60周年を記念して、同美術館の礎でもある「松方コレクション」の展覧会が開催されています。・松方幸次郎(1866‐1950)は、川崎造船所(現・川崎重工業)の初代社長で、第一次世界大戦による船舶需要を背景に事業を拡大しつつ、1926年‐1927年頃のロンドンやパリで大量の美術品を買い集めました。・二つの大戦の時代、松方コレクションの運命や松方や周囲の人々の人生ドラマも含め、松方コレクションの全貌を知ることのできる展覧会です。・1921年に松方が購入し、長い間所在不明だった幻の大作《睡蓮、柳の反映》も展示されています。会期:2019年6月11日(火)~9月23日(月・祝)休館日:毎週月曜日、および7月16日(火)。7月15日(月・祝)、8月12日(月・休)、9月16日(月・祝)、9月23日(月・祝)は開館。世界でトップクラスの品質を誇るマイセンの「動物」にテーマを絞った展覧会が開催されています。17‐18世紀、ヨーロッパの王侯貴族は白く美しい東洋の磁器に魅了されました。ザクセン選帝侯アウグスト強王(1670~1733)は熱心で、中国や日本の磁器や日本の柿右衛門を大量にコレクション、それだけではなく自国での磁器生産も求めました。強王は、錬金術師ベットガー(1682~1719)らに磁器生産を命じ、1709年、5年の研究の末にヨーロッパ最初の白磁が完成しました。翌年の1710年、ドレスデン近郊の町マイセンの小高い丘にそびえる要害アルブレヒト城内に、王立マイセン磁器工場が開かれたのです。18世紀前半から現在に至るまで、緻密で伝統的な仕事にこだわって制作されるマイセン磁器は、日本でも多くのファンを持っています。本展では、磁器彫刻としてのマイセンの中でも、特に「動物」にこだわった作品の展覧会です。マイセンの成型師で彫刻家のケンドラー(1706~1775)はさまざまなテーブルウェアの形をデザインしましたが、多くの動物彫刻も制作しました。それは強王がその権威の象徴として、磁器で飾り立てた「日本宮」を計画、そこに磁器でできた動物たちの動物園を作ろうと考えていたからです。この宮殿は実現しませんでしたが、ここで制作された動物彫刻は実物大を含め570点以上にもなり、現在でもマイセンの高い技術を示しています。後のマイセン動物彫刻として、19世紀後半から20世紀初頭にかけて流行したアール・ヌーヴォー様式や、1920~30年代のアール・デコ時代を代表するマックス・エッサー(1885~1945)の作品も観ることができ、それぞれの様式で表現された動物彫刻を比較するのも楽しい機会となります。「動物」は、神話や寓話に基づいて描かれると同時に、その愛らしさや美しさからも造形に取り入れられてきました。出展作品の9割が初公開で、しかもその作品のほとんどが個人蔵なので、今後の公開は未定です。この機会にぜひ、素晴らしいマイセンの伝統と技術で誕生した動物たちを鑑賞してください。「世紀末芸術」の中心のひとつであるウィーンには、19世紀末から20世紀初頭にかけて、画家グスタフ・クリムト(1862−1918)、エゴン・シーレ(1890−1918)、オスカー・ココシュカ(1886−1980)、建築家オットー・ヴァーグナー(1841−1918)ら各界を代表する芸術家たちが登場し活躍しました。本展はウィーンの世紀末芸術への道として、18世紀の女帝マリア・テレジアの時代から19世紀末の豪華絢爛な芸術活動への変遷を鑑賞することのできる展覧会です。展示は、油彩74点に加え、工芸やグラフィック、さらにファッション、テキスタイルと、ウィーンの歴史を知ることのできる幅広い作品が、東京展では約400点、大阪展では約300点が展示される圧巻の「ウィーン芸術の総合展」です。2019年に日本とオーストリアの外交樹立150周年を記念し、東京・六本木の国立新美術館と大阪・中之島の国立国際美術館で開催されます。この展覧会を通じてウィーンの近代化(モダニズム)への過程を知り、ウィーン芸術の知識を深めましょう。AMF*「画像写真の無断転載を禁じます」パリのギュスターヴ・モロー美術館の全面的協力により、《出現》《エウロペの誘拐》《一角獣》などを含む多くのモロー作品が来日しました。ギュルターヴ・モロー(1826−1898)はフランス象徴主義を代表する画家で、日本でもその繊細で華麗な作品に魅了されたファンが多く存在します。モローは、神話や聖書をテーマに、英雄や神々、魔物などを描きましたが、また多くの女性も描きました。本展覧会は、モロー作品に登場する女性像にフォーカスした新しい視点の展覧会です。