19:03■http://anond.hatelabo.jp/20170519133108そうそう。嫁の目の前で風当てたりなんだりするのは「すぐ食べたい」と「不機嫌になる」というふたつの理由でダメらしいのだ。炊きたてのメシを冷ますという選択肢がなくなる。すると炊きあがり時間を前倒すように嫁の合意を取り付けるか、あらかじめ冷ましてあるメシを食うという二択になると思うんだよね。ところが増田は「こんな単純な頼みひとつをなぜ嫁は実行できないのか!」という部分にすごく主張の力点を置いてて、冷めたメシを食うのがゴールなのか、嫁をいっしょに罵倒してほしいのかが今ひとつ判然としない。故意にぼかしてるんだろうけどね。全レスみたいなことしてるわりに建設的な発言はことごとくスルーしてるから。20:482016-06-01■IDコールに気づくのに、だいぶ間があいてしまったので、これから返信するのもどうかと思ったけれど、簡単におこたえしておきます。“本当であれば”とか言いながら記事の内容に乗って言いたい放題政権disに繋げてる人は気持ち悪くないんですか?とても冷静とは言い難く、弁護士としての資質を疑います。そもそもそれを、どうしてわたしにおっしゃるのか。偏見でしかないものを複数のアカウントが持ち出している陰湿な感じにたいして、何とも不快であると表明しているところにあります。焦点の異なるコメントにたいする批判(?)としては、いささか筋違いなのではないかと愚考する次第です。議論すればいいと、わたしもそう思います。精神障害だと決めつけているような人たちは、はたして「冷静」か、否か。何かを主張するさいに、その人の職業の資質(?)や属性に論点をずらすようなやり方は、「冷静」で「説得力」をもつのか。あなたの論法は、このような方たちには適用されないのでしょうか。2.Capricornusさんは最初のコメントにこう書かれていました。事実に反するばかりと言う怪しい記事持ち上げてるこのブログを持って、保守速報を持ち出す安倍氏批判してる人たちには説得力と言うものを学んでほしい。それともCapricornusさん?伊藤弁護士の記事中にはそのようなくだりは見つけることはできませんでした。たしかに、彼女は流出メモの内容については手短ながら例をあげつつ「的外れ」であると指摘しています。記事自体についてはそう言ってはいません(もちろん、記事はすべて事実だ、とも書かれてはいない)。FACTAの記事に言及したブックマークコメントも、眉唾だと評しているものはおおいが「事実に反するばかりと言う怪しい記事」といっている人が大勢、というわけではないようです。池田信夫氏でさえ、「しょせんFACTAだから真偽のほどは定かではないが」と書いていましたが、ひとまず真偽不明、とするのが、「冷静」な読み方かと。メモの内容が、伊藤氏の現実の「事実に反」していたとして、そういったでたらめな文書が流布されている、などいくらでも現実的にありうる事態を考えうるし、とうぜん、それをもってFACTAの記事を「事実に反するばかり」とは論理的にいえません。誤読か詭弁、あるいは書き間違いでなければ、「事実に反するばかりと言う怪しい記事」と主張できる根拠をわたしがよみおとしてしまっていることになります。面目ない、ぜひご教示いただければさいわいです。3.たしかに、伊藤氏の書きぶりにも脇が甘いところがある。「批判」と「誹謗中傷」を混同する言い回しには、わたしは違和感をもちましたが(かりにも自由民主主義を標榜する権力が、人々を監視するならば、原則的には、それは二枚舌だと、批判されてもしかたがないでしょう)、伊藤氏の文中、とくにって、およそ大人の国家の対応じゃない。子どもみたいな対応です。それこそネトウヨレベル。呆れてものが言えません。先取的な筆の運びになってしまっていると批判されてもおかしくない。この文章は活動家のアジテーション、権力の監視行為一般にたいする牽制、政治的な声明、NPO・NGOの代表として権力による監視行為への基本的な姿勢を述べたものでもあるでしょう。そのような性質の文章ならなおさら、言い回し・語彙の選択、どこまでいえて、どこからは慎まなければならないのか、などなど、いくらでも書くさいに考慮すべきことはあろうし、批判する方も仔細に吟味すればよい。伊藤氏の文章も、私のこの文章だって、いくらでも批判される点はあるでしょう。弁護士ともあろうもの、「冷静」たれ、と批判しているひとがいたとして、とうぜん、まわりはその批判者も「冷静」であるかどうかはいやおうなしに見えてしまうし、「公正、フェア」であるかもはかられるでしょう。根拠や論理がそうおうに求められると思うが、いかが?5.