Quelles sont les caractéristiques principales de l’art japonais?
Japonais (peuple)
L'art japonais est caractérisé par des oppositions esthétiques. Par exemple, dans les céramiques des périodes préhistoriques, l'exubérance était suivie par un style discipliné et raffiné. Un autre cas de figure est fourni par deux structures du diamétralement opposées : le est un exercice de simplicité mettant l'accent sur les matériaux naturels et bruts, et montre une affinité pour la beauté non-recherchée ; le Mausolée de Tōshōgū () à Nikkō () est une structure symétrique rigide recouverte sur chacune de ses surfaces visibles de gravures en relief colorées avec éclat. L'art japonais, valorisé non seulement par sa simplicité mais également par son exubérance colorée, a considérablement influencé la peinture occidentale du (avec le japonisme) et l'architecture occidentale du . Art japonais
L'art japonais est caractérisé par des oppositions marquées. Par exemple, au cours des périodes préhistoriques, l'exubérance de la céramique Jōmon fut suivie par un style discipliné, aux époques Yayoi, Kofun et Asuka. L'architecture japonaise offre aussi de telles oppositions au : le est un exercice de simplicité mettant l'accent sur les matériaux naturels et bruts, et témoigne d'une recherche de beauté subtile ; le mausolée du Tōshō-gū () à Nikkō () est une structure symétrique rigide recouverte sur chacune de ses surfaces visibles de gravures en relief colorées avec éclat. Avec ces deux exemples apparaissent deux autres caractères opposés : les effets de symétrie, l'art du détail maîtrisé, associés à l'expression du pouvoir et au bouddhisme d'origine continentale, selon les codes d'origine chinoise ; d'autre part, les effets d'asymétrie et d'inachevé, les matières "pauvres" et naturelles associés à la culture proprement japonaise, depuis l'époque de Heian mais bien visibles à Katsura, comme dans tous les arts proprement japonais, que ce soit la peinture yamato-e et celle de l'école Rinpa, de nombreux objets associés à l'art du thé ainsi que la composition des kimonos. L'art japonais, valorisé non seulement par sa simplicité, mais également par son exubérance colorée, a considérablement influencé la peinture occidentale du (avec le japonisme) et l'architecture occidentale du .
Art nouveau
Comme d'autres artistes inspirés par des civilisations lointaines et très différentes, les membres de l'Art nouveau ont été nombreux à être inspirés par l'art asiatique, japonais notamment, ou islamique. En cette fin de siècle, des images et des œuvres arrivent de ces contrées et surprennent les Européens, qui s'emparent des formes et thèmes utilisés. L'exposition universelle de Paris en 1867 les ayant révélées aux Français comme à d'autres Européens, les estampes japonaises envahirent les intérieurs bourgeois, et même rapidement bien des logis urbains modestes (japonisme). Yō-ga (peinture)
Depuis cette époque, le "yō-ga" et le "nihon-ga" sont les deux principaux genres de la peinture moderne au Japon. Cette division se retrouve dans l'éducation et les expositions ainsi que par l'identification des peintres eux-mêmes à un genre ou à un autre. Mais dans de nombreux cas cependant, les artistes "nihon-ga" ont aussi adopté les techniques réalistes de la peinture occidentales, telles que la perspectives et l'ombrage. À cause de cette tendance à la synthèse, bien que le "nihon-ga" forme une catégorie distincte au sein des expositions annuelles ("nitten") organisées par l'Académie japonaise d'art, il est devenu de plus en plus difficile ces dernières années d'établir une séparation nette entre les techniques et les matériaux des genres "yō-ga" et "nihon-ga". Les Soixante-neuf Stations du Kiso Kaidō
Une caractéristique majeure de la technique de l'estampe japonaise est donc que chaque exemplaire imprimé à partir des planches supervisées par l'artiste est un original. En effet, le dessin initial de l'artiste est détruit lors de la gravure et est d'ailleurs souvent incomplet par rapport au résultat final souhaité (sans les couleurs, par exemple). Japonisme
Alfred Stevens fréquente aussi la "Porte Chinoise", où il se procure des objets d'Extrême-Orient qu'il introduit dans les intérieurs bourgeois de ses toiles. À l'Exposition universelle de 1867, il présente 18 peintures, dont "L'Inde à Paris" (dit aussi "Le Bibelot exotique"), que le critique d'art Robert de Montesquiou salue dans la "Gazette des beaux-arts". Ce tableau, précédé par "La Dame en rose" de 1866, est suivi par "La lettre de rupture" vers 1867, et en 1868 par "La collectionneuse de porcelaines", puis vers 1872 par une série de plusieurs toiles japonisantes. En 1893-1894, le peintre hollandais George Hendrik Breitner réalise également une série d'au moins 6 toiles de jeunes filles en kimono de différentes couleurs en s'inspirant de ses propres photographies. De grandes expositions d'estampes japonaises se tiennent également à Paris, qui participent à la diffusion d'une nouvelle esthétique. Outre les travaux critiques précurseurs de Philippe Burty, en 1873, Henri Cernuschi et Théodore Duret exposent, au Palais de l'industrie, les estampes collectées lors de leur voyage de 1871-1873. En 1883, la galerie Georges Petit accueille une exposition rétrospective de l'art japonais de objets, organisée par Louis Gonse, le directeur de la "Gazette des beaux-arts". En 1888, dans sa galerie L'Art japonais, sise au , rue de Provence, où se rencontrent beaucoup de critiques d'art et de jeunes peintres, Sigfried Bing présente une exposition historique de l'art de la gravure au Japon, et publie le premier numéro de sa revue mensuelle, "Le Japon artistique", notamment lue par les nabis et Gustav Klimt. En 1890, grâce aux collections de ses amis, Bing organise, à l’École des beaux-arts de Paris, l'Exposition des maîtres japonais comprenant 760 estampes, dont l'affiche est conçue par Jules Chéret, l'un des précurseurs du nouveau graphisme dans les années 1880. Ces deux dernières expositions ont un impact sur l'art de l'affiche qui connait son « âge d'or » à la suite de la loi du 29 juillet 1881 sur la liberté de la presse. De 1909 à 1913, Raymond Koechlin consacre par ailleurs aux estampes six expositions au musée des Arts décoratifs. En 1888, Auguste Lepère crée avec Félix Bracquemond, Daniel Vierge et Tony Beltrand, la revue "L'Estampe originale", afin d'intéresser les artistes et les amateurs aux nouveaux procédés et tendances de la gravure, notamment en couleur. Dans cette période où le japonisme a une grande influence sur les arts décoratifs, Henri Rivière réalise à partir de cette date, de 1888 à 1902, "Les Trente-six vues de la Tour Eiffel". En 1891, Félix Valloton renouvelle également la gravure sur bois, avec Paul Gauguin ou Émile Bernard et Toulouse-Lautrec révolutionne à son tour l'art de l'affiche, en dessinant la même année celle destinée au célèbre cabaret ouvert en 1889, intitulée "Moulin-Rouge - La Goulue". Toujours en 1891, l'affiche "France-Champagne" et le paravent "Femmes au jardin" réalisés par Pierre Bonnard, le « nabi japonard », puis entre 1895 et 1909 les œuvres gravées en couleurs sur bois d'Amédée Joyau, portent aussi la marque du japonisme. De la même manière, l'artiste américaine Mary Cassatt réalise vers 1890-1891 une estampe directement inspirée de la technique et de l'esthétique ukiyo-e, "La Toilette". Arts décoratifs au musée d'Orsay
Le Japonisme nous conduit directement à l’Empire du soleil levant. Sans doute n’est-il pas inutile de rappeler au préalable qu’il faut distinguer les termes de «chinoiseries» et «japonaiseries», parfois à connotation péjorative quand ils sont employés pour désigner des curiosités exotiques, du terme de «Japonisme». Le Japon se ferme à l’Occident à l’époque Edo, de 1639 jusqu'au milieu du . Seules la Corée, la Chine et la Hollande conservent des contacts avec cette nation. Ces deux siècles attisent la curiosité des occidentaux à l’égard d’un pays devenu relativement secret, les Hollandais ne laissant filtrer que de rares informations et objets, laques que les Anglais désignent au par Japan et céramiques par China. Lorsque débute l’ère Meiji (1868-1912), le gouvernement éclairé de Mutsuhito décide de faire entrer son pays dans la communauté internationale et dans la modernité. Pourquoi ? Probablement, la situation de la Chine voisine réduite en colonie pousse-t-elle l’Empereur à ne pas subir mais plutôt à composer avec l’impérialisme des pays occidentaux. Voire à l’imiter. Car à cette période correspond une expansion colonialiste du Japon doublée d’une diffusion mondiale de la culture nippone. La séduction japonaise opère alors non seulement dans le domaine des formes (styles, motifs) et des techniques ou, plus profondément, dans celui de l’esthétique. Musée préfectoral
Le est, au Japon, une innovation postérieure à la Seconde Guerre mondiale. Ces musées ont tendance à être grands et certains sont plus réputés pour leur architecture que pour les collections qu'ils détiennent. Étant donné que ces institutions sont d'origine récente, leurs collections ont tendance à ne pas contenir de pièces d'art ancien du Japon. L'art de l'ère Meiji et du , avec l'accent mis sur l'art local, tend à dominer les collections. Les musées préfectoraux accueillent des expositions de collections de Tokyo, bien que ces expositions ont tendance à être consacrées à l'art contemporain. Tsugouharu Foujita
Le succès de Foujita tient à son style tellement original et nouveau qui le situe à la frontière de l'Orient et de l'Occident, dans un registre où il excelle. Ses sujets, de préférence occidentaux, sont dessinés avec sobriété et minutie sur des fonds ivoire de sa fabrication, qui lui permettent de déposer un fin et vigoureux trait noir et des couleurs à l'huile transparentes et légères. Foujita remet en vigueur un second japonisme. Ses tableaux de femmes, d'enfants et de chats entrent dans les plus grandes collections. Yamato-e
