「ベルカント・オペラとフランス・オペラ・コミックの夕べ」を聴くオペラに行って参りました。異郷への憧れ-「ここはよいところ」を聴くオペラ歌手のリサイタルにも時々伺いますので、歌曲を聴くこともそれなりにあるわけですが、イタリア語の曲が一番多くて、次がドイツ語、フランス語、日本語の順で、その他、英語やラテン語の歌を聴くこともありますが、それ以外の言語の曲ってほとんど聴いたことがなかったと思います。ところが、今回聴いたのは、ロシア語、デンマーク語、チェコ語という感じで、自分にとってほとんど聴くことのない言葉の歌曲、ある意味非常に興味深かったです。作曲家にとって、歌曲はその中核にないにしても無視することはできないジャンルであり、しかしながら、それを中心に語られる作曲家は実は少ない。ブラームスは、生涯300曲以上の歌曲を作曲しているにもかかわらず、一般には交響曲の作曲家としてみなされています。言う私も1番や4番の交響曲であれば何十回と聴いた経験があると思いますが、ブラームスの歌曲は有名な「子守歌」と、大曲の「ドイツ・レクイエム」と「アルト・ラプソディ」を別にすれば、ほとんど聴いたことがありません。それぐらい、歌曲は虐げられています。同様にわたしにとってもラフマニノフはピアノ曲の作曲家ですし、ドヴォルザークは交響曲作曲家、ヤナーチェクはオペラの作曲家、チャイコフスキーは管弦楽法の大家の印象です。今回の演奏会で、知っていたのは、オペラアリアを除けば、「我が母の教え賜いし歌」ただ1曲という体たらく。アンコールで歌われた「君を愛す」は比較的有名な曲のようですが、実はこちらも初耳でした。三名ですが、演奏会を企画したのは、グリークの歌曲を歌いたかった池田で、新国立劇場が「イェヌーファ」を上演したとき、イェヌーファのカヴァーとして入って、チェコ語の歌に詳しい小林と、師匠がオブラスツォワでロシアの曲に詳しい鳥木に声をかけたのではないかと思いました。演奏に関して言えば、彼女たちの実力から言えば当然の歌を歌われていたと思います。最初の3人で歌った「ここは良いところは」なんらかの不具合があったようで、ちょっとハーモニーが乱れるところがありましたが、他は音的に気になるところはなく、さすがのパワーと音のコントロール力でしっかり聴かせてくれたのではないかと思います。曲も知らないし、言葉も分からないので、演奏についてはそれ以上申し上げようがない、というのはあります。曲に関しては、やはり民族性を感じられるものが多かったです。ドヴォルザークにしても、ヤナーチェクにしても民謡を取り入れている部分があるようで、そこにボへミヤやモラビアの匂いを感じましたし、ラフマニノフにはラフマニノフ独特の甘さをかぎ取ることができました。ラフマニノフの「グロリア」は彼のピアノ協奏曲第2番第2楽章にラテン語のグロリアの歌詞をつけたものでした。オーボエのオブリガートもよく、面白く聴きましたが、あの甘い緩徐楽章は、曲が「グロリア」という感じではないので、妙な違和感を感じました。東欧や北欧が「ここはよいところ」と言えるのかどうかは分かりませんが、知らない曲をたくさん聴けて楽しかったです。いう演奏会もたまにはよいものです。感想あはははは!-星のなかま★コンサート「魔女たちのお見合い~魔女たちのお茶会!?vol.2」を聴くお話を作って、そこにそのストーリーに合うようなアリアや重唱曲を組み合わせるコンサートが時々やられます。牧野真由美さんはその手の文才があるようで、彼女が書いたシナリオでやるコンサートには、二度ほど伺ったことがあります。今回は、その台本をメゾ・ソプラノの佐藤みほが書き、藤原歌劇団の合唱部で主に活躍しているメンバーによって上演されました。会場は、ホールではなく、広めの会議室といった風で、ほぼ100席。舞台というほどのものもなく、会場にVの字に座席が置かれ、その中に置かれた机や台を使って演技がされるというもの。手作り感の非常に強いものでした。主演は魔女三姉妹ということになるのでしょう。彼女たちは本年の「蝶々夫人」にも出演されていましたが、山崎、種田のお二人は、1988年の「カルメン」から出演されていますし、細見に至っては、その前年の87年の「トロヴァトーレ」が最初の登場です。30年以上のキャリアは、まさに魔女役にぴったりということなのでしょう。お二人は藤原歌劇団の本公演では、合唱がほとんどですが、外部公演ではいろいろな役柄を歌われており、何度も聴いたことがあります。宮本彩音は、私が10年来聴き続けているソプラノ。市川宥一郎は最近売り出し中のバリトン、先日の「蝶々夫人」では、シャープレスで登場しました。藤原歌劇団の合唱部は力のある合唱団であるといつも思っているのですが、今回のようなコンサートでも圧倒的に魅力的なのは、合唱です。