(上野)〜2/21まであと、東京芸術大学の卒展を観た。基本、もう大学の卒展を観に行ったりはしないのだけれど、今年は妻の友達が数名修了制作なので、それを観に。1人は体験型インスタレーション、もう1人は写真だったんだけど、良かった。2人とも僕は会ったこと無い人で、初めて作品見ました。インスタレーションの方は、作品の根底のテーマが僕と相通じるものがあって話が弾む。写真の方は、抜群に良くて、かなり衝撃でした。ギャラリーとか美術館の展示と同じ土俵で考えてもこれは相当良い線いっていると思って、こりゃーやられた!って感じでした。Monday今まで、このBlogでもたびたび言及してきたように、僕の大好きなアーティストである内藤礼の個展。内藤礼(ないとう・れい)[1961-]は、日本のアーティスト。「地上の生と世界との連続性」をテーマに作品を発表している。内藤礼の作品は、本当にささやかに何かを配置することや、あるいは、本当にかすかな色をキャンバスにつけること、などによって成立しているインスタレーション。言ってみれば、作品も展示も派手ではないし、点数として数えるならば、とても少ない。言えば、知らなければ、気にかけなければ、作品が展示されていることに気づかない人もいるだろう、そう言っても過言ではないと思う。それは、今回もそうであった。彼女の凄いところは、それでも展示が成立する。それどころか、非常に豊穣な世界に触れた、と感じさせてくれること。僕個人の意見だけれど、巷で内藤礼について語られている言葉に度々違和感を抱く。寄り添うとか、日常とか、そんなもんじゃないと思うんだ。確かに一見、やさしそうで、おだやかそうで、そう言いたくなるのも分かる。秘められたメッセージは、もっと深淵で、時に恐ろしい。今回の展示で言うと......今回の展示は、庭園美術館の館内のインテリアをそのまま活かし、数えられるほど少ない数カ所に、作品である木製の小さな人形が置かれている。人によっては「これが作品なの?」と思うだろう。その小さな人形の多くは、鏡のすぐ前に置かれていた。この人形の置かれ方に特徴が有る。鏡のすぐそばに、1人で、鏡の方を向いて置かれているのだ。鏡には、人形の表情が映っている。あまりに鏡のそばに置かれているものだから、僕たちは鏡と人形の間に頭を覗き入れることが出来ない為、その人形の顔を“直接”見ることは出来ない。目を合わせたいのならば、鏡に映った顔と目を合わせることしかできないのだ。人形は鏡の反射を通して世界を見て、認識する。直接世界を見ることはない。鏡が映し出すものを見続けている。本当はこちらを向きたいのだと思う。信じたいけど、まだそうはできない。最後の展示室に行くと、周囲の壁には本当にかすかに色がついたペインティングが掛けてあり、部屋の端の方に1人だけ例の人形があった。鏡に背を向けて、こちらを向いているのだ!最後の最後になって、漸くこちらを見てくれた。世界を見る勇気を出してくれたのだ。この人形には1つ違いがあった。毛糸の帽子を被っていたのだ。柔らかく温かく包んでくれるもの、つまり、守ってくれるものを身にまとうことによって、やっと直接世界を見つめる勇気が出たのだろう。展覧会タイトルの『信の感情』の「信」は、「信じている」ということよりも「信じても良いですか?」という問いかけの意味合いに感じられた。僕には、こういった一連の展示が内包し表すものが、社会や世界を映していると思えて仕方ないんだ。情報はパソコンのモニターにディジタルとして溢れ、遠い場所の出来事をどこにいても知ることができ、一瞬でメールを送り会話が成立し、チャットなどでは知らない人と意見交換も出来る。ITの進歩は豊穣な実りを手にさせてくれるし、娯楽は増えたが、それを行う自分は部屋に1人だ。何かに映し出されていることや、反射を通してではなく、直接世界を見る機会はどれほどだろう?文字として目に飛び込んできたスリルに興味を持っても、それに何かしらの態度を表明しようとしたことはあるだろうか?ゲーテは言った。「真実とは、本当は恐ろしい顔をしていて、我々はそれを直視できない。今回の人形たちにとって、世界はそういうものなのかもしれない。僕にとって内藤礼は、極めて同時代性の強い作家であり、社会的な作品であるとも思う。良く言われるように、気づきや発見をたしかにくれる。それはすぐ隣のやさしさのようなものとは限らない。小さな人形が鏡を通して、鑑賞者である僕たちや世界を認識していたように、我々は内藤礼の作品を鏡として、世界を認識するのだ。