ウィリアム・クラインと11組の写真家たち。CreatorsフロムクリエイターズTokyoトウキョウCollectionコレクションMovieムービーPen最新号ひとり、籠る宿。大人の名品図鑑ワインは、自然派。ホテルについて、ひとり言。ウィリアム・クラインと11組の写真家たち。彼らは「都市」になにを見たのか?ウィリアム・クラインと11組の写真家たち。SIGHTで、巨匠ウィリアム・クラインをはじめとする12組の写真家たちによる、都市をテーマとした写真展が開催中。その模様をレポートします。−ウィリアム・クラインと22世紀を生きる写真家たち−」。オープニングに多数の報道陣が詰めかけたそのわけは、今年90歳になる巨匠ウィリアム・クラインが、数十年ぶりに来日し、顔を見せたからでした。プレビューの様子からご紹介します。展覧会にあわせて来日したウィリアム・クライン。現在はパリを拠点に活動をしています。展覧会のオープニングにあわせて来日した、ウィリアム・クライン。今年90歳になる彼のキャリアの始まりは、1956年に出版された写真集「ニューヨーク」でした。それまでの写真のタブーを破った、ブレ・ボケ・アレといわれる画面はいま見ても強いインパクトがあります。ショッキングな構図、カメラに向けられた射るような視線、激しい風が吹き荒れているような荒々しさといったそれまでにない表現は、賛否両論を巻き起こしました。その後「ローマ」「モスクワ」「東京」など、都市をとらえた写真集を出版。大通りから路地まで、光の当たる場所から暗がりまで、あらゆるところを走り抜けるように写しとってきました。お前は誰だ?」など約20本の作品を撮影します。80年代からはまた写真に戻り、拡大したコンタクトプリントにペイントする、デジタルカメラに挑戦するといった試みを展開しています。来日したクラインは東京の印象を聞かれて次のように答えました。「1961年に初めて東京に来たとき、心地よいカオスと熱気に興奮を覚えた。50年以上たってまたいま訪れてもその興奮は変わらないね。SIGHTの近く、六本木の大通りを見ると巨大なおもちゃの街のようだと思う。集まった報道陣に向かってカメラを構える。常にカメラは手放しません。今回の東京滞在でも街中に繰り出して撮影していたそう。ニューヨーク出身のクラインは兵役でヨーロッパに赴任したのをきっかけにパリで絵画の勉強を始めます。短い期間ですが、画家、フェルナン・レジェのもとで学んでいたこともありました。「美術学校に行くか、誰か画家のところに弟子入りするか迷ったんだけれど、フェルナン・レジェの絵に興味をもったんだ。率直に言って彼の作風は当時、流行遅れと思われていたけれど、人や都市を描いた彼の絵にわくわくした。彼がいかにして20世紀的なビジョンを獲得したのかを理解したいと思った。レジェのもとにいた経験は東京が巨大なおもちゃの街に見えたりするような、新しい都市の見方をするのにつながっていると思う」ニューヨークを離れてパリを拠点とすることにしたのは、「ニューヨークの喧噪が行き過ぎているように感じた」からだと言います。「でもいまはニューヨークのストリートや家の扉、塀などの写真が大切なものに思える。展覧会ディレクターの伊藤俊治さん。写真を中心に評論・教育の分野で活躍しています。おもな著書に『写真都市』(冬樹社)、『20世紀イメージ考古学』(朝日新聞社)など。今回の展覧会ディレクターを務めたのは写真評論家の伊藤俊治さん。写真に関する著書も多く、1985年に東京で開かれたクラインの個展に関わったこともあります。伊藤さんは展覧会タイトルの「写真都市」について、次のように明かしました。「写真が写しとってきた都市、写真でつくられた都市、写真が想像してきた都市。展示の最初に現れるウィリアム・クラインの作品やポスター。彼が見た都市の様相が提示されています。クラインの最新作品集『ブルックリン』と撮影時に使用したデジタルカメラ。彼にとって撮影することは生きることそのものです。展示はクラインの写真を大胆にレイアウトしたインスタレーションから始まります。大きく引き延ばされた都市の風景が壁に、その前にはコンタクトプリントのペインティングや映画のポスターなどが立体的に配置されています。ガラスケースの中には「東京」の初版本や近作「ブルックリン」の撮影に使ったデジタルカメラも。この時点で早くもクラインの熱量にノックアウトされてしまいます。4p都市を見つめ、その表情を切り取っていく作家たち。ウィリアム・クラインとTAKCOMのコラボレーションによる映像インスタレーション。クラインが撮影したニューヨーク、ローマ、東京、パリの各都市が次々に現れます。