noticeの冒頭2小節のEm7-A7はキーをツーファイブの解決先であろうDmajとしてReをドと読んで進めていくのでしょうか?それとも曲のキーであるEbmajであるEbをドとして読んでいくのでしょうか?どちらにせよ前者であればツーファイブ上での音の役割は理解しやすそうですが頻繁に転調していくので頭を切り替えていくのが大変な気がしますし、後者は読み方は楽ですがツーファイブ上での役割というのは階名からは見えてこない気がします。理解できていない部分が多いのですがモードの切り替えをすればうまく解決出来るのでしょうか?またセカンダリドミナントやダブルドミナント、エクステンデッドドミナントなどの本来のキーから離れていった時にどのように対応すればよいのかが、わかりません。長くなりましたが結局のところキーから外れたツーファイブ部分をどう歌えばいいのかがわからないのだと思います。基本的な事だとは思うのですが何とぞ回答のほどよろしくお願い致します。この問題はセカンダリー・ドミナント等をどのように理解するかということにあります。これを「部分転調」とするという考え方が日本にあることは知っています。部分転調を転調と考えると、確かにご指摘のような問題が起きてきます。セカンダリー・ドミナント等は転調とは考えません。Cキーで他のキーで出てくるC#やBbの音が使われていても必ずしも転調にはならないですよね。コードでも同じことが起きていると思ってください。ダイアトニック・コード以外のコードが使われた時はそのキーを保持するようなコードスケールを使い、できるだけトーナルセンターを保持するようにします。トーン以外の音をそのキーの音にすればいいだけです。アナライズで書いているように、この曲は一度も転調していないと考えています。して全体を歌うことができます。使った曲では転調と同じ歌い方が必要になります。メロディーが一緒に動いている場合は転調として歌う必要があります。同じメロディーなので難しくはありません。同じエクステンデッド・ドミナントでも例えばビバップ・ブルースの例では転調とはならないです。日本語の音楽用語は紛らわしいものが多いですが、部分転調もその一つでしょう。実際に部分的な転調と考えられていたのかもしれませんが、部分転調は転調と考えない方がいいと思います。転調と考えると難しくなるだけでなく、トーナルセンターの保持も難しくなります。歌い方」の説明が分かり難かったかと思います。最初以外は弾きません。確認は任意の一区切りずつ、又は最後に楽器で確認してください。歌った後、Reをイメージする。Reを歌った後、Miをイメージする。Miを歌った後、Reをイメージする。歌った後次の音をイメージしてから歌うことがポイントとなります。歌い方」では、歌うのを止めてから次の音をイメージして歌う、となっていますが、歌いながら次の音がイメージできれば歌うのを止めなくても構いません。(実際のクラスでは音を止めていませんでした。)Sol-Faを音楽教育の場以外では歌うことはないと思いますが、リズムを気にしなくていいので、ソルフェージュの言葉の機能を学ぶ上で非常に効果的です。分かりやすいように書き直してみました。歌う場合について説明する。(歌いながら次の音がイメージできれば歌うのを止めなくてもよい。鳴らしてから最初の音を歌う。頭の中でイメージする。声に出して歌い止める。声に出して歌い止める。6)正確に歌えたかどうかチェックするために楽器で確認する。7)次に歌う音を上の音で歌うか、下の音で歌うかは、音が近い方、または歌いやすい方を選ぶ。bookからのコピー)A:97ページにあるように、完全に歌えるスケールをスケールの途中から歌い、同じことをハミングでうたう。次にハミングと同じ音階でDoから歌うという方法を薦めます。この方法は楽器がなくてもどこでも練習ができます。半音が十分にコントロールできるようなら、Doから歌った後楽器でチェックするだけでいいでしょう。録音をしてみるのもいいかもしれませんが、あまり効率的ではないように思います。shigeuno(サポート・ページからのコピー)Q:ピボットの項目についての質疑応答を拝見しました。いうラインがあったとします。