Trackback時代とともに、世の中のいろいろなことが「多様化」してきているとよく言われたりしますけど、「多重化」と言うことが言われる機会は、それに比べると少ないような気がします。私は「芸術の多重化」を目指してやっているんですが、「芸術」だけじゃなくて、他のことでも、もう少し「多重化」と言うことが考えられていいような気がしているわけです。「多様化」がワルイと言うことではないんですが、「多様化」ばかりで「多重化」が少なすぎると言う気がするわけです。「多様化」はいわゆる「ヴァリエーション」だと思います。それに対して「多重化」は「密度」だと思うんですね。例えは悪いかもしれませんが、ハンバーガー・ショップで言えば、ありとあらゆる種類の「〇〇バーガー」があるのが「多様なバーガー・ショップ」で、種類を絞って、ベストな食材を組み合わせることで『これが美味しいよ!』と言うのが、「多重化したバーガー・ショップ」と言うようなことだと思います。いうと、「多重化した店」の方が、断然いいように聞こえますが、もう一方で、人間と言うのは贅沢にできていますから、どんなに美味しくても、一種類じゃ満足できないということがあるわけで、いろいろな種類の中から選びたいとか、今日は違う種類のものが食べたいということに成るわけです。ところが、なぜか、単独のお店だと、単品メニューの店が人気があったりすることも多くなります。要するに、チェーン店には、もともと「多様化」を求めている人が行くわけですから、それでいいということでしょうし、単独店には、そういう「多様化」を、それ程求めていない人が行くわけですから、そちらもまた、それでいいということなんでしょうね。「多様化」と「多重化」には、それぞれの「向き・不向き」があるということだと思います。「多様化」と「多重化」の比重にやや偏りがあるために、その辺のところが、見えにくく成っているんじゃないかなと思うわけです。「多様化に向いているモノ」と「多重化に向いているモノ」があると言うことが見えにくく成っていると思うんですね。「芸術」は「多重化」に向いていると思いますし、ここで言う「多様化」には、それほど向いていないように思うわけです。それなのに、「芸術」においても「多様化」が進められつつあるという印象があって、そういう場面に出会うと、なんとなく場違いな印象を受けることも多いわけです。「多様化」がイケナイと言うことじゃなくて、「多重化」がソッチノケと言うのが場違いに感じるわけですね。実際、「現在の芸術」においては「新しいヴァリエーション」を提示することが求められているような気がしますし、その「新しいヴァリエーション」を示しさえすれば、「内容の密度」はそれほど問題にされないという傾向はあると思います。これは、「現在の芸術」が抱えている「行き詰まり」からきているような気がするんですね。早い話が、「新機軸」が求められているわけです。今はもう、一つの「新機軸」が現状を打開する時代じゃないと思うんですね。やって「多様化」することに頼って行ってしまうと、「幅」だけが広がって行って「密度」はドンドン薄まって行ってしまうんじゃないでしょうか?現状においては、なるべく限られた領域で「多重化」していくことで「芸術の密度」を取り戻して、そこから、新たなスタート・ラインを仕切りなおすような気持ちが必要なんじゃないかと思うわけです。いうわけで、出来るだけ範囲を広げずに、狭い範囲で「多重化」していこうかなと。いう風に思ってやっておりますです。Trackback絵に「長い題」をつけることについては前にも書いたんですが、いま、けっこう続けてそういう「長い題」を思いついていて、「絵」とはほとんど関係なく、たくさんの「長い題」がたまってしまっているので、取り敢えず、メモの意味もかねてここに記録しておきます。言え、やはり恥ずかしいタイプの「題」もあるので、『まぁ、これなら人に読まれても耐えられるかな?』と言う範囲のものに成ります。(前回の中では、『ゴッホへの手紙』と言うのがけっこう恥ずかしかった)前回の「題」は、ほとんどのものが「作品」と一対に成っていたんですが、今回の「題」については、「作品」との対応関係はかなり希薄で、「題」に対応している「絵」が、まだ、ないものもかなりあります。言って、その「題」に合わせて「絵」を描こうということもないので、順次できた「絵」に当てはまるものがあれば採用していこうと思っています。』の中はその絵を呼ぶときの呼び名(「ニックネーム」)のようなものです。「タイトル」として作っています。その辺はこのカテゴリの最初の記事で説明しています。でてきたのだろう』~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~前回同様、「詩」としては、オソマツな感じがするんですが、「題」なんで、それでいいと思っています。