宗教性もありインテリジェンスもある。若い頃に老成したのだろう。澤田を発掘顕彰してこられた寺西進氏を通じて入手したのが、この「凶作の年」1987年頃である。岡田三郎助や児島虎次郎を彷彿させるくらいの密度の高さと深い色彩、まるで明治末~大正期に描かれたといってもいいくらいの古格が備わっているのは尋常ではない。以下、ネットに出ている澤田文一に関するものを参考までに記してみよう。1澤田文一は作品を描く時に、まずはキャンバスを真っ黒に塗りつぶすそうです。その真っ黒に塗ったキャンバスに色を付け、どんどん光を与えていくことによって、澤田文一の作品は完成します。このような特殊な描き方をするのかというと、これは澤田文一の幼いころの経験が影響しているそうです。澤田文一は北海道に生まれ、幼い頃から貧困と北海道の厳しい寒さに耐えながら苦難に満ちた日々を送り続けていました。いった経験が、心の闇を生み出し、それを絵画という作品で表現しているそうです。澤田文一の作品は、苦難に満ちた日々をそのまま作品にしているようには思えず、そこには闇の底から這い上がる人間の強さや、慈悲の心なども感じる事ができます。そんな、澤田文一の作品に目を付けた画廊の主人に力添えもあって、澤田文一は一躍時の人となりました。長い間消息不明となってしまい、人々の心から澤田文一の記憶が薄れてきた頃、また別の画廊に助けられ、作家として見事な復活を遂げたのが2012年の出来事でした。厳しい寒さと貧しさに耐え、聖書、ギリシャ神話などをひたすら学び、その精神を力一杯画面に表現してきましたそれが、澤田文一の絵が特異である主因になっています。誰にも媚びず、ひたすら自分の世界を描くにも関わらず、彼の絵には人間に対する愛が溢れています。自分は極貧に喘ぎ、家族もいない孤独な生活を続けながらも常に弱いものに対する愛情が最優先する人生を送っています。寺田の1937年といえばシュールに移行していた頃であるので、このようなマチス風のフォーブ作品は珍しいと思う。画商のS氏は東京美術倶楽部の業者の交換会で入手したものと話してくれた。この時期の小品の多くはほとんど残っていないが、その中には地方の画廊や百貨店での個展や売り絵も多くあったろう。この作品は20代半ばの貴重な初期作であることには違いない。葡萄はキリスト、蝋燭は神を意味しているのであれば、神の足元にひざまずくキリストという宗教的なシュールな意味も込めた作品かもしれない。いずれにしても、今後の調査が待たれる興味ある作品だ。新発見の傑作と言えよう!1950代の藤松作品がまだ残っていたとは驚きだ。三重の古美術商から京都の画商を経て私の所へ来た。戦後の日本美術において瀧口修造の果たした役割は非常に大きい。その象徴的な仕事が新人発掘の「読売アンデパンダン展」や「タケミヤ画廊」での活躍である。タケミヤでの200を超える個展中で3回と最も多く開催されたのが藤松であった。瀧口の書斎には藤松の代表作が掛っていたのはよく知られている。お気づきの方もおられるかもしれないが、この作品はイサムノグチの師であるブランクーシの接吻に想を得て描いたものであろう。知られている初期作にも名品はいくつかあるが、この作品はそれらに匹敵する。1953年のタケミヤ画廊での初個展に出品された「つむじ風」という作品が知られているが、おなじ薄塗りで同サイズ15Mであることから、この作品も1953年のタケミヤでの個展に出品されたものと推測している。機会があれば展覧会で多くの人に見て頂きたいものだ。はじめ多くの批評家から高く評価される。1959」年(昭和34年)から2年半のニューヨーク滞在の後、「ひとがた」や「旅人」シリーズといった独自のスタイルを生み出し、煤や型紙を使った表現や繊細な素描に“光と影”を追求するが、終始自己(人間)を問いながら、求道的とも言える制作を貫いた。つながりを深めた作家としてのスタンスも特筆される。卒業後、郷里に帰り教職につくかたわら、絵を独学した。昭和6年、第18回二科展に「ジャン・コクトオの『夜曲』による」が初入選。専念するために教職を辞して、上京。