石元泰博写真展」の記録を掲載しています。内容は随時更新します。様子をパノラマ画像で閲覧できます展覧会概要[別ページ]コラム[別ページ]高知新聞で連載された担当学芸員らによるリレーコラム展示内容ご覧になる章タイトルをクリックしてください。1980-2000年代17_伊勢神宮18_刻19_シブヤ、シブヤ20_多重露光01_カメラとの出会い石元泰博は、農業移民として太平洋を渡った父・石元藤馬と母・美根の間に、1921年、アメリカ合衆国カリフォルニア州サンフランシスコで生まれました。3歳の時に日本に移り、17歳までの少年時代を、両親の郷里である高知県高岡郡(現・土佐市)で少年時代を過ごしました。石元のカメラとの最初の出会いは小学生のとき。お菓子の景品としてもらったおもちゃのボックスカメラで祖母を撮影し、近所の人に教わりながら現像したと回想しています。陸上部で中長距離の選手として活躍し、その実力は全国レベルの大会で優勝するほどでした。のちに「日に三里は歩いてモチーフを探す」「日に27時間写真に向かう」と評されるほどの、写真家としての驚異的な粘り強さは、まさに陸上で培った体力と精神力によるところといえます。アメリカへ1938年、農業学校を卒業まもなく、最新の近代農法を学ぶため、生まれ故郷のアメリカへと渡ります。ところが徐々に戦局が悪化し、1942年にはアメリカ中西部の日系人強制収容所へと収監されます。日本の敗戦が色濃くなるにつれて収容所内の規制は緩和、カメラの所持なども許されるようになり、所内のシルクスクリーン工房で働く傍ら、同世代の仲間に写真の技術を教わり、写真への興味を高めていきました。シカゴ石元は終戦を待たず収容所を出ることを許されたものの、移住先として指定されたのは、希望したニューヨークではなく、アメリカ中西部のイリノイ州・シカゴでした。この地での様々な出会いが、その後の石元の人生を大きく左右することとなります。収容所で学んだ技術を生かしてシルクスクリーン工房で働く傍ら、シカゴ有数の写真クラブ「フォート・ディアボーン・カメラ・クラブ」に入会しアマチュア写真家として活動、サロンで入選を重ねるようになります。そのきっかけとなったのが、書店で偶然見つけた何冊かの書物でした。『ランゲージ・オブ・ヴィジョン』と『ヴィジョン・イン・モーション』はいずれも、後に入学する「ニュー・バウハウス」で教鞭を執った芸術家・教育者らが教育理念や芸術論を記したもの。石元は入学前から同校の理念を独学で学んでいたことになります。作品をみる02_ニュー・バウハウス1948年、石元はドイツの造形学校「バウハウス」の流れを汲んだ、通称「ニュー・バウハウス」(石元在学時および現在の正式名称はインスティテュート・オブ・デザイン。略称ID)に入学します。初代校長であり、その礎を築いた芸術家ラースロー・モホイ=ナジ(1895-1946)の残した教育理念やカリキュラムを通して、石元は多角的に造形感覚を磨きました。ハリー・キャラハンやアーロン・シスキンといったアメリカ写真界を代表する写真家の教えにも多大な影響を受けました。ここでは同校での教育の様子が伝わる作例や、すでに確かな造形力と独自性が光る石元の在学時の作品を紹介します。作品をみる基礎課程ニュー・バウハウスの学生たちは、デザインや写真、建築などの専門分野に分かれる前に、共通の基礎課程を1年半ほど履修しました。学生たちは、「らくがき」や「ハンド・スカルプチャー」、「様々な素材による平面/立体構成」など、素材や道具への理解を深め、構成力や触覚を鍛える独自の課題を通して、既成概念に囚われず「子どものような眼」でものを見ることを学び、普遍的な造形力を身につけました。新入生が最初に課される課題で、一般的な描画具だけでなく、指や棒切れ、マッチの先など身の回りのあらゆるものを使って線を描いてみるというものです。学生たちは朝から晩までこの課題に取り組み、様々な素材の特性や描き方のバリエーションを、実際に自らの手を動かしながら体得しました。制作のための道具作りから始まり、木片や鉄の棒を、見た目だけでなく自分の手で握って心地よい形になるように削っていくという課題。