Quelles sont les particularités de la musique japonaise traditionnelle?
Musique japonaise traditionnelle
La musique traditionnelle japonaise recouvre trois genres : musique instrumentale, musique pour le théâtre et musique de cour. Musique japonaise
La musique japonaise regroupe tous les genres de musique de la sphère japonaise, depuis la préhistoire jusqu’à nos jours. Si l’on trouve dès les premiers temps de la civilisation nippone des instruments vernaculaires, notamment au sein des communautés aborigènes aïnous, il est clair qu’une grande partie de la musique insulaire est d’inspiration chinoise et coréenne. Toutefois, le Japon a su rapidement développer des styles originaux et se détacher du modèle sino-coréen.
Jiuchi
Jiuchi , communément appelé « "ji" », est le rythme sous-jacent de la musique traditionnelle, au Japon. Dans certaines régions, on parle de « petite frappe », de « petite pierre (abeille) », « petit bye ». Ce tempo est fondamental dans les rythmes martelés par les tambours "kakko", notamment le "Shime-daiko", utilisés dans des ensembles de "taiko", "jiuchi" est repris dans divers ensembles de musique japonaise du "nagauta", de "hayashi", et du "taiko". Une place, lui est également accordée, dans la musique folklorique et dans les ensembles de "min'yō". Le "kakko", est un instrument dérivé du "jiegu" chinois, un tambour qui fut populaire en Chine durant la dynastie Tang, tout comme le "galgo" coréen. Toshio Hosokawa
Le style des partitions de Toshio Hosokawa est principalement basé sur la musique de l'avant-garde allemande de l’après-guerre, dans laquelle il incorpore des éléments traditionnels des arts japonais. Il décrit son esthétique musicale comme une , pensée comme le "coup de pinceau" de l’artiste pour produire chaque son. Corée
Il existe traditionnellement plusieurs types de musiques, selon les cultures, en Corée. Les musiques de cour, telles les aak et tangak, d'inspiration chinoise, ou le hyangak, qui à partir du , devient plus local. Les musiques chamaniques, telles que le samulnori et ses danses tournantes, dans les nongak ou le sinawi, improvisé. La musique bouddhique, reprenant généralement les rituels apportés de Chine du bouddhisme chán (appelé son localement et zen au Japon), tandis que le hwach'ong s'inspire davantage du folklore local. Le Pansori, musique chantée accompagnée de percussions janggu est classé au patrimoine culturel immatériel par l'UNESCO. Wadaiko Yamato
En plus des percussions, les membres utilisent d'autres instruments traditionnels du Japon comme le "shakuhachi" (flûte droite), le "koto" (cithare japonaise), le shamisen (petit luth) mais aussi de petites cymbales à main. Si les instruments utilisés sont traditionnels, la mise en scène est moderne avec une recherche dans l'éclairage, la disposition des joueurs sur une structure en étages et des effets comiques sans paroles. Le dernier spectacle est nommé Matsuri, en référence aux fêtes traditionnelles japonaises où le tambour joue un grand rôle. Okraulo
Après la Seconde Guerre mondiale, l'okraulo a longtemps été un élément oublié de l'histoire de la musique traditionnelle japonaise. Il faudra attendre une exposition parrainée par l'Okura Shukokan qui s'est tenue d'août à septembre 2011, juste avant le 50e anniversaire de la mort de Kishichiro Okura, et dont le nom était : « Kishichiro Okura et la musique traditionnelle japonaise : Focus sur la « flûte verticale fantôme » Okraulo »; un concert employant l'okraulo (shakuhachi de style Okura portant le nom de Wakamatsu) a été organisé en parallèle à l'exposition. Ce fut le début d'un projet visant à revitaliser l'okraulo en organisant des conférences et des concerts au musée, et en , un album original d'enregistrements appelé « Okraulo » dans lequel Akinao Kominato joue de l'okraulo est sorti. Ces dernières années, l'okraulo a de nouveau attiré l'attention en tant que flûte verticale hybride qui combine les fonctions du shakuhachi et de la flûte, et a été largement couverte par les médias. Ce fut le début d'un projet visant à revitaliser l'okraulo en organisant des conférences et des concerts au musée, et en , un album original « Okraulo » dans lequel Akinao Kominato joue de l'okraulo est sorti. Ces dernières années, l'okraulo a de nouveau attiré l'attention en tant que flûte verticale hybride qui combine les fonctions du shakuhachi et de la flûte traversière, et a été largement couverte par les médias. Biwa hōshi
Les "biwa hōshi" sont considérés comme les premiers interprètes du "Heike monogatari" qui est l'une des plus célèbres épopées du Japon. Ce texte détaille les combats entre deux puissants clans, les Minamoto et les Taira vers le . Les Taira sont finalement anéantis par les Minamoto (parfois appelés les Genji) qui tuent systématiquement chaque descendant mâle des Taira. À cette époque, la religion au Japon intègre de nombreuses croyances animistes indigènes (voir shintoïsme) dans son cadre théologique bouddhiste, conduisant de nombreux nobles de la cour et les chefs religieux à se soucier des esprits en colère des Taira qui perturbent la paix. Le grand tremblement de terre vers 1185 contribue à ce sentiment. Comme leurs rituels comprennent l'apaisement des esprits et la prévention des fléaux, la musique heike devient un véhicule pour apaiser le ressentiment durable des esprits Heike. La musique "heikyoku" et les "biwa hōshi" deviennent immensément populaires pendant les siècles suivants. Musique japonaise
Le est une musique de Cour traditionnelle comprenant quatre genres à l'instrumentation différente : Musique japonaise
Récemment, au , il est devenu un instrument soliste à part entière dans le cadre d'ensembles de "taiko" notamment issus de l’île Sado, où le "wadaïko" (« tambour japonais », désignant ici ce mouvement), est tout autant une discipline spirituelle et une voie comme peut l'être un art martial. Tous ces tambours (entre dix et vingt) de grandes tailles (parfois plus de deux mètres de diamètre et de hauteur) se jouent à l'aide d'épaisses baguettes en bois conjuguées à des mouvements esthétiques des bras permettant à la fois la tenue du rythme et un repère mnémotechnique. Musique coréenne
La musique traditionnelle coréenne ("gugak") s'est développée au gré des vicissitudes de l'histoire et dès le , lors de la dynastie de Silla, elle était séparée en musique de Cour et musique folklorique ; les instruments de l'époque sont encore en usage. De plus, un hanbok traditionnel ou un habit formel est porté par les musiciens. Akira Tamba
Comme musicologue, Akira Tamba est aussi l'auteur de nombreux articles et présentations d'enregistrements discographiques de musiques traditionnelles japonaises, et il a publié plusieurs ouvrages sur ce sujet, en particulier sur la musique du théâtre. Théâtre japonais
