Quel est le processus de la création d’un film?
Cinéma
La réalisation d’un film peut être découpée en cinq étapes.La phase de production d’un film englobe l’intégralité de la fabrication du métrage, de la création d’un projet à sa distribution. Néanmoins, le rôle du producteur n’a pas toujours été le même au fil du temps et il n’est pas toujours à l’origine d’un film. Réalisation (audiovisuel)
La réalisation d'un film est le processus de fabrication qui commence par une idée originale, parcourt les étapes de l'écriture du script, prépare le tournage au cours de la préproduction, mène à sa bonne fin le tournage proprement dit, puis assure le montage et la finition, appelés postproduction, et se termine par la distribution qui englobe toute la commercialisation de l'ouvrage. Elle implique un nombre de techniciens, d'artistes et de personnels administratifs qui va de quelques dizaines de personnes à quelques milliers. Elle peut s'étendre sur plusieurs semaines, le plus souvent plusieurs mois, voire quelques années. Cinéma
La production commence donc par le développement, c’est-à-dire par l’écriture d’un scénario. Par la suite, est conçu un séquencier qui permet de décomposer l’histoire en scènes. Dès lors, un distributeur est choisi par le producteur : il évaluera le succès potentiel du film, en considérant le genre du film, le public visé ou l’historique du succès de films similaires. Un réalisateur est ensuite choisi. Vient alors la préproduction, où le film est imaginé et le tournage également préparé. Quelquefois un illustrateur dessine un storyboard pour décrire l’ensemble des plans qu’il faudra tourner et ainsi aider l’équipe lors de la préparation du plateau. Le budget est également fixé par la société de production. Le producteur exécutif embauche l’équipe de tournage requise : elle comprend généralement le réalisateur, son assistant, un directeur de casting, un régisseur général, le directeur de production et le directeur de la photographie, le directeur artistique, le chef-opérateur du son, le perchman, le monteur et le compositeur. Le tournage étant ainsi prêt on entre dans la phase de production proprement dite, celle où le réalisateur met en scène les acteurs : les prises de vues peuvent enfin commencer. Scénarios n'ayant jamais été produits
Certains films connaissent de multiples réécritures et péripéties diverses avant d'entrer en production, au point que certains n'arrivent même jamais à ce stade et passent irrémédiablement aux oubliettes. Le développement d'un projet de film est un processus complexe, et parfois, il suffit d'un seul événement pour que l'entreprise périclite : comédien qui ne peut ou ne veut plus faire le film, coproducteur - même minoritaire - qui se désiste, échec dans la recherche d'un distributeur, projet concurrent… On parle alors de "", terme anglo-saxon servant à définir un projet dont le développement a pris une tournure telle qu'il est peu probable qu'il voit jamais le jour. Il arrive même parfois, paradoxalement, que dans l'intérêt même de ceux qui l'ont développé, il soit préférable qu'un projet ne soit pas produit. Il s'agit ici de projets qui n'ont jamais été tournés, et non de ceux qui ont été tournés mais jamais distribués. Développement (cinéma)
Le scénario est ensuite écrit en plusieurs mois, et peut même être réécrit à plusieurs reprises pour améliorer la théâtralisation, la clarté de l'histoire et sa structure, les personnages, et pour clarifier les dialogues pour finalement convenir aux producteurs. Cependant, les producteurs sautent souvent ces étapes de développement pour développer le scénario, qui est ensuite évalué, on parle de « script coverage ». Ils entrent ensuite en contact avec un distributeur pour pouvoir évaluer le succès que le film pourrait potentiellement avoir. Les distributeurs Hollywoodiens adoptent alors une approche réaliste et commerciale, et considèrent ensuite différents facteurs comme le genre cinématographique, le public visé, l'historique du succès de films similaires, les acteurs qui sont susceptibles d'apparaître dans le film, et le futur réalisateur. Tous ces facteurs suggèrent un certain attrait du film pour un public possible et ainsi le nombre de « futurs spectateurs » lors de la sortie. Pourtant, tous les films ne font pas un bénéfice important lors de cette sortie, il faut alors prendre en compte la vente en DVDs, et des droits de distribution qui sont vendus dans le monde.
Destination finale
L'histoire de la production du film démarre lorsque Reddick écrit un scénario pour un épisode de dans le but d'obtenir un agent au sein de la télévision. Le scénario ne sera jamais présenté pour la série puisqu'un ami du scénariste faisant partie de la New Line Cinema le persuadera de transformer le scénario en un film entier. Plus tard, Wong et Glen Morgan, ses deux partenaires sur "X-Files" deviennent intéressés par le script et acceptent volontiers de réécrire et de diriger le film ce qui devient le premier film réalisé par Wong. Le tournage a lieu à New York et Vancouver avec quelques scènes additionnelles tournées à Toronto et San Francisco. Le film sort le aux États-Unis et devient très vite un petit succès empochant 10 millions de dollars directement lors de son premier "week-end". Le DVD du film contient alors des commentaires, des scènes coupées et des documentaires. Techniques de laboratoire cinématographique
Le film tourné sur support argentique est confié, après chaque journée de tournage, à un laboratoire qui se charge de le développer. Il s'agit d'une opération chimique en plusieurs étapes qui consiste à stopper, révéler, blanchir, fixer, nettoyer et sécher le négatif. Le négatif développé n'est plus photo-sensible, il est rendu stable et peut être exposé à la lumière. Tournage (audiovisuel)
On comprend facilement comment cette importance a fini par marquer le jargon professionnel des cinéastes. « Tourner un film », c’est tourner la manivelle (présente sur les caméras jusqu’à l’avènement du cinéma sonore à la fin des années 1920), dans la phase de fabrication du film, appelée le « tournage », un mot qui va s’imposer aussi bien en français qu’en anglais : ' (tourner), ' (tournage). Cinéma
La technique employée pour créer l’image sur la pellicule cinématographique est empruntée à la prise de vue photographique. L’impression se fait par exposition à la lumière à l’aide d’une caméra à travers un objectif à la cadence typique de 24 images par seconde, régulée par un quartz intégré à la caméra. Initialement de 16 images par seconde (soit un pied par seconde), la cadence fut augmentée avec l’arrivée du cinéma sonore. En effet, la qualité du son (bande passante, pleurage, bruit…) dépend de la vitesse de défilement du film. Cinéma français
Les inventions successives qui mènent à l’apparition des premiers films ont eu lieu au cours du , dans plusieurs pays, principalement les États-Unis et la France, mais aussi la Grande-Bretagne et l'Allemagne. Ce sont bien les films, en tant qu’ouvrages artistiques, qui sont à la base d’un des procédés historiques de leur représentation, les salles de cinéma. Avec son dispositif, public et payant, de projection sur grand écran, Émile Reynaud en 1892, imité par les frères Lumière en 1895, pourrait revendiquer la paternité de ce procédé qui est devenu peu à peu largement minoritaire dans les recettes de l’art du film. En effet, les salles de cinéma représentent aujourd'hui, en termes de marché, en gros moins du quart des recettes d’un film, un autre quart est constitué des ventes de droits de diffusion aux chaînes de télévision, les 50 % restants proviennent des ventes en formats domestiques, DVD, Blu-Ray. Script (cinéma)
En cinéma comme dans les fictions télévisuelles, le script (en anglais : ) est un document de travail réunissant non seulement les éléments de l’histoire et les dialogues des personnages mais aussi les informations techniques nécessaires au tournage de chaque plan. Ce document est appelé également « découpage technique ». Christophe Cognet
Ce travail sur le mécanisme de la création est au centre de son film "L'Affaire Dominici par Orson Welles". Le point de départ en est un film du cinéaste américain commandé par la télévision et resté inachevé que "Christophe Cognet a entièrement restauré et monté, selon les indications laissées par Welles" avant sa mort. Christophe Cognet s’est employé à exhumer et à reconstruire cette matière filmique afin de "mettre celle-ci en perspective à la fois dans la carrière de Welles et dans les annales criminelles françaises du temps". Ce film en forme d'enquête est une réflexion sur le cinéma et la télévision chez Orson Welles, ainsi que sur le processus de montage. "Christophe Cognet a retrouvé Jacques Chapus et le chef opérateur Alain Pol, et il les fait parler avec chaleur de leur collaboration avec le cinéaste américain et de ses méthodes de travail, en même temps qu'il justifie l'état d'inachèvement du document qui suit". Scénario
Dans la fabrication d'un film, le scénario est un outil écrit lors de l'étape finale du développement du projet. Cette étape suit le travail sur des pitches, synopsis, séquenciers, traitements et précède la mise en production du projet (qui comprendra la pré-production, la réalisation et la post-production). Studio de cinéma
Pour alimenter les kinétoscopes, Dickson, qui est ainsi le premier réalisateur de l’histoire du cinéma, tourne plusieurs dizaines de films, et il fait fabriquer à West Orange, dans le New Jersey, non loin de New York, un petit local destiné à protéger les prises de vues de la pluie et du vent, et de la curiosité du voisinage : le premier studio de l’histoire du cinéma. Cette modeste construction est en matériaux légers, bois et papier goudronné. Son toit s’ouvre en grand pour laisser entrer le soleil, indispensable aux prises de vues. Le studio est posé sur un rail circulaire et il peut être orienté pour bénéficier au mieux de la lumière naturelle. Il est alimenté par une ligne électrique car le kinétographe est entraîné par un moteur. Ce bâtiment, qu'Edison désigne en tant que « Kinetographic Theater », est appelé familièrement « Black Maria » par le personnel qui détourne ainsi le surnom des fourgons de la police new-yorkaise, noirs et inconfortables. Environ soixante-dix films sont réalisés à l'intérieur du Black Maria, de 1893 à 1895. À l’époque, et jusqu'au seuil des années 1900, la durée des films, qu’ils soient réalisés par Dickson, Louis Lumière, Georges Méliès ou Alice Guy, n’excède pas . La notion moderne de court métrage n'est donc pas applicable à ces films car elle est basée sur une définition du grand film, le long métrage, qui n'apparaîtra que quelques décennies plus tard. Seules les Pantomimes lumineuses d'Émile Reynaud, les premiers dessins animés du cinéma, peints directement sur une pellicule non photosensible de de large (faite de carrés de gélatine protégée par une couche de gomme-laque, reliés entre eux par du carton fort et souple), et projetés sur grand écran, dépassent cette durée, allant de à . En 1896, le succès international des films de Louis Lumière décide Thomas Edison à concevoir en toute hâte un appareil de projection et d’alléger le kinétographe afin de réaliser à l’extérieur des vues documentaires semblables à celles du réalisateur français. Le moteur électrique est abandonné, une manivelle, à l'imitation du Cinématographe, entraîne désormais le mécanisme. Le Black Maria est déserté. Réalisation (audiovisuel)
