小学3年生の時に音楽に開眼したのだと思う。それまでにも音楽は聴いていた。ピアノがやはり多かったかな?発表会用の曲を邦人ピアニストが弾いたレコードとか、ショパンの名曲を、これまた邦人ピアニストが弾いたレコードとか・・・あとはレッスンや発表会で聴く中級者(上級者とカテゴライズされる生徒はいなかったと思う)の生徒が弾く「ソナタアルバム」に載っているソナタとか、ショパンのワルツとか。その演奏は、つっかえたりしていたし、なによりも定規を飲みこんだみたいな硬直した演奏だった。「きちんと弾きなさ~い」「しっかりと弾きなさ~い」・・・ピアノって辛いんだな・・・そう思っていた。3年生の時に変わったんだ。ピアノの曲って素晴らしいんだ。ブライロフスキーの弾くショパンは、僕がそれまで聴いていたショパンとは違って聴こえたし、シュナーベルの弾くベートーヴェンはそれまで聴いていたベートーヴェンとは違う曲にさえ思えた。最近は、子ども時代、青年時代と比較して、そのような感動を覚えることも少なくなっていたように思う。色々な曲や演奏を聴いてきたので、40年も聴き続けていれば、過去に聴いた曲、演奏を繰り返して聴くことになる。それもいいが、あの3年生の時のような感動とはやはり違うのだ。新しい(僕にとって・・・だが)感動に出会えた時の喜びは大きいのだ。今日発見した感動がロベルト・ムーロロ(?)という人。カンツォーネの人らしい。明るく太陽のように声を張り上げるカンツォーネではない。ギター弾き語りの独白のようなカンツォーネ。イタリア人の友人、ルカに確認してみる。ムーロロってどんな人?「なんでムーロロなんて知ってるの?そうだな、彼は90歳くらいまで歌っていたはずだけど、もう亡くなっている。ムーロロの歌はナポリ人でなくても南イタリア人なら郷愁を感じるような歌手なんじゃないかな?」ムーロロの歌うカンツォーネ、どれも感動的だが、中でも「夜の声」という曲に惹かれた。「夜の声って、デ・クルティスの?あれはいいね。ソレントへ帰りたくなる感じだな」ルカはナポリ近く、ソレントの出身だ。「デ・クルティスと言えば“帰れソレントへ”だからね。そりゃあ、懐かしく感じるさ。「ふ~ん・・・そうなんだぁ・・・」カンツォーネ・・・・じゃなかった、ナポレターナ「夜の声」はエルネスト・デ・クルティスが作曲、作詞はエドゥアルド・ニコラルディという人だ。両者ともナポリ人らしい。この詞は作詞者ニコラルディの実体験らしい。僕の声が、泣いている声があなたの夫を起こしても心配なんてしなくていい「寝て、なんでもないわ。恋人の名前を呼ばないセレナーデみたい」そう言って欲しいこうも言って欲しい「一人で道端で歌を歌うなんて・・・頭がおかしいの?嫉妬に狂っているの?おそらく酷くふられて泣いているんだわ。何のために一人で歌っているのかしら」と・・・そう言って欲しい・・・ニコラルディはある女性と恋仲になったが、女性の両親から反対されてしまう。女性は身分のある高齢の男性と結婚させられてしまった。その夜、ニコラルディはナポリのカフェでこの詞を書きあげてしまったという。その後間もなく結婚相手の男性が亡くなり、その女性とニコラルディは結婚し、生涯幸せに暮らしたという。考えてみればストーカーのような詞ではあるけれど。2マリア・カラスはアメリカ人なのにイタリア語が上手いとか、アメリカ人なのにベッリーニを完璧に歌う・・・なんて言う人はいない。デ・ラローチャはスペイン人なのでアルベニスは上手だが、スペイン人にしてはモーツァルトも上手い・・・なんて言う人もいない。内田光子のリサイタルで、彼女の素晴らしいベートーヴェンを聴いたあとに、やはり日本人なので、最後には彼女の「おてもやんパラフレーズ」を聴きたかったなどと思う人もいないはずだ。本場の音なんて、やはり関係ないのでは?そう、ないのよ・・・ないない。アンドレ・ワッツの場合、事情は複雑になってくる。彼には二つの血が流れている。ハンガリー人の血と、アフリカ系アメリカ人の血。ワッツ=リストという図式が浮かぶ人も多いだろうと思う。小学生の頃はワッツの「ラ・カンパネラ」に心躍ったものだ。この場合、ハンガリー人の血がワッツにリストを弾かせていると考えるのは、ちょっと短絡的ではあろう。彼にとっては、そのようなことは関係ないと言い切ることも難しいだろうとも思う。彼は、非常にガーシュウィンも得意だ。個人的にはワッツのガーシュウィンはリストよりも好きだったりする。ガーシュウィンを演奏する場合、何かしらのプラスアルファのようなものが演奏の成否を左右するような気がする。達者なだけのガーシュウィンなんて・・・ガーシュウィンの音楽を特色づけているジャズ風な香り、そのからくるリズムの躍動感、さらには都会的センスのようなものをワッツは完全に表現しつくしている。彼にアフリカ系アメリカ人の血があるからだろうか?このワッツの演奏をじっくり聴いていると、本場の音なんてないのだ・・・という強い思いから、「ないと思うんだけどなぁ・・・」みたいな揺れ動く思いになっていく。