비올라와 바이올린의 차이점은 무엇인가?
비올라
보통 사람들은 비올라와 바이올린을 잘 구분하지 못 하는데, 크기와 연주 자세가 비슷하기 때문이다. 그러나 비올라는 바이올린보다 완전 5도 낮게 조율되며, 비올라의 음향은 바이올린에 비해 진하고 깊은 소리를 내며 똑같은 음 높이에서 더 어두운 음색을 띤다.[1] 비올라는 바이올린과 첼로 사이의 음역을 담당하는 화음 악기로 쓰기도 하며, 높지도 낮지도 않은 선율을 맡기도 한다.[1] 그래서 비올라는 합주에서 보통 멜로디보다는 화음을 내는 경우가 많다. [2] 비올라 연주자를 비올리스트라고도 한다.
첼로
낮은음넓이는 굵고 부드러운 음빛깔을 가지며 높은음넓이는 달콤하고 정열적인 울림을 가지고 있다. 첼로의 조현은 비올라보다도 옥타브가 낮으며 위로부터 가, 라, 사, 다와 같이 완전5도 간격으로 조현된다. 첼로의 음넓이는 다음으로부터 사2음까지이다. 주법은 연주자세가 다른 것을 제외하고는 바이올린과 같다. 다만 현이 굵고 악기가 크기 때문에 바이올린만큼 급속한 악구(樂句)를 연주할 수 없다. 바이올린
바이올린은 80개가 넘는 부품으로 구성되어 있다. 오중주
음악에서 오중주()는 다섯 악기가 함께 연주하는 것을 뜻한다.
바이올린 2대, 비올라 2대, 첼로로 구성된 현악 오중주 , 피아노, 바이올린 2대 , 비올라 , 첼로로 구성된 피아노 5중주 , 클라리넷과 현악 4중주 의 악기로 구성된 클라리넷 5중주 등이 있다. 또한 모차르트의 디베르티멘토와 같은 플루트 , 클라리넷 , 바순 , 오보에 , 호른 으로 이루어진 목관 5중주 가 있다. 그러나 슈베르트는 바이올린 , 비올라 , 첼로 , 더블베이스 , 피아노 로 이루어진 특이한 편성의 송어 5중주 를 쓰기도 했다. 피아노 5중주의 대표적인 작곡가로서는 슈만 , 브람스 , 드보르작이 있다. 또함, 호른 , 트럼펫 2대 , 트럼본 , 튜바 로 이루어진 금관 5중주도 존재한다. 비올라
활은 크게 활대(stick), 활털(hair), 활털조이개(screw), 활털이음틀(frog)로 이루어지며, 약간 구부러진 활대가 주요 부분이고 거기에 활털이 매여있다.[26] 활대는 길게 끝으로 갈수록 점차 가늘어져 약간 뒤로 젖혀진 모양이다.[27] 활 끝에는 금속이나 상아로 된 조그맣고 얇은 판이 붙어 있는데, 이것은 활 끝에 맨 활털이 빠지지 않도록 구멍을 막은 것이다.[27] 활 끝에 맨 활털을 활 밑의 활털이음틀에 부착하여 활털조이개 나사로 털을 죌 수 있다.[27] 활털은 말 꼬리털(말총)을 표백하여 빗질한 것을 굵기가 고르게 맞추어 쓴다.[26] 여기에 송진을 발라 현을 마찰시켜 음을 낸다.[28] 활 한 자루에 필요한 털 수는 150~200개 안팎이다.[26] 바이올린
18세기 중엽부터 바이올린 구조는 몇 가지 중요한 변화가 나타난다. 음악회 전용 연주회장이 생기자 청중 수가 많아져 악기에 더 큰 음량과 화려한 음색이 필요해졌다 그리하여 바이올린의 목과 지판은 길어지고 줄받침은 높아졌으며, 옆판은 두꺼워지고 공명판은 얇아졌다. 또 더욱 높은 피치에 대응하기 위해 목 부분이 뒤로 젖혀졌다. 활이 현재와 같은 형태가 된 것은 18세기 말이다. 처음에는 반원형, 즉 무기의 활을 닮은 모습이었지만 기술적 요청에 따라 서서히 개량되었다. 니콜로 파가니니
"파가니니의 발치에 '사슬'이 감겨있고 '악마'가 나타나 연주를 도왔다"
파가니니의 놀라운 연주를 들은 관객들은 감동한 나머지 집단 히스테리를 일으키기도 했다. 나폴레옹의 여동생이며 루카의 군주인 엘리자 보나파르트는 그의 연주만 들으면 까무러쳤다. 파가니니가 바이올린의 현을 두 개만 사용하는 곡을 선보이자, 엘리자는 “그럼 하나로만 연주할 수도 있느냐?”고 물었다. 이에 영감을 얻은 파가니니는 정말로 G현 하나로만 연주하는 곡을 만들었는데, 그의 평생을 따라다닌 괴소문이 바로 거기서 비롯되었다. 즉 파가니니가 연주하는 바이올린의 G현은 젊은 시절 그가 목 졸라 살해한 애인의 창자를 꼬아 만든 줄이라는 소문이었다. 또 한편으로는 파가니니가 악마에게 영혼을 팔아 탁월한 실력을 얻었으며, 바이올린 활을 움직이는 것은 그가 아니라 사탄이라는 주장도 있었다. 이런 소문이 어찌나 파다했는지 교회를 중심으로 파가니니를 경계하고 두려워하는 세력이 생겨났다. 공연 때마다 관객들은 혹시 무대 어느 한 구석에 정말 악마가 숨어 있는지 보려고 눈을 크게 떴으며, 파가니니가 지나갈 때마다 정말 악마 특유의 절뚝거리는 걸음으로 걷는지 보려고 시선을 집중했다. 소설가 스탕달과 작곡가 리스트도 이런 소문을 마치 사실인 양 언급했고, 시인 하이네는 공연 중에 파가니니의 발치에 ‘사슬’이 감겨 있고, ‘악마’가 나타나 연주를 도왔다고 단언했다.
바이올린 한 줄로만 연주하는 파가니니의 모습을 풍자한 삽화(1810년경)
왜 이런 헛소문이 그토록 기세를 떨쳤던 것일까? ‘마법’이나 ‘악마’야말로 인간의 능력을 뛰어넘은 듯한 파가니니의 실력을 설명하는 가장 간단하고 그럴싸한 방법이었기 때문이다. 관습과 권위를 무시하는 특유의 괴팍함과 자유분방함은 물론이고, 꼬챙이 같은 체구에 치렁치렁한 머리카락, 두드러진 매부리코와 광대뼈를 지닌 파가니니의 외모도 악의적인 헛소문의 생성에 일조했다. 당시의 언론도 선정적인 기사를 함부로 써내 소문의 전파를 부추겼다. 나중에는 파가니니 본인이 해명에 나섰지만 소용이 없었다. 베른트 비테의 말마따나 “소문이란 제 나름의 생명력을 가지고 때로는 불멸의 존재로 화하는” 것이었다. 이것은 비단 파가니니의 시대뿐만 아니라, 오늘날의 인터넷 시대에도 마찬가지이리라. 바로크 바이올린
바로크 바이올린 (baroque violin)은 목, 지판, 줄받침, 줄걸이판이 바로크 시대 형상인 바이올린이다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
바이올린 협주곡은 김나지움 시절인 17세 때 스케치했다. 1악장의 사본은 현존하는데, 이것은 모친에거 받은 오선지에 수학 수업의 필기와 같이 적혀 있다. 그리고 이들 스케치를 근거로 1882년 가을에 바이올린 협주곡을 완성헀다. 초연은 먼저 바이올린과 피아노의 형태(슈트라우스의 자신의 편곡)로 1882년 12월 5일에 빈의 베젠도르퍼의 작은 홀에서 연주되었다, 그때 바이올린은 벤노 발터, 피아노는 슈트라우스가 연주했다. 슈트라우스는 발터와 함께 주로 피아니스트로서 처음으로 빈의 연주여행에 나선 것이다. 그리고 이 바이올린 협주곡은 품위 있는 거장성(巨匠性)으로 많은 청중을 매료시켰다. 다만 슈트라우스 자신은 콘서트 피아니스트로서 경험을 쌓지 못했기 때문에 자신의 피아노에 만족하지 목했다고 말하고 있다. 그러나 슈트라우스는 뮌헨의 가족에게 다음과 같이 이야기하고 있다. ‘어제 연주회는 잘 했습니다. 우대권 덕분에 홀은 아주 만원이었습니다. 니 바이올린 연주곡은 많은 호평을 받아서, 처음의 바장조의 트릴 후 박수, 각 악장 후 박수, 마지막에는 두 사람이 인사를 하는 상태가 됐습니다. (중략) 나의 반주는 그리 서두르지는 않았습니다.’  비올라
초기의 활은 사냥 활처럼 곡선이 밖으로 향한 모양으로, 거기에 말총을 묶어 놓은 것이었다.[29] 활의 모양은 다양하였는데,[29] 점차 발전하여 1700년경부터 오늘날과 같은 나사식이 되었으며 활대의 만곡도도 차츰 낮아서 1730년경 타르티니의 영향으로 바뀐 활에는 활대가 직선으로 되어있다.[30] 프랑스의 활 제작자 투르트가 모든 점에서 균형을 갖춘 활의 최종적인 형태를 완성하였다.[30] 키타라
키타라(Kithara)는 고대 그리스의 발현악기이다. 아폴론의 악기로서 디오니소스의 피리인 아울로스와 함께 고대 그리스 음악의 대표적인 악기이다. 키타라는 균제와 조화를 중요시하는 아폴론에 가장 적합한 것으로 되어 아폴론의 제전에서는 최고의 지위를 차지하였다. 아울로스가 디오니소스신에 적합한 황홀·정열·관능을 상징하는 데 대하여, 키타라는 냉정한 지적인 면을 대표하는 악기였다. 구조는 리라와 흡사하나 리라보다 발달하였고 크다. 목제의 공명동에는 2개의 팔이 있고 팔과 팔 사이에 가로막대를 붙여 공명동과 가로막대 사이에 현을 매었다. 현의 수는 5줄(기원전 8세기), 7줄(기원전 7세기), 11줄(기원전 5세기)로 늘어났다. 주법은 현의 하단을 손가락으로 눌러 1/4음, 1/2음, 1음을 올릴 수가 있었다. 이로써 그리스 기악의 기보법은 독특한 것으로 되었다. 한편 키타라는 후세의 현악기인 기타나 치터의 어원이 되었다. 현악 사중주
현악 4중주(String Quartet)는 네 대의 현악기(보통 바이올린 두 대, 비올라와 첼로 각각 한 대)로 함께 연주하는 것 또는 그러한 악곡을 일컫는다. 현악 4중주는 서양 고전 음악의 실내악에서 매우 중요한 악곡 양식이다. 바이올린 협주곡 1번 (브루흐)
첫 악장은 바로 이어서 연주되는 두 번째 악장의 전주곡 역할을 한다. 느린 두 번째 악장은 솔로 바이올린이 이끄는 빼어난 선율로 유명하다. 이 협주곡은 직접 카덴차를 작곡하는 것이나 독주자가 카덴차를 넣어 연주하는 것을 브루흐가 거부했다는 점에서 특이하다. 전기 바이올린
전기 악기이기 때문에, 본체에는 라인 아웃 단자나, 전지 박스가 내장되고 있다. 또, 최저한의 조정은 필요하다. 예를 들면 현간이나 기러기발과 지판표면의 커브와의 정합 등은 실시할 필요가 있다.
