これは、練習したと思うよ。......でもやっぱり、身体のボリュームが違いますね。僕も、それが気になっちゃった。僕、このライブ・エイドに、ポールがいてもいいんじゃないかと思ったんです。ポールがどんな顔をしてこれを観てるか、すごく知りたい。テレビで観てても、いいですね。俺、結構、ポールが好きだったんですよ。車の中で、ソロ話を持ちかけるときに、「俺知らねー」「何の話?」ってとぼけるじゃないですか。「俺も孤独だったんだ」って、自分の実感の話をして誤魔化す(笑)。誤魔化せるのかといえば、あれも彼の本心だったからですよね。自分はアイルランド人でカトリックなのにゲイで、父親は俺が死んだほうがましだと思っている、とか言う。こいつ、急に自分の説明した!という。最初にフレディを誘う時の、表情とか台詞回しとか声とかはほんとに、アメリカ映画でよく見るキャラですよね。あと、病院で会うエイズ患者もすごくよかった。「エーーオ」って呼びかけて、「エーオ」だけで気持ちを伝え合う。アメリカ映画ってああいう、役名もないような人が、すごく印象に残ることがよくあって。日本映画であれをやろうとすると、ほんと、どうでもいいことになっちゃうじゃないですか。ただの、エキストラ的な。寄りは撮らなくていいや!ってなっちゃいますよね。超選んでるなあ、あれは絶対。マイクスタンドをフレディに渡す係の人も、すごいオーディションしてるのかな(笑)。「ちょっとこれ、渡してみて」。あの格好した人が、ずらーーっと数ブロック並んだはず。その中で、一番光る奴を(笑)。ライブ・エイドのところに出てくる人たちは、端役に至るまで、YouTubeを擦り切れるまで観て臨んだと思いますよ。......擦り切れないけど。そこが、落ち着いてみると引っかかるところで。ラミ・マレックさんの動きだけを観てても、本物のフレディが生々しい印象的な動きをしたところが、わかっちゃう。「ああ、これは、本物がした動きなんだろうな」って。その場にしゃがんで、マイクスタンドをこう、股間にあてるところとか。生々しく見える芝居こそが模倣だという。そこが、再現映画や伝記映画の不自由なところで。見事にできてはいるけど、なぜか不自由。嘘がつけないところというか。動きを変えたら、濃いファンに叩かれますからね。そこは、ガンガン嘘ついてもいいのになあと思っちゃいます。今日、この座談会で語るにあたって、前情報を入れた方がいいのか、やめたほうがいいのか、悩んだんですよ。予習したところで「にわか」にすぎないから、魂のこもらない勉強はやめようと思ったんですけど、でもやっぱり世の中はどういうふうに言っているのか、気になったのでSNSを覗いたんです。それで、はーー!と思ったのは、超コアなファンで、それこそ、ビデオテープが擦り切れるほどにライブ映像をずっと観てきた人は、「ここは決定的に動きが違う!」みたいなことが気になるらしくて。あと、何回もこの映画を観ているんだけど、「これ以上観ると本物の記憶がこの映画に上書きされてしまう!」と仰ってる方もいて。それは、だいぶ重度ですね(笑)。その、「このへんでやめとかねばならない感」とかはすごくいいなあって思った。知ってる分野が描写されていると、フィクション上、仕方ないとは思いつつ、観ながら引っかかっちゃうことってありますよね。僕は教員をやっていたので、学校の場面があると「そこは、ないな!」と思ったりします。私にとっては、映画館とか映写機とか映写技師の描写が......。専門的な知識を振りかざすのも野暮かなあと思う。全体の流れとして成立してたり、押さえるところを押さえていたら、そこは言うべきではないって思いますよね。嫁が、安室ちゃんファンなんですよ。一緒に何度かライブにも行ったし、ラストライブも抽選が当たって、観に行ったんですけど。強い気持ち・強い愛』を観たんです。90年代のコギャルの映画。嫁は、経験からくるノイズが強すぎちゃって。BLUES』から始まって、コギャルの脚のアップが映るんですけど、でもあの曲は「コギャル的なもの」からの卒業の歌だから、コギャルの脚のアップにあの曲がかかるのはおかしい!