masakazu1976年生まれ。主な作品に、コンピュータ自動編集による『Sunsession』シリーズや、岩下徹(ダンサー/舞踏家)とのコラボレーション『動の影』がある。シングル・チヤンネルの作品だけでなく、国内外でビデオ・インスタレーションを発表。2010年から、家族をモチーフにした『休日映画』シリーズのネット公開を開始。CHORDよりDVDリリースされた。shigeru1975年東京生まれ。詩人として、近年はサウンド・デザイナー、映像作家との協業による制作を行う。研究者としては、映像メディア学に基づいて、マス・メディアを分母とした現代芸術の表現動向に着目し、研究に取り組んでいる。Works」(恵比寿映像祭)等。SD/2001コンピュータ自動編集による映像作品「Sunsession」シリーズの一つで、沖縄を旅行した際の映像を用いた作品。撮影した映像を機械的に編集することで意図しないカットと出会う。映像における”無意識”の考察を試みた。※今回の上映のための再編集版。HD/2008動きをある時間における物体の移動と捉え、動きの軌跡を視覚化する事で運動を新たな側面から見つめるシリーズ。舞踏カンパニー山海塾の舞踏手として活動する岩下徹氏に、自身の動きの軌跡がリアルタイムに映し出された映像を見ながら即興で踊って頂いた。”春水荘”をアーカイヴすることをテーマに構成された作品。映像と実空間を連動させたビデオインスタレーション作品の映像パートを抜き出し、再構成。HD/2013元競艇選手の下村進さんに取材した片山一葉さんの作品「伝言の家」のテキストをもとに、写真、映像、アニメーションなどの手法を用いて制作。ビデオインスタレーション作品の映像パートを抜き出し、再構成。CHORDの作家作品の上映イベントを4回に渡り開催しました。この上映イベントでは松井茂氏(詩人)が聞き手となり、作者が自作について語ります。2014』の齋藤正和さんの作品を上映しました。この時のトークの模様を書き起こしでお届けします。トークゲストと書いてありますが、4回全部に出るので、ゲストはどっちなんだろうかと思っています(笑)。換言すれば、「映像レーベル・ソルコードの作家たち」というタイトルで、インタビュアーを固定して行うことで、レーベルの性格と共に、現在の映像のあり方を見せていく、議論していこうという試みだと思っています。下村進』(2013)でした。#02』のフルバージョンが収録されています。それ以外の3作品は初見でした。DVDのタイトルにもなっている『休日映画』(2014)の印象で足を運んだので、今日のプログラムは、僕が想定していた齋藤さんと、随分趣向が違いまして、気持ちよく期待を裏切っていただきました。本日は、この点をいろいろ伺っていきたい。他方で『休日映画』にも関わりますが、今日のプログラムは、映像メディアの属性としてという以上に、より積極的な表現として、記録がテーマになっていたと思います。2001年の段階で果たして記録という意識がどれくらいあったのかはさておきですが、議論のとっかかりとして、いきなり大きな話ですが、齋藤さんにとって「映像とは何か?」という無茶振りをしたいと思います。おっしゃっていただいた記録性、実写映像が持つ特性、写真的に言えば、「それはかつてあった」的な、インデックス性には興味があります。アニメーションも制作したことがあるのですが、その場合もロトスコープという手法で、要するに「物体がある現実世界、その痕跡としての映像」の写しです。実写映像だったり、アニメーションだったり、インスタレーションだったりと手法・形態が変わろうと、「自分で撮影した映像素材」をベースにして作品を制作しています。同時に思うこととしては、自動なら映像はなんでもいいのではないか?という気もします。実際には、敢えてだと思いますが、すごいプライベートな映像素材を扱っていますよね。自動編集は、Maxというプログラムを使用して自分で組んでいます。長い素材の映像をつまんで、2秒使って40秒捨ててまた2秒使って40秒捨ててみたいなことをやらせています。この捨てた40秒の間の時間の流れが損なわれるので、そこを短くパパパッと3フレームくらい表示し、それによって間を繋ぐということをやっています。そもそも自動編集することで自分が意図しない素材に出会えるというところに興味がありました。なってくると素材は何でもいいということになるのではないかという指摘ですが、この作品の映像素材は、沖縄に行って、しかも沖縄の何かの問題を扱うのではなくて、旅行者の目線というか、オリエンタリズムというか、いわゆる一般的な“沖縄”を撮っているわけです。いうプライベートな映像素材を自分が編集してしまうと、自分が好きなものだけが並んでなんともならないのではいかと。いわゆるホーム・ムービーみたいなものになってしまう、という問題意識がありました。その時に、自動編集を用いることで映像に対してある距離感を出すことが出来るのではないかと思いました。要するにプライベートな眼差しで撮ったものだからこそ、自動編集がはまるのではないかと。それは作品の前半で動画を静止画にしていたことにも関連します。静止画にすることで動画と違った距離感が生まれることを意識し、前半パートは静止画で、後半は動画になっていく構成を組みました。僕が1975年生まれで、齋藤さんが1976年生まれで、映像を撮る技術に関していうと、90年代はビデオ・テープだったり、まだフィルムもある程度使えるところから始まる。しているうちに、デジタルの撮影機器が登場するといった、メディア環境が激変する時期に制作を始めた世代にあたると思うんですが、技術的な関心が、すごく高まった時期として、90年代後半からゼロ年代があった気がします。