三団体が定期的な公演を行っています。申し上げてよいのでしょう。札幌室内歌劇場で上演する作品の特徴は、音楽監督の岩河智子による編曲作品であり、又岩河による日本語訳詞での上演ということです。学校」、「フォスター物語」のように、人口に膾炙した中山晋平の作品、唱歌、あるいはフォスターの作品を組み合わせて舞台劇にしてしまう、といった実験的なことまで様々なことを行い、その幅はかなり広いようです。今回取り上げた「月を盗んだ話」は、カール・オルフの「月」という1939年にミュンヘンで初演された作品を岩河がかなり組み替えた半分岩河のオリジナルの作品のようです。オリジナルの「月」はまだ日本で紹介されてはいないようです。したがって、今回の「月を盗んだ話」こそが、現在のところ、この作品の味わいを日本に伝える唯一の手段です。この作品を上演したのは、2005年の日本初演以来、すべて札幌室内歌劇場のみであり、それだけに聴けるのは貴重な機会です。演奏自体は、歌手の音楽的技量を初め、本質的問題点は必ずしもないわけではないのですが、札幌で活動している歌手たちの東京でしっかりと自分たちの活動を見せてやろうとする意気込みは十分感じさせてくれました。私は、今回事情で前半のメルヘンチックな部分しか見ることができなかったのですが、少なくとも前半はテンポも良く、歌手たちのパフォーマンスも見事で、後半を見ることができないのがとても残念でした。私は保守的な考え方の聴き手なので、オペラはオリジナルが良いと思っているのですが、今回の札幌室内歌劇場の上演を見る限りでは(あくまでも前半のみの観劇による判断です。念のため)、編曲物も悪くないな、オペラの楽しませ方はいろいろあるのかな、と思いました。サン・ジェーヌ」を聴くヴェリズモ・オペラがあまり好きではなく、ジョルダーノといえば、「アンドレア・シェニエ」と「フェドーラ」以外どんな作品を作っていたかも良く知りませんでした。晩餐会」などの作品があるようです。サン・ジェーヌ」は、「オペラ辞典」言うところの「無遠慮夫人」です。この「無遠慮夫人」を、欧米では比較的良く上演されるが、日本では取り上げられない隠れた名作を紹介することをモットーとした東京オペラ・プロデュースが取り上げました。音楽的魅力という観点から申し上げれば、「アンドレア・シェニエ」や「フェドーラ」と比較して魅力的とは申し上げられないと思います。音の流れは割と陳腐ですし、これぞ、というほどの美しい旋律が見出せるわけではありません。B級作品と申し上げてよいでしょう。したがって、これまで日本で紹介されなかったのは仕方がないのかなと思います。洗濯女から公爵夫人にまで成り上がり、ナポレオンに対しても物おじしないで意見を言うカテリーナは小気味よい存在で、その上流社会の欺瞞に流されない生き方は魅力的と申し上げてよいと思います。このオペラを成功に導くためには、この「無遠慮夫人」カテリーナをどのように表現し、演じるかがポイントだろうと思います。その点で、今回のカテリーナ役、菊池美奈はとても魅力的なカテリーナを造型しました。弥勒忠史の演出はもちろん有効に働いていると思いますが、菊池の一寸したしぐさや雰囲気が、おそらく弥勒の演出を増幅していると思います。菊池の舞台はこれまで何度も見ていますが、喜劇オペラを見た経験はなかったと思います。今回初めて喜劇を演じる菊池を見て、菊池は喜劇に合っている、と強く思いました。闊達での伸び伸びした演技は魅力的なものでした。菊池に関して申し上げれば、歌も悪くない。高音部がやや絞り気味に聴こえることや、高音部のファルテでの歌唱でややヴィヴラート過剰なところが気になりましたが、全体には良好だろうと思います。二幕の2曲のアリアは最初の抒情的なアリアのほうがより魅力的でしたが、後半の劇的なアリアも悪くありませんでした。羽山晃生のルフェーブルは、菊池ほど魅力的ではなかったと思います。羽山も細身で長身なので、それなりに見られる演技はできるはずなのですが、演技よりも歌が得意なタイプのオペラ歌手だと思います。今回は声の調子があまり良くないようで、高音はかなり押し気味の歌で、私は満足できませんでした。