都市と建築2019/05/13アメリカのバウハウス今年(2019年)は、バウハウスが設立されてからちょうど100年にあたる。ドイツのワイマール(ヴァイマル)のバウハウス校は、1919年にヴァルター・グロピウスを初代校長として開設された。バウハウスは1925年にデッサウに移り、8年の活動の後、1933年、ミース・ファン・デル・ローエが校長を務めていた時、ナチスの圧力により閉鎖に追い込まる。バウハウスの活動は合計14年余りの短い期間だった。Museum)バウハウスが閉鎖された後、教授陣や教え子などの多くがアメリカに亡命した。ドイツからアメリカに渡った人材が、さまざまな形でバウハウスの教育や活動を引き継いだ。ヴァルター・グロピウスは、亡命先のイギリスからアメリカに渡り、ハーバード大学建築学科教授に就任(1937年)。ハーバードでは、I.M.ペイやフィリップ・ジョンソンらを育てた。ブラック・マウンテン・カレッジンテンで17年間教鞭をとり、バウハウスの理念による教育を主導し、アルバースの元からは、ロバート・ラウシェンバーグやサイ・トゥオンブリーなどアメリカ現代アートの大御所が輩出している。1937年に亡命したモホリ=ナジ・ラースローは、シカゴにニューバウスを開設。ジョージ・ケペッシュ、ハリー・キャラハンなどの教授陣を揃え、バウハウスの教育理念を実践した。写真家石元泰博はここの出身である。グロピウスをはじめとする多くのバウハウス人材のアメリカ亡命に尽力したのが、後にMOMAの初代館長となったアルフレッド・バーJr.だった。バーは当時、ハーバード大学の博士課程に在籍していた。ハーバード大学美術館のサイトでは、当初、ハーバード大学建築学科長として招く人物として、J.J.P.アウトとミースを加えた3人が候補として挙げれていたことが記されている。アウトは断り、ミース乗り気だったが、グロピウスが同様に候補となっていることを知り、プライドが傷つけられ辞退する。Dessau)バーはMOMAに建築部門を創設し、その主任にグロピウスの教え子のフィリップ・ジョンソンを据える。そのジョンソンがミースをアメリカに誘い、最終的にミースもアメリカへと渡り、ニューバウハウスを引き継いだイリノイ工科大学建築学科で教鞭をとることになる。グロピウスは、ドイツ時代のバウハウスでの教え子のマルセル・ブロイヤーをハーバード大学のデザイン学科の教授として招聘し、共同でブラック・マウンテン・カレッジの建築計画(未実現)を作っている。グロピウスがギーデオンをハーバードの客員教授として招聘した際の講演が元になっている。Museumは、ドイツ国外の美術館では、最大のバウハウス・コレクションを有することとなった。創設100年を前にした2016年、ハーバード大学美術館は、この自校に残されたバウハウス関連の資料約32,000点をライブラリーとしてwebでの公開を開始した。建築、写真、ドローイング、グラフィック、テキスタイルなどの資料や作品、そしてデッサウ時代の希少な画像なども集められている。本稿の画像(最後のもの以外)はそのバウハウス・コレクションからのものである。アメリカは自由の国であり、バリバリの市場社会ではないか、といぶかる向きもあろうが、グローバーはこう続ける。システム化、ルール化、マニュアル化、標準化が好きなアメリカ。今、世界を席巻しているグローバリズムとは、アメリカのルールの世界標準化の別名である。「衣服からデザインにいたるまで」とグローバーは言う。思えば、アメリカ発のファッションの<アイビー>は、大学を舞台に花開き、1950年代のマディソン街あたりの企業の定番となった、見事に教科書化、ルール化、マニュアル化されたファッション・スタイルだった。それを精緻化し、起源を探求し、磨きをかけ、今や本国ではとっくに失われたアメリカン・トラディションル・スタイルの正統な後継者は、<官僚大国>日本であることは、周知の事実である。1930)ではデザインに関してはどうか。草分けはアメリカとドイツである」。第二次世界大戦での直接対決を経た結果、その勝者は明らかになったと。私は如何にして心配するのを止めて水爆を愛するようになったか』(1964年)に登場する、アメリカで水爆を開発したドイツ人科学者Dr.ストレンジラブは、感極まって思わず大統領を「総統」と呼んでしまう人物だ。米ソ冷戦時代に強烈な皮肉を突き付けたこの傑作ブラックユーモア作品は、同時に善悪とは無縁に肥大化する「偉大なる」官僚国家アメリカの姿を描いた映画でもある。Bomb)もちろん、バウハウスとDr.ストレンジラブを同一視はできない。アメリカがバウハウスを引き継ぐ際の受け皿として、大学や美術館というアメリカの「私的」官僚制の存在が大きな役割を果たしていたことは否めない。あったこと(詳しくはこちら「インターナショナル・スタイルと抽象表現主義絵画~白い壁を飾るものは~」)ことは、思えば今日でいうグローバリゼーションを予感させるような出来事であった。マガジンハウス)を思わず手に取った。『ポパイ』を買ったのはかれこれ30年ぶりだ。テーマに1976年に創刊された。時は、浅間山荘事件(1972年)で60年代の政治の季節に決定的な終止符が打たれ、さらに50年代以降続いていた経済成長も、オイルショック(1973年)をきっかけに、減速傾向が明らかになった時代だ。出版されたのが1971年。田中角栄は奇しくも、『ポパイ』創刊号が発売された1976年6月25日の1か月後の7月27日にロッキード事件で逮捕される。ライフスタイルを紹介して絶大な影響力を誇った。最盛期だった80年代前半(#100号ぐらいまで)の発行部数は数十万部(公称)を記録した。イデオロギーの代わりに「気分」を。『ポパイ』によって、素朴なズックはスニーカーに、汚れたジーパンは洗いざらしのジーンズに、「ダサい」ゴルフシャツはポロシャツに、外での運動はアウトドアスポーツになった、そういうことだ。題された巻頭に置かれた短いコラムを集めたページ。トリビアルなアメリカ情報からマニアックな雑学まで、マイナーなサブカル動向からこだわりのファッション情報まで、価値ニュートラルで面白ネタを集めたページは、その後ブームとなった「カタログ雑誌」の元祖にふさわしいページだった。低迷の一途だが、その中にあって『ポパイ』は、2012年のリニューアルを機に十万部の発行部数に回復し、男性ファッション誌のトップクラスの地位に返り咲いている。-GUIDE」と題された、今から33年前の東京特集の『ポパイ』(1986年3月25日号#219)があった。1986年は絶妙な年だ。バブルの遠因ともなったプラザ合意(1985年)の翌年にあたり、バブル勃興の寸前である。バブル前の東京は、70年代に革新都政が続いていたこともあり、今のような大掛かりな都市開発がそこここで横行するような時代ではなかった。バブルの前の主要な都市開発を挙げてみると、1971年開業の京王プラザホテルを皮切りにした新宿西口の一連の超高層ビル建設や池袋のサンシャイン60(1978年)など副都心でのオフィスビル開発、渋谷パルコ(1973年)、ラフォーレ原宿(1978年)、東急ハンズ(1979年)、渋谷109(1979年)などの西武(セゾン)や東急による渋谷圏での商業ビル開発など、70年代の東京都心はいたって静かなものだった。Bunkamura(1989年)、新都庁舎(1990年)庁など、都心部での建て替えや再開発などが始まりつつあった。優れた雑誌はひとびとに潜在する志向や願望を発見し、時代の新たな価値観として定着させる。編集者自らが証言しているように、当時の日本には「ポパイ少年」や「シティボーイ」など実際には存在しなかった。それらは『ポパイ』が創り出し、その後に日本に根を下ろしたライフスタイルであり感性だった。雑誌のなかの「東京」はひとびとのなかに潜在している東京への眼差しが表出したものだ。2019年と1986年、30年を隔てた2冊の『ポパイ』の東京特集に登場する「東京」を比較し、今と昔の東京への眼差しの違いをみてみる。当時の「シィボーイ」にとっては、ここが「東京」の本丸だった。港区、渋谷区の高感度エリアがメインだった1986年版の「東京」とは、様変わりしている。バブル崩壊から約30年、バブルの後に生まれた今どきの「シティボーイ」の「東京」とは、気の利いたスモールビジネスや街に根づいたお店があり、地に足の着いた日常が営まれ、ちょっと周縁に位置する、適度なスケール感の、そんな地元感のある東京だ。2019版の「僕の好きな東京100」と題されたコーナーでは、カルチャーシーンのキーマン、注目のクリエイターやデザイナー、有名ショップオーナーや著名人など100人が選んだ、お気に入りの、とっておきの”この店、あの場所”が紹介されている。驚いたのが、推薦されている100の店や場所のなかに、バブル以降に開発された街や建物がほとんど見当たらないことだ。インターメディアテク」(KITTE)のたった4か所しかない。うち後者2か所は既存建物のリノベーションであり、バブル以降の新規開発は実質は2か所ということになる。新規開発のシティホテルで紹介されているのも先の「星のや東京」の1件だけ。アマン、コンラッド、ペニンシュラ、リッツ・カールトン、シャングリ・ラ、グランドハイアット、マンダリンなどは一切登場しない。老舗の帝国ホテルを2人が紹介しているのとは誠に対照的だ。90年代以降の約30年間で開発された街や建物を、煩瑣になるのを承知の上で具体的に書き出してみよう。その数がいかに多いかは、先に挙げた70年代~80年代の開発と比べると一目瞭然だ。プラザ(2016年)や銀座SIX(2017)などの一連の銀座開発、東京ミッドタウン日比谷(2018年)、渋谷ヒカリエ(2012年)や渋谷キャスト(2017年)や渋谷ストリーム(2018年)などの一連の渋谷開発etc.こうして書き出すのもおっくうになるほどの数の、バブル後の90年代以降に実現した数々の、しかしながら、時代の「シティボーイ」からは見事にスルーされている都市開発や街づくりとは一体なんだったのだろうか。少なくとも1986年版東京特集では、渋谷パルコや渋谷109やラフォーレ原宿やAXSISやベルコモンズやVIVRE21などはきちんと紹介されている。けを意識した、より入門編的趣の東京特集号である「はじめまして、東京」と題された2018年4月号#852も入手して確認してみた。ヒルズ、GYRE(神宮前)の5件だ。『ポパイ』定番のファッションエリアとあわせて紹介されるのが、「今日はオノボリさん」と題して推薦される東京タワーと国会議事堂であり、「今、一番住みたい街」は幡ヶ谷、田原町という調子だ。入門編でも状況は変わらない。巨大開発や再開発を好きになる「シティボーイ」はいないのだ。『ポパイ』に取り上げられるため開発してるわけじゃねえ、はなからマイナーな穴場的スポットに限って紹介しているからでしょ、しょせん『ポパイ』は若者向けで、今どきの若者は立派なビルの高級ショップに行けるほどお金がないのが現実だなどなど、ご意見はしごくごもっとも。「シティボーイ」とは年齢や経済ではなく感性の問題だ。若かろうが年を取ろうが、金があろうがなかろうが、高級であろうが大衆向けであろうが、老舗であろうが新店であろうが、山の手であろうが下町であろうが、「シティボーイ」は、面白い街、気になる場所、わくわくするお店には、必ず足を運ぶものなのだ。「シティボーイ」が行かなくなった、ビッグビジネスによる巨大開発と超高層タワーとチェーンオペレーションの街。想像するだに背筋が寒くなる。2019版東京特集には、全盛期『ポパイ』の主要な書き手のひとりだった都築響一が語る立石の駅前再開発の話が載っている。「すでに用地買収が済んだ駅前の一画は駐輪場になったり、工事用のフェンスで囲い込まれて、気がつけば呑んべ横丁も半分以上が削られ、なんとも情けない横っ腹を晒している。急速に消滅しつつある「僕らの東京」への憤りと愛惜のレクイエムだ。(★)トップ画像は2019年3月に撮影した京成立石駅北側と「呑んべ横丁」。生き続ける建築」展(2018年9月6日~10月21日)が開催されていた。ホールには坂倉準三がデザインした天童木工の椅子が展示されている。コルビュジエ事務所の同僚だったシャルロット・ペリアンとの共働に始まり、坂倉はさまざまな椅子や家具をデザインしている。そのいずれもが、モダンでかつどこか日本的なものを感じさせる穏やかな印象を与える椅子たちだ。<前編>で見たように、あくまで端正でありながら、ヒューマンで自由で、そして優美さや都会的なセンスを忘れない、そんな作風は坂倉建築ならではだ。それは、同じくコルビュジエ事務所に学んだ、前川國男の原理的なアプローチにも、吉阪隆正の造形的なフォルムにもない、はるかに師ル・コルビュジエの作風に近いものを感じさせる。https://www.espazium.ch/junz-sakakura-exposition-et-confrences)坂倉準三は、1931年~1939年の足掛け約9年間(2回の帰国を間に挟みながら)、ル・コルビュジエ事務所に籍を置き、日本人としては最も長い間、師コルビュジエと直接の交流があった建築家だ。変貌していった時期にあたる。ここに掲げたエポックメインキングな作品のいくつかは坂倉が直接担当したものであり、坂倉はコルビュジエが巨匠に変貌していく過程に直接立ち会っていた稀有な存在だった。一次帰国の後、再渡仏してコルビュジエ事務所に席を置きながら手掛けたパリ万国博覧会日本館(1937年)はグランプリを獲得し、世界に坂倉準三の建築、そして日本のモダニズム建築を知らしめることになる。坂倉は当時のことをこう語っている。「パリ博で日本館を造ったとき、自分の日本の血というものに割合に自信を持っている。坂倉はほかのどの日本人建築家とも異なっている。ほかの日本人建築家は、当時、ブルーノ・タウトらの西洋人の目を通して、モダニズムと相通じる(あるいはモダニズムを先取りしているとも言われたりした)日本建築を<発見>したが、坂倉だけは最初から自らの目でモダニズムと日本建築とを見据えていた建築家だった。「安心している」とはそういうことを意味していたと思われる。借り物のモダニズムや教条的なモダニズムだはなく、いわば自然体のモダニズム。坂倉建築が漂わせる、素直さや伸びやかさや構えの大きさやどことない余裕や穏やかさはここに由来しているといえる。モダンと日本が違和感なく共存、融合、一体となっているような作風はここからきている。出身であり、パリのコルビュジエのもとで一から建築修行を始めたこともその大きな要因だったと想像できる。坂倉準三は師への追悼文で、ル・コルビュジエの使徒としての使命感をこう語っている。「あなたなくしては今日の建築家としての私は恐らくなかったでしょう。自分の建築の創造活動をかえりみて、あなたの創造精神を正しく捉え、つたえ得たでしょうか。私たち建築家はともすればあなたの素晴らしい造形上の魅力に取りつかれて、その基盤となっているあなたの人間への愛情を中心とした建築の創造精神を正しく捉え得ていなかったといえるでしょう。「人間への愛情を中心とした建築の創造精神」。これこそ、坂倉が師コルビュジエのから受け継いだ本質であり、坂倉建築が目指したものだった。坂倉のヒューマンで自由な作風や家具や住宅から都市計画まで、あるいは美術館、官庁から新宿や渋谷のターミナルまで、規模の大小や用途の違いや官民の間に境を設けることをせず、戦後日本の<都市の時代>の要請に応えた幅広いプロジェクトの軌跡は、師コルビュジエから受け継いだ創造精神を実践した足跡だ。坂倉の思いを師コルビュジエも理解していたのだろう。坂倉準三はこんなエピソードを残している。「コルビュジエは本当にうれしそうだった。食卓につくと、私のナフキンの上に、一つの美しい貝殻が置いてある。「それ開けてご覧」(中略)おそるおそる貝殻を開けて見た。貝殻の裏に「サカクラへの友愛をこめてル・コルビュジエ1960年7月8日」と黒インクで記されてあった。心から私をその日招いてくれた気持ちを貝殻の中の文字に托しておかれたのだ。よって改修・増築の予定だ。最初の建物が完成してから今年で57年、改修前に坂倉準三のマスターピースを再訪した。アンスティチュ・フランセ東京は、新宿区船河原町の、市ヶ谷台地へと上る逢坂が始まるところに建っている。高台の敷地に建つその姿は、しばしば丘の上の客船と形容される。