ベースラインを考えるとき各コードのルート、三度、五度と認識しているので、移動Doでやるとその関係性が見えにくくなる気がしています。各コードごとに移動Doでとらえるとわかりやすいのですが、それだとコードごとに転調してしまうので忙しないです。ご意見をお聞かせください。A:質問は「ベースラインも移動ドでとらえるのか」ということですが、それはベースラインをどのように考えるかによって変わってくると思います。ベースを完全なリズム楽器と考え、使う音はコード音とその経過音、というコンセプトのラインの場合は確かにそのとおりかもしれません。IIコードのルートとP5th、VコードのルートとP5thという感じにとらえられると思います。)「ベースラインは音楽の最低部のメロディーラインである」とバークリーでは教えられましたが、私もそう思っています。メロディーであるから当然移動ドでとらえます。Q:たしかに私はベースはリズム楽器で、コード音を四分音符に配置する機械的な作業だと思っていました。最低部のメロディーラインであると考えると納得しました。A:ベースラインは音楽の最低部のメロディーではありますが、ベースは重要なリズム楽器としての役割もあります。即興演奏するときにキーの主音をDoと歌うと同時にコードのルートをDoと考える(コードの何度の音かを考える)こともするように、ベースラインにおいてもコードの何度の音かを認識することは重要です。最初はコードのルートをDoとする考えで始め、それがメロディーとしても歌えれるようになればいいと思います。Q:ということはキーの主音のDo、コードの主音のDo、少なくともふたつの移動Doを同時に認識している状態であるということでしょうか?A:コードに関してはコードネームが分かればコードのルートをDoとする歌い方とその絶対音は分かるし変わらないので難しく考えることはないです。理解していれば、問題無いです。スケールの場合も概ねコードの場合と同じに考えていいと思います。初めはドリアンはReから歌うことから始め、それが充分に慣れた後、Doから歌う練習をしてください。「ジャズソルフェージュ」は全てのスケールをDoから歌っていますが、これは慣れるまで時間がかかります。Doから歌うことによって音楽理論がより理解しやすくなると思います。shigeuno(サポート・ページからのコピー)Q:ブルースはドミナントコードを基調にしていますが、これはトニックとして捉えるべきなのでしょうか。Iに行くV7コードとして考えるべきなのでしょうか。それによりドレミの歌い方も自ずと変わると思いますが、いかがでしょうか?A:ブルースコードは、I7(トニック)とかIV7(サブドミナント)であり、それはドミナントコード(V7)ではありません。I7で(調はF)、FをDoと歌います。ブルースは黒人がアフリカから持ってきたマイナーペンタトニックのメロディーとアメリカで出会ったメジャー・コードが合わさって生まれた特殊な音楽で、そういうコードが生まれました。)というセブンス・コードが生まれたと考えられています。shigeuno(サポート・ページからのコピー)Q:練習時の音の感じ方について、以前にも似たようなことをお聞きしたのですが、転調や苦手な音程を歌うときがうまくいかず、キーに対するDoの響きと前の音からの度数関係を意識できた方が良いとおっしゃっていたかと思うのですが、やっぱりなかなかできず、色々と思考錯誤しているのですが、まずは歌詞で歌う時のように流れで覚えてしまってもいいのでしょうか?例えば、良く知っている曲なら音程を意識しなくてもある程度歌えるかと思うのですが、歌詞で歌うときのような感じで流れを覚えてしまって、それを移動ドの階名で歌いこみ(この段階では単に歌詞を階名に置き換えただけで、音程は意識していない状態)、そして覚えたら各音程を細かく意識していくという方法はどう思われますか?音程を無視して流れで歌うのはあまりよくないと思われますか?理想を高く持って最初から全てを意識して...という意気込みでやっていたのですが負荷が高すぎてすぐに嫌になってしまいます(苦笑)。初心者〜上級者になる過程で具体的にどのような意識、感じ方、または練習方法をしていけばいいのでしょうか?ご自身の経験からこんな風だったというのを教えて頂ければ大変助かります。