「画面の空間は色によるマッスの構成が決め手。色彩芸術としての絵画に対して、無色の立体芸術としてのデッサンや彫刻。鉛筆で下描きはしないこと。デッサンをしてその上から色をつけるようなことをしたら、それは色つきデッサンになるだけで、そんなのは絶対に絵とはいわないんだ。モチーフをどのように自分の四角なカンバスの中に持ち込むかというとき、モデルの形よりも、四角の中のモデルによって仕切られた残りのマッスの方が大切だということを忘れないように。自分はカルチャーでスケッチ淡彩という水彩画のお稽古をしてきたが、オケイコであってもちろん本格的な勉強ではない。鉛筆の線をどうしたら良いのか、色で消すのか、生かすのか、着色すると汚れるのをどうするかなど素朴な疑問がいつも頭にあって解決しない。長沢節の水彩画技法はひとつのやり方であろう。最近水彩画のブログで、線は「色の案内役」だから重視せず着彩したら消えてもらっても良い、というのを見つけた。これは長沢説に近いのだろう。水彩も人によって千差万別、どれが正しいということは無いに違いない。鉛筆やペンを活かす着彩というのも、またあるのかもしれない。長沢節は、生涯独身を通した。理由のひとつに修業時代に料理が上達したことがあるかもしれぬ、というのが面白い。自由で上品な美しさというセツ美学を持った水彩画家だったとされる。水彩画も素晴らしいが、彼の売れに売れたスタイル画も嫌いではない。一冊「淡い色が好き」を図書館で借りて読んでみようか。[絵]水彩画カルチャー歴8年余になる。鉛筆の線はどうするのかという基本的な問題もいまだ解決していない。「何だか変だぞ、わが水彩」という気持が8年余拭い去らないのだ。最近、参考になるかなと、ユーチューブで海外の水彩画家によるデモンストレーションを見ている。Noldeなど)彼らの水彩画は、殆ど鉛筆をあたりをつけるくらいにしか使わないのが多いようだ。輪郭線は、むしろそれに引きずられるとして、最小限に抑える。水と透明水彩絵具が主役。にじみ、ぼかし、垂らしこみ、マスキング、スパッタリングなどを多用する。手法もポジィテブペインティングよりネガティブ(薄く描いたあと濃く描く)が基本。線は、仕上げるころ細い筆や平筆(!)を巧みに使う。光と影を描くことを目指すのに違いはないけれど、空間、空気を重視し余白を大事にする。何より楽しげに描いているのは、皆共通している。どちらかといえば、感覚的に水墨画や南画に近いのだろう。実際、中国やベトナムの画家も良い水彩画を描いている。わが国では、これまでどちらかといえば「線画に淡彩」が主流だったと思う。鉛筆は使うなとした長沢節などは少数派ではなかったか。http://toshiro5.blog.so-net.ne.jp/2012-11-17わがカルチャーで教えるのも、鉛筆でデッサンしその上に彩色する。長沢節の嫌った色付きデッサンである。時々自分の絵を「ぬりえ」だなと、我ながら思うことがあるが、あれだ。いつから水彩画が「線画淡彩」となったか。鉛筆淡彩の代表格の安野光雅(1926-)の絵が、鉛筆の線をあまり強調しない、いわさきちひろ(1918-1974)の絵より人気が出てきた頃か。油彩が中心であり、水彩はその下描きスケッチ用だとする風潮も影響しているだろう。いずれにしても線画で淡彩の時代が長く続いてきたように思う。水彩画展などにいくと、油彩かと見まごうほど描き込んだ絵もあるから、そう単純なものでなく、自分の理解は間違っているかもしれないが。ネットで水彩画家のブログなどを見ていると、最近わが国でも海外の水彩画の影響を受けたのか、線画淡彩から脱却しようとする動きが顕著のようだ。画家が変わろうとしていることもあるが、背景には、鑑賞者がそれを欲しているからだろう。