二科会を経て一陽会結成。明朗な風景画を得意としたとされる。原色を多用した色彩はあくまで明るく、独特の線も一目でこの人の絵とわかる。何やら童画風と言ったら叱られるか。好きな画家の一人である。油彩だけでなく挿絵、装幀なども手がけて、この店や西荻窪の洋菓子店「こけし屋」でも、鈴木信太郎のイラストが包装紙やメニューなどに使われている。爽やかでエキゾチックなところが洋菓子、ケーキとマッチして良い感じである。思いがけず、良い絵を見ながら珈琲を飲むという、いっときシアワセな時間を過ごすことが出来て大満足の半日であった。スケッチは駄目だったが。[絵]家人は、長いあいだヴァイオリンの練習と英語の勉強を続けている。バイオリンはいっとき先生についたが、後は独りでほとんど毎日必ず30分ほど練習をしている。ときに、チェロを弾く友人に見て貰ったりするだけである。自分は、口にすることはないが、その根気にはひたすら頭が下がるばかりだ。英語の方は、かつてYMCA英会話も習ったりしたこともあるので、一緒に出かけたハワイ旅行などでは大変重宝した思い出がある。今は図書館利用の独学である。これもよく投げ出さないものと思う。Winnie-the-Pooh)がある。この本は、我が国では、美智子皇后の愛読書と報道されて以来、すっかり有名になった。主人公のクマのプーさんのほかにも個性的な動物たちが、たくさん登場して楽しい。どれが好きかは人それぞれだが、一例をあげれば、陰気なロバのイーヨー(Eeyore)などは変わっていて愉快だ。この名は大江健三郎の小説にも出てくるから、知っている人も多いのではないか。しっぽをすぐに無くしてしまうのと、木の枝の家がすぐに壊れてしまって悩む。ところが、いちばんの常識人でもある。強い想像力を兼ね備えている変わったキャラクターである。1956年)作の世界的に有名な童話である。1926年に発表された。その童話の主人公であるクマのぬいぐるみ、テディベアの名前も同じ「クマのプーさん」であることは誰でも知っている。実際のぬいぐるみだけでなく、あらゆる商品にデザインされ世界中で愛されている。キャラクター商品界のビッグネームでもある。ミルンは1913年、ドロシー・ド・セリンコートと結婚。1996年)が生まれる。「クマのプーさん」は、愛するこの一人息子クリストファーのために書かれたことも、物語にこのクリストファーが登場することも広く知られている。Winnie-the-Poohは、クリストファー・ロビンが持っていたテディベアの名前であるWinnipegと、ミルン親子が休日に見た白鳥の名前Poohから、ミルンがヒントを受けて名付けたものと言われている。童話の挿絵は、エルンスト・H・シェパードによって描かれたが、プーさんの絵のモデルは、シェパードの息子が持っていたテディベア「グロウラー」という。自分も、時折りパラパラとこの本を開いて見るが、その目的はこの挿絵である。シェパードの挿絵は、銅版画かなにか知らないが、ペンで描かれた絵に薄く着色されていて、一見水彩画風である。個性的な動物たちや主人公の少年もそれぞれに魅力的だが、背景の風景も水彩画風で明るい色調が美しい。水彩画を習っているものにとっては、線も色も大変参考になる。クマのプーさんの舞台である100エーカーの森は、作者ミルンの故郷であるイギリスのイースト・サセックス州にある、500エーカーほどの森林であるアッシュダウンフォレストをモデルにしているという。シェパードの挿絵がそこを描いているかどうか知らないけれども、まことに楽しい童話の世界にふさわしい美しい景色であると思う。それが何とも魅力的で見ていて飽きることがない。物語もさることながら、イラストの絵が子供達のみならず、親たち大人の心も捉える力を持っていたのであろうと確信する。クマのプーさんは、その後ディズニー社によるアニメーション化がなされて、童話とともにあっと驚くほど速いスピードで、全世界に広まっていったのは周知の通りである。前の情報になるが、全世界での単行本売上は2001年時点で7000万部を超えるという。ミッキーマウス、ミッフィーともに世界の三大人気キャラクターといって良いだろう。