Eテレ『ムジカ・ピッコリーノ』での楽曲制作など、ポップ・フィールドでの活躍も目立ってきた。2021年初頭にリリースされた3rd『Ex.LIFE』は、彼の作家性を凝縮したインスト作品。ピアノの響き、トライバルなリズム、うごめくシンセなどが渾然一体となりながら、深淵な美しさをたたえた仕上がりとなっている。名刺代わりとも呼べる作品を完成させた網守に、本作の吸引力の秘密を聞いた。matsumoto明るく普遍的な部分と社会を見つめる暗い気持ちその表裏一体で自分の素を出そうと思ったー前作『パタミュージック』では、実験音楽の閉鎖性をポップというフォームを借りて打破するという趣旨のことをおっしゃっていました。それを受けて、3作目の今回は一体どうなるのかなと思ったのですが、第一印象がさまざまな要素が混沌とした中にある美しさだったのです。今回初めて自分の本性を現すことができたと思います。1st『SONASILE』(2016年)は、音響系由来のアートにコンシャスなエレクトロニカが原体験としてあったので、自分が音楽教育を受けてきて得た技術とまとめてみようとしました。エレクトロニカを自分の音楽にしようという気は無かったんです。前作は、現代美術の人と協働することが多い中で、そこで共有されている当時の思想を踏まえて、どういう音楽を作るかよりも、音楽を入れる箱や形式のことを考えてああなりました。実際に音楽へ没入させるんじゃなくて、その音楽を出したらすぐ否定するみたいなことをパッケージの中でやっていた。いや、むしろフレームワークを重視することで音楽そのものに関心を向けさせることができるかという、批評的な取り組みでした。逆に、今作は純粋に音楽として聴けるし、方向性もまとまっている作品を初めて作れたという感じですね。ー確かに、研いでいた爪を出したような、網守さんの音楽家としての深い面が出てきたと思いました。コロナ禍のこともありますが、その前から、あいちトリエンナーレの一件があって、周りの芸術家たちと一緒に疲弊してしまったんです。それでポップ・ミュージックを作る気にはなれず、冷静な気持ちで普遍的な音楽を探求したい気持ちが大きくなっていきました。一方で、大貫妙子さんと出会ったのも大きいですね。大貫さんは、最大公約数的なスタンスを持ちながらも絶対に品の無いことはしない。普遍的なわけですよね。以前お話ししたとき、“こんな時代なんだからこそ明るい音楽をやるしかないじゃない”とおっしゃっていました。いったポップ・ミュージシャンとしての姿勢からの影響と、自分が社会を見つめて暗い気持ちになった部分が表裏一体となって、逆に自分の素が出しやすくなったんです。ー『Ex.LIFE』で鳴っているシンセや民族音楽的な音、ノイズなど、一つ一つの要素はある種のニューエイジ・ミュージックやニューウェーブとか、ワールド・ミュージック......そういう既存の音楽との同位性があるように聴こえます。全体としては新鮮さが感じられました。歴史的に正しい方向を無意識に採ってしまうのはありますね。いう括り方がすごく嫌いだったんですけど、小学生時代に流行して、原体験にはなっているので、ニューエイジやワールドっぽさはそこに起因しているかもしれないです。ー楽曲の音像は途中でガラッと変わったりして、始まりと終わりが全然違うのに、一本のストーリーが流れているのが不思議でした。最近考えているのは、“エフェメラル”......“はかない”という意味だと思いますが、そういったものをいかにキャッチしてとどめておくことができるか?ということ。美術の世界だとインスタレーションというフォームで実践可能だし、それに対してうらやましさはあったんです。音楽にしろ美術にしろ、それが普遍的じゃないかという考えがあったんですよ。今作はアンビエントに聴こえる部分もあるかもしれませんが、音の展開を考えるとアンビエントとしてはそもそも機能しないですね。ーアンビエントには、アンビエントとしての良さがあると思いますが、『Ex.LIFE』がアンビエントだとは思えません。構成的には、やっぱりメロディやコードなんですよね。それがアンビエントに聴こえないことにつながっているのかな。あと、最近“小さい音量”というものに関心があって、『Ex.LIFE』では大事なメロディをあえて聴こえづらくしています。キャッチーでインパクトのあるメロディよりも、追い求めたくなるメロディこそ印象に残るという考えがあって、それも影響していますね。良いメロディは必要なんです。中毒性を重視したメロディに固執すると、逆に消費されて忘れられやすくなると思います。