関西に引っ越してきてから毎年足を運ぶ、奈良国立博物館の正倉院展。今年は天皇ご即位記念とかで、一段とPRをしていたが展示数は去年の方が10点ほど多い。(PRでは今年の方が豪華であると盛んに謳っている)早めに足を運ぼうとしたものの、なかなか日にちが見つからず、やっと会期終了の一日前に駆け込みで観ることができた。ところが、会場周辺から、人、人、人の波。入場するだけで30分は要した気がする。毎回驚くのは、7世紀前後の人々の卓越した技術と繊細で優美なデザイン。それは現在の表現にありがちな、猟奇的で完璧な美しさではなく、遊びもゆとりもぬくもりも、そしてもちろん気品も漂う作品の数々である。身近な草花や動物がデザインのあちらこちらにちりばめられ、当時の華やかな発色で世界を醸し出している。人間が世界の中心では無い立ち位置が伝わってくるのも良い。当時の人々の保存に関する情熱と真摯な姿勢は目をみはる。正倉院がまさにその象徴ではあるが、宝物を収めるための箱ですら、宝物が傷みにくいよう細心の工夫が施されていて驚いた。当時の日本に住む人々の気遣いの繊細なところは、東アジアに誇れる点だろう。正倉院の建築も含めて素晴らしかった。Kyoto京都で髪のカットでお世話になっているhakuさんのギャラリーでの展示。金平徹平は2019年度の京都グラフィーでメイン会場の展示を担当し話題をさらっていたのを思い出す。京都グラフィーでは、京都新聞の広大な工場跡全面をダイナミックに使用したカオス的なインスタレーションをダイナミックに展開していた。Club(TFC)シリーズは、金氏氏の代表作とも言えるシリーズである。家に在ったフィギアの髪の毛だけを取りはずしコラージュ感覚で組み合わせながら、顔のない、髪の毛の境にできる空洞から想像できる余地を創るところからはじまる。「コンサートにいって、後ろのほうからステージを見ていると、人の人の頭がたくさん揺れ動いているのが見えますよね。僕にはそれが流動的な一つの生き物に見えたんです。---フライヤーより抜粋このhakuでの展示はどこか静かで品があり、ギャラリーの雰囲気を最大限活かした展示のように思える。綿密に展示計画をたてたようにも見えるのだが、実際の展示作業は、事前準備としてシューケースをお店側に用意してもらったぐらいで、ほぼ即興に近く短時間で終了したそう。それにしても京都のアートシーンは可能性と静かな勢いのようなものがある。今回紹介した展示はヘアサロンの持つギャラリーでの展示なのだ。アートはギャラリーのものでもアーティストのものでもなく、多様な人々と垣根無く一緒に楽しむものなのだということを関西に来て改めて教えて貰った気がする。先日、久し振りに少しだけ東京へ行った。隙間時間を活用し、塩田千春「魂がふるえる」を観に行った。そのメインのインスタレーションが織りなす世界観は、官能的でもあり直観的。糸は、時間と空間をつなぐ象徴のよう。輪廻や縁起の世界観にも思えてしまう。創りだそうとけなげに糸を吐く小さな蚕のようにも思えてくる。塩田千春の世界はそのような世界観をいとも簡単に体現してくれてくれているようにも思えてしまう。私はときおり、写真の深度について考える。日本人写真家の”私景”と呼ばれるスナップの写真群を観たとして、一体どこまで時空を超えた旅ができるのだろうか。大概の場合、そこに広がる風景は撮影者の記憶の範囲にとどまり、ゆらゆらと揺れる。日常と過去の一瞬の旅は、はかない景色だったり躍動だったり、あえて”無”を意識した形のリズムだったり。私たちは物心つかないうちから、”教育”や”世間”という作法を強引に植えつけられ、たとえ本人が”私は変人です!”と主張しようとも、悲しいかな現世システムの範囲内での話でとどまってしまっているのが現状だ。太古からの体の記憶はすっかり忘れ、時代の中でぷかぷかと浮かんでいる場合が多い。実際のところ、ひとが言葉を伝達の常套手段として使い始めたことで、失ってしまったものはないのだろうか。