ジーパン、お面、玩具、瓦といった「瑣末な現実」であり、アートが日常化したのでも、特権的な姿を放棄したのでもなく、アートが日常に、完全に敗北したとしか、私には見えなかった。国立新美術館+森美術館「サンシャワー」(7月5日~10月23日)も、国際展的要素に溢れていた。「東南アジアの現代美術展」と銘打ち、欧米の現代美術の手法で政治=経済=生活問題を、分かりやすく説明する。現代美術とはあらゆる権威に身を寄せず、それぞれが多義的に展開しているはずなのに、皆、同じような作品が並ぶ。難解な現代を鏡のように映し出す現代美術が、分かりやすい筈がない。「横浜トリエンナーレ」と並び、「これが今日、世界で通用しているアートなのだ」という教義主義に満ちている。(2016年12月6日~2017年2月12日)。山田(1929~2010)のひたすらに繰り返すストライプの作品を会場一杯に展示した展覧会は、賛否両論があろう。山田の存在を改めて知らしめたことは重要である。山田のような、評価されては名前すらも聞かなくなるアーティストが山ほどいる。確かに美術館での個展は一つの特権であろう。美術作品とは崇められるものではなく、研究される対象でなければならない。山本直樹」(2月3日~4月9日)も見応えがあった。山本(1963~)は北朝鮮が日本にミサイルを発射することを想定し、国内でも虐めや差別が行われていることを角砂糖と文字と光によるインスタレーションで示した。比喩や隠喩を用いず、現実を直接に晒し出した作品が岡本太郎賞を受賞することに、大きな意義があろう。(3月7日~5月10日)。山崎(1946~2017)が、展覧会終了直ぐの6月5日に没してしまったことが悔やまれる。山崎の写真の変遷を辿ることは、私達の敗戦後の時代軸を振り返ることにも繋がるであろう。様々な実験精神が今日失われてしまっていることにも、目を背けることは出来ない。(4月8日~5月28日)。1952年生まれの北村は現役バリバリであり、画廊でも旺盛に個展を開催している。この場所の特性を最大限に活かし、時にはガラスケースに入れた作品の前に作品を置き、「見る」ことを問う。「見る」ことなど誰もが当然にしている行為に対して、徹底的に疑問符を投げかける。立体や空間を演出するインスタレーションという技法ではなく、あくまでも絵画のみで空間を生み出そうとする北村の試みは、絵画の不可能性を可能性に転化させているとも言える。(6月29日~7月23日)。1937年生まれである上條もまた、積極的に活動している。個展だけではなく、パレスチナの現状を伝えるための展覧会に尽力している。そのような上條の活動と人柄が伝わる展覧会であった。乗り越えることができる。国内外で高い評価を受けている遠藤(1950~)ではあるのだが、2009年の国際芸術センター青森以来の、二度目の美術館での展覧会であった。美術館という空間を作品で異化したこの展覧会は、遠藤がモノ派と距離をとったからこそ極めて遠藤がモノ派に近かったことが、逆説的に立証されてしまったのではないだろうか。現代美術の歴史に発展史観は、決してない。谷川晃一の個展が開催された(2016年10月22日~2017年1月15日)。谷川(1938~)は、現代美術と呼ばれる狭い世界に留まることなく、自由で、誰でも絵は描けると主張し、子供に向けられた絵本の制作など、世間に向かって美術の必要性を提唱している。近代の研究を欠かさず行っている。美術館における、現代美術アーティストによる個展の動向を探った。いずれも見応えのある展覧会ではあったのだが、集客数は本当に少なかったであろう。巨大化する展覧会に、比べ物にならなかったはずだ。今日、美術批評を書く場所などほとんどなく、WEBで書いたとしてもどれほどの効力があるのだろうか。素晴らしい展覧会には多くの人々が集って欲しいという希望を我々は持っているが、中々そのようにはならない。良ければ人が来る、人が来れば良い展覧会であるという杓子定規を捨てなければならない。これから公立美術館は指定管理者制度により、企業が学芸課まで管理する時代に突入する。企業論理は集客である。都道府県の行政もまた、それを望んでいる。芸術とは、特に美術とは「人と人の繋がり」であろう。国内に限ってみれば日展だけ、公募団体だけ、前衛集団だけと、その間を巡る者は本当に僅かに過ぎない。美術だけではなく演劇、音楽、映像と、我々は「人と人との繋がり」のネットワークを、今だからこそ、広げていけなければならない。なければ、巨大化する展覧会に呑みこまれていくだけであろう。