笛に想う横笛といいましても様々な種類がありますが、私が使いますのは「篠笛」と「能管」です。唄をうたうような篠笛、抽象的で感覚的な表現をする能管とどちらも魅力的な楽器ですがこの二種類の笛を使い分けて様々な演奏表現をいたします。状態などがそのまま伝わります。それはとても素敵なことですが、怖いことでもあります。つねに自分の心に素直な演奏を心がけたいと思いますが、そこに囚われすぎないで、本当の意味での自然体で演奏がいずれ出来るようになればとても幸せだと思います。以前に地唄・上方唄の先生の演奏を聴いたときにこんな感覚になりました。語りをなさっていました。その演奏はどこまでも自然体で、なんの衒いも無く本当にただただ声をお出しになっていらっしゃいました。その姿はとても美しく、その唄と三味線は私の心の底まで真直ぐに沁み込んでくるようでした。素直に感動し、おもわず涙がこぼれてきてしまいました。心からそう思いました。笛に想う2人は自分の声を客観的に聞くことができません。その為、唄方は自分の声を練ってゆくのはなかなか大変なことのようです。為に限りなく声に近いことになります。私は自分の声を録音などして聞くことがとても嫌いです。自分の声がなかなか好きになれません。同じように笛の音もなかなか好きになれませんでした。寶先生のお話をうかがっているうちに、「日本の音楽にとって一番大切なものは音に非ず。」と思うようになりました。なにを演奏するにもその曲や手組にはっきりとしたイメージを持つことがとても大切なことです。いつもイメージを大切に演奏していくと、音は自然と後からついてくるように思います。音自体に縛られているうちは、本質がなかなか見えてこないように感じます。いいながら、なかなか音の呪縛から抜け出せません。ページのトップへ戻る笛に想う3剣術や剣道の心得は邦楽演奏に通ずるものがあります。「遠山の目付け」といって相手に対峙したとき一点を凝視するのではなく、遠い山を見るように相手の体、全体を視野に入れるという教えがあります。笛を吹く心持ちも同じで、三味線や唄、鼓といった他の楽器を大きく全体として曲の流れや各楽器の息合いを捉えることが大切です。その瞬間の一点に囚われすぎると硬くなり、ぎこちない演奏に陥ってしまいます。これは独奏のときも同じで、自分の演奏する曲を大きく全体で捉えたうえで、一間一間を大切に演奏しなければ曲に心が現れません。「観見二つの目付け」といって対峙した相手の心の動きを見通す「観の目」と肉眼で相手の現象を見る「見の目」があり、観の目を強く働かせ人間の行動の大本である心の動きを見落とさないようにするという教があります。これはかの宮本武蔵が五輪の書に述べていることですが、これを耳におきかえて考えることが出来ます。耳で実際に聞こえてくる音を頼りにし過ぎず、他の楽器や唄の演者の心の動きを聴くことが大切です。声などによく現れます。奏をすることが大切です。笛に音無というのが私の胆の一つで、演奏者も聞き手も音を追っているうちは偽物。音、或いは間に内在される心を聴くことができて初めて本物。故寶先生も「笛のこころ」を座右の銘のようになさっておられました。ページのトップへ戻る笛に想う4日本人はシンプルな物が好きです。削ぎ落とされた美しさを物にも芸術にも求めます。見た目も竹の一節といった風情がとても美しい。端を籐巻にしたりしますが、できれば何も巻かない素な竹の一節作りが一番良い。外は極シンプルに仕上げることこそ粋な笛師の心意気です。能管などは沢山籐や桜樺を唄口や手穴の間に巻きますが(これが能管の形と決まっています)この感覚はとても大陸的な感覚です。中国や韓国などの民族楽器によく見られる笛の装飾と同じです。それが伝わってきて日本独特の楽器へと変化したことが考えられます。腹に深い感情が湛えられていても、形は凛として端正。無駄な所作はしないのが美しい演奏スタイルです。思い入れが深ければ深いほど動きが無くなります。哀しみが深すぎると涙が出ないのと同じような感じかもしれません。素晴らしい日本人の感性だと思います。ページのトップへ戻る笛に想う5歌舞伎の横笛で演奏する手組に「笙」という面白い手があります。この名前からも分かるように雅楽の笙をイメージした手組ですが、そこからはなれていろいろな表現の手段として使います。単純な手で多様な表現をするこの「笙」は短い篠笛を使い、一つの音を指を少しずつずらしながら長い息で吹くような手です。故寶先生もとても大切になさっていた手で、福原流では他流と違い特殊な扱いをしています。篠笛は通常、三味線の調子に合わせて笛を持ち変えます。唄う様に旋律を演奏するのですが、笙は能管の様に調子に構わず八~十本あたりの短い笛を使いいつも同じような運指で演奏します。旋律を吹く音による表現をしておらず、音を出し始めて吹ききる迄の間や、息継ぎをする間取りや音を出している間の息の入れ方、また指のずらし方など、手としては極シンプルですが、逆に其以外の全ての感覚を駆使して様々な表現をします。