Quelle est la musique traditionnelle du Japon?
Musique japonaise traditionnelle
Le gagaku (雅楽) est une musique de cour et la plus ancienne musique traditionnelle au Japon. Elle comprend des chansons, des danses et un mélange d'autres éléments de musique asiatique. Il en existe deux styles : musique instrumentale et musique vocale .Le shōmyō (声明) est une sorte de chant bouddhiste qui est une mélodie ajoutée pour un sutra. Venu de l'Inde, le "shōmyō" apparaît au Japon à l'époque de Nara et est chanté "a cappella" par un ou plusieurs moines bouddhistes.
Musique japonaise traditionnelle
Le "kokyoku" est une musique de l'époque d'Edo que jouent peu de musiciens, âgés et sans dextérité particulière. Les connaisseurs sont rares. Durant l'époque d'Edo, les nouvelles musiques sont le "nagauta", le "gidayuubushi", le "tokiwazubushi", le "kiyomotobushi", le "shinnaibushi" etc. « "Kokyoku" » est un nom commode créé en 1919 par Machida Kashou (町田佳聲) (1888–1981), chercheur et compositeur. Logiebushi est plus récent que le "nagauta" mais classé dans le "kokyoku", mot utilisé au Japon après 1919 et utilisé couramment durant l'ère Taishō. En 1962 est fondé le "kokyokukai" (古曲会, groupe de musique ancienne). En japonais moderne, "hurui ongaku" désigne la musique ancienne tandis que "kokyoku" est idiomatique. Min'yō
Le "min'yō" est pratiquement inconnu en Occident. Lorsqu'ils pensent à la musique japonaise, la plupart des occidentaux pensent à la musique classique telle que le "gagaku" et le "yayue". Il existe cependant en France un groupe de "min'yō" qui se produit sur scène : l'Ensemble Sakura. Il est actuellement le seul groupe hors du Japon dont le répertoire couvre toutes les régions de l'archipel. Musique japonaise
La musique fut toujours liée aux spectacles (théâtre ou danse), aux festivités (et cérémonies) et aux chants de travail. Elle était essentiellement pratique et ne se trouva un rôle propre que tardivement. De ce fait, le répertoire de la musique tant instrumentale que vocale, est assez réduit, d'autant plus qu'une grande partie a été perdue. Japonais (peuple)
Le shintoïsme est la religion native et endémique au Japon. Elle est née d’un mélange entre animisme, chamanisme, et culte des ancêtres. Peu à peu, tous ces cultes de la fertilité, ces vénérations de la nature, parfois capricieuse (tremblements de terre, typhons, tsunamis, etc), se sont amalgamés et codifiés pour former le shintō. Ses origines remontent très loin dans le passé. On se pose encore la question de savoir si la culture "Jōmon" possédait une religion centrée sur la vénération de dieux ressemblant peu ou prou à ce qu’on connaît aujourd'hui. Quoi qu'il en soit, l'animisme se retrouve également chez les Aïnous et le culte des "kamuy" (esprit, écrit aussi "kamui"), à comparer aux Kami (divinités ou esprits) du panthéon shintō. Avec la culture "Yayoi", plus complexe, commence à apparaître une iconographie de style shintoïste nettement plus marquée. L'introduction de la culture du riz semble avoir apporté avec elle des rites liés aux semailles et à la moisson, probablement très proches des rituels shintoïstes encore pratiqués aujourd’hui dans les campagnes japonaises. Heure normale du Japon
Lheure normale du Japon ou heure du Japon (, "JST" ; en japonais : ou ) est le fuseau horaire de référence du Japon. Celui-ci est l'un des noms du fuseau horaire UTC+9, en avance de neuf heures par rapport au temps universel coordonné. Il n'y a pas d'heure d'été pour ce fuseau même si son introduction a été débattue à de multiples reprises. L'heure normale du Japon est la même que l'heure normale de la Corée, l'heure normale de l'Est indonésien et l'heure de Iakoutsk. Durant la Seconde Guerre mondiale, elle était souvent appelée « heure de Tokyo ». Mine Kawakami
De plus ayant été formée à la musique japonaise traditionnelle et à la musique classique européenne (particulièrement aux œuvres de Beethoven, Messiaen, Schumann), Mine Kawakami a tenu des récitals solos de piano en Allemagne, au Japon, aux Pays-Bas et en Espagne. Musique japonaise traditionnelle
Il y a quatre autres styles de "jōruri" qui ont disparu pour l'essentiel. Le "katōbushi", l"icchuubushi" et le "miyazonobushi" sont démodés et appelés "kokyoku" (古曲) qui signifie « musique ancienne ». Outre les trois genres énumérés ci-dessus, le "kokyoku" comprend l"ogiebushi" (荻江節) qui n'est pas du "jōruri" mais du "nagauta".Le nagauta (長唄) est joué au shamisen. Il y a trois styles de "nagauta" : un pour la danse "kabuki", un pour le dialogue "kabuki" et un pour une musique sans rapport avec le "kabuki". Okraulo
Après la Seconde Guerre mondiale, l'okraulo a longtemps été un élément oublié de l'histoire de la musique traditionnelle japonaise. Il faudra attendre une exposition parrainée par l'Okura Shukokan qui s'est tenue d'août à septembre 2011, juste avant le 50e anniversaire de la mort de Kishichiro Okura, et dont le nom était : « Kishichiro Okura et la musique traditionnelle japonaise : Focus sur la « flûte verticale fantôme » Okraulo »; un concert employant l'okraulo (shakuhachi de style Okura portant le nom de Wakamatsu) a été organisé en parallèle à l'exposition. Ce fut le début d'un projet visant à revitaliser l'okraulo en organisant des conférences et des concerts au musée, et en , un album original d'enregistrements appelé « Okraulo » dans lequel Akinao Kominato joue de l'okraulo est sorti. Ces dernières années, l'okraulo a de nouveau attiré l'attention en tant que flûte verticale hybride qui combine les fonctions du shakuhachi et de la flûte, et a été largement couverte par les médias. Ce fut le début d'un projet visant à revitaliser l'okraulo en organisant des conférences et des concerts au musée, et en , un album original « Okraulo » dans lequel Akinao Kominato joue de l'okraulo est sorti. Ces dernières années, l'okraulo a de nouveau attiré l'attention en tant que flûte verticale hybride qui combine les fonctions du shakuhachi et de la flûte traversière, et a été largement couverte par les médias. Kawaii metal
Le ), également connu sous le nom de idol metal, cute metal, ou kawaiicore, est un genre musical mélangeant des éléments de heavy metal et de J-pop qui s'est développé au Japon au début des années 2010. Une composition de kawaii metal typique consiste à combiner des musiques issues de différents types de musique heavy metal, des mélodies J-pop et l'esthétique du mouvement des idoles japonais. Les sujets des textes du kawaii metal sont souvent plus légers que ceux des autres genres de heavy metal. J-rap
Le J-rap (rap japonais, hip-hop japonais, ou J-hip-hop) est un genre musical lancé par le musicien Hiroshi Fujiwara à son retour au Japon au début des années 1980. Le J-rap s'inspire de la pop et du hip-hop old-school, de par notamment son rythme entrainant et son accessibilité musicale. De ce fait, le J-rap reste l'une des musiques les plus commerciales au Japon. Musique japonaise traditionnelle
