2012サトチヒロの、いろいろ描きっぱなしアーティストでデザイナーでヒーラー、サトチヒロのまぜこぜブログです。絵や芸術の話、制作過程、氣や魂やエネルギーの話、音楽の話、パイプ、オールドカメラ、クルマの話。/アートストンギャラリー(銀座)所属2012年11月28日水曜日マーラー交響曲第4番「大いなる喜びへの賛歌」マーラー交響曲第4番「大いなる喜びへの賛歌」/サー・ゲオルグ・ショルティ指揮/キリ・テ・カナワ(ソプラノ)/シカゴ交響楽団/LONDON(ポリドール)/1983年録音/LPマーラーにしては珍しく、全編希望に溢れた交響曲です。マーラーの4番は不思議な魅力を持っています。「好きか?」と言われると首を傾げてしまうのだけれど、何も考えたくないけれどアタマの中が空っぽにしたくてもできないような時になぜか聴きたくなるのです。マーラーなのに、です。この曲が頭の中を占領すると、なぜか気持ちがゆったりとしてきます。4番は、全体的に恣意的で耳に触る事もあるマーラーの交響曲の中にあって、音楽と正面から向き合わなくても音楽の世界に入っていける楽さがあります。マーラーは5番のあの有名なアダージェットといい、多くの交響曲の中で緩徐楽章に素晴らしく美しい曲があります。どんなに希望がなく激しく皮肉に満ちた曲でも緩徐楽章だけは例外なく美しい。この4番も、第三楽章がとても美しい旋律です。http://youtu.be/XCzj5Ldez-Qそして第4楽章は突然ソプラノの独唱による歌曲になります。マーラーは交響曲の2番から交響曲に合唱や独唱を入れて交響曲を作り始めました。交響曲に人間の声を初めて入れたのはベートーヴェンの第九ですが、マーラーの交響曲は半数以上が「歌入り」です。その最高潮はいわゆる「千人の交響曲」と呼ばれる第8番で、文字通り約1000人の演奏者と合唱者が必要という、とんでもなく大掛かり。演奏会を行うだけでも何年かに一度の大イベントになってしまうそうです。この4番はソプラノ一人でコンパクトです。ショルティ&シカゴ交響楽団の演奏はLONDONの録音の素晴らしさと相まって、透明感があって、柔らかくて、みずみずしいのが特徴です。同じショルティとコンセルトヘボウの録音(1961年)も持っていますが、コンセルトヘボウはハイティンクとの録音の方がより透明感があって素晴らしいです。ハイティンクとアムステルダムコンセルトヘボウ管弦楽団の録音はマーラーにせよブルックナーにせよ、マーラーを正確に理解しているように思います。現代的でけれん味がなく優しさに溢れている。それでいて深い後味が残る。小澤征爾のブラームスやバッハにも似たものがあります。マーラーを聴かれる方にはハイティンク&コンセルトヘボウをおすすめします。マーラーを世界に広めた功績が大きいと言われるバーンスタインは感情や癖が強くて、初めての人にはあまりおすすめできないかもしれません。No.4/ハイティンク&コンセルトヘボウ(1967)Youtubeハイティンク&コンセルトヘボウの2006年の録音だそうです。(第一楽章)http://youtu.be/5GWqE8ySC4c第4楽章。ソプラノ独唱が入り、歌曲化した楽章で、しかもいわゆる交響曲にありがちな大団円の終章がない、地味に掟破りの楽章。sextet(1953,1956)A面1953年のセッションと、B面1956年のセッションという、ちょっと年の離れたセッションの寄せ集め。A面の1953年のセッションは、マイルス・デイビス、ソニー・ロリンズ、そしてチャーリー・パーカー(チャーリー・チャンという変名でクレジットされている)のセッション。チャーリー・パーカー(sax)は言われているほどヘロヘロではないにしても(チャーリー・パーカーはアドリブの天才と言われていたが、麻薬中毒で1950年代にはアドリブもかなり鈍り、このセッションの2年後に34歳(!)