический рисунок даёт нам
тот самый простор для деятельности и творчества, ибо рисунков ритмических можно
придумать и сыграть массу.

В сочетании
равномерной пульсации метра и постоянной изменчивости ритма, возможно, и
заключён секрет завораживающей власти ритма над человеческим сердцем.
Во всём многообразии
музыки практически не найдёшь произведения, в котором бы метр и ритм полностью
совпадали. Гораздо чаще встречаются произведения, в которых они вступают в
диалог, а порой и в спор, где ритм то и дело пытается преодолеть сдерживающую
силу метра. В таких сочинениях ритм становится необыкновенно изобретательным.
Он всячески избегает совпадения с метрическими долями, то перенося их с сильной
доли на слабую, то прерываясь акцентами и синкопами, как, например, в
знаменитом фрагменте из балета А. Хачатуряна «Гаянэ», получившем название
«Танец с саблями».
Своей яркой
выразительностью эта музыка во многом обязана именно ритму. Его
зажигательность, изменчивость, непредсказуемость сразу же вовлекают слушателя,
в живое и яркое эмоциональное действие.

Балет «Гаянэ» написан
Хачатуряном в 1942 г. В сложное и трагичное время эта музыка прозвучала как
жизнеутверждающий рассказ о любви к Родине, великом подъёме духа советских
людей. Мы сегодня можем по-разному относиться к этой эпохе, но то, что миллионы
людей в то время жили единым порывом, с энтузиазмом строили свою жизнь,
является фактом.
Об этом времени рассказывает и балет «Гаянэ». Герои балета - колхозники и воины
Красной Армии. Действие происходит на полях армянского колхоза и в становище
курдов. Молодая колхозница Гаянэ разоблачает диверсантов - поджигателей складов
с колхозным хлопком. Среди поджигателей и муж Гаянэ. Но это не останавливает
молодую женщину, которая едва не стала жертвой мщения. В борьбе с
мужем-дезертиром она утвердила своё право на самостоятельную жизнь. Теперь
Гаянэ узнала и новое чувство любви. Заканчивается балет большим народным
праздником.
Действие балета развивается по двум самостоятельным, но вместе с тем и глубоко
связанным линиям: с одной стороны - это драма Гаянэ, с другой - картины
народной жизни и в будни, и в праздники. Главной идеей, объединяющей их,
является тема любви к Родине, радости свободного труда, дружбы.
Музыка балета глубоко связана с музыкальной культурой народов Закавказья.
Мелодии его близки народным интонациям, в них проявляются ладовые, ритмические
особенности армянской музыки. Тембры инструментов оркестра как бы подражают
звучанию народных инструментов. Народные сцены, в которых особенно ярко
проявляется эта близость с народным искусством, занимают в балете большое
место. Причём жизнь народа Хачатурян показывает с разных сторон - и в будни - в
работе, и в бедствии, и в день праздничного веселья.
Огромной популярностью среди любителей музыки пользуются такие фрагменты
балета, как «Танец розовых девушек» и знаменитый «Танец с саблями».
Музыка балета «Гаянэ» сразу же шагнула со сцены театра и в виде трёх
оркестровых сюит сегодня живёт самостоятельной жизнью, украшая программы
концертов симфонических оркестров в разных странах мира.

Иногда ритм или даже
короткий ритмический оборот может стать основой яркого образа всего
музыкального произведения. Таково, например, начало симфонии № 5 Л. Бетховена,
которая является очень известным и значительным сочинением. При этом вырастает
оно из короткого мотива, состоящего всего из нескольких нот.
Именно об этом мотиве
композитор сказал: «Так судьба стучится в дверь» - слова, ставшие в дальнейшем
крылатыми. «Мотив судьбы» - с таким названием эти четыре ноты навсегда вошли в
историю музыки.
Послушайте фрагмент
из 1-ой части Симфонии № 5 Л. Бетховена.
Первые такты симфонии
образуют главную ритмическую интонацию.  Удивительная сила мощной
музыкальной энергии, заключённая всего в четырёх нотах, пронизывает всё
развитие произведения – от первых звуков до финала.
Вопросы и задания:
1.   Согласны
ли вы, что в «Танце с саблями» А. Хачатуряна главнейшим средством музыкальной
выразительности является ритм? В чём заключаются его особенности?
2.   Как
по-вашему, в музыке А. Хачатуряна взаимодействуют метр и ритм – совпадают,
дополняют друг друга или «спорят и борются»?
3.   Какую
роль играет «мотив судьбы» в Симфонии № 5 Л. Бетховена?