(私は「美しい言葉」を使うことは出来ないみたいですね)まぁ、「絵」が少しでも伝わりやすく成ればいいかな?ということですね。Trackback最近になって、考えるようになったことなんですけど、『「線で描けないモノ」は描かないようにしよう!』と思っているわけです。以前は、どちらかと言うと「線で描けないモノ」の方に価値があると思っていたような気がします。言うモノの方が深みがあると思っていたんでしょうね。(今でも、そういう絵も好きだったりはしますけどね)それに対して「線で描けるモノ」と言うのは、どこか単純なモノだろうと思っていたわけです。最近になって、自分の絵に関する限り、「線で描けないモノ」と言うのは、ただ単に、自分が把握できていないだけなんじゃないか?と思うようになってきたんですね。その辺を、やや誤魔化して「モヤモヤ」っとした感じに逃げているんじゃないのか?と思うようになったということですね。それで、『「線で描けないモノ」は描かないようにしよう!』と思うようになったと言うわけです。いう考え方をするように成ってみると、確かに、「線で描けないモノ」と言うのは、どこか自分が掴みきれていないというところがあるらしく、「線」で現わそうとすると、思っていたのと全然違う感じに成ってしまったり、また、どう描いていいのかわからなかったりするわけです。言うモノでも、「モヤモヤ」っとした感じで色の変化をつけていくと、ある程度雰囲気が出せることが多いんですね。いうのがワルイと言うことではないんでけど、今自分が目指しているところとは、相性がワルイと思うので、『やめよう!』と思ったわけです。やって、絵を描いていると、不定形なモノや流動的なモノでも、自分なりに掴めているものと言うのは、ある程度までは、『線で描けるもんなんだな』と言うことに気が付いたわけですね。出来ない場合は、『線で描けるように成ってから描こう!』そんな風に思っているわけです。線ではない「深み」を足していけたらもっと嬉しいですね。Trackback私は、「絵」だけでなく「額」も作っていきたいと思っているんですけど、それが、なかなか大変で「構想止まり」な状態なわけなんですねぇ。拘わらず「構想」の方だけは、変化していくもので、現在、「二重の額」という「構想」も持っていますし、それに加えて、以前から「自立する額」と言う「構想」も持っているわけです。「二重の額」の方は、「額」を作りはじめた後から、試行錯誤しているうちに出てきたものなんですが、「自立する額」の方は、どちらかと言うと実際的な問題として初めからあったもので、要するに、「額」が大きくて分厚く成ってしまいそうだったので、重量の問題などから、『こんなもの作ったら、壁に掛けるのは無理なんじゃないのか?』という考えが出てきたというわけです。そこで一つ問題があって、『「自立する額」を「額」と呼んでもいいのだろうか?』という疑問があるわけです。いくら「額」と言っても、また、いくら「絵」を収める枠であったとしても、自立していたら、それは一個の独立した立体物なわけで、「立体」としての性質が強すぎて、「額」とは言えなく成ってしまうんじゃないだろうか?と言うことですね。昔の教会の祭壇画には、建築と一体化した、それ自体が建築物の一部でもあり、「額」でもあり、「祭壇」でもあり、「壁面」でもあるというような、大がかりなものもあるようですが、そういった祭壇画における「祭壇」は確かに「額」と呼んでいいモノだと思います。日本の「床の間」や「屏風絵」や「襖絵」なんかも、それに近い解釈ができると思っています。私の考えている「額」はそう言うモノよりも規模の小さいもので、あくまで、建築物の一部ではなく、「絵」の付属物であるという方向ですから、むしろ、「絵」を独立させるための「額」でもあるわけで、「より大きなものの一部分」という考え方はしていません。なると、やはり「自立」=「独立した立体物」と言うことに成るような気がしてくるので、そこのところに、結論が出せないままに成っているわけですね。今のところ「絵」を描くのにいっぱいいっぱいで、「額」については棚上げ状態なので、「保留」のままでも問題ないんですけど、現時点で、自分の中での考え方としては、「自立する額」は「絵の付属物」である範囲で、「額」と呼んでもいいんじゃないか?ということに成っております。要するに、「絵」にそれなりの「力」があれば、「立体」としての存在感が弱くなるので、それが「額」である範囲を上回ってしまうこともないのではないかと思うわけですね。「絵」が非力だと、「立体」に吸収されてしまうでしょうから、オブジェのようになってしまうだろうと思います。