ドゥルカマーラの登場のアリア。この曲は最初ファンファーレがあって、続いて合唱、それから、ドゥルカマーラが登場してアリアを歌い、その後半では、合唱とソロとが交錯しながら進むという形を取っています。その冒頭の合唱が見事です。その前のシーンの体勢から一気にこの曲の雰囲気に持ち込むところなどは、素晴らしいとしか言うしかありません。これで、市川のアリアが完璧だったらよかったのですが、さすがに難曲、口が廻らなくなるところもありました。乾杯の歌はテノールソロ、ソプラノソロもよかったのですが、やはり合唱が入ってからの方が、ぐっと盛り上がりました。合唱についてもう一つ申し上げれば、ヴェルディ「レクイエム」の「怒りの日」。この曲は通常100人以上の大合唱で歌われますが、ソプラノだけ3人、他の3パートは2人、という感じでの歌唱ながら、しっかりと合唱になっているのが凄いと思いました。全体的には、アリアよりも重唱が良かったと思います。和音の感じ方がすぐれているのでしょう。素敵な響きで見事でした。「コジ」の二重唱も素敵だったと思います。「ドン・パスクァーレ」の二重唱も楽しく聴けました。「きらびやかに着飾って」や「宝石の歌」はあんまり上手くいっていなかった感じです。はやかわ紀子のデリラのアリアは低音に迫力があって魅力的。三浦大喜の「誰も寝てはならぬ」は、彼の声質に会う曲だとは思いませんが、きっちり仕上げて見せました。ストーリーがそもそもおふざけで、曲の間の佐藤みほの語りも笑いを取る方に走っておりましたが、歌がぐちゃぐちゃになるのかと思いきや、皆さん、大真面目に臭い演技をやってくださり、歌い始めのところなどはしっかりポイントを押さえて見せてくれました。笑いながら聴かせていただき、楽しみました。水準点の向上-新国立劇場「ドン・ジョヴァンニ」を聴く新国立劇場の再演物の安定感を非常に感じさせる上演だったと思います。最上とは程遠いのですが、あるレベル以上で3時間40分持たせたという意味では新国立劇場の劇場としてのシステムのレベルの確実さを示したと申し上げられると思います。それを強く感じさせてくれるのが、妻屋秀和の騎士長と久保和範のマゼットです。この二人は何度もこの舞台で騎士長とマゼットを演じていますが、それだけのことはあると思います。妻屋は、妻屋としては最上のコンディションではなかったと思いますが、それでもあの歌は高レベルだと思います。久保のマゼットも低音の響きがもう少し広がってくれるともっといいとは思いますが、それを除けば、この演出にとても嵌っていると思いますし、動きが自然で見事だったと思います。九嶋香奈枝のゼルリーナもよかったです。九嶋は7年前この舞台でゼルリーナを歌いましたが。その時はあまり似合わないゼルリーナでした。彼女は、見た目はスーブレットなのですが、声質は純正リリコで本来ゼルリーナ向きではないと思います。今回は、しっかりゼルリーナになり切っていました。声自体は7年前とあまり変化はないと思うのですが、何かが変わって、可愛らしいけどかかあ天下的なゼルリーナになっていたと思います。「誘惑の二重唱」、「ぶってよ、マゼット」、「薬屋の歌」、みなよかったと思います。この舞台は初めての残りの5人ですが、まず褒めなければいけないのは、オッターヴィオを歌ったガデルです。声が、オッターヴィオの声にふさわしい軽いテノールですが、その声をしっかりコントロールしているのが素晴らしいと思いました。第一幕の「私の心の安らぎこそ」で注目し、第二幕の「私の大切な人を」で更に感心しました。これで、もうちょっと歯切れが良ければと思います。タイトルロールのウリヴィエーリは、よく言えば中庸の悪く言えば特徴の見えないドン・ジョヴァンニでした。色っぽさも中途半端ですし、デモーニッシュな表現も今一つです。二兎を得ずと申し上げたらよいのでしょうか。フルラネットのレポレッロもドン・ジョヴァンニと似通った表現で、両者が表裏一体の関係にあるということを表現したかったのかもしれませんが、メリハリは今一つです。個々の歌は決して悪いということはありませんでしたが、ドン・ジョヴァンニはもっと厳しい表現で追及していかないとその面白みが伝わらないのではないかと思いました。レポレッロはドン・ジョヴァンニに寄り添うよりももっと対抗的に表現したほうが、その特徴が出るのではないかと思いました。端的に申し上げればブッフォとしての可笑しみが感じられません。臭い演技をして、従者としての悲しみを訴える方が、ドン・ジョヴァンニとの対抗軸になるのではないかと思いました。聴かせどころである「カタログの歌」はもちろん上手なのですが、上品で私の好みではありません。ドンナ・アンナのケルケジ。キャリアを見ると、レジェーロソプラノとしてキャリアを積んできた人のようです。