スポーツ文化館の令和3年度チャレンジ・アシスト・プログラム(活動助成事業)に、この度、私たち〈ダンス井戸端会議〉のプロジェクト「ダンス問い掛け連続トークセッション」が採択されました。2021年12月29日(水)、その第3回目として「身体をアジャストする」をテーマにオンライントークセッションを行いました。ゲストはオーボエ奏者の荒川文吉さんと、作曲家の髙位妃楊子さん。音楽をする身体について、様々なお話を伺いました。前半のトークには、井戸端メンバーとして秋山・安藤・白井が参加。最初にゲストのお二人から自己紹介と、事前にお送りした5つの質問に答えていただきました。ぶんきち)といいます。普段は東京フィルハーモニー交響楽団というオーケストラで活動をしています。今日は、音楽家が自分の身体とどう向き合っているか、どんなことを意識して演奏しているかを話せたらいいなと思っています。音楽家が普段どんな生活をしているのかをご紹介します。メインの仕事は、オーケストラのリハーサルと本番です。それから、そのオーケストラの公演に関する楽譜の勉強や準備。これが意外と時間がかかります。リハーサルと本番だけで仕事をしているように思われがちなんですけど、それ以外にも自分の時間を使って楽譜の勉強をしたり、オーボエの場合はリード(後述)を作ったり、楽器の調整に行ったり、そういった準備をした上でリハーサルや本番に臨んでいます。あとは、生徒さんのレッスンや、テレビや映画のレコーディング(音録り)、アマチュアのオーケストラの指導。音楽雑誌に文章を寄稿することもあります。オーボエのアンサンブルグループでYouTubeをやっています。荒川さんのアンサンブルグループのYouTube1身体が良い状態の時はどんな感じですか?演奏家はレッスン等でよく「脱力をしろ」と言われます。いって、全て脱力してしまうと支えが無くなってしまって、良い音が出ません。身体の芯に支えが作られていて、他が脱力できている状態が「身体が良い状態」なのかなと思っています。その脱力した状態を作るというのが難しいですよね。無意識に力が入っている所が結構たくさんあるので、それをちゃんと意識して「あ、ここにも余計な力が入っているんだ」というのをまず自覚していく。いう作業が大事かなと思います。2身体が邪魔に感じる時はどんな時ですか?これは1と反対で、余計な力が入ってしまう時ですね。本番ってやっぱり練習と違って、人に見られているのもあって、すごく緊張するんです。レコーディングも、自分1人の時はまだマシですが共演者と一緒に録っている場合は、例えば自分が1回ミスしてしまったことによって、全部やり直しになったりするわけです。いうネガティブなことを考えてしまうと、どんどん身体が固まってきて「普通に吹いていればこんなミスしないのにな」という所でミスをしてしまうことがあります。緊張などによって変な力が入ってくると身体が邪魔に感じるというか、余計な力が入っているなと感じます。3どんな身体に憧れますか?例えばすごくスリムな身体というのは、演奏家としては実はあんまり良くないんです。適度に筋肉がついていて、脂肪もある程度はあった方が、音色(おんしょく)が作りやすいと思っています。歌手の方を見ていただけるとイメージしやすいと思うんですけど、やっぱり歌手は身体そのものが楽器になっているので、ある程度は響かせられるような形になっている方が強いんです。管楽器の場合はそこまで必要では無いのかもしれないけど、演奏に必要な筋肉がちゃんとあることと、長時間演奏しても疲れないような体力がついている状態が良いのかなと思っています。4楽器とのアジャストのさせ方のルーティンなどはありますか?僕が吹いているオーボエという楽器は、先端にリードというものが付いていまして、そのリードが振動することによって、振動が楽器に伝わって音になっています。リコーダーやフルートのように息を吹きこめばそれが音になるのでは無く、間に1つ媒介している物がある。自分の身体が音色に直結しているわけではないので、リードとの相性や関係もあるんです。リードは植物の葦で出来ているので、気候の影響を受けやすいです。気圧が低いだとか、湿度が低いだとか、そういうことで毎日ちょっとずつ変化をしている物なので、最初に音を出した時に「今日はどんな状態かな」とかチェックするようにしています。5本番へのアジャストのさせ方でルールや方程式はありますか?本番というのは、緊張するものなんですよね。