などとつらつら書いているうちに、続報きましたね。安倍政権が監視しているとの報道・FACTA編集部に話をきいてきました。裏取りのような真似は間違ってもするはずがないので、いったいどんな妄想を書きつけているか、楽しみにあとで読んでみようと思います。『レヴェナント』を観た。監督の前作『バードマン』に比べて難解で、現段階ではテーマがさっぱり分からないのだが、主に海外サイトの議論を参考に、テーマの考察をまとめておくことにした(これを踏まえてオーディオコメンタリーやインタビューが出るのを待つことにする)。そこで以下、結論、難解な理由、様々な視点からの問題提起、現段階で考えられるテーマ(妄想)の順に書いていくことにする。結論(先出し、めんどくさい人はここだけ読めばOK)考えながら書いたので、思ったより文章が長くなってしまった。結論を先に書いておく。『レヴェナント』はどういう物語か『レヴェナント』をそのテーマに基づいて要約すると次のようになる。主人公グラスは、その人生の全てであった息子ホークを殺されたことで、生きる意味を見失い、死亡する。息子を愛する気持ちにより、死と再生を繰り返し、野生動物に生まれ変わってまで生き残り、宿敵フィッツジェラルドのもとにたどり着く。最後の戦いではフィッツジェラルドに瀕死の重傷を負わせた末、神の代行者リーによる神罰を引き寄せ、息子の敵を討つ。息子を失い、復讐という目的も失ったグラスの精神は崩壊し、(ブチャラティ的な意味で生き延びていた)肉体もついに死を遂げる。『レヴェナント』のテーマは何か本作のテーマは、親が子を愛する気持ちがいかに強く、大きいものか、ということである。単純なテーマに落とし込みづらい『レヴェナント』のストーリーを単純に言えば、「復讐心に捕らわれた男が、大自然の中で死闘を繰り広げるが、最終的に復讐をやめる話」である(図式的に表現すれば、『大いなる勇者』+『デルス・ウザーラ』である)。このストーリーを見たとき、すぐ連想するテーマは、1復讐のむなしさであったり、2大自然と対比された文明の批判である。1復讐のむなしさがテーマだと言い張ることには疑問が多い。いうのも、(後述するように)復讐をやめた後の主人公の表情は発狂寸前のそれである(復讐を完遂して破滅するか、中止して救われるかの方がテーマとしては明確なはずである)し、監督自身インタビューで復讐の物語を描くこと自体には興味がないと答えているからだ。2文明批判がテーマだと言うのも苦しい。いうのも、この映画には文明に対する疑問が提示されることがないからだ(『デルス・ウザーラ』のデルス、『大いなる勇者』のジョンソンのように、文明と対立する人物が出てこない)。いうことで、『レヴェナント』は単純なテーマで理解することが困難である。『レヴェナント』は昔の映画からたくさん引用をしている上、宗教的に意味ありげな要素がたくさん散りばめられている。監督の過去の作品との整合性まで考慮に入れるとすると、どの要素にどの程度力点を置いて物語を解釈すれば良いのか分からないという問題があり、これがテーマ理解の妨げとなっている。タルコフスキーの引用が難解(2)と関連するが、『レヴェナント』ではタルコフスキーの諸作品(『僕の村は戦場だった』、『鏡』、『ノスタルジア』、『アンドレイ・ルブリョフ』)からの引用が多数なされている(これを分かりやすくまとめた動画がある:https://vimeo.com/153979733)。タルコフスキーの作品と言えば、それ自体が難解映画の筆頭である。そこからの引用となると、どういう意図なのか(タルコフスキーの意図をそのまま継いでいるのか、ただタルコフスキーの表現が気に入ってやりたかっただけなのか)が皆目検討がつかないのだ。様々な視点からの問題提起そういうわけで、『レヴェナント』は難解な映画なのだが、海外のファンサイトでいくつか有力な問題提起がなされていたことから、これをいくつかまとめておく。うまくいかない親子の関係まず、イニャリトゥ監督の過去の作品では、「うまくいかない親子の関係」が描かれることが多い。監督の前作『バードマン』では、監督そっくりの父親が、娘に全く愛されず尊敬もされていないことに気が付き、悩む様が描かれる。デビュー作『アモーレス・ペロス』では、マルクスそっくりの元反政府活動家が、活動のために家族を捨てたことで愛する娘と会えず、悲しむ様が描かれている。これらの作品に比べ、『レヴェナント』は異質である。いうのも、主人公グラス(ディカプリオ)と息子ホークの関係は互いに愛し合っているからだ。この点をどう評価するのかがまず1つの問題である(問題点α)。前作『バードマン』で、主人公は、演技に悩んだ末、舞台で拳銃自殺をする場面で、拳銃に実弾を込めて自分のこめかみに発射する。