¿Cuál es el nombre del movimiento artístico más popular en la Unión Soviética?
Exilliteratur
Característico del arte en la Unión Soviética a partir de 1934 fue la presión oficial por la implantación del llamado realismo socialista: durante la década de 1920 se había tenido la sensación, en la Unión Soviética de estar creando una realidad y una sociedad nuevas, incluyendo su cultura y su arte, y la experimentación artística estaba en auge. Cuando Stalin fue consolidando su poder, buscó detener la evolución artística y volver a modelos más tradicionales, a un arte que entendiera el pueblo. Esto resultó en la vuelta a los modelos literarios del siglo XIX, del realismo, más tradicionales y menos plurales. Lev Rubinstein
Rubinstein fue —junto con Vsévolod Nekrásov y Dmitri Prígov— uno de los fundadores y líderes del denominado "conceptualismo de Moscú", movimiento artístico que surgió en los años setenta de la desaparecida Unión Soviética como reacción al realismo socialista oficial.
Café Gurzuf
Aleksandr Samokhvalov es conocido en el arte soviético de 1930 por el tipo de retratos de jóvenes contemporáneos y composiciones multi-figura en el tema del deporte. Los personajes de sus cuadros que representa llenos de optimismo y entusiasmo, encarnan la imagen de los jóvenes soviéticos. En este sentido, el cuadro "Café Gurzuf" es del estilo tradicional del artista. Una escena cotidiana en un café de verano que representa la belleza y la armonía del momento en la plenitud de la vida. Historia de la animación rusa
Cuando Nikita Jruschov en 1956 proclamó el fin del culto a la personalidad de Stalin, comenzó un proceso de renovación política y cultural en el país. A pesar de que los animadores todavía necesitaban un tiempo para liberarse de la larga tradición de «Éclair», a partir de la década de 1960, las películas de animación ganan completamente nuevas cualidades. El punto de partida para ello fue la película de Fyodor Khitruk Historia de un Crimen (1962). No sólo había cambiado el estilo de animación de algo que se parecía a lo que hacía en la United Productions of America, pero por primera vez desde los años de vanguardia, él fue capaz de hacer frente a una historia contemporánea. El enfoque revolucionario de Jitruk allanó el camino para un gran número de directores de animación jóvenes que en los años siguientes desarrolló sus propios estilos y enfoques distintivos. Uno de los más político fue Andréi Jrzhanovski, cuya película surrealista la armónica de cristal (1968) fue severamente cortada por la censura , pero dejado de lado , no obstante . Anatoli Petrov es conocido como el fundador de la revista de cine Vesyolaya Karusel (El feliz carrusel, desde 1969), que dio la oportunidad a muchos jóvenes directores para hacer sus primeros propias películas. Entre ellos se encontraban Leonid Nosyrev, Valery Ugarov, Eduard Nazarov, Ivan Ufimcev y otros. La década de 1970 vio el nacimiento de la serie de la Unión Soviética más popular animación, Nu, pogodí! (¡Sólo espera!), dirigida por Vyacheslav Kotyonochkin. Estas miniaturas aparentemente simples acerca de un lobo persiguiendo a una liebre a través de mundos animados de estilo soviético deben mucho de su popularidad a los subtextos astutos construidas en sus partes. Expresionismo abstracto
Esta estrategia cultural veía en el expresionismo abstracto una forma de afirmar la creatividad, la libertad intelectual y la influencia artística de los Estados Unidos haciendo ver, por contraste, el arte oficial de los países comunistas, el realismo socialista soviético como algo codificado, rígido y cerrado. Tom Braden, antiguo jefe del departamento de relaciones internacionales de la CIA y antiguo secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), declaró en una entrevista: «Pienso que se trataba del departamento más importante de la CIA y opino que tuvo un papel determinante durante la Guerra fría.» Equipo femenino de gimnasia artística de la Unión Soviética
El equipo femenino de gimnasia artística de la Unión Soviética representó a la Unión Soviética en las competiciones internacionales de la FIG. Fueron la fuerza dominante en el deporte desde la década de 1950 hasta el colapso de la Unión Soviética. Lideran el medallero de gimnasia artística femenina con 88 medallas, incluidas 33 de oro. Larisa Latýnina es también la atleta femenina más condecorada en los Juegos Olímpicos con un total de 18 medallas. Valentín Galochkin
Muy pronto la carrera del joven Galochkin se detuvo debido a conflictos con las autoridades comunistas. El escultor se negó a unirse al Partido Comunista de la Unión Soviética y a apoyar activamente la propaganda soviética, defendiendo que el reconocimiento como artista debería llegar por su trabajo y no por sus conexiones personales con los líderes del partido. A pesar de que tuvo que aceptar las órdenes del gobierno hasta 1991 trabajando en monumentos propagandísticos en Rusia y Ucrania, hizo todo lo posible para expresar los valores humanos generales y reducir el patetismo comunista. Historia de la ópera
Uno de los más países donde más se dio este estilo fue la Unión Soviética. Su principal representante, Ígor Stravinski, se acercó al expresionismo, aunque en ocasiones puede ser calificado de neoclásico, pero más que nada fue un genio inclasificable con una sorprendente paleta de sonidos de gran variedad; él mismo nunca quiso asociarse a ningún estilo determinado. En sus inicios, influido todavía por el folclore ruso, y con cierta influencia del impresionismo francés, gozó de gran éxito con sus ballets, representados por los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev. Tras ellos, inició una nueva etapa de una musicalidad más sobria, reduciendo los recursos instrumentales, lo que se evidencia en su primera ópera, "Le rossignol" ("El ruiseñor", 1914), sobre un cuento de Hans Christian Andersen, que aunaba influencias neorrománticas y orientalistas. Su siguiente obras escénica fue "Mavra" (1922), un homenaje a la escuela rusa de ópera tradicional. Un proyecto más ambicioso fue "Œdipus Rex" (1927), con un libreto de Jean Cocteau traducido al latín, de estilo neoclásico. Tras estas obras, todas cortas, su única ópera larga fue "The Rake's Progress" ("El progreso del libertino", 1951), basada en una serie de grabados de William Hogarth que vio en el Instituto de Arte de Chicago, que fueron dramatizados por el poeta Wystan Hugh Auden. Calle Bolshaya Pokróvskaya
Después de la disolución de la Unión Soviética, la calle pasó a llamarse de nuevo a Bolshaya Pokróvskaya. En 2004 el siglo XXI la calle fue completamente reconstruida. Estaba pavimentada con adoquines, y las esculturas de bronce estaban instaladas a ambos lados. Las más populares son la escultura «La Cabra Divertida», frente al Teatro Dramático, y la escultura del policía, en la Plaza de Minin y Pozharski.Todos los días un montón de músicos de la calle jugar aquí. Algunos días los músicos dan conciertos de calle especialmente a gran escala con el uso de equipo profesional, reuniéndose alrededor de un gran número de personas. Tales eventos son a menudo acordados por adelantado con la administración de la ciudad. Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria
El endurecimiento del cerco ideológico soviético y la represión de los movimientos de arte independientes en 1932-1933, generó una efímera y ya estalinista Unión de Artistas Soviéticos, disuelta poco después de su formación. Pintura simbolista
Los Ballets Rusos fue una compañía de ballet creada en 1909 por Diáguilev, integrada principalmente por bailarines del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo, entre los que destacaba Vaslav Nijinsky. Estuvo afincada sucesivamente en París, Montecarlo, de nuevo París y Londres. Además de por la música y el ballet, destacó especialmente por sus escenografías, decorados y vestuarios, diseñados sobre todo por Benois y Bakst, así como otros artistas como Nikolái Roerich, Konstantin Korovin y Aleksandr Golovín. Alexandre Benois, de ascendencia francesa, fue pintor, escenógrafo, historiador y crítico de arte. En sus escenografías combinó el arte tradicional ruso con algunos elementos del rococó francés. Lev Bakst estudió en la parisiense Académie Julian y fue alumno de Jean-Léon Gérôme. Combinó el arte popular ruso con el arte francés moderno, con un estilo colorista que destaca por su sentido del ritmo. Entre las principales producciones de la compañía se encuentran: "Danzas polovtsianas" de "El príncipe Igor", con decorados y vestuario de Roerich (1909); "El festín", con decorados de Korovin y vestuario de Korovin, Bakst y Benois (1909); "Los jardines de Armida", de Benois (1909); "Cleopatra", de Bakst (1909); "Las sílfides", de Benois (1909); "El pájaro de fuego", de Golovin (1910); "Scheherezade", de Bakst (1910), "Petrushka", de Benois (1911); "El Espectro de la rosa", de Bakst (1911); "La siesta de un fauno", de Bakst (1912); y "La leyenda de José" (1914), de Bakst y Josep Maria Sert. Desde 1914 los ballets se alejaron del estilo simbolista. La compañía se disolvió en 1929, tras la muerte de Diáguilev. Académicos Dacha
Antes de la Revolución de octubre de 1917, en el «Académicos Dacha» trabajado muchos artistas rusos famosos, entre ellos Iliá Repin, Isaak Brodski, Nikolai Bogdanov-Belsky, Pavel Chistyakov, Arkhip Kuindzhi, Isaak Levitán, Andrei Ryabushkin, Nikolái Roerich, Valentín Serov, y muchos otros. Después de 1917 la casa fue dada a los niños, no era el campamento de verano. Su funcionamiento en el antiguo como sea posible para restaurar sólo en 1948. Desde entonces, la «Académicos Dacha» se ha convertido en uno de los centros reconocidos de la vida creativa en la Unión Soviética y Rusia. En esos años trabajó aquí como conocidos pintores rusos como Aleksei Gritsai, Vecheslav Zagonek, Dmitri Maevski, Maya Kopitseva, Fyodor Reshetnikov, Nikolai Pozdneev, Nikolai Timkov, y muchos otros. No es un accidente, teniendo en cuenta el papel de la «Académicos Dacha» para preservar y promover las tradiciones del arte realista ruso, que se llama el «Ruso Barbizon». Las mejores obras de arte del paisaje y la pintura de género, expuesta en exposiciones de 1960-1980, fue creado principalmente en la «Académicos Dacha» y sus alrededores. Más adelante en el año 1970-1980 para satisfacer las necesidades de los artistas que aquí se construyeron modernos talleres y edificios de oficinas que han estado ofreciendo durante todo el año el uso de la «Académicos Dacha» para la creación de empleo. El Lisitski