約70点、4章で構成された会場には、モローの母親や恋人といった実生活の中の女性たちや美しさと残忍さをもったファム・ファタル(宿命の女)、純潔の乙女など、様々な女性の姿が描かれた作品が展示されています。その女性たちの物語やモローとの関係を紐解きながら名作を鑑賞する展覧会です。大胆な構図と繊細な描写のコントラスト、長い時間をかけて描きこまれた画面、半透明の絵画を何枚も重ねたような神秘的な線描、宝石のような色彩と光の描写・・・どんな絵画にも言えることですが、特にモロー作品は直接、間近に作品と向き合うことで初めて発見できる表現、味わうことのできる感覚があります。美術館でモローを体験してください。Manchester,UKイギリスのヴィクトリア時代に、英国美術の全面的な刷新を目指した若者たちが「ラファエル前派同盟」を結成しました。中心になったのはジョン・エヴァレット・ミレィ(1829−96年)、ウィリアム・ホルマン・ハント(1827−1910年)、ダンテ・ガブリエル・ロセッティ(1828−82年)です。彼らは、イタリア・ルネサンスの巨匠の一人ラファエロが活躍し、美術の規範が作られた前に戻る...という意味で「ラファエル前派」と名乗りました。当時のイギリス画壇の伝統的な美術教育を離れ、「絵画が自然に忠実」であった時代の表現に戻ろうとしたのです。彼らを擁護し、精神的な指導者だったのがジョン・ラスキン(1819−1900年)です。批評家ラスキンは、若い頃から、風景、建物、町や広範囲の地形、あらゆる種類の標本といった目の前にあるものなんでもスケッチをしました。本展では、ラスキンの多くのスケッチとラスキンが高く評価したJ.M.Wターナー(1775−1851年)の作品を見ることができます。ロセッティらは、騎士道やキリスト教の物語をベースに自然を細かく観察して制作、夢のような美しい作品を描きました。彼らの表現は、その後エドワード・バーン=ジョーンズ(1833−1898年)やウィリアム・モリス(1834−1896年)に引き継がれます。精緻に描かれた自然と美しい女性が描かれた作品を鑑賞しながら、その奥の神秘や情熱の世界、さらには自然を超えた聖なるものを感じることができる展覧会です。[展示期間:4月23日(火)~5月6日(月・休)]空海(774~835)は、31歳で中国に渡り、約2年間で密教のすべてを修得。大同元年(806)に帰国して真言宗を開きました。東寺は、平安遷都に伴って、王城鎮護の官寺として西寺とともに建立され、嵯峨天皇(786~842)から東寺を下賜された空海が講堂に立体曼荼羅をつくるなど整備、真言密教の根本道場としました。密教とは、仏教が作り出した宇宙の絶対的存在である大日如来の真言(真実の言葉)を加持祈祷によって直接きく秘密のおしえです。「密教は奥深く、文章で表すことは困難である。かわりに図画をかりて悟らない者に開き示す」と空海は述べたように、密教は視覚イメージや象徴性をとても大切にしています。集合的に描いて密教の世界観を表した両界曼荼羅図や、如来・菩薩などの姿形や手の形で結ぶ印の形など、密教に関する貴重な図像を鑑賞することができます。十五体の仏像で構成され、展示室いっぱいに展開された仏像曼荼羅は、空海が作り上げた曼荼羅の到達点!視覚だけでなく密教の宇宙を体感できる貴重な機会になるでしょう。Parisル・コルビュジエ(1887−1965)は、スイスで生まれ、パリで活躍した芸術家で、第1次世界大戦直後の1918年末にピュリスムの運動を始めました。ピュリスムとは、機械文明の進歩を背景に、比例と幾何学によって明快な画面を追及する絵画運動です。その後、ル・コルビュジエの活動は絵画から建築へ。「エスプリ・ヌーヴォー館」(1925年)などで建築と絵画・彫刻による総合的な芸術空間を作りました。本展が開催される国立西洋美術館は、2016年にユネスコ世界文化遺産に登録されました。本館は、ル・コルビュエの設計です。彼が理想とした芸術空間を立体的に体感できる展覧会です。子どもたちの生活の中心である「学びの場」と「遊びの場」である建築や空間のなかから先駆的で独創的なデザインを紹介する展覧会です。明治時代から現代までを5章+アルファで構成、子どもをとりまく社会の変化とそれに応じたデザインを知ることができます。1872(明治5)年に発布された学制と7年後の改正教育令によって、すべての子どもが小学校に通うことが定められました。大正期になると子どもの個性を重んじた教育が検討され、子どもが学び遊ぶ環境も変化していきます。