して傑出したその才能や音楽活動については、多く語られてきた。Masahiko』のシリーズを出すまでなかったように思う。今年2005年のメールスジャズ祭に出演したのは、佐藤允彦&SAIFAによる富樫作品を演奏するプロジェクトだった。これは、今年で音楽監督を降りたブーカルト・ヘネンのたっての要望によるもので、演奏家富樫雅彦を招待することは叶わなかったが、作曲家としての彼はいるということで、富樫の60年代からの友人であり、度々メールスジャズ祭にも出演している佐藤允彦にテンテットでの出演依頼となったのだ。富樫の作品について、本人以外に作曲の意図を酌んで語ることが出来るのは佐藤允彦しかいない。BJCD0026)がリリースされる。この機会に、あえて富樫作品について、佐藤允彦に話を聞くことにした。註:富樫雅彦は2007年8月22日に亡くなった。富樫雅彦さんの作品、特にメロディ・ラインを聞いていると個人的な感想ですが、天才肌の音楽家が持っているような直感的なものを感じます。彼の作品を特徴づけるものについてまずお伺いしたいのですが。確かにメロディ・ラインは割とそうなんだけど、決めになっているようなコードとかには意外とこだわっているんだよね。Nature≫、ここにある譜面を見ればわかりやすいかな。これは完全にペンタトニックのメロディなんだけど、間間に入ってくるコードは、ジャズのサウンドにこだわっている。どこかで、そういうものにこだわろうという意識がある。これは1971年作の≪Haze≫。冒頭部で“たららら~~~、ガーン”となっている。これはセブンスなんだ。この時期は、そういうことにこだわっていたというか、きっとそうじゃなきゃいけないというのがあったみたいだね。≪Action≫(1996年作)のように、コードじゃなくって、ガーン、ガーンというぶつかった音がほしいという場合もある。それから、ここに≪Deformation≫の譜面があるけど、“たらら~~~~”とあるよね。これは4度と2度、ソ・ド・レの積み重ねがパラレル、平行に動いている。不協和な響きがほしいときは短2度や増4度の和音を配置してある。Arch≫の音の並びも半音ぶつかったものが4度ずれている。フリーっぽい曲で、インプロに入る時にこのほうが既製のコードより入りやすいというのがあるのかな。二面性があるんだよね。eyes≫なんかも、中はフリーなんだけど、ゆったりしたいわけ。メロディはトーナル、A♭のコード。インプロになった時に落差が大きくないといけないの。Step≫もそうだね。なんかをきっかけにフリーに入った時、その落差がないといけない。彼は「ここから“どしゃめしゃのフリー”」って言い方をする。それまではキレイにキチンと演奏している。ものすごくキレイな部分とキツイ状態が並列的に置かれている。ある種、音楽的なコラージュともいえるかな。関係ない状態が同時にある。同じ絵の中で、写実的なものがここにあるとして、横にはそれと無関係なものが張り合わせてあるみたいな。ドン・チェリーもそうだった。日本に来た頃は、よくインド音階を使っていたんだよね。彼はそれを唄って、そのとおりやれと言ったんだ。そのような経験が、富樫さんの中にどういう影を残しているのかはわからないけど。「マックス・ローチを追いかけてもマックス・ローチには追いつけない。オレはそうじゃない道を行くんだ」と、彼は60年代から言っていた。それがずーっと何十年かに渡って繋がっているともいえる。彼の描く絵もそういうところがあるかな。ものすごくアブストラクトな絵も描くし、写実的なのも描く。最近は風景しか描かないけどね。いうところに彼の二面性を解く鍵があるのかもしれない。以前、佐藤さんに富樫作品のアレンジについて質問させていただいた時に、シンプルなメロディを同種の管楽器3本のユニゾンの微妙なズレで表現することを、“にじみ”という言葉でおっしゃっていましたよね。“にじみ”ってのはボクが言い出したんだ。いいでしょ、結構当たっていると思う。Nature≫の頃から、富樫さんは「全部合わせて吹くな、自分のタイミングで吹けよ」ということを言うようになった。あの時はそういうのが流行っていたというか。オーネット・コールマンとドン・チェリーが一緒に吹いても“にじむ”よね。“にじみ”という手法に、和楽器の奏法、たとえば尺八のむら息がもたらすサウンド効果に近いものを感じるのですが。尺八の古曲とか、そういうのあるよね。2本の尺八で演奏するのとか。尺八の美しさは、それでものすごい空間が生まれるということ。富樫さんは、多分ああいうのを目指していたとかなとも思う。彼の楽器、つまりパーカッションの音のイメージににも、ざらっていうのがあるじゃない。反面、彼は和声学とか勉強している。maitre)≫もやってるの。いうこともやりたがっていたんだ。60年代、65年頃は、そういうセリーとか図形楽譜的なものにも興味があったんだよね。彼の作品では図形譜はひとつもない。Eyes≫にように小節線のないもの、自由に吹きましょうみたいなものはあるけど。その一方、富樫さんの書くメロディはとてもロマンチックというか美しいですよね。富樫さんのところに行くと、いつもムード・ミュージックがかかっている。