¿Cómo surgió el Jazz?
Diplomacia cultural
El jazz surgió originalmente en la Unión Soviética durante las décadas de 1920 y 1930, pero se desvaneció rápidamente. Después de la Segunda Guerra Mundial, el jazz comenzó a resurgir, pero fue condenado por Andrei Zhdanov. Consideró el jazz como corrupto y capitalista debido al hecho de que surgió de los Estados Unidos durante una época de disturbios políticos. Durante las décadas de 1950 a 1960, el Movimiento de los Derechos Civiles, la descolonización de África y Asia, y la rivalidad cultural y política de los Estados Unidos y la Unión Soviética crearon la necesidad de un intercambio cultural. Como resultado, el gobierno de los Estados Unidos envió una banda de jazz compuesta por músicos afroamericanos al extranjero para recorrer lugares, incluidos Oriente Medio y África, con el objetivo de que los músicos negros establecieran conexiones con su herencia africana. Jazz (baile)
La danza jazz es una clasificación integrada por una amplia gama de estilos de baile. Antes de la década de 1950, se refiere a la danza originada a partir de estilos de danza africana vernácula de América. En la década de 1950 surgió un nuevo género de danza jazz, la danza moderna jazz, con raíces en la danza tradicional del Caribe. Todos los estilos personales de danza jazz tienen raíces atribuibles a uno de estos dos orígenes. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el góspel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York y en otras ciudades. Emplea múltiples técnicas como las del ballet clásico, de la danza contemporánea y la expresión corporal. Avant-garde jazz
Avant-garde jazz surgió en la mitad de la década del 50 entre un grupo de músicos que rechazaron las convenciones del bebop y post bop en un esfuerzo por borrar la división entre lo escrito y lo espontáneo. Inicialmente el término era sinónimo del free jazz pero comenzó a ser aplicado a música que difería de dicho estilo haciendo énfasis en la estructura y organización usando melodías ya compuestas pero modificando las métricas y la tonalidad así como también utilizando una diferente organización entre solista y acompañamiento. Los músicos que se identifican con esta temprana etapa de este estilo son Cecil Taylor, Lennie Tristano, Jimmy Giuffre, Sun Ra, y Ornette Coleman. Orígenes del jazz
El jazz es un género musical nacido en la segunda mitad del siglo XIX, Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.  En palabras del etnomusicólogo y folclorista Alan Lomax, el "jazz" es un gumbo musical, un resultado del crisol de razas, del "melting pot" que era el sur del país. Orígenes del jazz
Geográficamente, el "jazz" surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del "jazz"), a donde llegaban grandes remesas de esclavos provenientes de África, fundamentalmente de la zona occidental de África, al sur del Sáhara, la zona denominada Costa de Marfil, "Costa del Oro" o "Costa de los esclavos". Orígenes del jazz
Los diferentes autores sí coinciden, en general, en considerar que la aparición del "jazz" fue consecuencia de la "prodigiosa conjunción de diversos elementos históricos, raciales, sociales, religiosos y musicales" que se dieron en Nueva Orleans, en las últimas décadas del siglo XIX. Entre estas, no fue la menor el desarrollo de un grupo social criollo, procedente de las relaciones de los miembros de la alta sociedad de origen franco-español con sus esclavas, que vivía en un barrio céntrico de la ciudad, con acceso a una educación musical "clásica" y que, a la vez, mantenían su vínculo con la música tradicional afroamericana. La ciudad también se pobló de un gran número de esclavos emancipados que abandonaron las plantaciones rurales y llegaban en busca de un trabajo que, desde muy pronto, ya en 1877, la retirada del ejército unionista de las zonas del sur y el endurecimiento de las leyes segregacionistas habían convertido en difícil de obtener. Esta nueva comunidad negra no tuvo, al menos en un primer momento, una buena relación con los criollos.
Original Dixieland Jass Band
Original Dixieland Jazz Band fue una formación pionera en el origen y evolución del jazz, con origen en Nueva Orleans, Estados Unidos, a la cual se le atribuyen las primeras grabaciones de jazz en el año 1917. El quinteto lo integraban el clarinete Larry Shields, el corneta Nick La Rocca, el trombón Eddie Edwards, el pianista Henry Ragas y el batería Tony Sbarbaro. Todos ellos habían actuado ya de forma conjunta en diversas bandas de Nueva Orleans, desde 1905, pero el grupo surge en Chicago, a iniciativa del propietario de un club local, que los llevó desde el sur y los hizo debutar bajo el nombre de "Stein's Dixie Jazz Band". Tras una disputa con este por temas económicos, se trasladaron a Nueva York, ya con el nombre de "Original Dixieland Jass Band", aunque un anuncio de una actuación en el "New York Times", ya en 1917, convirtió definitivamente el "Jass" en "Jazz". Hoy en día, se conocen por sus siglas, ODJB. Orígenes del jazz
A comienzos de la década de 1910 en Chicago, las bandas de baile seguían la moda de Nueva Orleans, aunque comenzaron a introducir un instrumento hasta entonces inusual, el saxofón. Bud Freeman fue uno de sus principales nombres. Con la llegada de sucesivas remesas de músicos desde el delta, en la ciudad fue aquilatándose un estilo propio, que se denominó "Chicago Jazz". Jazz
El violonchelo, por ejemplo, fue introducido en el "jazz" por el contrabajista Oscar Pettiford; el clarinete bajo, por Eric Dolphy; el oboe y el fagot, por Yusef Lateef; Roland Rasaan Kirk obtuvo notoriedad al tocar dos saxofones primitivos simultáneamente. El arpa ganó exposición gracias a la obra de Alice Coltrane, pero antes que ella, Corky Hale y Dorothy Ashby habían intentado tocar "jazz" con el instrumento en la década de 1950, así como Caspar Reardon en 1934. La tuba, precursora del contrabajo en las orquestas de Nueva Orleans, desapareció posteriormente, pero ha sido reincorporada a la historia del "jazz" gracias a la obra de músicos como Howard Johnson, Don Butterfield, Bob Stewart, Joe Daley, Earl McIntyre y Dave Bargeron. West Coast jazz
West Coast jazz (en español: "jazz de la costa oeste") es un estilo del jazz que se desarrolló en Estados Unidos, en la ciudad de Los Ángeles, California, en la misma época en que el hard bop se desarrollaba en Nueva York, en los años cincuenta y sesenta. El "West Coast jazz" se considera habitualmente como la corriente principal del "cool". El estilo tuvo un gran éxito entre los músicos y el público durante la década de 1950. Jazz
El "free jazz" prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el "jazz", como el "swing", el fraseo o la entonación, abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible. En los primeros años sesenta se asistió a una, aparentemente, irresistible ascensión del "free jazz" que, paralelamente, recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». Críticas que, por otra parte, provinieron no solo del público o de periodistas especializados, sino de músicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones. A mediados de la década, prácticamente todos los músicos jóvenes de "jazz" estaban influidos por el "free". Cecil Taylor, Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea, pero a ellos se sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gomez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof y John Surman, entre otros. A mediados de la década, el "free jazz" se había convertido en una manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba todas las vías de desarrollo del "jazz". Sin embargo, a partir de 1967 comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público respecto del "free jazz". Jazz
Hasta aproximadamente 1950, la lista de instrumentos comúnmente aceptados en las formaciones y combos de "jazz" era pequeña, y se derivaba de los instrumentos que utilizaban los músicos de la era de Nueva Orleans: dos instrumentos de la familia del metal (trompeta y trombón), el grupo de lengüeta (saxofón y clarinete) y la sección rítmica, formada por la batería, el piano, el contrabajo y la guitarra. Con el transcurso de la historia, se fueron adaptando distintos instrumentos a estas formaciones clásicas hasta el período de la electrificación del "jazz" a principios de la década de 1970, un factor que resultó clave en el desarrollo posterior de la historia del "jazz", en cuya historia siempre había tenido un papel determinante el descubrimiento de nuevos timbres y texturas. Orígenes del jazz
El pastor afroamericano Daniel J. Jenkins, de Charleston (Carolina del Sur), fue una figura insólita de gran importancia en el temprano desarrollo del "jazz". En 1891, Jenkins estableció el Orfanato Jenkins para niños y, cuatro años después, instituyó un riguroso programa musical en el cual los jóvenes del orfanato eran educados en música religiosa y secular contemporánea, incluyendo oberturas y marchas. Huérfanos precoces y fugitivos, algunos de los cuales tocaban "ragtime" en bares y burdeles, fueron enviados al orfanato para su "salvación" y rehabilitación, y también para que hicieran su contribución a la música. Siguiendo la moda de los Fisk Jubilee Singers y de la Universidad de Fisk, las bandas del orfanato Jenkins viajaron mucho, ganando dinero para mantener el orfanato. Jenkins recibía anualmente en el orfanato aproximadamente 125-150 "ovejas negras", y muchos de ellos recibieron entrenamiento musical formal. Menos de 30 años después, cinco bandas actuaban nacionalmente, y una de ellas viajaba a Inglaterra –en contra de la tradición Fisk–. Sería difícil exagerar la influencia de las bandas del Orfanato Jenkins en el temprano "jazz", dado que sus miembros llegaron a tocar con leyendas del género como Duke Ellington, Lionel Hampton y Count Basie. Entre ellos estuvieron los virtuosos trompetistas Cladys "Cat" Anderson, Gus Aitken y Jabbo Smith. Jazz en España
Un evento de gran importancia fue la creación del Hot Club Barcelones (H.C.B.) por los aficionados, instigadores en el año 1934 del Barcelona jazz Club. Con la intención de propagar verdadero jazz se organizaban disco-forum, conciertos y conferencias. El Hot-Club amparó la publicación de Jazz Magazine y un programa de radio. En el verano de 1935 organizó un Festival de Jazz Internacional, el éxito fue tan apabullante que movió a sus patrocinadores a repetir. Para la tercera edición, el 29 de enero de 1936, se contrató al prestigioso saxofonista Benny Carter. Los ecos de las actividades del Hot-Club de Barcelona llegaron a toda Cataluña y fuera de esta, en Bilbao, Valladolid, Madrid y Valencia (donde José Aguilera fue el fundador y presidente del primer hot-club en los años 35-36), se constituyeron los embriones de los respectivos hot-club. Destaca la labor desarrollada por el tándem Augusto Algueró-Josep Casas Auge, director y arreglista- pianista respectivamente. La guerra terminó con una edad de oro del jazz, y no solo del jazz, sino de toda la cultura. Fueron muchos los músicos, orquestas enteras, que se exiliaron.En este momento es cuando apareció la censura para evitar los desmanes de épocas precedentes que también rozó al jazz. Jazz había que escribirlo «yas» y los títulos de las canciones transcribirlas al castellano: "Bésa me mucho" fue prohibida, luego autorizada y vuelta a prohibir; "Ansiedad", en versión de Nat King Cole pasó por un descuido. El censor mandaba callar al trompetista demasiado estridente, bajaba faldas cortas de coristas y corregía letras por si faltaban a la moral, la autoridad o el buen orden. El «cheek to cheek» (mejilla con mejilla o baile agarrado) fue incluso prohibido por considerarlo una grave inmoralidad. Se mantiene, no obstante, alguna presencia del género. Es el caso del primer crooner a la española, Marino Barreto, cubano que hizo llorar a media España encarnando al "Negro que tenía el alma blanca". Otro cubano, Antonio Machín, personificó entre nosotros la figura del vocalista, a partir de 1939. A mediados de los 1940 toda orquesta debía contar con su vocalista, alternando el swing y el slow, con la ranchera y el bolero, en un estilo cursilón. Destacaron Luis Sancho, alias Jorge Sepúlveda, Raúl Abril, Raúl del Castillo, etc. Entre las vocalistas femeninas destacaban Pilar Morales, Blanquita Amaro, Rina Celi, Elsie Bayron, etc. También abundaron los tríos vocales de hermanas, fenómeno que se llamó «sisterismo», en imitación a las Andrews Sisters, como las Hermanas Rusell o las Hermanas Arveu. Fundada en 1944, la Orquesta Rovira fue de las primeras en presentarse en formación de concierto, con recitales en las salas Coliseum, Tívoli, Comedia y Principal. Festival Internacional de Jazz de Vancouver
