昔から,対談のような形であったものだが,いまブームらしい。ネットで見ると,ブームというよりは,文化が定着した感じ。トークライブがやっと認知されてきた。今まではトークをわざわざ見るっていうのが珍しかったけど,だんだん知られて定着していった,という現場の声があった。飯塚和秀氏が,電子書籍『普通の雑談』で,主宰しているトークライブについて,その狙い,意図を語っている。飯塚氏の口癖は,ゲストとの,ガチトーク,である。したがって,当日ゲストと会うまで,ファシリテーター側もゲスト側も,事前準備なしで,当然資料はない,トークの展開は,全く読めないフリートーク,というところが特徴になる,とある。登壇するゲストは,飯塚氏自身が,選ぶ。基準は,氏の直感,この方って,なんだかとっても魅力的という,フィーリングだけでゲストとしてお招きする,とのことで,相手のことをそれほど知らないことも多いそうだ。事前に相手のことを調べないのは,一般参加者の代表という立場で,トークを進行する,というこだわりがあるようである。そこで,ファシリ役とゲストだけで参加者を置き去りにしないために,専門家vsど素人という構成を狙うのだという。することで,ファシリテーターが「素人目線」でゲストの「専門性」を引き出していく。そのことで,一般参加者との壁が無くなり,「一体感が生まれるイベント」に近づく,と。僕自身も参加したことがあるのでわかるが,他のトークライブで,単なる司会進行役の人がいて,ゲストがほとんどの時間しゃべるというのとは,少し様相が違う気がする。氏のトークライブでは,ファシリテーターとゲストが半々くらいで,喋り合っている。氏自身は,これを,例の,タ○リの,友達の○になぞらえて,雑談,と表現されている。確かに,雑談ではあるか,それだと,「ガチ」の意味が伝わりにくい。用意なく,そのとき,その場で,の両者の「自分」がぶつかり合う,と言うと大袈裟だが,出会いがしらのやり取り,というのが特徴のような気がする。そこが,ガチ,たるゆえんだ。何度か参加者として,参加させていただいた感じから言うと,仕掛けはある。場づくり,がうまいと感じる。何を話すかについて,主導権は,トークゲストにはない。ゲストが話したいことを話すこともなくはないが,多く,何を聞きたいか,を参加者に尋ねるか,飯塚氏がいくつか挙げたりする。その聞きたいリストに沿って,概ね進んでいくことになる。ゲストの話したいことではなく,参加者の聞きたいこと,それに,飯塚氏自身も聞きたいこと,を加え,劈頭から,参加者側の聞きたいことに焦点を当てるので,参加者とゲストとの壁というか敷居が下がる。そのために,途中で,質問や突っ込み,が,参加者も随時入れやすい雰囲気になる。それが場づくりになっていて,ファシリテーターとゲストのトークではなく,ゲストとファシリテーター+参加者とのトークというか,自然なやり取り,つまり,雑談,的な雰囲気になる。一方的に参加者が受け身になる,という雰囲気意ではない,(少人数ということも手伝っているかもしれないが)と,僕は感じている。やって話が始まっても,その中身について,確かにゲストが主役なのだが,ゲスト自身の世界を,ゲストが好きなように喋れるわけではない。どこに焦点をあてるか,何をもっとふくらませるか,どう広げるか,どこへシフトさせるか,は,多くファシリテーター飯塚氏のイニシアティブになる。随時参加者に問いかけたり,参加者が投げかけたりする質問によって,結構曲折がある。ない方向に行くこともある。目立つのは,飯塚氏の,ゲストの世界に対する,ある時は,突っ込み,ある時は,ぼけ,ある時は,素朴な質問で,結構細かいところまで,押し広げていく。そのファシリテーションの鍵になるのは,ご自分の体験である。ひとつは,ご自分の若い頃の芸能界時代の個人として業界を生きてきた経歴,いまひつとは,IT企業の管理職というビジネスパーソンとしての問題意識,あるいは,マージャンやスポーツ(野球等々)といった個人的な体験談,に引き寄せながら,話を膨らませる。それってこういうことですか,それって何々に似てますね,それって自分の何々と同じですね,それってこういう意味じゃないですか,いまビジネスシーンではこんなことがあって,それと対比すると云々,等々。その多くが,メタファーやたとえ話,アナロジーの効果をもち,理解が具象的になることがある。その意味で,ご自身(の経験)をだし,にして,意識的に,ご自分の素をさらけだし(?)つつ,ゲストの素を引きずり出していく,というやり取りになっていく。例えは悪いが,ご自分の持てるリソースをえさに,ゲストに喰いつかせている,という感じである。多くの参加者が口々に言うのように,まさに飯塚氏のファシリテーションあっての,トークライブになっている。