ギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。新サイトOPEN!http://tomikawaguitar.comクラシックギター弾いてみたいなあ...!と思っている方...真剣にクラシックギターに取り組んでみたい!と思っている方...→富川ギター教室では生徒随時募集中です。http://tomikawaguitar.com※他に池袋、横浜青葉台でもレッスンしています。富川勝智の演奏会チラシはこちらでご覧頂けます。>2月9音楽表現を考えるためのヒント4表現力っていうのはなんでしょうか?そしてどのように学ぶべきなのか?ということをテーマに連載しております。音楽表現を考えるためのヒント1音楽表現を考えるためのヒント2音楽表現を考えるためのヒント3ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第四回!今回はこの3つのうち、リズムについてお話ししてみたいと思います。リズムについては、今までもこのブログで何回か扱ってきました。リズム・パルス・拍節を整理するために!また日曜ワークショップでも、扱ってきたテーマです。音楽の知識を得ること、そして実践すること今まで、個人レッスンやワークショップでずっと私が、言い続けていたことは「リズムとパルスと拍節をしっかりと定義づけてください」ということでした。音楽を専門に学んでいる方、教えている方でも、曖昧に定義付けている方が多いのが現状です。順を追ってみていきましょう。拍節とはなにか?について考えるためには以下の本が参考になります。春秋社2006-01-01藤原氏の本は、拍節のプロポーションについて実に明快に説明しています。この本で述べられていることをもとに、指揮法の図形などを研究してみると勉強になると思います。指揮法についてもいろいろな本がでていますが、藤原氏の自然リズムのプロポーションと近い発想をもっているのは以下の本です。宏三先生の本は現在入手困難かもしれません。古本などでも入手できれば、是非!...とてもわかりやすい「指揮法」のテキストです。ベーシックな指揮法の本としては、これです。東京電化2002-07この高階正光さんの著書は「隠れ名著」だと思います。斎藤式指揮法を「どう教えるのか?」という観点から書かれています。生徒さんとの対話形式で書かれているので、何を注意したらよいのか...ということが読みながらわかります。指揮法の本を中心に紹介してきましたが、指揮図形のプロポーションに「拍子らしさ=拍のプロポーション」が含まれています。このプロポーションを自分のなかにとりいれることで、二拍子らしいプロポーション、三拍子らしいプロポーションが理解されます。指揮法を学ぶことは自分の身体のバランスを整えることにもつながりますので、楽器演奏全体にも良い影響を及ぼします。そのためにも指揮法の研究はとても有意義です。次はリズムについてです。リズムとは何かを理解するためには以下の本が参考となります。中央アート出版社2008-03-26もう一歩踏み込んで「リズムとはなにか?拍との違いは?」ということを考察したい方には以下の本をお読みください。尚一ナカニシヤ出版2012-08-24ジゼール・ブルレによる定義は以下のようなものです。「真性な音楽的なリズムとは自由リズムであり、正確にいえば繰り返しを逃れるリズムである。そこで行われるのは似たもの回帰であって、同一なるものの回帰ではない。上記の著作がリズム全般を考える上では必読と言えます。一冊、リズムを考える上で必読書があります。音楽之友社2009-03-09旋律のリズムについてよくまとまっている本です。認知心理学的なアプローチで書かれています(マイヤーはその分野での巨匠です!)。音楽の認知心理学的なアプローチって何?という方は、以下のブログ記事を参照していただけるとちょっとわかるかもしれません。期待と裏切り上記記事から引用します。上記のように一定のテンポで弾いていく場合も、テンポが詰まっていく場合もテンポが緩まってくる場合も「期待」があります。「あ、次の拍の点はここに落ちてくるな!」という「期待(予測)」です。それが「裏切られた場合」、聴き手の驚きを招きます。これはいずれにしても「緊張感」を導きます。この期待と裏切りを音の長短の組み合わせ(つまり、リズム)で分析していったのが上掲書となります。最初わかりにくいかもしれませんが、じっくりと読んでみるとたくさんのヒントが得られます。このあたりを噛み砕いて知りたい方は以下の著作もおすすめです。[単行本]東京大学出版会2007-10マイヤーの理論などについて、わかりやすく説明しています。リズムというと伴奏の意味でしか知らない人が多いですが、旋律にもリズムがあります。音楽において「リズムが一番大切」と言い切る人もいます。そのくらい大切なものですので、しっかりと勉強していってくださいね!パルス、リズムと拍節、拍感...それぞれの用語を丁寧に各自定義を考えていってください。楽曲の中で応用していってください。することで「音楽は生命力の満ちた」ものとなります。「音楽表現を考えるためのヒント5」へ続きます!音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。Tweet3月21リズム・パルス・拍節を整理するために(いろいろな資料紹介!)日曜日に拍節とリズムについてのワークショップを行います。詳細はこちらワークショップをする前には、もう一度資料を整理して知識の整理をします。拍節とリズムに関連するレクチャーやワークショップはもう数年前から行っていますし、普段のレッスンでも生徒さんにリズムや拍節についてはしつこーく言っています。