-<子供と見たい作品>この映画は我が家の小学2年生の次男と二人で見ました。中3の兄がいるため、過去の宮崎作品もひととおり見ている次男に終ってから感想を聞くと。「今まで見た映画で一番笑った!」との答えが帰って来ました。確かにこの映画、宮崎作品の中でも久々の文句なしに楽しく笑える作品でした。それも、誰が見てもわかる「動き」によるギャグというアニメの王道に徹しているのがうれしい作品になっています。自然環境や人類の未来について考えさせるのでもなく、人生の意味について問いかけるのでもなく、とにかく駆けまわり、飛びまわり、暴れまわるハチャメチャな主人公のやんちゃぶりに笑わされ、驚かされ、泣かされる映画。それが「崖の上のポニョ」です。どんなに楽しい映画でも、やはり宮崎駿作品です。そこには、ちゃんと作者によるメッセージがこめられています。この映画に関しては素直に子供のように楽しめば良いのだと思います。子供といっしょなら、もっと楽しいのです。それがこの映画で宮崎監督が目指したことであり、だからこそ、彼はこの映画において手描きにこだわり、子供たちの反応にもこだわったのでしょう。それにしても、数多くの名作を生み出してきた宮崎駿監督のアニメが行き着いた先がこの作品となったのは、なぜなのでしょうか?見た目以上に奥の深い宮崎監督の作品ですが、ちょっとだけその歴史を振り返りつつ、「崖の上のポニョ」に至る道のりをたどってみたいと思います。<メッセージ性の高さ>宮崎監督は自著「出発点」の中でこう書いています。「通俗作品は、軽薄であっても真情あふれていなければならないと思う。入口は低く広くて、誰でも招き入れるが、出口は高く浄化されていなければならない。・・・ぼくはディズニーの作品が嫌いだ、入口と出口が同じ低さと広さで並んでいる。ぼくには観客蔑視としか思えないのである」(残念ながら、アメリカも日本もディズニーを求める人々ばかりになりつつありますが・・)もちろん、作品に自らのメッセージをこめようと考えるのはどの作家にも共通することです。問題はそのメッセージが本当に観客に伝わるのかどうか、そして、どれだけ多くの人に伝えられるのかにあるのです。そのうえ、メッセージ性の高さは、観客の心を打ちますが、それが万人に通じるとは限らず、逆に観客層を限られたものにする可能性もあります。実際、かつて「トトロ」に飛びついた小さな子供たちにとって、「もののけ姫」など最近の宮崎映画は怖かったり、難しかったりと近づきがたい部分がありました。大人向けの作品になった分、観客数は増えましたが、それで良いのか?という思いも、彼にはあったのでしょう。一度、子供たちに語りかけたい、そんな思いがこめられた映画がこの映画のように思います。<アニメ作家としてのスタート>当然ですが、彼も初めから自らの伝えたいメッセージを作品にこめていたわけではありません。ホルスの大冒険」(1968年)で場面設計や原画を担当。アニメーターとして活躍を開始します。その後、「パンダコパンダ」(1972年)では、原案、脚本なども担当し、いよいよアニメ界で注目される存在となります。「アルプスの少女ハイジ」(1974年)「未来少年コナン」(1978年)などをした後、「ルパン3世」第一シリーズの後半などを急遽担当することになります。大人向けのアニメ作品を目指した「ルパン3世」は、後に傑作シリーズとして高く評価されますが、放映当時は視聴者に理解されず、低視聴率に苦しんでいました。そのためスポンサー側が子供向けに路線変更することを要求。演出担当の大隈正秋はそれを拒否して、現場を去ります。シリーズの途中だったため、急遽、宮崎駿と高畑勲の二人が呼ばれ現場の建て直しを頼まれることになります。撮影済みの作品もあり、途中参加でもあり、二人はちゅうちょしますが名前を出さないという条件で後を受け継ぐことになりました。この第一シリーズを通して見てみると、明らかに途中から絵もストーリー展開も変わっていることに気づくはずです。前半の大人向け大隈スタイルのルパンと後半宮崎スタイルのアクション満載ルパン、どっちが良いかは甲乙つけがたいものがります。ルパン・シリーズのアクションとドラマ、シリアスとコメディの絶妙のバランスは、こうして生まれたのかもしれません。このルパン・シリーズは未だに名作として見るに値する傑作となっているのでしょう。<「風の谷のナウシカ」以降>彼の名を世に知らしめることになった「風の谷のナウシカ」(1981年)は、彼がアニメ雑誌「アニメージュ」に連載していたオリジナル漫画を映画化した作品でした。当時の彼はアニメの仕事がなく「風の谷のナウシカ」のアニメ映画化は本人も驚く依頼だったといいます。