言って,それがいわゆる対談のような堅苦しさではなく,雑談,の自然さを失っていない。障壁なく,参加者からも突っ込みやすい雰囲気が保たれる。ここでゲストに語られることは,飯塚氏が引き出さなければ,あるいは,飯塚氏に促されて,参加者が訊かなければ,決して語られることのない話なのだという気がする。言い方が悪いのだが,本来,黒子のはずのファシリテーター,なのだが,どちらかというと,狂言回し,に近い。狂言回しは,物語において,観客(あるいは読み手などの受け手)に物語の進行の理解を手助けするために登場する役割,端的に言うと「進行役」兼「語り手」兼「語り部」に当たる役割である,そう,自分のことをだしに,相手の話を引き出し,それをご自分の経験に引きつけて,意味づけたり,例えたり,解釈したりして,ゲストの世界を,参加者の世界とつなぐ,そういう役割を果たしているように思える。確かに,終ったあとは,ゲストの話が残るのだが,考えてみると,トークライブのプロセスでは,それを引き出すために,対照として,飯塚氏自身の経験や考え方をだしに,というか,それを七色のスポットライトにして,ゲストの経験・考え方・生き方を様々な角度から照らし出している気がする。最後に,印象として残っているのは,まぎれもなく,ゲストの多面的な姿そのもの,が浮かび上がっているのである。飯塚氏がファシリテーションしなければ,こういうゲスト像は描き出されることはない,そういうトークライブになっている。それは,いい意味でも悪い意味でも,飯塚氏(と参加者)の持っているものによって,深度も広がりも制約される(参加者によって,だから場の雰囲気も進行も,中身もかなり変わる)。その面から言っても,間違いなく,飯塚氏とゲストのガチトーク,なのだ,とつくづく思う。付け加えると,ゲストの面白さを,こういうカタチで,現実化する舞台装置を整える,という意味では,ファシリテーターの顔以外に,ゲストと参加者をつなぐ,(飯塚氏の肩書にある)イベントプロデューサーとしての顔も十分機能しているのも,また確かである。月刊☆西澤ロイ~人生を変えるコトバの宇宙トークライブ】に参加してきた。テーマは,「グレーゾーン」。https://www.facebook.com/events/241564532694632/参加しながら,あれこれ頭の中を駆け巡ったことを,書き出してみる。ウィキペディアでは,日本語として古くから「白黒つかない」「白黒はっきりさせる」のような慣用句が存在する。グレーゾーンとは,そんな白でも無い黒でもない曖昧な状態をグレー(灰色)と喩え,どちらとも付かない状態のことを指す。場合によっては「黒(白)に近いグレー」という言い方もし,通常は白が合法・適切を意味することが多い。grey)は物を燃やした際に出る灰のような色,ということで,色の名は,洋の東西を問わず,自然界から取っている。「赤」色には,丹,朱,紅,緋,茜と区別がある。西洋ではと思って,当たると(昔からかどうかは分からないが),アーモンドグリーンアイアンブルーJアイボリーアイボリーホワイトアイボリーブラックと続く。色で見る限り,グレーゾーンそのものなのだ。グレーゾーンという言葉で,瞬間的に思い浮かんだのは,墨絵,いわゆる水墨画である。「墨」一色で表現される絵画で,墨線だけでなく,墨を面的に使用し,暈かしで濃淡・明暗を表す,という。灰色といっても,黒と白の配合の割合の違いで,さまざまな明度を持つ色を作ることができる,から,グレーゾーンといえども,幅と奥行きがある。すべてがグレーゾーン,というところから話が始まったのだが,まあ,色ひとつとっても,グレーでないものはない。グラデーションには幅がある。われわれの知覚とわれわれの認識とわれわれの名づけとで考えると,よく言われるように,クオリアレベルでは,同じ赤と言っていても,見えている色が同じとは限らない,のだが,それに「赤」と名付けた瞬間から,他と区別される。本来主観的には,丹,朱,紅,緋,茜...を見分けていても,「あか」と括ってしまえば,赤になる。言語は,基本的に,丸めるためにあるから,区別,というか差異を表現するには,差異は,丹,朱,紅,緋,茜,と名付けなくてはならない。自分の見つけた色に,別途名づければ,いくらでも,色名,はつく。それが,社会的に認知されれば,文化の中に定着する。藤田嗣治の乳白色も,名はついたかどうか知らないが,それ自体が,代名詞になる。僕は思うのが,画家なら,色づけだが,われわれ一人一人が,言ってみると,20万年前のアフリカのミトコンドリア・イブから始まった,ハーフのハーフのハーフの...という,いわばグレーゾーン,そのものなのだ。