禅語を中心とした作品群が壁に掛かる。「お前は誰だ」と自らの存在を問う作品、「侘寂侘寂...」と繰り返された、外部事象としての不足の物悲しさ(侘しさ)と内部から沸き起こる孤独感が生む物悲しさ(寂しさ)の両方と向き合う作品。自分と他者の縁起や因果を問うような禅問答が展開される。禅の開祖・達磨大師は9年間壁に向かって座禅を組んだと言われているが、作家はひたすら言葉を壁に投げかけて跳ね返ってくるそれを受け止めているようだ。鑑賞者もまた同じことを追体験するのではないか。自ら生み出した煩悩を頭上に抱えながら、壁に向かうように自問自答する。煩悩から解き放たれようと試みて。作家はそのような空間を小さな庵として結んだのかもしれない。煩悩の葉を頭上に広げた一本の木。作家はこの幹から一部を削り出し、それを漉いて紙を生み出し、燃やして墨を作る。後は水という幹を流れる血の定着液を使って墨を紙に刻む。自らが生んだ煩悩に対して自らの体で作り出した道具を使って向き合う...こんな寓意を思わせるような展示構成。その行動はまるで円相のように自己完結した動きであり繰り返しを想起させる。作家春苑は、両の手のひらで掬った水は隙間から零れ落ちていく事を知っている。会場入って左手に掛かる「失う」という作品がそれを語っている。そんな繰り返しの問いを続けていこうとしているようだ。「禅」をこのように空間化として翻訳したような見せ方は、現代人への「禅」への切り口として一つ有効であるように思われる。cafe(札幌)メディアアーティストの落合陽一さんの作品にコロイドディスプレイがある。超音波によって細かく振動したシャボン膜に蝶々の映像を投影した作品。いつ弾けるとも分からない脆いシャボン膜上の蝶は美しくも儚さという面影を常に宿し、儚いものに対する愛おしさを感じる日本人の美意識をデジタルで表現している。本展で展開された三人の作品は儚さや揺らぎ、移ろいという不安定なものの中に見ようとするある確かなものを表現したそれぞれの形であるように思われる。printing_Ark。トランクケースの形をした作品は、その側面が変容している。線が走り面は歪み変色している。カバンは物を入れ運ぶものである。場所と時間の移ろいの中で風化していく。外部要因で損傷し疲弊すればだんだんと変化しやがては使い物にならなくなるところまで行くであろう。この作品が見せている側面の表情はどうも、そういった変容を表しているようには見えない。疲労感を感じる馴染みや味わいというものを感じない。石膏のカバンは角が鋭利な直方体で、真顔で鎮座している。それは実際のトランクケースとは似つかぬ風情だ。その無機質な感じのカバンの側面が変容している。この異常性を持った変容は、直方体の物体の内側にある存在が外部に現れとなって出てきたものなのではないか。社は時間と共に風化する。ところがその中に立ち寄る神はいつでも我々のイメージとして新鮮に現れる。森の手前に建つ鳥居もそうだ。朽ちていく鳥居の向こう側にはいつも変わらぬ神の存在を見ている。我々が崇める社の中はカラである。そのカラに神の存在を見るのであり、大事なものはそのカラの方である。変わっていくものと不変の実体。自然が作り出す移ろいと人工的な変わらないもの(ここでは人間が作り出した虚構)の関係である。石井作品のトランクケースは一見、自然現象によって起こる移ろいを思わせながら、本当はその物質の内側にある不変の何かを表そうとしているのではないか。時空の変化に晒される社の空洞に変わらぬイメージを見るように。作品タイトルのプリントによる人工物とは、カラの中に宿る不変の何かを写し取ったという事かもしれない。平面上がエンボス加工され、その凹凸の部分部分が色で塗られている。これらの作品は水晶や宝石を写生して生まれたものであるという。立体が平面に描き変えられた事になる。それは展開図のように多面体の面が広げられ、視界で一握出来る状態になったという事だ。