Le est un style de peinture japonais qui se développe au début de l'époque de Heian () dans la peinture profane de la cour impériale et la peinture bouddhique. Ce mouvement artistique et pictural est né de l’émergence d'une esthétique nationale japonaise, plus décorative, détaillée et inspirée de l'homme et de son quotidien au Japon, en opposition aux styles continentaux plus grandioses (surtout chinois), qui influençaient fortement tous les arts japonais depuis environ le ou . Art japonais
Au cours des années 2000-2010s les graphismes et les concepts des jeux vidéo combinés au développement de l'informatique participent à l'émergence de nouvelles formes d'art. Art japonais
Les motifs figuratifs dominants sont apparemment en rapport avec le passage de la vie à la mort, envisagé comme un voyage (chevaux, bateaux) accompagné de motifs en spirales et de cercles concentriques (soleil ?), ainsi que des carquois et des flèches. Les motifs de l'oiseau et du crapaud semblent importés de Chine. Japonais (peuple)
La peinture est le moyen d'expression artistique favori au Japon, pratiquée aussi bien par des professionnels que par des amateurs. Les Japonais ont écrit avec un pinceau plutôt qu'avec un stylo jusqu'à notre époque moderne et leur familiarité avec les techniques du pinceau les ont rendus particulièrement sensibles aux valeurs picturales. Avec la montée de la culture populaire pendant l'ère Edo (), un type d'estampes nommé "ukiyo-e" () devint un art majeur et ses techniques furent perfectionnées par la suite, ce qui permit de produire des impressions couleur des choses de tous les jours, du livre d'école à la pornographie. La sculpture fut un moyen d'expression artistique moins prisé ; la plus grande partie des sculptures japonaises est liée à la religion et son utilisation déclina en même temps que l'importance donnée à la tradition bouddhiste. Les céramiques japonaises, représentant l'un des premiers artefacts de cette civilisation, se classent parmi les plus fameuses du monde. En architecture, les Japonais ont une préférence marquée pour les matériaux naturels et les interactions entre les espaces intérieurs et extérieurs. Société japonaise
Mêlée de modernisme et de tradition, la culture japonaise contemporaine a su préserver son aspect unique. Aujourd'hui, elle s'exprime dans de nombreux domaines, dont la cuisine, l'art, la mode et les vêtements, les arts martiaux, et bien sûr la langue. Dans la société occidentale, le succès des mangas a joué un rôle notable dans la diffusion de cette culture. Ukiyo-e
Les "ukiyo-e" appartiennent à deux époques majeures de l'histoire du Japon : la période Edo, qui comprend les "ukiyo-e" des origines à environ 1867, puis (de façon beaucoup moins significative) l'ère Meiji qui se poursuit jusqu’en 1912. Dans son ensemble, la période Edo est plutôt calme, offrant ainsi un environnement idéal pour le développement de l’art sous une forme commerciale. L’ère Meiji, elle, se singularise par l'ouverture du Japon à l'Occident et le déclin de l’"ukiyo-e" traditionnel, dans son style, ses sujets et ses techniques (arrivée de couleurs chimiques, par exemple). Japonisme
Lors de l’Exposition universelle de 1867 à Paris, le Japon présente pour la première fois, au Champ-de-Mars, un pavillon national, réalisé sous la direction de l'architecte Alfred Chapon, une ferme artisanale, ainsi qu'une maison bourgeoise, construite par des artisans japonais sous le patronage du gouverneur de Satsuma, opposé au shogun et partisan de la restauration impériale, qui interviendra en octobre de la même année. Le Japon expose cette fois selon son libre choix, plusieurs milliers d'objet de ses différentes productions artistiques, artisanales et industrielles, outre les estampes figurant dans la section italienne ; tandis que Félix Bracquemond présente au public son « service Rousseau ». À l'issue de l'exposition, de ces objets sont vendus au public. Dès lors, l'art japonais commence à être apprécié à grande échelle. La même année, James Tissot aménage un salon japonais dans son hôtel particulier de l'avenue Foch. Rendus possibles par la plus grande ouverture du Japon au monde extérieur, en 1868, avec l’ère Meiji, des collectionneurs et des critiques artistiques (Henri Cernuschi, Théodore Duret, Émile Guimet), des peintres (Félix Régamey), entreprennent des voyages au Japon dans les années 1870 et 1880 et contribuent à la diffusion des œuvres japonaises en Europe, et plus particulièrement en France, tant et si bien que l'Exposition universelle de 1878 présente un bon nombre d'œuvres japonaises, notamment des collections Bing, Burty et Guimet et marque l'apogée de l'engouement pour le japonisme. Peinture japonaise
Aux , la découverte de la préhistoire de l'archipel, la céramique de la période Jōmon en particulier, et son aspect "kawaii", a participé à la naissance d'un regard moderne populaire. D'ailleurs depuis l'après-guerre, l'engouement populaire pour l'archéologie distingue le Japon du reste du monde. Mais le traumatisme de la guerre a eu aussi une répercussion violente et de très longue durée sur la motivation de nombreux artistes, entre autres le groupe Gutai dans les années 1950 mais aussi jusqu'à aujourd'hui. La peinture abstraite à l'huile sur toile mais surtout l'encre sur papier ont pu bénéficier au Japon d'une tradition de la calligraphie, en dépassant les motifs de l'écriture, dans le geste expressif seul. De constants échanges entre artistes travaillant dans d'autres domaines donnèrent une énergie spécifique à l'art contemporain japonais, avec la céramique, la photographie, la danse et le théâtre, voire la musique et l'architecture et avec des artistes étrangers, coréens en particulier (Lee Ufan, pour le groupe Mono-ha). Récemment les arts populaires contemporains, les mangas, et les techniques apportées par l'image numérique donnent une très grande tension formelle aux peintures sur soie qui en sont issues et à l'application de cette esthétique de la peinture sur soie aux nouvelles technologies comme l'estampe numérique. Utamaro
L'influence de l'art japonais sur les artistes français et européens de la fin du est connue : c'est ce qu'on a appelé le japonisme. On sait par exemple que Degas (et les impressionnistes, de façon plus générale) fut influencé par sa découverte des estampes japonaises. Certains de ses cadrages s'en inspirent directement, ainsi d'ailleurs que de la photographie, avec en particulier des avant-plans audacieux où le sujet au premier plan est coupé. Claude Monet
La peinture de Monet est influencée par l'art japonais. Il porte ainsi un intérêt particulier aux estampes peintes par Hiroshige et Hokusai. Il réalise d'ailleurs "la Japonaise" en 1875, un tableau dont la facture tranche diamétralement avec ses autres œuvres. Le , Monet se rend à une exposition organisée par Durand-Ruel : elle est consacrée aux estampes d'Outamaro et de Hiroshige. Ce rendez-vous revêt pour lui une grande importance car il s'accorde parfaitement avec son cheminement artistique à la même époque. Sa salle à manger de Giverny est par ailleurs décorée avec des estampes japonaises. Enfin, une autre série de peintures qui dénote l'influence du Japon sur son art est paradoxalement celle ayant pour sujet des paysages norvégiens, notamment avec des vues du pont de Løkke, puisque ce coin de Sandviken lui faisait penser à . Le mont Kolsås lui faisait en fait . Musique japonaise
La musique japonaise regroupe tous les genres de musique de la sphère japonaise, depuis la préhistoire jusqu’à nos jours. Si l’on trouve dès les premiers temps de la civilisation nippone des instruments vernaculaires, notamment au sein des communautés aborigènes aïnous, il est clair qu’une grande partie de la musique insulaire est d’inspiration chinoise et coréenne. Toutefois, le Japon a su rapidement développer des styles originaux et se détacher du modèle sino-coréen. Kemono
Le style "kemono" se retrouve particulièrement dans les arts japonais, particulièrement dans les jeux vidéo. Voici une liste de publications japonaises qui incluent de tels personnages : Art japonais
Les principaux objets d'art rituels de cette période sont en bronze, les miroirs (variantes des miroirs produits sur le continent), les "magatama" ( ou ), sabres cérémoniels et les "dōtaku" (, cloches sans battant. Art japonais
Les années 1990 voient l’éclosion de la culture qui se dit « "superflat" » : l’esthétique du pop art avec le kitsch de la culture kawaii inspirée par les mangas et les anime. Une jeune génération se met en quête de figuration, rejetant tout symbolisme. Des artistes qualifiés de « néo-pop », tels que Takashi Murakami ou Yoshitomo Nara remportent un succès planétaire durable, avec de nombreux produits dérivés en ce qui concerne Murakami. Art japonais
Les "kofun" sont des tumuli. Le nom de cette période de l'histoire japonaise tient à leur présence caractéristique et monumentale. Ils ont offert aux premiers archéologues la principale source d'information sur le peuple japonais de cette époque. Les plus anciens se trouvent surtout dans la plaine autour de l'ancienne capitale, Nara (province de Yamato). Les plus imposants, légèrement postérieurs, sont des mausolées impériaux et se trouvent dans la plaine du Kawachi dans la préfecture d'Ōsaka. Les plus beaux d'entre eux, situés près du port, sont attribués aux empereurs dits « légendaires » : Ōjin et Nintoku. Art japonais
Tout au long de l'histoire, le Japon a développé des cultures adaptées aux contraintes géo-climatiques et des formes d'art qui lui était propre. Il a aussi subi, comme la plupart des pays actuels, de soudains assauts de savoirs pratiques et d'idées extérieures et nouvelles. Les anciens habitants du Japon actuel ont toujours su assimiler ou imiter ces éléments issus de cultures étrangères, en particulier venant de la péninsule coréenne dès la période Yayoi, en les complétant de leurs propres préférences esthétiques. Un moment décisif dans l'histoire de l'art japonais se situe au de notre ère (538 ou 552) lorsque l'élite qui détient le pouvoir au cours de la période d'Asuka accepte la protection du bouddhisme. Cette décision va relier la culture japonaise à l'ensemble des pays touchés par le bouddhisme, en particulier la Chine des Tang. Mais au , alors que le Japon commençait à se détourner de la Chine et à développer des formes d'expression indigènes, les arts profanes se mirent à prendre une très grande importance. Ces formes d'art, au même titre que l'art religieux, fleurirent jusqu'à la fin du . Après la , le Japon entra dans une période de perturbations politiques, sociales et économiques qui dura presque un siècle. Dans l'État qui émergea par la suite sous le joug du clan , la religion joua un rôle moins important et les formes d'art qui y survécurent furent essentiellement profanes. La sculpture japonaise fut un moyen d'expression artistique moins prisé ; la plus grande partie des sculptures japonaises est liée aux religions, bouddhiste et shinto. Peinture japonaise