日本音楽のもつ大切な様式が色濃く出ていると同時に演奏者に深く繊細な音楽性が求められる難しい奏法の一つです。静と義経の別れ際の場面。千尋の谷へ蹴落した親獅子が、子獅子が駆け上がって来るのを待つ場面。子供の行方を舟人から尋ねる為に、掬いようもない川面の桜の花弁を網で一心に掬う花掬の場面。三味線の合方にのせて打楽器では賑やかな手を打ちます。(狂女の様子を見ながら囃し立てる舟人を表す)それに対して笙は狂女の心と哀れで悲しくも美しい様子を表します。以上の三曲が先生おすすめの笙です。この他にもまた違った表現をする笙がたくさんあります。素晴らしい景色の庭を表す合方に吹き込みますが、やはり風景描写的な扱いをします。庭の端から少しずつ景色を楽しみながらゆっくり移していく視線のような表現をします。常磐津「羽衣」などでは天人が天界の音にのって舞を舞う場面ですが、これは元である雅楽の笙のようなイメージで吹きます。天から響き渡る音や、まるで時間の流れが止まってしまったかのような空間をふわふわと舞う天人の様子などを表します。本当にいろいろな場面においていろいろな表現をするとても難しく面白い手組です。この様に曲の大切な場面に染み入るように関わっていくのは笛の醍醐味ですね。ページのトップへ戻る笛に想う6能管にはちょっと特別扱いの音があり、演奏中に使用する音の中で最高音のこの音は「ヒシギ(日吉)」とこの一音にのみ名が付けられています。悲鳴のように甲高く、楽器から絞り出されるようなこの音のことを、ある作家さんが「脳天を鉄片が突き抜けるような...」とおっしゃっていたのをよく思い出します。演奏者もヒシギを吹くときには息を吹き込むと言うより、身体中の気を絞り出すような感じに出します。より、楽器がそれを受け共鳴し辺りの空間に鳴り響くのです。そんな音であるだけに気力、心がとても大切になります。能管の習い始めのころはまずこのヒシギがなかなか鳴ってくれません。鳴らなくなってしまうことがあります。極度の緊張を強いられるような舞台などでは特にそうです。ヒシギは音を出しているというより声ではなく能管で叫んでいるようなものですので心が折れてしまうと急に鳴らなくなってしまいます。それが本物のヒシギではないかと。あるべきだと思うのです。「家で練習している時にはちゃんと出ているのに、本番や稽古で先生の前に出て吹くと急に鳴らなくなってしまいます。したら出るようになるでしょうか?」こんな相談を受けることがしばしばありますが、これは本物のヒシギを出そうとしている結果ですね。出なくて落ち込むより、「正しいヒシギを出そうとしているのだ!」とポジティブ思考にもっていけるといいですね。自分も努めてその様な思考になれるようにしたいといつも思うのですが、これがなかなかそうはいかないものです。定したらしいのですが何やらトリップ状態を誘発するような波形が表れるようです。「やっぱり凄い音だよ~!」と言っておりました。同じにならない事、それはそこが出発点だからです。心の動きに従って揺れたりずれたり省いたり増やしたりする事が単純な表現となります。同調し、響き合う表現は極西洋的なもので古典を演奏する時には全く無い感覚と言えます。和するとは?その心を表す言葉で最近とても気に入っているものがあります。相手の心を察する、感じることこそ和することかと思います。此れこそ古典演奏時において最も大切な心持だと確信しています。日本人がとても大切な心として育んで来たこの謙虚な心は日常生活では当たり前のこと。今や伝統文化と言われる全てのものに息づくものです。この「慮る」ということが最近の日本人にはとても希薄になって来ているように感じます。その心が演奏から無くなってしまった時には、ただただ自己主張をぶつけるばかりの幼児の喧嘩を社会人がしているような、浅いものになってしまいます。このままこの大切な心を失ってしまうのでは...と心配です。なんとかしたいと思っておりますが、急には変わるはずもなく近いところから少しずつ。自分もいつもこの心を持ち続けたいと思っております!ページのトップへ戻る笛に想う8笛の習い始めの頃、曲を覚えるということがとても大変でした。附けを出さないで吹けると思っても、いざ先生の前に座ると頭から曲がとんでしまい...暫らくそんな感じでした。何度も何度も吹き込んで少しずつ諳んじて演奏できる曲を増やしていきましたが、その中でも自分が自然に吹けるものと、いつも上手くいかないものとがあり、それが好きな曲と嫌いな曲に分かれていきました。いつも好きな曲ばかりを演奏することはできません。演奏を生業としたとき、好きな曲でも自分の思いと全く違った演奏を求められることもあります。この矛盾による心の葛藤は音楽と真直ぐ向かい合っている者は必ず抱えるものです。悩んだ時期もありましたが此のところはどんな曲でも演奏前に好きになるようにしています。どこかに好きなところを発見してそこから好きな心を広げていきます。この様に曲を好きになると覚えるのも早くなり、演奏も楽しくなります。