La musique traditionnelle japonaise recouvre trois genres : musique instrumentale, musique pour le théâtre et musique de cour. Ayako Takagi
Sans se limiter au cadre strict de la musique classique, elle attire l'attention du public en apparaissant dans des programmes télévisés et radiophoniques, ainsi que dans des publicités télévisées. Elle est invitée à jouer avec les principaux orchestres du Japon. Musique japonaise
La musique tient une place prépondérante dans le théâtre nō. On peut y distinguer trois sous-genres : le "sarugaku", le "sangaku", et le "dengaku". Si les deux premiers ont par leur nature affecté essentiellement la forme du pantomime et de la danse du nō, le troisième est la source principale de sa musique. Le "nogaku" est plus récent et plutôt comique. Jiuta
Ainsi, les "kengyō" qui ont perdu leur autorité, font face à des difficultés et doivent gagner leur vie en apparaissant dans les théâtres populaires. Pendant ce temps, la musique "jiuta" a une chance à nouveau de se faire mieux connaître du grand public, spécifiquement dans la partie orientale du Japon dont Tokyo où le "jiuta" ne s'est pas tellement répandu. Beaucoup de musiciens de la partie occidentale du Japon, comme la région de Kyusyu et Osaka, trouvent leur chemin vers Tokyo. Taiko
Le taiko est un art de jouer du tambour au Japon. Le mot , qui veut dire « tambour » en japonais, vient du , mais il est généralement utilisé en dehors de ce pays pour désigner les différentes formes de tambours. Les Japonais préfèrent utiliser le terme plus spécifique , associé depuis longtemps à l'histoire du Japon. Musique japonaise
Récemment, au , il est devenu un instrument soliste à part entière dans le cadre d'ensembles de "taiko" notamment issus de l’île Sado, où le "wadaïko" (« tambour japonais », désignant ici ce mouvement), est tout autant une discipline spirituelle et une voie comme peut l'être un art martial. Tous ces tambours (entre dix et vingt) de grandes tailles (parfois plus de deux mètres de diamètre et de hauteur) se jouent à l'aide d'épaisses baguettes en bois conjuguées à des mouvements esthétiques des bras permettant à la fois la tenue du rythme et un repère mnémotechnique. Classic du Japon
Le Classic du Japon est un tournoi de tennis féminin du circuit professionnel WTA. Musique japonaise traditionnelle
Le "sōkyoku" (筝曲) utilise le « koto chinois » (guzheng), différent du koto japonais (琴). Il existe deux écoles de "sōkyoku". Musique d'Okinawa
La musique d'Okinawa consiste donc en un mélange de musiques traditionnelles relatant la vie des peuples ruraux d'Okinawa, travaillant sur les cultures de cannes à sucre. L'ancienne musique de cour "uzagaku" y subsiste encore, avec un instrument rare, le yaukin. Kimi ga yo
Bien que joué depuis la restauration de Meiji en tant qu'hymne national, et récité depuis des temps très anciens lors d'événements importants, "Kimi ga yo" n'est devenu officiellement l'hymne national du Japon que le (promulgation de la « loi sur le drapeau national et l'hymne national »), en même temps que le "Hinomaru" devenait le drapeau officiel du Japon. Biwa hōshi
Cependant, la tradition Heike se perpétue par les lignées Tsugaru (transmise par des interprètes voyants) et Nagoya (transmise par des musiciens aveugles de la tradition Todo), toutes deux relevant de l'école Maeda-ryū. La lignée Tsugaru comprend Kusumi Taiso (1815–1882), qui apprend le heike de la Maeda-ryū d'Edo, ainsi que ses fils Tateyama Zennoshin et Tateyama Kogo, qui tous deux déplorent le déclin de la musique heike à la fin de l'ère Meiji et cherchent à encourager un certain nombre d'élèves. À Nagoya, ville qui avait été un noyau florissant pour les représentations du "Heike", une petite faction de joueurs masculins aveugles continue à transmettre le "Heike" aux côtés d'autres instruments de musique à la popularité croissante, tels que le koto et shamisen. Des différences existent entre ces lignées en raison de la séparation géographique et des changements intervenus avec le temps. Par exemple, la lignée Nagoya repose presque entièrement sur la transmission orale. Néanmoins, les heike Nagoya et Tsugaru ont tous deux été désignés par le gouvernement japonais « patrimoine culturel immatériel » (Mukei Bunkazai) qui doit être enregistré et conservé : Nagoya en 1955 et Tsugara en 1959. Ces interprètes Nagoya désignés continuent leur transmission ; il s'agit d'Inokawa Koji, Doizaki Masatomi et Mishina Masayasu). Japon
Le shintoïsme est la principale religion du Japon, les Japonais sont ainsi traditionnellement animistes avec une pratique chamanique, comme en attestent l'usage de nombreuses amulettes, tant à la maison qu'en voyage. Les autres religions subissent souvent une réappropriation animiste de leurs dieux dans le panthéon personnel ou collectif des Japonais. La plupart des Japonais ne croient ainsi pas en une religion particulière et unique, mais font preuve de syncrétisme, notamment à l'égard du bouddhisme, mais aussi plus généralement à l'égard de l'ensemble des religions. Beaucoup de japonais pratiquent donc des rites de plusieurs religions au cours de leur vie. Une même personne peut aller invoquer les dieux au sanctuaire shintoïste à l'occasion du Nouvel An et tenter d'attirer leur attention avant les examens d'entrée à l'école ou à l'université. Raisonnant de manière confucianiste, elle souhaitera parfois un mariage à l'occidentale dans une église chrétienne après une cérémonie plus traditionnelle et aura des funérailles dans un temple bouddhiste. Ce syncrétisme se réflète dans les statistiques de pratiques religieuses du ministère des Affaires intérieures et des Communications japonais, qui comptabilisait en 2014 : Musique bruitiste
À ce jeu de recherche du « jusqu'auboutisme sonore », le Japon va se révéler particulièrement doué, au point de mériter le terme de japanoise : sous l'influence de Whitehouse, Merzbow ou Yoshihide Ōtomo, mais aussi Masonna, Dissecting Table, KK Null, The Gerogerigegege ou Hanatarash ont façonné cette scène. Le son japonais se caractérise par une extrême puissance, des murs de bruit blanc, des beats, des dialogues, des boucles samplées. On a vu par ailleurs apparaitre dans ce contexte une forme d'improvisation libre électroacoustique plus calme, utilisant des sons purs, spatiaux, caractéristique d'artistes tels que Sachiko M, Yoshihide Ōtomo, Toshimaru Nakamura, Shigeru Kan-no ou Taku Sugimoto. Misaki Iwasa
En juillet 2016, Iwasa fait une apparition lors d'un concert tenu à Japan Expo 2016 à Villepinte en France pour présenter le enka et la musique traditionnelle japonaise aux étrangers. Culture japonaise
La culture japonaise plonge ses racines dans les cultures continentale chinoise et coréenne, avant de connaître une longue période d'isolement ("sakoku") sous le shogunat Tokugawa, jusqu’à l'arrivée des « bateaux noirs » et l'ère Meiji (1868-1912). De ces emprunts variés résulte une culture très différenciée des autres cultures asiatiques et dont l'écho résonne encore dans le Japon contemporain.La compréhension de la langue japonaise est primordiale pour comprendre la culture japonaise. La culture traditionnelle et la culture moderne japonaises reposent toutes les deux sur la langue écrite et le langage parlé. Maki Ishii
