Comment créer une série télévisée d’animation?
Regular Show
Chaque épisode de "" prend neuf mois pour être achevé. Quintel et son équipe composée de 35 employés développent les épisodes chez Cartoon Network Studios à Burbank (Californie). Le script est illustré par des images dessinés main (storyboards). Les storyboards sont ensuite animés et mélangés aux dialogues correspondants pour créer l'animatique, qui est par la suite envoyé à la chaîne pour son approbation. Les animateurs rassemblent le tout (décors, design des personnages) et les envoient chez Saerom Animation en Corée du Sud, studio dans lequel l'animation plus complexe est effectuée. Une fois achevé, l'épisode est renvoyé en Californie. La musique et les effets sonores sont créés puis mélangés à l'animation.
Âge d'or de l'animation américaine
En 1946, le syndicat de l’animation de l’époque négocie une augmentation de salaire de 25 %, rendant les dessins animés plus chers à produire en général. Après le verdict de 1948 à la suite de l’affaire d’entente d’Hollywood, il n’y a plus de garantie de réservation des cinémas pour les dessins animés de quelque studio que ce soit, faisant de l’industrie une entreprise plus risquée, causant une baisse des ressources investies dans les courts-métrages de cinéma et provoquant un déclin progressif. Au début des années 1950, le média télévisuel commence à prendre de l’ampleur et l’industrie de l’animation commence à changer en conséquence. À la tête de ce changement se trouve le tandem de William Hanna et Joseph Barbera, les créateurs de "Tom et Jerry". Le nouveau Hanna-Barbera utilise le style de l’animation limitée que l’UPA a mis au point. Avec cette animation limitée, Hanna et Barbera créent plusieurs personnages dont "Huckleberry Hound" ("Roquet belles oreilles"), "The Flintstones" ("La Famille Pierrafeu"), "Yogi Bear" ("Yogi l’ours") et "Top Cat" ("Le Pacha"). Avec la popularité croissante de la télévision, qui comprenait les Saturday morning cartoons (Dessins animés du samedi matin), un déclin beaucoup plus important de la fréquentation des cinémas commence dans les années 1960. Pour faire face à la concurrence de la télévision, les cinémas font ce qu’ils peuvent pour réduire leurs propres coûts. Une manière de le faire est de réserver uniquement des personnages et d’éviter les frais de courts-métrages, jugés inutiles et trop chers. Ces quelques courts-métrages qui ont malgré tout trouvé le chemin des cinémas sont souvent perçus par les critiques comme étant inférieurs à leurs prédécesseurs. Day of the Tentacle
Lorsque développe ', leur technologie n’est pas suffisamment avancée pour créer des animations sophistiquées et donc rendre leurs personnages intéressants, notamment dans leur façon de parler ou de marcher. Lorsqu’un personnage parle, les seules animations possibles sont ainsi le basculement d’avant en arrière de sa tête et sa bouche qui s’ouvre et se ferme. Dans les premiers ', les dialogues gagnent en profondeur et les attitudes des personnages sont plus réalistes. ' constitue pour le studio une nouvelle étape dans ce domaine. Ainsi, la tête des personnages peut bouger de multiples façons et les développeurs sont capables de reproduire toutes les expressions faciales et corporelles, même si cela se fait de manière caricaturale. Pour créer les animations, ils ont d’abord réalisé sur papier des planches de personnage, comme pour un dessin-animé, qui décomposent tous leurs mouvements. Comme ils sont dans l’optique de réaliser un cartoon interactif, les artistes peuvent rendre les personnages un peu irréalistes et ils exagèrent leurs expressions et leurs gestes, ce qu’ils ne pouvaient pas faire dans ' qui se veut plus sérieux. Bernard marche et parle ainsi comme un benêt, Hoagie est comme un éléphant dans un magasin de porcelaine et Laverne bouge de manière excentrique, comme si elle pouvait faire quelque chose de dangereux à tout moment. Les personnages sont également plus grands et plus simples que dans ' ou ', où ils ont beaucoup d’ombrages et de couleurs, ce qui permet de bien distinguer leurs expressions et d’avoir une certaine flexibilité pour créer les animations. Au total, une année est nécessaire aux artistes de l'équipe de Larry Ahern pour créer l’ensemble des animations du jeu. Festival Série Series
C'est également en 2018 que Série Series a développé sa première édition de Série Series KIDS à Fontainebleau, en même temps que le festival d'origine. Celui-ci constitue cependant un festival à part entière, rythmé par des rencontres avec les créateurs, des ateliers et des projections, consacré aux enfants de 6 à 11 ans. Série Series souhaite faire découvrir aux enfants le monde de la création, ses méthodes et leur transmettre un regard neuf sur les séries d'animation qu'ils dévorent. The Boondocks (série télévisée d'animation)
, ou Les Boondocks au Québec, est une série télévisée d'animation américaine en 55 épisodes de 20 minutes créée par Aaron McGruder d'après sa bande dessinée éponyme et diffusée entre le et le sur Adult Swim. Our Last Crusade or the Rise of a New World
Une adaptation en une série télévisée d'animation a été annoncée lors de l'événement le . Celle-ci est réalisée par Shin Ōnuma et Mirai Minato chez SILVER LINK. avec les scripts écrits par Kento Shimoyama et les "character designs" de Kaori Sato qui est également le directeur d'animation. Celle-ci est diffusée entre le et le sur AT-X, et un peu plus tard sur Tokyo MX, ABC, TVA et BS11. Douze épisodes composent la série, répartis dans six coffrets Blu-ray/DVD. Cartoon Network
Pendant les toutes premières années après sa création, la chaîne Cartoon Network est diffusé via câble et/ou satellite dans le but d'accroitre l'audience de certains de ces dessins-animés/programmes comme "Jonny Quest", "Cartoon Planet", "SWAT Kats: The Radical Squadron" et "Bêtes comme chien". La toute première émission originale exclusive de la chaîne s'intitule ', une anthologie de séries d'animation ayant débuté en 1993. La première série produite par Cartoon Network s'intitule "Space Ghost Coast to Coast" en 1994, mais elle était uniquement conçue à partir d'archives d'animation des studios Hanna-Barbera. En 1994, la nouvelle division des studios Hanna-Barbera, Cartoon Network Studios, est fondée et commence la production de l'émission ' (également connue sous le titre de "", ou "C'est un Cartoon !" en français). Cette émission débute en 1995, et se constitue de courts-métrages produits par Hanna-Barbera et par de nombreux animateurs indépendants. La chaîne considère cette émission comme un dans l'animation, et offre aux animateurs un contrôle total de leurs séries, des hauts budgets, et aucune limite d'animation. Le projet a été développé par les producteurs exécutifs de la chaîne, ainsi que par John Kricfalusi et Fred Seibert. Kricfalusi est le créateur de "Ren et Stimpy" et a servi de conseiller pour la chaîne, tandis que Seibert est celui qui a guidé les Nicktoons vers le succès et qui allait recréer un succès similaire pour les séries "Oh, Yeah! Cartoons" et "Random! Cartoons". Animation sans caméra
Dans le cas d'une image cadrée, il s'agit de reproduire un motif sur chaque photogramme, comme dans le cas des courts-métrages ' ou ' de Norman McLaren. Ce procédé est proche du dessin animé, et d'ailleurs pourrait être exécuté par l'intermédiaire de papier ou de cellos et d'une prise de vues sur un banc d'animation. En 1906, le comédien américain James Stuart Blackton avait eu l'idée de modifier le mécanisme d'une caméra afin qu'elle puisse prendre un seul photogramme à chaque tour de manivelle. Il avait ainsi réalisé le premier dessin animé sur pellicule photographique, "Humorous Phases of Funny Faces". Comme le soulignait l'historien français du cinéma Georges Sadoul, cette technique était alors appelée en France . Le témoignage du peintre, sculpteur et réalisateur italien Arnaldo Ginna confirme la méconnaissance en Europe du procédé image par image. . Les expérimentations sur pellicule de ce pionnier sont toutefois aujourd'hui considérées comme perdues. Arthur (série télévisée d'animation, 1996)
Il a aussi été créé une série dérivée, centrée sur Buster qui incarne le personnage principal de la série ' (2004-2012). Un téléfilm "Le Noël parfait d'Arthur" (2000), un autre, ' (2002) c'est le seul téléfilm d'animation jamais diffusé a la télévision, ni la sortie du DVD en France, et un téléfilm en 3D, "La mystérieuse disparition de Pal le chien" (2006), ont également été créés. Sound! Euphonium
Une adaptation en série télévisée d'animation réalisée par Tatsuya Ishihara, supervisée par Naoko Yamada et produite par Kyoto Animation est diffusée entre le et le au Japon sur la chaîne Tokyo MX et en "simulcast" dans les pays francophones sur la plateforme Crunchyroll. Elle est composée de deux saisons de 13 épisodes chacune et d'un OAV diffusé entre les deux saisons. Deux films récapitulatifs et résumant chaque saison sont également sortis. Caillou (série télévisée d'animation)
Caillou ou Caillou et ses amis est une série télévisée d'animation canadienne pour jeunes enfants en d'environ créée par Christine L'Heureux et Hélène Desputeaux, produite par Cinar, et diffusée entre le et le sur Télétoon, et en anglais à partir du sur Teletoon (la cinquième saison sur Treehouse TV), et aux États-Unis à partir de dans le bloc de programmes PBS Kids. Technique d'animation
