Quelles sont les caractéristiques essentielles de l’art moderne?
Fu Wenjun
Fu Wenjun a façonné sa photographie picturale numérique au moyen de diverses décompositions et reconstructions. La critique contemporaine Katharine W. Kuh pense que l’essence de l’art moderne est la « rupture ». Elle propose qu’à notre époque, les caractéristiques de l’art se manifestent dans les aspects suivants : apparences brisées, couleurs désordonnées, composition dispersée, forme désintégrée et images brisées. Depuis la naissance de l’art moderne, chaque aspect artistique a été décomposé, y compris les couleurs, la lumière, la peinture, les formes, les lignes, les espaces, les supports et les mises en forme. L’art moderne a toujours mis l’accent sur la « rupture », mais cela ne signifie pas qu’il n’y a pas de règles. Il tente d’établir une nouvelle règle. Autrement dit, la rupture est une autre forme de reconstruction. En procédant ainsi, les artistes analysent, élargissent et séparent certains aspects que les gens ont facilement négligés dans le passé, et leur fournissent une expérience riche et complexe. (Mao Qiuyue, chercheur post-doctoral de l’Université du Zhejiang ; professeur adjoint de l’Université Tongji)
Architecture moderne
Arne Jacobsen, Kenzō Tange, Jacob Bakema, Constantin Melnikov, Erich Mendelsohn, Rudolf Schindler, Richard Neutra, Gerrit Rietveld, Bruno Taut, Gunnar Asplund, Oscar Niemeyer et Alvar Aalto sont les principaux architectes de ce mouvement moderne qui a révolutionné la vision sociale et les formes architecturales, tenté de réconcilier industrialisme, société et nature en proposant des prototypes d'habitats collectifs et des plans idéaux de villes entières. Dans les années 1960 il s'est diffusé dans le monde entier mais en perdant ses caractéristiques et voit sa vocation progressiste contestée. Art contemporain
De nouvelles références permettent de définir ce qu'est la méthode contemporaine. Une des premières est la transgression vis-à-vis de l'époque antérieure ; ainsi la notion d'« art contemporain » voudrait affirmer son indépendance non seulement par rapport à la notion d'arts dits « classiques », par rapport aux « beaux-arts » et à ses catégories (peinture, sculpture), mais aussi par rapport à la notion de manière « moderne ». La manière contemporaine possède donc en elle-même des exclusions. Elle s’inscrit dans la suite de l’« art moderne » et voudrait mettre, en quelque sorte, fin à celle-ci. Architecture moderne
Le mouvement De Stijl trouve ses sources aussi bien dans le cubisme que le symbolisme et l'art nouveau, dans les "Arts & Crafts", l'architecture de Frank Lloyd Wright et dans les doctrines philosophiques répandues à la fin du comme la théosophie. Beaucoup d'idées viennent de Berlage, le père spirituel de l'architecture moderne aux Pays-Bas, employeur de Jan_Wils et Jacobus Johannes Pieter Oud de 1914 à 1916. Il y fait connaître après un voyage aux États-Unis en 1911 l'œuvre de Frank Lloyd Wright et le contraste mystique entre l'horizontal et le vertical, la nature et la culture. On retrouve encore Berlage dans "de Stijl", avec le mur plat et distributeur de l'espace, le principe de l'unité dans la multiplicité où les bâtiments, les meubles, la sculpture et la peinture sont vus comme unité mais aussi assemblage d'éléments individuels. Sur le plan géographique, l'influence de De Stijl a concerné les Pays-Bas, la France et l'Allemagne pour s'étendre de la Pologne aux États-Unis et de la Grande-Bretagne à l'Italie. Architecture moderne
Entre 1905 et 1914, les recherches des peintres d'avant-garde arrivent à un tournant décisif. En 1905, les fauves se présentent ensemble au Salon d'automne, entre 1907 et 1908 apparaissent les premières œuvres cubistes, Vassily Kandinsky peint en 1910 la première aquarelle abstraite et en 1913, Kasimir Malevitch atteint avec le suprématisme l'abstraction complète avec son Carré noir sur fond blanc. Ces peintres ont détruit les limites traditionnelles du domaine de la peinture débloquant ainsi les règles visuelles du passé. Art chinois contemporain
Les premiers moments de l'art moderne chinois témoignent de cette envie de tester tout ce qui est, d'un coup, possible. Les méthodes et les sujets « classiques » sont totalement revisités de manière nouvelle aussi. De nombreux jeunes artistes voyagent aux quatre coins du globe et, notamment, à Paris qui est alors considéré comme la capitale de la culture. Liu Haisu y séjourne de 1929 à 1932, Yan Wenliang de 1928 à 1931, et Xu Beihong de 1919 à 1927… Les revues occidentales servent à penser de nouvelles pratiques : c'est ce que fait Zao Wou-ki (Zhao Wuji) (né en 1921), alors brillant professeur à l'école des beaux-arts de Hangzhou. Art contemporain
Au  Congrès mondial sur la Résilience organisé par Resilio (Association internationale pour la promotion et la diffusion de la recherche sur la résilience) en partenariat avec l’université Aix-Marseille, dans son intervention sur la résilience en art, "Quelle Art Thérapie pour la résilience", Ksenia Milicevic souligne : L'art contemporain se caractériserait notamment par une course à la nouveauté, avec un très grand nombre de mouvements et une évolution du concept moderne d'avant-garde. La vente aux enchères de la collection Scull en 1973 marque un tournant en montrant que la collection d’œuvres d'art n'est pas seulement un loisir de luxe mais aussi une source de profits. Cette vente encourage la publication du prix des œuvres et la mise en place d'un marché de l'art vivace aux États-Unis. Des achats fréquents et importants par des collectionneurs individuels fortunés entraînent une suite de records de prix, de plus en plus fréquents jusque dans les années 2010 au moins. Formes artistiques de la nature
Ses représentations eurent une influence décisive sur le courant de l'Art nouveau au début du (et notamment l'École de Nancy), dont l'un des principes était la réintroduction dans les œuvres humaines de formes issues du monde vivant, qu'il s'agisse de courbes et de volutes ou au contraire de géométrie complexe. Ainsi les lustres en verre de Constant Roux du musée océanographique de Monaco utilisent des modèles de Haeckel, tout comme la porte monumentale de l'architecte français René Binet à l'exposition universelle de Paris en 1900. L'œuvre tabellaire de Binet "« Esquisses décoratives »", inspirée de Haeckel, fut une des bases de l'Art nouveau. Résilience (art)
Ce que Lyotard appellera l'éclatement des "grands récits" de la modernité, qui envisageaient l'humanité engagée sur le chemin de l'émancipation, a contribué à l’avènement du sujet autonome qui devient la finalité en soi. La pensée postmoderne valorisera les différences et les particularismes basés uniquement sur la volonté individuelle. À partir de là, au niveau des arts ce n'est que l'intention de l'artiste qui compte. Avec la subjectivisation grandissante, la figure de l’artiste et sa sensibilité l’emporteront sur toute approche rationnelle. Passerelle Centre d'art contemporain
À la différence de ces institutions dont la priorité reste la collection, la conservation, la présentation, la diffusion et la production d’œuvres dans la continuité de l’histoire de l’art, les centres d’art ont la particularité de présenter des créations dans des espaces où une plus grande liberté artistique est possible. Roger Somville
Roger Somville présente des œuvres nettement figuratives, avec des personnages à l’allure souvent un peu rêveuse, évoluant dans un univers abstrait. Il entendait placer l'homme au centre de son art. Il lutta dès lors contre la tendance croissante de la peinture dite « moderne » à la perte de sens et à la déshumanisation. Il dénonce dans son livre "Peindre" « les trucages en forme d’art », « les productions vides », « le triomphe du moins que rien », « le simplisme nul », « le bricolage esthète », « le conformisme du jamais vu », « l’inféodation de l’art moderne au marché mondialisé »… Leo Castelli
Anne Cauquelin le présente comme une des figures importantes des débuts de l'art contemporain, utilisant quatre principes pour atteindre le succès : la récupération et la transmission d'une information abondante, l'émergence d'un consensus critique par entente entre acteurs du marché de l'art, l'accroissement de son prestige par de nouvelles présentations d'artistes et enfin l'internationalisation de ses réseaux. Architecture moderne
Les principaux créateurs généralement reconnus sont Le Corbusier en France, Walter Gropius et Ludwig Mies van der Rohe en Allemagne tous deux directeurs du Bauhaus, école d’architecture et d’arts appliqués fortement tournée vers les techniques industrielles déjà initiées avec le Deutscher Werkbund en 1907 avec Peter Behrens. Musée d'Art moderne et d'Art contemporain (Liège)
La section d'art contemporain (Tapiès, Van Velde, Viallat, Sol Lewitt) encore fort incomplète, est dorénavant un des objectifs principaux du musée. Les expositions, les dépôts publics ou privés, les achats, les dons permettent au musée de remplir pleinement sa mission de musée d'Art moderne et d'Art contemporain. Le "Bassin de Deauville", la "Plage de Trouville" ou encore le "Canal de l’Abattoir à Bruxelles", pour n’en citer que trois, illustrent bien la technique pré-impressionniste des paysages de Boudin aux côtés du tableau de son illustre élève, "Le Bassin du Commerce", Le Havre (1874) de Claude Monet. Résilience (art)
La résilience en art tend à rétablir les fondements de l'art sur le beau et restituer à l'art son unité. Toutes les cultures de toutes les époques génèrent les images d'elles-mêmes à travers les images d'art, mais toutes les images d'art ne sont pas des œuvres d'art. L'art contemporain s'imposant comme art actuel est peut-être l'image de la nôtre mais la résilience s'impose quant à sa qualité en tant qu'art. Grands boulevards (Grenoble)