この作品が口コミにより一部でヒット、一躍彼の名はアニメ界以外にも知られることになります。実は、僕自身も、当時アニメ映画を見ることなどなかったのですが、当時勤めていた会社の先輩に騙されたと思って見てくれと懇願されて、しかたなく見にいった覚えが有ります。この映画では、早くも彼の作品がもつことになるメッセージや共通の題材がほとんど登場しています。持つ少女と彼女を助ける男の子」・・・etc.アニメ映画でありながら、環境問題や世界平和について、じっくりと考えさせるこの作品は、公開当初は多くの観客に受け入れられず大ヒットまでには至りませんでした。冒険アクションとしての要素を強めたスタジオ・ジブリ設立後の第一作「天空の城ラピュタ」(1986年)、自らの自伝的要素を盛り込んだ「となりのトトロ」(1988年)や「魔女の宅急便」(1989年)「紅の豚」(1992年)は、娯楽性の高さも有り次々にヒット。宮崎アニメはブランドとして確立、確実にヒットする作品となります。「天空の城ラピュタ」(1986年)・・・それにまあ、『ラピュタ』では空中の映画を作りたかったですから。オニソプターっていう羽ばたき機をなんとかして映画の中で使いたいとずーっと思っていたんで、実は、ほとんどそれが中心だったんです。オニソプターを飛ばしたいっていうのと、それと『宝島』をくっつけようっていうのが、『ラピュタ』にはまずありました。「風の帰る場所」より「となりのトトロ」(1988年)・・・僕自身、ずっと日本が好きじゃなかったですから。日本っていう国家は今も好きじゃないですけれども、日本の風土も嫌いで困っていた子供時代の僕に、こういうとこがあるんだよて、こういう見方をすりゃいいんだよっていうふうなね、そうやって観せられる映画があったらよかったのにとは思いましたから。それも結局は後からつけた理屈でね、とにかくひたすら『トトロ』みたいなものをやらなきゃいけないって思った最初の動機は、なんか赤土の、ぼうぼうと草が生えてるところに、ポケッとした子供が立っていて、そしたら目の前の変なものが通ったっていうね、その風景だけをもうゾクゾクするぐらいやりたかったんですよね。「風の帰る場所」より・・・僕は『となりのトトロ』を作ったときに『ああ、一通り作ったな』と思ったんです四角になったっていうかね。『カリオストロの城』(1979年)っていう映画なんかも、ずーっと昔から作りたかった映画なんです、もう中学生の頃から作りたかった。それからまあ、『天空の城ラピュタ』(1986年)みたいな少年が出掛けていく冒険物語も作ってみたかった。それが自分が漫画を描きたいっていう最初の動機だったから。『トトロ』は後から手に入れたものだけど、やっぱり自分の子供時代に対する一種の手紙なんですよ、緑を全然綺麗だと思えなかった、ただ貧乏の象徴にしか思えなかった自分に対する手紙でした。やって考えていくとね、『風の谷のナウシカ』と『天空の城ラピュタ』と『となりのトトロ』と「カリオストロの城」と、四本作った段階で『ああ、四角になった。これで当面終わったな』と思ったんですよ。それで、しばらく休みたいと思って『魔女の宅急便』をやって。これは休むために若いスタッフを立ててやってもらうはずの作品だったんですよ。「風の帰る場所」より「魔女の宅急便」(1989年)・・・ちょっと悪戯心でストックホルムのシティ・ホールとイタリアの街をドッキングさせてね、その裏側にはゴトランドのヴィスビーの街を下町として置いてとか、坂道はサンフランシスコ、だけどその両側はパリにしようとかね。これはアメリカ人にはわかんないですよね。ヨーロッパ人はすぐにわかりますよ。・・・時代背景にしたって、今はモノクロのテレビと飛行機の複葉機、どっちのほうが古いかわからない人たちがいっぱいいるわけですから。第二次世界大戦が始まらないで、そのまま十年ぐらい経っていたら、たぶんテレビもこのぐらいに始まっては、自動車もそんなに急速に変わんないで、まだ飛行機も複葉機で飛んでいられるっていうふうに想像してみたところ、突然自分の中で『ああ、楽しくできるな』っていうふうに思ったんです。いうふうにしてできた世界なんです。そんな世界的な危機を前に、宮崎駿は「おもひでぽろぽろ」を発表します。「おもひでぽろぽろ」(1991年)・・・それが、世界情勢の変化とですね、あとやっぱり『おもひでぽろぽろ』が大きかったんです。観終わった途端に『ああ、もうとうとう崖っぷちまできたな』っていうね。『これ以上やっちゃ駄目だ、これはもう極まった』というか(笑)。あれは要するに『百姓の娘になれ』って演出家が叫んじゃったわけですからね。東京の中でなにをゴタゴタ言ってるんだよっていう。