Au , la technique d'animation de la marionnette en papier découpé sous caméra, articulée mais animée en deux dimensions, a trouvé un nouveau souffle grâce au numérique. Utilisée dans des logiciels plus traditionnellement consacrés au compositing ou aux contenus multimédias dynamiques, elle est choisie sur des productions où rapidité et économie de moyens s'imposent et a ainsi gagné la faveur des séries télé. Dans ces logiciels utilisant un système de calques, les différents éléments de la marionnette (bras, avant-bras, buste, cuisse, etc) sont séparés et liés par des articulations virtuelles (où l'on aurait mis un fil ou une attache anglaise). La marionnette est créée une fois pour toutes et réutilisée dans chaque plan. Alan Becker
Atom Films persuade Becker de créer une suite après le succès de sa première animation, ainsi il publie "Animator vs. Animation II", puis à la suite de plusieurs demandes de ses abonnés, il publie "Animator vs. Animation III" avant de passer à d'autres projets. En 2007, Charles Yeh a proposé de faire un jeu de l'animation, après avoir regardé son impressionnant travail, Alan a accepté de collaborer avec lui. Becker a voulu faire la troisième itération la dernière de la série, déclarant qu'il « voulait s'assurer qu'aucune suite ne pourrait sortir de ça » en terminant la vidéo avec un écran bleu de la mort, comme si l'ordinateur était mort et la série d'animation ne pouvait plus aller plus loin. Mais il a déclaré que son professeur d'animation l'avait inspiré à continuer sur YouTube. Sa quatrième vidéo, "Animator vs. Animation IV", a reçu plus de en financement participatif sur Kickstarter. Adult Swim
Adult Swim est créé à partir d'un programme constitué de séries d'animation pour adolescents et jeunes adultes sur la chaîne américaine diffusé dès dans la soirée. La chaîne diffuse dès lors des courts-métrages tels que ' et ', non-censurés. "Space Ghost Coast to Coast", l'une des premières émissions diffusées sur Cartoon Network est réalisée en 1994 uniquement pour être diffusée dans la soirée. La série est produite par Ghost Planet Industries, renommées par la suite Williams Street Studios, puis deviennent finalement producteurs et programmeurs sur Adult Swim. Durant les matinées de , de nombreuses séries Williams Street font leur apparition. Les émissions ', ', ' et ' ont été diffusées sans être annoncées. Jackie Chan (série télévisée d'animation)
Jackie Chan a toujours voulu créer un dessin animé pour les enfants. Histoire des anime
Dans les années 1990 surgit un phénomène colossal : la montée des "Pokémon". Pour certains il s'agit du plus gros succès de l'animation. Les séries télévisées s'étendent sur de nombreuses saisons, il y a une production à Broadway, plusieurs films, des jeux de cartes à collectionner, des jeux vidéo, des jouets et plein d'autres dérivés. Créé dans un but purement commercial, ce programme s'inscrit comme l'un des plus adaptés à la jeunesse. Star Trek (série télévisée d'animation)
Cette série tout public met en scène la suite des aventures de l'équipage de la série "Star Trek".En , soit quatre ans après la fin de la série télévisée originale, est mise en production par Filmation une série d'animation réunissant à nouveau les membres de l’"Enterprise". La plupart des scénaristes de la série originale collaborent également à l'écriture, sous la supervision de Gene Roddenberry, ce qui explique les nombreuses références aux personnages et aux lieux fréquentés par l’équipage de l’"Enterprise" au cours de ses aventures. Ben Bocquelet
Il est mieux connu pour la création de la série d'animation "Le Monde incroyable de Gumball" coécrit avec James Lamont et Jon Foster. Il est également le réalisateur du court-métrage "" en 2003 dans le cadre de ses études à l'EMCA. Une fois la création de Cartoon Network Development Studio Europe en 2007, Ben Bocquelet est embauché pour aider de nouveaux employés à réaliser leurs projets pour la chaîne après la dissolution des studios Nickelodeon et Jetix en Europe. Cependant, lorsque le studio décide de laisser ses employés développer leurs propres idées, il décide d'utiliser chaque personnage précédemment rejeté qu'il avait créé pour des publicités et de les placer dans une série d'animation. Daniel Lennard, vice-président du développement et des séries originales chez Turner Broadcasting UK, approuve cette idée ainsi que la création d'une série de ce type. Seven Arcs
, aussi connu comme Seven Arcs Pictures, est à la fois un studio d'animation et une maison de production d"anime" japonais et filiale de Tokyo Broadcasting System Holdings depuis . Le premier studio est créé le par d'anciens membres du personnel de Pierrot et est connu pour la franchise créée autour de sa première série télévisée d'animation, "Magical Girl Lyrical Nanoha", en 2004. La société a produit un certain nombre d'autres séries télévisées et films d'animation. Animatronique
Une animatronique (contraction d'« animation électronique ») est une créature robotisée ou animée à distance par des câbles ou par radiocommande, réalisée en général avec une peau en latex et des mécanismes internes permettant de lui donner une apparence de vie. Il s'agit parfois de simples câbles qui sont actionnés à distance par des opérateurs, pour réaliser une action simple. English Club TV
English Club TV et Oreille TV ont élaboré un bloc spécial d'émissions pour les petits téléspectateurs de 3 à 10 ans. Ce bloc propose à des enfants non seulement des dessins animés, mais aussi des émissions différentes créées spécialement pour améliorer la perception et la compréhension de la langue. Toutes les émissions sont élaborées par des enseignants et des spécialistes expérimentés des méthodes d’enseignement. Le Marsupilami (série télévisée d'animation)
Le Marsupilami ("Marsupilami") est une série télévisée d'animation américaine en 28 épisodes, inspirée du personnage éponyme créé par André Franquin et produite par Walt Disney Television Animation. Silly Symphonies
L'importance de la série est très souvent résumée à la notion de laboratoire pour l'animation et de séances d'entraînement pour les jeunes animateurs, avec pour but les longs métrages mais sans préciser de relation explicite. Pierre Lambert la définit comme une « série originale qui allait lui [Walt Disney] permettre d'expérimenter de nouvelles voies ... Les "Silly Symphonies" permettaient aux jeunes animateurs ... d'apprendre la technique du dessin animé ». Pour Dave Smith, la série a servi de « terrain d'entraînement pour les animateurs et les autres artistes Disney »Il faut rappeler que la série débuta en 1929 et que l'idée d'un long métrage ne fut lancée par Walt Disney qu'en 1934, selon le même Dave Smith. Christopher Finch précise que « les deux premières années de production des "Silly Symphonies" sont sans but réel ... puis Walt les institua et les perpétua... elles ont alors eu un rôle inestimable sur le développement de l'art de l'animation. » Frank Thomas et Olly Johnson qualifient la série ainsi : « Cela a commencé avec Mickey et Pluto ... qui semblaient penser et suggérer avoir un esprit de vie. Ensuite, les "Silly Symphonies" dépeignaient des émotions pour les personnages, et il s'en dégageait un sentiment de vie. Finalement avec les personnages dans les histoires des longs métrages qui sont réellement convaincants, la parfaite illusion de la vie est achevée.». Bob Thomas n'évoque que les courts métrages clefs : "La Danse macabre" (première "Silly Symphony"), "Des arbres et des fleurs" (premier court métrage de Disney en couleur) et "Les Trois Petits Cochons" (succès indéniable). Leonard Maltin écrit dans son introduction de "The Disney Films" que « la couleur a été aussi importante pour leur succès [des "Silly Symphonies"] que l'utilisation du son dans "Steamboat Willie" pour Mickey Mouse ». Russel Merritt et J. B. Kaufman concluent leur étude de la série ainsi « Le développement des longs métrages a parfois joué en défaveur des "Silly Symphonies", la série est parfois considérée uniquement sous l'angle du terrain d'expérimentation des longs métrages, mais elles étaient et sont bien plus que des travaux d'apprentissage. Elles représentent en elles-mêmes une incomparable étape dans l'art de l'animation ». Lou ! (série télévisée d'animation)
Lou ! est une série télévisée d'animation française en 52 épisodes de 13 minutes, inspirée de la série de bande dessinée éponyme, créée et illustrée par Julien Neel, réalisée par Jérôme Mouscadet, et diffusée entre le et le sur M6 et Disney Channel, puis rediffusée sur la chaîne 6ter. Alan Becker
Becker a également créé une série de vidéos "how-to", basée sur les 12 principes de base de l'animation, qui a été téléchargée sur sa chaîne YouTube secondaire "Alan Becker Tutorials". Vermin (série télévisée d'animation)
Vermin est une série d'animation pour adultes d'origine française, créée et écrite par Alexis Beaumont, Hafid F. Benamar et Balak et qui est diffusée depuis le sur Blackpills, et depuis le sur Netflix. De par la nature de certaines intrigues, le langage employé et la violence de certaines scènes, la série se destine à un public averti, 16 ans ou plus. Princesse Saphir (série télévisée d'animation)