「自立する額」というのは、「立体としての表現」と「平面としての表現」の中間にある状態を作るものなのかも知れません。いう「微妙な位置」は、「アリ」だと思います。Trackback私が考えるところの「芸術の多重化」についての話です。芸術作品に関することの中で、作品自体ではないけれど作品に影響があることっていうのが、けっこうあると思うわけです。私自身がやっていることで言えば、「額」もその一つですし、最近になって考えるようになった「長い題」もそうですね。(こういうの、まだ、ほかにもあるんじゃないかなぁ?)そう言う「作品周辺のモノ」って、これまで、かなりナイガシロにされてきたような気がするわけです。『なんかオシャレじゃないんだよねぇ「額」って』みたいな感じですか?「題」なんかでも、モノスゴク当たり前の「題」があるかと思うと、正反対に、どう考えても、見た人が作品と結びつけることが不可能な「題」もよくありますよね。いう「題」を見ると、たぶん、この作者は、『「題」なんて重要じゃないんだよ!』って言いたいんだろうなと思ってしまいます。要するに、軽視されているっていうことなんでしょうね。いう「作品周辺のモノ」達がですね。言い換えれば、「意味が希薄」なんですね。作品との関わりとしては、かなり影響のある近い位置にあるのに、作品を重視することばかりが考えられてきたために、そういう「作品周辺のモノ」の「意味」が希薄になってしまったんだと思います。いう「意味」が希薄な部分に「意味」を「補充」していけたら、一つの展開と成り得るんじゃないか?と思っているわけです。実際は、作品を重視していくと、必然的に「作品周辺のモノ」にも意識が向くというのが自然なんじゃないかと思うわけです。いうことが、一つの「芸術の多重化」に成ると思っています。「現在形の絵」においては、「額なし」が主流になってきていると思いますが、実際には、「額」がないということも、その絵の「見え方」に影響しているわけで、「絵の周辺」と言うスペースが存在する限り、必ずそこに影響が出てくるわけです。「額装しないこと」も「額装の一種」であるという考え方もあるみたいですし、私もそう思います。影響があるんだったら、もうチョット見直してやってもいいんじゃないか?と思うわけですね。いう「影響がある部分」が、「意味が希薄」な状態のまま、放置されているのはモッタイナイと思うわけです。(というか、気に成らない方がオカシイんじゃないの?)いつの時代も、芸術においては、いろいろな人が、いろいろな創意工夫をしていると思いますが、それらは多くの場合「新しさ」を追求しているわけです。私は、現在の芸術において、「新しさ」とは「スタイルの新しさ」だと思うのです。「スタイル」は「形式」と言ってもいいと思います。作品や表現自体と言うよりは、それらの「形式」が新しいことで「新しさ」を感じることが多いわけですね。いうことは、「新しさ」を追うということは、「作品の内容」とは必ずしも関係のない所での、「形式の新しさ」を追い求めるということなわけです。「新しさ」が求められ続けた結果として、「内容」が希薄になりつつあるという印象があるわけです。現在、芸術において「ストレートな表現」を目にする機会が少なく成っていると思います。みんな純粋な気持ちで始めるんだと思うんですが、その過程で、「新しさ」と「ストレートな表現」の二者択一を迫られますから、どちらかを選んで、どちらかを切り捨てなくてはならなく成るわけですね。「新しさ」を選択した人は、比較的成功する確率が高くなります。「ストレートな表現」を選択した人は、評価されにくくなります。ドッチツカズの人は、絶対に評価されません。今は、「新しくてストレートじゃないモノ」が多いんだと思います。芸術表現に、未開拓の領域がたくさんあった時には、作品自体の「ストレートな表現」で、同時に「新しさ」を追求することもできたのかも知れませんが、現在は、「新しさのサイクル」を上回るスピードで開拓が進められてしまうので、未開拓の領域が無く成ってしまったんだと思います。いうギュウギュウ詰めの状態の中に、「新しさ」を無理矢理ねじ込む過程で「ストレートな表現」が切り捨てられていってしまうわけです。そこで、「スタイル」=「形式」の「新しさ」、の部分を、「作品周辺のモノ」でまかなえたら、いいんじゃないかと思うわけです。それは「作品自体」ではないので、「作品自体」が「ストレートな表現」のために確保できるということですね。いったことから、「今まで意味が希薄だった部分」に「意味」を補充していけたら、チョットだけ、良くなるんじゃないのかなと。いうことを考えていたりもするわけです。Trackback先日も書いた「カプセル画」についての話の続きです。