いってもミッシェル・ルグランがジャズ演っているようなの。≪テンダリー≫だったかな。テンポが4倍ぐらいになっちゃうやつ。いう質の高さみたいものが好きなんだよね。彼はね、ものすごいロマンチスト。Masahiko』シリーズを始めたかというと、富樫さんのそういうメロディを残しておきたかったんだ。富樫さんのグループでは、そういう曲はあんまりやらない。J.J.スピリッツはストレート・アヘッドのビバップのジャズ。トライアルなんかは、どフリーだったし。いうふつうの唄モノみたいな曲書く時に、彼はすごくフォームにこだわる。してもAABAにしたいとか、8小節で一区切りにしたいとか。ABA’というものあるって言っても、「オレはサビがなくちゃあいやだ」とか「これが一番括弧だろ、これから2番括弧にこういうふうにいって大丈夫?」なんて言うんだ。ブルースって、12小節だよね。ところが、ある時ブルースを書いたら11小節の半端なのが出来ちゃった。「いいかな、これで」というから、「面白いんじゃないの」って言った。Blues≫というタイトルの曲になったんだけど、J.J.スピリッツで演奏する時、峰厚介とか井野信義に、「ちょっと勘弁してよー。これ12小節でやらせてもらえない」と言われて、メロディは11小節だけど蓋開けたら普通になっちゃたんだ。ソロで演奏した時は11小節でやった。聞いていて、アレッというのが面白いでしょ。いうことを彼はすごく気にしている。ブルースは12小節というようなことをね。最近も、「どうしてもサビが書けないんだけどー」とか言ったりする。「サビなんてなくていいんだよ」と言っても、「でもさー」ってこだわるんだよね。昔ビバップやっていた、そういうノスタルジーがあるがあるのかもしれない。説得してもダメなんだ。フォームに対して、すごくこだわりがあるね。富樫さんの曲では、先程おっしゃったようにメロディからフリーに突入する。それとアレンジの兼ね合いはどうなのでしょう。Breeze≫のようなすごいキレイな曲から、“どしゃめしゃなフリー”って言われても、僕は“どしゃめしゃなフリー”になれないんだな。それこそ彼にとってのフォームじゃないけど、僕がコンサバなのかなとも思うんだけど、発想の源みたいなものにこだわるところがある。Breeze≫は調性があるトーナルな曲だから、そこから出発したいと思うのかな。どっかにその断片を全然違うキーで入れたい。コンポーザーズ・マインドというか、自分のインプロに理屈をつけたくなっちゃう。“どしゃめしゃフリー”と言うけれど、何をもって“どしゃめしゃフリー”というか。元の発想を切る、つまり連続性を断ち切るというということなのか。なると、その“どしゃめしゃフリー”はどこからきているのかと考えるわけ。富樫さんが演奏していて、“どしゃめしゃフリー”になる。それの“どしゃめしゃフリー”は富樫さんの存在そのものから出てくるものだよね。すると、キレイなメロディを置く意味はどこにあるのかって。あるフレーズがあって、次に全然違うフレーズを弾く、その関係性とか乖離性を理屈づけたいというのがアレンジャーの本性なのだろうね。Breeze≫はGで入るんだけど、ソロの時、一回全然違うキーで演奏して、次はまた違うキーで、さらにキーを変えたのが次々重なって、フリーへいく。そんなアレンジになった。富樫さんはもしかするとそれは嫌なんじゃないかなとも思うんだ。“どしゃめしゃフリー”を際だたせるのは、“どしゃめしゃフリー”じゃないんだよね。フリーに対して、一見混沌としているように見えるけど、実は組織化されている、とような要素をさりげなくポッと併置すると元のフリーが浮かび上がって聞こえる。合理的ないいかたをすればだけど。新宿駅の人の流れ、ぐちゃぐちゃで、ひとりひとり違う方向へ動いている。それをある瞬間断ち切り、軍隊の行進みたいなものになる、そして、また急にぐちゃぐちゃな状態に戻す。混乱している無政府状態が、ある瞬間、あるきっかけで変えるということを自由自在にやる。これはコンポーザーにとっては簡単、そんな難しいことじゃない。難しいのは、コンダクトしないで、その状態に持っていくことなんだ。誰も指揮していないのに、ひとりひとりの演奏者の判断でそういう状態が現出する。それができるためにはインプロの本質をかなり深く理解している人が集まるかどうかにかかっている。変な人が一人でもいるとそれだけでぐじゃぐじゃ。メールスでは10人編成でしたが、特にアレンジに気を配ったということはありましたか。東京フォーラムで以前に行った富樫さんの還暦コンサート「ネクスト・サイクル」のためのアレンジがあったので、その延長線上。あの時は、「これはどうする、これはどうしたい」とかなり綿密に打ち合わせしたから。“にじみ”とかもアレンジで反映させたよね。練習した時に、もっとずれて吹いてくれとか。それを厳密にクラシックの譜面のように同じキーで16分音符をずらして書いちゃうと大変なことになってしまうじゃない。ニュアンスもなくなくなってしまう。やさしい音型でかいて、お互いにズレてねって指示を与える。富樫さんをよく知っている人達が集まったから、上手くいった。