Ses premières compositions sont caractérisées par la musique sérielle et autres techniques de composition d'Europe occidentale dans les années 1950 et 1960. Dans les années 1960, il découvre la musique traditionnelle japonaise pour ses compositions et à partir de cette époque, celles-ci sont dominées par la confrontation entre les méthodes européennes de composition et des éléments de l'univers sonore de la musique japonaise traditionnelle. Akira Miyawaki
On trouve au Japon autour des temples et des cimetières traditionnels des arbres tels que "Castanopsis cuspidata", des chênes dont le "Quercus glauca" et "Quercus myrsinifolia", des châtaigniers, le "" (arbre de la famille des lauracées incluant des avocatiers). Miyawaki a montré qu'il s'agissait d'essences autochtones, reliques de la forêt préhistorique. Dans le même temps, il a constaté qu'au contraire, des arbres tels que le cèdre dit japonais, le cyprès, le mélèze, et le pin que tous les Japonais pensaient autochtones sont en réalité des arbres progressivement introduits au Japon par les forestiers depuis des siècles pour produire du bois d'œuvre. Théâtre japonais
Si les représentations de "bugaku" n’ont été prisées que par l’élite aristocratique et religieuse, il en va tout autrement du "sangaku", introduit de Corée et de Chine aux , mais moins raffiné et d’essence purement populaire. Plus rarement associé aux cérémonies religieuses, il s’agit de . Dès le , le "sangaku" chinois est appelé "sarugaku" (singerie ou musique de singe) au Japon, qui s’enrichit au contact du peuple des saynètes comiques ou de mimiques. Les spectacles hétérogènes de "sarugaku" sont très proches du "dengaku" autochtone au . Fortement populaire, profane et parfois vulgaire, le "sarugaku" et le "sarugaku nô" ont eu comme le dengaku une importance primordiale sur la naissance du théâtre japonais. En effet, Kan’ami et Zeami, les deux fondateurs du nô (le premier véritable genre du théâtre classique japonais), sont tous deux chefs d’une troupe de "sarugaku". En ce sens, le nô peut être décrit comme l’. Maître des cérémonies (Japon)
Un certain nombre de fonctionnaires ayant des responsabilités spécifiques assiste le grand maître. Ainsi, l'un des deux vice-grand maîtres des cérémonies est responsable des cérémonies qui comportent de la musique. Le département de musique joue à la fois le "gagaku", c.à.d l'ancienne musique de cour, et la musique classique occidentale. Gastronomie japonaise
La boisson traditionnelle des Japonais est le thé, que l'on trouve souvent dans les restaurants, servi à volonté chaud ou froid. Il est aussi courant de trouver des sodas au Japon et des boissons à base de thé. La consommation d'alcool est principalement constituée de bière.La consommation d'alcool est tout d'abord la consommation de la bière (2/3 du total des alcools vendus au Japon, en moyenne par adulte et par an). La consommation de vin augmente depuis plusieurs années, ainsi que celle de cocktails à faible degré. Depuis longtemps la consommation de saké traditionnel est en déclin, passant à par adulte et par an en 2006, alors qu'elle était de en 2001. Sumagoto
Habituellement, le "sumagoto" est utilisé pour accompagner le chant traditionnel, bien que son répertoire contienne également des œuvres purement instrumentales. L'instrument était autrefois populaire parmi les samouraïs, les lettrés et les prêtres, aujourd'hui il est très rare qu'il soit couramment utilisé. La seule tradition dans laquelle il se perpétue, est celle du "seikyodo ichigenkin", notamment dans le , un modèle d'organisation familiale des arts traditionnels japonais, comme l'ikebana, le théâtre nô, le "chanoyu" ou le go. Issui Minegishi (Grand Maître héréditaire) joue beaucoup en Amérique du Nord, en Europe et en Asie, et parfois avec le multi-instrumentiste canadien Randy Raine-Reusch, est le seul interprète d’"ichigenkin" non japonais, qui compose et enregistre de nouvelles œuvres pour l'instrument. Shakuhachi
Il existe une abondance d’enregistrements contemporains, particulièrement chez les éditeurs japonais. Les genres essentiels sont le "honkyoku", solo traditionnel, le "sankyoku", ensemble avec "koto" et "shamisen", et le "shinkyoku", musique contemporaine pour ensemble de "shakuhachi" et "koto". Le "shakuhachi" est également employé dans les ensembles de musiques du monde par Hozan Yamamoto, notamment. Durant les années 1980, l’apparition du synthétiseur popularisa le son du "shakuhachi". Ce dernier était en effet proposé parmi les instruments par défaut sur les synthétiseurs de fabrication japonaise. Tenma Shibuya
Titres des conférences: Mode japonaise : kimono & mode contemporaine Danse japonaise : danse classique et danse de rue Arts martiaux japonais : kendo, karaté et aïkido Culture pop japonaise : manga, animation & musique 　 Promotion du tourisme au Japon : Zero Distance Campaign, organisée par l’Organisation Nationale du Tourisme du Japon.　 Septembre 2008 Organisation d'un festival de danse traditionnelle japonaise dite Bon Odori. Une centaine de personnes participent à ce festival de danse. Planète Japon
La culture japonaise est omniprésente dans le magazine, les articles sont variés et touchent de nombreux aspects comme l’art : l’estampe japonaise, les jardins japonais, les fêtes traditionnelles : Noël et Nouvel An, Shichi-go-san, Sanja Matsuri et également les traditions liées à la vie des japonais : les geishas, les courtisanes. Horagai
Le est un instrument de musique traditionnel de la culture du Japon, semblable à la conque. Musique post-industrielle
Le japanoise (un jeu de mots entre et ; littéralement bruit japonais) définit la scène bruitiste japonaise. Populaire et active dans les années 1980 et 1990, puis au , la scène japanoise se définit par sa liberté musicale : des groupes du genre partent de Hanatarash, jusqu'à Boredoms, en passant par Incapacitants et Merzbow. La scène s'inspire initialement du power electronics et des thèmes BDSM. Néanmoins, le japanoise est souvent moins sérieux comparé aux autres styles post-industriels, et quelques musiciens, comme Aube, s'inspirent également de la psychedélie ou du space rock. Enka
L' est un genre musical japonais rassemblant toutes les origines stylistiques de la musique japonaise. L'enka moderne, cependant, est une forme musicale relativement récente lancée dans le contexte de l'après-guerre, adoptant un style musical plus traditionnel dans son vocalisme que la musique "ryūkōka", popularisée avant la Seconde Guerre mondiale. Hyottoko