一つの曲に対する解釈も様々あると考え、自分から様々なアプローチを進んでしてみることで、どんな要求のなかでも自分を見失わない演奏が少しずつ見えてきました。楽しみで笛を稽古する場合は自分の好みだけでよいと思います。うまくいかないなと思った時はこのように曲の事をもっと好きになってみるとよいかもしれません。ページのトップへ戻る笛に想う9演奏者は旅人。先日、同い年の演奏者であり友人でもある連中と食事をする機会がありました。この道に飛び込んですぐに知り合った同期生。あれからもう30年という年月が過ぎ去り、其々の道に生きてきた友人はおじさんになり若い学生時代とは違った深い想いを音楽に対して持っていました。初めはたわいも無い話で楽しんでいましたが、いつの間にか芸談になり気が付けば6時間も話し込んだのでした。そんな話の中で改めて思ったこと。笛を吹くことはとても嬉しく愉しいことですが、時に打ちのめされ挫折を味わうこともまた辛く悲しくなることもあります。今の自分には笛を吹くことしかないしそれしか出来ません。何の為に演奏しているのかと、ふと考えることもありますが、生業としていることとは別に演奏そのものに生きている、それが自分の生の証であるように思います。素晴らしい演奏者や素晴らしい心や技を持った方々との出合いと別れを繰り返し自分が本当に素晴らしく大切だと思うものを見付けては追いかける。見付けたと思ってもその刹那消え去る儚いものをいつも、いつまでも追い続ける。演奏者はそんな形も無い曖昧で儚いものをずっと探し続ける心の旅人です。格好よく言ってみましたが、裏を返せば身勝手で廻りに迷惑をかけながら生きているということですが、「それを自覚して感謝の心をいつも忘れないことが肝心だ」と比叡山でお話を伺いました。ホントですね、有り難うございます!ページのトップへ戻る笛に想う10笛は孤独な楽器。歌舞伎音楽において打楽器全般と笛のことを纏めて「鳴物」とよびます。この様に笛は囃子の中に含まれた楽器の一つとなっております。能楽囃子とは違い歌舞伎囃子の場合、鳴物に含まれる楽器は全て演奏しなくてはなりません。功績はとても大きいのですが、もともと笛にある孤独な特性もその要因になったと考えております。学生時代は勉強会などの曲をよく仲間と一緒に練習しました。これは一人で練習することの出来ない演奏感覚を養ったり、曲に対するいろいろな人の考えを直接聞いたり感じたりすることのできる大切な時間でした。この練習でよく感じていたことが一つありました。「笛は孤独な楽器だ...」ということです。練習に熱が入ってくると三味線と唄は互いに激しい意見のぶつけ合いを始め、囃子は小鼓、大鼓、太鼓の打楽器でやはりお互いの考えや息を確認したりぶつけたり。練習に熱が入れば入るほど笛吹きは蚊帳の外となりがちです。笛吹きとしては勿論、他の楽器や唄の考えを聞いて一緒に練習するのですが、自然とそのような形になるのです。笛吹きは曲に個人的なアプローチをする部分が多くなってくるわけです。囃子の手組も打楽器のみで成立するので笛吹きを交えず話が進むことがよくあります。笛は唯一のメロディー楽器として演奏するので感覚も特殊な部分があるように思えます。皆で一つのものを共有して演奏する感覚もとても好きです。両方の感覚がバランスよく内在されることがベストですね。ここで気を付けなければならないことは、独りよがりの演奏や感覚、考えになってはいけないということです。全ての演奏に通ずることですが、笛吹きは特にそこに陥りやすい環境にあるということです。私もいつも心に留めている大切なことの一つです。ページのトップへ戻る笛に想う11音の揺れのことをビブラートですか?っと尋ねられますが、全く違うもののように感じております。西洋音楽で使われますビブラートは、基本的に音を豊かに響かせたり音に色づけをしたりと、音楽表現をするための音そのものに音程の振動のような揺れを与えてより音楽表現を幅広いものにします。心の動きが音に変化を与えたものと言えます。一つの音への思い入れが強くなると、そのエネルギーが一所に音を留めておけず揺れを起こすのです。このように根本的に音の揺れに対する感覚が違います。西洋音楽では音を一定の幅で揺らすための練習をし、常に正確なビブラートを使用できるようにしますが、日本の笛の場合、感情の揺れが音の揺れとなるので特に練習はしません。感情は常に揺れ動く為、一定の幅で揺らしては逆効果となるのです。感情にしたがって揺れ動き続ける音が日本の笛独特の音作りのように感じております。これは打楽器のトレモロとヲロシの違いにも通ずると思います。一つの音を長くのばすということは、その音を長く吹くことで何かを表現するのではなく音へ深い感情、思いを入れているということですね。ページのトップへ戻る笛に想う12最近バンジョーのプレイヤー「ベラ・フレック」の曲を聞いています。構成も興味深いですね。