開催中のガロン第3回展を機に、ガロンのHPを作成しました(正確には、以前あったのだけれど、昔すぎて勝手が悪いため、新たに作り直しました)。過去2回のアーカイブ的な要素も含んでいますので、ぜひご覧になってみてください。(山形県)には構内にいくつかの展示スペースがある。WALL、同じく1階の南エントランススペースである。これらはいずれもサイズや作りをはじめとする仕様がまったく異なっていて、たとえば1階の南エントランススペースは展示壁面を持たない。したがって、展示する場合は展示台や仮設壁を用意する必要があり、どちらかというと、そもそも壁を必要としない立体やインスタレーション作品の展示に向いている。「画論」をグループの由来とする日本画が出自のわれわれ〈ガロン〉は、この度、この三つのスペースで段階的な展示を試みる。TOP終了ののちは、後期として同所で展示した作品の一部を南エントランススペースに持ち込む。このとき、展示ではふたつの「変身」(メタモルフォーシス)が起こっている。TOPと南エントランススペースでは、壁のある空間からない空間へと展示場所が変化したことによる作品形態の「変身」が。TOPと南エントランススペースは壁面の有無という、絵画作品の展示にあたってはきわめて大きな違い(障害とも言える)があるので、7階で展示した作品はそのまま持ってきては本来的には展示ができない。われわれは作品は変えず、展示方法の変更を試みることで、作品形態の新たな展開・更新を実現したいと考えている。)、近代以降の日本画が展覧会及び美術館という制度の確立によって特定の建築から離れ、ポータブルな存在となったことを考えると、これは退行のようにも見えるかもしれない。われわれがここで実現しようとするのは、建築からの自立(前者)と、建築への接近(後者)の双方であり、このふたつの対極的な展示を通して、自らの絵画の形式を問い直すとともに、新しい作品の可能性について模索したいと考えている。「時間」(前期)と「空間」(後期)の変化がわれわれにどのような「変身」をもたらしたか、ふたつの会期を通し、その顛末を見届けていただきたい。)]関連イベント出品作家による展覧会をめぐるトークイベントを実施します。WALL参加費:無料。会場にお越しください。「日本の伝統的絵画を出自としている私たちに提示出来るものは何か」という思いから作家主体の自主企画として2007年に発程しました。日本の伝統的絵画の文脈を通じて得られたものを、私たちの世代が歩んできた時代背景を通して表現及び発表というかたちで昇華することを目的としています。『日本背景』」を開催しています。6月29日(土)から始まりました。終了は10月20日(日)。作品と向き合う長い時間のはじまりを、担当者として嬉しく思っています。概要は前回投稿した通りですが、もう少し、個人的なものもここには載せてみたいと思います。佐藤さんにこの企画をご相談していた頃、原稿の日付を見ると2018年11月25日。「展覧会を構成していくにあたり、小金沢さんがどういう意図を持っているのか、教えて欲しい」といった佐藤さんからのご要望があり、書いたテキストです。その後、時間を経ているために、多少認識の変化は自分の中であるものの、これもまた、展覧会に対するひとつの導入になるかもしれないと思い、アップしたいと思います。佐藤直樹《はじめの「そこで生えている。企画意図(2018年11月25日)私にとって佐藤直樹さんは「絵を描く人」だ。このことを簡単に「多面的」と言ってしまうと認識を見誤る可能性があるが、まず、私が佐藤直樹さんをどのような人として認識しているのか、そのありようを描写してみることから始めてみたい。私が佐藤さんのことを「絵を描く人」だと考えるのは、印象強い出会い(ただこれは一方的なものである)が、佐藤さんの絵の展示であったからだ。studioで行われていた(「人・物・画」展)。そのオルタナティブな学校は、だからこそ、本当にさまざまな人たちが集まっている。立ち上がったばかりの超・日本画ゼミもその例外ではなく、佐藤さんは超・日本画ゼミの受講生(第1期生)だった。いま、佐藤さんから話をうかがったうえで当時を俯瞰的に見ると、その頃は、佐藤さんの中で絵を描くということがどんどん高まっていた時期のことだった。私自身佐藤さんのアートディレクター、デザイナーとしての仕事をつぶさに知っていたわけではなかったため、間島さんから、「佐藤さんはこういった仕事をされているアートディレクターなんだよ」と教えていただくにとどまっていた。いう領域の中で、佐藤さんの仕事を十分に認識する余地が、この頃の私自身になかった。ちなみにこのシンポジウムは、震災後、美術やデザインが何ができるのか?という学生からの声に、先生方がまさしく応答するのもとして企画されていた。佐藤さんもまた、震災を契機にして絵画制作へと重心を移してくのは、後日知ることとなる。地下空間で、延々と絵を描いている佐藤さんを見た。作品は今なお制作が続いている木炭壁画《「そこで生えている。そこには、小林正人さんをはじめとして佐藤さん以外の作家の作品もあったが、淡々と植物の絵を描き続けているその光景が、今なお強い印象として残っている。多摩美術大学でデザインを教えている方が、地下の水がしみこんでいる、ちょっと普通ではない空間で、ベニヤ板を壁に建てつけ、木炭で植物を描き続けている。