Au Japon, il existe une musique populaire connue, , comprenant la danse d'un pêcheur avec un panier en bambou ayant la même expression faciale que Hyottoko. Au cours de cette danse, le danseur place une pièce de cinq yens dans son nez (en relation avec le mythe de la préfecture de Iwate). Izumo est le nom précédent de la préfecture d'Iwate et était connu pour l'industrie du fer. Cette danse faisait partie d'une célébration du feu et de l'acier. Koto
Le est un instrument à cordes pincées utilisé en musique japonaise traditionnelle et, comme instrument d'accompagnement, dans les arts traditionnels tels que le "kabuki" et le "bunraku". Originaire de Chine et de Corée, il a été introduit au Japon vers le , principalement à la Cour impériale. Par la suite son usage s'est démocratisé. Musique religieuse
La musique shintoïste est dérivée d'éléments autochtones anciens et d'autres, chinois, ayant formé la musique de Cour japonaise, le gagaku. Le genre "mikagura" est particulièrement réservé au culte sacré et impérial, tandis que le genre "satokagura" est réservé à la dévotion populaire. Yayue
Le gagaku est un type de musique classique japonaise joué à la cour impériale depuis plusieurs siècles. Il se distingue dans la forme et le contenu du "yayue" chinois, et se compose de musique religieuse et folklorique shinto, une forme Goguryeo et mandchourienne, appelé "komagaku", et une forme chinoise et sud-asiatique, appelé "". Osamu Kitajima
De retour au Japon, il étudie la musique japonaise traditionnelle pendant plusieurs années. Son premier album sous son vrai nom, "Benzaiten" (1974), marie le rock progressif, le rock psychédélique et la musique traditionnelle japonaise, en alliant guitare électrique, basse, piano électrique, percussions japonaises, shakuhachi et biwa. Yamaha Music Festival
Yamaha Music Festival, aussi appelé World Popular Song Festival, est un concours de chanson internationale originaire du Japon, apparenté aux Concours Eurovision de la chanson. Malika Kishino
La tradition japonaise constitue la culture générale (comme la relation entre l'action et non-action) de Malika Kishino mais pas la tradition musicale - même dans les compositions où elle utilise le koto et d'autres instruments japonais traditionnels. Une grande partie des compositions de Kishino comprend l'utilisation de la musique électronique ou de méthodes électroniques en public. Cela peut être considéré d'une part comme une extension du moyen instrumental en vue de la transformation de timbres (entre électronique et acoustique) et d'autre part comme une recherche de nouveaux moyens d'expression. Sakura sakura
, ou parfois simplement Sakura, est une chanson populaire traditionnelle japonaise. Relations entre la Corée du Sud et le Japon
Ces dernières années, la culture pop sud-coréenne ("K-pop") a connu une popularité importante au Japon, un phénomène appelé "vague coréenne" () au Japon ; la chanteuse pop BoA est l'une des chanteuses les plus populaires au Japon, avec six albums consécutifs en tête du palmarès Billboard. Bougie japonaise traditionnelle
La bougie japonaise traditionnelle est un produit purement végétal : la cire est confectionnée à partir des fruits du "Toxicodendron succedaneum" (= "Rhus succedanea L.", « arbre à cire ») appelés . La mèche est composée de papier japonais ("washi") (fabriqué à base de fibres de mûrier), de moelle de jonc ("igusa", "Juncus effusus L." var. "Decipens Buchen") et de ouate de coton. Kitarō
Une de ses idées concernant la composition est d'unir la musique populaire (rock), la musique traditionnelle (japonaise) et le classique. Japonification
La culture japonaise a une forte influence sur la culture pop américaine avant la défaite du Japon de 1945 à la fin de la Seconde Guerre mondiale, puis au début des années 1950, lorsque les enfants américains sont touchés par la , comme par le film "Godzilla" de 1954. La culture japonaise s'est également présentée avec des jeux vidéo populaires tels que "Jet Set Radio", un jeu qui fait des références évidentes aux mangas japonais et aux romans graphiques. Cette tendance venue du Japon influence la culture populaire des enfants et se poursuit avec des icônes culturelles bien connues telles que : "Astro, le petit robot", "Sailor Moon", "Dragon Ball Z", "Pokémon" ou "". Les médias japonais sont généralement décrits comme étant "kawaii", un terme japonais signifiant « mignon » ou « confortable » en français. Wadaiko Yamato
En plus des percussions, les membres utilisent d'autres instruments traditionnels du Japon comme le "shakuhachi" (flûte droite), le "koto" (cithare japonaise), le shamisen (petit luth) mais aussi de petites cymbales à main. Si les instruments utilisés sont traditionnels, la mise en scène est moderne avec une recherche dans l'éclairage, la disposition des joueurs sur une structure en étages et des effets comiques sans paroles. Le dernier spectacle est nommé Matsuri, en référence aux fêtes traditionnelles japonaises où le tambour joue un grand rôle. Musique japonaise
Avec l’occidentalisation récente, les instruments et les genres venus d’Europe et des États-Unis font leur apparition, sans pour autant provoquer la disparition des autres. Eta Harich-Schneider
Eta Harich-Schneider a écrit plusieurs ouvrages sur le Japon et plus particulièrement sur la musique japonaise où elle est considérée comme une autorité. Ses écrits portent sur l'art musical plutôt que sur la musique folklorique. Sa première œuvre majeure "The Rhythmical Patterns in Gagaku and Bugaku" (1954) est consacrée à la musique de cour du Japon gagaku et bugaku. Bougie japonaise traditionnelle
La peinture sur bougies est une tradition culturelle du Japon apparue dès l’époque Edo. Ces sont souvent ornées de fleurs (principalement des pivoines et des chrysanthèmes à l’époque Edo). En effet, au Japon, on a coutume de placer à la fois une bougie japonaise et des fleurs sur les autels bouddhiques des temples ou des maisons ("butsudan" : ainsi, même en hiver, quand les fleurs sont rares, ou quand les bouquets sont fanés, les bougies fleuries peinte sur la bougie japonaise peuvent en tenir lieu. Kumi odori
Chokun emploie le "ryuka", la poésie classique d'Okinawa, et la musique classique pour ses chansons. Les instruments comprennent généralement trois instruments à cordes : le sanshin (apporté de la Chine), le "kutu" et le "kucho"; le "hanso", une flûte, et deux tambours, l"odaiko" et le "kodaiko". Les paroles sont généralement chantées par les joueurs de sanshin, qui sont la composante instrumentale la plus importante et des chansons sont utilisés pour rehausser l'humeur dans les situations intenses. Ces chansons sont cruciales pour la performance et souvent remplacées par des dialogues, un peu comme dans les comédies musicales de Broadway (Foley 8). À la différence de la musique animée des gens du commun d'Okinawa, cette musique est formelle et un peu austère, projetant l'idée de noblesse à travers la musique. La représentation est formelle et pleine de métaphores comme dans la littérature japonaise de l'époque. Deux styles sont présents : le chant fort, ou "kyogin", réservé aux rôles masculins puissants, et le chant doux, appelé "wagin" ou "yuwajin", utilisé pour les rôles de femmes ou de jeunes hommes (Foley 8). Il est important de noter que la plupart des chants importants sont exécutés par les musiciens. Ces derniers sont assis sur la scène ou à gauche de celle-ci pendant les spectacles, ou assis derrière une coulisse puisque la scène est ordinairement une plate-forme de , un peu comme celle du théâtre "nô" (Foley 9). De nos jours, les musiciens sont assis soit à gauche de la scène ou dans les ailes, ce qui conserve l'aspect épuré de l'original, et il est intéressant de noter qu'à aucun moment il n'y a plus de six acteurs sur scène (Thornbury 231). De même, les accessoires réalistes sont évités et ils symbolisent de préférence les idées au lieu d'être pris à la lettre. Kawachi ondo
