いつもは暗くなる前に帰ってくるのに、その日は帰ってこなかった。ルカの両親も動揺した。「誘拐?それとも...家出?あの子はそんなことする子じゃない。警察を巻き込んでの騒ぎとなった。近所の人も総出で捜索してくれた。「ルカらしき子がナポリ行のフェリーに乗ったらしい。「君、なんで一人でいるんだい?君、ルカじゃないか?」警察官だった。ルカは警察に保護された。あの時の母親の平手打ちは生涯忘れられないとルカは言う。両親とも何も言わなかった。ルカも何も言えなかった。ぶたれた後、強く強く抱きしめられた。ルカも両手で母親の腰を抱きしめる。0△top逃げていく武満ワールド友人のルカ、イタリア人でアマチュアのギター弾きなのだが、小さな演奏会で弾くことになったのだそうだ。それはそれは美しい中世の城館の広間のような場所での演奏。彼はそこで武満徹作品を弾くらしい。武満作品というか、武満編曲作品というか・・・よく知られた世界の名歌を武満徹がギターに編曲したもので、以外と技巧的には難曲ぞろいらしい。ルカが苦労しているのは、その技巧の部分よりも他の部分らしい。「日本人みたいなんだ。僕らヨーロッパ人では理解できないところがある。感情が逃げてしまうというのかな、全部を語らないというのかな、そのあたりに苦労している。激しい情感が隠されているのに、そしてそれは絶対に流してはいけないものなのに、でもそれを表では語らない。これは日本の感性なのではないかと僕は思っている。そこのところが僕には理解できないところでもある。君は日本人だよね?日本の語らない、直接的ではない文化というのだろうか、そのあたりと武満との関連性を君なりの考えでいいから教えて欲しい」これには困った。少々時間が欲しいとルカに言った。僕にとって武満作品は決して近いものではないから・・・と。一応、僕も武満作品のピアノのCDは何枚か持っている。今回、真面目に聴いてみたけれど、やはり自分には遠い世界だと感じた。なんだかとてもコンテンポラリーっぽいんだな。日本的情感と言われればそうなのかもしれないが、はっきり言ってよく分からない。僕にとって、とても近しい感覚を持てる武満ワールドとしては、やはり歌曲の世界ということになる。歌曲だったり、合唱曲だったり、そして歌謡曲だったりと、形態は色々だけれど、歌の世界、ここでの武満ワールドなら僕なりに説明できるかもしれない。ルカが納得するかは分からないが。今回、ルカが演奏する曲の中の一曲。これはポール・マッカートニーというよりは、やはり武満徹なんだね。possible積んでいたCDを聴いている。この人のCDは友人が送ってくれたもので、左手のピアニストのCD。聴きこまないと、このピアニストの真価は分からないが、とにかく弾いている・・・ということだけで驚異的なのではないかとも思う。イギリスのピアニストで、ニコラス・マッカーシーというピアニストだ。この人は生まれながらに右腕が半分しかなかった。それだけでも障害としては大変なものだったと思うが、14歳の時にベートーヴェンのソナタを聴いて、「僕も弾いてみたい」「できればピアニストになりたい」と思った。14歳・・・日本流に考えれば中学生だ。possible」なのだそうだ。0△topピアノよりも敏捷な楽器ピアノという楽器は「楽器の王者」などと言われるが、現代のような楽器として完成されたのは、割と最近のことではないか?ピアノ文化の最も華やかなで盛大な花火は、ヨーロッパというよりは、むしろアメリカで花開き、打ちあがったのではないか?その代表的なピアノ曲がラフマニノフの3番のコンチェルトだったのではないか?この曲はピアニストのヨゼフ・ホフマンに献呈されている。当時のアメリカ資本の富、亡命音楽家(ピアニスト)、楽器製造会社(スタインウェイ社ですね)というものとの幸福な密着がピアノ文化の花火を打ち上げたと想像すると、とても楽しい。古くから完成されていた楽器って何だろう?ヴァイオリンなども相当昔から楽器として完成されているように思うが、やはり声楽なのではないだろうか?人間の身体や喉なんて、100年単位でそう変わるものでもあるまい。弦楽器にしても、人間の声にしろ、最も華やかな花火が打ちあがったのは、イタリアではなかったか?