確かに美しい高音の持ち主なのですが、ドンナ・アンナとしては、声に重みが足りないと思いました。第二幕の大アリアなどは、見事に歌い上げていましたが、低音の重しが足りないので、中途半端な浮ついた曲に聴こえてしまいます。低音のアンカーが効いていて、その上に美しい高音が響けば見事なのでしょうが、なかなかそいう言うわけにはいきません。脇園彩のエルヴィーラも今一つです。彼女は、やはりソプラノではないのだと思います。登場のアリアは、音が下がっている感じがありましたし、正しく歌えていても頭が押さえられている感じが凄くありました。表情や演技はエルヴィーラのメランコリックな表情や一途なところがしっかり見せることができていて悪くはないのですが、高音の伸びがないのと、高音になると、声の響きが金切り声系になるのが如何なものか、と思いました。ヤヌシュケの指揮はあまり特徴を感じさせないもの。舞台を邪魔していない感じだったのでよかったのだろうと思います。以上、枠組みと脇役がしっかりしていて、バランスよく進んでいたおかげで、全体としてはまあまあ良くまとまった演奏に仕上がっていたと思います。「ドン・ジョヴァンニ」TOPに戻る。官能を排除したときに見えるもの-東京二期会オペラ劇場「サロメ」を聴く「サロメ」ってオペラなのかしら、今回の東京二期会の上演を聴いて思ったは、まずこのことでした。申しあげるまでもなく「サロメ」は管弦楽作品で、自らを「英雄」になぞらえたシュトラウスが、満を持して作ったオペラ第一曲目です。そこには、管弦楽法の手練れたるシュトラウスの技量が山のように詰っている。この作品はオーケストラの演奏会で、演奏会形式で取り上げられることが多いわけですし、私はこの作品を聴きに行くとき、管弦楽も楽しむようにしている。今回の演奏は、「オペラとは似て非なるもの」という風に感じました。端的に申し上げれば、歌付きの交響詩ですね。読響の演奏はテクニック的には非常に上手だったと思います。打楽器の切れ味よい打撃の感じや、各所で聴こえる光景を音楽で表す表現は、この作品を持つおどろおどろしさを浮き立てるのに、一定の効果を示していたと思います。そのおどろおどろしい表現が期待ほどか、と申し上げれば、イマイチスタイリッシュです。踏み込んで、臭いほどにおどろおどろしさを強調すればよいのに、ヴァイクレはそこまでオーケストラを踏み込ませません。理知的でお行儀のよい演奏に終始しました。オーケストラのヴィルトゥオジティを楽しむという観点ではとてもよい演奏だったとは思いますが、それは凄く上っ面で、この作品を本質に迫るような演奏とは違っていたのではないのかな、という気がします。申し上げれば、理知的ではありますが、全然官能的ではない。音楽にエロスを感じさせない。ためを取って、細かくテンポを動かしてやればエロティックに聴こえると思うのですが、そういうところを意図的に拒否している感じがしました。それは演出に対応したのかもしれません。演出も徹底的にエロチシズムを封印してきました。舞台は灰色の傾いた階段であり、L字型に切れ込みがはいいて、段違いになっている。その段違いの隙間が、ヨカナーンは閉じ込められている牢獄という設定です。その歩きにくそうな階段を上下左右に動いて歌うわけですから、「いつか転ぶんではないか」と聴き手がハラハラしてしまいます。歌手たちもそこを颯爽と歩くというわけにはなかなかならず、へっぴり腰で動いている人もいました。衣裳も基本モノトーン。グレーの華やかさを拒否した衣装で、また、サロメ、ヘロデ、ヘロディアスみな坊主頭です。七つのベールの踊りでは脱がないし、それどころか脱ぐという雰囲気すらない。いう飾りを全て排除したところにデッカーの演出の肝である、本質を見極める、という意図が隠されているのでしょう。そのエロスを拒否したところにある人間の欲望っていったい何なのか、と私は思ってしまいます。日本で「サロメ」の全曲が初演されたのは、1962年ですが、浅草オペラ時代から「サロメ・ダンス」と称して、「七つのベールの踊り」の音楽に乗せて、歌手が脱ぐというパフォーマンスがあったらしい。そもそもがそういうエロチシズムで受け入れられてきた作品の、聴き手の期待を裏切る演出には、私は好きになることはできません。今回の演出で歌うぐらいならば、演奏会形式の方がマシなのでは、と思います。少なくとも歌手は、地にしっかり足がついているだけで、歌いやすくなると思います。そんな厳しい条件の中で歌手たちはかなり頑張りました。最初に評価すべきは池田香織の歌ったヘロディアス。歌うところがとても多い役ではありませんが、サイボーグ的なオーケストラに合わせたのか、冷静だけどもヘロディアスの邪悪な感じをしっかり見せる立派な歌で、大変感心いたしました。サロメに期待される声質とは違った声だとは思いますが、森谷真理のサロメも頑張りました。