いうことだったのかあ。」こんな単純なことも解らなかったです。考えてみたら当たり前だし、人の展示中に作家に声かけてスカウトするような常識はずれのギャラリーは今までありませんでした(一つのギャラリー除いて)。今思うと、だから昔「ART@JUNGLE」(今は幻影技芸団とか言うらしい。)のプロデューサーも「あまりデパートで展示しないほうが良い」と言っていたのかと。そのわりにプロデューサー自体が若い作家を集めてデパート展示を立て続けにしているのは、どうなのだろうと思いましたが。Fさんは、ぼくの漠然とした馬鹿みたいな直球の質問にも答えてくれました。ー「Fさん、どうやったら最短でメジャーな作家になれるんですかね?」Fさん「。飲み会じゃない?」すー「結局は”人”ってことですか?」Fさん「だと思うよ。」やっぱり人の繋がりなんですね。)では、デザイン系などとは違って本来は就職が目的ではないので、作家としてどのように作品を販売して、どのようにアーティストを職業としてやっていくかの”アートマネジメント”を教えてもらわなければならないのですが、その部分は一切教えません。卒業してから突然放り出されるわけです。僕など何をしたら良いのか、どうすれば作家になれるのか、貸しギャラリーと商業ギャラリーの違いすらわからない状態でした。言うか、そもそもギャラリー自体もよく分かりませんでした。描いた絵をどこに出したら良いかも、兎に角なにもわからないのです。美大という機関でも公式には教えてくれない非公式の部分(どうしたら作家を職業にできるのか)は教授や助手、先輩から教えてもらうしか無いんですよね。独りは何もかも手探りなので厳しいです。その”職業としての作家”になるための情報は実際に最低でもデパートかコマーシャル・ギャラリーで展示活動をしてきたような作家(職業としての作家)や、その作家を扱っているギャラリストから聞くべきでしょう。今回自分が参加しているギャラリーはもう一つのギャラリーとの合同展示でした。一つのギャラリーとは、そのFさんが取扱になっているアメリカLA(ロス)ではそこそこの知名度である「HIVE」というギャラリーです。HIVEのギャラリーオーナー兼作家のNathanも通訳担当の取扱作家と一緒に来場されました。L.Aギャラリーのオーナーのアートを観る視点が”国内で良いとされている作品”と全く違ったことが若干興味深かったです。彼が求めているEXCITINGな作家はどうやら他のギャラリーにはあまり居なかったようです(HIVEが求めているアートがローブローアートなこともあります)。今回日本のフェアに呼んでもらったお礼にHIVEが来年企画展でこちらのギャラリーの作家を呼んでくれることになりました。作家それぞれの展示スペースにはかなり違いがあります。彼と仲良くなった作家には展示スペースもかなりの割合で使っていいような感じになりました(アメリカの方が人情じゃないですが、そういう感覚があるそうです)。飲みニケーションが案外運命を決めるのかもしれません(僕は飲み会もほぼ参加していませんでした)。オーナーは僕の作品は気に入ってくれたようですが、企画の展示スペースは作品二枚ということになりました(小さいのを1枚の作家もいます。)そして、ぼくのリアリズムの技術を疑っていました。FさんからL.Aギャラリーオーナーが僕の作品について語っていたことを教えてくれました。オーナー「すーの絵は、本当に描いているのか?僕のギャラリーの作家にもリアリズム・アーティストは何人かいるけど、こんな薄塗りのリアリズムはあり得ない。絵の具で盛り上がるような厚みがあるはずだよ。」どうやらコラージュか何かを利用しながら描いているとか、全部絵の具で描いているものとは思っていなかったらしいです。単純に、ぼくのような描き方のリアリズムの技術はL.Aでも見たことがなかったようです。それとオーナー自身も作家ですが描き方がわからなかったことも。未知のものを作り出すことは良いことですが、技術が疑われては損だなと思いました。