Quel est l’origine de l’art de la sculpture?
Sculpture française
L'art de la sculpture commence sur le territoire français, comme dans le reste du monde, à l'époque préhistorique. Elle reste exceptionnelle, le plus souvent utilisée sous la forme de petits objects. Les premières œuvres taillées représentent uniquement des figures féminines, les Vénus paléolithiques, ou des représentations d'animaux. Sculpture japonaise
L'origine de la sculpture japonaise remonte aux figurines en argile. La sculpture japonaise est sous la double influence de la culture de la route de la soie au et, par la suite, de celle plus prégnante encore de la sculpture chinoise. L'influence de l'Occident quant à elle se fait sentir à partir de l'ère Meiji. Les sculptures sont faites dans des ateliers locaux utilisés pour la sculpture et la peinture. La majorité des sculptures se trouvent devant les maisons et le long des murs des bâtiments importants. La plupart des sculptures japonaises sont issues du culte des idoles propre au Bouddhisme ou des rites animistes des divinités shinto. De tous les arts du Japon, la sculpture s'est particulièrement attachée à la représentation des thèmes et figures du Bouddhisme. Les matériaux traditionnellement utilisés sont les métaux, en particulier le bronze et plus généralement, le bois, souvent laqué, doré ou peint de couleurs vives. À la fin de la période Tokugawa, cette sculpture traditionnelle - à l'exception des œuvres en miniature - a en grande partie disparu à cause de la perte du patronage des temples bouddhistes et de la noblesse.
Sculpture romaine
La sculpture romaine regroupe des œuvres provenant d'horizons géographiques très différents, de l'Atlantique à l'Asie, et s'étalant sur une durée très longue, du troisième siècle av. J.C. aux débuts de l'Empire byzantin. Ses domaines de prédilection ont été le portrait, la statuaire et la sculpture narrative. Silhouette (art)
L’origine de l’art de l’ombre est très ancienne et certains le font remonter à la légende, racontée par Pline l'Ancien, de Dibutade fille du potier corinthien Boutadès, dessinant, sur le mur, pour garder son image, l’ombre de son amant qui s’en va. Le mythe fut considéré au début comme l’origine de la peinture et donna lieu à de nombreux tableaux. Sculpture française
La sculpture au Moyen Âge, que ce soit en France comme dans le reste de l'Europe et du monde chrétien, est intimement liée au monde religieux et plus précisément à l'architecture religieuse au sein de laquelle elle s'intègre le plus souvent. Les noms de la majorité des sculpteurs de cette période, en particulier pour les époques les plus anciennes, nous sont inconnus, une grande partie des œuvres ayant été créées de manière anonyme. Histoire de la sculpture
Jusqu'au , les matériaux étaient interchangeables, et un même modèle pouvait être indifféremment transposé dans la pierre, le bois, la terre, le plâtre, le marbre ou le bronze. La sculpture moderne se caractérise par une réflexion plus poussée sur les propriétés mécaniques et esthétiques des matériaux, contribuant à modifier la notion même de volume. Même si les matériaux nobles et traditionnels sont toujours très prisés, la sculpture s'élargit au collage et à l'assemblage d'objets fabriqués ou trouvés, l'utilisation de matériaux modernes (acier, plastique, plexiglas, celluloïd, silicone, fibre de verre, polyester) ou de rebut (ferraille, carton, ficelle), l'appropriation de techniques modernes (Soudure à l'arc, électricité, imprimante 3D...). Pierre Leblanc
Né de parents originaires des Îles de la Madeleine, Pierre Leblanc passe son enfance dans le quartier montréalais Côte Saint-Paul. Enfant, Leblanc s’invente des métiers et des travaux manuels inspirés de son père et des chemins de fer qui se déploient dans son paysage quotidien. Bien que la notion d’art n’est pas présente dans sa famille, Pierre Leblanc sait qu’il veut être artiste dès son enfance. Associant plutôt l’art à la peinture, il veut être peintre. « J’ai dû voir un programme ou un film ou je le sais pas, sur la vie de quelqu’un. Personne chez-nous connaissait ça ou parlait de ça. » C’est à l’adolescence qu’il explore davantage la peinture en tant qu’autodidacte et découvre la sculpture. Empire Gupta
La sculpture en pierre est la forme d'art la plus remarquable de la période gupta, tant par sa diversité que par la qualité des réalisations. Après un premier siècle de transition par rapport aux réalisations des périodes précédentes, l'art gupta prend toute son ampleur à partir de la fin du . Il se détache des traditions antérieures, avec la mise au point de nouvelles méthodes qui marquent l'art de l'Inde et des régions voisines pour les siècles ultérieurs. Les sculptures des grottes d'Udayagiri illustrent une phase d'expérimentation, à situer vers le début . Dans les décennies suivantes les artistes de Mathura, déjà un centre artistique majeur sous les Kouchans, mettent au point l'art de la sculpture caractéristique de la période Gupta. Il est caractérisé par la recherche d'une nouvelle physionomie des personnages, cherchant à représenter leur haute spiritualité, en travaillant notamment les visages, plus paisibles, dont la sérénité est accentuée par un léger sourire. C'est dans la première moitié du que la statuaire gupta connaît son apogée. On date de cette période l'activité de Dinna, un sculpteur de Mathurâ qui est le seul créateur majeur cité par nos sources pour cette période, et la réalisation de plusieurs chefs-d'œuvre de l'art bouddhique, caractérisés notamment par la mise au point d'un nouveau type de drapé. Le site de Sārnāth devient lui aussi un grand centre artistique, héritier d'une tradition locale antérieure et de celle de Mathurâ, tout en apportant des innovations leur donnant un caractère propre. C'est un art plus rigoureux et austère, majoritairement bouddhiste, représentant à la perfection la spiritualité et le détachement de ses sujets. L'équilibre des silhouettes, la qualité du rendu des expressions du visage atteignent alors un niveau remarquable. Il y a bien un style gupta avec des traits caractéristiques malgré les traditions locales des centres artistiques. La seconde moitié du voit, parallèlement au déclin de l'empire Gupta, une diversification de l'art de la sculpture dans le sous-continent indien. De nouvelles créations remarquables sont datées de cette période, reprenant les codes esthétiques mis en place précédemment, qui vont régir la statuaire indienne pour les siècles suivants. Statuaire celtique
La statuaire celtique est une exception au sein de l'art celtique, au sens où ce dernier est généralement considéré comme non-figuratif. En conséquence, la sculpture était considérée comme un art peu pratiqué par les populations celtes et fortement influencées par la culture méditerranéenne. La multiplication des découvertes et de nouvelles études de découvertes anciennes viennent ébranler ce constat. Sans qu'il soit possible encore de déterminer une évolution globale, dans le temps et l'espace, il devient possible de définir certaines séries. Sculpture japonaise
Bien que les sculptures et les artefacts des arts premiers n'aient pas été créés par des artisans particulièrement qualifiés et encore moins par des artistes possédant pleinement leur métier, il s'y reconnaît néanmoins une spontanéité qui leur confère une indéniable valeur artistique. Dans tous les cas, les exemples d'art primitif ancien se trouvent partager des caractéristiques identiques à celles de l'art moderne, et les anciennes figurines japonaises en argile appelées "dogū" et "haniwa" ne font pas exception à cette règle. Denis Charette
Denis Charette sculpte une grande variété de matériaux naturels pour construire des œuvres rappelant des légendes de la terre ou de clans amérindiens. La sculpture est aussi une activité spirituelle pour l’artiste, il est inspiré par les cosmogonies des Premières Nations et la sagesse millénaire des communautés autochtones. Travaillant la matière brute, Charette construit son œuvre autour des forces de la nature et des dimensions mystérieuses qu’elle comprend. Sculpture animalière
La sculpture animalière est un genre de sculpture qui se caractérise par des œuvres dont le sujet principal est un animal, domestique, sauvage ou imaginaire. Skulpturensammlung
Dans la collection de sculptures, l’art moderne commence par les œuvres des sculpteurs français Auguste Rodin (1840-1917) et Edgar Degas (magnifique sculpture d'une petite danseuse), suivies de l’art moderne classique et de la sculpture de l’après-guerre contemporain. Y sont exposées entre autres des œuvres de Max Klinger et de Wilhelm Lehmbruck, connu pour son grand intérêt pour les œuvres de Rodin, ainsi que des œuvres de Georg Kolbe et de Hans Blumenthal. Sculpture sonore
