回数を重ね、今回で14回目となる「ペインタリネス」には6名の作家が出品している。この展覧会は明確な主張や綱領をもつものではなく、比較的世代の近い、基本的に抽象表現を用いる関西の画家によって構成されてきた。今回出品する作家たちも過去に何度かこの展覧会に加わったいわば常連である。彼らは1980年代に発表を始め、絵画にとって困難な時代の中で今日にいたるまで制作を続けている。私もまた同じ頃に美術批評を始め、作家によって多少の濃淡の差こそあれ、彼らの活動に同伴してきたという自負がある。私たちの絵画との関わりも20年を超えた。私たちの中で最も若い者でさえ、不惑を超え、人生の中盤を過ぎた。絵画という営みの永遠さ、奥深さには比べるべくもないとはいえ、私たちの生も今やなんらかの総括の時期を迎えつつある。私らしからぬ感傷的な文章となってしまったことには二つの理由がある。一つはいうまでもなく、昨年の東日本大震災と原子力災害である。多くの人々がゆえなくして命を、家族を、住み慣れた土地を奪われた出来事は、私たちがたまさか生を与えられているにすぎないことをあらためて想起させた。後述するとおり出品者は絵画の内容よりも形式に強い関心をもっているが、その中の一人、小田中康浩が津波の犠牲者を追悼する作品を制作したことは昨年の災厄が私たちにとってもいかに大きな出来事であったかを暗示している。一つ、かつてこの展覧会にも出品し、私たちの仲間であった館勝生を失って三年が経つ。館が絵画という課題にいかに真剣に取り組んできたかを知る私たちにとって、この展覧会は時代を共有しながら死によって分かたれてしまった館を想うよすがとなるからだ。今述べた通り、出品する作家たちは抽象的な表現を用いる点以外に共通点を認めることが難しい。彼らに共有されるのは様式や手法ではなく、絵画に向かう姿勢である。それを一言で言うならば「絵画によって絵画を探る」という意識に求められるのではないだろうか。画家であるから絵画を用いることはひとまず当然としよう。注目すべきは彼らの探求の対象も絵画そのものであることだ。彼らは絵画によって何かの物語を語ることにも、自らの内面を表出することにも関心はない。彼らは描かれたなにものかにではなく、絵画そのものに自らを託す。彼らの多くがペインタリーな抽象絵画を制作していることは示唆的である。直感的な理解であるが、20世紀の絵画史を振り返るならば、絵画についての絵画、私が以前用いた言葉を使うならば絵画論的な絵画は、絵画が物体へと転じるミニマリズムの直前、具体的には一連のペインタリーな抽象表現主義絵画において一つの頂点に達したと考えることができる。この事実を私たちは現在開催されているジャクソン・ポロックの回顧展をはじめ、ここ数年のうちに国内で開かれたバーネット・ニューマンやマーク・ロスコの展覧会によって確認することができたのではなかろうか。これらの多様な絵画が一様に秘めた晦渋さは、絵画が絵画以外のなにものをも表象しないことから生じている。一方でポスト・モダンを経由した私たちは歴史という軛からようやく自由になった。ゲルハルト・リヒター、テリー・ウィンターズあるいは白髪一雄、私たちはここに並んだ絵画に漠然とした既視感を覚えるかもしれない。作家たちはもはやそのような形式的な類似を意に介さないだろう。絵画を表現の手段として選び取った彼らにとってもはや絵画とは形式的な完成度を競ったり、メッセージの強度を託す手段ではなく、いわんや商業的成功のための道具ではない。それは直接に彼らの生と深く関わっているのだ。石川裕敏は絵具をとおして日常の中に立ち現れる時間と記憶を探り、小田中康浩は絵画の中からうつほ(空)として光のヴォリュームを掘り出す。善住芳枝は混沌と秩序のせめぎ合いをイメージに託し、田中美和は画面との距離を測りつつ、そこに立ち現れる風景を絵画として定着する。中島一平は私たちが生きる世界のレイヤー(層)を絵画として切り取り、渡辺信明は日常で出会った言葉を手がかりに視野の内部と外部、形象と輪郭を往還する。彼らにとって絵画を描くことは形式や内容の探求というより、世界と関係を結ぶことであり、自らの生と深く関わっている。ヴィレム・デ・クーニングが人は生涯をかけて一枚の絵を描くと述べた時、同じ決意が表明されていなかっただろうか。人が生涯をかけて探求する、世界との関係としての絵画。それは震災によっても、放射能によっても、おそらくは死によっても損なわれることがない。>パブリックコレクション大阪府立現代美術センタ。