Beaucoup de peintres de style japonais sont honorés de prix et de récompenses à la suite de la demande populaire renouvelée pour l'art de style japonais à partir du début des années 1970. De plus en plus, les peintres modernes internationaux sont également attirés par les écoles japonaises tandis qu'ils se détournent des styles occidentaux dans les années 1980. La tendance vise à la synthèse de l'Orient et de l'Occident. Certains artistes ont déjà franchi le fossé entre les deux mondes, comme la remarquable Toko Shinoda (1913-2021). Ses audacieuses abstractions "sumi" à l'encre sont inspirées par la calligraphie traditionnelle mais réalisées comme expressions lyriques de l'abstraction moderne. Nihonga
Avec la création de cette École des Beaux-Arts de Tôkyô, il s'agit de faire entrer l'art national japonais dans la catégorie occidentale des "beaux-arts" et non le contraire. Ce qui nécessite de remanier les critères qui permettaient, traditionnellement de valoriser la céramique, le laque, les "okimono" et surtout la calligraphie japonaise. Dans l'esprit de ces novateurs, est jugé « art majeur » ce qui, dans une perspective hégélienne, serait fait pour hisser l'esprit vers le domaine du sublime. Et la revue "Kokka" sélectionne ainsi dans le patrimoine la peinture et la sculpture bouddhique, la peinture de paysage à l'encre dans le style des lettrés chinois, les rouleaux narratifs et les sujets de fleurs et d'animaux. La « nouvelle peinture japonaise », "shin-nihonga" est donc issue de ce remaniement : la peinture "yô-ga", à l'occidentale (huile sur toile, aquarelle, etc.), en est évidemment écartée, mais aussi l' "ukiyo-e", considéré comme art de divertissement et la peinture sur fond d'or ou d'argent, jugée trop décorative. Or, si l'école Kanō est bien la référence centrale, celle-ci intègre des éléments occidentaux, de même Tenshin s'inspire largement, pour l'élaboration de son programme, de la première tentative de synthèse de l'art extrême-oriental et occidental faite par Maruyama Ōkyo (le style dit Maruyama-Shijô). Sabre japonais
Bien que le sabre japonais fût créé pour une utilisation guerrière, il est actuellement reconnu comme une œuvre d'art à part entière. Habituellement, on considère que l'histoire du sabre japonais est divisée en cinq grandes périodes historiques : les sabres "jōkotō", les sabres "koto", les sabres "shintō", les sabres "shin-shintō" et les "gendaitō". Chacune de ces périodes représente un courant de forge particulier.Leur technique de fabrication, unique aux forgerons japonais, confère aux lames un équilibre certain entre leurs propriétés de souplesse et leur capacité de coupe. De plus, cette méthode de fabrication donne aux lames un aspect esthétique particulièrement développé. École Shijō
Le style de l'école se concentre sur un réalisme objectif influencé par l'Occident mais réalisé avec les techniques traditionnelles de la peinture japonaise. Il se concentre moins sur la représentation exacte de son sujet, que sur l'expression de l'« esprit intérieur » du sujet et possède généralement un élément de jeu et d'humour par rapport à l'école Maruyama. Ses motifs les plus populaires sont les paysages tranquilles, "Kacho" (fleur et oiseau), les animaux, et les sujets traditionnels de tradition poétique et confucéenne chinoise, mais il est généralement peu ou pas du tout intéressé par les légendes, l'histoire, ou la littérature classique. Trésor national (Japon)
Les œuvres d'art, les peintures en particulier, et celles de l'artisanat rendent compte de l'adaptation locale des techniques artistiques et industrielles importées du continent et, de manière plus importante à partir du milieu du , de l'Occident. Les documents anciens, les œuvres scripturales et les collections de biens historiques renseignent sur la mythologie et l'histoire du Japon du jusqu'au début du . Peinture japonaise
La période d'avant-guerre est marquée par la rivalité entre les styles européens et les styles traditionnels autochtones. Théâtre japonais
Chaque forme du théâtre japonais, classique ou moderne, possède des caractéristiques de jeu et de dramaturgie variées, dont les plus typiques sont l’usage récurrent de masques raffinés ou caricaturaux, l’importance de la danse et de la musique d’accompagnement, la gestuelle stylisée des acteurs ainsi que la forte hiérarchisation des rôles dans les troupes de théâtre. Peinture japonaise
La même année, en 1898, les peintres du style "yō-ga", à l'huile, forment le "Meiji Bijutsu-kai" (« Société des beaux-arts de Meiji ») en vue d'organiser leurs propres expositions et d'encourager un regain d'intérêt pour l'art occidental. Cette société regroupait, entre autres, Asai Chū, Koyama Shōtarō, Goseda Yoshimatsu et Kuroda Seiki. Le peintre Kuroda Seiki parvient à intégrer des éléments des deux cultures. Ainsi "Au bord du lac Hakone", de 1897, compose le portrait de sa propre épouse en "yukata", mais dans le style occidental, impressionniste, et sur un paysage typique du "shanshui" où le motif graphique des vagues, propre à la peinture traditionnelle à l'encre d'inspiration chinoise, se déploie ici sur le vêtement de la jeune femme, en blanc. En 1899, « Sagesse - Impression - Sentiment » composé de trois nus féminins japonais se détache de ses modèles occidentaux contemporains par la remarquable finesse de sa matière picturale, sur fond d'or. Son passage par la France et le petit village de Grez-sur-Loing en 1888 l'aura plongé dans le mouvement naturaliste , un courant majeur à la fin de l'ère Meiji, et donnera à des générations de peintres japonais un lieu où se construira l'impressionnisme japonais. Jardin japonais
Sous l'ère Meiji (1868-1912), les jardins incorporent des motifs occidentaux, en particulier de grandes pelouses dégagées et une grande variété de plantes. Dans certains jardins, les formes occidentales et japonaises coexistent côte à côte, dans d'autres, elles sont fusionnées. Shinjuku Gyoen, à Tōkyō, est un jardin représentatif de cette période. En 1893, Josiah Conder publie , qui fait découvrir l'art du jardin japonais en Occident. La modernisation rapide du Japon et l'attrait des formes d'art occidentales conduisent les Japonais à délaisser temporairement leurs jardins traditionnels, et de nombreux jardins se détériorent progressivement, jusqu'aux années 1930. Art japonais
Pendant l'ère Fujiwara, le bouddhisme Jōdo (, « bouddhisme de la Terre pure »), qui offrait un salut facile grâce à la croyance en Amida (, « le Bouddha du Paradis de l'ouest »), devint populaire. En opposition, la noblesse de Kyoto () développa une société dévouée à la recherche de l'élégance esthétique. Leur monde était si beau et rassurant qu'ils ne pouvaient pas concevoir que le Paradis en fût bien différent. Académie japonaise des arts
L prétend être la plus grande exposition d'art combinée de son genre dans le monde, attirant un grand nombre d'amateurs et de critiques d'art. L'exposition se compose cinq catégories : le "nihonga" et la peinture de style occidental, la sculpture, l'artisanat et la calligraphie. Lors de chaque exposition, les œuvres des grands maîtres sont présentées aux côtés d'œuvres d'artistes nouveaux mais talentueux. Jardin japonais
Les jardins japonais retrouvent leur popularité pendant les années 1930, et surtout après la Seconde Guerre mondiale. Mirei Shigemori, Nakane Kinsaku et Mori Osamu sont les principaux acteurs de ce renouveau. Les jardins modernes offrent une grande variété de styles, dont les styles traditionnels. L'urbanisation conduit à utiliser au mieux toute parcelle à peu près plate, et même les toits sont parfois aménagés. Les bâtiments publics, les centres commerciaux ou les hôtels comportent fréquemment un jardin. Des matériaux synthétiques font leur apparition, pour des raisons pratiques (il est difficile d'installer de gros rochers dans le hall d'un hôtel…). Les stations thermales traditionnelles haut de gamme aménagent de plus en plus souvent le pourtour de leurs bains avec un jardin, destiné à être admiré par les clients qui se baignent. Jardin japonais
La composition d’un jardin japonais suit trois grands principes : la reproduction de la nature en miniature, le symbolisme et la capture de paysages. La miniaturisation a pour but la représentation de scènes différentes (montagnes, lacs, rivières, mer) dans un espace restreint ; en plus d’une réduction de taille, elle opère sur une réduction de la complexité — la simplicité est une caractéristique importante dans la plupart des styles japonais. Le symbolisme est issu de la fonction religieuse des premiers proto-jardins ; il sert également au travail de simplification. Enfin, la capture de paysages utilise des éléments distants extérieurs au jardin (bâtiments, collines, mer) dans sa composition scénique ; elle agit de concert avec les limites imposées du jardin pour l’insérer dans un contexte plus large. Art japonais
C'est à cette époque que se met en place le modèle de la pièce de style japonais qui reste de tradition encore aujourd'hui, avec, au sol, des tatamis (183 x 91 cm en paille de riz). Les cloisons donnant sur l'extérieur ont une structure de bois tendue d'un papier translucide ("shoji"). Pour les protéger des intempéries et protéger la maison, elles sont doublées de cloisons amovibles en bois ("amado"). À l'intérieur les cloisons, "fusuma", sont couvertes d'une couche de papiers opaques qui peuvent recevoir un décor peint sur papier "washi" parfois recouvert d'or dans les demeures les plus luxueuses. Les cloisons constituent des ouvertures coulissantes, et peuvent donc servir de mur ou de porte. Ce modèle qui se construit alors est le "shoin", une pièce relevant d'une esthétique raffinée, qui doit beaucoup à la doctrine du bouddhisme zen. Le Togudo du Ginkaku-ji en est le plus ancien aujourd'hui. Peinture japonaise