本場の音なんてないと思いたいんだけどな。本場の音、本場の演奏というものはあるのだろうか?たとえばフランス人の演奏するプーランクとかスペイン人の演奏するグラナドスなど。個人の個性というものの他に、その国の人でなければ、本当のところは出せない要素のようなもの?もしあるとしたら、日本人はどうなるのだろう?日本人の演奏するショパン、「ポーランド人ではないのに、よく弾いている」みたいな?日本人として西洋音楽というものに関わる身としては、やはり「本場の音信仰」みたいなものはないと思いたいところだ。ショパンもバッハも上手いけれど、真に表現できるものは、日本人としては「日本民謡によるメドレー」のようなものだけ・・・というのは寂しいし。音楽表現において大切なところは、どこの国籍かということよりは、その人個人によるものが大きいと思いたい。声楽の場合は、言葉というものが関連してくるので、ピアノとは異なるところもあるだろうが、たとえば、アルメニア人のソプラノ歌手が「この道」とか「荒城の月」のような歌曲を完璧に素晴らしく歌った場合、たぶん僕はこう感じるのではないかとも思う。「日本人ではないのによくここまで・・・」と。日本人ではないのに日本特有の情緒を醸し出せている・・・と。ここには僕の中で「日本歌曲は日本人の演奏が素晴らしい」という固定観念のようなものもあるのかもしれない。本場信仰というものはあるのだろうか?イメージ・・・なのかもしれない。イタリア人=ベルカント、フランス人=お洒落、アフリカ系アメリカ人=ノリノリのリズム感、ジャズとか合っていそう・・・のようなイメージ。この場合、外国人は日本人に対してどのようなイメージを持つのだろうと興味はある。勤勉・・・とか?セルジオ・フィオレンティーノの演奏するシューマンの「献呈」、ドイツ歌曲なのだから、ドイツ的なるものを本場の音を期待するならば求めるものなのかもしれないが、なんとなく僕が本場信仰のようなものを感じたのは、ベルカント的な演奏、彼がイタリア人であるということ。ピアノが歌っている・・・ベルカント・・・イタリア人・・・のような。ハンマーが弦を打っているとは思えないような、ベルカント的、歌的なピアノだと感じる。この演奏を聴いて、「どこの国のピアニストが演奏しているでしょう?」と質問したら、イタリア人と答える人は多いような気もする。日本人ピアニストと答える人は残念ながら少ないような気はする。0△top取り込むことより大切なこと昔、僕が子どもの頃ピアノを習っていた時代と比べて、今は教材の種類が多い。実に沢山の教材がある。「どれを使えばいいのかしら?」となるのが、まあ、普通だろう。研究しなくちゃ、なのでセミナー・・・となるのも当然なのだろう。教材だけではなく、指導方法や昔には存在しなかったグッズのようなものも盛りだくさんだ。「どうやって使いこなせばいいのかしら?」ここにセミナー繁栄の一つの理由があるように思う。あとは、ピアノの先生って個人事業なので、周囲との関わりを求めていかなければ、どこか孤立しているような、世の中の流れから取り残されているような感覚もあるのだろう。昔と比べて変化したことも多いだろうが、変わっていないこともあるのではないか、これからの時代は、この部分に焦点を当てていってもいいのではないだろうか?たしかに昔と比較すると、「ブッ叩く」のような演奏は少なくなったのかもしれないが、どこか楽譜を一生懸命に弾いている・・・のような固さのようなものは現在も残っているように感じる。「なぜピアノを弾いているの?習っているの?」という根本部分を考える必要性がこれからはあるのではないか?どの教材にも共通している部分がある。当たり前のことだけれど、「だんだん難しくなっていく」というところが共通している。レッスンで丸を貰い合格する。次の曲は基本的には、難しくなっているはずだ。フィードバックを繰り返すような教材もあるのかもしれないが、基本的には難しくなっていくはずだ。これはピアノだけに限らないと思う。何かを習得するための鉄則みたいなものだろうか?生徒の立場になってみると、常に新しい課題をこなしていくことになる。上達していくわけだが、ややもすると、ピアノのレッスン=課題をこなす、ハイ合格=新たな課題・・・の繰り返しになってしまうこともあるのではないだろうか?目的は課題をこなすこと???その曲を上手に弾けるようにすること???これからのピアノレッスンは、教材とか指導ノウハウとか、そのようなことを「広げる」ということよりも、そもそもの原点というか、弾くという、習うという動機のような部分に焦点を当てていくことも必要なのではないか?もしかしたら、ピアノを弾くということは、目的ではなく、何かの手段なのだとしたら?心の代弁なのだとしたら?「大声で泣き叫びながら、走りながら自分の感情を放出したい」と心の奥底で感じる。