若くして亡くなられた浪曲師の国本武春さん、以前に舞台をご一緒させて戴きましたが三味線を実に軽妙に弾きこなされるの聞きこれは何か他の楽器もなさっているなと思いよくよくお話を伺ってみますと、バンジョーをかなり弾かれるとの事でした。そんなことも思い出しながら心地よいバンジョーの音を聴いております。このべラ・フレック率いるバンドが「べラ・フレック&ザ・フレックトーンズ」というちょっと微笑みを誘う名前で、バンド名を見ただけではCDを購入したり曲をダウンロードしたりしないかもしれませんね(笑)このバンドのベーシスト「ヴィクター・ウッテン」という方が先に来日したようで、その折に彼と会ったベース弾きがベースの上達のコツはなんでしょう?と聞いたところ彼はにこやかにこう言ったのでした...「グルーブだよ!」っと彼が来ていたTシャツに書かれた文字を指さしながら。グルーブとはあいまいな言葉で受け取りにくいのですがノリといいますか、感情の起伏(心の機微のようなもの)だと私は思っております。テクニックは練習でいろいろと習得していけますが、なによりもそのグルーブが大事だとヴィクター・ウッテンは言ったのです。その話を長男から聞いたときに、そこのところは我々と同じなのだと感じました。心の機微が無ければ張りぼての演奏です。テクニックはそれを表現するための一つの手段でしかないのです。演奏に生きる人達は演奏が出来る間が現役演奏家ということになります。伝統音楽の世界はそれが長い。歳を重ねるごとに身体は衰え、テクニックは維持することも難しくなります。心を練り続け、音楽にその機微を練り込めることができるような演奏家だけがいけるステージが存在していうように感じます。いつかそのステージに辿り着けることを夢見て!ページのトップへ戻る笛に想う13我々の間(少なくとも歌舞伎音楽の世界)では楽器のことを「道具」と言っております。音を奏でる物として楽器というのが音楽の世界では一般的ですが、通常の会話にも例えば「大切なお道具を...」などといったように楽器ではなく道具とします。代々の家系に育った者ではない私には初め違和感のある言葉でした。楽器と言わないのだろうか?音を楽しむ器としたほうが分かりやすいし、なんだか大切な物のように感じると思っておりました。思い起こしてみますとこの言葉は我々の世界だけではなく茶道や華道、あるいは武道の世界でも使われております。お茶の世界の茶碗や茶入など、お花の世界の花器、武家の刀や槍などの武器や甲冑みな道具とよび魂の宿る大切な物として扱っております。この様に音楽を音を使った道、一つの求道と考えその道を成す為に備える物として捉えるのでしょう。考えますと、とても素敵な言葉に思えて来ました。これこそ楽器に対する日本人の想いがとてもよく出ている言葉なのだと・・・ページのトップへ戻る笛に想う14洋楽器の中でバイオリンなどの弦楽器は銘器と言われる特別な楽器があることは有名ですね。和楽器にも銘器と言われるものが沢山あります。和楽器の場合、逆に弦楽器は消耗度が激しくなかなかこの様な楽器はありません。銘のついた箏や三味線を拝見し、演奏も聴きましたが枯れすぎて現代の演奏に使うにはちょっと難しい感じでした。曲されるなど、特別な演奏準備が必要に思えます。囃子の楽器は古くは室町時代のものが美しく残っており、現代の演奏にもそのまま使っても問題ないのです!その中にはやはり銘器と呼ばれるものが沢山あります。鼓も笛も作者の系統で大きく分かれており、その中でずば抜けて素晴らしいものには「銘」がつけられています。笛には多いようですね。これは息を吹き込む楽器だからかもしれません。息とは霊魂にも似たものという考えがあるようですね。くしゃみをすると魂が抜けて寿命を縮めるため真言を唱えて魂を留める呪いをしたりします。この息を吹き込むということは魂を吹き込むということになるわけですね!ですので特別な思いのある笛には日本刀のように様々な「銘」を付けるということだと思います。私も「大雷神」というもの凄い銘のものや「雪夜」や「磯千鳥」といった美しい「銘」のものなど、素晴らしい笛を拝見させて戴いたことがあります。日本人は特に物に名を付けることを好むように感じます。名を付けることで楽器を人のように...もっといいますと神様のように扱わせて戴くのです。長い時を経て大切に扱われてきたものには本当に何かが宿っている様にも感じます。修理がされていても、それはそれはとてもとても美しく心惹かれる風合いを備えたこれらの銘器は、吹き手を選ぶのかもしれませんね!私が吹かせて戴いてます笛は名も無いものですが、私と縁があって偶然出会った大切な楽器で、私自身とても気に入って吹き続けております。銘器の仲間入りができるかも・・・などと愉しい妄想をしながら一緒に過ごしております。ページのトップへ戻る笛に想う15日本の伝統的な音楽の様式を考えた時に先ず「単旋律音楽」ということがあります。唄系の三味線や筝曲等は完全に単旋律音楽として深められました。雅楽の場合、笙などに和音の様な音の重なりがありますが、これは大陸音楽の名残だと思われます。