Dans les années 1870, la peinture japonaise de l'ère Meiji, est en effet touchée par l'occidentalisation du Japon à laquelle adhère une grande partie de la population. Un mouvement radicalement divergent se manifeste dans les années 1880-90 en commençant par réévaluer le patrimoine et les styles hérités de l'histoire de l'art japonais (histoire de l'art dont l'institution est fondée à cette époque). Ce nouvel art "nihonga", à l'encre sur soie qui se poursuit jusqu'à aujourd'hui, a néanmoins intégré certaines caractéristiques de la peinture occidentale à la fin du . Quant à elle, la peinture moderne japonaise occidentalisée, "yōga", est d'abord à l'huile mais ouverte à toutes les nouvelles pratiques. Dans les années 1920-40 les différents mouvements modernes n'ont pas tous eu le même succès chez les peintres "yōga". L'abstraction géométrique a rencontré peu d'échos avant-guerre, alors que l'impressionnisme, les fauves puis le surréalisme et sa version abstraite étaient plus répandus aux côtés de nombreuses peintures réalistes ou aux déformations étranges. Japonais (peuple)
Après ces vagues successives d'immigration, suivi par un apport considérable des cultures chinoise et coréenne, les habitants du Japon connurent une longue période de relatif isolement par rapport au monde extérieur ("sakoku") sous le shogunat Tokugawa jusqu’à l'arrivée des « bateaux noirs » et l'ère Meiji. Ceci aura pour résultat une culture très différenciée des autres cultures asiatiques et dont l'écho résonne encore dans le Japon contemporain. Par exemple, comme l'a démontré Ruth Benedict dans son étude classique intitulée "Le sabre et le chrysanthème", le Japon a une culture fondée sur la honte plutôt que sur la culpabilité comme en Occident. Relations entre la France et le Japon au XIXe siècle
À la fin du , après les deux Expositions universelles de Paris en 1867 et 1878, le grand public en Europe et tout particulièrement en France connaît un engouement incroyable pour l'esthétique et les arts japonais ainsi que la découverte de ce pays : ce mouvement est nommé « japonisme », tant en art qu'en littérature. En même temps que le Japon s'ouvre à l'influence occidentale, de nombreux voyageurs occidentaux visitent le pays et prennent un grand intérêt pour les arts et la culture. Parmi eux, Émile Guimet visite le Japon en cette fin du et écrit de nombreux textes sur les cultures asiatiques et celle du Japon en particulier, et créé le musée Guimet à son retour. D'autres voyageurs s'essayent également à synthétiser leurs vues et les écrits des explorateurs du sur le Japon, tel Alfred de Moges. Peinture japonaise
En raison de la politique d'austérité fiscale et sociale du shogunat Tokugawa, les modes luxueux de ce genre et de ces styles sont en grande partie limités aux couches supérieures de la société et inaccessibles, si ce n'est même réellement interdits, aux classes populaires. La classe exclue de fait des couches supérieures créée un type artistique distinct, le "fuzokuga" où les peintures qui représentent des scènes de la vie commune et quotidienne, en particulier celle des gens ordinaires, et des scènes du théâtre kabuki, de prostituées et de paysages, sont populaires. Ces peintures du entraînent la création de l'impression de masse des gravures sur bois, appelée "ukiyoe", qui déterminent la représentation habituelle de la seconde moitié de l'époque d'Edo. Femmes au jardin (Bonnard)
À la même époque, de nombreux artistes envisagent le japonisme comme un moyen de renouveler les principes artistiques académiques, par l'atténuation de la distinction entre l'art dominé par l'Idée et évitant toute utilité pratique d'une part et d'autre part la décoration, manifestation du goût dans la vie ordinaire. De plus, les estampes japonaises montrent la possibilité d'une esthétique raffinée que ne dominent pas la perspective et l'anatomie, enseignements-clés de l'École. Art Nanban
L' ou Namban, désigne l'art japonais des influencé par les contacts avec les (« barbares du sud »), les commerçants de passage ou installés au Japon et les missionnaires au Japon en provenance d'Europe et généralement du Portugal. Il s'agit aussi de scènes de genre propres à la peinture japonaise et dépeignant la vie des occidentaux au Japon réalisés à la fin de l'époque Momoyama et au début de l'époque d'Edo, période à cheval sur les deux siècles. La Grande Vague de Kanagawa
Au milieu du , l'art japonais arrive en Europe. La vision des artistes d'Extrême-Orient est totalement nouvelle et en rupture avec les conventions de la peinture occidentale de l'époque. Une mode est lancée, celle du japonisme. Les principaux artistes japonais qui influencèrent les artistes européens étaient Hokusai, Hiroshige et Utamaro. Japonais (peuple)
L'art japonais date des premières traces découvertes au Japon et a beaucoup évolué au cours des siècles, des poteries "Jōmon" des environs du X millénaire jusqu'à l'art contemporain de nos jours. Performance (art)
La performance artistique ne s'est pas cantonnée à l'Europe et aux États-Unis : au Japon les origines de la performance artistique comme on l'entend actuellement remontent aux activités du groupe Gutaï entreprises au Japon à partir de 1954, qui se réclamèrent notamment de celles pratiquées en public à partir de cette même date par Georges Mathieu (pratique également employée par Salvador Dalí). Sur des peintures de très grand format, entailler, déchirer, mettre en pièces, brûler, projeter, lancer, laisser s'écouler ou goutter l'encre de manière aléatoire… sont les mots d’ordre de Jirō Yoshihara et de ses élèves ; qui incluent presque systématiquement le corps de l'artiste dans l'œuvre. Celle-ci étant généralement détruite dans l'action, il ne reste donc que très peu de traces des originaux. Par contre, on retrouve en nombre des traces cinématographiques, vidéo et photographiques. L'art contemporain de la « performance » s'est particulièrement épanoui au Japon en raison de la manière dont la mentalité japonaise vit la temporalité (et l'espace). L'art de la performance japonaise est à mettre en rapport, notamment, avec les notions de l'impermanence, de Mono no aware et de Ma. Par ailleurs le travail, entre autres, de la calligraphie japonaise prédispose à une forte concentration dans l'instant présent et à un « lâcher-prise » susceptible de donner naissance à l'imprévisible et à la fulgurance. Emaki
Les courants et les techniques de l'art des "emaki" sont intimement liés et s'inscrivent le plus souvent dans le mouvement du "yamato-e", volontiers opposé au début aux peintures de style chinois, nommé "kara-e". Le "yamato-e", art du quotidien coloré et décoratif, caractérise fortement les productions d'alors. Au début, le "yamato-e" désigne surtout les œuvres de thèmes japonais, notamment la vie à la cour, les cérémonies ou les paysages de l'archipel, en opposition aux thèmes érudits chinois jusqu'alors dominants, notamment à l'époque de Nara. Les documents du mentionnent par exemple les peintures sur parois coulissantes et paravents du palais impérial qui illustrent des poèmes "waka". Par la suite, le terme "yamato-e" désigne plus généralement l'ensemble de la peinture japonisante née au qui, au-delà des thèmes, exprime la sensibilité et le caractère du peuple de l'archipel. Miyeko Murase parle ainsi d'. Musée national de Tokyo
Les collections du musée se concentrent surtout sur les arts japonais et les arts asiatiques anciens au long de la route de la soie. Il y a aussi une très grande collection d'arts gréco-bouddhiques. Concernant le Japon, le premier étage du musée offre un aperçu chronologique des divers arts : poterie et "haniwa", art bouddhique primitif, peintures et armes médiévales, estampes ukiyo-e. Le rez-de-chaussée est plus thématique avec l'art de la poterie, du travail du fer, des armes, de la céramique, de la laque et de l'artisanat. Les collections asiatiques explorent succinctement les arts de la Chine, de Corée, d'Inde, d'Asie centrale et d'Égypte. Peinture japonaise
Par ailleurs, les œuvres d'un certain nombre de peintres japonais contemporains sont largement inspirées des sous-cultures "anime" et autres aspects des cultures populaires. Takashi Murakami est peut-être parmi les plus célèbres et populaires d'entre eux. Murakami a eu, pendant 11 ans, une formation en peinture "nihonga", son travail se concentre sur l'expression des questions et des préoccupations de la société japonaise d'après-guerre au moyen de formes généralement perçues comme apparemment anodines. Il s'inspire largement des "animes", mais produit des peintures sur soie, des lithographies et aussi des sculptures, donc dans des médias plus traditionnellement associés aux beaux-arts. Il brouille ainsi intentionnellement les lignes entre l'art commercial et populaire, et les beaux-arts. L'effet de brouillage qui pose question s'étend bien au-delà. Ainsi la référence à l'école Rinpa vu comme la manifestation parfaitement contrôlée d'une expression libre, déborde avec Murakami d'une sensation de vitesse qui semble incontrôlée, voire transgressive. De même, l'animisme qu'il donne à ses fleurs, au sourire épanoui mais qui prolifèrent à l'infini comme autant de végétaux hybrides, produit un effet bizarre, décalé, inquiétant quoiqu'elles puissent faire référence aussi à l'école Rinpa. En fait ses procédés posent un regard interrogateur sur les complexités du millénaire actuel, sur ce qu'est le Japon dans ce monde, et au plan artistique sur ce que signifie l'« expression libre », tout ce qu'il traduit par « ». Dans le même esprit de brouillage, Miran Fukuda propose dans ses créations un "glissement de version" où elle nous présente des versions inédites des chefs-d’œuvre de l'Histoire de l'Art. Ikebana