次の展示室では日本の映像作家TAKCOMとクラインとのコラボレーションによる映像インスタレーションが展開されています。いう仮定で実験をしてみました。彼の写真の力強さを感じてもらえれば、と思います」(TAKCOM)壁に投影されているのは文字通り影であって実体ではないのですが、ざらっとした手触りを感じさせるのはやはりクラインの写真の密度によるものなのでしょう。写真やタイポグラフィが切り替わっていくリズムやスピードはTAKCOMの構成ですが、その手つきは確かにクラインのものだと思わせます。ニューヨークを拠点にしている安田佐智種さん。福島県相馬市の被災地を撮った作品は巨大な“絵巻”となっていて、右から左へと時間軸が流れる構成になっています。続いてギャラリー2と呼ばれる大きなスペースからは、日本やアジアの若手写真家にクラインがどのような影響を及ぼしたかをさまざまな形で見ることができる展示になっています。白い四角形から放射状にビルなどが広がる写真と、グリッド状に地面や木のデッキなどが並ぶ写真は安田佐智種さんの作品です。前者はニューヨークの9-11同時多発テロ跡地の「グラウンド・ゼロ」にある展望台から周囲を見下ろして撮ったもの。2点目は東日本大震災で被災した福島県南相馬市の住宅地を撮影したものです。津波で流されてしまった住宅の基礎や土地を一部屋ずつ分解してコラージュしています。「南相馬の自宅に戻りたくても戻れない、コミュニティが再生できない。波の泡だけが残るように切り抜いています。無機物であるはずの水が生きているようにも感じられます。自作を説明する多和田さん。都市の写真が切り抜かれ、ねじ曲げられて別の次元へと変貌していきます。多和田有希の作品は自ら撮影した写真の表面を削ったり燃やしたりしたものです。印画紙に穴があいた、写真というよりオブジェのようなものもあります。「表面を削る作品の場合、できあがるまでに1カ月から3カ月ぐらいかかります。発電所のそばで火を焚いて撮影したもの。電気という近代のテクノロジーによるエネルギーと、火という原始的なエネルギーを対比させています。勝又公仁彦の連作は光やエネルギーがテーマになっています。Fire」は発電所の近くで焚いた火を撮ったもの。Days」では同じ場所を異なる日や時間帯で撮影し、それを合成しました。時間帯によって違う光が重なり合って、見慣れた街角であっても見たことのない風景が生まれます。火は根源的なエネルギーであり、その火を制御することで電気などのエネルギーが生まれます。地方でつくられた電気は都市に送られて街を照らします。生きる他人の顔と須藤さん自身の顔を合成しています。存在しないはずのもう一つの人生が浮かび上がります。須藤絢乃の作品は都市と人との関係性を感じさせます。「幻影」は実際に行方不明になった少女に須藤さんがなりきって撮影したシリーズです。「行方不明になってしまうのは悲しい出来事だけれど、いなくなったときのエピソードなどを調べて、いなくなる前の女の子に焦点をあてています」もう一つの「面影」はいろいろな人に声をかけてポートレートを撮らせてもらい、須藤さん自身の顔と合成したシリーズです。この作品は「世の中には自分とよく似た人がもう一人いる」という都市伝説と関連しています。他人でもひとたび『私だ』と思うとそう見えてしまう。「もし自分が彼/彼女の人生を歩んでいたら?」と思うこともあるでしょう。たくさんの人とすれ違う都市で起こるアイデンティティの揺らぎがにじみ出るようです。西野壮平の作品(一部)。ヨーロッパなど、世界中の街を歩いて撮った大量の写真を切り貼りしています。彼が歩いた軌跡が1枚の写真に凝縮されています。細かいモノクロ写真がびっしりと貼り込まれた都市の風景は西野壮平によるもの。世界各地の都市に赴き、2、3カ月ほど歩き回って自ら撮った写真を貼り込んでつくります。1つの作品にはおよそ4万枚もの写真がつかわれているそう。見ていると観客もその都市を歩いているような気持ちになります。平面でありながら都市の建物や道路、空などの空間が凝縮されているような作品です。4p写真というメディアは、都市とともに発達してきた。沈昭良が撮った台湾のステージトラック。写真のほか、組み立てから撤去までの24時間を撮った高速度撮影映像も展示されています。夕闇の街をぎらぎらと照らし出す派手な装飾のトレーラーは台湾でよく見られる「ステージカー」「ステージトラック」と呼ばれる車です。台湾を代表する写真家、沈昭良はこの舞台になるトレーラーを追いました。使わないときは四角い箱のような形ですが、開くと中から色鮮やかな絵や照明が現れる仕組みです。台湾ではこの“移動する舞台”で歌謡ショーやマジックなどが行われます。ショーをするトレーラーの前で食事をすることも。