Музыкальный
жанр (6 класс)

1.   Разнообразие
претворения трёхдольности в танцевальных жанрах.
2.   Своеобразие
ритма мазурки (на примере мазурки си-бемоль мажор, соч. 7 № 1 Ф. Шопена).
3.   Церемонная
поступь, выраженная в музыке полонеза (на примере полонеза ля мажор, соч. 40 №
1 Ф. Шопена).
4.   Претворение
испанских народных ритмов в Болеро М. Равеля.
Музыкальный материал:
1.   Ф.
Шопен. Мазурка си-бемоль мажор, соч. 7 № 1. Фрагмент (слушание);
2.   Ф.
Шопен. Полонез ля мажор, соч. 40 № 1. Фрагмент (слушание);
3.   М.
Равель. «Болеро» (слушание);
4.   Г.
Струве, стихи А. Барто. «Бьют тамтамы» из кантаты для хора и солиста «Голубь
мира» (пение, музыкально-ритмические движения).
Характеристика видов деятельности:
1.   Осознавать
интонационно-образные, жанровые особенности музыки (с учётом критериев,
представленных в учебнике).
2.   Сравнивать
и определять музыкальные произведения разных жанров и стилей (с учётом
критериев, представленных в учебнике).
3.   Творчески
интерпретировать содержание музыкальных произведений в пении, в
музыкально-ритмическом движении.
Так же как
многообразны музыкальные ритмы, как многообразны и музыкальные размеры.
Например, размер 3/4, только что названный основным признаком вальса, в той же
мере является обязательным и для мазурки, и для полонеза, и для болеро! При
этом, несмотря на общий размер, эти жанры очень трудно спутать друг с другом.
Обратимся к жанрам
мазурки и полонеза.
Мазурка
Мазурка – старинный
польский танец, исполняемый в быстром темпе. Он возник в XII веке в
крестьянской среде среди мазуров, смелых польских наездников, и потому в
мазурке мы видим движения, напоминающие пришпоривание. Танец сопровождался
игрой на волынке. Обычно в нём участвовали четыре, восемь или двенадцать пар.
Как это часто бывало,
народный танец приходил в танцевальные залы, салоны, нарядные гостиные и там
менял свой облик. Начиная с XIII века мазурка известна как бальный танец не
только в Польше, но и во многих европейских странах.
Но не так просто было
«справиться» с мазуркой. Уж очень характерная у неё музыка. Не даёт танцевать
гладко и благочинно. Огневой танец!
...Когда гремел мазурки гром,
В огромной зале всё дрожало,
Паркет трещал под каблуком...
Так описывает мазурку
Александр Сергеевич Пушкин.
Но мазурка не только
музыкальное сопровождение танца. Как и вальс, она стала инструментальной музыкой.
Очень любил мазурки польский композитор Ф. Шопен. В форме этого народного танца
он сочинил множество фортепианных пьес.
Вот как звучит
мазурка си-бемоль мажор Ф. Шопена.
Ритмический рисунок
мазурки далёк от размеренной плавности вальса. Он полон острых и угловатых
интонаций, резких акцентов.
Полонез
Ещё один трёхдольный
танец – полонез. Он тоже имеет польское происхождение, что видно даже из его
названия. По-французски слово polonaise означает «польский», по-итальянски оно
так и записывается – polacca, в России было распространено название «польский»
Полонез представляет
собой торжественный бальный танец-шествие, поэтому в его трёхдольности слышится
не лёгкое кружение вальса, а церемонная поступь придворных дам и их кавалеров -
полузабытая картина давно ушедших времён.
Интересно, что
полонез, как и мазурка, поначалу не являлся бальным танцем. В XVI веке он
исполнялся на свадьбах и торжественных церемониях, сопровождаясь пением. Лишь
позднее полонез стал придворным и чисто инструментальным танцем – символом
польского национального духа.
В полонезах, которые
сочинял для фортепиано Ф. Шопен, мы слышим «поступь людей, выступающих с
доблестной отвагой против всего самого несправедливого» - так сказал Ференц
Лист о полонезах Ф. Шопена.
Болеро
Обратимся ещё к
одному танцу – болеро.
Трёхдольность болеро
- танца, родившегося в Испании, в свой ритм заключила характерный стук
кастаньет, выражающийся в ритмической звукоподражательности.
Традиции музыки
болеро с огромной яркостью воплотил в своём «Болеро» для оркестра М. Равель.
Тонкое, глубинное постижение им национального духа этого испанского танца было
столь точным, что имя Равеля – французского композитора первой половины ХХ века
- до сих пор связывается с Испанией.
«Испания - моя вторая
родина», - нередко говорил Равель. Испанская тематика проходит красной питью
через весь его творческий путь: «Испанская рапсодия», «Испанский час», «Болеро»
и др. Испанские мотивы постоянно встречаются в его фортепианных и вокальных
пьесах. В его испанских опусах живёт и дышит Испания с её неповторимыми
красками, ароматом её садов, движениями её народных плясок.
Стихия танца
пронизывает всё творчество Равеля. Но ни в одном произведении композитора эта
завораживающая сила танцевальных ритмов не проявилась так ярко и безудержно,
как в симфонической пьесе «Болеро».
Музыка «Болеро» в
самый короткий срок завоевала широкое признание во всём мире, подлинно
всенародную популярность. Не прошло и двух-трёх лет, как сочинение это, выйдя
за пределы концертных залов, стало достоянием всевозможных аранжировщиков,
переложивших его для самых неожиданных ансамблей.
Знаменитую тему
«Болеро» насвистывали на улице люди, даже и не подозревавшие её происхождения.
«Болеро», совсем неожиданно для Равеля, принесло ему при жизни такую славу,
какой удостаиваются лишь великие композиторы-классики.
В чём же «секрет»
огромного обаяния этого произведения?
Прежде всего в редкой
красоте темы.
Зародившись в
легчайшем звучании флейты на фоне абсолютно неизменной ритмической формулы (два
малых барабана рр), эта тема многократно повторяется всё время на том же
ритмическом фоне, но каждый раз в новой инструментальной «одежде». От повтора к
повтору с неумолимой настойчивостью нарастает сила звучания, расцветает
тембровая палитра, усиливается динамическое напряжение. Новое появление темы -
новая краска. После флейты - кларнет, затем фагот в высоком регистре, за ним
малый кларнет, потом гобой д'амур. Когда общая сила звучания оркестра уже
достигла известной интенсивности, композитор поручает тему двум голосам - флейте
и трубе с сурдиной. Далее мелодия звучит поочерёдно у нескольких саксофонов, у
флейт, поддержанных валторной и челестой, у гобоев, английского рожка и
кларнетов, наконец вступает молчавший до сих пор тромбон, после которого
мелодия передаётся всему составу деревянных инструментов и саксофону. Так
растёт и ширится эта неудержимая лавина.
Н. Заболоцкий,
посвятивший своё стихотворение «Болеро» замечательному творению французского
мастера, намеренно называет Равеля «испанцем». И это звучит как высшая награда!
Итак, Равель, танцуем болеро!
Для тех, кто музыку на сменит на перо,
Есть в этом мире праздник изначальный -
Напев волынки скудный и печальный
И эта пляска медленных крестьян...
Испания! Я вновь тобою пьян!
Но жив народ, и песнь его жива.
Танцуй, Равель, свой исполинский танец,
Танцуй, Равель! Не унывай, испанец!
Вращай, История, литые жернова,
Будь мельничихой в грозный час прибоя!
О, болеро, священный танец боя!
«Испанец» Равель в
этом стихотворении Заболоцкого предстаёт как музыкант, сумевший, подобно
истинному испанцу, войти в изначальную стихию испанских народных ритмов,
плениться их завораживающей красотой и поднять скромный крестьянский танец на
пьедестал общечеловеческого
восхищения.
Вопросы и задания:
1.   Что
объединяет и что различает мазурку и полонез? Расскажите на примере мазурки
си-бемоль мажор и полонеза ля мажор Ф. Шопена.
2.   В
чём причина столь сильного воздействия музыки «Болеро» М. Равеля? Только ли
ритм участвует в создании музыкального образа этого произведения?
3.   «Болеро»
написано в форме вариаций. Можно ли считать выбор композитором данной формы
закономерным? Почему?
4.   Во
время прослушивания обратите внимание на ритмическое подражание звуку
кастаньет. Что оно привносит в восприятие музыки?
5.   Как
вы думаете, почему из всех музыкальных жанров именно танцы отличаются
наибольшей ритмической характерностью?