キャラクター商品の売り上げも、ベストスリーに入るのは間違いないのではないかと推量する。ウォルト・ディズニーとアブ・アイワークスが、1928年に生み出したアメリカ文化のシンボル的キャラクターである。1926年のくまのプーさんとほぼ同時期というのも何か時代の背景があるのか興味深い。ミッキーこそ「キャラクターの王者」であろう。アメリカの象徴ともいわれるキャラクターである。説明など野暮というもので、誰でも知っている。日本でも、東京ディズニーランドのミッキーマウスを始め圧倒的な人気者であり、ありとあらゆる商品に描かれ、それこそ「世界中で溢れるようにある」といって差し支えないほどである。Miffy)は、これも縷々説明するまでもないが、ウサギの女の子のキャラクター、ミッフィーである。1955年オランダのデザイナー、ディック・ブルーナが描いた絵本に主人公として登場する。日本でも、「ミッフィー」または「うさこちゃん」として知られ、子供から大人まで広い層に愛されている。(福音館書店)の絵本の主人公名である。ナインチェの絵本の販売は、2004年時点で全世界で8500万部に達するといわれ、プーさんに負けぬワン・ハンドレッド・ミリオンセラーである。これもぬいぐるみはもちろんのこと、コーヒーカップにいたるまで多くの商品のキャラクターとしても愛されている。キャラクターはこの三つだけが、有名なのではない。スヌーピー(Snoopy)。アメリカの漫画家、チャールズ・モンロー・シュルツが1950年から書いた漫画『ピーナッツ』に登場するビーグル犬。主人公のチャーリーブラウンの飼い犬である。これも子どもにも大人にも人気があるが、比べれば、上の三つはやはり桁外れのネームであることが歴然とする。これらは、童話や物語の主人公出身だが、ややマイナーながら最初から商品化を目的に開発されたキャラクターもあることはある。Kitty)はその一例。株式会社サンリオでデザインされたキャラクターグッズ用の一連のキャラクター達を称していう。擬人化された白い子ネコで、左耳の付け根にリボン、またはそれに類する飾りをつけているのが特徴。サンリオを代表する長寿キャラクターである。通称は「キティちゃん」。他にもたくさんのネコがいて大人気だ。最近の猫ブームに後押しされて人気が高いといえ、これも先の御三家にはとても及ばないように見える。爆発的人気者になるには、背景に物語性が必要だというのだろうか。ところでクマのプーさん、ミッキーマウス、ミッフィー、スヌーピー、キティーちゃんくらいまでは、子供にも大人にも人気があって、キャラクターそのものやキャラクター商品を生み出す事情など、自分にも良く理解できる。最近の、「ゆるキャラ」ブームというのは、一体どういう風潮なのかよくわからない。なかでも自治体あげて燃えているのは、何なのだろうかと訝る。市民との距離を小さくしたいとか、親しまれたいとか、それだけの現象なら目くじらを立てるほどのことはないのだが。愛らしいものもあるが、中にはどうか思うような風体のものもあって気になるのだ。クマのプーさん、ミッキーマウス、ミッフィーらとゆるキャラは、似て非なるもので、その差は大きいような気もする。[絵]見たいと思いながら、まだまだ大丈夫と思っているうちに何時の間にか期限が来てしまい、ホゾを噛んだ展覧会が何度もある。最近ではロートレック展。過ちを繰り返すまいと、国立新美術館へポール・セザンヌ(1839-1906)展「パリとプロヴァンス」へ出かけた。6月11日までの開催である。家人が心配して一緒に付き合ってくれる。要付き添いとは情けないが、ありがたい。国立新美術館は大江戸線六本木駅から徒歩5分、家を9時15分前に出ると10時の開館にゆっくり間に合う。昔々、パリのオルセー美術館で見た絵も何枚かあった。本当の良さなどは分かりもしないくせに、セザンヌの絵は好きである。画家たちが、絵を描き始めるときに「さあ、セザンヌしようぜ」と言ってから始めたと、何かで読んだ覚えがある。画家の中の画家であったのだろう。ヴィクトワール山」(1902年頃)などは、強烈に人を引きつけるものがある。