La "modernité classique" se retrouve en abondance le long de ces boulevards. Ce nom est donné au style qui reprenait les structures modernes en béton armé (poteau-poutre, toit terrasse, plan libre et façades non porteuses), qui va servir de transition entre la construction traditionnelle (art déco classique) et le modernisme radical du Corbusier. Très en vogue dans les années 1930 et 40, il fut remplacé par le mouvement moderne à partir des années 1950. Les caractéristiques de ces constructions sont notamment de larges ouvertures, des façades symétriques et légèrement ornementées, et surtout des terrasses en gradins, des angles souvent arrondis et des balcons larges donnant l'impression de coursives de bateau. Ce modernisme classique est souvent appelé l"architecture paquebot", alors que ce moyen de transport était très à la mode. Le meilleur exemple de ce type d'architecture est sans aucun doute l'immeuble "Gambetta-Belledonne". Réalisé par un autre architecte Grenoblois Félix Bardel, il utilise avec prestige la béton armé, matériau révolutionnaire qui rentre alors dans les mœurs architecturales. La première tranche fut construite entre 1937, et 1939, et la deuxième réalisée seulement dans le milieu des années 1950, à cause de la guerre. Durant la Deuxième Guerre mondiale, tous les immeubles non achevés ou non habités, avait déjà, le rez de chaussée et les sous sols qui étaient réalisés, ce qui permettait d' utiliser les sous sol, comme abris anti bombardement pour la défense passive. Tous les immeubles des grands boulevards existants, à cette époque étaient conçu pour que les caves soient transformés en abris. Arts
Depuis les années 1960, de grand mouvements se partagent l'art contemporains : dans les années 1960 on retrouve : l'actionnisme viennois, l'art cinétique, l'art conceptuel, le nouveau réalisme. Les arts dominants des années 1970 sont l'art corporel, l'hyperréalisme, le Land art et l'art sociologique. Dans les années 1980 apparaissent l'art vidéo, l'art urbain et l'art audiovisuel. Dans les années 1990 : on retrouve l'art en ligne, l'art génératif, l'art numérique, l'art relationnel, le bio-art et les arts scientifiques. Les années 2000 voient le développement du pixel art. Jacob Bendien
En plus d'être un artiste, Bendien était aussi un théoricien de l'art actif. Il a eu un large aperçu des mouvements modernes de son temps, compte tenu de son livre "Directions dans la peinture contemporaine". Il a distingué le domaine de l'art moderne en son temps en deux pôles distincts. Il y avait le côté dynamique, vital et non lié dans lequel les émotions de l'artiste ont joué le rôle le plus important dans la génération de l'œuvre d'art; il a reconnu cela, entre autres choses, dans le futurisme, l'expressionnisme allemand, le surréalisme, l'art de Kandinsky et Dada. D'autre part, il a placé l'art dans lequel une pureté et un contrôle des émotions ont été recherchés à travers «l'esprit». Il a reconnu cette approche dans l'art abstrait et figuratif; il l'a reconnu dans le travail de Mondrian et Van Doesburg, les cubistes, les peintres de la Nouvelle Objectivité (surtout en Allemagne) et dans son propre travail: le Méditisme. Il voyait Mondrian comme dogmatique dans son abstraction et lui-même comme méditatif, intuitif et libre, parce qu'il voulait permettre à la fois la figuration et l'abstraction dans son propre art. Art nouveau
Si le qui se profile se rêve nouveau et moderne, on se rend aussi compte que cette modernité risque de couper l'homme de la nature. Tout se passe comme si celle-ci risquait de s'échapper et que les artistes devaient essayer de la réintroduire le plus naturellement possible dans le cadre de vie. L’Art nouveau est un art essentiellement urbain, citadin qui trouve un écho dans des villes comme Barcelone, Glasgow, Vienne, Paris ou Bruxelles. Architecture moderne
Le mouvement de l'architecture moderne s'engage pendant les deux premières décennies du , à cheval sur la première Guerre mondiale. Depuis 1890, la culture d'avant-garde a remis en cause la théorie de la pratique architecturale et une deuxième révolution industrielle est rendue possible par certaines innovations techniques : le remplacement de la fonte par l'acier, le transport de l'énergie électrique, le téléphone, la lampe électrique, le moteur à explosion et vingt années de prospérité économique avant 1914. Ces innovations ont une influence sur les techniques constructives et permettent de faire fonctionner de nouveaux types de constructions comme les hôtels et les immeubles de bureaux à plusieurs étages. Architecture moderne
Ces créations se caractérisent par une cohérence et une intégrité hors du commun, faite d'une maîtrise des moyens et d'une capacité à exprimer un rêve utopique dans lequel les relations et les communautés humaines sont idéalisées dans un monde moderne en harmonie avec la nature. D'abord sensible au cadre matériel et culturel du Midwest puis à l'héritage de l'école de Chicago, il élargit son regard aux paysages et aux cités des États-Unis et propose une interprétation universaliste de plusieurs traditions d'Orient et d'Occident. Avant-garde (art)
Selon l'avant-garde, la valeur d'une œuvre se confond avec son caractère inouï, en avance sur son temps. Il n'y a pas un modèle éternel du Beau, l'artiste se doit de concentrer dans sa production l'essence de la modernité, encore en gestation, de rompre avec les conceptions artisanales de l'art, avec le culte de la nature et le réalisme de l'art figuratif. Sous une forme moins directement liée à l'idée d'une mission historique de l'artiste, l'avant-gardisme renvoie à une conception individualiste de la création. Tout peut devenir art, si l'artiste le décide, l'artiste étant libéré de tout stéréotype social ou esthétique. « S'il faut en finir avec l'art figuratif, s'il faut cesser d'imiter la nature, c'est pour être enfin pleinement en mesure d'exprimer la subjectivité », écrit Luc Ferry à propos de Vassily Kandinsky. L'avant-garde oscille entre une conception, fonctionnelle ou ludique, de l'art comme partie prenante du monde industriel ou post-moderne, et une radicalité provocante, choquante, et pas seulement à l'égard du passé. Cette ambiguïté est très sensible chez Andy Warhol, ou plutôt les divergences des interprètes. Alain Jouffroy dit du Pop art qu'il « est signifiant : il fige le banal quotidien qui fuit autour de nous ; usant d'une technique banale, il tend un miroir glacé dans lequel se reflète une civilisation de consommation ». Arte povera
Parmi les caractéristiques de l’Arte povera, le principe de pauvreté devient essentiel pour la critique de ce modèle. Ce principe est principalement établi sur la sélection des matériaux employés. Leurs usages se constatent avant tout à l’état brut dans une optique d’immédiateté à la matière et n’ont pas pour vocation initiale à être employés comme matériaux artistiques. Raison pour laquelle le fait de les transposer dans le monde de l’art implique deux idées névralgiques. D’une part, l’Arte povera introduit la notion de banalité dans la sphère de l’art par l’intermédiaire du geste pauvre qui vise à se détacher de toute sophistication. D’autre part, ces matériaux pauvres, souvent trouvés à l’état naturel dans leur environnement, sont en opposition avec l’idée d’une société industrialisée et consumériste. ----[1] "Cosi, in un contesto dominato dalle invenzioni e dalle imitazioni tecnologiche due sono le scelte o l’assunzione […] del sistema, dei linguaggi codificati e artificiali, nel comodo dialogo con le strutture esistenti, […] oppure, all’opposto, il libero progettarsi dell’uomo. Là un’arte complessa qui un’arte povera, impegnata con la contingenza, con l’evento, con l’astorico, col present […], con la concezione antropologica, con l’uomo « reale » (Marx), la speranza, diventata sicurezza, di gettare alle ortiche ogni discorso visualmente unico e coerente (la coerenza è un dogma che bisogna infrangere !) […]." (Germano CELANT, « Appunti per una Guerriglia », "Flash Art," Giancarlo Politi, n° 5, 1967, traduction par l’auteur, https://oneartyminute.com/lexique-artistique/arte-povera) Art contemporain
Dans cette recherche permanente d'une définition de la contemporanéité, la critique d'art et les institutions jouent un rôle important. Ainsi sont généralement exclues de la démarche contemporaine « labellisée » les formes d'art dont les problématiques ne reflètent pas les tendances promues par la critique « contemporaine ». Norbert Hillaire
Connu pour ses écrits dans les domaines de l'Esthétique, de la philosophie et de la culture, il s’est attaché à comprendre comment la contemporanéité, et avec elle, l’art et les technologies numériques, se posent en rupture avec ce qui les précède. Questionnant la recherche de singularité qui nourrit le discours postmoderne, il perçoit dans les innovations techniques, culturelles et artistiques qui marquent le monde actuel, aussi bien un épuisement des anciens schèmes hérités de l’ère moderne qu’une actualisation féconde d’enjeux présentés parfois à tort comme "nouveaux". Ainsi le spectre d’une fin annoncée de la modernité s’oppose-t-il à une hybridation toujours plus prospère entre l’ancien et l’actuel. Art contemporain
Alors que Paris était le centre artistique du monde, elle perd cette place à la sortie de la Seconde Guerre mondiale, dans un contexte de débats philosophies et politiques sur le soutien à apporter au communisme. La scène artistique française est perçue comme radicale, et seul le groupe des Nouveaux Réalistes, mené par Yves Klein et Pierre Restany, s'approche d'une forte notoriété internationale dans les années 1960. Les artistes de ce mouvement, comme Martial Raysse, César ou Niki de Saint Phalle prennent leur indépendance. Malgré la présence de peintres comme Pierre Soulages ou d'artistes comme Christian Boltanski, l'art contemporain reste plus empreint d'art conceptuel qu'ailleurs. Nathalie Heinich
S'appuyant sur des enquêtes de terrain menées en France et aux États-Unis, elle a proposé une description de son fonctionnement, articulé entre transgressions des frontières opérées par les œuvres, réactions des publics réfractaires et intégrations de ces propositions par les intermédiaires spécialisés. Le sociologue Jean-Louis Fabiani écrit à ce sujet : En qualifiant l'art contemporain non pas de période ou même de genre de l'art, mais de paradigme, au sens donné à ce concept par l'épistémologue Thomas Kuhn, elle souhaite montrer comment le « paradigme contemporain », l'hétérogénéité de cet art, son caractère transgressif, s'oppose non pas tant au « paradigme classique » qu'au « paradigme moderne », chacun des trois étant défini par des critères et des attentes bien précises ; et comment la révolution artistique que représente ce nouveau paradigme modifie non seulement les œuvres mais aussi leur réception, le rôle des intermédiaires et des institutions, leur économie, leur conservation et leur restauration, leur reproduction, et plus généralement tout le fonctionnement du monde de l'art. Dans une atmosphère de « guerre culturelle » entre les partisans et les adversaires de l'art contemporain, le travail de Nathalie Heinich, dans la mesure où il rompt avec les commentaires produits par les intermédiaires du monde de l'art, a été utilisé comme référence théorique par certains dénonciateurs de l'art contemporain, tels que Jean-Gabriel Fredet, tandis que d'autres le soutiennent. Marché de l'art