触覚によって素材と道具の特性を把握しコントロールする力を養い、結果として、有機的でユニークなかたちのオブジェが出来上がります。モホイ・ナジの写真教育ニュー・バウハウス初代校長のモホイ・ナジは、光を造形素材の一つとして捉え、「光の造形」である写真独自の表現を追求しました。石元は、入学前にはモホイ・ナジの著書を通して、入学後には基礎課程などの写真の授業を通して、モホイ・ナジの提唱した写真技法を学んでいます。「フォトグラム」カメラを使わずに、印画紙上に直接物体などを置いて感光させることにより、イメージを得る技法。1920年代にモホイ・ナジや美術家のマン・レイが多数の実験的な作品を制作し、その可能性を探求しました。切り抜いて丸めた紙などの様々なモチーフを構成し、その表面にライティングを施すことで現れる白からグレー、そして黒に至る豊かなトーンを写真に捉える課題。石元はカメラクラブ時代にもこうした傾向の作品を残しています。基礎課程での写真の課題は暗室やスタジオ内で行われるものが多かったのに対して、石元が一番の恩師として慕った写真学科長のハリー・キャラハンは学生たちに路上に出ることを勧めました。いずれも、出題の意図が説明されることはなく、学生たちは実際に自分の手を動かしながらそれぞれの気づきを得ました。道行く人に許可を得てインタビューを行い、その人となりを知ってから大判カメラでポートレートを撮影するというもの。「キャンディッド・フォト(小型カメラで被写体に気付かれることなく撮影し、自然な表情を引き出す方法)」などとは対極に、被写体と一対一で対等に向かい合うことが求められます。「空を〇〇%写す」カメラを空(上)に向けるとはすなわち、普段と視点を変えることが求められているとも言えます。この課題で撮影された写真は、明るい空とビルの影などによる大きな明暗差によって、必然的にコントラストが強くなります。当時、グレーの繊細な諧調こそ写真表現の醍醐味だと考えていた石元も、この課題をきっかけに、次第に白と黒のはっきりとした表現を受け入れられるようになったと言います。ビーチ五大湖の一つであるミシガン湖は、シカゴの東側に位置し、そのビーチは市民たちの憩いの場となっています。浜辺の売店に集う人々の下半身を背後から写したシリーズは、ニューヨーク近代美術館での若手写真家の展覧会に選出され、アメリカのカメラ年鑑にも取り上げられるなど、初期の石元の代表作の一つです。作品をみるシカゴのこどもたち路上に出た石元が多く撮影したのは、スラム街の路地で遊ぶ小さなこどもたちでした。自身も有色人種として差別を受けることが少なくなかったこともあってでしょうか。黒人などの移民のこどもたちに向けられた眼差しには、どこか親密さや優しさが感じられます。作品をみる「私が最初に撮った人物は子どもだった。黒人の子どものきれいな大きな目はいつも私をひきつける。彼らが夢中で遊んでいるある一瞬に、目が顔なのか顔が目なのかとはっとさせられるような時がある。人間を撮る時、“目”は一番大切なのではないだろうか。カメラの方を向いていようが、よそを向いていようが......。人間を撮りましょう」『アサヒカメラ』1963年12月号レイク・ショア・ドライブ・アパートメントミシガン湖畔沿いに立つ、近代建築の巨匠ミース・ファン・デル・ローエ設計の高層建築を、石元はアオリ撮影の課題で被写体にしました。この経験によって、後に日本で桂離宮を訪れた際、木造の高床構造が、レイク・ショア・ドライブ・アパートメントの鉄とガラスのピロティに重なって見えたのだと語っています。この作品は、同課題とは別の機会に撮影されたものと考えられますが、建築物のなかに抽象的なかたちを見出そうとカメラを構えていることが分かります。54石元の代表作として知られる桂離宮との出会いは、ニュー・バウハウス卒業後、来日してまもない1953年3月のこと。ニューヨーク近代美術館の学芸員や建築家の吉村順三の調査旅行に同行した時でした。テクスチャーの表現が顕著な敷石の連作は、実際に庭園に立った際の身体的な感覚を喚起するかのようであり、梁や柱の直線と襖や障子の色面で構成された、抽象絵画を思わせるような視点で切り取られています。