私は三味線音楽の笛吹きですので、そのジャンルで考えてみますと単旋律であるが故に出来上がってきた表現が沢山あります。音を考えてみますと、これはどう考えても和声で音楽表現をするには無理があります。どの楽器も雑味の多く含んだ音で美しい和音の響きを得ることに適していません。三味線の「さわり」や能管の「のど」など雑音発生器を取り付けていると言えます。この音では音に幅が出過ぎて音程がはっきりと定まりにくいのです。このような「さわり」の多い音を日本人はとても好みます。それはまるで風がなる音や、水のせせらぎの音や、或いは虫や鳥の鳴く声のような心地よい音なのです。この様な自然の音を楽音として使っているのも大切な様式の柱です。旋律的な表現でみてみますと、ずらしたり揺らしたり省いたり増やしたりと元の旋律に対して遊ぶような表現をします。三味線でいいますと「替手」や「上調子」の様な表現です。ここには和声的な響きの表現は全く無く、その殆どが間のあらゆる方向への伸縮による表現と言えます。面白い表現ばかりですね。して西洋音楽の様な響きによる表現をしてこなかったのでしょう?音楽が生まれてきた風土にようるのかもしれましせんね。ヨーロッパは石造りの住まいや教会の中のように残響がとても長い空間で生活しています。音と音との重なりに豊かで美しい物を感じ、そこに表現を求めていったのでしょう。それに対して土や紙といった響きを削ぐような素材の中で生活をしてきた日本人には残響の感覚は薄いですね。その為、単音その音そのものに意味を感ずるような表現、もっといいますと、音を単に音と捉えずもっと空間的なものとしたと考えられます。外(自然)との隔たりの薄い空間ですので、人間の発する音以外のもの...自然の中にある自然音に耳を傾けることも自然にしてきたのでしょう。日本音楽の中には自然そのものが生きていると思います。様々な民族の風土、風習があり其々の中で育ってきた音楽。西欧と比べただけでもこのように違いがハッキリしている部分が多い。一括りに考えることは不可能なのですね。ページのトップへ戻る笛に想う16お稽古(レッスン)のこと...師匠の寶先生がお亡くなりになって随分と時が経ちました。笛吹きになろうと決めた私が寶先生にいただいた稽古を思い起こしながら「現在の自分がどのような考えでいるか」ということを少し。お稽古では師から曲の手組や内容など、基本的な演奏の形を教えて戴きます。その後は自習して曲を覚えたり、自然に演奏できるようにしたり又、師のような音使いやニュアンスを真似て、それに近づこうとしたりします。出来、不出来や覚えるまでの時間は個人差がありますが、教えを受ける側としてここまでは自分で頑張るしかない部分です。大切なことはこの先です。教えて戴いたことをそのまま演奏するだけではなく、そこに自分の考えを持つことです。(勝手にいろいろと考えを巡らすのではなく、師が教えてくださったことについて考えるということです)師はこう仰ったが、それは何故だろう?師はこの部分をこう演奏しているがどうしてだろう?他の演奏者は吹いているのに師はこの部分を吹いていないのは何故だろう?等々。経験が浅いため師の考えや仰ることの真意がなかなか理解できず苦しみます。師の言葉の真意が閃いたりするのです!記憶の奥底に眠っていた師の言葉が突如蘇ることもあります。これはただ繰り返し練習するだけではなく、いつも頭の片隅に演奏のことを考えている自分がいなければ起こりえないのです。その瞬間はまるで叢雲が風に流され顔を出した月の光に煌々と照らされるような心地です。自身の未熟を知り、自らの意志と考えで思い悩み続ける人にだけ見えてくるものが確かに存在します。お稽古は、そのきっかけとなるものだと考えます。ページのトップへ戻る笛に想う17亡くなられた先代の望月朴清先生と先代の杵屋勝三郎先生は大親友で、お正月には必ず朴清先生が勝三郎先生宅へごあいさつに訪れ、そのまま長居となり話し込むのが恒例だったようです。いろいろな話になるのですが、後進の演奏家たちのことになり「あいつはなかなか見どころがある」「あいつは最近だれてきてる」等々と言い合うのだそうです。最後に必ず「あいつはいい!人が良いからね」「そうだね、あいつも人が良いからな」「良いやつだよな~」といったことになったようです。毎年同じ話を繰り返して盛り上がっていらっしゃったようですね。そんなお二人の素敵な関係を「良いものだな~」と思うのと同時に、やはり演奏は人間だなと確信するわけです。お二人の先生方も酔ってそんな話になるのではなく常に「芸は人だからな!」とお弟子さんたちに仰っていたと聞きました。どんなに技術で覆っても生身の人が奏でるものですので、為人と人柄がそのまま演奏に出るものですね。生来そなわったものは色として、それにコクと深みをあたえるために人間力を養わなければ素敵な演奏は出来ないと思います。なにより気付くことが必要です。演奏者にとって音を出すための工夫や音への拘り、音を使うための工夫などのテクニックは表現に必要不可欠のものですが、心を...