Au contraire de la forme décorative des arrangements floraux dans les pays occidentaux, l’arrangement floral japonais crée une harmonie de construction linéaire, de rythme et de couleurs. Alors que les Occidentaux tentent d'accentuer la quantité et les couleurs des fleurs, portant leur attention essentiellement sur la beauté de la fleur, les Japonais accentuent l'aspect linéaire de l’arrangement. Ils ont développé un art qui valorise aussi bien le vase, les tiges, les feuilles et les branches que la fleur elle-même. La structure complète de l'arrangement floral japonais est axée sur trois points principaux symbolisant le ciel, la terre et l’humanité à travers les trois piliers, asymétrie, espace et profondeur. Ma (esthétique)
Au Japon la calligraphie et la peinture ont pour fondement l'art du trait. Cet art est différent de ce que l'Occident considère comme un trait, tracé, limite ou contour. L'essence de la chose est dans le trait, et non pas dessinée ou peinte avec des traits, limites ou contours. Art contemporain japonais
De nombreux artistes continuent, en la renouvelant, la tradition des arts japonais classiques, la peinture sur paravent, les estampes, la calligraphie ou l'ikebana. La peinture traditionnelle de fleurs, de kimonos perdure, à travers des artistes, souvent des femmes. Miyoko Hotori (1927-) et Rieko Morita (1955-) ont des styles assez proches, bien que de générations différentes. Calligraphie japonaise
La calligraphie japonaise primitive est issue de la calligraphie chinoise . Beaucoup de ses principes et techniques sont très similaires et il utilise les mêmes styles d'écriture de base:Un certain nombre d'outils sont utilisés pour créer une œuvre de calligraphie moderne.Les racines chinoises de la calligraphie japonaise remontent au avant JC. À la fin de la dynastie Shang, une époque où les pictogrammes étaient inscrits sur des os à des fins religieuses. Lorsque cette écriture est devenue un instrument d'administration de l'État, le besoin d'une écriture uniforme s'est fait sentir et Li Si, premier ministre de la dynastie chinoise de Qin, a standardisé l'écriture et la manière de l'écrire. Il a choisi une forme d'écriture basée sur des carrés de taille uniforme dans lesquels tous les caractères pouvaient être écrits à partir de huit traits. Il a également conçu des règles de composition où les traits horizontaux sont écrits en premier et les caractères sont composés de haut en bas, de gauche à droite. Parce que les symboles étaient inscrits avec des instruments tranchants, les lignes étaient à l'origine anguleuses et à bien des égards, les réalisations de Li Si ont été rendues obsolètes par l'apparition du pinceau et de l'encre (voir la calligraphie chinoise ). Le pinceau imbibé d'encre crée une ligne assez différente d'un stylet pointu. Il permet des variations d'épaisseur et de lignes courbes. La calligraphie a conservé la forme de bloc de Li Si et ses huit traits, mais l'écrivain était libre de créer des caractères qui mettaient l'accent sur un équilibre et une forme esthétiquement agréables. La façon dont un caractère était écrit donnait un message sur le style de l'auteur. Femmes au Japon
Souvent, lorsqu'est évoquée la Japonaise, beaucoup pensent aux geisha, artistes traditionnelles qui agissent comme hôtesses et dont les compétences consistent à exécuter divers arts japonais tels que la musique japonaise traditionnelle, la danse, des jeux et à entretenir une conversation, principalement pour divertir une clientèle masculine. Peinture japonaise
L'influence de la peinture chinoise ne s'applique pas à tous les types, à tous les styles de peintures. Ainsi deux styles issus de périodes très éloignées dans le temps mais liées par des procédés similaires ont eu une grande popularité et des prolongements jusqu'à l'époque actuelle, ils se distinguent très nettement de l'art chinois : la peinture de l'époque de Heian (794-1185) et l'école Rinpa (apparue au début du ). De même l'école Tosa (fondée au ) a repris le style dit « yamato-e » des rouleaux enluminés, horizontaux et narratifs, les "emaki" (apparus au ), qui manifestent un style spécifiquement japonais. Le procédé de représentation de l'espace par la " perspective aux toits enlevés", qui permet d'entrer par le regard à l'intérieur des habitations, est le plus caractéristique de ces procédés typiquement japonais. Par ailleurs le nombre de scènes tournées vers la vie quotidienne du peuple, ainsi que le monde des esprits ou des scènes qui présentent des animaux agissants comme des hommes sur les rouleaux enluminés et sur les estampes, tous ces sujets sont rares en Chine et se rencontrent régulièrement au Japon, où l'époque contemporaine leur a donné une nouvelle vie dans le dessin de manga et les anime. Culture japonaise
La culture japonaise plonge ses racines dans les cultures continentale chinoise et coréenne, avant de connaître une longue période d'isolement ("sakoku") sous le shogunat Tokugawa, jusqu’à l'arrivée des « bateaux noirs » et l'ère Meiji (1868-1912). De ces emprunts variés résulte une culture très différenciée des autres cultures asiatiques et dont l'écho résonne encore dans le Japon contemporain.La compréhension de la langue japonaise est primordiale pour comprendre la culture japonaise. La culture traditionnelle et la culture moderne japonaises reposent toutes les deux sur la langue écrite et le langage parlé. Art japonais
Le bouddhisme mahayana, véhiculé par des individus, les commerçants, suivait les routes commerciales entre le nord de l'Inde, le nord du Pakistan, l'Afghanistan, les oasis du Xinjiang, la Chine des Tang, la Corée et le Japon. Son introduction s'opère alors dans le Kansai au moment où les anciennes pratiques et les cultes communautaires ont été dissouts avec , celle du souverain, le "tenno". Tout ce qui renforce la distinction du souverain et de sa cour est alors importé ou copié-interprété des cultures coréenne et chinoise. Ce sont d'abord des objets de prestige qui témoignent d'échanges entre souverains. Certains objets d'art seront ainsi importés ou réalisés par des spécialistes étrangers, mais aussi par des spécialistes japonais sur des modèles étrangers. Quant à l'écriture qui est, elle aussi, introduite suivant les codes chinois d'écriture, elle permet de conserver le souvenir des faits en lien avec la propriété et le pouvoir ; de mettre les idées et les sons par écrit ; de faire circuler au sein d'une élite cultivée des théories complexes de gouvernement et les informations transmises pour et par la bureaucratie. L'écriture permettra aussi de conserver les textes sacrés du bouddhisme et d'en transmettre l'enseignement. La poésie est encore une pratique orale. Concernant les autres arts, des technologies qui créent de la distinction, comme des techniques de construction architecturales et les formes nouvelles qu'elles permettent, seront réservées à certaines fonctions hyper-valorisées, sacrées, ainsi que des méthodes nouvelles pour couler le bronze pour des ornements sacrés, "shōgon", l'art bouddhiste, et de nouveaux moyens et techniques de peinture réservées à quelques usages tout aussi valorisés. Jardin japonais
Il est possible de dresser un catalogue succinct d'éléments « typiques » des jardins japonais, sans chercher plus loin les règles esthétiques qui gouvernent leur agencement. Le jardin est souvent organisé autour d'un bâtiment (comme une résidence ou un temple) depuis lequel il est destiné à être vu. Au-delà de l'architecture propre au bâtiment, on retrouve la plupart des éléments suivants dans de nombreux jardins : Kofun
Les motifs dominants, à partir de la seconde moitié du , sont en rapport avec le dernier voyage de l'âme (chevaux, oiseaux, bateaux) ou abstraits (spirales magiques, cercles concentriques, doubles boucles en C). Ces , décors de droites et de courbes) sont l'une des caractéristiques du "kofun", où ils font l'une de leurs premières apparitions, mais ils deviendront par la suite une des dominantes de l'art japonais. Ils se constituent donc de séries d'arcs brisés opposés à des diagonales ou des croix. On les trouve essentiellement sur les lieux ou objets associés aux sépultures. Histoire de la bande dessinée
Au Japon, l'époque d'Edo (vers 1600, jusqu'en 1868) se caractérise notamment par une fermeture du pays sur lui-même, le Japon ne conserve que quelques liens avec la Corée. Les étrangers ne sont pas admis sur le sol japonais, sous peine de mort, exceptés certains contacts restreints avec des marchands chinois et hollandais sur l'île de Dejima. Pendant cette période, la culture artistique japonaise ne subit aucune influence occidentale. L'art graphique japonais est alors riche avec les emakimono d’origine chinoise () et, avec la montée de la culture populaire pendant l'ère Edo, un type d'estampes nommé ukiyo-e devint un art majeur. Initialement, ces estampes sont exclusivement réalisées à l’encre de Chine puis certaines épreuves sont colorées au pinceau. Au Suzuki Harunobu développe la technique d’impression polychrome pour produire des nishiki-e. C'est en 1814 que « Gakyōjin » Hokusai, « le Fou de dessin », présente certaines pages de ses croquis, comportant aussi des caricatures (au sens occidental du terme), dans des cases accompagnés de texte sous le nom de "Manga". Art japonais
La génération suivante se situe plus ou moins comme des héritiers de Tezuka. Katsuhiro Ōtomo se spécialise dans les mondes futuristes avec des séries comme Akira (1982-1990) dont le succès international tient en partie à sa version animée. Le travail du détail réaliste, en particulier dans la représentation des destructions d'immeubles et de villes entières, a un effet particulièrement puissant sur le lecteur-spectateur. Enfin, alors que les bandes dessinées étaient auparavant tournées vers un public masculin, le Japon va produire des mangas qui plaisent à un lectorat féminin, et, paradoxalement, masculin aussi. Leur succès tient probablement à la progression dans le temps de l'évocation psychologique des personnages. Moto Hagio (née en 1949) se situe dans cette voie, avec un trait aux nuances, aux inflexions précises pour des aventures de science-fiction qui offrent la possibilité de remettre en cause les présupposés de genre, ce qui a un réel succès au Japon. Cette mangaka se distingue aussi comme une courageuse pionnière dans l'évocation d'histoires d'amours homosexuels. Esthétique