현의 진동은 픽업으로 전기신호에 변환되지만, 본체 내에 픽업을 내장해, 그 위에 기러기발을 세우는 경우 외, 기러기발이 픽업이 되고 있는 제품도 있다. 기러기발이 픽업이 아닌 경우, 기러기발은 통상의 바이올린과 같은 물건을 사용할 수 있다. 전기 바이올린
통상의 바이올린으로도 5현의 물건이 존재하지만, 전기 바이올린에서는 7현의 물건도 있다. 볼프강 아마데우스 모차르트
비올라 부분이 특히 뛰어나다. 전기 바이올린
일본에서 가장 친숙한 것은, 통상의 바이올린의 이미지로 외측선을 디자인해, 본체, 지판으로부터 테일 피스에 이르기까지 바이올린과 같은 소재를 사용한 것이지만, 라메들이가 도장을 한 것이나, 투명한 플라스틱 보디의 제품, 끝은 전기 기타로 보이는 형상까지 만들어지고 있다. 야샤 하이페츠
하이페츠는 20세기의 위대한 바이올린 연주자로 손꼽힌다. 하이페츠는 완전무결한 기교와 음색을 보였지만, 아직 여러 연주자들은 그렇게 여기지 않았다. 그러나 시간이 흐를수록 완벽에 가까운 그의 기교와 보수적인 자세 때문에 일부 비평가들은 그의 연주가 너무 기계적이며 차갑다고 비판하기도 하였다. 버질 톰슨은 하이페츠의 연주 방식을 "비단 속옷 같은 음악"이라고 했는데, 이것은 칭찬하려는 뜻이 아니었다. 그렇지만 이와 다른 여러 비평가들은 그가 음악가의 의도에 대한 경외심과 그 느낌을 자신의 연주에 주입하고 있다고 본다. 하이페츠의 연주 방식은 현대의 여러 바이올린 주자가 이 악기에 접근하는 방식에 지대한 영향을 끼쳤다. 그의 연주는 빠른 비브라토, 감정이 실린 포르타멘토, 빠른 박자, 뛰어난 운궁이 결합되어 하이페츠만의 독특한 소리를 만들어낸다. 풍부한 음색과 인상적인 포르타멘토로 유명한 바이올린 주자 이작 펄만은 하이페츠의 음색을 이르러 그 강렬한 감정 때문에 "토네이도"같다고 말하였다. 하이페츠는 악기 현을 고를 때도 특별하였다. 연주 인생 내내 그는 G현은 은을 감은 트리코어 거트현으로, D와 A현은 일반 거트현으로, E현은 골드브로캇(Goldbrokat) 강철현을 쓰고 송진을 많이 쓰지 않았다. 하이페츠는 각각의 음을 내는 데 거트현이 중요하다고 생각하였다. 소해금
소해금은 조현도 바이올린과 유사하게 완전5도 간격(g-d'-a'-e")으로 하며 실제 연주되는 소리(실음)는 기보음보다 장2도 낮고, 이 때문에 서양식 기준으로 하면 Bb조 악기로 분류된다..
기존에 활을 안쪽으로 넣고 마찰로 소리를 매는 해금에 비해 소해금은 연주시에 바이올린처럼 현 위에 놓고 연주한다. 바다교향곡
베토벤이 자신의 마지막 교향곡에 성악을 도입한 이래 많은 작곡가들이 교향곡과 성악의 융합을 추구했다. 멘델스존 교향곡 2번 '찬가'와 말러의 성악교향곡들, 그리고 쇼스타코피치 교향곡 13번 '바비야르', 14번 '죽은자의 노래' 등이 성악교향곡들로서 많은 사랑을 받고 있다. 이들 교향곡들은 가사를 전달하기 위한 수단으로서 성악을 도입한 것으로 순수 기악곡인 교향곡에 성악을 첨부하여 표현영역만을 확대한 것이었다. 그러나 본 윌리엄스 교향곡에 있어서의 성악은 그 의미가 다르다. 베토벤의 '환희의 송가'나 말러의 교향곡이 기악에 성악을 첨가한 양상을 띄고 있는 반면, 본 윌리엄스의 경우는 성악 자체를 극한까지 추구한, 진정한 의미의 성악교향곡인 것이다. 관현악보다 성악이 우위를 차지하는 관계로 마치 오라토리오나 칸타타와 같은 분위기가 느껴진다. '바다'라는 제목에서 느껴지듯 표제성을 띄고 있고, 가사의 내용을 통한 상징성이 강해 순수 기악곡으로서 절대성을 지닌 교향곡과는 거리감이 느껴지나, 통상적인 고전적 교향곡의 형식을 따르고 있다는 점에서 교향곡으로 분류한다. 백조 고기를 굽는 사나이
이 관현악곡의 편성은 독주 비올라와 플루트 2대(피콜로로 더블링), 오보에, 클라리넷 2대, 바순 2대, 호른 3대, 트럼펫, 트럼본, 팀파니, 하프 , 첼로 4대와 더블 베이스 3대로 이루어진다. 이러한 관현악법을 통해 바이올린과 비올라 파트가 없어서 비올라 독주가 도드라지는 독특한 효과를 얻을 수 있다.  스페인 교향곡
에두아르 랄로는 독주 바이올린과 오케스트라를 위해 네개의 협주곡을 써내었다. 그중 표제가 없는 곡은 그의 최초의 바이올린 협주곡(작품 20) 하나뿐이고 다른 작품인 스페인 교향곡, 노르웨이 환상곡, 러시아 협주곡 등 특수한 이름을 가지고 있다. 