その死を賭した演技が絶大な評価を受け、主人公は自らの弱さの象徴であるバードマンを打ち倒すことに成功する。1/2』など)が、『レヴェナント』ではこれが3回(数え方によっては2回とも4回とも)も行われる。熊に襲われ瀕死となり、フィッツジェラルドに埋葬されるが、立ち上がる。インディアンに追われ、川に流されるが、生還する。崖から落下したのち、馬の中に隠れ、回復する。それぞれ、何に生まれ変わったのだろうか。前作『バードマン』で主人公は、拳銃自殺ギリギリのことをすることで、弱さ(バードマン)を克服した強い人間に生まれ変わった。これについて、海外サイトに面白い考察があった。グラスは死と再生を繰り返すたびに、野生動物に生まれ変わっているというのである。熊まず最初にグラスは熊に生まれ変わっている。その表れとして、グラスは熊の毛皮を着て、首に熊の爪のネックレスをしている。川で魚を手づかみにし(木彫りの熊)、それを生のまま食べている。次にグラスは狼に生まれ変わっている。その表れとして、インディアンにバッファローの肉をもらう際、四つんばいになって人間にへつらっている。インディアンが肉を投げると、これを貪るように食っている。馬さらに、グラスは馬に生まれ変わっている。これは冷たい夜を生き抜くために、馬の死体の中に隠れ、後に這い出ていることから明らかである。最後の戦いにおいて、グラスは牙と爪で戦う肉食獣に生まれ変わっている。これは、銃を放棄し、斧(牙)とナイフ(爪)で戦っていることに表れている。上記の見方はそれ自体面白い見方だと思うが、これによって何が言いたいのか、というのはまた1つの問題である(問題点β)。グラスが当初の瀕死状態から山を走るところまで回復するのは、死と再生を何度も繰り返すからだという見方があった。タルコフスキーの引用から見る先に貼った動画(https://vimeo.com/153979733)から明らかなように、『レヴェナント』ではタルコフスキー作品からの引用が非常に多い。果てた教会」、「隕石」である。このうちここで取り上げたいのは、「ラストシーンでグラスがこちら(観客側)を凝視する表情」である。他の引用は解説が面倒くさすぎるので各自ぐぐってほしい。この表情の元ネタは、『僕の村は戦場だった』である。この映画の主人公イワンくんは、ソ連の少年兵であるが、母と妹をナチスによって殺害されている。問題の表情は、そんなイワンくんがナチス軍相手に戦闘を仕掛けるシミュレーションを1人でしていたときのものである。この表情は、純粋で愛に満ち足りていた少年の心が、ナチスへの復讐心で歪み、壊れかかるときのものである。これをそのまま『レヴェナント』のグラスに類推するならば、グラスの心は最後の戦いの後、壊れかけていたことになる。『僕の村は戦場だった』と違い、『レヴェナント』では復讐を止めた後にこの表情をしている。そのため、イワンくんの内心をそのままグラスに類推していいものか、グラスは最後にどういう心境だったのか、という問題が生じる(問題点γ)。監督の目標から見るイニャリトゥ監督はインタビューで、目指している映画として以下の5本を挙げている。共通点は、いずれも撮影に困難が伴った映画であるということである。1『デルス・ウザーラ』では秋の風景を撮るはずが雪が降ってしまったためソ連軍を動員して人口葉を木に付けた、2『地獄の黙示録』では台風でセットが全て崩壊した、3『アンドレイ・ルブリョフ』ではソ連当局の検閲が通らず製作から公開までに10年以上の歳月を要した、4『フィッツカラルド』では実際に巨大蒸気船を滑車を使って山越えさせた、5『アギーレ/神の怒り』では撮影の過酷さから引き上げようとした俳優を銃で脅した、などなどの多数のエピソードがある。すると、「テーマとかどうでもよくて、むちゃくちゃつらい撮影がしたかっただけなんじゃ・・・」という疑念が湧いてくるのである(問題点δ)。「復讐は神の手にある」の意味から見るこれはグラスが途中で出会った一匹狼のインディアンの言葉だが、意味は正直言ってよく分からない。ラストシーンでグラスが復讐を委ねた相手はインディアンのリー(誘拐されたポワカの父親)である。このことから海外サイトの中には「リーは神の手、すなわち、神の復讐の代行者である」との解釈が多く見られた。グラスの生きる意味から見るイニャリトゥ監督の作品のテーマはいずれも生きる意味にまつわるものであるが、この点に関してグラスが2つの重要な言葉を残している。「私にとって息子は全てだった。フィッツジェラルドは私から息子を奪った。already.”「私はもう死ぬことを怖れていない。