この時期のジョン・ウーはまだ『レッド・クリフ』も『ウインドトーカーズ』も撮っていない(両方とも死ぬほど駄作・・)、「『ブロークン・アロー』と『フェイス/オフ』の監督」という、アクション映画界でほぼ無敵と言っていいポテンシャルを持っていたので、おそらく観たのは映画館ではなくレンタルビデオだったと思うが、死ぬほど期待して再生ボタンを押したのだと思う。映画が始まると同時に、なぜか主人公のイーサン・ハントは長髪になっていて、意味もなく岩山もフリークライミングし、サングラスを画面のこちら側に投げると爆発、同時にOPが始まるという神演出。内容のあまりのポンコツさに小学生の僕は一気に心を掴まれ、それ以来まるでトラウマのように、こういう映画のこういう部分でしか興味と感動を覚えることのできない人間になってしまった。強烈にダメなものはある種オーパーツな魅力がある。いうものは一見単純にダメなのだが、「あれっ?」と二度見してしまったが最後、そこにある只者ではない闇に飲み込まれる。1と1を足し算を使わずに2にするような無駄な労力、『ミッション・インポッシブル2』は間違いなくそういうタイプの映画で、僕はもう何十回もこの映画を観ているはずなのに、いまだにこの映画のあらすじを覚えられない。脚本(そういうものを作っていればの話だが)は完全に常軌を逸していて、線と点が繋がらずまるで落書きのように放置されている。上の方で、「映画が始まるとイーサン・ハントがまずフリークライミングをしていて〜」と書いたが、よくよく思い出してみればその前になんか飛行機で偽物が科学者からウィルスを奪う的なシーンもあった気がする。そんなことを細かく思い出して書かなくてはいけないほど、この映画は価値のある作品ではないし、細かく思い出せば思い出すほど、こんなくだらない映画を細部まで記憶している自分が情けなくなる。不必要なアンソニー・ホプキンスのカメオ出演。ヒロインとの無駄に長い退屈な(しかも演出的には全くやる必要がない)カーチェイス。テキトーすぎるにもほどがあるデザインのウィルス注射器、きっと何十人もの俳優が役を断ったからこの配役になったのだろうと思われる、強いのか弱いのかわからない敵ボス。そんな敵ボスとイーサン、ヒロインの3人をめぐる小学生が考えたような愛憎劇(だから小学生の僕にもわかったのだと思う)。怒涛の勢いでポンコツが畳み掛けられていく。堆積したポンコツが腐り異臭を発し始めた頃、クライマックスでは、ジョン・ウー映画恒例の、でも誰も何とも思っていない、特にハリウッドの映画ファンは全員やめてほしいと願っている、恒例の鳩を飛ばす行事があり、そして2000年代の映画史に残る究極のポンコツアクションシーンの1つである、有名なバイクチェイスシーンが始まる。走行中のバイクの脇にかがみ敵の銃弾を避け、後ろに向かって銃を撃ちそれがなぜかしれっとあたり、最後はどういうわけか仮面ライダーの後半に出てきそうな砂場で大の大人二人がバイクを無駄に空中衝突させ破壊したあと猫の喧嘩のような乱闘を始める。全シーン全カット、そのすべてのあまりの無内容さに、この文章を書くために映画を見返しながら、僕は心の中で泣きそうになった。最終的に頭がどうかなりそうだったので音を消して見たが、それでもこの映画の内容は十分に僕を混乱させた。それにしても今この『ミッション・インポッシブル2』を観て思うのは、2でここまでエラいことになったシリーズが、よくこの後3や『ゴースト・プロトコル』、『ローグ・ネイション』と続けていけたな、ということである。この(こんな)映画がバカ売れしたからこそトム・クルーズも次作に意欲的になったのだろうし客も入ったのだろうが、下手すればケビン・コスナーの『ウォーター・ワールド』や『ポストマン』になってもおかしくなかった作品であるし、完成度だけを取り上げるなら今なら普通に黒歴史になって良いレベルである。シリーズを通して見てもこの作品のイーサンの脳みそにクソ詰まってそうなテキトーさは常軌を逸しているし、見れば見るほどトム・クルーズがEXILEかTRFのメンバーのように見えてくる。