インプットしてアウトプットされる。その行為は大体にして生みの苦しみを伴う。作家は何もないと言うが、本人が日々の生活の中で吸収してきたものがインスピレーションとなって作品たちは生れ落ちているのだと思う。口を描かずにおくとは、創作の種明かしを隠す無意識の行為なのかもしれない。なんにもない所から作品は生まれるのであると。それだけではないような感じがする。アートするために必要な、寄って立つ文脈・コンテクストが自分の中に存在していないことを自覚してしまっているのかもしれない。文脈を言い換えるなら社会性とでも言おうか。日本のアートはおよそ社会性が生まれにくい。西洋のアートと違い、職人の国であったし江戸になると庶民文化を反映した浮世絵が発達した。半ば無理やり西洋のアートを輸入してしまったがために混乱の今がある。我々が美術・カルチャーに触れる最初の扉と言えば漫画やゲーム、映画、音楽などのサブカルチャーである。ほとんどそこからしか表現を出発出来ない。いめうとかさんはそれを理解していて、なにもない所から生れ落ちる作品たちと認識しているのではないか。彼女が生きてきた中で吸収してきたカルチャーはあるはずで、それは創作に反映されているに違いない。本当はなにかある所から作品が生まれている事を知っている。なんにもないと言いたい。日本のアートの実情に気づいているから。いめうとかさんは丁寧に作品を作られる。会場には、段ボールで作ったお面やまな板に絵を描いた作品、布のコラージュでキャラクターの顔を作ったもの、漫画の原稿、それからお面を被った作家本人の写真、バッジなどの小物まであった。浮世絵はうちわや絵馬、かるた、羽子板などにも描かれた。どれもデザイン性は高く丁寧な仕事である。いめうとかさんの作品は日本の芸術を顧みれば実に納得してしまう所がある。西洋のアートと日本の芸術文化の性質の違いの狭間でさまよう日本において、彼女は自分の思うがままに作品を制作し続けている。本来的にはそれは正しいのである。線が軽やかに歩んでいく。重力を感じさせないような軽さを、目を通して感じられる。師井さんの作品に張り付けられた糸は軽快だ。どこからかやってきて円を描きまた向こう側へ去っていく。支持体の上を楽しむように一周駆け回って画面から消えるのだ。このような軽やかさを感じるのだろうか?糸が張り付けられた平面画は、アクリル絵の具で着彩されたたくさんのマスが集合して出来上がっている。マス同士の柄は全てばらばらで、隣同士が繋がっていない。大きな一枚の紙の上に施された表象が、一定の形の矩形に断裁され、それらを再構成したようなコラージュとなっている。コラージュは、現代芸術の中で生まれた技法である。師井さんが活動拠点としているフランスでは、コラージュに特化された美術館やコラージュ芸術家の機関があるなど特別な表現技法であるらしい。ピカソやブラック、シュールレアリストの画家たちが、繋がりのある物質や意味・ロジックをバラバラにして、世界に対する新しい視点を生み出すために始めた技法だ。本展の師井さんの作品群もこのコラージュが基本となっている。この技法によって繋がりを断絶された平面の上に一続きの線・糸を配置する事が、糸に不思議な軽やかさを生み出しているのであろう。解体され混沌とした空間の中で優雅に弧を描きながら現れる線、まるでバラバラになった時空を泳いでいるかのようである。デジタルな世界をアナログな足取りで歩んでいくような印象である。師井さんのコラージュは全く違うものをサイズもバラバラに繋げている感じではなく、同じ大きさの矩形を規則正しく繋げたものになっている。それは市松模様のようである。着ていた格子模様の袴が人気を博した所から来ている。石畳のようなこの模様は江戸以前から織模様として多用されてきた。日本人にはある種の規則性を持った幾何学模様を好む感覚があるのかもしれない。師井さんはフランスで長く活動されているので、フランスのコラージュ技法と日本の市松模様的美学が彼の中で共存しているのかもしれない。本展で床に配置されたキューブ状の作品はまさに、ルービックキューブのような幾何学的模様の立体である。この規則性をもった配置と、糸が描く決して真円にはならないゆらゆらと遊ぶような軌跡の対比もまた、糸の軽やかさを強調させているのではないだろうか。