También en 1919, Lissitzky se unió y asumió un papel prominente en el grupo UNOVIS, de corta duración, pero de gran influencia. El nombre es un acrónimo de "Utverdíteli Nóvogo Iskusstva" («Forjadores del Arte Nuevo»), una asociación proto-suprematista de estudiantes, profesores, y otros artistas. Anteriormente conocido como "MOLPOSNOVIS" y "POSNOVIS", el grupo fue rebautizado como "UNOVIS" cuando Malévich se convirtió en su líder. En febrero de 1920, bajo el liderazgo de Malévich, el grupo trabajó en un «ballet suprematista», coreografiado por Nina Kogan. El mismo año, se representó una nueva versión la célebre ópera futurista de Alekséi Kruchiónyj y Mijaíl Matiushin "Victoria sobre el sol" estrenada en 1913 en San Petersburgo. Resulta interesante destacar que Lissitzky y todo el grupo eligieron compartir el crédito y la responsabilidad de las obras producidas dentro del grupo, firmando la mayor parte de las piezas con un cuadrado negro solitario. Esto era en parte un homenaje a una pieza similar de su líder, Malévich, y un abrazo simbólico al ideal comunista. Esto sería, de facto, el sello de UNOVIS que asumió el papel de nombres individuales o iniciales. El grupo, que se disgregó en 1922, tendría un papel fundamental en la difusión de la ideología suprematista en Rusia y en el extranjero también y lanzó el estatus de Lissitzky como una de las figuras líderes de vanguardia. Manshuk Mametova
Mametova se convirtió en una de las heroínas más veneradas de la Unión Soviética, con poemas, un museo y canciones dedicadas a ella, mostrándola como un modelo a seguir de un soldado que se negó a rendirse. En 1969, los estudios cinematográficos Kazakhfilm, rodó la película soviética "Canción de Manshuk" () dirigida por Mazhit Begalin, basado en un guion de Andréi Konchalovski, la cual muestra las hazañas de Mametova durante la guerra, con la actriz Natalia Arinbasarova interpretando el papel protagonista (por este papel, Arinbasarova recibió varios premios cinematográficos). Arte soviético
Desafortunadamente, la historia del final del arte soviético ha estado dominado por la política y las fórmulas simplistas. Tanto en el mundo del arte como el público en general, se ha dado poca consideración al carácter estético de la obra producida en la URSS en los años setenta y ochenta. En lugar de ello, el arte oficial y el no oficial del periodo usualmente se consideraban en relación a los desarrollos políticos «buenos» o «malos». Una perspectiva más matizada enfatizaría que hubo numerosos grupos que competían haciendo arte en Moscú y Leningrado a lo largo de este periodo. Las figuras más importantes para la escena artística internacional han sido los artistas moscovitas Ilyá Kabakov, Erik Bulátov, Andréi Monastyrsky, Vitaly Komar y Aleksandr Melamid. Imperio ruso
Desde iconos y domos característicos de Rusia hasta el suprematismo y el barroco de Stalin, el arte ruso y la arquitectura es buscada por sus visitantes. Esto repercutió desde ser el antiguo estado de la Rus de Kiev, continuando con la tradición en los siguientes estados sucesores en la historia rusa República de Nóvgorod, Moscovia, que consistieron en el tradicional arte eslavo, pero con la falta de la influencia de Europa, que al declararse el Imperio ruso, y convertirse en una gran potencia europea, recibir toda ese arte, y plasmarse la moderna rusa, por así decirlo, así es como el arte ruso ha motivado a tanta gente y pueblos, esto siguió aún con la aparición de la Unión Soviética y posteriormente el Pacto de Varsovia. Aunque hablar del arte en el Imperio ruso es hablar de uno de los imperios más grandes en cuanto a: Culturas, Grupos étnicos y estilos de vida, se trataran de mencionar los rusos propiamente dichos. Realismo socialista
También conocido como gótico estalinista, o el clasicismo socialista, es un término dado a la arquitectura de la Unión Soviética bajo la dirección de Iósif Stalin, entre los años 1933, cuando el proyecto de Borís Iofán del Palacio de los Sóviets fue aprobado oficialmente, y 1955, cuando Nikita Jruschov condenó "excesos" de las últimas décadas y se disolvió la Academia Soviética de Arquitectura. La arquitectura estalinista se asocia con la escuela del realismo socialista, arte y arquitectura. Historia del ballet
El ballet ruso soviético se dio a conocer en Europa occidental y en Estados Unidos gracias a las giras de las compañías del Bolshoi y del Kirov que se iniciaron a fines de los años cincuenta y fueron ya habituales y recibidas entusiásticamente por el público y la crítica en los años sesenta. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el dramatismo y la fuerza. Cuando se ven los archivos se puede ver la gran técnica y el apasionamiento de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya, Maya Plisetskaya, Nicolai Fadeyechev, Maris Liepa y otros. Proletkult
Proletkult una contracción de las palabras rusas "proletárskaya kultura", fue una institución artística experimental soviética que se levantó en conjunto con la Revolución Rusa de 1917 y fue disuelta en 1932. Esta organización, una federación de asociaciones culturales locales y artistas de vanguardia, fue más prominente en los campos visuales, literarios y dramáticos. Proletkult aspiraba a modificar radicalmente las formas artísticas existentes mediante la creación de una nueva, estética de la clase obrera revolucionaria, que tomó su inspiración de la construcción de la sociedad industrial moderna en la atrasada Rusia agraria. A pesar de haber sido fundada por el Comisariado Popular de Educación (Narkomprós) de la Unión Soviética, la organización Proletkult buscó autonomía del control del Estado, demanda que la llevó a entrar en conflicto con la jerarquía del Partido Comunista de la Unión Soviética y con la burocracia del estado soviético. Sota de Diamantes
La Sota de Diamantes () es un movimiento pictórico fundado por un grupo de artistas en Moscú en 1909 cuyos objetivos se fundamentan en su interés por el desarrollo de nuevos estilos (primitivismo ruso, cezanneismo ruso, escuela moscovita del nuevo primitivismo y otros) debido a sus particulares interpretaciones de las obras de Paul Cézanne, Henri Matisse y del postimpresionismo francés, del fauvismo y del expresionismo alemán del Blaue Reiter. Historiografía soviética
Por su parte, la posterior era de Brézhnev vio el surgimiento del fenómeno "samizdat" (la circulación de copias manuscritas o mecanografiadas de obras oficialmente prohibidas en la URSS) y del "tamizdat" (la publicación ilegal en el extranjero de obras ideológicamente "sensibles" para el régimen soviético). Los tres principales disidentes soviéticos de esa época fueron Aleksandr Solzhenitsyn, Andréi Sájarov y Roy Medvédev. Entre los autores de la variante "tamizdat", Solzhenitsyn llegó a convertirse en el más famoso, habiendo publicado clandestinamente su provocativa obra “Archipiélago Gulag” en Occidente a partir de 1973. Por su parte, la obra de Medvédev “Dejemos que la Historia juzgue: Los orígenes y las consecuencias del estalinismo” ya había sido publicada en el extranjero en 1971. Ninguno de ellos pudo publicar sus obras dentro de la Unión Soviética hasta el advenimiento de las políticas de "glásnost" y "perestroika", lanzadas por el líder Mijaíl Gorbachov en la segunda mitad de la década de 1980. Boris Grebenshchikov
La primera exposición de Aquarium afuera de la Unión Soviética ocurrió en 1986 cuando un álbum doble titulado "Red Wave, 4 Underground Bands from the USSR" apareció en las tiendas de discos de los Estados Unidos. Además de Aquarium, otras tres bandas, Kino, Strange Games y Alisa fueron grabadas en una máquina de cuatro pistas, sacadas de contrabando del país y lanzadas por un pequeño sello discográfico de Hollywood. Durante este tiempo, las bandas de la Unión Soviética eran sancionadas oficialmente o no se les permitía tocar en público o grabar en estudios profesionales. En 1986, cuando el disco fue lanzado en América, Aquarium era inmensamente popular en toda la Unión Soviética, pero fueron obligados a tocar en clubes underground y en reuniones privadas. Vanguardia rusa
Los pintores rusos continuaron con los juegos abstractos de formas geométricas, llevándolos a su máximo radicalismo. Las vanguardias habían tenido gran aceptación en Rusia, debido, probablemente, a los cambios sociopolíticos que abrieron el país a las tendencias más radicales. Además, desde el gobierno comunista se alentaron y se patrocinaron los nuevos movimientos, sobre todo abstractos. El cubismo evolucionó allí hacia el orfismo, el rayonismo y , sobre todo, hacia el constructivismo y el suprematismo. Los pintores de este último movimiento pensaban que el verdadero universo no tenía límites y que, por eso, había que representarlo a través de formas planas y coloreadas, carentes de toda referencia al mundo real. Arte soviético
La tolerancia hacia el arte inconformista por las autoridades sufrió un flujo y reflujo antes de la caída final de la Unión Soviética en 1991. Los artistas aprovecharon los primeros años después de la muerte de Stalin para experimentar con su obra sin el miedo a la persecución. En 1962, los artistas experimentaron un pequeño revés cuando Jruschov apareció en la exposición del XXX aniversario del Sindicato de Artistas de Moscú en la sala de exposiciones Manège de Moscú. Entre las obras tópicas del realismo socialista, había unas pocas obras abstractas de artistas como Ernst Neizvestny y Eli Beliutin, que Jruschov criticó diciendo que eran una «mierda», y los artistas unos «homosexuales». El mensaje estaba claro: la política artística no era tan liberal como todo el mundo esperaba. Vasili Polénov
Fue durante este período que su trabajo fue descubierto por Vladímir Stásov, un partidario de la sociedad de exposición itinerante (Ambulantes) al que se adhirió. Este movimiento artístico nació del deseo de romper con los temas impuestos por la Academia para representar mejor las preocupaciones contemporáneas. Además, los miembros promueven la accesibilidad del arte entre las personas mediante la organización de exposiciones itinerantes (no limitadas a los centros artísticos de Moscú y San Petersburgo). A través de su pintura eminentemente realista, intentan denunciar las condiciones de vida de la población rusa y promover una mayor alfabetización. Imperio ruso
