センター」(現・世田谷パブリックシアター)の専門調査員を経て、現職。代表作:佐藤信作・演出『キネマと怪人』『ブランキ殺し上海の春』など劇団「黒色テント68/71」の一連の話題作。公立ホールにおける舞台技術部門の現状と課題を整理し、ホール運営上、望まれる技術部の管理、運営システムのあり方についての検討を行った。西武美術館から数えれば四半世紀近い歴史をもつセゾン美術館が、この2月に閉館する。現在では当たり前になったデパート美術館の草分けであるだけでなく、その先進的な活動内容においても内外から高く評価されてきただけに、閉館のニュースは波紋を呼んだ。(当時)の堤清二氏の「時代精神の根拠地たれ」との掛け声のもと、増床した西武百貨店池袋店12階にオープン。89年には隣のビルに移転し、セゾン美術館と改称。コレクションをもたずに斬新な企画展を次々と打ち、70〜80年代には西武セゾングループの発展と相まって注目され、模範的な「企業の文化戦略」としてもてはやされたものだ。堤氏は、美術館活動を「文化戦略」と見られることが不本意だったようだ。「美術館設立の動機は純粋に文化のパトロネージュ精神に基づくものだった」と、難波英夫館長は代弁する。「美術館がスタートしたのは75年ですが、展覧会は60年代前半からパウル・クレー展をやっていたし、70年代前半にはルノワール展やミレー展なども開いていた。その頃から堤さんには、日本にも文化支援のグローバル・スタンダードを根づかせたいという意識があったんです。実際、文化戦略とかシャワー効果(階上の展覧会を見に行った客が階下で買い物をすること)を期待するのだったら、催事場でルノワール展やミレー展といった人気展を開いていればよかったはず。それをあえて美術館と名乗って、開館記念展に8000人弱しか入らなかった「日本現代美術の展望」展をもってきたのは、美術館というオーソライズされた場所で同時代の美術を見せる必要性を感じていたからにほかならない。「文化戦略」として評価するのは矛盾しており、評価するとしたら、「メセナ」という言葉がなかった時代から企業メセナを実践していたことである。開館以来24年間に開かれた展覧会は計264本。その内訳を見ると、内外の近現代美術が半数近くの117本を占めており、また、建築・デザインなどの周辺ジャンルが76本にのぼっている。動員数とは別に、先駆性で話題になった展覧会を挙げてみよう。1919-1933」(95)、「ル・コルビュジエ展」(96)など、枚挙にいとまがない。今でこそ国公立美術館での現代美術展や周辺ジャンルの展覧会も珍しくなくなったが、それを20年以上も前からやってきたのである。逆に言えば、ようやく国公立美術館が時代に追いついてきたわけで、その意味では西武・セゾン美術館の役割は一応果たし終えたと言えるかもしれない。いえ、日本の芸術文化に与えた影響の大きさを考えれば、やはり閉館は惜しまれるところだ。閉館の最大の理由は、いうまでもなく母体企業のセゾングループの経営悪化による。バブル崩壊後の91年には堤氏がグループ代表を退き、美術館の運営も西武百貨店から西友に移管。それまで年に10本前後開いていた展覧会数を以後6〜7本に減らし、コストダウンを図ってきたものの、とうとう力尽きたかたちだ。セゾンコーポレーション副会長の絹村和夫氏は言う。「いくらメセナ活動といっても、赤字を減らそうとするのは経営として当然のこと。そんな中で堤さんの精神を守っていくのは大変なわけで、このまま美術館を継続させても息切れがする。●美術館なき美術活動「SAP」さて、気になる今後だが、閉館といっても美術活動を全面停止するわけではない。学芸員はすでに半減しているものの、これまで培ってきた企画力や技術を生かして「美術館なき美術活動」を行っていくというのだ。難波館長によれば、「美術館というのは、美(コレクション)、術(展覧会ノウハウ)、館(建物)の3つが一体化したもの。セゾン美術館には術しかないので、これからはセゾン現代美術館を拠点に、セゾンアートプログラム(SAP)として、術=ノウハウを生かしていく」とのこと。SAPの具体的なプログラムとしては、まず展覧会活動が挙げられる。これには、セゾン現代美術館をはじめ全国の美術館に展覧会を供給していくほか、例えば都内20〜30軒の貸画廊を借りて同時に現代美術展を開くなど、ゲリラ的な活動も含まれる。これは東京だけでなく、翌年は関西の貸画廊、その翌年には福岡、といった具合に全国展開も計画しているという。次に、定期的なレクチャーやシンポジウムの開催。オープンな場で現代美術を巡る議論を行うことによって視野を拡げ、理解を深めるのが目的だ。そのほか、ネット上でのサイバーミュージアム、季刊の美術誌の出版、全国の学校への美術教育の出前、内外の展覧会ツアーをはじめとする友の会活動、などが計画されている。コレクションもハコももたない分、身軽に攻めの体勢に出られる「美術館なき美術活動」。した形態が21世紀には常識になっているかもしれない。今、デパート美術館が当たり前になったように。(美術ジャーナリスト・村田真)●「アルヴァー・アールト1998-1976展」2月15日まで。20世紀モダニズム建築を代表するフィンランドの建築家、アルヴァー・アールトの大規模な回顧展。)ある年代以上にとって、コンサートといえば当然クラシック音楽のことと考えるのが一般的です。今日では必ずしもそうではなく、ポピュラー音楽からロックまでを含めてコンサートと呼ぶようになってきています。