Quelle est l’importance de la mise en scène au théâtre?
Mise en scène
Au théâtre, la mise en scène peut changer toute l'histoire, donner un aspect comique au lieu de tragique à une pièce, peut moderniser des pièces de Molière. La mise en scène n'est pas forcément le décor et les objets, la mise en scène est aussi le déplacement des comédiens, les gestes qu'ils font… La mise en scène peut également être un effet de lumière. C'est-à-dire que pour une mise en scène, un décor n'est pas obligé. Les lumières peuvent jouer presque toute la mise en scène, un changement de lumière peut vouloir dire un changement de lieu dans une pièce, et cela se comprend très bien, même sans aucun décor. Mise en scène
La mise en scène, réglant les moindres détails, a pour effet d’assurer l’harmonie générale de l’exécution. On n’arrive à ce résultat qu'au prix de beaucoup de travail et grâce à la confiance mutuelle que donne aux acteurs l’habitude de jouer ensemble.
La Mise en scène de la vie quotidienne
Dans la vie quotidienne, un individu en interaction avec un autre individu est donc vu par Goffman comme un acteur en représentation, dans la mesure où il doit maintenir une définition convenable de la situation, c’est-à-dire qu’il doit maîtriser l’impression qu’il donne de son activité au cours de sa représentation par différents procédés de mise en scène. Il doit « influencer les autres participants » et il joue toujours un rôle, lequel peut être différent selon la nature des interactions. Il dispose de différents modes opératoires, résumés dans ce chapitre.L’acteur dispose donc du décor (la toile de fond, les accessoires, les éléments scéniques) et de la façade personnelle (signes distinctifs, vêtements, sexe, âge, caractéristiques raciales, taille, attitude, façon de parler, mimiques, comportements gestuels, etc. certaines de ces caractéristiques sont changeantes). On distingue avant tout son apparence (statut social) et ses manières (le comportement que l’acteur souhaite tenir durant l’interaction). Un acteur peut avoir une place unique dans une petite communauté, mais, à mesure que celle-ci s’accroît, le système d’identification et de traitement se fait par clans. La façade devient alors représentation collective.L’idéalisation revêt par ailleurs un autre caractère : celui de donner au public une impression idéalisée de la relation que l’acteur entretient avec lui. Premièrement, « les acteurs donnent souvent l’impression que leur rôle actuel est leur seul rôle, ou du moins le plus important ». Il a donc tendance à séparer ses publics, et à maintenir ces séparations. L’acteur persuade donc son public que la représentation qu’il lui donne à une « qualité spéciale ». S’il refusait de mettre fin à cette séparation, « et à l’illusion qu’elle entretient, le public s’y opposerait dans bien des cas ». En effet, la représentation de l’acteur est un repère essentiel de son activité. Ce repère est une économie de temps et d’énergie pour le public, qui, en traitant l’acteur « en fonction de son seul aspect professionnel », évite le contact et le « partage des épreuves, des soucis, et des secrets personnels ». En fait, si l’acteur décidait de se comporter de la même façon avec tout le monde, le public ne saurait plus quoi penser de lui.On pourrait penser qu’une représentation n’est que le prolongement de l’expression d’un acteur. Or, bien souvent, elle sert plutôt à exprimer les caractéristiques de la tâche effectuée par l’acteur. La façade personnelle de l’acteur, c’est la façade de son employeur. « Le terme “ équipe de représentation ” ou, plus brièvement, “ équipe ”, désignera tout ensemble de personnes coopérant à la mise en scène d’une routine particulière ». Il se produit aussi bien une impression d’équipe quand ses membres donnent des représentations identiques que lorsqu’ils donnent des représentations différentes mais accordées. Erving Goffman
Goffman, dans "La présentation de soi", envisage la vie sociale comme une « scène » (région où se déroule la représentation), avec ses acteurs, son public et ses « coulisses » (l'espace où les acteurs peuvent contredire l'impression donnée dans la représentation). Il nomme « façade » différents éléments avec lesquels l'acteur peut jouer, tel le « décor », mais aussi la « façade personnelle » (signes distinctifs, statut, habits, mimiques, sexe, gestes, etc.). Les acteurs se mettent en scène, offrant à leur public l'image qu'ils se donnent. Ils peuvent avoir plusieurs rôles, sans qu'il y en ait un plus « vrai » que l'autre, et prendre leur distance vis-à-vis d'eux, jouant sur la dose de respect à la règle qu'ils jugent nécessaire ou adéquat. Emploi (théâtre)
Au théâtre, tout ce qui ne rentre pas dans la catégorie du décor ni dans celle du costume fait partie des accessoires. Dans cette catégorie, qui regroupe , on retrouve donc non seulement les objets nécessaires à la représentation, mais aussi des personnages, des rôles minuscules, classés au dernier rang des figurants, en dessous des utilités. C'est dans ce groupe que se recrutent les personnes apparaissant dans la distribution, sans qu'elles soient nommées individuellement, ni même que leur nombre soit précisé, ce qui les différencie des utilités. Muet, l'accessoire fait partie de la mise en scène. Exemples : La Répétition ou l'Amour puni
Anouilh ne tente pas d’exposer la réalité sur scène, mais de présenter une situation de théâtre. C’est la raison pour laquelle il utilise surtout des actions et des motifs de l’environnement théâtral. Le jeu de rôle éloigne la réalité de la scène de la vraie réalité. La formule de la pièce dans la pièce fournit l’occasion idéale au dramaturge de mener son enquête, centrée sur la théâtralité. Les deux fonctions principales sont de confondre et de tromper le spectateur. Le procédé est en plus un élément indispensable de la progression de l’intrigue de l’action principale. Scène (théâtre)
Lorsqu’un auteur sait distribuer la composition dramatique de manière à tirer de ses divisions mêmes le plus grand effet et à ranimer l’intérêt par chaque changement de scène présenté aux spectateurs, on dit qu’il a « l’entente de la scène ». Mademoiselle Julie
Ne reste plus qu’à glisser du théâtre comme spectacle au théâtre comme modèle, de la scène au discours philosophique. L’art du théâtre régénéré consiste à créer et à apprendre à voir le théâtre de la vie, une philosophie théâtralisée en quelque sorte. Strindberg écrit dans sa préface : Nietzsche défend de son côté que « tout ce qui est profond aime le masque », c’est-à-dire le théâtre en tant que représentation du monde dans sa complexité et son mystère. Encore faut-il savoir « théâtraliser » le monde, prendre la distance nécessaire avec ce qui se joue sur la scène de l’existence. Maud Gouttefangeas apporte la preuve par "Mademoiselle Julie" que la prise de conscience passe par le théâtre, en l’occurrence le théâtre dans le théâtre : Pour Nietzsche, le bon spectateur est celui qui a un « œil de théâtre », conscient, et par cela supérieur, de n’être qu’un point de vue. « Théâtraliser » devient synonyme de « distancier », ce que Strindberg traduit par « obliger l’œil à adopter une perspective inédite ». De ce fait, le théâtre strindbergien dans le sens du perspectivisme nietzschéen permet : Mécanisme narratif dans les jeux de rôle sur table
La conception des scènes est radicalement différente dans les jeux narratifs et dans les jeux de rôle. En effet, l'essence des jeux narratifs est de créer des scènes ; cette conception se fait donc au fil du jeu, par tous les joueurs — à tour de rôle ou bien ensemble. Dans les jeux de rôle, le but est de faire évoluer la scène à partir d'une situation initiale, le concept est donc en général établi avant le début de la partie ; « en général », car le meneur de jeu peut avoir à improviser une scène et donc à la concevoir à la volée. Pièce à thèse
Si le théâtre servait depuis longtemps de tribune au débat social, la pièce à thèse se distingue d’abord de celles qui l'ont précédée en raison de la volonté didactique de l’auteur de défendre un point de vue moral, philosophique ou social en confrontant le spectateur au dilemme où sont placés les personnages de la pièce. En 1859, le critique littéraire de "L'année littéraire et dramatique ou Revue annuelle des principales productions de la littérature" note la difficulté de qualifier ces pièces nouvelles « qu’on ne saurait classer ni parmi celles d’intrigue, ni parmi celles de mœurs, ni parmi celles de caractères ». Il en esquisse la problématique : Théâtre