 Allegro non troppo, 1악장은 스트링과,바순,호른 팀파니의 유니즌 으로연주되는 힘찬 동기를 가진다. 그 뒤 솔로바이올린이 동기의 가락을 이어받아 연주한다. 그 뒤 튜티가 처음의 동기를 고조시키며 연주한다. 이후 독주의 짧고 화려한 아르페지오의 를 거친후, 제1주제로 들어가게 된다. 제 1주제는 스페인적인 셋잇단음표로 서정적인 아름다운가락이 연주된다. 그 뒤 짧은 관현악의 튜티에 의해 전개부 로 들어가게된다. 스페인교향곡 1악장의 전개부는 통속적인 다른곡 과는 다르게 어두운 가락을 연주한다. 그 뒤 처음동기가 되돌아오면 관현악이 1주제를 연주하는동안 솔로바이올은 그것을 아름답게 꾸미고, 셋잇단음표의 아름다운 전개가 이어진다. 독주가 또다시 처음부분의 아르페지오를 연주하면 재현부에 들어가고, 독주는 쉬지않고 1주제, 2주제를 연주하며 코다에 들어간다. 그 후 오케스트라의 포르티시모 로 1악장을 마친다. 바로크 음악
이와 같은 두 사람의 차이는 그대로 음악에도 나타나 우리의 흥미를 끈다. 작곡에 쓰는 악곡형식으로서 바흐는 오페라를 제외하고는 당시 있었던 대부분의 형식을 다루었으나 역시 주력은 교회 칸타타나 오르간 작품 같은 교회 음악이라고 하겠다. 한편, 헨델의 대부분의 작품은 오페라와 오라토리오였는데, 그의 오라토리오는 매우 인간적이고 현실적인 것으로 말하자면 종교적 제재에 의한 오페라 같은 것이었다. 또 바흐의 작품 대부분이 교회나 궁정에 근무할 때 요청에 따라 쓴 실리적인 것이었음에 비하여 헨델은 틈이 나는 대로 아무런 목적이나 필요성도 없이 작곡하였다는 점도 흥미롭다고 하겠다. 바이올린
15세기 후반 비올족이 류트나 레벡(rebec)과 함께 궁정 기악 합주의 중심적인 자리를 차지하였다. 거의 같은 시기에 이탈리아 상업 자본주의가 발전하여 신흥 상업 자본가가 베네치아 극장을 세워 오페라나 기악합주 연주회가 시민에게 개방되었다. 그러나 넓은 극장의 여러 청중 앞에서는 비올족 악기는 음량이 너무 작아 충분한 표현을 할 수 없었다. 한편 이탈리아 오페라는 종교적 요소에서 떨어져 나와 해방된 인간 감정을 새로운 형식 속에 풍요하게 표현하는 방향으로 나아가기 때문에 극장의 관현악도 종래의 관악기 중심의 편성에서 현악기 중심의 편성으로 발전하였다. 이때 현의 수효가 많고 좁은 음넓이에 각기 별종 악기를 필요로 하는 비올족으로는 새로운 시대적 요구를 충족할 수 없었다. 이와 같은 상황 아래서 비올족으로부터 바이올린족으로 이행이 시작되었다. 비올라
비올라는 알토 비올(alto viol), 알토 비올라(alto viola), 알트 바이올린(alt violinc)으로 불렸으며, 독일에서 부르는 브라체(Bratsche)는 이탈리아식 이름인 브라치오(braccio)가 독일식으로 바뀐 것으로 다니엘 메륵이 처음 사용하였다.[3] 바이올린
바이올린은 세계 도처에서 민속 음악에 쓰이고 있다. 민속 바이올린 연주자는 정규 관현악단 바이올린 연주자처럼 관습에 얽매이지 않으며, 악기를 반드시 아래턱에 대고 연주하지도 않는다. 컨트리 밴드의 피들(현악기) 연주자들은 마치 곡예사처럼 악기를 뒤집거나 거꾸로 들거나 등 뒤에 놓고 연주하기도 하고, 심지어는 다리 밑에 놓고 악기를 가지고 재주를 부리며 연주한다. 북아메리카에서는 민족 무용 음악을 연주할 때 바이올린을 가슴이나 허리에 대고 연주하지만, 북아프리카에는 땅에 앉아서 바이올린을 왼쪽 무릎에 세워서 연주하기도 한다. 비올라
비올라는 일반적으로 바이올린보다 크기 때문에 현도 길다. 따라서 같은 운지를 할 때 더 넓은 손가락 간격이 요구되고, 활도 끝까지 쓰기 위해서는 오른팔을 더 뻗어야 한다. 비브라토는 더 넓고 강렬해야 한다. 비올라의 크기 때문에 비올라 연주자는 손이 특별히 크지 않다면 빈번한 하프 포지션의 사용과 포지션 이동이 필요하지만, 첼로만큼은 아니다. 비올라에는 보통 바이올린보다 굵은 현이 쓰인다. 때문에 현의 반응이 조금 느린데, 이는 만약 비올라 연주자가 바이올린 연주자와 동시에 음을 시작해야 한다면, 비올라 연주자가 조금 더 먼저 활을 써야 함을 의미한다. 또한 굵은 현을 연주하는 것은 활을 사용할 때 더 많은 무게가 필요하다. 바이올린에서 비올라, 첼로로 가면서 더 굵은 현을 짚게 되는데, 바이올린이 손가락 끝으로 현을 짚는다면, 비올라는 그보다 첼로에 가깝게, 좀 더 손가락 살 부분으로 현을 짚는다. 비올라의 활의 무게는 보통 70 - 74 g으로 바이올린 활의 무게 58 - 61 g보다 무겁다. 이 차이도 비올라의 활 테크닉을 바이올린과 다르게 만드는 요인 중 하나이다. 비올라
르네상스와 바로크 시대에 비올라는 궁현 악기를 총칭하는 말이었다.[4] 르네상스 시대에 이는 비올라 다 감바와 비올라 다 브라치오로 분리되어 발전하는데,[5] 이 중 비올라 다 브라치오는 바이올린족의 전신으로, 비올라 역시 바이올린과 마찬가지로 비올라 다 브라치오에서 나온 악기이다.[6] 가장 오래된 4줄짜리 비올라는 1535년에 나타나며, 1636년 메르센 마랭이 C,G,D,A 음으로 조율되는 알토 악기를 만들었는데, 이 조율법은 지금의 비올라 조율법과 같다.[6] 그 이후 여러 시행착오를 거쳐 1876년 독일 뷔르츠부르크에서 K.A.호를라인이 헤르만 리터의 설계로 제작한 비올라 알타가 오늘날의 형태로 정해지게 되었다.[7][8] 비올족
완전 5도로 조율되는 바이올린족 악기들과 다르게, 비올은 보통 가운데 두 줄은 장 3도, 나머지는 완전 4도로 조율되었다. 이것은 현대의 기타가 조율되는 방법과 비슷하며, 당시의 비우엘라 데 마노나 류트의 조율과 같다. 바이올린 소나타 (슈트라우스)
슈트라우스는 바이올린을 상당히 잘 연주했으며, 피아노의 연주 테크닉 또한 뛰어났다. 그럼에도 불구하고 슈트라우스는 바이올린 소나타를 1곡만 남기고 있다. 이것은 1887년 여름과 가을에 대부분 작곡되어, 다음해 9월에 2악장이 완성되어 전체가 완성되었다. 그리고 이 소나타는 슈트라우스의 실내악곡 분야에서의 매듭이 되었다. 즉 이 이후 슈트라우스는 고전파적인 형식의 절대음악에서 벗어나 교향시와 오페라의 세계에 몰입해 간다. 그렇다고는 하나 이 바이올린 소나타보다 이전에 교향시의 포석이 되는 이탈리아에서를 이미 작곡했고, 1887년에는 교향시 ‘맥베드’를 쓰기 시작했으며, 1888년에는 교향시 ‘돈 후안’의 작곡에 착수했다. 슈트라우스는 재빨리 새로운 방향을 개척하며 전진했다. 따리서 이 소나타는 슈트라우스에게 있어서 과도적인 최후의 작품이 된다. 그런 까닭에 곡은 전통적인 3악장제를 취하곡 있지만, 이제까지의 슈트라우스의 실내악곡과 협주곡과는 상당히 다른 양상을 보인다. 예를 들면 선율의 움직임은 슈트라우스의 개성을 확실히 나타내고 있다. 1악장 서두의 주제에서 이미 슈만적이나 브람스풍으로는 형용할 수 없는 것으로 되어 있다. 그리고 이 제1주제 부분만으로도 말할 수 있듯이 화성은 아주 독창적이며, 대위법도 창의에 가득 차서 풍부하게 쓰이고 있다. 동기의 처와 발전과 관련에도 교묘함이 나타나고 있고, 각 악장은 대비성에 배려하면서 긴밀한 결말을 보인다. 거기에다가 바이올린도 피아노도 확실히 슈트라우스가 좋아하는 상당히 고도의 연주기교를 요구한다. 그 때문에 때로는 2중주 영역을 넘는 효과의 인상을 준다. 이처럼 이 곡은 고전파로부터의 2중주 소나타의 노선을 슈트라우스 나름대로 한계에까지 전진하게 한 것이 라고 할 수 있다.  비올라 다모레
비올라 다모레는 보통 현이 6개나 7개이며, 여타 현악기처럼 활로 현을 그어서 소리를 낸다. 또 각 현과 지판 밑으로 공명현이 각각 있는데, 공명현은 직접 활로 소리를 내는 것이 아니라, 연주하는 음에 따라 울리는 것이다. 이 악기의 일반적인 형태는 6현 악기이며, 공명현이 14개나 되는 것도 있다. 공명현은 비올라 다모레의 가장 특징적인 부분으로 여겨지지만, 초기 형태의 비올라 다모레는 거의 모두 공명현이 없었다. 처음으로 공명현이 없는 비올라 다모레를 언급한 사례는 1730년 이후에야 등장한다. 두 형태의 악기 모두 18세기에 제작되어 연주되었다. 비올라 다모레
비올라 다모레는 비올족 악기와 유사한 점이 많다. 비올족처럼 비올라 다모레는 뒷판이 편평하고, 줄감개통 끝에 정교하게 조각한 머리가 달려 있다. 다만 비올족과 달리 이 머리 모양은 사랑을 나타내기 위해 눈이 가려져 있는 모양일 경우가 종종 있으며, 소리 구멍은 보통 불꽃 모양의 검처럼 생겼는데 이것은 비올라 다모레의 발전 과정에서 중동의 영향이 있었음을 보여준다. 비올라 다모레에는 프렛이 없으며, 바이올린처럼 뺨 아래에 수평으로 악기를 놓고 연주한다. 크기는 오늘날의 비올라와 거의 같다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
렌토 마 논 트로포 사단조 3/8박자. 3부 형식. 이 악장의 메트로놈 표시에는 점4분음표가 69라는 것(피아노 악보)과 8분음표가 69라는 것(총보)이 있다. 어느 쪽으로 연주해도 맛이 있지만, 렌토 마 논 트로포라는 지정으로 하면, 점4분음표쪽은 적절하지 않다. 다만 8분음표가 69면 안단티노에 가깝다. 아소우에 의한 작품 목록에는 점4분음표가 96으로 되어 있지만, 이것은 69의 오식(誤植)인 듯하다. 어쨌든 바이올린의 노래하는 악기로서의 특성을 충분히 살린 악장이고, 온화함과 달콤함과 청년다운 낭만성을 갖는다. 서두의 주제도 그러하다. 중간부는 내림마장조를 주체로 한다. 소리
바이올린의 소리와 플룻의 소리를 구별할 수 있는 것은 소리를 이루는 파동의 모양이 다르기 때문이다. 자연계에는 순수하게 사인파로만 이루어진 소리는 없으며, 각자 음압이 다른 배음의 배치들이나 다른 주파수들의 소리의 합이 전체적인 음색을 결정하게 된다. 비올라
비올라의 연주 자세는 왼손가락으로 지판의 현을 짚어 음을 조절하고, 오른손으로 활을 쓴다.[28] 악기를 잡을 때는 비올라를 왼손에 잡고, 왼쪽 쇄골 위에 올려놓고 턱으로 턱받침을 앞으로 잡아당기는 자세를 취한다.[32] 오른손은 활로 현을 긋거나(아르코, arco) 손가락으로 현을 퉁겨서(피치카토) 소리를 낸다. 비올라
비올라 연주는 바이올린 연주와 비슷한 반면에, 중요한 다른 점들도 많이 있다. 관현악단
이외에도 한국에서는 한동안 필하모닉 오케스트라와 교향악단의 차이점에 대해 공연 입장료의 차이나 초빙하는 독주자의 명성, 청중들의 재력 등을 기준으로 평가한다는 식의 기준이 제시되어 논란을 빚기도 했는데, 영국의 런던 교향악단에서 보듯 교향악단이 필하모닉 오케스트라보다 무조건 열등하거나 뒤떨어지는 것은 절대 아니다. 사회주의 국가들의 경우에는 소수의 부르주아들이 중심이 된다는 인상을 주는 필하모닉 오케스트라라는 호칭 대신 교향악단이라는 명칭을 자국의 1급 악단들에도 많이 사용했다. 전기 바이올린
바이올린과 같은 연주 방법에 의해, 활과 현을 켜는 것으로 진동을 발생시키지만, 공명동이 없기 때문에, 진동은 픽업에서 전기신호로 변환된다.