Arrivé d’Asie aux , le "bugaku" regroupe toutes les danses asiatiques anciennes conservées par la cour impériale (via l’Office de la musique). Au Japon, le "bugaku" est étroitement lié à la cour et aux temples de la région de Kyoto : il est raffiné et sa musique, nommée "gagaku", est très élaborée. Le "gagaku" a contribué à forger les canons musicaux des aristocrates. Rapidement, il se constitue à la cour un répertoire de musiques et danses religieuses moins archaïques, fortement inspiré par le continent, mais conservant un lien avec les rites traditionnel. Les "mi-kagura" évoqués plus haut, qui sont des "kagura" harmonisés pour gagner en esthétique et en raffinement sur le modèle du "bugaku", peuvent être vus comme des sortes de "bugaku". Très dynamique durant toute l’époque de Heian, l’art du "bugaku" est ensuite préservé par l’ancienne aristocratie et perdure jusqu’à nos jours sous la forme de danses abstraites et esthétiques où la dimension dramatique voir folklorique est devenue ténue. Shunsuke Kikuchi
Son style, très reconnaissable et qui doit souvent à certains prédécesseurs japonais comme Akira Ifukube, Chuji Kinoshita, à Ennio Morricone - et peut-être aussi, selon certains commentateurs, à Henry Mancini - est presque devenu un standard musical associé aux shōnen (dessins animés pour jeunes garçons), tout en gardant un fort héritage du style musical des anciens films de Kung-Fu des années 70. Minimaliste, il se caractérise par des thèmes héroïques restant facilement en mémoire ainsi que par l'emploi d'un petit groupe d'instruments donnant la part belle aux cuivres (principalement aux trompettes et aux tubas), aux bois (saxophones, flûte traversière, plus occasionnellement kazoo) et aux percussions (batterie, timbales, xylophone, vibraphone), tandis que le groupe des cordes est très souvent réduit aux seuls violons ou dans certains thèmes à la guitare. La section d'accompagnement (guitare basse, guitares, nappes synthétiques et parfois batterie pour les musiques d'action) tient davantage de la pop ou du funk que de la musique symphonique classique. Un autre élément très caractéristique de Shunsuke Kikuchi est son emploi des gimmicks et des percussions (le vibraslap en particulier est extrêmement présent, également la guimbarde, le flexatone, entre autres), qui ajoutent une note légère à des thèmes qui ne le sont pas nécessairement. Ses mélodies, aux structures très simples, comportent aussi des éléments aux influences nippones facilement identifiables. Yasuji Kiyose
Sa musique intègre parfois des gammes pentatoniques japonaises et d'autres éléments du répertoire traditionnel japonais. Son élève le plus connu, Takemitsu, développe plus encore cette tendance dans un grand nombre de ses propres œuvres. J-pop
Le terme de J-pop est « inventé » par J-Wave, une station de la radio de la bande FM, pour décrire ce qui était jusque-là appelé « new music ». Le terme est largement utilisé au Japon pour décrire plusieurs genres musicaux incluant de la pop, du rock, de la dance, du rap, et de la soul. Dans la région de Nagoya le terme de Z-pop est utilisé pour décrire des chansons populaires dans la région. J-rock, visual kei et J-rap sont généralement considérés comme des sous-catégories de la J-pop : les magasins japonais divisent habituellement leur musique en quatre sections : J-pop, enka (une forme traditionnelle de ballade), classique, et Anglais/international. Certaines chansons, comme celles de Miyuki Nakajima et Anzenchitai, représentent une fusion entre l'enka et la J-pop. Cependant le J-rock, le visual kei et le sont différents de la J-pop. Shakuhachi
Il existe une abondance d’enregistrements contemporains, particulièrement chez les éditeurs japonais. Les genres essentiels sont le "honkyoku", solo traditionnel, le "sankyoku", ensemble avec "koto" et "shamisen", et le "shinkyoku", musique contemporaine pour ensemble de "shakuhachi" et "koto". Le "shakuhachi" est également employé dans les ensembles de musiques du monde par Hozan Yamamoto, notamment. Durant les années 1980, l’apparition du synthétiseur popularisa le son du "shakuhachi". Ce dernier était en effet proposé parmi les instruments par défaut sur les synthétiseurs de fabrication japonaise. Bushi (musique)
On le trouve dans de nombreux chants traditionnels et folkloriques japonais, généralement les chants au ou au '. On peut citer comme exemples le ', le "Tsugaru yosare bushi", le ', le ', le , le ' et le '. Le ", l'un des plus connus, remonte à plus de trois cents ans. Ces chants folkloriques sont le plus souvent entendus aux festivals japonais locaux. Cirque du Soleil
Chaque spectacle possède un style musical qui lui est propre. Selon les créations, les musiques peuvent être d'influence culturelles (la musique indienne traditionnelle dans "Koozå", les rythmes africains et asiatiques dans "Dralion", la musique brésilienne dans "Ovo"), s'inspirer de courants et modes (urbanité avec "Saltimbanco" et "La Nouba", culture pop occidentale avec "Koozå") ou évoquer des sonorités particulières (les ménestrels itinérants avec "Alegría", le cabaret avec "Zumanity"). Enfin, certains spectacles se distinguent des autres par l'utilisation d'instruments rares, comme dans "Mystère" avec les taikos (tambours japonais) ou dans "O" avec une cornemuse, un violon chinois et une harpe africaine. Mine Kawakami
Pour arriver à plonger ses auditeurs dans cet état, les compositions de Mine Kawakami mêlent à la fois la musique japonaise traditionnelle et la musique classique européenne. Gastronomie japonaise
Le Japon possède une forte tradition culinaire et de nombreux rites associés à la consommation de nourriture. Cuisine asiatique, la cuisine japonaise repose sur le riz, le soja et les produits de la mer ; elle a été fortement influencée par les cuisines chinoise et coréenne, ainsi que par les cuisines occidentales, dont certains plats ont été adaptés aux goûts locaux. Horagai
Le est un instrument de musique traditionnel de la culture du Japon, semblable à la conque. Ondō (musique)
Une partie de la célébration "O-Bon" japonaise consiste à participer à la danse de la communauté locale. La tradition de la danse "Bon" ou "Bon Odori" () remonte à quelques centaines d'années et est généralement accompagnée d'une chanson locale. Ces derniers temps cependant, de la nouvelle musique est utilisée pour la danse d'accompagnement "O-bon", y compris les derniers succès "enka" et la nouvelle musique écrite spécialement pour la danse "bon". Le rythme "ondō" a toujours été commun dans la musique folklorique japonais mais même la nouvelle musique écrite pour les danses "Bon" a été composée dans ce style. Il est donc fréquent de trouver des noms de la musique plus récente avec le mot "ondō" attaché à son titre. Par exemple, les franchises japonaises telles que les séries de télévision Animation et Tokusatsu ont leur propre ondos ainsi : "the Pokémon Ondo", "the Naruto Ondo", "the Hunter x Hunter Ondo", "the Doraemon Ondo", "Ojamajo Doremi Ondo", "Shiawase Kyoryu Ondo" et même la série "Super Sentai" possède plusieurs chansons ondo telles que "Carranger Ondo", "Bomb Dancing Megaranger", "Hurricane Ondo", "Bakuryu Kazoeuta", "Let's Go On-do" et plus récemment, "Minna Summer DAY Ondo". Les "ondō" sont couramment utilisés comme thèmes d'ouverture d'animes dans les années 1960 et 1970, en particulier avec les productions Tatsunoko. Musique shintoïste
La musique shintoïste est la musique rituelle du shintoïsme, le plus ancien culte animiste japonais encore actuel. Elle utilise des instruments de musique traditionnels du Japon. J-pop