Le premier critère est la datation. La répartition par grandes époques se fait de façon conventionnelle en suivant une chronologie imposée par l'Occident : antiquités, art médiéval, art classique, art moderne (art nouveau, art déco…), art contemporain. Elle se traduit également par courants artistiques, pour une approche plus historicisante, par période répertoriée de création et de vente : primitifs flamands, art classique de 1600 à 1840, académisme, moderne de 1840 à 1940 (mais les Britanniques considèrent 1900 comme date butoir du modernisme), pompiers, impressionnisme, après-guerre (après 1945), contemporain, cette dernière évoluant en un reclassement ou une catégorisation plus précise à mesure que le temps passe. L'impact politique joue un rôle majeur : on a un avant et un après les grandes périodes révolutionnaires ou les guerres. Arthur Danto
Prenons un autre point de vue, Hegel a identifié la mort de l’art lorsque l’art n’a plus cherché à atteindre l’absolu, lorsque le peintre y a trouvé une autre quête, plus personnelle au moment du Romantisme, plus individuelle. La fin de l’histoire de l’art aurait pu se décréter à ce moment-là. Il est vrai que ses moyens ont été conservés : une toile, un pinceau, de la peinture, de la sculpture, et c’est la réponse esthétique et son intention qui ont changé. Grâce aux médiums était-il plus facile de continuer de l’inscrire dans l’histoire de l’art ? Si nous revenons à l’art moderne, par exemple les fauves, ils n’ont pas été reconnu par les institutions à l’époque et le temps leur a, pour ainsi dire, donné raison. Ils n’étaient donc pas inscrits dans l’histoire de l’art. À l’inverse, ceux que l’on a oublié maintenant ce sont ces mêmes académies et institutions disparus du fil linéaire de l’histoire de l’art, comme des objets que l’on a recouvert d’un voile.  Alors pourquoi lorsque nous avons affaire à une série d’objets-non-identifiés dans l’art contemporain, l’histoire de l’art se décrète-t-elle morte ? N’est-ce pas une nouvelle forme d’art pour une nouvelle forme d’histoire de l’art ? Art chinois contemporain
L'art chinois contemporain se présente comme un art hybride, un mélange de cultures et ceci devient particulièrement aigu depuis l’ouverture de la Chine sur le monde, et par le travail des exilés pendant la période maoïste ou depuis le printemps de Pékin. De nouveaux points de vue apparaissent, comportant des éléments des deux cultures, chinoise et occidentale. Cet art porte en lui-même, de manière explosive, des éléments de la culture occidentale, dont ceux qui montrent son enracinement dans la « suprématie » de l'Occident, et des éléments de la culture chinoise, dont certains évoquent, par exemple, son attachement traditionnel à certaines formes de spiritualité et à une forte symbiose avec l’environnement naturel. Art contemporain
Dans les années 1990, l'art contemporain occidental a accordé son « label » à de nombreux artistes issus des pays dits « en voie de développement », à peu près absents autrefois. Les paradigmes de la globalisation et la perte des repères spatio-temporels classiques ont valorisé les modes d'approche personnels, ou les composantes biographiques, sociologiques, voire religieuses, sont valorisées au sein des démarches de travail. José Maria Sert
L'aspect le plus moderne de l'œuvre réside dans sa méthode de travail. Le principe de la division du travail est appliqué dans son atelier. Des artisans spécialisés exécutent les différentes étapes de la création. L'artiste lui assure la direction, la coordination, le projet, l'esquisse et les retouches finales. Il emploie des moyens traditionnels propres à l'artisanat et d'autres plus en lien avec la modernité comme le montage, l'assemblage et la fragmentation. Il travaille avec une équipe d'assistants spécialisés. Critique d'art
L'apparition de l'art moderne et de l'art contemporain sont corollaires de la prise d'importance croissante des critiques dans le rapport entre des œuvres, parfois difficiles, voire impossible à décrypter, et le public. Les mouvements d'art, souvent accompagnés de manifestes (tel le "Manifeste du surréalisme" de Breton), donnent une matière de plus en plus consistante et complexe à la pensée. L'avènement de l'art conceptuel dans les années 60 réduit – dangereusement, pour certains – la limite entre texte critique et œuvre d'art à sa limite extrême, des historiens et critiques d'art tels que Charles Harrison rejoignant même des groupes iconiques tels que Art & Language. Les revues spécialisées sont alors l'accessoire indispensable de démarches à fort contenu intellectuel. Art contemporain
La différence entre art moderne et art contemporain n'est pas clairement faite et, en France, le musée national d'art moderne ne fait pas, à la fin du , la différence dans ses collections. L'expression « art contemporain » est forgée par les conservateurs de musée, et il pourrait s'agir de l'art qui modifie leur fonction et leur façon de travailler, quitte à la rendre plus difficile. Pour Catherine Millet, l'art contemporain est réellement « contemporain » au sens où il est en phase avec son époque, alors que l'art moderne était en rupture. Art social
La spécificité de l'approche de William Morris, à l'égard de ses compagnons intellectuels, réside dans la place centrale qu'il accorde à l'art. Tous dénoncent le travail à la chaine, aliénant, qui ne valorise pas le travailleur, seul Morris avance l'art comme forme de solution. Dans la mesure où une vie heureuse et épanouie réside, à ses yeux, dans le plaisir que l'on prend à son travail, et dans la mesure où le problème actuel vient précisément de ce que la majorité des travailleurs ne prennent aucun plaisir dans le travail mécanique qu'ils sont obligés d'effectuer, les artistes constituent un modèle de travailleurs heureux. L'art reste une activité pleinement libre, qui procure du plaisir. Contrairement à Kant, qui oppose les beaux-arts (libres et agréables) à l'artisanat (servile et pénible), Morris pense que tout travail, toute activité, doit être libre et agréable, c'est-à-dire être considérée comme de l'art. La fusion de l'art, de l'artisanat et de la vie quotidienne est au cœur de la vision politico-esthétique de l'écrivain anglais. Même si Morris est un socialiste engagé et obtient du succès avec son entreprise fondé sur le mouvement "Arts and Crafts", son héritage est renié par la génération des artistes modernes et avant-gardiste qui prône un art intégré à l'industrie. Pour Adolf Loos, architecte et théoricien de l'art autrichien, dont les écrits et les édifices sont considérés comme une rupture par rapport à la génération précédente et Le Corbusier, grand amateur de Loos qui en adapta le message en France, William Morris et le mouvement des "Arts and Crafts" font figure de vieilleries moyenâgeuses allant à contre-courant de la modernité. Sur un point très précis, l'analyse de Le Corbusier est diamétralement opposée à celle de Morris. L'architecte suisse est un partisan de l'industrialisation, qu'il associe à la modernité et au progrès. La mécanisation du travail rend celui-ci moins pénible pour les ouvriers, dont les tâches les plus ingrates accomplies par des machines, permet d'augmenter la productivité et de libérer du temps libre pour des activités de l'esprit et la fréquentation des lieux d'art. En réalité, ce n'est pas tout à fait ce qui se passe. L'ouvrier devient l'esclave de la chaine de production à l'usine, l'employé sans qualification est soumis à un travail peu valorisant et répétitif et le temps qui leur reste n'est pas consacré aux arts. Seuls les riches, qui ont le capital financier et le capital culturel, peuvent dégager du temps et trouver de l'intérêt à développer des activités intellectuelles ou artistiques. Si bien que l'automatisation du travail et l'autonomisation de l'art ont produit un écart entre les riches et les pauvres, entre le monde de l'art et le monde ordinaire. La modernité de Morris est une modernité socialiste, qui implique d'associer le corps et l'esprit, l'art et le travail. Morris veut appliquer les préceptes théoriques de Ruskin dans la pratique et cela passe forcément par l'artisanat et le médiévalisme. Il fait construire une maison-atelier, la Red House, en 1859, où il conçoit avec ses amis préraphaélites des meubles intégrés à des appartements. Le principe directeur de ce qu'on appelle aujourd'hui le design d'intérieur était la convenance, c'est-à-dire un rapport adéquat entre la fonction et la forme. Malgré les formes néo-gothiques qui caractérisent cette décoration, ces principes sont fondateurs de ce qu'on peut appeler l'éthique du design moderne. En même temps, Morris crée une entreprise d'ameublement et de décoration : Morris, Marshall, Faulkner & Co, dont est membre notamment Ford Maddox-Brown, un designer préraphaélite déjà renommé. Les principales productions de l'entreprise de Morris sont le travail du verre et du textile. La firme présente ses productions à l"'Exposition Internationale de South Kensington" de 1862, qui regroupe tout ce qui se fait dans le monde en matière d'arts appliqués et décoratifs. Günther Förg
Förg mène, par le moyen de la peinture et de la photographie, une réflexion sur la modernité et les signes par lesquels elle se manifeste. Ses photographies d’architecture de l’époque du Bauhaus interrogent les paramètres du moderne confronté à l’usure du temps. Ses peintures abstraites reprennent fréquemment les signes des grands peintres abstraits américains des années 1950-1960 (Barnett Newman, Clifford Still, Willem de Kooning) qu’il interprète librement. Architecture moderne
Un état des lieux historique au milieu de la décennie montre qu'il existe plusieurs tendances de diverses origines, allant du hight-tech à une propension à l'archaïsme où les mythes, les obsessions et les préoccupations d'un certain nombre de générations et d'individus coexistent. Des architectes comme Jørn Utzon, Louis Kahn, Denys Lasdun et Carlo Scarpa produisent des œuvres remarquables à l'écart des modes éphémères quand Philip Johnson adapte son architecture aux tendances de la mode. James Stirling change radicalement quand il veut prendre en compte le contexte et le passé, Michael Graves et Arata Isozaki sont portés sur la manipulation du langage des formes, Frank Gehry redonne vie au concept cubiste d'assemblage et Tadao Ando tisse des liens nouveaux entre le réductionisme moderne et certains préceptes fondamentaux de la tradition japonaise. Postmodernisme