自分自身とそこから繋がる全ての物を身体から少しだけ出すための技術に過ぎないことに気付かなければなりません。言葉では薄っぺらな感じになってしまいますが、これは自身で掴まなければ分からない感覚だと思います。そこに気付いたら急に視野が広がり愉しさも深まります!ページのトップへ戻る笛に想う18笛の音は十人十色。楽器が同じでも吹き手の身体の大きさ骨格、唇の形や歯並び、口内の大きさや心肺力などなど、そのうちの一つでも違えば音は変わります。他のどの様な楽器を演奏するにも同じことが言えますが、笛は旋律を唄える楽器ですし息を使いますのでもう一つ繊細に人それぞれの個性が出ると感じます。吹き手によって音質、音色だけでなく唄口に当たる息の角度によって音程まで違って出ますので、音と演奏の仕方を聞けば何方が吹いているのかすぐに分かります...っということはそれほどストレートに人柄がそのまま演奏に出ているということになりますね。綺麗な音、美しい音をと音を追うことばかり考えるよりもその人なりの音を練り上げることが大事なように感じております。昔から使われていた篠笛は細かに調律がされておらず、三味線と合わせて演奏するには少し苦労する部分がありますので、近年は師匠が考案した管尻に近い手孔の位置をずらし調律した篠笛が一般的に使われています。そのお陰で誰にでも旋律が吹き易くなりました。最近は行き過ぎた調律(同じ角度で息を吹き込みピッタリとドレミの音程に調律された)の篠笛をよく見かけます。昔篠笛のように調律されていないものはなんと音痴な笛だろう!と感じます。音でもって演奏表現を形作る西洋音楽的感覚では、吹き始めからピタッと必要な音程を出さなければなりません。なければ他の楽器と協調して美しい響きをえられません。単旋律音楽である日本伝統音楽では他の楽器との協調で得る和声的な響きが存在しませんので音程にもとても幅があります。現もない稚拙な音と感じます。その音を吹いている間に探る様に定まったり離れたりと音程が揺らぐ所にこそ心の機微が表現されているといえるのです。行き過ぎた調律の篠笛は手孔も不自然な位置になるため指も置きにくく、伝統音楽でとても大切な手なりの演奏に向きません。笛に遊びが無いため先に上げたような揺らぎのある演奏をするには向かない硬い笛となります。私の使う笛はあまい調律ですが、それは遊びを残すギリギリの線で作られている職人技といえるものなので、旋律が吹き易く揺らぎを作り易い楽器だと思っています。調律を考案し実際に笛へ施した張本人の寶先生が晩年こんなことを仰っていらっしゃいました。昔篠笛を使っておりますと日本独特の演奏感覚が自然と養われるものでしたが、調律したためその大切な部分が希薄になってしまったのです。大きく移り変わっていく時代を引っ張り続けた先生は改革をしながらも深く悩まれていたのです。長い年月をかけ培われてきたものと新しい試みから生まれたものとの狭間で悩みながら我々に大切な心を遺してくださった先生の懐かしの記事を友人が送ってくれました。ご紹介したいと思います。ページのトップへ戻る笛に想う19囃子方の中で使われている面白い用語がいくつかあります。打楽器なら腕などがこわばって楽器が上手く打てなくなること。笛なら指や呼吸がこわばって上手く吹けなくなることです。演奏中に二進も三進も行かなくなることです。この様な状態に陥ることを「干上がる」と言います。その最悪の状況を表していて、初めて聞いたときには独りで感動していました(笑)しかし演奏者にとってこの状況は笑い事ではなく陥ってしまったら最後、回復の希望はほとんど無しです。状態はどうやら心の動きからくるもののようです。演奏中の何かに対して不安を覚えたり迷ったり動揺してしまうと、それが身体に直結しまるで生気を吸い取られていくようにダメになってしまいます。そこへ陥りそうな自分に焦り、さらに加速してしまいます。そんな心の動きをよく表している言葉だなと思うのです。「生殺し」というのもあります。最近はあまり使われなくなってきていますが、これも面白い用語だと思います。囃子方の附(譜面)に書いてあるこの言葉、駆け出しの頃これを見てナマゴロシと読みなんて恐ろしい言葉が附に書いてあるのだろうと思ったものです。これは、「イケコロシ」と読みますが大太鼓などの附によく使います。大太鼓には風音、水音、雪音などといった芝居の中に長くあしらう音が沢山あります。舞台上の展開や役者の動き、台詞などにより激しくしたりやさしくしたり、ゆったりしたり早間にしたりと自在に変化を付けます。舞台の動きに強く音を付けることを「生かす」といい、静かに引いた感じに音を付けることを「殺す」といいます。この様な見計いによる変化が重要な場合、附に「生殺し有り」と記されているわけです。歌舞伎の舞台を生かすも殺すも囃子の演奏次第ということなのでしょうか!囃子方の演奏心構えがよく見て取れる言葉だと思います。「あちらは雪の日も多く寒いだろうねぇ」と言うと家内が天気を調べてくれました。