Многообразные
проявления ритма в окружающем мире
 (6
класс)

В ритме есть нечто волшебное;
Он заставляет нас верить,
Что волшебное принадлежит нам…
И. В. Гёте
Ритм обнаруживает
себя повсюду в окружающем мире. Ритмично чередуются времена года, месяцы,
недели, дни и ночи. Ритмичны человеческое дыхание и биение сердца.
Ритмичны
архитектурные сооружения, дворцы и дома с их симметрично расположенными окнами, колоннами
и лепными украшениями. Всё это говорит о том, что ритм является одной из
первооснов жизни: он присутствует в живой и неживой природе, мы его слышим
и видим – в шуме морского прибоя, в узоре на крыльях бабочки, в срезе
любого дерева, любого сучка.
Может быть, во
всеобщей ритмичности бытия и заключён ответ на вопрос, отчего мы так чувствуем
музыкальные ритмы и отчего это чувство пробуждается в нас уже с первых дней
жизни, задолго до того, как мы научимся различать и понимать слова.
Приходилось ли вам
задумываться когда-нибудь, почему маленькие дети так быстро и легко засыпают
под звуки колыбельной песни? Почему они тут же начинают приплясывать, если
поёшь им какую-нибудь музыкальную прибаутку? Ведь ребёнок ещё не учился ничему
и не знает, что на музыку следует как-то реагировать - двигаться, танцевать и
т. д.
Наверное, это
происходит оттого, что музыкальный ритм наиболее близок восприятию человека.
Воздействуя на него, он способен вызывать ответную реакцию. А любая ответная
реакция - это уже диалог, общение человека с внешним миром, первое ощущение
единения с ним.
Вот почему иногда
говорят, что ритм – изначальная форма связи человека с жизнью, с людьми, со
своим временем.
Люди издавна
стремились понять природу музыкального ритма. Господство ритма во всех сферах
жизни позволило ещё во времена Античности выдвинуть музыку на первый план в
устройстве Вселенной.
Например,
древнегреческий философ и математик Пифагор представлял мир как некий
вселенский музыкальный инструмент. Этот инструмент управлялся «музыкой сфер» -
звучаниями, рождаемыми бесконечным движением небесных сфер. В основе этой
грандиозной картины мира находились четыре начальных божественных числа (1 - 2
- 3 - 4). Они вносили в строение и понимание Вселенной порядок и гармонию.
Порядок, то есть
истина, красота и симметрия (симметрия – соразмерность, пропорциональность
частей целого), наделялся и нравственными качествами. Пифагореец Филолай писал:
«Лжи не принимает в себя природа числа и гармонии... Порядок и симметрия
прекрасны и полезны, беспорядок же и асимметрия (асимметрия – отсутствие
симметрии) безобразны и вредны».
Порядок, симметрия -
коренные свойства ритма. Мы находим их в самых разнообразных музыкальных
сочинениях - от незатейливой детской песенки до сложных оперных и симфонических
произведений.
Вот известное вам
произведение В. А. Моцарта – хор «Волшебные колокольчики» из оперы «Волшебная
флейта». Спойте (послушайте) его, и вы сразу почувствуете лёгкость,
естественность, соразмерность ритма и мелодии. Наверное, поэтому такая музыка
легко запоминается и взрослыми, и детьми.
Несмотря на симметрию
и порядок музыкального ритма, именно в музыке он достигает наибольшего
многообразия. Именно ритм придаёт неповторимый облик музыкальным жанрам,
помогает нам уже с первых тактов узнать вальс и полонез, болеро и тарантеллу,
услышать торжественную поступь марша и величавую приподнятость гимна. Эти ритмы
так характерны (характерный – с ярко выраженными особенностями), что без труда
улавливаются в сочинениях более сложных жанров - симфониях, романсах, ариях. А
порой характерные ритмы можно услышать даже в звуках окружающего мира.
Так, И. Штраус –
«король вальса» утверждал, что первые такты своего знаменитого вальса «Сказки
Венского леса» он уловил в перестуке колёс кареты и только потом записал.
Может быть, поэтому в
Австрии, на родине Штрауса, многие его вальсы считаются подлинно народной
музыкой - так естественно вырастают их ритмы и мелодии из атмосферы, духа,
культурных традиций своей страны.

