Site』のカタログに、門外漢として日ごろ疑問に感じながらなかなか聞く機会がなかったことを、恥も外聞もなく書き連ねました。それをもとにトークイベントにも参加して、出品作家の声を直接聞くことができたのですが、これが大変興味深い内容でした。正確にいうと、私が提起した疑問に答えるというよりは、土による造形を始めたきっかけとか、どういう意識で創作に取り組んでいるかについて、お一人ずつお話しくださったのですが、「従来の陶芸」を乗りこえるところから出発した作家ばかりかと思いきや、作品からはもっとも「従来の陶芸」から遠いように見える作家が、「従来の陶芸」を否定の対象ではなく、むしろ自作をその延長線上に位置づけていたり、一見古風にも見える作品の作者から、強い革新の意志が語られたりと、まさに千差万別。絵画でも彫刻でも、あるいは美術はみな同じことがいえるのかもしれませんが、そんなに単純に割り切れるものではないことをあらためて思い知ったのでした。ひとつ、ほとんどの出品作家に共通していたのは、それぞれ土を扱うことに独特のこだわりを持ちながらも、自作を現代美術というより大きな表現の枠組みのなかで捉えることについては、あまり抵抗感がないように見受けられた点です。私が2年近く前まで6年ちょっと住んでいた東京では、現代陶芸という言葉でくくられる土による造形といわゆる現代美術との間には、このような親密さはなかった印象があります。印象ですが、個人的な。昨年の拙文で、関西では1980年代、土による造形がごく自然に現代美術として見られて、それが私の土の作品観の源泉になっていると書きました。毎年やっていた「アート・ナウ」など、土の作品と他のさまざまなメディアの作品とが、実に楽しげに共鳴しあっていたのです。実はこうしたことは80年代に始まったわけではなく、その嚆矢は戦後まもない1950年代にまでさかのぼります。1952年、朝日新聞社の美術記者だった村松寛の呼びかけで、大阪で現代美術懇談会(ゲンビ)という名の研究会が組織されます。この集まりは、絵画や彫刻だけでなく、陶芸や生け花、書、グラフィック・デザインなど作家たちが一堂に会し、新しい造形をともに考えようというものでした。1957年に自然消滅するまで計40回以上の例会を持ち、毎年展覧会もやっています。いうまでもなく、ジャンルとは制度です。ここからここまでが彫刻であり陶芸であるという目に見える区分があるわけではなく、ある種の表現を説明するために作られた規範であり、約束事にすぎません。大阪を活動の場にする土の造形作家たちに受け継がれるジャンルへのくったくのなさ、ジャンル同士の垣根の低さは、何事につけ制度に縛られることを嫌う大阪ならではの風土の反映と見ることができるのかもしれません。これこそが、関西、とくに大阪の現代美術界を活性化し、他の都市にはない独自なものにしてきたと、私はかねがね思ってきました。私は昨年の拙文で、土による造形の在りようを小さく狭く規定してしまう「陶芸」という用語の問題を作家たちも観る側もみな自覚していながら、それに代わる用語、「陶彫」や「オブジェ焼き」や「クレイワーク」が定着しないことを、少々苛立ちをもって指摘もしました。「陶芸」がまとう魔力はかくもすごいものなのか、門外漢には理解不能だと。考えてみれば、そうした新たな用語もジャンル=制度を意味することには変わりがないのですから、制度を嫌う作家たちの間で定着してこなかったのはあたりまえ、なのでしょう。昨年のトークイベントでは、自作を「陶芸」という作家、「やきもの」という作家、「セラミック」という作家などいろいろで、なかには話の途中で言いかたが変わる作家もいたように記憶します。最初は作家それぞれの土の造形に対する捉え方や認識の違い、ブレとして聞いていたのですが、総称的な用語を必要としない作家たちであるがゆえに多様であり、一貫性がないのだとハタと気が付き、長く頭の内でつかえてきたものがストンと落ちた瞬間がありました。門外漢といいながら、また分かったようなことをとりとめもなく書いてしまった。