黒と影響関係がありますね。Quadratで見たんです。びっくりしました、こんないい作家だったのかと。脱線しますが、作品の物理的なかたちと、作品に描かれたかたちが一致している、反復しているという指摘は、モダニズム、フォーマリズムの批評において重要とされています。私は、黒と黒の間の白には奥行を感じるので、フラットな絵だとは思っていません。ステラのブラック・ペインティングは、絵画の平面化の代表格とフォーマリズム批評では言われますが、作品を見た感覚としては、奥行があって、そんなフラットな絵ではないです。この作品には物理的なパネルの厚みがあります。私の感覚では、この作品にはわずかな奥行があり、その視覚的に把握できる奥行と、このパネルが持っている物理的な奥行が、実は一致するのではないかと考えています。これは倉俣史郎さんの作品で、まさにアクリルのかたまり。いう表現はこの素材がないと実現しません。これはデザインの分野ですが、物質がもっている可能性とか、オブジェクティブなものだけではなくて、重力/無重力とか、あとは時間が止まっている感覚とか、そういう感覚も出てきているように思います。これはジャッドの絵画です。イリュージョンを生まないためにも黒が大事です。砂やアスファルトなどを混ぜたテクスチャーを作ったりしていますが、転機となったのが、ニューヨーク近代美術館が持っているこの作品です。これはパンを焼く型を中に埋め込んでいます。厚みが要請され、パンを焼く型という現実に存在しているものによって奥行が規定されています。先ほど奥行について指摘したステラのブラック・ペインティングと同じような構造が画面内にあるので、ジャッドはステラの作品を見ていてこの作品を作っている可能性もあります。こちらの作品に使われているのは、拾ってきたパイプです。ジャッドの作品集では、良くパイプが見える側から撮った写真が紹介されますが、私は、こちらは裏で、パイプが埋め込まれた面の方が作品だと思っています。絵画的な面に測定不能なイリュージョンを生む円を描くのではなく、実際に奥行を持っているパイプで、物理的に確認できる構造として作ったはずです。パイプが埋め込まれた黒の円は、倉智さんの窓の作品の黒でも指摘したような、空洞としての面となります。こちらは、単純なかたちの作品ですが、プレキシグラスの効果によって、内側と外側が反転するかのような感覚が生じます。こちらは、ドイツのバーデン・バーデンで発表された、トップライトで上からの光で見せる作品です。中に仕切りがあり、仕切りのエッジと底のプレキシグラスの反射で深さがわかりにくくなります。その効果で、エッジが滲んでくるとバーネット・ニューマンのようにも見えてきます。こちらは桑山忠明のベークライトという素材を使った作品です。近年はチタンも使われていて、表面の人工的な質感や光の反射などが重要になってきます。こちらは、ラリーベルです。透明な素材を使うことで、空間とボリュームが表現できます。倉智さんは面にこだわった作品、フレームの作品、アクリルの作品、空間を見せる作品など、60年代のミニマル・アート系の作家の表現傾向と共鳴する部分があるのかなあという気がします。次は、タイプが変わりますが、日本の作家で遠藤利克。こちらは、成田克彦の作品で、1970年の東京ビエンナーレに出品された炭の作品です。炭の黒というのは色彩の黒ではなく、物質の黒です。「黒」というテーマについて色々考えましたが、炭には、浄化、不純物を取り除く、フィルターとして使う、という効果があるので、最後に成田克彦が出てきて、「視覚の濾過」ということを考えました。人間の目がものを見ていく時に、さまざまな情報を収集する中で、不純な雑居物の入った視覚が、「黒」というフィルターによって、浄化され、視覚がいったんリセットされる、それを「視覚の濾過」と表現してみたのです。倉智さんの作品でも、光の吸収によって実体性を希薄にしていく、そんなフィルター機能や濾過機能を備えた「黒」の意味もあるのではないか、そう考えて、駆け足でお見せした次第です。私が使っている黒は炭の黒じゃなくて、なんかね、象牙の黒って書いてあるんです。