文化人類学者である岩田慶治は、著書『アニミズム時代』のなかで『万葉集』と『古今集』の違いを引き合いに、日本人が「身体運動から言葉の選択に重点が移った」と述べた。自然に向かって境界線があいまいで開かれた言葉の『万葉集』に対し、『古今集』では室内装飾のごとく巧みに配置された言葉が並べられはじめたと。太古においては身体運動こそが重要で、言葉がサインとしての役割を超えるのは呪術の時間のみであった。ところが、言葉が文化の表に堂々と出はじめることで人の様相も変化をはじめる。内部でしか機能しない」と述べている。身体運動こそが基本でそこは魂の風景が広がる、言葉はその装飾でしかないという。ここで改めて深瀬昌久の写真を考えると、卓越した撮影技術は、狩猟時代に狩りをするかのような身体運動からくるものではないかと思ってしまう。考える前にシャッターを切ってしまう行為があるとすれば、それは遠い身体の記憶や本能、身体の感覚に素直に耳を傾けている部分もあるのではないだろうか。ネズミを追う猫は、狩りを楽しみ遊戯の延長線ともいえる行為の果てに、ガブッとネズミを食べ始める。モラルも理性も存在しないが、その行為は身体運動や感覚の記憶の延長線にあり偽りの無い真実である。深瀬のスナップ写真群には、我々の魂が感じることのできた"原風景"のような世界が広がるのではないだろうか。深瀬の写真行為は一般に”私写真”と表現される場合があるのだが、それだけでは小さく収まりすぎてしまうと思う。作品は一般的な私写真を卓越した深さと広さそして凄みに満ち溢れている。舞踏を写真表現に置き換えたような躍動感と自由な一枚一枚は、深瀬個人を超越した懐かしさと匂いが漂い、日本人がまだ自然との境界にこだわらなかった頃の記憶へと誘ってくれるかのようでもある。当時の深瀬は、文明が虚偽の場所であることを肌で感じ、自分の感覚や身体、直観のみに真実が宿ると知っていたかのようだ。箸休め最後に京都グラフィー2018の深瀬昌久氏展示の雑感を書こうと思っているのに、考えれば考えるほどぬかるみにつかってしまいそうで進まない。短い文章でもまとめられるのだろうか。先日、気分転換に龍谷ミュージアムの「お釈迦さんワールド-ブッダになったひと-」を観に行った。わかりやすく、ツボも上手く突いている展示だった。ブッダの生きた時代とさまざまな地域、そして彼の生涯を多角的にまとめている。展示品の一つである手塚治虫「ブッダ」の原画は、強い意志と気迫が滲み出ていた。黒いインクがキラキラと輝き、生命力と美しさを保持していた。あり、若者文化やジェンダー、消費社会に関する記録や研究論文を発表し、高く評価されている。WEALTH」は、ローレン・グリーンフィールドが〝富がもたらす作用〟について研究した25年間の集大成とも呼ぶべき作品群である。物質崇拝主義であったりセレブ崇拝についての疑問。そのような派手な物質主義への憧れは何処から生まれ、どのように日常に作用していくのか。それは、ある日の共産主義の崩壊による特権階級の崩壊がきっかけで生まれる時もあるだろう。実態の伴わない印象操作や時代の空気が作り出す場合もあるだろう。どちらにしろ、それが真の幸福とリンクされていない場合も多い。我々は、ありふれ過ぎた日常の物質と欲望の中で、日々更なる欲を追いかけ暮らしているのだ。真実の幸福はどこにあるのだろうか。この展示会場は、空間作りが本当に素晴らしかった。展示の中で、最も印象に残った会場の一つに挙げる人も多かった。それにしても、日本人の写真家の中でも、写真の創作活動を、それ以外の研究や本格的な仕事と織り交ぜながら、表現に膨らみを持たせる人が増えてもよさそうなものであるが・・。日本の場合、表現が「写真道」に偏りすぎている気もする。ブラックストレージこの作品は、1960年代アメリカに於ける黒人への社会的劣悪環境と戦う人々、そして時代を写した作品である。