A:ソルフェージュの原理は、音の高さを言葉に置き換えてそれを覚え込み、そのあと言葉を歌うことで音の高さを再生する。いうことなのですが、ダイアトニックな7つの音の間の上行のインターバルだけでもことば(ソルフェージュ)との関係は40ほどになります。臨時記号が入った12音ソルフェージュでは、フラット系とシャープ系、更に下行も入れると大変な数になります。これらを全て数年でマスターするのは相当な努力が必要です。苦手な音程とはあまり使わない音程だと思います。使っていない音程はあまり練習していないということなので困難なのは当然です。転調はかなり難しいです。ソルフェージュは結構早く歌えるようになったのではないかと思います。知っている曲を音程を意識せずに階名で歌うということですが、基本的にはそれでいいと思います。練習の基本である「ゆっくりから始める」場合は、意識もできると思います。私が思う意識とは、前の音とのインターバルが何度とかいうことではなく(最初はそれも必要だが、慣れてくると何と何の間のインターバルは何度かということは覚えてしまう)、何の音からスタートしているとか、どの音からどの音に向かっているとかのメロディーの構造のことです。「ソルフェージュで歌うことはメロディーをアナライズしていることになる。」ということを言っています。私の場合、曲を練習する時は知っている曲も全てソルフェージュで歌って覚えることからスタートします。その時改めてメロディーの構造で新しい発見をすることがよくあります。知っている曲をソルフェージュで歌い直すことで、効率よくいろいろなインターバルを歌い込むことができ、曲も正確に覚えられます。ソルフェージュを始めて、効果を感じているという報告を少しずつ頂いています。半年されて効果を感じておられるなら、後はあまり焦らずに数をこなすことだと思います。あるとき今までできなかったことが急にできるようになっている、そういう自分を発見した時の喜びをたくさん経験してください。shigeuno(サポート・ページからのコピー)Q:今日から転調の項をやり始めました。chordを使った転調です。ピボット・コードとは元のキーと新しいキー共通のコードで、2つの機能をもっています。bIImaj7の2つの機能をもっています。ナポリタン・コードといわれるもので、18世紀のイタリアのオペラの作曲家が好んで使いました。ドミナントコードの前に置いて終止形を華やかにする効果があります。いう形で多く見られます。いう2つの機能をもっています。E-7に向かおうとしてた訳ですね。(G:)のVI-7なので、ここは転調していないと考えることもできます。3rdでメジャーに変わったと考えられます。クラシック音楽の伝統で、マイナー・キーの曲が最後にメジャーで終わることをいいます。Porterが好んで使っています。ジャズではそのイミテーションでマイナー・コードがメジャー・コードに変わることもあります。変わったのは、モードを変える以外に大きな意図があります。それは(G:)から(Ab:)への転調をスムースに移行させるためだったと考えられます。Leadingを使った転調で巧妙にできています。同じ音で3つのコードの共通音です。これでEmaj7になった理由、C+7の理由がわかると思います。隣同士のコードとはもうひとつ共通音があります。良くないですね(直接的な転調ではありえますが、転調感をできるだけなくしたい)。3rd)F-7に近づけた。C7の5度も上げて、3つのコードの共通音をF-7の重要な音である3度につなげた、といったところだと思います。コード進行もよくソルフェージュで覚えます。それで4度進行以外のところは理論で覚えます。———-という感じです。—–なので分かりやすいです。この曲は頻繁に転調しているのにあまり違和感がありません。それはピボット・コードなどを使って転調箇所をきれいにつないでいるからです。Q:24小節目のC7+の表記についてですが、C7b13と構成音が同じだと思うのですが、C7b13ではなく、C7+と表記しているのは何か理由がありますか?A:C7(b13)とした譜面も見たことがあるような気がします。C7(b13)の(b13)は上位構造のテンションであり、コード音としては完全5度の音も含まれます。