Quelle est la musique japonaise traditionnelle?
Musique japonaise traditionnelle
La musique traditionnelle japonaise recouvre trois genres : musique instrumentale, musique pour le théâtre et musique de cour.
K-pop
Tous ces efforts ont produit leurs effets puisque depuis quelques années, la K-pop est devenue un genre musical très populaire au Japon. La K-pop représente, en 2011, 7,8 % du chiffre d'affaires total de l'industrie musicale japonaise, pour une valeur de 309,5 millions de dollars. Le classement officiel des ventes de singles et d’albums, publié par l’Oricon, témoigne de ce succès. Les singles et albums coréens y battent régulièrement des records de vente dans la catégorie des artistes non-Japonais, et atteignent très souvent les premières places dans les classements. Parmi les artistes et les groupes de K-pop les plus populaires au Japon, on retrouve BoA, TVXQ, Girls' Generation, Kara, Super Junior, BIGBANG, Rain, SHINee, 2PM, Bangtan Boys et EXO. Tonkori
Le tonkori (トンコリ) est un instrument de musique issu de la culture des Aïnous, une ethnie aborigène minoritaire du Japon. Sorte de cithare, le tonkori est un témoin des traditions uniques des Aïnous. Musique japonaise
La musique tient une place prépondérante dans le théâtre nō. On peut y distinguer trois sous-genres : le "sarugaku", le "sangaku", et le "dengaku". Si les deux premiers ont par leur nature affecté essentiellement la forme du pantomime et de la danse du nō, le troisième est la source principale de sa musique. Le "nogaku" est plus récent et plutôt comique. Akira Miyawaki
On trouve au Japon autour des temples et des cimetières traditionnels des arbres tels que "Castanopsis cuspidata", des chênes dont le "Quercus glauca" et "Quercus myrsinifolia", des châtaigniers, le "" (arbre de la famille des lauracées incluant des avocatiers). Miyawaki a montré qu'il s'agissait d'essences autochtones, reliques de la forêt préhistorique. Dans le même temps, il a constaté qu'au contraire, des arbres tels que le cèdre dit japonais, le cyprès, le mélèze, et le pin que tous les Japonais pensaient autochtones sont en réalité des arbres progressivement introduits au Japon par les forestiers depuis des siècles pour produire du bois d'œuvre. Bach Collegium Japan
Le Bach Collegium Japan (BCJ) est un orchestre et ensemble vocal japonais de musique baroque. Musique shintoïste
La musique shintoïste est la musique rituelle du shintoïsme, le plus ancien culte animiste japonais encore actuel. Elle utilise des instruments de musique traditionnels du Japon. Musique japonaise traditionnelle
L"ogiebushi" (荻江節) est similaire au "nagauta". Ogie Royuu I(荻江露友) (?-1787) qui se fait connaître vers 1767 en est le créateur après avoir commencé par le style "nagauta". Son rival est Fujita Kichiji (富士田吉治), chanteur de "nagauta" à Edo. Ogie Royuu I possède une voix belle mais de peu de puissance. Au théâtre, le volume de la voix est important car les voix de faible volume n'atteignent pas tout l'auditoire, aussi Ogie Royuu I a-t-il cessé de chanter dans les théâtres et a commencé à chanter à Yoshiwara. Ogie Royuu II et Ogie Royuu III sont inconnus. Le style "ogiebushi" décline après 1818. Tamaya Yamazaburou(玉屋山三郎), propriétaire d'un salon à Yoshiwara connaît très bien la musique et compose quelques nouveaux morceaux "ogiebushi" à la fin de l'époque d'Edo. Ses pièces sont influencées par la musique "jiuta" (地歌). Iijima Kizaemon(飯島喜左衛門) rétablit l"ogiebushi" et change de nom pour se faire connaître comme Ogie Royuu IV en 1876 ou 1879. Histoire de la cuisine japonaise
La cuisine japonaise peut être définie strictement comme la cuisine traditionnelle du Japon, appelée en japonais ou précédant l'ère Meiji qui verra l'introduction de recettes et techniques de cuisine venues de l'étranger. Japanische Festmusik
La Japanische Festmusik est une commande faite au compositeur Richard Strauss, ainsi qu'à plusieurs compositeurs européens, tels Jacques Ibert, Ildebrando Pizzetti, Sandor Veress et Benjamin Britten pour fêter le 2600 anniversaire de la fondation de l'empire du Japon. L'œuvre de Britten, la "Sinfonia da Requiem" fut rejetée. L'ensemble fut créé le au Théâtre Kabukiza de Tokyo sous la direction de Helmut Fellner à la tête de l'Orchestre symphonique de la NHK, augmenté de plus de 150 musiciens pour l'occasion. Richard Strauss l'enregistra à la fin de l'année 1940 avec l'Orchestre de l'Opéra de Bavière, ainsi que Vladimir Ashkenazy à la tête de l'Orchestre philharmonique tchèque dans les années 1990. Musique traditionnelle
La musique traditionnelle, parfois abrégé en « musique trad », désigne l'ensemble des musiques associées à une culture régionale ou à une zone géographique. Musiques orales et populaires, elles se transmettent à l'oreille, bien que certains groupes et musiciens actuels préfèrent les transcrire sur partition afin de les interpréter ou de les répertorier. Musique japonaise
Les conventions musicales y sont très strictes : Okraulo
Après la Seconde Guerre mondiale, l'okraulo a longtemps été un élément oublié de l'histoire de la musique traditionnelle japonaise. Il faudra attendre une exposition parrainée par l'Okura Shukokan qui s'est tenue d'août à septembre 2011, juste avant le 50e anniversaire de la mort de Kishichiro Okura, et dont le nom était : « Kishichiro Okura et la musique traditionnelle japonaise : Focus sur la « flûte verticale fantôme » Okraulo »; un concert employant l'okraulo (shakuhachi de style Okura portant le nom de Wakamatsu) a été organisé en parallèle à l'exposition. Ce fut le début d'un projet visant à revitaliser l'okraulo en organisant des conférences et des concerts au musée, et en , un album original d'enregistrements appelé « Okraulo » dans lequel Akinao Kominato joue de l'okraulo est sorti. Ces dernières années, l'okraulo a de nouveau attiré l'attention en tant que flûte verticale hybride qui combine les fonctions du shakuhachi et de la flûte, et a été largement couverte par les médias. Ce fut le début d'un projet visant à revitaliser l'okraulo en organisant des conférences et des concerts au musée, et en , un album original « Okraulo » dans lequel Akinao Kominato joue de l'okraulo est sorti. Ces dernières années, l'okraulo a de nouveau attiré l'attention en tant que flûte verticale hybride qui combine les fonctions du shakuhachi et de la flûte traversière, et a été largement couverte par les médias. Kawaii metal
Le ), également connu sous le nom de idol metal, cute metal, ou kawaiicore, est un genre musical mélangeant des éléments de heavy metal et de J-pop qui s'est développé au Japon au début des années 2010. Une composition de kawaii metal typique consiste à combiner des musiques issues de différents types de musique heavy metal, des mélodies J-pop et l'esthétique du mouvement des idoles japonais. Les sujets des textes du kawaii metal sont souvent plus légers que ceux des autres genres de heavy metal. Contes et légendes traditionnels du Japon
Les légendes d'origine véritablement japonaise sont de deux sortes: celles qui remontent au début de la religion Shintô, douze siècles avant l'introduction du Bouddhisme, et celles, plus récentes, datant du Moyen Âge Japonais. Ces dernières sont inspirées de poèmes épiques et de hauts faits d'armes célèbres ainsi que par les aventures de moines Bouddhistes ou de personnes occupant un rang élevé dans la cour Impériale. Un nombre important d'écrits consignent leurs actions dans le moindre détail. Musique japonaise
Joué depuis des lustres en tant qu'instrument d'accompagnement des musiques liées au shinto et au bouddhisme, notamment pendant les festivals "matsuri", le tambour "taiko" s'est aussi agrégé aux musiques de Cour ou de théâtre. Biwa hōshi
