¿Cuándo comenzó la tradición de nombrar obras de arte?
Arte
En el siglo XVI empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de "arti del disegno" (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad –el diseñar– era la principal en la génesis de las obras de arte. Sin embargo, faltaba aglutinar estas artes del diseño con el resto de actividades consideradas artísticas (música, poesía y teatro), tarea que se desarrolló durante los dos siglos siguientes con varios intentos de buscar un nexo común a todas estas actividades: así, el humanista florentino Giannozzo Manetti propuso el término “artes ingeniosas”, donde incluía las artes liberales, por lo que solo cambiaba el vocablo; el filósofo neoplatónico Marsilio Ficino elaboró el concepto de “artes musicales”, argumentando que la música era la inspiración para todas las artes; en 1555, Giovanni Pietro Capriano introdujo en su "De vera poetica" la acepción “artes nobles”, apelando a la elevada finalidad de estas actividades; Lodovico Castelvetro habló en su "Correttione" (1572) de “artes memoriales”, ya que según él estas artes buscaban fijar en objetos la memoria de cosas y acontecimientos; Claude-François Menestrier, historiador francés del siglo XVII, formuló la idea de “artes pictóricas”, remarcando el carácter visual del arte; Emanuele Tesauro ideó en 1658 la noción de “artes poéticas”, inspirado en la célebre cita de Horacio "ut pictura poesis" (la pintura como la poesía), describiendo el componente poético y metafórico de estas artes; ya en el siglo XVIII, coincidieron en un mismo año (1744) dos definiciones, la de “artes agradables” de Giambattista Vico, y la de “artes elegantes” de James Harris; por último, en 1746, Charles Batteux estableció en "Las bellas artes reducidas a un único principio" la concepción actual de bellas artes, remarcando su aspecto de imitación ("imitatio"). Historia del desnudo artístico
En el arte gótico el desnudo empezó a forjarse principalmente en el entorno germánico, a inicios del siglo XIII. Las primeras figuras independientes y de tamaño natural representando un desnudo son el "Adán y Eva" de la Catedral de Bamberg ("circa" 1235), que aún parecen dos columnas de formas rígidas e hieráticas, pero tratadas con cierto aire de nobleza. En esta época se amplió un poco el repertorio iconográfico, especialmente con la incorporación del Juicio Final, proveniente de los capítulos 24 y 25 de San Mateo —hasta entonces la mayoría de escenas de la historia bíblica representada en los relieves catedralicios terminaban con el Apocalipsis—. La escena de la resurrección de la carne contemplaba que los cuerpos estuviesen desnudos, al tiempo que al ser almas renacidas debían representarse según parámetros de una belleza perfecta, por lo que los artistas se fijaron nuevamente en las obras del arte clásico grecorromano, surgiendo tratados como el "Speculum" de Vincent de Beauvais, que contenía instrucciones para los artistas basadas en antiguos tratados clásicos. Comenzaron nuevamente los estudios del natural, existiendo datos que indican que algunos artistas acudían a los baños públicos para estudiar el cuerpo de forma más detallada, como se comprueba en el "Juicio Final" de la Catedral de Bourges, con formas más naturalistas, que recuerdan las figuras de los sarcófagos de la antigüedad. En esta obra, la mujer del centro tiene formas más femeninas, y su postura en "contrapposto" tiene un cierto aire policletiano, aunque sus formas son estilizadas y poco sensuales, con pechos pequeños y separados, vientre plano y caderas reducidas. Historia del grabado
Un gran impulso al grabado se dio con la creación de la imprenta tipográfica por parte de Johannes Gutenberg, que permitió la edición seriada de textos e imágenes sobre papel, tela u otros materiales. La primera obra impresa por Gutenberg fue una "Biblia" (Maguncia, 1449); en 1457, los socios de Gutenberg, Johann Fust y Peter Schöffer, publicaron el "Salterio de Maguncia", que incluía por primera vez letras iniciales grabadas en madera; en 1461 se publicó por primera vez un libro con imágenes, "La piedra preciosa" de Ulrich Boner, editado en Bamberg por el impresor Albrecht Pfister, que incluía ciento una ilustraciones; y en 1476 se editó el primer libro con frontispicio —un lugar adecuado para la colocación de imágenes—, el "Calendario" de Regiomontano, editado en Venecia por el impresor Erhard Ratdolt.
Historia de la notación en la música occidental
El primer testimonio sobre el uso de una notación en Grecia aparece en Aristóxeno de Tarento, que desarrolló sus teorías entre finales del siglo IV y comienzos del siglo III a. C. Sus alusiones no se refieren a un uso corriente de la escritura musical en la práctica de los compositores, sino más bien a su utilización por parte de los teóricos, así como en la enseñanza de la música. De hecho, las imágenes de la Grecia antigua rara vez muestran a un intérprete leyendo un pergamino o una tablilla mientras toca. A partir de ello y de los documentos escritos se deduce claramente que los griegos, a pesar de poseer una notación bien desarrollada, aprendían la música sobre todo de oído y la improvisación era frecuente. Historia de las artes decorativas
Uno de los movimientos más innovadores en el terreno del diseño fue la Escuela de la Bauhaus que, frente a la excesiva ornamentación del "art déco", introdujo un concepto de diseño más racional y funcional, más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta escuela pretendía romper las barreras entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la producción industrial. Nació en 1919, cuando el arquitecto Walter Gropius asumió la dirección de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, que rebautizó como "Das Staatliche Bauhaus Weimar". Su objetivo era «la obra de arte colectiva, el Edificio, dentro de la cual no haya barreras que separen las artes estructurales de las artes decorativas». Los estudiantes de la escuela aprendían teorías de la forma y del diseño, así como talleres de piedra, madera, metal, barro, vidrio, tejido y pintura. Gropius rechazaba la producción industrial, con una postura cercana al movimiento "Arts & Crafts", y defendía el trabajo cooperativo, así como la responsabilidad social del diseñador. La Bauhaus se trasladó a Dessau en 1925 y a Berlín en 1932. A Gropius sucedió en la dirección Hannes Meyer en 1928 y, a este, Ludwig Mies van der Rohe en 1930. La escuela fue cerrada por los nazis en 1933. Art déco
Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrène y Émile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en París, y se llamaron a sí mismos "los modernos"; en realidad, el término "art déco" se acuñó en la retrospectiva titulada «Les Années 25», llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs (Museo de Artes Decorativas) del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966; el término es, por tanto, un apócope de la palabra francesa "décoratif". En el ámbito castellanohablante, la RAE lo ha normalizado como "art déco", con la tilde en la «e». Triángulo del Arte
La denominación del área del Prado como un Triángulo del Arte fue inicialmente sugerida por la prensa, y luego asumida por las autoridades culturales, a raíz de la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza en 1992. Dicho museo reforzaba cuantitativamente la oferta artística de la zona y cubría los huecos (cronológicos y de estilos) dejados por las colecciones de los otros dos centros. Así, se entendía que entre los tres, era posible recorrer la evolución del arte (mayormente pictórico) desde la Edad Media a la actualidad. Alrededor de sus vértices se concentra una amplísima oferta museística, a la que se ha unido el CaixaForum de La Caixa y próximamente el Centro Nacional de las Artes Visuales en la Antigua Fábrica de Tabacalera. Arts and Crafts
En los Estados Unidos se usan las denominaciones "Arts and Crafts movement", "American Craftsman", "American Craftsman Style" o "Craftsman Style", para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art déco, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante. Entonces, según este enfoque, el artesano se vuelve operario o artista o un poco de ambos. Historia de Madonna en el arte
Madonna conoció a Darlene Lutz en 1981, gracias al escritor de cultura y arte, Glenn O'Brien. Ella solía trabajar con la estilista Maripol y era en aquel entonces, una estudiante de la historia del arte que como Madonna, se había recién trasladado a Nueva York. Pronto, Lutz se convirtió en su asesora de arte oficial desde al menos 1983 al 2004. La relación empezó a deteriorarse a principios de la década de 2000, cuando, según Lutz, tuvieron una disputa al intentar vender unas pinturas del siglo xix en nombre de Madonna, valoradas colectivamente en alrededor de 500 000 dólares. No obstante, la cantante cambió de opinión luego de que las obras fueran entregadas al comprador; «ella quería que le devolvieran las pinturas y le dije que no. El acuerdo ya estaba hecho» recalcó la asesora. Madonna presentó una demanda en 2004, por el cual Darlene pagaría a la artista una cantidad concreta de dinero, a cambio de que la intérprete liberara cualquier reclamación «por razón de cualquier evento, transacción, otra relación o cualquier otra causa». Como resultado, Lutz puso a subasta varias objetos de la cantante por un fallo a su favor que un juez le concedió en 2018. Darlene comentó en una entrevista con Art News en 2019: «¿Por qué no debería poder ganar dinero con esto?. ¿Cuándo se convirtió en pecado ganar dinero?». Dijo además que si bien, Madonna cambió la cultura, no lo hizo sola. Ya que ella le ayudó a convertirse en un ícono de la cultura popular, le presentó el trabajo de Frida Kahlo y le ayudó a colectar más de 200 obras a lo largo de más de 20 años. Arte público de Barcelona
El acervo de arte público de la ciudad es extenso, si bien la mayoría de monumentos y estatuaria situada en lugares públicos procede del siglo XIX en adelante. El primer monumento situado en la vía pública de forma expresa y por encargo municipal que se conserva es el "Monumento a Santa Eulalia", en la plaza del Pedró, originaria de 1673; otras obras anteriores consideradas de arte público son o bien fuentes o bien estatuas situadas en hornacinas en las paredes de edificios públicos, si bien en muchos casos fueron encargos de carácter privado que han pasado a titularidad pública posteriormente. Cabe remarcar que hasta el siglo XIX la ciudad estaba encorsetada por sus murallas de origen medieval al tener la consideración de plaza militar, por lo que su crecimiento estaba limitado, y el poco espacio disponible se utilizaba preferentemente para las actividades diarias de la población, sin poder dedicar unos espacios adecuados para grandes monumentos. Numeración de las artes