+5thの音はコード音で、完全5度の音は含まれません。Leadの意図がみられます。shigeuno(サポート・ページからのコピー)Q:また、質問があり投稿させていただきます。引き続きジャズソルフェージュ使って練習しており、じわじわ効果も出てきております。気になったのですが、この本を使ってどのようなレッスンをされているのでしょうか?私はこの本に書かれているように歌ってから楽器で確認、またはチューナーを見ながら歌ったりしておりますが、もう少し具体的なレッスン方法を教えていただけないでしょうか?例えば間違った場合はどのように訂正するのか、なかなか歌えない音はどのように克服させるか等々。教えている中でこんな風にしたら生徒の成長が早くなった等のことがあれば教えてください。効果が出てきているとのこと、良かったです。「ジャズソルフェージュ」の本を使ってどのようなレッスンをしているかというお問合せですが、ソルフェージュのレッスンはあまり行っていません。当レッスンでは、生徒にもよりますが、ジャズ理論と実技を同時に行っているので、それだけで2時間近くを使ってしまいます。ソルフェージュをやっている時間が取れないので、自分でできるように本を作ったという訳です。ソルフェージュはレッスン時のコミュニケーションのツールとしてはよく使います。新しい曲をする時は必ずソルフェージュでテーマを覚えるようにいいます。その後、ベースの場合であればテーマを歌いながらラインを弾いたりします。自分の楽器に合った練習方法を考えるのも大事なことです。歌えない音は、歌ってから楽器で確認を繰り返すことで必ず徐々にでも近づいていくので、あまり焦らないことです。間違って覚えてしまった場合は、それを消し去るための余分の練習時間が必要になります。shigeunoQ:歌うときの意識についてですが、インターバルについてはプロの方は常に意識して歌っているのでしょうか?個人的にはDo,Mi,Solと歌う場合、Do⇒M3度上⇒Mi⇒m3度上⇒Solと歌うよりは単純にキーのDoの響き⇒Miの響き⇒Solの響きと歌う方がスームーズに歌えます(伝わりますでしょうか?)。現状インターバルについては特に後者のような響きだけで歌うのが難しいフレーズのときにだけサポートとして意識しているのみなのですが、常に意識したほうがいいですか?早いフレーズとかになるといちいちインターバルを意識するのが難しいのですが、プロの方はどういった意識で歌われているのかが気になりました。瞬時にインターバル関係が出てこないというのもあるのですが、これは覚えこませるしかないですよね・・・A:Doからのインターバル、各音間のインターバルのどちらも意識された方がいいと思います。Do,Mi,Solと歌う場合、キーのDoの響き⇒Miの響き⇒Solの響きと歌う訳(つまりDoからのインターバル)ですが、DoからM3度上、Miからm3度上と知っていて感じていれば問題ないと思います。12音でのインターバル関係は少しずつ覚えていけばギターやベースを弾く場合の効率的なポジション関係にも役に立つのではないかと思います。shigeunoQ:この本では実音が同じものでも唱い方が異なるものは章を分けて解説されておりますが(MeとRi等)、理由があるのでしょうか?スケール等の定義を説明するためでしょうか?たとえば、メロディックマイナーであれば普通3度がフラットしていると考え、2度がシャープしてたとは考えないのでそれを説明するためでしょうか?ソルフェージュ練習のときも意識して区別して練習したほうがいいのでしょうか?個人的にMeという音の方が身についてる感じなので、RiとあってもMeと読み替えたりしてしまっているのですが、今後困るようなことがありますか?A:MeとRiは基本的に意味合いが異なります。#で表すか♭で表すかは、次の音に上行するか下行するか、テンションの#9かブルーノートのb3かなどで変わってきます。ソルフェージュで歌うことはメロディーのアナライズになるという一面でもあります。印刷された譜面の中には稀に♭と#の表記が相応しくないものもあります。いう場合は直して歌われるといいでしょう。(13)ソーシャルFacebookコメントやお問い合わせは「お問い合わせ」ページからお願いします。