女性に圧倒的な人気の永山裕子氏(1963-)の絵を見るとそれがよく分かる。水を使って描いている。途中偶然が作ってくれる思わぬ効果も愉しみつつ。確かにデッサンという輪郭は強烈であり、淡彩をほどこしただけでは水彩の良さが出ず、自由な絵から程遠いものに終わってしまう気もする。大家のあとに自分の絵のことを書くのは、なにやら烏滸がましく恥ずかしいが、自分の絵は、どちらかといえば「線画淡彩」である。それも鉛筆などで強い線でしっかりと描きあげてから、色をつける。着彩後さらに鉛筆で輪郭をなぞることさえある。先生もそれを容認される。鉛筆の代わりに水性のペンを使い、その上から着彩することも多い。これも典型的な線画淡彩であろう。先生は本業油彩だが、水彩はほとんどこのペン淡彩である。わがカルチャーは「淡彩スケッチ」というのが講座名である。自分はこの線画淡彩をやっているから、固定観念にとらわれて、なかなか上達しないのかもしれぬという気もする。自分の絵は、線画淡彩だから当然海外を含めて、最近の水彩画とは大きく異なる。二つは、別物と言って良いくらいだ。今から自分の絵を変えることは、きっと不可能であろう。マラソンランナーが短距離選手に、なろうとするようなものだろう。サッカー選手が野球選手になるようなものか。自分の絵を100%否定しないと出来ないような気がする。すれば、70歳を過ぎた頑迷固陋の生徒には、無理というものである。いうものの、習い始めた時から鉛筆の線の処理が気になっていたので、海外の水彩や最近の水彩画の流れはよく理解できる。確かに漫画やイラストではないのだから、「輪郭線」にこだわることはないのだとも思うからである。一度は挑戦してみたい気はする。やってみると8年余になるカルチャーで培ったものがすべて消滅し、自分らしさが無くなる、つまり自分の絵を見失うことになるかもしれないという懸念もある。いっぽうでだめでもともとだ、とも思う。これで今ゆらゆら揺れている。掲載の絵は、この夏、鉛筆を使わずに描いてみたものである。[絵]風邪をひいて絵を描く元気が出ないので、ブログを見ていたら、今の日本の水彩画は世界の水彩画から50年遅れている、という記事があってびっくりした。日本の水彩画は、従来から鉛筆でデッサンしその上から着色するいわゆる「線画淡彩」中心で、しかも、まじめな絵が多いから一見して分かる。それは、輪郭線にとらわれ自由闊達さを失っているからだ、という。「まじめ」とは、あたりさわりのない言い方だが、むしろ「ちまちま」した絵と言った方が当たっているかもしれぬ。自分の水彩画も、まじめでかつ、ちまちまとしている。デッサンの鉛筆の線に捉われている。ほんとうにその通りだなと納得感がある指摘だ。言えば日頃思うことだが、カルチャーではどちらかと言えば男の絵の方がちまちまとした絵を描いて、女性の方がダイナミックでおおらかな絵を描くというのはどうしてだろうか。これも男の方が何かに捉われているからのように思えてならない。会社を定年で辞めて、趣味で絵を描き始めた男に多い。卒業したつもりの、かつての本業の何かがそうさせるのか。我が水彩画はその典型的な例だ。鉛筆やペンでデッサンし、その線の上に水彩絵具を淡く着色するというのが、自分が持っている水彩画のイメージであるし、そう思って描いてきた。カルチャーに8年余り通っているが、輪郭線にこだわるせいか一向に上達しない。我が水彩」という今日この頃なのである。水彩画の展覧会に行くと、鉛筆の線が消えるまで水彩絵具を重ねて着色して、一見すると油彩のように見える絵もある。大作はこれが多いから、必ずしも線画淡彩が日本で中心というのも当たらないかもしれないが、鉛筆の線をどう処理すれば良いのか、未だに分からないで迷走しているのは、我ながら情けない。