La technique utilisée dans cette série animée alors d'un genre nouveau, n'était pas la même que celle habituellement employée à l'époque. D'un côté, un nombre important d'images s'enchaînent toutes les secondes afin de fluidifier le déplacement des personnages pour leur donner une apparence naturelle, « humaine » ; de l'autre, une même image est utilisée plusieurs secondes avec des mouvements de caméra spécifiques au cinéma japonais (travellings arrières, zooms rapides, panoramiques à 360° etc.) ce qui compense d'une certaine manière la rigidité des personnages (seuls les yeux et les lèvres bougent quand parlent les personnages, ce qui crée une situation statique, peu animée et inexpressive). Le résultat visuel obtenu à l'écran par cette nouvelle technique est une succession rapide de scènes très courtes dans lesquelles les mouvements des personnages sont réduits. Cette nouvelle technique était assurément moins coûteuse que celle employée par les studios Disney ou les studios européens, mais elle péchait en comparaison par son graphisme (le personnage de la reine est le plus abouti graphiquement, ce qui est inhabituel pour un personnage secondaire). Mouvement Deluxe
Deux méthodes d’animation, le stop motion et le dessin animé, sont utilisées pour donner vie aux personnages.L'équipe de production de la websérie est composée des membres suivant : How Not to Summon a Demon Lord
Avec l'ouverture d'un site officiel et d'un compte Twitter dédiés, une adaptation en une série télévisée d'animation a été révélée en . La série est réalisée par Yūta Murano au studio d'animation Ajia-dō Animation Works avec un scénario de Kazuyuki Fudeyasu et les "chara-designs" de Shizue Kaneko ; Yuki Nishioka en est le chef de l'animation et Yuki Miyamoto a conçu les designs des monstres et est responsable des scènes d'action. Les arrières-plans sont fournis par Kusanagi, et Natsuko Otsuka est l'artiste des couleurs clés ; Teppei Satō est crédité en que directeur de la photographie à Asahi Production Shiraishi Studio tandis que Satoshi Motoyama est l'ingénieur du son au Half HP Studio. Celle-ci est diffusée pour la première fois au Japon entre le et le sur AT-X, Tokyo MX, BS Fuji, SUN. La première saison est composée de 12 épisodes répartis dans trois coffrets Blu-ray. Nickelodeon Animation Studio
En , Nickelodeon a engagé Vanessa Coffey en tant que consultante en création pour développer un bloc de programmation "NickToons", la chargeant de rechercher de nouveaux personnages et histoires qui permettraient à la chaîne de faire une entrée remarquée dans le secteur de l'animation. Le coût élevé d'une animation de haute qualité a découragé le réseau de développer une programmation animée hebdomadaire. Bien que la plupart des réseaux de télévision de l'époque aient eu tendance à s'adresser à de grandes maisons d'animation ayant fait leurs preuves pour développer des séries du samedi matin, souvent des personnages de films, de jouets ou de bandes dessinées déjà vendus à l'avance, Nickelodeon souhaitait différemment. Inspiré par les débuts de l'animation et le travail de Bob Clampett, Tex Avery et Chuck Jones, la chaîne s'est mis en quête de caricaturistes frustrés engloutis par le système de studio. La présidente de Nickelodeon, Geraldine Laybourne, a chargé huit courts métrages de six minutes, d’un coût de dollars chacun, avant d’en choisir trois. À la recherche des talents les plus novateurs dans le domaine, les séries d'animations de cette association d'artistes : "Doug", "Les Razmoket" et "Ren et Stimpy", ont représenté douze années de préparation de budget à cette fin. Vanessa Coffey a été embauché comme producteur exécutif de l’animation par Nickelodeon entre les courts métrages et la production en série. Saison 1 des Simpson
Le créateur des "Simpson", Matt Groening, conçoit l'idée de la série animée dans le couloir du bureau de James L. Brooks, le producteur de l'émission de variétés '. Il désire développer une série de parodies animées courtes, appelées « ' », pour les diffuser entre deux sketches. Brooks veut que les personnages de la bande dessinée de Groening " soit adaptée à l'écran, mais Groening craint à la fois de devoir renoncer à ses droits d'auteur et de faire face à un échec de l'émission, échec qui aurait mis un terme à sa bande dessinée ainsi qu'à sa carrière. Il choisit donc de créer une autre famille atypique. Dessin animé
Les séries de dessins animés japonais des années 1970, visant le marché mondial de la télévision, sont réalisées à l'économie en triplant parfois la prise de vues sur chaque dessin, ou en utilisant systématiquement les boucles d'animation (reproduction du même mouvement). L'économie de dessins ne signifie pourtant pas nécessairement que le résultat visuel soit de moins bonne facture ; elle part simplement du postulat qu'un mouvement rapide ne demande pas une décomposition similaire à un geste lent et détaillé. Philippe Caza évoque d'ailleurs cette erreur d'appréciation en 1988 à propos des animations « classiques » du film "Gandahar" réalisé par René Laloux (bénéficiant de 24 dessins réalisés par seconde de film), au rendu « ectoplasmique » (selon les dires du dessinateur), en comparaison des techniques plus modernes du très dynamique "Akira" sorti la même année mais n'utilisant parfois qu'une quinzaine de dessins par seconde. Titeuf (série télévisée d'animation)
L'importante audience de la série mène au projet de création d'un film. En 2010, presque neuf ans après la première diffusion de la série, un film intitulé "Titeuf, le film" est en cours de développement. Lors d'une entrevue avec le journal "Sud Ouest" au début de 2011, Zep explique : Par la suite, une quatrième saison est mise en œuvre par David Garcia aux studios Go-N Productions, également producteurs de la série d'animation "Lou !". Donkey Kong Country
' est adapté à la télévision dès 1996. À partir de , une émission de télévision française destinée à la jeunesse, intitulée "La Planète de " et incluant les personnages de l'univers ', est mise à l’antenne sur France 2. Le personnage de co-anime l'émission avec Mélanie Angélie jusqu'en , où l'animatrice quitte l'émission, qui se voit renommée '. C'est la première émission animée par un personnage créé grâce à la capture de mouvement, via une technologie mise au point par l'entreprise française Medialab. Cette technique permet aux comédiens qui donnent vie aux personnages fictifs de voir l'animation en temps réel, alors qu'ils sont filmés en train de jouer. Elle est déprogrammée en . L'émission, qui selon les désirs de France 2 cible les adolescents sur un ton , propose des animations, des sketchs humoristiques et diffuse diverses séries télévisées d'animation et dessins animés, dont la série '. L'émission remporte le "7 d'or" de la meilleure émission d’animation et de jeunesse de l'année 1999. Donkey Kong Country
Parallèlement, une série télévisée d'animation franco-canadienne intitulée ' et inspirée du jeu de plates-formes ', est diffusée en France à partir de . Elle est également réalisée grâce à la capture de mouvement. Dans quarante épisodes et sur deux saisons, la série met en scène les personnages de et son neveu , qui doivent protéger la noix de coco en cristal qui produit des bananes magiques à volonté du méchant , qui veut l'utiliser pour devenir le maître du monde. Une controverse naît à cause du rejet de la nomination de l'émission aux "", à cause de la technique de capture de mouvement, considérée comme n’étant pas de l'animation. Technique d'animation
Certaines de ces techniques sont moins connues que le dessin animé ou l'animation en volume, car issues de l'expérimentation de quelques artistes indépendants. Bien qu'elles utilisent le principe fondamental de la prise de vues image-par-image, ces techniques tendent à transcender les médiums traditionnels de l'animation, voire à s'affranchir des outils de captation des images et des sons (grattages sur pellicules de Norman McLaren) inhérents au cinéma. Il existe donc autant que techniques d'animation qu'il existe de médiums, chacun influençant ou contraignant les conditions de prises de vues, et surtout la narration même des films. André Franquin
De nombreuses œuvres d'André Franquin ont été adaptées. Au cinéma, Paul Boujenah réalise en 1981 une adaptation de la série "Gaston" intitulée "Fais gaffe à la gaffe !". La série "Gaston" est aussi adaptée en série d'animation pour la télévision, un premier essai a lieu dans les années 1960 par les éditions Dupuis par l'intermédiaire de leur studio d'animation appelé T.V.A. Dupuis. Mais cela ne plait pas à Franquin qui trouve que les animateurs n'ont pas compris le personnage et la série ne voit pas le jour. En 2009, les studios Normaal adaptent la série pour la télévision avec une nouvelle technique qui permet d'animer directement le dessin de Franquin. Le Marsupilami, va connaitre à deux reprises une adaptation animée pour la télévision. La première en 1993 par les studios américains Disney, mais la série est saccagée : le Marsupilami parle et les personnages de la bande dessinée n'apparaissent pas, quant à Franquin il n'est même pas crédité au générique. Un procès a lieu et permet à Marsu Productions de récupérer entièrement le contrôle de son personnage. Quelques années plus tard en 1999, la maison d'édition monégasque s'associe avec plusieurs studios d'animations français pour réaliser une série télévisée adaptée fidèlement de la série de bandes dessinées. La série s'intitule simplement "Marsupilami", puis "Mon ami Marsupilami" et enfin "Houba ! Houba ! Hop !". En 2011 la série est toujours en cours de production et entame sa cinquième saison. Quelques histoires de "Spirou et Fantasio" sont aussi adaptées en disque sonore, mais Franquin est déçu notamment par les bruitages peu soignés. L'adaptation en de "Spirou et les Héritiers" par Jean Maurel pour les éditions Musidisc est la seule qu'il apprécie. Il y a aussi eu une adaptation de Gaston Lagaffe au cinéma sorti en 2018 et réalisé par Pierre François Martin Laval. 12 principes de base de l'animation