Cependant, la tradition Heike se perpétue par les lignées Tsugaru (transmise par des interprètes voyants) et Nagoya (transmise par des musiciens aveugles de la tradition Todo), toutes deux relevant de l'école Maeda-ryū. La lignée Tsugaru comprend Kusumi Taiso (1815–1882), qui apprend le heike de la Maeda-ryū d'Edo, ainsi que ses fils Tateyama Zennoshin et Tateyama Kogo, qui tous deux déplorent le déclin de la musique heike à la fin de l'ère Meiji et cherchent à encourager un certain nombre d'élèves. À Nagoya, ville qui avait été un noyau florissant pour les représentations du "Heike", une petite faction de joueurs masculins aveugles continue à transmettre le "Heike" aux côtés d'autres instruments de musique à la popularité croissante, tels que le koto et shamisen. Des différences existent entre ces lignées en raison de la séparation géographique et des changements intervenus avec le temps. Par exemple, la lignée Nagoya repose presque entièrement sur la transmission orale. Néanmoins, les heike Nagoya et Tsugaru ont tous deux été désignés par le gouvernement japonais « patrimoine culturel immatériel » (Mukei Bunkazai) qui doit être enregistré et conservé : Nagoya en 1955 et Tsugara en 1959. Ces interprètes Nagoya désignés continuent leur transmission ; il s'agit d'Inokawa Koji, Doizaki Masatomi et Mishina Masayasu). Taiko no Tatsujin
Les musiques des jeux "Taiko no Tatsujin" sont variées. On retrouve de la musique parmi ces genres : des thèmes d'animes ("Naruto", "Evangelion", "Dragon Ball Z", "Bleach", etc.), des thèmes de jeux vidéo ("Xevious", "Mario Bros.", etc.), de la J-pop, de la musique classique de Bach à Mozart en passant par Beethoven (du son classique pur au remix rock), des thèmes populaires (plusieurs versions du thème musical de Noël), de la musique traditionnelle japonaise et même de la country. Festivals japonais
Les festivals japonais sont généralement des rites festifs traditionnels, notamment les . Plusieurs festivals tirent leurs origines de Chine depuis des siècles mais ont subi de grands changements lors de leur mélange avec les coutumes locales. Nagauta
Le est une forme de la musique japonaise traditionnelle. Il est généralement utilisé dans le théâtre kabuki et la danse classique ("buyō") pour l'accompagnement. Il se développe vers 1740 sous l'influence du style vocal "yōkyoku" employé dans le théâtre nō. Les chants "nagauta" sont des chansons de théâtre, de danse et de salon représentées en concert. Le répertoire de base se compose d'une centaine de pièces d'une durée approximative de vingt minutes chacune. Akira Nishimura
En tant que compositeur, il écrit des œuvres pour tous les genres, dont la musique pour la scène, pour orchestre, orchestre d'harmonie, musique vocale, musique de chambre et instruments traditionnels japonais. Nishimura remporte de nombreux prix et distinctions nationales et internationales, dont le de la du « concours de musique du Japon » (1974), le grand prix du concours musical international Reine-Élisabeth-de-Belgique à Bruxelles (1977), le « concours de composition musicale Luigi Dallapiccola » à Milan (1977), le « prix de composition d'Osaka » (1988, 1992, 1993 et 2008), le « prix Kenzo Nakajima » (1991), le « prix du Japon d'encouragement des arts contemporains » (1994), le « prix de musique Exxon Mobil » (2001), le « prix Bekku de musique » (2002), le prix Suntory (2004), le « prix Mainichi des arts » (2005) ainsi que le « prix musical du Pen club » en (2008). Il est lui-même membre du jury du « prix de composition Tōru Takemitsu » en 2007 Musique japonaise
Avec l’occidentalisation récente, les instruments et les genres venus d’Europe et des États-Unis font leur apparition, sans pour autant provoquer la disparition des autres. Japonais (peuple)
Les Japonais d'aujourd'hui jouissent d'une grande variété de mets traditionnels, comprenant de nombreux plats à base de fruits de mer (sushi et sashimi), de nouilles (udon et soba), mais aussi une multitude de plats exotiques. On peut facilement se procurer des plats chinois, coréens, ou thaïs comme des mets français, italiens ou américains. La cuisine japonaise est le produit de son environnement et de ses habitants. La facilité de se procurer des ingrédients frais a permis les sushis, la haute température et l'humidité a mené aux variétés de nourriture marinée et fermentée comme le natto et la sauce de soja, et une adaptation des cuisines étrangères a conduit au ramen. Musique japonaise traditionnelle
Le ou est une autre forme de théâtre traditionnel japonais dont la musique est jouée par le . Les instruments utilisés sont le , l, le et le . Honkyoku
Les honkyoku (本曲, "morceaux originaux") sont des morceaux de musique écrits pour les flûtes japonaises shakuhachi ou hocchiku qui étaient joués par des moines mendiants de la secte Fuke du Bouddhisme Zen appelés komusō. Les komusō jouaient des honkyoku pour la méditation et pour demander l’aumône dès le . La secte Fuke qui initia cette pratique disparut au , mais un héritage oral et écrit de nombreux honkyoku a été transmis jusqu'à aujourd'hui et cette musique est souvent jouée en concert. Planète Japon
La culture japonaise est omniprésente dans le magazine, les articles sont variés et touchent de nombreux aspects comme l’art : l’estampe japonaise, les jardins japonais, les fêtes traditionnelles : Noël et Nouvel An, Shichi-go-san, Sanja Matsuri et également les traditions liées à la vie des japonais : les geishas, les courtisanes. Keiji Haino
Keiji Haino (en "Haino Keiji") né le à Chiba au Japon, et habitant actuellement à Tokyo, est un musicien japonais, auteur-compositeur-interprète, qui flirte avec des genres aussi divers que le rock, la musique improvisée, la noise, la percussion solo, le psychédélisme, la musique minimaliste et le drone, ainsi que des reprises. Il est actif depuis les années 1970 et continue toujours d'enregistrer des albums et dans de nouveaux styles musicaux. Les instruments principaux qu'il utilise sont la guitare et le chant. Haino est connu pour ses explorations du son cathartique intense, et une grande partie de son travail porte une singularité particulière, mais son œuvre est si variée que certains de ses albums y sont complètement hors-norme. Musique japonaise
Depuis des siècles, bien des types de musique se sont développés autour d'instruments ou d'ensembles particuliers : Musique japonaise traditionnelle
Le "sōkyoku" (筝曲) utilise le « koto chinois » (guzheng), différent du koto japonais (琴). Il existe deux écoles de "sōkyoku". Musique japonaise traditionnelle
Le jōruri (浄瑠璃) est une musique narrative utilisant le shamisen (三味線). Il existe quatre principaux styles de "jōruri" issus de traditions centenaires qui se perpétuent de nos jours. J-pop
Sous la pression de l'armée impériale durant la Seconde Guerre mondiale, la pratique de musique jazz fut temporairement stoppée. À la fin de la guerre, les soldats américains et le Far East Network - qui occupent le Japon à cette époque - introduisirent un certain nombre de nouveaux styles musicaux dans le pays. Le Boogie-woogie, le mambo, le blues et la musique country étaient joués par des musiciens japonais pour les troupes américaines. Des chansons comme le Tokyo Boogie-Woogie de Shizuko Kasagi (1948), "" de Chiemi Eri (1951), "Omatsuri Mambo" de Hibari Misora et "Omoide no Waltz" d'Izumi Yukimura deviennent populaires. Des musiciens étrangers et des groupes dont Jazz at the Philharmonic et Louis Armstrong vinrent jouer au Japon. 1952 est déclarée l' mais le genre lui-même demandait un haut niveau technique et était difficile à jouer. Comme résultat, plusieurs musiciens japonais amateurs se tournèrent vers la musique country, bien plus facile à apprendre et à jouer. On assista à une prolifération de ce genre musical au Japon. Jiuta