El festival surgió de una estación de radio ubicada en el centro de Vancouver Co-op Radio (CFRO-FM 102.7 FM), en los años 1980´s. La Asociación de Jazz y Blues del Pacífico fue formada en 1984, esta asociación albergaba al Festival de Jazz y Blues del Pacífico, quienes también se encargaban de promocionar a artistas locales como internacionales del género jazz y blues. Jazz contemporáneo
La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su influencia en el desarrollo del jazz, que asistió al surgimiento de una nueva generación de improvisadores que venían de la tradición del "free jazz" pero que recogían la influencia de la vanguardia clásica y de la electrónica. Ben Neill, un ejecutante de "mutantrompeta" (un instrumento electroacústico híbrido) colaboró con Paul "Dj Spooky" Miller para crear una música que combinaba elementos del jazz y de distintos subestilos de la música "dance" contemporánea, como el "techno", el "hip hop", el "acid jazz" o el "drum'n'bass". El guitarrista y teclista Kevin Drumm desarrolló sus experimentos psicoacústicos en obras como "Kevin Drumm" (1986) o "Land of Lurches" (2003), mientras que el percusionista suizo Günter Müller se estableció como una importante figura del ámbito de la experimentación electrónica con "Eight Landscapes" (2002). Miya Masaoka, de origen japonés pero nacida en Washington D.C., se mantuvo en las fronteras de la música clásica, el jazz, la música electrónica o la música tradicional japonesa en "Compositions / Improvisations" (1993) o "While I Was Walking I Heard A Sound" (2003), mientras que el también japonés Taku Sugimoto hizo lo propio con "Unaccompanied Violoncello Solo" (1994) o "Chamber Music" (2003). Tyondai Braxton experimentó con la manipulación de "loops" orquestales en "History That Has No Effect" (2002), Jean-Luc Guionnet realizó experimentos con la acústica de los instrumentos en "Synapses I & IV" (1999), Greg Headley manipuló electrónicamente los sonidos de su guitarra en "A Table of Opposites" (2001), Earl Howard trabajó con la superposición de sonidos electrónicos y música en vivo ("Strong Force", 1999), Kazuhisa Uchihashi trabajó con formaciones donde la electrónica jugaba un importante papel, mientras que, por último, los grupos Triosk ("Moment Returns", 2004) o Zanana ("Holding Patterns", 2005) efectuaron contribuciones importantes en la misma dirección. Orígenes del jazz
Los primeros grupos musicales que tocaron una música que ya podemos considerar sin duda como jazz, nada más comenzar el siglo XX, se caracterizaban por poseer:La utilización de estos instrumentos era muy específica del género: Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a estos primeros combos jazzísticos: Acid jazz
Acid jazz es un estilo musical que surgió de la innovación y fusión de géneros principalmente afroamericanos. Tiene sus orígenes en Inglaterra a finales de los años ochenta como una alternativa más en la escena "dance" de aquel entonces, comenzando a difundirse en discotecas locales para finalmente alcanzar popularidad a nivel nacional. Este movimiento de acid jazz tuvo su auge en los años noventa luego de que muchas agrupaciones británicas se dieron a conocer internacionalmente, entre ellas Jamiroquai, Incognito y Brand New Heavies. Una fuente define el acid jazz como una fusión de jazz, funk y hip hop, mientras otros autores subrayan la presencia de disco y música latina en la mezcla. Aparentemente todos ellos brindaron elementos esenciales que permitirían al acid jazz desarrollarse como una nueva forma de música. Los primeros exponentes del acid jazz dominaban una escena inspirada en el resurgimiento de la música afroamericana de los años 70. Esta escena reflejó un estilo musical —usualmente llamado "rare groove"— que combinaría una inmensa variedad de géneros bailables y/o rítmicos, desde funk, soul, R&B, jazz-funk, northern soul, jazz fusion y jazz latino, hasta estilos de música electrónica de baile (house, disco, downtempo) y hip hop. Años después, este fenómeno "underground" encabezado por DJs dio origen al movimiento liderado por bandas y artistas que adoptarían el género acid jazz. Así pues, los medios denominan acid jazz tanto al género como al movimiento musical. Avant-garde jazz
Avant-garde jazz (también conocido como avant-jazz) es un estilo de música e improvisación que combina música docta del avant-garde y la composición con el jazz. A menudo el Avant-garde jazz suena muy similar al free jazz, pero se diferencia en que, a pesar de su clara desviación de la armonía tradicional, posee una estructura predeterminada, sobre la cual puede ocurrir la improvisación. Esta estructura puede ser compuesta con antelación nota a nota, parcial o incluso completamente. Este estilo se originó en la década de 1950 y se desarrolló durante la década de 1960. Jazz
A lo largo de su historia, el "jazz" ha pasado de ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del "New York Times" se refería a ella como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al "jazz" como un «destacado modelo de expresión» y como un «excepcional tesoro nacional». Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el "jazz" se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia. Jazz
A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el "Hot" y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos", con melodías más pulidas y armonías "limpias". Además, se introdujeron el piano y el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el estilo "tailgate" de los trombonistas. Música popular
La música jazz continuó desarrollándose durante todo el siglo XX, llegando a ser una música de gran consumo en los años 20, 30 y 40, principalmente en América, pero también en Europa. Especial popularidad alcanzó el estilo del swing, de la mano de compositores y directores de orquesta como Benny Goodman o Glenn Miller. Al mismo tiempo, la canción popular norteamericana (en voces como la de Bing Crosby y más tarde Ella Fitzgerald o Frank Sinatra) se vio fuertemente influida por las aportaciones estilísticas del jazz. Esta influencia alcanzaría más tarde también al rock, a través del rhythm and blues. A partir de los años 40 y 50, junto al declive de las formas más populares de jazz, empezaron a surgir subgéneros más complejos y disonantes (como el bebop o el cool jazz), que hicieron que el género jazzístico se fuera volviendo una "música para músicos" y para entusiastas (cuando no para élites). No obstante, los viejos clásicos del jazz no desaparecerían ya nunca del repertorio popular, convirtiendo a este género en una de las mayores aportaciones musicales del nuevo continente. Saint Louis (Senegal)
La música de jazz, traída por los soldados estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, hizo nacer toda una generación de "jazzmen" africanos. El Festival Internacional de Jazz de Saint-Louis se creó en 1992 y se dio a conocer a principios de mayo de 2004, su duodécima edición. Concepto Cromático Lidio de Organización Tonal
El Concepto Cromático Lidio de Organización Tonal (Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization) es un libro del compositor, músico y teórico George Russell, editado en 1953. Es considerada la primera obra teórica surgida a partir del jazz. El libro es un texto que analiza, explica y fundamenta la música de jazz, con una organización basada en el sonido de la escala lidia y su extensión cromática. Jazz
El órgano de tubos, un instrumento que procedía de la tradición eclesiástica europea, apareció por primera vez en el "jazz" de la mano de Fats Waller, un músico que legó su interés por el instrumento a su alumno más famoso, Count Basie, quien ya usaba la versión eléctrica del instrumento. Todavía en 1975 Clare Fischer efectuó algunas grabaciones con el órgano de tubos, al igual que habían hecho Keith Jarret o el belga Fred Van Hove, pero en general, en el mundo del "jazz" el término «órgano» se ha usado en la práctica como sinónimo del órgano Hammond. De Fats Waller y Count Basie proceden Wild Bill Davis y Milt Buckner, mientras que de la tradición del "rhythm & blues", más ligada al desarrollo del "soul jazz" provienen Brother Jack McDuff, Johnny Hammond, Don Patterson, Lou Bennet, Richard "Groove" Holmes, Lonnie Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Shirley Scott o incluso Ray Charles. Desde el mundo del "rock", músicos como Steve Winwood, Al Kooper, Billy Preston y Booker T. Jones recogieron la tradición del órgano de "R&B", una tradición que se había iniciado en las iglesias cuando el órgano Hammond apenas había iniciado sus primeros pasos en el mundo del "jazz". Jazz
El "jazz" nació directamente de la música vocal, y así no es de extrañar que muchos músicos traten de imitar la voz humana con sus instrumentos, un fenómeno que es particularmente evidente en los sonidos "growl" de trompetistas y trombonistas. Por otra parte, la influencia de los instrumentistas sobre los cantantes de "jazz" es indudable, hasta el punto que sus normas determinan los estándares de estos últimos, quienes suelen tratar su voz como si fuese un instrumento. Desde este punto de vista los cánones de la música clásica europea (esto es, la pureza de la voz, su volumen y su registro) son del todo irrelevantes para los vocalistas de "jazz", quienes en muchos casos tienen voces "feas" y registros muy limitados desde la perspectiva de los cánones clásicos. Jazz modal
El jazz modal es un término que se usa para definir un concepto compositivo e improvisatorio dentro del jazz, donde prevalece la gravedad vertical de la armonía. También se refiere a la época del jazz en donde se origina esta corriente musical, a fines de la década de 1950. Jazz rap
Jazz rap es un subgénero de fusion que incorpora la música de jazz con la música de rap, desarrollado entre finales de los años ochenta y principios de los noventa. Suele tener letras de contenido políticamente consciente y de temática afrocéntrica. Este estilo supone un intento de fusionar la música afroamericana del pasado con una nueva forma dominante en el presente, rindiendo tributo y revigorizando la anterior al tiempo que expande los horizontes de la última". Musicalmente, utiliza ritmos típicos de hip hop y no de jazz, sobre los cuales se construyen fraseos e instrumentaciones de jazz que incluyen trompeta, contrabajo o saxo. La improvisación varía entre artistas: algunos improvisan letras y solos, mientras que la mayoría no lo hace. Mientras que el Jazz Rap tenía una gran influencia por el siglo XX. A partir del siglo XXI los raperos empezaron a incluir ese género entre el resto de sus temas. Música popular
Nacen y adquieren notoriedad de este modo el ragtime, el blues urbano (derivado del blues primitivo que era cantado en el rural), y finalmente, el jazz, que combinaba la música de banda y de desfiles que venía sonando sobre todo en Nueva Orleáns, con fuertes dosis de improvisación y con particulares características rítmicas y estilísticas. Orígenes del jazz
La palabra "jazz", en un sentido relacionado con la música, no fue usada en las primeras etapas de formación del "jazz". De hecho, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913, en el periódico "San Francisco Bulletin", cuando, al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de "ragtime" y "jazz". Según Walter Kingsley, colaborador del "New York Sun", "el término es de origen africano, común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior". Mucho más tarde aún, en enero de 1917 en Nueva York, apareció la palabra "jazz" como definidora de la música contenida en un disco, grabado por la Original Dixieland Band; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en lenguaje oral entre 1913 y 1917.En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada "Place Congo" "(Congo Square)" de Nueva Orleans, en la que los esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, las quijadas, el piano de dedo pulgar o sanza, y el banjo de cuatro cuerdas. Entre 1825 y 1845, la danza callejera se prohibió totalmente, aunque a partir de este último año se volvió a autorizar, entre las 16 y las 18,30 horas. Las reuniones del domingo en Congo Square se mantuvieron hasta mediados los años 1880, con cierto carácter ritual. Jazz