この頃より、いち早くシュルレアリスム的な表現をとりいれ、社会意識の強い作品を描くようになる。)など、暗転する時代を表現した代表作が描かれている。戦後は、同26年に、美術文化協会を退会して、翌年美術団体サロン・ド・ジュワンを結成、以後同会によりながら作品を発表した。山梨県立美術館の学芸員によれば1940年代後半~1950年代前半くらいの作品ではないかとコメントを頂いた。戦前のダリ風のシュールが有名だが、このようなシュールも魅力がある。目利きの友人曰く「篭の取手の輪郭を白抜きするのがシュールなんだよなあ~」。この時代の米倉の作品も見かけなくなった。日本にはシュールは根付かなかったが、「優しいけど棘がある意味深な」このような作品も現代のわれわれには新鮮に映る。おいての新発見である。発掘された作品であろう。この幸運に感謝したい。この作品は1922年にアンナ・パブロワの来日公演を見ての作品であり普門の感動が伝ってくる。資料的にも非常に貴重で興味深い内容の作品と思う。専門家の意見・・・1普門暁作品について、手元にある資料を調べましたが、出品歴については確認できませんでした。さがす必要がありそうです。そのときの目録があるといいのですが、私は見たことがありません。これらの個展についてはま調べたことがないので、機会をみて、国会図書館などで調べてみます。現存する20年代初期の普門の作品として貴重です。行なったパブロワというのも興味深いことです。彼女のために振付けられた「瀕死の白鳥」を踊っている場面ということで二重に興味深い作品です様式的には、それ以前の作品より荒々しいタッチで描かれており、抽象的になってきているように思います。3出品歴を確定するのはむずかしそうですね。パヴロヴァが来日したのが1922年の9月で、関西での公演は翌月のようです。すると彼はもう未来派美術協会からは離れてしまっているし、二科展や大阪美術協会展にもこの題名の作品は出ていないですね。普門については、1978年に奈良県立美術館で回顧展が開催されていて、薄いけれどもいちおうきちんとした図録が作られています。戦後の作品はけっこう奈良県美で持っているのですが、大正期のは平園さんがおっしゃるとおり、ほとんどないので貴重です。この目録の年譜のところを見ると、1923年の春に京都で個展を開いているので、このあたりが可能性としてはありそうですが、おそらく目録などは作っていないでしょうから、確実に同定することはきわめて難しいと思います。以上のように来歴を確定するには時間がかかりそうだ。明治29年8月15日奈良市に生れた普門が生後間もなく東京に移り、青年期を迎えて画家を志望し、偶々1910年代イタリアのミラノに起った未来派の美術運動に刺激影響を受け、大正9年秋、みずから首唱者となって未来派美術協会を創立し、以来数年にわたってわが国における前衛美術運動の口火を切って活躍したことは、わが近代美術史上の特異な存在として銘記されているが、戦後の晩年は帰郷して殆んど中央での活動がなかったので、奈良で生れ、またその奈良で生涯の仕事をひっそりと終えた普門については、一般に知られるところが少なかった。当って作成された目録中の貴重な「略年譜」によって、その生涯の大方を再認識することが出来る。その回顧展の骨子となった作品群は、このとき、普門家の遺族関係者から同家に伝存する限りの遺作品が奈良県立美術館へ寄贈されたのによったという。8月15日、普門常次郎・よねの長男として生れる。その後間もなく東京に移る。貴金属商を営んでいた叔父の仕事を手伝いながらデザインを勉強する。東京蔵前高工で建築意匠を学ぶ、また安田緑郎に師事しイタリア新興美術(未来派)等の表現技術を学ぶ。しても絵をやりたくて、蔵前高工を中退し、川端画学校に入る。ここでも新傾向グループのリーダーになり、紅児会と名づける。この頃看板等にコルクの焼絵を試みる。第1回個展(上野山下・三橋亭)、石井柏亭に二科会への出品をすすめられる。石井漠の踊りを描いた「フューモレスク」を出品。春、個展(日本橋・白木屋)。あしび会というグループ展を開く。