Le nom "jiuta" signifie « chanson » (, "uta") de l'endroit ( "ji", Kamigata, en l'occurrence) », et suggère que « la chanson n'est pas d'Edo ». À cette époque, le "jiuta" est joué, composé et enseigné par les "tōdōza", groupe d'aveugles, aussi le "jiuta" est-il également appelé "houshiuta" (, « chanson de moine »). Le "jiuta", au même titre que le "nagauta", est un "utaimono" () typique, musique vocale de la musique japonaise traditionnelle. Sanshin
Sa pratique est aujourd’hui encore très vivace, et la musique de sanshin est un élément d’identité culturel fort pour Okinawa et la région d’Amami. Son enseignement est dispensé dans des classes tenues par des professeurs diplômés, mais les autodidactes sont également très nombreux. Depuis les années 1990, en partie grâce à l’influence des dorama se passant à Okinawa, sa pratique s’est considérablement développée dans le Japon « métropolitain ». Yamaha Music Festival
Yamaha Music Festival, aussi appelé World Popular Song Festival, est un concours de chanson internationale originaire du Japon, apparenté aux Concours Eurovision de la chanson. Ondō (musique)
Dans la musique populaire japonaise, "fushi" et "ondo" suivent le nom de la chanson. Par exemple, "Tokyo ondo", "Mamurogawa ondo" et "Hanagasa ondo" portent tous "ondo" dans leurs titres. "Kushimoto fushi", "Bouraboura fushi" et "Soran fushi" ont tous "fushi" dans leurs noms. Atsuhiko Gondai
Gondai est l'un des jeunes compositeurs les plus importants du Japon. Son intérêt ne se porte pas spécifiquement sur la musique japonaise mais sur le dialogue religieux et culturel entre l'Europe et l'Asie. L'une des priorités de son travail sont les possibilités de combinaisons et interactions entre musique religieuse catholique et les chants monastiques bouddhistes traditionnels. Dans ses œuvres, il combine habilement anciens et nouveaux procédés de composition. L'infini et l'éternité sont des thèmes récurrents dans ses compositions. Kayōkyoku
Le est un genre de musique pop devenue une base moderne de la J-pop. "" décrit le kayōkyoku comme ou de Le kayōkyoku est un style musical japonais inspiré de la culture occidentale. La musique du genre est de ce fait extrêmement variée. Le kayōkyoku dans un sens, cependant, exclut la J-pop et le "enka". Biwa hōshi
Pour l'essentiel de la période documentée de l'histoire du Japon, la musique ainsi que les interprétations narrées ont fréquemment été des professions exercées par des aveugles, dont l'importance dans la plupart des autres grands genres est également considérable, sauf pour la musique de cour et le théâtre, à partir du jusqu'au . Le folklore et la littérature attestent « invariablement des "biwa hōshi" et des "zato" aveugles » et ce n'est que dans les temps modernes que les musiciens voyants maîtrisent des instruments tels que le biwa. Japon
La cuisine japonaise est principalement connue dans le monde entier aux travers des sushis et sashimis. Cette omniprésence mondiale ( dits japonais dans le monde : en Amérique du Nord, en Asie et à travers l'Europe) masque une cuisine complexe qui comprend de nombreuses déclinaisons et spécialités locales. La haute cuisine actuelle japonaise est une cuisine raffinée et codifiée dont les deux incarnations les plus connues sont le repas ' et la collation offerte lors de la cérémonie du thé japonaise (') appelée "". Au quotidien, les Japonais sont ouverts à la diversité de la cuisine mondiale. On peut trouver facilement des restaurants chinois ou coréens, mais aussi italiens, français, ou encore les grandes chaînes de restauration rapide mondiale. Yōkai
Au même moment, la culture classique japonaise a été dévalorisée et des chansons, des danses et des livres de légendes ont été perdus. La pensée scientifique était considérée comme supérieure et les "yōkai" et autres superstitions furent remis en question. Mais, de la fin de la période Edo jusqu'aux périodes Showa et Heisei, les publications des folkloristes de l'époque, ainsi que le respect du folklore, jouèrent un rôle indéniable pour prévenir la disparition de la culture populaire japonaise. John William Fenton
John William Fenton, né le à Kinsale dans le comté de Cork en Irlande et décédé le en Californie, est un musicien britannique qui fut conseiller étranger au Japon pendant l'ère Meiji. Il est considéré comme le « premier chef d'un groupe musical au Japon » et le « père des groupes musicaux du Japon ». Fenton est surtout connu pour avoir fait en sorte que le "Kimi ga yo" devienne l'hymne national du Japon. Musique japonaise
La musique japonaise regroupe tous les genres de musique de la sphère japonaise, depuis la préhistoire jusqu’à nos jours. Si l’on trouve dès les premiers temps de la civilisation nippone des instruments vernaculaires, notamment au sein des communautés aborigènes aïnous, il est clair qu’une grande partie de la musique insulaire est d’inspiration chinoise et coréenne. Toutefois, le Japon a su rapidement développer des styles originaux et se détacher du modèle sino-coréen. O bon
Originellement le "Bon odori" était une danse folklorique "nenbutsu" destinée à réconforter les esprits des défunts. Le style de cette danse varie d'une région à l'autre. Les différentes préfectures ont souvent des danses particulières du "Bon odori" et leur musique propre allant avec. Le "Bon odori" de la préfecture d'Okayama est complètement différent de celui de la préfecture de Kanagawa. La musique varie aussi de la musique classique à de la musique traditionnelle japonaise comme le "makkō ondo" en passant par des chansons récentes et même étrangères. Matsuri-bayashi
Le , est la musique traditionnelle accompagnant les "matsuri" au Japon. Elle est souvent appelée plus simplement , mais le terme est ici volontairement plus précis afin de la distinguer de la musique de kabuki, de nô, de "kagura" ou d'autres spectacles, que ce terme peut aussi désigner. De nombreux "matsuri" différents ayant lieu au Japon, avec une musique et des instruments distincts, on ne peut pas les rattacher a une seule origine commune. Liste des Trésors nationaux du Japon (documents anciens)
Le terme « trésor national » est utilisé au Japon depuis 1897 pour désigner les biens les plus précieux du patrimoine culturel du Japon, bien que la définition et les critères ont changé depuis. Les documents anciens référencés dans cette liste correspondent à la définition actuelle et ont été désignés « trésors nationaux » quand la loi pour la protection des biens culturels est entrée en vigueur le . Les pièces sont choisies par le ministère de l'Éducation, de la Culture, des Sports, des Sciences et de la Technologie sur le fondement de leur « valeur artistique ou historique particulièrement élevée ». « Documents anciens » est une des treize catégories des trésors nationaux reconnus par l'agence. La liste présente soixante documents ou ensemble de documents de l'époque classique au début du Japon moderne, de la période Asuka à l'ère Meiji. Le nombre d'articles présentés est en réalité supérieur à soixante parce que, dans certains cas, des groupes de pièces liées entre elles sont réunis pour former une seule entrée. La liste contient des éléments de différents types tels que lettres, journaux intimes, des dossiers ou des catalogues, des certificats, des décrets impériaux des testaments et des cartes. Les documents présentent les anciens gouvernements du Japon ainsi que les débuts du bouddhisme et les premiers contacts du Japon avec la Chine, l'organisation de l’État et la vie à la cour impériale japonaise. Ils sont conservés dans quatorze villes japonaises, dans des temples bouddhistes (35), des musées (13), des bibliothèques ou des archives (5), des sanctuaires shinto (3), des universités (2) et des collections privées (2). La plupart des entrées de la liste (28) se trouvent à Kyoto. Les documents de cette liste ont été faits principalement au pinceau sur papier et, dans de nombreux cas, constituent d'importants exemples de calligraphie. Musique japonaise