En los comienzos del "jazz", se usaba básicamente la corneta, al ser entonces mucho más barata y fácil de conseguir que una trompeta. Cornetistas fueron los líderes de las primeras bandas de las que se tiene noticia, apenas unos años después de la Guerra de Secesión, en la prehistoria del "jazz" (Louis Ned, Sam Thomas, Robert Baker, James L. Harris) y de las bandas más famosas de finales de ese siglo, como James Williams o, sobre todo, Buddy Bolden. Cornetistas fueron también los principales nombres de la primera generación «histórica» del "jazz", la que cabalga sobre el paso del siglo XIX al XX: Freddie Keppard, Manuel Pérez, Bunk Johnson, Papa Mutt Carey, Papa Celestin, Natty Dominique y King Oliver. Estos son los primeros cornetistas de "jazz" en ser grabados, y su sonido se revela como "primitivo": áspero, duro y terroso, en palabras de Berendt. Establecieron, especialmente Oliver, un modelo de cornetista "hot" sólido e imaginativo, cuyo papel como líder de la banda era indiscutible y que asumía el peso de la interpretación del tema principal, con el contrapunto armónico y rítmico del clarinete y el trombón, la «Santísima Trinidad» del "hot". Piano de jazz
El primer pianista de jazz de cierta importancia fue Scott Joplin (1868-1917). Conocido como "El rey de los compositores de Ragtime", Joplin elevó el estilo pianístico de los artistas que trabajaban en "saloons" y locales similares a una forma de arte apreciada por millones de norteamericanos, estableciéndose al mismo tiempo como el compositor afroamericano más exitoso de todos los tiempos. Jelly Roll Morton, uno de los primeros gigantes del jazz y la persona que pretendió para sí el título de "Inventor del Jazz", fue el primer gran compositor de jazz propiamente dicho de la historia, y muchas de sus obras están aún hoy consideradas por la crítica entre las más importantes de la historia del género. Fats Domino, por su parte, surgiría del ambiente de Nueva Orleans para establecerse como una de las grandes figuras de R&B y del Rock and roll, mientras que James P. Johnson, un pianista de Harlem, fue uno de los primeros músicos que comenzó a explorar el arte del acompañamiento. De Harlem proceden también Willie "The Lion" Smith, Lucky Roberts, Duke Ellington y Fats Waller y es de ese mismo lugar de donde procede el famoso "Stride", un estilo pianístico caracterizado por la alternancia de una nota de bajo en tiempos impares y un acorde con la mano derecha en los tiempos pares. Precisamente Fats Waller, uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos y uno de los más influyentes, ha pasado también a la historia como un magnífico compositor y "entertainer", además de haber sido responsable de la popularización del órgano y del Hammond. El Boogie-woogie fue otra de las corrientes principales entre los primeros pianistas de jazz. Observados con cierto desprecio por los pianistas de Harlem y de ragtime, los músicos de "boogie", un estilo que tuvo su epicentro en Chicago, se reunían a menudo para tocar una música que hundía sus raíces en el blues y en el ambiente sureño. El "obstinato" del "boogie", un patrón repetitivo y muy acentuado de bajo parece tener su origen en los patrones con los que los cantantes de folk y blues del sur de Estados Unidos se acompañaban a sí mismos con el banjo o la guitarra. De Texas era Sam Price, uno de los pianistas más genuinos de blues y boogie, pero corresponde a Jimmy Yancey el honor de ser reconocido ampliamente como el "inventor" del estilo, junto, quizá, a Jimmy Blythe.Meade Lux Lewis, por su parte, popularizó el Honky Tonk, un estilo similar que tiene por bandera su "Honky Tonky Train Blues". Jazz
Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad musical donde surgieron figuras de interés como la pianista Myra Melford, que había debutado en 1984. El saxofonista Ken Vandermark ofreció "Big Head Heddie" en honor a Thelonious Monk y al gurú del "funk" George Clinton, antes de embarcarse en una carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y aproximaciones. El violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilo de Anthony Braxton se unió a la nueva ola de improvisadores creativos, mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otro alumno de Braxton, expandió el vocabulario del "jazz" con una cierta anarquía polifónica, ya en los albores del siglo XXI. Jazz
El padre de la percusión en el "jazz" fue el cubano Chano Pozo, quien ya en 1947 había introducido instrumentos de percusión afrocubana en las grabaciones de la orquesta de Dizzy Gillespie, jugando con ello un papel importante en el establecimiento del así llamado "cubop", un estilo mezcla de "bop" con elementos percusivos afrocubanos que cuenta entre sus temas más famosos con títulos emblemáticos como «Manteca» o «Afro Cubano Suite». Entre los primeros percusionistas cubanos que surgieron tras la estela de Pozo destacaron Jack Costanzo, Carlos Vidal o Machito, tres músicos que tocaron en la big band de Stan Kenton; Tito Puente, que comenzó a desarrollar su carrera en la costa occidental; los congueros Armando Peraza, Mongo Santamaría, Ray Barreto, Cándido y Sabú Martínez; el timbalero Willie Bobo; o los bongueros Willie Rodríguez y Cal Tjader, este último también vibrafonista. A principios de la década de 1970 surgió la salsa, un "nuevo" género que fusionaba la música tradicional de Cuba con elementos del blues y del rock y que estaba encabezado tanto por artistas cubanos como por otros procedentes de Puerto Rico y, en menor medida, de la República Dominicana. El epicentro de la nueva música se situó en Nueva York y Miami, dos ciudades con un importante núcleo de población de origen cubano, y de entre las distintas orquestas y agrupaciones que allí surgieron cabe destacar la Fania All Stars, un supergrupo liderado por Johnny Pacheco con el que colaboraron figuras tan importantes como Ray Barreto, Mongo Santamaría o el trombonista y director musical Willie Colón. Por último, entre las fusiones a las que dio lugar la "salsa", un término genérico que agrupa en realidad estilos muy diversos, cabe destacar el rock latino, popularizado por el mexicano Carlos Santana, o el "boogaloo", una mezcla de mambo, "rock'n'roll", "jazz" y "blues". Los ritmos tradicionales de Brasil son para Berendt más suaves, más elásticos y menos agresivos que los cubanos, y su confluencia con el "jazz" dio lugar a la "bossa nova", una música popularizada por Stan Getz y Charlie Byrd que fue definida por los músicos brasileños como «"cool jazz" más samba». A pesar de los éxitos que la nueva música estaba cosechando en Brasil, la penetración de los ritmos brasileños en los escenarios estadounidenses tuvo que esperar hasta finales de la década de 1960, cuando Airto Moreira participó en la grabación del "Bitches Brew", de Miles Davis. Desde entonces, muchos grupos y músicos establecidos emplearon percusionistas brasileños, como fue el caso de Chick Corea, Weather Report o Dizzy Gillespie, quienes contaron con la colaboración de músicos como Dom Um Romao, Paulinho Da Costa, Guilherme Franco y Naná Vasconcelos, además del propio Airto. Jazz (baile)
Progresivamente fue tomando elementos del ballet, así como de otros bailes más modernos. Pasó por diferentes influencias de bailes como el charlestón, el big apple y el jitterbug. Como danza para el escenario, la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y del claqué. Así desde ese momento generando varias ramificaciones de la danza jazz. Jazz
La primera gran revolución en la historia del instrumento fue protagonizada por Jimmy Smith, quien había llegado a la escena del "jazz" en 1956, para dar paso, nueve años más tarde a Khalid Yasin (también conocido como Larry Young), un músico en la tradición de John Coltrane que a pesar de no haber obtenido jamás éxito a nivel comercial, se encuentra entre los intérpretes más influyentes en la historia del instrumento. En Europa destacó el francés Eddy Louiss, de orígenes caribeños, mientras que durante la década de 1970 aparecieron en la escena nuevos valores como Carla Bley, Amina Claudine Myers, Chucho Valdés y Chico O'Farrill, pero en general se puede decir que tras Khalid Yasin se produjo un estancamiento en la evolución del instrumento. A partir de la década de 1970 comenzaron a surgir una serie de músicos que adoptaban toda una serie de instrumentos relacionados de entre los que el órgano era tan solo uno más: Joe Zawinul fue uno de los primeros teclistas de "jazz" en sentido amplio, y uno de los más importantes, y entre los instrumentos que usaba se encontraban el piano, el clavinet, el piano eléctrico, el órgano eléctrico, así como una amplia gama de sintetizadores y efectos de sonido. Otros teclistas destacables, casi todos procedentes del mundo del "jazz fusion", fueron Herbie Hancock, George Duke, Jan Hammer, Chick Corea, Stu Goldberg, Kenny Kirkland, Patrice Rushen, Bob James, Richard Tee, Jeff Lorber, Barry Miles, Mike Mandel (del grupo The Eleventh House), Lyle Mays, Dave Grusin, el búlgaro Milcho Leviev, Ian Underwood (multiinstrumentista que participó en muchos trabajos de Frank Zappa), Joe Sample, Mark Soskin y David Sancious, así como el holandés Jasper van 't Hof, el danés Kenneth Knudsen, los británicos Geoff Castle, Gordon Beck y John Taylor, y los alemanes Wolfgang Dauner y Joachim Kühn, entre otros muchos. Música de Chile
El "jazz" moderno irrumpió en los años 1960 por iniciativa del pianista Omar Nahuel, a la cabeza del Nahuel Jazz Quartet. La banda no solo fue pionera en la puesta a punto de nuevas formas jazzísticas, como el "bebop" o el "cool", sino que además reunió a músicos entusiastas de la figura de Charlie Parker y sus descendientes. Eugen Malmstén
Eugen escuchó jazz por vez primera en 1926, cuando la orquesta del barco estadounidense RMS Andania, The Andania Yankees, actuó en el restaurante Royal. La actuación de dicha orquesta se considera el punto de partida del jazz finlandés. Basándose en lo que vio y escuchó, Eugen fue perfeccionando su estilo, de carácter más americano e inspirado en el de Louis Armstrong. Free jazz
En palabras del crítico neoyorquino Don Heckman: «Durante toda la historia del jazz hay una tendencia, de crecimiento libre, en dirección a la liberación de la idea improvisadora respecto de las limitaciones armónicas». Sin embargo, esta evolución hacia la atonalidad del jazz, lejos de tener su origen y referencia en la vanguardia abstracta «clásica» (Arnold Schönberg, Alban Berg…), se encuentra más cerca de la «atonalidad folclórica» concreta del "field cry" y el folk-blues arcaico. Para críticos como Heckman, Marshall Stearns o Joachim E. Berendt, no hay duda de este origen en la música de Ornette Coleman, Pharoah Sanders o Albert Ayler. Como ejemplo, Berendt cita que Coleman no llegó a saber de la existencia de la atonalidad europea hasta que conoció a Gunther Schuller, en 1960, cuando ya había desarrollado sus propios conceptos de tonalidad libre. Orígenes del jazz
Autores como Robert Goffin y André Hodeir afirman también que el cornetista Manuel Pérez (1879-1946) formó su primera banda antes de que lo hiciera Bolden. Lo cierto es que, este último, organizó su banda a comienzo de la década de 1890, oscilando entre cinco y siete miembros: Bolden, a la corneta; Willie Cornish o Frankie Dusen al trombón; Frank Lewis o William Warner, a veces los dos, al clarinete; Tom Adams, violín; Brock Mumford, guitarra; Jimmy Johnson, contrabajo; y Louis Ray, percusión. Como otras muchas bandas de ese momento, aún carecía de piano, y se presentaba como Buddy Bolden's Ragtime Band. Estas bandas trabajaban en locales nocturnos de Nueva Orleans, pero con frecuencia realizaban temporadas en los "riverboats", que unían la ciudad del delta con San Luis, remontando el Misisipi. El cornetista Bunk Johnson se unió a su banda alrededor de 1895, que aún no contaba con piano. Dado que Bolden fue internado en un hospital siquiátrico en 1907, no llegó a grabar ningún disco. Jazz