サロメとしてはもっと低音が響いてほしいと思いますし、官能的な部分の高音ももう少し厚みがあればよいとは思いますが、後半はほとんど出ずっぱりの中、これだけ完成された立派な歌が歌えたこと、素晴らしいと思います。バリトンからテノールに転じた頃は、なぜテノールに転じたの、と思わせるような歌ばっかり歌っていたわけですが、今回のヘロデはテノールの歌と響きになって見事でした。大沼徹のヨカナーンは舞台の上で歌っているときは、立派な声で感心しましたが、牢獄で歌う陰歌になったとたん、妙な響きに変化して浮ついて聴こえたのは残念です。装置の構造に問題があったのかもしれません。大槻孝志のラナポートはサロメへの恋心を感じさせる歌ではありませんでした。それは大槻の問題というよりも、この演奏と演出がそれを認めなかったのではないかという気がしました。「サロメ」TOPに戻る。聴くバランスの取れた、かなり上出来な演奏だったと思います。本年は4月に藤原歌劇団がなかなか立派な「蝶々夫人」を上演して感心したわけですが、音楽的な意味でのトータルのレベルは新国立劇場が一枚も二枚も上手だったという感じです。新国立劇場のレパートリー公演の質の高さについては、これまでも何度も言及していますが、今回もまさにその一例と申し上げてよいと思います。オーケストラが手を抜かず、と言って頑張りすぎるわけでもなく、ちょうどいい感じで舞台を支えました。東京フィルの水準もどんどん上がっているということなのでしょう。東フィルは昔はずいぶんミスも多くて、「大丈夫なのか」と思うような演奏も時々あったわけですが、考えてみると、ここ数年東フィルの演奏で、悪い意味でハラハラさせられた演奏って思いつきません。本日も基本、しっかりした美音を醸し出していたと思います。指揮者もよかったのでしょう。レンツェッティという指揮者、私は初めて聴く人ですが、イタリアオペラの手練れのようで、バランスの良い、聴かせる指揮をやっていたと思います。蝶々さんを歌った佐藤康子が素晴らしい。考えた役作りをしているようで、それが歌でしっかり見せてくれているところが素晴らしいと思いました。「ある晴れた日に」ですが、これを佐藤はたっぷりは歌いますが、クライマックスにしない。この曲は、帰ってくるピンカートンと「ああしたい、こうしたい」という希望を歌っている曲ですから、ストーリーの中では、言ってみればおまけみたいなものです。このアリアがなくてもストーリー展開には困らない。ここにクライマックスを持ってくるのは本来おかしいのですが、多くの蝶々夫人歌いはここに焦点を当ててきます。それはそれで盛り上がりますから、ひとつの行き方ではあるのですが、佐藤はこの曲を割とあっさりと歌って見せます。次の場面でシャープレスが訪ねてきて、「蝶々夫人」と呼び掛けられると「ピンカートン夫人」と言い換えるところのきっとした表情で歌って見せ、その訪問が、ピンカートンが戻ってくることの連絡だったということを知ると前のめりになる。「ある晴れた日に」の平穏と、その後の「うきうきした感じ」の差異がはっきり見られたところなどは凄いな、と思いました。第二幕後半の緊張感の作り方、本当のクライマックスへの盛り上げ方が、見事でした。全体的に端整なのですが、少しずつ熱を帯びてくる感じが素敵でした。文句なしにBravaでしょう。コステロのピンカートンもよかったです。この方、レジェーロ寄りのリリック・テノールの声質で、一般にピンカートンに期待される声よりも軽いと思いますが、その軽さが、ピンカートンの軽薄さを表現するのにちょうど良い感じです。しすぎかな、とも思いましたが、この軽くて甘い声は、蝶々夫人を誘惑するのにうってつけな感じがしました。須藤慎吾のシャープレスも見事。しすぎている感があり、シャープラスの傍観者的いい加減さを表現するためには、もう少し引いてもいいのかな、とも思いましたが、きっちりと役目を果たした立派なシャープレスでした。山下牧子のスズキもいつもながらの安定感がしっかり認められ、とてもよかったです。本来テノール役のゴローはバリトンの晴雅彦が歌いました。晴はゴローのようなコミカルなバイプレーヤーを歌うととても上手な方ですが、今回のゴローは、芝居のメリハリがはっきりしない部分があって、歌よりも動きにケレンを加えたほうが良いのかな、と思いました。そのほかの脇役陣もしっかりと自分の役割を果たしました。以上素敵な演奏でよかったのですが、上演自体はイマイチ好きになれません。新国の演出が水を浴びせていた感じがするのです。この舞台は2005年のプレミエから毎回見ていますので今回で7回目の観劇になるのですが、全然好きになれない。栗山民也は日本的情緒を排してこの舞台にしたそうですが、黄土色のモノトーンは眠気を誘いますし、日本の春、という感じが全然しないのも違和感があります。