이것을 앰프로 증폭해 스피커에 소리를 내 연주한다.
전치 증폭기를 내장해, 헤드폰을 붙여 연주할 수 있는 제품도 많다. 볼프강 아마데우스 모차르트
두 대의 바이올린이나 바이올린과 비올라를 위한 현악 이중주 활 (악기)
비올라의 활 또한 바이올린 활과 같은 역사를 지닌다. 비올라의 활을 바이올린 활과 비교하면, 두 활의 길이는 비슷하지만 비올라 활이 조금 더 무겁게 제작된다. 이것은 보다 음역이 낮고 굵기가 굵은 현에 강도를 높여주기 위해서이다. 비올라 활과 바이올린 활은 거의 유사하지만 비올라 활이 활대나 활털걸이(프로그) 부분에 있어 조금 더 무게감이 있다. 비올라 활털의 개수 역시 바이올린 활털에 비해 1/5정도 더 많다. 이중주
이중주(二重奏, Duo, Duet)는 2개의 악기만으로 구성된 중주이다. 독주에 적합한 멜로디 악기와 피아노 또는 쳄발로와 편성하거나, 2개의 멜로디 악기의 편성이 보통이다. 바이올린과 피아노, 첼로와 피아노 등은 자주 볼 수 있으며, 또 모차르트의 작품에 있듯이 바이올린과 비올라의 이중주 같은 것도 있다. 피아노와 쳄발로를 쓰지 않는 이중주에서는 이 바이올린과 비올라처럼 음질이 비슷하고 음역이 다른 2가지의 악기를 편성하는 경우가 많다. 그렇지 않으면 종합적인 울림이 빈약해지고 음의 범위도 좁아지고 음악의 안정감이 적어지기 때문이다. 보통 고전파 이후의 바이올린 소나타와 첼로 소나타 등은 물론 이중주이다. 소나타 외의 곡에서 이중주인지 독주인지는 피아노가 함께 연주되는 멜로디 악기와 대등한 입장에 있는지 또는 반주의 입장에 있는지에 따라 정해진다. 바이올린
바이올린(, , )은 완전 5도로 조율하는 현이 넷인 찰현악기이다. 비올라, 첼로와 더불어 바이올린족 악기에 속하며, 그중 가장 ,높은 소리를 낸다. 피아노와 대등할 만큼 인기가 많은 악기이다. 바이올린은 현대 오케스트라에서 주도적인 역할을 담당하며, 가장 많은 수를 차지하는 악기이다. 보통 관현악단에는 제1바이올린과 제2바이올린으로 나눈다. 바이올린 소나타 9번 (베토벤)
3. 프레스토 - Presto (약 9 분)
A 장조. 8 분의 6 박자. 소나타 형식. 타란텔라 형식에 춤곡의 리듬으로 숨 가쁘게 진행된다 .
빠르고 화려한 타란텔라하에 바이올린과 피아노가 각자의 기량을 발휘하며 즐겁게 춤을 추는 듯한 느낌을 준다
종악장에 타란텔라를 넣는 것은 중기의 작곡자에 많이 볼 수 있는 기법이다.
여기에서도 적절하게 박자를 바꾸어, 차분하게 진행되는 부분과 역동하는 부분이 적절히 삽입되어 변화를 주고 타란텔라의 가벼움을 완화해준다 수직 비올라
수직 비올라가 전제하는 근본적인 음향학의 원칙은 몸통의 공명(악기의 나무 부분이 일으키는 공명)이 두 번째로 음이 높은 현(즉 D현)과 어울리고, 구멍의 공명(악기 안의 공기가 일으키는 공명)은 세 번째 음이 높은 현(즉 G현)과 어울린다는 것이다. 일반 비올라는 너무 작아서 현의 주파수와 공명 주파수가 이렇게 잘 맞지 않는다. 중해금
중해금은 조현도 비올라와 유사하게 c-g-d'-a' 완전5도 간격으로 한다. 역시 실음은 기보음보다 장2도 낮아 Bb조 악기로 분류된다. 음역은 기보음 기준으로 c-a"'까지 3옥타브를 넘는다. 중해금은 간혹 독주 악기로 쓰이기도 하지만, 대부분 중주나 합주에서 쓰인다. 연주 자세는 소해금과 동일하며, 이 때문에 바이올리니스트가 간혹 비올라도 연주하는 것과 마찬가지로 소해금 연주자가 중해금 연주를 겸하는 경우도 있다. 협주곡
현대의 협주곡은 오케스트라의 편성이 기존의 편성과 다른 경우가 많다. 어떤 곡의 경우 독주 바이올린의 음을 돋보이고자 오케스트라에서 바이올린 파트를 모두 없애버린 곡도 있는가 하면, 어떤 곡은 불협화음의 조화로 듣는이에게 불안한 느낌을 주는 곡들도 많다. 동양의 작곡가들은 동양의 전통적인 음을 서양의 악기로 표현함 으로서 묘한 조화를 불러일으키기도 한다. 비올라
활과 현이 어느 부분에서 만나느냐도 소리에 영향을 미친다. 브리지(bridge)에 가깝게 활을 쓰면(술 폰티첼로, [sul ponticello]error: {{lang}}: text has italic markup (help)) 더 센 소리를 내고 높은 배음을 강조하지만, 지판에 가깝게 또는 지판 위에서 활을 쓰면(술 타스토, [sul tasto]error: {{lang}}: text has italic markup (help)) 부드럽고 여린 소리를 내며 기본음을 강조한다. 첼로
첼로의 발달 역사와 구조는 바이올린과 같으나, 가온낮은음의 악기로서 전 길이가 120cm나 되므로 악기를 세워 의자에 앉아 양쪽 무릎 사이에 끼고 연주한다. 악기를 바닥에 받칠 수 있는 받침대가 있는 것이 특징이다. 바이올린 협주곡
바이올린 협주곡은 바이올린 독주와 관현악을 위한 협주곡이다. 협주곡의 형식이 발달하기 시작한 바로크 시대부터 지금까지 쓰이고 있다. 많은 작곡가들이 썼으며, 이중 많이 알려진 것으로는 멘델스존, 베토벤, 브루흐, 브람스, 비발디, 시벨리우스, 차이콥스키의 작품이 있다. 삼중주
피아노, 바이올린, 첼로로 구성된 피아노 삼중주와 바이올린, 비올라, 첼로로 구성된 현악 삼중주가 있다. 피아노 삼중주로 대표적인 곡은 베토벤, 드보르작, 슈베르트, 브람스의 작품이 있다. 조제프 보댕 드 부아모르티에
칸타타와 발레 오페라를 비롯한 기악곡과 성악곡을 많이 남겼다. 1724년 파리에서 첫 작품을 선보인 뒤 1747년까지 성악과 기악을 다양하게 결합시켜 100곡 이상 발표했다. 그의 음악 중 특히 성악곡은 매우 인기가 있어서 따로 후원자에게 도움을 받지 않아도 될 만큼 부자가 되었다. 그는 프랑스 작곡가로는 최초로 '콘체르토'라는 이탈리아 용어를 사용했으며, 1729년 프랑스에서는 최초로 기악 독주 협주곡인 첼로·비올(바이올린의 전신인 중세의 현악기)·바순을 위한 협주곡을 작곡하기도 했다. 하지만 대부분의 작품은 플루트를 위한 곡이었으며, 플루트 교본을 쓰기도 했으나 지금은 남아 있지 않다. 비올라
바로크 이후 음악가들은 무수한 바이올린과 첼로 협주곡을 썼지만, 낭만주의 이전까지는 비올라에 관심을 기울이지 않아 비올라곡은 바이올린과 첼로에 비해 아주 미비한 수준이다.[33] 바로크 음악
독주협주곡은 하나의 독주악기와 관현악으로 구성되는 것이 가장 일반적 형태인데, 독주악기에 따라 피아노 협주곡·바이올린 협주곡 등으로 불린다. 합주협주곡과 다른 점은 독주악기가 보다 두드러진 움직임을 보이고 보다 오랜 시간 연주된다는 점이며, 교향곡에 맞먹을 정도의 깊은 세계를 표현할 수 있는 형식이다. 최초의 독주협주곡은 토렐리(1658-1709), 알비노니(1671-1750) 등에 의한 것인데 1700년경에 공개되었고 또한 비발디(1678경-1741)에 의해 확립되고 대규모의 형식으로 발전하였다. 그의 협주곡은 빠름－느림－빠름의 3악장으로 되어 있으며 각각 그 내부는 일련의 투티와 솔로로 이루어져 있다. 비발디의 형식을 이어받은 사람으로는 제미니아니(1687-1763), 타르티니(1692-1770), 로카텔리, 헨델, 바흐, 텔레만 등을 들 수 있다.
