アートとデザインの外部を探しに。アートとデザインの外部を探しに。2016-11-222015年からはじまった佐藤直樹さんの連載「絵画の入門」は、絵画とはなにか、そもそもなぜ人は描くのかを、根源的に問うものでした。あらたな連載では、いったんそこを離れ、自身が職業としてきたデザイン、それからアートというものについて、様々な角度から見直してみます。これらの言葉が曖昧なまま使われているのはなぜなのか。ありながらどのように厳然とした線引きは存在しているのか。絵が好きだった少年がかつて胸に抱いた疑問に、大人となった今あらためて向き合う......この二つの連載は2017年春に単行本になります。「表面上異なる様相を呈していても根底的なところに同じ核を持っている」あるいは「同じ核からであっても表面上異なる様相を呈することがある」。今回はその確信がどこからきているのかを書きます。そのような認識というか、理解の仕方というか、考えは、次の事実と結びついています。「根底的なところでは真逆とも言える相違があるのに表面上は似たものになっている」あるいは「表面上似たものであるのに根底的なところでは真逆とも言える相違がある場合がある」。皆さんにも覚えがないでしょうか。異なる立場にあるけれども、根っこに同質な何かを感じ、信じてみようと思える、ということが。逆に、言っていることに対しては同意でき、やり方も正しい、間違ってはいないはずなのに、深いところで違和感が残る、ということが。いわゆるパクリとは「根底的なところでは真逆とも言える相違があるのに表面上似たものになっている」状態をわざわざ引き寄せている状態と言えます。逆に、他者へのリスペクトを持って接したものが自らの仕事の中に混入してきている場合は「同じ核からであっても表面上異なる様相を呈する」ようになっているはずです。人というのは一人一人が異なるので何をやっても同じには絶対になりません。同じようなことをしようとしても絶対的に異なります。動物であれ植物であれ鉱物であれ、個体とはそういうものです。類なり種なりとしてはそれぞれ同じ括りというものがあって、この「同じ」というところには非常に大きな力が備わっています。それは自然に備わった力ですから、個々がどうにかできるものではありません。ところが、個としての異質性と類としての同質性を人はたびたび混同するのです。言葉に先立つもの最近よくダイバーシティという言葉を聞くようになりました。ある一つの社会の中の多様性のことを言っているようですが、そもそも人以外はそんなお題目を持ち出さなくともうまくやっています。人だけが混同し、個々の存在にまで同質性を被せようとして揉めているのか。人工的な同質性というものがあるからでしょう。それは言語というものの性質と深く関わっています。人はものごころつく前から描くことをしています。いうことは、言語的な理解の方が後からやってくるということです。文字を覚えさせられるところで、線は言語的な意味に回収されます。それ以外の線は、たとえば絵の一部として「じつにのびのびと描けていてよろしい」といったところにカテゴリー化されていく。そんなふうに大人達が意味付けにかかってきた時のしらけた気分、いらだちのようなもの、絶望的な齟齬を私は今でもよく覚えています。した中、それ以前の自由な描画の衝動がすーっとどこかに消えたかのような者もいれば、異様に執着する者もいる。その分かれ目はどこにあり、何に起因しているのか。いうことも次第に考えるようになりました。私は幼少期の記憶が相当あり、その時期に記憶容量のほとんどを使ってしまったのではないかと思うほどなのですが、ひとりひとりの描き方の違いに驚いた記憶がひとつやふたつではありません。人というのはこんなにも異なるのかという認識は、描くこと自体の観察から来ている気がします。自ら没頭していただけではなかったのです。いずれにしろ、描くことの初源を考えようとすれば、異質性と同質性という問題にぶつかることは避けられないんじゃないでしょうか。引っ越しをして、友達ができては別れ、つねに疎外感のようなものを抱えていたことも、こうした考えを醸成した要因としてあるのかもしれません。いつも独りで妄想を膨らませながら気がつくと何か描いていたことと、できれば人と変わらぬ楽しい時間を共に過ごしたいという願望の同居。描くか描かないかの分かれ目にはそれぞれの事情があるとしても、孤独な妄想と共有の願望にはかなりの普遍性があるに違いありません。学校というところ何をやったところで人と同じにはならない。いいとかわるいとかではなく、ならないのです。個性を伸ばしましょうとか、自己実現しましょうとか、わざわざそんなこと言わなくたって、個性は最初から全員そのとおりのものとしてあるし、自己はそう意識した時点でもう実現しているのでそれ以上の実現なんかありません。同じようなところもある。