現在は手前にマンションが建って眺望は遮られてしまっているが、かつては外堀方面への見晴らしがさぞ素晴らしかったに違いない。最上階(3階)は、当時は学院長の住居だったそうだ。張り出した薄いスラブが水平に真っすぐ伸びて行って、妻側で大きく張り出しオープンエンドのバルコニーとなって終わる。崖の上から下界に向かって今にもダイブするかのような躍動感と浮遊感を見る者に感じさせる建物だ。最上階はややセットバックしており、柱に支えられた屋根が、空中に浮かんでいるようなイメージを一層強調している。印象的な柱はその形状からシャンピニオンの柱と呼ばれている。シャンピニオンの柱は外部だけではなく内部においても展開されており、なぜキノコ状の柱なのかは現在では不明とのことだが、構造的な理由ではなさそうだ。坂倉作品でキノコというと、出光興産のAPOLLOのガソリンスタンドの円盤型の屋根が思い出される。道路側のファサードは白の木製サッシュによるカーテンウォール。竣工当時の写真を見ると、スラブは白、シャンピニオン柱も白、方立はやや落とした色に塗られおり、現在とは逆の配色になっている。入り口の坂を上った先の敷地は、都心とは思えないぐらいに大きな木々に囲まれている。潤いが感じられない外堀通沿いの街並みとは雰囲気が一変し、この坂の上の場所は時間の流れが違って感じられるほどだ。右手にはレストラン「ラ・ブラッスリー」があり、気候が良い時期は芝生のテラス席で食事ができる。ブルーに塗られたバルコニーとフランス国旗が目を引く。ピロティ状になった通路には小さな書店(欧明社リヴ・ゴーシュ店)があり、そこだけはパリの街角のような雰囲気だ。SAKAKURA(坂倉の塔)と書いたプレートが掲げられた白い塔の存在だ。この塔は当初のエントランス兼階段で、階段は2重らせん階段と珍しいものだ。教室への動線と最上階の学院長の部屋への動線を分離するためとされている。この塔のおにぎり形の平面はどこかで見たなと思ったら、今はなき東急東横線のホーム東側に設けられていた目隠し壁だった。同ホームのかまぼこ屋根と併せて、この東横線ホームをデザインした設計者は一般には不明とされているが、この塔を見て、設計者はやっぱり坂倉準三だったと確信が持てた。シャンピニオン形やおにぎり形を、坂倉は他の建物や家具でも採用している。レセプションや図書館がある右手の建物は、竣工後に同じ坂倉準三による増築された部分だ。最初の建物の模型を見ると、書店がある部分の建物も増築の際に改築されているようだ。最初の建物にはバルコニー状の張り出しはなかったし、内装も何回か変更されている。増築部分にある1階と2階をつなぐ階段。流動するように連続する空間と視線が刻々と変わる空間構成は師コルビュジエのコンセプトだった「建築的プロムナード」を思い出させる。~バビロン再訪#10~「月曜日から札幌に行って欲しい」。上司のT課長はたいそう簡単にそう告げた。1986年の6月最後の金曜日のことだ。札幌での役目は、西洋環境開発が札幌で初めて取り組むマンションの商品づくりの助っ人だった。入社2年足らずの現場も知らない若造でも猫の手ぐらいにはなるだろうという訳だ。札幌の分譲マンションの第一号は1964年に分譲された藻岩マンション(南20西12)だといわれている。札幌でマンション分譲が本格化したのは1974年頃だ。札幌オリンピックの開催(1972年)にあわせて前年に開通した地下鉄南北線(北24条~真駒内)がその契機になった。マンション分譲が本格化して10年余りの当時の札幌は、首都圏などに比べてまだ若く、未成熟ではあるものの、逆に新しい可能性を感じさせるマーケットだった。札幌は年間平均気温8.9度(同東京16.3度)、真冬日45日(同東京0日)、雪日数125.9日(同東京9.7日)と、札幌と東京(首都圏)は、気候条件が大きく異なる。札幌のマンションにはどんな商品がふさわしいのか?それは首都圏とは必然的に異なるはずだった。セゾングループは、旭川西武(1974年)、札幌パルコ(1975年)、函館西武(1981年)などに続いて、1982年に西武百貨店が札幌の老舗百貨店五番館を傘下に収めるなど、すでに幅広く展開していた。先行して地域に根を下ろしていたグループ企業を手始めに、そこから芋ずる式に情報源をたどり、札幌での生活実態などを聞きまわることにした。日参し、消費者へのグループインタビューを2回行った。そこから以下のような、北海道特有のさまざまな暮らしの実態や商品の生産や流通の現実、なかでも手つかずで残されている住宅に関する課題が浮かび上がってきた(★1)。曰く、冬は室内温度をガンガン上げて半袖でビールというのが北海道人のスタイル。その結果、気密性の高いマンションでは外気に近いところで必然的に結露が発生する。熱伝導率が高いアルミサッシュ周りや相対的に室温が低い北側居室では結露が著しい。冬場は洗濯物を外に干すと凍ってしまうので、部屋の中に干す。室温が高く、すぐに乾くリビングに干すことが多いが、うっとおしい、来客の際に見苦しいなど、なんとかしたい。室内に放出された湿気が結露の遠因にもなっている。冬用の靴や冬用のタイヤなど、本州に比べて必要なモノの数が多く、収納場所が悩みの種。スキーは必ず学校でやらされるので一家で4~5本は当たり前、ゴルフも必ずやるなど、恵まれたレジャー環境がさらにモノの多さに拍車をかけている。止む無く、押し入れに靴を仕舞っている家庭も少なくない。マンションの下駄箱はブーツや長靴が入らず不便だ。濡れた靴やコートや帽子などはすぐには仕舞えないので置き場に困っている。一方で、冬の厳しさに対して防衛的になるあまり、暮らしの楽しみの可能性がシュリンクさせらているという課題も見受けられた。曰く、戸外が雪に閉ざされるため、冬場はみんなで集まってなにかすることなどを諦めてしまうことが多い。冬の間は事実上使えなくなることから、札幌のマンションはバルコニーが狭く、使い勝手も良くない。冬場は雪に埋もれてしまうこともあり、札幌のマンションは概して植栽などの緑が少なく、オープンスペースも貧弱だ。札幌では家庭でも外でも頻繁にジンギスカンをやる。花見でジンギスカン、円山球場の外野席でもジンギスカンなど、およそ本州では想像できない習慣が新鮮だった。実際、五番館でも鍋全般がよく売れているとのことだった。したなかで商品づくりのヒントになったのが、西武百貨店と五番館が北方圏センターや札幌消費者協会の協力のもとに開発を行ったオリジナル商品ブランド<ノーステック>の話だった。北海道で売られている手袋のほとんどは、大手メーカーが四国の工場で作ったものをそのまま店頭に並べているだけで、北海道の冬を前提とした機能性がまったく考えられていない。逆に、子供服や靴に関しては、雪や寒さ対策一辺倒の商品しかなく、冬の装いを楽しむような発想の商品がない。した事実が発端となり、バイヤーを全道に派遣しての実態把握、消費者への調査、北欧など北方圏への視察団の派遣などを通じて、機能性はもちろん、飽きのこないデザイン、日常品としてのこなれた価格などを実現したオリジナル商品として1984年の子供服を皮切りに<ノーステック>商品が開発された。札幌における生活実態を探る調査とあわせて、実際のマンションを見て回り、販売中物件のモデルルームに足を運んだ。どの物件、どのモデルルームを見ても、首都圏の横並びか、あるいは札幌の市場価格に合わせて東京の商品をグレードダウンしたようなものしかなかった。<ノーステック>の手袋のエピソードと同様に、マンションにおいても「内地の押しつけ」(当時の札幌消費者協会M副会長の言葉)の商品しか見当たらないというのが実態だった。一連のマーケティングの過程で、ごく自然に生まれてきたのが<札幌発・札幌向>いうコンセプトだった。して札幌での第一号の分譲マンション《ヴィルヌーブ旭ヶ丘》の商品づくりが始まった。基本設計には地元出身で北方圏の住宅事情にも明るい建築家・下村健一を起用した。当時40歳の下村はマンション設計の実績はなかったものの、<札幌発札幌向>の商品づくりチームの一員には最適任に思えた。具体的な商品としては以下のような企画を創案した。)、2重サッシュ(内側プラスチック)、厚さ30~35mmのウレタン断熱材(600mm巻き込み)、冬靴などの冬用品やレジャー用の長物などが入る全戸分の室内トランクルーム、共用部に設けられた冬タイヤラック、濡れた靴を置いておいても邪魔にならず、厚手のコートの脱ぎ着も楽な広めに作られた玄関スペース、外気温が表示される室内セキュリティ盤、冬場には洗濯物干し場として利用できるLD脇の和室に設けられた広縁状のサンルーム(LDの暖気を活用でき、かつ来客時は障子を締めれば洗濯物は見えない)、平日12時間のライフサービス、日常動線の中心に位置するシンボルツリーのある大きなパティオ、そして冬場の交流の場となるパティオに面したコミュニティルーム(集会室)など。ジンギスカンが日常生活に定着しているライフスタイルに応えるために、ジンギスカン鍋専用オリジナル収納ラックのあるキッチンや専用レンジフードつきジンギスカン愛好家向住戸などのアイディアもあったが、奇策すぎるとして却下された(当たり前か)。日中はヒアリングやグループインタビューや設計の打ち合わせに奔走し、夜は本社からくる課長や役員への報告会議と称してすすきのを徘徊し、土日は朝から気になる物件やモデルルームを見て回った。6月30日に生まれて初めて札幌駅に降り立って以来、約半月間の札幌滞在と、その後の数回の断続的な出張を交え、かれこれ足掛け2か月に及んだ、M先輩とのバディームービーさながらの地域密着のマーケティングは、8月30日に《ヴィルヌーブ旭ヶ丘》の商品企画にGOサインが出て、ひとまず完了し、プロジェクトは実施のステップへと駒を進めた。本社からの助っ人はお役御免となり、東京での日常に戻り、正式な推進体制が組まれ《ヴィルヌーブ旭ヶ丘》は、販売立ち上がり時のドタバタを経ながら、翌年1987年10月に無事竣工した。機能、合理を重視し普遍を希求するモダニズム。インターナショナリズムとして世界中に広まったモダニズムの行き着いた先は、標準化された建物、画一化された風景だった。マンションとはモダニズム(インターナショナリズム)を象徴する商品だ。日本中(あるいは世界中)どこでも、一定の性能が担保された均質商品として普及してきた。一方でひとの生活や暮らしは本来、それぞれの場所の気候、習慣、歴史などによってその様相が大きく異なるリージョナルなものだ。大げさな言い方が許されるならば、<札幌発札幌向>というコンセプトが目指したものは、モダニズムとリージョナリズムの対立的共存の試みだった、といえまいか。北方圏には、シンプルな機能性とヒューマン、自然との親和性などを共存させた<北欧モダン>という魅力的な解答がある。厳しい気候、遅れた近代化、中心から外れた辺境性などの<周縁性>が創造した、モダニズムとリージョナルな個性を止揚したデザインだ。その後のバブルとバブルの崩壊の過程で西洋環境開発は消滅し、そしてセゾングループも解体された今、こう夢想することをやめられない。<札幌発札幌向>の試みが、例えば<札幌モダン>と呼ばれるようなデザインやブランドへと昇華し、日本の画一的なマンション商品に一石を投じた可能性を。30年を経た今も会うたびに聞かされるM先輩十八番の自慢話がある。曰く、「俺はお前が札幌にいる間、一銭も使わせなかった」と。それはあながち誇張ではなかった。M先輩はほぼまる抱えで若造の面倒をみた。連れて行ってもらった記憶にある場所といえば、北海道道庁の職員食堂や札幌市役所の食堂や、あるいは街道筋に取り残されたように建っている崩れかけたバラックのようなラーメン屋なのだが。そこで食べたカレーや日替わり定食や味噌ラーメンの味はいっこうに思い出せない。その当時のこのコンビの頭の中にあったのは、札幌の暮らしとそれに寄り添った商品企画の実現のことだけであり、席に座るや否や、あれはこうだ、これはどうだと、今聞いてきた話や、今見てきた物件の話題に夢中になり、目の前の食べ物のことなどまったく眼中にはなかったのだから。(★1)掲げたさまざまな課題は当時のヒアリングに基づくもので、現在の札幌での暮らしやマンションではどうなのかは不明。あるものは解決され、あるものは手つかずのままなのではないか。住宅』~建築家の槇文彦は、1970年代に、おもに個人住宅作品によって世に登場した当時の若手建築家たちを「野武士」と命名しました。(「平和な時代の野武士たち」、『新建築』1979年10月号)間接的な言及ですが建築家・安藤忠雄も「野武士」の一人として名前が挙げられています。今や名実ともに日本を代表する建築家の安藤忠雄ですが、自らの原点は住宅設計にあると随所で語っています。住宅』(エーディーエー・エディッタ・トーキョー、2011年)を読んでみます。安藤建築の特徴は、コンクリート打ち放しという素材と幾何学形態への限定とこだわりによって、機能主義の建築にはない、純化された精神性を感じさせる空間を創り上げるところにあります。打ち放しと幾何学以外には手を伸ばさないそのストイックな姿勢は、本人自らが、自分の建築は「どこでも一緒」と思われてもしかたがない、というほど徹底しています。安藤は自らの建築のルーツは、若き日の世界の建築をめぐる旅で目にした初期モダニズムの建築にあると語っています。「初期モダニズムの瑞々しい感性に触れ、そこに限界よりも、無限の可能性を感じた私は、新しい時代の建築のために、否定すべきはモダニズムの原理ではなく、その利便性だけを借用して安易な大量生産を続ける経済至上主義の社会風潮であると考えるに至った。普遍性と地域性の対立的共存である。その課題を最も端的にかつ直接に表現する初段として、住宅があった。ァナキュラーなどポスト・モダンのキーワードが話題になり始めた60年代後半から70年代にかけて、何故、安藤忠雄(だけ)が、こうした時代の表層に流されないスタンスを取り得たのでしょうか。それは、安藤忠雄が中心や主流ではない場所におり、正規の制度や既存の権威とは無縁であったという、建築家としての周縁性、非正規性にあります。東京ではなく大阪を拠点としていたこと、、大阪下町の生家での狭く暗い、モダンリビングとは真逆のニ間長屋の原体験、元ボクサー志望というエピソードからうかがえる身体性への眼差し、建築家を志望しながら大学進学を断念せざるを得なかったこと、その結果、正規の制度を経ずに独学で建築を学んだこと、など、安藤の出自は、いわゆる「建築家」のそれとは大きく異なります。安藤は、「初期モダニズムの瑞々しい感性」の代表例として、ル・コルビュジエの<サヴォア邸>とミース・ファン・デル・ローエの<ファンズワース邸>を挙げています。コルビュジエは、スイスの時計職人の家に生まれ、大学での教育を受けておらず、パリでは異邦人でした。ミースは、ドイツの石工の家に生まれ、職業訓練校の出身で、アメリカに亡命を余儀なくされた人物でした。安藤が熱心にその作品を見て回った建築家の一人であり、「装飾は犯罪であると」と宣言したアドルフ・ロースも自国(オーストリア=ハンガリー二重帝国)の辺境性を痛感していた建築家でした。「日本のモダンリビングといわれるものは、近代というものを深く思考することなしに、西洋の生活様式やスタイルだけを真似たものであるから、真の近代住宅がそうであったように、自我の確立を目指す<個人>が意思表示をする場としての器になっていない」<個>に契機を持つ初期モダニズムが求めた理想の実現、モダニズム精神の徹底を掲げた安藤が<抵抗>と<闘い>を挑んだのが、高度経済成長の帰結として、快適な均質空間のなかで安住し、<個>を喪失してしまっている70年代の日本社会と日本人でした。最初期の「都市ゲリラ住居」(1972年)と題されたマニフェストに、<外部>(既成の社会や権威)を拒絶し、<内部>=<個>を唯一の拠りどころとする若き「ゲリラ」安藤忠雄の登場の軌跡が鮮やかに記されています。安藤の「常識はずれ」で「反時代的」な作品は、批判と議論を呼びながら、確実に新しい住宅像や空間イメージを切り開いていきます。「雨の日は、傘なしではトイレにも行けない」と揶揄された<住吉の長屋>(1976年)は、1979年に日本建築学会賞を受賞します。「反時代」が、機能と効率の時代に倦んでいた多くの人びとの心を射抜き、新たな価値となっていきます。安藤は自らの住宅は決して一般解ではなく、主流をなすものではない。メンテナンスが必要であり、寒く、住みにくいとも公言しています。