息子が全てだったという台詞は、グラスの生きる意味が息子にあったことを示している。これは、デビュー作から親子の関係を描き続けてきた監督自身の言葉でもあるだろう。息子がフィッツジェラルドによって殺害されたことで、グラスは生きる意味を失う。代わりに「復讐」という意味を見出したかのようにも見えるが、それによって再生した姿は上述したように、野生動物の姿である。このことからすると、私は既に死んでいるという台詞は、「生きる意味を失ったことで、人としては既に死んだ」ということを意味するのではないだろうか。グラスは死んだのか論争から見る海外サイトの掲示板などで最も熱く議論されている論点は、グラスは死んだのか?という点である。これが問題となる理由は、1復讐モノの物語は復讐者の死で終わる場合が多いということと、2戦いに勝利したとはいえグラスも致命傷を負っていること、3スタッフロールが始まってもグラスの吐息が聞こえること、といった事情があるからである。映画外の理由であるが、4前作『バードマン』においても主人公が最後に死んだのか死んでいないのかで論争があったこともこの議論に影響を与えている。死んだ説に立つ人は12の事情を挙げ、死んでないよ説に立つ人は34の事情を挙げている状況にある。これもテーマとの関係で考える必要がある(問題点ε)。現段階で考えられるテーマ(妄想)これらを踏まえて、現時点で筆者なりに『レヴェナント』のテーマについて考察してみたいと思う。問題点α:監督の過去作と違い、『レヴェナント』では親子(グラスとホーク)が愛し合っている。これにより、監督が連続して掲げてきた「親子」というテーマは消失・変容したか。『レヴェナント』においても主要テーマは「親子」である。「親子」というテーマは『レヴェナント』においても依然として維持されている。その根拠は、(a)グラスの息子ホークというキャラクターは史実に存在していないのにわざわざ登場させたこと、(b)監督がインタビューに対して、息子を登場させたのは親子関係を題材にすることで物語がより複雑で充実したものになると考えたからだと答えていること、(c)デビュー作から前作まで延々親子関係をテーマにしてきた監督が、ここに来て生涯のテーマを捨てたとは考えにくいこと、である。「親子」というテーマに対する切り口が、前作までとは違う。前作までの切り口は、分かり合えない親子の問題をどう解決するか、というものであった。『レヴェナント』はそうではなく、子供を生きる意味としてきた親が、子を喪失したとき、どうなってしまうのか、という切り口で「親子」というテーマに迫っている。その根拠は、(a)グラスが息子ホークが人生の全てであったと言及していること、(b)グラスが息子を失ったことで一度死んだと(解釈しうる)発言をしていること、である。問題点β:グラスは死と再生を繰り返す過程で野生動物に生まれ変わっているが、これは何を表現しているのか。結論:息子ホークを失ったことで、グラスが生きる意味を喪失し、結果、人間としては死んだということを表現している。その根拠は、(a)野生動物へと生まれ変わるタイミングが、息子ホークを失ったことをグラスが認識した時点からであること、(b)グラスが息子を失ったことで一度死んだと(解釈しうる)発言をしていること、である。問題点γ:ラストシーンでのグラスの表情の意味は何か。結論:グラスの精神が壊れ(かかっ)ていることを意味している。その根拠は、(a)元ネタである『僕の村は戦場だった』のイワン少年がやはり精神が壊れかかったときにこの表情をしたということ、(b)息子ホークという生きる意味に加え、復讐という一応の生きる目的さえ失ったグラスには、これから生きる意味が何もないこと、である。問題点ε:グラスは死んだのか。結論:グラスは死んでいる。この問題は前作『バードマン』で同様の問題が争われたときと同様、作品のテーマから考えなければならない。前作『バードマン』で主人公の生死について争いになったとき、生きている説が有力となった理由は、作品のテーマが「『中年の危機』を迎え、娘ともうまくいっていない父親が、この先どう生きていけばいいのか」というものであったという点にある。主人公が死んでしまうとこのテーマとの整合性が取れないのだ。『レヴェナント』では、主人公は既に自分は既に死んでいる旨を明言し、生きる意味を新たに獲得した様子も認められず、その心は壊れかけている。ここからは解釈が分かれるところだが、『レヴェナント』のテーマは「親が子をいかに愛しているか」という点にあるのではないか。グラスは本人が言うように、息子ホークの死亡を確認した時点で、死んでいた。