Aujourd'hui, à l'heure des arts dits pluridisciplinaires, la définition de l'art du théâtre est de plus en plus large (jusqu'à se confondre avec l'expression spectacle vivant), si bien que certains grands metteurs en scène n'hésitent pas à dire que pour qu'il y ait théâtre, il suffit d'avoir un lieu, un temps, un acte et un public. Mise en scène
L'émergence de la mise en scène en France date du succès d'André Antoine et de son "Théâtre-Libre" en 1887. Cette émergence est influencée par plusieurs facteurs : l'avènement du mouvement naturaliste, la conscience des limites théâtrales actuelles dans une volonté de réalisme artistique et un climat profondément positif. Jules Renard travaille plusieurs fois en tant qu'auteur avec André Antoine. En 1900, il décrit ainsi son travail de mise en scène : . Antonin Artaud
Le renouveau de la mise en scène par les auteurs du Nouveau Théâtre provient en grande partie de leur lecture d’Antonin Artaud et de la manière dont il a conçu l’écriture scénique. Théâtre
Les humains, vivant en société, deviennent nécessairement des acteurs sociaux, qui changent de rôle constamment (au travail, en famille, entre amis, etc.). Cela renvoie à la notion de Theatrum mundi qui soutient que la vie est un spectacle, que le monde est une scène, que les êtres humains sont des comédiens et que Dieu est l'auteur et le metteur en scène de cette grande pièce de théâtre.À rebours de la plupart des autres spectacles, où l'on admet, et quelquefois recherche, une certaine décontraction des individus composant le public, il s'est construit au une discipline de spectacle acceptée de tous. Par exemple, au , il était très courant que le public siffle un spectacle de théâtre ou se mette à se disputer ; ce n'est plus le cas aujourd'hui. Aujourd'hui prime le respect du travail présenté, et la recherche d'une communion entre les personnes présentes. Place des femmes dans le théâtre
Tout d'abord, les femmes sont largement minoritaires au sein du théâtre canadien. En effet, les hommes sont beaucoup plus nombreux et occupent des postes plus importants que ceux des femmes. Entre 1978 et 1981 sur les pièces montées dans tout le Canada, 10 % ont été écrites par une femme et 13 % ont été mises en scène par une femme. Sur la même période, 104 théâtres étudiés avaient un directeur artistique féminin. Par ailleurs, dans le théâtre pour l'enfance et la jeunesse, 34 % des compagnies étaient dirigées par une femme. D'autre part, le théâtre représente des coûts élevés de production. Cela résume en grande partie le conservatisme notable de l'industrie théâtrale. Le théâtre est une entreprise risquée qui exige donc une main d’œuvre élevée. Par conséquent, l’État aide les théâtres à se développer en leur offrant des subventions. Par exemple, d'après Rina Fraticelli à propos de la condition des femmes dans le théâtre canadien, « dans le groupe de compagnies qui reçoivent annuellement du Conseil des arts et plus, les chances d'emploi des femmes dramaturges, des metteuses en scène et des directrices artistiques sont encore plus minces qu'ailleurs. Dans ces théâtres privilégiés qui font partie du «groupe des 18», le public canadien peut s'attendre à ne voir que 7 % de pièces dont l'auteur soit une femme, et à peine 9 % de pièces mises en scène par une femme. Durant les trois années couvertes par ces statistiques de 1978 à 1981, deux théâtres seulement avaient des directrices artistiques ». Enfin, en ce qui concerne la prise de décisions importantes, comme au sein de toutes industries culturelles, les décisions administratives et artistiques sont principalement entre les mains des hommes. En effet, on peut constater une certaine idéologie qui repose sur le fait que les différences biologiques visibles entre les femmes et les hommes, impacterait le champ d'action des femmes et également le plan social. Hystérie
Le philosophe et historien Georges Didi-Huberman souligne l'importance des actes de mise en scène des patientes hystériques par Charcot et les médecins de son époque : . Didi-Huberman parle à ce titre d'« invention de l'hystérie », en raison du rôle important de cette mise en scène dans l'acception populaire du phénomène d'hystérie. Créa-théâtre
Il y a les certitudes : celle notamment de la volonté d'exister dans cette réalité et de la vivre. La certitude que faire du théâtre, ce n'est pas un choix mais la seule et unique manière de pouvoir réagir face à la réalité pour tous ceux dont la nature est de s'exprimer dans le moment présent par la parole et le corps. Le théâtre est donc un art vivant. La Mise en scène de la vie quotidienne
Lorsqu’une représentation met en scène plusieurs acteurs, un membre de l’équipe est souvent mis en vedette (par exemple le roi). Mais, d’une manière générale, les acteurs n’ont pas toujours le même rôle à tenir, et n’ont donc pas toujours dans la représentation le même « relief dramatique ». Il est important de distinguer ce relief dramatique de l’autorité directoriale, car celle-ci est en réalité souvent au second plan dans une représentation. On voit que certains acteurs dans une équipe en représentation ont un « rôle strictement cérémoniel », tandis que d’autres n’apparaissent que rarement en public. Goffman constate, à son époque, que le mari doit procurer un certain niveau de vie à sa famille, mais que c’est sa femme qui a le rôle d’en faire l’étalage. Pour lui, une équipe ressemble un peu à une société secrète : on doit cacher la façon dont on coopère. Living Theatre
Les principes du happening et de l’improvisation repris par le Living mettent à contribution le corps de l’acteur. Le corps n’est plus soumis à un texte qui le prédétermine mais est confronté à l’imprévisible et au hasard. Le corps lors des happenings est confronté à un espace différent de celui de la scène théâtrale. Max Reinhardt (metteur en scène)
Max Reinhardt initie et participe à la réforme du théâtre européen après la Première guerre mondiale. Comme Craig, il revendique le rôle capital de la mise en scène et son autonomie. Il tient à la faire sortir de l'ombre de la littérature et du texte. Reinhardt est également très attaché au rôle du comédien, qu'il souhaite mettre au centre de la performance théâtrale. Comédien de formation, et reconnu comme un excellent acteur, ses maîtres en la matière sont Shakespeare et Molière. Il met très régulièrement en scène leurs œuvres, et s'inspire de Molière pour former un art de l'acteur qui intègre la danse, le chant et la pantomime à parts égales avec le texte. Le triple rôle de l'écriture dramatique, du jeu et de la mise en scène doit constituer pour lui le socle fondamental de la création au théâtre. En cela, Reinhardt s'éloigne de Craig et de sa volonté d'atteindre la suppression du comédien. Réalisateur
C'est après 1958, avec l'arrivée de la Nouvelle Vague, que la mise en scène devient un enjeu théorique. Dans un article de "La Revue du Cinéma" de 1946 intitulé « Les Origines de la mise en scène », Jean-Georges Auriol définit l'origine de la réalisation à Giotto, peintre : Piccolo Teatro di Milano
En Italie, avec le Piccolo Teatro c'est l'idée d’un théâtre innovant qui s’affirme, un théâtre qui puisse constituer un bien réel pour les citoyens, avec des choix profondément novateurs. Ce sont des années qui privilégient la qualité de la mise en scène par rapport aux performances répétitives du « grand acteur » de type classique. Au Piccolo Teatro, à côté de la dramaturgie du monde entier, prend corps une esthétique rigoureuse mais poétique qui, suivant l’exemple des grands novateurs de la scène, de Jacques Copeau à Max Reinhardt, met au premier plan la formation de l’acteur à l’intérieur de cet organisme construit qu'est le spectacle, fermement tenu dans la main créatrice du metteur en scène. Ce sont d’ailleurs la qualité esthétique extraordinaire et la nouveauté dans l’organisation qui constituent les deux pivots d’excellence du Piccolo Teatro qui devient un moteur pour toute la scène italienne. Micheline Boudet