Plus qu'une variable d'expression et de style, ces deux approches ont été développées de par la nécessité de pouvoir quantifier le temps d'une scène d'animation avant qu'elle ne soit produite, à des fins industrielles (dessins animés formatés pour le temps de télévision, etc). Il arrive que certaines productions plus expérimentales et artistiques laissent libre cours à leurs animateurs en les laissant faire "tout d'un coup", afin qu'une certaine spontanéité en ressorte, chose qui est généralement limitée par la planification des poses-clés. Tower of God
Début , une adaptation en série télévisée d'animation a été annoncée avec l'ouverture d'un site officiel. Celle-ci est réalisée par Takashi Sano au studio série télévisée d'animation, accompagné de Hirokazu Hanai comme assistant réalisateur, avec les scripts écrits par Erika Yoshida, les "character designs" de Masashi Kudo et Miho Tanino et d'une bande originale composée par Kevin Penkin ; Sola Entertainment assure la gestion de la production de la série tandis que Rialto Entertainment, une filiale d'Aniplex, la produit. Coproduction Naver Webtoon et Crunchyroll, la série fait partie des "Crunchyroll Originals" et est diffusée sur la plateforme en simulcast à l'étranger entre le et le . En Corée du Sud, la série est diffusée sur la plateforme Naver Series On , tandis qu'au Japon, elle est diffusée sur les chaînes télévisées Tokyo MX, BS11, GYT et GTV. La série est composée de 13 épisodes. Pour les pays francophones européens, la série sera également diffusée en streaming sur la plateforme Anime Digital Network à partir du . Star Wars: The Clone Wars (série télévisée d'animation)
Par la suite, Lucasfilm et Lucasfilm Animation utilisent les logiciels de la société Autodesk pour animer et la série. Le programme de modélisation 3D Autodesk Maya est utilisé pour créer des mondes très détaillés, les personnages et les créatures. L'équipe créative de Lucasfilm Animation, basée en Californie, construit l'histoire et les scènes importantes, tandis que les animateurs des studios en Asie, via Lucasfilm Animation Singapore et CGCG, produisent l'animation. Celle-ci représente un travail de 24/7 pour générer en moyenne huit minutes d'animation terminées chaque semaine. Parallèlement, l'équipe de Filoni examine le travail de l'animation via le courrier électronique et les conférences en ligne. Les animateurs ont également examiné les dessins de la série "" pour la création du style d'animation de ". Peinture animée
La peinture animée est un ensemble de techniques du cinéma d'animation qui reprend les caractéristiques et l'allure de la peinture d'art en y ajoutant le mouvement. Les films de peinture animée peuvent être réalisés en utilisant du pastel, de la gouache, de la peinture à l'huile ou de l'acrylique. Les supports utilisés sont divers et vont du papier à la toile, en passant par le cellulo, le calque ou le verre. Ils sont souvent effectués avec moins d'images par seconde que le dessin animé classique. Pokémon, la série
Tsunekazu Ishihara était contre la déclinaison des jeux "Pokémon Bleu" et "Rouge" en série d'animation. Selon lui, après avoir fait des recherches, les séries d'animation qui découlent d'un jeu vidéo tiennent six mois, ou au mieux un an. La popularité des jeux vidéo au Japon entraîne la création de nombreux produits dérivés, dont les séries télévisées. Shaman King
"Shaman King" est adapté en une série télévisée d'animation de 64 épisodes diffusés sur TV Tokyo entre le et le . La série est réalisée par Seiji Mizushima et co-produite par TV Tokyo, et Xebec. . L'auteur du manga, Hiroyuki Takei, participe aux débuts de la conception de la série mais doit se retirer de l'équipe en raison du temps nécessaire à la réalisation du manga. En , Mizushima déclare que la seconde partie de l"'anime" n'a pas été réalisée selon sa vision mais suivant les directives de l'éditeur Shūeisha. K (anime)
K, également intitulé , est une série télévisée d'animation japonaise produite par le studio GoHands. Elle est réalisée par Shingo Suzuki et a été diffusée sur la chaine MBS du au . La série est diffusée en version originale sous titrée par Kazé. Un film d'animation intitulé "K: Missing Kings" est sorti le . Une seconde saison, "K: Return of Kings", est diffusée entre octobre et . Six films d'animation, regroupés sous le nom "K: Seven Stories", seront diffusés entre juillet et . Animatique
En animation, l'animatique est l'étape qui vient après le storyboard. Le principe est l’élaboration d’une maquette visuelle permettant de vérifier notamment la correction du minutage et la pertinence des raccords. Il y a quelque temps encore, les storyboards étaient faits sur papier et le passage à l'animatique demandait une numérisation (Scan) de chaque dessin du storyboard pour être ensuite montés dans un logiciel de montage (Ex : Première). Aujourd'hui, les logiciels comme Toon Boom ou TVPaint permettent de monter l'animatique sans sortir du logiciel de dessin du storyboard. Liste des adaptations de dessins animés publiés dans Four Color
"Ruff & Reddy" fut, en 1957, la première série de télévision produite par le tandem Hanna-Barbera. Les deux artistes venaient d'être licenciés lors de la fermeture des studios d'animation de la Metro Goldwyn Mayer en . Après avoir passé un accord avec Screen Gem, une filiale de Columbia Pictures spécialisée dans la vente d'émissions télévisuelles, ils réalisèrent cette première série de cartoons en noir et blanc. Autant pour des raisons d'économie que par le fait que nombre de foyers américains étaient encore équipés du seul noir et blanc. Pour donner une meilleure idée de la réduction drastique des coûts, il est utile de rappeler que chaque court-métrage animé de la M.G.M. coûtait entre et . Dans le deal passé avec Screen Gems, chaque épisode était facturé en tout et pour tout . D'où cette idée de réduire le nombre de dessins nécessaires et aboutir à ce qu'on a appelé la "limited animation". 2 numéros. 4 numéros # 499, 577, 638, 1266 Disney Channel
Avant de lancer une chaîne de télévision Disney, Walt Disney avait envisagé dès mars 1950 la production de ses propres émissions de télévision, une simple diffusion des courts métrages d'animation, idée proposée à son frère Roy. Dès Noël 1950, à la demande de NBC, Disney produit une émission télévisée spéciale nommée "" qui reprend le principe "Mickey et le Haricot magique" de "Coquin de printemps" (1947) présentée par Edgar Bergen et ses marionnettes Mortimer Snerd et Charlie McCarthy. En 1981, une étude interne comprenant un inventaire établit que le studio possède 250 longs métrages, 456 courts métrages d'animation et 27 années des programmes télévisuels, la plupart jamais rediffusé. Jim Jimirro, directeur du service des nouveaux marchés propose à la direction de la société Disney de créer sa propre chaîne de télévision. Le projet mettra deux années à voir le jour. Cinéma fantastique
Par nature, l'animation par sa capacité de mettre en image des environnements imaginaires ou des animaux qui parlent, peut être considérée comme fantastique dans le sens le plus large du terme. Cependant, seuls les films, dont les thématiques et arguments appartiennent au domaine du fantastique se rattachent au genre. L'un des pionniers de l'animation Winsor McCay créateur de Little Nemo, réalise deux films d'animation fantastiques "How a Mosquito Operates" en 1912 et "Gertie le dinosaure" en 1914. Avec Walt Disney commence l'hégémonie du dessin animé américain qui va dominer des années 1930 aux années 1980. Si Walt Disney se spécialise principalement dans l'adaptation de conte de fée et d'œuvres appartenant au domaine de la fantasy et du merveilleux, il marque l'animation fantastique avec son troisième long métrage "Fantasia" à travers les deux séquences, "le Sacre du printemps" représentant des dinosaures évoluant sur la musique d'Igor Stravinsky, et "Une nuit sur le mont Chauve" avec le diable rendant la vie à des spectres qui participent à un sabbat, d'après la musique de Modest Moussorgski. À la même période les frères Max et Dave Fleischer, réalisent "Les Voyages de Gulliver" où ils emploient le procédé de la rotoscopie pour rendre les mouvements des personnages réalistes. La rotoscopie est utilisée des décennies plus tard par l'animateur indépendant Ralph Bakshi qui, dans les années 1980, est le premier à adapter pour le cinéma "Le Seigneur des anneaux" de Tolkien, et réalise un film d'heroic fantasy "Tygra, la glace et le feu" avec la collaboration de l'illustrateur Frank Frazetta. Technique d'animation
Les techniques classiques les plus utilisées sont des décors peints sur papier, des personnages et objets mouvants dessinés et gouachés sur celluloïd (feuille transparente d'acétate de cellulose). Mais il existe aussi d'autres techniques comme l'animation de personnages sur des feuilles de papiers, coloriés à la craie ou aux crayons de couleur comme la série d'animation "Junior". Histoire du cinéma d'animation