無人島や砂漠で暮らしているのなら可能だが、都会だとそれは難しい。抑え込んでしまうわけでもないが、どこか心に蓋をしてしまうことがある。しないと生きてなんかいけない・・・みたいな?芸術というものは、無意識に仕舞いこんでいる「泣き叫びたいような」感情を揺り動かす作用があるのではないかと思う。ピアノを弾くという行為も、この揺り動かし作用と無関係ではないはずだ。ある種の音楽、演奏は、その意識化したくないような感情にタッチしてくるのだ。いわゆる「感動」というものとしてそれは人間に触れてくるのだ。かな大人だけがそれを感じることができるのだろうか?子どもには無理?無理と決めてしまうのは、それは差別というものだろう。これは外国での話だが、8歳の男の子が小児癌で亡くなる前に両親に語るのだ。「今まで僕のことを愛してくれてありがとう。パパとママに愛というものを感じてもらうために僕はこの世に存在したんだ。僕の存在意義は終えたのだと思う。死ぬんだね?役割を終えたから。愛を知ってくれてありがとう・・・さようなら・・・」この時の男の子の感情、両親の心の動き・・・言語化できるだろうか?「悲しい」「悲しい」「悲しい」・・・になるのではないだろうか?言語化できない部分を芸術というものが代弁してくれるのだ。取り入れていくことは不可能なのだろうか?ここまで書いてきて、あるピアニストの演奏が浮かんできた。セルジオ・フィオレンティーノが自らピアノ独奏用に編曲したフォーレの「夢のあとに」・・・なぜ彼は、フォーレのこの歌曲をピアノで表現しようとしたのか?なぜ編曲したのか、そしてなぜ弾いているのか?彼の心に芸術の持つ何かがタッチしたのだ。その表現が、さらに他の人の心にタッチし、心の奥底の感情を代弁してくれるのだ。鎖の連結のような・・・だからピアノを弾くのでは?セミナーも大切。外部からの取り込み作業だ。一人、夜中に空を見あげて自分の心を覗いてみるのは、さらに大切かもしれない。0△top幅どうにも行き詰ってしまう、このような時には発想の転換をするといいらしい。転換というよりは、発想とか考えの幅を広げるという感じだろうか?やっていることは間違えではないけれど、少々柔軟性を持つというか、AでないのならZですか?的に固くなってしまうのではなく、AでもBに近いAというものもあるんだよ・・・みたいな?まずは片手でゆっくりと練習しましょう・・・そうなんだけど、いきなり普通のテンポで弾くメリットって皆無なのか?何回も反復練習をしましょう・・・そうなんだけど、そこには「何回弾いても同じように弾けなければ」という発想が潜んでいないだろうか?もし本番で、いつもと同じように弾けなかった(大概そうなる)場合は、どうするのだろう?読譜が大切・・・そうなんだけど、しっかり楽譜を読めればそれでいいのだろうか?楽譜に書いてあるように弾くことがピアノを弾くこととなってしまう危険性は皆無なのだろうか?すべての生徒が目を輝かせて・・・そうなんだけど、繁華街を歩いている人すべてが、目を輝かせてクラシック音楽を聴くだろうか?「クラシックのピアノには向かない」と生徒を判断してしまうのは罪悪なのだろうか?興味がなければ辞めれば?と考えるのは罪悪なのだろうか?興味を持ってもらおうと頑張る・・・そうなんだけど、それがカリキュラムの大筋となってしまっていいのだろうか?趣味の生徒、専門(音大)を目指す生徒・・・そうなんだけど、中間ってあってはいけないのだろうか?趣味でも専門でもないという生徒は存在しないのだろうか?黒と白だけではない。グレーもあれば、個性的なピンクという場合だってある。世間の常識、自分が思い込んでいること、幅を広げてみる。黒か白・・・ではなく。エロル・ガーナ―を聴いていて上記のことをポヤンと感じたりした。エロル・ガーナ―って生涯楽譜が読めなかった。ピアノ・・・弾いてるね?実に楽しそうだ。鍵盤なんか見ないで弾いたりしている。一時はピアノの先生のことをブログに書いたりしたものだ。基本的なスタンスは、ピアノの先生も自分のピアノを追い求め、精進すべきという感じかな?生徒の教材だけしか弾かないとか、そうではなく、自分自身のピアノというものを追い求めていく・・・そのような文章を書いた後は、結構ピアノの先生から(メールフォームを介し)お叱りのメールを頂いたものだ。「ピアノ教師の仕事は自らが達者に弾けるようになることではなく、生徒を上手くさせること。自分のピアノよりも、教材研究やセミナーに通って最新の情報を得ることが大切。ピアノ教師はピアニストではないのだから・・・」みたいなメールが多かったかな?今でもその理屈は変だと思っている。メールを読んだ時は、その場に倒れそうになるほど違和感を感じたりした。素人考えの僕の文章に賛同してくれる人もいた。アマチュアとか、生徒とか、その保護者が多かったが、ピアノの先生もいた。仮にA先生としておくが、A先生も「自分の練習は無理。