それにもかかわらず死と再生を繰り返し、フィッツジェラルドのもとにたどり着いたのは息子を愛する精神の力(つまりジョジョ5部のブチャラティ的な意味で生きていただけ)によるものではなかったか。フィッツジェラルドを打ち倒し、インディアンのリーによる神罰を引き寄せた時点で、彼の精神は崩壊し、肉体的にも精神的にも死亡したのではないだろうか。問題点δ(おまけ):監督は、むちゃくちゃつらい撮影がしたかっただけなんじゃないの?結論:それはインタビュー見てるとそうかもしれない・・・。結論(再掲)本作のテーマは、親が子を愛する気持ちがいかに強く、大きいものか、ということである。20:542016-05-19■『ズートピア』が描くグロテスクな"多様性"『ズートピア』はオーウェルの小説『動物農場』のディズニー流のアップデートである。舞台こそ農場という本来動物がいるであろう場所から都市、街に移されて、動物たちの文明化もはるかに進んでいる。田舎と都会という多層的な背景を採用し、人間社会の複雑さがさらに反映され、戯画化されている。戯画化で思い出したが、古くから動物を擬人化させて描かれた物語は数多くあり、日本でも代表的なのはその名の通り、『鳥獣戯画』であろう。その中でも『動物農場』がモチーフとされていると断定できるのは、こと権力の逆転が物語の節目として描かれているところだ。『動物農場』の結末が、「動物主義」という思想を掲げながら搾取的な社会構造が生み出されたのは、人間とほとんど見分けがつかない"2本足で立って歩く豚"であることを考えると、もはや『ズートピア』は『動物農場』の続編的な作品ではないのかと思えるほどだ。私が主に取り上げたいのは『ズートピア』と『動物農場』の相違そのものではない。『動物農場』のアップデートであるなら、そもそも『動物農場』という作品が生み出された背景がそうであったように、『ズートピア』もまた同様に"子供向け"に戯画化されたものではない、ということだ。ある一定のディズニー並びにハリウッド作品を観る際にどうしても想起してしまう"勧善懲悪"とも呼ばれる単純な力関係に留まる作品として論じてしまうのは、この作品が描いている(我々が住む"先進国"社会に酷似した)社会形態のを、グロテスクなものとして描いているという事実を見落としてしまう、ということだ。「グロテスク」が具体的にどういう性質を指してるかは後に詳しく取り上げるとして、まずは『動物農場』との相似を洗い出そう。『動物農場』では既存の権力の持ち主である人間を打倒しようと農場内の長老である豚が呼びかけた後、その長老と同じ種である豚が主導となり人間の打倒と、権力の奪取を果たす。権力の逆転が描かれた後、そこからさらにその権力が腐敗し、かつての権力の持ち主と酷似していく様を描いている。『ズートピア』でも同様に、権力の持ち主である肉食獣を追放し、草食獣が権力を得る。その後の社会様相の腐敗として描かれるのは、『動物農場』のそれとは違うものである。この肉食獣が追放される背景は、砂川秀樹が「男色は近代社会化以前には受容されていた」という言説に対する反論として、近代社会以前から否定的に捉える見方があったことを挙げ、それが近代化社会以降にゲイに対する「病理フレーム」が形成されたことの背景にあるという指摘していたケースと酷似している。ズートピアという街にあてはめるなら、冒頭の子ども劇において近代化・文明化というものを"進んだもの"とする言説が背景にあるからこそ、その言説が暗に導き出す"野生"というスティグマが、肉食獣という属性に表象として充てられた、というわけだ。草食獣であり小動物であるジュデイが警察官を、肉食獣の子どもが税の査察官を目指すということを、それぞれの属性と"相反するもの"への志向(だからこそ"自由"や"可能性"の提示となる)として挙げられていること自体に、すでにこの世界を形成する言説の中に、後に肉食獣が「病理フレーム」の中に収められることを暗示している。『ズートピア』と『動物農場』でそれぞれ権力の腐敗の在り方が違うのは、『ズートピア』が主題として据えているのは、差別が未だ存在する社会においての振る舞いであり、また、そうした社会と対峙することの難しさであるからだ。一方で『動物農場』と共通しているのは、たとえ既存の社会構造の不当な点を糾弾したものであったとしても、新たに権力に座する者が、特定の属性を以てして社会的地位を不当に貶めたり、あるいはその逆に持ちあげたりすること。権力の立場にあるものが、いち個体が否応なしに複合的にまとうあらゆる属性の中から任意の属性を持ち出したり、あるいは見出したりして、それを根拠に権力側の良いように用いることそのものが社会の腐敗を招く、と指摘している点にある。したケースは今日の"先進国"社会においても行われている。