石膏のような白い素材で作られた排水溝が3つ並んでいる。部屋は暗室で、スポットライトが3つの排水溝に当たる。ドラマティックに佇む排水溝の溝から顔を出す緑色の雑草。逞しく地上へ伸びている風ではなく、ポッ、ポッと顔だけ出している。その姿は健気な愛らしさという印象である。排水溝は入り口側から奥に向かって少しずつ草の本数が増えていく。ある特定の排水溝における時の経過を、草の増殖という時間軸で表しているようである。そこには草が上へと成長していく流れは反映されていない。どの排水溝も溝から飛び出したその高さで草の成長は止まっている。これは作者の神の手で止められているのではないか。藤田さんが表したかったものは雑草の逞しさではなく、やっと地上の光を直接浴びる所まで顔を出した健気な姿なのではないだろうか。このちょっとだけというニュアンス。人工物である排水溝と対極の自然物である雑草。両者は拮抗しておらず、どちらかと言えば人工物に抗う自然物といったおもむき。雑草は排水溝を覆い尽くすように制圧するわけでもなく、やっと一矢報いたという状態。時間軸の中に草の増殖は見せても成長を反映させなかった事は、作者がこのささやかな抵抗の姿に美を見たからではなかろうか。圧倒的勝利よりも「負」寄りの状況に惹かれる。日本人の美意識には負けの中のささやかな抵抗に一筋の希望の面影を見るような負の美学がある。無常観に一瞬の大事さを、散る花の儚さに咲き誇っていた時の映像と次咲く時までの希望を、幽(かそけ)し中に存在感を感じるもののあわれがある。藤田さんの排水溝作品は「負」に見る「生」といったようなもののあわれを宿している。この雑草達の排水溝からやっとこさ顔を出した姿は、かすかな生きる希望を輝かせている。作品タイトルは「共存-めばえ-」。排水溝と雑草の対極がやがて共存へと向かえる希望を、めばえに宿している。現代日本の日常のあちらこちらに、このような負に宿る希望を思うもののあわれが存在している事を、藤田作品はコンテンポラリーに気づかせてくれるのだ。ピリカノカ-ウパシ-@カフェエスキス(札幌)化粧を施されて北海道の風景はまるで画像の粒子までがはっきりと見えているかのように空気が澄んだ明快さを持っている。以前、遷都1300年の時に奈良を訪れた事があるのだが、その日はしとしとと雨模様であった。遠くの山が水墨画のように淡く佇み、新しく改装された朱雀門は建設当時の中国文化の朱をそのままに宿していた。湿潤な本州の気候が産み出す淡い大気の中でビビッドなまでの色味と存在感で鎮座していた朱雀門は、まさに1300年前から時空を超えてやってきたかのような不思議なリアリティを醸し出していたのを覚えている。北国の乾いた空気はそんな深山幽谷的世界観を我々には見せないが、雪という化粧を施された瞬間に北の大地は一転、単色の幽玄な世界の表情をするのだ。谷杉さんの写真はそんな北海道の風景を見せてくれる。幽玄という美意識をテーマとする日本の文化に能がある。その一形式である夢幻能。これは世阿弥が生み出したスタイルで、神や精霊などの超自然的存在が旅人の前に出現し、その土地にまつわる話を語るというものである。登場人物がすべて現実の人間である現在能と区別して言われる。谷杉作品を眺めていると北海道の原風景としての大地に思いを馳せ、そこにアイヌが信仰していたカムイの姿を見るようである。「ピリカノカ」はアイヌ語で美しい形、「ウパシ」は雪を意味するという。雪が今の北海道の大地を隠すと同時に原風景の美しい形を浮上させる。その景色は色彩がシンプルになり、木々は葉が落ち殺伐とした枝の姿になる。能舞台が本舞台、後座と橋掛かりで構成された最小限の世界であるように、雪原の北海道も「さび」のようなシンプルな世界に変貌するのだ。谷杉さんが「白く果てしない雪原の中を旅するような感覚でご覧いただけたら幸甚です。さんの雪原の写真展は、日本文化を北海道で更新するという大きな挑戦の可能性を問うている。いつか雪原で行われる夢幻能の演目を見てみたいものである。谷杉作品のように新鮮で美しい世界を見せてくれるに違いない。北海道命名150年の年に行われた展示として非常に有意義な催しだったと思う。会場には木材を彫刻した物体が数点点在し、壁には三枚の平面画が展示されている。彫刻作品は円盤型のものが五重の塔の屋根のように縦に並び、それぞれの間は丸い空洞を有している。日本庭園にある石灯篭のような面影を表し、上へ伸びていこうとする木々のようだ。平面画は赤や青など数種類の色彩の線描が縦にひたすら塗られた画面構成である。三枚ともに同じ構成であり、色彩は彩り豊かというよりは一色一色の存在感が明解で光を帯びているような明るさを持つ。色数よりも単色の存在感を秘めたペインティングである。この縦の線描は上から下へ流れているように見られる。天から降り注ぐ光や雨を思わせる流れである。それは彫刻作品が木々のように上昇志向の有機体と捉えた瞬間に、対極の動きを持つものとして平面作品を捉えてしまうからなのかもしれない。そのように見る事で会場全体は森景を構成するのである。土壌の上の傘たち木彫作品の円盤は5枚のものや7枚のものなど様々であるが、五重の塔に見えていた彼らはむしろその上に立つ相輪に近い印象だ。相輪は仏塔の上に突き出た部分の装飾物の事。荼毘に付された釈迦の骨を納めた塚(ストゥーパ)の上に重ねられた傘が由来だ。この傘は元々インドの暑さから釈迦を守るために置かれたものらしい。この相輪の一番上の部分(宝珠)に釈迦の骨が納められていることになっており、一般的に相輪の下の仏塔本体自体よりもこの相輪が本来拝むべき大事な所であるらしい。ダム・ダン・ライの木彫作品はこの相輪のような形で会場に立っている。本来下に眠る釈迦を守る添え物であった傘がやがて釈迦の骨が眠る最重要部分に生まれ変わったように、全てのものを支える最重要部分である土壌から芽を出し成長した木々はやがて森を彩る主役となる。ダム・ダン・ライ木彫作品はそんな土壌の上に現れた多様な木々たちである。どの作品も形や高さ、反り方が違う。上昇下降の調和世界-森-ダムさん本人が仰っていたが、作品の色彩は彼の故郷・ベトナムに住む少数民族の文化に見られる単色を中心とした色使いが反映されているらしい。平面画の色彩は多色であるが、派手な印象や暑苦しさはない。木彫作品は木の素材の色そのままである。会場全体は空から降る光や雨を表現したような平面画と、その恩恵を受けながら上へ成長していく木々で構成された寂寞とした森の営みといった印象だ。釈迦の骨が眠る塚の上に重ねられた傘は上空の暑さをはねのけるものであったが、ダム・ダン・ライ木彫作品は降り注ぐ光や雨の恵みを一身に受けて伸びていこうとする。土壌の上で繰り広げられる上昇と下降が出会う狭間にそれぞれの木々は固有に成長し多様な形を展開する。いう調和の森がダム・ダン・ライ作品展-森-には広がっていた。2018トップへ戻る閉じる。