師井さんの線が醸し出す遊び心は「lombre」と書かれた陰という作品と、「De‘tour」と書かれた回り道という作品によく現れている。「lombre」は書がしたためられた紙を断裁してバラバラに再構成した支持体の上に赤い糸が走る。影遊びとでも言いたくなるような作品。「De’tour」はパリの地図を断裁してバラバラに繋ぎ合わせた支持体の上を、黒い糸が移動する。地図はバラバラなので、隣り合わない地点から地点へ糸は繋がった一本の軌跡を描く。地下鉄に乗ってある地点からある地点へ移動するみたいな感じだろうか?いや、もっと瞬間的に自由自在に動いている感じがする。施された一本の糸がよい。この連続した一続きの線が妙に納得させられる。世界の情報に瞬時にアクセスできる現代、このデジタル化された環境はますます発達していくであろう。我々はこの空間の中を生身の体で変わらず生きていく。人間自身がスマホになる事はなく、あくまで環境がデジタル搭載になっていく。スマホが不要になる時代が仮に来た時、我々は師井さんの作品のように時空がバラバラの世界を優雅に弧を描きながら生きているのかもしれない。平面上のイリュージョン。糸/男と女」2018.10.3(水)~10.14(日)@GALLERY創(札幌)梅田力個展「余白の感触」@さいとうgallery(札幌)会場奥、左の空間に展示された作品の前に佇む。単体の作品が複数展示されているのだが、やはりこの作品に目が行ってしまう。白い平面の台の上に2体の黒い作品が中心を開けて立つ。阿吽像や風神雷神のような日本的アンシンメトリー対構造のビジュアルテンプレートにしっくりはまり込んで、視覚的心地よさを与えてくれる。おまけに白を背景に黒い作品という組み合わせは、立体になった前衛書道を踏まえて見えてくる。スポットライトで白い面に落ちた作品の影は、墨の滲みが生み出す白黒の間に現れるグラデーションみたいである。梅田さんの作品の背後には日本文化のコンテクストが隠れている。西洋のアート、コンテンポラリーアートは、西洋文化のコンテクストに連なっている事を踏まえて、現時点で主流となっている価値観の刷新をする事、そして新しい価値観のコンセプトを伝えるメディアの役割としての作品制作というルールの下に営まれている事が基本となっている。王侯貴族や教会の所有物だった芸術は、市民革命・個人の意識の萌芽により美術館を通して一般にも開放されるようになりだした時から、新しい価値観を提示するもの・知の更新としての役割を果たしてきた。アートはおおむねこういった知の刷新メディアである。梅田さんはこの知の学術としてのアート、ロジックを内包した知を伝えるメディアとしてのアートに違和感を抱くとアーティストステイトメントで述べていた。芸術は理屈や言葉を超えたところにある、精神の自由な戯れを与える装置のようなものとしてあっていいのではといったような事を仰っている。これは自然な反応だと思われる。我々は日本人だからである。日本人は社会性をもって、知の刷新として芸術など制作してこなかったからだ。この本来のアートとのズレに振り回されている事は未だ解決しない問題ではある。職人技、工芸などが生む美的価値、禅や仏教・神道などの精神や存在に面影を投影する抒情性、茶道や華道・武士道などに通っている生き方の拠り所など、西洋とは違う文化歴史背景が我々の美の世界にはある。梅田さんはこの事に気づいていらっしゃるのではないだろうか。作品は針金と布にカシュ―塗料で黒く塗られたもので、パーツに分かれている。形が可変であり、持ち運びの利便性もある。形が常に変化するとは普遍性を持たないのであり、この世の全ては常に変化していくという無常観とも通じる意識である。移動の利便性といえば日本には掛け軸というものがある。日本的要素が本展には実に多くある。個展タイトルにもあるが、余白の感触は「有る」の反転で立ち現われる。梅田作品は様々な角度からとらえる事が出来て、見る者の心を無数の余白に遊ばせてくれる。感触」2018.9.25(火)~9.30(日)@さいとうgallery(札幌)千代明個展@茶廊法邑(札幌)絵画ONアルミニウムアルミニウムの板の上に刻まれた線。