Eraserhead
est un film expérimental américain relevant du body horror écrit, réalisé, produit et monté par David Lynch, sorti en 1977. 

Tourné en noir et blanc, il s'agit du premier long métrage du cinéaste, après plusieurs courts. Jack Nance, fidèle collaborateur de Lynch à la suite du film, y interprète Henry Spencer, un jeune père qui doit s'occuper de son enfant déformé dans un paysage industriel désolé. Charlotte Stewart, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts, Laurel Near et Jack Fisk complètent la distribution.

Découlant d’un scénario de 22 pages qualifié par son auteur d’,  est produit avec le soutien de l'American Film Institute (AFI) pendant que Lynch y étudie. Le tournage, principalement réalisé dans les locaux désaffectés de l’AFI, demande près de cinq ans à lui seul, notamment pour des raisons budgétaires, et ne peut être terminé que grâce à des dons de Fisk et de son épouse Sissy Spacek. Lynch et le designer sonore Alan Splet passent ensuite une année à travailler sur l'atmosphère sonore principalement constituée de bruits de machines, après avoir insonorisé leur studio. Lynch crée également la bande originale du film en collaboration d'autres musiciens, en particulier Fats Waller, pour les partitions à l'orgue, et Peter Ivers, pour la chanson In Heaven. Le budget final est estimé à .

À l'origine distribué à petite échelle, le film gagne en popularité grâce aux programmes nocturnes des cinémas : en tant que , il est élevé au fur et à mesure au rang de « film culte ». S'il reçoit un accueil mitigé de la part de la critique à sa sortie,  est désormais considéré comme un classique du cinéma fantastique, ce qui lui vaut d'être sélectionné pour préservation par le National Film Registry de la bibliothèque du Congrès des États-Unis en raison de son intérêt  en 2004.  est aussi connu pour son imagerie surréaliste, son sous-texte sexuel ainsi que sa conception sonore complexe.

Synopsis

Résumé détaillé 

 débute par une séquence dans l'espace. La caméra s'approche d'une planète où se trouve une petite cabane dans laquelle un homme défiguré (Jack Fisk) tire des leviers. Un des leviers déclenche la chute d’une créature à l’apparence d’un ver dans une mare. Émergeant peu à peu de la mare, la lumière devient de plus en plus intense jusqu’à un fondu au blanc.

Henry Spencer (Jack Nance) est un imprimeur « en vacances » d’allure nerveuse. Le jeune homme arpente les terrains vagues près des usines jusqu’à son appartement. Là-bas, il apprend qu’il est invité chez les parents de sa copine, Mary X (Charlotte Stewart), qui ne l’avait pas contacté depuis longtemps. Henry croyait qu’elle avait mis fin à leur relation.

Le repas chez la belle-famille prend place dans une atmosphère encline au malaise. La mère de Mary X (Jeanne Bates) talonne véritablement Henry tandis que le père de Mary (Allen Joseph) est un personnage totalement déconnecté de la situation tendue qui règne autour de la table. Après avoir tenté de découper un poulet qui s'anime et se met à suinter un liquide noir, Henry apprend qu’il est le père d’un enfant prématuré de Mary. Il se voit donc dans l’obligation de se marier avec elle.

Mary et le bébé emménagent dans l’appartement d’une pièce d’Henry. On aperçoit alors l’enfant pour la première fois. Avec une apparence proche du fœtus d'agneau et hideusement déformé, il ne cesse de gémir. Ces couinements viendront à bout de Mary qui, incapable de dormir, quitte Henry et le laisse seul avec la petite créature.

Ce départ est suivi par une suite d’événements des plus étranges, incluant la rencontre avec la « dame dans le radiateur » (« Lady in the Radiator »), une femme blonde aux joues grotesquement hypertrophiées à la Betty Boop, qui chante et vit sur la petite scène d'un music-hall caché dans le radiateur de la chambre d’Henry. Il aura, par la suite, une relation sexuelle avec sa voisine, la « jolie fille de l’autre côté du couloir » (« Beautiful Girl Across the Hall »).