Une sculpture sonore est une sculpture dont l'un des buts est de produire du son. Il s'agit d'une forme d'art sonore se rapprochant de l'instrument de musique, à ceci près qu'une sculpture sonore n'est généralement pas destinée à être manipulée par un musicien, mais produisant des sons de façon indépendante (par l'action du vent, de l'eau, du public, etc.). Sculpture classique
Même si elle s'inspire de la sculpture grecque, la sculpture romaine a ses particularités comme l'invention du buste, et la démocratisation du portrait. De plus, elle a su produire un métissage des styles dans les régions sous imperium qui avaient déjà leur manière propre, comme l'Égypte ou les provinces orientales. Charles Le Brun
Les arts de peinture et de sculpture étaient depuis le Moyen Âge soumis aux règles des corporations, au sein d'une organisation hiérarchisée entre maîtres et apprentis, suivant des règles strictes s'appliquant à tous les principaux corps de métiers. La « Maîtrise », qui rassemblait la majorité des peintres et sculpteurs français, fut confrontée à partir du début du siècle à un petit groupe d'artistes protégés par le pouvoir royal, bénéficiant de privilèges exceptionnels, et qui à ce titre échappaient aux règles éditées par les corporations. Face a cette dérive, les corporations des peintres et des sculpteurs adoptèrent un comportement offensif visant à faire cesser cette pratique, et à faire revenir ces artistes privilégiés sous l'autorité des jurandes respectives de chaque corporation. De l'autre côté, les peintres et sculpteurs bénéficiaires de privilèges royaux, français ou d'origine étrangère (notamment flamande), et qui représentaient les plus talentueux artistes du royaume, avaient à cœur de rompre avec le système des corporations afin de détacher leur art du simple métier d'artisanat pour le faire entrer dans la catégorie plus cérébrale et noble des « Arts Libéraux », dans une vision de l'artiste « savant », rejoignant une évolution des mentalités amorcées par la Renaissance italienne. Au système corporatif, les artistes privilégiés souhaitaient ainsi opposer une « Académie », similaire à celles qui existaient déjà en Italie depuis le , et que nombre d'artistes français (dont Le Brun) avaient eu l'occasion de côtoyer lors de leur voyage dans la péninsule. Renaissance
La sculpture de la Renaissance est plus précoce que dans les autres arts. En effet, les hommes de la Renaissance disposent encore de sculptures antiques alors que les peintures ont plus largement disparu. C'est pourquoi la Renaissance en matière de sculpture peut être datée, quant à son origine, du .L'art de la guerre évolue de manière importante durant la Renaissance. L'infanterie reprend sa place de cœur de l'armée aux dépens de la cavalerie, principalement par l'assimilation de la technique du carré de pique par la plupart des armées occidentales. Ce modèle, introduit notamment par les cantons suisse au bas Moyen Âge, prévaudra sur les champs de bataille jusqu'à la guerre de Trente Ans. L'arquebuse prend une place de plus en plus importante dans les armées de la Renaissance. l'arme étant meilleurs marché qu'une arbalète et son utilisation ne requérant pas un entrainement aussi poussé que pour l'utilisation efficace de l'arc, elle remplace, à quelques exceptions près, les armes de traits sur le champ de bataille. Donatello
Donatello, en cinquante ans de progrès continuels stimulés par une autocritique constante, réussit à bouleverser l’art de la sculpture de la pré-Renaissance. Son art entraîna l’une des plus décisives évolutions du style dans l’histoire de la sculpture en Occident. Donatello est un sculpteur, et même dans ce domaine se limite-t-il aux statues de marbre ou de bronze et aux bas-reliefs principalement en bronze aussi. Il ne travaille que peu le bois pour réaliser des statues, matériau habituellement utilisé dans le milieu religieux. Il réalise peu de tombeaux et de petites statuettes qui sont très courantes à l'époque. Cependant, même avec un champ d'investigation limité, les œuvres de Donatello s'imposent tant par leur occupation de l'espace, que par le rendu des attitudes et des expressions. Donatello s'adonne à l'art des statues et du bas-relief de façon concomitante. Le travail des statues lui permet de perfectionner le rendu des attitudes et des expressions du visage. Le bas-relief lui permet de traiter des problèmes de l'espace et de la perspective. Il commence à travailler sur du marbre, mais peu à peu il utilise le bronze qui lui permet d'intégrer des innovations techniques. Dans ses premières œuvres comme les "Prophètes" du campanile de Florence, il tient compte de la hauteur du socle des statues par rapport au public. Pour rapprocher ses statues du public, il incline le visage, afin de transmettre à ceux qui les regardent toutes ses expressions. Peu à peu les statues vont acquérir une existence propre, Donatello marquant par son réalisme qui ne sert pas uniquement à traduire un élément extérieur mais à dégager une attitude intérieure, une conscience individuelle. Par exemple, on ne dira pas « la statue sourit » mais bien « la statue a l’air heureux ». Cela se retrouve dans le "Gattamelata" de Padoue et la "Judith". Art de la Grèce antique
La sculpture est de loin la forme la plus importante d'art parvenu jusqu'à nous de la Grèce antique, même si seuls quelques vestiges restent. La sculpture grecque, souvent sous la forme de copies romaines, a beaucoup influencé la Renaissance italienne et est resté le modèle classique de la culture européenne jusqu'à la fin du . Sculpture romaine
Longtemps présentée comme une répétition, voire une forme de déclin, de la sculpture grecque antique, la sculpture romaine est reconnue depuis le un objet d'étude à part entière. Elle présente la particularité de refléter davantage la volonté de ses riches commanditaires que la personnalité artistique des artistes, essentiellement des esclaves et des affranchis : on connaît peu de noms de sculpteurs romains. Sculpture ventrue
La datation des sculptures ventrues est problématique : peu des premières sculptures connues ont été retrouvées dans leur contexte originel. Entre les années 50 et 70, les archéologues ont avancé que leur style est dérivé du style olmèque, voire pré-olmèque. Sur base de datation par le carbone 14, on estime que la culture olmèque s'est épanouie de 1500 à 400 . Des fouilles menées au site archéologique de Santa Leticia en El Salvador ont permis de dater, grâce à une combinaison de datation par le carbone 14 et d'analyses des céramiques, les monuments 1 et 3, de style ventru, entre 500 et 100 . Pierre Hébert (sculpteur)
Dans sa jeunesse, Pierre Hébert travaille d'abord comme garçon jardinier au jardin des plantes de Paris, puis en tant qu'aide maçon, apprenant ainsi à poser des ornements sur les bâtiments. C'est à cette période qu'il découvre la sculpture. Pierre commence par réparer des rosaces, puis des bustes appartenant au baron Bosio, lui-même sculpteur, lequel encourage Hébert à poursuivre sans cette voie. Dédale
Le rapport de Dédale aux arts est très fréquent dans les textes antiques. Une légende dit qu'il est l'inventeur de l'architecture et de la sculpture. Selon Aristote, c'est Euchiros, parent de Dédale, qui inventa la peinture en Grèce. Platon, dans son "Ménon", dit des statues de Dédale qu’elles sont . Les statues de Dédale semblaient être animées. Dans l’"Alcibiade majeur", il rappelle que Dédale est le patron des sculpteurs, qui le tenaient pour leur ancêtre commun. Chez Apollodore de Damas, il est l’inventeur des "agalma", statues qui représentent des dieux. Diodore lui attribue les progrès de la statuaire archaïque. Comme celle de Minos, l’existence de Dédale peut ne pas être une légende ; les sculptures auxquelles Platon fait référence, sont des "xoana" de l’art cycladique, c’est-à-dire, des statuettes qui à leurs prémices n’étaient que des corps rigides et symétriques. L’arrivée de Dédale y aurait insufflé le mouvement à ces idoles préhelléniques. Armée de terre cuite
Certains chercheurs pensent que les créateurs des statues ont été influencés par l'art hellénistique ou que Qin Shi Huang a fait venir des sculpteurs d'origine grecque des royaumes hellénistique d'Asie centrale. Ils ont émis cette hypothèse en raison de l'absence de sculptures grandeur nature et réalistes en Chine avant la dynastie Qin. Selon ces chercheurs, cette possible influence grecque est particulièrement visible avec certains personnages en terre cuite, comme les acrobates, ainsi dans que la technique utilisée pour créer les sculptures en bronze. Cette hypothèse est loin de faire l'unanimité mais le débat a été relancé avec la découverte, fin 2016, de traces d'ADN mitochondrial spécifiquement européen à proximité de la nécropole. Sculpture grecque antique