石元が日本の伝統建築に見出した、こうした斬新なイメージは、50年代日本の芸術界に大きなインパクトを与えました。東京は、石元が人生でもっとも長い時間を過ごした街であり、また生涯を通して挑み続けた被写体でもあります。ここでは、戦後間もない50年代から高度経済成長期の60~70年代に撮影されたストリートスナップを中心に紹介します。デザイン的」と称される石元写真は、土門拳率いるリアリズム写真が席巻する50年代初頭の日本写真界においては異質な存在でした。ここで紹介する写真からは、路上を歩きまわりながら次々と不思議なかたちやテクスチャーを発見し、写真におさめていく喜びが鮮明に伝わってくるようです。写真雑誌では「東京造形散歩」と題したシリーズを連載、初めての写真集『ある日ある所』では多くのページをこうした傾向の写真が占めています。作品をみる日本のかたち「以前、「日本の形」というグラビヤを「世界」という雑誌で受け持った。我々を取り巻いていた、伝統に裏打ちされた美しい形の日常品、“柘植の櫛”“筆”“包丁”などなどだ。好評で、第二弾は、「日本の楽器」を取り上げ、少し丁寧にその源を訪ねてみることになった。すると、それらはことごとく他国に源を発していて、確か唯一、拍子木だけが“純日本古来のもの”ということになってしまい、面食らったり、ウーンおもしろいと感心したりしたものである。みる東京のこどもたちシカゴと同様に東京でも、石元は路上で遊ぶこどもたちを多く撮影しています。リアリズム写真の写真家たちが、社会問題を告発するためにこどもを被写体とした一方で、石元の写すこどもたちは、写真家自身の内面を投影するかような内省的な雰囲気をまとっています。カメラは同じ目線に立つように低く構えられることが多く、ひとりの人間としての威厳すら伝わってくるようです。重森:とにかく石元君が絶えず異質の風を注入したことで、日本の写真界がどれほど面白かったか。彼はあくまで個人でしょう。いう自己批判をするような強味を持っている写真家というのは、やはり貴重ですよ。伊藤(知):あれがほんとの写真家だな。写真家の典型をあげれば、やはり石元泰博ですよ。彼は絶対に自分に対してきびしいし、ディスペレート(自暴自棄)の文字を持たない。自分の写真は、文章以上に自分のイメージである。写真に舌足らずは許さない。シカゴ1958年末、石元はさらなる飛躍を求め、千代田工学精工(現・コニカミノルタ)による援助を受けて再び渡米します。当時アメリカ国籍であり、翌年に迫った日本での在留資格切れ前に「帰国」しなければいけないという事情もありました。学生時代を過ごしたシカゴで丸3年間写真漬けの日々を送った石元は、再開発でダイナミックに変容してゆくシカゴの街とそこに生きる人々を、日本のリアリズム写真やロバート・フランクといった同時代の表現にも触発されながら撮影しました。この間撮影されたカットは約6万にものぼったといいます。シカゴ』(美術出版社、1969年)として結実しました。写真集には、シカゴでの学生時代の恩師ハリー・キャラハンに加え瀧口修造がテキストを寄せ、デザイナーの亀倉雄策がレイアウトをつとめました。膨大なカットから選び抜かれた210点が、活版の写真製版2色刷りによる力強いモノクロームによって掲載されています。「私は、写真というものについてはこんな考えをもっている。写真家はあらゆるもののイメージを固定しようとする。新しいカメラ、レンズ、新しいフィルム、技巧を用い、写真技術は全く日進月歩であり、表現方法も日々作り出されていき、つぎつぎと新しい、いわゆる芸術写真が現われる。新しいといわれ、さわがれる写真はいつのまにか古くなる。ところが意外なことに、当時は、ただ記録写真として撮られたものが、何年たっても古くならず、かえってその中に、本物の芸術といえるものが出て来る。芸術、芸術と騒いでいるうちに、芸術はどこかよその方に逃げていくように思われる。新しい技術、表現方法を知ること、また使うことはカメラマンの仕事の一つだ。それだけにたよらず、あらゆる分野で、写さねばならぬもの、写さなければいられないもののイメージを、全精力をかけて記録したものの中から本物が生まれ、写真芸術が生まれるような気がする。