立体では視点によっては当然見えない面が存在するが、この作品ではエンボスの凹凸によって平面上に全ての面が存在している風である。ピカソのキュビズムのようなやり方で全ての面に平等性を与えている。面の一部は色彩を放ち、そうでない部分は胡粉の白のままである。水晶や宝石は動かす事できらきらとした輝きを放つが、ここではその面の輝きを一望の下に見ているようである。光の明滅の明と滅を同時に認識する。すると、光を放つ部分よりも光を持たない部分に目を向けてしまう。エンボスの胡粉の方に何か思いを寄せてしまうのだ。恒星は自ら燦然と光を放ち表面の全てが眩しい。外光を受けて初めて輝く存在は当たる部分とそうでない部分の違いにより光の明滅を生む。そのきらきらとした揺らめきはどことなく儚い。日本人はこの儚さに慈しみや悲しさや微かな希望といったような思いを映そうとする。平面化という、光の明滅を一望に展開してしまった寺脇作品からは、我々が儚さに心情を映す行為を認識させられるのだ。雲母は「うんも」と読むが「きら」とも読む。この鉱物は非常に脆い。雲母を使った浮世絵のきら摺りはきらきらと光る。きらめくとは輝いている状態であるが、雲母のように脆く儚い輝きでもあるのだ。揺らめく髪の長い人物。「jewel」という映像作品は、透明度を99%にした画像を数百枚重ねて出来ているらしい。ほとんど分からないくらいに大気にうっすらと浮かんだ人物の像を重ねてその影を濃くしているのであろうか。その画像の枚数を変える事で、投影された人物は徐々に薄くなり消えていき再び像が浮かび上がったりしている。この像の揺らぎが興味深い。ある人物の実在を見る事は、明確な像を見る者の目の中に作る。その人物に対する無数の記憶は見る者の頭の中でぼんやりと住んでいる。その程度は人物に対する思い入れや場面による記憶の濃淡によって様々であろう。人はある特定の人物に対する複数のイメージの組み合わせでその人物の存在を把握する。死んだ友人は思い出や記憶となって生き続ける。この記憶の集積が作る像は、その友人が生きていた頃の肉体の認識で結ばれる像の明確さからすると少しぶれている。実在という中心からの揺らぎである。その揺らぎの像を複数重ねる事で少しずつ像を確かなもの(生きていた時の実像)に近づけていく。どこまで足してもぴったりとは重ならない。それは実像とは別のもう一つの像として存在している。福田作品は人間が持つ記憶の構造を見事に表しているのではないか。死んだ人間がラップトップの中でデータとして生き続ければそれは実体なのか。ホログラム化された知り合いの姿が目の前の大気中に投影されて話しかけてきたらそれは実体なのか。デジタルテクノロジ-の進化で実体に対する認識のアップデートが求められる今日。人間は記憶というもう一つのプロジェクターを常に駆使してきた。ことに我々日本人は気配や匂い、陰影などに何かの存在を感じてきた民族である。いった実在とは別の存在も、その人間にとっては一つのイメージという実体となり得るのである。揺らぎの中の確かな結晶なのである。移ろいや儚さそして揺らぎの中に見えるもう一つの実体。三人の作家達は、我々がきらめきの中に見る、実像とは別の確かな実体、面影が投影された結晶の存在を気づかせてくれるのである。店内にある金魚鉢は水中を泳ぐ金魚の振動によって水面が揺らぎ、そこに店内を映し出していた。それはまさに揺れ動くもう一つの実体なのである。cafe(札幌)瀬川葉子「始まり-青の連作」~グループ展「いのちのかたち・・・かもしれない展2018」より@ギャラリーエッセ(札幌)5人の女性作家達が普段の生の営みの中で作り出してきた作品を、今生きている事の軌跡として展示しているグループ展。その中の一つ、瀬川葉子さんの作品「始まり-青の連作」。正方形の大小のキャンバスに破ったボール紙を張り、ボール紙を黒くコーティングして、その上から青いアクリル絵の具を所々這わせていく。それらがランダムな配置で壁に掛かっている。作品は全て正方形のキャンバスという制限の中で表現されている。