Le Kawachi Ondo (河内音頭) est un genre de chanson folklorique japonaise qui provient de Yao, dans l'ancienne région de Kawachi, qui fait maintenant partie de la Préfecture d'Osaka. Ce style de chanson et de mélodie viendrait d'un autre type de chanson populaire appelé Gōshū Ondo, issu de la Préfecture de Shiga, connue auparavant sous le nom de Goshu. Le Kawachi Ondo accompagne les danses de Bon (ou Bon Odori) dans la région d'Osaka; toutefois, ce type de chanson a récemment gagné en popularité et est souvent joué lors d'autres grandes danses Bon, même à Tokyo. Jiuta
Le nom "jiuta" signifie « chanson » (, "uta") de l'endroit ( "ji", Kamigata, en l'occurrence) », et suggère que « la chanson n'est pas d'Edo ». À cette époque, le "jiuta" est joué, composé et enseigné par les "tōdōza", groupe d'aveugles, aussi le "jiuta" est-il également appelé "houshiuta" (, « chanson de moine »). Le "jiuta", au même titre que le "nagauta", est un "utaimono" () typique, musique vocale de la musique japonaise traditionnelle. Ondō (musique)
Il existe d'autres noms utilisés pour décrire d'anciens genres de musique japonaise. Par exemple "fushi" ou "bushi" (), avec son sens littéral de « nœud », « articulation » ou « commune » se réfère aux nœuds trouvés dans le bambou, généralement à une fréquence régulière. Ainsi "fushi" peut-il aussi avoir l'idée abstraite de « séquence » pour se référer à des notes et des rythmes dans une séquence, à savoir, une mélodie. Biwa hōshi
Les "biwa hōshi" sont considérés comme les premiers interprètes du "Heike monogatari" qui est l'une des plus célèbres épopées du Japon. Ce texte détaille les combats entre deux puissants clans, les Minamoto et les Taira vers le . Les Taira sont finalement anéantis par les Minamoto (parfois appelés les Genji) qui tuent systématiquement chaque descendant mâle des Taira. À cette époque, la religion au Japon intègre de nombreuses croyances animistes indigènes (voir shintoïsme) dans son cadre théologique bouddhiste, conduisant de nombreux nobles de la cour et les chefs religieux à se soucier des esprits en colère des Taira qui perturbent la paix. Le grand tremblement de terre vers 1185 contribue à ce sentiment. Comme leurs rituels comprennent l'apaisement des esprits et la prévention des fléaux, la musique heike devient un véhicule pour apaiser le ressentiment durable des esprits Heike. La musique "heikyoku" et les "biwa hōshi" deviennent immensément populaires pendant les siècles suivants. Théâtre japonais
Le théâtre japonais trouve ses origines dans les danses rituelles et la chorégraphie sacrée. L’entrée de ces danses dans le folklore s’effectue par la perte progressive de leur sens religieux au profit de plus d’esthétique et de raffinement, notamment à l’instigation de la cour impériale à partir du , ainsi que leur représentation dans le monde profane pour le divertissement des hommes et non plus seulement des dieux. Ce processus de folklorisation de tout un ensemble hétérogène de danses, farces et pantomimes aboutit à la naissance à partir du d’une forme de théâtre élaboré purement japonais. J-pop
La J-pop (souvent épelée J-POP ; , ' ; une abréviation de pop japonaise) est un sous-genre de la musique japonaise. La J-pop moderne tient ses origines de la musique traditionnelle japonaise, mais elle est significativement inspirée par la pop et le rock des années 1960, comme les chansons des Beatles et des Beach Boys, qui mène les groupes de rock japonais comme Happy End à mêler le rock à de la musique japonaise des années 1970. La J-pop est ensuite développée par des groupes de new wave à la fin des années 1970, en particulier le groupe de synthpop Yellow Magic Orchestra et le groupe de pop rock Southern All Stars. Bugaku
Le "gagaku" est la musique de cour qui accompagne la danse "bugaku". Tadamarō Ono est un musicien de palais dont la famille a joué pour les empereurs du Japon pendant près de mille deux cents ans. Cela fait de lui le représentant de la dans une lignée familiale ininterrompue de musiciens "gagaku" de cour. Les musiciens doivent se consacrer entièrement, corps et esprit, à leur rôle d'accompagnement, afin d'être personnellement impliqués dans la représentation du "bugaku" dans la même mesure que le sont les danseurs. Keiko Matsui
Keiko Matsui est née à Tokyo au Japon le . Sa mère, Emiko, l'amène à sa première leçon de piano alors qu’elle a cinq ans. La tradition japonaise veut qu’un enfant qui démarre des leçons à cet âge poursuive des études dans cette voie pendant très longtemps. La tradition se révèle exacte dans le cas de Matsui. Elle débute en apprenant la musique classique avant de se tourner vers le jazz et enfin de composer sa propre musique. Ondō (musique)
Toutes les anciennes mélodies japonaises avec un rythme balancé ne sont pas appelées "ondō" car parfois les termes "fushi" ou "bushi" sont utilisés pour désigner un air avec un rythme balancé à 2/2, ces deux ayant plus ou moins le même sens d'« air » ou de « mélodie ». La chanson folklorique "Gōshū ondō", par exemple, ne suit pas cette règle car le rythme ne se joue pas dans un mode basculé. La chanson folklorique "Tankō Bushi" a un rythme balancé de 2/2, même si le terme « "bushi" » figure dans son titre. Jiuta
Le "jiuta" possède les plus fortes caractéristiques comme ensemble instrumental parmi la musique traditionnelle japonaise moderne, la plupart des pièces sont jouées en ensembles. Avec les progrès du "tegotomono" se sont développés la polyphonie et les ensembles de jeu complexes. La plupart des pièces ont des parties de shamisen, "koto" et "shakuhachi", certaines incluant une partie "kaete" (« contrepoint ») pour shamisen. Gagaku
Le désigne l'ensemble des répertoires de la musique de cour du Japon. Il comprend des répertoires orchestraux, des chants et de la danse, et peut être mis en opposition au , la musique folklorique, « populaire ». Rock japonais