中低音はそれなりに力強く響かせますが、響きが綺麗というわけにはいきません。ナイベルグを歌った青地英幸がより美声だったこともあって、羽山の不調が目を引きました。岡崎智幸のフシェはバリトンとしては普通の歌唱だったと思います。出番はあったのですが、印象の深い歌ではなかったということでしょう。脇役陣は、ナポレオンを歌った羽渕浩樹が結構。美声のバリトンでした。ナポレオンは、第3幕で物語のキーマンになるのですが、音楽的にも一つの軸となって、もう一つの軸であるカテリーナとうまく組んでいたと思います。青地英幸のナイベルグも良好。嫌味なカロリーナ王女を演じた江口二美も雰囲気が良く出ていて良好だったと思います。コミカルな味わいが見事でした。オーケストラは、東京オペラ・プロデュースの公演ではいつもピットに入る東京ユニバーサルフィルではなく東京オペラ・フィルハーモニックという団体でした。コンサートマスターが先日東京フィルをおやめになった平澤仁でしたが、今回の公演のための臨時編成の団体だったのでしょうか。演奏技術は結構ミスも多く(特に木管)、今一つ感がありました。時任康文の指揮は、珍しいオペラを紹介するという意味では上々だったと思います。主張の強い演奏ではなかったと思います。弥勒忠史の演出は割とオーソドックスなもの。第2幕の冒頭で、第一幕の洗濯屋の舞台から回り舞台を活用して、公爵邸に変えて見せましたが、この転回こそが、洗濯女から公爵夫人への成り上がりを象徴するものです。いった才気を全般を通じて示していただければよかったのですが、第3幕のナポレオンの部屋の舞台は、あまり皇帝の居室のようには見えないのが難でした。それでも全体に気楽に楽しめる舞台で良かったと思います。熱気だけは負けていない−立川市民オペラ公演2010「アイーダ」を聴く「アイーダ」の本質は、三角関係の愛憎劇ですが、そもそもの成り立ちが、スエズ運河開通記念として建てられた新しいオペラハウスのこけら落し用作品ですから、スケールの大きな祝祭的作品という側面があります。現代でも、新しいオペラハウスのオープニング作品として「アイーダ」が取り上げられることは珍しくありません。新国立劇場もそうでした。逆にそういうスケールの大きい作品だけあって、市民オペラに取り上げられることは珍しいようです。それだけに、立川市民オペラがこの作品を取り上げたことに大きな驚きを感じました。会場のアミューたちかわの大ホールの舞台は、普通の市民会館の舞台であって、そもそもオペラ上演のことを考えた舞台ではないのです。間口が18メートル、奥行きが13メートルで袖も狭く、バックヤードもほとんどありません。ある意味自殺行為です。ここで「アイーダ」をやる。どんな演出をするのだろう。いう興味で伺いました。中村敬一の演出は正統的なもので、変な読み替えなどは一切行わず、分かりやすいものでした。合唱団のメンバーや助演の人たちで約90人。+ソリストでは、舞台の余裕のなさも相俟って、第2幕第2場の大行進曲を十分に見せるのはやはり難しく、チープさを感じさせないわけにはいきませんでしたが、そこさえ目を瞑れば、あとはそれなりに恰好がついていたと思います。上を見ればきりがないのですが、トータルの美術や衣装を含めて、市民オペラとしては十分な水準の演出だったと思います。中村の苦労が偲ばれる舞台になっておりました。全体的に申し上げれば、スタッフ・キャストの熱気だけで押し切った舞台だと思います。立川管弦楽団の技量は所詮アマチュアで音色もパッとしないし、ミスも相当あったと思います。細かいミスをカバーするようなダイナミズムや熱気があって、とにかく押し切ってしまう。古谷誠一の指揮もとりたてて言うほどのこともないのですが(というより、この程度のオーケストラであれば、指揮者の個性云々よりも音楽を壊さないことで精一杯ということなのでしょう)、全体としては、演奏者たちの熱気をスポイルしない方向性を示していたと思います。第一幕などは、どんどん前のめりになる演奏で、合唱団員はそれなりに上がっているな、と思わせる演奏でした。全体でみるとやはり悪くないのです。