바로크 시대 이전에는 교회에서 연주되는 것이라면 거의가 예외없이 성악이었다. 기악양식과 새로운 기악형식의 성립, 그리고 각 악기 사이의 양식이 구별되기 시작한 이 시대부터 교회를 위한 새로운 기악형식이 생겨났다. 그리하여 신도들이 부르는 코랄을 위한 오르간 전주부에 중요한 의미가 주어져서 코랄 전주곡이라는 독립된 기악곡이 탄생하였다. 이 형식에 큰 공헌을 한 사람은 샤이트(1587-1654)로서 그에 의하여 오르간 음악의 기교적인 면은 완성의 경지에 이르렀다. 이 때문에 그 이후 바흐에 이르는 일련의 독일 오르간 음악의 거장들은 전적으로 코랄 전주곡의 새로운 형식을 만들어내는 데 전념하였다. 파헬벨은 이 새로운 형식에 푸가를 곁들였으며, 뵘(1661-1735)은 코랄의 멜로디를 번뜩이는 듯한 섬세한 음표로 장식하였고, 또한 디트리히 북스테후데(1637-1707)는 코랄의 멜로디에서 나오는 소재를 자유롭게 환상적으로 다루는 코랄 판타지를 만들었다. 오페라
오페라는 노래를 중심으로 한 극으로서, 독창, 합창, 관현악을 사용하고, 발레도 참가하는 규모가 큰 음악극이다. 독창의 부분은 보통 아름다운 서정적인 가락인 아리아(영창)와 주로 언어의 악센트로 이야기하듯이 부르는 레치타티보로 구분한다. 아리아의 계통에는 아리에타, 아리오소, 카바티나, 세레나데, 로맨스 등도 포함되어 있다. 중창은 때때로 극 중의 주요 대화의 부분으로 쓰이며, 합창은 군중이 노래한다. 때로는 극적인 박력을 강조하기도 한다. 한편으로 관현악은 전곡을 통하여 노래 반주와 장면의 분위기를 강조하며, 또는 전곡의 시초에 서곡 또는 전주곡을 연주하여 극 전체의 성격을 암시한다. 또한 극중의 행진곡이나 발레 음악, 막간에 연주하는 간주곡 등도 관현악의 일이다. 스페인 교향곡
 Scherzando, 스페인의 민속춤곡인 볼레로 의 형식을띄고있으며, 솔로바이올린은 오케스트라의 동기에 태워져서 싱코페이션이 많은 가락을 연주한다. 점차 이 가락은 화려한 셋잇단음표 로 변하게되는데 그 뒤 전개부로 들어간다. 전개부에서는 poco piu lento 를 거쳐 많은 리듬의 변화를 거친후, 처음의 동기로 돌아와서 끝을 맺게 된다.
 Intermezzo, 특정한 리듬의 전주에 의해 길고힘찬 오케스트라의 튜티가 있다. 솔로바이올린이 등장하면 힘찬 스페인적인 리듬과,선율을 연주하게 된다. 전개부에서는 그 후 2/4박자에서 6/8박자로 변하고 중간부로 들어가게 된다. 이곳부터는 독주바이올린의 기교적이고 즉흥적인 선율이 나오는데 점차 이것은 축소되어 결국에는 처음의 주제를 연주하며 튜티와 솔로의 엇박리듬을 거쳐 포르티시모에 의해 끝을 맺게 된다.
 Andante, 이 악장은 자주 독립되어 연주될정도로 널리 연주되는 악장이다. 처음에 무거운 오케스트라의 튜티가 있으며, 이후 솔로바이올린이 동기의 가락을 연주하게된다. 제시부에서는 감미롭고 힘찬 바이올린의 선율을 느낄수있으며 이 가락은 차이콥스키 의 바이올린협주곡 의 2악장인 칸초네타 악장과 비교할 수 있을것이다. 전개부에 들어와서 짧은 오케스트라의튜티에 들어간 뒤 솔로바이올린은 새로운 가락으로 들어간다 솔로 바이올린의 가락은 아주 감미롭고, 전개부에 비해서 밝은 음색을낸다 이 부분이 고조되어 카덴챠(cadenza)가 들어오게 된다. 솔로바이올린이 트릴로 카덴챠를 마무리하면 힘찬 오케스트라튜티다 뒷바침해주며 그 뒤 조용하게 마친다. 전기 바이올린
현의 치는 방법, 현악기의 고저를 조절하는 것 등은 통상의 바이올린과 완전히 같지만, 공명동이 없기 때문에, 모든 현을 벗겨도 버팀막대가 넘어지는 등의 문제가 없다.
통상의 바이올린과 같은 공명동에 의한 소리나 흔들림이 없거나 약하기 때문에 음질적으로는 뒤떨어진다. 최근의 제품은 이것들을 극복할 수 있도록 개량이 더해지고 있지만, 악기를 몸에 밀착시켜 연주하는 사람이 듣는 소리와 스피커나 헤드폰으로부터 듣는 소리(악기로부터 떨어져 듣는 사람이 듣는 소리)는 달라, 연주자는 이것을 미리 이해해 두지 않으면 안 된다. 웨버피아노
에올리언 피아노社의 경영 이후 전 세계에는 웨버 Parlor(가정용) 그랜드 피아노와 현재는 자동피아노의 대명사가 된 피아놀라 (pianola. 원래는 에올리언 피아노社의 자동피아노 브랜드명)가 웨버 브랜드로 발매되어 전 세계에서 빅히트를 기록하였다. 비올라
활은 찰현악기의 현에 음 진동을 주는 중요한 기구로 비올라의 활은 바이올린의 활보다 약간 굵고 무거운데, 바로 이 점이 비올라가 매력적인 소리를 내는 요인 중 하나가 된다.[26] 비올라 활의 길이는 약 75cm이며, 무게는 약 65~75g 정도이다.[26] 비올라
비올라는 바이올린보다 1/7 정도 더 크며, 무게도 약간 더 무겁다.[19] 바이올린의 경우 제작자가 달라도 그 크기가 표준화되어 있는 데 비해 비올라는 명기로 꼽히는 악기도 각각 몸통의 길이가 4~5cm 정도 다르고, 울림부분도 이에 비례하여 다르게 되어있는 경우도 있다.[19] 비올라는 기량 발휘와 음량 문제를 해결하기 위해 다양하게 변화하였기 때문이다.[20] 헤르만 리터가 1876년에 제작한 초기 비올라의 길이는 무려 54cm(21 1/4인치)였으나, 곧 절충하여 48cm(19인치)가 되었다.[20] 그런 점에서 바이올린은 진화를 거의 끝낸 반면, 비올라는 아직도 진화 과정에 있다고도 말할 수 있다.[19] 연주자는 자신의 취향과 신체 조건에 맞게 악기를 선택할 수 있는데, 40cm보다 작은 비올라는 만족스러운 음량을 내는 경우가 드물고, 42cm 이상의 비올라는 연주하기 불편하여 오늘날 비올라 연주자 대부분은 길이 40~42cm(15 3/4~16 1/2 인치) 사이의 비올라를 선호한다.[20] 아르투로 베네데티 미켈란젤리
바이올린 제작으로 유명한 이탈리아 브레시아 태생으로, 4살때부터 피아노를 치기 시작하였다. 브레시아의 벤투리 음악학교에서 밀라노 음악원으로 진학하여 주세페안포시에게 가르침을 받았고, 1939년 제1회 제네바 국제콩쿠르에서 우승하였다. 제2차 세계대전 때문에 그의 활동은 한때 중단되었으나, 2차대전 후 영국과 프랑스 양국에 최초로 연주여행을 하였고, 이 연주의 성공으로 세계적인 인물이 되었다. 그는 좀 완벽주의 기질이 있었는데, 연주회도 거의 열지 않았으며, 또 연다고 하더라도 기분이 내키지 않을 때는 바로 앞에서 삭제·취소하는 일도 있었으며, 레코드도 매우 적다. 끊임없이 자기의 음빛깔과 컨디션을 유지하기 위하여 국외의 연주회에서도 반드시 자기의 피아노와 조율사(調律師)를 대동했다. 레퍼토리 범위는 넓으나, 특히 라벨 등 근대적 작곡가의 연주에 뛰어났다.