Según , a partir de la obra de Ricciotto Canudo, el "Manifiesto de las siete artes", publicado en 1911 se denominó al cine como el séptimo arte para añadirlo a la lista. Antonio Canova
El 10 de agosto de 1802 el papa Pío VII, nombró al artista Inspector General de Antigüedades y Bellas Artes de los Estados Pontificios, cargo que ocupó hasta su muerte. Además de ser un reconocimiento a su obra escultórica, el nombramiento implicaba que también se le consideraba un experto en la capacidad de juzgar la calidad de las obras de arte y con un interés en la preservación de las colecciones papales. Entre las atribuciones del cargo estaba la responsabilidad para la emisión de autorizaciones de permisos para excavaciones arqueológicas y supervisar los trabajos de restauración, compra y exportación de antigüedades, así como la instalación y organización de nuevos museos en los Estados Pontificios. Incluso compró 80 piezas antiguas por su propia cuenta y las donó a los Museos Vaticanos. Entre 1805 y 1814 fue el que decidió sobre las becas de los artistas italianos para su perfeccionamiento en Roma. En 1810 fue nombrado presidente de la Academia de San Lucas, la institución artística más importante de Italia en su época y que se mantuvo como un bastión de estabilidad en el ámbito de la cultura romana a lo largo del turbulento periodo de la ocupación francesa, siendo confirmado en sus cargos por Napoleón. Su misión administrativa concluyó con la tarea de rescate en 1815, del expolio artístico arrebatado de Italia por el emperador francés, y su celo y esfuerzo para resolver el difícil trabajo de acomodar los intereses divergentes internacionales y recuperar diversos tesoros para su país, incluyendo obras de Rafael Sanzio, el "Apolo de Belvedere", el "grupo del Laocoonte" y la "Venus de Médici". Pintor de Eucárides
El nombre fue introducido en 1911 por John Beazley, un historiador clásico de la Universidad de Oxford que tenía un interés especial en los vasos áticos. A través de un examen minucioso de los detalles estilísticos, Beazley y otros eruditos reconocieron las piezas pintadas por el mismo artista. En este caso, el apodo aprecia el uso repetido por el pintor anónimo de inscripciones kalós que elogian la belleza de un joven. Un vaso con la inscripción ΚΑΛΟΣ ΕΥΧΑΡΙΔΕΣ ("kalos Eucharide"s, es decir, «Eucárides es bello») se convirtió en la fuente del nombre del artista. Música en dominio público
El primer sistema de notación musical fue creado hace aproximadamente 4000 años en Mesopotamia,  desde esa fecha (o incluso desde antes) hasta inicios del siglo XX la música es considerada de dominio público. Posteriormente, en China, hace dos mil quinientos años durante el gobierno de la Dinastía Zhou, se continuaba creando música y numerosos instrumentos, además de continuar utilizando los Bianzhong. En la tumba del marqués Yi of Zeng se encontraron instrumentos de la época con instrucciones sobre tonos, escalas y transposiciones. Allí es donde se crea el primer sistema de notación musical chino. Hace 1500 años, se comenzaron, además, a utilizar las notaciones Guqin en las que se detallan las tablaturas y posiciones de los dedos para tocar el instrumento. Posteriormente se crean las notaciones Gongche y jianpu, en el siglo X cuando Guido de Arezzo introdujo el solfeo y las notaciones musicales latinas. Todo esto sentó las bases para la preservación de música a nivel global que pertenece al dominio público desde los inicios de la historia musical hasta la actualidad. Orden Bávara de Maximiliano para las ciencias y las artes
La Orden Bávara de Maximiliano para las ciencias y las artes (en alemán: "Bayerischer Maximiliansorden für Wissenschaft und Kunst") se estableció por primera vez el 28 de noviembre de 1853 por el rey Maximiliano II. Se otorga para reconocer y recompensar logros excelentes y excepcionales en el campo de la ciencia y el arte. Desde 1933 en adelante (con el comienzo del régimen Nazi) la orden ya no fue otorgada, hasta 1980 cuando fue reinstalada por el entonces Ministro-Presidente del Estado Libre de Baviera Franz Josef Strauß . Joyeros de Múnich Hemmerle se han encargado de hacer la medalla desde 1905. Clasificación de las artes
En la dinastía Zhou de la antigua China, se esperaba la excelencia en el liù yì (六藝), o "Seis Artes", de los junzi (君子), o "caballero perfecto", según la definición de filósofos como Confucio. Debido a que estas artes abarcaban tanto los aspectos civiles como militares de la vida, sobresalir en las seis requirió que un erudito fuera muy completo y polimático. Las Seis Artes fueron las siguientes:Más adelante en la historia de la China imperial las Seis Artes se redujeron con la creación de un sistema similar de Cuatro Artes para la formación y esparcimiento de la casta de letrados funcionarios:Otro intento de definir sistemáticamente el arte como una agrupación de disciplinas en la antigüedad está representado por las antiguas musas griegas. Cada una de las nueve musas estándar simbolizaba y representaba una de las nueve ramas de lo que los griegos llamaban tekné, un término que en términos generales significa "arte" pero que también se ha traducido como "artesanía", y la definición de la palabra también incluye disciplinas científicas. Estas nueve ramas tradicionales fueron:Todas estas actividades artísticas están relacionadas con las letras, con los lenguajes musicales o gestuales, y no con las artes visuales (arquitectura, pintura ...). Estas consideraciones se remontan al período arcaico, a Homero, en la "Ilíada", implorando a la "Musa" que lo "inspire". Museo del Louvre
En 1803, cuando Napoleón Bonaparte era todavía cónsul, el recinto cambió su nombre por "Museo Napoleón". Aunque ya existía desde antes una política de apropiarse obras de arte de otros países durante las campañas militares desde el periodo de la Primera República y la Convención Nacional, el nombre del que sería el primer emperador de Francia se vincularía de manera importante con esta práctica. Las guerras napoleónicas significaron un notable incremento de las colecciones del Louvre, pues los ejércitos requisaron obras en los distintos países invadidos. Algunas de estas obras tuvieron que devolverse al caer el régimen napoleónico, pero algunas muy importantes quedaron en el Louvre, como "Las bodas de Caná" de Veronés. En 1801 la firma del Concordato obligó a devolver a las iglesias obras religiosas. Otras aportaciones de Napoleón I al Louvre fueron la finalización del emblemático "Cour Carrée" ("Patio Cuadrado") y el inicio del proyecto largamente planeado de juntar el Louvre con las Tullerías MAXXI
En julio de 1999, se aprueba la ley de creación del "Centro de documentación y promoción del arte contemporáneo", que comprende el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo de Arquitectura, financiando no solo su construcción sino también la adquisición de las primeras obras de su colección. La aprobación de la ley que establece la concesión y los primeros fondos para la operación y la creación de las colecciones del Centro permite que entren en funcionamiento inmediatamente sus primeras actividades del programa cultural mucho antes de la finalización de los trabajos. El Centro adopta su nombre nuevo y definitivo: MAXXI, Museo Nacional del Arte del siglo XXI. Columbia Records
En 1903, la compañía inicia la serie de discos de celebridades bajo el nombre "Columbia Grand Opera Record", contando con algunos de los más destacados cantantes líricos de la época como Ernestine Schumann-Heink, y . Eran discos de una sola faz con acompañamiento de piano, como generalmente se hizo hasta 1905 cuando los cantantes comenzaron a acompañarse con orquesta. Nombre convenido
La práctica de usar nombres genéricos para artistas sin identificar es más habitual en el estudio del arte de la antigüedad, especialmente de la época romana o con artistas del Renacimiento nórdico hasta alrededor del año 1430. Típicamente un seudónimo se aplica después de que se haya establecido por convención en relación a un grupo de obras, en las cuales se aprecian similitudes en el tema, el estilo, la iconografía, la fuente bíblica o ubicación física que permiten ser atribuidas con probabilidad a un individuo o taller, pero que debido a la falta de documentos, el nombre de ese individuo se ha perdido. La agrupación de obras bajo un nombre convenido puede a veces ser disputado; en algunos casos los historiadores del arte han argumentado que la realidad puede ser un grupo o escuela de artistas trabajando bajo una misma influencia o para una demanda comercial. Unir a un maestro llamado de manera genérica con una persona histórica es usualmente algo que parece tentador y excitante, y establecería la reputación de un historiador del arte. Historia de la pintura
La clasificación de la pintura como arte ha variado a lo largo del tiempo: en la antigüedad era considerada un mero oficio artesanal, mientras que se consideraban actividades artísticas las relacionadas con el intelecto. Galeno dividió en el siglo II el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual: entre las liberales se encontraban la gramática, la retórica y la dialéctica —que formaban el trivium—, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música —que formaban el quadrivium—; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy se consideran artesanía. No fue hasta el siglo XVI que empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de "arti del disegno" (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad —el diseñar— era la principal en la génesis de las obras de arte. Por último, en 1746, Charles Batteux estableció en "Las bellas artes reducidas a un único principio" la concepción actual de bellas artes, concepto que hizo fortuna y ha llegado hasta la actualidad. Premio Nacional de Artes Visuales