奇麗な曲線が複数走り、それらはアルミニウムの支持体の上で交わりながら重層的な線の模様を描いている。これらの抽象的な線描は、光の反射を受けて画面の奥に線が見えたり、画面の手前に線が見えたりと立体的な印象を与える。それは絵が描かれているというよりは、画面上に浮遊しているといった感じである。アルミニウムは我々の日常によく見る素材である。アルミ箔やアルミサッシ、缶ビールなど身近な存在。アルミニウムに絵を描くなんて珍しいと思いきや、1円玉という最も馴染みのある絵画を普段目にしているのである。1円硬貨には1という数字と若木の絵が刻まれているが、まさに絵画ONアルミニウムである。1円硬貨の価値は描かれた若木の美しさや出来栄えで決まるのではない(もっとも、偽造という観点からこの若木のデザインでなくては価値がないという基準を持ってはいるが)。1円という法定通貨として国が信用を与え我々が共有している上での1円という価値である。発行年や発行枚数による希少性や仮に硬貨の使用が廃止されれば、この硬貨は1円という価値を超えた希少価値を持った物質に、それを信用している者の間で生まれ変わる。価値とは物質に宿る信用で決まっている。虚構を共有しているわけだ。共有)や1点ものとしての希少性(供給<需要)が価値を作る。千代明作品が描くアルミニウム上を浮遊するような抽象的線描は、なにか物質に宿る信用という正体を浮き彫りにしているように見えてくる。山が動くように展示作品の一つにモーターでアルミニウムキャンバスがゆっくりと動き、表象が変化していくものがある。作家いわく、本来はもっと遅く動かす予定であったが、9月6日の地震により部品が壊れ、予定の倍以上のスピードで動かさざる負えなくなったという。この作品を見てから、他の作品に目をやると止まっている作品の表象まで動いているような錯覚を起こしてしまう。このまるで動いているように見えるくらいの変化の度合いが、本来の遅いスピードが生む動きに近かったのではないか。gravity」というタイトルを付けている。3Dのような前後の奥行きと動きを感じる平面といえば、長谷川等伯の「松林図屏風」が思い浮かぶ。日本人に大変人気の作品であるが、動いていないものを動いているように感じるという事とは、もののわずかな動き・ゆらぎを感じ取る心が捉えている心理である。不動のものは存在しないのであり、全ては危うくゆらぎ移ろっていく。本来我々はその事をよく知っている。1円硬貨を1円の価値があるものと無意識に思い込み、本当はその裏にある信用という、いつゆらぐとも分からない不確かな虚構が宿っている事を意識はしない。それは例えば山が見えない速さで動いている事に気づかないといった例えのように、我々はごくわずかな揺らぎの存在を意識しなくなっているのかもしれない。大陸が地殻変動で僅かに動き続けているなんて、知識で知っていても普段誰も意識しない。地震に直面して初めて地球の変動を知るのである。千代明作品は我々にゆらぎの存在を再認識させてくれるような知をもった装置として、見る者の心と対面しているのである。千代明個展2018.9.5(水)~9.16(日)@茶廊法邑(札幌)「掻く」春苑個展@ギャラリー犬養一階ピアノ部屋(札幌)「書く」ではなく「掻く」と表記された書の展示になっている。背中をかくとか手で水をかくとか、はたまた弦楽器の弦をかきむしるといった「かく」である。表面をなぞるというよりももっと摩擦を生じるような、ものに力を及ぼす事で何かを成す行為を思わせる。文字を刻み付けるという感覚を意識している事が伺える。会場の真ん中に立つ一本の柱を木に見立てながら、たくさんの葉として擬かれた紙が天井を覆っている。その葉には一文字ずつ刻印され、言葉が夏真っ盛りに生い茂っているといった体だ。表された文字は「八風」。八つの煩悩を表す八種類の文字である。「文字を葉に掻くというかつての行為に倣い、心情という種から生まれた末の煩悩を一本の木として捉え、生い茂らせた葉・煩悩達と向き合う自分」という趣旨を作家は表現しているという。それは人間が生まれてから外界との接触で生み出してきた頭の創造物である。手の届かない所でそれらはひらひらと風に舞う。簡単には振り落とせない誰もが心当たりのあるものだ。