ら、錚々たる顔ぶれの建築写真を多数手掛けたことでも知られています。手渡されたことで、今まで展覧会としてまとまって紹介される機会はほとんどありませんでした。)所蔵のプリントや、建築雑誌等の資料により、日本の近現代建築を写した石元の建築写真家としての仕事を紹介します。※本ページでは当館所蔵品のみご覧いただけます。作品をみる『SD』1966年10月号について「私は「触覚的な空間は体験でしか伝達できない」などと印刷メディアそのものにイチャモンをつけているけど、いずれ大阪万博の主流になってくるテクノロジー・アートやメディア・アートつまり環境芸術(エンバイラメンタル・アート)と呼ばれる世界的な流れの始まりが、SDに印刷された石元泰博の写真でした。モノクロからカラーへと写真印刷がかわっていく、それが情報メディアの存在そのものを変えはじめたわけですが、SDは先駆的にヴィジュアルな情報空間をつくりだしたのです。その切断的な表現の回転を石元泰博は写真(フォトグラフィ)として記録していたといえる。:亀倉雄策)の壁画写真「日本の産業」を担当し、日本の高度経済成長を支えた日本各地の工場地帯を撮影しました。一方で、日本の産業化や都市開発を批判的な視点で捉えた作品も残しています。「ブルドーザーで、そのはだに無残な傷をつけられていく山河、集中する産業と人口で、まさに呼吸困難の東京を救うには、その周辺都市に思い切った大手術が必要なことはいうまでもないが、むやみやたらと傷をつけられては困る。利益が先行した計画は、建設という名の破壊になりかねない。精力的に取り組みました。導入された北海道十勝地方など、各地の民俗や風土、近代化の様相を写したシリーズを紹介します。絹本に緻密に描かれた諸仏の湛える生命感に「エロス」を見出し、また「不二(ふに/ふたつにあらず)」という仏教思想は、その後の石元の作品や人生観に多大な影響を及ぼしました。曼荼羅展」(1977年)出品作と同様の規格で制作された大型パネル(国立国際美術館蔵)を紹介します。”を撮影し、その不思議な世界に引込まれた。なによりも宗教画であるそれに漂う、香ぐわしいエロティシズムに驚いた。私は“不二”と言う言葉を知った。非力な私にはその深遠な意味をつまびらかには出来ないが、世の中の、相対峙するかにみえる存在、理(開放)と智(統一)、極大と極小、正と負、これらを“二つにして、二つにあらず”とし、そこに宇宙の真理をみようとする考えは私を戦慄させた。私はふと、これまで私の求めて来た美は引き算の美ではなかったかと思い始めた。私は余分をぎりぎりまで除いて端正を求めた。端正とは何物の附加をも許さぬほど狭量だろうか。何ものも付加することを許さぬ完璧な美、例えば真円や正四面体の中で、さまざまな煩悩を引きずって生きる人間が幸福だろうか。何かを加えようが取り去ろうが、依然として美しくあり続ける、そんな美しさもあるのではなかろうか。石元は、雑誌『太陽』での取材をきっかけにイスラムの建築と出会いました。空間と文様』にまとめ上げました。今回は、写真集掲載カットのポジフィルムを抜粋しご紹介します。1981-82石元は、昭和の大修復が行われた後の1981-82年にも再び桂離宮を撮影しています。襖の文様などの装飾的な要素が写し込まれ、空間的な広がりへも意識が向かうなど、最初の撮影よりも緩やかな視線が感じられます。その一方で、修復されたばかりの真新しい畳や障子の効果もあって、桂離宮のたたえる抽象性がより洗練されたかたちで写し取られているようにも見えます。作品をみる12_ポートレート人を撮ることに苦手意識を持っていたという石元ですが、雑誌連載などの機会に同時代の著名人や芸術家らのポートレート撮影に挑んでいます。それぞれの強烈な個性を引き出しながら、石元独自の視点によって捉えられており、さながら石元と被写体の人物たちとの一騎打ちかのような迫力に満ちています。作品をみる横尾忠則のポートレート石元撮影によるマスク姿のポートレートは、コロナ禍以降の横尾のトレードマークとなっています。