ほか現役演出家の指導により、さまざまな戯曲を題材にシーンスタディが行われます。上げるテキストは、通年のバランス、俳優の個性を考慮し、担当する演出家を中心に、サポート委員会で決定されます。上演を必ずしも前提としないために、自由な雰囲気で行われるこのクラスでは、俳優自らが自主的に考え、発想し、試行錯誤を繰り返して、演技を組み立てて行くプロセスを重く見ます。戯曲をどう読み込んでいくのか、そしてそれをどう声にして発していくのか。さまざまなジャンルで活躍する第一線の舞台俳優の指導により、実践的に学びます。授業では、戯曲に限らず、すぐれた詩や散文をテキストとして用います。「本読み」とは異なり、俳優が単独でも学習できる日常的な訓練としての意味も持っています。身体と心が理解している必要があります。呼吸・声の幅・共鳴・発音を中心に、声の幅を伸ばす技術。心を伸ばし、台詞が、今あたかも発見されたかのように発語する噐を育てること。このふたつをバランスよく学んでいきます。講師:山中ゆうり役を演じるには、まず、ひとりの人間として、俳優として、自分の身体をよく知ることが必要です。役を演じるためには、ありのままの自分を、受け入れなければなりません。ざまなエクササイズに取り組んでいきます。目標は、繊細にして大胆に役を演じ、強くたくましい身体を持った俳優となることです。台本を読んで役をつくります。コメディア・デラルテではについての基本的な知識と動き方を知ってマスクをつければ、演じる本人に「役」が生まれます。講師:ローナ・マーシャルパフォーマーの訓練は、声と身体と精神を別々のものとして扱い、トレーニングする傾向があります。身体の動きはぎくしゃくしてしまいます。観客がその一瞬一瞬を共有できる演技をめざします。どをテーマに、具体的なエクササイズを行います。その70%が、ボディランゲ−ジとアイコンタクト、20%が、声の調子・ト−ン、残りの10%が、言葉の意味で成り立っています。う」技術を基本に、相手に反応して行くことを学んでいきます。講師:ジム・チムPIPの主な要素は、Pleasure、Play、EYFの三つです。ネーション、創作、可能性の追求への刺激剤に変える考えです。すると、辛いトレーニングは、楽しいゲームやセッションあるいは実際の演技に変わり、その結果、一人ひとりの考えが誘発され、クリエイティブな力が伸ばされていきます。作品によっては、登場人物のキャラクターに基づいて劇中で挿入歌を歌うことが必要となります。そこでは単にうまく歌うための歌唱法ではなく、俳優として、また別のドラマを体現する表現技術も必要となります。「声と演技」の授業と平行して、その発想や技術を実践的に学びます。日本人としての伝統的な所作や仕草の基本を身につけるために、日本舞踊を通年で学びます。日本舞踊を通じて、和服の着方、さばき方も身につけていきます。それは、やがて発展的に予定されているさまざまな伝統芸能の基礎作りともなります。日本舞踊で、和服での立ち居振る舞いや仕草などが身についた時点で、改めて歌舞伎の技芸を学びます。様式性の高い歌舞伎における演技の基盤にある「型」という考えを理解し、数々の名優たちによって継承されてきた技芸を体験しながら、日本の古典への造詣も深めていきます。ほか作品によっては、俳優がさまざまなダンスを踊るシーンがあります。社交ダンスやモダンダンスなど、戯曲の指定にあるダンスシーンの実際を体験します。コンテンポラリーダンスの振付家も迎え、現代演劇におけるダンスの重要性を理解し、身体表現の幅を広げていきます。ステージ・コンバット講師:光瀬名瑠子このクラスの目標は、相手とのコミュニケーションをまず確保することにより、舞台上で、効果的かつ安全な戦いのシーンをつくりだすことです。西洋の中世(シェイクスピアの時代)から近代に至る各時代の剣を用いた戦いや、ナイフや素手による現代のファイティングを実習します。講師:専門家による指導さまざまな時代の職業や階級の役を演じるために、和洋双方の基本的なマナーや立ち居振る舞いを身につけることが必要です。ディナー、パーティ、謁見、会談などの具体的なシーンを想定しながら、ときには現場を体験することによって、その実際を学んでいきます。