A partir de 1944 se redujo el nombre a Salón Nacional, y en 1946 se dividió en Salón Nacional para obras de pintura y escultura y además un Salón Nacional de Dibujo y Grabado, en 1950 se agregó un Salón Nacional de Acuarelas, fue a partir de 1952 que se unificó como Salón Nacional de Artes Plásticas, manteniendo las categorías técnicas en la premiación e incluyendo también una sección para libros ilustrados y artes aplicadas.  Fue en la segunda mitad de la década de 1960 que se institucionalizó oficialmente la sede expositiva al Museo de Bellas Artes del Parque Rodó (actual MNAV) y los premios adquisición pasaron oficialmente a enriquecer su acervo. Con Julio María Sanguinetti como presidente de la Comisión que cambiaría su nombre a Comisión Nacional de Artes Plásticas, y un marcado un cambio conceptual respecto a los salones tradicionales, se eliminaron las secciones técnicas en la premiación para dar lugar a nuevos medios y expresiones. Se mantuvo el compromiso de mantener la tradicional fecha inauguración del salón anual el 25 de agosto, Día de la Declaratoria de la independencia de Uruguay. Numeración de las artes
La enumeración de las artes proviene de una clasificación realizada durante el período helenístico, en la cual se fijó como al arte más importante a la arquitectura. De ella, se argumentaba, provenían todas las demás artes existentes. Cuadro de costumbres
La denominación fue creada en Inglaterra por Richard Steele y Joseph Addison ("essay or sketch of manners"), y pronto se traspasó a Francia ("tableau de moeurs") y a España ("cuadro de costumbres"). En la actualidad los cuadros de costumbres poseen una gran importancia para la Sociología y como fuente histórica y sus procedimientos y técnicas fueron asimilados por las estéticas posteriores del Realismo y el Naturalismo. Mesonero Romanos definía el cuadro de costumbres como "pintura filosófica o festiva y satírica de las costumbres populares". Se desarrolló sobre todo durante el Romanticismo, cuando la Revolución industrial presagiaba ya que una serie de valores y tradiciones rurales podrían perderse con el desmesurado desarrollo del capitalismo urbano y el éxodo masivo del campo a la ciudad. También sirvió para describir con el Realismo del siglo el espíritu de la nueva y boyante clase social, la burguesía, que conquistó el poder en ese periodo histórico. Ya se encuentran, sin embargo, esbozos costumbristas en el siglo mezclados con una presunta moralidad en Juan de Zabaleta, o en numerosos entremeses teatrales de esa misma época. Y aún se pueden encontrar notas costumbristas anteriores en la obra del Arcipreste de Talavera y en otros autores. Estudio de la historia del arte
Aunque desde el comienzo del Renacimiento se escribían y divulgaban impresiones personales sobre el arte y los artistas (un ejemplo precoz fue Lorenzo Ghiberti), no fue hasta el Manierismo cuando el pintor y escultor toscano Giorgio Vasari, el autor de las "Vite" ("Le vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri" -"Vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos"- 1542–1550; segunda edición ampliada en 1568), establece el primer fundamento de la historiografía artística, con énfasis en la progresión y el desarrollo del arte. La suya era una relación personal e histórica, que mostraba biografías de artistas italianos individuales, muchos de los cuales eran sus propios contemporáneos y conocidos personalmente por él. El más renombrado era Miguel Ángel, y Vasari se deja deslumbrar por él, incluso ofuscándose en algunos extremos. Las ideas de Vasari sobre el arte se mantuvieron hasta el siglo XVIII, cuando la crítica procuró nivelar su peculiar estilo de historia personalizada. Museo de Antioquia
El maestro Fernando Botero en 1978 hizo su primera oferta de donación de obras a la Institución. Por la poca eficacia que tenía su razón social, plantea que se llame Museo de Antioquia, para proporcionarle una identidad importante y referida con la cultura del Departamento. El cambio fue aceptado por la Gobernación de Antioquia. Se expidió una resolución en ese tema, con el argumento de que la entidad es autónoma en la totalidad de los manejos, incluido en su cambio de nombre, si esto se consideraba necesario. Historia de las artes decorativas
En 1925 se celebró en París la "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes", que supuso el punto de arranque del "art déco". En realidad, la exposición de 1925 fue la oficialización de un movimiento que se llevaba gestando hacía unos años —desde el fin de la Primera Guerra Mundial— como estilo sucesor del modernismo: en 1919 Louis Süe y André Mare crearon la "Compagnie des Arts Français", caracterizada por un mobiliario de inspiración tradicional, pero exuberante decoración, como su sala de música para el pabellón "Un Musée d'Art Contemporain" de la exposición de 1925. Este estilo, que perduró hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial, supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. Dirigido principalmente a un público burgués, destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). Sin embargo, el aspecto "kitsch" de muchas de sus producciones provocó que fuese denostado por las corrientes de vanguardia y no fue hasta los años 1960 cuando fue revalorizado por movimientos como el "pop art", que buscó inspiración en algunas de sus obras. Estudio de la historia del arte
Los estudios sistemáticos de historia del arte se inician en la Francia del siglo XIX con Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy ("Dictionnaire historique d'architecture", 1832) y el propio arquitecto historicista Eugène Viollet-le-Duc ("Diccionnaire d'architecture", 1868, cuyos criterios sobre la reconstrucción "neogótica" de monumentos medievales eran más bien los de una recreación que los de una restauración respetuosa, propia de la sensibilidad conservacionista posterior); además de, en otros ámbitos, Jules Quicherat (1814-1882), Marcel Reymond, Séroux d'Agincourt, Jules Labarte, Jules Renouvier y Louis Dimier (comprometido activamente en política con los monárquicos de extrema derecha -"Action Française"-). Desde una perspectiva actual, se suele acusar a la historiografía francesa del siglo XIX de "etnitización" y construcción de "mitos raciales". Hippolyte Taine, influido por Auguste Comte, fue el primer catedrático de historia del arte en la "École des Beaux-Arts" de París. Historia de las artes decorativas
Se denomina arte precolombino al producido en el continente americano antes del descubrimiento de América por Cristóbal Colón en 1492. Aquí florecieron a lo largo del tiempo diversas culturas, entre las que destacan los mayas y aztecas en México y los incas en Perú. Estos pueblos trabajaron la piedra con finalidad ornamental, como se denota en el templo tolteca de Coatepantli, decorado con un friso de serpientes devorando hombres, o el templo mixteca de Mitla, con decoración de relieve en forma de grecas; también son remarcables los altorrelieves de Uxmal y Chichén Itzá. Estas culturas también trabajaron piedras preciosas y semipreciosas como turquesa, jade, ónice, ágata, jaspe, serpentina y cristal de roca, así como nácar, coral y obsidiana. Una de sus principales manifestaciones fue la cerámica, realizada sin torno, en modelado o vaciado. Presenta diversas morfologías —una de las más típicas la de trípode—, con decoración por incisión con punzón, mediante estampado con bloques de piedra o terracota grabados, pintada o bien mediante alveolado o ahuecado. En México se han hallado urnas funerarias y vasos con cabeza de forma caricaturizada entre los toltecas, vasos mixtecas, vasos y trípodes mayas o las máscaras de terracota totonacas. Pero las mejores realizaciones son del Perú, con unos primeros exponentes en la cultura de Chavín, en la de los mochicas, los chimús y en Nazca, hasta desembocar en los mayas, entre los que destacan las ánforas puntiagudas con dos asas, con decoración pintada de tipo geométrico. Escuela de arte
El currículo conceptual comenzó a fines del siglo XX y se centró no solo en crear obras de arte, sino también en presentar y describir el proceso de pensamiento detrás del trabajo. Fue entonces cuando la idea de criticar las obras de otros con fines educativos se popularizó en América del Norte (ya que el concepto se había cerrado rápidamente en Europa). Esto sirve como modelo para los programas de las escuelas de arte de hoy en día. Vasili Polénov
Los niños de las aldeas vecinas eran invitados regularmente a representaciones teatrales en la propiedad, "Viejo Borok". En 1918, después de la Revolución, la casa-museo se convirtió en el primer museo nacional y pasó a llamarse Polenovo a la muerte del artista, en 1927. Su nombre oficial es hoy "Museo-Memorial de las Artes y la Historia y Reserva Natural Vasili Dmítrievich Polénov". Nombre convenido
En historia del arte, un nombre convenido (en inglés, "notname"; en francés, "nom de convention", a veces «nombre de necesidad» o «contingente») es un nombre inventado que se da a un artista cuya identidad se ha perdido. La práctica surgió de la necesidad de dar a tales artistas y sus obras, típicamente sin títulos o con títulos genéricos, un aceptable, aunque insatisfactorio, agrupamiento para evitar la confusión a la hora de catalogar. Las frases nombre provisional, nombre de conveniencia y nombres de emergencia son a veces usados para describir a los maestros anónimos; se usó en el pasado "nonce name" («nombre por ahora» en inglés). Pintor de las inscripciones
Pintor de las inscripciones es el nombre convencional dado al antiguo ceramógrafo griego considerado el líder del estilo que Andreas Rumpf, el erudito que primero lo identificó y clasificó, llamó calcideo. Activo entre el 560 y el 530 a. C., quizás en Regio, una colonia de la Magna Grecia, el Pintor de las inscripciones decoró grandes vasos como ánforas, hidrias y cráteras con figuras negras. Sus orígenes no se conocen todavía; se cree que las obras que se le atribuyen ya están maduras, por lo que el período de formación del autor sigue siendo desconocido; el nombre deriva de las inscripciones en el alfabeto calcideo presentes en el grupo de vasos que se le atribuyen y que se denominan "Grupo de las ánforas inscritas". Educación en los museos
A la vuelta del siglo XX, los museos de arte aún eran instituciones nuevas y desconcertantes para el visitante común, a quien se le veía vagar a través de las salas sin tener una idea clara de cómo apreciar o estudiar los objetos que se exhibían. En 1906, el arquitecto J. Randolph Coolidge Jr. fue nombrado director temporal del Museo de Bellas Artes de Boston, y puso en práctica ideas para proveer un sistema de guía en las galerías. Un artículo publicado en el boletín de junio del museo ese mismo año titulado "The Educational Work of the Museum: Retrospect and Prospect" (El trabajo educativo del museo: retrospección y prospección"), incluía uno de los primeros usos del término "docente" y la descripción de su función: El programa de docentes tuvo tal éxito al juzgar por la cantidad de personas que tomaron ventaja del servicio público ofrecido por el museo que, eventualmente, se convirtió en un programa público ofertado por casi todos los museos de arte en Estados Unidos. No obstante, esta nueva práctica desencadenó discusiones en torno a las metodologías y los objetivos de los docentes. Estas discusiones reflejan la dicotomía en el pensamiento de la época con respecto a la oposición entre educación y el placer estético; la dialéctica entre estas dos ideas, aparentemente contradictorias, tuvieron un rol importante en los debates subsecuentes sobre las aproximaciones a la enseñanza a museos. Historia de la notación en la música occidental