二科展に絵をやめて彫刻を出品するが落選。首唱者となり未来派美術協会を創立。第1回未来派展(9.16~25、銀座・玉木屋)、会員約10人のほか、木下秀一郎等の応募者がいた。絵画のほかに未来派彫刻2点も出品、日本で初めての未来派彫刻の発表として問題作となる。10月、パリモフ、ブルリュックらが来日し、ロシアの「未来派美術展」を開催するのを援助(東京と大阪で同展は開かれる)。あり、大阪で新しい仕事を勧める人もあり、大阪に止まる。第2回未来派展(10.15~28、上野・青陽楼)には、座骨神経痛で芦屋から動けず、代って中心になって木下秀一郎が動いた。その後、同大阪展を本町の商工会議所会館で開く。主催で、第3回未来派展を拡張して三科インデペント展が開かれるが、同協会の解散説を唱えて参加しなかった。春個展(京都及び東京)。大阪に演劇映画研究所が開催され、演劇舞台美術を指導。東京に産業美術研究所を設置、未来派技術と感覚をデザインに移入、生活美術としての新分野を開拓。身体障害者の社会復帰に寄与しようとするものでもあった。これらの製品(団扇・ネクタイ・切り絵等)は東宝劇場内の販布コーナーで市販した。日大美術科の講師となり、翌年、主任となる。日大美術科主任を辞し、講師として出講。G・H・Qの日本美術顧問となり、米軍だけでなく米国への日本美術紹介に骨を折る。アーニーパイル劇場に新設美術会場を開設。肝臓を悪くして東京日赤に入院。開き、洋画やデザインの指導にあたるが、健康はすぐれなかった。寄寓し療養に専念する。健康を取り戻し、手はじめに王寺工業高校の記念碑「希望の像」を翌年にかけて制作する。同寺奥院のお茶所を改造してアトリエとして住む。この頃から、水墨の抽象画に打ちこむ。ニューヨークで個展を開くつもりで後期未来派作品の制作を始める。2月、蜘蛛膜下出血で倒れ、大阪の暁明館病院に入院。私は日本の近代具象彫刻家として頂点にいる作家が岩野勇三と考えている。この意見に彫刻を知る人間なら賛成する人はいても反対する人はいないだろう。群を抜く技術とそれを突き抜けた感性がその魅力なのだ。彼の作品が市場に出てくることは希であるが、どうにかこれで3点の蒐集となった。「造形の鬼」と言われた岩野勇三、全盛期の男性肖像である。非の打ちどころのない出来は、彫塑を勉強する学生には大いに役立つ事だろう。題名から医師がモデルである可能性がある。特定できれば幸いだが・・・ご存知の方はお知らせください。大正2年8月5日生まれ。昭和11年国画会展に出品。のち建畠大夢の直土会に出品。人体像を得意とし,公共の記念像も制作。平成15年4月10日死去。作品に「エドウィン・ダン銅像」など。豊島区千早には2004年に開館した峯孝作品展示室があるが、震災の影響で現在休館中である。著名な作家にもかかわらず、作品集がないのが残念である。この首は晩年の作品であるが堂々とした立派な首である。作家の実力が窺い知れる。一刻も早い展示室の再開を待っている。(昭和55年三谷時代)コレクション25点を処分し、その資金で買った待望の利行作品である。2014年11月~12月に羽黒洞とフクヤマ画廊で開催された「長谷川利行」展に出品された作品である。大きな展覧会となった。旧知の福山茂氏から譲って頂いたものだ。油彩の輝きと筆の走りが見事な作品であり小品だが利行作品のなかでも優品の一つと言ってもイイだろう。旧ヴィンセント・プライスコレクション日本では忘却されている感があるが、戦後の在外作家の代表格としてユニークな活躍と実績がある。この作品は著名なビンセントプライスコレクションであり、おそらくパリでの個展出品作のひとつであろう。抽象に移行している時期の作品で、鉄骨の柱の前にさまざまな大きさの壁がさまざまなマチエールで表現され継いである。佐藤の実験的な試みが見て取れる。日本橋画廊シール、大阪フォルム画廊シール1969年の日本橋画廊での個展出品作である。宮崎進は日本洋画壇の現役最長老の作家のひとりだ。安井賞を取った時期の画風であり、この時期の具象作品は心惹かれるものがある。共箱1973年に香川県文化会館での回顧展に出品された作品そのものである。