ヒロインもこの人この映画以外で全然見ないけど今何やってんだろ、レベルの人だし、どう考えても今真っさらの状態で観たときに、この映画は良いところが全くないのである。関わらず、この映画の全米の興行収入は215億円に達していて(Wiki情報)、2017年現在5作が作られている同シリーズの中で、制作からもう17年経つというのに、未だに1位の記録を維持している。単純に考えて、この作品が一番アメリカで見られた”M:I”なのだ。この映画のどこかが、少なくとも全米という市場において、ほかの4作すべてに勝っていて、観客に受け入れられたのである。このシンプルな事実が僕をさらなる混乱へと落とし込む。確かに赤と黒がベースでドカッと「M:I-2」の文字が中心に来たポスター/パッケージのデザインなどはある意味カッコ良いし、小学生の僕はこれでめちゃくちゃ燃えた。これは今見ても普通にパッとしない次の3や、家族向け感や垢抜け感が全面に押し出された4、5よりも断然良い。これだけで果たして客は来るのだろうか?アメリカには暗い小学生しか住んでいないのだろうか?この映画はシリーズの他の作品に比べて、一体どこが秀でていたのだろうか。そこを紐解く一つのキーワードとして、重要と思われるのがサウンドトラックである。Bizkitの楽曲で、こちらにはいささか着目に値する。当時アメリカの音楽シーンは彼らを代表する”ニュー・メタル”と呼ばれるジャンルが猛威を振るっていた。Bizkitは、メタルのサウンドにラップボーカルを乗せたスタイルからラップメタルなどと揶揄されていたが、とにかく当時のアメリカの若者はメタルにも飽きていればロックにも飽きていた。当時最もフィーバーを巻き起こしていたのは白人ラッパーのエミネムで、白人ラッパーのエミネムがヒットしたことから、HIPHOPは急速に完全に全米のチャートに侵食を始めていた。Bizkitのラップ+ボーカルというスタイルは、そんな当時の音楽シーンにおいて、ラップの良いところと彼ら若者が普段聴いていたメタルやロックのエッセンスを融合させたまさに良いとこ取りの音楽で、そんなバンドの音楽が売れないはずがなく、そんなバンドが1回売れたら、雨後の筍のように同様のバンドが量産されるのも火を見るより明らかだった。Bizkitはメッセージ性もシンプルだった。Bizkitは明らかに一線を画していて、ここにもHIPHOP的なオラオラ感の影響が見られた。Bizkitの歌詞はメタルのオラオラ感と田舎のヤンキーのマッチョイズムを融合させたような、「俺たちの時代だぜ!!」「俺たちの邪魔するやつは消えろ!!」みたいな、団結感と「俺はカッコいい!!」を歌ったものがほとんどだった。Water』のタイトルは”う◯このついたけつの穴”と”下痢便”の暗喩という惨状である。Bizkitはその後作曲担当の重要なメンバーが脱退したり、歌詞が頭悪すぎると言われすぎたせいか、突然中学生がいっぱい読書して取って付けたような怪文まみれの暗いアルバムを出したりして2001年以降急激に失速していくが、とにかくこの映画の出来た2000年は彼らの絶頂期であり、彼らの邪魔をするものはアメリカに誰もいなかった。『ミッション・インポッシブル2』の主題歌を依頼されるくらいに有名だったのだ。Around」はそんな当時の彼らの勢いをそのまま象徴するような名曲となった。この曲は骨組みこそ、こういうポッと出の有名ロックバンドが無理やり映画の主題歌を頼まれた時にありがちな、映画のテーマ曲のメロディをそのまま使って作ってる系の、そのせいでサビあたりのメロディが怪しい感じになってしまうタイプの曲なのだが、そういうタイプの曲には珍しく、この曲はバンドのオリジナル曲として聴いても、映画の主題歌として聴いても、それぞれでカッコよさのある、見事としか言いようがない1曲となった。この曲はバンドにとっても代表曲の1つとなり、未だにライブのアンコールなどで演奏されている欠かせないレパートリーとなっている。この映画で曲が使われているニュー・メタルバンドは彼らだけではない。