El "Ars Nova", estilo musical francés inaugurado por Philippe de Vitry (1291-1361) en la década de 1310 y continuado hasta la década de 1370, se distingue de los estilos anteriores por la aparición de dos innovaciones en la notación del ritmo, descritas en el tratado "Ars nova" de Vitry y en los tratados de Jehan des Murs. La primera innovación permitía la división doble («imperfecta») frente a la triple («perfecta») tradicional; la segunda hacía posible la división de la semibreve, hasta ese momento el menor valor posible de una nota, en mínimas. El sistema resultante ofrecía nuevos tipos de compás y permitía una flexibilidad rítmica mucho mayor, incluyendo, por primera vez, la sincopación. En torno a 1340, Des Murs consideró una innovación más, los «signos de mensuración», antecesores de los actuales signos de compás. Tesoro Nacional de Japón
El 5 de junio de 1897 fue promulgada la (Ley número 49), la primera ley sistemática para la preservación del arte y arquitectura tradicionales japonesas. Redactada bajo la dirección del historiador de la arquitectura y arquitecto Itō Chuta, la ley, de 20 artículos, estableció la financiación gubernamental para la conservación de los edificios y la restauración de las obras de arte. La ley aplicaba a la arquitectura, y piezas de arte relacionadas con una estructura arquitectónica, con la obligatoriedad de que se estableciese una singularidad histórica y una calidad excepcional (art. 2). Las solicitudes de apoyo financiero se hicieron al Ministerio del Interior (art. 1), y la responsabilidad para la restauración o conservación estaba en manos de funcionarios locales (art. 3). Las obras de restauración estuvieron financiadas directamente de las arcas nacionales (art. 8). Una segunda ley fue aprobada el 15 de diciembre de 1897, que proporcionó disposiciones complementarias para designar las obras de arte en posesión de los templos o santuarios como , y permitió a la arquitectura religiosa ser designada como . Aunque los criterios principales fueron «superioridad artística», «valor por la relevancia histórica y la riqueza de la asociación histórica», la edad de la pieza fue un factor adicional. Las obras de arte podían ser designadas en cualquiera de las siguientes categorías: pintura, escultura, caligrafía, libros y artesanía; las espadas fueron añadidas posteriormente. La protección de la ley se limitaba a elementos en las instituciones religiosas, mientras que los artículos en manos privadas seguían sin estar protegidos. La subvención para la restauración de obras de arte y estructuras se incrementó de 20 000 yenes a 150 000 yenes, y se fijaron las multas por la destrucción de bienes culturales. Los propietarios estaban obligados a registrar los objetos designados en los museos de nueva creación, a los que se concedía el derecho de tanteo en caso de venta. Inicialmente, 44 templos y santuarios, y 155 reliquias fueron designados bajo la nueva ley, incluido el "kon-dō" de Hōryū-ji. Lukas Moser
Se cree que hubo una alteración de la pintura en el siglo XIX, pintando encima de la Magdalena. Gerhard Piccard descubrió este repintado gracias a sus cuidadosas investigaciones sobre la obra y por estudio de las fuentes. Piccard considera que la inscripción tipográficamente no pertenece a la época de la creación de la obra, y que podría atribuirse a principios del siglo XVIII. Desde el punto de vista etimológico, la palabra «arte» no era usado con ese significado a finales de la Edad Media. Los pintores de aquella época trabajaban en gremios o talleres y ejecutaban una pintura solo después de que se les encargara. El cliente hacía el encargo señalando específicamente sus contenidos e influía en su ejecución, pues era el responsable de todos los costes de producción . Por ello carecería de sentido que un pintor tardomedieval realizara semejante inscripción. Solo en fechas posteriores, del siglo XIX hasta la actualidad, podría tener sentido esa inscripción, pues ya no existían gremios ni talleres, pintaban lo que deseaban y podían tener problemas para subsistir si el público no entendía o no deseaba su arte y por lo tanto no lo compraba. La profesión de pintor y todas las condiciones económicas y sociales han cambiado respecto a las de la Baja Edad Media. No obstante, aún no se ha clarificado totalmente el momento de dicha inscripción. Crítica de arte
La crítica de arte entendida como valorización o evaluación e interpretación de las obras de arte ha tenido, entonces, un punto de partida en el siglo XV, cuando el boloñés Giovanni Battista Agucchi publicó una larga descripción de las obras de Annibale Carracci, seguida inmediatamente luego por Bellori. Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York
La historia del arte se convirtió en un campo de estudio en la Universidad de Nueva York en 1922, cuando el joven erudito y arquitecto Fiske Kimball fue nombrado "Profesor Morse de Literatura de las Artes y el Diseño". En 1932, el programa de posgrado en historia del arte de la Universidad de Nueva York se trasladó al Upper East Side para enseñar en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte. En 1936, el Departamento de Graduados se mudó al segundo piso del Hotel Carlyle en Madison Avenue. Arte efímero
La costumbre de pintar o escribir en las paredes es tan antigua como la invención de la escritura, existiendo numerosas evidencias en hallazgos arqueológicos, especialmente en Pompeya y Herculano, donde se conservaron gracias a la ceniza volcánica. Desde antaño ha sido habitual escribir el nombre propio, o bien insultos, declaraciones de amor, dibujos y caricaturas. En 1888 se atribuyó a Jack el Destripador una inscripción realizada con sangre en el escenario de uno de sus asesinatos, que decía "The Juwes are not The men That Will be Blamed for nothing" («los judíos no son los hombres que serán culpados sin motivo»). En la Segunda Guerra Mundial se hizo famoso el lema "Kilroy Was Here" («Kilroy estuvo aquí»), realizado por un soldado en diversos escenarios bélicos. El grafiti moderno comenzó en los años 1960 en Filadelfia, donde un joven apodado Cornbread empezó a realizar unas firmas ("tags") para llamar la atención de una chica. Con el tiempo la costumbre se extendió y fue recogida por la prensa, iniciando un efecto de imitación que pasó de Filadelfia a Nueva York, y luego por todo Estados Unidos, para pasar posteriormente a nivel mundial. Iniciado por jóvenes afroamericanos, el movimiento fue la fórmula de expresión de las minorías estadounidenses, que lo usaban como una forma de protesta y reivindicación de sus derechos. Desde finales de los años 1980 y en los años 1990 se fueron adoptando nuevas técnicas como la aplicación de aerosol con plantillas, y el pegado de carteles y pegatinas, en una modalidad llamada "post-graffiti" o arte callejero ("street art"). Maestros anónimos
Recién en el Renacimiento, los artistas adquirieron un nombre reconocido por sus iguales (Giorgio Vasari les lista en su obra "Le Vite") y reciba un nombre personal, que puede ser: A principios del siglo , ya establecida la noción de pintor reconocido, los historiadores del arte atribuyen las obras inventariadas a pintores conocidos. Después repasan estas atribuciones y asignan a pintores anónimos las obras que no concuerdan con las de su supuesto autor. Por ejemplo, Bernard Berenson había atribuido en 1900 un conjunto de obras a Pier Francesco Fiorentino, pero en 1928, Mason Perkins distinguió un subconjunto que atribuyó a un maestro anónimo, al que dio el nombre de Pseudo Pier Francesco Fiorentino. El triunfo de Baco (Velázquez)
La obra aparece mencionada por primera vez, con el título de «pintura de Baco», en una cédula de Felipe IV fechada el 22 de julio de 1629 ordenando a su tesorero general el pago de 100 ducados por la pintura «que [Velázquez] ha hecho para mi servicio». Artes decorativas
Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas con la invención de la escritura, en las que destacan las grandes civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el río Amarillo. Escenografía
En lo que se refiere al primer uso del término fue Antonio Caimi en 1862, quién describe una categoría de artistas practicando "pittura scenica" e "l'architettura teatrale", inspirada en los artistas Ferdinando Galli-Bibiena, quien también fue conocido como pintor "quadratura" o pintura arquitectónica (normalmente imágenes de trompe-l'œil de la arquitectura en techos o paredes). Caimi también llama a este "Arte escenografía," y señala que requirió maquinaria ingeniosa para crear conjuntos móviles o crear ilusiones de ambientes. La familia Galli de Bibiena eran una familia dedicada al arte escenográfico que surgió a finales del en Bolonia, pero se extendió por el norte de Italia, a Austria y Alemania. Otra gran familia conocida por la escenografía teatral eran miembros del apellido Quaglio. Perú
En el año 2001 la Unesco inició un programa denominado . Ese mismo año el patrimonio oral y manifestaciones culturales del pueblo zápara fue proclamado como integrante de la lista de obras maestras. Posteriormente en 2005, el arte textil de Taquile también fue incluido de dicha lista. Este programa concluyó en 2006 con la entrada en vigor de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial y las obras maestras pasaron a formar parte de la . Museo de arte