今は便利になりまして携帯電話ですぐに天気を調べることが出来ます。「東京に比べると気温は低いけれど明日からちょっと上がるみたい」とのこと。「普通に冬の格好をして行けば大丈夫だよー」と。「東京って寒々しく感じない?地面は土も無くコンクリートやアスファルトばかりだし周りはビルばかりで吹く風も硬く冷たく感じるし...東京離れると雪が降っててもそんなに冷たく感じないよ。東京と同じ格好でいいんじゃない」んん、確かに気温が高くても寒々しい。そんな言葉を聞いてふっと思い出しました。養老孟司先生が都会は意味もなく存在する物を遮断している場所だと何かに書かれてましたが、人には感覚所与に意味付けをする癖があるようです。なると感覚的に受けたものを忘れてしまい、意味の方に意識がどんどん移動してしまうようです。都会では意味の無いものをどんどん切捨てて、やがて全ての物事には意味がありそうで無いものは存在しないという考えに陥いる。上で音や手組などに意味を求めます。これはとても大切なことですが、そればかりに陥いるのはとても危険なことだと改めて感じました。楽曲を作るときも演奏するときもインスピレーションがとても大事です。その瞬間にパッと感じたままに作曲、演奏しなければ一つの小さな思い込みに固まったつまらないものになってしまいがちです。演奏のときには特にそうです。普段いろいろと曲のことを考えることはとても良いことですが舞台に座り演奏が始まったらその瞬間瞬間に湧き上がる自らの感覚に心を委ねることが良い演奏へと繋がるように思います。普段の生活にも感覚を鈍らせないように心がけることと、そこへ深みを与えるために物事をじっくり考えることの両立が必要なのですね。ページのトップへ戻る笛に想う21邦楽用語の中に「しまる」「しめる」といったものがありますがこれは曲の運びがゆっくりになることを表します。テンポが速くなって盛り上がる感じですね。感情を外に向かって放射し、空間的な表現をする西洋音楽では思いが高まり心が動くと音数が多くなりテンポもどんどん速くなります。間が長くなるということは音数がどんどん減り、ノリがゆっくりになるということです。なってゆくと緊張が緩み、のんびりゆったりとした感覚になる西洋音楽(基本的に)と、緊張が高まり、思いが強く深くなる日本音楽(基本的に)。「しまる」はリタルダンドとは同じ形と全く逆の感覚を持った音楽用語なのです。いろいろな音を複雑に重ねていくことによって多様な表現を作る音楽と対照的に、単純な音使いになればなるほどそこに深く複雑な思いを感ずる日本人。池坊の教えに「一輪にて伝わるは多くより心深し」という言葉があると伺いました。音楽だけではなく、花道や書道にも通ずる日本人の大切な感覚と表現がそこにあるのです。ページのトップへ戻る笛に想う22他人にものを教えるということも、他人から教えを受けるということはとても難しい。教えを受ける弟子が年齢を重ねるほどにそれは難しくなります。年齢だけ経験してきたことがその人に自分の世界を作り上げるからです。自分の世界を持った者同士が師弟の関係を作るわけですから簡単なはずはありません。人は誰しも自分の狭い世界の中でしか物事を見たり考えたりすることしか出来ません。そこから外れたところにある物事を基本的に理解することが出来ないのです。自分の世界を少しでも広げる為に教えを受けるのです。実行してみてはまた考える。しているうちに自分のスタイルがまた新たに現れてくる。忍耐が必要でとても謙虚な心が必要です。教える側も相手に今まで歩んできた道があることを慮らなければなりません。決まりきった手組や音のことは別ですが、感覚的なことや、それを実際に音にする技術などにはそこを配慮しなければならないと思います。他人の弟子を預かるような場合は特にそうです。此方の音楽的感覚を理解したいと思ってもらわなければなりません。先日ある先生が若手演奏家達を指導する際に「有り得ない」という言葉を使っていらっしゃいましたが、私は芸能の世界に「有り得ない」という言葉こそ有り得ないと考えます。あらゆる人々が一つの作品を共有しようとするのですから、そこには少なくともその人の数だけ考えや思いがあるものです。教える側にも同様に忍耐と謙虚な心がなければ何も響けませんし、当然気持ちが繋がることはありません。自分の思いの通りにしようと思えば思うほど離れていくものです。本当の意味で自分の意思と感覚を継いでくれる方を少しでも多く残す為に師匠と呼ばれる側も忍耐強く、そして懐深い謙虚な心を養うよう努力しなければならないと改めて反省いたしました。ページのトップへ戻る笛に想う23我々が今演奏している三味線音楽、特に長唄は時代も比較的新しいため、あらゆるジャンルの音楽を吸収しながら発展してきました。楽器をそのまま使うものもありますが、基本的に能楽囃子の四拍子と神楽の楽器以外はそのまま使う楽器はほとんどありません。他にどんな楽器を使うかといいますと、身近にあった仏具を使ったりしていろいろなジャンルの手を真似たりしながら「それらしい」演奏手組を作ってきたのです。