少なくとも舞台と演出は、藤原歌劇団の方が断然よいなと思いました。「蝶々夫人」TOPに戻る。2019「ヘンゼルとグレーテル」を聴く童話を原作にしたオペラはいろいろ書かれていますけれども、子供に見せるという観点で選ぶのであれば、まず指を折るべきは「ヘンゼルとグレーテル」だな、と素直に思える舞台でした。2013年初演で、本年再演であるそうですが、2013年の初演は見ておらず今回が初見です。2013年は夏休みの子供向けプログラムとして企画されていますが、そのこともあってか、子供を意識した演出です。子供を意識した演出において歌手もダンサーもその演出に忠実であったことが、分かりやすさにつながり、楽しめる舞台につながったのではないかと思いました。広崎うらんの演出の特徴は、「先に舞踏ありき」だと思います。言い換えるならば、ミュージカルを意識した演出と申し上げてよいかもしれない。美しいのは二幕の終わり、オーケストラの伴奏に乗って、14人の天使が舞を見せるシーン。この天使の踊りは美しいですし、見事だったと思います。歌手たち、ことにヘンゼルとグレーテルはたいへんでした。「先に舞踏ありき」を踏まえた歌唱・演技を要求される。要するにダンサーと同レベルで子供のように踊ることを求められる。そのことが子供のエネルギーを表現するためには必要なことでしょうが、手足の先まで子供のように身体を柔らかくして、全身で子供のように動かなければいけない。その運動量はそれだけでも大したもので、それをマイクなしで歌いながらやらなければいけないわけですから、ほんとうに大変だったろうと思います。オペラをよく知っている演出家だったら、歌手の負担が大きいこんな演出はやらなかったと思いますが、逆にオペラを知らない演出家だったからこそできた舞台なのだろうとも言えそうです。それを郷家暁子も小林沙羅もしっかりやって見せました。二人とも身体がよく動くし、足もよく上がります。それもただ上がるのではなくて、揃う。オーディションで選ばれたようですが、その時はバレエのレベルも確認されたのだろうな、その上で、練習も相当積んだな、と思わせる演技でした。この二人、歌唱もよかったです。あの踊りを踊りながら歌うわけですから、ノーミスというわけにはいかなかったのですが、音楽の流れには常に乗っていましたし、音も綺麗に響いて飛んできました。歌詞も一部を除いてよく分かりました。ヘンゼルとグレーテルの音色の違いもちょうどいい。ヘンゼルはしっかり男の子でやんちゃ坊主でしたし、グレーテルはおしゃまな少女でした。それ以外の歌手ではまずゲルトルートの藤井麻美が良かったと思います。疲れた母親を見せてくれました。ペーター役の池田真己はちょっとぎくしゃくした感じがあって、もっとこなれた歌になるといい。一つ申し上げれば、この方ハイバリトンのようで、低音が全然響いてこない。そこがいまいちでした。眠りの精/露の精を歌った宮地江奈。この方昨年の「後宮からの逃走」を聴いたときもそう思ったのですが、声がやや上ずる癖があるようです。中低音部はもっと抑えた歌い方をする方が良いと思いました。忘れちゃいけないのが、角田和弘の魔女の怪演。50男がビキニ姿で踊るわけですから、見た目はおどろおどろしいものがあります。角田はノリノリのテンションで見事に歌い演じました。フィルの演奏は、細かなミスはあったものの概ね良好。子供たちの合唱も可愛らしく素敵な響きでよかったです。「ヘンゼルとグレーテル」TOPに戻る。美術館コンサートvol.3」を聴く古今東西、長い歴史の中でどれだけの音楽作品が発表されてきたかを知る人は誰もいないと思いますし、現在楽譜が入手出来て音楽に変換できる作品に限っても、何万あるのか、何十万あるのか。コンサートに行って、自分にとって未知の音楽を聴けることは、それまで知らなかった新たな興味を湧きたててくれます。高橋薫子と但馬由香のコンビの美術館コンサート、昨年に引き続き本年もお邪魔したのですが、今年はピアニストの石野真穂がフランス留学経験があるというところから前半はオールフランス物、後半は日本歌曲というプログラムで攻めてきました。そのフランス物も、1870年ごろから1890年ごろに作曲された作品が中心というかなり特徴的なもの(一番古いのが、「ファウスト」(初演:1859年)、一番新しいのが「ドン・キショット」(初演:1910年))。フランス音楽が一番輝いていたのは、19世紀後半から20世紀初頭ですから必然的にそうなったのかもしれませんが、類似性があるというか、ひとつのまとまりのある音楽になっていたように思います。逆によく知られた曲はあまり多くなくて、私が知っていたのは、オペラアリアを別とすれば、「月の光」と「天使の糧」の二曲だけ。それ以外の曲は今回初めて聴きました。