La sculpture est probablement l'aspect le plus connu de l’art grec antique, celui qui permettait pour un contemporain de la Grèce antique, mais après la peinture, d'offrir les plus beaux présents aux dieux, célébrer les héros et obtenir leur protection. Les sculptures grecques, souvent par l'intermédiaire de leurs copies et variantes romaines, ont servi de références permanentes aux sculpteurs du monde occidental, surtout depuis la Renaissance italienne jusqu'aux toutes premières années du . Art ottonien
La sculpture sur ivoire est une tradition pour les trois racines de l'art ottonien, c'est-à-dire tardo-antique, byzantine et carolingienne, ce qui explique le grand nombre d'ivoires ottoniens, dont la provenance est notamment celle de centres lombards (essentiellement Milan) et lotharingiens. Le style parfois mixte de certaines productions rend d'ailleurs leur localisation originelle douteuse, comme dans le cas discuté d'une petite "Vierge en majesté à l'enfant", de même que pour un "Saint Nazzaro" rappelant le style pictural du maître du "Registrum". Sculpture du marbre
Le marbre est une roche métamorphique dérivée du calcaire, composée principalement de calcite (une forme cristalline du carbonate de calcium, CaCO3). L'origine de la roche-mère calcaire est le dépôt au fond de la mer de carbonate de calcium sous la forme de squelettes microscopiques d'animaux ou de matériaux similaires. Le marbre se forme lorsque le calcaire est transformé par la chaleur et la pression après avoir été recouvert par d'autres matériaux. Les plus beaux marbres pour la sculpture n'ont pas ou peu de taches (on peut observer des taches naturelles dans certaines sculptures, comme on peut l'observer à gauche, marques que le sculpteur a habilement intégrées à son œuvre). Sculpture française
La sculpture française du est marquée par un renouvellement du style et une créativité nouvelle, qui place l'art de la sculpture comme figure de proue dans la constitution de l'art « rocaille ». Elle s'éloigne de plus en plus de l'antique et des principes académiques, manquant parfois de grandeur et tournant souvent au maniéré mais dôtée de beaucoup de grâce dans les petits sujets de genre. Sculpture ornementale
Comme pour les périodes antérieurs, la sculpture du début de la Renaissance est essentiellement liée à l'architecture. Peu à peu, la sculpture architecturale va laisse la place à une forme de sculpture indépendante et au statuaire qui n'a pas nécessairement de lien avec les constructions. Histoire de la sculpture
La sculpture est probablement l'aspect le plus connu de l’art grec antique, celui qui pour un contemporain exprime le mieux le beau idéal et la perfection plastique. Sculpture
La réflexion sur la création contemporaine amène certains à une position radicalement opposée à ce qu'ils jugent comme des « dérives » encouragées par d'importants mécènes. Lesquels considèrent comme sculpture des créations qui soulèvent de vifs débats, en raison du choix des soi-disant « matériaux » mis en œuvre. Ainsi, une œuvre de Damien Hirst - artiste célèbre dans les années 1990 et qui réalisait des installations où il traite du rapport entre l'art, la vie et la mort - est composée d'une vitrine dans laquelle un véritable veau, avec un disque d'or entre les cornes, est conservé dans du formol. Des références culturelles nombreuses sont sollicitées, entre autres les références aux dieux de l'Égypte ancienne, le dieu taureau Apis, la déesse Hator et Isis. Les débats suscités par cette œuvre semblent indiquer que tout ne puisse être considéré comme « matériaux », pour certains. Se poserait alors la question, à propos des « matériaux » artistiques, sur la permanence de tabous, dans les sociétés contemporaines, qu'il faudrait bien prendre en compte si l'on considère qu'une œuvre s'adresse à des publics. Sculpture de la Renaissance
Les premiers sculpteurs de la Renaissance sont italiens. Parmi les plus grands, on trouve Michel-Ange, Donatello et Andrea del Verrocchio (maître de Léonard de Vinci, qui fit son apprentissage dans son atelier). Jean de Bologne s'illustre à Florence, après que la période artistique de la Haute Renaissance a consacré de fait la cité toscane comme capitale des Arts ; ses œuvres figurent en bonne place dans la Loggia dei Lanzi. En France, un peu plus tard, naîtra une seconde génération de grands sculpteurs, très influencés par l'art italien. On peut citer Jean Goujon ou encore Germain Pilon. Sculpture classique
Le terme de sculpture classique désigne une forme et un style sculpture correspondant à celle produite dans la Grèce antique, la Rome antique et les civilisations sous le contrôle ou l'influence hellénistique et romaine entre le et la chute de Rome en 476. Il désigne également des sculptures plus récentes réalisées selon un style classique, c'est-à-dire inspiré de l'Antiquité. La sculpture classique était d'ailleurs très populaire pendant la Renaissance. Sculpture ornementale
Dans le Croissant fertile, la tradition de la sculpture architecturale a commencé lorsque le roi Assurnazirpal II décida de déplacer la capitale de l'Assyrie à Nimrud vers 879 Ce site était situé à proximité d'un gisement important de gypse. Cette pierre était facile à découper et à transporter en large blocs permettant de réaliser aisément des sculptures pour les palais qui devaient être construits. Histoire de la sculpture
Avec la diffusion du christianisme, la sculpture n'est pas seulement marquée par l'adaptation générale des thèmes chrétiens à l'art romain. À partir de Constantin, la sculpture profane tend à sacraliser le pouvoir impérial converti au christianisme et la sculpture funéraire (nombreux sarcophages) témoigne de l'évolution du style qui passe insensiblement du réalisme au hiératisme. Lors de la dislocation de l'empire romain d'occident, les peuples “barbares” qui se partagent sa dépouille introduisent tout un répertoire de motifs décoratifs abstraits à base de courbes, d'entrelacs et de spirales enchevêtrées et de nouvelles techniques dans le travail des métaux (damasquinage, niellage, filigrane, cloisonné). Dans l'empire byzantin, le portrait d'ivoire et la sculpture impériale se développent dans un premier temps. Mais avec l'essor des icônes, qui succède à la crise iconoclaste, excepté les ivoires qui atteignent un sommet au , avant d'être remplacés par l'os et la stéatite, l'orfèvrerie supplante la sculpture. Dans l'empire carolingien qui hérite du royaume franc et de ses techniques ornementales, la sculpture s'exprime d'abord à travers l'art du stuc, blanc ou peint, héritage de l'antiquité. Les ateliers de bronziers témoignent eux aussi de cette volonté de renouer avec les traditions romaines. Si l'art ottonien témoigne d'une résurgence de l'orfèvrerie et des livres d'ivoire d'inspiration byzantine, c'est en Catalogne, en Italie et dans le Languedoc que s'élaborent les prémisses de l'art roman qui marque l'épanouissement de l'art médiéval. Art hellénistique
La sculpture hellénistique reprend les innovations du second classicisme : ronde-bosse parfaite, permettant d'admirer la statue sous tous les angles ; étude des drapés et effets de transparence des vêtements ; souplesse des attitudes. L'imitation de la nature et de l'homme va jusqu'à l'illusion du mouvement réel : il s'agit de représenter l'homme dans tous ses détails (barbe, muscles, os, traits du visage, drapés...) pour se rapprocher au plus près du réel, en donnant vie à la statue. Les sculpteurs cherchent à se dégager des contraintes architecturales, de la loi de la pesanteur : ils préfèrent les contrastes plutôt que l'harmonie que l'on trouve dans l'époque classique. De nouvelles formes et de nouveaux styles ont été ajoutés au répertoire sculptural, sans pour autant que les anciennes formes ne soient abandonnées. Il s’agirait ici, non pas d’un style associé à une époque, mais plutôt d’un langage artistique qui se serait élargi pour être en mesure de répondre à de nouveaux besoins, à de nouvelles exigences et à de nouvelles catégories de sujets. Sculpture sur bois
Bien que la pratique de la sculpture sur bois soit très ancienne (il n'en reste aucune trace, car le bois est une matière qui ne résiste pas aux outrages du temps), la sculpture en argile demeure la première technique et le premier matériau utilisé pour la sculpture.  La sculpture sur bois constitue un savoir-faire reconnu par l'Inventaire du patrimoine culturel immatériel en France. Sculpture classique