セザンヌの油彩は、線の使い方に他の画家と違う特徴があることに、今回は気がついた。今度画集を見るとき、気をつけて見ようと思う。お目当ての水彩画もあった。セザンヌの画集を見ると、画家は沢山の水彩画も描いているのだが、残念ながら、今回は小さな数点しか展示されていない。・ローブの丘の麓にあった、セザンヌのアトリエが再現展示されていた。絵のモチーフにもなった画家ゆかりのオブジェ、プラスター(石膏)、テーブルや椅子、水差し、瓶などが置いてあって面白い。国立新美術館5周年の企画展にしては、全体としてやや規模が小さいような感じがした。他の美術館だったと思うが、いつか見たマチス展のスケールの方が大きくて迫力があったように思う。自分だけの気のせいかも知れないが。それにしても美術展は、久方ぶりのような気がする。東京にいる便宜性を、享受しないのは勿体ない。出かけるようにしたいものだと、改めて思った。国立新美術館では、並行して7月16日までエルミタージュ美術館展を開催中である。期限までまだ当分あるーと、思ってはいけない。帰りに、これも5周年という東京ミッドタウンのガレリアで、とんかつランチを食べた。一階にセザンヌ展協賛メニューの看板があったが、ここのとんかつ店は三階なので対象メニューかどうかはウェイトレスに尋ね損ねた。自分は金華豚、つれあいは三元豚のロース。山形は酒田市の平田牧場の産である。とんかつを外食で食べるのは、めったにない珍しいことだ。金華豚は、世界三大ハムの金華ハムの原料となる希少種。頭と尻が黒いので両頭烏(リャントウウー)ともいう。三元豚は、美味しい安定した豚肉を生産するためにランドレース種、ヨークシャー種、デュロック種など3種類の品種を掛け合わせた雑種豚という意味。セザンヌに満足し、金華豚に満腹して1時にはもう帰宅した。今日も、自分には楽しい小半日であった。[絵]ノーベル賞作家の大江健三郎は、1935年生まれ、自分より5歳だけ上だから同世代である。同世代だから気になるのは自然の成り行きで、若い時からよく読んだ。難しいテーマが多い上に、自分には難解な文章でもあるので、充分に理解した良い読者とはとても言えない。オキナワやヒロシマについても変わらぬ発言をし続けており、3.11後の原発問題にしても、高齢にかかわらず行動していることには、感服せざるを得ない。今回は大江健三郎のことではない。俳優の伊丹十三の妹さんであることはよく知られているが、いつもそう紹介されたりするのは本人にしてみると、きっといやな時もあるだろうなと思う。作家を支える内助や2男1女の母親としての仕事もありますが、私は私と。ゆかり夫人は良い水彩画を描く。次の大江健三郎の本や共著に挿画を描いているので見ることが出来る。優しい線と色調の絵である。本人は、文中、自己流と謙遜するが、ファンも多いと見た。気に入っていて時々眺める。自分は水彩画の練習をしているので、飼っている猫をモデルにその可愛さを表現できないかと良くチャレンジするが、なかなかうまくいかない。写実的に描こうとすると、猫は目が幾分つり上がっているので、どうしても怖い顔になる。何よりじっとしていないので、時間をかける写生はもとより無理である。寝ている時の姿を写生するしかない。すると皆同じような眠り猫になってしまう。山ほどの枚数のデジカメ写真を撮影して、それを見て描いているが生き生きとした絵にならない。可愛さを強調しようとすれば漫画の猫のようになってしまう。大江ゆかりの猫は、よく見て描いているなと感心する。猫が好きなのであろう。自宅で飼い、その猫を毎日見ている絵だと思う。たしかに猫はこういう仕草をする。描けないものであることは、やって見るとよくわかる。大江ゆかりに限らず、とくに猫好きはよく猫を描く。何やら超俗した目つきや、謎めいたふるまいが魅力的で絵になりそうに思うのである。藤田嗣治の猫は、あまりも有名。長谷川潾二郎の6年をかけて描いたという猫も。立派な絵でなくともいいのだが、部屋に飾って眺めたいような絵が描ける時が、果たしていつの日か来るだろうかと思うと心許無い。[絵]手塚治虫は、漫画は記号であるという。丸を書き中に二つの黒い点を書けば、誰でも人の顔とわかると説明している。