또한 아르헨티나의 피아니스트 마르타 아르헤리치의 스승이기도 했다. 현악기
기타·만돌린·바이올린 등의 현악기는 손으로 잡기 때문에 현의 수에 제한이 있다. 그래서 현의 이른바 지판(指板)을 손가락으로 눌러서 현의 일부를 고정시키게 되면 현의 길이가 달라지므로 음계를 만들게 된다. 현의 한쪽 끝은 기러기발이라고 불리는 받침대의 위치에서 고정된다. 테레민
악기의 양쪽에 위치하는 두 개의 안테나에서 발생되는 전자기장을 손으로 간섭시켜 소리를 낸다. 한쪽의 수직 안테나는 손을 가까이 가져갈 수록 높은 음을 내며, 다른 한쪽의 수평(루프형) 안테나는 가까이 갈 수록 작은 소리를 낸다. 두 손으로 각 안테나와의 거리를 조절하며 음을 만들어 낸다. 두 안테나는 주로 오른손 잡이는 수직 안테나를 오른쪽에 위치하게 하여 연주한다. 피아노나 기타처럼 정해진 음이 나오지 않고 바이올린처럼 연속된 음이 만들어 진다. 비올라
비올라는 종종 관현악에서 주인공 노릇을 하기도 한다. 가령 에드워드 엘가의 “Ysobel”이라는 ‘’수수께끼 변주곡’’의 여섯 변주가 있으며, 리햐르트 슈트라우스의 “돈 키호테”에서 독주 첼로와 독주 비올라도 그러한 예이다. 안토니오 스트라디바리
1700년경부터 스트라디바리의 공방은 바이올린과 첼로를 더 많이 제작했다. 물론 음향적으로, 최종적으로 굳어진 사운드박스 디자인이 이 시기 악기들의 중요한 특성이지만 그 이상의 특성들도 있었다. 바니쉬의 선홍색은 아마티의 악기와 스트라디바리의 초기 악기의 골든옐로우색과 비교하기 무색할 정도였다. 스크롤은 검은 테두리 장식으로 강조하고 있는데, 조각가의 솜씨를 보여주는 이 장식은 이제는 거의 모두 닳아 없어졌다. 더 넓어진 가장자리와 코너들은 바이올린이 근육질적인 외관을 갖게 해준다. 고전주의 음악
실내악은 바로크 시대의 통주저음 양식이 쇠퇴함과 동시에 종래의 트리오 소나타(바이올린2, 첼로와 통주저음 악기)를 주체로 하는 합주체에서 바이올린2·비올라·첼로로 이루어지는 현악4중주로 중심이 바뀌었다. 이 형식은 하이든에 의하여 확립되었다. 모차르트는 독자적인 색채감각이나 피아노의 숙달로 오히려 현악 5중주나 피아노를 포함한 중주에서 독특한 형태를 띠었다. 그러나 고전파의 실내악을 예술적 최고봉으로 이끈 사람은 바로 베토벤이었다. 그는 후기의 현악4중주곡에 소나타 형식과 함께 변주곡이나 푸가, 코랄의 수법까지 흡수하여 형식적 통일을 꾀함과 동시에 형식을 탈피하여 깊은 주관적 세계에까지 이르렀다. 이 밖에도 현악 3중주, 피아노가 있는 실내악에도 뛰어난 업적을 남겼다. 현악 사중주
현악 4중주에서는 (금관 악단과 마찬가지로) 음색의 대비가 약한것이 고민거리였지만, 이것은 악기간의 음의 차이 뿐 아니라 연주 방법을 통해서도 극복할 수 있었다. 예를 들어 악기를 레가토로 연주하거나, 손가락으로 현을 뜯는 피치카토로 연주하여 대비를 주었고, 바이올린 연주자는 대개 다른 악기들이 다른 현에서 연주하는 음을 G선에서 연주하여 좀 더 부드러운 소리를 낼 수 있었다. 음을 풍부하게 내는 다른 좋은 방법으로 더블 스톱(중음)이 있는데, 이것은 두 줄 이상의 현을 동시에 연주하는 것을 말한다. 드뷔시와 그리그는 더블 스톱을 이용하여 최대의 효과를 얻은 음악가이다. 음색의 대비를 얻기 위하여 클라이막스를 연주하기 직전에 악기를 일시적으로 멈추게 하는 방법도 있다. 요제프 하이든, 모차르트, 베토벤은 모두 현악 4중주의 거장으로 두 악기로 같은 선율을 연주하게 하여 특수한 효과를 내기도 하였다. 비올라
분류:현악기 분류:현명악기 비올라
유명한 비올라 비르투오소(virtuoso)는 적은 편인데, 아마도 수많은 비올라 작품이 20세기에 와서야 나왔기 때문일 것이다. 윌리엄 프림로즈는 비올라 명인 연주를 비범한 수준으로 끌어올린 사람이다. 프림로즈 외에도 20세기에 비올라 연주의 영역을 개척한 비올리스트로는 라이오넬 테르티스, 파울 힌데미트, 릴리안 푹스, 프레데릭 리들, 월터 트램플러, 에마누엘 바르디가 있다. 오늘날 유명한 비올리스트로는 로렌스 파워, 미하일 쿠겔, 킴 카쉬카쉬안, 노부코 이마이, 리브카 골라니, 타베아 짐머만, 폴 뉴바우어, 유리 바쉬메트가 있다. 젊은 세대에서는 데이비드 아론 카펜터, 노쿠툴라 은그웨야마, 캐시 바스락, 제니퍼 스텀, 빅토리아 보로니안스키, 비아체슬라프 디너히타인, 앙투완 탐스티 등을 꼽을 수 있다. 최근 한국에는 한국계 미국인 리처드 용재 오닐이 주목받고 있다. 작곡가이자 비올리스트인 켄지 번치는 오늘날 수많은 비올라 독주 곡을 썼다. 위대한 음악가들 중에도 베토벤, J.S.바흐, 모차르트처럼 합주를 할 때 바이올린보다 비올라를 선호한 사람들이 있었다. 요제프 하이든이나 프란츠 슈베르트, 펠릭스 멘델스존, 안토닌 드보르자크, 벤저민 브리튼도 마찬가지였다. 비올리스트 겸 작곡가로 유명한 사람으로는 레베카 클라크와 파울 힌데미트를 들 수 있다. 또 핀커스 주커만, 다비드 오이스트라흐, 외젠 이자이, 예후디 메누힌, 막심 벤게로프, 나이젤 케네디 등 많은 바이올리니스트들이 비올라를 대중 앞에서 연주하거나 녹음하기도 했다. 잉구셰티야의 음악
인구시 공화국의 전통 악기인 주르나(클라리넷과 비슷함), 데크-판드르(발랄라이카와 비슷함), 케하트폰두르(어코디언과 비슷하며 주로 여자 아이들이 즐기는 악기), 북과 탬버린이 이용된다. 바이올린은 서양과는 다르게 4줄이 아닌 3줄이다. 인구시 공화국의 국가에도 사용되었다. 전기 바이올린
일반적으로는, 통상의 바이올린에 비해 소리가 작기 때문에, 야간이나 맨션 등, 외부로의 소음을 신경쓰는 장소에서의 연습에 사용되는 것이 많다. 안토니오 비발디
그의 작품은 오페라와 여러 곡의 교회 음악과 기악곡이 많은데, 그 중에서도 바이올린을 주로 한 협주곡이 유명하며, 그 때까지의 악곡에 비하여 리듬이 활발하고 노래하듯 아름다운 선율이 특징이다. 그의 작품은 독일 음악가들에게도 큰 영향을 주었으며, 바흐는 그의 작품을 건반악기 연주용으로 편곡하였다. 주요 작품으로 신포니아 23곡, 합주 협주곡 «a href="%EC%A1%B0%ED%99%94%EC%9D%98%20%EC%98%81%EA%B0%90">조화의 영감바이올린과 관현악을 위한 <4계> 등이 있다. 특히 <4계>는 표제 음악의 표본으로 불린다. 그는 약 500곡이나 되는 기악작품, 약 40곡의 오페라 외에 모테토, 오라토리오, 칸타타 등을 작곡했다. 작곡은 처음에는 베네치아나 암스테르담에서 출판되었으나 대부분은 수고(手稿) 형태 외엔 남아 있지 않다. 비발디는 무엇보다 우선 토렐리(1658년~1709년), 알비노니(1671년~1750년)들에 의하여 개발된 독주 콘체르토의 세계에서 안정된 양식을 확립시킨 작가로 알려져 있다. 그는 또 복수(複數)의 독주악기로 하는 콘체르토도 수없이 썼으나 이것은 대개 빠르게－느리게－빠르게의 3악장으로 되었으며 전합주와 독주가 교대하는 리토르넬로 형식으로 했다. 비올라
19세기에 비올라는 바이올린과 더불어 두드러진 기술적 발전을 하기 시작하였다.[14] 1834년 엑토르 베를리오즈는 솔로 비올라의 아르페지오 악절에서 술 폰티첼로(sul ponticello, 현에서 브리지 바로 앞쪽의 현을 마찰하는 주법으로, 투명하고 껄껄한 음질이 난다. 이 방법은 토봉 활로 트레몰로를 할 때 가장 좋은 효과가 난다.[14])가 여타 약한 오케스트라 현악기에 비하여 신비스러운 소리를 구현하고 있다.[14] 이렇듯 비올라는 실내악과 관현악에서 점차적인 관심을 받았으나, 이는 비올라가 합주에서 독주 파트로서 인식이 커진 것이지 완전한 독주 악기로 독립한 것은 아니다.[15] 활 (악기)
바이올린보다 앞선 악기이자 16세기에 바이올린과 공존했던 비올의 활은 근대 바이올린의 활보다 폭이 더 넓었으며, 손바닥으로 바깥을 향해 잡았다. 이 때에 활의 길이와 모양은 가지각색이었다. 35cm정도의 짧은 활 부터 시작해서 악기 길이의 2배 이상이 되는 활도 있었다. 교향곡 22번 (하이든)
잉글리시 호른2, 호른2, 현5부
소나타 형식 제시부에서는 모든 현악기가 p로 통주저음풍에 의한 8분음표로 진행하는 동안, 처음에는 호른이 나타나고 계속해서 잉글리시 호른이 ff로 코랄풍의 제1주제를 연주한다. 이때 바이올린에는 약음기를 사용한다. 여기서 2대의 호른이 옥타브로 연주되는데 비해 울림이 예민한 잉글리시 호른 2대는 같은 음높이를 취하기 때문에 두 음색의 대비가 현저하게 나타난다. 이 프레이즈가 반복되어 경과구가 되고 잉글리시 호른과 제1바이올린에는 매끄러운 선율적 동기가 나타남과 동시에 각 성부가 대립된다. 딸림조의 내림나장조가 확립되고 난 후 호른의 지속음과 함께 바이올린이 으뜸음에서 하행하는 제2주제가 시작된다. 그 뒤에 제2주제의 리듬에서 파생된 잛은 코데타가 이어진다.