Dans les années 1970, le rock s'étend rapidement des pays aux continents, avant d'être massivement popularisé au Japon ; dès lors le J-rock prend place et, tandis que la scène rock internationale change de style, le J-rock reste le même dans ses caractéristiques musicales. Des chanteurs-compositeurs comme Kazuki Tomokawa et Kan Mikami deviennent populaires. Une scène folk-rock apparaît alors, conduite par Magical Power Mako. En même temps un rock progressif radical évolue avec Flower Travellin' Band ,After Dinner, YB02, Kenso, GERARD ou encore les groupes influencés par la Zeuhl de Magma comme Ruins, Bondage Fruit, Happy Family et Koenji Hyakkei. En 1989, un groupe de rock violent appelé X Japan popularise le premier mouvement rock japonais, connu sous le nom de visual kei. Dans ce mouvement, les fans masculins portent du maquillage, des vêtements PVC ou en cuir, et autres accessoires caractéristiques à ce mouvement. À la fin des années 1980, des groupes de rock comme Loudness ou Luna Sea aident à définir l'esthétique du visual kei dans la pop et le rock japonais. Il existe tout de même des groupes de visual kei qui se démarquent par leur style musical autant que vestimentaire comme Dir en grey ou bien encore the GazettE. Des groupes de heavy metal et de glam metal apparaissent, directement influencés par des groupes occidentaux comme Deep Purple et Kiss. Improvisation musicale
Le gamelan balinais, les musiques chinoise, japonaise et de nombreuses autres, bien que considérées comme des musiques traditionnelles n'en sont pas moins classiques (en France, l’appellation « musiques du monde » s’applique aussi bien aux musiques traditionnelles de tous les pays qu’aux musiques classiques extra-occidentales). Théâtre japonais
Trois périodes marquent l’histoire du théâtre japonais. Premièrement, les origines de l’art théâtral sont recherchées depuis l’Antiquité jusqu’au dans les danses rituelles shinto ou bouddhiques, les festivals et divertissements populaires ainsi que les farces et pantomimes, tant autochtones qu’importés d’Asie. La seconde période est celle du théâtre classique, défini par trois genres bien distincts : le nô, drame lyrique raffiné et poétique, le "bunraku" ou "ningyō jōruri", théâtre de marionnettes littéraire, et le kabuki, spectacle dramatique des bourgeois. La troisième période couvre le théâtre moderne, après l’ouverture du Japon sur le monde à l’époque Meiji. Les Japonais rompent avec la période classique d’abord via le "shingeki", le théâtre expérimental à l’occidentale, puis avec la prépondérance de l’avant-garde. Chaque époque a accouché de grands dramaturges qui ont fait l’histoire de l’art théâtral japonais, au rang desquels figurent Zeami, théoricien du nô, Chikamatsu, instigateur d’un véritable art dramatique, Kawatake Mokuami, rénovateur du kabuki après l’ouverture du pays, ou Kaoru Osanai, artisan du développement du théâtre moderne. Masaaki Hayakawa
Ses compositions sont influencées par la musique traditionnelle japonaise. Toutefois, il utilise des techniques de composition et des ensembles instrumentaux européens. Dans certaines de ses œuvres, le shakuhachi est utilisé. Musique japonaise
Le "shōmyō" fait référence à un ensemble de chants liturgiques bouddhiques venus de Chine. Il ne s'agit pas d'un genre spécifiquement japonais, cependant cette appellation fait généralement appel à un genre musical japonais, dont les caractéristiques se sont développées de manière originale dès la rupture des relations avec la Chine. Si ces chants se sont plus ou moins perdus dans le reste du monde bouddhiste, il est notable qu'ils furent conservés au Japon, notamment par les sectes Tendai et Shingon. Ryūkōka
Bien que Matsui se suicide après la mort de Shimamura, Nakayama continue à développer sa musique. Durant sa carrière, il compose environ telle que "Teru teru bōzu" en 1921. Nakayama transfère la musique japonaise traditionnelle sur la portée occidentale. Sa chanson de 1921 est plus tard reprise par plusieurs chanteurs mais est surtout connue à l'origine pour être couverte par le violoniste "enka-shi" avec un orchestre. Le système pentatonique employé dans la chanson est sur le mode mineur sans les quatrième et septième degrés. Cependant, la musique fondée sur cette échelle a des difficultés à présenter les accords et l'harmonie parce que la musique japonaise traditionnelle n'a pas adopté la gamme tempérée. J-pop
L'histoire de la J-pop, peut être suivie en même temps que celle du jazz qui devient populaire durant le début de l'ère Shōwa. Le jazz réintroduit plusieurs instruments de musique, auparavant utilisés seulement pour jouer de la musique classique ou des marches militaires, dans les bars et les clubs. Le jazz ajoute également l'élément de "fun" à la scène musicale japonaise. Comme résultat, les devinrent très populaires grâce à ce renouveau musical. Honkyoku
Les honkyoku (本曲, "morceaux originaux") sont des morceaux de musique écrits pour les flûtes japonaises shakuhachi ou hocchiku qui étaient joués par des moines mendiants de la secte Fuke du Bouddhisme Zen appelés komusō. Les komusō jouaient des honkyoku pour la méditation et pour demander l’aumône dès le . La secte Fuke qui initia cette pratique disparut au , mais un héritage oral et écrit de nombreux honkyoku a été transmis jusqu'à aujourd'hui et cette musique est souvent jouée en concert. Ondō (musique)
Une partie de la célébration "O-Bon" japonaise consiste à participer à la danse de la communauté locale. La tradition de la danse "Bon" ou "Bon Odori" () remonte à quelques centaines d'années et est généralement accompagnée d'une chanson locale. Ces derniers temps cependant, de la nouvelle musique est utilisée pour la danse d'accompagnement "O-bon", y compris les derniers succès "enka" et la nouvelle musique écrite spécialement pour la danse "bon". Le rythme "ondō" a toujours été commun dans la musique folklorique japonais mais même la nouvelle musique écrite pour les danses "Bon" a été composée dans ce style. Il est donc fréquent de trouver des noms de la musique plus récente avec le mot "ondō" attaché à son titre. Par exemple, les franchises japonaises telles que les séries de télévision Animation et Tokusatsu ont leur propre ondos ainsi : "the Pokémon Ondo", "the Naruto Ondo", "the Hunter x Hunter Ondo", "the Doraemon Ondo", "Ojamajo Doremi Ondo", "Shiawase Kyoryu Ondo" et même la série "Super Sentai" possède plusieurs chansons ondo telles que "Carranger Ondo", "Bomb Dancing Megaranger", "Hurricane Ondo", "Bakuryu Kazoeuta", "Let's Go On-do" et plus récemment, "Minna Summer DAY Ondo". Les "ondō" sont couramment utilisés comme thèmes d'ouverture d'animes dans les années 1960 et 1970, en particulier avec les productions Tatsunoko. Orchestre symphonique métropolitain de Tokyo
Traditionnellement, l'orchestre joue les œuvres de Gustav Mahler en tant que partie importante de son répertoire. Hiroshi Wakasugi, Eliahu Inbal et Gary Bertini ont ainsi dirigé toutes les symphonies de Mahler avec l'orchestre. L'orchestre joue principalement de la musique classique mais a également enregistré d'autres musiques symphoniques depuis environ 2000, telles que la bande son de "Dragon Quest" avec Koichi Sugiyama et les musiques de "Nodame Cantabile" (anime et TV drama) ainsi que celle du film "Les Trois Royaumes". Femmes au Japon