Del final del siglo XIX hasta cerca de 1910, el movimiento moderno del arte seguía siendo el más interesado de aspectos tradicionales de la vida rusa—la religión y la vida de la aldea eran tan influyentes como la vida de las grandes ciudades. Mientras que las fuerzas de la reforma social se ligaron más de cerca a la población de levantamiento de trabajadores industriales, los artistas de la vanguardia de Rusia dieron vuelta cada vez más a la fábrica y al paso frenético de la vida urbana para la inspiración. Las formas simplificadas y agudamente angulares de los colores brillantes, y un énfasis en la energía liberatoria del mundo moderno se convirtió la base para las nuevas y cada vez más abstractas composiciones. Cubo-Futurismo, Rayonismo y Suprematismo eran los más importantes de los estilos y de las escuelas que emergieron durante este tiempo. Entre sus artistas más prominentes estaban Kasimir Malévich, Vladímir Tatlin, Mijaíl Lariónovy Natalia Goncharova. Jesús Rafael Soto
En Rusia la vanguardia artística de comienzos de siglos veinte y el Manifiesto Realista de Naum Gabo y de Pevsner, donde se empleó por primera vez la palabra cinética, se comentaba poco. Había un gran vacío, muchos artistas habían emigrado a los Estados Unidos, sobre todo a la ciudad de Nueva York. En la década de 1920, Marcel Duchamp realizó los "Ready- mades" y obras con movimientos. Piet Mondrian, quien vivía en esta ciudad desde 1940, continuaba en sus búsquedas, muere en 1944. Europa tenía muy reciente el recuerdo de la guerra, y sobre todo el holocausto. Muchos artistas querían hacer una pintura libre y que se alejara de la figuración: Obras de gestos, manchas y texturas. Claes Oldenburg
Respecto a España, este arte estaba principalmente relacionado con el llamado “nuevo figurativismo”. El Equipo Crónica, formado por Rafael Solbes y Manolo Valdés, entre otros, trabajó y llevó muy de cerca este planteamiento. Por último, Japón es el lugar donde este arte es único, muchos de los artistas Pop utilizaron el anime como inspiración, además de otro estilo artístico japonés. Takashi Murakami es el artista más conocido y sus obras están dedicadas para el público juvenil. Las obra más conocida del Pop Art es: “Latas de sopa Campbell” de Andy Warhol. Realismo heroico (propaganda)
Los diseños del realismo heroico se utilizaron para propagar la revolución en la Unión Soviética durante la época de Lenin. Lenin dudaba de que la población analfabeta entendiera qué imágenes visuales abstractas estaban destinadas a comunicar. También pensó que los artistas, como los constructivistas y productivistas, podrían haber tenido una agenda oculta contra el gobierno. Movimientos como el cubismo fueron denunciados como burgueses y criticados por no haber aprovechado la herencia del arte y por rechazar lo bello por ser "viejo", mientras que la cultura proletaria tuvo que recurrir a lo aprendido en los tiempos anteriores. Los artistas contrarrestaron tal pensamiento, aun así, por decir que el arte adelantado representó las ideas políticas adelantadas.En la literatura, Maxim Gorky instó a que se obtuviera el realismo extrayendo la idea básica de la realidad, pero añadiendo el potencial y lo deseable, se añadía el romantismo con un profundo potencial revolucionario. Stalin comprendió el poderoso mensaje que se podía enviar a través de imágenes a una población principalmente analfabeta. Una vez en el poder, los carteles se convirtieron rápidamente en el nuevo medio para educar a los campesinos analfabetos sobre la vida diaria, desde el baño hasta la agricultura, y proporcionaban instrucciones visuales sobre casi todo. En 1931-1932, el énfasis inicial en el "hombrecillo" y las masas trabajadoras anónimas dio paso al "héroe del trabajo", derivado del pueblo pero separado por la magnitud de sus actos. Como consecuencia, la literatura se llenó de "héroes positivos" que a veces eran tediosos. Dmitri Shostakóvich
La muerte de Stalin en 1953 fue el mayor paso hacia la rehabilitación de Shostakóvich como artista creativo, que estuvo marcado por su "Décima Sinfonía". Cuenta con una serie de citas y códigos musicales (en particular los motivos DSCH y motivos Elmira), cuyo significado aún se debate, mientras el segundo movimiento salvaje, según "Testimonio", pretende ser un retrato musical de Stalin. La "Décima" se ubica, junto a la "Quinta" y "Séptima", como una de las obras más populares de Shostakóvich. 1953 también vio una corriente de estrenos de las obras del «cajón del escritorio». Imperio ruso
Desde el comienzo, el movimiento moderno del arte fue referido a romperse lejos de la tradición clásica y a crear una nueva clase de arte que fue contratado íntimo con la vida de cada día de la sociedad rusa. Se convirtió que un interés renovado en arte ruso tradicional forma, incluyendo ambos pintura popular decorativa del arte y, por supuesto, del icono. El arte decorativo ganó un aprecio de la energía de patrones geométricos abstractos - las líneas, las formas, y el color fueron utilizados para construir ritmos y formas enérgicas, para representar no necesariamente objetos o espacios reales. El reexamen de la pintura del icono hizo a pintores más enterados de la energía de una perspectiva visual plana, de dos dimensiones. Es decir realizaron que podrían tratar la lona como una lona, más bien que intentando dar la impresión que era una ventana en un espacio. Efim Borisovich Steinberg
Efim Steinberg creó el primer equipo de agitación y propaganda de escolares rusos. Su equipo fue ganador en festivales de la creatividad artística escolar de la Unión Soviética y de Rusia. Desde 1966, diferentes generaciones de sus discípulos han ofrecido 1.200 conciertos en Rusia y los países de la Comunidad de Estados Independientes (CEI) para más de 200 mil espectadores. Es el creador y organizador de campañas solidarias como "Operación Mir" («oперация Мир»), "Operación Amigo" («операция Амиго»), del juego invernal "Patrulla del Rey de las nieves" («Дозор снежного короля»), entre otras iniciativas; de las cuales participaron millones de escolares de la antigua Unión Soviética. Borís Asafiev
Después de la guerra, Andréi Zhdánov impuso el realismo socialista como la única estética soviética. Para la música, los principios del zhdanovismo, sometiendo toda la actividad cultural a la línea del Partido en nombre del 'romanticismo revolucionario', fueron refrendados en el primer congreso de la Unión de Compositores Soviéticos convocado en abril de 1948. Como su presidente, Asafiev somete a los formalistas rusos y a los 'modernistas occidentales' a una crítica devastadora. Escribió la resolución "Sobre la ópera 'La gran amistad"' en la que se publicó la lista de denuncias de los compositores Dmitri Shostakóvich, Serguéi Prokófiev, Nikolái Miaskovski, Aram Jachaturián, Gavriil Popov y Vissarión Shebalín el 10 de febrero de 1948. A su muerte en 1949, le sucedió como secretario general de la Unión de Compositores Soviéticos el compositor Tijon Jrénnikov, que permaneció al frente durante cuarenta y tres años, hasta la desaparición de la URSS en 1991. Fue enterrado en el Cementerio Novodévichi. Arquitectura constructivista
La arquitectura constructivista, en un sentido amplio, comprende varios movimientos arquitectónicos que estuvieron activos en la Unión Soviética desde alrededor de 1917 hasta mediados de la década de 1930. El término también se utiliza como constructivismo internacional para referirse a las corrientes relacionadas con este estilo arquitectónico fuera de la Unión Soviética. Abstracto y austero, el movimiento pretendía reflejar la sociedad industrial y el espacio urbano modernos, rechazando la estilización decorativa en favor del ensamblaje industrial de los materiales. Los diseños combinaban una tecnología e ingeniería avanzadas con un propósito social declaradamente comunista. Produjo muchos proyectos pioneros y originales y bastantes edificios terminados, antes de caer en desgracia alrededor de 1932. Tuvo una influencia considerable en el desarrollo de la futura arquitectura. Artista del Pueblo de la URSS
Era el título más alto del país en el campo de la música y las artes escénicas. Solo podía ser concedida por el Presídium del Sóviet Supremo de la Unión Soviética, y su atribución era hecha en representación del Ministerio de Cultura de la Unión Soviética, el Comité Estatal de Cinematografía de la Unión Soviética, el Comité Estatal de Televisión y Radio de la Unión Soviética, la Junta Directiva de los Sindicatos de Fotógrafos y Compositores de la Unión Soviética. A los llamados Artistas del Pueblo de la URSS se les concedía el diploma de la Presidencia del Soviet Supremo, así como la insignia y el certificado correspondiente. A diferencia de Artista Honorario, la condecoración Artista del Pueblo fue considerado un grado mayor de consideración en el campo de la música y otras artes escénicas. Andréi Kolkutin
El arte de Kolkutin pertenece a lo que se llama el Arte de la Sobrevivencia, que es parte del arte postsoviético. No es un movimiento, sino un número de artistas individuales. Aunque se concentra en los tradiciones artísticas de las épocas posmodernas y poscomunistas, no se dedica a un solo -ismo. Kolkutin usa estilos de previas épocas del arte ruso para unirlos en sus obras (Kolkoutine, 1997).  Kolkutin creció en la Unión Soviética, que era un régimen ateísta, fue bautizado a la edad de 32 años al fin del período soviético, cuando la censura no era tan dura como antes. Pronto la Iglesia ortodoxa fue una parte importante de su arte. Constructivismo (arte)
La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue implantada por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkomprós) del gobierno bolchevique (o Sovnarkom), dirigido por Anatoli Lunacharski, que en 1918 suprimió la Academia Imperial de las Artes de Petrogrado y la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicaron el diario "Arte de la Comuna". El centro del constructivismo en Moscú residía en Vjutemás: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Naum Gabo señalaría más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más a la discusión política e ideológica que a la creación artística. Ruslana
