そこには“見方”はあっても“描き方”はないのだと思います。描き方は見つけたものによって変わってくるし、その人の見つけたものはその人の描き方で描くべきだと思うからです。水の入ったガラスの屈折はとても面白いですね。あと、ぴかぴかに磨いた金属のポットとか。ガラスや光沢のある金属を敬遠する方がいますが、私は、「写っているものや屈折して曲がっているものを探して描けば、自然にガラスや金属の質感になりますよ」と言います。「そうは仰いますけど、、、」と言う声が聞こえてくるようですが、お花や布のような有機的な形ものより、金属やガラスといった無機質でつやのあるものの方がハッキリしていて描き易いと思うのですが。いずれにしても、観察力、洞察力をフルに使って対象を“知る”事が大切です。《55分05秒〜56分10秒》このヘリオターコイズは私も好きでよく使います。私は、単調になった絵にアクセントをつけたり、陰の中に入れて微妙な反射光を感じたりする時につっています。それにしても、色の説明のために別の紙でなく画面の端に塗っていますね。私はこの時「なんでそこに!?」と、驚きましたが、見ていると色の説明のために置いたヘリオターコイズが自然と絵の一部として溶け込んでいくではありませんか。この辺にこの色を決めていたかどうかはわかりませんが、結果、とても効果的なバックの色になっていますね。花瓶の輪郭について、私は「花瓶の輪郭はそんなに強くないですよ。光の加減で強いときもありますが、大概の場合、花瓶と花を比べると花瓶は花や葉っぱの陰に入っているので暗くあまりハッキリしていません。永山さんもガラスの花瓶の輪郭は薔薇の輪郭に比べてかなり弱く描いていますよね。実際、そう見えているでしょうし、そう描く事によって花がより目立ってくることも計算に入れているはずです。《48分26秒〜49分10秒》またまた出てきました。絵を描くときのイメージの大切さ。「私はこういう絵を描きたい!」「こんな絵を飾りたい!」という具体的なイメージを持って描き始めることの大切さを、永山さんは何度も何度も繰り返し言っています。途中で変わってもいい、イメージを持って描くことが大事なんだと。私も生徒さんに同じことを言っています。『モチーフはあなたの絵を描くための参考においてあるだけなんだから、そのものを観察し、よく知ることは大事だけど、イメージもなく“写し取る”だけじゃつまらないですよ』と。モチーフを観ることから出てくる絵の完成イメージをしっかりと意識してその方向に向かって進めていくことが大切だと思います。前回もでてきた“曖昧にする”行程がここでも効果的です。薔薇の花の影の部分をさらに曖昧にして引っ込めています。それによって光のあたっている部分がより光って飛び出してきますね。ここでは永山さんの解説は一切ありませんので、サラリとパスしそうですが、よく見るといろいろ学ぶべきところがあるんですよ。《49分31秒〜51分12秒》これは非常に重要なお話です。主役をいかにして主役らしく見せるか。手数をかけて描き込んでは逆効果であることは前回書きました。逆で、主役ほど手をかけない方がきれいだとも書きました。描いていないものがなぜ際立って主役の座に座れるのか。それを説明してくれています。重要なのは“コントラスト”。真っ白な紙のままの花びらの横にある葉が暗ければ強いコントラストが生まれます。それ以外にはそれほど強いコントラストが出てこないようにコントロールすれば、見る人の目はコントラストの強いところに引き寄せられるというわけです。白バックのままでモチーフを描き上げてから、「バックを暗くしたい」という方がいます。最初から決めていたそうです。いう時「今からバックを暗くするのはやめたほうがいいですよ」と言います。描かれたモチーフは白のバックに合わせて描いているはずだからです。奥にあるものは白バックとコントラストが強くならないように薄く描いているはずです。そこにあとから暗いバックを塗りこんでいったら、薄く描いたモチーフは確実に飛び出してきます。最初から決めていたのなら最初からバックを暗くしながらモチーフを描いていくべきでした。奥は薄いのか、暗いのかについては、以前「気付きの水彩日誌」でも“遠くは薄いの?暗いの?”というテーマで書きましたが、一つのヒントが今回の“コントラスト”のお話にあるのではないかと私は思いました。“永山流”のとても重要な技法が施されている部分だと思います。普通皆さんは、しっかりと物の姿を現わすことに力を集中させますよね。「永山さんは違う」ということがここでわかります。ここでやっていることは物の姿を“曖昧に”“わからなく”しているのです。形がはっきりしている水差しのところに絵具を垂らし、それを広げて形を曖昧にして奥に引っ込めたり存在感をなくしたりしています。主役のばらを引き立たせるための脇役作りをしているとも言えます。全体の構成を考えながら「この水差しは目立たなくていい」という判断から、一度描きかけた輪郭を消す作業に変更したのだと思います。描かないという判断が大事なのです。《46分50秒〜47分34秒》ここは色のつながりの解説としてサラリと過ぎていくので見落としがちですが、一度描いた花の陰の中を曖昧にしたりしています。