La J-pop (souvent épelée J-POP ; , ' ; une abréviation de pop japonaise) est un sous-genre de la musique japonaise. La J-pop moderne tient ses origines de la musique traditionnelle japonaise, mais elle est significativement inspirée par la pop et le rock des années 1960, comme les chansons des Beatles et des Beach Boys, qui mène les groupes de rock japonais comme Happy End à mêler le rock à de la musique japonaise des années 1970. La J-pop est ensuite développée par des groupes de new wave à la fin des années 1970, en particulier le groupe de synthpop Yellow Magic Orchestra et le groupe de pop rock Southern All Stars. Sailor Moon
Avec près de cinquante albums enregistrés pour toutes les adaptations de la franchise, sans compter les nombreuses comédies musicales, la musique a incontestablement un rôle de choix dans "Sailor Moon". La composition de la plupart des musiques du dessin animé a été confiée à Takanori Arisawa. Riche en instrument en cordes, comme les violons, violoncelles, la musique de "Sailor Moon" est plutôt romantique et accentue le côté "shōjo" de la série. Les pistes qui accompagnent les transformations ont particulièrement été travaillées. Si les thèmes créés pour les transformations des premières guerrières Sailor sont légers et agrémentés d’un chœur de femmes, les musiques des guerrières du système solaire externe se distinguent par un violon particulièrement proéminent, accompagné d’une mélodie empressée au piano et d’un synthétiseur plutôt imposant. La musique des troisième et quatrième saisons se distingue par leur côté jazz et baroque et une influence latino. Enfin, la dernière saison, Sailor Stars fait la part belle à la musique, puisque les nouveaux personnages centraux, les Three Lights, forment un groupe pop particulièrement apprécié par les adolescentes. Takanori Arisawa dispose d’un orchestre plus important et réenregistre la plupart des musiques avec un univers plus riche. Le ton des transformations est plus techno et veut coller avec la musique du milieu des années 1990, pour rendre les chansons des Three Lights plus réelles. Guitares électriques, batteries et synthétiseurs sont omniprésents dans les musiques de la saison. En 1993, Takanori Arisawa reçoit un prix de Columbia Records pour son travail sur la première saison de "Sailor Moon". Aiko (chanteuse)
Elle est classée parmi les chanteuses de J-pop, mais cette appellation très générale regroupe en fait tous les artistes japonais de la musique "populaire", sous toutes ses formes. Le style personnel d'Aiko se démarque néanmoins assez nettement des autres chanteuses "stars" japonaises actuelles comme Ayumi Hamasaki ou Namie Amuro, plutôt connues pour leurs tubes dans la veine respectivement pop et RnB, tandis que les compositions d'Aiko varient du rock au country, en passant par des ballades comme « "kabutomushi" » (カブトムシ). Cuisine japonaise
En dehors des menus du quotidien des familles japonaises consommés de nos jours, il existe différents types de cuisine traditionnelle raffinée, hérités des traditions des daimyo, des samouraïs ou de la cour impériale. Ces différentes cuisines constituent la grande cuisine japonaise. On peut citer chronologiquement : Eta Harich-Schneider
Eta Harich-Schneider a écrit plusieurs ouvrages sur le Japon et plus particulièrement sur la musique japonaise où elle est considérée comme une autorité. Ses écrits portent sur l'art musical plutôt que sur la musique folklorique. Sa première œuvre majeure "The Rhythmical Patterns in Gagaku and Bugaku" (1954) est consacrée à la musique de cour du Japon gagaku et bugaku. Gastronomie japonaise
La cuisine japonaise peut être définie strictement comme la cuisine traditionnelle du Japon, appelée en japonais ou précédant l'ère Meiji. Elle est constituée de poissons, de riz ou de nouilles, de légumes et d'algues, généralement assaisonnés avec des condiments locaux. La viande est en général absente de la cuisine traditionnelle. Théâtre national du Japon
Le bâtiment principal dispose de deux salles. Le grand théâtre, d'une capacité de places, accueille des représentations de "kabuki", de "buyō" et de "gagaku" ainsi que des spectacles folkloriques. La petite salle est spécialisée dans le "bunraku", la musique japonaise, les petites productions "buyō", "gagaku", "shōmyō" et le théâtre folklorique. Dans un bâtiment séparé, la salle Engei présente des spectacles de "rakugo" et "manzai". Binzasara
Le est un instrument à percussion de la musique traditionnelle japonaise utilisé pour les chansons populaires, les danses paysannes et le théâtre kabuki. L'instrument se compose de nombreuses plaquettes de bois reliées par un fort cordon de coton tressé. En utilisant les poignées à chaque extrémité, on joue du "binzasara" en faisant onduler les plaquettes comme une vague. Tōru Takemitsu
Sa relation à la tradition musicale japonaise demeure en revanche plus complexe : la rejetant dans un premier temps, Takemitsu prend véritablement conscience de la stature de la musique traditionnelle japonaise en 1958 à la suite d'une représentation de bunraku (spectacle de marionnettes). L'influence du Japon ne s'arrête pas à la musique (style musical et l'emploi d'instruments traditionnels) mais s'étend à son attachement pour la nature : "November Steps" (1967), "I Hear the Water Dreaming" (1987), "How Slow the Wind" (1991)... Il fait honneur à la culture de son pays natal avec "ln an Autumn Garden" (1973-79) pour un orchestre de gagaku. Biwa hōshi
Pour l'essentiel de la période documentée de l'histoire du Japon, la musique ainsi que les interprétations narrées ont fréquemment été des professions exercées par des aveugles, dont l'importance dans la plupart des autres grands genres est également considérable, sauf pour la musique de cour et le théâtre, à partir du jusqu'au . Le folklore et la littérature attestent « invariablement des "biwa hōshi" et des "zato" aveugles » et ce n'est que dans les temps modernes que les musiciens voyants maîtrisent des instruments tels que le biwa. J-core
Au milieu des années 1990, les genres techno hardcore et gabber, alors bien ancrés aux Pays-Bas et dans les pays frontaliers, s'exportent en parallèle à l'international, en particulier sur le continent nord-américain et au Japon. Inspirés par la notoriété et l'agressivité de ces genres, des musiciens japonais tentent de s'emparer de ce phénomène. Les instruments et le tempo caractéristiques du J-core s'associent souvent, mais pas obligatoirement, aux échantillons sonores, parfois pitchés, en provenance de séries télévisées d'animation japonaises. Certains morceaux sont des remixes de chansons J-pop. Musique traditionnelle
On rencontre des influences irlandaises et françaises dans la musique traditionnelle québécoise. La jigue irlandaise mélangée à la chanson à répondre française en est globalement le résultat. Cette culture propre au Québec s'est diffusée grâce à la tradition orale. Autrefois, les veillées amenaient les musiciens des différentes paroisses à se rencontrer et à échanger leurs versions de chanson à répondre. Festivals japonais
