多くを引き出すためにやっているということを意識する必要がある。慎重に取り組む必要がある。最近は機材の種類が増えていて、ありとあらゆることができるようになっているからだ。奪い、機械的なサウンドに変えてしまう可能性がある。新しい世代のエンジニアの多くはコンピューターに頼りすぎていて、テクノロジーに毒されている。彼らは、自分たちができることの素晴らしさに魅了されすぎていて、実際に自分たちのしていることがどんな変化を音楽に加えているのかを聴いていない。全体を捉える力もちろん、オリジナルの音源の歪みが非常に大きな効果を生み出しているケースもある。Diana」の中盤のチェロサウンドがわざと歪ませてあって、それが非常に大きな効果をもたらしていることに改めて気が付いた。このような古い作品を聴くと、サウンドに変化を加えていることで素晴らしい効果が生まれているのが確認できる時がある。非常に効果的である上に、感動的でもある。音楽体験として非常に優れている。これが何よりも重要だ。どんな手が加えられていても私は構わない。優れた音楽体験をもたらし、誰もが共感できるようになっている方が重要だからだ。変化を加えたことで音楽が機械的になってしまう可能性があるからだ。フィーリングが何も感じられない、正確すぎるサウンドになる可能性がある。それはもはやただの機械でしかない。サウンドステージについて話をしよう。されていることが理解できる。私たちはこの配置をサウンドステージと呼んでいる。そこにはリスナーに届けたい全てのサウンドが用意されている。優秀なミキシングエンジニアは、サウンドステージを音楽が躍動できる環境・空間として用意し、リスナーをそこへ引き込む必要があることを知っている。音楽のためだけに存在するプライベートエリアだ。彼らは、自宅の椅子に座っているリスナーを別の空間、つまり、音楽と対面できる魔法の空間へ連れて行く。これが最終目標なのだが、この目標に到達するのは非常に難しい。世界最高のミキシングエンジニアなら、リスナーをミュージシャンの目の前に連れて行ける。リスナーはその空間の中を自由に動き回り、その空間の雰囲気や奥行きも感じることができる。目の前にミュージシャンがいるという実感を得ながら、空間全体の雰囲気も味わえるんだ。“音楽との距離が近すぎると、全体的な音楽体験として楽しめなくなる。常に一歩下がって、全体像を聴けるようにしておく必要がある”これを実現するのは本当に難しい。リバーブやエコーを使うと、サウンドステージがぼやけて、全ての楽器やヴォーカルがてんでんばらばらになってしまう可能性があるからだ。私はミキシングエンジニアではないので、トップレベルのミキシングエンジニアたちがどんな作業をしているのかは分からないが、彼らならリスナーを全く別の空間へ連れて行くことができる。私たちをスペシャルな空間へ連れて行くんだ。Swedienは、世界最高のミキシングエンジニアのひとりで、『Thriller』はベストワークのひとつだ。このアルバムを聴くと、まるでMichaelが目の前にいるように感じられるが、同時にその空間の中を自由に歩き回ることができる。彼が生み出すサウンドステージは本当に素晴らしい。Wall』のようなMichaelの他のアルバム群の音楽体験は非常にスペシャルだ。Quincy(Jones)が関わっていたというのも大きいがね。『Thriller』はこれまでに1億1,000万枚売れているという事実が、それを如実に物語っている。Mitchellのようにそうではないアーティストもいた。マスタリングの方向性のアイディアの多くは、エンジニアとの会話から生まれてくる。私が機能するだろうと思った方向にひとりで進める。Princeの場合は後者だった。Princeの初期アルバム群のマスタリングを担当していた頃、彼はほとんど指示を出さなかった。私が機能するだろうと思った方向に進ませてくれた。したリクエストを伝えてくる時も何回かあったがね。私は自分のモニタースピーカーとシステムを熟知していたので、どのアイディアが機能するのかについて理解していた。Jackson『Thriller』のマスタリングは、ひとりも立ち会わなかったんじゃないかな。私ひとりで進めたはずだ。あのアルバムがあそこまで売れるとは思っていなかったが、素晴らしいアルバムだということは分かっていた。