Comme son camarade Robert Hirsch, elle a su donner du sens à des mises en scène qui n’en avaient pas forcément beaucoup ; comédienne-née, le théâtre se métamorphose grâce à son sens du spectacle. Maurice Descottes évoque un épisode de son interprétation de Suzanne du "Mariage de Figaro" dans la mise en scène de Jean Meyer : « l’actrice mit en valeur certains effets inédits qui remplirent d’aise les connaisseurs. Presque tous les comptes-rendus critiques font un sort à « l’irrésistible imitation de la comtesse » par Suzanne : « bravo pour son pastiche d’Hélène Perdrière »… Il s’agit bien évidemment là d’un numéro d’actrice, mais un numéro qui n’est pas gratuit puisqu’il a le mérite de bien s’insérer dans l’intrigue ». Combien n’en a-t-elle pas sauvé de ces mises en scène poussiéreuses. Elle-même raconte les difficultés éprouvées par les comédiens pour jouer des pièces en l’absence de toute mise en scène : « Pour ce premier soir comme pour les autres, je dus me reporter aux intentions de l’auteur, les indications de mon cher maître et metteur en scène s’étant à peu près bornées à ceci : « Tu entres par le fond, tu es en bleu, on te poudrera les cheveux, ce sera très joli, laisse-toi aller, tu es le personnage ». Et voilà : dix-huit ans, un rôle très difficile, tout Paris qui guette la « débutante », et pas un travail sérieux auquel se raccrocher ! ». William S. Gilbert
Robertson « introduisit Gilbert à la fois à la notion révolutionnaire de discipline dans les répétitions et à la nécessité de la mise en scène ou de l’unité de style sur l’ensemble de la pièce – mise en scène, design, musique et jeu des acteurs. »36 Tout comme Robertson, Gilbert exigeait de la discipline chez ses acteurs. Il insistait pour que ceux-ci connaissent leurs textes parfaitement, qu’ils aient une prononciation impeccable et qu’ils suivent ses instructions avec rigueur, toutes choses tout à fait nouvelles pour beaucoup d’acteurs à l’époque. L’une des principales innovations fut l’abandon de l’acteur vedette  au profit d’un ensemble discipliné, « élevant le metteur en scène à une nouvelle position de domination » dans le théâtre. « Que Gilbert ait été un bon metteur en scène ne fait aucun doute. Il était capable d’obtenir de ses acteurs un jeu naturel et limpide, ce qui répondait parfaitement aux exigences gilbertiennes de produire l’outrancier sans artifice. » Simonne Jacquemard
Elle écrit encore, à propos du théâtre : le théâtre est destiné à provoquer, à bouleverser, à déchaîner, à désenchaîner, à remettre en question, à présenter des miroirs déformants, à montrer l'homme dans sa plus grande dimension, et à le jeter au sol comme l'esclave qu'il sait qu'il demeure : esclave de ses peurs, de sa propre férocité, de ses convoitises parfois infâmes, esclave de la maladie et de la mort. La Mise en scène de la vie quotidienne
Il s’agit de tous les témoignages de connivence exprimés « avec une prudence suffisante pour ne pas porter atteinte aux apparences illusoires qu’on maintient devant le public ». Cette communication s’établit par des indications scéniques, ou par une « complicité de dérision (lorsque des employés font des grimaces à leur patron, quand on griffonne des petits dessins, ou que l’on s’évade en continuant à maintenir la représentation). La complicité de dérision se rencontre dans « les situations ou l’acteur est contraint d’adopter une conduite en contradiction profonde avec ses sentiments personnels ». Mais en se moquant du public, ou d’un équipier, l’acteur montre qu’il se moque aussi de l’interaction, ou qu’il la maîtrise. Cette complicité, l’acteur l’instaure involontairement, sans contrôle préalable. Ainsi, on comprend l’importance du « second », c’est-à-dire « le rôle d’une personne qu’une autre personne introduit à son gré dans sa représentation à seule fin de s’assurer l’agrément d’une compagnie. Il est pour le maître à avoir « toujours quelqu’un avec qui s’allier contre les autres personnes présentes ». Fédora (pièce de théâtre)
La mise en scène tient de manière générale une place essentielle dans le travail de création de Victorien Sardou particulièrement estimé par les réformateurs Antoine et Lugné-Poe. Dans "Fédora", l'expression diffuse de l'exotisme et du sentiment de la décadence servent l'efficacité de son intrigue et la construction du rôle principal. Cyril Le Grix
Il a réalisé un documentaire sur la mise en scène théâtrale , "Les Artisans de L’Éphémère", produit par le Syndicat National des Metteurs en Scène, brossant le portrait d'une dizaine de metteurs en scène d'horizons différents (public/privé/compagnie) :"Tenter de mieux comprendre ce qu'est l'art de la mise en scène, réfléchir à la relation l'auteur-texte/auteur de la mise en scène, saisir les enjeux et les difficultés de ce métier et partager la passion de ces metteurs en scène pour le théâtre, sont les raisons d'être de ce film". Improvisation théâtrale
L'improvisation théâtrale est le lieu du théâtre contemporain où, durant la représentation, l’acteur est à la fois dramaturge, metteur en scène, scénographe et acteur. L'improvisateur joue devant un public sans texte prédéfini et sans mise en scène préalable, selon un temps donné et selon ce que lui inspire le thème de l'arbitre. L'improvisation, plus communément appelé « impro » dans le milieu, fait appel aux différentes techniques de l'art dramatique mais aussi au chant et à la danse, et permet de développer la créativité, l'écoute et l'échange chez le comédien. Le théâtre d'improvisation est une technique de jeu dramatique utilisant l'improvisation théâtrale, soit le jeu non-préparé (mis à part le caucus de généralement 10 secondes avec son équipe) devant un public. Théâtre
Pour la préparation d’une production et les représentations, le metteur en scène peut faire appel à plusieurs autres personnes, notamment : Marquese Scott
Scott prend également le temps de bien choisir les lieux de ses productions. Il est reconnu pour choisir minutieusement sa mise en scène. Dramaturgie (théâtre)
La dramaturgie, du grec δρᾶμα [drama] qui signifie « action », est l’art de transformer une histoire, vraie ou imaginaire, en un récit construit, comportant un ou des personnages en action. Au théâtre, la dramaturgie est l’art du récit représenté, dans le cadre d’un spectacle vivant. Michel Garneau
Michel Garneau perçoit le théâtre comme un organe unificateur de son œuvre et principe multiplicateur de langages à inventer. L’improvisation tient une grande place dans l’élaboration de ses pièces. L’apport de l’acteur est déterminant pour Garneau dans l’avènement du spectacle. C’est pourquoi il affectionne particulièrement la Ligue nationale d’improvisation. Il accepte l’invitation du Festival d’Avignon, en France à diriger en 1978 un atelier d’écriture public qu’il intitulera "L’Abécédaire conditionnel". La poésie et le théâtre sont deux genres que Garneau exploite à fond pour en tirer tout le potentiel créatif qu’ils peuvent susciter. Dès son plus jeune âge, il se voit poète et rédige très tôt ses premiers poèmes. Théâtre (édifice)
La scène "à l'italienne" est typiquement surélevée par rapport à la salle. La scène est aussi le centre d'un vaste volume en grande partie invisible du public : la « cage de scène », où sont aménagés différents espaces techniques recevant une machinerie complexe permettant de produire des effets spéciaux ou décoratifs variés pour la mise en scène ou présentation adaptée, organisée pour chaque type d'œuvre ou genre de spectacle. Samuel Beckett
Pour Beckett, la mise en scène n'est donc pas simplement une nouvelle représentation de quelque chose contenu dans le texte, mais c'est surtout l'occasion de lui donner une forme visuelle et sonore. Elle devient pour lui un moyen de prolonger, par une coopération auteur / metteur en scène avec lui-même, son projet artistique par la création théâtrale. Il produit également par ce travail scénique, comme par la traduction, des variantes littéraires qui ne sont pas des désaveux des versions précédentes, ni des équivalents littéraires, mais des textes nouveaux, par re-création. Le rapport direct au théâtre devient alors un élément crucial de son activité créatrice, après un « épuisement » de sa création narrative. La Mise en scène de la vie quotidienne