Le titre  (« tête effaceuse » en français) prend toute sa signification durant le dernier quart d'heure du film. La tête d’Henry se détache alors de son corps et s’enfonce dans une flaque de sang, tombe du ciel pour atterrir dans une ruelle où elle s’ouvre. Un jeune garçon (Thomas Coulson) trouve la tête et l’emporte dans une fabrique de crayons où Paul (Darwin Joston), un réceptionniste, appelle son patron (Neil Moran) en appuyant avec insistance sur le bouton d'une sonnette. Le patron furieux entre dans la pièce mais change aussitôt d’humeur en apercevant ce que le jeune garçon leur apporte. On transporte la tête dans une autre pièce où un opérateur de machine à faire des crayons (Hal Landon Jr.) prend un échantillon du cerveau d’Henry et l’appose sur le bout d’un crayon. Il teste cette « gomme » qui s’avère efficace, et le jeune garçon est payé par le patron de l’usine. L'image d'Henry dans son lit laisse ensuite penser que toute cette séquence n'était qu'un rêve.

Un peu plus tard, Henry aperçoit par sa fenêtre deux hommes qui se battent dans la rue. Il tente d’aller voir la jolie fille de l’autre côté du couloir mais celle-ci est avec un autre homme. Le bébé est pris d'un rire sarcastique, Henry prend alors une paire de ciseaux et coupe les bandages dans lesquels l’enfant est enroulé. On s’aperçoit bien vite qu’ils donnent directement sur les organes vitaux de la créature. Pendant que celle-ci hurle de douleur, Henry plante les ciseaux dans ses poumons. Le système électrique de l’appartement disjoncte et les lampes se mettent à clignoter, puis s’éteignent. Une tête géante de l’enfant apparaît dans la chambre. Henry retourne sur la petite scène du music-hall où la dame du radiateur l'accueille tendrement dans ses bras. La scène est inondée de lumière et un bruit blanc fait un crescendo. Puis tout devient noir et silencieux pendant quelques secondes avant le générique de fin.

Fiche technique 
 Titre original : 
 Titre français : Labyrinth Man
 Réalisation : David Lynch
 Scénario : David Lynch
 Musique : Peter Ivers, David Lynch
 Photographie : Herbert Cardwell, Frederick Elmes 
 Montage : David Lynch
 Décors : David Lynch
 Effets spéciaux : David Lynch
 Production : American Film Institute, David Lynch
 Budget :  (estimation)
 Box-office : 
 Pays d'origine : 
 Langue originale : anglais
 Genre : fantastique, horreur (body horror), drame
 Durée : 
 Format : Noir et blanc -  - 1.85 :1 - Mono 
 Dates de tournage : du  à 
 Dates de sortie : 
 États-Unis :  (Festival Filmex),  
 France : 
 Interdit aux moins de 16 ans

Distribution 
 Jack Nance : Henry Spencer
 Charlotte Stewart : Mary
 Allen Joseph : Bill, le père de Mary
 Jeanne Bates : la mère de Mary
 Judith Anna Roberts : la voisine de palier
 Jack Fisk : l'homme sur la planète
Laurel Near : la dame du radiateur
 V. Phipps-Wilson : la propriétaire
 Jean Lange : la grand-mère de Mary
 Darwin Joston : Paul, l'homme à l'accueil de l'usine de crayons
 Thomas Coulson : le garçon qui ramasse la tête
 John Monez : le vieux clochard
 Neil Moran : le patron de l'usine de crayons
 Hal Landon Jr. : l'opérateur de la machine à crayons

Autres acteurs : Jennifer Lynch, Brad Keeler, Peggy Lynch & Doddie Keeler, Gill Dennis, Toby Keeler, Raymond Walsh

Production

Préproduction 

Dans sa jeunesse, David Lynch étudie à l'Art Institute of Philadelphia pour devenir artiste peintre et plasticien et réalise plusieurs courts-métrages pour animer ses peintures. En 1970, son attrait pour le cinéma grandit et à 24 ans, il obtient une bourse pour intégrer le Center for Advanced Film Studies à l'American Film Institute (AFI) de Los Angeles. Lynch n'aime pas le cursus et envisage d'abandonner, mais change d'avis après qu'on lui propose de produire son propre scénario. L'AFI l'autorise à disposer de l'ensemble du campus comme décor de son film. Il transforme les écuries désaffectées de l'école en une série de plateaux et décide d'y vivre. Il est également autorisé à se servir du manoir Greystone, appartenant à l'AFI, pour y tourner plusieurs séquences.