教材研究やら、指導方法やら、現実にはやることが多い。生徒だって、なんでピアノを習っているのだろうと思いたくなるほど、ピアノに興味を示さない子もいる。時には、私は躾けおばさんか・・・と思いたくなるような毎日。自分のピアノなんて」と。発表会だって、自分は主催者なのだ。本当にやるべきことが多い。そんな中、自分が弾くなんて大変だし、自分が弾くことで、生徒に目を配れなくなるのも、それまた教師失格・・・と、いわゆる「講師演奏」(変な言葉だ)もせずに、導入の生徒と連弾をするだけになっていった。「それではいけないよなぁ・・・」とA先生は思ったそうだ。「今年の発表会・・・先生も何かソロで弾こうと思うのよ」A先生がショックだったのは、興味もなさそうな「フーン・・・」という反応ではなく、少なからずいた生徒の次のような反応だったらしい。して、その日はプロに徹するという考えがあってもいいと思う。発表会以外に演奏の場がないのであれば、やはり生徒も保護者も「先生のピアノ・・・聴きたいな」と思うのが自然だとも思う。日頃のレッスンで先生はピアノを弾くべきだろうか?僕は弾いて欲しいと思う。先生自身が弾いていなければ(諄いが生徒の教材ではない)教えられないこともピアノの場合は多かろうと思う。生徒の立場からすると、レッスンという場で先生のリサイタル的模範演奏を期待することはない。先生とおしゃべりしたくて通っているわけでもない。具体的な情報が欲しい。「ここ・・・なんだか弾けないわ、弾きにくいわ」という個所の具体的な解決法が欲しい。「こうしてみたら?」とか「こうなっているけれど、こうしてみたほうが、ここがこうなるから、こう弾けるんじゃない?」みたいな超具体的な情報が欲しいのだ。先生自身が弾いていないで、ここの部分をどう教える、どう導くというのだろう?ダメ出し+ではこうしたら?というところが欲しい。僕の周囲のアマチュアの人は、自分の先生に対して、この部分で不満を持っている人が多いような印象を持つ。「何も言ってくれない・・・」そりゃあ、弾いていなければ言えないことだってピアノの場合はあるだろう。ダメ出しだけだったら、音楽愛好家だって言えるのでは?解決方法なんだよなぁ・・・欲しいのは。一つ、日頃弾いていないと難しいのは、先生自身が「演奏そのもの」で生徒を引っ張れなくなっていくことだ。言葉では説明できないことも演奏でならば伝えられる・・・これは結構あるのではないだろうか?別に「次の曲はこのような曲です」的に弾いてあげる必要はないし、それはすべきではないだろう。なく、「そこはこんな感じじゃないかな?」と先生が一瞬(では短いか)でも弾いてあげる効果は絶大だと思うのだ。「ほら、こんな風に表現できたら素敵じゃない?」みたいな?導入教材だったら、パッと弾けるかもしれないが、ショパンのワルツとかメンデルスゾーンの無言歌あたりになったら、もうこれは先生がピアノを追及していないと、生徒に「なんて素敵!」とか「なんでそのように弾けるの?」と感じさせるのは難しいだろうと思う。弾いていない先生のピアノ力は生徒(聴き手)にバレバレだろうから。レッスン室での先生の一瞬技(?)はサントリーホールで聴くプロのピアニストの演奏よりも、CDで聴く世界のスターの演奏よりも、生徒の心と頭を捉えてしまうのではないだろうか?演奏で生徒を引っ張る、かつて自分が引っ張ってもらった「音楽からの感動」で、今度は生徒を引っ張る・・・これは先生自身が弾いていないと難しいのではないだろうか?ある声楽のレッスンの様子。テノールの先生、生徒。プッチーニの「冷たい手に」もうこれはテノールだったら一度は歌ってみたい曲なのではないだろうか?ピアノで言ったらショパンのバラードの1番みたいな存在?「ラ・カンパネラ」とか?先生が自分の歌で生徒を引っ張っている箇所が何か所もある。言葉で説明している場面だってあるが、「そうではなくこう歌うんだ」と先生自身が一瞬技を披露する。「こうなんだよ!!!」と。生徒は、日本だったら、すぐにでもプロとして活躍できそうなほど上手だが、でも先生とは違う。先生の一瞬技のあと、生徒が「なんでそんな風に歌えるんだよ?」的な表情をしてしまうのが、なんとも微笑ましい。0△top知られざるピアニスト?フルタイムで仕事をしながらのピアノ道なので、そう人と違うことをしているわけではない。練習をしない(できない)日もあるし、というか、できない日の方が圧倒的に多いし、練習する日だって、何時間も練習できるわけではない。隙間時間や、出勤前の短い時間を確保するため、早起きしたりして弾いているのだ。多くの人はそうだろうと思う。オフの日は、これまた多くの人がそうであろうが「こんなに自分は疲れていたのか?」ということを自覚する日でもあるので、やはり練習はできなかったりする。「それがいけないんです!」と言われそうだが、ピアノは精神修行でもないと思っているので、いいのではないかと思う。そんな普通の(?)