Ruslana fue la primera artista en emerger de la antigua Unión Soviética que recibió oficialmente el disco de platino por su álbum "Dyki Tantsi" (2003) al vender más de 170 000 copias en los primeros cien días después de su lanzamiento, incluso sin una gira promocional. Este álbum es el álbum más vendido en ucraniano hasta la fecha, junto con su versión en inglés, de los que vendió más de 800 000 ejemplares exclusivamente en Ucrania. En 2004 fue una de los 15 mejores artistas en un ranking realizado en Bélgica con sus sencillos "Wild Dances" y "Dance with the Wolves". Ruslana fue nombrada la ucraniana más popular en Bélgica, la chica más sexy en Grecia, la persona pública más influyente en Ucrania y fue la primera persona extranjera que recibió el premio de la Federación de Periodistas de Turquía. Arte soviético
Otro grupo era UNOVIS, un grupo de jóvenes artistas que tuvo corta vida, pero que fue muy influyente, liderados por Kazimir Malévich en los años 20. Constructivismo (arte)
Así como estuvieron envueltos en propuestas objetuales utilitarias para la industria, los constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vítebsk, donde el grupo UNOVIS de Kazimir Malévich pintó placas de propagandas y edificios (el más conocido era el póster de El Lissitzky: "Golpea a los blancos con la cuña roja" (de 1919). Inspirado por la declaración de Vladímir Mayakovski «las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas», artistas y diseñadores participaron en la vida pública durante la Guerra Civil. Una instancia determinante fue el festival propuesto para el congreso del Comintern en 1921 por Aleksandr Vesnín y Liubov Popova, que reensamblará las construcciones de la exhibición OBMOJU así como realizará trabajos para el teatro. Hubo un gran momento en este periodo entre el constructivismo y el Proletkult, cuyos ideales concernieron en la necesidad de crear una estructura cultural completamente nueva y acorde a los constructivistas. En suma algunos de los constructivistas estuvieron fuertemente envueltos en la «Ventanas ROSTA», una campaña de información pública bolchevique alrededor de los años veinte. Algunos de los más famosos de esta fueron el pintor y poeta Vladímir Mayakovski. Arte soviético
La revista LIFE publicó dos retratos de dos pintores, quien a su juicio, eran los más representativos de las artes rusas de la época: fue Serov, un icono soviético oficial, y Anatoli Zvérev, un expresionista de vanguardia rusa "underground". El retrato de Lenin hecho por Serov y el autorretrato de Zvérev se relacionaban por muchos con una eterna lucha bíblica de Satán y el Salvador. Cuando Jruschov conoció la publicación se enojó y prohibió todos los contactos con visitantes occidentales, cerrando todas las exposiciones semilegales. Y por supuesto, Zvérev fue el principal objetivo de su ira. Peredvízhniki
Peredvízhniki, en ruso «Передви́жники», traducidos como "Los Ambulantes", "Los Vagabundos" o "Los Itinerantes", fueron una sociedad cooperativa de pintores rusos que se desarrolló en la década de 1870 siguiendo las pautas del "realismo crítico" iniciado en la década anterior por otros artistas. El nombre completo del grupo era "Sociedad de Exposiciones de Arte Ambulante" y se creó como protesta contra el academicismo de la Academia Imperial de las Artes. En 1871 tuvo lugar su primera exposición, alcanzaron su apogeo entre 1870 y 1880, y la sociedad perduró por más de medio siglo, hasta 1923 en que muchos de sus miembros se integraron en las filas de la "Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria" (AKhRR). Cabe destacar entre sus miembros a Repin, Ivan Kramskoi, Vladímir Makovski, Konstantín Savitski, Vasily Perov, Valentin Serov, Isaak Levitán y Arkhipov. Su nombre popular se debe a que trasladaban sus cuadros llevándolos a las provincias, un gesto que les granjeó la estima y simpatía de un amplio sector del pueblo ruso. LEF
LEF (, acrónimo de Левый фронт искусств, "Lewy front sztuk" o Frente de Izquierda de las Artes), fue un colectivo cuyas iniciales dieron título a su vez a una revista de vanguardia rusa de la década de 1920. El objetivo del grupo y la revista, como especificaban en uno de los primeros números, era «revisar la ideología y la práctica del llamado arte de izquierda, y abandonar el individualismo para incrementar el valor del arte para el desarrollo el comunismo». Arte soviético
Entre experimentos tempranos de "Proletkult" estaba la estética pragmática del arte industrial, siendo su teórico más destacado Borís Arvátov que asimismo fue uno de los cofundadores del grupo LEF en 1922. Sigmar Polke
En 1963 Polke fundó, con Richter y Lueg, el "Kapitalistischen Realismus" Realismo Capitalista, una tendencia pictórica dentro del pop art. Era un anti-estilo de arte que se apropiaba del lenguaje de la publicidad. Este título se relaciona con el realismo socialista, por entonces la doctrina artística oficial de la Unión Soviética. Trata de una forma irónica la doctrina artística del capitalismo occidental, ligada a la sociedad de consumo. Historia de la danza
La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del siglo XIX: Mijaíl Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica; su obra "Chopiniana" (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» –solo danza, sin hilo argumental–. Serguéi Diáguilev fue el artífice del gran triunfo de los "Ballets Rusos" en París, introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las "Danzas polovtsianas" de "El príncipe Ígor" de Aleksandr Borodín (1909), al que siguieron "El pájaro de fuego" (1910), "Petrushka" (1911) y "La consagración de la primavera" (1913), de Ígor Stravinski; por último, "Parade" (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de Erik Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. En el grupo de Diáguilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky, Anna Pávlova y Tamara Karsávina. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política, perdiendo gran parte de su creatividad, aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nuréyev y Mijaíl Barýshnikov, y se produjeron obras memorables como "Romeo y Julieta" (1935) y "Cenicienta" (1945), de Serguéi Prokófiev, y "Espartaco" (1957), de Aram Jachaturián. También alcanzó notoriedad el sistema pedagógico ideado por Agrippina Vagánova. La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. De forma independiente, la gran figura de principios de siglo fue Isadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar, inspirada en ideales griegos, más abierta a la improvisación, a la espontaneidad. Realismo socialista
Se fundó entonces la Unión de Escritores Soviéticos para su promoción, y la nueva política fue consagrada por el "I Congreso de Escritores Soviéticos" de 1934, para ser a partir de entonces estrictamente aplicada en todas las esferas de la producción artística, sea literaria, musical, o de artes plásticas, que debía seguir el molde del "realismo socialista". El 10 de febrero de 1948, se dictó el llamado "decreto Zhdánov", que marcó el comienzo de una campaña de críticas y descalificaciones contra muchos compositores soviéticos tachados de "burgueses" o "decadentes", entre ellos Vanó Muradeli, Dmitri Shostakóvich, Serguéi Prokófiev y Aram Jachaturián. Posteriormente el gobierno de Stalin apoyó a algunos de estos artistas cuando se alinearon a la nueva política artística, llegando Shostakóvich y Prokófiev a recibir el Premio Stalin. Arquitectura estalinista
La arquitectura estalinista (, lit. 'estilo imperio' o , lit. 'Neorrenacimiento estalinista'), también conocida como gótico estalinista, o clasicismo socialista, corresponde a la arquitectura de la Unión Soviética bajo la dirección de Iósif Stalin, entre 1933, cuando se aprobado oficialmente el proyecto de Borís Iofán para el Palacio de los Soviets, y 1955, cuando Nikita Jrushchov condenó los «excesos» de las últimas décadas y disolvió la Academia Soviética de Arquitectura. La arquitectura estalinista se asocia con el realismo socialista, una escuela de arte y arquitectura. Arte soviético
Las ideas de "Proletkult" atrajeron a la vanguardia rusa, que luchaba por librarse de las convenciones del «arte burgués». Entre las personas destacadas de este movimiento estuvo Kazimir Malévich. Sin embargo, las ideas de la vanguardia, con el tiempo, chocaron con la dirección, patrocinada desde el Estado, del recién surgido realismo socialista. Nina Kogan
El folleto "Sobre los gráficos" y especialmente sus obras distinguen a Kogan como una de las artistas más expuestas de la Rusia posrevolucionaria. Su "Ballet suprematista" de 1920 no tenía argumento, sino que era una danza abstracta en la que las formas coloreadas del escenario estaban en constante movimiento y de pronto se convertían en una cruz, un círculo o un cuadrado. En su pintura al óleo "Composición" de 1920, las formas estrictamente geométricas también están experimentando un cambio sutil, donde los colores fríos y la superficie clara, de aspecto casi metálico, sugieren el funcionamiento silencioso de una máquina. En la obra "Composición suprematista", creada entre 1920 y 1922, la idea de un movimiento de formas geométricas y, por tanto, de configuraciones en constante cambio, está muy viva en el espíritu de su ballet. Cheburashka
"Cheburashka" también es conocido fuera de lo que eran la Unión Soviética y el Bloque Soviético. Se hizo muy popular en Japón a partir de una muestra de las películas de animación que se llevó a cabo desde el verano del 2001 hasta la primavera del 2002 en 15 salas de cine; fue visto por unos 700.000 espectadores. En el 2008, las películas de Cheburashka fueron incluidas en el Ghibli Museum Library (Fondo del Museo Ghibli), con exhibición en salas de cine el mismo día que "Gake no ue no Ponyo" de Hayao Miyazaki. Vanguardia rusa
La Vanguardia rusa alcanza su clímax creativo y de popularidad en el periodo comprendido entre la Revolución rusa de 1917 y 1932, momento en el que las ideas de esta vanguardia chocan con las que el nuevo estado patrocinaba, el realismo socialista. Figuras notables de esta era incluyen:al arte como una figura concreta y a la vez abstracta. Cine paralelo soviético