イタリアバロックオペラなどを聴くと、その完成された技巧美に圧倒されてしまう。ピアノなんてまだ楽器として存在していなかったのでは?声楽、歌と言うと、朗々とロマンティックに歌い込む、みたいなイメージを持つ。人間の声による発声は、ピアノのなどの鍵盤楽器と比較すると闊達さ、敏捷さに欠けるような?ドレミファソラシド・・・と音階、ドミソドソミドとアルペジオを奏する時、ピアノの方が声楽よりも奏しやすいかのようなイメージ。たしかに歌よりはピアノの方が簡単だろうなと想像する。ピアノ曲の花火がラフマニノフの3番だとすると、声楽曲の花火は何だろう?個人的にはロッシーニの「セミラーミデ」ではないだろうかと思う。ロッシーニのオペラでは「アジリテ」という技術が駆使されている。英語のアジリティのことだと思う。敏捷さ、闊達さのことだ。当時の歌手は、コロコロと闊達に音階やアルペジオを歌いこなしていたのだ。そこにはカストラートたちの存在が大きかったのだろうと思う。去勢してしまうわけだから、声そのものは少年のような、女性のような声を維持する。声量や筋力は男性・・・という・・・・このカストラートたちが声楽花火を打ち上げていたのではないだろうか?バロックオペラにしても、ロッシーニ作品にしても。カストラートの再現という意味において、僕は叙情的なカウンターテナーよりも、むしろ、あるメゾソプラノ歌手に想いを馳せてしまう。驚異的なロッシーニ歌いとして君臨したのが、ジョーン・サザーランド(オーストラリア)とアメリカのマリリン・ホーンだとすれば、本場とは何か・・・ということにも想いを馳せてしまうところだ。サザーランドもそうだが、マリリン・ホーンの場合、太い声のまま、低音から高音まで自在に歌いこなすことができる。憧れたのではないだろうか?ロッシーニのような敏捷さをピアノでも・・・と。「セミラーミデ」初演は1823年。ショパンもリストも生まれていた。0△topスケール美ベートーヴェンからリストへの狭間の時代、まさにこの時代にカール・チェルニーが活躍した。この時代はスケール美の時代だったのではないかと僕は想像する。楽器の発達、改良ということもあっただろうが、いわゆるピアノ技法の基礎的なものの美というものが認識され始めた時代だったのでは?スケール、アルペジオ、ターン、オクターヴ連続、ダブル和音の連続・・・このようなピアノ技術そのものの美を追い求めた時代。ウェーバーとかフンメルとか、まさにスケール美の世界だ。カルクブレンナーなどもそうだと思うが、現在ではスケール美の作品はどこか廃れてしまっているような印象がある。演奏会の形態そのものが変わってしまったのも理由の一つだろう。サロン的な演奏会から大ホールでの演奏会へ。ウェーバーやフンメルなどの珠玉の作品群は、まさにサロン的な場に相応しい。メンデルスゾーンなんかもそうかな?あまり今は大ホールで演奏されないよね?スケール美作品を演奏するには、現代の多くのピアニストの音は立派すぎるというか、重すぎるような気がする。真珠のような・・・という美意識よりは、どこか鋼鉄のようなものを感じる。廃れてしまった作品群を魅惑的に演奏できる人が少なくなってしまったのかもしれない。逆か?魅惑的に演奏できる人が少なくなってしまったから廃れてしまった?チェルニーも協奏曲のような本格的作品を残している。聴いてみたけれど、う~ん、微妙な感じだ。溢れ出るようなメロディーの才に欠けていたのだろうか?なので自分の得意分野というものを意識し、教育、そして練習曲という世界に入っていったのだろうか?チェルニーの練習曲は、スケール美の作品群を演奏するには最適の練習と思える。チェルニーの練習曲を、鋼鉄のようなタッチではなく、真珠の連なりのような、ポイントを狙った最小限負担のタッチで演奏してみると、あら不思議、フンメルのような魅惑的スケール美の作品につながっていく気もする。フンメルの作品は子どものコンクールの課題曲になっていたりするので、結構達者な子どもが演奏したりしている。無理して鋼鉄のように弾くので、真珠の連なり、狙ったタッチでの微妙で軽妙な洒落っ気には遠い演奏ばかりだ。これはフンメルではない・・・みたいな?