Lynch commence à travailler sur un scénario intitulé , basé sur une de ses peintures mettant en scène un personnage vouté, le dos recouvert de végétation.  est un scénario surréaliste traitant de l'adultère. Il met en scène un insecte grandissant sans cesse représentant la convoitise d'un homme pour sa voisine. Il aurait donné lieu à un film d'environ 45 minutes, ce que l'AFI trouve trop long pour un scénario aussi figuratif et non-linéaire. À la place, Lynch propose , inspiré par un de ses rêves où un enfant ramène la tête d'un homme à une usine de crayon. Plusieurs membres du conseil d'administration de l'AFI sont toujours opposés au projet jugé là encore trop surréaliste mais ils acceptent à contrecœur quand le doyen  menace de démissionner s'il est refusé. Le scénario de Lynch est fortement influencé par ses lectures d'étudiant en cinéma, dont La Métamorphose (, 1915) de Franz Kafka et Le Nez (, 1836) de Nicolas Gogol. Le film prend forme dans son esprit en lisant un verset de la Bible ouvert à l'aveugle . En 2007, il affirmera  sans vouloir développer outre mesure.

Le scénario serait également inspiré de la peur de la parentalité de Lynch, notamment à la suite de la naissance de sa fille Jennifer née avec une forme sévère de pied bot, nécessitant une correction chirurgicale lourde. Pour Jennifer, sa conception non désirée est la base thématique du métrage. Le ton du film trouve son inspiration dans les souvenirs du passage de Lynch à Philadelphie, où il a vécu de 1965 à 1971 et qu'il décrit comme , une atmosphère de . Le décor urbain d' rappelle la  dans laquelle il a passé ses jeunes années d'adulte. Pour le critique Greg Olson, c'est un revirement considérable vis-à-vis de l'enfance du cinéaste passé dans le Nord-Ouest Pacifique, lui donnant une  qui façonnera toute sa filmographie.

Le casting débute en 1971 et Jack Nance est rapidement sélectionné pour interpréter le rôle principal. Mais l'AFI sous-estime l'ampleur du projet en lui donnant son accord. Après avoir lu le scénario de 22 pages et se basant sur le ratio usuel dans l'industrie du cinéma d'une minute de film pour une page de scénario, ils estiment que le film ne devrait pas dépasser une vingtaine de minutes. Ce malentendu, couplé à la méticulosité de Lynch, entraine le film dans une production de plusieurs années. Exemple extrême de ce laborieux calendrier : dans une scène, Nance ouvre une porte et il se passe une année complète avant qu'il ne soit filmé entrant dans la pièce. L'acteur, cependant, est tellement enthousiasmé par le projet qu'il garde la coiffure peu orthodoxe de son personnage pendant toute la production.

Tournage 
Lynch obtient dans un premier temps une bourse de  de la part de l'AFI. En 1973, l'institution demande à voir le film et Lynch leur montre la scène du dîner chez les parents de Mary, à la suite de quoi elle retire son financement. Par la suite, le tournage est intermittent et s’étale au total sur une période de plus de deux ans et demi. La production d' ne peut se poursuivre que grâce de faibles et ponctuels apports financiers de la part d’amis et de proches de l’équipe de tournage, dont Jack Fisk, ami d'enfance de Lynch, et sa femme Sissy Spacek, et Catherine E. Coulson, la femme de Nance, qui travaille à l'époque en tant que serveuse et qui fait don de son salaire. Lynch lui-même travaille en tant que livreur de journaux en parallèle pour financer le film. Durant l'une des nombreuses pauses du tournage, Lynch réalise le court-métrage The Amputee (1974) profitant de la volonté de l'AFI de tester son matériel sur de petits projets avant de se lancer des longs-métrages. Le court met en scène Coulson, qui continuera à travailler sur  en tant que technicienne. L'équipe technique se limite alors à Lynch, le designer sonore Alan Splet, le directeur de la photographie Herb Cardwell, qui quitte la production pour des raisons financières et est remplacé par Frederick Elmes, la directrice de production et accessoiriste Doreen Small, et Coulson, qui cumule plusieurs rôles. Les décors du film sont démantelés et reconstruits à plusieurs reprises.