安藤のもとを訪れる依頼人の約半分は、それを聞いて依頼を取りやめると笑いながら語っています。それでも、安藤流の繊細なテクスチャーのコンクリート打ち放しはすっかり建築の素材・表現として定着し、設計を手がけた住宅は200棟近くに上り(未完のものも含めて)、快適さや住みやすさという価値観を超えて、安藤建築の個性に魅せられる人は後を絶ちません。それは、抑制や簡素さのなかに精神的贅沢という新たな価値を創り出した一種の<質素革命>だったといえます。安藤建築の本質は、「ゲリラ」による<質素革命>だったのです。本人は、海外批評などで自身の建築を日本的と評されることに戸惑い気味ですが、室町時代の東山文化に端を発し、村田珠光に始まり、千利休へと至る詫び茶(あるいはそこから生まれた<わび・さび>という価値観)に、その<質素革命>の先駆をみた場合、安藤建築を日本的と解する評も、あながち印象だけを取り上げたものと退けるわけにはいかないのではないでしょうか。安藤忠雄(1941-)大阪生まれ。個人住宅作品からスタートし、本文にある<住吉の長屋>で注目される。多岐にわたる大小の作品で実績を残す日本を代表する建築家。原稿初出のsite「マンションライブラリー」を主宰する東京カンテイさんの事務所はJR山手線の目黒駅の駅前にあります。ヴィンテージマンションのメッカとして知る人ぞ知るエリア。今回は東京カンテイさんのご近所に、建築家が設計を手がけた分譲マンションを訪ねます。江戸の地形の面影を残す茶屋坂が今も健在。「目黒のさんま」はこの地から目黒区三田二丁目は、白金台の台地が目黒川に向けて傾斜して下っていく、ちょうどそのあたりに位置しています。この南下がりの斜面は目黒川によって左岸側(川の北側)が浸食されてできた崖地です。ある有名な坂が茶屋坂です。現在の茶屋坂は、かつての三田用水の下を随道のように新たに通した坂であり、下の写真の右側上方にみえる緑のガードレールのあたりを三田用水が左右に走っていました。茶屋坂が、現在の茶屋坂の東側に今も残っています。両側から建物が覆いかぶさり、カーブしながら都市の底に下りてゆくような、狭く、急な様子は、坂道マニアだったら高評価を下すであろう、いかにも江戸の地形の面影を残した坂道です。途中の曲がり角には、<目黒爺々が茶屋>と記載された案内が建てられています。<目黒爺々が茶屋>と題された一枚があります。遠くに富士山を望み、眼下にはのどかな刈田が広がり、右手に茶屋が描かれ、左手の崖下のよしず張の東屋では幾人かの人が談笑しています。陽当たりのよさそうな高台、目の前に大きく眺望が開けた開放感、のんびりした秋の風情など、今の人も思わず行楽心がくすぐられそうな作品です。この爺々が茶屋には有名な逸話が残されています。この辺から鷹番あたりにかけては、かつての将軍の鷹場だったところ。三代将軍家光が鷹狩に赴いた際にこの茶屋で歓待を受けて、それ以降は必ず立ち寄ったとか、あるいは、落語「目黒のさんま」において殿様が始めてさんまを食べたのが、この爺々が茶屋だったとか。ヴィンテージマンションが集積した背景とはここ目黒区三田二丁目には、1960年代後半から70年代にかけて建てられた、いわゆるヴィンテージマンションが数多く建ち並んでいます。その答えはこの地が目黒川に下ってゆく急傾斜の崖地だったことにあります。都心に近く、環境や眺望に恵まれた割には、崖や急斜面だったことが理由となって、それまでは建物などがあまり建たないまま残されていました。1960年代後半以降、マンションの立地が都心エリアから山手線の外側へと広がっていくなかで、マンション建設適地として注目され、一挙に開発が進んだのでした。江戸時代には千代が崎と呼ばれ、富士山を望む風光明媚な行楽地として親しまれたこの目黒区三田二丁目の地は、ヴィンテージマンションが建ち並ぶ高台の住宅地に変貌し現在に至っています。そんななかの建築家が設計した分譲マンションを訪ねましょう。潔いモダニズムが超クール。南側に眺望が開けた三田二丁目の高台に建っています。イーストヒル》(1983年)など、数々の分譲マンションの名作を手がけた建築家です。シンメトリーなフォルム、バルコニーがなく柱と梁のみで構成された立面、袖壁などがない全面ガラス開口の透明感など、マンション離れした印象の建物です。functionを体現したようなデザインです。明示的デザインを施さないエントランスは、この建物が一種のオープンエンドな存在として、つまりいくらでも増殖させることが可能なプロトタイプ的存在として、そこに在ることを訴えています。パース映えなど、さまざまな想いが込められて情緒たっぷりにデザインされた今どきのマンションを見慣れた眼には、逆に新鮮に映るでしょう。きしたファサードを作るために、室外機は妻側に設備ラックを設け、そこに置くというアイディアが採用されています。建築当初の白い外壁はダークグレイに塗りなおされており、エントランスもシームレスなガラスのデザインに改修されているようです。《目黒ハウス》は圓堂政嘉が設計を手がけ最初の集合住宅です。力説していた、開放廊下に面するようなプライバシーのない居室がある日本のマンションは欠陥商品である、という持論を2戸1EV、3戸1EV方式により実現した建築であり、その後の《広尾ガーデンヒルズイーストヒル》などの原点となった作品です。圓堂政嘉はここを自邸としており、自信作だったことがうかがえます。名匠による究極の邸宅マンション。三田二丁目の斜面の中腹、ちょうど旧茶坂を下ったあたりに建つのが、名匠・吉村順三が設計した《ヴィラージュ目黒》(1979年)です。共同設計)などの著名建築を手がけた昭和の日本を代表する建築家の一人です。モダニズム建築のなかで日本の木造建築のよさを生かした誠実で質実な作風で知られています。スパニッシュ調の戸建の邸宅かと見まがうこの建物は、すべてメゾネットの大型住戸5戸からなる分譲マンションです。「良いデザインの基本は、プロポーションしかないと思います」、「建築の完成度は、詳細に検討された各部の寸法、比例によって決まる」、「私は、建築家として、自分では寸法にいちばん責任をもっている」。いずれも吉村順三の言葉です。当たり前と見過ごしてしまいそうな外観ですが、よく見ると、雁行やずれをともなって微妙に変化しながら一戸一戸の個性を際立たせるフォルム、柱やバルコニーの存在感が醸し出すさりげない威風、オレンジ、白、緑が織りなすモダンでリラックスした暮らしのイメージなど、控え目ながら絶妙なデザインであることに気がつきます。屋根から飛び出した煙突はなんでしょう?暖炉の煙突なのです。なんと、このマンションには各住戸に暖炉がついているんですね。それは、炉辺で家族が集まってよもやま話に興じるなど、温かい暮らしのひと時を想像させて止みません。思わず住んでみたくなるような、いい感じの住まい。そんな佇まいのマンションです。生涯で個人住宅を200棟以上手掛けた吉村順三が設計した分譲マンションで、現在、残されているのはこの《ヴィラージュ目黒》だけです(★1)。「建築家として、もっとも、うれしいときは、建築ができ、そこに人が入って、そこでいい生活がおこなわれているのを見ることである。日暮れどき、一軒の家の前を通ったとき、家の中に明るい灯がついて、一家の楽しそうな生活が感じられるとしたら、それが建築家にとっては、もっともうれしいときなのではあるまいか。家をつくることによって、そこに新しい人生、新しい充実した生活がいとなまれるということ、商店ならば新しい繁栄が期待される、そういったものを、建築の上に芸術的に反映させるのが、私は設計の仕事だと思う。計算では出てこないような人間の生活とか、そこに住む人の心理というものを、寸法によって表わすのが、設計というものであって、設計が、単なる製図ではないということは、このことである」この明治生まれの名匠が語った言葉は、何回読んでも設計に対する誠実さ、真摯さ、矜持に打たれます。《ヴィラージュ目黒》にも、そんな吉村順三の姿勢が感じられます。生み出していたTRIAD建築設計事務所による《ガーデン目黒》(1978年)など、建築家が設計した分譲マンションがあります。<中>へ(★1)分譲リゾートマンション<フジタ第2箱根山マンション>は吉村順三が設計した。「夢の跡を訪ねて~建築家が設計した分譲マンション~<上>」に続いて建築家が設計を手がけた分譲マンションを訪ねます。永遠のベスト&スタンダード。《広尾ホームズ》(1972年)は、我が国のモダニズム建築の重鎮であり、プリッカー賞受賞建築家である槇文彦が設計した分譲マンションです。槇文彦は、幕張メッセ、東京体育館、NYのフォー・ワールド・トレード・センター、MITメディアラボ新館など、内外で数多くの注目プロジェクトの設計を手がけていますが、住居系はほとんどなく、唯一の例外ともいえるのが30年越しで手がけた代官山の《ヒルサイドテラス》です。《ヒルサイドテラス》は日本における街並みづくりのひとつの到達点といえます(★1)。一つの例外であり、かつ分譲マンションであるというのが《広尾ホームズ》です。《ヒルサイドテラス》は複数の低層集合住宅の集まりですが、こちらは13階の板状高層集合住宅です。槇が設計した隣接した《広尾タワーズ》(賃貸)とツインビルディングになっています。《ヒルサイドテラス》が、槇文彦の言う日本的都市空間の構造「奥の思想」をモダニズム建築言語実現したものだとすると、この90度ずれた角度でペアになって並ぶ広尾のツインビルディングは、どこかミースのレイクショア・ドライブ・アパートメントの配置を彷彿とさせたり、あるいは、マンハッタンあたりにありそうなハイライズ・コンドミニアムが建ち並ぶ風景を思い出させたりなど、ピュアなモダニズムの面影を宿しています。大らかな配置計画やオープンなアプローチ、飾らないエントランの庇、構造や内部プランをストレートに見せた質実で潔い外観、抑制されたカラーや素材など、よく考え抜かれて作られた無駄の合い日用品のような魅力の佇まいです。その真っ当さ、奇をてらわない姿勢は、意匠面だけではありません。2戸1EVによる全室のプライバシーを確保したPP分離プラン、アウトフレームによる柱・梁のない室内空間、将来のメンテナンスを考慮した部分ダウンスラブによる水廻りの横引き配管、バルコニーの室外機や壁掛け室内機など無粋な機器とは無縁なセントラル方式の空調計画など、居住性や設備やメンテナンスという観点からも、実に正統な考え方のマンションでした。槇文彦はこう言っています。「そういうもの(注:《ヒルサイドテラス》のこと)をつくることによって、間接的に、東京という都市や時代性に対するコメンタリーにならないか、ということも考えてきたわけです」。コメンタリーとは解説というよりはむしろ批評というニュアンスが強いと思われます。そのスタンダードさゆえに逆に日本離れして見えてしまう。50年前にできたこのマンションの佇まいを見るたびに、《広尾ホームズ》もまた東京というまちと住まいに対する槇文彦の鋭いコメンタリーではなかったか、という気がしてなりません。郊外モダニズムの白い輝き。徒歩19分に立地します。1970年頃といえば、分譲マンションが日本の都市型住居の新しい形態として登場して間もない時期です。その多くは都心に立地し、ほとんどが高級物件でした。約50年前に、田園都市線の郊外に《桜台コートビレッジ》という時代を画すような分譲マンションが誕生したのにはどのような背景があったのでしょうか。東急電鉄による土地区画整理事業の一括代行方式で多摩田園都市の開発が始まったのが1959年です。そこには、同社の母体ともなった田園都市株式会社を設立した渋沢栄一やそれを陰で支えた小林一三などの明治の大物財界人たちが欧米の都市を参考に夢見た理想都市の理念がありました。よって提案されたのが、チャンネル開発方式と呼ばれる、プラザ、ビレッジ、クロスポイントの3種類の拠点(チャンネル)の開発を契機として、段階的に都市機能を整備していく方法でした。その計画は多摩丘陵に産する梨(ペアpear)から、ペアシティ計画を名づけられました。《桜台コートビレッジ》のビレッジとは、このチャンネルのひとつに由来するものです。ビレッジとは、駅前以外での機能集積を狙った拠点であり、集合住宅と商業や公共機能などの複合施設としてイメージされていました。《桜台コートビレッジ》をはじめ3か所のビレッジ(★2)の設計を任されたのが菊竹事務所でペアイシティ計画を担当していた内井昭蔵でした。菊竹事務所から独立してはじめての仕事であり、《桜台コートビレッジ》は38歳の内井昭蔵に日本建築学会をもたらしました。《桜台コートビレッジ》が建っているのは、斜度が20度を超える北西斜面の細長い土地で、いわば区画整理でしわ寄せされたヘタ地のような土地です。コンクリートの壁柱によって切り立った崖から大きく空中に持ち出された圧倒的なヴォリューム、コーナーエッジを強調しながら複雑に入り組んだ表情を見せる雁行ファサードなど、この崖地をなんとか住みこなそうとする人間の確固たる意志が伝わってきます。同時に《桜台コートビレッジ》では、開放的な大きなテラス、公園の中を抜けるような階段、プラザのような踊り場、路地のような通路、溜りのある住戸玄関など、自然を取り込んだ豊かなコモン空間が造り込まれています。マンションにおける戸建て感覚や雁行配棟というアイディアはこのマンションが嚆矢といえます。「健康な建築」、「有機的な建築」を模索した内井昭蔵ならではの言葉です。郊外にも関わらず、いや、そこここにまだ雑木林などが残っていたであろう、暮らしの歴史が希薄な郊外においてだからこそ、自然と人とが親和的な関係を結ぶ新たな暮らしのあり様とイメージを創ろうとした郊外モダニズムの理想が、50年になろうとする時を経た今も見る者に伝わってきます。残念ながら多摩田園都市における<ビレッジ>構想は内井の手がけた3プロジェクトだけで終わってしまいます。コントロール不可能なほどの圧倒的な人口増加圧力の前にビレッジ構想は無力でした。結果的に今日に至るまで《桜台コートビレッジ》のような郊外住居の理想にチャレンジする集合住宅が二度と現れなかったことは、かえすがえすも残念だと言わざるを得ません。<下>へ(★1)《ヒルサイドテラス》の住居は賃貸が基本であり、分譲はE棟(1977年)の一部だけ。(★2)ビレッジ構想は《桜台コートブレッジ》のほかに《桜台ビレッジ》、《宮崎台ビレッジ》で実現された。いずれも内井昭蔵が設計を手がけている。|2019/01/26住宅は車に憧れ、車は住宅を夢見る<上>18世紀のフランス宮廷社会では、現代人が車に寄せるのと同様の興味と関心が、家具に対して寄せられていたそうだが、20世紀にモダニズムが誕生した時から、車と住宅はお互いを強く意識する関係だった。住むための機械、車のような住宅。ル・コルビュジエの《シトロアン住宅》ル・コルビュジエは1917年、30歳で故郷スイスからパリに出て1920年に「エスプリ・ヌーヴォー」紙を創刊し、数々の提案を世に問うてゆく。ロシア革命が起こり(1917年)、第一次世界大戦が終わり(1919年)、グロピウスがバウハウスを設立する(1919年)。新しい時代が幕を開けつつあった。なかでも動く居室ともいえる車は、住宅との類似性を有しながらも、機能重視の合理性、標準化による量産、高い製品精度、移動の自由、スピードの快楽など、住宅にはない価値と美を持った最も憧れる存在だった。「建築は因習のなかで喘いでいる」。コルビュジエはそう主張して、さっそく工業化した建築のイメージを《シトロアン型量産住宅》と命名して発表する(1920年)。シトロアンとはもちろんシトロエンをもじったものだ。白い箱型に吹き抜けとガラスの大開口と屋上テラス組み込んだ、単純だが明るく住みやすそうな住宅だ。『ル・コルビュジエ展カタログ』、毎日新聞社、1996年)1階をピロティで持ち上げ下をガレージとした、最初の案を改良した1922年の案がどことなく車を思わせるのは単なる偶然か。「尖った屋根裏のついていない家に住むことを恥ずかしく思うとことはない。鉄板のように滑らかな壁であることも、工場の硝子屋根のような窓どあることも。『ル・コルビュジエ展カタログ』、毎日新聞社、1996年)「住宅は住むための機械」という有名な言葉の「機械」とは車のことだった。車×住宅という終わらない夢。