彼は銅版画職人、エッチングに水彩を使ったものが多いが、独特のテーマもさることながら、幻視者の異名を持つだけあって龍や怪人、怪獣?など描くものも怪異なものが多い。色は優しいものが多く親しみやすいのもたくさんあるのには驚く。Tyger)(1794年)、などなどがある。なかでも「巨大な赤い龍と太陽の衣をまとった女」がたいへん気に入った。ブルックリン美術館蔵やナショナルアートギャラリー美術館蔵にもあるようだ(注)が、良い絵だなと思う。Watercolorヘルマン・ヘッセもそうだが、詩人の絵というのは、一見分かり易そうだが何やらを象徴しているようであり、その何やらまで理解しようとするのは、難儀である。自分にはとてもその力はないようだ。ヘッセの絵は表題がついていないものも多く、ついていても風景や花なので分かりやすいが、ブレイクのはとくに表題まで謎めく。詩は易しい言葉なのに何かを象徴しており、難解だが、絵も目に入る形や色は解っても、何を表現しようとしているのか、考え込んでしまうものが多い。よって、ああ、いいなと見とれ、気に入った絵を探すのみと、いう鑑賞の仕方になる。[絵]以前にヘッセの水彩画のことを書いたとき、「画家の歓び」という詩が見つからず、まだ読んでいなかった。ヘッセの絵を鑑賞するなら、この詩を是非読まねばならぬとずっと気になっていた。岩波書店)を借りてきて読むと、その中にこの詩を見つけた。赤にも黄が加わりバラ色に染まった涼しい青空!光と色は自然界から絵の世界へ揺れ伝わり愛の大波となって高まり響いて消える病めるものすべてを治癒する精神が支配し緑が生まれたばかりの泉から響き始め新たに意味深く世界は配分されるそして心は愉しく晴れやかになる絵を描くと、心が晴れると高らかにその歓びを歌っている。このほかに幾つか印象的な詩があったが、中でも「アトリエの老画家」という次の詩が自分に重なりすっかり気に入った。自分は、画家ではなくカルチャー教室の老画学生といった風情だが。ブルマン(画家)に友情をもって捧げるーこの「色彩の魔術」はヘッセの水彩画を理解するためには格好の本だ。随所に水彩画を描く詩人の心が記されており、自分なりにだが「うん、なるほどわかる、わかる」と合点しながら読み終えた。それからやおらたっぷりと水をふくませ、ネイプルズイエローを少しつけた筆で私の小品の最も明るい箇所に色を塗ります。Aquarell)詩人がスケッチに出かけ、トルコ赤(とはアリザリンレッドのこと)がパレットにないのに気付いて、次のように書く。ヘッセは画家にも負けぬほど、沢山の枚数の絵を描いたと伝えられている。その彼が、芸術はひとえに技量、というと迫力がある。トルコ赤なしでどうやってすばらしいスペイン瓦の屋根を描いたらよいのだろう!「そこで私はアリザリンレッドの欠如をほかの色で補うことに着手した。私は朱色、バーミリオンを取り出して、それに赤紫色を少々混ぜた」が熱望した色にならなかった。Malfreude,Malsorgen)「絵をかくよろこび」では、木蓮を写生する難しさを、不遜な企てと言い、ドン・キホーテやハムレットを書くことの方が「児戯」と言って嘆くところなどは、本当によくわかる。花は描いてみるとわかるが本当に難しい。ヘッセの絵は風景が多いが、モクレンの絵が何枚か残っている。編者が書いた、この本の序に、次のような文がある。ロマン・ロランが1921年にヘッセに宛てた次のような手紙の一文もこれらの絵の心を言い当てている。「私はあなたの水彩画のアルバムに魅了されました。あなたの絵は果物のようにみずみずしく、花のように優雅です。これらを見ていると心がなごみます」ロマン・ロランもこのモクレンの絵もきっと見ているに違いない。ヘッセの絵を見ていると心がなごむと言っていることに、これも自分なりにだが、深い共感を覚える。ヘッセは40歳過ぎてから水彩画を始め、晩年まで絵を描いたと伝えられている。85歳で没するまでだから長い画歴だが、絵が精神的な危機を乗り越える助けになったというが、それだけでなく詩に小説に大きな影響を与えただろうことは、容易に推測される。