時代とともに変化する子どもへの視線と空間の変化を知ることで、これからの子どもたちのためのデザインを考える機会にもなるでしょう。懐かしい建物や独創的な小学校の校舎を紹介、あるいは玩具や子供向け雑誌の原画、子供服も展示されています。家族や友人、仕事仲間などと一緒に訪問すれば、きっと会話もはずみます。展示期間1月17日(木)~2月18日(月)葛飾北斎(1760‐1849)の代表作は「冨嶽三十六景」シリーズや『北斎漫画』です。19世紀ヨーロッパに日本ブームをおこし、印象派の画家たちに大きな影響を与えた絵師としても有名です。葛飾北斎は約70年に及ぶ画業人生の中で画号をたびたび変え、作風も変わっていることは、あまり知られていません。本展は、北斎の絵師人生を作風の変遷と主に用いた画号によって6章に分け紹介、壮大な画業を通覧できる展覧会です。20歳のデビューから90歳の絶筆まで、多数の初公開作品を含めた約480件(会期中、展示替えあり)が展示されます。北斎に出会えるかもしれません。私は、クロード・モネフィンセント・ファン・ゴッホ:新たなる視点アートを楽しむ新しい方法として「映画での美術鑑賞」が提案されました。芸術作品の鑑賞は、オリジナルを訪ねて美術館や博物館へ、または収蔵している教会やお寺に行って実物を観ることがとても大切です。実際行ってみたら、柵があって近くに寄れない、作品の前に大勢の人がいて立ち止まることもできない、海外の美術館なんていく暇ない・・・など、理想はわかるけどなかなかじっくり本物を鑑賞する機会は少ないのが現状だと思います。「アート・オン・スクリーン」は、そんなお悩みを解決する方法の一つです。観ることは、アート好きだけでなくあらゆる人の心を揺さぶるはずです。映像のすばらしさだけではありません。するように進行します。映画が終わった後、いつの間にか彼らのことに詳しくなったり、作品を深く知る情報を得たり・・きっと、素晴らしい体験と記憶をお土産にできます。「アート・オン・スクリーン」をプロデュースしたフィル・グラフスキーはエミー賞やBAFTAの審査員も務める名椀プロデューサーで、美術だけでなくモーツワルトやショパンなどの音楽家の映像も手掛けています。作品中の音楽にもかなりこだわりを持って制作したそうです。愛と死2018年11月16日以降、各地のユナイテッド・シネマにて上映されます。お近くの劇場で是非お楽しみください!!詳細→http://artonscreen.jp/theater_uc.htmlみどころ■ミケランジェロ(I475-1564)はイタリア盛期ルネサンスの彫刻家で画家、建築家、そして詩も残している万能の天才です。彼は、彫刻家であることにこだわり、自らを「彫刻家」と呼んでいました。彫刻は、硬い素材を彫るカービングと、粘土などの柔らかい素材で原型を作るモデリングの二つに分けられます。ミケランジェロの彫刻はカービングです。ダヴィデ像などは、イタリアのカッラーラという土地の白大理石を使って制作されています。一度彫刻してしまえばやり直しのできないカ―ビングで、迷いもなく道具を振り、硬い大理石から柔らかい肉体と衣服のドレープを生み出したミケランジェロ。その作品を、様々な角度や光のもとで接近して撮影した映像は、美術館では味わえない迫力です。専門的な視点から分析したキュレーターたちのコメントは、私たちに新たなミケランジェロの魅力を伝えてくれます。ミケランジェロの絵画で有名なのは、やはりシスティーナ礼拝堂でしょう。31歳の時、天上画を依頼されますが、彼は「自分は画家ではない」と言い張って一度は逃げ出してしまいます。6年後、有名な≪太陽と月と草木の創造≫を含めた素晴らしい天上画が完成します。60歳の時、再び画家として≪最後の晩餐≫を依頼され6年後に完成させます。ルネサンスの巨匠の一人として知られるミケランジェロの天才ぶりは少年時代から語られています。その後の彼の人間性については「人間嫌い」「芸術の革命家」「劣等感の持ち主」など様々です。この「ミケランジェロ:愛と死」という作品に収められたローマやフィレンツェの教会や美術館で撮影された迫力ある映像とミケランジェロ自身の言葉や研究者の意見などで、あなたのミケランジェロ像を見つけてください。私は、クロード・モネ2018年11月16日以降、各地のユナイテッド・シネマにて上映されます。お近くの劇場で是非おたのしみください!