La plupart des sculptures de cette période ont été créées en signe de gratitude envers les dieux pour leur avoir apporté la fortune mais aussi pour obtenir les faveurs des dieux. Les temples grecs étaient spécialement aménagés pour accueillir ces grandes statues. Les grecs estimaient qu'en plaçant des sanctuaires autour des lieux saints ils s'accorderaient les grâces des dieux. Dans la mesure où les dieux grecs provenaient pour la plupart de mythes fondés sur la vie réelle, les sculptures les représentant étaient très « humaines ». Maestri Scultori
Le moulage statuaire est l’art de reproduire à l’identique des œuvres sculpturales originales ou des créations d’ateliers. Cet art remonte à l’Antiquité et a évolué progressivement en différentes techniques. Le moule est l’outil principal de l’artiste. La complexité de la sculpture d’origine définie les matériaux de base dont elle est faite. Lors de la conception d’un moule en série, le mouleur statuaire définit la méthode ainsi que l’emploi des matériaux nécessaire à la réalisation de la pièce demandée. Sculpture française
La renaissance en sculpture est plus précoce que dans les autres arts. En effet, les hommes de la renaissance disposent encore de sculptures antiques alors que les peintures ont plus largement disparu. C'est pourquoi les prémices de la renaissance en matière de sculpture peuvent être datés, en particulier en Italie mais aussi dans une moindre mesure dans le reste de l'Europe, dont la France, au . Wiligelmo
L’avis est unanime à reconnaître que l’art de Wiligelmo, comme l’ensemble de la sculpture d’Émilie-Romagne de l’époque, dérive des grands centres d’innovation de la sculpture romane autour de 1100 comprenant, en plus de Toulouse (Saint-Sernin) et l’abbaye de Moissac, une série d’édifices espagnols de Jaca jusqu’à Santiago. Dans l’incapacité de mieux définir les sources de Wiligelmo, plusieurs spécialistes ont adopté le concept d’un « sculpteur européen ». Ceci ne présume en rien de l’origine du sculpteur et aucun élément connu à ce jour ne permet de préciser sa formation. Histoire de la sculpture
La christianisation de l'empire, suivie de la dislocation de l'empire romain d'occident donnent naissance à de nouvelles formes d'art. Après la disparition de l'empire romain, l'Europe occidentale est un creuset où de nombreux styles et influences marquent le brassage des peuples et des cultures. Au contraire, l'empire romain d'orient qui se prolonge dans l'empire byzantin, trouve et conserve jusqu'à sa disparition en 1453 une identité culturelle précoce et stable. L'art byzantin, même s'il est traversé de crises et de reprises, est le reflet de cette unité. Francis van Bossuit
Les sculptures à petite échelle de van Bossuit ont introduit des répliques et des variations de célèbres chefs-d'œuvre de l'Antiquité en Europe du Nord. Sa "Flore" et "Vénus avec Cupidon" par exemple, sont basées sur d'importantes sculptures classiques. Ses premiers reliefs exécutés en Italie, tels que (Liebieghaus, Francfort), et son pendentif (Musée des beaux-arts de l'Ontario) ont probablement été créés alors qu'il travaillait à proximité de Balthasar Permoser, qui a créé des œuvres similaires, mais moins finement sculptées, à peu près à la même époque en Italie . Son (Liebieghaus, Francfort) est inspiré du tableau de Pierre de Cortone sur le même sujet (Musées du Capitole, Rome) tout comme son est inspirée par la fresque de Cortone dans le Palazzo Mattei à Rome. Ses reliefs ultérieurs, tels que "l'Allégorie de la musique" (Rijksmuseum, Amsterdam), qui fait partie d'une série comprenant des allégories de la sculpture et de la poésie, sont conçus de manière monumentale et sont marqués par une nouvelle sobriété. Ses œuvres étaient populaires auprès des collectionneurs de sculptures de cabinet classicistes et des artistes, qui copiaient les sculptures et incorporaient des compositions et des motifs dans leurs peintures. Surtout les gravures de ses œuvres, publiées dans le "Cabinet de l'art de sculpture" par Matthys Pool d'après des dessins de Barend Graat ont servi de modèles aux artistes jusqu'au XVIIIe siècle. Graat a probablement commencé à dessiner sur les sculptures de van Bossuit dans les années 1680. Il semble probable qu'il ait été en contact direct avec van Bossuit. Le peintre Nicolaas Verkolje s'est également inspiré des dessins de Graat d'après van Bossuit et a incorporé des motifs de van Bossuit dans quatre tableaux. Son "Enlèvement de Proserpina", par exemple, est basé sur le relief avec de van Bossuit. Le peintre néerlandais Willem van Mieris (1662-1747) a dérivé les postures et les gestes des figures féminines dans ses peintures des motifs de van Bossuit. Histoire de la sculpture
Seule une faible partie de la production sculpturale grecque nous est parvenue. Beaucoup de chefs-d'œuvre décrits dans la littérature antique sont désormais perdus ou extrêmement mutilés, et une grande partie ne nous en est connue que par des copies, plus ou moins habiles et fidèles, de l'époque romaine. Beaucoup ont été restaurés par des sculpteurs occidentaux, de la Renaissance à nos jours, parfois dans un sens bien différent de l'œuvre d'origine : un discobole se transforme ainsi en gladiateur mourant, tel dieu reçoit les attributs de tel autre, les jambes de telle statue se trouvent greffées au tronc de telle autre. Histoire de la sculpture
Pendant la période romane, la sculpture, essentiellement ornementale et symbolique, s'intègre dans la structure architecturale des édifices religieux. Elle sert, au même titre que la peinture et les vitraux à l'ornementation des édifices dans un but d'illustration évangélique. À l'extérieur des édifices, les artisans utilisent la pierre comme matériau de prédilection. L'intervention des sculpteurs concerne surtout le portail (tympan) et à l'intérieur, les chapiteaux (alors que la peinture occupe les murs et le berceau des voûtes) et des statues en bois peintes ou dorées du Christ en croix, des Saints patron ou de Vierges en majesté. L'usage du métal est surtout réservé aux statues reliquaires et aux ustensiles liturgiques (calices, chandeliers, ciboires, crucifix, ostensoirs). Si les thèmes de la sculpture romane sont principalement religieux, des événements contemporains (scènes de chevalerie, combats) et des scènes tirées de la vie quotidienne (vendanges, mouture du blé...) s'ajoutent aux épisodes de l'Ancien et du Nouveau Testament. La perspective étant symbolique, le Christ, la Vierge et les saints sont généralement surdimensionnés. Le bestiaire est symbolique (âne, bouc, lion...) ou fantastique (griffons, dragons, sirènes...). Sculpture classique
Dans la Grèce antique, la sculpture de la période archaïque est surtout marquée par le kouros (pluriel kouroï) qui est une statue représentant un jeune homme debout. Un bon exemple est la sculpture de Cléobis et Biton datant d'environ 580 av. J.-C., actuellement au musée archéologique de Delphes. Sculpture romaine
La sculpture romaine s'inspire en effet, le plus souvent, des illustres modèles de l'époque classique ( et s av. J.-C.. Pour autant, la sculpture romaine n'est pas qu'une simple répétition: elle décline les modèles en d'infinies variétés, créant des œuvres originales à partir de l'ancien (recréations). De plus, les influences de la sculpture romaine ne se limitent pas à l'époque classique. Dès le av. J.-C., de nombreuses œuvres dites "archaïsantes" s'inspirent des statues et reliefs de la période archaïque ( av. J.-C.). Enfin, l'art de la période hellénistique survit à Rome, où revivent les différents styles des et s av. J.-C., à l'exemple de l'art baroque hellénistique, très en vogue dans la première moitié du ap. J.-C. Sculpture sur bois de Perm
La sculpture sur bois a vraisemblablement pénétré dans le Grand-Duché depuis le et la Russie centrale. Selon les chercheurs P. A. Korchagine et E. V. Chabourova, cette sculpture religieuse, qui a vu le jour deux siècles et demi après la christianisation, n'a probablement pas remplacé pour de nouveaux convertis leurs anciennes idoles, mais était au contraire un « facteur d'éducation religieuse ». Histoire de la sculpture
La sculpture a connu un essor très important à la Renaissance. Les artistes étaient alors protégés par de puissants nobles qui étaient de plus en plus des collectionneurs d'art. Ainsi Anne de Montmorency a-t-il fait travailler les plus grands sculpteurs français de l'époque (Jean Goujon...) à la construction de son château d'Écouen. La multitude des châteaux, tombeaux et autres monuments érigés à la Renaissance a offert beaucoup de travail à ces artistes parmi lesquels Germain Pilon est sans doute l'un des plus connus en France. Sculpture classique