Monday上野、スカイ・ザ・バスハウスで開催されていた、ジュリアン・オピーの個展。Opie)[1958-]はイギリスの現代美術家。極端にデフォルメされた超シンプルな線と点、マットな色彩で描いた人物像が有名。言わずと知れた、世界のトップアーティストの1人。今回の個展は、そんなジュリアン・オピーの新作が観られる機会だから、とても興味を持っていた。秋葉原でアーツ千代田3331に行って、その後に立ち寄った。オピーの作品は今までも何度も観ているし、さして新鮮さを求めて観に行ったわけではないのだけれど、今回は今まででも一番というくらいにグッときた。僕もこれまで古今東西、それなりに多くの作品を観てきたと思っている。自分の歳に対してならば、周りのアーティストよりも相当多く観ているのではないかと思っている。僕は作家なので、制作者としての思考も混ざりながら、沢山の作品を観ながらグルグルと頭の中で色んなことを逡巡してきた。それが、ここに来てオピーに何かを感じた。これは意外なことで、まぁ、凄く分かり易い作品だし、実作もイメージも沢山目にしてきたので分かっていると思っていたのだけれど、今の僕はかつてとは違い、自分の中で何かが育っていたのだろうか。「これが世界トップを行く人か!!」と思わざるを得なかったのだ。誰がどう見ても「オピーだよね」と分かるということ。考えてみると、世界の巨匠の作品は皆そういった名刺要らずの超絶個性がある。これは平面作品に於いて強く言える気がする。重要なのは、この強烈な個性を「最初に提示する」ということだと思う。同じくらい重要なのは、提示した強烈な個性を「着こなす」ということだと思う。服に着られてはダメだし、酒に飲まれてもダメだということ。次に、作品が素敵だということ。見た瞬間に、巨大な世界のアートマーケットにこの人は確実にリンクしている、という確信があった。そんな風に、色んな面で勉強になりました。Tuesday行きたい展覧会、気になっている展覧会を、こうして定期的にメモとして公開しようと思う。ザ・ミュージアム(~3/9)・『衣川明子』@アラタニウラノ(1/25〜2/22)出来れば、全部行きたいけど、とりあえず現代アート系を優先かな。結局ね、コンテンポラリー。今、アーティストとして生きる以上、制作、発表を続けたいと思うなら、過去の美術史を知った上で(ここ重要!)、現代アートを観て、そして、どうしたってその世界の中心へ向かって、揉まれ、サヴァイヴするしかない。僕が、学生時代から、そして卒業してから、10年強アートのこと考え続けて痛感している事実です。過去に、自分の胸がときめくイデオロギーやナントカ主義とか潮流があったとして、僕だってあるし、それはそれでいいんだけど、アーティストとしてそこに生きることは出来ない。それは終わったことだから。学者や研究者なら話は違うんだけど、アーティストならば作品を生み出すのは「今」なのだから。過去に生きるのでも、過去を繙くのでもないわけで。作品を周知させたいし、残したい。知れば知るほど、恐ろしい世界なんだけど、ワクワクしてる。Tuesdayまずは、こちらをご覧下さい。僕は、大変ショックを受けています。僕がどれだけ川村記念美術館(現:DIC川村記念美術館)を好きだったか。マーク・ロスコの作品が見られる「ロスコ・ルーム」と、今回のバーネット・ニューマンの傑作《アンナの光》を鑑賞する為だけに作られた「ニューマン・ルーム」、この2つの部屋の魅力は僕に取って特別だった。その魅力の半分を喪失したでしょう。文献や画像で知ったり見たりするのではなく、あの場で実際に「体験」すること。ロスコやニューマンの作品でそれが出来る、世界的に見ても稀な場所だった。ピカソやシャガール売るのとはわけが違うんだよ。ロスコとニューマンは体験しないとダメなんだ。自分に関していえば、今まで何度か行っていて、本当に良かった。アートに興味があったり、ましてやアートの世界で生きていて、日本、特に関東に住んでいて、もしニューマン・ルームに行ったことがない人がいるのなら、大いに反省するべきでしょう。そこから学んで、一刻も早く魅力の半減してしまった川村記念美術館へ行き、ロスコ・ルームを体験するべきでしょう。いつ、ロスコ作品も同じ道を辿るとも分からないから...。調べると、3代目の川村社長がロスコやニューマンをコレクションしたらしい。氏は現在は経営のトップから退いているようだ。それが原因してか、会社は今回の海外企業からの購入の申し出に乗っかってしまったのだろう。