3〕いよいよ最終章となりました。最後までお付き合いください。《1時間15分00秒〜1時間15分35秒》バックは繋がった空間です。ただの余りではありません。大半の初心者の方は、まずモノを描き終わってから「さぁ、あとはバックを塗っておしまい」とばかりにバックを一気に塗って仕上げます。以前にも書きましたが、バックはとても重要な脇役ですからモノを描き進めるときに一緒に進めていくことをお勧めします。先にモノができてしまったあとでバックをあとから塗ることは、実はとても難しい事なのです。バックなしで描き進めたモノたちは、白バックに合わせて描かれているので、あとから急にバックを変えてしまうとモノとバックがかけ離れたものになる恐れが大きいからです。最後にさらに遠くから客観的に見て、直すべきところを確認します。この行為は何度やっても多すぎることがありません。その都度何かを感じるはずです。ストップをかけるのも自分です。ここで辞めるのか、手を加えるのかを判断することが水彩画の場合特に大事だと思います。途中でも言っていましたが「一歩手前」というのが水彩画の“止め時”だと思います。この一歩手前で止めることがどれだけ大変なことか、絵を描いている方ならよくお分かりだと思います。具体的な直しのポイントを瞬時に判断し的確に説明してくれていますね。これができるのが永山さんの凄さなんだと思います。ここらあたりで、たいがいの方はどうしていいかわからなくなって“先生に聞く”か“描きすぎが怖いので止める”のどちらかを選択するんだと思います。何も考えず時間まで描き続けるのは問題外です。本当に正しい行動は、よく吟味して自分なりの判断をした上で描き加えるか止めるかの判断をすることです。白と黒についてのお話ですね。これは、透明水彩の最も特徴的で最も重要なテーマだと思います。透明水彩の白と黒については様々な意見があると思います。基本的にやってはいけないことはないと思います。一つ言えるのは、透明水彩絵の具を使う以上、透明水彩でしかできない表現をしたいですねということです。白のガッシュを使うことも効果的であれば積極的に使っていくべきだと思いますし、黒をきれいに見せられたら魅力的な作品に仕上がるでしょう。透明水彩という興味深い素材を使うのですから、別の素材で描いたようではつまらないかな...ということかな。永山さんは紙の白とガッシュの白を“別の色”として使っていますね。それはさらに高度な次元での判断があってのことだと思います。《1時間21分56秒〜FINISH》ここから永山さんの筆は急に大胆に画面全体を行ったり来たりしたと思うと、細かいところを繊細に描き加えるという具合で激しく動き回ります。これは、“最後の全体調整”をしているのでしょう。この時、筆だけでなく目も画面の上をくまなく眺めまわしているはずです。全体を見渡して感じたことをディテールから全体イメージまでチェックし絵としての完成に向けて一気に上りつめていくところです。「ここまで!」という判断の下、完成となります。今回は、時間の限られたDVDということでサインまで入れていただきましたが、本来は、数時間後または翌日見直して良ければ完成としてサインを入れる、悪ければさらに描き加えるというプロセスがあることをお伝えして、終わります。薔薇を描く”の独断と偏見に満ちた解説を終わります。皆さんの上達のお手伝いができたのであればうれしいです。永山さん、勝手な解説、ごめんなさい。こんな勝手を容認してくれた永山さんに改めて感謝しています。長期間ご愛読いただきましてありがとうございました。《1時間09分08秒〜1時間10分42秒》9分08秒、私の声を消し忘れていることを見つけてしまいました。以前から生徒さんに「笠井先生の声が入ってますよ。」と言われてはいたんですが...。(苦笑)さて、ここはとても大事なことをお話しています。輪郭については前回も書きましたが、今回はより具体的な例をあげながらわかりやすく説明してます。周りの葉や奥まった暗い部分を描くことでバラの花を浮き上がらせる、いわゆる“ネガティヴ・ペインティング(塗り残し)”技法をより高度に使いこなすコツがここにあります。輪郭すべてをハッキリ、クッキリさせるのではなく、光のあたっている側はクッキリとして、陰(影)の中は弱くあいまいにした方が自然で“空気”や“光”を感じ、モノが“在る”ことを表現できるということだと思います。実際、そう見えていると思います。「透明水彩絵の具は、重ねれば重ねるほど透明感が出る」と言っていますね。ここは私はちょっと見解が違います。それは、簡単に言うと「それは永山さんだから」ということです。ふつうは重ねすぎて濁る場合の方が圧倒的に多いのが実際です。