Музыка Иоганна Штрауса,
титулованного «короля вальса», давно превратилась в символ блестящего праздника
жизни. Красота штраусовских мелодий, роскошь оркестровых красок,
изобретательность и остроумие его танцевальных пьес уже более двух веков
неотразимо воздействуют на любую публику – от простых слушателей до знаменитых
музыкантов мира.
Знаменитый австрийский композитор и дирижёр Иоганн Штраус родился в Вене. Его
отец – Иоганн Штраус-старший был прославленным австрийским композитором и
дирижёром. Штраус-сын прославился как создатель классического венского вальса.
Сочинять он начал очень рано: его первый вальс был написан им в 6-летнем
возрасте. Всего Штраус написал около 500 танцевальных пьес, большинство которых
составляют вальсы. Популярность во всём мире приобрели его вальсы «На
прекрасном голубом Дунае», «Весенние голоса» и «сказки Венского леса». Широко
известны и другие танцы Штрауса – польки, кадрили, галопы.
Сочинял Штраус с удивительной лёгкостью. Он создавал вальс за 1-2 часа. Мог
писать в поезде и в гостях, на рассвете и среди ночи. Не найдя чистых листов
нотной бумаги, Иоганн в порыве вдохновения записывал мелодии на собственных
манжетах, ресторанных салфетках, наволочках и простынях. Он стал всеобщим
любимцем, создав невероятное количество танцевальных мелодий.
Музыка Штрауса до сих пор царит на балах не только в Австрии, но и во многих
других странах мира.

В чём же заключается
неповторимое своеобразие ритма вальса – этого популярного бального танца XIX
века? Прежде всего в его музыкальном размере - 3/4. В этом размере написаны все
вальсы мира, не только венские, но и французские, русские, немецкие ...
Чередование одной
сильной и двух слабых долей такта сразу же навевает образ плавного кружения,
изящного и лёгкого танца.
Замечательная музыка
вальса «Сказки венского леса» получила всенародное признание не только у себя
на родине, в Австрии, но и во всём мире.
Вопросы и задания:
1.   Приведите
примеры, где ещё, кроме музыки, проявляет себя ритм?
2.   Какое
значение придавалось музыкальному ритму в эпоху Античности?
3.   В
чём же заключаются особенности ритма вальса? Расскажите на примере вальса И.
Штрауса «Сказки венского леса».
4.   Можно
ли говорить о присутствии музыкального ритма на картине С. Боттичелли «Весна»?
С ритмом какого музыкального жанра вы бы сравнили ритм этой картины? Почему?

С
чем проявляются традиции и новаторство в музыкальном произведении. (6 класс)

 «Не бойся слов теория, гармония, полифония и т. п.
Относись к ним дружески, и они тебе улыбнутся».
Р. Шуман