破ったボール紙に黒と青を乗せた表象は全て違う。ボール紙の破れ方やその重なり方の違い、黒の濃淡に青の形状が重なる表情の違いが全てを唯一無二にしている。中にはキャンバスからボール紙がはみ出したものもある。同じ条件で毎回2つとない顔を見せている。タイトルの「始まり」とは制作の中で作者が感じ取る何かが生まれる瞬間に対する希望でもあるが、毎回が新鮮なスタートを切っているという意味合いもあるのではないか。正方形という制限があるからこそ、その中でいかに2つとないものを生み出していくかという心構えのようなものである。これはまさに取り組む作品一枚一枚が一期一会なのである。一期一会とは茶道からきた言葉である。主人と客人の出会いはいつでも唯一無二の時間なのであり、茶室で行われる一切の事をおろそかにせず真摯に取り組む事で、場を2つとないものに出来るという姿勢。瀬川作品はこの一期一会の態度で臨んだ時間(それはいつも新しい始まり)が形になったのだ。黒い濃淡のボール紙と青の共演が美しい。生き物の皮膚のようにも熱を持った金属のようにも見える。見る人によって様々な美しい形を投影するであろう。元の素材はボール紙である。日常見慣れた些末なものが、作者の手によって美しい形象に変わる。これも茶道の姿勢に通ずるものがある。高価なものをあつらえて臨んでいた茶道であるが、その代替え品として侘びたものでもてなそうという態度である。「不足の美」という言葉があるが、真体(本来)に対して草体(仮のもの、簡易)で賄う侘しさに宿る美だ。今様に言えば不足に感じるエモいである。ボール紙という素材はこの「わび」のエモさを内包しているのである。瀬川葉子作品は一期一会とわびの精神を内包させ、物事の一つ一つの機会に対して、間に合わせに美を見出し常に新しい気持ちで臨む姿勢を反映させている。それは我々日本人が持っている日々の生活における凛とした心なのではないだろうか。一年間の間で集まったレシート群。作者が生活していく中で購入したものやサービスが記載されている。日付や品名はそのレシートが発行された過去の一点を示す。作者がそれらを眺め過去の記憶を辿るように、我々鑑賞者もそれぞれのレシートから過去の一点を想像してみようとする。記載事項が読み取れないのだ。それらはフェルトでうっすらと隠され、過去の記録は羊毛で閉じ込められてしまった。このテキスタイル作品は作者の過去を後追いする事を許さないのだ。凍結されたレシートフェルトに閉じ込められたレシート群をよく見ると、それぞれが違う形状をしている。折れや破れやしわ、そしてしなりなど、外部の力で変形したレシート達。これらはレシート発行時点から作者によるフェルト加工時点までの間に、レシートに起こった事象の結果である。フェルトで覆われたレシート群はその形のまま凍結されたのだ。このレシート達が我々に見せているものは、作者の足跡という過去の一点ではなく、発行後のレシート達の蠢きではないのか。このレシート達は点状の過去ではなく線状の時間の面影を宿し、そしてそれは作者の一年の蠢きをも暗示しているのである。一瞬の尊さフェルト加工レシート群は立体的になり、重なりの中で影を落とし、ぼやけた印字が物質に模様のような複雑さを与える。どこか有機的であり、コの字状に配置された作品は緞帳のようである。フェルトの質感からか繭のようでもある。レシート群の向こうに何か得体の知れない存在が潜んでいて、神道の依り代のようにその存在を宿しているのではと幻視する。その存在の蠢きは、一年間に作者が踏んできた過去という一瞬一瞬の集積が見せる巨大な存在感を思わせる。鑑賞者は過去の一瞬の積み重ねが生む計り知れない大きさを知り、それは同時に今という一瞬の尊さというものに気づかされる。つまるところ澁木作品は尊い一瞬を積み重ねていくという、未来への臨み方を示唆してくれるのだ。作者は言う「忘れ去っていくもの普段意識しないものにこそ焦点をあて、それらを意識の下に拾い上げ未来に投げる行為である。