ブログ展覧会のレヴュー、本の感想、その他制作の日々の模様など。Saturday一昨日スカイ・ザ・バスハウスへ行ったんだけれども、18時閉廊に間に合わなかったのでリベンジ。空洞説—水の座』という展覧会。してもこの展示は観ておきたかった。それはこの夏行く予定の『越後妻有アートトリエンナーレ2015』で「森の学校キョロロ」にこの遠藤さんの作品があり楽しみにしているのだ。今回の「空洞説」というシリーズは10年前にここスカイ・ザ・バスハウスで行った個展から始まったらしい。今回の展覧会、ギャラリー中央の床をくり抜いて空洞を作り、そこにひたひたになるまで水を満たし、そこに鉄の板を乗せた作品と、壁には同じ鉄の素材で出来た棺型の箱が垂直に展示されている。部屋の中央に水を満たし大きな鉄の板で塞いだ穴があり、その正面に対峙するように棺型の箱がある。この2つの関係性でのみ作られたインスタレーション。大きな2つの空洞という“ゼロの質量”が作り出す空間は、その物質性やミニマルさから、アニッシュ・カプーアや、NYのDia:beaconで観たリチャード・セラやマイケル・ハイザーに通じるものを感じ、とても好きなタイプの作品だった。空(くう)とか、消失した質量を、逆説的にとても重厚に感じさせ、広がりや深みを与える作品は、すごくラディカルな衝撃を受けて、また同時にとてもシンプルな構成であるが故に瞑想に誘われる。水面が作る即ち完全な平面と、屹立する壁に設置された棺の垂直、この水平と垂直の関係は神秘主義を思わせる。基本的な2つのライン。一方は空ではありながらも水を満たしてある言わば変容した質量と、完全に空の棺。この面と壁の呼応が深い思考へと誘い、たった2つしか作品の無い空間が、十分な密度を持った空間へと変わっていた。考えてみると、あのホワイトキューブの空間自体が、大きな1つのvoid(空虚)な空間であり、僕は作品を観てみるつもりだったが、実は作品の1部となっていたのかもしれない。8月1日まで!!森の学校「キョロロ」、楽しみです。Tuesday4月末、久々に横浜美術館へ行ってきた。楽しみにしていた石田尚志さんの展覧会。JUN展を観に府中市美術館へ行った時、石田さんは公開制作をしていたのだが、その時制作していた作品もあったし、清澄のタカイシイの個展で観てすごく気に入った《燃える椅子》もあったし、今回は美術館での大きな個展だけあって、初期の代表作から新作まで、作家の仕事を一気に見られる機会だった。今回の記事は、展覧会の感想のようなものではなくて、展示されていた《フーガの技法》という作品を観て思ったことがあるので、メモ的な感じで記す。僕はこの《フーガの技法》という作品が大変気に入って、興味深く観た。バッハのフーガをアニメーションで表現した作品で、フーガにあわせて映像が展開する。僕は、バッハが大好きだ。〜シャコンヌ》は僕のiTunesでヘビーローテーションされている。このシャコンヌと、それからもう1曲、アントニオ・ラウロ作曲の《4つのヴェネズエラ風ワルツ》というギター曲、これも大好きなのだけれど、この2曲を聴いた時に画家としてあることを思った。「この曲を絵で表現してみたい」。この衝動に駆られてから、幾度となくそれが出来ないか想像してみたが、未だに実現していない。考えても、無理なのだ。そんな自分の背景があり、今回《フーガの技法》を観て、それ(音楽の可視可)がされているので、非常に興味を持ったのである。音楽の可視化には「時間」という要素が必要であると。「概念」ではなく「要素」として必要なのだ。「時間」を持つアニメーションで、見事にそれを実現しているのがこの作品。そんなことに思いを馳せていたら、こんなことに考えが及んだ。時間は時間でも、絵画では「無限の時間」は表現できるのではないか、ということ。1つの曲などの「有限な時間」は表現出来ない。無限の時間は表現出来るのではないだろうか。僕は、実際にそれを成している作品がいくつか思い浮かぶ。時間という要素がネックになって、音楽の可視化が無理と言っていたのに、無限の時間は表現できる、などという結論に至ってしまった。考えると、無限の時間とはそもそも「時間」なのだろうか?......こんなことを思った展覧会でした。無限のことを書いていた思ったんだけど、そこに「全てがある」と思った作品って数少なくて、そのうちの1つが先述したバッハのシャコンヌです。そこには全てがあると思えて仕方が無い。文学ならヘルマン・ヘッセの『春の嵐』。絵画ならゴーギャンの《我々はどこから来たのか?我々とは何か?我々はどこへ行くのか?》。映画ならテオ・アンゲロプロスの『永遠と一日』。Monday先日、上野へ行って少々展示を観てきたのだけれど、それが良かったので忘れないうちに。スカイ・ザ・バスハウスで塩保朋子さんの個展。これは、プレスの画像見て興味を持ったので観に行った。抽象的で細かく繊細な作品。(※画像はスカイ・ザ・バスハウスのweb上からお借りしてます。)小さめの作品から、数メートルの屹立する大型の作品もあった。蜘蛛の巣のような形のもの、波のようなもの、編み目のようなもの、渦を巻いている大きな流れのもの。その細かさはすごくて、それだけでも一見の価値がある。僕はアーティストという立場であり、最近考えていることの内で非常に重要なテーマの1つに「技術的にどうやっているのか分からない」というのがあるだけれど、まさにこれはそれです。fragileな感じ。形になっているこの一瞬間。次の瞬間には形が崩れ、消えてしまいそう。考えてみれば......、脆くて朽ちそうなものは、ある種の強い存在感を持つ。ヒビ入った骨董や剥落している絵画は、ピシッと完全体なものより存在感がある。傷つき弱っている生命を見たら、人は関心を持ち心を寄せる。表現や存在の強さとは必ずしも力ではない。大きな世界、それこそ宇宙的な広大さの縮図。小さな世界、それこそ生命の中の極小の神秘の世界の拡大。それらは本来、大き過ぎて(小さ過ぎて)見ることが出来ない。作品を通してそういったことに思いを馳せたり、感じたりする。結局、そういう作品って、良い作品なんだよ。僕は最近『Intersteller』って映画を観たので、1番大きな作品は、宇宙を思ったなぁ。この展示にも言えることだけど、数年前から工芸的な作品が、日本のアート界では圧倒的に強くて前に出てきてるよね。今回もそれを強く感じました。自分への風当たりは厳しい(笑)。