Si le modernisme se caractérise par la recherche de l'originalité et la volonté de création de formes nouvelles, inédites, insolites, le postmodernisme admet qu'il réutilise des formes préexistantes, y compris les plus familières. Là où Le Corbusier veut renouveler complètement non seulement le style des bâtiments, mais la conception même de l'habitat, un architecte tel que Ricardo Bofill utilise des principes de composition et des éléments décoratifs empruntés à l'art classique ou antique (colonnes, frontons, etc.). L'innovation moderne se fonde toujours sur l'oubli ou l'ignorance des traditions propres à chaque art, lesquelles sont considérées comme un frein à une véritable création. Ce qui caractérise au contraire l'artiste postmoderne, et son originalité, c'est qu'il a su acquérir une maîtrise assez parfaite de l'histoire et des techniques les plus académiques de son art. Art contemporain
L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne, et revendique régulièrement la brèche ouverte par Marcel Duchamp, et d'autres qui avaient libéré la pratique de l'art des contraintes classiques de représentation. Le Jugement dernier (Michel-Ange)
À bien des égards, les historiens de l'art moderne discutent des mêmes aspects de l'œuvre que les écrivains du : le groupement général des figures et le rendu de l'espace et du mouvement, la représentation distinctive de l'anatomie, la nudité et l'utilisation de la couleur, et parfois les implications théologiques de la fresque. Cependant, Bernadine Barnes souligne qu'aucun critique du ne fait écho le moins du monde au point de vue d'Anthony Blunt : « Cette fresque est l'œuvre d'un homme ébranlé de sa position de sécurité, n'étant plus à l'aise avec le monde et incapable d'y faire face directement. Michel-Ange ne traite plus directement de la beauté visible du monde physique ». À l'époque, poursuit Barnes, « c'était censuré comme le travail d'un homme arrogant, et il se justifiait comme un travail qui rendait les figures célestes plus belles que celles naturelles ». De nombreux autres critiques modernes adoptent des approches similaires à celles de Blunt, soulignant la « tendance de Michel-Ange à s'éloigner du matériel et à se tourner vers les choses de l'esprit » au cours de ses dernières décennies. Sculpture ornementale
"Ornement et Crime", ouvrage majeur de l'architecte viennois Adolf Loos, promeut la simplicité, la géométrie et la cohérence structurelle de l'architecture. Cette conception s'oppose à l'éclectisme et à l'historicisme alors en vigueur. Le mouvement moderne, l’architecture moderne, parfois également dit modernisme, courant de l’architecture avec le mouvement du Bauhaus est caractérisé par un retour au décor minimal et aux lignes géométriques pures. L'absence de détails décoratifs devient la marque de fabrique de l'architecture moderne et est assimilée aux vertus morales de l'honnêteté, de la simplicité et de la pureté. Ce qui avait commencé comme une affaire de goût se transforme en obligation esthétique virant à l'ostracisme. Les modernes déclarent que leur façon de construire est la seule acceptable. Les métiers artisanaux de l'ornementation sont condamnés et disparaissent peu à peu. Modernisme catalan
Une de ses particularités, par rapport à l'Art nouveau, réside dans l'intégration d'éléments gothiques typiques de la tradition artistique catalane. Danse contemporaine
Si tout art est « contemporain », donc actuel, pour celui qui le vit à son époque, l'expression « danse contemporaine » a recouvert différentes techniques et esthétiques apparues au cours du , et il est admis d'en limiter le concept à des chorégraphes et à des œuvres qui relèvent du champ de la danse moderne, d'après 1960, à travers deux importantes figures que sont les chorégraphes américains Merce Cunningham et Trisha Brown mais surtout de ses prolongements et des travaux de leurs élèves. Ainsi en France, à la fin des années 1970, s'est développée la « Nouvelle danse française » sous l'impulsion notamment d'Alwin Nikolais qui crée le Centre national de danse contemporaine et en Allemagne se développe la danse-théâtre avec les travaux de Pina Bausch au sein de sa compagnie Tanztheater Wuppertal qui deviendra, à son tour, une référence de la danse contemporaine. Histoire de la peinture
Ce style de peinture se caractérise par des grands formats, une grande liberté dans l’expression, la figuration, la référence au mythe et à l’imagination. Les critiques d’art se sont divisés sur ces mouvements, certains les considérant comme étant dictés par un souci commercial des grandes galeries d’art. Ce style de peinture continue à être populaire au . Au début du , la peinture et l’art contemporain ont continué à se développer à travers des mouvements très divers : Modernité comportementale
Afin de classifier les traits qui doivent être considérés comme des comportements « humains modernes », il convient de définir les traits universels parmi les groupes humains actuels. En matière d'universaux culturels humains, on peut citer la pensée abstraite, la capacité à la planification, le travail en collaboration, la décoration corporelle ainsi que l'usage et le contrôle du feu. En parallèle, les humains s'appuient énormément sur l'apprentissage social. L'ensemble de ces traits distinguent la culture humaine de l'apprentissage des animaux. De plus, le recours à l'apprentissage social est peut-être en partie responsable de l'adaptation rapide des humains à de nombreux environnements en dehors de l'Afrique. Comme les universaux culturels se retrouvent dans toutes les cultures, y compris dans certains des groupes autochtones les plus isolés, ces traits doivent avoir évolué ou être apparus en Afrique avant l'expansion d"'Homo sapiens" en dehors du continent. Art moderne
L'art moderne se caractérise par une rupture avec les canons de la figuration de l'art classique. Otto Sohn-Rethel
Outre l'influence originaire de l'école de Düsseldorf et des peintures de Hans von Marées, qu'il a admirées dans la station zoologique de Naples, l'expressionnisme moderne se reflète dans son travail à travers l'étirement de dessins au crayon ou à la sanguine. La qualité de sa peinture réside dans la capture de ce que Matisse appelait la «ligne essentielle», et cette caractéristique est particulièrement évidente dans les études. Dans ses dessins, les lignes des personnages centraux apparaissent au niveau des épaules et du cou, avec un jeu de lumière sur le dos, tandis que les fesses et les cuisses étaient plus ciblées. Les peintures ne sont pas vraiment naturalistes, mais une allusion à l'imaginaire qui montre la fraîcheur de la nudité. Ornement (architecture)
Commencée avec l'avant-garde russe dès le et le travail de De Stijl, du Bauhaus, de Le Corbusier, dans les années 1920 et 1930, l'absence de détails décoratifs devint la marque de fabrique de l'Architecture moderne et était assimilée aux vertus morales de l'honnêteté, de la simplicité et de la pureté. En 1932, Philip Johnson et Henry-Russell Hitchcock appelèrent cela le « style international ». Ce qui avait commencé comme une affaire de goût se transforma en obligation esthétique. Les Modernes déclarèrent que leur façon de construire était la seule acceptable. Alors que ce style atteignait son apogée dans le très abouti travail d'après-guerre de Mies van der Rohe, les doctrines du modernisme des années 1950 étaient devenues si strictes que même des architectes accomplis comme Edward Durell Stone ou Eero Saarinen pouvaient être ridiculisés et ostracisés pour s'être écartés des règles esthétiques en vigueur. Art moderne
L'art moderne se caractérise aussi par la naissance de la critique d'art. En effet, au même moment, l'art devient sujet d'écriture : la critique est souvent un discours engagé sur l'œuvre. Baudelaire et Zola, écrivent des critiques engagées en faveur des peintres modernes. Goethe et Matisse écrivent sur la couleur. De nombreux artistes publient des textes ou des manifestes (dadaïsme, futurisme, surréalisme). Peinture croate contemporaine
Le manque d'intérêt pour la peinture au cours des années 90 a influencé les nouveaux modes de performance artistique (performance, land-art, art corporel, etc.) et les moyens d’expression mis à disposition par les médias électroniques et numériques (installations, vidéo). Les éléments qui permettent à l'art actuel d’être important et pertinent sont les pratiques artistiques collectives, l'esthétique participative et l'engagement social, et « l’idéologie de la nouveauté » est presque devenue un modèle dans les échanges d'idées (post) modernes. Au début du , l'industrie de la peinture prend un nouvel élan et l'art contemporain s’inspire de genres variés, de mouvements et de courants de l'histoire de l'art divers. Il y a donc fréquemment des citations et des références dans l'art visuel. La peinture contemporaine croate se caractérise par un pluralisme de genres, mêlant techniques traditionnelles et multidisciplinarité, tout en brisant les barrières conventionnelles de l’image. Noël Carroll
Au vu de sa position philosophique (issue de la tradition analytique), Noël Carroll s'attache à défendre une théorie déflationniste de l'art, qui s'oppose clairement au mythe moderne intitulé usuellement "l'art pour l'art". Une création artistique, bien qu'elle puisse être interprétée d'un point de vue formel, ne peut être réduite à cela, à savoir sa beauté (le critère "kantien" déjà cité plus haut). Une œuvre est toujours liée à son contexte éthique et politique, à n'importe quel moment de l'histoire, comme l'a noté Arthur C. Danto (En définitive, ces deux philosophes suivent une orientation hégélienne, elle-même issue des idées de Platon contenues dans « La République »). Influencé par ce dernier, dont il admire les réflexions sans pour autant se garder de les critiquer, il considère que les œuvres d'art sont intimement liées à leur contexte originel, aux intentions artistiques, mais aussi à leur environnement immédiat. Les œuvres de l'art de masse se réfèrent à leur propre contexte, celui de la massification des biens culturels. En France, la notion d'art contemporain a tranché une frontière nette entre l'art de masse et les œuvres muséales. Toutefois, le lien actuel entre les œuvres industrielles et les œuvres d'art «classiques» passe par de nouvelles technologies. L'art numérique (vidéo, cyberart, streaming, etc.) peut-il démontrer que l'art contemporain ne se définit pas uniquement par les œuvres muséales ? Le problème majeur est d'aborder les choses d'un point de vue purement esthétique. Le philosophe et esthéticien français Roger Pouivet, suivant également la méthode analytique dont il est l'un des spécialistes reconnus, a repris pour l'essentiel l'approche carrollienne tout en y incorporant sa position philosophique dite « réaliste », et met en avant le fait que les arts de masse sont ontologiquement distincts du Grand Art ou des arts populaires. Art social
