わたなべゆう、創作を語るという訳で、今回はゆうさん自らに語って頂こうと思う。以前からゆうさんには、一筆何かを書いて欲しいとお願いしていたのだが、先日お電話があって「そんなに書く事が無くて困っているのなら、俺が前に書いたエッセイを載せたらどうかな」と、親身なご提案を戴いた。前のものだけど、コンセプトは何一つ変ってないからさ...。ありがたい!とにわかに身も心も軽くなった私、早速お言葉に甘える事にした次第である。論客としてのゆうさんも、また魅力的である。その斬新な方法論を、広範な芸術観を、この際は存分にご堪能頂けたらと思う。以下はゆうさんの随想2篇、全文である。画家とイメージイメージは記憶だと思う。材として画面に侵入してくる。絶えず何かとの出会いによって緊張し、生き生きとした生活のリズムを生じさせる内面が重要になる。間の記憶というのは、ある意味なりイメージなりの一連のつながりを形成している。選択記憶力は、ごたまぜの記憶よりは比較にならないほど優れており、文学や美術の場合抜群の力を発揮する。創造に必要な素材を整理しておくという作用を持つ。記憶に残っている事がまさに描かなければならない事だ。消しても消しても出てきてしまうもの。くりかえしくりかえし表れてくるもの。憶がよびさまされる様な、造りだすというよりもできごとの様におのずと生まれ落ちたものを大切にする。何とも説明できないが確かにそこにあるような形。S・ベケットが言う様に、「何ものかについて語っているのではない。言える様な身振りを形にしたい。物質的平面である事をより強く意識しいかに美しく汚すか、いかに美しく壊すかという事を考える。記憶が発酵して出てくるニオイを有形化する。原初的な形の背後にある空気、ニオイ、自然なあるいは使用による必然的な古び、汚れ、または時間の蓄積による風化、これら日本人独特と思われる美意識が画面の中に入りこんでくる。示する事は可能だろうか。現代社会が見失いかけている精神的な豊かさを画面に取り込む事はできるだろうか。出口を見失ってしまった迷路からなんとか抜け出す為には入口にまで戻るしかない。点まで戻ってあの豊かさと緊張を手に入れたいと思う。見る側に私の記憶について何かを発見して欲しいのではなく、見る人自身の内面の記憶というものに気がつく為のきっかけとして、作品を受けとめてほしい。くりかえすが、イメージは、記憶だと思う。面を汚したり壊したりしていくうちに固まってくる。取りかかってすぐにそれが壊されてしまう。線を入れるとキャンバスの方で欲求してくる。変えて変えて画面が何も欲求してこなくなるまで変えてこれだったらやって行けるだろうという所まで行く。見たことがないものが見たいのだから、最初からどうやってやるか、どこで筆を置くかを知っていてはいけないと思う。ものを創るということは既成の自分との戦いであるはずで本当の自分を発見するための方法のひとつだろう。実際、自分の創ろうとしているものが何であるのか私にはわかっていない。現できるのか私にはさっぱりわからない。表現を自力でいかなる範にも頼らず追いつめていくという自覚が必要だとは思う。描く事によって何かを立ち現せる。それによって自分の創ろうとしているものに少しずつ近づいていく。自分にとってこれは心地好い、または満足がいく、あるいはそれ以上手が出せない、というものができあがった場合に、その作品は完成したと考える。その作品が何かの核心に触れている、もしくは見た人にとって心地好い、という所で作者と見る側との感覚とイメージによる交流が成立する。あれは特別の出会いだった、と見る側が感じる様な作品が創れたらその作家と作品は本物だろう。本物か偽者かというモノサシをもたないと、ただ混沌としたイメージが生まれ消えていくだけで終わる。術のみで不動のものは取り残されていく。的なものに近づく努力をすべきだろう。本物を長い時間かけて育成していくには、現在の日本は回転が早すぎる。美術の表現内容よりも表現形式に対して敏感になっていく。成熟度と質への対応を重視すべきだろう。物が育成され残って行き成長していくシステムを作りあげ、美術がそれ自体で自立し解放されていく方向をめざすべきだろう。