フンメルの魅惑的な演奏、個人的にはディノ・チアーニの演奏が素晴らしいと思う。彼は滅多に他の人の演奏しない(できない?)フンメルのソナタとか、ウェーバーのソナタなどで本領発揮している気がする。ベートーヴェンのソナタも、よくある「ドイツ的厳格さ」とか「深淵な精神性」という胃が重たくなるような演奏ではなく、イタリアの青い空のような突き抜けた爽やかさがある。ディノ・チアーニは日本では、あまり有名ではないのが非常に残念だ。彼は自動車事故で若くして亡くなってしまったから、ピアニストとしての活動期間が極めて短い。33歳・・・だったかな?このディノ・チアーニのフンメルの「ロンド」は、まさにスケール美の世界だ。今ではどこか廃れてしまった、忘れられてしまった軽妙さの魅力。チェルニーを鋼鉄タッチで弾いたら苦しい。パダン」という割と有名な曲。これをピアノで弾いている人がいる。ユーチューブ徘徊で発見した。残念なことに、「あっ、この人の演奏いいな・・・」と感じる(おそらく)アマチュアの演奏、圧倒的に日本人の動画よりも外国人のそれの方が多い。日本人の動画は真面目なんだよねぇ、色々な意味で。このユーチューブの人は特別に達者というわけではないと思う。○○音楽院を首席で卒業しましたとか、○○コンクールで入賞歴ありますっ・・・という感じの達者な演奏ではない。なんとなくクラシック一辺倒ではない人のような?おそらく、この演奏、楽譜を忠実に再現・・・というよりは、耳コピで弾いているような気がする。そのように感じるのか?それは悪い意味での変な一生懸命さ、必死な様子を感じないからだろうと思う。楽譜を追って曲にして、動画アップのために必死に暗譜しました・・・という感じがない。「クラシックの人じゃないんじゃない?」そうだと思うが、ではクラシックの人だからって必死でいいのか?そこが疑問だ。ピアフの絶唱を聴いて自分も弾いてみたいと、このユーチューブの人は思ったのだろう。何かしらを感じたのだ。何を感じたのか?それは言語化できないようなものだ。ピアノで表現している・・・そんな演奏に思う。「僕も表現したい・・・」クラシックの人って、肝心のこの部分がとても苦手なような気がする。この曲は軽快な感じもするけれど、実は歌詞が凄い。パダン偽りの囁き胸をかきむしる心の痛み聞えるでしょ?ほら、悪魔のあの声が!苦しみは続く私の心の中に響く声・・・どんな曲を次は弾くのだろう?ハイドン?ショパン?ラフマニノフ?そこには動機があるはずだ。征服欲で曲を弾く人なんていないはずだ。その曲を弾くのだろう?それは言葉にはしにくいものだ。ピアノで表現するのだ。才能のある人だけが表現するのではない。ジャズやポップスの素養のある人だけがある種の表現ができるわけでもない。「弾けてから表現」するものでもない。それは最初から存在しているべきものなのだ。弾く・・・そこにはクラシックもジャズもシャンソンもないのだ。音楽が存在し、人間が存在している・・・それだけだ。0△topあなたの練習オッタ―の非クラシックシリーズ(?)の第2弾。クラシック歌手のシャンソンということになる。貼りつけたシャンソンはピアフの名唱(絶唱?)で有名な曲だ。オッタ―もクラシック的発声ではなく、地声に近いような、かなり大胆な歌い方をしている。日頃彼女が歌っているクラシックの曲とは、かなり異なる雰囲気ではある。共通しているものがある。オッタ―の歌うバロックオペラのアリアであろうと、シューベルトであろうと、ベルリオーズの歌曲であろうと、そこにピアフシャンソンと共通しているもの・・・クラシックの曲だろうと、その他のジャンルの曲だろうと共通しているもの・・・オッタ―という歌手、というか人間の内側から発散されるような音楽のエネルギーを聴き手が共有、受け取るという構図だ。考えてみれば、この演奏者の内側からのものって、クラシックだろうとジャズだろうとシャンソンだろうと変わらずに存在しているべきものではなかろうか?どうしてクラシックの曲を演奏する時には、このエネルギーの流れのようなものが希薄になってしまうのだろう?なんとなくポップス系とかジャズの素養のある人のみが得意みたいな?クラシックだって同じじゃいけないのだろうか?