その下に横戦を書き込み上に曲げれば笑顔、下向きに曲げれば泣き顔となる。雫のような涙も、走る人の脚の後ろの煙も、セリフの吹き出しも記号だという。絵を学ばなくともストーリーがあれば誰にでも漫画は描けるという。本人も小さい時から漫画ばかり描き、デッサンなどを学んだことは無いだろうから実感に違いない。たしかに子供でも漫画は描ける。漫画の大衆性や国際性は、このことと関係があるのだろう。そこで考えるのは、絵と漫画はどう違うのかということであり、絵とは何かということである。漫画、イラストと絵の違いは何か。イラストも漫画に似て記号のようなものだが、水彩画、油彩画に記号はないのか。風景画に点景として例えば人を入れる、後ろ向きであったり、ベンチに座っていたりすると何やら記号のように意味を発信する。ピカソやムンクには、記号にあふれた名画がある。モジリアニの首の長い女の絵やロートレックのポスターも漫画的だ。リボンの女」などは、「漫画みたいな絵に6億円も出して」と物議を醸した。浮世絵も線で描かれ、漫画やイラストに近いとも言える。デフォルメした似顔絵などは漫画か絵か。挿絵でも、写実的なものもあるが、村上豊のように漫画に近いようなものもある。かたや漫画の方は、コマがあり吹き出しにセリフがあるの特徴だが、セリフの無い一コマ漫画もある。新聞の政治戯評などに多いが、あれはかなり絵に近いのではと思う。いえば漫画アニメの背景などは、それだけ取り出してみると、まさに絵だ。自分はカルチャーで絵を習っている。「淡彩スケッチ」という水彩画であって、漫画を習っているのではない。我が水彩画はどうも漫画の雰囲気があるような気がしてならない。鉛筆淡彩やペン淡彩は特に漫画的である。子供の時から漫画を読み、ときには真似て漫画のいたずら書きをしたことが影響しているのではないかと訝る。水彩画を習い8年が過ぎようとしているが、いっこうに上達しないのは、どうもこのことと関係がありそうな気がする。「絵を学ばなくとも漫画は描ける」というときの、「絵を学ぶ」ということは一体何か。学ぶが、これは間違いなく油絵はもちろんのこと漫画を描く場合でも、役に立つことではある。解りやすい記号を持った絵が漫画で、やや解りにくい記号を持った絵が絵(?)か。表現型式が異なるだけで、皆何かしらの記号を持っていて何かを発信しているように思える。絵か漫画かなどとこだわるのがおかしいのか。絵も漫画も、まだ良く解っていないことだけは確かである。[絵]どんな絵にするのかを最初に考えるのか、描いていてこれで良いと思ったらやめるのか。これが水彩画のお稽古をはじめたときからの疑問である。先生にうかがうと後者であるとの答えだったが、人によってレベルによって、あるいは異なるのかも知れない。絵を描いているといつか来るという「これで良いという瞬間」とはどういうときか、そんな時がはたしてやってくるのか。その時が来ないうちに厚塗りして潰してしまうことが多い。筆をおく時、つまりやめどきは、いつになっても変わらぬ難問である。[絵]他のことは知らず絵の場合、俚諺の「好きこそ物の上手なれ」とは嘘である。いうより誰にでも当てはまるわけでは無いと言ったら良いか。描いたから、長いことやっているから、上手になるわけでもないことも確かである。持って生まれた才能というものもあろう。一方で、絵は上手でなければならないということは無い。人の心を打つ良い絵は上手、下手とは関係無いようである。基本的技術というものはあろうとカルチャー教室に通っているが、それもなにやらおぼつかない。人の心を捉えるなどとだいそれたことを考えなくとも、描いている本人が楽しければそれで良い、という方が納得感がある。人がどう見るか、見て何と言うかは率直に言って気にはなる。それもどれほどのことも無い。不思議なのは、知人に自分の絵を見てもらうのは、何とも恥ずかしく、照れ臭いが、知らない人に見られるのは平気なことだ。絵の上手な先輩に、多くの人に見てもらって批評してもらわないと上達しないよ、とたしなめられたことがあり、そのとおりだと思うのだが、生来、きっと狭量なのだ。[絵]デジカメ写真で水彩画を撮り、HPにアップしたり、ポストカードを作ったり、iPadで眺めたりしている。