Les effets visuels utilisés pour créer l'enfant déformé sont encore aujourd'hui tenus secrets. Le projectionniste qui travaille sur les rushes a les yeux bandés par Lynch pour éviter de révéler la nature du trucage et refusera d'en parler en interview. La créature, surnommée "Spike" par Nance, est composée de plusieurs éléments indépendants, en particulier son cou, ses yeux et sa bouche, capables de mouvements autonomes. Lynch lui-même est resté cryptique à son propos, déclarant de temps à autre qu'il  ou . Pour John Patterson, journaliste à The Guardian, la marionnette a peut-être été fabriquée à partir d'un lapin écorché ou d'un fœtus d'agneau. L'enfant est vu comme l'initiateur d'autres effets du même genre dans la filmographie de Lynch tel que le maquillage de John Merrick dans Elephant Man (1980) ou les vers de sable dans Dune (1984).

Durant la production, Lynch expérimente plusieurs techniques visuelles et sonores, dont celle d'enregistrer un dialogue lu phonétiquement à l'envers puis reproduisant la piste audio à l'envers. La technique n'apparait pas dans la version finale du film mais Lynch s'en servira pour l'épisode Comment attraper un tueur (S01E02) de la série télévisée Twin Peaks (Lynch et Mark Frost, 1990). C'est également lors de la production d' que Lynch commence à s'intéresser à la méditation transcendantale, adoptant un régime végétarien et arrêtant de fumer et de boire de l'alcool.

Post-production 
Lynch conçoit l'environnement sonore avec Alan Splet. Ils créent des couvertures insonorisantes pour isoler leur studio, où ils passent presque une année complète à réaliser et éditer les effets sonores du film. La bande-son est densément stratifiée, avec parfois jusque quinze sons différents, diffusés simultanément en utilisant plusieurs bobines. Lynch et Splet redoublent d'imagination pour créer leurs sons. Ainsi, dans la scène où un lit se dissout lentement dans une piscine de liquide, Lynch et Splet insèrent un microphone à l'intérieur d'une bouteille en plastique, la faisant flotter dans une baignoire et enregistrant le bruit de l'air à travers la bouteille. Les sons sont ensuite retravaillés, jouant sur leur intensité, leur réverbération et leur fréquence.

Après une projection test à l'accueil mitigé, pour laquelle Lynch pense avoir mixé la bande sonore à un volume trop élevé, le réalisateur coupe vingt minutes de film, réduisant sa durée à . Parmi les séquences supprimées, on trouve une séquence avec la sage-femme du bébé (interprétée par Coulson), une autre avec un homme torturant deux femmes (dont l'une est là encore interprétée par Coulson) avec une batterie de voiture, et une de Spencer s'amusant avec un chat mort.

Bande originale 

La bande originale d' est sortie chez I.R.S. Records en 1982. L'album ne comporte que deux pistes comprenant des extraits de musique d'orgue par Fats Waller et la chanson  de . Elle ressort le  dans une édition limitée à  par Sacred Bones Records. L'album est décrit comme un précurseur de la musique dark ambient tandis que Mark Richardson du site web Pitchfork qualifie la présence de bruits de fond et d'éléments non musicaux comme étant .