La musique fut toujours liée aux spectacles (théâtre ou danse), aux festivités (et cérémonies) et aux chants de travail. Elle était essentiellement pratique et ne se trouva un rôle propre que tardivement. De ce fait, le répertoire de la musique tant instrumentale que vocale, est assez réduit, d'autant plus qu'une grande partie a été perdue. Kingdom Hearts (jeu vidéo)
Les musiques de ' sont composées par Yoko Shimomura. Même s'il se trouve quelques mélodies dérivées de films Disney, arrangées pour l'occasion, la majeure partie de la bande originale est constituée de thèmes originaux écrits spécifiquement pour le jeu par Shimomura. L'orchestration des thèmes d'ouverture et du générique est arrangée et dirigée par Kaoru Wada et interprétée par le Nouvel orchestre philharmonique du Japon. Le principal thème chanté de la version japonaise est "Hikari". Pour les autres versions du jeu, "Hikari" est adaptée en '. Cette dernière est également incluse dans la réédition japonaise, '. Les deux versions de la chanson sont composées, écrites et interprétées par Hikaru Utada. Utada est la seule chanteuse à laquelle Nomura pense pour interpréter le thème principal de '. Cela marque la première participation d'Utada à la bande originale d'un jeu vidéo. Si sa participation et le titre de la chanson japonaise sont annoncés en , le single "Hikari" sort au Japon le et s'avère très populaire, atteignant les vendus au début du mois d'. La bande originale de ' sort sur deux CD le au Japon et un an plus tard aux États-Unis. Les pistes sont ensuite incluses dans la compilation ', sortie au Japon le . Les musiques de "" sont également comprises dans la compilation des meilleures œuvres de Yoko Shimomura, "Drammatica". Japan Expo
Japan Expo, parfois abrégé Japan, Japex ou JE, est un salon événementiel professionnel français sur la culture populaire japonaise, qui se déroule au parc des expositions de Paris-Nord Villepinte tous les ans au début du mois de juillet, voire à la fin du mois de juin sur une période de quatre jours. Il s'agit d'une manifestation culturelle consacrée aux manga, aux jeux vidéo, aux anime, mais aussi aux arts martiaux, à la mode, à la musique (J-pop, J-rock, traditionnel), au cinéma et à ses traditions. Les personnes invitées peuvent être des jeunes artistes et youtubeurs spécialisés dans la musique et le jeu vidéo, aux créateurs danime mais sert également à la diffusion de sport mécanique et de rencontre pour des professionnels japonais et occidentaux via une zone privée, le "Business Center". Japan Expo a été créé par Jean-François Dufour, Sandrine Dufour et Thomas Sirdey en 1999 dans un garage et dans l'espace associatif de l'école de commerce ISC Paris où Sirdey était étudiant. Cette édition ne porte alors pas encore le nom de Japan Expo. Elle se déroula dans les sous-sols de l'ISC Paris sur environ et n'était orientée que sur les manga et l'animation japonaise. La seconde édition (cité comme la première édition sur le site officiel), qui porte alors le nom de Japan Expo, fut coorganisée par l'association d'étudiants ISCIS, ISC informatique service, de l'ISC Paris et d'autres associations, dont Jade et Anim'Int. Japan Expo représente alors une des trois parties du salon ISC de l'Imaginaire qui se déroule à l'Espace Champerret. Pour cette édition, le thème du salon s'étend plus généralement au Japon et à sa culture. Énormément d'activités y apparaissent notamment le "cosplay", la musique japonaise, des quiz, du doublage et des concours de vidéo, de clip, de photo, de maquette, de bande-dessinée et de fanzine. Les magasins et dépôt-vente font aussi leur apparition lors de cette édition. Le bilan de l' fut plutôt bon pour les organisateurs avec plus du doublement de la fréquentation mais très contrasté pour les fans du Japon. Rock japonais
Le rock japonais, souvent appelé , est un sous-genre du rock mêlé à des éléments de musique japonaise. Ce type de musique émerge au Japon durant les années 1970, et se popularise plus tard hors des frontières, notamment aux États-Unis et en Europe. Contrairement aux autres styles de J-pop, le J-rock possède ses propres caractéristiques musicales. Koto
Le est un instrument à cordes pincées utilisé en musique japonaise traditionnelle et, comme instrument d'accompagnement, dans les arts traditionnels tels que le "kabuki" et le "bunraku". Originaire de Chine et de Corée, il a été introduit au Japon vers le , principalement à la Cour impériale. Par la suite son usage s'est démocratisé. Biwa hōshi
Tōru Takemitsu sauve le biwa de l'extinction en collaborant avec des compositeurs occidentaux. Takemitsu, et plusieurs compositeurs avant lui, reconnaissent que la musique japonaise devient rapidement obsolète. L'intérêt pour la musique japonaise est presque inexistant. Les études sur la théorie musicale et la composition de la musique consistent presque entièrement dans la théorie occidentale et son enseignement. Certains de ces compositeurs commencent à intégrer de la musique japonaise et des instruments japonais dans leurs compositions. Pourtant, ces compositeurs se focalisent sur les instruments japonais les plus similaires à ceux de l'Occident, par exemple l'utilisation du koto par Michio Miyagi. Takemitsu, d'autre part, collabore avec des compositeurs et des compositions de l'Occident pour inclure le biwa asiatique distinct. Ses compositions - bien reçues - revitalisent l'intérêt pour le biwa et le préserve de l'obsolescence. K-pop
C’est à partir du début des années 2000 que la K-pop s'exporte au Japon avec des artistes comme BoA ou TVXQ.  Poussés par la taille du marché japonais (le Japon est le deuxième marché mondial pour l’industrie musicale, derrière les États-Unis) et par la crise qui frappe de plein fouet l’industrie musicale coréenne au début des années 2000, les labels coréens tentent dans un premier temps de conquérir le marché japonais et le Japon devient la première étape dans la stratégie de développement de la K-pop en Extrême-Orient. Les maisons de disques coréennes coopèrent avec les japonaises pour adapter le plus possible leurs artistes et leur marketing au marché japonais. Un des éléments essentiels consiste à faire apprendre le japonais aux artistes et aux groupes de K-pop destinés à faire carrière au Japon. De cette façon, ils peuvent supprimer la barrière de la langue, et interpréter sans difficulté leurs chansons traduites systématiquement en japonais. Ryūkōka
Bien que Matsui se suicide après la mort de Shimamura, Nakayama continue à développer sa musique. Durant sa carrière, il compose environ telle que "Teru teru bōzu" en 1921. Nakayama transfère la musique japonaise traditionnelle sur la portée occidentale. Sa chanson de 1921 est plus tard reprise par plusieurs chanteurs mais est surtout connue à l'origine pour être couverte par le violoniste "enka-shi" avec un orchestre. Le système pentatonique employé dans la chanson est sur le mode mineur sans les quatrième et septième degrés. Cependant, la musique fondée sur cette échelle a des difficultés à présenter les accords et l'harmonie parce que la musique japonaise traditionnelle n'a pas adopté la gamme tempérée. J-pop