メロディを追いかけるっていう能動性をふわっとリスナーに対してうながす音楽の方が普遍的なんじゃないかと。今回はそれを素直に実践できたと思います。ー今作のエンジニアは葛西敏彦さんですね。CM音楽などで何度かご一緒しており、自分の作品でお願いしてみたかったんです。今作は前作のように固いコンセプトが無いので、選択肢豊富な人に頼んで自由にミックスしてもらいたいというのもあったので。M7のリバーブをかけたいという希望もあって、身近でM7を使っているのが葛西さんだった、という理由もあります(笑)。NS-10Mで全体のバランスを作っていくような手順でした。ー距離感やリバーブのかかり方も含めて、生ピアノ以上の美しさを求めているのではないかと思いました。そこは素直に求めたものです。僕はピアノ・レペゼンじゃないので(笑)、必ずしも生ピアノのリアルさを目的としなくてもいいんです。C414を向けただけなんです。アルバム全体で子供向けを意識したところもあって、赤ちゃんのはいはいの位置での聴こえ方はどうだろう?と試してみたんです。そこにマイクを置けば、赤ちゃんでも聴けるかなと。いえ、曲ができていく中ですね。前作はこういう曲がここに来るから、次はこういう曲ではないとダメだと決め込んで、先に頭の中で鳴らして脳内で設計をしていったんです。今回は全く違って、完全に自分の中からたまたま出てきたものであると言えると思います。部分的には“こういう曲があった方がいい”と思って、作った曲もありました。今回自分を縛っているものはほとんど無いです。ーそこが訴えかけるような強さなのかなと思います。衝動性と計画性みたいなものの合間というか。僕の場合は、前衛を見ないと普遍も見えないし、普遍も見ないと前衛は分からないという態度は通底しているので。今作のような両義性もそういった態度の延長かと思います。Lullaby」は中でも大事な曲の一つですけれど、コードを鳴らしている音とメロディの音は、シンセシス自体は本当に微妙に変えてあるだけで、溶けているんです。何かメロディがあって、後半になるとそれが前に出てくる。リスナーがその動きを追いかける行為が起こるといいなと。それと、この曲はイントロ的な部分が2分くらいありますが、自分の録ったフィールド・レコーディングや素材を切り刻んで編集して。ー同じ具体音が複数回出てくるので、通しの時間軸じゃないなとは思いました。擬似的な空間を作って、あたかもそこで鳴っているかのようにリード・シンセを鳴らす。2をシンセにインサートして、ふにゃふにゃさせています。それを葛西さんに、あたかもこの空間で擬似的に鳴っているようにしてほしいとお願いして。Proで処理してもらいました。メロディを能動的に追いかけてほしいという意識は、そういうところにも出ているかなと思います。Synthによるリードを声のような音色に加工。Essentialsが立ち上がっているのが見える。下の画面はフィールド・レコーディング素材の加工で、使いたい音が鳴っている部分のみ切り張りし、細かくフェードが描かれたポップスのミュージシャンがやるインプロビゼーションが面白いートライバルな楽器も多く出てきますね。「Insulok」ではカンボジアっぽいボイスも聴けます。ボイスとシンセのコードを混ぜて、よく分からなくしたりしているんですよ。なんでそう作ったのか分からないんですけど。葛西さんのミックスでかなり面白いことになったと思います。変調とかはガッツリ自分でやっていますが、葛西さんには質感をうまく処理してもらいました。ーディレイの処理も印象的ですね。ダブっぽいことはアレンジの段階でやる傾向はありますね。Life」のアコギかな。フェネスっぽくしてほしいとお願いしたら、すごく変なディレイをかけてくれました。今、フェネスっぽくしたい人っていないと思う(笑)。X内蔵のものだったりします。Bassを使うんですが、今回は出番がありませんでした。SeriesのDhol(画面左上)、Dholak(同左下)などを使用。No.0」のセッションで使いました。Lyra-8というドローンに特化したシンセ。Lyra-8が面白いのは、タッチ・センサーが触り方やその場の湿度に反応するので、息を吹きかけてから触るとピッチが変わったりするところですね。Moisturizerというスプリング・リバーブも使って、センド量を最大から0に一瞬でするみたいなことをしています。したノイズみたいな音もスプリング部分に直接触れて出しています。これだけはインプロで、モニター音が聴こえない瞬間が各演奏者別々に発生するという状況で演奏しています。