ーなっているんですね(笑)。YouTubeではたくさんの曲を編曲されていますが、コード(=和音)が大切だそうですね。通常コード自体は、意識して聞くものではないですよね。普通はメロディーや歌詞をきく。人はコードがついていることによって、なんらかの感情を感じ取ることができるようになっています。長調は楽しい、短調は悲しいとか。ドミソが不協和音だった時代もあります。ルネサンス時代には、ドミソすら不協和音だと考えられていたことがありました。ドソというのは周波数が2:3で、すごく綺麗な数字になっています。綺麗な和音というのは、それぞれの音の周波数の比率が簡単な整数比で表せる=シンプルな波なんです。それが、やっていいとされる和音の種類がだんだん、時代とともに拡張していったんですよね。最終的には現代音楽に行き着きます。何が心地よい音と感じるかは、どういう音楽に触れてきたかによって全く変わるものだと思います。ー音楽、特にクラシックはある程度決まりや定義、作曲者の意図にそった表現が必要とされるイメージがあります。育った環境がことなる人同士で、それを合わせたり正解を出すことは簡単ではないなと感じます。原作を映画化する時に、原作者の意図しないことを映画化してしまうと、原作者や原作のファンは違和感を感じるでしょう。映画化するときには、原作者の意図を大事にするのみならず、製作者のいろいろな考えも反映させているわけですよね。同じように、範疇の中でどれだけやるかっていう所が、クラシックの個性になっています。時に、その範疇を超えて、独創性を出す人もいます。いう人は、コンクールで評価がわかれたりするんです。「そんなのはショパンじゃない」とか。いうのは良くあることです。それが音楽としてダメかと言われると、そうでもないと思っていて。コンクールの基準からしたらダメだけれども、そこに意思があるなら、音楽として良いと僕は思います。独りよがりの解釈で、好きなように弾いているのと、作曲者のことを考え抜いたうえで、自分なりの味を出すのとでは、聴いている人への伝わり方も違うはずです。深く思考を使った意思のある演奏は、範疇の中でも外でも、心に響くのではないでしょうか。ー同じことをしていても、受け取り方がかわりますよね。