Bizkitを始め、フー・ファイターズやクリス・コーネル、バックチェリーといった、この2000年という時代に最も熱を帯びていた、ロックやニュー・メタル系のバンドの曲が多数収録されており、一種の時代の資料になっている。今でもブックオフの産業廃棄物のように山積みされた叩き売りのワゴンなどでこのアルバムを買うことができるが、ケースがバッキバキになって茶色く変色した、再生できるかも定かでないCDを勇気を出して再生してみると、そこにはまるでウッドストックの実況録音盤を聴いているような、濃厚な時代の空気感が圧縮されている。この映画はある意味、そういった音楽の”サントラ”としても観ることができるかもしれない。それだけ時代の流れに乗り切った映画でもあるのである。この”ニュー・メタル”という切り口こそ、この『ミッション・インポッシブル2』という映画を理解する上で、最大の鍵になるのではないかと思われる。音楽ジャンルとしてのニュー・メタルは、当時、アメリカで90年代にそれまでのダサいメタルへの反発として生まれたグランジ(ググってください・・)が廃れ、「いや、メタルもカッコいいよ、でも、グランジもやっぱ捨てられないんだよな〜」みたいな、メタルを再評価しつつも、グランジを全否定できないノリから生まれた。グランジはどちらかというとストリート系で、若者の輪の中で生まれた音楽という面があったが、メタルは丸ごとひとつで完成されたカルチャーで、そこにはすでにファッションやアティチュードに厳密な規制のようなものが引かれていた。いうものを拒んだメタル好きの若者は、必然ファッション的にもアティチュード的にも、メタルシーンから離れたところでメタルをやらなくてはならないという状況が生まれた。ニュー・メタルはそんなふうにして出現した。結果的には音楽が洗練されるに従って従来のメタルに近づき、最終的に両者には和解がもたらされ、ニュー・メタルはメタルから分離した何かになることはなかった。Speedhornとか今何やってるんだろう・・)、このムーブメントは若者にもう一度メタルを流行らせるという重要な功績を残した。古臭く、長髪で黒い服を着た指ぬきグローブおじさんが、マイク片手にキャンキャン言ってる世界からメタルを進展させたのである。その”指ぬきグローブおじさん”こそ、この映画の監督、ジョン・ウーそのものである。ジョン・ウーをオールドスクールなメタラー、トム・クルーズを「メタルは好きだけど、メタルファッションは嫌いな若者」と仮定すれば、たちまちこの映画のニュー・メタル性があきらかになる。この映画のどこか映像が演技に追いついていない暴走感、トム・クルーズのアクションしきれてないけど普通にカッコいい感じ、見終わった後の謎の満足感などもこれで一気に説明がつく。この映画が作られた当時、僕たち小学生はその後『ウインドトーカーズ』を観るまで気づかなかったが、ジョン・ウー監督の80年代的なアクション映画の「かっこいい」はすでに相当、時代遅れだったにちがいない。ジョン・ウー監督はそんな自分を修正できなかったし、今でも修正できてないし、そんな自分のアクション演出を人類史上最高だと信じていたし、今でもそう信じている。若きスター、トム・クルーズはプロデューサーとして、そんな映画監督のフィルターがかかった自分=イーサン・ハントこそ、今このアメリカで最もウケるアクション映画だと確信していたにちがいない。ラップとメタルの足し算のようなものだ。思ってみると、冒頭のフリークライミングのシーンも別の見方で見えてくる。あのシーンは一見、若きスパイ、イーサン・ハントが休暇を金のかかるスポーツに費やしているシーンに見えるが、実はあのシーンでジョン・ウー監督が意図していたのは、そんな”トム・クルーズを美しく撮る”ようなまっとうな映画人的感覚ではなくて、単に『コマンドー』のシュワちゃんの木こりシーンのような、主演俳優の強さと筋肉密度をアピールするための、”筋肉見せ”シーンだったのである。それをトム・クルーズが演じることにより、画面が若きイケメンスパイという説得力で満ち、サングラス投げもクールに決まる。