Le tableau ci-dessous fait état de quatre profils économiques fondés sur quatre types d'artistes appartenant à quatre genres d'art. Deux profils artistiques sont de l'ordre de l'innovation, les deux autres de l'ordre de la tradition. Les artistes qui retiennent notre attention font de la recherche et innovent dans leur champ d'expertise. Les artistes à 360° appartiennent au monde de l'art actuel où l'on retrouve l'art contemporain et l'art social. Le Art fair artist désigne l'artiste de l'art contemporain œuvrant dans les disciplines reconnues des beaux-arts. Ils ont en commun des exigences de formation à la fois institutionnelle et sociétale, nécessaires à une carrière artistique institutionnelle et marchande. Nature morte
La nature morte se place ainsi à la charnière entre le désir artistique de rivaliser avec la Nature, hérité de l'Antiquité et redécouvert à la Renaissance, et l'expression de l'artiste par la façon de la représenter, qui va dominer le siècle suivant. Chardin est avec Poussin et Claude Lorrain l'artiste français antérieur au qui a eu le plus d'influence sur la peinture moderne. Au , Delacroix sut se différencier des autres peintres de nature morte. Ces peintres firent valoir à leurs yeux l‘art et la science. La valeur symbolique de l’objet se perpétua selon les époques et devint une constante mathématique de la peinture française. Un outil sur lequel on peut se fonder pour mesurer le degré d’évolution de la société, de la culture, de la religion… On peint des objets de la vie courante, contrairement à la période néo-classique (grosso modo la période 1700 à 1850) où l’on peint des objets des Antiquités romaine et grecque. José Manuel López López
Dans l'art contemporain, la connaissance auparavant intuitive des paramètres est devenue forcément explicite, même si cet explicite n'est souvent qu'inconscient. Mais la musique, qui a tous les sens et même au-delà, transmet un caractère qui lui est par essence immanent ; elle existe donc au-delà des objets ou des éléments qui la composent. Elle attend tout d'une perception aux aguets qui doit identifier dans des attributs parfois difficiles à délimiter, voire trompeurs et illusoires, sa puissance et sa forme vivante. Art chinois contemporain
La culture occidentale et la culture chinoise entretiennent des relations binaires. Une des caractéristiques principales des artistes chinois contemporains consiste à instaurer, par leurs pratiques, un dialogue à travers des événements importants à l'échelle mondiale ou à rendre visibles des confrontations des deux cultures afin de créer un choc. Art
En peinture, à partir des années 1950, certains artistes concentrent leurs recherches sur l'acte physique de peindre et réalisent des œuvres abstraites en peignant, égouttant ou projetant de la couleur sur la toile. La structure du tableau résulte alors de l'intuition de l'artiste, mais aussi des divers comportements de la couleur (coulures…). Peindre apparaît alors comme un moment d'existence irréfléchi et pulsionnel et l'œuvre est un témoignage du corps vivant, en action et en mouvement dans l'instant. Ce mouvement sera dénommé tachisme, expressionnisme abstrait ou encore "action painting" aux États-Unis. L'Américain Jackson Pollock se fera particulièrement remarquer par cette technique. Il n'est pas sans évoquer la calligraphie chinoise dans sa recherche d'un jaillissement rapide et spontané. Beaucoup d'artistes contemporains sont fascinés par les effets de « texture » et renoncent à l'emploi de la peinture pour d'autres matières, dans des productions qui se situent parfois à mi-chemin de la peinture et de la sculpture. Le Op Art, notamment avec Vasarely, accorde un intérêt particulier à l'interaction des formes et des couleurs visant à produire des sensations de relief ou de mouvement. Plus près de nous encore, dans les années 1960, le Happening, le Fluxus, (Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik), et l'Art vidéo. Pop Art utilise des symboles populaires et prend en compte l'influence de la publicité, des magazines, des bandes dessinées et de la télévision dans les sociétés de consommation. Par des techniques industrielles, il remet en cause le principe d'unicité d'une œuvre d'art. Ainsi Andy Warhol reproduit les siennes par centaines, parfois même par milliers. Plus généralement, l'art contemporain est traversé par les concepts et les thèmes qui agitent la société contemporaine: la dématérialisation de l'œuvre (Yves Klein), l'écologie profonde (Hundertwasser), la propagande visuelle et la publicité (Warhol), l'entreprise œuvre d'art ou vice-versa (Hybert), la fascination pour la révolution technique et les biotechnologies (Eduardo Kac), la chirurgie esthétique et la re-création corporelle de soi (Orlan). Art moderne
Dans "Le Peintre de la vie moderne", Baudelaire trouve la beauté dans la rue et il la voit changeante, mobile ; chez l'artiste moderne, il salue l'aptitude à dégager du transitoire du quotidien l'éternel de la beauté. Chez Walt Whitman, on s'attache à observer l'impressionnant quotidien en perpétuel mouvement. La beauté n'est plus désormais l'apanage de l'Antique. La culture de masse et le divertissement populaire écrasent et signent la fin de l'exaltation de la morale officielle. On trouve de nouveaux sujets à traiter empreints d'une modernité toute nouvelle, notamment ceux issus de la Révolution industrielle. Ainsi "La Gare Saint-Lazare" de Monet, où l'on ne trouve guère de regard nostalgique ; c'est là la modernité véritable. Art moderne
L'art moderne est suivi de l'art contemporain après la Seconde Guerre mondiale : Œuvre d'art totale
Le concept a été transposé dans un courant architectural rationaliste par Viollet-le-Duc qui souhaitait "l’unité des arts et l’abolition de la distinction entre art «pur» et art «décoratif »" à l'image des Gothiques qu'il avait étudié"." Dans ce système artistique la décoration intérieure, le mobilier, la conception des espaces ou des jardins revêtent autant d’importance que le bâtiment lui-même. Ce système influencera l'ensemble du mouvement Art Nouveau en Europe et les modernistes par la suite. Un exemple est la Maison Tasel de Horta à Bruxelles ou la Villa Cavrois à Croix dans le département du Nord, conçue par l'architecte Robert-Mallet Stevens. Art
L'Art moderne naît à la fin du et au début . Il voit apparaître en peinture les figures de Picasso,Malevitch,Matisse, Miro, Max Ernst et de nombreux mouvements comme le surréalisme, l'Oulipo, la Nouvelle Vague. Des architectes comme Frank Lloyd Wright osent privilégier l'organisation des pièces à l'ornement des façades et abandonnent le dogme de la symétrie. Art nouveau
S'il comporte des nuances selon les pays, ses critères sont communs : l'Art nouveau se caractérise par l'inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornementations inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, et qui introduisent du sensible dans le décor quotidien. C'est aussi un art total en ce sens qu'il occupe tout l'espace disponible pour mettre en place un univers personnel considéré comme favorable à l’épanouissement de l'homme moderne à l'aube du . En France, l'Art nouveau était appelé avec humour « style nouille » par ses détracteurs comme par l'homme de la rue, en raison de ses formes caractéristiques en arabesques, ou encore « style Guimard », à cause des bouches de métro parisiennes réalisées en 1900 par Hector Guimard. Art social
L'Art social est un concept apparu à la fin du en France dans la foulée des revendications sociales portées par des groupes d'intellectuels anarchistes et de politiciens solidaristes. Cette idée s'inscrit dans une démarche moderniste en occident valorisant les arts utiles à la société et s'opposant au concept de l'Art pour l'Art et de l'Art académique. Quelques artistes des avant-gardes s'associent au concept sur le plan théorique et éducatif. Les architectes et les artistes-artisans des métiers de l'art sont les principaux intervenants aux développements des différents mouvements artistiques et propositions esthétiques transformant le cadre de vie sociale de 1890 à 1960. La fin de la modernité et des avant-gardes artistiques et l'avènement d'un espace public hautement esthétisé au milieu du ouvrent de nouvelles voies artistiques. L'une dite Art contemporain rompt avec la tradition des beaux-arts, applique les idées de Marcel Duchamp appuyé par les institutions académiques, les musées et galeries d'art, les collectionneurs et le marché de l'art. Dans ce contexte, l'Art social prend une nouvelle direction en s'intéressant au mode de vie des communautés et aux problématiques sociétales. Ce n'est plus l'habitat, le mobilier et les beaux objets utilitaires qui intéressent les artistes mais, plutôt l'Art et la Vie, l'expérience artistique et esthétique dans l'espace public, l'action dans un processus créatif avec les communautés, les collaborations et le partage d'idées pouvant transformer positivement les personnes tant artistes que non-artistes. Arte povera
"Il s’agit pour lui d’exalter ce qui est le propre du travail de l’artiste dans une résistance corporatiste à toutes les promiscuités qui se font jour au nom de la modernité, ce dont témoignent à cette époque l’art cinétique, l’art programmé, l’Op Art, l’art psychédélique, l’art vidéo et le Mec Art[5]". ----[1] Germano CELANT cité par Hortense Lyon, L’arbre des voyelles, Mayenne, Catherine Douçot, 2009, p. 12 Art corporel