都市の喧噪が切りとられて移動しているようにも見えて、日本とはまたちょっと違うエネルギーを感じさせます。白い柱の4面に写真がかけられているのは石川直樹+森永泰弘の展示。サウンドアーティスト、森永さんが鳥の声などを組み合わせています。左が石川さん、右が森永さん。水と生命が存在する希少な惑星、地球の時間とスケールを感じさせる展示です。ギャラリー内に柱のように林立しているのは石川直樹+森永泰弘の作品です。写真家の石川さんが北極や南極などの極地に暮らす人を撮った写真に、サウンドアーティストの森永さんがフィールドレコーディングした音が組み合わされています。極地というと都市とは逆のもののように思えますが、人間が暮らすことができる極限の地は都市のフロンティアとも言えます。town』から100点以上のカラー写真を壁一面に展示している水島貴大。街を漂流するかのように動いていく人々がとらえられています。town』について話す水島さん。彼自身も街をさまようように歩いていた経験があり、街ですれ違う人を撮る視線にもその過去が現れているようです。水島貴大は街やストリートをさまよう人々を直感的に撮っているようです。壁には100点以上の写真が並び、彼らのエネルギーが音をたてているように感じられます。賑やかな色合いの写真にはいまこの瞬間にも街では人々が泣いたり笑ったりしている、そのうねりが表現されています。韓国出身の朴さんの写真は巨大な水族館の水槽とその前の人々を撮ったもの。水槽の中の魚と街の中の人々にはなにか共通したものがあるのかもしれません。「見えるものではなく、見えないものを感じる」というのは朴ミナ。水族館の大きな水槽と、それを見ている人々の写真が並びます。透明な水槽の中には大量の水があり、そこを魚が泳いでいるのですが、私たちはそれに触れることはできません。写真に写ったものを知覚することはできるけれど、写しとられたものの感触を確かめることはできないのに似ています。サンクンコートに展示された藤原聡志の巨大な作品。大きく引き伸ばされた人体が、これまで見えてこなかった人と都市との関係性をあぶり出します。サンクンコートの上からかけられた巨大な布にはよく見ると、男性の顔が写っています。ベルリンを拠点にする藤原聡志の作品です。実物より遙かに拡大されているため、一見しただけでは抽象的な模様のようにも見えます。写真自体はストレートなものなので、服の布の感じも肌も髪もきっちりとリアルに感じとれます。写真の空間性、身体性について考えさせる作品です。「写真の発明は近代都市の発生とほぼ同じ時期のできごとでした。写真は都市で暮らす人々の新しい感受性をすくいとりながら発達してきたメディアなのです」と展覧会ディレクターの伊藤さんは言います。このわずか200年足らずの間に都市も写真もテクノロジーの発達によって様相を変えてきました。それにつれて私たちが自分たちの身体や精神をどうとらえるか、といった感性も変化しています。「写真都市」展に登場する写真家たちが見せる人々や光、エネルギー、時間は、私たちが見ているようで認知していなかった都市の姿をあぶり出しているのです。ショップではディレクターや各作家の関連商品が並びます。ウィリアム・クラインと11組の写真家たち。独自の進化を遂げた、七宝ダイヤルの透明感。独自の進化を遂げた、七宝ダイヤルの透明感。プレザージュ」の腕時計に息づく日本の伝統技術を、職人と芸人で小説家の又吉直樹さんとの対談からひも解くシリーズ。第4回は、七宝ダイヤルの魅力を語り合ってもらった。写真左:又吉直樹(芸人、小説家)●1980年、大阪府生まれ。2003年に綾部祐二とお笑いコンビ「ピース」を結成。15年には小説『火花』(文藝春秋)で第153回芥川龍之介賞を受賞。近著に『人間』(毎日新聞出版)などがある。尾張七宝の施釉師として、ダイヤル上の厚さ0.3mmの中に独特の色彩を表現することができる唯一無二の職人。日本の優れた伝統工芸を取り入れ、伝統と先端技術とを融合させたモデルを意欲的に展開している。尾張七宝の施釉師(せゆうし)、戸谷航(わたる)さんが手がけた七宝ダイヤルモデルもそのひとつだ。3p古代エジプトから日本へ、独自の進化を遂げた伝統工芸。芸人で小説家の又吉さんと、施釉師の戸谷さん。今回が初顔合わせながらクリエイター同士ということもあり、七宝という伝統技法の解説から創作を続ける際の心構えまで大いに話が盛り上がった。「この独特な青色にまず目が行きますね」と語る、芸人で小説家の又吉直樹さん。七宝ダイヤルの透明感と奥行きがある色合いに興味をもったようだ。七宝はエナメル装飾の一種で、地金の上にガラス質の釉薬を盛り、800°C前後の高温で焼成したもの。