Aunque el museo como edificio dedicado a la exposición de obras de arte —generalmente bajo administración pública— es un concepto moderno, se tiene constancia de colecciones de obras de arte desde la Edad antigua. Numerosos templos religiosos de la antigüedad albergaban obras de arte, ya fuese como decoración o como ofrendas a la divinidad, por lo que en cierta medida actuaban como museos. En el período helenístico aparecieron algunas de las primeras colecciones de arte cercanas al sentido moderno de acopio de obras para su conservación: así, Atalo I de Pérgamo atesoró en la acrópolis de su ciudad diversas obras de arte procedentes del templo de Afaya en Egina y otros lugares; Ptolomeo I de Egipto fundó el Museo de Alejandría ("Museion"), el primero de ese nombre, en honor a las Musas. El coleccionismo pasó a Roma, donde los patricios gustaron en sus villas de atesorar obras de arte, abriéndolas en ocasiones al público, como hicieron Cayo Fabio Píctor y Marco Vipsanio Agripa. Movimiento artístico
Por ejemplo, para las creaciones culturales de la civilización occidental desde el siglo XVII hasta principios del siglo XVIII, se ha acuñado el término "barroco;" aunque los productos artísticos de las distintas "artes" no tengan una conexión evidente entre sí, se designan como arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca o literatura barroca. Historia de las artes decorativas
Es el arte de los primeros tiempos del cristianismo, surgido en el seno del Imperio romano, primero en la clandestinidad y posteriormente de forma oficial, tras la adopción del cristianismo por el emperador Constantino I el año 313. Se desarrolló notablemente el mosaico, generalmente con temas bíblicos y de los santos. Unos primeros ejemplos destacables se dan en las basílicas de Santa Pudenciana y Santa María la Mayor en Roma, tras los que destacan por su excelencia los de Rávena, que influirán en el arte bizantino: en el destaca el mosaico de la "Pastoral celeste" en el Mausoleo de Gala Placidia, así como las escenas evangélicas y las procesiones de santos de San Apolinar el Nuevo. Antiguo maestro
En los siglosVIII y XIX, el término era a menudo entendido como aquellas obras que habían comenzado alrededor de 1450 o 1470; las pinturas realizadas antes de ese periodo eran denominadas «primitivas», pero ya no se hace esta distinción. El Oxford English Dictionary define el término como «un artista preeminente del período anterior al moderno; esp. un pintor europeo occidental preeminente de los siglosXIII a XVIII». La primera cita datada es de 1696, en el diario de John Evelyn: «Mi L: Pembroke... me mostró diversas imágenes excepcionales de muchos de los antiguos y mejores maestros, especialmente el de M: Ángel... y un gran resumen de los mejores dibujos de los antiguos maestros». El término también se utiliza para referirse a una pintura o escultura hecha por un antiguo maestro, uso que data de 1824. Hay términos comparables en holandés, francés y alemán; los holandeses pueden haber sido los primeros en hacer uso de tal término, en el siglo XVIII, cuando "«oude meester»" se refería principalmente a los pintores del Siglo de oro neerlandés del siglo anterior. El libro "Les Maitres d'autrefois", de 1876, escrito por Eugène Fromentin puede haber ayudado a popularizar el concepto, aunque también se utiliza en francés el término «vieux maîtres». La famosa colección en Dresde en la Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos, es uno de los pocos museos que incluye el término en su nombre real, aunque muchos más lo utilizan en el título de departamentos o secciones. La colección en el museo de Dresde se detiene fundamentalmente en el período Barroco. Ángela Gurría
En ese entonces, la escultora firmó sus obras bajo los seudónimos masculinos: Alberto Urría o Ángel Urría debido a que anticipó la desaprobación que surgiría al entregar sus trabajos con su nombre real. Fue logrando éxito y reconocimiento cuando se dedicó a la creación de obras públicas monumentales en varias partes de México. Su primera pieza monumental realizada en 1965 fue “La familia obrera” y fue seguida en 1967 por la creación de una puerta de celosía de 18 metros de alto y 3,5 metros de ancho para la entrada principal de la fábrica establecida por el Banco de México para la fabricación de billetes del banco. Por esta obra, recibió su primer premio en la III Bienal Mexicana de Escultura del 1967. Historia del arte
El origen de la historia del arte como tal data del sigloXVI, considerándose las "Vidas" de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. El método que siguió el erudito florentino era la biografía del artista. Esta metodología fue la que se impuso hasta el sigloXVIII, cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística. Siete maravillas del mundo antiguo
La primera mención de una obra romana en algún listado que se tenga noticia la da Gregorio Nacianceno en su libro "De septem mundi espectaculi", como recoge . El de Nacianzo ponderó: Artes decorativas
Es el arte de los primeros tiempos del cristianismo, surgido en el seno del Imperio romano, primero en la clandestinidad y posteriormente de forma oficial, tras la adopción del cristianismo por el emperador Constantino I el año 313. Se desarrolló notablemente el mosaico, como el de la "Pastoral celeste" en el Mausoleo de Gala Placidia (). También destacó la miniatura, de la que se distinguen dos escuelas: la helenístico-alejandrina ("Rollo de Josué", Biblioteca Vaticana) y la siria ("Evangeliario de Rábula", Florencia). Del resto de artes aplicadas destacó la eboraria (cátedra de Maximiano, Rávena), el vidrio, el bronce y el tejido, especialmente este último en el arte copto. Clasificación de las artes
El trabajo del artista francés Marcel Duchamp de las décadas de 1910 y 1920 allanó el camino para los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales (los readymades, por ejemplo) que desafiaron las categorizaciones anteriores. El arte conceptual surgió como un movimiento durante los años sesenta. La primera ola del movimiento de "arte conceptual" se extendió desde aproximadamente 1967 hasta 1978. Los "conceptuales" tempranos como Henry Flynt, Robert Morris y Ray Johnson influyeron en el movimiento posterior y ampliamente aceptado de artistas conceptuales como Dan Graham, Hans Haacke y Douglas Huebler. Alta cultura
En las tradiciones occidentales y en algunas tradiciones del este de Asia, el arte que demuestra la imaginación del artista recibe el estatus de arte superior. En Occidente, esta tradición comenzó en la antigua Grecia, fue reforzada en el Renacimiento y por el Romanticismo, que eliminó la jerarquía de los géneros dentro de las bellas artes, que se estableció en el Renacimiento. En China había una distinción entre la pintura de los literatos por parte de los académicos y el trabajo producido por artistas comunes, que trabajaban en estilos muy diferentes, o las artes decorativas, como la porcelana china, que eran producidas por artesanos desconocidos que trabajaban en grandes fábricas. Tanto en China como en Occidente, la distinción era especialmente clara en la pintura de paisajes, donde, durante siglos, las vistas imaginarias, producidas a partir de la imaginación del artista, se consideraron obras superiores. Pablo Neruda
Aunque nunca aclaró el origen de su nombre artístico, del cual habría leído un cuento por esos años que le causó una honda impresión. Sin embargo, la obra de Jan Neruda se publicó entre 1857 y 1883, y es poco probable que Neruda haya tenido acceso a traducciones entonces —en lugar de esto, se presume que su apodo está inspirado más bien en un personaje de la novela "Estudio en escarlata" (1887), de Arthur Conan Doyle, donde, en el capítulo IV, el personaje Sherlock Holmes dice ir a escuchar un concierto de Norman-Neruda, una famosa violinista, Guillermina María Francisca Neruda, casada con el músico sueco Ludwig Norman, conociéndosela entonces como Wilma Norman-Neruda—. Historia de la arquitectura
La primera tentativa de respuesta a la cuestión "tradición x industrialización" (o entre las "artes y los oficios") se dio con el pensamiento de los románticos John Ruskin y William Morris, proponentes de un movimiento estético que fue conocido justamente con el nombre de "Arts & Crafts" (cuya traducción literal es "artes y oficios"). El movimiento propuso la investigación formal aplicada a las nuevas posibilidades industriales, viendo en el artesano una figura a destacar: para ellos, el artesano no debería extinguirse a causa de la industria, sino hacerse su agente transformador, su principal elemento de producción. Con la disolución de sus ideales y la dispersión de sus defensores, las ideas del movimiento evolucionaron, en el contexto francés, hacia la estética del "Art nouveau", considerado el último estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX.Tras las primeras décadas del siglo XX se hizo muy clara una distinción entre los arquitectos que estaban más próximos de las vanguardias artísticas en curso en Europa y aquellos que practicaban una arquitectura conectada a la tradición (en general de características historicistas, típica del eclecticismo). Aunque estas dos corrientes estuvieran, en un primer momento, llenas de matices y medios términos, con la actividad "revolucionaria" propuesta por determinados artistas, y principalmente con la actuación de los arquitectos conectados a la fundación de la Bauhaus en Alemania, con la Vanguardia rusa en la Unión Soviética y con el nuevo pensamiento arquitectónico propuesto por Frank Lloyd Wright en los EE. UU., la diferencia entre ellas queda nítida y el debate arquitectónico se transforma, de hecho, en un escenario poblado de partidos y movimientos caracterizados. Arte prerrománico
El arte prerrománico es la denominación historiográfica del primer gran período del arte medieval en Europa Occidental, coincidente en el tiempo con la Alta Edad Media (siglos VI al X —o desde finales del V a comienzos del XI—). Fue acuñada por Jean Hubert en 1938 ("L'Art préroman"). Arts and Crafts
Particularmente estridente fue la llamada a la jerarquía artística que había estado en funcionamiento desde el Renacimiento, y que priorizaba la arquitectura, la pintura y la escultura por encima de las llamadas artes "mayores". Si bien nunca se puede negar la importancia de la mecánica y la escultura, los artistas de Arts and Crafts otorgaron un nuevo valor a las artes mecánicas y aplicadas e insistieron en que éstas se convirtiesen en una parte integral de cualquier diseño más grande. Ya no era suficiente confiar en la casualidad o capricho personal para la elección de los sillones en una sala de estar o el ahorcamiento de un tapiz en una iglesia. Con el objetivo de reflejar la noción de la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk, que el compositor Richard Wagner había descrito como el objetivo de sus producciones de ópera a mediados del siglo XIX, cada elemento tenía que ser diseñado como parte de un todo orgánico. Crítica de arte