それが具体的にどんなことか良く理解できないが、ヘッセの水彩画は、どくとくの色調を持っているように思う。花などいくつかのペン水彩も優しい線だ。「色彩の魔術」で詩人の絵に対する想いを読んでいると、画集の絵一枚一枚がいろいろ話しかけてくるような気がするのは、自分だけではないように思う。1956年)は、ドイツの画家。あるノルデで地名である。故郷の地名を名乗ったことになる。ノルデの作品の特徴は絵を見れば明らかであるが、原色を多用した強烈な色彩にある。単純化された形態もノルデの絵の特色だが、ともにゴッホの影響があるのでないかと言われている。油彩のほか木版画や水彩画も描く。水彩は北ドイツの風景、草花などを題材にし、水彩という画材の持ち味を自在に生かし、にじみやぼかしを使って作るグラデーションが素晴らしい。紙と水と水彩絵具のハーモニーという感じだ。卓越した技術、技量をもっていたのであろう。何と言っても水彩画の色の扱いが凄いと思う。強く激しい赤、ウルトラマリンかディープブルーか目も覚めるような青、藍、インディゴ。明るく輝くような黄色。深いというしか表現のすべのない緑色。ときどき現れる紫色(ヴァイオレット)。補色を大胆に配色するかと思えば、それぞれの色の濃いあるいは薄い色もふんだんに使う。見るものをしてその脈拍を高らしめるというもの。したらこんな色が出るのか、絵の具そのものの色すらこれを出すことは、それほど容易ではない。紙の白さを生かしながら塗らねばならない。紙の上で、重ね塗りをして混ぜるとまず汚くなる。パレットの上で複数の色を混ぜて作る場合も、ノルデの色を出すのは至難であろう。ノルデしか作れない色だ。するとノルデにも同じ色は二度と出せないのかもしれない。水彩も焼き物と同じ偶然が作り出す色がある。この辺りはまさに技術、技量の世界だが、色彩感覚が生まれつき備わっているのか、後天的なものかノルデこそ水彩画における「色彩の魔術師」の称号がふさわしい。水彩は油彩に勝てないと思っている人は多い。たしかに鉛筆の線の上に淡い透明水彩絵具を塗って、穏やかに描いた水彩画はゆったりと落ち着いてはいるが、展覧会などでは、迫力においてはやや乏しいことは否めない。水彩は描くスピード、手軽さが短時間に美を捉えるには、格好の画材ではある。勝つ、負けるというのは変だが、油彩のほうが力強いとは言えるだろう。ノルデの絵はこの常識を覆す。水彩でも、油彩に劣らぬこれだけ強いものが描けるのだ。)を借り、見ると水彩画は殆どなく、油彩ばかりが収録されていたのにはびっくりした。ノルでの水彩を全く評価しないのか、何か編集方針があったのか知る由もないが、これだけ徹底すると唖然とするばかりである。話が変わるが、日本の水彩画は、線画水彩に囚われ、世界の潮流から50年遅れをとっていると主張する人がいる。世界の潮流とは何か、絵に潮流があるのか首をかしげるが、線画水彩にも優れたものもあり、対極にあるかとも思うノルデの、色彩を紙の上にぶち撒いたような画もまた同じ水彩画だ。描く人によって絵はまちまち、見る人の好みもまちまちである。時代の好みもあるからそれを潮流というのであれば分かるが、遅れるとか進んでいるというのは少し違うような気がする。ノルデの作風は20世紀のドイツ画家たち、カンディンスキー、キルヒナー、エゴンシーレなど、内にこもったものを表そうとする点で共通するものがあり、ドイツ表現主義(Expressionism)と呼ばれている。表現主義は印象主義(Impressionism)に対する言葉であるが、不安・焦燥の感情など内的なものを表現するという意味である。ドイツのドレスデンで1905年に絵画グループ「ブリュッケ(橋)」が旗上げし、いわゆるドイツ表現主義と言われる運動が始まる。ほかに「青騎士」というグループもあるが、ノルデは孤独を好む性格で群れるのを嫌ったという。らと同じく「北ドイツ」表現派に属するとされる。たしかにノルデの水彩画は、美しいだけではなく内的な何ものかを表現しているように見える。歓びより、むしろ憂愁とか不安に近いように思える。絵が華麗だけに何かひとの胸に迫るものがある。