L'esthétique japonaise est l'approche des notions esthétiques voisines de la beauté ou du bon goût dans la culture japonaise traditionnelle et moderne. Bien que cette approche soit considérée dans la société occidentale essentiellement comme une étude philosophique, elle est considérée au Japon comme un élément indissociable de la vie quotidienne et spirituelle. Par ses aspects religieux, l'esthétique japonaise est fortement influencée par le bouddhisme. Elle est particulièrement développée dans le bouddhisme zen et le "chanoyu". Le "chanoyu" comporte de nombreux aspects : construction, jardin et utilisation des végétaux, tissus, kimono, poterie, artisanat de bambou, calligraphie, fonderie, cuisine... L'esthétique est aussi évaluée à travers des idéaux, traditionnels tels que le wabi-sabi, le mono no aware, le iki, ou modernes tel le kawaii. Japonisme
Le japonisme est l'influence de la civilisation et de l'art japonais sur les artistes et écrivains, premièrement français, puis Occidentaux, entre les années 1860 et 1890. L'art qui résulta de cette influence, notamment en réaction au classicisme et qui initie de nouveaux choix esthétiques (lignes courbes, éléments naturels), est qualifié de japonesque. Japonisme
En littérature et en poésie françaises, les auteurs français du ressentent le besoin de rompre avec un certain classicisme et se tournent, entre autres, vers l'orientalisme, puis le japonisme. Concernant le Japon, il ne s'agissait pas tant d'en reprendre les thèmes que de s'inspirer d'une sensibilité et d'une esthétique nouvelle ; parmi ces auteurs figurent notamment Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé et Victor Hugo. Nobuhiro Suwa
Sur le plan du style, les films de Suwa sont facilement identifiables de par leur luminosité et leur sonorité, généralement faibles : il aime la pénombre et les éclairages indirects. De même, en ce qui concerne les sons, souvent les conversations ne sont qu’à peine audibles, ou noyées dans des bruits extérieurs. Le silence est un des moyens de communication des couples de ces films, une caractéristique que Suwa a attribuée à sa culture japonaise. Liste des Trésors nationaux du Japon (peintures)
À partir du milieu du , quand le Bouddhisme arrive au Japon en provenance du royaume de Baekje, l'art religieux venant du continent est introduit dans la culture japonaise. Les premières peintures religieuses au Japon ont été copiés en utilisant des styles et des techniques continentale et sont semblables à celles produites dans la Chine de la dynastie Sui (581–618) ou de la fin des Seize Royaumes vers le début du . En font partie les plus anciennes peintures non primitives du Japon encore existantes. Au début du milieu de l'époque de Nara (ca. 750), les peintures japonaises montrent les influences de la Chine de la dynastie Tang (618–907) et au , le début de l'époque de Heian évolue vers le genre « Kara-e ». Les peintures murales du Kofun de Takamatsuzuka et le portrait de Kichijōten à Yakushi-ji illustrent le style Kara-e. En règle générale, les peintures de l'époque de Nara montrent des sujets religieux et les artistes ne sont pas connus. Pendant cette période, les sculptures sont plus fréquentes que les peintures. Théâtre japonais
Le théâtre japonais, qui se forme au cours du mais hérite de plusieurs siècles de danses rituelles et de spectacles de divertissement variés, se caractérise par un répertoire fortement ancré dans la littérature et par une forte tendance à la stylisation et à la recherche d’esthétisme. Jardin japonais
Pour les Japonais, le jardin japonais dépasse la simple collection d'éléments signifiants essentiels, mais repose sur la compréhension des principes et techniques. Sans cela, les jardins japonais importés en dehors du Japon risquent de conduire à des jardins qui n’auraient de japonais que le seul style. Shūbun
On peut constater pour la plupart des peintures japonaises (à part certaines œuvres de l'Époque de Muromachi, très proche des modèles chinois) sont aisément reconnaissables comme telles, même s'il est à peu près impossible de les réduire à un dénominateur commun. Cette diversité foisonnante est d'ailleurs un signe : à la différence des Chinois, qui s'appliquent à maintenir en vie au long des siècles les traditions d'un art qui rêve d'atteindre à l'éternité par une sorte d'immutabilité, les Japonais, sitôt parvenus au sommet d'un style ou d'un genre, ont l'air pressés de passer à autre chose, d'ouvrir de nouvelles portes. On peut avoir tort de voir là que de l'inconstance. C'est risqué de passer à côté de l'essentiel : la vraie originalité de la peinture japonaise étant précisément de faire coexister les contraires, non pas « harmonieusement », mais plutôt par le jeu d'un affrontement sans fin. Comme si le "même" et "l'autre" y puisent chacun une force nouvelle, une manière de « complément d'identité ». Les exemples ne manquent pas de ces frictions exacerbées. Pour n'en citer qu'un seul, dans un lavis de Shūbun, par exemple, où la rapidité incroyable du trait s'accommode d'un sens du détail qui ne perd pour autant rien de son acuité. L'art repose ici sur une fragile dialectique, qui célèbre, toutes voies confondues, les fastes de l'imagination au pouvoir et les plaisirs discrets de l'observation patiente. Art bouddhique
Pourtant, les nouveautés des centres culturels du continent ne parvenaient pas fréquemment sur l'archipel, du fait des difficultés du transport. Les artistes japonais cherchèrent des modèles dans leur propre nature et leur réalité sociale, développant ainsi une forte identité artistique, évitant l'imitation servile de l'art étranger. Par ailleurs, le relatif isolement géographique du Japon permit aux œuvres d'être protégées des destructions de guerre. Sculpture japonaise
L'origine de la sculpture japonaise remonte aux figurines en argile. La sculpture japonaise est sous la double influence de la culture de la route de la soie au et, par la suite, de celle plus prégnante encore de la sculpture chinoise. L'influence de l'Occident quant à elle se fait sentir à partir de l'ère Meiji. Les sculptures sont faites dans des ateliers locaux utilisés pour la sculpture et la peinture. La majorité des sculptures se trouvent devant les maisons et le long des murs des bâtiments importants. La plupart des sculptures japonaises sont issues du culte des idoles propre au Bouddhisme ou des rites animistes des divinités shinto. De tous les arts du Japon, la sculpture s'est particulièrement attachée à la représentation des thèmes et figures du Bouddhisme. Les matériaux traditionnellement utilisés sont les métaux, en particulier le bronze et plus généralement, le bois, souvent laqué, doré ou peint de couleurs vives. À la fin de la période Tokugawa, cette sculpture traditionnelle - à l'exception des œuvres en miniature - a en grande partie disparu à cause de la perte du patronage des temples bouddhistes et de la noblesse. Jardin japonais
Les jardins japonais sont systématiquement clos. La notion de grands espaces ouverts, comme les pelouses du château de Versailles, est étrangère à l'esthétique japonaise, habituée aux vallées et aux côtes. Les limites du jardin ont le plus souvent un aspect naturel : haies, grands arbres, remblais, murs de facture traditionnelle, palissades ou clôtures en bambou. Peinture japonaise
Contrairement à la formation de l'artiste en Occident, la formation classique du peintre au Japon est inséparable de l'apprentissage de la calligraphie. Kaori Chino
À partir des années 1990, Chino a été pionnière dans l’étude du genre dans l’art japonais, en particulier la représentation de la femme, l’importance du genre dans la production et la réception de la peinture, ainsi que le rapport entre genre et motifs, prenant pour cas d’étude différentes époques de l’histoire du Japon. Sa recherche apporte une rupture dans le milieu académique japonais, l’étude du genre ayant été peu étudié par les historiens de l’art sur l’Archipel, en majorité des hommes. Elle y apporte une nouvelle méthodologie inspirée des études de genre pour étudier la peinture japonaise sous un angle nouveau. Art japonais
Le goût des militaires, même s'il se construit dans l'admiration de la cour de Heian, repose en principe sur de toute autres valeurs : il préfère les objets lourds plutôt que légers, épais plutôt que fins, grands et gros plutôt que bas et fragiles, et pourtant ils pratiquent la cérémonie du thé dans son évolution. À  cette époque les arts du métal surpassent tout ce qui avait été réalisé auparavant. Les armes des samouraïs deviennent l'objet de savoirs de spécialistes, lesquels peuvent être proches des artistes. Considéré comme "fondateur" de l'école Rinpa, Hon'ami Kōetsu (1558-1637), calligraphe, laqueur, décorateur et céramiste est le fils d'un tel professionnel des armes japonaises. Les militaires adoptent une nouvelle armure, la "grande armure" en six parties ("ōyoroi") adaptée à la cavalerie de bataille. Le casque ("kabuto") et son ornement central ("maedate") n'est pas seulement un objet de protection, il accentue la fonction de l'armure comme signe, aux formes impressionnantes et aux couleurs rutilantes. Histoire de la photographie au Japon
Les deux principales caractéristiques des "Yokohama-shashin" sont : Ko-e
Le style des "ko-e" hérite des techniques de la peinture japonaise en général, avec des compositions adaptées à la taille des rouleaux, par exemple en mettant l’accent sur le premier plan afin de créer une peinture plus intimiste. Contrairement aux "emaki" qui illustrent en de multiples rouleaux des récits complexes et riches en situations et personnages, les "ko-e" mettent en scène des récits plus courts et directs en un seul rouleau miniature de quelques sections, généralement de trois à sept seulement : certains artistes tirent parti de ces limites pour obtenir plus d’unité et de cohérence entre les peintures par des liens directs. Le rythme également gagne en cohérence et en régularité. Miya Tsugio note par exemple un rythme ternaire inspiré du théâtre classique dans le "Nezumi sōshi emaki". Japon
