ゴッホの絵が見られるということもあってか、平日なのに普通の企画展の土日並みに人がいるのにまず驚いた。展示の内容や形式も、ゴッホの絵とそこに影響している浮世絵が具体的に比較できるような形で展示されており、漫然と見ることになりにくような配慮がされていたと思う。以下、見ていて思いついたことなどを箇条書き的にメモしておく。●浮世絵で東海道五十三次などの風景が多く展示されていたが、江戸時代末期の頃には日本の国内でも人の移動が活発化した時代だったのだろうか?(身分制度などもあったので、一般の農民などにはほとんどこうした自由はなかっただろうが、商人や武士などの身分ではどうだったのだろうか?)各地の名所などを見せて紹介していくことは、多くの人が仕事なども含めて旅行する社会での方が、移動の少ない社会よりも大きな社会的な意味を持ちうる。●ゴッホはパリで印象派や新印象派などの明るい色彩を取り入れたが、日本の美術からの影響も受けており、ゴッホ自身が雑誌や小説に基づいて作り上げた独自の日本観を持つに至ったという。ゴッホは南仏のアルルに住むようになったが、そこを彼の「日本」と重ねた。そこで見える風景についてもゴッホは日本と重ねているようだが、彼のこの頃の風景画を見る限り、「日本」というより「北海道」の景色に近い感じがした。ちなみに、1888年に描かれた「花咲くアーモンドの木」が私には何となく梅に見えた。●ゴッホの没後20年ほど経過してから多くの日本人がゴッホ巡礼をしたことも展示されていた。大正10年代に次々と日本人がゴッホのゆかりの地に行っていると見て取れた。第一次大戦後の日本の好況やヨーロッパ経済が世界経済に占める地位の相対的低下などにより日本からヨーロッパに渡航しやすくなったことが反映している面もあるように思われる。●精神を病んでいったゴッホは最後はジャポニズム的なものではなく、自然を描くことが多くなったようだ。確かに自然と向き合う方が対人的なストレスからは解放されそうだ。印象派とその周辺の画家たちモネの「エトルタ、夕日のアヴァル断崖」は、夕日の沈む空の様子や海に映る夕日の光などをよく捉えた名画と思った。モネと言えば睡蓮の作品が有名で、私もマルモッタン美術館やオランジュリー美術館などで何度も見てきたが、青を中心とした単調な色彩が何となく面白みに欠ける傾向を感じていた。この作品はその意味で青系と赤系との両方が使われており、断崖の陰影と明るい空などの対比などもあり、なかなか良い感じの絵だと思われる。私の好きな画家のひとり、ルノワールの作品も今回の展覧会では7作品が展示されていたが、「アンリ・ベルンシュタインの肖像」の写実的な描き方に少し驚いた。言え、国内の美術館の展示にモネやルノワールの作品はある種の目玉としてしばしば用意されるが、パリなどで見る最高傑作級の作品と比べると、これらの作品は作者の名前だけが有名で、絵画としての水準はパリで見るようなものとは異なるということをしばしば感じるが、今回もその考えを変えるようなものではなかった。同じルノワールの「タンホイザーの舞台」という作品では、意味を排除するかのような印象派の作品、特にルノワールの作品としては珍しく、物語を主題とした絵のようだったので、意外性があって面白かった。革新的で伝統的な画家たち両大戦間のフランス絵画は、ナショナリズムの高まりという社会の「時代精神」と呼応して、絵画の世界でも「フランス的な伝統」への回帰(というか、創造?)が見られるのが興味深い。このコーナーで気になった画家はヴラマンクだった。私としては完全にノーマークの(名前は何となく知っていたが、あまり気にしたことがない)画家だったが、意外によいと感じる作品がいくつかあった。雰囲気の暗さは全体的に共通しており、モネやルノワールとはまったく違う世界観が提示されているが、例えば「ルイ・フィリップ様式の花瓶」は、確かにタイトルも「花瓶」になっているが、実際に見ても花より花瓶の方が主題だとハッキリわかるもので、これはある種の力量が感じられた。「雪の道」という作品では雪は単に白いだけでなく、泥が混じって茶色が混じったりする感じなどが見事に表現されていた。暗い雰囲気なのは他の作品と共通だが、寂しさを感じさせるとともに、描かれた建物などからどこか凛とした感じも受けるところが面白い作品だと感じた。「風景」という作品は、闇の中に差し込む光が印象的で、これはフランス絵画というより、私としてはレンブラント的だと感じた。エコール・ド・パリの画家たちここではユトリロがよかった。今までユトリロの作品は何度か見てきたが、正直、あまり良いと思ったことはなかったが、今回はいくつか印象に残る作品に出合うことができた。ユトリロはアルコール依存症でその治療の一環として絵を描いたというが、「パリのサン=セヴラン教会」など複数の作品に見られる整然とした、定規で線を引いたような構図が、アルコール依存症のイメージと正反対で面白かった(内面を補償しているのか?)。描かれている対象が教会堂が多いのも、同じ傾向に思えた。その中で、私がフランスのゴシック教会堂の最高傑作だと思っている「アミアンの大聖堂」も描かれていたのが印象的。「アミアンの大聖堂」では、フライング・バットレスが、画面の奥側に向かう整然とした放射状の線上に描かれているように見えたが、これは写実的な描き方というよりはセザンヌの絵に近いものを感じた。