詳細→http://artonscreen.jp/theater_uc.htmlみどころ■クロード・モネ(I840-1926)はパリで生まれ、美しい港町ル・アーブルで育ちました。少年時代から絵画の才能があり、10代の時には地元の名士たちのカリカチュア(風刺画)を描いてお小遣い稼ぎをしていました。この頃、画家のウジェーヌ・ブーダンに出会い、戸外で描く事の重要性を彼から学びました。モネは印象派を代表する画家です。印象派という名前は、1874年にモネたち(後に印象派の画家と呼ばれる画家たち)が展覧会を開いたとき、彼らの斬新な手法の絵画を見た美術評論家のルイ・ルロアがモネの≪印象ー日の出≫をもとにして「印象派たちの展覧会」という、彼らを批判する記事を書いた事に由来します。それまでの絵画は、描く対象の形をしっかりととらえ、立体感を出すために陰影をつけて、表面を滑らかに仕上げることが正しいと考えられていました。キャンバスに並べて人や風景などを描きました。形作られていることが分かります。作品から離れていくと、その色面がキラキラと光る海面やごつごつの岩、ゆらゆらと揺れるケシの花になるのです。スクリーンいっぱいに映されたモネの作品から実際の風景が浮かんできたり、現実の景色が徐々にモネの絵画になったりする画像がたくさん挿入されています。モネは景色をどう観たのか、モネの目にはどう見えたのか、そしてどう描いたのか。なって実感することができます。ともに進行していきます。モネは多くの友人や知人に手紙を書きました。外光で描く事を教えてくれたブーダンや、10歳年上で印象派の画家たちのまとめ役でもあったピサロ、尊敬し師と仰いだマネ、早くからモネの才能を認めバックアップしてくれた画商のデュラン=リュエルなど、彼らに宛てたモネの手紙から彼の人生を追体験します。私たちは、モネが何に悩み、苦しみ、そしてどんな作品をどのように描きたいと思っていたのか、彼の言葉で知ることができます。晩年は、生活も安定し、ジベルニーに家を買えるほどになっても決して満足しなかったモネ。明るく軽やかで、美しい色彩のモネの作品の背景には「まだだ!まだだ!」と自分を追い込んでいった彼の情熱がありました。私たちも「もっと!もっと!」モネを知りましょう。1,500円2018年11月16日以降、各地のユナイテッド・シネマにて上映されます。お近くの劇場で是非おたのしみください!詳細→http://artonscreen.jp/theater_uc.htmlみどころ■フィンセント・ファン・ゴッホ(1853-1890)は、オランダのベルギー国境近くの小村ズンデルトで生まれました。父のテオドリウス・ファン・ゴッホは村の牧師、母親のコルネリアは芸術に理解の深い優しい人でした。ゴッホは10代の頃からスケッチや水彩画をたくさん描きましたが、これは母親のすすめでした。その困難の中で描き続けた「情熱の人」「独創の画家」というキャラクターを持っています。ポール・ゴーギャンとの別れや経済的にゴッホを支援した弟テオとの兄弟愛もよく語られます。ゴッホという画家を理解するには、それだけでいいのでしょうか。ゴッホの狂気に近い情熱は一体どこから生まれたのでしょう。子供の頃から頑固で気難しく孤独だったゴッホの性格は、たとえばゴッホが、生まれる前に死んだ兄の名前を受け継いでいて、自分は両親にとって兄の身代わりだと考えるようになったからだとか、なかなか正式な聖職者になれなかったコンプレックスからだとも言われてきました。この映画は、ゴッホの人生の一時期だけにフォーカスするのではなく、画家になる決心をする前から、丹念に彼の生涯をたどっています。キュレーターや研究者たちの言葉とともに映される彼の生きた時間とその時に描かれた絵画の映像は、「新しいゴッホの視点」につながっていきます。日本の展覧会では、あまり見ることのできないゴッホの初期の素描や水彩、泥にまみれた農婦たちを力強く描いた農民画、テオへの手紙に添えられた挿絵なども数多く観ることができます。見る≪自画像≫にも出会えるでしょう。私たちがよく知る≪ひまわり≫という作品が誕生したのです。この映画は、アムステルダムにあるゴッホ美術館の理論が大きく取り入れられています。この美術館は常設展を新しくする際に、作品だけではなく「ゴッホ個人」を理解してもらうことに力を注ぎ、展示を再構成しました。ゴッホは苦しみながらも描くことを選び、そして10年という短い間に多くの作品を遺しました。「彼の作品の何が私たちの感情を刺激するのか」「彼は私たちに何を伝えたかったのか」この映画の進行とともに徐々に明らかになっていく、そんな体験のできる映画です。