練習しなさい・・・なんて言う人はもういない。弾きたくても弾けない時が多い。ピアノの響きに包まれる時、一瞬でも至福のような音が出せれば、もう自分は幸せなのだ。自分が出したい音を出せるように、頭の中で鳴っている崇高なものに自分で触れようとすることが幸せなのだ。それだけが幸せなのだ。そのような時がきっとくる。今習っているピアノ、子どもの頃のピアノは、その時のためにある。進学してもピアノを続けられればいいだろうと思う。大人までピアノのレッスンを継続できればいいだろうとも思う。多くの人はどこかで中断する。再開した時・・・大事なのはそこ。最近は声楽のコンサートでもソプラノ○○、伴奏○○という表現の仕方はしなくなったように思う。伴奏ではなく、ピアノ○○のように表現するのが一般的ではないかな?声楽に限らず、器楽でも同様だと思う。「伴奏者」という言葉は使わなくなってきた。ピアニスト・・・いいことだと思う。昔は伴奏○○と明記されればいいほうで、歌手の名前しか書かれなかったりした時代もあったらしい。ジェラルド・ムーアに「お耳障りですか」という著書があったと思うが、時にはユーモラスに、時にはシニカルに当時の状況を綴っていて、大変に面白い本だったと記憶している。昔はテレビでの放送時は、ピアニストの姿が見えないように、大きな花瓶で隠されてしまったこともあったとか?歌手たちは共演者としてムーアを尊敬しているのに、周囲はそうではなかった。「私のピアノはお耳障りですか?」と言いたくもなろう。ピアノって難しい曲を弾くことが多いように思う。基本的にはレッスンで弾く曲というのは、合格した曲よりも高度な曲を弾いていくのが基本的な流れなのだろうから、常に自分にとって難しい、新しい課題に取り組むような形に必然的になる。注意しないと、目的が「弾けるようになる」ということに向きすぎになる可能性がある。本来は、その曲が弾ける・・・ということよりも、音楽的に何を吸収していくかのようなことが重要なはずだ。そこには到達はできない。開き直って「プロになるわけじゃないんだしぃ・・・」とか「音大に行くわけじゃないんだしぃ・・・」となってしまう。ああ・・・なんて寂しい言葉だろう!もっと寂しい言葉は「才能が違うのね」とか「レベルが違うからぁ・・・」のような言葉。ピアノの人って右手ばかりさらうような気がする。左手が担当している骨格の部分を軽くみている。右手の複雑なパッセージばかりさらいたがる。音楽的には「飾り」なのかもしれないのに。「ああ、こんなに練習しているのに、なんだかただ弾いているだけ、音を並べてみただけのような演奏になってしまう」という場合は、骨格の左手の部分を音楽的に弾けているのかチェックしてみるといいと思う。以外と「えっ?私ってこんなだった?」みたいなことになっているのではないだろうか?声楽曲や器楽曲(ピアノ以外のね)のピアノパートを弾いてみるというのも、いい練習になるような気がする。個人的には器楽曲よりは声楽曲の方が「音符は数少ないけれど、最高峰の芸術曲」という曲が多いように思う。器楽の曲って、ソナタとかソロ並みにメカニカルな曲も多かったりする。シンプルな曲を弾いてみるということで、例えばギロックのような曲を弾いてみるのもいいだろうが、この場合は落とし穴があるような気がする。ギロックのような教育作曲家の曲って、懐が深いというか、情が厚いというか、「なんとなくさまになりやすい」ようにできているように思う。ピアノって楽しめればいいじゃん・・・であればそれでもいいが、シンプルな芸術曲を弾いてみた方が自分の欠点を把握はしやすいのではないだろうか?例えば、このような曲。リヒャルト・シュトラウスの「あしたに」という歌曲。ピアノパートは超シンプルというか音符が少ない。バイエル後半よりも音そのものは少ないと思う。初見で弾けてしまう人も多いだろう。素敵に弾ける?「なんだか変だわ・・・音は弾けるけど・・・」となる場合、何が変なのか考えてみる、自分の耳で聴いてみるというのも練習なのではないだろうか。ジェラルド・ムーアは、このシュトラウスの「あしたに」という歌曲のピアノパートを「壊れ物、取扱いに注意・・・というラベルを貼っておきたいような曲だ」と言っている。和声は絶妙なれど、音符としてはソナチネやブルグミュラーよりも数は少ないはずだ。黒い楽譜ではなく、白い楽譜。「いい感じじゃない?」と自分で思えるように弾けるだろうか?ベイカーの歌唱も見事だけれど、ムーアのピアノが素晴らしいね!!!歌詞はこんな感じだ。詞:ジョン・ヘンリー・マッケイそしてあした、太陽は再び輝くだろう。私の歩いていく道を照らすだろう。