類として同じであれば同じでしょう。同じである部分とはいわば自然現象みたいなものですからそれはそれで十分なのであり、わざわざ「同じにする」ようなことではないのです。ところが学校というところは必要以上に「同じこと」をさせようとします。学校はカテゴリーありきの場所で、教科が分かれている、時間割がある。同質性や集団性は日本人の特質として語られますが、近代になって学校のモデルとなった監獄にしても工場にしても軍隊にしても西洋のものですから、事はより複雑です。近代化に伴う同質性や集団性から来る弊害を別の面から中和させていた西洋の個人主義は、日本にはあまり浸透しなかった。アートとデザインというのは要するにカテゴリーです。西洋から入って来て、日本独自の発達を遂げた。いや遂げたというのも違うのかもしれません。いずれにしても、個人主義が根付かない社会でのアートやデザインというのはArtなりDesignなりと「似て非なるもの」たらざるを得ない。個々の実践がということではなく、その受容のされ方が。駄目だと言っているのではありません。ないだろうということが言いたいのです。その上で今はグローバルな視点も獲得しなければならない。個々のアーティストなりデザイナーなりは、国内のみで流通するものを送り出す場合であっても、どこかで世界基準の思考を働かさざるを得ません。逆に、どれだけ世界基準を意識するとしても、出自というものの掘り下げを怠れば、いずれ相手にされなくなるでしょう。それぞれの変化ではなぜ今、このタイミングで、アートとデザインに股がった話をしようとしているのか。それは単刀直入に言って、両概念が、もう独立しては成立し得ない段階に入ってしまったのではないかという直感というか予感からです。「もう独立しては成立し得ない」といっても、それは直接的な融合を意味するわけではありません。アートとはつまるところ西洋の階級社会が生んだ個人主義ありきのロマン溢れる制度なわけですから、目先の薄利多売の商取引にうつつをぬかすデザインとの融合などもってのほかで、あくまで独自ルートの価値形成を重視する世界です。デザインはデザインで生き馬の目を抜く勢いでトレンドを追い、成果を素早く現金に変えようとする、そんな習性を持つ世界であり続けて来ました。スピードが要求されます。今までそうそう混じり合うようなものではなかったし、今も厳然たる線引きが両者の基本路線としてあります。それぞれがそれぞれに内的に崩れてきているのだとしたら今後は話が変わってくるでしょう。価値が定まった過去のアートは別として、現在進行形のアートについて言えば、価値=価格の変動の幅はとても大きい。私は世界金融やコレクターの動向に鋭く切り込むジャーナリストではないので、語るべきファクトを持ち合わせてはいません。アートというものが、既存の価値から自由であろうとするものならば、そのような現実自体を絶対視するのではなく、相対化する別の足場を持つ必要があるはずです。価値形成の核は常にその外部にあると考えた方が妥当です。一方のデザインは、アナログからデジタルへと移行したところで、独自には価値を生めなくなりました。コンピュータ上のプログラムとセットになったという言った方がいいかもしれません。こちらはこちらで、もう二十年も前から新しい局面に突入していたのですが、そのことを自覚している者はほとんどいなかった。2020年東京オリンピックのエンブレム決定のプロセスは非常に象徴的な出来事であったと言ってもいいでしょう。私はこの一件で日本の「デザイン業界」は完全に終焉したという認識を持っています。デザインはいつ誰がどこで始めてもいいのです。ジャッジは自ずと下るわけですから。「アート業界」がどうなっていくのかはちょっと想像がつきません。メディア環境の変化によって絵画の発達はほぼ止まったので、過去の絵画が辿り着いた到達点は向こう百年や二百年では超えようがないんじゃないでしょうか。本流としては「絵画以外」の試行錯誤が続くはずです。その中に「絵画のようなもの」が含まれていたとしてもです。アーティストとデザイナーの現在と未来これまで形成されてきた両業界のフレームは崩れ、人の出入りも激しくなることが予想されます。すべてがフラットになってしまうことはあり得ないので、それぞれの業界では、簡単に真似のできないものが希求され続けます。現在、AIによってアートやデザインはどう変わるかという議論があります。十年後には今ある職業の多くはAIに取って代わられるという予測もなされていますが、それはそのように考えたい人がいてそれをなぞる人もいるという話であって、私なりあなたなりがその予測に沿った未来に備える必然の話ではありません。「十年後になくなると予測される職業を目指す」者がいても何らおかしなことではありません。考えると、アートにしろデザインにしろ、予測することに意味はない。