Pour réaliser un dessin animé, l'opérateur enregistre une image de chaque dessin représentant le personnage dans l'une des phases d'un mouvement décomposé en 16 ou 24 positions pour une seconde de film (à l'époque du muet, il faut compter 16 dessins différents par seconde, et 24 dessins par seconde pour le cinéma sonore). Il effeuille une pile de dessins qu'il présente un par un devant l'objectif de la caméra, dans l'ordre chronologique. Les premiers animateurs ont rapidement trouvé plus pratique de fixer la caméra au-dessus du plan de travail, filmant à la verticale, ce qui leur permettait de manipuler leurs dessins à plat, sous l'objectif de prise de vues. Ils ont eu aussi à résoudre un problème de positionnement des différents dessins au moment où ils les filmaient image par image. Raoul Barré, un animateur canadien, et William « Bill » Nolan, animateur américain, mirent au point en 1912 un système efficace de repérage des dessins : la règle à tenons ("peg bar") qui simplifia leur travail et qui est encore utilisée de nos jours. Les feuilles de papier sont perforées en haut ou en bas du dessin. Ces perforations s'adaptent très exactement aux chevilles métalliques d'une règle fixée aussi bien à demeure sous la caméra que sur la table de travail de l'animateur, ou sur les postes des coloristes. Les dessins filmés n'ont donc pas tendance à « flotter » les uns par rapport aux autres et se superposent avec précision. Anime
Au début des années 1980, s'inspirant de ce style graphique de film d'animation, des Français produisirent diverses séries avec succès en s’entourant d’équipes japonaises. Ainsi, Jean Chalopin créa des séries comme "Ulysse 31" en 1981, puis "Les Mystérieuses Cités d’or" en 1982, et "Inspecteur Gadget" également en 1982. En fait, de très nombreuses séries japonaises sortirent après 1980, mais le genre fut alors noyé dans le flot de l’animation enfantine, les télévisions opérant une sélection drastique dans la production japonaise. Animation (audiovisuel)
La technique est identique à celle découverte par James Stuart Blackton, quel que soit le moyen d'acquisition employé : le mouvement des personnages (et des objets) est décomposé en une succession de dessins, sur la base universelle de 24 ou 25 dessins par seconde d'action, qui, enregistrés dans l'ordre chronologique, produisent à la projection l'illusion d'un mouvement continu. Selon les indications du storyboard fourni par le réalisateur ou la réalisatrice, l'animateur ou animatrice dessine sur papier chaque position clé des personnages dans une action donnée et détermine en combien de secondes (donc autant de fois 24 ou 25 images) le mouvement ainsi souhaité doit se produire. C'est pour cela qu'on l'appelle le plus souvent animateur ou animatrice clé. Ses assistants, appelés intervallistes, dessinent les positions intermédiaires entre chaque position clé, et, selon le principe du folioscope, la fluidité du mouvement peut ainsi être testée (parfois filmé et projeté quand le budget du film le permet).  Après acceptation ou transformations, les dessins sur papier sont reportés à l'encre de Chine sur une succession de feuilles de celluloïd (appelés « cells ou cels, ou cellos », maintenus en position par un jeu de perforations et de tenons qui permettent une superposition exacte des dessins. Les différentes manipulations des cells sont protégées des traces de doigts par des gants que l'on porte obligatoirement au cours des opérations. Chaque dessin est repris par les coloristes qui appliquent des encres de couleur sur son verso sans dépasser les limites des tracés à l'encre de Chine. Dans le système industriel du dessin animé, chaque couleur est appliquée par le ou la même coloriste pour des raisons de productivité. Les cells terminés sont alors photographiés un par un avec une caméra dédiée à l'image par image sur un banc d'animation qui est doté des mêmes tenons utilisés auparavant par les animateurs.  L'image animée par ordinateur simplifie grandement tout ce travail : c'est le logiciel d'animation qui effectue lui-même les opérations de dessins intermédiaires et de mise en couleurs, et qui livre directement "au propre" l'animation désirée.  La même technique image par image lance l’animation en volume, dont encore une fois le comédien James Stuart Blackton a l’idée, appliquant cette technique à un décor miniaturisé où les personnages sont en fait des objets qui semblent bouger tout seuls. En plus, Blackton innove en animant une marionnette, procédé image par image dont la cousine est l’animation de pâte à modeler, deux techniques que l’on utilise encore de nos jours. Liste des épisodes de Digimon Adventure
Avec un total de 54 épisodes, "", créé par Toei Animation en 1999, est le plus long anime adapté de la franchise "Digimon". Suite du film "Digimon - Le Film", l'anime est, au départ et avant de prendre une très large ampleur, composé de 13 épisodes. "Digimon Adventure" est diffusé au Japon sur la chaîne télévisée Fuji TV entre le et le . Les séries ont été créées par Hiroyuki Kakudō et produites par Keisuke Okuda, avec les compositions musicales (remplacées dans la version diffusée sur Fox Kids) de Takanori Arisawa et les personnages de Katsuyoshi Nakatsuru. L'histoire se base sur un groupe d'enfants, élèves d'école primaire, connus en tant que digisauveurs, transportés dans un univers parallèle appelé digimonde, se découvrant eux-mêmes dans un monde qu'ils doivent sauver des forces du mal à l'aide de leurs partenaires digimon. La saison est suivie d'une deuxième, en 2000, intitulée "". Studios Disney de 1937 à 1941
Cette méthode bien ancrée durant la production de "Blanche-Neige", les nouveaux animateurs sont souvent mis à contribution au sein des équipes de Sharpsteen et Hand sur les "Silly Symphonies". La série, en plus d'expérimenter de nouvelles techniques, permet également de tester les animateurs fraîchement formés. Pour parfaire l'animation des personnages, Walt Disney permet à ses animateurs d'étudier le mouvement via des cours en interne. Des acteurs en train de danser et bouger sont ainsi filmés pour permettre aux animateurs d'étudier leurs mouvements et les conséquences sur leur environnement, comme la réaction des vêtements. Des séances filmées auront aussi d'autres utilités. Série d'animation pour adultes
Avant la conception du code Hays, certains courts-métrages animés ciblaient principalement un public adulte plutôt qu'un public enfant. Après la création du système de classification par , les réalisateurs d'animation indépendants tentent de trouver une alternative à l'animation populaire. Les séries d'animation pour adultes à succès aux États-Unis réalisées par Ralph Bakshi et incluent "Fritz le chat", "Heavy Traffic" et "Coonskin". Merchandising
Le "merchandising" est également utilisé dans la production de séries télévisées enfantines d'animation, permettant ainsi un refinancement partiel préalable de ces productions grâce à la vente anticipée des droits de reproduction des héros de ces séries sur les produits les plus divers. Le métier de "visual merchandiser", peu connu, consiste à mettre en scène les produits, à leur donner vie dans un univers qui leur est dédié et dans lequel leurs valeurs, qualités, peuvent s'exprimer. Les vitrines, les présentoirs, et tout ce qui comprend un logo ou un produit dans un point de vente peut être considéré comme du "merchandising". Série télévisée
Une série télévisée, abrégé en série, ou familièrement série télé, aussi appelée télésérie au Canada, est une œuvre télévisuelle qui se déroule en plusieurs parties d'une durée généralement équivalente, appelées « épisodes ». Le lien entre les épisodes peut être l’histoire, les personnages ou le thème de la série. Dilbert (série télévisée d'animation)
Dilbert est une série télévisée d'animation américaine en 30 épisodes de 22 minutes, créée par Scott Adams d'après son personnage de comic et diffusée entre le 25 janvier 1999 et le 25 juillet 2000 sur le réseau UPN. En France, la série a été diffusée à partir du 12 février 2000 sur Canal+ et au Québec, sur Télétoon. Disney Television Animation
Destiné à répondre à l'explosion des demandes en matière de séries animées télévisées dans les années 1980, il est initialement créé en 1988 à Sydney (Australie) par la filiale sous le nom . Il produit ainsi plusieurs séries telles que "Tic et Tac, les rangers du risque" (1989), "Myster Mask" (1991) ou "La Bande à Dingo" (1992) avant de se lancer aussi dans le long-métrage (cinéma télévision et vidéo). Il est ainsi le principal artisan entre autres de "" (2002), "Les Aventures de Porcinet" et "Le Livre de la jungle 2" (2003). Yōjo Senki: Saga of Tanya the Evil
Une adaptation en une série télévisée d'animation a été annoncée par une bande enveloppante sur le cinquième volume du "light novel" lors de sa sortie en . Yutaka Uemura réalise la série comme le premier grand projet du nouveau studio d'animation NuT, dont Yuji Hosogoe adapte les "chara-designs" originaux de Shinobu Shinotsuki pour l'animation, et sert également de chef de l'animation avec la réalisatrice adjointe Kana Harufuji. Kenta Ihara supervise et écrit les scripts de la série, et Shūji Katayama compose la musique. Cette adaptation est diffusée pour la première fois au Japon entre le et le . Crunchyroll diffuse la série en simulcast dans le monde entier, excepté en Asie. Depuis le , une version française est également diffusée par la plateforme, elle est réalisé par le studio de doublage SDI Media Belgium, sous la direction artistique de Dominique Wagner, par des dialogues adaptés de Daniel Danglard et Julio Soto. Nande koko ni sensei ga!?