共箱には香川県文化会館の出品シールが貼られている。と4人で組織した八手会は特筆されるべきだろう。大正~昭和初期の浪漫の芳しい香りを放つ松下水彩である。代表作といってもいいだろう。尊敬する故梅野隆館長が蒐集し世に再評価させた夭折の画家である。30歳という短い生涯の中で前半の5年は水彩画家として活躍した。ゆえに作品の数は少なく、このような大型の優品がまだ残っていたとは驚きだ。「松下春雄」展があるとの連絡を受けた。この作品も出品されることになるだろう。梅野さんが私を通じてこの作品を地の底から浮上させたのかもしれない。1875-1924が2013年に開催された。この作家は近代日本彫刻集成にも掲載されている重要な作家の一人だ。大正期に外遊しているのでその時に関連した作品ではないかと推測している。明治から大正の夭折作家の貴重な作品であろう。今後の進展を期待している。第1人者、鈴木は1930(昭和5)年、高畠町屋代に生まれ、戦禍を逃れ故郷に避難していた米沢出身の彫刻家桜井祐一の門に入り、彫刻家を目指した。日本美術院、S.A.S.、国画会に意欲的な作品を発表し、1978年、第7回平櫛田中賞、1985年に第16回中原悌二郎賞、そして2000年の第1回円空賞と数々の大きな賞を受賞している。鈴木の彫刻の多くは肖像彫刻であり、自己の存在とは何か、妻、家族、他者とは何かを問い続け、生きることの本質に迫ろうとする厳しい制作姿勢を貫いている。具象彫刻家(木彫)としては最後の巨匠と言ってもいいだろう。この作家の彫る芭蕉像は有名であるが自画像の風が漂う。作家本人もそのような心持で制作していたと勝手に思っている。アトリエで没したがその傍らには彫りかけの芭蕉像があったという。円空賞を受賞した折りの受賞理由がネットに出ていたので参考までに記載させて頂く。鈴木実氏は、日本の伝統的な木彫技術を身につけ、確かな技術に裏付けされた独自の肖像彫刻の分野を開拓した。肖像彫刻は、鈴木氏の記憶を通して再現され、モデルの個別性と普遍的な人間像を合わせ持ち、空間的に圧倒的な緊張感を作り出している。鈴木氏の作品の根底に横たわるのは人間の持つ本質的な孤独と不安である。代表作「家族の肖像」では、互いに視線を合せることのない家族像でありながら、強い絆で結ばれているという奇妙さと悲しさを表現しているが、この作品に象徴されているとおり、鈴木氏は伝統的な技法でもって近代日本の空虚さを効果的に表現している。その作品には、単に外見から受ける印象にとどまらず、人間の隠れた内面も書き出し、見る者の心を癒してくれる点で、円空賞の受賞者としてふさわしい人物である。朗風は、明治29年(1896)8月17日、東京に生まれ、まもなく母親きくを亡くし父親常市(島根県平田出身)に男手一つで育てられた。大正5年(1916)文展に「春なが」が初入選し、早くから注目される。三年後の大正8年には院展に「エバ」を出品、横山大観を感嘆させたといわれる。その後も連続入選するが、院展の審査に疑問を持ち脱退。大正13年から帝展に出品し、再三特選候補にあげられながら涙をのむ。青龍賞(戦前は朗風、戦後は横山操の2人しか受賞していない)を受賞し川端龍子と並び賞されるが、昭和9年には脱退し明朗美術連盟を設立する。自らの画境を確立しようとする矢先の昭和12年4月15日40歳という若さで生涯の幕を閉じた。「おそろしい将来を持つ日本画壇の一人であった。何と言っても早く死なせた事は惜しんでも餘りあることである。」朗風の死を悼んだ親友の藤田嗣治が残した言葉である。35歳の個展出品作である。現存の邦人洋画家としては圧倒的な画力と異才を放つ作家の一人だ。目の肥えたコアなファンを持ちプロの絵描きからも一目置かれている存在だ。市場にはあまり出てこない作家だが、幸運にもこれで2点目の蒐集となった。藤崎がフランスに居を移して30年が過ぎました。「僕の描きたいものを描きたいようにかく」といって日本を離れた彼は、バブル景気が支えた絵画ブームにも、まみえることなく自分の作品を描きつづけました。