僕でも、人からは譜読みが早い、曲を仕上げるのが早いなどと言われたりする。譜読みに関しては、視覚的に音符を判読して鍵盤に移すという感覚と、耳コピのような、頭の中で鳴っている音を確認するという感覚とのミックスであるということが譜読みが早い理由なのだと(強いて言えば)思う。曲を仕上げる・・・正直、仕上げるって何?というか、仕上げるという感覚すらないのだが、練習方法において、おそらく人と異なることをしているとすれば、主にパッセージの練習においてだが、「ゆっくり弾く練習はしない」ということだろうか?ゆっくり弾くというのは、練習方法の王道のようだが、一日に8時間も弾ける自由時間があれば、それでもいいが、効率性を重視しなければならない身なので、それはしていない。通常のテンポで練習すると、雑な仕上がりになると思われているが、ちょっとした工夫をすればいいのだと思う。単位を少なくするのだ。この方法は、偶然なのだが、エドゥアルト・シュトイアマンが提唱する練習方法でもある。単位を少なくするが、テンポは遅くしない。この方法についてはシュトイアマンの弟子の中では最も知名度の高いアルフレッド・ブレンデルが、ある本の中で説明しているので引用してみる。「シュトイアマンの教授法で私が高く評価している点の一つなのですが、シュトイアマンは生徒にパッセージを速いテンポで練習させます。そのパッセージを小さな部分に分割させるのです。彼は生徒に、ある箇所を、ある弾き方で弾くように指示します。次に二番目の部分を弾いて、最初の部分につなげるよう命じます。絶対にテンポは緩めないで。生徒がそのパッセージを弾き終えるまで、このやり方が続きます。この方法は曲全体を暗譜するのにも役立つかもしれません」ピアニストの多くは一人の人にずっと師事しているわけではないので、一概に誰々の弟子だから・・・と安易に考えてはいけないとも思うが、シュトイアマン門下のピアニストには興味深いピアニストが多いように思う。個人的には、シュトイアマン門下で最も有名なブレンデルが最も凡庸・・・という気もするが、ブレンデル以外は、これまた日本では有名ではない人が多い。シュトイアマンの孫弟子・・・と広げてみると、アムランなども引っかかってくる。アムランもまた有名だが、彼も個人的にはどこか凡庸に思える。個人的には、ラッセル・シャーマンとか、ヤコブ・ギンぺルといったピアニストがシュトイアマンの流れを汲むピアニストの中では興味がある。知ってます?知られていないんですよねぇ・・・日本ではあまり・・・ヤコブ・ギンぺルの演奏。無名=凡庸ではないということは確信できる。ギンぺルとかシャーマン、もっと有名になって欲しい気もするが、自分だけの宝物にしておきたい気もする。0△topシェーンベルクシェーンベルクの作品は昔から苦手だった。言っても、そう沢山の作品を聴いてきたわけではないが、苦手意識はあったし、今もある。最初に聴いたシェーンブルク作品は、やはり声楽で「月に憑かれたピエロ」という曲だった。タイトルは素敵なのだが、曲は素敵だとは思えなかった。好きとか、嫌いという以前に作品から拒絶されてしまったような?それでも偉大な作曲家とされているし、事実そうなのだろうと思ったので、ピアノ曲も一応聴いてみたりした。ピアノ曲は小曲が多いし、「月に憑かれたピエロ」ですべてを判断してもいけないだろうと思った。このピアノ曲を聴いた時に、自分の感性を全否定されてしまったような感覚を覚えた。音が鳴っているだけ・・・という印象しかそこにはなく、僕はそこに「美」というものを感じなかったのだ。その時聴いたのがポリーニの演奏。ポリーニの演奏からは、シェーンブルクに限らず、あまり「美」というものを感じたことはなかったのだが、ポリーニのシェーンベルクの録音は代表的な名演とされていたので聴いてみたのだ。個人的な印象では、その作品、演奏は「人間的なものの排除、否定」という感じだったのだ。エドゥアルト・シュトイアマンというピアニストの演奏には以前から興味があった。今まで積極的に聴こうとは思わなかった。シュトイアマンは日本ではお世辞にも有名なスターピアニストとは言えないだろうし、CDを探す手間もあった。それよりも、シュトイアマンはシェーンベルクの演奏で(海外では?)有名だったのだ。聴いてみたい・・・とは長い間思えなかった。シュトイアマンのシェーンベルクは美しかった。この人はピアノをブゾーニに、そして作曲をシェーンベルクに師事した人だ。感情を否定してしまったポリーニの機械のような演奏と比べ、シュトイアマンの演奏には「美」というものが存在していた。ポリーニ、シュトイアマンというピアニスト個人の個性の違いというよりは、時代が求めた美そのものへの感性の違いがそこにあると感じたのだ。僕は現代の多くのピアニストの演奏に感銘を受けないのか?その部分が両者の演奏の違いに現れているとさえ思った。シュトイアマンのシェーンブルク、これは今では失われてしまった美しさなのではないだろうか?