Les festivals japonais sont généralement des rites festifs traditionnels, notamment les . Plusieurs festivals tirent leurs origines de Chine depuis des siècles mais ont subi de grands changements lors de leur mélange avec les coutumes locales. Festival national des sports du Japon
En plus de cela, il y a souvent le cas où un chanteur local chante, ainsi que des chansons qui correspondent au thème du festival.Les disciplines en gras sont présents depuis le premier tournoi.Il y a normalement autour de 20 démonstrations de disciplines pendant le tournoi d'automne. La tendance est d'organiser des événements qui font le meilleur usage des caractéristiques locales. Improvisation musicale
Le gamelan balinais, les musiques chinoise, japonaise et de nombreuses autres, bien que considérées comme des musiques traditionnelles n'en sont pas moins classiques (en France, l’appellation « musiques du monde » s’applique aussi bien aux musiques traditionnelles de tous les pays qu’aux musiques classiques extra-occidentales). Musique japonaise
La musique fut toujours liée aux spectacles (théâtre ou danse), aux festivités (et cérémonies) et aux chants de travail. Elle était essentiellement pratique et ne se trouva un rôle propre que tardivement. De ce fait, le répertoire de la musique tant instrumentale que vocale, est assez réduit, d'autant plus qu'une grande partie a été perdue. Architecture japonaise
La maison traditionnelle japonaise, en bois et papier, est très ouverte sur la nature, avec des hivers où l'on ressent le froid dans la maison, l'odeur de la terre mouillée quand il pleut et l'air qui circule partout en été et donne une certaine sensation de fraîcheur. Kitarō
Une de ses idées concernant la composition est d'unir la musique populaire (rock), la musique traditionnelle (japonaise) et le classique. Akira Tamba
Attentif aux phénomènes d'interférences culturelles, Akira Tamba tend à concilier les techniques de composition héritées de la tradition européenne, et certaines conceptions esthétiques ou philosophiques propres à l'Orient, en particulier le concept de "Jo-ha-kyū", hérité de la musique de cour japonaise ("Gagaku") et qui régit une bonne part de ses œuvres. Il a mis en pratique un mode de composition par cellules, qu'il conçoit comme « le moyen d'organiser une forme fixe à partir d'éléments indéterminés ». Patrimoine culturel du Japon
La Loi sur la protection du patrimoine culturel de 1950 et les divers amendements subséquents prévoient huit catégories de biens pouvant être , sélectionnés ou enregistrés (cf. le tableau ci-dessous). Comparé aux systèmes occidentaux, le patrimoine au Japon apporte des principes particuliers que sont l’importance des biens naturels ainsi que des processus et techniques de production des biens culturels matériels, d’où par exemple la possibilité de désigner des personnes détentrices d’un savoir ou savoir-faire traditionnel, nommées familièrement « trésors nationaux vivants ». J-pop
La musique J-pop fait partie intégrante de la culture japonaise. Elle est utilisée partout : anime, magasins, publicités, films, émissions radio ou télévisuelles, et jeux vidéo. Les chansons de J-pop sont souvent jouées à un rythme rapide, et certaines personnes ont du mal à l'apprécier. Dans les "anime" ou les émissions télévisuelles, et en particulier les drama, les chansons d'ouverture et de fin sont souvent changées plusieurs fois par an. Comme la plupart des programmes ont une chanson d'ouverture et une de fin, il est possible pour un programme d'avoir jusqu'à huit chansons en une seule saison. O bon
Originellement le "Bon odori" était une danse folklorique "nenbutsu" destinée à réconforter les esprits des défunts. Le style de cette danse varie d'une région à l'autre. Les différentes préfectures ont souvent des danses particulières du "Bon odori" et leur musique propre allant avec. Le "Bon odori" de la préfecture d'Okayama est complètement différent de celui de la préfecture de Kanagawa. La musique varie aussi de la musique classique à de la musique traditionnelle japonaise comme le "makkō ondo" en passant par des chansons récentes et même étrangères. Jiuta
Le "jiuta" possède les plus fortes caractéristiques comme ensemble instrumental parmi la musique traditionnelle japonaise moderne, la plupart des pièces sont jouées en ensembles. Avec les progrès du "tegotomono" se sont développés la polyphonie et les ensembles de jeu complexes. La plupart des pièces ont des parties de shamisen, "koto" et "shakuhachi", certaines incluant une partie "kaete" (« contrepoint ») pour shamisen. Musique japonaise traditionnelle
Le "sōkyoku" (筝曲) utilise le « koto chinois » (guzheng), différent du koto japonais (琴). Il existe deux écoles de "sōkyoku". Bodhisena
Certaines danses et de musiques traditionnelles japonaises préservent enfin des éléments apportés par Bodhisena. Culture japonaise
Même s'il n'est pas apparenté au mandarin, le japonais a emprunté beaucoup de vocabulaire à cette langue. Le système d'écriture japonais lui-même a été développé sous l'influence des moines bouddhistes chinois à partir du .Il existe de nombreuses religions au Japon mais les deux principales sont le shintoïsme et le bouddhisme. La plupart des Japonais s'identifient aux deux religions, sous la forme d'un syncrétisme ancien appelé .Au cours d'un long passé culinaire, les Japonais ont développé une cuisine sophistiquée et raffinée très sensible aux changements de saisons. Les Japonais d'aujourd'hui jouissent d'une grande variété de mets traditionnels, comprenant de nombreux plats à base de fruits de mer (sushi et sashimi), de nouilles ("udon" et "soba)", mais aussi une multitude de plats exotiques. On peut facilement se procurer des plats chinois, coréens, ou thaïs comme des mets français, italiens ou américains. Min'yō
Pendant le , de nombreuses chansons ont été altérées pour devenir des mélodies très développées qui ne peuvent être interprétées qu'avec beaucoup de temps et d'effort. Au Japon, les chanteurs qui savent interpréter des chants "min'yō" authentiques sont très admirés. Le "min'yō" est aujourd'hui très difficile à chanter et requiert un grand contrôle vocal. Beaucoup de Japonais ressentent que le "min'yō" les touche au plus profond de leur être, car il évoque une nostalgie pour leur ville natale (réelle ou imaginaire) et pour leur famille. Influence coréenne sur la culture japonaise
Certains instruments de musique traditionnelle japonaise sont originaires de Corée : le "komabue" est une flûte traversière à six trous d'origine coréenne. Elle est utilisée pour jouer du "komagaku" et "azuma asobi"(chants et danses, accompagnés d'un ensemble de morceaux). Le "San-no-tsuzumi" est un tambour en forme de sablier d'origine coréenne. Le tambour a deux têtes qui sont frappées en utilisant un seul bâton. Il n'est joué que dans le "komagaku". Malika Kishino