Les individus sont lucides sur eux-mêmes (ce qu’ils font dans la coulisse) mais se méprennent sur les autres. Goffman explique que ce facteur est un frein à la mobilité sociale. Les individus de condition élevée ne sont pas en réalité moins familiers ou vulgaires que les ouvriers, mais ils ont moins souvent l’occasion de l’être. Enfin, notons qu’un acteur peut se sentir obligé adopter des manières familières dans la coulisse et donc à traiter le comportement de détente comme une représentation où il joue un personnage. La détente est donc remise à plus tard. On peut ajouter une troisième région, résiduelle, « constituée par tous les lieux autres que les deux régions déjà recensées et que l’on peut désigner comme “région extérieure”, où se trouvent des “personnes extérieures” à la représentation. On sait que les acteurs prétendent que le rôle qu’ils jouent au moment où ils le jouent est le plus important. On en déduit qu’ils ne jouent qu’un seul rôle. Lorsqu’un individu assiste à une représentation qui ne lui est pas destiné, il perd ses illusions sur l’acteur, et sur sa représentation. L’acteur s’en trouve embarrassé. Goffman cite Kenneth Burke: « Si l’homme qui se comporte en tyran au bureau et en femmelette à la maison devait soudain devenir l’employeur de sa femme ou de ses enfants, il trouverait son procédé de dissociation inadéquat et pourrait se sentir désorienté et tourmenté ». Il ne sait plus comment agir, ni comment jouer. L’acteur doit séparer ses différents publics, “de sorte que les gens qui le voient dans l’un de ses rôles ne le voient pas dans un autre”. Il lui faut pour cela contrôler la région antérieure. L’acteur doit aussi bien écarter les membres du public qui pensent qu’il joue mal que ceux qui sont trop habitués à l’avoir vu jouer différemment. Lorsqu’il échoue à séparer ses publics, et qu’une personne de l’extérieur joue les trouble-fête, deux chances peuvent s’offrir à l’acteur. Soit le public déjà présent devient son complice, soit il fait croire à l’intrus qu’il a déjà vu qu’il était là depuis longtemps. Mais, fatalement, la présence d’un intrus bouscule la représentation en cours et produit une gêne. C’est pourquoi, quand c’est possible, on fait comme si l’intrus n’était pas là, ou on lui demande de “rester dehors”. Mise en scène
La problématique de la mise en scène est son rapport au texte, au respect plus ou moins strict de la pensée et des intentions de l'auteur. Historiquement se dégagent trois courant d'opinions. Théâtre « In-Yer-Face »
Aleks Sierz insiste sur l’importance de la nudité sur scène, qui sert à montrer à la fois «la beauté du corps et sa vulnérabilité», en même temps qu'elle est un signe de transgression envers un ordre culturel et social établi. Le nu est d’autant plus frappant au théâtre que c’est un corps réel qui est présenté au regard du spectateur sans aucune médiation, contrairement aux autres arts comme la peinture, la sculpture, la photographie ou le cinéma. Théâtre à l'école
Certains metteurs en scène vous le diront : « la différence entre une bonne et une mauvaise pièce c'est... cinq minutes ». Il faut veiller à éviter les longueurs, les moments où il ne se passe rien sur scène, les trous entre les répliques. À force, cela lasse le spectateur qui perd le fil du récit. Pour cela, il existe plusieurs techniques de travail :Pour l'enseignant, c'est un moment souvent difficile. Mais c'est son rôle de metteur en scène de choisir les acteurs. Il est important, voir essentiel que durant les répétitions, les enfants aient pu s'essayer à chaque rôle. Il est important que le jeune ne se sente pas lésé. Mais l'évidence est là : les personnages doivent être distribués. Comme le préconise Bernard Grosjean dans ses ouvrages sur le théâtre en milieu scolaire, il faut commencer par demander à chaque élève de réaliser "une fiche de vœux". Sur celle-ci, il peut inscrire, dans l'ordre de préférence, trois personnages qu'il veut interpréter. C'est ainsi à l'enseignant de faire la part des choses en tentant de satisfaire les envies de chacun, tout en gardant une cohésion dans la distribution. On ne travaille pas dans ce genre de situation sur le "mérite" ou "talent" des élèves. Le but d'un atelier théâtral dans le milieu scolaire est avant tout de donner une approche du théâtre aux enfants en les amusant, en les intéressant. De plus, il arrive souvent qu'un enfant qui montre moins de facilité concernant l'interprétation d'un certain rôle (timidité, malaise...) ne demandera pas le "personnage vedette" de la pièce, ce qui finalement permet, dans ce cas, de construire une distribution qui n'est pas très éloignée de celle qu'un enseignant aurait pu produire de son propre chef, tout en respectant le choix des enfants. William S. Gilbert
Désormais reconnu, Gilbert commença à mettre en scène ses propres pièces et opéras et il avait une idée bien précise sur la façon dont elles devaient être jouées41. Il fut fortement influencé par les innovations en matière de « scénographie », désormais connue sous le nom de mise en scène, initiées par des auteurs tels que James Planché ou plus particulièrement Tom Robertson28. Gilbert assistait aux répétitions de Robertson pour apprendre directement de ce metteur en scène d’expérience, et il commença à s’en inspirer dans certaines de ses premières pièces27. Ce qu’il recherchait, c’était le réalisme dans le jeu des acteurs, les décors, les costumes et le mouvement, si ce n’était dans le contenu de ses pièces (bien qu’il écrivit une comédie romantique dans un style « naturel », "Sweethearts", en hommage à Robertson), il évitait l’interaction embarrassante avec le public et insistait sur un style de représentation dans lequel les personnages n’étaient jamais conscients de leur propre absurdité, mais étaient des personnes intérieurement entières et cohérentes. Écriture scénique
Écriture scénique est un terme lié à la mise en scène d’une œuvre dramatique. Il s’agit de la transposition de l’écriture dramatique sur scène. La façon d'utiliser l'appareil théâtral pour mettre en scène les personnages, le lieu et l'action qui s'y déroule. Les "Cahiers de régie" de Constantin Stanislavski sont l'exemple de la mise en place de l'écriture scénique, encore prise à l'époque entre la régie et la mise en scène. Exposition (théâtre)
Le théâtre, dès l'époque romantique, s’est ensuite affranchi des exigences de la dramaturgie classique pour engager l’action, sans préambule et sans se préoccuper de faire connaître à l’avance au spectateur les personnages avec le lien qui les rattache à l’action. L’absence d’exposition régulière permet même le moyen d’effet de la surprise. Théâtre
En constituant leurs écoles, Constantin Stanislavski ou Vsevold Meyerhold, en particulier, veulent mettre fin au mythe du talent et de l'inspiration. Le théâtre se construit, selon eux, sur des bases scientifiques. Si l'on devient acteur, si l'on devient actrice, c'est grâce à une pédagogie et une pratique rigoureuses - ils ne seront pas d'accord sur ce qu'est cette pédagogie et cette pratique, mais c'est un autre question. Mise en scène
Vladimir Nijny publie, après la mort du réalisateur russe Sergueï Eisenstein, le livre "Mettre en scène", qui reproduit les cours donnés par Eisenstein dans les années 1930 à la Faculté de mise en scène de l'Institut Cinématographique d'État. Dans ce texte, Eisenstein exprime une conception de la mise en scène proprement cinématographique. Dans les travaux collectifs de mise en scène qu'il effectue avec ses élèves, Eisenstein s'appuie néanmoins sur la tradition théâtrale et utilise des textes littéraires à partir desquels il construit une mise en scène pour le cinéma. Eisenstein explique à ses étudiants : . Yánnis Kókkos
Les mises en scène de Yánnis Kókkos sont surtout misées sur l’espace de la scène et les mouvements de l’acteur. Selon lui, le théâtre est mesuré par la taille du corps humain, donc toutes ces décisions sont prises en fonction de l’acteur. Kokkos désire également livrer des mises en scène qui suppriment les artifices ainsi que le superflu De plus, il souhaite que ces mises en scènes soient claires pour le public et que celles-ci puissent bien comprendre les différentes teintes de son travail. Kokkos se donne également comme boulot de créer un certain contraste entre la scène et le public. Mise en scène du pouvoir politique
Ce souci de jouer sur l'apparence, à l'aide de techniques proches de celles du théâtre et du spectacle en général, existe dans de nombreux domaines du pouvoir, et dans toutes les formes de pouvoir politique. Guy Junior Régis
Dans son entretien, déjà cité, avec Christine Tully-Sitchet, Guy Régis Jr confie sa vision du théâtre : « Je crois dur comme fer que le théâtre peut aider à tout changer dans une cité. Qu’il peut être un guide, puisqu’il prêche toujours l’humanité. Je crois qu’il pourrait amener à rendre perfectibles les êtres humains. C’est peut-être une des rares choses dans laquelle je crois. Je crois aussi à la futilité de cet art, de tout art. Ce qui le rend noble à mes yeux. Et tout aussi indispensable. » Ensemble vocal Intermezzo
L’idée de mise en scène part de l’envie, simple, de montrer l’envers du décor d’un récital, de « faire tomber » les robes de concert froufroutantes et de revenir vers les séances de travail précédant la rencontre avec le public. Yánnis Kókkos