「緊張しないようにするにはどうしたらいいですか」と聞かれることもありますが、それは無理なんです。緊張した状態に普段から自分を晒す、そういう状況に置いてみるのが大事かなと思っています。iPhone等を使って、自分の練習を「これが1回きりの本番だ」と思って録音してみる。やって少し緊張する状態を作って、そういう時に自分の思考がどう逸れてしまうのか、どういう所でミスをしやすいかを学ぶ。それを繰り返すことによって、本番で緊張した状態になっても「こういう時に自分はこうなりやすいから気をつけよう」という経験則が出てきたりします。作曲家をしておりまして、楽器はピアノをメインでやっています。今は映画やドラマの音楽を作っていて、それらは自宅のスタジオでパソコンで作ることが多いです。以前はライブに出てピアノを弾いたり、歌の伴奏をしたり、バンドの中で演奏したりもしていました。3歳からピアノを習い、6歳から作曲を始めました。高校ではオーケストラの部活に入り、パーカッションをやったことで身体の使い方を学ぶ場面がたくさんありました。その後、藝大(東京藝術大学)の作曲科に入学し、それと同時に東京大学ジャズダンスサークルFreeDというダンスサークルに入りました。そこでのダンスの経験を活かして、バレエやダンスの曲を作ったりもしています。卒業後はシンガーの佐藤玖美さんとオリジナル曲のPVを作り、振り付けと出演をしたこともありました。南青山ル・アンジェ教会でゴスペルと出会い、ゴスペルスクールにピアノ講師として通っています。髙位さんが編曲・ピアノ、振り付け・構成・出演を務めたMV身体を壊して休養した時に、人前で演奏をする時の自分の身体と、作曲や創作活動をして内なる自分と向き合う身体との間に、結構ギャップがあるということに気づいたんです。身体の状態が違うせいで切り替えに時間がかかるので、両方やっているとどちらにも集中できなくて。それで2020年からは人前での演奏の仕事はすべて辞め、作曲の仕事に集中することにして、今に至ります。1身体が良い状態のときはどんな感じですか?これは自分の中に2つのモードがあって、演奏の時は「戦闘モード」、創作の時は「副交感神経モード」と呼んでいます。演奏の時は、とにかく外に意識を向けています。ピアノを弾きながら歌を聞いたり、バンドだったら他の楽器の音が常に耳に入るように意識しているので、耳をすごく活発にしているのと、人に見られても良いような身体の状態にしておく。これは、かなりテンションが上がっている状態です。「副交感神経モード」、これは作曲をする時の、一人になる時のモードです。戦闘モードとは真逆で副交感神経が活発になっている、つまり眠い状態。アルファ波が出ているような、ぼーっとしている状態が私の中では良いと思っています。外の音が聞こえないような状態です。2身体が邪魔に感じる時はどんな時ですか?荷物が重い時です。楽器を現場まで運ばなきゃいけないので、音楽奏者さんは荷物が重いことが結構あると思います。私もたまに自分の身体ぐらい大きいキーボードを自分で持っていかなきゃいけないことがあったんですけど、そこで疲れたら何もできなくなります。演奏や創作と関係のない所で疲れてしまうと、すごくストレスになるんです。いう時に「もう身体いらない」って思ってしまいます。3どんな身体に憧れますか?頭痛のない、胃液のしみない身体です。頭痛は持病という感じですごく悩まされていて、作曲する時に考えすぎて、頭がパンクすることがあります。4楽器とのアジャストのさせ方のルーティンなどはありますか?ありません。その場のピアノと仲良くなる。ピアニストは楽器を持ち運べないことが多いんです。生のグランドピアノだとなおさら、その場にある楽器を弾かなきゃいけない。タッチや空間の広がりがピアノによって全然違うので、いつもの感じで弾いていたら音がよく鳴らない、ということがあるんです。いう音が鳴る楽器なのかを事前に確認します。5本番へのアジャストのさせ方でルールや方程式はありますか?イヤリングを付ける。それが、人前に出るモードのトリガーみたいになっています。帰ってオフモードになったり作曲をする時には、いらないものを全部外して挑んでいます。演奏モードと創作モードで、気持ちの落ち着かせ方がそれぞれ違っています。ありがとうございました。お二人にお聞きしてみたいのですが、本番や練習でのフィードバックの対象となるのは、一番はやっぱり音色なんでしょうか。フィードバックに関しては、オーケストラの時とソロの時とで違う気がします。