声がまとまってよく飛んでいます。生気と迫力があります。合唱団員ひとりひとりが恐らくこの公演を成功させてやろう、という意識をもって演奏したのでしょうね。いう気持ちの先行する演奏が悪いわけはありません。結局細かいところは突っ込みどころ満載の演奏ながら、全体としてみれば、十分な魅力のある演奏になっていた、ということだろうと思います。ソリストも全体的には上々。私は2階の後方で聴いていたのですが、ほぼ全員の方の声が良く飛んできていました。アミューたちかわって、あんなに音響の響くホールだったかしら、と思うほどです。PAを使用した可能性はありますが、ないと信じましょう。ソリストで最も評価すべきは、アムネリスを歌った浅井美保です。これまでは「ヘンゼルとグレーテル」の魔女役でキャリアを積んできた若手の方だそうですが、声を聞く限りは、声に力があって、またこもることのない明るい声質で、結構でした。表現力も十分あって、アムネリスの一番活躍する第4幕第一場の迫力は大変素晴らしいものがありました。ここは文句なしにBravaだと思います。それ以外の部分でも存在感がしっかりしていて、このオペラのタイトルは「アイーダ」ではなく「アムネリス」ではないかと思わせるほどでした。アイーダの森田雅美もがんばったと思います。浅井ほどの存在感はなかったと思いますが、細かいところまでよく注意したきっちりとした歌唱が良かったと思います。精妙さが先に立ってしまったせいか、感情表現は今一つ抑え気味で、そこが存在感の乏しさにつながったのかもしれません。「勝ちて帰れ」にせよ、第3幕の表現にせよ、第2幕第一場のアムネリスとの対決の場にせよ、もっと積極的な感情表現を目指しても良かったのではないかと思います。声はしっかり出ていたので、ことさらそう思います。ラダメス役の柾木和敬は今一つ。柾木の本来の声質がややくすんでいて、カーンとした響きがないところがまず不満です。「清きアイーダ」は、このオペラがスペクタクルものであると同時に、あるいはそれ以上に恋愛劇であることを示すためにもしっかりと美声で響かせてほしいところですが、今一つくすんでいて華やかさに欠けます。スタミナも今一つで、第4幕では、森田アイーダや浅井アムネリスと比較して全然声が出ていませんでした。牧野正人のアモナズロは流石の歌唱。藤原歌劇団のトップバリトンを長年勤めていたのは伊達ではありません。細かい間の取り方や、表現の深さは本日の出演者の中では一日の長があると思いました。矢田部一弘のランフィス。低音部の声の太さのコントロールがもっと精密だと尚よかったのですが、結構だと思います。以上繰り返しになりますが、細かくは問題の多い舞台でしたが、スタッフ・キャストの本公演を成功させようという熱意が、そういった問題を吹き飛ばす迫力のある舞台になっていたと思います。その熱意を称賛します。歴史・文化を知るということ−藤原歌劇団「カルメル会修道女の対話」を聴く「カルメル会修道女の対話」は、フランス革命時のコンピエーニュのカルメル会16修道女の殉教(死刑)を題材にしたオペラですが、これを見ると、我々は、フランスの歴史や修道会のヨーロッパにおける位置づけ、その他、欧州のある程度教養のある人たちにとっては常識のことが良く分かっていないのだな、と思います。「我々」、と書いたのは、今回公演プログラムにおける作品解説にも、そういった誤解に基づく記述があるからです。クロワシー修道院長やリドワーヌ修道院長は、原語読みで記載すると、マダム・ド・クロワシー、マダム・リドワーヌになるのですが、これを日本語にそのまま訳して、クロワシー夫人、リドワーヌ夫人と書かれているところがあります。カソリックの修道女は独身が原則ですから、そもそも夫人になるわけがありません。要するに「マダム」というのは、神への帰依を示す位階の一つで、シスター、マザーの上の位ということのようですが、そういった基本的なことですら、我々にとって常識ではありません。そのような作品背景に対する根源的不理解があるだけに、分かりやすい演出は大事だろうと思います。