一連の流れをすべてシルベスター・スタローンに置き換えてもらいたい。完全にシーンに違和感はないが(スタローンが素手で岩山を登る映像に違和感を抱く人間がこの世にいるだろうか?)、『ランボー3』や『ジュニア』よりもいけないものを見せられた気持ちになることは間違い無しだ。そんなジョン・ウー監督の演出の”ズレ”は、ラブシーンや、トム・クルーズを普通のイケメンに撮らなければならないシーンでは頻出し、どうして自分がこんな映画を撮っているかわからないといった集中力のなさを露呈しているが、しかしそういう微妙な演出によって、トム・クルーズはジョン・ウー監督のキャラクターというよりは、”イーサン・ハントを演じるトム・クルーズ”という、舞台俳優的な主役感を維持している。音楽的にはダメだが、組み合わせ的な面白さは輝き続けている。アクションシーンになった途端、トム・クルーズはイーサン・ハントを演じることをやめ、「ジョン・ウー監督の映画に主演しているトム・クルーズ」となり、自身のアクション俳優としての魅力を、演出によって作り出してもらうことに成功している。トム・クルーズは普段のトム・クルーズでいながら、ジョン・ウー監督のジョン・ウーらしさに全力でノることによって、シュワちゃんやバンダムのように無駄な筋肉を作ることなく、「アクション・スター」になることに成功したのである。トム・クルーズがアクション映画に新しい命を吹き込んだというと言い過ぎだし、この時期公開されていた他のアクション映画を忘れすぎだと思うが、それでもこの映画は、演出だけでアクションを見せるという意味で、この後この方向性をさらに進化させたアメコミヒーロー系映画のきっかけにもなったのではないかと思う。うまくアクションできないときはスローモーションに頼れば良いのだ。今2017年にジョン・ウー監督の映画を見る必要性はほぼないと思われるが、もしこの映画を未見で、レンタル店で『ウインドトーカーズ』と『レッドクリフ』で迷ったときは、両方ゴミ箱に捨てて、この映画を借りてみて欲しい。音楽にその歴史があるように、それを取り巻くメディアや、人々がそれに親しむ方法にも歴史はあり、それらはお互いが交差するように進化し、大きく変わり続けてきた。1857年に世界最初の音声録音システムであるフォノトグラフが誕生して以降、エジソンによって蓄音機の発明がもたらされ、それが音楽用途にも使えることが明らかになると、1910年には日本でも最初の蓄音機が発売された。それから今日に至るまでの百数年間で、音楽とそれを取り囲む状況はめまぐるしい変化を遂げている。第一に挙げられることは、音楽を録音することが可能になったことによって、演奏の一回性が失われてしまったことである。すべての演奏には個性があるが、一つの演奏が完全に録音され、何度も同じ状態で繰り返し聴くことができるようになった為に、ある演奏は演奏というよりも一つの「曲」という状態、凝固した物質として人々に認識されることになった。音楽というものへの認識が一回限りの儀礼的なものから、何度も聴いて味わうことのできる嗜好的なものへと変わっていったのである。同時に録音物と再生装置を一人一人の人間が手に入れることができるようになったことで、ある音楽を一人だけで聴くという体験も可能になった。その一人で音楽を聴くというスタイルをとことんまで特化させたのがカセットプレーヤーというメディアの誕生であり、これによってイヤホンを付けることで誰でも簡単に、好きな場所でどこでも音楽が聴けるようになったのである。それまで音楽というものは、レコードとレコードプレーヤーの持っていた物質的な限界によって、少なくとも自室か、たいていの家では居間に置かれて家族がみんなそのレコードプレーヤーを使う、という状況で聴かれることが多かった。レコードプレーヤーは巨大で、レコードはまた高価なものであった為に、それを聴くという行為自体に、家族揃ってTVで映画を見るような、一種の日常の中にある非日常性的な楽しみを有していたのである。