ナチスの優生学が噴飯なのも,ヘイトスピーチが滑稽なのも,わずかな,グラデーションでしかないところに,無理やり境界線を引こうとするところにある,まあ,目くそ鼻くそ,の類なのである。白と黒を便宜的にグラデーションの両対極に置いたとき,しかし,100%の反射率を持った「理想的な白色」の物体は実在しない,反射率50%の灰色は,視覚的には黒に近く見える,と聞くと,すでに,「白」も「黒」と,便宜的に対極に置いたものも,グラデーションの切り取り方,次第と知れるのである。思うのだが,その場でもいったが,実は,グレーゾーン,という自己認知があるとき,それは,たとえそれ自体がグラデーションを切り取ったものにしろ,両極が見えている,ということなのではないか。グレーゾーン=曖昧,と認識しているとしても,両極が見えているから,そう感じるのだ。問題は,萌黄色と若草色という黄緑色の狭い両極なのか,白と黒の両極なのかは,その人のものの見方の幅,パースペクティブに圧倒的な差が出る。何かに偏り始めたら,そのグラデーションの両極を意識すれば,少なくとも,視野狭窄に陥ることは避けられるだろう。渡邊治四から学ぶキャリアアップのために必要なこと】に参加してきた。https://www.facebook.com/events/267242173453374/最後ということで,結構参加者からいろんな突っ込みがあったが,その中で,僕が気になったのは,かつてアシスタントをされていた,ある売れっ子漫画家が,何が受けるか,を考えて,その感覚(あるいは嗅覚?)を具体的に落とし込んでいく,というようなニュアンスのことを言われた。そこが結構引っかかった。僕は,どんな仕事でも,自分に解決できる形に置き換える,こういうカタチになら出来る,と常にどうすればできるかを考える,という姿勢が大事だと思っていて,それを,僕流に自責化と呼んでいた。それを思い出したのだ。駆け出し時代は,やりたいことなどやらせてもらえない,というか本当に自分がやりたいことなど分からない。そんな中で,やりたくないこと,難しいことを,一つ一つクリアしていく中で,会得しなくてはならないことがあるように思う。それは,どんな仕事でも,自分流儀に捌いていく,捌き方を手に入れるということだ。それをすればするほど,自分のリソースが増える。得意のフィールド,と呼んでもいいが,それが広がる,あるいは深まる。その経験が,まったく新規の仕事をする時の,そのひとのベース,というか,取り組み姿勢,取り組む身構え,になる。人によって違うかもしれないが,やったこともないテーマや課題を与えられたとき,自分の中でどういうカタチならできるのか,できないところではなく,自分の出来ることに置き換えていく,それで,おおよその仕事の枠組みが見える。例は違うかもしれないが,その売れっ子漫画家のやっていたのは,世の中の売れ筋を,自分のフィールドに置き換えてみていた,のではないか,と思う。僕は,プロとアマの違いは,ここだと思った。ピンからキリまであるが,プロは,依頼されたテーマを,自分のフィールドへと置き換えて,どうすれば自分がそれを料理できるかを考えるのだと思う。アマは,自分のフィールドからしか,テーマが見られないから,そことの距離に目が行く。なく,それの埋め方を,考える。違う言い方をすると,(異領域から自領域までの)着地のためのステップ数を数え上げていく,あるいは,自分の感覚を(具体的なレベルまで)現実化するステップ数をたどる,といってもいい。それでどうしても算段のつかないことはある。その算段のつかなさの度合いが,たぶん,プロになればなるほど小さいのではないか,と思う。いうか,一流のプロになればなるほど,依頼する側が,得意領域を弁えていて,あさってのテーマを持ち込まなくなる,ということがあるのかもしれないが。イチローが,キライなことをやれと言われてやれる能力は,後でかならず生きてきます,というようなニュアンスのことを言っていたと記憶するが,それが踏むべき場数なのである。ただの経験ではなく,いやなことも,できないことも,難しいことも,むりくり算段して,どうすればできるか,ということを経験することで,未知を既知に当てこむノウハウ,をつかむのだと思う。その積み重ねが,ますます,どうやれば自分にできるカタチに持ち込めるか,のキャパシティが膨らむ,あるいはおのれの懐が深くなるのである。違う言い方をすると,得意技,に持ち込むことができる,ということである。得意技が増えて,容易に自分のフィールドへ持ち込む通路というか回路が増える。それはマンネリとは違う。ああ,これは,誰某の書いたものだ,と瞬時に読み手にわかる,その人の世界,を持っている,あるいは,その世界がいくつもある,ということだ。