笛も篠笛と能管しか使いませんが、様々な他の楽器の雰囲気を出すように工夫された手組や演奏法があります。「~の様な感じの演奏」といいますとなんとなく主体性に欠けていい加減な感じに聞こえますが、そうではなく素晴らしく柔軟でセンスの良い感性が作り上げてきたといえるものなのです!他ジャンルの楽器や演奏法をそのまま使っては主張が強く硬くなるため三味線と唄や浄瑠璃にうまく乗らないのです。そこをうまく噛み砕いて三味線音楽によく乗るようにし、元のジャンルの持つ雰囲気は十分に残すような手組、演奏法を作り上げたのです。一つのジャンルとして確立し、さらにその方向性で深めてきたものが今の形です。これは決して「なんちゃって」ではないのです。三味線音楽の感性が十分に働き、誰にでも分かりやすく、そして演奏しやすい手組として完璧に確立されているのです。我々はそのことをもっと自覚して発展させていかなければならないと思います。「ルーツとして能楽や神楽や祭囃子を勉強する事は大切なことだけど、そのまま使っちゃいけないよ。三味線や唄によく合うように手組も変えられているのだから演奏もそのようにしなくちゃいけないよ。先生は当たり前のように柔らかく仰るので、私も当たり前のように受けて参りましたがとても大切な教えだったと改めて思うのです。ページのトップへ戻る笛に想う24笛が吹けない...と思ったことは何度もあります(^.^)30年ほど前に大スランプに陥ったこともありますが、このお話はそういった技術やそれに繋がる精神的なことなどではなく、人と曲についてのお話です。先日、新聞社の主催する舞踊会で上方唄の「ぐち」が出ました。この曲はとても思い出深い曲です。師の寶先生が好まれてリサイタル等に選曲しておりました。地唄や上方唄は独特の世界観があり、演奏も独特なものがあると私は思っております。浄瑠璃や長唄などのように物語や感情が旋律や間取り、語り口、唄い方などにはっきり表れるのではなく、ふんわりと又は淡々と奏で歌われていくのです。曲の中に凄絶な物語や深い想いがあっても淡々と歌い上げるこのスタイル。音楽世界の中でこれほど演奏することも聴くことも難しいジャンルは稀だと思います。先日は「ぐち」に舞踊家の先生からの依頼で笛を吹かせて頂きましたが、もう難しい。どのように演奏したらよいのか分からないほど曲自体に世界が有り、演奏が終わった時の疲労感は凄まじかった(笑)しかし、素晴らしいものと出会った時の感動はもの凄いものがあります。亡くなられて久しいのですが、上方唄の第一人者と定評のあったおばあちゃんが大阪にいらっしゃいました。北新地の芸妓さん竹内駒香さんです。寶先生も深い親交がありリサイタルに大阪から招かれて一緒に演奏なさっておられましたが、本当に素晴らしかった。声も艶があり美しいのですが、何と表現したらよいのか、その自然体でなんのてらいも無い演奏に駒香さんの人生が滲み出てくるのか、心の深くにまで沁み込んでくるのです。「ぐち」は...有難いことに、何度も大阪の舞の会などでこの曲をご一緒させて頂く機会に恵まれましたが、その都度笛が吹けないという状態に陥るのです。駒香さんの唄を聴いているうちに曲が、唄がとても愛おしくなり、笛を吹きこむことで壊してしまいそうだと感じてしまうのです。「ぐち」という曲自体とても難しいのに、駒香さんの唄でもうノックアウトです。先日の演奏でそんな思い出が湧き上がってきました。いえば、寶先生も駒香さんとの「ぐち」について、「何度吹いても撥ねっかえされちゃうんだよ...」と仰っていました!当時の私には「そうなんですか~」と答えながらもよく分かっておりませんでしたが今なら「先生、分かります!でもだからこそご一緒したくなっちゃうんですよね~」と言えるかも(^_^)ページのトップへ戻る笛に想う25父の著書「日本音楽ことはじめ」の中にマリア・カラスと吉住慈恭のことが書かれています。なんの関係もない二人ですが時代のカリスマであった二人の天才のエピソードが紹介してあります。マリア・カラスは来日公演の楽屋で、吉住慈恭は晩年の演奏会の楽屋で、今まで何千回歌ったか分からないような曲の譜面を本番前に静かにじっくりと眺めていた...というエピソードです。二人とも寝ながらでも歌えるほど譜面に書かれた音は諳んじているのです。何を見ていたのか...長い年月演奏されてきた名曲には作曲者の想いだけではなく、数多の演奏家や聴衆の想いが刻まれています。何か条件が一つでも違えば同じ曲であっても同じでは絶対ない。その曲には無限の可能性があり、素晴らしい演奏家であっても毎回そこに新たな発見をしたり、工夫を凝らしたりするのだとこのエピソードから感じます。それが出来る方が天才なのかと。舞台に立てばその瞬間に感じるまま音や言葉を紡いでいきますが、その時まで演奏曲に想いを巡らせているのでしょう。譜面は楽曲の入口にすぎません。その奥に広がる宇宙のようなものを知る人こそ真の演奏家と言えるのではないでしょうか。ページのトップへ戻る。