下の器の影に使った色(ターコイズ)を薔薇の花の陰の部分にも関連付けて使いながら、影の中のコントラストを弱め曖昧さを作ることで光の当たった花びらを引き立たせるようにしているのだと思います。このコントラストの強弱や輪郭の有無を完璧にコントロールしていくことが“永山流”のもう一つの奥義だと、私は思っています。《48分12秒前後》ぼかした水差しの上に、ダリアに使ったオレンジ色をドロッピングしています。Vol.9でも触れていますが、この水差しが奥のほうにあることを強調するためにその前に“空間”を感じさせたかったのではないでしょうか?いつも画面全体に意識が行き届き、まっ平らな画面の中にゆったりとした“奥行き”を感じていることがわかります。『ダリアが大きすぎるので縮めながら描いていきます』といいながら、花自体には手をつけずバックから攻めてダリアのギザギザした形を浮き上がらせていきます。ここでも“ネガティブ・ペインティング”の技法がふんだんに出てきましたね。花を描くと言いながらバックを描いているわけです。■■■エピソード■■■ネガティブペインティングについて先日第2弾の撮影の時に永山さんと私でこんな話がありました。笠井『「紙の白に一度だけ塗った色が一番きれい」ということと、「主役はしっかり描く」ということと矛盾しない?しっかり描いたら絵具は何重にも重なって濁ってしまいますよね?』永山『私の究極の理想は「主役は手をつけずに主役にするということ。難しくて私にはできないけど』(笑)笠井『カサブランカの花びらには一切触れず、バックと葉とシベだけ描いて立派に咲かせたいものですね。』このやりとりから透明水彩のネガティブ・ペインティングが少し理解していただけるのではないでしょうか。6〕この章は透明水彩の特徴である塗り残し(ネガティブ・ペインティング)技法が随所に出てきます。紙の白に近いところにはなに色でも乗せることができますが、濃い色(強い色、暗い色)に明るい色は乗せられませんね。そのため、透明水彩では明るいところを塗り残す必要があります。これって、当たり前のようでいて意外とみなさん忘れてしまうところなで、じっくり研究してみてください。《42分34秒〜43分08秒》マスキングは、筆では塗り残しづらいところをカバーしておいて、あとで剥がして紙白を塗り残すわけですが、なんでもかんでも明るいところすべてにマスキングを塗って安心してしまっている方を見かけます。マスキング液を使った白は筆で塗り残した白とはタッチが違うのですぐわかります。できれば筆で塗り残すように心がけ、どうしても塗り残せない細い線や複雑な図柄などに最小限度で使用するのが望ましいと思います。今回の場合、永山さんはガラスの反射はマスクしていますが、水面はマスクしていません。私もそうすると思います。ガラスは細く複雑な形の反射で塗り残しずらく、水面は比較的広くシンプルな形で筆でも塗り残せるからです。『画面全体を意識しながら描き進める。これはとても大切なことでありながら、初心者ほど忘れてしまうことなのではないですか?よく教室で見かけるのですが、朝来てモチーフの前に座って描き始め、トイレ以外は一度も席を立たず描き続け、そのまま講評を受ける人。それでは全体を意識しているとはいえませんね。画面全体に意識のいってる人ほど全体のバランスをチェックしないと安心して進められないので、絵を遠くから見たり、逆さまにしてみたり、鏡越しに見たりと“客観的に突き放してみる工夫”をするものです。みなさんはいかがですか?《43分50秒〜43分56秒》バックを塗りながらダリアのギザギザな輪郭を塗り残していきます。油絵具やアクリル絵具のような不透明絵具でしたらバックを塗っておいてあとから明るい色や派手な色で花びらを描いていけばいいわけですが、先にも述べたように透明水彩では明るい色、派手な色が乗らないので、周りを描くときに塗り残して浮き上がらせることが必要になります。この塗り残し(ネガティブ・ペインティング)が水彩画特有の色面を作り出します。永山さんの平筆の使い方はたいへん参考になります。平筆には平らな面もあり、角もあり、直線もあるので、それを上手く駆使できれば非常に便利な筆となります。「線を引く時なども平筆を使います」と言っていますね。要は、道具も使う人の工夫一つで生きも死にもするということですね。「弘法筆を選ばず」永山さんもいい筆ばかりではないようで、『筆遣いが乱暴なので、すぐ壊れるからいい筆だともったいない』とも言っています。これはとても意味深で、私には「筆の使い方は自由だから、自分のほしいタッチを得るためには何でもしますよ」と聞こえます。反射の話はVol.4でも出てきましたね。洋梨がお互いに反射し合ったり、テーブルやトレイにも影響している事を発見しないと描けませんね。私たちは日常生活の中ではそんな見方をしていませんので、意識して観察しないと見つからないと思います。反対に、絵を描くと今まで見えなかったものが見えるようになるとも言えます。飛躍して、実際に写りこんでいるかどうか怪しくても、色が見えたら描くべきですし、仮に見えなくても「いろんな色が写りこんでいるはずだ。」とか「あったらきれいだろうな。」と自分の判断で色を入れてみてもいいと思います。ちなみに、私は生徒さんに「白い花の陰に、グレーだけは使わないように。白は一番カラフル!」と言っています。