その光景の不思議さ・不可解さ。ここでなにが起こっているのか?そうして、私にとって佐藤さんは、「絵を描く人」としての認識が上書きされていくことになる(なおTAT2013の作品はその後、《その後の「そこで生えている。」》と区別されるようにして、《はじめの「そこで生えている。」》とタイトルを変更している)。私が佐藤さんの本や雑誌のアートディレクション、エディトリアルデザイン等の仕事を具体的に知るようになっていくのは、それら「絵」よりも後のことだった(しかし時系列としては、佐藤さんとしてはアートディレクションやエディトリアルデザインの仕事が、言うまでもなく先んじている)。絵以外の仕事を知るようになるのは、私が2015年から超・日本画ゼミの講師の一人になってからだろうか。修了し、その頃は「絵と美と画と術」講師をしていた。授業の時間が重なるということはなく、美学校内で会うことは基本的にないのだが、同じ場所にいるのだと私自身は一方的な親近感を感じ、そのなかで絵以外の仕事を知っていくことになる。iT』(2003-2008)は私がまさしく学生時代に創刊され、よく読んでいた雑誌だった。いえ、私と佐藤さんとの出会いが、「アートディレクター」、「デザイナー」としてではなく、「絵を描く人」としてであったことは、私にとってはやはり大切なことで、基礎になっているのは疑いようがない。いう群馬県太田市に新たに開館する施設の開設準備の仕事に携わることになった。スパイラル/ワコールアートセンターが総合ディレクションを受託し、展覧会の企画が構想されていたが、そのなかに「本と美術の展覧会」というシリーズがあった。美術館と図書館の複合施設という日本では類例がほとんどないその施設で、「本」そして「美術」をつなげるような展覧会をする。美術と図書の場所だからこそ必然性のあるその企画であったが、具体的な展覧会の構想となると簡単ではなく、「本」というのも私の専門ともちろん重なりはするものの、その領域の広さと深さに対してめまいがしたものだった。展覧会としての明確なビジョンがあったというよりは、そうして大きな風呂敷をひろげる中で、後進の公立美術館としてなにかユニークなことがしたいという思いがあったのは間違いない。一つの案に、タイポグラフィやグラフィックを構成のひとつに組み込んだ展覧会があった。いま企画書を見直してとりわけ目新しい視点によるものではないが、このとき、佐藤直樹さんに、一緒に何かできませんかとご相談したことがあった。そのときは、(奇妙な言い方だが)いわば文字やデザインに精通した「アートディレクター」、「デザイナー」としての佐藤さんにご相談している。トークイベント「絵・文字2010」に対するもので、自分が「本」と「美術」を問題にしているように、佐藤さんが(その問題意識と重なるように思う)「絵」「文字」を両方の実践者として考えていることに惹かれていた(ただ、この企画は結局、さまざまな理由で実現しなかった)。「考える」ということが、佐藤さんと対象(デザインや絵)との関係において大切なのだとよく思う。「『デザインプロジェクト』ってなんだ?」と問いを投げかけている)。終わりが見えない《「そこで生えている。」》からは、絵に対して距離を取るというより没入的にも一見みるが、そのなかでの展開を考えているところを見ると、やはりそれは没入ではない。佐藤さんは、たとえ慣れ親しんでいる場所であっても対象に対する思考を固定させず、考えることによってやわらかにしている。日本画であれ、木炭壁画であれ、アートディレクションであれ、エディトリアルデザインであれ、それらを私はつい別の領域の仕事であると考えてしまいがちであるが、はたして本当にそうなのだろうか、と佐藤さんの仕事を見ていると考えさせられる。「本と美術の展覧会」は、2017年の開館以来、第1弾「絵と言葉のまじわりが物語のはじまり〜絵本原画からそうぞうの森へ〜」では絵本原画と物語(性)、第2弾「ことばをながめる、ことばとあるく––詩と歌のある風景」では言語による表現と視覚表現の共同を大きなテーマとして実施し、美術家、イラストレーター、小説家、詩人など専門の異なる作家たちの話を聞き、議論も重ねる中で生まれた作品と展覧会は、いずれも一筋縄ではいかなかったが、充実した成果をあげ、本と美術というものをめぐって(めぐろうとして)、決して単純ではない、その複雑な回路をひらきつつあるという実感がある。佐藤直樹さんの個展は、この2回の蓄積を経て、第3弾として構想をはじめたものだ。佐藤直樹さんのこれまでの仕事を、デザインも壁画もある意味ではいっしょくたに、しかし敢えて「本と美術」というフレームのなかでとらえようとしてみること。することで、見えてくるものがあるのではないだろうか。シリーズでははじめての個展として、デザイナーであり、絵描きである佐藤直樹さんという(私にとって)特異なひとの展覧会を実現したい。そんなことはないだずだ。問題をねつ造してはいないだろうか?答えを出したいということではない。いった問いを持ちながら、佐藤さんの仕事の全体を展観することが、いまの自分にはない新しい「本と美術」の回路を開くのではないか。