って言ってて。その後、久保田利伸とかオザケンの曲でコギャルが踊るんですけど、「コギャルはそうじゃない!!」って。確かに、オザケンはオリーブ少女かも。嫁は他にもだいぶ引っかかってましたね。いつも映画についてあまりどうこう言わない人なんですけど、あの時はいろいろ文句言ってました。「オジサンがイメージするコギャルでしかない!」って。『ボヘミアン・ラプソディ』について、いろんな言説が盛り上がり、ファンによる賛否両論が戦わされているのは、それに似てますね。作り手とか、日本で宣伝配給している人たちの思惑以上に、みんなガチだったので、いろんなことを思い、それを発言している。......ちなみに、私の話をしてもいいですか。『アンダー・ザ・シルバーレイク』っていう映画を観ましてですね、そしたら、世の多くのポップソングや有名ロック曲をソングライターの化物みたいなジジイが一人で書いててそこには暗号が隠されている、とか、そのジジイがニルヴァーナの『スメルズ・ライク・ティーン・スピリット』も自分がつくった、「ギターの音をひずませてでもおけば若者は喜ぶんだ」的なことを言うシーンがあったんですけど。私はニルヴァーナ直撃世代なので、そのシーンから、あの映画を急に、客観的に観るようになったんです。それまでは普通に暗号解読とか陰謀か妄想かみたいな物語展開とかを「おー、すげえなあー」って観てたんですよ。あのシーンで急に、強烈な反感を覚えて。「ジジイ、ふざけんな!全然ちげーーよ!!」って。それが、また映画の展開と、ある種、一致していくんですね。アンドリュー・ガーフィールドが、ギターでそのジジイを殴り殺してスカッとしました。同じ思いだったんですね(笑)。『ラスト・デイズ』はどうだったんですか。カート・コバーンが出てくる映画。あれは......ノイズが多かったですね。直撃世代だとそうだよなあ......。俺も『ボヘミアン・ラプソディ』を観て、クイーンの曲を聞くかなと思いきや、10年ぶりぐらいにニルヴァーナを聞いたんですよ。基本に立ち返った(笑)。考えると、俺が好きだったのはニルヴァーナじゃん!って思い直して。関係ないっちゃ関係ない話だけど、『ボヘミアン・ラプソディ(楽曲)』の歌詞がとても難解というかナンセンスだっていうところで思い出したのは『スメルズ・ライク・ティーン・スピリット』です。性欲~」って曲なのよ。「ティーン・スピリットの匂いがする」って何だろう?という謎がありますよね。僕は、もちろんカート・コバーンの伝記『病んだ魂―ニルヴァーナ・ヒストリー』を読んでいるんですね。何日も風呂に入ってないカート・コバーンに向かって、女の友だちが「ティーン・スピリットの匂いがする」って言ったそうですよ。「おお、10代の魂か。いいなあ!」って思って曲のタイトルにしたところ、そういう名前の香水があって彼女はそれを指して言っていたとかいう。先の『アンダー・ザ・シルバーレイク』の怪物ソングライタージジイの場面を観たとき心の中でこの逸話を呟いたよね。『アンダー・~』の面白いところは、映画全体が、表現されたものを受け取ったり、それについてみんなが意見を交わしたりすることへの批評になってるってことです。ある作品に、明確なメッセージや正確な答えが用意されてるとしたら、それは、鑑賞する人の自由さの阻害であると。「答えがない」という寛容さとか、正しい答えにはたどり着かないほうがいい、みたいな。正解があるということは、そこからはじき出される人がいっぱいいるということだから。......っていうことを、『アンダー・ザ・シルバーレイク』を観て、僕は勝手に思ったんですよね。『アンダー・ザ・シルバーレイク』の話になっちゃうけど、「答え」を求めることに対して、主人公はそんなに情熱的ではないじゃないですか。あの気怠い感じが、すごく現代的だなと思った。みんな、答えが欲しいとは思うけど、そんなにみんな、頑張れない。ラストカット、よくわかんないけど、悪い方にワンランク上がったみたいなことになるじゃないですか。