En efecto, para que se pueda encontrar a una crítica de arte explícita y sistemática habría que esperar al iluminismo francés durante el "Siglo de las Luces" (el siglo XVIII) Denis Diderot, quien es considerado el primer crítico de arte moderno, por sus comentarios sobre las obras de arte expuestas en los salones parisinos, realizados en el Salón Carré del Louvre desde 1725. Estos salones, abiertos al público, actuaron como centro difusor de tendencias artísticas, propiciando modas y gustos en relación al arte, por lo que fueron objeto de debate y crítica. Diderot escribió sus impresiones sobre estos salones primero en una carta escrita en 1759, que fue publicada en la "Correspondance littéraire" de Grimm, y desde entonces hasta 1781, siendo el punto de arranque del género. Taxonomía de plantas cultivadas
La historia de la taxonomía de plantas cultivadas empieza desde la primera selección de plantas que ocurrió durante la Revolución Neolítica agraria hasta el primer nombre humano registrado de la selección de plantas por los romanos. La denominación y clasificación de los cultígenos siguió un camino similar al de todas las plantas hasta 1953 cuando el primer "Código de Plantas Cultivadas" se decretó el cual estableció formalmente la categoría de clasificación cultígena de cultivares. Desde ese entonces, la clasificación y denominación de cultígenos ha seguido su propio camino. Cecilia de Roma
Pasaron más de mil años para que Cecilia fuera proclamada patrona de la música. En 1594, el papa Gregorio XIII la canonizó y le dio oficialmente el nombramiento, por «haber demostrado una atracción irresistible hacia los acordes melodiosos de los instrumentos. Su espíritu sensible y apasionado por este arte convirtió así su nombre en símbolo de la música». Artes decorativas
En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. Con un sistema político fuertemente centralizado y jerarquizado, su arte era intensamente religioso y simbólico. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte copto y bizantino. Arte parto
Lo que ahora se describe como el arte de los partos desde el final del siglo XIX, no fue conocido hasta entonces. En aquel momento desde Palmira fueron enviadas numerosas esculturas a Europa. En ellas se presentaban a los hombres y las mujeres con túnicas, ricamente decoradas con numerosas joyas, y a menudo en las ruinas de una ciudad asociada con las fuentes literarias romanas con relación a la reina Zenobia. Sin embargo, no se encontró ningún término distintivo para el arte producido, considerándose simplemente una variante local del arte romano. El uso generalizado de este arte, incluso más allá de las fronteras del imperio Parto, planteó, a los estudiosos, la cuestión de si era adecuado para definir a los partos, de acuerdo con Daniel Schlumberger y por lo que en general se indica actualmente en las investigaciones, estuvo probablemente influido por el arte de la capital parta de Ctesifonte. Macchiaioli
El nombre fue adjudicado a estos artistas de forma despectiva por un redactor del periódico "Gazzeta del Popolo" en 1862, en ocasión de la I Exposición Nacional Italiana. Fue Telemaco Signorini quien lo asumió con una nueva perspectiva positiva y fue aceptado por el grupo como designación colectiva. Para este grupo, incluso, la «mancha» era un arma, un símbolo, era su bandera en el mundo del arte. En palabras de Diego Martelli ("Gazzetino della Arti del Disegno"): Museo Smithsoniano de Arte Americano
El Smithsonian American Art Museum abrió sus puertas al público en su ubicación actual en 1968, cuando el Instituto Smithsoniano renovó el antiguo edificio de la Oficina de Patentes con el fin de mostrar su colección de obras de arte. Anteriormente la colección —que se inició en 1829— se exhibió en el edificio Smithsoniano del National Mall. El Smithsonian American Art Museum ha tenido muchos nombres en los últimos años: "Smithsonian Art Collection, National Gallery of Art, National Collection of Fine Arts y National Museum of American Art". El museo adquirió su nombre actual en octubre del 2000. Estudio de la historia del arte
La crítica de arte, que se había iniciado en el XVIII con el enciclopedista Denis Diderot, tuvo su máxima expresión en el siglo XIX con Charles Baudelaire, que comenzó con la crítica a los salones de 1845 hasta 1858, y publicó como obras extensas "Curiosités exthétiques" y "L'art romantique". Ritmo de Otoño (Número 30)
Pollock tituló a la pintura "Número 30" y fue expuesto con ese nombre en la Galería Betty Parsons en 1951 y en el Museo de Arte Moderno, como parte de su exposición "15 estadounidenses", en 1952. De 1947 a 1952, Pollock dio a sus obras números en lugar de títulos con el fin de no distraer a los espectadores con el significado implícito. La numeración de los títulos no parece corresponderse con el orden en el que las obras fueron hechas. Cuando el cuadro fue expuesto en la Galería Sidney Janis en 1955, llevó el título "Ritmo de Otoño," sin referencia al número. Pollock no indicó por qué se cambió el título de la pintura; el historiador del arte Timothy J. Clark cree que "Ritmo de Otoño" fue un título puesto por el propio Pollock, frente a otras obras de este período, que recibieron títulos a sugerencia de un amigo de Pollock, el crítico Clement Greenberg. En 1957, el Museo Metropolitano de Arte adquirió la pintura de Pollock por $20.000 junto con otra obra que ya se encontraba en la colección del Met, "Número 17", de 1951. El conservador Robert Beverly Hale fue quien propuso y supervisó la adquisición. Desde entonces, el trabajo ha sido expuesto generalmente como "Ritmo de Otoño (Número 30)". Arte relacional
La primera utilización de la denominación “arte relacional” se le atribuye a Nicolas Bourriaud, antiguo codirector del Palais de Tokyo de París, quien utilizó este nombre como título de su libro "Esthétique relationnelle" (Estética Relacional) (Les presses du Réelle, 1998) y ya anteriormente, en 1996, en el catálogo de la exhibición “Traffic” comisariada por él mismo. Nombre artístico
En algunas épocas, sobre todo en el siglo XIX, era usual que las mujeres escritoras utilizaran seudónimos masculinos para presentar sus obras, a fin de evitar el rechazo del público que no aceptaba la intromisión femenina en estas facetas. Así, puede citarse el caso de Aurora Dupin, novia de Fréderic Chopin, quien firmaba sus obras como George Sand (en algunas traducciones antiguas en español se usaba también el nombre "Jorge Sand"). Asimismo, las hermanas Brontë (Charlotte, Emily y Anne) publicaron sus primeras obras con los nombres de "Currer, Ellis" y "Acton Bell" respectivamente. Karen Blixen publicó su obra "Memorias de África" (1937) originalmente con el nombre de "Isak Dinesen". Casos más recientes son el de J. K. Rowling o K. A. Applegate, quienes usan las iniciales de sus nombres (femeninos) para evitar el rechazo de lectores sobre todo masculinos. Historia del mueble
Historia del mueble" o del mobiliario"' son denominaciones convencionales para designar la evolución de las artes decorativas aplicadas al mobiliario. Tradicionalmente ha sido considerada un "arte menor" o artesanía, aunque se revalorizó con las demás artes asociadas con el diseño a partir de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX ("arts and crafts", "art nouveau", "art déco", "Bauhaus"). Op-art
La revista "Time Magazine" acuñó el término "op art" en 1964, en respuesta al espectáculo de Julian Stanczak "Optical Paintings at the Martha Jackson Gallery", para referirse a una forma de arte abstracto (específicamente arte no objetivo) que utilizaba ilusiones ópticas. Algunas obras que ahora se consideran como "op art", ya se habían producido varios años antes de la publicación artículo de "Time Magazine". Por ejemplo, la obra de Victor Vasarely "Zebras" (1938) está formada completamente por rayas blancas y negras curvilíneas que no están contenidas por líneas de contorno, y las rayas parecen fundirse y brotar del fondo circundante. También los primeros paneles "dazzle" ('deslumbramiento') en blanco y negro que John McHale instaló en la exposición «This Is Tomorrow» (1956) y en sus series "Pandora" en el Instituto de Artes Contemporáneas en 1962 muestran ya tendencias de arte proto-op art. Martin Gardner presentó el op art y su relación con las matemáticas en su columna de juegos matemáticos de julio de 1965 en "Scientific American". En Italia, Franco Grignani, que originalmente se había formado como arquitecto, se convirtió en una protegonista destacado del diseño gráfico en el que el op art y el arte cinético fueron fundamentales. Su logotipo de Woolmark (lanzado en Gran Bretaña en 1964) es probablemente el más famoso de todos sus diseños. Salón de otoño de 1905
El primero de estos supuestos proviene de la mención "les fauves", en español las fieras, al conjunto de obras expuestas en la Sala número VII durante la celebración del Salón de Otoño de 1905 donde se presentaron numerosas obras al concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y hacer una correspondencia de algunas de ellas con nociones de arte ya establecidos o aceptados. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes» y sus autores excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. Las palabras "les fauves" fueron hechas como parte de una crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905 por Louis Vauxcelles sobre la obras presentadas en la Sala VII: La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista, del escultor Albert Marque (no confundir con el pintor Albert Marquet). El artista había presentado dos esculturas: un torso de un niño en bronce y un retrato de Marthe Lebasque, un busto de mármol. Con una sensibilidad que recuerda el estilo italiano, menciona Matisse, sobre el busto infantil. Y el momento donde el crítico de arte Louis Vauxelles al entrar a la sala, él exclamó: "iVaya, Donatello entre las fieras!" ["Donatello an milieu tdes Fauves"] . Los autores de las obras dieron importancia, a la frase:"Donatello chez les fauves..." (en español, Donatello entre fieras...) mencionada al final del apartado, sobre la crítica para la Sala VII en el artículo del periódico Gil Blas o la que menciona Matisse como sucedido, adoptando el distintivo, como etiqueta a sus obras y su grupo. John Elderfield menciona estas dos afirmaciones: la publicación en el periódico y la mención que hace Matisse sobre la frase. Este origen se toma como cierto desde muchos años en la historia del arte. Arte helenístico