ピンはピンなりに,キリはキリなりに,自分の世界と呼べるもの,を創り出してしまえる,そこがプロフェッショナルの技量なのだと思う。それは,テクニックではない。その技量の量には,その人の人としての器量,が入る。ピンはピンなりに,キリはキリなりに。いって,アマを軽侮する気はない。純粋にそれに打ち込むことで,損得抜きのフロー体験を味わったことのないプロは,結局テクニカルにそれをこなすが,本人には,フローというものがいつまでもわからないのかもしれない。いうことを幸と思うか,不幸と思うかは,人によるが,僕はそのフローを知っていることで,自分が時を忘れ,場所も忘れで,打ちこんでいる,脳内の大発火を知っている,身体(脳)が覚えている,ことは,自分が燃え上がる状態を知っている,ああ,これは発火している,爆発している,と感知できる,という意味で,その感覚は,自分の燃え上がり度のバロメーターとして,プロになっても欠かせないものだと思っている。プロになりきれず,,いつまでもフロー体験に固執する,僕のようなセミプロ人間が言うことだから,あてにはならないが。あなたの知らない世界」https://www.facebook.com/events/1518801601669591/?ref_dashboard_filter=upcomingに参加させていただいた。掘り下げた話が出されたが,そのままここで出すわけにはいかないので,僕なりの解釈で,まとめてみたい。全体を聴いて,Produceということの意味を思った。Produceを辞書で引くと,前に(pro)導き(duce)出すとあった。等々があるが,どちらにしても,外へ出す,ということである。日本語では,映画・演劇・テレビ番組などを企画・製作するという意味に特化してしまう。プロデューサーは,映像作品,広告作品,音楽作品,ゲームなど,制作活動の予算調達や管理,スタッフの人事などをつかさどり,制作全体を統括する職務となり,プロデュースは,「様々な方法を用いて目的物の価値をあげること」ということになるらしい。それは,製作全般を統括するという言い方ではなく,元のproduceの意味のように,前に導き出すという意味に近い気がする。舞台を設えて送り出す,という感じか。「前」へ,「舞台」へ,出すにしても,プロデューサー自身が,それを推せないものは出せまい。僕は,プロデュースの鍵は,目利きすることではないか,という気がした。それは,メタ・ポジションに立つ,といってもいい。作家も顧客も,あるいは歴史も,業界も,俯瞰するメタ・ポジションをとれること,それがすべてであるような気がする。その眼力を証明するためにも,作家を,どうエンカレッジし,育て,製作物をどうプロモートしていくかの仕事が,その意味として出てこざるを得ない。この場合で言えば,作家という存在の目利きである。いまのそれから,どれだけの「のびしろ」があるかを,見極めなくてはならない。それは,こう言うことらしい,本人の努力と精進で補えるものがどれくらいあるか,というふうに言い換えてもいい,と。逆に言うと,どんなに努力と精進をしてもどうしてもカバーしきれないものつまり伸び白の限られているもの,いわば素質を,見きわめることだ。誰もが,どんなに努力しても(それができること自体が才能ではあるが)イチローにはなれない。才能という言葉は使いたくないが,もって生まれた素質というか素材の可能性を見極めるということらしい。前にも書いたが,能力=知識(知っている)×技能(できる)×意欲(その気になる)×発想(何とかする)という公式は,実は素材の良し悪しを抜きにしている。教育のレベルではそう言うしかない。実は,どんなに努力しても超えられない壁がある。それは身をもって体験してきた。アートの世界は,画いたもので,歴然と差がつく。どんなデッサンが優れ,鋭い観察力を具えていても,それだけでは超えられないものがある。それは,原石に過ぎない。磨いて光る石か,磨いても光らぬ石かの,その素質が,備わっていなければ,努力だけでは超えられない壁がある。目利きは,おのれの目利き力すらも,メタ・ポジションから見極めなくてはならないもののような気がする。その目利き力は,想像するに,あるステージに上った時,はじめて,見える世界の違いに気づく,そういう類のものかもしれない。目利きする作家とは,多分二人三脚であるはずである。目利き力が挙がれば,それにかなう作家が,近づいてくる。そのポジションからの風景もまた変わるはずである。自分がいいと思えないものをプロデュースできないはずである。見える風景が変われば,目利きの基準もまた上がっているはずである。