その意味で、今回の松本重孝の演出は、すこぶる具象的で視覚的に分かりやすくよかったと思います。この作品は、場面の切替の多い作品なのですが、切替の部分では、くし状の幕を使って遮光し、後ろの舞台転換をする間は、幕の前で演技させるという方式で、音楽の流れを極力切らないような工夫がされていました。フランス革命の流れについてよく知らない聴衆のために、休憩後の初めに、フランス革命の主要な事項をスライドで年表に示す、また、最後の断頭台のシーンもにしても、断頭台は背景高所にしつらえてありますが、その周りに殺戮に関する色々な写真を投影して、この殉教の無意味性を相対的に示そうとしていました。最後のスライド投影は、結構うるさい感じがしましたが、「カルメル会」というオペラ作品を理解するためには良い手法なのかもしれません。ちなみに休憩は第二幕第二場あと、修道女たちがリドワーヌ新修道院長のもと「アヴェ・マリア」を歌った後です。これは修道女たちが断頭台に上がるときに歌われる「サルヴェ・レジーナ」と呼応させる意図があったのでしょうね。この休憩は、前後半の時間がバランスしていて、よいと思いました。指揮はアラン・ギンガルが、伴奏は東京フィルが受け持ちました。このコンビの演奏は、批判もあるようですが、昨年新国立劇場オペラ研修所が取り上げたときの東京ニューシティ管弦楽団の演奏よりはるかに深みをあったし、纏まってもいました。プーランクの晩年の音楽に特徴的な暗いきらめきと多様な音楽語法がこの作品の大きな特徴だと思うのですが、そこはある程度しっかり表現できていたのではないかと思います。作品のもともとの性格もあるのでしょうが、後半のほうが音楽的緊迫感はあったように思います。歌手陣で今回最も魅力的だったのは、コンスタンスを歌った大貫裕子。コンスタンスは、全体的に暗いトーンで描かれるこの作品の中で、唯一明るいアクセントを与える役柄ですが、声にしても表情にしても彼女が歌うとパッと輝く感じがあってよかったです。主役のブランシュを歌った佐藤亜希子。前半は今一つパッとせず、後半盛り返したという感じです。佐藤は一昨年の南條年章オペラ研究室で「ルクレツィア・ボルジア」を聴き、大変感心した方なので、大いに期待して行ったのですが、今回は、声の飛びが今一つ弱い印象でした。会場が広いことが影響したのでしょうか。ブランシュというある意味エキセントリックな性格の持ち主を歌ったにも関わらず、前半は歌唱がおとなしく、ブランシュの異常性が浮かび上がってこないところも残念に思いました。後半は盛り返し、最後はそれなりに帳尻を合わせていたとは思います。ベテラン・郡愛子によるクロワシー。声の力は衰えを隠せません。それでも演技や表情は迫真のものがありました。死の場面の修道女にあるまじき人間臭い表情こそがベテランの味と申し上げるべきなのでしょう。ベテラン・本宮寛子によるリドワーヌ。こちらは声の力、演技力共に今一つでした。リドワーヌは、カルメル会が迫害された後、修道女たちの中心になっていく役柄なので、リーダーとしての存在感が重要だと思います。昨年の新国立劇場オペラ研修所公演では、若手の中村真紀がこの役を演じたのですが、リーダーとしての威厳や責任を意識した歌唱をしていたと思います。今回の本宮の役作りはリーダーシップ強調ではなく、不安を秘めたような歌唱。結果としてリドワーヌの位置づけが不明確になっているように思いました。それに対してマザー・マリーの牧野真由美は存在感を出していたように思います。リドワーヌの立ち位置が不明確な分だけマザー・マリーの存在感が強かったということかもしれません。三浦克次の侯爵、小山陽二郎の騎士、所谷直生の司祭はそれぞれ自分の役目を果たすのには十分な歌唱でした。登場人物が多いため、現代の中心的歌手を集めて上演するのが難しかったようですし、また演奏に問題も散見されましたが、全体としてはなかなか良い演奏だったと思います。福井オテロは侮れない-東京二期会オペラ劇場「オテロ」を聴く福井敬が最近重めの役を歌っていることは承知しておりましたが、本質がリリコの人。いう方が、イタリアオペラの代表的なドラマティック・テノール役である「オテロ」を歌う。