...Представьте себе,
что вы пришли в театр. Скоро раздвинется тяжёлый занавес и начнётся спектакль.
Герои старой сказки ещё не появились на сцене, но музыка уже звучит, и вы
захвачены ею.
Оркестр играет интродукцию (интродукция - слово латинского
происхождения, означает «введение» - краткое вступление к оперному или
балетному спектаклю) к балету Петра Ильича Чайковского «Спящая
красавица».
О чём эта музыка? ... Внезапно на вас обрушивается мощное и
жёсткое звучание огромного оркестра. «Колючие», изломанные мелодические линии,
резкое звучание диссонантных (диссонанс - сочетание двух или нескольких
звуков, образующих напряжённое, резкое созвучие. Слово «диссонанс» происходит
от латинского dissonantia, что значит «нестройное звучание») аккордов,
грозные кличи духовых инструментов создаёт музыкальный портрет злой феи
Карабос.
Но вот лёгкий ветерок пассажа арфы переносит нас в волшебный мир
Добра и Красоты: на фоне нежнейшего аккомпанемента появляется прекрасная
мелодия. Это тема феи Сирени. Она спокойно парит, освещаемая светлыми красками
консонантных (консонанс - благозвучное сочетание двух или более звуков. В
переводе с латыни consonantia означает «согласное звучание») аккордов.
Музыка звучит хрупко, беззащитно. Разве может такая фея противостоять натиску
злобной Карабос?
Давайте проследим за
тем, как будет развиваться тема феи Сирени. Сначала мелодию исполняют только
два инструмента: флейта и английский рожок. Затем её ведут скрипки, и вот
наконец из неё рождается новая тема: она звучит у медных духовых инструментов
торжественно и победно. В итоге развития лирическая мелодия превратилась в
героическую.
Чем же вызвано такое
превращение?
Издавна торжественные
церемонии встреч, парадов, приветствий открывались праздничными сигналами
фанфар. Эти духовые инструменты играли мелодии, использующие звуки мажорных
трезвучий. В дальнейшем такие мелодии стали называть фанфарными. Они всегда
связаны с выражением радости. А если их к тому же исполняют медные духовые
инструменты, то они приобретают героический, торжественный характер. Поэтому,
слушая интродукцию, мы верим, что фея Сирени победит Карабос, добро одолеет
зло.
Чтобы поведать об
этом, слова не нужны. Музыка рассказала сказку своим языком, более сильным и
выразительным.
Но как понять
музыкальный язык? Чем он отличается от речи?
Музыкальный язык
богат и разнообразен, потому что в его словаре не просто звуки, а мелодия, лад,
ритм, гармония, тембр, динамика, темп, штрихи, фразировка ...
Всеми этими
элементами музыкального языка в их всевозможных сочетаниях пользуются
композиторы, создавая музыку.
Музыкальный материал, то есть мелодия, гармония и ритм,
безусловно, неисчерпаем.
Пройдут миллионы лет, и если музыка в нашем смысле будет ещё
существовать, то те же семь основных тонов нашей гаммы, в их мелодических
и гармонических комбинациях, оживляемые ритмом, будут всё ещё служить
источником новых музыкальных мыслей.
 П. Чайковский
Музыкальное
произведение мы обычно воспринимаем целиком, в единстве всего, из чего оно
состоит. Трудно, порой просто невозможно выделить в его звучании что-то одно -
мелодию, ритм или тембры. Каждый композитор в своём творчестве стремится к
созданию их единства. Дело ведь не в том, что он изобретает какие-то новые
средства выразительности, а в том, что каждый раз он подчиняет их своему
замыслу, своим представлениям о мире, о жизни, о людях.
Как неповторимы люди,
так неповторимы и их дела. Возьмите любую простую вещь - два разных человека
сделают её совершенно по-разному! Тем более это относится к вещам сложным,
заключающим в себе не только мастерство, но и душевную энергию - ведь в их
создании участвуют воспитание, опыт, вкусы, привычки, образование и
многое-многое другое. Поэтому мы не удивляемся тому, что два композитора,
живущие в одно время и в одной стране, порой так непохожи друг на друга, как
непохожи два разных произведения даже одного композитора или две разные скрипки
одного мастера.
Чтобы понять
музыкальное произведение, мы обращаемся обычно к двум сторонам - традиции
(традиция – то, что унаследовано от предшествующих поколений), в которой оно
возникло, и неповторимому «почерку» его автора.
Почему необходимо
обращение к традиции?
Потому что всё в мире
возникает постепенно, ничто не приходит ниоткуда. Каждая река вытекает из
своего истока и впадает в своё море; мастерству предшествует ученичество,
зрелости - юность ... Новая песня рождается из песенных особенностей своего
времени, новый ритм - из ритмических, новый тембр - из тембровых. Любое
явление, взятое в отрыве от породивших его корней, выглядит нелепо, как
пришелец ниоткуда.
Почему же мы вновь и
вновь ищем в искусстве его уникальность (уникальный – единственный в своём
роде), неповторимость?
Потому что в каждом
значительном произведении, сколь бы сильно ни выражалась в нём традиция,
обязательно есть то, чего ещё не было и никогда уже не будет, потому что миг
творчества, как и любой миг, неповторим.
Единство старого и
нового, образующее каждое музыкальное произведение, вызывает естественный
вопрос: в чём оно проявляется? В биографии композитора? В названиях его
произведений? Отчасти - да.
И жизнь композитора,
и названия его произведений, - всё это помогает нам понять многое в его
творчестве.
Но понимать музыку
следует учиться у самой музыки, в которой фантазия, вдохновение, понимание мира
нашли самое полное своё выражение.
И хотя музыка
воздействует целостно, всё же она очень разная: в одних случаях в такой
целостности солирует ритм, а в других - мелодия, в одних мы погружаемся в
волшебный мир гармонии, в других - в многокрасочное тембровое царство. Это
естественно: ведь в каждом произведении общий замысел диктует выбор необходимых
средств выразительности.
Было бы странно,
если, например, образы сказочного мира вдруг воплотились бы в угловатых, острых
ритмах, а не в красочной гармонии и оркестровки. Также было бы странно, если бы
испанские танцы зазвучали славянской плавностью линий, и т. д.
К счастью, этого
никогда не бывает. Музыкальные сказки по-прежнему, как и всегда, неторопливы и
красочны, а испанские танцы быстры и ритмичны.
Каждое настроение,
каждое чувство, переживание и характер имеют своих музыкальных
«представителей». Что-то выражает себя в мелодии, что-то - в гармонии, а что-то
- в особенных динамических средствах.
Вот почему понимание
музыки требует обращения к тому, что называется, средствами музыкальной
выразительности. Эти средства образуются такими сторонами музыки, как ритм,
мелодия, гармония, полифония, фактура, тембры и динамика. Разумеется,
приведённый ряд может быть продолжен. Каждому музыканту известно, насколько
важны различные штрихи, входящие в понятие артикуляции, ускорения и замедления
темпа, образующие область музыкальной агогики, как необыкновенно выразительна
роль педали.
Вслушайтесь в
музыкальные произведения и постарайтесь подумать не только над тем, что музыка
слагается из различных сторон своего звучания, но и то, чем именно выразительна
каждая сторона. И тогда из текучести и разнообразия, всегда лежащих в основе
музыкальных произведений, вы сможете выделить особенные черты, появляющиеся то
в гармонии, то в тембрах или ритмах и образующие ту неповторимость «лика»,
которая всегда отличала великие произведения музыкального искусства.
Вопросы и задания:
1.   Что
образует единство музыкального произведения?
2.   Что,
кроме знания традиции и новаторства, помогает нам лучше узнать музыкальное
произведение?
3.   Послушайте
Антракт к III действию оперы «Лоэнгрин» Р. Вагнера. Можно ли согласиться, что
сила воздействия этой музыки связана с единством всех её выразительных средств?
Для ответа на этот вопрос постарайтесь охарактеризовать особенности ритма,
лада, мелодии, тембров, динамики.