Souvent, lorsqu'est évoquée la Japonaise, beaucoup pensent aux geisha, artistes traditionnelles qui agissent comme hôtesses et dont les compétences consistent à exécuter divers arts japonais tels que la musique japonaise traditionnelle, la danse, des jeux et à entretenir une conversation, principalement pour divertir une clientèle masculine. J-pop
La J-pop inclut la plupart des musiques produites au Japon, et souvent des genres considérés comme distincts dans d'autres pays. John William Fenton
John William Fenton, né le à Kinsale dans le comté de Cork en Irlande et décédé le en Californie, est un musicien britannique qui fut conseiller étranger au Japon pendant l'ère Meiji. Il est considéré comme le « premier chef d'un groupe musical au Japon » et le « père des groupes musicaux du Japon ». Fenton est surtout connu pour avoir fait en sorte que le "Kimi ga yo" devienne l'hymne national du Japon. Bodhisena
Certaines danses et de musiques traditionnelles japonaises préservent enfin des éléments apportés par Bodhisena. Instrument de musique en bambou
On retrouve les plus connues et réputées au Japon , "Yokobue" (横笛) est le terme générique pour les flûtes en bambou transversales, comme : "Nôkan" (能管) flûte en bambou transversale utilisée pour le théâtre Nô, "Ryûteki" (龍笛) flûte en bambou transversale utilisée pour le "gagaku", "Kagurabue" (神楽笛) flûte en bambou transversale utilisée pour le "mi-kagura" (御神楽, Musique rituelle "shintô"), "Komabue" (高麗笛) flûte en bambou transversale utilisée pour le "komagaku" et semblable au "ryûteki", "Shinobue" (篠笛) flûte en bambou transversale populaire, "Shakuhachi" (尺八) flûte en bambou verticale utilisée pour la méditation Zen. Le shō () est le nom japonais de l'orgue à bouche d'origine chinoise, où il est appelé "sheng" (), la variante coréenne est appelée saenghwang (/). Il est également proche du "khên" laotien et thaïlandais, bien que ce dernier diffère dans sa forme. Atsuhiko Gondai
Gondai est l'un des jeunes compositeurs les plus importants du Japon. Son intérêt ne se porte pas spécifiquement sur la musique japonaise mais sur le dialogue religieux et culturel entre l'Europe et l'Asie. L'une des priorités de son travail sont les possibilités de combinaisons et interactions entre musique religieuse catholique et les chants monastiques bouddhistes traditionnels. Dans ses œuvres, il combine habilement anciens et nouveaux procédés de composition. L'infini et l'éternité sont des thèmes récurrents dans ses compositions. Hirofumi Yoshida
Le maestro dirige Madama Butterfly, œuvre qui en plus représente sa propre culture. L'objectif du festival est de faire revivre le Kagura (c'est-à-dire, la musique des dieux), une des formes les plus anciennes qui comprend toutes les caractéristiques de l'art traditionnel du Japon et est considéré comme l'antécédent du Kabuki japonais. À cette occasion, Yoshida travaille avec le réalisateur Massimo Pezzutti, avec lequel nait une synergie particulière entre la musique italienne et l'opéra japonais. Cette même année, Yoshida dirige également l'orchestre au Teatro Carlo Felice de Gênes. Matsuri-bayashi
Le , est la musique traditionnelle accompagnant les "matsuri" au Japon. Elle est souvent appelée plus simplement , mais le terme est ici volontairement plus précis afin de la distinguer de la musique de kabuki, de nô, de "kagura" ou d'autres spectacles, que ce terme peut aussi désigner. De nombreux "matsuri" différents ayant lieu au Japon, avec une musique et des instruments distincts, on ne peut pas les rattacher a une seule origine commune. Musique Dōjin
La , aussi nommée au Japon, est une sous-catégorie du genre dōjin. Les Dōjin sont des publications en langue japonaise non officielles et auto-produites, souvent basées sur des productions et œuvres originales officielles et commerciales. Ces publications sont vendues sur des sites spécialisés, sur le site de l'auteur, et lors de conventions telles que le célèbre Comiket. Musique japonaise
Dans la région de Kyūshū se développe, vraisemblablement dès le , et de manière attestée à la fin du , une musique de biwa très différente de celle pratiquée à la Cour impériale (le "gaku biwa") : le , pratiqué par les moines aveugles. À l'origine, l'instrument employé vient de l'Inde, il a une crosse droite, cinq frettes et cinq cordes, mais au , c'est le type précédent qui s'impose. Il est associé à la lecture des sutras aux divinités de la terre, les "chijin-kyō", pour apaiser les esprits telluriques (lors de la construction d'un édifice, lors d'un sinistre, en vue d'obtenir de bonnes récoltes, etc.). Biwa hōshi
Tōru Takemitsu sauve le biwa de l'extinction en collaborant avec des compositeurs occidentaux. Takemitsu, et plusieurs compositeurs avant lui, reconnaissent que la musique japonaise devient rapidement obsolète. L'intérêt pour la musique japonaise est presque inexistant. Les études sur la théorie musicale et la composition de la musique consistent presque entièrement dans la théorie occidentale et son enseignement. Certains de ces compositeurs commencent à intégrer de la musique japonaise et des instruments japonais dans leurs compositions. Pourtant, ces compositeurs se focalisent sur les instruments japonais les plus similaires à ceux de l'Occident, par exemple l'utilisation du koto par Michio Miyagi. Takemitsu, d'autre part, collabore avec des compositeurs et des compositions de l'Occident pour inclure le biwa asiatique distinct. Ses compositions - bien reçues - revitalisent l'intérêt pour le biwa et le préserve de l'obsolescence. Kakko (instrument)
Ce tambour, fut introduit au Japon, depuis la Chine, au . Il est joué par un musicien agenouillé, qui le frappe avec deux bâtons minces. Il sert à définir le rythme du togaku (musique de la première dynastie Tang). Le "kakko" est utilisé dans la musique de théâtre nō et kabuki, mais aussi dans le , musique folklorique japonaise. Il est souvent joué avec son grand homologue, l' ( « grand "tsuzumi" », aussi appelé , qui est un tambour japonais en forme de sablier. Il s'agit d'une version plus grande du tsuzumi, ou kotsuzumi un tambour japonais d'origine sino/indienne. Nô
Il y a environ mille cinq cents acteurs et musiciens professionnels de nō au Japon, et cette forme d'art recommence à prospérer. Contrairement au kabuki qui est toujours resté très populaire, le nō s'est peu à peu tourné principalement vers une certaine élite intellectuelle. Les cinq familles de nō sont les écoles , , , , et . Les familles de "kyōgen" étant à part. Contes et légendes traditionnels du Japon
Le folklore japonais est fortement influencé par le shinto et le bouddhisme, les deux religions principales du pays. Il implique des personnages dans des situations humoristiques ou bizarres face à des êtres surnaturels variés . Musique japonaise