確かにかつてはテノール歌手に細かい区別はなくて、例えば藤原義江は、アルマヴィーヴァ伯爵やマントヴァ公からタンホイザー、ローエングリーンまで歌っていたわけですから、福井がオテロを歌って悪い理由はありません。福井の本来の声からすれば、オテロというよりはカッシオでしょう。いう福井がどういうオテロの表現をするのか、興味を持って伺いました。聴いて思うのは、確かに福井敬のオテロでした、ということです。福井の表現は、テノーレ・ロブストの歌手が歌う時に聴こえる圧倒的な迫力はないのですが、一つ一つが繊細で丁寧な歌唱でした。本来の福井の声の範囲で、重厚性を出そうと試み、オテロの英雄性と破滅を歌ったわけですが、結局のところ、英雄的なところよりもオテロの嫉妬にかられてからのメランコリックな表情に福井の良さが出ていたと思います。それにしてもオテロとしては軽量級で、その中で重厚感を作り出そうとしていましたが、完全にそのトーンを維持することはできず、何でもないレシタティーヴォのところで緊張が抜けてしまって、抑えが利かなくなるところがありました。それでも、高音はきっちり決めてきますし、抒情的な表現のうまさは流石に福井敬と言うべきで、楽しんで聴くことができました。福井オテロと同じように役柄と声が似合っているとは思えないのですが、良かったのが大島幾雄のイヤーゴです。大島の歌唱は比較的頻繁に聴いていますが、今回のイヤーゴは出色の出来だったと思います。大島の声は、バリトン・ブリランテと言いますか、高音が響くバリトンで、イヤーゴとしては軽い声のように思いました。イヤーゴの一番の聴かせどころである「クレド」は整然と歌われて、そこに込められなければならないイヤーゴの恨みの量が今一つ不足しているようにも思いましたし、それ以外でもオテロに対する恨みの深さがしっかりと伺えるような歌唱ではなかったと思います。どちらかと言えば軽薄なイヤーゴ。軽量級のオテロと組み合わされると、この軽薄なイヤーゴが絶妙のバランスで、音楽的魅力を作り出していきます。声もいいし、聴き応えがありました。今回のオテロとイヤーゴは確かに本流ではありませんが、こういう行き方のオテロがあって良いと思います。ロベルト・リッツィ=ブリニョーリの指揮は、重厚さよりも切れのよさを追求した音楽作りであって、その切れ味からオペラの劇性を示そうとしたと思います。今回オケ・ピットに入ったのは東京都交響楽団でしたが、実力のあるオーケストラだけあって、指揮者の意図を切れ味鋭く表現したと思います。弦楽器の音色が良かったこと、またメリハリの利いた表現、例えば、ティンパニの爆発的な表現は素晴らしいものがあったと思います。いう音楽的な切れのよさを重視した音楽づくりには、福井、大島の比較的軽い表現が良く似合います。いう点を含めて、重厚ではないけれども魅力的な「オテロ」でした。松井るみの舞台装置は、上手奥から舞台前に向かっての山の裾野のようなもの。舞台の切り替えは、吊り下げられた大きなパネルやブロックです。舞台の下手奥にはスクリーンが張られているようで、時々舞台の影が映ります。抽象的でシンプルな舞台です。そこで、歌手たちが歌い演じるのですが、舞台がシンプルであるがゆえに、声と言葉の魅力が浮かび上がったようです。白井は、抽象的な舞台に嫉妬の愛憎劇を置くことによって、シェイクスピア劇の本質が人類の普遍の真理を突いている、ということを言いたかったのかもしれません。デズデモーナの大山亜紀子。今回の主要な出演者の中で、役と声とが一番一致していたのがこの方でしょう。柳の歌からアヴェ・マリアに至るデズデモナの一番の聴かせどころは情感のあふれる表現で結構でした。声の制御も素晴らしいと思いました。今回のキャストの中では、声が重く感じられました。相対的なものなのですが、福井敬オテロ、大島幾雄イヤーゴでしたら、もう少し高音の華やかなソプラノを選んだ方が、バランス的には良かったような気がいたします。そのほか、カッシオを歌った小原啓楼やロドヴィーコを歌った小鉄和広がなかなか良く、いつものことながら二期会合唱団もよかったと思います。