映像においてはカメラがデジタル化し、コンピュータで手軽に編集ができるようになったという時で、今までと違う映像の扱い方の可能性が拡がりましたね。HD(ハイディフィニション・フォーマット)が出てきたとき、それで何ができるのかという考え方。メディア環境といいますか、それだけだと単なる技術検証みたいなことになるのですが、そういうものと「撮るもの」を同時に考えていくことが、ずっとありました。コンピュータに関していえば2000年前後は確かに大きな節目だったので、そこを扱っていこうという意識はあったように思います。流行りは過ぎたかもしれないけれども、ある種ポスト・ヒューマン的な映像作品のあり方、実際に自分で撮っているんだけれども、非常に暴力的な編集がなされているというか──いまだったらビックデータとかそういう形での、新しいAIが編集するとかいう可能性もあると思うんですけど──、2000年当時のデジタル・ヒュマニティーズ的な暴力による編集が、プライベートな映像をざっくざっくにするという、僕はいま見てもこの当時の技術的な暴力性は、未だ新鮮な迫力を感じます。メディア環境の変化が要請する初期衝動でしょうか、単に趣味かもしれませんけど、アルゴリズム的な処理の可能性が表現として感じられた。「感じられた」と過去形で言いましたが、「感じられた」という手応えによって、アルゴリズム的な方法論が確立された時期だったことを想起しました。岩下徹というからだ』では、眼前のフィジカルを正確にトレースしてみせますね。正確にというのは、単に撮るわけではなくて、細部の残像効果を強調することによって、不可視なレベルでの映像表現によって、新しい正確さを追求したとでもいう感じですね。コンピュータによる編集は2005、6年くらいまでやっていたのですけれども、自分の生活環境が変わったタイミング、働きだしたことで常にカメラを持っているわけにもいかなくなって日常的なスナップが撮りにくくなった時に、自動編集から一度離れてみようと思いました。2006年頃に、やっとHD(ハイディフィニション・フォーマット)で制作できる環境になってきたということがあり、その時の興味としては「ブレ・ボケに対する鮮明な画像」といったことに加えて「インスタレーションにした時にも画質が保てる」ということがありました。これはインスタレーション作品でして、映像インスタレーションに興味が段々と移っていく時期の作品です。実際、どのように撮影しているかといいますと、真ん中に踊っている方がいて左右にそれがボケた映像があるシーンを例にしますと、実際に収録する時には、ダンサーの方にそのボケた映像(自身の動きの軌跡)をリアルタイムで見ていただいています。「自分自身とダンスを踊る」といった環境を用意したわけです。いうのは、岩下さんは即興で踊られる方で、何か周りの状況に対して動きを紡いでいくという踊り方をされる人なので、その環境としてそういうものを用意して撮影を試みました。岩下さんはモニタを見ながら、それにリアクションしているということなんですね。通常だったら鏡を見ながらリアルタイムに──鏡がリアルタイムというのもなんですが、鏡は最も正確なカメラでモニタですけど──、ということに対して、むしろ映像がちょっとディレイする、つまり、自身の一瞬前の痕跡を見て、ディレイの中で身体を作っていくということなんですね。次の動きを自身に決められるみたいなことをやってみたいと思っていました。齋藤さんの撮影のセットが、記録のためとはいえ、舞台装置みたいな機能を岩下さんに及ぼしていたということですね。はい、そのようなことを意図していました。岩下徹というからだ』は、肉眼では見えない軌跡までもなめらかに強調して、むしろ接続していく編集に見えるのが面白いですね。編集においては素直につないでいます。岩下さんの言葉、自身がどのように活動されてきたかを伝えていくことをベースに、映像をはめていったという形になりますね。ビデオ・ポートレートをやりたいとは思っていました。それと同時に動きの可視化への興味がありました。映像の特性だと思うんですが、ドラマでもドキュメンタリーでも、経年劣化する人間の記録になるというのは宿命ですよね。その頃は、まだ記録というより動きをどう可視化できるかということに比重がよっていました。これを今後見るだろうとか、この時点で残しておかなければというような意識は薄かったです。声をお聞きして、映像、ビジュアル、ダンスといったものよりも、この声を残したいというか、特徴的だなと感じました。実は、この作品以後「声もの・ナレーションもの」に展開していく流れがあります。お題というか、ここをおさえなきければみたいなものがあって、じゃあ自分なりにどうアプローチするかという感じですね。映像の中に風船がたくさん跳ねていた宴会場が出ていましたけれども、オリジナルは、あそこに2メートルくらいの巨大な風船を設置しまして、そこに今日観て頂いた映像の一部を投影した作品でした。「撮影された場所で、その場所の映像を見る」という体験をベースに、真っ暗な中で映像だけを見るというよりは、上映が行われているその場も観てもらいたいという意図がありました。映像の中でライトが光ると会場にあるライトが映像と同期して光るといった、空間にも目がいくような仕掛けを導入しています。今回上映したものは、そこで使用した映像を再編集したものです。作品の中では、風船が動線を誘導していくというか、ナレーションのおばあさんと同期してストーリーテラーみたいなキャラクターになっているけれど、あの風船にプロジェクションしているという見せ方だったわけですね。-』でも声に着目してますね。