ジャズピアニストがアドリブで演奏している。この時、ピアニストが必死に暗記しました・・・みたいなジャズなんてありうるだろうか?ポップスの歌手が、ミスなく歌えれば・・・なんて感じで歌っていることがあるだろうか?演奏者側からの何かしらを感じるものではないだろうか?クラシックの演奏となると、なぜに「ミスなく」とか、そのような固さが存在してしまうのだろう?楽譜の存在?クラシックの演奏は自分という人間の感受性を殺して、研究成果を共有するもの?クラシック、ここではピアノを弾いている人ということにするが、ある曲を人前で演奏する時、「あなた」とか「自分」というものはどのような位置づけになっているのだろう?一般的なピアノ学習、レッスン、まずは楽譜を音にできるように・・・という構図になっていないだろうか?できないところ、難所を弾けるようにしていく。ある程度弾けるようになって、しかるべき表現をつけていく・・・みたいな?「しかるべき表現」という熱い表現欲求があるからこそ、ピアノを弾くのでは?その曲を弾くのでは?あなたが感じた熱いものを表出したいという欲求があるからこそ、その曲を、ピアノを弾くのでは?「弾けてから・・・」では順序が逆なのでは?幼い頃から「弾けるようになりました。次の曲も頑張ってね」というスタンスでピアノを、クラシックを弾いてきてしまったならば、いきなり「何かを表現してごらんなさい」などと言われても困惑してしまうのではなかろうか?どのような演奏を聴いても「別に・・・」としか感じない人は、かなり特殊な人だと思うし、そのような人は、そもそもピアノなんて弾こうと思わないだろう。誰でも「あっ、この演奏、この曲・・・素敵だな」と感じる能力はあるのだ。表現豊かな人の演奏を聴いて思う。「ああ・・・私はこのようには弾けない。才能の違いなのね」・・・この考えは全く間違っていると思う。0△top昭和ピアノとチェルニーチェルニーに苦しめられた人は多いらしい。僕は弾いたことがないので、チェルニーの練習曲には憧れのような気持ちも少しだが持っている。チェルニーって、いかにも「私・・・勉強しているの、練習しているの、努力しているの!」という気分に浸れそうだ。それよりも「基礎なんです」という感じに憧れを抱くのかもしれない。チェルニーのような、いかにも「基礎力を養成するんです」みたいなものに触れた経験がないと、そのようなもので精進してきた人と、最後の最後で差がついてしまう・・・みたいな?昭和のピアニストの修業時代にはチェルニーは必ず通らなければならないものだったようだ。一回のレッスンで4、5曲は合格するのだ・・・みたいな日記や文章を読んだことがある。しないと、チェルニーって終わらないよね?30番、40番、50番、これだけで120曲?レッスンって昭和の時代だって週に一度が普通だったと思うので、チンタラと構えていては絶対に終わらない。したら、カール・チェルニーに苦しめられたのではなく、「昭和ピアノ」に苦しめられたのでは?「しっかりと鍵盤の底まで弾きなさ~い!」なんて感じでチェルニーをバリバリ弾かされたら、そりゃあ苦しいだろう。チェルニーの練習曲って、どこか爽快感がある。その爽快感は「昭和タッチ」でバリバリと弾くチェルニーでは味わえないもののような気がする。これはチェルニーだけに限らずだと思うが、この種の曲は「鍵盤の底まで」ではなく「鍵盤の底までの途中にあるポイントを狙う」みたいな感覚のタッチを養うための練習曲だったのではなかったかと思ったりもする。狙ったタッチで、しかも音楽的には複雑なものを回避して、基礎的音楽語法みたいなものをも狙う練習曲だったのでは?たとえばスケールの上昇は微妙なるクレシェンド、スピードアップが成される・・・みたいな?いちいち「クレシェンド」「アチェレランド」などと記されていなくても。このような、当然身につけておくべき基礎的な音楽語法を学ぶ練習曲・・・チェルニーを流麗に弾けると、ベートーヴェンも流麗に弾ける気がする。チェルニーもベートーヴェンも「昭和ピアノ」「昭和タッチ」の犠牲になってきたのではあるまいか?「しっかりと弾きましょう!」「ドイツ風に厳格に!」「カッチリと。ショパンじゃないんだから!」みたいな?