Une adaptation en une série télévisée d'animation a été révélée en dans le du "Young Magazine". Celle-ci est réalisée par Toshikatsu Tokoro au sein du studio d'animation tear-studio avec Hiraku Kaneko en tant que réalisateur en chef, des scripts de Yūki Takabayashi et Yuri Fujimaru, des "character designs" fournis par MKazuhiko Tamura et une bande originale composée par Gin. La série est diffusée pour la première fois au Japon entre le et le sur Tokyo MX et BS11, et un peu plus tard sur AT-X. La série est composée de 13 épisodes dont le dernier, non-diffusé, sera publié avec le coffret Blu-ray le . Wolf Girl and Black Prince
L'adaptation en série télévisée d'animation est annoncée en . Elle est produite par le studio TYO Animations avec une réalisation de Kenichi Kasai, un scénario de Sawako Hirabayashi et des compositions de Go Sakabe. La diffusion commence le sur Tokyo MX et la série comporte douze épisodes. Dans les pays francophones, elle est diffusée en "simulcast" par Anime Digital Network. Comment élever un super-héros
Le , Netflix annonce qu’elle a donné carte blanche à la première saison de la série comprenant neuf épisodes. La série est adaptée du comic book du même nom créé par le scénariste Dennis Liu et le dessinateur Jason Piperberg. Dennis Liu a déjà réalisé un court métrage basé de son comic. Carol Barbee adapte le scénario du court métrage et du comic, en tant qu’auteur-producteur de la série aux côtés des producteurs délégués Dennis Liu, Michael B. Jordan, Charles D. King, Kim Roth, Poppy Hanks, Kenny Goodman et Michael Green. Les sociétés de production sont Outlier Society Productions et MACRO. Règle à tenons
Il existe plusieurs types de règles à tenons pour les différents studios d'animation. Celles-ci sont composées d'une barre, graduée ou non, sur laquelle est inséré des tenons, des petites pièces rondes ou longues à différents endroits servant à stabiliser l'emplacement des feuilles pour chaque dessin. Les feuilles utilisées pour l'animation sont alors perforées et peuvent être inséré sur la règle. Plusieurs feuilles peuvent alors être placées l'une par-dessus l'autre de façon à pouvoir se fier au dessin précédent ou suivant pour réaliser l'animation, la règle étant de d'abord créer les images clés, l'intervalliste étant charger de dessiner les étapes intermédiaires. Anime Grand Prix
La sélection des "anime" en compétition obéit à des règles simples : il doit s'agir d"'anime" diffusés, sous un format et dans un média quelconque, durant l'année scolaire japonaise, soit d'avril à mars de l'année suivante. Les "anime" plébiscités peuvent donc être des séries télévisées, des longs métrages d'animation ou des OAV. Wing Commander Academy (série télévisée d'animation)
Wing Commander Academy est une série télévisée d'animation de science-fiction américaine en 13 épisodes de 22 minutes, créée par Larry Latham d'après le monde imaginaire "Wing Commander", produite par Universal Cartoon Studios et diffusée entre le 21 septembre et le sur USA Network. CO2 (série télévisée d'animation)
CO2 est une série télévisée française d'animation en 101 épisodes de 2 minutes créée par Frank Ekinci, Marie-Cécile Labatut, Michaël Armellino, produite par le studio Je suis bien content, et diffusée à partir du sur MCM. Love, Chunibyo and Other Delusions!
Une adaptation en série télévisée d'animation réalisée par Tatsuya Ishihara et produite par les studios Kyoto Animation a été diffusée au Japon entre le et le . Juste avant la diffusion de l"'anime" à la télévision, une série de six épisodes ONA "Chūnibyō demo Koi ga Shitai! Lite" a été diffusée sur YouTube entre le et le . La série est sortie en six volumes Blu-ray / DVD entre le et le . Azur Lane
Une adaptation en une série télévisée d'animation a été annoncée en . Elle est réalisée par Tensho, réalisateur des adaptations "anime" de "Grisaia" et "Rewrite", avec l'écrivain Jin Haganeya et Yasunori Nishiki composant la bande originale ; le studio Bibury Animation Studios de Tensho produit l'animation de la série. Le directeur de Yostar, Li Hengda, a révélé que le projet d'animation avait débuté à la fin de , alors que le jeu connaissait une popularité sans précédent. Le choix de Jin Haganeya en tant que scénariste était dû au fait que la franchise "" était l'une des franchises préférées de Hengda. La série est diffusée depuis le sur Tokyo MX et BS11, et un peu plus tard SUN, KBS et AT-X. Elle est composée de 12 épisodes répartis dans six coffrets Blu-ray/DVD. Les épisodes 11 et 12 ont été reportés au et au respectivement en raison de problèmes de production. Wakanim détient les droits de diffusion en simulcast de la série dans les pays francophones ; mais également en Allemagne, en Autriche, dans les pays nordiques et dans les pays russophones. Funimation la diffuse en simulcast aux États-Unis, Canada, Royaume-Uni, Irlande, Australie et Nouvelle-Zélande, et diffuse aussi un doublage anglais. Dessin animé
Dans les années 2010, le format de la télé numérique s'est standardisé : le ratio de base est le 16:9eme, la cadence image est de 25 images par seconde (en Europe), et le signal entrelacé a fait place à des suites d'images pleines, le mode « progressif ». Ce standard de qualité évite les complications liées aux changements de normes entre les pays. Si un gain de qualité en résulte, cela condamne toutefois nombre de dessins animés réalisés pour la télévision à adopter des bandes noires sur les bords droit et gauche de l'écran, du fait de leur ratio originel en 4:3. L'animation est une technique dévoreuse de temps. Pour satisfaire à sa rentabilité, l'équipe d'animation est importante. Le réalisateur, le ou les scénaristes, et le chef animateur déterminent le déroulement de l'histoire par des dessins préparatoires (scénarimage). Les animateurs dessinent, au crayon sur des calques de papier empilables sur des tenons, les instants clés de l'animation d'un plan et décident de la durée du plan, donc du nombre de dessins nécessaires à l'animation. Les intervallistes crayonnent alors chacun des dessins intermédiaires dont ils peuvent tester la validité en les effeuillant selon la technique du folioscope. Ces calques sont ensuite filmés, l'un après l'autre, image par image. Le rendu en projection est alors discuté, des transformations de détail peuvent être proposées. L'animation étant acceptée ou modifiée, une autre équipe reprend chaque dessin sur calque que l'on dispose sous un cellulo et que l'on copie par transparence à l'encre de Chine. Tous les cellulos encrés (généralement en noir) sont alors confiés aux gouachistes (profession identique à celle des coloristes) qui les colorient un par un selon la technique du vitrail, c'est-à-dire en travaillant sur les cellulos disposés à l'envers afin de remplir les couleurs dans les limites du tracé à l'encre noire. So I'm a Spider, So What?