La tradition japonaise constitue la culture générale (comme la relation entre l'action et non-action) de Malika Kishino mais pas la tradition musicale - même dans les compositions où elle utilise le koto et d'autres instruments japonais traditionnels. Une grande partie des compositions de Kishino comprend l'utilisation de la musique électronique ou de méthodes électroniques en public. Cela peut être considéré d'une part comme une extension du moyen instrumental en vue de la transformation de timbres (entre électronique et acoustique) et d'autre part comme une recherche de nouveaux moyens d'expression. Jiuta
De nos jours, le "jiuta" est populaire dans la musique traditionnelle dans tout le Japon à l'exception d'Okinawa. À Tokyo cependant, où le "juita" passe pour un accompagnement musical du "jiutamai" ( danse "jiuta"), on considère que la musique est composée selon le caractère du "jiutamai", élégant et tout à fait émotionnel. Quoi qu'il en soit, le "jiutamai" a été créé comme accompagnement de danse du "jiuta", et non l'opposé. Le répertoire de "jiutamai" n'est qu'une partie du répertoire "jiuta" et la musique "juita" elle-même nécessite un jeu plus technique que les autres musiques pour shamisen, de sorte qu'il y a beaucoup de pièces qui ont un fort caractère de musique instrumentale. Cela dit, le "jiuta" a aussi une dimension de musique vocale traditionnelle et s'est développé en ce sens. Kayōkyoku
Le terme "kayōkyoku" désigne originellement le classique au Japon. Cependant, la radio NHK commence à utiliser le terme comme alternatif pour désigner le genre "ryūkōka" aux alentours de 1927, puis pendant l'ère Showa (1935–1944). Néanmoins, certaines chansons populaires à cette époque sont progressivement effacées car elles rappellent avec douleur la Seconde Guerre mondiale. Musique japonaise
Les conventions musicales y sont très strictes : Jazz à Madagascar
Outre les instruments de musique, la structure de la musique traditionnelle, elle-même, confirme ces origines : Les chants polyphoniques ("bemiray") dont la tradition est encore très vivante sur les haut plateaux centraux se retrouvent en Indonésie et en Polynésie, les mélodies pentatoniques du Sud de la grande île (chez les peuples Vezo, Mahafaly, Bara, Antandroy notamment) sont typique des musiques racines austronésiennes. Les rythmiques 12/8 et 6/8 communes à toute l’île, conventionnellement appelés ba gasy ou salegy, sont typique de la musique d’Afrique orientale. Tsugaru shamisen
Ce style de musique est structuré par des pièces traditionnelles tels que le "Jonkara Bushi", "Jongara Bushi", "Nikata" ou "Aiya Bushi" (pour en citer des célèbres), ces dernières ne correspondent cependant pas à notre vision de la musique traditionnelle, elles comportent une partie fixe et une partie variable qui est toujours improvisée par le musicien. Ainsi le tsugaru shamisen est un style qui se prête facilement à l'improvisation. Ce style est le plus populaire des musiques jouées au shamisen au Japon et connaît depuis quelques années une réinvention par des artistes modernes tels que , les , et , qui mêlent le shamisen à des instruments plus occidentaux tels que la basse, la batterie et le piano. Shin'ichirō Watanabe
Shin'ichirō Watanabe s'est démarqué des autres réalisateurs d'animation japonais grâce à son style très particulier. En effet, il met en avant la musique dans ses œuvres, elle peut s'organiser en genre musical comme avec le jazz dans Cowboy Bebop, le hip hop dans Samurai Champloo ou encore le funk dans Space Dandy, il a travaillé à plusieurs reprises avec la compositrice Yoko Kanno qu'il qualifie de génie. Karaoké
Le karaoké est ancré dans la société japonaise comme un élément de la culture à part entière et constitue un loisir pratiqué très fréquemment par la jeunesse japonaise mais aussi par les personnes de tous âges. À la différence de la plupart des machines utilisées en Occident qui sont disposées dans des espaces ouverts (bars, cafés), les karaoké au Japon sont généralement des établissements qui disposent de plusieurs salles que les clients réservent de manière privative pour quelques heures ou la nuit entière. On parle alors parfois de . Une fois installées dans leur salle, les personnes peuvent commander à boire et à manger, puis choisir sur un écran tactile les titres qu’elles souhaitent chanter. Les "karaoke box" auraient été inventées en 1986. Nobuko Ishikawa
La culture japonaise jusque dans les années 1960 a souvent été considérée comme une culture de substitution, emprunte et influencée par des dictats esthétiques étrangers. Les années 1960 sont pour la création et particulièrement pour le japon propices au développement d'une esthétique locale beaucoup plus affirmée que par le passé et d'autant plus identitaire. Alors que la joaillerie n'est pas encore ancrée dans la culture nippone, Nobuko portée par cette énergie créative ambitionne de magnifier la beauté des japonaises au quotidien, par la conception de bijoux exceptionnels. La technicité, la recherche de la perfection sont de vrais moteurs dans son travail créatif. Ainsi sa production artistique singulière introduit des thématiques oniriques telles que la mythologie, la nature, le voyage. C'est à travers la traduction artistique de la matière, des techniques de productions pointues, l'audace des assemblages de pierres précieuses à de simples cailloux que l'expression de son talent révèle toute sa force. Japanische Festmusik
La Japanische Festmusik est une commande faite au compositeur Richard Strauss, ainsi qu'à plusieurs compositeurs européens, tels Jacques Ibert, Ildebrando Pizzetti, Sandor Veress et Benjamin Britten pour fêter le 2600 anniversaire de la fondation de l'empire du Japon. L'œuvre de Britten, la "Sinfonia da Requiem" fut rejetée. L'ensemble fut créé le au Théâtre Kabukiza de Tokyo sous la direction de Helmut Fellner à la tête de l'Orchestre symphonique de la NHK, augmenté de plus de 150 musiciens pour l'occasion. Richard Strauss l'enregistra à la fin de l'année 1940 avec l'Orchestre de l'Opéra de Bavière, ainsi que Vladimir Ashkenazy à la tête de l'Orchestre philharmonique tchèque dans les années 1990. Préfecture d'Okinawa
Par ailleurs, la culture d'Okinawa se distingue de la culture japonaise par l'originalité du système familial et des traditions culinaires et musicales. Malgré une politique d'intégration systématique par l'apprentissage de la langue japonaise, et une différence de traitement des habitants d'avec les nationaux, Okinawa réaffirme aujourd'hui une identité culturelle propre. Enfin, Okinawa est considérée comme le lieu de naissance du karaté et du Kobudo. Dans le cadre de la protection et conservation du patrimoine naturel, le Parc quasi national d'Okinawa Senseki a été créé. Musique japonaise
Une des caractéristiques du "mōsō biwa" est le chevauchement entre les parties vocale et instrumentale (à la différence des formes ultérieures : "heike biwa", "satsuma biwa", "chikuzen biwa"). Musique japonaise
Le "shōmyō" fait référence à un ensemble de chants liturgiques bouddhiques venus de Chine. Il ne s'agit pas d'un genre spécifiquement japonais, cependant cette appellation fait généralement appel à un genre musical japonais, dont les caractéristiques se sont développées de manière originale dès la rupture des relations avec la Chine. Si ces chants se sont plus ou moins perdus dans le reste du monde bouddhiste, il est notable qu'ils furent conservés au Japon, notamment par les sectes Tendai et Shingon. Moto Harada