最初の「タランテラ」はまさにタランテラと言うべき速い音楽で、和音もハモリやすいものではなく、ひとつ間違えると、一瞬にして崩壊し、立て直せなくなる音楽だと思いますが、そこは中堅とベテランとのコンビ。有名な「月の光」はメゾゾプラノの落ち着いた響きが青白い月の光を感じさせます。「天使の糧」も有名ですが、ソプラノとメゾのコンビで聴くのは初めての経験。この二重唱も非常に美しくよかったと思います。サン・サーンスの歌曲を聴いたのは全く初めての経験。サン・サーンスはアヴェ・マリアを三曲作曲しているそうですが、どの曲だったのでしょう。フランスのモーツァルトと呼ばれる作曲家の作品だけあって、ソプラノの響きが美しい。ドビュッシーの「星の夜」1880年、ドビュッシーが18歳の時の作品(但馬は、16歳の時の作品と言っていました。調べると16歳説もあるそうですが、私の手持ちの資料もWikipediaも1880年作曲説を採っています)。若書きの作品ですが、音の進行がドビュッシーとしか言いようのない独特なもの。「ペレアスとメリザンド」を彷彿とさせました。スペインのシエスタを彷彿とさせるそよ風を感じました。歌手との距離が近いので、「寝る」という感じには聴こえませんでしたが、もっと離れたところで聴けば、眠りに誘われそうです。マスネはメゾソプラノを主人公にしたオペラをたくさん書いていますが、(というか、この時代のフランスオペラはメゾソプラノがヒロインとなる作品が多いように思います「カルメン」とか「サムソンとデリラ」とか)但馬は珍しい「ドン・キショット」のアリアを選んできました。「宝石の歌」は非常にポピュラーなソプラノのアリアですが、高橋は本邦初公開とのこと。高橋の声に似合っている曲なので、初めて、ということに驚きました。「ホフマンの舟歌」メゾソプラノのベースの上にソプラノの音がゆったりと響く感じが見事でした。最初の三曲は知っていますが、あとはどれも初耳です。日本の歌曲の後半の曲は歌曲として歌われたり、合唱曲として歌われたりしているようです。日本人は、日本語の歌詞の意味を感じながら聴けるので、日本の曲もいいなあと思いながら、気分良く聴きました。良かったのは、但馬の「歌をください」歌いながら感極まってくる感じが素敵でした。全体的に意欲的なプログラムだったと思います。お客さんが100人ほどのコンサートなので、こういう冒険もできたのでしょうね。歌手では但馬の安定感が光りました。今後の伸びしろ-新国立劇場オペラ研修所オペラ試演会「イオランタ」を聴くチャイコフスキーに「イオランタ」というオペラ作品があることはもちろん知っていましたが、聴くのは今回初めてでした。国内では何年かに1回、ぽつりぽつりと上演されているようですが、演奏会形式であったり、あるいは小さいグループの上演だったりして、なかなかメジャーにはならないようです。これまで私のアンテナにはなかなか引っ掛かってこなかったのですが、今回新国立劇場オペラ研修所の若いメンバーで上演されることを知り、はせ参じました。演奏全体は悪いものではありませんでしたが、オペラの呼吸が完全に理解していないというのか、あるいはロシア語がしっくりこなかったためなのか、理由は分からないのですが、どこかちょっとバランスの悪い感じがあって(特に前半)、多分その辺の調整が的確になると、もっと締まった演奏にまとまったのではないかという気がしました。前半のアンサンブルでは、和音の響きが「これでいいのかな?(曲を知らないので正しいのかもしれませんが、チャイコフスキーならもっと美しく響くように作曲しそうです)」と思ってしまうところもあり、工夫の余地はまだまだあったのでしょう。歌手はタイトル役の井口侑奏がまず頑張りました。前半は、今一つしっくりこないところもあったのですが、尻上がりに調子を上げ、後半は大変すばらしい演奏になったと思います。フィナーレとなるボデモンとの二重唱は大変すばらしいものでした。彼女は演技も頑張っており、盲目の王女の雰囲気をしっかり出して魅力的だったと思います。十合翔子のマルタは比較的うまくいっていなかった前半の中でもしっかりとした歌唱とフォローで、しっかりベース役を果たし、研修所修了生の貫禄を示しました。友人たちの二人は、ブリギッタ役の平野柚香が割とうまくいっていなかった印象です。男声陣はもっと冷静に歌った方がよかったのではないか、というのが全体の印象です。盛り上がると歌のコントロールが甘くなってしまうのが全体的な傾向で、そこを甘くならないように鍛えるのがこれからの課題なのかな、という感じです。演技も総じて女声ほど上手ではなかった印象です。役作りを徹底して、特徴が見分け易くなるといいな、と思いました。ボデモン役の増田貴寛。素敵な声のリリックテノールで中低音の響きは柔らかくてとてもよかったと思います。