最近のカメラ、液晶、印刷技術の進歩の恩恵に浴しているなとつくづく思う。安いし、扱いが簡単なのが何よりである。携帯情報端末とPC間のデータのやり取りも、メモリーカードなど記憶媒体の精密化小型化に加えて、クラウドの出現もあって昔に比べれば嘘のように、複数の機器間の共有が楽になった。絵を描く者にとって気になるのは原画とその写真画像との違いである。画像処理技術の進歩で明度や色合いなどをかなり変えることが出来るので、原画と似てもつかぬ素晴らしい画像になったりする。写真は原画より小さいので縮小の結果、絵の技術の小さなアラが目だたなくなる。四隅の画鋲が写っていても、多少の汚れがあっても修正ブラシで消し取れる。トリミングも自在とくれば、総じて画像の方が原画より奇麗になり、へぇ、こんなにワシは上手いのかと錯覚しかねない。油絵や水墨画などと比べると、水彩画の方が光と陰がストレートに絵の良し悪しに影響するので、明度を調整すると「窯変」とまでではないが、良く見えるのだろう。印刷した絵も同じことである。油絵の絵本は少なく、水彩の絵本が多いのはこのことによるのに違いない。画家の岩崎ちひろは、それを早くから見抜き水彩の道を選んだと、何かで読んだ記憶がある。液晶や印刷技術の進歩した今、その慧眼には驚くべきものがある。油彩は、原画を手元におくか美術館でないとその良さを十分楽しめない。水彩画は絵本や画集でもそれなりに、気軽に楽しめるという利点はありそうだ。大衆的、庶民的という言葉は使いたくないが、つまりたくさんの人が絵の愉しみを味あうことが出来るというものだ。いって、水彩画は写真画像の方が原画より素晴らしいというわけではない。原画に勝るものなどありはしない。[絵]画友の中には、絵など描いたこともないが、リタイアして何でも良いから新しいことをやって見たくて、カルチャー教室へ来ましたと言う、豪の者、いや少し変わった人もいて吃驚したことがある。絵など描かないだろうと思う。他人と比べてでは無く、自分の他の能力、例えば音楽とか運動・体操とかに比してという感覚であるが。実際に描いて見て、こりゃだめだと思うのは、自分の理想と実力の差を思い知らされるからだ。なに練習すればもっと上手くなる筈だ、と思うのは単に自惚れか、自分の能力、可能性を分かっていないからではないかと疑い始める。自分の絵に満足出来ないのは、あくなき向上心からくるものである、と言えば聞こえがよいが、単に我欲だけかもしれないとこの頃思う。これが実力、これで良いのだ、なかなかいいところもあるではないか、となぜ思わないのか。思い自画自賛すれば、描いていても楽しいに違いない。みっともない「ぼやき」もおおいに減るというものだ。絵を描き続けるモチベーションは一体奈辺にあるのか。形でなく美を、色でなく光を捉えることだと考えれば、自画自賛していては駄目かもしれない。ところで満足するというのは、投げ出さないためにも大事なことなのかもしれない。[絵]水彩画の特徴といえば、何といってもその透明感にあるのは誰もが認めるだろう。出来ればさわやかな絵を描きたいと願っている。ある先輩は、水彩に限ったことではないが、「清明感のある絵」を目指していると言っておられた。ところが、水彩画にはもうひとつの特質に、言葉として非可逆性が正しいのか、不可逆性が正しいのか定かでないが、描いている途中で「もとの状態に戻り得ることが出来ないという性質」あるいは戻るのが難しいという性質がある。これが、描く者にとっては厄介である。油彩やパステルなどは、ある程度途中で修正しつつ続けることが出来る。平たく言えばやり直しがきく。PCのお絵かきソフトの無限に近い「redo(やりなおし)」が羨ましくなることがある。修正しようとして色を重ねると、暗くなるし透明感がなくなる。さわやかさや、清明感とはほど遠いものになってしまいがちである。どこでやめるかとも関係があるが、短時間にさらりと描くというのが良いようだ。言うほど簡単ではない。いえば、水彩画は美を<短時間>で捉えるというのが特徴であり、良さでもあると誰かがどこかで書いていたように思う。