あの人に会えるだろう。光に満ちたこの地上で・・・そして広い、青い波の打ち寄せる浜辺に私たちは降りていく。私たちは黙って瞳をみつめ合う・・・そして物言わぬ喜びが私たちに降り注ぐ・・・なんとなく、愛の喜び、恋人たちの歌・・・とも解釈できようが、僕は愛する人を失った人間が、後追い自殺をする曲のようにも感じてくる。深読みしすぎだろうか?シュトラウスの曲は、まるで生命を終えた肉体だけを地上に残し、魂が光に包まれながら点に昇っていくいくような感覚に満ちているようにも思う。0△topカンガルーと育ったピアニストオーストラリア、タスマニア地方のある炭鉱の街、そこでアイリーンは生まれた。裕福な家庭ではなかった。「これがピアノ?どんな音が出るんだろう?弾いてみたいな、触ってみたいな・・・」アイリーンはタスマニアでピアノへの憧れを募らせていった。アイリーンがピアノに初めて触れたのは10歳の時。レッスン代を捻出できるようになったのだ。街の修道女にピアノを習い始める。「この子には才能があるみたいですが、もう家にはお金がないんです。この子のピアノどころではなくて。今まで本当にありがとうございました」「まぁ・・・勿体ないじゃありませんか?アイリーンには才能があるし、本当にピアノが好きみたいですよ?」「でも仕方ないんです。アイリーンの人生には、よくこのようなことがあった。アイリーンをヨーロッパで勉強させよう。皆でお金を出し合おうじゃないか。こんな田舎の貧しい炭鉱の街で終わらせてはいけない、アイリーンには才能があるのだから・・・アイリーンはドイツに留学する。「オーストラリアから来たそうよ」「あのカンガルーの国かい?」「ピアノなんて弾けるのかしら?」「田舎者・・・って感じだな」アイリーンは異国で一人思う。「タスマニアでは才能があるって言われていたけど、ここではダメなんだわ。故郷の人のためにも私は頑張らなくては・・・」アイリーンの才能が花開いたのはドイツではなくイギリスだった。花開いた・・・ではなく、やっと認められたというべきか・・・アイリーンがイギリスで名声を博したのには理由があるように思う。これは想像だが、当時は、ドイツよりもイギリスのほうが、新しい才能、異質の文化で育った才能に寛大だったのではなかろうかということ。アイリーンの演奏には、聴く人を惹きつけてしまうような、習ったものではないような魅力がもともと備わっていたこと。なければタスマニアの人たちがアイリーンのためにお金を出し合っただろうか?もう一つの理由は、アイリーンが絶世の美女だったこと。アイリーンはピアニストとしてだけではなく、銀幕にも登場するようになる。大衆の人気を集めた理由には、アイリーンの容姿も関係していたのではないかと思われる。このことがアイリーンのピアニストへの真の評価という点で、誤った認識をも生むことになってしまった。「ピアニストは女優じゃないんだ。曲ごとに衣装を変える?なんだチャラチャラして・・・」このような認識が保守的な人からは生まれるようになっていったのではあるまいか・・・アイリーンのコンチェルトのレパートリーは、なんと70曲以上あったという。当時はまだ新作であった難曲であるプロコフィエフの3番のコンチェルトなどもアイリーンは得意としていた。彼女の演奏には卓越されたヴィルトゥオジティがあったのだ。絶世の美女が、ある意味「慎ましく、楚々とピアノを夢見がちにピアノを奏でる」ということとは正反対のことをアイリーンは成し遂げた。現在のアルゲリッチのような存在であったのかもしれない。アイリーンの時代にアルゲリッチが登場していたら、現在と同じような評価を受けていただろうか?そんなことを想像したりもする。「アイリーン・ジョイスほど真価を認められていないピアニストもいないのではないか?これは非常に嘆かわしいことです」とアイリーンを芸術家として評価するスティーヴン・ハフのようなピアニストもいる一方で、アイリーンをピアニストとしては認めない重鎮もいるようだ。「アイリーン・ジョイス?あのピアノを弾く女優かい?」これは聴く人の感性、耳が判断すればいい問題であると思う。それは意外と難しいことなのかもしれない。0△topグリーグの遺志パーシ―・グレインジャーの作品、編曲ものは、民謡、その土地の通俗曲をもとにしているものが多いように思う。現在のピアノリサイタルで彼の作品が取り上げられない理由の一つになるのではないかとも思う。彼が、民謡の採譜をして旅行するようになったのには、作曲家のグリーグの影響があったのだとされている。たしかに、グリーグの作品の根底には、郷土愛というのか、ノルウェーへの愛情が感じられるものが多い。