前川國男の《プレモス》そのル・コルビュジエの事務所で、最初の日本人所員として師のもとで2年間修行したのが建築家前川國男だ。《プレモス》は、そんな前川國男が設計にかかわった木造パネルによるプレハブ住宅だ。戦後日本における量産化住宅のはしりのようは存在だ。コルビュジエ事務所で前川が担当したのが師が提案してCIAM第2回大会のテーマにもなった最小限住宅だったそうだ。量産住宅による建築革命、この若きコルビュジエの意志をついで戦後の日本で試みられたのが《プレモス》だった。『ル・コルビュジエから遠く離れて』松隈洋、みすず書房、2016年)420万戸が不足するといわれた第二次世界大戦後の日本の住宅不足は深刻であり、同時に軍需産業の民生転換もアメリカやヨーロッパと同様に重要な課題だった。PREMOSとは、プレファブのPRE、前川國男のM、後輩で構造家の小野薫のO、そして山陰工業株式会社のSを組み合わせたものだ。後ろ盾になっていたのが鮎川義介という人物。鮎川は後の日産自動車をはじめとする日産コンツェルンの創始者で、前川とは戦前から満州の飛行機工場建設の関係で知り合いだった。《プレモス》は約1,000棟建設され、プレハブ住宅黎明期の建築家が関わった商品としてはそれなりの実績を残したが、そのほとんどは「炭住」と呼ばれる北海道と九州の炭鉱労働者のための住宅で一般住宅は数える程度だった。住宅や民生品よりも石炭や鉄鋼などの基幹産業に資源を集中投資し経済復興を図るという、いわゆる傾斜生産方式と言われた戦後政策が足かせとなった。量産住宅の要である販売体制がないことも大きなネックだった。前川國男は販売に関心があるわけでも、ルートがあるわけでもなかった。住宅に困窮する国民のためにという当初の目的に照らすと、《プレモス》は成功したとは言い難い結果だった。戦後の住宅不足を目にしながら《プレモス》にピンとくるものがあったのだろう、同時に前川たちの販売や経営の稚拙さにいらだったのか、鮎川は前川に《プレモス》を自分に任せるよう要求し、前川は「あれにプレモスを渡したらロクなもんにならん」と建築家の純粋さで答え、二人は決裂する。建築家で建築史家の藤森照信はこう嘆いている。コルビュジエの薫陶を受けたモダニズム建築を「代表する前川國男と車づくりを代表する鮎川義介が、戦後の幕が上がった最初の時点で出会っているのだ」「”もし、あのとき、前川がプレモスを鮎川に渡していたなら”」日本における車と住宅の戦後史は今とは全く違ったものになっていたかもしれない、と。:https://www.pinterest.jp/pin/445926800594664152/)《プレモス》誕生と挫折の秘話を知った人は、藤森に限らず、そう夢想することをやめられない。ハウスメーカーのトヨタホームの前身は、トヨタ自動車の創業者豊田喜一郎が1950年に始めたユタカプレコンという会社であり、トヨタにとって住宅は、創業時からの意中の分野だった。トヨタは2005年に倒産しかかったミサワホームを傘下に収めるなど、創業以来の住宅への夢を今も見続けてる。車は住宅の夢を見続けている。~桂離宮~モダンデザインを一言でいうとシンプルなデザインということになるだろう。広辞苑には「シンプル」とは「単純なさま」とある。シンプルとは、色・かたち・素材が簡素で抑制されているさまである。シンプルはモダニズムの専売特許ではない。建築やプロダクトのデザインに限られるというわけではない。シンプルという価値観はどこから来たのか。その具体的な現れ方とは。シリーズ《シンプルの系譜》では、さまざまな切り口でシンプルの様相を探ってみる。桂離宮はモダニズムとの関連で語られてきた。曰く、「日本的なもの」こそがモダニズムの理想であるとの格好の証として。今回の「シンプルの系譜」では、実物(建築や庭園)としての桂離宮ではなく、さまざまに語られたテキスト(文章や写真)としての桂離宮を追ってみる。ブルーノ・タウトの桂ブルーノ・タウトは1933年5月3日、シベリア経由で日本に到着し、その翌日に桂離宮を訪れている。日本インターナショナル建築会からの招待を機に日本へ政治亡命したのだった。本国ドイツにおいて、親ソ派とみなされていたタウトは、政権を握ったナチスから職と地位をはく奪されていた。ブルーノ・タウトは桂を「泣きたくなるほど美しい」との言葉で大いなる感激とともに賞賛し、「私は桂離宮の”発見者”だと自負してもよさそうだ」と日記に書きつけた。もの」)タウトは簡素で実用的でありながら、美しく高貴さをたたえた芸術的存在として桂を称賛した。同時に、その美の原理は決して歴史的、日本的にとどまるものではなく、完全で、超時間的で、現代的であると評した。「桂離宮は歴史的規範であるばかりでなく、実にそれ以上である。世界的奇蹟」)こうしたタウトの桂礼賛は大きな影響を与える。ナショナリズムが台頭するなか、帝冠様式vs近代建築(国際建築)で揺れる当時の日本の建築界において、劣勢に立たされていた近代建築派は、タウトの言説にモダニズム建築の格好の拠り所と正統性を見出し、その結果、「モダニズムとしての桂」という神話が生まれてゆく。「このような建築物は実に、究極の細緻な点が合理的には把握し得ないがゆえに古典的なのである。その美はまったく精神的性質のものである」(ブルーノ・タウト『ニッポン』所蔵「桂離宮」)「建築の世界的奇蹟たる桂離宮の御殿とその林泉とは、多くの関係の融通無碍な結合を表現している。世界的奇蹟」)しかしながら、こうしたタウトの実際の言葉は、モダニズムというよりも、高貴さや芸術性や精神性や関係性の美学に重きが置かれているように見える。表現主義者タウトの眼に映じたのは300年経てなお色褪せない桂の美であり、ブルーノ・タウトの桂とはその美への素直な驚きと喜びの表現だった。タウトはグロピウス、あるいはコルビュジエやミースのようなモダニストではなかった。タウトの言葉を巧みに我田引水して、世界的建築家によって見出された「モダニズムとしての桂」という神話を生み出したのは日本のモダニストだった。日本インターナショナル建築会はもともとそうした意図と目的をもってタウトを招聘したのだった。残された著作の多さに比べ、タウトの日本での建築的成果はほとんどない。大学で地位を得たいという希望も拒否されている。地位を得て、再び建築家として活躍し、2年後に彼の地で客死する。タウトがトルコで残した建築作品には「日本的なもの」の影はほとんどみあたらないそうだ。クローズアップから始める。後年、印刷精度を上げて改めて世に問うた白黒写真の決定版とも呼べる『桂離宮』(2010年)においても、御輿寄席の延段(庭に設けられた石張りの通路)のクローズアップから始まり、石や苔のクローズアップが10枚続く。建築や庭園などを被写体にした写真集としては、部分のクローズアップから幕を開けるというのは極めて珍しい。石元の写真では、「むくり」のついた書院の屋根は慎重にカットされ、入母屋屋根が写らざるを得ない全景写真は注意深く避けられ、グロピウスやタウトらが手の込んだ装飾性を嫌った新御殿の桂棚や庭の蘇鉄の植え込みの写真も見当たらない。etc.アメリカに渡った写真家モホリ=ナジ・ラースローが開設した、「ニューバウハウス」と呼ばれたシカゴ・インスティチュート・オブ・デザインを卒業した、バウハウスの美学を身につけたこの写真家の眼は徹頭徹尾モダンだ。同じ石元により後に出されたカラーの写真集(後述)に載った桂が、ごく普通の古屋の表情を宿している(当たり前だ)のに比べ、白黒の桂は、圧倒的にミニマルでモダンな印象を与える。2010年の白黒写真集においても、石元は徹底してモダンな桂にこだわっている。石元泰博の桂において、「モダニズムとしての桂」は具体的なイメージとして実体化した。日本建築における伝統と創造』の石元泰博の共著者である。「日本建築における伝統と創造」は巻頭に置かれた丹下の論文の題名でもある。その基本的性格としてもっている」とする一方で、「庭のそこかしこの石組、また庭に点在する茶亭は、農民層住居にみられるような縄文的性格を秘めている」と記す。その縄文的性格として「生成的エネルギー、奔放な流動性、未形成な形態感、均衡を失った破調」が挙げられる。「この二つの系譜の伝統は、日本歴史上はじめて、この時期に、この桂でぶつかりあうのである。この上層文化の系譜と下層のエネルギー、弥生的な文化形成の伝統と縄文的文化生成のエネルギーとが、ここで伝統と破調として、ディアレイティクに燃焼しあうことによって、この桂の創造はなしとげられたとみてよいだろう。ここには伝統と創造の論理があくまでも貫徹されている」と結論づける。(1964年)や東京カテドラル聖マリア大聖堂(1964年)などに結実することになる、繊細さとダイナミックさ、日本と西洋、伝統とモダンを弁証法的に止揚する方法論である。丹下の、書院=弥生的、庭・茶亭(わび・さび)=縄文的という、やや強引な桂の見立ては、この方法論の実践に向けた戦略的スタンスだったといえる。「桂を否定し、破壊しようとするのも、また現代に私たちにとっての、伝統と創造によってあるのである」という言葉でこの論文は結ばれる。丹下健三の桂は、「日本的なもの」とモダニズムとの関係に決着をつけるようとする、昭和の国家的建築家の覚悟が語られた桂だった。磯崎新は、石元泰博が昭和の大修理と呼ばれた解体修理の後、2回目に桂離宮を撮影(1981年と翌年)したカラー写真集『桂離宮-空間と形』(1983年)に論文「その両義的な空間」を寄せている。磯崎は、タウト以降の「モダニズムとしての桂」が切り捨ててきた要素に焦点を当てて桂離宮を読解してゆく。四半世紀を経ながら建てられら三つの建物が、雁行しながら奥へと連続するように配置されている。このズレは平面だけではなく立面にも認められ、三つの建物は床の高さや立面が微妙にズレながら連結されている。この偶発的なズレが桂の「たゆたうような快楽」や「微妙な諧調」を生み出していると磯崎はいう。)させたものといわれるが、同じ数寄屋化でも、田園的あこがれを虚構化した「草庵風書院」の古書院に対して、新御殿は軽快さや華麗さなどより雅(みやび)な趣を強めた「綺麗座敷」と呼べるようなデザインである。これまでの「モダニズムとしての桂」においては、古書院の簡素さ、透明性を高く評価する一方で、新御殿のきらびやかな装飾性は、堕落、遊びとして切り捨てられてきた。この2つの意匠の混淆と重層こそが、桂の魅力になっていると指摘する。舞台のモデルとなった藤原道長の桂殿跡といわれ、さまざまな文学的アリュージョン(隠喩)が空間に織り込まれた時間の織物として桂の魅力などが語られる。対立的要素が「相互に心地よい関係をとり結び、絶妙な均衡を保持しながら、あでやかな快楽を誘いだす」ことができることこそ、「桂が古典たる所以である」と結論づける磯崎新の桂は、硬直したモダニズムの先を模索するこの建築家らしい、マニエリスム的桂、ポストモダン的桂であるといえる。|2018/12/21漱石山房とウイリアム・モリスのレッド・ハウス「私は建築家になろうと思ったのです」。大正3年(1914年)東京高等工業学校(現在の東京工業大学の前身)での講演で漱石は続けてこう言っている。「まだ子供のとき、財産がなかったので、一人で食わなければならないという事は知っていました。忙がしくなく時間づくめでなくて飯が食えるという事について非常に考えました。立派な技術を持ってさえいれば、変人でも頑固でも人が頼むだろうと思いました。佐々木東洋という医者があります。この医者が大へんな変人で、患者をまるで玩具か人形のように扱う、愛嬌のない人です。それではやらないかといえば不思議なほどはやって、門前市をなす有様です。あんな無愛想な人があれだけはやるのはやはり技術があるからだと思いました。それだから建築家になったら、私も門前市をなすだろうと思いました。それは高等学校時分の事で、親友に米山保三郎という人があって、この人は夭折しましたが、この人が私に説諭しました。セント・ポールズのような家は我国にははやらない。下らない家を建てるより文学者になれといいました。当人が文学者になれといったのはよほどの自信があったからでしょう。私はそれで建築家になる事をふっつり思い止まりました。私の考は金をとって、門前市をなして、頑固で、変人で、というのでしたけれども、米山は私よりは大変えらいような気がした。二人くらべると私が如何にも小(ちっ)ぽけなように思われたので、今までの考(かんがえ)をやめてしまったのです。その結果は――分りません。「変人」を自任する人間が「変人」のままで食べていくために「腕」(技術)を身に付けよう、そう漱石は思っていた。その「腕」(技術)として建築を選んだ理由を、漱石はこう説明する。「それと元来僕は美術的なことが好(すき)であるから、実用と共に建築を美術的にして見ようと思ったのが、もう一つの理由であった」(『落第』、明治39年(1906年))東西の美術に造詣が深く、自らも南画山水(文人画)を能くした漱石らしく、建築に実用と美術(芸術)の2面性を見ている。(★1)では、漱石の書斎が復元されている。書斎は、漱石山房とも呼ばれたこの居宅の中核をなし、懐手をして文机にもたれかかる漱石を撮った写真の場所だ。こヽろ』『道草』、そして絶筆となった未完の『明暗』など、近代日本文学の傑作の数々はここで書かれている。再現展示されている漱石の書斎は、広さ10畳の板敷きの部屋で、手前に同じ板張りの10畳の部屋が連続しており、こちらは畳が敷かれ弟子たちや来客が座る客間として使われていた。部屋の寸法や内装はもちろん、書籍、書画、さまざまな調度品、愛用のオノトの万年筆などの小物まで、漱石が使っていた当時の空間が細部に至るまで忠実に再現されている(★2)。板敷きの床、天井が高く(天井高3,100mm)縦に伸びる空間のプロポーション、白い壁と白い天井と白いドア、縦長のガラスの腰窓。当時の日本家屋とは全く印象を異にする空間だ。いくつかの木製の書棚が置かれ、オリジナルの書画が掛けられ、床には赤いペルシャ絨毯が敷かれ、その上には小ぶりの紫檀の文机、格子柄の座布団、白磁の火鉢などが置かれている。高い天井からは簡素なペンダントが下げられ、よく見ると壁には銀杏鶴の文様のクロスが張られている。本棚いっぱいに詰められた書籍と整然と床に積み上げられた書籍の山々がこの稀有な主の職業を物語っている。漱石自身も、当時の弟子たちも、この書斎を「伽藍(がらん)」と呼んでいた。伽藍とはもともとは、僧が集まり修行、瞑想する場所のことを指している。板敷きの床、高い天井、中国由来の書画や調度、壁が多く薄暗さが漂う空間の印象をそう表現したのだろう。書斎と客間の外側の三方には、白い木の手摺がついたベランダのような廊下が回廊のようにまわっている。手摺の上部には、開けたてができるガラスの引き戸が設けられていた。明治43年(1910年)の修善寺の大患から生還し、死の前年に書き継がれた随想集『硝子戸の中』(大正4年(1915年))のタイトルはここに由来している。『硝子戸の中』では、漱石がひとり山房の硝子戸の中にじっと座って、心をながめ、考えをめぐらし、さまざまな瞑想・内省にふける描写が頻繁に登場する。当時としては(あるいは現代においても)やや風変りな意匠のこの建物は、もともとはアメリカ帰りの医師が建てた家で、書斎の部分は、住居兼診療室として建てられた家の診療室部分だったと言われている。コロニアル様式を思わせる印象はここからきている。この無国籍風の不思議な居心地の良さに既視感を覚えた。ウィリアム・モリスは1860年に友人のフィリップ・ウエッブの設計で自邸<レッド・ハウス>を建てる。2.0)モリスはこの自邸のための家具をロンドンで探しまわるなかで、機械生産による安物ばかりになってしまった家具に絶望し、手仕事の復権を決意し「モリス・マーシャル・フォークナー商会」(後の「モリス商会」)を設立し、オリジナルの家具の製作などを始める。後にアーツ・アンド・クラフツ運動と呼ばれる、モダンデザインの源流となるムーブメントが生まれるきっかけになったのがこのゴシック風(中世風)の<レッド・ハウス>だった。下の写真は<レッド・ハウス>のドローイングルーム(★3)の写真である。(*source:https://braydentomlinson.wordpress.com/2010/09/19/art-history-william-morris-red-house/)ペルシャ絨毯が敷かれた飴色の木の床、オリジナルなアート、天井が高い白い空間、小さな窓、木製の本棚、パーソナルな家具、繊細な柄のクロスやファブリック、簡素なペンダント。