演出、音楽づくり、そして歌唱とバランスのとれた名舞台だと思いました。二期会の意欲あふれる舞台作りに拍手を送りたいと思います。女庭師」を聴く「モーツァルトには駄作がない」というのは、クラシック音楽ファンにとって疑ってはいけないテーゼですが、「駄作」があるかどうかは別として、傑作が晩年に多いことは紛れもない事実です。三大交響曲が、39番、40番、41番ですし、ピアノ協奏曲だって20番以降とそれ以前では音楽の深みが違います。オペラでも「ファガロ」、「ジョヴァンニ」、「コジ」のダ・ポンテ三部作や、「魔笛」は成人してからの作品です。ケッヘル番号が100番台の作品で傑作と呼んで差し支えないのは、交響曲25番の小ト短調と、ディヴェルティメントK.136-138だけでしょう。モーツァルト18歳のときに作曲されたドランマ・ジョコーゾ「偽りの女庭師」も、まあそこそこのドタバタ喜劇であって、その音楽は駄作と申し上げるべき水準ではないにせよ、ダ・ポンテ三部作を知っている身からすれば、やっぱり若書きだな、というのが正直なところです。今回の上演で、東京室内歌劇場は、レシタティーヴォ・セッコの部分をすべて日本語の台詞で上演しましたが、あえてそのようにしたのは、チェンバロ奏者が見つからなかったためではなく、レシタティーヴォをそのまま上演すると、冗長になってしまい、喜劇の味わいがなくなってしまうという危惧があったからではないでしょうか。台詞を入れて喜劇の味わいを増やすやり方が結構か?と申し上げれば、これはなかなか難しいところがあります。青地英幸にしろ、末吉朋子にせよそれなりに面白いのですが、本質的に素人芸です。台詞部分ははっきり申し上げれば学芸会であって、ごちゃごちゃやっているうちにせっかくの音楽の持つ味わいが切れてしまう。前日に聞いたのが二期会の「オテロ」だったわけですが、「オテロ」が緊張の途切れない名舞台だっただけあって、「偽りの女庭師」の弛緩ぶりというか発散が、実に中途半端に感じました。演奏は悪いものではないと思うのですが、台詞でぶつぶつと音楽の流れが切れてしまうことと、モーツァルトの音楽自体も後期の傑作群と比較すればどうしても印象の薄い音楽で、取り立てて申し述べるほどのインパクトは感じられませんでした。「偽りの女庭師」は、要するに古典的なオペラ・ブッファで、バッソ・ブッフォとスーヴレットが重要ですが、ブッフォ役が、テノール役のドン・アンキーゼとバリトン役のナルドに分けられているのが特徴だと思います。行天祥晃のドン・アルキーゼはドタバタのなかを翻弄されるところが良く、歌も軽妙で楽しめました。和田ひできのナルドは、行天のドン・アルキーゼと比較すると一寸抑えた表現だったと思いますが、唯一の低音歌手として重唱の下をきっちりと支えていたと思います。アリアもなかなか軽妙でした。スーヴレットはセルベッタで、末吉朋子が歌いました。末吉の歌はなかなか素敵なもので、声的に華やかなセルベッタを十分表現していたと申し上げましょう。ところで、このセルベッタという役は、「フィガロの結婚」におけるスザンナや、「コジ・ファン・トゥッテ」におけるデスピーナのように物語の流れに本質的に入り込んでくる役ではなく、どちらかと言えば付け足しの役で、いうなれば、ロッシーニの「セビリアの理髪師」におけるベルタのような感じです。ところが、そういう役がオペラの最高音を担うわけですから、なんともバランスが良くない。いうところが上記の中途半端感につながったのかもしれません。主役の青地英幸と小林菜美のコンビは、青地がまあまあで小林が今一つと言うところでしょう。青地はなかなか声の綺麗なリリックテノールで、モーツァルトの軽妙な表現を上手に歌ったと思います。外題役の小林菜美は、あまりぱっとしませんでした。聴かせどころである第二幕のアリア「残酷な男たちよ」はきっちりとまとめ上げましたが、声に今一つ力が足りず、タイトル・ロールとしてのオーラが感じられませんでした。小笠朝美のアルミンダはサンドリーナの敵役として存在感十分、また高橋節子の騎士も無難にまとめていたと思います。