Ha habido tres grandes transformaciones en cuanto a la instrumentación en el mundo del "jazz": la primera, cuando Lester Young introdujo la idea de que con cualquier instrumento se podía tocar "jazz"; lo "jazzístico" no dependía tanto del timbre del instrumento como del hecho de que con él se pudiese ejecutar el fraseo adecuado con la suficiente flexibilidad y claridad; La segunda tuvo lugar a mediados de la década de 1970, al irrumpir con fuerza los instrumentos eléctricos y electrónicos, redefiniendo «el sonido del "jazz"» e introduciendo nuevos instrumentos que posibilitaban novedosas formas de expresión artística; y la tercera, al abrirse el "jazz" al mundo de la "world music", con nuevos sonidos instrumentales. Jazz At The Philharmonic
Usualmente abreviadas como JATP, se trató de conciertos organizados como grandes "jam-sessions". Su inventor fue Norman Granz, quien en 1940 comenzó a organizar "jams" abiertas al público con músicos como Nat King Cole , Willie Smith o Don Byas. Tras una etapa en el ejército (1941 - 1944) organizó el primero de los conciertos-jam el 2 de julio de este último año, en el Philharmonic Auditorium de Los Ángeles, de donde tomó el nombre. Granz revistió su propuesta con elementos ideológicos: reparto de beneficios con los músicos; negativa a organizarlos en ciudades en las que se segregara al público por su raza; reivindicación del "buen jazz", etc. Jazz rock
Desde otra vertiente totalmente diferente a las "Big Bands de Rock", músicos de jazz habían comenzado a introducir en sus discos bases rítmicas de tipo rock, especialmente a partir de las experiencias de Frank Zappa a finales de los años 60. Elvis Presley también incursionó en el género en 1966 con el ábum de su película homónima Frankie and Johnny que fusionaba jazz, góspel y rock. Por otra parte tenemos el antecedente de Julian Cannonball Adderley, que comenzó a realizar la música que fusionaba el jazz con el pop, el pionero, indudablemente, fue Miles Davis, que rompió el fuego con su disco "Bitches Brew" (1970). Una buena parte de los músicos de jazz que le acompañaron en esa grabación, generarían bandas de jazz-rock en los años siguientes: Chick Corea con su grupo Return to Forever, John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra, Joe Zawinul y el grupo Weather Report, Tom Scott con su The L.A. Express, Larry Coryell y Eleventh House, Tony Williams y sus Lifetime... Otros músicos de jazz, como Stanley Clarke, Pat Metheny o David Sanborn, o de rock, como Jeff Beck, trabajaron en esta misma línea. Música de los Estados Unidos
Alrededor de 1920, el "jazz" se extendió desde el sur conforme los músicos negros se mudaron a Chicago y Nueva York. El más influyente de los primeros músicos de "jazz" fue el trompetista Louis Armstrong (1900-1971). Nacido en Nueva Orleans, una de las cunas del "jazz", fue el primer cantante famoso de este género y creador del scat, un recurso que consiste en utilizar la voz como instrumento, cantando sílabas sin sentido. Otro de los más destacados jazzistas de esa generación fue Duke Ellington (1899-1974). Pianista, director de orquesta, compositor y arreglista, tuvo un enorme impacto en la composición y ejecución del "jazz". Jazz afrocubano
En 1946, Dizzy Gillespie habló con Bauzá para introducir un conguero en su orquesta, y Bauzá le presentó al cubano Chano Pozo. Sería precisamente la aplicación de los conceptos del bop lo que salvaría definitivamente el hueco entre el jazz y la música cubana, lo que permite contextualizar la aparición del jazz afrocubano como "parte de la revolución bop". Los autores establecen como fecha de alumbramiento del "cubop" el 29 de septiembre de 1947, con el histórico concierto de la orquesta de Gillespie y Pozo en el Carnegie Hall de Nueva York. Ese mismo año se grabaron algunas de las más importantes composiciones de Pozo dentro del género: "Manteca", "Cubana Be-cubana Bop", "Algo Bueno", etc Orígenes del jazz
El endurecimiento, a finales de siglo, de las "leyes de Jim Crow" en Luisiana, que promovían la segregación racial con el tristemente famoso "iguales pero separados", hizo que muchos músicos afroamericanos fueran expulsados de diversas bandas que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y leer aquello que en gran parte suponía un arte de improvisación, hizo posible conservar y diseminar sus innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia creciente en el desarrollo del jazz. Jazz
En el primitivo jazz de Nueva Orleans, el clarinete marcaba el contraste entre la trompeta y el trombón, los dos instrumentos melódicos más importantes, pero fue en la era del "swing", en que el "jazz" disfrutó de un éxito comercial del que nunca volvería a gozar, cuando encontró su época de mayor esplendor el clarinete. Alphonse Picou fue el primer clarinetista de Nueva Orleans que marcó un estilo con su famoso solo sobre el tema "High Society", conocido por prácticamente todos los clarinetistas posteriores. George Lewis, también de Nueva Orleans, fue otro clarinetista importante de esta primera etapa de desarrollo del instrumento, al igual que Jimmie Noone, Johnny Dodds y —especialmente— Sidney Bechet. Noone adquirió fama por la delicadeza de su sonido, Dodds —el clarinetista predilecto de Louis Armstrong— poseía, en cambio, un sonido más salvaje, dominando especialmente los registros graves del instrumento, mientras que Bechet fue un maestro de la expresividad, primero con el clarinete y luego con el saxofón soprano. Albert Nicholas, procedente también de Nueva Orleans destacó por su técnica y su imaginación, patente aún en él a avanzada edad, y junto a Omer Simeon y Barney Bigard forma la que Berendt designa como la «tercera generación en la historia del clarinete de "jazz"». Entre los clarinetistas blancos de Nueva Orleans destacó Leon Rappolo de la New Orleans Rhythm Kings —una orquesta compuesta íntegramente por músicos blancos—, quien marcó un estilo que fue seguido por músicos del estilo Chicago como Frank Teschemacher, Jimmy Dorsey y Pee Wee Russell. El primero tuvo una gran influencia en Benny Goodman, el segundo saltó a la fama al frente de su orquesta, y el tercero, con un estilo que recordaba al de Chet Baker, fue llamado «el poeta del clarinete». Durante la década de 1930 surge Benny Goodman uno de los clarinetistas más populares en la historia del "jazz", y el músico a quien se atribuye que el clarinete y el "swing" vayan indisolublemente unidos. La expresividad y la riqueza de ideas de Goodman, desprovista de las sutilezas armónicas y técnicas de músicos más modernos, lo situó como el más importante de los clarinetistas de su tiempo, y aún hoy su influencia es notable. Artie Shaw y Woody Herman pusieron el clarinete al frente de sus orquestas, y Jimmy Hamilton, Buster Bailey y Edmond Hall acusaron también directamente la influencia de Goodman. Orígenes del jazz
No sólo en Nueva Orleans se desarrolló una nueva música. W. C. Handy aseguraba que, ya en 1905, en Memphis, había bandas de jazz. Igual sucedió en otros lugares del país. The Jazz Warriors
The Jazz Warriors fue un grupo londinense de acid jazz, que hizo su debut en 1986. La idea de la banda surgió en el seno de la "Abibi Jazz Arts" - una organización residenciada en Londres, para impulsar la música y la cultura negra - en 1985. The Jazz Warriors dio la oportunidad a jóvenes músicos de color con talento que, hasta ese momento, habían estado costreñidos en la escena del funk y el reggae. Jazz fusión
El carácter reivindicativo y pan-africanista del free jazz impulsó el desarrollo, a mediados de la década de 1960, de una serie de experiencias de fusión con músicas folclóricas de África y Asia, especialmente las procedentes del mundo mediterráneo-arábigo y, sobre todo, hindú De hecho, la primera vez que se aplica la denominación de "Fusión" al jazz, como "márketing comercial" del productor Denis Preston, corresponde a una grabación del saxo alto Joe Harriot con un quinteto de músicos de Calcuta. Músicos como Ravi Shankar o Babatunde Olatunji aportaron elementos de sus culturas que fueron asimilados rápidamente por el jazz, desembocando en experiencias como las del grupo Shakti, Paul Horn, el Paul Winter Consort y muchas otras a caballo con la llamada new age. En la primera década del siglo XXI, la fusión étnica es un elemento usual en la música de bandas como las de Joe Zawinul, Mike Stern, Richard Bona, etc. Jazz fusión
Es en este tipo de fusión de origen étnico, donde cabe encuadrar las experiencias de fusión con el flamenco, que tuvieron sus primeros pasos epidérmicos entre las décadas de los 60 y los 70, con "Sketches of Spain" de Miles Davis y Gil Evans, "Flamenco Jazz" de Pedro Iturralde y las improvisaciones de Paco de Lucía con Larry Coryell, o con John McLaughlin y Al DiMeola. Después, el género se consolidó de forma más profunda, con músicos como Carles Benavent, Chano Domínguez, Jorge Pardo, Gerardo Núñez y otros. Orígenes del jazz
Una de las manifestaciones más importantes de la música de los esclavos, de la que ya se tiene constancia en 1770, son los espirituales negros, cuya evolución duró casi un siglo, "desde los comienzos de la Guerra de la Independencia a los albores de la guerra civil". Es importante observar el hecho de que, a pesar de las divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la tradición musical europea que los esclavos conocieron en Estados Unidos ofrecía puntos de contacto con su propia tradición: así, la escala diatónica era común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo aislamiento cultural en que vivía gran número de esclavos y la tolerancia de los amos respecto de su música, la consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de su legado musical en el momento de fusionarse con los elementos compatibles de la música europea y estadounidense, con lo que se consiguió un híbrido con notable influencia africana. Jazz
Medio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva Orleans, en 1764, Francia la cedió a España para recuperarla nuevamente en 1801. Dos años más tarde, en 1803, pasó a ser parte de Estados Unidos como consecuencia de la compra de la Luisiana. Por ello, los franceses y españoles, junto a alemanes, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses contribuyeron en la formación de la escena cultural de la ciudad. La procedencia de los habitantes de raza negra era diversa, siendo mayoritariamente de la zona occidental de África o del Caribe. Es en este heterogéneo contexto cultural donde tuvo su origen la aparición de estilos musicales tan diversos como el "jazz", la música "cajun", el "zydeco" o el "blues". En muchas áreas del Sur de Estados Unidos el batir de tambores estaba prohibido por la ley y en zonas como Georgia se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos. Sin embargo a comienzos del siglo XIX los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia tanto en Nueva Orleans, en la Plaza del Congo, como en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis. Se usaban instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de "jazz". Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo con canciones o gritos de campo, o para rituales. La característica principal era su gran riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de técnicas de música de llamada y respuesta. Estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del "blues" y el "jazz". Jazz
Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del "rock" como en el mundo del "jazz" y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los músicos negros habían sido apartados "de facto" tanto de la escena de la música "rock" como de la clásica. El "jazz" se había cruzado anteriormente con otras músicas negras —el "blues", el "funk", el "soul"...—, pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el "rock" o la música clásica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas. Jazz