それにしても、水彩画は昔から人により描き方は実に多様だ。外国の場合でもポール・セザンヌ、アンドリュース・ワイエスの水彩画、本邦では長沢節と安野光雅の水彩画を比べただけでも分かるように、描く人によって出来上がった絵は千差万別である。YouTubeで最近の海外の水彩画家のデモンストレーションを見ていると、鉛筆は最小限に使い、水彩絵具の特徴を生かした筆使いで自由なというより、奔放なと言って良いくらいだ。生まれる水と絵の具が創り出すにじみ、ぼかしの美しさを楽しみながら描いているのが多い。乾いてから色を重ねるだけでなく、濡れているうちに紙の上でも混色するウエットインウェット重視、ポジティブペインティングよりもネガティブペインティングが主流のようだ。それは、たしかに線画淡彩とは全く別物である。水彩画は手軽で短時間で描けるので油彩や彫刻のための下描きスケッチ、小説の挿絵、子供の絵本、ガラス絵などによく使われた。典型的なのは、撮影禁止内の裁判所内を報道するときの新聞の絵であろう。タブローであっても小さいものが多く、部屋の壁に飾られても油彩画のように重厚さも余りない。そんなせいか、絵としてのジャンルがもう一つ確立しているかというと覚束ない。銅版画(エッチング)、木版画、パステル画なども似たようなものだが。それでも、水彩画はやってみると奥が深くて面白い。毎週一回の8年余りは長かったという気がしない。上述の如くもともと水彩画は多様である。いま海外で隆盛のこのような水彩画が日本になかったかと言えばそれは違うだろう。彼女の水彩画は線画淡彩もあるが、水彩絵具の持つ独特の色や水を巧みに使った技法を重視したものもたくさんある。にじみ、ぼかし、グラデーションや余白の美しさを追求したものも多い。ここでは輪郭線に全く捉われていない。日本の水彩画が遅れている、進んでいるというのはちょっと違和感がある。描く人がその時代にどんな絵を好んで描くか、あるいは鑑賞者がどんな絵を好んで観るかによるのではないか。絵に限らず芸術は、時代によっていわば流行があるのは紛れもない事実だ。水彩でも淡白な線画淡彩が好きな人もいれば、油彩のような重厚な水彩が好きという人もいる。水と絵の具をたっぷり紙に吸わせ、自然が偶然に創り出す様々なものを好むか人もいる。時代により世に受け入れられる水彩画、余り好まれない水彩画というものもあるかも知れない。絵が進んでいる、遅れているなどとは一概に言えないのではないかと思うのである。自分の感覚からいえば、輪郭線に捉われてその結果、絵が「停滞」していると言うのは身にしみて分かる気がする。これは個人的な次元の話であり、日本の水彩画が輪郭線に捉われて「遅れ」ているのではないかといった類の話とは違う。ここまで書いて、美術評論家でもなく水彩画の専門家でもなくアマチュアだから、偉そうなことを言っても滑稽なばかりだな、要は水彩を愉しめばよいのだ、と気づいた。何とか鉛筆に捉われないで、水彩を描く技法を習得したいものである。「鉛筆はあたりを取るだけにすれば良い」、「線は色の案内役」などと理屈は分かるのだが、手が追いつかないのが難儀である。Hesse)は、1877年ドイツ南部黒い森の地方の古い町カルブで生まれた。詩と小説によって知られる20世紀前半のドイツ文学を代表する文学者であることは、あらためて説明を要しない。南ドイツの風物のなかでの穏やかな人間の生き方を画いた作品群の他に、ヘッセの絵を添えた詩文集は、今でも絶大な人気がある。代表作は「車輪の下」。学校の教科書にも載っていたので広く知られているが、残念ながら良く覚えていない。1946年に『ガラス玉演戯』などの作品でノーベル文学賞を受賞した。