La musique J-pop fait partie intégrante de la culture japonaise. Elle est utilisée partout : anime, magasins, publicités, films, émissions radio ou télévisuelles, et jeux vidéo. Les chansons de J-pop sont souvent jouées à un rythme rapide, et certaines personnes ont du mal à l'apprécier. Dans les "anime" ou les émissions télévisuelles, et en particulier les drama, les chansons d'ouverture et de fin sont souvent changées plusieurs fois par an. Comme la plupart des programmes ont une chanson d'ouverture et une de fin, il est possible pour un programme d'avoir jusqu'à huit chansons en une seule saison. Orchestre symphonique métropolitain de Tokyo
Traditionnellement, l'orchestre joue les œuvres de Gustav Mahler en tant que partie importante de son répertoire. Hiroshi Wakasugi, Eliahu Inbal et Gary Bertini ont ainsi dirigé toutes les symphonies de Mahler avec l'orchestre. L'orchestre joue principalement de la musique classique mais a également enregistré d'autres musiques symphoniques depuis environ 2000, telles que la bande son de "Dragon Quest" avec Koichi Sugiyama et les musiques de "Nodame Cantabile" (anime et TV drama) ainsi que celle du film "Les Trois Royaumes". Kakko (instrument)
Ce tambour, fut introduit au Japon, depuis la Chine, au . Il est joué par un musicien agenouillé, qui le frappe avec deux bâtons minces. Il sert à définir le rythme du togaku (musique de la première dynastie Tang). Le "kakko" est utilisé dans la musique de théâtre nō et kabuki, mais aussi dans le , musique folklorique japonaise. Il est souvent joué avec son grand homologue, l' ( « grand "tsuzumi" », aussi appelé , qui est un tambour japonais en forme de sablier. Il s'agit d'une version plus grande du tsuzumi, ou kotsuzumi un tambour japonais d'origine sino/indienne. Musique bruitiste
À ce jeu de recherche du « jusqu'auboutisme sonore », le Japon va se révéler particulièrement doué, au point de mériter le terme de japanoise : sous l'influence de Whitehouse, Merzbow ou Yoshihide Ōtomo, mais aussi Masonna, Dissecting Table, KK Null, The Gerogerigegege ou Hanatarash ont façonné cette scène. Le son japonais se caractérise par une extrême puissance, des murs de bruit blanc, des beats, des dialogues, des boucles samplées. On a vu par ailleurs apparaitre dans ce contexte une forme d'improvisation libre électroacoustique plus calme, utilisant des sons purs, spatiaux, caractéristique d'artistes tels que Sachiko M, Yoshihide Ōtomo, Toshimaru Nakamura, Shigeru Kan-no ou Taku Sugimoto. Binzasara
Le est un instrument à percussion de la musique traditionnelle japonaise utilisé pour les chansons populaires, les danses paysannes et le théâtre kabuki. L'instrument se compose de nombreuses plaquettes de bois reliées par un fort cordon de coton tressé. En utilisant les poignées à chaque extrémité, on joue du "binzasara" en faisant onduler les plaquettes comme une vague. Jiuchi
Dans la tradition populaire, il consiste en un rythme simple et uniforme, chanté en utilisant le "kuchi shoka" comme « do ko do ko », également connu sous le nom de "kuchi showa". Ceci est souvent appelé « "straight ji" » pour être différencier des autres modèles de "ji", c'est une notation musicale éducative pour les tambours japonais traditionnels, en particulier le "taiko" et le "tsuzumi". Une variante consiste à faire suivre le « "dongo" » du ji, après le « "kuchi shoka" » (chanté comme « don go don go go »). Généralement, la première note de chaque paire est deux fois plus longue que la seconde, ce qui donne à la mélodie une impression de triolet. En anglais, le dongo est plus souvent simplement nommé « "swing ji" » eu égard à l’histoire du rythme swing dans le jazz nord-américain. Les autres types de "ji" courants incluent le "ji" (« don dogo don dogo » ; dans les partitions occidentales du tambour: « 1. & 12. & a3. & A4. & A ») et le "matsuri", ou festival, "ji" (« DON doko don DON »). Femmes au Japon
Souvent, lorsqu'est évoquée la Japonaise, beaucoup pensent aux geisha, artistes traditionnelles qui agissent comme hôtesses et dont les compétences consistent à exécuter divers arts japonais tels que la musique japonaise traditionnelle, la danse, des jeux et à entretenir une conversation, principalement pour divertir une clientèle masculine. Théâtre japonais
Si les représentations de "bugaku" n’ont été prisées que par l’élite aristocratique et religieuse, il en va tout autrement du "sangaku", introduit de Corée et de Chine aux , mais moins raffiné et d’essence purement populaire. Plus rarement associé aux cérémonies religieuses, il s’agit de . Dès le , le "sangaku" chinois est appelé "sarugaku" (singerie ou musique de singe) au Japon, qui s’enrichit au contact du peuple des saynètes comiques ou de mimiques. Les spectacles hétérogènes de "sarugaku" sont très proches du "dengaku" autochtone au . Fortement populaire, profane et parfois vulgaire, le "sarugaku" et le "sarugaku nô" ont eu comme le dengaku une importance primordiale sur la naissance du théâtre japonais. En effet, Kan’ami et Zeami, les deux fondateurs du nô (le premier véritable genre du théâtre classique japonais), sont tous deux chefs d’une troupe de "sarugaku". En ce sens, le nô peut être décrit comme l’. Musique japonaise traditionnelle
Le "kokyoku" est une musique de l'époque d'Edo que jouent peu de musiciens, âgés et sans dextérité particulière. Les connaisseurs sont rares. Durant l'époque d'Edo, les nouvelles musiques sont le "nagauta", le "gidayuubushi", le "tokiwazubushi", le "kiyomotobushi", le "shinnaibushi" etc. « "Kokyoku" » est un nom commode créé en 1919 par Machida Kashou (町田佳聲) (1888–1981), chercheur et compositeur. Logiebushi est plus récent que le "nagauta" mais classé dans le "kokyoku", mot utilisé au Japon après 1919 et utilisé couramment durant l'ère Taishō. En 1962 est fondé le "kokyokukai" (古曲会, groupe de musique ancienne). En japonais moderne, "hurui ongaku" désigne la musique ancienne tandis que "kokyoku" est idiomatique. Shime-daiko
Les tambours Shime-daiko ont été utilisés dans des ensembles de taiko, mais ils sont également repris pour l'accompagnement les musiques traditionnelles Noh et Nagauta dont la plus ancienne appelée gagaku, qui sont jouées dans la cour impériale du Japon, . Le kakko est dérivé du jiegu chinois , un tambour populaire en Chine pendant la dynastie Tang , tout comme le galgo coréen. Comme le Kakko il est utilisé dans divers ensembles de musique japonaise, du nagauta (唄) auhayashi (囃 子), taiko (鼓), dans la musique folklorique et dans des ensembles de min'yō (謡). L'instrument émet des sons aigus, puissants et magnifiques. Le bon ajustement du serrage des cordes, qui tendent les peaux du tambour, modifie la tonalité. Plus le serrage est serré, plus le son est puissant. Il existe de luxueux Shime-daiko, dont la finition est acajou. L'instrument se décline en quatre types: Nogao, Nakanonaki, Kominosuke et Tatami, les méthodes de notation utilisées, sont en effet différentes dans chaque école. Tsugaru shamisen
Le ou tsugaru jamisen, est un style de musique japonaise folklorique joué sur plusieurs variantes régionales du : , et . Plus rythmé que le shamisen classique, il est originaire de la région de Tsugaru, actuelle préfecture d' au Nord de , l'île principale du Japon. Fujiwara no Tadafusa
En tant que musicien, il est très impliqué dans le "gagaku" ou ancienne musique de la cour impériale japonaise et succède à son père dans la pratique tant de la "biwa" ou luth japonais que dans les activités relatives à la danse et au chant de cérémonie et dans la musique d'orchestre pour courtisans. Il joue pour le prince Atsumi dans plusieurs compétitions d'exécution de "gagaku" où il crée de nouvelles modalités telles que le et le qui dérivent du "komagaku", une variante qui n'utilise que des instruments à vent et à percussion. Tōru Takemitsu