カセットプレーヤーの登場や、レコードプレーヤーの小型化、レコードの販売価格の低下などによってその仰々しさが徐々に減少していった結果、音楽を家族で聴くという体験は聴覚だけの領域ではなくTVの歌番組といった、より一回性の強い複合的な場所に移行していくことになった。このレコードプレーヤーを囲って皆で1つの音楽を聴くという慣習はおそらくクラブのDJ文化などの中に引き継がれており、そこではスクラッチプレイ用に楽器として特化したレコードプレーヤーによって、多くの人間が1つの音楽を聴いて踊るという非日常的な体験が続けられている。このようにメディアの物質的な変化は表面上の文化的な変容だけでなく、それを受容する人々の内面的な音楽観にも影響を及ぼしていく。1つは音楽というものへの価値観の変化である。家族が居間に集まってレコードプレーヤーで音楽を聴いていた時と、蓄音機の周りに人々が集まって順番にそこから音が出ることに驚嘆していた時、カセットテープで町を歩きながら音楽を聴いていた時のそこにある音の価値は、今パソコンでSoundcloudなどのページを開いて、そこにある音楽の再生ボタンをクリックしている時の感覚とはどれも全く違うはずである。それは何か1つの価値が高いところから低いところに時を追って下がっていき、それによって人々の感性も弱まっていったというような単純な上から下への話ではなく、もっと根本的な、自分の中で音楽というものをどう捉えるか、という部分の変化であると思われる。音を録音することが当たり前ではなかった時代、音を録音したものを持っていることが特別だった時代、音を録音することも録音したものを持っていること何もかもが特別ではない時代では、音そのものに対する感じ方が違っていくのである。戦前と戦後で米に対する価値観が違ってくるのと同じである。して生まれるもう1つの変化が先に挙げた音楽というものの扱いの変化であり、この扱いの変化が、音楽メディアのあり方を変えることで、再び巡り巡って人々の価値観を変えることになる。2つの変化は表裏一体なのである。個人がレコードを入手する手段が買うという方法しかなく、またその価格も高い時代は、やがてある程度レコードを持っている人間が増えると、それによってレコード自体の価格が下がる為に終焉を迎え、それによって人口に膾炙したレコードは更なる需要を生み、レコードが世の中全体に浸透していくことになる。してレコードが浸透すると今度は個人間で売買ではないレコードの貸し借りが行われるようになり、レコードの売れ行きは次第に平均的なものになっていき、やがてある種の平衡状態を迎える。ここでレコードはもうかつての孤高の録音物ではなくなり、主婦が料理のBGMに流すような気楽なものとなっていることだろう。いった需要と供給が高めていた文化の技術的な側面が新たなメディアを生み出すことにより、平衡状態は破られ、新たなメディアに人々が殺到することによって、全てはまた同じサイクルを繰り返すことになる。この新たなメディアに移行する時、人々の価値観は知らないところで新しくなっているのである。音楽が人口に膾炙し、レンタルレコード店やレコード喫茶など、個人が音楽を気楽に楽しめる場所が増えたことによって、音楽は非日常的なものからよりパーソナルなものへとその姿を変えていった。パーソナルなものになるということは日常的なものになるということであり、日常的なものになるということはそれが生活の中にとけ込むということである。して音楽は一人の人間がその日常生活に流しているもの、座っている家具のようなインテリアへとその姿を変えた。その時代も、CD文化の不況とインターネット上のダウンロード文化の興盛によって現在新たな変化のタームに差し掛かっている。これからの変化で最も明らかなのは、これまで受け手側だった人間が、受け手側にいながらも、自ら音楽を製作して、言葉を話すようにそれを外に向けて発信するようになったということである。これまでと違い、MyspaceをはじめSoundcloudやBandcampといった発信者向けのサイトが登場したことによって音楽は今やかつての作品という立場から、何かその作り手の思いそのもののようなものへと変化し始めている。