La transition de la période classique à la période hellénistique s'est faite au cours du . La sculpture est devenue de plus en plus réaliste et naturelle. Les gens ordinaires, les femmes, les enfants, les animaux et des scènes de la vie quotidienne sont devenus des sujets acceptables pour la sculpture et ce genre d'œuvres était généralement commandées par des familles aisées pour décorer et orner leur maisons et jardins. Liste des Trésors nationaux du Japon (sculptures)
L'introduction du bouddhisme au Japon en provenance du royaume coréen de Baekje au milieu du entraîne une renaissance de la sculpture japonaise. Des moines bouddhistes, des artisans et des lettrés s'installent autour de la capitale dans la province de Yamato (actuelle préfecture de Nara) et transmettent leurs techniques aux artisans locaux. Tout naturellement, les premières sculptures japonaises des époques Asuka et Hakuhō montrent de fortes influences de l'art continental et se caractérisent d'abord par des yeux en amande, des lèvres en forme de croissant tournées vers le haut et des plis dans les vêtements disposés symétriquement. L'atelier du sculpteur Tori Busshi, fortement influencé par le style des Wei du nord, produit des œuvres qui illustrent ces caractéristiques. La triade de Shaka Nyorai et le Guze Kannon au Hōryū-ji en sont d'excellents exemples. À la fin du , le bois remplace le bronze et le cuivre. Au début de la dynastie Tang, un plus grand réalisme s'exprime par des formes plus pleines, des fentes longues et étroites pour les yeux, des traits de visage plus doux, des vêtements fluides et embellis avec des ornements tels que des bracelets et des bijoux. Le Shō Kannon à Yakushi-ji et le Yumechigai Kannon du Hōryū-ji sont deux exemples remarquables de sculptures de cette période. Première dynastie de Babylone
L'une des formes d'art les mieux connues est la sculpture sur terre cuite. Ces plaques sont réalisées à partir de moules, plutôt que par modelage. Leurs lieux de découverte les singularise par rapport aux autres objets d'art de la période : elles ont surtout été mises au jour dans des quartiers d'habitation, même s'il s'en est trouvé dans des temples et des sépultures. Le fait qu'elles puissent être produites en grand nombre dans une matière commune dans le Sud mésopotamien implique des prix nettement moindres que pour les œuvres en pierre dure ou en métal, ce qui en fait une forme d'art populaire, reflétant les croyances et pratiques d'une large partie de la population. Celles qui ont été trouvées dans les temples avaient une finalité votive, en revanche celles mises au jour dans les espaces domestiques étaient plutôt associées aux cultes familiaux, ou des sortes d'images pieuses ou encore des objets protecteurs. Il est difficile d'identifier ce qu'elles représentent : les représentations des déesses sont courantes, et il est tentant d'identifier plusieurs de ces personnages comme des représentations d'Ishtar ; les liens avec des rites de fécondité sont probables pour des représentations de femmes nues et de couples faisant l'amour ; d'autres renvoient à des thèmes mythologiques, représentent des génies ou démons ; enfin plusieurs de ces objets représentent des musiciens ou des artisans au travail. Val Gardena
L'art de la sculpture sur bois de la vallée est né au début du avec les familles d'artistes Trebinger et Vinazer, dont les membres ont reçu leur formation notamment dans la vallée de l'Isarco à Bressanone avec Adam Baldauf et peut-être Hans Reichle, mais aussi à Venise et à Rome. Déjà au , plus de quarante sculpteurs sur bois étaient actifs dans tout le val Gardena. L'art sacré de la sculpture sur bois a connu un essor particulier grâce à la création de l'école de dessin à Ortisei. La formation des sculpteurs sur bois de la vallée dans les académies d'art de Munich et de Vienne a ensuite permis au val Gardena d'acquérir une position de leader dans cet art. En 1856 est construite la route nationale 242 puis, en 1867, la ligne de chemin de fer de Brenner qui relie Vérone et Innsbruck est fonctionnelle, ce qui rend plus facile et plus rapide l'exportation de jouets et de mobilier d'église en bois. La plupart des sculptures sur bois du val Gardena sont fabriquées à partir de pin cembro. Sculpture
En France, c'est avec la création des académies de peinture et de sculpture, en 1648, et d'architecture, en 1671, que les deux métiers deviennent officiellement distincts, même si, à la Renaissance, beaucoup d'artistes restent aussi bien peintres que sculpteurs. Sculpture française
La sculpture française, couvre les œuvres et mouvements ayant pour origine le territoire français. Sculpture romaine
Ce domaine de l'art a été considérablement employé par les romains, et surtout les autorités, pour porter un message et fixer un évènement dans la mémoire. La sculpture narrative, essentiellement en bas-relief, s'éloigne des créations grecques tout en exubérance pour se tourner vers un style sobre, propre à leur mentalité et en suivant les règles de la structure narrative. Dado
La sculpture constitue une part particulière de l’œuvre de Dado, dont on observe les prémices à partir de 1962 ; le plus gros de la production ayant été réalisé à partir des années 2000 jusqu’à la mort de l’artiste. Continuum (sculpture)
Selon l'artiste, l'œuvre "a commencé comme une exploration de la bande de Möbius, un produit de mathématiques pures formée en joignant deux extrémités d'une bande de papier après avoir donné une extrémité une torsion de 180 degrés, créant ainsi un seul bord. Le centre de la sculpture en bronze symbolise un trou noir, tandis que le bord montre l'écoulement de la matière à travers le centre de l'espace positif à l'espace négatif et revenant à nouveau dans un continuum ". Histoire de la sculpture
La sculpture romaine a été longtemps jugée comme un appendice peu glorieux de l'art grec, qui, réduit à la brève période de l'art classique était considéré comme l'incarnation de l'idéal de la beauté classique. Comparativement, la statuaire romaine est plus réaliste et consiste dans le passage de la représentation des dieux à celle des hommes. La sculpture romaine a tendance à se mettre au service du pouvoir en place et à représenter les vivants et les morts. L'art du portrait, sobre et réaliste, reflète la personnalité du modèle et son développement est lié au culte des ancêtres et à l'art funéraire. Les masques de cires, moulés sur le visage du défunt, sont progressivement remplacés par des bustes et des portraits qui tentent de saisir les traits du défunt pour célébrer sa mémoire. Les sénateurs et les notables, drapés dans leur toge, commandent leur statue en pied dans des poses éloquentes. À partir du siècle d'Auguste, le portrait impérial se développe et renoue avec le classicisme grec du siècle de Périclès. Dès la République, l'art du bas-relief a tendance à représenter les hauts-faits du pouvoir militaire. Sous l'empire, les colonnes triomphales, les arcs de triomphes et les frontons des temples s'ornent de scènes commémoratives dont le caractère officiel est tempéré par le goût de la narration dynamique et du détail pittoresque. L'art du portrait et la statuaire s'élargissent à la représentation très expressive des peuples barbares que les romains combattent lors de leurs conquêtes militaires tandis que les confins de l'empire trahissent des influences orientales. École de sculpture bruxelloise
Malgré l'existence ininterrompue depuis le Moyen Âge d'une tradition sculpturale et d'une formation dans l'art de la sculpture à Bruxelles qui s'est perpétuée au sein de la corporation des Quatre-Couronnés, Sculpture grecque classique
Outre ce mouvement nouveau qui anime la sculpture grecque des débuts du classicisme, on constate la volonté de rendre la réalité par une construction réfléchie des lignes du corps, une codification de l’anatomie. La musculature, autrefois désignée par des incisions, est désormais modelée avec précision, selon une véritable « planification » de la surface corporelle, qui intègre la construction du corps au sein d'un carcan rigoureux destiné à obtenir une sculpture « réaliste ». Cette démarche est particulièrement visible sur le "Dieu du cap Artémision", dont le torse à la musculature vigoureuse s’inscrit dans un quadrillage précis et rigide, déterminé par le choix de représenter certains muscles, et par un schéma de lignes donnant une impression de naturel (l’arc thoracique, opposé aux bras et à l’axe abdominal). Cette construction planifiée et codifiée du corps caractérise la sculpture classique, qui ainsi recherche avant tout l’ordre et l’harmonie des figures et du corps, et participe à l’élaboration, déjà présente à la période archaïque, d’une idéalisation du corps humain, visible durant toute la période classique. Sculpture grecque antique