El primer pianista de "jazz" de cierta importancia fue Scott Joplin (1868-1917), conocido como «El rey de los compositores de ragtime». Jelly Roll Morton, uno de los primeros gigantes del "jazz" y la persona que pretendió para sí el título de «Inventor del "Jazz"», fue el primer gran compositor de "jazz" propiamente dicho de la historia. De Harlem procedían James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith, Lucky Roberts, Duke Ellington y Fats Waller y es de ese mismo lugar de donde proviene el famoso "stride", un estilo pianístico caracterizado por la alternancia de una nota de bajo en tiempos impares y un acorde con la mano derecha en los tiempos pares. Jazz
El trombón está presente en el "jazz" desde la prehistoria del género, y su papel inicialmente era el de hacer el contrapunto grave a la melodía principal, que era desarrollada por la corneta. Uno de las primeras técnicas instrumentales propias del "jazz" es el "trombone tailgate". El estilo "tailgate" debe su nombre al hecho de que el trombonista requería más espacio en los vagones en los que viajaban las orquestas que los otros músicos, y se popularizó en las orquestas de marcha de Nueva Orleans de la mano, sobre todo, de Kid Ory. No solo Ory fue un trombonista relevante en este estilo, también han permanecido los nombres de Frank Dusen, Honoré Dutrey, Ed Cornish o George Fihle. Charlie Green fue otro de los pioneros del instrumento, y el primero de los grandes solistas de la orquesta de Fletcher Henderson, a la que llegó poco antes que Louis Armstrong. George Brunies fue uno de los primeros trombonistas blancos de importancia, inductor de la liberación rítmica que, para el trombón, supuso el dixieland. Jimmy Harrison fue uno de los primero trombonistas capaces de ejecutar solos de gran contenido melódico y llenos de expresividad en el trombón, y también uno de los primeros en lograr el sonido mordiente de la trompeta con su instrumento. En Nueva York, Miff Mole fue, en ciertos aspectos, la "contrapartida blanca" de Harrison, situando definitivamente el trombón como un instrumento solista de pleno derecho e influenciando poderosamente a trombonistas del estilo de Chicago como Tommy Dorsey o Jack Teagarden. Dorsey, el más popular entre los directores de orquesta de la "era del swing", puso al frente de su banda el sonido melódico y distintivo de su instrumento, y cosechó un enorme éxito, mientras que Teagarden, capaz de hacer sonar su instrumento con la agilidad de una trompeta, se impuso como uno de los más grandes trombonistas de la era pre-"bop". Jazz-funk
El jazz-funk es un género que se desarrolló en los Estados Unidos, donde se hizo moderadamente popular alrededor de los años 1970 y comienzos de los 1980, aunque también logró generar atención en discotecas de Inglaterra, donde generó un estilo propio que acabó siendo conocido como Acid jazz. Se desarrolla de forma paralela a la consolidación del propio funk como estilo independiente, surgido de la interacción entre ciertas corrientes del jazz, como el funky jazz de los años 1950, y el soul, y se plasma en la música de las big bands que acompañan a las grandes figuras del género, como James Brown, en la que estaban músicos como Maceo Parker o Pee Wee Ellis. Será, a su vez, la interacción entre esta música y las experiencias del jazz rock, la que da forma al jazz funk. Música de los Estados Unidos
Cuando los músicos de blues y de "dixieland" depuraron sus técnicas instrumentales, nació el "jazz", que tiene como una de sus características vitales la improvisación. Por lo general, los músicos escriben una estructura armónica básica y las otras partes se crean espontáneamente basadas en la música que interpreta el resto del grupo. Jazz
Scott Hamilton, con su "A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill" (1977) inauguró el "revival" del "jazz" clásico, el mismo año en que se publicó el primer disco del quinteto V.S.O.P., liderado por Herbie Hancock. Una vuelta a los principios del "bop", que se vio continuada en la obra de los pianistas Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad Mehldau; de los saxofonistas Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman, Joshua Redman, James Carter o Courtney Pine; de los trompetistas Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard, y Roy Hargrove; o del trombonista Steve Turre. Hot
Los músicos de raza negra de Nueva Orleans en los comienzos de lo que ahora llamamos el jazz provenían básicamente de dos grupos sociales: los libertos y los libertinos de amos anglosajones, por un lado, y los criados de franceses por otro. Los del primer grupo solían ser analfabetos, y hablaban entre ellos en inglés. Los del segundo grupo solían haber recibido educación, incluso musical, y entre ellos hablaban en francés, y también hablaban de música en términos técnicos, en francés. Orígenes del jazz
Para 1917, cuando el jazz comienza a recogerse en grabaciones sonoras, el proceso de formación del género ya se había completado e, incluso, había saltado al norte (Chicago, especialmente) y estaba presto para globalizarse. Jazz
A mediados de la década de 1970 el "soul jazz" y el jazz de fusión experimentaron un viraje hacia terrenos más comerciales que tuvo como protagonistas a destacados músicos de "jazz" como George Benson. Benson había iniciado su carrera como guitarrista al lado del organista Jack McDuff, en 1964, y tras haber registrado una serie de aclamados discos en la tradición "bop" se situó, desde mediados de la década de 1970, como un fenómeno comercial con álbumes como "Breezin" (1976) o "Give me the Night" (1980), en los que primaba su faceta como cantante. Chuck Mangione, desde una perspectiva similar, se especializó en baladas orquestales que integraban a partes iguales elementos "bebop" con melodías ligeras inspiradas en el pop más comercial, inaugurando en discos como "Bellavia" o "Chase the Clouds Away" (1975) el sonido característico de lo que luego se conocería como "smooth jazz". Al Jarreau había comenzado una prometedora carrera como cantante de "jazz" con "We Got By" (1975), pero pronto derivó hacia la interpretación de baladas "soul" y "jazz"-pop de índole más comercial ("Jarreau", 1983). The Yellowjackets, por su parte, exhibía un sonido a medio camino entre el "jazz" fusión más experimental de Weather Report y el pop-"soul" más comercial ("Mirage a Trois" [1982], "Samurai Samba" [1983]). También ya en los años 1980, la banda Spyro Gyra obtuvo un éxito comercial sin precedentes con una música que mezclaba elementos del pop ligero, el "soul" y el jazz fusión, jugando un papel importante al familiarizar al público no aficionado con los sonidos del "jazz". Jazz
El saxo barítono ha estado presente en el "jazz" desde el nacimiento del "swing". Sin embargo no pudo hablarse de una verdadera eclosión del instrumento hasta que se afianzó el "hard bop" y, sobre todo, el "jazz" de la Costa Oeste. Durante al menos tres décadas, la escena del barítono en "jazz" estuvo totalmente dominada por Harry Carney, con un carácter monopolístico que no se da en ningún otro instrumento de "jazz". Su estilo, potente, intenso y áspero, marcó a casi dos generaciones de instrumentistas entre los que destacaron Ernie Cáceres y Jack Washington. Jazz
A lo largo de la historia del "jazz", y con cada una de sus etapas, ha prevalecido una concepción diferente de los ritmos fundamentales, que fueron muy distintos para los músicos de las eras del "ragtime", del "dixieland", del "swing" o del "bebop". Los músicos del "free jazz" no se limitaron ninguna fórmula básica; algunos reemplazaron el "beat" por lo que denominaron el "pulso", una unidad rítmica rápida y nerviosa que no resultaba fácil identificar o aislar; otros utilizaron fórmulas rítmicas heterogéneas, introduciendo ritmos exóticos que procedían de la música africana, árabe o hindú, hasta el punto de que no es infrecuente encontrarse con quien piensa que el "free jazz", una vez desaparecido el patrón básico del "swing", ya no puede considerarse estrictamente como "jazz". Jazz
El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de "jazz" de la zona, pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo. Este hecho inició la gran migración de los músicos de "jazz" hacia las ciudades del norte, y especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna, con una poderosa escena de "blues" y "ragtime", desde una década antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, se trasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos, a comienzos de la década de 1920. En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto y lacónico, desbrozado de adornos, económico en recursos, bañado «en una atmósfera exasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión "hot"». El sonido perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas, dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final ("sock chorus"). El material temático tendió hacia un abandono de los "rags" y "stomps" y su sustitución por "blues" y canciones de influencia europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la explosión del llamado «blues clásico», con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de "jazz" en sustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano solo. El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos, y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, al comenzar a asentarse el saxofón. Un buen número de músicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como figura más relevante, Bix Beiderbecke. Jazz rock
El jazz rock es uno de los subgéneros musicales que se desarrollaron en los últimos años de la década de 1960 y comienzos de los 70. Enmarcado inicialmente dentro de una corriente más amplia, el rock progresivo, conformó su propio lenguaje y desarrolló varias líneas de características bien definidas. Los principales grupos radicaron en Estados Unidos, pero los orígenes del género se plantearon en Inglaterra a partir de 1963, y más tarde encontramos ejemplos del mismo en otros países, incluidas España y Latinoamérica. Orquesta Nacional de Jazz de Francia
Es bajo el impulso de Maurice Fleuret, designado en 1982 por la dirección de música y danza del Ministerio de Cultura (Francia) | Ministerio de Cultura]], quien describe el proyecto para ayudar a la música que no sea música clásica, y en particular el jazz. En 1983, se creó una comisión asesora para el jazz, compuesta por músicos, productores, periodistas, organizaciones profesionales y sindicales, y asociaciones de músicos. Fue en el verano de 1985 cuando Jack Lang anunció la creación de una orquesta de jazz nacional patrocinada por el estado, diseñada para dar vida y renovar el repertorio de las grandes orquestas de jazz. Jazz en España
En España, la primera referencia directa real al jazz data de 1929, cuando Sam Wooding y sus "Chocolate Kiddies", actuaron en Madrid, San Sebastián y Barcelona, ciudad esta en la que incluso grabaron un disco. También en 1929, en la Exposición Universal de Barcelona, actuó la orquesta británica de Jack Hilton, y luego la orquesta de Harry Flemming, que incluía a músicos como el trompetista Tommy Ladnier. No obstante, hubo algunos precedentes, comenzando por la locura del ragtime, que se adueñó de salones de baile. La eclosión de los ritmos y músicos de jazz afro-americano en Europa en los años 1914 a 1929, coincidió en nuestro país con el periodo de la dictadura de Primo de Rivera y la generación de 1927. En esta época, en los bajos del Hotel Palace, en el Rector's Club, solía tocar una "orquesta de negros". Cultura de Argentina
En cuanto al jazz este género musical de origen afroestadounidense, logró instalarse en Argentina luego de la Segunda Guerra Mundial especialmente entre ciertos sectores de estratos de clase media alta urbana, motivo por el cual el jazz argentino es el más prominente de América fuera de los propios Estados Unidos, entre los jazzistas argentinos se destacan: Oscar Alemán, Leandro “Gato” Barbieri, Lalo Schiffrin, Roberto Fats Fernández, Sergio Mihanovich, Jorge González, Jorge Anders, Enrique el Mono Villegas, Walter Malosetti entre otros, cabe señalar que el jazz argentino obtuvo especial impulso por las ciertas afinidades de origen con el tango hasta el grado que autores como el tanguero Piazzolla llegaron a realizar momentos de "fusion" con notas de jazz, en el canto del jazz argentino se destacan las voces femeninas de Blackie, Lona Warren y Lois Blue, luego Egle Martin y Eleonora Eubel y ya emergente en los inicios de siglo XXI: Ligia Piro (hija de los tangueros Osvaldo Piro y Susana Rinaldi). Contracultura en la década de 1960