最近,竹山氏のプロデュース作家の絵が変わってきたような気がするのは,錯覚であろうか。売れるトークライブに参加してきた。https://www.facebook.com/events/537050229762032/最近は,参加頻度が落ちているが,こちらのエネルギーがついていけないからだ。今日もいろいろな話題が出たが,一番興味をそそられたのは,若手の作家が,(竹山さんから)声を掛けられて,グループ展をし,そこから個展へとステップアップしていくためには,その展覧会での売り上げとその作家の作家性であるということであった。これは,前にも,http://ppnetwork.seesaa.net/article/388163298.htmlhttp://ppnetwork.seesaa.net/article/388163204.html等々で,似た話があったと思うが,ここでは,作家性を,伸びしろと言われた。そこからは,アートプロデューサーとしての腕ということになるが,その作家にどんな将来性があるか,を見極める,ということになる。そのとき,その眼鏡にかなわず,しかも,顧客の嗜好にも合わなかった作家は,リベンジの機会を得るか,雌伏するか,開き直るか,諦めるか,の選択を迫られる。僕は,この意思決定に興味を惹かれた。僕なら,開き直るだろう。その意思決定は,多く自己閉鎖というか,自己完結に堕すおそれがある。なると,たぶん,リベンジしかないはずである。それが,自分に目標と,世に問う場,を与えるからだ。グループ展自体が,普通に考えれば,与えられた(つかんだ)チャレンジの場に違いない。そこで,評価が下されることになる。おのれの資質と才能にうぬぼれていればいるほど,評価と主観とのギャップに懊悩するはずである。昔,量販店を取材していたとき,売れ筋。売り筋,見せ筋等々ということを耳にしたものだ。売れ筋とは,他店でも売れていて自店でも売れている,売り筋とは,他店では売れていないが自店で力を入れて売っている,見せ筋とは,客寄せに,目立って華やかで人目を引くが,売れることは期待せずに販売される,死に筋とは,他店でも自店でも売れていない,と,その他に,隠れ筋(他店で売れているが,自店ではあまり売れていない)というのもあるようだが,僕の印象では,売り筋は,店が売りたがっている,ということから,あまりいい意味では使われなかった。メーカーが力を入れていたりして,粗利が取れる,動きが悪くて消化したい,といった理由がある,という印象であった。店の意思として,差別化できるとか,自店のアイコンとして育てたいという意思の示し方としての売り筋もある。すると,グループ展は,僕には,売り筋の場に見える。個展もそうだろうが,新しい,海のものとも山のものともつかない若い作家のデビューの場だ(作家自身ではなく,プロデューサーを商店にたとえるなら,竹山商店にとっての)。そこで問われているのは,それが,売り筋に値するのか,という「竹山商店」の眼力も,だろう。僕は思うのだが,少々グループ展で売れるより,まったく相手にされない,完膚なきまでの敗北の方がいいのではないか,という気がする。いうのがよくない気がする。「そこそこ」については,http://ppnetwork.seesaa.net/article/405919893.htmlに書いたが,「そこそこ」の自足も達成感もない,そのどん底で,初めて,おのれの意志が問われる。このまま続けるのか,再度チャレンジするのか,何をするかは,この際,とにかくどうでもいい。(作家として)前へ進む気があるのかどうか,という,描きたいのか,という意思だ。それは,野心とか,志とかと言った類のものではない,まだ諦めきれない,という自分への憐憫というか,愛着というか,執念と言ったものだ。理性や理屈ではなく,ここで止めたら,後からきっと後悔する,という微かな自分への未練である。それを確かめなくてはならない。それがなければ,単なる見栄や反撥では,その後が続かない気がするのだ。確かめて,そこで方法を,選択する。リベンジか,別の場か,それともおのれ独自のやり方か...!思うのだが,習作時代に,どれだけたくさん描いたかは,画家だけではなく,クリエイティブな分野では,常に言われることだが,だからと言って,描くことを目的しては意味がない。具体的なチャレンジの場がいる。その意味で,素人考えだが,グループ展が一番いいように思う。自分の作品を,同時代に同じようにチャレンジする作家と並んで,おのれの作品を客観的に眺める,競演の場として,最適のはずだ。できるなら,しばし,個展ではなく,そこそこではなく,いけると自分も,納得できるまで,並べて眺める機会を意識して一杯作るといいのではないか。