ホールで演奏する時は、舞台上での感覚と、客席にどう聞こえているか、というのは結構違うんですよね。タイミング的なものもそうだし、あとは音量のバランスも。オーケストラではオーボエの隣にフルートがいるんですけど、フルートって楽器の筒が右に向いていて、そこから音が出るのをオーボエは左側で聞いているので、右で聞く場合とは聞こえ方がちょっと違うんです。そこで自分の感覚で手元で合わせてしまうと、自分の音量だけが小さく/大きくなっちゃったりするんですよね。信頼できる人に客席から聞いてもらってフィードバックしてもらったり、自分で録音をして聞いてみたり、あるいは人が吹いているのを少し離れた所から聞いてみて「舞台上ではこういう感じがしていたけど、実際はこういう風に聞こえているんだな」とか、そういうことをチェックするようにしています。それとも耳で「これくらいの音だったら客席から聞いたらうまくいっているかな」という所に合わせる感じでしょうか。自分がその場で耳で捉えているものが、どれくらい本当にそのままなのか、みたいなことです。音量のこともそうだし、ホールって時差があるので、指揮を見たり、自分の耳で聞いてジャストだと思っても、実際はそれが遅れて聞こえたりします。「ちょっと早めに出なきゃいけないんだ」とか、「早めにやったつもりだけど、これでジャストだな」とか、そういうのを確認するという感じです。時差がある、というのはすごいですね。やって本番を重ねるごとに、客席に届く音としてジャストなものを調整していくということですね。ホールの数ってそんなに多くないので、「このホールはすごくディレイ(遅延)する」とか、そういうこともやっていくうちに覚えていきます。それで最近すごく困っているのが、配信も一緒にやる場合です。配信の場合は手元にマイクが来てしまうから、そこで(音のタイミングが)ジャストなんですよね。ホールの響きに合わせて少し早めに出るというのをやっちゃうと、そのまま早く聞こえてしまう。いうので、たぶんオーケストラの人は最近けっこう悩んでいるんじゃないかなと思います。コロナ禍ならではの悩みですね。髙位さんはいかがですか。フィードバックに関しては、音色は実はそんなに気にしていないんです。生の楽器の方々に比べて、電子キーボードだからどうにもできないことが多々あるので。荒川さんと同じように録音したり外で聞いてもらったりして、PA(音響)さんに指示をします。私は歌を支える立場なので、歌いやすいように聞こえているか、ライブとしてテンションを保てているか、観ている人が飽きないか、とか...。完成された音楽を忠実に再現するというよりは、テンションを持っていってその場で作るステージが多いので、そういう所を意識しています。身体の内観なのか、楽器との接地面なのか、それとも全然違うことを考えているのか...。接地面ではないですね。会場を見渡しすぎちゃうと逆に入り込めないから、ある程度自分の演奏に集中はするんですけど。感覚的に広く見渡してはいないかもしれないです。奏者同士の間に意識を向けています。お二人の話でわりと共通している部分として、身体は基本的にセンサーとして使っているなという印象がありました。荒川さんはリードとの関係を吹きながら探っていく、というようなことをおっしゃっていましたし、髙位さんも場の関係の中で、相手がどういう状態にあるかを聞く・見る、そういうことに身体を使っている。感覚器としての身体という部分が共通しているなと思いました。あとは左右が対称・非対称であることに対して、ピアノの場合は明確に右手と左手の役割が異なりますが、オーボエの場合はどうなんでしょうか。オーボエは真ん中に1本で構えますが、やはり右手と左手の役割が違うので、左右を入れ替えたら成り立たないですよね。オーボエの場合は楽器を支えているのが右手なんです。「左手は添えるだけ」みたいな感じで、楽器を支えながら指を動かさなきゃいけない分、やっぱり右手の負担の方が圧倒的に大きいです。大体の人は右利きなので右手の方が動きやすいんですけど、動きやすいからこそ負担が来てしまうので、そこをケアしてあげないといけない、というのは意識しています。整体に行くと「右側だけすごく凝っている」とよく言われます。いう時に、例えば「左手だけ筋トレをする」みたいなことはありますか。筋トレではないですが、「トリル」という指を速く動かす技があって、やっぱり左手の方が動きにくいんです。普段から鉛筆などを持って、指を1本ずつ独立させて動かすトレーニングを暇さえあればやっているんですけれど、左手の方が動きにくいので、意識的にやるようにしています。