Durant la deuxième moitié du , la photographie, mais aussi ce que nous appelons aujourd'hui le spectacle vivant — qui inclura le cinématographe — permettent l'émergence de fortes personnalités qui vont marquer durablement le paysage esthétique, et particulièrement le rapport au corps de l'artiste. Les avant-gardes occidentales, le modernisme « fin de siècle », en ses différents courants, tels que l'Arts & Crafts, le sécessionnisme munichois et viennois, l'art nouveau, permettent de décloisonner les différentes pratiques, de mettre en avant le langage corporel. Les frontières entre spectacle et ce que l'on appelle les arts majeurs ne sont plus étanches : toutefois, ce processus est lent, complexe et ne fait pas consensus au sein de la critique contemporaine. Lille Métropole - musée d'Art moderne, d'Art contemporain et d'Art brut
Dans le fil des dominantes précubiste et cubiste de la donation Masurel, les collections d’art contemporain se sont d’abord constituées autour de deux axes principaux. Manifestation d'art contemporain
Les manifestations les plus importantes se tiennent dans des lieux où le marché de l'art contemporain est particulièrement actif, d'où une prédominance des manifestations aux États-Unis et en Europe. En 2005, selon le journal "Le Monde", les principales foires (manifestations tournées vers la vente) ont désormais lieu à Bâle (Art Basel), New York (), Miami (Art Basel Miami Beach) et Londres (Frieze Art Fair). Paris, place importante du marché de l'art au début du n'est plus au premier rang un siècle plus tard. Parmi les manifestations d'art contemporain qui ne soient pas des foires, deux rendez-vous artistiques prédominent : la Biennale de Venise et documenta (à Cassel en Allemagne). Musée d'art moderne André-Malraux
Le site du musée indique que la collection de peintures de l'ancien musée fut préservée du bombardement de 1944, à la différence de la plupart des sculptures restées sur place. Faute de place, ne sont exposées que quelques-unes des principales œuvres antérieures au style impressionniste et seul un choix des œuvres suivantes peut de même être présenté au niveau supérieur, lorsque des expositions temporaires sont organisées au rez-de-chaussée, ce qui, compte tenu de l'accroissement régulier des collections, pose la question de l'intérêt d'une extension du musée.Le musée est particulièrement réputé pour sa collection de peinture moderne, notamment des mouvements impressionniste, post-impressionniste et fauve, qui comporte des œuvres des plus grands peintres. Certains artistes, comme Monet, Renoir, Pissarro, Marquet, les havrais Raoul Dufy et Othon Friesz (legs de Dufy en 1963 et Bellevallée en 1980) ou Eugène Boudin (plus de 200 toiles de ce dernier dont de très nombreuses études) sont particulièrement bien représentés dans les collections. On retrouve au musée des œuvres de : Hossein Nasr
Ainsi, dans l’art traditionnel, précise Nasr, l’artiste exprime, « au moyen de techniques traditionnelles, [...] des symboles, des idées, [...] qui dépassent [...] sa psyché individuelle » car ils relèvent du « monde spirituel » ; « c'est là la grande différence entre l'art traditionnel et l'art moderne ». Un art est considéré comme traditionnel « non pas en raison de son sujet mais en raison de sa conformité aux lois cosmiques des formes, aux lois du symbolisme, au génie propre à l'univers spirituel dans lequel il a été créé, à son style hiératique, à sa conformité à la nature du matériau utilisé et, enfin, à sa conformité à la vérité » telle qu'elle est exprimée par le milieu religieux dont il est issu. Expressionnisme (littérature)
L’art expressionniste est une forme d’opposition au naturalisme (du fait notamment des bases théoriques restreintes et rigoureuses de ce dernier) ainsi qu’au modernisme (à cause de son manque de sentiment de responsabilité universelle). Les auteurs expressionnistes considèrent comme la cause de la crise de la modernité le fait que l’homme a tourné le dos aux valeurs spirituelles et aux normes morales. Ils revendiquent le retour aux origines de la culture : ils se réfèrent aux mythologies grecque et romaine ainsi qu’à la symbolique qui leur est propre. Le critère esthétique primordial de ce nouveau courant est l’expression perçue comme la transmission inconditionnée des émotions de l’individu. La forme de l’œuvre, quant à elle, est traitée comme secondaire. Selon les expressionnistes, chaque texte littéraire doit effleurer les confins de l’absolu. Cinéma postmoderniste
Le film postmoderne est souvent séparé du cinéma moderniste et du film narratif traditionnel par trois caractéristiques clés. L'une d'elles est une utilisation intensive de l'hommage ou du pastiche résultant du fait que les cinéastes postmodernes sont ouverts à mélanger de nombreux genres et tons disparates dans le même film. Le deuxième élément est la méta-référence ou autoréflexivité, mettant en évidence la construction et la relation de l'image à d'autres images dans les médias et non à aucune sorte de réalité extérieure. Un film autoréférentiel attire l'attention du spectateur que le film lui-même n'est qu'un film. Ceci est parfois réalisé en mettant l'accent sur l'aspect non naturel d'une image qui semble artificielle. Une autre technique utilisée pour réaliser une méta-référence est l'utilisation de l'intertextualité, dans laquelle les personnages du film font référence ou discutent d'autres œuvres de fiction. De plus, de nombreux films postmodernes racontent des histoires qui se déroulent dans un ordre chronologique, déconstruisant ou fragmentant le temps pour, une fois encore, souligner le fait que ce qui apparaît à l'écran est construit. Un troisième élément commun est un pont entre les activités highbrow et lowbrow et les styles artistiques . Cela illustrerait la fusion du haut et du bas parce que Michel-Ange est largement considéré comme l'un des plus grands de tous les peintres, alors que la restauration rapide est communément nommée parmi les éléments discrets de la société moderne. Expositions universelles de Paris
L'appellation Art déco sous-entend une volonté de style décoratif. Pourtant deux tendances se distinguent : les contemporains et le vieux décor des années 1900 (Jacques-Émile Ruhlmann) et les partisans du modernisme, du style international, du purisme. La spécificité du créateur Art déco est qu'il est considéré comme un « ensemblier », il doit créer la totalité de la pièce choisie, du sol au plafond, il doit concevoir harmonieusement architecture et mobilier, accessoires. Architecture moderne
De "Winslon House" au type pleinement abouti des "Prairies Houses", l'expérimentation est incessante et chaque chantier l'occasion de développer et d'affiner des principes. La vision domestique de Wright est bien sûr marqué par les valeurs Arts & Crafts, la simplicité et la retenue, l'utilisation authentique et directe des matériaux, l'intégration du bâtiment dans la nature, l'unification des équipements et l'expression d'un idéal moral élevé. Claude Bonin-Pissarro
Les tableaux représentaient toutes les tendances de la peinture moderne d'alors, quoique d’orientation plus novatrice, contemporaine que l'exposition d'art moderne australienne de 1939 : "Herald Exhibition of French and British Contemporary Art", dont les œuvres passaient déjà pour classiques. Parmi les œuvres exposées à "French Painting Today", on trouvait parmi les compositions la "Passion" de Georges Rouault, "Le Peintre" de Bernard Buffet, "Mémoires" de Lucien Coutaud, le "Château de Saumur" de Jules Lefranc, "Le port endormi" d’Alfred Manessier, trois tableaux de Le Corbusier ("La femme au livre", "Les deux sœurs", "Deux mains et pomme d'or"), deux œuvres d'Henri Matisse, et bien d'autres de Jacques Villon, Pablo Picasso, Georges Braque, Hans Hartung, Maurice Estève, Alfred Manessier etc. Ces pièces étaient prêtées par le Musée national d'art moderne de Paris ou des collectionneurs privés. Bonin-Pissarro eut beaucoup de peine à obtenir ces prêts, notamment en ce qui concerne les toiles de Picasso et de Matisse. Sculpture monumentale
"Ornement et Crime", ouvrage majeur de l'architecte viennois Adolf Loos, promeut la simplicité, la géométrie et la cohérence structurelle de l'architecture. Cette conception s'oppose à l'éclectisme et à l'Historicisme alors en vigueur. Le "Mouvement moderne", l’"Architecture moderne", parfois également dit "modernisme", courant de l’architecture avec le mouvement du Bauhaus est caractérisé par un retour au décor minimal et aux lignes géométriques pures. L'absence de détails décoratifs devient la marque de fabrique de l'Architecture moderne et est assimilée aux vertus morales de l'honnêteté, de la simplicité et de la pureté. Ce qui avait commencé comme une affaire de goût se transforme en obligation esthétique virant à l'ostracisme. Les Modernes déclarent que leur façon de construire est la seule acceptable. Les métiers artisanaux de l'ornementation sont condamnés et disparaissent peu à peu. Les sculptures monumentales sont toujours utilisées pour les ouvrages en pierre et dans l'industrie funéraire pour décorer toutes sortes de pierres tombales et autres formes de sculptures funéraires. Dans l'art contemporain, le terme est utilisé pour désigner tout type de sculpture de grande taille quel que soit son propos. Ce sont généralement des sculptures de plus de deux mètres et suffisamment grandes pour nécessiter une plinthe. Beaucoup de ces sculptures monumentales sont commandées pour faire partie de l'art urbain, souvent placées sur des sites en plein air. La plus grande sculpture monumentale est réalisée par l'artiste Marino di Teana à Fontenay sous Bois, à côté de Paris. Architecture moderne
À partir de 1917, dans la revue "De Stijl", les premiers peintres, sculpteurs, architectes exposent leurs conceptions d'un style vraiment nouveau et les architectes ont la possibilité de mettre en application les principes collectifs du groupe réalisés d'abord par les peintres. Les premiers architectes sont Robert van 't Hoff, J.J.P. Oud et Jan Wils. Les premières œuvres ne sont pas totalement délivrées de la tradition et sont encore un peu monumentales, lourdes et fermées mais elles annoncent une période où l'architecture pourra se développer librement. Grâce à ces expériences, Gerrit Rietveld, Willem van Leusden, Cornelis van Eesteren et Theo van Doesburg purent tirer toutes les conséquences de la nouvelle tendance et étudier le problème d'un art collectif. Modernité
Particularités Yō-ga (peinture)