Montage, montage son, mixage audio, conformation de l’original image, étalonnages lumière et couleur de l’original image sont les étapes successives de la postproduction, qui mènent au produit fini, prêt à la distribution.La sortie en salles est de nos jours plus un test vis-à-vis du public visé, que la forme de perception principale des recettes du film. En France, les recettes en salles d’un film sont ventilées sous la houlette du CNC selon les différents contrats : producteur(s), distributeur(s), contrats en participation de certains comédiens ou techniciens, royalties du réalisateur et du scénariste, royalties du compositeur de la bande originale. Univers cinématographique Marvel
Marvel Studios a développé des pratiques commerciales spécifiques pour créer son univers partagé, notamment en choisissant des réalisateurs reconnus en tenant compte de leurs travaux antérieurs. Feige a fait remarquer : « Il n'est pas nécessaire d'avoir réalisé un film rempli d'effets spéciaux pour faire un grand film. Vous devez juste avoir fait quelque chose de singulièrement génial », ajoutant : « Cela a bien fonctionné pour nous quand nous avons embauché des personnes comme Jon Favreau, Joss Whedon, Kenneth Branagh et les frères Russo, qui ont fait de très, très bonnes choses. Il est très rare qu’un film de super-héros fasse partie de la catégorie des films marquants ». Le studio était donc à la recherche de cinéastes à embaucher capables de réaliser un film. Lors de l'embauche de ces derniers, le studio a généralement « un noyau d'une idée de ce qu'il désire », qui est présenté aux potentiels réalisateurs au cours de plusieurs réunions pour discuter du développement du film. « Et si au cours de trois, quatre ou cinq réunions, ils réussissent bien mieux que ce que nous leur annonçons au départ, ils obtiennent généralement le poste », selon Feige. Plus tard, tout en développant ce processus, Feige a expliqué qu'avant de parler d'un film à des réalisateurs, Marvel Studios prépare souvent un "lookbook", des influences des bandes dessinées par le département de développement visuel de Marvel, pour créer un modèle visuel pour le film. Celles-ci sont rassemblées lors de réunions que le studio organise tous les 18 mois environ pour planifier et développer les phases du MCU. Cependant, ces "lookbooks" ne sont pas toujours montrés aux réalisateurs, Marvel préférant parfois laisser le réalisateur proposer ses propres idées en premier. Production audiovisuelle
Un dossier de presse, des affiches et d'autres matériels publicitaires sont produits pour la promotion du film. Le distributeur expose le film avec des événements de lancement : des avant-premières, une diffusion à la presse, des interviews, un site internet. Le film est projeté dans des cinémas sélectionnés et des DVD sont diffusés quelques mois après (quatre mois en France). Les droits de distribution pour un film et les DVD sont habituellement vendus dans le monde entier. Économie du cinéma
Les studios contrôlaient ainsi l'ensemble de la chaîne cinématographique. Un film typique partait ainsi par l'achat d'une option sur une pièce de théâtre, une nouvelle ou un roman. Le texte de base était alors transmis à un scénariste chargé d'en faire un scénario, puis transmis à une équipe qui en faisait un story-board. Sur la base de celui-ci, un calendrier rigide fixait les dates de prises de vues pour chaque scène, de manière à minimiser les coûts de déplacement de l'équipe et des acteurs. À chaque étape, un superviseur délégué par le studio s'assurait que la progression du film correspondait au calendrier et que les "rushes" étaient conformes aux standards de qualités exigés par le studio. Une fois le tournage achevé, le superviseur pouvait imposer les coupes qu'il désirait dans le montage final. Ensuite, le studio choisissait la date de sa sortie, ainsi que les cinémas où il serait projeté. Production audiovisuelle
Le développement est l'étude de faisabilité du film : moyens techniques, acteurs, techniciens clés, coûts mais aussi stratégie marketing et audience visée. À cette étape le producteur du film choisit un scénario et le complète. Il propose le projet de scénario auprès d'investisseurs, de studios et d'autres parties pour évaluation. Un distributeur peut être contacté dès ce stade afin de garantir l'accès au marché et un succès financier potentiel pour le projet. Les parties considèrent des facteurs tels que le genre du film, l'historique du succès de films analogues, les acteurs et le réalisateur pressentis ; ces facteurs permettent de projeter une estimation de l'audience. Machinima
Le mot machinima, à l'origine « machinema », est un mot-valise formé à partir de « machine » et « cinéma », inventé par Anthony Bailey et Hugh Hancock en 1999. Ce terme désigne un genre cinématographique et une technique de production de film qui utilise des séquences vidéos capturées à l’intérieur d’espaces virtuels en temps réel, le plus souvent dans un moteur graphique de jeu vidéo mais pas exclusivement. Technicolor (procédé)
Dans un premier temps, le procédé employé consiste en une synthèse additive bichrome (projection avec double objectif de films à filtres couleur) qui ressemble fort au Kinémacolor mis au point par le réalisateur britannique George Albert Smith, ayant participé au tournage de quelque deux cent cinquante films de court métrage. L'unique film tourné à l’aide de ce procédé bichrome sort en 1917 : il s’agit d’un court métrage, "The Gulf Between", dont il ne reste que des fragments. Ce procédé s’avère cependant peu pratique, et Herbert Kalmus présente un nouveau procédé début 1920, qui relève de la synthèse soustractive : on colle dos à dos deux positifs qu’on a préalablement virés en couleur (rouge et vert). Kinémacolor
Le Kinémacolor est un procédé cinématographique mis au point en 1906 par George Albert Smith et Charles Urban en Angleterre, qui formèrent en une société à ce nom. Elle fait faillite en 1914, après avoir connu un certain succès, notamment à Paris. Le brevet décrivait une caméra dont l'obturateur contenait un filtre rouge orangé et bleu vert, de façon à donner à l'image de la couleur : une fois sur deux, l'image était rouge orangé, l'autre fois, elle était bleu vert. L'enchaînement des images donnait l'impression de couleur au film. Le projecteur était muni du même obturateur pour permettre une bonne projection. Pour que les spectateurs aient une impression de couleur cohérente il fallait que la vitesse des images soit de 32 images par seconde, or, les films consommaient à cette époque entre 16 et 20 images par seconde, d'où un procédé gourmand en pellicule. Catégorie cinématographique
Le film d'animation est réalisé à l'aide de différentes techniques, à 2 dimensions (dessins, photographies, etc.) ou 3 dimensions (objets, pâte à modelée, etc.), de façon traditionnelle (image par image) ou informatique. Machinima
Sorti en , "The Movies" propose, outre une expérience de gestion traditionnelle d'un studio de cinéma des années 1920 aux années 2000, la possibilité de créer des films. Le joueur doit pour cela construire des décors pour lesquels sont disponibles un certain nombre de scènes, allant de la comédie à la romance en passant par le combat et l'horreur. Pour créer un film, le joueur a le choix entre créer des films générés automatiquement ou de les créer lui-même via un bâtiment du jeu appelé Éditeur de Scripts Personnalisés. Le principe est de choisir un décor et ensuite une des nombreuses scènes associées à ce décor, et d'empiler les scènes dans une timeline : on peut varier les décors et les scènes et les placer dans l'ordre qu'on désire. Les actions d'une scène sont effectuées par un ou des mannequins que l'on peut remplacer par des acteurs virtuels (préalablement embauchés dans la phase de gestion du jeu) ou choisir de désactiver. Enfin, l'extension "The Movies : Stunts and effects" sortie par la suite permet de gérer librement le cadrage de chaque scène de son script (mais il est possible de laisser celui par défaut). Cinéma
Une cérémonie de récompenses cinématographiques est une cérémonie organisée par un organisme public ou national dévolu au cinéma, tels que les académies ou fondations. Au cours de cette cérémonie un ou plusieurs prix peuvent être remis. En général c’est le côté artistique d’un film qui est remarqué lors de ces cérémonies. C’est en 1920 que remonte la première récompense, dans le Photoplay, un magazine sur le cinéma américain. Cependant, il existe quelques prix qui félicitent le succès commercial, comme le Goldene Leinwand (la toile d’or) en Allemagne qui récompensait chaque film de plus de . Néanmoins, il n’y a pas que les films qui sont récompensés : les artistes et techniciens le sont aussi pour leur contribution au film. On trouve par exemple l’Oscar du meilleur réalisateur aux États-Unis. Ces cérémonies ont en général un caractère de monopole sur leur territoire et récompensent en priorité les artistes et techniciens nationaux. Cinéma
Depuis une idée originale, du tournage à la distribution, un film implique nombre de techniciens, d’artistes et de diffuseurs. Il peut s’étendre de plusieurs semaines à plusieurs mois. Typiquement, c’est le producteur qui détient les droits sur le film. Moteur de production