以上、個別に見ていけばそんなに悪い感じはしないのですが、作品自体の弱さと、組み合わされた時のベクトルの微妙なずれが、全体としては音楽的な発散につながり、中途半端な上演で終わったような気がします。上演されない作品は、それだけの理由があるように思いました。肉食人種のオペラ-新国立劇場「ジークフリート」を聴くダン・エッティンガー、上手になったな。掛け値なしにそう思います。昔からそんなに下手な指揮者と言う印象はなかったのですが、昨年の「ワルキューレ」から更に進歩した印象です。プレミエ公演時の準・メルクル/NHK交響楽団のコンビと比較すると、音楽の構図も精妙さもまだ一歩譲らざるを得ないものがありますが、エッティンガーの指揮の切れ味は、相当レベルが高いと申し上げてよいと思いました。東京フィルをあれだけ思いっきり鳴らさせているのですから、「指環」の音楽に対する意識がかなり明確になっているのだろうと思います。東京フィルも全体的にはデュナーミクを大きくとったスケールの大きい演奏で良かったと思います。後半はミスが目立っておりました。あれだけの長時間演奏するのですから、後半疲れてくるのはやむを得ないのですが、第三幕は結構厳しかった印象です。それでもトータルで見れば、かなり優秀な演奏だったと思います。新国立劇場のオケピットに入った時の東フィルは、結構批判されることが多いのですが、今回ぐらいいつも一所懸命に演奏していただければ、そういう批判は随分減るだろうな、と思いました。「ジークフリト」それにしても大変なオペラです。上演時間が正味4時間半。かかわらず、出演者が少ない。そのうち森の小鳥やファーフナー、アリベルヒなどはそんなに長時間出るわけではありませんから、逆に言えば、ジークフリート、ミーネ、さすらい人などの負担は非常に大きいです。ワーグナーの楽劇は大編成のオーケストラに負けない強い声を要求されるわけですから、長時間強い声で歌い続ける体力の持ち主でなければ、到底歌いこなせません。久し振りで聴いて、『肉食人種のオペラ』だな、と思いました。草食男子が流行中の日本人では歌いこなせないのは仕方がないのかな、と思ってしまいます。それだけで、主要役を歌った歌手の力が光ります。ジークフリートを歌ったクリスチャン・フランツ、良かったです。彼は、この舞台プレミエの時も来日してジークフリートを歌い、大変感心した方なのですが、その時の印象をまた思い出す歌唱でした。私は、当時彼を『高音に透明感があって美しく、それでいて全体としては深みと力強さを兼ね備えており、ヘルデンテノールとしての美点を持った名手と思います』と評したのですが、その印象は今回も変わりませんでした。力強いヘルデン・テノールでありながら、柔らかく美しい高音も出せるというのは大きな魅力だと思います。第二幕の「森のささやき」の部分の繊細な表現は、そういうフランツの一番魅力的な部分を示したように思いました。第三幕のブリュンヒルデとの愛の二重唱。外題役にフランツを持ってきたこと、大変結構な人選でした。ミーメのウォルフガング・シュミットも良かったです。ミーメと言う力強さも出しながら卑屈さも表現しなければいけない役柄を、なんともコミカルに歌ったと思います。いうより歌自体は別にコミカルではなかったのですが、ミーメがニーベルング族の小人であることを踏まえた動きはコミカルで、キャラクター・テノールの味わいをしっかり出していたと思います。シュミットはジークフリートも持ち役なのだそうですが、このニーメの動きと歌唱を見ていると、ジークフリートが想像できず、一度彼のジークフリートも聴いてみたいものだと思いました。さすらい人を歌ったラジライネンはテノール二人に劣らず立派な歌唱だったと思います。ラジライネンもプレミエ時のさすらい人で、この舞台の印象がまだ残っているのでしょうね。存在感の強いさすらい人だったように思います。1幕のミーメとの確執の部分での力強さとおどろおどろしさ、ニ幕のアリベルヒとの対決、三幕のエルダとの噛み合わない対話、どの部分も、プレミエ時よりも落ち着いた伸びやかな歌唱になっていたと思います。ラジライネンの歌唱は、プレミエ時よりも良くなっているように思いました。