Bien qu'il existe diverses formes d'arts primitifs sur l'Archipel, comme la poterie de la période Jōmon ou les ', l'art japonais subit très vite l'influence du bouddhisme et de la Chine impériale, dès le . À l'époque de Nara, les temples, dont le et le comptent parmi les plus connus, fleurissent et la religion imprègne fortement la sculpture et la peinture. Ces influences restent vives jusque vers le , que ce soit à travers la sculpture réaliste de Kamakura ou la peinture monochromatique de Muromachi, marquée de la pensée zen. Pour autant, l'originalité de l'art japonais se ressent plus pleinement dans des mouvements plus profanes, comme les rouleaux narratifs (') ou l""', souvent attachés à la vie quotidienne et citadine, ainsi qu'aux divertissements. Les Japonais se sont finalement intéressés à des arts très variés, s'appropriant calligraphie, étoffes (dont le kimono), céramique, laque et le forgeage de sabres. Au , le cinéma et les mangas (bandes dessinées japonaises) se répandent et deviennent un fort vecteur d'exportation de la culture japonaise. L'architecture classique est elle aussi tournée vers le bouddhisme, mais aussi le shinto, et s'exprime pleinement à travers temples et sanctuaires. Plusieurs sites sont ainsi inscrits au patrimoine mondial de l'humanité à Nara, Kyoto ou Nikkō. , les maisons de thé adoptent les principes du bouddhisme zen. À partir de l'époque Azuchi Momoyama fleurissent les châteaux japonais, construits en général sur d'imposantes fondations en pierre ; le château de Himeji demeure une structure emblématique de l'époque. L'habitat traditionnel ("" et "") est lui aussi en bois. La calligraphie et la littérature se développent également avec l'arrivée de l'écriture chinoise (kanji), au environ. Les thèmes se diversifient alors rapidement, allant des récits mythologiques et historiques (comme le ') à la poésie "". "Le Dit du Genji" (', ), qui raconte de façon intimiste la vie à la cour de Heian, est souvent perçu comme l'un des premiers romans psychologiques. Le bouddhisme zen et les guerres civiles marquent tout comme l'art la littérature médiévale. À l'époque d'Edo apparaissent de nouveaux mouvements littéraires majeurs, notamment les (poèmes brefs et symboliques) et la littérature des ' (des bourgeois), romanesque et parfois même frivole. La même transformation peut être observée dans le théâtre, alors que le nô, religieux et élitiste, cède quelque peu la place au kabuki, qui prend naissance dans les quartiers de plaisirs d'Edo. En marge du théâtre apparaissent d'autres formes originales et souvent humoristiques de l'art japonais, comme les masques, les spectacles de marionnettes ('), les danses folkloriques (notamment l") ou les conteurs ('). Puis, l'industrialisation rapide et l'ouverture au monde occidental à partir de l'ère Meiji, ainsi que les effets sur la société japonaise des bombardements atomiques et de la capitulation à la fin de la Seconde Guerre mondiale, ont largement contribué à forger la littérature moderne japonaise à partir de la fin du . Ces évolutions voient tout particulièrement la naissance et le développement d'un nouveau genre, celui du "shishōsetsu" (« roman personnel ») ou "watakushi shōsetsu" (« roman à la première personne »). Se combinent alors les influences existentialistes des anciens écrits zen et les réalités du monde contemporain en les plaçant dans un contexte où le progrès rapide ne sert qu'à exacerber le sentiment d'aliénation ressenti par l'auteur, pour donner une grande importance aux thèmes du beau, du mythe, de la fantaisie, de la solitude et de la mort. Parmi les auteurs les plus représentatifs de cette littérature moderne, ayant obtenu souvent une reconnaissance internationale, figurent Jun'ichirō Tanizaki, Osamu Dazai, Yasunari Kawabata (prix Nobel de littérature en 1968), Yukio Mishima, Kenzaburō Ōe (prix Nobel de littérature en 1994) ou Haruki Murakami. Art japonais
Au cours de la période d'après-guerre (, "sengo"), ce sont surtout les formes de l'art contemporain qui s'internationalisent depuis l'art des États Unis et de l'Europe, à la suite de la dernière guerre mondiale. Littérature japonaise
Les caractéristiques générales de la littérature japonaise sont un certain sens du détachement, l'isolement, l'éloignement, et, dans beaucoup de cas, le héros ou personnage central échoue dans ses efforts. Culture japonaise
Même s'il n'est pas apparenté au mandarin, le japonais a emprunté beaucoup de vocabulaire à cette langue. Le système d'écriture japonais lui-même a été développé sous l'influence des moines bouddhistes chinois à partir du .Il existe de nombreuses religions au Japon mais les deux principales sont le shintoïsme et le bouddhisme. La plupart des Japonais s'identifient aux deux religions, sous la forme d'un syncrétisme ancien appelé .Au cours d'un long passé culinaire, les Japonais ont développé une cuisine sophistiquée et raffinée très sensible aux changements de saisons. Les Japonais d'aujourd'hui jouissent d'une grande variété de mets traditionnels, comprenant de nombreux plats à base de fruits de mer (sushi et sashimi), de nouilles ("udon" et "soba)", mais aussi une multitude de plats exotiques. On peut facilement se procurer des plats chinois, coréens, ou thaïs comme des mets français, italiens ou américains. Art japonais
La japonisation de la peinture à l'encre, "kanga", s'opère sous la direction de l'École Kanō qui introduit de riches couleurs et des fonds en feuilles d'or. Kanō Eitoku crée un style nouveau par des paysages monumentaux sur jusqu'à 16 "fusuma" (, « portes coulissantes »). La décoration de la salle principale faisant face au jardin du Jukō-in (), met en scène un prunier massif et deux pins sur une paire de "fusuma" à des coins diagonalement opposés, leurs troncs rappellent la verticale des poteaux et leurs branches, s'étendant à droite et à gauche, unifient les pans contigus. Dans un style bien différent, le paravent à six feuilles d'Eitoku, "Les Lions chinois" (ou fabuleux), également à Kyōto, révèle le style de peinture claire et vivement colorée que préféraient les samouraïs. Peinture japonaise
Le milieu de l'époque de Heian est considéré comme l'âge d'or des "yamato-e" qui sont initialement utilisés pour les portes coulissantes ("fusuma") et les paravents pliants ("byōbu"). Dès le milieu du , le paysage des quatre saisons est le sujet japonais typique de ces paravents. Ils reçoivent le poème en langue japonaise qui les a inspiré, écrit sur papier coloré et collé sur le paravent. Cependant, de nouvelles formes de peinture apparaissent, surtout vers la fin de l'époque de Heian, dont l"emakimono", ou long rouleau portatif illustré. Différents "emakimono" illustrent des romans, tels que le "Genji Monogatari", des ouvrages historiques, tels que le "Ban Dainagon Ekotoba" et des œuvres religieuses. Peinture japonaise
Les rares peintures funéraires de quelques "kofun" du (des tertres funéraires) semblent d'inspiration purement japonaise. Mais au cours des siècles suivants, la peinture japonaise avant 1868 au début de l'ère Meiji présente à la fois la synthèse mais aussi la rivalité entre l'esthétique japonaise native et l'adaptation d'idées importées de la peinture chinoise ou de l'art occidental. La peinture chinoise, assimilée ou rivale, étant perceptible dans le paysage, les fleurs et oiseaux, les portraits. Dans un paysage, la fragmentation d'une vaste scène par l'interposition de nuages dispersés régulièrement est une de ces adaptations de l'art chinois par l'art japonais. Emaki
Les peintures des "emaki" appartiennent majoritairement au style "yamato-e", caractérisé par ses sujets issus de la vie et des paysages japonais, la mise en scène de l'humain, l'emphase sur les couleurs riches et l'aspect décoratif. Le format des "emaki", de longs rouleaux à la hauteur limitée, impose de résoudre toutes sortes de problèmes de composition : il faut d'abord réaliser les transitions entre les différentes scènes qui accompagnent le récit, choisir un point de vue qui rend compte de la narration, et imprimer un rythme qui permet d'exprimer au mieux les sentiments et les émotions de l'instant. De façon générale, il existe ainsi deux grandes catégories d’"emaki" : ceux qui alternent la calligraphie et l'image, chaque nouvelle peinture illustrant le texte qui précède, et ceux qui présentent des peintures continues, non interrompues par le texte, où divers ressorts techniques permettent les transitions fluides entre les scènes. Sculpture japonaise
Bien que les sculptures et les artefacts des arts premiers n'aient pas été créés par des artisans particulièrement qualifiés et encore moins par des artistes possédant pleinement leur métier, il s'y reconnaît néanmoins une spontanéité qui leur confère une indéniable valeur artistique. Dans tous les cas, les exemples d'art primitif ancien se trouvent partager des caractéristiques identiques à celles de l'art moderne, et les anciennes figurines japonaises en argile appelées "dogū" et "haniwa" ne font pas exception à cette règle. Takashina Takakane
La réalisation de tels ouvrages, extrêmement coûteuse, est généralement le fait d'ateliers spécialisés, installés dans les parages de la Cour, qui possède par ailleurs ses propres fabriques de papier. Images et calligraphies sont confiées à des artistes différents mais qui doivent travailler en contact étroit, l'art de l"emaki" consistant justement en un mariage heureux des styles calligraphiques et picturaux. Mais dans un esprit résolument national, cette fois : dans la tradition nouvelle du "yamato", berceau de la civilisation nippone dès avant l'époque Nara, aux premiers siècles de notre ère. La calligraphie est ici japonaise. La rupture avec la Chine, consommée à la fin du , entraîne la diffusion d'un nouveau système d'écriture (kana), fondé cette fois sur un syllabaire, et qu'on espère mieux approprié à la structure de la langue japonaise. C'est cette écriture, infiniment plus souple, plus fluide, habilement associée aux idéogrammes chinois, qui fonde désormais toute la spécificité de la calligraphie nippone. Art japonais