どこか、民衆に寄り添うような作品。いえば、グリーグの作品も現代のピアノリサイタルではあまり演奏されないようにも思う。グリーグは、遠くオーストラリアからやってきた、パーシ―という青年を大変に可愛がったとされている。グリーグの指揮、パーシ―のピアノによる演奏旅行なども企画されたらしいが、グリーグ自身が帰らぬ人となってしまった。グリーグの精神のようなものは、若きパーシ―に引き継がれていたのではないだろうか?パーシ―は婦人のニーナから、夫の遺品である金の懐中時計を譲り受け、これを生涯大切にしていたとも言う。グリーグのピアノ協奏曲、この曲は数多いクラシックの作品の中でも有名な曲になるのではないかと思う。クラシック音楽に疎い(?)人でも、この曲は聴いたことがあったりするのではないだろうか?この曲が、現在超有名曲になっているのには、パーシ―の功績が大きい。彼は、この協奏曲を非常に愛し、世界各地で演奏して周ったのだ。大変に珍しい録音が残っている。パーシ―・グレインジャーの演奏するグリーグのピアノ協奏曲。1951年の演奏ということは、パーシ―70歳近くになってからの演奏ということになる。オケ版ではなく、大学のバンドとの共演だ。ミシガン大学のバンド。アマチュア???でもパーシ―の演奏は、魅力に溢れたものだ。永遠の青年の演奏とも感じる。パーシ―はグリーグを敬愛していたのではないかな?でなければ、このような演奏はできない。パーシ―は、このようにも思っていたのかもしれない。「民衆、大衆に愛される曲、愛される演奏・・・それがクラシック音楽なんだ」と。0△topオージーピアノイグナツ・フリードマンは大戦勃発後は他のピアニストとは異なり、揺れ動くヨーロッパからオーストラリアに渡った。多くの亡命音楽家がアメリカに渡ったのと異なり、何故かオーストラリア。演奏旅行で訪れて、そのまま定住してしまった。フリードマンはオーストラリアを気に入ったのだろうか?なんとなくそのように想像したい感じだ。スティーヴン・ハフはイギリスのピアニストと認識されていて、それは事実なのだが、彼はオーストラリアの国籍も有している。二重国籍なわけだが、何故にオーストラリアなのか、まさかご本人に確認するわけにもいかないので、これも想像だが、ハフはオーストラリアを気に入ったのではないだろうか?昔はオーストラリアはイギリスの罪人の流刑の地であった。「オーストラリア」という国名は1814年からなのだそうで、非常に若い国だ。イギリスの植民地という立場から独立したのが、なんと1901年ということだ。フレッシュな国なんだねぇ・・・オーストラリア・・・不勉強な僕は、「コアラ」とか「オージービーフ」くらいしか連想できなかったりする。クラシック音楽とか演奏家とか、あまり連想できない。音楽の都、その言葉からウィーンとかロンドン、ニューヨークを連想する人はいても、シドニーとかメルボルンを連想する人は少ないのでは?オーストラリアのピアニスト、絶世の美女であったアイリーン・ジョイスをまず連想するが、この人もオーストラリア人であった。パーシ―・グレインジャー・・・もしかしたら、コンポーザー・ピアニストとしては、少しは名が知られているのかもしれない。彼の曲って楽しげだったりするし、編曲ものも、かつてのピアノの黄金時代を彷彿とさせる出来栄えだ。ピアニスト、演奏家としてパーシ―・グレインジャーが顧みられることは、ほとんどないのでは?これは寂しい・・・と思う。彼自身はオーストラリアに留まることなく、国際的な活躍をした人だ。「走るピアニスト」だったらしい。ピアニストとしては、非常に人気が高く、演奏依頼もひっきりなしで、常に走っていた・・・なんとなく、「元祖イケメンピアニスト」なのではないかとも思えてくる。このあたりは主観的なものも入るので、人によるだろうが、随分とピアニストにしては(?)ハンサムなのでは?未開の地(?)オーストラリアからやってきた、イケメンピアニスト?くるみ割り人形の「花のワルツ」・・・この曲のグレインジャー編曲版は、現在でも演奏するピアニストが少しだけれど存在する。「ポーギーとベス」の二台ピアノ版も彼の有名な編曲だろうと思う。知られていい作品が多いと思うし、ピアニストとしても、もっと知られていいように思う。これはグレインジャー自身が演奏している「花のワルツ」・・・なんて素敵でゴージャスな演奏、編曲なんだろうと思う。0△top音楽先行演奏コレペティがソロを演奏するとどうなるのだろう?やはり「音楽としてどう?」ということを優先する、つまり音楽先行演奏になるのだろうか?