そこで,自分の特徴が,自分の位置が,自分の差異が,見えてくる,そんな気がする。作家たちに,「見捨てられた感じがない」と言わしめたのは,その気があるならチャレンジできるよと門戸を開けている感じがするからだろう。「10年くらいするとわかる」とも言われた。前にも挙げたが,10年一剣を磨くである。それでも,また正念場がくるはずだ。このまま続けるのか,と。立ち止まって,自分の声を聴かなくてはならない。その声に従ったからと言って,もちろん正解とは限らない。一生分を賭ける決断なのだから。あなたの知らない世界」】https://www.facebook.com/events/1609096202675550/1623199377931899/に参加させていただいた。話題は一杯だったが,僕が興味を惹かれたのは,例のエンブレム事件に関わって,創造性,ということだ。オリジナリティと言ってもいいが,まあ,ひとりひとりがオリジナルなので,そんな切り口では意味があるまい。「新しいものを造りはじめること」とある。この二つは意味が違う。「新たに」造るのと,「新しいもの」を造るのとは違うのである。エンブレムに関して言えば,ぱくろうと,コピペをしようと,模造であろうと,「新た」だと言い張ることはできる。「新しいもの」かと言われれば違う。口幅ったいが,「神が宇宙を造ること」が創造なら,「新たに」ではなく,新しいもの,でなくてはならない。些末なことにこだわるようだが,別に,「新しいものを産み出すこと。創作や発明、あるいは新しい考え方など、オリジナリティの強いものに対し使うことが多い。」という説明をしているものがあった。このほうが正確である。創造の,「創」の字は,きずつける,という意味である。記憶で書くが,鋳造するとき,最後に砂でつくった型を,刀で切れ目を入れる,という意味だと,どこかで読んだ記憶がある。手元の漢和辞典には,刃物で切れ目をつけること,素材に切れ目を入れるのは,工作の最初の段階であることからはじめるの意に転じた,とある。「創」の字の「刂」は,「刀」を表す。本題に戻ると,最近の絵画は,デジタル化し,手でアナログチックに描くというのは少数派だということを伺った。それが実態だとすると,デジタルは,一からそもそも書き上げない。ある素材を組み合わせていく。そのとき,その組み合わせにオリジナリティがあるとすると,何か,というような質問をさせていただいた。それに対する答は,思い,であった。何々を参考にさせていただいたが,「ここだけは違います」と言い切れるものがあるかどうかとも。有名な,ヴァン・ファンジェの“創造性”の定義は,1創造者とは,既存の要素から,彼にとっては新しい組み合わせを達成する人である2創造とは,この新しい組み合わせである3創造するとは,既存の要素を新しく組み合わせる(組み替える)ことにすぎないである。既存の要素の組み合わせ,である。ジョブスも,創造性とは結びつけること,と言っていた。結びつけば何でも新しいのか,というとそんなことはない。川喜田二郎は,確か,「本来ばらばらで異質なものを意味あるようにむすびつけ,秩序づける」というようなことを言っていた。言い換えると,新しい意味があるように組み合わせる,あるいは,組み合わせたものに新しい意味を見つける,と言い換えてもいい。新しい意味づけ,である。http://ppnetwork.seesaa.net/article/426036155.htmlでも書いたが,それは言い換えると,目的,が明確であること,あるいは,目的意識,つまり,何のためにそうしたか,が明晰でなくてはならない。その意図と,表現されたものが,リンクしているはずである。ある人が,パクられた人が(パクリかどうか)一番よくわかる,という言い方をしていた。僕も自分のホームページ上の独自の図を,コピーしてセミナーテキストに使っている(のを転載している)のに気づいたことがある。コピペは,出典を明記するのが当たり前だが,それすらしない。それをしない人は,基本,自分の頭で考えたことがない人なのだ,と思う。確かに,新たな着想,新たな発想は難しい時代になったが,それは,何か外から得ようとする(安易さ,下心)からではないのか。自分のものの見方からしか,パースペクティブは得られない。風景はある,のではない,風景は見つけ出される,のだ。その意味で,すべては,自分の頭(あるいはものの見方)からくる。そのことを悩まない人は,才能というものの熾烈な格差に悩んだことのない人なのだろう。それにしてもつくづく思うのは,,後代のわれらは,ニュートンではないが,何ごとも,前代の方々の,巨人の肩に乗ってものを見ている,ということを忘れてはならない。|Seesaaブログ。