Analyse

Design sonore 
Le design sonore d' est considéré comme l'un de ses éléments déterminants. Bien que le film comporte des éléments visuels caractéristiques, tels que le nouveau né déformé et le cadre industriel tentaculaire, ils sont assortis d'une ambiance sonore très prononcée, qualifiée de  et de . Le film utilise continuellement des sons industriels, créant un arrière-plan sonore au volume faible mais constant dans chaque scène. Cela participe à la mise en place d'une atmosphère  et , reprise dans des œuvres telles que le drame des frères Coen Barton Fink (1991) et le thriller de David Fincher Seven (1995). Le bruit de fond perpétuel est perçue par James Wierzbicki comme pouvant être le produit de l'imagination d'Henry Spencer. Il décrit également la bande originale comme . Le film débute une tendance dans l'œuvre de Lynch où la musique diégétique se lie aux rêves, à l'instar de la longue séquence de rêve dans laquelle chante la Dame dans le radiateur. On retrouve cette idée dans l'épisode Comment attraper un tueur (S01E02) de Twin Peaks, dans lequel la musique diégétique déborde du rêve du personnage à ses pensées éveillées, et dans  (1986), avec une utilisation similaire de la chanson In Dreams de Roy Orbison.

Thèmes 
Le film est aussi connu pour ses thématiques sexuelles très prononcées. S'ouvrant par la représentation d'une conception, le film met en scène Henry Spencer, un personnage à la fois terrifié et fasciné par le sexe. Des images de créatures à la forme de spermatozoïdes sont récurrentes, y compris chez l'enfant, et particulièrement présentes dans les scènes de sexe du film ; le charme apparent typique de la girl next door de la Dame dans le radiateur est abandonné durant son numéro musical lorsqu'elle commence à écraser violemment les créatures-spermatozoïdes de Spencer et lui oppose un regard agressif.  David J. Skal dit que le film . Il postule également une caractérisation différente de la Dame dans le radiateur, la qualifiant de . Mark Allyn Stewart pense que le personnage est une manifestation du subconscient de Spencer, une représentation de sa propre envie de tuer son enfant, qui l'embrasse après qu'il l'ait fait, comme pour le rassurer d'avoir bien agi.

En tant que personnage, Spencer a été interprété comme la figure de , son expression vide et sa garde-robe faisant de lui un simple archétype. Il fait preuve d'une inactivité pacifiste et fataliste tout au long du film, laissant les événements se dérouler autour de lui sans jamais prendre le contrôle. Ce comportement passif culmine dans sa seule initiative lors du climax du film : son infanticide apparent est en réalité motivé par les influences dominatrices qui l'assaillent. La passivité de Spencer est vue par les critiques Colin Odell et Michelle Le Blanc comme précurseure de la bande dessinée de Lynch The Angriest Dog in the World (1983-1992).

Accueil

Sortie du film et box-office 
La première d' a lieu au festival du film Filmex de Los Angeles, le . 25 personnes assistent à la projection du film le soir de la première, et 24 le soir suivant. Néanmoins, le directeur de la société de distribution Libra Films, Ben Barenholtz, persuade le cinéma local Cinema Village de diffuser le film en séance de minuit, ce qu'il fera pendant un an. Après cela, le film reste à l'affiche pendant quatre-vingt-dix-neuf semaines au Waverly Cinema de New York, puis pendant un an au Roxie Theater de San Francisco de 1978 à 1979, et pendant trois ans au Nuart Theatre de Los Angeles de 1978 à 1981. Le film est un succès commercial, rapportant 7 millions de dollars aux États-Unis et  dans le reste du monde.  est également projeté au festival du film de Londres en 1978 et au festival du film de Telluride en 1986.

En France,  sort le  au cinéma et réalise .