漱石山房の書斎とモリスの<レッド・ハウス>のドローイングルームはそっくりではないか。漱石がロンドンに留学するのは1900年(明治33年)。モリスの死去(1896年)から4年後だ。「漱石文庫」として収蔵されている漱石山房の蔵書のなかには複数のモリスの書籍が確認されている。漱石はモリスの思想や美学、ラファエル前派の美術作品、さらに、建築や美術を志向する漱石は、「モリス商会」による家具やインテリアや建築などにも親しんでいたずだ。漱石の明晰な頭脳と鋭敏な感覚は、前近代の日本から近代を学ぶ使命を帯びて渡ったイギリスにおいて、近代の具体的成果を見聞すると同時に、近代が新たな悪弊を生み出しつつあるという矛盾をも感得していたに違いない。モリスにおけるゴシック(中世)的世界観や「生活の芸術化」という運動は、そうした近代の悪弊への異議申し立ての一環であることを、正確に理解していたと思われる。漱石が<レッド・ハウス>を訪れた記録はないし、漱石山房の書斎がモリスの<レッド・ハウス>のドローイングルームを模して作られたとも思えない。西洋的でもありアジア的・日本的でもある、近代的でもあり中世的(南画的・江戸的)でもある、漱石山房の書斎に漂う不思議な無国籍のイメージとそこからくる親密な居心地の良さは、英文学と漢文学の違いに煩悶し、前近代と近代のはざまで引き裂かれ、生活と芸術の葛藤に最後まで苦悩した、夏目漱石自らが独自に創り上げた「生活の芸術化」の実践であった。そこには、モダンデザイン誕生の始まりとして記憶されるウィリアム・モリスのアーツ・アンド・クラフツ運動との正確なシンクロニシティがあったことが直感できる。7/TEL:03-3205-0209/http://soseki-museum.jp/開館時間:10:00-18:00(入館は17:30まで)/休館日:月曜日/観覧料:一般300円、小中学生100円。協力を得て再現されている。リビングルームと呼ばれることになる空間のことである。-中銀カプセルタワービル/CC-BY2.0現在、著名な建築案が分譲マンションを設計するとはほとんどありません。著名とはなにか?は議論があるところですが、建築界以外にも広く一般に名前が知られた、ということにしておきましょう。1960年代の分譲マンションの黎明期からバブルの前あたりまでは、美術館などの大型公共建築を手がけ、国際的にも知名度があり、耳目を集めるプロパガンダで世間を賑わすような建築家が設計した分譲マンションが供給されていました。現在、デザイン監修と称して、決まった設計に対して、建築家が外観やインテリアのスタイリングを手がける例はむしろ増えていますが、建築家が設計する分譲物件はほとんどありません。2000年頃から、建築家が設計する賃貸マンションが「デザイナーズ賃貸」と呼ばれ、建築家による設計が付加価値となり一世を風靡し、定着している状況とは、まさに正反対です。同じ都市型集合住宅でも、分譲マンションと賃貸マンションとの間には一線が引かれ、両者は完全に分断されているのです。建築家が設計する分譲マンションがなくなったのでしょうか。供給側(ディベロッパー)、建築家の双方とも、新しく社会に登場したビルディングタイプである分譲マンションに対して、さまざまな想いや気概を持って、まだ見ぬ都市型住宅の理想の姿を実現しようと夢見ていました。バブルとバブルの崩壊を経て、分譲マンションはその後、すっかり均質化、標準化した姿で普及していきます。分譲マンションはコモディティとなったのでした。コモディティ化したものに新たな理想像は要りません。必要なのは、品質の安定と少しばかりのスタイリングの味つけと気の利いたキャッチコピーで充分です。分譲マンションは一気にコンサバなステイタス商品となり、自ずとディベロッパーと建築家がタッグを組んで理想を試行錯誤するような試みも不要となりました。都市居住の新たな可能性を切り開こうとする志が表れた、建築家が設計を手がけた分譲マンションを訪ね、その夢の跡を探ってみます。今もって都市型集合住宅の最前衛でありつづけているのが、黒川紀章による《中銀カプセルタワービル》(1972)です。日本における世界で最も有名な分譲マンションと言っても過言ではないでしょう。4.0黒川紀章はメタボリズムを代表する建築家であり、当時の建築界のスターでもありました。メタボリズムとは1970年前後に日本で始まった建築運動であり、その言葉が意味する通り、新陳代謝する建築と都市を構想しました。工場生産された住居カプセルをランダムに積み上げた外観。カプセルは交換可能で、まさに新陳代謝される有機体の細胞のアナロジーとして発想されています。カプセルが次々に更新され、永遠に新しくなっていく。メタボリズムが夢見た永遠に新しい未来です。カプセル建築は世界初。その色褪せたかつての近未来は、まさにレトロ・フューチャーな姿として、不思議な存在感で見る者に迫ってきます。scarletgreen-中銀カプセルタワービル/CC-BY2.0ところが、今に至るまでカプセルは一度も交換されたことはないのです。大規模修繕工事すらも一度もなされておらず、現状のカプセルは、セントラルのエアコンが壊れ、空調が止まり、給湯管が破裂し、お湯が止まり、雨漏りも起こるという状態なのだそうです。新陳代謝どころか、老朽化で立ち往生してしまった輝かしいはずの未来の建築。メタボリズムの光と影を象徴するような《中銀カプセルタワービル》ですが、実は今、カルト的な人気を誇っています。「夏はサウナ、冬は冷蔵庫」になってしまう、ほどんど欠陥住宅状態のカプセルに実際に住み、保存・再生を夢見る人々が数多く存在しているのです。世界に類をみない、そしておそらくはこの先も二度と作られることはないであろう、その唯一無二の個性が、居住性の問題を超えて、40年後の今、人々を惹きつけている。歴史を否定するかのように、永遠に未完成で、永遠の新しさを目指した建築が、歴史の生き証人となってレトロな魅力を放っているという皮肉な現実。永遠に更新可能なカプセル住居という、今もって誰も超えられない発想のこの分譲マンションは、不思議な魅力を漂わせながら、今も最前衛であり続けています。渋谷駅にほど近い渋谷一丁目に建つのが《ビラ・モデルナ》(1974)です。道路沿いのファサードは素っ気ない感じですが、実はそこには豊かな内部空間が内包されています。雁行したユニットが両側に積み重なり、それらによって囲まれた空間が、シンボリツリーのあるパティオになっています。上からの光が降り注ぎ、幾何学的図像に包まれるその空間は、都市でもありプライベートでもある、外部でもあり内部でもある、そんな空間体験ができる、まさに都市の住まいを象徴するような空間です。積み重なるユニットの隙間を利用して斜め上方から光を採り入れるという発想のユニークさに脱帽させられます。ちなみに、壁から突き出ている数本のパイプのようなものは、その斜めのトップライトガラスを拭くための足場なのだそうです。1969年に死去しており、本建物の設計にはかかわっていませんが、「白の時代」のコルビュジエ譲りの、自由で都会的な作風の坂倉準三本人の香りがどことなく漂う建築です。一連の渋谷駅の設計を手がけた建築家です。坂倉に縁の深い渋谷区には、この《ビラ・モデルナ》をはじめ、坂倉建築研究所が手がけた《ビラ・シリーズ》が計3件あります。《ビラ・セレーナ》(1971)はそのひとつです。白いシンプルなマンションと思いきや、ヴォリュームが分節されてできたスリットの内部が鮮やかな黄色に塗られており、見事なアクセントになっています。都会的な抑制された表現のなかに、同時に遊び心を感じさせる、こうした「大人のデザイン」の分譲マンションは最近ではほとんど見かけません。道路を挟んで隣接する《ビラ・フレスカ》(1974)も坂倉建築研究所の作品です。外部に露出した鉄骨の避難階段と搭状に意匠化された階段ホールが外観のアクセントとして巧みにデザインされています。階段を上手く利用したアプローチ空間も、個人邸のようなプライベートな雰囲気でなかなかいい感じです。威圧すような構えや高価な素材でこれ見よがしな高級感を演出するのではなく、さりげないデザインやちょっとした工夫で都市型住居の洗練を描く姿勢とセンスは、今見ても眩しく感じられます。その過激さは今も健在。一目見たら忘れられない、そんな個性的な外観のマンションは、神宮前二丁目の明治通りに面して建つ《ビラ・ビアンカ》(1964)です。こんな意匠のマンションは二度と不可能といっても決して過言ではない過激さです。この建築家は最近では、ほとんど忘れられてしまっていますが、この姿を発想する才能はただ者ではないことをうかがわせます。井桁のように組まれた梁の上にユニットが雁行しながら連続するフォルムは、どこかメタボリズムに一脈通じるような増殖性や拡張性を感じさせると同時に、どことなく日本建築のイメージも宿っています。バルコニーが一層おきに互い違いに現れる立面はどうなっているのでしょうか。ユニットを角度を変えて積み重ねて、バルコニーの位置が重ならないようにして工夫しているようです。当時、文字通り最先端だったこの分譲マンションは、青山二郎(白洲正子や小林秀雄などの骨董の師匠だった人物)の晩年の住まいだったことでも有名でした。《ビラ・ビアンカ》は東京オリンピックと同年に建てられました。《ビラ・ビアンカ》は黎明期の分譲マンションがどれほどアグレッシブだったのかを物語る好例です。新たな居住のあり方を創案し、都市の風景を創る意匠を競い、過去のいずれにも似ていない個性を誇りとする、そんな気概と迫力を感じさせる分譲マンションには、とんとお目にかからなくなりました。20世紀的住宅の系譜』(東京大学出版会1999年)は、建築専門誌で取り上げられる「英雄的な」建築家住宅や住宅専門誌に登場する華々しい住宅とは無縁の、しかしながら市場の大半を占め、日本の住宅地の風景をつくり、住宅文化を担ってきた、いわば無署名の住宅を丹念に追ったものです。「住宅」とは、「家でも、棲家でも、町でも、村でもない」、まさに20世紀が生んだ産物。「住宅」という考え方を探ることは、近代(20世紀)という時代を探ることと同義であり、それはとりもなおさず、私たちの現在の住まいや暮らしのルーツを探ることにほかなりません。著者は、建築学の研究者であり、狭義の意味では建築家とは言えないかもしれませんが、住宅の構法や生産の専門家が紐解く「住宅」は、私たちが当たり前だと思っている住宅のイメージを覆し、興味が尽きません。著者とともに、近代という時代とその産物である「住宅」を覗いてみましょう。「住宅」が生まれた発端になったのが植民地経営だった。この刺激的な見解で本書は幕を開けます。住宅の伝統や技術や作り手や材料などが存在しない土地で住宅をつくるにはどうすればよいのか。そこで考案されたのが「プレファブリケーション」や「パタン・ブック」を通じた本国による「後方支援」という考え方でした。「プレファブリケーション」とはあらかじめ製作することの意味であり、専門的な技能を要せずに簡易な方法で組み立てられるようにあらかじめ加工を施した部品を用意する方法です。アメリカを植民していたイギリスは、遅くとも1624年にはすでにプレファブ住宅をアメリカに輸入していたとされています。当初はイギリスからの輸入が主流だったものが人口増や国家独立によって国内の生産基盤が整い、徐々にアメリカ国内での生産が可能になり、1830年代には、現在のツーバイフォー構法(2×4工法)の原点となった「バルーン・フレーム構法」と呼ばれる、専門家でなくても容易に家を作ることができるパネル式組み立て住宅が考案されています。「プレファブリケーション」とあわせて住宅の伝統がない土地で大きな役割を担ったのが、「パタン・ブック」と呼ばれる出版物です。当初は住宅づくりの技術的なノウハウを伝える出版物でしたが、徐々に、住宅のデザインを考える際の参考書的な役割に変化し、さまざまな外観デザインや流行のスタイルを紹介することで、文化の地から遠く離れた人びとの夢と希望と欲望を刺激するメディアとなっていきます。Journal紙の出版部数は1903年には100万部を超えていたといわれています。2.0未開の地の植民のための後方支援から生まれたという「住宅」は、同時にその当初から、メディアを通じて人びとの夢や希望や欲望を膨らませる存在でもあったのでした。一般に住宅に対応するとされるHousingという言葉には、家や住まい(HouseやHome)という意味のほかに、「住宅の供給」という意味があります。都市計画が、産業革命後の劣悪な都市環境を改善しようとする衛生概念から生まれたのと同様に、住宅という言葉には、住まいに困窮する労働者のための住宅の供給ということが含意されている言葉です。そのための課題が住宅の量産化でした。二つの世界大戦の後で世界は深刻な住宅不足に直面していました。当時、さまざまな方法で量産化の試みにチャレンジしたのがモダニズムの建築家たちでした。貴族的社会や因習的権威との決別を宣言して登場したモダニズム建築において、市民のための住宅供給とそのための量産化の実現は、真っ先に取り組むべきテーマでした。本書では、こうしたモダニズム建築の巨匠たちが追い求めた住宅量産の夢が紹介されています。バウハウスの創始者ヴァルター・グロピウスによる、今日の日本の戸建て住宅では当たり前になった乾式組立構法のルーツともいえる《トロッケン・モンタージュ・バウ》への取り組み、ル・コルビュジエによるコンクリートという新素材を使ったRC造の原理を可視化した《ドミノ・システム》、ジャン・プルーヴェによる職人技によって作り上げれられた、今日のプレファブ住宅の原点のような《ムードンの住宅》、コルビュジエの下で《最小限住宅》を担当していた前川國男が設計にかかわった、戦後日本における量産化住宅のはしりとなった木造パネル構法《プレモス》などが語られます。した試みが基礎になり、今日の住宅産業がかたちづくられていきます。その過程は、住まいが産業化し市場の商品になっていく過程でもありました。プレファブ化×量産化によって当初、期待されていたようなコスト低減は日本では起こりませんでした。その最大の要因は、ローコストよりも間取りや仕様の自由度を求める、注文住宅方式に慣れ親しんだ日本の消費者にありました。ローコストの代わり人気を集めたのが、マーケティングに基く外観デザインや間取り、さまざまな生活提案と仕様などを盛り込んだ、いわゆる商品化住宅でした。1980年代に入り、商品化住宅は、巧みな広告コピーとイメージ戦略で市場を席捲します。商品をわかりやすく伝えるためのはずのコピーやネーミングやビジュルが、それ自体で価値を持ち、逆に住宅を決定づけていく。状況は商品化住宅に限らずマンションの世界でも同様でした。本末転倒ともいうべき、こうした状況を著者は「コピーライターの住宅」と呼び、以下のような違和感を表明します。「現代の住宅づくりは住み手の手が届かないところで管理されすぎているという感じ方がある。市場の読心術とでもいうべきマーケティング、そして消費意欲を刺激する商品の企画・デザインという手順で提供される住宅のあり方には、たとえ居住後の満足度が高いとしても、どこかちがうのではないかという異和感(ママ)が残る」メディアが刺激する住宅の夢と希望と欲望。「住宅」の本質は、冒頭に見た植民のための後方支援の時代から、なにも変わっていないようにもみえます。2.0「長い間住宅は、それぞれの地域の自然から採取できる材料を加工して、それらを適材適所に組み合わせることでつくられてきた。当然ながら、地域ごとに入手できる材料が異なり、対処すべき気候条件も違う以上、でき上がる住宅は地域ごとに個性が存在する。近代以降の「住宅」とは、土地ごとの風土や生活や個性という地域差を無化させながら、市場やメディアを介して、標準的で合理的な器としての住宅を供給するシステムのことを意味していたのでした。した近代以降の「住宅」を取り巻く状況に風穴を開ける試みとして建築家石山修武の一連の「インダストリアライズド・ヴァナキュラー」による取り組みが紹介されています。「インダストリアライズド・ヴァナキュラー」とは、現在、広く流通している工業製品を選択し組み合わせることによってセルフ・ビルドで住宅を建てるという、いわば産業化社会を逆手に取った民家的方法のことです。