前の記事を書いた後で、その記事を読み返している時に、「カプセル画」についての新たな構想が浮かんで来たので、それを書いておこうと思います。これなんかも実現性はまったく無視しての話になりますので、その辺はアシカラズ、ということで。前回の記事で「カプセル画」の内部照明について書いているんですが(と言っても、『どうすればいいかわからない』と書いただけなんですけど)、その記事を読み返していて、『「内部照明」が難しいなら、いっそのこと外光を取り込めないか?』と考えたわけです。それで、「カプセル」に穴を開けてもいいんじゃないか?と思ったというわけです。「絵」にも穴開いちゃいますけどね。これも「1」と同じで外光を取り込むための手段として、透明な「カプセル」に「絵」を描くということです。これは「絵」としては成り立たないような気がしますので(弱々しい「絵」になりそう)、『却下!』っていう感じですね。「球体ステンドグラス」構想これも、元は外光を取り込むことから出てきているんですけど、「絵」に外光を当てるという発想ではなく、「外光」自体を「絵」にしてしまおうという発想です。実は、これが今の時点で一番気に入っている構想です。(と言っても、あくまで「実現性無視」ですけど)なんと言っても、上も下も右も左も前も後ろも、全方向をステンドグラスに囲まれたらどんなだろうな?というのが気に入っています。外側からあてる照明に変化をつけるといいんじゃないか?と思っていて、強い光を当てる部分と暗い部分を作ったり、照明を動かしたりすることで、いろんな可能性が生まれるような気がしています。『おぉ~、これなかなかいいんじゃないかぁ?』でも、「実現性無視」なんで、前回に引き続き、興味がある方はやってみてください。実現出来た方には拍手を送らせていただきます。(スイマセン、それだけです)オワリ。Trackbackこれも「カプセル画」から変化して出てきた構想についての話です。言っても、これは見る人が中に入れない「絵」なので、私の中での解釈としては「カプセル画」とは違うモノなんですが、「逆さ・カプセル画」といったところだと思います。こちらは立体としての性質がかなり強くなってしまいそうなので、「絵」と言えるのかどうかはよくわかりません。(『絵なんだ!』とは言いきれないけど、『絵じゃない!』とも言い切れないというところ)「カプセル画」では、鑑賞者が絵の中に入って、絵に包み込まれた状態で絵を見るということに成るんですが、この「額中球体画」の場合は、絵が額の中に入っています。絵が額の中に入っているというと「スゴク・アタリマエ」なんですけど、そうじゃなくて、絵が額に包み込まれているわけです。※本当に浮かんでいるのが理想ですけど、無理なんで、なるべく浮かんでいるように見せるということに成りますね。ちなみに、額を含めた全体も空中に浮かんでいるのが理想ですね。『だから、無理だって!』その球体の表面に絵が描かれているという感じに成ります。鑑賞者は、外側から額の隙間を通して中の球体画を見るということです。「チューブ状・額中立体画」の方は、そのまた変形で、同じように絵が額に包まれていますが、その額がチューブ状にいろんな方向にのびていたり、絡まり合っていたりして、その中をいろいろな形に変化する立体が伸びていて、やっぱり、その表面に絵が描かれているという感じです。こちらも鑑賞者は額の隙間から絵を見ることに成りますが、チガイとしては、「額中球体画」では、鑑賞者が絵の周囲をぐるりと回って360度の方向から見ることに成るわけですが(縦方向でもあらゆる角度から見られます)、「チューブ状・額中立体画」の方は、どちらかと言うと、額や絵自体が重なり合ったり、絡み合ったりして、鑑賞者の視点を誘導します。鑑賞者が移動して見ることもできます。どちらについても、平面ではないわけですし、「絵」とも言えないような気がしますけど、ただ、「額」に入っています。いうことは、『絶対に「絵」じゃない!』とまでは言いきれない所もあると思うわけです。それで、一応「~画」と言っています。この二つは、(その2)までの「カプセル画・構想」と違って、「実現性無視」と言うほどではないです。『やれば、出来る・・・・のかな?』と言う気がしています。実際、『ちょっと、やってみようかなぁ』と思わないでもないんですけど、『そんなことやってたら、絵を描いてる時間なくなるよ!』ということですから、保留です。私は、それよりイイのができそうなら、後から追いかけます。いずれにしても、私にとって、「絵」は平面であることを前提としていますので、これらは、あくまで実験的な作品と言うことに成ります。これは「カプセル画構想」全般について言えることですが、この手のモノは出来なくても特に悔いは残らないと思います。