Ces mises en scène sont signées d’une très grande justesse, car il les construit très minutieusement, et il travaille avec une équipe sous un principe d’échange dans lequel ils ont tous droit à leur opinion. Tout d’abord, Kokkos écoute, dans le cas d’un opéra, ou lis, dans le cas d’une pièce, à plusieurs reprises afin d’entrer le plus possible dans l’univers de l’œuvre. Le metteur en scène possède également un très grand intérêt pour le cinéma, donc il lui arrive même de créer des plans découpés comme au cinéma afin de mieux visualiser ces œuvres. Anne Blanchard, sa femme, l’aide beaucoup lors de son cheminement. De plus, il écrit lui-même les livrets de ces spectacles. Ses inspirations pour ces mises en scène sont très variées et difficile à cerner, cependant, il aime bien observer les gens dans leur vie de tous les jours. Metteur en scène
Jusqu'au début du , la mise en place d'une pièce de théâtre était la responsabilité de l'auteur ou des principaux comédiens. Au est née l'idée de principes dramaturgiques novateurs, à appliquer concrètement sur scène : le metteur en scène prend ainsi une particulière importance, devenant le « maître du plateau » en se distinguant progressivement du régisseur. Pédagogie du théâtre
L'objectif premier de la pédagogie du théâtre est d'amener un changement dans notre compréhension du monde qui nous entoure. En atteignant ce but, d'autres compétences sont enseignées et apprises, entre autres :La pédagogie du théâtre met l'accent sur ces formes de communication pour simplifier les interactions humaines, aider les participants à mieux se connaître ainsi que leurs pairs et leur environnement. Ancré tout autant dans l'éducation traditionnelle que dans le théâtre amateur, le champ d'action de la pédagogie du théâtre s'est développé pour toucher plusieurs secteurs, dont :Les personnes qui pratiquent la pédagogie du théâtre travaillent dans un cadre éducatif basé principalement sur une situation concrète, dans laquelle le théâtre est généralement utilisé comme moyen de parvenir à un objectif. À travers cette méthode, la pédagogie du théâtre, donne aux participants la possibilité d'explorer leurs propres idées et de suivre leurs impulsions, ce qui étend les modes de communication et d'interaction, avec soi-même comme avec son environnement socio-culturel. Utiliser la gestuelle, l'intonation, l'expression faciale et le comportement sur scène invite les participants à analyser ces aspects performatifs créés par la tension dramatique dans leur vie quotidienne. Mettre physiquement en scène des situations et des personnalités de la vie réelle permet à ces situations de s'exprimer plus clairement. Mise en scène
Auparavant, les acteurs devaient interpréter leur rôle selon des conventions établies. Chaque artiste élaborait individuellement sa gestuelle et sa déclamation, il fournissait lui-même le costume de son personnage, et les mouvements de scène étaient réduits au strict nécessaire. C’est avec l’idée d’unifier le style d’un spectacle, dans le jeu des comédiens, les costumes et l’espace des décors, que les dramaturges et directeurs de théâtre ont commencé à élaborer des mises en scène. Improvisation théâtrale
L'idée est simple : jouer, à partir de deux mots tirés au hasard par le public, deux improvisations différentes de 45 minutes chacune. Pour faciliter l'exercice, un présentateur en coulisse peut à tout moment intervenir dans l'histoire, la stopper ou lui donner une autre direction en donnant des indications aux comédiens présents sur scène : faire, en quelque sorte, de la mise en scène en direct... René-Charles Guilbert de Pixerécourt
Plus récemment, Roxane Martin a insisté sur l'importance des formes spectaculaires imaginées par Pixerécourt, fondatrices selon elle pour les écritures scéniques de la période romantique et pour le développement de la « mise en scène » : Scénographie
Au théâtre, l’incursion de la scénographie est l’élément qui distingue le scénographe du décorateur et fonde sa pratique. La conception d’un espace scénique est rendue libre par le fait qu’il n’ait plus à être une représentation de l’existant. Une scénographie ne copie pas une forme du réel, elle a une valeur autant métaphorique que visuelle. Cette métaphore possède parfois ses propres règles, miroir exact ou image inversée dans les cas les plus extrêmes de ce qu'elle illustre, elle peut amener un surplus de sens (redondance ou hyperthéâtralité), en tout cas ouvre les possibilités de réception sensible de la pièce et les multiplie. La Mise en scène de la vie quotidienne
On peut définir une région comme « un lieu borné par des obstacles à la perception » (vitres, cloisons, etc.). Les acteurs associent à ces lieux déterminés certaines attentes relatives au comportement. Ils se sentent guidés par la représentation qui y prend place. On désigne « région antérieure » le lieu ou se déroule la représentation. Dans la région antérieure, l’acteur est soumis envers le public à l’obligation de respecter deux normes : la politesse, lorsqu’il traite directement avec lui (paroles, gestes dans la conversation). La deuxième norme est la bienséance, soit la façon dont l’acteur se comporte lorsqu’il est dans le champ visuel du public. La manière est importante pour la politesse et l’apparence l’est pour la bienséance. La bienséance répond a deux catégories de normes : les normes morales (respect des affaires d’autrui, de sa personne physique, etc.) et les normes instrumentales (respect du matériel, maintien du rythme, « semblant de travail » — il faut faire semblant de travailler, et, dans certains cas aussi, de ne pas travailler — etc.). Ces deux normes, l’acteur les observe de la même façon. Scène (cinéma)
Par tradition, la dramaturgie au théâtre ayant précédé celle qu'emploient les cinéastes, le réalisateur de films a été, et est encore, qualifié parfois de « metteur en scène », responsable de sa « mise en scène », dirigeant les « jeux de scène » des comédiens. L'expression, liée au plateau du théâtre (décors et comédiens), amplifie même la qualification du maître d'œuvre d'un film, et le film "à grand spectacle" est souvent désigné par sa "mise en scène", c'est-à-dire par l'ampleur des décors, la richesse des costumes, et la multitude des figurants. Ex. : Une "mise en scène somptueuse". Theatrum mundi
Il faut y voir une lecture du monde à travers le théâtre et la mise en scène. Le comédien et le personnage incarné par celui-ci reflètent l'image même du spectateur leurré qui est déjà un acteur de l'univers. Le procédé de mise en abyme a pu servir cette idée centrale de la tragi-comédie qui donne à voir pas moins de trois réalités enchâssées les unes dans les autres. En conséquence de quoi, le comédien est observé par un spectateur lui-même dévisagé par un autre témoin et ainsi de suite. Théâtre en France de la Révolution à 1830
Le théâtre a pour fonction première pendant la Révolution de montrer au public les scènes célèbres de la Révolution comme la prise de la Bastille. De plus, à Paris, il se joue par trois fois des pièces glorifiant les événements révolutionnaires aux frais du gouvernement. Le théâtre se pose en pédagogue, en professeur de la vertu, l'idée est montrée qu'on ne peut être vertueux qu'en adhérant à la Révolution. Scène nationale
Les scènes nationales doivent participer à la diffusion de la culture en France. Elles ont été créées dans le cadre des politiques d'aménagement du territoire, de décentralisation et de démocratisation de la culture initiées par le ministère de la Culture et de la Communication. Ces établissements ont l'obligation de la pluridisciplinarité dans le domaine du spectacle vivant, c'est-à-dire qu'ils doivent présenter des spectacles à la fois de théâtre, musique, danse et arts de la piste. Leurs missions sont définies dans leurs statuts. L'article 3 de ces statuts impose à chaque scène nationale de « s'affirmer comme un lieu de production artistique de référence nationale dans l'un ou l'autre des domaines de la culture contemporaine ; organiser la diffusion et la confrontation des formes artistiques en privilégiant la création contemporaine ; participer, dans leur aire d'implantation, à une action de développement culturel favorisant de nouveaux comportements à l'égard de la création artistique et une meilleure insertion sociale de celle-ci ». Claude Régy
L'esthétique du jeu d'acteur selon lui se caractérise par une diction hachée et monocorde, où les syllabes sont entre-coupées de silence, pour laisser place à notre imagination. La respiration est considérée comme l'essence du théâtre ; chaque geste, chaque mot doit être nécessaire. Le metteur en scène mise sur la force du silence et la sensibilité des acteurs à ce qui les entoure. Constituons!