Роль музыки и музыкантов в
эпоху античности.
(6 класс)

 От сердца до неба
Протянуты звонкие струны.
Мне дорог весь мир…
Валерий Брюсов
Силу музыки люди
знали давно. Ещё боги Древней Греции состязались между собой в пении и игре на
музыкальных инструментах. Музыканты провозглашались пророками, способными
прозревать прошлое и предсказывать будущее благодаря той чудодейственной
памяти, которую заключало в себе их искусство.
Именно музыкант Орфей
был тем единственным человеком, которому открылись ворота в Аид (в греческой
мифологии – Царство мёртвых), это мрачное и таинственное место, тщательно
охраняемое от всех, кто осмелился бы к нему приблизиться.
Однако не войско, не
оружие, не титаническая физическая сила открыли Орфею ворота Аида – их открыли
божественные звуки его лиры и его волшебного голоса.
Не менее
примечательна и та часть античных преданий, которая связана с походом
аргонавтов. Собираясь в плаванье в Колхиду, они взяли с собой Орфея. Всем им
было известно, какую опасность таят в себе моря, населённые демоническими
(демонический – от слова демон – злой дух, коварный) существами. Неминуемую
гибель несла встреча с сиренами, обитательницами морских островов.
Что же зловещего
таилось в этих загадочных существах – полуптицах-полуженщинах? Ведь они не
нападали на мореплавателей, не преследовали их корабли, у них не было ни пушек,
ни ядовитых стрел. Однако был у них другое – божественный голос, необыкновенно
притягательный, далеко разносившийся над гладью морских вод. Слышавшие пение
сирен, не помня себя, бросались в море на их призывный зов и погибали.
Чернильною водой – морями глаже лака –
Мы весело пойдём между подземных скал.
О, эти голоса, так вкрадчиво из мрака
Взывающие: «К нам!»
(из стихотворения Ш. Бодлера «Плаванье»)
Взятый в плаванье
Орфей заглушал сирен пением и игрой на лире. Одиссей же, ещё один герой
мифов, проплывая мимо острова сирен, привязал себя к мачте корабля и залил
воском уши своих товарищей, чтобы они спаслись от искушающего гибельного
призыва.
Среди чудесных оркестровых ноктюрнов К. Дебюсси есть пьеса, которая
так и называется «Сирены». В его музыке нет ничего зловещего, это – яркая
пьеса-картина, в которой звучит и необозримое пространство морских далей, и
красочность изумрудных вод, и шум волн, и звучащее над всем этим очаровательным
пейзажем прекрасное пение сирен, исполняемое женским хором. В образе сирен
воплощаются красота и смерть, восторг и гибель – одна из вечных тем искусства.
Слушание: К. Дебюсси. «Сирены» из симфонического цикла
«Ноктюрны».
Божественная музыка,
таящая гибель в своём манящем призыве, не столь уж частое, но очевидное
доказательство необыкновенной силы этого искусства.
Лира. От сердца до неба протянуты звонкие струны…
Каждый музыкальный
инструмент своим неповторимым тембром, особой харизмой отражает одну из граней
человеческой души, одну из граней нашего мира. А с чем у вас ассоциируется
лира? Попробуйте представить себе звучание этого инструмента… Какие образы,
какие чувства пробуждаются в вашей душе? Прозрачность, чистота, гармония, звёздное
небо, Аполлон, Музы, Орфей?.. Чувствуете, мы ещё не слушали переборы струн, а в
воздухе уже что-то витает…
Дивная музыка -
Тайны гармонии
Чуть пробуждаются,
Тихо качаются
В тенях безмолвной души…
Валерий Брюсов
Греческий миф
рассказывает, что лиру изобрёл юный Гермес, вестник богов: однажды он отважился
посягнуть на стадо священных коров, принадлежавших Аполлону. Аполлон, стремясь
восстановить справедливость, обратился к Зевсу с просьбой, чтобы тот рассудил
их. Гермесу ничего не оставалось, как во всём признаться перед владыкой Олимпа.
Но пока Аполлон возвращал своих коров из пещеры, проворный Гермес сел на
камень, достал свою лиру, которую до этого сотворил из панциря черепахи,
коровьих рогов и трёх струн, и самозабвенно заиграл на ней. Дивные звуки
наполнили долину. Изумлённый Аполлон с восторгом слушал игру Гермеса и тут же,
не раздумывая отдал ему всех священных коров в обмен на лиру.
Продолжая историю
этого инструмента, другие мифы говорят, что Аполлон подарил свою лиру, но уже
семиструнную, легендарному певцу Орфею, который и принёс её в мир людей. Имя
Орфей означает «Исцеляющий светом», его музыка очищала душу, исцеляла её,
наполняла небесной гармонией.