その先駆的な例が、チャールズ&レイ・イームズ夫妻がロサンゼルスに作った《イームズ邸》(1949年)です。Parts”と呼ばれる既製品の建材を組み合わせて作られた画期的な住宅です。住み手が自由に住宅建設(あるいはリフォーム)に必要な建材を購入し、施工するという「インダストリアライズド・ヴァナキュラー」に最も近い仕組みが成立しているのもアメリカです。住宅建材ならなんでもそろうDIY向けのホームセンターがそれを支えています。「すくなくとも住宅スケールの建築は素人でも建てられるし、そうあるべきはないのか。住宅を考える』)住宅がすっかり市場の商品となってしまっている日本において、30年以上前のこの言葉が、今なお新鮮に響きます。できる世界」のしくみ』。|2018/11/24「建築の日本展」を観て<後編>~丹下健三自邸の1/3スケール巨大模型~「建築の日本展:その遺伝子のもたらすもの」(2018年4月25日~9月17日@森美術館)では目玉として2つの巨大模型による作品が展示されている。House、1953年)の再現模型を見てみよう。こちらは1/3スケールで作られている。巨大とはいえ模型なので全体が目視できて、写真で見るよりも建物のコンセプトが一目瞭然に分かる。主階を空中に持ち上げたこの長方形平面の木造建築は、ピロティというよりは高床と呼ぶのにふさわしい寝殿造りを再現した建築だった。張り出したバルコニーや垂木や手摺の造作が神社建築を思わせる。建物を正面から撮った写真や妻面をカットした写真が主に流布しているので、いつの間にか空中に浮いたフラットルーフ(またはそれに近い)の横長建物とばかり思っており、漠然とコルビュジエのサヴォア邸(1931年)やミースのファンスワーズ邸(1951年)のイメージに近い建築と思っていたが違っていた。勾配がついた切妻屋根(しかも二重の)が乗った日本風の住宅だった。https://hr.wikipedia.org/wiki/Datoteka:Tange_House.jpg)(*source:http://arqvac.tumblr.com/post/93771906329/tange-residence-in-tokyo-japan-by-kenzo-tange)丸柱ではなく角柱を使ったてところなどは、桂離宮などの書院造りを思わせる。木造軸組みによる細い垂直と水平による構成、厚さや重さが欠落したようなイメージの襖や障子による壁面構成など、その抑制された繊細なイメージは桂離宮そのものだ。室内空間の表現はさらなる簡素・抑制による日本的な美しさをたたえている。今回の模型はスケルトン状態で再現されており、障子や襖や壁などの面的要素は省略されている。宮大工の手により、細い障子の桟までが忠実に再現されているのが見事だ。日本風とはいえ、高床の下の空間をアプローチやテラスとして活用しているところは、コルビュジエのピロティの発想である。その居心地の良さそうな空間はコルビュジエのピロティをさらに進化させた姿とも言える。内部プランに関してはファンズワース邸の構成そっくりだ。ピロティを介して導入することによって、ユニバーサルスペースの無方向性がより際だっている点では、丹下自邸はミースのコンセプトをさらに純化させているとも言える。建具の鴨居の上の欄間に当る部分にはすべてガラスがはめ込まれており、また、壁も天井まで至っておらず、畳敷きで襖や障子を主体とした日本的なインテリアにもかかわらず、決定的にモダンな印象を作り出している。傾斜天井の下で部屋と部屋がつながって空間が流動する様子は、どこかで見たなと思ったらアイクターホームによるポスト&ビーム工法で建てられた平屋の住宅に似ているのだった。ちなみにアイクラーホームのお手本はフランク・ロイド・ライトの流動する空間であった。日本的でありながら、同時にモダンでもあるという、終戦から8年目にできたこの木造住宅は、当時における日本の伝統と西洋モダニズムの葛藤、格闘、統合の一形態を垣間見せてくれる。寝殿造りや書院造りという日本的建築のイメージにこだわり、そこに宿る、モダニズムを先取りしたかような簡素で抑制された美を見せながら、同時にモダニズムのコンセプトを純化させようとする企てに、どこか丹下健三の意地のようなものを感じる。邪魔だったのが日本風の屋根だったのだろうか。正面からは勾配屋根の存在がなるべく分からないように考えられたゆるい傾斜、屋根ではなくて薄い庇のように見える軒先のシャープな造形、さらには、先に記したような、屋根勾配や切妻面を決して見せないように周到に計算されたカメラアングルによる建築写真の印象操作などがそれを物語ってはいまいか。日本建築における伝統と創造』(1960)において、むくり屋根をカットしたフレーミングにより、水平と垂直のエレメントだけで構成された「モダニズム」としての桂離宮を「創造」した。丹下と石本による、このトリミングされた桂は、日本の伝統はモダニズムの先駆として再発見されなければならないという一種のテーゼであり、そのアイディアは、この自邸における勾配屋根の存在に感じたある種の決定的な限界に起因しているのかもしれない。今回の巨大展示模型で確認された勾配屋根や切妻の存在感は、そんな憶測を抱かせる。丹下健三はこの自邸以外で個人住宅を設計していない。この自邸を作品として発表する気はないとも言っていたそうだ。その後丹下は、こうした桂的繊細さによる表現を離れ、コンクリートのマッシブさを前提としながら、日本の伝統とモダニズムをさらに高いレベルで融合させた独自の表現を模索することになる。TANGE>はイタリア語のサイトだが、丹下自邸の当時の写真や詳しい図面が掲載されていて作品の全貌がよく分かる。|2018/11/04「建築の日本展」を観て<前編>~千利休の国宝茶室・待庵の内部空間擬似体験~「建築の日本展:その遺伝子のもたらすもの」(2018年4月25日~9月17日@森美術館)を観てきた。監修を務めた建築家で建築史家の藤森照信は、日本の建築家の基礎体力は木造建築にあり、石造建築の技術を発展させてきた欧米とは対照的であり、木造建築がベースにあるということが、日本建築の個性を生み出していると述べている。木造建築は木の柱を格子状に組んだ軸組み構造が主流であり、柱と柱の間には紙が張られた障子が入れ込まれ、雨に弱い木や紙を守るために大きな屋根や深い軒が発達した。繊細で簡素な表現や外部空間や自然環境との親和性などもやはり木造建築に由来すると言える。<前編><後編>の2回に分けて今回の展示の目玉である2つの巨大模型による作品を観てみる。ひとつ目は妙喜庵待庵(みょうきあん・たいあん、1581年、京都府)の原寸模型。この日本最古の茶室建物といわれている待庵は、千利休が作ったと伝えられており、国宝に指定されている。今回の原寸模型は、中に入れるということが展示の目玉となっている。にじり口は狭く、床が高く、いざ中に入ろうとすると外から見ている以上に入りにくい。にじり口をくぐり抜ける時点で姿勢は自ずと畳に膝をつき前に進むような姿勢を強いられるので、その後の行動はそのまま部屋の中に進み畳に腰を落として正座するように促される。常時、腰を落とした視点で見ることになるので、狭苦しさや圧迫感は思ったほど感じない。広さ2畳、天井高1800mmの空間は思った以上に広々しているといっても誇張ではない。にじり口はわざと入りにくいようにしているのだろう。その分、一旦入って後に身体が楽になり、身体が自然と空間のゆとりを実感させるように意図されているのだ。体感する空間の広さとは、こちら側の姿勢、視線などの身体性が大きく影響していることが改めてわかり貴重な体験である。これも予想している以上だ。ランダムな位置に複数設けられた窓から障子を介して外の光が柔らかく室内に呼び込まれる。窓の位置との関係や空間の凹凸により光と陰の微妙なコントラストが生まれる。荒壁と呼ばれる、仕上げをしていない土壁は光を吸収して窓面の光とコントラストをなす陰を作り出す。写真では開け放たれたにじり口からの光の影響が大きいため、残念ながらそうした光と陰の微妙なニュアンスが分かりにくいが、それでも光を透過させる障子の面、光を受けた壁面、光が届かない壁面の見え方の違いは辛うじて分かるだろう。利休が意図した光と陰のコントラストが織り成す空間は実際はどのように感じられるのだろうか。本物の建物でにじり口を閉めて体験してみたい誘惑にかられる。「ずれ」を徹底させた空間造形も見事だ。床の間は4尺(半間+アルファ)の幅、窓はそれぞれ高さをややずらして設けられている。アンシンメトリーな床柱。部材と素材と色を組み合わせた構成主義絵画のような壁面の造作、3つの面からなる天井。無塗装の柱や仕上げなしの壁などと併せ、飾る作為と整える作為を排除した空間だ。「家は漏らぬ程、食は飢えぬ程にて事足りるなり。是、仏の教、茶の湯の本意なり」と伝えられる千利休の言葉どおりのイメージだが、利休は作為の排除もひとつの作為であることは十分承知していたに違いない。展示会場にも掲げられている「終わりにかねをはなれ、技を忘れ、心味の無味に帰する」との言葉は、その作為なき作為の境地を示してるが、禅の教えにおける自己否定の後に訪れる悟りの境地と同様に、建築という実務の世界のおいても、規則と技術に基づきながら、しかし出来上がりにおいてはそれを離れ、それを忘れるという地平に至ることは、言うはやすしの難しさだ。「かね」とは矩のことで、規則の意。今回、展示される待庵の原寸模型は、本物では不可能な国宝・待庵の内部空間を疑似体験できる貴重な展示であり、つかの間であれ「わびさび」というの価値、利休が企図した作為なき作為の空間を体感できるかもしれないまたとない機会である。シンプルなデザイン、日本と西洋、わびさびとモダニズムなどについて興味がある向きにとっては、そうしたことを改めて考えるきっかけともなるであろう。軒庇が低いので合板で葺かれているのがはっきり分かってしまうなど、外観に関しては「わびさび」のイメージをあまり期待しない方がよいかもしれない。わびさびとモダニズムの関係に関しては、過去記事の<わびさびとモダニズム~レナード・コーレン『わびさびを読み解く』を読んで~>が参考になるかもしれない。妙喜庵待庵>で観ることができる。展覧会に赴くまえに予習するとよいかもしれない。#5~バブルはマンションの間取りに関してはなにも生み出さなかった。分譲マンションの間取りがエキサイティングだったのは、バブルの前の1980年代前半の時代だ。第4次マンションブームの後、大量の在庫を抱え、販売不振にあえぐ市況を打開するために、さまざまな商品企画の工夫と新機軸の間取り開発が競い合われたのがバブル前の80年代前半だった。」(★2)、脱「田の字」(★3)の間取り開発の涙ぐましい努力が重ねられた。パークハイツ鶴見やパークハイツ越谷というマンションで提案された、ライトコートや勝手口を組み込んでリビング、ダイニング、キッチンをクランク状に配した間取りは<Zプラン>と命名され大いに注目を集めた。その後、誰も追従者がいないほどの新奇さは、当時の間取り開発競争の頂点をなすといってよいプランだ。限られたフロンテージと専有面積のなかで、いささかアクロバティックながら3LDKがきちんと納まっているのは、今見てもなかなか見事である。出典:『都市住宅の証言』(長谷工コーポレーションCRI制作1988年)ちなみに、この<Zプラン>を開発した、今はなき長銀系のディベロッパーの日本ランディックと東急設計コンサルタントのタッグは、当時、さまざまな新機軸プランを提案する旗手だった。売れ行き不振により価格が安定し、競い合うように提案されるこうした商品企画の工夫も奏功したのか、80年代半ばに市況は上向き始める。その後のバブルは、こうした商品企画の工夫を一切不要にした。土地が仕込めれば儲かる、作れば売れる、黙っていても利益は膨らみ、むしろ時間と手間をかけない方が「正解」とされた時代だ。不況こそ創意を生む母でるあとの箴言どおりの出来事だ。バブル崩壊後の首都圏8万戸の大量供給時代に求められたのは、商品の標準化・規格化であり、斬新で個性的なプランは見事に姿を消して今日に至っている。大建設時代はとっくに終焉し、人口減少社会の今の日本においては、高止まりする建築コストを考えれば、施工面積が増え、施工手間のかかる、かつてのような空中廊下やライトコートのあるマンションは、二度とお目にかかれないと言っても過言ではない。いえ、こうした80年代前半に提案された新機軸プランもベースは、nLDKプランの変形だった。nLDKという概念と表記は、1951年に建設省が主導して開発された公営住宅のための51C型と呼ばれる2DKプランにルーツを持ちその後、日本の住宅間取りの概念と表記の事実上の標準となったものだ。バブル崩壊後の工夫のない間取りに見飽きて、大量供給のための標準化・規格化の作業にすっかり倦んでいたなかで惹かれていったのが、nLDKプランの核となっている<リビングルーム>の起源についてだった。人類の住居は、1室住居か2室住居が基本だった。2室住居の場合は、それぞれ家族全員で使われるデイルームとナイトルームから構成される。デイルームは西ヨーロッパではホール(hall)と呼ばれることが多く、同じくナイトルームは、パーラー(parlor)やチャンバー(chamber)などを称されていた。キッチン、玄関、物置などに機能分化し、ナイトルームは寝室、居間、収納などに機能分化していった。したさまざまに分化した機能(部屋)が再統合されて、居間+寝室という基本構成、つまり接客と団欒を兼ねた<リビングルーム>と家族それぞれのベッドルームという部屋による近代住居が19世紀のイギリスなどの西ヨーロッパにおいて成立する。貴族などの上流階級の住居では、デイルームの機能分化のプロセスにおいて、サロン、書斎、カードルーム、ビリヤードルーム、スモーキングルーム、ギャラリー、サーバントルームなど、社交空間としての機能(部屋)が多種多様なバリエーションを見せたが、最終的には階級によらず近代住居は<リビングルーム+ベッドルーム>という基本構成に落ち着く。した近代住居の特質は、<社会の基本単位としての単婚家族(核家族)>と<職住分離による私生活の場としての住居>の2点だと黒沢隆は指摘する。経て定着した単婚家族(核家族)という家族形態と賃金労働という労働形態そして宗教改革に端を発し、貴族社会で萌芽し、社会に浸透した個人や自我やプライバシーという概念であった。<リビングルーム+ベッドルーム>は、賃金労働を主な収入源とした運命共同体としての夫婦を中心とした核家族(賃金労働の夫と家事労働の妻がペアとなって社会に立ち向かう家族。アメリカなど欧米におけるカップルベースの文化を思い出そう)のための形式として成立したのだった。その後の家族と住居の関係はどうなったのか。映画『家族ゲーム』(監督森田芳光、1983年)が図らずも(図りながら?)描いたのが、その後の家族の象徴的な姿だった。伊丹十三一家が家庭教師の松田優作を迎えるのは、一直線に伸びる奇妙なダイニングテーブルであり、夫婦が重要な話し合いをするのは車の中であり、ストーリーの主な舞台は子供部屋で展開する。<リビングルーム>は見事に登場しない。いえば、この映画に限らずTVドラマやほかの映画においても、<リビングルーム>で家族が団欒をしたり、接客や社交する場面をあまり見たことがない。夫婦がベッドルームで優雅にくつろぎシーンなども見た記憶がない。それは、映像の世界だけの話ではなく、リアルな世界でもそうなのだった。日本では<リビングルーム>は実際にはあまり使われてはいないという事態に対して、さまざまな理由づけがなされてきた。曰く、本来の機能を果たせない程度の広さしかない日本の<リビングルーム>(★4)のせいだ。いやいや、そもそも<リビングルーム>自体が欧米からの借り物でしかなくて日本の暮らしには本来馴染まないなど。日本後進論と日本特殊論の住宅版といえるが、いずれもそれなりに正しいとはいえる。その原因を本質的な意味で言い当てているのが黒沢隆の次の言葉だ(★5)。日本では1970年前後から<近代>の前提に変化が起こりはじめた。企業戦士と性と家事労働を提供する専業主婦がペアとなり、高度経済成長を支えるという構図が崩れ初め、女性の就労が進行し、核家族や専業主婦が主流ではなくなった。産業の高度化とIT技術の浸透は、職住分離や専用住宅という概念を昔のものとした。