今後展示をする際は主催ギャラリーには正確に技術を伝えるべきと思いました。ないと、ギャラリーが来場者の方々に作品の魅力を十分にお伝え出来ませんし。フェアが終わってみて、ぼくが展示レベルや受賞実績のわりに海外活動やアートフェア東京未経験な原因がなんとなくわかりました。今回のアートフェアでもデパート関係の人からは僕を知っている方もいましたが、”基本の展示は公募やコンペ以外はデパート展示のみで、それ以外で*貸しギャラリーでの個展も未経験”という状態だと、画廊界からの知名度は無かったと思われます(*貸しでの展示は非常に重要で、下手なコマーシャル・ギャラリーで扱われるよりも貸しでチャンスを作る方がチャンスは広がると思います)。ギャラリーが作家を育てるので、そういうギャラリーに所属していないということはハイレベルなステージに行けるチャンスを逃していることになります。新たな経験をしていきたいです。それと僕が参加していたギャラリーは他のギャラリーとは全く別物だったと思います。いうのも国内で人気の作家はアートのコンセプトという中身よりも絵柄が主体なのに対して海外はコンセプトや作家自体も作品を購入する上での判断基準になります国内では、例えば国内の大半のアートのコンペや公募も内容を説明する要素がなく、作品の絵柄だけで価値を判断されます。それが日本の大半の芸術の価値の決め方なんですよね。それって全く西欧から生まれたARTじゃないのですよね。絵画ではあるけどARTではない。芸術ではあるけどARTではない。海外で評価された実力のある作家がここではイマイチ。逆輸入という肩書が出来たり、話題の作家になると違う目で観る。ブランド志向で作品や作家を観る。注目されるのは上っ面ばかりな気がします。それでも良いのかもしれませんが。対して欧米のアートの見方は、「なぜこの作家はこういうものを描いているのだろう」、「この作品を作った作家のバックグランドはどうなんだ」と作品のもっと奥を深く見ます。そこがアートでは最も大事なことで、なぜ作家が作品よりも重要なのか。それは、「作品を生み出す作家に強力なオリジナリティがあれば、そこから生み出される作品は自然とオリジナリティのあるものになる」からと僕は思っています。い立ち、障害など)がある人は世の中ほとんど居ません。作家といっても実際は人が驚くような変わった人生を過ごしてきたわけでもない大抵普通の人達なんですね。そんなもので、普通の作家が作り出すものが普通であってはいけないので、皆オリジナリティのある作品を色々考えます。その中で絵柄もコンセプトも面白い作品が出来るとそれなりに評価されます。その人自身は本当のところは強烈なものは特別持っているわけではない普通の人なので、たまたま面白い作品がその時、その時期に作り出せただけなのかもしれない。そこで作家自体が作品よりも重要な判断基準になるんです。作家に超強烈なオリジナリティがあれば、その作品は”嘘”ではないんです。本物の変人から生み出された本物の個性なんです。持っているだけでは良い作品にならず、面白いと思ってもらえるように説明する。作品の説明書が重要なんですね。それがコンセプトというものと思います。商品の説明書なしで商品だけを観て評価する。その商品がどういう意味を持っていて、どういう理由で作られたのか十分理解せずに買う。アートの楽しみ方が半減していて勿体無いと思います。偉そうに自分が言えないと言いながらズケズケ調子に乗って語ってしまいましたが、小さな体験ですが地方のアートフェアを経験してみて、アートに対してもっと付き合っていきたいと思えました。NAGOYA」の日記が続きとして下部に書いてあります。日記なので大したことは書いてありません。気になった方はご閲覧くださいませ。※この日記は実は2月に書いていたのですが、実際にフェアが始まると色々と余裕が無くて、途中まで書いたっきりでした。残りは思い出しながら続きを書きました。全部で荷物の総重量が25kgありました(沖縄は坂が多いし暑いし歩くだけで汗だく)。