바이올린은 약음기 없이. 바이올린의 저음현과 관악기가 번갈아 연주하면서 활기찬 12마디의 제1주제가 시작된다. 바이올린이 옥타브 도약을 하는 경과구를 거쳐 내림나장조의 제2주제가 오보에롤 시작되면 도약을 반복하는 바이올린이 그뒤를 잇는다. 처음의 바이올린 동시를 잉글리시 호른이 재연하면서 제시부를 맺는다.  바이올린
초기 바이올린은 노래와 함께 연주하거나 무용 반주로 연주하였다. 전자의 경우 바이올린 연주자는 성악용의 총보를 썼으나, 후자의 무용 반주자들은 모두 외워서 연주했기 때문에 16세기 말까지 전용 바이올린 총보가 없었다. 바이올린곡으로 특별히 만든 최초의 곡은 1582년 발타자르 드 보요윌스(Baltahazar de Beaujoyeulx)가 프랑스 궁정을 위해 작곡한 '발레 코미크 드 라 루아느'(Balet Comique de la Royne)로, 이 곡은 2곡의 춤곡으로 이루어져 있는데 여기에는 10대의 바이올린이 네 파트로 나뉘어 기보되었다. 왕실의 후원으로 바이올린음악은 비약적으로 발전하였다. 비올족을 선호하는 귀족들은 바이올린이 울림은 좋으나 음량은 적은 악기라고 경시하였다. 그러나 1626년 루이 13세의 궁정에서 '24 바이올린'이라는 합주단이 설립되어 바이올린에 대한 사회적 평가가 크게 높아졌다. 작가의 소리
작가의 소리는 글의 특정 부분 (또는 여러 작품) 내의 통사, 발음, 문장 부호, 성격화, 대사 등의 일반적 용법의 조합이자, 저자의 개별적 쓰기 방식이다. 소리는 악기의 고유성의 관점에서 생각 될 수 있다. 트럼펫은 튜바와 다른 소리를 내고 바이올린도 비올라와 다른 소리를 내며, 그처럼 한 저자의 말은 다른 사람의 말과 다른 소리를 가진다. 한 작가는 가볍고 빠른 소리를 낼 수 있지만 어두운 소리를 낼 수도 있다. 관현악단
루이 13세의 궁정에는 한때 25명이기도 했던 '24 바이올린'(왕을 위한 24명의 바이올린 연주자)이라는 악단이 창설되어 음악을 연주하였다. 이 악단은 무용 음악의 연주 양식을 확립했을 뿐 아니라, 프랑스에서 가장 뛰어난 연주자들에게 좋은 배움의 기회였다. 장바티스트 륄리는 루이 14세의 '기악 작곡가'로 임명되었을 때 '젊은 바이올린 연주자들'이라는 자신의 악단을 만들었다. 이 악단은 전원이 최초로 단복을 입고 활을 같은 방향으로 움직여 호평을 받았으며, 곧 유럽 여러 나라의 모델이 되었다. 바이올렛
바이올렛(Violet)은 다음과 같은 뜻이 있다. 발현악기
발현악기(撥絃樂器)는 손톱, 손가락 또는 피크 같은 도구로 줄을 퉁겨 연주하는 악기이다. 서양 음악에서는 기타, 류트, 만돌린 등의 악기가 이에 속하며, 그 외에 하프, 한국의 국악기로는 가야금, 거문고 등이 있다. 바이올린족 악기들은 기본적으로 활로 켜서 연주하는 찰현악기지만 손가락으로 줄을 퉁기는 피치카토 주법도 쓴다. 특히, 재즈에서 연주되는 더블 베이스는 피치카토의 비중이 활로 연주하는 아르코의 비중과 비슷하다. 전기 바이올린
기본적으로는 공명동이 없는 만큼, 본체로부터 발하는 어쿠스틱한 소리는 작고, 소음기를 붙인 통상의 바이올린 정도이다.
일본에서는 야마하의 사일런트 바이올린의 이름 때문에 무음이라고 오해를 부르는 일이 있지만, 무음은 아니다.
앰프로 증폭 가능해진 일에 의해, 현대의 음악인 락이나 댄스 뮤직 등, 통상의 바이올린에서는 음량 부족 때문에 참가할 수 없었던 장르의 음악에도, 충분히 대응할 수 있게 되었다. 그 때문에, 라이브에 전기 바이올린을 사용하는 프로 뮤지션도 존재한다. 예를 들면, FictionJunction의 콘서트에 바이올리니스트 콘노 히토시가 사용하고 있다. 현악 합주단
현악 합주단(String orchestra)는 서양 고전 음악에 사용되는 절인 현들로만 구성된 관현악단이다. 이러한 오케스트라의 악기는 다음과 같다. 바이올린 연주자(각각은 보통 다른 부분을 연주한다.)는 1차와 2차 비올라, 첼로, 그리고 보통, 항상은 아니지만, 콘트라베이스로 나뉘어 있다. 버팀막대
버팀막대(sound post)란 바이올린 등의 현악기의 앞판 위의 브리지에 끝부분에 고정된 작은 장부촉이며, 마찰력을 이용해 앞판과 뒤판을 서로 연결시키는 역할을 한다. 앞판 위의 브리지에 의한 현의 장력을 버티게 해주는 구조적인 역할 또한 담당하며, 앞판의 진동을 뒤판에 전하거나 진동을 변화시켜 음색을 바꾸는 역할을 한다. 윌리엄 프림로즈
프림로즈는 무시무시한 기교로 유명하다. 그가 니콜로 파가니니의 바이올린 카프리치오를 비올라로 연주하자, 미샤 엘먼은 “비올라 연주가 더 쉽다.”고 말하기도 했다. 프림로즈는 많은 비올라 편곡 악보를 썼는데, 종종 “라 캄파넬라(La Campanella, 파가니니 바이올린 협주곡 2번)”이나 알렉산드르 보로딘의 “녹턴”(Nocturne, 현악4중주 2번 중 첼로의 멜로디)처럼 현란한 기교가 돋보이는 곡이다. 바이올린 협주곡 (차이콥스키)
차이콥스키는 거기에서 그의 제자이자 바이올린 연주가인 요지프 코테그(Yosif Kotek)와 바이올린과 피아노를 위한 작품을 함께 연주했었고, 그것이 이 협주곡을 작곡하게 한 기폭제가 되었다. 차이콥스키는 바이올린 연주가가 아니었기 때문에, 이 곡의 바이올린 독주 부분 작곡은 요지프의 도움을 받았다. 작곡은 매우 빨리 이루어져, 비록 2악장은 나중에 완전히 다시 쓰여지긴 했지만, 당시 한 달 안에 곡이 완성되었다. (원래의 2악장은 “Souvenir d'un lieu cher”의 바이올린과 피아노를 위한 세 곡 중의 하나로 남아 있다. 바이올린
18세기 이전에 만들어진 악기의 대부분은 현재와 같이 개량되었으며 이들을 현대식 바이올린이라고 한다. 또, 수리를 받지 않고 원형을 유지하고 있는 것을 바로크 바이올린이라고 한다. 그러나 현대에 만들어진 바이올린도 바로크 바이올린의 형태로 되어 있으면 바로크 바이올린이라고 부르기도 한다. 지금은 음향을 전기 신호로 바꾸는 전기 어쿠스틱 바이올린, 현의 진동을 직접 전기 신호로 바꾸는 전기 바이올린도 등장하였다. 바이올린 소나타 9번 (베토벤)
A 장조 (실질적으로는 A 단조 ). 4 분의 3 박자. 소나타 형식 . 장조의 중후 한 화음으로 시작하지만 곧이 단조로 완만하게 서주가 끝난다.
바이올린과 피아노가 서로 싸우는듯 구성되어 있는것이 큰 특징이며, 세간에서는 바이올린과 피아노의 진정한 듀엣이라고 표현되기도 한다.
주요 프레이즈는 단조 바이올린의 격렬한 움직임뿐만 아니라 피아노에 화려한 색채로 어우려져 있다.
첫 번째 전개부는 주제의 발전이지만 서로 피아노와 바이올린이 열정적으로 다투기에 높은 긴장감을 보인다.
바이올린 소리가 높기 때문에 피아노는 중간음을 활용하고 있다.같은 유니즌에서 바이올린보다 단순하고 억제하는듯 연주된다.