Sa relation à la tradition musicale japonaise demeure en revanche plus complexe : la rejetant dans un premier temps, Takemitsu prend véritablement conscience de la stature de la musique traditionnelle japonaise en 1958 à la suite d'une représentation de bunraku (spectacle de marionnettes). L'influence du Japon ne s'arrête pas à la musique (style musical et l'emploi d'instruments traditionnels) mais s'étend à son attachement pour la nature : "November Steps" (1967), "I Hear the Water Dreaming" (1987), "How Slow the Wind" (1991)... Il fait honneur à la culture de son pays natal avec "ln an Autumn Garden" (1973-79) pour un orchestre de gagaku. Yayue
Le gagaku est un type de musique classique japonaise joué à la cour impériale depuis plusieurs siècles. Il se distingue dans la forme et le contenu du "yayue" chinois, et se compose de musique religieuse et folklorique shinto, une forme Goguryeo et mandchourienne, appelé "komagaku", et une forme chinoise et sud-asiatique, appelé "". Aiko (chanteuse)
Elle est classée parmi les chanteuses de J-pop, mais cette appellation très générale regroupe en fait tous les artistes japonais de la musique "populaire", sous toutes ses formes. Le style personnel d'Aiko se démarque néanmoins assez nettement des autres chanteuses "stars" japonaises actuelles comme Ayumi Hamasaki ou Namie Amuro, plutôt connues pour leurs tubes dans la veine respectivement pop et RnB, tandis que les compositions d'Aiko varient du rock au country, en passant par des ballades comme « "kabutomushi" » (カブトムシ). Sakura
De même, le sakura est très présent dans la musique (par exemple, le groupe Kagrra associe souvent ses chansons ou l'ambiance de ses concerts au cerisier). Une chanson traditionnelle très connue est intitulée "Sakura sakura". Elle a été initialement conçue pour être jouée par un "shakuhachi" (flûte de bambou) ; on compte également de nombreux morceaux de J-pop portant ce titre. Cuisine japonaise
La cuisine japonaise peut être définie strictement comme la cuisine traditionnelle du Japon, appelée en japonais ou précédant l'ère Meiji, par opposition à la cuisine répandue au Japon qui tire ses origines de l'importation et l'adaptation de plats occidentaux à la suite de l'abrogation du "sakoku" (fermeture du pays) par l'empereur Meiji. Elle est constituée de poissons, de riz ou de nouilles, de légumes et d'algues, généralement assaisonnés avec des condiments locaux. Bushi (musique)
On le trouve dans de nombreux chants traditionnels et folkloriques japonais, généralement les chants au ou au '. On peut citer comme exemples le ', le "Tsugaru yosare bushi", le ', le ', le , le ' et le '. Le ", l'un des plus connus, remonte à plus de trois cents ans. Ces chants folkloriques sont le plus souvent entendus aux festivals japonais locaux. Chōsei Komatsu
Parmi les nombreux enregistrements au crédit de Komatsu figurent deux CD avec l'Ensemble orchestral de Kanazawa sorti en 2006 sur le label Sony Classical. Son enregistrement en 2004 du concerto pour piano "Shukumei" d'Akira Senju avec le l'Orchestre philharmonique du Japon et Kentarō Haneda reste le CD classique meilleure vente dans l'histoire du Japon. Son concert de gala avec la soprano de l'Orchestre philharmonique de Tokyo et le baryton Renato Bruson est sorti en DVD en 2003. Komatsu a également enregistré pour les labels Columbia, BMG-Victor, EMI et CBC avec l'Orchestre symphonique Tchaïkovski de Moscou, l'Ensemble canadien de musique de chambre et l'Orchestre symphonique Kitchener-Waterloo. Japonification
La culture japonaise a une forte influence sur la culture pop américaine avant la défaite du Japon de 1945 à la fin de la Seconde Guerre mondiale, puis au début des années 1950, lorsque les enfants américains sont touchés par la , comme par le film "Godzilla" de 1954. La culture japonaise s'est également présentée avec des jeux vidéo populaires tels que "Jet Set Radio", un jeu qui fait des références évidentes aux mangas japonais et aux romans graphiques. Cette tendance venue du Japon influence la culture populaire des enfants et se poursuit avec des icônes culturelles bien connues telles que : "Astro, le petit robot", "Sailor Moon", "Dragon Ball Z", "Pokémon" ou "". Les médias japonais sont généralement décrits comme étant "kawaii", un terme japonais signifiant « mignon » ou « confortable » en français. Patrimoine culturel du Japon
Le fait que le patrimoine japonais soit principalement constitué de bois, et non de pierre comme en Occident, cela oblige à la reconstruction rituelle de ces monuments (comme pour le sanctuaire d'Ise qui est totalement reconstruit tous les vingt ans). Le concept d'« authenticité » des monuments historiques établi par la Charte de Venise de 1964 ne peut donc pas s'appliquer au Japon, ce qui incite les experts à se réunir à Nara pour délibérer et donner naissance au concept d'« authenticité immatérielle » et d'« authenticité progressive » par le Document de Nara sur l'authenticité. Misaki Iwasa
En juillet 2016, Iwasa fait une apparition lors d'un concert tenu à Japan Expo 2016 à Villepinte en France pour présenter le enka et la musique traditionnelle japonaise aux étrangers. Japan in Motion
""Le Japon, quelle image en avez-vous ? Celle des temples ? De la technologie ? Des sushis ? Mais le Japon, ce n'est pas seulement ça !" "Découvrons ensemble le Japon authentique : Japan in Motion." "Cette émission va vous faire découvrir le Japon à travers le regard et le vécu de personnes étrangères." "Nous vous présenterons toute l'actualité et les dernières nouveautés musicales de la pop japonaise."" Orchestre philharmonique du Japon
L'Orchestre philharmonique du Japon est fondé le en tant qu’orchestre filiale exclusif de la . Akeo Watanabe en est le premier chef dirigeant (résident). En 1958, Jean Fournet conduit le "Pelléas et Mélisande" de Debussy dont c'est la première au Japon. Théâtre japonais
Les danses rituelles, au début très rudimentaires, ont l’originalité dans les arts vivants japonais d’avoir des origines tant autochtones qu’importées du continent asiatique. Parmi les rites autochtones figurent les "kagura" (« divertissement des dieux ») et les danses agraires des milieux ruraux. De Chine et de Corée viennent diverses formes de spectacles et de chorégraphies, dont le "gigaku", le "bugaku" et les danses bouddhiques. Wadaiko Yamato
En plus des percussions, les membres utilisent d'autres instruments traditionnels du Japon comme le "shakuhachi" (flûte droite), le "koto" (cithare japonaise), le shamisen (petit luth) mais aussi de petites cymbales à main. Si les instruments utilisés sont traditionnels, la mise en scène est moderne avec une recherche dans l'éclairage, la disposition des joueurs sur une structure en étages et des effets comiques sans paroles. Le dernier spectacle est nommé Matsuri, en référence aux fêtes traditionnelles japonaises où le tambour joue un grand rôle. Kitarō
Une de ses idées concernant la composition est d'unir la musique populaire (rock), la musique traditionnelle (japonaise) et le classique. Yōkyoku
Le , aussi appelé , est une partie intégrale du théâtre traditionnel nô au Japon. Le nom fait référence à la partie vocale de la musique associée au théâtre nô classique. Le "yōkyoku" est chanté par le chœur et rarement par les autres acteurs. Il est généralement composé de références à des textes classiques ou sutra bouddhistes et est composé en groupes de cinq et sept syllabes. Maître des cérémonies (Japon)