我々は東京にいるしかないですから。そこまで言われてしまったら、先に進めないっていうんじゃないんだけど、もう等身大のキャラクターで創るっていうことに対して、いろんな功罪も含めた、極まったって感じがしましたね。・・・『あんたはエライときに生まれてきたねえ』ってその子に真顔で言ってしまう自分なのか、それともやっぱり『生まれてきてくれてよかったんだ』っていうふうに言えるのかっていう、そこが唯一、作品を作るか作らないかの分かれ道であって、それも自信がないんだったら僕はもう黙ったほうがいいなっていうね。どんな状態になっても世界を肯定したいっていう気持ちが自分の中にあるから、映画を作ろうっていうふうになるんじゃないかと思うんです。いうよりも、覚悟の作品ですよね。決意作品じゃないですか。「いや、これはむしろ政治的な問題に関する決意という面のほうが強くてね。湾岸戦争からPKO国会までの一連の流れと、この映画はまったく無縁じゃないんですよね。その中で自分もかなりグラグラしたりボディーブローがきいてきたりね。ユーゴスラビアの海岸を舞台にした時、ちょっと油断してて、あそこで民族紛争があったとしても、もう大したたこと起こらないと思ってたんです。「風の帰る場所」よりだから、僕は社会主義者とかそういうことについては、ずいぶん前から自分では払拭してたつもりだったんですよ。ユーゴの紛争は大きかったんです。僕は自動的転向はしたくないからてこずると思ったんです。・・・それがこの映画作ってる最中に重なってきたから『オレは最後の赤になるぞ』っていう感じで、一匹だけで飛んでる豚になっちゃった(笑)。なんだか訳わかんないですね。いう変な映画の作り方でした。「風の帰る場所」より<自作への評価に対する不満>こうした状況の中、親たちの間には、「ジブリのビデオさえ子供に見せておけば、それだけで良い子になるだろう」そんな安易な考えも広がりつつあったように思います。した、状況に彼はしだいに不満を感じるようになり、何かが違うと感じるようになったのではないでしょうか。ディズニー・アニメとジブリ・アニメは、根本的に違うというのは、彼自身が目指していたことですからある意味当然だったのかもしれません。誇り、生と死に対する向かい方・・・etc.数々のメッセージがこめられていて、一定の教育効果はあるでしょう。それはそれぞれの人に「行き方を変える」きっかけを与える可能性もあります。彼の作品は子供よりも大人に支持されるようになり、それが観客数の増加につながっていったのでしょう。昔は、子供向けの映画は親がいっしょに見るにはくだらな過ぎるものばかりでしたが、ジブリ映画ならいっしょに見る気になれるので、その分一気に観客の動員が増えるのは当然でした。そんなメッセージ性の高さと芸術性の高さにより、頂点を極めたといえる作品が「もののけ姫」(1997年)でした。それまでの集大成といえる作品であると同時に、自作に対して確立されたイメージを覆そうと作られた作品でもありました。それは彼に対する「心優しき良識派のエコロジスト」というイメージを覆そうという思いがあったのでしょう。「その戦後民主主義の持ってるヒューマニズムの嘘くささでね、それで商売をやっていくっていうのは絶対に僕は間違いだと思うんです。それがどれほどいろんなことをくだらなくしたかっていうふうにも思うんです。いろんなものの見方や感じ方を。僕の映画がやっぱりヒューマニズムだと思っている人がいるんですけどね、それは勝手にしろと思うしかない。僕自身はヒューマニズムでは作った記憶がないです。それは僕にとってはアニメーションがすべてだから。手塚さんにとっては漫画が重要な位置を占めてて、アニメーションはやっぱりあの人の趣味だったんですよねえ。・・・」<根底に隠された現状の否定>彼は自分の作品への評価に不満を感じているだけではなく、自分の仕事、自分の生き方をも根底では否定しようとしています。寺山修司は「書を捨てよ、街に出よう」と宣言しましたが、宮崎駿は、「映画を捨てよ、街を出よう」と語りかけています。「そんなに自分自身のための映画が欲しいのか?っていう。そんなに短絡的なもんなんですかねえ、映画っていうのは、作品っていうのは。『あんたは、どういうことをやろうとしているのか!?そういうバカな状況で、その中でなにをやっても無駄なんだ』って僕は思うんですよ。はい「僕は、今東京の状況っていうのは、そういう状況だと思うんですよ。抜けろっていう状況であってね。「風の帰る場所」より大学時代、彼は漫画家を目指していました。そんな彼が描きたかったのは、どんな漫画か?それは彼の青春時代、60年安保の時代背景から大きな影響を受けています。