そのあらゆるケースの中でも、創業者であるウォルト・ディズニーが、かつて「赤狩り」と呼ばれたハリウッドにおける排除運動に加担していたという記憶を持つディズニーにとっては、なおのこと無縁ではないだろう。その赤狩りこそ、『動物農場』が受容されたのと同じ背景の中で起きた現象なのだから。『動物農場』が、"反スターリニズム、反ソ連"として受容された時代のイデオロギーの中に回収された結果招いた、「赤狩り」という別の形での全体主義化を経た後の問題提起をする為、違った様相の社会の変化を描く必要があったのだ。その必要とはいったいどういう形のものなのか。そもそもの『ズートピア』(原題も"Zootopia")というタイトルから振り返ってみたい。誰もがその語感から、動物園("Zoo")とユートピア("Utopia")を連想するこのタイトルと、それが充てられた都市の姿や本編内で取り上げられている問題とを照らし合わせると、この名前が一種のミスリードを引き起こそうとしていることは誰の目にも明らかだろう。このユートピアに対するミスリードを行おう、という意図が製作者側にあることを考えると、一方でユートピア思想そのものを全く信じていないであろう、という可能性が高いものとして浮かび上がってくる。この作品世界はそもそも、主人公にとっての、あるいはそれに感情移入するであろう観客が考える様なユートピアを描こうという意図の下では成り立っていない、と考えることも決してできなくはない。それなら反対にディストピアを描こうとしていた、とするのもまた違うだろう。それこそオーウェルが『動物農場』の後に出したディストピア小説『1984年』で問題としているような、監視カメラシステムを駆使した管理社会は決してネガティヴなものとしては描かれていないし、作中で市長と並び権力の象徴として現れる警察だって、最後にはジュディに味方する。モーレツ!オトナ帝国の逆襲』において大人たちが夢中になる昭和の街並みのように、ユートピアを模したディストピアを描いている、とするのものまた違う。何を志向していたかといえば、ただひたすら身も蓋も無く、我々"先進国"における社会の現在の姿を炙り出すことにこそ本作の力点がおかれていたのではないだろうか。オーウェルが『動物農場』で描いたようにユートピアへの志向がある種のディストピアを生み出し、また『1984年』でディストピアは一方で誰かにとってのユートピアであることを描いてきたこと、さらに言えば今までのディズニー作品やハリウッド作品が数多く生み出してきた作品へ寄せられた批判を鑑みれば、主人公ないし観客のユートピアを描くことで何かの可能性を見出そうとする、虚構の作家なら誰もが夢見る境地との決別こそが、今のディズニーが走っている地点ではないか、とすら思える。兆しとして表象される監視カメラとの関係、後半で肉食獣と草食獣とが分断されてしまったと言われる前から存在する、小動物と大型動物との"棲み分け"をあからさまに感じる都市デザイン(マジョリティとマイノリティの形成はマクロでいうところの都市デザイン、ミクロでいうところの建築様式という、物理的な段階からすでに反映されている)、朝礼時には着席を強要しながら、大型動物に合わせて設計されてるが為に、ジュディが座ると署長の顔すら見えないサイズ感の机とイスが、ジュディが"認められた"後も変更は行われず、それどころかジュディとニックに同じイスを共有させること(1人分の席に2人が座らされているのである)や、かつてジュディに偏見としかいいようがない対応をしてきたことに対して何も悪びれもしなければ、むしろジュディに対して冗談を飛ばすほどの親密さを示してみせる警察署長の態度、そして何より権力に対して何も批判的な態度を持てそうにない警察という組織が持つホモソーシャルな性格をあけすけもなく描いているのは、それらに対して作品内で明確な批判が行われないということの薄気味悪さも含めて呈示しているのではないか。するなら、本作が「子供向け」であるが為に、権力に対して批判的な態度を伴っていない、とするのは、少々早計ではないだろうか。確かに、ディズニーは子どもを含めた幅広い年齢層の支持によって成り立っている。その中には子供と呼ばれる低い年齢層の観客もいれば、それこそ子供の頃からディズニーに触れ続けた高齢の観客だっている。した状況の中で、こと任意の年齢層の観客だけ取り出し、それにのみフォーカスをあてようとするのは、作品がもつ性質を見誤ることに繋がるおそれがある。「子ども向け作品だからしょうがない」とするのは、すでに子供の在り方を規定づけるものでしかないのみでなく、未だ巨大資本によって子供たちが社会へ"馴致"されるべきだとすることへの別の形での肯定にも繋がる。