前の記事でレッスンしていたコレペティのソロ。声楽の演奏会でオペラの間奏曲を弾いているわけで、ラフマニノフやリストの難曲を弾いているのではないが、それは関係ないような気がする。なんだか別人のように見えるが同一人物です。この演奏を聴くと、練習中にコレペティを登場させるのも意義があるような気がしてくる。練習のために音楽があるのではなく、音楽のために練習がある。当たり前のようなことだが、本番前など特に練習のための練習みたいな感じになってしまう。いや、本番前だけではなく、日頃の練習でも「弾けないところを弾けるようにする」という練習だけで終わっていないだろうか?「ここが難しくて弾けないから」「あそこのパッセージがどうも苦手で」のように、弾けないところを弾けるように・・・ということが練習だと思い込んでしまう。指を鍛え、反復練習に励む。弾けるようにはなっていくかもしれないが、音楽はどこに?「ああ・・・音楽的に弾けるようになりたい」と願っていても、日頃の練習で「弾きこなす」ということに懸命になりすぎていては、本番でいくら「音楽的に・・・」と願っても「弾けました~」あるいは「弾けませんでした~」ということで終わってしまう可能性がある。練習でやっていないことは本番ではできないのが普通だろうと思う。これはなにもパッセージの成功率のようなことだけではなく、音楽としての演奏にも当てはまるような気がする。音楽的に弾く練習をしなければ、それが練習でできていなければ、本番では音楽的には弾けるはずがないのだ。したら?もう一人の自分を練習の時に創り上げてしまえばいいのではないだろうか?実際に楽器を弾く自分とコレペティトールとしての自分。二人の自分・・・コレペティトールって?歌劇場には必ずコレペティトールという人がいる。歌手だけに限らないのだが、ピアノを弾きながら歌手に音楽的な指導、アドバイスをする人のことだ。指揮者には、このコレペティ出身の人が多いように思う。歌手にレッスンするにしても、別に発声を指導するわけではない(結果的にそのような指導にも踏み込むということはあるとは思うが)。「音楽としてそれってどうよ?」ということを指導していく。コレペティは音楽そのものを指導できなければいけない。ピアノで指導することが多いが、むろんピアノ譜だけではなく総譜も読めなければならないし、数か国語を理解していなければならない。「どう弾くか?」「どう発声するか?」ではなく「どう音楽をしていくか・・・」というところに踏み込むのがコレペティの役目。このコレペティ役を自分でこなしてしまえばいいわけだ。「音をはずさない」ということだけを聴くのではなく、全体的な音楽として自分の演奏を聴くことがコレペティの役目だ。3子どもの場合は、いろいろと「習い事として」みたいな特殊事情も絡んでくるだろうが、大人でピアノを弾いている人は強いピアノへの意志のようなものがあるような気がする。「昔習っていたソロバンにしようかな、水泳にしようかな、どうしようかな、まっ、ピアノでも・・・」というよりは、「ピアノを弾くのだ、習うのだ」みたいな強い意志。そもそもピアノを習っている、弾いているということそのものに、ピアノへの憧れのようなものと密接な関係があるというか。ギフトを与えられ、心が動いたから・・・という人も多いように僕は思う。その純粋というか、シンプルなものを演奏に出せばいいんだよね?でもそれが難しい。人前で、しかも暗譜でピアノを弾くって、実に大変なことなのだ。こんなこと改めて書かなくても承知のことだろうと思う。「弾いた!!!」ということだけでアッパレなところもあるのだ。誰かからギフトを与えられたのだったら、その想いを自分でも具現化できたらいいと思うのではないだろうか?「できれば私だって・・・」みたいな。「楽譜が音にできました。現段階では満足よ」ということもあろうが、そしてそれを否定するつもりもないが、でもそのような人だって心を動かされる演奏を聴いてしまったら、何かしらを感じるのではなかろうかとも思う。ここで「私は私・・・関係のないこと」と割り切れる人がそう存在するとは僕には思えない。勇気・・・なのかなと思う。逃げないことというかね。「レベルが違うからぁ・・・」とか「私には才能がないからぁ・・・」なんて思わないこと。自分に与えられたギフトが泣くよ?練習会、発表会、どのような場であれ、聴いている人の中に、一人は感じてくれる人がいると信じよう。「ああ・・・やっちゃったぁ・・・」と自分で感じても、そのような表面上のミスではなく、何かしらを感じてくれた人がいたと信じよう。それには自分が授かったギフトを大切にすること。