El Free jazz se desarrolla en los 50 y 60. La música se produce con una gran variedad, mientras los músicos intenta alterar, extender y romper las convenciones del jazz. Aunque ha sido considerado como experimental y vanguardista, el free jazz intentaba regresar el jazz a sus "raíces primitivas" haciendo énfasis en la improvisación. El Free jazz se asocia con las innovaciones de Ornette Coleman y Cecil Taylor y el último trabajo de John Coltrane. Otros músicos importantes incluían a Charles Mingus, Eric Dolphy, Albert Ayler, Archie Shepp, Joe Maneri y Sun Ra. Durante los principios de los 60 el free jazz se estableció con disqueras Prestige, Blue Note e Impulse, y marcas independiente como ESP Disk y BYG Actuel. La improvisación musical sin reglas se desarrolla entre los artistas. Jazz
Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el saxofonista John Zorn; el guitarrista Elliott Sharp, cuyas composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia, repetición e improvisación; Eugene Chadbourne, que integraba elementos del "jazz" de vanguardia con la música blanca de origen rural; el guitarrista Henry Kaiser ; el violoncelista Tom Cora; el guitarrista irlandés Christy Doran; el baterista Joey Baron; y otros muchos músicos de la misma generación. Jazz
El auge del «neo-tradicionalismo» que tuvo lugar con la llegada de la década de 1980 marcó el punto más alto de la crisis que había afectado al "jazz" desde la popularización masiva del "rock", en la década de 1960. El "jazz" representaba para los negros norteamericanos la alternativa popular a la música clásica, pero en el momento en que comenzó a derivar, primero hacia el "free jazz" y luego hacia las distintas fusiones que tuvieron lugar en la década de 1970, fue alejándose cada vez más de sus orígenes, entrando en una crisis de identidad que a finales de esa década aún no había sido resuelta. En ese período el término "jazz" se solía identificar simplemente con la música instrumental, los músicos blancos estaban logrando más éxito que los negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador. Sin embargo, la llegada de los neo-tradicionalistas cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolución en el género, reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos del debate desde la dicotomía "free jazz"/jazz fusión al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolución. Crossover jazz
En el jazz, el llamado crossover jazz comenzó en los años setenta. Algunos investigadores, como Ronald Atkins, suponen que se debió a que algunos músicos de jazz se inspiraron en el rock, ya sea por gustos musicales personales como por el éxito y las buenas ventas del rock. Esto hizo que el consumidor mayoritario pudiese estar más cerca de músicos de jazz anteriormente acotados a un público menor. Jazz latino
Pero el estilo consigue su definitiva consolidación gracias a la relación que se establece entre Machito y dos músicos esenciales del bop: Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Sería Mario Bauzá quien propició el encuentro entre Gillespie y el conguero Chano Pozo, que se incorporó a la orquesta de aquel y la convirtió en el catalizador del Cubop, el nombre con el que se conoció entonces al jazz afrocubano. Sería precisamente la aplicación de los conceptos del bop lo que salvaría definitivamente el hueco entre jazz y música latina. Los autores establecen como fecha de alumbramiento del Cubop el 29 de septiembre de 1947, con el histórico concierto de la orquesta de Gillespie y Pozo en el Carnegie Hall de Nueva York. Ese mismo año se grabaron algunas de las más importantes composiciones de Pozo dentro del género: "Manteca", "Cubana Be-cubana Bop", "Algo Bueno", etc. Por su parte, la relación entre Machito y Charlie Parker se plasmó en diversas grabaciones entre 1948 y 1950, para el sello Verve, producidas por Norman Granz, como respuesta a la popularidad que adquirió rápidamente el Cubop. El más importante de estos discos es "Afro-Cuban suite", grabado el 21 de diciembre de 1950, y en el que participaron, además de Parker y la banda de Machito, músicos como Harry Edison, Buddy Rich o Flip Phillips. Música de Chile
La práctica del "jazz" es una de las manifestaciones de música popular de más larga data en Chile. Los indicios más regulares aparecen hacia los años 1920 en torno a la figura del compositor, violinista e investigador Pablo Garrido, gestor de los primeros conjuntos y orquestas de "jazz" locales. A partir de 1940, una nueva generación de músicos jóvenes se alineó con la improvisación jazzística más allá del "jazz" predecesor, al que consideraban comercial, bautizándolo "hot jazz". Esto traería como consecuencia la fundación del Club de Jazz de Santiago en 1943 y la formación de la primera "all-stars" nacional, Los Ases Chilenos del Jazz, en 1944 y 1945. Jazz
Los primeros músicos "bop" se saltaban a propósito las divisiones estructurales para dificultar la orientación de los colegas que pretendían copiar sus ideas. Así, para los oyentes del "bop" resultaba difícil determinar dónde comenzaba y dónde acababa un solo, una tendencia que encontró su máxima expresión entre los músicos del movimiento "free", una música en la que improvisaba colectivamente hasta la propia forma del tema, con momentos de tensión que iban seguidos de otros momentos de calma. El contraste entre tensión y relajación tiene su origen en los músicos de Kansas City de la década de 1930, aunque fue Charlie Christian quien adoptó la técnica en su estilo de improvisación, alternando la ejecución de "riffs" con improvisaciones melódicas que resolvían la tensión creada por los primeros. Jazz contemporáneo
Desde mediados de la década de 1970, la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los músicos negros habían sido apartados "de facto" tanto de la escena de la música rock como de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente con otras músicas negras -el blues, el "funk", el "soul"...-, pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la música clásica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas. Uno de los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos fue el saxofonista estadounidense de origen judío John Zorn, en obras pioneras como "Lacrosse" (1977) o "Archery" (1981) y otras muchas que les siguieron a lo largo de las décadas de 1980 y 1990. El guitarrista Elliott Sharp se destacó por su orientación hacia la experimentación: en cada uno de sus discos parecía adoptar una nueva técnica de ejecución, y sus composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia, repetición e improvisación, los tres ejes cardinales sobre los que se sitúan la música clásica, el rock y el jazz de vanguardia, respectivamente. Eugene Chadbourne integraba elementos del jazz de vanguardia con la música blanca de origen rural. El guitarrista Henry Kaiser recogió la influencia de Derek Bailey y de Captain Beefheart para crear una música caracterizada por la improvisación atonal y el carácter psicodélico. El violoncelista Tom Cora, que se había trasladado a Nueva York, es responsable de una serie de obras marcadamente experimentales donde su instrumento adopta por momentos las funciones típicas de una guitarra y de los instrumentos de percusión. El guitarrista irlandés Christy Doran lideró el cuarteto de jazz-rock abstracto New Bag, mientras que el saxofonista Tim Berne presentaba una obra que unía el neuroticismo de su lenguaje con unos temas donde los límites entre la composición y la improvisación no quedaban del todo claros. El trompetista Lesli Dalaba contribuyó a la renovación del lenguaje de su instrumento con un estilo que transformaba las composiciones más cerebrales en poemas líricos. El baterista judío Joey Baron debutó con "Tongue in Groove" (1991), un impredecible álbum a trío con el trombonista Bill Swell y el saxofonista Ellery Eskelin. The Microscopic Septet fue una creativa agrupación que fusionaba influencias del "free jazz", del rock progresivo y del "rhythm and blues" con elementos circenses, tal y como Frank Zappa había hecho unos años antes. Finalmente, el guitarrista John Abercrombie provenía del jazz fusión, enfocado de forma personalizada. Música popular de Estados Unidos
El Jazz es un género musical caracterizado por las notas de blues, síncopas, swing, llamada y respuesta, polirritmias e improvisación. Aunque originalmente una forma de música para bailar, el jazz ha sido ahora "ampliamente considerado un género de música típica o popular (y también se ha) convertido una forma sofisticada de arte que ha interactuado en formas significantes con la música clásica. El desarrollo del jazz ocurrió al mismo tiempo que el ragtime, el blues, la música country, lo cual en conjunto puede ser visto como parte de un continuo con ninguna demarcación clara entre ellos; el jazz fue el más cercanamente relacionado al ragtime, con el cual se puede distinguir por el uso de una improvisación más complicada, a menudo colocando notas lejos del pulso implícito. Las primeras bandas de jazz adoptaron mucho del vocabulario del blues, incluyendo el "bent", las notas de blues, los "gruñidos" instrumentales y otras marcas. Criollización
La música de jazz tiene sus raíces en el diálogo entre la música folclórica negra en los Estados Unidos que se deriva de la música de las plantaciones y las áreas rurales, y la música negra basada en la ciudad de Nueva Orleans. La música jazz se desarrolló a partir de la música criolla que tiene sus raíces en la combinación de blues, música de salón, ópera y música espiritual. Jazz
El jazz (pron. en inglés, en español) es un género musical nacido a finales del siglo XIX en los Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo del siglo XX. Jazz
El lanzamiento en 1970 de "Bitches Brew", un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros, supuso una nueva revolución en el sonido del "jazz", introduciendo una instrumentación y unos esquemas rítmicos más cercanos al "rock" y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de "jazz fusion". La influencia de los grupos de "rock" que estaban experimentando con el "jazz" en la época (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos, las distintas formaciones de Frank Zappa), terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente a otros muchos subestilos, siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de "jazz rock" —que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho— o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros, otra característica heredada del mundo del "rock". Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del "jazz rock" fue Gary Burton, quien, con la ayuda de Steve Swallow, Larry Coryell y Roy Haynes, había empezado a experimentar con ritmos de "rock" en "The Time Machine" (1966), y había introducido elementos "country" en "Tennessee Firebird", editado ese mismo año. Tony Williams, quien se había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis, ya había editado bajo su nombre "Life Time" (1964) y "Spring" (1965) antes de poner en marcha su Lifetime, una banda que contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de los grupos más relevantes del género. Herbie Hancock no tardó en erigirse como uno de los máximos representantes del género a la cabeza de su grupo The Headhunters —una banda que, inspirada en los ritmos "funky"-psicodélicos de Sly Stone, logró el mayor éxito de ventas de la historia del "jazz" con su álbum homónimo editado en 1973—, mientras que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever, originalmente con Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto Moreira. Keith Jarrett publicó "Gary Burton & Keith Jarrett" en 1970, e hizo incursiones en el latin jazz en "Expectations" (1971), mientras que McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron Carter en "Expansions" (1968), "Cosmos" o "Extensions", ambos de 1970. Desde el área del "free jazz", músicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una música compleja y personal, con raíces muy diversas e influencias muy heterogénas. El guitarrista Larry Coryell fue otro de los pioneros del "jazz rock", con su participación en el álbum de 1966 "Out of Sight And Sound", del grupo "Free Spirits". El álbum marcó el inicio de una serie de grabaciones bajo su nombre que culminarían en "Introducing The Eleventh House" (1974), primer disco de una banda —The Eleventh House— que se situaría entre las más famosas de los grupos de "jazz rock" de la década de 1970. Weather Report, formado originalmente por Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso Mouzon no solo se convirtió en el grupo más importante del movimiento, sino —según Piero Scaruffi— en uno de los dos grupos más importantes de la historia del "jazz". La banda obtuvo un considerable éxito desde sus inicios, pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupación, que con álbumes como "Black Market" (1976) o "Heavy Weather" (1977) alcanzó un notable éxito comercial. John McLaughlin recogió el testigo del "revival" del blues que había tenido lugar en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream, pero tras editar un primer álbum bajo su nombre ("Extrapolation", 1969) con John Surman y Tony Oxley, fue convocado por Miles Davis para la grabación de "Bitches Brew". Su "My Goal's Beyond", de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la música hindú, un interés que desarrollará con la Mahavishnu Orchestra a lo largo de la década en álbumes como "The Inner Mountain Flame" (1971) o "Birds of Fire" (1972), y, especialmente con Shakti, una banda que contaba con la participación de músicos hindúes. Gorni Kramer