Accueil critique 
Lors de la sortie d', Variety en fait une critique négative, le qualifiant d'. La critique exprime son incrédulité quant à la longue gestation du film et qualifie son final d'insoutenable. Comparant  au film suivant de Lynch, The Elephant Man, Tom Buckley du New York Times écrit que si ce dernier est un film bien fait avec une distribution accomplie, le premier ne l'est pas. Le critique juge   et écrit que les aspects horrifiques du film proviennent uniquement de l'apparence de l'enfant déformé plutôt que de son scénario ou de ses performances. En 1984, Lloyd Rose de The Atlantic écrit qu' affirme que Lynch est . Rose décrit le film comme intensément personnel, car contrairement à d'autres films surréalistes antérieurs, à l'instar de Un chien andalou (1929) ou L'Âge d'Or (1930) de Luis Buñuel, l'imagerie de Lynch . Dans une critique de 1993 pour le Chicago Tribune, Michael Wilmington décrit  comme unique, estimant que son  et sa  sont le résultat de l'attention portée par Lynch aux détails de sa création, en raison de son implication dans de nombreux rôles au cours de la production. Dans l'essai de 1995 , le critique Jonathan Rosenbaum écrit qu' représente le meilleur film de Lynch. Il estime que le talent artistique du réalisateur a décliné au fur et à mesure que sa popularité augmentait, et compare le film à Sailor et Lula (1990), le dernier long métrage de Lynch à l'époque, en déclarant que . John Simon, de la National Review, qualifie  de .

Aujourd'hui, les critiques du film sont très favorables. Sur le site Rotten Tomatoes, le film détient une note d'approbation de 90% sur la base de 62 critiques. Le consensus critique est le suivant : . Sur le site Metacritic, le film obtient une note moyenne pondérée de 87 sur 100 sur la base de 15 critiques, ce qui indique une « acclamation universelle ».

Dans un article pour le magazine Empire en 1993, Steve Beard attribue au film cinq étoiles sur cinq. Il écrit qu' est  et souligne son mélange de body horror surréaliste et de comédie noire. Quant à Almar Haflidason, de la BBC, il décerne à  trois étoiles sur cinq, le décrivant comme . Il estime également que le film est un rassemblement d'idées vaguement reliées entre elles, ajoutant qu'il est  ; selon le critique, les thèmes du film représentent une peur de l'engagement personnel et comportent . Un critique de Film4 donne à  une note de cinq étoiles sur cinq, le trouvant . Le critique juge  comme un film unique dans l'histoire du cinéma, auquel seuls ressemblent les collaborations entre Luis Buñuel et Salvador Dalí, à l'instar d'Un chien andalou (1929) ou de L'Âge d'or (1930) ; cependant, Lynch nie avoir vu l'un de ces films avant de réaliser . Dans l'hebdomadaire américain The Village Voice, Nathan Lee fait l'éloge de l'utilisation du son dans le film, écrivant que  et décrivant la conception sonore du film comme .

Peter Bradshaw, du Guardian, se montre aussi élogieux à l'égard d', auquel il attribue la même note de cinq étoiles sur cinq. Le critique juge le film magnifique et décrit sa conception sonore comme un . Il le compare au film Alien (1979) de Ridley Scott. Jason Ankeny, écrivant pour AllMovie, accorde au film une note de cinq étoiles sur cinq ; il souligne la conception sonore inquiétante du film et le décrit comme . Il écrit qu' , ajoutant que le surréalisme du film permet de mieux comprendre les films ultérieurs du réalisateur. Dans un article pour le Daily Telegraph, le cinéaste Marc Evans fait l'éloge de la conception sonore et de la capacité de Lynch , citant le film comme une inspiration pour son propre travail. Une critique du film parue dans le même journal compare  aux œuvres du dramaturge irlandais Samuel Beckett, le décrivant comme une parodie chaotique de la vie familiale. Manohla Dargis, écrivant pour le New York Times, estime que le film est . Elle estime que l'imagerie du film évoque les peintures de Francis Bacon et le documentaire Le Sang des bêtes (1949) de Georges Franju. Phil Hall, de Film Threat, décrit  comme le meilleur film de Lynch, estimant que ses œuvres ultérieures ne sont pas aussi réussie. Il mentionne la bande-son du film et la comédie physique  de l'acteur principal Jack Nance comme les éléments marquants du film.