美しいチェルニー、美しいベートーヴェンではいけないの?チェルニーの不幸は、チェルニーで身につけたものを発揮するべき曲が現代では廃れてしまったということにもあるのではないだろうか?たとえば、ウェーバーのピアノソナタなんて現代の演奏会の主要レパートリーからは完全に外されてしまっている。アマチュアのサークルなどでもウェーバーのソナタなんて弾く人は、かなり特殊なのでは?実はウェーバーのソナタは往年の巨匠ピアニストの主要レパートリーでもあった。全楽章という感じではなかったが。モイセイヴィチが弾くウェーバー、このタッチ感覚は「昭和タッチ」ではなく、まさに「狙ったタッチ」の感覚だ。基本的な音楽語法も実に自然に表出されている。0△top初心者はパフォーマンスとは無縁なのか?サークルの新年会が終了。「新年会」と「練習会」とは微妙に異なる。僕が所属しているサークル、通常の練習会では、割と緊張感を持って催される。冷たい雰囲気ではないが、緊張感はある。お菓子を食べながらの雑談の中、気軽に・・・という感じではない。「新年会」も一巡目はそう。二巡目以降となると、アルコールも入るし、割と気軽な雰囲気になる。基本的には、僕は緊張感を持ったサークルが好きなのだと思う。主催者の方が、「いいピアノ」という観点で会場を決定してくれるので、外国製のピアノでいつも練習会は行われる。スタインウェイとかファツィオリとかベヒシュタインとか、日頃から弾いている楽器ではないので、やはり心躍る。いつもは電子ピアノで練習している人も(が?)多いわけだし。一巡目はクジ引きで演奏順が決まるサークルでも、二巡目以降は「お弾きになりたい方、どうぞぉ・・・」となるサークルが多いような気がする。僕が所属しているサークルでは、二巡目以降もクジ引きで決められた演奏順を守る。これは公平性を考えると、いいことだと思う。誰でも、スタインウェイ・・・弾きたいよね?「誰でもどうぞ・・・」だと、どうしても古株メンバーが独占してしまいがちだ。参加して「私も弾かせてぇ・・・」とは言いにくいものだ。サークルの参加目的は人それぞれだろう。人前で緊張感を持って弾く機会を得たい、同じ悩みなどを共有したいという人が多いんじゃないかな?ピアノって合わせもないし、一人で孤独に練習しているだけなので、仲間がいるとやはり違う。多くの教室の、いわゆる「ピアノ発表会」だと、お子様の中に交じって弾くということに、なりがちだが、サークルだとそれがないので、参加しやすいのではないかと思う。僕も最初は、サークルに向けて頑張る・・・みたいな感じだった。いや、今だって頑張っているさ!ピアチェーレと教室の発表会は年に一度だけだから、参加できればだけれど、二か月に一度という頻度の、しかも緊張感を感じてのサークルでの人前演奏の機会というものは非常に貴重なのだ。競走馬ではないのだから、出来栄えに一喜一憂するようなことはなくなった。必要以上に「できない自分アピール」「崩壊しました宣言」をすることもなくなった。頑張ってはいるけれど、練習会後の解放感を味わう楽しさを知ったというところが以前とは異なるのではないかと思う。昨日の今日なので、今は解放感、達成感(弾いたということへの)に浸っている。それもピアノの喜びだ・・・と思う。聴き手と演奏者がいて、時間と空間を共有する・・・このところは、プロのスターピアニストのリサイタルだろうが、アマチュアのサークルの場だろうが同じなのだ。緊張感が希薄な「雑談の中」という中での演奏だと、この共有感というものが味わえない。緊張感のある練習会を催すサークルが好きなのだと思う。聴き手としての感想、そして自分が演奏する立場としての感想、ここが大きく異なることがある。人の演奏ではミスなどあまり気にならない。「音楽としてどう感じる?」という観点で聴くものだ。自分の演奏でもミスなど気にしなければいいのに、なぜか自分がミスタッチをすると動揺してしまう。このあたりの心理的矛盾というか、違いを追及していくのもサークル参加の醍醐味なのではないかと思う。自分としては練習の時と同じようにミスなく弾けて満足だけれど、聴き手はミスの有り無しを聴いているわけではない、あくまでも音楽として・・・という観点で聴いているわけだから、「やった!