第一次世界大戦の敗戦で、彼の故郷ノルデはデンマークに割譲される。彼は当時まだ弱小政党だったナチスの政策に共感して、1920年にはナチ党員となる。ナチのゲッベルスは彼の水彩の花の絵を好んだという。あるが、「プロパガンダの天才」といわれ、アドルフ・ヒトラーの政権とナチス党支配下のドイツの体制維持に剛腕をふるって貢献する。ヒトラーによりドイツ国首相に任命されるが、その直後に家族とともに自死した。シャガール、クレー、キルヒナー、ノルデ、ゴッホ、ピカソ、ブラック、セザンヌなどの絵がみせしめとして展示された。キルヒナーは自分の作品を退廃芸術に指定されたことに強い衝撃を受け、自らの命を絶った。ナチのやったことの中では小さなことだが、展覧会が芸術、文化に与えた影響は大きなものがあったのである。いう批判を浴びていたからナチ党員でありながら、この展覧会の対象者となる。その果てにドイツ社会から非難を浴び、美術院からも除名され、絵画制作まで禁止されてしまう。彼は戦時下を極小サイズの水彩画を世に隠れて描きながら、やり過ごしていた。戦後、これらの絵を描きなおす仕事を再開し、1956年に89歳の生涯を終える。日照時間の短い北欧に生まれ、おそらく孤独癖のあったと思われる青年時代を経て、ナチに共鳴し、後にそのナチから頽廃画家の烙印を押され、戦時下に筆を隠して暮らしたノルデは戦後の10年余りの晩年、何を思いどんな絵を描いたのか。ノルデの絵は鮮やかな色彩の抽象画のような単純化した風景画と花の絵があり、一方頽廃的とも見える人物画など、これが同一作家かと思われるようなタイプの異なった絵がある。前者は線が殆ど見られず、後者は線が目立つ。油彩あり版画あり多様だ。薔薇にエミール・ノルデという名を冠したものがある。鮮やかな黄色いバラである。画家の名に由来しているという。ノルデの絵の黄を指しているのか詳細は知らないが、ノルデの黄色もたしかに素晴らしい黄色だ。隣にブルーが配された黄色は何とも言えぬ。バラの新品種は長時間かけて忍の一字で開発するといい、発現は宝くじ並の確率と聞く。命名者は、開発中に思い描いていた色が、新しいバラが誕生した時、ノルデの鮮やかな黄色と似ているとおもったのだろうか。油彩でなく水彩の黄色とだと思うのだが。水彩画のお稽古をしている自分には、ノルデの人物画よりも、やはり色彩感溢れる風景画や花の方に惹かれる。こんな色をどうしたら描けるのだろうと、腕組みをしながらしみじみと眺めるのだ。[絵]司馬遼太郎の水彩画には前から注目していた。このブログでも書いたことがある。2012年)に次の文章を見つけた。「また司馬さんの描く絵は、とても味わい深いもので、たとえば「アメリカ素描」(新潮社)の表紙などを見ると、わたしは気後れがするのである。司馬さんは「絵に描いたリンゴと本物のリンゴとでは、どうして絵のほうがいいんだろう」と難題を持ちかける。本職の画家が気後れするというのは相当なものだが、ここでは、司馬遼太郎の絵のことではなく、後段の「難題」のことを書きたい。司馬遼太郎は座談、雑談の名手で作家の周りにはそれを愉しみにして、いつも人が集まったという。これもその雑談の中で出た話だそうなので、気楽な問いかけだったのであろう。(筑摩書房)にそれの答えらしきものがあるけれど、長くなるから引用しない、とあるのであとで読んで見たいと思っている。以下はまだそれを読む前に自分が思ったことである。絵に描いたリンゴは嘘だから実物より良いのである。ウソを含んでいるからと言った方が、より正しいのかもしれないが。嘘は人に楽しい夢を見させる効能があるらしい。小説を例にすればわかりやすい。小説も虚実ないまぜだから面白いのだ。司馬遼太郎でいえば、歴史小説は死んでしまった人が主人公だからどんな嘘でも自由に想像力で書ける。モデルに迷惑もかけることもない。自分は、現代小説でなく、歴史小説を書くのだと言っていたのをどこかで読んだように記憶している。安野氏に問いかける時、司馬遼太郎は自分の答えを持っていながら、にこにこ顔で問いかけたのではないかという気さえする。現実を題材にして、ウソをまぶし真実と違ったものを作り上げ、読む者に快感を覚えさせるのが小説である。