La construction d'un logiciel est un processus complexe permettant à partir d'un ensemble de fichiers source d'obtenir un code compréhensible par la machine. Cette construction implique des étapes de compilation, d'édition de lien. D'autres étapes peuvent intervenir, génération automatique de code, génération de documentation, ... Chacune de ces étapes correspond à l'application d'une commande sur un ou plusieurs fichiers sources. Au cours du processus de construction plusieurs fichiers intermédiaires sont créés, entraînant des dépendances dans l'ordre d'exécution des commandes. Métiers de l'audiovisuel
Le réalisateur d'un film est rémunéré par une société de production qui a accepté de produire le film ou qui l'a engagé dans ce but. Il assure la responsabilité d'ensemble de la création artistique du film. C'est lui qui, à l'instar d'un architecte, a l'idée générale du projet. Très souvent, le réalisateur a un style et un univers spécifiques. C'est quelquefois en fonction de ses films précédents qu'un producteur choisit tel ou tel réalisateur. Histoire du cinéma
Les quatre étapes fondamentales de l'invention du cinéma, donc de ce qui fait l'objet même de la création cinématographique : les films, si l'on excepte l'invention de la gélatine argentique, une émulsion gélatineuse - faite à partir d'éléments d'origine animale - contenant une suspension de cristaux de bromure d'argent, fondement de la photographie argentique, qui concerne en premier chef la photographie, peuvent se classer chronologiquement ainsi : Cinéma iranien
Un producteur de film doit être titulaire d'une carte professionnelle délivrée par le MCOI. Depuis 1992, les producteurs doivent obtenir une carte de la maison du cinéma, délivrée après l'examen du dossier du postulant. La production d'un film est, elle aussi, réglementée : le producteur remet son scénario au MCOI, qui autorise ou rejette le scénario, ou encore fait des coupures et des annotations ; le scénario est modifié jusqu'à l'accord. Comme le processus est long et incertain, certains producteurs déposent simultanément plusieurs scénari au MCOI. Le producteur doit ensuite communiquer la liste des acteurs et des techniciens, puis le choix des musiques, costumes, des exemples de grime, qui sont eux aussi soumis à accord. Patrick Leboutte
La pensée de Patrick Leboutte, qui s'élabore sur un parcours de recherche riche de plus de vingt ans dans le milieu du cinéma, au fil de livres, conférences, émissions TV, revues, etc., consiste à reprendre les réflexions françaises des Cahiers du cinéma des années 1960, Jean-Louis Comolli et Gilles Deleuze principalement, en montrant que le cinéma ne devrait pas être ce qu'il a pris l'habitude d'être dans une époque de standardisation des images où même le "cinéma d'auteur" est formaté. Face à cette industrie de la culture, paraphrasant Robert Kramer et Jean-Luc Godard, il millite pour un cinéma différent : quelque chose qui arrive à quelqu'un en un temps et un lieu particulier, devant un écran, un événement singulier qui, comme la conversation, passe par les deux sens, et dont l'existence est confirmée par les traces qu'il laisse. C'est ce double mouvement qui nous projette vers autrui en même temps qu'il nous ramène au fond de nous-mêmes. Bref, le cinéma est un geste documentaire qu'il définit comme "une opération menée sur le monde et l'image qui l'exprime, où le sujet filmant oublie ce qu'il savait au préalable du sujet filmé, au profit d'une nouvelle relation née de l'acte cinématographique lui-même, dans le présent du tournage et du montage, dans la disponibilité à leur aléas ; où le travail ainsi conçu, au fur et à mesure qu'il se construit, est précisément ce qui documente tout à la fois le monde, le cinéma, le cinéaste et, au bout du parcours, le spectateur devant un écran". Production audiovisuelle
Pendant la pré-production, chaque étape est réellement établie pour concevoir précisément le film et le planifier. La société de production est créée et un office de production est mis en place. La production séquencée dans le storyboard est visualisée avec l'aide des illustrateurs et des concepteurs. Un budget de production est établi pour planifier les dépenses du film. Pour les productions importantes, des assurances sont souscrites pour garantir une protection contre les accidents éventuels. Les Chevaliers du ciel (film, 2005)
La post-production est une étape cruciale pour un tel film. Souvent, elle commence pendant le tournage et se termine plusieurs mois après. Pendant que Pirès est en tournage, tant à Djibouti qu'en France, il reçoit les épreuves envoyées par "La Maison", agence spécialisée dans les effets spéciaux pour le cinéma. Il doit non seulement diriger les acteurs, mais aussi se concentrer sur le produit final, tâches qu'il mènera à bien. Pour les besoins du film, ce sera sept mois de post-production, une longue période selon la responsable de "La Maison". Précinéma
Le terme précinéma désigne les procédés inventés au cours du , pour reconstituer le mouvement à partir de dessins ou de photographies, disposés (souvent) sur un support circulaire revenant cycliquement à son point de départ. Les procédés du précinéma sont antérieurs à une invention capitale qui va délivrer le spectacle présenté de sa répétition cyclique : le film souple, mis au point en 1887 par l'Américain John Carbutt, constitué de nitrate de cellulose (le celluloïd), que l'industriel George Eastman met sur le marché en 1888, débité en rouleaux de de large, enduits ou non de substance photosensible. Si les procédés antérieurs n'ont pas été pour autant abandonnés à cette époque car ils avaient un marché spécifique, 1888 semble la date clé qui sépare le précinéma du cinéma. Les bandes dessinées ou les alignements de photographies du précinéma présentaient une saynète qui durait une à deux secondes au maximum. Grâce au film souple, les spectacles représentés peuvent durer une dizaine de secondes, voire quelques dizaines de secondes, et, très rapidement, permettront de présenter des films de plusieurs dizaines de minutes. Réalisation (audiovisuel)
La réalisation d’un film se décompose en 6 périodes. L’émergence du montage va compliquer la période de la postproduction. La durée des films augmente grâce à l’adoption universelle de la boucle de Latham, les films durent dorénavant quelques minutes, voire un quart d’heure, et même un peu plus. La succession des plans commence bien entendu au tournage, une seule prise de vues autour d’une seule action dans un unique décor n’a plus rien d’attractif pour le public qui désire des histoires avec diverses péripéties. Les premiers montages sont plutôt frustes et leur logique est la seule chronologie des faits. Ce sont des « petites mains » (des femmes) qui sont chargées de ce travail d’assemblage que l’on fait en regardant la pellicule à contre-jour. En 1924, une machine est inventée aux États-Unis, la "Moviola" (de "" (film animé)), qui va permettre de rationaliser cette opération du montage. Cinéma expérimental
Il semble difficile de définir exactement le cinéma expérimental. La notion d'expérimentation, si elle est importante, s'avère insuffisante à sa définition. De nombreux termes ont servi à le désigner, à partir de ses différents courants (« cinéma pur », « cinéma absolu », « cinéma d'art », « cinéma underground », etc.) On pourrait dire qu'un film est expérimental dès lors que sa démarche créatrice se situe, essentiellement, au niveau de la forme. Ceci implique souvent qu'il soit conçu, sinon entièrement hors de l'industrie du cinéma, du moins très fréquemment à ses marges, et sans considération des préoccupations industrielles, économiques, commerciales, scénaristiques, narratives, etc. Le cinéma expérimental va souvent à contre-courant des normes cinématographiques habituelles : en matière de durée, avec des films de 25 heures ("", d'Andy Warhol) ou d'1/24 de seconde ("Le Film le plus court du monde", d'Erwin Huppert, et "V.I.I. (Very Important Image)", de Manuel Gomez) ou de narration ("Empire", de Warhol, est un film de huit heures constitué de bobines mises bout à bout et cadrant en plan fixe l'Empire State Building). Production audiovisuelle
La post-production est l'étape finale avant que le film ne soit présenté. Elle comprend plusieurs étapes qui vont conduire à l'achèvement de l'œuvre filmique. Cette étape comprend notamment le montage du film et le travail sur le son (mixage). Making-of
Un making-of (signifiant "fabrication") est un anglicisme désignant un film documentaire relatant le tournage ou la production d'un film ou d'une œuvre audiovisuelle (téléfilm, série télévisée…), voire d'une autre production artistique (bande dessinée par exemple). Production audiovisuelle
La production d'un film nécessite deux étapes préalables puis trois étapes principales : Film non narratif
Le film non narratif tient dans le fait de ne pas raconter ou de ne pas le faire de façon compréhensible. Il s'agit avant tout d’une prise de conscience sur l’intention de l’auteur, de démontrer qu'à partir du moment où l'on sélectionne, crée et ordonne des images et du son, on pose un geste intentionnel. Bien qu'à première vue l'exercice de non-narration semble anodin face à la narration traditionnelle, il est bien plus difficile de captiver sans raconter. Compositing
Le compositing (en français, la « composition ») est un ensemble de méthodes numériques consistant à mélanger plusieurs sources d’images pour en faire un plan unique. En photographie, cela sera utilisé de manière réaliste ou surréaliste et à des fins artistiques et/ou commerciales. Les architectes ont également recours à ces techniques pour intégrer une maquette 3D dans le décor réel. Pour un film d'animation, il s'agit de l'étape finale de fabrication qui consiste à assembler toutes les couches des décors, des personnages et à réaliser les effets de caméra, à animer certains déplacements, et effets spéciaux. En cinéma de prise de vue réel, il consiste surtout à réaliser des effets spéciaux et à truquer des vidéos qui seront par la suite intégrés dans le montage. C'est l'un des derniers maillons de la chaîne de l'image dans la réalisation d'un film. Paul Sika
Calqué sur la création cinématographique, le processus technique commence par imaginer une histoire, qui est par la suite rédigée sous forme de script. Ce script est morcelé en séquences qui deviennent les principales photos reflétant les différentes sources qu'il utilise en post-production. Enfin, il applique les couches de peinture digitale pour créer la présentation nécessaire à l'expression de l'histoire. The Movies