Con la llegada de Stalin al poder se desapareció la libertad de expresión que había en los trabajos de Eisenstein y Dziga Vertov. Desde entonces en el cine soviético se estableció y se mantuvo durante 60 años la época del realismo soviético aprobado por la censura. Esta época de la estagnación de género en el cine soviético provocó el nacimiento de nuevo género de protesta, de ultravanguardia que recibió el nombre “el cine paralelo”. Necro-realismo fue uno de los movimientos dentro de este género. Eyvgeny Yufit formaba parte de este último movimiento. En sus trabajos aparecen los cadáveres haciendo el sexo y después comiendo los sesos uno del otro y etc. Estos ensayos denunciaban de una manera metafórica las realidades de la Unión Soviética. DDT (banda)
Durante este tiempo, la música popular en la antigua Unión Soviética se dividió entre los artistas denominados "oficiales", que fueron admitidos en el sindicato de músicos, y los artistas "underground". Dichos artistas "underground" eran a menudo músicos que también tenían otros trabajos. En la década de 1980 se desarrolló una compleja escena clandestina musical y la música "no oficial" fue ampliamente distribuida (aunque la compensación a los artistas era muy limitada), de manera similar a los canales clandestinos que habían existido para la literatura no estatal ("samizdat"). Estos artistas clandestinos eran ampliamente conocidos, y sus álbumes no oficiales a veces se mencionaban en la prensa. Konstantín Makovski
Entró en el colectivo Artel de Pintores de San Petersburgo, liderado por Iván Kramskói, y orientado hacia los temas de pintura de género y social, como la del conjunto de artistas conocidos como los «peredvízhniki». Desde 1870, fue miembro fundador de la Sociedad de Exposiciones Artísticas Itinerantes creada en protesta contra el academicismo de la Academia Imperial de las Artes. Mediada la década de 1870, realizó un periplo viajero por Egipto y Serbia que modificó su parcial interés por los temas sociales y psicológicos por objetivos artísticos relacionados con el color y forma. No obstante, durante la década de 1880, fue uno de los más ponderados autores de moda como retratista y autor de encargos de pinturas históricas, llegando a convertirse en uno de los artistas rusos más apreciados y mejor pagados de la época. En la Exposición Universal de París de 1889 recibió la Gran Medalla de Oro por sus pinturas "Muerte de Iván el Terrible", "El Juicio de Paris" y "Demonio y Tamara". Algunos críticos coinciden en apreciar su dominio académico de la pintura sin dejar de señalar su superficialidad, mientras que otros lo ven como un precursor del impresionismo ruso. Arte soviético
Durante la Revolución rusa se inició un movimiento para poner todas las artes al servicio de la causa. El instrumento para ello se creó días antes de la Revolución de octubre, conocida como "Proletkult," abreviatura «Proletárskie kulturno-prosvetítelnye organizátsii» (Organizaciones proletarias de cultura e ilustración). Un teórico prominente de este movimiento fue Aleksandr Bogdánov. Al principio, el "Narkomprós" (ministerio de Educación), que estaba también a cargo de las artes, apoyó el "Proletkult". No obstante este último buscó demasiada independencia respecto al dirigente Partido Comunista de los bolcheviques, se ganó la actitud negativa por parte de Vladímir Lenin, para 1922 declinó considerablemente, y fue con el tiempo disuelto en 1932. Arte nacionalsocialista
Aunque hay un abundante uso de esos términos, también se ha usado la expresión arte de las dictaduras o "Arte y dictadura", título de una exposición de 1994 especialmente en la reflexión teórica que identifica el arte fascista con un "arte de masas", un "arte de propaganda" o un "estilo monumental" (Walter Benjamin), o para identificar la cultura fascista con el irracionalismo, la violencia, la simplificación, el populismo y la manipulación en cualquier ámbito; no es muy evidente la determinación estilística de un estilo genérico que compartiera características comunes en las manifestaciones artísticas de los países donde el fascismo se desarrolló en los años 1930 y 1940; y que, por otro lado, pueden encontrarse sin dificultad en otro totalitarismo: el comunismo soviético. El arte nacionalsocialista mantuvo una similitud con el estilo artístico soviético denominado realismo socialista; la opción consciente de Stalin por un gusto artístico de fácil asimilación por el pueblo, sin complicaciones intelectuales y que prescinde despectivamente de los complejos "pequeñoburgueses" que asocian el gusto popular al mal gusto o "kitsch"; lo que demostró ser un eficaz factor propagandístico, identitario y movilizador. El desprecio por el elitismo y el intelectualismo (antiintelectualismo), impuesto a los propios intelectuales, que debían someterse a reeducación y desclasamiento, identificándose con la forma de ver el mundo de los proletarios y el «hombre nuevo» socialista, es uno de los factores clave de la vida cultural comunista, tanto en la Unión Soviética como fuera de ella, entre la gran cantidad de intelectuales y artistas que se aproximaron al comunismo. Historia de la animación rusa
Ya desde 1932, cuando un congreso de escritores soviéticos había proclamado la necesidad de realismo socialista, la influencia del futurismo y la vanguardia rusa en la animación se había reducido. Ahora, los experimentos estéticos fueron empujados fuera de la agenda, y durante más de veinte años, Soyuzmultfilm, ya que el estudio se llama a partir de 1936, trabajó de manera taylorizado, utilizando la técnica cel y división del trabajo. Se convirtió en el principal estudio de animación en la Unión Soviética, la producción de un número cada vez mayor de los niños y cortocircuitos de animación educativa y características, pero el espíritu experimental de los años de fundación se perdió. Arte soviético
El término arte soviético se refiere a las artes visuales producidas en la antigua Unión Soviética. Cultura de la Unión Soviética
La principal característica de las actitudes comunistas hacia el arte y los artistas en el período entre 1918 y 1929, fue la libertad y la experimentación significativa con varios y diversos estilos en un esfuerzo de encontrar un estilo soviético distintivo del arte. Al principio los artistas y los escritores obtuvieron una gran cantidad de libertad pero muchos huyeron de Rusia a causa de su oposición al gobierno bolchevique. Lenin era un hombre tradicional en el arte. Odiaba a los nuevos "ismos" (futurismo, expresionismo) y quería que el arte fuera conservado de la forma tradicional, sin embargo, no hizo nada para disuadir a la difusión del futurismo en Rusia. Mostró su apoyo a la escena del arte y quería que este fuera accesible a las masas. Nacionalizó muchas colecciones de arte privadas y creó el Museo de Arte Contemporáneo Occidental de Moscú. Lenin quería desde el comienzo tener control completo del sistema del arte y designó a Izo-Narkompros para tomar el control. El movimiento Proletkult ("cultura proletaria") se originó luego de la Revolución de febrero de 1917. Sus miembros querían hacer un arte más comprensivo para las masas y fomentar una mayor participación en las artes. Muchos estudios de arte nuevos se establecieron en muchas ciudades. Estos movimientos fueron progresivo y sus miembros pro-revolucionarios. Dmitri Shostakóvich
Shostakóvich se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como su "Primera Sinfonía" o la ópera "La nariz", que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernas procedentes de occidente. Posteriormente, su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. Accionismo moscovita
El accionismo moscovita es una expresión artística y movimiento de carácter político y social, que se desarrolla y evoluciona en Moscú desde principios de la década de 1990. Las acciones consideradas parte del movimiento destacan por su radicalismo y su provocación. Los miembros, artistas y pensadores vinculados al movimiento suelen emplear cuerpos desnudos, sangre y escenas de relaciones sexuales explícitas. En ocasiones, las acciones provocaban disturbios en las calles o nacen para crear caos con fin de provocar o enfrentar a la policía. Diplomacia cultural
Kolya Vasin, fundador del museo The Beatles y del Templo del Amor, la Paz y la Música en San Petersburgo, comentó que The Beatles "eran como una prueba de integridad. Cuando alguien dijo algo en contra de ellos, supimos exactamente lo que valía esa persona. Las autoridades, nuestros maestros, incluso nuestros padres, se convirtieron en idiotas para nosotros". A pesar de los intentos del gobierno de la Unión Soviética para evitar la difusión de la popularidad de The Beatles entre sus ciudadanos, la banda demostró ser tan popular en la URSS como lo fue en Gran Bretaña. El gobierno llegó a censurar la expresión de todos los ideales occidentales, incluida la excentricidad burguesa de The Beatles, limitando el acceso de los ciudadanos soviéticos a su música. Leslie Woodland, documentalista, comentó sobre lo que le dijeron a los rusos sobre Occidente: "Una vez que la gente escuchó la maravillosa música de The Beatles, simplemente no pararon. El pronóstico de las autoridades no se correspondía con lo que estaban escuchando. El sistema fue construido sobre el miedo y las mentiras, y de esta manera, The Beatles pusieron fin al miedo y expusieron las falsedades". Pavel Palazchenko, el intérprete de conferencias de Mikhail Gorbachev, declaró que la música de The Beatles era una "fuente de alivio musical". Nos ayudaron a crear un mundo propio, un mundo diferente de la liturgia ideológica aburrida y sin sentido que me recordaba cada vez más al estalinismo...". Al igual que Gorbachov, muchos jóvenes rusos acordaron que The Beatles eran una forma de superar el aislamiento cultural impuesto por la Guerra Fría y reforzado por su sistema político actual. Kinó
Kinó tuvo un gran impacto en la sociedad soviética. Su sonido y sus letras constituían algo totalmente diferente a lo que hasta entonces había sido producido. En la calle Arbat de Moscú hay un muro dedicado a Tsoi con grafítis y hasta una estatua en bronce del artista donde todavía sus fanes se reúnen a conmemorar su muerte. En junio del 2010 los grupos más importantes de rock de Rusia se reunieron y realizaron un concierto-tributo al grupo. Circo Bulevar Tsvetnoi