「サクレ=クール寺院の丸屋根とサン=ピエール教会の鐘楼」という作品は、サクレ・クールの白亜のドームが聳え立つ様子が印象的。1930年開館した日本における最古の西洋美術を専門とする美術館である。企業家が社会貢献活動の一環として行った事業であり、80年以上も続いていることは(運営費は入場料等で賄っているそうだ)賞賛されるべきものだと思う。(これが可能となっている要因としては、展示会場の延べ床面積が2000�uと比較的小さいことやスタッフ数が約40名であり、学芸員はそのうち5名という少人数の体制で運営していることなどもあると思われる。)私が注目したのは、これが大恐慌が始まった(1929年)直後だということである。19世紀末から20世紀初頭にかけての経済のグローバル化の中で絵画なども投資対象となっていったことが、欧米を越えて日本にも波及してきたことを反映しているのではないか、と思われたからである。美術館は商売のために設立されたわけではないだろう。開催し、大きな反響を得たことで、社会の中に美への渇望があることを認識し、美術品の展示も社会に貢献する活動だと判断するにいたったという。コレクションが成立するためには絵画市場が存在し、売買が行われることが前提となっていることは否めず、私が注目したのはそうした美術館成立の基礎をなす条件の部分である。美術館の「ギリシア神殿風」とされるファサードも「ヨーロッパ」を模範としてそこから技芸を取り入れていこうとする姿勢が反映していると見ることができる。以下、気になった作品などについて一言コメントをメモしておく。積みわら画面の明るさ、日の光が画面の左上から注いでくる様、近くの積みわら(日陰)と遠くの積みわら(日向)のコントラストなど、これぞ印象派という超本格的な作品。したものが日本国内で見られるのは重要。泉による女ルノワール自身の印象派時代から古典主義の時代を経た後期の作品。印象派時代の明るい色彩と軽やかなタッチと古典主義時代の量感ある女性の身体描写が融合しているのが特徴のようであり、ルノワール作品の一つの見方を学んだ点で大きな収穫があった。ヴィーナス古典主義的な作品。今回の展示を見ていて何度か指摘があったのだが、第一次大戦後のフランスでは伝統や古典古代への回帰をよしとする風潮が強く、それがこの作品の作風にも影響しているという。グローバル化と戦争によりナショナリズムが高まりを見せていたということか。パリ郊外——サン=ドニ構図と壁の質感などが素晴らしく、全体としての雰囲気が他の絵画と一線を画しており、多くの鑑賞者がこの絵画の前で足を止めていた。★明治から第二次大戦前までの日本近代絵画に関する展示では、大正期までには日本の洋画家は西洋の印象派までの技法や題材をかなりの程度、吸収・消化していたことがわかり収穫だった。★ロダンの彫刻の影響。それ以前の日本の彫刻は木彫だったが、ロダンの影響が入ってきて以後、粘土やブロンズによる彫刻が製作されるようになったという。聖書の物語を詳しく描写した作品群。本の挿絵として文書の理解を深めるための手段として使われたものだろうか。13世紀ゴシック大聖堂のステンドグラスと同じような機能を持っていたのだろうかと想像した。当時は報道写真のようなものとして版画が使われていたようだということが見てとれた。英仏戦争の際の英仏の兵士の様子などを描いた作品。敵(フランス)を悪いものとして描き、自国(イギリス)を良く見せている。古代風の遺跡や廃墟のある風景を主題としているのは、絵画における新古典主義と同じ。1826年頃の作品メゾチントという手法により深い闇を表現しているのが印象的。それまでの報道やプロパガンダの媒体から芸術的な方向へのシフトが見られるように思われる。政治や社会を風刺する作品があり、フランス革命の後、国民国家化が進展していくのと合わせて市民の力が増大していく時代を反映しているように思われた。殺人事件などの社会問題を表現している。報道写真のように人々にこうした社会問題の所在を知らせようとしているのか?しかし、明らかにレンブラントのように本の挿絵として作られたものと比べて作品のサイズも大きくなっており、また作品としても高品質であることから、やはり自律的な個別領域化が進展した領域としての「アート」としての性格を強めているという感じを受けた。19世紀末の作品ある種の退廃的なムードを漂わせており、内面への志向が顕著である。私としては内面への撤退・退却と見えた。ある意味、これこそ上で述べた意味での「アート」が確立する際の一つの方向性であろう。「つないだ手�V」という作品は平和への思いが感じられる。芸術家個人の内面の表現手段として、芸術作品を「鑑賞」する人を想定し、それらの人々の感情に訴えかける手段となっているように見えた。この頃から展示作品に色がつくようになり、感情に訴えかける力が増している。上で述べた方向性が進展?★展示全体として、主に主題を追っていくことで、版画という分野が報道や知識の伝達を担う「メディア」から個別領域として自律性を持つことを志向する「アート」へと向かっていったことが見て取れた。その転換点は19世紀にあり、おそらくそれは写真の出現が大きな要因の一つだろう。(4)拍手ランキング過去1週間の間に拍手はありません。“AutoPage”AutoPage最新お知らせ。