La première étape consiste à commander un script aux scénaristes dans le bureau de script. Il faut également décider s’il s’agit d’un film d’action, d’horreur, de S-F, d’amour ou d’une comédie. Les bureaux de scripts, tout comme les scénaristes, s’améliorent au fil du temps et permettent aux films de gagner des étoiles. Il est possible de débloquer le bureau de script personnalisé, qui permet de réaliser soi-même ses films. Pellicule photographique
Chaque type de film (positif ou négatif, noir et blanc ou couleur) suit un procédé différent avec des nuances importantes suivant le fabricant et la génération.Liste des matières utilisées à la fabrication d'un film : Cinéma
Lorsque le master du film est numérique, on peut le transférer sur master de type négatif ou intermédiaire (internégatif, interpositif). Chaque opération effectuée dans un laboratoire cinématographique coûte cher. La question du paiement par les distributeurs est plutôt complexe à cause du temps de travail que prend une bobine de (soit 2 minutes de film en ), temps qui se révèle identique à une bobine de (soit environ 11 minutes). En effet, les employés doivent, pour ces deux films, préparer le même nombre de pièces et de machines, de sorte que la durée du film influe peu sur le travail qu’exige le traitement de la pellicule. Préproduction (films)
Généralement, le créateur du storyboard du film n'est pas le réalisateur du film mais travaille évidemment en collaboration avec lui. Avec son équipe, il met les croquis du réalisateur. Certains réalisateurs ne demandent des storyboards que pour certaines scènes (scènes d'action par exemple) ou ne font pas réaliser de storyboard préalablement au tournage ; ils se contentent de donner les indications d'emplacement de la caméra et de distance focale au fur et à mesure du tournage. D'autres ne conçoivent leur découpage qu'au moment même de tourner la scène. D'autres se contentent de montrer mécaniquement la scène au cadreur du film qui propose alors les paramètres des plans, déterminés finalement en collaboration entre le réalisateur et le cadreur. Plus le tournage est sophistiqué (plusieurs caméra et mouvements complexes, tournage sur fond vert pour incrustation, etc.), plus le storyboard est nécessaire ; il peut même être le préalable à la construction d'une maquette des décors permettant à l'équipe de simuler diverses situations (places et mouvements de caméra, disposition des lumières, etc.). Le Dragon récalcitrant
Tout en essayant d'échapper à son jeune guide encombrant, Benchley traverse différents départements du studio Disney, au sein du complexe flambant neuf de Burbank. Il y découvre là les étapes-clés de la réalisation d'un film d'animation : United Artists
Les projets soumis à UA prennent la forme d'un "package" comprenant un scénario, une équipe technique, un réalisateur et/ou une vedette. Si UA est d'accord sur le "package", la préproduction démarre et la compagnie établit un accord de financement et de distribution. Le projet progresse par étapes. La première, appelée « recherche et développement », comprend l'écriture ou la réécriture du scénario, la préparation du budget et du processus de production, le consentement du réalisateur et du casting. UA a un droit de regard sur tous ces choix. Il arrive, comme pour Gary Cooper pour "Vera Cruz" en 1954, que certaines stars, en plus de leur commission, réclament un pourcentage du résultat brut d'exploitation au lieu d'un intéressement aux bénéfices. Cette pratique, rare durant les années 1950, devient courante dans les années 1970. UA et le producteur prennent chacun en charge 50 % de ce coût. Étant donné que les contrats avec UA ne comprennent pas de clause d’exclusivité, le producteur peut, si aucun accord n'est trouvé sur le développement, user de son droit de , c'est-à-dire transférer son projet à un autre studio. Dans ce cas, UA lui facture les frais de développement. Si le projet ne trouve pas preneur ailleurs, ces derniers sont, soit passés par pertes et profits, soit facturés sur le prochain film du producteur. Anthony McCall
Pour la réalisation de ces premières œuvres, l'artiste dessine une figure géométrique – qui se transforme tout au long du film - sur une pellicule 16 mm, image par image, avec l'aide d'un stylo bille, d’un compas et de gouache blanche. Lorsque le film est projeté dans une salle noire, dans des galeries d'art plutôt que dans des cinémas, sans fauteuils ni écrans, le spectateur voit la figure géométrique apparaître sur un mur, mais surtout, il voit un cône lumineux formé par la lumière qui sort du projecteur, souvent mise en valeur par un fumigène : l'œuvre n'est alors pas uniquement dans les images projetées, mais aussi dans ce faisceau lumineux, qui forme une « sculpture de lumière ». Il s'agit ainsi pour l'artiste d'exposer l'un des composants essentiels du cinéma : la lumière et la projection même d'un film. Le spectateur peut observer mais aussi « toucher », traverser et déformer cette sculpture de lumière, immatérielle. Cinéma indien
L'Inde est le premier producteur de films au monde - près d'un millier de films qui sort par an, qui compte de cinéma pour de spectateurs chaque jour, répartis sur 29 états et sept territoires, 22 langues officielles et 1 652 dialectes. Les films durent entre deux ou trois heures, entrecoupées d’un entracte. Ils diffèrent de manière significative avec des scénarios simples mais rocambolesques produisant des « comédies musicales », combinant plusieurs genres pouvant être traités en musique (mélodrames familiaux, histoires d'amour, thriller, films d'horreur...), avec un décor vif et coloré, s'appuyant à un rythme effréné. Renaissance (film)
La fabrication du film dure un peu moins de deux ans, en 2004 et 2005. L'animation utilise la technique de la capture de mouvement : elle consiste à faire jouer les scènes du film par de vrais acteurs dont le corps est parsemé de capteurs permettant d'enregistrer leur silhouette et leurs mouvements par ordinateur, ce qui fournit une base réaliste à l'animation de personnages en images de synthèse. Le tournage avec acteurs réels, supervisé par Attitude Studio, a lieu au Luxembourg et dure dix semaines. Pour "Renaissance", le tournage avec des acteurs cherche à rendre non pas seulement les mouvements des acteurs, mais aussi quelque chose de leur jeu. Postproduction
La seconde phase du cinéma sonore est l’invention de la bande-son directement enregistrée sur la pellicule même, par le procédé qu’on appelle "son optique". Celui-ci est enregistré par une machine spéciale, séparée de la caméra, et chargée elle aussi d’une pellicule photographique négative. Au moment de la confection de la "lavande", ce son photographique est en principe impressionné le long des images. Cette invention permet alors de mélanger deux pellicules de son pour obtenir une troisième qui est le mélange des deux, en réglant les niveaux comme l’exige la dramaturgie de la séquence, et c’est ce mélange qui est impressionné le long des images de la "lavande". Le mixage est enfin inventé. Il va devenir complexe, mettant en œuvre plusieurs bandes. Métiers de l'audiovisuel
Il réunit les éléments financiers, juridiques et administratifs nécessaires à la réalisation du film. Il est en général le représentant d'une société de production. Le producteur est représenté sur le tournage par le directeur de production, lequel négocie et met en œuvre les moyens techniques et humains pour mener à bien le tournage dans le cadre du budget fixé. Au quotidien, c'est le directeur de production qui est présent sur le tournage et représente la production.Le scénariste d'un film écrit ou coécrit le scénario. Cela peut être une fiction de long métrage ou de court métrage, une publicité, un téléfilm, un clip ou une série. Il assume généralement de nos jours la fonction de dialoguiste. Souvent, il invente la totalité de l'histoire. Il peut travailler à partir d'un livre et en faire une adaptation : il fait alors acheter une option sur les droits de l'œuvre par le producteur ou rarement en France par le réalisateur. Cinéma
Un autre procédé, américain, va le remplacer, mis au point pendant la guerre, et lancé dès 1916 : le Technicolor. Ce procédé utilise lui aussi le seul film disponible, le film Noir et Blanc. La prise de vue s’effectue avec une caméra lourde aux dimensions imposantes, qui fait défiler en même temps trois pellicules Noir et Blanc synchronisées. Derrière l’objectif, un double prisme laisse passer en ligne droite l’image filtrée en vert qui impressionne l’une des pellicules. Par un premier filtrage, le même double prisme dévie le faisceau du rouge et du bleu sur un "pack" de deux pellicules qui défilent l’une contre l’autre. La première est dépourvue de la couche anti-halo qui ferme habituellement le dos des pellicules, l’image peut la traverser mais au passage l’impressionne au bleu, tandis qu’elle impressionne dessous l’autre pellicule filtrée au rouge. La prise de vue fournit ainsi trois négatifs en Noir et Blanc, qui représentent les matrices de chaque couleur fondamentale par leur complémentaire (le jaune donné par le monochrome bleu, le rouge magenta donné par le monochrome vert, le bleu-vert donné par le monochrome rouge). Le tirage des copies fonctionne selon le principe et la technique de la trichromie de l’imprimerie, avec les mêmes possibilités de régler l’intensité de chaque couleur. Très vite, il apparaît la nécessité d’ajouter une quatrième impression, un gris neutre dont la matrice est obtenue par la superposition photographique des trois matrices de la prise de vue, afin de souligner le contour des formes qui prennent ainsi plus de corps. La Collection de Canal+
Chaque année, Canal + diffuse un appel d'offres (à projets) destiné à faire écrire scénaristes et réalisateurs sur un thème donné ou pour des personnalités précises, choisies par la chaîne. Ces personnalités - acteurs ou non - choisissent et interprètent les projets qu'ils ont retenus, après une première sélection par un comité de lecture. (Le comité de lecture est composé de scénaristes, comédiens ,réalisateurs ,programmateurs tous spécialiste de la forme courte). Les films sont produits par des sociétés de production indépendantes et coproduit par Canal + . Ils ont une durée moyenne de 10 minutes. Sur les dernières collections la durée des films a évolué pour s’approcher des 20 minutes. The Movies
