非常灯の赤光が混じった色だろうか。登場する「君」を果実に見立てるのもアリか(気障か)。ライブ会場でこの曲がはじまったら、歌詞の内容と現実がフージョンして盛り上がれそう。平易な言葉と抽象度で、描く光景、情景に受け手の自由がある。聴き手が、それぞれの映像を「思える」、重ねられる。っぱく、みずみずしく。それでいて、ちょっとけむたい感じ。母音・子音に、これ見よがしな押韻はない。流れ込むように入ってくる。外して作詞したのかもしれない。リズムと音韻が気持ちいい。歌メロペンタトニックスケールを基にしている。いわゆるヨナ抜き音階。C)iv(ドレミファソラシなら、「ファ」)は、歌メロにはまったく出てこない。vii(ドレミファ...なら、「シ」の音)が、サビでやっと出てくる。Aメロで登場せずにいたviiを、ここで使うのである。G♭)特に、(踊ろ)「う」のところのviiによって醸し出される浮遊感。もどかしさというか、至らなさというか。このviiは、刺さりどころがないままviに進む。viでは落ち着かない。このvii、viが、サビの8小節を総べて率いている。サッカーで言ったら、MFか(喩えが粗末)。Aメロは4拍目ウラではじまる弱起。それに対して、サビは強起(拍の頭ではじまるフレーズ)。この対比も効いている。サビ2小節目の4拍目ウラに食い込んでのアウフタクトだ。この「食い」が気持ち良い。変化の大サビすなわちCメロは、2拍目アタマはじまり。歌い出しのポジショニングの微妙な書き分けで、繰り返しのコード進行を背景にしつつ、各構成部に違ったキャラクターを与えて聴き手を引き込んでいる。調とチューニングのことチューニングのピッチが独特で、A=440だと音源(※)と合わない。私の手もとのチューナーだと、A=446くらいに設定してチューニングした自前のアコギを鳴らしたらやっとピッチが近づいた。曲の調は、G♭メージャー。調の主和音であるG♭のコードは一度も出てこない。これがかえって、一曲を通して聴かせる仕掛けになっている。調合が6つになるが、全弦半音下げチューニングのギターだと弾きやすい。作曲者の和田唱さんも、フラットチューニングのギターを用いて作曲するのかもしれない。(フラットチューニングを多用するミュージシャンは古今東西数多。ちなみに私も、フラットチューニングを15年以上愛好している。)全弦フラットチューニングのギターは、テンションが緩む。気だるげなのに、響きが伸びやかで豊かに感じる。これを「パワー感」と形容するセンスもあるかもしれない。弾き手としては、運指がラクになる。細いゲージのエレキ弦だと緩み過ぎてピッチが悪くなるから、最低レギュラーゲージ以上でやったほうがいいだろう。『Rapsberry』のギターはハイポジションでの演奏を中心にしていると思う。ハイポジではフラットチューニングはあまり関係がないと思うかもしれないけれど、響きに影響があるから、やっぱり重要だ。Cメロ部では開放弦・ローポジションを使っているかもしれない。...と思って、YouTubeをチェックした。2007年8月の、武道館公演。ギターボーカルの和田さんはフラットチューニングを用いている。ギターでC♭(ナチュラルB)のハイポジションを押さえるときに、3フレットに人さし指がいる。レギュラーチューニングだったら、2フレットにいるはずだ。開放的なギターの響きに、恍惚。フラットチューニングのシロモノか。ライブ映像だと、Cメロ部でローポジションを使用しているように見える。ちなみに、ベースの林さんもフラットチューニングを用いている様子。うねる荒々しいサウンドがカッコいい。C前半2小節(IVーVーIIIーIV)と、後半2小節(IIーVーIIIーVI)で、真ん中の「VーIII」以外の部分を変えている。4小節単位の進行パターンだ。C)」と、狭い範囲の音程をうろうろする。C)」と跳躍を広げている。自分でこのコードを演奏してみると、意外とワタワタする。カラダに刷り込まないと、「VーIII」以外の、前後半で変化のあるところをよく間違えるのだ。