El arte helenístico, denominación historiográfica con la que se etiqueta el arte del período helenístico (desde finales del siglo IV a. C. hasta la época imperial romana), ha sido víctima durante mucho tiempo del relativo desprecio con que la crítica de arte lo había considerado («"Cessavit Deinde ars"» -«y luego el arte desapareció»-, sentenció Plinio el Viejo -"Naturalis historia", XXXIV, 52- tras describir la escultura griega de la época clásica). Sin embargo, muchas de las más importantes obras de arte griego pertenecen a este periodo (el "Altar de Pérgamo", el "Laocoonte y sus hijos", la "Venus de Milo", la "Victoria de Samotracia", etc.) Cultura simbólica
Alguna vez se pensó que el arte y la cultura simbólica surgieron por primera vez en Europa hace unos 40.000 años, durante la transición del Paleolítico Medio al Superior, a menudo denominada "explosión simbólica" o revolución del Paleolítico superior. Algunos arqueólogos todavía se adhieren a este punto de vista. Otros ahora aceptan que la cultura simbólica probablemente surgió en el África subsahariana en una fecha mucho más temprana, durante el período conocido como la Edad de Piedra Media. La evidencia consiste en tradiciones de ocre molido con una fuerte selección del color rojo, ejemplos de los llamados crayones ocre que parecen haber sido usados con propósitos de diseño, probablemente en el cuerpo, y grabados geométricos en bloques de ocre. Todo esto aparentemente formaba parte de una industria cosmética que data de hace entre 100.000 y 200.000 años. Una teoría es que esto constituye evidencia de una tradición ritual. Además, desde hace unos 100.000 años, hay conchas perforadas que parecen mostrar signos de desgaste, lo que sugiere que se ensartaron para hacer collares. Si la tradición ocre se ha interpretado correctamente, constituye una prueba del primer "arte" del mundo, un aspecto de la "cultura simbólica", en forma de ornamentación personal y pintura corporal. Inicialmente se respondió que los sistemas decorativos de solo pigmento son meras exhibiciones individualistas, no necesariamente indicativas de ritual, mientras que las tradiciones de cuentas dan testimonio del lenguaje, las relaciones institucionalizadas y la cultura ritual y simbólica a gran escala. Más recientemente, sin embargo, quienes hacen esta crítica han admitido que la evidencia del uso de pigmentos ocre, que se remonta a hace 300.000 años, debe ser reconocida como el medio duradero más antiguo que testifica de una tradición ritual colectiva. Arte cinético
Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan. Este término apareció por primera vez en 1920 cuando Naum Gabo en su "Manifiesto Realista" rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año 1955. Museo Nacional de la Armada de los Estados Unidos
La colección de objetos relacionados con la historia naval estadounidense se considera una tradición, teniendo su origen en el siglo XIX. El primer objeto en ser declarado oficialmente pieza de colección fue un arma francesa moldeada en Lyon en 1793 y capturada durante la Cuasi-Guerra. Su propietario, Thomas Tingey, fue primer comandante en jefe del Washington Navy Yard y futuro coleccionista de militaria naval. A partir de este modesto comienzo, la colección fue creciendo conforme la Armada estadounidense acumulaba experiencia en batallas navales, al mismo tiempo que exploraba las mares durante los primeros años de la república estadounidense. Ars antiqua
La denominación arranca del compositor francés del siglo XIV Philippe de Vitry que tituló su tratado publicado en 1322 "ars nova". En este tratado hacía una contraposición entre el carácter innovador de su estilo -que él consideraba como "ars nova"- y el estilo imperante en la segunda mitad del siglo XIII; que consideraba totalmente pasado de moda y, por tanto , un arte antiguo o "ars antiqua". Esta denominación, acuñada en el siglo XIV con un cierto carácter depreciativo, es lo que la moderna historiografía musical utiliza para referirse a la música polifónica europea de un período que no coincide en todas las fuentes: De todos modos, la opinión mayoritariamente aceptada como más autorizada considera que, a menudo, esta denominación abarca desde la Escuela de Notre Dame hasta el advenimiento del Ars Nova, es decir, desde aproximadamente 1150 hasta 1300 o 1320. Historia de las artes decorativas
Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico. El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Surgido a mediados del , se desarrolló fundamentalmente durante el , a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico, a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino. Historia del arte
La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico, apareciendo entre los siglosX y Va.C. los llamados Cinco Clásicos: el "Li-Ki", compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado, llegando a los cien tomos; el "I Ching", manual de adivinación basado en el significado de ocho trigramas, atribuido al mítico emperador Fu Xi; el "Shu-king", crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china; el "Shi King" ("El clásico de la poesía"), recopilación de poemas; y el "Ch'uen-tsieu", primera crónica fechada (722-481a.C.). En torno al sigloVa.C. surgieron las principales obras del pensamiento chino, grandes compendios de la filosofía y la moral: el "Lùn Yǔ" ("Analectas") de Confucio y el "Tao te king" ("Libro del Tao") de Lao Tse. También tuvo mucha repercusión "El arte de la guerra" de Sun Tzu. En época Han apareció un nuevo género, el "fu", poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical, mientras que en prosa destacó el "She-ki" ("Memorias históricas") de Ssê Ma-ts'ien. Cerámica de figuras negras
La técnica de las figura negras se aplicó por primera vez a mediados del siglo VII a. C.., durante el periodo de la  cerámica protoática. Influenciados por la cerámica de Corinto, que ofrecía la mejor calidad de la época, los pintores de vasos áticos se pasaron a la nueva técnica entre el 635 a. C. y el final del siglo. Al principio siguieron de cerca los métodos y temas de los modelos corintios. El Pintor de Berlín A 34 de principios de este periodo es el primer pintor individual identificado. El primer artista con un estilo único fue el Pintor de Neso. Con su "Ánfora de Neso" creó la primera pieza destacada en el estilo de figuras negras áticas. Al mismo tiempo, fue uno de los primeros maestros del estilo átics de frisos de animales. Uno de sus vasos fue también el primer vaso ático conocido que se exportó a Etruria. También fue responsable de las primeras representaciones de arpías y sirenas en el arte ático. A diferencia de los pintores corintios, utilizó líneas incisas dobles e incluso triples para representar mejor la anatomía animal. La línea del hombro con doble rayado se convirtió en una característica de los vasos áticos. Las posibilidades inherentes a las grandes piezas de cerámica, como las ánforas panzudas, como portadoras de imágenes también fueron reconocidas en una fecha temprana. Otros pintores importantes de esta época pionera fueron el Pintor del Pireo, el Pintor de Belerofonte y el Pintor del león. Historia de las artes decorativas
El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico, donde destacan las islas de Australia y Nueva Zelanda, así como tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. C.), originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500 d. C. continuó la colonización hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad, Marquesas, isla de Pascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos vestigios, excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente de conchas. Arte precolombino
La denominación de "periodo clásico", comenzó con el desarrollo de la cultura maya hacia el 292 y terminó con su aparente decadencia hacia el 900, ha sido acuñada por quienes consideran que dicho periodo marca el máximo vértice del esplendor del arte precolombino. Dicha idea está en la actualidad en debate por quienes señalan que el arte precolombino anterior y posterior a dicho periodo no es inferior al realizado durante el periodo clásico. Numeración de las artes
La clasificación de las artes (véase Arte#Clasificación) propia de la ideología feudal en la Alta Edad Media las dividió entre artes liberales (las que liberaban del trabajo manual, aceptables para los estamentos privilegiados) y artes mecánicas (las que implicaban trabajo manual, y por tanto eran incompatibles con ese estatus). Las artes liberales se numeraron como siete (las siete artes), identificadas con el sistema educativo carolingio: "Trivium" (gramática, retórica y dialéctica) y "quadrivium" (aritmética, geometría, astronomía y música). También fueron numeradas como siete las mecánicas. María Martínez (artista)
María utilizó variaciones de su firma en sus vasijas a lo largo de su vida. Estas firmas ayudan a datar las obras de arte. Las obras más antiguas de María y Julián no llevaban firma. Los dos no tenían idea de que su arte se haría popular y no consideraban necesario reclamar la autoría de sus obras. Lo más probable es que las obras sin firmar se hicieran entre 1918 y 1923. Una vez que María tuvo éxito con su cerámica, empezó a firmar sus obras como "Marie". Pensó que el nombre "Marie" era más popular entre el público no indio que el nombre "Maria" y que influiría más en los compradores Las piezas firmadas como "Marie" se hicieron entre 1923 y 1925. Artes decorativas
La clasificación del arte ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas, por lo que entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias. En el Galeno dividió el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual. En el Renacimiento empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. En 1746, Charles Batteux estableció en "Las bellas artes reducidas a un único principio" la concepción actual de bellas artes, donde incluyó la pintura, la escultura, la música, la poesía y la danza, mientras que mantuvo el término «artes mecánicas» para el resto de actividades artísticas, y señaló como actividades entre ambas categorías la arquitectura. Con el tiempo esta lista sufrió variaciones y, a fecha de hoy, no está del todo cerrada, pero en general sentó una base comúnmente aceptada. Historia de la pintura
Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico.Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente, en Oriente perduró —conocido como Imperio Bizantino— hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. Heredero del arte helenístico, el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales, de las que fue puerta de entrada en Europa, donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI, coincidiendo con el reinado de Justiniano; una segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204; y una tercera en el siglo XIV, con la dinastía Paleólogo. Obra de arte
El término obra maestra, en el contexto del arte y de la estética, se reserva en general para aquellas obras, ya sea artísticas o simplemente técnicas, consideradas, por los motivos que sean, como obras particularmente dignas de admiración. El origen del término «obra maestra» se remonta a los gremios de la Edad Media en Europa, en referencia a una pieza artesanal realizada por todo aspirante que en el seno del gremio desease adquirir el título de maestro [véase Obra maestra (gremio)]. Con el tiempo este término pasó a ser un sinónimo de "magnum opus", es decir la obra considerada como de mayor valor de entre todas las producidas por un artesano, un artista o un escritor. En el sentido actual del término, «obra maestra» se usa cada vez más como un término laudatorio, se refiera o no a la mejor obra de un autor (en este sentido suele admitirse que un artista, un pintor por ejemplo, haya pintado más de una obra maestra). Historia del arte
Se denomina así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas con la invención de la escritura, destacando las grandes civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el río Amarillo. Métodos usados en el estudio de la historia del arte
En 1912, en una conferencia -sobre los frescos del Palazzo Schifanoia de Ferrara- pronunciada en el "Congreso Internacional de Historia del Arte" de Roma, Aby Warburg (1866-1929) rescató para la historiografía del arte moderna el término iconología, tomándola del título del libro que Cesare Ripa había editado en la misma ciudad, en 1593, dedicado a las representaciones simbólicas de los conceptos más característicos de la cultura alegórica del Renacimiento. Artes decorativas
Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico. Premios César
En 1974, Georges Cravenne funda la Academia de Artes y Técnicas de Cine que fue desde el principio, destinado a recompensar los logros y las más notables obras de arte en películas, para tener un equivalente francés de los Oscar estadounidenses. Los primeros Premios César - también conocido como la "Noche de César" - se llevaron a cabo el 3 de abril de 1976 bajo la presidencia de Jean Gabin que vieron la ceremonia desde la primera fila sentado en una silla de ruedas un par de meses antes de su muerte. El nombre del premio proviene del escultor César, diseñador del trofeo concedido a los ganadores en cada categoría. También es un homenaje Raimu , el gran actor e intérprete francés de Marsella trilogía de Marcel Pagnol , en el que Raimu interpretó el personaje de César. Clasificación de las artes
Durante el Renacimiento italiano, la palabra Arte (plural Arti) aún se refiere a todos los gestos precisos relativos a una práctica controlada entre la ciencia teórica y la práctica espontánea. Pero, con el nacimiento de la noción de artista que firma sus obras y es reconocido como tal, adquiere el sentido más moderno de las Bellas Artes. Patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad
La lista comenzó en 2001 con un conjunto de 19 obras a la que luego se añadieron otras 28 en 2003. El 25 de noviembre de 2005 se emitió una lista agregando otras 43 obras. Este programa se concluyó en 2006 con la entrada en vigor de la Convención para la salvaguardia del patrimonio cultural inmaterial. Las obras maestras estarán integradas dentro de las listas previstas por dicha Convención. El 5 de noviembre de 2008, en la reunión de la Unesco en Estambul, se creó la "Lista representativa del patrimonio cultural inmaterial de la humanidad", que estará integrada en principio por los 90 elementos que la Unesco proclamó obras maestras del patrimonio oral e intangible en 2001, 2003 y 2005. Clasificación de las artes
Los juegos de computadora se remontan a 1947, aunque no llegaron a una gran audiencia hasta la década de 1970. Sería difícil y extraño negar que la computadora y los videojuegos incluyan muchos tipos de arte (teniendo en cuenta, por supuesto, que el concepto "arte" en sí está, según se indica, abierto a una variedad de definiciones). Los gráficos de un videojuego constituyen arte digital, arte gráfico y, probablemente, videoarte. La banda sonora original de un videojuego constituye claramente música. Sin embargo, es un punto de debate si el videojuego en su conjunto debe considerarse una obra de arte de algún tipo, tal vez una forma de arte interactivo. Historia del arte occidental
Definir el arte moderno es un asunto complicado ya que se han adoptado diversos puntos de vista en relación a los periodos que abarca. Sin embargo, existe consenso en considerar que se inicia con el impresionismo y las vanguardias artísticas europeas de inicios del siglo XX ya que en lo sucesivo se producen un fuertes transformaciones en la representación de la imagen. Hubo importantes rupturas con respecto a las normativas del arte académico. Esto se fue dando sucesivamente desde los impresionistas, pasando por los aportes de Vincent Van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne, entre otros, que sirven de referente y reflexión para los artistas de generaciones inmediatamente posterior. La idea de modernidad se la relaciona por lo general con una nueva forma de asumir el problema estético, dejando atrás las reglas de la tradición. Tienen en común mayor conciencia de su época y de los cambios importantes que se venían produciendo, como por ejemplo, un mayor dinamismo y movilidad en su vida cotidiana debido a las nuevas tecnologías para la comunicación así como novedades en el transporte, entre otras. Todo ello fue de impacto para una percepción de la realidad mucho más dinámica y en cierto modo fugaz. Varios artistas, poetas e intelectuales, buscaron mantener una correspondencia con "el espíritu moderno de la época" buscando estar estar "a tono con su tiempo". Sus obras debían expresar de alguna manera los cambios que se estaban produciendo en el momento. El primer paso fue resquebrajar la imagen imitativa de la realidad circundante o contextual. El desarrollo de la fotografía y la aparición del cine influenciaron sin duda para que el arte dejase de ser imitación. Como resultado, las distintas vanguardias que surgieron a partir de la primera década del siglo XX fueron sucediéndose en tiempos relativamente cortos con marcadas diferencias unas de otras según los estilos y objetivos buscados. Todos buscaban innovar. Nose art
La decoración personalizada de aviones de combate comenzó con pilotos italianos y alemanes. La primera muestra de arte de "nose art" registrada fue un monstruo marino pintado en un hidroavión italiano en 1913. Esto fue seguido por la práctica popular de pintar una boca debajo de la hélice, iniciada por pilotos alemanes en la Primera Guerra Mundial. El caballo rampante del as italiano Francesco Baracca era otra imagen conocida. El arte de la nariz de aquella época fue a menudo concebido y producido no por los pilotos, sino por las tripulaciones de tierra de los aviones. Historia de la notación en la música occidental
Franco de Colonia, compositor y teórico, codificó el nuevo sistema, llamado notación franconiana en su honor, en su tratado "Ars cantus mensurabilis". Por primera vez, las duraciones relativas fueron consignadas por las formas de las notas. Existían cuatro signos: Notación mensural
Los primeros pasos fundamentales en el desarrollo histórico de la notación mensural se encuentran en las obras de Franco de Colonia (c. 1260), Petrus de Cruce (c. 1300), y Philippe de Vitry (1322). Franco, en su "Ars cantus mensurabilis", fue el primero en describir las relaciones entre "maxima", "longa" y "breve" de tal manera que eran independientes de los patrones fijados por la anterior notación modal. Este mismo autor también clarificó el uso de las "semibreves": mientras que en la música anterior, una "breve" se podía substituir de vez en cuando por dos "semibreves", Franco de Colonia describió la subdivisión de la "breve" como triple («perfecta»), dividiéndola en tres "semibreves" iguales o dos desiguales (dando como resultado micro-patrones rítmicos de tres.) Literatura británica
Las obras de misterio y las obras de milagros se encuentran entre las primeras obras de teatro desarrolladas formalmente en la Europa medieval. Las obras de misterio se centraron en la representación de historias bíblicas en las iglesias como cuadros vivientes con canciones antifonales que las acompañan. Se desarrollaron desde el siglo X hasta el XVI, alcanzando la cima de su popularidad en el siglo XV antes de quedar obsoletos por el auge del teatro profesional. Hay cuatro colecciones bíblicas inglesas completas o casi completas de obras de teatro del período medieval tardío. La más completa es el "ciclo de York" de cuarenta y ocho cuadros. Fueron representadas en la ciudad de York, desde mediados del siglo XIV hasta 1569. Además del teatro en inglés medio, hay tres obras supervivientes en idioma de Cornualles conocidas como Ordinalia. Museo de Arte Contemporáneo de Caracas
Para mediados de 1971, se inició la remodelación de la sala que pasaría a ser el Museo de Arte Moderno de Caracas. Durante los trabajos, el nombre propuesto para el museo sería modificado gracias a una sugerencia de Alfredo Boulton, quién comentó que la nueva estructura debería de llamarse Museo de Arte Contemporáneo, ya que según sus palabras: Vernissage
En exposiciones oficiales en el siglo XIX, como la exposición de verano de la Royal Academy, los artistas daban un toque final a sus obras barnizándolas. La costumbre de los patrones y la élite de visitar las academias durante el barnizado previo a la apertura formal de la exposición dio lugar a la tradición de celebrar la finalización de una obra de arte o una serie de obras de arte con amigos y patrocinadores. En el siglo XX se convirtió en una oportunidad para comercializar las obras a la vista de compradores y críticos. Hay un final ceremonial comparable de exposiciones de arte, llamado "finissage", de la palabra francesa "acabado". El término "finissage" fue utilizado por primera vez en este contexto en 2003 por Walter Hilliger y Sabine Sallarsaïb para Geheimat Multinational Gallery en Berlín, Alemania. Opus (música)
Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra "opus", o su abreviatura "op.", al número de orden de la misma.