Il est également possible de jouer et de créer des films en utilisant le mode « Bac à sable » de l'interface générale. Ce mode permet d’éliminer certaines contraintes. Ainsi, on peut choisir : la date d’ouverture du studio (ce qui permet notamment de bénéficier des nouvelles technologies si l’on commence dans les années plus avancées), la somme d’argent disponible, la réalisation automatique des films (ce qui réduit sensiblement la durée du tournage, en mode normal cela peut prendre des années), une vitesse accrue de la construction des bâtiments, la prise en compte ou non des caprices de star, la dégradation ou non des bâtiments et la présence de cascadeurs. Il est possible également de débuter avec un studio clés en main. Technicolor (procédé)
Le tirage final des copies de projection n'est pas du type argentique, mais du type trichromie d'imprimerie : chacun des négatifs noir et blanc donne un positif noir et blanc qui, enduit sur les parties en relief de la gélatine d'une fine pellicule d'encre de la couleur correspondante, dépose ensuite cette encre par contact sur une pellicule totalement transparente qui reçoit ainsi en trois passages le gamut de couleur, reconstituant une image colorée à partir des seules pellicules disponibles à l'époque : le noir et blanc. Il va sans dire que la précision dans la superposition des trois dépôts est cruciale, mais jamais parfaite, ce qui confère au Technicolor trichrome son aspect vaporeux caractéristique. Une quatrième impression à l'encre noire est d'ailleurs ajoutée par la suite, résultante noir et blanc des trois négatifs, pour renforcer la qualité de l'impression et lui fournir plus de contraste. Les studios, échaudés par les succès mitigés et surtout la qualité imparfaite des précédents procédés, sont frileux et hésitent face à ce procédé nouveau. C’est à Walt Disney que Kalmus propose alors son invention ; Disney ne s’est pas montré intéressé par les procédés bichromiques, mais il a l’intuition que la nouvelle version va vraiment dépasser en qualité tout ce qui a été fait auparavant. C'est pourquoi le premier film utilisant le Technicolor trichrome est un film d’animation, "Des arbres et des fleurs" (1932), issu des "Silly Symphonies", laboratoire d’expérimentation pour le futur premier long métrage de Walt Disney, "Blanche-Neige et les Sept Nains" (1937). De plus, Disney signe avec Kalmus pour une exclusivité de cinq ans, ce qui lui laisse un temps d’avance sur les concurrents par rapport à cette technique qui enthousiasme immédiatement les foules. Cependant, devant la pression grandissante des autres studios qui veulent avoir leur part de succès, la durée de cette exclusivité est ramenée à un an. Robert Flaherty
Flaherty est un des premiers à avoir fréquenté ses sujets avant de les filmer. Ainsi, son cinéma repose sur ces liens de complicités. Le cinéma selon Flaherty est un moyen de connaissance et de rapprochement. Il voit ses filmés comme de réels collaborateurs. Ainsi, il traite sa pellicule sur les lieux même du tournage et projette son film à mesure de son montage et de sa collaboration. Flaherty est le premier réalisateur, qui établit le principe de fréquentation et complicité avec les filmés qui sera cher, plus tard, au cinéma direct, méthode largement utilisée par Jean Rouch dans ses films.  Flaherty arrive sur les lieux du tournage sans préconception. Il ne sait pas ce qu'il va trouver sur place et il est toujours dans l'attente d'une révélation. Quand il a trouvé cette révélation, il essaie de la mettre en valeur par sa mise en scène documentaire. Il veut ainsi atteindre l'essence de cette vérité. Le Documentaire, un autre cinéma
Il introduit ensuite une analyse du processus d'élaboration d'un film documentaire, depuis le projet jusqu’au montage en passant par le tournage, avant de réfléchir au statut du spectateur. Ramdam Festival
Le Ramdam Festival, en partenariat avec CinéPocket et Culture.Wapi, l'Agence culturelle de Wallonie picarde propose un concours de réalisation de films. Le concept est simple : réaliser un film de maximum deux minutes, avec un téléphone portable, autour d'une thématique qui dérange. Les films sont sélectionnés par un jury, composé de membres spécialisés dans le cinéma. Ces films sont projetés sur grand écran, lors d'une séance spéciale du Ramdam Festival. Plusieurs prix sont remis à cette occasion. Cinéma pur
Le terme fut d'abord employé par Henri Chomette pour qualifier un genre de cinéma axé sur des éléments cinématographiques purs comme la composition visuelle ou le rythme du montage. Chomette a d'ailleurs illustré sa théorie à travers des films devenus légendaires dans l'histoire du cinéma, comme les courts-métrages "Reflets de lumière et de vitesse" (1925) et "Cinq minutes de cinéma pur" (1926). Le mouvement compte aussi parmi ses grands créateurs des artistes liés au mouvement Dada comme Man Ray ("L'Étoile de mer"), René Clair ("Entr'acte"), Fernand Leger ("Ballet mécanique"), Marc Allégret, Jean Grémillon, Dudley Murphy, et Marcel Duchamp. Le mouvement inclut également certains des plus grands films de la pionnière Germaine Dulac, notamment son film "La Coquille et le Clergyman", tourné en 1927 et dont le scénario a été écrit en collaboration avec Antonin Artaud. 48 Hour Film Project
Le 48 Hour Film Project (connu aussi sous l'abréviation 48HFP) est un concours au cours duquel les équipes de cinéastes participantes tirent un genre cinématographique au sort, se voient assigner un personnage, un objet et une ligne de dialogue, et ont 48 heures pour créer un court-métrage avec ces contraintes. Peu après leur fabrication, les films sont projetés dans un cinéma de la ville organisatrice. Scénario
Depuis l'invention du cinéma, une quinzaine de types de documents ont vu le jour, s'adaptant chaque fois aux besoins techniques et aux innovations (extérieurs, cinéma parlant, effets spéciaux) et artistiques d'une époque (plan-séquence, improvisation, chorégraphie, montage-séquence, etc.). Les formes de documents actuelles, notamment dans la mise en forme typographique, ont été fixées dans les années 1950, et sont tenues de façon scrupuleuse dans les milieux anglophones du cinéma et dans certaines formes contraignantes (dessins animés, films à truquages numériques), mais sont en général moins respectées en Europe. L'important demeure que le scénario soit compréhensible pour chaque intervenant du film. Développement d'un film négatif couleur
Le développement d'un film négatif couleur est la première étape de la production de photographies couleur. Elle sera suivie du tirage sur un papier couleur. Satoshi Kon
L'étape suivante est la production proprement dite qui peut durer de 1 an et demi à deux ans. Il travaille à chaque fois avec quasiment la même équipe : Nobutaka Ike aux décors, Masafumi Mima aux sons, Susumu Hirasawa à la musique… Pour lui, le fait de travailler avec la même équipe à chaque fois lui permet de connaitre les capacités de chacun et ainsi de savoir qui sera le meilleur pour dessiner tel ou tel plan. Il estime notamment que ses films sont le résultat d'un véritable travail d'équipe dont il n'est que l'élément le plus visible. Film (métrage)
Aux débuts du cinéma, en 1891, les bobineaux sont de longueurs modestes, entre 15 et que l’on charge dans le noir. Un opérateur employé par Louis Lumière raconta même qu’il avait été obligé, pour manipuler sa pellicule dans l’obscurité complète, de louer un cercueil ! Chaque prise de vues est un film en soi que l'on projette tel quel. C’est pourquoi tous les films primitifs, jusqu’à la fin du , ont une durée inférieure à une minute. Plus tard, la durée des films augmenta grâce à une invention du premier réalisateur de cinéma, William Kennedy Laurie Dickson qui, en désaccord avec Thomas Edison sur l’urgence de développer un système de projection, le quitta et mit au point en 1895 pour Woodville Latham un dispositif très simple mais efficace, la boucle de Latham, qui permit alors la projection de films dont la longueur pouvait aller jusqu’à quelque . Les films cessèrent d’afficher la même durée, dorénavant ils furent de différents métrages. La nécessité de respecter la continuité de la projection mais aussi d’assurer sa sécurité obligea les distributeurs à livrer les films aux salles sous la forme de plusieurs galettes de , soit environ un quart d’heure. Cette dimension fut portée à dans les années 1950, lors de la généralisation du film non-flamme. Plus tard, dans les années 1980-1990, et surtout à l’occasion de la création des salles multiplexes, les galettes furent réunies pour en former une seule, installée soit sur un support indépendant de l’appareil de projection même, afin de ne pas infliger le poids et la place énormes de cette galette à l’équipement de base, soit sur des plateaux où le film est disposé à plat et en boucle. Le cinéma sonore, dès les premiers essais de l’équipe Edison en 1896, commença avec le Kinétophone. Pratiquement mort-né, puis en 1902 les phonoscènes de Léon Gaumont, et bien d’autres apparitions, est basé sur un couple de machines dissemblables : la caméra puis l’appareil de projection d’une part, et le phonographe ou le gramophone, lecteurs de cylindres ou de disques gravés d’autre part. L’accouplement présente de nombreuses défaillances, y compris dans le système plus abouti du Vitaphone : désynchronisations, cacophonies, etc. En 1927, la Fox Film Corporation . Cette fois, le synchronisme est parfait ! Le succès de cette innovation technique oblige les cinéastes à porter la cadence de prise de vues des caméras et des appareils de projection à 24 photogrammes par seconde, au lieu des 16 ou 18 par seconde dont se contentait le cinéma muet. À 24 images par seconde, le rendu sonore est bien meilleur. Cette augmentation de la vitesse de défilement linéaire change aussi la durée de passage du métrage de film. La galette de en passe dorénavant en 2 minutes au lieu de 3 auparavant, celle de passe en 4 minutes au lieu de 6, et celle de passe en 11 minutes au lieu de 16. Un long métrage sonore d'une heure et demie mesure , alors qu’en muet, il aurait mesuré . Adama (film, 2015)
La production du film dure 5 ans, avec une longue phase de développement préalable avant le début de la fabrication proprement dite du film (l'animation). Producteur de cinéma
