何となく、特に声を扱い出してからは、非同期の方が組みやすいというのはありますね。以前はいかに自分が見ているものを写し込むか、音も含めて、といったところでアプローチしていたのですけれども、そういうところから離れた作風になってきて、コンポジションの可能性が出てきたのかなあという感じでしょうか。#02』は、クリス・マルケルの『ラ・ジュテ』(1962)を想起しますよね。動画で全編とったにも関わらず、それを静止画だけで構成した作品ですが、齋藤さんの作品は、現在のメディア環境からそういった映画史における実験の手法への批評として、デジタルという視座からの発言にもとれますよね。齋藤さん自身の意識、無意識を超えて、メディア技術の経年劣化に対して、メディア技術で更新し、それでも問われるべき映像の特性を追求した結果として現れる、ある種のアヴァンギャルドな方法論と言う感じ。アヴァンギャルドって言うと、なにかすごく過剰でヘンなことを想起されるかもしれませんが、齋藤作品は過剰に見せないナチュラリズムも感じられるところが、なんか興味深い。勝手な印象ですが、これって、ソルコードの作家たちの特徴かもしれないですね。本日最後に上映された『常滑アーカイブ#01〜下村進〜』これはシリーズですね。岩下さんとの仕事以降、自分の眼差しというよりは、取材したもの・人を残していくことに興味が出てきました。個人的なものは『休日映画』の方でやっていて、それとは別のプロジェクトとして自分の中で走らせているように意識しています。-』は僕が撮影と編集を担当していましたが、『常滑アーカイブ#01〜下村進〜』に関しては、もう少し自分の手から離れているというか、アニメーション部分は学生に任せていまして、撮影も一部は学生が担当したり、より編集だけに関わるようになっていきました。その後も『常滑アーカイブ#02、#03』とありますが、一人で作るのではなくて、どんどん自分の手から離れていっているという感じですね。監修みたいな立ち位置になってきました。クレジットで編集は捨ててないですね。編集がまだ離れてない。離すべきなのかもちょっとわかんないですけれども。コンピュータの自動編集も設定するのは自分ですから、それも編集行為だというふうに含めれば、編集を捨てたことは一度も無く、やはりむしろ編集には偏執的にこだわっているようにも見えますよね。タルコフスキーか誰かが、編集を見ればそれが誰の監督した作品かわかるみたいなことを言っていたのですけれども、編集にこそ個人の特性というか作家性が表れるのかなというのはあります。劇映画の編集とかはまた違うとは思うのですが、ある素材をぽんと渡されて、それをどう編集するかということで作家性を垣間見せるということも十分考えられると思います。記録と撮影ということの関係性というか、そこに映像表現の問題をどのように考えていけばいいのかということが、素朴に困難になっている気がしています。凡庸な発言をすると、近年あらゆる状況が、記録として撮影されている、監視カメラはもちろんのこと、PCもネットワーク越しに監視しているとか言われますし、むしろ記録されていない瞬間なんてないというか、記録されていないシーンは存在しないというようにさえ感じられます。考えると、映像は特権的な技術によって撮影されるものではなく、むしろ映像という環境こそが日常になっている。比喩ではなくて、映像こそが日常になっている。捉え返すと「記録とは何か?」という問題が、映像作家に突きつけられるのではないかと思います。記録にこだわるのであれば、さっきの旅館も淡々と全部、それこそ、ストリートビューみたいなもので、オールオーバーに撮るという方法もあるでしょう。淡々と隅々まで撮っていけばいいのですけれども、多分、それを見ようと思わない。記録性、資料としての価値はあるでしょうけれども、それを見ようと思えないのではないかと。そこでここ最近考えているのは、やっぱり物語ですね。避けてきたというか、自分が出来ない分野だったので扱えていなかったわけですけれども、物語といっても、さっきの「風船が一泊して帰る」みたいな、それくらいの緩やかな時間の流れを与えることによって、資料価値の部分と、表現として見れるものを同時成立させていきたいなというのが最近の、自分の中の意識です。おっしゃる通り確かに、撮ること自体には。他方で、編集の専門性も、アプリケーションに依存してしまうと、なんだかプレーンな物になってしまうのでは無いかと思ったりします。絵画表現は、絵の具の歴史とか、メディア固有の目的と技術の発展が一致してますが、映像表現というのは、表現のために技術というのは、なかなか発達しませんよね。民生品だし、アプリケーションだって同じです。独自に開発するということはあるかもしれませんけど。私がそんなこと思い詰める必要は無いんだけど、そういう意味で、行き詰まっている感じを憶えるときがあって、そういう意味で『休日映画』は、毎回、撮り方と編集点を重ねた実験を繰り返している個人の力というか、家族の力が、すごく新鮮で力強いですよね。「こういう可能性もあるのか!」みたいな清々しさを感じます。確かに、『休日映画』は毎回短い中で、一つの、何か実験をしようというのはありまして、それは機材だったり撮り方だったり、おっしゃって頂いたように編集だったりもします。結局、編集も「語り口」なのかもしれないですけど、結局そこにいくのかなと。結局そこなのかなっていうのが薄々あるんですけど、その一方で技術・編集方法含めあらゆることをリサーチしておきたいというか、自分で実験しておきたいっていうのが『休日映画』です。物語以外の可能性は、それはそれで同時に常に探りたいなとは思っています。その可能性が具体的に何だっていうのはまだ無いですけど。何か今日の感想なりご質問なりある方はぜひ挙手をお願いします。今日はありがとうございました。#02』に関して質問があるのですが、先程、自動編集はMAXを使って尺をランダムに選んでいくというのを聞いたのですが音声の尺はどのようにやられていたのでしょうか。音声も映像と一緒にやっています。映像が細切れのときに、音声だけは正常に流れている部分が結構あったと思うんですけど、あれは狙ってやったのでしょうか。ある5秒なら5秒の1秒目2秒目3秒目の映像の最初のフレームだけ見せるみたいなことをやっていまして、尺のとりかたとしては同期しています。再生されれば映像と音はあっていて、その1フレームをとめているので、ちょっと非同期に見えるという状態です。ありがとうございます。個人的な感想ですけど、それですごい想像の余地があるというか、静止画だけを見ながら音声を聞くことによって、なんかわかんないんだけど、こうかなっていうのが色々想像できてすごく良かったです。ありがとうございます。ドゥルーズの『シネマ』でスローモーションの話が出てきますけれども──勘違いだったらごめんなさい──、その流れで誰かと話した際に、映像はスローモーションにしても音はスローモーションにならない。映像は静止してももちろんイメージが見えるわけだけれど、音は静止するとなにも聞こえなくなってしまうというようなことが話題になりました。これは技術の問題なのか、現象として自明の問題なのか、僕にはわかりませんが、今日は、齋藤さんの作品を通じて、映像メディアの根源的な問題を、捉え直す機会になった気がして、とっても面白かったです。最後に、同時代に生きている作家を見る楽しみというのは、100年とか経つとその作家の主要な作品しか残らないんですけど、どれが代表作になるのかまだ分からない形で、同じ社会状況の中で、作家の試行錯誤につきあえることだと思います。100年後には残らなくても、同時代に接する人間にとって重要な作品は別にあったりもするんです。それを見られ、一喜一憂できることが同時代を生きる醍醐味です。今日上映されたのと全く違う、全く違うと言っても、おんなじ作家が撮っているわけですから、扇子の要じゃないけれども重なっているわけで、とにかく皆さん『休日映画』を是非購入して観ていただきたいと思います。齋藤さん、本日はありがとうございました。ありがとうございます。