永山さんは重ねるほど透明感が出るのか。一つには、完全に乾いた上に重ねているということ。生乾きの上に次の色は置いていません。決定的なことは、抜群のバルール(「色価」と訳される)感覚で描かれていることだと思います。永山さんは、「濁った色も“色”だから」と言っている通り、正しい色を正しい場所に置いていくことですべての色がいきいきとしてくるわけで、これは凡人にはできないことだと思います。卓越したデッサン力と色彩感覚を駆使して実現するものだから。自分の絵を客観的に見て“何をすべきか”判断することがいかに大事で、いかに難しいか。実は描ける人ほど客観的に見ることを大事に考えています。経験が浅い人は描くことに一生懸命で客観的に見る余裕がありません。離れてみたり、さかさまにしてみたり、鏡に映してみたり、写メで撮ってみたり...そういう客観的な“目”を持つことがいかに大切かを永山さんは教えてくれています。今回は限られた時間の中での収録なので描き続けてもらいましたが、本当は、しょっちゅう立ち上がって離れて見たかったに違いありません。私も、絵の仕上げ近くになると止め時の判断も含め客観的に見る時間が長くなります。後半は、描いている時間より見ている時間の方が長かったりします。《1時間12分55秒〜1時間13分21秒》ここもさりげなく過ぎていきますが、大変高度な判断があるように思います。「ここの眩しい光がきれいなので、あえてこの辺は輪郭をつぶしちゃいます。」なぜ光がきれいな事とお皿の輪郭をつぶす事が関係あるのか。私は、先ほども出てきたとおり光の当たっているところはハッキリ、クッキリ、陰(影)の中は輪郭があいまいで鈍いということだと思います。皿の前の輪郭を弱めることで奥に当たった光をより印象的に見せる計算があるのだと思います。《1時間14分05秒〜1時間15分00秒》この左下の白い空きは画面全体からみると“貴重な白”として残しておきたいところです。全体に色が満遍なく塗り込まれた絵も密度があっていい場合があり、一概に言えませんが、この場合左下の白は“息抜き”としても画面全体の緊張感を和らげる大事な役割を担っている気がします。それをただの紙白で残すのでなく、目地の線だけ入れてタイルの質感を出そうというわけです。何も塗っていない紙白が存在感のあるモノとして見えてくることは、水彩画の一つの大きな魅力ですよね。《1時間03分35秒〜1時間04分36秒》さぁ、終盤にさしかかってきました。フィニッシュに向けての客観的な姿勢が、永山さんの言葉や所作から感じることができると思います。『一歩手前で止める』永山さんの口調も一段と強くなっていますよね。簡単なことのようでこれがとても難しいことだと永山さん自信が強く感じている証拠でしょう。実際に“描き足りない”と“描き過ぎ”の間に必ずあるはずの“調度いい”ところを察知する完璧な客観性が持てたらと、よく思います。何も説明がないので見過ごしがちですが、このタイミングで薔薇にスプラッタリング(またはドロッピング)を施していますね。ピンクの薔薇の中心辺りにトランスルーセントオレンジをピッピッと。結果を見るとうなづかざるをえません。花の中心から放たれる芳香であり、花粉であり、花の中の空間であり、生命力そのものだったり。このピッピッがもたらす効果は絶大です。ここら辺にも“永山マジック”がよく表れていると思います。《1時間05分00秒〜1時間07分02秒》さきほども書いた通り、客観性を保つのは容易ではありません。小さい画面(F6号位まで)だったら客観的に見ることはさほど難儀ではありませんが、F8号を超えると描いている画面が両目の視界から出てしまう(いっぺんに端から端が見えない)ので、離れてみることが必要になってきます。デジカメで撮って見るのもいいですね。デジカメの画面で見ると密度が上がってよく見えたりするので、別な意味で客観性をもって、ぬか喜びしないで厳しく自分を見つめることも必要になってきます。逆に、自信のない時はデジカメで撮って悦に浸り、それをきっかけにスランプ脱出もいいでしょう(笑)。《1時間07分06秒〜1時間07分44秒》ここでも“永山マジック”の真髄が出てきます。『しみや模様はぜんぜん問題にしていません。』この件はまさに“永山流”。DVDの付録リーフレットに書かれている永山さんの言葉を思い出してください。(以下引用)水のおもむくままに、絵の具のおもむくままに、紙ですらも季節を感じ取りながら、ゆっくりと、時に風の力を借りてすばやく乾く。にじみやぼかしは、そうした自然に起きる力の結果であり、それを生かしながら筆を入れていく。これが水彩画の魅力だと思います。(以上引用終)まさに、その通り。光は大概の場合、上から降り注ぎますね。