古代エジプトの王、ツタンカーメンのマスクの青い装飾はエナメル装飾の原型と言われています。日本にも奈良時代にシルクロード経由で伝来しましたが、当時のものはガラス質が透明ではありませんでした。発展して全国に広まりました。七宝の独特な色合いは、原料のガラスに着色剤として酸化金属を配合し、それを高温で焼成することでつくり出しています。同じ配合のものであっても、焼く温度や時間などが少しでもずれてしまうと仕上がりの色みが変わってくるので大変です。光の当たり方で色合いが変わってくるので、とても面白いですね。ガラスを焼き重ねて深みのある色合いを出していますが、濃い青に白の文字が映えるので見やすく機能的になっています。日光の下で見るとさらに青が映えるので、ぜひそこを楽しんでいただきたいです。濃い緑は合うと思います。赤と橙の中間、夕焼け色もいい。光を当てたらよさそうですね。ボックス型サファイアガラスの中に収められた七宝ダイヤル。奥行きのある深い青色の下に透けて見える文様は、波を表現したもの。3p困難に挑む過程でわかった、創作を続ける心構えとは。地金の上に砂状の釉薬を筆で載せ、水で溶きながら薄く平らにならしていく。この後、焼成を繰り返し、さらに研磨加工を施す。釉薬の塗りと焼成を繰り返し、さらに独自の研磨加工を施すことで生み出される平滑で艶やかな七宝ダイヤル。色づくりに続き、その工程に又吉さんは関心をもったようだ。仕上がった状態の厚みですね。通常の七宝は、ガラス質に1mm以上の厚みがあります。腕時計の文字盤は0.3mm以下の薄さで、しかも平面であることが求められます。その文字盤の上で、針を回さなければいけないからですね。釉薬を薄く、しかも表側だけでは焼いた時に反ってしまうので、表裏の両面に塗っています。一般的な七宝は粘りを出すために釉薬に鉛を加えるのですが、このダイヤルはセイコーが掲げている高い環境保護基準に対応するために、独自の無鉛釉薬を使用しています。これは気泡が入りやすく、またそれを削る際に欠けやすいので非常に神経を使います。何百枚何千枚とつくる上では、あまりこだわりすぎてはいけないということに気づかされました。試作時には完璧に整っていなければならないと思って製作に努めていたのですが、いざ量産の段階に入ると、肩の力を抜いて少し手を速めたほうがかえって歩留まりが上がったのです。大事なのは、最初にまず100%でやってみることでしょうね。そこから短距離走から長距離走に切り替えるように、力を抜いていい状態を継続的に保つ方法を探っていく。それはどんな仕事にも共通することかもしれません。僕もずっと長い期間出演しているコントライブの場合は、毎回自分の全力を出そうとすると結果的に大げさになって、全体のリズムや流れができにくくなりますから。つくり手同士だからこそわかる創作を続ける際の心構えに、又吉さんは深く共感したようだ。腕時計を手にし、「ダイヤルの独特な色合いにまず目が行きますね」と語る又吉さん。「これはどういったものなのだろう。やってつくり出しているのだろうと、興味をそそられますね」とのこと。七宝ダイヤルモデルセイコーの原点、国産初の腕時計である「ローレル」のダイヤルレイアウトを七宝で表現。地金に施したエングレービングが透けて見える奥行きのある青色は、高い環境保護基準に対応する独自の無鉛釉薬で製作されたもの。高精度・薄型ムーブメント「Cal.6L35」とボックス型サファイアガラスを採用することで、その薄さを強調したケース構造になっている。自動巻き、SS、ケース径39.5mm、パワーリザーブ約45時間、日付表示、シースルーバック、クロコダイル革ストラップ、3気圧防水。独自の進化を遂げた、七宝ダイヤルの透明感。nendoが建てた「階段の家」の秘密を聞いてきました。FEATUREART2020.01.31写真を超えた“なにか”がそこにある。ライフスタイルの仕掛け人、南貴之の「グラフペーパー」に答えがある。アルマーニMAGAZINEPEN2020.02.15ひとり、籠る宿。NEWSDESIGN2020.01.23デザイナーたち26名の仕事の裏側を見せる『秘展』は、何時間でもいられるほど面白い。2020.02.19ここは通うわ!「世界の美しい本屋20選」のひとつは、カオスに満ちたアミューズメント空間。伊勢丹「世界を旅するワイン展」が本日2月19日から開催。2020.01.24届いて驚いた。TOPPen最新号ひとり、籠る宿。TRENDワインは、自然派。映画のツボ名作椅子に恋して。ホテルについて、ひとり言。permission.特に断りのない場合、掲載商品はすべて税込価格です。税額は記事公開時点での税率を適用しています。