Dans ses compositions Moto Harada allie des réminiscences des traditions musicales européennes et extrême-orientales à des éléments innovants de la Musique nouvelle. Beaucoup de ses pièces sont de caractère thématique, évoquent une atmosphère spécifique ou développent un thème par des moyens d´expression programmatiques. Ceci permet au public d´accéder à l´œuvre par l´émotion et d´entrer en contact direct avec ces nouvelles formes d´expression musicale. Ses compositions comprennent en particulier des pièces pour piano solo de différents niveaux de difficulté, mais aussi de la musique de chambre et des pièces vocales. Le a eu lieu en l'Église Saint-Michel de Hildesheim la représentation de son concerto pour piano . Théâtre japonais
Les danses rituelles, au début très rudimentaires, ont l’originalité dans les arts vivants japonais d’avoir des origines tant autochtones qu’importées du continent asiatique. Parmi les rites autochtones figurent les "kagura" (« divertissement des dieux ») et les danses agraires des milieux ruraux. De Chine et de Corée viennent diverses formes de spectacles et de chorégraphies, dont le "gigaku", le "bugaku" et les danses bouddhiques. Japon
Bien qu'il existe diverses formes d'arts primitifs sur l'Archipel, comme la poterie de la période Jōmon ou les ', l'art japonais subit très vite l'influence du bouddhisme et de la Chine impériale, dès le . À l'époque de Nara, les temples, dont le et le comptent parmi les plus connus, fleurissent et la religion imprègne fortement la sculpture et la peinture. Ces influences restent vives jusque vers le , que ce soit à travers la sculpture réaliste de Kamakura ou la peinture monochromatique de Muromachi, marquée de la pensée zen. Pour autant, l'originalité de l'art japonais se ressent plus pleinement dans des mouvements plus profanes, comme les rouleaux narratifs (') ou l""', souvent attachés à la vie quotidienne et citadine, ainsi qu'aux divertissements. Les Japonais se sont finalement intéressés à des arts très variés, s'appropriant calligraphie, étoffes (dont le kimono), céramique, laque et le forgeage de sabres. Au , le cinéma et les mangas (bandes dessinées japonaises) se répandent et deviennent un fort vecteur d'exportation de la culture japonaise. L'architecture classique est elle aussi tournée vers le bouddhisme, mais aussi le shinto, et s'exprime pleinement à travers temples et sanctuaires. Plusieurs sites sont ainsi inscrits au patrimoine mondial de l'humanité à Nara, Kyoto ou Nikkō. , les maisons de thé adoptent les principes du bouddhisme zen. À partir de l'époque Azuchi Momoyama fleurissent les châteaux japonais, construits en général sur d'imposantes fondations en pierre ; le château de Himeji demeure une structure emblématique de l'époque. L'habitat traditionnel ("" et "") est lui aussi en bois. La calligraphie et la littérature se développent également avec l'arrivée de l'écriture chinoise (kanji), au environ. Les thèmes se diversifient alors rapidement, allant des récits mythologiques et historiques (comme le ') à la poésie "". "Le Dit du Genji" (', ), qui raconte de façon intimiste la vie à la cour de Heian, est souvent perçu comme l'un des premiers romans psychologiques. Le bouddhisme zen et les guerres civiles marquent tout comme l'art la littérature médiévale. À l'époque d'Edo apparaissent de nouveaux mouvements littéraires majeurs, notamment les (poèmes brefs et symboliques) et la littérature des ' (des bourgeois), romanesque et parfois même frivole. La même transformation peut être observée dans le théâtre, alors que le nô, religieux et élitiste, cède quelque peu la place au kabuki, qui prend naissance dans les quartiers de plaisirs d'Edo. En marge du théâtre apparaissent d'autres formes originales et souvent humoristiques de l'art japonais, comme les masques, les spectacles de marionnettes ('), les danses folkloriques (notamment l") ou les conteurs ('). Puis, l'industrialisation rapide et l'ouverture au monde occidental à partir de l'ère Meiji, ainsi que les effets sur la société japonaise des bombardements atomiques et de la capitulation à la fin de la Seconde Guerre mondiale, ont largement contribué à forger la littérature moderne japonaise à partir de la fin du . Ces évolutions voient tout particulièrement la naissance et le développement d'un nouveau genre, celui du "shishōsetsu" (« roman personnel ») ou "watakushi shōsetsu" (« roman à la première personne »). Se combinent alors les influences existentialistes des anciens écrits zen et les réalités du monde contemporain en les plaçant dans un contexte où le progrès rapide ne sert qu'à exacerber le sentiment d'aliénation ressenti par l'auteur, pour donner une grande importance aux thèmes du beau, du mythe, de la fantaisie, de la solitude et de la mort. Parmi les auteurs les plus représentatifs de cette littérature moderne, ayant obtenu souvent une reconnaissance internationale, figurent Jun'ichirō Tanizaki, Osamu Dazai, Yasunari Kawabata (prix Nobel de littérature en 1968), Yukio Mishima, Kenzaburō Ōe (prix Nobel de littérature en 1994) ou Haruki Murakami. Musique japonaise
En effet, le "dengaku" désigne à l’origine la « musique des champs » (danse du riz) qui bien que populaire, est par la suite devenu un rituel formel de la Cour impériale. Une fusion entre le "sarugaku" et le "dengaku" ont permis à cette musique de s’accompagner de danses et de pantomimes, à tel point que les genres "sarugaku no nō" et "dengaku no nō" étaient à l’époque de Kamakura devenus synonymes. Enfin, ces deux genres furent remplacés par le "kyōgen" auquel Kanami (1333 – 1384) puis son fils Zeami (1363 – 1444) donnèrent ses lettres de noblesse en l’épurant pour devenir le genre majeur du théâtre japonais, connu dès lors sous le nom de nō. Musique japonaise
La musique vocale ("yōkyoku" ou "utai") provient des chants bouddhiques. Le chef du chœur, "jigashira", contrôle le temps, et peut prolonger le son. Japan in Motion
""Le Japon, quelle image en avez-vous ? Celle des temples ? De la technologie ? Des sushis ? Mais le Japon, ce n'est pas seulement ça !" "Découvrons ensemble le Japon authentique : Japan in Motion." "Cette émission va vous faire découvrir le Japon à travers le regard et le vécu de personnes étrangères." "Nous vous présenterons toute l'actualité et les dernières nouveautés musicales de la pop japonaise."" Ondō (musique)
Il existe d'autres noms utilisés pour décrire d'anciens genres de musique japonaise. Par exemple "fushi" ou "bushi" (), avec son sens littéral de « nœud », « articulation » ou « commune » se réfère aux nœuds trouvés dans le bambou, généralement à une fréquence régulière. Ainsi "fushi" peut-il aussi avoir l'idée abstraite de « séquence » pour se référer à des notes et des rythmes dans une séquence, à savoir, une mélodie. Japonais (peuple)