La période classique voit apparaître des sculptures qui maîtrisent l'anatomie et la pose, dont les auteurs sont identifiés, notamment du fait de la définition de canons esthétiques de proportions qui leur étaient propres. Le répertoire de la période classique embrasse aussi bien la mythologie que les héros, représentés dans le naturel supposé du quotidien, avec l'apparition du "contrapposto" ou déhanchement de la jambe d'appui. L'anatomie s'anime grâce à la distinction de la jambe libre et de la jambe d'appui. Pourtant, la sculpture est bidimensionnelle, le mouvement est encore plastique et artificiel, et l'idéalisation du corps est encore très marquée, notamment au niveau du visage. Avec le style maniériste (entre 430 et 370 av. J.-C.), les drapés gagnent en souplesse et en effets décoratifs, et les courbes du corps se font plus sinueuses. La maîtrise de l'exécution fait de la sculpture du le sommet de l'esthétique classique, qui inspirera encore la Renaissance et le néo-classicisme des et s européens. Collection de sculptures du musée des Beaux-Arts de Lyon
Le musée possède un ensemble de sculptures médiévales important, comprenant toutes les écoles régionales, et quelques étrangères. Le parcours de sculpture ancienne débute avec des œuvres romanes dont le "Jongleur" réalisé dans le Berry à la fin du . "L'Ange et la Vierge de l'Annonciation", œuvres toscanes grandeur nature et polychromes datant du milieu du , sont un autre chef-d'œuvre de la section de sculpture médiévale, qui renferme également de belles œuvres flamandes. L'art de la Renaissance est représenté par des œuvres de qualité comme le "Saint Jean-Baptiste" (vers 1475-1478) de Mino da Fiesole et l'étonnant "Buste de femme en médaillon" (1532) d'un anonyme sculpteur français. On compte également de nombreuses sculptures d'école italienne des s (école de Verrocchio, de Della Robbia, de Donatello, de Michel-Ange...). Les s sont moins riches que la période précédente, mais l'on note tout de même des œuvres de sculpteurs français célèbres tels qu'Antoine Coysevox, Guillaume Coustou ou Augustin Pajou ("Neptune", marbre de 1767). Sculpture gothique
La sculpture gothique est intimement liée à l'architecture gothique qui s'épanouit dans la seconde partie du Moyen Âge en Europe occidentale. Il s'agit au départ d'une sculpture monumentale, "immeuble par destination", mais son étude concerne également celle de la sculpture funéraire, du mobilier et des objets somptuaires. Grèce antique
La sculpture de l'époque classique (v. 480-330 av. J.-C.), généralement tenue pour l'apogée de l'art grec, s'oriente vers des rendus plus réalistes, naturalistes, aussi une grande attention pour la narration, et aussi une quête d'intériorité, mêlant sagesse et modération (la "sophrosynè"), en lien avec les réflexions sur l'homme qui se produisent au même moment. Les matériaux travaillés sont encore le marbre et le bronze, la plupart des œuvres originales ont disparu, mais le prestige qu'elles ont rapidement acquis fait qu'elles ont été copiées par la suite (y compris les statues en bronze copiées sur pierre), ce qui permet de les connaître. Parmi les principaux sculpteurs du (qui comprend la période du « classicisme » au sens strict, surtout v. 450-420), Polyclète d'Argos (actif v. 470-420) s'illustre dans ses représentations de nus masculins pour lesquels il élabore un nouveau canon ; son contemporain Phidias d'Athènes, maître d’œuvre du chantier de l'Acropole, est célébré pour ses représentations du divin, notamment sa statue chryséléphantine d'Athéna qui trône dans le Parthénon. Ses élèves poursuivent la décoration des temples athéniens durant les temps difficiles de la guerre du Péloponnèse (période d'activité de Callimaque). Après la guerre la sculpture athénienne concerne essentiellement les stèles funéraires. Les grands sculpteurs du (notamment le « second classicisme », après 370) sont Praxitèle, connu pour avoir développé le nu féminin avec sa statue d'Aphrodite, Scopas, qui dirige le programme sculptural du Mausolée d'Halicarnasse, puis Lysippe (actif v. 370-310) qui révolutionne la représentation du nu masculin, et s'illustre par ses portraits détaillés (notamment d'Alexandre le Grand). Sculpture romaine
La majorité des œuvres sculptées parvenues jusqu'à l'époque moderne sont en pierre. De ce fait, il est difficile d'évaluer la part originelle des sculptures en bronze ou en métaux précieux (or, argent), dont la plupart ont été refondus pour récupérer le matériau de départ. Sculpteur
Le métier compte des personnalités féminines dès l'Antiquité grecque. Pline l'Ancien atteste de la présence des femmes artistes au Livre XXXV de son Histoire naturelle. Giorgio Vasari mentionne Properzia de’ Rossi en 1550 dans un texte où il énumère . Jacquette de Montbron assure la décoration sculptée de son château de Bourdeilles en 1588. Au , en Flandre, huit sculpteurs furieux que Maria Fayd'Herbe demande à être admise à la Guilde de Saint Luc exigent d'elle qu'elle réalise une sculpture sur bois. En Espagne, Luisa Roldán se distingue à la cour du roi Charles II en 1690. En France, Dorothée Massé-Godequin est la première sculptrice admise à l'académie royale de peinture et sculpture. On peut citer au , la Française Marie-Anne Collot, au siècle suivant Hélène Bertaux, Camille Claudel, dont on redécouvre l'œuvre dans les années 1980. En 1881 est créée l'Union des femmes peintres et sculpteurs. Sculpture sur pierre
La sculpture sur pierre est une technique particulière de sculpture en ce qu'elle désigne un mode de fabrication d'une œuvre différente du modelage en argile ou en fonte. Le terme ne doit pas être confondu avec l'activité des tailleurs de pierre qui façonnent des blocs de pierre destinés à la sculpture mais aussi à l'architecture, le bâtiment ou le génie civil. C'est aussi une expression utilisée par les archéologues, les historiens et anthropologues pour décrire la fabrication des pétroglyphe. Tramp Art
Développé à partir de la tradition européenne de la sculpture sur bois à des fins décoratives, amené aux États-Unis par les immigrants europèens, le Tramp Art apparaît durant la seconde moitié du XIXe siècle, et plus particulièrement à partir des années 1870, avant de connaître son apogée durant la Grande Dépression. Sculpture sur fruits
L'origine de la sculpture sur fruits est discutée. Pour beaucoup, elle remonterait au royaume de Sukhothaï (1238-1438). D'autres pensent qu'elle est plus ancienne et date des dynasties chinoises Tang (618-906) et Song (960-1279), ou du Japon, où cet art est nommé . Sculpture ventrue
Les sculptures ventrues (en espagnol au pluriel ou au singulier) sont des sculptures en ronde-bosse représentant des figures humaines obèses taillées dans des rochers. Ce sont des éléments distinctifs de la tradition sculpturale du en Mésoamérique. L'usage précis de ces sculptures est inconnu, mais elles semblent avoir été l'objet de vénérations et de rituels publics dirigés par l'élite. Bien que cette tradition sculpturale ait été découverte dans l'aire culturelle maya, les archéologues s'accordent pour affirmer que les sculptures elles-mêmes ne sont pas mayas. Sculpture romaine
La sculpture romaine, tout comme l'art étrusque, s'est largement inspirée des modèles de sculpture grecque. C'est grâce à des copies romaines que l'on connaît de nombreux originaux grecs aujourd'hui disparus (exemple la Vénus d'Arles qui serait une copie d'une œuvre disparue du grand sculpteur grec Praxitèle). Seibō Kitamura
Né dans un village appelé Minamiarima, (à présent Minamishimabara) le , Seibō Kitamura entre en 1903 à l'Université municipale des Arts de Kyoto pour étudier la sculpture. Diplômé en 1907, il intègre immédiatement l'université des beaux-arts de Tokyo dont il reçoit un deuxième diplôme de sculpture en 1912. Il commence à sculpter à plein temps après sa sortie du service militaire en 1915 et est nommé professeur à l'École des Beaux-Arts de Tokyo en 1921. Il est membre de l'Académie japonaise des arts en 1925. Sculpture française
L'art gothique est un terme fragmentaire dépendant du métier, du lieu et de la période ayant pour origine l'architecture gothique. La sculpture gothique est née en France en 1150 et s'est répandue dans toute l'Europe. Au , elle est devenue un style international, remplaçant le roman. Le gothique international décrit l'art gothique de 1360 à 1430. Roumanie
La sculpture dans l'art médiéval roumain porte l'accent sur les décorations. Ce n'est qu'à partir de la seconde moitié du que se développe en Roumanie la sculpture ronde-bosse. , d'origine allemande, s'installe à Bucarest en 1849 et réalise un travail varié dans un style néo-classique, que ce soit en matière de portraits (comme le portrait de Theodor Aman) ou encore en matière de monuments, tels que le ou encore le à Bucarest. En 1865, il devient le premier professeur de sculpture à l'Académie des Beaux-Arts de Bucarest, devenant ainsi une figure prééminente et le principal artisan du renouveau de la sculpture roumaine. Sculpture romaine