Миф о любви Орфея и Эвридики
рассказывает, что игрой на лире Орфей мог заворожить не только людей: реки
останавливали своё течение, птицы, деревья и свирепые животные - все замирали и
внимали её звукам.
Возлюбленная Орфея, Эвридика умирает от укуса змеи, душа её направляется в
подземный мир к Аиду, и Орфей, ведомой силой любви к своей возлюбленной,
спускается за ней. Великая любовь Орфея вызвала сострадание в сердце Аида,
который разрешает ему вывести Эвридику из подземного мира, но с условием: если
он оглянется и посмотрит на неё, прежде, чем Эвридика выйдет на свет дня, он
потеряет её навсегда. Но когда цель уже казалось бы была достигнута, и он
должен был соединиться с Эвридикой, его одолевают сомнения. Орфей оборачивается
и теряет свою возлюбленную, великая любовь соединяет их только на небе.

Слушание: К. Глюк. «Мелодия» из оперы «Орфей и Эвридика».
Какая чудодейственная
сила жила в этом инструменте?
Оказывается, каждая
струна лиры Орфея символически была связана с одним из божественных законов и с
одним из божественных достоинств души, пробудив которые, человек мог познать
свою истинную природу. Лира была связана и с Музами, прекраснейшими дочерьми
богини памяти Мнемозины, присутствие которых было для людей священным.
Музы, молю - из толпы многогрешного рода людского
Вечно влеките к священному свету скиталицу душу! –
поётся в одном
античном гимне.
О лире мы знаем
больше как об инструменте символическом, никто никогда не слышал её голоса. Но
так хочется иногда закрыть глаза и услышать звуки, которые, едва коснувшись
тебя, уносят прочь всю тяжесть, наполняют душу свежим дыханием, пробуждают
забытые, но дорогие сердцу мечты.
Ведь лира звучит не
только благодаря струнам… В ней живёт тихий, но сильный зов Неба, который
когда-то в неё вдохнули Боги. Он звучит и сейчас, хотя струны лиры давно
умолкли.
Давайте на миг
остановимся и прислушаемся: может, звуки лиры похожи на журчание чистого
родника, на лёгкий шелест ветра, играющего весенней листвой; а может, отзвук
серебряных струн слышится в чистом смехе ребёнка, в шёпоте влюблённых, в вечной
молитве материнского сердца?
…Звуков по-прежнему
не слышно, но в душе возникли знакомые чистые и трепетные чувства…
Анна Мироненко (из журнала «Человек без границ»)
Вопросы и задания:
1.   Почему
только Орфею открылись ворота в Царство мёртвых?
2.   Всегда
ли сила музыки подчинена добрым намерениям? Расскажите на примере пьесы К.
Дебюсси «Сирена».
3.   Рассмотрите
нотную запись темы сирен. Прослушайте её. Что слышится в её звучании?
4.   Звучание
какого инструмента усиливает живописность музыкального образа в «Сиренах»
Дебюсси?
5.   Есть
ли в кажущейся безмятежности ноктюрна Дебюсси какой-либо оттенок грусти? Где вы
его заметили? Каким средством музыкальной выразительности он передаётся?

Возвращение
к темам, сюжетам и образам в произведениях искусства разных времён (6 класс)