D'autre part, un mouvement inverse, mené par Okakura Kakuzo () et l'Américain Ernest Fenollosa, encourageait les artistes japonais à conserver les thèmes et les techniques traditionnels tout en créant des œuvres plus en accord avec les goûts contemporains. Relations entre la France et le Japon au XIXe siècle
L'art japonais exerce une influence considérable sur l'art français et l'art occidental en général au cours du . À partir des années 1860, l'ukiyo-e et les impressions sur bois japonaises, deviennent une source d'inspiration pour de nombreux peintres impressionnistes et postimpressionnistes en France et en Europe en général, puis le japonisme influe à son tour sur l'Art nouveau et le cubisme. Les artistes sont particulièrement impressionnés par l'absence de perspective et d'ombre, les aplats de couleurs brillantes à l'aspect décoratif, la liberté de composition qui place le sujet en dehors du centre, avec la plupart du temps de faibles axes diagonaux à l'arrière-plan pour suggérer la profondeur. Parmi les exemples les plus connus de peintures japonistes figurent les "Japonaiseries" de Vincent van Gogh, dont ses copies issues de deux estampes des "Cent vues d'Edo" de Hiroshige. Kawaii ! Vacances d'été
Le motif des fleurs apparaît beaucoup dans l’œuvre de Murakami. Les premières sont nées lors de son concours d’entrée à l’université des beaux-arts pour la section "nihon-ga"* dont l’examen portait sur ces dessins de fleurs. Puis pendant neuf ans, il a enseigné aux élèves d’une école préparatoire à les dessiner. « "Je dois franchement dire qu’au début je n’aimais pas les fleurs : malgré leur parfum, leur forme, tout ce qui me donnait presque mal au cœur, je les trouvais de plus en plus mignonnes : chacune semblait avoir ses sentiments, sa personnalité. Pourtant prédominait en moi une sensation de malaise, et c’est justement cela qui me faisait apprécier de plus en plus les fleurs. J’en dessine très fréquemment, cette sensation m’est revenue avec force : cette même force produite par un visage humain lorsqu’on entreprend de le dessiner." » Ses peintures de fleurs semblent les faire apparaître comme dans une scène de foule en mouvement, menaçante et qui se rapproche. Souvent développées en polyptyques, les toiles de Murakami évoquent aussi formellement les peintures anciennes de paravents. L’artiste rejoint ainsi un aspect essentiel de l’art japonais traditionnel : le goût du décoratif qui répond à une célébration de la vie et à la prise de conscience de la fugacité des choses. Peinture japonaise
Contrairement à la situation antérieure, les arts de la période d'après-guerre deviennent populaires. Au cours des années 1960 de forte croissance économique, les peintres, les calligraphes et les imprimeurs prospèrent dans les grandes villes, particulièrement à Tokyo, et s'intéressent aux mécanismes de la vie urbaine qui se reflètent dans les lumières clignotantes, les couleurs des néon et le rythme frénétique de leurs abstractions. En 1966, du point de vue américain, la quantité de peintures produites au Japon semblait supérieure à celle produite où que ce soit dans le monde. Le mouvement , constitué en 1957, assembla de manière très libre des personnalités diverses qui firent éclater, comme Kikuhata Mokuma, le champ de la peinture en l'ouvrant à d'autres matières, matériaux et moyens, à la manière de Rauschenberg qui était un de leurs modèles. Loin des actions très balisées de Gutai, ils prirent possession de la ville, organisant des défilés, et allèrent jusqu'à manifester contre la guerre du Viêt Nam ou pour la libération sexuelle. Hiroshige
Peu après la réouverture forcée du Japon aux échanges avec l'Occident, c'est principalement à travers l'œuvre d'Hiroshige que le monde découvre vers 1870 l'étonnante originalité des arts graphiques dans ce pays. Le japonisme aura une influence déterminante sur les peintres impressionnistes et ensuite sur l'Art nouveau. Shōtei Hokuju
En résulte un style plein de singularités inhabituelles dans l'art japonais, telles que le caractère presque cubiste de beaucoup de ses reliefs qui se découpent en formes géométriques triangulaires, loin de la tradition picturale européenne et même japonaise qu'il rejoint pourtant dans les formes de ses nuages stylisés ou en volutes telles qu'on peut les retrouver chez Hokusai. Autre détail important que met en place Hokuju dans ses estampes est l'ombre de ses personnage sur la route, chose qu'il sera l'un des seuls (voire peut-être le seul) à inclure dans ses estampes paysagères, les ombres n'étant habituellement jamais présentes dans l"'ukiyo-e". Emaki
L'influence de la Chine dans les "emaki" et les techniques picturales reste tangible à l'origine, si bien que les historiens ont travaillé à formaliser ce qui constitue vraiment l'art des "emaki" comme un art japonais. Outre le style du "yamato-e", les spécialistes avancent souvent plusieurs éléments de réponses : la composition en diagonale très typique, la perspective dépendant du sujet, le procédé de l’"izi-dō-zu", la sensibilité des couleurs (primordiale dans le "yamato-e"), enfin les visages stéréotypés des personnages (impersonnels, réalistes ou caricaturaux), et enfin les brumes. K. Chino et K. Nishi notent en plus la technique du "fukinuki yatai" (toits enlevés), inédite dans tout l'art asiatique. E. Saint-Marc fait remarquer que certains de ces éléments existent en fait précédemment dans la peinture chinoise, soulignant plutôt que l'originalité se trouve dans l'approche globale et les thèmes mis en place par les Japonais. Peinture japonaise
Le style japonais, c'est-à-dire les peintures "nihonga", poursuit, comme durant la période d'avant-guerre, le renouvellement des expressions traditionnelles tout en conservant leur caractère intrinsèque. Certains artistes de ce style peignent encore sur soie ou sur papier avec des couleurs traditionnelles et de l'encre, tandis que d'autres utilisent de nouveaux matériaux, tels que les acryliques. Kayama Matazo, jusque dans les années 1990, sait renouveler le style de l'école Rinpa en évoquant le paysage par des procédés graphiques géométrisés au bel effet décoratif qui semblent avoir essaimé dans les estampes numérique de Chiho Aoshima, dans les années 2000, mais où ces références se mêlent à celles de l'univers des animes. Par ailleurs, le naturalisme décoratif de l'école Rinpa se retrouve aussi, mais déplacé dans le champ de l'abstraction, dans l’œuvre des années 1980 de Hikosaka Naoyoshi. Peinture japonaise
L'art Nanban est un autre genre important qui prend naissance pendant l'époque Azuchi Momoyama mais qui poursuit son développement au début de l'époque d'Edo, à la fois dans la représentation des étrangers exotiques et aussi par l'utilisation d'un style étranger, qui produit un effet d'exotisme pour les japonais. Ce genre est centré autour du port de Nagasaki, qui, après le début de la politique d'isolation nationale du "bakufu" Tokugawa, est le seul port japonais laissé ouvert au commerce extérieur, et donc la seule voie d'accès par laquelle les influences artistiques chinoises et européennes entrent au Japon. Les peintures de ce genre comprennent les peintures de l'école de Nagasaki (dont Kawamura Jakushi et son ), et aussi celles de l'école Maruyama-Shijō, et surtout Maruyama Ōkyo qui combine les influences chinoises et l'école Kano (le tracé d'encre, l'or et la poudre d'or) avec le naturalisme occidental (perspective et clair-obscur) et des éléments traditionnels japonais. Peintres de l'époque Azuchi Momoyama : Théâtre japonais
Trois périodes marquent l’histoire du théâtre japonais. Premièrement, les origines de l’art théâtral sont recherchées depuis l’Antiquité jusqu’au dans les danses rituelles shinto ou bouddhiques, les festivals et divertissements populaires ainsi que les farces et pantomimes, tant autochtones qu’importés d’Asie. La seconde période est celle du théâtre classique, défini par trois genres bien distincts : le nô, drame lyrique raffiné et poétique, le "bunraku" ou "ningyō jōruri", théâtre de marionnettes littéraire, et le kabuki, spectacle dramatique des bourgeois. La troisième période couvre le théâtre moderne, après l’ouverture du Japon sur le monde à l’époque Meiji. Les Japonais rompent avec la période classique d’abord via le "shingeki", le théâtre expérimental à l’occidentale, puis avec la prépondérance de l’avant-garde. Chaque époque a accouché de grands dramaturges qui ont fait l’histoire de l’art théâtral japonais, au rang desquels figurent Zeami, théoricien du nô, Chikamatsu, instigateur d’un véritable art dramatique, Kawatake Mokuami, rénovateur du kabuki après l’ouverture du pays, ou Kaoru Osanai, artisan du développement du théâtre moderne. Gastronomie japonaise
On trouve néanmoins des spécificités japonaises sur l'art de la table : Et sur la façon de se tenir : Les Cinquante-trois Stations du Tōkaidō
Une caractéristique majeure de la technique de l'estampe japonaise est donc que chaque exemplaire imprimé à partir des planches supervisées par l'artiste est un original. Car le dessin initial de l'artiste est détruit lors de la gravure, et était d'ailleurs souvent incomplet par rapport au résultat final souhaité (sans les couleurs, par exemple). Sculpture japonaise
L'arrivée au Japon des formes de l'art occidental est l'occasion historique du renouveau de la sculpture japonaise avec l'introduction du plâtre comme matériau, de la sculpture héroïque en extérieur et du concept émané de l'école de Paris de la sculpture considérée comme forme artistique. Ces idées s'installent peu à peu au Japon durant la fin du et avec le retour du mécénat d'État, la sculpture japonaise connaît une renaissance. Après la Seconde Guerre mondiale, les sculpteurs se détournent de l'école figurative française de Rodin et de Maillol et s'engagent vers des formes et des matériaux modernes et d'avant-garde agressifs, et ce parfois à une très grande échelle. Une profusion de matériaux et de techniques caractérise ces nouvelles sculptures expérimentales qui absorbent également les idées artistiques internationales du « op » (illusion d'optique) et du « pop » (motifs populaires). Un certain nombre d'artistes novateurs sont tout à la fois sculpteurs et peintres ou graveurs et leurs théories nouvelles traversent les frontières des matériaux.