荒川さんのお話の中で、フルートなどの管に直接息を吹き込む楽器と違って、「身体が整ってさえいればOKというわけではない」というのが気になりました。リードってそんなに大きい存在なのか、と。管楽器の人は、実際に音を出すマウスピースやリードの調子を確認する作業が本番直前のメインになってくる感じですね。それより前に個人的にストレッチをしている人はもちろんいますが、10分前とか5分前は、自分の楽器と発音体(マウスピース、リード)を意識している人が多いです。弦楽器の人たちはあんまりウォーミングアップをしないんです。いうのも、弾きすぎちゃうと松ヤニが取れたり、弓の毛に負担がかかったりするので。どっちかというと本番で身体がしっかりほぐれた状態でパフォーマンスができるように、直前にストレッチをしたり、リラックスした状態を作ることを意識している人が多い印象です。「調子を確認する」というニュアンスが強いんですね。そこはダンサーと違うのかな、どうなんだろう...。ダンサーは調子を確認するというのもあるけれど、「とにかく高める」みたいな方向が強いのかもしれません。髙位さんのようなピアノの方は直前のウォーミングアップがあまり無いので、ダンサーに近いんじゃないかと思うのですが、いかがですか。ピアノだと、楽屋にいる状態でピアノを触ることは出来ない場合が多いです。指を冷えないようにするくらいで、あとはもう高める、音楽を思い出してイメトレしておく、という感じですね。本番に向かう身体のモードというのが、お二人で全然違うのかなと思いました。髙位さんは「戦闘モード」とおっしゃっていたように、たぶんドーパミンやアドレナリンが出て興奮状態で臨むような感じかなと。荒川さんの方は脱力を重要視されているという話があったので、もちろん「本番、行くぞ!」というモードもあると思うんですが、リラックスも重視されているのかなと思いました。やっている音楽ジャンルによる違いもありそうです。ダンサーにも、本番で別人のようになる人と、日常の感じで舞台に出て行く人がいますよね。オーケストラは自分1人でやっていない、というのも結構大きいと思います。全体の中の個なので、個が主張する以上に細胞の一つというか。「全体で良くなるように」という感じなので、あまり1人だけテンションが高い状態では、おかしなことになってしまいます。自分のソロリサイタルの時には、テンションを上げるようにしたり、没入できるようにイメトレを重視するようにしています。「本番」の形態によってルーティンも違うのかなと思いました。髙位さんはいかがでしょうか。オーケストラと比べると観客の人数が少ない、30~50人規模の会場で演奏されることが多いかと思います。耳でいろいろキャッチできるように、テンションをあげておきたくて。いつもの私はどちらかというと脱力はできている、むしろ常に脱力状態なので、本番ではちょっと前のめりにならなきゃいけないんです。そのために、曲を聞いてリズムに乗っておいたり、歌ってみたり、ストレッチをしたり、あとは一緒に出る人の顔を見て「どんな表情をしているのか」「どんなテンションで喋る人なのか」を見ておいたりします。「戦闘モード」というのは、営業モードみたいな、とにかく外に働きかけられる身体のモードという感じです。髙位さんの話を聞いていて思ったのは、オーケストラというのはまず曲があって、それを再現するというものなので、できるだけ忠実に、というか練習通りにやる。そこから本番でプラスになるものもありますが、基本はそういうものだと思うんです。髙位さんはたぶん、当日の共演者の感じとか、今日のノリとか、そういうのをキャッチするためにやっぱりONモードというか、アドレナリンやドーパミンが出る感じのモードじゃないと出来ないのかなと思いました。「事前に作って準備していくこと」と「本番」との割合や役割が、ダンサーと、荒川さんのようなオーケストラの仕事と、髙位さんのような音楽のお仕事で、全然違っているような気がします。ダンスとか演劇の場合は2ヶ月とか3ヶ月のあいだ「稽古場」という本番の会場とは別の場所に集まって、みんなで何かを作っていく作業があってから、本番を違う場所でやる、みたいな感じが多いんです。オーケストラはそうではなさそうですね。髙位さんのような音楽のライブも、1人で準備する段階・共演者と一緒にやるリハーサル・本番とで、また違った流れになっていて、それによるモードの違いがありそうだと思いました。