Чем больше узнаёшь
музыку, тем больше удивляешься - сколько в ней повторяющихся тем, сюжетов,
образов. Как в жизни отдельного человека, так и в жизни всего человечества не
бывает ничего лишнего, устаревшего, изжившего себя.
По-прежнему, как и в
старые времена, поёт в произведениях композиторов волшебная лира Орфея,
происходят сказочные чудеса, вновь и вновь возрождаются древние молитвы.
Над ними время не
властно: здесь нет забвения, здесь царствует вечность. И примечательно, что на
заре цивилизации, в античной Греции, фантазия людей поставила у истоков всех
искусств Мнемозину – богиню памяти.
Существует даже такое
предание: вблизи пещеры Трофония (предсказателя человеческих судеб) находились
два источника, имеющие названия Лета и Мнемозина. Испивший из первого источника
забывал свою жизнь и её тяготы, испивший из второго запоминал всё, что видел и
слышал.
Лета и Мнемозина –
также имена греческих богинь: богиня забвения Лета, уносит воспоминания о
земном и преходящем; богиня памяти Мнемозина даёт человеку великую
созидательную силу – увековечить каждое мгновение жизни.
Именно Мнемозина
стала матерью всех девяти муз, покровительствующих искусствам, передав им в
наследство самую поразительную способность, отличающую искусства и поныне. Это
способность наделять бессмертием всё, к чему они прикасаются.
Контуры зверей,
начертанные в первобытных пещерах, и лучезарные города – памятники Греции
и Италии, полотна живописцев, дающие панораму лиц, костюмов и
обычаев, и пламенные стихи, запечатлевшие живой жар сердца какого-нибудь
неведомого нам средневекового рыцаря, – всё это неисчислимые чудеса, подаренные
нам искусством.
Ушли в небытие
столетия, люди и их дела, угасли страсти, но неповторимое ощущение времени, в
котором нам не довелось жить, но которое мы помним самой главной памятью,
данной человеку, – памятью души.
Послушайте пьесу
«Старый замок» М. Мусоргского из известного вам цикла «Картинки с выставки».
Образ средневековой
старины дан как воспоминание об ушедшем мире, над которым уже не властно время.
Состояние вневременности, вечности передано в музыке с особой статичностью всех
её выразительных средств: однообразием ритма, органным пунктом – выдержанной
нотой в басу, сохраняющейся на протяжении всей пьесы, несколько отстранённой,
уже словно бы внеземной мелодией, звучащей как печальная песня трубадура.
Однако эта музыка,
явившаяся к нам подобно призраку, как будто из другого мира, вызывает у
слушателя живое сожаление об ушедших временах с их рыцарями и прекрасными
дамами, величественными замками и чудесными песнями. И именно в сегодняшнем, тёплом
эмоциональном переживании заключено главное доказательство того, что искусство
несёт в себе не механическую память, а именно душу времени. Прикосновение к
этой душе, как к великой загадке, вновь и вновь вдохновляет поэтов и
музыкантов, и они обращаются к вечным темам и образам, «примеряя» их к
современности.
Вот почему и сейчас
музыканты по всей России собирают исчезающие крупицы народной музыки,
запечатлевшие в себе память ушедших веков, создают музыкальные коллективы,
возрождающие исполнение забытых духовных песнопений, когда-то составлявших
неотъемлемую часть жизни русского человека. Композиторы все чаще обращаются к
древним пластам культуры, вводя в свои композиции мелодии, звучавшие много
веков назад.
Так столетия ведут
свой неторопливый разговор. Это разговор равных: ведь в искусстве, в
отличие от других видов деятельности, нет примитивных эпох. Каждая дала свои
образцы непревзойдённой силы и величия: и блистательная АНТИЧНОСТЬ, и
озарённое духовностью СРЕДНЕВЕКОВЬЕ, и любознательное ВОЗРОЖДЕНИЕ, и
гармоничный КЛАССИЦИЗМ, и мечтательный РОМАНТИЗМ. Есть своё величие и
у МУЗЫКИ ХХI ВЕКА, ещё пока не имеющей собственного названия, кроме -
СОВРЕМЕННОСТЬ.
Человечеству, как и
отдельному человеку, нужна вся музыка - и та, что звучит сегодня, и та, что создавалась
в предшествующие века.
Чем больше «миров»
открыл для себя человек в искусстве, тем более яркими гранями раскрывается
перед ним жизнь. Ведь в сотни раз богаче и драгоценнее каждый её миг, если он
озарён светом любви и восхищения всех воспевших его в своих стихах и своих
песнях.
Вопросы и задания:
1.   Каким
предстаёт старый замок в пьесе М. Мусоргского? Какие средства музыкальной
выразительности участвуют в создании музыкального образа?
2.   Можно
ли сказать, что прошедшие столетия живут в памяти людей?
3.   Назовите
главнейшие культурные эпохи.

Скачано с www.znanio.ru

alt: Реальность и фантазия в жизни человека

alt: Екатерине он посвятил романс, написанный на пушкинские стихи, посвящённые её матери, и тогда же стал работать над фортепианным «Вальсом-фантазией» - своего рода поэмой вальса, вдохновлённым…

alt: Мармонтеля. Его игру отметили Лист и

alt: Травиате» Верди), сначала растерялась

alt: Блеснул зубов жемчужный ряд,

alt: Далее менуэт - традиционный менуэт

alt: Почему гармонию, как и мелодию, считают главным средством музыкальной выразительности? 2

alt: Он думает не только о том, куда поехать отдыхать или как отпраздновать день рождения, но и о том, что составляет более важные и серьёзные проблемы…

alt: Его «Реквием» - это глубокая и мудрая трагическая поэма о жизни и смерти, о судьбах личности и всего человечества; это взволнованная, трогательная исповедь человеческой души,…

alt: Мне день и ночь покоя не даёт

alt: Стихия музыки – могучая стихия,

alt: Вальзега в память его покойной жены

alt: Моцарт не успел завершить свой

alt: По каким? Да по каким придётся

музыка

group: Дисциплины

доп. образование детей

group: Другое

title: Реальность и фантазия  в жизни человека и в музыке.