곳곳에 Adagio 부분을 끼우는 것으로 단조로움을 피하고있으며. 효과적인 완급제어로 중기의 걸작으로 알려져있다. 비올라
비올라 레퍼토리가 꽤 많지만, 20세기 이전의 유명한 작곡가가 쓴 곡은 비교적 적다. 그리하여 비올라 연주자들은 다른 악기로 연주되는 곡을 편곡하여 연주하기도 했다. 그리고 20세기에 들어 테르티스와 힌데미트 등 훌륭한 연주자가 등장하면서 점차 비올라 독주곡도 작곡되었다.[2] 그 가운데는 월튼, 버르토크와 미국의 작곡과 퀸시 포터 등의 협주곡도 있다.[2] 힌데미트는 4곡의 협주곡, 4곡의 비올라와 피아노를 위한 소품, 무반주 비올라 곡 2곡 등 여러 비올라곡을 작곡하였다.[23] 또 샌프란시스코 음악원(San Francisco Conservatory of Music)의 “비올라 프로젝트(The Viola Project)”를 보면, 비올라 교수 조디 레비츠가 작곡가를 자신의 학생과 짝지어 새로운 작품을 연주할 수 있게끔 하고 있다. 전기 바이올린
공명동 대신에 공명동의 형태에 외측선을 가진 제품도 많지만, 기본적으로는 어깨받침 등의 장비를 붙이기 위해서나, 높은 포지션 연주시의 위화감 배제, 시판의 케이스에 맞추기 위한 디자인이며, 음향 구조상으로는 테두리도 필요없다. 일부 제품에는 테두리가 전혀 없이 넥으로부터 테일 피스까지 막대 모양의 디자인도 존재한다. 비올라 다모레
공명현 덕분에 비올라 다모레는 매우 달콤하고 따뜻한 소리를 낸다. 레오폴트 모차르트는 자신이 쓴 바이올린 연주의 기본 원칙에 대한 논문에서, 비올라 다모레가 '고요한 저녁에 특히 매력적인 소리를 낸다'고 썼다. 비올라
비올라는 실내악에서 중요한 역할을 맡는다. 모차르트는 자신의 현악5중주에서 꽤 자유롭게 연주하는데, 이런 경향은 그의 몇몇 위대한 작품에서도 나타난다. 두 대의 비올라가 있는 이 현악5중주에서는 특히 제1비올라가 독주 악절을 자유롭게 연주하여, 합주의 역동성과 풍부함을 더한다. 모차르트는 또 두 악기를 위한 신포니아 콘체르탄테에서 바이올린과 함께 비올라를 두어, 똑같이 중요한 역할을 맡긴다. 이렇듯 비올라에 공헌한 그의 작품으로는 비올라, 클라리넷, 피아노 편성의 케겔슈타트 3중주와 더불어, 바이올린과 비올라의 2중주 두 곡도 있다. 잘 알려지진 않았지만 젊은 펠릭스 멘델스존은 비올라 소나타 c단조를 썼다. (번호는 붙지 않았지만, 1824년작으로 나와있다) 요하네스 브람스도 초기 작품부터 비올라에 상당히 역점을 두었다. 그가 처음으로 출판한 실내악 작품을 보면, 현악6중주 18번과 36번은 비올라의 독주 파트가 꽤 많다. 말년에 그는 클라리넷과 피아노를 위한 소나타 120번(1894년작) 두 곡을 쓰는데, 나중에 브람스는 이 작품의 클라리넷 부분을 비올라로 편곡했다. . (호른 3중주에서 호른 부분도 비올라로 편곡해 연주할 수 있다) 브람스는 또 알토, 비올라, 피아노를 위한 두 노래(Zwei Gesänge für eine Altstimme mit Bratsche und Pianoforte), Op.91과 유명한 바이올리니스트 요제프 요아힘과 그의 아네 아말리에에게 헌정된 "Gestillte Sehnsucht", "Geistliches Wiegenlied"를 작곡했다. 비올리스트였던 안토닌 드보르자크는 비올라를 무척 좋아하여, 그의 실내악 작품은 비올라의 중요한 부분에서 화려함을 보여준다. 역시 체코 음악가인 베드리히 스메타나는 현악4중주 “나의 생애에서”에서 비올라의 감동적인 전개로 시작하여 이 악기가 돋보인다. 바흐, 모차르트, 베토벤 모두 때때로 실내악에서 비올라를 연주를 연주한 것 같다. 전기 바이올린
픽업 자체는 방식에 따라 2종류 존재한다.
찰현악기로서의 현과 활의 관계는 변하지 않기 때문에, 통상의 바이올린용의 현과 활을 이용할 수 있다.
다만, 마그네틱 픽업의 경우는, 전자 유도 가능한 스틸현을 사용해야 한다.
제품에 따라서는 전용현도 발매되고 있다. 스트라디바리우스
스트라디바리우스(Stradivarius)는 바이올린, 첼로, 비올라 등의 현악기를 의미하며, 스트라디바리 가문, 특히, 안토니오 스트라디바리가 제작한 악기들을 의미한다. 바이올린족
현악 사중주는 모두 바이올린족 악기로 이루어지기 때문에 악기의 소리들간 융합이 쉬운데, 이는 소리를 내는 방식이 각각 다르고 성격이 뚜렷한 목관 사중주와 다른 점이다. 전기 바이올린
또 통상의 바이올린에 픽업을 달고, 악기의 어쿠스틱 음을 전기신호로서 꺼내는 경우는, 전기 어쿠스틱 바이올린이라고 부르며, 구조나 음향의 구조로서는 다른 것이다.
기본적인 외관은 공명동이 존재하지 않는 바이올린이다. 콘트라베이스
콘트라베이스의 활은 크게 독일식(버틀러식)과 프랑스식 두 종류가 있다. 프랑스식 활은 바이올린 활과 모양이 같지만 첼로 활보다는 길이가 짧고 더 무거우며, 영국과 프랑스, 이탈리아와 스칸디나비아 일부 지역에서 흔히 사용되고 있다. 프랑스식 활은 바이올린 활 운궁법처럼 오른손의 손등이 위를 향하는 운궁법(overhand grip)을 사용한다. 다른 바이올린 족 현악기의 활과 같은 모양으로 활대의 윗부분에서 잡는 활로 프랑스식 또는 프랜치 보우라고 부르며 유명한 베이스 솔리스트인 보테시니에 의해 유명해졌으며 현재 세계 여러나라에서 사용이 꾸준히 증가 되고 있다. 비올라
왼쪽 그림은 제1포지션에서 짚을 수 있는 음들의 위치를 나타낸다. 모두 같은 간격으로 그려져 있지만 실제로 지판 위에서의 간격은 아래로 갈수록 조금씩 좁아진다. 노란색 가로줄은 위에서부터 제1, 제2, 제3포지션에서 검지손가락의 위치를 나타낸다. 비올라
비올라(Viola)는 서양 음악에서 쓰이는, 활로 연주하는 현악기(찰현악기) 가운데 하나이다. 바이올린족에 속하는 악기들 중에서 가운데 음역을 담당한다. 루이지 보케리니
(아마도 역사상 가장) 위대한 첼로 연주자인 보케리니는 종종 바이올린 곡들을 음 높이를 조절해 첼로로 연주하기도 했는데, 이것은 연주 여행 중에 앓는 바람에 연주를 하지 못하는 바이올린 주자를 대신하기 위해 개발한 기술이었다. 첼로에 대한 이런 중시는 동시대 사람들(피에르 바일로트, 로드, 그리고 베른하르트 롬베르그 등)로부터 많은 찬사를 받게 했으며, 특히 (종종 현악 사중주가 보조하는 첼로 협주곡으로 간주되기도 하는) 두 대의 첼로를 위한 오중주 등의 작품에서 두드러진다. 중해금
중해금은 비올라가 가지고 있는 현대적인 소리와 해금이 가지고 있는 전통적인 소리를 동시에 가지고 있는 악기로서 북한의 합창 및 성악이나 클래식 연주시에도 많이 사용되는데, 중해금은 비올라 옆에 앉이서 연주하기때문에 서양악기와도 융합이 잘맞는다. 아마티
안드레아 아마티(1500~1577)는 근대 바이올린의 형태와 구조를 재정립하여 바이올린을 제작하였다. 그가 바이올린 제작 기술을 어디에서 배워왔는지에 대해서는 여러 설이 있지만, 그가 원래 비올 제작자였는데 브레시아의 바이올린에서 영감을 받아 바이올린 제작을 시작하였다는 설이 제일 믿을만하다. 그가 제일 초창기 바이올린 제작자인 가스파로 다 살로의 제작자라는 설도 있었지만 카를로 보네티는 안드레아 아마티가 다 살로보다 일찍 태어났으므로 이 설은 근거가 없다고 주장하였다. 하지만 그가 크레모나 지방의 첫 바이올린 제작자라는 사실은 확실하다. 그의 작품은 현재 225개밖에 전해지지 않고 있는데, 학자들은 그 이유를 16세기 교회가 바이올린의 연주를 금하고 심지어는 바이올린을 파괴하라고 지시했기 때문으로 생각하고 있다. 비록 바이올린의 발명자는 아니지만 안드레아는 후대 제작자들을 위한 청사진을 구축하였다. 그는 좋은 목재를 찾기 위하여 남부 알프스를 해메고 다녔고, 좋은 바니시를 만들기 위해 직접 베니스까지 찾아가 재료를 구해왔다고 한다. 그가 프랑스 왕실의 주문을 받아 바이올린, 비올라, 첼로로 구성된 38개의 악기를 제작하여 납품하였다는 기록도 남아있다. 사람들은 안드레아 아마티의 명기의 탁월성을 그가 분명히 처음 사용한 크레모나 바니시 덕분으로 생각하고 있지만, 이에 대한 엄밀한 증거가 없어 아직도 논란의 대상이 되고 있다. 안드레아 아마티는 바이올린의 자매 악기들인 비올라와 첼로의 견본까지 만들었는데, 4대의 비올라와 6대의 첼로가 현존한다. 아마티가 제작한 제일 오래 된 첼로 "The King"은 음량이 풍부하고 기품있는 소리가 나 이 첼로만큼은 과르네리와 스트라디바리를 능가한다는 평을 받고 있다. 이 첼로는 18세기 당시 프랑스 최고의 첼리스트이자 작곡자인 뒤포르(1749~1819)가 제일 아끼는 첼로였다. 바이올린 소나타 9번 (베토벤)
바장조 . 4 분의 2 박자. 변주곡 형식.
첫악장의 바이올린과 피아노의 싸움이 진정되고 침착한 주제가 제시된다.
변주가 주된 구성이며 . 제 2 변주에서 바이올린 빠른 고음으로 존재를 과시하고있다.