で死去)、他のメンバーのソロも含めてちょっとアパシーなところがあります。リフもソロもオールドスタイルで流している感じ。なんとなく味はあります。B面1956年のセッションはベーシストがパーシー・ヒースに代わってポール・チェンバース。ソニー・ロリンズ(sax)、トミー・フラナガン(P)。Way」はマイルスがのっけからアドリブソロを突っ走らせています。基本的にはハード・バップなのですが、ポール・チェンバース(b)ベース・ラインがとてもスリリングなおかげで3人のソロに緊張感がみなぎっています。(1954)ここ数日はマイルスとベートーヴェンのヘヴィローテーション。どちらも普段あんまり聴かないんだけど、マイルスデイビスは「マイルス」と唱えると聴きたくなり、ベートーヴェンは「フルトヴェングラー」と唱えるとむしょうに聴きたくなるのです。(なんで)マイルスがドラッグを克服し、Prestigeでレコーディングを始めてからのセッション。ハード・バップの名曲です。緊張感が増してモードっぽくなりつつあますが、まだまだモードの時代じゃない。セッションメンバーはセロニアス・モンク(p)、ソニーロリンズ(sax)、ミルトジャクソン(Vib)など。みんなコードの呪縛から離れて、新しいメロディを奏でたくてジタバタしながらフレーズを模索しています。パーシー・ヒース(b)のベースがルートをがっちり抑えて離さないので、誰も飛び出せない。本当にコードから自由になるためには、ベースが遊ばないと話にならない。これはパーシー・ヒースの問題ではなくて、ブルース進行でこういう曲だからなんだけど、やっぱり各々スケールの限界を感じている。それを感じるのがセロニアス・モンク。彼のコード破り(厳密に言うと和音を鳴らしているのでそれもまたコードなんだけど、ソロの際に取り決めとは違う音が出てくるので、他から浮いてノーコードに聴こえる)が、マイルスの後のモード・ジャズに少なからず影響を与えている事は確かなようです。(1959)晩秋の曇り空。コーヒーの香りとマイルスが部屋を満たしています。Beethovenで言えば「英雄」、Beatlesで言えばHelp!、LedZeppで言えばIII。極端に言えば、モダンジャズはこれ1枚でもいいかなぐらいです。Green」は何度聴いてもため息が出ます。マイルス以前、マイルス以降というJAZZの流れを作ったアルバムとも言われています。すべての曲が、スケッチ的なテーマのみ収録1時間前に提示され、ほぼぶっつけ本番、インプロヴィゼイション(即興)同様のワインテイクで演奏されています。ない緊張感と音楽の化学変化...いわゆる「モード・ジャズ」の走りのアルバムです。あの忌々しい「コード進行」などというものはどこにも存在しません。コードから解放されてこそ、音楽は無限大の可能性を発揮するのだという真実を、マイルスはこのアルバムで見事に証明してくれています。ピアノはビル・エヴァンス、サックスはコルトレーン。音楽2012年11月18日日曜日バルトーク/弦楽合奏のためのディヴェルティメント/バイヤール室内管弦楽団(1977)「ディヴェルティメント」というのは、だいたいが貴族の食事やパーティ、祝賀会のBGMとして使われた音楽なんです。モーツァルト嫌いの僕もディヴェルティメントだけは好んでかけます。聴こえるか聴こえないかぐらいの音量で。バルトークのこのディヴェルティメントと称する音楽だけは、食事時にはかけないだろうなあ。BGMとしてはキツイ。真正面から聴いたほうがいいです。サイモン・ラトル&BPO(2012)よくもまあ、音楽にこれだけ集中耽溺できるのだと、自分に対して改めて感心、半ば呆れています。聴いている訳ではないのです。それが時折コンプレックスでもあり。同じ音楽を聴いた時「これは〇〇の情景だね」とか「これは提示だ、否定だ」とか、音楽好きの友人知人がすぐさま解釈指摘しているのを聞くと、僕は「え?