[絵]我が教室において一枚のクロッキーを描く時間は、はじめは15分から、あと10分になり最後に5分になる。4、5回目となるのにまだ全くついていけない場合があり、15枚程度のうち書き損じが1、2枚でてしまう。早書きが勉強になるのかどうか、やっていてもあまり自信はない。時間をかけて描いたからといって、たしかに良い絵になるとも言えないのは経験上良く分かる。短時間で美を捉えるのが特質である水彩画では、基礎的な技術として必須科目かも知れない気はするので、このカリキュラムは比較的まじめに取り組んでいる。クロッキーというのをあらためて調べて見た。(フランス語)とは速写画といい、対象を素早く描画すること、またはそうして描かれた絵そのものを指す。スケッチ(写生)とも言うが、特に短時間(10分程度)で描かれたものをクロッキーと称する。動物や人体などの動きのあるものを素早く捉える訓練として行われる。タブロー(完成品)へ昇華させるための習作として行われる場合もある」とあった。クロッキーといわず、いつも紙と鉛筆を持っていて、何でもさっと書く習慣をつけると、絵は上達すると聞いたことがある。そんなことができるのは画学生かプロかいずれにしても少数派だろう。描いている人はやはり、何と言うかデッサン力、筆力が違うような気がする。クロッキーをやっていても、また道遥かの思いしきりである。[絵]佐藤忠良(1912-2011年)は、日本を代表する彫刻家のひとり。平成23年(2011年)98歳で歿した。人」などで広く知られる。絵本「大きなかぶ」の挿画も有名。彫刻も難しいので自分にはよく分からないが、この人の水彩画は、分かりやすくて大好きである。何よりデッサンが素晴らしいと思う。つけた水彩の色もさわやか。透明水彩とクレヨンを併せて使っているものもあって、いいなあと思う。こんな絵が描けたら、どんなに良いだろうと。高齢になってしきりに描いたという木のデッサンも、人の眼を惹きつけずにおかないものがある。自選画集も借りてきて、今回ゆっくり眺めた。文化出版局)を興味深く読んだ覚えがある。ムーアに褒められたというヌードデッサンが出てくる。自分には、他のヌードデッサンには感心するのだが、こちらの方はどこがすばらしいのか分からなかった。見る目が違うのは、あたりまえとはいえ、すっかりしょげてしまった。昭和49年、62歳で亡くなった香月泰男(1911-1974)もそうだが、シベリア抑留の苛酷な経験が佐藤忠良の作品に大きな影響を及ぼしたことは間違いない。絵や彫刻に深みがあるというのは、こういうことなのであろう。香月泰男は、佐藤忠良の1歳歳上だが同世代。シベリアシリーズで有名だが、油彩画家で、水彩画はあまり残っていないようだ。この人の絵が好きだという人も多い。カルチャーの写生会に出かけて、噴水のある池のそばで水彩画を2枚描いた。快晴で気持ちが良い日だった。風景はG5というF2大の横長ミューズケナフとF4のアルシュ。疲れて池に突き出たウオーキングボードというのか、板のデッキで休んでいると鴉が数羽やって来た。見ていると側に乳母車に赤ン坊を乗せた若いお母さんがくつろいでいて、そこへ鴉が近づこうとしている気配。鴉はそばで見ると吃驚するほど大きくて怖いくらいだ。危険な感じがしたので、写真を撮ろうとすれば逃げるだろうと2、3度シャッターを押すが動じない。「しっしっ」というとやっとぴょんぴょんはね歩いてから、ばさばさと大きな羽根音を残し飛び去った。お母さんの方は、あまり怖がってもいなかった。鴉の濡れ羽色というくらいだから青味がかった黒い羽根毛はなるほど美しいが、ハシブトカラスというだけあって太い嘴はいかにも獰猛な感じがする。眼も黒くてどこにあるかも分からず、表情も読めぬ(?)だけに人には不気味な感じを与える。実際には利口だというから(2012.8.21「からす」http://toshiro5.blog.so-net.ne.jp/2012-08-18参照)、意外と愛嬌もあるのかもしれないのだが。帰ってから、写真を見ながら初めて烏の絵を描いた。蕪村の「鳶鴉図」(2012.5.7「蕪村老は天才大雅を追い越したか」http://toshiro5.blog.so-net.ne.jp/2012-05-09参照)を思い出す。