同時にステファン・シェイムスは、自身が政治と関わる一つの方法として写真を選択している。ステファン・シェイムスの写真を見ると、実に真摯的に街や当時の人々が撮影されており、人々の誇りや威厳が集約されているかのようなセレクト内容だった。その一枚一枚が政治や社会に対する無言で強固なメッセージ性を帯びており、彼の一人間としての強い信念も感じる。それは、エートス(人間の持続的性格や状態)を求めた古代エジプト彫刻のように、一瞬の理想像を視覚化したようなシーンが多い。これは人々に対するリスペクトの気持ちとともに、秩序の先に生まれるであろう「平和」を願う切実な意思の表れなのではないだろうか。黒蔵ロミュアル・ハズメは、アフリカペナン共和国に生まれ、写真を独学で身につけた表現者の一人だ。彼の主なテーマは二つあり、一つはアフリカの内部に今尚漂うヒエラルキー、力関係や支配。二つ目は、伝統と文化に対する視線である。会場は、ペナン共和国の日常風景を描写した大パノラマから始まる。そこには、近隣の産油国からオイルを密輸し、転売しながら生計をたてようとするペナンの人々のシンプルでたくましい日常や、雑多な風景が淡々と浮かび上がっていた。日本人にとって溢れ過ぎたであろう日常のモノや道具、それでもまだ満たされない欲求の数々を考えずにはいられなかった。ロミュアル・ハズメは、来日する前の京都のイメージを花が咲き乱れる美しい都市だと想像していた。ところがいざ京都に足を踏み入れると、ゴミの多い街の一つにしか映らず驚いたという。日本人は、独自の文化を持ちながらも、西洋化が進み、せっかくの個性をないがしろにしていないだろうか、と言う率直な疑問も呈した展示になっていた。gion「初めてセラーの中に入った時、私は800年以上も昔に白亜質の土壌から人間が切り出したという巨大な空間が示す迫力に圧倒されてしまいました。足を踏み入れた人は、時の経過を感じ神秘的な感動を覚えることでしょう。」リウ・ボーリンの言葉から。この作品は、世界最古のシャンパーニュ・メゾンであるルイナールとのコラボにより制作されている。リウ・ボーリン自身、シャンパーニュ地方に約10日間滞在し、今回の作品を仕上げているという。そこには、その地やそこで働く人、時間、そして写真家が静かに同化して行く様子が描かれている。サヴォアフェール(匠の技)』『人間的側面』が心に浮かび上がり、欠かすことの出来ない重要な要素になったと言う。彼は一見、論理で構築された世界に棲んでいるかのように映るのだけど、感覚的に大地との会話を楽しめる直感力も持ち合わせているのではないのかな。自分たちにペイントし、今自分たちの立つ、空間・時間との同化作業は、どこか東洋人らしさも感じてしまう。リウ・ボーリン中国・山東大学で彫刻を専攻。その後しばらくデッサンの教鞭をとる。転機は2008年北京オリンピックに向けた、北京市内の市街地と住民コミュニティへの遠慮無い破壊行為に対し、無言のパフォーマンスを行ったことである。それはやがで写真を使った表現へと昇華を遂げる。「俎上の華」@両足院(建仁寺内)ふとした時、自然と同化したい衝動に駆られてしまう。それは死後を意味するのか或いは現在なのか。我々はからだが朽ち、血が大地に還ったとき、はじめて大地と一つになれるのだろうか?中川幸夫の作品を目の前にして、ふとそんなことを思い出していた。華道家である中川幸夫(1918〜2012)は、太平洋戦争後の日本の虚飾表現に疑問を感じ、花の生から死までを生けきろうとした。彼は六畳一間のアパートで暮らし極貧の生活の中、花を生けて暮らした。*片桐功敦(テキスト参照)今回の展示は、そんな中川幸夫の写真に華道家である片桐功敦がキュレーションとして加わると共に、自らも会場をプロデュースしている。創り出された空間は、五感を誘い、生と死の境界をそっと外す。我々もその地へと、静かに誘われているかのようにも思えてきた。メッセージを入力してください。