彼の絵はあくまで人の内面に語りかけ、そして切り裂くような凄みをもっています。「絵の本当の評価なんて時代が決めることだよ」と彼はよく口にします。人は目で絵を見、そして心で見てきました。名画といわれる絵が年月を経ても人の心を捉えて離さないのではないでしょうか。確かに画面全体からの第一印象として、藤崎孝敏の油彩は、やや古風に映るかもしれない。その前に佇んでいると、今現在、パリの異空間に身を晒して生きる画家の烈しい息づかいが、こちらになまなましく伝わってくる。茶褐色の暗い画面が一見、ほっと安堵させる。実は、画家の内面を観るものの内面に同化させてしまう内発力の伴ったデモニッシュな作品なのである。藤崎孝敏の油彩を特徴づけるのは、沈黙を破って展開し、また深い沈黙に還る闇と光の相克だ。闇から生まれる光の情動のように思われる。闇は画家の炎える内面そのものであり、そこから沈黙を破って、光を求めて外部へ向かおうとする形象こそ、藤崎孝敏の油彩世界といってよいだろう。藤崎孝敏の画面空間には、ことばにならないことがば隠され、うごめいている。本作は第2の全盛期である1950年代の貴重な作品である。見ての通り、ダリを彷彿とさせるシュールなモチーフが古沢流で描かれている。彼のシュルレアリスムな静物画は他の追随を許さない個性が発揮されており気持ちがイイ。それぞれが有する艶や光沢は、丁寧な筆運びによって的確に描き分けられており、モチーフをデ・キリコ風に配することで、メリハリを持たせ、アンバランスな安定感が生まれている。配色にも意匠が凝らされ、画面上で一際目立つオレンジをアクセントにし、その鮮やかな色彩によって視覚を刺激する。作者のユニークな眼差しが、題材の特徴だけを捉えるのではなく、そこから発展させた不思議な世界を写し出す。退学し、親類をたよって朝鮮大邱に渡るが、28年に上京して、岡田三郎助宅に寄宿する。あった「長崎アトリエ村」に移り、ここで画家たちとの交友をひろげるとともに、前衛美術を志向するようになった。38年3月、第8回独立美術協会展に、シュルレアリスムに学んだ「蒼暮」、「地表の生理」を出品、一躍注目されるようになった。ら19名と創紀美術協会を創立した。同年10月に第1回展を東京で開催した後、解散。同会のメンバーの一部とともに、39年5月には美術文化協会結成に参加し、翌年第1回展から出品をつづけた。創立50周年記念に挿画コンクールをおこない、これに応募して当選した。43年応召、久留米の部隊に配属され、中国大陸に送られる。終戦後、1年間捕虜生活を送り、46年復員した。47年、日本アヴァンギャルド美術家クラブ発会に参加。戦後の作品として、48年の第1回モダン・アートクラブ展に出品の「憑曲」、52年の第1回日本国際美術展に出品の「餓鬼」、56年の第2回現代日本美術展に出品の「斃卒」など、戦時中の体験と、戦後社会の混乱を告発する作品として注目された。55年に美術文化協会を退会。6巻)の挿絵をそれぞれ描いた。古沢岩美美術館が開館。おいて「古沢岩美展」が開催され、初期から近作まで約130点によって回顧された。同展図録に、古沢自身が、「上から見れば「世間は虚仮」であろう。虚仮の世間の中に不易の真実を発見してこそ芸術は存在価値があると思う。私が社会問題を取上げるのは時代の証言を残すためであり、エロチシズムを主題に選ぶのは不易への挑戦である。」という言葉を寄せている。これは、戦後から一貫した古沢芸術のテーマと姿勢をものがたるものといえる。外遊し、1929年(昭和4年)の春陽会に出品した滞欧作は小杉放菴や山本鼎など多くの画家たちから絶賛された。春陽会70年史にはこの作品の展示風景も掲載されている。この時期の代表作が残っていたものだ。長谷川の滞欧期の名品を20年前にも見たことがある。それは神保町の高木美術であった。高木さんは既に鬼籍に入られたが、あの裸婦像は今も鮮明に思い出せる。長谷川の画風は私にとってはやや甘さがキツイ感じがしていたが、疲れた脳のには良い栄養になるようだ。第9回春陽会出品作この作品も344の「踊り子」といっしょに出て来たものだ。