横尾のイラストが描かれたマスクは、撮影に同行した編集者の嵐山光三郎の提案で、石元の妻・滋がその場で手縫いして作ったものだと言います。ポートレート写真は現場に居合わせた人々のコラボレーションによって生まれるということが伝わるエピソードです。セルフ・ポートレート「他人にはあつかましくレンズを向けるのに、自分が撮られるのは苦手である。セルフポートレートと言うのは全くの難題であった。あれこれ考えた末、逃げの一手、超広角十七ミリを使い、至近距離で、動いてみたり、すましてみたり、にらんでみたり、図々しくもフレイム一杯に広がった顔は、テレくささの裏返しなのである。クローズアップ」1975年頃13_かたち草花や工業製品、小さなおもちゃなどの「かたち」をストレートに写したシリーズは、被写体の構造や質感を的確につかむ石元らしさが端的にあらわれたシリーズといえます。四季の花々を植物学的な仕組みへの関心をもって写した「HANA」シリーズや、企業広告などで撮影したいわゆる「ブツ撮り」など、石元が捉えたいろいろなかたちを紹介します。よる利便性の追求によって、食の多様性や安全性が失われてゆくなか、本当の豊かさとは何なのかを切実に問いかけるかのようです。作品をみる15_山の手線・29撮影場所を山手線沿線周辺に絞った本シリーズは、8×10インチという大判フィルムで撮影されており、バブル景気に向かい激しく変貌する80年代東京の姿が、その肌理までも克明に写しとられています。8×10フィルムは圧倒的な解像度が最大の特徴で、一般的に建築写真や特別な記念撮影などで使用されます。何気なく切り取ったように見えるカットも、本体だけで約6kgにもなる大型カメラを担いで撮影されているというから驚きです。石元は、1993年に行われた第61回式年遷宮の際に、伊勢神宮を撮影するチャンスに恵まれました。本シリーズで石元は、神宮の関係者に「伊勢の撮影は石元さんで終わりにしたらいい」と言わしめるほど完璧に、白木のどっしりとした清々しい姿を捉えています。式年遷宮とは、一定の期間ごとに社殿を真新しく造営し、祭神の座を遷すというもので、伊勢神宮では20年ごとに約1300年にも渡って繰り返されてきました。この「常若(とこわか)」の思想にもとづく伊勢独特の時間感覚との出会いは、後の〈刻〉シリーズへと発展しました。撮影当時は「うつろい」とも称された本シリーズでは、路上で踏まれアスファルトにめり込んだ空き缶や落ち葉のほか、雲や雪、川面といった水の変態、そして動くままにブレた道行く人々の姿など、時とともにうつろい変わりゆくモチーフが捉えられています。「肉体や物質が消滅すると、小さな粒子となって螺旋を描きながら宇宙を未来へと上昇していく」と語っていた晩年の石元の死生観を投影した瞑想的なシリーズです。「ぬれそぼった葉は踏まれ踏まれてアスファルトに食い込み、やっと葉脈だけがその存在を示していたりするその姿が、不思議にも「命ここにあり」と私に囁いているような気がしたのである。moment』19_シブヤ、シブヤ齢80を超えてもなお新たな挑戦を続けた石元の姿勢を顕著に示すのが〈シブヤ、シブヤ〉です。被写体となったのはゼロ年代の若者の街・渋谷のスクランブル交差点を行き交う人々。本シリーズで捉えられているのは、当時プライバシー保護への意識が一般に高まっていったのも反映するかのように、もっぱら後ろ姿ばかり。身に着けられた柄物のテキスタイルや装飾的なバックプリントは、人物の表情以上に饒舌です。ファインダーを覗きこまない撮影手法による偶然性と、半世紀以上のキャリアで培われた確固たる構成力がせめぎあうスリリングなシリーズです。美しいモノクロームのプリントが代名詞の石元ですが、50年代から断続的にカラーフィルムの多重露光による表現にも取り組んでいました。抽象絵画を思わせる、色彩と形態が美しく響き合う画面は、コラージュやコンピュータによる合成は一切施されず、写真機の中で偶然性を取り入れながら生み出されました。50年代の実験的な習作から、石元が生涯で最後にシャッターを切ったという2008年の作品まで、半世紀に渡るゆるやかな連作を紹介します。Panorama」をクリックしてください。