一方で、ディズニーが「子供向け作品」の地位に就いていることも、決して無視していいものではない。ディズニーはずっと「子供向け作品」であり続けたかを問わねばなるまい。結論から述べれば、それは「グロテスク」だからである。依っているところが少なからずある。ここで取り上げたい「グロテスク」については、美術的観点からのものである。いうことかというと、ディズニーがアニメ製作者としての名前を不動のものにしてからずっと追及してきたのは、デザインと動きの"かわいさ"である。"かわいい"とされるものは、その多くが直線的なイメージではなく、曲線的なイメージによって、硬質なものではなく、柔軟なイメージによって構成される。これらの美学の根本を辿れば、動物や植物をあしらった、古代ローマの美術様式の一つである、グロテスク様式に辿り着く。ツイッター上で「モフモフ」と公式アカウントで形容された『ズートピア』を形成する美的様式は、根本からして「グロテスク」なものなのだ。この2つの「グロテスク」がピタリと重なり合うのは言うまでもなく、主人公ジュディの造形や仕草であり、冒頭に警察を夢見る彼女に暴行を働いたキツネ、ギデオンがウサギが(警察官を目指すに値しない)弱者たる徴として挙げた「鼻をヒクヒク」させる動きが、権力関係が決定的に転覆される場面の直前に配置されていることからもわかる。「かわいい」は弱者の徴である。それ故に、その「かわいい」を極めたディズニーは、今日のアメリカを象徴し、公的な権力からも寵愛を受ける地位を築き上げた。『ズートピア』は、その地位を利用しつつ、現在のアメリカをはじめとする先進諸国の社会形態の描く"多様性"の脆さと「グロテスク」さを描くことと、またそのヒントや問題は、明白に誰かに取り上げられているわけでなくとも、世界のいたるところにある、この2つを描くことを目論んでいたのではないだろうか。その一例として、コロンビアの女性シンガーであるシャキーラ演じるポップスター・ガゼルのモデルとなっている動物であるブラックバックは、オスにしか角が生えていないこと。ガゼルはトランスジェンダーのポップスターであるということが、作品内で明確に言及こそほとんどされていないが造形として現れていることから見ても、決して拭い去れるものではないと私は思う。23:312015-07-19■自然な日本語文を書くには英文の私訳をちょこちょこすることがあって、違和感もたれないようにするにはどうすればよいかググって理解した内容を自分のメモとしてまとめてみる。次の例文を参考にする。不謹慎なのはご容赦いただきたい。暑さで人がたくさん亡くなった。英語は力がどう動いたかに着目する。作用点と考えると分かりやすい。people」が受け取ったということになる。日本語が状態の変化にのみ着目する。死んでいる状態と変わったので、その状態変化を意味する「亡くなる」を遣う。暑さでという形で文に足していけばよい。次の例文に違和感を持たれるだろうか。客:すみません、5枚の桜のマークの切手を下さい客はどう言えばよかったか数量詞の遊離とはふつう動詞を修飾するべき数量詞が別のところを修飾してしまう現象だ。上の例文だと「桜のマークの切手を5枚下さい」となるのが自然で、その場合は「下さい」を修飾することになる。「すみません、5枚、桜のマークの切手を下さい」と言うこともできるが、これも同じく「下さい」を修飾している。遊離先の場所が変わっただけだ。people冒頭の例文も郵便局の例文と同じように考えることができる。「たくさんの人が亡くなった」と表現することもできるが、上記の遊離がされていないからどことなく翻訳調になってしまう。「亡くなった」を修飾するようにして、「人がたくさん亡くなった」とすれば自然な文章が出来上がる。まとめ数量詞遊離はロジック面で不自然な文から自然な文に変える働きがある。それ以上に重要なのがスルに着目するのかナルに着目するのかという考え方の違いだ。無生物主語の文に違和感を強烈に覚えるのもこうした考え方の違いなんだろう。この違いを覚えていると、英語の読み書きが楽になるんじゃないかと思う。01:432015-05-12■「響け!ユーフォニアム」の滝先生にモヤモヤする件アニメ「響け!ユーフォニアム」を通して見る揺れる心http://seagull.hateblo.jp/entry/2015/05/11/144400こちらを見てて、滝先生が「生徒に目標を決めさせる場面が誘導尋問的である」という指摘に「そう!そうなんだよ!」と思った吹奏楽経験者です。