むろん、シュトイアマンの演奏を聴いても「きゃっ!シェーンベルクを弾いてみたい!」という欲求はさすがに起こらないが、過去と現代の感性を違いのようなものに、一種のカルチャーショックさえ感じている。0△topハーポのハープチコ・マルクスのように、ほぼ独学ながら、流麗にピアノを演奏してしまう・・・これは「才能」ということにしてしまってもいいのかもしれないが、何かがあるように思う。彼が演奏している曲がクラシックの曲ではないということも関係しているものと思う。リサイタルのために何時間も練習してきました、そしてこれがその成果です・・・みたいな「お勉強」という要素のない演奏というのだろうか?むろん、チコ・マルクスにとっては演奏は自分の芸の一部であったわけだから、練習に励んだことだろうが、その演奏には自然に生まれた自発性のようなものが感じられる。それがなければ干されてしまう世界でもあっただろうが。一部の独学の人、あるいはジャズやポップスの素養のある人の、どこか自発性のある、自在な演奏というものは、楽譜を音にしていく過程の手順のようなものがクラシック一辺倒の人とどこか異なるのではないかなどと思ったりする。このような手順がクラシックピアノの場合は一般的なのであろう。ここに「自分自身が感じた理想の音世界」とか「内面からの欲求」のようなものは、具体的にどのように取り入れていくのだろう?どこか「無」から「完成」に、ひたすら猪突猛進していくのが、クラシックの掟、手順のような?そもそもの自分の欲求は?弾きたいという欲求を起こさせた動機そのものはどこへ?そのようなことは考えたことがありませんとか、「一応弾けるようになってからで~す」でいいものかどうか?動機があるからこその演奏、練習なのでは?これは日常のレッスンにおいて、「ではポップスなども取り入れてみましょう」などということで解決するようなこととは思えない。一生懸命、とにかく仕上げてきました、練習してきましたという印象を与える演奏には、聴き手との相互のやり取りのエネルギーがない。自分完結というのだろうか?音としては聴き手も聴いているのだが、何かしらのエネルギー聴き手に伝わってこないというか・・・そろそろピアノ教育も、どのようにピアノ力、演奏力を高めるか、興味を維持させるかというノウハウだけではなく、また教材研究ばかりではなく、根本のところ、「なぜあなたはピアノを弾いているの?」「そもそものあなたの動機というものが伝わる演奏とは?」みたいなことを導入から取り入れていく時代なのではないだろうか?「無」から「完成」ではなく、欲求、動機があるから弾く、それを伝えるノウハウを学ぶのがピアノのレッスン・・・「無」からではなく・・・これはハーポ・マルクスの演奏。ハーポはピアノも上手いが、やはりハープでしょう。彼もほぼ独学でハープやピアノを弾いている。「たかが喜劇俳優の演奏でしょ?クラシックじゃないし・・・」と言われれば、そうなのかもしれないが、ハーポの演奏には「動機」も「そもそもの欲求」も、つまり「なぜあなたはその曲、その楽器を弾いているの?」という根本があるように感じる。弾きたいと思うから弾くわけで、そこには欲求があるはずだ。0△topチコのピアノ僕のピアノ練習方法は、特種なのかもしれない。自分自身では「僕は特殊なんだ」と本当は思ってはいないが、多くの人に言われたりはする。新しい曲を譜読みする時、多くの人は一つ一つの音を読んで鍵盤に移していくらしい。僕にはこの感覚が分からない。大まか終わりまで、とにかく弾いてしまう。リストの曲などに多い「埋め草パッセージ」などは、最初に仕分けし、その部分だけを取りだして練習はする。これは多くの人が行っていると思うが、僕の場合「ゆっくりと」という練習はしない。最初から普通のテンポで弾いていく。最小単位を一つの音として、音(和音)を足し算していく。ドレと弾けたらドレミと一つずつ増やしていく。音を増やしていくと、困難な箇所があるから、そこを重点的に弾く。ドレミファのミファの部分が弾けなかったら、そこだけ弾く。ミファの何が難しいのか、徹底検証をする。このパッセージ練習は自分でも根気が必要だと思うが、効果はあると思う。フレーズ単位で練習するわけではない(それよりも小さな単位になるので)ので、人によっては「そんなの無理・・・」などと思うらしい。あと、一つ一つの音符を視覚的なものとして捉え、鍵盤に移していくという感覚が分からないのは、どこか耳コピ要素が譜読みの時からあるからだろうと思う。音は頭の中で鳴っているので、その音というかサウンドの確認作業が僕の譜読みになるのだと思う。耳コピだけでは弾けないから、楽譜を見て確認していくのだ。アルゲリッチではないので、隣の部屋で聴いていただけでプロコフィエフを弾いてしまうなんていう芸当は僕にはできない。考えてみると、僕のような独学色の強い人は、割と自分なりの練習方法を考えているようだ。