快感を引き起こすホルモンか脳内分泌物かをたくさん出さしめるのが傑作小説だ。想像力によって、現実より素晴らしい世界を創造して読者に提供するのが文学というもの。真実や現実は多くの場合、醜く辛い。人は、この真実の醜悪なもの(ストレス)から目を逸らして身を守りたいという本能のようなものがある。不快を避けて、快感をもたらすホルモンか脳内分泌物かを出すのだ。個体維持をはかるのである。個体維持の目的は、むろん種族保存のためだ。小説や絵画美術はこのことが基底にある。絵も現実を写生しようとするが、写真と違い無意識のうちに美化して描いている。巧まずして、嘘を描き込んでいる。それを見る人も、無意識のうちにさらに美化して見る。現実のリンゴより絵に描いたリンゴの方が良い、と感じるのである。これをなさしめるのは現実回避の本能(らしきもの)である。美術という芸術を成立させているのはこれに他ならない。現実のリンゴはすっぱいかもしれない。虫が果肉を食べていたり、一部腐っているかもしれない。絵のリンゴはいつも甘く美しい。渋柿さえ絵になれば甘柿になる。絵に描いた餅は空腹は満たさないが、無聊をいっときは慰める。実際にはやってみると分かるが、リンゴを絵にするのはそう易しいことではない。写実的にせよ、デフォルメして描くにせよ、良いりんごを描こうとすれば、素人でも千や二千個以上練習のために描かねばならないと脅かされるくらいだ。テクニックもそれなりに必要だ。それでもなお、素人、子どもであっても描いたリンゴの絵は、実物より味があることに変わりはない。安野画伯を含め画家の描いた絵はそれぞれに素晴らしい。それなら、ムンクの叫びや怖い幽霊の絵などはどうかという問いもあろう。人間の精神、心象を表現する絵は、現実とどう関わっていると考えるのか。司馬遼太郎の問いは、ごく原理的な、原初的な問いである。クレーの抽象画やピカソの絵、ダリなどシュールリアリズムのような極端なものは、もっと突っ込んだ特別な考察と論理的な説明が必要かもしれぬ。ポップアートなども然りだ。今の自分の手にあまる。通底するものはあるに違いない。音楽の良さも理由は絵や小説と同じである。太古から火山の爆発音、雷鳴、嵐の風雨の音、恐竜の威嚇音や狼の遠吠えなど厳しい現実の自然の音は人類を長きにわたり苦しめてきた。恐ろしい現実音や雑音、騒音は聴きたくない。美しい音楽を体(細胞)が、心(精神)が求めるのである。音楽の三要素である旋律(メロディー)、和音(ハーモニー)、拍子(リズム)は、耳に心地よいが、三つをそなえたものなぞ現実にはない。人間が自分の快感のために作り出したのである。鳥の鳴き声、川のせせらぎや雨の音などがヒントになったのであろう。音楽も現実にはないもの、つまりウソだから現実の音より良いのだ。絵に描いたリンゴはなぜ本物より良いか、という問いの答えを書いてみたが、こんなことは誰でも最初に考えるだろう。ないのじゃないか、と否定されそうで確たる自信はない。読んだが、それらしきものが見つからなかった。急いだので斜め読みになり、見落としたかもしれない。一カ所だけ似た文章を見つけた。紋章」)「この運河にうかぶものの影は、その影を投げた実体よりもなぜ美しいのか。色彩はもっと活きいきとしているが、しかももっと完全な調和にとけこんでいる。遠い森が、やわらかな潤む色に内からひろがるさま、山の輪郭がそれを遮るさま、これは真実以上である。ゆがんでいる(シェリー「詩と恋愛」阿部知二訳)」これが安野画伯の言われる、「答えらしきもの」ではなさそうだが、問いは少し似ている。答えもないが最後の「しかもゆがんでいる」が気に入った。1822年)は、イギリスのロマン派詩人。有名な「フランケンシュタイン」の作者メアリー・シェリーは彼の妻である。1851年)は、イギリスの小説家。詩人も知らなかったが、夫人も知らなかった。フランケンシュタインは知っていたのに!。不勉強・蒙昧の謗りを免れない。Dufy)は、北仏ノルマンディーのル・アーヴルの港町生まれで、歿年は1953年、75歳だった。1871年-1958年)らとともに野獣派(フォーヴィスム)に分類される。