自分は中高大とアマチュア吹奏楽続けてた(就職後時間が取れなくて止めた)んだけども、中高はいわゆる弱小で、大学も中高に比べれば雲泥とはいえ、まあそこまで上手くはなかった感じの人間です(全国大会にはほぼ縁のないレベル)。滝先生にモヤモヤする点って、それが効果的かつピーキーな手法だからなんですよね。そもそも吹奏楽(オーケストラもだけど)同時に演奏する人数がやたらに多い。乏しい高校生)をまとめ上げるのは大変。生徒の自主性を尊重してたら時間がかかってしょうがない。その上、「部活の外の人たち」は「コンクールの結果」でしか部活の価値を判断してくれない。短期間で「コンクールの結果」を出すためにはああいうやり方が効率的ではあるんですよね。ねえ、中高の部活って、「迷ったり・失敗したりする」事も大事な財産だとも思うのですよね。高校生ともなれば、自主的に色々やってみたくもなる年頃で(高校生だと演奏会で身の丈に合わない曲を選んで轟沈なんてことも結構ある)、それを先生がキリキリ誘導しちゃうのが正しいのかっていうところはすごくモヤモヤするわけです。生徒たちの意思をサポートできる知識とか人脈とかはすごく大事なんですけど、結果として路頭に迷ってたからといって、圧倒的な手腕でひとつの方向に導くのが「正解」なのかどうかってのはまあ「答えのない問い」ですよね。モヤモヤする(それとは別に滝先生みたいな「デキる人」の表面だけ見習って、生徒を地獄に叩き落す勘違い指導者が少なからずいる、って問題もあるんだけどそれは別問題なのでおいておく)。実際問題として、「顧問の先生に導かれて結果を叩き出した」生徒たちの少なくない人数は、高校卒業後音楽から離れます。それはある意味当然の事(高校の部活は吹奏楽に限らずおおむねそんなものではある)なのだけども、「彼ら彼女らが高校で自分が今後音楽にどう向き合っていくかを考える機会と知識」をきちんと得られた結果なのだろうか、ってのは色んな吹奏楽経験者を見ていて疑問に思うところなのでした。結局先生にのせられて部活を続けて、「その先を自分がどう歩くか」を考える機会も材料も得られなかったんじゃないのかって。ま、回答はありません。全国大会に出る吹奏楽部だった人でも、吹奏楽のCD(今はCDに限らんけど)を買ったりする人って少数派だったりとか、吹奏楽のプロの音源ってびっくりするほど多種多様にあるのに、売れているCDはアマチュアのCDばっかりだという現状とか、肝心の全国大会でもトップレベルの学校がいまだに非音楽的な曲カットをしていたりする現状だとか考えてると、「結果」ってなんだろうなーと思うわけで。そもそも音楽に客観的に定量的に決められるような「結果」なんてないんだから当たり前ではあるんですけどね。吹奏楽コンクールは演奏技術のみを競う場ですから(だから音楽的にひどいカットをしても基本減点されない)。なんかモヤモヤに引きずられて話がそれました。原作の誠実なところは「このモヤモヤにはすっきりした回答なんぞない」というところをきちんと描こうとしているところだと思います。同じ音楽を扱った作品でも「BECK」とかだと勝負に普通に勝ってしまうわけですけど(あれは基本的には、プロが「客ウケ=動員数」という基準で勝負してる話だからそれでいい。作者の「本当にいい音楽は誰にでも伝わるはずだ」という暴力的な音楽観はヒシヒシ感じるけど)、この作品は「結果」ってのがそんなに分かりやすいものではない事をきちんと踏まえている。滝先生も全面的に作中で肯定されるわけではない(はず、原作一巻を読む限りでは)し、かつ、群像劇として多種多様な価値観の人々が「設定された目的のために協力はしても考え方を相容れることはあんまりない」という方向で話が進みます。このモヤモヤについて、見る人が色々考えてくれるといいなあと、私も思う次第です。他にも作中の曲についてとか原作者が楽曲のスコア見てなくて事実誤認してる部分とか色々言いたいことはあるんだけど、最後にひとつだけ。bandは本義的には金管楽器と打楽器の編成を指すので)から気をつけろ!ちょっとだけ追記しておくと、そもそも「コンクール全国大会出場」と「コンクールに出場して思い出作り」の二択しかないのがおかしいって指摘はきちんとしておいた方がいいですね。演奏会に力入れたいからとかマーチングに力点置いてるからとかでコンクールに出ないって選択をしている学校も少数だが存在するし。ここには滝先生の「吹奏楽部はコンクールありきだ」っていう偏狭さがあるともいえるわけです。極端な二択を提示することで、ほかの選択肢を考慮する余地を奪うって言う詐欺師の常套手段です。極論、そういう様々な選択があってモヤモヤする音楽活動ってやつを、コンクール一生懸命やって技術的に上手くなるっていう否定しづらい名目で塗りつぶしてるともいえる、んだよね。