最初に引用をしたいと思います。アンリ・マチスの手記です。「動きはそれ自体不安定なものである。彫像のように持続するものには向かない。例外はアーティストがアクションの全体を意識し、そのうちの一瞬だけを表現する場合である。今日、動きというものが随分と重要になってきています。オリヴィア・モーレイ=バリッソンが動きをどのように意識しているのか。彼女は普段、時間のなかに固定している時間のイマージュからイメージをつなげて、一つの作品に移行しています。このことについては昨日、山村さんも講演のなかでふれましたが。最初に、このお二人がどのように仕事をしているのかについて質問してみたいと思います。芸術だけではなく、二つの文化の出会いが起きたと思うのです。このプロジェクトが始まる前に、それぞれの文化についてどのように考えてらしたでしょうか。山村浩二フランスには数回訪問したことがあります。『年をとった鰐』というフランスの原作のアニメーションも作りましたし、学生の頃はフランスの映画も多く観て、影響を受けました。ロベール・ブレッソンやジャック・タチといったとてもクラシックなものですが。文化的に豊かであり、美術という点でも、絵画の伝統、美術館......素晴らしい文化的な資産があるという印象です。オリヴィア・モーレイ=バリッソン私が18歳のときにみた美術書があります。江戸時代のものでした。私はとてもそれに惹かれました。若いときから日本の美術に興味があったのです。禅についても興味がありました。線が非常に自発的であったこと、自然な線に惹かれました。現代日本については、あまり私はよく知りません。今でも発見を続けています。ユノーとてもナイーブな質問ですが、文化的な違いがあるなかで共同作業をすることに不安はなかったでしょうか。それとも、そんなことは考えもしなかったでしょうか。山村そうですね、僕自身は言語的な心配以外は特になかったですね。アニメーションを始めたのもカナダやロシアといった西洋の方の影響が大きかったですし、私自身も映画祭などでたびたび海外に行くので、文化的な違いというのにも慣れています。心配はありませんでした。私は周りに素晴らしい通訳をしてくれる人がいるとわかっていましたから。一人だったらコミュニケーションの点で難しかったでしょう。前にも外国にはたくさん行っていますから、他国の文化に適応することに特に不安はありませんでした。日本に来て、東京がどのようなものか知りたいという感情の方が強かったです。ユノーオリヴィアに質問です。どのように制作なさっていますか。あなたの絵画はどのようにして始まるのでしょう。かたちが浮かびますか、色が浮かびますか。ソン特に準備をするようなものではないんです。アトリエへと向かうことがすでに準備です。ドアを開けて、ダンスミュージックをかけます。お香を焚いて、絵を描く準備を始めます。絵が始まるのは、最初、抽象的なかたちからです。そのあと、そこに人物が描き込まれ、なんらかの力動が空間に与えられます。ユノー(バンド・デシネ作家の)ニコラ・ド・クレシーが木曜に言っていました。「下絵を描かないのは、線に力があるからだ」と。それはあなたについてもあてはまりますか。ソン私は直接に描かないのです。人物を操作するのが難しいので。私はモノグラビュールというシステムを作り出しました。人物を別に描いて、そしてそこから選びとります。人物を切り取って、背景の上に置くようになったのです。このテクニックを使いはじめて二年になります。一つの劇場をつくり、そして人物をその空間に配置し、一つの流動性を作っていきます。その流動性とは、空間のなかに生まれるものです。ソン私自身はコラージュというやり方をとっています。明るい背景が必要になります。モノタイプを置くためであります。いつも背景は明るい色にします。時にはニスをかけます。多くの生命感が出るようにです。私たち素人にとって驚くべき瞬間があります。昨日『ミステリアス・ピカソー天才の秘密』を観ましたね。ピカソが絵を描き終えます。監督に「だめだ、やりなおす」と言います。(監督の)ジョルジュ・クルーゾーの方は驚いてとても心配します。フィルムがもうあまり残っていないからです。そこでピカソに「無理だ」と言います。ピカソは「やる」と言ってやりなおします。時間がないのに、新しい絵を描きなおすのです。私たちには理解しがたいことです。一体、いつ絵は完成するのでしょう。やって終わりだとわかるのでしょうか。