El Circo Nikulin en el Bulevar Tsvetnói de Moscú (en ruso: "Московский цирк Никулина на Цветном бульваре", transl. Moskovski tsirk Nikúlina na Tsvetnom bulvare) es un circo ruso y el único que hubo en Moscú entre 1926 hasta 1971, que se ha convertido en el más popular del país. Fue inaugurado el 20 de octubre de 1880 bajo el nombre de Solomonski. Durante la época soviética tuvo varios cambios de nombre. Cipollino
"Las aventuras de Cipollino" es un cuento infantil cuyo tema principal es la lucha de las clases bajas contra los poderosos, el bien contra el mal y la importancia de la amistad para hacer frente a las dificultades. Cipollino fue enormemente popular en la antigua Unión Soviética, hasta el punto de haber tenido varias adaptaciones cinematográficas animadas y una adaptación en ballet, con música de Karen Jachaturian y coreografía de Guénrij Mayórov, estrenada en la Ópera Nacional de Ucrania "Taras Shevchenko" en 1974. Arte soviético
El realismo soviético parte en su período inicial (1917-1932) encuadrado por las actividades de la AJRR y la posterior AJR, abarcando la década post-revolucionaria, para entrar ya en la década de 1930 y hasta 1991 en el dilatado período soviético propiamente dicho, aunque se asocia más específicamente con el período 1930-1950. Unión Soviética
La cultura soviética pasó por varias etapas durante los 70 años de su existencia. Durante los primeros once años de Revolución (1918–1929), hubo una relativa libertad y los artistas experimentaron con varios estilos diferentes en un esfuerzo de encontrar un estilo artístico soviético distintivo. Lenin quiso que el arte fuera accesible al pueblo ruso. Por otro lado, cientos de intelectuales, escritores y artistas fueron exiliados o ejecutados, y sus trabajos prohibidos, por ejemplo Nikolái Gumiliov (ejecutado por conspirar contra el Gobierno bolchevique) y Yevgueni Zamiatin (prohibido). Cine de Rusia
Uno de los más populares filmes de los años 30 fue Circus. Durante los años cuarenta se pueden destacar "Aleksandr Nevski" e "Iván Grozny", ambos de Eisenstein. Tras la muerte de Stalin en 1953, el cine soviético florece nuevamente, con filmes como "La balada del soldado (Ballada o soldate)" de Grigori Chujrái que ganó el premio BAFTA de 1962 en el rubro mejor película, y "Cuando pasan las cigüeñas" "(Letiat zhuravlí)", único film soviético que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Los sesenta y setenta son también influidos por las nuevas corrientes cinematográficas del resto de Europa; se destaca, entre estos nuevos cineastas, el surgimiento del grandioso director Andréi Tarkovski. También vale la pena destacar a Mijaíl Kalatózov por la película "Cuando pasan las cigüeñas", de un extraordinario sentido poético por esa presencia clara pero sublime del trabajo de cámara, y Grigori Kózintsev por la que probablemente es la versión más fiel y exhaustiva (aunque esto implique poco creativa, contrario al Quijote de Orson Welles) realizada jamás del "Don Quijote". En esta película, Kózintsev contó con la dirección artística del pintor Alberto Sánchez. Bolchevismo cultural
El bolchevismo cultural (en alemán: "Kulturbolschewismus"), a veces referido específicamente como «bolchevismo del arte» o «bolchevismo de la música», era un término usado extensamente por los ideólogos de la Alemania nazi para denunciar los movimientos modernistas en las artes, particularmente las formas más nihilistas de expresión. Estas entraron al ojo público por primera vez durante la década de 1920 en la República de Weimar. Artistas alemanes como Max Ernst y Max Beckmann fueron denunciados por Adolf Hitler, el Partido Nazi y otros nacionalistas de derecha como «bolcheviques culturales». El término propagandístico persistió a pesar de que tales formas artísticas fueran desaprobadas en la Unión Soviética bajo Iósif Stalin y tildadas de burguesas, a favor de la estética más realista del realismo socialista. Cubofuturismo
Surgieron otros artistas cubo-futuristas, por ejemplo Aleksandra Ekster , quien estuvo involucrada en el diseño del escenario futurista ruso,  y Lyubov Popova , quien había aprendido del cubismo durante su estancia en París en 1912, y pintó en el estilo cubo-futurista en el años 1913 a 1914.  El movimiento en Rusia fue notable por tener un gran porcentaje de mujeres pintores, en contraste con el movimiento en Italia. FC Dinamo de Kiev
El movimiento de aficionados del Dinamo es uno de los más antiguos de Ucrania. El apoyo activo comenzó en la década de 1980 durante el período soviético (RSS de Ucrania). Luego comenzó a aparecer el primer grafiti con el logotipo del equipo y se registró una de las peleas más grandes en la Unión Soviética: los ultras del Dinamo contra los fanáticos del Spartak Moscú en el centro de Kiev. Los partidos contra el Spartak, el «equipo del pueblo» ruso, eran conocidos como el Derbi soviético, ya que se trataba de los dos clubes más fuertes de las dos repúblicas soviéticas más importantes. En la década de 1990, en las gradas se hizo popular el "hooliganismo" inglés. Fovismo
El fovismo, también conocido como fauvismo (del francés "fauvisme," de "fauve ‘"fiera’ e -"ismo," ‘movimiento, tendencia, carácter’), fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se expandió a otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la expresión "les fauves" ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio de París, en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico "Gil Blas," el 17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico. Realismo poético
El realismo poético fue un movimiento cinematográfico en Francia de la década de 1930. Más tendencia que movimiento, el realismo poético no está fuertemente unificado como el montaje soviético o el impresionismo francés, sino que es más conocido por los individuos que crearon este estilo lírico. Sus principales promotores fueron Pierre Chenal, Jean Vigo, Julien Duvivier, Marcel Carné y, quizás el director más importante del movimiento, Jean Renoir. Renoir realizó una amplia variedad de películas, algunas influenciadas por el grupo izquierdista Frente Popular e incluso realizó un cortometraje lírico. Las estrellas frecuentes de estas películas fueron Jean Gabin, Michel Simon, Simone Signoret y Michèle Morgan. Accionismo moscovita
El sexo simultáneo de varias parejas en el museo biológico, organizado por el grupo de arte «Voiná», se ha convertido en una de las acciones más radicales y sensacionales de Moscú. La actuación tuvo lugar en vísperas de las elecciones presidenciales de 2008. Según los activistas, en el momento en que Vladímir Putin anunció que su sucesor, Dmitri Medvédev, desconocido en ese momento, «el país estaba realmente jodido», lo tradujeron al lenguaje del arte contemporáneo. Aleksandr Mosólov
Sus obras han sido acusadas a menudo de cierto brutalismo y maquinismo. Su composición más famosa es la pieza para orquesta "La Fundición de Hierro", también conocida como "La Fundición de Acero", y un movimiento para un ballet titulado "Acero" (1927), el cual fue interpretado en todo el mundo. Más tarde cayó en desgracia por motivos políticos, y tras violentos ataques a su reputación fue expulsado de la Asociación de Música Contemporánea supuestamente a causa de su alcoholismo. Fue enviado a Armenia, Kirguistán, Turkmenistán y la república rusa del Daguestán para realizar estudios de música popular y componer una canción sobre Stalin. Historia del arte
En la danza, el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó de París a San Petersburgo, donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez, con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski —y, posteriormente, en el Bol'šoj de Moscú—. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius Petipa, que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia. Hizo ballets más largos, de hasta cinco actos, convirtiendo el ballet en un gran espectáculo, con deslumbrantes puestas en escena, destacando su colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales: "La bella durmiente" (1889), "El cascanueces" (1893) y "El lago de los cisnes" (1895). A nivel popular, el baile más famoso de la época fue el cancán, mientras que en España surgieron la habanera y el chotis.En paralelo a la pintura, la música impresionista hace primar la armonía sobre la melodía, igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. Se deja al espectador la reconstrucción de una composición musical, hecha a base de partes, de sugerencias. Su principal representante, Claude Debussy, rechazó el cromatismo tónico, introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos, opuestos a las escalas habituales. Frente a la melodía continua wagneriana, volvió a la tonalidad estática, aquietando la armonía y potenciando la textura, la tímbrica, la irregularidad rítmica ("Preludio a la siesta de un fauno", 1894). Maurice Ravel retornó a la expresión lineal, aunque con notas y acordes algo fuera de contexto ("Bolero", 1928). Otros representantes fueron Paul Dukas y Florent Schmitt. Arte soviético
El incidente más conocido en relación a los artistas inconformistas de la antigua URSS ocurrió en la Exposición Bulldozer de 1974, que tuvo lugar en un parque a las afueras de Moscú, y que incluía obra de artistas como Oskar Rabin, Komar y Melamid, Aleksandr Zhdánov, y Leonid Sókov. Los artistas implicados habían escrito a las autoridades pidiendo permiso para celebrar la exposición, pero no recibieron respuesta. Decidieron seguir adelante con la exposición de todas formas, que consistía solamente en obras de arte no oficiales que no se ajustaban al estilo del realismo socialista. La KGB puso fin a la exposición justo horas después de que abriera llevando bulldozers para destruir completamente todas las obras de arte presentes. Afortunadamente para los artistas, la prensa extranjera había estado allí para ser testigos del evento. La cobertura a nivel mundial de ella forzó a las autoridades a permitir una exposición de Arte Inconformista dos semanas más tarde en el parque Izmáilovsky de Moscú. República Socialista Soviética de Georgia
El artista más popular de Georgia es Koté Majaradze, lo cual se debe no solo a sus actuaciones en el teatro, sino también a sus apasionados reportajes sobre los encuentros de fútbol del equipo “Dínamo” de Tiflis, que en tres ocasiones fue campeón del país y que conquistó la recopa europea. Mijailo Boichuk