Un certain nombre de fonctionnaires ayant des responsabilités spécifiques assiste le grand maître. Ainsi, l'un des deux vice-grand maîtres des cérémonies est responsable des cérémonies qui comportent de la musique. Le département de musique joue à la fois le "gagaku", c.à.d l'ancienne musique de cour, et la musique classique occidentale. Bougie japonaise traditionnelle
La peinture sur bougies est une tradition culturelle du Japon apparue dès l’époque Edo. Ces sont souvent ornées de fleurs (principalement des pivoines et des chrysanthèmes à l’époque Edo). En effet, au Japon, on a coutume de placer à la fois une bougie japonaise et des fleurs sur les autels bouddhiques des temples ou des maisons ("butsudan" : ainsi, même en hiver, quand les fleurs sont rares, ou quand les bouquets sont fanés, les bougies fleuries peinte sur la bougie japonaise peuvent en tenir lieu. Musique japonaise
Le consiste en un drame ancien (datant de l'époque de Muromachi ( au siècle) chanté et dansé basé sur des épopées telles que le Heike Monogatari ou le Soga Monogatari. Les trois chanteurs narratifs sont accompagnés au tambour "kotsuzumi". Cette tradition s'est perpétuée à Kyūshū et Fukuoka, dont la cinquantaine de pièces sont accompagnées des danses "kôwaka mai". Kumi odori
Chokun emploie le "ryuka", la poésie classique d'Okinawa, et la musique classique pour ses chansons. Les instruments comprennent généralement trois instruments à cordes : le sanshin (apporté de la Chine), le "kutu" et le "kucho"; le "hanso", une flûte, et deux tambours, l"odaiko" et le "kodaiko". Les paroles sont généralement chantées par les joueurs de sanshin, qui sont la composante instrumentale la plus importante et des chansons sont utilisés pour rehausser l'humeur dans les situations intenses. Ces chansons sont cruciales pour la performance et souvent remplacées par des dialogues, un peu comme dans les comédies musicales de Broadway (Foley 8). À la différence de la musique animée des gens du commun d'Okinawa, cette musique est formelle et un peu austère, projetant l'idée de noblesse à travers la musique. La représentation est formelle et pleine de métaphores comme dans la littérature japonaise de l'époque. Deux styles sont présents : le chant fort, ou "kyogin", réservé aux rôles masculins puissants, et le chant doux, appelé "wagin" ou "yuwajin", utilisé pour les rôles de femmes ou de jeunes hommes (Foley 8). Il est important de noter que la plupart des chants importants sont exécutés par les musiciens. Ces derniers sont assis sur la scène ou à gauche de celle-ci pendant les spectacles, ou assis derrière une coulisse puisque la scène est ordinairement une plate-forme de , un peu comme celle du théâtre "nô" (Foley 9). De nos jours, les musiciens sont assis soit à gauche de la scène ou dans les ailes, ce qui conserve l'aspect épuré de l'original, et il est intéressant de noter qu'à aucun moment il n'y a plus de six acteurs sur scène (Thornbury 231). De même, les accessoires réalistes sont évités et ils symbolisent de préférence les idées au lieu d'être pris à la lettre. Bougie japonaise traditionnelle
La bougie japonaise traditionnelle est un produit purement végétal : la cire est confectionnée à partir des fruits du "Toxicodendron succedaneum" (= "Rhus succedanea L.", « arbre à cire ») appelés . La mèche est composée de papier japonais ("washi") (fabriqué à base de fibres de mûrier), de moelle de jonc ("igusa", "Juncus effusus L." var. "Decipens Buchen") et de ouate de coton. Rock japonais
Dans les années 1970, le rock s'étend rapidement des pays aux continents, avant d'être massivement popularisé au Japon ; dès lors le J-rock prend place et, tandis que la scène rock internationale change de style, le J-rock reste le même dans ses caractéristiques musicales. Des chanteurs-compositeurs comme Kazuki Tomokawa et Kan Mikami deviennent populaires. Une scène folk-rock apparaît alors, conduite par Magical Power Mako. En même temps un rock progressif radical évolue avec Flower Travellin' Band ,After Dinner, YB02, Kenso, GERARD ou encore les groupes influencés par la Zeuhl de Magma comme Ruins, Bondage Fruit, Happy Family et Koenji Hyakkei. En 1989, un groupe de rock violent appelé X Japan popularise le premier mouvement rock japonais, connu sous le nom de visual kei. Dans ce mouvement, les fans masculins portent du maquillage, des vêtements PVC ou en cuir, et autres accessoires caractéristiques à ce mouvement. À la fin des années 1980, des groupes de rock comme Loudness ou Luna Sea aident à définir l'esthétique du visual kei dans la pop et le rock japonais. Il existe tout de même des groupes de visual kei qui se démarquent par leur style musical autant que vestimentaire comme Dir en grey ou bien encore the GazettE. Des groupes de heavy metal et de glam metal apparaissent, directement influencés par des groupes occidentaux comme Deep Purple et Kiss. Tsugaru shamisen
Ce style de musique est structuré par des pièces traditionnelles tels que le "Jonkara Bushi", "Jongara Bushi", "Nikata" ou "Aiya Bushi" (pour en citer des célèbres), ces dernières ne correspondent cependant pas à notre vision de la musique traditionnelle, elles comportent une partie fixe et une partie variable qui est toujours improvisée par le musicien. Ainsi le tsugaru shamisen est un style qui se prête facilement à l'improvisation. Ce style est le plus populaire des musiques jouées au shamisen au Japon et connaît depuis quelques années une réinvention par des artistes modernes tels que , les , et , qui mêlent le shamisen à des instruments plus occidentaux tels que la basse, la batterie et le piano. Toi et moi (groupe)
On peut noter plusieurs chansons qui deviendront des classiques de la musique Japonaise :'Aru hi totsuzen" ("或る日突然"), (1969), "Sora yo" ("空よ"), (1970), "Daremo inai umi" ("誰もいない海") (1970), "Hatsukoi no hito ni nite iru" ("初恋の人に似ている") (1970), "Chikyuu wa mawaru yo" ("地球は回るよ") (1971) et "Ai no izumi" ("愛の泉"), (1971). Hisato Ōzawa
Après la Seconde Guerre mondiale, Ōzawa enseigne à la Kōbe Jagakuin, compose de la musique légère, des concertos jazzy pour saxophone et trompette, crée un orchestre et anime sa propre émission de radio avec l'orchestre où sont joués des classiques populaires ainsi que des œuvres plus modernes par des compositeurs tels qu'Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg et Dmitri Chostakovitch. Il projette d'écrire une quatrième symphonie mais est arrêté par sa mort, ne laissant que la page de titre.La série "Japanese Classics" des éditions Naxos commercialise 2 CD de ses compositions : l'un contenant le spectaculaire concerto pour piano et la troisième symphonie, l'autre contenant le concerto pour piano et la deuxième symphonie. Peinture japonaise
Des traditions typiquement japonaises, "yamato-e", se sont développées dans tous ces domaines par des effets bien plus décoratifs, en passant sur des formats monumentaux, ou en préférant un support de soie plutôt que le papier. Le sujet qui est largement considéré comme le plus caractéristique de la peinture japonaise, et plus tard de l'impression, est la représentation de scènes de la vie quotidienne et de scènes narratives souvent remplies de personnages et de détails.  Pour les peintres qui s'inspirent de la peinture chinoise, la peinture japonaise classique est inséparable de la calligraphie. C'est fondamentalement un « art du trait », où la notion de trait n'est pas la même qu'en Occident qui voit le trait comme un pur contour, une limite. Les Quatre trésors du lettré sont au cœur de la peinture japonaise, qui utilise traditionnellement l'encre. L'importance de la calligraphie explique le fait que dans la tradition japonaise, certains peintres sont des lettrés, tandis que la peinture a été considérée en Occident, jusqu'à la Renaissance, comme un art de la matière, trompeur, par opposition à la philosophie, la géométrie et la musique, selon une tradition de pensée platonicienne ou néo-platonicienne. Théâtre japonais