著述の傍らに、風景や蝶々などの水彩画もよくしたことも良く知られている。趣味の域を超えた素晴らしい水彩画を沢山描いて半生を過ごした。庭仕事と蝶をこよなく愛した。(V.ミフェルス編、岡田朝雄訳)がある。これは今回読んでみたが、ガーデニングの愛好者には堪らなく「愉しい」本であろう。このブログの本題は水彩画なので、横道にそれるが、この中にヘッセの愛した二匹の猫が出てくる。1933年夏ゲオルク・フリング宛ての手紙「ひまな時間は庭ですごします...私たちは如雨露と鋤をもって身をかがめ、汗をかきます。二匹の小猫がこの土地の主で、遊びたわむれ、彼らの小作人である私たちを満足そうに眺めています。猫の名は獅子レーヴェと虎ティーガーちゃんという。「獅子レーヴェの嘆き」という詩もある。短い詩だが、本題に入る前なので途中省略して引用する。帰ってきておくれ!まるで内田百閒だ。ヘッセは、人生の後半を庭仕事やスケッチで過ごしたこのスイス南部モンタニョーラで1962年、85歳の生涯を終えた。ヘッセの水彩画については、平凡社のコロナブックス「ヘッセの水彩画」(2004年)がある。掲載された絵はどれも明るく鮮やかな色遣いだ。ペン水彩もあるが、多くは色彩が溢れるばかり、線画水彩、色付きデッサン淡彩、ではないのが特徴とみた。この本の中に、日本では余り知られていないが、としてヘッセの「クリングゾクの最後の夏」(高橋健二訳)の抄訳が紹介されている。自分もその知らなかったうちのひとり、この本の存在を初めて教えて貰った。主人公クリングゾクは42歳で生涯を終えようとする画家が主人公である。ヘッセの絵に対する思いなどが彼を通じて語られており非常に興味深い。ヘッセの絵画への憧憬、東洋への思いなどが綴られた小編といえよう。小説のテーマはむろん絵とは別にあってヨーロッパ近代の没落を書いているものという。舞台はヘッセが住んでいたスイスのモンタニョーラ、たカーサ・カムッツィの部屋とその周辺の村。抄訳から、絵に関するところを引用してみる。「絵をかくことは楽しかった。絵をかくことはおとなしい子どもにとって楽しい愛らしい戯れだった。「彼のパレットがそのころ示したのは、ごくわずかであるが強烈に輝くばかりの色彩ばかりであった。後段の絵の具の色などは、実作をするヘッセの面目躍如というところ。黄と赤のカドミウムは、自分も良く使うカドミウムイエローとカドミウムレッド、残されているヘッセの絵にも確かに多用されているようだ。ヴェロナ緑、フランス朱というのはどんなグリーンとオレンジなのだろうか。ヘッセが本格的に水彩画を始めたのは40歳を過ぎた頃で、85歳の生涯の半分を過ぎてからだが、自分の詩に小さな素描や水彩画はもっと早く第一次大戦勃発の頃から、幾つもの挿絵入り詩集を刊行しているという。平凡社編輯の「ヘッセの水彩画」の中に「色彩の魔術」と題した次の詩がある。詩を解釈し、評する力はもとより無いけれど、ヘッセの絵を見ながら読むと何やら光と色の世界と神とを歌い上げていると感じる。行為する私たちは神を太陽として讃える(岡田朝雄訳)他に詩「画家の歓び」があるというが、これは探しているが見つからずまだ読んでいない。ヘッセは親友ゲオルク・ラインハルトへの手紙でこう書いている。「絵を描くようになってからのこの数年、文学とは徐々に距離をおくようになっています。「あなたからのお便りのご返事に、ここに最近描いたささやかな絵をお送りします。仰と自由とをもたらすことができることを示してくれるよう願っています。)モンタニョーラの豊かな自然のなかで若き職業画家の友ベンター・ベーマーとともに絵を描いていた生活、ヘッセが愛した色彩を育んだ大好きな庭仕事の日々は、著述の疲れの癒しとなっただけではなく、二つともヘッセの文学に大きな影響を与えたであろうことは容易に想像できる。