Son œuvre se plaît à inclure les spectateurs - ou « l’assistance », comme Lapointe aime les nommer - grâce à la mise en scène. Il privilégie un jeu où l’écoute du public et de l'énergie que ce dernier transmet permet de déterminer la manière d’interpréter l'œuvre et de stimuler l’investissement des spectateurs dans le spectacle. Autrement dit, il favorise un jeu dans l’« ici et maintenant ». Andréanne Roy, dans la revue "Jeu", parle d'ailleurs du « rapport d’immédiateté » dans les œuvres de Christian Lapointe, qui serait « une méthode de jeu qu’il a développée et qui permet de placer l’acteur et le public au cœur du système dramaturgique de l’œuvre ». Dramaturgie (cinéma)
L’auteur d’une pièce de théâtre doit obligatoirement créer un protagoniste qui devient le fil conducteur de l’intrigue. Pièce en un, trois ou cinq actes, un ou plusieurs décors, les possibilités de navigation dans le temps et l’espace sont faibles. Alors que l’enregistrement de plans qui composent des séquences permet au cinéaste de se déplacer, aussi bien dans le temps que dans l’espace, comme dans un roman dont il n’a cependant pas la rapidité d’exécution. En effet, le passage instantané d’un temps à un autre, aller et retour, et le changement de lieu à l’intérieur d’une même phrase est un don d’ubiquité que seul le romancier possède grâce à l’efficacité des mots, des phrases et de la conjugaison. Direction d'acteur
La direction d'acteur est l'une des nombreuses compétences que se doit de maîtriser le metteur en scène d'une pièce de théâtre ou le réalisateur d'un film. Principalement axée sur l'écoute mutuelle, la direction d'acteur repose sur une collaboration artistique entre le metteur en scène et ses acteurs ou comédiens, dans le but de créer une œuvre en commun. Alain Meilland
Retour enfin, aux sources, de la mise en scène : Au conservatoire de musique et de danse de Bourges, il enseigne le théâtre dans la classe de comédie musicale et assure en 2009 la mise en scène du "Roi Soleil", puis, en 2010 celle de "Roméo et Juliette". La notion de transmission aux jeunes générations de l’enseignement qu’il a lui-même reçu de Jean Dasté reste pour lui une priorité qu’il partage avec les élèves du conservatoire d’Art dramatique de Tours pour qui il met en scène de ""le voyage d’un comédien"" qui sera créé dans la salle des festins du Palais Jacques Cœur à Bourges et produit, en 2014 par Double Cœur, qui lui demandera également, en 2015 de rendre, le jour-même de sa panthéonisation, un hommage à Jean Zay en adaptant les textes de " "Souvenirs et solitude"" Joël Beddows
En tant que metteur en scène, il est reconnu comme ayant un vif intérêt pour un théâtre onirique, pour le développement dramaturgique et pour les pratiques jeunes publics. Il propose depuis bientôt deux décennies des expériences artistiques où se conjuguent symbolisme, poésie et commentaire social. Que ce soit dans le champ de la création ou du répertoire, chaque projet est un laboratoire où il cherche à remettre en question les repères et les clichés de notre existence contemporaine, tant réels qu’esthétiques, tant historiques que mémoriels. C’est actuellement l’un des rares metteurs en scène francophone connu aussi bien au Québec que dans les autres provinces du Canada. Metteur en scène
En France, l'émergence du metteur en scène et de la mise en scène date du succès d'André Antoine et de son Théâtre-Libre en 1887. Cette émergence est due à plusieurs facteurs : l'avènement du mouvement naturaliste, la conscience des limites théâtrales de l'époque, la volonté de réalisme artistique. Mise en scène
C'est au milieu du que Richard Wagner formule ses principes dramaturgiques novateurs et les applique de manière concrète sur scène. Metteur en scène
Au théâtre, le metteur en scène est l'organisateur et le responsable de la mise en scène d'une œuvre dramatique ou lyrique, c'est-à-dire de tous les éléments qui composent le spectacle : jeu des acteurs, rythmes, espaces, décors, lumières… Au cinéma, les termes de réalisateur et de cinéaste sont plus souvent utilisés et insistent sur la qualité d'auteur du metteur en scène. À la télévision, "réalisateur" est plus usité. » Richard Schechner
Bien que Schechner ait eu un impact considérable dans l’ascension du théâtre-performance, ce n'est pas pour autant qu'il a négligé le fond contenu dans le texte pour la forme. Plusieurs écrits publiés dans le recueil "Expérimentation et théorie du spectacle aux USA" insistent sur ce sujet. Il déplore que depuis 1975, la plupart des expériences scéniques se soient concentrées sur la forme, au détriment du fond. Dans un premier temps, écrit-il, « les metteurs en scène ont renversé les écrivains, et plus tard dans les années 1970, les interprètes ont renversé les metteurs en scène ». Une autre raison du déclin de l’avant-garde théâtrale tient aux difficultés financières dans lesquelles elle s’est débattue. De nos jours, les artistes financés par les pouvoirs publics ou les multinationales sont trop dépendants du pouvoir pour le critiquer. Scène d'exposition
La scène d'exposition (ou acte d'exposition) d'une pièce de théâtre est une scène (ou un acte) fournissant les éléments nécessaires à la compréhension de la situation initiale. Il s'agit en général de la première scène, mais l'exposition s'étale souvent sur plusieurs scènes (comme dans "L'Avare" ou "Dom Juan" de Molière où l'exposition est constituée par les deux premières scènes). Dans certains cas, l'exposition peut être légèrement retardée, comme dans "Caligula", d'Albert Camus, où elle intervient à la scène 2. Mise en place
Dans le service en salle, la mise en place regroupe l'ensemble des travaux préliminaires qui facilitent le service : napper et dresser les tables, remplir la ménagère, s'assurer de la propreté des lieux, etc. Mise en scène du pouvoir politique
La mise en scène du pouvoir politique est la façon dont ses détenteurs donnent à voir la nature de ce pouvoir aux yeux de ceux qu'ils gouvernent, de leurs pairs ou leurs rivaux. Régie (spectacle)
Jusqu'au début du , on distingue mal ce qui relève de la régie de ce qui relève de la mise en scène. Si bien que le terme de régie a parfois été employé pour désigner, non plus un lieu, ou une fonction technique, mais le travail du metteur en scène, comme l'atteste la désignation, par Constantin Stanislavski, de ses notes comme de « cahiers de régie ». Cet usage a pratiquement disparu. Théâtre latin
À Rome et dans les villes romaines, le théâtre occupe un rôle social : on s’y rend pour se cultiver (Ovide dans l"'Art d’aimer"). Le théâtre sert également d'espace de dialogue entre le prince et le peuple, et les personnes importantes tenaient à être présentes aux spectacles pour se montrer plus proches du peuple. Baroque
La mise en scène s'est beaucoup développée à l'époque baroque. L'arrière-plan peint était changé à chaque acte. On a aussi vu l'apparition de machineries sophistiquées, tel que des chars de bois qui s'élevaient (difficilement) dans les airs et sortaient de la scène « par le haut ». Toutes ces machineries étaient un progrès extraordinaire pour l'époque et étaient réservées pour la cour du roi, de par leur prix. Cela s'est également traduit grâce à une certaine mise en scène (lumières, jeux, costumes…). Le jeu du théâtre baroque se base sur trois principes : le langage, le geste et l'énergie. Le théâtre baroque se caractérise par une diction unique. Les acteurs reprennent le langage de cour, avec un grand travail de prononciation, dans la précision de certaines consonnes (par exemple : les « r » sont roulés) et de voyelles (les "a" sont ouverts). Le théâtre baroque se dissocie également des autres mouvements artistiques de par ses chorégraphies gestuelles, où l'acteur devra faire une adaptation de ses gestes par rapport au texte. Ainsi le geste sera le reflet d'un sentiment, d'une émotion que le texte a voulu faire ressentir. Le langage et le geste se réunissent dans l'axe de l'énergie corporelle et vocale. Il y a également une relation entre le spectateur et l'acteur, dans le cas où ils doivent se regarder, créant ainsi un jeu frontal, très spécifique du jeu baroque. Éclairage