失敗しなかった!」と喜んでいるのは自分だけで、聴き手はそうは感じていない可能性だってある。パフォーマンスだから、そのあたりが非常に面白いのだ。解放感・・・だが、積んでいて聴く時間のなかったCDなどを聴いている。アンネ・ゾフィー・フォン・オッタ―のCDを聴いている。なんという喜びだろう!基本的には音楽なんて聴く方が楽しいものだ。オッタ―の歌唱(また声楽???)では、以前に聴いたクルト・ヴァイルのアルバムが良かった印象がある。クラシックではない分野の歌を録音したオッタ―のCDをまとめて聴いたりしているのだ。クラシックの歌手がポップスやジャズを歌うということは別に珍しいことではない。成功例は意外と少ないようにも思う。必然性かな・・・と思う。ヴェルディでもシューベルトでもなく、あえてその歌を歌っているという必然性を感じさせることが、このようなケースでは非常に難しいように思う。「器用だな・・・」ではなく「いい曲だよねぇ・・・」と感じたいのだ。オッタ―の非クラシック曲(?)の歌唱では、曲そのものを感じることができる。そこがいい・・・パフォーマンス・・・だよねぇ・・・とも思う。歌手が自分の出来栄えだけではなく、聴き手がどう感じるかという観点も含めて歌っている。プロでもここが足りない人はいる。自分がどうだったかではなく、聴き手がどう感じたか・・・この醍醐味。厳しくもあるが、楽しくもあるパフォーマンスの醍醐味。僕のこの感覚は、厳しすぎるのではないかという意見を頂戴したことがある。聴き手の印象に残るような演奏というものを含めるなんて、誰にでも要求するのは酷ではないかと。参加することに意義のある人だっているだろうし、それも立派な演奏動機ではないかと・・・30年ぶりに人前で演奏する、一年前からピアノを大人から始めた・・・そのような人が勇気を出してサークルに参加してくる。その場合、参加することに意義もあるだろうと。たしかにあるだろうと思う。弾けたらどんなにいいだろう」という気持ちを秘かに持っていると思う。どんなに心を動かされた演奏を聴いても「私は初心者、関係ないの!」と割り切れる人はそうはいないのではないかと僕は思う。短期目標であれば「弾いた!」ということに意義があるだろうし、自分がどう弾けたかというところが目的にもあろう。その人に、音楽的感動というものがあり、ピアノを始めたなり、再開したということであるのならば、そしてそのようなことが動機となっているケースがほとんどだと思うけれど、そうであるならば、初心者だろうと、経験不足だろうと、舞台慣れしていようが、関係ないのではないかと思う。人の心を動かしたい、そういう空間、時間を共有したいという気持ちはピアノ弾きだったら誰でも持つ権利があると思うから。他人が「あら・・・なんだか素敵じゃない?」と思ってくれるなんて素晴らしいじゃあないか?人と何かを共有できるんだよ?初心者だろうとそのパフォーマンスの醍醐味を持つ権利はあるのだ。これは誰からも強要されるべき感覚でもないし、誰からも排除されるべき感覚でもない。オッタ―はブラッド・メルドーというピアニストと共演している。メルドーってジャズピアニストだよね?でもこれはパフォーマンスだ!クラシックだろうとジャズだろうと、経験豊かなプロだろうと音大生だろうと初心者だろうと、誰でも憧れる権利のあるパフォーマンス。0△top楽譜とポンセル「これは何音符?」「二分音符?」「そう・・・何拍伸ばすの?」「???」「なんて飲み込みが悪い子なの?」「これはドでしょ?じゃあ、これは?」「レ?」「そう。小学生時代に習っていた僕のピアノはこんな感じだったかな?レッスンはこんな感じから抜け出せなかった。3年生の時に僕の楽譜人生は変わった。本物のショパンを聴いてしまったのだ。「なんて素敵なんだろう?こんな風に僕も弾いてみたい!」ショパンの楽譜を買った。「ああ・・・楽譜の仕組みって、こんな風になっているんだね!」その時に初めて分かったのだ。順序としては、普通の真面目なピアノ学習者とは逆読みで楽譜を読み始めたのだと思う。普通は、真っ白な状態で音符を音にしていく、そして曲らしきものに仕上げていく。僕の場合、頭の中には往年の巨匠のサウンドがこびりついていた。