フォーヴは野獣の檻という意味だそう、その中にいるような気持ちになる絵とはどんな絵か。フォーヴィスムは、色彩はデッサンや構図より上位にあり、画家の主観的な感覚を表現するためのものとして、自在に使われるべきであるとする。ルネサンス以降の伝統である写実主義から脱して、目に見える色彩ではなく、精神が感じる色彩を表現する。19世紀末の絵画に見られる陰鬱な作風とは対照的に、輝くような強烈な色彩で自由な雰囲気を創り出した。デュフィは19世紀末から20世紀前半のパリを代表するフランス近代絵画家であるが、彼もまた「色彩の魔術師」と呼ばれる。アンリ・マティスに影響を受け、彼らとともに野獣派とされるが、その作風は他の野獣派とは違った独特の世界を構築している。1978年)という一章があり、デュフィの絵を理解するのに格好のものだが、その作風についてこう記している。残念ながら表現が難解だが、何となく言わんとしていることはわかるような気がする。ダイナミックは線、静的なものが色彩か。教科書風に言い換えれば、デュフィの絵は陽気な透明感のある色彩と、リズム感のある線描が画面から音楽が聞こえるような感覚を人に与える絵と評される。水彩画においてこれが顕著だ。みずみずしいほどの色彩は水と白い紙の「自然」から生まれる。ウオーターカラーそのもの。油彩で表現するのはたぶん至難であろう。画題が音楽や海、馬や花をモチーフとして演奏会、競馬場、ヨットのシーンなどを描いていることが一層それを強く感じさせる。オルガン奏者だった父、ヴァイオリン奏者だった母という音楽好きの家に生まれたこともあって、音楽にまつわる絵に惹かれるものが多い。絵に旋律(メロディー)、拍子(リズム)、和音(ハーモニー)の音楽要素が溢れる。上掲の杉本秀太郎の一文でもこれらの絵について触れている。「電線を流れる電流が電線の外見を少しも変えないように、音楽は絵に少しもあらわれていないけれども、絵の中を通過していたのでしょう。もぬけの殻を見せつけられているわれわれこそ言い面の皮です」そしてデュフィのこのようなイロニー(皮肉)が大好きだと微苦笑する。この一文で、デュフィは左手で画を描いたと知って驚いた。少年時代すらすらと事の運ぶ右手をきらって、左手の不器用さを活用することを思いつき。以来、左手の能力を極力開発した」と教わりさらに仰天。たしかにぎこちない筆致の方が魅力的だというのは分かるが、だからと言って利き腕を放棄する人は聞いたことが無い。字は右手で書いたというが、デュフィの絵の特徴であるあの踊るような、流れるような軽快な描線は左手から生まれていたとは。自分の水彩画の関心事で言えば、デュフィに学ぶことは多い。線画水彩と、線を極力少なくして色彩を主体にする水彩と、どちらを目指すべきか長いこと迷走しているが、そんなことはつまらぬことと言われているような気がする。デュフィにおいては、「線による形」と「面による色彩」の両方が自在に描かれ、色付きデッサン、線画淡彩の呪縛から解放されて、水彩画の「自由」を獲得しているように見える。鉛筆の線が中途半端に残るのが良くないのだ。デュフィの線は黒い線でなく、たくさんの色で描かれている!デュフィは、水彩と油彩だけでなく、木版画の名手でもある。くの織物のテキスタイルデザイン、莫大な数の室内装飾用織物(タペストリー)、陶器の装飾、ファッション誌「VOGUE」の表紙など多岐にわたるジャンルで才能を発揮した多才な芸術家である。これらの独特のカラフルな多くの作品群は今でも魅力的だ。児童図書館・絵本の部屋」(評論社)で、挿絵は山本容子であった。(全24人)はじドラmiddrinnあとりえSAKANAありさらしゅえいむTaekoLovesPariscoco030705symplexus(。最近のコメント良い思い出を拝読しました、ありがと..女性の脳はその分シワが多いので、皮..最近の女がグズグズしている理由!!..言葉遊び、面白いですよね。ご指摘ありがとうございまし..初めまして。柳澤桂子さんと福島智さ..コメントとdesiresさんのすば..こんにちは。