裏のシールの断片から春陽会の出品作と推測される。時代性のあるモダンな絵である。見ていてた楽しくなる絵も少なくなった。今となっては貴重な作品と言えるだろう。待合室にはピッタリだと思う。抽象彫刻の開拓者であり、権威や権力に媚びず自己の信ずる道をひたすら歩いた植木の骨太の生涯は”作家”魂そのものであった。彫刻コレクターの垂涎の的が植木の大型抽象彫刻なのだ!長い間、その出会いを待ち望んでいたが、ようやく美神が微笑んだ!「絵のある待合室」で植木のブロンズ作品を掲載したおり、私の強い植木への木彫思慕のコメントを読んだ京都の画商が連絡をくれたのだ。前に大阪の個人コレクターから小磯良平作品といっしょに買い取り、売らずに自宅の玄関に展示していたという。問い合わせて調べてみると、やはり個展出品作であることが判明した。作品画像が掲載されている現代彫刻センターのパンフが出て来たのだ。2014年島根県美で展覧会があったばかりでもあり、植木の再評価の機運が高まっている。この作品も近い将来、どこかの展覧会でお披露目ができたらいいと思っている。クルミ材ビッキの木面シリーズがようやく手に入った。所有していた木面の優品は知人の美術史の先生(イタリアの国立大教授)に請われて4年前に手放した。ビッキファンの一人としてやはり木面は持っていないと淋しくて仕方がないものだ。おのれ」と書いた己面だ。当て字の「き」の字を当てはめるのが通例だが、図らずも己の「き」となったのはビッキの自画像的思惟もあるのだろうか。同形の作品がビッキ作品集(用美社)P74右下に掲載されているが、こちらの作品の方が出来が良い。来歴は所有者の父上がビッキが内装を手がけた有名な「いないいないばぁー」を通じて入手したものだという。ビッキは1975年から数年間木面をつくり始めることになる・・・第1回木面展を札幌の仏蘭西市場で開催しているので、その時の出品作であろう。ビッキにとって木面は造形実験であり、シュールレアリムスの美学と通底するものがある。抽象と具象を越えている。仮面意識の変貌願望とか、神とか動物とかへの接近とか、あるいは儀式の中の悪魔への変貌、神への変身的な仮面の意味をなるべく避けつつ、「き」という発音による文字が多数あることを発見し漢字のもつ多様な意味を結びつけようとしたものだ。「仮面の裏側は虚無がぎっしりつまっている」・・・という澁澤龍彦の言葉を引きながら、「人間の顔が入る部分を彫りこむとき、その虚無を実感した」と告白している。十河厳(そごうがん)は最後の大阪朝日会館館長(4代目)を務めた大文化人で知られている。関西学院大の院内サークル弦月会のメンバーであり、昭和3年卒の同期のメンバーに具体の吉原治良がいる。この作品は大阪の旧蔵者が十河が館長時代に朝日会館で個展をした時に求めた作品だ。館長時代が1946年9月~1958年10月なので、その間の作品である。大阪の旧蔵者の方は1950年後半に十河の個展で購入したと証言している。1950年代後半としていいだろう。この時期にこのような作品を描いていたとはゲンビや具体美術を彷彿とさせる。研究者の方からのコメントを参考までに記載させて頂くことにする。(略称ゲンビ)」に加わっています。ゲンビは、美術団体やジャンルの垣根を超えた討論の場として構想され、1953年から1957年まで、例会や毎年一回ゲンビ展を開いていました。ご遺族の話によれば1960年初頭には絵の制作は止めているので、この作品の制作年代は1950年後半でよいと思われます。第二回発表会」(1958年)は十河が館長を務めていた朝日会館で実施されましたし、具体の活動についてはよく見知っていたと思われます。吉原治良が国際路線にのるまで」という手記より窺えます。貧しい無名の盲目の壮年が英雄に見えるほどに藤崎の慈愛が読み取れる。小品だが素晴らしい出来だ。このように技術だけでなく人間の本質を描ける画家は少なくなったのではないだろうか。一瞬、ぎょっとする絵である。孝敏31歳の初期滞欧作である。題名は「恢復期」とある。「病み上がり」という事だ。医師である私にとって捨てがたい作品なのである。