「ああ・・・このような弾き方、このような表現は楽譜だとこのように表記されるんだぁ・・・」みたいな感じだろうか?僕にとって、その時の楽譜、音符の連なりというものは、呼吸し生きていた。印刷された楽譜を読む・・・ではなく、極上サウンドは楽譜だとこうなる・・・みたいな。楽譜から語りかけてくるというか、香りがしてくる・・・というか、そんな感じだった。その感覚をピアノのレッスンでも生かせればよかったんだよなぁ。僕は我儘な性格だったので、「ピアノの兵隊さん」みたいな曲を弾きたいとも思わなかったし、なので練習せずに、自己流にショパンやベートーヴェンばかり弾いていた。完璧に巨匠たちの真似弾き、なんちゃって弾きだったように思う。僕のピアノは今でもそうだ。当時の先生がショパンを弾かせてくれれば、どこかシュナーベル風の僕のベートーヴェンをレッスンでも弾かせてくれれば・・・そう思うけれど、レッスンでは僕の欲求は却下されてしまったから、弾けなかった。「ショパン?あなたに弾けるわけないじゃない?」まぁ、そう思われても仕方ない。「ピアノの兵隊さん」や「バイエル」も弾けない、読めないのにショパン・・・なんて。僕の現在のピアノ演奏に何かしらのものがあるとしたら、それは3年生から6年生までに自己流で楽しんだピアノ、そして聴いた音楽、主に良き時代の往年の巨匠の演奏が基礎になっていると言える。事実、その頃は楽譜を沢山読んだものだ。ピアノだけではなく、様々な種類の楽器や声楽曲の楽譜も購入して読んだものだ。当時は、音楽の世界に導いてくれた医大生の紹介してくれる音楽や演奏に聴き惚れていたわけだが、自分でも「新しい音楽」というものを探そうとしていた。当時出会ったドナルド・キーンの著作は僕にとって大いなる案内役となったものだ。ご存知のようにキーン氏は音楽の専門家ではないが、大変な音楽好きで、特にオペラ愛好家としては熱烈なものがあった。キーン氏が紹介してくれる演奏家も、主に往年系の人たちだったので、文章を読んで実際にそれらの演奏を聴いてみたいと思ったものだ。このような記述があった。セルのレコードで読者諸君にお勧めしたいものがある。ローザ・ポンセルのレコードだ。出だしのトリルには胸の張り裂ける思いがする。音楽よりは音響に興味のある人以外は誰にでも楽しめるレコードだ。「ローザ・ポンセル?知らないなぁ。聴いてみたい・・・」RCAのLPレコードを見つけた。セルの歌声に夢中になった。楽譜売り場に通ったものだ。当時は地下が楽譜売り場で、どこか「専門家御用達」のような雰囲気があった。印刷の匂い、紙の、楽譜の匂いというものも心地よかった。今では、ここはどこかチャラチャラした雰囲気になってしまって残念だが・・・ポンセルの歌っていた「ソプラノ・アリア集」や「ロシア歌曲集」のような楽譜を購入し、楽譜を見ながらポンセルの歌声を聴いた。「ああ・・・なんという音世界なんだろう」そしてこうも思ったのだ。「楽譜のこのような部分を強調すれば、ポンセルのような世界になるんだ」と。印刷された音符を読んで、単純に鍵盤に移していくのではなく、もっと3D的な感覚があった。「ポンセルは音の高低をこのように処理、表現している。休符ってこのような意味もあるんだ。フレーズの最後って、このようにすればいいんだ」みたいな?その時以来、僕は楽譜が読めるようになった。音符の連なりから音世界を頭の中で鳴らせるようになった。僕は耳コピでピアノを弾いているわけではない。楽譜とサウンドとは、どこか一体化されている感覚がある。0△top目から?耳から?「来週はきちんと練習してきてねっ!!!」先生のこの言葉の意味が分からなかった。「練習って何をすればいいんですかぁ?」状態だったのだ。レッスン時間に「今、練習してるじゃん?それでいいじゃん?」みたいな?当然ピアノのレッスンは停滞した。音楽教室に関わることになった。講師としてではないが、その時にこの某音楽教室の問題点というか、実態を知ることになった。楽譜の読めない、または読譜を面倒がる生徒が実に多かったのだ。基本的には、幼児科からグループレッスンを中心に教育されるシステムで、ピアノという楽器に拘らず、合奏なども取り込んで、いわゆる「音のシャワー体験」のようなレッスンがされていたように記憶している。