インターネット上では毎日無数の、かつてはお金をかけないと聴けなかったような、あるいはお金をかけてなら絶対作られなかったようなクオリティの音楽が、縦横無尽に交わされ合っている。そこには無料や有料といった金銭的な概念もあまり意味を成していないようでさえある。一般的にロックンロールの登場と共に世の中に姿を現したとイメージされているエレクトリックギターの歴史は長く、その原初的な形態は早くも20世紀初頭、1910年代にその姿を現している。よって製作されていた。その中にはギターのブリッジ部分にカーボンマイクロフォンを仕込み、弦の振動を電気信号に変えるという今のピックアップの仕組みに近いものも登場している。一般に当時は音楽の世界に楽器の音を電気によって増幅させる必要性が存在しなかった為、本格的に楽器としてのエレクトリックギターが考案・開発されることはまだなかった。電気に頼らずにギターの音量を増大させる発明として、ブリッジの下にアルミニウム製の共鳴板を取り付けたギター、いわゆるリゾネーター・ギターが発明されたのもこの時期であるが、後にそれらのギターはエレクトリックギターの跳梁と共にそのシェアを奪われ、現在は一部の音楽ジャンルの演奏者たちによって使用されている程度である。1930年代に入り、アメリカでいわゆるビッグバンド形式(オーケストラ編成)のジャズが流行するようになると、サックスやトランペットといった楽器群の中でひときわその音が小さいギターはその存在感を示すために、どうしてもその音をほかの楽器と同じか、あるいはそれ以上に大きく鳴らす必要が生じてきた。そこで最初期の楽器的なエレクトリックギターの一群が誕生することとなる。それらのギターの大半は1910年に登場したアコースティックギターに機械を取り付けることでその音を増幅させるというアイデアを継承しており、最初期に登場したタイプはアコースティックギターにピックアップを取り付けるホロウ・ボディと呼ばれるタイプのものであったが、このタイプの楽器はピックアップがアコースティックギター特有の胴体の共鳴を機械が拾ってしまい、必要な音だけでなく不必要なフィードバックまで発生させてしまうという欠点を持っていた。それを克服したのが後にリッケンバッカーとなるナショナル・ストリング・インストゥルメンツ・コーポレーションに所属していた発明家のジョージ・ピーチャムで、彼はアコースティックギターに音を増幅させる装置を取り付ける代わりに、楽器の機構そのものをエレクトリック向けに作り替えてしまうことを考案した。して彼が当時先述のリゾネーター・ギターの共鳴板を製作していた機械工場主のアドルフ・リッケンバッカーと協力して作り上げたのが、ボディがすべてアルミニウム製になっている世界初の完全なエレクトリック・ラップスティールギターであるフライング・パンである。フライング・パンはその後二人が設立した会社リッケンバッカーによって1939年まで製造・販売された。401と呼ばれるモデルを発表した。Spanishと呼ばれるスパニッシュギターであったのとは違い、スリンガーランドのこのモデルは最初からエレクトリックギターとしてボディを考案したとされている為、一部ではこのスリンガーランドのモデルこそが厳密な意味での世界最初の(楽器としての)エレクトリックギターだと言われている。Spanishの略、150は販売価格)と150ドルという当時としては破格の値段設定で成功を収めたことで、エレクトリックギターは一気に楽器市場のメインストリームに躍り出ることとなった。1946年、エレクトリック・スパニッシュギターの製作に興味を持ったラジオ修理工のレオ・フェンダーがフェンダー・エレクトリック・インストゥルメント製造会社を設立、いくつか試作品を製作したのち1949年に初の量産型エレクトリックギターモデルとなるエスクワイヤーを、翌1950年にブロードキャスターを発表したことが、音楽市場に対する決定打となった。それらのギターはギブソンや他のギターメーカーの抱えていた製作時間や複雑な工程といった問題をボルトインなどのシンプルな独自の製法を取り入れることによってクリアしており、単なる楽器というだけではない、工業製品としてのエレクトリックギターを確立させた。