幼いころから「きっちりピアノのお稽古に励みました」という人は楽譜を視覚的に読んで、最初は作業として認識した音群を鍵盤に移していく傾向にあるように思う。クラシック以外の音楽に親しみ、たとえばジャズの訓練を受けたような人は、やはりサウンドを確認するツールとして楽譜が存在しているケースが多いように思う。楽譜なんかなくても弾けたりとか・・・ピアノを長年習っているような人でも、視覚的方法で曲を作り上げていくタイプの人は、本番が近い時だけ人前で披露することができるという、考えてみれば変わった傾向がある。弾ける曲がないの」なんてことになるらしい。ピアノは楽しいけれど、練習は嫌い・・・どこか練習を滝修行か何かのように思っていないだろうか?クラシックの曲を仕上げていく過程はそのようなもの・・・と言ってしまえば、そうなのかもしれないが、あまりに視覚的要素に依存していないだろうかとも思う。べつに「ではソルフェージュ能力の育成を!!!」なんて力まなくても、頭の中にあるサウンドをまず最初として、それから譜読み・・・とクラシックピアノ練習法の王道を、ちょっとだけ順序を変えてみれば何かが起こるのではないだろうか?いきなり喜劇俳優の話になるが、映画がサイレントからトーキーになった頃、マルクス兄弟という人気俳優たちがいた。本当に血縁関係にある兄妹で、グル―チョ、チコ、ハーポ、ゼッポの各(?)マルクスは喜劇的センスを売りに、人気者となった。個人的にはスラップスティック・コメディはあまり観ないので、この人たちの映画も身近なものではないのだが、特にチコとハーポは楽器が得意なのに驚く。ヴォードヴィル出身の人たちなので、音楽、楽器演奏は彼らの「芸」だったわけで達者なのも当たり前なのかもしれないが、彼らの演奏は、最初に母親から手ほどきを受けただけの、ほぼ独学の演奏なのだ。「お稽古に励み、練習に励みました。発表会で弾く曲しか弾けません」という、ある種の固さがこの人たちの演奏にはない。この固さがあったら、ヴォードヴィルの世界では生き残れないだろうとも思う。一日に何時間もピアノの練習をする・・・なんて時間は持てなかったはずだ。一家は貧しかったし、すぐに芸人として働かなければならなかったはずだから。0△topベニスの愛アール・ワイルドが編曲し演奏していた曲の原曲はマルチェロのオーボエ協奏曲。この曲は、日本では「ベニスの愛」という副題が定着している。1970年頃に公開されたイタリア映画「ベニスの愛」で、マルチェロのオーボエ協奏曲が効果的に使用されていたので、この副題が定着したものと思われる。この頃は映画音楽も美メロディー満載の頃だった。美しいベニスというやがては水の底に沈んでしまう街での男女の一日を描いた作品だ。主人公には名前がない。男は女をベニスに呼び寄せる。男と女は愛し合い結婚していた。オーボエ奏者、そして指揮者を目指す男にとって、結婚生活は重荷になっていった。罵倒し合う日々・・・傷つけ合い、そして男と女は別れた。「何故今さら私を呼んだの?」女は不思議に思う。幸せだった青春時代、愛し合った日々をも思い出す。「楽しい時もあったわね。二人の感情の縺れは、そう単純なものではなかった。過去を懐かしむと同時に、感情の行き違いのあった、「かつて」をも思い出す。再会した二人は、再び心の内をさらけ出す。「そう・・・僕はもうすぐ死ぬんだ。君と再び一日を過ごしたことで、死というものに向きあえると思う。最後の録音をしようと決心できた。女は男を愛していた、そして今でも愛していることを知る。男は自分の最後を生きるために去っていった。男女の恋愛物なのだろうが、男本位のストーリーなのではないいかとも感じる。「あなたは人生の意味を発見して幸せでしょうが、私はどうなるの?私の気持ちはどうなるの?」みたいな女の感情がやるせない。マルチェロの曲とは別に、この「ベニスの愛」という映画の愛のテーマも美しいメロディーだ。ステルヴィオ・チプリアーニという人が作曲した。映画も音楽もヒットしたけれど、この曲はある曲と非常に似ていると、当時はかなり話題になった。同じ頃に公開された「ある愛の詩」と似ているのではないか・・・と。映画の公開も、愛のテーマの作曲も「ベニスの愛」のほうが半年ほど早かった。一時は裁判沙汰か・・・という騒ぎにもなったが、「ある愛の詩」の作曲者、フランシス・レイが、あっさりと盗作したことを認めた。フランス人ではあるが、フランシス・レイの両親はイタリア人。イタリア人であるチプリアーニとは争いたくはなかったからと言われている。個人的には、「似ていると言われれば似ているかなぁ?」という感じだが、両方とも美しいメロディーではある。前までは、アール・ワイルドの編曲作品はゴージャスだと感じていた。今でも楽譜づらはゴージャスだと感じるが、どこか「艶っぽい」という印象も加わった。この人の演奏そのものは、人々にどのように捉えられているのだろうか?