「いいこと」なのだろう。感受性の多感な時に、サウンドの楽しさを味わわせてしまう。ピアノの個人レッスンに移行した時に、グループレッスン出身の生徒は、どこか落ちこぼれてしまうケースも多かった。サウンドを体験しているだけに、自分で読譜をしてピアノで音を再現した場合、なんとも物足りないらしいのだ。体験してきたようなサウンドを楽譜から拾って音にする能力に欠けている。「ピアノ・・・楽しくない」みたいな?読譜力に欠けていたのだろう。生徒としても、いきなり「読め!」と言われても・・・という感じだろう。読譜力というものは大切なものなのだ。これこそ基本というか。ここで問題がある場合は、基本的に家庭での練習という部分に支障が出てくる。毎日の練習という部分に支障があると、ピアノの上達、いや、継続すら危うくなっていくだろう。多くのピアノ教師ブログなどを読んでも、この部分の強化、工夫というものは感じられる。「ピアノを弾きたい」という人間的欲求という根本のところを考えた時に、読譜だけの強化でいいものかどうか、多少の疑問は残る。いうものがあるはずだ。この部分がなければ、そもそも弾きたいという動機にすら結びつかないのではないか?多くの大人のピアノ、仕事をこなしながらの大人のピアノの場合、ここのところの根本的な動機と音楽的感動というものが結びついていることが多い。「今の状況でピアノなんて厳しいけれど、それでもピアノを弾きたいの!」こう思わせるだけの、何らかの音楽的感動があったからこそ、忙しい中ピアノを弾いている。お稽古事として幼い頃からピアノを習っている子どもの場合はどうなのだろう?一般的な子どもの生徒の場合、教本に載っている次の曲とか、教師が渡す曲のように、弾いている曲というものは、他者から渡された曲というケースが多いだろう。音楽的感動によって「次はこの曲を弾いてみたいんです」のように、生徒側から次々と欲求があるというケースはあまりないのではないか?生徒はクラシックの曲をあまり知らないだろうし、教材の知識というか、どのような曲が世の中に存在しているかなどの知識もあまりないのではないかと思われる。読譜力に欠けていると、そりゃあレッスン継続すら危うくなるだろうから、その部分は必要としても、それだけでいいものかどうか?このような構図がピアノレッスンによって定着していってしまう危険性はないだろうか?曲を渡される→真っ白な状態で読譜をする→一応両手で止まったり、つっかえたりしないように弾けるように練習する→一応弾けた→曲想をつけて表現する→暗譜をする→先生に○をもらう大人のアマチュアの人でも、この順序で曲を仕上げていく人は多いように感じる。一応、弾けるようにした→レッスンで先生のダメ出し→忠実に守って弾けるようにする→何度も何度も練習する→本番これだと「動機」がないのだ。0△topシューベルトこの曲、この演奏はシューベルトだなぁ・・・と思う。「弾く」という感じではないんだな。0△top揺りかごジョゼ・ヴァン・ダムの歌はボストンで聴いた。オペラではなく歌曲リサイタルだった。彼の映画は忘れてしまったけれど、本業の歌の方は覚えている。前半にドイツ歌曲、後半にフランス歌曲を歌っていたと記憶している。個人的には後半が素晴らしかった。デュパルクやフォーレの歌曲を、きちんとまとめて聴いたのは、その時が初めてではなかったか?僕が歌好きなので、そう思うのだろうが、フォーレもピアノ曲をチマチマ(?)聴いているよりは、歌曲の方が断然素晴らしいように思う。「夢のあとに」という歌曲が有名で、この曲は美しいメロディーの曲として知られているが、「揺りかご」という歌曲も、かなりの美メロディーの曲なのではないかと思う。いぶし銀のようなジョゼ・ヴァン・ダムの歌声と、どこか通俗的なフォーレの「揺りかご」はとても合っているように思う。おフランスの芸術・・・になるのだと思うが、メロディーもそうだが、詞もどこか「おフランス」というよりは、日本の演歌の世界に近いように感じる。(06/16)「プロになるわけじゃないんだし」とはもう言わない。http://flaw.blog80.fc2.com。