L'éclairage joue un rôle primordial dans plusieurs activités artistiques, notamment en photographie, au cinéma, au théâtre et dans les spectacles où il est partie prenante de la mise en scène. On parle alors de lumière artistique. Il peut d'ailleurs contribuer à l'identité visuelle d'une publicité ou d'une émission de télévision. Certaines performances d'art moderne et des happenings sont aussi entièrement conçus à partir d'un éclairage original et sophistiqué. Il sert aussi parfois à mettre en valeur les monuments historiques ou les parcs et jardins, souvent dans le cadre d'un spectacle (son et lumière). Dans tous ces cas, l'éclairage est assuré par des projecteurs de différents types en fonction des effets recherchés. Sergi Belbel
Bien que metteur en scène par ailleurs, Sergi Belbel revendique la primauté du texte sur toute interprétation scénique : « Je suis moi-même metteur en scène, mais comme je dis toujours : je suis un auteur qui fait de la mise en scène et non un metteur en scène qui écrit. Le texte est premier. » Lors de ce même entretien avec Pierre Monastier, il défend l'importance de la fable, dans le sillage de Bertolt Brecht, le rôle politique de la tragédie et le retrait de la narration dans l'écriture dramatique : « Le texte théâtral est toujours associé au retrait de la narration. » Ludwig Tieck
Cependant Tieck est sensible à la question de la mise en scène. Auteur de nombreux textes théoriques redoublant sa production théâtrale, il n'hésite pas à mettre en scène la critique du théâtre dans ses pièces mêmes. Ainsi il s'élève en 1798, dans "Le Monde à l'envers" ("Die verkehrte Welt"), un , contre la pratique du théâtre de Cour allemand, hérité à la fois des pièces à machines baroques et de l'opéra français, privilégiant le spectacle sur la réflexion : on y voit donc Par son théâtre, Tieck compte poursuivre la réforme du drame allemand, qui menace à la fin du , de transformer le théâtre en « véritables boîtes optique pour enfants » : c'est ce que déclare le personnage de Lothar dans un long dialogue du "Phantasus" consacré au théâtre. Théâtre
Les gens de théâtre cherchent ainsi à créer un "miroir social", un reflet plus ou moins caricatural de la société, qui permet de mieux la comprendre, et de mieux dénoncer ses failles : ce rôle politique était particulièrement évident dans la Grèce antique, avec la comédie ancienne. Mais cette citation du "Hamlet" de Shakespeare peut aussi être mentionnée : « "for any thing so overdone is from the purpose of playing, whose end, both at the first and now, was and is, to hold, as 'twere, the mirror up to nature" ». Le théâtre est aussi un miroir tendu à la nature : le spectateur, comme l'acteur, vient chercher une réponse, se construire une identité. Théâtre immersif
Selon de nombreux théoriciens du théâtre, quatre composantes principales permettent au public de se sentir plus intégré aux représentations théâtrales : "l'espace réel", le sens, le mouvement et le temps. "Real Space" est une composante du théâtre immersif, et l'espace réel fait partie de la mise en scène. Si la pièce se déroule dans un château, le public se rendra dans un vrai château pour pouvoir se sentir immergé dans le spectacle théâtral. Faire participer les sens, par exemple en aveuglant le public, peut augmenter le sens de l'audition. Le mouvement peut affecter la manière dont le public perçoit l'intrigue - se déplacer dans l'espace théâtral immerge le sens kinesthésique. André Antoine (homme de théâtre)
Dans ses mises en scène, les comédiens doivent vivre leurs personnages. Il insiste sur l'importance de la gestuelle, libère le jeu d'acteur des conventions et du cabotinage et prône une diction moins déclamatoire pour plus de naturel. Il veut donner au spectateur l’impression d’assister à une « tranche de vie » en s'appuyant sur des costumes et des décors modernes et réalistes jusque dans les moindres détails. Il joue avec l'éclairage, installant l'électricité pour des jeux de lumière inédits, adoptant l'obscurité wagnérienne pour la salle. La présence de vrais morceaux de viande pour "Les Bouchers" en 1888 fait d'ailleurs scandale. Reprenant la théorie du quatrième mur instaurée par Diderot, il donne une grande importance au rôle du metteur en scène, qui passe du statut de technicien à celui de créateur. La Mise en scène de la vie quotidienne
« Lorsque le public est absent, les équipiers en viennent à discuter des problèmes de mise en scène ». On parle des manières d’arranger le décor, des précédentes ruptures de représentation, des équipes de collègues, ou de la dernière représentation. En fait, le « discours sur la mise en scène » est plus ou moins du « potinage ». Théâtre
Pourquoi, s'ils jouent déjà naturellement des rôles, les humains se sont-ils mis à jouer du théâtre ? De façon générale, comme le rappelle Aristote dans "La Poétique", les gens réagissent différemment dans la vie, et face à une œuvre d'art. Un cadavre en décomposition horrifie, mais une nature morte ravit. Il y a donc un pouvoir propre à la représentation ("mimésis"), au jeu, qui permet d'appréhender avec plaisir ce qui autrement pose problème. Filage (théâtre)
Le filage est la mise en scène d'une pièce de théâtre, mais aussi d'une chorale ou tout autre spectacle artistique, dans les conditions réelles mais sans le public. Collège Saint-Jérôme de Dillingen
Les jésuites, de par leur tradition pédagogique, attachent beaucoup d'importance au théâtre comme apprentissage à l'expression personnelle. Une pièce est montée à la fin de chaque année scolaire, à la veille du Carême et à diverses occasions. Le public est invité aux représentations. Au début, elles se tiennent dans la cour d'honneur, puis une salle de théâtre est construite à cet effet. Pièce de théâtre
Les interprètes d'une pièce de théâtre sont les comédiens ; dans le théâtre moderne le rôle du metteur en scène est aussi important. En effet, en fonction de l'interprétation du texte qu'il veut communiquer au public, il reprend (ou parfois ne reprend pas…) les indications de la mise en scène écrites par l'auteur, et ajoute les siennes pour diriger le jeu des acteurs. Répertoire théâtral
Durant la première moitié du , on va voir arriver une nouvelle vision de la notion de mise en scène. Auparavant, celle-ci désignait plutôt un travail de régisseur. Cette consécration du metteur en scène-auteur est marquée à la Comédie-Française par l’invitation de plus en plus courante de gens comme Jacques Copeau, ou bien Louis Jouvet, pour apporter un regard neuf sur une série de textes issus de la "collection". Aujourd’hui, c’est une formule qui fonctionne encore, avec des metteurs en scène confirmés et internationaux. Antonio Cunill Cabanellas
Cunill Cabanellas joua un grand rôle dans l’histoire du théâtre en Argentine. Son principal apport fut de centrer l’attention sur la mise en scène et sur la direction d’acteurs. Précédemment en effet, les interprètes de théâtre avaient coutume d’apprendre le métier de comédien de façon empirique et intuitive, ou, pour quelques-uns d’entre eux, par tradition familiale. Cunill Cabanellas fut le premier en Argentine à insister sur la formation systématique et consciente des acteurs, par un enseignement dispensé dans des écoles spécialisées d’art dramatique. Il rédigea par ailleurs un ouvrage théorique sur le théâtre, intitulé "El teatro y el estilo del actor: Origenes y fundamentos", édité chez Marymar à Buenos Aires. La Mise en scène de la vie quotidienne