「アソビ」の部分と言うことですね。「リクリエーション」だと思っています。考えるだけでもけっこう楽しいですよ。実際に創ったら、そうも言ってられなくなるでしょうけどね。Trackback「デフォルメ」と言うと「現実の形」を崩していくことを指して言う場合が多いと思うわけですが、「デフォルメ」には、「現実の形」とは根本的にチガウ「異現実の形を創り出す」というような「デフォルメ」もあってもイイんじゃないかと思っているわけです。※本来の「デフォルメ」ではないのかも知れませんが、ここでは一応「デフォルメ」ということで話をします。『現実の形から離れる』と言う意味で、それを「一種のデフォルメ」と考えてみました。言語としては正しくないと思います。「壊す」と「創り出す」の違いですね。そこを重視していきたいわけです。「デフォルメ」にも、『一度壊した形を再構成する』と言う前提があると思いますから、「創り出す」の要素もあるわけですけど、どうしても「デフォルメ」という言葉は「破壊的なイメージ」が強くなってしまうと思うわけです。そこを無視して、いっそのこと「破壊的な要素」をなくしてしまって、「創造的な要素」だけの「デフォルメ」を考えてみようというわけです。言っても、単なる「創造的な要素」だけでは、「デフォルメ」にはなりませんから、「現実の形を抜け出す」ということを前提にしているわけです。要するに、自分がそういう方向で作品を制作しているということなんですけどね。言っても、コジツケと言うわけでもなくて、そういう方向で制作していると、『これって、「デフォルメ」みたいな作業に成ってるんじゃないか?』と思うことがあるんですね。一般的に言われているところの「デフォルメ」とは、まったく逆の経路をたどることに成るんですが、「現実の形」を崩すのとは逆に、なるべく何もない所から「異現実の形」を創り出そうとしていると、「現実のナニカ」に似て来るということがあるわけです。『いやいや、現実の形に引っ張られてはいけないだろう』ということで、戻そうとするわけですが、どうしても戻れなくなる時が出てきます。いう「押し引き」の作業が、結果的に「デフォルメ」にとても近いように感じることがあるわけです。(そういう絵は、「デフォルメ」された絵と似て見えると思います)つまり、「現実の形」から始めて、それを崩していく過程と、何もない所から始めて「現実のナニカ」に近づいて行く過程が、順序は逆でも、結果的には似たような感じに成るんじゃないかと思います。『だったら、普通の「崩すデフォルメ」でいいじゃないか?』と言われそうなんですけど、私はその「過程の違い」は大事だと思っているわけです。「現実の形を崩すデフォルメ」によって制作された作品を見た人が、、最終的に辿り付く所は、やはり「現実の形」なんだと思うわけです。結果的に、それがどんなに現実離れした形になっていたとしても、そこのところは同じだと思うわけです。いうか、それでないと嘘に成ってしまうと思います。「現実の形を崩した作品」を見た人が、もしも、絶対に「元の現実の形」に行き着かないんだとしたら、その人は「何も見ていない」というのが本当のことだと思います。「本当のこと」は、何も伝わらないということですね。それに対して、「異現実の形を創り出すデフォルメ」によって制作された作品を見た人は、そこで「今までに見たことが無いナニカ」に出会うことに成るんだと思っているわけです。それが「現実のナニカ」に多少似ていたとしても、そこは同じなんだと思うわけですね。言って、現実の模倣になってしまってもイイと言うことではないので、「自分の眼」をより厳しくしていかなければならないとは思いますが、少なくとも、それが模倣ではない所から生み出されたものである限り、それを見た人は「新しいナニカ」に出会うことに成るんだと思うわけです。そこの所が、「異現実を創り出すこと」の「意味」なんじゃないのかなと。いうことを思うわけなのです。Trackback私は「抽象表現」の中に「モノを描くこと」を取り入れたいと思っていて、それを「異・リアリズム」と呼んでいるんですが、その「異・リアリズム」の内容を言葉で表すと「シュルレアリスム」に近い感じに成る場合があるわけです。確かに、「シュルレアリスム」も、やや現実離れした「モノ」を描くという性質があるという点では同じところがありますし、「シュルレアリスム」から、その後「抽象表現」に移行した作家もいたみたいですから、「抽象」と「具象」の中間的な位置にあるという意味では近い所もあるのかも知れません。(実際の「絵」としては、だいぶ違うと思いますけど)そこで、自分の考えている「異・リアリズム」と「シュルレアリスム」のチガイを考えてみたいと思います。