高音がちょっと痩せてしまうのと、逆に張り上げてしまうと今一つ音程が安定しないきらいがあって、高音をもっと鍛えることを期待したいと思います。いえ、美しい中低音とニュアンス豊かな歌唱で、たくさんのブラボーを貰っていました。ヒーローとしての演技は今一つ明確なものではなく、もう少し役作りをしっかりしたほうが良かったのではないかと思います。仲田尋一のエブン=ハキヤ。ハイバリトンの美声が魅力的。男声の中で唯一、ずっと冷静さを保った歌唱で(そういう役であるから当然なのですが)、その一貫性がよかったと思います。ムーア人の医師という感じではなかったかな。そこは、仲田の責任というよりは演出家の見せ方ですが。国王の貫禄と優しい父親の雰囲気を出すことに成功していたと思います。反対にロベルトの井上大聞は中途半端な感じで役割が見えない感じでした。高橋正尚のベルトランは門番という感じではなかったように思います。イオランタだけが白い衣装で、他は皆黒系統の衣裳。それはイオランタを浮き上がらせるという意味で理解できるものではありますが、特に男性については身分の違いが見た目にあまり明確ではなく、もう少し明確な差を出した方がよかったのかなと思いました。新国立劇場オペラ研修所は、主役級を育成する研修所ですが、それだけの基本的実力と才能のある若手の集団であることはよく分かりました。フィナーレの重唱の迫力がそれを示していたと思います。それでも上記の通り気になるところもありました。皆さんの今後のさらなる精進を期待しましょう。「イオランタ」TOPに戻る。2019「愛の妙薬」を聴く「愛の妙薬」は、私が最も親しんでいるオペラの一つで、ずいぶん多くの舞台を見てきました。20回じゃきかないと思います。その中で、ことネモリーノに関する限り、今日の小堀勇介を凌駕するようなテノールはいたかしら、と思うような素晴らしいネモリーノでした。世の中に、「人知れぬ涙」で満場の喝采を浴びるテノールは数多くいるとは思いますが、冒頭のカヴァティーナ「何て美しい、なんて可愛い」でBravoを貰ったテノールは、私の聴いた範囲では小堀が唯一の例ではないかと思います。シラクーザだって貰っていないはずですから。その小堀の歌唱は、丁寧で正確。基本的にレジェーロの軽いテノールであることは間違いありませんが、低音もしっかり響きますし、中音部の厚みもしっかりある。「人知れぬ涙」までは文句のつけようのない歌でした。聴かせどころの「人知れぬ涙」ももちろん柔らかい表情でしっとりと歌い、抜群の出来。ベルコーレとの二重唱では楽譜に書いていないハイCをしっかり響かせて見事でした。「人知れぬ涙」の後のフィナーレではさすがに緊張が途切れてしまったのか、それまでのほぼ完璧な歌とは違って、ミスも出てくるようになりましたが、そこはまあ、人間的でよかったのかな、と思うところです。その小堀ネモリーノに引っ張られたのか、中井奈穂のアディーナも尻上がりに調子を上げてきました。登場のアリアである「つれないイゾルデを」は普通の出来。その後のネモリーノとの二重唱は小堀ネモリーノとの力量の差を感じさせずにはいられないものでしたが、それを自分でも感じたのか、ギアチェンジをしてどんどん魅力的なアディーナに変身していきました。「ラ・ラ・ラ」の二重唱が見事でしたし、後半は魅力的なアディーナに変身していました。小堀ネモリーノが失速気味だったフィナーレもしっかり歌えていたのが素晴らしい。三浦克次のドゥルカマーラ。日本人ドゥルカマーラの第一人者と申し上げてよい方ですが、さすがです。歌そのものの滑らかさはかつてほどではなくなったのかな、という印象ですが、そのけれんの立った演技・歌唱はバッソ・ブッフォの面目躍如と申し上げてよいのではないでしょうか。登場のアリア「お聞きなさい、村の衆」がいかにも香具師的インチキっぽい口上でおかしいですし、アディーナとの二重唱やネモリーノとの掛け合いなども、ゴツゴツした感じを出すことによって、滑らかなネモリーノやアディーナとの対比が取れていたのだろうと思います。大石洋史のベルコーレ。このメンバーの中では割を食った感じです。言って悪い歌唱では全然なく、登場のアリア「愛らしいパリスのように」も立派でしたし、その後もきっちりと自分の役割を果たしました。惜しむらくは、演出家の指示なのか、三枚目としてのキャラの立て方がおとなしい。三枚目としての立ち位置を示した方が、存在感がよりはっきりしたのではないかと思います。合唱は手慣れたものでもちろん立派。合唱団員の細かな演技も見事でした。音楽的な観点でひとつ不満があるとすれば山下一史のテンポ感覚。これはネモリーノやアディーナの丁寧な歌唱に合わせたものなのか、山下のそもそもの体感テンポなのかよく分かりませんが、例えば、「ラ・ラ・ラ」の二重唱などは、もっとアレグロで前に進んだ方が、音楽的な勢いが増すと思いました。