Depuis cette époque, le "yō-ga" et le "nihon-ga" sont les deux principaux genres de la peinture moderne au Japon. Cette division se retrouve dans l'éducation et les expositions ainsi que par l'identification des peintres eux-mêmes à un genre ou à un autre. Mais dans de nombreux cas cependant, les artistes "nihon-ga" ont aussi adopté les techniques réalistes de la peinture occidentales, telles que la perspectives et l'ombrage. À cause de cette tendance à la synthèse, bien que le "nihon-ga" forme une catégorie distincte au sein des expositions annuelles ("nitten") organisées par l'Académie japonaise d'art, il est devenu de plus en plus difficile ces dernières années d'établir une séparation nette entre les techniques et les matériaux des genres "yō-ga" et "nihon-ga". Henri Lefebvre
C'est la raison pour laquelle, Henri Lefebvre accorde son privilège à l'art. L'art est ici compris comme moyen d'une expérience esthétique capable de démontrer le caractère infondé de la conventionnalité des modes de vie quotidiens. Ainsi, l'art moderne pose les conditions de la suppression de la quotidienneté. Ces théories se réfèrent à l'expérience et aux réflexions du mouvement surréaliste, auquel Lefebvre appartenait dans sa jeunesse. La trilogie « Critique de la vie quotidienne » (1947, 1961, 1981) présente de manière très approfondie cette pensée. Peter Hacks
Hacks rejette énergiquement toute forme de romantisme dont il voit les racines dans l'incapacité d'une compréhension politique, dans un raisonnement irrationnel ainsi que dans l'absence ou bien une négation de dons esthétiques. L'art moderne, selon lui, est une continuation du romantisme. Le déclin des techniques de l'écriture poétique, le refus du respect des genres et de l'œuvre bien faite, le manque de respect du public qui a droit à un divertissement de qualité témoignent, aux yeux de Hacks, de l'esprit d'une époque barbare. Musée d'Art moderne de Paris
La collection moderne est représentative des mouvements artistiques qui se sont développés à Paris depuis le fauvisme en 1905 ; tandis que la collection contemporaine, à partir des années 1960, est plus ouverte sur la scène artistique européenne (nouveau réalisme, figuration narrative, cinétisme, arte povera, Supports/Surfaces, BMPT, artistes allemands et jeune scène française…). La donation Michael Werner a ainsi permis de réunir la principale collection française d'art contemporain allemand, avec celle du musée national d'Art moderne, par l'apport de nombreuses œuvres de Jörg Immendorff, A. R. Penck, Markus Lüpertz, , en complément des œuvres de Willi Baumeister, Hans Hartung, Konrad Klapheck, Gerhard Richter, Georg Baselitz, Sigmar Polke, Wolf Vostell, Andreas Gursky, Thomas Schütte, Jan Voss, Thomas Ruff, Gisèle Freund, Rosemarie Trockel, Gloria Friedmann, Albert Oehlen, etc., mais aussi d'acquérir des œuvres de Wilhelm Lehmbruck, Otto Freundlich, Per Kirkeby ou Marcel Broodthaers. Plus récemment, la collection s'est étendue aux artistes du monde entier, en Amérique, Chine, Afrique, etc. Abstraction (art)
Le terme « abstraction » peut aussi renvoyer aux différents arts abstraits qui caractérisent l'art moderne à partir du début du . Peinture en Corée
Depuis les années 1960, la tendance internationale à faire éclater les genres, peinture, sculpture, photographie, vidéo, performance... crée des formes nouvelles et souvent hybrides. L'art contemporain bénéficie de plus en plus de la mondialisation de l'information, et les artistes coréens, comme les autres, circulent aux quatre coins de la planète. Ceci ne veut pas dire que tout se ressemble, mais la notion d'art contemporain coréen s'applique à tous les artistes d'origine coréenne qui sont bien souvent absents de Corée, et en tant qu'artistes d'aujourd'hui semblent détachés de la peinture traditionnelle coréenne. Cependant leurs références à la Corée, à leur connaissance du pays et à son histoire nourrissent leur travail. Lee Ufan dépose un rapide coup de pinceau de bleu pur sur une porcelaine de Park Youngsook, évoquant ainsi de nombreux liens avec l'histoire de l'art coréen. Les pratiques de l'art contemporain se généralisent dans les années 1970, partout dans le monde, deviennent souvent monumentales (Mono-ha), et se renouvellent au contact de nouvelles technologies, comme l'art vidéo. Les artistes mettent l'accent sur leur démarche, quels que soient les moyens qu'ils aient choisis. Ainsi la peinture n'est souvent qu'un moyen souvent associé à d'autres pour produire un effet sur le spectateur. Lee Ufan, né en 1936, est une figure essentielle de l'art contemporain qui utilise la peinture dans cette optique. Il participe aux textes fondateurs, à Tokyo, du "Mono-ha" (1968-1975), littéralement « école (-ha) des choses (mono) ». Il met en relation différents matériaux, mais aussi ces matériaux et l'espace environnant. Ce peut être, en 2010, la simple apposition d'une brosse chargée de matière qui se révèle du bleu le plus intense après passage au four à céramique, sur une assiette de porcelaine du blanc le plus pur, de Park Youngsook (né en 1947). Les tableaux du musée Lee Ufan, à Naoshima, sont créés, en relation à l'espace du tableau, « avec des coups de pinceau qui semblent se synchroniser avec le rythme du souffle calme de l'artiste ». Art moderne
Précédant l'art contemporain qui commença en temps d'après-guerre, l'art moderne naquit lorsque des mouvements tels que le réalisme, le symbolisme et l'art nouveau devinrent populaires. Auguste Perret
À l'opposé, il ne défend pas les démarches extrêmes du Mouvement moderne, qu'il situe partiellement dans la « mode », retraçant de ce fait un instant de la pensée et ne pouvant pas aboutir sur une expression durable. Pour lui, ce type d'« esthétique » ne détermine pas l'essence de l'architecture, de la technique : elle en est une conséquence. C'est la construction et l'homme même, qui occupent cette place transcendantale, et il s'agace régulièrement de voir quelques expressions modernistes aller contre les règles « naturelles », à la fois durables et plus humaines. Ces exemples les plus cités sont : Architecture moderne
La recherche de nouveaux styles de vie est fondamentale dans les réalisations architecturales des années 1920 et dans les projets idéalistes de transformation de la cité industrielle. Les architectes les plus engagés socialement ont accès aux commandes individuelles mais la possibilité de réaliser des ensembles urbains leur est rarement accordée. La vision avant-gardiste de la cité reste souvent sur le papier mais marque peu à peu les générations suivantes et modifie le concept et l'image de la cité moderne. Hossein Nasr
La plupart des artistes modernes « s'enlisent dans leur propre ego [...], menant des vies » souvent dissolues, « alors que la perspective traditionnelle », au contraire, « cherche à libérer l’artiste par la discipline spirituelle [...] et à briser l'emprise de l’ego inférieur sur l’âme immortelle ». L’artiste traditionnel « n’essaye pas d’exprimer ses sentiments ou ses propres idées », comme le fait l’artiste moderne ; « l'Art pour l'art » n’est pas son credo, pas plus que « l'innovation, l'originalité et la créativité » car, contrairement à l’artiste moderne, il sait que l’art a pour but « de réaliser la perfection intérieure et les besoins humains au sens le plus profond [...], qui sont spirituels », intimement liés à « la beauté et à la vérité ». « Toute beauté, écrit Nasr, est un reflet de la Beauté divine et peut conduire à la source de ce reflet » ; mais le contemporain coudoie « la laideur, sans se rendre compte que le besoin de beauté est aussi profond que celui de l’air qu’il respire ». Styles architecturaux à Saint-Pétersbourg
Le style "Modern" ou "Art nouveau" est apparu et s'est développé rapidement dans les années 1890 et 1900. Il se manifeste principalement dans la construction des hôtels particuliers. Au départ les formes sont simplifiées, rectilignes, dictées par l'imperfection des structures de la construction. Les traits distinctifs de ces bâtiments sont l'asymétrie des façades et une grande liberté dans l'établissement des plans. Pour imiter la nature, qui n'a pas de lignes droites, la mode s'impose des silhouettes curvilignes, des clôtures et détails pittoresques, parfois l'imitation de la nature est directe grâce à de l'ornementation végétale ou animale. Peu à peu ce sont des constructions plus complexes avec des portes et fenêtres décorées de sculptures ou d'arabesques. Les matériaux utilisés sont relativement nouveaux: l'acier, le verre en grandes dimensions, le béton et le béton armé, ce qui permet, dans une certaine mesure, de créer des structures ajourées, plus ouvertes. Sur les façades apparaissent des mosaïques, de la majolique, des vitraux, du métal. Les intérieurs présentent aussi des éléments de l'art nouveau, sous forme de sculptures, de bossages, d'ornements, d'escaliers, de balustrades, de rampes. Musée d'art contemporain Goulandrís (Athènes)
Dans la salle principale se trouvent des œuvres de plusieurs grands noms de l'art moderne et contemporain, comme Braque, Chagall, Cézanne, Claudel, Degas, Gauguin, Kandinsky, Klee, Hélion, Léger, Miró, Monet, Picasso, Renoir, Rodin, Toulouse-Lautrec et van Gogh. Une pièce attenante renferme de la porcelaine chinoise, des objets en verre, ainsi que du mobilier et des objets décoratifs. Auguste Morel (musicien)
Selon les mots d'Alexis Rostand : « Les qualités dominantes de M. Auguste Morel sont le vif sentiment mélodique, l’expression et la clarté. Le caractère de sa pensée est le plus souvent triste, mélancolique ou pathétique. Quelquefois sa phrase vocale a l’accent un peu plaintif d’Halévy. Cet artiste laborieux et modeste, qui a presque toujours vécu en province et dont les travaux ne sont pas assez connus, doit avoir sa place à côté des personnalités les plus honorées de l’art contemporain. Une partie de son œuvre marquera parmi les meilleures productions de ce temps ». Alfred Ost