Les conventions musicales y sont très strictes : Contes et légendes traditionnels du Japon
Les légendes d'origine véritablement japonaise sont de deux sortes: celles qui remontent au début de la religion Shintô, douze siècles avant l'introduction du Bouddhisme, et celles, plus récentes, datant du Moyen Âge Japonais. Ces dernières sont inspirées de poèmes épiques et de hauts faits d'armes célèbres ainsi que par les aventures de moines Bouddhistes ou de personnes occupant un rang élevé dans la cour Impériale. Un nombre important d'écrits consignent leurs actions dans le moindre détail. Japan Expo
Japan Expo, parfois abrégé Japan, Japex ou JE, est un salon événementiel professionnel français sur la culture populaire japonaise, qui se déroule au parc des expositions de Paris-Nord Villepinte tous les ans au début du mois de juillet, voire à la fin du mois de juin sur une période de quatre jours. Il s'agit d'une manifestation culturelle consacrée aux manga, aux jeux vidéo, aux anime, mais aussi aux arts martiaux, à la mode, à la musique (J-pop, J-rock, traditionnel), au cinéma et à ses traditions. Les personnes invitées peuvent être des jeunes artistes et youtubeurs spécialisés dans la musique et le jeu vidéo, aux créateurs danime mais sert également à la diffusion de sport mécanique et de rencontre pour des professionnels japonais et occidentaux via une zone privée, le "Business Center". Japan Expo a été créé par Jean-François Dufour, Sandrine Dufour et Thomas Sirdey en 1999 dans un garage et dans l'espace associatif de l'école de commerce ISC Paris où Sirdey était étudiant. Cette édition ne porte alors pas encore le nom de Japan Expo. Elle se déroula dans les sous-sols de l'ISC Paris sur environ et n'était orientée que sur les manga et l'animation japonaise. La seconde édition (cité comme la première édition sur le site officiel), qui porte alors le nom de Japan Expo, fut coorganisée par l'association d'étudiants ISCIS, ISC informatique service, de l'ISC Paris et d'autres associations, dont Jade et Anim'Int. Japan Expo représente alors une des trois parties du salon ISC de l'Imaginaire qui se déroule à l'Espace Champerret. Pour cette édition, le thème du salon s'étend plus généralement au Japon et à sa culture. Énormément d'activités y apparaissent notamment le "cosplay", la musique japonaise, des quiz, du doublage et des concours de vidéo, de clip, de photo, de maquette, de bande-dessinée et de fanzine. Les magasins et dépôt-vente font aussi leur apparition lors de cette édition. Le bilan de l' fut plutôt bon pour les organisateurs avec plus du doublement de la fréquentation mais très contrasté pour les fans du Japon. Ryūkōka
Le est un genre musical japonais. À l'origine, le terme désigne en japonais tout type de « musique populaire ». Ainsi, l"imayō" qui était encouragé par l'empereur Go-Shirakawa à l'époque de Heian, est une forme de "ryūkōka". De nos jours cependant, le "ryūkōka" se réfère expressément à la musique populaire japonaise de la fin des années 1920 jusqu'au début des années 1960. Le "ryūkōka" trouve quelques éléments dans la musique classique occidentale. Finalement, le "ryūkōka" s'est scindé en deux genres : "enka" et "poppusu". Contrairement au "enka", les chansons archétypales "ryūkōka" ne recourent pas à la méthode de chant "kobushi" car le "ryūkōka" emploie le "legato". Bin Uehara et Yoshio Tabata sont considérés comme faisant partie des fondateurs du style moderne du chant "kobushi". Tōru Takemitsu
Il est le chef de file de la musique classique japonaise ce qui lui vaut de recevoir de très nombreux prix et d'être choisi en 1971 comme compositeur principal de la « Semaine internationale de musique contemporaine » à Paris avec Igor Stravinsky. Théâtre japonais
Arrivé d’Asie aux , le "bugaku" regroupe toutes les danses asiatiques anciennes conservées par la cour impériale (via l’Office de la musique). Au Japon, le "bugaku" est étroitement lié à la cour et aux temples de la région de Kyoto : il est raffiné et sa musique, nommée "gagaku", est très élaborée. Le "gagaku" a contribué à forger les canons musicaux des aristocrates. Rapidement, il se constitue à la cour un répertoire de musiques et danses religieuses moins archaïques, fortement inspiré par le continent, mais conservant un lien avec les rites traditionnel. Les "mi-kagura" évoqués plus haut, qui sont des "kagura" harmonisés pour gagner en esthétique et en raffinement sur le modèle du "bugaku", peuvent être vus comme des sortes de "bugaku". Très dynamique durant toute l’époque de Heian, l’art du "bugaku" est ensuite préservé par l’ancienne aristocratie et perdure jusqu’à nos jours sous la forme de danses abstraites et esthétiques où la dimension dramatique voir folklorique est devenue ténue. Musique shintoïste
La musique shintoïste est la musique rituelle du shintoïsme, le plus ancien culte animiste japonais encore actuel. Elle utilise des instruments de musique traditionnels du Japon. J-pop
Sous la pression de l'armée impériale durant la Seconde Guerre mondiale, la pratique de musique jazz fut temporairement stoppée. À la fin de la guerre, les soldats américains et le Far East Network - qui occupent le Japon à cette époque - introduisirent un certain nombre de nouveaux styles musicaux dans le pays. Le Boogie-woogie, le mambo, le blues et la musique country étaient joués par des musiciens japonais pour les troupes américaines. Des chansons comme le Tokyo Boogie-Woogie de Shizuko Kasagi (1948), "" de Chiemi Eri (1951), "Omatsuri Mambo" de Hibari Misora et "Omoide no Waltz" d'Izumi Yukimura deviennent populaires. Des musiciens étrangers et des groupes dont Jazz at the Philharmonic et Louis Armstrong vinrent jouer au Japon. 1952 est déclarée l' mais le genre lui-même demandait un haut niveau technique et était difficile à jouer. Comme résultat, plusieurs musiciens japonais amateurs se tournèrent vers la musique country, bien plus facile à apprendre et à jouer. On assista à une prolifération de ce genre musical au Japon. Ondō (musique)
Dans la musique populaire japonaise, "fushi" et "ondo" suivent le nom de la chanson. Par exemple, "Tokyo ondo", "Mamurogawa ondo" et "Hanagasa ondo" portent tous "ondo" dans leurs titres. "Kushimoto fushi", "Bouraboura fushi" et "Soran fushi" ont tous "fushi" dans leurs noms. Cuisine japonaise
En dehors des menus du quotidien des familles japonaises consommés de nos jours, il existe différents types de cuisine traditionnelle raffinée, hérités des traditions des daimyo, des samouraïs ou de la cour impériale. Ces différentes cuisines constituent la grande cuisine japonaise. On peut citer chronologiquement : Rōkyoku
Le rōkyoku (浪曲; aussi appelé naniwa-bushi, 浪花節) est un genre de chant narratif traditionnel japonais. Généralement accompagné d'un "shamisen", le "rōkyoku" est devenu très populaire au Japon au cours de la première moitié du .