Wall』の方が優れている。これにはいくつかの技術的な理由がある。レコーディングに使用されたテープが異なる。Wall』のサウンドの方が自然でリアルだ。『Thriller』はとにかく強力なアルバムだった。聴覚疲労に苦しんでいないのはラッキーだと思う。ミキシングエンジニアの多くは音楽を大音量で聴いているし、アーティストも大音量で聴いて、自分の作った音楽に興奮したがる。私たちマスタリングエンジニアは、そこまで大音量では聴いていないので、音楽を聴くことに疲れていない。大音量で音楽を聴くと疲れてしまうし、長時間聴いていると正確な判断ができなくなってしまう。自分が取り組んでいる作品から、自分が望んでいるものが引き出せていない時やアイディアが枯渇している時、次に何をしたら良いのか分かっていない時は、一旦作業を中断してスタジオの近所を散歩する。歩き回ったり、他のエンジニアたちと話したりしたあと、また作業に戻る。そのあとでまた音楽を聴くと、「この作品に何が必要なのか分かったぞ!」と思えることが多い。音楽との距離が近すぎると、全てがバラバラに聴こえてくるようになり、全体的な音楽体験として楽しめなくなる。そこに詰め込まれているサウンドや、含まれている要素については細かく具体的に把握できるが、音楽全体として成立しなくなる。客観的に聴けないということだ。客観的にも具体的にも楽しめる音楽にする必要がある。常に一歩下がって、全体像を聴けるようにしておく。音楽全体がどう鳴っているのかが分からなければならない。ミキシングエンジニアもこの問題を抱えている。彼らは楽器、エフェクト、ヴォーカル、ループなど、個々のサウンドを細かく聴いていくわけだが、同時にそれらをひとつにまとめなければならない。彼らにも休憩が必要だ。一歩下がる必要がある。あの時の私は何を考えていたんだ?」と思った経験がある。作業中の私は「まだできることがある」と信じ込んでいたんだ。Chronic』のようなメジャーヒップホップアルバムを数枚手掛けた経験がある。ヒップホップのマスタリングで私が注意しているのは、リズムとフロウからグッドフィーリングを得られるようにするということだ。ヒップホップは、途切れないグルーヴと言葉が全てだ。そこに気持ち良い流れがなければならない。Chronicle』は革命的なヒップホップアルバムのひとつだった。Dreがこのアルバムのマスタリングの方向性についてアイディアを持っていたのかは分からない。楽曲は用意できていたが、マスタリングをどうすべきか、私たちが何をすべきかについて彼にアイディアがあったのかは分からない。具体的にどんなマスタリングをしたのかについては今はもう思い出せないが、2人で一緒に作業をしたこと、2人が機能すると思ったアイディアを試したことは覚えている。かなりの時間を費やした。他の作品とは一線を画すサウンドにしようと努力したが、同時にそこまで手を加えたくなかった。音源のクオリティが非常に高かったからだ。私たちは、その良さをさらに引き出し、力を貸したいと思っていただけだった。50年のキャリアを振り返ってみると、とことん情熱を注げることを仕事にできた私は本当に幸運だったと思う。このようなチャンスを得られない人や、情熱を見つけることができない人は数多くいる。自分に適した何かを見つけることができれば、あとは情熱がどんな状況も打破して自分を前に進めてくれる。自分の目標を実現できる状態を維持できるようになる。常に集中できているんだ。スタジオで作業している時は、誰にも邪魔されたくない。意識が削がれるような物を周りに置いておきたくない。クライアントが立ち会う時でさえ、彼らがいる間にエディット、アセンブリ、フェードなどの機材操作は一切やりたくない。サウンドを聴いて、サウンドがどうやってリスナーとコミュニケーションを取るのかを理解したい。私の仕事は大きく2つに分けられる。ひとつは技術的な仕事、もうひとつはクリエイティブな仕事だ。その両方で、音楽の感情と自分がしっかり繋がっていたい。機材を触っている時もその繋がりを失いたくない。その繋がりを切り、エディットやクライアントのリクエストに応える作業をしたあと、次の楽曲に移るというような仕事の進め方はしたくない。常に音楽と繋がっていたいんだ。