それに及ぶべくもなく難しいことだけが良く分かった。せつ、本名昇はのぼる。ファッション・イラストレーターの草分けである。美術出版社)によると「なんといっても、いちばん長くやってきたのは絵なのだから絵描きの節さんといってほしいのだが......。こちらが有名なデザイナーの長沢節さんです、などと紹介されるのが多いのである」と本人が嘆いているように本業の水彩画よりスタイル画家としての方が有名である。自分も、ごたぶんにもれず、この本を読むまでそう思っていた。今までこのブログで水彩画の感想めいたことを書いたのは、あれ、この人も水彩を描かれるのか、といった人のものが多い。司馬遼太郎http://toshiro5.blog.so-net.ne.jp/2010-11-15や大江ゆかりさん(大江健三郎夫人http://toshiro5.blog.so-net.ne.jp/2012-05-29)などである。本業と知ると迂闊なことは言えない。こちらが批評本業でもないのだから余計な心配ではある。氏は1954年、節スタイル画教室をサロン・ド・シャポー内の一室で始める。有名なセツ・モードセミナーの創設者である。脇道に逸れるが、サロン・ド・シャポー学院は1951年、西塚庫男氏が千駄ヶ谷に創立した制帽教室。今でもご子息敏博氏が代表取締役で運営されている。我々夫婦の月下氷人なのである。長男敏博氏でなく、次男坊の家庭教師が学生時代の自分、というご縁である。庫男氏は亡くなられたが、奥様はご健在。ご夫妻にはひとかたならぬお世話になった。(24.1.24「頼まれ仲人・月下氷人」http://toshiro5.blog.so-net.ne.jp/2012-01-24)むろん、この長沢節氏の水彩画の話とは無関係の話であるが。節は戦後の日本ファッション界に当時としては刺激的なスタイル画で一世を風靡する。プレタポルテ運動のため本邦ではじめてのファッションショーを開いたことでも知られる。水彩連盟にスタイル画(現・キッシュアート)部門を創設した。官立の東京芸大でなく文化学院を卒業したからというわけではないだろうが、この人の芸術論、水彩画論も独特である。上掲「わたしの水彩」は読みごたえがある。油絵を描く面倒臭さがたまらないというのだ。「ライブな水彩写生などに見せるそのシャープなタッチやモダンな色使いなどの方にだけ、一方的に引き寄せられていったのである。透明な水彩絵具で白い紙の上に絵を描くのなら、ホワイトは不要のはずだとされるのに反して、「水の中間色とホワイトの中間色では色が歴然と違うのである。グワッシュ、不透明水彩の白いを含めそれを多用する。今でもカルチャー教室などで白絵の具はなるべく使わず、紙の白を活かせなどと教えているが、そんなことに頓着せずよければ何でも良いというのだ。イラストレーションデザインと絵画の違いをこう言う。「立体感や質感の表現、描写がうまいなどということは、絵画では何の役にもたたないのだ。」デッサンは線、タブローは色とも。絵も文学と同様嘘が無ければならぬ。」ということがないといけない。色はつねに(単色でなく二色以上の)関係(色のコンポジッション、コーディネーション、レイアウト)だけが美しい、とか色つけデッサン的水彩画が圧倒的に多いのが嘆かわしいとか言う。色感というものはもともと体質的なものだから、一概に勉強や努力だけでよくなるというものでもない、とも。(絵の)勝負は書き出しのほんの5、6分で決まる。これは、長沢節は、最初から直接色で描くのだからそうであろうが、水彩画全般に共通することかもしれぬ。「水彩という顔料はとても敏感な材料だからそんな偽善をすぐあばいてくれるところがいい。自由にのびのびと使われることをいつも望んでいるような材料なのだ。(くたばれ!クソ・リアリズム)」さも自然崇拝、自然は偉大だーなどといって風景画を描くのは偽善、むしろ自然冒涜だ。描かずに黙って自然と対話する方がよほどましだと仰言る。参考になったのが構図の話だ。本当のところが理解できたかは全く自信はないが、少し分かるような気がするのだ。