たしかに超絶技巧的なところもあるし、ガーシュウィンも得意だし、ミクロス・ローザの作品なども演奏したりしているので、どこか通俗的ピアニストという烙印もあるのではなかろうか?レパートリーは極めて広いように思うが、「ワイルド」という名前とは異なり、演奏そのものは、いたって真摯というか。自分の編曲作品を弾いても、ショパンなどを弾いても「艶っぽい」ところがいいと思う。マルチェロのオーボエ協奏曲、この曲、好きなんだよねぇ。イタリアンバロックはとても好き。編曲が艶っぽいよねぇ・・・この演奏は、アール・ワイルドが88歳の時の演奏。なんと瑞々しいというか、若々しいというか、艶があるというか・・・60歳の人がピアノを習い始めたとして、このアール・ワイルドの演奏に憧れたとしたら、とても素敵なことだと思う。0△topメロディーは死滅したのか?齢をとったなと思うのは、最近流行りの歌を聴いてもメロディーが認識できないこと。「昔はよかった・・・」と。ここ10年の間で、歌謡曲、ポップス、ジャンルを問わず、一瞬で心に刻み込まれるような美しいメロディーは書かれているのだろうか?どうなのだろう?クラシック作品だと、ここ50年の間・・・と広げてみても、一瞬で心の襞に入り込んで忘れられなくなるメロディーの曲が何曲あるだろう・・・などと思う。メロディーは死滅したのか?美しい、ロマンティックな情感溢れるメロディーはどこへ?ピアチェーレで演奏する曲は、断定的に決めてあったのだけれど、最初の「曲ころがし」をしている。選曲直しのようなものだろうか?新年早々に決めた曲とは変わるけれど、テーマのようなものは変わらないような気がする。ロマンティックな時代のピアニストの作品。このテーマは変わらない。曲ころがし中に思ったのが、最初に書いた「メロディーは死滅したのか?」「ロマンティックな情感は流行遅れなのだろうか?」ということ。「現代にもロマンティック人は存在しているのではないか?」ということ。現代にも、かつての情感を忘れていないピアニストもいるのではないか?そのような人の作品に焦点をあててみるのはどうだろう?最近まで活躍していたピアニスト、さらには現代も活躍中のピアニストの作品。曲が誕生したのは最近かもしれないが、曲そのものはロマンティックな時代を継承している・・・みたいな?具体的には、アール・ワイルド(2010年没)とスティーヴン・ハフ(1960~)という二人のコンポーザーピアニストの作品に焦点を合わせてみる。「えっ、現代の人でもこんな曲を書いていたの?」厳密にはすべてトランスクリプションになると思うので、メロディーそのものは彼らが生み出したものではないが、でも、ピアノという媒体に彼らの表現を移す際の手法が、非常に「よき時代」なのだ。一瞬にして心の中に入り込んできて、さらに忘れられなくなる曲だが、先ほど聴いていたのが「ひまわり」という曲。映画「ひまわり」は、「こうなったら哀しすぎるよな~」と観ている側が感じる方向にストーリーが展開されていく。戦争が二人を引き裂いた・・・みたいな?「ひまわり」を忘れられないものにしているのが、ヘンリー・マンシーニの音楽ではなかろうか?この曲を聴くと、マルチェロ・マストロヤンニとソフィア・ローレンの表情が頭に浮かんでくる。哀しすぎるストーリーなのか、哀しすぎる音楽なのか、一体化していて分からなくなるほどだ。このような音楽が現在生み出されているのだろうか?ない・・・と判断してしまう僕が年老いたのか???この感情のクラシックバージョンとでも言うのだろうか?現代にも何かが生き残っているという光が欲しいからこその、曲ころがしなのかもしれない。昔に比べたら男がピアノを習うということは珍しいことではなくなったらしい。僕が「ピアノを弾いています」と言っても「えっ???」という反応に出会ったことはない。「まあ、素敵ですね!」と言われたこともないが。楽器によって性別に関して固定されたイメージのようなものは今でも存在しているのかもしれない。トロンボーンなどの金管楽器などは、男性・・・というイメージがあったりする。○○チューバ教室発表会なるものがあったとして、出演者が男ばかりでも別に奇異には思わないような気がする。ピアノの発表会だと、やはり女性が多いのではなかろうか?男ピアノが多くなったとは言え、やはりピアノ教師は、まだまだ女性が多いような気はする。セミナーの報告ブログで「セミナー後のランチです」という写真があった場合、ピースサインをしているのが全員男・・・なんてやはり想像できない。いうか、僕はこの種の写真で男性教師が写っているのを見たことはない。女性イメージの楽器って何だろう?ハープとか?たしかにピアノと比べて、ハープを習っている人、ハーピストは女性が多そうな気はする。ハープに憧れていた男性からメールを頂いたことがある。僕とほぼ同年代の人だ。子どもの頃、なぜかハープの音色に憧れた。ピアノならまだしも、ハープなんて当時では(今でも?)珍しかっただろうと思う。