LOG」をベースにギブソン・レスポールを開発、翌々年にはフェンダーからフェンダー・ストラトキャスターが発表され、現在に至までのエレクトリックギターのスタンダードモデルが確立された。その後エレクトリックギターはロックンロールの興盛とともに世界中に浸透、フライングVやダブルネックギターといった変種モデルを生み出しながらも、様々な音楽ジャンルの演奏者たちによって広く使用され続けている。comments印刷ってなんだろう。印刷はそれぞれの国で文化の指標となるべくメディアです。WEBでは得られない実質な距離のクリエイティビティの影響を変化としてビジュアル化します。皆さんは印刷に従事している時に何を意識しているでしょうか。印刷の品質でしょうか。特徴的で特別な何かでしょうか。紙が好き?特殊な加工に憧れている?全ておそらくは正解でしょう。02の目指しているものは別にあります。それは冒頭に書いてある通り、文化の指標そのものなのです。我々が持っている袋のようなものがあって、その袋の中身、サイズによって刷られる内容に差異が表れます。その部分に言及したいのです。その多様化こそが印刷の未来に語られるべき所在であって、印刷の技術とは、それらに対応する形であるべきだと考えています。02は印刷とは関係の無いことばかり記事にしています。そこを皆さんと喋りたいのです。芸術を語りたい訳じゃないし、印刷の技術のこれからなどに興味はありません。1つ、皆さんが抱えられている文化にとても興味があります。それこそが、その育みにこそ印刷があると確信しているのです。我々が直面している状況の育みを行う事にこそ印刷があり、それに対しての印刷の行動に、とてもとても意味のある印刷が出来たと言えると思うのです。今の日本の印刷はバランスを欠いています。印刷の豪華などの見た目と、中身としての内容など、高級なのか、チープなのか、それはそういった刷られるだけの価値があるのか、あまり上手く判断されず刷られている現状があります。私はとても疑問に感じます。それは印刷するほどのものですか?印刷している文化はそれほどの価値があるものですか?考えて欲しいのです。印刷の所在と、印刷について。我々は何を育まなくてはならないのか。印刷策定NRのスタートは、もともと阪口が音楽の事を知らない興味がない事が発端となります。訳の分からない、どういう繋がりでそうなったかのメンバーで、レコードを買いに行く、お茶飲んで音楽の話に花を咲かす、なんともホッカりするサークルのようなものでした。阪口には不思議で不思議でとても楽しいものでした。西田辺レコード会についてはミワくんのお母さんが飽きたら終了、という裏コードを用意していて、まあ、見事に飽きて宝塚歌劇に流れていったので、いい感じに円満解散となった訳です。青のりくんと喋る機会が徐々に増えていったような記憶があります。「僕たちは音楽の事を何も知らない」これが結論でした。真剣に音楽のことを研究してその結果を流布する事になったのがNRという事になります。音楽を知っているという事はどういう事なのだろう。同じ価値観で音楽というものを見ているのだろうか。フジロックとかライジングサンとか行ってる人は、そういう人達を少なからずバカにしているのではないだろうか。一体、音楽というのはなんなのか僕達は知らないのではないかとなっていた訳です。無事に研究発表としての一冊めが完成しました。回答を得た記事をまとめたものと、それぞれの自由研究の発表といったラインナップでした。(その内、フリーでお見せします。難民の為の資料構築」』になります。発端となり制作がスタートしました。nakamura」を聴くとなると、その周辺のアーティストしか出てこない。耳に頼らない、目で見て分かるグラフで幅広くアーティスト発見出来るやつを作ろう!と訴えて作ってもらっちゃいました。知ってる範囲だけであんま使ってないわーってレベルの方に是非見て欲しいと思います。いうか阪口がそうな訳ですが。