Inmediatamente después de la Revolución de Octubre de 1917, Boichuk y un grupo de estudiantes bajo de su dirección hicieron frescos para el Teatro de Ópera y Ballet de Kiev (1919), el Teatro de la Ópera de Járkov (1921), el pabellón de la República Socialista Soviética de Ucrania en la Primera exposición de agricultura e industria casera de toda Rusia en Moscú y el Instituto Cooperativo de Kiev (1923). Más tarde cambió estilisticamente al realismo socialista, en el que las principales obras de su grupo fueron el Sanatorio Campesino en Odesa (1927–28) y el Teatro Dramático Ucraniano Chervonozavodskyi de Járkov (1933–35). Artista del Pueblo de la URSS (artes plásticas)
Cada una de las repúblicas soviéticas tenía un título propio, por debajo del título de Artista del Pueblo de la URSS (por ejemplo: Artista del Pueblo de la RSS de Ucrania, Artista del Pueblo de la RSFS de Rusia, etc.). Lubok
Los "lubkí" rusos se hicieron populares durante la segunda mitad del siglo XVII. El lubok ruso fue influido principalmente por los grabados en madera y calcografías hechas en Alemania, Italia y Francia a comienzos del siglo XV. Su popularidad en Rusia fue resultado de lo fácil y económico que era duplicar una impresión con esta nueva técnica. Los "lubok" se vendían típicamente en mercados to a las clases medias y bajas. Este tipo de arte era muy popular dentro de estas dos clases sociales debido a que el "lubok" suponía una oportunidad económica para mostrar obras de arte en sus casas. Zurag mongol
El estilo fue iniciado a raíz de la Revolución de 1921 por artistas como Balduugiin Sharav, cuya obra "One Day in Mongolia" (en español: "Un día en Mongolia") es aun una de las obras más célebres del arte mongol. Las pinturas zurag mostrando escenas de la vida diaria, ya fuera de las contemporáneas granjas colectivas o de los asentamientos nómadas de pastores tradicionales, se volvieron populares en las décadas de 1950 y 1960 a raíz del éxito de Ürjingiin Yadamsüren con "The Old Fiddler". Las representaciones históricas de la Revolución de 1921 así como la de grandes figuras nacionales anteriores fueron también populares, mientras que los temas abiertamente religiosos fueron desalentados por el estado. Desde la Revolución democrática de 1990 ha habido un resurgimiento del interés por este estilo. Las pinturas zurag recientes han mostrado escenas nacionalistas extraídas de la "Historia secreta de los mongoles" y de la vida de Gengis Kan, así como imaginería abiertamente religiosa inspirada por creencias chamánicas prebudistas. También estas últimas obras han tendido a un mayor simbolismo alejándose de la mera representación. Pintura de Rusia
Con la apertura gradual de la política de la Unión Soviética en los ochenta, que finalmente condujo a la desintegración de todo el bloque comunista, todo el programa oficial de arte también se derrumbó. Artistas como R. Bichuns, P. Torda, D. Zhilinski, E. Shteinberg, M. Romadin, M. Leis y V. Kalinin fueron ampliamente reconocidos. Se abrió definitivamente Rusia a los avances del arte occidental contemporáneo y hubo una rápida expansión en el panorama de la pintura rusa, un fenómeno que continúa hasta hoy en día. Revolución sexual
En las primeras dos décadas del siglo XX se desarrollaron distintos eventos sociales que marcaron la organización política, el pensamiento filosófico y el conocimiento científico. En Europa oriental, se desarrollaba la Revolución rusa, surgiendo así la idea nacionalista-socialista que prosperó en el arte ruso del siglo XX, arte identificado como realismo socialista, que se encargó de retratar la vida popular y la identidad nacional de una manera refinada y sofisticada; algunos ejemplos de este tipo fueron la propaganda Leninista y el ballet ruso. El precisionismo predominó como una forma artística de la Primera Guerra Mundial, caracterizado por la representación de la sociedad industrial de inicios del siglo XX, la representación de la vida popular y la distorsión visual y cromática de escenas que evocan sentimientos en el observador; algunos artistas incluyen: Charles Demuth, Stuart Davis, Morton Schamberg, John Storrs y Joseph Stella. En la música prosperan géneros como el "ragtime" y el "cakewalk", música considerada "atonal" que hacían un burlesque del estilo romántico. El dadaísmo se manifestó como una corriente artística y política que cristalizó en una postura antibélica ante la Primera Guerra Mundial en formas de arte poco convencionales (movimiento antiarte); algunos artistas de esta corriente incluyen: Hannah Höch, Marcel Duchamp y George Grosz. En otros aspectos, el imagismo, el modelo atómico de Niels Bohr, el reinado de Eduardo VII en Inglaterra, la aviación, la invención de la radiocomunicación, las posturas filosóficas de Edmund Husserl, el primer movimiento homosexual y las contribuciones científicas de Albert Einstein, definieron el conocimiento científico y el pensamiento filosófico a inicios del siglo XX. Teatro Proletario
Después de la Primera Guerra Mundial, durante los años de crisis de la posguerra alemana, la influencia de la recién creada Unión Soviética marcó la vida cultural desarrollada por la izquierda revolucionaria. Llegaban a Alemania noticias de que a raíz de la Revolución de octubre de 1917, habían surgido allí muchas nuevas organizaciones culturales proletarias conocidas como "Proletkult" o "cultura proletaria". Empezaron a proliferar artículos de prensa y escritos sobre los logros de la "Proletkult". En 1919, se tradujo al alemán la obra "Die Kunst und das Proletariat" ("El arte y el proletariado") de Alexandr Bogdánov, el principal teórico de ese movimiento cultural. Las ideas de Bogdánov propiciaron un fuerte impulso a todos aquellos que buscaban alternativas al reformismo del Partido Socialdemócrata de Alemania y al conservadurismo cultural, entre ellos Piscator y Schüller. Futurismo
El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el "ruidismo" del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).El futurismo tuvo sus más notables seguidores en otras naciones, como Rusia donde el fenómeno se conoce como futurismo ruso (los poetas Vladímir Maiakovski, Velimir Jlébnikov y Alekséi Kruchiónyj - este último creador del "lenguaje transmental", en ruso "за́умь, зау́мный языk" o "záum", "zaúmny iazyk", -, y otros), en Bélgica (el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista "Orpheu", 1915), en España (el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en el Río de la Plata, donde algunos poetas reflejaron temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita de Marinetti al Cono Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto Hidalgo, en Buenos Aires, y Alfredo Mario Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo. Vanitas
Otro movimiento figurativo fue el pop art (1955-1970), un estilo con un marcado componente de inspiración popular que tomó imágenes del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de comunicación de masas. Uno de sus principales exponentes fue Andy Warhol. Solía trabajar mediante serigrafía, en series que iban desde los retratos de personajes famosos como Elvis Presley, Marilyn Monroe o Mao Tse-tung hasta todo tipo de objetos, como su serie de latas de sopa Campbell, elaborados con un colorismo chillón y estridente y una técnica pura, impersonal. Pese a la apariencia frívola y desenfadada de sus cuadros, uno de los temas recurrentes en su obra fue la muerte. Así, entre sus famosas series de cuadros repetidos en distintas combinaciones de colores figura su serie de "Calaveras" (1976), en las que aparece una calavera que proyecta la sombra de un niño, con distintos fondos cromáticos, en los que predomina el verde, el amarillo, el rosa, el azul y el morado. Fue también autor de una serie de "Autorretrato con calavera" (1978), en la que aparece su busto con una calavera en el hombro o encima de la cabeza, realizadas a partir de diversas fotografías y con fondos en rojo, naranja, gris o amarillo. Malika Kalontarova
Malika comenzó su carrera en 1965 con «Lola Dance Ensemble» y más tarde fue parte del Ensable de Música y Danza de la Filarmónica Tayika de Dusambé. Desde el principio, sus movimientos de baile estaban completamente sincronizados con la música, lo que impresionaba a los coreógrafos y bailarines con más experiencia. Kolantarova llegó a ser una de las artistas más famosas en la URSS y en Asia Central, actuando no sólo en Asia Central, pero por todas partes de la Unión Soviética y Asia. Llegó a ser bien conocida por sus danzas folclóricas tayikas, y muchas de las secuencias de baile que creó han sido incorporadas como parte del arte centroasiático. Kolontarova se presentó e interpretó diferentes danzas nacionales en países como Japón, Afganistán, España, Turquía, Rusia e India. Mientras estuvo en India, apareció en algunas películas de Bollywood como bailarina, así como en largometrajes de la industria de cine tayiko entre la década de 1960 y el derrumbamiento de la URSS. Partisanos yugoslavos
El nombre común del movimiento es partisanos, mientras que el adjetivo "yugoslavos" se utiliza a veces en exclusiva para distinguirlos de los otros movimientos similares surgidos en la guerra. El movimiento tuvo una gran influencia social y cultural en la Yugoslavia socialista. Nadezhda Udaltsova
En 1932 y 1933, las contribuciones de Udaltsova a la exposición de "Artistas de la RSFSR de los últimos quince años" fueron criticadas públicamente por las llamadas "tendencias formalistas". En 1938, Alexander Drevin fue arrestado y ejecutado por la NKVD, y Udaltsova se convirtió en una persona non grata en el mundo del arte soviético. Se le permitió una exposición individual en la Unión de Artistas Soviéticos de Moscú en 1945 y, después de la muerte de Stalin, contribuyó a una exposición colectiva en la Casa del Artista de Moscú en octubre de 1958. Boris Groys