和製スーチンといってもいいような素晴らしい少年像である。重い病になり、ようやく命拾いしたのだろう。幼いながら死を悟ったような余裕さえ感じる透徹した瞳、老成した哲学者ような風格、腹の決まった男の顔である。痩せ細った青白い肌に、乾いた田んぼに水が流れ始めたかのような細い血管の束が渦巻いている。恢復期(回復)であることは間違いないであろう。30年経ったこの少年が、今は元気で暮らしていることを祈っている。油彩この作品と同構図である30Fの多宝不二(作品集No126)が仏政府買上げとなった。仏政府は日本の魂である富士を描く画家として二重作を最高と評価したのである。二重作は25Fの多宝不二(作品集No147)も描いている。画集の中のコメントにこう記している・・・仏政府買上げの作品と同構図だが私としては、この作品の方が気に入っている・・・画集掲載の25Fの多宝不二は妻の実家の応接間に掛かっている。違いは妻の実家の作品のサインは向かって左であり、今回の25Fの多宝不二はサインが向かって右なのである。双子の兄弟作品といっていい。ややこしいい話だが、・・・奇遇である。妻と結婚する前に彼女の実家に遊びに行った時、この富士があり感動したものだ。結婚してから義父がこれと同じ作品が3点あると話していたのを思い出した。一点はどこにあるのだろうか?ちなみに二重作と義父は友人でもあった。富士を描いた画家は多くいるが、二重作の富士は日本人が油彩で描く富士のひとつの頂点を示している。横山大観と同じ水戸出身の豪放磊落な二重作は大観にどこか似ていると思う。私にとって富士と言えば、日本画の大観、洋画の二重作なのである。十河厳(そごうがん)は最後の大阪朝日会館館長(4代目)を務めた大文化人で知られている。関西学院大の院内サークル弦月会のメンバーであり、昭和3年卒の同期のメンバーに具体の吉原治良がいる。この作品は大阪の旧蔵者が十河が館長時代に朝日会館で個展をした時に求めた作品だ。館長時代が1946年9月~1958年10月なので、その間の作品である。大阪の旧蔵者の方は1950年後半に十河の個展で購入したと証言している。1950年代後半としていいだろう。この時期にこのような作品を描いていたとはゲンビや具体美術を彷彿とさせる。研究者の方からのコメントを参考までに記載させて頂くことにする。(略称ゲンビ)」に加わっています。ゲンビは、美術団体やジャンルの垣根を超えた討論の場として構想され、1953年から1957年まで、例会や毎年一回ゲンビ展を開いていました。ご遺族の話によれば1960年初頭には絵の制作は止めているので、この作品の制作年代は1950年後半でよいと思われます。第二回発表会」(1958年)は十河が館長を務めていた朝日会館で実施されましたし、具体の活動についてはよく見知っていたと思われます。吉原治良が国際路線にのるまで」という手記より窺えます。コロー賞受賞作まさか、この作品が残っているとは思わなかった。フランスでは歴史があり権威のあるコロー賞だが、平賀亀祐が日本人で初めて受賞したのが1954年であった。この作品が日本人で2人目となるコロー賞受賞作品だ。コロー協会が年間を通じもっとも優秀な作品に贈られる賞だ。二重作はこの作品のコメントに「フランス人は色の微妙な諧調を大切にする」と語っている。中間色を品よく重厚に描き切る筆力はフランス人も絶賛したに違いない。光平は福井県出身の箏曲家、彫刻家、ハープ奏者。とフランスで10年間にわたってハープを修業し、マルセル・トゥルニエに師事。彫刻家としても国際的に活躍し、「日本のロダン」と呼ばれた。私にとって雨田は構造社のメンバーとして中心的な位置を占める彫刻家の一人だ。この作品は福井にある彼の記念館前に設置してある晩年の代表作である。雨田の作品が市場に出る事は珍しいと思う。(1989)三岸黄太郎は在仏作家であるが、大磯在住の湘南の作家でもあり、私にとっては身近な存在だ。フランスの心象風景や静物を独自の深い色彩と計算されたシンプルな構図で哀愁たっぷり描く質の高い作家である。この作品は三岸にとっては珍しい大型の裸婦作品だ。