En 1930 se diplomó en contrabajo en el Conservatorio de Parma. En sus inicios trabajó como músico en diferentes orquestas de baile, y en 1933, con apenas veinte años de edad, formó un grupo propio con el cual tocaba jazz. El nuevo género musical estadounidense fue prohibido por el régimen fascista, pero Gorni Kramer pudo conocerlo gracias a amigos de la orquesta que habían trabajado en trasatlánticos que viajaban entre Europa y América. Jazz
Íntimamente relacionado con el "hard bop", se desarrolló un estilo de tocar el "jazz" basado en la utilización de estructuras "blues" en tempo lento o medio, con un "beat" firme y sostenido, con emoción interpretativa, que se llamó inicialmente "funky" y, después, "soul jazz". Un subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas, y que hundía sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver, Junior Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o Ray Charles. Jazz fusión
En la música, se denomina al fusión a la ""conjunción de dos o más estilos distintos, para producir una forma única e identificable por separado de ellos"", según la clásica definición de Clayton y Gammond. Se habla de jazz fusión cuando uno de estos estilos es el jazz. La denominación fue aplicada por primera vez al jazz por el productor Denis Preston, a mediados de los años 1960. Orígenes del jazz
Muchos historiadores del jazz son reacios a retrasar su nacimiento más allá de comienzos del siglo XX, e incluso algunos se muestran aún más prudentes: Orígenes del jazz
En el norte de Estados Unidos, se desarrolló un estilo "caliente" de tocar "ragtime", centrado en la ciudad de Nueva York, aunque se puede encontrar este estilo en las comunidades afroamericanas desde Baltimore hasta Maryland. Algunos comentaristas posteriores han categorizado esta forma musical como una temprana forma de "jazz", mientras que otros discrepan. Fue caracterizado por su ritmo jovial, pero carecía de la influencia "blues" de los estilos sureños. Las versiones solistas de piano del estilo norteño fueron tipificadas por pianistas como el célebre compositor Eubie Blake (un hijo de esclavos cuya carrera musical se extendió durante ocho décadas). James P. Johnson tomó el estilo norteño y en 1919 desarrolló un estilo propio para tocar que se denominó "stride", también conocido como "barrelhouse piano". En este estilo, la mano derecha toca la melodía, mientras que la izquierda camina o "da saltos" de un compás más rápido a uno más lento, manteniendo el ritmo. Johnson influyó a pianistas posteriores como Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Art Tatum y Billy Kyle. Free jazz
En los años sesenta, casi todos los músicos de jazz se mueven de una u otra manera en terrenos relacionados con el "free jazz":Por otra parte, la apertura de las concepciones musicales del "free jazz" a ritmos y músicas de carácter étnico (especialmente las procedentes del mundo mediterráneo-arábigo y, sobre todo, hindú) abre las puertas del mundo del jazz a creadores de todo el mundo, en especial europeos (Albert Mangelsdorff, John Fischer, Manfred Schoof, Michel Portal, John Surman…), que crearon un tipo propio de desarrollo del "free". Berendt afirma que, después de la AACM, no ha habido un grupo de músicos "free" tan homogéneo en su estilo y concepciones, como los músicos alemanes de los sesenta. Jazz fusión
Desde el comienzo del jazz han existido intentos por generar un "entendimiento" entre ambos géneros, siendo los más destacados las experiencias de Paul Whiteman con Ferde Grofé, y las obras de George Gershwin ("Rhapsody in blue", "An american in Paris" y "Porgy and Bess", especialmente). Más tarde, Duke Ellington desarrollará varias obras en esta búsqueda de una "fusión clásica", comenzando por su "Oratorio" y finalizando por composiciones como "The golden broom and the green apple". Todo ello fraguó, en las décadas de los 50 y 60, en la aparición del género jazzístico denominado Third Stream, que prescinde de buena parte de los elementos tradicionales del jazz, impulsando una "estetización" de este. Sus más conocidos representantes son Gunther Schuller, David Baker, el Modern Jazz Quartet y, en una línea muy diferente, Jacques Loussier. Jazz
Hasta 1959, Parker sería la única referencia entre los altos. Ese año, irrumpió Ornette Coleman, cuya música representó «la primera reflexión fundamental sobre los procedimientos y materiales básicos del "jazz" desde las innovaciones de Charlie Parker», y tuvo un «efecto liberador» sobre los restantes saxofonistas altos, hasta el punto de que, para muchos autores, Coleman es uno de los tres grandes nombres de la historia de "jazz", junto con Louis Armstrong y Charlie Parker. Tras él, Eric Dolphy, Marion Brown, Anthony Braxton, Roscoe Mitchell, Oliver Lake y otros muchos, se adentraron por la vía del "free jazz". Toda la historia posterior del saxo alto en "jazz" está fundamentada en estos dos pilares, Parker y Coleman, incluso entre los músicos provenientes del "jazz rock", como David Sanborn, Eric Marienthal o Fred Lipsius. Música de Italia
El jazz encontró su camino en Europa durante la Primera Guerra Mundial a través de la presencia de músicos americanos en bandas militares con música sincopada. Sin embargo, incluso antes de eso, Italia recibió un indicio de la nueva música del otro lado del Atlántico, en la forma de cantantes criollos y bailarines que actuaron en el Teatro Eden en Milán en 1904; que se consideraban a sí mismos como los "creadores del catewalk." Las primeras orquestas reales de jazz en Italia, se formaron durante la década de 1920 por los directores de orquesta como Arturo Agazzi y disfrutaron de un éxito inmediato. A pesar de las políticas culturales antiestadounidenses del régimen fascista durante la década de 1930, el jazz americano siguió siendo popular . Jazz fusión
En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporación de elementos hispanos a la música hot. De hecho, los ritmos de habanera, calinda, contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. Uno de los compositores de los que bebió profundamente el hot, Louis Moreau Gottschalk (1829-1869) estuvo muy influido por la música cubana y, especialmente, por el compositor Manuel Samuell. Tanto el ragtime como las primeras bandas hot recogieron abundantemente el material de Gottschalk. Pero, en general, toda la cultura que genera el primigenio jazz, es una cultura criolla, con una música propia resultado de la fusión de otras. Jazz
El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo "jazz": el "swing" como elemento rítmico. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigía una de las bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del swing". Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que "swing" era el tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre. Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas, generando un subestilo comercial que, a la larga, acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo del "swing": Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas derivaron hacia ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del "jazz" de la década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann. En algunos casos, se desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad diferenciada, como es el caso del "Western swing" (que fusionó músicas de origen folclórico) y, en Europa, del llamado "jazz manouche", impulsado por Django Reinhardt. Orígenes del jazz
Por otra parte, la guerra supuso un fuerte impulso de la música militar, y la incorporación de la población negra a las bandas de música. La finalización de la guerra supuso la llegada al mercado de gran cantidad de instrumentos musicales a bajo precio, accesible a los esclavos recién liberados, muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida. Florecieron entonces las "bandas civiles", que pulularon por todo el sur, como 'marching bands' y bandas de música que, en la segunda mitad del siglo XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música popular se refiere. Bill Evans (pianista)
Evans parte del impresionismo de Debussy y Ravel y trae al "jazz" una influencia de corte clásico europea, llena de lirismo, relajación e introversión. El escritor Gene Less bautizó a Bill Evans como "el poeta del piano", debido a las hermosas construcciones melódicas que improvisaba, y que provenían del impresionismo musical. Aunque nació y trabajó buena parte de su vida en Nueva York, su estilo es representativo del llamado "West Coast jazz", donde músicos en su mayoría blancos de la región californiana abrieron nuevos modos de expresión al género, que hasta entonces estaba caracterizado por los conflictos raciales y económicos. Logró la integración de músicos de diferentes orígenes sociales, culturales y raciales, como Oscar Peterson, John Coltrane, Dave Brubeck o Milt Jackson, y cuya máxima expresión pudo verse en las primeras ediciones del Festival de Jazz de Newport en los años 50. El paso de Evans por el jazz marca el nacimiento del cool, género jazzístico que sucedió al "bebop" y del cual fue uno de los principales representantes. El cool jazz proponía estructuras armónicas diferentes a las del "bebop", más libres y menos complejas, y abrió amplias perspectivas de expresión y desarrollo al movimiento jazzístico posterior. Su histórica colaboración con Miles Davis y el grupo de músicos a su alrededor en 1958 formó parte de la redefinición del jazz como género musical, que se dio a finales de la década de los 50 y que partió de la crisis del "swing" al fraccionarse las grandes orquestas de baile de los años 40 y concebirse el "jazz" como un género más intelectual y abstracto. A Bill Evans se le reprocha un alejamiento excesivo de las raíces africanas del "jazz". Por otro lado, también se le ha atribuido cierto efecto de monotonía al considerar una audición global de su obra, debido a su apegamiento riguroso a su norma estilística. Una de sus principales aportaciones al jazz es la estructuración de tríos jazzísticos en los que el piano mantiene un profundo diálogo con la batería y el bajo, dentro de la norma de improvisación sobre líneas melódicas comunes. Jazz
Sin embargo, no fue hasta 1915, en Chicago, que el término comenzó a usarse completamente para definir un tipo de música. Para finales de 1916 y principios de 1917 el uso del término estaba ya bastante extendido. La primera vez que se utilizó la palabra "jazz" en Nueva Orleans (también escrita "jas" o "jass" en los comienzos) fue en el "Times-Picayune" el 14 de noviembre de 1916, un hecho que fue descubierto por el lexicógrafo Benjamin Zimmer, en 2009. Piano