遅く演奏したおかげで、ここの部分でのアディーナもネモリーノも非常に丁寧に歌唱処理をしていることはよく分かりました。1997年に初演され、何度も再演された舞台で、最近は2016年にも上演されています。オーソドックスなどこまでも正統派で美しい舞台。基本的な演出はもちろん一緒なのですが、細かい演技やくすぐりなどはいろいろとブラッシュアップしてきているな、という印象。私が見落としていただけなのかもしれませんが、考えているな、と思いました。腰の曲がったおばあさんが、妙薬を飲んで踊りだすシーンは前も見たような気がしますが、ドゥルカマーラの登場の場面で、床屋からひげを剃っている最中の客と店主が飛び出して歌うなんて、知らなかった。私が気づいていなかっただけかもしれませんが、本当に細かい処までよく作り込んであります。以上、見て楽しく、聴いて楽しい素晴らしい舞台でした。「愛の妙薬」TOPに戻る。感想ベルカント・オペラの難しさと楽しさと-「ベルカント・オペラとフランス・オペラ・コミックの夕べ」を聴くオペラであれば何でも聴くのですが、やはり一番好きなのは19世紀前半のイタリア・オペラです。ロッシーニ、ドニゼッティ、ベッリーニのベルカント・オペラ三羽烏の作品はどれも聴きごたえがあります。これらの作曲家のオペラ作品は、曲の素晴らしさと比較した場合、上演回数が多いとは言えません。その理由としてまず言われるのは曲の難易度です。総合演劇としてのオペラはその後も発達を続けますけど、こと、歌唱技術にだけ特化してみれば、ベルカント・オペラが頂点でした。ベルカント・オペラの曲をきっちり歌われると、それだけでわくわくしてしまいます。超絶技巧は心を揺さぶります。そのエッセンスを聴くことができたのが今回のコンサートでした。ペーザロへの留学経験のある若手テノール二人と新進ソプラノの歌は、課題も見え隠れするものの、全体としては若手歌手の実力をたっぷり見せてくれるもので、大変立派でした。日本のロッシーニ・テノールは五郎部俊朗さんが歌われなくなった後、正直申し上げてあまりぱっとしなかったのですが、小堀勇介が出てきてまた一皮むけるのではないか、と思っていたのですが、本日の歌を聴いてその感をますます強くしました。今回の一番の喜びは小川栞奈の歌が聴けたことです。東京芸大大学院の学生のようですが、本当に素晴らしい歌唱でした。楽譜をきっちり読みこんで、それを自分の中で再現して正確に表出する。それができていました。それがただ機械的に出して技巧に走っているのではなく、役の勘所をつかんで、それらしい表現もできていたのが大変すばらしいと思いました。これで、声にもっと厚みが出てきて迫力が出ると、たとえレジェーロ系のソプラノであっても更に役の味が広がります。ノリーナもアディーナもエルヴィーラもそれぞれの特徴を掴まえた素敵な歌だったのですが、声が進歩すればそれぞれの特徴の描き分けが更に明確になるだろうと思いました。一点、小川のこれからの課題はオペラの本番でどう歌うかでしょう。経験は多くないみたいです。そこで今日みたいな歌が歌えれば鬼に金棒でしょう。これからオペラ舞台で経験を積むことによって、更に飛躍できると思います。今後に期待できるソプラノを聴けて、本当によかったな、と思います。小堀勇介は前半のエルネストのアリアで喉にアクシデントがあったようで、最後の盛り上がりが胸声では歌えず、ファルセットにして逃げましたが、それを除けば非常に立派な歌だったと思います。声は本当の意味では完調ではなく、所々ざらつくところもありましたが、後半は得意のロッシーニと2週間前に日生劇場で満員の観衆を唸らせたネモリーノですから声のコントロールがしやすかったということはあるのでしょう。小堀の巧さは高音でも低音でも滑らかに声を張れるところにあると思いました。「人知れぬ涙」が素晴らしいのは当然ですが、レジェーロ系テノールでありながらオテッロの三重唱での見事な低音には痺れました。山本康寛も悪くはなかったのですが、彼はどの音階でも同じように歌う、というのが上手にできないようです。高音もしっかり聴かせるのですが、ギアチェンジをしました、という感じが見えすぎます。中音部と高音部が同じような感じで歌えた方がぎくしゃくした感じが少なくなるように思いました。あとはブレスが荒いのも改良の余地ありです。したブレスはもちろん歌唱にとって大切ですけど、これ見よがしにブレスしました、というのを見せられるのはちょっと残念かもしれません。いえ、愛の妙薬の「ラ、ラ、ラ」などは雰囲気が似合っていて楽しめました。やって聴いてみると、ベルカント・オペラのむつかしさを再認識させてくれたと思います。聴きごたえもあるし、聴いて楽しい、とも思えるのですね。�������C�u。