La sculpture permet de voir l'introduction de nouvelles religions au sein de l'empire romain, avec la datation et la localisation de statues et reliefs dédiés aux nouvelles divinités Histoire de la Provence
La sculpture est le domaine où se manifeste le mieux la synthèse entre les traditions indigènes et les formes de l'art hellénique (piliers d'Entremont, sculptures de Roquepertuse, chapiteaux sculptés de Glanum). C'est par Marseille que les sites gaulois de Provence entrent dans l'économie monétaire et que s'élabore l'écriture gallo-grecque, adaptation de l'alphabet grec à l'écriture du gaulois. Sculpture ornementale
Dans l'art roman ou médiéval, la sculpture n'est pas qu'un procédé décoratif ou ornemental. Elle fait partie intégrante des édifices et reste incorporée à l'architecture avec laquelle elle forme un tout. La sculpture médiévale est donc essentiellement architecturale. L'historien d'art Henri Focillon indique : Cette sculpture, quelque complexe, quelque luxuriante qu'elle soit ne déborde jamais. Elle est fortement maintenue, elle est d'accord avec les fonctions constructives et l'ordonnance architecturale, elle fait corps avec la pierre, elle est le mur même, mur décoré combiné avec le mur nu. Sculpture classique
En étudiant le mouvement et l'anatomie humaine, les artistes grecs ont découvert qu'ils pouvaient représenter le dynamisme du corps humain en sculptant une statue dans laquelle l'une des deux jambes porte le poids du corps, l'autre étant laissée libre et légèrement fléchie, ce qui constitue le contrapposto. L'un des premiers exemples connus de contrapposto est le célèbre "éphèbe de Critios", datant d'environ 480 av. J.-C. et actuellement exposé au musée de l'Acropole d'Athènes. Le contrapposto est rapidement devenu un élément clé de la sculpture grecque, trouvant son apogée dans le "Doryphore" du sculpteur Polyclète qui adopte un contrapposto extrêmement dynamique et sophistiqué. Histoire de la sculpture
D'après "La sculpture de la Renaissance italienne", par Roberta J.M Olson Editions Thames & Hudson, c'est à Nicola Pisano (actif de 1258 à 1278), sculpteur et architecte lui aussi, que Vasari dans ses "Vies" attribue l'amorce de la première des trois phases de la sculpture de la Renaissance. La première œuvre de Nicola dont l'authenticité est établie - une chaire signée pour le Baptistère de Pise - justifie le choix de Giorgio Vasari. Afrikaners
À l’inverse de ses pays voisins comme le Mozambique, l’Afrique du Sud ne présente pas de tradition historique significative dans le domaine artistique de la sculpture. Cet art s’est essentiellement développé au avec des artistes natifs des Pays-Bas comme Anton van Wouw, considéré comme le père de la sculpture sud-africaine et notamment auteur de la fameuse statue de Paul Kruger à Pretoria. Comme beaucoup d’artistes afrikaners, de nombreux sculpteurs, dont les œuvres furent reconnues au niveau international, ont fait connaître leur art par le biais de commandes publiques du gouvernement sud-africain. Ce fut le cas de Coert Steynberg et de Danie de Jager, auteurs de nombreux monuments officiels célébrant les héros ou les symboles de l’histoire afrikaner. Sculpture sur bois norvégienne
Le premier âge d’or de la sculpture sur bois remonte à la période viking symbolisé par les recherches archéologiques réalisées à Oseberg connues par son bateau funéraire exposé au musée des navires vikings d'Oslo. Les objets usuels et les artéfacts remarquablement décorés que les archéologues ont trouvés à Oseberg attestent de la vivacité et du savoir-faire des sculpteurs sur bois du haut Moyen Âge nordiques puisque les chercheurs ont mis au jour une voiture, des traîneaux ou des coffres richement sculptés. Au Moyen-Âge, la sculpture sur bois ne disparaît pas complètement mais elle se cantonne à la décoration intérieure et extérieure des églises en bois debout, les "stavkirker" à l’instar de la stavkirke d'Urnes, patrimoine mondial de l'humanité depuis 1979, où l’on peut encore admirer aujourd’hui encore l’impressionnant portail sculpté entre autres. Histoire de la Grèce antique
La sculpture sur pierre se développe dans le monde grec à compter de l'époque archaïque et connaît des évolutions rapides qui conduisent à l'apparition d'un des domaines caractéristiques de l'art grec antique. Pour les périodes antérieures des figurines en terre cuite et métal sont connues, mais rien d'équivalent aux traditions sculpturales égyptienne et proche-orientale. C'est en Crète que sont attestés les plus anciens fragments de statues en pierre, d'inspiration « orientale ». Le développement des sanctuaires joue manifestement le rôle essentiel dans l'essor de la sculpture, puisqu'il n'y a pas de pouvoir royal en Grèce pour jouer ce rôle, et la majorité des sculptures archaïques relèvent d'un contexte sacré, avec des commanditaires faisant partie de l'élite. Au apparaissent les statues de « jeune homme » ("kouros") et « jeune fille » ("korè"), témoignant d'une inspiration égyptienne. Les styles évoluent ensuite très vite, se démarquant des modèles orientaux, avec un souci croissant pour donner un rendu anatomique plus réaliste, et le marbre est de plus en plus employé. Sculpture japonaise
Le Japon sort de la période de l'art primitif indigène avec l'arrivée du Bouddhisme au Japon en provenance du continent asiatique vers le milieu du . Avec la nouvelle religion, viennent au Japon les artistes qualifiés et les artisans chinois pour construire ses temples, sculpter ses idoles et transmettre les techniques artistiques aux artisans autochtones. Art de Mésopotamie
LArt de Mésopotamie est connu grâce aux vestiges archéologiques datant des premières sociétés de chasseurs-cueilleurs () jusqu'aux civilisations de l'Âge du Bronze avec les empires successifs de Sumer, d'Akkad, de Babylone et d'Assyrie. Ces empires ont laissé place à l'Âge du Fer aux empires néo-assyrien et néo-babylonien. Généralement considéré comme étant le berceau de la civilisation, la Mésopotamie a apporté des développements culturels importants, dont les plus anciens exemples d'écriture. L'art de la Mésopotamie rivalise à son apogée avec celui de l’Égypte Ancienne, un art sophistiqué et élaboré dans le Proche-Orient ancien entre le et la conquête de la région par les Perses Achéménides au L'expression principale de cet art est la sculpture, dans des formes variées, en pierre ou en terre cuite. Le peu d'exemples de peinture subsistant suggère que cette technique s'illustre essentiellement dans des motifs géométriques et végétaux, bien que la plupart des sculptures étaient également peintes. Maurizio Toffoletti
Il décide d’emprunter un autre chemin qui le ramène aux origines de la sculpture, en un temps où ceux de son espèce arrachaient à la montagne les stèles des premières écritures. Dans un corps à corps avec la matière, il renoue avec la fonction totémique de la sculpture et pose un questionnement sur sa dimension monumentale. Puissamment ancrée dans le sol, ses œuvres s’imposent dans leur verticalité, dans un geste ascensionnel pour célébrer la beauté de la forme pure. Il poursuit les recherches de Brancusi pour qui « la main suit la pensée de la matière ». Ses œuvres, monumentales, ressemblent à des menhirs qui "meublent et ponctuent l'espace naturel des nuances et des reflets de la matière"comme il l'explique. Sculpture sociale
Une sculpture sociale est une expression utilisée pour décrire un concept élargi de l'art et qui a été promue par l'artiste conceptuel et homme politique Joseph Beuys. Beuys a créé ce terme pour communiquer sa vision du potentiel de l'art à transformer la société. Comme une œuvre d'art, une sculpture sociale inclut l'activité humaine qui cherche à structurer et transformer la société ou l'environnement. Le sculpteur social est un artiste qui crée des structures dans la société en s'aidant de la langue, des pensées, des actions et des objets. Sculpteur
Un sculpteur ou une sculptrice est une personne pratiquant la sculpture, comme discipline des beaux-arts ou des arts plastiques, comme activité de loisir (sculpteur amateur) ou bien comme métier (sculpteur professionnel). Sphyrélaton