El "ragtime", estilo musical de finales del , es considerado uno de los precursores del "jazz". La popularización del "ragtime" ocurrió entre los años 1895 a 1915 aproximadamente y los pianistas y compositores clásicos más destacados de dicha época fueron Scott Joplin, James Scott y Joseph Lamb. Otros músicos, como Jelly Roll Morton y James P. Johnson, sirvieron de transición entre el "ragtime" y el "jazz". El mencionado James P. Johnson fue el primer pianista importante del barrio de Harlem y destacó por el uso del piano como instrumento de acompañamiento en el "jazz". El barrio de Harlem, situado en Manhattan, fue durante la década de 1920 el centro del florecimiento de la cultura negra, conocido como Renacimiento de Harlem, y un lugar de confluencia de numerosos pianistas de "jazz", los cuales tocaban según el estilo denominado "stride piano". Dicho estilo consistía en alternar permanentemente una nota tocada en el bajo en los tiempos nones y un acorde tocado en los pares. Jazz y Pop
Jazz y Pop (ó Jazz & Pop) fue un boliche de jazz argentino ubicado en San Telmo, Buenos Aires, fundado por los músicos Néstor Astarita, Gustavo Alessio y Jorge González el 6 de abril de 1978, en plena dictadura militar. En el local se daban cita músicos y artistas de la escena local como Rubén Rada, Dino Saluzzi, Litto Nebbia, Walter Malosetti, Bernardo Baraj, Gustavo Bergalli, Leo Sujatovich de Spinetta Jade ó Baby López Fürst, compartiendo el escenario con músicos de la escena internacional como Hermeto Pascoal, Chick Corea, Larry Coryell, o Gilberto Gil, en lo que se describió como "una utopía musical en tiempos de oscuridad". Según Litto Nebbia "durante los años de fuego, este fue el único lugar donde pasaba algo musicalmente interesante". Se mantuvo en actividad hasta 1984. En 1977 el músico Gustavo Alessio proyecta armar un club de jazz; Cuando su amigo el ilustrador Gogo Husso encuentra un local en Chacabuco 508, barrio de San Telmo en el 78', Alessio convoca al contrabajista Jorge González y al baterista Néstor Astarita y como socios inauguran el local bautizándolo con el nombre que el dueño de una librería en Callao y Corrientes había ofrecido a Astarita. Jazz
El nacimiento formal del movimiento "cool" tuvo lugar en 1948 con la grabación del álbum "Birth of the Cool" de Miles Davis (no publicado hasta 1954), todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. El nuevo estilo se derivaba directamente del "bebop", pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa". El "cool jazz" resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su alejamiento de las raíces africanas del "jazz", pero también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples "entertainers" a adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical. Jazz en España
Otra fecha crucial, 1966, marcaría el desarrollo del jazz en España. En enero de ese año (exactamente el día 25) actuarían por primera vez Duke Ellington y Ella Fitzgerald, en Barcelona en el Palacio de la Música. Inmediatamente después nacerían, en septiembre, el Festival de Jazz de San Sebastián y en octubre el de Barcelona, este último con un cartel antológico: Dave Brubeck con Paul Desmond, Sonny Rollins con Max Roach y Tete Montoliu trío entre otros. Mucho más tarde, en 1977, Vitoria también se unió a esta oferta musical con el Festival de Jazz de Vitoria. En la actualidad son numerosas las ciudades que cuentan con su cita anual con los amantes de esta música. Guitarra de jazz
Antes de Christian, la guitarra era un instrumento rítmico y de acompañamiento armónico, usado por los cantantes de blues-folk, y del worksong (música de los esclavos en los campos de trabajo) de la extensa "prehistoria del jazz", una música de raíz africana que a menudo tenía en la guitarra su principal y a veces único instrumento. Es con Johnny St. Cyr y Lonnie Johnson que comienza la historia de la guitarra de jazz propiamente dicha; el primero acompañó a King Oliver, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton, mientras que Johnson desarrolló su carrera como solista, marcando así el inicio de dos tradiciones de interpretación que perduran hasta hoy día: la interpretación rítmica y de acompañamiento armónico; y la solista, de líneas y fraseos monofónicos. Bud Scott, Danny Barker o Everett Barksdale fueron tres tempranos representantes del estilo rítmico, seguidos de Freddie Green, un guitarrista que acompañó a Count Basie desde 1937 hasta su muerte, en 1987. A pesar de no haber tocado jamás como solista, Green ha sido siempre uno de los guitarristas más solicitados del jazz y su estilo de ejecución supuso una ruptura absoluta con la revolución que introdujo Christian, pues se mantuvo siempre fuera se su esfera de influencia, dando lugar a un sucesor de gran éxito en el ámbito del jazz rock, del soul y del funk, Cornell Dupree. Teddy Bunn y Al Casey fueron dos guitarristas de Nueva Orleans que intentaron unificar las tradiciones iniciadas por St. Cyr y por Johnson en un estilo que combinaba el estilo de acordes con el estilo "single note". Eddie Lang, influido por el cantante y guitarrista Nick Lucas fue el más importante guitarrista de "estilo Chicago", quién junto al dúo con el violinista Joe Venuti, fueron pioneros del dueto guitarra - violín e influencia para posteriores músicos, entre ellos, el guitarrista Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grappelli. Eddie Condon, también de Chicago, fue por su parte un fiel seguidor del estilo de acordes de Johnny St. Cyr. Django Reinhardt fue el primer gran guitarrista europeo, un músico que desde mediados de la década de 1930 ejerció una influencia incalculable colocando la guitarra acústica al frente de la banda con unos solos de gran riqueza e imaginación ejecutados a la perfección sobre una base rítmica proporcionada por otros dos guitarristas y un contrabajo. La concepción armónica de Reinhardt, extraordinariamente avanzada para su época, ejerció una notable influencia en Charlie Christian y Les Paul, entre otros muchos, y sus cualidades como compositor, entre otros muchos factores, lo sitúa como una de las figuras más importantes de la historia del jazz, seguido y admirado por músicos de la talla del pianista John Lewis, el mandolinista David Grisman, el violinista Phillip Catherine, o los guitarristas Earl Klugh, Larry Coryell, Christian Escoudé, Bolou Ferré o Biréli Lagrène. Jazz
En los primeros tiempos del "jazz" ya se produjo una temprana incorporación de elementos latinos a la música "hot". De hecho, los ritmos de habanera, calinda, contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. La presencia de elementos latinos se mantuvo en el "jazz" de los años 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. Sin embargo, a mitad de los años 1940, la influencia cubana sobre el "bop" generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fueron la big band de Machito, y los trabajos de Dizzy Gillespie, que integraban elementos característicos del "bebop" con ritmos afrocubanos. De todos los estilos que surgieron tras la era del "swing", el latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad, y sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a lo largo de su historia, a través del trabajo —por citar solo a tres de las más importantes— de las orquestas de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario Bauzá. Small Jazz Band
Small Jazz Band es un conjunto de jazz tradicional que comenzara su actividad allá por fines de 1981 en la ciudad de Córdoba de la República Argentina, intentando recrear el estilo de los primeros grupos de los años "20", tales como los de Joe "King" Oliver, Clarence Williams, Louis Armstrong, Sam Morgan, Johnny Dodds, Jelly Roll Morton, y otros no tan conocidos pero no por ello de menor importancia musical. La Small Jazz Band, está formada por profesores de educación musical que creen en el valor estético y sentimental de este género, tal vez la expresión popular más relevante e influyente del siglo XX. Henri Crolla
Paul Grimault y Jacques Prévert se hacen rápidamente sus amigos. Vivió varios años en casa de Grimault, donde descubrió la guitarra en el jazz... En lo de Grimault, el pintor Émile Savitry le presenta algunos de sus amigos músicos, como los hermanos Ferret, y, especialmente a Django y José Reinhardt, cuya original formación, el [Quinteto [del Hot Club de Francia | Quinteto de Cuerdas del Hot Club de Francia]] inventó un jazz europeo innovador. Allí "Riton", a quien Prévert bautiza "Millipede" por su agilidad como músico, descubre todas las posibilidades del jazz de verdad: la improvisación, la creación de la libertad espontánea. Jazz
Un instrumento que apareció ocasionalmente en la época del "swing" fue el acordeón (Ernie Felice tocó con Benny Goodman), que dio al menos un nombre de relieve: Art Van Damme, quien desarrolló un fraseo muy cercano al de un saxo barítono. Dentro del estilo de la Costa Oeste, encontramos otro nombre importante: Pete Jolly. En las últimas décadas del siglo XX, varios músicos de "jazz" contemporáneo, como el belga Fred Van Hove y los franceses Michel Portal y Richard Galliano, han usado de forma prevalente este instrumento o su variante: el bandoneón, con el que ya había realizado experiencias de fusión Astor Piazzolla (junto a Gerry Mulligan). La armónica en el "jazz" se inició con la obra de artistas de blues que tocaban la armónica diatónica, como Sonny Boy Williamson I, Sonny Boy Williamson II, Sonny Terry, Junior Wells, Shakey Jake Harris, Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Carey Bell y Whispering Smith, pero tendría uno de sus mayores exponentes en el belga Toots Thielemans, que toca el instrumento cromático y lo hace con la misma agilidad y con la misma riqueza de ideas que los grandes saxofonistas. En el "blues rock", destacaron músicos blancos como Paul Butterfield y John Mayall. Magic Dick ha aportado solos de gran calidad en el ámbito del "rock", y Stevie Wonder ha combinado la finura de Toots Thielemans con la influencia del "blues", tal y como ha hecho Mauricio Einhorn con la música de su Brasil natal. Julius Watkins fue pionero en el uso de la trompa en el "jazz" con sus grabaciones de la década de 1950, aunque sería John Graas quien más la adaptara al "jazz"; mientras que Yusef Lateef, conocido multiinstrumentista, fue uno de los primeros músicos de "jazz" en utilizar el oboe y el fagot, además de toda una serie de instrumentos exóticos como el arghul, una especie de oboe egipcio. Bob Cooper tocó el oboe y el corno inglés en algunas grabaciones, al igual que Paul McCandless (del grupo Oregon) y Frank Tiberi. El multiinstrumentista neerlandés Han Bennik ha tocado en el campo del "jazz" el "dung-dkar", una caracola gigante ornamentada que se emplea en el Tíbet. Zazú
Los zazús se inspiraban directamente en el jazz y el swing. El jazz negro había brotado con fuerza en Montmartre en los años de entreguerras. Los negros estadounidenses se sentían más libres en París que en su tierra, así que el jazz local se vio reforzado en gran medida por esta inmigración. Músicos como Django Reinhardt interpretaron su jazz en los clubes de París. Diplomacia cultural
De 1955 a 1996, el productor de jazz Willis Conover organizó un programa de música llamado "Music USA", para que Voice of America ayude en la aparición de músicos de jazz como embajadores estadounidenses. Conover explicó: "El jazz es un cruce entre la disciplina total y la anarquía", por la forma en que los músicos acuerdan el tempo, la clave y el acorde, pero se distingue por su libertad de expresión. Unos treinta millones de oyentes en todo el mundo, incluidos millones en la Unión Soviética, escucharon los 45 minutos de música pop y 45 minutos de jazz con un noticiero que precedió a cada uno. Muchos críticos han declarado que el programa de Conover desempeñó un papel importante en el resurgimiento del jazz dentro de la Unión Soviética después de la Segunda Guerra Mundial. Muchos historiadores creen que este aspecto de la libertad del jazz fue representativo de la cultura estadounidense durante este tiempo.