誰かのいうように「絵をかくことは彼にとって、人生の危機をのりきり、魂の安息を得るための積極的な瞑想法となったのだ。絵は「魂の響き、色彩のハーモニー」そのものだったのである。本格的な水彩画を描いた詩人の村の生活はわが憧れでもある。あまりに偉人であり過ぎて、わが平々凡々の生活と比べても詮無いことではあるが。ヘッセが生まれたのは1877年(明治18年)、死去したのは、1962年(昭和37年)自分が大学4年の時ということになる。年)79歳で亡くなっているから、ヘッセはいわば同時代の人といえ、かなり前の人となる。文豪、大詩人ではあっても、同じ水彩画が好きというだけで少し身近に感ずるのが可笑しい。自分が、このブログで著名人の水彩画に興味があって、良く取り上げるのはその心理であろうと思うが、書いているとさまざまなことに思いを馳せ、色々なことを始めて知ることが多いのはたしかのようだ。[絵]最近、西脇順三郎の「野原をゆく」(毎日新聞社)という随筆で日本と西洋の芸術の違いが書いてあって面白く読んだ。俳句の形式は一つが多くを象徴するという段に本当にそうだなと感心した。「日本の芸術は部分が全体を含むという幾何的には理論的ではないかも知れないが、そこに芸術の美があるのであろう。換言すれば部分が全体を象徴している。一つの中に多くが含まれている。換言すれば一つが多くを象徴している。一つが多くと調和されている。そこに日本の美の理論がある。曲がった枝先をみても永遠を感んじる。俳句の形式はそれである。有限の中に無限を象徴する理論である。一つの中に多くを象徴する。ブレイクという絵かきで詩人であった男がそういうようなことをいっている。これは一般西洋人のやりかたでない。彼らの芸術は全体から部分を表す。これは論理的で機械的であるが決して美妙ではない。一を知って十を悟るというと道学者の言葉であるが、日本の芸術は恐らく一を感じて絶大を感ずることであろう。(四季の唄)」さて、本題は芸術論でなく、ここに出てくるウィリアム・ブレイクの水彩画のことである。(Visionary)の異名を持ち、「四人のゾアたち」「ミルトン」「エルサレム」などの「預言書」と呼ばれる作品群において独自の象徴的神話体系を構築する。Tyger)がよく知られている。晩年にはダンテに傾倒、病床で約100枚にのぼる『神曲』の挿画(未完成)を水彩で描いたという。ブレイクは日本においては、明治に紹介され大正、昭和の詩や小説に大きな影響を与えた。現代でも、若き日の大江健三郎がブレイクに傾倒し、その小説はブレイクから影響を受けたことがよく知られている。なかでも短編連作集「新しい人よ眼ざめよ」(1983年)はミルトンの序にインスピレーションを得たとされ、収録された短編のタイトルは次の通りだが、すべてブレイクの作品に由来している。新しい人よ眼ざめよブレイクの詩の方は理解するのは難しそう。iPadでは青空文庫に詩が一つ収録されているので読むことが出来る。空気までが私たちの愉快な常談で笑い緑の丘がその声で笑い出す。牧場がいきいきした緑で笑いきりぎりすが楽しい景色の中で笑う、メアリとスーザンとエミリとが可愛い口をまるくしてハ・ハ・ヒと歌う。私たちが桜んぼとくるみの御馳走をならべるとその樹の蔭できれいな鳥が笑っている、さぁ元気で愉快に手をつなぎましょううれしいハ・ハ・ヒを合唱しましょう。ブレイクの水彩画は、2012年に渋谷の文化村ザ・ミュージアムで開催された「巨匠たちの英国水彩画展」にも展観されたようだが、行けずに見落としたのは昨年のわが痛恨事のひとつである。iPadアプリで買った画集でブレイクの絵を探す。