Distinctions 
 Antenne d'or au Festival international du film fantastique d’Avoriaz 1978
 Nomination au prix du meilleur film, lors du festival Fantasporto en 1982

Éditions en vidéo 
 sort en VHS le  chez Columbia Pictures, puis en DVD et Blu-ray chez Umbrella Entertainment en Australie, respectivement le  et le , accompagnés d'un documentaire de 85 minutes sur le tournage du film. Le film sort également en DVD chez Universal Pictures en 2001, Subversive Entertainment en 2006, Scanbox Entertainment en 2008, et en DVD et Blu-ray chez Criterion en .

Postérité

Influence culturelle 
En 2004,  est sélectionné par le  du National Film Registry afin d'être conservé à la Bibliothèque du Congrès des États-Unis pour son .  est l'un des sujets abordés dans le documentaire  (2005), qui retrace l'essor du phénomène des  (ou cinéma de minuit) à la fin des années 1960 et dans les années 1970. Lynch participe au documentaire par le biais d'une série d'entretiens. Le film traite de six films considérés comme ayant créé et popularisé le genre, comme La Nuit des morts-vivants (, 1968), El Topo (1970), Pink Flamingos (1972), Tout, tout de suite (, 1972) et The Rocky Horror Picture Show (1975). En 2010, l' dresse une liste des 100 meilleurs premiers films, c'est-à-dire les meilleurs premiers longs métrages de réalisateurs connus.  se classe deuxième dans ce classement, derrière Citizen Kane d'Orson Welles (1941).

Alors qu'il travaille sur , Lynch rencontre le réalisateur américain Stanley Kubrick, qui lui révèle qu' est son film préféré.  a ainsi influencé le film Shining de Kubrick en 1980 : Kubrick aurait projeté le film aux acteurs et à l'équipe pour les  qu'il voulait donner au film.  a aussi influencé le film cyberpunk japonais Tetsuo (1989), le film d'horreur expérimental Begotten (1990) et le premier film de Darren Aronofsky, Pi (1998) . L'artiste suisse H. R. Giger cite  comme  et déclare qu'il est plus fidèle à sa vision artistique que ses propres films. Selon Giger, Lynch aurait refusé de collaborer avec lui sur Dune car il estimait que Giger lui avait .

Conséquences sur l'équipe du film 
Lynch collaborera à nouveau avec la plupart des acteurs et de l'équipe d' sur ses projets suivants. Frederick Elmes est à nouveau directeur de la photographie sur  (1986), le court-métrage  (1988) et Sailor et Lula (, 1990). Alan Splet assure la conception sonore d' (1980), Dune (1984) et de . L'acteur Jack Fisk réalise des épisodes de la série télévisée  de Lynch en 1992 et travaille en tant que décorateur sur Une histoire vraie (, 1999) et Mulholland Drive (2001). Quant à Catherine E. Coulson et Jack Nance, ils sont apparus dans la série télévisée Twin Peaks ainsi que dans les films Dune, , Sailor et Lula et  (1997).

Après la sortie d', Lynch commence à trouver des fonds pour son projet suivant, , un film . Il rencontre alors le producteur Stuart Cornfeld, qui travaille à l'époque pour Mel Brooks et sa société de production Brooksfilms. Cornfeld avait apprécié  et est intéressé par la production de . Lorsque les deux hommes réalisent que  a peu de chances de trouver un financement suffisant, Lynch demande à voir quelques scénarios déjà écrits pour son prochain projet. Cornfeld trouve quatre scénarios qui, selon lui, pourraient intéresser Lynch ; en entendant le titre d', le réalisateur décide d'en faire son deuxième film.

Notes et références

Notes

Citations originales

Références

Annexes

Bibliographie 

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 Michel Chion, David Lynch, éditions Cahiers du Cinéma Livres, 2001, .
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Articles connexes 
 David Lynch

Liens externes 
 

Film américain sorti en 1977
Film d'horreur américain
Film fantastique américain
Film de science-fiction américain
Film réalisé par David Lynch
Midnight movie
Film américain en noir et blanc
Film surréaliste
Film inscrit au National Film Registry