Le producteur de cinéma est la personne qui est responsable de l'ensemble du processus de fabrication du film au sein de l'entreprise de production. C'est par contre cette dernière qui possède, fabrique, et exploite l'œuvre cinématographique ainsi produite. Il est la plupart du temps l'un des actionnaires de cette entreprise, souvent majoritaire, parfois le seul, mais il peut aussi, par exemple dans le cas des grandes compagnies de production, n'en être qu'un dirigeant. Bruitage
Le bruitage est une des étapes de la fabrication d'un film. Il se réalise en postproduction et, en général, pendant ou après le montage définitif de l'image, dans des auditoriums équipés spécialement pour cet usage. Le bruiteur recrée des sons à partir d'objets hétéroclites qu'il possède et accumule, ainsi qu'avec son corps (frottements d’habits, bruits de pas, coups, etc). Il peut aussi créer de toutes pièces des effets sonores originaux, c’est alors le domaine du design sonore qui concerne aussi le théâtre. Son sur film
Les procédés son sur film sont des procédés au cinéma où les sons et les images figurent sur la même « pellicule », qui porte le long des photogrammes une ou plusieurs pistes sonores optiques (procédé photographique) ou une ou plusieurs pistes sonores magnétiques (ruban magnétique collé sur le film). Ils s'opposent aux divers procédés du "son sur disque", quand les films sonores étaient composés de deux éléments distincts : d’un côté, le film lui-même en tant que support des seuls photogrammes (images photographiques), de l’autre, un support phonographique où étaient enregistrés différents éléments audio tels que de la musique, des bruits, des paroles, ces procédés étant basés sur le démarrage simultané des deux machines de lecture : l’appareil de projection et le phonographe à cylindres ou à disques, ou le gramophone. Cinéma pur
Le terme de cinéma pur indique que les procédés plastiques qu'ils emploient ne peuvent fonctionner que dans le cinéma, ce qui implique l'usage d'une image en mouvement. Ces œuvres ne pourraient pas exister sous d'autres formes que filmées, car elles ont besoin des moyens plastiques qui font l'originalité du cinéma : le montage, le mouvement de caméra, le travail de l'image par image... La Belle et la Bête (film, 1991)
Lors de l'élaboration du storyboard, qui est un processus houleux dans le développement d'un film, Linda Woolverton s'oppose fréquemment aux artistes sans comprendre réellement comment fonctionne l'animation. Les storyboarders modifient les dialogues pour les adapter aux images, ce que la scénariste n'apprécie guère. Elle déclare elle-même : « Ça ne s'est pas bien passé du tout. J'étais une scénariste choisie par Jeffrey Katzenberg pour créer un récit linéaire, d'une seule voix. Howard était malade, alors j'étais toute seule pour défendre le travail que l'on avait fait ensemble. L'apprentissage fut rude. » En dépit des disputes, les storyboarders développent un véritable esprit de corps. Ils font des dessins, les épinglent au mur et présentent leur vision à leur collègues avant de les montrer aux réalisateurs et à Jeffrey Katzenberg. Chaque image et chaque ligne de dialogue sont retravaillées. Le superviseur Roger Allers explique que les artistes ont abordé le film en se disant que chaque planche est une expérience, en prenant le risque de voir si elle fonctionne ou pas. Il en déduit que c'est d'ailleurs pour ça que la version finale du film est aussi bonne : lorsque quelqu'un avait une meilleure idée, les artistes l'incluaient dans le storyboard. Roger Allers attribue une bonne partie de cette camaraderie au producteur Don Hahn. Tous les vendredis soirs, lorsque les animateurs viennent faire approuver leurs scènes, Don Hahn et son assistante Patti Conklin distribuent des bonbons et des friandises, ce qui permet aux artistes de célébrer la fin de la semaine. Selon Roger Allers, Don Hahn endosse toujours le rôle de médiateur. Il ajoute que si Jeffrey Katzenberg dit quelque chose qui leur fait l'effet d'une bombe, Don Hahn les réunit et, calmement, les aide à s'organiser. Pour Chris Wahl, le vendredi est « un moment magique » au cours duquel l'équipe se rassemble pour voir les planches de chacun et écouter les présentations. A contrario de Brenda Chapman qui est très timide lorsqu'elle présente ses planches, Roger Allers est l'un des « meilleurs présentateurs de storyboard de tous les temps » selon Jeffrey Katzenberg. Auteuring DVD
Auteuring DVD, de l'anglais "DVD Authoring", décrit le processus de création d'un DVD vidéo à fins d'utilisation dans une platine DVD de salon. La production complète d'un DVD vidéo comprend plusieurs étapes. Compressions de la vidéo en MPEG-2 et de l'audio en Dolby Digital (AC3) ou en PCM (WAV), graphismes et animation des interfaces de navigation, intégration et programmation des éléments, inscription sur DVD et ou cartouche DLT. Les logiciels d'auteuring DVD doivent être conformes aux spécifications définies par le DVD Forum group en 1995. Ces spécifications sont complexes en raison du grand nombre de compagnies impliquées dans ce processus. Sanjay Leela Bhansali
Dans un film de Sanjay Leela Bhansali, les images et la musique sont intimement liées, créant ainsi une atmosphère particulière, une identité forte. Sanjay Leela Bhansali reconnaît lui-même ne commencer la réalisation d’un film qu’après avoir complètement défini un univers musical. Une autre particularité du travail de Sanjay Leela Bhansali est de s’isoler du public durant le processus de création d’un film, une méthode attribuée également à Guru Dutt dont il est un fervent admirateur. Adama (film, 2015)
Le film est fabriqué intégralement au studio Pipangaï, en France, sur l'île de La Réunion ; c'est un mode de production inhabituel (les tâches sont généralement réparties entre plusieurs studios) qui facilite la tâche à l'équipe du film chargée d'assurer la cohérence du projet. Durant la phase de développement, le studio Pipangaï est entièrement rééquipé pour devenir capable de produire un long métrage. La fabrication du film commence en et dure un an. La finalisation du film a lieu à Paris et dure trois mois. Dessin animé
Réalisé sur différents supports (papier, carton, verre, cello, ordinateur…), un dessin animé est un film d'animation consistant à communiquer aux spectateurs l'illusion du mouvement de personnages ou d'objets en enregistrant image par image une suite de dessins représentant les différentes phases de ce mouvement. Production audiovisuelle
L'écriture peut être à l'initiative d'un auteur ou une collaboration avec un producteur. Le point de départ du film peut être une œuvre existante (livre, film, histoire vraie, etc.) et l'adaptation peut être plus ou moins fidèle. Cinéma
Les théoriciens du cinéma ont cherché à développer des concepts et à étudier le cinéma comme un art. Issu de la technique moderne tout en étant l’un des symptômes et causes de cette modernité, ses principes, comme la technique, le montage, ou la prise de vues, ont bouleversé les modes de représentation dans les arts figuratifs et la littérature. Pour se former et se comprendre en tant qu’art, le cinéma a eu besoin de théories. Dans "Matière et mémoire", en 1896, le philosophe français Henri Bergson anticipe le développement de la théorie à une époque où le cinéma venait juste d’apparaître comme visionnaire. Il s’exprime aussi sur le besoin de réfléchir sur l’idée de mouvement, et invente donc les termes « image-mouvement » et « image-temps ». Cependant en 1907, dans son essai "L’Illusion cinématographique", tiré de "L'Évolution créatrice", il rejette le cinéma en tant qu’exemple de ce qu’il a à l’esprit. Néanmoins, bien plus tard, dans "Cinéma I" et "Cinéma II", le philosophe Gilles Deleuze prend "Matière et mémoire" comme base de sa propre philosophie du cinéma et réexamine les concepts de Bergson en les joignant à la sémiotique de Charles Peirce. Dots
McLaren explique : « Normalement dans la production de films sonores, on transforme les vibrations des instruments de musique et des autres sons en impulsions électriques ; celles-ci s’inscrivent en blanc et noir sur la bande sonore, au bord de la pellicule. Quand on projette le film, on inverse le procédé : les vibrations lumineuses causées par la bande sonore sont métamorphosées en ondes électriques, et celles-ci en sons. La plupart des procédés synthétiques suppriment quelques-uns des premiers stades. Ils produisent directement soit des impulsions électriques, soit une bande sonore en noir et blanc» (Carrière, 1988, 276). Cinémathèque de Nice
Créé en 1987, en collaboration avec le réalisateur Henri Gruel, l’atelier du film d’animation de la cinémathèque de Nice a pour objectif de sensibiliser, les enfants à la lecture et à l'écriture du langage cinématographique en leur permettant de s’initier aux différentes étapes de la réalisation d’un dessin animé (écriture du synopsis, réalisation du story-board, création des personnages et des décors, prises de vue, montage et sonorisation). Cinéma
Les enjeux financiers autour d’une œuvre cinématographique sont généralement considérables. Cela est dû à la présence d’un grand nombre d’intervenants dans le processus de création d’un film, ainsi qu’aux moyens techniques utilisés, souvent importants. Une activité économique s’est donc organisée dès les débuts du cinéma pour assurer d’une part la collecte des fonds nécessaires à la production et d’autre part la rentabilisation des investissements. Les résultats au box-office sont donc déterminants d’autant que les recettes des autres médias (télévision, vidéo…) sont corrélées au succès en salles (le prix de vente aux chaînes de télévision est fonction du nombre de spectateurs). Bériou
Vidéo et film . Durée : 5’25. Coproduction AGAVE, CANAL+ et Club d'Investissement Media (Programme Media de la Communaute Européenne), avec la participation du Centre National de la Cinématographie (Nouvelles Technologies et Compte de Soutien). « Le film commence comme une histoire de science fiction. Mais au fur et à mesure que les indices s'accumulent, on comprend qu'une naissance est imminente et que le narrateur n'est autre qu'un être humain en gestation dans le ventre de sa mère. Cette histoire d'initiation nous invite, par le biais de la réalité virtuelle, à réfléchir sur l'idée de matérialisation, d'incarnation, processus par lequel les êtres prennent réellement vie. » Les Films de l'autre
Par ailleurs, outre l'accompagnement, l'organisme propose des formations concernant la production du film, son financement et les outils de gestion. Depuis 2015, il publie un guide de production présentant concrètement les étapes de création d'un film, de sa production à sa diffusion. Une vidéothèque permet également de consulter les œuvres produites par les membres. Cinéma