下から光が来るのはドガの「踊り子」のような舞台とか建築のライトアップのような特別な状況しかありません。上から光が射すということは単純に言えば、上を向いた面が明るくなり、下を向いた面が暗くなるということです。この洋梨の場合もそうですが、上を向いた面に光が当たり、その後ろに洋梨の“陰”の部分があるので前の洋梨の輪郭はクッキリハッキリします。洋梨の下半分は下を向いた面なので暗く、さらに自身の“影”の中に入るので光が少なく薄暗いため、下半分の輪郭は弱くなる(あるいは見えない場合も)わけです。みなさん、見えないところまで“よく見て”クッキリと輪郭を浮き上がらせたいようですが、実は“よく見る”と輪郭はすごくハッキリしたり、ぜんぜん見えなかったりしているものです。それが“自然”なのだと思います。ダリアの花びらを描くときの筆使いをよく見てください。このDVDの中でも何度か出てきたと思いますが、永山さんは筆の使い方が実に多様です。他の水彩画の先生方も、私も含めてこんなに筆使いのバリエーションがある作家はいないのではないでしょうか。永山さんを見ていると、水彩画は“絵具を筆で塗る”のではなく“絵具を画面に置く”ものという風に見えます。塗りたくってはいませんよね。このDVDを見ればわかるはずです。『水彩画は修正できないので難しい』とよく言われます。一度塗ってしまったらもう紙の白は戻ってきません。そこのところを肝に銘じておいてこの“激落ちくん”の活用シーンを見ていただきたいと思います。永山さんも言うとおり、消しゴムではないのですから、「これがあれば安心」とばかりにガンガン描いてゴシゴシ消していると決して水彩画らしい絵にはなりませんよ。マスキングも別な意味で使いすぎ要注意です。どちらも“やむをえない時”に限って使うといいと思います。“激落ちくん”使用が効果的で紙にも影響が少ないのはアルシュ(フランス製)だけということも覚えておいてください。他の紙だとちょっと濡らしすぎたり、擦りすぎたりするとすぐにボロボロになってしまいます。ちなみに、ホワイトワトソンやキャンソンはティッシュでもある程度消えます。ワットマンはティッシュでも落ちませんし、“激落ちくん”では見事にボロボロになります。ワットマンは、マスキングが剥がせなくなるので、注意が必要です。紙は色、タッチ、にじみ、ぼかしなどにたいへん影響があり、絵の風合いに多大な違いが出てきます。私は、絵具より、筆より、画材の中で紙が一番仕上がりに影響すると思っています。“腕”が一番影響力があることは敢えて割愛します(笑)。永山さんのように、時にはわざと使い慣れない紙で描いてみて、思わぬ効果を体感してみるのも大事なことですね。『いつ止めるのか』『どこまで描くのか』これは非常に大事なお話です。私も同じですが、『“主役”がやや先行し、“脇役”が様子を見ながらあとを追いかける』これが一番いい方法だと思います。その順番が狂うと自分が何を描きたかったのか、何を表したかったのかがわからなくなったりします。“脇役”が引っ込みすぎても“主役”が浮いてしまうので、“主役”を喰う一歩手前がいいと永山さんも言っています。以前にも書いたとおり“主役をキッチリ描く”とは決して筆数を多くして描き込むことではなく、あくまでも、脇役やバックとの関係性の中で自然に目に留まり浮き出てくるように描くということです。描きすぎて汚れた“主役”は決してその役を果たせないですから。《51分56秒〜52分16秒》マスキングを取る時、永山さんは指で取っていますが、私は必ずリムーバー(クリーナー)を使うようにしています。した失敗があったからです。沖縄竹富島に仕事で行ってスケッチした時、あの瓦屋根の漆喰のつなぎ部分が特徴的だったので、全部マスキングしておいたのです。7割方描いてマスキングを取る段になりリムーバーを忘れたことに気がつきました。それで指で取っていると指先がヒリヒリしてきたので見てみると、なんと、人差し指、中指の皮が水ぶくれ状態になっているではありませんか!あとで気がついたのですが、(1)暑いので汗をかいて摩擦が大きくなっていたこと。(2)直射日光で紙も熱くなっていたこと。(3)表面がやすりのようなアルシュの粗目だったこと。これらの条件が重なって起きた惨事でした。[竹富島で描いた絵]《52分50秒〜54分23秒》ガラスの特徴を見つけ出すことが大事です。それはガラスに限ったことではありません。対象をよく観察し、そのモノならではの特徴的なことを見つけて描いていくわけです。答えは一つではありません。見る人ごとに見つけるものは微妙に違うはずですから、自分なりによく見ることが大切です。「ガラスの描き方を教えてください」という生徒さんがいますが、私は「描き方はありません。