Le Japon médiéval a une longue tradition de marionnettistes et de conteurs itinérants, parfois marginaux, qui se produisent lors des rituels chamaniques à l’origine, puis les festivals religieux ou profanes. Aux , les spectacles de poupées encore rudimentaires reprennent le répertoire du nô ou les récits populaires des conteurs médiévaux, tandis qu’un nouveau répertoire émerge au rythme plus enlevé accompagné d’un instrument de musique importé au Japon au , le shamisen. Les spectacles issus de ce répertoire nouveau s’appellent le "ningyō jōruri" (que l’on connaît de nos jours sous le nom de "bunraku"), qui s’impose comme le théâtre de marionnettes traditionnel du Japon à la fin du . Le bunraku réunit plusieurs formes de spectacles : les marionnettes bien sûr, la tradition des conteurs médiévaux ("jōruri") et la musique dynamique du shamisen qui accompagne les "jōruri". Les archives subsistantes attribuent le premier spectacle de bunraku à Menuyaki Chōsaburō, un conteur de province, aux environs des années 1580. Au début de l’époque d’Edo, les pièces en vogue ont une trame narrative simple reposant sur l’épique et les légendes ou héros du passés, mais gagnent en profondeur grâce à des dramaturges d’Osaka plus versé dans le nô, dont Harima-no-jō et Uji Kaga-no-jō. Orchestre harmonique Kosei de Tokyo
L'orchestre harmonique Kosei de Tokyo joue souvent dans le Fumon Hall, énorme auditorium situé sur le campus de l'organisation religieuse Risshō Kōsei Kai dans le centre de Tokyo. La salle Fumon accueille aussi régulièrement la dernière épreuve du concours national d'orchestre de l'. Avec près de orchestres participants (et environ candidats au niveau national) le concours d'orchestre de l'AJBA est actuellement le plus grand concours de musique au monde. L'OHKT est habituellement invité à faire les premiers enregistrements définitifs des pièces commandées tous les ans pour cette immense compétition. L'OHKT est largement crédité de la définition de l'idiome d'orchestre d'harmonie au Japon où il est soutenu avec enthousiasme parmi les ensembles scolaires et la communauté. Karaoké
Le karaoké est ancré dans la société japonaise comme un élément de la culture à part entière et constitue un loisir pratiqué très fréquemment par la jeunesse japonaise mais aussi par les personnes de tous âges. À la différence de la plupart des machines utilisées en Occident qui sont disposées dans des espaces ouverts (bars, cafés), les karaoké au Japon sont généralement des établissements qui disposent de plusieurs salles que les clients réservent de manière privative pour quelques heures ou la nuit entière. On parle alors parfois de . Une fois installées dans leur salle, les personnes peuvent commander à boire et à manger, puis choisir sur un écran tactile les titres qu’elles souhaitent chanter. Les "karaoke box" auraient été inventées en 1986. Cuisine japonaise
Tirant ses origines des traditions des peuples de chasseurs-cueilleurs de la Préhistoire, la cuisine japonaise se nourrit pendant près de d'influences chinoises et coréennes. Entre l'époque de Nara (710–794) et l'époque Edo (1603–1868), la cuisine traditionnelle se construit lentement. Elle est influencée pendant longtemps par les pratiques bouddhiques végétariennes, la consommation de viande étant prohibée pendant plusieurs siècles, ainsi que par l'apport chinois des nouilles ou de la sauce soja. Les techniques comme la fermentation (base de nombreux plats japonais) ou encore l'art de la coupe, se complexifient ; les repas sont alors codifiés et donnent naissance à une grande cuisine japonaise actuelle, le "kaiseki". La prospérité économique et le développement font de l'époque Edo l'apogée de la cuisine traditionnelle. Fumie Hihara
À Paris, elle joue à la Maison de la Culture du Japon en 2004 et 2007. Les programmes de ses récitals se distinguent par leur originalité : des musiques traditionnelles japonaises du et du alternent avec des arrangements très surprenants de musiques occidentales classiques et ses propres compositions dont elle écrit aussi les paroles. Kumiko Ōmura
Ōmura étudie d'abord auprès de Isao Matsushita, Kenjirō Urata et Jō Kondō au Tōkyō Geijutsu Daigaku. Elle étudie ensuite la composition auprès de et la musique électronique auprès de et à la Folkwang Universität à Essen ainsi qu'à l'IRCAM à Paris et Intermedia Art (Master) auprès de Kiyoshi Furukawa au Tōkyō Geijutsu Daigaku. Sa musique est jouée au Japon, en Corée, aux États-Unis et en Europe (entre autres par le , la Musica Viva de Münich en Allemagne, le festival AGORA, le festival Acanthe en France, Gaudeamus Music Week aux Pays-Bas, l'Emufest en Italie, le Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik en Autrixche et le Music From Japan à New York. Le Nouvel orchestre philharmonique du Japon, l'Ensemble Modern, la , l'Ensemble Recherche, l'Ensemble resonanz et le ont interprété ses compositions. De 2006 à 2010, elle est artiste invitée au Centre d'art et de technologie des médias de Karlsruhe. De 2010 à 2011, elle est « compositrice en résidence » au . Classic du Japon
Le Classic du Japon est un tournoi de tennis féminin du circuit professionnel WTA. J-pop
Le terme de J-pop est « inventé » par J-Wave, une station de la radio de la bande FM, pour décrire ce qui était jusque-là appelé « new music ». Le terme est largement utilisé au Japon pour décrire plusieurs genres musicaux incluant de la pop, du rock, de la dance, du rap, et de la soul. Dans la région de Nagoya le terme de Z-pop est utilisé pour décrire des chansons populaires dans la région. J-rock, visual kei et J-rap sont généralement considérés comme des sous-catégories de la J-pop : les magasins japonais divisent habituellement leur musique en quatre sections : J-pop, enka (une forme traditionnelle de ballade), classique, et Anglais/international. Certaines chansons, comme celles de Miyuki Nakajima et Anzenchitai, représentent une fusion entre l'enka et la J-pop. Cependant le J-rock, le visual kei et le sont différents de la J-pop. Yoshida Brothers
Ils jouent tous deux du shamisen (instrument traditionnel japonais) depuis l'âge de 5 ans. Et, bien qu'ils commencèrent par jouer de la musique du répertoire traditionnel japonais (le Tsugaru shamisen, un style du nord du Japon), ils s'orientèrent vite vers la création de musique contemporaine. Le résultat est une fusion, unique en son genre, de son traditionnel et de rythme et musiques plus modernes parfois accompagnés de percussions. Leur succès est immédiat avec plus de 100 000 ventes pour leur premier album en major, un exploit d'autant plus extraordinaire pour de la musique traditionnelle. J-pop
La J-pop (souvent épelée J-POP ; , ' ; une abréviation de pop japonaise) est un sous-genre de la musique japonaise. La J-pop moderne tient ses origines de la musique traditionnelle japonaise, mais elle est significativement inspirée par la pop et le rock des années 1960, comme les chansons des Beatles et des Beach Boys, qui mène les groupes de rock japonais comme Happy End à mêler le rock à de la musique japonaise des années 1970. La J-pop est ensuite développée par des groupes de new wave à la fin des années 1970, en particulier le groupe de synthpop Yellow Magic Orchestra et le groupe de pop rock Southern All Stars.