少なくとも、我が国の音楽業界では、ポピュラー音楽やロックのコンサートが動員する観客数が、クラシック音楽のものより約5割近く多いという統計データもあります。今後この種の音楽を楽しむホールについても十分考えていく必要がありますが、ここでは、いわゆるクラシック音楽のためのホール、コンサートホールを中心に整理をします。古代ギリシアの時代から今日に至るまで、音楽はそれぞれの時代によって異なった役割を担ってきました。周知の通り有史以前の時代においては、宗教的な役割や祝祭的な役割を主に担ってきました。中世になると、時の領主が権力示威のために音楽を用いるということも少なくなかったようです。宮廷で催される祝祭の宴などでは支配者の権威をあらわす具体的な手段として音楽が用いられたようです。宮廷音楽家に求められたのは、舞踏や祝宴のための音楽を奏でる労働行為であり、決して芸術的な行為としては認められていませんでした。その後、ルネサンス期の知識教育を経て、音楽はそれ自体が目的をもった芸術活動として認知されるようになってきます。音楽が教会と結びつくことは、さらに音楽のあり方を今日的に変化させていく要因となりました。当初は神に対する奉仕者としての音楽家の役割がそのすべてでしたが、時代とともに教会での演奏活動を都市のインフラとして公開することが義務づけられるようになってきます。音楽家は、その対価として財政的な支援を受ける事ができるようになり、職能としての認知がされるようになります。今日のような会費をとる音楽演奏会が催されるようになるのは、17世紀になってからであり、18世紀になって初めて営利を目的としたコンサートが催されるようになってきました。我々は、この時代につくられた音楽のためのいくつかのホールに、今日のコンサートホールにつながる脈絡を見つけることができます。(1954年・1331席)です。これに続いて61年には群馬音楽センター(2202席)がつくられました。バッハホール(780席)です。これに続いて、熊本県立劇場・コンサートホールやザ・シンフォニーホールなどの音楽専用ホールが次々につくられるようになりました。その後、時代の経済的な後押しもあり、今日までに数多くのコンサートホールが全国各地に整備されました。我が国の多くのコンサートホールが欧米のものと決定的に異なるのがレジデンシャルなオーケストラをもたないことです。96年に開館したすみだトリフォニーホールや札幌コンサートホールなどは、そういった中でもレジデンシャルなオーケストラをもつということで、最も欧米型のコンサートホールに近いものかもしれません。少なくとも、ハードのみ専用化ということではなく、活動や運営、そして組織も含めて音楽に特化していこうということは、当然評価されてしかるべきです。ことはまだ端緒についたばかりで、十分な評価をしていくには、もうしばらく時間が必要なように思います。加えて、これからのホールでは、音楽作品の生産環境を如何に整えていくのか、地域文化としてホールをどのように根づかせていくのか、さらには音楽に関わる人材の育成を観客の育成も含めて如何に行っていくのかということも、切迫した課題となっています。●コンサートホールの分類コンサートホールの建築的な特色は、基本的に音楽を演奏するための舞台とそれを鑑賞するための客席とが同じ空間の中にあることです。これは、演劇を上演するためにつくられたプロセニアム形式の舞台と大きく異なる点です。コンサートホールは、その平面形の特長から、前回説明した演劇のための劇場と同様に、いくつかのタイプに分類することができます。その分類方法と個々の呼称については研究者によって意見が分かれるところですが、一般的には右ページの図のように、シューボックス形式、アリーナ形式、扇型形式の大きく3つに分類されます。●コンサートホールの分類図へ●音響についての考え方コンサートホールが、コンサートホールである所以は、ホールで奏でられる生音がどのような状態で聴衆の耳に届けられるかということに尽きるといっても過言ではありません。そこで問題とされるのが音響です。音響を図る尺度の一つがよく皆さんが耳にされる「残響時間」です。何秒と数字で示しやすいため、残響時間ばかりが取り上げられますが、近年、音響技術も発達し、コンサートホールに求められる建築音響の与件はもっと繊細化されるようになってきました。ある建築音響の研究者は、「音楽の音響の質の主観的属性」について18項目の用語を定義しています。」...「拡散」「バランス」「融合」...「騒音のないこと」「音色の質」「均一性」などが挙げられています。これらの内、いくつかの項目についてはデジタルに評価していこうという研究も行われてきています。残響時間だけを取り出して、ホールの特性として話題になることが多いですが、このことだけがホールの性能を評価する唯一の指標ではありません。主観的属性としての残響感となると、デジタルな評価だけでは十分に補えない部分もあります。加えて、演奏される音楽の種類や楽器によっても評価が異なってきます。録音や再生技術が飛躍的に進歩してきた今日では、ホールの音響的な特性ばかりを取り出す前に、観客が支払う対価に対して、ライブホールとしての魅力とその付加価値をどのようにして示していくのかが新たに求められるようになってきました。音響的な魅力もさることながら、視覚的な魅力、サービス、ホスピタリティ、あるいは食欲や物欲なども含めて、コンサートホールで観客が過ごす時間をトータルに満足のいくものとして演出していくことが望まれているのではないでしょうか。