Première industrie culturelle du , parce qu’il fait plus appel à l’émotion des spectateurs qu’à leur réflexion, le cinéma a intéressé, dès ses débuts, les industriels de la propagande. C’était, selon eux, un remarquable outil pour toucher rapidement d’importantes populations, y compris illettrées. Le cinéma devient alors rapidement l’objet de tensions contradictoires. Aux États-Unis, le film "Naissance d'une nation" ("The Birth of A Nation", 1915), réalisé par David Wark Griffith, présentant le Ku Klux Klan sous un jour favorable pousse la NAACP (National Association for the Advancement of Colored People) à tenter d’en interdire la diffusion. Une réflexion est alors engagée sur la notion de censure publique. Préproduction (films)
Le story board et découpage, conduisent à des réunions de préparation pour les effets spéciaux, planifications.Le plan de travail élaboré par le 1er assistant mise en scène, à partir du découpage du scénario qui est écrit scène par scène, est en fait le planning de tournage du film. Les éléments de décors, le casting, les voyages, le catering, les équipes... tous ce qui est nécessaire au tournage du film, y sont répertoriés. Il change en fonction de la réalité du tournage, les aléas météo, les retards, la disponibilité des acteurs. Il est l'élément clé pour le producteur et le directeur de production qui finalise le budget du film à partir de ce document. Constamment mis à jour, il sera la principale source de l'assistant(e) de production pour établir la feuille de travail journalière pendant le tournage. Les convocations des acteurs, des équipes, le prêt à tourner, le lieu de travail, le plan pour y accéder... L'équipe travaille à partir des feuilles de travail qui à la fin du film seront rassemblées avec le plan de travail, dans la bible du film. Bob l'éponge, le film
La réalisation d'un film nécessite de nombreuses étapes, en commençant par un rassemblement d'idées brutes dessinées sur des post-it afin de visualiser le processus d'animation. Ce sont les scénaristes qui dessinent ces esquisses, travaillant sur des répliques très schématiques plutôt que sur un script bien précis, rendant ainsi l'humour plus visuel que verbal. Stephen Hillenburg déclare que l'humour se trouve . Ensuite les idées des scénaristes sont illustrées par les artistes de storyboard, dont Sherm Cohen. Pour la série ce sont Tom Yasumi et Andrew Overtoom qui réalisent les animatiques, mais pour le film il s'agit de Stephen Hillenburg et Derek Drymon. Dans le film, Yasumi et Overtoom sont responsables de la gestion du timing de l'animation vis-à-vis du script. "Bob l'éponge, le film" est animé aux en Corée du Sud. Les animateurs travaillent à la fois numériquement et manuellement, les dessins au crayon sont ensuite composés en plans grâce au logiciel . Machinima
L’aspect temps réel du machinima signifie que l’on peut utiliser les techniques de production audiovisuelle traditionnelles et lui permet néanmoins d’avoir un coût de production très faible, comparé à celui des films d’animation nécessitant des moteurs 3D complexes (par opposition aux moteurs 3D ordinaires) et plusieurs grappes de serveurs connectés de façon simultanée pour produire le contenu. Pour produire un machinima, il suffit d’avoir un ordinateur (celui du réalisateur par exemple), le jeu qui servira de support et, si ce dernier n’en est pas pourvu, d’un logiciel de capture. Le machinima, en plus d’être peu coûteux, est abordable pour des personnes ne maîtrisant pas l’animation. Des connaissances en réalisation et en direction d’équipes pour les productions d'envergure sont toutefois nécessaires, car la méthode de réalisation s‘approche très fortement de celle utilisée par l’industrie du cinéma. The Movies
Avant d’ouvrir son studio, il est nécessaire de construire les divers bâtiments principaux qui permettront la réalisation du premier film. Ainsi, l’école d’art dramatique permet de recruter les acteurs/trices et réalisateurs/trices. On peut importer des stars créées soi-même grâce au star-maker (employant quelque peu le système d’édition des Sims). Le bureau d’équipe permet de recruter l’équipe technique, le bureau de casting sert à choisir l’équipe d’un film (réalisateur, acteurs et équipe technique). Le bureau de production, quant à lui, est nécessaire à la sortie et l’exploitation des films ainsi que la gestion financière du studio et des stars. Une quantité importante de décors, que l’on débloque au fil du jeu, est disponible pour pouvoir réaliser des films de divers époques et genres. Par la suite, d’autres bâtiments deviennent disponibles, notamment les bureaux de scripts permettant l’écriture des scénarios à mettre en scène, ou encore le laboratoire permettant la recherche de nouveaux décors, costumes, etc. De l'art cinématographique
"De l'art cinématographique" livre une méthode visant à contraindre les artistes à suivre la ligne du parti et à lutter contre la créativité individuelle. Dans l'ouvrage, Kim Jong-il assimile un film à un organisme vivant, la graine du film étant le noyau de l'organisme. L'idée est que, si toute interprétation artistique se fait à travers un seul fondement idéologique (ou graine), alors le film en résultant sera un corps parfait. Cette théorie permet à tous les membres d'une équipe artistique de travailler pour un seul objectif, malgré les différences de personnalité ou de focalisation des membres de l'équipe. Le rôle du réalisateur devient alors d'empêcher toute déviance idéologique vis-à-vis de l'idéologie (ou de la graine). Ainsi, la graine devient l'élément fondamental sous-tendant toute créativité artistique. Tournage (audiovisuel)
Le tournage est l'étape de réalisation, au cours de laquelle sont enregistrées les différentes prises de vues et prises de sons destinées, après les finitions, montages image et son et mixage, à constituer l'ouvrage désigné par le mot film. Le tournage est , le moment où sont tournés les plans ( La Nuit américaine (film)
Cependant, au-delà de la description des turpitudes de la vie de tournage, le seul vrai personnage du film est le cinéma lui-même, Mais il est présenté non pas du point de vue de la création artistique mais dans ce qu'il a de plus artisanal et factice à l'instar du procédé de « nuit américaine » qui consiste à tourner des scènes nocturnes en plein jour. École de Brighton
Jusqu’en 1900, les cinéastes du monde entier tournent leurs fictions de la même façon : dans un décor (réel ou reconstitué), des comédiens, cadrés en pied, jouent une scène du début à sa fin. Chaque bobineau dure en général de à 1 minute. C’est la durée moyenne de tous les films. Mais bien vite, dès 1898, des réalisateurs comme Georges Méliès fabriquent leurs films avec plusieurs prises de vues différentes mises bout à bout. Il s’agit, pour Méliès, de l’équivalent de la succession des tableaux au music-hall. D’ailleurs, c’est l’appellation de ses bobineaux : des « tableaux ». Et l’idée de les assembler pour ne pas avoir à recharger l’appareil de projection d’un « tableau » à l’autre est ce qu’il appelle un « changement à vue », comme les transformations de décors « en direct », devant le public du music-hall, avec les actions coordonnées d’une équipe d’habiles machinistes. Ce changement à vue, grâce au cinéma, est moins acrobatique et risqué, et consiste à suspendre tout simplement la prise de vues pour recharger la caméra et modifier commodément décor et costumes. Il suffit ensuite d’un peu d’acétone pour souder les bobineaux à la suite les uns des autres (ce qu’on appelle une « collure »). Mais ce rapprochement physique des différents « tableaux » n’est pas ce qu’on appelle aujourd’hui le montage. Méliès termine chaque « tableau » par un fondu de fermeture (un emprunt aux projections à deux lanternes magiques, qu’il adapte au cinéma) et commence le tableau suivant par un fondu d’ouverture, comme s’il voulait masquer le heurt et la transformation de sens créés par tout plan qui succède à un autre. En 1900, George Albert Smith systématise une découverte qu’il a faite la même année avec "As seen through a telescope" ("Ce qu'on voit dans un télescope", parfois nommé "L'Astronome indiscret") : il introduit une prise de vues à l’intérieur d’une autre pour expliquer l’action. Assis sur un tabouret installé en pleine rue, un indiscret braque sa longue-vue en direction d’une jeune cycliste qu’un bel homme aide à positionner les pieds sur les pédales et qui en profite pour lui caresser le mollet. Un gros plan, encadré par un vignettage circulaire, montre la main s’intéressant au galbe du mollet de la belle. Puis l’action, vue en "Plan moyen", se poursuit. Le voyeur, démasqué, est renversé par l’homme galant. Dramaturgie (cinéma)
Le début d’un film peut être constitué d’un flashback qui n’a pas besoin de mots pour être exposé. La compréhension de ce flashback se fera par la suite, aussi bien par le dialogue que par le sujet des séquences, apportant un grand plaisir au spectateur qui peut décoder mentalement le début du film en remplissant les informations qu’il reçoit plus tard. L’utilisation du flashback est depuis de nombreuses décennies admise par le public qui comprend, on pourrait dire instinctivement, les procédés de jeu avec le temps et l’espace, caractéristiques des films. Comme le remarque le scénariste et auteur de théâtre Jean-Claude Carrière, . Brickfilm
Le brickfilm est essentiellement constitué d'une série d'images défilant à une vitesse minimale, ceci afin d'assurer la fluidité de la séquence filmée. Une vitesse de défilement de douze images par seconde est souvent choisie par les brickfilmeurs afin d'éviter de saccader la séquence, rendant ainsi le visionnage agréable au spectateur. Pour réaliser une séquence d'une minute, il est donc nécessaire de prendre une série de 720 photographies. La production est l'étape la plus longue et la plus fastidieuse dans la création d'un projet cinématographique, elle demeure donc une étape incontournable dans la réalisation d'un bricklfilm. La durée et la qualité de la séance de prise d'images dépend seulement de la préparation effectuée lors de l'étape précédente. Un soin particulier doit être apporté à l'éclairage des scènes afin d'éviter le phénomène de "light flicker," où un saut de luminosité entre chaque photo est perceptible lors du visionnage de la séquence filmée. De l'art cinématographique