Los vanguardistas rusos estuvieron involucrados en los primeros movimientos bolcheviques. Lejos de ser progresistas, buscaban ir más rápido que la modernidad mediante su neutralización. Las luchas internas para conquistar el poder constituyeron una fuente de inquietud para las políticas que desconfiaban de estos intelectuales. Finalmente, el dominio artístico penetró el ámbito político, es decir bajo la dirección del Partido. El realismo socialista no hizo más que realizar el sueño de estos vanguardistas, que era obtener el poder demiúrgico. Stalin y sus compañeros de ruta modelaron de esta manera el mundo como ellos lo entendían y realizaron "milagros cotidianos", aboliendo así la frontera entre la vida y el arte. Toda obra autorizada se convirtió en una realización del socialismo. Más que los cuadros de caballete, es el mausoleo de Lenin su realización emblemática. Groys lo asimila a un "readymade" comparable al de Marcel Duchamp. Los artistas del postestalinismo tuvieron que posicionarse de cara a la utopía, a la dificultad de zafarse sin recaer en un plan de salida definitiva de la Historia. Los trabajos de Iliá Kabakov, Vitali Kómar y Aleksandr Melamid y las obras literarias de Dmitri Prígov se inscriben en una demostración irónica que consiste en sobreactuar el estalinismo mezclando todos los códigos, inclusive los del "kitsch" estalinista cuya existencia niegan otros artistas, pensando haber alcanzado la etapa definitiva de la historia. La deriva de este "sots-art" () es comparable en ciertos elementos al de los artistas postmodernos del pop-art. Vintage Photo Festival: Festival Internacional para los Amantes de la Fotografía Analógica
Exposición de Masha Svyatogor,Everybody dance!" reunió obras basadas en las reflexiones del artista sobre la URSS y el concepto ,soviético". Las obras se basaron en fotografías encontradas en varios números de la revista "Sovetskoe Foto", el material visual del gobierno soviético, utilizado para construir su imagen “ceremonial”. La artista crea fotomontajes a mano, renunciando deliberadamente a las tecnologías digitales, evocando así la metáfora del tejido de la historia. Masha literalmente corta la tela: desmonta las imágenes oficiales y las usa para crear sus propias imágenes surrealistas y decorativas. Pintura de Rusia
A finales del siglo XIX, hubo quienes defendieron unas ideas más liberales que los "Peredvízhniki" (Ambulantes), más abiertas a la influencia del arte occidental. Entre ellos estuvo el grupo llamado Mundo del Arte ("Mir Iskusstva"), fundado en 1889 por el pintor y escenógrafo Léon Bakst (1866-1924), Serguéi Diáguilev y Alexandre Benois. "Mir Iskusstva" es también el nombre de la revista que editaban. Atacaban la obsolescencia de los "Peredvízhniki" (Sociedad de exposiciones ambulantes) y el carácter antinatural de la sociedad industrial, y promovían la individualidad creativa y el espíritu Art Nouveau bajo una bandera positivista. Deseando hacer un arte accesible a todos, escogieron materiales más baratos como el "gouache" y la acuarela y redujeron la escala de sus trabajos. Konstantín Korovin, que además fue decorador y escenógrafo, (1861-1939) formó parte tanto del Círculo de Abrámtsevo como del Mundo del Arte; cultivó el género del paisaje y del retrato. Alumno de Repin fue Borís Kustódiev (1878-1927) que fue miembro del Mundo del Arte, la Sota de Diamantes y, tras la Revolución, de la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. Realizó ilustraciones satíricas para periódicos como "Ádskaya Pochta". Al grupo Mundo del Arte perteneció igualmente (1875-1958), quien había expuesto con los Peredvízhniki, que tuvo una importante labor crítica y teórica; a partir de 1925 se integró en la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. Kuzmá Petrov-Vodkin (1878-1939) también fue miembro del Mundo del Arte, con una obra muy original pionera en la pintura de vanguardia. El grupo Mundo del Arte se disolvió y fue sustituido por la Unión de Artistas Rusos, para después reaparecer con el antiguo nombre. Funk art
El Funk art es un movimiento artístico bastante inspirado por la cultura popular que usa una improbable mezcla de materiales y técnicas, incluyendo «objetos encontrados». Fue una reacción frente a la falta de objetividad del expresionismo abstracto. El nombre del movimiento deriva del término musical «funky», que describe lo apasionado, sensual y estrafalario. En este contexto, significa «gallina, maloliente, escandaloso, sórdido». Era una forma de arte popular en los sesenta del siglo XX y setenta, especialmente en los Estados Unidos. Los artistas "funk" trataban su obra con humor, confrontación, lo obsceno y referencias biográficas. Buscaban volver a introducir la responsabilidad social en el arte contemporáneo. Mijaíl Savoyárov
En los años 1930, muchos artistas iban a las clases de Savoyárov. De sus alumnos más famosos de este periodo, sobre todos, se puede nombrar Arkady Raikin. Ahora hay muy pocos que recuerdan, que Raikin en los años 30 no empezó como un lector y satírico, sino como un excéntrico musical y bailarín mimo. Su primer éxito y el título de laureado en el concurso de los artistas de variedades de la Unión Soviética llegó a Raikin con el número de baile de imitación a Chaplin. Fiódor Bogorodski
Bogoródski Fiódor Semiónovich (1895-1959) - Es un pintor ruso, Académico de Academia de Artes Visuales de Rusia, Fundador de Asociación de los pintores de Rusia, fundador de Facultad de artes visuales de la Universidad del cine estatal de Federación Rusa (VGIK). Las pinturas más famosas están dedicados a los marineros revolucionarios. Las obras del pintor están en más conocidos museos y galerías privadas del Mundo: En Galería estatal de Tratiakov en Moscú, Museo estatal ruso en Sankt- Petersburgo, en los museos estatales en interior de Rusia, en los museos de Berlín, Nueva York y otros ciudades del Mundo. Artista homenajeado de la RSFSR (1946). Ganador del Premio de Stalin de segundo grado (1946) [1]. Artista del Pueblo de la RSFSR
Artista del Pueblo de la RSFSR (en , "Narodny artist RSFSR" ) fue un título honorífico otorgado a artistas de la Unión Soviética, incluidos directores de teatro y cine, coreógrafos, intérpretes de música y directores de orquesta, que mostraron los logros sobresalientes en las artes y que vivieron en la República Socialista Federativa Soviética de Rusia (RSFSR ). Este título fue el siguiente en la línea después de Artista de Honor de la RSFSR y precedió al título Artista del pueblo de la URSS. Artista del Pueblo de la URSS (artes plásticas)
Artista del Pueblo de la URSS (; "Narodni judózhnik SSSR") era una condecoración de Unión Soviética creada el 16 de julio de 1943 por el Presídium del Sóviet Supremo de la URSS y otorgada a las figuras más destacadas del arte soviético, con méritos especiales en el desarrollo de la pintura, la escultura, las artes gráficas, decorativas y aplicadas. Era concedida por la Presidencia del Sóviet Supremo. Historia del arte
La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del sigloXIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica; su obra "Chopiniana" (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» —sólo danza, sin hilo argumental—. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los "Ballets Rusos" en París, introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las "Danzas polovtsianas" de "El Príncipe Igor" de Borodin (1909), al que siguieron "El pájaro de fuego" (1910), "Petrushka" (1911) y "La consagración de la primavera" (1913), de Stravinski; por último, "Parade" (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de Erik Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky, Anna Pavlova y Tamara Karsavina. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política, perdiendo gran parte de su creatividad, aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov, y se produjeron obras memorables como "Romeo y Julieta" (1935) y "Cenicienta" (1945), de Prokofiev, y "Espartaco" (1957), de Aram Jachaturián. También alcanzó notoriedad el sistema pedagógico ideado por Agrippina Vagánova. Derbi soviético
El derbi soviético () fue el nombre que recibía una importante futbolística entre dos de los antiguos grandes equipos de fútbol de la Unión Soviética, el Spartak Moscú y el Dinamo Kiev, que se desarrolló en la Soviet Top Liga. Un clásico de Moscú-Kiev el partido acogía siempre las mayores multitudes de todos los partidos de la Soviet Top Liga, especialmente después de la reorganización de la liga por última vez en 1970. El partido en popularidad superó al gran derbi moscovita entre el Dynamo Moscú y el Spartak, que fue el evento principal de la liga durante más tiempo desde su creación en 1936. Ambos clubes fueron los más exitosos en la Soviet Top Liga, con el Dinamo Kiev habiendo ganado 13 títulos y 12 del Spartak. Sin embargo, el Spartak tuvo mejores resultados en el derbi frente al equipo ucraniano y, al 1 de agosto de 2008, el Spartak contaba con 59 victorias y 39 perdidos de un total de 119 partidos jugados. La rivalidad alcanzó un punto muy alto en 1976, cuando el Dinamo derrotó al Spartak, lo que relegaba de la máxima categoría al equipo moscovita. Arquitectura constructivista
Durante la Guerra Civil Rusa, el grupo UNOVIS (; acrónimo del ruso Утвердители нового искусства, "Utverdíteli nóvogo iskusstva", 'forjadores del nuevo arte') fue una asociación de artistas en Vitebsk, que existió desde 1920 hasta 1923. Fue dirigida por Kazimir Malevich con El Lissitzky como importante colaborador —con una serie de cuadros geométricos y abstractos a los que denominó «proun»—, y tuvo una influencia significativa en el desarrollo del arte ruso a principios del siglo XX, fundamental para difundir ideas suprematistas con fines más utilitarios y aplicarlas al diseño gráfico, la arquitectura, el teatro y el ballet. Los propios miembros se referían a menudo a la asociación como una fiesta artística.  En junio de 1920, las ambiciones de la UNOVIS se aceleraron, culminando con la publicación de una colección de teorías y filosofía, así como con su participación en la «Primera Conferencia para toda Rusia de Profesores y Estudiantes de arte» que tuvo lugar en Moscú. Los estudiantes de la UNOVIS, que hicieron el viaje de Vitebsk a Moscú, distribuyeron rápidamente sus obras, folletos, manifiestos y copias de los Nuevos Sistemas en el Arte de Malevich. UNOVIS logró el reconocimiento y se hizo respetado como un movimiento establecido e influyente. Se disolvieron en 1923, cuando la mayoría de sus miembros habían partido hacia otros movimientos, otras ciudades u otros movimientos.