L'art japonais est caractérisé par des oppositions esthétiques. Par exemple, dans les céramiques des périodes préhistoriques, l'exubérance était suivie par un style discipliné et raffiné. Un autre cas de figure est fourni par deux structures du diamétralement opposées : le est un exercice de simplicité mettant l'accent sur les matériaux naturels et bruts, et montre une affinité pour la beauté non-recherchée ; le Mausolée de Tōshōgū () à Nikkō () est une structure symétrique rigide recouverte sur chacune de ses surfaces visibles de gravures en relief colorées avec éclat. L'art japonais, valorisé non seulement par sa simplicité mais également par son exubérance colorée, a considérablement influencé la peinture occidentale du (avec le japonisme) et l'architecture occidentale du . Biwa hōshi
Cependant, la tradition Heike se perpétue par les lignées Tsugaru (transmise par des interprètes voyants) et Nagoya (transmise par des musiciens aveugles de la tradition Todo), toutes deux relevant de l'école Maeda-ryū. La lignée Tsugaru comprend Kusumi Taiso (1815–1882), qui apprend le heike de la Maeda-ryū d'Edo, ainsi que ses fils Tateyama Zennoshin et Tateyama Kogo, qui tous deux déplorent le déclin de la musique heike à la fin de l'ère Meiji et cherchent à encourager un certain nombre d'élèves. À Nagoya, ville qui avait été un noyau florissant pour les représentations du "Heike", une petite faction de joueurs masculins aveugles continue à transmettre le "Heike" aux côtés d'autres instruments de musique à la popularité croissante, tels que le koto et shamisen. Des différences existent entre ces lignées en raison de la séparation géographique et des changements intervenus avec le temps. Par exemple, la lignée Nagoya repose presque entièrement sur la transmission orale. Néanmoins, les heike Nagoya et Tsugaru ont tous deux été désignés par le gouvernement japonais « patrimoine culturel immatériel » (Mukei Bunkazai) qui doit être enregistré et conservé : Nagoya en 1955 et Tsugara en 1959. Ces interprètes Nagoya désignés continuent leur transmission ; il s'agit d'Inokawa Koji, Doizaki Masatomi et Mishina Masayasu). Musique japonaise
Avec l’occidentalisation récente, les instruments et les genres venus d’Europe et des États-Unis font leur apparition, sans pour autant provoquer la disparition des autres. Musique japonaise
La musique tient une place prépondérante dans le théâtre nō. On peut y distinguer trois sous-genres : le "sarugaku", le "sangaku", et le "dengaku". Si les deux premiers ont par leur nature affecté essentiellement la forme du pantomime et de la danse du nō, le troisième est la source principale de sa musique. Le "nogaku" est plus récent et plutôt comique. Jardin japonais
Les jardins japonais retrouvent leur popularité pendant les années 1930, et surtout après la Seconde Guerre mondiale. Mirei Shigemori, Nakane Kinsaku et Mori Osamu sont les principaux acteurs de ce renouveau. Les jardins modernes offrent une grande variété de styles, dont les styles traditionnels. L'urbanisation conduit à utiliser au mieux toute parcelle à peu près plate, et même les toits sont parfois aménagés. Les bâtiments publics, les centres commerciaux ou les hôtels comportent fréquemment un jardin. Des matériaux synthétiques font leur apparition, pour des raisons pratiques (il est difficile d'installer de gros rochers dans le hall d'un hôtel…). Les stations thermales traditionnelles haut de gamme aménagent de plus en plus souvent le pourtour de leurs bains avec un jardin, destiné à être admiré par les clients qui se baignent. Rōkyoku
Le rōkyoku (浪曲; aussi appelé naniwa-bushi, 浪花節) est un genre de chant narratif traditionnel japonais. Généralement accompagné d'un "shamisen", le "rōkyoku" est devenu très populaire au Japon au cours de la première moitié du . Nobuo Uematsu
Malgré son statut de compositeur de « bandes originales », son travail est très différent de celui des compositeurs pour le cinéma : ses musiques sont des pièces qui peuvent être écoutées indépendamment et non juste un support de mise en scène. Nobuo Uematsu est un compositeur généralement classique/néo-classique mais son style s'apparente à la musique des grands compositeurs de l'époque romantique. Néanmoins Uematsu s'inspire le plus souvent de son ressenti et est parfois influencé par les lieux où il compose. Son goût pour la musique populaire le pousse également à exploiter des compositions allant du folk jusqu'au metal en passant par la musique traditionnelle voire véritablement électronique et "". Koji Kondo
Koji Kondo dit avoir été inspiré par la musique qu'il écoutait étant enfant comme la musique pop, latine ou le jazz mais également le classique comme les concertos pour piano de Rachmaninoff. Il aime les chansons avec de belles mélodies, parce qu'elles laissent selon lui une impression plus profonde et l'aident à avoir de l'inspiration. Les Treize Tueurs
Akira Ifukube rompt aussi la traditionnelle musique de film japonais en utilisant comme instrument principal le piano plutôt que les instruments à cordes ou à vent traditionnels. Musique japonaise
Le consiste en un drame ancien (datant de l'époque de Muromachi ( au siècle) chanté et dansé basé sur des épopées telles que le Heike Monogatari ou le Soga Monogatari. Les trois chanteurs narratifs sont accompagnés au tambour "kotsuzumi". Cette tradition s'est perpétuée à Kyūshū et Fukuoka, dont la cinquantaine de pièces sont accompagnées des danses "kôwaka mai". Kumi odori
Chokun emploie le "ryuka", la poésie classique d'Okinawa, et la musique classique pour ses chansons. Les instruments comprennent généralement trois instruments à cordes : le sanshin (apporté de la Chine), le "kutu" et le "kucho"; le "hanso", une flûte, et deux tambours, l"odaiko" et le "kodaiko". Les paroles sont généralement chantées par les joueurs de sanshin, qui sont la composante instrumentale la plus importante et des chansons sont utilisés pour rehausser l'humeur dans les situations intenses. Ces chansons sont cruciales pour la performance et souvent remplacées par des dialogues, un peu comme dans les comédies musicales de Broadway (Foley 8). À la différence de la musique animée des gens du commun d'Okinawa, cette musique est formelle et un peu austère, projetant l'idée de noblesse à travers la musique. La représentation est formelle et pleine de métaphores comme dans la littérature japonaise de l'époque. Deux styles sont présents : le chant fort, ou "kyogin", réservé aux rôles masculins puissants, et le chant doux, appelé "wagin" ou "yuwajin", utilisé pour les rôles de femmes ou de jeunes hommes (Foley 8). Il est important de noter que la plupart des chants importants sont exécutés par les musiciens. Ces derniers sont assis sur la scène ou à gauche de celle-ci pendant les spectacles, ou assis derrière une coulisse puisque la scène est ordinairement une plate-forme de , un peu comme celle du théâtre "nô" (Foley 9). De nos jours, les musiciens sont assis soit à gauche de la scène ou dans les ailes, ce qui conserve l'aspect épuré de l'original, et il est intéressant de noter qu'à aucun moment il n'y a plus de six acteurs sur scène (Thornbury 231). De même, les accessoires réalistes sont évités et ils symbolisent de préférence les idées au lieu d'être pris à la lettre. Tōru Takemitsu