Il est rapporté en que la série recevrait une adaptation en anime selon une bande enveloppante présente sur le cinquième volume du manga et le neuvième volume du "light novel". À son stand de l'Anime Expo de la même année, Kadokawa confirme cela et rajoute le fait qu'il s'agira d'une adaptation en une série télévisée produite par Jōtarō Ishigami. Celle-ci est réalisée par Shin Itagaki chez Millepensee avec Shinichiro Ueda comme assistant réalisateur, les scripts sont écrits par Yūichirō Momose avec la supervision de l'auteur des romans originaux, Okina Baba, tandis que Kii Tanaka s'occupe des "character design" avec Masahiko Suzuki, Ryō Hirata et Hiromi Kimura qui sont crédités pour le design des monstres Jean-Baptiste Maunier. Tomohiro Yoshida participe à la série en tant qu'animateur en chef, avec Shinji Nagaoka comme directeur artistique et Chieko Hibi pour le choix des couleurs, tandis que Hideki Imaizumi est le directeur de la photographie et Takashi Sakurai assure le montage. Kazuo Yamaguchi a la charge de diriger les animations en 3D qui sont produites chez exsa avec l'assistance d'ENGI. La bande originale est composée par Shūji Katayama. Vingt-quatre épisodes composent la série, répartis dans quatre coffrets Blu-ray/DVD. Histoire du cinéma d'animation
Peu après le développement de la télévision, quelques séries firent leur apparition; et ce fut l'explosion de l'industrie des séries de dessin animé pour enfant, comme les séries des Américains Hanna Barbera. En France, la majorité de la production du film d'animation pour enfants utilisait alors d'autres techniques comme les marionnettes (il s'agit de l'animation en volume) : ("Chapi Chapo", "Aglaé et Sidonie", "Le Manège enchanté", "Colargol", etc.). Ben 10 (série télévisée d'animation, 2005)
Ben 10 est une série d'animation américaine de 51 épisodes, créée par , Joe Casey, Joe Kelly et Steven T. Seagle, initialement diffusée entre le et le sur Cartoon Network aux États-Unis. La série met en scène les exploits d'un jeune garçon de 10 ans nommé Ben Tennyson, aidé d'un objet attaché à son poignet appelé Omnitrix le transformant en une variété de monstres. Les trois derniers épisodes ont été réunis en un téléfilm nommé "Le Secret de l'Omnitrix". Astro Boy (série télévisée d'animation)
Afin de limiter le temps et le coût de production de la série, Osamu Tezuka et son studio Mushi Production eurent recours aux techniques d'animation limitée, ce qui en popularisa l'usage par la suite. Tout en haut du monde
Avant l'animation proprement dite, l'équipe du film conçoit une animatique, c'est-à-dire un storyboard animé incluant les voix et les bruitages. Puisque l'animation complète d'une scène coûte cher, l'animatique permet de faire toutes sortes d'essais en s'en tenant à de simples crayonnés et de choisir un montage pratiquement définitif avant de passer à la fabrication du film animé définitif. Les deux principaux artistes de storyboard sont Maïlys Vallade et LianeCho Han et le monteur principal est Benjamin Massoubre ; tous trois travaillent avec le réalisateur Rémi Chayé le coscénariste Fabrice de Costil pour élaborer une version pratiquement finale du film avant l'animation. Technique d'animation
Un écran d'épingles est un dispositif composé d'un écran blanc à travers lequel de nombreuses épingles noires pouvant coulisser indépendamment, et d'une lumière mettant en valeur leurs différences de hauteur. L'artiste peut ainsi pousser des épingles afin de former une image en relief, accentuée par les ombres. Quelques réalisateurs tels que Alexandre Alexeïeff, Michèle Lemieux et Claire Parker ont conçu des films d'animation en utilisant ce dispositif. Animaniacs
Avant "Animaniacs", Warner Bros. travaillait pour que Steven Spielberg réalise un film d'animation pour le studio. Pour aider à courtiser Spielberg, le directeur de Warner Bros. Animation Jean MacCurdy recrute le réalisateur Tom Ruegger, qui avait produit la série "", pour aider à développer le concept avec Spielberg. Ruegger lance l'idée à Spielberg d'utiliser des versions plus jeunes des personnages des Looney Tunes tout en reprenant la même folie de ces dessins animés, aboutissant au dessin animé "Les Tiny Toons". La série est considéré comme un succès, remportant un certain nombre de Daytime Emmy Awards ainsi qu'un Primetime Emmy Awards et a relancé le département d'animation de Warner Bros.. What If (comics)
Le concept de la série de comics est adapté à la télévision dans une série d'animation produite par Marvel Studios, dont il s'agit de la première série animée. Persona 5: The Animation
L'adaptation du jeu vidéo en une série télévisée d'animation, avait été annoncée en pour une diffusion en 2018 et serait produite par le studio A-1 Pictures. L"anime" est réalisé par Masashi Ishihama et écrit par Shinichi Inotsume au studio d'animation CloverWorks (filiale de A-1 Pictures) et propose des dessins de personnages et de démons adaptés du jeu par Tomomi Ishikawa et Kazuma Kaneko, respectivement. La bande-son a été écrite par Shoji Meguro, compositeur principal du jeu original, qui a écrit des nouvelles musiques et réarrangé celles déjà présente dans le jeu. La série est diffusée pour la première fois au Japon entre le et le sur Tokyo MX, GTV, GYT, BS11 et un peu plus tard sur MBS. Wakanim détient les droits de diffusion en simulcast de la série télévisée dans les pays francophones. La série télévisée est composée de 26 épisodes répartis dans dix coffrets de Blu-ray/DVD. Cours, Melos !
Parmi les adaptations en téléfilms d'animation, la première est "Akai tori no kokoro: Nihon meisaku douwa shirīzu Hashire Merosu", produite par TV Asahi en 1979. En 1981 est diffusée une deuxième adaptation animée, "Hashire Melos", réalisée par Tomoharu Katsumata et diffusée sur Fuji TV. En 2009, plusieurs des récits et contes d'Osamu Dazai sont adaptés en moyens métrages d'animation dans une série intitulée « Aoi Bungaku » (ou « Youth Literature ») produite par les studios Madhouse. Dans ce cadre, "Cours, Melos !" a été adapté par le réalisateur Ryosuke Nakamura en deux parties formant les épisodes 9 et 10 de cette série (le téléfilm a été diffusé en vidéo en France par Kaze sous le titre "Melos"). Série d'animation pour adultes
Une série d'animation pour adultes désigne une série d'animation ciblant une audience adulte. Les émissions ou films de télévision sont considérés comme réservés aux adultes pour plusieurs raisons. Certaines productions sont notées pour un scénario général précis et explicite, tandis que d'autres adoptent des thèmes comme la violence ou le sexe, qui ne conviennent en aucun cas à une audience jeune. Bon nombre de dessins animés pour adultes démontrent des points de vue de la vie perçues par les adultes. Science-fiction
Concernant le cinéma d’animation, les Japonais occupent une place prépondérante tant au cinéma qu’à la télévision (on parle d’"anime" ou de "manga eiga" pour désigner ces réalisations), avec notamment des réalisateurs comme Leiji Matsumoto (univers d’"Albator" et ses dérivés), Katsuhiro Ōtomo ("Akira") et Mamoru Oshii ("Ghost in the Shell"). Mais des réalisations françaises ("Le Secret des Sélénites" ou "Les Fabuleuses Aventures du légendaire baron de Münchhausen" de Jean Image, "Gandahar" de René Laloux), ou bien américaines ("Métal hurlant"), font partie intégrante du développement de la science-fiction dans le cinéma d’animation. La déferlante des séries d’animation japonaises (parfois coproduites avec des Français ou des Américains), qui constituèrent l’essentiel des programmes « jeunesse » de la télévision française durant la décennie 1978-1988, contribua largement à populariser le genre en France, bénéficiant d’une diffusion médiatique de masse sur des chaînes hertziennes (TF1, Antenne 2, FR3, puis La Cinq) aux heures de grande audience. De ce fait, des séries telles que "Goldorak", "Capitaine Flam", "Albator", "Il était une fois… l'Espace", "La Bataille des planètes", "Les Mystérieuses Cités d'Or" et "Ulysse 31" ont marqué une génération d’enfants des années 1980. Animation en volume
Dans la plupart des œuvres visuelles où cette technique est utilisée, un set constitué d’objets est filmé à l’aide d’une caméra dédiée à l’animation, c’est-à-dire pouvant enregistrer sur une pellicule cinématographique un seul photogramme chaque fois qu'elle est enclenchée, telle un appareil photo (technique de l'image par image), ou à l'aide d'une caméra à mémoire numérique. Entre chaque prise de vue d'une ou deux images, les objets de la scène sont légèrement déplacés ou transformés. Lors de la restitution à la cadence normale de projection, ces objets — pourtant immobiles lors des prises de vue — donnent l’illusion de bouger par eux-mêmes. La technique est semblable à celle du dessin animé, mais avec des objets en trois dimensions. Série télévisée
La série télévisée se distingue du téléfilm qui est une œuvre de fiction télévisuelle unitaire ou singulière. Un téléfilm peut cependant être parfois à l'origine d'une série télévisée en tant qu’épisode pilote, comme pour "Columbo" ou "Twin Peaks". Andy Pandy
Andy Pandy est une série télévisée d'animation britannique qui a été créée sur BBC TV à l'été 1950. À l'origine en direct, une série de 26 programmes filmés a été diffusée jusqu'en 1970, date à laquelle une nouvelle série de 13 épisodes a été réalisée. Une reprise de la série télévisée a été faite en 2002. Le spectacle a servi de base à une bande dessinée du même nom dans les magazines pour enfants Robin et Pippin. Caillou (série télévisée d'animation)
Le personnage de Caillou a été créé en 1987 par l'auteure Christine L'Heureux et de l'illustratrice Hélène Desputeaux. En misant sur un personnage humain, les éditions Chouette naviguaient alors à l'encontre de la tradition, la plupart des ouvrages destinés à la petite enfance mettant en scène des animaux. Le projet d'adaptation en série d'animation a été lancé et supervisé par Christine L'Heureux elle-même. Technique d'animation
L'animation en volume est l'appellation d'une technique utilisant la prise de vues image par image sur un décor où l'on déplace ou transforme un ou plusieurs objets en enregistrant un unique photogramme de chacune des positions successives. Découverte en 1906 par le comédien américain James Stuart Blackton, après son invention de la technique du dessin animé. Frank Margerin
En 1989, Jingle, petite société française de production de films, propose à l’auteur de créer une série d’animation avec Lucien. Craignant de voir son personnage dénaturé à l’écran, Margerin crée un personnage spécialement pour cette série, "Manu". Nez pointu, houppette blonde et Perfecto, Manu est un adolescent turbulent de quatorze ans qui en fait voir de toutes les couleurs à son pote Robert. Les histoires sont plus légères qu’à l’accoutumée, le public visé étant sensiblement plus jeune. Margerin s’implique beaucoup dans ce projet, donne ses instructions et élabore les storyboards depuis Angoulême, le travail d'animation se poursuivant ensuite au Japon et en Chine. Fillmore !