現場で実践してもらって、そこからフィードバックをたくさんもらっていますので、もう一度関連する資料を読み直すことで「新しいアプローチ」を得ることもできますし、見過ごしている知識を得ることも可能なのです。資料はワークショップ前に読み直すわけです。読み直した資料をご紹介します。次のワークショップで受講生の方とともに「演奏してみたい!」と思う曲も紹介します。定番「リズムはゆらぐ」です。自然リズム...この言葉は藤原義章さんが提唱している言葉です。フィボナッチ数列や黄金比にその根拠を求めていますので、本の中にはこんな図が載っています。(一時期流行った)「ゆらぎ理論」の分野でも、同様の考え方が提唱されている...とのことで、その例としてなんと我々クラシックギタリストの定番曲である「禁じられた遊び」も譜例として載っています!禁じられた遊びの録音を研究し、拍毎のプロポーションがどのようになっているか...を扱った論文があるということなのです。これもワークショップで皆様にご紹介します。拍子のプロポーションについて、指揮法の観点から見事に説明した隠れ名著があります。増田宏三さんの「指揮法&ウィンナーワルツ」です。通常の三拍子についても詳細にふれられていますが、特に興味深いのはウィンナーワルツについての説明です。一小節を一周期としてとるという原則から導かれる独特の拍のプロポーションを見事に説明しています。今回のワークショップではウィンナーワルツは扱いませんが、逆にウィンナーワルツを研究することで得られる「通常の三拍子感」とでも言える拍感があります。通常の三拍子感を徹底して感じてもらうことで、拍節とリズム、そしてパルスについて実体験していただきたいと思っています。ワークショップでメインで扱う楽曲は以下の二曲です。上記二曲を声部分けして弾く事で、「三拍子」の感覚を掴んでいただければと思っています。メロディーと伴奏部分のリズムとパルスの違いを学んでいただければ十分であると考えていますので、特に独奏で弾けなくても初心者の方でも十分に参加していただける内容にしたいと思っています。1月に行ったpart1の内容についても、軽くおさらいをします。1月の内容についてはこちらのブログ記事を参照してください。1月の講義を行うにあたって読み直した資料に関するブログ記事もありますので、参考資料など気になる方はご覧ください。Tweet4月30自分の実感とリンクしたときに初めて「表現」になる「表現」とはなんでしょう?自分の中にあるイメージが「表にでたもの」です。表に出す方法は?...クラシックギターであれば、音で表現しますね。音色の変化、音量の変化、リズムの変化などで「イメージ」を「表現」するわけです。そのイメージはどうやって作っていったらいいのか?...把握しやすのはパルスです。脈拍は誰だって経験しているものです。速くなればドキドキして、テンションがあがります。遅くなっていけば...リラックスしていきます。遅くなりすぎれば、あの世に近くなる。自分の「生命」に直結している感覚なので、わかりやすいのですね。パルスの変化と、リズムは教えやすいものです。そこにグルーヴ感(つっこんだり、音のタイミングを後ろにずらしたり)などを加えれば、よりバリエーションに富んだものになります。パルスとリズムとグルーヴは比較的伝授しやすいタイプの要素と言えます。私もこの3つに関しては教授メソッドを自分なりにまとめています。生徒さんのほとんどに体感しやすい類いのものですね。手拍子をとってもらったり、歌ってもらったりして、上記3つを感じてもらいます。パルスは脈拍、リズムは音価の長短、グルーヴは音のタイミングのつっこみと反つっこみ感...これらは人間の生命活動や身体の動きなどに喩えることができますので、「実感しやすい」のでしょうね。レッスン時でも音楽表現のベースメントはこれらを基本に教えていくことが多いです。そこに拍感を加えていけば、よりしっかりとした表現の「下地」ができます。音程感や音色のイメージはどうでしょうか?音程感は「歌い手の技術や感覚」をある程度勉強すれば、コツがつかめます。CDやコンサートなどで歌を聴いて感覚を覚えていく事も可能です。音色は色彩や質感のイメージなどを用いて、養っていく事は可能かな?...とはいっても、これらの要素は「実感しずらい」ものであるようです。教える側として、いろいろな方法を用いて、生徒さんが持っているイメージを推測し、それを具体的に形にしていく作業をします。それがレッスンというものです。イメージがない人には「表現」そのものからイメージしてもらうこともあります。半音下降は「行き場がないイメージ」とか...そういうことを言葉にして実感してもらいます。僕がもっているイメージを言葉なりギターを通じて伝えて、真似をしてもらう。その上で、イメージを感じてもらう。...上記のような作業をして、生徒さんにイメージを作ってもらいます。生徒さん本人の中にイメージを実感してもらうわけです。そのイメージの実感がその人の中になければ、本当の「表現」とは言えないわけです。その「表現」は借り物です。クレッシェンドはただの音量の漸次的な増大ではありません。気分の高揚や拡大感...わかりませんが、何かイメージがあるはずなのです。そのイメージが明確でない(実感としてない)ものは「表現」ではないのです。表面に出ている音が、自分の実感とリンクしたときに初めて「表現」になるわけです。今、音楽修辞学というものを勉強中です。悲しみの表現や喜びの表現などにある決まった音型があります。「型」の裏にあるイメージは具体的です。そのイメージを知らずに演奏した場合は「型なし」ですね。表現とはいわないのです。音楽修辞学ほど細分化されたものでなくても、西洋音楽にはある程度の「型」があります。音楽理論や認知心理学などを理解すれば、その「型」が成立した根拠もわかってきます。レッスンの現場では、そこから教えます。イメージを生徒さん本人に実感してもらう。自分の中に取り込んでもらいます。