Windows95の発売をきっかに1996年以降、インターネットが個人にも普及し始め、PCが家庭に入り込み始める。その時は良くわからなかったが、その後、携帯電話、スマートフォンへと端末が進化するなかで、起こりつつある事態は明確になる。個人が直接にあらゆる外部と自由につながることができる世界が到来したのだった。社会的な基本単位はもはや夫婦や家族ではなく個人であり、オンタイムとオフタイムの境目がなくなった。<リビングルーム>、つまり近代住居という発想を支える前提がもはや崩れ始めていたのだ。land”と題されたインスタレーション(2017)。居住スペースが廃墟化されたイメージが提示されている)しかしながら、分譲マンションの間取りは相変わらずnLDKがほとんどだ。そのパターンはいわゆる「田の字」プランであり、かれこれ半世紀近く、変わっていないことになる。家族や生活が大きくが変わってもなぜ住宅は変わらないのか。その理由を建築家山本理顕はこう喝破した。それは住宅というものが、もともと家族や生活の実態や現実を反映したものではなく、人々の抱いている家族像や生活像といった期待や願望や理想、いってみれば現実ではないヴァーチャルなものを反映してできあがっているものだからであると。それでは、我々が期待し願望し理想とする家族像とはいかなるものか。分譲マンションは、企業戦士と専業主婦による核家族を今だに夢見ているというのか。いうことかもしれない。ひとりひとりがスマホでどこでも常にインターネットにつながっている世界においては、間取り、さら言えば住宅の設えすら、もはやどうでもよいのだと。80年代前半のエキサイティングだった間取りの開発競争は、家族が社会の基本単位として、まだ存在していた最後の輝きの証だったのかもしれない。(★1)レンタブル比とは、専有面積の延床面積に対する割合。コストがかかる面積に対する収益が上がる面積の割合のこと。(★2)「羊羹切り」とは羊羹型の配棟で開放片廊下のマンションにおいて、住戸が羊羹一切れ分を並べたように画一的に配置されているのを自嘲する表現。(★3)「田の字」プランとは、住戸内の廊下を挟んで、開放廊下側に2室、バルコニー側にLDと1室を配したプランが漢字の「田」のように見えることに由来する表現。「羊羹切り」の場合のユニットプランは大抵「田の字」だ。(★4)<リビングルーム>として本来的な機能を満足させるには、4~6人掛けのダイニングテーブと対座して会話ができるソファーが置ける広さと、家族だけの場合にも全員がリビングに居ながらそれぞれに別のことをしていても気にならない程度の空間が求められる。これを具体的にプランに落とし込んでいくと最低限18~20畳程度の広さが必要となる。ここ半世紀の間、分譲マンションの基本フォーマットとなっている70m2・「田の字」プランにおける<リビングルーム>(LD)の広さは実質10畳台である。(★5)こうした現実に対応したポスト近代住居として黒沢隆は、「個室群住居」という概念とプロトタイプを提唱した。~ル・コルビュジエ『マルセイユのユニテ・ダビタシオン』~「住宅は住むための機械」と言ったル・コルビュジエは、一方で次のような言葉も残しています。「住宅は家族の神殿だと思っている。人間の幸せのほとんどがそこにある」、「なぜ住宅に携わろうと思ったのか?問題の解決に近づくことで人々の苦悩を軽減したかった。結局は生きる喜びをもたらす仕事が好きなんだ」(★)「建築か革命か」そう宣言して登場した若きル・コルビュジエにとって、建築とはなにをおいても住宅のことでした。ル・コルビュジエの住宅理念を集大成したのが《ユニテ・ダビタシオン》です。ちくま学芸文庫、2010年)を紐解いてみます。第一次大戦の後の住宅不足と大勢の家族が1室か2室の住宅に住んでいるという劣悪な住宅事情を前にして若きル・コルビュジエは、新しい住宅理念で旧態然とした社会と建築に改革を挑んでいきます。コルビュジエの理念の一つが<量産住宅>です。住宅も車やタイプライターのように高品質のものが安価に量産できるようになるべきだ。「住宅は住むための機械」というテーゼは、住宅問題を解決するためのコルビュジエ一流のプロパガンダでした。コルビュジエのもう一つの理念が<高層集合住宅>です。建物を高層化することによって地上にオープンスペースを生み出し、人々が太陽と緑と空間を享受できる都市のヴィジョンを打ち出し、コルビュジエはそれを「垂直のシテ・ジャルダン」と呼びました。《300万人のための現代都市》(1922年)と題された構想では、住宅も《イムーブル・ヴィラ》と呼ばれる<高層集合住宅>として提案されています。<量産住宅>と<高層集合住宅>という2つの理念が現実として結実したのが《ユニテ・ダビタシオン》(住居単位)でした。2.0コルビュジエは《ユニテ・ダビタシオン》によって実現する住まいの姿をこう描いています。「まず第一に個人の自由がある一方で、家庭の集団としての効用がなけらばならない」、「部屋(シャンブル)が個人の第一の自由の鍵だとすれば、居間(火(フ)、炉(フォワイユ)は家族的価値の鍵であるといえる」、「火、炉、キッチン、居間はひとつにして同じものである。「機械は、小さいものであろうと大きなものであろうと「家政術のサロン」の奇跡だ。「二千、あるいは五千、一万の個人が、集合し共有地を用意して、賢明に開発するならば、予想していた以上に多くに恩恵を実現することができる。個人の自由の拠り所としての個室、家族が集う居間、住まいの中心となるキッチン、技術と機械による暮らしの変革、集合や共有のメリット、すべての世代のための「クラブ」のような共用施設などが謳われています。コルビュジエの言葉は、驚くほど現代的で、まるで今の理想のマンションライフを語ったもののように響きます。ひとの暮らしへの細やかな眼差しと住まいの改革への強い信念がうかがえます。2.0コルビュジエの理念を実現した第一号である《マルセイユのユニテ・ダビタシオン》が1952年に完成します。地上18階建て、総戸数326戸、現場打コンクリートで作られた躯体に工業化されたプレキャスト・コンクリ-トや規格化された部材を組み合わせて作られています。1階はピロティで持ち上げられ、地上は公園に開放されます。7階・8階は生活協同組合や商店や洗濯場などが入る共用フロア。地上56メートルの屋上には子供のための託児所、プール、遊技場、大人のためのスポーツジム、300メートルトラック、日光浴室などが設けられます。4機のエレベーターは3階ごとに停止する仕組みで、住戸はリビングが吹き抜けになったメゾネットタイプ(3LDK)を中心に23タイプ用意されます。来客用の宿泊室やレストランなども予定されていました(施設・仕様などは当時のもの)。2.0建設中は市民や保守派から「気違いの館」(メゾン・デュ・ファダ)と呼ばれ激しい反対を受けた《マルセイユのユニテ・ダビタシオン》ですが、竣工後は一転して注目を集め、世界中から見学者が訪れることとなり、《ユニテ・ダビタシオン》はその後、世界における集合住宅のモデルとなっていきます。《ユニテ・ダビタシオン》はフランスで4棟、ドイツで1棟、計5棟が実現しました。計画は71棟にも上っていたそうです。「もはや奴隷もいないし(中略)、女中も居なければ、使用人も居ない。各人が皆、外に働きに出るようになり、それぞれ異なった社会集団のなかに根を下ろしてしまう。この社会集団の解体に対抗しえるのは、また対抗しなくてはならないは、ただ家族(フォワイエ)のみだ。このような社会的事実を顧慮しなくてはならない。この社会的事実は、われわれに主体性と創意を要求している。呼び出され助けを求められた旧来の家族的伝統が、技術や機械や組織をわれわれが駆使しうるような状態にした機械主義の繁栄によって、再び新しい生命を得るだろう」このコルビュジエの言葉を読む限り、コルビュジエが「住むための機械」や「垂直のシテ・ジャルダン」で言おうとしたことは、その言葉単体が連想させるような、冷たくて、画一的で、非人間的なものでは決してないことがわかると思います。モダニズム建築の栄光と限界が明らかになった現在、このモダニズム建築の巨匠が実際に語った言葉に耳を傾けてみるのも決して意味がないことではありません。ル・コルビュジエ(1887-1965)スイスのラ・ショー=ド=フォン生まれ。論陣を張るとともに設計活動を本格化させる。「ドミノ住宅」「近代建築の5原則」「輝ける都市」など革新的な理念と《サヴォア邸》などの作品によってモダニズム建築を具現化し、フランク・ロイド・ライトやミース・ファン・デル・ローエらとともに20世紀近代建築の巨匠と称される。後期は造形的でブルータルな作風へと大きく変貌し《ロンシャンの礼拝堂》《ラ・トゥーレットの礼拝堂》などが注目を集める。『建築をめざして』など著書多数。~バビロン再訪#6~ライブラリー、フィットネススタジオ、パーティルーム、スタディルーム、ミュージックスタジオ。ゴルフスタジオ、キッズルーム、ゲストルーム、スカイラウンジetc.先日、訪れた勝どきのタワーマンションの共用施設である。階数は40階を超え、総戸数は1400戸超、おそらく3000人を超す人々が住むタワーのエントランスは人の出入りも頻繁だ。した入居者専用の共用施設のほかに、低層階にはクリニックやコンビニやドラッグトスアなどの店舗が入っており、「生活利便施設が徒歩1分に集約されております」という謳い文句もあながち誇張とは言えない。小さな集落などの規模をはるかに凌駕した文字通りのひとつの都市である。今の日本のタワーマンションは、集合住宅のあり方のひとつの究極だと言えるだろう。集合住宅(いわゆるマンションも含めて)の特徴は、突き詰めれば、<量産>されるべく垂直に積み重ねられた住戸、空間や機能の<共有>、<自治>による維持・管理の3点だろう。ル・コルビュジエは、建物を高層化し、人々が太陽、緑、空間を享受できる<鉛直のシテ・ジャルダン>を提唱した。この縦の田園都市における住宅のあり方を具現化したのが<ユニテ・ダビタシオン>である。マルセイユの<ユニテ・ダビタシオン>(1952年)が有名だ。BY-SA3.0<ユニテ・ダビタシオン>でコルビュジエが力説したのが、集合して住むことによる<共有>のメリットだった。「二千、あるいは五千、一万の個人が、集合し共有地を用意して、賢明に開発するならば、予想していた以上に多くに恩恵を実現することができる。ひとりひとりのために一本の木があるだけではなく、広大な空地、つまり散歩し、ジョギングし、体操をするための広大な芝生の公園すべてを手にすることができるのだ。孤立した人間には、適正な価格で湯を供給できないので、浴室などもつこともできないだろう。三百の家庭が集まれば、プールをひとつ備えることができる」また、コルビュジエは人には「人生に応じた場所と地域」が必要だと述べ、それを<社会性>という言葉で説明している。「人生の各段階に応じた場所と地域とを整備しなければならない」、「われわれは、この場所と地域をクラブと呼ぶことにしよう」、「そこは屋外だったり隠れ家だったりする。時にはスポーツ・クラブであったり、勉強部屋であったり、あるいは単なる遊び場だったりする」コルビュジエが「クラブ」と呼ぶものは、今の言葉では共用施設のことだ。不況が訪れるたびに景気浮揚策の4番バッターとして期待され、結果的にブームと販売不振を繰り返してきたマンション市場において、立地と価格と間取りというハード要件以外の価値を創造できないか。到来」が言われ、世はモノの価値から、情報やイメージやブランドや記号、あるいはコト的価値へのシフトが盛んに言われていた。本格的な消費社会の到来である。1984年に販売した「ヴィルセゾン小手指(★1)」という294戸のマンションにおいて、さまざまな共用施設と生活ソフトサービスを24時間提供する拠点となる「コミュニティ・フォーラム」という機能を併設したマンションを開発した。メッシージの預かり、タクシーの手配、宅急便やクリーニングの取次、レンタル商品取次など、今のマンション業界でいうコンシェルジュサービスの数々とロビーラウンジ、スタディルーム、音響ルーム、レンタルルーム、ゲストルーム、OAルーム、コインランドリー、レンタルサイクル、トランクルームなどの共用施設を備え、24時間オープンでマンション外からの利用も可能だった。パソコン、ファックス、テレックス、キャプテン端末(★2)などを完備したOAルームというのが時代を感じさせるが、「在宅勤務などが一般化するであろう21世紀の生活に備える」という宣伝文句は時代の方向を読み間違ってはいなかったことの証だ。ちなみに当時はパソコンやファックスは個人所有ではなく、ましてやインターネットなど影も形もなかった時代だった。音響ルームは今はなき「六本木WAVE」のスタジオ設計を手掛けたトム・ヒドレーが監修したもので、グランドピアノが置かれ完全防音の本格的なものだった。ライフサービスでは、ゴミは各階のEVホールに出してもらえればスタッフが回収するという今でもあったら便利であろうサービスやセゾングループのネットワークによるショッピング情報や旅行やチケットの手配、隣接の西友からの食配サービス、マルシェなどの各種コミュニティイベントのサポートなどもメニューに加えられていた(施設やサービスの内容は当時のもの)。したアイディアのヒントになったのが、当時、各種取次サービスの提供やプールなどの施設付きマンションを開発していたタケツーや日本ランディックなどの事例だった。日本においても、コープオリンピア(1965年)にように、まさにマルセイユの<ユニテ・ダビタシオン>ばりに屋上プールを備え24時間のフロントサービスを提供するマンションや接客ロビーや広大な日本庭園を備えた三田綱町パークマンション(1971年)のようなマンションは以前から作られていたが、それらはすべてマンション黎明期の都心立地の高級マンションの話であった。「ヴィルセゾン小手指」は、一般マンションにおいて、さまざまな共用施設や24時間のコンシェルジュサービスの提供によって、多様化したライフスタイルに応えるソフトな付加価値を提案したマンションの嚆矢となった。集合住宅のルーツは、19世紀から20世紀初頭のヨーロッパにおいて社会主義思想に基づいて作られた労働者救済のための住宅にある。その背景にあったのが、フランスのサン=シモンやシャルル・フーリエ、イギリスのロバート・オーエンらの、いわゆるユートピア思想である。当時は産業革命後の工業化、都市化によって都市の衛生や住環境が悪化し、多くの労働者が住宅に困窮していた。プール、中庭、ガラス屋根の光庭など、さまざまな共用の施設が設けられていた。設けられ、共同組合を結成して運営が行われていた。Commons貧困者や労働者に清潔で快適な暮らしを提供する住宅の実現は、ユートピアを語る社会主義者だけではなく、政治家や資本家などにも広く共有されていた問題意識だった。パリの労働者住宅のはじまりとなったのは、強権で知られたナポレオン3世が作った「シテ・ナポレオン」(1853年)と呼ばれる集合住宅だった。日本における関東大震災をきっかけに発足した同潤会も同様の問題意識を共有している。モダニズム建築もまた、その原点にあるのは建築による社会改革であり、その際、建築とはなによりも住宅のことを意味していた。<ユニテ・ダビタシオン>をはじめル・コルビュジエの一連の集合住宅計画には、フーリエの「ファランステール」のイメージが重なっているといわれているし、モダニズム建築運動の中心となったCIAM(近代建築国際会議)において、いの一番に議論されたのは「生活最小限の住宅」と呼ばれる労働者向け住宅だった。集合住宅は困窮する労働者のための住宅として誕生した。サービスが居住者によって共有され、共同体の一員として住まう住宅だった。それらを実現する原動力となったのが社会で広く共有されていた社会主義的な<ユートピアの夢>だった。コルビュジエの<ユニテ・ダビタシオン>やそれをお手本として今日、世界中で作られているあらゆる集合住宅の原点にはこの<ユートピアの夢>があるといえる。日本のマンションもその末裔に連なる存在である。「ヴィルセゾン小手指」の商品企画において、それが売らんがためのマーケティングから生まれたものだったとはいえ、居住者全員で施設やサービスを共用することで、今までの郊外生活ではともすれば叶えられなかった暮らし(利便や趣味や文化や学びや交流や仕事etc.)