上がったというか、落ちたというか。その点、『ボヘミアン・ラプソディ』はシンプルだと思う。「フレディ・マーキュリー伝」「クイーン伝」として。マイノリティを生きる人の、戦いの生涯。一度自分を見失うけど、ぐるーっと一周して、再び自分を取り戻す。この映画がヒットしたから、ミュージシャンの伝記ものって増えると思うんですよね。今回、うまく行ってるのは、味付けをあまりしなかったからかなと思います。あるものを、素材のまま、出してる感じがして。作り手って、いろんな味付けをしたがるものなんだけど、そうすると、ファンが観たくない味付けがされてしまいがちで。ファンが欲しいものそのままを、この映画は出せてるんだなと思うんです。映画監督として複雑な思いがあるのは、監督が途中降板してるんですよね。ヒロイン役のルーシー・ボイントンが、何かのインタビューで「ブライアン・シンガーには(現場で)ほとんど会ってない」ってコメントしているんですよ。編集とか音とか、仕上げはデクスター・フレッチャーがやっているんですよね。映画って、プロデューサーが企画して作り上げるものとも言えるんですけど、今回は特に、プロデューサーのコントロールでうまく行った映画だと思う。それが、映画監督として、喜んでいいのやら、どうやら(笑)。いう意味では......ドラマとして薄かったとも言えるのかな。ライブ・エイドを観る時点で、「あれはどうなったんだっけ?」っていう懸案事項がまるでないじゃないですか。それまでの間に、すべて解決されている。あとは、ライブ・エイドだけ!っていう。勝負はもうついてたね。ドラマを気にする必要がないから、あとは、ライブ・エイドの観客として楽しめればいい。そこが、多くの観客がコミットできた理由なのかも。そこに至るまでのテーマとか、キャラクターの変化については、すごく筋が通ったドラマがあったと思う。中盤、フレディが「観客が歌ってくれたんだよ!」ってメアリーにリオのライヴの映像を見せるところで、彼女に対して性の悩みをカミングアウトするっていう流れになるじゃないですか。あそこは意味合いとして面白いなと思った。フレディが「君への歌を観客が歌ってくれたんだよ!」って言うけど、場面として肝心のおめーが歌ってねーよ!っていう。そこから彼は、自分のアイデンティティに悩んだり、自分が「これだ」と思っていた道のりから離れていくわけですけど。それでどん底から復活して、立ち上がったライブ・エイドのステージで、自分も歌ってるし、みんなも歌ってるし、別れた彼女も、今の恋人もみんないる。人生の完璧な状態を実現する。どん底から、絶頂に上がっていくまでの流れの構造が、音楽を数珠つなぎにしていきながら、うまく組み立てられていたと思います。この映画の「フィクション」に対するスタンスが、クイーンやフレディ・マーキュリーの考えと、近かったんじゃないかと僕は思っていて。大きく史実と違うのは、エイズの告知のタイミング。本当はフレディがエイズと診断されたのも、メンバーに告白したのも、ライブ・エイドの後なんですよね。その後、クイーンは、フレディの死期を悟りながら、実質的には最後のアルバムとなった『イニュエンドウ』を作っているんです。この映画では、その感じをライブ・エイドにあてはめたんだろうなと思います。フレディの死と向き合いながら、みんなで一緒に作品を作ったことが、あのメンバーにはあったんだという事実。エイズに苦しんだフレディの姿を描いていないという批判もあるけど、クイーンの音楽自体が、陰惨な現実を突きつけるような作風ではなく、美しい虚構をみんなと共有するというスタイルだったのだから、そこも筋が通っていると思いますね。映画の終わり方も、そんなに湿っぽくならないじゃないですか。死期迫るフレディが歌った、『イニュエンドウ』の最後の曲。その、信念みたいなものを、フィクションに落とし込んだんだろうなと思って、そこに僕は、納得したんです。ブライアン・メイとロジャー・テイラーが、この映画に深く関わってるんですもんね。