いつか何人かの本物が出てくることがまた本物が育成される土壌を生む。それが、文化が成熟するという事だろう。人間は自分を通して自分しか表現しない。多くの人々が、ずっと昔から自分が誰であるのかを探し続けてきた。モノを創る事は、自分が何者なのかという永遠の問いかけの中でのひとつの表現手段なのだと思う。社会の中で自分というものの存在を考えたいという行為であり、方法は何でもいい。人は終始、社会から拒否され続ける。ひとりの人間が自立する為にはその拒否をはねかえすほどの力が要るわけで並大抵の業ではない。打たれ強くなければ先には進めない。そこには確信が必要になる。絶対に表現しなければならないという確信。何かを立ち表す事ができるという確信。それらを迷わず続けるという確信が必要になる。倣」が、しばしば生まれる。すべて自分の眼と感性を通して創り出しているので避けては通れない事だ。そこで、自分が技術的にうまく仕上げる様なきざしが見えてきたら次の展開を考えていかなければならない。「壊す」という作業の中から新しい自分を発見していかなければならない。それには、出来上ったモノを常に疑い、常に問い直す事。終的には自分的なモノが残っていくし、消しても消しても出てきてしまうモノがあるはずだ。そこまで問いかけを続けて残ったモノを確信をもって続ける。そこには、カリモノではない確立された自己の表現が残るだろう。墟である』と言ったのは、ロダンだそうだ。的な美しさは、まだ本質をあらわにしてはいない。見なれた風景がある日突然雪におおわれた時、また火山灰ですべてのものが灰におおわれた時、火災で焼け落ち、廃墟となった建物。装飾によって見えなくなっていた事物の本当の表情が見えてくる。美しいものは自然で無理がない。人工で作った川の音は、石までも人間の手で置かれるので最初はぎこちない。何年かたって、川が自分の気に入った位置まで石を運んで行ってそこで本当に自然な音を出す様になるという。無理なく流れているし無理なく汚れているからだろう。これは、使用する事によってひき出された美、または無意識の美に通ずる。画面も何年か、絵の方が欲求してくるまで続けていると自然に置かれるべき位置におさまる。現は自然に生まれ落ちたものより、情報としての、また知識としての形式が目につく。それを超えていく為には自分が何を表現し、何を主張したいのかを知る事。それは、モノを創る前に何が見えているかと言う事。小限のイメージを消しさらずに、互いに競いあいながら強い画面をつくる。いいかえれば、目に見えるものと目に見えないもののあい重なる領域。「強い平面に豊かな精神をとじこめる」という事か。日本人は「内なるものを、直観的な姿においてあらわにするという能力には、優れた国民である。感覚的に了解し、受け入れる潜在能力が優れている。無秩序な自然の中から秩序やまとまりと作り出したのが、日本の造園の美だろう。単純なものの中に深い精神性をみい出す、余分なものを省いて本質を目に見える様にする。庭造りは、美術の創作ににている。「十六世紀には朝顔はまだ珍しかった。利休は庭全体にそれを植えさせて、丹精こめて培養した。利休の朝顔を太閤が見たいと仰せられたので、朝の茶の湯へお招きした。太閤は庭じゅうを歩いたが、どこを見ても朝顔のあとかたも見えない。暴君はむっとして茶室へ入った。するとそこには見事なものが待っていて、彼の機嫌は直ったと言う。床の間には宗細工の青銅の器に、全庭園の女王である一輪の朝顔があった」(4)このいさぎよさを学ぶべきだ。我々は、ついつい色々な説明を加えて、本質を弱めてしまう表現になる事が多い。ひとつのモノを目に見える様にし、見るに耐えるものにするのが本当の表現だろう。作者の創る喜びとか、おどろきが伝わって来る様なモノを創っていかなくてはいけない。幼児の作品はそのエネルギーの塊だ。いさぎよく迷いがない。出来たモノへの執着もないし、すぐ次の事に夢中になる。来持っている原初的なエネルギーを持つ作品にしたい。納得できるモノが出て来るかもしれない。この様にどこから来るのかわからない根拠のない確信によって、また展開すべき道を追求していく事になる。