それは「本と美術」というフレームを結果として解体するものであるかもしれないし、予想外にその枠組みを強化するものになるのかもしれない。今はまだそれが見えていないが、見えていないからこそその場を作ることが求められていると、私自身は感じている。本と美術の展覧会第3弾として、「佐藤直樹展:紙面と壁面」を企画・構想するものである。)の開催まで、あと2週間を切りました(2019/6/29-10/20)。2017年の開館時から継続的に行っている「本と美術の展覧会」シリーズの第3弾。)を同時に展観するものです。することで、「デザイン」と「絵画」は異なるジャンルでありながら、佐藤さんのなかにある「循環性」を見つけることができるのではないか。「本」と「美術」もまた異なるものでありながら、そこになにか共通のものを見出せるのではないか、というのが出発点となって準備を進めてきたものです。このような機会は佐藤さんにとってもはじめての機会ですので、ぜひ展覧会にお越しいただけたらと思います。さん、私・小金沢智での鼎談(6/29)。さん、佐藤直樹さんの鼎談(7/6)。詩人・管啓次郎さん、佐藤直樹さんの対談(8/4)。楽しく、刺激的なお話を聞くことができるのではないかと思います。このほか、都内でのイベントも企画中ですので、これは決まりしだいお知らせさせていただきます。ここまで来ていただければ、「改札を出て徒歩10秒」なのですが、なかなか、そうして来るまでが「どうやって行けばいいのか」という方も多数だと思いますので、昨年も載せた、日本各地からのアクセスを再度アップしておきます。—--1東京の東側から浅草駅or北千住駅から特急りょうもう号で約70分〜90分。電車は1時間に1〜2本。湘南新宿ラインで埼玉の久喜駅まで行き、東武伊勢崎線で約60分。特急りょうもう号は久喜駅からも出ているのですが、久喜まで来ると、太田までの乗車時間はそれほど変わりません。東武伊勢崎線の普通列車で約60分、特急りょうもう号で約40分。そもそも本数がどちらも多くないので、タイミングで使い分けがベターです。宇都宮線行きに乗車、埼玉の久喜駅へ。常磐線で北千住駅へ行き、特急りょうもう号に乗車、約70分。3関西から京都、大阪から太田駅まで夜行バス有り。https://www.bushikaku.net/search/gunma_osaka/ota_/4東北から仙台から太田駅まで夜行バス有り。埼玉県の熊谷駅から太田駅まで直通のバス有り。http://www.asahibus.jp/html/station/st_kumagaya.html—--加えて、近隣のおすすめミュージアム・展覧会情報をお知らせします。本展は6月29日から10月20日までと会期が長いので、ぜひほかの美術館やイベントなども回りつつ、太田も楽しんでいただけたら嬉しいです。まで!PCからの方は↓を開き、場所の検索しつつ見ていただけるといいかもしれません。14」(7/13-9/1)開催中の展覧会2:「詩をかたどる、詩をきざむ-祈りの庭へ。森村酉三とその時代」(9/21-11/10)開館時間:9時半〜17時アクセス:JR高崎線・湘南新宿ライン・上野東京ラインまたは上越・北陸新幹線で高崎駅下車(新幹線は東京駅より約60分)。JR高崎駅東口より、市内循環バスぐるりん「群馬の森線」9系統(約38分)、10系統(約26分)、または「岩鼻線」15系統(約25分)で、いずれも「群馬の森」下車。:nakanojo-biennale.com/----------*ミュージアムごとで休館日や開館時間などが異なりますので、複数回られる場合はご注意ください。情報は正確であるよう心がけてまとめていますが、誤りや変更がある可能性があります。各HPなどで改めてご確認の上、ご利用ください。美術館・図書館にて「内田あぐり――化身、あるいは残丘」がオープンしています(6/16まで)。館長の水沢勉さんとともに壇上に上がらせていただき、お話しをさせていただきました。私からは主に、ドローイングについてと、作家とモデルとの関係についてなど。本展は初期作品から最新作まで40年以上の作品の展開をたどるもので、しかしただ時系列に並べるのではない構成が、大きな変化をしながらも、作家のうちに不変の部分があることを伝えるものになっています。「ドローイング・クロノロジー」と題して1970年代から2010年代のドローイングを100点程度まとめて展示しているのも見どころの一つ。会場で見ていただきたいため写真は載せませんが、縦8メートルの大作《残丘――あくがれ》(2019年)は、現時点での集大成とでも言える記念碑的作品です。会場では、昨年、私が聴き手で、岡安賢一さんの撮影・編集で制作した内田あぐりさんのインタビューも流しています。実はこのとき画面後ろに見えている作品が、今回の新作《残丘――あくがれ》であったとは...。YouTubeにもアップしていますので、ぜひ何度でも見ていただきたいです。国書刊行会から刊行された図録は学芸員の執念を感じさせるもの。代表作も網羅されたレゾネ的構成になっています。ドローイング』(求龍堂、2008年)しかありませんので、貴重な作品集です。私は「内田あぐりのドローイングーその創造のエキス」というテキストを書かせていただきました。展覧会をご覧いただきつつ、図録をお求めいただくのがベストです。