え?」となってしまう。ベートーベンの第九の第4楽章で、あの有名な歓喜の歌の主題が最初に出てくるところがあります。それが、コントラバスによって「否定」されるところがあります。これを「否定」とすぐさま感じ取るためには、楽曲の解説を勉強するか、ドイツ語の「Nein」を知らないといけない。実際、コントラバスは「ナーイン!」と言ってるのですから。すごいよベートーヴェン。僕はこれを感じ取る感性には乏しい。あの部分は僕にとっては長いこと余計な音でしかなかった。そのうち「起きろ!目を覚まして歌を歌い出すのだ」という声聞こえるようになって。子供の頃、一番大好きな交響曲は、ベートーベンの6番「田園」でした。これは標題音楽で、非常にわかり易かった。音楽によって描写しようとしている情景がはっきりしているのです。大人になるに連れて、標題音楽はだんだんニガテになってきました。標題と言えばRシュトラウスやムソルグスキーなどは、最初はイメージしやすいのでとっつきやすいのですが、飽きも早い。それで次第に「作曲家の意図や背景」を具体的に感じるのが難しい、つまり、どうとでも取れる音楽の方が好きになっていきました。与える影響というものが、音楽にはある。優れた音楽というのは、具体的な描写を意図で縛られた音楽よりも、作者自身の意図を超えたところに、音楽の神がかった力というものが存在し、作曲者は神の代弁をしている過ぎないと、僕は思うのです。JAZZでも、ソウルやブルース、デキシー、ビーバップの影響が強いものより、どちらかというと無調気味で即興的で無機質な演奏の方が好きです。いってフリージャズが好きなわけでもないんだけど。音楽というものには「第一の意図」はどうしても必要で、その意図を離れてこそ音楽なのです。意図が全く存在しない音楽は音楽ではなく、単なる雑音である。いった意味でも、ラトルとBPOの今年録音のブルックナー9番は僕にとってとても意味のある特別なブル9です。ブルックナーは、この9番を完成させる前に亡くなってしまいました。それで9番は第3楽章までしか存在しません。ところがこのラトル指揮の9番は第4楽章まであります。それは、ブルックナー研究者による、散逸した草稿からの復元という試みによるものです。時代を追うごとに、実は第4楽章は、かなりのところまで書き上げられつつあったということが分かっています。彼は死の日の朝までこの第4楽章の推敲を重ねていたそうです。ところがその日の午後に亡くなってしまう。死の直後に、弔問に訪れた知人や市民達が、完成しつつあった第4楽章の草稿を記念品とばかりに勝手に持ち去ってしまう。その草稿が、最近少しずつ見つかってはいるようなのです。第4楽章の復元と演奏に賛否はあります。第3楽章のアダージョで完結なのだという方が主流です。確かに最後のワグナーチューバのコーダは、彼が死を迎えた時の情景、永遠を表している様な解釈の方が自然かもしれません。僕にとっては、この第3楽章が終章とはとても思えず、ずっと何かすっきりしない違和感を感じていました。少なくともブルックナーの他の交響曲を聴く限り、これはやはり未完成でしょうと。シューベルトの「未完成」は、あれはあれでもうお腹いっぱいなんですが、ブルックナーの9番はかなり違う。作者の意図も然ることながら、それを超えたところに、ブルックナーの芸術はある。それは、交響曲第0番から綿々と続く。それにはれっきとした法則がある。第3楽章で主題が日常から徐々に壮大な宇宙へとステージを変えていき、第4楽章の途中で突然雲が切り開かれるようにして目の前が明るく広がる。この9番の言わんとしているものも同じだ。第3楽章では、聴く者はまだ人間と神の間で煩悶しているような状態だ。それが次第に神に導かれて視野が広くなっていく。最終的な解決はあのコーダのフェルマータによって導かれ、第4楽章に引き継がれるはずだ。第3楽章のあれはまだ大団円ではない。