Il est le chef de file de la musique classique japonaise ce qui lui vaut de recevoir de très nombreux prix et d'être choisi en 1971 comme compositeur principal de la « Semaine internationale de musique contemporaine » à Paris avec Igor Stravinsky. Min'yō
Le "min'yō" est pratiquement inconnu en Occident. Lorsqu'ils pensent à la musique japonaise, la plupart des occidentaux pensent à la musique classique telle que le "gagaku" et le "yayue". Il existe cependant en France un groupe de "min'yō" qui se produit sur scène : l'Ensemble Sakura. Il est actuellement le seul groupe hors du Japon dont le répertoire couvre toutes les régions de l'archipel. Musique d'Okinawa
La musique d'Okinawa consiste donc en un mélange de musiques traditionnelles relatant la vie des peuples ruraux d'Okinawa, travaillant sur les cultures de cannes à sucre. L'ancienne musique de cour "uzagaku" y subsiste encore, avec un instrument rare, le yaukin. Bougie japonaise traditionnelle
La peinture sur bougies est une tradition culturelle du Japon apparue dès l’époque Edo. Ces sont souvent ornées de fleurs (principalement des pivoines et des chrysanthèmes à l’époque Edo). En effet, au Japon, on a coutume de placer à la fois une bougie japonaise et des fleurs sur les autels bouddhiques des temples ou des maisons ("butsudan" : ainsi, même en hiver, quand les fleurs sont rares, ou quand les bouquets sont fanés, les bougies fleuries peinte sur la bougie japonaise peuvent en tenir lieu. Musique japonaise traditionnelle
Les musiciens traditionnels japonais collaborent parfois avec des musiciens occidentaux modernes. Ils créent en outre de nouveaux styles de musique japonaise influencée par l'Occident, mais toujours en utilisant des instruments de musique traditionnels. Tonkori
Le tonkori (トンコリ) est un instrument de musique issu de la culture des Aïnous, une ethnie aborigène minoritaire du Japon. Sorte de cithare, le tonkori est un témoin des traditions uniques des Aïnous. Musique bruitiste
À ce jeu de recherche du « jusqu'auboutisme sonore », le Japon va se révéler particulièrement doué, au point de mériter le terme de japanoise : sous l'influence de Whitehouse, Merzbow ou Yoshihide Ōtomo, mais aussi Masonna, Dissecting Table, KK Null, The Gerogerigegege ou Hanatarash ont façonné cette scène. Le son japonais se caractérise par une extrême puissance, des murs de bruit blanc, des beats, des dialogues, des boucles samplées. On a vu par ailleurs apparaitre dans ce contexte une forme d'improvisation libre électroacoustique plus calme, utilisant des sons purs, spatiaux, caractéristique d'artistes tels que Sachiko M, Yoshihide Ōtomo, Toshimaru Nakamura, Shigeru Kan-no ou Taku Sugimoto. Musique inuite
La musique traditionnelle est simple et se caractérise par un chant récitatif à ambitus restreint (d'une sixte), une mélodie favorisant les tierces et une rythmique complexe. On y distingue une musique vocale "katajjaq" et une musique à danser, toujours accompagnées de tambours. Ces productions musicales sont liées au chamanisme (cérémonie pour la chasse ou le jeu) ou à des considérations pratiques (berceuses). Avant l'arrivée des Européens (surtout Écossais et Irlandais), il n'existait ni chant de travail ni chant de courtoisie ou d'agrément. Depuis, on trouve le "piseq" (ou "piserk"), un chant personnel contant la vie quotidienne ou les superstitions. Atsuhiko Gondai
Gondai est l'un des jeunes compositeurs les plus importants du Japon. Son intérêt ne se porte pas spécifiquement sur la musique japonaise mais sur le dialogue religieux et culturel entre l'Europe et l'Asie. L'une des priorités de son travail sont les possibilités de combinaisons et interactions entre musique religieuse catholique et les chants monastiques bouddhistes traditionnels. Dans ses œuvres, il combine habilement anciens et nouveaux procédés de composition. L'infini et l'éternité sont des thèmes récurrents dans ses compositions. Musique religieuse
La musique shintoïste est dérivée d'éléments autochtones anciens et d'autres, chinois, ayant formé la musique de Cour japonaise, le gagaku. Le genre "mikagura" est particulièrement réservé au culte sacré et impérial, tandis que le genre "satokagura" est réservé à la dévotion populaire. Histoire de la musique
La musique asiatique se caractérise par son ancienneté, sa richesse et sa complexité. De nombreux systèmes musicaux équivalents à notre musique classique s'y sont développés indépendamment les uns des autres, avec des modes et des échelles inconnus de nous. Des traités forts anciens y côtoient une tradition orale ininterrompue. Mine Kawakami
De plus ayant été formée à la musique japonaise traditionnelle et à la musique classique européenne (particulièrement aux œuvres de Beethoven, Messiaen, Schumann), Mine Kawakami a tenu des récitals solos de piano en Allemagne, au Japon, aux Pays-Bas et en Espagne. Jō Kondō
Il s'intéresse particulièrement au hocket, à la musique de la Grèce antique ainsi qu'aux fortes différences de timbre instrumental, ce qui se reflète dans ses compositions. La version de chambre de sa composition "Sight Rhythmics" de 1975 reflète ce dernier intérêt dans son instrumentation inhabituelle de violon, banjo, steel drum, piano électrique et tuba par exemple, mais après un an à New York cependant, l'influence de John Cage et Morton Feldman devient plus apparente dans le style de Kondō. Son opéra "Hagoromo", tiré d'une pièce nō et donné en première à Florence en 1994 est l'unique cas où sa musique mêle les techniques occidentales avec les traditions orientales. Kazuo Fukushima
Dans sa musique qui donne à la flûte une place privilégiée et où des éléments du jeu de shakuhachi sont transposés sur la flûte traversière, se combinent les tendances occidentales contemporaines avec les traditions japonaises du théâtre nô et du gagaku. Yayue
Le gagaku est un type de musique classique japonaise joué à la cour impériale depuis plusieurs siècles. Il se distingue dans la forme et le contenu du "yayue" chinois, et se compose de musique religieuse et folklorique shinto, une forme Goguryeo et mandchourienne, appelé "komagaku", et une forme chinoise et sud-asiatique, appelé "". Tsugaru shamisen
Le ou tsugaru jamisen, est un style de musique japonaise folklorique joué sur plusieurs variantes régionales du : , et . Plus rythmé que le shamisen classique, il est originaire de la région de Tsugaru, actuelle préfecture d' au Nord de , l'île principale du Japon. Misaki Iwasa
En juillet 2016, Iwasa fait une apparition lors d'un concert tenu à Japan Expo 2016 à Villepinte en France pour présenter le enka et la musique traditionnelle japonaise aux étrangers. Musique japonaise
Composée au pour la cithare "so-no-koto", "so" ou koto, cette musique accompagne aussi des chants spécifiques. À partir du , le genre donne naissance à un style populaire : le "zokuso". Le jiuchi est un rythme accompagnant joué par un jikata. Chanteur de chanson
Un est un chanteur japonais ou une chanteuse japonaise, qui se spécialise dans la chanson « à la française », c'est-à-dire dans le style des variétés françaises des années 1960-70, à grand renfort de textes romantiques, langoureux ou nostalgiques — « chanson » en japonais, se comprend par opposition à la pop, plus rythmée à l'américaine.