そのモニターを増田(義基)さんがファシリテータとしてミキサーでコントロールしています。このアイディアは、コロナ禍でオンライン化が進んで、ちゃんと音楽を聴く時間ができたり、擬似的な空間でオンライン会議をしていると誰かがしゃべっていると誰かが聴こえないとか。したことで人類の耳の解像度が上がったり、耳を澄ませることが増えるんじゃない?というところから生まれました。ーその点で『Ex.LIFE』の中では特異な曲ですよね。ルールも、キーと時間が決まっているくらいですね。あと、ポップ・ミュージックのミュージシャンにこういうことを頼むと、即興演奏家と違った面白さが出てくるんです。アンサンブルの仕方やタイム感、場当たり感すらも違って聴こえる。永井さんも、10秒ごとにエフェクトのプリセットを変えるだけだったりしましたからね。これをライブでもやってみたいんですが、モニターの回線が複雑だったり、キュー・ボックスが幾つも必要となるところが難しいんですよ。早いうちに実現を目指したいです。No.0」のセッション。Moisturizerをセットしている。左奥にギターの永井聖一と西田修大。MW-2408を操作しているのが増田義基で、ファシリテータとして3人のモニターを随時ミュートして、演奏内容を分からなくする役割を果たす左が永井聖一、右が西田修大。Compressorなどが収められている。Digなどを使用ラシャド・ベッカーのマスタリングは低域が伸びて品のある仕上がりにー例えばメタル系パーカッションのパターンができていても、最初は漠然とした音にしか聴こえていなくて、ある瞬間からチャイムみたいなものだと分かるようなこともありました。いう音自体の働きかけは無意識に仕掛けてあったりしますね。基本的な情報量は少ない作品だと思ってます。ー確かに網守さんの出自である、クラシックのフルオーケストラと比較すれば、楽器の数は圧倒的に少ないですね。一つ一つの構成音が変わり身していくようで、その点でエフェメラリティとつながっているのかもしれません。Earth」は、ピアノ曲かと思わされますが、途中から音の洪水のようになります。それでも描いているものは一緒というか......。ああ、それは一緒ですね。この曲、僕は、“東京の音楽”という感じがします。六本木ヒルズみたいな。ーキラキラした感じから、私は東京ミッドタウンを思い浮かべました(笑)。僕も東京の人間なので、東京を反省的にとらえるみたいなことは常に考えていて。東京の変遷の記憶が、このサウンドやリバーブ感につながっていると言えるかもしれません。ーとはいえ、マスタリングは、ベルリンのラシャド・ベッカーに依頼していますね。リスナーとして、自分に特に関係あると思えるのがヨーロッパの電子音楽の人たちで、オウテカだったり、マーク・フェルなどPANレーベル界隈のアーティストなんですが、その多くをラシャドがマスタリングしているのが決め手でした。葛西さんのミックスとラシャドとの組み合わせも面白いかなと思ったので、依頼してみたんです。品のある仕上がりになりましたね。最初は高域が抑え込まれる部分があったんですが、それだけ修正してもらって。あと、ひずみ方が奇麗です。前作をマスタリングしてくださった原真人さんもそうですね。ひずみのプロっていうか。ー実験精神をポップに昇華した『パタミュージック』も面白かったんですが、あれは網守さんが驚かせようと思ったことにそのままびっくりしたんです。『Ex.LIFE』は出来の素晴らしさに、素直に感動しました。前作『パタミュージック』をリリースした影響で“面白音楽を作る人”みたいな評価が多いのも気掛かりでした。本当は今作の方が僕の本質です。前作まではなんとしても面白いことをしたくて、シンガーでもないのに歌ったりしていましたけど、しばらく歌うことはないかな。歌ったおかげでいいことがあったりもしました。大貫さんに聴いていただくきっかけにもなりましたし。いわゆる面白い音楽ももちろん作っていくつもりです(笑)。ー角度によって見えてくるものは違っても、でもそこにあるものは同じで、動く彫刻のような楽曲群です。その意味で、『Ex.LIFE』は作曲家としての名刺だなと思いました。言っていただいて光栄です。長く聴ける作品になったかなと思います。「DAW」「PA」「シンセサイザー」......といった、あなたの興味関心に合わせたニュース・レターをお届けします。reserved.引用をストックしましたストック一覧を見る閉じる引用するにはまずログインしてくださいログイン閉じる引用をストックできませんでした。再度お試しください閉じる限定公開記事のため引用できません。