On a vu que les maladresses pouvaient porter préjudice à la représentation d’un acteur. Il doit également se méfier des intrusions intempestives et des « faux pas », déclarations verbales ou actes intentionnels dont il ne maitrise pas la portée. On peut parler de « gaffe » s’il met en danger l’image de son équipe, et d’impair s’il s’agit de l’image de l’équipe adverse. Il existe également des situations ou l’acteur va délibérément provoquer la rupture, ce sont les « scènes ». Lorsqu’on « fait une scène », on en crée une nouvelle, ou les rôles d’une équipe sont à présent « redistribués en deux ». Il arrive cependant aussi que ce soit le public qui crée une scène. Ces incidents mettent tout le monde mal à l’aise et l’acteur révèle au public « une image de l’homme qui se cache derrière le masque ». De plus, « la mythologie d’une équipe insiste sur ces ruptures ». Les participants ont trois types de techniques pour sauver les apparences. Les mesures défensives (« Les attributs et les techniques défensifs »). Il y a d’abord la loyauté « dramatique » entre les acteurs. Elle réclame d’empêcher les acteurs de se lier d’amitié avec le public, car il pourrait trahir la représentation. Théâtre à l'école
Contrairement aux adultes qui se concentrent en coulisses et ne parlent pas, les bavardages en coulisses sont une source de tension avec les plus jeunes. Il convient de remédier à cela pour deux raisons :Le rôle de l'enseignant est de veiller à la discipline dans les coulisses. Il doit organiser le passage sur la scène, veiller au calme et rassurer. La scène, en revanche, est le domaine des enfants. Théâtre
Il s'agit de spectacles dans lesquels des comédiens, mis dans les circonstances et les situations créées par un texte et la vision d'un metteur en scène/réalisateur, incarnent des personnages pour un regard extérieur (le public), dans un temps et un espace limités. Les dialogues écrits sont appelés pièces de théâtre, mais il peut y avoir également du théâtre sans texte écrit ou même sans aucune parole. Il existe aussi des œuvres de théâtre musical, le genre étant particulièrement représenté dans les célèbres quartiers de Broadway aux États-Unis ou du West End à Londres, mais aussi de plus en plus autour des Grands boulevards à Paris. Théâtre (genre littéraire)
Au théâtre, il y a un intermédiaire entre le texte écrit par l’auteur et le spectateur : le comédien dit et joue le texte, il l’interprète au sens fort, guidé souvent par un metteur en scène, c’est-à-dire qu’il permet et oriente la compréhension du spectateur. Exposition (théâtre)
L’exposition, désigne l’énonciation au début d’une œuvre littéraire, du sujet que l’auteur se propose de traiter et du jour sous lequel il le présentera. Tous les genres comportent une exposition ; dans quelques-uns, elle est importante, ou même nécessaire. Scène d'exposition
De façon générale, la scène d'exposition a pour but de présenter les personnages principaux et leurs rapports entre eux, ainsi que l'intrigue et les premiers enjeux, mais aussi d'indiquer la tonalité générale, le cadre spatio-temporel, et enfin de donner l'envie de lire la suite. L'auteur peut néanmoins jouer avec les codes et avec les attentes du lecteur : par exemple, dans "Le Tartuffe" de Molière, le personnage éponyme de la pièce n'est présenté que dans le troisième acte. Ōgure Ito
La mise en scène est également remarquable par son dynamisme parfois difficile à saisir mais qui plonge le lecteur dans l'action ; l'immersion se fait naturellement. La Mise en scène de la vie quotidienne
Pour finir, on remarque que le rôle de l’expression est de communiquer des impressions du moi. Toute impression est une source d’information. Dans une interaction, on cherche à identifier ces informations, mais puisque celles-ci ne sont jamais immédiatement perceptibles, l’acteur doit se fier aux apparences (répliques, signes, symboles d’appartenance, allusions, etc.). Et « plus la réalité qui échappe à la perception a d’importance pour l’acteur, plus il doit accorder d’attention aux apparences ». Ces apparences, sources d’impressions, découlent de « normes relatives à la politesse et à la bienséance », ce qui montre « combien la vie est enserrée dans un réseau de conventions morales ». Lorsque les acteurs se savent observés, ils se satisfont de l’impression qu’ils sont en train de donner ou ils cherchent à influencer cette impression par « des techniques conformes aux règles de bienséance ». Mais il est parfois nécessaire de recourir à des moyens moins convenables pour influencer son observateur. Les personnes qui estiment qu’elles ne peuvent opérer sans ces moyens décident de « se liguer et de manipuler directement l’impression qu’elles donnent. Elles se transforment en une équipe d’acteurs et les observateurs se muent en public. (...) Le déroulement de l’activité se dramatise ». Antonin Artaud
Cependant, Antonin a aussi le sens du jeu et de la mise en scène. C’est à lui que l’on confie la mise en place de la crèche à Noël chaque année. Pour les enfants de la famille son talent de metteur en scène apparaît dans ses "tableaux vivants" : reproduction de tableaux célèbres, ou spectacles familiaux montés avec ses cousins. Souvent, les spectacles d’Antonin ont des « résonances macabres » : un enterrement au crépuscule, (Antonin tenant le rôle du cadavre). Une autre fois il invente une mise en scène pour effrayer son cousin Marcel Nalpas. C’était, selon le récit de sa sœur, une mise en scène macabre avec installation de têtes de mort et de bougies dans une chambre. Antonin fait ensuite entrer Marcel en déclamant un poème de Baudelaire. D’abord effrayé, Marcel a ensuite bien ri, avec Antonin. (Marcel était ami de Marcel Pagnol, qui le cite dans « Le temps des secrets », sous son pseudonyme de « Nelps »  , abréviation de Nalpas). Dans ce "Théâtre de la cruauté", "Théâtre de la peur", Marie-Ange voit l’influence d’Edgar Poe. La Mise en scène de la vie quotidienne
« La présentation de soi » a pour objet « la vie sociale qui s’organise dans les limites physiques d’un immeuble ou d’un établissement ». Comment une personne se présente-t-elle ? Comment présente-t-elle son activité aux autres ? Comment gère-t-elle les impressions qu’elle laisse ? Que peut-elle et ne peut-elle pas faire lors d'une interaction ? Erving Goffman adopte « la représentation théâtrale » comme perspective. S’il n’entend pas relativiser les insuffisances de cette approche, il n’en reste pas moins qu’il est possible de tirer de sa nature métaphorique — le monde est une pièce de théâtre — quelques analogies avec la vie réelle : nous pouvons tous être ramenés à des acteurs, ou à un public. À la vie comme à la scène, on finit tous par se prendre au jeu : « Les personnes qui participent à une interaction face à face sur une scène de théâtre ne peuvent pas échapper à l’exigence fondamentale qui caractérise les situations réelles ; elles doivent soutenir sur le plan de l’expression une définition de la situation : mais elles le font dans des conditions qui leur ont permis de développer une terminologie adéquate aux tâches interactionnelles qui sont le lot commun » . L’idée est donc pour lui d’utiliser cette métaphore du théâtre, pour la dépasser. La Mise en scène de la vie quotidienne
Le discours sur la mise en scène Rachel Salik
Elle découvre la mise en scène lorsque, en 1983, Monick Lepeu l’appelle pour sa pièce "Gertrude morte cet après-midi". Ensemble elles obtiendront le Prix de la révélation théâtrale du Syndicat de la critique, ce qui vaudra à la pièce d’être reprise dans de nombreux théâtres et dans plusieurs tournées à l’étranger. Un bon début dans la mise en scène… Rachel commence alors à adapter des textes (Marguerite Duras, Régine Deforges, Alice B. Toklas…), et une pièce anglaise (Carol Shields), à écrire ses propres créations et à les mettre en scène. Féministe et homosexuelle, les hommes sont rarement présents dans ses créations. En 1985, elle crée sa propre compagnie (Compagnie Rachel Salik). Théâtre à l'école
Cependant, il est indispensable que les acteurs aient des costumes de scène, même si c'est un pantalon qu'ils ont mis de côté pour cette occasion. Cela les aide à rentrer dans leur personnage. Lorsqu'on enfile son costume, on n'est plus la personne, mais le personnage.