三岸の裸婦はやはり三岸の裸婦であると感じている。水彩紙この作品は当に若描きである良さがにじみ出ている。静かな絵であるが見ていて飽きない。1936年東京生まれ。高校時代に、瑛九らのデモクラート美術家協会に入会、リトグラフの制作を始める。62年読売アンデパンダン展にワッペンを連ねたレリーフ作品を出品し注目を集める。63年日本国際美術展で優秀賞を受賞。66年渡米、建築や都市計画に関心を移し、アメリカと日本でエコロジカル・プランニングを手掛ける。私は白嶺ファンの一人であるが、一連の白嶺の鳥木彫は他の作家の追随を許さない独自の刀味があると確信している。いつ見ても流石である。彼の分厚い評伝にはこの肖像画が掲載されている。作者のモシェレスは高名な音楽家の父を持ち、エスペラント協会の会長も務めた知識人で、ブランギンとも親交のある英国の画家として活躍していた。いつか、夫婦並べてあげたいと美術館関係者と話をしている。<追記>:それにしても英国洋画の実力は凄いものだ。明治期の日本では五姓田義松や原蕪松を思いつくが、本場の肖像画の出来は見事だ。明治9年の若き外交官の意気込みと責任感が爽やかに描かれている。明治初期の日本人を描いた資料的にも貴重な作品である。回顧展には必ず出品されてきた初期滞欧期の代表作である。師と仰いだ梅原に誘われて春陽会から国画会へ移った初めの展覧会に本作を含む10点の滞欧作を出品している。3人が印象的だが、三岸、俣野は夭折し、久保は堅実に画家人生を全うした。唯一の木彫家であり、中心人物でもあった鬼才である。江戸の伝統的「粋」を現代木彫に体現したその独自の東洋的作風は他に類例のないもので、高村豊周や長谷川栄作らが高く評価していた。三重三は挿絵の大家として名を残しているが、彼の業績は日本彫刻史に正当な評価がなされるべきだと思う。戦災で作品のほとんどが失われたしまったと言われているが、このような作品が存在していたおかげで、当時の三重三の実力が窺い知れる。品とカッコよさを併せ持つ貴重な代表作と言っていいだろう。近代木彫の新発見としたい。作品集掲載作品ルドルフ・シュタイナー研究で知られる高橋巌に影響を受け、精神世界を幻想的・神秘的に表現する画家として知られている。カトリックと禅を基盤にドイツ(ケルン)を中心に活躍していたが、2015年11月に逝去された。横尾作品はたびたび目にしていたが、この作品は代表作でありオペラ「魔笛」の一場面からの幻想絵画である。このような作家はこれからもそうそう世に出てくるものではないと思う。出て来たものだ!草家人の全集や作品集では知られていた代表作である。石井鶴三イズムが好ましい院展彫刻を代表する作品といえよう。古澤作品の髑髏の絵には優品が多い。この作品も鎮魂の一枚であろう。南方に散った日本兵のせめてもの思いがトルコキキョウに表れている。松本市美で展覧会が開催されたが、今後の展開が是非必要な戦後を代表する重要作家だ。忘却されないようにしたい。油彩キャンバス国際的彫刻家の粋な一枚。オブジェ作品にも通じる斬新さが魅力的な油彩だ。土井俊泰は茅ヶ崎ゆかりの作家で師匠が菅野圭介である。この風景は新婚旅行で撮った写真のバックにある風景と全く同じなので入手した。私にとっては思いで多きトレド風景である。この1作に矢野の全てが凝縮しているように感じている。矢野作品の優品はほどんど残っていないようだ。矢野をはじめ香川出身の彫刻家たちは地味だが実力者が揃っている。余談になるが、ご子息の矢野健太郎先生は、日本で一番有名な数学者でもあり私も「解法のテクニック」で勉強したことが懐かしい。絵好きなら誰もが唸るレンブラント佐分の名品である。裁縫をする老婆であろうか。2Pだが深く大きく感じる作品だ。ここまで凝縮した佐分作品はあまり見かけない。作家にとって何か特別の意味合いでもある作品なのかもしれない。川島の裸婦の代名詞的な作品である。「東洋のマチス」、「西洋の池大雅」の異名を持つ川島の特徴がよく出ている佳品だ。この時代の裸婦はほとんど見なくなった。12/20藤松のリトグラフである。展覧会には11/20が出品されていた。