Le « combat de vitesse » appelle à une production accélérée de films. En effet, d'après Kim Jong-il, en produisant des films aussi rapidement que possible, les réalisateurs accélèrent le processus révolutionnaire global. L'idée du combat de vitesse est née à la suite du tournage du film "The Fate of a Self-defence Corps Man". Le tournage, qui devait durer une année, fut terminé en quarante jours. Depuis, la réduction des temps de réalisation est devenue une consigne politique, renforcée par la publication du traité. Ainsi, la série "Des héros sans nom" fut produite suivant le principe du combat de vitesse. La production de chaque épisode n'a pris que quarante-cinq jours. Par la suite, le combat de vitesse a été élargi dans d'autres domaines artistiques, mais aussi dans le domaine économique. Il est aujourd'hui perçu comme le prolongement kimjongiliste de la doctrine Chollima. Être et avoir
Le tournage s'est déroulé de à pour une durée totale de dix semaines réparties en six périodes. Afin de se faire connaître et accepter par la classe, l'équipe de tournage, composée de quatre personnes, Nicolas Philibert, un chef opérateur, un assistant caméra et un ingénieur du son, a passé la première journée a expliquer à quoi servait tout le matériel. Durant les différentes séances de tournage, le réalisateur a pris des notes sur la progression des élèves, les saisons, les changements climatiques et le temps et a également tourné de longs plans extérieurs afin de rythmer la vie de l'école au cours d'une année. Une procédure judiciaire a opposé l'instituteur, personnage principal du documentaire, à la production du film. Georges Lopez revendiquait un droit d'auteur sur le cours donné à ses élèves tel qu'il est reproduit dans le documentaire, un droit d'auteur sur le documentaire lui-même en tant qu'auteur du texte parlé et des droits en tant qu'artiste-interprète du film. Il affirmait aussi que son droit à l'image avait été atteint. Le tribunal de grande instance de Paris a rejeté ses demandes le , car il n'avait pas exprimé ses revendications avant le tournage du documentaire. La cour d'appel de Paris a confirmé ce jugement le en estimant que le cours oral donné à ses élèves ne relevait pas des œuvres de l'esprit protégées par le code de la propriété intellectuelle et que le personnage d'un film documentaire ne peut être considéré ni comme un interprète, ni comme un coauteur car la part de création dans un film documentaire est due aux seuls choix faits par le réalisateur et l'équipe de production. La cour a enfin estimé que l'instituteur avait clairement, quoique tacitement, consenti à l'utilisation de son image dans le film, y compris dans ses utilisations dérivées. Animation (audiovisuel)
Le dessin animé filmé image par image avec une caméra chargée d'une pellicule photographique voit le jour en 1906 avec "Humorous Phases of Funny Faces" (traduisible par : "Phases amusantes de figures rigolotes"), réalisé par le comédien américain James Stuart Blackton. En trois minutes, sur un tableau noir où sont tracés, puis modifiés image par image, des traits à la craie blanche, une histoire complète est racontée, celle d'un jeune couple qui s'aime, puis vieillit, grossit, s'aigrit, et finit par se détester. Un coup d'éponge final, donné par le dessinateur, les plonge dans le brouillard. Suivent d'autres personnages... La technique est alors appelée . Le film est tourné photogramme après photogramme, à la manière d’un appareil photo, grâce à ce qu’on nommera longtemps le « tour de manivelle », un tour de la manivelle de la caméra déplace la pellicule d'un seul pas d'image (4 perforations) et enregistre un unique photogramme. Telle est la base de toute animation ayant recours à un appareil de prise de vues, ce qui est la majorité des films d'animation existants, même si l'appareil de prise de vues est devenue depuis quelques années un ordinateur. Cinéma
La société de production paye les frais engendrés par le tournage. Elle choisit aussi la société de distribution qui s'occupera de la publicité du film lors de sa sortie. Il arrive quelquefois que le producteur crée lui-même sa société de distribution. Il aide aussi à la réalisation du film, à l’écriture du scénario, au choix des acteurs et des lieux de tournage et il est l’interlocuteur principal de l’équipe en cas de conflits. Le producteur n’a donc pas seulement un rôle artistique mais aussi de mécénat. Le producteur est le seul responsable devant les divers ordonnanceurs du projet. D’ailleurs, sa fonction se définit ainsi : « Le producteur de l’œuvre audiovisuelle est la personne physique ou morale qui prend l’initiative et la responsabilité de la réalisation de l’œuvre […] il prend personnellement ou partage solidairement l’initiative et la responsabilité financière, technique et artistique de la réalisation de l’œuvre et en garantit la bonne fin ». Néanmoins, il persiste, la plupart du temps, une différence entre la production d’un film aux États-Unis et en France. En effet, aux États-Unis, le producteur travaille bien souvent pour un major de cinéma, une grande entreprise qui s’appuie sur des banques ou des firmes pour le financement du film, alors qu’en Europe, le producteur travaille en général pour une petite société et compte sur l’aide de divers organismes publics comme le CNC en France, pour ses subventions. Postproduction
La postproduction est l'ensemble des opérations qui finalisent la fabrication d’un film : montage, mixage audio, conformation et étalonnage. La postproduction succède à la phase de production qui comprend les préparations, financière et artistique, du projet, et le tournage lui-même. Producteur de cinéma
Pour ce faire, c'est à lui qu'appartient la tâche de choisir le projet de film présenté par un scénariste ou par un réalisateur (qui, en France, est souvent à l'origine du projet). Il supervise l'écriture ou la réécriture du scénario. Les premiers frais sont engagés dans, par exemple, la rémunération des auteurs, l'acquisition des droits d'adaptation d'un livre ou l'emploi de coscénaristes. Wreckamovie
Wreckamovie aide à la mise en place de toutes sortes de production audiovisuelles, des courts-métrages et clip musicaux jusqu'au longs-métrages. Chaque personne peut donc rassembler une communauté autour d'un film ou d'autres projets audiovisuels et en appeler aux compétences des membres pour chaque tâche associé à la production. Ce service permet à des films d'être produits avec l'aide d'une communauté, et de cette façon, permet de créer une véritable interaction avec l'audience et ce, dès les premières phases de développement du projet. Histoire du cinéma d'animation
Le procédé avait été découvert cinq ans auparavant, dans un autre but : le super accéléré. En 1901, un certain F.S. Armitage (de l'American Mutoscope and Biograph Company a l’idée de concentrer en moins de deux minutes la "Démolition du Star Théâtre à New York" ("Demolishing and Building Up the Star Theatre"). Pendant les quelques semaines que prend cette opération, la caméra reste au même endroit, bien calée, filmant à travers la fenêtre d’un immeuble placé juste en face. Le premier jour, le cinéaste prend à cadence normale quelques secondes du va-et-vient habituel de la circulation, les calèches, les chariots, et la foule des piétons. Ensuite, durant huit heures chaque jour (pour éviter les basses lumières et la nuit), une image est prise toutes les demi-heures. Une journée passe donc à l’écran en une seconde (à la cadence de l'époque du muet : 16 images par seconde), les ombres portées tournoient à grand vitesse, les piétons s’activent comme des insectes. Le store d’une boutique s’ouvre et se ferme à un rythme infernal. Les étages du Star Théâtre disparaissent l'un après l'autre. Quand seuls subsistent des monceaux de pierres que des fardiers débarrassent, un autre morceau du film à vitesse normale montre les piétons, indifférents aux ruines, qui vaquent à leurs occupations. Ce film était destiné à une exploitation selon le procédé du "folioscope" sur les "mutoscopes" de l'American Mutoscope and Biograph Company, société fondée entre autres par William Kennedy Laurie Dickson, le premier réalisateur de cinéma, transfuge de l'Edison Manufacturing Company, et co-inventeur de la première caméra argentique, la caméra Kinétographe (1891). Tous les garçons et les filles de leur âge
Olivier Assayas soulignera combien il a pris les contraintes et a aimé travailler ainsi. Pour lui, accepter ce cadre permet de développer une liberté Selon Chantal Poupaud, la commande a les réalisateurs, les laissant plus libres de parler d'eux-mêmes, ce qu'ils ne se seraient pas forcément autorisé de la même manière pour une de leurs créations plus originales. Cédric Kahn explique que le fait de devoir écrire et tourner rapidement l'a délivré de En effet, ordinairement, la recherche de production et de financements pour un film se fait avec un scénario déjà écrit, voire , ce qui finit selon lui par être contraignant. Ici, le fait d'entrer dans un système de production rapide permet de tenter plus de choses, sans la pression d'un budget plus important. Tout ceci fait que les cinéastes sont fortement impliqués sur ce projet même s'il ne doit être diffusé qu'à la télévision. Comme le note Laurence Ferreira Barbosa lors de la diffusion : École internationale de création audiovisuelle et de réalisation
Deux ans plus tard, de retour à Paris, il crée l’Actorat du cinéma à l"'American Center" de Paris, principalement consacré à la formation des acteurs qui se destinent à une carrière cinématographique, en distinguant les différentes méthodes de travail qu'il y a entre cinéma et théâtre. Il crée également d'autres départements pour le cinéma : « écriture de scénario », « réalisation » et « production » ainsi qu'une section JRI (journaliste reporter d'images). École cantonale d'art de Lausanne
Le Master en Cinéma ECAL/HEAD (2 ans) permet de développer une vision cinématographique personnelle, comprendre le processus de fabrication d’un film et d'en saisir les dimensions de production afin d’ouvrir en fin de parcours les voies d’une intégration dans les milieux professionnels. Cette formation Master s'adresse ainsi à des personnes titulaires d’un Bachelor ou d’une expérience équivalente qui souhaitent approfondir plus particulièrement un des domaines suivants : réalisation, écriture, montage, son ou production.