白は、写りこんだ色を一番正確に映し出すからです。映画やスライドは白い画面に映すときれいなのはご存知の通りです。“そっくりに”“写真のように”描くことが目的ではなく、対象(モチーフ=材料)をよく見て、知り、咀嚼して自分の絵にすることが大切だと思います。写真に近づこうとしている限り、絵より写真の方が上ということになってしまいます。キュビズムやシュールレアリズムのような作品を目指すのでなく、あくまでも具象的な描写を目指すのであればデッサン力は必要ですし、物の形は正確に描けるに越したことはありません。“写真のように”描けることがデッサン力があるということではないと思います。写真と絵画の違いは、誤解を恐れずに一言で言えば、『絵画は作者の解釈の表出』であり、写真は『光学的(網膜的)画像の定着』なんじゃないかなぁと思います。写真にも作者の解釈が反映することは言うまでもないですが、直接手を下す絵画の方がより作者の“生の声”が反映されるのではないかと思います。「こっちの方(主役周辺)はこのままにして・・・」と言いながら、おもむろに洋梨などに使っていた色を洋梨周辺にピッピッピッと飛ばしてますね。スプラッタリング(またはドロッピング)と言いましたっけ。一度描いた上にお構いなしに飛ばしています。このタイミングでの絵具飛ばしが非常に興味深かったので、永山さんに聞いてみました。「どういう時に絵具を飛ばすんですか?」すると「あまり意識していないけど、馴染ませたい時かなぁ???」とのこと。描いてる本人はその時点ではあまり考えず感覚に任せてやっているようです。私も自分が描いている時の事を聞かれても的確に答えられないと思うので、よくわかります。その後永山さんはその訳を自己分析してくれました。ここら辺が永山さんの優しさだと思います。先日撮影を終えたばかりの第二弾でしっかりと説明してくれていますので、今回は割愛しますが・・・。《42分08秒〜42分30秒》マスキングを取るタイミングですね。確かに私もそういう経験が少なからずあります。グレーや青のマスキングの色がとてもきれいに見える時があります。いう時は十中八九、マスキングを取るとシラっとしてしまいます。マスキング液のタッチ(塗った形)はいかにも“マスキングしました!”というように白く残りますし、取りっぱなしだと不自然に目立つ場合が多いので、必ず八分完成くらいの時に取って上に絵具をかけるなり、白抜きの形を自然にするなりの修正が必要になってきます。「最後にマスキングを取って完成!」にしたい気持ちはよくわかるのですが、取りっぱなしでは目立ちすぎて絵がだいなしです。4〕この辺りが否応なしに永山裕子という人の非凡さを感じるところなのではないでしょうか?ほとんど手(筆)をつけないバラの花が、見る見る光を浴び生き生きと輝き出す過程を目の当たりにした時、「あーっ!」というため息とも歓声とも言えない驚きの声を自然に発していると思います。これが私たちが“永山流”と命名した所以です。《35分14秒〜35分43秒》ここでカメラが引くと驚きの光景が現れます。なんとすでにバラがきれいに浮かび上がって輝いているではありませんか!さっきから葉っぱしか描いていないのは皆さんが見ていた通りです。私は現場にいましたが、編集でつないでいるわけではありませんし、料理番組のように時間をかけて描いたものと取り替えているわけでもありません。Painting”=“塗り残し技法”ですが、永山さんの塗り残し効果は尋常じゃないですね。バラの花自体には、中心からのトランスルーセントオレンジのグラデーションとザラザラした調子くらいしかありません。その周りに濃度のある葉っぱを描くと、いきなりバラの花が浮び上がってきます。ここが、このDVDの最初の見せ場と言えるかもしれませんね。補色(逆の色)を混ぜ合わせると彩度(鮮やかさ)は極度になくなり、濁った色(場合によってはグレー)になります。してできた色は、言葉で言い表せない「これ、何色?」というようなとても微妙な調子になり、影の色としても使えますし、今回のような錆びた金属などのように時間の経過を感じさせる色としても使えます。使いすぎると全体に濁った印象になりやすいので気をつけてください。『混ざらない絵具』で書いた“沈殿する絵具”の効果についても触れていますね。混ぜた色が紙の上で分離する効果はとても面白いので、私もよく使っています。前にも出てきた「自然の力、偶然の力」について、私以上に永山さんがこだわり楽しんでいることがよくわかります。バラの葉を絵具の特性を利用して描くという裏技まで披露してくれるとは・・・。誰に教わったのでもなく、自分で見つけて検証し技法として身につけた貴重なノウハウを惜しげもなく見せてくれるなんて、なんとオープンなんでしょう!永山さんが言っていた言葉を思い出します。『水彩画については隠すことは何もないんです。すべてさらけ出しても大丈夫。この開放的な姿勢はどこから来るのか?私が推測するに(本人は否定するでしょうが)、圧倒的な自信があるからだと思います。そうそう、以前こんなことも言っていました。『DVDですべて出して追いつかれるかもしれないけど、反対に頑張らなきゃと思うので、自分を追い込む意味もあるかもしれません。LINKS管理者ページRSS1.0Atom0.3。