Le terme sphyrélaton (en , « travaillé au marteau ») se dit en particulier de statues, notamment dans la sculpture grecque antique, pour qualifier une technique orientale antique. C’est une des techniques les plus primitives de la sculpture archaïque. Elle est représentée à partir de 660 On modélise des lamelles de bronze martelées, qui sont rivetées ensuite sur une âme de bois pour modeler le corps. Les Grecs l’employaient à l’époque archaïque pour fabriquer leurs grandes statues de bronze. Ils inventèrent plus tard la technique de la cire perdue, qui leur permettait de créer des statues creuses. La petite cité de Dreros en Crète a fourni les plus anciennes statues de culte faites dans cette technique, celles de la triade apollinienne encore en place dans son temple. Le Musée archéologique d'Olympie présente un rare exemple de figure ailée, création ionienne, fabriquée selon la technique du bronze martelé, dite du sphyrélaton. À Delphes, dans les fosses de l’Aire, a été découvert par Pierre Amandry un taureau en argent : plus de soixante plaques d’argent sont clouées sur des bandes de cuivre argenté et étaient séparées de la structure en bois par une mince couche d'argile ou de cire. Histoire de la sculpture
L'Histoire de la sculpture a pour commencement, la fin du paléolithique supérieur, c'est-à-dire entre - et - ans av. J.-C., coïncident avec l'Âge du renne (Magdalénien). On ne connaît pas de sculptures antérieures à cette époque. Antiform
L'antiform, anti form, anti-form (ou Antiforme, en Français), est un terme d'origine américaine du milieu de l'art contemporain et concerne la sculpture contemporaine. Il apparaît à la fin des années 1960. Musée des Offices
Les sculptures sont d'une grande valeur et datent principalement de l'époque romaine, avec de nombreuses copies d'originaux grecs. Certaines, parfois incomplètes ou brisées, ont été restaurées et complétées par les grands sculpteurs de la Renaissance. Aujourd'hui, la disposition des sculptures suit au plus près celle de la fin du , lorsqu'elles permettaient la comparaison entre les maîtres anciens et modernes, un thème très cher à l'époque : la fonction des statues demeure essentielle, caractérisant fortement l'origine et la fonction historique de la galerie. Sculpture à la scie à chaîne
La sculpture à la scie à chaîne ou sculpture à la tronçonneuse est une technique de sculpture qui consiste à sculpter un objet (généralement un bloc de bois ou un bloc de glace) à l'aide d'une scie à chaîne en marche. Cet art, qui combine la technologie moderne de la scie à chaîne avec l'art ancien du travail du bois, est de plus en plus populaire aux États-Unis et dans le reste du monde. Sculpture sur bois norvégienne
La sculpture sur bois norvégienne, treskurd ou treskjæring, occupe en Norvège une place privilégiée dans les arts décoratifs, la décoration intérieure et l’ornement extérieur pour des raisons à la fois historiques, populaires et architecturales. Dans ce pays scandinave, la persistance du bois comme matériau de construction pour les maisons d’habitation et d’exploitation, les bâtiments publics et les édifices religieux jusqu’à nos jours a permis de donner à cet art décoratif une valeur importante sur le plan national, probablement bien plus que dans les pays où elle se cantonne pour beaucoup aux arts mineurs. C’est essentiellement pendant les que la sculpture sur bois prend une ampleur considérable au moment où les Norvégiens font l’expérience du mouvement artistique et culturel Dragestil, fondé sur la redécouverte du haut Moyen Âge et de la culture pré-chrétienne avec tous les symboles ornementaux véhiculés par la recherche identitaire du peuple norvégien en période d’émancipation politique vis-à-vis de ses voisins scandinaves. En fonction des époques, son caractère éclectique se renforcera de plus en plus sous l’influence des mouvements artistiques européens comme la renaissance nordique ou le rococo d’Europe septentrional. Toutefois, la sculpture sur bois gardera indiscutablement son cachet nordique qui n’est pas sans susciter l’intérêt des visiteurs étrangers passionnés par l’effet viking en vogue au . Un des faits marquants de la sculpture sur bois norvégienne porte aussi sur sa longue relation interactive avec d’autres arts décoratifs ou d’autres métiers de l’artisanat d’art comme la broderie, le tricot et le tissage entre autres. De fait, le "husflid" (), nom donné en Norvège à tous les produits d’artisanat d’art domestiques organisés en « coopérative » ou « union » ("foreningen") fait la jonction entre un chambranle de porte sculpté, un pullover tricoté, une nappe brodée, des couverts en bois et des peintures rosemaling par le truchement des motifs décoratifs communs ou inspirés d’un artisanat à un autre. La grande encyclopédie de la langue norvégienne cite parmi les plus grands représentants du "treskurd" de rang national et en partie international : Ole Olsen Moene et Lars Kinsarvik. Sculpture du marbre
La sculpture du marbre est l'art de créer des formes tridimensionnelles à partir de marbre. La Sculpture est parmi les plus anciennes formes d'art. Même avant de peindre les murs d'une grotte, les premiers êtres humains façonnaient des formes dans la pierre. Depuis ces lointains débuts, les productions artistiques ont évolué jusqu'à leur complexité actuelle. Sculpture classique
Les sculpteurs grecs de cette période étaient au départ influencés dans leur style par les égyptiens. Les débuts de la sculpture grecque peuvent être considérés comme profondément égyptiens. Cependant, des différences notables sont assez rapidement apparues, en particulier concernant les sculptures masculines, qui avaient tendance à être représentées nues, ce qui était manifestement exclu dans l'art égyptien, à l'exception toutefois des représentations de décapitation d'esclaves ou d'ennemis. En revanche, les sujets féminins étaient toujours représentés habillés dans les sculptures archaïques. Sculpture néo-classique
La sculpture néo-classique est un courant sculptural issu du néo-classicisme (qui comprend aussi la peinture, l'architecture, la gravure et les arts décoratifs), qui se développe à partir du milieu du et se poursuit jusqu'au milieu du . Ernest Meissonier
Les œuvres sculptées d’Ernest Messonier peuvent être comprises "ipso facto" par l’origine, l’objectif de leur réalisation. En effet, la recherche réaliste dans l’œuvre de l’artiste consiste avant tout à la préparation méticuleuse de ses représentations peintes, pour lesquelles il réalise des maquettes sculptées. La sculpture est donc l’étape préalable à la peinture, la représentation tridimensionnelle des figures réalisée pour sentir le mouvement des personnages et comprendre les jeux de lumière afin de donner une représentation peinte la plus réaliste possible. Sculpture française
L'art préroman se développe pendant la période couvrant le couronnement de Charlemagne en 800 jusqu'au début de la période romane au . Pendant cette période, les influences de l'art romain classique sont activement absorbées et l'art carolingien devient la souche de laquelle émergeront plus tard les arts roman et gothique. De la sculpture carolingienne, seuls nous sont parvenus quelques rares reliefs architecturaux, des œuvres d’orfèvrerie et des plaques d’ivoire, la plupart des édifices anciens ayant été remplacés aux époques romanes et gothique. Sculpture sur glace
Les premières origines de la sculpture sur glace sembleraient venir de l’Europe, et plus particulièrement des pêcheurs italiens avant le . Les pêcheurs italiens et espagnols auraient été les premiers à utiliser la glace pour conserver leur marée lors de leurs campagnes de pêche. Il semblerait que pendant les longues journées certains pêcheurs italiens, commencèrent à sculpter cette glace pour s’occuper. Jean-Pierre Augier
Jean-Pierre Augier commence vraiment la sculpture dans les années 1970, en s'inspirant d'artistes et créateurs modifiant les vieux outils pour en faire des œuvres d'art. Il nomme ses œuvres . Il trouve son inspiration dans de vieux outils et objets de fer qu'il transforme, par assemblages, en personnages ou animaux en mouvement. Son travail transfigure des objets qui étaient promis à la destruction pour leur donner une autre vie, celle d’une œuvre d’art. Il pratique donc l’art de la transfiguration. C'est-à-dire qu’à la vue d’un objet, son premier coup d’œil lui permet de les transfigurer pour leur donner une autre vie, celle d’une œuvre d’art. Son imaginaire sépare l’objet de sa réalité ordinaire. L’objet cesse d’être ce qu’il est pour devenir un personnage, un animal, une partie de costume, etc. Les outils sont principalement ceux d’ancêtres paysans ou artisans. On trouve également des pièces mécaniques qui entrent dans la composition d’engins (agricoles ou non). Le nombre de ces objets, comme leur combinaison, est indéfini. Jean-Pierre Augier collectionne les outils dans son grenier, soigneusement classés et entretenus. Sculpture romantique
La sculpture romantique est un courant sculptural issu du romantisme, apparu au début du vers les années 1820, succédant à la sculpture néo-classique et précédant le réalisme et l'éclectisme.