ソン一つのバランスがとれたときです。ビジュアルのバランス、がです。翌日またやってきて、またやり直すかもしれませんが、私にはこれで終わりだと分かるのです。山村いつ絵が完成するかというのは、絵を描いているときにはすごく意識していたのですが、アニメーションを作り出してからは、そういう意識は少ないですね。アニメーションのためにももちろん何万枚という絵を描くわけですけれども、それは、僕は絵ではないと思っています。最終的に、時間に連なって編集されたものがやはりアニメーションなのであって、それぞれの一瞬ごとの絵は絵ではない。絵はそれ自体では完成しておらず、時間軸で動くかどうかが問題なんです。それができるなら、絵は完成したといえます。フィルムというレベルで完成があるかと言われると、なかなかなくてですね......あるところで諦めて、編集も終わって音も入れて、完成になるわけですけれども。完成してからでもまたやりなおしたくなります。諦めがつかないことなのかな、と思っています。確かに、オーソン・ウェルズやスタンリー・キューブリックなどは、編集で完成できなかったということがあります。本当に終わらない、という例は実際にありましたか。基本的には完成しないということはないですが、どのフィルムも、なにかしら新たに編集しなおしたいという部分が必ずあります。ユノーオリヴィアの絵画の話に戻りますけれども、東洋の絵画のなかでは空白が必要です。あなたの今回の絵でも重要ですね。どのように構図を決めますか。ソン確かに、かなり空白をおきます。目にみえないような細かい細部も随分入れているんです。絵のまわりを歩き回ることでようやく発見できるような細かなものを。私には空間が必要です。人物をより強く生きさせるためにです。線はまわりに大きな空白がある方が強いのです。見る人は絵の周りを動いた方がいいのでしょうか。ソン光によっても絵は変わります。つやけしの部分や窪まっている部分がある。一つの絵に対して、随分と時間をかけてつくります。みる人の方も時間をかけてほしいとは思います。人物の重要性はわかりました。クレシーが先日言っていました。彼は自分のキャラクターを自然に作ると。オリヴィアはどうですか。自然と出てくるのでしょうか。何かを伝えたいと思うのでしょうか。ソンたくさん伝えたいと思います。一種の対話のようなものがあります。現代に対する視点のようなものです。私が人物で描き表そうとするのは、夢の部分、社会の二重性、問いかけ、解決策をみつけようとすること、一人の人間が逃げ場をつくりだそうとすること......ちょっとうまく言えないのですが。人物の細部をみますと、人物は解剖学的にみて人間であると信じられなければならないでしょう。ソン確かにそういう社会的な圧力はあります。解剖学的には正しくない人間も描いています。人がとっている身体の動きは必ずしも居心地がよさそうなものではないと思います。その人の社会的な地位によって、位置づけを決められているというところもあるからです。ユノーメッセージという考え方は非常に重要だと思うのですが、例えば、映画のなかにはナレーションがあって、会話があって、ストーリーを伝えます。一方で、一枚の絵によってメッセージを伝えるというのは非常に難しいのではないでしょうか。ソン私が伝えたいのは感情です。した感情であり、情緒です。何を通してでしょうか。一枚の絵があって、一人の人物が描かれているとします。その人物がそこにいるのか......無意識を使って描いていると思うのですけれども、それでもさっき言ったような、強いメッセージを伝えたいという気持ちはあるのではないでしょうか。ソンそういう気持ちはあります。自分自身の存在、自分自身の本質について耳を傾けようとしています......しかし、私にとって、そういう分析は非常に難しいです。昨日、プリート・パルンのアトリエの写真を見ましたね。お二人は、どのようなアトリエで制作されていますか。東京で住むと住宅事情は非常に難しいものになります。欲をいえばもっと広いスペースが欲しいという希望はもっています。今のところは、それほど広くなく、50平米ないくらいの大きさです。基本的に、アニメーションの絵というのは非常に小さいので、机が一つあれば描けます。部屋は三つありまして、一つは絵を描くところ、その隣にコンピュータを置いて、スキャナーから最後の編集までできる部屋が一つ、もう一つが事務用のスペースです。ソン私のアトリエは非常に狭く、いわば女中部屋です。