La période malinoise d’Alfred Ost se distingue par un tracé fin, c’est-à-dire une ligne continue pour dessiner les contours, des lignes interrompues pour les composants et les détails, et des traits parallèles pour les reliefs et le rendu des tonalités. Les surfaces ainsi délimitées sont comblées de couleurs souvent sans demi-teintes, par quoi ces surfaces se démarquent les unes des autres. C’étaient, à la fin du et au début du , les caractéristiques de base de l’art moderne de l’affiche. La prédominance d’une seule figure en est une autre, quoique ce trait entrât en conflit avec la tendance à la prolixité d’Ost, qui, ayant l’horreur du vide, tend à surcharger ses compositions et à ne laisser libre aucune marge. Autant que la manière de dessiner, les sujets mis en scène sont également typiques de la période malinoise : théâtre populaire, ducasses, marchés aux bestiaux, processions ― scènes peuplées de personnages bruegheliens, croqués avec réalisme et typés individuellement, potelés et joufflus, ou, à l’inverse, des pages, des chevaliers et des damoiselles sur des chevaux blancs, avec en arrière-plan le vieux Malines menacé par les projets de la mairie. À la fin de cette période, sans doute pour répondre au vœu de certains commanditaires (comme la municipalité de Malines), cette iconographie brueghelienne cède le pas à des figures plus classiques et à une atmosphère plus historicisante, sous forme de compositions cohérentes, plus mesurées, moins tumultueuses, qui réunissent autour d’une figure centrale des éléments locaux et historiques (armoiries, pignons, tours). Il consentit aussi à intégrer dans ses affiches les courbes végétales et lignes serpentines propres à l’Art nouveau, dont Ost avait assimilé le langage lors de son séjour à Paris, ― Art nouveau qui, bien que déjà passé de mode, perdurait encore dans le graphisme publicitaire de ces années. Lyon à l'époque moderne
Les arts classiques ne sont pas représentés à Lyon par des personnalités majeures. Il n'y a pas, à cette époque d'école de peinture ou de sculpture comme il y en aura au par exemple. Les deux artistes marquants de l'époque moderne sont le peintre Thomas Blanchet et l'architecte Jacques-Germain Soufflot. Les lyonnais développent un grand goût pour le théâtre. Des auteurs locaux se font connaître, telle Françoise Pascal, et Molière y passe entre 1653 et 1658, avant sa grande période de gloire. Arthur Danto
Arthur Danto considère nécessaire de faire une différence entre modernisme et contemporanéité. Selon lui, les années 70 forment une frontière entre les deux. Ces deux termes « modernisme » et « contemporanéité » sont cependant mal choisis car ils impliquent d’être moderne - pour l’un et contemporain pour l’autre, alors que les deux signifient : actuel, le plus récent. Pour l’art moderne il en retourne une différence d’appréciation esthétique, une pratique indépendante des canons d’une certaine époque, une révolution picturale, des idées de formes et de couleurs prises sous un nouvel angle. Alors que selon lui, l’art dit contemporain sort simplement de ce récit, de cette histoire de l’art, et découle petit à petit vers une nouvelle chose. C’est la fin de l’histoire de l’art, voire une fin de l’art, lorsque la chose de l’art change radicalement. Il n’est plus question d’esthétique mais bien de philosophie de l’art à travers l’art.  C'est une question de ce qu’est l’art, une libération de sa pratique, une liberté jusqu’à ce que l’artefact ne soit même plus obligé d’avoir une forme.Cette idée, formulée aussi par Hans Belting, pourrait être comprise comme la suivante : « L’objet de l’art est parvenu à un point d’achèvement ». Bolchevisme culturel
Au début du , le développement de l'art moderne dénote une divergence révolutionnaire par rapport aux valeurs artistiques traditionnelles, et une refondation sur la base de la perception individuelle et des sentiments des artistes. Ce rejet de l'autorité traditionnelle, intimement lié à la révolution industrielle et à l'avancée de la démocratie comme forme préférée de régime politique, fut à la fois stimulant pour certains et extrêmement menaçant pour d'autres, qui ne ressentaient plus la même sécurité que sous l'ordre ancestral. Architecture moderne
Sans l'apport du cubisme et de l'art abstrait, l'architecture des années 1920 aurait sans doute pris un autre visage. Les architectes insufflent dans leurs œuvres en trois dimensions un sens de la géométrie et de l'espace analogue à celui de la surface plane de la toile. À côté de l'influence spécifique du cubisme sur l'abstraction géométrique russe puis sur l'esthétique constructivisme ou celle du cubisme sur le purisme puis sur l'architecture de Le Corbusier, on devine en arrière-plan des préoccupations communes entre artistes et architectes de l'avant-garde de la première partie du et en particulier l'épure des moyens d'expression par le biais de l'abstraction. L'avant-garde cherche à innover en rejetant les formes périmées mais avec un mépris du passé récent s'accompagnant souvent d'un certain respect pour l'histoire plus lointaine. Loin d'être directe, l'influence du cubisme sur la forme architecturale emprunte des détours par des mouvements artistiques. Art déco
Cette architecture se distingue par un intérêt pour la richesse de décoration, pour l'aspect ressenti, au détriment de la structure constructive et du principe de la circulation visible dans l'édifice. Elle voisine avec l'architecture structurelle dite « moderniste » qui elle, en revanche, s'intéresse à la structure constructive, ce qui se traduit par des ouvertures pour décloisonner l'habitat et souvent aussi de larges baies vitrées. Les architectes modernistes et les maîtres d'ouvrage s'attachent moins à la richesse de la décoration. Ce qui distingue cette architecture structurelle de l'architecture Art déco plus classique est avant tout la recherche de la fonctionnalité de l'habitat (voir, par exemple, la composante structurée cuisine et salle à manger dans l'habitat, étudiée par l'architecte autrichienne, Margarete Schütte-Lihotzky, en 1926) et son moindre coût de construction. Ces deux approches architecturales comporteront de fait des passerelles conceptuelles entre elles, selon la rigueur d'application des théories et des styles en usage chez les architectes dans les pays, et selon la modernité du travail tel qu'il est défini sur la place de construction (architecture pouvant rester dans l'esprit colonial). Art contemporain
De surcroît, l'expression « manière contemporaine » est aujourd'hui utilisée pour des artistes encore vivants et actifs ou pouvant encore l'être, ce qui dans ce cas placerait l'origine de la méthode contemporaine dans les années 1960, avec le pop art, l'art conceptuel, Fluxus, les happenings ou l'art vidéo. C'est avec ces courants artistiques que prendrait fin la période de l'art moderne et la théorie de Clement Greenberg qui la définissait comme la recherche de la spécificité de la technique. Art contemporain
L'apparition de la photographie a exercé une influence sur de nombreux artistes dès le , tel que Degas et permis de donner naissance à l'art moderne. L'art n'a plus uniquement pour fonction importante de représenter fidèlement le réel, la photographie est mieux à même de le faire, l'art peut désormais s'essayer à d'autres formes, casser les canons de la beauté, et proposer des expérimentations nouvelles et des idées conceptuelles. L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne (début ), et notamment le désir de sortir l'art des lieux traditionnels et institutionnels. En ce sens, l'art perd peu à peu de sa fonctionnalité représentative. La création contemporaine demeure un miroir pour une réalité baignée des conflits et des prises de pouvoir qu’occasionnent ces attaques contre la rationalité. L'art reflète les crises de la société et demeure le lieu d'expression des valeurs. Les rapports de l’art à l’histoire ne s’évaluent ni qualitativement ni quantitativement, mais ils débouchent sur une conception plus institutionnelle de l'art : collectionneurs, sièges sociaux, galeries, musées pour s'ouvrir à un plus large public. Cependant, les acteurs de l'art moderne dans leur volonté d'exprimer leur opinion artistique hors des cadres institutionnels pour s'adresser au public, restent liés aux institutions ; leur démarche était de s'opposer à une idéologie (Heartfield envers le nazisme) ou au contraire de participer à la propagation d'une pensée politique. Modernité en poésie
La poésie étant l'art du langage rythmé, elle est à la fois un langage et une démarche esthétique. Dans la période dite « moderne », l'esthétisme n'est plus seulement caractérisé comme ce qui est défini comme « beau », mais comme ce qui est digne d'être regardé, et qu'un autre regard peut magnifier, sublimer. Ainsi, la modernité, sublimation du présent, veut prendre en compte tous les éléments du réel. En recréant le présent réel, et non pas le présent idéalisé, on atteint le statut artistique. Le monde moderne rentre ainsi dans la poésie. À la manière du ready-made de Marcel Duchamp ou de certains des poèmes de Francis Ponge, tous les objets peuvent ainsi devenir poétiques. Arts 56
L’immeuble reprend les codes du mouvement moderniste : des lignes géométriques pures, une répartition fonctionnelle et l’emploi de techniques nouvelles. La façade du côté de l’avenue des Arts est celle qui exprime le plus le style moderne. Elle est composée de deux parties : un soubassement qui concerne uniquement le rez de chaussée d’accueil et les étages où l’on trouve les bureaux. Les deux parties se différencient totalement par leur traitement en façade. Architecture moderne
L'architecture moderne est créée dans les pays occidentaux industrialisés à une époque où prospère une vision progressiste du monde avec des architectes d'avant-garde qui tentent d'élaborer un style authentiquement moderne adapté à une société se transformant rapidement. Le résultat est copié dans le monde entier et souvent mal appliqué. Dans les pays moins développés, l'influence des formes nouvelles n'est pas notable avant les années 1940-1950 et les réalisations manquent souvent de la poésie et de la profondeur des chefs-d'œuvre du mouvement moderne. Musée Wilhelm-Hack
Les principaux thèmes de la collection sont le modernisme classique, l’Art concret, le pop art et l’art contemporain. Le fonds du et du présent comporte des pièces de la collection Beck, de la collection de la ville de Ludwigshafen et de la collection Wilhelm-Hack. La collection comprend des œuvres prépondérantes du modernisme classique, de l’Art concret, du pop art et de l’Art contemporain, et est, toujours dans cet esprit, sans cesse agrandie.  Avec les nouvelles présentations de la collection qui changent chaque année, et la série d’expositions « Hackstücke » (Ernst Ludwig Kirchner (2010), (2011), Theo van Doesburg (2012), Stehende Muttergottes (2013)), qui analyse des œuvres ou artistes du musée dans son contexte historique, le musée Wilhelm-Hack poursuit avec constance son développement des collections. De trois à quatre importantes expositions temporaires sont également organisées chaque année. Le musée Wilhelm-Hack collectionne aujourd’hui surtout des pièces d'art contemporain, art qui est en continuité avec le Constructivisme ou l'Art concret.