ここでは、主に「シュルレアリスム」とのチガイについて考えますが、「他のスタイル」との違いについても、今後考えていきたいと思います。※私の場合「芸術の20世紀」を喪失するという考え方をしていますので、なるべく、このブログの中では、「20世紀の芸術」について書かないようにしてきたわけですが、『喪失しました』と言っても、実際に消去できるものでもないので、まぁ、少しくらいならいいかなと思うように成って来たので、この記事を書こうと思いました。~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~まず初めに、「絵」の中で実際に使われる「表現形態」についてです。大きなチガイは、「異・リアリズム」(私が考えている表現)においては、「現実的なモノ」を描きません。少なくとも、極力描かないようにしています。しても、現実から逃れられない部分は出てきますけどね。いうのを「画像」なしで書くのって、不親切かなとも思うんですけど、こういうことを「画像付き」で書いてしまうと、それを見た人がなんらかの影響を受けると思うんですよね。『マネしちゃう』とかですね。逆に『マネしないようにしちゃう』という場合もあるでしょうね。いずれにしても、ここに書いてあることに縛られることに成ってしまうんですね。「画像」が無ければ「マネ」できないですよね。いうか、文章だけを読んで参考にしても「マネ」にはならないでしょ?「マネ」って、実は「された人」じゃなくて「しちゃった人」にとっての「悲しいこと」だと思うんですよね。「画像付き」だと、もし、読んだ人が『これ面白いんじゃない?』って思ったとしても、そこから先は「マネするかマネしないか」しかなくなってしまうんですね。「悲しいこと」ですよね。私の絵なんて、誰も「マネ」なんかしないでしょうから、心配しなくても大丈夫なんでしょうが、やっぱりせっかく記事を書くんですから読んだ人が『いいんじゃない?これ』と、万が一にも思ってくれたときに、少しでも参考にしてくれたら『嬉しいな』と思うわけですね。それで、「画像なし」にもかかわらずこ、こういう記事を書いたりするわけなのです。言っても、実を言えば「デジカメ」持ってないという、単なる貧乏人なので、エラソウなことを言うつもりはありませんけど。上に書いてあることとはやや矛盾するんですが、この記事は一か月ほど前に書いたもので、その後、オークションで激安だったのでデジカメを購入し、それらの画像を投稿しました。(と言っても、デジカメの性能について知識が無いので本当に安いのかどうかもよくわからないんですけどね)そちらの画像は私の絵ですが、全体像ではなく一部分を拡大して切り取ったものです。一枚だけ展示するようになりました。いい説明(イイワケ)が長くなってしまいましたが、続けます。「シュルレアリスム」の場合、イメージ的には「非現実的」ですが、「現実を使わない」という方向性は弱いと思います。積極的に「現実」を描いていることが多いです。実際、「シュルレアリスム」の絵では「現実」と「非現実」の対比によって、不思議な世界感を生み出していることが多くて、「現実的なモノ」と「非現実的なモノ」を直接対比させていたり、「現実的な背景」に「非現実的なモノ」を描いたり、「現実的なモノ」を「非現実的な状況(状態)」の中に描いたり、と言った「現実」と「非現実」の「対比」に特徴があると言ってもいいと思うわけです。それに対して「異・リアリズム」においては、出来るだけナニもない状態から始めて、『そこに、ナニカを創り出す』ということを目標にしています。「形」も「色」も「空間も」世界」もない状態ですね。いう状態から、そこに「異現実」の「空間」や「世界」を展開できたらイイなと思っているわけです。「その世界」、「その空間」の中に、『今まで、どこにもなかった「モノ」を創り出して、描けたら嬉しいだろうな』と思っているわけです。「現実」は出てこないわけです。これはあくまで「理想」ですから、そうウマクはいきません。「現実」に引きずられてしまいますし、一旦、「現実」にとらわれてしまうと、そこから逃れられなくなるということはあります。少なくとも、積極的に「現実」を使って表現するということはありませんし、むしろ、出来る限り「現実」から切り離して絵を描くようにしています。この「現実の有無」ということが、見た目としては一番大きなチガイだと思いますね。次に、「思考的な方向性」のチガイです。「シュルレアリスム」では「人間の潜在意識」を重視していて、「潜在意識」が人間の「真実」や「本質」に近いという考え方だと思います。ところが、私の場合は「世界全体の本質」について考えてしまったわけですね。それで、「世界というモノ」を現したいと思ってしまったわけです。