私の出来が悪いんじゃなく、コード進行の「ハズし方」が秀逸なのだ。慣れると、演奏するのがやみつきになってくる。この、「演ってよし、聴いてよし」こそが、ある種の私にとってのロックの正義でもある。大サビ(Cメロ)Cメロ(最後のサビの前に置く、変調を演出する部分。「転調」を意味するものではない)では、ワンコードあたりの尺に長く割いて、IV→Vを繰り返すパターンのコード進行。トニックコード(主にIやVI。安定、緊張の解消を感じさせる役割)がしばらく出てこない。IV本来の浮遊感と、ワンコードあたりの長さにそれまでの4倍を割いている。その引き延ばしに「II→IIIM」のコード進行でトドメ。はじまりのコードは何か私が楽曲を分析的に味わう際によく気にするのは、メロやサビの「アタマのコードが何か」ということ。『Raspberry』は、サビもメロも基本、同じ循環を採用している。この曲はメロもサビも「IVはじまり」だ。サビのはじまりがIVのコードというのは、数えきれないくらい存在している名曲の共通点だ。IやVIはじまりも多い。それ以外はやや少数派になる。「Aメロ・Bメロ・サビ」みたいな、いわゆる「J-pop定型の構成の曲」の場合は、サビとメロの「両方」に「IVはじまり」を採用してしまうと、冗長感が増してしまうことがある。その場合は、Aメロとサビでは「IVはじまり」を採用しつつも、あいだに挟むBメロのはじまりには「IV以外を用いる」など、工夫する。いう目線で名曲を聴くのも面白い。ちなみに『Raspberry』のように、メロもサビも同じ「循環するコード」を基調にしている曲は、コード進行以外の要素で変化を出すことになる。コード進行の定型があるおかげで、上層での遊びが楽しめる構造でもある。ベース刺繍音と経過的な半音進行を組み合わせたフレーズでコード進行を支える。支えつつも、「夜のマチの、馴染みの場所をうろうろする」みたいなフレーズだ。ベースフレーズの模倣(ギター)ドラムス4つ打ちのキック。クローズドハイハットの刻み。メロ冒頭の8小節ではスネアを抜き、次の8小節では2拍目と4拍目でスネアを打つ。段階的に場面転換を演出している。サビでは裏打ちのシンバルのサスティンを豊かに。ダンスビートの鉄則かつ定石(鉄か石か)。音源では「骨格」を堅守した印象だが、ライブ映像を見るとそのイメージが一蹴される。パワフルでグルーヴィだ。ゴーストノートも存在感が強め。音源のほうもよく聴くと、フィルインのタッチ、ダイナミクスやグルーブにドラマーの吉田佳史さんの個性を感じる。むすびにぐずぐずと分析的なことを述べてきた。このサビのワンフレーズが、私に示す。まどろっこしいこと全部ぶっ壊して、楽しんじゃいなよ!コードがどうだとか構成がどうだとか、私のツマランうんちくは全部忘れていい。理屈とか論理とか、みんな置いてきていい。これが、この曲の魂だと思う。論理や理屈は、過去の集積。それに対して、「いま」感じて、ぽっと生まれるものがある(いや、これも論理や理屈の「ブラインドタッチ」かもしれないけれど)。冒頭の林さんのツイートの「発明」ということば。その真意を汲み取れるほど、恥ずかしながら私はトライセラの歩みを深く知らない。なんかホラ、そういうことかなって思いました。ありがとうございました。歪んだギターのストロークパターンと4小節単位のコード進行。前半2小節はルートの音域が狭く順次進行的(となりあったコードを用いている)なのに対し、後半2小節ではルートが離れたコードを連結している。シンプルなのにダンサブル。やったり、ことばを書いたり。bandshijin(バンドシジン)というソロバンドをやっています。高校生のとき、よくTSUTAYAでCDを借りた。コメントをキャンセル投稿ナビゲーション全霊コーヒースフィンクスに、こんにちは。キャンセル投稿を送信できませんでした。メールアドレスを確認してください。メール送信チェックに失敗しました。このブログではメールでの投稿共有はできません。