Fillmore ! ("Disney's Fillmore!") est une série télévisée d'animation américaine créée par Scott M. Gimple pour ABC puis Toon Disney. Dessin animé
Réalisé sur différents supports (papier, carton, verre, cello, ordinateur…), un dessin animé est un film d'animation consistant à communiquer aux spectateurs l'illusion du mouvement de personnages ou d'objets en enregistrant image par image une suite de dessins représentant les différentes phases de ce mouvement. Edens Zero
Le , Mashima a annoncé sur Twitter que le manga serait adapté en série télévisée animée. Lors de la diffusion en direct du Tokyo Game Show le , il a été révélé que l'anime serait produit par JCStaff et dirigé par Yūshi Suzuki, avec Shinji Ishihara en tant que directeur en chef, Mitsutaka Hirota supervisant les scripts et Yurika Sako concevant les personnages. Yoshihisa Hirano composera la musique. La série sera présentée en première sur Nippon TV et d'autres chaînes le . Netflix a acquis les droits de diffusion en continu de la série et est également prévue le avec les 12 premiers épisodes et le pour les 13 épisodes suivants. Netflix diffuse également une version doublée en français de la série réalisée par le studio de doublage VSI Paris - Chinkel S.A., sous la direction artistique d'Alan Aubert Carlin, par des dialogues adaptés de Audrey Péon, Emilie Yantouri, Gwénaëlle Buchet et Kévin Thoraval Saison 1 d'Adventure Time
Une fois le scénario choisi par les scénaristes, les idées sont compilées en une page contenant les éléments scénaristiques importants. Les épisodes passent dès lors au storyboard. Le design et la coloration des épisodes sont effectués à Burbank, en Californie. L'animation est effectuée outre-mer en Corée, selon l'ancien designer et storyboarder Andy Ristaino. La rédaction et le storyboard de la saison sont effectués par Muto, Elizabeth Ito, Ward, Sean Jimenez, McHale, Luther McLaurin, Armen Mirzaian, Kent Osborne, Pete Browngardt, Niki Yang, Cole Sanchez, Tom Herpich, Bert Youn, Ako Castuera, et J. G. Quintel. Quintel et Ward avaient auparavant travaillé sur la série d'animation "Les merveilleuses mésaventures de Flapjack". La série a été produite chez Cartoon Network Studios et Frederator Studios puis classifiée TV-PG. Animation flash
Elles sont cependant aussi utilisées par les professionnels comme dans le cadre de la production de courts-métrages, de films, de séries télévisées d'animation. On peut prendre pour exemple les séries télévisées d'animation "Wakfu" (2008) et "Dofus aux trésors de Kérubim" (2013), toutes deux produites par Ankama Animations. Titeuf (série télévisée d'animation)
Sources : Mediatoon Distributions et Planète Jeunesse La série d'animation "Titeuf" tire son inspiration et ses origines depuis la série de bandes dessinées homonyme, créée par l'auteur suisse Zep. Elle est initialement réalisée par Daniel Duda, par Prakash Topsy pour la deuxième saison, et Olivier Bonnet pour la troisième saison. La série est produite par les studios France Animation en deux saisons, dont la première comporte 78 épisodes, en 2003. La production est reprise par MoonScoop durant la troisième saison. Le premier générique est composé par Terry J. Neale et Rick Mulhal, et édité par FA Musique. Le thème musical du générique de la troisième saison, interprété par M, est initialement présent dans le jeu "" sur PlayStation 2, commercialisé le . La série a également aidé à la popularisation de la bande-dessinée. Toy Story
Le département d'animation (3D) applique alors les principes de base de l'animation pour donner vie aux personnages. Une fois que les animateurs avaient le modèle d'un personnage, les articulations et les mouvements ont été codés, permettant à chaque personnage de se déplacer de diverses manières, de parler, marcher ou sauter. Chaque articulation, avec le code qui lui est associé, est nommée "" (). Une fois le personnage et ses créés, les animateurs avaient souvent la charge de chercher à « briser » le personnage, pousser les à l'extrême pour détecter les éventuels bugs. Sam Simon
Pendant sa scolarité à l'université Stanford, Sam Simon réalise des bandes dessinées de sport pour le ' et le "". Après l'obtention de son diplôme, il travaille comme artiste de storyboard pour la télévision, puis comme scénariste aux studios. Il y travaille sur plusieurs séries télévisées d'animation, comme ' ou "T'as l'bonjour d'Albert". Selon Sam Simon, cette expérience à améliore son travail car il y est , mais il pense que la majorité de ce que produit le studio est . Sur la suggestion du producteur de Lou Scheimer, Sam Simon propose un scénario pour la série "Taxi", qui est produit et diffusé en 1981, lors de la troisième saison. Il est par la suite embauché comme scénariste et devient ' de la cinquième et dernière saison de la série, diffusée en 1983. Ensuite, il travaille comme scénariste et producteur pour ' de la première à la troisième saison, écrivant le scénario de cinq épisodes : "Passage à vide", "L'Ex de Carla", "Un vrai conte de fées", "Adieu Cheers !" et "La Nouvelle Serveuse". Par la suite, Sam Simon crée, scénarise et produit la shortcom ' en 1984 aux côtés de Ken Estin. Diffusée sur , elle dure cinq épisodes, avec Leslie Nielsen dans le rôle du propriétaire d'un club de gym. Sam Simon produit et écrit également des scénarios pour les séries ' (1981), "Barney Miller" (1982) et "" (1987 à 1988). Il écrit aussi le seul scénario de film de sa carrière, "Le Proprio", sorti en 1991. Sauvez Willy (série télévisée d'animation)
Sauvez Willy ou Mon ami Willy au Québec ("") est une série télévisée d'animation américaine en vingt-et-un épisodes de 30 minutes, créée par Stephen Hodgins, Patsy Cameron, Tedd Anasti et Patricia R. Burns, réalisée par Paul Riley et Gary Hurst et diffusée entre le et le sur le réseau ABC. Kokkoku
Une adaptation en une série télévisée d'animation par Geno Studio était supposé être l'un des trois principaux projets d'animation du studio en cours de développement, aux côtés de l'adaptation "anime" du manga "Golden Kamui" et d'un projet d"anime" anonyme réalisé par Takahiro Ōmori. Les informations complètes de la série ont été révélées le , ainsi Yoshimitsu Ohashi réalise la série chez Geno Studio, et Twin Engine est crédité pour la production ; Noboru Kimura est chargé du scénario de la série, Yasuomi Umetsu est crédité pour les "character designs" dont Masaki Hinata s'occupe à adapter ces dessins pour l'animation et sert également de réalisateur en chef de l'animation, et MICHIRU compose la musique. La série est diffusée pour la première fois entre le et le sur Tokyo MX et BS11 au Japon, alors qu'Amazon Prime Video diffuse exclusivement la série en streaming dans le monde entier. Love X Dilemma
Une adaptation en une série télévisée d’animation a été annoncée par Kōdansha en . Celle-ci est réalisée par Shōta Ihata et écrite par Tatsuya Takahashi au sein du studio d’animation diomedéa ; Naomi Ide a fourni les "character designers" tandis qu’Yayoi Tateishi est le directeur sonore et Masato Kōda compose la bande originale de la série chez FlyingDog. La série est composée de 12 épisodes de 25 minutes diffusés au Japon du au dans la case horaire Animeism sur TBS et MBS, et un peu plus tard sur BS-TBS, AT-X et ATV ; Amazon détient les droits exclusifs de diffusion en simulcast de la série au Japon via son service de vidéo à la demande, Amazon Prime Video. Hinamatsuri (manga)
En , il a été annoncé que le manga recevait une adaptation en une série télévisée d'animation. La série est réalisée par Kei Oikawa au studio d'animation feel. avec Keiichirō Ōchi s'occupant des scripts, Katsura Matsubara en tant qu'assistant réalisateur, Kanetoshi Kamimoto y est à la fois le réalisateur en chef de l'animation et le "character designer" tandis que Yasuhiro Misawa compose la musique chez Nippon Columbia. Celle-ci est diffusée pour la première fois au Japon entre le et le sur AT-X, Tokyo MX et KBS Kyoto, et un peu plus tard sur TVA, BS11, SUN, TVQ. Douze épisodes composent la série d'animation, répartis dans six coffrets Blu-ray/DVD. Crunchyroll détient les droits de diffusion en streaming de la série dans différents pays dont la France et les États-Unis. Funimation, grâce à son partenariat avec Crunchyroll, diffuse parallèlement une version anglaise de la série. Laurel et Hardy (série télévisée d'animation)
Directement inspirée des courtes comédies burlesques des vrais Laurel et Hardy et des bandes dessinées produites par Larry Harmon, cette série télévisuelle est une bonne illustration de la méthode de production à la chaîne de dessins animés pour la télévision mise au point dans les années soixante par Hanna-Barbera Studios (devenu Cartoon Network Studios).