の実現を支援するというアイディアを創案したことは、その内容やオペレーションが十分であったかどうかは別にして、共に住む共同体という集合住宅の本質を見据えた試みであった、と断言するのは我田引水に過ぎるだろうか。大塚英志は、70年代・80年代のセゾングループという企業集団の本質を、消費を通じた「階級」の解体、つまり、資本市場を通じた社会主義の実現であったと喝破した。今にして思えば、「ヴィルセゾン小手指」の試みに図らずも内在していたものも、19世紀の労働者住宅にルーツを持つ集合住宅の末裔としてのマンションという商品において、かつての<ユートピアの夢>の片鱗を消費市場において再興しようとする企てだったのではなかったか。その後、日本のマンションにおいて、共用施設やサービスは当たり前になり、その充実ぶりは冒頭に見た通りである。共用施設とサービスとセキュリティが充実した今の日本のタワーマンションは、集合住宅のあり方のひとつの究極だと言えるだろう。それが、かつての<ユートピアの夢>の究極なのかどうかはわからない。5分・約42,000m2の敷地に西友小手指店などと複合的に開発されたマンション。/戸田建設、1984年竣工(★2)キャプテンとはNTTの前身の電電公社が1984年に大都市圏でサービス開始した電話回線とテレビ受像機を通じた文字・画像の送受信システム。当時はニューメディアと呼ばれて期待されていたが、インターネットの普及で2002年にサービス終了。専用の端末が必要とされた。(★)トップ画像はル・コルビュジエによる<ユニテ・ダビタシオン>のスケッチ。#4~徒花(あだばな)と語られることが多いバブルだが、バブルが日本にもたらしたものの一つにインテリアの洗練と成熟がある。70年代以降、コンスタントに拡大してきた国内の家具の売上は、バブル崩壊直後の1991年をピークに減少傾向に転じ、最近の市場規模はピーク時の半分どころか1/3にまで落ち込んでいる。一方で家具の輸入は着実に増えている。EUからの家具の輸入金額は、90年代初頭のバブルの崩壊による落ち込みや2008年のリーマンショックの影響による激減などの変動を経ながらも、トレンドとしては右肩上がりが続いている。家具市場全体が縮小しているのとは対照的に、バブル崩壊後もヨーロッパの家具への需要が確実に高まっていることが見て取れる。長い歴史を経てモダンライフへと至ったヨーロッパの家具への注目を、インテリアの洗練や成熟を象徴する一つの指標として考えた場合、日本のインテリアはバブルを契機として確実に洗練され成熟したといえる。1980年代まで、インテリア雑誌は片手で数えるほどしかなかった。その多くはプロ向けの情報が中心だったり、住宅建築に重きを置いたものだった。現在の人気インテリア雑誌が生まれ、インテリア関連の雑誌の数が増加するのもバブル崩壊後の1990年代だ。「カーサ・ブルータス」(1989年にBRUTUS増刊として創刊。2000年に定期化)、「エル・デコ」(1992年創刊)、「モダンリビング」(1951年創刊の老舗住宅雑誌が2000年代初頭にリニューアル)などが生まれ、新たな雑誌も加わり、今、インテリア雑誌の数は少なく見積もっても10誌は下らないだろう。いずれも、単なる商品情報やショップ情報の提供だけに終わらない、ビジュアルに訴える誌面作り、グローバルとローカルの双方への目くばせ、商品単体ではなくスタイルを重視した切り口、アートやファッションや食など暮らし全般への関心など、高感度で、商品知識を身につけた、経験豊富なターゲットを意識した編集が行われている。市場規模が縮小するなか、情報のクォリティが上がり、深化が進むメディアへの共感は、まぎれもなく洗練や成熟と呼ぶのがふさわしい状況といえる。日本のおいても店舗やオフィス関連のインテリアは、それなりに充実をみせていた。モダンデザインの源流の一つであるバウハウスの流れをくむKnoll(ノールあるいはノル)は西武百貨店の事業部として1964年から国内展開していたし、例えば、倉俣史郎による前衛的な家具デザインや研ぎ澄まされたショップインテリアは、内外で称賛されていた。遅れていたのが住宅のインテリアだった。個人が家具を購入するのは、近くの家具店かホームセンターかせいぜい百貨店の家具売り場だった。百貨店の家具売り場とはいっても、おおかたは平場に家具を並べただけの地味で活気のない閑散とした場所だった。90年代にインテリアの洗練と成熟が起こった背景には、バブルを通じた消費者のさまざまな体験があった。字義どおり<バブルの洗礼>と呼べる体験だった。日本におけるモダン・ファニチャーは、1970年代に萌芽し80年代に広がりを見せてゆく。1969年にアルフレックス・ジャパンが創業、1975年に現カッシーナ・イクスシーの前身インターデコール・ショールームが設立される。青山5丁目のVANの2Fにあったアルフレックスのショールームは、ルーム展開と呼ばれるライフスタイル提案型の先駆けだった。1979年、西武百貨店は池袋店に「スタジオカーサ」を設け、複数のモデルルームによる展示、家具、インテリアコーディネート、設計、工事をインテグレートした展開などにより、面白みのない百貨店の家具売場のイメージを一新する。ITALIA)とカッシーナは、そろって六本木に新たにオープンした複合デザインビルAXISに大型ショールームを開設し、売り上げを伸ばしていく。COOP(1981年開店)やイデーショップ青山(1985年開店)など、個人の目利きを売りにしたインポート家具や雑貨の専門店がオープンするのも1980年代である。無印良品の直営店が青山にできたのも1983年だった。70年代・80年代のこうした動きがすべて順調だったとは限らない。テレンス・コンランが、フランス仕込みの陽気さと明るさと楽しさを持ち込んで、陰気で堅苦しい1960年代のイギリスにライフスタイル革命をもたらすきっかけとなったのがチェルシーのフルハム・ロードにオープンしたhabitat(ハビタ)だった。モダンでカジュアルで高品質。ハビタの新しさはビートルズの登場が音楽を変え、ツイッギーのミニスカートが女性ファッションを変えたように、イギリスのライフスタイルに変革をもたらす。チェルシーはその後のスゥインギン・ロンドンとよばれるストリート・カルチャー・ムーブメントの中心となっていく。西武百貨店はテレンス・コンランのハビタと提携しハビタ・ジャパンを設立。1982年、池袋西武ハビタ館をオープンする。専門筋からは大いに注目を集める一方で、当初から売上は芳しくなく、1984年に販売したヴィルセゾン小手指(所沢)というマンションで、モデルルームの1つをハビタの家具でコーディネートしたことがあったが、テレンス・コンランもハビタも、ましてやイギリスにおけるライフスタイル革命など、ピンとくるような人は誰もいなかった。priceを実現することも困難だった。池袋西武ハビタ館はバブルの崩壊を待たずに早々と閉館する。その後のバブルは土地・株などの資産インフレ、住宅価格の高騰など通じて、新たな高級・高額需要を生み出し、さまざまなマーケットに思ってもみなかった恩恵を与えた。バブルの崩壊は、そうした泡のような需要が雲散し、いつしかそれを当たり前のように思うようになっていた多くの企業に大きな痛手をもたらす結果となった。同時にバブルによる資産インフレとバブル時代に定着した1ドル120円という価値を倍増させた強い円は、消費者に今までにない消費体験をもたらした。日常生活に入り込み、当たり前となった海外旅行が束の間とはいえ垣間見させた彼の地のライフスタイルへの羨望を倍加させた。90年代の洗練と成熟はそうした<バブルの洗礼>の結果といえる。アルフレックスは不動産事業での痛手を乗り越え、カッシーナはユニマットの資本参加で上場を果たし、目黒通りはアンティーク・ファニチャのメッカとなり、コンラン卿のコンセプトは、1994年に開店したコンランショップにおいて、ようやく消費者に大いなる共感をもって迎えられる。インテリア以上に洗練と成熟の様相を見せたのが、食や衣のマーケットであり、1980年代から徐々に注目され、1990年代にかけての爆発的に普及したイタリア料理、1990年代後半から知られはじめ、2000年代に人気を集めたクラシコイタリアなど、いずれのブームも<バブルの洗礼>としての消費体験がベースになっていた。今の日本市場の洗練と成熟は<バブルの洗礼>によってもたらされたことを忘れてはならない。(★)トップ画像はベルサイユ宮殿の一画にあるプティ・トリアノンの室内。プティ・トリアノンは、ルイ15世の愛妾ポンパドール夫人のために建てられたが、婦人は完成前に死去。その後ルイ16世妃のマリー・アントワネットが好んで過ごす場所となった。インテリアは同妃により改装されたもので、ロココ・スタイルの傑作と言われている。18世紀のフランスのルイ王朝時代は、今日につながる個人のプライベートな時間やくつろぎが尊ばれはじめた時代であり、パーソナルな居心地を重視した家具が登場するなど、その後のモダン・ファニチャーが生まれる発端となった。~『昭和住宅物語』(新建築社、1990年)は、建築家であり建築史家である藤森照信が、昭和の名作住宅を訪ねる探訪記です。現存(1980年代当時)する昭和の名作住宅を実際に訊ね、設計した建築家やその関係者から話を聞き、世界の巨匠建築家からの影響を見定め、今の住宅につながるルーツを探り、今まで知られてこなかった当事者だけが知る内幕が語られます。本書は建築家としての住宅観を語ったものではありませんが、ひとつの住宅を歴史の流れのなかで読み解くという、建築史家ならではの視点からの住宅論が逆にユニークです。歴史というと、専門的過ぎて退屈で敬遠したくなるイメージがあるかもしれませんが、その昔「建築探偵団」の中心人物として一般書籍で人気を博した元祖街歩きオタク藤森照信の語り口は、平易で楽しげで堅苦しさは一切ありません。藤森照信の案内で昭和の名作住宅とその歴史のいくつかを探訪してみましょう。遠藤新の<加地邸>はライトのプレイリー様式による住宅の傑作フランク・ロイド・ライトは、帝国ホテル(1923年・大正12年)などの作品を残すとともに、多くの弟子たちを介して、直接、間接に日本の近代建築誕生に大きな貢献をしました。加地邸(1928年・昭和3年)は、相模湾を遠望する葉山の高台の木立の中に建っています。築90年を経て今も現存している貴重な歴史的建築です。銅板葺きの緑青屋根の水平性、控え目なエントランス、パーゴラ風の屋根が架けられたテラス、自然の表情を刻んだ大谷石のファサードなど、一目でフランク・ロイド・ライトのプレーリースタイルとわかる住宅が完璧と言ってよいほどの完成度で佇んでいます。高低差や吹き抜けなどを組み込んだ流動する空間、縦横に入れ子のように組み合わされた部屋、暖炉、内装と一体化したオリジナルの家具など、内部空間もまさにライトという雰囲気です。加地邸を設計した建築家遠藤新は、ライトが帝国ホテルの設計で来日した際にその設計スタッフに加わり、<自由学園明日館>をライトと共同設計するなど、ライトからの信任厚い愛弟子でした。遠藤の忠実で完璧なライト風の作風の陰に、師ライトの建築を宇宙や生命との関係で考える、ある種の教祖性と人生に悩む求動的で内省的な弟子遠藤新の稀有な出会いがあったと藤森は読み解きます。世界の巨匠ライトの手になると見まごうばかりの、プレイリー様式の傑作住宅が日本に残されたのは、このライトと「ライトの使途」と呼ばれた遠藤の幸福な子弟関係があったからこそといえます。ライトは遠藤新のために占領下の日本からの移住を許可する嘆願書をダグラス・マッカーサー宛に書いています。この移住許可は却下され、すでに病に伏していた遠藤新は二度とアメリカの地を踏むことなく亡くなりました。今も残る、白いモダニズム住宅の元祖<土浦亀城邸>土浦亀城邸(1935年・昭和10年)は、遠藤新の後輩で、同じライトの弟子だった建築家土浦亀城が作った自邸です。築80年を超えた今も、長者丸(東京都品川区)の静かな住宅地に佇んでいます。木造の住宅が80年たって現存していること自体、住宅が平均30年で建て替わってしまうというこの日本においては、奇跡に近いことだといっても過言ではありません。加地邸とは対照的に、こちらは白い箱型のモダニズムスタイルで建てられています。藤森照信が「土浦邸には<日本のモダニズムの青春>が詰まっている」と言うように、土浦邸は日本における白いモダニズム住宅の元祖であり、そのシンプルで潔い姿は、今見ても全く古さを感じさせません。土浦邸の新しさはデザインだけではなく、木造住宅において乾式工法やフラットルーフにチャレンジした当時における実験住宅でもありました。そろってタリアセンのフランク・ロイド・ライトのもとで建築を学んでいます。同じ時期にリチャード・ノイトラなども在籍していました。同じライトの弟子ながら、まったく異なる作風の住宅を残した二人。その分かれ目にいたのが、チェコ出身でパリのオーギュスト・ペレ(ル・コルビュジエも在籍していました)の事務所を経て来日したベジドフ・フォイエルシュタインという人物の存在だったと言います。フォイエルシュタインは同じチェコ出身で、遠藤や土浦と同じライトの弟子であったアントニン・レーモンドのパートナーとなり、土浦やレーモンドは、フォイエルシュタインを介して、ヨーロッパのモダニズムに出会い、ライトの作風から脱していったのでした。アントニン・レーモンドはその後、ライト以上に日本の近代建築史に大きな足跡を残していきます。本書ではレーモンドの木造によるモダニズム表現を実践した傑作「夏の家」が取り上げられています。<食>が中心の暮らしを先取りしていたダイニング・キッチン誕生の物語(*UR都市機構の集合住宅歴史館に移築された蓮根団地(1957年・昭和32年)の2DK住戸のダイニング・キッチン)本書では建築家が設計した住宅に限らず、プレハブ住宅、ダイニング・キッチン、ステンレス流し台など、今の住宅においてすでに当たり前になっていることのルーツも探られます。ダイニング・キッチン(DK)は、1951年(昭和26年)に建設省が公営住宅のための標準設計とし開発した<51C型>と呼ばれる間取りがその発祥です。<51C型>は京大の西山夘三による<食寝分離論>をベースに、東大の吉武泰水と鈴木成文が具体化したプロトタイプが基本になっています。<食寝分離論>とは、文字通り食事の部屋と寝室を分離するということですが、その根拠となったのは、戦前の庶民が住む長屋の間取り調査において、どんなに狭い住宅でも食事用の専用スペースが確保されていたこと、つまり<食事室の優先性>という原則を発見したことだったと西山は藤森のインタビューで答えています。最小限の住まいにおいて、人は居間や寝室よりも食事室を優先する。リビングルームが住まいの中心のように考えがちな現代において、この事実は新鮮に響きます。<食事室の優先性>という事実は、機能的で居心地が良いキッチンや食卓が家庭の核となるライフスタイルなど、今の<食>を中心にした暮らしとも相通じるようで、今も昔も変わらない日本人の暮らしの感性のようなものを感じさせられ感慨を覚えます。このDK空間が生活のなかに定着していく過程で重要な役割を果たしたのが、ステンレス流し台でした。ステンレス流し台は、住宅公団(現在のUR都市機構の前身)の主導のもと、建築家浜口ミホのデザインにより、今はなきサンウェーブの創業者柴崎勝男が日本で初めてプレス加工による製品化に成功したものです。それまでの人造石研ぎ出し(ジントギと言われていました)に代わる、水漏れがなく清潔で明るく輝くステンレスの流し台が主婦の人気を集め、モダンなDKのイメージが憧れになり、公団住宅の人気につながっていったと浜口は証言しています。この明るく清潔なイメージのキッチンを備えたDKが、その後、現在のLDやLDKスタイルに発展していきました。40m2に満たない最小限の間取りの工夫から始まった試みが、今日のモダンリビングにつながっていくのでした。未来は突然やってくるわけではありません。今は過去にあり得た選択枝のひとつであり、未来はカタチを変えた今なのです。本書が伝える昭和の名作住宅の姿は、終わってしまった過去ではなく、今と未来につながる生き生きとした姿なのでした。中心メンバーとしてアカデミック外の活動でも有名。1991年に建築家としてデビュー。タンポポハウス」など。コメント)他のサービスフィードを。