「なんて言うんでしょうね、一番描きたかったのは”革命モノ”ですね。これはねえ、手が出ないですよ。知らないからね、自分がいろんなことを。するとこう大変なんですよ。漫画のジャンルとして初めて”革命モノ”っていうジャンルを開いたんですけど(笑)、それは宮崎駿さんの発明ですよ。そんなことあるわけないじゃないですか、日本で。言うなら『忍者武芸帳』はそういう漫画ですけどねえ。「風の帰る場所」より<チャップリンとディズニー>宮崎駿のディズニー嫌い、チャップリン好きについての言葉です。僕も、まったく同じ、ディズニー嫌いのチャップリン好きです。ディズニーの世界は、人間から想像力を失わせる効果をもっています。それは良くできたゲームと同じで、観客を世界に取り込み、何も考えさせません。「映画とは、ひととき時間を忘れるためのもの」という考えもまた一理ありますが、それしか観ない子供たちが、どんな大人になるか?心配です。「・・・僕がチャップリンの映画が一番好きなのは、なんか間口が広いんだけど、入っていくうちにいつの間にか階段を昇っちゃうんですよね。なんかこう妙に清められた気持ちになったりね。なんか厳粛な気持ちになったりね。「あれが僕は、やっぱりエンターテイメントの理想じゃないかと思うんです。「あの、ディズニーの作品で一番嫌いなのは、僕は入口と出口が同じだと思うんですよね。なんか『ああ、楽しかったな』って出てくるんですよ。「風の帰る場所」より「もののけ姫」(1997年)「もののけ姫」と「風の谷のナウシカ」の最も大きな違いは何でしょうか?先ず「風の谷のナウシカ」はヒロインのナウシカとその師匠ユパ様を中心とする主人公たちが平和な世界を築くための第一歩を踏み出すまでの物語でした。そこでは人類が何を今成すべきかについて、ささやかながらその解答が提示されていました。「もののけ姫」は何の解答も提示されないまま終ってしまいます。それどころか、主人公の「もののけ姫」はヒロインという存在なのか?シシ神の首を撃ち落したエボシ様は悪役なのか?それすらもはっきり提示されていません。そこで描かれていたのは、人類が背負い込んでしまった根源的な罪がいかに複雑なものなのか、いかに解決困難なものなのかであり、その解決法ではありません。いうなら、そこで描かれているのは地球という生命に満ち溢れた惑星にしか存在しえない「混沌とした世界」そのものの姿だけだといえます。そこには、善も悪もなく、解決策もまた存在しません。そこには、時に美しく、時に醜い人間と大自然があるだけです。あとは、それを愛することができるか否か、それだけが問題なのです。「もののけ姫」は宮崎駿が自らのイメージを自らの手で破壊する危険な賭けだったといえます。彼がこの作品を最後に引退すると言っていたのも、それだけの覚悟があったからなのでしょう。あれだけ難解とも思える作品が世界的な大ヒットになったのか?当然ながら、それはストーリーに隠されたメッセージなど考えなくても充分に娯楽映画として楽しめたからでしょう。して、「もののけ姫」は多くの大人たちを映画館に集めることで空前の大ヒットとなりましたが、小さな子供たちにとっては怖い映画として敬遠されることにもなりました。(うちの次男にとってもそうでした)「・・・このモチーフはもっと前からあったんです。古いモチーフとしては『美女と野獣』があって、それから、日本を舞台にした製鉄集団というのもありました。山を削っていくうちに巨大なものがやってきてね、ある日歩き出すっていう、そういう映画を作れないかなって。宮崎駿「風の帰る場所」より「・・・それにしても『豚の死なない日』や『もののけ姫』はなぜそれほどまでに万人を感動させるのか。第一に考えられるのは、どちらも無垢な動物が可哀そうな目にあうからである。それを遠い昔、人が自然に対して無力だった頃、荒ぶる神さまを宥めるため動物を殺して差し出したことを無意識のうちに思い出させるからだろうか。一つ気づかれるべきなのはこういう物語では主人公の少年少女が唯一自然と交感できるのは労働を通してなのだと書いたのはやはりマルクスだった。千尋の神隠し」(2001年)その後の彼の作品「千と千尋の神隠し」(2001年)「ハウルの動く城」(2004年)ではそれが修正され、再び子供のための映画へとシフトしつつありました。どちらも僕には物足りなく感じられましたが、監督自身もそう思っていたのかもしれません。して、彼は再び児童アニメの原点に回帰するため、「崖の上のポニョ」に至ることになりました。鈴木敏夫さんが湯婆婆なんだあ(笑)「ええ、頭のデカさだと僕なんですけど。本当にスタッフにはそう説明しました。『油屋という湯屋はんあだ?』っていうとき『ジブリだ』っていうように。